intelectoR No.9 octubre 2013 by marka2 publicidad

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alimenta tu mente

PURGATORIO CUBISMO

DALTONISMO OCTUBRE #9

2013

EJEMPLAR GRATUITO

FASCISMO

PREMIOS PULITZER CURIOSIDADES

MEJORAMIENTO DE LA VIALIDAD

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XALAPA

CERO TOLERANCIA A LA CORRUPCIÓN SERVICIOS Y OBRAS MUNICIPALES DE CALIDAD ¡ AHORA, A TRABAJAR!

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CONVERTIR LA CIUDAD EN UN DESTINO TURÍSTICO DE PRIMER ORDEN

HACER DE XALAPA LA PRIMERA CIUDAD VERDE DE VERACRUZ ATENCIÓN Y POYO ESPECÍFICO A LOS GRUPOS VILNERABLES

MEJORAMIENTO GOBIERNO DE RESULTADOS CON TRANSPARENCIA Y RENDICIÓN DE CUENTAS DE LA VIALIDAD

OBRA PÚBLICA SIN PRECEDENTE PARA XALAPA

MEJORAMIENTO DE LA VIALIDAD

GENERACIÓN DE EMPLEOS GENERACIÓN DE EMPLEOS

TRANQUILIDAD PARA NUESTRAS FAMILIAS

CERO TOLERANCIA A LA CORRUPCIÓN

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CONVERTIR LA CIUDAD EN UN DESTINO TURÍSTICO SERVICIOS DE PRIMER ORDEN

CEROLA TOLERANCIA Y OBRAS HACER DE XALAPA PRIMERA CIUDAD VERDE DE VERACRUZ A LA CORRUPCIÓN MUNICIPALES ATENCIÓN Y POYO ESPECÍFICO A LOS GRUPOS VILNERABLES

DE CALIDAD GOBIERNO DE RESULTADOS CON TRANSPARENCIA Y RENDICIÓN DE CUENTAS

OBRA PÚBLICA SIN PRECEDENTE PARA XALAPA

MEJORAMIENTO DE LA VIALIDAD

AMÉRICO GENERACIÓN DE EMPLEOS

CERO TOLERANCIA A LA CORRUPCIÓN

SERVICIOS Y OBRAS MUNICIPALES DE CALIDAD

TRANQUILIDAD PARA NUESTRAS FAMILIAS JUNTOS ES POSIBLE

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INTELECTOR es una publicación mensual editada por marka2. INTELECTOR es alimento para tu cerebro, basta con hojearla para darte cuenta del mundo de información que encontrarás en ella; al leerla nutrirás tus neuronas y ejercitarás tu cerebro, descubriendo datos nuevos o simplemente al recordar o reafirmar tus conocimientos.

PURGATORIO

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publicidad Editor: Luis Vásquez NEXTEL: 205.84.65 ID. 72*1023548*1 revistaintelector@hotmail.com vasquezlgm@hotmail.com Cuidado editorial

CUBISMO

La información contenida fue tomada de libros, enciclopedias y artículos, tanto impresos como en línea, con sustento y validez educativa.

DALTONISMO

INICIOS DEL CINE ANIMADO

Agradecemos la colaboración de quienes facilitaron imágenes, ilustraciones y fotos que se incluyen en este número.

FASCISMO

La publicidad es responsabilidad de los anunciantes.

Prohibida su reproducción total o parcial con fines comerciales, sin la autorización de sus autores.

HISTORIA DE LAS MARCAS

PREMIOS PULITZER ESTATUA DE LA LIBERTAD

24 RECOMENDACIÓN DE LECTURA

28 LO QUE TIENES QUE VER

LA GUERRA DE LOS MUNDOS

CURIOSIDADES

44 VOCABULARIO

48 PENICILINA

intelectoR alimenta tu mente

índice

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ILUSTRACIÓN

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NATALY ABRAMOVITCH ISRAELI

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ILUSTRACIÓN

ETCHINGS AND ENGRAVINGS

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FRANCIA

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ILUSTRACIÓN

THE ADDAMS FAMILY

PATT KELLEY BOSTON, E.U.

frases

Las cosas no se dicen,

se hacen, porque al hacerlas

se dicen solas. Woody Allen (1935)

Director, guionista, actor, mĂşsico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense.

P U R G AT O R I O La palabra purgatorio proviene del latín purgare, que significa “hacer limpio o purificar”. La existencia de este espacio donde es posible realizar la purificación del alma es un tema de debate entre algunas religiones. Para la Iglesia católica, se trata del lugar en el que las almas de los muertos pagan sus faltas antes de poder alcanzar la gloria eterna.

Los católicos fundamentan su defensa en el Antiguo Testamento, Libro 2 de los Macabeos, donde se menciona que el pueblo hebreo creía en un estado intermedio, ni cielo ni infierno, ya que después de sepultar a los caídos, los soldados de Judas “rezaron al Señor para que perdonara totalmente ese pecado a sus compañeros muertos”. Después de esto, el valiente Judas exhortó a sus hombres a que evitaran el pecado y promovió una colecta que envió a Jerusalén para que fuese ofrecida como sacrificio en favor de estos difuntos. “Esta fue la razón por la cual Judas ofreció este sacrificio por los muertos: para que fueran perdonados de su pecado” (2 Macabeos 12: 38-46). No obstante, el libro de los Macabeos es considerado como apócrifo por otras doctrinas religiosas, de ahí que sólo el catolicismo crea rotundamente en el purgatorio y que sus argumentos no resulten convincentes. También se ha dicho que en el Nuevo Testamento el apóstol Pablo presenta el concepto de purgatorio al escribir: “El fuego probará la obra de cada cual; si la obra resiste al fuego, será premiado; pero si esa obra se convierte en cenizas, él mismo tendrá que pagar. Él se salvará, pero como quien pasa por el fuego” (1 Cor. 3: 13-15).

Antepurgatorio

Al no aparecer la palabra purgatorio en la Biblia, los católicos lo han convertido en dogma de fe, esto quiere decir que se tiene por cierto y seguro y no se pone en duda. Para los protestantes, al no citarse en la Biblia este lugar, no hay forma de sustentar su veracidad. Según Leonardo Boff, filósofo, teólogo, escritor, profesor y ecologista brasileño, el purgatorio es el proceso, doloroso como todos los procesos de ascensión y purgación, por medio del cual el hombre actualiza sus posibilidades al morir y se purifica de todas las marcas con las que el pecado ha ido estigmatizando su vida, sea mediante sus pecados y sus consecuencias, o debido a los malos hábitos adquiridos a lo largo de su vida. Para la Iglesia católica representa un estado espiritual, un lugar a donde se va cuando los pecados que se cometen son los llamados veniales, pecados leves que debilitan la relación con Dios y aumentan tiempo en el purgatorio. En la iglesia romana del Sagrado Corazón del Sufragio se encuentra un museo dedicado al purgatorio, donde se encuentran reliquias y objetos de las almas purgantes. Por otro lado, el purgatorio ha sido vital en la configuración económica de la Iglesia, al generar productos económicos post mórtem como misas e indulgencias. Al señalar que el periodo de sufrimiento en el purgatorio se puede reducir mediante la compra de misas, oraciones y novenas, esto se traduce en dinero. Tal orientación tuvo un gran auge en la Edad Media, época que se caracterizó por la fuerte represión a todo aquello que cuestionara o contradijera los principios cristianos, método para procurar el control espiritual, moral, intelectual y emocional de los individuos. Es importante señalar que

en ningún momento se menciona cuánto tiempo deberán sufrir los muertos o cuántas indulgencias tendrán que pagar los familiares para que esa alma sea purificada al pasar por fuego. Más allá de que se trate de un tema esencialmente religioso, lo realmente destacable es que este impreciso lugar ha motivado infinidad de reflexiones, se han pintado múltiples obras y se han publicado libros con esta temática. La más importante es La divina comedia, escrita entre 1307 y 1314 por el poeta italiano Dante Alighieri, la cual tiene como hilo conductor un viaje con significado alegórico que representa el itinerario que el hombre debe recorrer con el fin de escapar de las pasiones terrenales para llegar a la iluminación de las libertades morales y de la fe, un camino que va del instinto y la ignorancia hacia la conciencia de la verdad y la salvación. Dante nos expone su concepción del más allá por medio de una peregrinación sobrenatural por el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso, las tres partes en que está dividida la obra Dante y Virgilio, quien lo acompaña en su itinerario, han logrado salir de las entrañas del infierno y ahora se encuentran el purgatorio, reino que el escritor coloca en una isla situada en las antípodas de Jerusalén. Una isla en forma de montaña, en la cual se pueden distinguir los círculos o colinas de los pecadores, en donde las almas penitentes purifican sus espíritus a través del arrepentimiento. Dante concibió este sitio dividido en siete partes: antepurgatorio, los siete círculos o niveles y el paraíso terrenal. El guardián del purgatorio es Marco Poncio Catón, conocido como Catón el joven, político romano.

