Experiencia estética en el arte (2)

UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL DE TÁCHIRA VICERRECTORADO ACADÉMICO DECANATO DE POSTGRADO MAESTRÍA ARQUITECTURA, CIUDAD E IDENTIDAD ESTÉTICA, CIUDAD Y ARQUITECTURA

El Imaginario Mundo del Doctor Parnassus: Análisis critico bajo fundamentos estéticos.

Profesor: Doctora Arquitecto María Gabriela Rivera Maestrantes: Liliana Delgado Manuel Márquez Duque John Romero Dilber Torres San Cristóbal, Julio de 2013

El Imaginario Mundo del Doctor Parnassus (2009).

Dirección: Terry Gilliam Intérpretes: Christopher Plummer, Heath Ledger, Andrew Garfield, Lily Cole, Tom Waits y las actuaciones especiales de Jhonny Depp, Jude Law y Colin Farrell.

Guión: Terry Gilliam y James McKeon.

Síntesis de la película: El Doctor Parnassus (Christopher Plummer), director de un espectáculo teatral ambulante, ha pactado su inmortalidad con el diablo (Tom Waits). Este pacto conllevaba la entrega de su hija en edad adolescente (Lily Cole). Cuando intenta evitar este acuerdo Parnassus vuelve a recibir otra apuesta por parte del diablo: se quedará con su hija quien sea capaz de seducir cinco almas.

Personajes: a) Doctor Parnassus: era un monje de mucho respeto que cayó en la tentación del diablo en persona (Mr. Nick) para tener vida eterna, se dedicó a los vicios del alcohol y las apuestas. b) Percy: representa la conciencia del Dr. Parnassus, claramente podemos ver como al final cuando están vendiendo las cajas, el diablo vuelve a tentar a Parnassus y Percy le reclama que mejor trabaje. Esto nos pasa a todos cada día, en medio de nuestro trabajo nos llega la tentación de jugar, hacer otra cosa, distraernos, y es nuestra conciencia la que debe evitar que cedamos ante estas distracciones. c) Valentina: la hija, al final forma su propia familia, pudo independizarse del padre y este la dejó ir, pero aun así usa el brazalete en su tobillo, lo que representa que si bien ella ya tiene su propia familia aún conserva la unión con su padre, y lo respeta, no lo abandonará nunca. d) Tony: es un personaje que no define si es malo o bueno, y a su vez no se logró saber si en verdad vendía partes de niños del Tercer Mundo a otros países, puesto que esta noticia salía en un diario amarillista, tabloides, donde siempre exageran todo y mientan la mitad de lo que dicen, lo que si queda claro era que Tony con su beneficencia no era nada correcto y algo sucio hacía para su beneficio propio. Pero, sucede algo en la película cuando Tony ofrece su propia alma para salvar a Valentina deja lucir su verdadera

intención, puesto que cuando propone esto al Dr. Parnassus le pide que haga un cambio con el que le enseñe como tener su mismo poder, para aprender todo. e) Anton: un joven actor que no tiene nada que hacer contra el atractivo del recién llegado Tony, pero que es quien de verdad ama a Valentina. f) Mr. Nick: es la representación del Diablo quien hace una apuesta con el Dr. Parnassus

Análisis crítico bajo fundamentos estéticos.

1.- Conceptos y medios.

1.1.- El Tema.

Mundos imaginarios conceptualizados a partir de una mentira 1.2.- Subtemas: Deseos de los terceros Mundo paralelo La tentación La codicia El engaño La vida eterna 1.3.- Representación.

La película representa las particularidades y vicisitudes del proceso diario de los artistas de la calle, su filosofía bohemia y su vida itinerante, y su vinculación con los distintos perfiles sociales de la ciudad de Londres.

1.4.- Significado.

El amor de un padre hacia su hija y de protegerla del mundo imaginario y de mentira en el cual él estaba inmerso.

2.- Aspectos de las obras de artes 2.1.- Aspectos sensoriales.

Visuales: Contrastes de colores que interpretan el aura de las personas. Contrastes de texturas, uso de maderas, telas, que regeneran y degeneran las espacialidades de la película. Brillo, luz, contraste que se dan cuando se realizan buenos oficios en los distintos escenarios en los que se manejan los personas y opacos cuando las acciones son en medio de la mala fe de los personajes.

