Melómanos Magazine | Edición #10 by Melómanos Magazine

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DIRECTOR Jorge Rubio Soto EDITOR GENERAL Ignacio Silva PRODUCCIÓN PERIODÍSTICA María José Silva ARTE Y DISEÑO Camila Maira Natalia Soto Felipe Estay Miller

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FOTOGRAFÍA Natalia Soto Joselyn Sade María Paz Arias Lorena Ormeño Pablo Quiroz Gerardo Madrid Amapola Huerta Consuelo Burdiles PERIODISTAS María José Silva Ignacio Silva Jorge Rubio Joaquín Riffo Claudio Salas Natalia Araya Claudia Montecinos Bayron Ríos Matías Muñoz Raúl Álvarez COLABORADORES Macarena Mundaca Francisco Silva Marcial Parraguez CONTACTO melomanoswbzine@gmail.com PUBLICIDAD Y AUSPICIADORES melomanoswbzine@gmail.com AGRADECIMIENTOS Peluquería Jeanette Restaurant La Jardin Mari y Milk Quemasucabeza Potoco Discos Michita Rex

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editorial

pequeña revista emergente Sonará muy cliché, pero es como si fuera ayer cuando lanzábamos una edición digital trabajada de la forma más pobre del mundo del diseño. Aún se sienten los síntomas de parto cuando estrenamos cada número y esa es la gracia: sufrir con esta cuestión. Pero más allá de todo, es un estrés dulce.

La idea es seguir trabajando. Aspirar a más, siempre. Aparte, llegamos a un punto en que no se puede retroceder, menos morir en el intento. Ya existimos y cualquier cosa que hagamos tendrá un valor, aunque sea mínimo, pero lo tendrá. Y cualquier cosa que dejemos de hacer, será un hilo roto en esta incipiente red de la industria musical chilena. Por lo mismo, estos dos años, esta décima edición, significa un punto de quiebre para nosotros. Tal como para la pareja que repetimos en portada, esto es lo que siempre quisimos hacer. Es cerrar un ciclo, ese en que podíamos experimentar y andar a ensayo y error; y comenzar una nueva etapa, donde poco se nos puede perdonar. Suena duro, pero así es esta vida. Porque, para nosotros, entender el arte de nuestros músicos, va más allá de la superficialidad de cómo la hacen otros. Creo que ese será nuestro norte. Entender la música como una expresión de cultura. Nuestra cultura. El director

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Ya son dos años. Tiempo que para nosotros es tan eterno como rápido. Aun así, somos muy pequeños. Un bebé en pañales, una niña de cuatro años queriendo pechugas y jugando con los tacos de la mamá. Hemos hecho muchas cosas buenas. Las palabras que nos regalan muchas personas son impagables. Ya nos conoce gente que no sea compañera de carrera, amigos o familiares. Pero aún tenemos los pies sobre la tierra, creo.

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EN PORTADA DËNVER FOTO NATALIA SOTO EDICIÓN CAMILA MAIRA

MISS GARRISON ATANDO CABOS SUELTOS

DESTACADO M

CLÁSICO NACIONAL LOS EX

CLÁSICO INTERNACIONAL THE BEATLES

EN NÚMEROS ELECTRODOMÉSTICOS

BORDERLINE EXPERIMENTANDO CON PASIÓN

EFEMÉRIDES PABLO ILABACA

SANTOS DUMONT PSICOLELIA JURÁSICA PARA LOS NUEVOS TIEMPOS

DERRAME CEREBRAL

DËNVER AUNTENTICIDAD EN TIEMPOS NO TAN MODERNOS

DÁ CLIP LEO QUINTEROS

LOS ONCE DE RODRIGO HURTADO

REPORTAJE CERATI: PASOS DE UN EXTRANJERO EN CHILE

GALERÍAS

RESEÑA DE DISCOS

IMPORTACIONES

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INDICE

VIDEOTECA

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VIDEOTECA

RETRATO DE UN HOMBRE ATORMENTADO

CONTROL (2007)

Mantener el control es algo por lo que todos nos esforzamos. Hay situaciones que escapan de nuestras manos y nos desesperamos, nos angustiamos y buscamos la vía más eficiente para salir de ellas. Pero ¿qué pasa si el problema no tiene solución, al punto de llevarnos constantemente a perder la cabeza? Una situación así es desgastante e imposible de llevar. Esto fue lo que le sucedió al líder de Joy Division y esto es lo que Anton Corbijn pretende mostrarnos en su película Control. El filme relata la historia de Ian Curtis (Sam Riley), un joven fanático de David Bowie y seguidor de los Sex Pistols, enamorado de Deborah (Samantha Morton) y cofundador de Joy Division, una de las bandas más influyentes de Inglaterra. Hasta aquí puede parecer la vida perfect, sin embargo, Ian sufría de epilepsia, enfermedad que en los años 70 era muy extraña, por lo que los médicos probaban con una serie de pastillas y drogas, situación que lo abrumaba y lo decaía. La enfermedad crecía a medida que Ian alcanzaba la fama y, además, sufría el tormento de un matrimonio fallido, el amor por su hija y la pasión por su amante. Una serie de situaciones que no puede manejar y que el 18 de mayo de 1980 explotan, llevando a su protagonista al suicidio. Es destacable el trabajo que hace Corbijn, puesto que nos muestra una imagen en blanco y negro que hace que la película sea melancólica y nos sumerja en la depresión que sufría el artista, además de su fotografía que es impecable. Destacable es también la actuación de Riley, quien sólo con su expresión facial es capaz de develar todos los sentimientos que atormentan a Ian. Sin duda, Control es una película de culto que puede ser vista por cualquier persona, desde los fans más acérrimos de Joy Division, hasta quienes no tienen mucha conexión con la banda, puesto que es una historia potente y un filme atrapante, capaz de estremecer a cualquier espectador.

| Videot eca |

POR MARÍA JOSÉ SILVA

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EL TIEMPO NO HA PASADO EN VANO PARA MISS GARRISON; EN SÓLO CINCO AÑOS DEBUTARON, SE RADICARON EN ESPAÑA, VOLVIERON, LANZARON DOS DISCOS Y YA TRABAJAN EN OTRO. ESTA ES LA HISTORIA DE UN GRUPO REINVENTADO, QUE VIVE EN LA CONSTANTE BÚSQUEDA DE UNIR CORRECTAMENTE TODOS LOS PUNTOS DE SU PANORAMA.

| Ent revist a: Miss Garrison |

Nada se supo de ellos por estos lados durante todo un año. Parecían haber desaparecido, pero lo cierto es que estaban muy lejos de acá, comenzando un nuevo proceso que en un principio parecía ser para largo. España era el lugar que albergaba la nueva etapa de Miss Garrison; un periodo que comenzó poco tiempo después del show de lanzamiento de Tire y Empuje (2009), su disco debut, cuando Matías López -guitarrista original del grupo- emigró a ese país por motivos laborales.

el grupo se concentró en registrar nuevo material; aunque dadas las condiciones, el proceso tuvo mucho de particular.

“Nuestro guitarrista se fue a trabajar en publicidad. Justo yo había terminado la U, entonces quería viajar y estudiar en otro lado. Averigüé unos cursos de producción de música electrónica y el Tomás (Rivera, bajista) también decidió irse”, recuerda ahora Francisca Straube, baterista y vocalista del grupo. Ella junto a Tomás partieron a Barcelona en abril del 2011 -un año después que su compañero, radicado en Madrid-, con el objetivo de estudiar, insertarse en el circuito de bandas locales y grabar lo que sería su segunda placa de estudio.

“Fue a último minuto. Onda, cuando nos quedaban como dos meses para venirnos nos dimos cuenta que teníamos que armarlo”, recuerda Rivera. “Lo grabamos nosotros, eso es lo principal. Fue todo por nuestra cuenta, porque además habíamos llegado a un país y empezamos desde cero, aperrando, llevando los instrumentos con carros de supermercado; fue una experiencia. Por eso yo creo que el disco tiene como una cuestión dispersa, no sé. Es súper distinto al otro. Es casi como otra banda”, complementa la baterista.

“Nos fue bien, tocamos en muchos lados. Llegamos sin saber nada y terminamos teniendo hartos shows e incluso siendo parte de un circuito. De hecho, algunas de nuestras tocatas en Barcelona se llenaron”, analiza Straube. Además de los en vivo,

En efecto, las canciones que el grupo fue registrando en España sonaban muy distinto a lo que había sido Tire y Empuje. El desenfreno punk que les valió comparaciones con bandas como Yeah Yeah Yeahs y The Rapture había dado paso a un sonido más madu-

DeAaB: JUNTANDO LA DISTANCIA A pesar de que la idea inicial era radicarse en Europa, el trío se vio obligado a cambiar el plan a sólo meses de haber llegado. Esto, claro, los llevó a adelantar uno de los planes que los motivó a reunirse fuera de Chile: Grabar un nuevo disco.

ro y contemplativo, donde las capas de sintetizadores tomaron más relevancia y las letras apuntaron a tópicos más complejos. Era evidente: Miss Garrison, la muñeca sexual de plástico que protagonizaba la placa debut de la banda, había muerto. No existía otro diagnóstico. Lo que más llama la atención de DeAaB es que es muy diferente al primer disco. Una de las cosas en que se nota más el cambio es el concepto. ¿Cómo ven ese aspecto en este álbum? Fran: A lo mejor no tiene un concepto tan definido como el primero, donde todas las letras hablaban de la sociedad del plástico, el sexo y cosas así. El sonido de ése también era mucho más visceral y está grabado más como sonaba en vivo. DeAaB fue distinto porque tuvimos que irnos a España y aunque todos estábamos allá, vivíamos por separado y teníamos que grabar y componer a distancia. Entonces, se perdió el concepto. Miss Garrison ya no era la muñeca de plástico. Tomás: En cuanto al sonido, muchos nos comentaban que no se entendía lo que decía la Fran, entonces tratamos de limpiar las voces para que sean un poco más protagonistas de lo que era normal para nosotros.

