Catalogo MFF2013

CATALOGO DIGITALE CATALOGO A CURA DI: Cristina Gallotti con Alessandro Di Pasquale TESTI DI: Alice Arecco, Alessandro Beretta, Marco Cacioppo, Lara Casirati, Elisabetta Fanti, Cristina Gallotti, Davide Giannella, Chiara Guerritore, Andrea Lavagnini, SĂŠverine Petit, Paola Piacenza, Sara Radaelli, Vincenzo Rossini, Alessandro Uccelli, Carla Vulpiani TRADUZIONI DI: Joan Rundo con la collaborazione di Phoebe Murray e Jessica Stubbs PROGETTO GRAFICO, SVILUPPO E IMPAGINAZIONE :

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INDICE LIST OF CONTENTS 004 – Editoriale 013 – Giuria Lunghi / Feature Film Jury 014 – Giuria Corti / Short Film Jury 022 – Premi / Awards CONCORSI / COMPETITIONS 026 – Concorso Lungometraggi / Feature Film Competition 051 – Concorso Cortometraggi / Short Film Competition 106 – 18 Anni di Milano Film Festival RETROSPETTIVE E OMAGGI / RETROSPECTIVES AND TRIBUTES 123 – Echoes of Silence/Rage of Immanence 141 – The Outsiders 162 – Colpe di Stato / State of (T)Error 174 – Focus Animazione / Focus on Animation 211 – Workshop EVENTI SPECIALI 213 – CAP Group Presents 214 – LUSH & Gorilla Perfume Presents 215 – The Walt Disney Company Presents 216 – VisitSweden Presents 217 – Amnesty Presents 218 – Naga Presents 219 – Festa del Cinema 220 – VerniXage 225 – Salones des Refusés 226 – Milano film festivalino 228 – Indice Film, Registi / List of Films, Directors

BOHÉMIEN, FINO A UN CERTO PUNTO BOHEMIAN, TO A CERTAIN EXTENT

I

T

Detto ciò, la diciottesima edizione del Milano Film Festival è qui, crediamo, con la consueta voglia di raccontare il presente a confronto con il linguaggio cinematografico, un dispositivo per raccontare le dinamiche della realtà e dell’identità che, nonostante

This said, the eighteenth Milano Film Festival is here, we believe, with the usual desire to relate the present with film language, a device to recount the dynamics

diciotto anni, per una persona come per un festival, sono un momento di passaggio. Bisogna decidere gli studi da fare, le strade da prendere, i viaggi per conoscere il mondo. Se dovessimo personificarlo, il Milano Film Festival, probabilmente, sarebbe un giovane (o una giovane, sia chiaro...) europeo che, come tanti, vive in stanze condivise pur di seguire la sua passione, che di giorno studia e di sera lavora in un bar, che un po’ si diverte e un po’ riflette. Bohémien fino a un certo punto, con il sale in zucca e un’incrollabile voglia di fare. È, in fondo, quello che capita anche a noi nell’organizzare una manifestazione molto amata dalla città con un budget di anno in anno sempre più difficile da conquistare, ma che riesce a trovare i partner giusti, oltre al fondamentale sostegno del Comune di Milano, per farlo. Lo staff del festival, e le sue diverse squadre, ripensano i propri desideri alla luce della realtà: fare di necessità virtù, diventa un motto guida in anni come questi. Fin qui, si tratta di effetti generali della crisi, anche se poi, nello specifico, non va dimenticato il quadro nazionale in cui si svolgono le attività culturali.

A livello cittadino, senza dubbio, l’unione fa la forza: lo dimostra la bella rete dei festival nata con il Milano Film Network, e che proprio all’interno di quest’edizione si manifesterà per la prima volta in una delle sue molte forme, con il workshop di Sylvain George: un’associazione di manifestazioni milanesi che permette di abbassare, condividendole, diverse spese fondamentali per l’organizzazione di un evento, come il dialogo aperto con “Le vie del cinema”, organizzato dall’Agis lombarda, che permetterà agli spettatori di vivere un mese di cinema di qualità senza sovrapposizioni di date. Infine, ringraziamo ancora la città per il successo dell’iniziativa “Adotta un regista”, un’idea che apre ulteriormente il festival a Milano chiedendo a chi vuole di ospitare un talento.

he age of eighteen, for a person as for a festival, is a time of passage.

It is time to decide on studies, the paths to take, the journeys to get to know the world. If we were to personify it, the Milano Film Festival would probably be a European youngster (male or female, of course...), one of those who lives in shared rooms to be able to follow their passion, who studies at day and works at night in a bar, who enjoys themselves a bit and thinks a bit. Bohemian to a certain extent, with common sense and an unshakable energy. This is, after all, what happens to us in organizing a festival which the city loves very much with a budget that each year is more difficult to conquer, but which succeeds in finding the right partners, as well as the fundamental support of the Milan City Council, to do it. The staff of the festival, and its different teams, rethink their desires in the light of reality: making a virtue out of necessity becomes a guiding motto in years like these. So far, it has been the general effects of the crisis even though, in the specific case, we must not forget the national context in which cultural activities are carried out. At the level of the city, there can be no doubt that strength lies in union: this is shown by the fine network of Festivals that has come into being with Milano Film Network, and which in this edition will be present for the first time in one of its many forms, with the workshop with Sylvain George: an association of Milanese events which allows lowering, by sharing them, various costs that are fundamental for the organization of an event, like the open dialogue with “Le vie del cinema”, organized by the Lombardy AGIS, which will let the public experience a month of quality cinema without the dates overlapping. Lastly, we once again thank the city for the success of the initiative “Adopt a filmmaker”, an idea that further opens the Festival to Milan, asking those who wish to offer accommodation to a talent.

l’invasione sempre crescente di immagini commerciali e formattate, resiste. Una forza poetica che crediamo sia evidente nelle opere prime e seconde del concorso internazionale lungometraggi, come in quelle dei cortometraggi riservate ad autori under quaranta. Il cinema documentario, invece, nel suo rapporto politico con il reale, trova spazio in Colpe di Stato, dove anche quest’anno verranno indagati angoli di informazione sommersa, taciuti per comodità dal potere per non disturbare le grandi narrazioni e per lasciarci nell’opinione comune. Basta vedere per cambiare idea o, almeno, per diventare più coscienti. È senza dubbio da quel campo fertile di ricerca nel confronto con il reale, nel gesto politico e artistico del filmmaker, che nasce il focus di quest’anno, curato da Paola Piacenza e dedicato al francese Sylvain George che con i suoi lavori rende visibili gli invisibili del mondo che si affacciano ai confini dell’Europa. Un lavoro che nasce da una prassi che il regista condivide con gli allievi del workshop Seize the Time, realizzato in collaborazione con Filmmaker e il Milano Film Network, e che trova coronamento negli appuntamenti a lui dedicati al festival, un’occasione unica per vedere una poetica in fieri: dai cortometraggi in progress, a Les Éclats, fino alla musicazione dal vivo che accompagnerà Vers Madrid, presentato in un montaggio inedito.

Il cinema, come terreno di incrocio tra pratiche artistiche differenti, sarà anche al centro dei tre appuntamenti di VerniXage, curato da Davide Giannella, e della maratona di cortometraggi d’animazione curata da Andrea Lavagnini e Sara Radaelli, mentre non mancherà spazio in The Outsiders, curato da Alice Arecco, Lara Casirati e Alessandro Uccelli, sia per le fiction inconsuete che per documentari – musicali e non – che fanno ripensare le nostre abitudini di visione. È in questa sezione che, con una militanza che speriamo venga colta, proietteremo in anteprima italiana Closed Curtain dell’iraniano Jafar Panahi, regista prigioniero di un paese che vorrebbe farlo tacere, in una proiezione che si avvarrà della collaborazione della neonata associazione Cecinepas. Infine, celebreremo questi diciotto anni insieme ai nuovi film dei registi che sono cresciuti con noi ripercorrendo la storia del festival: una torta ricca di schermi, più che di candeline, che, una volta spenta, speriamo farà nascere altri desideri di visione.

Alessandro Beretta e Vincenzo Rossini

of reality and identity which, despite the increasing invasion of commercial and formatted images, resists.

A poetic force which we believe is evident in the first and second films in the international feature film competition, as in those of the short films for directors under 40. Documentary cinema, however, in its political relationship with reality, finds space in Colpe di Stato, where this year again corners of information that is concealed, hushed up for the convenience of power not to disturb the great narrations and to leave us in mainstream opinion, will be investigated. You only have to see, to change your mind or, at least, to become more aware.

There can be no doubt that that this year’ s focus, curated by Paola Piacenza on the French filmmaker Sylvain George, who with his works makes the invisible of the world who peek on to the borders of Europe fertile visible, emerges from the field of research in comparison with reality, in the political and artistic acts of the filmmaker. Sylvain George’ s work is the result of a practice that he shares with the students of the workshop Seize the time, organized in collaboration with Filmmaker and the Milano Film Network, and which is crowned by the appointments devoted to him at the Festival, a unique opportunity to see poetics in the making: from the short films in progress, to Les Éclats, to the live musical performance that will accompany Vers Madrid, presented with original editing.

The cinema, as a land where different artistic practices can be hybrid, will also be at the centre of three appointments of VerniXage, curated by Davide Giannella, and the marathon of short animated films curated by Andrea Lavagnini and Sara Radaelli, whilst there will be room in The Outsiders, curated by Alice Arecco, Lara Casirati and Alessandro Uccelli, both for original fiction films and for documentaries – musical and otherwise – which make us rethink our viewing habits. It is in this section which, with an activism that we hope is understood, we will screen – in collaboration with the newborn association Cecinepas – the Italian premiere of Closed Curtain by the Iranian Jafar Panahi, the director who is the prisoner of a country that would like to reduce him to silence. Lastly, we will be celebrating these 18 years together with the new films by the directors who have grown up with us and going back over the history of the festival: a cake full of screens, rather than candles which, once they have gone out, we hope will kindle other desires for vision.

Alessandro Beretta and Vincenzo Rossini

L’EUROPA AMA I FESTIVAL EUROPEI EUROPE LOVES EUROPEAN FESTIVALS

L

uogo privilegiato d’incontro, scambio e scoperta, i festival offrono un ambiente stimolante e accessibile a quell’insieme variegato di talenti, storie ed emozioni che è la cinematografia europea.

Il Programma MEDIA dell’Unione Europea si impegna a promuovere il patrimonio audiovisivo europeo, incoraggiare la circolazione internazionale dei film e di favorire la competitività dell’industria degli audiovisivi.

Il Programma MEDIA riconosce la rilevanza culturale, educativa, economica e sociale dei festival, partecipando ogni anno al finanziamento di un centinaio di festival in tutta Europa.

Questi festival si contraddistinguono per la varietà e ricchezza dei programmi artistici, delle collaborazioni e opportunità di incontro tra cineasti e pubblico, per le attività di formazione verso i giovani autori, e ancora per l’importanza nel rafforzare il dialogo interculturale.

Nel 2012 i festival sostenuti dal Programma MEDIA hanno organizzato più di 20.000 proiezioni di opere europee per quasi tre milioni di amanti del cinema.

MEDIA è felice di sostenere la diciottesima edizione del Milano Film Festival ed estende agli spettatori del festival l’augurio di partecipare ad un evento gradevole e stimolante.

Unione Europea MEDIA PROGRAMME

A

privileged place for meetings, exchanges and discovery, festivals provide a vibrant and accessible environment for the widest variety of talent, stories and emotions that constitute Europe’s cinematography.

The MEDIA Programme of the European Union aims to promote European audiovisual heritage, to encourage the transnational circulation of films and to foster audiovisual industry competitiveness. The MEDIA Programme acknowledges the cultural, educational, social and economic role of festivals by co-financing every year almost 100 of them across Europe.

These festivals stand out with their rich and diverse European programming, networking and meeting opportunities for professionals and the public alike, their activities in support of young professionals, their educational initiatives and the importance they give to strengthening inter-cultural dialogue. In 2012, the festivals supported by the MEDIA Programme have programmed more than 20.000 screenings of European works to nearly 3 million cinema-lovers.

MEDIA is pleased to support the 18th edition of Milano Film Festival and we extend our best wishes to all of the festival goers for an enjoyable and stimulating event.

European Union MEDIA PROGRAMME.

MEDIA PROGRAMME http://ec.europa.eu/culture/media/fundings/festivals/index_en.htm

CREDITI CREDITS PRESIDENTI / CHAIRMEN Lorenzo Castellini, Beniamino Saibene DIREZIONE ARTISTICA / ARTISTIC DIRECTION Alessandro Beretta, Vincenzo Rossini COORDINAMENTO GENERALE / GENERAL COORDINATION Elisabetta Fanti, Nicolò Bini COORDINAMENTO PROGRAMMA / HEAD OF PROGRAMME Alice Arecco PROGRAMMA / PROGRAMME Lara Casirati, Séverine Petit e Carla Vulpiani UFFICIO FILM / FILM OFFICE Bibiane Ngirabacu Mukomeze, Federica Pugliese, Alex Zambernardi MARKETING Fabio Merafino con Natalia Larovere e con Riccardo Fornezza e Matilde Previato Schiesari COMUNICAZIONE E PROMOZIONE / COMMUNICATION AND PROMOTION Barbara Specchia con Veronica Boggian, Giulia Paulato, Maura Sacchi, Barbara Scalchi UFFICIO STAMPA / PRESS OFFICE Francesca Gerosa con Valentina Calabrese COMUNICAZIONE WEB / WEB COMMUNICATION Lucrezia Foscari OSPITALITÀ / HOSPITALITY Rafael Maniglia per Milano Film Network MOVIMENTO COPIE / PRINT TRAFFIC Sara Maestro per Milano Film Network RELAZIONI ESTERNE / EXTERNAL RELATIONS Giada Evandri e Anna Spreafico

PRODUZIONE / PRODUCTION Francesca Acquati con Teresa Zabot e con Valeria Caldani, Patrick Hubmann e Nicoletta Marangoni LOGISTICA / LOGISTICS Giacomo Faina con Vincenzo Monte AMMINISTRAZIONE E CONTROLLO / RESOURCES MANAGEMENT Eleonora Pedrotti COORDINAMENTO PROIEZIONI E IMPIANTI TECNICI / SCREENING AND TECHNICAL EQUIPMENT COORDINATION Pietro Baj con Marco Fraschini e con Franco Calvano, Vincenzo Grimaldi, Marco Maginzali TRADUZIONI E SOTTOTITOLI / TRANSLATIONS AND SUBTITLES Barbara Viola per Milano Film Network con Jacopo Oldani CON L’AIUTO DI / WITH THE HELP OF Cristina Abdel Mallak, Giulia Albertini, Francesca Alfieri, Anna Baccenetti, Serena Badaracco, Giada Bolletta, Giulia Bonfante, Angela Bulla, Chiara Buzzacchi, Gaja Calabrò, Consuelo Capriuoli, Maria Ludovica Caruso, Lara Casirati, Carlotta Colacurcio, Matteo Iachetti, Francesca Lacenere, Roberta Minardi, Carmela Mincone, Ilaria Minetti, Valeria Miola, Elena Nappi, Gaia Papasergio, Irene Pratesi, Stefania Redaelli, Giulia Ribacchi, Fabrizio Russo, Daniela Samà, Gelsomina Sampaolo, Chiara Steffanoni, Giacomo Stella, Luca Tarasco, Giovanni Terzi, Cecilia Zagni, Lucia Zizzari REDAZIONE CATALOGO E PROGRAMMA / CATALOGUE AND PROGRAMME Cristina Gallotti con Alessandro Di Pasquale

TRADUZIONI CATALOGO / CATALOGUE TRANSLATIONS Joan Rundo con Phoebe Murray e Jessica Stubbs INTERPRETI / INTERPRETERS Giulia Tremolada e Lucia Vandone WEBMASTER Federico De Ambrosis IT CONSULTANT Dante Plicato

PROGETTO GRAFICO E IMPAGINAZIONE / GRAPHIC DESIGN Zetalab – Andrea Zambardi con Margherita Dell’Era e Mariacarla Andrisani REALIZZAZIONE CAMPAGNA FOTOGRAFICA 2013 / PHOTOGRAPHY Delfino Sisto Legnani REALIZZAZIONE CATALOGO DIGITALE / DIGITAL CATALOGUE HighWay FOTO / PHOTOS Delfino Sisto Legnani con Joel Valabrega e Wu Magazine HANNO INOLTRE COLLABORATO / WITH THANKS TO Silvio Biolcati, Francesca Codolini, Luca Colombo, Antonio Conte, Simone Crepaldi, Francesca De Gottardo, Roberta Del Prato Caterina Lana, Marcello Lucarelli, Asia Muci, Igor Murano, Simon Pernettaz, Lucia Rossi, Sumiti, Giulia Tosetti

PROGRAMMA: CURATORI E COLLABORATORI / PROGRAMME: CURATORS AND COLLABORATORS  COMMISSIONE SELEZIONATRICE CONCORSO LUNGOMETRAGGI / FEATURE FILM SELECTION COMMITTEE Alice Arecco, Alessandro Beretta, Marco Cacioppo, Lara Casirati, Andrea Lavagnini, Vincenzo Rossini, Alessandro Uccelli, Barbara Viola COMMISSIONE SELEZIONATRICE CONCORSO CORTOMETRAGGI / SHORT FILM SELECTION COMMITTEE Alice Arecco, Alessandro Beretta, Nicolò Bini, Lara Casirati, Lorenzo Castellini, Elisabetta Fanti, Carlo Giuseppe Gabardini, Andrea Lavagnini, Séverine Petit, Sara Radaelli, Vincenzo Rossini, Beniamino Saibene, Anna Spreafico, Alessandro Uccelli, Barbara Viola, Carla Vulpiani FOCUS SYLVAIN GEORGE – ECHOES OF SILENCE/ RAGE OF IMMANENTS è a cura di Paola Piacenza THE OUTSIDERS è a cura di Alice Arecco, Lara Casirati e Alessandro Uccelli COLPE DI STATO / STATE (T)ERROR è a cura di Paola Piacenza e Chiara Guerritore VERNIXAGE è a cura di Davide Giannella FOCUS ANIMAZIONE / FOCUS ON ANIMATION è a cura di Andrea Lavagnini e Sara Radaelli MILANO FILM FESTIVALINO è a cura di Sara Radaelli CORRISPONDENTE USA / USA CORRISPONDENT Martina Caruso PROGRAMMAZIONE MUSICALE / MUSIC I Distratti

UNA PRODUZIONE DI

CON IL CONTRIBUTO E IL PATROCINIO DI

SPONSOR UFFICIALI

SPECIAL PROJECT PARTNER

PARTNER

MEDIA COVERAGE BY

MEDIA PARTNER

RADIO POPOLARE

PARTNER AMBIENTALI

GRAZIE A

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ACCOMMODATION PARTNER

GIURIA LUNGOMETRAGGI FEATURE FILM JURY ANNA HENCKEL-DONNERSMARCK

Anna Henckel-Donnersmarck è cresciuta tra Indonesia, Giappone, Inghilterra e Bavaria. Ha realizzato cortometraggi come Busby, One or Two Things e istallazioni video per teatro e mostre. Lavora nel comitato di preselezione della sezione cortometraggi della Berlinale, del Pictoplasma e del Film Festival Zebra Poetry. www.annahd.net

Anna Henckel-Donnersmarck grew up in Indonesia, Japan, England and Bavaria.

She made short films, Busby, One or Two Things and video installations for the theatre and exhibitions. She sits on the pre-selection committee of the short film section of the Berlinale, of the Pictoplasma and of the Zebra Poetry Film Fest.

DAVY CHOU

David Chou, dopo l’esordio nel 2006 con Davy Chou’s First Film, ha girato Expired in Cambogia. Curatore della mostra Golden Reawakening, sul cinema cambogiano anni Sessanta e Settanta, il suo primo lungometraggio, Golden Slumbers, è stato selezionato in numerosi festival, tra cui la Berlinale e il Milano Film Festival.

After his first short Davy Chou’s First Film (2006), David Chou shot Expired in Cambodia. He curated the Golden Reawakening exhibition, which explored 60s and 70s Cambodian cinema. His first feature length film, Golden Slumbers was selected in several festivals, including the Berlinale Forum and Milano Film Festival.

COSIMO TERLIZZI

Il lavoro di Cosimo Terlizzi attraversa diversi media, dalla fotografia alla videoarte. Le sue opere sono state presentate in numerosi contesti internazionali. Nel 2011 la Mostra del nuovo cinema di Pesaro gli ha dedicato un focus e nel 2012 ha partecipato al Torino Film Festival con il documentario L’uomo doppio.

Cosimo Terlizzi uses different media, from photography to video art, in his work. His creations have been exhibited in international museums and galleries. In 2011 the Mostra del nuovo cinema of Pesaro dedicated a focus to him and in 2012 he took part in the Turin Film Festival with the documentary L’uomo doppio.

GIURIA CORTOMETRAGGI SHORT FILM JURY REDAZIONE UZAK

U

zak è diretta conseguenza di un cinema e di una critica in via di modificazione, che vaglia nuovi strumenti e modalità di visione. Uzak è un’idea – recupero di un cinema contemporaneo marginalizzato dal mercato – confluita prima in una rivista online (www.uzak.it) che ne rileva e ne reinventa le disparate declinazioni, poi in un’omonima collana che pensa il cinema come militanza, attualità, cioè modalità di intervento. Dal primo volume, edito da CaratteriMobili, Il film in cui nuoto è una febbre. Registi fuori dagli scheRmi, sono nate due rassegne: Registi fuori dagli scheRmi e Registi fuori dagli scheRmi #2, realizzate con la collaborazione di Apulia Film Commission. Per mezzo di visioni inedite e febbrili, Uzak ha voluto sostenere il diritto/dovere di immaginare un altro cinema, anarchico, potente, non riconducibile alla sola dimensione spettacolare, di film che possiedono una visione del mondo e un’idea della vita. Dopo i critici, su tutti Enrico Ghezzi e Roberto Silvestri, i protagonisti sono stati gli autori: Shinya Tsukamoto, Tood Solondz, Sylvain George, Victor Erice, Davide Manuli, Roberto Minervini.

Oggi siamo sottoposti a una terapia di stordimento somministrata a dosi fatali di visioni cristallizzate e divenute sostanzialmente volgari cui Uzak cerca di opporsi con «strategie di resistenza alla polverizzazione dello sguardo».

U

zak is the direct consequence of a cinema and of criticism in the throes of change, which assesses new instruments and ways of seeing films. Uzak is an idea – to recover a contemporary cinema relegated to the sidelines by the market – first converged into a webzine (www.uzak.it) observing and reinventing its variations, then into a collection which considers cinema as activism and current affairs. The first book, published by CaratteriMobili, Il film in cui nuoto è una febbre. Registi fuori dagli scheRmi, has given rise to two festivals, Registi fuori dagli scheRmi e Registi fuori dagli scheRmi #2, organized with the Apulia Film Commission. Through first-time and febrile screenings, Uzak has wanted to support the right/duty to imagine another kind of cinema, anarchic, powerful and cannot be reduced to the single spectacular dimension: films with a vision of the world and an idea of life.

The first series of rendezvous featured critics, in particular Enrico Ghezzi and Roberto Silvestri; the second made space for filmmakers: Shinya Tsukamoto, Todd Solondz, Sylvain George, Victor Erice, Davide Manuli and Roberto Minervini. Today we are subjected to a therapy where our senses are dulled by fatal doses of crystallized and essentially vulgar visions: Uzak tries to oppose this through “strategies of resistance to the pulverization of the gaze”.

PALMARES 2012 Premio Miglior Lungometraggio/Best Feature Film CHINA HEAVYWEIGHT di YUNG CHANG (CANADA/CHINA) Menzione speciale concorso lungometraggi/Special Mention Feature Film Competition EVERYBODY IN OUR FAMILY di RADU JUDE (ROMANIA)

Premio dello Staff/Staff’s Prize VOICE OVER di MARTIN ROSETE (SPAGNA) Premio della Giuria degli studenti/Student Jury’s Prize TIENS MOI DROITE di Zoé Chantre

2011 Giuria/Jury: Mimi Chakarova, Andrea Fornasiero, Gustav Hofer, Adrian Sitaru Premio Miglior Cortometraggio/Best Short Film NOTRE CORPS EST UNE ARME: PRISONS di CLARISSE HAHN (FRANCIA) Menzione speciale concorso cortometraggi/Special Mention Short Film Competition VILAINE FILLE, MAUVAIS GARçON di JUSTINE TRIET (FRANCIA) Giuria/Jury: ZeLig Scuola di Documentario, Televisione e Nuovi Media Premio Aprile/Aprile Prize BAKE A CAKE di ALIOCHA (FRANCIA)

Premio Miglior lungometraggio/Best Feature Film Italy: Love it, or leave it, di Gustav Hofer e Luca Ragazzi Menzione speciale/Special Mention Pasuggun (Bleak night), di Yoon Sung-hyun Giuria/Jury: Philippe Azoury, Daniele Basilio, Mihai Chirilov, Michal Kosakowski, Barbara Sorrentini Premio Miglior cortometraggio/Best Short Film Susya di Dani Rosenberg e Yoav Gross Menzione speciale/Special Mention Las Palmas di Johannes Nyholm Planet Z di Momoko Seto Giuria/Jury: Centre Pompidou

Menzione speciale Premio Aprile/Aprile Prize Special Mention IL N’Y A PAS DE RAPPORT SEXUEL di RAPHAEL SIBONI (FRANCIA) FIREWORKS di GIACOMO ABBRUZZESE (FRANCIA/ITALIA) Premio del pubblico/Public’s Prize L’ESECUZIONE di ENRICO IANNACCONE (ITALIA) Premio Air Dolomiti - Aeroporto di Monaco/Air Dolomiti - Munich Airport Prize VALLEY OF SAINTS di MUSA SYEED (INDIA/USA) Premio Colpe di Stato/Colpe di Stato Prize offerto da Feltrinelli Real Cinema/offered by Feltrinelli Real Cinema WE ARE LEGION: THE STORY OF THE HACKTIVISTS di BRIAN KNAPPENBERGER (USA)

Premio Aprile/Aprile Prize Skallamann di Maria Bock Menzione Speciale Aprile/Aprile Special Mention Axis and Allies di Ernst de Geer Premio del Pubblico/Public’s Prize Lungometraggio/Feature Film Italy: Love it, or leave it di Gustav Hofer e Luca Ragazzi Cortometraggio/Short Film Skallamann di Maria Bock Premio dello Staff/Staff’s Prize La huida di Victor Carrey Premio della Giuria degli Studenti/Student Jury’s Prize Qué divertido di Natalia Mateo

Premio Ambiente – CIAL/Ambiente – CIAL Prize También la lluvia di Icíar Bollaín Premio FAI il tuo film/FAI il tuo film Prize Rinnovata la chiamò di Bruno Chiaravallotti I Cortissimi – Premio Corriere della Sera/I Cortissimi – Corriere della Sera Prize 38,5 di Grzegorz Dębowski

2010 Premio Miglior Lungometraggio/Best Feature Film Miglior Lungometraggio: Best Feature Film On the other side of life, di Stefanie Brockhaus e Andy Wolff, Germania, 2009, 35mm, 88’

Menzione Speciale della Giuria Lungometraggi/ Special Mention by the Feature Film Jury: Futoko / The Dark Harbour di Naito Takatsugu, Giappone, 2008, 101’ Giuria/Jury: Simon Ellis, Anna Melikyan, Michelange Quay, Nicolas Provost, Joachim Trier Premio Miglior Cortometraggio/Best Short Film: Regila / On leave, di Asaf Saban, Israele, 2009, 15’.

Menzione speciale Miglior Cortometraggio/Best Short Film Special Mention: Skhizein, di Jérémy Clapin, France, 2008, 14’ Istället för Abrakadabra, di Patrik Eklund, Svezia, 2008, 23’ Giuria/Jury: ARTE France

Giuria/Jury: Catalin Cristutiu, Ole Giaever, Ruben Ostlund, Kazim Oz, Barbara Pichler Premio Miglior Cortometraggio/Best Short Film Habibi, di Davide Del Degan, Italia, 2010, 22’ Menzione speciale/Special Mention: Logorama, di H5, Francia, 2009, 16’

Premio Aprile/Aprile Prize: Galetten, di John Hellberg, Sweden, 2008, 22’ Premio Focus Animazione/Focus on Animation Prize Bygningsarbeidere / Deconstruction Workersdi Kajsa Næss, Norway, 2008, 6’

Giuria/Jury: Aardman Animations Premio Aprile/Aprile Prize Ich bins helmut, di Nicolas Steiner, Germania, 2009, 11’ Menzione speciale/Special Mention: L’art delicate de la matraque, di Jean Gabriel Periot, Francia, 2009, 10’ Premio del pubblico/Public’s Prize Capucine, di Luis Nieto, Francia, 2009, 43’ Premio dello Staff/Staff’s Prize Stardust, di Nicolas Provost, Belgio, 2010, 20’

Premio del Pubblico /Public’s Prize: Istället för Abrakadabra, di Patrik Eklund, Svezia, 2008, 23’ Premio dello staff /Staff’s Prize: Skhizein, di Jérémy Clapin, France, 2008, 14’ Premio della giuria studenti /Student Jury’s Prize Istället för Abrakadabra, di Patrik Eklund, Svezia, 2008, 23’ Premio FAI il tuo film!/FAI il tuo film Prize: Industrial Bay di Giuseppe Petruzzellis

Miglior cortometraggio Visioni d’autore 2010/Visioni d’autore 2010 best short film: Come a Cassano, di Pippo Mezzapesa, Italia, 2005, 14’ 2008 Premio FAI il tuo film/FAI il tuo film Prize: Le grotte di Chiafura, di Micol Colossali e Valentina Miorandi, Chiafura/Scicli/Ragusa (Sicilia)

2009 Premio Miglior Lungometraggio/Best Feature Film: Tobira No Muko / Left Handed, di Laurence Thrush, Giappone, 2008, 110’

Premio Miglior Lungometraggio /Best Feature Film Ainda Orangotangos (Still Orangutans) by Gustavo Spolidoro, Brazil 2007 Menzioni Speciali /Special Mentions: Jin bi hui huang (Fujian Blue) by Weng Shou-ming, China 2007 Lassú Tükör (Slow Mirror) by Igor e Ivan Buharov, Hungary 2007 De ofrivilliga (Involuntary) by Ruben Ostlund, Sweden 2008 Ztracenà dovolenà (Lost Holiday) by Lucie Kràlovà, Czech Republic 2007

Giuria/Jury: Manuel Agnelli, Silvia Ballestra, Carlotta Cristiani, Alessandro Piva Premio Miglior Cortometraggio/Best Short Film: Smàfuglar (Two Birds) by Rùnar Rùnarsson, Iceland 2008 Menzioni speciali /Special Mentions: Le Jour de Gloire (The Day of Glory) di Bruno Collet, France 2007 Pour de vrai (For real) by Blandine Lenoir, France 2007 Za horyzont (Beyond the Horizon) by Kuba Czekay, Poland 2007

Premio Miglior cortometraggio/Best Short Film: Just Like The Movies di Michal Kosakowski, Austria, 2006, Dv, 21’ Menzioni speciali/Special Mentions Njuman No Borei, (200.000 Phantoms) di Jean-Gabriel Périot, France, 2007, 35mm, 10’ Tolya, di Rodeon Brodsky, Israel, 2006, 16mm, 9’ Valuri (Waves), di Adrian Sitaru, Romanai, 2007, 35mm, 16’ Soldat (Soldier), di David Peros Bonnot, Croatia, 2006, Digibeta, 5’ Energie!, di Thorsten Fleisch, Germany, 2007, Minidv, 5’

Giuria/Jury: BFI – British Film Institute

Giuria/Jury: Le Albe

Premio Aprile /Aprile Prize Lassú Tükör (Slow Mirror) by Igor e Ivan Buharov, Hungary 2007 Menzioni speciali/Special Mentions Operator by Matthew Walker, UK 2007 Pour de vrai (For real) by Blandine Lenoir, France 2007 VERTIGO RUSH by Johann Lurf, Austria 2007

Premio Aprile/Aprile Prize Zur Maloche, (Getting Ready) di Roberto Anjari-Rossi, Germany, 2007, 35mm, 16’ Menzioni speciali/Special Mentions: Tommy, di Ole Giaever, Norway, 2007, Dvcam, 12’ Twist, di Alexia Walther, France/Swiss, 2006, 16mm, 11’ Amin, di David Dusa, France/Germany/Netherlands, 2007, Minidv, 9’ Waiting At The Gate, di Rocky Palladino, Great Britain, 2007, 16mm, 75’

Premio del pubblico /Public’s Prize Socket by Patricio Garcìa, Argentina 2007 Premio A2A Giovani Energie/A2A Giovani Energie Prize: What’s next? by Claudia Roethlin e Adrian Flueckiger, Switzerland 2007 Premio Focus Animazione /Focus on Animation Prize La maison en petits cubes (The House of Small Cubes)

by Kunio Kato, Japan 2008

Premio del Pubblico/Public’s Prize: I Am Bob, di Donald Rice, Gb, 2007, Dvcam, 19’ Premio Focus Animazione/Focus on Animation Prize Patty kratki film v perverzih, (Patty, Short Film in Perverses) di Matej Lavrencicand and Roman Razman Slovenian Republic, 2006, Digital Camera, 4’

Premio dello Staff /Staff’s Prize: The Blindness of the Woods by Martin Jalfen e Javier Lourenço, Argentina 2008 Premio della Giuria degli Studenti/Student Jury’s Prize La théorie des ensembles by Juliette Hamon Damourettes, Jao Eka M’Changama e Marc Héricher, France

Premio Camera del Lavoro /Camera del Lavoro Prize: Outsourcing, di Markus Dietrich,Germany, 2006, 16mm, 6’

2007

Premio della Giuria degli Studenti/Student Jury’s Prize: Soft, di Simon Ellis, GB, 2006, 35mm, 14’ Ujbaz Izbeneki Has Lost His Soul, di Neil Jack, GB, 2006, digiBeta, 5’

Premio Miglior lungometraggio/Best Feature Film: Reprise di Joachim Trier, Norway, 2006, 35mm, 105’ Menzione speciale/Special Mention California Dreamin’ (Endless) di Cristian Nemescu, Romania, 2006, 35mm, 155’ Mister Lonely di Harmony Korine, France/Usa, 2007, 35mm, 112’ Giuria/Jury: Marco Baliani, Esmeralda Calabria, Andrew Davies

Premio Incontri italiani/Incontri Italiani Prize: Lacreme napuletane, di Francesco Satta, Italy, 2007, HDCam, 18’

Premio dello Staff/Staff’s Prize: The Lonely Bliss Of The Cannonball Luke, di Levi Abrino, Usa, 2007, 16mm, 11’ Premio Corti ma buoni: degustazioni di cinema/ Short but good Prize: film titbits: Rice and Meat by Diego Ongaro, USA 2007

2006 Premio Miglior lungometraggio/Best Feature Film Marilena de la P7 (Marilena from P7) Cristian Nemescu, Bucharest (Romania), 31/03/1979 Romania 2006 35mm 45min Menzione speciale/Special Mention: The Blood of my Brother Andrew Berends, USA, 2005, miniDV, 84’ Giuria/Jury: Danielle Arbid, Luca Rastello, Roberto Saviano.

Premio Miglior cortometraggio/Best Short Film Rapace (Bird of Prey) João Nicolau, PRT, 2006, 35mm, 25’ Menzioni speciali/Special Mentions: - “Le rouge au sol” di M. Giroux (CAN, 2005, 35mm, 16’) - “Bows and Arrows” di S. Irwin, (GBR, 2006, DigiBeta 6’) - “Yildonumu” (Anniversary) di U. Aksoy (TUR, 2006, miniDV 11’) - “Wir sind dir treu” di M. Koch (DEU/CHE, 2005, miniDV 9’) Giuria/Jury: Les Inrockuptibles Premio Aprile/Aprile Prize: Toth , Dylan Drummond and Blair Scott, GBR, 2005, digiBeta, 13’ Menzioni speciali/Special Mentions: “Hlineni holub”(Clay Pigeon), di Milos Tomic (CZE, 2005, digital photocamera, 7’) “Le lac, la plage” (The Lake, the Beach), di Matthieu Salmon (FRA, 2006, 16mm, 17’) “Slolskaya gora”(The Slippery Mountain), di Galina Myznikova e Sergey Provorov (RUS, 2006, DvCam, 6’) Premio miglior attore/Best Actor: Martin Dubrenil, “Le rouge au sol” di Maxime Giroux, (Canada 2005 - 16’ 35mm) Premio miglior attrice/Best Actress: Anna Livia Ryan, “Willow Drive” di Jakob Rorvik (GB 2005 - 17 ‘ 35mm) Premio dello Staff/Staff’s Prize: “Hlineni holub” (Clay Pigeon) di Milos Tomic, CZE, 2005, digital photocamera, 7’ Mr. Schwartz, Mr. Hazen & Mr. Horlocker di Stefan Mueller, DEU, 2006, computer generated, 7’ Premio del Pubblico/Public’s Prize: “Manila” di Francesco Segrè, ITA, 2006, miniDV, 6’ Premio degli studenti/Students’ Prize: “Fliegenpflicht für Quadratköpfe” di Stephan-Flint Müller (Germania 2005 - 13 ‘ miniDV).

Menzione speciale della giuria degli studenti a/ Special Mention by the Student Jury to “Saba” di

Gregorio Graziosi (Brasil 2006 - 15’ DvCam) e “Quick View” di Matjaz Ivanisin (Slovenia 2006 - 23’ 16mm) Premio Fà la cosa giusta/Do the right thing Prize: “The Majesty of the Wetlands” di Emmanuel Marshall (Australia 2005 5’) Premio Camera del Lavoro/Camera del Lavoro Prize: “Vita da pomodoro” di Daniela Recchia, inserito nel fuori concorso Cinegiornale.

2005 Premio Miglior lungometraggio/Best Feature Film: Las Mantenidas sin sueños (Kept and Dreamless) Martin Desalvo and Vera Fogwill, Argentina/Spain/Netherlands 2004, 35mm, 97 min Menzione speciale della giuria/Jury’s Special Mention: The Fall of Fujimori Ellen Perry, USA 2005, Beta, 83 min Giuria/Jury: Daniele Gaglianone, Gabriella Giandelli, Gianfilippo Pedote Premio Miglior cortometraggio/Best Short Film: La ruta natural (The Natural Route) Alex Pastor, Spain, 2004, 35mm, 11min Menzioni speciali/Special Mentions: I apoliti stigmi (The Absolute Moment) Luoizos Aslanidis, Greece, 2004, 16mm, 14min Noc v hoteli (Night In A Hotel) Matus Libovic, Slovakia, 2004, 35mm, 8min El otro sueño americano (The Other American Dream) Enrique Arroyo, Mexico, 2004, 35mm, 10min Play For Three Actors Olexsandr Shmygun, Ukraine, 2004, 35mm, 10min Suknièkàø (Skirter) Milos Tomic, Czech Republic, 2005, MiniDv, 3min Die Überraschung (The Surprise) Lancelot Von Naso, Germany, 2004, 35mm, 10min Giuria/Jury: Studio Azzurro Premio Aprile/Aprile Prize_ Wrong Tom Geens, UK, 2005, MiniDv, 9min Menzioni speciali/Special Mentions: God’s Early Work Rory Bresnihan, Ireland, 2004, Digibeta, 11min Scen nr:6882 UR mitt Liv (Autobiographical Scene Number 6882) Ruben Ostlund, Sweden, 2005, 35mm, 8min

Premio del pubblico/Public’s Prize: Die Überraschung (The Surprise) Lancelot Von Naso, Germany, 2004, 35mm, 10min

The Invasion of the Planet Earth, Moritz Langer, Germany 2004 What the, Simon Ellis, UK 2004

Premio dello staff/Staff’s Prize: In religioso disagio Massimiliano Maci Verdesca, Italy, 2005, 16mm, 18min

Premio Vivimilano/Vivimilano Prize: Dime lo que sientes, Iria Gòmez Concheiro, Mexico 2003

Premio della giuria degli studenti/Student Jury’s Prize: La ruta natural (The Natural Route) Alex Pastor, Spain, 2004, 35mm, 11min Premio Miglior Colonna Sonora/Best Soundtrack: Calling 911 Jan de Bruin, The Netherlands, MiniDv, 6min Giuria/Jury: Federico Zampaglione Premio “Fa’ la cosa giusta”/”Do the right thing” Prize: Grocery Store Wars Louis Fox, Tate Hausman, Jonah Sachs, USA, 2005, DVD, 6min Premio Incontri Italiani/Incontri Italiani Prize: The End Of Flowers Italia/USA, 2004, DV, 16’

2004 Premio Miglior lungometraggio/Best Feature Film: (ex-aequo) Maarek Hob (In the battlefields), Danielle Arbid, France/ Belgium/Lebabon 2004 Tu (Here), Zrinko Ogresta, Croatia/Bosnia Herzegovina 2003 Menzione speciale della giuria/Jury’s Special Mention: Staroukhi (Old Women), Guennadi Sidorov, Russia 2003 Giuria/Jury: Alia Arasoughly, Benny Morris, Jean Jacques Wunenburger Premio Miglior cortometraggio/Best Short Film: L’evangile du cochon créole (The Gospel of the Creole Pig), Michelange Quay, France/Haiti/USA 2004 Menzioni speciali/Special Mentions: 7:35 de la mañana (At 7:35 in the Morning), Nacho Vigalondo, Spain 2003 I’m Not Going, Vesna Cudic, UK 2003 Giuria/Jury: minimumfax Premio Aprile/Aprile Prize: Detail, Avi Mograbi, Israel 2004 Menzioni speciali/Special Mentions:

Premio dello staff/Staff’s Prize: The Bypass, Amit Kumar, UK 2003 Miglior attore/Best Actor: Shmuel Edelman, in Door to Door, Israel 2003 Miglior attrice/Best Actress: Lee Jin-Sook, in Fill in the Blanks, South Korea 2003 Premio del pubblico/Public’s Prize: 7:35 de la mañana (At 7:35 in the Morning), Nacho Vigalondo, Spain 2003 Premio della giuria degli studenti/Student Jury’s Prize: Door to door, Shunit Aharoni, Isreal 2003

2003 Premio Miglior Lungometraggio /Best Feature Film: “Nulla si sa, tutto si immagina... secondo Fellini” (Nothing Is Certain, it’s All in the Imagination... According to Fellini), Susan Gluth, Germany 2002 Menzione speciale Lungometraggio/Feature Film Special Mention: “Cold Turkey”, Steven McGregor, Australia 2002 Giuria/Jury: Alberto Notarbartolo, Maria Pace Ottieri, Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi Premio Miglior Cortometraggio /Best Short Film: “Pornographic Apathetic”, T. Arthur Cottam, Usa 2003 Menzioni speciali Cortometraggi/Short Films Special Mentions: “Fast film”, Virgil Wildrich, Austria-Lussemburgo 2003 “Sobre la tierra”, Maria Florencia Alvarez, Argentina 2002 Giuria/Jury: Alias Premio Aprile/Aprile Prize: “Sobre la tierra”, Maria Florencia Alvarez, Argentina 2002 Menzioni speciali Aprile/Aprile Special Mentions: “De Intrede”, Pieter De Buysser, Belgium 2002; “Bezi zeko Bezi”, Pavle Vuckovic, Serbia and Montenegro 2003

Premio autocritica/Self-criticism Award: “Bezi zeko Bezi”, Pavle Vuckovic, Serbia and Montenegro 2003 Premio dello Staff /Staff’s Prize: “Sobre la tierra”, Maria Florencia Alvarez, Argentina 2002 Premio del pubblico/Public’s Prize: “The Day Winston Ngakambe Came to Kiel”, Jasper Ahrens, Germany 2002 Premio Miglior Colonna Sonora/Best Soundtrack: Ex equo: “Mom”, Logo, Italia 2002 “Sleepers”, Michal Kosakowski, Austria 2002 Giuria/Jury : redazione del portale Newsic, presidente della giuria il gruppo La Crus Premio Speciale TDK Audiovisiva 2003/TDK Audiovisiva Special Prize 2003: U-matic e Dj Indie Electrix Premio degli studenti/Students’ Prize: “Fast film”, Virgil Wildrich, Austria-Lussemburgo 2003 Giuria/Jury: Giovanna Nido, Marianna Montemurro, Emilano Locatellli, Stefano Ferrari, Yuri Arduin (ITSOS Milano).

Premio del pubblico/Public’s Prize: “Mihai si Cristina”, Cristian Nemescu, Romania 2001 Premio dello staff/Staff’s Prize: “Unter der Erde”, Christian Moris Muller, Germany 2002 Premio autocritica/Self-criticism award “Beware People”, Luk Gobyn, Belgium 2002 Miglior attrice e miglior attore/Best Actor and Best Actress: Nathalie Richard, in “Maintenant”, Inès Rabadàn, Belgium 2002 James Urbaniak, in “Daypass”, Deborah Chow, USA 2002 Giuria/Jury: studenti di recitazione della scuola nazionale “Paolo Grassi”

2001 Premio Miglior Lungometraggio /Best Feature Film: “Fotograf”, Kazim öz, Kurdistan 2000 Giuria/Jury : Antonietta De Lillo, Giovanni De Mauro, Ugo La Pietra Premio Miglior Cortometraggio/Best Short Film: “Krav Tarnegolim (Cock fight)”, Shir Liphshitz, Israel 2000

2002 Premio Miglior Lungometraggio /Best Feature Film: ex equo: Les Enfants de l’Amour, Geoffrey Enthoven, Belgium 2001 Vu Khuc con co (Song of the Stork), Jonathan Foo e Nguyen Phan Quang Binh, Vietnam 2002 Giuria/Jury: Roberta Gisotti, Alina Marazzi e Jolande Mukagasana

Menzioni speciali Cortometraggi /Short Films Special Mentions: “Cadere Libera”, Dorin Stana, Romania 2000 “Fucked” , Paul Leyton, Germania/UK 2000 Giuria/Jury: Associazione Montatori Cinematografici Premio Aprile/Aprile Prize: “Fucked”, Paul Leyton, Germany/UK 2000

Premio Miglior Cortometraggio/Best Short Film: “Memphis”, Thorgheir Gudmundsson, Iceland 2002

Menzioni speciali Aprile /Aprile Special Mentions: “Maria”, Fien Troch, Belgium 2000 “Peloco”, Christian Fischer and Maud Graveraux, Germany 2001

Menzioni speciali Cortometraggi/Short Films Special Mentions: “Dalgalar”, Belmin Söylemez, Turkey 2001 “The Provider”, Matt Smith, USA 2002

Premio del pubblico /Public’s Prize: “Still”, Joachim Trier, Uk/Germany 2001

Giuria/Jury: Duel Premio Aprile/Aprile Prize: “La discussione”, Francesco Villa, Italy 2001 Menzioni speciali Aprile/Aprile Special Mentions: “Cry for Bobo”, David Cairns, UK 2001 “One small leap”, Edward Boase, UK 2002

Premio dello staff/Staff’s Prize: “Cadere Libera”, Dorin Stana, Romania 2000

Premio autocritica /Self-criticism award: “Fucked”, Paul Leyton, Germany/Uk 2000

Menzione speciale autocritica /Self-criticism Special Mention: “Look around you (a short film about calcium)”, Tim Kirkby, UK 2000

Menzione d’onore /Mention of Honour: “Fünfe Minuten”, Britta Krause, Germany 1998 “Höhlenangst”, Benjamin Quabeck, Germany 1997

1998 2000 Premio Miglior Lungometraggio /Best Feature Film: “The Irish Barbecue”, Pete Parwich, Germany/Ireland 1999 Menzione speciale Lungometraggio /Feature Film Special Mention: “Ubuhle Bembali”, Emanuelle Bidou, France 1999 Giuria/Jury: Giuseppe Gaudino, Biljana Srblianovic, Art Spiegelman Premio Miglior Cortometraggio /Best Short Film: “Endstation: Paradies”, Jan Türing, Germany 2000 Menzione speciale Cortometraggio /Short Film Special Mention: “Week-end à Tokyo”, Pierre Tasso and Romain Slocombe, France 1999 Giuria/Jury: Associazione Cinematografica Pandora Premio Aprile/Aprile Prize: “John Kelly Tells All”, Michael Carolan, Ireland 1999

Premio Miglior Cortometraggio /Best Short Film: “Chancer” by Andrew P.O.M. Crawford, UK 1998 Giuria/Jury: Luca Bigazzi, Antonio Capuano, Maurizio Maggiani, Luca Mosso Premio Aprile/Aprile Prize: “Flu” by Gergely Poharnok, Hungary 1997 Menzioni Speciali /Special Mentions: “Still Life” by Lawrence Jacomelli and Manuel Sepulveda, ItalyUK 1996 “Brennender Herzen ewige Glut” by Frank Werner, Germany 1997 “Le far west de chez moi” by Maurice Huvelin, Silvio Molenaar, France 1998

1997 Premio Aprile /Aprile Prize: “La Cura”, Guido Giansoldati, Italy 1997

Menzione speciale Aprile /Aprile Special Mention: “Let’s Fly”, Anna Melikyan, Russia 1999 “Pietà”, Joachim Trier, UK 2000

Menzione d’onore /Mention of Honour: “Chicken With Vegetables”, Marco Penso, Italy 1997 “Il Giallo della Palla Verde nella Stanza Rossa”, Stefano Canzio, Italy 1997 “Madness”, Giulio Kirchmayr, Italy 1997

Premio del pubblico /Public’s Prize: “Endstation: Paradise”, Jan Thüring, Germany 2000

1996

Miglior attore /Best Actor: Nelly Uvarova in “Let’s Fly”, Anna Melikyan, Russia 1999

Premio Aprile /Aprile Prize: “Cudu u Milano”, Adi Corovic (Marco Doufour, Andrea Perazzoli, Paolo Cancian), Italy 1996

Premio autocritica /Self-criticism award: “Idle running”, Janez Burger, Slovenia 1999 Giuria/Jury: tutti i registi in concorso/all the directors in competition

Menzione d’onore/Mention of Honour: “Parigi, Londra, New York”, Stefano Canzio, Italy 1996

1999 Premio Miglior Cortometraggio/Best Short Film: “Ax”, Kazim Oz, Kurdistan 1999 Giuria/Jury: Niccolò Ammaniti, Giulio Cingoli, Gennaro Tesone Premio Aprile/Aprile Prize: “Take Omri, for example”, Debbie Jivan, Israele 1998

I PREMI DELLA 18ª EDIZIONE AWARDS OF 18TH EDITION PREMIO MIGLIOR LUNGOMETRAGGIO La giuria assegna un premio di 5000 euro al Miglior Lungometraggio del Concorso. È facoltà della giuria assegnare alcune menzioni speciali ad altri film che intende segnalare.

PREMIO MIGLIOR CORTOMETRAGGIO Il premio è del valore di 2.500 euro e viene assegnato al regista del Miglior Cortometraggio del Concorso.

Anche in questo caso, la giuria si riserva una serie di menzioni speciali.

PREMIO APRILE Ogni anno il Premio Aprile viene assegnato dai membri del comitato di selezione dei due concorsi al film che meglio rappresenta lo spirito del festival.

PREMIO DEL PUBBLICO Nuova modalità di assegnazione del premio del pubblico: quest’anno è possibile votare il proprio film preferito, tra i selezionati dei due concorsi, attraverso l’App ufficiale del festival, disponibile sia per Apple che per Android.

PREMIO DELLO STAFF Lo staff che ha collaborato al festival per l’edizione 2013 assegna un premio al film del concorso (lungometraggi o cortometraggi) che più lo rappresenta.

PREMIO STUDENTI in collaborazione con Milano Film Network La giuria è composta da studenti di corsi di storia e critica del cinema dell’Università Statale di Milano e della IULM.

BEST FEATURE FILM The jury will confer the Best Feature Film Award, a 5.000 euro prize that will go to the director of the award winning film. The jury will also have the possibility to give special mentions to other films that have distinguished themselves.

BEST SHORT FILM The prize is worth 2.500 euro and it will go to the director of the Best Short Film. Also in this case, the jury will have the possibility to give special mention.

However, their maximum number will not exceed the number of members featured in the jury.

APRILE AWARD Every year, the Aprile Award will be assigned by the members of the feature and short film selection committee to the film best representing the festival’s spirit.

AUDIENCE AWARD This year there’s a new way of deciding the Audience Award: it’s now possible to vote for your favourite film from the two competitions with the official Festival app, available from both Android and Apple App Stores.

STAFF AWARD The staff who have worked on this year’s festival give an award to their favourite short or full length film.

STUDENTS’ AWARD in collaboration with Milano FIlm Network The Jury is made up of students from the Film History and Critics Department of the Università Statale di Milano and IULM.

CONCORSO LUNGOMETRAGGI FEATURE FILM COMPETITION I aionia epistrofi tou Antoni Paraskeua (The Eternal Return of Antonis Paraskevas) Elina Psykou / Greece / 2013 / HD / 88’ (Italian Première) Fifi az khoshhali zooze mikeshad (Fifi Howls from Happiness) Mitra Farahani / USA / 2013 / HD / 96’ (Italian Première) Grzeli nateli dgeebi (In Bloom) Nana Ekvtimishvili, Simon Groß / Georgia, Germany, France / 2013 / HD / 102’ (Italian Première) Habi, la Extranjera (Habi, the Foreigner) María Florencia Alvarez / Argentina, Brazil / 2013 / HD / 92’ (Italian Première) Ilo Ilo Anthony Chen / Singapore / 2013 / HD / 100’ (Italian Première)

Licks Jonathan Singer-Vine / USA / 2013 / HD / 97’ (Italian Première) Mirage à l’italienne (An Italian Mirage) Alessandra Celesia / France / 2013 / HD / 90’ (Italian Première) Les rencontres d’après minuit (You and the Night) Yann Gonzalez / France / 2013/ 35mm/ 92’ (Italian Première) Run & Jump Steph Green / Ireland, Germany / 2013 / HD / 102’ (Italian Première) Terra de ninguém (No Man’s Land) Salomé Lamas / Portugal / 2012/ HD / 72’ (Italian Première) Towheads Shannon Plumb / USA / 2013 / HD / 86’ (Italian Première)

S

C

cegliere undici film tra oltre ottocento opere ricevute significa, inequivocabilmente, fare una fotografia. Il soggetto, il paesaggio o la scena che si decide di riprendere può essere definito e rassicurante nella sua riconoscibilità, ma l’immagine che ne scaturisce, il più delle volte, è sfumata, imprecisa e cangiante. È suscettibile di due, tre o molte più interpretazioni. È un corpo che si muove, l’ologramma di un’identità che si trasforma. L’istante in cui un movimento si realizza in quanto tale. Per deliberata scelta e per naturale inclinazione, non abbiamo mai fotografato soggetti in posa. I film del Milano Film Festival sono la fotografia già mutata di una trasformazione, di un passaggio, di uno stato dell’essere che cambia. Una verità data per scontata che in questa edizione 2013, tuttavia, appare ancora più nitida. Per due ragioni: la prima, è che il Milano Film Festival compie diciotto anni. Non un anniversario da celebrare con riti ufficiali, ma un momento di passaggio simbolico, carico di aspettative e paure, di conquiste e delusioni, in ogni caso ricco di sogni che cambiano, passano e trapassano. La se-

hoosing 11 films out of the more than 800 received is unequivocally like taking a photo. The subject, the landscape or the scene that we decide to take can be defined and reassuring in its recognisability, but the resulting image, more often than not, is blurred, imprecise and changing. It can have two, three or many more interpretations. It is a moving body, the hologram of an identity in transformation. The instant when a movement is made as such. Out of a deliberate choice and natural inclination, we have never photographed subjects that are posing. The films at the Milano Film Festival are the photograph which has already undergone transformation, a passage, a state of being in the flux of change. A truth taken for granted, which for this year’s 2013 festival, however, appears even more clearly. For two reasons: the first is that the Milano Film Festival is 18 years old, not a birthday to be celebrated with official rituals, but a symbolic passage, full of expectations and fears, of conquests and disappointments, in any case rich with dreams that change, pass and die. The second

conda ragione, è che si diventa “maggiorenni” proprio quando il mondo intorno a noi sembra collassare su se stesso, sembra dire “non è il tempo giusto per sognare”. Più le immagini si moltiplicano, accelerano, esplodono alla velocità di un bit che corre lungo una fibra ottica, più si diradano le immagini immaginate, le fantasie personali, le utopie, le favole della mente, i “da grande vorrei”. Non c’è tempo per sognare, paiono dirci: tutto è stato già pensato, non importa da chi, ora è solo tempo di ridurre, contenere, risparmiare, razionalizzare, adattarsi, decrescere. Qual è la fotografia da scattare? Il soggetto da riprendere? E ha ancora senso farlo? Ancora una volta, la risposta la dà il cinema degli esordienti, di quegli irriducibili sognatori che in tempi di revisione della spesa diventano ancora più preziosi, quasi radicali nel non voler rinunciare al sogno numero uno, il cinema. L’utopia può diventare riappropriarsi del sé. Il protagonista di Licks pare chiedersi «Ma dove sono finito io? È ancora questa la mia casa?» Di ritorno dal carcere, nel ghetto nero di Oakland, rischia il tutto e per tutto per sfuggire a un’identità che non vuole e non può più accettarsi come per forza legata alla violenza, alla minaccia e al sopruso. Nella mutevole Buenos Aires intanto, Habi sperimenta la fuga da un’identità fumosa come può esser quella di un’adolescente, per avvicinarsi a qualcosa che all’apparenza è agli antipodi del suo sé occidentale, una conversione all’Islam che diventa trasmutazione, trasfigurazione, nuovo io. E persino in una storia in costume come quella di In Bloom, due giovani sorelle percorrono vie opposte: da un lato il soggiogarsi a una società machista e violenta, dall’altro sfidare le stesse regole che quella società ha imposto per dire, nonostante tutto, io posso, io ci sono. Non è, però, solo una questione di adolescenza. La società della velocità, della deprivazione dei desideri personali e del ridimensionamento del sogno sfida anche gli adulti. Un manipolo di italiani delusi e provati da una vita inscatolata, si rimette in discussione e vola all’estrema fine del mondo, l’utopica Alaska, per cercare di scoprire – lontano da una casa che non è più casa – la bellezza del “servire a qualcuno”, o a sé. (Mirage à l’italienne). E nella fotografia della fuga del Milano Film Festival 2013 si scopre anche che il sogno perduto, per molte persone, è la riappropriazione di un corpo, di un desiderio fisico che di fronte all’atonia del sentimento diventa, di fatto, la diretta manifestazione del sé. Come l’orgia metaforica di Les rencontres d’après minuit dove tutto è permesso: rivelare segreti sepolti, lasciarsi guidare da un corpo che è ancora vivo, che esiste ancora, amarsi oltre ciò che è permesso. Amarsi: ritrovare il proprio sogno è amare se stessi, in primo luogo. La spasmodica ricerca di un’identità oltre quella di madre, quindi donna al servizio di altre persone, è al centro dell’ironico Towheads, esordio della quarantenne Shannon Plumb, anche attrice. Un’opera psicanalitica in cadenze da commedia slapstick su quanto sia fondamentale emanciparsi dalle costrizioni, anche a costo di sembrare ridicoli, o pazzi. Perché mai come nella famiglia, succursale le-

reason is that we are becoming adult when the world around us seems to be collapsing on itself, it seems to be saying, “This is not the right time to dream.” The more the images are multiplied, accelerate, explode at the speed of a bit that runs along an optical fibre, the more the imagined images, personal fantasies, utopias, the stories in the mind, the “When I grow up I would like to be” become few and far between.

