<RGD> - Issue #1 by esenze

STAFF:

David EcheverrĂa Editor

Esther Encinas Ilustradora y editora

Aitor Azpirotz Editor

Índice

TENDENCIAS

6-8

FERIA DE ARTESANÍA 2018

12 - 15

FANNY ALONSO COUTURE

18 - 29

ALGO MÁS QUE GRADOS UNIVERSITARIOS

SURREALISMO AITOR RISOGRAFIA

30 - 35 36 - 40 42 - 45

PARADÓJICOS PARAGUAS

46 - 51

SPIDERMAN

52 - 54

NOBEL

56 - 57

ENTREVISTA NAROA SORO

60 - 61

ZARA

62 - 63

CONSTELACIONES

66 - 71

Tendencias

Por Esther Encinas

Color explosión

Degradados Complejos y Duotonos:

Si hay una tendencia en diseño gráfico que seguro que vamos a ver en 2019 es la explosión de colores. El color va a volver al diseño gráfico en todos sus aspectos y sin complejos.

El año pasado había predicho que los degradados empezarían a apoderarse del mundo. Especialmente luego de ver a las grandes empresas acogerlos, como Microsoft, Stripe, Apple Music,...

Vamos a presenciar el renacimiento del uso de colores en todo su esplendor. Colores brillantes, glows, mates, metálicos, gradientes y combinaciones inverosímiles pero bien trabajadas…

Los duotonos porque puedes hacer que casi cualquier imagen combine con la marca de tu empresa. Y como probablemente sabes, mantener la consistencia en las cosas es realmente importante en el mundo del diseño.

El color va a iluminar presentaciones, fotografía, diseño gráfico, ilustración y publicidad.

Los duotonos ya no son tan populares como solían serlo hace algunos años. Pero aún se pueden usar para hacer algunos gráficos muy interesantes

Tendencias

Por Aitor Azpirotz

Efectos ópticos

Efectos Metálicos

Una ilusión óptica es cualquier ilusión del sentido de la vista que nos lleva a percibir la realidad erróneamente.

El oro nunca pasa de moda, pero en las tendencias de diseño gráfico de 2019, también veremos muchos otros elementos de metal, incorporados en los diseños. Especialmente cuando se trata de diseños en 3D, los elementos dorados y otros elementos metálicos llevan a toda la composición al siguiente nivel, lo que la hace parecer algo caro y exclusivo.

Éstas pueden ser de carácter fisiológico asociados a los efectos de una estimulación excesiva en los ojos o el cerebro (brillo, color, movimiento, etc., como el encandilamiento tras ver una luz potente) o cognitivo en las que interviene nuestro conocimiento del mundo (como el Jarrón Rubin en el que percibimos dos caras o un jarrón indistintamente).

Mostrar varios metales con un efecto de color iridiscente también es un aspecto bastante moderno. Tales diseños parecen encantadores y fascinantes, ya que muestran una hermosa paleta de colores brillantes cuando la luz incide en su superficie.

Tendencias

Por David Echeverría

COLOR CHANNEL

GLITCH

Una clara tendencia en fotografía publicitaria y cartelería del año 2019 va a ser lo que yo denomino el color channel.

El glitch es un efecto que va a ser una de las tendencias de diseño gráfico 2019.

Las imágenes pueden separarse según su espectro cromático, siendo lo que vemos normalmente el conjunto y la unión de estos canales cromáticos. El color channel no es más que la separación de los canales de la imagen para formar una nueva imagen. Con ello y combinado con arte, un diseñador gráfico y fotógrafo capacitado puede conseguir grandes efectos visuales y algo más importante, transmitir sensaciones, ideas, sentimientos y abstracción.

Por Víctor Balbín

El glitch consiste en un efecto visual que simula un error de archivo digital o un archivo dañado. Para que nos entendamos, hay que imaginar que tomamos una fotografía y la guardamos en un usb, al intentar imprimirla resulta que, por lo que sea, el archivo está dañado y de algún modo lo logramos recuperar pero no en su totalidad.El resultado es glitch. Aquí la gracia va a radicar a aplicar este efecto de forma simulada sobre imágenes, ilustraciones y diseño gráfico en general. El resultado va a ser un producto underground, vanguardista, de una realidad de diseño gráfico distópico

Artisautza

Como ya va siendo tradicional durante la Semana Grande de Donostia / San Sebastián la artesanía se suma a los actos que en ella se celebran mediante la organización por parte de la Asociación de Artesanos de Gipuzkoa, Gabiltza, de la 20ª edición de la Feria de Artesanía de “Aste Nagusia”.

La Asociación de Artesanos GABILTZA fue creada en 1996 para llenar un vacío que existía en Gipuzkoa en el sector de la artesanía. Entre sus objetivos podemos encontrar los siguientes: los siguientes: regularización del sector artesanal, impulso y desarrollo de la artesanía de Gipuzkoa, potenciación de la calidad de los productos promoción

del diálogo y la relación entre sus miembros, creación de vías de comercialización y especialización. La Feria Artesanía se celebrará durante la Aste Nagusia donostiarra. En esta edición podremos encontrar alrededor de una veintena de puestos situados en la Plaza Vinuesa.

Artisautza

ARTISAUTZA azoka

feria de ARTESANÍA

CALLE URDANETA KALEA, DONOSTIA

Artisautza

Organizado por Lur Kolektiboa, nueva edición, la 45ª, de la tradicional Feria Navideña de Artesanía en Donostia - San Sebastián. Stands con productos de todo tipo como trabajo en cuero, joyería, cerámica... Una gran variedad para que todos encontréis lo que os gusta.

Horario: De 10:30 a 14:00 horas y de 16:30 a 20:30 horas. (25 de diciembre y 1 de enero cerrado) Ubicación: Calle Urdaneta (Koldo Mitxelena-Buen Pastor). Organiza: Lur Kolektiboa Colaboran: Diputación Foral de Gipuzkoa

