Melómanos Magazine | Edicion #11 by Melómanos Magazine

DIRECTOR Jorge Rubio Soto EDITOR GENERAL Ignacio Silva PRODUCCIÓN PERIODÍSTICA María José Silva PRODUCCIÓN EJECUTIVA Natalia Araya ARTE Y DISEÑO Camila Maira Natalia Soto FOTOGRAFÍA Natalia Soto Joselyn Sade María Paz Arias Pablo Quiroz Gerardo Madrid Amapola Huerta Fran Nuñez Consuelo Burdiles PERIODISTAS María José Silva Ignacio Silva Jorge Rubio Joaquín Riffo Claudio Salas Natalia Araya Claudia Montecinos Bayron Ríos Raúl Álvarez COLABORADORES Macarena Mundaca Francisco Silva Marcial Parraguez Matías Muñoz CONTACTO melomanoswbzine@gmail.com PUBLICIDAD Y AUSPICIADORES melomanoswbzine@gmail.com AGRADECIMIENTOS A Dani Fifina Manuel Peraldi Felipe Berrios

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EDITORIAL TEMPORADA DE PISCINAZOS Escoger portadas siempre es un riesgo. Podría ser muy fácil recurrir al artista exitoso o que genera muchas visitas. De hecho, eso es lo que se hace. Y se repite con mucha más frecuencia cuando se cubre música chilena. Siempre se repiten los mismos rostros. En todos los medios, de distinta índole. Independientes, tradicionales y comerciales. Y es que, por un lado, es muy bueno reconocer el trabajo de alguien conocido cuando es bueno; pero mucho más bueno es cuando se reconoce el trabajo de alguien que aún no es tan masivo. Y, obviamente, tiene todos los elementos para poder serlo. Cuando se tomó la decisión de invitar a Bronko Yotte a ser parte de nuestra portada, ya había un análisis de este escenario detrás. Aun así, nos inclinamos por él y decidimos apostar por él. A poco de cerrar el año, Felipe ha logrado posicionarse dentro de los discos mejor trabajados del 2013. Lo digan o no ciertos listados que andan dando vuelta, nosotros lo sabemos y lo proponemos como tal. Y es que sabemos que hay una gran cantidad de propuestas. Y a todas ellas las queremos ver en las portadas de la competencia. Solo falta mirar más allá de los números y tirarse a la piscina de vez en cuando. Porque si los medios no se atreven a explorar más allá y siempre van a lo seguro, esta empresa de posicionar la música nacional se nos va a ir a “las pailas”. Bronko Yotte, en lo suyo, es un arriesgado. Y para propuestas arriesgadas, portadas arriesgadas. #Conesotedigotodo. El Director

EN PORTADA BRONKO YOTTE FOTOGRAFÍA NATALIA SOTO EDICIÓN CAMILA MAIRA

MANTARRAYA RECIÉN SALIDOS DEL MAR

THE SUICIDE BITCHES CIMENTANDO NUEVOS CAMINOS

DESTACADOS M MELIÉ VIRGO

VIDEOTECA ELECTRIC CHILDREN

CLÁSICOS NACIONAL: VICTOR JARA INTERNACIONAL: STEVIE WONDER

PORTADA: BRONKO YOTTE RETOMANDO EL CAMINO

DÁ CLIP

REPORTAJE AUTOGESTIÓN: VISIONES HETEROGÉNEAS DE HACER MÚSICA

RESEÑA DE DISCOS

EN NÚMEROS LOS JAIVAS

INVERNESS SONIDOS PSICOFÓNICOS

EFEMÉRIDES MICHAEL JACKSON Y SU VISITA A CHILE

IMPORTACIONES PART-TIME

NATISÚ CERRANDO Y ABRIENDO ETAPAS

GALERÍAS

DERRAME CEREBRAL QUERIDO AMOR PLATÓNICO...

JOAQUÍN RIFFO · FOTOS CONSUELO BURDILES

CON SU PRIMER ÁLBUM YA ESTRENADO, LOS PENQUISTAS BUSCAN CONSOLIDAR UNA CARTA DE NAVEGACIÓN QUE SÓLO HA SABIDO DE GOLPES DE TIMÓN HACIA ADELANTE.

Ha sido un viaje apresurado. Desde sus inicios, Mantarraya demostró que sus integrantes tenían definido qué hacer para consolidar una agrupación. La experiencia de haber asistido a otras bandas en su juventud sólo les hizo reafirmar que el camino correcto era avanzar rápidamente y quemar esas etapas que en otros tiempos habían demorado el trayecto. Aunque a esa lógica, se le ha sumado un receso para la reflexión y los planes. Costa Esqueleto es el resultado; un primer larga duración que supone ser el testimonio donde el conjunto contará su historia. Desde su formación en 2011, ¿cómo ha evolucionado la banda hasta la fecha, con su primer disco recién presentado?

| Ent revist a: Mant arraya |

Partimos con esa idea de hacer algo un poco más experimental, que pudiera abarcar las inquietudes de todos los miembros de la banda y siempre estuvo esa onda de trabajar muy rápido, lo que al principio trajo hartos beneficios ya que nos permitió grabar el EP y empezar a presentarnos en el corto tiempo. Pero creemos que nos terminó pasando la cuenta cuando intentamos alejarnos del EP y cambiar de aire para afrontar lo que es este primer LP. Nos hemos puesto más exigentes con las canciones y con la composición en conjunto en este disco, nos tomamos todo el tiempo que no nos dimos al comienzo. Para un grupo que estrena su primer disco, también es bastante representativo lo que será su primer single. En el caso de “Atlántida”, ¿creen que logra representar todo lo que será Costa Esqueleto? Creemos que tiene un poco de todo el trabajo. Tiene sutileza, potencia, armonías, que son todos elementos que están en el álbum. La canción tiene varios pedacitos que se parecen a trozos de otras canciones, lo que la hace ser un buen single. Las primeras canciones que se dieron a conocer del nuevo trabajo fueron “Atlántida” y “Naufragio”. ¿Es el océano el hilo conductor o la temática principal del disco? Claro, está enfocado al tema marítimo. La idea es que sea un cuento o una historia que represente lo que es Mantarraya. Y se fue dando de esa manera, ya que “Naufragio” fue la primera canción que compusimos

para este disco y se podría decir que el resto de las canciones siguieron naturalmente esa línea. Esa fue la canción a partir de la cual lo fuimos moldeando. En ambas canciones se observan estructuras más complejas y dinámicas a las canciones más antiguas de la banda. ¿Cómo se llegó a estos arreglos? Hace rato veníamos probando distintos tiempos e intensidades. Básicamente “desarmar” las ideas que traía el Bastián (vocalista) en una guitarra acústica y darle nuevos enfoques con los demás instrumentos. Creo que ayudó bastante el hecho de que el disco lo grabamos por nuestra cuenta y en la casa donde ensayamos, por lo que podíamos experimentar absolutamente libres con los tiempos y la cantidad de tomas para que los arreglos quedaran como nosotros quisiéramos. En ese contexto, el proceso de grabación debe haber sido agradable. Sí, fue súper nutritivo para nosotros como banda, porque fue un mes en donde prácticamente estuvimos viviendo juntos en la casa donde estábamos grabando el disco. Eso permitió que el proceso lo disfrutáramos harto y que se diera ese ambiente de comunidad en esa casa, donde también circulaban otros amigos músicos. Con la producción grabada en Chile, ¿por qué optaron por mandarlo a masterizar a Colombia? Bueno, creemos que desde allá se ve de distinta forma lo que es el pop o el rock; desde otro país. Creo que si lo mandamos a masterizar acá seguiremos sonando como todas las demás bandas de pop y rock, entonces pasa por darle un aire distinto al trabajo. ¿Cuáles son sus expectativas y metas con este disco? Hemos estado trabajando en el lanzamiento para que salga a la perfección, y luego iremos donde nos inviten. Tenemos muchas ganas de mostrar el trabajo, ojalá fuera de Concepción. No es una meta en sí, pero tras este álbum creemos que la banda maduró lo suficiente para comenzar a asentarse definitivamente en Santiago y empezar a trabajar desde allá.

VERTIGINOSA CLARIDAD POR IGNACIO SILVA

Y la sorpresa fue considerable. Aunque se conocía poco de ellos, el primer trabajo de estudio del grupo compuesto por José Pincheira (guitarra y voz), Santiago Farah (batería) y Martín Pérez Roa (bajo y voz) suena maduro y claro, como definiendo un camino seguro al que seguir. Media decena de canciones en las que sonidos que se pasean entre el dream pop, el math rock, la electrónica, el post rock y el pop confluyen de la mejor manera, con letras reflexivas que encuentran inspiración incluso en poemas de Leonard Cohen (“Partir”). Teniendo siempre un especial cuidado en las texturas, la música del trío refleja su habilidad en la composición (todos componen), su amplia gama de influencias y su versatilidad creativa; todas características que los sitúan como uno de los buenos nuevos proyectos locales. Pero no sólo eso. Complementando su claridad musical, la banda cuenta con una cuidada imagen centrada en el trabajo fotográfico del vocalista, quien crea pequeños mundos dentro de diversos escenarios, tal como lo hace en su labor lírica dentro del EP. Muchos factores determinarán lo que pase en el futuro con Melié, pero lo cierto es que a poco de su debut ya se han logrado posicionar como uno de esos grupos que más vale no dejar pasar. ENCUENTRALOS EN: facebook.com/meliemusica soundcloud.com/meliebanda

| D esracado M: Melié |

Apenas un año le tomó a la banda santiaguina Melié desarrollar una interesante propuesta y plasmarla en su primer intento discográfico. Un año que comenzó a mediados de 2012 con la definición de su formación y el estreno de “Halcón Maltés”, su single debut, y vio su punto más alto en junio pasado con el lanzamiento de Compartir, un EP de cinco temas posteriormente acompañado por una serie de remixes.