There is no time to dream, they seem to be telling us: everything has already been thought, it doesn’t matter by whom, now there is only time to reduce, contain, save, rationalize, adapt and decline. Which photo is to be taken? The subject to shoot? Does it still make sense to do so? Once again, the answer is given by the cinema of the first-time filmmakers, those relentless dreamers who in times of spending reviews become even more precious, almost radical in not wanting to give up the number one dream, the cinema. Utopia can become reclaiming the self. The protagonist of Licks seems to wonder, “Where have I ended up? Is this still my home?” Back from prison, in the black ghetto of Oakland, he risks everything to flee from an identity he does not want and can no longer accept as necessarily being linked to violence, threats and abuse.

Meanwhile, in changing Buenos Aires, Habi experiences escape from a vague identity such as that of an adolescent, to approach something which apparently is at the antipodes of her Western self, a conversion to Islam which becomes transmutation, transfiguration, a new me. And even in a costume drama, like that of In Bloom, two young sisters take opposite directions: on the one hand being subjected to a male chauvinist and violent society and on the other defying the same rules that that society has imposed, to say, despite everything, I can, I am here. It is not, however, just a question of adolescence. The society of speed, of the deprivation of personal desires and scaling down of dreams is also a challenge for adults. A handful of Italians, disappointed and exhausted by a boxed-in life, challenge themselves and fly to the end of the world, the utopia of Alaska, to try and discover – far from a house which is no longer home – the beauty of “being useful to someone”or to oneself. (Mirage à l’italienne). In the photograph of escape of MFF 2013, we also discover that the lost dream, for many people, is reclaiming a body, a physical desire which in the face of the torpidity of feelings, actually becomes the direct manifestation of the self. Like the metaphorical orgy of Les rencontres d’après minuit where everything is allowed, revealing buried secrets, being guided by a body that is still alive, which still exists, loving oneself beyond the permissible. Loving oneself: finding one’s dream again is loving oneself, in the first place. The spasmodic search for an identity beyond that of mother, therefore a woman at the service of other people, is at the centre of the ironic Towheads, the debut film by 40-year-old Shannon Plumb, also an actress. A psychoanalytic work with the rhythm of slapstick comedy on how fundamental it is to be

galizzata di una società basata sul dovere, la perdita di sé diventa pericolosa. Come nel tagliente Ilo Ilo, dove tutto appare attualissimo anche se il calendario segna gli anni Novanta: si assiste al feroce sgretolamento di una famiglia che ha barattato l’umanità con il profitto facile, sullo sfondo di un crack finanziario che è inevitabile associare a un default del sentimento. E se in Ilo Ilo la crisi economica è uno sfondo bollente, nel fertile cinema greco di oggi appare come già passata, post-apocalisse dove legami e speranze sono carcasse inermi, e il sogno ha i connotati di una serranda chiusa da anni e arrugginita. Reliquia di un passato fittizio che sembrava glorioso, con tanto di cerimonia di festeggiamento per l’ingresso nell’euro, il conduttore televisivo Antonis Paraskevas non può accettare di essere trapassato, un’immagine già fuori dai contorni del video.

Prepara l’ultimo coup de theatre, ma gli schermi sono stati già quasi tutti spenti (almeno in Grecia…). In questa fotografia di affascinante smarrimento, il cinema – sembrano dirci gli autori del domani – ha una funzione ancora più preziosa. Catturare le storie in dissolvenza, mentre la velocità aumenta e le cache si svuotano rapidamente, ha una funzione sociale e quasi demiurgica. Nella Terra de ninguém, la terra di nessuno, un “nessuno” si consegna alla macchina da presa raccontando trent’anni di violenza al servizio del potere politico, prima dell’oblio e per sempre – grazie al film – salvato dall’oblio. E la camera salva un altro “nessuno” dimenticato in Fifi Howls of Happiness: nascosto nella Roma dei mille fantasmi un artista iraniano, un tempo glorioso, ha distrutto tutti i suoi lavori consegnandosi all’oblio. Grazie al film potrà allestire l’ultima mastodontica, geniale opera finale. Un calcio nei denti della memoria sempre più labile della web society dove solo se sei su Wikipedia hai una storia; un trionfo dell’arte, come memoria di un’idea, irripetibile e impermutabile. Questa è la fotografia del concorso lungometraggi 2013 del Milano Film Festival: mai così urgente, mai così difficile da categorizzare. Anime dissociate dei corpi, entità che resistono alla dimenticanza, sentimenti come utopie, identità strappate che cercano di ricostruire i propri contorni. Con le ossa rotte, senza una lira in tasca, in perenne mutamento, ma ancora in piedi: questi sono gli uomini e le donne. Soprattutto le donne: perché sovvertendo gli standard abituali del circuito cinematografico, questo concorso è fatto all’ottanta per cento da registe e autrici. Sarà questa la ragione per cui la parola “umano” non è mai risuonata nella nostra selezione così viva, con un suono sorprendentemente nuovo.

Alessandro Beretta e Vincenzo Rossini

emancipated from constraints, even at the cost of seeming ridiculous or mad. Because nowhere as in the family, the legalized branch of society based on duty, does the loss of the self become dangerous. As in the caustic Ilo Ilo, where everything seems very topical, even though the calendar says the 1990s: we see the ferocious disintegration of a family that has bartered humanity for easy profit, against the backdrop of a financial crash which can be inevitably associated with a default of feeling. If in Ilo Ilo the economic crisis is a red-hot background, in today’s fertile Greek cinema it appears as already passed, post-apocalypse, where bonds and hopes are defenceless carcasses and the dream has the characteristics of a shutter than has been pulled down for years and covered in rust. The relic of a fictitious past that seemed glorious, with the ceremony to celebrate the entry into the euro, the TV presenter Antonis Paraskevas cannot accept being discarded, an image already outside the frame of the video. He prepares the last coup de théâtre, but almost all the screens have already been switched off (at least in Greece…). In this photograph of fascinating bewilderment, the cinema – the authors of tomorrow seem to be telling us – has an even more valuable function. Capturing stories as they fade out, whilst the speed increases and the caches are emptied quickly, it has a social and almost demiurgic function. In Terra de ninguém, no man’s land, a “nobody” gives himself up to the camera, recounting thirty years of violence in service to political power, before oblivion and forever – thanks to the film – saved from oblivion. The camera saves another forgotten “nobody” in Fifi Howls of Happiness: hidden in a Rome with a thousand ghosts, a once glorious Iranian artist has destroyed all his work, giving himself up to oblivion. Thanks to the film, he will be able to set up the last gigantic and brilliant final work. A kick in the teeth of the increasingly fragile memory of the web society, where you have a story only if you are in Wikipedia; a triumph of art, as the memory of an unrepeatable and unchangeable idea.

This is the photograph of the 2013 feature film competition of the MFF: never has it been so urgent, never has it been so difficult to categorize. Souls dissociated from bodies, entities that resist oblivion, feelings like utopias, lacerated identities that try to reconstruct their contours. With their bones broken, without a penny in their pocket, in perennial mutation but still standing: these are the men and women. Especially the women: because by subverting the usual standards of the film circuit, this competition consists of 80% of female directors and actresses. This must be why the word “human” has never echoed in our selection with so much life, with a surprisingly new sound.

I AIONIA EPISTROFI TOU ANTONI PARASKEUA

THE ETERNAL RETURN OF ANTONIS PARASKEVAS GREECE / 2013 / HD / 88’

Athens, Greece

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A

ntonis Paraskevas conduce da vent’anni, con inesauribile garbo e discutibile gusto, l’early morning show più visto di tutta la tv greca. Eppure, per la crisi, ma non solo, crollano gli ascolti e gli investimenti pubblicitari svaniscono: si profila la necessità di dare una scossa a carriera e reputazione. Inscenare la propria sparizione, lasciando intendere che si tratti di un rapimento è la mossa più semplice per Antonis: da un lussuoso albergo abbandonato, tra vecchi video ed esperimenti culinari, conta i giorni, architettando il proprio ritorno… Nell’anno dello shutdown della televisione nazionale greca, The Eternal Return of Antonis Paraskevas è anticipazione profetica e ritratto spietato di un sistema mediatico e antropologico che assomiglia così tanto a quello di casa nostra: incapace di rigenerarsi eppure così prolifico e apparentemente vitale. Elina Psykou, che in televisione ha fatto la gavetta, esordisce con un film impietoso e non consolatorio, “girato addosso” a un sorprendente Christos Stergioglou, “non più giovane” attore emergente del cinema greco, che dà corpo ad Antonis, alla mediocrità e alla maschera di un’epoca, compendiata dallo showreel distribuito dai giornali-avvoltoi, dallo show in piazza in cui la Grecia, per prima, accoglieva festosamente l’avvento dell’Euro.

Alessandro Uccelli

F

or twenty years, Antonis Paraskevas has hosted, with endless good grace and questionable gusto, the most popular early morning show on Greek television. And yet, partly due to the crisis, ratings have fallen and advertising revenues are ebbing away: Antonis needs to shake up his career and revive his reputation.

Staging his own disappearance and letting people believe he has been kidnapped is the simplest solution he can think of: holed up in an abandoned luxury hotel, indulging in old videos and culinary experiments, he counts the days, planning his return… In the year of Greece shutting down its national television service, The Eternal Return of Antonis Paraskevas comes as a prophetic vision and ruthless portrayal of a media and anthropological system so closely resembling our own in Italy: one that is incapable of reviving itself whilst being so prolific and seemingly essential. Elina Psykou, who cut her teeth in television, makes her cinematic debut with a film that is unforgiving and not in any way comforting, and which “shoots around” the surprising choice of Christos Stergioglou, a “mature” emerging actor in Greek cinema, who brings Antonis to life, as well as the indifference and face of an age that is summed up by the showreel sent out by the newspaper vultures, by the show from when Greece was the first to warmly welcome the arrival of the Euro.

PRODUZIONE / PRODUCTION: Giorgos Karnavas, Guanaco PRODUTTORE / PRODUCER: Giorgos Karnavas, Elina Psykou SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Elina Psykou MONTAGGIO / EDITING: Nikos Vavouris FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Dionysis Efthimiopoulos, Kostas Koutelidakis, Persefoni Miliou SOUND: Persefoni Miliou MUSICA / MUSIC: Felizol CAST: Christos Stergioglou, Maria Kallimani, Giorgos Souxes, Theodora Tzimou, Syllas Tzoumerkas, Lena Giaka,Vasilis Dimitroulias DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: m-appeal

NOTE DI REGIA / DIRECTOR’S STATEMENT Antonis è un eroe tragico. Il suo destino è predeterminato, la sua sorte è inevitabile e non c’è niente che può fare per cambiare le cose. Il DNA del mio paese è composto da eroi tragici. Antonis è in uno stato di collasso. In quanto eroe, è costretto a sopravvivere e rivendicare l’immortalità. Ed è proprio di questo che parla il film; l’immortalità.

Antonis potrebbe non tornare –quantomeno non fisicamente – ma la memoria delle sue gesta vivrà perpetuamente, per tutta l’eternità. Lo deve a se stesso e a tutti coloro che lo hanno reso tale: un eroe. Il mio paese è in uno stato di collasso.

Fedele alla propria natura eroica, dà vita ad una lunga sfilza di eroi, reclamando l’immortalità –qualunque sia il prezzo.

Lo deve ai propri eroi.

Antonis Paraskevas is a tragic kind of hero.

His fate is predetermined, his end is inevitable and there’s nothing he can do to change it. My country’s DNA is made up of tragic heroes.

Antonis is in a state of collapse. Being the hero that he is, he is obliged to survive and stake his claim on immortality. And that’s exactly what the film is all about; immortality.

Antonis may never make a comeback – at least not physically - but his memory will perpetually return, for all eternity. He owes it to himself and to those who made his what he was: a hero. My country is in a state of collapse. True to its hero-worshiping nature, it gave birth to a long line of heroes, staking its claim on immortality - whatever the price.

She owes it to her heroes.

ELINA PSYKOU 1977 Nata ad Atene nel 1977, vi ha studiato regia e sociologia per poi conseguire un master in studi culturali a Parigi. Nel 2007 ha partecipato al Talent Campus della Berlinale e ha realizzato due cortometraggi e diversi spot tv per la National Greek Opera. Il suo primo lungometraggio The Eternal Return of Antonis Paraskevas, ha ricevuto il primo premio nei Works in Progress al Karlovy Vary.

Born in Athens in 1977, she studied Film Direction and Sociology before receiving her MA in Cultural History. In 2007 she participated in the Berlinale Talent Campus. She has directed two short films and TV spots for the National Greek Opera. Her first feature film The Eternal Return of Antonis Paraskevas has received the first award of the Works in Progress section in Karlovy Vary.

FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: I aionia epistrofi tou Antoni Paraskeua (The Eternal Return ofAntonis Paraskevas) (2013), Diakopes Kalokerines (SummerHolidays, cm) (2006), Kyriakatikes Diadromes (Sunday trip, cm)(2004)

FIFI AZ KHOSHHALI ZOOZE MIKESHAD FIFI HOWLS FROM HAPPINESS USA / 2013 / HD / 96’

Iran

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P

rovocatorio ed eccentrico come un Francis Bacon, iconoclasta al punto da distruggere quasi tutte le sue stesse opere, omosessuale, ma insofferente nei confronti del mondo gay, Bahman Mohassess è stato un grande pittore iraniano, scomparso nel 2010 a settantanove anni. Dopo gli anni di apprendistato sotto Mossadegh, nel 1953 Mohassess lascia l’Iran per proseguire gli studi a Roma all’Accademia di belle arti.

E mentre quel poco che è sopravvissuto della sua arte continua a essere venduto nelle aste a quotazioni elevate, Mohassess lentamente fa perdere le sue tracce. È stata la giovane artista iraniana Mitra Farahani a rintracciarlo a Roma quando tutti lo davano per morto.

Qui sarà l’unica testimone degli ultimi giorni di vita di Mohassess. Regista e artista iraniana, con Fifi az khoshhali zooze mikeshad (Fifi Howls from Happiness), dal titolo di una delle pochissime sue opere che Mohassess ha tenuto con sé fino all’ultimo, Mitra Farahani realizza un film che attraverso la complicità del caso e grazie all’irruente personalità di Mohassess diventa qualcosa di molto di più di un semplice documentario biografico. Da un lato il testamento di un artista, dall’altro il luogo dove si scontrano e si invertono costantemente i ruoli di regista e soggetto raccontato, quasi come se il risultato finale fosse una creazione dello stesso Mohassess.

Marco Cacioppo

A

s provocative and eccentric as a Francis Bacon, iconoclastic to the point of destroying nearly all of his own work, homosexual but intolerant of the gay scene, Bahman Mohassess was a great Iranian painter, who passed away in 2010 at the age of seventy- nine.

After years of working as an apprentice under Mossadegh, in 1953 Mohassess left Iran to study at the Accademia di Belle Arti in Rome. And whilst what little remains of his art continues to sell for high prices at auction, Mohassess is slowly fading into obscurity.

It was the young Iranian artist, Mitra Farahani, who tracked him down to Rome, when everyone had given him up for dead. Here she would bear sole witness to Mohassess’ final days. An Iranian director and artist, Mitra Farahani has, with Fifi az khoshhali zooze mikeshad (Fifi Howls from Happiness), named after one of Mohassess’ few pieces that he kept with him right up until the end, succeeded in creating a film which, through its subject matter and thanks to Mohassess’ impetuous nature, becomes much more than a simple biographical documentary. On the one hand, it is testament to an artist, on the other, the scene of continuous role-reversal between director and subject, almost as if the end result were the creation of Mohassess himself.

PRODUZIONE / PRODUCTION: Butimar Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Marjaneh Moghimi SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Mitra Farahani MONTAGGIO / EDITING: Yannick Kergoat, Suzana Pedro FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Mitra Farahani SOUND EDITOR: Amir Hossein Ghassemi MUSICA / MUSIC: Tara Kamangar CAST: Bahman Mohassess, Rokni Haerizadeh, Ramin Haerizadeh, Farshad Mahootforoush DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Urban Distribution International

NOTE DI REGIA / DIRECTOR’S STATEMENT Bahman Mohassess aveva una sorta di assenza fisica nel panorama dell’arte contemporanea iraniana, in parte a causa della sua scomparsa. Questa assenza mi ha sempre colpito per il potere puro dei suoi lavori. C’era una sorta di paradosso tra il fatto che raramente venga menzionato e la forza dei suoi dipinti e sculture e uno dei miei obiettivi era appunto cercare il modo di spiegare questo paradosso.

Bahman Mohassess è stato di enorme importanza per l’arte moderna ma è come se solo la punta delle sue dita fosse emersa dall’onda della storia: dovevo tirarlo fuori da quest’onda. In Iran, la storia che è stata scritta è quella di chi deteneva il potere e della politica e mai la storia del pensiero, della filosofia e dell’arte.

Bahman Mohassess had a kind of physical absence within the contemporary art scene in Iran - partly because of his disappearance.

This absence was always striking to me because of the sheer power of his works. There was a kind of paradox between the fact that he is rarely mentioned and rarely present in history, and the force and the power of his works, paintings and sculptures. One of my objectives was to try to find out how to explain that paradox. Bahman Mohassess was of such huge importance for modern art, yet it was like only the tips of his fingers were emerging from the wave of history - I had to pull him out of this wave. The history that has been written in Iran is the history of power and politics and never the history of thought, philosophy or art.

MITRA FARAHANI 1975 Pittrice e filmmaker, allieva di Gholem Hossein Nami, dopo gli studi in arte a Teheran, si è trasferita alla Cité Internationale des Arts di Parigi. Nel 2001 ha realizzato il suo primo documentario, Just a Woman, premiato alla Berlinale. Con Fifi Howls from Happiness, ritratto di Bahman Mohassess, ha proseguito l’esplorazione dei protagonisti dell’arte moderna in Iran.

Painter and filmmaker, she studied with Gholem Hossein Nami and, after receiving an art degree in Tehran, she moved to the Cité Internationale des Arts in Paris. In 2001 she made her first documentary, Just a Woman, awarded at Berlin Film Festival. With Fifi Howls from Happiness, a portrait of Bahman Mohassess, she pursues her exploration of Iranian modern art’s protagonists.

FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Fifi az khoshhali zooze mikeshad (Fifi Howls from Happiness) (2013), Tabous – Zohre & Manouchehr (doc) (2004), Juste une femme (cm) (2002)

GRZELI NATELI DGEEBI IN BLOOM GEORGIA, GERMANY, FRANCE / 2013 / HD / 102’

GEORGIA

GERMANY

FRANCE

Georgia

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T

bilisi, 1992.

Eka e Natia hanno quattordici anni e la loro quotidianità si snoda tra pomeriggi con le amiche e liti rancorose nella lunga fila per il pane, corteggiamenti e attenzioni da respingere, famiglie devastate dall’alcool e lontananze forzate. Sullo sfondo, una Georgia autonoma, libera dall’URSS disgregata, una Tbilisi caotica e contraddittoria, in cui fremono sete di cambiamento e tradizioni radicate. Racconto di formazione in una terra di cui siamo stati testimoni soltanto da lontano, echi di telegiornali che raccontavano di una guerra civile. In Bloom è lo sbocciare di una figura di donna che, con passo di danza sicuro, sceglie di diventare protagonista della scena. Uno splendido piano sequenza sui ritmi della tradizione è l’epifania di un percorso di maturazione e di riscatto sociale e personale, in un microcosmo dominato da figure maschili spesso violente, altrimenti destinato a non poter e voler cambiare mai.

Assieme al tedesco Simon Groß, la regista georgiana Nana Ekvtimishvili prende in prestito le memorie della propria adolescenza per affrescare il percorso di crescita di due giovani donne che illuminano un racconto corale tragico e denso, splendidamente incorniciato dalla fotografia di Oleg Mutu, uno dei massimi rappresentati della new wave rumena.

Lara Casirati

T

bilisi, 1992.

Eka and Natia are fourteen years old, and their daily lives consist of spending afternoons with friends and bitter fights in the long breadline, teen romances and fending off unwanted attention, the reality of families destroyed by alcohol and forced separations. Set against the backdrop of an independent Georgia, free from the toppled USSR, in a chaotic and contradictory Tbilisi, which retains deep-rooted traditions and yet hungers for change, their story unfolds alongside the country’s development, which we originally only witnessed from afar, echoes of the civil war reaching us through the news. In Bloom is about the blossoming of a woman, who confidently decides to become the protagonist of her surroundings. It is a magnificent piece of cinema on the pace of tradition and realisation that there is a road to improvement and social and personal freedom in a microcosm, dominated by frequently violent male figures, which would have otherwise never been able to or felt the desire to change. Together with German director Simon Groß, Georgian director Nana Ekvtimishvili borrows from memories of her own teenage years to tell the story of two young women coming of age, lighting up a multifaceted tale which is tragic and eventful, and exquisitely framed by Romanian New Wave cinematographer Oleg Mutu.

PRODUZIONE / PRODUCTION: Indiz Film, Polare Film, Arizona Films, ZDF PRODUTTORE / PRODUCER: Simon Groß, Mark Wächter, Guillaumede Seille, Nana Ekvtimishvili SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Nana Ekvtimishvili MONTAGGIO / EDITING: Stefan Stabenow FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Oleg Mutu SOUND EDITOR: Paata Godziashvili MUSICA / MUSIC: Irakli Ivanishvili CAST: Lika Babluani, Mariam Bokeria, Zurab Gogaladze DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION:  Memento Films International

NOTE DI REGIA / DIRECTOR’S STATEMENT Un adolescente è un adolescente, non importa da quale nazione provenga. Tutti i ragazzi condividono una caratteristica: sono alla ricerca. I nostri personaggi cercano la loro identità femminile in un contesto di violenza, amore e vendetta e si chiedono se l’amore possa giustificare l’omicidio. La risposta sembra chiaro: assolutamente no.

Ma come ti porresti di fronte a questo interrogativo se avessi solo quattordici anni di vita alle spalle e vivessi in un Paese immerso nel caos, nell’anarchia e nella giustizia spicciola? Chi guarderesti con ammirazione? Che valori ti aiuterebbero a sopravvivere? Le caratteristiche umane universali delle due ragazze sono le colonne sulle quali si poggia il film e che rendono possibile rappresentare su grande schermo questa storia.

A teenager is a teenager, no matter from which country he or she is.

All teenagers share one characteristic: they search. Our characters search for their female identity in a context full of violence, love and revenge and question whether love can justify killing someone. The answer seems clear— of course, not. But what if you are confronted with this question and you only have fourteen years of life experience and live in a country steeped in chaos, anarchy and vigilante justice? Whom do you look up to? What values can help you survive?

The universal human traits of the two girls are the pillars on which the film rests and which made it possible to bring this story to the big screen.

NANA EKVTIMISHVILI 1978, SIMON GROSS 1976 Nana Ekvtimishvili è nata a Tbilisi, in Georgia, e ha studiato alla University of Film and Television “Konrad Wolf” in Potsdam. Ha scritto diverse sceneggiature e ha realizzato due cortometraggi, prima di fondare nel 2012 la casa di produzione Polare Film insieme a Simon Groß, regista tedesco che ha esordito nel lungometraggio con Fata Morgana nel 2006.

Nana Ekvtimishvili, was born in Tbilisi, Georgia and studied at the University of Film and Television “Konrad Wolf” in Potsdam. She has written several screenplays and made two short films. In 2012 she founded the Production Company Polare Film with the german director Simon Groß, who in 2006 made his first full- length film, Fata Morgana.

FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Nana Ekvtimishvili: Grzeli nateli dgeebi (In Bloom) (2013), Waiting for Mum (cm) (2011), Lost Mainland (doc) (2007) Simon Groß: Grzeli nateli dgeebi (In Bloom) (2013), Fata Morgana (2006), Nachtrausch (Elated by Night, cm) (2001), Sündenfall (Fall of Man, cm) (1998)

HABI, LA EXTRANJERA HABI, THE FOREIGNER ARGENTINA, BRAZIL / 2013 / HD / 92’

ARGENTINA

BRAZIL

Buenos Aires, Argentina

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A

nalia ha finito la scuola. Davanti a lei c’è l’estate, l’ultima prima di cominciare una nuova fase della vita, il lavoro a fianco di sua madre nel salone di parrucchiera. Analia guarda avanti con lo sguardo di una giovane curiosa della vita. La scusa per partire è una consegna per conto della madre: un autobus la accompagna a Buenos Aires e lì comincia la sua avventura. Con passo solo inizialmente incerto, Analia entra nella comunità araba, con l’aperta voglia e l’ostinata determinazione ad avvicinarsi a cose e persone che appartengono a un altro mondo. Ne riceve in cambio una tunica, una ricetta in farsi e una mappa – che non solo simbolicamente la farà entrare in quel mondo ma anche un nome, Habi, che la trascinerà in un’altra storia, dalla quale deciderà lei se uscire. L’opera prima di Maria Florencia Alvarez (Premio Aprile al Milano Film Festival 2003 con Sobre la tierra) rivela il talento di una regista e il coraggio di un racconto capace di superare ogni pregiudizio. Pregiudizio di sguardo, di interpretazione, di esperienza. Alvarez è infatti capace di farci guardare la storia di Analia/Habi esattamente con lo sguardo della protagonista, che è quello di chi attraversa un passaggio fondamentale, dall’adolescenza all’età adulta, accettando di sperimentare una maniera di vivere altra da sé e diventare una nuova persona.

Alice Arecco

A

nalia has finished school. Summer lies before her, the last one before she enters a new phase in her life working alongside her mother at the hair salon.

Analia looks toward her future through the eyes of a young girl curious about life. Her excuse to leave comes with a delivery on her mother’s behalf: a bus takes her to Buenos Aires and that is where her adventure begins. With only initial uncertainty, Analia enters the Arab community, with an open yearning and stubborn determination to get closer to things and people belonging to another world. In exchange, she receives a tunic, a recipe in Farsi, and a map – giving her access to that world in a literal as well as symbolic sense – as well as a name, Habi, which draws her into another story, which she will have to decide whether or not to leave. This, the first feature film of Maria Florencia Alvarez (who won the Premio Aprile at the Milan Film Festival 2003 with Sobre la tierra) reveals the talent of a director and the courage of a story that overcomes all prejudices – prejudice in looking, in interpreting, and in experiencing. Alvarez succeeds in telling us Analia/Habi’s story through her eyes, from the perspective of someone undergoing a rite of passage, from adolescence to adulthood, agreeing to experiment with a different way of living and become a new person.

PRODUZIONE / PRODUCTION: Lita Stantic Producciones, Kramer & Sigman Films PRODUTTORE / PRODUCER: Lita Stantic, Hugo Sigman, Walter Salles SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: María Florencia Alvarez MONTAGGIO / EDITING: Eliane D. Katz FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Julián Apezteguía SOUND EDITOR: Catriel Vildosola, Roberto Leite MUSICA / MUSIC: Santiago Pedroncini CAST: Martina Juncadella, Martín Slipak, Lucía Alfonsín, María Luisa Mendonça, Diego Velazquez DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: MPM Film

NOTE DI REGIA / DIRECTOR’S STATEMENT Dove risiede la nostra identità? Fino a che punto il contesto in cui siamo nati e cresciuti descrive chi siamo? Perché l’anonimato e l’immersione in un mondo sconosciuto hanno sempre risvegliato in me un senso di libertà? La possibilità di essere qualcun altro, di riscoprire me stessa libera dalle aspettative degli altri – e anche dalle mie. Come se l’assenza di quegli sguardi puntati su di me mi offrisse la possibilità di mostrarmi in un modo più sincero. Queste domande mi hanno accompagnata a lungo, e ho voluto esplorare le loro radici con Habi, la extranjera (Habi, the Foreigner). Il velo islamico che copre la protagonista Analía le offre una parentesi di anonimato, la possibilità di esplorare se stessa senza un contesto esterno che definisca chi è.

Where does identity reside? To what degree does the context where we were born and raised define who we are? Why have anonymity and immersion in an unknown world always awakened me a sense of freedom? The possibility of being someone else, of rediscovering myself stripped of others’ expectations and even of my own. As if the absence of those gazes directed at my person would offer the possibility of being revealed more genuinely. These questions have long accompanied me, and I sought to explore their roots with Habi, la extranjera (Habi, the Foreigner). There, the Islamic veil covering the character Analía offers her a parenthesis of anonymity, the possibility of exploring herself without an external context defining who she is.

MARÍA FLORENCIA ALVAREZ 1977 María Florencia Alvarez è nata nel 1977 a Buenos Aires. Ha esordito con il cortometraggio Upon the Earth che, presentato a Rotterdam nel 2003, ha vinto diversi premi internazionali. Il secondo cortometraggio, Black Dog, ha vinto una menzione speciale al BAFICI ed è stato selezionato in numerosi festival, così come il successivo Girl. Habi, the Foreigner è il suo primo lungometraggio.

María Florencia Alvarez was born in 1977 in Buenos Aires. Her first short film Upon the Earth premiered at the Rotterdam Film Festival in 2003, and won many international awards. Black Dog won an Honorable Mention at the B.A.F.I.C.I., and, as the later Girl, was selected in several festival. Habi, the Foreigner is her first feature- length film.

FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY:  Habi, La Extranjera (Habi, the Foreigner) (2013), Nena (Girl, cm) (2010), Perro Negro (Black Dog, cm) (2005), Sobre La Tierra (Upon the Earth, cm) (2003)

ILO ILO SINGAPORE / 2013 / HD / 100’

SINGAPORE

Singapore

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S

ingapore, 1997. Una famiglia borghese all’apparenza esemplare assume Teresa, giovane tata filippina, per domare l’irrequieto figlioletto Jiale. Dapprima conflittuale, il rapporto tra i due diventa una luce nell’ombra di un nucleo familiare in sgretolamento: Teck, il padre, ha perso il lavoro ma non ha il coraggio di ammetterlo alla moglie Hwee Leng. La donna, che di professione scrive lettere di licenziamento, matura una morbosa gelosia per la tata, mentre dentro di sé porta segretamente una nuova vita. Per il suo esordio nel lungo Anthony Chen compie una scelta non scontata: non solleva la polvere della crisi economica odierna ma rievoca i fantasmi del collasso finanziario asiatico del 1997. Singapore, come e più delle metropoli della finanza europea, diventa il paradigma di una bolla gigante e piena d’aria, dove l’impennarsi del profitto coincide con la distruzione dei valori, in primo luogo quelli familiari. Una famiglia archetipo della middle class a pezzi: formalità, assenza di affettività, segreti, bugie insostenibili e anche stereotipi, perché tra le molte tracce del film è preponderante il tema dell’immigrazione. Anthony Chen è un vero talento del cinema del domani, che nemmeno venticinquenne è stato già più volte in concorso al Milano Film Festival (con Haze nel 2008 e Hotel 66 nel 2010) e che a Cannes 2013 ha vinto la Caméra d’Or. Vincenzo Rossini

S

ingapore, 1997. A seemingly quintessential middleclass family hires Teresa, a young Filipino nanny, to bring their rowdy son, Jiale, under control. Although Jiale is initially hostile to Teresa, the relationship between the two becomes a beacon of light in the darkness of a family that is falling apart: Teck, the father, has lost his job but doesn’t have the courage to tell his wife, Hwee Leng. The wife, who writes letters of dismissal for a living, becomes morbidly jealous of the nanny, whilst secretly carrying a child.

For his debut feature-length film Anthony Chen heads in a rather unexpected direction: instead of focusing on the current financial crisis, he evokes the ghosts of the 1997 Asian financial crisis. Like, and perhaps even more so than European financial centres, Singapore becomes the typical example of a giant air bubble, in which a surge in profits corresponds with the destruction of values – first and foremost, family values. An archetypal middle class family in pieces – formalities, a lack of feeling and emotion, secrets, unbearable lies, and stereotypes, since, among the many themes of the film, that of immigration is prevalent. Anthony Chen is a true cinematic talent of tomorrow who, before he was even twenty-five, had already been selected multiple times to compete at the Milan Film Festival (with Haze in 2008 and Hotel 66 in 2010), and who received the Caméra d’Or at Cannes 2013.

PRODUZIONE / PRODUCTION: Fisheye Pictures Production PRODUTTORE / PRODUCER: Ang Hwee Sim, Anthony Chen, Wahyuni A. Hadi SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Anthony Chen MONTAGGIO / EDITING: Hoping Chen, Joanne Cheong FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Benoit Soler SOUND EDITOR: Zhe Wu CAST: Yeo Yann Yann, Chen Tianwen, Angeli Bayani, Koh Jia Ler DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Memento Films International

NOTE DI REGIA / DIRECTOR’S STATEMENT Quando ero piccolo mia madre assunse una cameriera filippina che veniva da Ilo Ilo, una provincia nelle Filippine. Così è nato il titolo del film. Non definirei Ilo Ilo un film autobiografico, ma è sicuramente ispirato in larga parte alla mia infanzia, con aneddoti e ricordi di persone a me vicine, in particolar modo le loro abitudini e le parole che mi sono rimaste impresse. Il film è ambientato a Singapore in un particolare periodo; ho scovato un mucchio di vecchie fotografie a casa cui ho unito quelle dei miei amici. Un’ulteriore ricerca è stata fatta su libri e archivi fotografici. Probabilmente è giusto dire che i tardi anni Novanta non sembrano così lontani, ma se calcoli sono sedici anni, che non sono poco.

When I was much younger, my mother hired a Filipino maid from, Ilo Ilo, a province in the Philippines. That is how the title of the film came about. I wouldn’t say it is autobiographical, but Ilo Ilo is very much inspired by my childhood - through vignettes and moments of the people close to me, particularly their mannerisms and words that have stuck in my head. All this set during a particular period in Singapore. I dug up a lot of old photographs at home and gathered more from my friends. There was further research done, through books and archival photos. It’s probably right to say that the late 90’s doesn’t feel that far away, but if you work out the math, that is 16 years ago. It’s been quite some time.

ANTHONY CHEN 1984 Nato a Singapore nel 1984, si è laureato con il cortometraggio G-23. Il suo secondo corto, Grandma, è stato nominato alla Palma d’Oro per i cortometraggi alla 60ma edizione di Cannes, dove ha ricevuto una Menzione Speciale, mentre il successivo Haze è stato in concorso ala Berlinale nel 2008. Ilo Ilo è il suo primo lungometraggio.

Born in 1984 in Singapore, he graduated from film school with G-23. His second short film, Grandma, was nominated for the Palme d’Or for Short Film at the 60th Cannes Film Festival and was awarded a Special Mention. Haze, his next short, screened in competition at the 58th Berlin International Film Festival. Ilo Ilo marks his feature film debut.

FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Ilo Ilo (2013), The Reunion Dinner (cm) (2011), Lighthouse (cm) (2010), Hotel 66 (cm) (2010), Haze (cm) (2008), Ah ma (Grandma, cm) (2007), G-23 (cm) (2005)

LICKS USA / 2013 / HD / 97’

USA

Berkeley, California

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è appena tornato a Oakland dopo due anni di prigione. Una rapina è andata storta e lui è stato l’unico ad averne pagato le conseguenze. D torna a immergersi in un mondo da cui è stato lontano, ma in cui tutto sembra immutato. Giovani spacciatori e papponi, miserabili, tossici, prostitute e homeless. D attraversa la sua città con uno sguardo nuovo, tra bisogno di redenzione e passiva complicità. Il suo cammino umano è un percorso accidentato, fatto di sbagli e di miserie, ma anche di improvvisi slanci e nuove aspettative. Tra redenzione e perdizione, senza filtri e senza sconti, il film di Jonathan Singer-Vine entra in risonanza con pellicole come Sin Nombre e Boyz n the Hood, Kids e Juice, offrendo un’istantanea lucida e spietata della vita in un ghetto americano.

Il film d’esordio del ventiduenne newyorkese sembra voler attraversare, con il cinema, la strada che nella musica hip hop è stata battuta da autori come Kendrick Lamar e Tyler The Creator, una sottile traccia che cerca di offrire uno sguardo nuovo, andando oltre a mitologie gangster e facili stereotipi. Licks è un film che colpisce al ventre scoperto dello spettatore mostrando brutalità e dolcezza, ammaliando e sconvolgendo con la sua schietta semplicità.

Andrea Lavagnini

D

has just returned to Oakland after serving two years in prison. A robbery went wrong and he was the only one to pay the price. D is sucked back into a world where nothing seems to have changed while he’s been away, a world inhabited by drug dealing youths, pimps, lowlifes, junkies, prostitutes and vagrants. D moves through the city with a new perspective, caught between the need for redemption and passive complicity. His path is a bumpy one, of mistakes and struggle, but of unexpected impulses and new expectations too. Between redemption and perdition, unfiltered and no holds barred, Jonathan Singer-Vine’s film resonates with films like Sin Nombre, Boyz n the Hood, Kids, and Juice, offering a clear and ruthless snapshot of life in an American ghetto. Through cinema, the twenty-two year-old New Yorker’s debut film seems to take the same approach as that of hip hop artists such as Kendrick Lamar and Tyler the Creator through music, seeking to offer a new perspective that moves beyond gangster mythology and easy stereotypes. Licks is a film that delivers a blow to the stomach, portraying brutality and tenderness, and captivating and shocking the viewer with its blunt simplicity.

PRODUZIONE / PRODUCTION: Boy in the Castle Pictures PRODUTTORE / PRODUCER: Jonathan Singer-Vine, Niko Philipides SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Jonathan Singer-Vine, Justin “Hongry” Robinson MONTAGGIO / EDITING: Vinnie Hobbs FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Rob Witt SOUND DESIGN: Tony Crowe, Vinnie Hobbs MUSICA / MUSIC: Ian Ericksen, Deloren Janae CAST: Stanley “Doe” Hunt, Koran Streets, Tatiana Monet, Devon Libran, Les “DJ Upgrade” Aderibigbe, John Stallings, Skipper Elekwachi, Santiago Pratt, Ava Reina, Theresa Anderson-Downs DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Carlo Fox

NOTE DI REGIA / DIRECTOR’S STATEMENT

JONATHAN SINGER-VINE 1989 Jonathan Singer-Vine è uno scrittore e regista ventiquattrenne nato e cresciuto a Berkeley, in California. Licks rappresenta il suo esordio nel lungometraggio.

Jonathan Singer-Vine is a 24-year-old writer and director born and raised in Berkeley, California. Licks is his first feature film.

Perchè ho realizzato Licks? Sono sempre stato interessato al The Hood e alla gente che ci vive. Volevo mostrare le difficoltà e le lotte che i giovani di The Hood devono affrontare per cavarsela ed eventualmente riuscire ad andarsene. Tutti hanno una storia e quando vedi un altro essere umano che non si comporta come te o che non sembra uguale a te questo non significa che puoi semplicemente abbandonarlo. Dividiamo tutti la stessa terra e dobbiamo cercare di comprenderci a vicenda per poter sopravvivere e avere un futuro migliore. Vi lascio con questo fatto: in America ci sono più uomini di colore dietro le sbarre o sotto la sorveglianza del sistema giudiziario oggi di quanti erano schiavi nel 1850. E c’è qualcosa di molto inquietante e sbagliato in questo.

Why did I make Licks? I’ve always had an interest in The Hood and the people who live there. I wanted to expose the struggle and challenges young people in The Hood have to navigate in order to get by and eventually “get out”. Everyone has a story and when you see another human who may not look or act like you that doesn’t mean you can just dismiss him. We’re all sharing the same land and we must try to understand each other in order to survive and have a hopeful future. I’ll leave you with this: In America there’s more black men behind bars or under the watch of the criminal justice system than there were enslaved in 1850. And there’s something very disturbing and wrong about this.

FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Licks (2013)

MIRAGE À L’ITALIENNE AN ITALIAN MIRAGE FRANCE / 2013 / HD / 90’

FRANCE

Valle d’aosta, Italia

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I

n piena crisi economica, un annuncio apparso a Torino promette un futuro: “Cerchi lavoro? L’Alaska ti aspetta”. Intorno a questa occasione, si intrecciano i destini di cinque italiani, protagonisti del documentario di Alessandra Celesia, seguiti nel loro training per affrontare il viaggio e il compito che li aspetta: pulire salmoni appena pescati. Da Camilla, attrice che sogna di interpretare Marlene Dietrich, al travestito Dario, dal reduce dell’Afganistan a una madre ex tossica, tutti vogliono partire, mettersi in gioco, uscire dallo stallo in cui li ha messi la realtà. Peccato che a Yakutat, la loro meta oltreoceano, li aspetti un’altra rivelazione.

Il desiderio del viaggio e della fuga, fin da principio, erano un’occasione per pensare alle proprie identità: prima in solitudine e poi nel confronto di gruppo. Una dinamica drammatica che la regista Alessandra Celesia segue e ricostruisce senza intervenire direttamente in scena, ma lavorando sugli accostamenti. Mancato l’oggetto del sogno e del desiderio, mancato il lavoro, i protagonisti all’estero condividono parti della loro vita e si ritrovano insieme. Sparito il miraggio, non si smette di avanzare, e quel limbo di delusione dona un tocco ulteriormente poetico a una vicenda che per molti altri versi riguarda oggi tante persone schiacciate dalla crisi, in un film che ne sa mostrare il lato umano.

Alessandro Beretta

A

t the height of the economic crisis, an advert appears in Turin promising a future: “Looking for a job? Alaska is waiting for you”. It’s an opportunity that weaves together the fates of five Italians, the protagonists of Alessandra Celesia’s documentary, following them as they prepare for a journey and the job that awaits them: cleaning freshly caught salmon. From Camilla, an actress who dreams of playing Marlene Dietrich, to transvestite Dario, from an Afghanistan war veteran to an ex-junkie mother. All of them want to leave, take the risk, escape the deadlock their lives are currently in. Too bad that all that awaits them in Yakutat, their overseas destination, is another revelation. The longing for a journey and to escape was, from the very beginning, an opportunity for them to think about their identities: first alone and then as part of a group. A dramatic dynamic that director Alessandra Celesia follows and successfully reconstructs without intervening in events directly, but by bringing everything together. Without the object of their dream and desire, without work, the protagonists, once abroad, share snippets of their lives and find their bearings together. The mirage has vanished, but they don’t give up, and their limbo of disappointment gives a further poetic touch to a story that, in many other ways, lots of people crippled by the crisis can relate to, in a film that manages to show the human side of the crisis.

PRODUZIONE / PRODUCTION: Zeugma Films MONTAGGIO / EDITING: Danielle Anezin FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Laurent Fénart SOUND EDITOR: Damien Turpin DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION:  Zeugma Films

NOTE DI REGIA / DIRECTOR’S STATEMENT

ALESSANDRA CELESIA 1970

Considererei responsabile della mia partenza l’aria che si respirava in Italia negli anni Ottanta. Difficile individuare l’inquinamento intellettuale: ci si lascia sorprendere, aggredire i fragili polmoni senza rendersene conto. Si fa fatica a respirare, questo è quanto: da un momento all’altro ci si ritrova inadatti all’atmosfera del pianeta sul quale si è cresciuti.

Gli anni Ottanta hanno reso noi italiani ciò che siamo oggi. Un Paese intero è stato consciamente riprogrammato a respirare diversamente.

Ed eccoci qua oggi, pieni di speranza, con polmoni pronti a digerire qualsiasi cosa. Il mio Paese non ha bisogno di un altro reportage scandalistico, di una dichiarazione aperta di guerra, di uno scoop.

Il mio Paese ha bisogno, oggi più che mai, di poesia.

Alessandra Celesia ha lavorato a lungo in teatro, come attrice e regista, sviluppando al contempo la passione per la regia cinematografica. Ha iniziato a girare film nella sua regione natale, la Valle d’Aosta, e in Italia, per poi trasferirsi a Parigi. Il suo interesse è rivolto verso il popolo Italiano, di Parigi o Dublino; alla loro fragilità e alla loro umanità.

I would consider the atmosphere in Italy in the 1980s as responsible for my departure. It is difficult to identify intellectual pollution: we let ourselves be taken by surprise and our fragile lungs attacked without realizing. It is difficult to breathe, this is what it is all about: from one moment to the next we are incompatible with the atmosphere of the planet on which we grew up. The 1980s made us what we are today. A whole country was consciously rewired to breathe in a different way. Here we are today, full of hope, with our lungs ready to digest anything at all. My country does not need another article on a scandal, an open declaration of war or a passing scoop. Today, more than ever before, my country needs poetry.

Alessandra Celesia worked for a long time in the theatre, as an actress and director, developing her passion for filmmaking at the same time. She began to make films in her home region, the Valle d’Aosta, and in Italy, before moving to Paris. She is interested in the people of Italy, Paris and Dublin, their fragility and their humanity.

FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Mirage a l’italienne (An Italian Mirage) (2013), Le libraire de Belfast (doc) (2011), 89 avenue de Flandre (doc) (2008), Luntano (doc) (2006), Orti (cm, doc) 2001, Clausura (cm, doc) (2000), Valdôtains de la troisième génération (cm, doc) (1999), Salam Aoste (cm, doc) (1998)

LES RENCONTRES D’APRÈS MINUIT YOU AND THE NIGHT FRANCE / 2013 / 35mm / 92’

France

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È

mezzanotte. Cuori solitari, in conflitto con se stessi o con la propria personalità pubblica, raggiungono una misteriosa casa hi-tech nel buio, per partecipare a un rito di lussuria e riconciliazione. Un’occasione di ristoro dal dolore, nell’attesa di sapere se all’alba tutto sarà diverso. Già nel corto Land of my Dreams Yann Gonzalez ha definito uno stile personale, in cui la fiaba dialoga con la dimensione kitsch, mentre luci al neon illuminano uno sfondo rosso come il tendaggio impolverato di un vecchio cinema a luci rosse. Un umore tetro e tenero che attraversa come brezza aliena anche il suo esordio nel lungo, celebrazione del corpo ritrovato dopo essere stato privato della sua originalità, fino a diventare “ruolo”. Un magma di racconti nel racconto, flashback e parabole contemporanee dove il tardo Buñuel dialoga con il porno-soft, i Bava hanno vestiti radical- chic, Joe D’Amato e Jacques Rivette sono vicini di posto in sala e il fantasma di Florinda Bolkan ondeggia a ritmo di electro shoegaze. Del resto il tappeto sonoro, sintetico e decadente, è degli M83, band culto dove lo stesso Yann ha militato per anni, prima di scoprire il cinema come pulsione primigenia, tra le sagome fluorescenti di una Béatrice Dalle sadomaso, l’ologramma di Alain Delon nel corpo ambiguo del figlio Alain- Fabien e il pene elefantiaco di Eric Cantona.

Alessandro Beretta e Vincenzo Rossini

I

t’s midnight. Lonely hearts, at odds with themselves or with their public personas, arrive at a mysterious hi-tech house in the dark of night, to participate in a rite of lust and reconciliation. An opportunity to be relieved of pain, waiting to see if everything will have changed by dawn. Yann Gonzalez has his own personal style, as showcased in his previous short film, Land of my Dreams, where fairy-tale meets kitsch and neon lights illuminate a red background, like the dusty curtains of an old red-light district cinema. It’s a style with a soft, dark mood to it, which blows, like a strange breeze, through his debut feature film, a celebration of the body that is rediscovered after being stripped of its originality to the point of becoming a “role”.

A melting pot of stories within a story, flashbacks and contemporary parables in which the late Buñuel works with soft porn, the Bavas wear radical-chic clothes, Joe D’Amato and Jacques Rivette are sat next to one another in the theatre, and Florinda Bolkan’s ghost sways to the rhythm of electro shoegaze. The background music, synthetic and decadent, is by M83, a cult band that Yann worked with for years, before discovering cinema as a primordial impulse, somewhere between the fluorescent silhouettes of a sadomasochistic Béatrice Dalle, the hologram of Alain Delon in the ambiguous body of his son, Alain-Fabien, and the elephantine penis of Eric Cantona.

PRODUZIONE / PRODUCTION: Sedna Films PRODUTTORE / PRODUCER: Cécile Vacheret SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Yann Gonzalez MONTAGGIO / EDITING: Raphaël Lefèvre FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Simon Beaufils SOUND EDITOR: Damien Boitel MUSICA / MUSIC: Anthony Gonzalez (M83) CAST: Kate Moran, Niels Schneider, Nicolas Maury DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Films Boutique

NOTE DI REGIA / DIRECTOR’S STATEMENT Les rencontres d’aprés minuit è un titolo fantasma, quello di un romanzo perduto di Mireille Havet, che traccia il ritratto dell’amante dell’autore, i loro segreti notturni, prima e dopo l’amore. Il mio film non vuole essere un omaggio a un’artista che ammiro, ma piuttosto una serie di ritratti incentrati sulle parole di una comunità di personaggi marginali, segnati dal sesso e dalla notte. Il sesso e la notte: queste due parole riassumono bene il mio desiderio di cinema. E nell’epoca nella quale viviamo, dietro una permissività di facciata, la libertà sessuale si scontra sempre più con una società reazionaria, conformista, fortificata.

Les rencontres d’aprés minuit is the phantom title of a lost novel by Mireille Havet, a portrait of the author’s lover, their nocturnal secrets before and after love. My film does not aim to be a tribute to an artist I admire, but a series of portraits focused on the words of a community of marginalized figures, marked by sex and the night. Sex and night: these two words are a good summary of my desire for cinema.

And the time we are living in, behind an apparent permissiveness, sexual freedom always comes into conflict with a reactionary, conformist and fortified society.

YANN GONZALEZ 1977 Yann Gonzalez, nato nel 1977, è stato critico cinematografico per le riviste di Max, Têtu, and Chronic’Art. Il suo primo cortometraggio By the Kiss è stato selezionato in diversi festival internazionali inclusa la Quinzaine des Réalisateurs del 2006. Prima di You and the Night ha realizzato anche anltri cortometraggi fra cui Entracte e Land of My Dreams.  Yann Gonzalez, born in 1977, was film critic for Max, Têtu, and Chronic’Art magazine.By the Kiss, his first short film By the Kiss has been selected in many International film festivals including Director’s Fortnight 2006. Before You and the Night he realized also other short films including Entracte and Land of My Dreams.

FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Les rencontres d’après minuit (You and the Night) (2013), Land of My Dreams (cm) (2012), Nous ne serons plus jamais seuls (We Will Never Be Alone Again, cm) (2012), Écrire pour un chanteur: Les astres noirs (cm, tv) (2009), Je vous hais petites filles (I Hate You Little Girls, cm) (2008), Entracte (cm) (2007), By the Kiss (cm) (2006)

RUN & JUMP IRELAND, GERMANY / 2013 / HD / 102’

IRELAND

GERMANY

San Francisco, California, USA

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C

ampagna irlandese, interno giorno. A seguito di un ictus, Venetia si ritrova a fare i conti con un marito disabile, Conor, mutato nel carattere e nelle abitudini.

L’estraneo è Ted, neuropsicologo venuto dagli Usa, presumibilmente più interessato alla disamina di un caso scientifico piuttosto che ai progressi dell’uomo, o un marito che (forse) non ha più fatto ritorno? Come andare avanti, superando lo spettro del confronto tra presente e passato?

Le metamorfosi inattese e i tentativi di adattamento di una famiglia che deve imparare a crescere intorno alla figura di un nuovo marito, padre, figlio (e oggetto di studio). L’opera prima di Steph Green, statunitense di nascita ma divisa tra Los Angeles e Dublino, ravviva una certa tradizione di cinema europeo, capace di fare i conti con sentimenti scricchiolanti e famiglie da ricomporre. Un cinema che mette a nudo le sfere più intime, accogliendo un estraneo - un ricercatore armato di videocamera, lo spettatore - tra le mura domestiche, senza bisogno di nascondere cocci e panni sporchi sotto il tappeto del pudore. Dramma dei sentimenti che si racconta, con spontaneità e leggerezza, a suon di sussurri e grida, che danza il ritmo di balli notturni e corse in bicicletta sotto la pioggia, presentato in anteprima al Tribeca Film Festival.

Lara Casirati

T

he Irish countryside, daytime interior. After Conor suffers a stroke that alters his personality and behaviour, his wife, Venetia, finds herself coming to terms with her husband’s mental disability. Enter Ted, a neuropsychologist from the USA, who is arguably more interested in a scientific case study than in the progress of the man, or rather, the husband that (perhaps) never returned. How can the family move forward, overcoming the spectre of comparison between past and present?

Run and Jump follows the unexpected transformations and efforts to adapt of a family that must learn to grow around a new husband, father, son (and object of study). This, the first feature film of Steph Green, who is American by birth but splits her time between Los Angeles and Dublin, rekindles a tradition in European cinema of dealing with raw emotions and families that need putting back together. It is a type of cinema that lays bare the most intimate of spheres, welcoming a stranger – a researcher armed with a video camera, the viewer – into the family home, without needing to sweep the dirty laundry under the carpet. It is an emotional drama, which unfolds, spontaneously and freely, to the sound of cries and whispers, which dances to the rhythm of nocturnal dances and bike rides in the rain, first screened at the Tribeca Film Festival.

PRODUZIONE / PRODUCTION: Samson Films, Bavaria Pictures PRODUTTORE / PRODUCER: Tamara Anghie, Martina Niland SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Ailbhe Keogan, Steph Green MONTAGGIO / EDITING: Nathan Nugent FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Kevin Richey SOUND EDITOR: Barry O’Sullivan MUSICA / MUSIC: Sebastian Pille CAST: Maxine Peake, Edward MacLiam, Sharon Horgan, Will Forte, Brendan Morris, Ciara Gallagher, Ruth McCabe, Michael Harding DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Global Screen

NOTE DI REGIA / DIRECTOR’S STATEMENT Ciò che mi ha attratto verso questo film è stato il punto di vista unico della sceneggiatura: questa non è la storia di un uomo che si riadatta alla vita dopo un infarto, ma di una donna che si adatta a un nuovo uomo. Questo aspetto della vicenda non è raccontato spesso e io non l’avevo mai trovato scritto in questo modo. La sceneggiatura di Aibhe rappresentava il classic triangolo amoroso in un modo nuovo, in un mondo diverso, in cui la relazione tra due persone si sviluppava in un modo riservato e realistico, mai autoreferenziale. Durante il nostro primo incontro Aibhe mi ha detto che voleva fare un film su come le cose non vadano sempre bene, ma la natura della vita sia proprio come queste acque tumultuose e quindi vada celebrata.

What drew me in was the script’s unique point of view. This is not a story about a man adjusting to life after a stroke. This is a story about a woman adjusting to a new man. This side of the story isn’t often told, and I’d never read it told this way. Ailbhe’s script navigated a classic love triangle trope in a new way, in a distinctive world, presenting two people whose relationship developed in shy, realistic stages, and was never self- serving. In our first meeting, Ailbhe told me she wanted to make a movie about how things didn’t always turn out perfectly, but this rugged water was the nature of life, and therefore, should be celebrated.

STEPH GREEN Nata a San Francisco, già con il suo terzo cortometraggio, New Boy, ha ricevuto una nomination all’Oscar nel 2009. La sceneggiatura di Run & Jump, scritta in collaborazione con Ailbhe Keogan, è stata selezionata per i Sundance Screenwriting labs e per la Berlinale Script Station. Il film è il suo esordio nel lungometraggio ed è stato presentato al Tribeca Film Festival.

Born in San Francisco, with her third short film, New Boy, she was nominated for an Oscar in 2009. The screenplay of Run & Jump, written with Ailbhe Keogan, was selected for the Sundance Screenwriting labs and for the Berlinale Script Station. The film is her debut feature film and was presented at the Tribeca Film Festival.

FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Run & Jump (2013), New Boy (cm) (2007), Push Hands (cm) (2004), Copywrite (cm) (2001)

TERRA DE NINGUÉM NO MAN’S LAND PORTUGAL / 2012 / HD / 72’

PORTUGAL

Portugal

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I

n un edificio abbandonato, un telo nero; contro questo si rivela la corografia irregolare del viso e delle mani di Paulo de Figueiredo, portoghese, anni 66, già mercenario e sicario. La voce corrugata dal fumo e dall’alcool racconta atrocità delle guerre coloniali, in Angola e Mozambico, di lavori mercenari per la CIA a El Salvador. Racconta del GAL e della strategia anti basca nella Spagna degli anni Ottanta, racconta processi, assoluzioni, sepolture e condanne. Li racconta con una naturalezza che raggela, perché lui ha il volto e i gesti di uno di quegli ometti che, all’osteria, aspettano di essere chiamati a fare il quinto a briscola per un bicchiere di bianco. Raccogliendo una materia così scottante, Salomé Lamas sceglie l’opzione del documentario minimalista: divide le affermazioni del testimone in un centinaio di segmenti, numerati, secchi come colpi, e riduce dove può le proprie interferenze. Costruisce un film che mette a fuoco l’impossibilità di rappresentare il mostruoso, ma anche il potenziale mostruoso del raccontare e del raccontarsi, lungo il crinale ambiguo, anche questo Terra de ninguém, tra confessione e menzogna. Produce O Som e a Fúria, compagnia responsabile del gran ritorno del cinema portoghese contemporaneo (Tabu di Miguel Gomes).

Alessandro Uccelli

I

n an abandoned building, a black drop cloth; it is against this that the rough hands and face of Paulo de Figueiredo, a sixty-six year-old Portuguese man, a former mercenary and hit man, appear. In a voice made raspy by smoking and alcohol, he recounts atrocities from the colonial wars in Angola and Mozambique, of contract killings in El Salvador assigned to him by the CIA. He talks about GAL (the anti-Basque underground group) and the anti-Basque strategy in Spain during the Eighties, he speaks of trials, acquittals, burials and convictions. He talks about all this with a casualness that’s chilling, his expressions and gestures more akin to those of a man at the pub waiting to be invited to join a game of cards just so he can have a drink.

Choosing to focus on such a burning issue, Salomé Lamas opts for a minimalist documentary: he splits the witness’s statements into a hundred individual segments, numbered, each one dealing a sharp blow, and hides his own presence wherever possible. This is a film that brings not only the impossibility of portraying the monstrous, but also the monstrous potential that lies in telling a story and telling one’s own story, into sharp focus, walking the fine line, this too Terra de ninguém, between confession and fabrication.

Produced by O Som e a Fúria, the company responsible for the great comeback of contemporary Portuguese cinema (Tabu by Miguel Gomes).

PRODUZIONE / PRODUCTION: O Som e a Fúria PRODUTTORE / PRODUCER: Luís Urbano, Sandro Aguilar SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Salomé Lamas MONTAGGIO / EDITING: Telmo Churro FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Takashi Sugimoto SOUND EDITOR: Bruno Moreira CAST: Paulo de Figueiredo, Chiquinho and Alcides.

DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: O Som e a Fúria

NOTE DI REGIA / DIRECTOR’S STATEMENT Walter Benjamin diceva che la Storia è il luogo dove il singolare si concretizza in una totalità invariabile – questa è la premessa dalla quale partiamo. Stabilisco che la conversazione (in questo film) ha luogo in una “terra di nessuno”, ossia né nella mia zona di sicurezza, né in quella di Paulo de Figueiredo. Tale premessa dovrebbe generare un sentimento di dislocazione per entrambe le parti. Inizialmente, la location dovrebbe essere anonima. Gradualmente, ciò che è fuori campo acquista un peso e si stabilisce la consapevolezza di un luogo e di un tempo. Questo può essere considerato un film sulla violenza, ma nel profondo, è un film sui momenti dell’esperienza umana. Non è un film sulla Storia nel senso letterale del termine; questi sono frammenti, jump-cuts non lineari.

Walter Benjamin states that History is where the singular crystallises into a fixed whole – that is our premise. I establish that the conversation (in this film) takes place in “no man’s land”, neither in my comfort zone, nor in Paulo de Figueiredo’s. Such premise should generate a feeling of dislocation for both parties. Initially, the location should be anonymous. Gradually, what is off-screen gains weight and the awareness of a time and a place is established. This can be a film about violence, but deep down, it’s a film about moments of human experience. It’s not about History as it is understood academically; these are fragments, jump cuts of a non-linear type.

SALOMÉ LAMAS 1987 Salomé Lamas, ha studiato cinema a Lisbona e Praga e belle arti ad Amsterdam prima di ottenere un dottorato in cinema presso l’università di Coimbra.

I suoi film sono stati proiettati in diversi festival, come quello di Rotterdam, DocLisboa e la Berlinale.

Nel 2012 A comunidade ha ottenuto diversi riconoscimenti tra cui il premio come miglior documentario al festival Curtas Vila do Conde.  Salomé Lamas studied film in Lisbon and Prague and fine arts in Amsterdam before being awarded a doctorate in film from the University of Coimbra.

Her films have been screened at a number of festivals, such as Rotterdam, DocLisboa and the Berlinale.

In 2012 A comunidade won various prizes including the one for the best documentary at the Curtas Vila do Conde Festival.

FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Terra de ninguém (No Man’s Land) (2012), A Comunidade (cm) (2012), Encounters with Landscape 3x (cm) (2012), VHS (doc) (2010 – 2012), Golden Dawn (cm) (2011), Imperial Girl (cm) (2010), Jotta: a minha maladresse é uma forma de delicatesse (doc) (2009), O palimpsesto da rapariga cisne ou choveu durante dois dias e a paisagem alterou-se (2008)

TOWHEADS USA / 2013 / HD / 86’

USA

USA

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U

na mamma moderna, intelligente, attiva, innamorata del suo lavoro, ma ancora di più della sua famiglia. Questo è l’identikit della regista e protagonista del film, che è insieme una fiction, un documentario e un saggio sperimentale sul ruolo di madre e di artista oggi. I bambini la costringono a cambiare vita, a calarsi nel complesso ruolo di genitore e a risolvere problemi ogni giorno, diventando una meravigliosa, totalizzante, occupazione. La mamma per stargli dietro, pur ricordando che esiste anche la sua persona, esce letteralmente da sé, e comincia a sperimentare un’altra sé. Lo spettatore la segue nella sua disperata ricerca di un modo per riprendersi il suo ruolo di donna, un lavoro che rispetti la sua creatività e soprattutto la possibilità di essere vista, dai figli come dal marito. Il crescendo finale è uno straordinario omaggio al cinema e al suo potere di dare valore e bellezza a una persona, che in maniera magistrale alla fine saprà interpretare semplicemente e provocatoriamente se stessa. Opera prima dell’artista newyorkese Shannon Plumb, il film incrocia generi e registri espressivi per parlare del rapporto madre-famiglia e madre-mondo. La regista si mette davanti alla macchina da presa senza protezione alcuna, per un risultato estremamente intelligente e a tratti esilarante.

Alice Arecco

T

he Irish countryside, daytime interior. After Conor suffers a stroke that alters his personality and behaviour, his wife, Venetia, finds herself coming to terms with her husband’s mental disability. Enter Ted, a neuropsychologist from the USA, who is arguably more interested in a scientific case study than in the progress of the man, or rather, the husband that (perhaps) never returned. How can the family move forward, overcoming the spectre of comparison between past and present?

Run and Jump follows the unexpected transformations and efforts to adapt of a family that must learn to grow around a new husband, father, son (and object of study). This, the first feature film of Steph Green, who is American by birth but splits her time between Los Angeles and Dublin, rekindles a tradition in European cinema of dealing with raw emotions and families that need putting back together. It is a type of cinema that lays bare the most intimate of spheres, welcoming a stranger – a researcher armed with a video camera, the viewer – into the family home, without needing to sweep the dirty laundry under the carpet. It is an emotional drama, which unfolds, spontaneously and freely, to the sound of cries and whispers, which dances to the rhythm of nocturnal dances and bike rides in the rain, first screened at the Tribeca Film Festival.

PRODUZIONE / PRODUCTION: Artist Public Domain PRODUTTORE / PRODUCER: Alex Orlovsky, Hunter Gray SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Shannon Plumb MONTAGGIO / EDITING: Joseph Krings FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Brett Jutkiewicz SOUND EDITOR: Ryan Price MUSICA / MUSIC: David Wilder CAST: Shannon Plumb, Derek Cianfrance, Cody Cianfrance, Walker Cianfrance DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Artist Public Domain

NOTE DI REGIA / DIRECTOR’S STATEMENT Il mio film Towheads è una favola moderna che racconta l’essere madre attraverso gli occhi di una mamma di Brooklyn dai biondissimi figli. Il film analizza cosa significhi essere una mamma nel nostro tempo, intrappolata tra la proprie responsabilità verso i figli (aggravata da un marito spesso assente) e il personale bisogno di soddisfare le proprie aspirazioni artistiche. Alternando toni allegri, incisivi e provocatori, questo film rifiuta di rifuggire (o ancora peggio, addolcire) la realtà quotidiana dell’essere una madre di questi tempi, mostrando tutti gli aspetti negativi di uno dei migliori “lavori” al mondo, senza però dimenticare tutte le piccole cose che lo rendono più piacevole.

My film Towheads is a modern-day tale of motherhood as told through the eyes of a Brooklyn mom with two towheaded blonde boys.

The film explores what it means to be a mother in current times, caught between her responsibility to her children (magnified by an oft-absent husband) and her need to fulfill her artistic aspirations. In a tone that is at once lighthearted, incisive and critically challenging, this is a film which refuses to shy away from (or worse yet, sugarcoat) the daily realities of being a mother this day and age, embodying all that is overwhelming about the greatest job on earth, without forgetting the little joys that make it all bearable.

SHANNON PLUMB 1970 Shannon Plumb ha creato, prodotto e recitato in più di 200 dei suoi cortometraggi. Il suo lavoro è stato presentato a livello internazionale e recensito da parte di numerose riviste.

Ispirata dallo humour delle leggende dei film muti come Buster Keaton e Charlie Chaplin, il suo lavoro è portavoce delle sensibilità della vecchia commedia con descrizioni della vita quotidiana moderna.

Shannon Plumb has created, produced, and starred in over 200 of her own short films.

Her work has been exhibited internationally and have been reviewed in several publications. Inspired by the humor of silent film legends such as Buster Keaton and Charlie Chaplin, her work brings together the sensibilities of comedy’s past with depictions of modern everyday life.

FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Towheads (2013), Rattles and Cherries (cm) (2006), Shalmont Field (cm) (2006), Before Z (cm) (2004)

CONCORSO CORTOMETRAGGI SHORT FILM COMPETITION Å åpne, å se (To Open, to See) Camilla Figenschou/ Norway/ HD /2012/ 15’ (Italian Première) Abu Rami Sabah Haider/ Lebanon/ 2012/ HD / 18’ (Italian Première) Atomes (Atoms) Arnaud Dufeys/ Belgium/ 2012/ HD/ 19’ L’aurore boréale (Northern Lights) Keren Ben Rafael / France / 2013 / HD / 13’ (Italian Première) Avant que de tout perdre (Just Before Losing Everything) Xavier Legrand /France / 2012 / HD / 30’ Chigger Ale (Here Come the Problems) Fanta Ananas / Ethiopia, Spain / 2013 / HD / 11’ (Italian Première) The Course of Things Annelore Schneider, Claude Piguet/ Switzerland / HD / 2012/ 10’ (Italian Première) Dentro (Inside) Emiliano Rocha Minter/ Mexico/ HD / 2012/ 13’ (Italian Première) Don’t Fear Death Louis Hudson / UK / 2013 / HD / 3’ (Italian and World Première) Exland Mihai Grecu, Thibault Gleize / France, Romania / 2013 / HD / 8’ Fatigués d’être beaux (Tired of Being Handsome) Anne-Laure Daffis, Léo Marchand / France / 2012 / HD / 30’ Flytopia Karni Arieli, Saul Freed / UK / 2012 / HD / 20’ La fugue (The Runaway) Jean-Bernard Marlin / France / 2013 /HD / 22’ Gods, Weeds & Revolutions Meryam Joobeur / Canada / 2012 / HD /20’ (Italian Première) Le grand voyage d’Elastika (A Girl Named Elastika) Guillaume Blanchet / Canada / 2012 / HD / 4’ (Italian Première) Home Thomas Gleeson/ New Zeland/ 2012/ HD/ 11’ The Hopper

Alex Brüel Flagstad / Denmark, Germany / 2012 / HD / 19’ I Am Alone and My Head is on Fire David OReilly / Canada / 2013 / Ipad / 1’ (Italian Première) In The Air Is Christopher Gray Felix Massie / UK / 2013 / HD /10’ (Italian Première) Là où je suis (Where I Am) Myriam Magassouba / Canada / 2012 / HD / 25’ (Italian Première) La lampe au beurre de yak (Butter Lamp) Hu Wei / France, China / 2013 / HD /17’ (Italian Première) Les Lézards (The Lizards) Vincent Mariette / France / 2012 / HD / 14’ Malária (Malaria) Edson Oda / Brazil / 2013 / HD / 6’ (Italian Première) The Mass of Men Gabriel Gauchet / UK / 2012 / S16mm / 17’ Mobile Homes Vladimir de Fontenay / France, USA / 2013 / S16mm / 13’ No tiene gracia (Not Funny) Carlos Violadé/ Spain/ 2013/ HD/ 15’ (Italian Première) Noelia María Alché/ Argentina/ 2012/ HD / 15’ (Italian Première) Nyuszi és Öz (Rabbit and Deer) Peter Vácz / Hungary / 2013 / HD / 16’ Olkiluoto-ilmiö (Olkiluoto Syndrome) Janne Häkkinen/ Finland/ 2013/ HD / 13’ (Italian Première) Orde van dienst (Order of Service) Henk Otte / The Netherlands / 2012 / HD / 7’ (Italian Première) Oslo Luis Ernesto Doñas / Cuba / 2012 / HD/ 13’ (Italian Première) Pastila fericirii (The Pill of Happiness) Cecília Falméri/ Romania / 2013 / 35mm /12’ (Italian Première) Pequeño bloque de cemento con pelo alborotado conteniendo el mar (Little Block of Cement with Disheveled Hair Containing the Sea)

Jorge Lopez Navarrete / Spain / 2013 / HD / 16’ (Italian Première) Perfect Drug Toon Aerts / Belgium / 2012 / HD / 14’ (Italian Première) Peristalsi Enrico Iannaccone / Italy / 2013 / HD / 16’ The Present Joe Hsieh / Taiwan / 2013 / HD / 15’ (Italian Première) Presuda (The Verdict) Djuro Gavran / Croatia / 2013 / HD / 11’ (Italian Première) Qêrin (Scream) Bilal Bulut/ Turkey/ 2013/HD/ 12’ (Italian Première) Quelqu’un d’extraordinaire (An Extraordinary Person) Monia Chokri / Canada / 2013 / S16mm / 29’ (Italian Première) RECONNAISSANCE Johann Lurf / USA, Austria / 2012 / HD / 5’ (Italian Première) RPG OKC Emily Carmichael / USA / 2012 / HD / 9’ (Italian Première) Silent Passengers Hirofumi Nakamoto/ Japan / 2012/ 15’ (Italian Première) Silvio. Here I am

D

iciotto anni fa la versione “neonata” del Milano Film Festival, l’allora Cortometraggio, portava nel nome l’idea di un formato poco noto e visibile nel panorama italiano e milanese. C’erano già diversi festival nel mondo dedicati alla forma breve delle storie, ma dalle nostre parti appariva come una quasi novità.

Per molti anni Cortometraggio ha veicolato con sé il cinema di nazioni altrimenti sconosciute, narrazioni ribelli poco consone alla forma lunga e una marea di vhs. Oggi, 2013. Con un filo di provocazione, si può dire che il cortometraggio non esiste più, almeno non nella forma che aveva diciotto anni fa. Prima l’esplosione delle tecnologie portatili, poi il digitale, il web, i social, la rivoluzione della pubblicità, la frammentazione imposta dalla tv satellitare, l’overdose esplosiva di immagini ovunque: una fluida e vertiginosa rielaborazione del linguaggio, che ogni anno è già diverso e mutato rispetto a quello precedente. Per chi fa un festival come il Milano Film Festival, la sfida è sempre più difficile ma anche più gratificante. Oggi un concorso “stretto” come il nostro, perché resta sempre una selezione di cinquanta film fatta tra oltre duemila iscrizioni, non può più omettere le forme ibride, i film che non riesci a classificare, oltre ogni categoria, e non solo di genere. Non può dimenticare che le istituzioni pubbliche, sempre più in difficoltà, sono a caccia di nuove modalità di finanziamento, talvolta dando vita a operazioni brillanti e inclassificabili, dove il fine ultimo del progetto (la promozione) confluisce natu-

Mattia Coletti, Carlo Migotto/ Italy / HD / 2012/ 15’ Solecito Oscar Ruiz Navia / Colombia / 2013 / HD / 20’ (Italian Première) Solitudes Liova Jedlicki/ France, Romania/ 2012/ 35mm / 17’ (Italian Première) Stew & Punch Simon Ellis / UK / 2013 / HD / 17’ (Italian Première) La strada di Raffael (Raffael’s Way) Alessandro Falco/ Italy, Spain / 2013/HD/ 24’ A Third Version of The Imaginary Benjamin Tiven / USA, Kenya / 2012 / HD / 12’ (Italian Première) Les voiles du partage (Wind of Share) Pierre Mousquet, Jérôme Cauwe / France, Belgium / 2013 / HD /8’ (Italian Première) Whaled Women Ewa Einhorn, Jeuno JE Kim / Sweden / 2012 / HD / 9’ (Italian Première) You Like It, I Love It James Vaughan/ Australia / 2012 / HD/ 16’ (Italian Première)

E

ighteen years ago, the “newborn” version of the Milano Film Festival, the then Cortometraggio, had the name of a format that was unfamiliar and not very visible on the Italian and Milanese scene. There were already many different festivals in the world devoted to the “short story form” but in our part of the world it appeared as something of a novelty. For many years, Cortometraggio brought with it the cinema from countries which were otherwise unknown, rebellious narrations that were not very suitable for the feature-length format and a multitude of video cassettes. Today, 2013. With a hint of provocation, we can say that the short film no longer exists, at least not in the form it had 18 years ago. Before the explosion of portable technologies, then digital, the Web, the social networks, the revolution of advertising, the fragmentation imposed by satellite TV and the explosive overdose of images everywhere: a fluid and dizzying re-elaboration of language which every years is different and borrowed from the previous one. For those who organize a festival such as the Milano Film Festival, the challenge is increasingly tough but also more gratifying. Today a “small” selection like ours, because it is still a selection of 50 films out of over two thousand entries, can no longer omit the “hybrid forms”, the films that are impossible to classify, beyond every category and not only of genre. It cannot forget that the public institutions, increasingly in difficulty, are

ralmente nell’opera (nel concorso di quest’anno, il bel caso di Solecito). Non può dimenticare nemmeno che la moltiplicazione di piattaforme online fa aumentare esponenzialmente la possibilità di vedere i formati brevi: una novità sfruttata soprattutto dall’animazione, che però allo stesso tempo non può fare a meno del contesto della sala per la sua fruizione ideale. Da qui nascono riflessioni metamorfiche sul linguaggio come A Third Version of Imaginary, che ragiona sul destino fisico delle immagini analogiche, conservate in archivi che stanno scomparendo e agli antipodi I Am Alone and My Head Is on Fire, che invece fa esplodere l’idea per cui tutti possono, grazie a una app, “dar fuoco” alla propria creatività in un baleno, senza competenze tecniche, persino usando i “trucchi magici”, resi digitali e touch, di un padre del cinema come Norman McLaren.

Il web ridefinisce ogni singolo mezzo costringendo gli autori a ragionare sul suo valore, tra passato e futuro: La lampe au beurre du yak fa uso della forza arcaica del ritratto di famiglia per raccontare una bruciante storia di cancellazione della memoria; Malaria documenta l’immortalità perenne di un linguaggio, quello del fumetto, celebrandone il funerale, e lo sperimentale Order of Service fa uso della trasmissione via webcam di un rito sempre uguale a se stesso per mostrarne le sottili diversità. Il ragionamento, fortunatamente, tocca anche l’Italia, con Peristalsi di Enrico Iannaccone, giovanissimo e già David di Donatello (e premio del pubblico al MFF 2012), che ci sottopone alla messa in scena amateur di un testamento e il ritratto di Silvio.

Here I Am, dove la morte di un mercato (le vhs e le videoteche di provincia) definisce la fine del momento di gloria per un outsider vero. Eppure, oltre il dualismo osmotico tra tecnologia e linguaggio, il corto ancora cerca di centrare i soggetti, i problemi e le criticità di una società sempre più ardua da inquadrare. Il precariato impossibile, che istiga alla vendetta, nel raggelante The Mass of Men; il crollo della fiducia anche nei rapporti più stretti in No tiene gracia; la rielaborazione impossibile del lutto in Là où je suis; la schiavitù contemporanea di Solitudes e Mobile Homes; la crudeltà televisiva di Pastila fericirii. Talvolta il problema di oggi si cristallizza in forme antiche e arcaiche, dimostrando l’attualità delle narrazioni del passato, comprese quelle cinematografiche: e allora se Fatigués d’etre beaux condensa Beckett e il post-western per raccontare la vacua caducità dell’essere contemporaneo, Qêrin attinge a Romeo e Giulietta e all’opera classica per raccontare la tristemente “solita” storia di divisioni forzate.

Un presente sempre più provante dove, mai come quest’anno, animali e natura acquistano un ruolo fortemente simbolico: da un lato la focena spiaggiata di To Open, to See presta il fianco a un inquietante nugolo di bambini “entomologi”, ricordandoci che il contatto con la violenza inizia prestissimo, soprattutto con il gioco; dall’altro l’epica fuga di un cavallo aiutato da un cane in Pequeño bloque de cemento con pelo alborotado conteniendo el mar de cemento ci ricorda quanto l’uomo, con il suo sfruttamento estensivo del mondo

looking for new ways of funding, at times giving rise to brilliant and unclassifiable operations, where the final aim of the project (promotion) naturally flows into the work (in this years’ competition, the fine case of Solecito). Nor can it forget that the multiplication of online platforms exponentially increases the possibility of seeing short formats: an innovation exploited in particular by animation but which at the same time cannot do without the context of the cinema for its ideal enjoyment. This leads to metamorphic reflections on language, such as A Third Version of Imaginary, which reasons on the physical destiny of analogue images, kept in archives that are disappearing and, at the antipodes, I Am Alone and My Head Is on Fire, which on the other hand detonates the idea that everybody, thanks to an app can “set fire” to their creativity in a flash, without technical skills, even using the “magic tricks” turned digital and touch, of a father of the cinema such as Norman McLaren. The web redefines every single means forcing authors to reason on its value, between past and future: La lampe au beurre du yak makes use of the archaic strength of the family portrait to tell a burning story of the cancellation of memory; Malaria documents the perennial immortality of a language, that of strip cartoons, celebrates its funeral, and the experimental Order of Service uses broadcasting via webcam of a rite that is always true to itself to show its subtle differences. Fortunately, the reasoning also touches on Italy, with Peristalsi by Enrico Iannaccone, very young and who has already won a David of Donatello (and the Public’s Prize at MFF 2012), which subjects us to the amateur staging of a will and the portrait of Silvio. Here I Am, where the death of a market (video cassettes and video libraries in the provinces) defines the end of the moment of glory for a real outsider. And yet, beyond the osmotic dualism between technology and language, the short film still tried to target the subjects, the problems and the criticalities of a society which is increasingly hard to frame. The impossible precariousness which instigates vendetta, in the blood-chilling The Mass of Men; the collapse of trust even in the closes relationships in No tiene gracia; the impossible re-elaboration of mourning in Là où je suis; the contemporary slavery of Solitudes and Mobile Homes; the television cruelty of Pastila fericirii. Sometimes the problem of today is crystallized in ancient and archaic forms, showing how the narrations of the past, including the ones of the cinema are up to date: and so if Fatigués d’etre beaux condenses Beckett and the post-western to relate the vacuous transience of the contemporary being, Qêrin draws on Romeo and Juliet and classical opera to tell the sadly “usual” story of forced separations. A present that is increasingly difficult where, never as before this year, animals and nature take on a strongly symbolic role: on the one hand the stranded porpoise of To Open, To See is open to a disturbing group of child “entomologists”, reminding us that the contact with violence starts very early, above all with

naturale, abbia smesso di comprenderne il silenzio. Il risultato finale è nel presagio agghiacciante di Exland, dove i resti di un paesaggio mortificato sono invasi da fiumi di marmellata di lamponi, creazione artificiale di un uomo sempre meno “umano”. L’amarezza di fondo di alcune storie non deve essere fraintesa: la necessità stessa dei registi di metterle in scena dimostra la loro vitalità, l’urgenza, la stringente necessità di un cinema degli esordienti, al di là delle forme messe in campo.

Forse questi film fotografano una fase di “stordimento”, come se una vista annebbiata impedisse all’umanità di vedere realmente, sulla lunga distanza, quali sono gli effetti delle proprie azioni. Ma forse – e questa è la vera nota di speranza – c’è una maggior consapevolezza, superiore a quella delle generazioni precedenti, di cosa siamo: come in una scena del surreale You Like It, I Love It, dove il giovane protagonista, rintontito dalle parole di un vicino chiassoso, dichiara di essere “rimasto intrappolato in un film”, mentre le immagini della sua ironica battaglia con il mondo scorrono trasfigurate per contrasto dentro il video. Come se quella scatola magica, adesso come diciotto anni fa, fosse ancora il cuore dell’incantesimo.

Alessandro Beretta e Vincenzo Rossini

playing; on the other hand the epic escape of a horse helped by a dog in Little Block of Cement with Disheveled Hair Containing the Sea reminds us how man, with his extensive exploitation of the natural world, has “stopped” understanding its “silence”. The final result is in the blood-chilling omen of Exland, where the remains of a mortified landscape are invaded by rivers of raspberry jam, the artificial creation of man who is less and less “human”. The underlying bitterness of some stories must not be misunderstood: the very necessity of the directors to show them, demonstrates their vitality, the urgency, the great need for a cinema of beginners, beyond the forms used. Perhaps these films photograph a stunned phase, as though a blurred view prevented humanity from really seeing, over a long distance, what the effects of its actions are. But perhaps – and this is the real note of hope – there is great awareness, greater than that of previous generations, of what we are: as in a scene from the surreal You Like It, I Love It, where the young protagonist, dazed by the words of a chattering neighbour, says that he has been “trapped in a film” whilst the images of his ironic battle with the world scroll transfigured by contrast inside the video. As if that magic box, now as 18 years ago, were still the heart of the magic spell.

Å ÅPNE, Å SE

TO OPEN, TO SEE NORWAY / 2012 / HD / 15’

Norway

PRODUZIONE / PRODUCTION: Ape & Bjørn AS PRODUTTORE / PRODUCER: Silja Espolina Johnson SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Camilla Figenschou MONTAGGIO / EDITING: Astrid Skumsrud Johansen FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Marte Vold SOUND EDITOR: Fredric Vogel CAST: Ihne Lysvold, Anna Katharina Paus Haukeland, Sara Kaspersen, Simon Kaspersen, Øystein Aanes, Martin Hansen, Wanja Jakobsen, Magnus Eriksen, Thea Edvardsen, Emil Edvardsen, Mathilde Hansen DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Norwegian Film Institute

U

n gruppo di preadolescenti in gita al mare. Nel momento in cui l’insegnante che li accompagna si assenta, una focena spiaggiata attira la loro attenzione. Il piccolo cetaceo è morto: la curiosità di aprirne il corpo, di vedere oltre la superficie è troppo forte. Quello che inizialmente sembra un atto conoscitivo, una dissezione, si converte in un eccesso di violenza gratuita, presto indirizzata all’accompagnatrice, al mondo degli adulti. Aprire il corpo (di un animale) è come schiudere il vaso di Pandora: Camilla Figenschou, che ha un passato come fotografa e artista visiva, da tempo si interroga sull’interazione tra il corpo e lo spazio. To Open, to See è il suo secondo cortometraggio di fiction. A.U.

A

group of pre-teens on a trip to the sea. In a moment of unsupervision, a beached porpoise on the coast attracts their attention. The little whale is dead, and the curiosity to open its body and see beyond the surface is too strong. What initially seems to be a cognitive act, dissection, turns into gratuitous violence in an adult’s world. Opening the body of an animal is like opening Pandora’s Box. Camilla Figenschou, who has a background in photography and visual arts, has long explored the interaction between body and space. To Open, to See is her second fictitous short.

CAMILLA FIGENSCHOU 1978 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Å åpne, å se (To Open, to See) (2012), Det begynte å bli ingen natt (The Beginning of No Nite) (2010)

ABU RAMI LEBANON / 2012 / HD / 18’

Netherlands

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Deja Vu Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Sabah Haider SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sabah Haider MONTAGGIO / EDITING: Jayesh Kilpady, Philip Yao FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Karim Ghorayeb SOUND EDITOR: Joe Najm & Ramy Estephan at MangoJam MUSICA / MUSIC: Music track by Ramcess Al’Hamorabi CAST: Sihame Haddad, Elie Adabachi DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: The Film Link

M

ona è una bella signora di sessantacinque anni. Suo marito Abu Rami fa il tassista da una vita. Una mattina partono per andare a trovare il figlio e il viaggio attraverso il Libano diventa occasione per affrontare il loro matrimonio. Il taxi si blocca, la rabbia aumenta e diventa quasi facile dire finalmente la verità, fino a una rivelazione ancora più scioccante, capace di strappare un sorriso: un capovolgimento di ruoli inaspettato che ha il sapore di rivincita. Sabah Haider è regista, sceneggiatrice e giornalista, ha studiato in Gran Bretagna e Canada e oggi vive a Beirut, dove organizza workshop di cinema per ragazzi palestinesi nei campi profughi e sta scrivendo il suo primo lungometraggio. A.A.

M

ona is a beautiful 65 year-old woman. Her husband, Abu Rami, has been a taxi driver his whole life. One morning they leave to go and see their son, and the journey across the Lebanon becomes their opportunity to confront their marriage. The taxi breaks down, tempers fray and it becomes almost easy to finally admit the truth, until the arrival of an even more shocking admission - one that is able to raise a smile: a role reversal that smells of revenge. Sabah Haider is a director, screenwriter and journalist who has studied in the UK and Canada and who now lives in Beirut, where she organises cinema workshops for young Palestinians in refugee camps. She is currently writing her first feature film.

SABAH HAIDER 1976 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Abu Rami (cm) (2012), Beirut My Heart (cm) (2011), International Bowie Fun Club (cm) (2008)

ATOMES ATOMS BELGIUM / 2012 / HD / 19’

Belgium

PRODUZIONE / PRODUCTION: Mediadiffusion PRODUTTORE / PRODUCER: Véronique Duys SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Arnaud Dufeys MONTAGGIO / EDITING: Nicolas Bier FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Lucien Keller SOUND EDITOR: Nicolas Bier MUSICA / MUSIC: Timothée de Backer CAST: Vincent Lecuyer, Benoît Cosaert DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Ann-Sophie Ducarme

L

a vita del serio Hugo, trentaquattrenne educatore in un collegio, viene “attentata” dai comportamenti ambigui del giovane Jules, ribelle con il cuore, irriducibile provocatore. Il segreto nascosto in una doccia cambierà per sempre i loro destini. A soli ventiquattro anni il giovane belga Arnaud Dufeys pare avere le idee molto chiare sull’amore: salva dall’oblio e allo stesso tempo mette in pericolo le sicurezze di ciascuno. In Atomes, pluripremiato in molti festival internazionali, costruisce la storia intensa di una relazione in cui il sesso e il desiderio fanno a pugni con la responsabilità.

E il dolore di una perdita si fa sopportare grazie a un istante di felicità inarrivabile. V.R.

T

he life of serious Hugo, a thirty-four year old college teacher, is compromised by the ambiguous behaviour of the young Jules - a rebel with a heart, an unrelenting troublemaker. The secret hidden in a shower will change their destinies forever. At only twenty-four years old, young Belgain Arnaud Dufeys seems to have very clear ideas about love: it saves from oblivion, but at the same time puts people at risk. The multi-award winning Atomes builds an intense story of a relationship in which sex and desire are at odds with responsibility, and the pain of a loss one suffers thanks to a single moment of unsustainable happiness.

ARNAUD DUFEYS 1989 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Atomes (Atoms, cm) (2012)

L’AURORE BORÉALE NORTHERN LIGHTS FRANCE / 2013 / HD / 13’

Israel

PRODUZIONE / PRODUCTION: Palikao Films PRODUTTORE / PRODUCER: Delphine Benroubi SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Elise Benroubi, Rémi Bertrand MONTAGGIO / EDITING: Noel Fuzellier FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Damien Dufresne SOUND EDITOR: Baptiste Marie, Maxime Champesme MUSICA / MUSIC: Thomas Krameyer CAST: Hippolyte Girardot, Ana Girardot, Jonathan Cohen, Marc Citti DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Palikao Films, Premium Films

T

utti i figli grandi hanno bisogno del loro spazio. Ma il padre della ventitreenne Louise si rifiuta di cedere alla completa autonomia dell’unica figlia. L’aurora boreale, visibile eccezionalmente una sola notte, diventa la scusa per poter passare del tempo insieme. Louise sembra svogliatamente avere accettato il gesto come idea carina quando, tra i più classici meccanismi narrativi, s’innesta l’equivoco che trascina la storia e poi la lascia andare, e lo svelamento finale chiude il cerchio, dopo un’incursione nei rapporti familiari. Keren Ben Rafael solca ancora il filone della commedia, supportata da una coppia di ottimi attori, padre e figlia, Hippolyte e Ana Girardot. C.V.

A

ll grown-up children need their own space. But the father of twentythree year old Louise refuses to allow his only daughter her independence. The Northern Lights, exceptionally clearly visible for only one night, become the excuse for spending some time together. Louise seems to have reluctantly accepted the gesture as a sweet idea when, in the style of classic plot devices, there is a misunderstanding that pulls the story along and then lets it go. It is in the final revelation that the story comes full circle, after a foray into family relationships. Keren Ben Rafael continues in the genre of comedy, supported by a pair of fine actors, father and daughter Hippolyte and Ana Girardot.

KEREN BEN RAFAEL 1978 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: L’aurore boréale (Northern Lights, cm) (2013), A pleines dents (2013), I’m Your Man (2011), normali (2009)

AVANT QUE DE TOUT PERDRE JUST BEFORE LOSING EVERYTHING FRANCE / 2012 / HD / 30’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Kg Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Alexandre Gavras SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Xavier Legrand MONTAGGIO / EDITING: Yorgos Lamprinos FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Nathalie Durand SOUND EDITOR: Julien Sicart, Vincent Verdoux, Aymeric Dupas CAST: Léa Drucker, Anne Benoît, Miljan Chatelain, Mathilde Auneveux, Denis Menochet DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: L’agence du court metrage

J

ulien deve andare a scuola ma cambia percorso e si nasconde sotto un ponte. Josephine aspetta l’autobus come ogni mattina. Una donna li carica in auto e li porta in un grande supermercato, dove entrano insieme in tutta fretta. Grazie a dialoghi costruiti con cura e dettagli che si svelano a poco a poco, ci rendiamo conto di quello che sta accadendo. Costruito come un thriller, il film scritto e diretto da Xavier Legrand è carico di una tensione che tiene lo spettatore con il fiato sospeso fino all’ultima inquadratura. Ha il merito anche di affrontare un tema sempre attuale evitando patetismi. Il film ha già vinto numerosi premi, tra cui il Grand Prix al Festival di Clermont Ferrand 2013. E.F.

I

nstead of going to school as usual, Julien decides instead hiding under a bridge. Like every morning, Josephine waits for the bus. A woman loads them into a car and takes them to a big supermarket, where they hurriedly go in together. Thanks to carefully constructed dialogues and details revealed little by little, we gradually realise what is happening. Made like a thriller, the film - written and directed by Xavier Legrand - is loaded with tension that keeps the audience in suspense until the last shot.

It also bravely sheds light on an ever more current and pertinent issue, avoiding over-sentimentality. The film has already won numerous prizes, including the Grand Prix at the Clermont Ferrand Festival.

XAVIER LEGRAND 1979 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Avant que de tout perdre (Just Before Losing Everything, cm) (2012)

CHIGGER ALE HERE COME THE PROBLEMS ETHIOPIA, SPAIN / 2013 / HD / 11’

Ethiopia

PRODUZIONE / PRODUCTION: Addis Excelsior Golf Club, Lanzadera Films PRODUTTORE / PRODUCER: Miguel Llansó, Israel Seoane, Meseret Argaw, Yohannes Feleke, El Bailongo.

SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Fanta Ananas MONTAGGIO / EDITING: Miguel Llansó, Israel Seoane FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Israel Seoane SOUND EDITOR: Joaquín Piñero MUSICA / MUSIC: Club Moral ANIMAZIONE / ANIMATION: Eskinder Tefera CAST: Daniel Tadesse DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Lanzadera Films

E

ssere neri e imitare Hitler in Etiopia sembra un gesto iconoclasta, ma è naturale per il protagonista di Chigger Ale che cerca amici in un locale.

Peccato che nessuno se lo fili e che lui, ridotto alle lacrime, debba trovare un altro modo per farsi notare, sospirando tra i suoi strani idoli, non solo Hitler, ma anche Beyoncé. Realizzato dalla regista Fanta Ananas e selezionato di recente anche a Locarno, il film è arrivato a Milano con un’indicazione: “Dopo Nollywood (il cinema nigeriano ndr.) e Bollywood arriva Ethiowood. Nuove strane produzioni stanno accadendo da queste parti e questo strambo corto trash-punk è un esempio della new wave!”. Siamo assolutamente d’accordo. A.B.

B

eing black and imitating Hitler in Ethiopia seems like a traitorous thing to do, but it’s natural for the protagonist of Chigger Ale, who is looking for friends in a grassroots tavern. No one pays him any attention, though and, reduced to tears, he must find another way to get himself noticed, counting among his idols not just Hitler, but also Beyoncé. The work of director Fanta Ananas and selected recently at Locarno, the film has arrived at Milan with the following, “After Bollywood and Nollywood, we have Ethiowood. New, strange productions are happening here, and this wacky trash-punk short is an example of the new wave!” We couldn’t agree more.

FANTA ANANAS FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Chigger Ale (Here Come the Problems, cm) (2013)

THE COURSE OF THINGS SWITZERLAND / 2012 / HD / 10’

Switzerland

MAPPA 214x178

PRODUZIONE / PRODUCTION: collectif_fact PRODUTTORE / PRODUCER: collectif_fact SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: collectif_fact MONTAGGIO / EDITING: collectif_fact FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: collectif_fact SOUND EDITOR: Julian Simmons MUSICA / MUSIC: Bernard Hermann

I

visitatori del Natural History Museum di Londra, la voce di Alfred Hitchcock e la musica di Bernard Herrmann sono gli elementi fondanti di questo film. Il montaggio costruisce una storia grazie alla voce tratta da diversi episodi di Alfred Hitchcock presenta e ai gesti e agli sguardi dei visitatori - inconsapevolmente colti come fossero su un palcoscenico - che a tratti sembrano tutt’altro che casuali. Giocando con le aspettative dello spettatore, i registi mettono in scena i gesti quotidiani di gente comune in una vera e propria performance, interrogandosi sui confini tra realtà e finzione e rivelando che la messa in scena della realtà ha spesso risvolti inaspettati e sorprendenti come nei thriller. A.A.

V

isitors to London’s Natural History Museum, Alfred Hitchcock’s voice and Bernard Hermann’s music are the fundamental elements of this film. A story builds thanks to the voiceover taken from various episodes of Alfred Hitchcock Presents and the gestures and looks of the visitors - unknowingly caught as if they were on stage - that sometimes seem anything but random. Playing with the viewers’ expectations, the directors stage the daily gestures of common people in a real performance, questioning the boundaries between fiction and reality and revealing that the staging of reality often has unexpected twists as surprising as a thriller.

COLLECTIF_FACT (ANNELORE SCHNEIDER, CLAUDE PIGUET) FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Momoshima or the Possibility of an Island (cm) (2013), The Course of Things (cm) (2012), A Story Like No Other (cm) (2011), Ways of Worldmaking (cm) (2010), Hitchcock Presents (cm) (2010), Bang Balloons (cm) (2009), On Stage (cm) (2007), Ce qui arrive (cm) (2005), Reliefs (cm) (2005), Circus (cm) (2004), Expanded Play Time (cm) (2004), habitA (cm) (2003), Datatown (cm) (2002)

DENTRO INSIDE MEXICO / 2012 / HD / 13’

Mexico

PRODUTTORE / PRODUCER: Emiliano Rocha Minter, Andrés Milán MONTAGGIO / EDITING: Emiliano Rocha Minter FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Yollotl Alvarado SOUND EDITOR: Cristian Manzutto MUSICA / MUSIC: Nico Raibak

U

na foresta inabitata e bellissima è ripresa nei suoi particolari inquietanti, mentre il suo silenzio ospita la costruzione ossessiva di una coppia di amici. Affrontata la raccolta dei materiali, si procede a tentativi ma il loro scopo rimane oscuro fino alla fine. Dentro, supportato da un’eccellente contrappunto sonoro, accompagna lentamente verso la scoperta di un atto di solidarietà umana, disperso in una dimensione senza quando né perché. La camera di Emiliano Rocha Minter gira attorno morbidamente ai due ragazzi, montandola tensione in slow cinema attraverso un’estetica mobile, che promette l’abbandono a una serie di interrogativi. C.V.

A

beautiful uninhabited forest is... while its silence hosts a pair of friends’ obsessive construction. Managing to collect the necessary materials, they begin their work but their aim remains unclear until the end.

Dentro, supported by an excellent contrapuntal score that slowly accompanies the discovery of an act of human solidarity, lost in a dimension without rhyme or reason. Emiliano Rocha Minter’s camera turns softly to to the two friends, building the tension in this slow cinema through a moveable aesthetic that promises abandonment to a series of doubts.

EMILIANO ROCHA MINTER 1990 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Dentro (Inside, cm) (2012), Hay una cocheira adentro de mí (2011), Lejos de mí (2010)

DON’T FEAR DEATH UK / 2013 / HD / 3’

UK

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Dice Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Ian Ravenscroft SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Ian Ravenscroft MONTAGGIO / EDITING: Louis Hudson FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Louis Hudson SOUND EDITOR: Mark Ashworth MUSICA / MUSIC: Rob Connor ANIMAZIONE / ANIMATION: Louis Hudson, Ross Butter, Jo Hepworth, Ian Whittle CAST: Rik Mayall, Marc Silk, Myles McLeod DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Louis Hudson

M

entre sullo schermo scorrono immagini di cadaveri in situazioni di strane quotidianità e la Morte con la falce balla all’impazzata, una voce narrante racconta i vantaggi e i benefici dell’essere morto. Si scopre poco dopo che questa voce è in realtà quella del pilota di un aereo di linea in fiamme che punta verso il suolo. Il pilota si sta rivolgendo ai suoi passeggeri... Il secondo lavoro di Louis Hudson è una commedia nera animata in 2D, una serie di gag ciniche che portano ad un esito che più nero non si può. S.P.

W

hile images of dead bodies in strangely every day situations roll across the screen and Death dances wildly with a scythe, a narrator lists the advantages and benefits of being dead. It becomes clear shortly after that this voice is that of a pilot whose aeroplane is in flames heading towards the ground, and that the pilot is addressing his passengers... Louis Hudson’s second work is an animated black comedy in 2D, a series of cynical gags that lead to the blackest of outcomes.

LOUIS HUDSON 1986 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Don’t Fear Death (cm) (2013), All Consuming Love (Man in a Cat) (2011)

EXLAND FRANCE, ROMANIA / 2013 / HD / 8’

France, Romania

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PRODUTTORE / PRODUCER: Mihai Grecu SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Mihai Grecu, Thibault Gleize MONTAGGIO / EDITING: Mihai Grecu, Thibault Gleize FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Mihai Grecu, Thibault Gleize SOUND EDITOR: Thibault Gleize MUSICA / MUSIC: Thibault Gleize ANIMAZIONE / ANIMATION: Mihai Grecu

I

l tempo e lo spazio non esistono. La montagna è alta e porta i marchi di tentativi artificiali di modifica del suo profilo, fatti da una modernità sola, abbandonata o che forse ha fallito il suo obiettivo di massima adrenalina e del massimo innalzamento. La nebbia delle altitudini ovatta e svela: ma la sospensione, accompagnata da una vibrazione inquieta, non porta che attesa. Il freddo è avvolgente, perché manca il materico, il consistente e quindi il reale: interviene, impetuoso (e tuttavia rassicurante?) uno tsunami di colore, che inonda e abbraccia la scena. Lavoro d’osservazione e animazione 3D per la coppia ormai rodata Grecu & Gleize. C.V.

T

ime and space do not exist. The tall mountains bear the scars of modernity’s artificial attempts to change their profile, now abandoned perhaps thanks to the failure of its objective of maximum adrenaline. The fog reveals, but the suspense, accompanied, by an unnerving hum, doesn’t leave. The cold is fascinating brcause it lacks the material, the solid, and therefore the real: a tsumani intervenes, violently (and therefore reassuringly?) that floods and embraces the landscape. A work of observation and 3D animation for Grecu & Gleize.

MIHAI GRECU 1981, THIBAULT GLEIZE 1978 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Exland (cm) (2013), Glucose (cm) (2012), Orcaille (cm) (2006), Freon (2004)

FATIGUÉS D’ÊTRE BEAUX TIRED OF BEING HANDSOME FRANCE / 2013 / HD / 30’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Caïmans Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Daniel Sauvage SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Anne-Laure Daffis, Léo Marchand MONTAGGIO / EDITING: Liza Ignazi FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Hugues Poulain SOUND EDITOR: François Boudet MUSICA / MUSIC: NLF3 CAST: Denis Lavant, Pablo Nicomedes DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Premium Films

D

ue cowboy solitari in una casetta del deserto, è da qui che parte il western surreale di Anne-Laure Daffis e Léo Marchand. Non ci sono diligenze né saloon, ma solo tanto tempo da perdere in giochi d’abilità che corteggiano l’assurdo. Nei panni dei due eroi, strappati a una vignetta di Lucky Luke, lo spilungone Pablo Nicomedes e il più basso Denis Lavant, attore di culto di un regista come Leos Carax. Per la coppia, il gioco sarà ritrovare una pallottola nel deserto, in un clima drammatico che flirta con Aspettando Godot di Samuel Beckett. Girato con maestria, una prova d’attori che svolta come un guanto un genere classico del cinema, mentre il deserto abbraccia i protagonisti e i loro desideri. A.B.

T

wo lonely cowboys in a small cabin in the desert: it is from here that the surreal western by Anne-Laure Daffis and Léo Marchand starts.

There no are coaches or saloons, but only much time to waste on games of skill that verge on the absurd. In the shoes of the two heroes - taken straight from a Lucky Luke cartoon - are Pablo Nicomedes and cult actor, Denis Lavant. For the pair, the game is to find a bullet in the desert in a dramatic atmosphere that flirts with Samuel Beckett’s Waiting for Godot.

Shot with mastery, the film is a test of actors that fits perfectly a classic genre of cinema, while the desert is an equally perfect fit for the protagonists and their desires.

ANNE-LAURE DAFFIS 1974, LÉO MARCHAND 1973 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: La vie sans truc (cm) (2013), Fatigués d’être beaux (cm) (2013), Les cowboys n’ont pas peur de mourir (short) (2009), La Saint-Festin (cm) (2007), Le train (cm) (2005), Mon voisin Christian déménage (doc) (2002), On a beau être bête, on a faim quand même (cm) (2001), James en l’air (1999), Surtout il pleut (1999)

FLYTOPIA UK / 2012 / HD / 20’

UK

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Film4, Ignition Films Ltd, Stink Ltd PRODUTTORE / PRODUCER: Alison Sterling SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Karni Arieli, Saul Freed MONTAGGIO / EDITING: Nicolas Chaudeurge FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Matyas Erdely SOUND EDITOR: Adrian Rhodes MUSICA / MUSIC: Adrian Utley ANIMAZIONE / ANIMATION: Sulkybunny, Saul Freed CAST: Jonathan- Ashley Artus, Joy-Rebecca Palmer

I

l ronzare ostinato delle mosche accompagna la tipica crisi da pagina bianca di uno scrittore. Non basta la bella casa in campagna, non basta una bella donna al suo fianco: le mosche ronzano. L’unica soluzione, forse, è allearsi con loro, ma le mosche hanno la loro utopia, una “flytopia” lontana dal mondo umano. Il cortometraggio di Karni e Saul, tratto da un racconto dell’abrasivo scrittore inglese Will Self, scommette sull’energia visiva della situazione giocando su diversi toni, dall’ironia degli insetti che comunicano con il protagonista, al macabro finale. Dare corpo a uno stato mentale – il blocco creativo dello scrittore – diventa un viaggio fantastico dal ritmo affascinante. A.B.

T

hat usual writers’ problem of blank page syndrome is accompanied by the stubborn buzzing of fiies. Neither a beautiful house in the country nor a beautiful woman at your side is enough: the flies carry on buzzing.

Perhaps the only solution is to join forces with them, but the flies have their own utopia, a “flytopia” far from the human world. Karni and Saul’s short is based on a story by abrasive English writer Will Self, and it relies on the visual energy of the situation by playing on different tones - from the irony of the insects that communicate with the protagonist to the macabre finale. It gives body to the mental state of writers’ block, and becomes a fantastic journey of fascinating rhythm.

KARNI ARIELI 1974, SAUL FREED 1975 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Flytopia (cm) (2012), Turning (2010)

LA FUGUE THE RUNAWAY FRANCE / 2013 / HD / 22’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Les Films de la Croisade PRODUTTORE / PRODUCER: Valentine de Blignières SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Jean-Bernard Marlin MONTAGGIO / EDITING: Nicolas Desmaison FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Julien Poupard SOUND EDITOR: Claire Cahu CAST: Adel Bencherif, Médina Yalaou

S

abrina è una giovane ragazza marocchina detenuta in un riformatorio. È il giorno in cui il giudice deve pronunciare la sentenza che la riguarda e Lakbar, l’assistente sociale a cui è affidata, la accompagna. La sua riluttanza e il ritardo alla comparizione contribuiscono a deporre a suo sfavore: condannata a qualche anno di carcere, la ragazza si trova a dover riflettere se affrontare le proprie responsabilità o rispondere all’istinto e fuggire, rifiutando però ogni consiglio e prendendosi la libertà di decidere da sola. La camera di Jean- Bernard Marlin segue Lakbar in una passeggiata di ricerca e attesa, sullo sfondo di una Marsiglia diversa, della periferia e del suburbio. C.V.

S

abrina is a young Moroccan girl in a juvenile detention centre. It’s the day of the judge’s sentencing and Lakbar, the social worker assigned to her case, accompanies her. Her reluctance and late appearance do not go in her favour: sentenced to several years in prison, the girl finds herself having to consider whether to face up to her responsibility or follow her escape instinct. She refuses any advice, however, taking the liberty of making her own decision. Jean-Bernard Marlin’s camera follows Lakbar in a journey of searching and waiting on the outskirts and in the suburbs against the backdrop of a very different Marseille.

JEAN-BERNARD MARLIN 1979 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: La fugue (The Runaway, cm) (2013), La peau dure (Thick- skinned) (2007)

GODS, WEEDS AND REVOLUTIONS CANADA / 2012 / HD / 20’

Canada

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PRODUTTORE / PRODUCER: Meryam Joobeur SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Meryam Joobeur MONTAGGIO / EDITING: Dominique Loubier FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Vincent Gonneville SOUND EDITOR: Miles Coe DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Dan Karolewicz

I

l ritorno della regista nel Paese d’origine è occasione per confrontarsi con la sua memoria personale e con il nonno malato di Alzheimer, che i ricordi li ha perduti. Con voci e grida in sottofondo a raccontare le violenze della dittatura. Mescolando dimensione privata e riflessione politica, Meryam Joobeur si interroga sulla distanza che separa le persone che ci sono vicine dall’immagine che di loro ci costruiamo. E fa i conti con il passaggio di una rivoluzione, quella tunisina, che non lascia tracce su chi non ricorda nulla e non assorbe il presente. Il primo documentario della regista canadese appena ventenne ondeggia tra quel senso di appartenenza e distanza che accompagnano ogni ritorno a casa. L.C.

T

he director’s return to her homeland is an opportunity to come faceto-face with her own memories and also her grandfather, who suffers from Alzheimer’s. This is set against a backdrop of voices and shouting that tell of the violence of a dictatorship. Mixing her personal dimension with political reflections, Joobeur questions the distance that separates the people who are close to us from the ideas that we construct of them.

And shecomes to terms with the passing of the Tunisian revolution – one that leaves no trace on those who remember nothing and have no grasp of the present. The first documentary by the director swings between a sense of belonging and a sense of distance that accompany each return home.

MERYAM JOOBEUR 1991 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Gods, Weeds and Revolutions (cm) (2012), Ophelia (cm) (2009), Océane (cm) (2008)

LE GRAND VOYAGE D’ELASTIKA A GIRL NAMED ELASTIKA CANADA / 2012 / HD / 4’

Canada

PRODUTTORE / PRODUCER: Guillaume Blanchet SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Guillaume Blanchet MONTAGGIO / EDITING: Minh Tran, Guillaume Blanchet FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Guillaume Blanchet SOUND EDITOR: François Bélanger, Pierre-Hugues Rondot MUSICA / MUSIC: Bamprod ANIMAZIONE / ANIMATION: Guillaume Blanchet CAST: Léa Rondot, Mike Paterson DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Alexandre Dostie

L

e avventure incredibili di Elastika, una ragazza “diversa” da tutte le altre. Annunciato come il teaser di un b-movie anni Sessanta, corredato da provini e ciak sbagliati sul finale, A Girl Named Elastika è un fulminante gioiellino tecnico “da ufficio”: a dare vita alla protagonista sono centinaia di elastici e puntine, con una manciata di graffette, disposti su carta, cartoncino e una classica bacheca di sughero, animati in stop motion con oltre diecimila inquadrature. Leggero, fanfarone e chiassoso, risponde perfettamente al credo del suo autore, Guillaume Blanchet, che dichiara: “Mi piacciono le idee semplici, mi piace che il lavoro duro faccia apparire le cose quasi facili”. V.R.

T

he incredible adventures of Elastika, a girl “different” from all the others. Like a trailer for a 1960s B-movie, complete with screen tests and clapperboards in the outtakes, A Girl Named Elastika is a striking technical gem: hundreds of elastic bands and drawing pins give life to the protagonist, with a handful of paperclips arranged on paper, cardboard and a classic cork noticeboard animated in stop motion with over ten thousand frames. Lightweight, boastful and boisterous, it is the perfect response to the beliefs of the author, Guillame Blanchet, who says: “I like simple ideas, I like that hard work makes things almost seem easy.”

GUILLAUME BLANCHET 1977 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Le grand voyage d’Elastika (A Girl Named Elastika, cm) (2012), The Man Who Lived on His Bike (cm) (2012), DJ Stern (2010), Snowmotion (cm) (2010), LaÏka (cm) (2009)

HOME NEW ZEALAND / 2012 / HD / 11’

New Zeland

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PRODUTTORE / PRODUCER: Thomas Gleeson, Pip Walls MONTAGGIO / EDITING: Thomas Gleeson FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Max Bellamy SOUND EDITOR: James Hayday MUSICA / MUSIC: Jack Northover

U

na casa molto speciale deve affrontare il “viaggio di una vita” sullo sfondo di un paesaggio arduo e spettacolare.Lontano dall’idea europea di casa come edificio di cemento, fisso e irremovibile, le case mobili prefabbricate hanno cambiato da anni il paesaggio di luoghi lontani. Rinunciando completamente alla figura umana, Home documenta il viaggio-avventura di una mobile home lungo le strade alla fine del mondo della Nuova Zelanda. Il caso più unico che raro di una sorta di documentario di ingegneria che si trasforma in una riflessione sulla differenza tra “casa come struttura” (house) e “casa come luogo simbolico” (home). Una meraviglia per gli occhi e per il cuore. V.R

A

very special home has to face the “trip of a lifetime” against a spectacular and difficult backdrop. Far from the European idea of a fixed bricks and mortar home, for years prefabricated mobile homes have changed the landscape of far away places. Leaving completely human figures, Home documents the adventure-journey of a mobile home along the streets of deepest New Zealand. It’s a kind of ingenious documentary that transforms itself into a reflection of the differences between a house as a structure and a house as a symbolic place, a home. A feast for the eyes and the heart.

THOMAS GLEESON 1984 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Home (cm) (2012)

THE HOPPER DENMARK, GERMANY / 2012 / HD / 19’

Denmark

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Porkfish PRODUTTORE / PRODUCER: Alex Brüel Flagstad SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Alex Brüel Flagstad MONTAGGIO / EDITING: Alex Brüel Flagstad FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Alex Brüel Flagstad SOUND EDITOR: Elton Theander MUSICA / MUSIC: Ole Wagner, Elton Theander ANIMAZIONE / ANIMATION: Alex Brüel Flagstad, Nina Hirschberg, Anna Luisa Schmid CAST: Warren Reid, Lani Minelli, P. A. Sugano, Kenneth O’Brien, Turner Battle DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Aug&ohr Medien

P

eriferia di Baltimora. Gli adolescenti Dexter e Kevin tentano un piccolo colpo contro gli spacciatori della zona. Senza esserne consapevoli, scatenano un’irreversibile spirale di violenza. Si può raccontare una storia di strada “black” con i pupazzi di plastilina? Secondo Alex Brüel Flagstad aka Porkfish, danese con alle spalle un’esperienza vasta tra video musicali e tv, si può e con molta credibilità. In The Hopper applica le atmosfere del tardo Spike Lee e di Ghost Dog di Jim Jarmusch alle storie di ASAP Rocky e Kendrick Lamar. Niente carinerie da clay motion classica: qui ci sono pistole, soldi, sangue e crack. E soprattutto, c’è il dolore della scoperta di quanto assurda sia la violenza. V.R.

