Revolver Buenos Aires @ arteBA | Stand B4 by Mariano Miralamir

arteBA 2018

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SECCION PRINCIPAL BOOTH B4

ANDREA GALVANI Verona, Italia. 1973

En The End [Action # 1] Still # 8 y Still # 13, el sol se suspende a medida que se eleva sobre la superficie del mar. Para producir este trabajo, Galvani coordinó con camarógrafos para filmar y fotografiar el amanecer a lo largo de la costa de cinco países diferentes en América Central. Las dos imágenes se tomaron simultáneamente, a 500 kilómetros de distancia cada una. Un homenaje al modelo heliocéntrico de nuestro sistema solar defendido por Galileo Galilei, padre de la cosmología moderna, el evento fue filmado el 8 de enero, el aniversario de la muerte de Galileo. Las discrepancias entre las condiciones atmosféricas, la sensibilidad de la tecnología de película de 16 mm y los movimientos de cada individuo se manifiestan como un prisma de tiempo y espacio.

The End [Action #1] Still #8 and Still #13 Díptico Fotografías análogas en impresión color cromogénico sobre aluminio dibond 168 x 208 x 7 cm c/u 2016

MARLENA KUDLICKA

Tomaszów Lubelski, Polonia. 1973

Marlena Kudlicka está particularmente interesada en la relación entre precisión y error: sus esculturas están hechas con la precisión de un joyero, pero al mismo tiempo se incluye un error en el proceso de su creación. Esta relación entre perfección e imperfección se concluyen en un equilibrio, el tema principal de sus obras. Se puede observar, por ejemplo, con los números y lo escrito en palabras, o en dimensiones y color, pero también el equilibrio de pesos. Las obras de Kudlicka se basa en cálculos estadísticos, por eso su gran mayoría parecen flotar en el aire, generando la duda de la fuerza de la gravedad al mirarlas, o caminar alrededor de ellas.

f=different f/To Acero recubierto en polvo y vidrio 322 x 132 x 90 cm 2016

MARLENA KUDLICKA

Tomaszรณw Lubelski, Polonia. 1973

f=different 2A0 Collage escultural Acero tratado y vidrio 42 x 30 x 4 cm 2017

JOSÉ CARLOS MARTINAT Lima, Perú. 1974

Durante la última década las obras de José Carlos Martinat han convertido la apropiación en su marca indeleble. A diferencia de la tendencia artística de la década de 1980 que se preocupa por cuestiones relativas a la originalidad en las artes, el enfoque de Martinat a la apropiación implica la extracción de elementos de las calles -peeling-off pintas políticas, la recopilación de los moldes de yeso de las fundiciones donde héroes del siglo IXX fueron fundidas en bronce, o sacar moldes de las superficies de figuras ecuestres con papel aluminio que luego re-contextualiza con el fin de comentar acerca de los diferentes usos del espacio público y de las historias políticas de determinados lugares.

Fénix I y II Vista de instalación Repujado en láminas de cobre Medidas variables 2017

JOSÉ CARLOS MARTINAT Lima, Perú. 1974

Fénix I Repujado en láminas de cobre Medidas variables 2017

JOSÉ CARLOS MARTINAT Lima, Perú. 1974

Fénix II Repujado en láminas de cobre 120 x 200 x 140 cm 2017

G.T. PELLIZZI

Tlayacapan, Mexico. 1978

Salto de Frecuencia esta Inspirado en un mecanismo ideado por Hedy Lamarr durante la segunda guerra mundial. El mecanismo funciona cambiando de frecuencia constantemente para no interferir en otras comunicaciones y no ser interceptado. Para esta serie de obras, Pellizzi ha extendido el concepto del Salto de frecuencias de partituras musicales y de medios de comunicacion, a los colores y la luz, que también emiten distintas frecuencias dependiendo de su posición en el espectro. Las obras de G.T. Pellizzi, están en dialogo con las corrientes artísticas latinoamericanas como el arte cinético y el op art, las cuales exploran el movimiento, el traspaso de información y la percepción. En ambos trabajos, utiliza colores primarios, los cuales se intercalan entre sí, creando una red (o partitura) de colores.

