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NUEV9 (Haz click en la imagen y agrega nueva mĂşsica a tu computador)
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OTRA SELECCIÓN DE MELÓMANOS MAGAZINE
DEPLÁSTICOVERDE - NUCLEAR - INTIMATE STRANGER - PAOLO MURILLO DISFONIA - DJ RAFF - FRANKELET
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NUEV9
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DIRECTOR Jorge Rubio Soto EDITOR GENERAL Ignacio Silva PRODUCCIÓN María José Silva ARTE Y DISEÑO Felipe Estay Miller Jorge Rubio Soto FOTOGRAFÍA Bianca Godoy Paez María Paz Arias Lorena Ormeño
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PERIODISTAS María José Silva Ignacio Silva Jorge Rubio Joaquín Riffo Claudio Salas COLABORADORES Natalia Araya Macarena Mundaca Claudia Montecinos Natalia Matus Francisco Silva Bayron Ríos Matías Muñoz Raúl Álvarez CONTACTO melomanoswbzine@gmail.com PUBLICIDAD Y AUSPICIADORES j.rubiosoto@gmail.com AGRADECIMIENTOS Teatro Cariola Escuela de Cine de Chile Maria Ignacia Hargreaves
COMENTA EN TWITTER: #EDICION9 REVISTAMELOMANOS.CL FACEBOOK.COM/MELOMANOSMAGAZINE TWITTER.COM/MELOMANOSMAG
Nos cerraron Radio Horizonte. Nuevamente, todo queda en manos de unos pocos y la posibilidad de contar con espacios para cada uno, se vuelve cero. Radio Horizonte no solo fue llorada por lo que fue, si no que también por lo que significó. Fue una de las pocas radios que asumía la cuota del 20% de música chilena con un poco de interés. Ahí se notaba la presencia nacional. Y bueno, ya no. Pero no sé qué tan extraño puede resultar el cierre de una buena iniciativa. Siempre suceden cosas parecidas. Es que en este país -y en varios lugares más- todo está concentrado en pocas manos. Y no siempre son manos agradables. Lo triste es cuando la música cae en pocas manos. Mejor dicho, en pocas personas, en pocos círculos. Hay que ver con mayor detención esto que llamamos como “el amiguismo del pop chileno”, por decir un caso. Tener amigos en la vida es demasiado bueno. Tener amigos en el trabajo, mucho mejor. Pero ya se vuelve peligroso cuando ese círculo de amigos se vuelve muy cerrado y agarra todo lo que puede, sin dar mayor oportunidad al que está fuera. Creo que mucha gente, además de estar aburrido del mismo tema de siempre, termina convenciéndose de que no se puede hacer nada si no eres amigo del músico del momento o del encargado de prensa que conoce al mundo. Lo triste es cuando estos círculos afectan a actores dentro de la cadena “escena musical chilena” e invalida el trabajo de quienes solo hacen su trabajo. Pero no nos podemos quedar en la queja eterna. La única solución es seguir trabajando, destruir los obstáculos y hacer bien la “pega”. Y por favor, desconcentremos los bienes culturales y escuchemos las voces de los verdaderos factores independientes. Jorge Rubio Soto Director de Melómanos Magazine
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EDITORIAL
Música ¿independiente?
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EN PORTADA INTIMATE STRANGER FOTO BIANCA GODOY PAEZ EDICIÓN FELIPE ESTAY MILLER
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VIDEOTECA: ACROSS THE UNIVERSE
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DERRAME CEREBRAL: SANSONFILIA
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CLÁSICOS NACIONAL: MECÁNICA POPULAR
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INTIMATE STRANGER EL TRIUFO DE LOS EXTRAÑOS
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PAOLO MURILLO LA ESPERANZA DE SER UN REFERENTE
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CLÁSICOS INTERNACIONAL: DAVID BOWIE
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NUCLEAR BRUTALIDAD SIN LÍMITES
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CARTELERA DE OTOÑO
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EMERGENTES: DISFONÍA
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DÁCLIP: OSCAR HAUYON
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EFEMÉRIDES: GABRIEL PARRA
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LA VITROLA REVIEWS
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IMPORTACIONES
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DJ RAFF LATINO & ORGULLOSO
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DEPLÁSTICOVERDE SI FUERA POR ESPERAR...
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Indice
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EL
SOUNDTRACK
Una de las mejores maneras de representar una revolución es el mar, el cual puede pasar de la calma a la turbulencia de un minuto a otro, con sus olas revueltas y confusas, capaces de revolcar y desorientar a cualquiera. Esa es la primera imagen que nos muestra Across de Universe. El mar, el turbulento mar por el que tuvieron que nadar los protagonistas de este filme, quienes de la mano de The Beatles, reflejan los cambios de una generación completa. La historia se sitúa en los años 60. Jude (Jim Sturgess), un joven de Liverpool, decide viajar a Estados Unidos en busca de su padre. Ahí conoce a Max (Joe Anderson), quien sus ansias de libertad lo impulsan a dejar la universidad e irse a Nueva York. Jude lo sigue para tener una carrera como dibujante, además, enamorado de la hermana de Max, Lucy (Evan Rachel Wood), quien a pesar de ser una niña de clase alta, posee una fuerte conciencia social. Los tres viven una vida sin reglas, ni responsabilidades, hasta que Max es llamado a enlistarse en el ejército y la revolución de los 60 se les viene encima. La guerra, manifestaciones sociales, la revolución sexual, la ruptura de las tradiciones, hace que estos jóvenes pasen de bailar rock and roll, a experimentar
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con la psicodelia y a alzar la voz para dar cuenta que ellos también quieren ser parte de este mundo y ser agentes de cambio. La músca de The Beatles es la encargada de llevar el hilo de la historia, representando el estado de sus protagonistas y recreando el contexto en el que se encuentran inmersos. Además, cuenta con las apariciones especiales de Bono, como el Dr. Robert, una especie de Gurú psicodélico que nos recuerda al Mágical Mystery Tour; y Joe Cocker, quien representa a tres personajes de la calle. A pesar de estar basado en canciones de The Beatles, Across the Universe no es un filme hecho con la simple intención de hacer un musical de The Beatles; es reflejar los cambios y el sentir de una generación. Y qué mejor soundtack para explicar los años 60 que la banda de Liverpool, quienes con su música, transitaron a la par de los cambios de la época. Across the Universe nos sumerge en el mar de los años 60 y nos recuerda que luego de los 60’s y luego de The Beatles, el mundo y con él la música, jamás volverían a ser los de antes. Por María José Silva
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| Videot El Tit ular eca |
acros s th e un i v ers e
CLÁSICOS: NACIONAL
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FATAMORGAN A MECÁNICA POPULAR
POR FRANCISCO SILVA
Le sigue “La alta torre” en la voz de Mario Villalobos, que tiene un efecto de spacerock condimentando de una lírica sobresalientemente bella. “La pena vuela” baja a una sintonía más acústica, que marcaría el camino que tomaría Manuel García en su disco solista (de hecho, de las sesiones para este álbum también saldría “Tu Ventana”, pieza que aparecería en dicha placa). El tema, por su parte, sería usado por la Unicef en un spot por sus cincuenta años.
Logran incluir trova, sicodelia y atmósferas opresivas al estilo post-rock, sin extraviar el norte e imprimiendo el sello definitivo de la banda. Es decir, terminan de dibujar la identidad que tanto buscaron en el homónimo, así como en el proyecto de La Casa De Asterión, pero con la que paradójicamente sólo terminaron dando antes de su disolución.
Obviando esa alusión al Subcomandante Marcos en “El Hijo De Las Llamas” –tópico que también tocaron anteriormente con “Las tropas del sol”- más hacia adelante arriesgan con un cover a “Girasol” de Víctor Jara, bañándolo de sicodelia y guitarras ácidas. El rock más convencional se deja caer con “La Flor Del Viejo Hotel”, una canción en que los riffs toman protagonismo, y que de hecho sería el primer single del disco. Contando además en el arte del mismo, con una especie de historia gráfica donde los dibujos expresan escuetamente lo acaecido al “escritor de historias de terror”.
Su título, elegido con anterioridad al término del disco, se convirtió en la única descripción posible al entorno que construyeron estas canciones. Una visión atmosférica alimentada por muchas figuras liricas. Inspirado en varios pasajes por el Kid A de Radiohead (“Maquinas y Sangre” calza a la perfección dentro de esta afirmación), la principal característica del LP es esa presencia continua de una atmósfera oprimente. Canciones donde la poesía quiere contarnos algo y se sirve de la música para recrear relatos oscurantistas. Temas que pueden llevar a construir sueños poéticos, pero que al mismo tiempo conllevan esa ligera amenaza de que cuando dormimos tenemos tanta posibilidad de soñar, como de tener pesadillas. “Máquinas y Sangre” da la partida con visiones post industriales algo lóbregas. El instrumental “Bóveda Celeste”, adjudicado al guitarrista Diego Álvarez, da con el siguiente paso de ir armando lentamente una atmósfera emocional, un instrumental que habla sin la necesidad de tener letras. “El sol a veces se equivoca” continúa con un relato que provoca sensaciones Floydianas, mientras su letra deja entrever esa impresión de pérdida de la niñez, el mirar con oscuridad esa inocencia esfumada, más específicamente en las líneas finales: “Cuando era niño descubrí/ miles de cosas tan curiosas/ colores, piedras y también/ qué el sol a veces se equivoca”.
El ritmo lúdico de “El martirio de San Sebastián” marca el final, en compañía de la experimental y atípica “Luisa y El Mono”. Dos temas que contrastan y hablan de la diversidad sónica del grupo, que alguna vez fue llamado “El secreto mejor guardado de Chile”. Luego de esto, Mecánica Popular nunca volvería a grabar otro disco. Su formación original perdería al bajista Mario Villalobos, quien se retiraría para profundizar en estudios sobre filosofía, al igual que el baterista Marco Chávez, quién tampoco seguiría a cargo de las baquetas. Nunca obtuvieron el reconocimiento que merecían, al menos mientras estuvieron en actividad, volviéndose más un mito que una certeza. No obstante, sus tres discos, en particularéste, quedan como la evidencia tangible de que existió una banda lo suficientemente arriesgada y elocuente para mezclar en su música influencias como Pink Floyd, Radiohead, Spinetta y Victor Jara. Todo, sin perder en ningún instante la elocuencia.
