¡Saludos lectores! Ya estamos en diciembre, termina un año súper cargado para la escena internacional del rock, con muchas noticias y nuevos lanzamientos. Y como siempre Metal por tus Venas no se puede quedar atrás y aquí les va la edición correspondiente al mes de diciembre, la última del año 2022.
¡Solo resta desearles Feliz Navidad y Feliz Año Nuevo a tod@s!!! ¡Nos vemos en el 2023!!
Edición, Diseño y Realización: Alejandro Pérez Zerquera.
Contactos: Lacret 411 apto 4 e/ D’Strampes y Figueroa, Santos Suárez, 10 de Octubre; La Habana, Cuba.
Sitio Web: http://www.issuu.com/metalportusvenascuba Correo: metalforyourveins@gmail.com
Agradecimientos y saludos
A Omar Vega Riaño (SubtleDeath), a Yusniel Valdés Puig (Jesús es mi Rock), a Osvaldo Rojas (Instinto Básico), a Nelson Rodríguez (La Nueva G), a Junior Hernández (Opia Magazine), a Humberto Manduley, a Javier, a Miriela y a Joaquín Borges - Triana.
I must confess that I didn't know this band and I never thought that in a country as far away as Thailand there could be rock bands, but it seems that there are. I discovered this band thanks to the Thai series "KinnPorsche The Series", whose main theme is in charge of Slot Machine and who recently finished an international tour with part of the cast of the successful Thai series. Taking advantage of the success they have had, I decided to contact them and here is the interview with its members.
By: Alejandro Pérez.
Hello Slot Machine! How are you? It's a pleasure to interview you. How has the pandemic been taking you all this time?
GAK: It was hard for everyone during Covid-19. As for us, we’d preferred being at home to going out, so it was all good. I spent most of my time making demos and meanwhile Vit and Foet had their own business to run.
According to its bio, the band was born in 2004, so it is already 18 years of trajectory, something that is easy to say but it is not. How did the idea of creating the band come up?
GAK: Foet and I have been friends since high school. We’ve been performing music together since 15 years old. We released our first album when we were 18 and Vit joined us on the second album. Who are its current members?
GAK: The recent members are Foet (vocals), Gak (Bass) and Vit (Guitar). There are three of us.
What would you mention as your main influences?
GAK: Nu metal had a big influence on our music from the start and bands like Korn, Rage Against the Machine and Limp Bizkit inspired us a lot. Later on, we listened to many British bands like Radiohead and Oasis and they had a great impact on Slot Machine’s music.
How would you define your musical style?
GAK: Media tends to label our music as alternative rock, but in our opinion, it’s more like an experimental kind of music. We treat and create our music like an experiment, so there’s always something new and different to the point that it can hardly identify it in just one specific genre. But if you ask me, I’d say “experimental alternative rock” at this point.
So far the band has released 6 albums (7 albums actually), being "Third Eye View", from 2020 the most recent one.
GAK: “Third Eye View” is Slot Machine’s best album in my opinion. Each song in the album is different from the others and they will make you question if they are really from the same album. That’s why I said it’s experimental. We wanted to make an album that is like doing an experiment that is beyond everybody’s expectations. We had an incredible opportunity to work with great people like Brandon Darner, a producer who worked for Imagine Dragon, for a week, and also Justin Stanley who worked for Prince, Eric Clapton and other big names, for another week. We spent time together with them in Karma Studio and it was so intense that we even completed a song in one day every day during that time. We even took some old demos that we worked on more than 10 years ago when we were so young and so brave and then listened to them again and again before putting some new ideas in them and recreating new outstanding pieces of music. It was so satisfying.
How many songs does it include?
VIT: There are 14 songs and 4 of them also available in Thai version. Any audiovisual material?
VIT: There are 5 music videos from this album Know Your Enemy, Magic, Bangkok, Hummingbird and Thai version MV for Tomorrowland. We also release Third Eye View Live Session which we picked 6 songs from the album to perform & publish on YouTube Regarding its promotion and diffusion. How did you promote it since it coincided with the year of the pandemic?
VIT: It was a very difficult time to do the promotion. However, there were times that we held FB & YouTube Live to connect with our fans online and sometimes we even invited some of our staff to share their working experience with fans online, so they knew more about the working process for our show.
As I said before, so far the band has released 6 albums [7 albums], 2 of which are in English. The first one "Spin The World" from 2006 and the second one "Third Eye View".
What motivated you to release two albums in English, 14 years apart each? Has this allowed you to have a greater visibility at an international level?
VIT: Our songs are the main factor that introduces us to international fans. As for me, when the audience has seen our show, the feedback is always beyond expectation.
Regarding the lyrics of your albums. Because from now on you can consider me a fan of yours.
What inspires you to compose your songs? Do you try to transmit any message?
VIT: Pretty much everything that you can think of. Our creativity in making music is not only inspired by music that we’ve listened to, but also by everything surrounding us. There was one song in which we just simply picked up a 9V battery and used it to play with a guitar to see how it was. It worked. If you want to know what it sounds like, please listen to the song “75%”.
Now it's the moment I've been waiting for!
