Dossier 'Supermedium' - Cèl·lula n.4 (español)

Cèl·lula n.4

Supermedium

Núria Guiu & Ingri Fiksdal

Cèl·lula surge como un proyecto embrionario para la producción, la creación y la transmisión de la danza dentro de la estructura del Mercat de les Flors. Tiene como objetivo hacer posible la creación de obras de medio y gran formato por parte de coreógrafos que se encuentran en el punto de madurez y de interés para desplegar su talento y su universo estético en este formato escénico. Así, Cèl·lula da apoyo a la creación de gran formato, a la transmisión y circulación de conocimiento dentro de la comunidad profesional.

El proyecto, desarrollado por el Mercat de les Flors entre 2018 y 2023, ha puesto el artista en el corazón del proyecto, un posicionamiento necesario para mejorar la calidad de las creaciones.

Uno de los objetivos de este proyecto es dar más apoyo y acompañamiento a los artistas del territorio, incrementar los recursos disponibles para los artistas y mejorar las condiciones de trabajo.

El proyecto Cèl·lula desarrollado las últimas temporadas ha podido generar grandes formatos escénicos y dar oportunidades de crecimiento al talento local.

Hasta ahora se han hecho 11 laboratorios y tres producciones Cèl·lula, con Albert Quesada, con Pere Faura / La Diürna y con Guy Nader y Maria Campos. Este año hemos propuesto a Núria Guiu una creación dentro del marco de Cèl·lula.

Cèl·lula es una estructura flexible para la creación, la transmisión, la formación continua y el desarrollo de la danza, invita y acoge a coreógrafos, bailarines, creadores y artistas que trabajan alrededor de la danza, la coreografía, el cuerpo y el movimiento.

Núria Guiu está acompañada en este nuevo trabajo por la coreógrafa noruega Ingri Fiksdal. La pieza es parte del proyecto Cèl·lula 4, producido por el Mercat de les Flors (Barcelona). Supermedium es una versión de gran formato inspirada en Medium, solo que las dos coreógrafas crearon en 2022.

En la historia de la danza hasta la actualidad, hay diferentes aproximaciones a la encarnación de lo virtual o invisible. Las brujas o médiums han sido siempre mujeres asociadas a los márgenes de la sociedad y con superpoderes. En Supermedium, nueve bailarinas son el medio a través del

Cèl·lula n.4

Supermedium

que se canalizan danzas provenientes de diferentes tiempos, siendo así un canal que conecta el tiempo pasado, presente y futuro. A través de acciones de invocación, posesión y exorcismo de danzas y movimientos, la performance se desarrolla hacia una ficción especulativa sobre los conocimientos corporales e historias que nos atraviesan y se transmiten a otros cuerpos.

ESTRENO

Del 24 al 28 de enero de 2024

COREOGRAFÍA

CONCEPTO

En Supermedium nueve bailarinas canalizarán el movimiento desde sus propios archivos corporales. Cada bailarina trascendirá, transformará y revelará diferentes rastros de movimientos fantasmales. Son movimientos que han viajado por diferentes cuerpos durante generaciones, quizás de un maestro a un alumno, de una madre a una hija, de un video tutorial de internet a un espectador. Sus cuerpos son poseídos por movimientos que corresponden a diferentes épocas y lugares. Quizás el espectador puede reconocer o nombrar los movimientos de una manera sutil mientras se desvanecen, mudan, desaparecen o se transforman. Cuerpos poseídos por muchos cuerpos. Cuerpos poseídos por la historia. Cuerpos poseídos por la música, cuerpos que transitan por los archivos culturales, personales y virtuales durante el tiempo y el espacio del espectáculo

En Supermedium se examina cómo el cuerpo es poseído por fantasmas del pasado, el presente y el futuro. En este caso, el fantasma se considera una metáfora de cómo las diferentes historias del movimiento y los conceptos físicos se manifiestan en el cuerpo, pero también concretamente con coreografías que pretenden canalizar fantasmas o espíritus reales. En la modernidad occidental, la concepción de la humanidad se ha basado en una distinción entre el ser humano y la naturaleza, pero también en un desencanto del mundo en que ya no hay lugar para fantasmas y espíritus. En los últimos años el giro posthumanista ha intentado reintegrar todo lo que no es humano y volver a involucrar el ser humano como alguien que ya tiene siempre relación con él. No obstante, esta involucración tiende a favorecer el mundo natural, donde los seres como las bacterias y los hongos actúan sobre los seres humanos y viceversa. Sin embargo, hay más reticencia a tener en cuenta también lo que es súpernatural y lo que hay más allá de lo que es material y visible, como los actores no humanos.

