PROYECTOR2020. Catalogo

Diciembre 2020, Madrid December 2020, Madrid Coordinación / Coordination KREÆ [Instituto de Creación Contemporánea] Catálogo / Catalog Maquetación / Layout Coordinación / Management Imágenes / Pictures

Pedro Muriel Elduayen Mario Gutiérrez Cru Carlos Clemente, Mercedes Pedroche, Clara Ángel San José, Pablo Gutiérrez, Joaquín Madera, Jimena Martín y Julia Tazreiter, Sergio Cáceres y Aroa Ortega Fotografías y fotoframas cedidos por los artistas / Pictures and frames lended by the artists

Corrector de estilo y revisión de textos / Copy editor & Proofreader

Araceli López

Traducciones / Translations Patricia Gárgoles, Antonio Toro, Paula Bueno, Valentina María Viqueira y Pedro Muriel Elduayen

ISBN 978-84-949045-2-3 Depósito legal / Legal deposit M-30157-2020

Equipo 2020 / Team 2020 Dirección / Direction Coordinación / Coordination Coordinación de Producción / Production Coordination Equipo Producción / Production team LAP (Laboratorios Arte PROYECTOR) / (Art Laboratory PROYECTOR) Asesoría y Estrategia de Mercado / Counseling and Marketing Strategy Coordinación de Comunicación / Communication Coordination Equipo de Comunicación / Communication Team Traducciones / Traductions Coordinación Documentación y Visuales / Documentation and Visuals Coordination Equipo Documentación y Visuales / Documentation and Visuals Team Protocolo y Mediación / Protocol and Mediation Comisariados / Commissaries Coordinación Imagen Audiovisual / Audiovisuals Coordination Equipo Diseño Gráfico / Graphic Design Team Web Asesoramiento legal / Legal Consulting Textos / Texts

Mario Gutiérrez Cru Araceli López María Jáñez Ariadna Arce, Raúl Guillamón, Joaquín Madera, Diego Flórez, Paula Bueno, Jimena Martín y Gonzalo Infantes Ariadna Arce, Gonzalo de Benito, Valentina Viqueira y Mario Gutiérrez Cru Eva Ruiz Elena Peña Diego Prior, Marinel Estrella, Dahián Alonzo, Alonso Díaz, Manuel A. Peralta y Aroha Ortego Patricia Gárgoles y Antonio Toro Sergio Cáceres Mercedes Pedroche, Clara Ángel San José, Pablo Gutiérrez, Joaquín Madera, Jimena Martín y Julia Tazreiter Eduardo Solis, Patricia Gárgoles y Ana Morales Begoña Moreno-Luque y Joana Groba Mario Gutiérrez Cru y Sergio Cáceres Blanca Serrano, Adrianny M. Almonte y Pedro Muriel Mario Gutiérrez Cru, Zoe García y Irene Bretón Alberto González Pulido Ariadna Arce, Inés Molina, Manu Palomo, Joana Groba, Pedro José Trujillo, María Suárez, Lidia Persano Bordone y Luis Cemillán

Nos enfrentamos a la edición más compleja.

Tras doce años trabajando para que el videoarte esté presente en la escena contemporánea, PROYECTOR 2020 / Festival de Videoarte tuvo lugar del 9 al 20 de septiembre en una docena de espacios repartidos por toda la ciudad de Madrid.

Todas nuestras actividades, eventos, inauguraciones y presentaciones han sido físicos y además se han retransmitido vía streaming a través de las plataformas con las que contamos.

Para nosotros son un gran placer los retos que nos llevan a hacer propuestas en salas tan variadas como las institucionales, las museísticas, las galerías privadas, los espacios independientes, los antiguos cines porno y sobretodo el uso del espacio público. Las fachadas de edificios como el Medialab Prado y las proyecciones en ¡Ésta es una PLAZA! nos permiten generar vínculos con el entorno natural más cercano, promoviendo y apoyando proyectos sociales y colectivos.

Nuestro festival tiene como elemento diferenciador tratar de mostrar las obras de los artistas con las características que nos solicitan los mismos, lo cual siempre nos lleva a darle una gran importancia a la relación de la obra con el espacio que la acoge y en relación con el propio espectador. Disfrutamos con las videoinstalaciones multipantalla, las obras 4

inmersivas y las que precisan del espectador specific en exclusiva para el festival. Los vídeos han sido producidos por artistas, bien para ser activadas. seleccionados por un jurado especializado convocatoria, bien invitados Siempre hemos querido ser un festival mediante multisede, descentralizado, que llegue a internacionales seleccionados por el festival diferentes públicos, a amantes del videoarte y comisariados desarrollados por directores y a posibles nuevos apasionados que año de festivales, bienales, museos o proyectos tras año nos acompañan y comparten con independientes que nos han presentado una nosotros 12 días de programación realmente selección de obras. En los últimos años hemos intensa. Unos 13 eventos repartidos en 13 querido ampliar nuestro ya conocido territorio sedes que acogen una extensa selección de europeo y latinoamericano para acercarnos a piezas del mejor videoarte contemporáneo mundos más desconocidos, como hicimos el nacional e internacional. Además de las sedes año pasado con Sudeste Asiático y con Oriente ya mencionadas, es siempre un placer contar Próximo éste. Además queremos destacar con nuevas incorporaciones, como son este que son prácticamente todo mujeres las que año White Lab y Division of Labour / Galería están al frente de los comisariados y proyectos Nueva. También destacamos nuevamente más potentes de estos países. Tuvimos la espacios que nos permiten desarrollar obras oportunidad de conocerlas, pues estuvieron por nuevas, intervenciones y videoinstalaciones partida doble, para mostrar estas selecciones y site specific como son El Instante Fundación y para participar en los encuentros profesionales, Extensión AVAM, y otros de los que estamos presenciales y online. Encuentros que nos muy orgullosos, y que continúan apostando abren las puertas a entender las problemáticas por dar visibilidad a un festival de imagen en que plantean en sus propuestas. Tampoco nos movimiento como es PROYECTOR: gratuito, olvidamos de dar la voz a los propios creadores internacional y de una calidad indiscutible. con los encuentros de artistas, que serán, junto Estas sedes son: Cruce, Institut Français de a los talleres y encuentros de agentes culturales, Madrid, Quinta del Sordo, Sala Alcalá 31, Sala piezas imprescindibles de nuestro festival.

El Águila y Secuencia de Inútiles.

Como sabéis, no queremos centrarnos en La programación, un año más, está una única temática anual, pues cerraría compuesta por casi un centenar de obras de muchas puertas a tantísimos creadores; por diversas tipologías: videoarte experimental, ello creamos muestras para cada sede con videoinstalaciones monocanal y multicanal, temáticas siempre variadas. Este año son: A piezas interactivas y obra nueva creada site vuelta con los relatos. Feminismo, feminismos

y otras sumas, La manipulación del paisaje, Realidades locales, problemáticas globales, El cuerpo sonoro, ¡A Dios pongo por testigo…! y Arquitecturas de ficción. Estas temáticas nos ayudan a definir las coyunturas de nuestra sociedad desde un punto de vista político y social pero sin descuidar la reflexión, la ironía y experimentación que nos caracteriza.

Destacamos la colaboración de asociaciones, galerías, fundaciones como la Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Colección Teresa Sapey.

A pesar del distanciamiento al que nos obliga esta nueva edición y de las novedades que todavía ni somos capaces de imaginar, hemos tenido y seguimos esperando en próximas ediciones una amplia acogida física y virtual con la apuesta por lo online.

Recordemos que el videoarte nació con rabia, como crítica a los medios, al mercado, a una sociedad pasiva que solo tenía como única verdad el televisor y lo que de él nos querían vender.

Hoy más que nunca creemos que los artistas deben ser las piezas claves que hagan preguntas, que nos abran posibilidades que hasta ahora ni éramos capaces de imaginar.

Mario Gutiérrez Cru 5

We are facing the most complex edition. After twelve years working for the presence of video art at the contemporary scene, PROYECTOR / Video Art Festival was held from 9th to 20th September at a dozen of different venues scattered throughout the city of Madrid.

We do not want to make an online exhibition, because our festival has as a differentiating element to try to show the works of the artists with the characteristics that they request, which always leads us to give great importance to the relationship of the work with the space that welcomes it and in relation to the viewer himself.

We enjoy multiscreen video installations, immersive works, those that require the viewer to be activated. The challenges that lead us to make proposals in rooms as varied as institutional, museum, private galleries, independent spaces, old porn cinemas and especially the use of public space are also a great pleasure. The facades of buildings such as the Medialab Prado and projections in social spaces such as ¡Ésta es una PLAZA! allow us to surprise and surprise ourselves in central neighborhoods of Madrid. We have always wanted to be a multi-site, decentralized festival that reaches different audiences, video art lovers and potential new fans, who accompany us and share 12 days of really intense programming with us year after year. Some 13 events spread over 13 venues that will host an extensive selection of pieces from the best national and international contemporary video art. In addition to the venues already mentioned, it is always a pleasure to have new additions, such as White Lab and Division of Labour / Galería Nueva.

We also once again highlight spaces that allow us to develop new works, interventions and site specific video installations such as El Instante Fundación and AVAM Extension, and others of which we are very proud, and which continue to bet on giving visibility to a festival of moving images such as PROYECTOR: free, international and of indisputable quality. These venues are: Cruce, Institut Français de Madrid, Quinta del Sordo, Sala Alcalá 31, Sala El Águila & Secuencia de Inútiles.

Another year in which our program includes almost a hundred diferent kind of works.

Interactive pieces, experimental video art, singlechannel and multi-channel video installations, and site-specific works created exclusively for the festival. The videos have been produced by artists, either selected by a specialized jury through a call, or international guests selected by the festival, as well as curators developed by directors of festivals, museums or independent projects that will present us with a selection of works. In recent years we have wanted to expand our already known European and Latin American territory to approach more unknown worlds, as we did last year with Southeast Asia, and with the Middle East. We also want to highlight that practically all women are in charge of the most powerful curators and projects in these countries. We have a great opportunity to meet them personally, as they will come twice to show these selections, and to participate in professional meetings, meetings that open the doors to understand the problems of each of their proposals. Nor do we forget to give voice to the creators themselves with the 6

artists’ meetings, which will be, together with the workshops, agent´s professional meetings, essential pieces of our festival.

As you know, we do not want to focus on a single annual theme, since it would close many doors to so many international creators; therefore we create samples for each venue, with always varied themes. This year they are: “Feminisms”, “Landscape manipulation”, “Border cities”, “The sound body”, “Speaking of God”, “Fictional architectures” …. These themes help us define the conjunctures of our society, from a political and social point of view, but without neglecting the reflection, irony and experimentation that characterizes us.

We also highlight the collaboration with the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Collection and Teresa Sapey Collection which offers some of their best works for the festival.

Let’s remember that video art was born with rage, as a criticism of the media, the market, a passive society that only had the only truth as the television and what they wanted to sell us.

Today more than ever we believe that artists should.

Mario Gutiérrez Cru

Artistas / Artists Invitados / Invited artists Francisco Ruiz de Infante (esp), Melanie Smith (ingu), BandaPan (esp), Lois Patiño (esp), Antti Laitinnen (fin), Tamir Zadok (isr), Volkan Aslan (ale), Núria Güell (esp), Luciana Fina (ita/por), Fernando Baena (esp), Anna Gimein (eeuu), Luca Valerio (ita), Ana Caetano (por), Abelardo Gil-Fournier (esp), Isidro López-Aparicio (esp), Laurène Barnel (fra), Julien Duc-Maugé (fra), Fran López (esp), Francesca Fini (ita), Mercedes Pedroche (esp), Mar Garrido (esp) y Jeremy Hutchison (ing) Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Shirin Neshat (ira) Colección Teresa Sapey Glenda León (cub/esp), Marina Abramovic (yug) y Thiago Rocha Pitta (bra) Loops.Expanded 2020 Ilaria Di Carlo (ita), DEHORS/AUDELA (ita), Eunice Artur y agendas obscuras (por) Festival Estación Sonora Experimental organizado por Puerto Contemporáneo de Colombia Ricardo Moreno (col) Festival FUSO 2018 Luciano Scherer y Maíra Flores (bra) Convocatoria / Opencall Shir Handelsman (isr), Gregorio Méndez Sáez (esp), Marcos Bonisson & Khalil Charif (bra), Salomé Lamas (por), Florencia Levy (arg), Eduardo Balanza (esp), Lia Leticia Ferreira Leite (bra), Ana Esteve Reig (esp), Stefania Tatiana Smolkina (rus), Helen Anna Flanagan (ing), Jacqueline Heeley & Philippe Faujas (ita), Acaymo Santana Cuesta (esp), Tânia Dinis (por), Miguel Braceli (esp), Jeff Zorrilla (eeuu), Camila Rodríguez Triana (arg), Colectivo Ergo Sound (esp), Santiago Colombo Migliorero (arg), Jean-Michel Rolland (fra), Luis Carlos Rodríguez (esp) y Josefina Giri (arg)

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Sedes / Venues

El Instante

Alcalá 31

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Cruce

Extensión AVAM

Secuencia de Inútiles

Galería Nueva

Sala Equis

Institut Français de Madrid

¡Ésta es una PLAZA!

Sala El Águila

White Lab

Medialab Prado

Quinta del Sordo

Jurado / Jury

Andrés Denegri

Cristóbal Catalán

Menene Gras

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El Instante Fundación Una de las peores cosas que pueden pasarle a uno es que una sola verdad le impida ver todas las demás. Esto lo dijo Jorge Riechmann y probablemente no ha sido el único.

Las obras presentadas en esta muestra parecen haber encontrado un antídoto asequible, pero enormemente eficaz, para despertar el ojo del letargo de la realidad fosilizada y disparar la imaginación hacia la evolución de lo alternativo: desplazar ligeramente una pieza, por pequeño que sea el movimiento, siempre produce un cambio de equilibrio. Frente a una verdad que avasalla, que se impone como inamovible y paraliza, uno siempre puede tener el dedo listo para meterlo en la tarta de la realidad y a ver qué pasa.

En estas piezas de videoarte, una serie de desplazamientos mínimos, que son a la vez físicos y de sentido -pequeños gestos, en ocasiones incluso rudimentarios- tienen la capacidad de provocar una percepción extrema y de revelar una realidad más porosa de lo que habíamos advertido.

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De esta forma, la dislocación que opera en el improductivo y esencial, frágil y fascinante, intento de mover un lago con dos cubos

Naturalezas Desplazadas en la pieza de Antti Laitinen, Lake shift, o en el acto de sacar un árbol a surcar los mares en una minúscula barca de madera, en la pieza de Thiago Rocha Pitta, Herança, son un repentino vendaval para la cabeza y el corazón. Ese pálpito de extrañamiento, repleto de belleza y destellos utópicos, incita a levantar la frente de la mesa y expande nuestro rango de percepción. Mano a mano con la naturaleza, más que expresiones de dominación -a los que quizás aludenparecen, por la escala tan de lo humano en la que producen sus desplazamientos y sin una obra de ingeniería otra que la poética, gestos emancipatorios que abren la mirada y prolongan el propio cuerpo a afectar y ser afectados sin jerarquías. Lo mismo ocurre en La vibración de los Juncos de Abelardo Gil-Fournier, donde el desplazamiento en esta ocasión es de los roles entre los materiales que conforman la obra. Una planta sobre una plataforma giratoria asume la función del carrete en una película viva que no solo habla del tiempo profundo de las imágenes en movimiento sino que tiene el poder de convocarlo. En Sombra metálica en el sueño-vapor, Lois Patiño desplaza el océano a un vaso de vidrio creando una ilusión óptica capaz quizás de sacarnos de otra, ya lo dijo René Char «la poesía es el mundo en su mejor lugar», y en Home sweet

home de Volkan Aslan, irrumpe de nuevo, como en Herança, la perplejidad que origina lo que generalmente es de naturaleza inmóvil -un vecindario consistente en dos casas, una encima de la otra, y un pequeño jardín- trasladado a la cubierta de un barco que atraviesa el Bósforo. En los adornos de cerámica y demás efectos personales mecidos al vaivén de sus olas se imaginan las historias de desplazamiento, de soledad, de esperanza de quienes habitan ese movimiento.

Finalmente el trabajo de Florencia Levy, Lugar fósil, dispara una alarma. Son los distintos tiempos que pone a vibrar en esta pieza y que en un principio pensábamos separados los que aparecen desplazados esta vez, el de la narración de un futuro distópico y el de las imágenes de un presente que -nos hace caer de repente en la cuenta- ya se solapan.

Aturdidos con alguna de esas verdades que todo lo ocupan, le dimos la vuelta al reloj y no vimos caer el último grano de arena, sin duda, una de las peores cosas que pueden pasarle a uno, a todos.

Begoña Moreno-Luque

Displaced Nature One of the most terrible things that can happen to a person is that seeing one truth prevents them from seeing the others. Jorge Riechmann said it and he is probably not the only one.

The works presented in this exhibition seem to have found an achievable but effective antidote that awakens the lethargy of the fossilized reality and, at the same time, drives the imagination towards the evolution of the alternative: changing a work, even if its by a tiny movement, always will provoke a change in the equilibrium.

Facing an immovable and paralyzing truth that overwhelms us, one can always have one finger ready to stick it in the cake of reality and see the results.

In this videoart pieces, a series of minimal movements, both physical and sensorial, like tiny even rudimentary gestures - have the capacity of provoking an extreme perception and of revealing a more porous reality that seems at first glance.

In this way, the dislocation that lies in the improductive and essential, fragile and fascinating attempt of moving a lake with only two buckets in Antti Laitinen’s piece, Lake Shift, or the act of making a tree navigate the sea in a tiny wooden boat in Thiago Rocha Pitta’s piece, Herança, are a sudden gale for the head and the

heart. This hunch of banishment, full of beauty and utopia, incites the need of looking upwards and expands our range of perception. Side by side along nature, more than expressions of domination, the pieces (for their humanly movements and for not having other work of engineering than poetry) seem like emancipatory gestures that open the glance and that prolong the body itself to affect and be affected without hierarchy. The same can be found in Abelardo Gil-Fournier’s La vibración de los juncos, where the displacement in this occasion is focused on the roles between the materials that define the work. A plant placed on a rotatory platform symbolizes the film roll of an alive picture that not only speaks of the profound time of moving images but also has the power to summon it. In Sombra metálica en el sueño-vapor, Lois Patiño displaces the ocean to a cup of glass creating an optic illusion capable of taking the spectator out from another one. As Rene Char described ‘poetry is the world at its best place’. In Home Sweet Home, just as in Herança, Volkan Aslan plays with the perplexity originated by placing unmoving objects, such a neighbourhood composed by two houses placed one on top of the other and a little garden, into the moving deck of a ship that sails across the Bosphorus.

In the ceramic ornaments and other personal effects rocked by the swaying of the waves we can imagine the stories of shifting, solitude

and hope of those who once inhabited this movement.

Finally, Florencia Levy’s work Lugar Fósil creates an alarm. Two different times which seem initially separated are the ones displaced: the narration of a dystopian future and the images of a present that makes us realize that they are overlapped.

Dazed by some of these truths, we switched the hourglass and did not see the last sand grain falling. Undoubtedly, one of the worst things that can happen.

Begoña Moreno-Luque

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Artistas / Artists

Abelardo Gil-Fournier

Lois Patiño

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Antti Laitinen

Florencia Levy

Thiago Rocha Pitta

Francisco Ruiz de Infante

Volkan Aslan

Lake Shift

Antti Laitinen 13

Lugar Fósil

Florencia Levy 14

El bosque que se mueve (errores de medida)

Francisco Ruiz de Infante 15

Metallic Shadow In The Dream

Lois Patiño 16

Herança

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Thiago Rocha Pitta

Home Sweet Home

Volkan Aslan

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La vibración de los juncos

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Abelardo Gil-Fournier

Cruce Muero porque no muero Santa Teresa de Jesús La muestra que aquí se presenta parte de una exquisita selección de dos obras de los artistas Shir Handelsman (isr) y Glenda León (cub/esp), cuya narrativa se centra en un cuestionamiento de los valores teológicos activos en la actualidad.