VIRILIDAD EN ROSA POR JORGE RUBIO SOTO Es común que en un país machista y reprimido los sonidos que viven en el límite más perverso y sucio del pop sean mirados bajo el prejuicio de la vanidad y la mala factura. Consciente de todo eso, un joven santiaguino condensa todos esos malos comentarios y los transforma en house casero digno de exportación. Virgo es la versión madura de Christian Carocca, músico y actor que con un nutrido perfil en soundcloud se perfila como una buena propuesta del despreciado pop bailable que pretende ser mainstream. Su música, un repertorio que incluye covers y reversiones de canciones de Lana del Rey, Lady Gaga y Depeche Mode, también incluye creaciones hechas, grabadas y producidas por él mismo. Y más allá de ser una cara bonita y tener un buen cuerpo, la música hecha por Virgo es una mezcla de homoerotismo, sutil vulgaridad y bases que se adhieren fácilmente a la memoria. Sencillos como “Hay que amar”, “Skin” y “Malviaje Astral”, son muestra tangible del potencial de Carocca. En la actualidad, Virgo prepara el disco que lo hará debutar de manera definitiva. Juventud -título del venidero largaduración- está en pleno proceso de masterización y será difundido a través de distintos clips virales, tal como con “Calientes pero tiernos”, siguiendo los pasos de la chica de labios operados como principal influencia. Puedes escuchar la música de Virgo a través de su Soundcloud. Quizás sea mejor remedio que un afrodisiaco o se transforme en tu nuevo imposible amor platónico. ENCUENTRALO EN: SOUNDCLOUD.COM/ VIR_GO

| D est acado M: Virgo |

“PONEMOS EN LAS MANOS TAMBIÉN ABIERTAS, DE TODOS LOS JÓVENES CHILENOS ESTAS CANCIONES QUE NOS HABLAN DE NUESTRAS CONVICCIONES, DE NUESTRAS ESPERANZAS, DE NOSOTROS MISMOS.”

Muchas veces ocurre que las circunstancias, así como el instante donde emerge una obra terminan integrándose a la médula del proyecto, pues éste opta por fusionarse por completo con el contexto de su publicación.

| Clásico N aiconal |

Sucede con Víctor Jara, por ejemplo, que sus canciones individualmente tienen un peso tremendo debido a la contingencia en que se vieron creadas. Ello no en desmedro de la calidad de las mismas, sino que como es sabido, el artista puede (o no) ser separado de su obra. No obstante, con él este rasgo es absolutamente incuestionable y separar la figura de la obra resulta imposible, ya que es tal la envergadura del discurso que la fuerza impresa en las canciones, a día de hoy, se mantiene tan convincente como el día de su origen. Sumado al escenario donde brotaron y los tiempos que las curtieron, sus trabajos se convierten, tanto en el plano individual como colectivo, en uno de esos extraños casos donde una suma de instantes se transformó en un manifiesto inclaudicable. Pongo En tus Manos Abiertas es su cuarto disco publicado y, como es habitual para la época, la placa tiene bastantes diferencias entre su listado de canciones, producto de las reediciones que se fueron dando con el correr de los años. Aún cuando la congruencia lírica y sonora del autor disimule estas diferencias, lo de Víctor Jara siempre corrió más por la creación de grandes canciones, independiente de si éstas conseguían un mejor resultado en conjunto. Dependiendo de la edición se puede encontrar “Duerme, duerme negrito” en segunda o cuarta posición del Lado A (siendo que originalmente iba en tercera posición) o incluso con bonus tracks como “Plegaria a un Labrador”. No obstante -como se dice más arriba-, Víctor Jara es un creador de canciones, el orden de los factores no le hace mella. Pongo En Tus Manos Abiertas echa mano a la visión de un Chile absolutamente atomizado y segregado socialmente, y ya sea por su afiliación comunista (de hecho el disco está publicado por el sello DICAP, sello

independiente creado por las juventudes comunistas de la época) o, más claro aún, por la condición de su autor de no hacerle el quite a la coyuntura, es que llena sus líricas de contingencia política como en “Preguntas Por Puerto Montt” o “Movil Oil Special” por ejemplo. O bien remarca su color político en temas como “Zamba Del Che” y “A Luis Emilio Recabarren”. Será, sin embargo, en canciones de corte más personal donde por fin se puede ver al hombre que rasguea tras las cuerdas. Y es que si hay algo que se pueda achacar a Víctor Jara es sólo una cosa, que no tiene mucho que ver con su trabajo, sino con el uso (y muchas veces abuso) de su figura. Su nombre, imagen y canciones pasaron a ser legado y con ello se convirtieron en lienzo, herencia y leyenda sucesivamente. Esto que resulta tan beneficioso en una historia por lo general mezquina con sus actores, también aleja un poco a posibles oyentes que no son capaces de mirar tras los títulos; después de los cuales tan sólo queda un hombre de pelo rizado, nariz aguileña y canciones de amor. Amor por sus pares, ni más ni menos.¿Será esto mismo lo que hace tan grande a “Te Recuerdo Amanda”? Tal vez sí. La emocionalidad puesta en ella la hace una de las composiciones más grandes que ha parido esta tierra y cualquiera de los apelativos que le suelen atribuir los puede lucir con toda dignidad. La figura del ser que espera a la contraparte, esa sensación de cotidianeidad y de complicidad que abunda en la canción, son sin duda una de las piezas más preciadas y populares de Chile y, por qué no, del patrimonio cultural latinoamericano. Abordar un cancionero con tanta historia a cuestas siempre es un ejercicio que da algo de temor. Sin embargo, si se realiza el intento de sacarle el velo a tanto mito y figura preconcebida se puede notar que tras todo eso tenemos un cancionero inmenso donde la simplicidad y la fuerza de las ideas es lo que prima en un autor fundamental para palpar o rozar siquiera la historia de un mundo que parece repetir siempre la misma historia.

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| Ent revist a: Santos D umont |

r o t POR FRANCISCO SILVA · ILUSTRACIÓN DANI FIFINA

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| Clรกsico Int ernacional | 18

Normalmente, cuando se habla de R&B, soul o gospel, se vienen a la cabeza nombres como Aretha Franklin, James Brown, Prince y -por qué no- Michael Jackson. La fusión de estos estilos musicales dio origen al género funk en los 60’, estilo que sorprendió al utilizarse a modo de protesta, especialmente en Estados Unidos. Ya entrada la década de los sesenta el “pequeño” Stevie Wonder, como lo conocían, se estaba familiarizando en diversos medios norteamericanos. “Superstition” fue el sencillo que marcó una etapa que lo calificaría como el padre de la música negra, pero el lanzamiento de su exitoso disco Innervisions -que este año cumple 40 años- fue el propulsor de una venidera consagración. Para muchos ha sido el mejor trabajo que ha tenido. Es que los nueve temas que lo conforman abordan distintas temáticas e incorporan sonidos detonantes. El disco comienza con una referencia clara al mundo de las drogas; “Too High” es un tema producido con un sonido bastante pegajoso y bailable que se repite a lo largo de la composición. “Visions” se aleja totalmente de la anterior, es una melodía más tranquila y romántica, que invita directamente a Detroit, lugar donde el músico nació hace 63 años. “Living for the City” y “Higher Ground” vuelven a retomar sonidos propios del funk, sumando sintetizadores Moog a su composición. La primera es la pieza clave y más larga del disco: ocho minutos que plantean la historia de un joven pobre proveniente de Mississippi, ofreciendo un relato bien logrado en lo que fueron los problemas de la población negra. La segunda fue otro éxito comercial, musicalizado por un potente sonido que llama a despertar a la masa para que salga a las calles. “Golden Lady” es otra balada magistral que se inicia con un potente piano, además de la incorporación de baterías. La variación de sonidos aúna las temáticas de una forma característica en “Jesus Children of America”, siendo una canción que inspiró a otros músicos de la época a aventurarse por un sonido innovador y provocador. Inmediatamente se retoma el piano en “All in Love is Fair”, poesía romántica que evoca una versatilidad en lo que se quiso representar, añadiendo gotas de amor a un disco cargado de adrenalina. Innervisions termina con un cierre de oro otorgado por “Don you Worry ‘Bout a Thing” y “He’s Misstra Know-ItAll”, doblete de temas con sonidos latinos que alcanzaron el número 1 en rankings de música norteamericana. Mensajes refrescantes que innovan el catálogo de Motown, casa discográfica de la música afroamericana y donde Stevie Wonder decidió mantener la mayoría de sus discos. Este disco presenta un equilibrio admirable: la habilidad de integrar la realidad social con toques musicales. A partir de él la música negra fue mutando sonidos técnicos y estilísticos, e incluso Motown Records se aventuró a concebir un modelo mucho más completo y atrevido en relación a lo hecho en la década anterior. El piano, armónica y sintetizadores fueron los principales instrumentos utilizados para la producción de Innervisions, en lo que fue un año muy rico en creatividad y, sobretodo, premios para Stevie Wonder, consagrándolo como fuente de inspiración e ícono del funk. Un trabajo plausible en todos sus ámbitos, variedad de estilos y temáticas; versatilidad en composición, arreglos y canto. Los 50 años de carrera mundial no han pasado en vano para Stevie Wonder, quién muy pronto pisará por primera vez Chile (10 de diciembre). Un artista que no detuvo su carrera musical por una ceguera congénita que lo mantiene sin ver desde el nacimiento; ni tampoco por el accidente de tráfico que lo mantuvo en coma por varios días. Innervisions significó un punto determinante en su carrera, tanto en musical como en lo personal.