FA N N Y ALONSO COLLANTES

Fanny Alonso Couture - Reportaje

Fanny Alonso Collantes “Mi vida siempre ha estado vinculada a la creatividad. Es algo de lo que no puedo separme nunca.” Diseñadora gráfica y de moda, con años de experiencia desarrollando prendas sostenibles y manufacturadas para mujeres. Un estilo en que predominan las líneas rectas, que se encuentran en cortes limpios simulando a veces formas geométricas. Los tonos suaves contrapuestos con cuadro escocés irrumpen en sus diseños para dotarlos de un carácter exclusivo de ella. adictiva. Cinco diseños presenté en ¿Quién es Fanny Alonso? esa ocasión. Gustó mucho, así que Una vida entre de dibujos y telas. más que motivada repetí tres veces más. Inició sus estudios de Diseño de Un poco más experimentada, llemoda con 18 años, mientras comgué a Pamplona para presentar en paginaba estudios de patronaje, PASARELA 948 mi nueva colección corte y confección, diseño gráfico y, casi seguido, fui a GAZTEIZ-ON y dibujo. en Vitoria. Actualmente, estoy pre“Mi vida siempre ha estado vincuparando nuevas creaciones para lada a la creatividad. Es algo de lo presentar en diferentes pasarelas. que no puedo desvincularme”. Mis Cuando alguien me pregunta que amigas dicen que mi cabeza no me inspira, pienso que un diseñadescansa nunca, siempre dándole dor de la modalidad que sea, nunca vueltas a esta idea o a aquella otra puede separarse de su esencia. Está y dejan que me pierda un poco continuamente en fase creativa. En en mi nube. Por circunstancias de los momentos más cotidianos de la vida, al acabar de estudiar disela vida diaria hay inspiración. Surge ño empecé a trabajar de dibujande cualquier cosa o situación con la te y la moda pasó a un segundo que tropiezas. Todo ello yo lo traslaplano. Fueron pasando los años, do a cualquier trocito de papel. Más pero la moda se mantuvo ahí, bien tarde me reencuentro con ellos en haciendo ropa para mí, para amicualquier rinconcito de mi casa, de gas o ejerciendo de personal shomi bolso, de los bolsillos... Ni que pper “a nivel usuario” para mis amidecir tiene que tengo cuadernos gas, etc... de notas de todos los tamaños para Un día conocí a Elena Álvarez De el bolso, para el coche... pero el que Eulate “mi hada madrina”, vio las no falta es el de la mesilla de noche; cosas que hacía y se empeñó en momento en que mi cabeza aproque desfilará en una pasarela que vecha para plantear un montón de organiza la academia de modelos ideas que no pueden esperar a que First Models de Donostia en la sala me levante de la cama e ir en busca de fiestas Bataplán en Donostia. de un cuaderno... Cada cierto tiempo se organiza para que desfilen marcas conocidas o que se quieren dar a conocer. Ahí, es donde me enganché a esta profesión tan volátil como

Fanny Alonso Couture - Reportaje

Me encantan las líneas rectas, que se encuentran en cortes limpios simulando a veces formas geométricas. Me gustan los tonos suaves, pero en contraposición me apasiona el cuadro escocés. Irrumpe en mis diseños para darles mucho carácter. Digamos que me siento identificada con él. Y que su estructura está regida mi colección. Creo que todo eso me lo aporta el lino, el neopreno, el escocés digamos que es la tela que mejor materializa mis ideas. Actualmente estoy experimentando e innovando, quiero ver como el encaje más orgánico interactúa con estas telas más rígidas por excelencia. Es un poco como este mundo o la vida misma. Se interactúa todo y todos. En este punto es cuando te planteas como está el futuro en esta profesión. Ni más ni menos que el resto de las profesiones creativas.

La crisis acechando en cada momento... Tengo una mirada optimista siempre hacia adelante. En este mundo donde domina la tecnología y las producciones en serie creo que cada vez se valora más las piezas únicas, diferentes y trabajadas con mimo y cuidado... Entre puntada y puntada, para bajarme de estas dosis de realidad me evado en mis gustos y aficiones. Por ejemplo, me apasiona la artesanía: de hecho, confecciono muñecas en mis ratos libres y también hago complementos. Al final, siempre sipo creando, pequeños detalles y guiños que hacen un todo. Por eso, espero seguir con mi pasión y no dejar nunca de encontrarme papelitos por la casa, el coche, etc. Será una prueba de que sigo viva y que sigo feliz con lo que hago.

Cómo Trabajamos Corte y confección al más puro estilo tradicional, cuidando cada puntada con mimo y poniendo todo el alma en cada hebra. Hablar de moda sostenible es hablar de tendencia en auge. Es una filosofía de diseño que cada vez gana más adeptos entre los diseñadores reconocidos y emergentes, las escuelas de moda y el ámbito de la costura hasta el más pequeño nivel. Es una responsabilidad social en todo el proceso de creación y fabricación qué hay detrás de lo que vestimos. Son prendas eco etiquetadas, materiales que no perjudiquen el medio ambiente ante una responsabilidad ambiental, la posibilidad de una cadena de reciclaje... estos son algunos conceptos que se mueven bajo el la etiqueta de “ sostenibilidad en la moda”. En mi caso, apuesto por una creación de marca y diseño española, totalmente artesanal detrás de cada pieza. Tiempo, mimo y cariño son dedicados a una fabricación a mano sin ningún tipo de maquinaria industrial que yo misma realizo paso a paso. Cortes limpios que imprimen carácter en mis pequeñas colecciones y siempre bajo la referencia de la dedicación y las cosas bien hechas.

Fanny - Entrevista

Fanny Alonso, es licenciada en comunicación pero trabaja en un rubro que no es fácil de comunicar, la moda. Comenzó su carrera escribiendo sobre las últimas tendencias, y hoy junto a Mónica Zanocchi, está al frente del estudio de comunicación Estudio Couture, dedicado a la estrategia, generación de contenidos y organización de eventos en el mundo de la moda. ¿Cómo entró en el mundo de la moda?

¿Cuál fue el valor incubadas en Ingenio?

En 2007 trabajaba en El Observador, escribía sobre moda pero al mismo tiempo me desempeñaba en el Centro de Tendencias del LATU, en una sección dedicada a generar información sobre macro tendencias sociales sobre moda para empresas textiles. En 2008 dejé El Observador para dedicarme de lleno al trabajo en LATU, y en ese momento Mónica (Zanocchi) me invita a participar de Couture blog.

Tuvimos dos años y medio de incubación remota. Dejó un montón de cosas: el contacto con el mundo emprendedor y los aportes de trabajar con consultores. Hicimos varios planes de negocio. Nosotras lo tomamos como un MBA.

¿Cuál fue la importancia de Blog Couture? Perteneció a la primer camada de blogs de moda en Uruguay y en el mundo. Era considerado un medio pero con características raras porque tenía mucho de personal. Ahora el blog (como plataforma de comunicación) se masificó y se contaminó un poco. ¿Cómo fue el pasaje del mundo digital a la consultoría? Nos dimos cuenta de que el blog tenía un potencial muy grande. Entramos en un programa de capacitación de Dinapyme en 2010, y visualizamos que tener un blog no era un negocio muy escalable. Llegamos a la conclusión de que teníamos que hacer lo que hacíamos pero enfocado a las empresas.

estar

¿Qué cambió desde que se unió a Blog Couture hasta ahora? Muchas cosas. Generé muchísima experiencia. Hicimos muchas apuestas; algunas salieron bien y otras no tanto. En el mundo de la moda en Uruguay, vivimos una cierta profesionalización y un boom -en nosotras y al mismo tiempo en las marcas-. Las marcas pasaron de tener solo un local a volverse visibles y tener que posicionarse. Supimos responder a esa demanda del mercado. El miércoles se realiza la segunda edición de Mod A Tech ¿Qué se pretende lograr? Una sinergia entre el mundo de la moda y la tecnología; además de ver qué nuevos modelos de negocios y emprendimientos puedan surgir.