Fran: También es obvio que uno va teniendo influencias nuevas, va creciendo musicalmente y de corazón te van saliendo otras cosas. Así se dio. Bueno, también tiene el concepto de los puntos porque vivimos una etapa -y la seguimos viviendo- un poco más por separado. Por eso se llama DeAaB, porque es como de un punto a otro. Por lo mismo es un poco más melancólico también, por la situación en la que estábamos. Como que cambió no más, naturalmente, porque uno va creciendo. Lo cierto es que al finalizar el año en España, el álbum no alcanzó a estar listo y se vieron obligados a terminarlo de vuelta en Chile. Ante la ausencia de Matías López, que se quedó viviendo en el viejo continente, reclutaron al guitarrista Rodrigo de la Rivera (Banda Marchante, Fármacos), un antiguo colaborador que ayudó a dar los últimos toques al trabajo. Finalmente, DeAaB fue estrenado a fines del 2012, aunque su lanzamiento definitivo tuvo lugar en abril pasado cuando brindaron un especial concierto y -gracias a la iniciativa de una conocida marca de zapatillas- editaron las primeras copias físicas del álbum.

| Ent revist a: Miss Garrison |

¿El show de lanzamiento del segundo disco marcó, de alguna manera el nuevo proceso?

| Ent revist a: Miss Garrison |

Fran: Sí, porque harta gente se enteró y, como más encima era para todo público, fueron hartos menores de edad. Eso es lo que queremos; que la gente lo conozca, porque todavía estamos como medio ocultos. Queremos presentarlo y que se enteren que estamos haciendo un show súper distinto en vivo. Entonces lo principal es presentar el disco y que la gente lo conozca por mientras hacemos el nuevo. LOS NUEVOS PASOS DE GARRISON Con el disco estrenado, la banda ahora piensa en sus próximos movimientos. Ya asentados como trío, se han preocupado de consolidar su nueva y atractiva puesta en escena, además de estar preparando un EP que –según sus palabras- nuevamente se diferencia de lo que han hecho. ¿Seguirán con las transformaciones en el nuevo EP? Tomás: Sí. Está ligado al segundo disco, pero se aleja más del primero. Ahora estamos componiendo con el Yiyo y ahí hay otra mano también. Además, uno tiene búsquedas que derivan en un avance personal. Son cosas que van cambiando y se van notando y marcando diferencia. Rodrigo: Como es el primer material en el que estoy trabajando desde el comienzo con la banda, hablamos harto que lo más choro y experimental que podemos hacer es parar un poco las canciones de desarrollo muy largo. Siempre digo que lo más experimental que podríamos hacer con Miss Garrison es ser menos experimentales. Acotar las ideas, estructurarlas un poco más. Así se viene lo nuevo.

| El Tit ular | | Ent revist a: D j Raff |

*PUEDES DESCARGAR LOS DOS DISCOS DE MISS GARRISON EN WWW.MISSGARRISON.COM

DESTACADO M POR JORGE RUBIO SOTO

Entre callejones del shoegaze y el post-rock, Meridiano de Zürich, neonata banda chilena, traza sus coordenadas en lo más under de Santiago. Pues, con un rock basado en la instrumentalidad, proponen una puesta en escena protagonizada por distorsionados riffs de guitarra y acertados apoyos visuales.

Con influencias muy arraigadas a lo que hacen distintos exponentes internacionales, como Mogwai, Sigur Rós o Explosions in the Sky, han realizado distintas presentaciones donde han podido desplegar su apuesta y proponer un rock con sello propio. Esto ha hecho que a su corta trayectoria fueran invitados por Lucky Collective a participar de un compilado producido en México y realizar una presentación en un futuro festival del país azteca. La invitación no es sólo a escuchar y conocer más sobre Meridiano de Zürich, sino que sumergirse en este universo musical que proponen. El trabajo de esta agrupación se puede escuchar y descargar a través de su soundcloud oficial, además de revisar sus presentaciones en Youtube. Porque, más que una recomendación, podría ser el descubrimiento de un buen embajador en el género.

| D est acado M: Merid iano de Zürich |

La banda compuesta por Danilo Pérez y Omar Urrutia en las guitarras; Matías López en los sintetizadores y las visuales; Francisco del Campo en el bajo; y Alejandro Riveros en la batería; producen sonidos que apelan a la sinestesia, tratando de penetrar en cada uno de los sentidos a través de sus oscuros y luminosos pasajes.

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DESTACADO M

POR BAYRON RÍOS

De toda la gama de artistas (más o menos talentosos) que pululan en locales y pubs, surge una banda no muy convencional entre el abanico de estilos que varían en estas mismas. Con un rock progresivo heredado de las mejores piezas de Rush o Yes, el Destacado M de esta edición es Hekus; banda formada en San Joaquín el año 2003 que cuenta con un LP editado el año pasado llamado Aquel Lugar. Con un largo recorrido, que ha dejado mucha sangre, sudor y lágrimas en el camino, Hekus se ha ganado un nombre a punta de esfuerzo entre la fanaticada más acérrima a la experimentación musical. La banda se ha presentado en lugares emblemáticos del gran Santiago, cosechando una buena cantidad de seguidores. La rigurosidad de su trabajo se ve reflejada en complejas composiciones que se extienden por más de cinco minutos, en donde cada integrante saca a relucir lo mejor de sus habilidades. Las letras nos hablan sobre existencialismo y mundos fantásticos. La banda también se ha destacado en diversos concursos como Talento Crudo, del año pasado, alcanzando las semifinales del certamen, además de obtener el primer lugar en una competencia organizada por Rockaxis y Projazz, en donde lograron que uno de sus singles rotara por Sonar FM. Es por esto que, como Melómanos Magazine, te invitamos a escuchar a Hekus. Déjate llevar por la progresiva prolijidad de esta banda que dará que hablar.

| El Tit ular | | D est acado M: Hek us |

(1996)

CLÁSICO NACIONAL

El grunge fue (y es) el último gran género adoptado como propio. Toda una generación esperando una renovación que jamás llegaría se vio reflejada en las letras y en la densidad propia del género del país del norte. Bautizándose así mismos como los nuevos profetas de esta religión que sólo sabe de sumar adeptos. Este periodo se extendió hasta el 97´cuando Radiohead dio el batatazo con OK Computer que marcaría el código a seguir de toda la década siguiente y debilitaría algo el movimiento de las camisas de leñador, aunque nunca tan perceptiblemente en Chile. Es, sin embargo, el intervalo que va entre la medianía de la década y la aparición del maquinal disco de los de Oxford el que nos debiese llamar la atención. En ese instante es que se lanzaría el primer (e iracundo) disco Los Ex. ¿Y qué relación tiene con todo lo anterior? Pues mucho. Bastantes veces se le ha colgado al disco de Colombina Parra, Edwards, Ugarte y Bascuñán el rotulo de grunge a la chilena. Y algo de eso hay. No obstante, Caída libre se asemeja más a la extrapolación de lo que sucedía en la escena musical mundial traducida a nuestra lengua y con una filosa mirada femenina que a la poco acertada versión criolla de Cobain o Staley. Había acumulación de rabia por un paisaje que no marcaba muchas distancias de lo ya visto hasta antes del plebiscito, aflorando naturalmente la decepción. Es ahí donde Los Ex supieron plasmar su visión. Colombina Parra como una diosa iracunda se las arregla para quejarse de todo y sacar toda la

furia que traía consigo. Sin sonar feminista, pero lo suficiente visceral para hacerle saber a toda una multitud de hombres que su perspectiva y control tradicional de las relaciones de pareja estaba más que errada. “Sácate la Cresta” es más que decidora frente a este punto, o bien “Las Mismas Porquerías”; desilusión por todos lados. “Chao” y “Sacar La Basura” saben de esta vertiginosa ira. Sin embargo, hay cabida a otras alusiones como en “Vendo Diario”, donde se intuye ese aire a manipulación mediática o en “La Loca” donde ese gustillo a rasposo sexo no deja indiferente. Pero si es por buscar alguna canción icónica, ésta solo puede ser hallada en “La Corbata De Mi Tío”. Aquel single que no paró de rotar en radios y que narraba de una manera bastante directa la desafortunada historia de un(a) dealer. Disconformidad femenina en la gimiente voz de Colombina, así como los riffs machacantes de Edwards, daban la base absoluta de esta fórmula que se veía repotenciada por el piso proporcionado por el bajo-batería de Ugarte y Bascuñán. La estructura no es compleja, es el sello lo inimitable. Difícil poder emular algo tan espontáneo como el desencanto real. Nunca más sonarían así de fuerte y violentos. Reestructuraciones e intereses dispares (principalmente la ruptura sentimental de ParraUgarte y la salida de este último) fueron algunos de los cambios que modificaron esta fórmula primaria. Es por eso mismo que nunca hubo un “Caída Libre Dos” pues es difícil condensar tanto sentimiento irascible dos veces. Sólo vendrían “Cocodrilas” (2007) y “Pistola De Plástico” (2008), nunca nada tan filoso como lo hecho el 96 y, por ende, nunca tan consistentes. Mientras gente como Los Tres lanzaba su disco unplugged con tendencia al folklore, ellos aparecían con un casette donde daban cabida a letras repletas de cólera. Y bueno, razones para tenerla habían de sobra. POR FRANCISCO SILVA

| Clásico N acional |

¡Los 90’s! Época tan culpable de cosechar nostalgia como su antecesora. Diez años en que pareció pasar mucho. El mundo se subía a una carretera de la que difícilmente volvería a salir, generando sucesos y corrientes de los que Chile no se restó, aunque asumiéndolos a su propia velocidad.

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Cuando The Beatles dejó de hacer giras y presentaciones en vivo, muchos pensaron que ese era el fin de su carrera musical y que era imposible que un grupo se mantuviera si no se presentaba ante un público. Lo que no sabían es que con esta retirada de los escenarios y completa concentración en lo musical, se gestaba el que es, para muchos, el mejor disco de la historia del rock.

El club de los corazones solitarios, nos presenta un festival en el cual pasamos por una serie de experiencias. Cada integrante nos muestra una parte distinta de la banda, con sus respectivas influencias e intereses, pero que en conjunto forman un todo. Paul con sus canciones alegres, Ringo con su simpatía, George y su misticismo y John con sus canciones más oscuras e irónicas.

La legendaria banda de Liverpool se complace en presentar el Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band, un álbum que es mucho más que un compilado de temas, es un concepto completo, dejando atrás aquellos elepés llenos de singles, atreviéndose a contar una historia. Desde la portada, los trajes, hasta la correlación de cada canción, cada elemento está pensado para sumergir a quien escucha en un plano diferente.

El disco comienza con “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band”, tema con el que el cuarteto nos da la bienvenida y nos invita a dejarnos llevar por lo que pueda suceder en este festival. Su pegajosa melodía está acompañada por ruido del público, risas y aplausos pregrabados. Al finalizar nos presenta a un tal Billy Shears, quien en voz de Ringo Starr interpreta “With a little help from my friends”, diciéndole a aquellos corazones solitarios que lo escuchan,

que a pesar de no tener a quien amar, todo se puede lograr con la ayuda de los amigos.

además, deja de manifiesto su talento con el sitar, instrumento que estudió guiado por Ravi Shankar.

John Lennon nos cuenta la historia de la chica de los ojos de caleidoscopio “Lucy in the Sky with Diamonds”, canción de supuesto origen inocente, pero que el mito popular dice que es una apología al LSD. Y no es algo tan descabellado, ya que tanto la letra como el ritmo parecen estar inspirados por alguna extraña sustancia.

Luego del misticismo, Paul nos regresa a la realidad con “When I’m sixty four” y “Lovely Rita”, inyectándonos nuevamente de la energía del disco, al igual que Lennon con su eufórico “Good morning”.

“Within you without you”, es como un oasis místico en medio de la fiesta. En este tema George Harrison demuestra su interés por la filosofía hindú y,

Cuando pensamos que el show llega a su fin y es hora de irse, la dupla Lennon–McCartney nos retiene y nos estremece con “A Day in the life”, el broche de oro perfecto. El tema está compuesto por fragmentos que ambos escribieron de manera separada; John inspirado en artículos de diario y Paul en su juventud. Estos fragmentos son unidos por una orquesta que en sus cambios de tonalidades y los crescendos de los violines genera una serie de sensaciones que van desde la melancolía hasta el vértigo. Este apoteósico cierre resume la esencia del disco, que puede parecer muy simple, circense y alegre, pero en realidad es complejo y vertiginoso. Es un álbum que aparenta contar con una conexión clara, pero que evidentemente tiene constantes incongruencias, casi como un collage pegoteado, pero que en su conjunto se ve perfecto. POR MARÍA JOSÉ SILVA C.