POR JAVIERA CALDERÓN

| Clásico Int ernacional |

Fue el año en que Los Jaivas comenzaron a tocar bajo el nombre High Bass.

Es el año en que alcanzan la fama con la canción “Todos Juntos”.

Debutan en materia discográfica, ya como Los Jaivas, con el álbum La Ventana.

Luego de un tiempo en Argentina, la banda emigra a Europa, dando inicio a una estrecha relación con públicos de países como Francia, Inglaterra, Alemania e Italia.

Años (aproximadamente) estuvieron interpretando covers de música bailable en eventos sociales, hasta que deciden cambiar su propuesta y su nombre.

Los Jaivas tocan en Machu Picchu. Son la primera banda en hacerlo.

De agosto de ese año fue su primera presentación. El lugar fue el Teatro Municipal de Viña del Mar y el show fue un completo fracaso.

Discos de estudio han editado a la fecha.

Músicos han pasado por sus filas. Años de trayectoria cumplió el grupo en 2013.

Solo artista ha creado el imaginario de la banda: René Olivares.

De sus integrantes han muerto: Gabriel Parra, Eduardo “Gato” Alquinta, Alberto Ledo y Eloy Alquinta.

CLAUDIO SALAS 路 FOTOS NATALIA SOTO

| Ent revist a: Inverness |

Inverness es sólido; una masa etérea musical que llena el ambiente con parajes como de ensueños y que tras siete años de actividad ha conseguido una notable trayectoria e innegable calidad musical. Son sus integrantes Rodrigo Jarque (voz, guitarra, teclados), Ángelo Agurto (bajo), Rodrigo Soto (batería) y Washington Abrigo (guitarra) los responsables de darle vida a esta banda. Conversamos con dos de ellos sobre su historia, su música y sus próximos trabajos. UNA LARGA TRAYECTORIA ¿Cómo se formó Inverness? Rodrigo Jarque: Todo comenzó con mi proyecto solista del 2006 Monstruos bajo la cama. Mucho tiempo estuve tocando con distintos músicos, pero ya a principios del 2007 me propuse formar una banda definitiva, porque encontraba fome seguir como solista. Ahí fue cuando conocí a Rodrigo Soto y a Ángelo Agurto. Ellos me aportaron con sus influencias, ya que el Monstruos bajo la cama era más bien plano, y con su aporte le dimos una nueva forma que se terminó observando en el Iluminaciones. ¿A qué se refieren con ‘Rock Psicofónico’? RJ: Lo que pasa es que a nosotros solían etiquetarnos de Shoegaze, Dream Pop, Noise, Post Rock, y ninguna de esas definiciones nos acomodaba. Por eso decidimos

inventar nuestra propia etiqueta, que es como música intensa con un sonido lírico importante y que su sonoridad particular la distingue del rock común. Aunque no nos gustan las etiquetas, reconocemos que son importantes para que la gente se arme una idea de lo que ofrecemos como banda. Ángelo Agurto: Además, con el concepto de la psicofonía se refiere a esos sonidos ocultos. Tiene que ver con las sutilezas dentro del rock, del detalle musical. Sin embargo, no sé si ahora somos tan rock psicofónico. Creo que la etiqueta que más nos acomoda es el rock en general. En 2006 crearon Le Rock Psicophonique, sello que ha albergado el trabajo de proyectos como Jovenabuelo, Prehistöricos y Martín Pescador. ¿Cuáles son sus requisitos para aceptar bandas? RJ: El único requisito es que nos gusten. Más que publicar discos, el fin de Le Rock Psicophonique es organizar una escena de rock alternativo, ya que la actual está desarticulada, entonces las bandas no saben con quién asociarse y terminan bastante perdidas.

AA: El primero de todos fue el Monstruos bajo la cama (2006), luego le siguió el Iluminaciones (2009) que lo grabamos entre Jarque, Soto y yo. Y para Fuegos Distantes (2011) ya estaba integrado Washington Abrigo, que se unió a nosotros para el lanzamiento de Iluminaciones en mayo del 2009. En ese momento nació Inverness como tal. RJ: Y entremedio surgieron trabajos con Matías Bize. Para su película Lo bueno de llorar (2007) lanzamos su banda sonora a través del sello. Después, en Junio del 2009, grabamos nuestra escena para La vida de los peces, y ya el 2010 sacamos el soundtrack de la película. ¿Cómo es su relación con Matías Bize? RJ: Es que él se inspira en música para escribir los guiones porque es súper melómano, tiene esa necesidad en el proceso de escritura de encontrar la inspiración en la música. Y bueno, como es bien fan de nosotros, nos pidió algunas canciones. De hecho ahora nos encontramos trabajando para una película nueva, para la que nos pidió un tema del próximo disco. Nos mostró un primer borrador del guión, lo leímos y a partir de eso entre todos armamos la canción. No tiene mayor ciencia, simplemente es como un par de amigos mostrándose sus trabajos.

EN LA SALA DE ENSAYO ¿Cómo es su proceso creativo? AA: Se genera de manera natural. Casi siempre Jarque trae una maqueta y se va armando en la sala de ensayo, ese es el trabajo cotidiano que tenemos. Acá la pega de Jarque son las letras y la composición musical nos la repartimos entre todos. ¿Por qué las letras en inglés? RJ: No fue una decisión consciente. Yo desde chico era bien ratón de biblioteca, rayaba mucho con literatura medieval y poetas ingleses. De hecho estudié literatura inglesa, entonces me salía natural el inglés. AA: Además, la línea musical que teníamos era más fácil o sonaba mejor en inglés. Pero después nos dimos cuenta que ese idioma era para cierto público, era más difícil de digerir, entonces intentamos cambiar eso y escribir más en español.

| Ent revist a: Inverness |

¿Cuantos trabajos llevan acumulados?

| Ent revist a: Inverness |

CUANDO TOCAMOS EN EL SOUTH BY SOUTHWEST PUSIMOS ÉNFASIS EN EL INGLÉS Y NOS DIMOS CUENTA QUE ERA UN POCO ABSURDO. CUANDO VOLVIMOS DE ESE VIAJE REFLEXIONAMOS AL RESPECTO Y CONCLUIMOS QUE NO ES NECESARIO EL INGLÉS

HOY ¿En qué se encuentran en la actualidad?

¿Cuál es el nombre del próximo disco y qué influencias trae? RJ: Su nombre es Sol y será un EP de 6 canciones con una duración de 30 minutos. Sale la primera semana de noviembre y esperamos que sea la primera parte de un disco. Sus influencias son hartas en realidad. Yo he estado escuchando harto a Jeff Buckley, estoy pegadísimo y aún no me puedo despegar; así que por mi lado tiene esa influencia. AA: Por mi parte tengo varios artistas favoritos. Últimamente escucho Jazz, Rock, Pedro Aznar, pero no estoy pegado con ningún artista que me cambie el eje.

AA: Nos encontramos trabajando en el disco y en dos de sus videoclips. También estamos preparando nuestra participación en un par de festivales a finales de año, y en lo de Matías Bize que comienza su rodaje en noviembre. ¿Tienen proyectado internacionalizarse? RJ: Lo consideramos un proceso que va en paralelo con nuestro trabajo en el territorio nacional, porque ya con internet la plataforma se amplía globalmente. Entonces no podemos descuidar la relación con los medios internacionales, por lo que generar y mantener contactos se vuelve importantísimo para nuestra difusión musical. ¿Cuáles son sus próximos planes? RJ: Este año lo cerramos con el lanzamiento del disco en noviembre, y probablemente en diciembre salgamos a tocar a algunas ciudades fuera de Santiago.

| Ent revist a: Inverness |

RJ: De hecho, en este disco las letras son en español. Cuando tocamos en el South By Southwest pusimos énfasis en el inglés y nos dimos cuenta que era un poco absurdo, porque el público de allá esperaba escuchar rock alternativo en español. Entonces, cuando volvimos de ese viaje reflexionamos al respecto y concluimos que no es necesario el inglés.

Los recitales masivos se han transformado en un tipo de evento al que nos hemos ido habituando con más regularidad desde que Chile se transformó en parada obligada de tours mundiales y se ratificó como escenario de festivales importantes a nivel regional. Sin embargo, esta tendencia -que parece asentada en su totalidad- no es más que un fenómeno que se viene haciendo usual desde no hace mucho tiempo; no más de diez años al menos, que es cuando ocurrió el punto de inflexión desde el cual -cada vez con menos intermitencias- tenemos la posibilidad de ver artistas de diferente índole pisando tierra chilena y diversificando la propuesta musical que podemos presenciar.

| Efemérides |

No obstante, si hace 10 años atrás se hubiese realizado una proyección del panorama que pensábamos tener, la oferta que disfrutamos hoy parecería, al menos, irreal. Si trasladásemos la misma figura a finales de la década del 80’ e inicios de los noventas, esta simple afirmación sonaría poco menos que ridícula. Tomando en cuenta que recién el año 89’ un artista de fama mundial realizó el primer mega recital en tierras chilenas, la afirmación no suena tan risible. Rod Stewart sería quien diera el primer mega concierto en Chile, dando ese primer empujón al que seguiría “Rock in Chile” en 1990 y más adelante, el 92’, con Guns N’ Roses en el pick de su carrera. Sin embargo, el evento que marcaría el antes y después en este ámbito sería el arribo en octubre del 93’ del Rey Del Pop: Michael Jackson. La devoción por el artista, así como el consumo de su música a nivel local es más que decidor en este punto. Michael Jackson es un referente cultural de proporciones. Un punto fácilmente medible de esto último es la permeabilidad que tiene su repertorio en una amplia gama de estilos, así como la cantidad de fans que cosecha a sus anchas en estas tierras. El seguimiento de prensa de la época se enfocó en los detalles de la estadía del músico (compra de discos, visitas canceladas a hospitales de niños, etc.). Sin embargo, también daba a entender la combustión que produjo la llegada de tamaña figura en ese entonces.