Un argumento que conduce a plantearse si éste es un momento en que la agonía devenida de la creencia o la no creencia en Dios (o en más de uno) es mayor que nunca; o, por el contrario, si hubo épocas en que sembró con más fuerza. En cualquier caso, la agonía mencionada se halla en el acto de buscar una verdad a las cuestiones más esenciales de la vida, empezando por qué sentido tiene la propia vida y cuál es el papel de la religión en todo ello; en cómo llegar a la comunicación y al encuentro con Dios; o qué razón hay en la institución que lo envuelve, y si la escogida es la correcta (iglesia, mezquita, mandir…). Esta asociación de preguntas ha constituido un modo de vivir a lo largo de los siglos; también de morir y de luchar; de luchar por la vida y vivir de la lucha, de la fe, que, en definitiva, es dudar. <<Toda fe que no se duda es fe muerta>>, decía el bueno de Unamuno en su libro La agonía del cristianismo. Debido a la fe, el ser humano siempre se hizo la gran pregunta, pero pocas veces ha buscado la 20

respuesta. Y es, quizá, porque duda, y teme hacerlo. La ausencia de una respuesta a todas aquellas preguntas es la consecuencia de la agonía. Incluso, los textos sagrados, los cuales (se suponen) contienen los caminos hacia las respuestas, están henchidos de paradojas. Y en ocasiones, hay respuestas que son agonía pura y explícita, como ocurre con el Dios cristiano, que dijo algo así <<no penséis que vine a meter paz en la tierra; no vine a meter paz, sino espada>> (Mat., X, 34-37). ¿Acaso quería hablar de la paz en su reino? Sea cual fuere su pretensión, de nuevo deviene en agonía. Aunque, empiezo a pensar que es algo que atrae, pues agonía significa luchar por la vida, y el culto cristiano es el culto al cristo agonizante, aquel que lucha por su vida en la cruz y grita <<Dios mío, ¿por qué me has abandonado?>>. No me sorprende que exista la duda, en este o en cualquier otro momento. Creer en lo que no vimos se enseña en el catecismo que es la fe, y eso solo lo saben los que son o fueron creyentes.

Con estas dos obras se le presenta al espectador una cuestión que quizá ponga en tela de juicio su idea de creencia o de verdad, incluso de su propia fe. Y a pesar de que aquí se menciona reiteradamente al cristiano, da exactamente lo mismo a qué Dios se tiene devoción o a que tipología de religión se sigue o se pertenece:

La pieza de Shir Handelsman, titulada Recitative, muestra de primera imagen un paisaje insólito, vacío y nublado. Un fondo gris y silencioso, que infunde tranquilidad y ansiedad al mismo tiempo. Paulatinamente, el silencio y el vacío se ven interrumpidos, primero por un sonido chirriante a la vez que melódico, y después por una figura que se eleva lentamente hasta ocupar la visión por un tercio de su cuerpo.

De esta figura, llama la atención el rostro, y en concreto, la expresión que esboza, pensativa, con los ojos entreabiertos y mirando hacia un infinito a la espalda del espectador. De pronto, arranca con una voz grave, alta y profunda, y construye una serie de frases: <<My God” / “When comes that blessed no-o-o-o-w>>; se ha descubierto, es un cantante de ópera que lanza una jaculatoria al aire. Aunque, y para mayor asombro, no es tanto su voz lo que sobresale, sino más bien el eco que produce, pues es aún más grave, alto y profundo. Quiere decir que allá donde esté, no hay nadie más a su lado; el cantante está solo. Al instante, la cámara torna la vista, se posa a su espalda y muestra el otro lado del infinito, aquel que al principio le estuvo vetado al espectador. Además, ahora el torso del cantante se convierte en una figura de dos tercios, y vemos que se encuentra en una plataforma elevadora, por encima del suelo.

Seguidamente, aparecen más elevadoras que

¡A Dios pongo por testigo…! brotan desde abajo, pero éstas están vacías.

El cantante sigue solo. La cámara continúa con su juego, moviéndose y descubriendo distintas perspectivas. Luego los dos tercios pasan a ser un cuerpo entero y, de repente, el cuerpo se enfrenta ante nuevas elevadoras que suben más allá de donde él se encuentra.

Y vuelven a bajar. Parece una danza premeditada. Mientras tanto, el cantante reanuda la entonación: <<when I´m peace shall walk forever>>, y las máquinas continúan danzando de arriba abajo y de abajo arriba. Incluso, el sonido que era chirriante ahora se presenta como un acompañamiento a la letra; es la orquesta. La pieza finaliza con una escena que describe la ascensión de Cristo, expresando el deseo de llegar a ser uno solo con Dios, y lo hace mediante una imagen apoteósica que parece emular el Gólgota o Calvario.

Glenda León nos transporta a un escenario opuesto, pero que otorga la misma sensación: el interior de una iglesia que seduce tanto a la vista como al oído. Quizá la congoja es aún mayor en esta pieza, pues la escenografía atrapa incluso al más hábil de los escapistas. Se trata de una imagen barroca, imponente, monumental y, sobre todo, recargada. Repleta de iconos; iconografías e iconologías. No obstante, el icono que a Glenda León le interesa mostrar no

es el tallado en madera o en piedra o el pintado en tabla o en pared, sino más bien aquel que reza entre los bancos de la nave central bajo un aurea de suma sacralidad. Son varias las figuras; algunas están sentadas y otras de rodillas, pero tienen en común que agachan la cabeza, y parece que buscan el encuentro con Dios. De repente, vemos que una luz irradia en sus rostros, y podría significar la iluminación del éxtasis envolviendo sus cuerpos. Sin embargo, no tardamos en descubrir que el acto es falso y no hay acción divina, sino tecnológica.

Estas figuras no se comunican con el Dios cristiano, sino entre ellas mismas o con sus iguales a través de un teléfono móvil. De una manera muy poética, la artista nos conduce a cuestionarnos si tras la irrupción del fenómeno globalizador se ha reemplazado el encuentro con Dios, la búsqueda de la verdad o la lectura de los textos sagrados, por la pantalla de un móvil y la respuesta generada por un mundo interconectado y de “verdades” instantáneas.

También es muy probable que hayamos perdido el interés por la respuesta a una pregunta (o varias) que el ser humano se lleva formulando desde hace siglos, y que nunca ha hallado la solución por la (aparente) dificultad de su naturaleza.

Pedro José Trujillo 21

As God is my witness!

The exhibition presented is shaped by the selection of two pieces from the artists Shir Hadelsman (isr) and Glenda León (cub), whose narratives are focused on a questioning of the present theological active values. An argument that lays out if this is the moment when the agony of believing or not believing in God (or Gods) is more extended than ever, or, on the contrary, if there were times when this sentiment was more strongly spreaded. Regardless, the mentioned agony lies in the act of looking for a truth to the essential questioning of life, starting from the meaning of life itself and the role of religion in it; from the way to achieve communication in order to reach God, or reasons behind institutions and what surrounds them, and if the one chosen is correct. (a church, a mosque, a mandir...).

have the paths towards the answers, are full of paradoxes. Occasionally, the answers are pure and explicit agony like with the christian God that stated <<“Do not suppose that I have come to bring peace to the earth. I did not come to bring peace, but a sword.>> (Matthew 10:34).

Perhaps he was referring to the peace in his kingdom? Whatever it may be his pretension, we found again agony. Although I’m starting to think that agony attracts since it symbolizes fighting for life and the christian cult is the cult of the agonized Christ. The one that fights for his life in the cross and shouts <<My God, why have you forsaken me?>>. It does not surprise me that faith exists, in this moment or in any other past time. The catechism teaches that faith consists in believing in what we do not see, and that is known only by believers, current or Thoughout centuries, this string of questions former. have constituted the basis for mankind´s way of life, death and struggle; way of fighting for With these two pieces, the audience faces living, live the fight, the faith that, in the end, a question that will make them rethink their means doubt. As Unamuno expressed in his ideas and notions of the truth, even their own book The Agony of Christianity: <<faith which faith. And, even though the christian God is the does not doubt is a dead faith>>. Because of one more mentioned, this applies to any other faith, the human being has always asked the religion or devotion followed: big question but rarely seeked for the answer.

Maybe because he doubts, maybe because Shir Handelsman’s piece, Recitative, shows of fear. The absence of a response to all these first an unusual, empty and cloudy landscape. A questions is the consequence of the agony. grey and quiet background that evokes serenity Even the sacred texts, the ones that supposedly and anxiety at the same time. Gradually, the

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silence and emptiness are interrupted. First, by a squeaky but melodic sound and then, by a figure that is slowly being elevated until a third of his body occupies the screen. The face of the figure stands out. More concretely, its pensive expression with half-open eyes and a gaze that looks towards an infinite that is behind the spectator. Suddenly, a deep, high and profound voice constructs the phrases: <<My God” / “When comes that blessed no-o-o-o-w>>. The man has uncovered himself as an opera singer that throws an ejaculatory prayer to the infinite.

Nonetheless, against expectations, his voice is not the major focus of the piece but the echoing that causes, which is deeper, higher and more profound meaning that, wherever the singer is, he is alone with no one by his side. In this moment, the camera shifts and is placed in the back of the singer, showing the opposite infinite side that was hidden to the spectator. Besides, the torso of the singer is now a two third figure, revealing that he is placed on a loading platform, above the ground. Straightaway, more platforms arise from below but, this time, empty. The singer continues alone. The camera keeps playing, moving and discovering new perspectives. Then, the two thirds become a complete body and, suddenly, the body faces new platforms that are placed elevated above him. The platforms descend again, like a deliberate dance. Meanwhile, the singer

resumes his song: <<when I´m peace shall walk forever>> while the platforms continue their dance up and down. The squeaky sound has become now an accompaniment to the lyrics, like an orchestra. The piece concludes in a scene that describes the ascension of Christ, expressing the desire of wanting to be one with God by creating a tremendous image that emulates the Golgotha or the Calvary.

Glenda León evokes an opposite scenery that provokes the same feeling: the interior of a church that seduces both the sight and hearing.

The anguish is even more pronounced in this piece, since the scenography achieves to capture even the most dubious ones. The image is baroque, imposing, monumental and, specially, overloaded, full of icons and iconography.

However, for Glenda León, the most relevant icon is neither carved in wood or sculpted in stone nor engraved in a wall, but in all those praying in the bench of the principal nave under a halo of sanctity. There are several figures, some seated, some kneeling, and they all have in common their bending over positions like seeking an encounter with God. All of a sudden, we see a light that irradiates in their faces, signifying the possible illumination of the extasis covering their bodies.

However, we end discovering the falseness of the act and that the seemingly divine action is in reality technological.

These figures are not communicating with a Christian God, but between themselves or their equals through their mobile phones. In a poetic manner, the artist raises the question if, after the arrival of the globalizing phenomenon, we have replaced the encounter with God, the search of the truth and the lecture of the sacred texts for a mobile screen and the answers generated by an interconnected world of momentary ‘truths’.

It is also possible that we have lost any interest in seeking the answer of a question that the human being has spent centuries formulating without finding any solution, due to the apparent difficulty of its nature.

Pedro José Trujillo

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Artistas / Artists

Glenda León

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Shir Handelsman

Recitative

Shir Handelsman

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Hablando con Dios

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Glenda León 27

A Gusto de Turista

¡Ésta es una Plaza!

Es imposible obviar en esta muestra el hecho que está aconteciendo, la vida se ha visto algo más acorralada y queda al descubierto que el futuro no está solo en manos de las personas que lo habitan.

el que nos ha traído hasta este punto y aparte.

Empezaremos la sesión con el director estadounidense Jeff Zorrilla y The Impossible Flowers, una saturación de voces, de relatos, de imágenes de un archivo común y cotidiano que nos podría traer a imágenes ya vividas, lo cual nos vendrá bien para ejercitar fuertemente la concentración tratando de oír alguno de los testimonios o citas que suenan mientras las tratamos de relacionar con alguna imagen dentro del caos que supone el cruce de tanta información para asimilar en 25 fotogramas por segundo.

Cabe decir que este texto al igual que el festival entero se está materializando en la primera época pandémica del siglo XXI. Es interesante pensar en el futuro cuando al otro lado del cerco de la puerta no hay mucha luz arrojada, puede causar ansiedad. Hoy nos vamos a juntar a calmar esa ansiedad con cuatro piezas de videoarte en ¡Ésta es una PLAZA!, uno de los ejemplos de organización vecinal en una ciudad, lugar idóneo para este pase.

Hel City del burgalés Gregorio Méndez nos servirá para comenzar a distendernos, a Hoy, aquí intentaremos reflexionar a lo largo de relajarnos y pensar en el espacio que ocupamos 40 minutos sobre la actividad del turismo y la con su edición de vídeos de aficionadxs del mundo organizado a gusto de consumidor turistas de finales de siglo XX. Las cuestiones y su dinero. Pero intentemos situarnos desde y alusiones al puesto que ocupamos en el nuestro punto de vista, desde nosotrxs mismxs pasado, presente y futuro a través de la voz de mirándonos a nosotrxs mismxs.

Hel (un ciborg que nos guiará por los devenires improductivos de un posicionamiento firme y Con este contexto claro se hace preciso profundo) enfrentadas a la diversidad de sitios para esta exposición detonar y precipitar una por los que lxs turistas de Méndez pasan y meditación que nos devuelva a un estado ahora nos sugieren imaginarios similares a los similar previo a este momento de agitación de de Zorrilla en el anterior vídeo, pero esta vez ciertas estructuras, para así volver a ellas y que con una visión más focalizada y serena. nuestro sistema super productivo siga siendo 28

Es entonces cuando Dead end, de lxs directorxs Jacqueline Heeley & Philippe Faujas, nos zarandeará desde esa calma de la que podremos disfrutar con sus imágenes dobles de paisajes y texturas que se velan y se mantienen.

Y nos agitará pero de forma muy sutil con una pregunta muy sencilla que se va descubriendo entre escenas.

Poco queda ya, solo volver de los vídeos al peligroso mundo tangible que vivimos pero necesitaremos la ayuda de la última pieza, de lxs directorxs brasileñxs Marcos Bonisson & Khalil Charif, Kopacabana, que como bien nos aconsejan a lo largo de una larga lista de vídeos espontáneos y de aficionados que nos siguen trayendo a aquel turista de finales de siglo XX detrás de una cámara grabando, en este caso en la ciudad Copacabana, usaremos el mantra Kopacabana, Kopacabana, para salir del trance cómodamente y sin mucho conflicto interno, y así poder volver a la inevitable rutina de una vida socialdemócrata.

Carlos Clemente

In the tourist’s eye It seems impossible to ignore in this exhibition the events that are currently taking place, life itself is a bit more trapped and it is now clear that the future is not only in the hands of those who will live it.

that has brought us to this final point that will be followed by a new paragraph.

The session will start with American filmmaker Jeff Zorrilla and The Impossible Flowers, a saturation of voices, stories and images from a common, daily archive that could bring us back to images already seen before, which will be a great tool for us to exercise our concentration and try hearing some of the testimonies or quotes that can be heard while we try relating them to some image inside the chaos caused by the mixing of so much information to assimilate in 25 films per second.

We must understand that this text, just as the festival itself, is materializing in the first pandemic epoque of the 21st century. It is interesting thinking about the future when there is not much lighting at the other side of the door, it can make us anxious. Today we are gathering to calm this anxiety with four video-art pieces in ¡Ésta es una PLAZA!, one of the examples of neighborhood collaboration in a city, an ideal Hel City by Gregorio Méndez (Burgos, Spain) place for this session. will help us loosen up, relax and think about the space we fill with its montage of videos filmed Here, today, we will try reflecting for 40 minutes by amateur tourists from the late 20th century. on the activity of tourism and the one of a world The questions and allusions to the position we organized to satisfy the consumer’s tastes and occupy in the past, present and future through money. But let’s try taking our own point of Hel’s voice (Hel is a cyborg that will guide us view, from ourselves and looking at ourselves. through the unproductive events of a firm and deep positioning) confronted with the diversity With this clear context it becomes necessary of places by which Méndez’s tourists pass and for this exposition to trigger and arouse a which now suggest imagery similar to Zorrilla’s meditation that will bring us back to a state in his previous video, but with a more focalized equivalent of that state previous to this moment and serene vision. of agitation of certain structures, so that we come back to such structures and so that our It is in this moment that Dead End, by filmmakers super productive system will still be the one Jacqueline Heeley & Philippe Faujas will shake

us from that calm which we will be able to enjoy with its double images of landscapes and textures that expose and stay. And it will incite us in a very subtle way with a very simple question that will reveal between the scenes.

There is not much to do now, just returning from the videos to the dangerous, tangible world we live in, but we will need some help from the last piece, by Brazilian filmmakers Marcos Bonisson & Khalil Charif, Kopacabana, which, as they recommend throughout a long list of spontaneous and amateur videos that keep on bringing us that late 20th century tourist behind the camera, filming, in this case, in the city of Copacabana, we will use the mantra Kopacabana, Kopacabana in order to leave the trance comfortably and without much intern conflict, thus returning to the unavoidable routine of a social democratic life.

Carlos Clemente

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Artistas / Artists

Jeff Zorrilla

Jeremy Hutchison

Jacqueline Heeley & Philippe Faujas 30

Gregorio Méndez

Marcos Bonisson & Khalil Charif

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Dead end

Jacqueline Heeley & Philippe Faujas 32

Hel city

Gregorio Méndez 33

Kopakabana

Marcos Bonisson & Khalil Charif 34

The impossible flowers

Jeff Zorrilla 35

La caída de un general

Extensión AVAM El proyecto plantea cómo se replican las relaciones coloniales, que en primera instancia fueron ejercidas por la corona española, desde mediados del siglo XVI hasta la segunda década del siglo XIX, y cuestiona, cómo posteriormente fue apropiado por una nueva élite política colombiana, que reprodujo los modelos de dominio y explotación heredados de colonia. A su vez, expone cómo la sociedad contemporánea bajo el sofisma de libertad y democracia, ha perdido la memoria histórica y normalizado un sistema de gobierno basado en la estructura colonial. La obra busca reinterpretar el archivo fílmico, fotográfico, cartográfico y la documentación legal de uno de los hechos históricos más significativos de Colombia en el siglo XX, el asesinato del General Rafael Uribe Uribe, líder político del partido liberal, perpetrado el 15 de octubre de 1914 en Bogotá. Alrededor de este magnicidio se han generado diferentes especulaciones sobre sus causas, sin embargo, esta obra se centra en los autores materiales y cómo este hecho repercutió en una estigmatización de las prácticas culturales y sociales de las clases populares, artesanas y obreras de la capital colombiana.

Leovigildo Galarza y Jesús Carvajal planearon matar con sus hachas de trabajo al general Rafael Uribe Uribe. Al día siguiente, en medio de su frustración por su mal momento económico y aún exaltados por la efervescencia del alcohol, continúan con su plan, propinándole al político varios hachazos en la cabeza, cuando éste se dirigía al Capitolio Nacional, dejándolo herido de muerte. Este crimen fue investigado por el fiscal Alejandro Ordoñez Forero, que para esclarecer las causas del homicidio realizó entrevistas a testigos, implicados y asesinos; allanamientos a diferentes lugares como casas, talleres y chicherías, recopilando su investigación en un documento de incalculable valor documental, como es la Vista Fiscal. Basado en este documento, Alberto Mayor Mora, en el capítulo 6 del libro Cabezas duras y dedos inteligentes, realiza una crónica de 24 horas en la vida de los dos artesanos previas al asesinato del líder liberal.