El primer lugar que Dante y Virgilio visitan es el antepurgatorio, a donde las almas llegan en una barca impulsada por el ángel Nauta, que viene desde el Tíber. Las almas que ahí se encuentran pertenecen a aquellos que se arrepintieron del pecado a última hora y su castigo consiste en tener que quedarse esperando al pie del Monte por un tiempo más o menos largo. Después de haber atravesado el antepurgatorio, Dante y Virgilio se encuentran ante la puerta del purgatorio, delante de la cual hay tres escalones que representan los grados teologales de la penitencia: el primero, de mármol blanco (arrepentimiento), el segundo, color rosa (confesión), y el tercero, color rojo vivo (el ardor de la caridad y el amor después de la confesión). Sobre el tercer escalón está sentado el ángel portero, ante el cual Dante, postrándose y golpeándose el pecho, pide misericordia para que le abra la puerta. Al ingresar al purgatorio, un ángel dibuja en la frente de Dante siete letras “p”, en alusión a los siete pecados capitales. La distribución del lugar es en siete círculos, a donde se asignan las almas de los penitentes de acuerdo con la falta cometida: círculo primero: soberbios; círculo segundo: envidiosos; círculo tercero: iracundos; círculo cuarto: perezosos; círculo quinto: avaros y pródigos; círculo sexto: golosos, y círculo séptimo: lujuriosos; posteriormente se encontraba el paraíso terrenal. Jorge Luis Borges consideró a esta epopeya como la obra más perfecta de la humanidad.

PRIMER CÍRCULO Aquí purgan su pecado los soberbios, arrastrándose por el suelo oprimidos por grandes pesos.

SEGUNDO CÍRCULO Destinado a los envidiosos, que tienen cosidos los ojos.

TERCER CÍRCULO Designado a los iracundos, envueltos en una nube de humo.

CUARTO CÍRCULO Destinado a los perezosos, que no dejan de correr.

QUINTO CÍRCULO Preparado para los avaros; aquí se encuentran el Papa Adriano y Hugo Capeto, rey de los francos hacia el siglo I.

SEXTO CÍRCULO Destinado al pecado de la gula. Los golosos no pueden comer ni beber, aunque tienen alimentos ante ellos. Allí está el Papa Martin IV.

SÉPTIMO CÍRCULO Lugar donde los lujuriosos son consumidos por el fuego.

En la Divina Comedia se narra el descenso del autor al Infierno, al que entra superando el río Aqueronte en la barca de Caronte para buscar a Beatriz, su guía y musa. El infierno descrito por el escritor renacentista tiene forma de pirámide invertida que se divide en nueve círculos; durante su recorrido por este sitio también es acompañado por el poeta Virgilio, autor de la Eneida.

PURGATORIO (FRAGMENTO) Por surcar mejor agua alza las velas ahora la navecilla de mi ingenio, que un mar tan cruel detrás de sí abandona; y cantaré de aquel segundo reino donde el humano espíritu se purga y de subir al cielo se hace digno … A la orilla del mar nos encontrábamos, como aquel que pensara su camino, que va en corazón y en cuerpo se queda. Y entonces, cual del alba sorprendido, por el denso vapor Marte enrojece sobre el lecho del mar por el poniente, tal se me apareció, y así aún la viera, una luz que en el mar tan rauda iba, que al suyo ningún vuelo se parece. Y separando de ella unos instantes los ojos, a mi guía preguntando, la vi de nuevo más luciente y grande. Apareció después a cada lado un no sabía qué blanco, y debajo poco a poco otra cosa también blanca. Nada el maestro aún había dicho, cuando vi que eran alas lo primero; y cuando supo quién era el piloto, me gritó: « Dobla, dobla las rodillas. Mira el ángel de Dios: junta las manos, verás a muchos de estos oficiales. … Y después de decir estas palabras, oímos una voz cercana: «¡Acaso necesites sentarte mucho antes!». Los dos al escucharle nos volvimos, y vimos a la izquierda un gran peñasco, que antes ninguno habíamos notado. Allí fuimos; y había allí personas que estaban a la sombra de la piedra como se pone el hombre por vagancia. Y uno, que fatigado parecía, se sentaba abrazando sus rodillas, con el rostro inclinado puesto entre ellas.

El cubismo fue un movimiento plástico francés que inició hacia 1907 y cuyos principales representantes fueron Pablo Ruiz Picasso, Juan Gris y Georges Braque. Se basó en diversas corrientes y fue una de las más importantes del siglo XX. El cubismo estuvo influenciado por las esculturas africanas y se caracteriza porque las obras hechas bajo esta tendencia tienen muchos ángulos, suelen ser figuras geométricas, como el cilindro, el cono y el cubo. El color es lo menos importante. Este movimiento fue una introducción a la pintura abstracta y se inspiró en la obra de Paul Cézanne, quien afirmaba que todo en la naturaleza podía ser reducido a formas geométricas, y de los posimpresionistas, así como en el estudio del arte negro. Los cubistas tenían conciencia de que el hombre moderno se desplazaba cada vez con mayor rapidez y, consecuentemente, la idea que se formaba de las cosas era compleja. Para plasmar toda esa complejidad pintaron distintas caras de un mismo objeto, reuniendo en una sola imagen lo que la mirada lograba percibir sucesivamente, de esta manera resaltaron la idea de simultaneidad. Al introducir una visión tridimensional del espacio, los cubistas representaban al mismo tiempo varios aspectos de un mismo objeto visto desde todos sus ángulos. El cubismo constituyó una ruptura con la pintura tradicional: se dejó a un lado la perspectiva (profundidad), se empleó una gama de color apagada (grises, tonos pardos y verdes suaves), se introdujo la visión concurrente de varias configuraciones de un objeto (vista de frente y de perfil, por ejemplo), con lo que desapareció el punto de vista único y, finalmente, se incorporó la cuarta dimensión (el tiempo) como un factor más de la pintura. Cubismo analítico En los años siguientes a 1907 Picasso, en colaboración con Braque, realizó una pintura en la que la realidad se va “analizando” y “descomponiendo” en múltiples elementos geomé-

tricos, en planos parecidos a las composiciones cristalográficas. En esta primera fase, denominada cubismo analítico (1910-1912), los objetos eran reducidos a sus formas básicas, fragmentados y reconstruidos según su verdadera estructura en figuras en las que el color era un elemento secundario, porque la importancia radicaba en la forma. Al mismo tiempo, los objetos se descomponían por efecto de los múltiples puntos de vista y la luz parecía actuar independientemente sobre cada una de las facetas geométricas. En esta etapa Picasso pintó obras como “Cabeza de Mujer”, “Muchacha con mandolina” y “Retrato de Kahnweiler”. La introducción de collages marcó el final de este periodo inicial del cubismo. Cubismo sintético Hacia 1912-1913 se inició la etapa del cubismo sintético, representado sobre todo por Fernand Léger y por Juan Gris, quienes abandonaron la descomposición prismática y buscaron mostrar de modo simultáneo la forma de un objeto visto desde planos diferentes y dieron al color mayor importancia; una de las aportaciones más trascendentes de este periodo fue el uso del papier collé, que marcó el inicio de la técnica del collage. En 1912 Picasso y Braque introdujeron los papiers collés: trozos de diario, de papel pintado, de papel de embalaje, pegados tal cual sobre un soporte y a los que añadieron algunos trazos o manchas de colores. Esta propuesta los llevó a pasar de la fase analítica a la sintética del cubismo, la cual se caracterizó por utilizar en el cuadro elementos nuevos y tradicionales (papel de periódico, óleo, etc.). Los planos geométricos se simplificaron, las formas se tornaron más amplias y el color fue mucho más rico. En Picasso, el cubismo sintético se reflejó en “El jugador de cartas” y “Naturaleza muerta verde”. En 1921, con su doble versión de los “Tres músicos” creó una pieza culminante de este tipo de cubismo.

“El principal enemigo de la creatividad es el buen gusto”.

PABLO RUIZ PICASSO (25 de octubre de 1881-8 de abril de 1973)

Es considerado como uno de los grandes genios de la pintura contemporánea. Nació en Málaga, España, en 1881, ciudad en la que su padre era profesor de dibujo y director del Museo Municipal. La familia Ruiz Picasso pronto se trasladó a La Coruña y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inició sus estudios artísticos bajo un estilo totalmente académico, pero rápidamente se contactó con grupos modernistas que le hicieron cambiar su forma de expresión. París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se fue vivir a la capital francesa por un breve lapso. Al regresar a Barcelona, empezó a trabajar en una serie de obras en las que se observan influencias de todos los artistas que conoció o cuya obra había visto. En ese tiempo era una esponja que lo absorbía todo pero no retenía nada, estaba a la búsqueda de un estilo personal. Entre 1901 y 1907 experimentó sus etapas azul y rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. En general, la pintura de principios del siglo XX enfrentaba continuos cambios y Picasso no podía quedarse al margen. Así que se interesó en Cézanne y partiendo de su estilo, emprendió una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; durante una temporada alternó obras clasicistas con otras totalmente cubistas. El movimiento surrealista de 1925 no lo tomó desprevenido y aunque no participó abiertamente, le sirvió como elemento de ruptura con lo que había hecho anteriormente, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia. Igual que le ocurrió a Goya, en Picasso también influyó mucho la situación personal y social a la hora de trabajar; sus relaciones con las mujeres, tumultuosas en ocasiones, determinaron seriamente parte de su obra, pero lo que afectó tremendamente al artista fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, lo que motivó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal con colores vivos y formas extrañas. Falleció en Mougins, en 1973, cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el final.