I think that, just by mentioning the song, in English and Thai version, "Free Fall" / "Phiang Wai Chai" everything has been said. Did you ever think that you would have the level of worldwide visibility that you have right now, since you have been discovered in countries as far away as Mexico and others in Latin America?
FOET: We’ve never thought that the songs would reach Latin American fans. There are so many factors to think about such as the language barrier and also distance as we live so far apart. So I’m so thankful to Latin American fans for the love they have for the series and our songs too. I’m so happy that we get to know each other and some fans even flew over just to see our show. We can’t thank you enough for your support and hope that we’ll meet everyone there in person one day.
Do you think that Slot Machine's collaboration with "KinnPorsche The Series" has marked a before and after for the Thai music industry, both for you and for other music genres?
FOET: Before being a part of KinnPorsche The Series, we had opportunities to tour many places like America, Singapore, the Philippines, Taiwan, Australia, England, and such, but never in the Latin America region. After the release of “Free Fall” and “Phiang Wai Chai”, we finally made it and met our fans there. Knowing that our music has reached Latin American fans is refreshing and beyond our expectations. We’re so happy.
If you had to mention what has been the key to the worldwide success of this track, both in English and Thai, as both videos exceed ten million views on YouTube, what would you say?
FOET: The key factor that brings success to both the series and the songs should be how everything fit together perfectly. The series itself has a dark tone of mafia vibe with action and romantic elements in it, meanwhile, Slot Machine is a rock band with a unique direction of look and style which complements the series so well, so It’s a perfect match. It’s just no one would expect it to be this successful. I’m so thankful to those who come and watch our MVs as it has increased the number of views drastically.
Back to the band. I know that you have been currently engaged in “KinnPorsche The Series World Tour 2022”, through several countries in Asia, where you have even played on stage with part of the cast of the acclaimed series. What has it been like to be part of this experience? How have you felt so far?
FOET: It was a blast being able to join the KinnPorsche the Series World Tour because we got to meet new fans in many countries. We had released 2 English albums which led us to international fans before, so this made us feel like we were back on track again. Covid-19 had stopped us from doing everything, so it’s so refreshing to be back and things turn out to be better than we thought as it has reached to global scale. I look forward to seeing everyone soon. How have you been received by the public in each show you offer?
FOET: We have received good feedback so far and we have to give credit to the series too as it is a huge success. Fans love the series, so they love the songs “Free Fall” and “Phiang Wai Chai” which can be labeled as the anthems of the series itself too. I’m so thankful and because of it we could travel the world and get to meet new people. They are super nice to us and the feedback is so good that we can’t find any better word than thank you, thank you and thank you.
Besides this tour as part of the series. Do you have any other tours or presentations already planned for the band?
FOET: As mentioned earlier, before touring with KinnPorsche the Series, we had already released 2 English albums, so we have planned everything. We hope to see everyone more and more in the future. Slot Machine’s solo concert is already being planned, so please stay tuned. We hope to see you all at our concert.
What other plans do you have for this year or next year?
Can we expect a new album?
FOET: We planned to release a new album within the next year. Four singles have already been released, so please check them out through our social media & YouTube. Although they are in Thai, it seems fans have received them with such a warm welcome. Some of our lovely fans even took the songs, “Chai No Chai”, “Farway”, “Phiang Wai Chai” from KinnPorsche the Series and “Muen Lan Kham (Marry Me)”, and translated them into their languages. The concept for this new album is mainly about matters of mind in multidimensional aspects. Slot Machine music is conceptual art and it’s been this way for a long time. Please look forward to the new album and please also listen to our previous work especially new fans to get to know us better. In 2023, I believe fans will get to see us more all through the year with the big solo concert at the year-end. Welcome to Slot Machine family.
Links:
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Streaming:
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Con apenas 4 años de creados, Murmur ya se han hecho de un espacio dentro de la escena española. ¡Y de qué manera!!! Luego del lanzamiento de un EP en el 2018, los madrileños han apostado a lo grande con su primer disco Pvtrefactio, el cual ha sido bien recibido y ha obtenido excelentes críticas. Pero dejemos que sea Alex Lázaro, su bajista, quien nos dé más detalles sobre el mismo y la banda.
Por: Alejandro Pérez.
¡Hola Murmur! ¿Cómo estáis? Un placer poder entrevistarlos. Saludos a Metal por tus venas, un placer que nuestra primera entrevista transatlántica sea desde Cuba, no se nos ocurre mejor país.
¿Cómo os llevó la pandemia todo este tiempo?
La pandemia ha ido perdiendo protagonismo, aunque todavía sigue aquí instalada y no se va. Mentiríamos si dijéramos que esta maldita pandemia no nos ha afectado como banda, ni a nuestro trabajo, parece que la música no ha existido durante un par de años y ahora por fin todo está volviendo a resurgir. En cierto modo nos sentimos afortunados de que todo sucediera antes de lanzar el disco y no después, ya que nos hubiera cortado las alas. Esto nos ha llevado a tener que ser muy pacientes, a realizar cambios y mejorar en la medida de lo posible.