La pieza central es un mapping/videoinstalación, que expande y reinterpreta el archivo, combinando algunas escenas de la versión fragmentaria del documental El Drama del 15 de Abril, que retrata el asesinato del General, con cartografías de la época e imágenes Después de una noche de fiesta y departir con de los asesinos y del propio político. Estas pares en diferentes chicherías, los carpinteros últimas contrastan por su aspecto tan disímil, 36

factor que sirvió para estigmatizar y ejercer clasismo de estado, exaltando las cualidades del hombre blanco como político y dirigente en contraposición con el aspecto campesino e indígena de los asesinos. El mapping proyecta un vídeo experimental a cuatro canales sobre igual número de hachas, herramienta que caracteriza a las clases artesanales y que el gobierno quiso revestir de un nuevo significado como arma letal, para así, estigmatizar a las clases populares y ejercer control social sobre éstas. La instalación se complementa con material de archivo, prensa, bibliográfico y cartografías que ilustran el suceso histórico.

En paralelo, una serie de vídeos que registran en la actualidad el tránsito cotidiano y el desconocimiento por parte de los ciudadanos sobre un gran monumento dedicado en su honor, ubicado en la principal calle de la ciudad (7ma), dentro del Parque Nacional.

Ricardo Moreno

A general’s fall This project tackles the way in which colonial relationships -exercised by the Spanish Crown from the XVI until the XIX centuryget replicated, and also reflects on how that system was appropriated by a new Colombian political elite that copied the same inherited domain and exploitation models. In addition, it addresses how contemporary society has lost historical memory and normalised a system of governance based on the colonial structure, through an argument of freedom and democracy. This work seeks to reinterpret the film, photography, cartography and legal documentation archive from one of Colombia’s most significant historical event in the XX century: the assassination of General Rafael Uribe Uribe, Liberal Party’s political leader, on 15 October 1914, Bogotá. Several speculations have been generated in relation to the causes of this murder, however, this work focuses on the real authors and how this event had an impact on the stigmatisation of the Colombial capital’s cultural and social practices of the working classes.

After a night party, carpenters Leovigildo Galarza and Jesús Carvajal planned to kill Rafael Uribe Uribe with their axes. The next day, still a bit drunk and guided by their frustration and their tough economic situation, they continued with

their plan and caused his death by hitting him several times on his head with their axes. This crime was investigated by Prosecutor Alejandro Ordoñez Forero, who interviewed witnesses, people involved and murderers in order to throw light on the murder’s causes and collected all that information in a document of incalculable documentary value: the Fiscal View. On the basis of this document, Alberto Mayor Mora wrote -in chapter 6 of his book “Cabezas duras y dedos inteligentes”- a chronicle about the 24 hours prior to the murder of the liberal leader.

over them. The installation is complemented by archival, bibliographic and cartographic material that illustrate the historical event. Next to it: a number of videos of the current transit and the citizens’ lack of knowledge when passing through the great monument built in its remembrance at the Parque Nacional.

Ricardo Moreno

The central piece is a mapping/video installation which broadens and reinterprets the archive while combining some scenes of “El Drama del 15 de Abril” (a documentary that portrays the General’s murder with cartographies and images of the murderers and the politician himself). These scenes make a contrast for the sake of stigmatising and exercising state classism by extolling the virtues of the white man as a politician and leader as contrasted with the peasant/native-like appearance of the murderers. The mapping shows an experimental video via four channels with the same number of axes, a tool which represents the working class and was redefined by the government as a lethal weapon in order to stigmatise the working classes and exert a social control 37

Artista / Artist

Ricardo Moreno

38

La caída de un general

Ricardo Moreno 39

La caída de un general

40

Ricardo Moreno 41

Sala El Águila Roland Barthes escribiría en 1980 su última obra: Cámara lúcida. Este texto, personal y conector de lo cotidiano y sus últimas obsesiones, nos ofrece dos conceptos que nos permiten acercarnos a esta muestra de videoarte que, en definitiva, está hablando de relatos y de la vida. El primer término es el studium, que alude al tema, a la trama; y el puctum, el detalle que secuestra nuestra atención y nos enfrenta a la historia de una manera alucinada y enfatizada.

Siéntate o ponte enfrente de la proyección y busca estas dos coordenadas. ¿Qué siente?, ¿qué piensa?, ¿qué ve?.

Las respuestas serán múltiples gracias a la subjetividad personal, al conglomerado de historias y narraciones de cada cuerpo que ocupa la sala, de las experiencias vividas y las que también se han fabulado. Desconozco si lo que fantaseamos no es experiencia verídica, que es ese simulacro que se aproxima a la verdad, aunque de forma más descafeinada.

Nos enfrentamos a tramas donde las mujeres son las protagonistas y, en estos tiempos donde el feminismo copa titulares y debates en los medios de comunicación, podemos dialogar con qué está pasando. No pretendo definir qué es el feminismo y si estoy a favor de usar un plural o no; teóricas feministas ya han publicado múltiples trabajos que ofrecen los matices necesarios para sentir un ideario 42

A vuelta con los relatos. Feminismo, feminismos y otras sumas frente a otro. Tal vez, en estas producciones, que las diferentes artistas han diseñado, grabado y montado para que sean visionadas por otro y, de esta manera, dialogar con un espectador-testigo de esa realidad, tengan su propia definición. En el terreno de lo obvio diré que son relatos de mujeres en opresión (o no), recluidas (o no), en diálogo (o no), y que precisan agitar su cuerpo, darle movimientos para emanciparse del silencio y que la historia en minúscula sea relatada y, por consiguiente, ocupe un espacio.

Son mujeres que sufren, mujeres que están a otro lado de mis ojos, que me están contando algo. Un relato propio y personal que se redimensiona por la participación del que lo contempla. No sé a dónde me quieren llevar estas piezas -y tampoco es lo interesante- sino hasta dónde me permito caminar, salir de mi terreno conocido y dejarme seducir -ya sea por encantamiento, o porque me siento extrañada, o me repulsa- y que, cuando salga de este espacio dedicado a esta muestra, me configure de otra manera, una brizna de otros relatos que se inserta, cosen -con puntada aún de hilvány me lanza a la calle para seguir viviendo.

La cárcel, la respiración, cuerpos que deambulan, las voces en off, los diálogos… son recursos que nos pueden llevar a pensar que

no existe ese relato único, sino que la realidad son facetas por pulir de un mineral precioso.

El feminismo sería algo así: fragmentos de vidas escritas por cuerpos que se repiensan y ofrecen otras formas de habitar la tierra. No sé si eres feminista o si ser feminista para ti signifique algo; el feminismo, con sus plurales, son aproximaciones legítimas que dotan de herramientas para pensar en dónde estamos y qué vías alternativas existen para salir del encierro y opresión. Y en estos vídeos nos ofrecen lo mismo: la posibilidad de ser testigos de la tensión entre lo que siempre ha sido y otras miradas, otras voces, las posibilidades hasta el infinito de expresar, y que el arte es revulsivo de conciencia que precisamos para caminar.

No discutas con si te convence o no te convence; atrévete a dar la mano a cada artista y viaja a través de la historia. En esa fusión algo nuevo te espera. O no.

Manu Palomo

Feminism, feminisms and other additions In 1980, Roland Barthes wrote his last work: Camera Lucida. This personal, everyday essay, full of his last obsessions, developed two concepts that will help us understand this video art exhibition that talks about life and storytelling. The first term is the ‘studium’ that makes reference to the theme and the plot. The second one is the ‘punctum’, which refers to the detail that catches our attention and makes us face the story in an emphasized manner. Sit down in front of the projection and think about these two terms. What do you feel? What do you think? What do you see?

Due to subjectivity and the conglomerate of stories and narratives, life experiences and life dreams of each body that occupies the room, the answers will be infinite. I am not aware if what we fantasize about is not a truthful experience, since it is a simulation that approaches the truth, even if it is in a decaffeinated way. We face new narratives where women are the focus. In these times, where feminism is quite present in headlines and debates in the media, we can create a conversation about what is happening.

It’s not my intention to define feminism or to talk about if I agree with the use of a plural form or not. Many feminist theorists have developed extense research in order for you to decide about this matters. Perhaps, in these pieces, designed, recorded and edited by female artists

offer new ways of living. I do not know if you consider yourself a feminist, or if feminism mean anything to you. Feminism, with its plural forms, are legitimate approximations that give us the tools to think about where we are and the alternative paths to escape from oppression.

These videos offer the same: the possibility of witnessing the tension between what always has been and new ways of seeing, new voices, new possibilities of expression and a wakeup They are suffering women. Women that are telling art necessary to walk towards progress. us something from the other side. A personal narrative that resizes with the participation Do not argue about if the pieces achieve to of the spectators. I do not know where these persuade you or not. Instead, dare yourself pieces lead me, it does not interest me. The to travel along every artist and their stories. key element is to know where is my limitation, Perhaps you will find something new in this how much path can I walk in an unknown field fusion, perhaps not. and how much I can be seduced by it, for its enchantment, its discomfort or its repulsion, Manu Palomo and that, when I leave the space, the impact caused achieves to shape me in a new way. A breeze of other narratives that is inserted in me and drops me out to continue living. in order to be seen by others, and therefore create a conversation with a witness of this reality, we can find their own definitions. Obviously, these narratives are created by oppressed (or not), imprisoned (or not), dialoguing (or not) women, who need to shake their bodies and give them movement in order to escape the silence. In this way, their stories are told and, as a result, they occupy a space.

The prison, the breathing, the wandering bodies, the voiceovers, the dialogues… They are used to make us believe that there is not a sole narrative, but a reality with multiple facets that needs polishing like a gemstone. Feminism can be considered like that: fragments from lives written on bodies that are rethinked and 43

Artistas / Artists

Ana Esteve Reig

Helen Anna Flanagan

Núria Güell 44

Marina Abramovic

Shirin Neshat

Nude with Skeleton

Marina Abramovic 45

La voz digital

Ana Esteve Reig 46

Una Película de Dios

Núria Güell 47

Turbulent

48

Shirin Neshat 49

Medialab Prado Rendimiento digital en red para webcam en directo y sintetizador. Las “piazzas” italianas están ahora calladas y desiertas, mientras la vida en cuarentena está invisiblemente escondida en el interior de las casas, en los silenciosos edificios que armoniosamente las rodean. De este modo, los solitarios que se aventuran en la ciudad confinada son elementos narrativos de una historia distópica y cinematográfica, a los cuales la artista espía y persigue ávidamente, mediante tecnología de trackeo de movimiento, transformando cada movimiento en visual generativa y sonido, en tiempo real. Francesca Fini es una artista italiana centrada en el cine experimental, la animación digital, nuevos medios, instalación y arte performativo. Sus proyectos en vivo a menudo abordan temas relativos a las relaciones entre los espacios

Sconfinamento públicos y privados, entre el espectáculo y la audiencia, la representación y la interacción, pero también reflejan las influencias de la sociedad en el género y en temas de la mujer y las distorsiones en la percepción de la belleza producidas por el mercado y los medios mainstream. Tanto la piezas en directo como las que no lo son consisten en una mezcla de medios tradicionales, tecnología lo-fi o de baja fidelidad, herramientas de diseño interactivo, audio generativo y vídeo.

Francesca Fini

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Sconfinamento The Italian *piazzas* are framed by a webcam system that broadcasts online the flow of their chaotic life. A cold, indifferent look, in the sun or in the rain, which does not change in the midst of changes. Those squares are now deserted, while life in quarantine is hidden invisibly inside the houses, inside the silent buildings that harmoniously surround them. The webcams today collect the testimony of a surreal event. All the life, once feverish, becomes now a fleeting and ephemeral circumstance: the squares are manned by police vans, enlivened here and there, by the flight of a seagull, by a flag in the wind, by a runner’s bicycle, by a masked couple walking a dog. In the silent void, these short passing lives, these lonely adventures of the confined city, are narrative elements of a dystopian story, which I spy and pursue avidly as if I were at

the window of one of those buildings. Through motion tracking technology, I steal the webcam signal and feed it to a software that I created for this project, which records and tracks visually the movement of people, vehicles, objects, and animals, transforming the data flow in a concert for synthesizer: the smallest movement produces a sound, a modulation, a graphic visualization, a digital effect. Finally, I return everything to the network, through live streaming on Facebook, in a creative ring of manipulations and interpretations in real-time an open semantic loop that ideally gives a voice to the mute explorers of the locked city.

Francesca Fini

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Artistas / Artists

Francesca Fini

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Sconfinamento

Francesca Fini 53

Sala Equis Las piezas de vídeo presentadas en la sorprendente y siempre innovadora Sala Equis durante PROYECTOR 2020 proponen fijar nuestra atención en los cruces, los trazos, las deconstrucciones, la cinética y lo onírico. A través de cinco propuestas de artistas muy diferentes conceptual, técnica y generacionalmente, el factor común del movimiento y la animación empapa todo el ciclo de proyecciones.

Mediante un juego de conexiones entre lo que el espectador espera o intuye y las decisiones propias de los personajes del vídeo, la pieza Destino de la artista cubana Glenda León propone un escenario de casualidades y rupturas visuales. En tan solo 60 segundos de vídeo de plano fijo y con un bisturí poético muy fino con el que rompe ese realismo, la artista muestra una escena típica urbana donde la cromática tiene un papel importante. La ruptura narrativa y el llamamiento a la acción son las claves de esta sutil pero potente obra.

Kiné el artista consigue que el movimiento quede reflejado y plasmado en la imagen, congelando lo fugaz del vuelo. Esta pieza pone en jaque nuestra percepción de la realidad con una técnica impecable. El resultado sonoro y visual es verdaderamente apabullante.

que el artista nos lleva de la mano por un relato onírico donde las imágenes reales, los dibujos y los renderizados digitales se entremezclan con textos también anacrónicos y surrealistas. Todo parece llevar a nada y sin embargo todo tiene un sentido.

Tres retratos proyectados simultáneamente y desglosados a la manera de un rompecabezas; esa es la propuesta de Josefina Giri en Movimiento mínimo nº 1. Un verdadero estudio de la personalidad y de lo identitario que nos diferencia unos a otros y a la vez nos conecta.

El formato utilizado por la artista nos atrae y nos hipnotiza, y crea un juego para el espectador.

Gonzalo de Benito

ANi_av1 (collage18) de Luis Carlos Rodríguez es un caleidoscopio de imágenes de dominio público, fragmentos de películas con las que el artista crea un baile visual. Es esta obra una investigación de las posibilidades estéticas de lo público y lo privado, de lo analógico y lo digital.

Las escenas, presentadas como fotogramas, El trabajo de Jim Rolland se caracteriza por toman vida y forman una narrativa nueva. crear diferentes planos sonoros y visuales que se trasponen y entrelazan formando diferentes Por último, desde Argentina, Santiago Colombo planos. En Traces:Birds el artista crea una Migliorero presenta Hasta que me acuerdo de un trama mediante el trazo que los pájaros van sueño que tuve antes. Se trata ésta de una pieza dejando en su peregrinación. De alguna manera inmersiva, tanto visual como sonoramente, en la

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Kiné The video artworks shown in the surprising and always innovative Sala Equis with PROYECTOR 2020 suggest focusing our attention on the crossings, the strokes, the deconstructions, kinetics and the oneiric. Throughout five pieces from artists who are very different conceptually, technically and generationally, the common factor of movement and animation impregnates the whole cycle of screenings.

By playing with connections between what the spectator expects or senses and the own decisions of the characters on the video, the piece Destino by cuban artist Glenda León presents a scenario of causalities and visual ruptures. In just 60 seconds of a fixed shot video and with a very thin poetic scalpel with which she breaks that realism, the artists shows a typical urban scene in which chromatics play a very important role. Narrative rupture and the call for action are the keys of this subtle but powerful work.

Jim Rolland’s work is defined by the creation of different sound and visual levels that transpose and interlace forming different levels. In Traces: Birds, the artist creates a plot with the trace the birds leave behind in their peregrination.

Someway the artist gets the movement to be

reflected and exposed in the image, capturing the fleeting part of the flight. This piece challenges our perception of reality with an impeccable technique. The sound and visual result is truly overwhelming.

hand on an oneiric story in which real images, drawings and digital renders get mixed up with texts that are also anachronical and surrealists.

Everything seems to take us nowhere and still, in fact, everything makes sense.

Three portraits simultaneously screened and broken down as a puzzle; that is Josefina Giri’s proposal in Movimiento mínimo nº 1. A real study of personality and of the identity attributes that makes us all different from each other and that, at the same time, connects us all. The format employed by the artist seduces and hypnotizes us, and it creates a game for the spectator.

Gonzalo de Benito

Luis Carlos Rodríguez’s ANi_av1 (collage18) is a kaleidoscope of public domain images, fragments of films with which the artist creates a visual dance. This work is an investigation of the aesthetical possibilities of the public and of the private, of the analogical and of the digital.

Scenes, presented as frames, come to life and form a new narrative.

Finally, from Argentina, Santiago Colombo Migliorero presents Hasta que me acuerdo de un sueño que tuve antes. We are talking here about an immersive work, both visually and in sound terms, in which the artists takes us by the

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Artistas / Artists

Glenda León

Jean-Michel Rolland

Luis Carlos Rodríguez 56

Santiago Colombo Migliorero

Josefina Giri

Traces: birds

Jean-Michel Rolland 57

Destino

Glenda León 58

Movimiento mínimo nº 1

Josefina Giri 59

Sala Equis Toda comunidad se funda a través de sus relatos, independientemente del formato que éstos adquieran. A través de ellos cada pueblo conforma su identidad y a través de su narración se comparten, mutan y se preservan en el tiempo junto con todo lo que llevan consigo.

Especulaciones, mitos y otras realidades

persona enterradas en el Muro marroquí de más de 2700 km que divide el Sahara Occidental y los devastadores procesos de extracción de nitratos en Chile para alimentar al sistema económico global respectivamente. En estos relatos, el terror y los procesos de duelo ante la expropiación del terreno a sus habitantes, La 13ª edición del Festival de Videoarte el exilio y la muerte, activan la lucha contra la PROYECTOR trae a Sala Equis obras de videoarte injusticia y la crueldad y apelan a la ciudadanía de larga duración y una fuerte intencionalidad global a no lavarse las manos. comunicativa, de difusión y reflexión en torno a las narraciones contemporáneas. Narraciones que El segundo día proyectaremos Susana y los se construyen en diálogo con el pasado, el futuro viejos de BandaPan donde realidad y leyenda y las comunidades a las que apelan, generando se funden. La historia involucra personajes así palimpsestos de historias, voces y referencias y acontecimientos mitológicos. Susana y los de gran relevancia y profundidad. Historias que viejos cuestiona los sistemas de dominación y nos sitúan ante la vida y la muerte y nos hablan de su violencia represiva que existen tanto en el justicia, poder, pérdida, resiliencia, lucha y duelo. ámbito institucional como individual utilizando el mito de Susana y los viejos. Historia de gran Abrimos el ciclo con Latidos de Mina de Isidro relevancia en la actualidad que nos demuestran López-Aparicio y María Elena de Melanie que algunas preguntas no han cambiado tanto Smith. Estas proyecciones nos sitúan frente a lo largo del tiempo, algunas quizá nunca lo a dos imponentes desiertos –el desierto del hagan y otras ojalá logremos responderlas Sahara en el norte de África y el desierto de cuanto antes.

Atacama en Chile–, las comunidades que los habitan y el atronador ruido de las explosiones Continuamos con Mistress de Anna Gimein fruto del deseo de poder sobre estos territorios. y Murió la verdad de Fernando Baena, dos Polifónicas, situadas y políticas, estas obras narrativas que nos sitúan ante un fin del mundo visibilizan la crueldad de millones de minas anti- provocado por la estupidez o la maldad humana, 60

que nos ha llevado a repetir una y otra vez todo aquello que creíamos comprendido, superado y erradicado. Mistress, partiendo de la lectura de la novela experimental Wittgenstein’s Mistress de David Markson, nos relata la historia de la humanidad a través de la voz de su única superviviente y de los restos que perduran: los mitos, las anécdotas, los cachivaches, los cuadros y los libros. Murió la verdad es una obra performativa y simbólica inspirada en Los desastres de la guerra de Goya, reflexión sobre la situación social actual y los comportamientos humanos a lo largo del tiempo ¿Podemos convivir con los relatos de hambre, pobreza, destrucción del entorno, extinción de especies y violencia en sus múltiples formas que estamos generando?, ¿estamos dispuestas a escucharlos?