¡lo que tienes que saber...!

-El cubismo (1907-1914) fue un movimiento artístico nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. - En el cubismo la forma de los objetos no está convencionalmente definida ni fija, sino que poseen tantas formas como planos tenga. - Las representaciones figurativas de la naturaleza se reducen a cubos, cilindros, conos o pirámides. - El color es el que realmente posee el objeto o superficie visto a la luz diurna. Se usaron también diversos tonos de grises y ocres.

GUERNICA

LOS TRES MÚSICOS

LA VIDA Periodo azul Predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante 1901 y 1903. Algunos ejemplos son “Dama en Edén Concert”, “La vida” y “Las dos hermanas”. Periodo rosa Desde 1905 su paleta se inclinó hacia los tonos rosas y rojos, lo que duró hasta 1906. Algunos ejemplos son “Familia de arlequín” y “Gran holandesa”. Protocubismo En el verano de 1906, en Gosol, su producción entró en una fase marcada por la influencia africana, en la que se desvinculó de los cánones de arte enfocados a mostrar representaciones exactas de la realidad, transformándola con parámetros geométricos. Algunas obras representativas son “El retrato de Gertrude” y “Las señoritas de Avignon”.

MATERNIDAD Periodo cubista Transcurre entre 1908 y 1916. Picasso adquiere una manera de pintar neoclásica, busca una pintura pura, para lo cual comenzó a observar los objetos de su taller de modo intelectual. Algunas obras de este lapso son “El Retrato de Vollard”, “Le guitariste” y “El aficionado”. Periodo neoclasicista Esta etapa comienza en 1917 y termina en 1927, en la que se percibe una tendencia en muchos artistas de vuelta al clasicismo. Picasso regresa al desnudo monumental, al dibujo de línea precisa como los retratos de Ingres y al equilibrio. Época surrealista Va de 1928 a 1932. En esta época las formas son distorsionadas, representando lo monstruoso o evocaciones mitológicas; las esculturas

RETRATO DE DORA MAAR estaban hechas de hilo y láminas de metal. Pinturas destacadas: “Bañista en pie”, “Bañista al borde del mar” y “El sueño”. Época expresionista Con el comienzo de la Guerra Civil española, Picasso fue nombrado director del Museo del Prado por el Gobierno Republicano. En 1937 produjo uno de sus cuadros más famosos, el “Guernica”, un alegato contra la guerra y el terror infligido a la población civil durante el bombardeo aéreo alemán sobre esa ciudad. En estos años la mayor parte de sus pinturas expresan un sentimiento de angustia, como consecuencia de la problemática situación que se vivía. El punto culminante de su expresionismo lo marcaron sus cabezas de dos caras. En escultura, realizó piezas más abstractas sin método ni sistema.

DESAYUNO EN LA HIERBA Periodo de Vallauris En este intervalo se dedicó por completo a la cerámica, moldeando cerca de dos mil piezas. “Autorretrato” (1907) es una de las últimas que hizo, sintiéndose identificado por el posimpresionismo. En este cuadro predominaron los tonos rojizos, oscuros o claros; en el fondo de la parte izquierda combinó el rosado como base junto con café y azul, dando el efecto de oscuridad en la parte inferior. Luego, con tonos rojos y naranjas, se va aclarando. Los tonos de la cara llevan un gris como base, que junto con los rojos, amarillos y naranjas forman el tono de la piel. En esta época Picasso empezó a abandonar la perfección de la forma.

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Charles-Émile Reynaud es considerado el creador de los dibujos animados

Charles-Émile Reynaud fue un inventor y pionero del cine de animación francés que perfeccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en 1877. Patentó una mejora considerable de su invento en 1888 al que bautizó con el nombre de Théâtre Optique. Películas de animación: -Un bon bock (1888) -Clown et ses chiens (1892) -Pauvre pierrot! (1892) -Rêve au coin du feu (1895) - Autour d’une cabine (1895) Películas cinematográficas: -Guillaume Tell (1896) -Le premier cigare (1897)

INICIOS DEL CINE

ANIMADO El fotógrafo, profesor y artista Émile Reynaud es conocido como el inventor del praxinoscope (dispositivo de animación), del teatro óptico y como el creador de los primeros dibujos animados. Fue uno de los pioneros del cine. Charles-Émile Reynaud nació el 8 de diciembre 1844 en Montreuil-sous-Bois, Francia. Su padre, Claude-Benoît-Brutus Reynaud, fue un grabador de medallas y su madre, MarieCaroline Bellanger, fue maestra de escuela. Ellos se hicieron cargo de su educación; de su padre aprendió la mecánica de precisión y su madre le enseñó a dibujar y pintar. A partir de 1858 trabajó en reparar, montar y desarrollar instrumentos de óptica y de física, antes de ir a un colegio especializado, donde aprendió dibujo industrial. Posteriormente se empleó como operador con el retratista Antony-Samuel Adam-Salomon, donde realizó retoques fotográficos y luego se trasladó a París como fotógrafo. En 1864 asistió a las conferencias científicas públicas impartidas con proyecciones de luz de Abbott Moigno, de quien se hizo asistente y aprendió la profesión. Al mismo tiempo, participó en las ilustraciones del Diccionario general de las ciencias teóricas y aplicadas, publicado en 1870, por el profesor y naturalista Adolphe Focillon. También bajo su dirección tomó fotografías estereoscópicas de las familias vegetales.

Una vez ocurrida la muerte de su padre, en 1865, Émile Reynaud se trasladó con su madre a Le Puy-en-Velay, donde completó su formación y sus estudios científicos con el apoyo del Dr. Claude-Auguste Reynaud, un primo de su padre. Con él adquirió sólidos conocimientos de botánica, zoología, astronomía y física. En 1873, Moigno lo llamó para presentar una serie de conferencias sobre fotografía, en el Salón “Progrès” de París, las cuales no pudieron permanecer durante mucho tiempo y Émile tuvo que volver a Le Puy-en-Velay, donde el ministerio de Educación decidió ofrecer lecciones proyectadas sobre ciencia a los estudiantes de las escuelas industriales y a la sociedad en general. Estas lecciones fueron diseñadas por Reynaud, cuyos numerosos experimentos puestos en la pantalla grande le aseguraron el éxito entre el público. En 1876 desarrolló su juguete óptico, el praxinoscope. En diciembre de 1877 regresó a París para ensamblar y comercializar sus praxinoscopios. Se casó con Margueritte Rémiatte el 21 de octubre 1879 y tuvieron dos hijos, Paul (1880) y André (1882). Continuó mejorando su praxinoscope, así como trabajando sobre el praxinoscope-teatro y luego con la proyecciónpraxinoscope (proyección sobre una pantalla), pero estas

máquinas reproducían sólo un movimiento cíclico, limitado a 12 marcos. Por último, en 1888, Reynaud desarrolló el teatro óptico, utilizado para presentar historietas cortas (llamadas “Pantomimes lumineuses”) al público del Museo Grevin, del 28 de octubre de 1892 hasta marzo de 1900. Más de 500 mil personas asistieron a estas proyecciones. ¡Habían nacido los dibujos animados! Ante la llegada del cinematógrafo de los hermanos Lumière, en 1895, el final de las proyecciones en el Museo Grévin y la disminución en la demanda de sus praxinoscopios, Émile Reynaud comenzó a trabajar en su nuevo invento: el estéreocinema (1907), pero sin alcanzar su objetivo, la proyección de películas estereoscópicas. Estas circunstancias lo obligaron a abandonar su trabajo, puesto que resultaba más económica la propuesta de los Lumière; vendió el material que tenía y destruyó el teatro óptico, antes de lanzar una gran parte de sus creaciones al Sena. En 1917 ingresó al hospital “Ivry-sur-Seine” por una congestión pulmonar, entró y permaneció ahí hasta su muerte, en enero de 1918, habiendo experimentado previamente una fuerte depresión, demencia e incluso un periodo en la indigencia. Invenciones El éxito comercial del praxinoscope le permitió a su creador continuar sus investigaciones. Técnicamente, este aparato fue la base de sus siguientes invenciones, en los que había un cilindro de espejos que reflejaban sin interrupción las diferentes fases de un movimiento. El praxinoscope Fue el primer invento de Émile Reynaud, en 1876. Patentado en 1877, se trató de un juguete que daba la ilusión óptica de movimiento. Este objeto recibió una mención honorífica en la Exposición Universal de París, en 1878.

EMILE REYNAUD, “TEATRO ÓPTICO”, 1892.