Según su bio, la banda surge en el 2018 por lo que llevan poco tiempo de creados. ¿Cómo surge la idea de crear la banda?
Efectivamente, en 2018 se consolida el proyecto y empieza a parecerse a lo que es Murmur hoy en día. En los años anteriores empezaron nuestros primeros pasos, como una toma de contacto, pero todo sin definir. Todo surge a raíz de Beatriz Bennett, nuestra vocalista y líder, quien buscaba una experiencia dentro del metal más extremo. Para ello contaba con Igor Teterycz, actual guitarrista y también miembro fundador, así como Alex Lázaro al bajo. Todos vivimos en la misma ciudad y fue fácil juntarnos para iniciar un proyecto que, por aquel entonces, no hubiéramos imaginado que nos hubiera traído hasta donde estamos hoy.
¿Quiénes son sus miembros actuales?
Actualmente nos mantenemos con Beatriz Bennett a la voz, Igor Teterycz a la guitarra y Alex Lázaro al bajo. Pronto presentaremos a los dos miembros de la banda restantes, que esperamos que formen parte de Murmur durante mucho tiempo. ¿Cuáles mencionarían como sus principales influencias? Nuestras influencias son extensas y bien variadas, sobre todo porque cada uno de nosotros estamos interesados en perfiles de bandas muy diferentes. Al final tratamos de poner toda nuestra inspiración en común para hacer algo que nos gusta a todos y que todos entendemos a la perfección.
Por citar algunas bandas, sobre todo de la escena europea, Behemoth, At the Gates o In Flames en la parte más clásica, y en un entorno algo más moderno podemos hablar de Amenra, Harakiri for the Sky o Rolo Tomassi. Algunas bandas norteamericanas, como Agalloch, Deafheaven, Tool o Deftones también suelen estar en nuestra lista. ¿Cómo definirían su estilo musical?
Tal vez un poco en la línea de lo que veníamos hablando en cuanto a influencias. De momento no hemos querido ponernos la etiqueta de nada y por lo que leemos en cada crítica, parece que a la gente le llama la atención nuestra versatilidad a la hora de componer e interpretar. Hay quienes nos integran dentro del black metal y otros, en cambio, que nuestros ritmos en muchas ocasiones nos acercan al doom. Dado nuestro
interés por el post metal y lo progresivo, tal vez hablar de post-black metal nos haga sentir cómodos.
Hasta el momento tiene dos trabajos musicales, un EP del 2018 y su primer disco “Pvtrefactio”, que recién saliera a finales de octubre. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación?
La verdad que fue un reto que afrontamos con mucho respeto. Grabamos en Madrid, en California Studios, y la verdad que nos facilitaron todo como nunca hubiéramos imaginado. Además, nuestra filosofía encajó a la perfección con la manera de producir en dicho estudio, así que el momento de la grabación fue muy cómodo. Todo lo que vino después, ya con la pandemia asomando, sí que ha sido más complicado y tedioso. ¿Cuántos temas trae y sobre que van los mismos?
Este álbum viene cargado con un fuerte simbolismo y hemos tratado de dejar muchas pistas sobre ello desde antes de su salida. Durante su creación hemos estudiado muchos libros y tratados medievales sobre alquimia, también obras más modernas, con la intención de trasladar toda esta filosofía a un mundo más actual. Por lo tanto, no es casualidad que hayan sido 7 canciones, cada una de ellas asociadas con un momento concreto de ‘La Gran Obra’ (el proceso de creación alquímico).
Hablamos de un proceso que va desde el punto más oscuro de los seres humanos (Death of Thoth) hasta la liberación total del individuo (Seven). Queríamos que el álbum fuera una experiencia en la que debemos aprender a ser mejores personas, desquitarnos de toda la negatividad y el egoísmo impregnado en la sociedad actual, y conseguir purificarnos como personas. El corte central, Caelestis, evoca un renacimiento, el forjar un alma renovada y pura y seguir avanzando hasta la perfección. Respecto a este disco. ¿Ya han podido presentarlo de manera oficial?
De momento hemos publicado tanto el videoclip como el álbum en todos los canales oficiales. El momento de presentarlo ante el público llegará en 2023, para el cual ya tenemos muchos planes. Tenemos mucha ilusión y muchas ganas, pero tendremos que esperar un poquito hasta poder hablar de todo ello abiertamente. ¿Cómo creen que será recibido, de manera general, tanto por el público como por la prensa especializada?
Esta pregunta nos la hemos hecho muchas veces. Nosotros estamos más que satisfechos con lo que hacemos, ya que es lo que nos sale y no tratamos de complacer a nadie. A su vez, somos conscientes de que tenemos un público muy concreto, de que incluso nos cuesta encajar hasta en la escena más generalista del metal. Pero la verdad es que la gente que se para a escucharnos nos está haciendo críticas muy positivas. Nos sorprende la cantidad de cosas que nos llegan por las redes, la verdad que es muy alentador. Estamos encantados de que medios especializados e independientes hablen de nosotros, así que creemos que le hemos perdido un poco el miedo al “qué dirán”.
¿Dónde se puede obtener copia del mismo?