Salto de Frecuencia (Figura #20) Óleo sobre madera contrachapada 120 x 100 x 20 cm 2018

G.T. PELLIZZI

Tlayacapan, Mexico. 1978

Salto de Frecuencia (Figura #7) Acero galvanizado, cable de cobre, cable de caucho, portalรกmparas de porcelana y lรกmparas pintadas con esmalte cerรกmico 190 x 135 x 20 cm 2018

MATIAS DUVILLE

Buenos Aires, Argentina. 1974

Matías Duville trabaja con objetos, videos e instalaciones aunque su obra se desarrolla principalmente a partir del dibujo. Sus obras evocan escenas desoladas con atmósferas enrarecidas y atemporales como las que preceden un cataclismo: huracanes, maremotos o situaciones de abandono en el bosque, funcionan como la visión onírica de un explorador errante, como un paisaje mental. Referente del dibujo local, su trabajo se caracteriza por la experimentación de soportes y materiales. Mediante trazos expresivos y procedimientos de cierta brutalidad, impacta la superficie dejando sus huellas en la representación, marcas en las que se mezcla la naturaleza de la materia y el paisaje. La tensión entre opuestos, la mutación y el tiempo son algunos de los temas que recorren sus últimos trabajos.

Zoom out Acrílico sobre OSB 244 x 366 cm 2016

MATIAS DUVILLE

Buenos Aires, Argentina. 1974

Paisaje Vertical AcrĂlico sobre OSB 366 x 244 cm 2016

MARTINA QUESADA

Houston, Estados Unidos. 1987

Martina Quesada aborda la abstracción geométrica desde una perspectiva singular, aunque lo hace en un diálogo permanente con una tradición a la que admira y reconoce. En efecto, no sólo no ignora el legado argentino y latinoamericano de las corrientes concretas, ópticas y sistémicas sino que encuentra en ellas un horizonte formal en el cual se siente a gusto, y que, además, la empodera para transitar su sendero personal. Uno de los diálogos más evidentes se verifica en su opción de los marcos recortados. Alterar la ortogonalidad del cuadro-ventana, destruir su carácter ilusorio y dar cuerpo al soporte pictórico fueron las grandes aportaciones del arte concreto rioplatense. Muchas de las obras de Martina Quesada están compuestas por una serie de módulos que deben leerse de manera secuencial. La noción de sistema aparece como un referente importante en estos casos, aunque no lo es menos el efecto de movimiento óptico que estudiaron las corrientes cinéticas y del op-art. Como los artistas que protagonizaron estas investigaciones, Quesada proyecta sus trabajos con cuidado, los imagina y evalúa insistentemente antes de su realización. Cada propuesta exige estudio y maduración, y no cobra vida hasta que ponga de manifiesto una contribución clara al vocabulario formal que obsesiona a su autora.

Fragmented void Pigmento sobre papel, acrílico y madera 75 x 75 cm 2018

MARTINA QUESADA

Houston, Estados Unidos. 1987

A Moon for another planet Pigmento puro sobre papel, acrílico y madera 55 x 300 cm Ø 55 cm 2018

ISHMAEL RANDALL WEEKS Cusco, Perú. 1976

El tranajo de Ishmael Randall Weeks abarca instalaciones específicas del sitio, escultura, video y obras en papel. En estos trabajos, han predominado los problemas de urbanización, transformación, regeneración, escape, colapso y existencia nómada. Si bien el trabajo en el estudio de dibujo sirve como un medio para una exploración más íntima de estos temas, la base de su trabajo a gran escala radica en la alteración de materiales y desechos ambientales, a menudo en el sitio (incluidos materiales fuente como libros e impresos materia, latas vacías, neumáticos viejos, bicicletas, partes de embarcaciones y fragmentos de construcción de edificios) que a menudo se alteran para crear objetos escultóricos y espacios arquitectónicos. Estos trabajos toman la forma visual de los objetos funcionales al tiempo que los despojan de su productividad para abordar las nociones de trabajo y utilidad, forzando un examen de nuestra comprensión de las formas culturalmente específicas mientras simultáneamente explotan y adaptan sus códigos y asociaciones particulares.