El praxinoscope-teatro Otro juguete óptico inventado en 1879, el praxinoscope-teatro daba movimiento a los personajes en un escenario. Esta técnica para crear dos soportes diferentes, para la animación y para los elementos fijos, todavía es utilizado por los creadores de dibujos animados. Émile Reynaud consiguió la medalla de plata en la Exposición Industrial de París de ese mismo año, por todos sus praxinoscopios. Proyección praxinoscope Juguete óptico inventado por Reynaud en 1880; la proyección praxinoscope puede hacer que se muevan los personajes sobre un fondo fijo en una pantalla. A menudo confundido con el teatro óptico, esta proyección es la última evolución hacia dicho aparato, pero aún ofrecía al espectador sólo la visión de un movimiento cíclico. Teatro óptico Patentado por Émile Reynaud en 1888, el teatro óptico ya no era un simple juguete, sino una maquinaria compleja para su presentación al público. Con él, la acción fue más allá del movimiento cíclico de las invenciones anteriores y la trama se desarrolló durante más de 10 minutos. Fue el aparato usado durante las “Pantomimes lumineuses” en el Museo Grévin.

El 28 de octubre fue declarado Día Internacional de la Animación por parte de la Asociación Internacional del Films de Animación (ASIFA), para conmemorar la primera proyección pública que llevó a caboÉmile Reynaud con las “Pantomimes lumineuses”, en el Museo Grevin. Émile Reynaud fue pionero usando bandas perforadas para proyectar imágenes móviles.

HISTORIA DE MARCAS

MÁQUINA DE COSER Isaac Merritt Singer (Pittstown, Nueva York, 26 de octubre de 1811-Paignton, Inglaterra, 23 de julio de 1875) fue un inventor, actor y empresario estadounidense. Realizó importantes mejoras en el diseño de la máquina de coser y fue el fundador de la Singer Sewing Machine Company (Compañía de máquinas de coser Singer). Otros personajes patentaron máquinas de coser antes que él, pero el éxito de Singer se basó en la practicidad de su máquina, la facilidad con la que podía ser adaptada para uso doméstico y que la ofreció en pagos. Isaac Singer empezó empezó a fabricar su máquina de coser en 1850. Sin embargo, Elias Howe, pionero en la creación de este tipo de máquinas, se puso en contacto con él para informarle que sus productos hacían uso de una patente que legalmente le pertenecía a él y en virtud de que su situación económica era complicada, le propuso venderle los derechos por dos mil dólares. Sorpresivamente, Singer rechazó la oferta de forma sumamente grosera e incluso amenazó a Howe. Por su parte, en Boston, Orson C. Phelps elaboró máquinas de coser bajo licencia de John A. Lerow; no obstante, no era muy funcional porque el movimiento circular de la lanzadera provocaba una torsión del hilo en cada rotación. Entonces, Isaac Merrit Singer, tras examinar la máquina, concluyó: “en lugar de hacer que la lanzadera siga un movimiento circular, yo la haría moverse hacia adelante y hacia atrás en línea recta. En lugar de la barra para agujas que empuja horizontalmente una aguja curva, yo usaría una aguja recta y la haría trabajar en vertical, subiendo y bajando”. Después de 11 días de trabajo y un costo de cuarenta dólares, Singer terminó su inven-

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to: la primera máquina de coser propiamente dicha. El modelo tenía una aguja recta con el ojo elíptico, una lanzadera transversal, un brazo en suspensión, un plano de apoyo del cabezal, un pie que sujeta el tejido evitando que sea arrastrado hacia arriba de la aguja y una rueda áspera para el avance de la tela, que sobresale por una ranura del plano de apoyo. Además, unos engranajes especiales comunican el movimiento al brazo de la aguja y la lanzadera; también fue de Singer la idea de utilizar un pedal de pie similar al de una rueca manual. Todas las máquinas anteriores generaban la fuerza manualmente, con el uso de una manivela. En 1851, una vez obtenida la patente para la primera máquina de coser de doble puntada, Singer fundó la I. M. Singer & Company, junto con Edward C. Clark, un abogado de Nueva York. La Singer Sewing Machine se comercializó en todo Estados Unidos. Antes de que transcurrieran dos años, la empresa ya era la principal en el sector de la producción y comercialización de este tipo de artefactos. En 2001 Singer celebró su 150 aniversario, presentó en todo el mundo las máquina doméstica más avanzada para coser y bordar: la QUANTUM® XL-5000, que ofrece características futuristas, como el enhebrado completamente automático, carrete autorrecargable y el programa profesional Sew-Ware de última generación. Se trata del modelo más potente y funcional que se encuentre en el mercado. SVP Worldwide, firma a la que hoy en día pertenece Singer, se especializa en el diseño, fabricación y distribución de consumo de alta calidad y artesanales máquinas de coser, acolchar y bordar, accesorios y refacciones, con presencia en más de 190 países.

En 1865, cuando la Guerra Civil estadounidense llegó a su fin, el historiador francés Edouard de Laboulaye propuso que Francia regalara una estatua al país americano que recordara el éxito de una nación democrática. El escultor Frederic Auguste Bartholdi, conocido por sus obras a gran escala, fue el encargado de moldear la escultura que se entregaría en el centenario de la Declaración de Independencia estadounidense, en 1876. El proyecto sería un esfuerzo conjunto entre los dos países y un símbolo de la amistad entre ambos: los franceses se encargarían de la elaboración de la estatua y su ensamble, mientras que los norteamericanos construirían el pedestal sobre el que se posaría.

ESTATUA DE LA

LIBERTAD Las dos naciones se vieron en la necesidad de recaudar fondos para la estatua y el trabajo de esculpir no comenzó sino hasta 1875. La creación de Bartholdi, titulada “Estatua de la libertad iluminando al mundo”, representa a una mujer con una antorcha en la mano derecha y una tableta en la izquierda, en la que está grabada la fecha del 4 de julio de 1776, cuando se declaró la independencia. Bartholdi, quien se dice que moldeó el rostro de la mujer basándose en el de su madre, utilizó láminas grandes de cobre martillado para crear la “piel” de la figura (usando la técnica del repujado). Para confeccionar el esqueleto llamó a Alexandre Gustave Eiffel, diseñador de la Torre Eiffel. Entonces construyeron una estructura de torre de hierro y acero que permitía que la piel de cobre se moviera independientemente, condición necesaria para que resistiera los fuertes vientos que aún azotan el lugar elegido para su colocación en el puerto de Nueva York. Mientras que ese trabajo se desarrollaba en Francia, los esfuerzos de recaudación de fondos continuaron en Estados Unidos para la construcción del pedestal; las actividades incluyeron concursos, beneficios y exposiciones. Cerca de finalizar el plazo para obtener el recurso necesario, el influyente periodista Joseph Pulitzer utilizó su periódico El Mundo para terminar de reunir el dinero. Diseñado por el arquitecto estadounidense Richard Morris Hunt, la base de la estatua fue construida en el interior del patio de madera de una fortaleza edificada durante la guerra de 1812 y situada en la isla de Bedloe, en el extremo sur de Manhattan, en la bahía superior de Nueva York. En 1885 Bartholdi terminó la estatua y el 28 de octubre de 1886 el presidente Grover Cleveland la develó oficialmente frente a miles de espectadores. En 1892, el gobierno de Estados Unidos abrió una estación federal de inmigración en Ellis Island, situada cerca de la isla de Bedloe. Entre 1892 y 1954, aproximadamente 12 millones de inmigrantes fueron procesa-

dos en Ellis Island antes de obtener permiso para entrar a los Estados Unidos. De 1900 a 1914, durante los años de apogeo de su funcionamiento, de cinco a 10 mil personas la visitaban cada día. La estatua ofrece una majestuosa bienvenida a los que pasan a través de Ellis Island. En una placa en la entrada del pedestal está grabado un soneto titulado “The New Colossus”, escrito en 1883 por Emma Lazarus como parte de un concurso de recaudación de fondos. Su más famoso fragmento habla del papel del monumento como símbolo de saludo a la libertad y la democracia para los millones de inmigrantes que llegaron a Estados Unidos en búsqueda de una nueva y mejor vida: “Dame tus cansados, tus pobres/ tus masas apiñadas anhelando respirar en libertad/ el desamparado desecho de tus rebosantes playas/ Enviar éstos, los desamparados, sacudidos por las tempestades a mí / levantó mi lámpara al lado de la puerta de oro!”. Hasta 1901, la Junta del faro operó la estatua debido a que la antorcha guiaba a los marineros durante la navegación. Posteriormente fue puesta bajo la jurisdicción del Departamento de Guerra; en 1924, el gobierno la entregó a la administración del Servicio de Parques Nacionales. En 1956, la isla de Bedloe fue retitulada isla de la libertad, y en 1965 (más de una década después de su cierre como estación migratoria federal) Ellis Island se convirtió en parte de la estatua de la Libertad. A principios del siglo XX, la oxidación de la “piel” de cobre, originada por la exposición a la lluvia, el viento y el sol, había dado a la estatua un color verde característico, conocido como cardenillo. En 1984, fue cerrada al público y sometida a una restauración masiva para la celebración de su centenario. El 5 de julio de 1986 fue reabierta al público en el marco de los festejos. Después de los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001, la isla de la libertad cerró durante 100 días, y el acceso al monumento no se volvió a abrir hasta agosto de 2004.

curiosidades -El rostro de la estatua de la Libertad se dice que fue modelada con base en el de la madre del escultor, Frédéric Auguste Bartholdi. -Está inspirada en las esculturas clásicas de Grecia y Roma. -La estatua fue un obsequio de Francia a Estados Unidos, en 1886.