Auditivos: La musicalización concuerda con cada uno de los escenarios en los que se desarrollan los personajes, incorporando mediante los sonidos al espectador con la ambientación de la película como ejemplo tenemos las cajas de música típicas de las ferias, los sonidos de la naturaleza pajeros, agua, viento, etc.

2.2.- Valores Formales.

2.2.1.- Unidad.

La escenografía como elemento de unidad formal dado mediante los distintos escenarios de la ciudad de Londres.

2.2.2.- Equilibrio.

Manifestado en la cronología diaria de la película. En el día se dan los momentos de reflexión de los personajes, de paz de valoración de la conciencia en contraste con la y en la noche se dan las acciones que generan las directrices de los acontecimientos y sus consecuencias. A través del uso de estos contrastes se da el equilibrio en la trama.

2.2.3.- Desarrollo o evolución.

En la película cada acción de los personajes genera una consecuencia que a predecir los hechos en el futuro. La evolución se inicia con el cargo de consciencia del doctor Parnassus pasa al proceso de desenlace de los hechos y culmina con la liberación de la vida de su hija y de su propia karma para iniciar un nuevo ciclo.

3. Valores Vitales.

Curiosidad: como los escenarios dejan un sentido oculto para que los espectadores traten de descifrar mediante la experimentación mental el posible próximo escenario visual.

Miedo y tensión: medido a través de las escenas nocturnas por el no saber qué es lo que va suceder.

Alegría: representada por los deseos de las personas de aura blanca y en la cotidianidad de los personajes por las acciones reflejadas a raíz del progerso económico.

Angustia: representada en la agonía de los personajes. Como la del Doctor Parnassus pide ser liberado del castigo al que fue sometido.

Felicidad: por el feliz desenlace relacionado con Valentina y su deseo de tener su propia familia y la liberación del doctor Parnassus de su karma.

4.- Contextualismo vs. Aislacionismo.

4.1.- El aislacionismo.

La obra nos muestra parte de la cronología y escenarios en el que se desarrolla la vida del doctor Parnassus, desde sus orígenes en el monasterio cuando se le presentó el personaje misterioso –Mister Nick- con el cual hace una apuesta que lo llevó mediante la vida eterna al presente. No queda claro en que temporalidad se desarrollan los hechos contemporáneos (no se sabe el año o década). Este presente está vinculado con particularidades como el juego de video manual del niño, el deseo de la señora de ser la esposa de Jhonny Deep, los edificios y centros comerciales contemporáneos.

4.2.- Contextualismo.

4.2.1.- Otras obras de Terry Gilliam, Director de la película.

Brazil: Película revelación de ciencia-ficción por la que Terry consiguió su única nominación al Oscar en la categoría de mejor guión original. Esta sátira futurista, influenciada por el clásico de George Orwell “1984”, destacaba por su impresionante trabajo estético, marca de la casa de Gilliam en todos sus trabajos.

Doce Monos: Su trama describe la historia de un prisionero llamado James Cole (Bruce Willis) que, en un mundo postapocalíptico, se ofrece como voluntario para un experimento científico que tiene como finalidad viajar al pasado para saber qué provocó la situación en la que se vive en el futuro.

Terry Guilliam nos muestra como a través de su filmografía mantiene un mismo lenguaje visual referido a un juego del ir y venir sin sentido de la cronología lógica en cada una de sus obras teniendo como liv motiv la sátira al mundo contemporáneo.

4.2.2.- Obras de otros artistas.

Christopher Nolan: Christopher Nolan sintió atracción por el mundo del cine desde niño, realizando con poca edad sus primeras películas caseras con una cámara de Super 8. En 1997, tras estudiar Literatura Inglesa en la Universidad, Christopher se casó con Emma Thomas y realizó el corto “Doodlebug”. Al año siguiente, rodando en blanco y negro y en 16 mm, debutó como director y guionista de largometrajes con el thriller psicológico “Following” (1998). Basándose en un relato corto de Jonathan Nolan, su hermano menor, Christopher consiguió revelarse internacionalmente con “Memento” (2000), película puzzle con una estructura no lineal protagonizada por un desmemoriado Guy Pearce. Por este film, tanto Jonathan como Christopher Nolan recibieron una nominación a los premios Oscar. También lograron diversos galardones en múltiples festivales y certámenes cinematográficos de todo el mundo, entre ellos el Independent Spirit Award al mejor director y guionista, y el premio Waldo Salt al mejor guión. En sus películas se tratan con frecuencia temas de la psicología, como sucede en Memento, una cinta en la cual Nolan experimenta con el hilo narrador de la historia fragmentándola y alterando el habitual modo de contar las películas, valiéndose de Flashbacks. En Inception -2010-, una película en que se trata el tema de los sueños de un modo más profundo y serio que otras películas relacionadas.