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| Clásico: N acional |
Fatamorgana marca el último esfuerzo discográfico en el que Mecánica Popular se aventuraría. El punto cúlmine, etiquetado por muchos como la obra maestra de la banda formada por García, Villalobos, Álvarez y Chávez. Y es que el refutar ese argumento resulta difícil, o prácticamente imposible dentro de la breve, pero solidísima discografía del grupo. Se podría resumir incluso como el disco que pudo construir un “todo homogéneo en base a trozos desiguales”.
PAOLO MURILLO
lA ESPERANZA DE SER UN REFERENTE POR JOAQUÍN RIFFO Y NATALIA MATUS FOTOS POR NATALIA MATUS
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Después de tocar bajo pasé por varios instrumentos; me llamó la atención la batería, el teclado y luego la guitarra. Pero para no depender de una banda empecé a buscar guitarristas solistas, y ahí fue cuando me empecé a dedicar a la guitarra acústica, que coincidió con el momento en que me fui a estudiar a Santiago, el 2011.
Sus primeras presentaciones fueron virtuales, mediante videos que de a poco comenzaron a generar ruido en las redes sociales, a medida que su técnica mejoraba, atreviéndose con versiones cada vez más ambiciosas del cancionero popular chileno.
¿Por qué decidiste estudiar una carrera y no seguir dedicándole más tiempo a la guitarra acústica? Lo que pasa es que el estilo que toco lo descubrí recién cuando me encontraba en el tercer semestre de Ingeniería en Sonido. Antes de eso no tenía idea. Apenas me di cuenta, me salí de la carrera. Tuve un sueño en el que yo tenía 30 años y estaba en un estudio grabando a una banda y yo les sugería ideas en la guitarra, y ellos me respondían: “Por qué no te dedicaste a la guitarra, por qué no fuiste profesional”. Y mientras ellos salían, yo me quedaba llorando y lo único que quería era volver el tiempo atrás. Fue un sueño muy real, estuve llorando mucho rato, desperté con lágrimas y me di cuenta que sí volví el tiempo atrás, que todavía estaba a tiempo. Por eso, ese mismo día llamé a mi casa y decidí salirme de la carrera.
Finalmente, el reconocimiento le llegó casi por casualidad: notas en la prensa, presentaciones en vivo y miles de visitas y fans de sus videos de YouTube. Para ellos, Paolo se encuentra trabajando en una sorpresa que espera estrenar durante este año: un disco debut que es un homenaje en fingerstyle a buena parte de la música popular chilena. Tú has mencionado que durante tu vida probaste tocar varios instrumentos. ¿Cuál fue el momento en que te diste cuenta que lo tuyo era la guitarra acústica?
¿Cuáles son tus referentes en el fingerstyle, el estilo que tú cultivas? Para mí la base son tres guitarristas: Chet Atkins, Jerry Reed y Merle Travis. A partir de ahí hay muchas ramas, hay millones de guitarristas buenos. ¿Por dónde pasa tu interés por hacer versiones en fingerstyle de canciones latinoamericanas? Quise hacer estos covers como una estrategia para hacer ruido. Partí subiendo un par de videos a YouTube, pero luego me lo tomé más en serio y decidí hacer un disco de versiones en fingerstyle de música chilena. La idea es que llegue a distintas partes, y que a la gente le llame la atención, para luego dedicarme a las canciones propias. ¿Entonces en el disco no hay canciones tuyas? No, es un disco de música chilena, con versiones ordenadas cronológicamente. Al incluir sólo canciones de otros artistas, ¿Qué consideras al momento de realizar una versión? Trato de respetar la melodía y la estructura del tema, todo lo otro es mío. Si hay un solo, trato de ha-
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Encontrándose en Santiago, este músico penquista tuvo un sueño que lo hizo abandonar sus estudios. Tomó una guitarra y decidió dedicarse a ella, con el objetivo de aprender, internalizar y finalmente interpretar todos los conceptos del fingerstyle, una manera de tocar la guitarra poco explotada en nuestro país.
lAS REDES SOCIALES cer mi solo, con mi impronta. Pero siempre respetando la melodía original de la canción.
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El disco lo está produciendo Marcelo Díaz (Julia Smith). ¿Qué estilo le están dando y cuál es la línea que está siguiendo el disco? La idea es que sea casi en vivo; se escucha la respiración, movimientos de sillas, arrastres de dedos y trasteos, que son elementos que es rico que queden en la grabación, para generar la idea de cercanía. El disco está en orden cronológico, y son canciones que para mí tienen el sentido de situar los temas donde tienen que estar. Por ejemplo “Un año más”, es una canción que se escucha como cumbia, pero realmente da para mucho más. También irán temas de artistas como Violeta Parra y Víctor Jara, que tenían que estar por la importancia de estos en nuestra escena musical, así como también Jorge González y Álvaro Henríquez. Incluí otros porque me acomodaban, como por ejemplo “Con una pala y un sombrero”.
Hace un tiempo ganaste un concurso de covers con tu versión del himno nacional, la cual se hizo conocida a través de YouTube. ¿Tienes una estrategia con las redes sociales? Con internet se han dado las cosas muy rápidamente desde que empecé a grabar videos, en primera instancia para que no se me olvidaran las melodías. Después vino el pensamiento estratégico, cuando dimensioné que había tenido muchas visitas a mi canal y empecé a darme cuenta que podía seguir subiendo temas y sorprendiendo a las personas con mi trabajo. Lo del concurso fue muy bueno, ya que mandé el video casi por casualidad, porque pensaba que se trataba de un concurso de covers cantados, y a las semanas me di cuenta que estaba en la portada del sitio anunciando el concurso, que finalmente terminé ganando por una decisión unánime del jurado. Pese al impacto y el interés que has despertado en el público, no han sido muchos los escenarios en los que te has presentado. ¿Cuáles son tus metas para este año en esa materia? ¿En cuál
escenario te gustaría tocar y qué esperas del disco en el cual estás trabajando? Quisiera estar presentándome en Santiago y Concepción, en la mayor cantidad de lugares que pueda. Gracias a YouTube tengo muchos seguidores en el país. Me gustaría tener la oportunidad de viajar también a otras regiones, pero creo mis metas este año son tocar en las dos ciudades que mencioné. Del disco espero hacer la mayor cantidad de ruido posible y que ojalá las personas a las que les gusta mi trabajo se sigan quedando con mi música para un próximo álbum. ¿Qué crees que ha sido lo que ha llamado la atención de tu trabajo? Afortunadamente, no hay nadie que haya hecho esto en Chile. El fingerstyle que hago creo que nunca lo he visto y varios guitarristas me han dicho que eso es lo que les llama la atención. Incluso en Sudamérica hay poca gente que se dedica a esto. Con mi trabajo quiero dejar un legado, ser el primero que se ha dedicado a esta rama y transformarme en un referente para guitarristas más jóvenes.
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NUCL B R U TA L I D A D
POR BAYRON RÍOS - FOTO
LEAR S I N
L Í M I T E S
OS POR LORENA ORMEÑO
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LOS ARIQUEÑOS DE NUCLEAR LA TIENEN CLARA: NO SE CREEN DE MÁS Y TIENEN LOS PIES BIEN PUESTOS EN LA TIERRA. EN LA CALIDEZ DE SU SALA DE ENSAYO, CONVERSAMOS SOBRE EL FUTURO DE LA BANDA Y OTRAS HIERBAS CON MATÍAS LEONICIO (VOZ), ROBERTO SOTO (BAJO), PUNTO SUDY (BATERÍA), SEBASTIÁN PUENTE Y FRANCISCO HAUSSMANN (GUITARRAS). MÁS DE ALGO TIENEN QUE DISPARAR AL MUNDO.
Desde sus inicios en el año 2003, la banda oriunda de Arica, no ha dado marcha atrás en su agresiva y poderosa propuesta, arrasando contra todos y sin dejar títere con cabeza en sus cuatro discos de estudio y con un próximo DVD en camino. ¿Qué se viene este año para Nuclear? Sebastián Puente: Este año estamos planificando salir de nuevo de gira y trabajando en material para un disco nuevo, que no sabemos si va a ser lanzado este año o no. También estamos trabajando materiales compartidos, splits con otras bandas de afuera.
Hace poco pasaron a ser parte del booking Third Eye Society. ¿Cómo beneficiará al grupo esta unión? Francisco Haussmann: Nosotros como banda creemos que cada gestión o cada tarea tiene que hacerse con las personas indicadas para hacer los trabajos. A ellos los conocimos a través de Criminal, que también están fichados por el booking y tuvimos muy buena referencia de Unai García, quien es el dueño. Nos pusimos en contacto con él y no tuvo ningún reparo de trabajar con nosotros. Muy por el contrario, dijo que conocía a la banda, teníamos muy buenas referencias y que no había ningún problema. Fue una relación muy sencilla con él y yo creo de antemano que va a resultar muy buena esta unión, pues hemos visto o leído su trabajo con otras bandas. Él ha trabajado con Criminal, Napalm Death, Brujería, Sepultura, Hatebreed. Vimos la categoría de su trabajo y no tenemos ninguna duda de que pueda aportar mucho y por eso decidimos trabajar con él.
SP: La vez pasada fuimos –al extranjero-, pero no con booking, fue con una persona que tenía contactos y se pudieron agendar fechas. Fue súper importante, porque pudimos hacer un recorrido y saber cómo es el trabajo y la experiencia. Ahora, creemos que trabajar con Third Eye Society es más serio. Es primera vez que lo hacemos, teníamos ganas de trabajar con alguien profesional. Como dice Francisco, creemos que las cosas van bien y ahora hay que esperar. ¿Qué esperamos de Nuclear para The Metal Fest?, ¿Presentarán material nuevo en el show? FH: No tenemos listo el playlist, pero si sabemos y tenemos claro que debemos pasar todos los discos. Y sí, creemos que vamos a presentar algo nuevo. Justamente acabamos de terminar una canción para un slipt y es muy posible que la presentemos en The Metal Fest. Tenemos todas las ganas de hacerlo.