El halo de incomodidad que traía el artista debido a las ya por ese entonces primeras acusaciones por abuso de menores, y un público poco habituado a estas visitas, hacen entendible la temperatura que se palpaba en el ambiente en el que se desarrollaron las presentaciones del artista. “Problemas Lumbares” fue el argumento esgrimido a la hora de cancelar el show del 21 de Octubre, evento que ante la decepción de sus fanáticos no sería reprogramado jamás. Este mismo factor, que fue el punto de ataque por quienes no veían justificación en la cancelación de ultimo minuto, olvidaban que este imprevisto no era más que una situación reiterada en lo que venía siendo su gira “Dangerous World Tour”, que incluía diversas suspensiones como la de Hong Kong, por ejemplo, que fue reemplazada por Bangkok (24 de Agosto de 1993) como inicio a su segundo tramo. Pero sería este mismo exabrupto el que al final investiría de épicidad la presentación del 23 de Octubre en el Estadio Nacional. Con Jackson cumpliendo con un show que hacía olvidar los diversos altercados que se sucedieron durante los días previos y con un setlist que echaba mano a su portentoso arsenal de canciones (“Billie Jean”, “Smooth Criminal”, “Man In The Mirror”, “Black And White”) no es de extrañar que figure dentro de los más connotados recitales realizados en Chile. Y del que fueron parte la nada despreciable suma de 65 mil personas. Un arribo que significó a partes iguales júbilo por la concreción del show, como un descontento por la cancelación de su primer recital. No dejó sitio para puntos medios, logrando ese halo de polémica que siempre cubrió al ex The Jackson 5. Una imagen demasiado manoseada para algunos, un genio para otros. Lo único cierto con Jackson es su habilidad para generar historia llenas de ausencias, reconciliaciones y excentricidades, aun inconscientemente. Por siete días, Chile albergó a un ícono de la música que respondió -a fin de cuentas- con uno de los setlist más brillantes que se han visto en Santiago.

El espectáculo de una década 23 De Octubre de 1993 - Michael Jackson en Chile, “Dangerous World Tour” POR FRANCISCO SILVA

| Efemérides |

Natalia Suazo, más conocida en el ambiente musical como Natisú, ha estado involucrada en el mundo independiente desde hace ya varios años. A sus 29, ha logrado editar un demo y tres discos: El relato entre paréntesis (2011), Deshabitar (2011) y Los Muertos (2012), todos con una influencia musical que gira en torno a ritmos como el rock, el folk, la electrónica y el pop. Hoy está trabajando en su nueva placa, titulada La Historia, que además de contar con Felipe Cadenasso en la producción, fue parte de Contienda Nacional, la iniciativa de financiamiento colectivo ideada por la Tienda Nacional.

JAVIERA CALDERÓN FOTOS JOSELYN SADE

| El Tit ular |

PRIMEROS PASOS DE LUCHA Natisú es una artista que se considera independiente porque sólo de ella dependen ítems como la producción eventual de un disco, composición, tocatas y, sobretodo, difusión y financiamiento. Le gusta ser así, pero al mismo tiempo le agota. Ser independiente abarca muchas áreas, no sólo de composición de material. Lo bueno de esto es que -según ella- no le debe explicaciones a nadie. Contienda Nacional ofreció un espacio para llevar su música a un nivel superior respecto a financiamiento. ¿Cómo te incorporaste al proyecto?

Estoy trabajando con la Tienda Nacional hace un año y desde la primera vez que llevé mis discos allá tuvimos muy buena onda. Me contaron que estaban trabajando en este proyecto que nació ante la negativa de un Fondart para la creación de un sello discográfico. Yo tenía la idea de un nuevo álbum y aproveché la oportunidad cuando me la propusieron. Acepté y todo fue bastante rápido.

| Elnt revist a: N at isú |

¿Conocías la plataforma Crowdfunding antes de aceptar? No conocía nada. Recibí la recomendación de algunas páginas web como Idea.me para informarme e investigando me enteré de lo que era.

¿Por qué no postulaste a otra propuesta? Un sello discográfico, por ejemplo. Esto se dio, yo no pensé mucho. Tampoco tenía tantas opciones para elegir cómo produciría mi disco nuevo. Nadie me ofreció nada, sólo la Tienda Nacional. Ellos siempre han estado interesados en mi música y cuando pueden hacer algo por mí, lo hacen. ¿Crees que esta plataforma es una buena opción para los músicos independientes? Yo pienso que sí, pero también hace falta que los músicos se informen antes de optar por esta opción. El público chileno no está familiarizado con esta nueva plataforma y muchas veces no “apañan” por lo mismo. De repente me preguntan: ¿Qué es venta en verde?, ¿Lo que apaño me da derecho a un disco? ¿Estoy ayudando o soy tu cliente?

“MI MUSICA ES INTUITIVA” El cierre y surgimiento de una nueva etapa, ya sea personal como profesional, definen las temáticas de Natisú en sus trabajos. El proceso de composición no se puede obligar, se crea al vivir distintas experiencias. Su nuevo disco toma un aire inspirador e intuitivo, características que se desarrollan en cada canción.

¿Cómo es el álbum? ¿Adquieres nuevos sonidos?

Yo pienso que todas las historias siempre tienen un inicio, desarrollo y final. Por ejemplo, con Los Muertos sentí que cerré una etapa musical y personal. La maté, y por lo mismo se llama así. Después de eso, de inmediato comencé otra, pensé en otro álbum y sentí una liberación. Supuse que el disco se puso a sí mismo el nombre, además toqué mucho el tema “La Historia”. A partir de esa letra surgieron canciones como “Continente” y “Mañana”; ambas nacieron de esta historia, mi historia.

Sólo en dos temas de Deshabitar hay sintetizador, y en Los Muertos la sonoridad es folk. Todos mis discos son distintos en sonido. Para La Historia me gustaría tener sintetizador en todos los temas y también acompañarlos con una drum machine. Quiero que haya batería y además beats electrónicos que se mezclen, no sé si en todas las canciones, pero sí en varias.

¿Cómo fue el trabajo de composición del disco? Desde que decidí que el disco se llamaría La Historia empecé a experimentar grabando maquetas. Recuerdo que cuando compuse “Continente” me inspiré en el video de “Yoga”, de Björk. Se me quedó en la mente todo lo que ocurría ahí. Pensé en la artista, que es de Islandia, una isla; pensé sobre islas y de ahí viene esa relación. Siento que los temas “La Historia” y “Continente” fueron los padres de mi disco. El proceso de composición fue tomar una parte de canción para que se origine otra, y así sucesivamente. Las canciones inspiran otras nuevas.

EL LADO B ¿Cómo crees que Felipe Cadenasso ha aportado en la producción del disco? Con Felipe hasta el momento ha sido más una coproducción. Él me deja tomar la mayoría de decisiones; me da su opinión y yo elijo si la sigo o no. Hasta ahora ha funcionado todo bien, pero ambos somos relajados y dispersos, así que creo que nos falta una mano más dura. Ahora se sumará Antonio Del Favero (Matorral, Leo Quinteros), que es más ordenado y aterrizado. En Deshabitar tuve otra experiencia: trabajé con Angelo Pierattini y en ese caso él fue mucho más productor, cortaba más el queque.

| Elnt revist a: N at isú |

¿Por qué se llama La Historia?

| Entrev ista: Nat isú |

¿Te molestaba eso? No, en ese minuto no. No sabía cómo funcionaba la producción de un disco, entonces igual necesitaba que alguien lo hiciera. Con Felipe no se ha dado esa dinámica. Además, tiene un carácter muy distinto y por eso también quiero trabajar con él. Es súper abierto a todas mis ideas y temas, siempre le da una vuelta antes de negarme algo. ¿Qué elementos de Cadenasso te ayudarían para la elaboración de La Historia? Yo soy súper fan de él. El Movimiento y Un Ejercicio tienen una sonoridad que me gusta mucho. Se nota que entre estos dos trabajos fue profundizándola y eso es algo que quiero de mi disco; que sea un poco opaco pero también etéreo, con hartos sonidos grabados ambientalmente. ¿En cuánto tiempo más saldrá el álbum? Quiero tenerlo listo en diciembre y me gustaría hacer el lanzamiento en marzo. Son fechas tentativas pero me gustaría cumplirlas.

| D errame Cerebral |

DON DERRAME CEREBRAL · ILUSTRACIÓN CABRALESA

El otro día tuve un recuerdo súper ñoño en mi cabeza, gracias a que vi una foto de uno de los primeros amores musicales de mi vida: Tuomas Holopainen, tecladista de Nightwish, una de las bandas favoritas de mi adolescencia inspirada en caballeros medievales, dragones y montón de cosas que hoy no soy. Y bueno, más allá de la madurez y toda la cosa, el loco ahora está viejo, gordo y feo. Ya no es mi amor platónico. Y consideré lo siguiente: soy el terrible maraco de amores platónicos. Es que sí po, si uno tuviera que establecer una lista de músicos que amai y le entregai todo lo que tienes por cuerpo, mi lista sería más larga que pichula de africano. Soy un infiel de infieles, porque un tiempo me gusta uno, después me gusta el vocalista de tal grupo y al otro día el guitarrista mino de pelo largo, para terminar full enamorao del hipster de moda. En eso envidio mucho a las directioner y las beliebers. Ellas son súper fieles a sus amores. Creo que he escuchado discusiones entre ellas, definiendo quién era el más mino y el más todo. Sinceramente, de los One Direction, me gustan todos menos el más rubio. El Justin no me gusta para nada. Y ahí sería terrible “ileal” y me gustaría comerme a los cuatro por separado y todos juntos a la vez. De hecho, el otro día no más me enamoré perdidamente de un canadiense súper rico y con cara de na’. Debe ser el amor platónico número 5.576. Igual, no me complica tanto, porque, de todas formas son puros deseos locos. Sé que cuando me toque verlos o compartir con ellos de forma grupie, me chuparé todo y adiós tácticas mentales sobre cómo violártelos. En fin. Soñar es gratis, dicen. Emprender la empresa de embarazártelos, cuesta caleta.