María Suárez de Cepeda

Speculations, miths and other realities Every community is founded on its stories, independently of the format these may acquire.

It is through them that each people conform their identity, and it is through the narration that these stories mute, are shared and are preserved in time along with everything they imply.

give visibility to the cruelty of millions of antipersonnel mines buried in the over 1677 miles Moroccan Wall that divides Western Sahara and also to the devastating nitrates extraction processes in Chile for the feeding of the global economic system respectively. In these stories, terror and duel processes coming from the expropriation of the inhabitants’ terrains, exile The 13th edition of PROYECTOR Video Art and death activate the fight against injustice Festival brings to “Sala Equis” artworks of a long and cruelty and appeal to global citizenship not length and a strong communicative, diffuser to cop out in this matter. and reflexive intentionality about contemporary narratives. These are narratives that are built On the second day we will be screening from a dialogue with the past, the future and the Susana y los viejos by BandaPan, where reality communities to which they appeal, generating and legend get mixed up. The story involves palimpsests of stories, voices and references of a mythological characters and events. Susana great relevance and deepness. Stories that place y los viejos questions the domination systems us between life and death and talk to us about and their repressive violence, which exist both justice, power, loss, resilience, fight and duel. in the individual and in the institutional scopes, by making use of the myth of Susana y los We open the season with Latidos de Mina viejos. This is a very relevant story nowadays

by Isidro López-Aparicio and María Elena by and it proves that some questions have not Melanie Smith. These screenings place us in really changed over time, some might never front of two imposing deserts – Sahara Desert change and others are wished to be answered in the North of Africa and Atacama Desert in as soon as possible.

Chile-, the communities that inhabit them and the thunderous noise of the explosions caused We continue with Mistress by Anna Gimein by the desire of power over these territories. and Murió la verdad by Fernando Baena, two Polyphonic, situated and political, these works narratives that place us in front of the end of the

world caused by human stupidity or evilness, which has leaded us to continuously repeat all of that which we believed was already understood, overcome and eradicated. Mistress, departing from the reading of the experimental novel Wittgenstein’s Mistress by David Markson, tells us the story of humanity through the voice of its only survivor and through the rests that prevail: myths, anecdotes, objects, paintings and books. Murió la verdad is a performative and symbolic artwork inspired in Goya’s Los desastres de la guerra, it is a reflection on the current situation and human behaviors throughout the time. Can we live together with the stories of hunger, poverty, destruction of the environment, species extinction and violence in its multiple forms that we are generating? Are we prepared to listen to them?

María Suárez de Cepeda

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Artistas / Artists

Isidro López-Aparicio

Fernando Baena 62

Melanie Smith

Anna Gimein

BandaPan

Isidro López-Aparicio 63

Mistress

Anna Gimein 64

Maria Elena

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Melanie Smith

Murió la verdad

Fernando Baena 66

Susana y los viejos

Bandapan 67

ANi_av1 (collage18)

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Luis Carlos Rodríguez 69

Secuencia de Inútiles

Desde Saussure nos podemos enfocar en descifrar los signos de la vida social, su relación significante icónico y su significado. Cuando entramos en el juego del espacio inexistente entramos en el espacio de los sueños, del inconsciente o, más concretamente, en el del arte. La simbolización, es decir, lo que el objeto significa para cada individuo (E.Cassirer) puede quedar en el ámbito de un diálogo privado, biunívoco, e inaccesible para el resto de los espectadores. PROYECTOR en esta edición 2020, llena de incertidumbres y desconcierto, trata de conectar los espacios inexistentes de los artistas seleccionados para recrear, en espejo, espacios simétricos en el espectador, imágenes que rebotan de retina a pantalla. No importa la semiótica sino los nuevos espacios que se crearán siguiendo los planos y las cotas de la inexistencia.

“El camino al paraíso comienza en el infierno” – Dante Alighieri.

The Divine Way (la Vía Divina) de Ilaria Di Carlo es una obra basada en la Divina Comedia de Dante. The Divine Way lleva al espectador al descenso épico de la protagonista a través de un laberinto interminable de escaleras, con un significado introspectivo y estético muy poderoso. A medida que la performer, la propia Ilaria Di Carlo, desciende frenéticamente a 70

los espacios más profundos, las escaleras se transforman en un nuevo escenario, un continuo interminable, un viaje obsesivo y agotador que nos atrapa en un paisaje que alterna estética, desafío, inseguridad, tal vez amenaza, conduciéndonos a un final improbable a través de más de cincuenta estudiadas localizaciones que apuestan por una realidad imposible y sublime. Escrito, dirigido, producido e interpretado por Ilaria Di Carlo se proyecta en todo momento el valor escenográfico, incluso efectista de su estética. En el visionado de la pieza no se pueden evitar evocaciones, no solo de grandes clásicos del cine-con-escalera (del Acorazado Potemkin a Vértigo, El Exorcista, Los Intocables) sino también de obras más recientes así como de distintos directores que influencian su imaginario.

site specific de Luca Valerio para un espacio inexistente, en una habitación sin gravedad: la WAG Widget Art Gallery es el espacio virtual, desarrollado por Chiara Passa, que se puede descargar en soportes como el iPhone, iPad, cualquier smartphone o tablet… Un white cube donde Freddy, oh Freddy (on his side) rebota como un astronauta en el espacio digital, sin gravedad, a ritmo de claqué. Un acto de apropiacionismo en la línea de Bruce Conner con una movie que no analiza otra cosa que la paradoja de la inexistencia del punto de referencia gravitacional en la inexistencia del espacio mismo. Movimiento sin ataduras sacado del contexto de Royal Wedding (1951) y del contexto expositivo habitual. Quizás ¿giftart? en la muda insistencia del loop.

Sobrepostos de Tânia Dinis. A través de una secuencia de imágenes de archivos familiares en la ciudad de Braga, Sobrepostos resulta un ensayo de composición visual que parte de su apropiación, descontextualización y fragmentación. Las imágenes se revisan, se desarrollan en nuevas narrativas, en un tiempo que pasa y en un tiempo que no se expande en el espacio. Tânia Dinis construye con transparencias en positivo/ negativo y en superposiciones de color leve con formas geométricas, ese espacio Freddy, oh Freddy (on his side) es un trabajo concreto, casi forense, que destaca y analiza Por esta escalera iniciática de conocimiento, de descenso a los infiernos de las pasiones o de ascenso a la sabiduría y al Ser, transita Di Carlo, convertida en otro símbolo: la idealización que Dante llamaría Beatriz (Bienaventurada en latín) la transformación en símbolo de fe y protección; la guía, sustituyendo a Virgilio. Beatriz eleva a Dante hasta el cielo de las estrellas fijas donde están las “almas triunfantes”. ¿Dante y Beatriz unidos por fin?

buscando en la unión pasado-presente una mayor dosis de autoconocimiento. Identidad, imaginario colectivo y personal. Encuadre de perspectivas que parten de un texto de Pedro Bastos “explorando la idea de imagen como una experiencia de lo efímero del tiempo y la memoria”.

Pandopticon, 2020 de Eunice Artur y agendas obscuras

Semiótica de espacios inexistentes

mirada que nos enfrenta a nosotros mismos como espejo del otro.

Espacios que acotar en un estrecho círculo que enmarca nuestras vivencias. La necesidad de dimensionar el espacio para abarcarlo en una ocupación persistente, de días monótonos, cercados por miedos internos y externos.

Joana Groba

<<Libertad de confinamiento, proximidad a la distancia, terrazas en la ventana trasera, contaminación de la naturaleza, movimiento de quietud, vecinos extraños, condición física de enfermedad, intermedio cotidiano, marzo abril, plaga año 20 20. panóptico pandémico>>.

Una mirada “indiscreta” hacia un entorno abigarrado, asfixiante, pleno de tangibles y construcciones entre las que se buscan y encuentran individualidades que ejercen un sinsentido o tal vez consentido diálogo de presencia/ausencia. Una mirilla y una mirada limpia, de náufrago enfrentado a un horizonte invariable, al quehacer del confinamiento, una 71

Semiotics of nonexistant spaces Taking Saussure we can focus on deciphering the signs of social life, its iconic-signifiers relation and its signified. When entering the game of non-existent space, we are entering the space of dreams, of the unconscious or, more concretely, of art. Symbolization, meaning what the object means for each individual (E.Cassirer) can stay in the ambit of a private, biunivocal and inaccessible dialogue for the rest of the spectators. In this 2020 edition which is full of uncertainties and bewilderment, PROYECTOR’s aim is to connect the selected artists’ non-existent spaces in order to recreate, as a mirror, symmetrical spaces in the spectator, images that glance off the retina and to the screen. The important thing is not semiotics but the new spaces that will be created following the planes and the thresholds on inexistence.

“The path to paradise begins in hell” – Dante Alighieri.

challenge, insecurity, menace maybe, driving us towards an unlikely ending through over fifty studied locations that bet on an impossible and sublime reality. Written, directed, produced and played by Ilaria Di Carlo, the scenographic, even gimmicky value of its aesthetics is reflected in every moment. On the viewing of the piece evocations are unavoidable, not just of great classical films from the cinema-withstairs (from Battleship Potemkin to Vertigo, The Exorcist, The Untouchables) but also of more recent pieces as well as of different directors that influence its imagery.

side)bounces like an astronaut in the digital space, with no gravity, to the rhythm of a tap dance. An act of appropriation in the line of Bruce Conner with a movie that analyzes the paradox of the inexistence of the gravitational point of reference in the inexistence of the space itself. Tieless movement taken from the context of Royal Wedding (1951) and from the usual exhibition context. Perhaps gift-art in the mute insistence of the loop.

Tânia Dinis’ Sobrepostos. Through a sequence of family archives images in the city of Braga, Sobrepostos is a visual composition essay that departs from its appropriation, decontextualization and fragmentation. Images are revised, they develop in new narratives, in a time that passes and in a time that does not expand in space.

With transparencies in positive/negative and in superpositions of soft colors with geometrical shapes, Tânia Dinis builds that concrete space, almost forensic, which she remarks and analyzes looking for a bigger dose of self-knowledge in the past-present union. Identity, collective and personal imagery. Framing of perspectives that depart from a text by Pedro Bastos exploring the idea of image as an experience of the ephemeral nature of time and memory.

Through these initiatory stairs of knowledge, descent to passion´s hell or rising towards wisdom and being, walks Di Carlo, transformed into another symbol: Dante´s idealization named Beatriz (“Bienaventurada” in latin), transformed into a symbol of faith and protection; the guide, Ilaria Di Carlo’s The Divine Way is an artwork replacing Virgilio. Beatriz elevates Dante to based on Dante’s Divine Comedy. The Divine fixed stars’ sky where “triumphant souls” are.

Way takes the spectator to the epic descent of Dante and Beatriz finally together? the protagonist through a never-ending stairs labyrinth, with a very powerful introspective Freddy, oh Freddy (on his side) is a site specific and aesthetical meaning. As the performer, who work by Luca Valerio for a non-existent space, is Ilaria Di Carlo herself, descends frenetically in a gravity-less room: The WAG Widget Art towards the deepest spaces, the stairs transform Gallery is the virtual space, developed by Chiara into a new scenario, a never-ending continuity, Passa, that can be downloaded in devices such an obsessive and exhausting trip that traps us as IPhone, Ipad, any smartphone or tablet… A Pandopticon, 2020 by Eunice Artur & agendas into a landscape which alternates aesthetics, white cube where Freddy, oh Freddy (on his obscuras 72

<<Confinement freedom, distance proximity, rear window terraces, nature pollution, stillness movement, strange neighbors, disease fitness, quotidian intermission, March April, 20 20 year plague, pandemic panopticon>> An “indiscreet” look at a clashing, suffocating environment, full of tangibles and constructions among which individualities that play a nonsense or maybe consented dialogue of presence/absence are searched. A peephole and a clean look, of a castaway who faces an invariable horizon, who faces the chores of the confinement, a look that places us as the other’s mirror.

Spaces to fence in in a narrow circle that contains our life experiences. The necessity to size the space in order to encompass it in a persistent occupation, of monotonous days, enclosed by internal and external fears.

Joana Groba 73

Artistas / Artists

Ilaria di Carlo

agendas obscuras 74

Luca Valerio

Tânia Dinis

Eunice Artur

The Divine Way

Ilaria Di Carlo 75

Tânia Dinis 76

Sobrepostos

77

Freddy, oh Freddy (on his side)

Luca Valerio 78

Pandopticon

Eunice Artur & agendas obscuras 79

Institut Français de Madrid La exposición cuenta con la obra de cuatro artistas cuya narrativa se inscribe en una corriente de investigación en torno al uso del lenguaje para la construcción de la identidad.

velos, y en el fondo hay sedimentos del ayer: la herencia cultural del pasado que va declinando sus significados según las líneas fluidas del hoy, de Madrid a las principales capitales europeas.

Entre todas, Lisboa, en el tercer piso de un decadente edificio, retratado como si tuviese su vida propia, por Luciana Fina en Terceiro andar.

La artista italiana narra la historia de Fátima, una mujer guineana que ha dado a luz a seis hijos en la capital portuguesa donde se ha trasladado debido al trabajo de su marido. Su primogénita está planeando estudiar derecho islámico en Inglaterra, las mujeres dialogan sobre la felicidad, recuerdos de juventud expresados en criollo entremezclados con proyecciones de deseos en el futuro. La obra visual, proyectada en dos pantallas independientes, propone una danza a través de la alternancia de primeros planos y detalles de un edificio que, poco a poco, toma protagonismo, se insinúa en la mente del espectador recreando un mapa de sentimientos, sonidos y luces, un ambiente habitado por las experiencias de los otros.

A través de los vídeos se van descubriendo universos suspendidos y escondidos en los delicados pliegues de las palabras: entre líneas reposan las sonrisas intermitentes generadas por un dulce recuerdo de juventud o la vibración de la voz ante un instante de hesitación en búsqueda de la palabra más adecuada para expresar los colores de un frágil mundo interior. En una realidad globalizada donde la estratificación de idiomas es diaria y constante, las estructuras lexicales y sus sonidos seductores se adhieren sutilmente al lenguaje de todos los días transfigurándolo y desdibujándolo. Sí es oui, bello se sublima en beautiful y gracias se dilata en el redondo sonido de obrigado. Las migraciones mezclan, alborotan y crean nuevas formas de ser actualizando la vieja sentencia gauguiniana: “¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos?

A veces las arquitecturas se transforman en ¿Adónde vamos?” fortalezas alejadas del bullicio de la ciudad, Quizás la respuesta esté guardada dentro de como L’ilot 9 sublimado por Laurène Barnel. las palabras, a parte iguales entre los secretos Desde los tejados del centro de arte Synesthésie antiguos de formas voluptuosas que desvelan la ¬ MMAINTENANT los días escurren plácidos sabiduría y el pathos. El idioma se compone por desvelando delicadas historias de cotidiana 80

belleza. Los ruidos de la vida frenética y anónima se quedan en la línea del horizonte, relegados a una masa desenfocada de bloques amontonados; los personajes se convierten en personas, las risas reverberan la inocencia de los niños que juegan frente a la cámara de la artista ofreciendo migas de esencia condensada.

Los relatos sin títulos son los más subversivos, no cumplen las expectativas, superan las vallas del pensamiento politizado y evaden los límites de la imaginación alienada. Fran López en Relato, sobrevolando las marismas y costas de Isla Cristina, en la frontera entre España y Portugal- narra una historia de amor y misterio inspirada en la ópera El holandés errante (Richard Wagner, 1841) y en la película Pandora y el holandés errante (Albert Lewin, 1951). El autor se sirve de una voz en off para narrar la historia de un pálido marinero en búsqueda de una mujer que se “muera de amor por él” para librarse de una antigua maldición. La voz atrae al espectador, le envuelve hasta atraparle: frases en diferentes idiomas se superponen generando un rápido ritmo. El punto de fuga se encuentra en las grandes superficies geográficas y sus múltiples visiones, para concienciar sobre la manipulación de los acontecimientos y la posibilidad de crear alternativas y realidades a través de la construcción del relato.

Entre los pliegues de las palabras En cambio, un ejercicio interesante es explorar silenciosamente los territorios interiores y ondear el sentimiento antes de que se vierta en palabras. En Cenizas II, Camila Rodríguez Triana propone la observación directa a través de un objetivo frontal de un grupo posando para un retrato familiar. La escena se desarrolla en una habitación neutra donde tres mujeres están sentadas en un viejo sofá mientras tres hombres se sitúan a sus espaldas, dos mirando hacia una ventana persiguiendo las aspiraciones y las alternativas posibles mientras otro desafía la cámara. Empieza a llover, se trata de una lluvia fina y constante que acaba empapando los vestidos y los sueños: las prendas ligeras se adhieren a los cuerpos, desvelan las anatomías de deseos nunca verbalizados.

Las respiraciones lentas condensan los nudos donde la vida se acentúa y los personajes se quedan a la espera, mostrando su mejor cara y apostando a ser ganadores en una foto que nunca se tomará.

Lidia Persano

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Between folds of words The exposition counts with the work of four lines of today, from Madrid to the main European artists whose narrative is part of a current capitals. Among all of these, Lisbon, on the third of research on the use of language for the floor of a decaying building portrayed – as if it construction of the identity. had a life of its own – by Luciana Fina in Terceiro andar. The Italian artists narrates the story of Through the videos one discovers universes Fatima, a Guinean woman who has given birth suspended and hidden in the delicate folds of to six children in the Portuguese capital, to the words: between the lines the intermittent which she has moved due to her husband’s job. smiles generated by a sweet memory of youth Her firstborn is planning on studying Islamic rest, as well as the vibration of the voice in an Law in England, women talk about happiness, instant of hesitation in the search of the most youth memories expressed in criollo mixed to adequate word to express the colors of a fragile projections of desires in the future. The visual inner world. In a globalized reality where the artwork, played in two independent screens, stratification of languages is daily and constant, proposes a dance throughout the alternance the lexical structures and their seductive of close-ups and details of a building that, little sounds subtly adhere to the everyday language, by little, becomes the main character, appears transfiguring and undrawing it. Yes is “oui”, on the spectator’s mind recreating a map of beautiful is “bello” and thank you expands in feelings, sounds and lights, an environment obrigado´s round sound. Migrations mix, alter inhabited by the others’ experiences. and create new ways of being, updating the old Gauguin-ish sentence: “Where do we come Sometimes the architectures transform into from? Who are we? Where are we going?” fortresses away from the city bustle, like L’ilot 9 by Laurène Barnel. From the Synesthésie Perhaps the answer is kept inside the words, MMAINTENANT art centre rooftops, days go equally divided between the voluptuously by placidly revealing delicate stories of day-toshaped antique secrets which are revealed by day beauty. Noises of the frenetic, anonymous wisdom and pathos. Language is composed life stay at the horizon line, relegated to an of veils, and at the bottom there are sediments unfocused mass of piled blocks; characters from yesterday: the cultural heritance from the become people, laughs reverberate children’s past that declines its signifiers based on the fluid innocence playing in front of the artist’s camera 82

offering condensed essence pieces.

Title-less stories are the most subversive ones, don’t fit expectations, they jump over the fences of politized thinking and avoid alienated imagination limits. In Relato, Fran López – overflying the marshes and costs of Isla Cristina, in the Spanish-Portuguese frontier – narrates a love and mystery story inspired by the opera The Flying Dutchman (Richard Wagner, 1841) and by the film Pandora and the flying dutchman (Albert Lewin, 1951). The author makes use of a voice-over to narrate the story of a pale sailor who is in the search of a woman who will die of love for him so that he can get free from an old curse. The voice catches the spectators, wraps them and traps them: phrases in different languages overlap generating a fast rhythm. The vanishing point is in the big geographical areas and their multiple visions, with the intention of raising awareness about events manipulation and the possibility to create alternatives and realities through story construction.

