Mutual core by Mariana Ramos Abello

Mutual Core - Bjรถrk Daniel Campos Natalia Gรณmez Santiago Gรณmez Gabriela Pardo Mariana Ramos Direcciรณn Creativa Universidad de los Andes 2016-2

íNDiCE INTRODUCCIÓN Y ANÁLISIS GENERAL

BJÖRK

MUTUAL CORE

Biophilia Mutual Core

Time line video Andrew Thomas Huang REFERENTES

Referentes conceptuales Referentes estéticos CONCEPTO

Concepto video Concepto aplicación PROCESO

CONCLUSIONES

REFERENCIA BIBLIOGRÁFICAS

introducciรณn

y anรกlisis general

Para este proyecto de Estudio 5: dirección creativa, se tuvo como punto de partida el video de la canción “Mutual Core”, de la cantante islandesa Björk, dirigido por Andrew Thomas Huang. El presente documento en un primer momento pretende dar cuenta del proceso de análisis e interpretación del video, que lleva a su posterior conceptualización y, en un segundo momento, permite ilustrar el proceso de creación y de dirección creativa, para culminar en un montaje que se lleva a cabo con base en la etapa de reversa del video. A partir del análisis tanto conceptual como formal del video, se extrajeron los conceptos de reversa y aplicación que se titulan respectivamente “Fractura Inminente” y “Sublime Desahogo”. Estos dos conceptos que se desarrollarán más adelante en el documento son las bases teóricas a las cuales responde el proyecto, tanto en su forma como en su contenido. Para el desarrollo de la investigación, se formularon las preguntas básicas como el contexto de la artista y el director, las influencias y la trayectoria de ambos. Al tener clara la investigación se comenzó a indagar sobre la intención comunicativa de la canción ( y del video), desde sus referentes, estética,

melodía, letra y demás decisiones creativas. Todo esto con el fin de extraer los conceptos pertinentes a la reversa del video. Después del desarrollo de esta investigación primaria y de los conceptos que se extrajeron la pregunta pertinente a la segunda parte del proceso fue ¿Como Björk con la ayuda de Huang comunica el último momento cúspide de una relación, el momento en el que empieza a haber conciencia de una fractura inminente? a partir de esta pregunta empezó el proceso de búsqueda de referentes tanto conceptuales como formales, que permitieron abrir los horizontes del proyecto hacia diferentes formas de comunicar una idea. Los referentes entonces aportaron bases nuevas para realizar un montaje que partió de ese análisis conceptual, pero que evolucionó en un concepto de aplicación propio, con un lenguaje de diseño que dialoga con el video original sin ser una copia del mismo. Después de varias iteraciones el concepto de aplicación dio como resultado un montaje final, en el que se ve la influencia de mutual core, pero también de referentes externos, y en el cual se puede apreciar la conclusión de la investigación: el desahogo puede ser algo sublime, y es un paso necesario dentro del proceso de terminar una relación.

BJorK

La cantante islandesa Björk nació en Reikiavik, capital de su país natal, el 21 de Noviembre de 1965. Creció con la influencia de una madre ecologista y activista y con un padrastro músico, quienes le ayudarían a desarrollar e inculcar su afinidad por la música y la naturaleza. Su carrera en la música comenzó a muy temprana edad: realizó su primer álbum a los 10 años e hizo parte de varias bandas de la escena punk islandesa, guiada por un pensamiento revolucionario y muy local que buscaba rechazar la mediocridad, el materialismo y la visión limitada que suelen tener los “pueblos pequeños”. La más importante fue Sugar Cubes (1983), la cual llegó a ser reconocida internacionalmente y disuelta por sus mismos integrantes en el momento en que la fama empezó a llegar. Más tarde, Björk iniciaría su carrera como solista en Londres, comenzando con su exitoso álbum Debut (1993). Posteriormente vendrían sus álbumes Post (1995), Telegram (1996), Homogenic (1997), Selma Songs (2000) que fue la banda sonora de la película Dancer in the Dark de Lars Von Trier protagonizada por la artista, posteriormente se encuentran Vespertine (2001), Greatest Hits y Family Tree (2002), Medulla (2004), Volta (2007), Biophillia (2011) y Vulnicura (2015). Es imposible entender la música de Björk sin comprender el contexto en donde nació y creció. La geografía y la cultura islandesa cumplen un papel fundamental en el desarrollo de su proceso musical y en la consolidación de ella misma. Cuando hablamos de Bjork no es posible disociar el clima frío, las montañas

monumentales y los extensos paisajes volcánicos de Islandia. Esta pequeña isla alberga una población muy reducida a causa del vasto terreno inhabitable debido a sus constantes cambios geográficos que producen continuamente enormes grietas y el levantamiento de montañas y volcanes por todo su territorio. Por consiguiente, el vivir aislados en Islandia es algo normal para sus habitantes, lo que ha llevado a Björk a construir esa relación tan íntima y especial con la naturaleza. Como consecuencia de este contexto, Björk a lo largo de las extensas caminatas, cantaba para sí misma y para el inmenso paisaje, y el canto fue su manera natural de reaccionar ante las cosas que pasaban en su vida. Esta particular relación de intimidad con la naturaleza también genera en ella una actitud de respeto y admiración por la misma, ya que la naturalezase considera el ser supremo que rige a islandia, y además genera en ella una forma de ser independiente y resistente.Es importante recalcar que la manera en que ella aborda la musica, desde los ritmos de sus canciones hasta lo exotico de su voz se asemeja a los cánticos antiguos islandeses, pues no es una voz que canta exactamente, ni una que habla; es algo en medio de estas dos.