O

n the outskirts of Baltimore, Dexter and Kevin, try to stage a small blow against the drug dealers in the area. Without being aware of it, they trigger an irreversible spiral of violence. Can a black story be told with plasticine puppets? According to Alex Brüel Flagstad – otherwise known as Porkfish – who has vast experience in television videos and music, it can, and very credibly. In The Hopper, he applies the atmosphere of the late Spike Lee and Jim Jarmusch’s Ghost Dog to the stories of ASAP Rocky and Kendrick Lamar. There are none of the usual niceties of classic clay motion: here it’s all guns, money, blood and crack. And, above all, there’s the pain of the discovery of the absurdity of violence.

ALEX BRÜEL FLAGSTAD 1980 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: The Hopper (cm) (2012), The End (2004), The Chef (2003), Terror (2001), Matrikel (2000)

I AM ALONE AND MY HEAD IS ON FIRE USA / 2013 / Ipad / 1’

Ireland

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PRODUZIONE / PRODUCTION: David OReilly Animation PRODUTTORE / PRODUCER: David OReilly SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: David OReilly MONTAGGIO / EDITING: David OReilly FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: David OReilly SOUND EDITOR: David OReilly MUSICA / MUSIC: David OReilly ANIMAZIONE / ANIMATION: David OReilly CAST: David OReilly DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: David OReilly

I

l genietto ribelle dell’animazione contemporanea David OReilly (The External World, Please Say Something) incontra simbolicamente Norman McLaren per un progetto pionieristico. Si tratta di un corto di pochi secondi realizzato con McLaren’s Workshop, app gratuita promossa dal National Film Board of Canada che permette di girare rapidamente un corto usando le rivoluzionarie tecniche sperimentate dal padre dell’animazione mondiale, premio Oscar nel 1952. Un esperimento più che un’opera completa, che segna la direzione di un possibile futuro possibile della graphic animation. Scovare la ragione per cui la testa sia on fire è un onore che spetta allo spettatore. Se fa in tempo ad accorgersene… V.R.

T

he rebellious genius of contemporary animation, David OReilly, (The External World, Please Say Something) symbolically meets Norman McLaren in this pioneering project. It is a short of a few seconds made with McLaren’s Workshop, a free app sponsored by the National Film Board of Canada that allows one to quickly shoot a short using revolutionary techniques pioneered by the Oscar-winning (1952) father of the animation world. It is an experiment rather than a complete work that highlights the possible future of the direction of graphic animation. Discovering the reason why the head is on fire is an honour that awaits the viewer... if they notice in time.

DAVID OREILLY 1985 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: I Am Alone and My Head is On Fire (cm) (2013), The External World (cm) (2011), Please Say Something (cm) (2009), RGBXYZ (cm) (2008), Ident (cm) (2005)

IN THE AIR IS CHRISTOPHER GRAY UK / 2013 / HD / 10’

UK

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Nexus PRODUTTORE / PRODUCER: Christopher O’Reilly SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Felix Massie MONTAGGIO / EDITING: Felix Massie SOUND EDITOR: Fonic MUSICA / MUSIC: Marty O’Brien, Joe Paine ANIMAZIONE / ANIMATION: Felix Massie CAST: Andy London, Peter Ahern, Justin Cassano, Carolyn London, Ian Miller, Erica Perez DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Felix Massie

C

he cosa accomuna l’innamorato e timido Christopher Gray, la giovane Stacey e la sua cordiale mamma, Barry Flint e il pitone che ha comprato per il suo figlioletto? Talento unico dell’animazione britannica, Felix Massie ambienta la sua storia di tenerezza e insicurezza in una straniante provincia americana, dove il sentimento va a braccetto con la cattiveria svelando risvolti imprevedibili. La tecnica è molto personale: una computer graphics astratta, dove emotività e paure dei personaggi emergono grazie al colore o al timbro della voce, più che dalle espressioni assenti o dal tratto elementare. Il risultato è una sintesi delicata tra amore, impotenza, sarcasmo e coraggio. V.R.

W

hat do the love-struck and shy Christopher Gray, the young Stacey and her friendly mum, Barry Flint and the python that he bought for his son have in common? Unique British animation talent Felix Massie, who has featured in the Milan Film Festival competition in previous years, sets his story of tenderness and insecurity in an alienating American suburb where emotions go hand in hand with evil, revealing unexpected consequences. The techniques are very personal: abstract computer graphics, where the characters’ sensitivities and fears emerge thanks to colour or tone of voice, rather than the blank expressions and basic features. The result is a delicate mixture of love, helplessness, sarcasm.

FELIX MASSIE 1985 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: In the Air is Christopher Gray (cm) (2013), The Surprise Demise of Francis Cooper’s Mother (cm) (2008), Keith Reynolds Can’t Make It Tonight (cm) (2007)

LÀ OÙ JE SUIS WHERE I AM CANADA / 2012 / HD / 25’

Canada

PRODUZIONE / PRODUCTION: Voyous Films PRODUTTORE / PRODUCER: Gabrielle Tougas-Fréchette, Ménaic Raoul SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Myriam Magassouba MONTAGGIO / EDITING: Isabelle Malenfant, Sarah Fortin, Myriam Magassouba FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Geneviève Perron SOUND EDITOR: Martyne Morin, Marie-Pierre Grenier MUSICA / MUSIC: Daniel Campbell CAST: Virginie Léger, Marie Brassard DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Alexandre Dostie (Travelling)

M

imi e Sophie sono grandi amiche. Una notte, nel cuore dell’inverno in Québec, Sophie rimane uccisa in un incidente stradale. Mimi dovrà affrontare al suo risveglio la tragica notizia e cominciare da quel momento un percorso di separazione che avrà tutte le caratteristiche della fine dell’infanzia. Magistrale la sequenza finale, dove la danza diventa protagonista assoluta e occasione di rivivere per un momento la loro amicizia.

Racconto sensibile sull’elaborazione di un lutto, il secondo cortometraggio di Myriam Magassouba costruisce attraverso una sceneggiatura attenta e mai banale una mirabile narrazione che ha il suo compimento nella toccante scena finale. A.A.

M

imi and Sophie are best friends. One night, in the middle of winter in Québec, Sophie is killed in a road accident. Mimi will have to face the tragic news when she wakes up and will from that moment start on a path of separation that has all the characteristics of the end of childhood. The final sequence is majestic, where dance becomes the protagonist and a chance to relive their friendship for a moment. It is a sensitive story on the processing of bereavement and in her second short film, Myriam Magassouba constructs an admiral narrative - through a script that is careful and never banal - that reaches completion in its touching final scene.

MYRIAM MAGASSOUBA 1979 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Là où je suis (Where I Am, cm) (2012), J’attendais (cm) (2004)

LA LAMPE AU BEURRE DE YAK BUTTER LAMP FRANCE, CHINA / 2013 / HD / 17’

China

PRODUZIONE / PRODUCTION: Ama Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Julien Féret SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Hu Wei MONTAGGIO / EDITING: Hu Wei FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Jean Legrand, Stephane Degnieau SOUND EDITOR: Hu Wei CAST: Genden Punstok DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Ama Productions

U

n giovane fotografo e il suo assistente ritraggono, mettendole “in scena”, alcune famiglie di nomadi tibetani. Tutto si svolge, con camera fissa, davanti a un sistema di sfondi modificabile, dalla Città proibita con la gigantografia di Mao, al palazzo del Potala di Lhasa, a una spiaggia con palma. Quando l’ultimo fondale si alza, la camera cambia messa a fuoco per la prima volta e svela quello che la globalizzazione e il governo centrale di Pechino stanno portando anche a quelle altitudini. Sebbene Hu Wei non espliciti il contenuto politico, il suo film mostra tutte le contraddizioni del cambiamento e dell’occupazione cinese in Tibet, oltre ad essere una riflessione magnetica su realtà e rappresentazione. A.U.

A

young photographer and his assistant portray nomadic Tibetan families, “putting them on stage”. All the action takes place in front of a fixed camera with a system of changeable backgrounds - from the Forbidden City with the giant picture of Mao to the Potala Palace in Lhasa to a generic beach scene. When the last backdrop is pulled up, the camera changes focus for the first time and reveals what globalisation and the central government in Beijing are bringing, reaching even the nomadic families. Although Hu Wei doesn’t make the political content explicit, his film shows all the contradictions of change and of the Chinese occupation of Tibet, as well as being a reflection on reality and representation.

HU WEI 1983 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: La lampe au beurre de yak (Butter Lamp, cm) (2013), Le propriétaire (cm) (2012), Sans toi (cm, doc) (2009)

LES LÉZARDS THE LIZARDS FRANCE / 2012 / HD / 14’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Kazak Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Amaury Ovise SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Vincent Mariette MONTAGGIO / EDITING: Frédéric Baillehaiche FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Julien Poupard SOUND EDITOR: Emmanuel Bonnat MUSICA / MUSIC: Zeeg2 CAST: Vincent Macaigne, Benoît Forgeart

D

ue corpi nudi, con un asciugamano attorno alla vita, diversissimi l’uno dell’altro. Un uomo imberbe e mingherlino e un altro peloso e un po’ più massiccio. Due amici insieme in un hammam con la speranza, per l’uno, e la curiosità, per l’altro, di vedere una donna incontrata su internet e alla quale uno dei due ha dato appuntamento. Un appuntamento al buio in un bagno turco aiuta a rivelare subito quello che si maschera sotto i vestiti. Al suo quarto lavoro, il regista Vincent Mariette, sceglie il bianco e nero per addolcire i corpi che il colore avrebbe reso più osceni. E l’hammam diventa un vivarium che ospita degli animali dal sangue caldo, gli uomini. S.P.

T

wo naked bodies with towels around their waists, very different from each other. One man clean shaven and skinny, and another beardy and a bit more hefty. Two friends together in a hammam - one with hope and the other curiosity to see a woman from the internet and with whom one of the two has made an appointment. A blind date in a turkish bath helps to reveal immediately what one hides under their clothes. For his fourth release, director Vincent Mariette chooses black and white to soften the bodies that colour would make obscene. And the hammam becomes a vivarium that hosts warm-blooded animals - men.

VINCENT MARIETTE 1980 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Les Lézards (The Lizards) (cm) (2012), Double Mixte (cm) (2011), Le meilleur ami de l’homme (cm) (2010)

MALÁRIA MALARIA BRAZIL / 2013 / HD / 6’

Brazil

PRODUZIONE / PRODUCTION: Independent PRODUTTORE / PRODUCER: Edson Oda, Sergio Prado, Alexandre Tommasi SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Edson Oda MONTAGGIO / EDITING: David Donato FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sergio Prado SOUND EDITOR: Zeeg2 MUSICA / MUSIC: Zeeg2 ANIMAZIONE / ANIMATION: Edson Oda, João Pinheiro, David Donato CAST: Antonio Moreno, Flávio Araújo

I

l giovane mercenario Fabiano è incaricato di far fuori la Morte ma questo pericoloso killer, come sempre, ha un asso nella manica. Realizzato in sei mesi dal brasiliano Edson Oda a budget quasi zero, è un prodigio tecnico impossibile da classificare. Combina fumetto, live action, origami, kirigami, editoria pop-up, illustrazione a china, ripresa time-lapse, giochi di montaggio e altre meraviglie per realizzare, in soli cinque minuti un omaggio alla mitologia immortale del western e al fascino senza tempo del linguaggio comic. Una conferma, in un epoca di mirabilie digitali, del potere supremo dell’handmade, tra carta, forbici, pennelli e un coltello mai così protagonista. V.R.

Y

oung mercenary Fabiano is charged with taking out Death. But this dangerous killer, as always, has an ace up his sleeve. Made in six months by the Brazilian Edson Oda, on a budget of almost nothing, it is a technical marvel that is impossible to categorise. It combines comic strips, live action, origami, kirigami, pop-up publishing, time-lapse techniques, editing games and other marvels to create in only five minutes a homage to the immortal mythology of westerns and the timeless charm of the world of comic books. It is a reminder in the age of digital wonders of the supreme power of the handmade, with paper, scissors, paintbrushes and a knife centre-stage.

EDSON ODA 1982 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: I’m Not Hitler (cm) (2013), Malária (Malaria, cm) (2013), The Writer (cm) (2012), Tempos de Maracujá (cm) (2012), Laugh and Die (cm) (2010)

THE MASS OF MEN UK / 2012 / S16mm / 17’

France

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PRODUZIONE / PRODUCTION: National Film and Television School PRODUTTORE / PRODUCER: Emily Morgan SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Gabriel Gauchet, Rungano Nyoni MONTAGGIO / EDITING: Alice Petit FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Nick Cooke SOUND EDITOR: Ania Przygoda MUSICA / MUSIC: Matt Kelly CAST: Peter Faulkner, Jane McDowell DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: National Film and Television School

R

ichard, un disoccupato di cinquantacinque anni, arriva con qualche minuto di ritardo a un appuntamento all’ufficio di collocamento. L’impiegata è inflessibile e gli assegna una penalizzazione per le settimane successive. Richard è totalmente impotente, ma l’inaspettato capovolgimento dei fatti lo porterà a compiere un gesto dettato dalla disperazione.

In un mondo esasperato, dove i rapporti umani seguono solo la regola homo homini lupus, l’unica cosa che conta è la propria salvezza, anche a costo di perdere le ultime briciole di umanità. Ispirato ai fatti legati ai London Riots del 2011, il film di Gabriel Gauchet, girato in modo impeccabile, ha vinto già numerosi premi internazionali. E.F.

R

ichard, an unemployed fifty-five year old, arrives several minutes late for an appointment at the job office. The clerk is inflexible, the rules are clear, and so Richard is penalised for the next few weeks. Richard is totally helpless, but this unexpected reversal of the facts leads him to do something forced by despair. In an exasperated world, where dog eat dog is the only rule of human relationships, the only thing that counts is saving yourself even if it means losing the last crumb of humanity. Inspired by the riots in London two summers ago, Gabriel Gauchet’s film, shot impeccably, has already won numerous international awards.

GABRIEL GAUCHET 1978 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Diary of Incidences (cm) (2013), The mass of Men (cm) (2012), Mwansa the Great (cm) (2011), Efecto Dominó (cm) (2010), Die Kneipe (cm) (2006), When Football is Painting... (cm, doc) (2005)

MOBILE HOMES  USA, FRANCE / 2013 / S16mm / 13’

France

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Gelsomina Films, MACT productions, Night ED Films PRODUTTORE / PRODUCER: Tati Barrantes, Colin Whitlow SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Vladimir de Fontenay MONTAGGIO / EDITING: Vladimir de Fontenay FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Pepe Avila del Pino SOUND EDITOR: Scott Hirsch MUSICA / MUSIC: Victoria de la Vega CAST: Alison Folland, David Call, Ash Devens, Nina Ljeti DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Origine Films

A

li è una schiava contemporanea, costretta a prostituirsi e segregata in una squallida casa alla fine del mondo. Nei pochi squarci di solitudine che ha a disposizione, escogita un piano per fuggire e salvare il figlioletto.

Tra i talenti emersi al sempre più importante SXSW, Vladimir de Fontenay si distingue per la notevole capacità narrativa: per raccontare una prigionia moderna, senza vie di fuga, taglia tutto il superfluo nella sceneggiatura. La regia è claustrofobica, convulsa e folgorante, come se insieme alla protagonista anche lo spettatore cercasse un impossibile spiraglio. Il catartico finale ha il coraggio di offrire una speranza a una storia disperata, molto più attuale di quanto si possa credere. V.R.

A

li is a modern-day slave, forced to prostitute herself and hidden away in a squalid house in the back of beyond. In her few moments of solitude, she devises a plan to escape and save her son. Among the talent that has emerged from the SXSW, de Fontenay stands out for his narrative style: in telling the story of a modern prison without a way out, he cuts all superfluous material from the script. The result is a film that feels claustrophobic, jerking and striking, as if the viewer, too, along with the protagonist, is trying to find an impossible glimmer of light. The film’s cathartic ending has the courage to offer hope in a desperate story that is much more relevant to today than you might believe.

VLADIMIR DE FONTENAY 1987 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Mobile Homes (cm) (2013), New Skin (cm) (2011), La balle au prisonnier (cm) (2010), Forget Me Not (cm) (2010), The Doormen (cm, doc) (2008)

NO TIENE GRACIA NOT FUNNY SPAIN / 2013 / HD / 15’

Spain

PRODUZIONE / PRODUCTION: Labalanza Producciones PRODUTTORE / PRODUCER: Julio Vergne, Carlos Violadé SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Carlos Violadé MONTAGGIO / EDITING: Mer Cantero FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Alex Catalán SOUND EDITOR: Carlos Pérez, Jorge Marín CAST: Mercedes Bernal, Andrés Berlanga DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Freak Independent Film Agency

M

anolo e Maria sono innamorati e felici. A Manolo piace fare scherzi, per fortuna Maria sa stare al gioco e si diverte. Una sera però lo scherzo prende una brutta piega e diventa pericoloso; Manolo si trova a dover gestire le conseguenze di una situazione inaspettata e forse più grande di lui. Cosa penserà la fidanzata della sua decisione? Una riflessione sui rapporti di coppia, e sulle possibilità che abbiamo di conoscere realmente un’altra persona, in un film dai toni leggeri che si inserisce nel solco della tradizione della commedia nera spagnola. E.F.

M

anolo and Maria are in love and happy. Manolo likes to play jokes, and luckily Maria knows how to play, too, and enjoys herself. One evening, however, the joke takes a nasty turn and becomes dangerous, and Manolo finds himself having to deal with the consequences of a situation that is unexpected and perhaps greater than he is. What will his girlfriend think of his decision? A reflection on couples’ relationships and the possibility that we have of reallly knowing the other person, in a film with a light tone that ffits into the tradition of a black Spanish comedy.

CARLOS VIOLADÉ 1977 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: No tiene gracia (Not Funny, cm) (2013), Tres (cm) (2011), Todos los dìas amanece (Everyday Sunrise, cm) (2007), Instrucciones para la vida (Instructions for Life, cm) (2003), Dentro (Inside, cm) (1999)

NOELIA ARGENTINA / 2012 / HD / 15’

Argentina

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Sr. Burdick Argentina PRODUTTORE / PRODUCER: María Alché SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: María Alché MONTAGGIO / EDITING: Alvar Martin FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Cecilia Bruck SOUND EDITOR: Guido Beremblum, Manuel de Andrés MUSICA / MUSIC: Laila Maltz, Leonardo Favio CAST: Laila Maltz, Denise Groesman, Mariel Fernandez, Gaby Ferrero, Oscar Ferrero, Claudia Cantero, Margarita Villalba, Maitina Di Marco.

DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Figa Films

N

oelia è sola e il caldo dell’estate cittadina annoia e stanca. Con la videocamera alla mano, Noelia vaga incontrando diverse donne e presentandoci in diretta il suo strano gioco: la pretesa di rapporto filiale con ognuna di esse. La regista María Alché sperimenta il linguaggio metacinematografico, confondendo la realtà e la finzione attraverso un viaggio di soggettive e auto- inquadrature. La ricerca del materno di Noelia termina col ritorno dalla donna che finge di essere sua madre, secondo la vecchia proporzione dell’insoddisfazione del vicino e del desiderio del lontano, così forte e impossibile da diventare oggetto di un gioco di finzione. C.V.

N

oelia is alone and the heat of summer in the town is boring and tiring. With video camera in hand, Noelia wanders around meeting various women and presents to us her strange game: pretending to have a mother-daughter relationship with each of them. The director, María Alché, experiments with the metalanguage of filmmaking, mixing reality and fiction through a journey of subjective and self-shots. Noelia’s maternal search ends with the return from the woman who pretends to be her mother, in that age-old way of the grass always being greener on the other side, so strong and impossible.

MARÍA ALCHÉ 1983 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Noelia (cm) (2012), La Mujer del Cine (cm) (2008), ¿Quién se metió con Mayra? (cm) (2007)

NYUSZI ÉS ÖZ RABBIT AND DEER HUNGARY / 2013 / HD / 16’

Hungary

PRODUZIONE / PRODUCTION: Moholy-Nagy University of Arts and Design PRODUTTORE / PRODUCER: József Fülöp SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Péter Vácz MONTAGGIO / EDITING: Judit Czakó FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Gábor Garai SOUND EDITOR: Máté Hámori MUSICA / MUSIC: Máté Hámori ANIMAZIONE / ANIMATION: Attila Bertóti, Péter Vácz

L

’idillio bidimensionale in cui vivono sereni il cervo e il coniglio viene messo a dura prova dall’irruzione della terza dimensione. Ispirato dall’estetica di Henry Selick, ma anche dalla capacità narrativa dei corti Pixar, il venticinquenne Péter Vácz sfiora il capolavoro e non solo tecnico.

Prende un’idea altamente problematica – la trasformazione irreversibile del linguaggio animato con l’ingresso del 3D – e lo traspone in una storia semplice, ironica, commovente e alla portata di tutti. Il tono quasi infantile non inganni: il messaggio, non consolatorio, è che dalle rivoluzioni non si torna indietro; ideare nuove forme di coesistenza è la sfida del domani, per grandi e piccoli. V.R.

T

he two-dimensional idyll in which a deer and a rabbit live is put to the test by the eruption of the third dimension. Inspired not only by the aesthetics of Henry Selick, but also by the narrative style of Pixar’s short films, Péter Vacz creates an almost flawless masterpiece. He takes a highly problematic idea - the irreversible transformation of animation with the arrival of 3D - and he transposes it into a simple story that’s ironic, moving and accessible to all. The almost childlike tone isn’t deceiving: the message is not a comforting one, but instead emphasises that there is no going back from revolutionary ideas. Instead, the challenge, for adults and children alike, is to find new ways of coexistence.

PÉTER VÁCZ 1988 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Nyuszi és Őz (Rabbit and Deer, cm) (2013), Streamschool (2010)

OLKILUOTO-ILMIÖ OLKILUOTO SYNDROME FINLAND / 2013 / HD / 13’

Finland

PRODUZIONE / PRODUCTION: Helsinki Metropolia University of Applied Sciences PRODUTTORE / PRODUCER: Inkeri Jylhä SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Janne Häkkinen, Noora Kuparinen MONTAGGIO / EDITING: Noora Kuparinen FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Joel Tainio SOUND EDITOR: Joona Jaakkola MUSICA / MUSIC: Joona Jaakkola ANIMAZIONE / ANIMATION: Joel Tainio CAST: Janne Häkkinen, Joel Tainio, Joona Jaakkola DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Helsinki Metropolia University of Applied Sciences

U

n viaggio di 400 chilometri per raccontare la nostalgia di casa dei lavoratori immigrati presso la centrale nucleare di Olkiluoto, Finlandia.

La strada percorsa da un filmmaker e la sua crew è tanta, ma quella che ancora hanno di fronte sembra non essere tra le più facili. Tra telefonate senza risposta e feste a base di improbabili liquori polacchi, il percorso prende una piega diversa. Il primo documentario di Janne Häkkinen, prodotto durante gli studi alla Metropolia UAS, è la testimonianza autoironica del fallimento di un’idea o il trionfo della deviazione su ogni schema prestabilito? La Sindrome di Olkiluoto è la celebrazione dell’imprevisto?

Forse, più semplicemente, è il cinema, bellezza. L.C.

A

journey of 250 miles to tell the story of homesick migrant workers at a nuclear power plant in Olkiluoto, Finland. The road travelled by a filmmaker and his crew may be long, but that which remains in front of them doesn’t seem to be the easiest. Between unanswered telephone calls and parties centred around improbable Polish liquors, the path takes a different turn. Is this first documentary by Janne Häkkinen - produced during his studies at Helsinki Metropolia University of Applied Sciences, -the self-deprecating testimony of the failure of an idea, or the triumph of a departure from every pre-defined one? Is Olkiluoto Sindrome the celebration of the unexpected? Perhaps, more simply, it’s film, beauty.

JANNE HÄKKINEN 1986 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Olkiluoto-ilmiö (Olkiluoto Syndrome, cm) (doc) (2013), Auntie Mary – Tenterhooks (2012), Sisäpiiri (Inner Circle, cm) (2010)

ORDE VAN DIENST ORDER OF SERVICE THE NETHERLANDS / 2012 / HD / 7’

Netherlands

PRODUZIONE / PRODUCTION: Henk Otte PRODUTTORE / PRODUCER: Henk Otte SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Henk Otte MONTAGGIO / EDITING: Henk Otte FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Henk Otte DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Eye Film Institute Netherlands

O

gni domenica il pastore raggiunge la sua posizione e inizia la funzione. Una videocamera fissa sistematicamente lo riprende, facendo gli stessi movimenti ottici nei medesimi momenti. L’autore Henk Otte, documentary-image maker, ha utilizzato i video riproducendoli sullo schermo diviso in nove parti, realizzando un esperimento visuale parte di un progetto artistico che ha come oggetto la chiesa cattolica protestante olandese. Attraverso la dis-sincronia dell’audio e delle immagini dei nove schermi, che proseguono sfalsati tra loro, si realizza la percezione istintiva e infantile ritualistica della funzione religiosa, in cui l’insieme sovrasta il particolare, rendendolo indistinguibile. C.V.

E

very Sunday, the pastor takes his position and starts the service. A fixed videocamera takes footage of him doing the same eye movements in the same moments. The author, Henk Otte, documentary-image maker, has used the video and reproduced it on a screen split into nine parts, creating a visual experiments that’s part of an art project around the Dutch Protestant Church. Through the unsynchronised and staggered audio and visuals on nine screens, one realises the instinctive perception and childlike ritualism of a religious service, where unity dominates individual elements, making them indistinguishable.

HENK OTTE 1985 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Orde van Dienst (Order of Service, cm) (2012)

OSLO CUBA / 2012 / HD / 13’

Cuba

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PRODUZIONE / PRODUCTION: EICTV PRODUTTORE / PRODUCER: Saana Räntilä SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Lony Welter MONTAGGIO / EDITING: Alonso Víquez FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Marcos Attila SOUND EDITOR: Denis Colina MUSICA / MUSIC: Denis Colina CAST: Carlos Pérez Peña, Nilda Collado DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: EICTV

A

manda e Raúl sono due anziani coniugi che vivono in una baracca nella campagna cubana. Lei tutti i giorni infila colbacco e cappotto perché il suo sogno è partire verso il Nord, verso i paesi innevati che si figura solo attraverso vecchi souvenirs, guardati attraverso le lenti dei suoi occhiali rotti, sotto la sferza del ventilatore. Lui la trattiene, regolarmente, perché lei dimentica presto l’urgenza e la destinazione del viaggio, per ritrovarla, inestinta, il giorno dopo. Raúl come soluzione escogiterà un modo per portarle l’inverno in casa. Luis Ernesto Doñas tratteggia un disperato amore senile, racconta l’Alzheimer senza esplicitarlo, in un piccolo mélo che è forse anche un’allegoria politica. A.U.

A

manda and Raúl are an elderly couple who live in a an isolated shack in the Cuban countryside. She spends her days making a fur hat and winter coat because her dream is to leave for the north, towards the snowy countries that she imagines only through old souvenirs, looked at through the thick lenses of her broken glasses under the whir of the ceiling fan. He delays her regularly because she soon forgets the urgency of her idea and is easily settled. Instead, Raúl devises a plan to bring the winter to her at home. Luis Ernesto Doñas sketches a helpless, senile love, and tells of Alzheimer’s without making it explicit, in a little melodrama that is perhaps also a political allegory.

LUIS ERNESTO DOÑAS 1984 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Oslo (cm) (2012), El contrapunteo cubano del querer y el poder (cm) (doc) (2011), Cassette # 1 (cm) (2011), Romper el hielo: teatro noruego a la habanera (doc) (2011), El despertar de un sueño (doc) (2010)

PASTILA FERICIRII THE PILL OF HAPPINESS ROMANIA / 2013 / 35mm / 12’

Romania

PRODUZIONE / PRODUCTION: National University of Theatre and Film “I.L.Caragiale” PRODUTTORE / PRODUCER: Sorin Botoseneanu SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Cecilia Felmeri, Ruxandra Ioanid MONTAGGIO / EDITING: Eugen Kelemen FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Vlad Lomnasan SOUND EDITOR: Alex Dumitru ANIMAZIONE / ANIMATION: Zsombor Csont CAST: Adina Cristescu, Tania Popa, Dana Voicu, Virgil Aioanei, Adrian Titieni, Oana Ioachim

L

a pillola della felicità è uno show televisivo morboso e crudele, dove i partecipanti rimettono in scena soprusi subiti per vendicarsi, idealmente, sugli attori. Ma oltre lo schermo, chi è che è veramente felice? I talenti della cinematografia romena, la più importante e celebrata della decade, cercano nuove forme per distaccarsi da un modello che è ormai scuola.

L’opera di Cecili Falmeri ne è un esempio perfetto: cala il brutale realismo tipico di Cristian Mungiu e Cristi Puiu in una commedia al vetriolo che punta il dito contro la real tv, tra i simboli più perversi di un benessere economico fittizio e precario. Si ride amaramente, con un occhio – impossibile da chiudere – sulla tele-apatia nostrana. V.R.

T

he pill of happiness is a morbid and cruel television show, where the participants re-enact abuse they have suffered on the perpetrators to get evenge. But beyond the screen, who is truly happy? Romanian cinematography - the most important and celebrated of the decade - is finding ways to break away from the old model. Cecili Falmeri is a perfect example: he dilutes the brutal realism typical of Cristian Mungiu and Cristi Puiu into a vitriolic comedy that points the finger at, among other things, reality television, as one of the most perverse symbols of fictitious and precarious economic and societal well- being. There are bitter laughs with one eye - that is impossible to close - on our tele-apathy.

CECILIA FELMERI 1978 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Matthias Matthias (cm, doc) (2013), Pastila fericirii (The Pill of Happiness, cm) (2012), Infinite Minutes (cm) (2011), Kakukk (Cuckoo, cm) (2008), For the Same Lucia (cm) (2006), One Minute Stories (cm) (2006), Uciderea mieilor (Death of the Lambs, cm) (2005), Kolozsvar pocsopolis (cm) (2005)

PEQUEÑO BLOQUE DE CEMENTO CON PELO ALBOROTADO CONTENIENDO EL MAR LITTLE BLOCK OF CEMENT WITH DISHEVELED HAIR CONTAINING THE SEA SPAIN / 2013 / HD / 16’

Spain

PRODUZIONE / PRODUCTION: SPAIN PRODUTTORE / PRODUCER: Jorge Lopez Navarrete PRODUTTORE ESECUTIVO / EXECUTIVE PRODUCER: Cristina Martinez SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Jorge Lopez Navarrete MONTAGGIO / EDITING: Jorge Lopez Navarrete FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Carlos Mora SOUND EDITOR: Cristina Arias MUSICA / MUSIC: Carlo Marchionni CAST: Kinara, Tomi DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Jorge Lopez Navarrete

N

ell’area del Riobamba, sulle Ande ecuadoregne, un selvaggio imprigionato ritrova la libertà grazie alla guida di un fedele “pastore”. Il film di Jorge López Navarrete sfugge a qualsiasi categoria narrativa. Girato a budget zero, trasforma un cane e un cavallo brado nei protagonisti di una storia epica di libertà. Attingendo al western e al film d’avventura, ne radicalizza le caratteristiche: gli uomini scompaiono, gli animali non addomesticati diventano “attori” grazie al potere immortale del montaggio cinematografico. Il risultato è enigmatico e fortemente poetico, con quel colpo di scena finale che farà sobbalzare il cuore anche del più convinto antianimalista. V.R.

I

n Riobamba, in the Ecuadorian Andes, an imprisoned savage finds freedom thanks to the guidance of a true “shephard”. Jorge López Navarrete’s work defies narrative category. Shot with a budget of zero, it transforms a dog and a wild horse into the protagonists of an epic story of freedom. Drawing on western and adventure films, it intensifies their feature: men vanish and wild animals become actors thanks to the immortal power of cinematographic editing. The result is enigmatic and strongly poetic, with a blow in the final scenes that will soften the heart of even the most ardent animal hater. 

JORGE LOPEZ NAVARRETE 1976 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Pequeño bloque de cemento con pelo alborotado conteniendo el mar (Little Block of Cement with Disheveled Hair Containing the Sea, cm) (2013), The Worms and the Flies (cm) (2012) The Same Conversation (2010)

PERFECT DRUG BELGIUM / 2012 / HD / 14’

Belgium

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Majority Flemish PRODUTTORE / PRODUCER: Eurydice Gysel, Koen Mortier SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Toon Aerts MONTAGGIO / EDITING: Martin Leroy FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Nicolas Karakatsanis SOUND EDITOR: Raf Enckels MUSICA / MUSIC: Various CAST: Misha Downey, Yumiko Funaya, Minami Takahashi, Philippe Genion, Begir Memeti, Masayuki Oshiro DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Epidemic

S

tare in macchina davanti a un motel è sempre un’ottima premessa cinematografica: i guai sono inevitabilmente dietro l’angolo. Come nel cortometraggio del belga Toon Aerts, in cui Misha, Yumiko e Chinatsu, tre criminali, si ritrovano con una refurtiva fatta di provette fosforescenti aspettando indicazioni dal loro boss. Provarne una per Misha, è inevitabile, ma gli effetti vanno oltre ogni aspettativa: un trip allucinatorio sgangherato ed esagerato che gioca con il fantastico, il gore, il ritmo e le risate.

Mostri e motoseghe sono gli effetti collaterali della droga perfetta, ma sono anche un piacere per gli occhi, nei curati effetti speciali e nel rapido e folle incedere della vicenda. A.B.

S

itting in a car in front of a motel is always a good film premise for trouble is inevitably around the corner... just like in Belgian Toon Aerts’ short film, in which three criminals, Misha, Yumiko and Chinatsu, find themselves with a loot of luminuous vials and awaiting instruction from their boss. For Misha, trying one is inevitable, but the effects are beyond anyone’s expectations: an unhinged and exaggerated pyschedelic trip that has elements of the fantastic and that has gore, rhythm and laughs.

Monsters and chainsaws are the collateral effects of the perfect drug, but there is also a feast for the eyes in their special effects and the fast and crazed pace of the story.

TOON AERTS 1977 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Perfect Drug (cm) (2012), Dialing the Devil (cm) (2001)

PERISTALSI ITALY / 2013 / HD / 16’

Italy

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Zazen Film PRODUTTORE / PRODUCER: Enrico Iannaccone SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Enrico Iannaccone MONTAGGIO / EDITING: Enrico Iannaccone FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Dario Calise SOUND EDITOR: Dario Calise MUSICA / MUSIC: “Fenesta Vascia” (Genoino/Cottrau) eseguita da Franco Ricci CAST: Marco Cavalli, Marco Ciotola, Aldo Crispino, Pino Iadanza, Giorgia Palombi

U

n gruppo di amici è chiamato a mettere in scena l’ultimo copione del caro estinto, un testamento-sceneggiatura carico di volontà e vitalità, che immagina danze e festeggiamenti dionisiaci. La sceneggiatura è studiata nei minimi dettagli e tutto sembra perfetto... allora da dove nasce la sinistra impressione che qualcosa stia andando per il verso sbagliato?

Enrico Iannaccone, già vincitore con L’esecuzione del Premio del Pubblico al Milano Film Festival e quest’anno del David di Donatello per il miglior cortometraggio, abbandona il realismo del precedente lavoro per un’opera di indubbia originalità, grottesca riflessione sulla distanza che separa le nostre volontà da quelle di chi ci sta intorno. L.C.

A

group of friends is called to stage the final script of a deceased friend, a part will, part screenplay full of will and vitality that imagines Dionsyian festivities. The screenplay is studied in detail and everything seems to be going well... so where is the feeling that everything’s about to go wrong coming from? For his second short, Enrico Iannaccone – who has already won the Viewer’s Choice award in last year’s Milan Film Festival with The Execution and the winner of the David del Donatello award for Best Short Film – abandons the realism of his previous work for a work of undoubted originality, a grotesque reflection on the distance that separates our will from that of those around us.

ENRICO IANNACCONE 1989 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Peristalsi (cm) (2013), La ciofeca (2013), L’esecuzione (2011)

THE PRESENT TAIWAN / 2013 / HD / 15’

Taiwan

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Joe Hsieh PRODUTTORE / PRODUCER: Hsieh Wen-Ming SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Ho Ching Chwang MONTAGGIO / EDITING: Hsieh Wen-Ming FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Joe Hsieh SOUND EDITOR: Joe Hsieh MUSICA / MUSIC: Ned Young ANIMAZIONE / ANIMATION: Joe Hsieh DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Joe Hsieh

U

n uomo perbene e timorato di Dio cerca rifugio in un hotel dall’aspetto misterioso. Di notte, viene tentato dalla spiritica figlia del proprietario, innamorata perdutamente di lui. Spaventato, fugge, ma da chi scappa? Un mare di sangue invade l’austero bianco e nero in cui Joe Hsieh, taiwanese che guarda al cinema giapponese, immerge la sua storia di colpa e redenzione impossibile. Lungo le tracce di Nagisa Ôshima, Kiyoshi Kurosawa e Hirokazu Koreeda, The Present è una velenosa spina nel fianco delle certezze dell’uomo medio borghese, che messo alla prova dell’irrazionalità si difende con tutto il suo crudele moralismo. Un melodramma onirico dove l’inconscio, e soprattutto il sesso, è orrore. V.R.

A

decent, God-fearing man seeks refuge in a mysterious looking hotel.

At night, he is tempted by the spiritualist daughter of the owner, who is hopelessly in love with him. Frightened, he runs away. But who is he running from? A sea of blood fills the austere black and white in which Joe Hsieh –inspired by Japanese cinema – plunges his story of guilt and impossible redemption. Following in the the tracks of Nagisa Ôshima, Kiyoshi Kurosawa e Hirokazu Koreeda The Present is a poisonous thorn in the side of the certainties of the middle classes who are put to the test and defend themselves with a cruel moralism. A dream-like melodrama, where the unconscious, and above all the sex, is full of horror.

JOE HSIEH 1977 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: The Present (cm) (2013), Meat Days (2008), The Garden of Delights (2006)

PRESUDA THE VERDICT CROATIA / 2013 / HD / 11’

Croatia

PRODUZIONE / PRODUCTION: Pipser PRODUTTORE / PRODUCER: Miljenka Čogelja SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Đuro Gavran MONTAGGIO / EDITING: Iva Mrkić FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Pavel Posavec, Tamara Dugandžija, Nikola Sučević, Đuro Gavran SOUND EDITOR: Danijel Peić DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Pipser

2

010. In un momento storico per il popolo croato e per l’Europa, che non era cosi lontana, una fiumana di gente occupava la piazza principale di Zagabria ascoltando dagli altoparlanti le motivazioni del verdetto del Tribunale Penale Internazionale per l’ex-Jugoslavia, nei confronti dell’ex generale dell’esercito croato, Ante Gotovina. Un susseguirsi di close-up e di dettagli mostra allo spettatore le reazioni, le emozioni, i visi speranzosi e contriti di questa folla. Il regista non mostra nient’altro. L’imputato non è uno qualunque, in Croazia è da molti considerato un eroe, come da questa folla scesa in piazza. E la giustizia internazionale? Che cosa decide? S.P.

2

010. In a historic moment for the people of Croatia and for Europe, which was not so far away, a steady stream of people occupied the main square in Zagreb to hear the reasons for the International Criminal Tribunal for the former Yugoslavia’s verdict against a former general in the Croation army, Ante Gotovina over loudspeakers. A series of close ups and detailed shots show the reactions, emotions and the faces of hope and contrition in the crowd to the viewer. The director doesn’t show anything else. The defendant isn’t just anyone, in Croatia he is considered by many a hero, like this crowd in the square. And international justice?

What does it decide?

ĐURO GAVRAN 1982 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Presuda (The Verdict, cm, doc) (2013), Veliki dan (The Big Day, doc) (2012), Lijepa naša domovino (Our beautiful homeland, cm) (2012), Kelti (Celts, cm, doc) (2011), Htjeli smo radnike, a došli su nam ljudi (We wanted workers, we got people, cm, doc) (2011), Bojan (cm, doc) (2010), Staklena balerina (Glassballetdancer, cm) (2005)

QÊRIN SCREAM TURKEY / 2012 / HD / 12’

Turkey

PRODUZIONE / PRODUCTION: Bilal Bulut,Diyar Dersim PRODUTTORE / PRODUCER: Bilal Bulut SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Bilal Bulut,Diyar Dersim MONTAGGIO / EDITING: Cemil Kizildağ FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Cemil Kizildağ SOUND EDITOR: Bayram Kahraman MUSICA / MUSIC: Yaşar Başözdeş ANIMAZIONE / ANIMATION: Canlandirma CAST: Diyar Dersim, Havin Funda Saç DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Bilal Bulut

D

a un lato e dall’altro del confine, i membri di una grande famiglia oggi divisa si raccontano, un po’ urlando e un po’ cantando, le loro vite. E per realizzare il loro sogno d’amore, due giovani sfidano il controllo e il potere. Romeo e Giulietta non vivono a Verona, ma lungo la linea che divide Turchia e Armenia. Il dramma della separazione è sublimato nelle forme di un’opera/musical sui generis, con echi western e autentici recitativi.

E il canto, mai come in questo film coraggioso e inclassificabile, diventa metafora del dolore e insieme della passione insaziabile, sullo sfondo di un metaforico deserto dei sentimenti. V.R.

M

embers of a large family divided on either side of a border tell, with a bit of screaming and singing, the story of their lives. And to realise their dream of love, two young people defy control and power. Romeo and Juliet don’t live in Verona, but along the line that divides Turkey and Armenia. The drama of separation is elevated in a unique mix of opera and musical, with echoes of western and native recitals. And song, especially in this courageous film, becomes a metaphor for pain against (and together with insatiable passion) a backdrop of a metaphorical desert of feelings.

BILAL BULUT 1981 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Qêrin (Scream, cm) (2012)

QUELQU’UN D’EXTRAORDINAIRE AN EXTRAORDINARY PERSON CANADA / 2013 / S16mm / 29’

Canada

PRODUZIONE / PRODUCTION: Metafilms inc.

PRODUTTORE / PRODUCER: Nancy Grant SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Monia Chokri MONTAGGIO / EDITING: Xavier Dolan FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Josée Deshales SOUND EDITOR: Sylvain Bellemare, Luc Boudrias et Francois Grenon CAST: Magalie Lépine-Blondeau, Anne Dorval, Sophie Cadieux, Émilie Bibeau, Évelyne Brochu, Anne-Élisabeth Bossé, Laurence Leboeuf, Marylin Castonguay et Émilie Gilbert DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Nancy Grant

S

arah, 30 anni, ha tutto per avere successo nella vita. E’ bella, intelligente, ha un sacco di amiche e ha quasi finito un dottorato in scienze sociali. Ma questa quasi perfezione le fa paura, la rende svogliata. Un mattino, dopo una notte brava, si sveglia in un letto che non è il suo, in una casa che non è sua, e incontra una madre che non è sua... Da questo piccolo incidente di percorso nasce la voglia di dare una svolta alla sua esistenza. Questa decisione improvvisa si ripercuote sulla vita delle sue amiche, in occasione dell’addio al nubilato di una di loro. onia Chokri, attrice, firma da regista il suo primo cortometraggio tutto al femminile. S.P.

M T

hirty year old Sarah has it all. She’s beautiful, intelligent, has plenty of friends and has almost finished a doctorate in social sciences. But this almost-perfection scares her, it makes her listless. The morning after a wild night, she wakes up in a bed that isn’t hers, and meets a mother who isn’t hers... From this small hiccup comes a turning point. This sudden decision, announced at one of her friends’ hen parties, has an impact on her friends’ lives. Actress Monia Chokri, directs her first short with an all-female cast.

MONIA CHOKRI 1983 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Quelqu’un d’extraordinaire (An Extraordinary Person, cm) (2013)

RECONNAISSANCE USA, AUSTRIA / 2012 / HD / 5’

Austria

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Johann Lurf, Innovative Film Austria PRODUTTORE / PRODUCER: Johann Lurf SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Johann Lurf MONTAGGIO / EDITING: Johann Lurf FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Johann Lurf DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Six Pack Film

N

el primo film sperimentale realizzato all’estero dal viennese Johann Lurf, regista che seguiamo da tempo, il gioco della percezione rimane al centro del suo cinema. In un film sperimentale senza sonoro, l’autore gioca con “il riconoscimento”. Lo spettatore segue l’indugiare minimo della videocamera e si abbandona alla contemplazione di quanto è ripreso: luci, muri, spazi abbandonati nella notte. Pian piano, emerge una diga: è il Morris Reservoir in California, un luogo per anni, soprattutto durante la Guerra Fredda, usato per test militari. Lurf non è stato autorizzato a entrarvi e lo osserva da lontano: il risultato è una contemplazione alienante, dove il gioco della prospettiva combatte con il reale. A.B.

I

n the first experimental film made abroad by Johann Lurf games of perception remain at the centre of his work. In this experimental silent film, he plays with “recognition”. Viewers follow the action through the immediacy of the handheld camera lens and lose themselves in contemplation of what it captures: light, walls and abandoned spaces in the dark. Slowly, a dam emerges – it is the Morris Reservoir, California, a space that has been used for years, most notably in the Cold War, for military testing. Lurf wasn’t authorised entry to the dam and instead he observes it from afar. The result is an alienating contemplation of the structure, where games of perspective contrast with reality.

JOHANN LURF 1982 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Picture Perfect Pyramid (2013), RECONNAISSANCE (cm) (2012), A to A (2011), Endeavour (2011), RaumZeitHund (2010), Endeavour (2010), Zwölf Boxkämpfer jagen Viktor quer über den großen Sylter Deich 140 9 (2009), 12 Explosionen (2008), VERTIGO RUSH (2007), pan (2005), (ohne Titel) (2003)

RPG OKC USA / 2013 / HD / 9’

USA

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PRODUZIONE / PRODUCTION: RPG OKC PRODUTTORE / PRODUCER: Chris Goodwin SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Emily Carmichael MONTAGGIO / EDITING: Emily Carmichael SOUND EDITOR: Nathan MUSICA / MUSIC: Chris Thomas ANIMATION: Emily Carmichael DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: MadAtoms

I

l coraggioso SoldierBoy conosce in chat l’introversa RedSky. Vuole organizzare un incontro, ma per farlo deve superare molti “mostri”, e non solo quelli che popolano il livello del videogame a cui appartiene. Indicata dal magazine «Filmmaker» come una delle venticinque autrici indie dell’anno, Emily Carmichael è riuscita nell’impresa di dare profondità e sentimenti ai personaggi a 8-bit del gaming anni Ottanta, finora intrappolati in uno sterile citazionismo vintage. RPG OKC è un’adventure story che inquadra un’intera generazione, nutrita a consolle e joystick ingombranti, e che oggi ama illudersi con il dating su Facebook. Un corto circuito temporale in cui è facile restare intrappolati. V.R.

B

rave SoldierBoy “meets” introverted RedSky in a chat room. He wants to wants to organise a face-to-face meeting, but to do so he must overcome many monsters, and not just those in the video game he plays.

Highlighted by Filmmaker magazine as one of the of the top twenty-five indie writers of the year, Emily Carmichael has managed to give depth and feelings to 8-bit characters of 80s gaming that have until now been consigned to vintage history. RPG OKC is an adventure story that is the frame for an entire generation that has been brought up on a diet of bulky joysticks and consoles and that today loves to delude itself with Facebook dating - a short circuit in which it is easy to be trapped.

EMILY CARMICHAEL 1982 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: RPG OKC (cm) (2013), The Hunter and the Swan Discuss Their Meeting (2011), The Adventures of Ledo and Ix (2011), The Ghost and Us (2009), Play/Stop (2009), Ledo and Ix 2 (2009), That’s My Majesty (2008), Young Love (2008)

SILENT PASSENGERS JAPAN / 2012 / HD / 15’

Japan

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Hirofumi Nakamoto PRODUTTORE / PRODUCER: Hirofumi Nakamoto MONTAGGIO / EDITING: Hirofumi Nakamoto FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Hirofumi Nakamoto DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: CaRtebLaNChe / Tamaki Okamoto

I

n una camera d’albergo a Okinawa, tanti animali locali (nessuno è stato maltrattato) vengono liberati: paguri, stelle marine, rane, ramarri. Il cambio di habitat li lascia disorientati e la videocamera, a volte abbandonata a se stessa, ne testimonia il vagare per la stanza. A cavallo tra documentario e cinema sperimentale, per il regista giapponese Hirofumi Nakamoto si tratta di un film di fantascienza nato e interpretato dagli animali stessi. Lo spazio profondo, per loro, è in una camera d’hotel ignota, mentre per lo spettatore sta nello stupore per le loro dimensioni e le loro movenze sullo schermo, un cinema fantastico nato dall’istinto animale. .B.

A I

n a hotel room in Okinawa, many local animals (none were harmed): hermit crabs, starfish, frogs and lizards. The change of habitat leaves them disorientated and the video camera, sometimes left to record remotely, is evidence of their wandering around the room. Straddling the line between a documentary and experimental cinema, for its Japanese director, Hirofumi Nakamoto, it is a science fiction film that has come from and stars the animals themselves. For them, deep space is an unknown hotel room while viewers are in awe of their size and their movements on the screen, it is a fantasy film borne out of animal instincts.

HIROFUMI NAKAMOTO 1986 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Silent Passengers (cm) (2012), Silent Travelers (cm) (2012), The Resident of No Voice (cm) (2012), Silent Prisoners (cm) (2012), The Quite Visitor (cm) (2011), Seagull (cm) (2010), Cloud Land (cm) (2009)

SILVIO. HERE I AM ITALY / 2012 / HD / 16’

Italy

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Ukrain Mom PRODUTTORE / PRODUCER: Mattia Coletti, Carlo Migotto SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Mattia Coletti, Carlo Migotto MONTAGGIO / EDITING: Mattia Coletti, Carlo Migotto FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Nevio De Conti SOUND EDITOR: Mattia Coletti, Carlo Migotto MUSICA / MUSIC: Job Roggeveen CAST: Silvio V.

S

ilvio fissa in camera, ha grandi occhi azzurri, ripresi in bianco e nero, e una storia da raccontare. Ha sempre amato le donne, ma le vedeva come dee irraggiungibili, ed è finito a fare l’attore in film sadomaso, come schiavo, in una schockante e allegorica compensazione del desiderio, tra mistress e transessuali, per trovare una libertà accettabile. Un documentario su un angolo di immaginario, e di vita reale, che raramente è stato raccontato con uno sguardo così umano e complice. Merito della coppia di registi Mattia Coletti e Carlo Migotto che hanno saputo ascoltare il loro protagonista senza invaderlo, ma rispettandolo nella sua insolita grazia e ingenuità. A.B.

S

ilvio sits in his room with big blue eyes, shot in black and white, and a story to tell. He has always loved women, but as goddesses out of his reach. And so he has ended up as an actor in S&M films, as a slave, in a shocking and allegorical trade-off of his desires, involving mistresses and transsexuals to find an acceptable kind of freedom. A documentary on a corner of real and imaginary life, one which has rarely been told from such a human point of view. It is to the credit of the directing duo Mattia Coletti and Carlo Migotto that they were able to listen without invading on their protagonist, instead respecting him in his grace and ingenuity.

MATTIA COLETTI 1984, CARLO MIGOTTO 1984 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Silvio. Here I Am (cm) (2012)

SOLECITO COLOMBIA / 2013 / HD / 20’

Colombia

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Contravia, Burning Blue, Fisher & Arizona PRODUTTORE / PRODUCER: Oscar Ruiz Navia SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Oscar Ruiz Navia MONTAGGIO / EDITING: Rodrigo Ramos E. FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Oscar Ruiz Navia SOUND EDITOR: Camilo Marinez, Frédéric Théry CAST: Camila Llanos Correa, Maicol Striven Quiñones Gonzalez DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Arizona Productions

R

ealizzando un casting, il regista filma le confessioni di due adolescenti, un tempo in coppia, oggi divisi ma ancora innamorati. La finzione si sostituisce al documentario per permettere ai due di incontrarsi di nuovo. I confini tra realtà e messa in scena sfumano e il cinema diventa uno strumento per realizzare il sogno. Il film di Oscar Ruiz Navia, che aveva già partecipato al Milano Film Festival nel 2009 con El vuelco del cangrejo è un’opera poetica, con un retroscena singolare, che è stata voluta – insieme ad altri 17 corti di altrettanti talenti emergenti – dall’artista Olafur Eliasson per veicolare nel mondo Little Sun, una lampada solare pensata per i paesi a scarsa disponibilità elettrica. V.R.

O

ver the course of a casting, the director films the confessions of two adolescents who were once a couple and are still in love. Fiction replaces documentary to allow the two to meet again. The boundaries between reality and staging fade into each other and cinema becomes an instrument to realise the dream in Oscar Ruiz Navia’s (who has already participated in the Milan Film Festival in competition with El vuelco del cangrejo). A poetic and intimate work with a single backdrop that was wanted - together with 17 other shorts from emerging talents - by the artist Olafur Eliasson to bring Little Sun into the world, a solar lamp designed for countries with poor power supplies.

OSCAR RUIZ NAVIA 1982 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Solecito (cm) (2013), El Vuelco del cangrejo (Crab Trap) (2009), Al vacío 1,2,3 (Vacuum-Packaged 1,2,3, cm) (2006)

SOLITUDES FRANCE, ROMANIA / 2012 / 35mm / 17’

Romania

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Rezina Productions, Strada Films PRODUTTORE / PRODUCER: Benoit Blanchard, Daniel Mitulescu SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Alexandra Badea MONTAGGIO / EDITING: Laurence Larre FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Julien Poupard SOUND EDITOR: Matthieu Descamps CAST: Razvan Oprea, Madalina Constantin

P

arigi, una notte tra ospedale e commissariato: un immigrato rumeno, interprete per la polizia, deve tradurre a una giovane prostituta connazionale, vittima di uno stupro collettivo, le domande della procedura standard di medici e inquirenti. L’impassibilità iniziale dell’interprete potrebbe incrinarsi man mano che riconosce la solitudine della vittima rispetto alle meccaniche apparentemente crudeli degli interrogatori. Ma forse non basta. Ispirandosi al racconto di un vero interprete, Liova Jedlicki e Alexandra Badea lavorano sul contrasto tra la freddezza della procedura e l’empatia che si sviluppa verso la vittima. Protagonista premiata a Clermont-Ferrand; cameo di Firmine Richard nel ruolo della psicologa. A.U.

P

aris, a night between the hospital and the police station: a Romanian immigrant who interprets for the police must interpret the questions that are aprt of the standard investigation procedure for a fellow Romanian prostitute who is the victim of a gang rape. The initial impassivity of the interpreter could crack as he slowly understands the isolation of the victim. But maybe that’s not enough. Inspired by the true story of an interpreter, Jedlicki and Badea focus on the contrast between the coldness of the procedure and the empathy that develops towards the victim. The protagonist won at Clermont-Ferrand, while there is also a cameo appearance by Firmine Richard as the pyschologist.

LIOVA JEDLICKI 1980 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Solitudes (cm) (2012), Chèrie (cm) (2004)

STEW & PUNCH UK / 2013 / HD / 17’

UK

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Bub & Mad Cow Films PRODUTTORE / PRODUCER: Jonas Blanchard SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Simon Ellis MONTAGGIO / EDITING: Simon Ellis FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: David Procter SOUND EDITOR: Simon Ellis MUSICA / MUSIC: Fug, The Petebox, Ronika, Swimming CAST: Marc Ryan-Jordan, Holly Lucas, Joel Morris, Holly Matthews

U

na cena tra amici per inaugurare la nuova casa: lei è un po’ tesa, vuol fare bella figura; lui ha cucinato per tutto il giorno lo stufato, la sua specialità. Il clima è leggero e divertito, generosamente allietato da un ottimo punch. Le cose però iniziano a prendere una piega pericolosa, e la spirale degli eventi trascina i protagonisti verso un finale tragicomico. A Simon Ellis – di cui ormai non contiamo più le presenze nel nostro concorso – bastano una stanza, un gruppo di buoni attori, tre piani sequenza, e una storia scritta al solito con maestria e dialoghi perfetti, per dimostrare ancora una volta la sua strepitosa bravura; questa volta con un film che fa sorridere. E.F.

A

house warming dinner with friends: she’s a bi tense, she wants to make a good impression; he has been cooking stew all day, his speciality. The atmosphere is light and fun - there’s also the challenge of an arm wrestle - and lightened further with an excellent punch. Things, however, start to take a turn for the worse, and the spiral of events drags the protagonists towards a tragicomic ending. For Simon Ellis - and we’ve long stopped counting his entries into our competition - a room, a group of good actors, uninterrupted camera work and a story written with the usual mastery and perfect dialogue are enough to demonstrate once again his amazing skill, this time with a film that makes you smile.