Supermedium quiere tratar el universo de lo que es visible y lo que es invisible, de la materialidad y la volatilidad, el espíritu y la carne para poner en cuestión esta tríada del cuerpo como natural, cultural y también como canal de lo que es súpernatural.

CUERPO - IMAGEN - MEDIUM

En la antigüedad, en los cultos funerarios, el cuerpo era un vehículo entre la vida y la muerte. Una persona viva ofrecía su cuerpo a una persona muerta como un medio para que la difunta pudiese manifestarse y expresarse. En todo el mundo hay ritos en que el cuerpo se convierte en el instrumento para que los muertos se comuniquen con el mundo de los vivos, de lo que es invisible y lo que es visible, de los espíritus y la materia. En estos rituales, el cuerpo es poseído y el espítiru a menudo se manifiesta por medio de una voz, música, movimiento o danza. En el día a día, las corrientes ideológicas, la política y también la cultura a veces forman parte de este espectro que nos posee y que nosotros encarnamos aunque no es visible a primera vista.

En la historia de la danza y también hoy, hay muchas aproximaciones diferentes a la encarnación de lo que es virtual o invisible. En Occidente, la danza clásica ha sido un referente en lo que concierne a la representación de las mujeres como espíritu. El segundo acto del ballet (también conocido acto blanco) a menudo se representa con las bailarinas cubiertas con tul blanco. En este acto las bailarinas hacen unos movimientos ágiles y ligeros para representar las almas y los espíritus de los diferentes personajes (Giselle, La sílfide y El lago de los cisnes son algunos ejemplos). En la danza norteamericana moderna, Loïe Fuller se hizo famosa por su danza serpentina. La puesta en escena consistía en un vestido hecho con una tela ancha y ligera que la cubría de cabeza a pies. Alargando los brazos con unos bastones, Fuller podía manipular el vestido y crear grandes volúmenes,

figuras y formas fantasmagóricas bajo las cuales su cuerpo desaparecía. La intención de la danza de Fuller era no centrarse en el cuerpo, si no en su desaparición, y a la vez crear una experiencia extática o hipnótica que también integraba el sonido y la luz. Tanto Mary Wigman como Martha Graham, grandes referentes de la danza moderna, crearon imaginarios en que el cuerpo desaparecía o se transformaba con el vestuario (por ejemplo, Lamentation de Graham y Totentanz de Wigman). Graham recibió mucha influencia de sus maestros Ruth Saint Denis y Ted Shawn, que habían viajado a Oriente (sobre todo a India) y habían adoptado una estética orientalista (que más adelante recibió muchas críticas). Sus coreografías adquirieron importancia en Occidente, ya que impulsaban una nueva concepción del cuerpo como una forma de expresión espiritual.

Hoy más que nunca gracias a la expansión de internet, las imágenes de los cuerpos y el movimiento tienen mucho poder sobre nuestra imaginación. La cultura digital ha producido una sobreabundancia de contenidos visuales. Estos contenidos, volátiles como un espíritu, viajan a gran velocidad por internet y llegan a todos los rincones del mundo. Internet, sin embargo, lejos de ser una nube invisible, se materializa en dispositivos, pantallas, cables que atraviesan océanos, basura que se acumula en los países que Occidente explota y esclaviza bajo una economía capitalista. Aparentemente, todos los contenidos de internet son una especie de fantasmagoría que coloniza nuestros imaginarios, la carne, el pensamiento y el entorno natural.