Lo anterior se ve reflejado en la mayoría de sus proyectos musicales, adiciona a esto su inspiración tiende a venir de lo que está pasando en su vida personal. Cada álbum y cada canción refleja una situación en la vida de Björk. Por esta razón, es importante hacer referencia a situaciones y personas específicas que repercuten en su vida. Uno de los más importantes es el artista estadounidense Matthew Barney, con quien mantuvo una relación durante 13 años (2000-2013) y con quien también tuvo una hija, Isadora. Tal vez el momento cúspide de esta relación se evidencia en la película Drawing Restraint (2005) de Barney. Durante la grabación de esta empiezan a aparecer nociones de su relación y cómo se influenciaron el uno al otro, el entendimiento no verbal que tenían entre ambos y que es evidente en la obra de ambos.Tanto Barney

como Björk simbolizan las relaciones a través de procesos naturales, el equilibrio/balance juega un papel importante en sus obras y, además, sus lenguajes comunicativos dialogan de una manera particular siempre vacilando entre la narrativa y la poética sin perder esa conexión con la naturaleza. Por otro lado, se encuentra Alexander Mcqueen. El diseñador inglés tuvo una estrecha relación con la cantante, tanto así que colaboró en varios trabajos de la artista entre ellos el icónico “bell dress” (2004) que la cantante usó para el video de su canción “Who Is It (Carry My Joy on the Left, Carry My Pain on the Right)”, el vestuario del video de la canción “Pagan poetry”, la portada del video “Vespertine live at the Royal Opera House” fue una colaboración entre Mc Queen, Björk y el director Nick Knight, sobre la cual Matthew Bar-

ney realizó una escultura.En una última despedida, tanto Knight como Björk realizaron “to Lee, with love, nick” un tributo en video al diseñador inglés, después de su suicidio en el 2010 , con quien ambos artistas habían compartido una estrecha relación. Este último tributo y las colaboraciones anteriores dejan entrever el entendimiento que había no solo en la amistad y confianza que existía entre ellos sino entre los universos estéticos propios del Inglés y las estéticas presentes en la dirección creativa que la Islandesa le da a sus proyectos. Ambos estaban profundamente interesados en la naturaleza, y se entendían desde sus respectivos universos estéticos más que nada cuando se trataba de demostrar lo majestuoso de la misma.

Para Björk en su proceso de crecimiento artístico y personal también ha sido importante el científico y naturalista David Attenborough. Al cual la cantante admiraba desde muy temprana edad, pues fue uno de los pioneros en documentales sobre la naturaleza y quien logró que se pudieran comprender otros aspectos de la naturaleza, que tienen que ver con los procesos biológicos que se dan todos los días en los diferentes niveles del planeta tierra. Teniendo en cuenta esto, Attenborough influyó en el gusto y la curiosidad que la cantante, desde su niñez, desarrolló por la naturaleza. Más adelante esto se vió reflejado en su penúltimo trabajo, el álbum Biophilia (2015), en el cual Attenborough participó de una manera activa en el proyecto.

mutual core

biophilia Biophilia es considerado oficialmente como su séptimo álbum de estudio. Fue grabado entre los años 2008 y 2011 y lanzado al público en octubre de este último. Biophilia representa en su título y sus canciones el sentido de conexión que hay entre la naturaleza consigo misma y con el hombre. Presenta una amplia gama de géneros, incluyendo electrónica, minimalismo, wave etéreo y sonido experimental. Cada canción que lo compone describe un tipo de fenómeno natural y cósmico -con un término ambiguo que puede hacer referencia tanto a un término biológico como a un término musical- y cada una está compuestas tanto con instrumentos diseñados especialmente para la elaboración de este álbum como objetos como la bobina de Tesla. Biophilia viene acompañado de una aplicación “madre”, dividida en 10 aplicaciones, una por cada canción del álbum. Estas tienen la función de permitir al usuario interactuar con cada una de las canciones, al igual que explorar y entender el fenómeno asociado a estas.

La portada de Biophilia consta de una fotografía de la artista, fue tomada en una sesión de fotos realizada por M/M París, un estudio de diseño que se dedica al branding, y que han colaborado con Björk anteriormente. En la foto, Björk tiene una peluca naranja (la cual representa la lava, un volcán en erupción), un vestido diseñado por Iris Van Herpen con un ribeteado dorado (simboliza la lava en proceso de secado al contacto con agua marina), un cinturón en forma de arpa diseñado por Three-as-Four y un cristal naranja en su mano derecha. Es claro desde la misma portada que la relación de jork con la naturaleza en el albúm está muy presente, y que no es cualquier naturaleza: es una referencia directa al paisaje volcánico característico de Islandia.

mutual

Es la novena canción del álbum Biophilia. En esta, la geología es una metáfora directa para representar las relaciones humanas. Erupciones volcánicas, movimientos sísmicos, la deriva continental y las placas tectónicas, la creación,desaparición y reorganización de territorios: todos estos elementos muestran la fuerza del planeta tierra, sus fuertes cambios y mecánicas. En este caso, las placas tectónicas y sus movimientos representan lo dinámicas y cambiantes que son las relaciones amorosas. Para que una relación funcione, ambas partes deben estar dispuestas al cambio de la estructura de la relación para que esta pueda acoplarse a ambos y de esta manera generar armonía. Cuando esto no sucede, se da el fenómeno de subducción: una parte empieza a empujar a la otra y a ponerse por encima de la misma.Estas tensiones que se van dando se empiezan a acomular (tan rápido como crece una uña) una tras otra hasta que hay una liberación violenta y apasionada, donde se dejan ver peleas no peleas, reclamos jamás cobrados y sentimientos ignorados; una erupción que acaba con todo en su camino pero que a su vez puede crear nueva vida, ser liberador para la persona que la vive y cambiar las cosas para bien. Mutual core representa el momento cúspide antes de la tormenta, en el cual todo está siempre a punto de suceder. El momento en el cual se genera conciencia de que la relación no va a prosperar más de que existe una posibilidad de fractura inminente. Además, los fenómenos presentes en la canción tienen un significado especial para Björk, ya que el paisaje islandés se en-