Por ahora la versión digital se puede obtener tanto en Bandcamp como en Apple Music. Estamos trabajando para que muy pronto podamos contar con el formato físico. Creemos que va a lucir increíble e intentaremos hacerlo llegar a todos los lugares que nos sea posible.
De este disco hace poco lanzaron el video oficial del tema “Sol Invictus”, el cual rápidamente superó las 3000 visitas. ¡Así que felicidades!! ¿Coméntennos un poco sobre este video?
En primer lugar, muchas gracias. Se trata de nuestro primer videoclip y estamos muy contentos de haber podido sacarlo adelante.
Elegimos Sol Invictus porque era el tema que más sintetizaba, en la medida de lo posible, todos los matices de este álbum. La estética se inspira en la antigua roma, una cultura que como latinos nos toca sí o sí, aunque la canción trasciende mucho más allá de lo que fue este ‘culto al sol’.
Desde un principio teníamos muy claros los elementos que queríamos que estuvieran presentes, así como la gama de colores, que únicamente contiene ese negro putrefacto que destaca sobre el blanco puro (albedo), así como el rojo (rubedo), culmen de la perfección, y pequeñas pinceladas de ese paso intermedio que aporta el color dorado (citrinas). Estos han sido los colores que han estado presentes desde la fase teaser previa al lanzamiento del álbum.
¿Dónde se filmó?
Todo el vídeo está filmado en Madrid. La parte que se grabó con Beatriz fue en un humilde barrio de nuestra capital. Los exteriores también pertenecen a fachadas, parques y cementerios de Madrid. También supuso cierta reivindicación, ya que muchos españoles no son siquiera conscientes del gran lujo de secretos y de arte que albergan los espacios públicos de una ciudad tan modernizada, pero a su vez con tanta historia, como Madrid.
¿Cómo fue todo el proceso?
Disfrutamos mucho de todo el proceso, en gran parte porque contamos con un equipazo con el que trabajar. Los dos directores del proyecto, Aza Gómez y Lorenzo Ayuso, se volcaron con nosotros desde el primer momento. Creemos que la clave fue que entendieron a la perfección la idea que queríamos transmitir. Luego ellos, junto al equipo de maquillaje, fotografía y toda la producción, hicieron toda la magia. También hay que admitir que Beatriz hizo un gran esfuerzo el día de la grabación en el estudio, teniendo que aguantar una larga sesión de maquillaje y aguantando con ese vestuario durante horas. pero al final todo se consiguió en una única larga jornada que transcurrió de forma muy amena. Creo que todos lo disfrutamos mucho. pronto lanzaremos un making of de ello, así que estad atentos.
terminado?
Las sensaciones fueron muy buenas desde el mismo día del rodaje. El resultado fue mil veces mejor de lo que hubiéramos pensado. Estamos muy agradecidos a todo el equipo. Creemos que, para ser nuestro primer trabajo, hemos cumplido con creces, y todo ello es fruto del esfuerzo y de la paciencia, ya que descartamos varios proyectos previos antes de llegar hasta aquí. Al final un trabajo bien hecho no sale de la nada, sino de mucho esfuerzo y de las ganas de querer hacer las cosas bien. Volviendo a la banda. ¿Cuáles son los planes más inmediatos?
En estos momentos tenemos varias fechas cerradas para 2023, estamos deseando poner los pies en los escenarios y seguir transmitiendo muchas sensaciones a todos los que se acerquen a apoyarnos. Entre tanto también tenemos ideas para volver al estudio, pero de momento no hay nada concreto aquí.
¿Ya tienen previstas próximas fechas de presentación?
Como hemos comentado, tenemos varias fechas cerradas, pero aún no podemos publicarlo. Tan pronto como sea posible, iremos avanzando fechas a través de nuestras redes sociales.
Bueno Murmur, esto es todo. Agradecerles nuevamente por su tiempo y desearles mucha suerte. Antes de terminar, algo que deseen decir. Muchas gracias a todos vosotros y ojalá podamos dejarnos ver por la isla algún día. Abrazos desde España.
¿Cómo se sintieron una vez vieron el video
Mantah emerges in mid-2019 and they advocate a modern metal with hints of 90's bands like Korn and others. This, added to the sonic experimentation, has resulted in Evoke, the band's first official album. But let's see what else Bart Vdp, the band's guitarist, told us.
Hello Mantah! How are you? Nice to be able to interview you. How has the pandemic been going for you all this time?
For us actually pretty good, because Mantah was born out of a corona collaboration of Sven and Bart. But for the rest, of course, we are very happy that the pandemic is behind us.
According to your bio, the band emerged in 2019, so you have been around for a short time. How did the idea of creating the band come about? As I said. It originated as a corona project of Bart and Sven. There were no big goals. It was making music for fun. But the further we walked along the path, the clearer it became that there was more to it than just a studio project. So we started looking for other band members to make it a full-fledged band.
Who are its current members?
Sven Herssens is our singer. Bart Vandeportaele writes the songs, makes the samples and plays guitar. Dennis Wyffels is our lead guitarist, Bert Nauwynck slaps the bass strings and it's all held together nicely by Lothar Ryheul, our drummer.