¡lo que tienes que saber...! -En la mano derecha sostiene la antorcha. -En la mano izquierda sostiene una tablilla con la leyenda gravada “July IV MDCCLXXVI” (4 de julio de 1776), fecha de la firma de la Declaración de Independencia de Estados Unidos. -La estatua llegó a Norteamérica desmantelada en 350 partes, resguardada en 214 cajas, transportada en la fragata francesa “Iseré”. -El ensamble de sus piezas duró cuatro meses y fue develada el 28 de octubre del 1886. -La corona tiene 25 ventanas que simbolizan piedras preciosas y los rayos de sol. -Los siete rayos en la corona representan los siete mares y siete continentes (según la tradición occidental geográfica). -La estatua tiene una altura de 93 metros a partir del suelo hasta el punto máximo de la antorcha, y de 46 metros contados desde el pedestal. -En 1924 fue declarada como monumento histórico de Estados Unidos y en 1984, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

-Su peso lo conforman 31 toneladas de cobre, 125 toneladas de acero y 27 mil toneladas de concreto. -El acceso hacia la antorcha ha estado cerrada al público desde 1916. -En la estatua de la Libertad han ocurrido al menos tres suicidios a lo largo de los años. -Desde los comienzos de la cinematografía, ha sido utilizada como escenario en una multitud de cintas. Una de ellas el filme “El inmigrante” (1917), de Charles Chaplin. -Situada en el puerto de Nueva York, se encuentra a dos millas de Manhattan, y a sólo dos mil metros de Jersey City, Nueva Jersey. -Su restauración fue concluida en 1986. Durante el proceso, la antorcha fue cubierta en oro de 24 quilates. -En ese mismo proceso se instaló un ascensor, aunque los visitantes todavía tienen la opción de subir los 354 escalones hasta la corona. -El vestido de la estatua representaría cuatro mil metros cuadrados de tela y su número de calzado, de acuerdo con las medidas utilizadas para determinar los tamaños de zapatos contemporáneos, es 879.

IMÁGENES RENÉ MONTERO

CUAUTLA, MORELOS, MÉXICO

montawa.rene@gmail.com FOTOGRAFÍA SELECCIONADA PARA FORMAR PARTE DE LA EXPOSICIÓN INTERNACIONAL MONTADA ACTUALMENTE EN EL MUSEO D’ARTE CONTEMPORANEA DI ROMA (MACRO).

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EL GATO NEGRO Autor: EDGAR ALLAN POE Año: 2010 Núm. de páginas: 94 Idioma: ESPAÑOL Precio aprox.: $35.00

RECOMENDACIONES

DE LECTURA

EDGAR ALLAN POE (19 de enero de 1809-7 de octubre de 1849)

RESEÑA “El gato negro” es un cuento de horror del escritor estadounidense Edgar Allan Poe, publicado por primera vez en el periódico Saturday Evening Post de Filadelfia, el 19 de agosto de 1843. La crítica lo considera como uno de los más espeluznantes de la historia de la literatura. Se trata de uno de los más conocidos cuentos siniestros de Poe, así como uno de sus grandes relatos psicológicos. La combinación de ambos elementos, horror y psicología, parece conducir directamente a la expresión de terror psicológico, que hoy sabemos está inspirada en la singularidad artística de este autor y que podría definirse como aquella fórmula literaria que, entre otras cosas, aspira a combinar miedo, enajenación y arte.

Hijo de Elizabeth Arlold Poe y David Poe, actores ambulantes de teatro, quienes lo dejaron huérfano a los dos años. Fue criado por John Allan, un acaudalado y caritativo hombre de negocios de Richmond, en Virginia, y de 1815 a 1820 vivió con éste y su esposa en Inglaterra, donde comenzó su educación. Aunque los Allan acogieron al niño, nunca lo adoptaron formalmente pese a que le dieron el nombre de Edgar Allan Poe. Su padrastro era un hombre de carácter recio, colérico e intransigente, que influiría negativamente en el joven escritor. Después de regresar a Estados Unidos, Poe continuó estudiando en centros privados y asistió a la Universidad de Virginia, pero en 1827 su afición al juego y a la bebida le acarreó la expulsión. Abandonó poco después el puesto de empleado que le había asignado su padre adoptivo y viajó a Boston, donde publicó anónimamente su primer libro, Tamerlán y otros poemas. Se enroló luego en el Ejército, en el que permaneció dos años. En 1829 apareció su segundo libro de poemas, Al Aaraf, y obtuvo, por influencia de su padre adoptivo, un cargo en la Academia Militar de West Point, de la que a los pocos meses fue expulsado por negligencia en el cumplimiento de sus deberes. La miseria y el hambre lo acompañaron a partir de esta época; precisamente por motivos económicos

pronto dirigió sus esfuerzos a la prosa, escribiendo relatos y crítica literaria para algunos periódicos. Llegó a adquirir cierta notoriedad por su estilo cáustico y elegante. Debido a su trabajo vivió en varias ciudades: Baltimore, Filadelfia y Nueva York. En Baltimore, en 1835, contrajo matrimonio con su prima Virginia Clemm, que entonces tenía 13 años de edad. En enero de 1845 publicó un poema que le haría célebre: “El cuervo”, mientras que su esposa murió de tuberculosis dos años más tarde. Aún hundido en la desolación, el escritor terminó, en 1849, el poema “Eureka”. Con la muerte de Virginia, la vida de Poe se vino abajo. Falleció el 7 de octubre de 1849. Sus últimas palabras fueron “Que dios ayude a mi pobre alma”. Escribió alrededor de 60 cuentos y una serie de poemas, entre los que destacan: -El gato negro -Eureka -La caída de la casa de Usher -Las campanas -El retrato oval -La máscara de la muerte roja -Historias extraordinarias -El cuervo -Cuentos de lo grotesco y de lo arabesco -Los crímenes de la calle Morgue -Ulalume -Annabel Lee.

LO QUE TIENES QUE VER

SINOPSIS

RESEÑA Filme del danés Lars von Trier. Sus cintas tienen la intención de romper con los moldes establecidos, de provocar al público y de buscar nuevos caminos en el lenguaje cinematográfico. Con un gran reparto (Nicole Kidman y Lauren Bacall, entre otros), da vida a la primera película de su nueva trilogía, en la que busca ahondar en el conocimiento de la naturaleza humana, basado en la bondad y en la maldad, así como en el orgullo, la cobardía, los celos, el miedo, la lujuria y la venganza. Grace es una bella joven que, perseguida por unos gánsteres, llega a Dogville, un pueblo perdido en lo profundo de Estados Unidos. Allí Tom, joven ilustrado y portavoz del pueblo, se ofrece a esconderla a cambio de hacer pequeños servicios a cada uno de los vecinos, para así ganarse su confianza. Con el tiempo, la búsqueda de la policía y las exigencias de trabajo son complejas, llevándola a circunstancias impensables. La narración va conduciendo el relato, a la vez que distanciando al espectador de la historia para que pueda reflexionar a partir de lo que ve. Dividida en un prólogo y nueve capítulos, y con un solo escenario en que las casas se reducen a una línea pintada en el suelo que delimita unas paredes y puertas inexistentes, el director busca la complicidad del

espectador para que con su imaginación construya el entorno en que se mueven los actores, y a su vez no logre distraerse con elementos del ambiente y así enfocarse únicamente en los personajes de la historia, que son perfectamente actuados. Toda la película aborda de forma muy sutil los niveles de la condición humana y de su conciencia, para acabar percibiendo la tenue y frágil línea que separa la bondad y la maldad, el amor y el odio, y la manipulación de las personas para fines propios. Muestra las dos caras (el bien/el mal) del ser humano y de cómo dadas las circunstancias de la vida, podemos mostrar una de las dos La visión de Lars von Trier no tiene límites geográficos ni temporales. Se trata de una cinta diferente, desde la ambientación minimalista e invisible, el uso de una escénica distinta, de un brillante trabajo de luz y sonido, de música, de fotografía y de aspectos teatrales. Dogville logra centrar la atención en el tema principal (no uso de escenografías) y a su vez, aunque suene contradictorio, logra que el espectador interactúe con la historia y vaya creando de forma mental el entorno del film. Sus casi tres horas de duración y su sentido abstracto y simbólico no impiden disfrutar de esta radiografía del alma humana.

Grace (Nicole Kidman), una bella fugitiva perseguida por unos gánsteres, llega a Dogville, un pueblo perdido. Tom (Paul Bettany) convence a los habitantes para que la escondan; Grace, a cambio, acepta trabajar para ellos. Cuando su búsqueda se torna más tensa, la gente de Dogville cree tener derecho de exigirle una compensación por el riesgo que corren al ocultarla. Bajo esa situación, la protagonista aprende que la bondad es relativa, mientras que ella guarda un secreto para Dogville.