LE OG BL EL E E AM GU R AL SI ER R Y D B Í E DE ERE QU C A

CIMENTANDO NUEVOS CAMINOS A más de un año del lanzamiento de su álbum debut, The Suicide Bitches sigue cosechando éxitos. En noviembre serán parte del cartel de Frontera Festival y ya fueron invitados a tocar nuevamente en el CBGB Festival en Nueva York. Las Perras siguen con más rabia que nunca.

BAYRON RÍOS FOTOS CAMIL A HUERTA

No ha sido un año tranquilo para The Suicide Bitches. Mientras algunos integrantes tuvieron que abandonar por un par de meses la banda por temas laborales, los restantes tuvieron que mirar hacia el lado y rearmarse con más fuerzas junto a viejos conocidos. The Suicide Bitches versión 2012 y 2013, juntos y revueltos estarán este 9 de noviembre en el Club Hípico, en una fecha histórica para ellos. ¿Cómo se viene la presentación para Frontera Festival? Felipe Arriagada: Será un show especial. Va a ser una fecha única para nosotros como banda, porque vamos a estar los siete; los cinco actuales más Javier y Talo, que por temas de trabajo se tuvieron que ir a Nueva Zelanda e Isla de Pascua, respectivamente. Cuando se fueron nos dijimos: “paramos o conseguimos gente cercana que quiera tocar”, y se dio que Nico Bowen (Tomates Rocky, Las Madres) y Gonzalo “Chalo” Salazar (La Orquesta del Sol Naciente) se pudieron sumar como guitarra y batería. Tito Hayden: Cuando volvimos a rearmar el cuento, estos dos integrantes entraron como reemplazantes. Pero fue tan la raja tocar con ellos que cuando salió la invitación de Frontera decidimos que teníamos que tocar todos arriba. Nada de que se suba uno y luego entre otro. Pablo Fontecilla: De hecho, ya le mandamos al Frontera Festival nuestro escenario, con la batería, un set de percusiones, tres guitarras, vocalista y un bajo. Ellos no tendrán que gastar de más si van cinco o diez hueones. A lo más tendrán que poner un micrófono extra. No creo que sea tan problemático para ellos. Ojalá que no nos pinten el mono por la propuesta. ¿Habrá algún estreno en su presentación? FA: En el Frontera Festival mostraremos nuevo material. TH: Tiene que ser un pie forzado presentar dos o tres canciones.

PF: Tenemos caleta de canciones que las hemos tocado con la nueva formación, y hay que ver cómo las adaptamos para que también tenga gracia tener tres guitarras. Aunque tampoco es malo que las tres estén haciendo la misma parte. Sería más power todo. ¿Han pensado ser ustedes siete los integrantes de The Suicide Bitches? TH: Es que es muy complicado. Habría que reformular la banda y no sé si sea tan necesario. NUEVO DISCO EN CAMINO La creatividad tampoco se ha dejado tardar con la llegada de los nuevos integrantes. Con un viaje a Algarrobo, uno de sus centros de operaciones, The Suicide Bitches comenzó a armar lo que será el sucesor de su primer largaduración. Entre el litoral y la capital se viene fraguando la nueva sonoridad de los Suicidas. ¿El disco se grabará con las dos formaciones o sólo con la clásica? TH: Lo primero que hicimos cuando supimos que Javier iba a volver antes de lo que se esperaba fue conversar con Gonzalo. Ahí empezó todo esto y se nos ocurrió que de todas maneras hay que grabar un par de canciones con ellos. No sabemos cuántas, tal vez todas las que alcancemos con ellos. De hecho ya hay dos canciones que deberíamos grabar con Nico e incluso hay una que él compuso en su totalidad. Pero queremos registrar por lo menos unas tres o cuatro canciones con ellos. PF: Aparte que Talo tiene unas canciones que deberíamos sacar cuando llegue y que ni las conocemos. TH: Pero dentro de todo, se viene diferente el nuevo disco. Por lo menos las canciones que hemos sacado se van alejando más del punk, más del cornete en el hocico. Sigue siendo power, pero de repente se han ido sofisticando un poco más en cuanto a arreglos y a las mismas composiciones.

¿Cuándo lo comenzarán a grabar? FA: Entre noviembre y diciembre sería una buena fecha. TH: Por ganas, lo empezaría a grabar al toque. Lo más probable es que lo grabemos aquí mismo (Estudios Dominó). #TSBalCBGB La anécdota ya es clásica. De una mención en Twiter a Nueva York para presentarse en el CBGB Festival, uno de los festivales más importantes en la escena neoyorkina. El sueño del pibe. Tal como el año pasado, la banda nuevamente fue invitada a presentarse en el evento y desde ya han desplegado una campaña viral con el fin de conseguir fondos para el viaje hacia la Gran Manzana.

FA: Estamos contactando marcas, pero muchas ya tienen destinado su presupuesto. Conseguir plata a estas alturas del año, en términos de marketing o con la propuesta que estamos enviando, es difícil. Entonces yo lo veo complicado. Lo otro es endeudarse, hacer un crowdfunding, que eso ya lo hicimos, pero es mal visto pedir lucas a cada rato a los fans. Lo único que pedimos ahora es que la gente comparta el hashtag #TSBalCBGB. 42

TH: Puede ser visto así, pero para nosotros es más importante que la cresta volver a Nueva York.

| E nt revist a: The Suicide Bitches |

FA: Endeudarse también es una opción. PF: Si nos endeudamos, esa plata no la volveremos a ver. FA: Eso hay que conversarlo, porque no es una decisión que pase sólo por una persona. Esto es entre todos. Pucha, en una de esas hay tres personas que pueden y otros dos que no pueden hacerla. Entonces hay que pensar la situación y los momentos de cada persona. Lo cierto es que octubre y noviembre serán meses claves para la banda antes de embarcarse en lo que será su nuevo material de estudio. “Más que emergentes, nos hemos vuelto más profesionales. Ya no tenemos esa disposición emergente, en cuanto a la falta de oficio”, analiza Tito sobre el futuro y las múltiples invitaciones a festivales y shows que el grupo ha tenido en su corta e intensa carrera. The Suicide Bitches seguirá adelante, con viejos o nuevos amigos, ya sea con una granja en el cielo o vendiendo sus almas al mismísimo Diablo.

VIDEOTECA

POR CL AUDIA MONTECINOS

En el sector de Utah, EE.UU, vive una familia mormona del estilo “Casa en la Pradera”. Sin tecnologías y completamente aislados del mundo contemporáneo. Este es el contexto de Electrick Children (2012), una película dirigida por Rebecca Thomas, que pone en el centro del relato a la música como sensaciones y como una puerta a nuevas experiencias. La historia comienza cuando Rachel (Julia Garner) cumple quince años y al decir sus plegarias con el pastor queda cautivada por un extraño objeto: una grabadora de cassettes. Esta aparición de tecnología capta su atención y hace que luego vaya en busca de aquél llamativo producto. Cuando encuentra la grabadora en el sótano la enciende y escucha un cassette azul que estaba en el lugar. Del parlante sale una voz masculina que la cautiva y envuelve. Un cover de “Hanging on the telephone”, de Blondie, se apodera de su cuerpo y mente, y desata sensaciones desconocidas en la quinceañera. El ritmo de la canción se expande por las extremidades de la protagonista hasta las rodillas. Por un momento se desconecta de su realidad y sólo escucha la voz del cantante. Luego de este hecho milagroso, Rachel queda embarazada; una concepción inmaculada que hace pensar a la adolescente que se trata del acto de Dios. Bajo este argumento es obligada a casarse con un joven, por lo que huye de la comunidad para llegar a Las Vegas. Allí camina con un sólo propósito: encontrar al hombre que canta la canción, ya que éste sería el padre de su hijo bendecido. Siempre fiel a su convicción, Rachel conoce a un grupo de jóvenes músicos, dentro de los que cree se encuentra el hombre que la embarazó a través de la música. Contra las exigencias de su familia y religión, la protagonista se entrega a la melodía de vida que considera correcta para sí misma, y se embarca en una búsqueda inexplicable, que sólo tiene asidero en su cabeza. La música le da energía y vitalidad, y, para Rachel, es capaz de conducir a desenlaces increíbles.