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Paul anima este festival con “Getting better” y “Fixing a Hole”, canciones impregnadas de pop británico, hasta llegar a la historia de la chica que abandona su conservadora casa y sale a explorar el mundo en “She’s leaving home”. Este tema refleja fielmente la inspiración del disco, puesto que podría haber estado perfectamente entre el setlist del Pet Sound de los Beach Boys, disco con el cual McCartney gestó esta idea. John regresa con “Being for the Benefit of Mr. Kite”, canción inspirada en un afiche de un circo victoriano que compró en una tienda de antigüedades, cuya producción sería a beneficio del Sr. Kite. Uno de los cortes más complejos del álbum, cuya calidad en lo musical nos sumerge en una atmósfera circense gracias al sonido de órganos y armónicas pegoteadas al azar.

El show se cierra con “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (Reprise) ”, una versión de su primer tema, pero, esta vez, despidiéndose del público y agradeciendo su asistencia.

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La banda debuta como Electrodomésticos con el álbum “¡Viva Chile!”, editado por EMI.

Electrodomésticos se separa por primera vez. Aunque su último show de esta etapa fue dos años después, en el anfiteatro del Museo de Bellas Artes.

Periodos ha tenido la carrera de Electrodomésticos. El primero de ellos fue entre 1984 y 1992; el segundo entre 2002 y 2005; y el tercero abarca de 2011 a la actualidad.

Sellos han editado sus trabajos: EMI Odeon, La Oreja y Hueso Records. Ocho músicos han estado en sus filas.

Un documental sobre la banda se ha estrenado: “El frío misterio”, de Sergio Castro.

Años pasaron entre el último disco de Electrodomésticos, “La Nueva Canción Chilena” y “Se Caiga el Cielo”.

Productor externo trabajó en “Se Caiga el Cielo”: Cristián Heyne.

Fueron las ciudades en las que el disco se preparó: Santiago y Nueva York.

Minutos dura en total.

Discos han lanzado a la fecha: >“¡Viva Chile!” (1986) >“Carreras de éxitos” (1987) >“La nueva canción chilena” (2004) >“Se Caiga el Cielo” (2013)

Integrantes forman en la actualidad Electrodomésticos: Carlos Cabezas, Silvio Paredes y Edita Rojas.

Canciones conforman el álbum.

Relación concreta existe entre este disco y David Bowie: Dave McNair estuvo a cargo de la masterización, al igual que en “The Next Day”.

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Los estudiantes de arte Silvio Paredes y Ernesto Medina invitan a Carlos Cabezas a su grupo Rajacerebros.

Fue el lugar que ocupó “¡Viva Chile!” en el ránking de los 50 mejores discos chilenos elaborada por la revista Rolling Stone.

BORDERLINE EXPERIMENTANDO CON PASIÓN

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El trío BorderLine está en pleno despegue con Cortocircuito su última producción, ganándose oídos en el mundo del rap por su peculiar propuesta que mezcla toda la experiencia acumulada durante años por sus integrantes. por claudio salas · fotos por natalia soto

En un período de actividad de más de cuatro años, BorderLine, grupo compuesto por el MC Sergio Montorfano (El Tipo) y los Beatmakers Raúl Gómez (Utópiko) y Diego García (Dieguelz), ha dado vida a un proyecto que ya tiene a su haber tres LPs, un compilado y un futuro prometedor.

muerte son tópicos importantes para mí, por lo que están presentes en casi todos mis trabajos. También, durante mucho tiempo leí Poesía Maldita, entonces esa influencia también está presente en mis letras. Y bueno, los pasajes de mi vida me han servido para escribir, como también mis estudios de psicología.

En su música suena un rap experimental cultivado por ellos mismos, que los hace destacar por los elementos que mezclan a la hora de crear sus temas. Este 2013 lanzaron Cortocircuito, un disco que viene cargado de nuevos ritmos e incisivas letras que apuntan tanto hacia una sociedad en decadencia como a viajes emocionales e introspectivos.

¿En qué se diferencia este nuevo LP con los anteriores?

Durante su período de vida han cosechado historias, experiencias y seguidores de su obra, todo de lo cual están dispuestos a comentar en esta entrevista a Melómanos Magazine. 28

PRÓLOGO

| Ent revist a: Borderline |

¿Cómo nació BorderLine? El Tipo: Nació de una historia de curaos. Iba yo ebrio por la calle cuando me encontré con un MC (AutodidactA) con el que nos pusimos a rapear ahí mismo. Resulta que después de eso nos seguimos viendo, ahí fue cuando conocí a Utopiko, porque se encontraba trabajando en un proyecto paralelo con AutodidactA, y coincidentemente yo también me encontraba trabajando en otro proyecto junto al Dieguelz. Y como todos éramos de Maipú fue cuestión de tiempo para que naciera lo que hoy es BorderLine. ¿Y por qué decidieron llamarse así? El Tipo: El nombre se lo puse yo y viene básicamente de la idea de que yo creo tener ese trastorno de la personalidad. Además que mi cercanía a la Psicología es bastante estrecha, partiendo por la base que soy psicólogo y que es una materia que me estimula bastante. Entonces sentía que el nombre tiene un significado profundo para mí. ¿Sus letras qué temas abarcan? El Tipo: Del grupo, yo soy el encargado de las letras. Escribo de todo lo que me inspire, pero la vida y la

Utopiko: Es básicamente la continuación de lo que hemos venido haciendo en el Malas Influencias (2009) y en el Morir Joven (2011), siempre con la idea de ir puliendo nuestro sonido, mejorando las bases y variar las líricas. Creemos que Cortocircuito es la evolución natural de los trabajos anteriores y hemos estado trabajando en él de hace ya dos años, lo que es el tiempo más largo que nos hemos dado para preparar un disco. Lo que no fue así, por ejemplo, con el Morir Joven, disco que lo hicimos en muy poco tiempo y con la desventaja de la salida de AutodidactA en la mitad de su producción.

EN PLENO DESPEGUE Ahora que lanzaron su disco, ¿en qué se encuentran? Dieguelz: Nos encontrábamos haciendo el video de “Ruleta Rusa”, el último single del disco. Subimos el tráiler a Facebook hace unos días y próximamente lo subiremos completo. Y bueno, pensamos continuar subiendo clips del álbum en lo que resta del año. También estamos trabajando en un proyecto alternativo junto al MC Gran Rah, en el que estamos los tres involucrados. Esperamos que ese trabajo salga antes de fin de año. ¿Con qué colaboradores contaron en este disco? Dieguelz: Solo con el MC Cevlade para el tema “Ruleta Rusa”. Aunque también contamos con la ayuda de amigos nuestros para tocar instrumentos o apoyar con voces, como Isha, que puso su voz femenina en algunas canciones pero que nos abandonó antes de que termináramos el disco. ¿Cómo han visto la recepción del público? Dieguelz: Super buena. Ya han subido varias canciones del Cortocircuito a Youtube. De hecho, ya está el disco completo. Hemos sentido bastante el apoyo de la gente así que bien con eso. La otra vez, por ejemplo, fuimos a

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tocar al Instituto Nacional para apoyarlos, colegio del cual fuimos alumnos nosotros tres, y había gente en el público que se sabía nuestras letras y las rapeaba con nosotros. Lo mismo nos sucedió cuando tocamos en El Bosque en un concierto de rap que estaba llenísimo. Por eso y otras cosas más nos sentimos con bastante apoyo del público.

GOLPES DE REALIDAD

Utopiko: Bacán porque hay de todo. En Chile tienes de todas las mezclas posibles para escuchar: Rap con Reggae, con Jazz, con Funk. Con todo lo que te puedas imaginar, en Chile está. Me gustaría destacar a nuestros amigos Cevlade y Gran Rah como grandes MC’s a los cuales hay que escuchar. ¿Qué les parece el movimiento social que se ha suscitado este año? El Tipo: Estamos completamente de acuerdo con el movimiento, por eso la otra vez fuimos al Instituto Nacional a apoyar la toma de los cabros. Es tiempo de generar cambios y bajar a los poderosos de su pedestal. Hay que dejar la cagá no más, destruirlo todo y volver a construir en favor de los trabajadores.

| Ent revist a: Borderline |

¿Qué les parece la escena del hip hop nacional?

EFEMĂ&#x2030;RIDE

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pablo ilabaca nacimiento 25 de agosto de 1976

Entre tĂteres y chanchos Juanitos

Un tipo de formas sencillas que ha dictado cátedra en lo que concierne a congeniar con destreza y pillerías una amplia gama de estilos sin caer en lo forzado, aplicando para ello un sentido de la identidad que se inmiscuye en cada uno de los representativos trabajos bajo su alero. Sitios donde lo idiosincrático tiene raíces muy hondas, pero sin dejarse encasillar con facilidad. Lo del guitarrista responde -más que todo- a como chileniza sus canciones. Amante a partes iguales del funk y la cueca, así como adorador de Eco de Jorge Drexler, estas singularidades son las que han ido curtiendo su sello, uno casi tan amplio como la hiperquinética cosecha de discos que acusan su firma. Hace parecer de forma errada que lo lúdico es el sitio donde se siente seguro, pero a no engañarse, su alcance es mucho más amplio que eso. De hecho, cuesta visualizar su carrera al ser ésta tan basta (en cuanto a material discográfico lanzado). Tenemos a Jaco Sánchez & Los Jaco (nombrada así en honor a su abuela) o bien en la puesta en escena -junto a Chancho En Piedra y Quilapayún- para recrear “La Cantata Santa María De Iquique” (obra en honor a la masacre de obreros en la escuela del mismo nombre en 1907). Pero sin duda la carrera de Ilabaca siempre será más reconocible en base a dos grandes ejes: Chancho en Piedra y 31 Minutos. SOLDADO MARRANO: CHANCHO EN PIEDRA Chancho En Piedra es un patrimonio nacional. El grupo de La Cisterna en base a música pegajosa bañada de funk y con mucha interacción con el rock, en casi veinte

años de carrera ha instaurado en la palestra discos tan icónicos como: La Dieta Del Lagarto (1997) y Ríndanse Terrícolas (1998). Placas con un poderoso contingente de canciones populares en que los ganchos instantáneos son absolutamente reconocibles. Esta maquinaria de éxitos se apoya en gran medida en la guitarra inteligente de Pablo Ilabaca, así como en el elástico bajo de su hermano Felipe, sumando los matices provenientes de la alternancia entre las voces de Pablo y Eduardo “Lalo” Ibeas al micrófono. Una agrupación con un histrionismo como pocas (es bien sabida su tendencia a realizar presentaciones en vivo disfrazados, desde vegetales hasta cascos en forma de espermatozoides). Y el éxito -como pocas veces se puede ver en esta escena- se ve refrendado por los millares de seguidores que tienen. Los Chancho han logrado conseguir una base de fans tan sólida como transversal, sumándole a su concepto de banda toda una especie de sub-cultura que los sigue fielmente.