LA PRENSA DICE

Carmen del Val, El País, Babelia. 26/01/2024

Andreu Gomila, Temps de les Arts. 24/01/2024

Oriol Puig Taulé, Núvol. 31/01/2024

“Se trata de un montaje de gran formato en el que el gesto, la música, la escenografía y el vestuario forman un todo que hipnotiza al espectador desde el primer momento. (…) A lo largo del espectáculo abundan los momentos brillantes.”

“Encima del escenario, nueve bailarinas, coreógrafa incluida, están ofreciendo una demostración de fuerza, plasticidad y energía en lo que es, de largo, una de las mejores escenas de la temporada. (...) En Barcelona, una propuesta como la de Guiu puede aspirar a eso, a hacer de cuatro a ocho funciones en la sala grande del Mercat. Se podría subir la apuesta y colocarla en la sala Fabià Puigserver del Lliure (más de 700 butacas) o la Gran del TNC (más de 800). O incluso en un Teatre Grec (más de 2.000 asientos).”

“El tamaño, a veces, importa. Y lo grande también puede funcionar. (...) Supermedium funciona porque todos bailamos y nos movemos, y muy a menudo nuestros movimientos tienen orígenes que incluso nosotros desconocemos.”

Omar Khan, SusyQ. 24/01/2024

“Y es que uno de los mayores méritos de Supermedium reside en el juego que establece con la percepción del que la observa. El mismo escenario, con aspecto de local en construcción, adquiere otro significado, incluso otra dimensión, tras haber conocido el discurso.”

CRÉDITOS

Dirección

Núria Guiu Sagarra

Coreografía

Núria Guiu con Ingri Fiksdal en colaboración con las bailarinas

Acompañamiento

Clàudia Solwat

Interpretación

Clara Tena, Emma Riba, Mabel Olea, Aina Lanas, Blanca Tolsà, Anna Calsina, Laura Morales, Berta Pascual y Núria Guiu

Diseño vestuario y escenografía Ronak Moshtaghi

Diseño luz original Phillip Isaksen

Adaptación, diseño y técnico luz Arnau Sala

Diseño sonoro y música original Uge Pañeda

Asistencia musical Los Sara Fontán

Asistencia vestuario Manuel Mateos

Fotografía y video

Tristán Pérez-Martín

Producción Mercat de les Flors

Dentro del proyecto Cèl·lula

Estreno

Del 24 al 28 de enero de 2024 en el Mercat de les Flors

Núria Guiu es una bailarina y coreógrafa que nació en Mollet del Vallès y vive en Barcelona. Como bailarina ha trabajado con compañías como Cullberg Ballet, Gisèle Vienne, Carte Blanche Dance Company, Batsheva Dance Company (Kamuyot/Riksteatern), Ingri Fiksdal, Jasmin Vardimon, La Veronal y Kobalt Works, entre otras.

Es profesora certificada de Yoga Iyengar y estudiante del Grado de Antropología y Evolución Humana de la UOC. Ha trabajado como asistente artística de Arco Renz y Gisèle Vienne y también como intérprete de algunas de sus creaciones, com Crowd o This is how you will disappear.

Como coreógrafa, se ha centrado en la relación entre cuerpo, imagen, poder y digitalidad. Likes es un solo que fue seleccionado por la plataforma europea Aerowaves 2018, ganó una mención especial en la categoría de danza en los Premios Ciutat de Barcelona 2018 y un Premio de la Crítica 2018 al mejor solo de danza, además del Premio Dansacat 2020 a la mejor interpretación. Spiritual boyfriends, Futuralgia (encargo de la compañía Unusual Symptoms del Teatro de Danza de Bremen), Cyberexorcismo y Medium (cocreada con Ingri Fiksdal) son sus creaciones más recientes. Guiu ha hecho giras nacionales e internacionales con sus obras en salas y festivales como el HAU Hebbel am Uffer de Berlín (Alemania), la Bienal de Lyon (Francia), el Oktoberdans (Noruega), la Bienal de Saal (Estonia), Les Plateaux (Francia), la plataforma de danza de Taiwán, el festival Bâtard (Bélgica), el Tanzfestival Rhein Main (Alemania) y el festival Grec (España), entre otros. Núria Guiu recibió el Premio Nacional de Cultura de Catalunya en 2022 por su labor como coreógrafa centrada en las relaciones entre la danza y el entorno digital, siempre con una perspectiva socioantropológica. Actualmente Guiu es artista residente en el Mercat de les Flors 2021-2024.