However, it is an interesting exercise silently exploring inside territories and waving the feeling before it becomes words. Camila Rodríguez Triana, in Cenizas II, suggests the straight observation through a frontal lens of

a group posing for a family portrait. The scene takes place in a neutral room in which three women are sitting on an old coach as three men stand behind them, two of them facing a window chaising hopes and possible alternatives while the other faces the camera with a challenging look in his eyes. It starts raining, it is a thin and constant rain that ends up soaking dresses and dreams: the light clothes clinging to the bodies, revealing the never verbalized anatomy´s desire. Slow breathings stretch the ties in which life is most accentuated and characters remain waiting, showing their best faces and betting on being the champions in a photo that will never be taken.

Lidia Persano

83

Artistas / Artists

84

Laurène Barnel

Luciana Fina

Camila Rodríguez Triana

Fran López Reyes

Mercedes Pedroche

Mar Garrido

L’îlot

Laurène Barnel

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Acumular + Artificios y Leopardos

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Mar Garrido y Mercedes Pedroche 87

En Cenizas II

Camila Rodríguez Triana 88

Relato

Fran López 89

Luciana Fina 90

Terçeiro Andar

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White Lab En esta aglomeración de imágenes en movimiento, desde la documentación hasta la acción poética, viajamos de realidades locales a problemáticas globales, leídas además desde sus permanencias históricas y desde una crítica a la contemporaneidad como maquinaria que hace caso omiso a lo humano y terrenal.

parte en una misión espía para encontrar una pintura de Abravanel en El Cairo, donde este último vivió y triunfó con su máscara de artista.

Más allá de un sofisticado diálogo con el devenir del artista-espía, la obra de Tamir también nos expone a su propia aventura identitaria como israelí mizrahi (manera de referirse a judíos de ascendencia del Norte de África y Medio Desde un ímpetu documental, la pieza Sobre Oriente tras el movimiento sionista) ‘encubierto’ nombres de Stefania Smolkina (rus) nos retrae en territorio árabe. en la historia a la Bulgaria socialista a mediados de los 80, donde algo tan aparentemente banal Con un mismo ímpetu formal, Eduardo Balanza como el nombre nos recuerda otra forma de (esp) nos traza un viaje en dron donde vemos violencia. Con una lente silenciosa, Stefania cómo las comunidades de inmigrantes, nos enfrenta estos testimonios de originarios asentados en busca de trabajo, intentando Turcos a un presente memorial de esa Bulgaria, hacer frente y sobrevivir en el sistema, se donde las identidades de los tomadores de encuentran totalmente al margen de él. Este decisiones paradójicamente se desvanecen viaje, de sensibilidad paisajista, se vuelve en entre el homenaje y la decadencia. Entre este realidad en un retrato crudo y honesto de los paralelismo acción-tiempo permanece un otros significados de hogar, del habitar en el nuevo capitalismo. recuerdo nunca dialogado.

En lo que a identidades respecta, la obra de Tamir Zadok (isr) nos sumerge en un viaje complejo por un caso fascinante de un miembro del Mossad en los años 50, Shlomo Cohen Abravanel, quien se hace pasar por artista durante su clandestinidad en Egipto. El vídeo en cuestión, construido a partir de ‘’la actuación, el documental y la ficción’’, registra la mimetización de Zadok con Abravanel, mientras 92

dispositivos móviles y en la coyuntura política, pero que buscan permanencia en la conciencia de todos.

La pieza de obra de Miguel Braceli (ven) se enmarca en su continua exploración de ‘obras efímeras en gran formato’. Antofagasta, punto histórico de conflicto en Suramérica es el territorio retratado. El artista nos hace un recorrido del paisaje, comenzando desde la sutileza del mar, hasta la interrupción de un cañón, acompañado de destellos sonoros bélicos, que luego se enfrenta cara a cara a una línea de banderas blancas. El sonido bélico persiste entre las olas que revientan y la cámara juega con movimientos que nos recuerdan a videojuegos de guerra. Las banderas blancas, acción performativa, se mueven en una especie de danza simbólica hasta enterrarse en el mar, diluyendo, desde la poética del gesto, las tensiones que se levantan hoy en este territorio: ‘’nacionalismos exacerbados y regionalismos Desde Brasil, Luciano Scherer y Maíra Flores excluyentes’’ frente a la creciente migración en dibujan y desdibujan el paisaje de nuestros el continente. tiempos, parpadeante en un tríptico de pantallas.

El agua que vemos en la imagen también nos Lia Leticia Ferreira (bra) nos trae una especie rodea físicamente y hace de reflejo; los cuerpos de video-assemblage, enfrentándonos a las que yacen tirados son también nuestros asociaciones que despierta la yuxtaposición cuerpos. La pieza nos trae imágenes duras, de material encontrado por la artista. En este paisajes oscuros de la inmigración, imágenes caso tenemos crónicas sobre Brasil escrita por que todos reconocemos, pasajeras en nuestros colonos alemanes, narrada en lengua indígena

fulni-ô, y fotografías festivas entre 1960 y 1990 de una completa desconocida. Una intencionada confusión de sujeto/tiempo/postura que nos desentierra, desde una tonalidad muy íntima y afectiva, una realidad colonial global-histórica que aún permea.

La Política del Ser y Estar

Haciendo hincapié en el concepto de ensamblaje cerramos este comisariado con un largometraje de Salomé Lamas (por) de compleja expresión multidimensional, donde a través de la ilusión y el relato se ilustra la memoria y progresión política global tras la segunda guerra mundial. Enunciados de personalidades históricas y contemporáneas son dramatizados ante la cámara, que a su vez se amalgaman con un anécdota de ficción encarnado por el personaje de Hanan (la prima musulmana de Molly Bloom en el Ulises de Joyce) y con citas varias que intervienen en la pantalla, hilando así una investigación-narrativa con matices humorísticos de sofisticada composición.

Ariadna Arce

93

The Politic of Being Through this agglomeration of moving images, that go from documentation to poetic action, we travel from local realities to global problems.

They are analysed taking into account their historical presence while making a criticism of contemporaneity as a machinery that omits the humanly and terrenal.

With a documentary intention, Stefania Smolkina’s piece (rus) Sobre nombres travels across history to the socialist Bulgaria during the mid 80s where something as common as a name could recall a form of violence. With her quiet lens, Stefania focuses on the testimonies of originary Turkish in a memorial present of that Bulgaria, where the identity of the decisionmakers, paradoxically, vanished between homage and decay. Between this action-time parallelism, a never mentioned memory remains.

Regarding identity, Tamir Zadok’s work (isr) depicts the fascinating case of a Mossad member from the 1950s, Shlomo Cohen Abravanel, who pretended to be an artist while hiding clandestinely in Egypt. The video in question, created from ‘acting, documentary and fiction’, portrays Zadok’s mimetization with Abravanel while being part of a spy mission searching one of Abravanel’s paintings in El Cairo, the last place where he lived masked as an artist. In addition to the sophisticated dialogue conformed with the spy/artist, Tamir’s work exhibits its own identitary adventure as a 94

mizrahi Israeli (term used to describe the jew population with North African and Middle East ancestry after the zionist movement) living ‘undercover’ in Arab territory.

by the bellic sounds that ends up facing a line of white flags. The belic sound persists between the sea waves that break while the camera plays with movements that recall war videogames.

The white flags are performatively moved in a symbolic dance that ends up buried in the sea dissolving, in a poetic gesture, the current tensions formed in this territory: ‘exacerbated nationalisms and exclusionary regionalism’ opposed to the rising migration in the continent.

With the same formal determination as Stefania Smolkina, Eduardo Balanza (esp) depicts a dron run where different immigrant communities are shown, settled looking for a job and trying to face and survive a system that completely marginalizes them. This landscapist journey, evolves into a crude and honest portrayal of the Lia Leticia (bra) offers a video-assemblage other meanings of home and inhabitance inside that makes us face the associations that the juxtaposed material found by the artist awakens new capitalism. in us. In this case, we find chronicles from Brazil From Brasil, Luciano Scherer and Maíra Flores written by german settlers, narrated in the draw and blur the landscape of our times, indigenus language fulni-ô, and several festive flickering in a tryptic of screens. The water in photographs of an unknown woman’s life from the image also covers the viewer physically, the 1960s to 1990s. An intentioned confusion while working as a reflection. The bodies lying of subject/time/posture that unearths, from an are our bodies too. The piece portrays harsh affective and intimate tone, a global-historic images of the dark landscapes of immigration. colonial reality that still permeates the present.

Familiar images that usually stay shortly in our mobile devices and our politics but that seek to Stressing the idea of assembly, this commission is closed with a film by Salomé Lamas (por) stay in our consciences. which possesses a multidimensional and Miguel Braceli’s piece (ven) can be framed complex expression, in which, the memory and in his continuous exploration of ‘ephemeral global political progression, since the second pieces in large format’. The territory portrayed is World War, is illustrated, through illusion and Antofagasta, a historic point of South American tales. Words by historic and contemporary conflict. The artist creates a journey across the personalities are dramatized in front of the landscape, starting from the delicacy of the sea camera. to the interruption of a cannon, accompanied Ariadna Arce

Artistas / Artists

Miguel Braceli

Stefania Tatiana Smolkina

Luciano Scherer & Maíra Flores

Tamir Zadok

Eduardo Balanza

Lia Letícia

Salomé Lamas

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Enterrar las Banderas en el Mar

Miguel Braceli 96

Sin Título (Reflejos)

Luciano Scherer & Maíra Flores 97

La Fragilidad de Habitar

Eduardo Balanza 98

Fatamorgana

Salomé Lamas 99

Quinta del Sordo La sede Quinta del Sordo acoge cinco trabajos de videoperformance que ponen en relación expresiones como son el vídeo, la performance y el sonido con el trabajo y reflexión sobre las ideas de cuerpo y espacio. Y es que todos somos, en el último y primer término de nuestro ser, cuerpo. El cuerpo es el espacio simbólico primero, así como el espacio de comunicación primero. El cuerpo es espacio simbólico primero al estar, al pertenecer, al ocupar, al ser, antes que cualquier otro signo. Y es comunicación en sus capacidades más innatas, pues el comunicar es un acto que también pertenece a los sentidos: el tocarse, notarse, sentirse. El límite entre los cuerpos, entre la individualidad del cuerpo, es precisamente el espacio de la comunicación.

De ahí que este potencial actante y comunicador haya convertido al cuerpo en el centro de las artes vivas y de la performance desde su origen. El cuerpo se performa al discurrir, al ocupar, al intervenir o intervenirse, al estar o no estar, al ser o no ser presencia. Pero también, o más bien por ello, las estructuras simbólicas han buscado dominar al cuerpo, moldearlo, codificarlo, normativizarlo según los sistemas dominantes. Pensemos en cómo la sociedad de la virtualización y la individualización capitalista es la de la ausencia de la sensibilidad de los cuerpos, la ausencia de la posibilidad de vibrar en torno a estados de empatía no codificados, 100

como señala Bifo en su obra Fenomenología del encuentro lento, progresivo, que sigue el único fin. Sensibilidad y mutación conectiva (2015). ritmo de lo que podría ser, o no, el sonido de un metrónomo; el encuentro entre la piel No obstante, al ser espacio de comunicación humana y los materiales que la rodean. Como primero, el cuerpo es, al mismo tiempo que resultado, la huella de este particular diálogo. El dominado, la posibilidad del signo no codificado cuerpo humano queda marcado por el cuerpo (aquí se entendería, por ejemplo, la propuesta de la harina inerte. La harina inerte ha sido del Cuerpo sin Órganos de Deleuze y Guattari, transformada por acción del cuerpo humano. esa especie de búsqueda de un estado de Ambos se resisten al rechazo. Ambos entablan organización previo al organismo jerarquizado). una nueva relación.

Sea recurriendo a esta u otras formas de experimentar, de performar, el cuerpo incluye Por su parte, Acaymo Santana Cuesta (esp) en sí mismo la posibilidad de la resignificación. escenifica otro encuentro en La imposibilidad de Y esta búsqueda por armarse cuerpo, por la ascensión (2018). En este caso, el que sucede recodificar, por ocupar, por marcarse límite con entre un cuerpo político y un espacio público las estructuras simbólicas dominantes es la que politizado. En escena aparece un trapecio subyace en las obras presentes en la sala. Obras negro, sin profundidad aparente, sin superficie. que, además, ponen en tensión al cuerpo con Frente a él, otro cuerpo, el de una persona, se la naturaleza misma de la videoperformance: detiene ante la forma negra. Asciende sobre ella la tensión entre la imagen, que es siempre y pronto cae. Ahora lo sabemos. Es una rampa. registro en una temporalidad incorpórea, y la Pero no una cualquiera; es una representación, performance, que nace de la finitud y presencia, una desviación de las escaleras del conocido presencia del cuerpo que vive.

“Monumento conmemorativo del Pueblo de Madrid a la Constitución de 1978”, de Miguel El de Metamorphosis#1 (2019), de Ana Caetano Ángel Ruiz, situado frente al Museo de Ciencias (por), es el cuerpo en su comunicar primario, Naturales de Madrid. Áquel que conmemora el del contacto con los materiales que nos la idea de la ascensión del pueblo español al rodean, el sentir de los materiales. En este alcanzar la democracia. No obstante, el artista caso, la harina. un montículo de harina sobre ha desviado las escaleras transfigurándolas en fondo negro aparece bajo un cuerpo desnudo. la ironía de la rampa negra, a cuyo intento de Y, entre ellos, el espacio del encuentro. El ascensión le acompaña siempre una caída. La

Habitar cuerpos, corporeizar espacios.

Cuerpo, videoperformance y espacio público de la imposibilidad de la ascensión. El nuevo monumento representado es así un abismo sobre el que caer, una y otra vez, producto de una relectura del relato público, el de la Transición, al que algunos cuerpos no sienten pertenecer.

Para muchos, el cuerpo neoliberal es también el de la cultura del progreso, la expectativa de la acción ininterrumpida, de la movilidad continua y del saber arrogante. En este sentido, a veces, es el espacio el que está significado y como tal preconfigura una movilidad. Una ciudad, una fábrica, un parque, unas escaleras, un techo, una puerta… nos advierten de cómo el cuerpo se deberá mover en ellas. De los sitios siempre se espera una acción determinada, una respuesta concreta. No obstante, frente a esta idea, el colectivo DEHORS/AUDELA rescata el concepto griego de ἀπορία en su obra Aporia (2019). A lo largo de una serie de paisajes, de imágenes concretas mezcladas con detalles de aspiración abstracta, un cuerpo interpreta una danza de movimientos repetitivos pero imaginados, automatizados pero dudosos, precisos e imprecisos a la vez, que parecen no adaptarse a ningún ritmo, no terminar ninguna acción, no comportarse como de él se esperara.

Aporía es el reclamo de la falta de decisión y de respuesta, de la estasis e inmovilidad. El quedarse en la vacilación, detenerse entre la

línea que une a y b, el problema y la solución, de la canción del mismo título del grupo R.E.M. sin llegar a decir nada.

La ironía o provocación es la que resulta del montaje entre ambos. El de la letra que dicta Sobre sonido y espacio reflexiona la obra con “and I feel fine” frente al vaticine del mundo que formato instalativo del Colectivo Ergo Sound Still se colapsa, mientras la voz que la pronuncia City Blues (El Blues de la ciudad inmóvil) (2018). se va quebrando, muy poco a poco, a medida Frente al espectador se sitúan dos pantallas y que avanza la performance que roza la hora de varios auriculares con los que interactuar. Sobre duración, de una sutileza demoledora. la pantalla, el vídeo muestra el movimiento de una cámara que se desliza entre el tráfico de La sede presenta, además, el día de su Madrid. De los altavoces emerge el sonido inauguración a Metamorphosis#2, un trabajo de externo. El de la sinfonía urbana, del bullicio performance en directo en el que Ana Caetano del tráfico, de la ciudad ocupada. No obstante, se acompaña del trabajo sonoro de Diego pronto aparecen sobre la imagen las figuras Flórez. En este caso, son el papel, las máscaras de varios músicos inmóviles entre el tráfico, en y las mascarillas los nuevos materiales (que, silencio. Su melodía, la del cuerpo inmóvil, es la por otra parte, se han tornado tan cotidianos que puede escucharse por los auriculares. Ese este año) en torno a los que Caetano reelabora mundo interno, la otra sinfonía urbana posible, su danza que exige la contemplación, la empatía, la otra escucha. La instalación enfrenta así dos Luis Cemillán sonidos, dos mundos, y el reclamo de otra sonoridad, otra sonoridad posible para ocupar el espacio de la ciudad.

Un último enfrentamiento es el del cuerpo de Julien Duc-Maugé (fra) en su obra It’s the end of the world as we know it and I feel fine (2020). El artista frente a la cámara. Desafiante, o tal vez no. En una pose tranquila, en su inicio al menos, la que se limita a un pequeño movimiento de labios, a través de los que interpreta un verso 101

Inhabit bodies, embody spaces.

Body, videoperformance and public spaces Quinta del Sordo space gathers five video performances which bring together expressions such as performance, video and sound with the work and reflection of the ideas of body and space. Because we are, firstly and lastly, bodies.

The body is the first symbolic space, just like the first space of communication. It is so because it is, belongs and occupies before any other sign. It’s communication in its most inherent capacities, since communicating is an act that also belongs to the senses, like touching, feeling or perceiving. The limit between the bodies and their individuality is precisely the space of communication.

Hence, this actanct and communicator potential has transformed the body into the center of the arts and the performance since its origins. When the body occupies, intervenes and is or isn’t present, then the body is performing. For this reason, symbolic structures have sought the domination of the body: shaping, coding and standardizing it according to the dominant systems. Let’s think how the society of virtualization and capitalist individualization is the one where the bodies lack of sensitivity, of the possibility of vibrating around non codified states of empathy, just as Bifo

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states in his work “Phenomenology of the end: Sensibility and connective mutation” However, because the body is a space of first communication, the body is dominated and, at the same time, it is the possibility of the decodified sign (this could be supported by Deleuze and Guattari’s proposal in Body without organs the search of a state of organization previous to the hierarchical organism). Either through these forms of experimenting and performing or others, the body contains in itself the possibility of resignification. The search for recoding, occupying and defining the dominant symbolic structures is what lays beneath the works in this exhibition. Works that tense the body with the essence of the videoperformance: the tension between the image, that registers in an incorporeal temporality, and the performance, that is born from finitude and presence of the living body.

The body portrayed in Metamorphosis#1 (2019) by Ana Caetano (por) is a body in its primal communication. A body in contact with the materials surrounding it. A body that feels those materials. In this case, the flour. A mound of flour against a black background appears under a naked body and between them, an encounter space. A slow, progressive encounter which

follows a single rhythm of what could be or not be. The sound of a metronome, the encounter between flesh and the surrounding materials. As a result, the trace of this particular dialogue is achieved. The human body is marked by the body of the inert flour.

The inner flour has been transformed through action from the human body. Both oppose rejection. Both initiate a new relationship.

Acaymo Santana Cuesta (spa), for her part, stages another encounter in La imposibilidad de la ascensión (2018): the one between a political body and a politicized public space.

In this scene, a black trapeze appears without apparent profundity without surface. Facing it, another body, human this time, is placed in front of the black form. The form ascends over her and falls. Now, we know. It’s a ramp. Not any ramp but a representation, a deviation of the known stairs from the Commemorative Monument of the Constitution of 1978 in Madrid by Miguel Angel Ruiz, placed in front of the Natural Science Museum of Madrid. The one that commemorates the idea of the Spanish people ascending when achieving democracy. Nevertheless, the artist has Inhabit bodies, embody spaces. Body, videoperformance and public spaces. diverted

the stairs transforming them in the irony of the black ramp, whose intent of ascending is always accompanied by a fall. The one imposible to ascend. In this way, the new monument represented is an abyss to fall over and over, as result of a rereading of the public narrative of Transition, where there are bodies still that do not belong.

the lack of decision and answer, of extasis and immobility, staying in the hesitation, stopping between the line that links a and b, the problem and the solution, without saying anything.