core cuentra en constante cambio gracias a su peculiar ubicación (límite de las placas Euroasíatica y Norteamericana) y estos fenómenos son vividos frecuentemente en este país nórdico. Es interesante recalcar como la canción es un reflejo de lo que estaba pasando en su relación con el artista norteamericano Matthew Barney, en ese momento y como esta relación tambien se veia representada en la geografia: la placa norteamericana (Barney) en tensión permanente con la placa Euroasíatica (Björk). Y al mismo tiempo hace referencia a los espacios que ocupa la cantante: dos continentes (placas) independientes que intentan adaptarse el uno al otro, pero que, luego de muchas tensiones, roces y sentimientos ignorados, colapsan y generan una gran explosión de emociones encontradas. El video de la canción tiene una duración total de 5 minutos 27 segundos, y fue lanzado a través de MOCAtv, el canal de Youtube del museo de arte contemporáneo de Los Angeles, como parte de la campaña titulada “Art + music ” que busca resaltar la confluencia del arte y la música en formatos de video en la cual han participado 62 canciones diferentes. Para el análisis del video se dividió el mismo en una cronología tanto estética, como musical y conceptual en la cual la cantante va pasando por las etapas de una relación que está a punto de acabarse, y que dio como resultado cuatro momentos claves del proceso. A partir de esa cronología y el entendimiento de la vida y obra de la cantante ese análisis fue el que permitió la posterior extracción del concepto.

timeline Tal vez no todo está bien Es el momento en el cual la persona no se ha rendido aún. la estética dorada recuerda a la lava cuando se junta con el agua salada de la isla, y hace referencia a seguir creciendo, es la primera parte del proceso, cuando aún se está haciendo un esfuerzo, pero no tiene muy claro de la razón del mismo. Sabe que algo está empezando a causar una posible separación más aún no ha interiorizado la misma. La melodía en este punto del video es tranquila, casi monótona, dando a entender que hay algo que no está funcionando del todo dentro de la relación.

Try to match our continents To change seasonal shift

The Atlantic ridge drifts To counteract distance.

Can you hear the effort of the magnetic strife?

del video puedo sentir la presión

Es el momento climax de la canción, el tempo y la voz se aceleran para generar un ritmo constante y continuo. La letra empieza a hablar de la erupción de sentimientos, de la subducción presente en la relación y la forma en cómo ya hay una distancia entre los involucrados. En este momento ya hay una conciencia de las tensiones que están produciendo no solo un alejamiento, sino sentimientos encontrados, diferentes para ambos, se tangibiliza la fractura inminente.

This eruption undoes stagnation.

Withheld your love, an unspent capsule.

You hid the key to our continuity.

Tal vez no todo está bien Es el momento en el cual la persona no se ha rendido aún. la estética dorada recuerda a la lava cuando se junta con el agua salada de la isla, y hace referencia a seguir creciendo, es la primera parte del proceso, cuando aún se está haciendo un esfuerzo, pero no tiene muy claro de la razón del mismo. Sabe que algo está empezando a causar una posible separación más aún no ha interiorizado la misma. La melodía en este punto del video es tranquila, casi monótona, dando a entender que hay algo que no está funcionando del todo dentro de la relación.

What you resist persists, nuance makes heat

Offered me harmony if things were done your way.

My Eurasian plate subsumed, Forming a mutual core

puedo sentir la presión Es el momento climax de la canción, el tempo y la voz se aceleran para generar un ritmo constante y continuo. La letra empieza a hablar de la erupción de sentimientos, de la subducción presente en la relación y la forma en cómo ya hay una distancia entre los involucrados. En este momento ya hay una conciencia de las tensiones que están produciendo no solo un alejamiento, sino sentimientos encontrados, diferentes para ambos, se tangibiliza la fractura inminente.

This eruption undoes stagnation.

Withheld your love, an unspent capsule.

This eruption undoes stagnation.

el director

andrew thomas huang

Huang es un artista graduado de la University of Southern California. Desde su niñez en las afueras de Los Angeles se dedicó al arte, inclinándose hacia el estilo del Arts & Crafts, realizando marionetas, dibujos, esculturas e incluso sus propios videos. En sus estudios universitarios se inclinaba hacia el campo laboral de artista de efectos especiales o diseñador de producción, siempre con la intención de dirigir sus propios videos. Indica en sus influencias los primeros trabajos de Tim Burton, personajes mecánicos (Animatronix), El Quinto Elemento, pozas de marea y Terry Gilliam.Realizó su primer film independiente: Dollface, lanzado en Youtube y SIGGRAPH una red social enfatizada en la animación digital. Huang ve su éxito retribuido tanto a la comunicación visual como a la narrativa presente en sus trabajos, sobre cómo cada persona llegó a interpretarla, como el comercialismo afecta al ser humano en temas tanto de género como de política.

Después de realizar varios videos musicales cómo “What’s in it for?” De Avi Buffalo, “Doubt” de Delphic, llegaría a Solipsist, inquieto por la idea que le surgió desde pequeño sobre, si existía realmente el mundo o era solamente una consciencia interna, el término filosófico en el que se inspiró se llama Solipsismo, concepto que se puede evidenciar en Matrix, donde el mundo donde se habita es creado de manera mental, y no existe mayor reconocimiento que uno mismo, todo lo demás es relativo. “Solus ipse” quiere decir “sólo uno mismo”. Huang busca representar el evento de un hombre al encontrarse con sí mismo o con el mundo exterior, de cómo el exterior o su pensamiento interior lo consumen hasta transformarlo. El video donde se ve más su estética en Solipsist es “When I Grow Up” de Fever Ray dirigida por Martin de Thurah donde él relata que “La idea inicial era de algo que surgiera del agua – algo que fuese a tomar forma – algo que se convirtiese en algo nuevo. Y una criatura de dos cabezas sin decidir a dónde ir. Pero la idea era tomar una forma simple, que vaya creciendo con la misma canción”. Solipsist es importante para el análisis de mutual core, ya que es el primer acercamiento de Björk a la estética que la cantante buscaba para mutual core, es el abrebocas inicial para empezar a crear un universo que estéticamente va de la mano con Solipsits, y que tiene que ver con esa necesidad de representar la naturaleza de maneras magnificentes pero muy profundas. Después del enlace de los dos artistas en Mutual Core, Huang se vuelve un director más eventual en los videos de Bjork: Black Lake, Stonemilker y Family son dirigidos por este, representando una amistad más fuerte entre estos con respecto a la temática de la relación amorosa de la artista. Andrew Thomas Huang utiliza varios referentes que son evidenciables en Solipsist y Mutual Core, ya que ambos videos comparten un lenguaje de comunicación similar, pertenecen a una línea estética que evoluciona pero se mantiene coherente.