INGRI FIKSDAL ingrifiksdal.com

Ingri Fiksdal es una coreógrafa con residencia en Oslo (Noruega). Es doctora en investigación artística por la Academia Nacional de las Artes de Oslo, con la tesis titulada Affective choreographies (Coreografías afectivas). En los últimos años el trabajo de Fiksdal sobre el afecto la ha llevado hacia los discursos sobre la perspectiva y el privilegio. Actualmente trabaja en diversos proyectos en los que se investiga lo posthumano con estas hegemonías del conocimiento y el poder. En este contexto, la coreografía se entiende como un formato de ficción especulativa que propone interpretaciones complejas y múltiples del cuerpo, el género, la especie, la etnicidad, el conocimiento y la historia. Fiksdal se interesa por la interrelación de la práctica y la teoría en su trabajo de manera que ninguna de las dos se percibe como si fuera anterior a la otra.

Desde 2020 es investigadora artística asociada del grupo de investigación CoFUTURES en la Universidad de Oslo (www.cofutures.org). Este grupo dirigido por Bodhisattva Chattopadhyay investiga los futurismos globales de las tradiciones no anglófonas. En los últimos años los trabajos de Fiksdal se han representado en el festival Obscene de Seúl, el Homo Novus de Riga, el Kunstenfestival de Bruselas, el Palacio de Toquio de París, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el festival Santarcangelo, el Festival de Danza Contemporánea de Pequín, el festival Sommerszene de Salzburgo, el Museo de Arte de Reykjavík, el Teatro de Roma, el Centro Harbourfront de Toronto, el Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, el BUDA de Kortrijk, la Tanzhaus NRW de Düsseldorf y el Steirischer Herbst Festival de Graz, además de hacer largas giras por Noruega.

ANNA CALSINA FORRELLAD ha trabajado por toda Europa con James Thierrée, Lali Ayguadé, RootlessRoot, Carlos Pez, Camille Boitel, Claire Ruffin, Boris Gibé y Muriel Félix. Ha colaborado con Lisi Estaràs en diversas obras, como Monkey mind, que reunía bailarines profesionales y discapacitados, con el apoyo de ballets C de la B. Calsina es cocoreógrafa e intérprete de Bright days, un espectáculo de danza con música en directo del Groupe Pluton, coproducida por workspacebrussels, el centro de artes nona y el centro de artes BUDA. Investiga la danza y el sonido con Kotomi Nishiwaki. Desde 2019 también es cantante del grupo Antoine Loyer et Les mégalodons malades.

BERTA PASCUAL ha simultaneado los estudios de danza con diversos proyectos artísticos, como bailarina en la pieza Carències de Eyan Dance Company, en Yunta como cocreadora e intérprete, en Cyberexorcisme de Núria Guiu, donde fue nominada como mejor bailarina en los XXV Premis de la Crítica de las Ates Escénicas, en La Partida de Vero Cendoya, y participó en el proyecto Liminar dirigido por Toni Mira en el festival Dansa Metropolitana. Actualmente es docente de danza contemporánea en Studio de Danza Maestre, así como intérprete en la nueva producción Parafonies de Blanca Tolsà y en ANÖA, de Elvira Balboa.