MAESTRO TITIRITERO: 31 MINUTOS Un programa para niños con la suficiente ironía camuflada para hacer disfrutar a los padres. Súmele títeres sarcásticos y una banda sonora ad-hoc y obtendrá lo que hace tan entrañable a 31 Minutos: el programa para niños-grandes. Sin embargo, el triunfo de la serie de Tulio Triviño y el conejo Juan Carlos Bodoque no sería tal sin el apoyo que le presta su banda sonora, en la cual Pablo Ilabaca se asocia con Peirano y Díaz, para crear canciones pegajosas y caricaturescas, como es su marca registrada. “Equilibrio Espiritual”, entre otras, forma parte de esta cosecha de éxitos. Por no mencionar el LP 31 Canciones De Amor & Una Canción de Guaripolo (2004), para muchos el mejor disco chileno de la década pasada. No hacerle asco a la influencia foránea y tampoco escapar a las sonoridades tradicionales (y al contrario, remar hacia ellas) parece funcionar en K-V-Zón. Y si esa fórmula ha dado frutos tan definitivos para nuestra escena, parece el camino correcto. Vía que ha seguido este guitarrista: uno de esos bastiones sonrientes tras una remozada escena nacional.

| Efemérides: Pablo Ilabaca |

Es difícil encontrar en el panorama nacional a alguien con tantos éxitos a cuestas como Pablo Ilabaca (o “K-VZón” el apodo por el que es popular). Guitarrista de la banda Chancho En Piedra, músico detrás de 31 Minutos y Achú o bien en plan solista bajo el seudónimo de Jaco Sánchez. Sus incursiones no conocen de derrotas y van desde el rock carburante hasta resucitar obras emblemáticas como “La Cantata Santa María De Iquique”. La labor de Ilabaca es tan simbólica para la música nacional, como la identidad que pone en ellas.

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POR JOAQUÍN RIFFO · FOTOS POR MARÍA JESÚS AGUILERA

TRAS MÁS DE 15 AÑOS SIN PUBLICAR MATERIAL OFICIAL, UNA DE LAS BANDAS MÁS RECONOCIDAS DE LOS 90 REGRESA CON UN EP QUE RESCATA LAS CANCIONES QUE ALGUNA VEZ FUERON MAQUETEADAS EN UNA SESIÓN DE RADIO. ESTA NUEVA PRODUCCIÓN LOS HA LLEVADO A PRESENTARSE EN DISTINTAS FECHAS A LO LARGO DEL PAÍS, CON EL OFICIO DE UNA BANDA CURTIDA TANTO POR EL TIEMPO COMO POR LA NOTABLE EXPERIENCIA QUE HAN ACUMULADO SUS INTEGRANTES DURANTE ESE RECESO.

Tendrían que pasar largos 12 años para que la banda decidiera desempolvar esas canciones, grabar un disco con ellas y salir de gira. Es parte de la sanación de un proceso que han disfrutado como el fin de un ciclo, más enfocados en el mañana que en el recordado Ayer. ¿Cómo se han sentido con este regreso? ¿Qué fue lo que motivó esta nueva reunión? Alberto: El 2008 ya nos habíamos juntado a reeditar Similia Similibus (1997) y, si bien no grabamos nada esa vez, sirvió para conversar hartas cosas y dejar el camino abierto para algún día retomar estas canciones y grabarlas. Melo: Ha sido muy entretenido, en especial volver con nuevo material. Desde que nos juntamos el año pasado para la gala de los Premios Ceres en Concepción todo ha sido muy fluido. Hasta ahora había sido complicado, porque cada uno estaba enfocado en sus proyectos y además estamos viviendo cada uno en cuatro ciudades distintas, pero el año pasado nos dimos cuenta que seguíamos con el mismo fiato y que casi había material para un disco nuevo, entonces sólo quedaba reunirse.

Alberto: Lo que nos ha sorprendido ha sido la reacción del público donde nos hemos presentado, ya que varios se saben las canciones nuevas y las cantan. Quizá sea porque se podían encontrar por Internet de esa grabación en la radio, pero nunca la distribuimos oficialmente. 35

La mayoría de ustedes trabaja en diversos proyectos paralelos. ¿Existe algún código musical que sea exclusivo a Santos Dumont? Melo: Para mí, es la banda que moldeamos a nuestra imagen y semejanza, se podría decir. En los otros proyectos que participo existen dinámicas diferentes, algunas establecidas antes que yo entrara a tocar, como por ejemplo en Emociones Clandestinas. Igual encuentro entretenido que todos toquemos en otros lados, porque son influencias que de una u otra manera se van filtrando y pueden utilizarse en nuestro sonido. Julián: Claro, cada proyecto tiene su forma de enfrentarse, su propia dinámica. Yo creo que los Santos tienen eso, el sonido que se da cuando nos reunimos para mí es único. Para dedicarte a la música en Chile, tienes que trabajar en varias propuestas, pero supongo que si a este proyecto le hubiese ido fenomenal le hubiésemos seguido dedicando toda la energía a él. Una de sus características reconocibles fue su capacidad de gestión independiente, antes y después de participar del proyecto chileno de EMI. ¿Cómo ven esa escena noventera, de la industria musical con grandes sellos, en contraste con lo que está pasando ahora?

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Mayo del 2001. Sótano de Radio Rock & Pop. Sergio Lagos, conductor en ese entonces del emblemático programa de sesiones en vivo “Raras Tocatas Nuevas”, anuncia que Los Santos Dumont son los invitados de esa jornada, que cuentan con un importante número de músicos de acompañamiento y que tocarán un disco nuevo completo. La banda comienza a interpretar un material que nunca vería la luz de forma oficial. A los meses siguientes viene la separación, a partir de lo cual cada músico se aboca a reconocidos proyectos de la escena musical nacional.

Melo: Yo creo que nosotros siempre vamos a terminar siendo una banda independiente, pero tuvimos la experiencia de haber participado de ese proyecto de EMI y fue bien estrambótico. Pasar de ser una banda independiente a encontrarnos con las presiones de la industria fue un poco traumático; los tiempos de grabación, la duración de las canciones, los singles en la radio. Por ejemplo, nuestro primer single fue “My World of Dreams”, un tema súper volado, de 6 minutos y con la letra en inglés (risas). Estoy agradecido de que Carlos Fonseca haya respetado lo que éramos en ese momento.

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Julián: En ese tiempo era necesario estar en un sello para que te fuera bien, pero ahora todo se maneja a través de las redes sociales. Las nuevas generaciones, como Dënver o Gepe, se mueven de esa manera y les funciona bien. Alberto: Eso nosotros lo hacíamos cuando comenzamos, muy artesanalmente, con papel fotográfico y casetes. Entonces, es como volver a nuestras raíces, ahora hacemos lo mismo pero con mayor tecnología. Iván: Me parece que lo que no cuajó en el proyecto de EMI fue que era demasiado ambicioso. Básicamente forzar a que en Chile existiera un mercado para la música. Y obviamente, ese proceso para funcionar requiere de un plazo mucho más extenso. Creo que esa era la idea original, pero a medida que fue concretándose, se necesitaban demasiados recursos y justo coincidió con la llegada de Internet y el cambio en la industria a nivel mundial. DE LA PREHISTORIA A LA CANCIÓN En la sesión que se grabó en Rock & Pop las canciones presentan estructuras más complejas, además de la inclusión de músicos de acompañamiento ¿Qué los llevó a simplificarlas en este EP? Melo: Hay una mezcla de factores. Elegimos 5 canciones que no llevaban tantos arreglos, porque no queríamos que ocurriera lo mismo que con Similia Similibus, en donde varios temas incluían cuerdas y vientos, pero no siempre se podía contar con músicos de acompañamiento.

Julián: Queríamos un EP que fuera más sencillo de tocar en vivo. ¿Cómo fue el proceso de selección de canciones? Considerando que hubo varios descartes de la sesión original y éste constituye el primer trabajo de Santos Dumont que no contiene una canción en inglés. Alberto: Lo que más nos costó fue la selección de los temas. Todo lo demás fue bastante rápido, pero nos demoramos harto en definir una lista de ocho canciones de las que teníamos que dejar cinco. En esa lista original habían composiciones en inglés, pero al final me di cuenta que siendo un disco breve, tenía mucha más coherencia que todas las canciones fuesen en español. En este EP se aprecia una transición en su carrera, desde la psicodelia más pura al formato de canción más tradicional ¿A qué se debió ese cambio? Julián: Creo que fue lo que pasó con “Ayer” y también era lo que queríamos, sonar en la radio (risas). Además, tiene que ver con la evolución de la banda. No queríamos quedarnos detenidos en un sonido, sino ir evolucionando. Melo: Antes teníamos una forma de componer que era típica entre nosotros, en donde el final quedaba siempre abierto a la improvisación. En estas canciones todo está más estructurado, aunque “Si tuviera que olvidar” tiene todavía ese espíritu, con una improvisación bien psicodélica que cierra el EP. Alberto: En cualquier caso, en vivo seguimos tocando tanto canciones melódicas como canciones más psicodélicas, eso no ha cambiado. Lo entretenido es que la recepción del público es transversal y disfruta de ambas facetas de la banda.

SANTOS DUMONT SON: JULIÁN PEÑA, MAURICIO MELO, IVÁN MOLINA, ALBERTO ROJAS Y NICOLÁS FERRADA. SU EP SANTOSAURUS (2013) ESTÁ DISPONIBLE EN DESCARGA GRATUITA A TRAVÉS DE PORTALDISC.

DERRAME CEREBRAL

POR DON DERRAME CEREBRAL · ILUSTRACIÓN POR CABRALESA El otro día estaba pensando: pucha que es rico encontrar a alguien que tiene los mismos gustos que tú. Onda, que le gusten las mismas películas, que le guste hacer cosas parecidas, que le gusten las mismas bandas. Todo eso deriva en que hay más cosas que te pueden gustar, porque hay como un traspaso de información brigido entre esas dos personas. Pero a mí me gusta más cuando conozco a alguien que le gusta la misma música. Es como excitante, más que una ortografía bonita y todas esas cosas que se dedica a pregonar acción poética. Porque puede pasar muchas veces en las que: uno, el tipo es muy apuesto, más bien, rico y chupetable. Dos, tú también le gustai y se ponen a hablar. Tres, empiezan a comentar sus vidas y todo bien, porque son interesantes mutuamente. Cuatro, llegan a las cosas en común, pero no te gusta la música que ama él. De hecho, la odias, no la conoces o simplemente, no te interesa. Igual ahí transo. Porque eso me llevará al abismo de la soledad oscura e infinita. Quizás, no es necesario que ame tu misma música, pero sí que tenga la tolerancia al evangelismo musical y que no te diga: pfff, que mala tu bandafavoritadelavida. Eso es muerte. Tuve un ex-algo así. Yo amaba banda x y él se burlaba de banda x. Qué hueá más desagradable. Por eso quedó en ex. No sé si soy muy regodión, pero no puedo soportar la incompatibilidad musical. Es como de necesidad básica para una relación y tener un tiempo para poder escuchar música. Es como un plus, que da a otro plus y muchos pluses juntos; arriba-abajo, en la cocina, en la cama, en el sillón. Y pucha que es orgásmico que mino lindo te diga: oye, me encanta bandafavoritadelavida. Porque pucha que es rico tener orgasmos con bandafavoritadelavida de fondo.

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POR JORGE RUBIO SOTO · FOTOS POR NATALIA SOTO RODRIGUEZ ALEJADOS DE SER UNA DE LAS BANDAS MÁS JÓVENES DE LA NUEVA Y FÉRTIL ESCENA DEL POP NACIONAL, TAL COMO LOS HAN PROCLAMADO DISTINTOS MEDIOS EXTRANJEROS, DËNVER HOY CAMINA CON MÁS SEGURIDAD QUE ANTES. EL DÚO DEL VALLE DEL ACONCAGUA, CON TRES DISCOS BAJO EL BRAZO, VARIAS GIRAS DENTRO Y FUERA DEL PAÍS Y NUMEROSOS SEGUIDORES, PUEDE SENTARSE CON TRANQUILIDAD A CONVERSAR CON LA MISMA SINCERIDAD QUE EXPRESA SU MÚSICA.