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La banda nacional Nuclear está pasando por uno de sus mejores momentos. Serán parte de The Metal Fest, su última producción ha recibido el elogio de la crítica y ya se encuentran inmersos en nuevos proyectos.
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El festival es una buena vitrina para los grupos nacionales. ¿Cómo ven la actual escena metalera del país? ¿Qué cambios perciben en el ambiente desde que comenzaron como Nuclear? ML: Desde el tiempo que hemos venido tocando, hoy hay mucho más acceso a producciones de discos. Cachai que antiguamente era el gran logro hacer uno. Pero ahora tú tienes muchos LP de otras bandas y eso es lo bueno, porque el disco trasciende el tiempo, las bandas producen su material, lo graban, está ahí y siempre van a ser parte de la reserva musical del metal en Chile. FH: La escena está en constante crecimiento y aprendiendo día a día cómo competir de mejor manera
con la escena internacional. El nivel de producción y los presupuestos que se manejan afuera para hacer un disco son inconmensurables, mucho mayores que acá. Yo creo que la escena está entendiendo que hay que hacer preproducciones. Entienden cómo abordar los temas técnicos mejor de lo que se hacía hace 10 años atrás. ¿Cómo fue la aceptación de los fans con el EP Apátrida? FH: La recepción fue, a mi juicio, mejor de lo esperado. Nos permitió ir a otros lados, ciudades que no habíamos ido nunca. También lo fuimos a presentar a México. A la gente le gustó mucho, aunque al comienzo no sabíamos como lo iban a recibir. Es un disco que dura 16 minutos, son 5 canciones en las cuales hay un cover. Experimentamos en la sonoridad de la banda. Es un disco bien agresivo, bien frontal, con una portada media chocante, que se hizo con esa idea también, que molestara. Y obviamente, con todos esos factores no sabíamos realmente cómo iba
a ser la recepción, pero yo quedé gratamente sorprendido, pues a la gente le gustó, lo compró mucho. Hoy está agotado el EP y viene un segundo tiraje en camino. Nunca nos había sucedido que se agotara un tiraje en mucho menos de un año. ¿Es el mejor disco que han hecho? FH: A mi gusto personal, sí. A mí me gusta mucho el Ten Broken Codes, porque lo hicimos en una época muy especial para nosotros, pero obviamente por la riqueza técnica, la composición y todo, creemos que es lo mejor que hemos hecho. La canción “Apátrida” es un tema que marca este disco. SP: A mí me gustan todos los discos y me pasa algo súper cuático con Apátrida. De hecho el tema “Apátrida” es la única canción de Nuclear que me para los pelos (risas).
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Matías Leonicio: Porque una cosa es haberlo grabado y tenerlo listo, pero otra es tenerlo a caballo en vivo. Tocarlo sin metrónomos, en posición, todos coordinados, etc. Las ganas están y hay que ensayarlo y todo. Yo creo que es una inmejorable vitrina el The Metal Fest.
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EMERGENTES
POR CLAUDIO SALAS esconden bajo una espesa capa de polvo. Así que con la humilde intención de hacer justicia, Disfonía es nuestro Emergente de esta edición.
El trío ya cuenta con cinco discos a su haber, uno de ellos en vivo, lo que habla de su vasta trayectoria.
Su sonido es refinado, propio de un trabajo pulido hasta el hartazgo y tan meticulosamente ensayado, que logran una potencia desmedida. Nada que envidiar a otras bandas del género.
Sorprende que esta banda, a punta de sudor y lágrimas, haya sabido mantener a flote un proyecto que ha sufrido más penas que glorias a pesar de su innegable calidad musical. Porque ni tan emergentes son como sugiere el título de la sección, pues a veces la vida muestra el rostro más amargo de la ingratitud.
Créense un espacio para escucharlos y conocerlos, rockeros o no, su música tiene sangrey sabe de la amarga indiferencia por las que a veces transita el músico. Esperemos que los pobres números de seguidores crezcan exponencialmente y al fin alcancen el reconocimiento merecido.
Por momentos, buscando se encuentran verdaderas joyas que, por culpa de la poca exposición, se
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Pónganle oreja a Disfonía, una banda capitalina de Hard Metal que se autoproclama como Multi-Rock y con la potencia dada sólo por los que han sentido la verdadera pasión por lo que hacen, al punto de ir contra viento y mareas.
Corría Abril de 1988 cuando Gabriel Parra se encontraba en Perú, ultimando los detalles de un recital que Los Jaivas oficiarían en Nazca. El día 15 de ese mes, cuando cruzaba en su automóvil por una zona denominada “La curva del diablo”, se estrellaría contra un monolito, falleciendo de forma instantánea y privando al mundo de uno de los mejores bateristas latinoamericanos de todos los tiempos. Hoy, a 25 años de su deceso, lo recordamos con las siguientes líneas. La tradición nos dice que Los Jaivas forman parte de nuestra cosmovisión. Se apropiaron de lo transversal e hicieron suyo ese arquetipo, el cual dice que siempre han estado ahí con sus canciones. En todos los hogares chilenos han sonado, es difícil no haberlos visto aunque fuese una vez en vivo, o por televisión, en el más extremo de los casos. Prácticamente son una institución que sorprende por su enorme estatura y por la capacidad de estructurarse en torno a miembros tan singulares y talentosos sin atolondrarse por ello.
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Entre esos miembros fundamentales se encontraba el baterista Gabriel Parra, un percusionista que evidentemente escapaba a la regla cargada por su puesto. Estar en segunda línea no funcionaba para él y es ese protagonismo natural el que lo llevaba constantemente en las presentaciones del grupo a tomarse el escenario, y tras bambalinas ser – incluso- el timón del grupo, haciendo el papel de “representante” y quien en definitiva les consiguió sus primeras presentaciones, cuando la idea de una banda era un juego más en lugar de la vocación de vida que tomarían hacia adelante. Vestido con su traje de “Diablo de La Tirana”, lo hecho por él era un espectáculo en todo el sentido de la palabra. Se sentaba tras su batería Ludwig, la cual acondicionó con el tiempo, incluyendo más y más piezas (Bombo Leguero, tarkas, maracas, etc), impregnando de diversidad su desempeño rítmico. Es imposible encontrar otro batero que imprima una sonoridad telúrica como la que él lograba. Proveedor de urgencia con gusto a tierra o chinchinero cósmico, no es difícil caracterizar el oficio de este músico. Lo complejo es dar la talla en palabras a la magia que conseguía crear con sus baquetas. La distancia entre su obra mientras era parte del primigenio The High Bass con un instrumento armado con utensilios de
cocina a lo que irradia en composiciones como “Corre Que Te Pillo” parecen trechos insalvables. Sin embargo, dicen mucho de su habilidad. Basta clickear en Youtube alguna de sus presentaciones, como por ejemplo la del Festival de Viña Del Mar el año 1983, para darse cuenta que se estaba ante un músico dueño de una técnica impresionante, pero que además incluía valores agregados repletos de parafernalia, sosteniendo un sentido del show, engrandeciendo la propuesta escénica de Los Jaivas, que ya de por sí volaba a años luz de sus contemporáneos. Y claro es que tanto halago suele sugerir cierto grado de chauvinismo, no obstante este caso esquiva esta afirmación. Pues, habiendo reconocimiento externo, se tiende a corroborar estas virtudes que se inclinan por la sub(sobre)valoración dada en casa. Es así como Music Week lo calificaría como uno de los mejores bateristas que había pasado por Inglaterra hasta 1979. Aunque para ser prácticos no es necesario recurrir al dato duro para reconocerlo, es más decidor el escuchar piezas de la talla de “Tarka y Ocarina” para asumir esta afirmación. El legado está ahí, así como en otras tantas canciones, no hay para qué buscar más lejos. Su muerte fue intempestiva y de alguna manera sembró muchas incógnitas, aunquese cargó de significado cuando dio inicio a una renovación estructural al interior de la banda. Su hija Juanita era quien tomaba el puesto de su padre, iniciando un ciclo que sólo afianzó el concepto de familia que ya se tenía de Los Jaivas, y de paso dando el voto de confianza para que la historia de la agrupación siguiese escribiendo varios capítulos más. Sería esta, de alguna manera, la última victoria de Gabriel: torcerle la mano a “La Poderosa Muerte” y perpetuar su legado de mano de su misma sangre.
EFEMÉRIDES
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Gabriel Parra
INTERPRETANDO A LA PODEROSA MUERTE
15 DE ABRIL, 1988 – MUERTE DE GABRIEL PARRA POR FRANCISCO SILVA
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DJLatinoRAFF & Orgulloso POR CLAUDIO SALAS FOTOS POR MARÍA PAZ ARIAS
Se fue en busca de un sueño y regresó cargando múltiples tesoros. Hoy, el ahora cosmopolita DJ vuelve triunfante a su tierra, y lo hace con la misma inquietud artística que lo vio partir en el ya lejano año 2005.
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DJ, Productor, Beatmaker y MC. Esas y otras tantas cualidades agrupa Rafael Pérez, quien durante los últimos años ha estado en importantes escenarios de Europa y Latino América. Es el responsable del grupo La Frecuencia Rebelde, formó parte de La Pozze Latina y colaboró con una decena de bandas nacionales, pero sería el dúo que formó con Solo Di Medina su trabajo más recordad. De hecho, TTBA es uno de los discos más aclamado por la escena del hip hop chilena. Hoy está de vuelta en Chile con frescos proyectos bajo el brazo y dispuesto a compartir esa experiencia acumulada durante años en esta entrevista a Melómanos Magazine. ¿Qué te trajo de vuelta a Chile? Yo creo que dos cosas: Primero que Chile es mi país, me gusta, tengo harta pega y toco harto. Además no quería dejar una distancia tan grande de cuando me fui a cuando vuelvo.