Fanny - Entrevista

En la primera edición en diciembre pasado tanteamos las aguas, y la recepción fue muy buena. En esta edición buscamos que se hable de tendencias.Mod A Tech es un proyecto de Estudio Couture y Natalie Alazraki de Styleismo. Blog couture y Styleismo son dos empresas que se completan muy bien y tienen mucho que ver. Nos cuesta mucho encontrar partners que se adapten a nuestro perfil; que mezclen la tecnología con la moda. ¿Cuáles son los planes de Estudio Couture? Se vienen cambios grandes. Llegó el momento de otro nuevo vuelco en lo que hacemos. No puedo adelantar mucho, pero queremos lograr una mayor sinergia entre la tecnología y la moda. Lo más importante a futuro es continuar trabajando como lo seguimos haciendo; siempre decimos que tenemos una mirada curatorial sobre nuestro trabajo. Antes que nada, ¿cómo surgió tu colaboración con Pinnacle? Yo solía diseñar y fabricar mi propio mobiliario; realizaba la maquila en China, pero comencé a tener problemas con los tiempos de entrega e incluso con los estándares de calidad. Definitivamente eso no era bueno para mi reputación y decidí empezar a fabricar en Norteamérica. Fue entonces que me acerqué a Pinnacle y resultó que así como yo buscaba un

fabricante, ellos buscaban un diseñador para desarrollar una línea. Ambos somos canadienses, así que, ¿por qué no trabajar en conjunto? Hoy, ellos se encargan de todos los procesos de producción y yo solo tengo que concentrarme en la parte más importante: diseñar. Háblanos del concepto detrás de la línea que creaste para Pinnacle… Se trata de una línea de sofás y sillones muy modernos; no voy a hablar de mi diseño, prefiero decir que Pinnacle garantiza altos estándares de calidad y algo inusual en esta industria: su tiempo de entrega es de apenas seis semanas. Casa Palacio sumó a su colección dos líneas de tu creación: “In flight” y “Wave”. ¿Qué nos puedes decir de ellas? Primero, que –como en gran parte de mi trabajo– en ambas líneas hay una intención “escultórica”. La idea es que puedas apreciar las piezas desde diversos ángulos, sin importar que estén colocadas junto a una pared o si el espacio en el que se encuentran es más grande, puedes caminar a su alrededor y observarlas. Otro aspecto importante es que son líneas muy sexys. Están inspiradas en formas femeninas. Por último los materiales: Pinnacle fabrica mi mobiliario en pieles certificadas de Sudamérica o bien en telas importadas de Europa.

Fanny - Entrevista

¿Qué hace diferente a tus piezas de las de otras marcas? Hay que prestar atención a las medidas y las proporciones. Si observas, los sofás son más profundos a lo acostumbrado. La intención es simple: hacerlos más cómodos. También los respaldos y los brazos rompen con las medidas tradicionales. En el caso de “In Flight” creo que definitivamente logramos el efecto de ingravidez que buscábamos. ¿De dónde vienen estas ideas, qué te inspira? Mi inspiración proviene de las cosas más inusuales; por ejemplo la idea del sofá “Wave” me vino a la mente observando la recepción de un hotel. No me preguntes cómo, pero así fue. En ocasiones puedo ver a una mujer en la calle y el cómo se viste o se mueve me hace pensar: “¡ella podría ser un estupendo sofá!”. También me inspiran los coches y me interesa mucho el diseño orgánico, me refiero a las formas que nos remiten a la naturaleza. Creo que entre más viejo soy, más creativo me he vuelto, especialmente desde que ya no estoy involucrado en la producción. ¿Y cómo es tu proceso creativo? Tengo una carpeta con muchísimos recortes de revistas: fotos de moda, mujeres, autos, joyería… cualquier cosa que me resulte interesante y que creo que podría reinterpretar en una pieza de mobiliario.

¿Y qué nos puedes decir de la actual escena de diseño canadiense? Es muy interesante; por una parte está dominada por las mujeres y por otra se está volviendo más internacional y esto tiene que ver con la globalización. Sin importar si estás en Oslo o en Buenos Aires, todos entramos a los mismos sitios web, leemos las mismas revistas, tenemos las mismas influencias… Hasta hace tan solo 10 años podíamos hablar de un estilo canadiense cuya principal influencia era Europa. Hoy ya no podemos hablar de un estilo local, ni siquiera americano. Actualmente impera un estilo internacional. Por último, ¿cuál sería tu mejor consejo en materia de interiorismo? Personalmente no creo en las tendencias. Creo en lo que te apasiona. ¿Te gusta el arte africano pero ya no está de moda? ¡Qué importa! Colecciónalo, incorpóralo a tu estilo. Hace poco di una conferencia y la titulé: “Exprésate. Sé ecléctico”, creo que eso resume mi forma de pensar en torno al interiorismo: antes la gente compraba sets de muebles, todos en un mismo estilo, en los mismos materiales y hasta el mismo color. Hoy, creo que puedes ir a una tienda y elegir una pieza y después ir incluso a otro piso y elegir otra que no tenga nada que ver con la primera. La idea es simple: mezclar y combinar.

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ArtĂculo Ikasenpresa + Entrevista david EcheverrĂa

Artículo Ikasenpresa + Entrevista david Echeverría

IP - Información Profesional “Los Grados Universitarios no abarcan todo”

La plataforma Ikasenpresa de Ekingune celebrará en febrero su feria anual de proyectos llevados a cabo por alumnos de diversos grados dentro de los ciclos de formación profesional. Uno de estos proyectos quiere hacer ver al mundo que la formación académica no Universitaria es igual de válida que ésta de cara al mundo laboral. Ikasenpresa es un programa educativo que se desarrolla en torno a la creación de empresas escolares en las aulas. Este proyecto tiene entre sus objetivos acercar el mundo de la empresa al aula, potenciando el desarrollo de capacidades emprendedoras (creatividad, innovación, trabajo en equipo, toma de decisiones, iniciativa, liderazgo, compromiso y determinación, negociación, etc.), estimular el acercamiento a otras culturas y realidades sociales y promocionar la cooperación entre centros escolares.

Los principales bjetivos de esta dinámica son: -Crear una Ikasenpresa con lo que el alumnado es consciente de lo que implica emprender y los pasos que tiene que dar para ello.

-Desarrollar las competencias del alumnado para convertirlos en buenos profesionales empleables y personas activas y emprendedores e intraemprendedores.

-Sensibilizar al alumnado para que el autoempleo sea una opción más.

Para ello, los alumnos montan una pequeña empresa en la que realizan todas las actividades de la misma, imagen corporativa, administración, marketing, compraventa, etc. Sus productos son reales, realizados por ellos mismos o comercializados. A lo largo del curso se realizan dos asambleas de empresarios donde dos representantes de cada empresa participan en la reunión, en la primera presentan su empresa al resto y en la segunda cuentan la marcha de la misma. En la primera parte de estas reuniones se les dan talleres de Comunicación y Punto de Venta. Finalmente, durante el mes de febrero se organiza una feria para que los alumnos trabajen el punto de venta y ofrezcan al público sus productos. A continuación entrevistamos a David Echeverría, uno de los miembro del proyecto IP o Información profesional.