SIMON ELLIS 1973 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Stew & Punch (cm) (2013), Jam Today (2011), Soft (2007), A Storm and Some Snow (2006), What About The Bodies (2002), Bass Invaders (2001), Telling Lies (2000), The Fiver Thing (2000), Thousand (1998)

LA STRADA DI RAFFAEL RAFFAEL’S WAY ITALY, SPAIN / 2013 / HD / 25’

Italy

PRODUZIONE / PRODUCTION: Unisono Produzioni, Grup Cinema Art PRODUTTORE / PRODUCER: Giusi Castaldo SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Alessandro Falco MONTAGGIO / EDITING: Alessandro Falco FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Juan Meseguer SOUND EDITOR: Giovanni Pallotto MUSICA / MUSIC: Arvo Part CAST: Raffael Essobti, Adama Doumbia, Anna Capasso

T

utti, nella periferia di Napoli, resistono. Resiste la nonna, che racconta di sfratti imminenti, insofferente alla politica delle parole che restano un fatto soltanto in potenza. Raffael si aggrappa alla vita, domandando con tenacia della madre lontana. Resiste a un lavoro che non c’è, vendendo sigarette sulla strada, una volta tornato da scuola. Doc e finzione si sfiorano: echi di telegiornale gridano le rivolte contro gli sgomberi di occupazioni abusive mentre Raffael cerca l’avventura a bordo di un’auto rubata tra ebbrezza e rimorso, perché anche il sogno, seppur illecito, è ribellione alla miseria. La strada di Raffael, coproduzione italo-spagnola, è stato presentato in concorso al Festival di Locarno. L.C.

O

n the outskirts of Naples, everyone is hanging on. The grandmother, who tells of imminent evictions, intolerant of politics full of empty words, hangs on. Raffael clings on to life, wondering about his absent mother, hanging on in a dead-end job, selling cigarettes on the street after school. Documentary and fiction meet: the television is awash with the news of riots against the eviction of illegal occupants, while Rafael, somewhere between intoxication and remorse, looks for adventure in a stolen car, because the dream - albeit an illegal one - is rebellion against poverty. An Italian-Spanish co-production, La Strada di Raffael was presented in the Locarno Film Festival competition.

ALESSANDRO FALCO 1981 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: La strada di Raffael (Raffael’s Way, cm) (2013), Mi chiamo Vincenzo (cm) (2011), Vincenzo (cm) (doc) (2010), Visione di Napoli (cm, doc) (2005)

A THIRD VERSION OF THE IMAGINARY KENYA, USA / 2012 / HD / 12’

USA

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SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Benjamin Tiven MONTAGGIO / EDITING: Benjamin Tiven FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Jim Bishop SOUND EDITOR: Matthew Girard MUSICA / MUSIC: Hsi-Chang Lin CAST: Magambo Mwenda DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Benjamin Tiven

L

’immagine: un concetto universale. Solo in apparenza. Perché in lingua Swahili non esiste un termine esatto per definire questo concetto. Un vocabolo preso in prestito dagli stranieri, mentre in Swahili è inscindibile dal suo medium. La ricerca di un archivista tra gli scaffali della Kenya Broadcasting Corporation apre ad una riflessione sui concetti di visione e coscienza collettiva, sulle differenze tra analogico e digitale, così soggetto ad amnesie. Cosa decidiamo di conservare? La contemporaneità è in grado di operare una scelta e giudicarsi dalla giusta distanza? La vedremo, l’immagine di cui è alla ricerca? Ciò che conta, forse, è la visione del percorso verso la ricerca di un’immagine. L.C.

A

n image: a universal concept. Only in appearance, for in Swahili there is no exact term for this concept. Instead, there is a word borrowed from foreigners, while in Swahili it remains indistinguishable.

An archivist’s research in the stacks of the Kenya Broadcasting Corporation leads to a reflection on the concept of vision and collective consciousness, and on the difference between analogue and digital, so subject to amnesia. What do we decide to conserve? Is the contemporary world capable of making such a choice and judging itself from the right distance? Will we see the image that is being searched for? What counts, perhaps, is the vision of a path towards the search for an image.

BENJAMIN TIVEN 1978 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: A Third Version of the Imaginary, (cm) (2012), The Small Infinity, (cm) (2010)

LES VOILES DU PARTAGE WIND OF SHARE FRANCE, BELGIUM / 2013 / HD / 8’

France, Belgium

PRODUZIONE / PRODUCTION: Les Films du Nord PRODUTTORE / PRODUCER: Arnaud Demuynck SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Pierre Mousquet, Jérôme Cauwe MONTAGGIO / EDITING: Pierre Mousquet, Jérôme Cauwe FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Pierre Mousquet, Jérôme Cauwe SOUND EDITOR: Philippe Fontaine MUSICA / MUSIC: Samuel Bobin, Alexandre Morier, Patrice Quilichini ANIMAZIONE / ANIMATION: Pierre Mousquet, Jérôme Cauwe CAST: Martin Spinhayer, Céline Beigbeder, Benoît Pauwels DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION:  Les Films du Nord

S

olitario e silenzioso, Etienne raggiunge una città sconosciuta, dove regnano violenza e malavita e tutti sono nemici. Si farà valere con la forza dei suoi pugni ma dimostrerà anche di avere un cuore. Sulla direzione ideale che da George Miller e Walter Hill arriva a Drive, l’animazione di Pierre Mousquet e Jérôme Cauwe gioca le carte dell’omaggio in forma di parodia. Les Voiles du partage condensa in otto minuti un action movie completo, sporco e degradato, misogino e cattivo, regalando risate e allo stesso tempo costruendo un credibile personaggio icona in tono minore.

V.R.

S

ilent and solitary Etienne reaches an unknown city, where crime and violence reign supreme, and everyone is an enemy. He will prove himself with his fists, but he will demonstrate, too, that he has a heart.

Under direction that has ideals that go from George Miller and Walter Hill and arrive at Drive, Pierre Mousquet and Jérôme Cauwe play with a homage in the form of a parody. Les Voiles du partage condense into eight minutes a complete action movey that is dirty and degrading and mysogynistic, giving us laughs and at the same time building a credible iconic character in a minor key.

PIERRE MOUSQUET 1984, JÉRÔME CAUWE 1985 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Les Voiles du partage (Wind of Share, cm) (2013), A Real Eye Opener (2011)

WHALED WOMEN SWEDEN / 2012 / HD / 9’

Sweden

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Monkey Machine Film PRODUTTORE / PRODUCER: Ewa Einhorn, Jeuno Je Kim SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Andreas Jakobsson, Ewa Einhorn, Jeuno Je Kim MONTAGGIO / EDITING: Ewa Einhorn FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Adam Howden SOUND EDITOR: Jeuno Je Kim MUSICA / MUSIC: Olof Dreijer, Jeuno Je Kim ANIMAZIONE / ANIMATION: Joni Männistö, Sanni Lahtinen CAST: Anna Blomberg, Magnus Mark, Inga Christina Campos DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: KurzfilmAgentur Hamburg AG

N

el villaggio immaginario di Krabstadt, dove tutti i paesi del Nord Europa inviano gli indesiderabili, due donne, SchlopSchlop e KK, impiegate dell’Ufficio Sviluppo, si ritrovano a gestire uno sbarco inatteso.

Sono arrivate le donne-balena e trovare un posto per loro in società non sarà facile. Un’animazione in 2D prodotta in Svezia, realizzata dal duo Ewa Einhorn e Jeuno Je Kim, che travolge lo spettatore in una commedia sarcastica, pochissimo politically correct, che sa anche riflettere sul valore dell’immigrazione e della diversità. Un cortometraggio che ci racconta una storia europea, spesso nota, purtroppo, sotto altre vesti meno allegre.

Qui, invece, il riso e l’intelligenza stimolano il pensiero. A.B.

I

n the fictional village of Krabstadt, where all the northern European countries send their undesirables, two women employed by the Development Office, SchlopSchlop and KK, find themselves overseeing an unexpected arrival. The whaled women have arrived, and finding a place for them in society will not be easy. A 2D animation produced in Sweden by duo Ewa Einhorn and Jeuno Je Kim, it immerses the viewer in a barely politically correct, sarcastic comedy that also reflects on the value of immigration and diversity. It is a short film that tells a little known European story unfortunately told often under a less happy guise. Here, instead, the humour and the intelligence is thought-provoking.

EWA EINHORN, JEUNO JE KIM FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Jeuno Je Kim: Whaled Women (cm) (2012), The Collectors (2009), The Janitor (2007) Ewa Einhorn: Whaled Women (cm) (2012), Atlas (2008), Milkbar (doc) (2007), Towards (2006), Warszaw.

Street.02 (doc) (2003), Microsort (2000)

YOU LIKE IT, I LOVE IT AUSTRALIA / 2012 / HD / 16’

Australia

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Olivia Hantken SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: James Vaughan MONTAGGIO / EDITING: James Vaughan FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Adam Howden SOUND EDITOR: Luke Bacon CAST: Kirin J Callinan, Alexander Vaughan, Greg Zimbulis, Gina Arkell, Jenny Farrell, Mary Vaughan, Ane Higgins, Denise Hughes, Tim Jenkins, Ray Mainsbridge, David Constable, Patrick Harrowsmith, Rob Gerritsen DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: OriGine Films

R

oberto e Chris sono fratelli e hanno la casa tutta per loro. Liberi di fare ciò che vogliono, lanciano per gioco oggetti nel giardino adiacente, finché Tony, il vicino, per risarcimento chiede di poter fare un bagno nella loro piscina. La giornata estiva scorre lentamente e Tony lancia a Roberto la stravagante idea di un tour musicale in treno per i licei dell’Australia. La proposta strampalata resta sospesa nella sua estemporaneità, così come le scene seguenti, che il regista James Vaughan, classe 1989, incastona sapientemente come vignette in una sceneggiatura apparentemente senza capo né coda, ma che restituisce il senso di relazioni astratte, sospese e frammentate. A.A.

R

oberto and Chris are brothers and they are home alone. Free to do what they want, they throw things into next door’s garden as a game, until the neighbour, Tony, asks to to be able to swim in their pool in return. The summer day passes slowly, and Tony suggests to Roberto the extravagant idea of a musical tour for Australian high schools. The preposterous proposal hangs in the air, like in the following scenes that the director, James Vaughn (class of 1989) inlays knowingly like vignettes in a screenplay apparently without rhyme or reason, but that restores sense to abstract relationships, suspended and fragmented.

JAMES VAUGHAN 1989 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: You Like It, I Love It (cm) (2012)

18 ANNI - GRANDI SPERANZE 18 YEARS - GREAT EXPECTATIONS

N

on è un compleanno da celebrare come tutti gli altri, quello dei diciotto anni. La mente è sottoposta a una fitta serie di bombardamenti sulla maturità, sull’età adulta, i riti di passaggio, le cose che si potranno fare e quelle che non si possono fare più. Eppure il cuore guarda ancora indietro, alle scorribande, le frenesie amorose, le crisi da banco di scuola, gli amici.

Anche il Milano Film Festival diventa adulto con una marea di ansie nel cuore. Alle spalle, centinaia di giovani autori scoperti, su cui abbiamo voluto puntare, scommettendoci un’edizione, una proiezione notturna, un workshop. Di fronte a noi, il panorama di un mondo grigio, dove ci dicono che un festival non è più un gioco, mentre le risorse si restringono diventando sempre più preziose.

Chiedendoci come festeggiare a dovere questo passaggio nell’età adulta, ci siamo imposti di non cadere in sterili auto-celebrazioni, che davvero non ci riescono bene. E abbiamo fatto un ragionamento. Tra i circa 2300 cortometraggi che valutiamo ogni anno, ci capita spesso di ritrovare “piacevoli conoscenze”: registi che abbiamo selezionato in passato ma che per una volta non hanno trovato il posto adatto nella nostra selezione, vuoi per ragioni legate all’età anagrafica non più da concorso, vuoi per la composizione particolare dell’edizione in corso. Sono, a tutti gli effetti, compagni di gioco, anche se solo per un’estate, che oggi ritroviamo come autori di un cinema orgogliosamente maturo.

Da qui nasce 18 Anni: una chiamata a raccolta dei migliori talenti “scoperti” dal Milano Film Festival, una galleria di tesori che ci hanno accompagnato negli anni. Alcuni provengono da scatole dei segreti relegate a un angolino nell’archivio, tra la polvere, e riaprirle è stato rivelatorio, quasi un’epifania. Altre meraviglie sono le ultime realizzazioni di questi autori che – con un pizzico di presunzione – amiamo chiamare “i nostri registi”: opere che confermano il talento rivelato nel passato, dimostrando un’età adulta raggiunta. Un motivo d’orgoglio per il Milano Film Festival, che conferma come, sulla lunga distanza, investire sul corto abbia dato i suoi frutti.

La rassegna, che attraverserà il programma di questa edizione del festival come una caccia al tesoro dove vincono tutti, è composta da due sezioni: la prima, Grandi speranze, contiene circa quaranta cortometrag-

A

n eighteenth birthday is not a birthday to celebrate like all the others. The mind is subjected to a being bombarded with ideas on maturity, adulthood and rites of passage, the things that can be done and the things that can no longer be done. Nevertheless, the heart still looks back, to crazy adventures, puppy love, problems at school and friends.

The Milano Film Festival is also becoming an adult with its heart filled with anguish. Behind it, hundreds of young authors discovered, on whom we have placed our stakes, wagering on an edition, a screening at night, a workshop. Ahead of us, the panorama of a grey world, where they tell us that a festival is no longer a game, whilst the resources dry up, becoming more and more valuable.

Wondering how to properly celebrate this passage to adulthood, we decided not to fall into the strap of sterile auto-celebrations, which we really do not pull off well. We began to reason. Out of the 2,300 or so short films that we assess each year, we often find “pleasant acquaintances”: directors that we have selected in the past but who for once have not found the right place in our selection, either due to reasons linked to their age which no longer makes them eligible for the competition or because of the special composition of that year. They are, to all effects, playmates, even though only for one summer, who we meet again today as authors of a proudly mature cinema.

Hence 18 Years: a roll call of the best talents “discovered” by the Milano Film Festival, a gallery of treasures that have accompanied us over the years. Some come from boxes of secrets relegated to a corner in the archive, in the dust and opening them again has been revealing, almost an epiphany. Other wonders are the latest achievements by these authors who – with a pinch of presumption – we like to call “our directors”: works that confirm the talent revealed in the past, showing that they have reached adulthood. A motive of pride for the Milano Film Festival, which confirms how, over the long distance, investing in short films has borne its fruits.

The review, which will be transversal to this year’s programme like a treasure hunt where everyone wins, is made up of two sections: the first, Great hopes, contains about forty non-competitive shorts, made by our

gi inediti fuori concorso realizzati, appunto, dai nostri registi. Opere mai viste a Milano, all’interno delle quali il pubblico potrà cimentarsi a ricercare gli elementi distintivi dello stile di questo o quell’autore. La seconda sezione si chiama, con orgoglio, The Platinum Collection: il titolo riecheggia con ironia quelle maxi-compilation di greatest hits che campeggiano nelle stazioni di servizio dell’autostrada e che, a una cifra irrisoria, permettono di risvegliare memorie del passato attraverso hit dimenticate. Il principio è lo stesso: abbiamo aperto lo scrigno, e abbiamo tirato fuori – talvolta persino con un piacevole dolore – le chicche che hanno segnato le nostre edizioni precedenti, sforzandoci di restituire al pubblico dei film in certi casi non proiettati da oltre quindici anni. Un come eravamo con un pizzico di nostalgia per dire ancora: ricominciamo.

directors. These films have never been screened before in Milan, and where the public can set to looking for the distinctive elements of the style of this or that filmmaker. The second section is proudly called The Platinum Collection: the title is an ironic echo of those maxi-compilations of greatest hits which you find at motorway service stations and which, at a ridiculous price, awaken memories of the past through forgotten hits. The principle is the same: we have opened the treasure chest and we have pulled out – sometimes with pleasurable pain – the gems that have marked our previous editions, trying to give the public films which in some cases have not been screened for more than fifteen years. The way we were with a hint of nostalgia to still say: we are beginning again.

Vincenzo Rossini e Alessandro Beretta

UN ALT CRACIUN ANOTHER CHRISTMAS TUDOR GIURGIU / ROMANIA / 2012 / HD / 15’

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igura centrale nel panorama cinematografico romeno, Giurgiu è co-direttore dell’importante Transilvania International Film Festival e fondatore della Libra Film, che in vent’anni di attività ha prodotto anche lavori premiati nei festival internazionali come Katalin Varga e Il responsabile delle risorse umane. Come regista ha diretto tre lungometraggi e svariati corti. Era nel concorso corti del MFF nel 2008 con Nunta lui oli.

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key player in Romanian cinematography, Giurgiu is a co-director of the Transylvania International Film Festival and founder of Libra Film – in twenty years of activity, it has produced award-winning works, such as Katalin Varga and Il responsabile delle risorse umane. He has also directed three feature-length films and various shorts. He was in the Milan Film Festival short film competition in 2008 with Nunta lui oli.

LA BENEDIZIONE DEGLI ANIMALI COSIMO TERLIZZI / ITALY / 2013 / HD / 8’

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ra performing art, fotografia e arti decorative, Terlizzi è un animo inquieto del panorama italiano contemporaneo.

Nella sezione Incontri italiani ha presentato i suoi film Murgia e Aiuto! Orde barbare al Pratello. Milano Film Festival ha organizzato l’anteprima milanese del suo recente L’uomo doppio. È giurato nel concorso lungometraggi dell’edizione 2013.

I

nvolved in performing arts, photography and decorative arts, Terlizzi is a restless mind on the contemporary Italian scene. In the section Incontri italiani, he presented his films Murgia and Aiuto! Orde barbare al Pratello. The Milan Film Festival organised the Milanese preview of his recent work, L’uomo doppio. He was a judge in the feature-length competition in 2013.

BROAD SENSE PILVI TAKALA / THE NETHERLANDS / 2012 / HD / 9’

A

rtista visiva, performer e filmmaker con un gusto davvero originale per la provocazione e un talento innato di ispirazione “situazionista”, Takala è finlandese ma lavora tra Amsterdam e Istanbul. Il MFF l’ha ospitata tre volte in concorso: nel 2008 con The Announcer, nel 2010 con Real Snow White, nel 2011 con Players.

V

isual artist, performer and filmmaker with a truly original taste for provocation, and an innate talent for situationist inspiration, Takala, is Finnish but works in Amsterdam and Instanbul. The Milan Film Festival has had three of his films in competition: in 2008 with The Announcer, in 2010 with Real Snow White and in 2011 with Players.

CHEFU’ HOUSE PARTY ADRIAN SITARU / ROMANIA / 2011 / HD / 18’

R R

omeno, Adrian Sitaru ha partecipato al concorso corti nel 2007 con Valuri, raccogliendo una menzione speciale, e nel 2010 con The Cage. Ha girato tre lungometraggi. Nel 2012 è stato giurato del concorso lungometraggi del MFF.

omanian Adrian Sitaru entered the 2007 competition with Valuri – which earned him a special mention – and then again in 2010 with The Cage. He has made three feature-length films, and in 2012 he was a member of the jury for the short film competition at the Milan Film Festival.

A COMUNIDADE THE COMMUNITY SALOMÉ LAMAS / PORTUGAL / 2012 / HD / 23’

È

tra i talenti prodotti da O Som e a Fúria, la più importante casa di produzione portoghese contemporanea, dalla quale sono uscite anche rivelazioni come Miguel Gomes. Il MFF la conoscerà con Terra de ninguém, il suo primo lungo in concorso nel 2013.

S

he is one of the talents to come out of O Som e a Fúria, the most important contemporary Portuguese production house, from where other revelations, such as Miguel Gomes, have also appeared. The Milan Film Festival will be introducted to her with Terra di ninguém, her first feature-length film in competition in 2013.

THE DEVIL JEAN-GABRIEL PÉRIOT / FRANCE / 2012 / VARIOUS FORMATS / 7’

S

enza neanche un lungometraggio all’attivo, Périot è uno dei più stimati artisti dell’immagine contemporanea. Ha all’attivo circa venti film, tra fiction, film di montaggio e documentari “puri”, più volte mostrati in retrospettive in tutto il mondo. Al concorso del MFF ha partecipato nel 2007 con Nijuman no borei e nel 2010 con L’art delicate de la matraque, entrambi vincitori di menzioni speciali della giuria, e nel 2012 con Nos jours, absolument, doivent être illuminés.

W

ithout even a feature film to his name, Périot is one of the most respected artists of contemporary imagery. He has made around twenty films, from fiction, edited films and “pure” documentaries, repeatedly shown in retrospectives around the world. He entered the Milan Film Festival in 2007 with Nijuman no borei and in 2010 with L’arte delicate de la matraque, both of which received special mentions from the jury, and in 2012 with Nos jours, absolument, doivent être illuminés.

ELEFANTE ELEPHANT PABLO LARCUEN / SPAIN / 2012 / 35MM / 9’

H H

a partecipato al concorso cortometraggi del MFF nel 2010 con Mi amigo invisible.

e entered the Milan Film Festival short film competition in 2010 with Mi amigo invisible

L’ÉTERNEL RETOUR PASCAL LIÈVRE / FRANCE / 2012 / HD / 4’

F

igura iconoclasta del panorama francese contemporaneo, Lièvre è un artista difficile da incasellare. Dalla fotografia alla performance, ha costruito un percorso personale irriverente, smaccatamente queer ma con un fondo politico.

Tra corti, video musicali, filmati per il web e altri materiali, non si contano le sue realizzazioni. È stato in concorso corti nel 2004 con L’axe du mal e nel 2006 con Patriotic.

A

slightly irreverential figure in contemporary French cinema, Lièvre is an artist difficult to pigeon-hole. From photography to performance, he has built a personal journey that is clearly queer but with a political basis. From short films, music videos, films for the web and other materials, it is impossible to count his achievements. He was in the short film competition in 2004 with L’axe du mal and in 2006 with Patriotic.

GAMBOZINO WILD HAGGIS JOÃO NICOLAU / PORTUGAL, FRANCE / 2013 / 35MM / 20’

F A

ilmmaker di ricerca, attivo anche come montatore per i maggiori autori portoghesi contemporanei, Nicolau ha vinto il Milano Film Festival nel 2006 con Rapace. research filmmaker who is also an editor for major contemporary Portuguese authors, Nicolau won the Milan Film Festival in 2006 with Rapace.

IT’S SUCH A BEAUTIFUL DAY Don Hertzfeldt / USA / 2011 / 35mm / 23’

T O

ra i più originali e stimati animatori degli ultimi vent’anni, Hertzfeld ha partecipato al concorso cortometraggi del MFF nel 2005 con The Meaning of Life. ne of the most original and respected animators of the last twenty years, Hertzfeld participated in the short film competition at the Milan Film Festival in 2005 with The Meaning Of Life.

KJÆRE LISA Dear Lisa Charlotte Blom / Norway / 2011 / HD / 10’

A N

utrice norvegese, Charlotte Blom ha partecipato al concorso cortometraggi del Milano Film Festival nel 2007 con la commedia musicale Kokos. orwegian author Charlotte Blom entered the Milan Film Festival’s short film competition in 2007 with the musical comedy Kokos.

KORMÁNYELTÖRÉSBEN RUDDERLESS IGOR BUHAROV, IVAN BUHAROV / HUNGARY / 2011 / S8mm / 30’

C

oppia di autori sotto pseudonimo, i Buharov sono autentiche icone del cinema “non allineato” dell’Est Europa contemporaneo. Ricercatori instancabili, spaziano senza soluzione di continuità dall’animazione al documentario di ricerca. Oltre a un visionario lungometraggio, Lassu Tukor, menzione speciale nel concorso MFF 2008, hanno partecipato al concorso corti nel 2003 con Hotel Tubu, nel 2006 con Egyvezérszavas védelem e nel 2009 con Molytej. Beniamini del MFF, sono anche musicisti e inventori.

A

duo of pseudonymous writers, the Buharovs are true icons of “non-alligned” eastern European contemporary cinema. They are tireless researchers on everything ranging from animation to documentary research. In addition to a visionary feature film, Lassu Tukor, that received a special mention in the Milan Film Festival in 2008, they participated in the short film competition in 2003 with Hotel Tubu, in 2006 with Egyvezérszavas védelem and again in 2009 with Molytej. The darlings of the Milan Film Festival, they are also musicians and inventors.

LAND OF MY DREAMS Yann Gonzales / Portugal / 2012 / HD / 20’

E E

x musicista negli M83, guidati dal fratello Anthony, Gonzalez approda al cinema nel 2006. Il MFF lo conoscerà con Les rencontres d’après minuit, il suo primo lungo in concorso nel 2013.

x-musician in the band M83, led by his brother Anthony, Gonzalez arrived in the world of cinema in 2006. He will be introduced to the Milan Film Festival with Les rencontres d’après minuit, his first feature-length in competition in 2013.

LAZAROV LUIS NIETO / FRANCE / 2010 / HD / 3’

N

ato in Colombia ma attivo da molti anni in Francia, Nieto è un artista che sfugge alle definizioni. La sua stimata carriera nella pubblicità e nella tv gli ha permesso di sviluppare un gusto unico per i trucchi e le “magie” del video, che trasferisce in lavori imprevedibili e surreali. Entrambe le volte in cui ha partecipato al concorso corti del MFF, nel 2006 con Carlitopolis e nel 2010 con Capucine, ha vinto il premio del pubblico.

B

orn in Columbia, but working in France for many years, Nieto is an artist who defies definition. His esteemed career in television and advertising has allowed him to develop a unique taste for the tricks and magic of video, which make themselves clear in unpredictable and surreal works. Both times he has participated in the short film competition at the Milan International Film Festival – in 2006 with Carlitopolis and in 2010 with Capucine – he has won the Audience Award.

MISTERIO MISTERY CHEMA GARCÍA IBARRA / SPAIN / 2013 / HD / 12’

A I

utore dalla visione molto personale, tra sci-fi e intimismo, realizza in un decennio pochi ma preziosi cortometraggi, tra i quali Protoparticulas, in concorso al MFF nel 2010.

barra has a very personal vision and has made precious few shorts in the last decade. One of these, Protoparticulas was in competition in the Milan Film Festival in 2010.

MOVIMENTI DI UN TEMPO IMPOSSIBILE MOVEMENTS OF AN IMPOSSIBLE TIME FLATFORM / ITALY / 2011 / HD / 8’

D

ietro il nome Flatform si cela un collettivo di artisti, di base a Milano e Berlino, che lavorano in svariati ambiti, dalla performing art al cinema sperimentale fino alla video arte. Il loro Domenica 6 Aprile, 11.42 ha partecipato al concorso cortometraggi del MFF 2008.

B

ehind the Flatfornm name there is a collection of artists, based in both Milan and Berlino, who work in various fields – from performign arts to experimental cinema to video art. Their Domenica 6 Aprile, 11.42 was in the short film competition in 2008.

MOVING STORIES NICOLAS PROVOST / BELGIUM / 2011 / HD / 7’

T

ra le punte di diamante della scena belga contemporanea, Provost è un autore cosmopolita che ha fatto del ragionamento meta-linguistico uno strumento potente e raffinato di ricerca cinematografica. Passa brillantemente dalla fiction alla sperimentazione visiva. Ha diretto un lungometraggio, The Invader, ed è stato più volte protagonista di mostre in giro per il mondo. Il MFF lo ha proiettato in concorso nel 2005 con Exoticore, nel 2007 con Induction, nel 2008 con Gravity e nel 2010 con Stardust. È stato giurato nell’edizione 2009 del MFF.

O

ne of the highlights of the contemporary Belgian scene, Provost is a cosmopolitan writer who has made metalinguistic reasoning a powerful and refined instrument of film research. He moves brilliantly from fiction to visual experimentation. He has directed a feature-length film, The Invader, and he has often been the headliner at shows around the world. In 2005 the Milan Film Festival screened his work, Exoticore, in 2007, Induction, in 2008, Gravity and 2010, Stardust. He was on the jury for the 2009 Festival.

MY NAME IS BOFFER BINGS LÁSZLÓ CSÁKI / HUNGARY / 2013 / HD / 20’

P B

rima di esordire nell’animazione, Csáki ha girato cortometraggi di fiction, tra cui The Ant and the Cicada, in concorso al MFF 2008. efore working with animation, Csáki directed short films, such as The Ant and the Cicada which was in the short film competition in 2008.

PALMIPÉDARIUM JÉRÉMY CLAPIN / FRANCE / 2012 / HD / 10’

T O

ra i più talentuosi animatori della scena contemporanea, Clapin ha partecipato al concorso cortometraggi del Milano Film Festival 2009 con Skhizein, vincendo il premio dello staff. ne of the most talented animators of his time, Clapin entered the Milan Film Festival’s short film competition in 2009 with Skhizein, winning the Staff Award.

PATAKÈS NICOLAS BIANCO-LEVRIN, JULIE REMBAUVILLE / FRANCE / 2012 / HD / 10’

C A

oppia di animatori francesi, selezionati nel concorso cortometraggi del Milano Film Festival 2011 con R.

duo of French animators who were selected in the short film competition at the Milan Film Festival in 2011 with R.

QUERIDOS AMIGOS CLARISSE HAHN / FRANCE / 2013 / HD / 20’

A A

rtista e documentarista a cavallo tra i generi, con un occhio sensibile ai temi sociali, Hahn ha vinto il concorso cortometraggi 2012 con Notre corps est une arme: Prisons, parte di una trilogia. n artist and documentary-maker who straddles genres, with a sensitive look at social themes, Hahn won the short film competition in 2012 with Notre corps est une arme: Prisons, part of a trilogy.

RANDOM STRANGERS ALEXIS DOS SANTOS / UK, THE NETHERLANDS / 2011 / HD / 25’

C

on un piede in Argentina e un altro a Londra, Dos Santos è uno dei talenti più “cool” del cinema transnazionale contemporaneo. Dopo Glue del 2006, piccolo “caso” in centinaia di festival internazionali, approda al MFF nel 2009 con il suo secondo lungo Unmade Beds.

W

ith one foot in Argentina and another in London, Dos Santos is one of the coolest talents in contemporary transnational cinema. After Glue in 2006, a small work in hundreds of international film festivals, he arrived at the Milan Film Festival in 2009 with his second work, Unmade Beds.

REQUIEM FOR A ROBOT CHRISTOPH RAINER / USA / 2013 / HD / 5’

G A

iovane autore austriaco con formazione statunitense, Rainer ha partecipato due volte al concorso cortometraggi del Milano Film Festival, nel 2007 con Drake, nel 2009 con Walrus.

young Austrian writer educated in the US, Rainer has entered the Milan Film Festival’s short film competition twice – in 2007 with Drake and in 2009 with Walrus.

SETTANTA PIPPO MEZZAPESA / ITALY / 2013 / HD / 9’

T

ra i maggiori talenti del nuovo cinema italiano, Mezzapesa ha all’attivo un lungometraggio, Il paese delle spose infelici, e due documentari. Il suo corto Come a Cassano, in concorso al MFF 2005, è diventato un cult del festival, ricevendo anche un premio nel 2009.

O

ne of the major talents in new Italian cinema, Mezzapesa has a feature-length film to his name – Il paese delle spose infelici – and two documentaries. His short, Come a Cassano – in competition at the Milan Film Festival in 2005 – has become festival cult, receiving a prize in 2009, too.

STICK CLIMBING DANIEL ZIMMERMANN / AUSTRIA / 2010 / HDCam / 14’

A

rtista e scultore, con esperienze importanti nel teatro e nella performing art, Zimmermann produce saltuariamente un cinema sperimentale con un gusto davvero originale per la costruzione artigianale, il gioco ottico e l’impresa impossibile. La sua memorabile discesa in di Lauberhornrennen im sommer era in concorso al MFF nel 2007.

S

culptor and artist, with key experiences in theatre and performing arts, Zimmermann occasionally produces an experimental film with a true taste for artisan construction, optical illusions and an impossible task. His memorable Lauberhornrennen in sommer was in competition at the Milan Film Festival in 2007.

TERRA PIERO MESSINA / ITALY / 2011 / HD / 23’

D

iplomato al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, Messina ha raccolto importanti consensi con i suoi cortometraggi. Il suo Un’altra volta è stato selezionato nel concorso cortometraggi del 2009. Ha lavorato come assistente per This Must Be The Place e La grande bellezza di Paolo Sorrentino.

A

graduate of the Centre for Experimental Cinematography in Rome, Messina has garnered significant acclaim for his short films. His Un’altra volta was selected in the short film competition in 2009. He worked as an assistant on This Must Be The Place and La grande bellezza by Paolo Sorrentino.

LA TÊTE EN BAS Maxime Giroux / CANADA / 2013 / HD / 29’

T A

ra i principali autori del nuovo cinema francofono canadese, Giroux ha partecipato al concorso corti del MFF nel 2006 con Le rouge au sol e nel 2007 con Les Jours. Ha all’attivo due lungometraggi. s one of the key players of new Canadian francophone cinema, Giroux entered the Milan Film Festival short film competition in 2006 with Le rouge au sol and in 2008 with Les Jours. She has made two feature-length films.

TRAINING AUTOGENO Astutillo Smeriglia / Italy / 2011 / HD / 7’

R

iservatissimo, Smeriglia è un animatore e regista italiano che si cela dietro pseudonimo. Con la sua casa di produzione Coma Film, ha realizzato numerosi cortometraggi diventando un fenomeno, in rete e nei festival, per il suo sarcasmo senza sconti e la capacità di fotografare, con l’umorismo, un’Italia piena di contraddizioni. Al MFF è stato in concorso con Il pianeta perfetto e Qualcosa di mai visto.

V

ery shy, Smeriglia is a pseudonymous Italian animator and director. With his Coma Film production house, he has made many shorts – both online and for festivals – becoming well-known for his no holds barred sarcasm and his ability to photograph with humour an Italy full of contradictions. He has been in competition with Il pianeta perfetto and Qualcosa di mai visto.

IL TURNO THE TURN PIETRO DE TILLA, ELVIO MANUZZI, TOMMASO PERFETTI / ITALY / 2012 / HD / 33’

T N

ra i nuovi talenti della scena milanese, Manuzzi e De Tilla hanno firmato, insieme a Guglielmo Trupia, il documentario Atelier Colla, piccolo cult nella sezione Incontri Italiani del 2011. ew talent on the Milanese scene, Manuzzi and De Tilla, along with Guglielmo Trupia, wrote the documentary Atelier Colla, a small cult film in the Incontri italiani section in 2011.

O UMBRĂ DE NOR SHADOW OF A CLOUD RADU JUDE / ROMANIA / 2013 / HD / 30’

A

utore di punta della “nuova onda” romena, Jude ha partecipato al concorso lungometraggi nel 2012 con con Everybody in Our Family, ricevendo una menzione speciale dalla giuria. Ha all’attivo due lungometraggi, alcuni documentari e cortometraggi.

A

writer in the Romanian “new wave”, Jude entered the feature competition 2012 with Everybody In Our Family, receiving a special mention from the jury. He has made two feature-length films, and some documentaries and shorts.

THE PLATINUM COLLECTION

P M

iù di 300 cortometraggi che hanno fatto la storia di Milano Film Festival, dal 1999 al 2011, saranno proposti al pubblico in onore del diciottesimo compleanno. ore than 300 short films that have made the history of the Milano Film Festival, from 1999 to 2011, will be offered to the public in honour of the festival’s 18th birthday,

ECHOES OF SILENCE RAGE OF IMMANENCE TRIBUTE TO SYLVAIN GEORGE N’entre pas sans violence dans la nuit Sylvain George / Francia / 2005 - 2008 / HD / 23’ No Border (Aspettavo Che Scendesse La Sera) Sylvain George / Francia / 2005 - 2008 / Super8 / 23’ Ils nous tuerons tous...

Sylvain George / Francia / 2009 / HD / 10’ Les nuées Sylvain George / Francia / 2012 / HD / 7’ Contre-Feux 1 et 2 : Pour le retrait du projet de loi sur l’immigration et la régularisation sans condition de tous les sans - papiers Sylvain George / Francia / 2006 - 2007 / HD / 5’, 12’ Contre-Feux 6 : Comment briser les consciences ? Frapper!

Sylvain George / Francia / 2006 - 2007 / HD / 16’

Europe Année 06 (Fragments Ceuta) Contrefeux n°3.

Sylvain George / Francia / 2006 / Cellulare / 19’ Un homme idéal (Fragments K).

Contre-Feux n°4.

Sylvain George / Francia / 2006 - 2007 / Cellulare / 25’ Les Eclats (ma gueule, ma révolte, mon nom) Sylvain George / Francia / 2011 / HD / 84’ Vers Madrid - The Burning Bright! * (Scenes from the Class Struggle and the revolution) Sylvain George / Francia / 2013 / HD / 150’ * verrà musicato dal vivo da/live music by John Butcher

Sylvian George: dare voce agli invisibili

Sylvain George: giving a voice to the invisibles

I

I

Il titolo Echoes of Silence/Rage of Immanence che riassume il focus sul tuo lavoro organizza-

You suggested the title Echoes of Silence/Rage of Im-

mmagini in bianco e nero, riprese il super8, in video, in digitale, repertori di forme libere. La vita dei clandestini e di chi si trova nelle sale d’aspetto della Storia, la violenza delle rafle e quella della burocrazia.

La rivoluzione di chi tenta di scardinare il conformismo della visione, categorie e abitudini sedimentate, certezze acquisite, considerando il lavoro sul campo solo come un punto di partenza di un dialogo che continua, un’esplorazione che torna a più riprese sul materiale per indagarne le pieghe, individuare nuove aperture, provare a sovvertire l’ordine stabilito. Il Milano Film Festival presenta il cinema di Sylvain George e lo fa attraverso un racconto composito che passa per la presentazione di tutti i suoi cortometraggi e, tra i lunghi, di Les Eclats (ma gueule, ma révolte, mon nom) e Vers Madrid - The Burning Bright! per arrivare a una Carte blanche che «cerca una connessione con le preoccupazioni del momento» e culmina nel workshop con i giovani filmmaker milanesi realizzato insieme al Milano Film Network e a Filmmaker.

mages in black and white, footage shot with a super 8, in video, in digital and repertoires of free forms.

The lives of illegal immigrants and of those who are in the waiting room of History, the violence of rafles and of bureaucracy. The revolution of a filmmaker who attempts to unhinge the conformity of vision, categories and habits that have now become settled, acquired certainties, considering work in the field only as the starting point of a continuing dialogue, an exploration that returns on several occasions to the filmed material in order to explore its crevices, identify new openings and try and subvert the established order. The Milano Film Festival presents the cinema of Sylvain George and does so through a composite story which goes from the presentation of all his short films and, from his feature films, Les Eclats (ma gueule, ma révolte, mon nom) and Vers Madrid - The Burning Bright!, up to a Carte blanche which “seeks a connection with the concerns of the time” and culminates in a workshop with young Milanese filmmakers organized with Milano Film Network and Filmmaker.

to dal Milano Film Festival è una tua proposta.

Ce ne puoi raccontare la genesi?

Si trattava di trovare un titolo che riflettesse il senso del mio lavoro e allo stesso tempo facesse riferimento al workshop con i giovani filmmaker milanesi che concluderò durante il festival. La prima questione che mi pongo quando lavoro è come individuare forme cinematografiche nuove in grado di rispondere alle domande che tutti ci poniamo circa la nostra relazione con il mondo. Forme sperimentali che diano spazio a voci inascoltate, a gesti ignorati dai media dominanti. Il silenzio non è sempre silenzioso. Ci sono silenzi magnifici che si possono intendere come tali, altri che fanno un enorme rumore, che urlano per essere ascoltati. Come fossero parole mute, parole mai consegnate al destinatario, che arrivano dal passato e attendono di emergere, di raggiungere la superficie, trovare un posto nello spazio e nel tempo. Echoes of Silence/Rage of Immanence è per me questo: un tentativo di racconto di come realtà marginali e dimenticate, destinate a un’eterna attesa, dichiarino la propria esistenza. Come figure abitate da rabbia sorda, gioia meravigliosa, sentimenti di euforia, disperazione profonda, arrivino a sciogliere la propria rabbia e trovino il modo di rendersi visibili, di farsi udire. Una “rivelazione” che provoca un movimento rivoluzionario, radicale e critico che rimette in gioco le categorie filosofiche e politiche che regolano le nostre vite, categorie che si ritengono assodate e inamovibili. Per permettere questa “rivelazione”, per innescare questo movimento sovversivo, però, bisogna disporsi all’ascolto. L’attenzione è la disposizione richiesta al cineasta.

manence which summarizes the focus on your work organized by the Milano Film Festival. Can you tell us something about its genesis?

It was a question of finding a title that could reflect the meaning of my work and at the same time refer to the workshop with young Milanese filmmakers which I will conclude during the festival. The first question I ask myself when I work is how to identify new cinematic forms that can meet the questions that we all ask ourselves on our relationship with the world.

Experimental forms that give space to unheard voices, to gestures ignored by the dominant media. Silence is not always silent. There are magnificent silences that can be understood as such, others that make a huge noise, which scream out to be heard. As though they were silent words, words never delivered to the addressee, that arrive from the past and wait to emerge, to reach the surface, to find a place in space and time.

This is Echoes of Silence/Rage of Immanence for me: an attempt to relate how marginalized and forgotten realities, destined to wait for eternity, declare their existence. How figures inhabited by a voiceless rage, marvellous joy, feelings of euphoria and deep despair can unravel their anger and find the way of becoming visible, of being heard. A “revolution” that provokes a revolutionary, radical and critical movement which questions the philosophical and political categories that regulate our lives, categories that are thought to be set in stone. To allow this “revelation”, to trigger off this subversive movement, however, we have to be open to listening. Attention is the required attitude of the filmmaker.

L’idea di una “rivelazione” sembra poggiare su una fede quasi religiosa nel potere del cinema.

E sull’equivalenza poetico=politico.

Oggi vige una separazione netta tra estetico e politico.

Le discipline vengono considerate autonome: come se arte, letteratura, cinema fossero ognuna un mondo a sé, mondi rigorosamente separati dalla realtà quotidiana. Una posizione ideologica secondo la quale gli elementi più popolari della società non hanno diritto di cittadinanza nella modernità, o almeno nell’interpretazione vincente della modernità. Clement Greenberg nel suo saggio Avant-­‐garde and Kitsch rifiutava gli elementi “triviali” per privilegiare una visione elitaria dell’arte. Ma ci sono artisti, come Walt Whitman, Arthur Rimbaud o James Agee, che hanno proposto un’altra concezione della modernità. Poeti che, contro l’idea dell’arte per l’arte separata dalla vita, hanno fatto di tutta l’esperienza il punto di partenza della loro arte. Il nostro compito è prendere in contropiede la visione vincente della modernità, la lettura istituzionale di cui siamo prigionieri. Del resto possiamo fare dell’esperienza ciò che vogliamo. In Godard è evidente per esempio che la relazione dell’individuo con la città, o del singolo con gli altri individui all’interno della città, è una relazione politica. È questa l’etimologia di “politico”, ogni individuo è portatore di una dimensione

The idea of a “revelation” seems to be based on an almost religious faith in the power of the cinema, and on the equivalence of poetic=political.

Today there is a clear separation between aesthetic and political. Disciplines are considered autonomous: as though art, literature and cinema were each a world of their own, strictly separated from everyday reality. An ideological position according to which the most popular elements of society do not have the right to citizenship in modernity, or at least in the successful interpretation of modernity. Clement Greenberg in his book Avant-garde and Kitsch refused “trivial” elements to privilege an elitist vision of art. But there are artists, such as Walt Whitman, Arthur Rimbaud or James Agee, who proposed another concept of modernity. Poets who, against the idea of art for art’s sake separated from life, took all their experience as the starting point of their art. Our task is to wrong‐foot the successful vision of modernity, the institutional interpretation of which we are prisoners. Moreover we can do what we want with experience. In Godard, for example, it is clear that the relationship of the individual with the city or of the individual with other individuals in the city, is a political relationship. This is the etymology of “political”, each individual is the bearer of a political dimension, his way of speaking,

politica, il suo modo di parlare, di vestirsi, di presentarsi agli altri, la sua estetica è politica. Estetico è politico.

Non c’è modo di separare le due cose. Il cinema non è il modo per realizzare l’opera d’arte assoluta alla Wagner, ma un mezzo per mettere in relazione domini diversi: filosofia, letteratura, pittura, politica, attraverso un linguaggio che cerca di comprendere quotidianamente il mondo per tradurlo in atti cinematografici.

Il cinema non è uno specchio per le allodole, non è Hollywood, non è Babilonia, è un processo che porta a fare domande e dare risposte sulle relazioni con altri esseri umani. E la camera è un mezzo per parafrasare, definire, costruire una relazione tra sé e il mondo. È un lavoro che concerne il presente, il tempo, lo spazio, l’identità. È un movimento costante che non ha per forza origine in un dato biografico, ma è comunque un lavoro intimo. Io lavoro su elementi che vengono dalla mia storia personale, dalla mia infanzia, ma non credo che il mio lavoro nasca semplicemente dal fatto che da giovane ho fatto l’esperienza delle prime contestazioni nella banlieue di Lione dove sono cresciuto. Lì mi sono confrontato per la prima volta, in maniera indiretta, con le differenze razziali, politiche, territoriali, con la discriminazione. Sono cresciuto tra gli immigrati algerini di seconda generazione, la prima nata in Francia. I miei genitori mi avevano fornito delle griglie di pensiero che mi hanno guidato e io ero sensibile all’ingiustizia, ma queste non sono condizioni che determinano il lavoro e le scelte successive, semmai le nutrono.

Il lavoro che hai fatto sui migranti e sulla condizione dei sans papiers in Francia sembra avere una forte consonanza con gli studi postcoloniali, i Subaltern studies, l’opera di Edward Said, la sua revisione dei presupposti eurocentrici del pensiero filosofico e politico, che fa vacillare la proiezione delle nostre categorie sulle altre culture, la Storia su tutte.

Non fanno parte della mia formazione. Ma mi sono formato con filosofi europei che hanno rimesso in discussione i presupposti della filosofia classica occidentale, come Walter Benjamin, Gilles Deleuze, Günter Anders che hanno denunciato l’antropocentrismo, il logocentrismo, influenze profonde nella filosofia nel XX secolo.

Anders accusava il marxismo e la filosofia occidentale di non aver mai compiuto la rivoluzione copernicana, denunciava la vanità metafisica dell’essere umano, l’idea di uomo-­‐sole attorno a cui tutto il mondo ruota.

Deleuze ha introdotto l’idea che la politica si nutra di filosofia: questo è l’approccio che mi interessa quando lavoro sulle migrazioni. Mi interessa mostrare come le politiche sulla migrazione poggino su uno stato di eccezione temporaneo. Uno spazio sospeso tra l’eccezione e la regola. Questo è il territorio su cui ho lavorato. E l’ho fatto perché le politiche migratorie da 25 anni a questa parte in Europa hanno rappresentato un laboratorio dove sperimentare e prefigurare politiche di restrizione delle libertà fondamentali applicabili su più larga scala.

of dressing, of relating to others, his aesthetics are political. Aesthetical is political. There is no way the two things can be separated. The cinema is not the way to produce the absolute work of art in the style of Wagner, but a way to put different domains into relationship: philosophy, literature, painting, politics, through a language that tries to understand the world on a daily basis to translate it into cinematographic acts. The cinema is not fool’s gold, it is not Hollywood, it is not Babylonia, it is a process that leads to asking questions and giving answers on relations with other human beings. And the camera is a means to paraphrase, define and construct a relationship between the self and the world. It is work that concerns the present, time, space and identity. It is a constant movement that not necessarily has its origin in a biographical element, but it is nevertheless an intimate work. I work on elements that come from my personal story and from my childhood, but I do not think that my work simply comes from the fact that when I was young I had the experience of the first protests in the suburbs of Lyon where I grew up. It was there that I was confronted, for the first time, indirectly, to racial, political and territorial differences, with discrimination. I grew up amongst the “beur” generation of Algerian immigrants, the first to be born in France. My parents had given me a template of thought that guided me and I was sensitive to injustice, but these are not conditions that determine work and subsequent choices, at the most, they nourish it.

The work you did on immigrants and the condition of the “sans papiers” in France seems to have a strong association with post-colonial studies, subaltern studies, the work of Edward Said, his revision of the Eurocentric presuppositions of philosophical and political thought, which makes the projection of our categories on other cultures, History above all, tremble.

They are not part of my background, but I was formed

by European philosophers who questioned the assumptions of classic Western philosophy, such as Walter Benjamin, Gilles Deleuze and Günter Anders who denounced anthropocentrism and logocentrism, deep influences in 20th century philosophy. Anders accused Marxism and Western philosophy of never having carried out the Copernican revolution, he denounced the metaphysical vanity of the human being, the idea of a man-sun around which the whole world rotates.

Deleuze introduced the idea that politics is nourished by philosophy: this is the approach that interests me when I work on immigration. I am interested in showing how policies on immigration are based on a temporary state of exception. A space suspended between the exception and the rule. This is the territory on which I have worked. I have done so because the immigration policies of the past 25 years or so in Europe have represented a laboratory where to experiment and prefigure policies of the restriction of the funda-

mental liberties applicable on a wider scale.

E questo espone una drammatica contraddizione. Tutti i concetti sbandierati nelle costituzioni europee, tutti i valori fondanti dell’illuminismo -­libertà, uguaglianza -­quando si tratta di migranti, vengono sospesi. Rimettendo in discussione la natura democratica delle nazioni europee.

L’immigrazione è un buon indicatore dello stato delle democrazie occidentali. E del modo in cui si costruiscono e si reggono. Certo, è un argomento di cui si parla molto nei media, ma banalizzandolo. L’immigrazione è un indicatore di molti dati: la questione postcoloniale o neocoloniale, la proliferazione degli status giuridici, il lavoro. Pensiamo all’economia che si regge su questi flussi in costante arrivo. L’Europa ha bisogno di quel tipo di manodopera, in nero, a basso costo. I migranti vengono a soddisfare un bisogno del mercato. Perciò osservare da vicino la questione permette di connettere diverse problematiche ed espone molte delle contraddizioni del liberismo. Gli immigrati non sono solo quelli di cui favoleggiava Nicolas Sarkozy.

Nicolas Sarkozy è molto presente nel tuo lavoro. Incarna un’idea di Stato molo precisa.

Ho iniziato a far cinema nel 2005, non era passato molto tempo dalla rielezione di Chirac, dalla vittoria contro Le Pen al secondo turno (2002, ndr). Sarkozy era ministro dell’Interno. Per farsi notare, in un momento in cui evidentemente si voleva lusingare la destra, Sarkozy ha prodotto una legge durissima sulla questione migratoria nel 2003 e, negli anni, è tornato sul tema con nuovi provvedimenti, sempre all’insegna della chiusura. Sarkozy è un attore di talento, molto bravo a rendere presentabili anche idee di estrema destra. Grazie a lui sono tornati ampiamente in auge i valori della destra degli anni Trenta.

Con François Hollande è cambiato qualcosa?

Le politiche sono le stesse, è cambiato solo il linguaggio, il clima. E non c’è più lo sfruttamento a scopo elettorale della questione migratoria. La destra non parlava d’altro. E non sempre si è rivelata una buona strategia. Sarkozy nell’ultima campagna elettorale, quella in cui ha perso a favore di Hollande, ha fatto gran ricorso alla questione migratoria, ma non gli è servito. Il solo vero cambiamento apportato da Hollande è stato porsi il problema della presenza dei bambini nei centri di detenzione, si può forse dire che abbia inaugurato delle politiche più umane. Ma il diritto d’asilo è ancora difficilissimo da ottenere, si valuta ogni singolo caso. La Francia in questo non si discosta da tutti gli altri paesi occidentali: i partiti che si dicono di sinistra non sono più di sinistra. Il Partito socialista in Francia è di fatto un partito neo-­liberista che non si differenzia dalla destra, se non per il fatto di incarnare dei “valori” progressisti, e che si riduce a fare leggi simboliche, come quella per il diritto al matrimonio per gli omosessuali o l’abolizione della pena di morte (nel

This exposes a dramatic contradiction. All the concepts bandied about in the European constitutions, all the founding values of the Enlightenment – liberty, equality – are suspended when it comes to immigrants – challenging the democratic nature of the European nations.

Immigration is a good indicator of the state of Western democracies and of the way in which they are built up and continue to exist. It is of course a subject that is greatly discussed in the media, trivializing it.

Immigration is an indicator of many elements: the post-colonial or neo-colonial question, the proliferation of legal statuses, work. Let’s consider the economy which is supported on these constantly arriving flows. Europe needs that type of illegal, lowcost labour. Immigrants come to satisfy a market need. Therefore looking at the question from close hand, allows connecting several issues and exposes many of the contradictions of liberalism. The immigrants are not only the ones Nicolas Sarkozy told stories about.

Nicolas Sarkozy is very present in your work. He embodies a very precise idea of the State.

I started making films in 2005, not long after Chirac had been re-elected and his victory against Le Pen in the second round of the elections (2002, Ed.’s note). Sarkozy was the Minister of the Interior. To get himself noticed, at a time when clearly he wanted to flatter the right, Sarkozy produced a very harsh law on the question of immigration in 2004 and, as the years went by, he returned to the subject with new measures, always characterized by a lack of openness.

Sarkozy is a talented actor, excellent at making even the ideas of the far right presentable. Thanks to him, the values of the right of the 1930s have come back into fashion.

Has anything changed with François Hollande?

The policies are the same, only the language and the climate have changed, and the immigration question is no longer exploited for election purposes. The right spoke of nothing else. This did not always turn out to be the right strategy. In his last election campaign, the one he lost against Hollande, Sarkozy made great use of the immigration question, but it did not help him. The only real change brought about by Hollande has been to bring up the problem of the presence of children in the detention centres; we can perhaps say that he has inaugurated more humane policies, but it is still very hard to obtain asylum and each application is examined on an individual basis. In this, France is no different from all the other Western countries; the parties that say they are left-wing are no longer left-wing. The Socialist Party in France is a de facto neo-liberalist party which is no different from the right, except for embodying progressive “values” and which is reduced to passing symbolic laws, such as

1981, sotto la presidenza Mitterrand, ndr), simboliche, importanti, ma non essenziali. Leggi che fungono da alibi nei confronti dell’abbandono sistematico di reali politiche di sinistra.

Parlavi dell’imperativo dell’attenzione per il cineasta. È una condizione favorita quando si lavora da soli come fai tu?

Ho deciso che avrei fatto film quando avevo 18 anni, ma per ragioni diverse non ci sono riuscito fino al 2005. Per vent’anni il cinema è stato in incubazione dentro di me, per vent’anni non ho pensato ad altro, ogni giorno. Sapevo che un giorno l’avrei fatto, non sapevo come, ma ne ero certo. Alla fine, quando finalmente ci sono arrivato, ho capito che, contrariamente a quello che si crede, non è l’équipe tecnica che fa il cinema, il cinema è un gesto che corrisponde a un bisogno interiore: la camera diventa il modo per entrare in relazione con il mondo e con se stessi. È qualcosa di molto personale. Capito questo, si può lavorare da soli o con una troupe, ma si è comunque sempre soli.

Sviluppando poi abilità tecniche, ho compreso che si possono fare film anche con un telefonino o con una piccola camera digitale, cosa che mi ha liberato, disinibito. In Francia c’è l’abitudine a creare strutture produttive pesanti, a percorrere percorsi precostituiti (devi fare tre corti prima di fare un lungo, per esempio), ma questi sono modi di pensare formali, aridi. Io non ho mai studiato cinema, ho visto molti film, ho letto molto, ma non ho mai frequentato una scuola. E non ho fatto il percorso canonico facendo prima l’assistente. Non l’ho fatto perché non volevo far sfiorire il mio desiderio di cinema, l’ho mantenuto intatto, non l’ho sporcato. Quando sono partito l’ho fatto in modo intimo, personale, il cinema è diventato il mezzo che ho trovato per essere quello che sono, non un mestiere. E lavorare solo mi ha permesso di sperimentare la relazione con l’altro, di concentrarmi sul soggetto del mio lavoro e mi ha dato fiducia in me stesso. All’inizio il sentimento che mi guidava era la collera, poi sono intervenuti la gioia, l’amore, ma l’energia era sempre debordante, perciò avevo bisogno di essere solo. E oggi con i mezzi tecnici di cui disponiamo ci troviamo nella stessa condizione dello scrittore. Si può lavorare da soli, fare un lungometraggio, dall’inizio alla fine, da soli. Io poi sono abituato alla riflessione solitaria sulle idee, ho scritto, ho fatto della scultura, sempre da solo.

Questo non significa che rifiuti la collaborazione, il mio non è autismo. Collaboro con musicisti - Archie Shepp, Max Roach -­la mia non è una chiusura. Ma i soggetti, le situazioni che interessano a me non consentono ingressi in gruppo: sarebbe volgare, quasi pornografico, portare un’équipe a Calais. Un uomo con una camera è l’ideale.

Il tuo ultimo film, Vers Madrid -­The Burning Bright!, nella versione che verrà presentata al Milano Film Festival è frutto di una revisione.

Sei un cineasta abituato a tornare e ritornare

the one on homosexual marriage or the abolition of the death penalty (in 1981, under President Mitterrand, Ed.’s note); these laws are symbolic and important, but not essential. They act as alibis for the systematic abandon of real left‐wing policies.

You mentioned the imperative of attention for the filmmaker. Is this your favourite condition when you work on your own, as you do?

I decided when I was 18 that I would make films, but for a number of reasons I did not succeed until 2005.

For twenty years the cinema was in incubation inside me, for twenty years I did not think of anything else, every single day. I knew that one day I would succeed, I did not know how, but I was certain of it. In the end, when at last I made it, I realized that, contrary to what you think, it is not the technical crew that makes cinema, the cinema is a gesture that corresponds to an inner need; the camera becomes the way to come into contact with the world and with oneself. It is something very personal. Once you’ve understood this, you can work on your own or with a crew, but you are always on your own. Developing technical skills, I understood that you can even make a film with a mobile phone or with a small digital camera, which is something that emancipated me and made me freer.

