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Famosos ilustradores
Juan Darien Audrey Kawasaki
Homenaje a los mejores ilustradores e ingenieria del papel.
Eduardo Zicca Gabriel Moreno
Kase Him L
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Michael Shaocott Michael Shapcott
Allen y Patty Eckman
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Exclusivas
Ilustraciones para BauHaus
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3. Juan Darien 5. Eduardo Zicca 9. Kaze Him 12. Allen y Patty E.
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4. Audrey Kawasaki 7. Gabriel Moreno 11. Michael Shapcott 13. Jason brooks
David Carson...15, Henry Wolf...17, Herber Lubalin...19, Zuzane Licko...20, Andre Gurtler...21
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Paz Maldonado Yosimar Jesus Enriquez Lemus Erika Denisse Nuestro entorno está lleno de seres vivos. Estamos rodeados de plantas, aves, insectos, en fin, animales y también de personas. El objetivo del presente escrito es mostrar, precisamente, que la vida es una gratuidad, un proyecto y una responsabilidad. “La vida no debe ser una novela que se nos impone, sino una novela que inventamos” 2
(La Habana, 1980) Juan Darién se desempeña como ilustrador y cartelista. Tiene su estudio en la ciudad de León, España. Más de 300 ilustraciones suyas han aparecido en publicaciones variadas, y ha ilustrado más de una decena de libros infantiles y juveniles. Cuenta con varios premios internacionales. No sabe bailar salsa:)
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Tel 987 257487 / 664 119 Correo: contacto arroba juandarien.com
Web: www.juandarien.com
Nace el 31 de marzo de 1982 en Los Ángeles, aunque actualmente reside en Nueva York. Estudió pintura durante dos años en el Pratt Institute en New York, dejándolo poco después sin acabar el grado. Conocida por sus pinturas e ilustraciones con una marcada carga erótica, Audrey nos deja un trabajo lleno de melancolía y sensualidad, que expresa a través de sus imágenes de jóvenes medio
niñas medio mujeres que, con un vacío en su mirada, parecen posar con objetos que las atan al mundo real, aunque estos sean a veces en sí mismos desconcertantes Kawasaki pinta óleos sobre laminas madera con los bordes redondeados dejando traslucir las vetas de éstas y haciendo que formen parte de la obra. La tonalidad pastel también es la otra característica fija que hace de una obra de Kawasaki fácilmente
reconocible. Un estilo que ha sido descrito como una fusión entre el Art Nouveau y el manga japonés
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Buenos Aires, 1964. Profesor Nacional de Dibujo y Pintura, recibido en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”. Maestro Nacional de Dibujo, recibido en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Gral. Manuel Belgrano”.
Realizó ilustraciones para las siguientes Editoriales:
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Editorial Ecir (Valencia, España): Libro de cuento infantil “una ballena en Montevideo” (año 2007). Editorial Santillana: Libros de: Argentina (año 2008) Sociales Ciudad de Buenos Aires, Sociales Salta (año 2007) Sociales 3, Sociales 4 y Sociales 5 (año 2006) Ética 8, Geografía 9 y Mi Manual 4 (año 2005)
Editorial Nuevas Propuestas: Libros de Matemáticas y Lengua año 2003, 2004). Editorial Plus-Ultra: Libro “Pensar la historia” 3° ciclo Polimodal (año 1997). Editorial AZ: libro de Ciencias Naturales 2° ciclo EGB. Ediciones Paulinas: Colaborador de la Revista Familia Cristiana (1990).
Ilustró para las siguientes Agencias de Publicidad y Productoras:
RATTO/BBDO. Leo Burnett de Argentina. Mc’Cann Erickson de Argentina. Seebere y Manifesto. People. Vega Olmos Ponce. Estudio Creativo Althein. Idemark SA. de Diseño y Comunicación. Crazy People. Film Planet.
Tercer Ojo Film. Contemporánea, entre otras. Premios: Premio Mención (disciplina ilustración) Salón Nacional de Comic, año 2000. Premio Mención (disciplina ilustración) Bienal de Arte de la Facultad de Ciencias Económicas, año 2001.