IGNACIO SILVA 路 FOTOS NATALIA SOTO

HACE UN AÑO TODO ERA DISTINTO. AFINCADO EN MELBOURNE, BRONKO YOTTE HABÍA ABANDONADO LA IDEA DE HACER MÚSICA Y SU VIDA TOMABA OTRO SENTIDO. PERO EL REGRESO A CHILE LO HIZO CAMBIAR DE PLANES Y EN SÓLO MESES DIO FORMA A UN DISCO QUE PODRÍA SER SU TRABAJO DEFINITIVO. LAS VUELTAS DEL DESTINO. La vida en Australia era tranquila para Felipe Berríos (34). Corría 2011, y el hombre conocido en Chile como Bronko Yotte disfrutaba de su reencuentro con la familia materna y los nuevos desafíos. Era la segunda vez que llegaba a vivir a Melbourne, pero -a diferencia de la primera- ahora lo hacía junto a su esposa, con quien contrajo matrimonio sólo unos meses antes del viaje.

| Ent revist a: D ënver |

Durante un año y medio, buscar la independencia en tierras oceánicas sumido en su incesante labor de profesor sustituto, lo llevó a dejar casi completamente de lado la interesante carrera musical que venía forjando hace largo tiempo en Santiago y que, gracias a sus -hasta entonces- dos álbumes de estudio y un buen número de colaboraciones, lo tenía inmerso dentro de las figuras estelares del rap local. Pero eso no podía seguir así. Luego de un periodo de reflexión y aprendizaje en el exterior, Bronko Yotte estaba listo para regresar. Era 2012 y el MC volvía al país con nuevas ideas y un montón de vivencias como equipaje principal. La experiencia adquirida en el viaje fue una gran influencia para Con eso te digo todo (2013), el disco que Berríos lanzó -vía Dilema Industria- a sólo meses de su retorno a Santiago. Lleno de reflexiones y referencias, el trabajo representa un crecimiento considerable con respecto a lo que había sido SUPERHARTO (2010), su segundo LP solista, editado sólo unas semanas antes de emigrar. “Me fui a Australia en febrero de 2012. En ese tiempo venía de lanzar el SUPERHARTO, que fue un disco que se demoró un montón y terminó siendo súper distinto de la idea que yo tenía al empezar a concebirlo. Mi propia sensación frente al álbum era tibia, y por distintas razones no lo promocioné mucho”, recuerda ahora Berríos. Y analiza: “Irme a Australia me sirvió para tomar distancia de ese disco, de mi planteamiento frente a la música, de mis inquietudes; me sirvió para poder replantearme mi identidad”.

PUNTOS DE QUIEBRE Durante aquel periodo, el replanteamiento en la identidad del MC vino determinado por razones concretas. Si sus inicios con la banda Rapaces (en la que militaba junto a personajes como Lister Rossel y Celeste Shaw) y sus primeros intentos solistas se caracterizaban por encerrar una propuesta hip hop matizada por sonoridades negras y un gran sentido pop, en su segundo largaduración Bronko Yotte buscó romper las barreras y visitar terrenos como el folk y la canción de autor. Y para hacerlo, el músico se refugió en los colectivos Madhaus y BYM Records, marcando de entrada una diferencia con sus trabajos anteriores. En SUPERHARTO trabajó gente que no estuvo en el EP Piensa en mí cuando duermas (2006) ni en Vive el Nivel (2007). ¿Qué piensas de eso ahora? -Ese disco lo saqué con un grupo de artistas que se llama Madhouse. Ahí me acogió Sebastián Román (de MKRNI), quien, junto a Fernando Lira, me ayudó un montón en la producción. Él fue súper buena onda conmigo, pero finalmente estando en Australia me di cuenta que yo no tenía mucho que ver con ese mundo. O sea, Madhouse está lleno de cabros súper talentosos en distintas áreas y es un ambiente súper creativo, pero es otra generación; teníamos buena onda, pero como que la relación era un poco forzada. El hecho de estar en Australia, sumado a muchas experiencias personales, me sirvió para darme cuenta de eso y pensar qué soy yo, qué es lo que me gusta hacer y en qué me siento más cómodo. Ese álbum parece tener cierta búsqueda, porque además de las colaboraciones de Sebastián Román y Fernando Lira, cuenta con apariciones de gente como Matías Cena y el sello BYM. ¿Lo ves así? -Sí, claro, hay algo de folk y algo de estilos de música a los cuales ni siquiera soy naturalmente muy cercano, como el noise. Hay pequeños matices de cosas

| El Tit ular |

así. Hubo una búsqueda propia. En cierta forma, yo quería hacer una manifestación de que era músico más ampliamente que rapero. A mí esa etiqueta me molestaba, pese a que la música (rap) siempre me gustó, entonces tenía esa inquietud de sacármela. Sin embargo, eso no funcionó y me di cuenta que la gente te va a percibir o te va a denominar como ellos quieran, entonces uno tiene que estar tranquilo con eso.

Además de reflejar un retorno a las raíces, el trabajo sintetizó el aprendizaje obtenido con la estadía fuera del país. Sin embargo, ese no es el único tópico visitado en él, pues, junto a colaboraciones de MCs como Seo2, Jonas Sanche, Ceaese, Gen y Emone Skillz, Berríos se da tiempo de analizar temáticas como la ética, situaciones de la cotidianidad, el amor en un sentido amplio y su rol como profesor, siempre con su característica frescura.

CON ESO TE DIGO TODO: IDA Y VUELTA

Con eso te digo todo parece ser una vuelta a lo que hiciste en tus primeros trabajos. ¿Lo sientes así?

Con ese aprendizaje adquirido, Bronko Yotte se fue del país y, aunque no tenía pensado hacerlo, comenzó a dar forma a las canciones que tiempo después serían su nueva placa. Sin compañía y con mucho tiempo a su disposición, el músico y poeta se adentró en uno de los procesos más complejos de su meteórica carrera musical, el que sólo vio su fin cerca de un año después, cuando volvió a Chile y materializó lo vivido en Con eso te digo todo.

-Sí. Pasó que ya estando lejos de todo, estando lejos de la presión común y teniendo otros tiempos, tenía la posibilidad de preguntarme qué hacer yo solo. Yo estaba ahí, con mi computador con programas que me había conseguido, y me pregunté qué podía hacer con eso. Empecé a buscar un lenguaje y me demoré. Hay muchos tipos de rap y de música en general que me gustaban, pero de repente me encontré de nuevo con

IRME A AUSTRALIA ME SIRVIÓ PARA TOMAR DISTANCIA DE ESE DISCO, DE MI PLANTEAMIENTO FRENTE A LA MÚSICA, DE MIS INQUIETUDES; ME SIRVIÓ PARA PODER REPLANTEARME MI IDENTIDAD

También es llamativo el número de colaboraciones que tiene la placa y sus características, porque hay representantes de las distintas escuelas del rap local. ¿Tenías esa intención? -Yo creo que eso de que sean de distintas escuelas vino por añadidura, porque primero está la conexión personal que tengo con cada uno y después se dio la característica de que apuntan para distintos lados. Cuando yo empecé a rapear como solista estaba un poco en contra de las colaboraciones, porque el hip hop es una cosa demasiado amplia y sentía que faltaba que se desarrollara cada intérprete, cada grupo. Ahora, en esta oportunidad, sentí que podía ir en la dirección contraria, que podía ir a encontrarme con gente, porque el rap chileno ha crecido mucho y hay muchas voces distintas; hay mucho MC de calidad que tiene su propio cuento. Fue un buen momento para empezar a participar y colaborar con distintas personas. En “Mochila” rapeas sobre tu rol como profesor. ¿Cuánto influye ese aspecto de tu vida en lo musical? -Influye mucho, porque es una labor discursiva a la que he empezado a verle más cosas en común con la música que a separarla. Ha sido un movimiento progresivo de integración de ambos roles, porque

cuando empecé quería ser profesor y en mi vida personal ser MC o cantautor. Nunca le he contado a mis alumnos que yo hago esto, pero lo han descubierto por ellos mismos, así que ahora los tengo que incluir en lo que hago. O sea, tengo que estar pensando que ellos también me pueden escuchar, porque sé que mis alumnos lo valoran mucho. Teniendo en cuenta que éste es tu tercer largo rapeando en solitario y que llevas acumulados muchos años de experiencia, ¿Qué tanto del Bronko Yotte de los inicios queda en tu trabajo actual? -Yo creo que lo que se ha mantenido más invariable ha sido la voluntad de jugar. De jugar con las palabras, con los conceptos, de reírse de lo que todos creen invariablemente; reírse de uno en la medida en que uno tiene responsabilidad en los fracasos también. Hablar de temas sociales, pero partiendo de la psiquis de las personas que componemos la sociedad. ¿Qué esperas tras lanzar este nuevo disco? -Ahora estoy acá y sólo tengo intenciones de estar en Chile por un buen tiempo. A lo mejor más adelante me vuelvo a ir, pero por el momento estoy completamente acá y no con una pata en otro lado como me pasó cuando estaba produciendo SUPERHARTO. Tenía que sacarlo rápido porque sabía que pronto me iba a ir. Ahora no. Ahora estoy acá, estoy centrándome en esto, en su producción, en promocionarlo, en sacar videos, tocar en vivo, armar una banda estable. Yo creo que con todas esas cosas se irá avanzando.

| Ent revist a: Bronko Yot t e |

un cierto tipo de hip hop; con los sampleos, que siempre los he querido como recurso. Esa primera génesis fue súper libre y desprejuiciada, y le sirvió un montón al disco.