In France there is the habit of creating cumbersome production structures, of following pre-established paths (you have to make three shorts before a feature, for example), but these are formal and arid ways of thinking. I have never studied cinema, I’ve seen many films, but I never went to film school. Nor have I followed the standard path of being an assistant director first of all. I did not do this because I did not want my desire for the cinema to fade, I have kept it intact, I have not sullied it. When I started, I did it intimately and personally, the cinema has become the means that I found to be what I am, not a trade. Working on my own has allowed me to experiment with my relationship with the other, to concentrate on the subject of my work and has given me self-confidence. At first, the feeling that guided me was anger, then came joy and love, but always brimming over with energy, so I needed to be alone. Today, with the technical means at our disposal, we are in the same condition as a writer. You can work on your own, make a feature film, from the beginning to the end, on your own. I am used to reflecting in solitude on ideas: I wrote, I did sculpture, always on my own. This does not mean that you refuse collaboration, mine is not autism. I work with musicians – Archie Shepp, Max Roach – I am not closed to others. The stories and the situations that interest me do not allow making group entrances: it would be vulgar, almost pornographic, to take a crew to Calais.

One man with a camera is ideal.

Your last film, Vers Madrid - The Burning Bright!, in the version which will be screened at the Milano Film Festival, is the result of a revision. Are you a

sul proprio lavoro.

Vers Madrid è stato, fin dall’inizio, un film di totale improvvisazione. Quando sono partito per Madrid non avevo nessuna intenzione di fare un film. Volevo vedere quello che succedeva. Dopo le sollevazioni nel mondo arabo molti si chiedevano se Madrid sarebbe stata la prima rivoluzione europea del XXI secolo e io volevo esserci. Una volta lì ho cominciato a filmare.

Le richieste dei festival sono arrivate quasi subito, a partire dalla Mostra di Venezia. Mi sono ritrovato allora a prendere impegni che non avrei dovuto prendere e mi sono trovato a presentare una versione che non mi convinceva. Vers Madrid è un lavoro molto diverso da Les Eclats il cui montaggio ha richiesto cinque anni. Vers Madrid è una forma improvvisata, realizzata nell’urgenza, un Newsreel -­la forma collettiva di cinema creata da Robert Kramer -­una forma breve, una contro-­narrazione sull’attualità che vuole dar conto di un movimento che è ancora in corso. La forma è modesta, breve, si può dire che il film sia costituito da scene autonome: il principio del Newsreel al primo grado, eventi registrati dal vivo. Si può dire che io abbia lavorato alla stessa maniera dei media, ma toccando il presente si può raggiungere la Storia, quando ancora ancora non si è fatta Storia. Afferrare il tempo (Seize the time, dal film del ’70 di Antonello Branca sulle Pantere nere, è il titolo che Sylvain George ha scelto per il workshop con i giovani filmmaker milanesi, ndr) significa cogliere la verità del momento, il suo spirito…

Perciò ho deciso di lavorare nuovamente al montaggio del film per farne ciò che volevo fare fin dall’inizio.

Quello che presenterò a settembre, a Milano.

Intervista a Sylvain George di Paola Piacenza BIOGRAFIA: Sylvain George, dopo studi filosofici, si è dedicato al cinema realizzando film sperimentali sul tema dell’immigrazione e dei movimenti sociali. Ha collaborato con artisti come Archie Shepp, William Parker, Valérie Dréville, Okkyung Lee, John Edwards, John Butcher. Le sue opere sono state proiettate sia in circuiti militanti sia in festival internazionali, tra cui il FID Marseille, DocLisboa, Rotterdam, la Mostra del cinema di Venezia e il Torino Film Festival. Per i suoi lavori ha ricevuto riconoscimenti in diversi festival: Qu’ils reposent en révolte (Des figures de guerres I) ha vinto, tra gli altri, il premio come miglior film nel concorso internazionale al festival Filmmaker nel 2010 e al Bafici 2011, dove si è anche aggiudicato il premio FIPRESCI. Les Eclats (Ma gueule, ma révolte, mon nom) nel 2011 ha vinto come miglior documentario internazionale al Torino Film Festival e quest’anno Vers Madrid -­The Burning Bright! ha ricevuto la menzione speciale della giuria al MedFilmFestival.

filmmaker used to returning over and over again to his work?

From the very beginning, Vers Madrid was a film of total improvisation. When I left for Madrid, I had no intention of making a film. I wanted to see what was happening. After the uprisings in the Arab world, many people were wondering whether Madrid would have been the first European revolution of the 21st century and I wanted to be there. Once I arrived, I started filming. Requests from festivals came pouring in, almost immediately, starting with the Venice Film Festival. So I found myself with obligations which I should not have taken on and I had to present a version which I was not fully convinced of. Vers Madrid is very different from Les Eclats which took 5 years to edit. Vers Madrid is an improvised form, made in a state of urgency, a Newsreel – the collective form of cinema created by Robert Kramer – a short form, a counter- narration on current affairs which wants to relate a movement that is still happening. The form is modest and short, we can say that the film is made up of autonomous scenes: the principle of the Newsreel in the first degree, events recorded live. We can say that I worked in the same way as the media, but touching on the present you can reach History, when History has not yet been made. Seize the time (from the 1970 film by Antonello Branca on the Black Panthers and the title that Sylvain George has chosen for the workshop with the young Milanese filmmakers, Ed.’s note) means seizing the truth of the moment, its spirit… So I have decided to work again on the editing of the film to do what I wanted with it from the beginning: it is the one I will be presenting in Milan in September.

Interview with Sylvain George

by Paola Piacenza BIOGRAPHY: Sylvain George, after studying philosophy, produced some experimental films, on the theme of immigration and socials movements. He makes some collaborations with artists as Archie Shepp, William Parker, Valérie Dréville, Okkyung Lee, John Edwards, John Butcher. His films are screened in militant networks, underground place as well as in national and international films festivals, such as FID Marseille, DocLisboa, International Film Festival Rotterdam, Lima Independent Film Festival, Venice and Turin Film Festival. His films won several prizes: May they rest in revolt (Figures of wars I) won, among others, the prize for the best international film at the Filmmaker Film festival 2010 and at the Bafici, where he received also the FIPRESCI prize.

The outbursts (My mouth, my revolt, my name) won the prize of the best international film at the Torino Film festival 2011 and Vers Madrid - The Burning Bright! received the Special mention of the jury at the MedFilmFestival 2013.

N’ENTRE PAS SANS VIOLENCE DANS LA NUIT FRANCE / 2005 - 2008 / HD / 23’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Noir production PRODUTTORE / PRODUCER: Sylvain George SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sylvain George MONTAGGIO / EDITING: Sylvain George FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sylvain George SOUND EDITOR: Sylvain George MUSICA / MUSIC: Max Roach DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Noir production

L

a rabbia nel cuore. Colpito in pieno. Un quartiere di Parigi si ribella rivolta spontaneamente contro arresti ed espulsioni di massa. E l’eco della disperazione e della collera non ha eguali se non l’ingiustizia che colpisce la gente giorno dopo giorno. Gestus storico, che rimanda alle lotte popolari più belle, più tenui, più fragili: gli schiavi di Spartaco, gli insorti della Comune di Parigi, i neri afroamericani...

R

age in the heart. With full force. Against mass expulsions and arrests, a district of Paris revolts spontaneously. And the echo of despair and anger has no equal other than the injustice that strikes people day after day. Historic Gestus, which refers to the finest popular struggles, the more tenuous, the weakest: slave of Spartacus, insurgents of the Commune, African Americans...

NO BORDER (ASPETTAVO CHE SCENDESSE LA SERA) FRANCE / 2005 - 2008 / SUPER 8 / 23’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Noir production PRODUTTORE / PRODUCER: Sylvain George SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sylvain George MONTAGGIO / EDITING: Sylvain George FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sylvain George SOUND EDITOR: Sylvain George MUSICA / MUSIC: Arvo Part, Ligeti, Schnittke DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Noir production

P

arigi, città aperta. Orgia di vertigini delle commemorazioni. Rovine.

Venti. Maree. Giovani migranti iracheni, afgani, iraniani vagano per le strade tra mense popolari e accampamenti di fortuna. Partendo, mettono in crisi l’ordine delle cose e la società borghese. Un movimento di emancipazione nasce, profondamente malinconico ed elegiaco: ridefinire il concetto di rivoluzione attraverso un nuovo concetto di Storia.

P

aris, Open City. Commemorations’ vertigo. Ruins. Winds. Tides. Young Iraqi, Afghanian, Iranian migrants roam the streets among soup kitchens and improvised camps. Leaving, they put in crisis the order of things and the bourgeois society. An emancipation movement occurs, deeply melancholic, elegiac: redefine the concept of revolution through a new concept of History.

ILS NOUS TUERONT TOUS...

FRANCE / 2009 / HD / 10’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Noir production PRODUTTORE / PRODUCER: Sylvain George SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sylvain George MONTAGGIO / EDITING: Sylvain George FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sylvain George SOUND EDITOR: Sylvain George MUSICA / MUSIC: Zoxea DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Noir production

D

escrizione, nel cuore della notte, nei pressi del porto di Calais, di un retata d’immigrati. Descrizione, nel buio, di una notte politica.

D

escription, in the dark night, near the port of Calais, of a raid of migrants. Description, in the dark, of a political night.

LES NUÉES FRANCE / 2012 / HD / 7’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Noir production PRODUTTORE / PRODUCER: Sylvain George SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sylvain George MONTAGGIO / EDITING: Sylvain George FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sylvain George SOUND EDITOR: Sylvain George DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Noir production

S

empre a Calais, il sole sorge, una retata finisce. Gli uomini si levano dalla terra, la vita riprende il suo corso. La sovranità di alcune azioni...

C

alais always, the sun rises, a raid ends. Men out of the ground, life takes its usual course. Sovereignty of certain actions...

CONTRE-FEUX 1 ET 2 POUR LE RETRAIT DU PROJET DE LOI SUR L’IMMIGRATION ET LA RÉGULARISATION SANS CONDITION DE TOUS LES SANS – PAPIERS FRANCE / 2006 - 2007 / HD / 5’, 12’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Noir production PRODUTTORE / PRODUCER: Sylvain George SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sylvain George MONTAGGIO / EDITING: Sylvain George FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sylvain George SOUND EDITOR: Sylvain George DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Noir production

Q

uesto “comunicato visivo” mostra come il nuovo progetto di legge sull’immigrazione, o proposta di riforma del Codice sull’ingresso e il soggiorno degli stranieri e del diritto d’asilo (CESEDA), presentato giovedì 9 febbraio al consiglio interministeriale, è una vera macchina da guerra concepita contro gli stranieri. Una macchina per distruggere l’esistenza (famiglia, salute, solidarietà...), e allo stesso tempo, una macchina per produrre degli immigrati irregolari, degli schiavi nell’ombra. Chiamano l’insieme della popolazione a sventare queste macchinazioni e mobilitarsi.

T

his “visual statement” shows how the new bill on immigration, or proposal to reform the Code of Entry and Stay of Aliens and Asylum (CESEDA), presented Thursday, February 9th in the interministerial council is an absolute machine designed for war against foreigners. A machine to destroy the existence (Family, health, solidarity...), at the same time a machine to produce irregular immigrants, slaves of the shadow.

They call for the people to thwart these machinations and mobilize.

CONTRE-FEUX 6 COMMENT BRISER LES CONSCIENCES? FRAPPER! FRANCE / 2005 - 2007 / HD / 16’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Noir production PRODUTTORE / PRODUCER: Sylvain George SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sylvain George MONTAGGIO / EDITING: Sylvain George FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sylvain George SOUND EDITOR: Sylvain George DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Noir production

M

artedì 11 ottobre 2005, la polizia espelle per ordine della prefettura otto famiglie africane dai due immobili malsani che occupavano da cinque anni pagando l’affitto a un affittacamere senza scrupoli. Dopo aver rifiutato le tre notti d’albergo che prevede la legge e aver trovato rifugio in una casa del quartiere, le famiglie si ritrovano nuovamente espulse dagli agenti della squadra mobile CRS, per la seconda volta, nello stesso giorno: questa volta l’ordine viene dal comune. Due persone sono finite all’ospedale.

T

uesday, October 11th, 2005, by order of the prefecture the police expelled eight African families out of two unsanitary buildings they had been occupying for five years, paying rent to a slum landlord. After refusing the three hotel nights given by the law and after finding refuge in a house in the neighbourhood, the families are once again evicted by the CRS, for the second time in a day, this time by order of the city hall.

Two people were sent to the hospital.

EUROPE ANNÉE 06 (FRAGMENTS CEUTA) FRANCE / 2006 / MOBILE PHONE / 19’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Noir production PRODUTTORE / PRODUCER: Sylvain George SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sylvain George MONTAGGIO / EDITING: Sylvain George FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sylvain George SOUND EDITOR: Sylvain George DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Noir production

R

imbaud/Genet/Buñuel/Rossellini/Pasolini... Degli adolescenti algerini sopravvivono in un capannone a Ceuta, aspettando di raggiungere l’Europa. Sì, Signori, Signore, parliamo di una certa idea della giovinezza.

Della giovinezza come migrazione, e delle migrazioni come la primavera che arriva puntualmente ogni anno. La primavera – o, come direbbe Pasolini, il risveglio dei sessi – arte dell’incontro e cuore vagabondo, e che rimanda l’Europa e l’ordine stabilito a ciò che sono: dei vecchi (Posture di ripiego. Conservazione di sé. Paura). Non potrete mai più sfuggirli!

R

imbaud/Genet/Buñuel/Rossellini/Pasolini... Algerian teenagers survive in a hangar at Ceuta, waiting to reach Europe. Yes, Gentlemen, Ladies, there goes a certain idea of youth. Youth as migration and migration as the spring that comes with every new year. Spring or the sexual awakening as would say Pasolini, art of meeting and gypsy heart, and that cast Europe and the established order to what they are: old (Postures of recess. Self-conservation. Fear). You will never ever escape them!

UN HOMME IDÉAL (FRAGMENTS K) FRANCE / 2006 - 2007 / MOBILE PHONE / 25’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Noir production PRODUTTORE / PRODUCER: Sylvain George SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sylvain George MONTAGGIO / EDITING: Sylvain George FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sylvain George SOUND EDITOR: Sylvain George DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Noir production

U

n film sulla famiglia K. Una famiglia algerina « sans-papiers » da più di sei anni e che incontra tutti i criteri del decreto Sarkozy. Come le 30.000 famiglie che hanno riposto la loro ultima speranza nel decreto, aspetta, aspetta e aspetta... Nel frattempo, scopriamo un viso pietrificato, quello di una società francese in stato di guerra.

A

film about K family. An Algerian family « sans-papiers » for over six years and who meets all the criteria of the Sarkozy Decree Law. Like the 30,000 families who have placed their last hope in this Decree, she waits, waits and waits... In the meantime, we discover a petrified face, that of a French society at state of war...

LES ECLATS (MA GUEULE, MA RÉVOLTE, MON NOM) FRANCE / 2011 / HD / 84’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Noir production PRODUTTORE / PRODUCER: Sylvain George SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sylvain George MONTAGGIO / EDITING: Sylvain George FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sylvain George SOUND EDITOR: Sylvain George MUSICA / MUSIC: Diabolo CAST: Valérie Dréville (voice/voce) DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Les Éclats Italia

F

rammenti di voci, di risate e di rabbia; brandelli di parole, di immagini e di ricordi. Parole del vicino e del lontano, di ieri e di oggi; il soffio del vento, i movimenti del sole al tramonto, i riflessi rosso sangue. Retate della polizia, processioni guerriere, corte d’ingiustizia... Per una cartografia della violenza inflitta alle persone migranti, della ripetizione delle gesta coloniali e del carattere inaccettabile del “come va il mondo”.

F

ragments of voices, laughter and rage; snatches of words, images and memory; the words near and far, from yesterday, from today; the breathe of the wind, the gesture of the sun at the sunset, the reflections red-blood; the raids of the police, processions warriors, court of injustice... For a map of the violence inflicted on migrants, the repetition of the colonialism, and the unacceptability of the “world as it is.”.

VERS MADRID-THE BURNING BRIGHT !

(SCENES FROM THE CLASS STRUGGLE AND THE REVOLUTION) FRANCE / 2013 / HD / 150’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Noir production PRODUTTORE / PRODUCER: Sylvain George SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sylvain George MONTAGGIO / EDITING: Sylvain George FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sylvain George SOUND EDITOR: Sylvain George MUSICA / MUSIC: John Butcher CAST: Valérie Dréville (voice/voce) DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Noir production

Q

uesto film è un cinegiornale. Un cinegiornale che mostra alcune vedute, scene e momenti della lotta di classe e rivoluzione di Madrid nel 2011 e 2012. Un “cinegiornale sperimentale” che tenta di mostrare alcuni esperimenti politici e nuove forme di vita messi in atto da persone e generazioni di persone rimaste troppo a lungo in silenzio. Il 15M, il movimento degli indignados, è il primo grande “movimento” all’inizio di questo ventunesimo secolo. Una corrente, trans nazionale e trans storica, che ha riportato in auge concetti e idee che sembravano dimenticati: demos, logos, rivoluzione... Alla Puerta del Sol il passato e il futuro si incontrano nel presente, dove sono realizzati e costantemente reinventati. Le nazioni europee e il mondo si sono rivolti alla Puerta del Sol di Madrid come i fiori al sole.

T

his film is a newsreels. A newsreels which present some views, scenes, moments of the class struggle and the revolution in Madrid in 2011 and 2012. A “newsreel experimental” which trying to present some politicals experimentations and new life forms, implemented by the peoples and generations of people remain too long in silence. The 15 M is the first major “movement “ in the beginning of this XXI century. A deep movement, trans-border and trans- historical, which come from afar, and reactive and work these ideas and concepts that were thought forgotten: demos, logos, revolution ... Place Puerta del Sol, past and future meet in the present, where they are produced and constantly reinvented. To Madrid, Place Puerta del Sol, the countries of Europe and the world had turned like the flowers to the sun.

JOHN BUTCHER ENGLAND / SAXOPHONIST / JAZZ

Brighton, UK

J

ohn Butcher, nato a Brighton ma trasferitosi a Londra, dal 1982 ha collaborato con musicisti come Derek Bailey, John Stevens, Gerry Hemingway, The EX, Polwechsel, Gino Robair, Rhodri Davies. Come sassofonista spazia da improvvisazione, composizione, feedback e amplificazione. « Ci sono delle realtà impercettibili che non si lasciano avvicinare, prendere e tradurre se non da quell’arte del soffio e del tempo, della continua fuga con lo spazio, del gioco demoltiplicato e della sospensione decisiva.

Con Archie Shepp e pochi altri, John Butcher è uno di quei medium che captano questi segnali segreti per interpretarli e trasmetterli. Free! Free, jazz and noise! Ovviamente! » Sylvain George

J

ohn Butcher, who was born in Brighton but moved to London, since 1982 has worked with musicians like Derek Bailey, John Stevens, Gerry Hemingway, The EX, Polwechsel, Gino Robair and Rhodri Davies. As a saxophonist, he ranges from improvisation and composition to feedback and amplification. « There are imperceptible realities that cannot be approached, perceived and translated except by that art of blowing and time, the continuous fleeing with space, the demultiplied effect and the decisive suspension. With Archie Shepp and very few others, John Butcher is one of those mediums who pick up these secret signals to interpret and pass them on. Free! Free, jazz and noise! Obviously! »

SOLO ALBUMS Plume 2007 & 2011 Winter Gardens 2011 Bell Trove Spools 2010-2011 Resonant Spaces 2006 The Geometry of Sentiment 2004- 2006 Horn_Bill Cavern with Nightlife 2002

Invisible Ear 2003 Fixations (14) 1997 - 2000 London & Cologne 1994 - 1996 13 Friendly Numbers 1991 Trace 2009 - 2010

WHITE CARD TO SYLVAIN GEORGE OH LIBERTY! (EXPERIMENT THE FORMS, EXPERIMENT THE JUSTICE)

D

escrizione di paesaggi poetici, politici e cinematografici, o come affrontare le biopolitiche dispiegate dalle società occidentali, il cinema come superficie assoluta e immanenza pura, che apre il “reale”, lo rigira come un guanto, l’allegorizza in multiple sperimentazioni formali al fine de far sentire il lamento muto della natura e dell’uomo in movimento. Nuove forme di vita.

D

La tierra quema (The Land Burns) Raymundo Gleyzer / Brazil / 1964 / 16mm / 12’

Cerdos devorando la penìnsula italìca Santiago Sierra / Italy / 2013 / HD / 11’

Capitalism: Slavery Ken Jacobs / USA / 2006 / HD / 3’

Sekiz Haziran (The Eighth of June) Burak Cevik / Turkey / 2013 / HD / 10’

Capitalism : Child Labor Ken Jacobs / USA / 2006 / HD / 14’

Austerity Measures Guillaume Cailleau, Ben Russell / Germany / 2012 / 16mm / 8’

The Horse Charles Burnett / USA / 1973 / 16mm / 14’ Swift 1971 Raymundo Gleyzer / Argentina / 1971 / 16mm / 12’ Manifestación 26S | Exige al policía que le ha golpeado que se identifique Unknown / Spain / 2012 / HD / 2’ Ja arriba el temps de remenar les cireres Jorge Tur / Spain / 2012 / HD / 12’ Los encargados Santiago Sierra, Jorge Galindo / Spain / 2013 / HD / 2’

escription of poetic, political and cinematic landscapes, or how to approach the biopolicies deployed by Western societies, the cinema as an absolute surface and pure immanence, which opens up the “real”, turns it inside out like a glove, allegorizes it in multiple formal experimentations in order to make the silent lament of nature and man in movement heard.

New forms of life.

Gravity Hill Newsreels: Occupy Wall Street, No. 5 Jem Cohen / USA / 2011 / HD / 7’ Dans le noir du temps (segment of Ten Minutes Older: The Cello) Jean-Luc Godard / France / 2002 / HD / 11’ All My Life Bruce Baillie / USA / 1963 / 16mm / 3’

THE OUTSIDERS 12 O’Clock Boys Lotfy Nathan / USA / 2013 / HD / 75’ (Italian Première) A Band Called Death Mark Christopher Covino, Jeff Howlett / USA / 2012 / HD / 96’ (Italian Première) La corazzata Potëmkin (Bronenosets Potyomkin) Sergej Michajlovič Ėjzenštejn / URSS / 1925 / 16mm / 67’ Diego Star Frédérick Pelletier / Canada, Belgium / 2013 / HD / 91’ (Italian Première) Le donne della Vucciria Hiam Abbass / Italy, France / 2013 / HD / 7’ Fahtum pandinsoong (Boundary) Nontawat Numbenchapol / Thailand, Cambodia, France / 2013 / HD / 96’ (Italian Première) Finding the Funk Nelson George / USA / 2013 / HD / 78’ (Italian Première) Gore Vidal - The United States of Amnesia Nicholas D. Wrathall / USA / 2013 / HD / 89’ (Italian Première) Hopper vu par…

Mathieu Amalric, Valérie Mrejen, Sophie Barthes, Dominique Blanc, Valérie Pirson, Sophie Fiennes, Martin de Thurah, Hannes Stöhr / France / 2012 / 35mm, HD / 52’ (Italian Première)

T

he Outsiders affianca dal 2010 le sezioni competitive del festival, integrando i percorsi del Concorso o raccogliendo frutti emersi a margine del lavoro di selezione. Abbiamo tentato a più riprese di delineare una traccia coerente, tra opere che nascono nel riposizionarsi continuo dei generi e delle forme cinematografiche. L’idea è quella di interpretare i nostri Outsiders come un discorso, o le note a margine di un discorso, di trovare denominatori comuni, traiettorie che travalichino la qualità delle singole opere, più o meno perfette, più o meno mature.

Il concetto stesso di outsider implica un’estraneità al nucleo, un’eccentricità, che ci ha fatto riflettere su almeno due linee paradigmatiche, nell’impostazione

Lej en familie A/S (Rent a Family Inc.) Kaspar Astrup Schröder / Denmark / 2012 / HD / 75’ (Italian Première) Lunarcy!

Simon Ennis / Canada / 2012 / HD / 80’ (Italian Première) Mittsommernachtstango (Midsummer Night’s Tango) Viviane Blumenschein / Argentina, Finland, Germany / 2012 / HD / 82’ (Italian Première) Museum Hours Jem Cohen / Austria, USA / 2012 / S16mm, HD / 106’ (Italian Première) Parade Olivier Meyrou / France / 2013 / HD / 72’ (Italian Première) Pardé (Closed Curtain) Jafar Panahi, Kamboziya Partovi / Iran / 2013 / HD / 106’ (Italian Première) Sogno di una notte di mezza estate Felice Cappa / Italy / 2013 / HD / 140’ (Italian Première) Le Straordinarie avventure di Mr. West nel paese dei bolscevichi (Neobychainye priklyucheniya mistera Vesta v strane bolshevikov) Lev Vladimirovic Kulešov / URSS / 1924 / 16mm / 98’ Upstream Color Shane Carruth / USA / 2013 / HD / 96’ (Italian Première)

S

ince 2010, alongside the competitive sections of the festival there has been The Outsiders, supplementing the orientations of the Competition or showcasing works that emerged on the sidelines of the section. On several occasions we have attempted to make a consistent outline from works that are the result of a continuous repositioning of genres and cinematic forms. The idea is to interpret our Outsiders as a discourse, or the notes in a margin of a discourse, of finding common denominators, trajectories that go beyond the qualities of the individual films, which can be more or less perfect, more or less mature.

The very concept of outsider implies extraneousness to the core, an eccentricity that has made us reflect on at

del nostro discorso: famiglia (ovvero appartenenza, inclusione) e distanza/lontananza: linee connesse, come cardo e decumano.

Ed ecco che troviamo storie di figure ai margini, il senso di esclusione, la lontananza da casa: è il caso dello spaesamento, sullo sfondo di un dramma quasi biblico, del meccanico ivoriano protagonista di Diego Star. C’è chi invece, come i protagonisti di Lunarcy! ha fatto di un altrove ancora in gran parte mitico, sfiorato dalla storia ma ancora sostanzialmente inesplorato, l’unica ragione della propria esistenza.

Senza dubbio all’incrocio simbolico delle due tracce va la riverente osservazione di un modello (di un mito) adulto alternativo (non necessariamente positivo) e la determinazione a emularlo, dall’incolmabile lontananza anagrafica, del protagonista di 12 O’Clock Boys: un afflato in cui non è difficile riconoscersi.

Ma la lontananza può anche essere di ordine cronologico: la ricerca storica ci ha abituati ai benefici di un’osservazione del passato dalla giusta distanza.

Gore Vidal: United States of Amnesia ha al centro uno dei grandi outsiders del Novecento americano, che ha vissuto su di sé il paradosso di essere vicino al potere e alla casta dominante, tanto da poter “descrivere vizi e virtù della società americana” con la penna e col grandangolo, ed essere però escluso dalla politica attiva, estromesso dal perbenismo di quella stessa classe dominante.

Prospettiva storica è anche confronto con i classici: ecco allora spuntare nella nostra selezione Le straordinarie avventure di Mr. West nel paese dei bolscevichi di Kulešov e La corazzata Potëmkin di Ėjzenštejn, ma anche il film sull’attualità di un classico teatrale come Sogno di una notte di mezza estate di Felice Cappa.

Nel presente, come nel passato, nulla può essere più intangibile di una linea di confine in mezzo alla foresta, a segnare distanze che in natura non esistono: lo evidenzia Boundary, sulla carne viva di una ferita tra Cambogia e Tailandia.

Di nuovo, al crocevia dei nostri sentieri, troviamo tre storie di musica e musicisti: quella raccontata da A Band Called Death sarebbe impossibile senza la riscoperta e rilettura a distanza, da parte dei figli, della musica di assoluta avanguardia dei genitori, a suo tempo incompresa e forse per questo abbandonata.

Diversamente Finding the Funk ricostruisce, in maniera forse solo apparentemente tradizionale, l’appassionata storia, luci e ombre, di un genere che ha cambiato il modo di intendere la musica pop. In Midsummer Night’s Tango Viviane Blumenschein sceglie invece la via del road movie, quasi impossibile, da Buenos Aires alle zone più remote della Finlandia, abbreviando tempi storici e distanze culturali, nel tentativo di confutare le pretese origini finlandesi del tango.

Non potevano mancare casi in cui la distanza culturale dell’osservatore illumina un luogo con uno sguardo inatteso: è quello dell’attrice e regista palestinese Hiam Abbass, che presta il proprio sguardo sulla tradizione siciliana in Le donne della Vucciria. Ancor di più in

least two paradigmatic lines, in organizing our discourse: family (or belonging, inclusion) and distance/ remoteness: connected lines, like cardo and decumano.

So we find stories of figures on the sidelines, the sense of exclusion, being far from home: this is the case of the estrangement, against a backdrop of an almost biblical drama, of the mechanic from the Ivory Coast in Diego Star. Then there are those, like the characters in Lunarcy! who have made another place, still mythical to a great extent, only skimmed on by history but still essentially unexplored, the only reason of their existence.

Without any doubt, at the symbolic point where the two lines meet, there is the reverend observation of an alternative adult model (myth) (not necessarily positive) and the determination to emulate it, from the impossible age gap of the main character of 12 O’Clock Boys: a creative passion in which it is not difficult to recognize oneself.

Distance can also be of a chronological nature: historical research has made us used to the benefits of observing the past from the right distance. Gore Vidal: United States of Amnesia has as its centre one of the great outsiders of the American 20th century, who experienced the paradox of being so close to power and the ruling class that he could “describe the vices and virtues of American society” with his pen and wideangle lens, yet be excluded from active politics by the so-called respectability of that same ruling class.

A historical perspective is also possible by surveying the classics: so our selection includes The Extraordinary Adventures of Mr. West in the Land of the Bolsheviks by Kulešov and Battleship Potemkin by Ėjzenštejn, but also films on how a classic play such as A Midsummer’s Night Dream by Felice Cappa can be topical.

In the present, as in the past, nothing can be more intangible than a border in the middle of a forest, marking distances which in nature do not exist: this is highlighted by Boundary, on the raw flesh of a wound between Cambodia and Thailand.

Once again, at the crossroads of our paths, we find three stories of music and musicians: the one told by A Band Called Death would be impossible without the rediscovery and re-interpretation at a distance, by the next generation, of the absolute avant-garde music of their parents, misunderstood in its time and perhaps abandoned for this reason. Differently, Finding the Funk reconstructs, in only an apparently traditional way, the impassioned story, lights and shadows, of a genre which changed the way of listening to pop music. In Midsummer Night’s Tango Viviane Blumenschein, on the other hand, chooses the way of the, almost impossible, road movie, from Buenos Aires to the remotest parts of Finland, abbreviating historical times and cultural distances, in the attempt to confute the claimed Finnish origins of the tango.

Nor could there not be cases where the cultural distance of the observer illuminates a place with an unexpected view: that of the Palestinian actress and

Museum Hours, film europeissimo dell’americano Jem Cohen, convergono i temi della distanza culturale e di quella storica, quasi che davvero l’arte fosse una terapia contro l’alienazione, assottigliando i gap grazie all’universalità dei propri codici; d’altronde, proprio coi codici della pittura americana giocano gli otto autori europei coinvolti in Hopper vu par...

A suo modo anche il già cult Upstream Color racconta di alienazione e sentimenti, di droghe usate come elementi alteratori e connettori, sul superamento delle barriere fisiche, e dei confini di genere (e di specie), in un crescendo caleidoscopico e quasi delirante.

Rent a Family Inc. è un po’ la chiave di volta concettuale, la confluenza delle nostre tracce, mettendo a fuoco la distanza dai sentimenti reali, la possibilità di un reenactment di comportamenti familiari senza le insidie e la fatica di legami veri.

Parade si confronta, invece, con la distanza da un passato non più afferrabile, e col tentativo del protagonista, divenuto paraplegico, di ritrovare una dimensione di famiglia con i propri allievi. Non è forse azzardato legare questo documentario a Closed Curtain di Jafar Panahi, film/non film, a suo modo struggente, sull’allontanamento forzato del regista iraniano dai set cinematografici. Entrambi, a loro modo, film di fantasmi e di famiglie impossibili, il senso di disperata vitalità è il medesimo.

Lara Casirati e Alessandro Uccelli

director Hiam Abbass, who lends her gaze to the Sicilian tradition in Le donne della Vucciria. Even more so in Museum Hours, a very European film by the American Jem Cohen, the themes of cultural and historical distance converge, almost as though art really were a therapy against alienation, reducing the gap thanks to the universality of codes; besides, the eight European authors involved in Hopper vu par… play precisely with the codes of American painting.

In its way, the already cult movie Upstream Color tells of alienation and emotions, of drugs used as elements that alter and connect, on overcoming physical barriers, and of the borders of gender (and species), in a kaleidoscopic and almost delirious crescendo.

Rent a Family, Inc. is almost the conceptual keystone, the confluence of our outlines, focusing on the distance of real feelings, the possibility of a re-enactment of familiar behaviour without the dangers and effort of real bonds.

Parade, on the other hand, takes on the distance of a past that is no longer within reach, and with the attempt by the main character, who is paralyzed, to find a family dimension again with his pupils. It is perhaps not rash to link this documentary with Closed Curtain

by Jafar Panahi, film/non film, heart-breaking in its own way, on how the Iranian director is forced away from film sets. Both, in their own way, are films of ghosts and impossible families, the sense of desperate vitality is the same.

12 O’CLOCK BOYS USA / 2013 / HD / 76’

USA

PRODUZIONE / PRODUCTION: Mission Films, Prospekt PRODUTTORE / PRODUCER: Lotfy Nathan, Eric Blair, Tom Colley, Taylor Gillespie, John Kassab SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Lotfy Nathan MONTAGGIO / EDITING: Thomas Niles FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Lotfy Nathan SOUND EDITOR: Jerry Almonte MUSICA / MUSIC: Joe Williams CAST: Coco, Pug, Steven DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Oscilloscope Laboratories

N

ella periferia di Baltimora il sogno del tredicenne Pug è quello di far parte della gang del 12 O’Clock Boys. Niente rapine, ma scorribande su due ruote a seminare il panico nelle strade affollate all’ora di punta.

Lenti movimenti di macchina scolpiscono le acrobazie dei Boys, impegnati in impennate estreme su moto da cross e quad, mentre Pug cresce affascinato da quel mondo di temerarietà e grandeur, che osserva con la tenacia di chi non si accontenta di stare al margine, ad osservare il mondo che scorre dal ciglio della strada. La ricerca del senso di appartenenza diventa il riscatto di chi un obiettivo è costretto ad inventarselo. Opera prima del ventiseienne Lotfy Nathan, in concorso all’ultima edizione del SXSW. L.C.

O

n the outskirts of Baltimore, thirteen year old Pug’s dream is to be part of the 12 O’Clock Boys gang. There are no robberies, but joyrides on two wheels to spread panic in the crowded rush hour streets.

Slow camera movements focus on the Boys’ acrobatics, doing wheelies on motorbikes and quadbikes, while Pug grows ever more fascinated by this daring and grandious world, observing like one who isn’t content to sit on the sidelines and watch the world pass him by. The search for this sense of membership becomes the prize for those who are forced to invent a goal.

LOTFY NATHAN 1987 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: 12 O’Clock Boys (doc) (2013)

A BAND CALLED DEATH USA / 2012 / HD / 96’

Canada

MAPPA 214x178

PRODUZIONE / PRODUCTION: Mark Covino, Jeff Howlett PRODUTTORE / PRODUCER: Scott Mosier, Mark Covino, Jerry Ferrara, Jeff Howlett MONTAGGIO / EDITING: Rich Fox FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Mark Christopher Covino SOUND EDITOR: Zach Martin MUSICA / MUSIC: Tim Boland, Sam Retzer DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Drafthouse Films

È

il 1974 e i fratelli Hackney suonano nei garage di una Detroit in fermento, ancora lontana dalla consunzione. Non un disco distribuito, ma brani sparsi e 7’’ auotoprodotti. Poi lo scioglimento, nuovi percorsi umani e musicali. Fino alla riscoperta, in anni ben più recenti, di un demo che diventa culto, grazie alle ricerche dei collezionisti e alla condivisione sulla rete delle giovani generazioni. Testimonianze intime ed aneddoti familiari si mescolano al racconto epico di una band che ha fatto storia, forse senza saperlo. Un percorso illustrato, tra gli altri, da Henry Rollins e Jello Biafra. Prima dei Bad Brains, c’erano i Death. Se non il primo gruppo punk, indubbiamente i primi black punk della storia. L.C.

I

t is 1974 and the Hackney brothers play in the garages of a Detroit full of buzz, still far from its present decline. They did not distribute a single record but self-produced 7”. Then the band broke up, to take new human and musical paths. Until the rediscovery of a demo which became a cult, thanks to searches by collectors and sharing it on the web by the young generations. Highly personal accounts and family anecdotes are mixed with the epic story of a band that made history, perhaps without even realizing it. Henry Rollins and Jello Biafra, amongst others, illustrate the story. Before the Bad Brains, there were the Death. If not the first punk group, without any doubt the first black punks in history.

JEFF HOWLETT 1969, MARK COVINO 1981 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Mark Covino: Lucid (cm) (2007) Mark Covino, Jeff Howlett: A Band Called Death (2012)

BRONENOSETS POTYOMKIN LA CORAZZATA POTËMKIN URSS / 1925 / 16mm / 67’

Russia

PRODUZIONE / PRODUCTION: Goskino SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sergej Michajlovic Ejzenštejn MONTAGGIO / EDITING: Sergej Michajlovic Ejzenštejn FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Eduard Tisse, Vladimir Popov CAST: Aleksandr Antonov, Grigory Aleksandrov, Vladimir Barskij, Michail Gomarov, Repnikova DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION:  General Video

R

ussia, 1905. Al largo dell’isola di Tendra la protesta dei marinai dell’incrociatore Potëmkin degenera in uno scontro in cui perde la vita Vakulinčuk. La sua commemorazione funebre dà origine a una battaglia tra cosacchi e marinai, che non risparmia la folla inerme, massacrata sulla scalinata di Odessa. Nel ventennale dell’episodio, la cinematografia russa è chiamata a omaggiare la storia e Ėjzenštejn lo fa con il suo secondo film, un dramma in cinque atti visivamente potente, in equilibrio fra forma e contenuto, cinema di ricerca e tradizione, sperimentazione e lirismo.

Accompagnamento in sala dell’orchestra dei Pomeriggi Musicali diretta da Alessandro Calcagnile con Rossella Spinosa al pianoforte. C.G.

R

ussia,1905. Off the island of Tendra, the sailors of the Potëmkin protest and the situation degenerates into a conflict in which Vakulinčuk loses his life. His funeral gives rise to a bloody battle between Cossacks and sailors, which does not spare the innocent crowd, massacred on the steps of the city. On the twentieth anniversary, Russian cinema was asked to pay tribute to the event and Ėjzenštejn did so with a drama in five acts powerful from the visual point of view, with a balance between form and content, cinema of research and tradition, experimentation and lyricism. The screening is accompanied by the Pomeriggi Musicali Orchestra, conducted by Alessandro Calcagnile with Rossella Spinosa at the piano.

SERGEJ MICHAJLOVIČ ĖJZENŠTEJN 1898 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Ivan Groznyj (Ivan il Terribile) (1944), Aleksandr Nevskiy (1938), Bežin lug (Il prato di Bežin, cm) (1937), Thunder Over Mexico (Lampi sul Messico) (1933), ¡Que viva Mexico! (1932), Oktyabr (Ottobre!) (1928), Bronenosets Potyomkin (La corazzata Potëmki) (1925), Stachka (Sciopero) (1925)

DIEGO STAR CANADA, BELGIUM / 2013 / HD / 91’

Canada

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Metafilms PRODUTTORE / PRODUCER: Pascal Bascaron, Sylvain Corbeil, Nancy Grant, Marion Hansël SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Frédérick Pelletier MONTAGGIO / EDITING: Marie-Hélène Dozo FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Philippe Roy SOUND EDITOR: Frédéric Cloutier, Benoit Biral MUSICA / MUSIC: Martin M. Tétreault CAST: Issaka Sawadogo, Chloé Bourgeois, Yassine Fadel, Nico Lagarde, Marie-Claude Guérin DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Métropole Films, FiGa Films

L

a nave cargo russa Diego Star, su cui lavora il meccanico africano Traoré, è ferma per un guasto sul fiume San Lorenzo, in Canada: le autorità stanno indagando sull’origine del problema e l’equipaggio viene dislocato presso gli abitanti della zona. Traoré si ritrova così a vivere da Fanny, una giovane madre sola e a poco a poco i due diventano amici. Intanto il capitano, per non incorrere in sanzioni incolpa il meccanico promettendo all’equipaggio di pagare gli arretrati se confermeranno la sua accusa. Il tema del capitalismo e della corruzione sono lo sfondo per la vicenda profondamente umana di due sconosciuti che si ritrovano uniti a causa delle condizioni che governano oggi il mondo del lavoro. C.G.

T

he Russian cargo ship Diego Star, on which the African mechanic Traoré is working, is idle on the St. Lawrence River in Canada due to a mechanical failure: the authorities are investigating the origin of the problem and the crew is sent to stay with the local people. Traoré ends up living with Fanny, a young single mother and gradually the two become friends. In the meantime, the captain blames the mechanic in order not to be fined, promising the crew to pay their arrears if they confirm his accusation. The theme of capitalism and corruption are the background for the deeply human story of two strangers who are united due to the conditions that govern the world of work today.

FRÉDÉRICK PELLETIER 1975 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Diego Star (2013), Des tyrans d’eau (doc) (2012), L’air de rien (2006), L’hiver longtemps (doc) (2012)

LE DONNE DELLA VUCCIRIA ITALY, FRANCE / 2013 / HD / 7’

Israel

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Hi! Production PRODUTTORE / PRODUCER: Max Brun, Giorgio Guzzi SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Hiam Abbas FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Pierric Gantelmi D’Ille MUSICA / MUSIC: NCCP, Alla Bua CAST: Lubna Azabal, Roberto Zibetti, Patrizia Schiavone, Biagio Barone

N

ella stupenda città di Palermo, una sarta prepara nel suo laboratorio un’intera collezione di abiti per i tradizionali pupi siciliani. Una giovane cantante anima la festa in una delle piazze della Vucciria e tutti si divertono...Girato lo scorso giugno a Palermo, Le donne della Vucciria nasce dalla collaborazione con le Giornate degli Autori che hanno proposto la regista e attrice palestinese per la serie The Miu Miu Women’s Tales, una serie di racconti filmici narrati da uno sguardo femminile. Le donne di Palermo diventano i personaggi della regista; i pupi la sua ispirazione, sullo sfondo di una città che genera meraviglia e racchiude bellezza, storia e tradizione. C.G.

I

n the marvellous city of Palermo, a dressmaker is preparing a whole collection of clothes in her workshop for the traditional Sicilian puppets.

A young woman is singing to the crowds in one of the squares of the Vucciria neighbourhood and everyone is enjoying themselves...Shot last June in Palermo, the film is the result of the collaboration with the Giornate degli Autori who suggested the Palestinian director and actress for the series The Miu Miu Women’s Tales, a series of filmic stories narrated through women’s eyes. The women of Palermo become the characters of the director; the puppets her inspiration, against the backdrop of a city that generates wonder and is full of beauty, history and tradition.

HIAM ABBASS 1960 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Le donne della Vucciria (cm) (2013), Inheritance (2012) La danse éternelle (cm) (2004), Le pain (cm) (2001)

FAHTUM PANDINSOONG BOUNDARY THAILAND, CAMBODIA, FRANCE / 2013 / HD / 96’

Thailand

PRODUZIONE / PRODUCTION: Vycky Films, Mobile Lab PRODUTTORE / PRODUCER: Nontawat Numbenchapol, Davy Chou MONTAGGIO / EDITING: Nontawat Numbenchapol FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Nontawat Numbenchapol SOUND EDITOR: Katenan Junthimathorn MUSICA / MUSIC: Katenan Junthimathorn CAST: Sitthipong Junthasuk DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION:  Pascale Ramonda

T

ailandia. Nontawat Numbenchapol incontra per caso il giovane soldato Aod che ha appena concluso il servizio militare e lo accompagna nel suo viaggio di ritorno a casa. Il villaggio del ragazzo è sul confine con la Cambogia e vicino al tempio indù di Prasat Preah Vihea, contesto dai due Paesi. Anche qui, come al Ratchaprasong Junction di Bangkok dove le proteste dei dimostranti furono stroncate con la violenza qualche mese prima, il conflitto è latente. Il dialogo tra il regista e il ragazzo è lo sfondo alle immagini spesso rallentate e distorte del loro viaggio attraverso il Paese, in cui sono evidenti le tracce del conflitto armato. C.G.

T

hailand. Nontawat Numbenchapol comes across young soldier Aod by chance, who had just completed his military service, and asks if he could accompany the soldier on his way home. Aod’s village is on the border to Cambodia and near the Hindu temple of Prasat Preah Vihea, which both countries claim as their own. Here too, as at the Ratchaprasong Junction in Bangkok where demonstrators’ protests were violently crushed a few months earlier, a violent conflict is smouldering. A conversation between the filmmaker and the young soldier forms the backdrop to the often slowed down and distorted images as they travel through the countryside, where traces of the military conflict are visible.

NONTAWAT NUMBENCHAPOL 1983 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Fahtum pandinsoong (Boundary) (2013), A na jak haeng jai (Empire of Mind) (2009), Ra-hoey (Volatilize, cm) (2007), Bangkok Noise (cm) (2007), Lok pa-raj (Weirdrosopher World) (2005)

FINDING THE FUNK USA / 2013 / HD / 78’

USA

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Finding the Funk Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Arthur Baker, Leslie Norville, Nelson George SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Nelson George MONTAGGIO / EDITING: Kevin J. Custer FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Cliff Charles SOUND EDITOR Laura Sinnott

P

rima dei Daft Punk, di The Roots, di Pharrell... Prima che ritornasse in auge con il suo inconfondibile groove, il funk è stato una rivoluzione che ha cambiato il suono contemporaneo. Ribelli eccentrici come Sly Stone o George Clinton l’hanno trasformato in uno strumento di protesta sociale, così come, James Brown prima e Prince poi, ne hanno esaltato la carica sensual/sessuale. Cercando le connessioni tra i vari volti del genere, Finding the Funk fa una ricognizione puntuale di quasi mezzo secolo di storia del funk. I protagonisti ci sono tutti: da Nile Rodgers a Bootsy Collins, da Marcus Miller a D’Angelo. Oltre aneddoti e retroscena, una fotografia corale al ritmo di un’irresistibile jam session. V.R.

B

efore Daft Punk, The Roots, Pharrell... Before it returned in great form with its unmistakable groove, funk had been a revolution that indelibly changed contemporary sound. Eccentric rebels such as Sly Stone or George Clinton transformed it into an instrument of social protest, just as James Brown and then Prince exalted its sensual/sexual charge. Looking for the connections between the various faces of the genre, Finding the Funk accurately surveys the almost half-century of the history of funk.

All the names are there: from Nile Rodgers to Bootsy Collins, from Marcus Miller to D’Angelo. In addition to anecdotes and behind-the-scenes, a choral photograph to the rhythm of an irresistible jam session.

NELSON GEORGE 1957 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Finding the Funk (doc) (2013), All Hail the Beat (short) (2012), Brooklyn Boheme (doc) (2011), Left Unsaid (2010)

GORE VIDAL: THE UNITED STATES OF AMNESIA USA / 2013 / HD / 89’

USA

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Amnesia Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Nicholas Wrathall, Theodore James, Burr Steers SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Nicholas Wrathall MONTAGGIO / EDITING: Suresh Ayyar, William Haugse, Rob Bralver, Derek Boonstra FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Derek Wiesenhahn, Joel Schwartzberg, Armando De’ath CAST: Gore Vidal, Christopher Hitchens, Tim Robbins, Sting, Bob Scheer, Jay Parini, Nina Straight, Burr Steers, Jodie Evans DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Nicholas Wrathall

S

aggista e scrittore, Gore Vidal è stato anche sceneggiatore per film come Ben Hur e Improvvisamente l’estate scorsa e attore nella Roma di Fellini. Il suo esordio con La statua di sale, uno dei primi romanzi a trattare il tema dell’omosessualità in modo esplicito, ne ha decretato l’esclusione dalle pagine letterarie dei maggiori quotidiani. Nipote del senatore T.P. Gore, si è dedicato alla politica per tutta la vita, senza essere mai eletto. Il documentario di Nicholas Wrathall, scritto nell’arco di sette anni e presentato al Tribeca Film Festival, esplora la vita dell’artista scomparso l’anno scorso attraverso le sue numerose interviste e il materiale fotografico d’archivio della sua collezione privata. C.G

A

n essayist and writer, Gore Vidal also wrote the screenplay for films such as Ben Hur and Suddenly, Last Summer and appeared in Fellini’s Roma. His debut with The City and the Pillar, one of the first novels to deal explicitly with the subject of homosexuality, decreed his exclusion from the literary pages of the major daily newspapers. The grandson of the Senator T.P. Gore, he devoted himself to politics all his life, without ever being elected. Nicholas D. Wrathall’s documentary, written over seven years and presented at the Tribeca Film Festival, explores the life of the artist who died last year, through his numerous interviews and photos from his private collection.

NICHOLAS WRATHALL FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Gore Vidal: The United States of Amnesia (doc) (2013)

HOPPER VU PAR...

FRANCE / 2012 / 35mm, HD / 52’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Arte France PRODUTTORE / PRODUCER: Didier Jacob

E

dward Hopper è un artista che ha spesso influenzato gli orientamenti visivi dei cineasti, da Hitchcock a Malick. Hopper vu par... è una serie di otto corti, realizzati da altrettanti registi europei, che condividono la passione per l’universo del pittore. Da Mathieu Amalric, l’unico a scegliere un quadro senza figure umane, al tedesco Hannes Stöhr; dall’attrice Dominique Blanc, alla sua prima regia, a Sophie Barthes, astro francese del cinema indie newyorkese; da Valérie Pirson, che trasforma un dipinto di Hopper in animazione, al danese Martin de Thurah; dalla videasta, scrittrice e regista Valérie Mréjn alla documentarista inglese, Sophie Fiennes: ciascuno di loro ha scelto un dipinto e immaginato una storia.

E

dward Hopper is an artist who has often influenced the visual orientation of filmmakers, from Hitchcock to Malick. Hopper vu par... is a series of eight short films by as many European directors, who share a passion for the universe of the painter. From Mathieu Amalric, the only one to choose a picture without human figures, to Hannes Stöhr; from Dominique Blanc, at her directing debut, to Sophie Barthes, the French star of New York indie cinema; from Valérie Pirson, who transforms a painting into animation, to Denmark’s Martin de Thurah; from the video artist, writer and director Valérie Mréjen to the documentary-maker Sophie Fiennes: each of them has chosen a painting and imagined a story.

HOPPER VU PAR...(2012) Hannes Stöhr: Berlin Night Window; Sophie Fiennes: First Row Orchestra; Dominique Blanc: Hope; Sophie Barthes: La Muse; Valérie Mréjen: Conférence de nuit; Mathieu Amalric: Next to Last (Automne 63); Valérie Pirson: Rupture; Martin de Thurah: Mountain

LEJ EN FAMILIE A/S RENT A FAMILY INC. DENMARK / 2012 / HD / 75’

Denmark

PRODUZIONE / PRODUCTION: Plus Pictures PRODUTTORE / PRODUCER: Mette Heide SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Kaspar Astrup Schröder MONTAGGIO / EDITING: Adam Nielsen FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Kaspar Astrup Schröder SOUND EDITOR: Rasmus Winther Jensen MUSICA / MUSIC: Jonas Colstrup CAST: Ryuichi Ichinokawa DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION:  Plus Pictures

R

yuichi Ichinokawa affitta affetto. Con la sua impresa I Want to Cheer You Up trova mariti a tempo per donne sole, padri più morbidi della versione originale, amiche carine per ragazze insicure. Contribuisce alla messa in scena di intere celebrazioni, incontri informali e matrimoni in cui a sapere dell’inganno spesso sono solo in tre. Lui, il cliente e l’attore, stipendiato a giornata. E la sua famiglia? La moglie non pretende di sapere. Di cosa parlano, una volta tornati a casa la sera? Quattro anni dopo The Inventions of Dr. Nakamatsu il documentarista danese Kaspar Astrup Schröder torna a concentrarsi su un eccentrico personaggio giapponese.

Rappresentazione grottesca di rapporti disfunzionali in Oriente. L.C.

R

yuichi Ichinokawa rents out affection. With his company I Want to Cheer You Up, he finds temporary husbands for women, fathers who are gentler than in the original version, good friends for girls lacking confidence. He contributes to staging whole celebrations, informal meetings and weddings where often only three people know about the trick.

The client, the actor, paid by the day, and himself. What about his own family? His wife does not want to know. What do they talk about in the evening when they are at home? Four years after The Inventions of Dr. Nakamatsu Kaspar Astrup Schröder once again focuses on an eccentric Japanese figure. A grotesque representation of dysfunctional relations in the Far East.

KASPAR ASTRUP SCHRÖDER 1979 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Lej en familie A/S (Rent A Family Inc.) (2012), Mig Thai (2012), Mine Mine (2011), My Playground (2010), The Invention of Dr. Nakamats (2009)

LUNARCY! CANADA / 2012 / HD / 80’

Canada

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Citizen Jones Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Jonas Bell Pasht MONTAGGIO / EDITING: Matt Lyon FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Jonathan Bensimon SOUND EDITOR Christopher Guglick, Alexander Åslund MUSICA / MUSIC: Christopher Sandes CAST: Christopher Carson, Alan Bean, Dennis Hope, Peter Kokh DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Made for Cinema

C

’è Dennis, un tempo ventriloquo, che vende lotti di superficie lunare, e ne ha fatto un business milionario. C’è Alan, che sulla Luna c’è stato, e ha passato gran parte della vita a rivivere quell’esperienza. Ci sono astrofisici, storici e investigatori della NASA. Ma soprattutto, c’è Cristopher, che, tra geek meeting e seminari universitari, predica con forza e con coerenza disarmante la colonizzazione della Luna, sua ragione di vita. Quello che doveva essere un documentario scientifico sulla Luna e su ciò che resta delle missioni aerospaziali che tennero il mondo col fiato sospeso diviene il ritratto ironico e affettuoso di una manciata di persone che ha dedicato la propria vita al nostro satellite. A.U.

T

here’s Dennis, a ventriloquist who has sold sections of the moon’s surface for a long time. There’s Alan, who was there on the moon and has spent a large part of his life reliving that experience. There are astrophysicists, historians and NASA researchers. But, above all, there’s Christopher who, between geek meetings and university seminars, preaches with conviction and disarming logic the possibility of the colonisation of the moon. What was supposed to be a scientific documentary about the moon and what remains of the space missions that kept the world in suspense for so many years instead becomes an affectionate portrait of a handful of people who have dedicated their lives to our satellite.

SIMON ENNIS FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Lunarcy! (doc) (2012), Up in Cottage Country (cm) (2011), You Might as Well Live (2009), The Canadian Shield (cm) (2007), The Waldo Cumberbund Story (cm) (2005)

MITTSOMMERNACHTSTANGO MIDSUMMER NIGHT’S TANGO FINLAND, ARGENTINA, GERMANY / 2012 / HD / 82’

Germany

PRODUZIONE / PRODUCTION: Illume Ltd., Gema Films, SF and 3sat.

PRODUTTORE / PRODUCER: Georg Tschurtschenthaler SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Viviane Blumenschein MONTAGGIO / EDITING: Oliver Weiss FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Björn Knechtel SOUND EDITOR: Risto Hankala, Manuel de Andrés MUSICA / MUSIC: Jonas Colstrup CAST: Walter “Chino” Laborde, Diego “Dipi” Dvitko, Pablo Greco

V

oci non confermate sussurrano di un’origine finlandese del tango, notoriamente patrimonio culturale argentino. Se tra queste c’è anche quella di Aki Kaurismäki, forse qualcosa di vero ci sarà. Tre musicisti argentini si imbarcano in un road movie strampalato alla ricerca di conferme o smentite e, chilometro dopo chilometro, prenderanno coscienza di inattese affinità tra popoli e tradizioni apparentemente inconciliabili.

Documentario musicale che segue la strada dell’avventura vecchio stile, che si affida a vecchie cartine e al gusto della deviazione, attraverso lezioni lampo di melodie finlandesi e conversazioni intime con mitici cantanti della tradizione. Fisarmoniche. Musica folk. E saune mobili. L.C.

U

nconfirmed rumours whisper about a Finnish origin of the tango, notoriously part of the cultural heritage of Argentina. If some of the rumours are spread by Aki Kaurismäki, then perhaps there is some truth in them. Three Argentinean musicians in a zany road movie in search of being proven right or wrong, they will end up by realizing that there are unexpected affinities between peoples and traditions that are apparently irreconcilable. A musical documentary which follows the path of old-fashioned adventure, relying on old maps and a taste for deviation, through flash lessons of Finnish melodies and intimate conversations with the mythical singers of the tradition. Accordions. Folk music. And mobile saunas.