solipsist

influencias

El Bosco Jheronimus Bosch, mejor conocido como El Bosco, es un artista de inicios del renacimiento de los Países Bajos. Como cualquier artista de su época, la narrativa de sus cuadros estaba basada en la biblia, pero desde sus obras, de manera sutil el artista inserto simbolismos sociales, y narrativas de tendencias que surgíeron en la Europa del siglo XV, más que todo sobre locura, creencias populares y la iglesia regente. El Jardín de las Delicias, tal vez su obra maestra, es lo más representativo como referente para el director, en este El Bosco representa el tercer día de la creación en donde Dios ubicado en la esquina izquierda, dirige su creación: miles de cuerpos desnudos, blancos, con su pelo al aire, en diferentes escenas, más que todo pasionales, solo deleite, diferentes espacios, castillos fantásticos y criaturas extrañas, que tienen estos tonos verde claro, azul claro, y ciertos toques de rojo y naranja, muy cercanos a la gama de colores de Huang en Solipsist y Mutual Core. la intensidad de los personajes tambien se ve presente en estos dos videos.

del director

Ernst Haeckel Naturalista, filósofo, médico y docente y alemán, a través de diferentes viajes por el mundo, descubrió y catalogó muchas especies nuevas, más que todo criaturas marinas como esponjas y medusas. Además de su dedicación a la investigación, la perfección de la ilustración de los seres que descubre se ve presente en “Formas Artísticas de la Naturaleza”, llena de grabados de especies retratadas por él. En su obra se pueden encontrar miles de especies diferentes, donde las texturas y colores abundan para transmitir enteramente a un ser bello. Busca dar una apariencia a estos seres muy relacionada con las proporciones áureas en las pieles, poros o pelos, como también en las placas donde presenta grupos de especies, el manejo de la proporción en la colocación de cada ser le da un aspecto de orden y belleza en toda su forma. Muchos piensan que sus ilustraciones llegaron a ser más extraordinarias que el aspecto real de los seres que dibujaba. Son tomados como referentes para los seres pseudobiologicos presentes en Solipsist y la estética natural/artificial presente en mutual core.

Jim Henson Jim Henson es un animador estadounidense de 1936 mayormente conocido por ser el creador de muchos de los personajes más conocidos de Los Muppets. Sus marionetas cumplen con una característica donde se nota su artificialidad pero aun así la presencia de estas no se ve opacada por esto. Huang toma este referente para sus creaciones de tela (las piedras tectónicas que se ven en mutual core son marionetas de tela remasterizadas digitalmente), que no necesariamente se ven realistas, pero si tienen la esencia de lo que se quiere transmitir.

El jardín Zen El jardín zen hace parte de la cultura japonesa desde antes del siglo VI d.C. que desde su principio sirvió para el goce de los miembros de la alta sociedad, a su principio traspasado generación tras generación de manera oral, y luego a través de escritos como el Sakuteiki. “Se trata de jardines panorámicos que captan la naturaleza, aunque no son copias de ésta. Son jardines elegantes, sensuales, multicolores que tratan de deleitar todos los sentidos”. Formalmente son jardines planos, de escasos elementos, donde resaltan los elementos rocosos y la gravilla. Es importante aclarar que el escenario donde se encuentra Björk a lo largo del video es un jardín zen, que hace referencia también a la herencia oriental del director.

Conociendo a Andrew Huang y su trabajo, abarcando más a Mutual Core y a su influencia más inmediata: Solipsist, y al profundizar en los referentes que él presenta y que consideramos pertinentes con respecto al desarrollo del cortometraje y del video musical encontramos una conexión fuerte entre la gama de colores presentada en el Jardín de las Delicias, las ilustraciones de Ernst Haeckel y los Muppets de Jim Henson a los trabajos desarrollados en ambos videos del director. Además, como también en texturas, la manera de presentar las esponjas de mar y las medusas de Haeckel y la presentación peluda de los Muppets se relaciona con la estética de los títeres que Huang pone como protagonistas en ambos videos, claramente esta acción inspirada en Jim Henson y su perspectiva del encanto de las marionetas sin tener que hacerlas totalmente creíbles, sino de apropiarse y darle una historia al elemento para que el espectador se envuelva en ella.

referentes

Al tener como punto de partida el video, son pertinentes a la investigación algunos referentes, tanto de concepto como de forma que ayudan a yuxtaponer las mismas características, aproximaciones e intuiciones que otros creadores, artistas y diseñadores han tenido, y que desde la investigación se han analizado del video guia. Para la buena comprensión del proyecto se han dividido los referentes en dos grandes subgrupos: conceptuales y formales. Los referentes conceptuales tienen que ver con las aproximaciones que se han dado a las tensiones y a las grietas en las relaciones humanas, desde el arte contemporáneo. Por otro lado los referentes formales son relevantes en cuanto a la materialidad de mutual core, demostrando estéticas similares, más no idénticas, que comunican la misma idea de geografía, capas tectónicas y materialidad presentes en la estética de Wang. Para esto se tomó el trabajo tanto de artistas contemporáneos colombianos como de artistas internacionales. En el presente capítulo se encuentran los referentes que hicieron parte del proceso desde la investigación hasta el montaje, pasando por las primeras iteraciones de este. Esto, con el fin de dar cuenta de un proceso creativo que lleva una línea estética, y que aunque algunos de estos referentes fueron descartados en el camino de la investigación, fueron necesarios para alimentar el proceso creativo y avanzar en el mismo.

referentes conceptuales

immanuel kant “Observaciones del sentimiento de lo bello y lo sublime”,1764. Referente filosófico para entender el concepto.