dáclip THE HOLYDRUG COUPLE IT’S DAWNING

Dirección: Nicolás Molina / José Ignacio Alonso Duración: 3.56 minutos

| D a Clip |

LA ENTRÓPICA NUNCA LO PENSÉ

Dirección: Piero Medone Duración: 4.01 minutos

LOS SETAS

SALIVAS NEGRAS Dirección: Alejandro Zuñiga Duración: 3.45 minutos

CLAUDIA MONTECINOS 路 ILUSTRACIONES MANUEL PERALDI

visiones heterogeneas de hacer musica

En la historia de la música chilena, la vía convencional para grabar las creaciones y luego difundirlas estaba en las manos de sellos y empresas privadas. En algún momento las cosas en la industria cambiaron y el oligopolio de las empresas multinacionales fue perdiendo el poder que tuvo hasta los años 90. Cuando los músicos se dan cuenta que existe una alternativa a los sellos imperantes y canalizan sus energías y anhelos en la producción por cualquier medio, la autogestión se hace partícipe del proceso. Aparece como un modo de trabajo que facilita la creación y la masifica, desde la mirada de la ejecución.

| Rep ort aje: Autogest ión |

A lo largo de ésta práctica en la música, es posible distinguir dos líneas básicas para dar con el concepto como tal. En primer lugar, la realización de todas la labores que implica alimentar una carrera musical, desde la autoría y grabación, hasta la publicación y difusión. Estos trabajos son realizados por los mismos músicos o por sus cercanos, por lo que la labor de producción se encuentra en pocas manos, motivadas por la música más que por ganancias materiales. En segundo lugar se puede determinar el distanciamiento a la gran industria musical. Si bien, esta distancia se da por diferentes motivos, la acción es común para todas las bandas y cantantes que practican la autogestión. Esto debido a que se transforma en una medida para poder ejercer la carrera musical por sobre cualquier obstáculo y disfrutar de las libertades que entrega la ausencia de contrato. Es importante destacar que, si bien en el discurso la autogestión aparece como una opción, en la mayoría de los casos es la respuesta a la necesidad y carencia de apoyo para los músicos. En lo concreto, es la alternativa que aparece para dar solución a los problemas monetarios, de difusión y acceso al público. De esta forma, un elemento inherente y sustancial para este modo de trabajo es la evolución y expansión de las tecnologías, ya sea en materia de comunicación –como han sido las redes sociales- o en materia productiva y de grabación. Es un aporte fundamental, pero que significa contar con una base económica para ello.

SIMPLEMENTE VOLUNTAD La banda nacional de indie pop Dënver se ha posicionado como una de las más importantes en la escena musical vista desde afuera. Para ellos, el modo de

trabajo desde un inicio se ha mantenido en el sector independiente. De hecho, respecto al reciente quiebre con el sello Feria Music, Milton Mahan –voz del dúo- afirma: “Hemos estado en sellos muy pequeños que casi no alcanzaban a funcionar como tales. El tiempo que estuvimos con Feria fue tan corto que no vale, así que básicamente haremos lo mismo que hemos hecho siempre, pero con la conciencia de que estamos en eso”. Entre sus líneas, Dënver trabajó con el sello Neurotyka y el desaparecido sello Cazador. Aún así, el término autogestión no agrada a Mahan, quien la considera una palabra muy manoseada. “Recuerdo haberla leído en tantos fanzines a principios del 2000 que creo que ya se ha tergiversado todo, creo que hemos tenido una voluntad y trabajamos en función de ella”. Para Dënver lo importante no es el modo en que se etiquete la forma de trabajar, sino que ésta se realice con voluntad y esfuerzo, siempre manteniendo el objetivo propio. “He conocido músicos que hacen música porque les sale de manera natural y sólo quieren que los oigan sus amigos y algún busquilla que le pille por ahí, ellos no necesitan una ‘gestión’ si no más como una modesta voluntad”, señala Milton Mahan.

POLÍTICA MUSICAL Desde otra arista, la autogestión se transforma en una forma de independencia política que se visualiza como la única manera de mantener intactas las convicciones e ideologías. Esta decisión de distanciarse casi de manera permanente de la imagen de sello tiene que ver con un contenido socio-político que busca no ser acallado. En este sentido, una serie de bandas y agrupaciones han optado por esta vía y se han mantenido en un bajo perfil que los caracteriza. Contrapulso (2007), un documental de Paulo Flores, retrata esta forma de trabajo en las bandas Escaso Aporte, Tuplak la Brigada, Juana Fe y Sandino Rockers. En ellas es posible distinguir el valor social de la música, y la importancia que tiene no encadenarse a nada para contar con la libertad de criticar al sistema y todos los polos que existen en él. Para ellos, los sellos constituyen un arma que destruye la música, ya que la modela en torno a las leyes del mercado y hace que se transformen en un grupo empresarial. Hoy, la postura ya no es tan radical. El caso de Juana Fe lo representa bastante bien. La banda comenzó

Asimismo, Jorge Rojas –voz y guitarra- de la banda ska y “rock mestizo y popular Sandino Rockers, señala que el camino a la autogestión no es antojadizo, sino que es algo que se fue descubriendo en el camino. Los recursos que la banda obtenía en los conciertos eran utilizados para la producción de discos. Sin embargo, el guitarrista confiesa que con el tiempo sufrieron cambios en su forma de pensar, especialmente en relación a la postura que tenían frente a los fondos estatales. “No estamos cambiando nuestros principios. Esos recursos los vamos a ocupar para lo que nosotros queremos, hacer tocatas en la

población, o para difundir nuestro disco que tiene letras distintas y sirve para mostrar otro mundo”, agrega Rojas. Del mismo modo, el músico deja en claro que la autogestión “se puede, pero hay que ser tremendamente responsable y organizado. Es difícil pero no imposible, si están esas dos cosas se puede”.

TRABAJO A PULSO Hacia 1996 Fiskales Ad-hok –una de las bandas más importantes del circuito punk chileno- terminaba su contrato con el sello internacional BMG, y se disponía a crear un espacio en el que sus criterios de trabajo estuvieran en el foco. De este modo, la banda creó la Corporación Fonográfica Autónoma (CFA), un sello discográfico que tenía como objetivo el trabajo conjunto a otras bandas del mismo círculo de música e ideales, como también la producción de sus discos 57

| Rep ort aje: Autogest ión |

en Conchalí y gracias a un Fondart publicó su primer disco Con los pies en el barrio (2004), que los popularizó. Hacia 2012, la agrupación impulsó el sello La Makinita, que rompe con los viejos ideales, pero que se transforma en una productora con un rol político importante en la música nacional.

y singles, para transformarse en un aporte independiente para las bandas.

| Rep ort aje: Autogest ión |

Este antecedente dio pie para que la idea de autogestión se llevara a otro nivel. De esta forma, la creación de sellos y corporaciones que trabajaban con el área de gestión de las bandas comenzó a hacerse más común y a florecer desde sectores alejados de la industria convencional. Recientemente, surgió Industria Musical Independiente Chile (IMI Chile), un conglomerado de sellos independientes que busca obtener mayor representatividad como un sector dentro de la industria chilena completa. Esta iniciativa está integrada por las empresas Discos Tue Tue, Asociación de Músicos Independientes de Valparaíso, Portaldisc, Armatoste, Evolución, Quemasucabeza, Charco, Algo Records, Potoco discos y Discos Río Bueno. Su director, Oliver Knust, asegura que todos los integrantes son independientes y que el trabajo que han realizado siempre se ha mantenido bajo esas líneas. Asimismo, define la autogestión como “un trabajo más a pulso y con mucho respeto por el lado artístico de los músicos”, además de afirmar que cada uno se crea sus propios recursos. Knust destaca la libertad que se puede lograr al no depender de recursos económicos privados, una característica importante de la autogestión. El director de IMI Chile reconoce que en este modo de trabajo el gran pero es el recurso monetario: “Hay menos dinero en el mercado más cercano, pero no sé si sea un contra al final, porque si hubiese más dinero esa misma presión no te dejaría actuar con la libertad que después se agradece”.

| Rep ort aje: Autogest i贸n |

| Reseña de D iscos |

AGONAL

ALEIN

A COMPLETE SUFFERING

VOLVER A SENTIR

Agonal, banda estadounidense que de manera estable tiene un solo integrante (Jon Francis), mezcla el doom y death metal, y nos trae una oleada de muerte, oscuridad y dolor. Todo esto en el disco que es la finalización de una trilogía, conformada además por sus dos discos anteriores (Nikao y Threneo).

Letras sinceras, emociones y un dejo de miedo a la soledad, es el sabor que deja Volver a Sentir, el primer disco de los chilenos Alein.

A Complete Suffering es textual y explícitamente un mar de pesar y de oscuridad que van absorbiéndote lentamente, con un gutural a ratos desgarrador, guitarras muy pesadas e intensos teclados/sintetizadores. “Wounded”, “The Final Sunset”, “A Suffering Complete”, navegan en difíciles aguas en medio de una tormenta.

MACARENA MUNDACA

Este cuarteto plasma en once canciones y tres bonus track un viaje repleto de melodías rockeras, con letras oscuras que mantienen al filo los sentimientos, en una aventura para el corazón y los sentidos. La dulce voz de Iris y el fresco sonido que entregan Carlos, Ronald y Rodrigo son muestra de un pulido trabajo. “Tempestad”, “Cúbrete en Mi”, “Quédate aquí” y “Sobrevivir” reflejan con fuerza el espíritu rockero de este trabajo.