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Es un ilustrador, grabador y pintor con base en Madrid, se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla en el 98. Desde entonces ha trabajado en diferentes estudios de diseño y agencias de publicidad andaluzas, en el 2004 se traslada a Madrid, donde en junio de 2007 comienza a mover su portfolio y tras ser seleccio-
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nado entre los 20 nuevos talentos de la ilustración, por la revista londinense Computers Arts y recibir sus primeros encargos de publicidad comienza su carrera como ilustrador. En la actualidad, ha trabajado ya con prácticamente todas las grandes agencias nacionales, y esta comenzando con sus primeros encargos y pro-
yección internacional. Ha colaborado con numerosas publicaciones nacionales e internacionales, realizando el pasado agosto la portada de la publicación norte americana Los Angeles Times Magazine. sdEn su web podemos ver su Galleryshop donde nos muestras sus imágenes a gran resolución así como la técnica empleada
(rotulador, tinta y acuarelas entre otras). También encontraremos fotografías y trabajos en su blog personal. También hemos recogido algunos fragmentos de la entrevista realizada en Criterión. Desde que en el colegio me echaban de clase por pintarrajear las mesas decidí estudiar algo donde me dejasen dibujar…al acabar bellas artes estuve dando vueltas por estudios de diseño y agencias de publicidad de media Andalucia. Posterior-
mente por cuestiones personales (obviamente una mujer ) me trasladé a Madrid. Fue aquí donde descubrí el mundo de la ilustración y en el 2007 preparé mi portfolio y empecé a moverme.” Me inspira: “La pura motivación, me gusta mirar a una mujer y me gusta pintarla. Puede parecer todo lo superficial o profundo que uno quiera y según las vueltas que se le quieran dar. Y es que hay dos cosas que me llegan al estómago,
ver imágenes del tipo de las que abren los telediarios en las últimas semanas y ver el cuello de una mujer, una boca… no tengo capacidad para reflejar en mi trabajo la primera parte, pero si la segunda. Es así de sencillo ” “Dicen que la creación plástica funciona como terapia, esa sensualidad, esa belleza, es algo que como he dicho me llega al estómago, casi hace daño…también es una forma de poseerla, de hacerla en cierta forma mía.”
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Nacido 2 de mayo 1990. Un artista autodidacta y fundador de Kaze-Hime Co. se especializa en la computadora de la ilustración gráfica, y tiene un conocimiento excepcional de Photoshop. Actualmente estudiante de Psicología diseñador gráfico independiente, y una de tiempo completo. Alias: Kaze-Hime Nombre: Holly S.
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Herramientas: Tablet Adobe Photoshop 7 Adobe Image Ready 7 Macromedia Flash MX Abrir Lienzo 4 Painter IX Correo electrónico: hollyshinguji@gmail.com Galería de fotos: DeviantArt, MangaBullet EDUCACIÓN: La Universidad de York (Actualmente cursando estudios)
HABILIDADES: Tradicional: - La pintura, marcadores Copie, acuarela, aerografía - Novelas gráficas, la historia de tablas, hojas de perfil de carácter - La escultura, la artesanía y accesorios, viable, con cualquier medio del arte Digital: - Ilustración: Photoshop, Image Ready, Painter XI, OpenCanvas - Web y Codificación: CSS, HTML, VBasic
- Office: Word, Powerpoint
EXPERIENCIA: Años de Photoshop: 7 + de la experiencia ACG América del Norte Director de Arte, diseñador e ilustrador de Mascotas Minitokyo.Net Diseñador de MascotasKawaiiKon Hawaii Convención, Ilustración de Mascotas Kita-Kon Thunder Bay Convención, Diseñador de Mascotas
SWACE Albuquerque Convention, Diseñador de Mascotas Sakura río Inc. Game ilustraciones 400 + Comisiones LOGROS: Canadian Poetry finalista de Eurovisión 2003 Escuela Media Art Award 2004 Escuela de Comunicaciones Tech Award 2007 GH Junior Award 2008 High School Art Award 2008 Ontario Scholars Award 2008 Lista de Honor Carta / Pins /
Award 2004-2008 Anime T-Shirt Norte Ilustración Winner 2008 Anime North Grand Prize Winner 2009
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Es un artista nacido en 1982 en Hartford, Connecticut, USA, donde actualmente reside y trabaja. Su trabajo es conocido por su paleta de colores atrevidos y sus retratos con una gran carga emocional. Su obra se compone de bosquejos de grafito altamente detallados que luego pinta con óleos y pinturas acrílicas. Además de la pintura, Shapcott crea vídeos de arte que su proceso de pintura de un cuadro y muestran su estilo único de trabajo. algo que podemos