VIVIANE BLUMENSCHEIN 1969 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Mittsommernachtstango (Midsummer Night’s Tango, doc) (2012), Dance for All (doc) (2008), Going Against Fate (doc) (2008), Dance for All (doc) (2007)

MUSEUM HOURS AUSTRIA, USA / 2012 / S16mm, HD / 106’

USA

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PRODUZIONE / PRODUCTION: LittleMagnet Films, GravityHill, KGPKranzelbinderGabriele Production PRODUTTORE / PRODUCER: Paolo Calamita, Jem Cohen, Gabriele Kranzelbinder SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Jem Cohen MONTAGGIO / EDITING: Jem Cohen, Marc Vives FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Jem Cohen, Peter Roehsler SOUND EDITOR Bruno Pisek CAST: Mary Margaret O’Hara, Bobby Sommer, Ela Piplits DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: MPM Film

V

ienna, d’inverno: Johann è un custode al Kunsthistorisches Museum, dove trascorre le sue giornate silenzioso, in ascolto del respiro segreto dei dipinti; Anne arriva da Montréal per assistere una cugina che è in coma, ma trova nel museo un antidoto al proprio spaesamento. In maniera tanto inattesa quanto naturale tra due solitudini si sviluppa una connessione, un’empatia sempre più profonda, dentro e fuori le sale del museo, mentre il film costruisce una dimensione sospesa, quasi musicale, tra tempo reale e tempo interno alle opere d’arte. In questo film Jem Cohen coinvolge Mary Margareth O’Hara, nota cantautrice canadese e Bobby Sommer, organizzatore e rocker tedesco. A.U.

V

ienna, winter: Johann is a custodian at Kunsthistorisches Museum, where he spends his days listening to the secrets breaths and lives of the paintings. Anne arrives from Montreal to be at the side of her cousin in a coma, but finds an antidote to her bewilderment in the museum.

In an unexpexted, but natural, way a connection develops between the two, a deep empathy, both inside and outside the museum’s halls. At the same time, the film builds an almost musical dimension suspended between real time and the time inside the works of art. In this film Jem Cohen brings together Mary Margarteth O’Hara - a well-known Canadian singer-songwriter - and Bobby Somer - a German rockstar.

JEM COHEN 1962 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Museum Hours (2012), Gravity Hill Newsreels (2012), Evening’s Civil Twilight in Empires of Tin (2008), Building a Broken Mousetrap (2006), Chain (2004), Benjamin Smoke (2000)

PARADE FRANCE / 2013 / HD / 72’

France

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Hold Up Films, ITVS PRODUTTORE / PRODUCER: Bénédicte Couvreur MONTAGGIO / EDITING: Amrita David FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Jean-Marc Bouzou SOUND EDITOR Yolande Decarsin MUSICA / MUSIC: François-Eudes Chanfrault CAST: Fabrice Champion, Alexandre Fournier, Matias Pilet DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Films Distribution

P

er anni Fabrice Champion è stato uno dei più grandi trapezisti al mondo. Fino al 2004, quando un grave infortunio gli ha fermato le gambe.

Ma dopo una lunga crisi l’atleta-danzatore si mette in cerca di una nuova forma di movimento. Non c’è un passato in Parade. Compiendo una scelta che è etica prima che estetica, Meyrou segue il percorso fisico e spirituale di Champion partendo da ciò che appare una fine, la paralisi. Come il corpo del suo protagonista, il film sfida la gravità in punta di piedi, sulle tracce dell’acrobazia perfetta. Si inciampa, si cade, ci si fa male guardando Parade. Poi si volteggia, e si vola, in quest’opera ad alto tasso emotivo sulla magia mistica dell’equilibrio. V.R.

F

abrice Champion was one of the greatest trapeze artists in the world - until 2004, when an accident brought his legs to a stop. But after a long crisis the athlete-dancer set out to look for a new form of movement. There is not past in Parade. Making a choice that is ethical before aesthetic, Meyrou follows the physical and spiritual journey of Champion, starting from what appears to be an end, paralysis. Like the body of its protagonist, the film defines gravity on tiptoe, on the traces of the perfect acrobatics. There is tripping and falling and you can get hurt watching Parade. Then there is a twirl and the body takes flight, in this work with a high emotional charge on the mystical magic of balance.

OLIVIER MEYROU 1966 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Parade (doc) (2013), L’avocat du diable (doc) (2009), Celebration (doc) (2007), Rémission (cm) (2007), Au delà de la haine (doc) (2005)

PARDÉ CLOSED CURTAIN IRAN / 2013/ HD / 106’

Iran

PRODUZIONE / PRODUCTION: Jafar Panahi Film Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Jafar Panahi SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Jafar Panahi MONTAGGIO / EDITING: Jafar Panahi FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Mohamad Reza Jahanpanah CAST: Kamboziya Partovi, Maryam Moghadam, Jafar Panahi, Hadi Saeedi, Azadeh Toradi, Agha Olia, Zeynab Khanum DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: uConnect

N

ascosti all’interno di una villa, uno sceneggiatore e il suo cane subiscono l’irruzione di una coppia in fuga, un giovane e una donna: lui presto scompare, lasciando lei a interrogare e provocare l’autore. L’ingresso in scena di Panahi in persona complica ulteriormente il ruolo della ragazza: è l’ombra di un personaggio proibito? È il fantasma delle proprie debolezze, delle proprie paure? Alla sua seconda co-regia (con Kambozia Partovi) dopo il divieto ventennale di esercitare il mestiere da parte del regime iraniano, Panahi filma la sua riflessione sulla creazione, con una troupe di cinque persone, nella propria casa sul Mar Caspio, facendone quasi un surreale castello dei destini incrociati. L.C. e A.U.

H

idden away in a villa, a screenwriter and his dog are disturbed by a couple on the run, a young man and a woman. He soon disappears, leaving her to question the writer. The arrival of Panahi on the scene further complicates the girl’s role: Is he the ghost of a forbidden character?

Is he the ghost of her fears and weaknesses? In his second role as co-director (with Kambozia Partovi) after the twenty year ban on the craft by the Iranian regime, Panahi films his reflections on creation, along with a crew of five people, in his own home on the Caspian Sea making it almost a surreal castle of crossed destinies.

JAFAR PANAHI 1960, KAMBOZIYA PARTOVI 1955 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Jafar Panahi: Pardé (Closed Curtain) (2013), In Film Nist (This is not a Film, doc) (2010), Offside (2006), Talaye sorkh (Oro rosso) (2003), Dayereh (Il cerchio) (2000), Ayneh (Lo specchio) (1997), Badkonake sefid (Il palloncino bianco) (1995) Kamboziya Partovi: Pardé (Closed Curtain) (2013), Café Transit (2005), Naneh Lala va bacheharesh (1997), Afsaneh do khahar(1994), Bazi-e bozorgan(1992), Mahi(1991), Gorbe-ye avaze-khan(1990), Golnar(1988)

SOGNO DI UNA NOTTE DI MEZZA ESTATE ITALY / 2012 / HD / 140’

Italy

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Teatro dell’Elfo, Rai5 REALIZZATO DA: Direzione Produzione Tv Rai – Centro di Produzione di Milano SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: William Shakespeare – traduzione Dario del Corno MONTAGGIO / EDITING: Francesco Baggetta FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Luciano Cricelli MUSICA / MUSIC: Mario Arcari – coro della notte di Giovanna Marini CAST: Ferdinando Bruni, Elio De Capitani, Corinna Agustoni, Luca Toracca DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Rai5

I

l testo di Shakespeare intreccia le peripezie d’amore di uomini e donne, elfi e fate, tra palazzi nobiliari e foreste incantate, distruggendo l’idea romantica dell’amore senza mai irridere i sentimenti che, anzi, trovano spazio per la loro fragilità e carica di irrazionalità e follia. La regia di Elio De Capitani riesce ad amalgamare la solarità della commedia dei quattro giovani amanti con le ombre d’inquietudine proiettate dal mondo degli spiriti, guidati dall’imprevedibile folletto. La comicità dei personaggi degli artigiani, un gruppo squinternato di aspiranti attori che trovano in Bottom, il loro leader, si accorda perfettamente con gli elementi più esplicitamente misteriosi e soprannaturali. C.G.

S

hakespeare’s play intertwines the adventures in love of men and women, elves and fairies, in the palaces of the nobility and enchanted forests, destroying the romantic idea of love without ever deriding emotions which, on the contrary, find space because of their fragility and being full of irrationality and folly. Elio De Capitani’s directing succeeds in amalgamating the bright comedy of the four young lovers with the shadows of anxiety cast by the world of the spirits, led by the unpredictable elf. The comedy of the characters of the craftsmen, a crazy group of aspiring actors who find their leader in Bottom, goes perfectly with the more explicitly mysterious and supernatural elements.

FELICE CAPPA FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Martini, il Cardinale e gli altri (2013), Il nipote di Rameau (2013), Il giorno della civetta (2013) Amleto2 (2012), Dario Fo. Lazzi sberleffi dipinti (2012), Nino Rota, il mago doppio (2011), Mistero Buffo 3D (2011), La pittura che danza (2011), Tutti a tavola! (2010), Canto del popolo ebraico massacrato (2009), Il sangue e la neve (2008), Africa, America, Asia, Europa e Oceania (2007), Theater of Italian Creativity (2003), Situazioni (1999)

NEOBYCHAINYE PRIKLYUCHENIYA MISTERA VESTA V STRANE BOLSHEVIKOV LE STRAORDINARIE AVVENTURE DI MR. WEST NEL PAESE DEI BOLSCEVICHI URSS / 1924 / 16mm / 98’

Russia

PRODUZIONE / PRODUCTION: Goskino SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Nikolai Aseyev MONTAGGIO / EDITING: Aleksandr Levitsky FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Aleksandr Levitsky CAST: Porfirij Podobed, Aleksandra Hohlova, Boris Barnet, Vsevolod Pudovkin

L

’americano Mr. West visita l’Unione Sovietica. A Mosca viene sequestrato da una banda di ex nobili finché arrivano i veri bolscevichi a salvarlo. Commedia ironica in cui il cinema americano, codificato in generi, è parodiato e, insieme, esaltato. Attraversando molti generi con libertà di sperimentazione è uno dei primi esempi di cinema sul cinema che non trascura il discorso politico. Nel suo accanito rifiuto del naturalismo è il frutto di un momento storico in cui l’avanguardia era ancora liberamente praticata. Accompagnamento dal vivo con musiche composte ed eseguite da Rossella Spinosa con la collaborazione degli artisti del Centro di Musica Contemporanea per la parte di musica elettronica. C.G.

T

he American Mr. West visits the Soviet Union. In Moscow he is abducted by a gang of former aristocrats until the real Bolsheviks arrive to save him. An ironic comedy in which American cinema is parodied and exalted. It does not belong to any genre but is transversal to many with a freedom of experimentation which makes it one of the first examples of cinema on the cinema. In its tenacious rejection of naturalism it is the result of the historical moment when the avant-garde was still freely practised. The screening is accompanied by music composed and performed

by Rossella Spinosa with the collaboration of the artists of the Centro di Musica Contemporanea for the part of electronic music.

LEV VLADIMIROVIC KULEŠOV 1899 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Klyatva Timura (Il giuramento di Timur) (1942), Sluchay v vulkane (Incidente sul vulcano) (1941), Sibiryaki (I siberiani) (1940), Velikiy uteshitel (Il grande consolatore) (1933), Gorizont (Orizzont) (1932), Sorok serdets (Quaranta cuori) (1931), Vesyolaya kanareyka (L’allegro canarino) (1929), Neobychainye priklyucheniya mistera Vesta v strane bolshevikov (Le Straordinarie avventure di Mr. West nel paese dei bolscevichi) (1924), Na krasnom fronte (Sul fronte rosso) (1920), Proekt inzhenera Prayta (Il progetto dell’ingegnere Pright (1918)

UPSTREAM COLOR USA / 2013 / HD / 96’

USA

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Erbp films PRODUTTORE / PRODUCER: Shane Carruth, Casey Gooden, Ben LeClair SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Shane Carruth MONTAGGIO / EDITING: David Lowery, Shane Carruth FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Shane Carruth SOUND EDITOR Pete Horner MUSICA / MUSIC: Shane Carruth CAST: Amy Seimetz, Shane Carruth, Andrew Sensenig, Thiago Martins, Kathy Carruth, Meredith Burke

C

osa può legare un broker disoccupato, una designer in fase di amnesia, un allevatore di maiali, una droga chimica e il Walden di Thoreau? Shane Carruth, regista one man band (dirige, scrive script e colonna sonora, monta e recita nel film) sperimenta un modo di narrare sbilanciato e controcorrente, in parte erede del Malick enigmatico e cosmologico.

Un film- labirinto, vorticoso e ipersensoriale: più si connettono tra loro gli elementi, più nuove porte rivelano scrigni, cassetti segreti, vicoli ciechi.

Aperto a molteplici interpretazioni, la nostra è che sia una riflessione sullo stato irrazionale cui conduce l’amore: quel momento in cui avverti di sentire l’altro al massimo e in cui nasce la paura di perderlo. V.R. e A.B.

W

hat links an unemployed broker, a designer with amnesia, a pig farmer, a powerful drug and Thoreau’s Walden? In his second work, Shane Carruth directs a one-man band (he directs, writes the script and soundtrack, edits and stars in the film) and experiments with an unbalanced and non-conformist narrative, in part following on from Malick. A whirling and hyper-sensory film-maze in which the more things connect to each other, the more doors open to reveal tresures, secret drawers and dead-ends. Open to many interpretations, ours is that it’s a reflection on the irrational state that leads to love - that moment in which you hear each other most and from which comes the fear of losing it.

SHANE CARRUTH 1972 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY:  Upstream Color (2013), Primer (2004)

COLPE DI STATO STATE (T)ERROR The Act of Killing Joshua Oppenheimer / Denmark, Norway, UK / 2012 / HD / 116’ Camp 14 – Total Control Zone Marc Wiese / Germany, North Korea / 2012 / HD / 104’ (Italian Première) Les Chebabs de Yarmouk (The Shebabs of Yarmouk) Axel Salvatori-Sinz / France / 2012 / HD / 78’ (Italian Première) Dirty Wars Rick Rowley / USA / 2013 / HD / 90’ (Italian Première) God Loves Uganda Roger Ross Williams / USA / 2013 / HD / 83’ (Italian Première)

Inequality for All Jacob Kornbluth / USA / 2012 / HD / 90’ (Italian Première) Der Kapitän und sein Pirat (The Captain and His Pirate) Andy Wolff / Germany, Belgium /2012 / HD / 84’ (Italian Première) Mutasalilun (Infiltrators) Khaled Jarrar / Palestine, United Arab Emirates / 2012 / HD / 70’ (Italian Première) Sur le rivage du monde (Standing on the Edge of the World) Sylvain L’Ésperance / Canada / 2012 / HD/ 105’ (Italian Première)

Verità nascoste. Davanti ai nostri occhi.

Things hidden in plain sight”, cose nascoste in piena luce. La verità ha bisogno di una nuova definizione? Per Jeremy Scahill, protagonista di Dirty Wars, la verità è davanti ai nostri occhi. Nascosta. In tutta la sua evidenza. Dirty Wars è un’inchiesta, Scahill è un giornalista investigativo del settimanale «The Nation», generi in via di estinzione. E forse è proprio per questo che la forma scelta dal reporter (insieme al regista Richard Rowley), per raccontare la propria verità – inseguita per due anni lungo la scia di sangue che da Gardez, in Afganistan, lo conduce in Somalia e in Yemen – è quella del documentario. Verità che a fatica si ritaglia spazio sui media americani, e che non ne trova nessuno su quelli di casa nostra (3000 le vittime dei raid condotti da droni, e solo in Pakistan, tra cui 200 bambini. Fonte The Bureau of Investigative Journalism. Come hanno fatto a sfuggirci?). La guerra al Terrore non si è chiusa con l’era Bush/Cheney, ha subito anzi un’escalation sotto la presidenza Obama, il presidente premio Nobel per la Pace. Un nuovo capitolo nella storia dei conflitti è stato inaugurato, senza strepiti, ma non in segreto, nascosto davanti ai nostri occhi: quello degli “attacchi mirati ai ricercati delle kill list”, dei “raid notturni”, delle “incursioni chirurgiche” che fanno migliaia di vittime civili, quello che chiama

Hidden truths. Before our very eyes Things hidden in plain sight”. Does truth need a new definition? For Jeremy Scahill, the author of Dirty Wars, the truth is before our very eyes. Hidden. In plain sight. Dirty Wars is an investigation and Scahill is an investigative journalist with the weekly “The Nation”, both endangered species. Perhaps it is precisely for this reason that for form chosen by the reporter (together with the director Richard Rowley), to tell his truth – pursued for two years along the trail of blood that from Gardez, in Afghanistan, takes him to Somalia and Yemen – is that if the documentary. It is a truth that has a hard time of finding space in the American media and which finds none in Italian media (3000 victims of the raids using drones, and in Pakistan alone, including 200 children. Source The Bureau of Investigative Journalism. How did we miss them?).

The war on Terror did not come to an end with the Bush/Cheney era, on the contrary it has escalated under the presidency of Obama, the President who was awarded the Nobel Peace Prize. A new chapter in the history of conflicts has been inaugurated, without clamour but not in secret, hidden before our very eyes: that of the “targeted attacks on the names on the kill lists”, of “night raids”, of “surgical strikes” which cause thousands of civil victims, the one that calls a new

“

“

in causa una nuova unità di combattimento, la JSOC, Joint Special Operations Command, eroi nazionali perché responsabili dell’uccisione di Osama bin Laden, di fatto esecutori di sentenze di morte emesse da un potere extragiudiziario che ha sede alla Casa Bianca.

Cambia la geopolitica e vacillano le forme della sua rappresentazione. Leakers e whistleblowers rendono obsoleta la cultura del segreto (la de-classificazione del programma droni viene fatta da Obama su Google+, in una chat). I media fanno uno, due, mille passi indietro, accettano la logica embedded, giornalisti “incorporati” nelle unità combattenti. Può allora un film mettere in dubbio certezze confermate dalla stampa, dal senso comune, dalla lettura accreditata della storia? Quante versioni ufficiali sono pronte a incrinarsi? C’è un’altra inchiesta nella selezione di Colpe di Stato 2013, un altro film che ha scelto una tecnica investigativa per raccontare la propria storia, quella di un Paese, l’Indonesia che a cinquant’anni dagli eccidi che costarono la vita a centinaia di migliaia di oppositori del regime di Suharto, ancora idolatra i propri assassini, li teme, lascia che occupino ruoli chiave nel cuore dello Stato e nella vita della gente comune. The Act of Killing è un “documentario dell’immaginazione” (la definizione è del suo autore, Joshua Oppenheimer): la sua investigazione nell’orrore di un passato ancora troppo presente vuole “aiutarci a capire, non solo quello che vediamo, ma come lo vediamo e come immaginiamo”. Allora nessuna ricostruzione storica, nessuno spazio alle vittime, il centro del mondo sono i boia, la loro verità sfacciata e rimessa in scena, pantomima nauseante e rivelatoria. Per “attori” e spettatori. Un film che ha sedotto due maestri del documentario, Werner Herzog ed Errol Morris, saliti a bordo come produttori. E altre ancora sono le verità nascoste davanti ai nostri occhi. Verità che vogliono i muri inviolabili, come quello che divide Israele dalla Cisgiordania, Golem costruito a difesa dello Stato e dei suoi cittadini contro la minaccia terroristica. Gli Infiltrators del film di Khaled Jarrar filmano con i mezzi di cui dispongono la propria quotidiana profanazione del mito. La sicurezza non può essere garantita, resta la vita sotto il muro, la vita che non si arrende. Oppure vocazioni granitiche, fedi incrollabili e per questo considerate valida merce da esportazione. Non si contano i danni collaterali della penetrazione in Africa dei culti evangelici del sud degli Stati Uniti, tragica operazione di colonialismo culturale di cui dà conto God Loves Uganda di Roger Ross Williams. Per arrivare sino alla magia di un dialogo impossibile, a distanza, attraverso lo specchio della camera di Andy Wolff in The Captain and His Pirate. La comunicazione tra il leader dei pirati e il comandante della nave sequestrata al largo delle coste somale è insieme poesia e storia, psicologia e geopolitica. Sono nemici?

Sono su fronti opposti? Che cosa li divide? Vittima e carnefice si guardano negli occhi. Solo il cinema può realizzare un simile miracolo. Buona visione.

Paola Piacenza

fighting unit, the JSOC, Joint Special Operations Command, national heroes because they were responsible for killing Osama bin Laden, in fact executioners of death sentences issued by a power outside courtroom jurisdiction based in the White House. Geopolitics are changing and the forms of its representation are teetering. Leakers and whistleblowers are making the culture of secrecy obsolete (Obama declassifies the drone programmes in a chat on Google+). The media take one, two and a thousand steps back, they accept the logic of journalists “embedded” in the fighting units. Can a film challenge certainties confirmed by the press, by common sense or by the accredited interpretation of history? How many official versions are ready to crack? There is another investigation in the 2013 selection of State (T)Error, another film that has chosen the technique if investigation to tell its story, that of a country, Indonesia which, 50 years after the massacres that took the lives of hundreds of thousands of opponents of the Suharto regime, still worships its assassins, fears them and lets them occupy key positions in the heart of the state and the life of ordinary people. The Act of Killing is a “documentary of the imagination” (the definition of it by its author, Joshua Oppenheimer): the investigation into the horror of a past which is still to present aims to “help us understand, not only what we see, but how we see and how we imagine it”. There is no historical reconstruction, no space for the victims, the centre of the world are the executioners, their shameless truth shown in a nauseating and revealing pantomime. For “actors” and viewers. The film seduced two maestros of the documentary, Werner Herzog and Errol Morris, who went onboard as producers. There are more truths hidden before our very eyes. Truths which want inviolable walls, like the one that divides Israel from the West Bank, a Golem constructed to defend the state and its citizens from the threat of terrorism. The Infiltrators in the film by Khaled Jarrar film their daily profanation of the myth using the means at their disposal. Security cannot be guaranteed, life remains under the wall, the life that does not give up. Or vocations set in granite, unshakable faith and for this reason considered valid goods for export. The collateral damage of the penetration in Africa of the evangelical sects of the south of the United States, a tragic operation of cultural colonialism recounted by God Loves Uganda by Roger Ross Williams, is inestimable. Up to the magic of an impossible dialogue, at a distance, through the mirror of Andy Wolff’s camera in The Captain and His Pirate.

The communication between the leader of the pirates and the captain of a ship held off the coast of Somalia is both poetry and history, psychology and geopolitics.

Are they enemies? Are they on opposite sides? What separates them? Victim and torturer look at one another in the eyes. Only the cinema can perform such a miracle. Enjoy the films!

THE ACT OF KILLING DENMARK / NORWAY / UK / 2012 / HD / 159’

Texas, Stati Uniti

CO-REGISTA / CO-DIRECTOR: Christine Cynn PRODUZIONE / PRODUCTION: Final Cut for Real PRODUTTORE / PRODUCER: Signe Byrge Sørensen MONTAGGIO / EDITING: Niels Pagh Andersen, Janus Billeskov Jansen, Mariko Montpetit, Charlotte Munch Bengtsen, Ariadna Fatjó-Vilas Mestre FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Carlos Arango de Montis, Lars Skree SOUND EDITOR: Gunn Tove Grønsberg, Henrik Gugge Garnov MUSICA / MUSIC: Elin Øyen Vister DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: I Wonder Pictures

G

uardare il boia negli occhi. E spingersi fino al punto in cui l’orrore produce il grottesco. Joshua Oppenheimer ci riporta agli anni Sessanta, all’eccidio di oltre mezzo milione di oppositori da parte degli squadroni della morte indonesiani. E lo fa dando la parola agli assassini, mostrandoci un Paese dove nulla è cambiato, dove i carnefici di un tempo sono ancora temuti e osannati. Investigatore di incubi, asseconda il sogno “hollywoodiano” dei killer e lascia che i ruoli si confondano. Un film che Werner Herzog (co-produttore, con Erroll Morris) ha definito “il più spaventoso e surreale del decennio”. Destinato a far discutere e a chiamare direttamente in causa ogni singolo spettatore.

L

ooking the executioner in the face and pushing the boundaries until horror gives way to the grotesque. Joshua Oppenheimer takes us back to the Sixties, to the massacre of more than half a million dissidents by the Indonesian death squads. And he does this by handing over to the killers, showing us a country where nothing has changed, where the executioners of days gone by are still feared and acclaimed. An investigator of nightmares, he indulges the “Hollywood” dream of the killers and allows roles to blur. A film described by Werner Herzog (co-producer, with Errol Morris) as “the most chilling and surreal film of this decade”, it is bound to spark debate and pull in each and every one of its viewers.

JOSHUA OPPENHEIMER 1974 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: The Act of Killing (doc) (2012), Show of Force (cm) (2007), The Globalization Tapes (doc) (2003), Land of Enchantment (cm) (2001), The Entire History of the Louisiana Purchase (1997), These Places We’ve Learned to Call Home (cm) (1997)

CAMP 14 - TOTAL CONTROL ZONE GERMANY / 2012 / HD /104’

Dortmund, Germany

PRODUZIONE / PRODUCTION: Engstfeld Film PRODUTTORE / PRODUCER: Axel Engstfeld SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Jörg Adams MONTAGGIO / EDITING: Jean-Marc Lesguillons FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Jörg Adams MUSICA / MUSIC: Karl Atteln SOUND EDITOR: Karl Atteln CAST: Shin Dong Huyk, Hyuk Kwon, Oh Yangnam DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Global Screen

H

yuk Kwon faceva il sorvegliante in un campo di lavoro in Corea del Nord. Oh Yangnam lavorava nella polizia segreta di Pyongyang che lì svolgeva i propri interrogatori. Shin Dong-Huyk, nato in uno dei campi, non sapeva che esistesse un mondo fuori fino al giorno della sua fuga.

Tutti, vittima e aguzzini, hanno trovato rifugio a Seul, dove incontrano la macchina da presa di Marc Wiese. Storie che rasentano l’indicibile, testimonianze che trovano drammatica e reciproca conferma, in un montaggio d’interviste dai lunghi silenzi e dei flashback animati di Ali Soozandeh.

Una ricerca di verità che è atto d’accusa contro tutti i regimi e coincide con la battaglia del protagonista per convivere con i propri fantasmi.

H

yuk Kwon used to be a guard in a labour camp in North Korea. Oh Yangnam used to work for the secret police of Pyongyang, carrying out interrogations there. Shin Dong-Huyk was born in one of those camps – he never knew that a world existed outside of it. Up until the day he escaped. All of them have found refuge in Seul, where they come face to face with Marc Wiese’s camera. Stories bordering on the unspeakable, Accounts that are dramatically and mutually confirmed, in a montage that cuts between interviews using long silences and animated flashbacks by Ali Soozandeh. This is a search for the truth that condemns all regimes.

MARC WIESE 1966 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Camp 14 - Total Control Zone (doc) (2012), The Picture of the Napalm Girl (2009), KANUN – Blood for honour (doc) (2007), Warkids – Youth in Palestine (doc) (2005), Radovan Karadzic: Most Wanted? (doc) (2004), Escape into Death (doc) (2002), Death by Delivery (doc) (2001), Hunt for Serial Offender (doc) (2000), ... and There Will Be War (doc) (1998), Cut in the Brain (doc) (1997), The Last Chance (doc) (1996), Forlorn, Forgotten, for Sale (doc) (1996), Between Prison and Palace (doc) (1995)

LES CHEBABS DE YARMOUK THE SHEBABS OF YARMOUK FRANCE / 2013 / HD / 78’

Lyon, France

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Adalios PRODUTTORE / PRODUCER: Magali Chirouze SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Axel Salvatori-Sinz MONTAGGIO / EDITING: Aurélie Jourdan FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Axel Salvatori-Sinz SOUND EDITOR: Hervé Guyader MUSICA / MUSIC: Reem Kelani, Stromtrap Asifeh DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Andana Films

A

la’a Hassan, Samer, Tasneem e Waed sono residenti di terza generazione a Yarmouk, il campo profughi dove vive, a pochi chilometri dal centro di Damasco, la più grande comunità palestinese in Siria. “Chebabs”, giovani, con aspirazioni comuni a quelle dei loro coetanei, ma con un fardello in più: la scelta tra una sorte da esuli (loro, nati rifugiati e oltreconfine, parte di un popolo senza patria), abbandonando famiglie e amici per un incerto altrove, e la lealtà alla comunità e ai suoi valori. La camera di Axel Salvatori-Sinz si insinua nelle discussioni tra i ragazzi, testimone di sofferte partenze e strazianti addii, in quella fase della vita in cui ogni decisione ha il potere di determinare il destino.

A

la’a Hassan, Samer, Tasneem and Waed are third-generation residents of Yarmouk, the refugee camp just outside Damasco home to the largest Palestinian community in Syria. “Chebabs”, young people who share the aspirations of their peers, but who bear an extra burden: having to choose between forever being exiles, abandoning family and friends for the unknown elsewhere, and remaining loyal to the community and its values. Axel Salvatori-Sinz’s camera weaves in and out of their discussions, bearing witness to the painful departures and harrowing goodbyes of a group of young people at that stage in their lives where every decision they make could affect their destiny.

AXEL SALVATORI-SINZ 1982 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Les Chebabs de Yarmouk (The Shebabs of Yarmouk, doc) (2012)

DIRTY WARS USA / 2013 / HD / 87’

USA

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Big Noise Films PRODUTTORE / PRODUCER: Anthony Arnove, Brenda Coughlin, Jeremy Scahill SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Jeremy Scahill, David Riker MONTAGGIO / EDITING: Richard Rowley FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Richard Rowley SOUND EDITOR: Christopher Barnett MUSICA / MUSIC: David Harrington CAST: Jeremy Scahill DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Koch Media

J

eremy Scahill, national security correspondent per «The Nation», nel 2010 in Afganistan, in un luogo dove nessun giornalista aveva mai messo piede, scopre la bugia dietro la versione ufficiale: non è il delitto d’onore la causa della morte di due donne incinte. Sono state uccise in un raid notturno condotto da droni americani. E mentre l’indagine lo conduce in Yemen e in Somalia, la lista delle vittime civili cresce e la consapevolezza dell’esistenza di un commando militare specializzato in attacchi “mirati” prende corpo. Un’inchiesta giornalistica di altissimo rango in forma di film che inchioda la politica estera dell’amministrazione Obama.

Un tema scomodo che nessuno dei nostri media ha mai sfiorato.

J

eremy Scahill, national security correspondent for “The Nation” uncovers, in 2010, in Afghanistan, in a place where no journalist had ever set foot, the lie behind the official line: two pregnant women were not killed in a honour killing but during a night raid by American drones. And whilst Scahill’s investigation takes him to Yemen and Somalia, the list of civilian casualties grows, and he starts to become aware of the existence of a military command unit specialised in “targeted” attacks. This is a journalistic enquiry of the utmost importance in the form of a film that turns the attention on the foreign policy of the Obama administration, a thorny issue that no one from our media has ever touched upon.

RICHARD ROWLEY 1975 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Dirty Wars (doc) (2013), The Jena 6 (cm, doc) (2007), Deserter (doc) (2007), The War of 33 (doc) (2007), The Fourth World War (doc) (2003), Black & Gold (doc) (2001), This Is What Democracy Looks Like (doc) (2000), Zapatista (doc) (1999)

GOD LOVES UGANDA USA / 2013 / HD / 83’

USA

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Motto Pictures PRODUTTORE / PRODUCER: Julie Goldman, Roger Ross Williams SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Benjamin Gray, Richard Hankin, Roger Ross Williams MONTAGGIO / EDITING: Richard Hankin, Benjamin Gray FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Derek Wiesehahn SOUND EDITOR: Ira Spiegel, Marlena Grzaslewicz, Matt Rigby MUSICA / MUSIC: Mark De Gli Antoni DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Motto Pictures

D

a Kansas City a Kampala, al seguito di un manipolo di giovani missionari della International House of Prayer. Animati dalle migliori intenzioni, aprono ospedali, creano scuole e, insieme al verbo, diffondono l’odio per “l’immoralità” (la campagna per il “Kill the gays bill” ha condotto all’omicidio del leader del movimento per i diritti degli omosessuali David Kato). Lo stupefacente resoconto della silenziosa penetrazione del fondamentalismo religioso e dei valori della destra cristiana statunitense in Uganda, “focolare del rinnovamento spirituale di un intero continente”.

Una tragica operazione di colonialismo culturale dalle criminali implicazioni.

A

band of young missionaries from the International House of Prayer travel from Kansas City to Kampala. Driven by the best intentions, they open hospitals, found schools and, together with the word of God, spread their hate for “immorality” (the campaign for the “Kill the Gays bill” led to the leader of the gay rights movement, David Kato, being murdered). This is an astonishing account of the silent penetration of religious fundamentalism and American right-wing Christian values in Uganda, “the source of the spiritual rejuvenation of an entire continent”.

A tragic form of cultural colonialism with criminal implications.

ROGER ROSS WILLIAMS 1973 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: God Loves Uganda (doc) (2013), Music by Prudence (cm, doc) (2010), The Lives They Lived (2003), New York Underground (doc) (2003)

INEQUALITY FOR ALL USA / 2013 / HD / 90’

USA

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PRODUZIONE / PRODUCTION: 72 Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Jen Chaiken, Sebastian Dungan MONTAGGIO / EDITING: Kim Roberts FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Svetlana Cvetko, Dan Krauss SOUND EDITOR Christoper Barnett MUSICA / MUSIC: Marco d’Ambrosio DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: RaDiUS-TWC

T

ra i danni collaterali prodotti dal capitalismo americano c’è la classe media. E’ la tesi di Robert Reich, ex segretario del lavoro per Bill Clinton, oggi professore a Berkeley e autore di best seller come Aftershock.

Mentre i ricchi diventano superricchi - ci dice - il potere d’acquisto del 99% cala drammaticamente al di qua e al di là dell’Oceano. Ma è davvero possibile fare un film su un argomento del genere? Vedere per credere.

Vincitore del premio speciale della giuria al Sundance, Inequality for All ha per protagonista un economista con la verve di uno stand-up comedian.

Che ci dice: “La più grande bugia che ci hanno raccontato? Che il libero mercato sia per il nostro bene”.

A

mong the collateral damage of American capitalism is the middle class. This is the theory of Robert Reich, former labour secretary to Bill Clinton, currently a professor at Berkeley and author of best sellers such as Aftershock. Whilst the rich are becoming super rich – he tells us – the spending power of 99% of the population is falling sharply on this side of and across the Atlantic. But is it really possible to make a film on such a subject? Seeing is believing. Winner of the Special Jury Prize at the Sundance Film Festival, Inequality For All’s protagonist is an economist with the wit of a stand-up comedian. Who tells us: “The biggest lie they’ve told us? That the free market is there for our own good”.

JACOB KORNBLUTH 1972 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Inequality for All (doc) (2013), The Best Thief in the World (2004), Haiku Tunnel (2001)

DER KAPITÄN UND SEIN PIRAT THE CAPTAIN AND HIS PIRATE GERMANY / 2012 / HD / 76’

Munchen, Germany

PRODUZIONE / PRODUCTION: Brockhaus/Wolff PRODUTTORE / PRODUCER: Andy Wolff, Marion Hänsel, Stefanie Brockhaus SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Andy Wolff MONTAGGIO / EDITING: Michèle Hubinon, Ulrike Tortora FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Andy Wolff, Tobias Tempel, Yusuf Guul SOUND EDITOR: Paul Heymans MUSICA / MUSIC: Sebastian Zenke CAST: Krzysztof Kotiuk, Ahado DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Doc & Film international

È

possibile il dialogo tra rapitore e rapito? Tra il leader della banda di pirati che sequestra un cargo tedesco al largo delle coste della Somalia e il capitano della nave? La macchina da presa di Andy Wolff fa da specchio, a distanza, tra i due antagonisti. E mentre la vittima azzarda una dolorosa ricostruzione di sé e dei quattro mesi di prigionia, il “suo” pirata ci porta in luoghi inesplorati dalla cronaca e apre per lo spettatore uno scenario che indaga cause, ribalta prospettive e ci costringe ogni volta ad assumere lo sguardo dell’altro. Un’incursione senza precedenti in una guerra che mobilita eserciti e task force. Un’incursione nella strana bellezza del comportamento umano.

I

s dialogue possible between the hijacker and the hostage? Between the leader of a band of pirates that seizes a German container ship off the coast of Somalia and the captain of the ship? Andy Wolff’s camera acts as a mirror between the two antagonists from a distance. And while the victim ventures into a painful reconstruction of his experience and the four months he was held prisoner, “his” pirate takes us into unexplored territory in the story, inviting the viewer to look at the reasons behind it, overturning perspectives and forcing us, each time, to look through the eyes of another. An unprecedented foray into a war that mobilises armies and task forces, exploring the strange beauty of human behaviour.

ANDY WOLFF 1978 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Der Kapitän und sein Pirat (The Captain and His Pirate, doc) (2012) | On the Other Side of Life (doc) (2009), Son Lost (cm) (2007), One Way or the Other (cm) (2007)

MUTASALILUN INFILTRATORS PALESTINE, UNITED ARAB EMIRATES, LEBANON / 2012 / HD / 70’

Jenin, Siria

PRODUZIONE / PRODUCTION: Idioms Film PRODUTTORE / PRODUCER: Sami Said, Mohanad Yaqubi MONTAGGIO / EDITING: Gaeten Harem FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Khaled Jarrar SOUND DESIGN: Carl Svensson MUSICA / MUSIC: Carl Svensson DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Idioms Film

M

ani che contrabbandano pane tra le fessure della “barriera di separazione”. Foto di figli e nipoti che crescono al di là, preclusi allo sguardo. Microfoni che registrano voci da recapitare oltre gli sbarramenti. Scale improvvisate che, notte e giorno, valicano il Muro che la retorica vuole invalicabile, unica garanzia contro la violenza del terrorismo. Basta un film a sfatare il poroso mito della sicurezza, tra le certezze fondative dello Stato di Israele? Low-tech e libero, filmato con ogni mezzo possibile, dagli stessi “trasgressori”, Infiltrators racconta di una pericolosa lotta quotidiana, quella per la libertà di movimento dei palestinesi della Cisgiordania.

H

ands that smuggle bread through the cracks of the “Separation Barrier”. Photos of children and grandchildren growing up on the other side, blocked from view. Microphones that record voices and deliver them past the blockades. Makeshift ladders that are used, day and night, to cross the Wall, which rhetoric would have us believe is insurmountable, the only protection against terrorist violence. Can a film debunk the porous myth of safety, one of the founding guarantees of the State of Israel? Low-tech and simple, filmed by the “transgressors” themselves with every available means, Infiltrators tells the story of the dangerous daily struggle for freedom of movement of Palestinians living on the West Bank.

KHALED JARRAR 1976 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Mutasalilun (Infiltrators, doc) (2012)

SUR LE RIVAGE DU MONDE STANDING ON THE EDGE OF THE WORLD CANADA / 2012 / HD / 106’

Montréal, Québec Canada

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Les Films du Tricycle PRODUTTORE / PRODUCER: Lucie Lambert, Sylvain L’Espérance SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Sylvain L’Espérance MONTAGGIO / EDITING: Mathieu Bouchard-Malo FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Sylvain L’Espérance SOUND EDITOR: Mélanie Gauthier CAST: Erik César Toukov, Ibri Félou, Amih Leila, Eric Mbongue, Ali Rasmensi, Adama Bagayoko DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Les Films du Tricycle

U

n edificio semiabbandonato di Bamako, la capitale del Mali, poco prima dello scoppio della guerra civile. Un luogo di transito, uno dei tanti in Africa. Punto di ritrovo per uomini e donne erranti in cerca, ognuno, di un proprio Eldorado, ma destinati a incontrare solo un’eterna attesa.

Il tempo passa, senza che si possa agire, in compagnia dell’altro, non più sconosciuto. Ed è in nome di questa comune condizione che i sacrificati del nuovo ordine economico rifiutano l’invisibilità. La poesia e il teatro di strada diventano allora non solo un modo per abitare quel luogo davanti alla macchina da presa del regista, ma l’unico mezzo per rappresentare la rivolta, esprimere il rifiuto di un eterno destino da esclusi.

A

semi-abandoned building in Bamako, the capital of Mali, shortly before the outbreak of the civil war. A place of transit, one of many in Africa. A meeting place for wandering men and women, each searching for their own El Dorado, but destined only to wait for eternity. Time passes, without them being able to do anything, alongside others, no longer strangers to one another. And it is in the name of this common condition that those sacrificed for the new economic order refuse to become invisible. Street poetry and theatre become not only a way for them to inhabit that place before the director’s camera, but their only way of showing rebellion, of refusing to accept an eternal fate as outcasts.

SYLVAIN L’ESPÉRANCE 1961 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Sur le rivage du monde (Standing on the Edge of the World, doc) (2012), Intérieurs du delta (Into the Delta) (2009), Un fleuve humain (The River Where We Live) (2006), La main invisible (2002), Le temps qu’il fait (1997), Les printemps incertains (doc) (1992)

FOCUS ANIMAZIONE FOCUS ON ANIMATION All Consuming Love (Man in a Cat) Louis Hudson / UK / 2011 / HD / 9’ The Animation of Man Amanda Nedermeijer / The Netherlands / 2012 / HD / 3’ (Italian Première) Astigmatismo Nicolai Troshinsky / Spain / 2013 / HD / 4’ (Italian Première) Betty’s Blues Rémi Vandenitte / France, Belgium / 2013 / HD/ 12’ Bird Benny Kristof Luyckx / Belgium / 2012 / HD /2’ (Italian Première) Boles Špela Čadež / Slovenia / 2013 / HD / 12’ (Italian Première) But Milk Is Important Anna Mantzaris, Eirik Grønmo Bjørnsen / Norway / 2012 / HD / 11’ Caravan Palace - Rock It for Me Ugo Gattoni, Guillaume Cassuto, Jeremy Piresi / France / 2012 / HD / 3’ Carn Jeff Le Bars / France /2012 / HD / 5’ (Italian Première) Comme des lapins (Chroniques de la poisse, chap. 2) (Like Rabbits (Sticky Ends, chap. 2)) Osman Cerfon / Belgium / 2012 / HD / 8’ Dag meneer de Vries (Goodbye mister de Vries) Mascha Halberstad / The Netherlands / 2012 / HD / 6’ (Italian Première) Discodeine – Aydin Pleix / France / 2013 / HD / 4’ (Italian Première) Double Fikret Haiyang Wang / China / 2012 / HD / 3’ (Italian Première) Fear of Flying Conor Finnegan / Ireland / 2012 / HD / 9’ Half You Met My Girlfriend Nicolas de Leval Jezierski / Germany / 2013 / HD / 5’ (Italian Première) Inekafe – Figurka Petr Babinec /Czech Republic / 2012 / HD / 3’ (Italian Première) Jazz that Nobody Asked for

Rune Fisker, Esben Fisker / Denmark / 2013 / HD / 4’ (Italian Première) Kali, O Pequeno Vampiro (Kali, the Little Vampire) Regina Pessoa / Portugal / 2012 / HD / 9’ Kalté (Guilt) Reda Tomingas / Lithuania / 2013 / HD / 2’ (Italian Première) Katachi (Shape) Przemysław Adamski, Katarzyna Kijek / Poland/2012/HD/3’ (Italian Première) Le labyrinthe (The Labyrinth) Mathieu Labaye / Belgium / 2013 / HD / 9’ Love Olympics : Fencing Grant Orchard / UK / 2012 / HD / 2’ (Italian Première) LSD ABC François Grumelin-Sohn, Laura Sicouri / France/2012/HD/4’ (Italian Première) Les mots de la carpe (Tongue-tied) Lucrece Andreae / France / 2012 / HD / 4’ My Cover of… Enjoy The Silence by Depeche Mode; My Cover of… Tonight I Celebrate My Love by Roberta Flack & Peabo Bryson, My Cover of… Paradise City by Guns N’ Roses Kristof Luyckx / Belgium / 2013 / HD / 3’ (Italian Première) Paper City Maciek Janicki / UK / 2013 / HD / 2’ (Italian Première) Der Pinguin (The Penguin) Annette Jung / Germany / 2012 / HD / 7’ Plug & Play Michael Frei / Switzerland / 2013 / HD / 6’ Preti (Priests) Astutillo Smeriglia / Italy / 2012 / HD / 15’ Rhapsodie pour un pot-au-feu (Stewpot Rhapsody) Charlotte Cambon de la Vallette, Stéphanie Mercier, Soizic Mouton, Marion Roussel/ France /2012 / HD / 3’ Scroogin on a Greg Will Anderson / UK / 2012 / HD / 2’ (Italian Première) Shave It Fernando Maldonado, Jorge Tereso /Argentina/2012/HD / 4’ (Italian Première) She Loved the Place

Charlotte Apers / The Netherlands / 2012 / HD / 3’ (Italian Première) Shelved James Cunningham / New Zeland / 2012 / HD/ 6’ (Italian Première) Tame Impala - Feels Like We Only Go Backwards

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opo molti anni, il Focus animazione continua a rappresentare per il Milano Film Festival un evento fondamentale e irrinunciabile. Da un lato, consolida e rinnova il rapporto diretto tra il festival e il suo pubblico, che accorre sempre numeroso all’appuntamento della maratona, vera e propria festa notturna dell’animazione. Dall’altro, è un sunto articolato e completo di un’intera estetica, capace di dare spazio a opere più mainstream e tradizionalmente narrative, alternate a lavori che rivelano una più coraggiosa sperimentazione, o una semplice curiosità per le nuove forme del disegno animato.

In più di tre ore e mezzo di durata, la maratona presenterà un’ampia varietà di soluzioni tecniche e applicazioni artistiche, che indagano le infinite modalità espressive del linguaggio: 2d, ibridi live action, illustrazione, 3d, computer graphics, plastilina, stop motion, clay motion, silhouette, ombre cinesi, fotografia, tecniche miste e persino animazione via tablet.

I soggetti, come sempre, rovistano negli angoli sperduti della creatività: mostri canterini, la malinconia di un piccolo vampiro, storie d’amore, di blues, di vendetta e molto altro ancora è quello che offre l’appuntamento del 2013. Per fare qualche segnalazione, si potrebbe citare l’opera dell’artista cinese Haiyang Wang che disegna tradizionalmente con pastelli su carta vetrata creando un immaginario onirico e inquietante nello stile delle prime sperimentazioni animate di Lynch, o la romantica malinconia tradotta in stop motion di Špela Čadež, regista slovena già selezionata dal Milano Film Festival che conferma il suo talento con Boles, ma anche opere divertenti come il film danese di Eben e Rune Fisker che con stile grafico realizzano uno sketch animato ricco di ironia, gusto retrò e tanto Jazz.

Poiché però il ruolo di un festival non è solo quello di mostrare ma anche, per quanto gli è possibile, di produrre la creatività, ecco confermato l’appuntamento annuale del workshop dedicato all’animazione, per la prima volta in collaborazione con Moleskine. Protagonista del laboratorio è Louis Hudson, talento britannico in rapida ascesa, ricercato dai festival specialistici e non di tutto il mondo, e che il Milano Film Festival ha “scoperto” già qualche anno fa con il delizioso e geniale All Consuming Love (Man in a Cat). Hudson trasferirà la sua proverbiale ironia, di stampo britannico, ai fortunati che parteciperanno al workshop, costruendo in pochi giorni un progetto ad hoc che utilizzerà come supporto i fogli della storica agenda.

Vincenzo Rossini

Joe Pelling, Becky Sloan / UK / 2013 / HD / 3’ (Italian Première) Le Vagabond de St Marcel (The Wanderer of St Marcel) Rony Hotin / France / 2012 / HD / 8’ Vie de Reve en Promotion (Dream Life on Sale) Ellen Salomé, Alicia Keppenne, Kévin Dupont / France / 2012 / HD / 7’

A

fter many years, the Focus on animation continued to represent an absolutely fundamental event for the Milano Film Festival. On the one hand, it consolidates and renews the direct relationship between the Festival and its public, who are increasingly numerous to come to the appointment of the marathon, a fully-fledged night celebration of animation. On the other, it is a structured and complete summary of an entire aesthetic, capable of making room for more mainstream and traditionally “narrative” works, alternated with works with reveal a bolder experimentation, or simple curiosity for the new forms of animated drawing.

In over three and a half hours, the marathon will present a wide variety of technical solutions and artistic applications, which investigate the infinite ways of expression of language: 2D, live action hybrids, illustration, 3D, computer graphics, plasticine, stop motion, clay motion, silhouettes, Chinese shadows, mixed techniques and even animation via tablet.

The subjects, as always, ransack the remote corners of creativity: singing monsters, the melancholy of a small vampire, love stories, stories of blues, vendetta and much more is offered by the 2013 rendezvous.

Mention can be made of the work of the Chinese artist Haiyang Wang who traditionally draws with pastels on sandpaper creating a dream-like and disturbing imagery in the style of the early animated experimentation by Lynch, or the romantic melancholy translated into stop motion of Špela Čadež, the Slovenian director already selected by the Milano Film Festival who confirms her talent with Boles, but also entertaining works such as the Danish film by Eben and Rune Fisker who with style and grace create an animated sketch full of irony, vintage flavour and lots of jazz.

As, however, the role of a festival is not only that of showing but also, as far as possible, producing creativity, the annual rendezvous of the workshop on animation is confirmed, for the first time in collaboration with Moleskine. The workshop features Louis Hudson, a rapidly upcoming British talent, sought out by specialized and general festivals all over the world, and that the Milano Film Festival “discovered” a few years ago with his delightful and brilliant All Consuming Love (Man in a Cat). Hudson will transfer his proverbial British irony to the lucky participants of the workshop, building up in a few days an ad hoc project which will use as support the pages of the mythical diary.

ALL CONSUMING LOVE (MAN IN A CAT) UK / 2011 / HD / 9’

UK

PRODUZIONE / PRODUCTION: Dice Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Louis Hudson, Jon Petrie SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Louis Hudson, Ian Ravenscroft MONTAGGIO / EDITING: Louis Hudson FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Louis Hudson SOUND EDITOR: Ben Walker MUSICA / MUSIC: Ben Walker CAST: Kevin Eldon, Josie Long, Isabel Fay, Jon Petrie DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Dice Productions

U

n piccolo uomo vive dentro un gatto; la sua è una vita limitata da quella del suo ospite, ma questo non gli impedisce di innamorarsi della giovane padrona dell’animale. Quando finalmente riesce a evadere dalla sua prigione felina per dichiararsi alla donna, questa è sconvolta e cerca di ucciderlo. Ma nel frattempo da quella che il piccolo uomo aveva sempre pensato essere la tana di un topo, esce una donna, delle sue stesse -ridotte- dimensioni. A questo punto ai due innamorati in miniatura non resta che trovare il luogo adatto dove vivere la loro storia d’amore. C.G.

A

small man lives inside a cat. His life is limited by that of his host, but that doesn’t stop him falling in love with the young owner of the animal. When he finally succeeds in escaping from his feline prison to declare his love to the young woman, she freaks out and tries to kill him.

But in the meantime the man sees a woman, of the same reduced proportions, emerge from what he always thought was a mouse hole. From that point on, the only thing left for the two miniature lovers to do is find a place where they can be together.

LOUIS HUDSON 1986 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: All consuming love (Man In A Cat) (cm) (2011)

THE ANIMATION OF MAN THE NETHERLANDS / 2012 / HD / 3’

The Netherlands

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Willem de Kooning Academie PRODUTTORE / PRODUCER: Willem de Kooning Academie SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Amanda Nedermeijer MONTAGGIO / EDITING: Amanda Nedermeijer FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Amanda Nedermeijer SOUND EDITOR: Amanda Nedermeijer MUSICA / MUSIC: Kevin McLeod ANIMAZIONE / ANIMATION: Amanda Nedermeijer

T

he Animation of Man è un lavoro a tecnica mista che ripercorre, in poco meno di tre minuti, l’intera evoluzione della vita sulla terra, dai semplici microorganismi ai dinosauri per arrivare, alla fine, all’uomo. Un gioco di prospettive e materiali che mescola animazione disegnata e stop motion, illustrazione e papercraft, scienza e fantasia. Dopo l’acclamato The Boy Who Drew Cat, Amanda Nedermeijer torna all’animazione con un cortometraggio che sembra prendere le distanze dai precedenti lavori digitali, per affondare le radici in una dimensione maggiormente materica, in cui il libro, come supporto, diventa il luogo in cui si fondono la storia universale del genere umano e quella personale dell’animatrice. A.L.

T

he Animation of Man is a film made using various techniques, which covers, in just under three minutes, the entire evolution of life on Earth, from the most basic of micro-organisms to the dinosaurs, ending up with man. It’s a play on perspectives and materials that mixes drawn animation with stop motion animation, illustration, papercraft, science, and creativity. After her acclaimed The Boy Who Drew Cats, Amanda Nedermerjer returns to animation with a short film that seems to step away from her previous digital work, laying down roots in a more textured dimension in which the book becomes the place where the story of man and the personal story of the animator are established.

AMANDA NEDERMEIJER 1988 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: The Animation of Man (cm) (2012), The Boy who Drew Cats (cm) (2012)

ASTIGMATISMO SPAIN / 2013 / HD / 4’

Russia

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Nicolai Troshinsky SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Nicolai Troshinsky SOUND EDITOR: Pierre Sauze MUSICA / MUSIC: Shogun Kunitoki ANIMAZIONE / ANIMATION: Nicolai Troshinsky DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Les Films du Nord

U

n ragazzo ha perso i suoi occhiali. Non riesce a vedere ed è costretto a mettere a fuoco un solo oggetto alla volta. Quella che era la sua quotidianità diventa un’avventura fatta di incontri tra onirismo e magia, un viaggio in un mondo surreale dove ogni presenza perde dopo poco i suoi contorni. I suoni e i rumori diventano l’unico strumento di orientamento in un mondo a tratti ostile, a tratti affascinante. Il primo lavoro di Nicolai Troshinsky, interamente autofinanziato e autoprodotto, apprezzato dalla giuria del Festival di Annency, si è rivelato essere uno degli esordi più incisivi e originali (fatta presente una totale ristrettezza di mezzi) di quest’anno nel panorama dell’animazione. A.L.

A

boy has lost his glasses. He can’t see and is forced to focus on one thing at a time. What was his daily routine turns into an adventure made up of dreamlike, magical encounters; a journey into a surreal world where things appear but quickly blur. Sounds and noises become the only way of navigating a world that is at times hostile and at others fascinating. Nicolai Troshinsky’s first film, entirely self-funded and self-produced, and esteemed by the jury at the Annecy Film Festival, has turned out to be one of the most cutting and original debut animation films of this year (bearing in mind that it was made on a shoestring).

NICOLAI TROSHINSKY 1985 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Astigmatismo (cm) (2013), Jeux Pluriels (2009), Rendez-Vous au Cratère X-24 (2009), Samare (2008) FESTIVALS: Annecy, Fest Anca, Chilemonos, Linoleum, Guanajuato International Film Festival, Fantoche

BETTY’S BLUES FRANCE / BELGIUM / 2013 / HD / 12’

France / Belgium

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Les Films du Nord PRODUTTORE / PRODUCER: Arnaud Demuynck SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Remi Vandenitte MONTAGGIO / EDITING: Remi Vandenitte FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Jan Vandenbussche (stop motion scenes) SOUND EDITOR: Philippe Fontaine MUSICA / MUSIC: Roland Van Campenhout, Julien Dexant ANIMAZIONE / ANIMATION: Stop motion animation: Andreas De Ridder • Drawn animation: Julien Dexant, Serge Elissalde • 2D computer animation: Nicolas Fong, Remi Vandenitte, Nicolas Leroy DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Les Films du Nord

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opo le prime note suonate da un giovane chitarrista in uno squallido localino della Louisiana, ci troviamo a ripercorrere a ritmo di blues la tormentata storia di Boogie Jones dove a intrecciarsi sono l’amore, la musica, ma anche la vendetta. Un film realizzato mescolando la tecnica digitale della 2D computer alla clay animation che affronta il tema della discriminazione nell’America del sud degli anni Venti. S.R.

A

young guitarist plays the first few notes of a song in a seedy bar in Louisiana, and we are the transported into the sad story of Boogie Jones. It’s a story about love and music, but also revenge. This is a film made by mixing 2D digital animation with clay animation, and tackles the issue of discrimination in the American South in the 20’s.

REMI VANDENITTE 1982 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Betty’s Blues (cm) (2013), Grise mine (cm) (2009), Rhum salé (cm) (2008), Corpo Industrie (cm) (2007), Le Petit Chat est mort (cm) (2006), Vol au vent (cm) (2005)

BIRD BENNY BELGIUM / 2012 / HD / 2’

Belgium

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Kristof Luyckx PRODUTTORE / PRODUCER: Kristof Luyckx SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Kristof Luyckx MONTAGGIO / EDITING: Kristof Luyckx FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Kristof Luyckx SOUND EDITOR: David Kamp MUSICA / MUSIC: David Kamp ANIMAZIONE / ANIMATION: Kristof Luyckx

B

enny è un pavone diverso dagli altri, non porta sulle proprie piume il logo di qualche band hard rock o heavy metal. La sua attitudine timida lo fa essere oggetto di scherno. La sua ruota di piume, ridicolamente in foggia di fallo non gli rende l’adolescenza facile. Ma forse proprio l’oscenità della sua conformazione alare lo aiuterà a fare nuove conquiste con il gentil sesso. Krystof Luyckx, vulcanico illustratore e animatore, è noto per il suo umorismo acido, fatto di scorrettezza verbale e visiva. Bird Benny sembra l’ultimo tassello pungente del cammino di un autore capace di portare la generazione South Park ad un nuovo livello di cinismo. A.L.