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Entre las calles de Santiago, esas que todavía son un poco ajenas para Milton Mahan, voz y mitad del dúo Dënver, se hace imposible no querer viajar hacía San Felipe. Todo el afán y el amor con el que Milton habla de la tierra en la que vivió, convence hasta el más arraigado santiaguino. Pues, con una motivación similar a la de un niño queriendo hablar del lugar donde nació, creció y jugó en los inocentes momentos de su vida, es como la pareja intenta desarrollar su historia a través de sus canciones.

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Son amantes de la vieja música, esa que según el mismo Mahan, es más moderna que la de ahora. Entre sus artistas favoritos, ABBA destaca ya sea por influencia como música para disfrutar los días. “Nunca me han gustado los singles de ABBA, onda “Mamma Mia” o esas cosas. A mí me gustan las canciones como “The Winner takes it All”, esas de los últimos discos, donde les fue más mal, además que estaban pasando por toda la etapa de la separación. Hacían temas más oscuros, más largos. Ese tipo de sonoridad también nos influenció harto”, explica Milton. De cierta forma, ¿la música de Dënver es más oscura que lo que se hace en el pop, recurrentemente? Yo me he dado cuenta que hay gente que no lo ve tan así. Y también a mi no me gusta algo como una oscuridad tan evidente, como una banda gótica o de metal, donde todo es oscuridad. A mí me gusta crear este velo de algo medio naif, y que detrás de ese velo hay algo que es muy oscuro. Eso me parece más interesante. Y, a raíz de sus gustos musicales, muchos comentan que sus voces se parecen mucho a grandes exponentes del pop en español de los años 80, como Jeanette, en especial. Sí. Mari ama a Jeanette. A mí siempre me han dicho que canto como ella. Igual es un halago, porque siempre nos ha gustado mucho el pop en español, por su música y su relación con las letras, donde su creación es muy distinta a lo que se crea en Chile. Las letras españolas son mucho más narrativas y por eso siento gran afinidad por esa música.

Y eso les permite, además, crear todas estas historias que vienen detrás de cada canción... Sí, entre Música, Gramática, Gimnasia (2010) y Fuera de Campo (2013), edité un libro de cuentos junto a unos amigos. Siempre he escrito y participado en concursos. Tengo muchas ganas de escribir y nunca me he animado. Escribo cuentos muy cortos. Ahora estoy escribiendo una novela, pero es difícil. De todas formas, suplo la necesidad literaria en la creación de los personajes en ciertas composiciones. A nosotros nos gusta hilvanar los discos de una forma mucho más narrativa, donde están los personajes en un contexto -que es San Felipe- y lugares comunes, que se van repitiendo en los discos. Me gusta pensar que en nuestros discos se podrá armar todo y construir una sola gran historia. FUERA DE ANTES Además de tener gran fijación por la música de la década de los 70, Dënver estudió a muchos artistas y exponentes de la música disco para la construcción de Fuera de Campo, un tercer álbum muy esperado tanto por sus seguidores como por sus creadores. Cerrone, los Gibson Brothers y Sergio y Estibalíz, sirvieron de inspiración para la composición de los distintos arreglos musicales de las diez canciones que componen el trabajo. “Para mí, este disco se parece a lo que siempre quise hacer, a lo que siempre tuve en mente. Siempre nos han gustado las cuerdas y los bronces, y mi idea era hacer un álbum donde no hubiera silencio y entraran cosas todo el rato y que a medida que saliera una, entrase otra inmediatamente. Por eso quedó un poco ‘siútico’ o muy ‘cursi’”, explica Mahan respecto al fruto logrado en esta placa. Logran madurar algo que ya se ve, pero en menor medida, en canciones anteriores como “Mi Primer Oro” u “Olas Gigantes”. Siempre quisimos hacer algo así y la primera vez que pudimos hacer algo parecido fue en el disco anterior, Música, gramática, Gimnasia, pero sabíamos muy poco. la sensación que me quedó con ese disco fue un poco agridulce. Nunca quedé muy contento con el

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sonido, porque yo quería que fuese un disco mucho más jugado. Todas las baterías de ese disco están programadas y ese fue un cambio que hicimos para Fuera de Campo. salvo en “Medio Loca”, está todo grabado y tocado, porque necesitábamos un disco que se moviera, que tuviera un groove, que fuera incorrecto, en algunos momentos, en la ejecución. Tratamos de mejorar lo vital, y en ese sentido yo quedé mucho más contento, porque no tuve que falsear nada. Todo a lo que me iba acercando era a lo que siempre quise y sé que Mariana también.

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Por otro lado, el complemento perfecto de un arduo trabajo de composición musical son todas esas historias que hay detrás de Fuera de Campo. Una guerra, codificada en una película de Hayao Miyazaki, en la que se enfrentan dos grandes fuerzas, los crecidos protagonistas de sus discos anteriores. Un enfrentamiento que sucede en San Felipe y donde los personajes secundarios son amigos que se fueron con el tiempo, el asesinado conscripto Pedro Soto Tapia y un árbol que atrae magnéticamente a los autos en una pendiente de Jahuel. Y para lograr un disco que tenía amplias pretensiones, las complicaciones fueron varias. El mismo dúo lo asume como “auto-complicaciones”. Todos los arreglos orquestales de Fuera de Campo fueron grabados en México. Lo demás se hizo en Chile. Ahí, los problemas que tuvieron no fueron pocos. “La gran complicación que tuvimos fue al grabar las cuerdas, porque lo hicimos en el extranjero, en México. Nos costó conseguir el estudio, el arreglista que viajó con nosotros no se pudo quedar a grabar y me tuve que quedar un par de días solo, entrando al estudio sin Mariana ni el arreglista”, cuenta Milton. Allá mismo contaron con diversas colaboraciones, desde los músicos de Carla Morrison, hasta Meme de Café Tacvba. Y un aporte importante del disco, fue la participación de Cristóbal Briceño en “Concentración de Campos”. “Lo conocía muy poco, y sabía que es una personalidad. Y en ese momento estábamos en plena producción del disco. Ya habíamos grabado las voces de esa canción, pero sentíamos que algo faltaba. Se la mandé a Cristóbal y él la escuchó con mucha detención y eso me gustó mucho. Siempre pasa que en las colaboraciones, el artista invitado canta y se va. Pero cuando nos juntamos con él, ya se había estudiado

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la letra y había hecho algunos reparos, cosas que no le gustaban y tuvimos que corregir harto. Yo sabía que iba a ser así y está bien, porque se comprometió. Fue una colaboración muy de verdad. Yo rayé mucho con el Juventud Americana. Aún lo sigo escuchando y creo que es el manso disco. Cristóbal Briceño es, quizás, uno de los mejores compositores que hay en Latinoamérica y Latinoamérica aún no lo sabe”, relata ‘Milk’. HONESTIDAD DESPUÉS DE UN LARGO CAMINO ¿Cómo lo hacen para que, a medida que va pasando el tiempo y las experiencias, no vayan perdiendo el rumbo de lo que quieren para Dënver?

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Es súper difícil. Cada paso que uno da, cada canción que uno hace, me gusta hacerlo con mucho cuidado, sabiendo que en algún momento se puede cometer un error. Creo que lo más importante es que la banda corra riesgos antes de que se quede en algún lugar estable. Todavía no sé cómo hacer el single perfecto. Para mí siempre fue un misterio, por ejemplo, lo que pasó con “Los Adolescentes”. No está ni cerca de ser la mejor canción del MGG. Para nosotros era el “anti-single”, porque duraba más de tres minutos. Pero pasó un fenómeno que para mí es un poco inexplicable. Ahora con el Fuera de Campo, quizás dejemos de tocar un poco “Los Adolescentes”. Nuestra búsqueda es más negra. Nos gusta más “Mi Primer Oro”, “En medio de una fiesta”, “Diane Keaton”, que son canciones con las que nos sentíamos más cómodos. ¿Y qué es lo que aún queda del Dënver del 2008? (Piensa) Si hay algo en lo que me he esforzado en nunca hacer, es en crear un personaje de nosotros. Soy siempre igual en el escenario, fuera de él, cuando voy a una fiesta. Siempre me trato de mover con la mayor humildad posible. Y yo siento que la gente lo interpreta así. La gente que nos escucha, sabe que somos súper tímidos. Creo que la gente que escucha Dënver es como perdedora, nosotros también somos un poco así. Creo que eso todavía se mantiene y se va a seguir manteniendo.

En ese aspecto, entonces, ¿qué es lo que más te gusta de Dënver? Me gusta hacer letras. Siempre se me ocurren unas frases medias ingeniosas y tomo nota. Disfruto cuando la música aparece. Al momento de grabar las cuerdas, era muy confortante escuchar a doce músicos interpretar la música que uno inventó. Y pasa algo muy cuático, porque te das cuenta que se está realizando, se está registrando y está quedando para la posteridad. Y me gusta, además, cuando tienes todo eso y le agregas una imagen y lo vas montando al ritmo de la canción y vas creando una especie de artefacto con todas sus piezas. Siento que pasó mucho con “Revista de Gimnasia”, donde el ritmo, las imágenes, todo se complementa. Y quizás pasó eso mismo con “Los Adolescentes” y por eso le fue tan bien... Sí, lo pasé muy bien montando ese video. Fue una locura. Que no se malentienda, “Los Adolescentes” es una canción que quiero mucho, me encanta el video y hubo mucha gente que nos ayudó. Pero esa canción funciona mucho con lo de la intuición, tanto el videoclip, como la música. Creo que este disco es más racional, porque todo lo que intuimos en el otro disco, ahora tratamos de pensar más lo que veníamos haciendo. La honestidad en la música de Dënver va más allá en las historias que cuenten o la forma en que lo hagan. Es algo que se nota al momento de escuchar cualquiera de sus canciones. Y es porque no fingen nada. Todavía no buscan la anhelada masificación y no tienen intensiones de hacerlo. Por ahí va la grandeza de este dúo. Es que más que ser una banda de buena música y actitud humilde, son dos jóvenes que hacen lo que quieren, sin importar la popularidad. La diferencia es la logran.

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LEO QUINTEROS - HACERNOS REALIDAD (FT. COLOMBINA PARRA)

CIMENTANDO SU PROPIO CAMINO POR RAÚL ÁLVAREZ Uno de los cantautores más alabados por la crítica musical de los últimos 10 años vuelve a sorprendernos con un vídeo totalmente auto producido. El autor de “La Enredadera” debuta como director en el primer single de su nuevo álbum titulado Antártica. Grabado exclusivamente con su propio iPhone, Leo Quinteros logra sacar adelante un interesante registro audiovisual para “Hacernos realidad”, la punta de lanza para el disco que llegará a las tiendas (y supermercados) este mes en lo que será su vuelta al tradicional soporte físico. La canción, que destaca por sus percusiones programadas y el característico modo de parafrasear de Quinteros, cuenta con la colaboración de Colombina Parra en sugerentes coros que logran una frescura única en la grabación. Una pieza oscura llena de proyecciones de luces láser y pantallas de televisor, logran recrear el ambiente preciso para el tema cantado a dúo con la vocalista de Los Ex,

que tal como en los coros, aparece para aportar el toque femenino en un lugar aparentemente perturbador. El cantante saca a la luz una nueva colección de canciones dominadas principalmente por guitarras acústicas, que dista mucho del estilo más electrónico que evidenció en Los Días Santos, su anterior entrega. Hay que aclarar, como él mismo lo ha hecho en variadas entrevistas, que no pretende erguirse como una nueva figura dentro del folk nacional, pues a la sencillez entregada por las 6 cuerdas, el compositor agrega una serie de bases programadas, coros envolventes y la actitud propia de un testarudo del rock. Al parecer, el vuelco hacia lo más íntimo y personal será la tónica para este y los venideros trabajos de Quinteros, porque tal como se ve ahora está cimentando su propio camino, transformando ambiciones y pretensiones en sinceridad y trabajo.