Artículo Ikasenpresa + Entrevista david Echeverría

Entrevistador: Lo primero de todo, ¿Cómo surge la idea de esta empresa? D.E. Cuando se nos presentó el proyecto, una de las premisas básicas del mismo era que debía atender a una necesidad o carencia social. En base a esto, se propusieron varias ideas entre toda la clase y finalmente se formaron grupos para llevar a cabo las que nos parecieron mejores. En mi caso, cuando vi la idea de este proyecto consideré que tenía mucho potencial y, en base a mi experiencia personal con los estudios, decidí que era un proyecto que podía apoyar con convicción. Entdor. ¿En qué consiste exactamente la labor de la empresa IP? D.E. Yo no nos consideraría una empresa como tal; IP es más bien una plataforma abierta a todas las personas que quieren formarse académicamente. Nuestra labor abarca dos campos simultaneamente. Por un lado, realizamos conferencias en los centros de enseñanza obligatoria como los colegios en las que intentamos que los alumnos que están cursando la E.S.O. sepan que su futuro no debe estar condicionado únicamente por qué carrera aspiran a estudiar.

En conjunto a esto, IP tiene una página web desde la que ofrece información acerca de posibles estudios que cursar dentro de la formación profesional para los estudiantes que finalizan el Bachillerato y todas aquellas personas que, habiendo acabado sus estudios, buscan formación adicional fuera de las universidades. Entdor. ¿Crees que la formación profesinal está infravalorada con respecto a la universidad? D.E. Es cierto que los Ciclos de Formación Profesional han alcanzado un estatus bastante aceptable en cuanto a número de estudiantes que se matriculan anualmente, pero sigue habiendo gente que no los ve como una opción factible de cara a su futuro laboral. En gran parte, esto de sebe a que durante muchos años la gente ha vivido con los idea de que, estudiando mucho y haciendo una carrera, podrán aspirar a un furuto laboral digno con el que llevar a cabo sus proyectos de vida. Sin embargo, la realidad es que ni hay trabajo para tanta gente como hay matriculada en las universidades, ni tampoco hay tanta gente matriculada que realmente vea su futuro enfocado a lo que está estudiando. Hay gente que escoge

Artículo Ikasenpresa + Entrevista david Echeverría

una carrera u otra por recomendaciones de la gente que les rodea y tampoco se paran a pensar en si se ven capaces de estar otros cinco, seis o siete años estudiando, o siquiera, si de lo que van a estudiar hay algo que realmente les llame la atención. Entdor. Antes has mencionado tu experiencia personal en los estudios. ¿Podrías contarnosla? D.E. Bueno, la verdad es que yo, desde que estaba en la guardería, siempre dije que quería ser arquitecto. La idea de diseñar los edificios en los que la gente viviría posteriormente me parecía fascinante. Además, en mi casa tuve a mi alcance juegos como el Exin Castillos y el Lego, por lo que montaba y desmontaba todo lo que se me ocurriera. Según fui creciendo, comprobé que no tenía problemas con las asignaturas de ciencias y que el dibujo técnico se me daba especialmente bien, por lo que parecía que mi futuro como arquitecto iba por buen camino. Al acabar el bachillerato, hice la Selectividad y el curso siguiente empecé la carerra de mi vida. Sin embargo, después de tres años de disgustos, frustraciones y resultados insatisfactorios, acabé abandonando el grado sin siquiera esperar a que acabara el curso.

Así, a mediados de mayo de ese año, yo ya estaba como quien dice, de vacaciones. No sabía qué hacer con mi vida, pero tenía que hacer algo. Lo primero fue buscar un trabajo y mientras cuando ya estaba contratado, empecé a plantearme que iba a hacer el curso siguiente. Mi madre estuvo mirando posibles

opciones y entre ellas estaban los ciclos de formación profesional. Tras ir a las jornadas de puertas abiertas, consideré que el mundo de la publicidad era bastante interesante y el concepto de la publicidad gráfica me gustó. Y aquí estoy ahora, intentado acabar mi segundo curso del grado para posteriormente poder trabajr de ello. Y si no se da el caso, seguiré formándome o aprovecharé para sacarme los títulos de algunos idiomas, que siemrpe vienen bien. Entdor. Cómo valoras el tiempo que pasate en la universidad? D.E. Dependiendo del momento le doy un valor u otro: Por ejemplo,, cuando coincido con algún compañero del colegio que ahora ya ha terminado la carrera que empezó a la par que yo, o con alguno que optó por un grado superior y acabó hace años e incluso ha estado trabajando, pienso que yo hice el imbécil y tiré tres años de mi vida a la basura para nada. Sin embargo, en el día a día, hay cosas que la universidad me enseñó que me han sido útiles. Por ejemplo, la importancia de hacer una entrega dentro de plazo y con todo perfectamente acabado y revisado. Un profesor mío solía decir que, en arquitectura, pueden pasar dos cosas: o que las cosas se hagan bien, o que acabemos en la cárcel y para evitar la segunda opción, hay que dar el todo para que suceda la primera.

Artículo Ikasenpresa + Entrevista david Echeverría

Entdor. Volviendo al proyecto IP, ¿Cuántos sois en el proyecto y cual sería vuestra labor en el caso de que fuera una empresa real? D.E. Actualmente somos cuatro los integrantes del grupo: Víctor, Daihana, esther y yo. El propio proyecto de Ikasenpresa nos pedía precisamente simular esta pregunta, así que, en base a lo que hemos consensuado hasta ahora: Víctor Balbín fue quien sugirió crear una idea de empresa cuyo fin fuera fomentar los ciclos de formación profesional. Él dirige la empresa junto al resto del equipo directivo y se encarga de la toma de contacto con los diversos centros que colaboran con la misma. Daihana Barrios fue la última integrante del grupo en unirse a la causa, pero es la que más constancia muestra a la hora de trabajar. Para ella, tomarse un respiro es una cosa secundaria si quedan cosas por ha-

cer. A modo de capataz de obra, se encarga de dirigir y coordinar al resto de los mienbros del grupo para que todo esté realizado dento de los plazos estipulados. Esther Encinas colaboró en la creación de los principios básicos de la empresa. Encargada del diseño del material publicitario de la empresa, vive en un constante ir y venir de ideas que pretenden hacer que el mensaje de la compañía llegue a más gente. Finamente, yo decidí profundizar en la idea de Víctor y definí las bases sobre las que se asientan los fundamentos de la empresa. Como redactor jefe, me encargo de la creación de los contenidos de las conferencias y las cartas, mensajes, etc que se envían a los clientes.

Dossier Surrealismo Aitor

La casa de la Bruja SerigrafĂa

Dossier Surrealismo Aitor

Mano de tinta FotografĂa surrealista

Puerta a las venas FotografĂa surrealista

Dossier Surrealismo Aitor

Baraja de portales Fotomontaje surrealista

Dossier Surrealismo Aitor

Refresco clรกsico Fotomontaje surrealista

Dossier Surrealismo Aitor

La pirรกmide Fotomontaje surrealista

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Risografía

Cómo puede conseguirse una impresión con aspecto de serigrafía pero mediante un proceso totalmente mecánico, a un bajo coste y además que rezume originalidad? La respuesta nos la da nuestro impresor de cabecera Dani Matoses: la risografía.