CLARA TENA LIÑÁN

ha estudiado en Movement Research y Trisha Brown Studio de Nueva York. Ha realizado Feather Leather, un proyecto multi-formato basado en una red de intercambios en colaboración con Yurie Umamoto. Con esta metodología crea I Am An Orphan de la Valley, Cigronete i Macarronito y la serie de videos Belier OH! Durante 2010 y 2011, como artista residente del centro de creación La Caldera (Barcelona), crea el solo Animal of the Month: Belier, que se estrena en el Festival Grec 2010. Trabaja con Alexis Eupierre, Olga Tragant, John Jasperse, Xavier Le Roy, Elena Albert, Juan Luis Matilla (MOPA), Juan Dominguez, Thomas Hauert, Bea Fernández, Aimar Pérez Galí, Mireia Saladrigues y Quim Bigas, entre otros. Paralelamente, desarrolla PIÑA, un proyecto audiovisual de música y danza en colaboración con Sara Fontán.

BLANCA TOLSÀ

empezó su carrera como bailarina en la Joven Compañía IT Dansa, donde realizó giras internacionales. Ha trabajado con Lipi Hernández, Ariadna Montfort, Zappalà Compagnia y Raquel Klein en Wu Wei, trabajo por el que recibió el Premio Butaca 2020 a la mejor intérprete femenina. Formó parte de la producción Cèl·lula n.1 del Mercat de les Flors con la pieza Flamingos de Albert Quesada. Desde 2019 investiga sobre las asociaciones intuitivas entre la voz abstracta y el movimiento. Así surge su primera pieza Ecoica, preestrenada en Corpografies#7, La Caldera, estrenada y coproducida por el Festival Dansa Metropolitana 2022. Actualmente trabaja como intérprete para coreógrafas como Núria Guiu (Supermedium, Cèl·lula n.4), Georgia Vardarou, Paloma Muñoz – Cia Siberia y Constanza Brncic, entre otras.

LAURA MORALES crea en 2013, con Greta García, el colectivo multidisciplinar Hermanas Gestring, con el que ganan el primer premio en el Certamen Coreográfico de Madrid Pasoa2 con la pieza Good Girl en 2016. Ha recibido el premio de bailarina excelente por la Fundación AISGE para asistir como Coreógrafa internacional a la American Dance Festival y, posteriormente, al Movement Research en Nueva York. Ha colaborado con Teresa Navarrete, Guillermo Weickert, Horacio Macuacua, Aitana Cordero, Mopa, Judith Sánchez Ruiz y Caroline Beach. También desarrolla proyectos propios estrenados todos ellos en el Teatro Central de Sevilla. También colabora con el colectivo alemán CALLSA Sailory sindicate y con la Cia. Truca Circus.

MABEL OLEA usa las herramientas digitales para trabajar parte de su propuesta artística, en una línea de investigación sobre el cuerpo con conceptos como la belleza, la imagen o la apariencia. Ganó el Premio SAT del Institut del Teatre y ha estrenado su primera pieza de gran formato, Japan (2021), y está creando una segunda. Como intérprete trabaja con Les Impuxibles, Marie Gyselbrecht y Núria Guiu. Formó parte del equipo de bailarinas de Rigoberta Bandini en el Benidorm Fest y gira Rigotour. A nivel audiovisual ha trabajado en La Mesías, serie de Javier Calvo y Javier Ambrossi, y en Autodefensa de Belén Barenys, Berta Prieto y Miguel Ángel Blanca. También ha participado en otros proyectos visuales como Las niñas de cristal, Chavalas o Fácil, además de videoclips para Rigoberta Bandini, J Balvin o Clara Peya.

AINA LANAS ha trabajado como intérprete y cocreadora de movimiento en compañías como Kulbik, Cirque du Soleil, Jazzbetween, InMotus, Africa Moment, Piny Orquidaceae o LaCerda, girando internacionalmente con muchos de sus espectáculos. Dirige sus propios proyectos de vídeodanza, recibiendo por su último proyecto, Desasosiego, tres premios internacionales a Mejor Coreografía, Mejor Corto y Grand Award en el Festival Homescreen de San Diego. Ha impartido Danzas Urbanas dentro del Grado Superior de Coreografía del Institut del Teatre y trabaja para la industria musical, TV, publicidad y/o marcas como bailarina y directora de movimiento. Dirige su propio proyecto, Cia Aina Lanas. Trabaja con Si Los Martes Fueran Viernes, casa de la improvisación.