Código atemporal I Grout y barro negro, ocre y azufre, Concrelisto, pintura pizarra, pegamento y lavaplatos, pared de yeso molida, grout metálico 1000, plato electro cobreado, placa de aluminio, cedro 29.5 X 40 X 16.6 cm 2018

ISHMAEL RANDALL WEEKS Cusco, Perú. 1976

Código atemporal I Detalle Grout y barro negro, ocre y azufre, Concrelisto, pintura pizarra, pegamento y lavaplatos, pared de yeso molida, grout metálico 1000, plato electro cobreado, placa de aluminio, cedro 29.5 X 40 X 16.6 cm 2018

ISHMAEL RANDALL WEEKS Cusco, Perú. 1976

Código atemporal III Cemento, guano y pegamento, sangre camal y cemento, polvo bronce y piedras calle, pared hospital, pegamento mayólica, grout metálico 1000, placa de aluminio, cedro 34 x 40 x 7 cm 2018

ISHMAEL RANDALL WEEKS Cusco, Perú. 1976

Código atemporal III Detalle Cemento, guano y pegamento, sangre camal y cemento, polvo bronce y piedras calle, pared hospital, pegamento mayólica, grout metálico 1000, placa de aluminio, cedro 34 x 40 x 7 cm 2018

PHILIPPE GRUENBERG Lima, Perú. 1972

Paisaje Domestico es una serie de fotografías y videos que se basan en retratar la naturaleza interpretada por el hombre contemporáneo. En especial este video que hemos seleccionado para la edición 2018 de arteBA, Gruenberg ha compilado 10 años de la serie Tarzan de los años sesenta y una pelicula pornográfica de la misma época. No solo ha recortando y ha sacado de contexto las historias y los personajes, sino también ha querido trasmitir como el hombre “civilizado” comprende a la vida natural. Desde la escenografía hasta los personajes de los animales son gratos de investigar en un contexto sociológico, trasmitido siempre desde una ironía cómica.

Paisaje doméstico Video 14 min. 17seg. 2010 VIDEO

JORGE EIELSON

Lima, Perú. 1924 - Milán, Italia. 2006

Desde los sesenta, Eielson empezó a experimentar con materiales textiles aplicados al lienzo. Las distintas prendas de vestir -estiradas o quemadasadheridas sobre el bastidor, dieron paso al trenzado u anudado de camisas que constituirán los primeros quipus. Desde entonces el nudo, gesto manual atávico, cobró un lugar central en el imaginario del artista, quien se vinculó de modo consciente con la tradición precolombina al referirse a ellos como quipus, nombre con el que se conoce al sistema de contabilidad y registro de los antiguos pobladores del Perú. Los primeros quipus de Eielson responden a series cromáticas consecutivas que asumen progresivamente la forma de esculturas autónomas, se proyectan como instalaciones en el espacio o envuelven el cuerpo de distintas modelos femeninas en performances orquestadas por el artista en espacios urbanos. El anudamiento de prendas y de telas llevaría eventualmente a Eielson a experimentar con otros textiles con connotaciones más definidas como es el caso de las banderas emblema de la identidad de un estado nación, cuyo anudamiento, para el artista se convertiría en un símbolo de una nueva humanidad planetaria. Texto extraido de Eielson; Catálogo MALI, 2017-2018.