Lo otro fue la crisis en España que estaba brígida. Me complicó, porque estaban súper bajos los presupuestos para vivir de la música. Entonces, en ese sentido, creo que lo mejor era hacer mi base en Santiago de Chile, pero con la posibilidad de pasar temporadas en el extranjero. De hecho, ahora me voy a Barcelona en Mayo, vuelvo, me voy a Nueva York, vuelvo… ¿Y por qué te fuiste? Comencé a viajar con mi carrera solista el 2005, con mi disco Raffolution. Me fui a Londres porque siempre había tenido el sueño de conocerlo, además que de ahí vienen la mayoría de mis influencias. Entonces junté plata durante un año, metí un par de cosas a la maleta y me fui a terminar el disco. Además, yo ya había terminado esa etapa de MC, Beatmaker y Rapero, necesitaba un espacio para separarme de eso, y lo mejor era irme al extranjero.
¿Qué te pareció tu experiencia en el extranjero? Fui a estudiar un año, a hacer un postgrado de sonido, y aprendí cosas que no tenía idea que existían, crecí mucho en lo profesional. Y lo otro súper importante es que a nivel de amigos conocí gente súper creativa. Me gusta eso de que la gente agarra un chicle lo pega al techo, le cuelga un micrófono y es arte. No está esa idea de hacer el ridículo. Eso despertó un interés en mí de seguir haciendo cosas. Es una experiencia súper enriquecedora. Por eso me voy de nuevo, para mantener esos contactos. Además de ir cambiando de ambientes, me hace bien eso. ¿Cómo viste Chile en el extranjero? La música chilena está supercool en el extranjero. La música que hacemos llega harto a todos lados, pues tenemos muchas influencias del primer mundo, y pasadas por este filtro que es Chile, llegan bacanes allá.
Cabe mencionar que acá en Chile no estaban las herramientas para hacerlo, era muy difícil para un sello invertir en un disco instrumental, sin letras, entre electrónica y hip hop, pero los Mutante Discos creyeron todo el rato en el proyecto y vendimos todas las copias. ¿Por dónde estuviste? Luego de Londres me tomé el tiempo para irme a Alemania a ver familiares. Fue de ahí que pasé a París, donde estuve tres meses, y que fue mi primera base para hacer mi gira Europea: Montpellier, Lisboa, Isla Madeiro, Oslo. Y al final me establecí en Barcelona durante dos años. Esas han sido las temporadas que he pasado afuera desde el 2005.
¿Cómo nace RVSB? RaffVSBitman nació el 2004, porque teníamos la idea de hacer un VS con cuatro tornamesas y vinilos. Nos fue bien, nos empezaron a llamar e hicimos una gira de Arica a Valdivia. Entonces después de eso, cuando coincidía con Bitman en algún lugar hacíamos estos VS. Y resulta que ahora los dos estamos en Nacional Records, y al sello le pareció interesante que hiciéramos el disco. Pero no fue hasta que el año pasado fuimos a tocar al LAMC (Latin Alternative Music Conference), donde nos quedamos en el mismo hotel, y fue ahí que nos motivamos a armar el disco, el que apareció el 19 de Marzo en formato físico en EEUU. Lo definiría como música electrónica, de club y bailable, porque RVSB es eso, una faceta para poner música en fiestas. ¿Y Time & Hope? Ese disco fue la última etapa en Barcelona. Es un EP que salió por Ensmble, un sello chiquitito de Mallorca. Es un disco mucho más experimental, que está dentro de las cosas que me gusta hacer. ¿Trabajas en otro proyecto? Ahora estoy trabajando en otro proyecto que es más experimental. Es con otro nombre y saldrá por un sello chiquitito llamado Black Message. DCL es el nombre que tiene, pero seguirán saliendo cosas de DJ Raff. Lo otro que estoy haciendo son mezclas y mastering para grupos de aquí y extranjeros.
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| Ent revist a: D j Raff |
LOS
PROYECTOS
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Te gusta experimentar… Es que en esos sellos o en lugares como Barcelona podís darte el lujo de experimentar y llegar a más gente con eso. Acá no hay tantos espacios donde mostrarlo. Lo que me gusta de otros lados es que puedes tocar para veinte personas, pero esos veinte saben bien a lo que van. Me gusta cuando hay más intimidad, me parece bien. No porque algo esté repleto y sea masivo es bueno.
¿Hay algún proyecto con Solo Di Medina? Seguimos siendo amigos, pero tomamos caminos totalmente distintos, buscábamos eso. Quizás en algún momento, si nuestros caminos se cruzan, podemos hacer algo juntos. Siempre están las puertas abiertas para hacer algo. ¿Qué te parece la escena del hip hop nacional? La verdad no cacho tanto. Tengo amigos que me muestran sus cosas, y lo encuentro bacán, la autogestión y todo eso, pero ya no estoy tan al tanto como antes. ¿Metas para este año? Espero seguir componiendo, sacar este proyecto alter ego, y que RVSB salga en distintos territorios. De hecho, ya tenemos eventos confirmados como el LAMC y vamos tocar en el Bronx.
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¿Por qué tantos sellos? Yo firmo siempre licencias, porque soy el dueño de toda mi música y obras. Entonces eso me da libertad de cambiarme de sellos según lo que hago. Time & Hope nunca pudo haber salido por Nacional Records, porque es más oscuro más alternativo, pero teniendo la libertad de no ser artista exclusivo de ningún sello puedo sacar cosas por todos lados.
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DEPLÁSTICOVERDE Si fuera por esperar...
POR MATÍAS MUÑOZ FOTOS POR MARÍA PAZ ARIAS
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De Buin a Santiago y de la física a la música. Así es la vida de Ca más conocida como Deplásticoverde porque, según ella, su nomb Bajo el extraño clima santiaguino, entre nublado y caluroso, Carolina llega con una polera blanca confeccionada, al parecer, por ella misma, la cual muestra un pájaro y sus diversas partes así como en un libro escolar. Si nos ponemos a escuchar a Deplásticoverde quizá nunca nos imaginaríamos que, por ejemplo, tocó batería y guitarra en una banda metal. Sin embargo, así fue. ¿Cómo nace en ti la idea de hacer música? Yo creo que fue cuando me compré la batería que la tenía metida en mi pieza. Mis papás felices, obviamente. Había visto a Gepe tocar hace poco en Matucana 100 y a casi todos los del indie, porque no conocía nada mientras vivía en Buin. Allá escuchaba puro metal, había puras tocatas de metal y punk. Cuando entré a la universidad conocí el circuito indie. Ahí escuché a Gepe con Pedropiedra y el Pedropiedra había tocado bajo, batería y segundas voces en la misma canción y ahí me encantó la idea. Después, un día con la batería me puse a hacer una canción y tocaba el bombo y cantaba, esa canción era “Va” y se convirtió en la primera que hice como Deplásticoverde. La música nunca formó parte esencial en Carolina, salvo alguna excepción que la llevó a plantearse la idea de tocar algún día. “Mi hermano tocaba en una
banda tributo a los Beatles y yo los veía ensayar en mi casa. Me gustaba todo eso, pero bien de pose, como se les veían las guitarras y todo eso. Entonces no había como una influencia que fuera netamente musical, sino que era estética. A los 8 años aprendí a tocar guitarra y empecé a tomarle el gusto a la música y conocer bandas, pero hacer canciones fue como a los 20, 21 años”, recuerda. Antes de ser Deplásticoverde estuviste en una banda llamada “Wena Naty”, donde tocabas batería, ¿Cómo viviste el cambio a cantar y componer tus temas? Fue súper raro, porque antes cantaba, pero cuando lo intentaba cantaba súper feo y nunca le puse empeño a nada. Hasta el día de hoy me pongo súper nerviosa, así que nunca fue opción ser la voz de un proyecto. Pero una vez en mi casa, después de cantar, ya no era tan feo. Actualmente estudias Física, ¿es muy significativo pasar de un ambiente como un laboratorio a un estudio y hacer música? Encuentro que la mezcla es entretenida. El tiempo que estuve en la universidad y no hice música era como asfixiante; estar todo el rato en lo mismo, en un mismo contexto demasiado monótono. Pero ya cuando empecé a hacer música era bueno tener un momento de algo distinto. Igual hay veces que a uno no se le ocurre nada que escribir para hacer música, yo no soy tremendamente creativa, entonces si no tuviera a la física mi vida sería demasiado monótona.
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arolina Espinoza, bre es muy fome.