Andrew Niccol: Realizador, productor y guionista de esos que llaman de raza, Andrew Niccol (Paraparaumu, Nueva Zelanda, 1964) se ha granjeado un buen número de seguidores ─posiblemente equivalente al de sus detractores─ con tan sólo un puñado de películas. Saltó al mundo del cine para proponer un estilo personal, plagado de referencias pero atractivo desde su invitación a recorrer futuros inmediatos, perfectamente reconocibles y distantes a un tiempo. Se trata de un autor que juega con realidades artificiales y entornos (re)creados por una raza tendente a lo aséptico, lo frío y lo desencantadoramente impersonal, resultando tremendamente atractivo en su manera de plantear un trabajo estético y mimoso en su puesta en escena. Su última película es In Time en la cual en el año 2161, el gen del envejecimiento humano ha sido desactivado. Al cumplir los veinticinco años, las personas dejan de envejecer, pero sólo tienen un año más de vida. Transcurrido ese año, mueren de un ataque cardíaco a menos que «ganen»

tiempo y rellenen con él sus «relojes de vida», que llevan la cuenta regresiva como un reloj digital en sus antebrazos izquierdos. El tiempo de vida se ha convertido en «dinero» y es la forma con que la gente paga sus lujos y necesidades. Los ricos pueden vivir eternamente, mientras que el resto debe negociar o pedir préstamos para poder vivir el día a día (sus «relojes de vida» a lo más tienen siete días de vida). Cada persona vive en una «zona horaria» distinta, en función de su estatus social.

Obviamente estos autores contienen elementos en sus películas que en ciertos aspectos coinciden con Gilliam en cuanto al lenguaje surrealista, de ficción, de viajes en el tiempo o hacia la mente y la psicología de las personas en perenne critica de la sociedad.

4.2.3.- Estudio de factores externos al medio artístico.

El director Terry Guilliam no tuvo privativas en el ámbito social, tecnológico, literario y escenográfico en la prestancia del lugar por lo cual desarrolló abiertamente el concepto y el tema propuesto.

4.2.4.- Estudio de la época en que vivió el artista.

Terry Gilliam realizó su primera película en 1971, una época salpicada de contradicciones la cual pudo haber tenido gran influencia en el director. De igual manera las películas de ese tiempo se enfrentaron a un prejuicio, y es que el sexo, las drogas y el rock and roll marcaron el fin del Hollywood clásico, dando paso a la decadencia que hoy nos desvela.

El viejo establishment se vino abajo. Pero pese a dicha evidencia no conviene infravalorar los logros de aquella década.

Los setenta constituyeron una edad dorada, acaso la última. En su transcurso, se rodaron cintas memorables. Sin ir más lejos, Chinatown (1974), de Roman Polanski, El hombre que pudo reinar (1975), de John Huston, Harry el sucio (1971), de Don Siegel, Bienvenido, Mister Chance (1979), de Hal Ashby, La última película (1971) y Luna de papel (1973), de Peter Bogdanovich, French Connection. Contra el imperio de la droga (1971), de William Friedkin, Malas tierras (1973) y Días del cielo (1978), de Terrence Malick.

Eso sin olvidar Malas calles (1973), Taxi driver (1976), El último vals (1978) y Toro salvaje (1980), los cuatro largometrajes que definieron la mejor etapa de Martin Scorsese. Estas realizaciones y sus directores le permitieron a Gilliam encarar con mayor determinación su

propia filmografía y establecer un patrón propio con el cual mantiene una visión crítica y satírica de la sociedad de nuestro tiempo.

4.2.5.- Estudio de la vida del artista.