MACARENA MUNDACA

FRANZ FERDINAND RIGHT THOUGHTS, RIGHT WORDS, RIGH ACTIONS Tras cuatro años de la última producción de Franz Ferdinand, la banda escocesa lanzó su nuevo disco Right thoughts, right words, right actions. Un álbum en el que no es necesario ir más allá para detectar la esencia de la agrupación. La placa de diez temas es un intento de retornar al comienzo. En sus 35 minutos recorre canciones que cuesta diferenciar entre ellas, y que en algún momento pierden el condensado de energía de las primeras tres composiciones. Un disco para fanáticos que se mantiene en lo mismo, pero que explota a la perfección las sonoridades pegajosas y radiales.

CLAUDIA MONTECINOS

WHERE YOU STAND Travis es la clase de banda que con el paso de los años no ha cedido un ápice en la lógica que inunda sus composiciones. Música sutil de fuerte carga melódica y una tendencia casi instintiva por la melancolía. Siguiendo esa misma línea nos topamos con su placa 2013. Una pieza en donde las canciones bonitas y las conjeturas más sensibles se expanden a sus anchas. “On My Wall” y “Moving” son ejemplos de esta acertada relación entre el pop con alma y las baladas conmovedoras. Si usted es de los que quiere ponerle un sutil fin al invierno, este podría ser su disco.

FRANCISCO SILVA

LOS PLUMABITS EL LADO BAILABLE DE LA LUNA

OSCAR HAUYON

Ejemplos de programas infantiles que logran pasar la barrera de la televisión en Chile son escasos. Sólo antiguos emblemas de la televisión para niños, como Cachureos o más recientemente 31 Minutos, logran llevar la magia de la pantalla al formato disco por lo que la apuesta de Plumabits no es menor.

El disco debut del ovallino Oscar Hauyon es una colección de nueve canciones que transitan entre el rock y la electrónica con líricas de corte intimista y reflexivo. El trabajo viene precedido de una ambiciosa campaña viral que dio nombre al disco y creó una expectativa inédita en su región natal.

Los extraterrestres ideados por el destacado audiovisualista Alvaro Ceppi juegan con el concepto de disco conceptual -¿Pink Floyd? ¡Una vil copia!- que atrapa tanto a los niños con la aparente inocencia de sus líricas como adultos con el humor que desborda un conjunto compuesto por un robot y un par de mutantes.

El primer single “Disfraz” resulta una envolvente canción pop/rock y sirve como síntesis perfecta para los demás cortes que incluyen desde el pop radiable de “Ves”, hasta una pieza instrumental titulada “El simple mortal” que se asemeja a los mejores pasajes del último disco de Daft Punk. Esta vez, la soledad queda bien.

RAÚL ÁLVAREZ

MORTAL | Reseña de D iscos |

TRAVIS

| Reseña de D iscos |

PATRICIO CÁCERES

JIMINELSON

MANTARRAYA

TIGRE... EL OTRO TIGRE

SUPREME

COSTA ESQUELETO

“Cuando yo te fui a pedir el sí / con chocolates, almendras, avena y miel te mentí”. Así de sincero comienza la reedición del disco debut de Patricio Cáceres, un nombre que dará que hablar.

La banda nacional Jiminelson lanzó en junio su cuarta placa, titulada Supreme. Un disco corto y completamente en inglés, pero que introduce la mutación definitiva del estilo musical del grupo liderado por Gustavo León.

¿Pop progresivo? A simple vista, una de las tantas definiciones que han surgido para clasificar los estilos mixtos. Sin embargo, hay bandas y discos como el de Mantarraya que se pueden apropiar de una característica tan difusa y hacerla propia.

El trabajo, definido por el autor como “pop oscuro”, sale a las calles otra vez con la inclusión de dos nuevos temas en el marco de la sexta generación de Sello Azul. Cáceres, quien fue músico de sesión para nombres como Manuel García o Zalo Reyes, comienza a brillar con luces propias de la mano de su guitarra, sus líricas bien formadas y el peso de la experiencia.

RAÚL ÁLVAREZ

Con siete temas, el álbum concentra un soul orquestado y enérgico que atrapa de principio a fin. Es cierto, el cambio en las composiciones es drástico, desde un rock guitarreado en “Amor del Rey”, hasta el ingreso progresivo de la calma y los vientos. Sin embargo, el dinamismo se agradece, y en este caso Supreme se transforma en un disco redondo para coronar la carrera ascendente de Jiminelson.

CLAUDIA MONTECINOS

Es por esto que el viaje por Costa Esqueleto rebosa vaivenes sonoros y una riquísima impronta sónica. Texturas y orquestaciones que no están para adornar, sino para potenciar. Súmele un single potente como “Atlantida” y estamos sin duda ante una obra que no puede ser pasada por alto, ya que siendo ambiciosa, no se excede en pretensión.

FRANCISCO SILVA

MARÍA COLORES

CON ESO TE DIGO TODO

ME GUSTA LA VIDA

Tomando en cuenta que Congratulations (2010) había funcionado de puente para moverse del electro pop que los hizo conocidos a la experimentación musical en otros niveles, el tercer disco de estudio de la banda norteamericana MGMT se percibe como una apuesta hacia la radicalización de la psicodelia.

Era un regreso esperado y Bronko Yotte lo tenía claro. Tras casi dos años de ausencia absoluta, Con eso te digo todo significaba retornar de lleno al circuito y continuar con una carrera cuya ruta parecía perdida.

Sacar un disco luego de haber sonado hasta el cansancio en las radios con el primer single del debut no debe ser fácil. María Colores volvió a confiar en Mauricio Dell, su mánager y productor artístico, para registrar las 11 composiciones originales que componen Me gusta la vida.

El álbum homónimo de diez canciones es una búsqueda hacia lo que parece ser el real interés sonoro de los integrantes. Producido por Dave Fridmann (The Flamming Lips, Mercury Rev), el disco es una invitación a escuchar lo que no será hits de la radio, pero que podría ser un ticket para viajar.

CLAUDIA MONTECINOS

Por ello, el MC no se guardó nada y en 22 cortes volvió a su raíz para desde ahí avanzar. Con bases potentes y plagadas de sampleos, las rimas del ex Rapaces fluyen, al tiempo que extienden una invitación a la reflexión. Es evidente: la experiencia del tiempo en silencio le dio un rumbo a un Bronko Yotte que ve en éste, su mejor trabajo.

IGNACIO SILVA

La entrega funciona como una continuación más madura de Llamadas perdidas (2011), su mediático primer LP, y se alza como un perfecto trabajo pop. Canciones como “Todo se da”, “Tu casa es mi casa” y “Relámpago” sitúan a este como uno de los buenos lanzamientos de un año que ya se extingue.

RAÚL ÁLVAREZ

| Reseña de D iscos |

BRONKO YOTTE

MGMT

POR RAÚL ÁLVAREZ

En el sector de Utah, EE.UU, vive una familia mormona del estilo “Casa en la Pradera”. Sin tecnologías y Desde San Francisco, California, irrumpe Part Time, la banda llamada a ser revelación del indie norteamericano. Con una apariencia bastante friki, la agrupación formada por cinco californianos viene experimentando con los sintetizadores y la atmósfera ochentera desde 2011, año en que lanzaron What Would You Say? el álbum que los introdujo al circuito de bares americanos. El éxito local de su debut fue arrollador. Entre 2011 y 2012 sumaron más de cuarenta fechas en Canadá y su país natal, consolidándolos como la apuesta más ambiciosa de la costa oeste. Este año vuelven con nuevo disco bajo el brazo, PDA, que coquetea con la mejor época new-age y, aunque parezca gracioso, con la cultura mexicana. La portada de su último disco no deja a nadie indiferente. En ella se puede ver a un integrante de la banda vestido del popular superhéroe mexicano El Chapulín Colorado con las iniciales del grupo estampadas en su característico corazón y una guitarra al hombro. Aunque puede sonar como curiosidad, el álbum incluye una canción en español titulada ‘Soñando de ti’, una simpática pieza pop que le canta a su deseada “chaparrita”. Críticos estadounidenses han calificado a la banda dentro del género Chillwave, describiendo esta corriente como “algo que debe sonar como la música de fondo de un viejo VHS que se encuentra en el sótano desde los 80’s”. Si tomamos esta definición, podríamos asemejar el trabajo del quinteto con destacados exponentes como Neon Indian, Toro y Moi y Washed Out, quienes se han robado las miradas del indie mundial.

GALERÍAS

MERIDIANO DE ZÜRICH Fiesta aniversario Melómanos Magazine Foto: Amapola Huerta

TELEPATHIC NO Fiesta aniversario Mel贸manos Magazine Foto: Amapola Huerta

ELANDH Fiesta aniversario Mel贸manos Magazine Foto: Amapola Huerta

JAVIER BARRÍA Lanzamiento “Llorar en la Calle” Foto: María Paz Arias

CONGRESO Presentación en Centro Cultural Amanda “Con los ojos en la Calle” Foto: Pablo Quiroz

CHANCHO EN PIEDRA Festival “7 al hilo” Foto: Amapola Huerta

Dﾃ起VER Re-encuentro de Dﾃｫnver con Chile en La Batuta Foto: Marﾃｭa Paz Arias

MANTARRAYA Lanzamiento “Costa Esqueleto” en Concepción Foto: Consuelo Burdiles

ESTA EDICIÓN FUE HECHA ESCUCHANDO ESTOS DISCOS:

THE NATIONAL TROUBLE WILL FIND ME

CHVRCHES THE BONES OF WHAT YOU BELIEVE

MILEY CIRUS BANGERZ

EDICIÓN #11 - OCTUBRE/NOVIEMBRE 2013 REVISTAMELOMANOS.CL

ARCTIC MONKEYS AM