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Esa paz de fin de semana familiar en la Quinta Normal no se rompe en lo absoluto con la presencia desapercibida de Carolina. Tímida, de voz baja y de manos inquietas –no deja de jugar con el pasto o frutos de los árboles- cuenta qué la inspira y cómo escribe, en un contexto donde ya deja de ser Carolina Espinoza y se convierte en Deplásticoverde. ¿Qué es lo que tratas de comunicar con tus letras? Yo creo que las letras que hago son bastante convencionales, no les encuentro nada muy, no sé, nada genial. Trato que en una misma canción una idea se note, que exista conexión entre sus partes y que no sean palabras como letras que no tienen que ver con nada o relleno. Yo trato que sea redonda y que no haya algo inconexo, críptico y que sea explicita. Tampoco busco metáforas. Tu primer EP, “Deplásticoverde” te llevó a la fama, ¿puedes comentar algo de ello? Para mí fue súper sorprendente, no es que no le tuviera ninguna fe, pero de mi parte no había ninguna pretensión con el EP. Entonces que realmente hubiera gente escuchándolo era muy raro para mí. Además, el sello en ese tiempo era súper de un trato de amigos, como compadres hablando de música. Claro que había cosas así como la producción del disco, pero todo era como un formato familiar. Entonces tampoco me sentía totalmente ajena a esa cuestión, no fue como un gran salto. “Todo el tiempo”, canción del EP, aparece como soundtrack en la película “Qué pena tu vida” ¿Contribuyó esto a la masificación de tu música? Caleta, ayudó mucho. De hecho yo nunca pensé que iba a ser tanto, pues la canción sonaba, no sé, quince
segundos y el momento en que sonaba la canción, y se entendía, duraba menos. Entonces dije: “ya igual, salgo en la película”, pero no pensé que iba a haber gente buscando la canción y escuchándola en Soundcloud. Ahí me conoció mucha gente. Lo que fue súper bueno fue que con cada aparición de una película de Nicolás López aumentaban las descargas del disco. Eso pasó hasta en la última película, la gente buscó el disco pese a que la canción no salía ahí, sino en el disco nuevo. Mencionaste tu nuevo disco, ¿Lo consideras tu primer álbum? Lo considero mi primer disco disco, porque el EP fue súper manipulado de cierta forma. No sé si manipulado es la palabra, pero lo que yo hice fue la guitarra y las voces. En la instrumentación no participé tanto, no tuve mucho que ver con la musicalización, sólo con la autoría de los temas. Habían canciones que sonaban súper lejanos a mí y que me costaba mucho reproducirlos en vivo, porque tenían guitarras que yo no había pensado entonces era difícil, de hecho creo que nunca lo toqué igual en vivo. En cambio ahora los temas están hechos por mí, al igual que la producción junto a Víctor Inostroza, quien me está ayudando y grabando. Entonces estoy mucho más involucrada con esto, a diferencia del EP, guardándole el respeto, obviamente, porque fue el primer trabajo que tuve, pero ahora siento mayor propiedad. A finales de mayo, Deplásticoverde lanzará “Mentira Universal”, su primer larga duración. Si fuera por esperar…
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DERRAME CEREBRAL
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SAN SÓN -filia Por don Derrame Cerebral
De verdad, no puedo evitarlo. Yo creo que después de tanto dar vueltas en mi cabeza sobre qué escribir, llego al mismo punto. Juro que no quería escribir sobre minos ricos, pero pucha, no pienso en otra cosa. ¿Soy muy caliente, acaso? Ay, no sé. Pero es que son todos muy ricos, sobre todo lo que les hablaré en esta ocasión, que es la causa, razón, motivo de mi existencia. Fetiche, fantasía, deseo sexual, no sé. Llámenle como quieran, pero a mí me encantan los hombres bien hombres y con pelo bien largo. Sí, con pelo largo. Ahora, qué tiene que ver eso con la música, querido lector... pues harto. ¿Cuántos músicos hermosos son más hermosos por sus cabelleras? ¿Dónde están los metaleros, los rockeros, los latinos de los 90, etc.? Yo cuando chico deliraba con Ricky Martin y su pelo largo y rubio. Rico el hueón. Yo creo que él y sus rulos gatillaron toda mi temprana homosexualidad. Porque después, recuerdo yo, cuando aún daban videos musicales en la tele, ponían los videos de unos argentinos que cantaban “tonta... asfadfsdf si yo te quiero tanto, tonta, tonta”, y también les amaba. Y después conocí a los metaleros, madre mía.
LE OG BL EL E E M GU RA L SI R RA Y DE B E DE ERE UÍ C AQ
Por eso, en este momento, quiero hacer un monumento a todo metalerorockeroloquesea y que cuida bien su pelo. Que se hace trencitas para que no se les enrede; que se lava el pelito día por medio, para que no se le eche a perder; que usa shampoo y acondicionador de la misma marca y se peina el pelo sagradamente todos los días. Y sigan cultivando su pelo, porque aquí estaré esperándolos, con todo lo que es mi Sansónfilia.
Foto por Asli Kahraman
La cosa es que por culpa a mi deseo carnals, siempre quise tener el pelo largo. Lo hice en un momento, pero ya no, porque me llegó la madurez -mentira, la calvicie- y ahora soy todo un caballerito. Además, al cola criollo no le gusta el macho de pelo largo. Qué tristeza.
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Presenta
no
Sábado 13 de abril 22.30 hrs. EspacioFilomena, Santa Filomena #67 Barrio Bellavista
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POR IGNACIO SILVA FOTOS POR BIANCA GODOY
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EL TRIUNFO DE LOS EXTRAÑOS
Son una de las bandas nacionales que más llamaron la atención en Lollapalooza Chile 2013 y su participación en el evento no tuvo nada de fortuita. Intimate Stranger carga con una historia de varios años a sus espaldas, que, entre constantes viajes, los ha curtido en base a experiencias. Sobre todo esto y mucho más hablan Tessie y Lau Stranger en las siguientes líneas.
La inglesa/croata Tessie Spoljaric-Woodgate (voz, teclados, bajo, voz) y Lautaro Vera (guitarra) hablan con propiedad. Intimate Stranger, la banda que iniciaron hace ya largos años, ha cosechado un éxito que en un principio no esperaban, ni tampoco buscaban. Hoy, el grupo que completan Phillip Crissis (bajo) y Mogles (batería) cuenta con tres elepés y una reciente presentación en la versión local del festival Lollapalooza, pero la historia no siempre fue así. Todo comenzó en 2003, cuando la pareja se conoció gracias a un viaje que ella hizo a Chile para estudiar español. Comenzaron a salir, y después de un par de meses ya estaban viviendo juntos y haciendo canciones en su hogar. “Empezamos a hacer demos en la casa. Yo comencé a tocar el bajo, Lau tocaba la guitarra y de ahí de a poco se fue formando la banda”, recuerda Tessie. Y agrega: “En un principio éramos sólo nosotros dos, sin la idea de grabar ni mostrar nuestra música. Grabamos los demos sólo por tocar juntos”.
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LIFE JACKET: LOS EXTRAÑOS INICIOS Tras pasar un tiempo viviendo en Santiago, el dúo emigró a Brighton (Inglaterra) en 2004, dando inicio a un extenso historial de viajes. Un año después retornaron al país y armaron Gatogordo, proyecto que concluyó en 2006, cuando se marcharon de nuevo con rumbo a Londres. Allá tomaron su actual nombre y, tras afinar detalles en su sonido y formación, comenzaron a registrar los temas que formarían Life Jacket, el primer disco de la banda. El proceso de Life Jacket fue extenso y con muchos viajes. ¿Qué recuerdan de eso? Tessie Spoljaric: El proceso de hacer el primer trabajo fue muy largo. Nos demoramos harto en hacer ese disco, porque teníamos que conocernos y hacer las canciones. Además, la grabación en sí fue larguísima comparada con las cosas que hacemos ahora.
A pesar de los problemas, Life Jacket fue un batatazo que le permitió a la banda hacerse conocida en el circuito local y defender su propuesta en el exterior. Lanzada el 2008, la placa les abrió las puertas de Estados Unidos, un país que con el tiempo se transformaría en un destino recurrente, pero al que visitaron por primera vez ese mismo año sólo para tocar en el festival SXSW. Tiempo después, en 2011, el grupo se fue a vivir allá durante seis meses, a la vez que realizaban una gira que los tuvo tocando en lugares como Nueva York, San Francisco y Austin. Ese año, luego de lanzar su segundo trabajo de
estudio Under (2010), la banda alcanzó lugares de avanzada en algunos ránkings radiales norteamericanos con los singles de la placa. En 2010 sacaron un nuevo disco que coincidió con un año muy movido en Chile en cuanto a lo musical. Un año después pasaron seis meses de gira por Estados Unidos ¿Se sentían más cómodos con los circuitos del exterior o con el que se estaba creando en el ámbito local? L: En lugares grandes, en realidad no existe nada. Hay como un universo de bandas donde nadie se conoce y es como que hay una sobrepoblación. En Austin pasa eso: está lleno de bandas que no tienen dónde tocar, entonces al final como que te colapsa tener un grupo. T: En Chile hay mucho apoyo hacia las bandas. A nosotros nos gusta más acá porque es, de alguna forma, tu hogar y los medios apoyan a los grupos nacionales. Hay como un soporte y eso lo hace muy diferente. A pesar de que allá no es tan fácil, en radios independientes de Estados Unidos tuvieron un éxito considerable con los singles del disco Under. L: Sí, fue bueno eso. No lo esperábamos, pero fue bueno. Mandamos los singles a varias radios, les gustó y los empezaron a poner bien seguido. Ahí, siempre te mandan un registro de donde los ponen y hay un ránking. Agarró vuelo, estuvo bueno.
WHITE STREETS, DARK FIELDS: LA CONSOLIDACIÓN White Streets, Dark Fields, el tercer disco de la banda, llegó en junio del 2012, año que encontró a unos Intimate Stranger asentados en Chile. Grabado y mezclado por Pablo Giadach (The Ganjas) en sus estudios de Santiago, la placa guarda la influencia de lo que significó el movido año anterior. “White Streets, Dark Fields está muy influenciado por los viajes. Ese disco lo armamos cuando estábamos de gira en Estados Unidos en 2011, entonces muchas de esas letras las hice pensando en paisajes, lugares, viajar y todo eso”, resume Tessie. ¿Cómo sintieron la recepción de White Streets, Dark Fields? L: No lo hemos movido tanto al nivel de medios, pero como que le ha llegado a muchas personas. Harta gente ha ido a las tocatas por ese disco. Quizás una de las cosas que ayudó a que el trabajo le llegará a tanta gente fue que liberaron su discografía a través de la web. ¿Ese movimiento tiene su explicación en una visión de industria o algo netamente promocional?
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Lautaro Vera: Todo empezó cuando volvimos de Inglaterra. Nos juntamos con Felipe (Phillip Crissis) e hicimos una banda que se llamaba Gatogordo, con la cual empezamos a ensayar hartos temas que eran del primer álbum. Después nos fuimos a Inglaterra de nuevo. Allá nos pusimos Intimate Stranger y grabamos la mitad del disco. La otra parte la habíamos grabado acá, pero lo habíamos hecho todo al revés, así que pudimos ocupar sólo un par de cosas.