apreciar en los vídeos mostrados en su web. Michael Shapcott estudió ilustración durante dos años antes de pasar a Bellas Artes para completar sus estudios en el Paier College of Art in Hamden, Connecticut, donde se graduaría con diploma en el 2007. El acredita su experiencia técnica en su educación básica, pero considera que solo rompiendo algunos de los métodos tradicionales que se enseñan y experimentando por su cuenta, le han hecho desarrollar la confian-
za, la voz y el estilo único que le hace seguir creciendo en la actualidad. Las pinturas de Shapcott poseen una fuerza especial tras los retratos delicados que presenta. En su obra hay cierto aspecto inocente y cierta agresividad bien entendida. Los colores se mezclan en perfecta armonía dando a los personajes un aire exótico y misterioso que impacta en el espectador.
Allen y Patty Eckman son grandiosos escultures, cuyas obras son hechas con papel y moldes de yeso. En su elaboración mezclan pulpa de papel libre de ácidos con algodón y otros ingredientes. Luego es puesto en moldes donde la evaporación hace el resto del trabajo. La mayoría de sus obras representan a los indígenas estadounidenses, y tienen un resultado impresionantes y espectacular.
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Él comenzó a trabajar como ilustrador en forma independiente, mientras estudiaba en la Ilustración Central Saint Martins la universidad, Londres, Y pasó a tener una maestría en la ilustración en la Royal College of Art. Si bien en el colegio ganó el / Vogue Sothebys Award de ilustración de moda.[editar] Después de dejar el Colegio Real, se comenzó a trabajar como ilustrador de moda, sobre todo en la
fuerza de sus cuadernos de viaje de los viajes por Europa y América Central. Se elaboraron informes ilustrados para el periódico independiente de la Couture Espectáculos en París, así como la muestra en Nueva York para Visionaire y Max. Durante este tiempo también produjo una serie de folletos para PUSHCA, una organización líder en la escena del club de Londres. Estos son los que sus ilustraciones para una audiencia
más amplia cada mes, ya que cada fiesta temática exigió una nueva pieza de arte. Ahora es un ilustrador con sede en Londres, donde se produce imágenes con Adobe Photoshop o Adobe Illustrator, combinada a veces con más arte de los medios tradicionales de multa.
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Él era el 8 de septiembre nato, 1955 en Corpus Christi, Tejas. Carson y su familia movidos a New York City cuatro años más tarde. Él ha viajado todo alrededor del mundo pero ha mantenido desde entonces Nueva York como su base de operaciones. Carson ahora posee dos estudios; uno en Nueva York y otro adentro Charleston, Carolina del Sur. Debido a su padre, Carson viajó por todas partes América, Puerto Rico, y Indias del oeste. Estos viajes lo afectaron profundo y las prime-
ras muestras de su talento fueron demostradas en una edad muy joven; sin embargo, su primer contacto real con diseño gráfico fue hecho en el an o 80 en la universidad del Arizona en un curso de dos gráficos de la semana. Él atendió al St. de San Diego Universidad así como la universidad de Oregon del arte comercial. Más tarde en 1983, Carson trabajaba hacia a Soltero de artes en sociología cuando él fue a Suiza, en donde él atendió a un taller de tres semanas en diseño gráfico como parte de su gra-
do. Aquí es donde él resolvió su primera gran influencia, que también sucedió ser el profesor de este curso, HansRudolph Lutz. Él hizo renombrado para sus gráficos inventivos en los años 90. Trabajando como persona que practica surf del profesor y del profesional de la sociología en los últimos años 70, él arte dirigió la varia música, skateboarding y practicando surf los compartimientos con los años 80. Como director de arte del arma del rayo del compartimiento el practicar surf y del
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estilo (1992-5), Carson vino a la atención mundial. Sus distorsiones o mezclas ofrecidas disposiciones de tipografías “vernáculas” y de las imágenes fracturadas, haciéndolas casi ilegibles. De hecho, su máxima del “extremo de la impresión” preguntó el papel de mecanografía adentro la edad inesperada del diseño digital, a consecuencia de la onda nueva de California y de coincidir con experimentos en la academia de Cranbrook de arte.