EMMA RIBA SANTURÉ trabaja como intérprete, desde 2016, con coreógrafos como Willi Dorner y Zsuzsa Rozsavolgyi, con las compañías Ex Nihilo y Cielo RasO y con la ENA (Escena Nacional de Andorra). En el ámbito de la creación propia, forma parte de la compañía La Súbita junto a Laura Alcalà. Juntas han creado piezas como Olor de menta gracias al proyecto Balla’m un llibre de la APDC y la Generalitat de Catalunya, o Silver Ballad. En Andorra cofunda el colectivo L’ERA Arts Escèniques, donde trabajan en la creación artística en relación al patrimonio cultural inmaterial de Andorra y también con la bailarina Rosa Mari Herrador Montoliu trabaja en la dirección y creación de los espectáculos BRAM y Tragineres de pulsions.

UGE PAÑEDA “Okkre”, diseño sonoro y música original. Productora de música electrónica experimental y diseñadora sonora. Como música y psicóloga, combina las dos facetas profesionales que han hecho de su vínculo con el sonido una constante exploración a través de la percepción humana. Ha colaborado con coreógrafos como Aimar Pérez Galí o Mar Aguiló, ha publicado en sellos internacionales de música electrónica experimental, como Editions Mego, Eotrax o Modern Obscure Music. Ha colaborado en publicaciones y soundtracks con artistas como Ryuichi Sakamoto, Arca o Fennesz y ha tocado en festivales como Sónar, Berlín Atonal, LEV o MutekMX.

ARNAU SALA MAESTRO, diseño iluminación. Ha sido responsable de iluminación en festivales como el escenario ATP del Primavera Sound 2012-2013 o el Monster of Rock de Zaragoza 2009, así como responsable técnico en el teatro Olímpia y Auditorio de Huesca. Ha trabajado en programas de televisión para Aragón TV, eventos, pasarelas de moda, anuncios, festivales y diversos eventos para le empresa Rampa Huesca S.L., entre otros. Después de unos años especializándose en soluciones medioambientales, vuelve a las artes escénicas como director técnico de la compañía La Diürna de Pere Faura; colabora con la empresa de iluminación CUBE y trabaja también para compañías como Vero Cendoya, artistas como Enric Montefusco, Sonia Gómez, Gaston Core, Nuria Guiu, Raquel Gualtero o Marc Parrot, entre otros.

CLÀUDIA SOLWAT, acompañamiento a la creación. Actualmente desarrolla actividades relacionadas con la investigación del cuerpo y el movimiento, la docencia y la creación. Acompaña y facilita procesos creativos como ayudante de dirección y asistencia a la coreografía y movimiento (las últimas colaboraciones con Núria Guiu, Pere Jou y Aurora Bauzà, Guy Nader y Maria Campos, Albert Quesada y Pere Faura). Ha bailado desde “siempre”, moviéndose por diferentes estilos y combinándolo con otros tipos de estudios (Psicología, Pedagogía de la Danza, Site-specific Dance, Mindfulness y Diafreo). Ha trabajado como bailarina para diferentes compañías de teatro y danza, y como creadora en diferentes proyectos escénicos. Ofrece talleres de danza para diferentes colectivos. Forma parte del colectivo MOVE ANATOMYe.

MANUEL MATEOS, asistente vestuario. Figurinista que actualmente vive y trabaja en Barcelona. Cursó un grado superior de diseño de moda en la Universidad BAU de Barcelona (2018-2022) y, desde entonces, ha colaborado como asistente de figurinista o figurinista en diversos teatros de la ciudad como El Gran Teatro del Liceo, el Teatre Lliure, el Teatre Romea, el Mercat de les Flors o el Festival Grec.

RONAK MOSHTAGHI, diseño vestuario y escenografía. Artista visual iraní que vive en Berlín y Oslo. Estudió pintura en la Universidad de Art de Teherán y en 2013 estudió en Oslo, donde en 2017 se graduó en Bellas Artes en KHIO. La práctica de Ronak se encuentra en la intersección del dibujo, la escultura, el arte de la instalación y la investigación. La obra de Ronak se ha mostrado en Kunsthall Oslo, Louise Dany, Oslo; Destiny’s Atelier, Oslo; The Mosaic Rooms, Londres; Black Box Theatre, Oslo, festival de danza de octubre, Bergen y Spreeufer, Berlín. Además de hacer arte e investigación, su práctica también incluye proyectos colectivos auto organizados, como la plataforma Bazar Art Book (2018).