‘Still City Blues (El Blues de la ciudad inmóvil)’ (2018) installation work by Colectivo Ergo Sound (spa) reflects on sound and space. The spectator is placed in front of two screens and several headphones for them to interact. Above the screen, a video shows the movement of a camera that slides across Madrid’s traffic. From the speakers, an external sound emerges. The sound of the urban symphony, of the traffic noise and of the occupied city. Nevertheless, several musicians appear on the screen motionless between the traffic, in complete silence. Their melody of the unmoving bodies is the one playing on the earphones. In this internal world, another urban symphony is possible. This one demands contemplation, empathy and another way of hearing. The installation confronts two sounds, two worlds and the reclaim of another sonority possible to occupy the space in the city.

For many, the neoliberal body is also the body of the progress culture, the expectation of an uninterrupted action, of a continuous mobility and an arrogant knowledge. In this way, sometimes, the space is the one signified and, therefore, is the one shaping the movement. A city, a factory, a park, some stairs, a roof, a door… they all advise us about how the bodies should be moving in them. From all the spaces is expected a certain action, a concrete answer. However, DEHORS/ AUDELA (ita) collective rescues the greek concept of ἀπορία in their work ‘Aporia’ (2019) to face this idea. Throughout a series of landscapes, of concrete images mixed with abstract details, a body performs a dance of repetitive but imagined movements. Automatic but dubious, both precise and imprecise which seems to not be able to The body confrontation in Julian Duc-Maugé’s adapt to the rhythm, finish any action or behave (fra), work ‘It’s the end of the world as we know it and the way it is supposed to. Aporia is the lure of I feel fine’ (2020) is the last one. The artist faces

the camera, perhaps defiant perhaps not. In a calm pose, at least at the beginning, there is only a tiny movement in his lips that recites a verse of the homonymous song from the group R.E.M. The montage of both elements has as result irony and provocation. The irony of the lyrics that state ‘and I feel fine’ versus the forecast of a collapsing world, while the voice slowly trembles along the duration of the performance, with a devastating subtlety.

Luis Cemillán

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Artistas / Artists

Acaymo S. Cuesta

DEHORS / AUDELA 104

Ana Caetano

Colectivo Ergo Sound

Julien Duc-Maugé

Aporia

DEHORS / AUDELA 105

La imposibilidad de la ascensión

Acaymo S. Cuesta 106

Metamorphosis #2

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Ana Caetano + Diego Flórez

Still City Blues

Colectivo Ergo Sound 108

It’s the end of the world as we know it and I feel fine

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Julien Duc-Maugé

Metamorphosis #1

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Ana Caetano 111

Taller Francisco Ruiz de Infante

Proyecto TODO está aquí (¿aquí y ahora ?)

Un taller audiovisual en torno a la noción de individual y colectiva de la performance en dispositivo y a sus expansiones performativas. la cual la noción del “aquí y ahora” será vertiginosamente puesta en duda.

Francisco Ruiz de Infante es un artista “fuera de formato”, un agitador, un deformador y Para lograrlo tendremos que hacer trampas; un generador de contextos. Para él el acto sacar una artillería de imágenes, de diaporamas de la creación es ese que permite mover las y de objetos que, dispersos en la sala, nos “máquinas” para que algo pase, no se reduce permitían el movernos de manera agitada o al concentrarse en la realización de objetos cautelosa explicitando ideas. estabilizados que se colocan en espacios también estabilizados. Ruiz de Infante intuye ¿Ver mejor? ¿Escuchar más? Seguramente que en las artes (y en las vidas) muchas ver y escuchar de otra manera y con una corrientes más o menos subterráneas (redes, consciencia diferente. complicidades, estrategias, errores y aciertos) hacen que las energías puedan existir.

Sin perder de vista una línea poética desarrollada de manera muy paradójica en su trabajo desde siempre, Ruiz de Infante compartirá sus experiencias en diversos campos artísticos (texto, sonido, imagen, performance…) enfocando la práctica del taller entorno a una visión muy abierta de la noción de “test espacio temporal”.

En “Proyecto TODO está aquí” diversos dispositivos de amplificación (de la imagen y el sonido) abrirán puertas hacia una práctica

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Posibles pistas temáticas a desplegar: • Conexiones entre necesitar, desear y poder.

• La noción de Stock (memoria, espacio de reactivaciones, espacio de melancolías…)

• Algunos espacios de la confianza : cuerpo técnico, cuerpo próximo, cuerpo necesario, cuerpo interruptor, cuerpo ausente, cuerpo post-productor, cuerpo imaginado, cuerpo compuesto…

• Dualidades perceptivas : Cerca-Lejos / VisibleInvisible / Pequeño-Grande / Presente-Ausente / Pasado-Futuro / Íntimo-Público / Dentro-Fuera Dualidades culturales : Norte-Sur / FemeninoMasculino / Verdad-Mentira / Realidad-Ficción • Escritura-palabra-voz : Enunciados, Slogans, tonalidades… experimentación de la noción de « escribir en grande ».

•¿Sinónimos?: Interpretaciones / reinterpretaciones / traducciones / traiciones

Project EVERYTHING is here (here and now ?)

An audiovisual workshop on the notion of the To achieve this we will have to cheat; to draw an artillery of images, slides and objects that, device and its performative expansions. scattered in the room, allowed us to move in an Francisco Ruiz de Infante is an artist “out of agitated or cautious way, making ideas explicit. format”, a shaker, a deformer and a generator of contexts. For him, the act of creation; that See better? Hear more? Surely seeing and which allows moving the “machines” so hearing in a different way and with a different that something happens, is not reduced by consciousness. concentrating on the realization of stabilized objects that are placed in also stabilized spaces.

Ruiz de Infante intuits that in the arts (and in lives) many more or less underground currents (networks, complicities, strategies, mistakes and successes) make energies to exist.

Without losing sight of a poetic line that has always been developed in a very paradoxical way in his work, Ruiz de Infante will share his experiences in various artistic fields (text, sound, image, performance ...), focusing the practice of the workshop around a very open vision of the notion of “space-time test”.

Possible thematic clues to display: • Connections between need, want and power.

• The notion of Stock (memory, space for reactivations, space for melancholy ...)

• Some spaces of trust: coaching staff, close body, necessary body, switch body, absent body, post-producer body, imagined body, composite body ...

• Perceptual dualities: Near-Far / VisibleInvisible / Small-Large / Present-Absent / PastFuture / Intimate-Public / Inside-Outside Cultural dualities: North-South / Female-Male / Truth-Lie / Reality-Fiction • Writing-word-voice: sentences, slogans, tones… experimentation with the notion of «writing big».

• Synonyms ?: Interpretations / reinterpretations / translations / betrayals

In “Project EVERYTHING is here”, various amplification devices (of image and sound) will open doors towards an individual and collective practice of performance in which the notion of “here and now” will be dizzyingly questioned.

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Taller

Francisco Ruiz de Infante 115

Encuentro de Artistas El 15 de septiembre realizamos la presentación del Encuentro de Artistas en MediaLab Prado para un público local e internacional que nos acompañó vía streaming durante el festival PROYECTOR 2020. Con este tipo de iniciativas proponemos adentrarnos en la creación de obra perteneciente al campo del videoarte contemporáneo. Usualmente con el fin de generar un intercambio de preguntas y respuestas con un público presente, pero que este año, dada la situación sanitaria, se redujo a un intercambio entre los mismos artistas, lo cual resultó muy fructífero. Se trató de una gran oportunidad para conocer los procesos creativos, materialidades y disparadores conceptuales de algunxs de lxs artistas que participaron del festival este año. Se planteó en forma de mesa semicircular, donde cada ponente mostró contenido teórico y visual, tanto de sus obras actuales como de sus inicios, en un contexto cálido y de debate, moderado por Valentina María Viqueira.

Abrieron la mesa Mercedes Pedroche y Mar Garrido, ambas artistas españolas. Nos contaron cómo se conocieron, en un laboratorio online de videoarte, donde descubren que sus trabajos se unen a partir de una afinidad poética en torno al absurdísimo de Albert Camus y en el concepto de eterno retorno de

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Medialab Prado

Nietzsche. Proponen entretejer lo escénico y lo Luis Carlos Rodríguez nos describió el proceso visual a partir de la unión de Acumular de Mar de creación que atravesó para realizar el vídeo y Artificios y leopardos de Mercedes. de carácter experimental ANi_av1 (collage18) expuesto en Sala Equis. Se puede describir Continuó Fran López Reyes mostrando un como fragmentos de películas con las que el adelanto de lo que es su obra Relato expuesta artista juega hasta crear un baile visual. en el Instituto Francés de Madrid. Conocimos los detalles de su proceso creativo al momento Y por último, Alberto Chinchón de BandaPan, de desarrollar una idea y las adversidades nos adentró a la historia de Susana, la esposa con las que se enfrentó para realizar esta de Joaquín, protagonista de Susana y los videoinstalación. viejos proyectada en Sala Equis, pero también anécdotas de cómo se formó este grupo, y su Hel City es la pieza que presentó Gregorio espontaneidad al momento de producir nuevos Méndez en ¡Ésta es una Plaza!, realizada a vídeos. partir de un largo archivo de Super 8 con Valentina María Viqueira películas anónimas de viajeros y turistas alrededor del mundo. El artista nos manifestó su afinidad por este tipo de vídeos y cómo los fue coleccionando.

Glenda León, artista cubana, nos compartió su proceso de obra, el cual incluye vídeos en los que investigaba mínimos movimientos como la respiración de su propio cuerpo, hasta llegar a la obra que expuso en CRUCE, Hablando con Dios. En ella señala nuestra relación con la tecnología entendida como una actualización de la fe y del sonido editado digitalmente de murmullos de murciélagos.

Artists Meeting On September the 15th, we held the presentation of the Artists Meeting at Medialab Prado for a local and international audience who accompanied us via streaming during the hole festival PROYECTOR 2020. With this type of initiatives, we seek to go deeply into the videoart creations, specially in contemporary production. We usually develop these meetings in order to generate an exchange between the artists and a present audience, but this year, taking into account the health conditions, it was reduced to an exchange between the artists themselves; it results very rewarding.

It was a great opportunity to learn about the creative processes, used materials and conceptual research from some of the festival´s participating artists. Each exponent showed theorical and visual content from both their current works and their beginnings, in a warm debate moderated by Valentina María Viqueira.

Fran Lopez Reyes continued, showing a preview of his video Relato, exhibited at the Instituto Francés from Madrid. We learned the details of his creative process when developing an idea and the adversities he faced to make this video installation.

At last, Alberto Chinchón from BandaPan, introduced us to the story of Susana, Joaquin´s wife, protagonist of Susana y los viejos screened at Sala Equis. But also, he shared anecdotes about how this group was formed, and their spontaneity when producing new artwork.

Hel City is the piece that Gregorio Méndez presented in ¡Ésta es una Plaza! made from a long file of Super 8, with anonymous tourist and travellers’ films around the world. The artist expressed his affinity for this type of videos and how he got to collect them.

Valentina María Viqueira

Glenda León, a Cuban artist, shared with us her work process, which includes videos in which she investigates slight movements, such as her own body breathing, until she reached the video exhibited at CRUCE, Hablando con Dios. In it she signalizes our relationship with technology, creating a comparison with religious life and The meeting was opened by Mercedes traditions, and a digitally edited sound of Pedroche and Mar Garrido, both Spanish murmuring bats. artists, told us how they first met, in an online video art laboratory, where they discovered an Luis Carlos Rodríguez described to us the affinity poetic around the absurdity of Albert creative process he went through in order Camus and the concept of Nietzsche’s eternal to make the experimental video ANi_av1 return in their artworks. They propose to (collage18) exhibited in Sala Equis. It can be interweave Acumular and Artificios y leopardos described as a movie clips that the artist plays with to create a visual dance. in a scenic and visual way.

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Encuentros de artistas

Medialab Prado 118

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Encuentros Profesionales 1. Amplificador Político: Escuchando a Oriente Próximo I investigadora especializada en Oriente

Próximo y prácticas espacios fronterizos

artísticas

en

En esta mesa virtual nos acercamos al videoarte de una manera muy amplia y extensa. Esto significa que no negamos las intersecciones del videoarte con otras prácticas como el cine u otras realidades como la política. La multiplicidad de perspectivas también está presente si miramos los diferentes perfiles de las mujeres que hoy dialogan en este encuentro: Ulya Soley, Fatma Çolakoğlu y Shaghayegh Norouzi que vienen de Turquía e Irán y cuyo trabajo habita en el campo de la curaduría, la actuación, la realización cinematográfica, la investigación —entre otros—.

Es crucial señalar la relevancia de esta mesa en un contexto como éste, cuando la imagen, el arte, la creatividad y la producción de nuevas estrategias de vida es cada vez más necesario. ¿Es posible vivir a través del arte? Dicho de otra manera: ¿es el arte —y el videoarte— una de las grietas por las que se respira?

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Irán: Shaghayegh Norouzi (ira)

su trabajo. Si hubiera una revolución en Irán, sería una revolución de mujeres.

Las artes y lo audiovisual en Irán están condicionados por la estructura dictatorial, lidiando con la falta de presupuestos y manipulación de contenidos. El arte independiente, el que no está moldeado por el sistema dictatorial iraní, tiende a ser silenciado.

En Irán la imagen en movimiento necesita un permiso de firma para ser producida y, cuando se muestra en el extranjero, debe pasar por un filtro de control de las instituciones artísticas gubernamentales. Algunas instituciones o plataformas culturales en el extranjero también tienden a liberarse de la responsabilidad de reconocer los problemas de censura, y por lo tanto, la política detrás del material artístico que han recopilado o recibido de Irán.

Las mujeres tienen una situación especial a este respecto, ya que la opresión sobre ellas es más pesada. Ellas son distanciadas de diversos campos y empleos: el cine o la creación audiovisual es uno de ellos, por eso he recopilado cuatro artistas mujeres para los programas curatoriales que se presentan en PROYECTOR2020. El trabajo artístico realizado por las mujeres iraníes es muy valioso en este sentido; trabajan desde la periferia y afrontan cuestiones delicadas y poderosas a través de

Turquía: Ulya Soley

actriz y comisaria independiente

Moderadora: Olga Blázquez (esp)

Sala Alcalá 31

supervisora de colección del Museo Pera y comisaria independiente

& Fatma Çolakoğlu, directora asociada

de Salt y comisaria independiente (tur), duo curatorial de Maybe Art Projects ¿Cuáles son las implicaciones y reflejos de los interesantes tiempos que todos atravesamos?

Este sentimiento, de alguna manera más conectado pero menos social, ha estado con nosotros desde que los dispositivos digitales se han convertido en una parte importante de nuestras vidas. Nuestro programa para Festival PROYECTOR no necesariamente representa ningún ámbito geográfico, sino que se centra en un sentimiento común relacionado con las memorias asociadas al tejido urbano. La gentrificación y la transformación de la ciudad son problemas comunes en muchas ciudades metropolitanas y Estambul es un ejemplo, en el que tuvimos la oportunidad de experimentar su transformación. Todas las obras del programa tratan tanto de la transformación de la ciudad como de la cultura urbana. Es interesante pensar en cómo la ciudad da forma a la cultura

Professionals Meetings 1. Political Amplifier: Listening to the Middle East I Moderator: Olga Blázquez (spain)

researcher specialized in the Middle East and artistic practices in border areas.

In this virtual table we are approaching video art in a very broad and wide way.

This means that we do not deny the intersections of video art with other practices such as filmmaking or other realities such as politics. The multiplicity of perspectives is also present if we look at the different profiles of the women that are talking today in this encounter: Ulya Soley, Fatma Çolakoğlu and Shaghayegh Norouzi who come from Turkey and Iran and whose work inhabits the fields of curatorship, acting, filmmaking, researching —among others—.

It is important to highlight that we are starting from these different perspectives with the aim of arriving at a common space of discussion.

Also it is crucial to point to the relevance of this table in a context such as this, when image, art, creativity and producing new strategies for living is increasingly necessary. Is it possible to live through art? I put it otherwise: is art —and video art— one of the cracks through which one can breathe?

Iran: Shaghayegh Norouzi (Iran) actress and independent curator

The arts and audiovisuals in Iran are conditioned by the dictatorial structure, dealing with lack of budget and content manipulation. Independent art, that which is not shaped by the Iranian dictatorial system, tends to be silenced. The moving image of Iran, when at home need a signature permit to be produced, and when shown abroad, must go through a filter of control from the governmental art institutions.

Some foreign cultural institutions or platforms abroad also tend to release themselves from the responsibility of acknowledging the censorships issues, and therefore, the politics behind the art material they have gathered or received from Iran.

Women have a special situation in this regard as the oppression over them is heavier. They are placed at a distant from various fields and positions: filmmaking or audiovisual creation is one of them. This is why I have collected four female artists for the curatorial programs screened at PROYECTOR2020. The artistic work done by Iranian women is very valuable in this sense; they are working from the peripheries and affronting delicate and powerful issues through their work. If there would be a revolution in Iran it would be a women’s revolution’.

Turkey: Ulya Soley

collection supervisor of the Pera Museum and independent curator

Fatma Çolakoğlu, associate director of

Salt and independent curator (tur), curatorial duo of Maybe Art Projects • Talk abstract Ulya Soley: What are the implications and reflections of the interesting times that we are all going through?

This somehow more connected but less social feeling has been with us since the digital devices have become a significant part of our lives. Our program for PROYECTOR Festival does not necessarily represent any geographical area, but it focuses on a common feeling related to the memories associated with the urban fabric.

Gentrification and the transformation of the city are common problems in many metropolitan cities, and Istanbul is an example, in which we had a chance to experience its transformation.

All works in the program deal with the transformation of the city as well as the urban culture. It is interesting to think about how the city shapes the culture that builds around it, and how that culture dominates the general feeling of a place in turn. Art is struggling to leak through this transformation and be independent of certain restrictions. Forms of

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Encuentros Profesionales que se construye a su alrededor y como a la vez esa cultura domina el sentimiento general de un lugar. El arte está luchando por filtrarse a través de esta transformación y ser independiente de ciertas restricciones. Las formas de censura se convierten en una práctica común y la producción artística se adapta mucho a las pautas de la comunidad de Instagram. A pesar de todo, es emocionante ser parte de la producción artística y trabajar con artistas que están luchando contra las estructuras establecidas y mejorando el sistema para que una parte de esta cultura independiente viva sin importar la rápida transformación de la ciudad.

La solidaridad, las relaciones de clase, la tecnología, la política institucional y la empatía son algunos de los temas cada vez más relevantes junto con los campos de la neurociencia, las emociones y el lenguaje, todos ellos pesan en una cierta criticidad en la vida cotidiana. Estos temas y disciplinas clave entran en juego a través del cine, el vídeo y la televisión y, en general, la imagen en movimiento, demostrando ser cautivadora, dando paso a resultados creativos que producen obras estimulantes, vigorizantes e indelebles. La imagen en movimiento, en esencia, explora el pensamiento y las emociones humanas, vinculando de manera

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crucial el cuerpo dentro del espacio físico y la causalidad, mientras captura la ferocidad y la serenidad de la mente humana. El programa para PROYECTOR, Debris, una colección de historias abstractas sobre la transformación urbana y el impacto humano del cambio climático, tiene como objetivo trazar viajes visualmente eclécticos hacia la dualidad de la evolución humana; desenmascarando y descifrando las capas ocultas de nuestra existencia colectiva social. A medida que se desarrolla una nueva forma de existencia y vida, la lucha por distinguir la realidad de la narrativa se ha vuelto insoportablemente difícil; la conexión y la desconexión toman nuevas formas. A pesar de la abrumadora presencia en esta era de capitalismo de vigilancia, el arte, de hecho, puede actuar como puente entre un mundo profundamente alterado y la humanidad; puede brindar los medios para una mejor comprensión y control de nuestro ecosistema; y puede proporcionar las semillas a una humanidad próspera en un mundo dominado por las máquinas.