Si nunca has oído hablar de este término, empezaremos por contarte que se trata de un sistema de impresión que parece fruto de la unión entre la serigrafía y las fotocopias. El aspecto de las máquinas que imprimen mediante risografía es bastante similar a las fotocopiadoras. De hecho el fabricante Riso para diferenciarse de ellas, llama a sus propias máquinas duplicadoras. Pero lo que las diferencia de las fotocopiadoras en el papel impreso es el hecho de que con la risografía se pueden emplear tintas de colores planos como el rosa y naranja flúor, el dorado, el violeta, el amarillo, el negro, el turquesa, etc. Incluso, es posible conseguir diversos tonos gracias a la superposición de las tintas. Y es aquí donde la risografía presenta similitudes con la serigrafía porque cada color se tira por separado, empleando además un rodillo stencil para reproducir la imagen original. El aspecto final tiene un toque de ‘hecho a mano’ similar al que tendríamos con la serigrafía. La risografía tiene varios aspectos que hacen que nos encante: uno de

ellos es su respeto por el medio ambiente en el proceso de impresión y el otro, el acabado tan atractivo de las piezas impresas. También es posible realizar tiradas cortas a un bajo coste. Su lado más ecológico viene dado por la composición de las tintas, con base de soja, que no contienen disolventes volátiles. Tampoco su proceso requiere de placas de aluminio desechables, ni fijadores químicos y no hay residuos de tintas. A todo esto hay que añadir que la impresora de risografía consume poca energía gracias a su proceso en frío. Otra de las características que hacen la risografía muy especial es el acabado singular que se puede conseguir con ella. El carácter tan personal lo adquiere gracias a su sistema de impresión en el que es frecuente que se produzcan ciertos ‘desperfectos’ que aportan valor a cada copia, ya que todas ellas son diferentes entre si a pesar de provenir de un mismo proyecto.

Risografía

Esto se debe a que la superficie de la tinta no siempre es homogénea y a que durante el proceso de impresión es habitual que se produzcan fallos de registro. Máquina impresora de risografía

El sistema de impresión de la risografía se basa en el empleo de rodillos. Se usa un rodillo para la realización del máster en el que se graba la imagen original mediante un proceso térmico. Se realiza uno por cada color que tenga el documento, por lo que hay que tener en cuenta que es necesario crear archivos digitales independientes y correspondientes a cada color. El rodillo máster se entinta con otro rodillo que aplica una tinta. Tras ser entintado el máster, este crea las impresiones sobre el papel. El pro-

ceso se repite con cada tinta hasta obtener la pieza impresa con todos los colores. Hay que añadir que todas las hojas saldrán impresas con ese mismo máster, con lo que no es viable la personalización. Se obtienen piezas realmente originales si se sabe aprovechar bien las posibilidades que ofrece la risografía. Los proyectos más habituales impresos mediante este sistema suelen ser carteles, fanzines, postales, tarjetas, calendarios…

Risografía

Si estás pensando en emplear esta técnica de impresión deberás saber que: •

•

Hay que realizar un documento digital independiente por cada color y estos deben estar en escala de grises o hacerlo mediante la separación de colores, debes tener algún noción de ‘separar colores’. El formato de papel a imprimir es A4 y A3.

•

No se puede imprimir a sangre y por tanto el área de impresión en el A4 sería de 19 x 27.7 cm y en el A3 sería de 27,7 x 40 cm. El gramaje del papel oscila entre 50 y 210 g.

•

Solo pueden imprimirse papeles no estucados.

•

Si quieres evitar masas de tinta irregulares, marcas y atascos, es conveniente prescindir de grandes masas de tinta.

Paraguas Paradójicos - David Echeverría

El objeto surrealista ha sido desde hace tiempo la fuente de creatividad infinita de muchos artistas en el ámbito de la fotografía y la ilustración. Con motivo de ello, los alumnos de segundo curso del grado de diseño gráfico del centro Ceinpro de San Sebastián se han enfrentado al reto de crear ellos mismos una serie de trabajos que representaran el “objeto surrealista” de la forma que ellos eligieran.

A continuación, David Echeverría Magallón nos presenta su propia propuesta. Cuando nos presentaron el proyecto, la verdad es que no tenía ni idea de por dónde podía tirar. Me veía a mí mismo viendo trabajos de artistas expertos en materia, pero a cada idea genial que veía, sentía que era una menos que podía utilizar yo, sin sentir que estuviera plagiando a alguien.

Aquí en San sebastián llueve frecuentemente; por lo que no es raro ver a la gente por la calle con paraguas. Yo, personalmente, siempre he odiado los paraguas, porque sólo sirven para quedarte sin ellos, pero a raíz de este proyecto he empezado a tenerles cierto aprecio, aunque seguiré sin usarlos.

Una de esas lluviosas mañanas, estaba en el taller miranado imágenes de diversas flores y reparé en una de un diente de león del que se desprendían las semillas con el viento. Nada más verlo, pasó por mi mente la imagen de todos los paraguas que aquella mañana habrían sufrido un destino similar.

“Yo siempre he odiado los paraguas, porque sólo sirven para quedarte sin ellos”

“A raíz de este proyecto, he empezado a tenerles cierto aprecio”

Paraguas Paradójicos - David Echeverría

La inspiración llegó como un torrente: se me ocurrían no mil porque sería exagerar demasiado, pero sí muchas ideas sobre cómo representar un paraguas de forma surrealista. Lo primeró que hice fue plasmar en una imagen lo que había sido el detonante de mi idea: Un paraguas, sólo, despojado de su tela y volando a la deriva como si de un diente de león se tratara, hacia un destino desconocido, lejos de su dueño, de su hogar. Todo ello, dramatizado más aún por el hecho de que la imagen está en blanco y negro y así, no sólo el color del cielo coincide con el de un día de lluvia sino que además la silueta del híbrido paraguas-planta queda más resaltada.

Con las bases ya asentadas, todo fue cuestión de ir buscando más cosas que se pudieran parecer a un paraguas o qué cosas podía representar con un paraguas, que no tuvieran nada que ver con uno en sí. Así, entre sombreros, copas y otras cosas, encontré una fotografía de un disfráz de medusa que consis-

tía básicamente en un paraguas de plástico al que le habían pegado varías cintas de plástico azules y blancas y todo ello representaba una medusa de largos tentáculos. La idea me pareció muy origial y estuve pensando en cómo podría hacer que encajara en mi proyecto, sin recurrir a hacer una copia de

esa idea. Los siguientes días los pasé buscando fotografías de todas las medusas que pude: busqué en castellano, en inglés, en todo lo que se me ocurrió, hasta que encontré lo que mi mente estaba buscando: una imgen de una medusa en reposo, y que no tuviera cientos de tetáculos flotando a su alrededor. Era una medusa blanca, con líneas negras que recordaban mucho las varillas de un paraguas de tela de los que se ponen en los cochechitos de los bebés. Y ahí estaba yo, para dar forma a esa idea que tenía en mente y representarla como mejor pude. Tras varias pruebas con diferentes tonos, efectos y demás, mi profesorá, que pasaba por ahí, vio la imagen y me dijo que le recordaba a una sandía. La comparación me hizo gracia y decidí incluirla en el resultado final así que le añadí a mi amiga invertebrada un nuevo tono de piel de color verde, pero manteniendo el color azul del mar y la iluminación original de la fotografía.