FICHA TÉCNICA Dirección y guion: LARS VON TRIER. Países: DINAMARCA, SUECIA, FRANCIA, NORUEGA, HOLANDA, FINLANDIA, ALEMANIA, ITALIA, JAPÓN, ESTADOS UNIDOS E INGLATERRA. Año: 2003. Duración: 177 MINS. Interpretación: NICOLE KIDMAN, HARRIET ANDERSSON, Lauren Bacall, Jean Marc-Barr, Paul Bettany, Blair Brown, James Caan y Patricia Clarkson. Producción: VIBEKE WINDELØV. Fotografía: ANTHONY DOD MANTLE. Montaje: MOLLY MARLENE STENSGAARD.

Director de cine y guionista. Junto a Thomas Vinterberg, estableció las reglas del manifiesto Dogma 95, el cual fue un movimiento fílmico vanguardista iniciado en 1995, cuya filosofía consta en hacer cine basado en valores tradicionales de historia, actuación y tema, excluyendo el uso de elaborados efectos especiales o tecnología, así como de no depender de presupuestos elevados.

Si tienes una visión normal, verás el 42. Si tienes ceguera al color rojo, sólo verás el 2. Si tienes ceguera al verde, sólo verás el 4.

PRUEBA DE ISHIHARA En 1917, el doctor Shinobu Ishihara dio a conocer la prueba de ceguera a los colores, una forma de descifrar si se padece daltonismo y evaluar el tipo. Ishihara fue un oftalmólogo japonés que diseñó tal prueba, conocida como Cartas de Ishihara, la cual consiste en un número de discos, cada uno de los cuales contiene un círculo con puntos aparentemente aleatorios en color y tamaño. Dentro del patrón hay algunos que forman un número visible para quienes tienen una visión normal del color, e invisible para quienes presentan defectos para distinguir el rojo y el verde.

Si tienes una visión normal, verás el 73. Si eres daltónico, no verás ningún número.

Si tienes una visión de color normal, verás el 74. Si tienes ceguera al verde, verás el 21. Si eres completamente daltónico, no verás ningún número.

Si tienes visión normal, verás el 26. Si eres daltónico al rojo, aparecerá un 6; si eres ligeramente daltónico al rojo, verás un débil 2. Si eres daltónico al verde, verás un 2; si eres ligeramente daltónico al verde, verás un nebuloso 6.

Si tienes una visión normal, verás el 12 Si no puedes ver el 12... tu problema es otro, porque todo el mundo puede ver este número.

Recomendación Para más informacion del test visita: http://cataract-surgery.info/colour_blindness_test.html

NUEVA DIRECCIÓN

PASEO ATLETAS NO. 54, (POR LOS LAGOS) ENTRE MÁRTIRES DE XALAPA Y VENUSTIANO CARRANZA

El fascismo es una doctrina política y social de carácter totalitario que surgió en Italia por iniciativa de Benito Mussolini, después de la Primera Guerra Mundial. Se caracterizó por su método de análisis o estrategia de difusión de juzgar sistemáticamente a la gente no por su responsabilidad personal, sino por su pertenencia a un grupo. Hacía uso de los sentimientos de miedo y frustración colectiva para exacerbarlos mediante la violencia, la represión y la propaganda. El fascismo (del italiano fascio: haz, a su vez del latín fasces) es una ideología y un movimiento político totalitario que emergió en la Europa de entreguerras (1918-1939), en oposición a la democracia liberal y al proyecto de Estado socialista. Exaltaba la idea de nación frente a la de individuo o clase y empleaba hábilmente los nuevos medios de comunicación y el carisma de un líder en el que se concentraba todo el poder. Es decir, inculcaba la obediencia a las masas a través del control de la información, la manipulación del sistema educativo y otras formas de adiestramiento social que permitieron desvirtuar la voluntad popular y legitimar la figura del líder o caudillo. Si bien nació en Italia, se extendió a naciones como Alemania, donde adquirió matices racistas, y de manera tardía hacia España, bajo el mandato de Francisco Franco. Inicios A principios del siglo XX, Italia estaba gobernada por un régimen político liberal, sostenido por sectores de la clase media. El resto de la sociedad no participaba en el sistema político. La aristocracia católica se mantenía al margen, cumpliendo con una bula papal que les prohibía involucrarse en la política hasta que se resolviera la relación entre el Papado y el Estado. Los obreros de los centros urbanos pertenecían al Partido Socialista y a sus organizaciones sindicales, o al Partido Popular de orientación social-cristiana.

FASCISMO Revolución fascista En 1919 Mussolini creó una agrupación político-militar: los “fasci di combattimento”, integrada por veteranos de guerra, artistas futuristas, estudiantes nacionalistas y algunos sindicalistas partidarios de la guerra. Los fascistas se calificaban como anticapitalistas, antiburgueses, antiliberales, antisocialistas y anticlericales. Los “fasci di combattimento” fueron la base del movimiento fascista. Entre 1920 y 1921, muchos ex militares desocupados y pequeños propietarios rurales antisocialistas se incorporaron a los fasci. En particular, los dueños de tierras y algunos sindicalistas organizaron escuadras fascistas que atacaban vio-

lentamente a sus adversarios, tomaban las sedes municipales, expulsaban a los gobernantes locales y destruían los sindicatos socialistas y católicos. El fascismo se formó como un partido militarizado, violento y organizado, financiado por los mismos propietarios rurales y por banqueros e industriales urbanos, quienes esperaban que los fascistas terminaran con las protestas sociales. En 1922, los dirigentes fascistas se prepararon para la toma del poder. Mussolini decidió realizar una movilización desde distintos puntos del país hacia Roma. El 28 de octubre se inició la “Marcha sobre Roma”, que culminó exitosamente el 30 de octubre, cuando el rey Víctor Manuel nombró Primer Ministro a Mussolini. Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, la mayoría de la sociedad italiana sostuvo una posición neutral; sin embargo, el gobierno, los grupos nacionalistas y un sector minoritario del socialismo liderado por Benito Mussolini apoyaron la intervención en el conflicto. Para convencer a los italianos de las ventajas de la guerra, el gobierno aseguró que Italia obtendría grandes beneficios si combatía del lado de los países victoriosos. Cuando el conflicto concluyó, Italia se encontró en severas dificultades económicas y ante grandes expectativas sociales. El régimen fascista Luego de marchas y contramarchas en las que se endurecían y relajaban las relaciones con la oposición, en enero de 1925 Mussolini proclamó la dictadura y clausuró el Parlamento. Decidió reducir la influencia de los miembros de su partido en el gobierno. Los puestos clave de su gabinete fueron ocupados por dirigentes ultranacionalistas, a pesar de las protestas de los fascistas “históricos”.

¡lo que tienes que saber...!

Su objetivo era subordinar a todas las organizaciones sociales, al propio partido, a los sindicatos fascistas y a las organizaciones juveniles a la autoridad del Estado. Todos los antifascistas (liberales, socialcristianos, socialistas o comunistas) fueron desterrados. Diez mil opositores debieron exiliarse y otros diez mil fueron encarcelados. El Partido Fascista ocupó una nueva función: se encargó de custodiar la disciplina social y de mantener a la sociedad aglutinada en torno a los objetivos impuestos por el gobierno. El Estado fascista creó 22 corporaciones en las que se reunían representantes de los empresarios y de los sindicatos por rama de actividad (metalurgia, metalmecánica, química, vitivinícola, entre otras), controladas por un Consejo Nacional de Corporaciones y por un Ministerio de Corporaciones. De esa manera el Estado se proponía regular la actividad económica y las relaciones laborales. Un último paso fue la creación, en 1939, de una Cámara de las Corporaciones en reemplazo de la Cámara de Diputados. El corporativismo sólo sirvió para controlar los sindicatos, pero nunca a los grandes empresarios. La República Social Italiana La alianza entre el fascismo y el nacionalsocialismo alemán, durante la Segunda Guerra Mundial, significó el fin del régimen. La mayor parte de la sociedad estaba en contra de la guerra. En julio de 1943, el Rey y el Gran Consejo Fascista decidieron destituir y encarcelar a Mussolini, y negociar la paz con los aliados. Entonces Alemania invadió Italia, liberando al dictador y nombrándolo presidente de la República Social Italiana. Esa experiencia fue la más sanguinaria y cruel de todo el régimen fascista. Concluyó en 1945, con el término de la guerra.