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L: En un principio era porque queríamos que la gente tuviera la discografía. Al mismo tiempo, lo hicimos porque en las bandas como nosotros no generas mucha plata en la venta del disco o de downloads. Es súper poco. T: También es más bacán que una banda a la que has escuchado durante años te regale el disco a que tú lo bajes. Igual lo vas a bajar gratis, el disco está, entonces simbólicamente es más buena onda que te lo regalen.
LOLLAPALOOZA: LLEGANDO A UN NUEVO PÚBLICO De la mano de su extenso recorrido y la decena de temas que componen White Streets, Dark Fields, Intimate Stranger fue fichado para presentarse en la edición 2013 del festival Lollapalooza Chile. Su participación en el evento finalmente se materializó el pasado sábado 6 de
abril, en un show de una hora de duración que a pesar de competir en horario con bandas como The Hives y Kaiser Chiefs, logró una buena convocatoria. Días antes de la presentación, la banda asumía en esta entrevista no tener expectativas en torno al concierto. Aunque según Tessie, la gracia pasaría por la gente que los podría ver: “Igual va harta gente que no te conoce. Cada vez que tocas en lugares más grandes, como cuando teloneamos a Interpol, va gente nueva que de repente no ubica a la banda. Entonces estamos llegando cada vez más a nuevo público y eso es bueno”. Y efectivamente el paso de Intimate Stranger por Lollapalooza estuvo marcado por el curioso público que, en la dinámica del festival, deambulaba buscando nuevas propuestas que ver. Varios de ellos quedaron prendados del show del cuarteto, lo que se manifiesta en los
mensajes que han llegado a su fanpage de Facebook en los días posteriores a Lollapalooza.
EL FUTURO: EXTRAÑA INCERTIDUMBRE Los venideros meses aún no están claros en la planificación de Intimate Stranger. Eso, en parte, ocasionado por el impacto que causaron algunos hechos, como la cancelación de la gira que los llevaría nuevamente a tocar por festivales de Estados Unidos. Sin embargo, ya se comienza a ver un nuevo trabajo en el horizonte, para el cual la banda tiene grandes expectativas. ¿Ya están empezando a trabajar en un nuevo disco? T: Sí, estamos empezando. ¿Pero ya tienen canciones? L: No. Es que yo cacho que salen cada dos años porque
estás todo un año tocando las de un disco y después haces las canciones. Es mejor hace los temas más cerca de la grabación. T: Pero también es como algo natural. Como que siempre hay un momento. Nosotros no estamos siempre escribiendo canciones. Hay como épocas, porque uno no es siempre así. ¿Y cuándo empezarían de lleno a trabajar en la nueva placa? L: Yo cacho que sería llegar hasta Lollapalooza y de ahí para adelante empezar a hacer temas para el próximo disco. Lo que sí, hay que grabarlo en un buen estudio para tener un sonido diferente. Los dos últimos los grabamos con Pablo Giadach, que toca en The Ganjas y tiene súper buen estudio y todo, pero queremos probar otras manos y meternos a un estudio bien bacán y todo. Ojalá con un productor.
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Es difícil hablar de alguien con una trayectoria tan inmensa y prolífica como la de David Bowie. Un artista que quebró esquemas y ha influenciado con su música a millones. Pero dentro de su inmenso catálogo, hay un disco que abrió las puertas a una nueva década y a una gama de sonoridades que marcaron, a modo personal, su mejor época: el álbum Scary Monsters (1980)
POR BAYRON RIOS ILUSTRACIÓN POR FELIPE ESTAY MILLER
Con diez canciones y en sólo 45 minutos, Bowie marcó un antes y después en su carrera, en un disco en el que se hizo acompañar por su eterno productor Tony Visconti en los controles, además de Dennis Dais en percusión, George Murray en bajo y Carlos Alomar en guitarra, habitués de varios de sus álbumes. Scary Monsters abre con “It’s No Game (No. 1)”, una rockera composición que cuenta con la participación en guitarra del mítico Robert Fripp, de King Crimson, y con los enigmáticos diálogos en japonés por parte de Michi Hirota. Luego sigue el que fue el último de los cuatro singles que se lanzaron para la promoción de este disco, “Up the Hills Backwards”, canción que tiene uno de los mejores riffs del LP a cargo del guitarrista Carlos Alomar, en un desempeño formidable con las seis cuerdas. El primer punto de inflexión es la canción que le da el nombre a la placa, “Scary Monsters (and Super Creeps)”. Con un cierto misticismo y un buen efecto vocal, Bowie pareciese transformarse en un tenebroso monstruo frente al micrófono en los coros, acechando y esperando a su próxima víctima. Siguiendo con el aura oscura y tenebrosa de la canción anterior, nos llega un mensaje del espacio
exterior. El single “Ashes to Ashes”, una suerte de segunda parte de “Space Oddity” del año 1969, narra el triste mensaje del ficticio personaje Mayor Tom y su convivencia con las drogas. La canción alcanzó el número uno en ventas en el Reino Unido y su video clip se mantiene fresco a pesar de su vanguardista propuesta ya para esos años. Digno de Bowie. En los albores de los ochenta ya se sentía en el aire el New Wave, amado por unos, odiados por otros, y Bowie no estuvo exento de ese movimiento. De hecho, su siguiente disco es una de las piedras angulares para ese estilo. “Fashion” fue su primer acercamiento al New Wave y utilizó todos los códigos de éste. Nuevamente con los asesinos riffs de Fripp y una melodía pegajosa y bailable, el Duque se luce con prestancia en otro clásico que ya está en el inconsciente pop del mundo. En esta sección, el álbum pierde un poco de fuerza, pero no deja de ser inquietante. “Teenage Wildlife” es una lento a la vieja usanza, que hasta cierto punto llega a tener un parecido a “Heroes”. Un buen equilibrio entre guitarras estruendosas, redobles de batería y la desgarradora voz de David Bowie. En “Scream Like a Baby”, Bowie se vuelve a adentrar en los efectos vocales y a descubrir el New Wave. “Kingdom Come” sigue las líneas del rockpop, con coros femeninos y los inconfundibles quiebres vocales de Bowie. Aun así es la más débil de todo el disco. “Because You’re Young” con la participación de Pete Townshend en guitarra e “It’s No Game (No. 2)” finaliza el disco que le abrió la puerta a David Bowie a una década marcada por peinados extravagantes, sintetizadores y glamour. Algo que él conoce a la perfección y llevó a un nuevo nivel.
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| Clásico Int ernacional |
Luego de experimentar junto a Brian Eno en la llamada Trilogía de Berlín (Low, Heroes y Lodger), Bowie buscó una temática más comercial, algo que fuera transversal y con algunos tintes basados en el estilo musical que predominó esa década: el New Wave. La placa fue lanzada el 12 de septiembre de 1980, alcanzando el número uno en el Reino Unido y teniendo una excelente aceptación en Estados Unidos, llegando a ser considerada por los críticos como el último gran disco que ha hecho.
LA MÚSICA
COMIENZA EL AÑO Y LOS CONCIERTOS NO TARDAN EN APARECER. LOS EVENTOS MUSICALES MÁS IMPORTANTES DEL 2013 SE CONCENTRAN EN UN MES. REVISA LA CARTELERA DE ABRIL Y MAYO. El guitarrista norteamericano de jazz Stanley Jordan retornará luego de nueve años a Santiago el 11 de abril para dar un concierto en el Teatro Nescafé de las Artes como parte del World Jazz Circuit.
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La música metal también tiene un espacio en la cartelera los días 13 y 14 del mes. The Metal Fest se realizará por segunda vez en la capital, y será un evento que reunirá a 30 bandas en el escenario de Movistar Arena. Entre ellas se encuentran Down, Symphony X, Twisted Sister, Sodom, Morbid Angel, Carcass. Además de los nacionales Nuclear, Undercroft e Inquisición. Como si fuera poco, el viernes 12 tendrá lugar la previa de The Metal Fest en el Teatro Caupolicán. En este concierto participarán los alemanes Accept, la banda nacional Pentagram y la agrupación norteamericana de origen latino Día de los Muertos. Uno de los eventos más esperados en años tendrá fecha el 14 de abril en el Estadio Nacional. The Cure traerá a Chile un show que promete extenderse por cerca de tres horas, con un repertorio que incluye el último disco 4:13 Dream y los hits imperdibles. La mayor figura del rock and roll de los años cincuenta llegará a territorio nacional con 86 años. Chuck Berry se presentará el 16 de abril en Movistar Arena, una oportunidad única para sus seguidores. Lacrimosa vuelve a Chile el 21 de abril. La banda alemana de metal gótico presentará su último trabajo, “Revolution”, en la discoteque Blondie. Este mes también se alinea el regreso de tres bandas chilenas. El quinteto liderado por Claudio Narea, Profetas y Frenéticos, reunirá a sus integrantes históricos el 13 de abril en Club Chocolate. El viernes 19 Upa! se presentará en el Teatro Caupolicán. Finalmente, el dúo La Sociedad retorna luego de doce años con una gira nacional. La cita será en Teatro Caupolicán el 27 de abril.
EL
A SE TOMA
L OTOÑO POR CLAUDIA MONTECINOS
Booka Shade abre mayo. El jueves 2 en el Teatro La Cúpula, los alemanes Walter Merziger y Arno Kammermeier se presentarán a las 21.00 horas. En la misma fecha Gonzalo Yañez lanzará su disco “Careta” en el Centro Cultural Matucana 100. Buena Vista Social Club y Omara Portuondo estarán el 3 de mayo en el Teatro Caupolicán. La banda norteamericana de hip-hop La Coka Nostra, integrada por DJ Lethal, Danny Boy, Ill Bill y Slaine se subirán al escenario del Teatro Caupolicán el 4 de mayo.