Carrera Carson se encendió hacer el director de arte de Transworld Skateboarding compartimiento. Entre otras cosas, él era también persona que practica surf profesional y en 1989 calificaron a Carson como la 8va mejor persona que practica surf del mundo. Su carrera como una persona que practica surf le ayudó a dirigir un compartimiento que practicaba surf, llamada Beach Culture. Este compartimiento duró por tres años pero, a través de las páginas de la cultura de la playa, Carson hizo su primer impacto significativo en el mundo del diseño y de
la tipografía gráficos con las ideas que fueron llamadas innovadoras incluso por las que no estaban encariñados con su trabajo. No asustado romper a la convención en una edición que él utilizó Dingbat como la fuente para con lo que él consideraba una entrevista algo embotada Bryan balsea.[1] A partir de 1991-1992, Carson trabajó para el compartimiento de la persona que practica surf. Una restricción en cómo el compartimiento (comercial diseñadores dirigidos un compartimiento) siguió, y pronto Carson lanzaron el arma del rayo, un compartimiento de los estándares internacionales que tenían música y forma de vida como su tema.
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Henry Wolf nació en Viena en 1925, donde vivía gran parte de su familia, en una casa construida en la decada de 1860. Hasta que Henry tuvo 13 años su infancia fue normal y segura. Pero todo esto cambió en 1938, cuando la Alemania nazi se anexionó a Austria. Su familia era judía, por lo que tuvo que emigrar. Pasaron tres años de odisea por Francia, donde él pudo asistir a algunas clases de arte ,y luego tuvieron que marchar al Norte de África. Esto hizo que Henry tuviera que cambiar a me-
nudo de escuela. Después de ser arrestados por los alemanes y vivir en dos campos de internamiento en Marruecos, consiguieron evadir a los nazis gracias a la intervención de un tío suyo en Nueva York. A finales de 1941 llegaron a la ciudad de Nueva York, donde Wolf asistió a clases en la School of Industrial Arts de la calle 40 Oeste. También trabajó en pequeños estudios de diseño y talleres de tipografía e impresión. En 1943, cumplidos los 18 años, se alistó en el Ejército norteamericano durante la II Guerra Mundial.