Sala Alcalá 31 presentado Speculative Imaginaries, no pudo ser participe de los encuentros como estaba estipulado.

2. Amplificador Político: Escuchando a Oriente Próximo II Moderador: Isidro López-Aparicio (esp) artista, comisario y docente con especialización en Oriente Próximo.

En el subconsciente de las sociedades occidentales Oriente Próximo está representado por imágenes lleno de prejuicios.

En un mundo impulsado por estas imágenes, el retrato constante de culturas de Oriente Próximo como un “otro” homogéneo y el uso de estereotipos engañosos está creando distancias sociales. No es de extrañar que el arte que se produce en Oriente Próximo desafíe estas nociones, resistiendo la definición occidental y la adherencia a las expectativas. El arte contemporáneo de Oriente Próximo propugna una gama vibrante Palestina: Reem Shadid de diálogos y debates, vigorizando la mundo comisaria e investigadora independiente del arte internacional a través de su mediación Lastimosamente Reem Shadid, comisaria y análisis de la identidad y la condición en un invitada de Palestina y creadora del programa contexto local y global.

Professionals Meetings censorship become common practice and artistic production becomes very much in-line with Instagram’s community guidelines. Despite all, it is exciting to be part of art production and work with artists who are fighting the established structures and improving the system so that a part of this independent culture lives regardless of the rapid transformation of the city.

of our societal collective existence. As a new way of existence and living unfolds, a struggle to distinguish reality from the narrative has become excruciatingly difficult; connection and disconnection take on new forms. Despite the overwhelming presence in this age of surveillance capitalism, art in fact can act as the bridge between a deeply altered world and humanity; it can deliver the means to a better • Talk abstract Fatma Colagoklu: understanding and control of our ecosystem; Solidarity, class relations, technology, and it can provide the seeds to a thriving institutional politics, and empathy are some of humanity in a machine-dominated world. the ever more so relevant subjects along with the fields of neuroscience, emotions and language Palestine: Reem Shadid - all weigh in a certain criticality in everyday life. Curator and Independent Researcher (former These key themes and disciplines come into Deputy Director of the Sharjah Art Foundation play through film, video and television, overall, and former Sharjah Biennial Coordinator) the moving image - proving to be captivating, giving way to creative outputs producing Unfortunately Reem Shadid, Palestine Guest stimulating, invigorating and indelible works. Curator and creator of the program presented The moving image, in essence explores human ‘Speculative Imaginaries’, she could not be thought and emotions, crucially linking the part of the meetings as stipulated. body within physical space and causality, while capturing the ferocity as well as the serenity of the human mind. The program for PROYECTOR, Debris, a collection of abstract stories about 2. Political Amplifier: Listening to urban transformation and the human impact of the Middle East II climate change aims to map out visually eclectic Moderator: Isidro López-Aparicio (spa), artist, journeys into the duality of human evolution; curator and teacher specialized in the Middle unmasking and deciphering the hidden layers East.

In the subconscious of the occidental societies the Middle East is represented by images full of prejudices. In a world driven by these images, the constant portrayal of cultures from the Middle East as one homogenous “Other” and use o misleading stereotypes is creating a social distance. It is not a surprise that art being produced in the Middle East challenges these notions, resisting Western definition and adherence to expectations. Contemporary art from the Middle East espouses a vibrant range of dialogues and debates, invigorating the international art world through its mediation and analysis of identity and the human condition in both a local and global context.

It is a challenge to rethink our cultural preconceptions. While the work on video art from Middle East is often a response to local themes in a region undergoing significant changes in cultural, economic and geo-political fields, it also reveals a new creative perspective on global issues.

Due to the difficulty to send art from some countries from Middle East, video art has became one of the most important ways to see what’s going on in the arts on these regions: the past, present and future are muddled, human and nonhuman narratives takes on contested pasts and uncertain futures in which human responsibility is continuously scrutinized.

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Encuentros Profesionales Es un desafío repensar nuestras ideas culturales preconcebidas. Si bien el trabajo sobre videoarte de Oriente Próximo es a menudo una respuesta a temas locales en un región que experimenta cambios significativos en los campos cultural, económico y geopolítico, también revela una nueva perspectiva creativa sobre problemas globales.

Debido a la dificultad para enviar arte desde algunos países de Oriente Próximo, el videoarte se ha convertido en uno de las formas más importantes de ver lo que está sucediendo en el arte en estas regiones: el pasado, el presente y el futuro son confusos, las narrativas humanas y no humanas adquieren pasados y futuros inciertos en los que la responsabilidad humana se analiza continuamente.

y artistas enfrentan luchas diarias. Con respecto al arte, los gobiernos no subvencionan, por lo que es difícil que los artistas produzcan y que existan instituciones culturales.

El Fondo Árabe para las Artes y la Cultura, al cual represento, es una institución independiente de subvenciones en la región, enfocada a diversas disciplinas artísticas y visuales, que apoya tanto a individuos como a instituciones e iniciativas culturales.

En educación son muchas las pequeñas iniciativas que han visto la luz, emprendidas por grupos de artistas que decidieron unirse y desarrollar programas alternativos para las artes visuales. Estos son proyectos alejados del academicismo de las universidades.

Sin embargo, cuando se trata de una educación artística próspera, académica y Líbano & Región Árabe: Soleil Gharbieh formalmente hablando, hay esperanza, más gestora cultural y miembro de AFAC Arab allá de los currículos establecido, en algunas de las personas que enseñan videoarte.

Funds for Arts and Culture Oriente Próximo no es un lugar homogéneo; no se pueden comparar países, ni los países que comparten esa etiqueta de Oriente Próximo, ni los países árabes.

Quizás haya un hilo en común que son las dificultades a las que nos enfrentamos. Todos los países representados en este encuentro y en todos los países de Oriente Próximo, individuos

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Palestina: Lara Khaldi (pal)

comisaria e investigadora independiente Cada contexto de Oriente Próximo es diferente, quizás lo que tenemos en común son problemas de estructuras hegemónicas, opresión y lucha por la supervivencia. Esto último es algo que los artistas no solo documentan, sino que también

Sala Alcalá 31 contribuyen generando diferentes formas de resistencia. En ese sentido, una lente desde la que me gusta observar las cosas es a través de los museos, como se evidencia en el programa curatorial que he creado para PROYECTOR. Los museos han generado debates entre los artistas, la sociedad y la cultura en general, sobre qué es y qué significa esta institución. especialmente en un lugar apátrida como Palestina cuando el museo generalmente está conectado con el Estado y es representativo de éste.

En cuanto a la educación artística en Palestina, desde hace unos diez años han surgido varios programas formales dedicados a las artes y al estudio de los medios, la mayoría en alianza con universidades extranjeras, algunas de las cuales desarrollaron programas intergeneracionales y horizontales muy interesantes con mucha experimentación.

La mayoría de los videoartistas salieron de algunas de estas escuelas. Lamentablemente, algunos de estos planes de estudio son ahora menos flexibles debido a que necesitan el reconocimiento del Ministerio de Educación de Palestina. Asimismo, el cine tiene una tradición muy larga e interesante en Palestina y en la región en general, por lo que la educación también proviene de la imagen cinematográfica con la que crecimos y cómo la deconstruimos, desafiamos y trabajamos con ella.

Professionals Meetings Lebanon & Arabic Region: Soleil Gharbieh

cultural manager and member of AFAC Arab Funds for Arts and Culture • Talk abstract: The Middle East is not a homogeneous place; one cannot compare countries, the countries that share that label of Middle East nor the Arab countries. There is perhaps a thread in common which are the difficulties we face. All the countries represented in this encounter and in all the countries of the Middle East, individuals and artists face daily struggles. With regard to art, governments do not subsidize, therefore it is difficult for artists to produce and for cultural institutions to exist.

The Arab Fund for Arts and Culture, from whom I speak, is an independent institution of grants in the region, for diverse artistic disciplines, and in visual arts, supporting both individuals and cultural institutions and initiatives.

In education there are many small initiatives that have seen the light, started by groups of artists who decided to come together and develop alternative programs for the visual arts.

These are projects away from the academic of the universities.

However, when it comes to thriving arts

education, academically and formally speaking, universities, some which developed very there is hope -beyond fixed curriculum- in some interesting intergenerational and horizontal of the individuals who teach. programs with lots of experimentation. Most of the video artists came out of some of these schools. Sadly, some of these curriculums Palestine: are now less flexible due to the -necessaryLara Khaldi (pal) recognition of the Ministry of Education of curator and independent researcher Palestine. Furthermore, cinema has a very long and interesting tradition in Palestine and in the • Talk abstract: Each context of the Middle East is different, wider region, thus education also comes from perhaps what we have in common are problems the cinematographic image with which we grew of hegemonic structures, oppression and the up with and how we deconstruct it, challenge it and work with it. struggle for survival.

The latter it is something that artists not only document but also contribute to, generating different forms of resistance. In this regard, a lens from which I like to observe things is through museums, as evidenced in the curatorial program I have created for PROYECTOR 2020.

Museums have generated debates between artists, society, general culture about what this institution is and what it means especially in a stateless place like Palestine when the museum is usually connected to the State and representative of it.

Concerning arts education in Palestine, for about ten years there have emerged several formal programs dedicated to the arts and study of media, most in alliance with foreign

Egypt: Mena El Shazly (egy)

artistic director of the Cairo Video Festival (organized by Medrar for Contemporary Art),

Mohamed Allam (egy)

cofounder and director Contemporary Art

of

Medrar

for

• Talk abstract Mohamed: About two decades ago Egypt and the region were experiencing the death of independent ideas, projects and spaces, but approximately a decade ago many institutions, initiatives and collectives emerged driven by the belief in creating new cultural dialogues and supporting creative

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Encuentros Profesionales Egipto: Mena El Shazly (egy)

directora artística del Cairo Video Festival (organizado por Medrar for Contemporary Art),

Mohamed Allam (egy)

co-fundador y director de Medrar for Contemporary Art Hace aproximadamente dos décadas, Egipto y la región vivían la muerte de ideas, proyectos y espacios independientes, pero aproximadamente hace una década surgieron muchas instituciones, iniciativas y colectivos impulsados por la creencia en la creación de nuevos diálogos culturales y el apoyo a enfoques creativos para los desafíos contemporáneos en el país. Se han establecido alianzas entre instituciones locales y extranjeras, así como entre diferentes generaciones dentro de nuestro propio contexto. La transformación política de Egipto en 2011 llevó a este salto y crecimiento en la escena del arte independiente, sin embargo, sucedió tan rápido que ha llegado a un estancamiento que a menudo amenaza con poner fin a estas actividades culturales.

programas que promueven las artes experimentales, dando luz a formatos como el videoarte y la imagen en movimiento, como con el Cairo Video Festival. Además, Medrar genera otros proyectos clave en la escena, como el Concurso y Exposición de Artes Visuales “Roznama” para jóvenes artistas egipcios menores de 35 años, y el Programa de Estudios Roznama, un programa de educación artística alternativa. Poco a poco nos hemos ido transformando en una especie de incubadora de arte y cultura independiente para que los artistas locales desarrollen sus capacidades y amplíen el potencial y alcance de sus obras.

Con el Cairo Video Festival hemos aprendido mucho sobre la producción de videoarte en Egipto y también sobre el desafío de producir contenido de imágenes en movimiento en Egipto. En este festival hemos fomentado la colaboración entre artistas y directores de video, y realizado muchos talleres de producción de videoarte, evidenciado en el programa curatorial que preparamos para PROYECTOR 2020. Actualmente estamos muy enfocados en las limitaciones y expansión del videoarte y cómo pueden salir del espacio expositivo, no Medrar, que nació hace 15 años de un grupo solo experimentando con proyecciones online, de estudiantes, juega un papel fundamental sino también aprovechando las calles y la vida en esta escena que resiste, estableciendo urbana de El Cairo, atrayendo nuevos públicos.

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Sala Alcalá 31 Las pantallas se han convertido en extensiones naturales de nosotros mismos, de nuestro cuerpo a través de los teléfonos móviles, y de nuestro entorno, ese paisaje digital de la vida cotidiana; es interesante pensar en el futuro del videoarte, en cómo este medio puede comenzar a infiltrarse en estos espacios y el impacto que podría tener en una ciudad como El Cairo.

Professionals Meetings approaches to contemporary challenges in the country. They have established partnerships between local and foreign institutions, as well as between different generations within our own context. Egypt’s political transformation in 2011 led to this leap and growth in the independent art scene, however, it happened so fast that it has reached a stagnation that often threatens to end these cultural activities Medrar, which was born 15 years ago from a group of students, plays a fundamental role in this scene that resists, establishing programs that promote experimental arts, shading light to formats such as video art and moving images, as with the Cairo Video Festival. In addition, Medrar generates other key projects in the scene such as the “Roznama” Visual Arts Competition and Exhibition for young Egyptian artists under 35 years of age, and the Roznama Studies Program, an alternative artistic education program. Little by little we have been transforming ourselves into a kind of independent art and culture incubator for local artists to develop their capacities, and extend the potential and scope of their works.

and also the challenge of producing moving image content in Egypt.

In this festival we have encouraged collaboration between artists and video directors, and held many video art production workshops, evidenced in the curatorial program that we prepared for PROYECTOR 2020. Currently we are very focused on thinking about limitations and expansion of video art and how we can get out of the exhibition space, not only experimenting with online projections but also taking advantage of the streets and urban life of Cairo, attracting new audiences. Screens have become natural extensions of ourselves, of our bodies through mobile phones, and of our environment, that digital landscape of everyday life; it is interesting to think about the future of video art and how this medium can begin to infiltrate these spaces and the impact it could have on a city like Cairo.

• Talk abstract Mena: With the Cairo Video Festival we have learned a lot about the production of video art in Egypt,

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Encuentros Profesionales

Lara Khaldi e Isidro López-Aparicio 128

Ulya Soley y Olga Blázquez 129

Comisariados Internacionales

Sala El Águila

Interferencia de lo sensible: una mirada al Oriente Próximo Este año estamos trabajando para presentar ciclos relacionados con Oriente Próximo. En especial contaremos con comisariados de Irán, Palestina, Turquía y Egipto, que incluyen una selección de artistas de estos países, pero tambien de Sudán, Arabia Saudita y Líbano. Los comisarios invitados son Shaghayegh Norouzi (ira), Mena El Shazly (directora artística del Cairo Video Festival) & Mohamed Allam de Medrar for Contemporary Art (egy), Lara Khaldi (pal), Ulya Soley & Fatma Çolakoglu (tur) y Reem Shadid (pal).

Interference of the sensible: a look at the Middle East This year we are working to present cycles related to the Middle East. We will especially have curatorships from Iran, Palestine, Turkey and Egypt, which include a selection of artists from these countries but also from Sudán, Saudi Arabia and Lebanon. The guest curators are Shaghayegh Norouzi (ira), Mena El Shazly (artistic director of Cairo Video Festival) & Mohamed Allam of Medrar for Contemporary Art (egy), Lara Khaldi (pal), Ulya Soley & Fatma Çolakoglu (tur) and Reem Shadid (pal).

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Comisarios / Curators

Shaghayegh Norouzi

Mohamed Allam

Fatma Çolakoglu

Mena El Shazly

Lara Khaldi

Ulya Soley

Reem Shadid

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Comisariados Internacionales Los comisarios invitados de esta edición son Shaghayegh Norouzi (ira), Mena El Shazly (directora artística del Cairo Video Festival) & Mohamed Allam de Medrar for Contemporary Art (egi), Lara Khaldi (pal), Ulya Soley & Fatma Çolakoğlu (tur) y Reem Shadid (pal). Estos comisariados permitirán a los asistentes tomar conciencia de la relación entre el contexto geográfico, la situación política y social y la influencia de éstas en el videoarte.

2.1.1 Shaghayegh Norouzi (ira) He reunido una colección de videoarte de 4 artistas iraníes. Estas artistas han incorporado diferentes estilos en su trabajo y espero que den una idea del movimiento actual del videoarte en Irán.

Algunas de las artistas que he seleccionado viven fuera de Irán y algunas continúan viviendo dentro del país, por lo que deseo llamar su atención sobre el hecho de que para los iraníes, los significados e interpretaciones de la libertad, la censura, el hogar, el idioma y el arte difieren según los lado de las fronteras geográficas en las que viven.

Vivimos en una era especial de cambio y una nueva ola de diferentes movimientos políticos

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y sociales en Irán. Vivimos en tiempos de revolución de mujeres, por eso es un honor para mí que vean las obras de arte de las mujeres de mi país. En este momento de cambio, necesitamos que nuestras voces se escuchen fuera de las fronteras, y una gran parte de esta responsabilidad recae sobre los hombros de las artistas mujeres.

Artistas: Esha Sadr, Little Confessions of Life Farzane Ghadyanloo, Daily dose of life Negar Hamidi, Mortal Ava Aghakouchak, Sarotis & Sovar

2.1.2 Ulya Soley & Fatma Çolakoğlu (tur)

Sala El Águila Tortum, Özden Demir, Kadir Kayserilioğlu y Kerem Ozan Bayraktar, se asoma al paisaje urbano; los vídeos encapsulan poéticamente imágenes yuxtapuestas de objetos cotidianos observados u ocurrencias. El paisaje actual de la ciudad y la noción de transformación, crisis climática, gentrificación y desplazamiento, en conjunto apuntan a una oscuridad alarmante.

La civilización, en palabras de H.G.Wells, una carrera entre el desastre y la educación, encaja adecuadamente con la dualidad de la evolución humana que se ha vuelto cada vez más compleja. A través de historias cortas y abstractas de distorsión urbana, Debris (escombros) sondean la validez de los espacios no deseados o destruidos del entorno.

Artistas: Serra Tansel, The Gate Deniz Tortum, Floodplain / debri: escombroː / ¿Podría ser la basura o las Özden Demir, Net17950 piezas de material que se dejan en algún lugar y Kadir Kayserilioğlu, Dreams Of Wild Boars no se quieren o también pueden ser las piezas Kerem Ozan Bayraktar, Respiration de madera, metal, materiales de construcción, etc. que quedan después de que algo ha sido destruido? – por definición, debris (escombros), 2.1.3 captura de manera innata un epítome, literal y no Mena El Shazly literal, de lo que la vida urbana se ha convertido directora artística del Cairo Video Festival en el siglo XXI. El programa Debris (escombros) Mohamed Allam con obras de los artistas Serra Tansel, Deniz Medrar for Contemporary Art (egy) Debris

International Curatorialship The guest curators of this edition are Shaghayegh Norouzi (ira), Mena El Shazly (artistic director of Cairo Video Festival) & Mohamed Allam of Medrar for Contemporary Art (egi), Lara Khaldi (pal), Ulya Soley & Fatma Çolakoğlu (tur) and Reem Shadid (pal). These curators will allow attendees to become aware of the relationship between the geographical context, the political and social situation and their influence on video art.

2.1.1 Shaghayegh Norouzi (ira) Iranian Collection

movements in Iran. We are living in times of a women’s revolution, so it is my honour that you watch the artworks of the women of my country.

In this moment of change we need our voices to be heard outside the borders, and a huge part of this responsibility lies on the shoulders of female artists.

Artists: Esha Sadr, Little Confessions of Life Farzane Ghadyanloo, Daily dose of life Negar Hamidi, Mortal Ava Aghakouchak, Sarotis & Sovar

the videos poetically encapsulate juxtaposed images of observed everyday objects or occurrences. The current landscape of the city and the notion of transformation, climate crisis, gentrification and displacement, altogether point to an alarming darkness. Civilization, in H.G. Wells’s words, a race between disaster and education, suitably fits the duality of human evolution which has become ever more convoluted.