El trío alemán de electro pop, Camouflage, estará el 10 de mayo en Blondie. El mismo día Anthrax y Testament regresarán al país para presentarse en el Teatro Caupolicán. Ambas bandas están presentando sus últimos discos. Antrhrax trae “Worship Music” (2011) y Testament “Dark Roots of Earth” (2012). Los argentinos Eterna Inocencia se presentarán el 11 de mayo en Arena Recoleta. La banda de hardcore melódico será teloneada por Bbs Paranoicos, 608-Z, Juguete Enfermo y Voalstead (Tucumán, Argentina). El Punk Rock Festival tendrá su segunda versión el 12 de mayo en el club Hípico. El evento tendrá como fin celebrar los 25 años de trayectoria de la banda argentina 2 Minutos, quienes llegarán junto a Flema y Boom Boom Kid. Entre las bandas nacionales estarán Santiago Rebelde, Fiskales Ad-hok y Los Miserables. Pet Shop Boys regresan a Chile con el “Electric Tour”. La banda de música synth pop de los ochenta se subirá al escenario de Movistar Arena el lunes 13 de Mayo.
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Stephen Malkmus & The Jicks se presentarán el 5 de mayo en el Centro de Eventos Bellavista (Ex Oz). Malkmus, el ex líder y vocalista de la banda de rock independiente Pavement regresa luego de una década a Chile, acompañado de The Jicks.
DÁ CLIP OSCAR HAUYON – ANTES DE DESPERTAR
Viviendo en el infierno, caminando en el paraíso POR RAÚL ÁLVAREZ
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Caminando por hermosos parajes de las provincias de Limarí y Choapa -Cuarta Región-, se le ve cansado. Como si el tiempo y las circunstancias le hubiesen pasado por encima. No es menor, considerando el “largo camino al éxito” que ha recorrido incesantemente desde que comandaba a Polter, su banda madre.
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Un hombre desolado, al que solo lo acompañan sus pasos, con una evidente melancolía que lo aborda hasta el hastío. Así se nos presenta Oscar Hauyon en “Antes de despertar”, su último y definitivo single antes de su debut como solista.
Este sencillo logra marcar un quiebre respecto a antiguos adelantos como “Creciendo” o “Un Sábado de Febrero”, con claros rasgos bailables y fortalecedores. Nada de eso es reflejado acá, donde la emotividad se vuelve reina y protagonista. Ha dejado atrás esa antigua vergüenza al parecer delicado y sensible. Las olas, el viento y un hermoso parque eólico crean la atmosfera perfecta para lo que el mismo autor califica como “un Synthpop que estalla en Rock industrial”. Usando su figura como único gran elemento, el ovallino se planta solo frente a la cámara para ir relatándonos esta obscura historia, que entierra definitivamente la imagen del cantautor amigable y feliz. El trabajo visual, es parte de un ambioso trabajo desarrollado para dar forma a su primer disco, que saldrá a las calles a mediados de este año. El clip está a cargo de Eduardo Pizarro y Leo Elgueta, profesionales que saben de aciertos. De hecho, de la mano de este par de realizadores, Polter llegó a tener una alta rotación en MTV Latino. Algo destacable para una banda de provincia que tenía como principal bandera de lucha la perseverancia. “Antes de despertar” y todo el trabajo de Hauyon hasta la fecha puede encontrarse en su página web. Habrá que estar atentos, puede que nos acostumbremos a vivir en el infierno y caminar en el paraíso.
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DESTACADO
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LA BIG RABIA
EL EP DE MARÍA (2013) El estreno del single “Oh! María” calzó perfecto como chivo expiatorio para el lanzamiento de El EP de María, un trabajo que deja correr por sus venas una serie de covers -que van desde Cecilia a Sandro- condimentados por el siempre rústico pero atrayente estilo de La Big Rabia. Si era necesario o no, es harina de otro costal. El asunto acá es si esta colección consigue su propósito, potenciando el sencillo al que hacen alusión y, de paso, remarcando su identidad. Tal vez su fecha de expiración no sea muy extensa. No obstante, por versiones como la de “Sinceridad”, este EP será proveedor de más que un buen rato para sus escuchas. FRANCISCO SILVA
LA VITROLA REVIEWS ALEX & DANIEL
BAD RELIGION
JORGE GONZÁLEZ
ALEX & DANIEL (2013)
TRUE NORTH (2013)
LIBRO (2013)
Alex Anwandter y Daniel Riveros (Gepe) hacen de su oficio una profesión y esto se ve plasmado en la placa homónima de su trabajo a dúo.
“Past Is Dead” se titula uno de los tracks del decimosexto disco de estudio de Bad Religion y, por cierto, no se puede estar más en desacuerdo con el nombre. Sobre todo tras darle unas cuantas oídas intensivas a la placa, una que reboza energía y ese discurso furibundo.
Jorge González deja su silencio con una pieza íntima que retrata sin vergüenza a su yo actual. Libro se presenta como un verdadero vía crucis, desde el romanticismo de “Nunca te haría daño”, hasta la experimental “Curación”.
Con sólo un single rotando en las radios, Alex & Daniel se cuela silenciosamente entre los mejores discos del año. BAYRON RÍOS
Música potente, pero oreja, tal como antaño, tal como siempre han sonado. El acusar autoplagio es no entender nada. True North no admite dudas: es un combo sonoro, es meter los dedos al enchufe, es un electroshock sónico para quien desee entrar. Aunque huela a reiteración, discos como éste son los que te puede levantar. FRANCISCO SILVA
Con un sonido casero, el otrora prisionero se encarga de toda la instrumentación demostrando que está más activo que nunca. Sin apelar a ninguna fe y respaldado por su guitarra, esté es su trabajo más sincero desde Corazones. “Hijo Amado” es la composición más cruda del álbum, y desde ya se perfila como un clásico. Con remembranzas a El futuro se fue y una simpática balada confesional, Jorge pone punto final a lo mejor de su “bibliografía”. RAÚL ÁLVAREZ
| La Vit rola Reviews |
Alex & Daniel es un disco que no aspira a una gran opulencia, pero que en su simpleza demuestra el talento de los mejores referentes del actual pop nacional. “Mundo Real” abre los fuegos y desde ya se aprecia una química única entre el dúo. “Cada Vez Que Invento Algo Sobre Ti” o “Miña” funcionan como un Motown con aires electro-pop.
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LA VITROLA REVIEWS
BEACH FOSSILS
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BEN HARPER & CHARLIE MUSSELWHITE
CLASH THE TRUTH (2013)
GET UP! (2013)
Clash the Truth, el segundo disco de los neoyorkinos Beach Fossils, rememora la más tierna esencia de su predecesor.
El Blues es un género que se niega a morir. Y son colaboraciones como ésta las que nos sirven de recordatorio de que la música del alma sigue latiendo, ahí, debajo de nuestra piel.
A esas guitarras reverberantes creadoras de una difusa melodía que atrae por su estética de ensueño, se suman la espontaneidad del punk y el post-punk, cayendo en la dicotomía de repentinos abismos emocionales que se elevan hasta la más tranquila armonía. Criticado básicamente por su falta de renovación, el disco ofrece eso y un poco más. Pero lo cierto es que no deja de fascinar. Los Beach Fossils siguen en la punta de la ola. CLAUDIO SALAS
El cruce de un nombre de la vieja guardia (Charlie Musselwhite) con uno de sus exponentes más recientes (Ben Harper) saca lo mejor de esta corriente musical, ideal para días soleados que ya se van y dejan en su ausencia sonidos repletos de armónicas y guitarras heridas.
ATOMS FOR PEACE
AMOK (2013) Amok es el debut de Atoms for Peace, la súper banda que conforman Flea, Thom Yorke, Nigel Godrich y otros músicos de renombre. El disco abre con “Before Your Very Eyes…”, tal vez la canción -junto a “Struck Together Pieces”más alejada de la concepción electrónica que tiene Yorke y que se ha visto reflejada en algunos discos de su banda madre.
Un choque sincrónico que parece de abordar alma y modernidad, sin desequilibrarse por ninguno de estos bordes. Blues it’s not dead.
Atoms for Peace suena a refrito y no logra superar las expectativas. Claramente quedan muchas dudas alrededor de la súper-banda y de Amok, que más bien parece una extensión de Kid A, en vez de un disco debut. Chiste repetido.
FRANCISCO SILVA
BAYRON RÍOS
SARAH BRIGHTMAN
THE STROKES
CARETA (2013)
DREAMCHASER (2013)
COMEDOWN MACHINE (2013)
A pesar de la serie de prejuicios que rodean a su música, Gonzalo Yáñez logró sacar el mejor disco de su carrera. El primero en serio, quizás.
La multifacética Sarah Brightman presenta su nuevo trabajo: Un viaje lleno de dulzura y matices, en once canciones que se pasean por la India, Japón y hasta el espacio.
Entre First Impressions Of Earth y Angles no sólo pasaron cinco años de receso musical para The Strokes. Su vocalista también lanzo su debut solista (Phrazes For The Young), un punto clave que daba pistas de los derroteros que guiarían el sonido de la banda neoyorkina en adelante.
Con un excelente equipo de trabajo, –conformado por Jorge González, Leo Saavedra, entre otros- el uruguayo consigue sacar adelante un grupo de buenas canciones, que no se limitan a ser simples singles radiales. En 13 temas, Yáñez impregna un tono nostálgico a su música. “Algo de ti”, “Tratar de entender” y “La oscura noche” engloban de manera certera este sentimiento, que viene a dignificar su imagen de “chico pop”. RAÚL ÁLVAREZ
A lo largo de su carrera, hemos podido apreciar diferentes estilos, idiomas, ritmos y tonalidades, además de una constante evolución en su música, y como era de esperar en Dreamchaser, sigue con esta línea. Su dulce voz y perfecto registro de tres octavas, hacen lujo en temas como “Angel”, “Glósóli”, “Kaze no Tomirichi”, “A Song of India” y “Eperdú” que además cuentan con la compañía de una orquesta y teclado, los cuales le dan un ambiente más angelical y propicio para disfrutar de este disco en un contexto de relajo. MACARENA MUNDACA
Con una clara tendencia al pop denso y reminiscencias ochenteras, el quinto LP del grupo recoge influencias de Blondie (“Tap Out”), hasta rememorar el sonido “Room On Fire” en “All The Time”. Sin embargo, la premisa a lo largo de sus 40 minutos es clara: la carretera del pop parece la única vía posible. FRANCISCO SILVA
59
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GONZALO YAÑEZ
LA VITROLA REVIEWS
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60
PORTUGAL
KAVINSKY
ERIC CLAPTON
KAIPAAN SINUA (2013)
OUTRUN (2013)
OLD SOCK (2013)
Kaipaan sinua se titula la melancólica placa con la que Portugal vuelve al ruedo. A través de 9 pasajes, la banda nos remonta a historias tristes y desgarradoras, de esas que logran un grado de identificación.