How would you define your musical style?
We make modern metal, where the groove is taking up a central place. We complement this with influences from 90s/00s nu-metal. We are also not afraid to add a lot of electronics like samples, synths and breakbeats.
By: Alejandro Pérez.Let's talk about "Evoke", the band's debut album, which was released at the end of last October. And let me congratulate you, because the album is awesome! How was the editing and recording process?
We recorded everything in Bart's home studio. He actually owns all the tools to make quality recordings. Of course, it is not to be underestimated do it all by yourself. But we got plenty of help from our producer Tommie Bonajo (Tomster Studios) who assisted us with advice and tips from his studio in the Netherlands to pursue the best possible recording! In the end, we aimed for a modern, clean mix. Tommie took care of that and also provided us with a master that gave us a punch in the stomach. How many songs does it include and what are the songs about? The album contains 9 songs, covering a broad spectrum in terms of music genre. Evoke is about a deep delve in the mind of our singer Sven. The songs on the album show a retrospective of all his emotions, thoughts and occurrences in his (past) life. The songs deal with themes such as: toxic people, overcoming our inner villain, daily struggles and difficulties, scars of negativity and narcissism. Any audiovisual material?
Of course. First, we launched band with the song Game Over. We immediately recorded a clip with a live feel, because this is how we wanted to present the band. We thought this was the perfect song and clip to introduce the band. Next came "Enemy. Along with that was a cool lyric video/visualizer. Finally, we released the opening track 'Drown' from the album. The story of the song was totally visualized in the clip. It was quite a challenging
production because it all had to be done in one day. But our producer Philippe Piffet did an amazing job and we are very satisfied with the result!
Regarding the promotion and diffusion of the same. "Evoke" was presented the day after its release in Torhout. How do you remember that night?
It was quite a stressful night for us. We continued the DIY vibe, so we really did everything ourselves. We looked for a cool venue, went looking for a cool support act and then worked everything out. We designed posters, recruited a promo team, searched for volunteers, etc.
So the night itself you are an organizer/performer and it is actually impossible to fully concentrate on the show you have to give. This was quite tough because it was also our very first show ever. But that made it a real challenge for us, so it was actually quite exciting to tackle it like that. How did you feel on stage?
Once on stage, we felt like all the stress went away. Finally, we could do what we do best! All the frustrations of making a full album, came out in that moment. It was probably a purification process for us to let it all go. How was the reaction from both the audience and the press?
It was quite surprising for us to see so many positive reactions. This exceeded our wildest expectations and we expected much more backlash. Ultimately, we bring influences from the 90s nu-metal sound, and in the past this music was sometimes blackballed by the real oldschool metal fans. These influences are limited though, but we do let them shine through in our music. So we are really surprised, but mostly very happy with the fact that this new sound is appreciated.
Where is it possible to get a copy of it?
It's hard to immediately find a label with a debut record. So we just self-released this. The record is available in our webshop, at our shows and in some local CD shops. Back to the band. What are the plans for the rest of the year? Do you already have upcoming tours or presentations planned?
Right now we are shaping 2023. We are writing organizers and fests, but on the other hand, I also get quite a lot of offers from people who are interested in booking us. We already have some great shows in the meantime, both in clubs and festivals, with the Alcatraz festival as the icing on the cake!
Well Mantah, this is it! Thank you again for your time and just wishing you all the best of luck and success in your career. Before we finish, something you want to say.
Above all, we hope that 2023 will be a year where we can present MANTAH to as many people as possible! And this is best accomplished by playing a lot of shows. So we keep our fingers crossed that we will hopefully succeed in that part of our mission.
BORN TO FLY TAKES FLIGHT
Our last single for 2022 takes flight today!
‘Born To Fly’ was inspired by David’s love of flying which started at the tender age of 5. He set his sights on becoming a pilot and in 1998 became an Australian Aerobatic Champion. David has flown Spitfires and other Warbird aircraft at the Temora Aviation Museum which he established in 1999 in Australia. His love of flying has stayed with him ever since!
“Doug & I got together in New York earlier in the year and worked on a riff that I had written previously. Doug had a chorus that just fitted, we messed around with the melody and came up with the name ‘Born To Fly’. This is a straight-up rock song. For me it's literal, I was born to fly. However, we’re all born to fly in our own way.” –David Lowy.
100% Rock described the track as: “Born To Fly deftly balances soaring and catchy melodies with riffs that could grind bones to dust.”
Check out the adrenaline fueled video for 'Born To Fly' here: https://www.youtube.com/watch?v=PZQHeCwpqkU
Stream and download 'BORN TO FLY' here: Born To Fly - The Dead Daisies
Metallica anuncia nuevo disco y estrena canción con videoclip
Después de lanzar hace más de 6 años su último trabajo ‘Hardwired… To Self-Destruct’, ahora Metallica inicia un nuevo periplo con ’72 Seasons’, un disco que permitirá ver todo lo que han estado componiendo en los últimos años y que saldrá a la venta el 14 de abril de 2023.