Destinado a Asia, participó en el desembarco en Filipinas y llegó a Japón después del bombardeo de Hiroshima. aaaSirvió en una unidad de inteligencia en el Pacífico hasta 1946, año en que entró a trabajar en una pequeña agencia de publicidad. Su vida profesional Trabajos para revistas La entrada de Henry Wolf en el mundo del diseño editorial fue muy precoz. En 1951 empezó trabajando para el Departamento de Estado, diseñando publicaciones y posters gubernamen-
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tales para su distribución en el extranjero. Su carrera profesional propiamente dicha comenzó en 1952 cuando entró como diseñador en la revista Esquire. A pesar de pequeñas disputas con Arnold Gingrich, editor de Esquire, por el contenido editorial, consiguió darle un estilo renovado, sofisticado e innovador a la revista en un ambiente creativo con fotógrafos e ilustradores. Desarrolló una narrativa con un diseño conceptual que se utilizaba el collage, la ilustración y los titulares. Wolf tuvo como maestro en el diseño y la fotografía al ruso Alexey Brodovich, otra leyenda de las revistas y uno de los pioneros en introducir el modernismo europeo en Estados Unidos. Con este destacado mentor, ya en 1953, a los 26 años es nombrado director de arte y se convierte en uno de los más jovénes directores de arte de grandes revistas nacionales. Rediseñó el formato de Esquire con gran énfasis en el uso del espacio en blanco y grandes y sofisticadas fotografías. Desarrolló diversos elementos
de su sensibilidad pictórica, en la que influyeron también las clases recibidas por el cubista norteamericano Stuart Davis, llevando a las portadas una lúdica mezcla de surrealismo, irreverencia y elegancia. Seis años después, cuando su maestro Brodovich se retiró en 1958, Wolf lo sustituyó como director artístico de la revista Harper’s Bazaar, la célebre publicación de moda. Trabajó junto con los fotógrafos Richard Avedon, Man Ray, Art Kane y Saul Leitner. Dio a conocer a fotógrafos de moda como el jovencísimo, Melvin Sokolsky, que sólo tenía 21 años entonces. Creó el diseño y ayudó a desarrollar el concepto de una nueva revista de artes como icono de estilo del diseño editorial. Su objetivo era hacer hermosas visualmente las revistas que diseñaba, experimentando con la tipografía y utilizando imágenes simples pero exquisitas, incluso sofisticadas, en las numerosas portadas, que hoy son verdaderas obras de arte. La visión de Wolf de la portada de la revista fue una imagen simple que comunicaba la idea visual. En sus porta-
das es posible reconocer citas a Magritte y Dali, entre otros. ffLa sofisticación y creatividad de la fotografía de Harper’s Bazaar durante su dirección fueron extraordinarias y significó un cambio definitivo con respecto al modo en que las publicaciones presentaban un objeto, ropa, o una modelo. Trabajos para agencias publicitarias:
Después de diez años de trabajos para revistas, su atención se desvió hacia la publicidad y la fotografía. Ante todo Wolf fue un fotógrafo: su faceta de diseñador vino impulsada por la fotografía. xxxLa fotografía fue la fuente del arte de Wolf, quien no dejó de utilizar las cámaras en sus actividades. La fotografía de Wolf fue realizada para la comunicación visual de la sociedad como elemento productivo de diseño periódistico y de obras de arte fotográficas.
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Diseñador Gráfico y Fotógrafo Americano, nacido en New York y graduado en la Cooper Union en 1939. Difícilmente podemos encontrar alguien mejor conocido y mayormente premiado en este negocio. «,,El altísimo valor artístico de las obras de Herb Lubalin se reconocerá todavía durante muchos años en el futuro… probablemente ha sido el mejor diseñador gráfico de todos los tiempos». Estas palabras pertenecen al elogio póstumo pronunciado en 1981 por Lou Dorfsman (destacado diseñador gráfico estadounidense)
con motivo del fallecimiento de este gran maestro. A menudo, semejantes elogios son retóricos, pero en este caso el texto responde ciertamente a la verdad: en efecto, durante más de cuarenta años, Herb Lubalin contribuyó a impulsar los sectores en los que trabajó, demostrando muchas veces ser un genial innovador; por otra parte, sus trabajos han sido expuestos en los museos de todo el mundo, desde Tokio a París, de Barcelona a Sao Paulo, de Estocolmo a Frankfurt. Su primera pasión fue la tipografía.
El trabajo de Lubalin te lleva rápidamente al corazón de un gran tema: la teoría del significado y cómo el significado es comunicado… Cómo una idea es movida, entera y resonante, de una mente a otra… No muchos han sido capaces de hacer esto mejor que Lubalin. bbbLa tipografía es la clave. Sin embargo, “tipografía” no es la palabra idónea que él aplicaría a su trabajo.