Through short, abstract stories of urban distortion, debris probes into the validity of the environment’s unwanted or destroyed spaces.

Artists: Serra Tansel, The Gate Deniz Tortum, Floodplain Özden Demir, Net17950 Debris Kadir Kayserilioğlu, Dreams Of Wild Boars /ˈdebriː/ Could it be the rubbish or pieces of Kerem Ozan Bayraktar, Respiration material that are left somewhere and are not wanted or could it also be the pieces of wood, metal, building materials, etc. that are left after 2.1.3 something has been destroyed? – by definition Mena El Shazly debris, innately captures a literal and nonliteral Art director of the Cairo Video Festival) epitome of what urban life has become in the Mohamed Allam twenty-first century. The program, debris with Medrar for Contemporary Art (egi) works by artists Serra Tansel, Deniz Tortum, Filthy Orchestra: A Selection from Medrar’s Özden Demir, Kadir Kayserilioğlu and Kerem Production Workshops (2007-2017) Ozan Bayraktar, peeks into the cityscape;

2.1.2 I have gathered a collection of video art by 4 Ulya Soley & Fatma Çolakoğlu (tur) Iranian artists. These artists have incorporated different styles in their work and I hope that they give a sense of the current video art movement in Iran.

Some of the artists I have selected live outside Iran and some continue to live inside the country so I wish to bring your attention to the fact that for Iranians, the meanings and interpretations of liberty, censorship, home, language and art differ based on which side of the geographical borders they live in.

We are living in a special era of change and a new wave of different political and social

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Comisariados Internacionales Filthy Orchestra: una selección de Medrar’s cinematografía. Los participantes se sumergen Production Workshops (2007-2017) en temas como la historia y las realidades regionales del cine, y observan con mirada ¿Qué sucede cuando se destruye la base crítica las obras de arte producidas para contextual del trabajo de vídeo? descubrir juntos su propio enfoque a la hora de ¿Existe una redefinición inconsciente de la traducir una idea y desarrollarla en una película. intención artística? Desde contextos irónicos El programa ayuda a los participantes a realizar y acontecimientos arrancados de su contexto, sus ideas, desde el proceso conceptual hasta hasta intentos de introducir nuevos contextos la planificación, producción, postproducción y hipotéticos y cambios entre entornos, el proyecciones y distribución de las películas. programa explora El Cairo como contexto y el contexto como plataforma para la Medrar for Contemporary Art es un espacio experimentación visual. dirigido por artistas en El Cairo, Egipto, que funciona desde 2005. Medrar tiene tres Todos los vídeos de este programa son proyectos en curso; el Concurso Roznama para producidos por Medrar entre los años 2007 y artistas egipcios menores de 30 años, Con 6 2017. Con cada edición del Festival de Video ediciones ya celebradas y que recientemente de El Cairo, se realiza un taller de producción se ha ampliado al Programa Roznama Studio de videoarte y películas experimentales para artistas emergentes; Cairo Video Festival, en Medrar como una herramienta para un festival anual de videoarte y películas establecer un programa de divulgación experimentales de todo el mundo; Medrar para artistas y estudiantes locales, y para TV, un canal en línea que difunde contenido alentar la colaboración, así como para audiovisual en la escena cultural árabe. Medrar estimular la creación de videoarte y ayudar a también opera como un espacio organizando difundirlo. Cada taller selecciona alrededor exhibiciones de artes visuales, proyecciones de cinco proyectos que se producirán bajo la de películas, charlas de artistas y talleres de supervisión de dos formadores. Junto con el capacitación para artistas. aspecto técnico de edición, cinematografía, Cairo Video Festival es una muestra habitual animación y producción, los talleres tienen un de videoarte y cine experimental organizado fuerte enfoque en el elemento conceptual de la por Medrar. El festival busca dar relevancia al

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Sala El Águila videoarte experimental y a la experimentación de la imagen en movimiento a nivel mundial..

El festival es un espacio para artistas de todo el mundo donde poder mostrar sus producciones de videoarte más recientes, y una plataforma para el diálogo y el intercambio de conocimientos. Cada edición ofrece una visión de las prácticas artísticas actuales, y también de la producción local y global de videoarte y películas experimentales. La convocatoria abierta internacional de presentación de la décima edición se lanzará en 2021.

Artistas: Hala Abu Shady, Pink Hosam Elsawah, Kekh Nadia Mounier, Made in China Ahmed Shawky Hassan, Cactus Painting Ahmed Sabry, The impact of meat Marguerite Farag, Studio Dunia Ahmed El Shaer, Crossover

2.1.4 Reem Shadid (pal) Hoy atribuimos la mayor parte de lo que es inimaginable en el mundo a las guerras, dominios no humanos y diversas formas de desastres naturales, a (ciencia) ficción,

International Curatorialship What happens when the contextual basis of the video work is destroyed?

Is there an unconscious redefinition of artistic intention? From ironic contexts and occurrences ripped out of their context, to attempts at introducing new hypothetical contexts and shifting between environments, the program explores Cairo as context and the context as a platform for visual experimentation.

All videos in this program are produced by Medrar between the years 2007 and 2017. With every edition of Cairo Video Festival, a video art and experimental film production workshop is held in Medrar as a tool to establish an outreach program for local artists and students, and to encourage collaboration, as well as to stimulate the creation of video art and help spread it.

Each workshop selects around five projects to be produced during the workshop under the supervision of two trainers. Along with the technical aspect on editing, cinematography, animation and production, the workshops have a strong focus on the conceptual element of filmmaking. Participants dive into topics such as the history of cinema and regional realities of filmmaking, critically looking at produced artworks to discover together their own approach to translating an idea and developing it further into a film. The program assists the

participants to realize their ideas, starting production of video art and experimental film. from the conceptual process up to planning, The 10th edition’s international open call for production, post-production and screenings submission will be launched in 2021. and distribution of the films.

Artists: Medrar for Contemporary Art is an artist-led Hala Abu Shady, Pink space in Cairo, Egypt, running since 2005. Hosam Elsawah, Kekh Medrar holds three ongoing projects; the Nadia Mounier, Made in China Roznama Competition for Egyptian artists Ahmed Shawky Hassan, Cactus Painting under 30 years of age, of which there have Ahmed Sabry, The impact of meat been 6 editions and which has recently been Marguerite Farag, Studio Dunia expanded into the Roznama Studio Program Ahmed El Shaer, Crossover for emerging artists; Cairo Video Festival, an annual festival of video art and experimental films from around the world; Medrar TV, an 2.1.4 online channel disseminating audio-visual Reem Shadid (pal) content on the Arab cultural scene. Medrar also Speculative Imaginaries operates as a gallery space, organizing and hosting visual arts exhibitions, film screenings, Today, we assign most of what is too artists talks, and training workshops for artists. ‘unimaginable’ in the world such as wars, nonCairo Video Festival is a regular showcase human takeovers and various forms of natural of video art and experimental film organized disasters to (science) fiction, video game, etc.

by Medrar. The festival’s vision is to highlight We are in a visual loop where that which is real, worldwide experiments in the moving image, but we were unable to imagine in the past, is particularly video art. The festival is a space still deemed fiction. A real, where it is difficult to for artists from around the world to showcase form new visualizations that allow us to begin their most-recent video art productions, and a to think of, and create a new imaginary; other platform for dialogue and knowledge exchange. forms of individual and social existence; an Each edition offers an insight into current art emancipation of the systems that perpetuate practices, and also into the local and global the loop.

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Comisariados Internacionales videojuegos, etc. Estamos en un bucle visual donde eso que es real, pero que no podemos imaginar en el pasado, todavía se considera ficción. Una realidad donde es difícil formar nuevas visualizaciones que nos permitan comenzar a pensar y crear un nuevo imaginario; otras formas de existencia individual y social; una emancipación de los sistemas que perpetúan el bucle.

Artistas: Tareque sharquawy, PsychoticlesPermutations Bahar Noorizadeh, Ultima Ratio Δ Mountain of the Sun Mohammad Alfaraj, Heat Ahmed Isamaldin, The Resistance of the Rhizome

Speculative Imaginaries reúne una selección de obras de vídeo que proponen una lectura diferente de las narrativas y así permitir que surjan otras posibilidades y enfoques sociales, políticos, económicos y ambientales.

El programa explora cómo el uso de la manipulación de imágenes, juegos e imágenes generadas por computadora, cuando se entrelazan con experiencias e historias personales y colectivas, puede permitirnos considerar otros imaginarios. Empleando varias técnicas digitales, los artistas deconstruyen las condiciones que nos envuelven hoy creando extensiones de realidades que revelan cómo el movimiento humano puede automatizarse, los futuros pueden volverse pasados, los contextos pueden separarse y las estructuras sociales pueden quedar expuestas.

2.1.5 Lara Khaldi (pal)

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Evil Eye

Desde hace algún tiempo, los artistas de la región han estado pensando y produciendo obras relacionadas con la memoria, los archivos y los museos, ya que recientemente hay una proliferación de museos aquí.

Estas obras revelan la tensión entre las personas en lucha y los deseos privados y nacionales de cerrar y controlar esas narrativas que las relegan al pasado. Cada vídeo se relaciona con un museo en particular y su historia y presente, pero lo que tienen en común es que revelan esas luchas que el museo intenta ocultar tan rotundamente. Ya sea mediante la yuxtaposición de estatuas / hombres muertos con la poesía de cuentos escritos colectivamente / por mujeres, o durmiendo y soñando lejos de las

Sala El Águila instalaciones de la institución, o mirando el museo con el mal de ojo con el fin que devuelva las cabezas saqueadas a sus legítimos descendientes, o revelando cómo el museo engulle historias individuales para forjar la historia de la institución en lugar de la colectiva; todas las obras revelan y capturan la lucha contra el museo y los discursos hegemónicos, patriarcal, colonial y capitalista, que representa y prolifera.

Podemos ver en los vídeos la narrativa de los oprimidos, narraciones que están vivas y continúana pesar del dominio absorbente del museo que las captura.

Artistas: Jumana Emil Abboud, I feel Nothing Noor Abuarafeh, As I have never been in this place before Ali Cherri, Somniculus Dina Mimi, In order to talk to the dead

International Curatorialship Speculative Imaginaries brings together a selection of video works that urge a different re-reading of narratives to enable other social, political, economic and environmental possibilities and visualizations to emerge.

The program explores how the use of image manipulation, gaming and computer-generated images when intertwined with personal and collective experiences and histories, can allow us to consider other imaginaries. Employing various digital techniques, the artists deconstruct the conditions that engulf us today creating extensions of realities that reveal how human motion can be automated, futures can become past, contexts can be detached and social structures can be exposed.

Artists: Tareque sharquawy, PsychoticlesPermutations Bahar Noorizadeh, Ultima Ratio Δ Mountain of the Sun Mohammad Alfaraj, Heat Ahmed Isamaldin, The Resistance of the Rhizome

2.1.5 Lara Khaldi (pal)

For some time now artists in the region have been thinking about and producing works around memory, archives and museums because there is a proliferation of museums here recently. These works reveal the tension between people in struggle, and private and national desires to close off and control those narratives relegating them to the past. Each video engages with a particular museum and its history and present, but what they have in common is that they reveal those struggles which the museum so adamantly tries to conceal. Whether by juxtaposing dead statues/ men with the poetry of collectively/women authored stories, or sleeping and dreaming away the premises of the institution, or glaring at the museum with the evil eye lest it return looted heads to their rightful descendants, or revealing how the museum gobbles up individual histories in order to forge a history of the institution rather than the collective; all the works reveal and capture the struggle against the museum and the hegemonic discourses; patriarchal, colonial, and capitalist that it represents and proliferates. We can see in the videos the narrative of the oppressed, narratives which are alive and continue in spite deadening capture of the museum.

Artists: Jumana Emil Abboud, I feel Nothing Noor Abuarafeh, As I have never been in this place before Ali Cherri, Somniculus Dina Mimi, In order to talk to the dead

Evil Eye

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Flight 752

Esha Sadr 138

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Flight 752

Galería de Cristal Palacio de Cibeles

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Art Madrid La Plataforma de Videoarte PROYECTOR, bajo el comisariado de Mario Gutiérrez Cru, ha desarrollado para esta nueva edición de Art Madrid´20 una pequeña aproximación a artistas que trabajan en los límites del videoarte y de la imagen en movimiento, y que se funden con otras artes, como pueden ser las performativas, las electrónicas y las interactivas. Fronteras muy complicadas de definir y de clasificar, que ni los propios creadores quieren categorizar. Obras creadas bajo premisas conceptuales y visuales, que utilizan la tecnología necesaria para poder ajustarse a sus propias ideas y principios.

Este año hemos ofrecido a lo largo de casi 3 semanas (del 12 de febrero al 1 de marzo 2020) una base teórica con clases magistrales, encuentros profesionales y presentaciones de artistas; una parte más contemplativa con las proyecciones de festivales internacionales y una última más interactiva con las performances que acontecidas durante la feria y la obra desarrollada para la fachada de Medialab Prado.

Hemos contado con pequeños talleres teóricoprácticos impartidos por 3 artistas. Cada uno de una jornada. Como píldoras de una master class, nos invitan a adentrarnos en su creación.

Y nos cuentan los secretos que permiten que las obras sean posibles. Para ello han contado con 3 perfiles muy distintos: Patxi Araújo, artista que en sus obras combina piezas electrónicas con otras más mecánicas.

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Olga Diego, con amplia experiencia en piezas participativas con hinchables y sistemas de vuelo caseros, y por último Lois Patiño, que se mueve entre el cine independiente y las videoinstalaciones site specific. En el caso de Olga desarrolló una acción en la feria y Patxi una pieza interactiva para la fachada de Medialab Prado.

abrió las puertas a sus nuevas creaciones y nos invitó a conocer su entorno de trabajo.

Como novedad de esta edición nuestras puertas han estado abiertas más que nunca a las artes vivas. Eso sí, hemos elegido acciones y performances con un marcado carácter experimental y audiovisual. Como dice La Ribot “Lo que busco son los límites (de los formatos, de los cuerpos, del pensamiento) Además, hemos vuelto a abrir las puertas a ex- para empujarlos, para abrir nuevos espacios y pertos que, en formato de mesas profesionales, nuevas formas de mirar el mundo. Eso es lo que han analizado la evolución de la imagen, des- para mí significa el arte: el arte de vanguardia”. de el soporte físico, a lo virtual e inmaterial del new media. Los comisarios independientes que Los accionistas residentes en la península nos han acompañado son Rafael Doctor y Berta ibérica de reconocida trayectoria: Iván Puñal, Sichel, y a Karin Ohlenschläger, la directora del Arturo Moya, Ruth Abellán Alzallú, Olga Diego y centro de arte LABoral. Todo ello bajo la mode- los artistas portugueses Eunice Artur y agendas obscuras han hecho propuestas nuevas y/o ración de Miguel Álvarez-Fernández. creadas site specific para el stand de la feria Siempre hemos querido dar voz a los Art Madrid. creadores, y por ello hemos invitado a algunos de los principales artistas a nivel nacional e Y para completar, también, durante la feria, internacional a presentarnos su obra durante hemos presentado ciclos del mejor videoarte el desarrollo de la feria. Esto le ha permitido internacional de la mano de los festivales con los hablarnos de sus experiencias, dificultades, que PROYECTOR suele colaborar como: BIM habilidades y errores. En un stand habilitado (arg), BUT Film Festival (hol), EJECT – Festival para ello, se organizó el Encuentro con Internacional de Videoperformance (méx), Fuso Artista cada día, teniendo como invitados a (por), Kósmica (méx), Le Cube – Independent Abelardo Gil-Fournier, Fernando Baena, Mario Art Room (mar), Loops.Lisboa (por), InShadow (por), Miden (gre), Oodaaq (fra), Play – Semana Santamaría y Maia Navas. del Videoarte (arg), El Validadero Artístico – Incluimos en nuestra programación la Visita al Tele-atemporal / curaduría latinoamericana de Estudio del artista Eduardo Balanza, que nos video experimental (col) y VideoBabel (per).

Art Madrid The platform PROYECTOR, under Mario Gutiérrez Cru´s commission, has organized a little “come together” with the artists who work with video art, moving pictures, which fuse with other arts, such as performance, electronic and interactive. Very complex frontiers to define or classify, which not even the artists want to categorize.

Works created under the conceptual and visual premises. Which use the necessary technology to be able to adjust to their own ideas and principles.

This year we offer through three weeks (from the 12th of February to the 1st of March of 2020) a theorical foundation with master classes, professional meetings and presentations from the artists; a more contemplative section with the projections of international festivals, the last one, more interactive, with performances from the fair and the piece developed for the façade of Medialab Prado.

We will also implement some theorical and practical workshops taught by 3 of the artists themselves. Almost as pills, or master classes they will invite us to go deeper in their creation. That way they will tell us the secrets that allow the pieces to come to life. Three, very contrasting roles will help with this: Patxi Araújo, who combines electronic with more mechanical pieces. Olga Diego, with a bast

experience in participatory compositions and inflatable home-made flying systems.

Lastly, Lois Patiño, who moves between indie films and site specific installations.

Besides, Olga will make an appearance in the fair and Patxi an interactive work for the façade of Medialab Prado.

This year, as a new addition, the doors to the live arts will also be opened. But, we have chosen actions and performances with a strong experimental and audiovisual nature. As La Ribot says “what I search are the limits (of formats, bodies, mind)” to push them, to open new spaces and ways to look at the world. This is art for In addition to all this the doors are going me: vanguard art. to be open to experts, with the setup of “professional tables”. They will speak From inside the Iberian Peninsula and with about the evolution of image, since the extensive professional trajectory, we have: physical to the virtual and immaterial of the Iván Puñal, Arturo Moya & Ruth Abellán “new media”. For this we have invited the Alzallú, Olga Diego and the portuguese independent commissaries Rafael Doctor, artists Eunice Artur & agendas obscuras, Berta Sichel and Karin Ohlenschläger, with new ideas and site specific for the directress of the center of art LABoral. stand of the Art Madrid fair.

All this under the supervision of Miguel Álvarez-Fernández.

Lastly, during the fair the best international video art will be shown, from festivals Next the creators will be given a voice, with which PROYECTOR usually works for that we will invite some of the main with, such as: BIM (arg), BUT Film Festival artists, in an international level, to show (neth), EJECT – Festival Internacional us their works for the duration of the fair. de Videoperformance (mex), Fuso (por), This will allow us to hear their experiences, Kósmica (mex), Le Cube – Independent Art difficulties, abilities and mistakes. There will Room (mar), Loops.Lisboa (por), InShadow be a stand with a new artist each day. The (por), Miden (gre), Oodaaq (fra), Play – artists are: Abelardo Gil-Fournier, Fernando Semana del Videoarte (arg), El Validadero Baena, Mario Santamaría y Maia Navas.

Artístico – Tele-atemporal / curaduría latinoamericana de video experimental The study of Eduardo Balanza will open its (col) and VideoBabel (per). doors to show us his new creations and let us know his workplace.

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Encuentro Profesional.

Alcalá 31

Rafael Doctor, Berta Sichel, Karin Ohlenschläger y Miguel Ávarez-Fernández 144

Clase Magistral de Patxi Araújo Medialab Prado

All Prophets Are Wrong 145

Clase Magistral de Lois Patiño Medialab Prado

Tiempo e imagen 146

Clase Magistral de Olga Diego Medialab Prado

El vuelo como materia creativa 147

Performance Art Madrid

Eunice Artur & agendas obscuras 148

Presentación de artista Art Madrid

Abelardo Gil-Fournier 149

Visita estudio de artista

Eduardo Balanza 150

Performance Art Madrid

Olga Diego 151

Performance Art Madrid

Arturo Moya y Ruth Abellán Alzallú 152

Fachada Medialab Prado

Patxi Araújo 153

Hoy más que nunca creemos que los artistas deben ser las piezas claves que hagan preguntas, que nos abran posibilidades que hasta ahora ni éramos capaces de imaginar.

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proyector.info