El primer paso que Metallica ha dado para presentar su nuevo trabajo de estudio es lanzar la primera canción que formará parte de este disco. «Lux Æterna» llega con un videoclip en el que se puede ver a la banda tocar y en el que los fans más acérrimos están de enhorabuena al ver que Lars Ulrich con esta etapa volverá a llevar la batería de color blanco como la que tan popular se hizo en la primera década de Metallica. Es la batería más emblemática que ha tenido el danés, y aquí la vuelve a traer, pero con la estructura de timbales que usa desde este siglo. Este es el vídeo de dicha canción, que
tiene un ritmo veloz y un protagonismo melódico de la voz diferente a las últimas obras de los de San Francisco.
El amarillo es el color que predomina en la portada de ’72 Seasons’, el nuevo disco de Metallica. Aparte también se conoce el tracklist de ’72 Seasons’, el cual está compuesto por 12 canciones y son las siguientes:
72 Seasons Shadows Follow Screaming Suicide Sleepwalk My Life Away You Must Burn Lux Æterna Crown of Barbed Wire Chasing Light
If Darkness Had a Son Too Far Gone?
Room Of Mirrors
Inamorata
Un fondo amarillo con un conjunto de cosas destrozadas y calcinadas (una cuna, una guitarra, un triciclo, latas, una navaja, un monopatín, auriculares, un peluche, pesas, una cajetilla de tabaco con cigarros, coches de juguete, una mochila, un robot de juguete, un reloj y demás se pueden observar en la imagen que forma la portada del nuevo disco de Metallica.
Se ha considerado durante décadas, y así sigue sucediendo en la actualidad, la cátedra sonora más incontestable de lo que debe ser un álbum de heavy metal en directo. Cuatro caras, con sus sucesivas incorporaciones de otras canciones – “Speed King”, “Black Night”, “Lucille”- en cada reedición que se ha hecho, que nos muestran a una banda de una imaginación, destreza y fuerza irrepetibles. Todo un retrato sonoro de un tiempo en el que se estaba gestando el heavy metal, y en el que Deep Purple, a través de este álbum, jugó un papel destacadísimo. Mariano Muniesa reconstruye en este artículo toda la historia de esta histórica grabación que el 4 de diciembre de 2022 ha cumplido medio siglo.
La historia de una grabación kamikaze
A las alturas de 1972 ya estaba más o menos generalizada la práctica de editar álbumes grabados en vivo, a pesar de la dificultad técnica y de los elevados costes que conllevaba organizar una producción de ese tipo, con lo cual ya empezaban a ser un elemento importante en la discografía de los más importantes grupos de rock de la época. También, y este no es un dato menor, porque desde finales de los años 60 se había empezado a crear una microindustria paralela a la propia industria del disco basada en la comercialización al margen de los circuitos convencionales de lo que se dio en llamar “discos piratas”, es decir, grabaciones normalmente hechas en conciertos en directo que no se editaban por los sellos con los cuales el artista en cuestión tuviera firmado ningún contrato y por los que obviamente no recibían ningún beneficio en concepto de derechos de autor.
Ello motivó a la industria discográfica a impulsar la edición de discos en directo oficiales, que al estar grabados en condiciones técnicas profesionales y adecuadas, ofrecían un producto mejor acabado y más apetecible para el consumidor que los discos “bootlegs”, cuya calidad de sonido solía ser ínfima y además eran exageradamente caros. ¡Algo así sin duda fue lo que pensaron los managers de Deep Purple, quienes, estimulados además por las importantes cifras de ventas que habían conseguido entre 1970 y 1971 los álbumes en directo ‘Get Year Ya-Ya’s Out – The Rolling Stones In Concert!’ de los Rolling Stones y ‘Live At Leeds’ de The Who, vieron claro que el próximo álbum del grupo debería ser un live. Y siendo Japón uno de los países del mundo en los
que mejor se habían vendido ‘Deep Purple In Rock’, ‘Fireball’ y ‘Machine Head’, se aprovechó la primera gira que el grupo iba a hacer por la tierra del sol naciente para grabar allí el disco en directo que iba a pasar a la historia con el nombre de ‘Made In Japan’.