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Diseñada por Zuzana Licko y publicada por la fundición Emigre en 1996, su primera aparición fue en el cartel que Massimo Vignelli creó para la promoción de esta tipografía. En ese cartel aparecía en letras grandes la frase “It’s Their Bodoni” (Es su Bodoni). Su origen parte de la admiración que Zuzana Licko tenia a la tipografía Bodoni, con sus líneas limpias y formas geométricas. Aún así, a menudo no la podía utilizar, por razones prácticas, debido a su fuerte contraste que la hacía poco legible en tamaños pequeños. Muchas de las versiones de la Bodoni que sacaron las distintas fundiciones reflejan la gran variedad del trabajo de este
tipógrafo, que empezó utilizando como modelos los tipos de Fournier desarrollando poco a poco un estilo personal que dio lugar a lo que hoy llamamos el estilo moderno. Esta evolución que experimentaron los tipos de Bodoni hacia la simetría, simplicidad y geometría puede explicar el predominio de los revivals excesivamente geométricos que sufrió esta tipografía, que incluso pudieron ir más lejos de lo que llegó Bodoni. Estos rediseños poseían diversas variaciones optimizadas para diversos tamaños para mantener sus características y legibilidad tanto a tamaños grandes como pequeños. Con la llegada de la fotografía y pos-
teriormente la informática al mundo tipográfico, estas optimizaciones para distintos tamaños se perdieron, al resultar mucho más fácil y económico escalar un único modelo tipográfico. Aún así es necesario en ciertos diseños como la Bodoni el diseño de diferentes variaciones según el tamaño y aplicación a la que está destinada. La Filosofía es la interpretación personal de Zuzana, donde se puede apreciar su preferencia por una Bodoni geométrica, manteniendo al mismo tiempo muchas de las características de la tipografía original para su óptima impresión.
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Nació en Basilea, Suiza, en 1936, donde estudió diseño tipográfico desde 1952 hasta 1957 con Emil Ruder en la Escuela de Diseño .
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caligrafía, los fundamentos básicos de la letra y el diseño de tipos en la Escuela de Diseño de Basilea. Fue parte del equipo que desarrolló, bajo las órdenes de Fue en Monotype Corpora- Adrian Frutiger, los dibujos tion en Salfords, Inglaterra, para la tipografía Univers.. donde trabajó como diseña- Ha sido profesor invitado dor de tipos. Allí se reunió en muchos países, princicon Adrian Frutiger quien palmente en México, EE.UU. lo invitó a París para colay América del Sur borar con él en la oficina Ha diseñado las tipograde diseño de la fundición fías Egyptian 505 y Lino Deberny Tipo y Peignot. Letter, y ha participado en Desde 1965 desarrolló el diseño de la Haas Unica. una exhaustiva actividad docente a través de la enseñanza de la historia, la
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Adrian Frutiger (n. Unterseen (Suiza), 24 de marzo de 1928) es uno de los tipógrafos más predominantes del siglo XX y continúa influenciando el desarrollo de la tipografía digital en el siglo XXI. Es mejor conocido por la creación de las tipografías Univers. Con dieciséis años entró a trabajar como aprendiz en la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acudía a la Escuela de Artes y Oficios de Zurich. Fue el diseñador de las tipografías Univers y Frutiger a mediados de siglo XX.
Nació el 24 de marzo de 1928 en Unterseen (Suiza). En su juventud se sentía atraído por la escultura pero fue desalentado por su padre y su escuela para que se dedicara a la imprenta. Sin embargo su amor a la escultura lo expresó en los diseños. Entra a trabajar como aprendiz en la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acude a la Escuela de Artes y Oficios de Zurcí. En ésta última se enfoca en el estudio y diseño de la caligrafía.
En 1951 realiza un estudio sobre la escritura occidental que merece un premio del Ministerio del Interior. Su trabajo llega a oídos de Charles Peignot, presidente de la fundición francesa Deberny & Peignot, quien sorprendido por su trabajo preciso y detallista ofrece a Frutiger un puesto en su empresa. Frutiger trabaja en esta fundición durante nueve años, siendo su primer trabajo el diseño del tipo President
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