Este libro escrito por el filósofo Alemán, que trata de la estética, entendiendola como la rama de la filosofía que reflexiona sobre la belleza, afirma que las nociones de belleza son subjetivas, pues dependen de la percepción de cada ser humano. Pero que se puede hacer una gran distinción entre lo bello y lo sublime, entendiendo este último término como lo que define estética de lo siniestro, aterrador o peligroso, pero que genera placer al contemplarlo, aquello que “produce disfrute pero al mismo tiempo terror” (kant,1964). Este término de la filosofía se toma como referente para la canción pues describe el sentimiento primordial que produce el video, algo que no está del todo bien, que es atemorizante, pero tiene algo precioso que no se puede explicar de una manera lógica, algo sublime.

marina abramovic

performance “The Artist is Present”, MoMA 2010. Referente de tensión expresada en el arte.

Se eligió el performance de la artista serbia en el Museo de arte moderno de Nueva York, dado que es interesante la forma en cómo ella representa las tensiones presentes en las relaciones humanas. La acción de mirar a alguien a los ojos, que parece sencilla -casi habitual- empieza a convertirse en algo íntimo y lleno de tensiones no dichas entre las dos personas, en un acuerdo no verbalizado de una relación que en la mayoría de casos nace y muere en el mismo performance, pero que evidencia la carga emocional y tensional que conlleva la dimensión interpersonal del ser. Aún así se destaca el momento en el que su ex esposo, el artista alemán Ulay aparece frente a ella en la mesa. En este performance queda documentado el reencuentro por primera vez de la ex pareja, tras 7 años de separación, y se ve en los rostros de ambos el dolor, la tensión, lo que nunca se dijeron pero también lo que se dijeron cien veces, se ve la trayectoria de una relación en solo unos minutos de estarse mirando a los ojos, sin decir una palabra. Abramovic tangibiliza de una manera sencilla pero tocante las tensiones de una relación, que siempre están presentes, pero no se dicen en voz alta.

doris salcedo

intervención temporal, Shibboleth, Tate Modern, 2007. Referente de tangibilización de grietas, de fracturas inminentes en el arte contemporáneo

La escultora colombiana propuso una grieta para el espacio de la Tate Modern de Londres, la obra titulada Shibboleth hace referencia a la fractura entre las relaciones humanas. Salcedo lo aborda específicamente entre las relaciones de primer y tercer mundo, y de la brecha que se abre entre las diferentes posiciones que se toman políticas, sociales y económicas. Incluso el título de la obra es una palabra hebrea que se refiere a las costumbres, creencias o principios que distingue a un grupo de personas. Esto para representar que estamos divididos en grupos, y cómo esto afecta la experiencia del inmigrante en Europa, donde se generan tensiones en la relaciones humanas. La instalación consta de una grieta de 548 pies de largo en el piso de la Tate Modern, que varía en su ancho y profundidad a lo largo de la misma.

wabi sabi

tradición de alfarería oriental Referente que rescata la belleza de lo imperfecto

El wabi sabi es el rasgo más notable y característico de lo que consideramos la belleza tradicional japonesa. Representa exactamente lo opuesto a los ideales occidentales de gran belleza como algo monumental, espectacular y duradero. El wabi sabi es una comprensión de la belleza que reside en lo modesto, lo rústico, lo imperfecto, incluso en lo decadente, una sensibilidad estética que haya una melancólica belleza en la impermanencia de todas las cosas,el hecho de aceptar lo que se considera feo. El wabi sabi es una apreciación estética de la evanescencia de la vida. Representado específicamente en objetos imperfectos, irregulares y quebrados que hacen evidentes sus imperfecciones con uno de los materiales con más valor para las personas, el oro. Se toma como referente de algo sublime, de valorar lo que no funciona y verlo como parte de la vida, de apreciar cada grieta pues es lo que hace única cada pieza,cada persona, cada relación.

referentes estéticos

ernesto neto

instalación, “Leviathan thot”, 2006 Referente de forma

Este artista visual de origen brasileño se caracteriza por generar entornos que se encuentran habitados por masas que al ser sostenidas con tela genera una volumetría impulsada por la misma gravedad.Su proceso en materiales es de telas llenas de arenas, hierbas, y elementos como botellas, donde ese alimento tiene una relación con el cuerpo que lo envuelve. Cómo también le da el valor de como estos seres habitan el espacio y la relación que tienen entre sí. Este referente sirvió para encontrar un punto medio en la pera de boxeo, darle un sentido más orgánico y corporal a la misma.

rafaeL Lozano-hemmer instalación electrónica, “Pulse room / Almacén de corazonadas”, 2008. Referente de interacción

Es un artista electrónico de origen mexicano que trabaja con la interacción de las personas con elementos electrónicos, llamado el “arte biométrico”, como técnicas para detectar la presencia humana, para medir y percibir todo lo humano, sean roces, sonidos, respiraciones o características corporales, fundamentales para el desarrollo de la obra, que a través de cada interactor, es diferente el resultado. El referente se toma para entender las relaciones entre la instalación y el visitante - si se quiere, el usuario- y como un entorno envolvente invita al visitante a interactuar y hacer parte del proceso.

miguel chevalier instalaciones audiovisuales, Magic Carpets y The Origin of the World, 2014 Referente de ejecución

Miguel Chevalier es conocido internacionalmente como uno de los pioneros en el arte virtual. Hace generalmente instalaciones que combinan naturaleza y artificio, flujos y redes, ciudades virtuales y diseños ornamentales. Dos de sus proyectos son los que más influyeron para tomar como referencia a la aplicación y proyección son, Magic Carpets y The Origins of the World. En los cuales existe una interacción entre observador e instalación y además involucra aspectos de la naturaleza abstraídos a imágenes virtuales que generan un movimiento constante. Este referente entonces ayuda a entender las videoproyecciones como forma de acercar al espectador y los lineamientos estéticos orgánicos que se usaron en la aplicación.