Una accidentada gira y una grabación conflictiva
A comienzos de los 70, la edición de un disco de estudio no marcaba necesariamente el inicio de una gira de promoción, y no desde luego en el caso de Deep Purple. Cuando apareció en el mercado ‘Machine Head’, su álbum de estudio de aquel año a finales de marzo de 1972, el grupo acababa de terminar un tour por Estados Unidos hecho durante los meses de enero y febrero, y nada más volver de América, empezaban gira por Europa y el Reino Unido. De hecho, esa frenética e ininterrumpida actividad en directo terminó por generar un stress, un cansancio y una tensión interna muy fuerte en la banda, razón básica por la cual Roger Glover e Ian Gillan se marcharon de Deep Purple en 1973. Pero eso aún tardaría en llegar. Dentro del programa de giras en las que el grupo estaba inmerso en aquel momento, Ritchie Blackmore enfermó de hepatitis justo coincidiendo con la salida a la venta de ‘Machine Head’, y aunque el resto del grupo hizo ensayos con otros guitarristas para no tener que cancelar las giras (Al Kooper y Randy California llegaron incluso a hacer algún concierto con el grupo, y de hecho se especuló con la posibilidad de que Randy California se quedase en el grupo definitivamente dadas las malas relaciones de Blackmore con el resto de Deep Purple) lo cierto es que la banda sin su carismático guitarrista no funcionaba ni mucho menos igual, de manera que hubo que aplazar muchos de los conciertos que estaban ya programados, entre ellos su primera gira japonesa, que iba a tener lugar en el mes de mayo y que se tuvo que posponer a agosto. Cuando el grupo y todo su equipo técnico aterrizó en la tarde del 9 de agosto de 1972 en el Aeropuerto Narita de Tokio, unos días antes del comienzo de la gira japonesa, fueron recibidos como auténticas estrellas de rock y en un ambiente de euforia por parte de miles de fans que estaban ansiosos por ver por primera vez al grupo en directo. Sin embargo, cuando llegaron a Japón, el ambiente interno estaba muy enrarecido. La mala relación entre Ian Gillan y Ritchie Blackmore había llegado a un punto de no retorno (se dice por parte de diferentes expertos en la historia de Deep Purple que ya en ese momento, verano de 1972, el cantante había tomado la decisión de no continuar en el grupo y que solamente la presión de los managers le convenció de seguir unos meses más y de grabar el siguiente disco) y además, por un lado el grupo quería como ingeniero de sonido para esa grabación a Martin Birch, algo a lo que su compañía de discos se oponía, pero que al final tuvo que aceptar, mientras que por otro lado, el equipo técnico y el material aportado por la compañía para grabar los conciertos japoneses en opinión de Birch, eran muy insuficientes para hacer una grabación de buena calidad y que el resultado final podría ser muy decepcionante. Afortunadamente no ocurrió así, gracias tanto a la pericia de Martin Birch como a la propia actitud del grupo, que se centró mucho más en ofrecer a sus entusiastas fans japoneses actuaciones intensas, vibrantes y poderosas que en preocuparse de un disco que incluso pensaron que no se llegaría a editar, lo cual les llevó a tocar sin la presión de
una grabación, con una energía y una fuerza que quedó perfectamente plasmada en los microsurcos de ‘Made In Japan’.
“Lo cierto es que no nos preocupamos en absoluto de si se estaban grabando o no los conciertos, lo único en lo que nos centramos fue en la idea de no defraudar a un público que nos veía por primera vez, y ello nos llevó a dejarnos llevar, a improvisar, a mostrarnos tal y como éramos con toda la naturalidad del mundo, casi como si fuera un ensayo con público. Tal vez, si hubiéramos estado pensando en hacer un concierto para la grabación de un disco, no hubiera salido tan bien, porque lo cierto es que en aquellos conciertos dimos lo mejor del grupo como muy pocas veces más habíamos dado”, me dijo personalmente Jon Lord en 1998, con motivo de la entrevista que le pude hacer en mi programa de radio, Rock Star, en su visita a Madrid con Ian Paice para promocionar la reedición 25 aniversario de ‘Made In Japan’.
La gira japonesa de agosto de 1972 de Deep Purple se llevó a cabo los días 15 y 16 de agosto en el Koseinenkin Kaikan Hall de Osaka y el 17 de agosto en el Teatro Budokan de Tokio. El segundo concierto de Osaka fue considerado el más potente y mejor realizado de los dos, y, de hecho, de este concierto se extrajo la mayor parte del material que integraría ‘Made In Japan’. Del primer show del 15 de agosto solo se usó “Smoke on the Water”, mientras que del show de Tokio se incluyeron en el disco “The Mule” y “Lazy”, todas ellas sin overdubbings, algo que siempre se preocuparon mucho de recalcar los miembros de la banda en todas las entrevistas que hicieron a lo largo de su carrera siempre que tenían que hablar de este disco.
La falsa historia del suicida de ‘Child In Time’ La historia del rock'n'roll está llena de falsos mitos. Uno de los más extendidos, más allá de las supuestas alabanzas satánicas en latín que se escuchan en “Stairway To Heaven” de Led Zeppelin escuchada al revés o de la muerte de Paul McCartney en 1966, es la del famoso “suicida” que supuestamente se quitó la vida el 16 de agosto de 1972 en el concierto de Deep Purple en Osaka.