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UNA BANDA EXTRANJERA ¿Jack White puede ser considerado una banda? Si la respuesta es sí, voto por él. Para mí lo es, porque además de haber participado en varios grupos que me han gustado, en su disco solista grabó voces, guitarras, bajos, piano y batería. El show de los White Stripes en Santiago es uno de los mejores que he visto y si volviera a venir con cualquiera de sus actos seguramente lo vería desde primera fila y le trataría de robar el setlist. UNA BANDA NACIONAL Los Tres. Son la banda que más veces he visto en vivo en toda mi vida así es que no puedo hacerles el desaire. Me gustan todos sus discos, incluso Coliumo, aunque no tuvo muy buena crítica y hoy en día te lo encuentras a tres lucas en el supermercado al lado de CD’s de programas infantiles y compilados chantas. Hay herencia de Los Tres en varios grupos nacionales que vinieron después de ellos e incluso en varios proyectos internacionales 50

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PUBLICISTA Y DIRECTOR DE LA DESAPARECIDA RADIO HORIZONTE,RODRIGO HURTADO ES UN HOMBRE QUE HA ESTADO LIGADO A LA MÚSICA DESDE SIEMPRE. EN ESTAS ONCE PREGUNTAS HACE UN REPASO DE SUS GUSTOS Y VIVENCIAS “MELÓMANAS” MÁS IMPORTANTES.

por natalia araya · foto por amapola huerta

Rodrigo Hurtado LOS ONCE DE

UN DISCO Esta es la pregunta más difícil del mundo, porque diga lo que diga después me voy a arrepentir. Hoy mi disco favorito es el Live Rhymin’ de Paul Simon porque desde que me llegó el rumor de que viene a Chile lo saqué de su estante y lo volví a escuchar una y otra vez, igual que cuando me lo compré. Es buenísimo, un disco en vivo grabado en 1974 que trae una gran selección de canciones de Simon & Garfunkel en versiones increíbles, sobre todo las que canta sólo con su guitarra. UN CONCIERTO El de Animal Collective en Industria Cultural. Logré escabullirme entre la gente hasta llegar a la primera fila y vi el concierto justo frente a Panda Bear. Aunque me gustaban mucho y era fan de muchos de sus discos, quedé impactado por lo que vi en vivo, principalmente por el sentido del ritmo que tenían. Fue como estar en un concierto de jazz, aunque mucho más enredado. Cuando la música parecía demasiado caótica y se nos iba de las manos, ellos se conectaban de forma brillante y todo volvía a ser simple y lógico. En general el ritmo se asocia a la música negra y latina, pero de vez en cuando aparece un gringo flaquito que hace ver tieso hasta a Chayanne. VINILO, CD O CASSETTE En la casa vinilo, CD como herramienta de trabajo y cassette como el recuerdo de la primera polola. Juntarse con amigos a escuchar vinilos es mucho más entretenido que juntarse a escuchar CD’s, algunos dicen que es por el sonido y otros por el rito. Yo creo que es porque se recupera un ejercicio esencial en todo fanático de la música: la sensación de exclusividad. Me explico: cuando tienes algún vinilo archiconocido como el Nevermind de Nirvana, por ejemplo, y tus amigos no lo tienen en ese mismo formato, es como si no lo tuvieran en ningún otro. Nadie sale con una frase tipo “ah pero yo lo tengo en mp3” porque el sentido de obra única no existe en ese formato. Y en el CD se ha ido

perdiendo a punta de ediciones cada vez más económicas y peor impresas. UN SOUNDTRACK DE PELÍCULA El de Grease. Lo amo. Siempre me ha caído bien John Travolta y me sorprende lo bien que canta en ese disco. Olivia Newton-John me gusta por recuerdos de infancia y la canción de los Bee Gees que abre la película es mi favorita de ellos por lejos. Además la trama me parece realmente buena, si la pillo en el cable nunca la cambio y cada cierto tiempo escucho el disco sin ninguna sensación culpable. Es placer a secas. UN AMOR PLATÓNICO MUSICAL Por lo general mis amores platónicos musicales han sido bastante criticados por mi entorno. Primero fue Carole King. Mis amigos le decían vieja, fea y fome, pero a mí me gustaba nomás. Luego le fui infiel y me enamoré de Amy Winehouse, nadie me creía porque se supone que es súper fea, pero había algo en ella que me gustaba más allá de lo normal y me hacía verla mina. Supongo que era su voz, su actitud y sus letras. Lo mismo con Carole King. Cuando chico era diferente, ahí si coincidía con todo el mundo: Rafaella Carrá era la número uno en belleza. UN MÚSICO AL QUE INVITARÍAS A TU CASA A Kevin Johansen. De todos los tipos que he entrevistado, es el único con el que genuinamente he podido conversar. Siempre ha sido por teléfono y siempre tuve que terminar la entrevista porque el técnico que me estaba grabando me hacía señas de que estábamos pasados de tiempo. Me resultaba muy difícil resumirla porque en realidad todo servía y todo era digno de ser escuchado. La primera vez que hablé con él su música no me gustaba, pero fue inevitable empezar a escucharla después de la impresión que tuve de él como persona y como fan de la música, igual que cualquiera de nosotros. Kevin Johansen seguro le caería bien a mi señora y podríamos escuchar y hablar de música hasta que nos diera hipo. UNA CANCIÓN DE TU ADOLESCENCIA “Today” de los Smashing Pumpkins. Fue la canción que marcó el fin de mi época escolar. Era luminosa y esperanzadora, la tomé como una buena señal para el futuro y la adopté. Todavía me sigue gustando, aunque hoy carga con mucho de nostalgia, principalmente porque Smashing Pumpkins (a partir de Adore) se fue convirtiendo en un grupo cada vez más alejado de mi gusto musical, a tal punto que la última vez que los vi en vivo quedé absolutamente desilusionado. UNA CANCIÓN QUE DESEAS PARA TU FUNERAL Alguna de los Beatles. Ojalá no sea ni muy triste ni “Revolution 9”.

| Los once de: Rod rigo Hurt ado |

UNA CANCIÓN “Something” de The Beatles. Para resumir la importancia de esta canción en mi vida debo decir que fue el vals en mi matrimonio. Así de fundamental. La debo haber escuchado setecientas mil veces y me sigo emocionando cada vez que suena. Me acompañó toda la vida, en los tiempos en que mis compilados en cassette y yo éramos uno mismo, en la era dorada del cd, en versión mp3 con audífonos, en vinilo mientras estaba desplomado en un sillón y en más de algún karaoke donde di pena. Cuando Paul McCartney la cantó en el Estadio Nacional lloré como un nene. Por suerte el desconocido que estaba al lado mío también lloró.

| El Tit ular |

REPORTAJE

| El Tit ular |

por claudia montecinos

| Rep ort aje: Gust avo Cerat i |

La primera vez que Gustavo Cerati se presentó en Chile fue el 20 de mayo de 1986. En plena dictadura militar, un apagón eléctrico saboteaba el show que Soda Stereo había preparado para el programa televisivo Martes 13. Por fin la banda argentina salía al extranjero, aunque su música ya había cruzado las fronteras y empezaba a expandirse por Latinoamérica. Una banda transgresora que rápidamente logró reconocimiento mundial y posicionó a sus integrantes en el éxito y súper estrellato, de esos que empiezan a desaparecer. Su vocalista, guitarrista y compositor, Gustavo Cerati, se refería a esta presentación y al vínculo que había entablado con Chile once años después, en una entrevista previa al último concierto del trío en 1997 incluida en el libro Cerati en primera persona: “Yo vivo parte de mi tiempo en Chile y tengo una ligación muy especial con este país y con su gente, pero para todos es muy importante porque Chile fue el primer país que conocimos fuera de la Argentina, y pudimos darnos cuenta de que lo nuestro podía ser absorbido, ¿no?, y que podíamos conocer otros lugares. Y el recibimiento, el cariño… Yo creo que Soda Stereo representa una cosa muy fuerte para la gente chilena, y lo sabemos”. Vivió entre 1993 y 1996 en el barrio El Golf de Santiago, se casó con la chilena Cecilia Amenábar y sus dos hijos nacieron en la capital. En este periodo grabó su segundo disco solista, Amor Amarillo, además del video clip “Te llevo para que me lleves” de la misma placa. Formó la

banda Plan V con tres chilenos, donde incursionó por primera vez en la música electrónica. Se presentó en cerca de 50 conciertos con Soda Stereo y como solista. Además de protagonizar Argentina abraza a Chile, un evento musical para reunir ayuda en el contexto del terremoto de 2010, acontecido dos meses antes de que Cerati sufriera un accidente cerebrovascular que lo mantiene hasta hoy en estado de coma. UN TIPO DESCOLLANTE Chilenos que compartieron con Cerati lo describen como un hombre sencillo, humilde, pero con un talento indiscutible. Un tipo trabajólico y consciente de su talento. Un músico por excelencia, que aún tratando de pasar desapercibido dejaba en claro las causas de su ascendente éxito. Iván Quiroz, ingeniero en sonido, trabajó con Gustavo Cerati en la grabación y mezcla de “Oleo”, primer single de Sien en Agosto de 1994. Quiroz lo recuerda como “Simplemente el mejor. Un músico con talento y sobre todo un buen gusto que se agradece, siempre con el beneficio colateral para la audiencia chilena de conocer las tendencias más vanguardistas del rock mundial a través de su trabajo”. Así mismo, Alejandro Gómez, cantante y guitarrista de Solar y Alamedas afirma: “Gustavo es un gigante, un tipo descollante y carismático”. Recuerda que en algún momento lo vio tocando en un cumpleaños y que de

alguna manera ese encuentro lo impulsó como músico. “Quedé impactado. Un monstruo en la guitarra. En estos doce años, desde que vi esa noche a Gustavo tocando, he crecido yo también y he logrado encontrar mi propia manera de expresarme. Me gusta pensar que cuando estoy tocando en vivo pueda provocar esa misma sensación”, recuerda.

mado por Andrés Bucci, Guillermo Ugarte y Christian Powditch, quien convocó a Gustavo Cerati. El Intelligent Tecno que recién empezaba a gestarse en Inglaterra y Alemania fue lo que la banda desarrolló en el sótano de Background, gracias al Pro Tools que su dueño había adquirido y a las máquinas que Bucci y Ugarte habían comprado en el extranjero.

Para Javier Barría, el cantante y compositor trasandino es un referente musical que supo sacar el máximo partido de su talento. Aunque el chileno considera que a lo largo de su trayectoria lo vio llegando tarde a todo. “Pasa que la historia lo empezó a pillar a Cerati. Me da un poquito de vergüenza ajena esas cosas de él, que un tipo tan talentoso se dedicara a imitar modas del momento como para actualizarse”, señala.

“Gustavo aprendió bastante ahí, y se fue a Argentina y ayudó a crear un movimiento que fue grande. El mismo laboratorio que se hizo de forma espontánea y amateur acá, él lo hizo de manera profesional allá”, señala Hugo Chávez. Pero también deja en evidencia el descuido de Cerati frente a quienes fueron parte de su introducción a la vanguardia electrónica: “Él hizo la armada argentina, cuando acá en Chile había material para hacer la armada chilena”.