Paraguas Paradójicos - David Echeverría

“Paraguas de Río” es uno de los fotomontajes más sencillos pero bonitos que he creado en mi vida: un día soleado a principios de otoño, un río con un cauce tan tranquilo que casi parece inmóvil, la idea de un paseo en barca y de pronto, unos seres, que podrían ser pájaros o insectos, dotados de cuatro alas que parecen de tela o plástico apa-

recen de cualquier sitio y planean elegantemente ante nuestos ojos como si de gigantescas libélulas artificales se tratara. No están dotadas ojos ni voca y el unico sonido que emiten es el batir de sus alas mientras se desplazan como levitantes ante nuestros ojos, y de repente dan giros bruscos sólo para continuar su grácil paseo.

Paraguas Paradójicos - David Echeverría

Este fotomontaje surgió de una recomendación de mi profesora cuando estaba revisando mis fotografías de estudio que había realizado unos días antes. Me dijo: “¿Por qué no pruebas a coger sólo una parte de todo el paraguas e intentas que parezca otra cosa?” En un principio no hice demasiado hincapié es esa propuesta, pero una

vez acabo el trabajo me di cuenta de que seguramente mi subconsciente había estado dándole vueltas a la idea hasta que surgió esto. SInceramente, este es uno de los casos en los que lamento que este proyecto represente algo irreal, porque me habría encandado poder ver en persona a estos seres congelados en el tiempo.

Paraguas Paradójicos - David Echeverría

Si algo me ha enseñado trabajar en este proyecto es que las cosas no son siempre lo que parecen y ese “Ser lo que no se es” es precisamente lo que les da un valor especial en estos casos. El proyecto constaba de tres fotomontajes realizados mediante programas informáticos y dos fotografías que tenían que seguir la línea del surrealismo, pero todo montaje que tuvieran debía estar hecho antes de sacar la imagen. Esto que puede parecer un tontería es más complicado de lo que parece.

“Bueno, es tan díficil como tú estés dispuesto a complicarte la vida para conseguir un resultado.” En este primer montaje, tenemos un libro sobre una mesa, el cual está alumbrado por una lámpara

de mesa, con la peculiaridad de que la lámpara no está apoyada en una mesa o sujeta a la pared, sino que está unida al mango de un paraguas que alguien está sosteniendo. Esta idea del paraguas-lámpara surgió de un garabato que me hizo un compañero llamado Víctor Balbín cuando estábamos hablando sobre qué se podía hacer o no con nuestras ideas de proyecto. Parece algo sencillo de realizar pero en realidad tiene su tela. Al margen de todo el tema de la iluminación, el encuadre, la distribución de los elementos, etc hay un factor determinante y pricipal que hay que resolver previamente: ¿Cómo consiges que una lámpara sea un paraguas? y más importante, ¿Como haces para que tu lamparaguas siga emitiendo su luz original sin que se vea nigún cable y esté en el puto de mira de todos?

Artículo Objeto Surrealista David Echeverría

A direncencia del montaje anterior, la fotografía que podemos ver arriba no surgió de una recomendación, sino más bien de una graciosa casualidad. Mi hernano menor, Pablo, suele ser mi ayudante cuando tengo que sacar fotografías en las que tengo que salir yo de aguna forma o requieren de ayuda adicional para poder sacarlas. En este caso, habíamos terminado de sacar las fotografías del montaje de la lámpara y yo cogí un paraguas reversible que tenemos en casa para ver si se me ocurría algo.

El caso es que estaba con con el paraguas dado la vuelta e inclinado hacia adelante y a mi hermano no se le ocurrió otra cosas mejor que hacer cómo si se metiera dentro de una parabólica y al bajarlo un poco vi su cara asomar por encima y me dio la sensación de que estaba recostado sobre el paraguas. Esa ilusión óptica me pareció curiosa y decidí que podíamos emplearla para un nuevo montaje. Uno en el que un comportamiento absurdo quedara retratado como lo más natural del mundo.

“Sí, un paraguas reversible. Hay gente que, como yo, sabía cual es el destino final de todos los paraguas y se curaron en salud”

Reportaje - Spiderman Nuevo Universo

La elección de Miles Morales como sucesor de Peter Parker marcó una auténtica revolución al interior de Marvel Comics. Ahora el joven hispanoamericano hace lo propio en Un nuevo universo (Spider-Man: Into the Spider-Verse), que además de ser su debut cinematográfico, representa la primera gran exploración del multiverso marvelita, lo que resulta en la alianza de seis arañas distintas.

Además de su arriesgada historia, la cinta ha conquistado a las audiencias con su animación innovadora, que fusiona las propiedades de las técnicas tradicional y computacional para emular las páginas de un cómic. Los resultados son tan sorprendentes

que muchos la ubican como la gran rival a vencer al Oscar por Mejor película animada, ¿será? Para comprender mejor los desafíos alrededor de este proyecto, te develamos todos los secretos técnicos y narrativos y te decimos cómo se hizo Spider-Man : Un

nuevo universo. La revolución de Un nuevo universo requería más que una estética innovadora: necesitaba cimbrar las bases del cine arácnido visto hasta ahora, lo que invariablemente implicaba un cambio en su protagonista. Por ello, el productor Phil Lord no vaciló

Reportaje - Spiderman Nuevo Universo

en asegurar a Den of Geek que “todo empezó con Miles [Morales] y con la idea de que queríamos hacer una película de superhéroes completamente diferente […]. Y amamos a Miles, su relación con su familia y pensamos que sería un modo refrescante de ver al personaje. Así que partimos de ahí y nos preguntarlos como hacerlo un evento cinematográfico y había algo genial sobre verlo cayendo o más bien ver a Peter [Parker] cayendo en el mundo de Miles”. No se necesita ser un aficionado a los cómics para conocer las bases de Spider-Man. Después de todo, las audiencias han visto tres encarnaciones distintas de Peter Parker en ocho películas estrenadas en poco más de 15 años, lo que además ha incluido dos historias de origen. La presencia estelar de Morales implicaba un nuevo comienzo ante el debut cinematográfico del personaje, pero respetando siempre la vieja mitología arácnida. “Todo se reduce

a su versión de: ‘Con un gran poder viene una gran responsabilidad’”, explicó el director Peter Ramsey en entrevista con The Verge. “¿Qué representa para este chico de 13 años en su posición particular en el año 2018 que sea diferente a lo que significó para Peter Parker en los 60?”. Su compañero Bob Persichetti lo complementó asegurando que: “tenemos los mismos ingredientes, pero es desde el punto de vista de Miles. Tiene una familia –una madre y un padre, que es muy inusual en este mundo. Es de Brooklyn. Se sentía natural ubicarlo ahí, dado que los cómics son en Nueva York. Ampliamos estos elementos y se sintió como un universo expansivo, natural y rítmico”. La elección de un nuevo Spidey ya era suficientemente arriesgada, pero la producción decidió elevar más el reto al aprovechar la naturaleza del proyecto para crear una estética sin precedentes. Algo que el productor Chris Miller describió a Den of Geek