FUENTES / REFERENCIAS

Durante la función se invocan rastros de danzas, coreografías, coreógrafxs, bailarinxs, pasos, estilos, técnicas y prácticas de movimiento que forman parte del archivo afectivo-corporal de las intérpretes. Por archivo entendemos todos los movimientos y danzas que forman parte de nuestro cuerpo-memoria. Estos archivos pueden provenir de tiempos y lugares muy diversos y los podemos haber integrado a través de relaciones personales, a través de la historia y la cultura o a través del mundo visual/virtual.

Los archivos se manifiestan a veces fieles a su fuente, a veces en forma de ausencia, a veces aparecen borrados por el tiempo, por la memoria y por el propio deseo de ser transformados, hibridados o ficcionados, tal y como sucede en los sueños. A veces los archivos toman vida más allá de nuestros cuerpos para bailar a través del sonido, la luz, la escenografía y el vestuario. Durante la función invocamos, canalizamos y exorcitamos los siguientes archivos:

* en orden de aparición en la pieza.

• Blue, Juan Dominguez (performance, Bélgica, 2009).

• Waacking (un street dance providente del punking, creado en los clubes gays de Los Angeles, 1970).

• Mia Wallace y Vincent Vega (Uma Thurman y John Travolta) en Pulp Fiction (película 1994), coreografía de Lauren YalangoGrant que combina diferentes pasos y estilos de danza de los 60’ (“el twist”, “the monkey,” “the swim”, “the Batman o Batusi”).

• Romeo y Julieta (ballet, Italia, 1965), Teatro alla Scala, Julieta bailado por Alessandra Ferri.

• El lago de los cisnes (ballet, Marius Petipa, Francia, 1895), Black Swan (Estados Unidos, película, 2010).

• Built to Last, Meg Stuart / Damaged Goods (danza contemporána, Bélgica, 2012).

• Este lugar entre: Prethink and free action. Bea Fernández (Cataluña, 2015).

• @yurii_tolochko #dirtymacho #pansexual #caveman (Instagram, 2024).

• Fase, ROSAS / Anne Teresa de Keersmaeker (danza contemporána, Bélgica,1982).

• Bailes latinos: salsa (Cuba, 1970), samba (danza afrobrasilera, 1838), cha-cha-cha (Cuba, 1950).

• Blancaneus (1994), Festival de l’Escola Catalunya.

• María M. Cabeza de Vaca (bailarina y coreógrafa de danza contemporánea, España, 2024).

• What the body does not remember, Última Vez / Wim Vandekeybus (danza contemporánea, Bélgica, 1987).

• Técnica Graham (técnica de danza moderna desarrollada por Martha Graham en los Estados Unidos entre 1930 y el 1950).

• Grease. Sandy, interpretada por Olivia Newton-John (película, Estados Unidos, 1978) «You’re The One That I Want» coreografía de Patricia Birch.

• Krumping, Ceasare «Tight Eyez» Willis y Jo’ Artis Ratti «Big Mijo» (danza afroamericana, 2000).

• «Hay que venir al sur», Raffaella Carrá (España, 1978).

• La mama i jo fem voltes agafades de mans (aportación de arxivo por parte de una participante de la práctica abierta de Supermedium 2023).

• Sirtaki, danza griega coreografiada por Giorgios Provias para la película Zorba the Greek (1964).

• Sardana (danza popular catalana, siglo XVI).

• Ballet de la cort (Francia, siglo XIV).

• El ball de l’envelat (aportación de arxivo por parte de una participante de la práctica abierta de Supermedium 2023).

• Lambada, Kaoma (danza afrobrasilera, 1989).

• The exorcist, por Ann Miles fhaciendo de especialista en la escena de la araña (Estados Unidos, 1973).