Quipus 64-R Acrílico y tela sobre madera Ø 90 cm 1997

EMILIO RODRIGUEZ LARRAÍN Lima, Perú. 1928 - Lima, Perú. 2015

Artista y arquitecto, fue uno de los jóvenes artistas quienes formaron parte de la “ruptura” con el arte académico y el indigenista denominada renovación modernista, que apareciera en el año 1947 pero se consolidaría posteriormente en los años sesentas y en adelante. Conformó junto a Jorge Eduardo Eielson(Lima-Perú,1923-Milán-Italia 2006), Eduardo Moll (Leipzig – Alemania, 1929), Benjamín Moncloa (Lima-Perú,1927), Jorge Piqueras(Lima-Perú,1925), Joaquín Roca Rey(Lima-Perú,1923-2004), Fernando de Szyszlo(Lima-Perú, 2915) entre otros, aquel grupo de pioneros de la Abstracción en el arte peruano. Sus aportes en el arte se deben a sus técnicas poco ortodoxas de hacer arte que tienen un origen autodidacta pese a su formación, como por ejemplo: pintar y luego exponer a la intemperie sus obras por un tiempo determinado obteniendo resultados asombrosos e interesantes, consecuencia de una libertad absoluta en su concepción y ejecución técnica que consiguieron convertirlo en un referente importante en el arte peruano de su generación. Aunque con el transcurso del tiempo su abstracción se hizo cada vez más minimalista, de atmósfera surrealista y si su arte no es figurativo, se puede distinguir cierta distorsión figurativa, como en su serie pictórica dedicada a los ángeles, donde se advierte la presencia de los mismos aunque su trazo sea suelto y evidentemente abstracto y su color no es puro, sino más bien, su paleta es predominantemente fría, aligerando ciertos colores con blanco y en otros se aprecia el contraste de blanco y negro o fondos blancos con colores puros aplicados empleando el Dripping y el Action painting, que impondría Jackson Pollock (USA,1912-1956) a mediados de los cuarentas hasta su muerte en 1957, además de diversas técnicas que han formado parte de la exploración creativa del propio Rodríguez Larraín, sin embargo, algo opuesto sucede con sus esculturas cuyas estructuras poseen líneas geométricas, apostando más por lo monócromo o bícromo ya sea en negro, tonos sienas o naturales en los acabados. Lo cierto es que el aporte más importante de Emilio Rodríguez Larraín al arte peruano es el haber introducido un estilo vanguardista de completa libertad tanto en el arte escultórico como en el pictórico dentro de una generación de artistas peruanos quienes establecieron un antes y un después en el arte peruano convirtiéndolo en uno de los iniciadores de la etapa contemporánea del arte en el Perú.

Pianito Pumaquiro y bronce 34 x 34 x 57 cm 1970 - 2010

EMILIO RODRIGUEZ LARRAÍN Lima, Perú. 1928 - Lima, Perú. 2015

Estudio Pianote Lápiz sobre papel canson 87 x 64 cm 1970

EMILIO RODRIGUEZ LARRAÍN Lima, Perú. 1928 - Lima, Perú. 2015

Portrait du muletier Feroz terrestre Óleo sobre aglomerado 120.4 x 121.5 cm 1977

JUAN SALAS CARREÑO Cusco, Perú. 1982

En su obra, Salas reúne a menudo sistemas mecánicos, proyecciones de registro de movimiento, constelaciones de formas geométricas, ciclos de variación de siluetas y series de figuras parciales. Estas imágenes y artilugios postulan desde su particularidad visiones fragmentarias, perspectivas cambiantes y múltiples puntos de vista, conjurando distintas convenciones de representación del espacio y del tiempo. El conjunto se articula, simultáneamente, alrededor de las nociones de experimentación, descubrimiento y limitación epistemológica. En esta exploración de guiño cosmológico, la pauta de trabajo es claramente analítica: una trayectoria— rotación o traslación—es graficada como una extensión de instantes simultáneos, a través de su secuenciación y organización, y el transcurso del tiempo es codificado como relaciones numéricas (progresiones aritméticas, patrones de repetición, ratios) y configuraciones geométricas (cuadrantes, planos, líneas, intersecciones, figuras). Max Hernández Calvo

Sin título 91 impresiones digitales 20 x 20 cm c/u 2015 - 2018

JUAN SALAS CARREÑO Cusco, Perú. 1982

Sin título Vista de instalación 91 impresiones digitales 20 x 20 cm c/u 2015 - 2018