En la noventera disquería Background ubicada en Nueva de Lyon, Providencia, la corriente musical encontraba un nido. La tienda de Hugo Chávez se convertía en un espacio donde las bandas emergentes podían mostrar su música, en un lugar de encuentro e intercambio. A este edificio llegó Gustavo Cerati en los años en que habitaba un pequeño departamento en la comuna, acompañado

Cuando Soda Stereo dio su último concierto en 1997 en el Estadio Nacional, Solar y Sien, dos bandas nacionales de la época, compartieron escenario como teloneros. Un espectáculo frente a 70 mil personas que hizo vibrar a los fanáticos del trío bonaerense. Sin embargo, para ambas bandas esta experiencia no trascendió más allá. Sien asegura: “no fue algo relevante

“Le recomendé varias músicas que traje en ese tiempo a la tienda. Se llevó esos discos y después volvió y me dijo que estaban increíbles y que al hijo le había encantado uno de los discos, que era Cul De Sac, también le pasé Tortoise y Jim O’Rourke. ‘Uh’ -me dijo- ‘Benito se volvió loco con este disco, qué otra cosa tenés así’. Su hijo se tiene que acordar de ese disco”, recuerda Chávez al hablar de Cerati.

de su amigo Christian Powditch, con quien desarrollaría un proyecto musical. “Le recomendé varias músicas que traje en ese tiempo a la tienda. Se llevó esos discos y después volvió y me dijo que estaban increíbles y que al hijo le había encantado uno de los discos, que era Cul De Sac, también le pasé Tortoise y Jim O’Rourke. ‘Uh’ -me dijo- ‘Benito se volvió loco con este disco, qué otra cosa tenés así’. Su hijo se tiene que acordar de ese disco”, recuerda Chávez al hablar de Cerati. En este lugar el contacto con músicos y DJ’s de la época desembocó en la creación del proyecto Plan V, confor-

en nuestra vida musical posterior, tampoco fue importante para Gustavo”. Asimismo, Alejandro Gómez considera que “fue un cable a tierra para dimensionar el fenómeno y al otro día, después de telonear a Soda Stereo volver a la realidad”. Por otro lado, codearse con Soda encasilló a Solar en un estilo de música que sus mismos integrantes no consideraban acertado. “Yo siempre encontré injusto que la prensa nos tildara al tiro de una especie de copia de Soda Stereo. Por cierto que hubo una influencia. Pero musicalmente, Solar tenía influencias más universales”, agrega Gómez.

| Rep ort aje: Gust avo Cerat i |

GUSTAVO EN LAS CALLES SANTIAGUINAS

CERATI Y LAS VOCES CHILENAS

Para la generación que despertaba en los ochenta, Soda Stereo era una revelación, un sueño hecho realidad. La música y el sentido estético eran elementos controvertidos que despertaban a quiénes parecían dormidos pero que sólo necesitaban un empujón.

En su estadía en Chile, Gustavo Cerati tuvo contacto con la música nacional, pero su vínculo no fue fructífero. Más allá de la producción del disco Sueños en Tránsito de Nicole y del single “Óleo de Sien” el puente no creció. Según Hugo Chávez, el cantante “venía a Chile de vacaciones. Venía a relajarse, a pasar desapercibido”. Y al parecer era así.

Javier Barría reconoce a Soda Stereo como “música de la casa”, ese soundtrack que desde niño escuchaba gracias a su padre y que en algún momento dejó de lado para luego retomarlo con el disco Dynamo y tomar influencias en sus inicios con la guitarra. Sin embargo, reconoce que para la música que hace en la actualidad, la placa Bocanada es clave. “Yo creo que hasta el 2003 toda mi historia está musicalizada, entre muchos otros, por canciones de Cerati y de Soda Stereo”, afirma el cantautor nacional. Incluso confiesa que bautizó con el nombre de Cerati a uno de los preset de sus equipos, porque reproduce el sonido de amplificador del músico. Con aires de rockstar, Gustavo Cerati logró sacudir a los jóvenes que vieron la primera presentación de Soda Stereo en el festival de Viña del Mar. Alejandro Gómez recuerda haber alucinado con este concierto. También afirma ser fanático de los tres primeros discos de la agrupación, y conocer toda la discografía de su líder.

No existe un antes y un después de Gustavo Cerati en la música chilena. La época en que el músico vivió en Chile funcionó a su ritmo, sin notar la presencia del argentino. En un inicio el éxito de Soda Stereo en los 80 despertó la atención de los chilenos. Lo mismo en los 90, periodo en el que la transformación musical en Dynamo parecía repercutir en las agrupaciones del momento. Sin embargo, no fue suficiente. Aparte de colaboraciones con músicos específicos, el compositor argentino no generó lazos con la escena nacional, apreciación que comparten el ingeniero en sonido Iván Quiroz y Hugo Chávez. El nexo parece ser más personal. De esos que entrañan recuerdos y vacaciones, pero que en lo concreto no dejaron huellas en la historia musical chilena.

| Rep ort aje: Gust avo Cerat i |

HUELLAS PERSONALES

| El Tit ular |

GALERIAS un registro de mel贸manos magazine

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PSYCHIC ILLS

VIERNES 28 DE JUNIO - EX OZ FOTO POR AMAPOLA HUERTA

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PILDORAS MORRISON // FILOMENA LIVE’13 JUEVES 4 DE JULIO - ESPACIO FILOMENA FOTO POR AMAPOLA HUERTA

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IIOII // FILOMENA LIVE’13

VIERNES 5 DE JULIO - ESPACIO FILOMENA FOTO POR AMAPOLA HUERTA

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ICARUS GASOLINE // FILOMENA LIVE’13 SÁBADO 6 DE JULIO - ESPACIO FILOMENA FOTO POR AMAPOLA HUERTA

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DEAD CAN DANCE // FINAL SHOW TOUR 2012-2013 SÁBADO 13 DE JULIO - MOVISTAR ARENA FOTO POR FRAN NÚÑEZ

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DËNVER // LANZAMIENTO “FUERA DE CAMPO” SÁBADO 27 DE JULIO - TEATRO CARIOLA FOTO POR PABLO QUIROZ

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DËNVER // LANZAMIENTO “FUERA DE CAMPO” SÁBADO 27 DE JULIO - TEATRO CARIOLA FOTO POR PABLO QUIROZ

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YEAH YEAH YEAHS

BEADY EYE

MOSQUITO (2013)

BE (2013)

Cuando conocimos la horrenda portada del cuarto disco de la banda de Brooklyn Yeah Yeah Yeahs, debimos sospechar que algo andaba mal. No obstante, esas dudas se vieron disipadas -en parte- por “Sacrilege” un tema que prometía ser la punta de lanza de un grandísimo disco.

Beady Eye mostró varias mejoras en relación a su debut del 2011. “Flick Of The Finger” se muestra muy sólido en relación a los sencillos lanzados por la banda de Manchester hasta la fecha. Este perfeccionamiento corre en gran parte por el hombre que se instala tras las perillas: Dave Sitek. Una apuesta que sin duda brindó buenos resultados.

Sin embargo, al igual que la cubierta, el resultado es decepcionante. La aspiración por estructuras más complejas no va de la mano de un remate que haga de los temas piezas inolvidables. Tal vez nos mal acostumbraron. Quizás la chispa de New York se extinguió un poco en esta pasada.

FRANCISCO SILVA

MILES K ANE DON’T FORGET WHO YOU ARE (2013)

No obstante, no todo es color de rosa. La búsqueda de una identidad es tema y aún con una buena producción la duda sigue ahí: ¿Esto es sólo la espera por la vuelta de Oasis o es algo más?

FRANCISCO SILVA

Miles Kane se ha esforzado de forma considerable en buscar una identidad. Un lugar en el que brillar por sí mismo, sin ser opacado por nadie. Y en apariencia lo encuentra en esta segunda placa. Echando mano a riffs pegajosos y sacando provecho de la riquísima herencia británica, hace de su LP un pequeño pulso que no baja el ritmo en los 11 tracks que lo componen. Don’t Forget Who You Are es subirse al carro y no bajarse hasta el último minuto, pues se cobija en la más efectiva de las apuestas: buenas canciones.

FRANCISCO SILVA

JAMIE CULLUM

THE FLAMING LIPS

MOMENTUM (2013)

THE TERROR (2013)

THE DEVIL PUT DINOSAURS HERE (2013)

Momentum es la sexta placa de Jamie Cullum, quien regresa con un estilo más cargado al pop que a su sofisticado jazz. El álbum de doce temas sigue una continuidad monótona, salvada por el excelente desempeño en el piano del cantante y su voz maleable a cada nota.

Son psicodélicos por excelencia, tienen licencias para sacudir los oídos con gritos y sonidos extraños y en este momento lo quisieron poner a prueba. Para su último álbum, The Flaming Lips dio rienda suelta a la creatividad y en conjunto con las drogas dieron origen a The Terror.

Cuando ya se confirmó su segunda venida a Chile, Alice in Chains arremete con The Devil Put Dinosaurs Here, su quinto álbum de estudio. Un registro de un sonido sucio y denso que hace relucir nuevos aires de la banda, alejándose de la sombra de Layne Staley.

Sin embargo, como quinta pista aparece una versión atractiva del clásico de Cole Porter “Love for $ale”. Cullum logra combinar la esencia más jazzera con el hip hop del rapero Roots Manuva; una mezcla por completo asertiva.

Son 58 minutos de una masa de sintetizadores, guitarras y una voz a veces casi inaudible. Pista a pista, la banda se da la libertad de experimentar e invitar al auditor a un viaje con altos y bajos, pero en su mayoría oscuro y atrapante. No hay canciones, no hay grandes composiciones. Es una más de The Flaming Lips, que cava en su fanaticada un nicho cada vez más arriesgado.

“Hollow” y “Stone” han sido las puntas de lanza de una sonoridad que se viene fraguando desde el Black Gives Way to Blue (2009). La dualidad vocal de DuVall y Cantrell se afianza más en este registro, dejando en claro una nueva etapa en la banda.

El último trabajo del cantante es una consolidación de su línea musical, la cual, fuera de deslumbrar, demuestra que Cullum se maneja en su trabajo. CLAUDIA MONTECINOS

CLAUDIA MONTECINOS

Un álbum que cumple las expectativas; las mismas que crecen de cara a su próxima visita. BAYRON RÍOS

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ALICE IN CHAINS

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CORDEROLOBO DESASTRES NATURALES Y MAÑANA EN LA MAÑANA (2013)

LOS BUNKERS LA VELOCIDAD DE LA LUZ (2013)

31 MINUTOS

Desde jugar con la sencillez de una guitarra de palo o con la complejidad de una secuencia electrónica, Corderolobo hace y deshace en su última placa editada a través de Primate Discos.

Luego de 5 años sin editar canciones propias, Los Bunkers vuelven con un disco altamente influenciado por la década de los 80’s.

Lo vivido en el Movistar Arena en julio del año pasado fue simplemente histórico. 31 Minutos, el grupo de títeres más famoso de Sudamérica, llenó 4 veces el recinto ubicado en el Parque O’Higgins en el marco de su auto-denominada Gira Mundial, que pasó por importantes países como Titiriscocia y Titirinidos.