Escuchar OutRun, el primer larga duración del músico electrónico francés Kavinsky, envía automáticamente de regreso a los años ochenta a punta de sintetizadores y beats.
Cuando la carrera de un músico se extiende por casi cincuenta años y todo lo que había soñado hacer ya lo concretó, no queda más que darse lujos y agotar las expectativas.
La placa se mueve ágilmente con temas como “Blizzard”, que hace recordar la mejor época de Daft Punk, el homenaje a Dragon Ball Z, “Rampage”, o la paranoica velocidad de “Testarossa Autodrive”, canción con la cual el francés tomó notoriedad mundial al musicalizar los créditos iniciales de la película Drive.
Es el caso de Eric Clapton, quien en su vigésimo primer álbum decidió estrenar dos de sus últimas composiciones, “Gotta get over” y “Every Little thing”, además de 10 covers de sus canciones favoritas, en Old Sock.
La voz de Mariano Hernández consigue proyectar perfectamente las texturas de la pena, eje del disco y que en piezas como “En este año” y “Receta de Domingo” nos lleva de manera sutil hacia la empatía. “Mis celestes que no ven” aparece como la canción más fuerte de la entrega. Y no precisamente porque sea la mejor, si no por resumir el sentimiento de “te extraño” –traducción del titulo desde el finlandés-. Este es el Portugal más verdadero. RAÚL ÁLVAREZ
OutRun es despertar en una pesadilla synth-pop; pilotar un Ferrari Testarossa. OutRun es de las grandes sorpresas de este semestre. Los sintetizadores llegaron para quedarse. BAYRON RÍOS
Un recorrido por el rock y el blues característicos de Clapton, además del reggae, jazz y góspel. Sonidos confiados, que ya fueron éxitos tiempo atrás, y denotan el estilo vigente del guitarrista. CLAUDIA MONTECINOS
HOW TO DESTROY ANGELS
Un viaje por tonos crema y paisajes cristalinos es lo que nos ofrece en Regions Of Light And Sound Of God, álbum que, por cierto, había pasado desapercibido entre tanto lanzamiento, pero que leal a su estampa recubre de belleza su contenido, creando un tejido melódico lleno de comodidad y placidez.
A pesar de seguir inmerso en la música industrial, Reznor y compañía se atreven a jugar con el noise y el ambient, creando una atmósfera oscura que rodea cada track de su primer larga duración.
Un trabajo esperable dentro de la oferta del vocalista de My Morning Jacket, pero al mismo tiempo una grata sorpresa para quienes prefieran lo delicado por sobre el estruendo. FRANCISCO SILVA
WELCOME OBLIVION (2013) Tras dedicarse a componer bandas sonoras para películas y ganar un premio Oscar por eso, Trent Reznor vuelve a la carga junto a su proyecto How To Destroy Angels.
Welcome Oblivion no es fácil de digerir. Es casi imperceptible el cambio entre cada canción, pero cortes como “Ice Age” o “How Long” hacen salir de un letargo que se hace eterno. BAYRON RÍOS
MÄGO DE OZ HECHIZOS, PÓCIMAS Y BRUJERÍA (2013) Contando con sangre nueva en sus filas (Javi Domínguez “Zeta” en la voz, Javi Díez en el teclado y Fernando Mainer en el bajo) Mägo de Oz trae Hechizos, pócimas y brujería, su último trabajo luego de la controvertida salida de José Andrëa, Kiskilla y Peri. A ratos, el disco parece una suma de piezas de discos anteriores -“El Libro de las Sombras” y “H2Oz” recuerdan a La voz dormida, por ejemplo-, pero también cuenta con temas pensados para ser hits. “Xanandra”, “Brujas” y “No pares (de oír Rock and Roll)” son muestras de ello. Un pequeño repaso a Finisterra y Gaia II, con la esencia de la crítica, la magia, la bruja y las baldosas amarillas. MACARENA MUNDACA
61
| La Vit rola Reviews |
JIM JAMES REGIONS OF LIGHT AND SOUND OF GOD (2013) Jim James tiene un timbre muy reconocible. Uno que se vanagloria de su delicadeza y una sofisticación que se traspasa a cada uno de los proyectos en que se embarca. Y éste no es la excepción.
LA VITROLA REVIEWS
DAVID BOWIE
| La Vit rola Reviews |
62
TORO Y MOI
THE NEXT DAY (2013)
TIERRA SANTA MI NOMBRE SERÁ LEYENDA (2013)
David Bowie hace parecer fácil lo difícil. Su nuevo álbum, en un abrir y cerrar de ojos se posiciona entre lo más selecto del año cuando este recién comienza, y más complejo aún, cuando hace unas cuantas semanas no teníamos la más mínima señal de su existencia.
Tierra Santa presenta un nuevo trabajo luego de tres años. Y la espera valió la pena, pues en las 11 canciones que lo componen, los españoles se lucen demostrando que, trabajando en los géneros heavy metal y rock, siguen creando temas que pasarán a ser parte del repertorio de clásicos.
Desde un comienzo, Anything in Return, el tercer largaduración de Toro y Moi, se muestra como una pieza más madura que sus predecesores.
Se le nota el oficio al “Duque Blanco” quien vuelve este año con un cancionero repleto de obras que desde ya lucen una perspectiva solidísima: “The Stars (Are Out Tonight)” , “Valentine’s Day” o “Love Is Lost” son piezas que nacieron para ratificar por enésima vez que la manufactura de Bowie no tiene parangón. The Next Day se sube al podio, y lo más probable es que a fin de año siga parado ahí, incólume como su creador.
El álbum nos transporta a un universo donde las canciones siguen recorriendo contenidos épicos y guerreros, pero ahora con un ritmo más pausado, melodías en guitarra y los teclados que vienen a hacer disfrutar a concho cada tema. “Mi nombre será leyenda”, “Sólo se vive una vez”, “Perdido en El paraíso”, “GenghisKhan” y “Más allá de la vida” son composiciones que remecen sin la necesidad de acudir a los riffs. Definitivamente, este disco viene a ser una leyenda en el metal español.
FRANCISCO SILVA
MACARENA MUNDACA
ANYTHING IN RETURN (2013)
A la ya conocida multiplicidad de texturas de su música, Chaz Bundick y compañía agregan una dosis de sentido pop para hacer que los trece cortes de la placa sean totalmente bailables y pegajosos, aunque no por eso desechables. Quizás éste no sea el mejor álbum de Toro y Moi, pero sí es una buena colección de canciones que, por lo demás, encierran una síntesis de lo bueno que habían hecho en sus trabajos anteriores. Un avance con influencias de los inicios. IGNACIO SILVA
DESTACADO
| El Tit ular |
63
JAVIER BARRÍA
LLORAR EN LA CALLE (2013) Nos olvidamos de las bases electrónicas para adentrarnos en una atmósfera donde las guitarras eléctricas y la batería son protagonistas. El último disco de Javier Barría vuelve a la época en la que el rock guiaba las melodías, y hace rememorar discos como Desayuno Eléctrico y El Ciclista. Un álbum que invita a visualizar la temporada de viajes, sin dejar de lado la ciudad en imágenes que caracteriza al artista. Con más energía y un uso redundante de sonidos reverberados, Llorar en la calle es una mezcla de recuerdos y evolución. CLAUDIA MONTECINOS
IMPORTACIONES
| Imp ort aciones |
64
POP ETC
TRANSICIÓN NORTEAMERICANA
POR CLAUDIA MONTECINOS
Se conocieron en 2005 en Bakerley, California, e inmediatamente confluyeron sus ganas de hacer música. POP ETC es una agrupación integrada por Christopher Chu en la voz principal y guitarra, Jonathan Chu en sintetizadores y Julian Harmon en la batería. Con su disco homónimo, insertan un electro-pop que pareciera ser el primer paso para la carrera de la banda. Sin embargo, forma parte de un distanciamiento de su pasado como The Morning Benders. En marzo de 2012 comunicaron que a partir de ese momento dejarían su antiguo nombre para adoptar el de POP ETC. Este cambio se debió a que el término bender es empleado como un adjetivo despectivo hacia los homosexuales en Reino Unido. Este bautizo también generó un vuelco en los sonidos y letras de la agrupación. El pasado de guitarras y voces indie de The Morning Benders fue desplazado por
las bases electrónicas y el protagonismo de computadores e instrumentos digitales. El álbum, de once canciones, es una celebración del más puro pop anglo, y fue producido por Andrew Dawson, quien ha trabajado -entre otros- con Kanye West, Jay-Z y Pet Shop Boys en su último LP. Sonidos para bailar que se asemejan al trabajo de Julian Casablancas como solista, o al indie pop de MGMT, con quienes salieron de gira cuando aún estilaban su antiguo nombre. Estructuras desconocidas en la banda, que olvidan el folk y la melancolía de sus dos discos anteriores: Talking Through Tin Cans y Big Echo. Para conocer a POP ETC entra a: https://soundcloud.com/popetcetera http://www.popetcetera.com/
ESTA EDICIÓN FUE HECHA ESCUCHANDO ESTOS DISCOS:
THE WHO WHO’S THE NEXT
SOFÍA OPORTOT OJOS EN EL SOL
GEORGE HARRISON ALL THING MUST PASS
| El Tit ular |
66
EDICIÓN #9 - ABRIL/MAYO 2013 REVISTAMELOMANOS.CL
TOOL LATERALUS