• Sexy-style dance (proviniente del Dancehall, Jamaica, 1990).

• Akram Khan, bailarín y coreógrafo (2000), fusión de danza contemporánia y kathak (danza clásica de la Índia).

• Billy Goodson, bailarín y coreógrafo de Diana Ross en Love Hangover (Caesar’s Palace, Las Vegas, 1979).

• Los Ángeles de Charlie (serie de televisión, Estados Unidos, 1976-1981).

• Lisi Estaras en VSPRS de Alain Platel (danza contemporánea, Bélgica, 2007).

• El mar, Àngels Margarit y Agustí Fernández, (videodanza, 1990).

• Black Swan, interpretada por Natalie Portman y coreografiada por Benjamin Millepied (película, Estados Unidos, 2010).

• Yoga Iengar con Alexis Simon (Bélgica, 2015).

• Trisha Brown, Accumulation (danza moderna, Estados Unidos,1971).

• Watermotor, Trisha Brown, vídeo de Babette Mangolte (danza moderna, Estados Unidos, 1978).

• Flashdance, interpretado por Jennifer Beals con coreografía por Jeffrey Hornaday (película, Estados Unidos,1983).

• La siesta de un fauno, Vaslav Nijinski (ballet, Francia, 1912).

• «Desesperada», Marta Sánchez (videoclip, España, 1993).

• Sevillanas (danza popular, Andalucia, España, siglo XVIII).

• Floss, canal de YouTube de JStuStudios (YouTube, Estados Unidos, 2014).

• Café Müller para el Tanztheater Wuppertal con coreografía de de Pina Bausch (danza teatro, Alemaña, 1978).

• Crowd, Gisèle Vienne (performance / danza contemporánea, Francia, 2017).

• Challenge «Chicken Teriyaki», coreografía de Natalia Palomares, canción de La Rosalía (Tik Tok, 2022).

• Twerk (estilo de danza de la Costa de Marfil), perro (Puerto Rico, 1990).

• Retrospectiva, Xavier Le Roy (performance / danza conceptual a Fundació Antoni Tàpies, Cataluña, 2012).

• «I Believe In You», Kyle Minogue, coreografía de Rafael Bonachela (videoclip, Estados Unidos, 2004) .

• «2 Become 1», Spice Girls (videoclip, Estados Unidos, 1996).

• Festival Deltebre Dansa, Roberto Oliván (Cataluña, 2008).

• Botafumeiro (catedral de Santiago de Compostela, siglo XI).

• «Techno Viking», Fuckparade Berlin (meme viral, 2020).

• Bright Days, Groupe Pluton (danza contemporánea, Bélgica, 2020).

• Motomami World Tour, Rosalía, coreografía de Mecnun Giasar (2022).

• Stones & Bones, Rootlessroot (danza contemporánea, Grecia, 2021).

• «Billie Jean», Michael Jackson (videoclip, Estados Unidos, 1982).

• Saturday Night Fever (película, Estados Unidos,1977), interpretado por John Travolta con coreografía de Lester Wilson.

• The Shining, The Grady Girls (película,1980).

• The Ring, personaje Samara Morgan interpretado por Daveigh Chase (película, Estados Unidos, 2022).

• «Countdown», Beyoncé, plagio de la coreografía del ballet Rosas danst Rosas de Anne Teresa De Keersmaeker del 1983. (Estados Unidos-Bélgica, 2011).

• Shiva Nataraja (dios hindú, bailarín cósmico, siglo V).

• «Gorilla», Little Simz (Estados Unidos, 2022).

• «The Time Of My Life» de Dirty Dancing, coreografía de Kenny Ortega, estudiante de Gene Kelly (película, Estados Unidos, 1987).

• Luis Fruta bailando en la discoteca (bailarín, Cataluña, 2024).

• Serpentine dance: Loïe Fuller (Estados Unidos, 1891).

• Isadora Duncan (Estados Unidos,1877-1927).

• Giselle ballet. Acto blanco, “The Willis” coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli (Francia, 1841).