Un álbum que sigue una sonoridad parecida a la de su anterior material, pero que en sus diez temas marca distancia en composiciones como la eléctrica “Gente que se convierte en fuegos artificiales”, la épica “Autbomba” o los cambios musicales de “Atún”. A todo esto, súmenle un libro de cuentos basado en el disco. Una completa experiencia multisensorial de uno de los buenos discos de este semestre.

BAYRON RÍOS

La placa parte con “Desperdíciame” una composición de casi 7 minutos que deja en claro que, de ahora en adelante, el quinteto radicado en México no le teme a la experimentación. Quizás “Bailando solo” es un enganche engañoso para lo que viene después. “Si estás pensando mal de mí” y “El día que dejaste de fingir” se alzan como temas con el estilo más clásico de los penquistas. Su mejor disco desde Vida de Perros (2005). Y eso no es poco. RAÚL ÁLVAREZ

GIRA MUNDIAL (2013)

Con una sólida banda integrada por los hermanos Ilabaca, Camilo Salinas y Pedropiedra el grupo liderado por Tulio Triviño despliega todos sus éxitos con la misma potencia de una banda de rock. Desde “Mala” de Guaripolo hasta “El dinosaurio Anacleto”, el disco es una entretenida experiencia que aconsejamos acompañar con su edición en DVD. RAÚL ÁLVAREZ

DAFT PUNK RANDOM ACCESS MEMORIES (2013)

TRAIL OF TEARS

DEPECHE MODE

OSCILLATION (2013)

DELTA MACHINE (2013)

El cuarto trabajo discográfico de los franceses Daft Punk, Random Access Memories, ha sido un completo éxito en ventas gracias a la campaña de marketing que lo antecedió, pero si bien tuvo un gran contingente de cooperadores (Panda Bear, Chilly Gonzales, etc), no tuvo buenas críticas.

Guturales, voces femeninas, excelentes riffs y suaves teclados son la mezcla que da a luz a Oscillation, el último disco de los noruegos Trail of Tears.

Si bien el elemento electrónico está presente de manera constante, toques de sonidos bluseros provocan un cambio efectivo en lo que es Delta Machine, el décimo tercer disco de la banda inglesa Depeche Mode.

El trabajo es un brillante hijo del metal sinfónico y gótico, con sus melodías melancólicas, dinamismo en la guitarra, excelente acompañamiento de la batería y sus letras llenas de oscuridad. Aunque cuenta con un toque especial que a lo largo del disco va logrando algunas melodías más alegres.

Con un total de 13 temas, el álbum fue producido por Flood, también responsable de los exitosos Violator (1990) y Songs Of Faith And Devotion (1993). Canciones como “Welcome To My Word” bordean lo instrumental y provocan en “Heaven” una perfecta balada electrónica. “Broken” transmite desesperación y emoción proporcionada sutilmente por Dave Gahan.

Destacable es la pasión transmitida, por ejemplo, en la canción “Lost in life” u “Oscillation”. Un disco agradable, sólido y digno para ser el último de esta banda.

El disco deposita un espíritu más techno con diferencias, haciendo mención de esta estrecha correlación entre el blues del Delta Mississippi y la tecnología, consagrando una vez más esta banda de culto.

MACARENA MUNDACA TOBAR

JAVIERA CALDERÓN

Hay temas que se alojan en el inconsciente por pegajosas, como “Give Life Back to Music”, “Lose Yourself to Dance” o “Doin’ it Right”, pero la canción más popular de este álbum es “Get Lucky”, un tema que mezcla la música funk, ritmos electrónicos y ochenteros. Sin embargo, estas son melodías que se ven presentes en pocas canciones del disco. MACARENA MUNDACA TOBAR

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KINÉTICA

PET SHOP BOYS

LOST OTROS

II (2013)

ELECTRIC (2013)

LOST OTROS (2013)

Kinética apostó doble. Si en el EP homónimo con el que debutó en 2010 la propuesta era contrastar el breakbeat con su etérea voz, en II se suman nuevas texturas y otro elemento: los cornos franceses.

Es innegable la prolijidad que ha mantenido Pet Shop Boys en estos treinta años de carrera y se confirma una vez más con el lanzamiento de Electric, su doceavo disco de estudio. Neil Tennant y Chris Lowe dan gala de un álbum impregnado de la esencia electrónica ochentera, pero con tintes de la nueva escuela.

Para Ramírez y Paloma, la creación de su pop puede ser tan simple como tomar una guitarra acústica y una melódica. Diez canciones marcan el debut en largaduración de los nacionales, bajo el amparo de Primate Discos. Música artesanal y sencilla, como ellos mismo se catalogan.

Esta combinación, junto a una manera de cantar más segura y el interesante trabajo en producción del dúo De Janeiros, da como resultado siete piezas irresistibles en las que se logra conjugar la electrónica de avanzada, el hip hop y ciertos detalles de música docta. II es un álbum de confirmación, con el que Kinética marca un avance. Un trabajo honesto y poco pretencioso, que demuestra con claridad quién es ella. Guste o no. IGNACIO SILVA

El disco abre con la sólida “Axis”, un instrumental que es el perfecto combustible para incendiar cualquier fiesta.”Love Is A Bourgeois Construct”, “Shouting in the Evening” y “Vocal” se vuelven piezas épicas para cualquier amante del electro-pop. El dúo británico se reinventa una vez más y dejan en claro que no están para pequeñeces. BAYRON RÍOS

“Bar y Revolución” invita a destruir el Bar Constitución y toda esa “clase” que habita en él. “Valparaíso”, una emotiva declaración de desamor. Entre rasgueos de guitarra, fraseos en portugués y la suave armonía vocal del dúo, este álbum se enmarca en una melancolía que solo pueden dar los sombríos días de invierno en Santiago.

BAYRON RÍOS

ELECTRODOMÉSTICOS

MATORRAL

FELICIA MORALES

SE CAIGA EL CIELO (2013)

REMOTO CONTROL (2013)

FELICIA EP (2013)

Tuvo que pasar casi una década para volver a escuchar los nuevos aires de Electrodomésticos, una de las bandas más queridas (o sobrevaloradas) de la escena nacional. El trío arremete con un álbum denso en su matiz musical, lleno de secuencias electrónicas y riffs desenfadados.

Dejar de navegar por los mares de la lisérgia para adentrarse caminando a terrenos donde las melodías lucidas comandan, es lo que Matorral acertadamente entrega en su nuevo LP. Uno en que las canciones parecen tener absoluto control de su forma, sin excederse en jams exagerados y acotándose a lucir lo más concretas posibles.

Felicia Morales (conocida por su abultada colaboración con diferentes músicos de la escena nacional) nos entrega su primera incursión solista en formato EP, con una clara tendencia por la música docta.

“Se Caiga El Cielo”, “Detrás del Alma” y “Fe de Carbón” son ejemplos del tono bucólico y agresivo que marca el disco. Es un regreso duro, descarnado, que recoge lo clásico de una banda tradicional, mezclado con electrónica y programaciones. Un trabajo que separa aguas, pero que el tiempo le dará la razón.

BAYRON RÍOS

Es así como tracks de la talla de “La Palabra” o “Ya Quisiera” consiguen un efecto preciso en que la melancolía y la precisión refinada van de la mano en un trabajo tremendamente lleno de profundidad.

FRANCISCO SILVA

Solo ocho minutos repletos de una esencia cinemática e ineludiblemente invernal. “A1”, “A2”, “B1” y “B2” conforman las cuatro aristas que van bordando con sutilezas (piano y violoncellos) un pequeño aliento en medio de tanta velocidad. Pues no da para más, es una parada agradable y bella. No obstante, es tal su brevedad que se termina convirtiendo sólo en una muestra. Felicia EP es un instante que seguramente puede llevar a algo más.

FRANCISCO SILVA

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| El Tit ular | 72

IMPORTACIONES OWI NY SI GOMA BAN D

EL RESULTADO DEL

SINCRETISMO MUSICAL POR CLAUDIA MONTECINOS

La mezcla del folklor Luo y la música electrónica son el eje principal de la agrupación que ha plasmado su trabajo en dos discos: Owiny Sigoma Band (2011), el resultado de los ensayos realizados en una vieja fábrica de Nairobi, y Power Puch (2013), una producción que demuestra la consolidación del grupo, con mayor experimentación electrónica y composición musical. La banda está integrada por los ingleses Jesse Hackett en teclados, Louis Hackett en bajo, Sam Lewis como guitarrista, Chris Morphitis en guitarra y buzuki –instrumento de cuerdas griego-, Tom Skinner en la batería; además de los kenianos Joseph Nyamungo y Charles Okoko en voces y percusiones. Esta formación diversa es la explicación al sonido que Owiny Sigoma Band ha logrado. El ritmo se apodera del cuerpo, ese tipo de canciones que transmite en su esencia las ganas de moverse al compás de la música. Percusiones mezcladas con bases electrónicas y con tradicionales cantos africanos en su justa medida. Owiny Sigoma Band es la muestra precisa de la capacidad de olvidar las fronteras y ser guiados por la música. Es una agrupación donde no se perciben jerarquías, ya que ambas naciones cooperan para encontrar el equilibrio sonoro. ENCUENTRALOS EN: FACEBOOK SOUNDCLOUD

| El Tit ular |

Nairobi, capital de Kenia. Año 2009. Cinco músicos ingleses llegan para concretar un proyecto en el que colaborarían con Joseph Nyamungo y Charles Okoko, artistas locales. Lo que parecía ser un experimento de intercambio cultural se convirtió en Owiny Sigoma Band, una agrupación keniana-inglesa que debe su nombre al pueblo originario de Nyamungo y Okoko.

| El Tit ular | 74

IMPORTACIONES

EL DESIERTO ECUATORIANO POR IGNACIO SILVA

Ese particular sonido ha quedado plasmado en Alter, un disco de seis canciones que el grupo estuvo preparando por varios meses y que se erige como su placa clave, dado que durante su producción terminaron por definir su formación y su estilo musical. Justamente de él se desprende “En Las Vegas estoy muerto”, un single que cuenta con un excelente y cinematográfico videoclip estrenado en alta definición en una sala de cine, maniobra que además de serles de gran utilidad en términos de promoción, marcó un precedente dentro de la música ecuatoriana y centró la atención en ellos. Además, ese trabajo denota el especial cuidado que Cactus Gamarra pone en lo estético, un aspecto que también se aprecia en la edición física del álbum y en el merchandising que sus propios integrantes fabrican. La suma de los factores entrega a una banda de aires frescos, que se gana un lugar por méritos propios en la atención del escucha. Sólo queda ver cómo evolucionan y qué se traen entre manos en las nuevas canciones que ya están grabando. ENCUENTRALOS EN: Facebook Soundcloud

| Imp ort aciones |

Cactus Gamarra es una banda oriunda de Guayaquil, Ecuador, que lleva ya varios años dando forma a una propuesta llamativa desde todo punto de vista. En el plano musical, el quinteto apuesta por un stoner rock que, además de recibir fuertes influencias de la psicodelia y el surf rock, se muestra muy abierto a la experimentación en base a samplers, sintetizadores, vientos y otros instrumentos.

ESTA EDICIÓN FUE HECHA ESCUCHANDO ESTOS DISCOS:

PHOENIX BANKRUPT!

ALBERT HAMMOND, JR. YOURS TO KEEP

| El Tit ular |

THE KINKS FACE TO FACE

EDICIÓN #10 - AGOSTO/SEPTIEMBRE 2013 REVISTAMELOMANOS.CL

ALEX ANWANDTER REBELDES