Théoriz

(Brinding Art and Technology)

instalación interactiva, Noisy Skeleton, 2015. Referente de interacción.

Es llamativo para el proyecto el trabajo del estudio de creación Théoriz, quienes trabajan con instalaciones interactiva, diseño audiovisual, video mapping, robótica, interactividad y realidad argumentada. Particularmente el proyecto Noisy Skeleton es una instalación inmersiva e interactiva que explora la relación entre el sonido, el espacio y la inteligencia artificial. Lo más valioso para nuestro proyecto de esta instalación es la relación que genera entre lo virtual y lo físico y el efecto acción-reacción que plantea con el observador.

conceptos

concepto del video

fractura inminente

Los seres humanos son frágiles, por tanto las relaciones que se dan entre ellos también lo son. Las fallas geológicas, al igual que las personas están en constante cambio, generando continuas variaciones en el paisaje, en la forma de “ser” de la naturaleza. Al ser el cambio una condición inherente en todo lo natural, en todo lo biológico, en todo aquello que tiene vida, es apenas lógico que las relaciones humanas puedan interpretarse como una metáfora de la tierra, y de los movimientos inevitables de esta misma. Las relaciones humanas, entonces son una expresión de dos fuerzas que se encuentran en convivencia, que tienen tensiones y que eventualmente, por su propia naturaleza se concentran, y por tanto se fracturan, se agrietan. Una fractura representa una marca donde las tensiones afectan al material, el momento en el que se dio una convergencia que generó consecuencias inevitables. Se entiende inminente como aquello que está a punto de suceder, como algo próximo en el tiempo que a su vez es inevitable, como un evento que está predestinado y por lo tanto es predecible gracias a las tensiones que se generan en su evolución. Por tanto, ese momento de fractura inminente, es el instante que representa el momento cúspide antes del caos. El clímax

del conflicto, la noción de fragilidad propia de cada relación y el momento último de calma antes de la tormenta, antes de la erupción, antes de la grieta. Es un momento sublime. Immanuel Kant, nos presenta este término en el libro “observaciones del sentimiento de lo bello y lo sublime”, donde se concibe sublime como lo siniestro que tiene belleza, la estética de aquello que nos negamos a reconocer como bello, pero que llama la atención dentro de su perversidad. Aquello que aunque nos produce miedo o temor, no pierde sus cualidades estéticas y estas a su vez se ven reforzadas por ese sentimiento. Fractura inminente es entonces una muestra de lo sublime que es ese momento en el que se agrieta una relación. Lo hermoso que llega a ser la erupción de sentimientos y el acto de liberar esas tensiones agobiantes de las que a veces no somos ni siquiera conscientes. Fractura inminente es el nirvana del desahogo emocional, que aunque es caótico es precioso. Lo sublime, lo siniestro, lo que está roto, el valor de la imperfección se ven presentes en la estética, en la letra de la canción, en la música, y en la puesta en escena. En Mutual core, se hace referencia a las tensiones que se producen a lo largo de una relación y de cómo la acumulación de estas lleva a una grieta, a una posterior erupción, inevitable e inminente. Las fuerzas propias de la relación son las causantes de la grieta que se empieza a producir, y que al mismo tiempo hace referencia a lo dinámico del paisaje islandés, donde gracias a las tensiones entre las placas norteamericana y euroasiática, la geografía es tan cambiante e inestable como las relaciones humanas.

concepto de la aplicación

sublime desahogo

Sublime desahogo es el momento de clímax emocional. El punto donde se quiebran las tensiones concebidas durante una relación, es la liberación del frenesí de sentimientos que genera la explosión, el final alivio que implica quitarse un peso de encima. Sublime desahogo es entonces el momento que se da como consecuencia de la fractura inminente, cuando todo cambió, cuando ya no hay vuelta atrás y queda la tensión contenida. Es la forma de encontrar un alivio en algo que usualmente nos parece catastrófico pero que en realidad es sublime. Es el caos de la explosión que aunque aterrador es hermoso y a su vez es necesario. Sublime desahogo es el concepto que ayuda a generar un espacio catalizador, propicio para el desahogo, que evidencia que este proceso es natural y necesario y que además es un momento caótico de carácter sublime.

proceso

A partir de la definición del concepto el cual está ligado fuertemente y de manera poética al “Nirvana emocional”, y estrechamente ligado con la geografía cambiante y única de Islandia que acompaña el video, se planteó un primer moodboard que involucra estos dos ejes.

moodboard 1 Por un lado, se buscó por medio de los sustratos de las capas tectónicas generar altura para evidenciar de manera más clara la profundidad de la ruptura entre los dos ejes principales divididos de forma vertical. Estos sustratos estaban acompañados de la escala cromática tomada de volcanes los cuales hacían referencia a la erupción de la lava y en la parte superior se organizaron las imágenes que acompañan el terreno. En esta primera aproximación se identificó que las imágenes escogidas no permitían comunicar con claridad la relación existente entre el momento previo de tensión antes del quiebre y el quiebre como tal y su sublimidad, ya que la comunicación se centraba en el color y las texturas. A su vez, el moodboard estaba muy recargado de materiales y las imágenes no reforzaban el concepto que se buscaba plantear.