- Benito Mussolini nació en Predappio, Forli el 29 de julio de 1883. - En 1935 Italia, bajo el mando de Benito Mussolini, atacó y se anexó el país de Etiopía. - El sobrenombre con el que se le conocía a Mussolini era el de “ Il Duce” (El Líder). - El Slogan político que se usaba en Italia bajo la dictadura era: “Mussolini siempre tiene la razón”. - En 1943, después de haber sido depuesto por el rey, Mussolini fue arrestado y exiliado a Abruzzo; seis semanas más tarde paracaidistas alemanes escenificaron su dramático rescate. - Mussolini voló al norte de Italia, ocupada por los nazis y fundó la República Social Italiana. - El dictador italiano fue el fundador del fascismo. - Clara Petacci era el nombre de la amante de Mussolini, una mujer casi 29 años menor que él, y que no quiso abandonarlo aun cuando se sabía que Mussolini iba a ser ejecutado.

curiosidades - El padre de Mussolini lo nombró “Benito” en honor a Benito Juárez,de quien era admirador. - Mussolini pasó de ser el número 3 en el escalafón del Partido Socialista Italiano y dirigir su rotativo Avanti!, a promover el fascismo dentro de Italia. - Durante su mandato estableció un régimen cuyas características fueron el nacionalismo, el militarismo y la lucha contra el liberalismo y contra el comunismo, combinadas con la estricta censura y la propaganda estatal. - Mussolini se convirtió en un estrecho aliado del canciller alemán Adolf Hitler, sobre quien había influido. Bajo su gobierno, Italia entró en la Segunda Guerra Mundial en junio de 1940, como aliado de Alemania Nazi. Tres años después, los aliados invadieron el Reino de Italia y ocuparon la mayor parte del sur del país. - En abril de 1945 trató de escapar a Suiza, pero fue capturado y fusilado, cerca del lago. Su cuerpo fue llevado a Milán, donde fue ultrajado.

BENITO AMILCARE ANDREA MUSSOLINI Nació en 1883. Desde su juventud se adhirió al socialismo, se desempeñó como dirigente del sector revolucionario de este partido y director del diario socialista Avanti. Combatió en la Primera Guerra Mundial en un regimiento de bersaglieri. Gobernó Italia de 1922 a 1945. Entre 1925 y 1935 alcanzó varios éxitos en política internacional y en política económica, en el marco de la profunda recesión mundial provocada por la crisis del 29. En 1935 conquistó Abisinia (Etiopía) y en 1936 proclamó el Imperio italiano. Ese mismo año trasladó las tropas de Abisinia hacia España, para respaldar a Francisco Franco en la guerra civil. También en 1936 comenzó su imparable pérdida de popularidad. En 1937 viajó a Berlín y selló una alianza con Adolfo Hitler. En 1945, ante la derrota de Alemania y el fin de la República Social Italiana, Mussolini intentó fugarse, pero fue capturado, fusilado y colgado por una brigada de italianos antifascistas.

PREMIOS PULITZER Joseph Pulitzer

Los premios Pulitzer son los galardones anuales más prestigiosos otorgados en Estados Unidos. Reconocen fundamentalmente a la actividad periodística, pero también son entregados a músicos, dramaturgos, poetas, ensayistas y novelistas. La lista de los ganadores la integra la Universidad de Columbia a través de un órgano consultivo constituido por el Patronato de los Premios. El nombre de estos reconocimientos procede de su promotor, Joseph Pulitzer, quien poco después de emigrar de su país natal (nacido en 1847 en Hungría) hacia Estados Unidos, empezó a trabajar como periodista. Inició como reportero en 1867 en el diario Saint Louis (Missouri); años más tarde se consolidó en el medio y fue propietario de varios periódicos (entre los que se encuentra The World), con lo que acumuló una gran fortuna. Pulitzer invirtió una parte de su millonario patrimonio en donaciones benéficas, una de las cuales se destina a la

Universidad de Columbia, donde fundó una escuela de Periodismo y un centro de estudios que más adelante sería el origen de los premios Pulitzer. Fue en 1902 cuando propuso que la Escuela de Periodismo concediera anualmente condecoraciones que reconocieran los méritos de periodistas y escritores norteamericanos; en 1917 se entregaron los primeros. Cada año, los miembros del jurado (designados por el Patronato del Premio) deciden quiénes serán los destinatarios de cada galardón. Con el transcurrir del tiempo las categorías de los premios han aumentado y abarcado un mayor número de especialidades. Por lo general, sólo hay un premiado en cada categoría, aunque de forma excepcional puede figurar más de uno; asimismo, los premios dejaron de entregarse únicamente a participantes estadounidenses y se incluyó la producción en otros países.

Mexicanos premiados 2013 -Alejandra Xanic von Bertrab, originaria de Jalisco, ganó el premio junto al estadounidense David Barstow por el mejor reportaje de investigación publicado en The New York Times, sobre el supuesto pago que hizo la multinacional Wal Mart a funcionarios mexicanos a cambio de facilitar los permisos para abrir más sucursales en el país. -Javier Manzano, fotógrafo, lo obtuvo en la categoría “Feature Photography” con una imagen tomada en octubre en Alepo, principal ciudad de Siria. La imagen muestra a dos hombres guardando tensamente sus posiciones, uno de ellos apuntando desde la mira de un francotirador, mientras la luz del día pasa por una docena de agujeros que dejaron las balas al atravesar una cercana pared de metal. -Narciso Contreras, fotógrafo, junto con el español Manu Brabo, el argentino Rodrigo Abad y sus compañeros Khalil Hamra y Muhammed Muheisen, produjeron imágenes memorables bajo peligro extremo, cuando cubrían la guerra en Siria. Precisamente una de las categorías más controversiales por su alto impacto visual suele ser la de fotografía, toda vez que aunque muchas muestran escenas de amor, triunfo, perseverancia y unión, en su mayoría incluyen muerte, miedo, catástrofes naturales, guerras, hambruna, enfermedades o desgracias de terceros. Es entonces cuando surge la pregunta de si realmente es conveniente premiar una fotografía del salvajismo del hombre, del dolor o sufrimientos de otros, ¿es plausible y digno de reconocer? Por supuesto, reflejan la crueldad de algunos eventos y la realidad del mundo en el que vivimos; tal vez su función sea motivar la consciencia acerca de eventos negativos que marcan la historia del planeta para intentar no repetirlos. Otra interrogante que surge ante estos hechos es qué tanto nos inclinamos por consumir violencia y morbo ante el sufrimiento o desgracia de otras personas. Te invitamos a que busques las imágenes premiadas a través de los años y formes tu propia opinión. Recomendaciones - Infórmate sobre quién fue Kevin Carter, premio Pulitzer 1994. - Ve este video: www.youtube.com/ watch?v=kRvx-GLb_R4 -Para saber más sobre los premios, sus categorías y ganadores, visita pulitzer.org

¡lo que tienes que saber...! -Los Premios Pulitzer fueron otorgados por primera vez el 4 de junio de 1917 y actualmente se anuncian cada año en abril. -Se presentan más de 2 400 propuestas anuales para competir por el galardón, que otorga usualmente 21 premios distribuidos en diferentes categorías, entre las que destacan Historia, Poesía, Obras literarias de ficción, Biografía, Crónica, Fotografía, Periodismo de investigación, Periodismo nacional e internacional, Teatro, Música, Reportaje divulgativo y Editorial. -Su entrega representa la culminación de un largo proceso anual que inicia con el nombramiento de 102 distinguidos jueces que intervienen en 20 jurados distintos y a quienes se les solicita realizar tres nominaciones en cada una de las 21 categorías. -La medalla de oro es otorgada al ganador en la categoría de Servicio

Público. Junto con los certificados, hay premios en efectivo de 10 mil dólares. -Inicialmente el Pulitzer fue financiado por los ingresos de inversión de la Universidad y por una herencia que destinó el propio Joseph, pero en 1970 el programa registraba pérdidas. Actualmente está subvencionado con los ingresos de las inversiones de la Universidad de Columbia y el pago de 50 dólares que se cobra por cada registro de los competidores. -En sus inicios, estos premios fueron constituidos para resaltar y memorar acontecimientos sociales, políticos y culturales más destacables en la historia de Estados Unidos a lo largo del siglo XX. -Este reconocimiento también significa una especie de recuento histórico del pasado nacional e internacional más relevante. Año tras año son premiadas aquellas creaciones periodísticas que mejor han consignado algún suceso de esta naturaleza.

curiosidades - John F. Kennedy fue el único presidente en ganar un Premio Pulitzer por su libro Profiles in Courage. - En 2008, el periodista filipino Jose Antonio Vargas obtuvo un Premio Pulitzer siendo inmigrante. Vargas contó su historia para luchar por los derechos de los inmigrantes. - El poeta Robert Frost, el dramaturgo Eugene O’Neill y la fotógrafa del Washington Post, Carol Guzy, son los que más medallas han recibido: cada uno se llevó cuatro premios. - El New York Tribune fue el primer periódico que recibió un Pulitzer con un artículo editorial para conmemorar el primer aniversario del naufragio del trasatlántico “Lusitania”. - Un mismo trabajo puede ser presentado hasta en dos categorías, siempre que se paguen los 50 dólares correspondientes a cada inscripción. - Aunque Pulitzer sólo estableció 13 categorías de premios (cuatro de periodismo, cuatro de literatura, cuatro de teatro y uno de educación), según lo dispuesto también por él mismo, éstas han ido aumentando y diversificándose. - “Maus: A Survivor’s Tale” es el único cómic que se ha hecho acreedor a un premio Pulitzer. Su creador es Art Spiegelman y se le otorgó en 1992. - “The Deadly Choices at Memorial”, reportaje publicado en el portal Propublica y escrito por Sheri Fink en colaboración con The New York Times Magazine, obtuvo el primer Premio Pulitzer para un trabajo difundido en internet. - Con la finalidad de ganar un Pulitzer por coberturas amplias y no sólo por noticias de última hora, la agencia Reuters ha implementado una estrategia de calidad entre sus periodistas: percibirán un mejor salario a cambio de reportajes largos, de investigación y a profundidad. - Joseph Pulitzer (1847-1911) mantuvo una gran rivalidad con el también editor y magnate de la prensa William Randolph Hearst (1863-1951). Aunque es conocido por los galardones que llevan su nombre, fue de los primeros en abogar por una formación profesional para periodistas, por lo que promovió la creación de la escuela de Periodismo en la Universidad de Columbia, una de las más prestigiosas del mundo.