...“Todo se reduce a su versión de: ‘Con un gran poder viene una gran responsabilidad’”... como “tratar de hacerte sentir dentro de las páginas de un cómic”. Ninguna película de superhéroes había intentado esto: las animaciones tradicionales usan técnicas convencionales; las CGI –Los Increíbles; Big Hero 6 o Lego Batman, por nombrar algunas– han optado por innovaciones menos revolucionarias; las liveaction se ven impedidas por su propia naturaleza. Quizá el filme que más se había acercado a esta idea fuera Hulk de Ang Lee, cuyos cortes de edición buscaban emular directamente a la experiencia de

leer una historieta. Aunque parece sencillo, el propio Miller reconoce que “resultó más difícil de lo que pensábamos, pero la idea inicial era […] hacer que se vea como una pieza artística, no inspirada en ella, sino como una versión en movimiento”. La técnica tradicional y el stop-motion implican métodos artesanales que son procesados de modo computacional para garantizar movimientos más fluidos. La CGI funciona de manera muy diferente, ya que los animadores son apoyados por códigos previamente escritos que agilizan los procesos. No conforme con ello, los principales estudios cuentan con programas propios que pueden ser manipulados según las necesidades de cada proyecto, lo que explica la continua evolución de esta industria. La naturaleza de Spider-Man: Un nuevo universo implicó cambios más radicales. Miller confesó a The Verge que su mayor inquietud fue “¿cómo lidiamos con todo lo que ha sido creado por la animación CGI en todos estos años? Los algoritmos lo hacen de manera natural. Tuvimos gente que escribió nuevos códigos y desarrolló nuevas teorías sobre cómo crear nuevos movimientos de ropa, todos estos asuntos que siempre habían impedido un nuevo estilo. Los algoritmos existentes tomaron mucho tiempo en ser desarrollados, así que nadie podía decir ‘no usaremos eso en lo que se invirtió tanto tiempo y dinero’. Tuvimos suerte. Seguimos trabajando y descubrimos cosas que terminaron funcionando”. Uno de los mayores encantos de la animación CGI radica en su fotorrealismo, que como su nombre lo indica, consiste en dar una imagen tan realista que casi parezca extraída del mundo real. Este efecto es sumamente útil para crear personajes computacionales que interactúan con personajes o entornos reales, como es el caso de Gollum, Thanos o los animales del controvertido remake liveescenarios. Spider-Man: Un nuevo action de El rey león. La técnica universo implicaba un estilo visual también se emplea en cintas radicalmente opuesto, que jugara completamente animadas, que con el realismo de acuerdo a las pueden ir del realismo extremo necesidades de cada escena. como Beowulf o Ga’Hoole: La Para ello, el supervisor de efectos leyenda de los Guardianes, hasta visuales Danny Dimian se inspiró mundos netamente fantásticos en los antiguos procesos de como Monsters University o impresión que limitan su paleta de Zootopia. Finalmente, las películas colores y crean su sombreado con con personas animadas suelen la inclusión de puntos y patrones inclinarse por la caricaturización de distintos tamaños. Algo muy de rasgos –tal es el caso de Los similar a lo hecho por el arte pop. Increíbles o Los Croods–, pero Este efecto puede apreciarse en manteniendo el fotorrealismo en el sombreado de los personajes, la textura de las pieles, el cabello que no emplea el difuminado y los ojos, además de efectos y tradicional del CGI, sino un estilo

lineal muy parecido al de los cómics. Una de las mayores obsesiones del cine de superhéroes ha sido garantizar el realismo, lo que ha implicado cambios en algunos atuendos y la muestra de algunos poderes, ¿a qué nos referimos con esto último? Las películas no tienen problemas en capturar los rayos de Thor o las ráfagas de Iron Man, pero no han ideado una fórmula para visualizar los poderes psíquicos.

PREMIO NOBEL

Algunos proyectos de branding están cargados de simbolismo. Son trabajos que sobrepasan lo comercial y que suponen colaborar con marcas que, por un motivo u otro, son parte de nuestra historia. Este es el caso de los Premios Nobel cuya identidad ha sido rediseñada por Stockholm Design Lab. Un proyecto de grandes dimensiones desde el punto de vista de su repercusión que, sin embargo, se ha sido resuelto con humildad y sencillez.

Todos conocemos la historia de los Premios Nobel. Su objetivo es noble y consiste en premiar, apoyar y dar a conocer las grandes mentes que “confieren beneficios a la humanidad” en ámbitos como la literatura, la economía o la ciencia. Diciembre es el mes en el que tiene lugar la famosa ceremonia de entrega y, este año, se celebrará con una nueva identidad que se ha creado para mantener y potenciar

los valores de “credibilidad e integridad” asociados a la marca, así como preparar a esta institución para el futuro. El planteamiento de Stockholm Design Lab fue crear “una estrategia de diseño común con un enfoque de marca única que combina un sistema de nomenclatura estructurada y una clara identidad visual”. Su objetivo es construir sinergias “con el fin de garantizar

el fortalecimiento a largo plazo una única de la marca”. Para ello, se buscó una identidad sólida que reconstruyera la marca desde el punto de vista “holístico” y, con todo ello, se ha creado un universo visual “manejable y flexible” para que diferentes organizaciones puedan trabajar con ella en múltiples canales y, con especial énfasis, en los canales digitales. Si la historia de los Premios Nobel

PREMIO NOBEL

Logotipo antiguo

es la historia del éxito intelectual, no es así respecto a su identidad. Durante años ha encadenado identidades pobres e improvisadas que restaban valor a la marca. Gracias a este proyecto, la marca The Nobel Prize tiene ahora un hilo narrativo acompañado de un trabajo gráfico transcendente. La inspiración para este rediseño ha sido “la medalla de oro Art Nouveau que se entregó por primera vez en 1901”. A partir de esta figura, surgen la tipografía y los colores para construir un conjunto sobrio y muy elegante con pocos elementos, lo que le confiere cierta humildad y que permite a la marca ceder todo el protagonismo a los premiados y a sus ideas, verdaderos constructores de la marca. De este punto de partida, nace un

Logotipo nuevo

logotipo simple preparado para vivir en entornos distinguidos y ser el embajador de los grandes pensadores. Un logotipo preciso del que se han estudiado su variación en tamaños reducidos, y al que le acompaña una paleta de color tal vez demasiado amplia y compleja. A partir de estos elementos, se genera un universo gráfico clásico y equilibrado. Para el nuevo logotipo de The Nobel Prize se ha diseñado una tipografía sans serif exclusiva: la Alfred Sans. Sus formas y estructura nacen inspiradas por las letras grabadas en la moneda original. Según explica el equipo de Stockholm Design Lab, “las letras mayúsculas se basan en formas geométricas clásicas, pero con diferentes anchos y una cintura

alta”, lo que da un carácter único a esta tipografía. Por otra parte, “las letras minúsculas están diseñadas según la tradición de principios del siglo XX sin caracteres tipográficos, como Akzidenz-Grotesk, Berthold Grotesk y Futura”. Algo que debemos tener en cuenta a la hora de analizar esta identidad es que se ha buscado modernizarla y unificarla, pero manteniendo el legado de su historia y prestigio. Stockholm Design Lab explica que se buscó que el diseño siguiera los paradigmas de “accesibilidad y excelencia” para “convertirlos en sus nuevos principios”. Algo que se consigue con un diseño inclusivo dado que “la suma de todos los detalles constituye la impresión total”.