moodboard 2 Con base a esta primera aproximación se realizó un segundo moodboard en el cual se incorporaron las imágenes dentro del mismo terreno. El terreno tomó otro sentido y forma para hacer evidente dos puntos esenciales: Por un lado, el terreno debía comunicar en la parte central la tensión en la fractura generada por dos partes que buscan separarse; Por otro lado, se dividió en cuatro partes la clasificación de las imágenes: lo sublime, la ruptura, el equilibrio y la introspección. En estas agrupaciones y relaciones se buscaba relacionar tanto lo humano y los sentimientos, como el hombre con relación a la naturaleza, que lo atrapa y refleja lo que significa el momento de fractura. A su vez, la escala cromática fue modificada drásticamente, involucrando pinturas metalizadas con pinturas que remitiera mucho más al terreno, el marrón. Con esto se intentaba comunicar la relación existente entre la materialidad terrenal y la sublimidad que permite el dorado y plateado, tomando como referente el Wabi Sabi el cual de manera simbólica evidencia la belleza en la reconstrucción de un objeto por medio de la utilización del oro, lo bello dentro del caos. A partir de lo anterior, se entendieron varios puntos clave para la investigación: el moodboard debía comunicar algo más poético y no tan literal al remitirse al aspecto de las placas y los sustratos. Sin embargo, los cuatro subgrupos que se realizaron permitieron entender que la introspección, lo sublime, el equilibrio y la ruptura serían conceptos claves para el desarrollo de una propuesta aplicable. Las imágenes en este caso no reforzaban en su totalidad el concepto y micro conceptos, por ello se realizó una aproximación tridimensional que permitiera comunicar mucho mejor el carácter poético del concepto y reforzarlo sin limitarlo con las imágenes como en los dos casos anteriores habían perjudicado el lenguaje comunicativo.

moodboard poetico Es así como se llega a la tercera aproximación al moodboard en el cual se logra extender mucho más el concepto de tensión y polaridad de una manera más clara. Esto se alcanza por medio de la variación de materiales, lograr diferentes texturas apiladas de manera vertical en dos grupos, a medida que fue pasando el tiempo los sustratos de cada elevación se iban mezclando, alejando y chocando, con una noción de cambio constante asimilando esto con el concepto de fractura inminente. Por otro lado, se incorporan materiales como piedras, y objetos brillantes que nos ayudarán a reforzar el concepto de sublime y fractura en el centro de la composición. En esta tercera aproximación finalmente se toma distancia del tema cromático y de las imágenes para entender cómo en términos de materialidad se puede representar el concepto en la aplicación. A partir de esto se realizaron algunos bocetos que nos ayudaron a identificar el concepto de aplicación, titulado “sublime desahogo” con relación a la materialidad y los cuatro ejes principales.

boceto aplicación 1 Basándose principalmente en Marina Abramovic como referente, aparece la necesidad de crear un espacio donde el sujeto se encuentra en desequilibrio, mostrando la dualidad y los diferentes pesos que se genera en una relación de pareja. Con esta aplicación se pone en juego los pesos y se hace énfasis en la dualidad. Aun así, esto solo permite realizar la interacción entre dos personas de manera dependiente, pero no involucraba la estética y el concepto como tal. A partir de esto, se realizó otra variable de la aplicación en la que se buscaba relacionar el hombre con la tierra por medio de la unión entre el comportamiento del hombre como la acción, y la reacción con el movimiento del suelo. Con esta aproximación se pretendía acercar el montaje con el aspecto geográfico y la tensión que el mismo genera, pero al igual que en el primer boceto, al tratar de involucrar lo interactivo en el montaje, nos alejabamos de la estética y el concepto del video.

boceto espacio interactivo

boceto aplicación 2 En consecuencia, se obtienen dos propuestas de aplicación las cuales involucran la idea de introspección y acción reacción (lo sublime, la ruptura, el equilibrio y la introspección): Por un lado, la creación un espacio en el cual la persona ingresara y se encontrará con una pared blanca a la cual debía intervenir por medio del cuerpo para generar explosión de bombas de pintura que serán dispuestos en la parte trasera del “muro” blanco. En esta propuesta generaba un total alejamiento de la estética ya que se enfocaba en la interactividad y desahogo del individuo.

La segunda propuesta del mismo modo permite un espacio de introspección pero en este caso el individuo se encuentra con una bolsa de boxeo que le permite al liberar tensión por medio del desahogo al golpear la bolsa y esto generaría una reacción en el espacio mismo. En este caso, centramos la parte estética en el mapping que se debía diseñar para tangibilizar el desahogo del individuo frente a la bolsa. Esta propuesta permitió identificar varios puntos claves para hacer evidente el concepto de la aplicación acompañado de la parte estética fundamental dentro del video “Mutual Core” de Björk.

boceto Bolsa de boxeo 1

boceto Bolsa de boxeo 2

A partir de la iteración de la segunda propuesta se llegó a la propuesta final. En primera instancia se debía resolver el aspecto estético de la bolsa de boxeo, la cual debía incorporar la estética no lineal, plana, e integrar las deformaciones, el peso y la materialidad de una bolsa con aspecto de roca. Para esto se realizaron varias aproximaciones: por un lado, se buscó incorporar la idea de los sustratos en la bolsa por medio de la composición con fragmentos de telas de diferentes colores, que al realizarla perdió todo su valor estético y se convirtió en un objeto decorativo que comunicaba algo muy lejano a lo que es la lava y las placas tectónicas (Imagen 6); de igual forma, se ejecutó una segunda bolsa de boxeo la cual en términos de factura esta muy completa pero al igual que la anterior, no comunicaba la escala cromática e impedía la proyección sobre la bolsa ya que absorbía los colores de la imagen superpuesta.

maqueta bolsa de boxeo Aproximación 3, con proyección en el espacio En este punto, se elaboró un maqueta final a escala 1:20 del salón en el que estaba planeado el montaje y se determinó el aspecto de la bolsa, los materiales y el contenido para pasar a la resolución de la proyección y sonido del espacio. gracias a la maqueta se entendió que el color blanco sería el mejor material para enfocar la proyección del video, debido a que permitiría resaltar los colores de la proyección y reforzar el concepto de manera más clara.