Alguna de esas mentes calenturientas, ignoro con qué objetivo, esparció la fantasiosa y absurda teoría de que coincidiendo con el crescendo final de “Child In Time”, al mismo estilo del asesino de la famosa película de Alfred Hitchcock ‘El hombre que sabía demasiado’, algún individuo desesperado aprovecharía toda la descarga sonora del final de la parte más intensa de ese tema para, en medio de todo el desplome sonoro de todo el grupo al máximo volumen, hacer un disparo de revolver y volarse la tapa de los sesos sin que apenas llamase la atención en mitad de la oscuridad. Incluso, algunos medios periodísticos especializados se hicieron eco de este supuesto suceso y llegaron a publicar que expertos de la policía japonesa habían analizado las cintas de la grabación y habían reconocido el sonido de una detonación producida por arma de fuego en el final del increscendo instrumental de “Child In Time”. Por supuesto, nada de esto sucedió. Jamás se dio a conocer la identidad del supuesto suicida ni la policía registró denuncia alguna de la presencia de un cadáver en el recinto del concierto, al margen de la dificultad de poseer armas de fuego en el Japón de comienzos de los 70 y máxime de poder introducirlas en un local de espectáculos públicos. Pero, ya se sabe… cualquier hecho truculento y sangriento, por estúpido y
disparatado que pueda parecer a los ojos de cualquiera, si se produce en el entorno del heavy metal, mucha gente se lo cree y lo difunde como si de una verdad absoluta se tratase. Vivir para ver… Una genuina obra maestra y un legado histórico El 4 de diciembre se puso a la venta en la mayor parte del mundo –en algunos países el 1 de diciembre, en otros el 8- ‘Made In Japan’, el formidable doble álbum en directo de Deep Purple que se convertiría en un clásico de clásicos absoluto de la historia de nuestra música.
Glosar en un blog todo lo que atesora un documento sonoro como el que este álbum en directo representa probablemente esté de más. A lo largo de cinco décadas todas las virtudes de esta obra maestra ya han sido suficientemente puestas negro sobre blanco, pero, en cualquier caso, yo no me resistiré a la tentación de comentar algunas de las que considero más relevantes.
En 1972, Deep Purple, al igual que Black Sabbath, Uriah Heep o Led Zeppelin habían adquirido una personalidad, un estilo y un armazón musical basado en la intensidad, la potencia, el máximo volumen, en desarrollar a lo largo de sus conciertos algo que iba mucho más allá de una puesta en escena o una actuación en directo. Al igual que los propios Zeppelin o los Cream de 1968, cada concierto de Deep Purple era una experiencia sonora en la que las canciones, al más puro estilo de los grupos de jazz o jazz rock, no eran sino autopistas por las cuales hacer correr todo un caudal de imaginación, improvisación, experimentación y progresión instrumental, siempre con los amplificadores a tope y con un volumen atronador. Ese espíritu, esa magia, esa incontenible catarata de potencia sonora, al lado de esa capacidad de improvisación y experimentación, es lo que casi involuntariamente se captó y plasmó en ‘Made In Japan’ y la razón fundamental por la que se convirtió en un álbum de leyenda. La energía abrasadora de “Highway Star”, la densidad y profundidad de “Child In Time”, la genialidad casi jazzística de “Lazy”, la genialidad de “The Mule”, el equivalente Purple del “Moby Dick” de Led Zeppelin… en general, toda la poderosa y desbordante magia de una banda en el mejor momento de su carrera pese a las disensiones internas y las tensiones producidas por el exceso de trabajo, conformaron un doble álbum en directo que se convirtió en la cátedra sonora y en el modelo a seguir, sobre todo en el mundo del hard rock y el heavy metal para todos los que vendrían después.
El legado que dejó, incontestable: Es de los poquísimos álbumes en vivo que desde su edición en diciembre de 1972 nunca ha quedado descatalogado, es decir, siempre ha estado a la venta ante la incesante demanda. Fue el disco de Deep Purple que más alto ha llegado nunca tanto en las cifras oficiales en Estados Unidos de la RIAA (Asociación americana de la industria de la música) como de la lista de Billboard – nº6 en enero de 1973-, y ha sido disco de platino en países como Japón, Alemania, Francia, Suecia, Holanda y España. A día de hoy, diciembre de 2022, ha vendido en todo el mundo un total aproximado de 20 millones de copias.
Curiosidades…
Las fotos de la portada y contraportada de ‘Made In Japan’ no se tomaron en ninguno de los conciertos en Japón, sino en un show celebrado en el Rainbow Theater de Londres el 30 de junio de 1972. Japón fue precisamente el único lugar del mundo en el que el disco no se editó con el nombre de ‘Made In Japan’, sino que se llamó ‘Live In Japan’. Tuvo un diseño de portada diferente y se alteró el orden de las canciones, siendo el segundo tema de la cara A del primer disco “Smoke on the Water” en lugar de “Child In Time”. Uruguay fue el único país del mundo en el que además de publicarse un año y medio más tarde, ya en 1974, se editó como un álbum sencillo en lugar de doble. Por razones que se ignoran, el segundo disco del lanzamiento no se puso a la venta en la edición uruguaya. El Koseinenkin Kaikan Hall de Osaka, curiosamente, fue el escenario de la última aparición de Ian Gillan y Roger Glover con Deep Purple hasta la recomposición del “Mark II” a finales de 1984. Tras este concierto, celebrado el 29 de junio de 1973, el cantante y el bajista anunciaron su abandono de la formación.
El ingeniero Martin Birch ha afirmado en varias entrevistas que, a pesar de lo que todo el grupo luchó para que él fuera el responsable de la grabación y la producción del disco, al final ni Ian Gillan ni Ritchie Blackmore estuvieron en las sesiones de postproducción ni escucharon el álbum antes de su lanzamiento. Solo Roger Glover e Ian Paice y en ocasiones Jon Lord estaban en el estudio cuando se mezcló