Entrevista

Naroa Soro Naroa es una estudiante de diseño gráfico en el grado medio de Ceinpro, Donostia-San Sebastián.

¿Qué aspectos de tus estudios como diseñadora gráfica son los que más te apasionan? Lo que más me apasiona del diseño, y lo que he aprendido estos años, es que nunca dejas de aprender cosas nuevas, el diseño es muy cambiante y cada día tenemos nuevos estilos y nuevas formas de diseñar. Yo creo que el diseño es único para cada persona, ya que cada uno tiene su forma de expresar lo que tiene en mente y cada trabajo es único, y eso es realmente lo que me apasiona de este arte. ¿Qué significó ser el ganador la postal de Navidad del ayuntamiento de Donostia? Pues no me lo esperaba para nada, para mi fue una sorpresa y la verdad es que cuando aprecian tu trabajo y es elegido como ganador es cuando un diseñador se da cuenta de verdad que cuando trabaja duro y está contento con su trabajo es cuando la gente lo recompensa, y te da los ánimos y la fuerzas para seguir creando nuevos trabajos y mejores

¿En que te inspiraste para diseñar El postal? Me inspire sobre todo en nuestra ciudad, elegí colores azules y grises que me parecía que representaban perfectamente el ambiente de Donostia, después Le añadí el toque final, las notas musicales que ondeaban por el cielo azul, en este caso representado a acuarelas, mi cartel definitivamente transmitía música en nuestra ciudad ¿Nos puedes contar qué te motivo para convertirte en diseñadora? Desde muy pequeña sabía que me gustaría dedicarme a ello, todavía no era Capaz de ponerle nombre a estos estudios, pero el colegio siempre me encargaba de diseñar las presentaciones y las exposiciones, por decirlo de alguna manera mi primer contacto con el diseño fue con el programa de Power Point que ya te daba opciones de diseñar diapositivas a tu gusto, por lo que siempre supe que al acabar los estudios primarios y secundarios me metería definitivamente por esa rama

¿Qué requisito debe tener un trabajo para ser de tu interés? No busco que tenga un requisito especial, simplemente me tiene que gustar y motivar como trabajo, a mi por ejemplo me gusta mucho la maquetación, así que si se tratará de maquetar un libro, una revista lo haría encantada, por lo demás solo me tiene que motivar ¿ Qué habilidades o capacidades crees que debe desarrollar necesariamente un diseñador gráfico? Creo que es importante que el diseñador tenga una base teórica, ya que con esos conocimientos se le hará más fácil aplicar los conceptos y sus diseños serán mejores visualmente y estarán mejor estructurados, también es importante que tenga un manejo avanzado de los programas, cada día se aprende algo nuevo y cuanto más conocimientos se tenga mejores serán los resultados

¿Por qué el nuevo logo de Zara no ha gustado en las redes sociales? El buque insignia de Inditex se ha apuntado al ‘rebranding’ y ha apostado por una nueva idea que no ha cuajado del todo. Ya sea por ser la primera en abrir una tienda física especializada en pedidos ‘online’ o por instalar tablets-espejos en los probadores que permiten buscar ropa, Zara nunca deja de sorprender al consumidor. Pero, más allá de la alta tecnología con la que mejoran la experiencia comercial o de las novedades textiles, el grupo ha querido unirse al ‘rebranding’ al que han sucumbido algunas marcas de lujo, como Burberry, para intentar darle un soplo de aire fresco a las cuatro letras negras que tantos años les llevan acompañando. ¿El resultado? Un nuevo logo que no ha acabado de convencer... Con este cambio, la compañía gallega parece querer acercarse a la tendencia vigente en la última dé-

cada de las casas de alta costura, en las que lucir en las prendas el logo de la marca es señal de glamour, distinción y, en la mayoría de los casos, de un alto nivel adquisitivo. Twitter no ha querido dejar pasar este hecho y, a través del ‘hashtag’ #Zara, los usuarios han publicado rápidamente la comparación de este nuevo diseño con algunos de lujo ya existentes, comentándola, además, con el donaire al que nos tienen tan acostumbrados los tuiteros. “El logo de Zara te puede gustar o no pero a mí quién me tiene conquistado son las agencias que han logrado cobrarle a las marcas de moda por rediseñar su logos y se han limitado a escribir el nombre con el word usando alineación centrada.”

Así, no han faltado los mensajes divertidos y ocurrentes, en los que, sobre todo, se ha especulado con la evolución del nuevo logo a lo largo de los años o con cómo fue el momento de su creación en las oficinas del gigante gallego de la moda. Por el momento, Zara no se ha pronunciado en redes sociales y ha optado por cambiar en todos sus perfiles públicos la imagen principal por el resultado de este nuevo ‘rebranding’ que tanto ha dado de qué hablar.

Constelaciones - Esther Encinas

DRAGO: Draco (el Dragón) es una constelación del norte lejano, que es circumpolar para muchos observadores del hemisferio norte. Es una de las 88 constelaciones modernas, y una de las 48 constelaciones listadas por Ptolomeo. El polo norte de la eclíptica es en Draco. Aunque

muy grande, Draco no tiene estrellas especialmente brillantes. La cabeza del dragón está representada por un cuadrilátero de estrellas situadas entre Hércules y la Osa Menor.

Constelaciones - Esther Encinas CASIOPEA: Según la mitologia griega, Casiopea presumía de que su belleza y la de su hija Andrómeda superaba la belleza de las nereidas, las ninfas del mar. Al oír esto levantó la ira de Poseidón, el dios del mar. Poseidón decidió castigar la arrogancia de Casiopea y vengar las nereidas mediante Cetus, un monstruo marino parecido a una ballena, que envió

contra las costas de Etiopía. Casiopea y su marido fueron consultar el oráculo de Libia y este dijo que había que sacrificar Andrómeda, la hija de Casiopea, para calmar al monstruo y la ira de Poseidón. Así Andrómeda fue encadenada a una roca en la costa para que la devorara el muestre marino. Andrómeda fue liberada por Perseo, que llegó a tiempo con la ayuda de su pegaso. Perseo y Andróme-

da se casaron, pero Poseidón no quiso que Casiopea permaneciera sin castigo y con el fin de torturarla eternamente puso a Casiopea en el firmamento atada a una silla en una posición que se encuentra con la cabeza abajo la mitad del tiempo mientras gira alrededor de la estrella polar.

ORION: Orion es una constelación prominente, quizás la más conocida del cielo. Sus estrellas brillantes y visibles desde ambos hemisferios hacen que esta constelación sea reconocida mundialmente.

Constelaciones - Esther Encinas

LUPUS:

Lupus (el Lobo) es una constelación del hemisferio sur ubicada entre las constelaciones de Centaurus y Scorpius. Se encuentra entre las patas del escorpión y casi unida a centauro. Desde España (incluyendo Europa central) sólo se puede ver la parte más septentrional de la constelación, en el momento del tránsito por el meridiano, a comienzos del verano.

Constelaciones - Esther Encinas

LIRA: La lira es una constelaciĂłn de verano, sabiendo eso decidĂ hacer la constelaciĂłn con objetos relacionados con el verano (en este caso con sombrillas).

EL SOL