Gilliam nació en Medicine Lake, Minnesota, en los Estados Unidos, y estudió Ciencias Políticas en el Colegio Occidental de California. Más conocido por las animaciones, en las que recortaba fotografías y las volvía surrealistas, que por los papeles raros que realizó (papeles siempre secundarios). De entre sus personajes más conocidos destaca Patsy, el escudero del rey Arturo en Los caballeros de la mesa cuadrada, película que llevó a cabo con Terry Jones, e interpretó también al cardenal Fang de los sketches de la temible Inquisición Española. Realizó papeles siempre grotescos y enloquecidos.

4.2.6.- Estudio de las intenciones del artista.

Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen, El rey pescador, Fear and Loathing in Las Vegas o El imaginario del Doctor Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía.

5.-Relación del arte y la verdad Al igual que el arte, la verdad contiene razón, significados y mensajes que no siempre son revelados ante una primera impresión, durante el transcurso de la película observada se hace imposible escapar ante las bondades que el arte ofrece al significado de la trama, arte aunque un poco abstracto, contiene el concepto de un mundo mágico, irreal, un mundo que cada ser humano presenta en su interior y que solo vivimos en nuestros sueños. Sueños que se convierten en una verdad, en la razón de ser de cada personaje y que solo se ve reflejado con la conjugación del arte que nos permite volar en un mundo imaginario, que al igual que la trama presentada, mucho son, los que poseen un mundo irreal en sus sueños.

Lo interesante de la trama es la manera de cómo logran hacer de algo irreal, un sueno tangible, mediante la aparición de un espejo que lo podríamos llamar el espejo de los

sueños, que permite que cada personaje entre a un mundo imaginario, solo adaptado a las aspiraciones que cada personaje pueda tener en su interior, pero contraproducente porque al igual que la realidad o la verdad, los sueños siempre llegan al límite de lo inalcanzable, tanto que son precisamente estos quienes conducen a un laberinto sin salida, donde sin querer se resulta atrapado, llevando esto a la conclusión que un mundo imaginario, cargado de bondades y virtudes solo conduce al camino de lo irreal.

De allí la importancia que radica la relación del arte y la verdad, como ente principal y protagonista de una trama encargada de reflejar mundos imaginarios conjugados con el mundo real, donde la verdad es disfrazada bajo escenarios artísticos

dando como

resultado la vivencia de nuestros sueños, a su vez resulta importante destacar el enfoque de la película hacia lo negativo que puede resultar la avaricia que poseen los seres humanos, y lo contraproducente que puede llegar a hacer ésta en nuestras vidas.

6.- Relación del arte y la moralidad Son muchas las expresiones artísticas que hoy día son vistas bajo criterios de inmoralidad, solo por la falta de conocimiento e interpretación de una obra que posea cualidades artísticas en su trama. La moralidad es un tema que se ve reflejado en la película observada bajo parámetros artísticos, se refleja la desnudes e impureza de una mujer, cubierto de arte, de un escenario cargado de lecturas que claramente reflejan el momento de creación de la mujer y del pecado cometido, conjugando así, la importancia de una armónica relación entre arte y moralidad.

7.- Relación entre arquitectura, vestuario, personajes y trama.

Una completa y eficiente trama debe conjugar una estable relación entre su arquitectura, vestuario y personajes, de lo contrario quedarían vacios en la obra, imposibles de detectar, vacios como incomprensión, falta de credibilidad o de interés por parte del receptor. La trama observada comprende dos mundos opuestos, los cuales cada uno presentan su vestuario acorde al significado que se quiere transmitir, un significado positivo, porque es casi inmediato darse cuenta cuando se pasa de un mundo a otro, cambia el escenarios, el vestuario, el comportamiento y la escala cada vez que se pasa del mundo real al mundo imaginario.

Así mismo los personajes y el dialogo entre ellos, también varían según la trama presentada, el mundo real presenta personajes con problemas reales, sentimientos, sufrimientos y relaciones acorde al mundo en el que vivimos, e inmediatamente se pasa al mundo imaginario, se percibe el cambio de actitud del personaje, vuelan, ríen, disfrutan y se insertan en la magia fructífera que refleja sus mas internos deseos. La arquitectura y escenario de cada espacio va acorde a su significado, cargado de colores, texturas, que envuelven la atención del receptor, y sea cual sea el mundo que se esté presentando, cada minuto genera más satisfacción del observar tan significativa trama que refleja nuestra realidad.

8.- Imágenes de la película.