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en el espacio, escrita en 1966, narra en forma retrospectiva (ubicada en el año 2001) la realización de dos dramatizaciones más de la historia de H. G. Wells, con lo que de manera casual se cumplió tal profecía, entonces futurista. La novela La guerra de los mundos ha sido adaptada dos veces en forma de largometraje. La más famosa y exitosa fue la de 1953, a pesar de alejarse demasiado de la trama. En esta versión, que registra los acontecimientos en Los Ángeles, California, los protagonistas son un científico y una guapa jovencita, y los extraterrestres utilizan vehículos voladores con forma de mantarraya para destruirlo todo a su paso. La última adaptación fue el filme de 2005, dirigido por Steven Spielberg y protagonizado por Tom Cruise. La propuesta de Spielberg es más humana y se apega ligeramente más a la versión de Wells al narrar la invasión desde la perspectiva de un hombre común tratando de sobrevivir. Esta versión tampoco ocurre en Inglaterra, sino en el noroeste de Estados Unidos (posiblemente como homenaje al programa de radio de 1938), la heroica

batalla del Thunderchild vuelve a ignorarse y se retoman los “escudos protectores” de la cinta de 1953. La histeria colectiva de 1938 demostró el poder de los medios de comunicación, al tiempo que a Orson Welles le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarlo en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir dos películas. El mundo conocería a partir de entonces a uno de los grandes genios de la historia del cine, realizador de algunas de las películas más recordadas del siglo XX, entre las que destaca “Ciudadano Kane”, película que rodó a los 25 años y que recibió el Óscar al mejor guion original. Welles convenció al guionista Herman J. Mankiewicz, con quien no se llevó bien y posteriormente discutirían por la autoría del trabajo, ya que Wells realizó numerosos retoques para escribir una historia basada en la vida de William Randolph Hearst, magnate de la prensa y artífice del sensacionalismo y amarillismo periodístico. “Citizen Kane” es considerada la mejor cinta estadounidense de la historia por el American Film Institute.

Para escuchar el audio y guion original visita: http://tedijequenomelodijeras.blogspot.mx/2010/12/ la-guerra-de-los-mundos-orson-welles.html

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CURIOSIDADES

En la película “Psicosis” (1960), de Alfred Hitchcock, se utilizó chocolate en la escena del asesinato en la ducha, ya que su densidad es parecida a la de la sangre y como se trataba de un filme en blanco y negro, el color no se apreciaba.

El cuerpo emplea hasta 300 músculos sólo para mantenernos en equilibrio estando parados.

Hay aproximadamente un millón de bacterias en cada pie.

Quienes aún se sigan preguntando hasta qué nivel de Pac Man debían haber llegado, tienen que saber que en total este juego consta de 256 niveles.

Cuando se estrenó “El exorcista”, en 1973, causó histeria en varias salas; la gente no paraba de gritar, se desmayaba y hasta hubo quienes sufrieron crisis de ansiedad. Muchas ambulancias se tuvieron que desplazar a cines y teatros.

Las estadísticas indican que la proporción de mujeres declaradas como vegetarianas es mayor a la de hombres.

John Wayne Gacy Jr., conocido también como “Pogo” o “El payaso asesino”, violó y mató a 33 hombres jóvenes entre 1972 y 1978, en Estados Unidos.

700 km/hora es la velocidad récord que puede alcanzar una ola causada por un tsunami.

Un gramo de ADN contiene tanta información como un trillón de DVD´s.

Mediante el uso de un encefalograma, un estudio británico demostró que recorrer un parque reduce la frustración y exaltación que produce el entorno citadino. Los siameses son un caso de cada 200 mil nacimientos.

Para conseguir el efecto de la voz de Darth Vader en su primera aparición se utilizó un respirador de buzo.

Aunque suena gracioso, es cierto: está comprobado que cada tres de cinco personas alguna vez han fingido estar recibiendo una llamada para salir alguna situación incómoda.

El cabello de un humano puede llegar a soportar hasta 3 kg de peso. Imágen cortesía: instalaciones reales

En la película “El juego de la muerte” participó el actor Bruce Lee, quien murió en extrañas circunstancias, sin concluirla . Años más tarde su hijo, también actor, falleció sin terminar de grabar “El cuervo”.

Existen medusas gigantes que miden más de dos metros, con tentáculos de hasta 35 metros.

El continente Australiano es el que tiene más serpientes venenosas.

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Penicilina La penicilina fue el antibiótico que revolucionó el tratamiento de las infecciones bacterianas, como la neumonía, sífilis, tuberculosis y gangrena, además de que dio origen a la industria farmacéutica. Su descubrimiento se debe a Alexander Fleming, bacteriólogo del hospital St. Mary de Londres, quien estaba interesado en el desarrollo de métodos de profilaxis y asepsia. En 1920 descubrió la lisozima, enzima presente en las secreciones corporales que poseía efectos antibacterianos, aunque no muy potentes. Continuando su búsqueda, un día observó una vieja caja de Petri olvidada en un estante, en ella había cultivado estafilococos, los que inicialmente habían cubierto toda la caja de cultivo. Pero al cabo de un tiempo ésta se había contaminado con hongos: sorprendentemente, alrededor de los hongos se observaba un enorme halo sin bacterias. Era evidente que producían “algo” capaz de eliminar a las bacterias y Fleming llamó a este principio activo “penicilina notatum”. El 1929 publicó sus experimentos en el British Journal of Experimental Pathology, aunque no despertó el interés de la comunidad científica. En 1938 fueron los ingleses Howard Walter Florey y Ernst Boris Chain quienes retomaron las investigaciones de Fleming, aislaron la penicilina y realizaron pruebas claves en ratones. Los ensayos clínicos se iniciaron en 1941 y en 1943 comenzó la producción comercial del antibiótico en Estados Unidos. Fleming compartió en 1945 el Premio Nobel de Fisiología y Medicina con Florey y Chain por sus contribuciones al desarrollo de la penicilina. Industrialización El hongo utilizado para la producción de penicilina es el Penicillum chrysogenum y es especialmente activo contra estafilococos, estreptococos, neumococos y la mayoría de las bacterias Gram positivas. A la penicilina producida comercialmente se la llama penicilina G (bencil-penicilina), aunque el mismo hongo produce varios tipos más. Estos compuestos son ácidos fuertes inestables y por eso se les distribuye como sales de sodio, calcio, aluminio, etc. El primer sistema de producción fue el conocido como método de superficie, donde el hongo crecía en la

Usos Es el antibiótico más empleado, especialmente contra infecciones estafilocócicas (como el ántrax), en heridas y quemaduras infectadas, en el tratamiento contra la neumonía, pleuritis y endocarditis neumónicas, en enfermedades estreptocócicas como infección puerperal y peritonitis; en infecciones como gonorrea, se usa también para combatir la sífilis, la verruga peruana, profilácticamente en obstetricia y previo a intervenciones quirúrgicas. En general, la penicilina es considerada como una droga antibiótica de poca toxicidad; sin embargo, puede producir reacciones alérgicas como dermatitis y urticaria, entre otras.

Pequeña cantidad de sustancia que contiene los gérmenes de una enfermedad, la cual se introduce en un organismo.

superficie de una capa de medio de cultivo, en bandejas. Pero después de 1944, el método de fermentación sumergida permitió disminuir los requerimientos de espacio y, consecuentemente, los costos de producción. Los fermentadores para la generación de penicilina alcanzan los 20 mil a 115 mil litros de capacidad. El inóculo1 constituye casi el 10 por ciento del cultivo total y se prepara a partir de un cultivo del hongo con esporas liofilizadas. El medio de cultivo para la fermentación se compone básicamente de un caldo de maíz con agregado de lactosa y compuestos inorgánicos. Después de ajustar el pH (4,5-5,0), dicho medio de cultivo se pasa al fermentador equipado con un agitador vertical y con un sistema de inyección de aire estéril y serpentinas para mantener la temperatura entre 23 y 25º C. El hongo se introduce estérilmente y se inicia la fermentación, durante la cual el aire estéril permite su crecimiento y la agitación facilita su distribución en el fermentador. Después de unas 50 o 90 horas la tasa de crecimiento del hongo disminuye, el fermentador se enfría a 5º C para prevenir la desestabilización del antibiótico y el micelio (hongo) se separa por filtración. La penicilina se extrae posteriormente empleando solventes (acetato de amilo y cloroformo), se concentra y se trata con bicarbonato de sodio para formar la sal sódica. La esterilización se lleva a cabo por filtración y luego el producto se cristaliza y se envasa en polietileno o en pequeños frascos de vidrio.

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