Boceto bolsa de boxeo, materialidad y composición En el desarrollo de la parte estética de la bolsa, se tomó como referente a Ernesto Neto, quíen involucra las telas licradas en sus instalaciones para sostener ciertos pesos. Del mismo modo, el usos de la tela permite generar tensiones y almacenar grandes pesos, formas y variaciones. Igualmente se decidió realizar cuatro soportes del mismo material que se ataron a la estructura del salón, generando aún más tensión y equilibrio a la vez. Por otra parte, era necesario incorporar no solo la parte estética en la bolsa sino en la manera y material en el que se plasmará la proyección. Para resolver esto, se resolvió la utilización de un sin fin con tela blanca que continuará la vertical colgada a la estructura del techo, hasta el piso.

montaje

En cuanto a la parte de audiovisual, se utilizó el software Resolume Arena 5.0.0 para sincronizar el audio amplificado en vivo de los golpes con el crossover de imágenes que se había realizado previamente en After Effects. Por otro lado, las mezclas de sonido se generaron a partir del programa Audacity a partir de diferentes sonidos: volcanes en erupción, caída de edificaciones producidos por sismos, estallidos, movimiento tectónico y el movimiento o agitación del agua. Desde la primera ideación sobre este método de interactividad, se indago sobre diversos programas que llevaron finalmente al vj de Resolume Arena, el cual se adaptó mejor a lo que queríamos plasmar en relación al concepto. En cuanto a las imágenes escogidas, había una necesidad por representar las erupciones volcánicas, las chispas producidas por este fenómeno natural y las diversas texturas de este momento de quiebre de la calma.

Finalmente aparece la propuesta de aplicación definitiva, la cual incorporó la bolsa blanca, atada a la estructura del techo por cuatro brazos en la misma tela licrada de la bolsa; el sin fin blanco que cubría el respaldo de la bolsa y se extendía aproximadamente 1 metro desde la vertical hacia el individuo; dos fragmentos de nylon elástico estaban atados en la parte inferior al suelo para evitar que la bolsa perdiera el control y volviera a la posición inicial luego de ser perturbada, asimismo, el sin fin estaba atado a la estructura del techo por medio de trece sogas que fueron atadas. En cuanto a la parte audiovisual, se mantuvo una estética definida de la paleta de color y de los patrones los cuales no debían ser repetitivos en cuando a geometría pero que sí cumplieran con la noción de caos y desequilibrio al producirse la perturbación en el espacio. Para el sonido, se incluyo un parlante que permitiera tener dos entradas de audio y así yuxtaponer de manera continua la explosión correspondiente al golpe, un golpe se reproducía por un dispositivo y en caso en el que se realizará otro golpe, el segundo dispositivo se accionará y se haría evidencia mayor caos y ruido que durante la calma no se hizo presente. Asimismo, conectado a otro parlante ubicado en la parte posterior del sin fin, se reprodujo otro mix mucho más armonioso pero que hacía evidente el movimiento constante de las placas y el espacio. Este acompañamiento se reprodujo durante todo el montaje sin importar si hubo o no perturbación en la bolsa de boxeo.

Durante el transcurso del montaje, las personas podían liberar sus tensiones golpeando la bolsa de manera desmedida, si era necesario; el sonido reforzó el acto de introspección y mostraba claramente la referencia que se buscaba con los sonidos de la geografía. En cuanto a la proyección del video, no se obtuvo la oscuridad necesaria para que se relataran los colores y explosiones en la bolsa y el sin fin. Sin embargo se logró ubicar y limitar la proyección en nuestro campo visual sin afectar las distracciones que se podían generar tras la amplitud del espacio. De igual forma, un gran acierto fue coordinar y ajustar el programa con el audio y el video de manera casi sistemática y continua, lo que permitió que el individuo se sintiera en el sublime desahogo total. Por otro lado, el aspecto de la bolsa le dió una materialidad única que hacía referencia a diferentes capas de roca o lava que se apilan una sobre otra y que acompañan el movimiento, sin embargo nos hizo falta un poco más de pesos más escalados que remitiera más a esa materialidad.

Los audios y el video del montaje se encuentran disponibles en los siguientes links: sonido de golpe : https://soundcloud.com/natalia-gomez-dominguez/explosion-volcanica sonido de fondo:https://soundcloud.com/santiago-gomez-14/sonido-de-fondo-montaje-mutual-core video del montaje: https://vimeo.com/182895132

conclusiones

Desde la investigación y el proceso de recolección de información, nos parece valioso resaltar el proceso de comprensión de la artista con relación a su obra. La investigación en torno a la vida de Bjork nos permitió identificar que no solo es una artista que es única por la manera en que se ve drásticamente influencia por los aspectos geográficos de Islandia, la naturaleza, el cambio sísmico constante, los paisajes volcánicos y la noción de aislamiento e introspección de los Irlandeses, sino también identificar que es una mujer muy apasionada, que se entrega desmedidamente sin necesidad de recibir lo mismo a cambio en todos los aspectos de su vida. En nuestro caso, Mutual Core es la evidencia del momento previo a la disolución de la relación sentimental con su pareja Matthew Barney, que marcó la mayoría de sus producciones musicales, y sus procesos creativos.

cación de nuestra investigación. Los referentes fueron pieza clave durante toda la investigación ya que nos ayudaron a entender diversas aproximaciones en la comunicación del concepto, en la síntesis en materiales y técnicas, y en la sencillez o minimalismo para alejarnos de la literalidad que nos bloqueo durante una parte del proceso. En este punto es importante mencionar que el alejarnos de la literalidad y recurrir al minimalismo, nos ayudó a lograr una propuesta más sólida y estructurada con relación al concepto.

Sin embargo debemos ajustar detalles técnicos en la factura del montaje, que sesgaron la comunicación efectiva, como el largo de la tela sin fin, la calidad del video beam que se utilizó y la falta de total oscuridad. Asimismo, el tema audiovisual nos ayudó basAdemás de esto, la investigación nos permitió co- tante en la concretización del concepto y del montaje nocer los lenguajes estéticos del video en cuestión, gracias a que pudimos apoyarnos mucho en el proinfluencias directas e indirectas, para así realizar grama para hacer fluir el proceso de desahogo que acercamientos a los referentes estéticos y conceptua- pretendía la aplicación. les que ayudan a la realización del concepto de apli-

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