B

enny is different from the other peacocks; he doesn’t sport the logo of any hard rock or heavy metal bands on his feathers. His shy predisposition leaves him open to teasing. His tail feathers, shaped ridiculously like a phallus, do not make adolescence easy for him. But perhaps the very obscenity of his tail feathers will help him to win over the fairer sex.

Krystof Luyckx, a dynamic illustrator and animator, is known for her acid humour, built on verbal and visual inappropriateness. Bird Benny is the latest acidic feather in the plume of an artist who brings the South Park generation to a new level of cynicism.

KRISTOF LUYCKX 1981 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: My Cover of… Enjoy The Silence (cm) (2013), My Cover of… Paradise City (cm) (2013), My Cover of… Tonight I Celebrate My Love (cm) (2013), Bird Benny (cm) (2012)

BOLES SLOVENIA, GERMANY / 2013 / HD / 12’

Norway

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PRODUZIONE / PRODUCTION: No History, HupeFilm PRODUTTORE / PRODUCER: Tina Smrekar, Spela Cadez SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Gregor Zorc, Spela Cadez MONTAGGIO / EDITING: Thomas Schmidl FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Michael Joerg SOUND EDITOR: Johanna Herr MUSICA / MUSIC: Tomaz Grom ANIMAZIONE / ANIMATION: Oliver Throm CAST: Katja Levstik, Gregor Zorc DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: No History

F

ilip vive in un quartiere poverissimo e sogna di diventare uno scrittore famoso e condurre una vita agiata in una parte ricca della città. I suoi sogni si scontrano con la crisi creativa che lo affligge. Le pagine bianche della sua macchina da scrivere sembrano rimanere sempre intonse. Un giorno Tereza, una prostituta avanti negli anni, bussa alla porta di Filip chiedendogli di poter scrivere una lettera al suo fidanzato. Filip accetta sperando di evitare altri incontri con la donna, ma Tereza tornerà a bussare alla sua porta. Špela Čadež costruisce un racconto classico di incontro umano e diversità, un’animazione in stop motion che intesse una storia che sarebbe piaciuta a Ernest Lubitch e Max Ophuls. A.L.

F

ilip lives in a poor neighbourhood. He dreams of one day being a famous writer and enjoying the luxuries of a comfortable life living in a richer part of town. His dreams are held back by the creative crisis he has been suffering for some time. The blank pages in his typewriter seem doomed to remain as such. One day Tereza, an older prostitute, knocks on Filip’s door asking if he could write a letter to her fiancé. Filip accepts, hoping to avoid any further encounters with her, but Tereza comes knocking again three weeks later. Špela Čadež succeeds in structuring a classic tale of human encounter and diversity, using stop motion animation to weave a story that Ernest Lubitch or Max Ophuls would have liked.

ŠPELA ČADEŽ 1977 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Boles (cm) (2013), Last Minute (2010), Marathon (cm) (2008), Lovesick (cm) (2007), Mate to Measure (cm) (2004)

BUT MILK IS IMPORTANT NORWAY / 2012 / HD / 11’

Norway

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Volda University College PRODUTTORE / PRODUCER: Eirik Grønmo Bjørnsen, Anna Mantzaris SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Eirik Grønmo Bjørnsen, Anna Mantzaris MONTAGGIO / EDITING: Eirik Grønmo Bjørnsen, Anna Mantzaris FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Eirik Grønmo Bjørnsen, Anna Mantzaris SOUND EDITOR: André Parklind MUSICA / MUSIC: Phil Brookes ANIMAZIONE / ANIMATION: Eirik Grønmo Bjørnsen, Anna Mantzaris CAST: Adam Diggle,John Lapiana, Britt Myer DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Norwegian Film Institute

U

n uomo agorafobico e con fobie sociali passa la vita cercando di evitare l’incontro con altri esseri umani. La sua esistenza, fatta di ferree routine, cambia di colpo quando nel suo appartamento compare una creatura fantastica. Il mostro, l’incrocio naive tra uno Yeti e un batuffolo di polvere, lo costringe a uscire dalla sua quotidianità e incontrare altre persone. L’uomo non coglie questa vocazione del suo mostruoso compagno e cerca di sfuggirgli scappando di notte. Delicata fiaba umana, But Milk Is Important di Anna Mantzaris e Eirik Grønmo Bjørnsen gioca la sua forza emotiva sulle mezze tinte e uno stile ovattato e semplice, fatto di piccoli particolari e grande attenzione ai personaggi. A.L.

A

n agoraphobic man with social phobia leads a secluded life, trying to avoid coming into contact with other human beings. His existence, built on strict routine, changes suddenly when a strange creature appears in his apartment. The monster, an unsophisticated cross between a yeti and a dust bunny, forces him to break with his everyday routine and to meet other people. The man does not embrace the efforts of his monstrous friend, and tries to escape him by fleeing suddenly one night. A delicate human fairy-tale, the emotional power of But Milk Is Important, by Anna Mantzaris e Eirik Grønmo Bjørnsen, hinges on nuances, on a muted and simple style characterised by attention to detail and characters.

EIRIK GRØNMO BJØRNSEN 1986, ANNA MANTZARIS 1987 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Eirik Grønmo Bjørnsen: The Crow Who Wore A Suit And Worked In An Office (2011), I Like Apples (2009) Eirik Grønmo Bjørnsen, Anna Mantzaris: But Milk Is Important (cm) (2012)

CARN FRANCE / 2012 / HD / 5’

France

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PRODUTTORE / PRODUCER: Ecole Emile Cohl SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Jeff Le Bars SOUND EDITOR: Sylvain Livenais MUSICA / MUSIC: Sylvain Livenais ANIMAZIONE / ANIMATION: Jeff Le Bars

U

n bambino si perde nel bosco, una tempesta di neve lo spinge nelle vicinanze della tana di un lupo. Il feroce animale gli propone un patto: in cambio della libertà dovrà ucciderlo e sostituirlo nel branco. Il bambino accetta il patto di sangue, ma tentare il ritorno al mondo degli umani potrebbe rivelarsi una decisione drammatica. Jeff Le Bars, disegnatore classe 1985, rilegge in chiave dark il mito dell’uomo dei lupi, racconto che da Freud a Kipling ha saputo entrare in risonanza tanto con la letteratura quanto con la psicoanalisi. Una fiaba nera che affascina e commuove grazie a uno stile grafico moderno, che riesce a restituire all’animazione la dimensione fiabesca tipica di quelle tradizionali. A.L.

A

child loses his way in the woods and a snowstorm forces him to take cover near a wolf’s den. The ferocious animal proposes him a pact: he will let the child go free if he kills him and take his place in the pack.

The child accepts, but trying to return to the human world could end in tragedy. Jeff Le Bars – class of 1985 – puts a dark spin on the legend of the Wolf Man, a story that has, over the years, resonated as much with literature as it has with psychoanalysis, sparking the interest of Kipling as it has Freud. This is a dark fairy-tale that will captivate and move the viewer with its modern graphic style, which succeeds in adding the fairytale element so typical of traditional animations to this piece.

JEFF LE BARS 1985 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Carn (cm) (2012), Coquino (cm) (2012)

COMME DES LAPINS (CHRONIQUES DE LA POISSE, CHAP. 2) FRANCE / 2012 / HD / 8’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Je Suis Bien Content PRODUTTORE / PRODUCER: Franck Ekinci, Camille Serceau SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Osman Cerfon, Camille Jourdy MONTAGGIO / EDITING: Nazim Meslem SOUND EDITOR: Jeroen Nadorp ANIMAZIONE / ANIMATION: Gregory Duroy, Osman Cerfon DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Autour de Minuit

U

n luna park, un gruppo di boyscout impenitenti, una coppia formata da un teppista e una ragazza appassionata di conigli di peluche, un travestito, uno sfortunato uomo-pesce con il pallino per i giochi a premio.

Like Rabbits – sequel di Sticky Ends – riprende l’uomo con la testa di pesce, protagonista della serie, per inserirlo in un contesto ancor più surreale, dove dominano la cattiveria e il cinismo. Ricco di riferimenti incrociati, il cortometraggio di Osman Cefron, gioca la carta del cinismo estremo, che strappa più di una risata anche allo spettatore più disilluso. A.L.

A

fairground, a group of impenitent Boy Scouts, a couple – the boy a thug, the girl obsessed with cuddly rabbits –, a transvestite, an unfortunate fish- headed man with the ball for the fairground games. Like Rabbits – the sequel to Sticky Ends – once again features the fish-headed man, the protagonist of the series, placing him in an even more surreal context, where malice and cynicism prevail. Rich in cross-references, Osman Cefron’s short film is underpinned by extreme cynicism, which manages to get a few laughs out of even the most disenchanted viewer.

OSMAN CERFON 1981 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Comme des lapins (Chroniques de la poisse, chap.2) (cm) (2012), Chroniques de la poisse (cm) (2010)

DAG MENEER DE VRIES GOODBYE MISTER DE VRIES THE NETHERLANDS / 2012 / HD / 6’

The Netherlands

PRODUZIONE / PRODUCTION: Viking Film PRODUTTORE / PRODUCER: Marleen Slot SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Fiona van Heemstra SOUND EDITOR: Jeroen Nadorp MUSICA / MUSIC: Miguel Boelens ANIMAZIONE / ANIMATION: Huub Kistemaker

I

l signor de Vries ha oltrepassato la giovinezza ormai da molto e vive gli ultimi giorni in una casetta vicino a un lago ghiacciato. La sua vita è fatta di gesti semplici e ripetitivi, carichi di meditata tranquillità. Un giorno gli viene consegnato un pacco contenente un paio di pattini, ricordo di un lontano amore. Per il signor De Vries sarà l’occasione per provare a riattraversare il lago. Goodbye Mister de Vries è una delicata riflessione sul tempo e sulle stagioni della vita. I pattini, il lago e la casa sembrano costruirsi come luoghi emotivi e simbolici della vita. All’amore, pare dire la regista, non si riesce mai a comandare, neppure quando non si ha neanche la forza di allacciarsi un paio di pattini. A.L.

M

r de Vries waved goodbye to his youth many decades ago. He’s living out his final days in a little house by a frozen lake. His life is made up of simple routine, carried out with deliberate calm. One day he receives a gift-wrapped box containing a pair of skates, a memory of a long lost love. It will be an opportunity for him to try and get back over to the other side of the lake. Goodbye Mister de Vries, is a delicate reflection on time and the seasons of life. The skates, the lake, and the house seem to be set up as emotional and symbolic stages of life. With her film, the director seems to be saying that love cannot be controlled, even when you don’t have the strength to tie up a pair of skates.

MASCHA HALBERSTAD 1973 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Dag Meneer de Vries (Goodbye mister de Vries, cm) (2012), Picnic with Cake (2012), The Big Hummimummi Karaoke Show (2006), Ivanhoe (cm) (2002), Rabbit (cm) (2001)

DISCODEINE - AYDIN FRANCE / 2013 / HD / 4’

France

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Pleix MONTAGGIO / EDITING: Pleix FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Pleix MUSICA / MUSIC: Discodeine ANIMAZIONE / ANIMATION: Pleix

I

Pleix sono un collettivo di artisti digitali francesi, che alternano la fotografia di moda al videoclip, l’animazione alla grafica pubblicitaria, l’illustrazione al gaming. Difficilmente catalogabili, ogni lavoro ha sempre stili e influenze diverse, i Pleix sono una delle realtà maggiormente influenti nel panorama audiovisivo europeo. Aydin, canzone scelta per il lancio del nuovo album del duo francese Discodeine, si presta per offrire allo spettatore un allucinatorio viaggio a tinte fluo, ipnotico e respingente allo stesso tempo. A.L.

P

leix is a group of French digital artists that alternate between fashion photography, music videos, animations for advertising and gaming illustrations. Difficult to categorise, as their pieces always have different styles and influences, Pleix is one of the most influential groups on the European audiovisual scene. Aydin, a song chosen to launch the new album of French duo Discodeine, takes the viewer on a hallucinatory journey in fluorescents, which is both hypnotic and repellent at the same time.

PLEIX 2001 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Lexus Poise, Discodine Aydin (cm) (2013), Heineken Human Equaliser, Nissan Stylish Impact, Toyota Gauntlet, Amnesty International Death Penalty

DOUBLE FIKRET CHINA / 2012 / HD / 3’

China

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Haiyang Wan g PRODUTTORE / PRODUCER: Haiyang Wang MONTAGGIO / EDITING: Haiyang Wang FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Haiyang Wang SOUND EDITOR: Haiyang Wang ANIMAZIONE / ANIMATION: Haiyang Wang

L

’artista Haiyang Wang unisce una tecnica unica, disegnare con pastelli su carta vetrata disegnando e cancellando ben oltre 1200 frame, a un immaginario visionario e surreale che ricorda le prime sperimentazioni animate di Lynch. Un’opera non narrativa che vuole esplorare l’inconscio e che, per poter compiere questo viaggio, necessita anche del processo di cancellazione: la tecnica appare così profondamente simbolica. S.R.

A

rtist Haiyang Wang has a unique technique, using chalk to draw on sandpaper, drawing and erasing more than 1200 frames in an imaginary and surreal piece that evokes the early animation experiments of Lynch. A non-narrative piece that seeks to explore the subconscious, and that requires the images to be erased for it to work: the technique itself is therefore profoundly symbolic.

HAIYANG WANG 1984 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Double Fikret (cm) (2012), Freud fish and butterfly (2009)

FEAR OF FLYING IRELAND / 2012 / HD / 9’

Ireland

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Brunella Cocchiglia SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Conor Finnegan MONTAGGIO / EDITING: Conor Finnegan FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Ivan McCullough SOUND EDITOR: Echolab MUSICA / MUSIC: Echolab ANIMAZIONE / ANIMATION: Nicolas de Leval Jezierski, Julia Günak CAST: Mark Doherty, Aoife Duffin, Steven Courtney

U

n piccolo uccello non ha ancora imparato a volare. Utilizza tutti i possibili escamotage per non far notare ai propri simili la sua mancanza, ma arrivata la stagione migratoria dovrà fare i conti con le proprie paure. Coming of age fuori dagli schemi, Fear of Flying è un film sulle paure e sulla possibilità di non superarle, ma semplicemente di assecondarle complicandosi incredibilmente la vita. Cortometraggio che prova un’altra morale, lontana dai luoghi comuni e vicina alle esperienze quotidiane. A.L.

A

young bird has not yet learnt to fly. He uses every trick in the book to stop his peers from noticing, but when the migration season arrives, he must face his fears. A coming of age story that breaks all the rules, Fear of Flying is a film about fears and the possibility of not overcoming them, but simply adapting to them, making life unbelievably difficult. A short film that takes a different approach, stepping away from clichés and closer to the everyday.

CONOR FINNEGAN 1984 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Fear of Flying (Cm) (2012), Fluffy Mc Cloud (2010), The Death of Wormboy (2009), Plastesex (2008), Cupid’s Love (2007)

HALF YOU MET MY GIRLFRIEND GERMANY / 2013 / HD / 5’

Germany

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PRODUZIONE / PRODUCTION: HFF “Konrad Wolf” Potsdam-Babelsberg PRODUTTORE / PRODUCER: Holger Lochau SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Nicolas de Leval Jezierski MONTAGGIO / EDITING: Nicolas de Leval Jezierski FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Nicolas de Leval Jezierski MUSICA / MUSIC: Georg Wende, Nicolas de Leval Jezierski, Nikolas Tillmann ANIMAZIONE / ANIMATION: Nicolas de Leval Jezierski, Julia Günak CAST: Voices – Marlene Melchior, Nicolas de Leval Jezierski, Additional Animation Maxim Vassiliev, Sound – Nils Vogel, Foley Artist – Peter Roigk DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Cristina Marx, HFF “Konrad Wolf” Potsdam-Babelsberg

T

ormentato da una ragazza assillante e superficiale, il protagonista di questo corto fugge in un mondo di immaginazione dove potersi rivalere sulla propria compagna. Purtroppo fantasia e realtà avranno un punto di congiunzione. Nicolas de Leval Jezierski mostra subito l’amore per la comicità nonsense di Bill Plymton, per la violenza sempre sublimata in forme comiche e per i colpi di scena sogno/veglia, tipici del maestro statunitense. La riflessione finale, in cui la realtà porta con sé alcuni segni della fantasia, concede un piccolo spazio alla riflessione e sposta l’asticella del lavoro del giovane animatore tedesco lontano dall’opera di maniera o dalla semplice boutade animata. A.L.

T

ormented by his hounding and superficial girlfriend, the protagonist of this short film escapes into a fantasy world where he can reflect on his partner. Unfortunately, there is a point where fantasy and reality meet. Nicolas de Leval Jezierski shows us, right from the outset of Half You Met My Girlfriend, his love for the comedy nonsense of Bill Plymton, for the sublimation of violence in comedy form, and for the contrast between dreams and wakefulness that are so characteristic of his films.

The final reflection of the film, in which reality shows traces of the imaginary, gives us a chance to reflect ourselves, and raises this young German animator’s film above stylised pieces and mere animated boutade.

NICOLAS DE LEVAL JEZIERSKI 1985 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Half You Met My Girlfriend (cm) (2013), NIAS – Made Up (cm) (2010), Interview with Formelwesen (cm) (2009), Formelwesen – Diggin’Demons (cm) (2009)

INEKAFE – FIGURKA CZECH REPUBLIC / 2012 / HD / 3’

Czech Republic

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Kouzelná PRODUTTORE / PRODUCER: Petr Babinec, Eva Plutová SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Petr Babinec, Lukáš Tomek MONTAGGIO / EDITING: David Lorenz MUSICA / MUSIC: Inekafe ANIMAZIONE / ANIMATION: Petr Filipovi DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Universal

P

etr Babinec è un illustratore ceco i cui riferimenti spaziano dal Nobrow al cartone animato disneyano. Figurka, brano musicale della band acid-ska Inekafe, gioca sugli scenari in bianco e nero, moltiplicando continuamente situazioni e personaggi in un gioco d’inseguimenti con le sonorità di sottofondo. Lavoro di animazione digitale e disegno che lascia aperta la porta dell’est-europa alle influenze stilistiche francesi. Un breve videoclip di chiara traccia stilistica. A.L.

P

etr Babinec is a Czech illustrator whose inspiration ranges from Nobrow to Disney cartoons. The video for Figurka, a piece of music by acid-ska band Inekafe, is made up of black and white sequences, introducing more scenes and characters as the video progresses in a game of pursuit set to music. A piece of digital animation and drawing that opens Eastern Europe up to French stylistic influences; this is a short music video with a clearly defined style.

PETR BABINEC 1986 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Inekafe: Figurka (cm) (2013), Mushroom, El manes, Squirrel, Thimble, D2 - With the Train at the End of the World

JAZZ THAT NOBODY ASKED FOR DENMARK / 2013 / HD / 4’

Denmark

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Benny Box PRODUTTORE / PRODUCER: Benny Box SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Rune Fisker, Esben Fisker MONTAGGIO / EDITING: Rune Fisker, Esben Fisker FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Rune Fisker, Esben Fisker SOUND EDITOR: Pawel Binczycki MUSICA / MUSIC: ‘Quaker City Jazz’ by Jan Savitt and his Top Hatters ‘Intro’ by Balkan Balagan ANIMAZIONE / ANIMATION: Pawel Binczycki, Rune Fisker, Esben Fisker DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Benny Box

U

n uomo scopre in una soffitta una scatola magica da cui escono tre jazzisti che lo seguono incessantemente. Dopo poco la musica diventa insopportabile per l’uomo che non è più in grado di sbarazzarsene. I fratelli danesi Rune e Esben Fisker, leggendo la biografia di Brian Eno On Some Faraway Beach, si sono trovati di fronte alla frase: “jazz that nobody asked for”, che si è fissata nelle loro teste facendoli interrogare sul rapporto tra ritmo ripetitivo e memoria. Di questo lavoro hanno detto che è una forma fantasiosa, in immagini, di tutti i motivetti che non riescono ad abbandonarci e che più ricacciamo con forza, più sono ripetuti ossessivamente dalle nostre menti. A.L.

A

man discovers a magic box in an attic: three jazz musicians jump out and start following him around. At first he embraces the music, but it becomes unbearable when the man can’t shake the musicians off.

While reading Brian Eno’s biography, On Some  Faraway Beach, Danish brothers Rune and Esben Fisker came across the phrase ‘jazz that nobody asked for’: it went round and round in their heads and got them thinking about the relationship between repetitive rhythm and memory. Introducing their work they found themselves confirming that is a visual imaginative piece about those tunes that get stuck in our heads. The harder we try not to think about them, the more they get stuck on loop.

RUNE FISKER 1974, ESBEN FISKER 1976 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Jazz That Nobody Asked for (cm) (2013)

KALI, O PEQUENO VAMPIRO KALI, THE LITTLE VAMPIRE PORTUGAL / 2012 / HD / 9’

Portugal

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Folimage Studios, Ciclope Filmes, The National Board of Canada, Studio GDS PRODUTTORE / PRODUCER: Abi Feijó, Julie Roy, René Chénier, Pascal Le Nôtre Georges Schwizgebel, Claude Luyet SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Regina Pessoa MONTAGGIO / EDITING: Abi Feijó FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Przemysław Adamski, Katarzyna Kijek SOUND EDITOR: Olivier Calvert MUSICA / MUSIC: The Young Gods ANIMAZIONE / ANIMATION: Marc Robinet, Laurent Repiton, Luc Chamberland, Jorge Ribeiro DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Dominique Templier – Jérémy Mourlan, Salette Ramalho – Agência da Curta Metragem, Christine Noel, Claude Luyet

K

ali è un bambino introverso: nella sua immaginazione si vede un vampiro che vive di notte, e osserva e scruta dalla sua stanza un mondo distante di cui raccoglie le tracce – piccoli oggetti che sfuggono ai passanti – in uno scrigno. Kali, O Pequeno Vampiro è l’ultimo lavoro di Regina Pessoa, creato alternando incisione e pittura su lastre di gesso, in una tecnica di lavorazione lunga e complessa. Un’opera al tempo stesso poetica e minuziosa, che racconta le paure di un bambino lontano dal mondo che lo circonda. Il tratto duro, fatto di dense linee nere, da cui si liberano a forza il bianco della luce e il rosso di alcuni oggetti, rispecchia il cuore di Kali, tra bisogno di accoglienza e profonda diversità. A.L.

K

ali is a shy child, who imagines himself as a vampire who comes out at night, and observes a distant world from afar, from which he collects and keeps in a chest small objects dropped by passers-by. Kali, O Pequeno Vampiro is the latest piece by Portuguese animator Regina Pessoa, created by engraving and drawing on plasterboard. It’s a film that is both poetic and meticulous, a film that tells the story of the fears of a child cut off from the world that surrounds him. The harsh style of the piece, made up of heavy black lines, from which white light and red objects break free, reflects Kali’s inner self, and the conflict between wanting to be accepted and being profoundly different.

REGINA PESSOA 1969 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Kali, O Pequeno Vampiro (Kali, the Little Vampire, cm) (2012), Milles Étoiles pour Emile (cm) (2008), Histoire Tragique avec Fin Heureuse (cm) (2005), Odisseia nas Imagens (cm) (2001), A Noite (cm) (1999)

KALTÉ GUILT LITHUANIA / 2013 / HD / 5’

Lithuania

PRODUZIONE / PRODUCTION: Joni Art PRODUTTORE / PRODUCER: Rasa Joni SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Reda Bartkute FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Reda Bartkute  SOUND EDITOR: Andrius Kauklys MUSICA / MUSIC: Andrius Kauklys ANIMAZIONE / ANIMATION: Reda Tomingas, Darija Ciuzelyte DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Joni Art

L

a storia di una volpe solitaria che desidera isolarsi dal mondo e si lascia torturare da una presenza, personificazione del senso di colpa. Ma la ricerca della solitudine e l’abbandono ai propri fantasmi interiori non è semplice, il mondo esterno continua a bussare, con rumori e immagini, alla sua porta. La giovane volpe deve quindi decidere se abbandonarsi a una follia solipsista o se accettare un cammino di riconciliazione. Guilt è un’opera ermetica, fatta di associazioni e riferimenti incrociati. Volutamente anti-narrativa e rigorosamente giocata sul cambio di prospettive (interno-esterno) è un’animazione dalle affascinanti suggestioni oniriche.

A.L.

G

uilt tells the story of a lonely fox who wishes to cut himself off from the rest of the world. In his isolation, he’s tortured by a presence, the personification of his sense of guilt. But it’s not easy for him to find solitude and lose himself to his inner ghosts, as the outside world keeps knocking at his door with noises and images. The young fox must therefore decide whether to lose himself to his solipsistic madness or accept the path to reconciliation. It’s a hermetic work made up of associations and  interwoven references. Deliberately anti-narrative in style and rigorously hinged on a shift in perspectives (internal-external), Guilt is an animation made up of captivating dreamlike sequences.

REDA TOMINGAS FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Kalté (Guilt) (cm) (2013), Under (cm) (2010), Hello (cm) (2009)

KATACHI POLAND, JAPAN / 2013 / HD / 3’

Poland

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PRODUZIONE / PRODUCTION: AB film Production PRODUTTORE / PRODUCER: Katarzyna Rup SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Przemysław Adamski, Katarzyna Kijek MONTAGGIO / EDITING: Przemysław Adamski, Katarzyna Kijek FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Przemysław Adamski, Katarzyna Kijek SOUND EDITOR: Shugo Tokumaru MUSICA / MUSIC: Shugo Tokumaru ANIMAZIONE / ANIMATION: Przemysław Adamski, Katarzyna Kijek CAST: Artur Cetnarowski DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Przemysław Adamski, Katarzyna Kijek

I

l Papercraft, o pepakura è una tecnica atta a creare oggetti tridimensionali attraverso i ritagli di carta. Ritagliando forme e sagome è possibile dare prospettive e costruire, come nella scultura, veri e propri oggetti di carta, partendo da singoli fogli. Katachi, fin dal titolo che significa letteralmente forma, si costituisce come un manifesto di tale tecnica (seppur applicata a layer di plastica sottile), atto a mostrare allo spettatore tutti i possibili giochi prospettici e geometrici offerti da alcuni fogli di pvc estremamente sottili intagliati con una lama controllata da un computer. A.L.

P

apercraft, or pepakura, is a technique used to create three- dimensional objects out of paper cut outs. Cut out shapes and silhouettes are used to create perspective and build, just like in sculpture, veritable paper objects out of individual sheets. Katachi, starting with the title which literally means ‘shape’,  establishes itself as a display of this technique (although applied to thin layers of plastic), with the aim of showing the viewer all the possible ways of playing with perspective and geometric shapes with a few sheets of extremely thin PVC cut using a computercontrolled blade.

PRZEMYSŁAW ADAMSKI 1980, KATARZYNA KIJEK 1981 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Katachi (cm) (2013), Noise (2011), Fleisch (2006), Monodram (2006), Trawnik (2006), Listonosz (2006), Pink’s Not Dead (2006), Godzina 7:15 (2006), Rzeczy (2005), Wnuk (2005)

LE LABYRINTHE THE LABYRINTH BELGIUM / 2013 / HD / 9’

Belgium

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Camera-etc PRODUTTORE / PRODUCER: Jean-Luc slock MONTAGGIO / EDITING: Mathieu Labaye SOUND EDITOR: Cindy Pahaut ANIMAZIONE / ANIMATION: Mathieu Labaye, Sébastien Godard CAST: Martin Firket

U

n piccolo spazio dove giorno per giorno ripetere ossessive azioni, quanto si può resistere alla follia nei pochi metri quadrati di una cella? La tecnica contribuisce ad accompagnare lo spettatore in un crescendo determinato da un’elaborazione grafica sempre maggiore e un montaggio che diviene man mano sempre più serrato. Il film, claustrofobico e intenso, ci restituisce la paranoia dark di un condannato. S.R.

A

small space in which to go about the same exasperating actions day after day – how long can you stave off madness in the few metres cubed offered by a cell? The method adopted for filming this piece helps carry the viewer towards a final crescendo marked by increased visual detail and increasingly fast cross-cutting. The film, claustrophobic and intense, takes us into the dark paranoia of a prisoner.

MATHIEU LABAYE 1977 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Le labyrinth (The Labyrinth, cm) (2013), Orgesticulanismus (2008), Ha Bi Ba (2006), Un pied dans la tombe (2002), Porte de Hal (Halleport) (2001), Je suis dans le train (2000), Métasphère (1998)

LOVE OLYMPICS: FENCING UK / 2012 / HD / 2’

UK

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Studio aka PRODUTTORE / PRODUCER: Sue Goffe SOUND EDITOR: Nic Gill DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Studio aka

D

urante un incontro di scherma alle Olimpiadi uno dei due sfidanti inizia ad alzare il tiro: il fioretto non basta più, è il momento di sfoderare una spada laser! L’avversario non sarà da meno iniziando un duro scontro Jedi. Questo film, con uno stile molto grafico, importa tutto l’universo di Guerre Stellari e altre icone nerd in una normalissima sfida di scherma. Lo spettatore si deve preparare a incontrare Eowoks e camminatori imperiali, ninjas e guerrieri medievali, per un intenso gioco di figure dove ogni mossa è permessa. Grant Orchard, regista del pluripremiato Studio Aka, si conferma così come una delle voci più interessanti del panorama grafico europeo. A.L.

D

uring a fencing match at the Olympics, one of the two challengers starts to raise his arm: the foil is no longer enough; the time has come to draw his lightsaber! His opponent is just as strong, and this kicks off a bitter Jedi battle. Love Olympics: Fencing is a short film which, using a very graphic style, brings the whole Star Wars universe and other sci-fi icons into a simple fencing match. Viewers, prepare to come face to face with Eowoks and Imperial Walkers, ninjas and medieval warriors, for a brief but highly intense war game where anything goes. With this short film, Grant Orchard, the multi-award winning director of Studio Aka, shows why he is one of the most interesting animators in Europe.

GRANT ORCHARD FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Love Olympics: Fencing (cm) (2012), A Morning Stroll (2011), LoveSport (2007), Redford (2006), Park Football (2005), Static In My Belly (2005), Welcome To Glaringly’ (2003), Samaritans (2002)

LSD ABC FRANCE / 2013 / HD / 4’

France

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Laura Sicouri, François Grumelin-Sohn PRODUTTORE / PRODUCER: Laura Sicouri, François Grumelin-Sohn SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Laura Sicouri, François Grumelin-Sohn MONTAGGIO / EDITING: Laura Sicouri, François Grumelin-Sohn FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Laura Sicouri, François Grumelin-Sohn SOUND EDITOR: Kadavre Exquis MUSICA / MUSIC: Kadavre Exquis ANIMAZIONE / ANIMATION: Laura Sicouri, François Grumelin-Sohn CAST: Laura Sicouri, François Grumelin-Sohn DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Laura Sicouri, François Grumelin-Sohn

L

a dietilammide dell’acido lisergico, nota comunemente come LSD,è una sostanza psicotropa, capace in determinate condizioni di far provare sinestesie e associazioni. Il cortometrggio di François Grumelin-Sohn e Laura Sicouri, sin dal titolo, sembra riferirsi agli effetti associativi sulla psiche del noto alcaloide. In quattro minuti viene mostrato un alfabeto, dalla A alla Z, di immagini, colori e suoni. Ogni lettera richiama un’immagine, un oggetto o una situazione. Il tratto estremamente minimale e prettamente grafico del corto amplifica poi gli effetti di straniamento di alcuni abbinamenti, rendendo il corto un vero e proprio viaggio lisergico. A.L.

L

ysergic acid diethylamide, commonly known as LSD, is a psychotropic substance that can, under certain conditions, cause synaesthesia and free association. François Grumelin- Sohn and Laura Sicouri’s short film seems to refer, from the outset, to the free association effects of this well-known alkaloid on the psyche. In four minutes, the film goes through an alphabet, from A to Z, of images, colours and sounds. Each letter evokes an image, an object or a situation. The extremely minimalist and essentially graphic nature of the film also enhances the disorientating effects of some of the sequences, making this a true and proper lysergic trip.

LAURA SICOURI, FRANÇOIS GRUMELIN-SOHN 1988 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: LSD ABC (cm) (2013), What Is Dead May Never Die (2012), Childhood of a Circle (2011), The Curious Fate of Humankind (2011), Theodore and the Rosemary’s Orchard (2010), Hello Big Bang (2010), Vassili (2010)

MY COVER OF... ENJOY THE SILENCE / MY COVER OF... PARADISE CITY / MY COVER OF... TONIGHT I CELEBRATE MY LOVE BELGIUM / 2013 / HD / 1’, 1’, 1’

Belgium

PRODUZIONE / PRODUCTION: Kristof Luyckx PRODUTTORE / PRODUCER: Kristof Luyckx SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Kristof Luyckx MONTAGGIO / EDITING: Kristof Luyckx FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Kristof Luyckx SOUND EDITOR: Kristof Luyckx, Olivier Copejans MUSICA / MUSIC: Olivier Copejans ANIMAZIONE / ANIMATION: Kristof Luyckx

S

coprirete di avere molte più cose in comune di quanto avreste immaginato con un bizzarro clan di mostri: for 90’s lovers, non potrete resistere a cantare insieme a loro! La serie completa prevede sei animazioni che sono state realizzate come teaser promozionali per il festival di grafica belga. Luyckx confessa nella sua biografia di essere ispirato dalla musica, dalla fantascienza, dalle persone strane, dagli horror di serie B dai pettegolezzi e dalle pellicce e peli del viso: il risultato di tali ispirazioni non può che essere folle e divertente. S. R.

Y

ou’ll discover that you have a lot more in common with a bizarre group of monsters than you could ever have imagined: for 90’s lovers, you won’t be able to resist singing along with them! The complete series comprises of 6 animations that were made as promotional teasers for the Belgian graphics festival. Luyckx confesses in his biography that he was inspired by music, science fiction, strange people, the horrors of series B, gossip, furs, and facial hair, all of which was bound to result in something crazy and entertaining.

KRISTOF LUYCKX 1981 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: My Cover of… Enjoy The Silence (cm) (2013), My Cover of… Paradise City (cm) (2013), My Cover of… Tonight I Celebrate My Love (cm) (2013), Bird Benny (cm) (2012)

PAPER CITY UK / 2013 / HD / 2’

Poland

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Independent PRODUTTORE / PRODUCER: Maciek Janicki SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Maciek Janicki MONTAGGIO / EDITING: Maciek Janicki FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Maciek Janicki SOUND EDITOR: Ithaca Audio MUSICA / MUSIC: Misophone ANIMAZIONE / ANIMATION: Maciek Janicki

G

li empiristi inglesi sono stati i primi a teorizzare il principio per cui è l’osservatore a creare la realtà (e anche la percezione estetica) attraverso l’esperienza. L’ultimo lavoro di Maciek Janicki – apprezzato animatore polacco da anni collaboratore del canale inglese Cartoon Networksembra riportare lo spettatore a tale costruzione filosofica, quando, una macchina, attraversando un bianco foglio di carta, sembra essere in grado di creare intorno a se, palazzi e montagne, ferrovie e fontane. “L’occhio di chi guarda” diventa così il luogo attraverso il quale costruire un intero mondo. Due minuti di pura creazione sfrenata, dove la semplice cellulosa di un foglio può assumere ogni tipo di forma. A.L.

E

nglish imperialists were the first to theorise that it is the observer who shapes reality (and aesthetic perception) through experience.

The latest film by Maciek Janicki – an esteemed Polish animator who has worked with English TV channel, the Cartoon Network, for years – seems to bring the viewer back to this philosophical premise. It features a car, which, as it crosses a blank piece of paper, seems to create buildings and mountains, railways and fountains around it. “The eye of the beholder” thereby becomes the medium for building an entire world. This is two minutes of pure uninhibited creation, in which a simple sheet of paper is free to take on any form.

MACIEK JANICKI 1990 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Paper City (cm) (2013)

DER PINGUIN THE PENGUIN GERMANY / 2012 / HD / 7’

Germany

PRODUZIONE / PRODUCTION: Annette Jung PRODUTTORE / PRODUCER: Annette Jung SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Walter Moers MONTAGGIO / EDITING: Annette Jung FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Walter Moers SOUND EDITOR: Annette Jung MUSICA / MUSIC: Michal Krajczok ANIMAZIONE / ANIMATION: Annette Jung CAST: Thomas Pigor (voice) DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Albrecht Knaus Verlag/ Random House, München

U

na coppia di coniugi eschimesi si sta godendo quel poco calore che il loro igloo riesce a sottrarre alla notte artica. Uno strano pinguino bussa però alla loro porta; dopo aver chiesto ospitalità, costringe la coppia in un crescendo splatter-comico fatto di omicidi, stupri, zoofilia, droghe e violenza. Il film di Annette Jung, ispirato al fumetto di successo di Walter Moers, mantiene una linea grafica pulita e infantile che enfatizza la comicità sboccata del protagonista, un pinguino senza scrupoli che saprà passare dal traffico di droga all’omicidio senza troppi problemi. The Penguin, nella sua folle cattiveria, sembra quasi aggiornare, alla violenza dei giorni nostri, le strisce satiriche di Regg Smythe. A.L.

A

n Eskimo couple is enjoying what little shelter their igloo offers from the arctic night. A strange penguin knocks at their door; after seeking their hospitality, he forces the couple into a splatter comedy crescendo of murder, rape, zoophilia, drugs and violence. This short film, inspired by the acclaimed comic strip by Walter Moers, takes a clean and childish visual approach that emphasises the off-colour funniness of the protagonist, a penguin with no scruples who manages to go from drug trafficking to murder without crises of conscience. It’s almost as if The Penguin, in its deranged wickedness, is an update of Regg Smythe’s satirical comic strips, bringing them into line with modern-day violence.

ANNETTE JUNG 1978 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Der Pinguin (The Penguin) (cm) (2012), Das Wattenmeer (cm) (2010), The Tell-Tale Heart (cm) (2006), Morgengrauen (cm) (2003)

PLUG & PLAY SWITZERLAND / 2012 / HD / 6’

Switzerland

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Hochschule Luzern D&K PRODUTTORE / PRODUCER: Francois Chalet SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Michael Frei MONTAGGIO / EDITING: Michael Frei FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Michael Frei SOUND EDITOR: Michael Frei MUSICA / MUSIC: Saint Eliyah Church Children Choir ANIMAZIONE / ANIMATION: Michael Frei DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Interfilm Berlin Management GmbH, Christian Gesell

M

icheal Frei ha terminato gli studi in Estonia, Paese da dove provengono le sperimentazioni legate all’animazione più estreme e interessanti. L’influenza surreale e grottesca caratteristica delle produzioni di questo Paese è presente nel suo corto che sorprende e incuriosisce.

Realizzato tracciando il disegno con il solo indice sinistro utilizzando un touchpad, integra così una tecnica manuale e poco controllata, al rigore del digitale. S.R.

M

ichael Frei completed his studies in Estonia, a country that produces some of the most extreme and interesting animation experiments.

The surreal and grotesque style that is so characteristic of productions from this country can be seen in his surprising and intriguing short film.

Made by drawing with just the left index finger on a touchpad, the film merges free manual technique with the rigour of digital animation.

MICHAEL FREI 1987 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Plug & Play (cm) (2013), Not About Us (2012), Never Touch The Ground (2010)

PRETI PRIESTS ITALY / 2012 / HD / 15’

Italy

PRODUZIONE / PRODUCTION: COMAFILM PRODUTTORE / PRODUCER: Antonio Zucconi SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Astutillo Smeriglia MONTAGGIO / EDITING: Astutillo Smeriglia MUSICA / MUSIC: Nanowar of Steel ANIMAZIONE / ANIMATION: Astutillo Smeriglia CAST: Guglielmo Favilla, Fabrizio Odetto DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Berta Film, Stefano Mutolo

A

ppena finito il seminario, un giovane prete si trasferisce presso un parroco più maturo per terminare la propria formazione. La vita tra i due sacerdoti non sarà semplice: il giovane tartasserà, con domande esistenziali più o meno lecite, l’anziano prete. Giocando con i ruoli e con il sentito comune, e con buona dose di sarcasmo, Astutillo Smeriglia pone sulla bocca di un prete domande e dubbi comuni sulla religione cattolica.

Ne risulta un cortometraggio divertente e geniale, che dimostra come in Italia ci sia sempre più bisogno di fare la giusta satira (senza scadere nella banalità o nella blasfemia gratuita) su un’istituzione che, a conti fatti, è la più pervasiva del nostro contesto sociale. A.L.

F

resh out of the seminary, a young priest moves to a more mature parish to complete his training. Life between the two priests will not be easy, the young “trainee” bombarding his elderly mentor with more or less legitimate existentialist questions day and night. Playing with their roles and common calling, and adding a good, befitting dose of sarcasm and irreverence, Astutillo Smeriglia has a priest ask the  questions that everyone wonders about Catholicism. The result is an entertaining and clever short film that shows how in Italy there is an increasing need for fair satire (without descending into triteness or gratuitous blasphemy) about an institution that, on balance, is the most pervasive in our society.

ASTUTILLO SMERIGLIA 1972 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Preti (Priests, cm) (2012), Training autogeno (2011), Il Pianeta perfetto (The Perfect Planet) (2010), Il giorno del Jujitsu (Jujitsu Day) (2009), Qualcosa di mai visto (Something Never Seen Before) (2008)

RHAPSODIE POUR UN POT-AU-FEU STEWPOT RHAPSODY FRANCE / 2012 / HD / 3’

France

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PRODUZIONE / PRODUCTION: GOBELINS, l’école de l’image PRODUTTORE / PRODUCER: Moïra Marguin SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Charlotte Cambon de la Vallette, Stéphanie Mercier, Soizic Mouton, Marion Roussel MONTAGGIO / EDITING: Charlotte Cambon de la Vallette, Stéphanie Mercier, Soizic Mouton, Marion Roussel FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Charlotte Cambon de la Vallette, Stéphanie Mercier, Soizic Mouton, Marion Roussel ANIMAZIONE / ANIMATION: Charlotte Cambon de la Vallette, Stéphanie Mercier, Soizic Mouton, Marion Roussel DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: L’Agence du Court Métrage

U

na famiglia normalissima e la preparazione di una cena. Una rapsodia musicale fatta di piatti rotti, pentole sbuffanti, caffè, cipollotti tagliati, carote bollite, carne stufata, zuppe, stoviglie. Un piccolo corto che gioca con il disegno e con le infinite possibilità comiche date da una semplice pentola sul fuoco. Un cartone animato, creato e disegnato tradizionalmente, come sempre più raramente si vede nel panorama festivaliero, che strizza l’occhio alle fantasie disneyane dello scorso secolo, provando a rileggere, in chiave più contemporanea, stilemi, ritmi e gag che hanno fatto la storia dell’animazione. A.L.

A

n average family preparing to have dinner. This is a musical rhapsody made up of plates breaking, pots bubbling, coffee percolating, onions being chopped, carrots boiling, meat stewing, soup and tableware. It’s a short film that plays with sketches and the endless comic opportunities of a simple saucepan on the hob. This is a cartoon – created and drawn using traditional methods, which is an increasingly rare sight on the festival circuit – that tips its hat to Disney cartoons of the last decade, in an attempt to revisit, whilst putting a modern spin on things, stylistic features, pace and gags that have gone down in animation history.

CHARLOTTE CAMBON DE LA VALLETTE 1990, STÉPHANIE MERCIER 1986, SOIZIC MOUTON 1989, MARION ROUSSEL 1987 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Rhapsodie pour un pot-au-feu (Stewpot Rhapsody) (cm) (2012)

SCROOGIN ON A GREG UK / 2012 / HD / 2’

UK

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PRODUZIONE / PRODUCTION: White Robot PRODUTTORE / PRODUCER: White Robot SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Will Anderson, Ainslie Henderson ANIMAZIONE / ANIMATION: Will Anderson, Ainslie Henderson CAST: Will Anderson, Ainslie Henderson DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Will Anderson

D

ue piccioni si trovano a confrontarsi di fronte ad una sigaretta. Vi con il precedente The Making of Longbirds, Will Anderson è un a che con la sua ultima fatica porta in un brevissimo corto tutto l’aci britannico. In gergo “scroogin on a greg” significa fumare, ma il gi intraducibile fa riferimento al risparmiare (to scrooge) tipico degli s un vero e proprio virale su internet e passato anche attraverso il c festival di animazione, Scroogin On A Greg si conferma come un nonsenso in slang scozzese, esilarante e corrosiva. A.L.

T

wo pigeons engage in idle chitchat over a cigarette. The winner of two Baftas with his previous short, The Making of Longbird, Will Anderson is a Scottish animator whose latest piece, Scroogin On A Greg, is packed full of British humour. The phrase ‘scroogin on a greg’ is slang for smoking, but also contains a play on words with the word ‘scrooge’, which alludes to the stereotype of the Scottish as miserly. A film that went viral on the Internet and has done the rounds of all the major animation festivals, Scroogin On A Greg is a little pearl of nonsense in Scottish slang, exhilarating and virulent

WILL ANDERSON 1989 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Monkey Love Experiments (2013), Scroogin On a Greg (cm) (2012), Sweetie & Sunshine (2012), The Making of Longbird (2011)

SHAVE IT ARGENTINA / 2012 / HD / 4’

Argentina

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PRODUZIONE / PRODUCTION: 3dar PRODUTTORE / PRODUCER: German Heller, Federico Heller, Jorge Tereso SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Jorge Tereso, Fernando Maldonado MONTAGGIO / EDITING: Jorge Tereso FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Jorge Tereso SOUND EDITOR: Cyrille Marchesseau MUSICA / MUSIC: Julien Begault ANIMAZIONE / ANIMATION: Fernando Maldonado CAST: Monkey DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Marvin&Wyne

N

egli anni Settanta un gruppo di neurologi americani decise di studiare da vicino le differenze tra gli scimpanzè e l’uomo e scoprì che ben poche erano le diversità e molte le somiglianze. Shave It, abbandonando le congetture più zoologiche e lasciando libera la fantasia, racconta di uno scimpanzè stanco dei soprusi dell’uomo che, rasoio alla mano, decide di infiltrarsi nella nostra società per riportarla in equilibrio con la natura. Il film di Fernando Maldonado, in chiave slapstick, porta sullo schermo temi di stringente attualità come la deforestazione, il riscaldamento globale, i diritti degli animali. Lo spettatore ride ma, alla fine della visione, la morale potrebbe essere più dura del previsto. A.L.

I

n the 70’s, a group of American neurologists decided to (very) closely study the differences between chimpanzees and man; they discovered that there were very few differences and that there were actually many more similarities. Shave It tells the story of a chimpanzee who is tired of the oppression of homo erectus and, razor in hand, decides to infiltrate our society to bring it back into balance with surrounding nature. Using slapstick, Fernando Maldonado’s short film brings burning issues such as deforestation, global warming and animal rights to the big screen. The viewer laughs but, when the film ends, is left reflecting on more serious issues than expected.

JORGE TERESO 1984, FERNANDO MALDONADO 1978 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Fernando Maldonado: Mateo Culposo, un asesino serial inocente (cm) (2008), La Mezcla (cm) (2004) Jorge Tereso: Demasiada TV (cm) (2002) Fernando Maldonado, Jorge Tereso: Shave It (cm) (2012), Vuela el Pez (cm) (2011)

SHE LOVED THE PLACE THE NETHERLANDS / 2012 / HD / 3’

The Netherlands

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PRODUZIONE / PRODUCTION: AKV St. Joost PRODUTTORE / PRODUCER: Charlotte Apers, SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Charlotte Apers MONTAGGIO / EDITING: Charlotte Apers FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Charlotte Apers SOUND EDITOR: Nuno Gomez MUSICA / MUSIC: Nuno Gomez ANIMAZIONE / ANIMATION: Charlotte Apers CAST: Voice: Daniel Carpenter

U

n uomo e una donna iniziano a convivere. Per lui è la donna perfetta, una miscela di sensualità e intelligenza, affetto e passione. A tratti servile e reverente sembra essere l’anima gemella cercata per tutta la vita. Ma non tutte le relazioni sono a senso unico: esistono due lati della medaglia e due letture. Un corto che punta tutte le sue carte sulla differenza tra la voce narrante e le immagini, tra l’interiorità del protagonista maschile e la realtà della vita quotidiana. Una giusta miscela di mistero e normalità accompagna disegni ieratici e semplici che, strizzando l’occhio ad alcuni filoni dell’illustrazione, riportano in immagini la precarietà dei ricordi e delle percezioni. A.L.

A

man and a woman start living together. She’s his perfect woman – sensual, intelligent, affectionate and passionate. At times subservient and obedient, she seems like the soul mate he’s been searching for his whole life. But not all relationships are one-way, there are two sides to every story and two ways of looking at things. This is a short film that hinges on the difference between the narrative voice and what we are shown visually, between the inner being of the protagonist and the reality of everyday life. A mix of mystery and normality runs through this animated short, made up of solemn and simple drawings, which, in a nod to other illustrations, portray the transience of memories and perceptions.

CHARLOTTE APERS 1989 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: She Loved the Place (cm) (2012), Favorite Places #001 (2011), Ik schreef je een brief (I Wrote You a Letter) (2011)

SHELVED NEW ZEALAND / 2012 / HD / 6’

France

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PRODUTTORE / PRODUCER: James Cunningham, Oliver Hilbert, Leon Woud SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Kathryn Burnett MONTAGGIO / EDITING: James Cunningham SOUND EDITOR: Jeremy Cullen MUSICA / MUSIC: Discodeine (Pschent Music) 2013 ANIMAZIONE / ANIMATION: Andrew McCully, Arun Gnanasekhar Do Quang Minh, Felipe Kehdi, Filip Frisk, Isak Edström, Jacob Tuck CAST: Lara Fischel-Chisholm, Penny Ashton, Peter Rowley, Simon McKinney, Stephen Papps.

L

e giornate di alcuni robot impiegati come magazzinieri presso una grande catena di distribuzione. Il film, diretto da James Cunningham, uno studente della scuola di Media Design di Auckland, è, nelle parole del regista stesso, “un tributo ai primi lavori di registi come Kevin Smith e Richard Linklater” che prova a trovare una strada nuova nel raccontare il lavoro e le sue crudeltà. L’aspetto più originale del lavoro, che ha infatti colpito i molti spettatori del SXSW festival, è proprio l’uso di robot antropomorfi per raccontare le condizioni di lavoro nelle grandi catene di ipermercati, tra alienazione e disperata umanità. Un cortometraggio capace di mescolare humor nero e critica sociale. A.L.

T

he story of a handful of robots employed as warehouse workers. The film, directed by James Cunningham, a student at the Media Design School in Auckland, is, in the words of the director, “a tribute to the first films of directors like Kevin Smith and Richard Linklater, that tries to find a new approach to telling a story about work and its cruelties”. The most original aspect of the film, which struck the many viewers at the SXSW festival, is the very use of anthropomorphic robots to portray the working conditions in big hypermarket chains, giving the sensation of something between alienation and the hopelessness of humanity. This is a film that succeeds in mixing black humour and social critique.

JAMES CUNNINGHAM 1973 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Shelved (cm) (2012)

TAME IMPALA FEELS LIKE WE ONLY GO BACKWARDS UK / 2013 / HD / 3’

UK

PRODUZIONE / PRODUCTION: Colonel Blimp PRODUTTORE / PRODUCER: Joe Pelling, Becky Sloan SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Joe Pelling, Becky Sloan MONTAGGIO / EDITING: Joe Pelling, Becky Sloan FOTOGRAFIA/CINEMATOGRAPHY: Joe Pelling, Becky Sloan ANIMAZIONE / ANIMATION: Becky Sloan, Azusa Nakagawa, Theo Nunn

D

a un gruppo musicale che si definisce una “rock band hypno groove dal continuo fluire psichedelico che enfatizza una melodia onirica” non si poteva che attendere una collaborazione con il mondo dell’animazione più sperimentale. Feels like we only go backwards dei Tame Impala offre così lo spunto sonoro agli animatori Joe Pelling e Becky Sloan per abbandonarsi a ogni sorta di sperimentazione cromatica astratta. Il fantasma del grande animatore americano Vince Collins sembra stagliarsi per l’intera durata del video, dove caleidoscopi di colori saturi si sovrappongono in un continuo turbinare di forme geometriche e vaghi disegni tribali.

Un videoclip di culto non solo per la musica. A.L.

I

t’s hardly surprising that a band which defines itself as “a steady flowing psychedelic groove rock band that emphasizes dream-like melody” would choose to collaborate with the most experimental of animation. Feels Like We Only Go Backwards by Tame Impala gives animators Joe Pelling and Becky Sloan a musical starting point for giving in to all kinds of abstract experiments with colour. It’s almost as if the ghost of the great American animator Vince Collins is present throughout the video, in which kaleidoscopes of saturated colour overlap one another in a continuous swirl of geometric shapes and ambiguous tribal drawings.

This is a cult video, and not only for the world of music.

JOE PELLING, BECKY SLOAN FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Tame Impala - Feels Like We Only Go Backwards (cm) (2013), Don’t Hug Me I’m Scared, Bad Things That Could Happen, Unknown Mortal Orchestra Swim and Sleep (Like A Shark)

LE VAGABOND DE ST MARCEL THE WANDERER OF ST MARCEL FRANCE / 2012 / HD / 8’

France

PRODUZIONE / PRODUCTION: Mezzanine PRODUTTORE / PRODUCER: Jérome Lateur SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Rony Hotin SOUND EDITOR: Selim Azzazi MUSICA / MUSIC: Alexis Pecharman ANIMAZIONE / ANIMATION: Romain Barriaux DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Mezzanine

N

ella stazione di St Marcel a Parigi vive un senzatetto, con lo speciale potere di poter entrare all’interno dei cartelloni pubblicitari e di sottrarre gli oggetti rappresentati. Ma all’interno della stazione di St Marcel uno spirito è posto a guardia dei disegni e delle affissioni; lo scontro tra il povero clochard e lo spirito custode sarà inevitabile. Rony Hotin costruisce un racconto per immagini di rara delicatezza, più vicino agli anime di Hayao Miyazaki e Isao Takahata che non agli animatori francesi come Sylvain Chomet o Michel Ocelot; Le Vagabond de St Marcel è una malinconica fiaba moderna, che coinvolge lo spettatore più giovane quanto quello più smaliziato. A.L.

S

t Marcel station in Paris is home to a tramp, one with the special power of being able to step into advertising billboards and take the items displayed. But there is a spirit at the station, there to guard the billboards and posters; a showdown between it and the tramp is inevitable. Rony Hotin has succeeded in building a refined story  out of pictures of the type that are few and far between, more akin to the style of Hayao Miyazaki and Isao Takahata than that of French animators like Sylvain Chomet or Michel Ocelot; The Wanderer of St Marcel is a melancholy modern fairy-tale, which will captivate the younger viewer as well as the more worldly.

RONY HOTIN 1985  FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Le Vagabond de St Marcel (The Wanderer of St Marcel, cm) (2012), The Lighthouse Keeper (2009)

VIE DE RÊVE EN PROMOTION DREAM LIFE ON SALE BELGIUM / 2012 / HD / 7’

Belgium

PRODUZIONE / PRODUCTION: Médiadiffusion PRODUTTORE / PRODUCER: Emmanuel Van Hoof SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Ellen Salomé, Kévin Dupont, Alicia Keppenne MONTAGGIO / EDITING: Ellen Salomé, Kévin Dupont, Alicia Keppenne FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Benjamin Burghartz SOUND EDITOR: Lionel Van der Vorst, Francesco Damanti MUSICA / MUSIC: Pierre-Yves Serre ANIMAZIONE / ANIMATION: Ellen Salomé, Kévin Dupont, Alicia Keppenne CAST: Nathalie Van Tongelen DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Médiadiffusion

A

shley si prostituisce sotto lo pseudonimo di Sugar Candy, la sua amica Tiffany condivide con lei, tutte le notti, la strada e la professione.

Una notte, spogliandola, Tiffany dirà qualcosa che cambierà per sempre lo sguardo di Ashley. Vie de Reve en Promotion gioca con il mondo delle soap opera e della televisione spazzatura, imbastisce, intesse e distrugge riferimenti e prospettive narrative, spiazza lo spettatore attraverso l’uso di un’estetica kitsch che mescola senza soluzione di continuità live-action, decoupage, animazione tradizionale e stop motion. Ellen Salomé, Alicia Keppenne e Kévin Dupont creano un prodotto ambizioso, che colpisce lo spettatore per l’eccesso estetico e per la libertà espressiva. A.L.

A

shley works as a prostitute under the pseudonym Sugar Candy, along with her friend Tiffany, who shares the street with her each and every night. One night as they’re getting undressed, Tiffany says something that changes Ashley’s perspective forever. Vie de Rêve en Promotion toys with the world of soap operas and trash TV. It sets up, weaves together and destroys narrative references and perspectives, and shocks the viewer by using a kitsch aesthetic that seamlessly mixes live-action, decoupage, traditional animation and stop motion. Ellen Salomé Alicia Keppenne and Kévin Dupont have put together an ambitious film that strikes the viewer with its aesthetic excess and free expression.

ELLEN SALOMÉ, KÉVIN DUPONT AND ALICIA KEPPENNE 1989 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Vie de Rêve en Promotion (Dream Life On Sale, cm) (2012)

PAPER IN MOTION

I

l regista d’animazione inglese Louis Hudson coordina un workshop con l’obiettivo di realizzare un film animato nell’arco di tre giorni. Utilizzando tecniche di animazioni manuali e digitali, i partecipanti si lasciano condurre da un vivace e psichedelico flusso di idee e pensieri con l’aiuto dei loro taccuini.

Questi tre giorni sono all’insegna di un’atmosfera divertente e libera che permetta ai partecipanti di condivide le idee con gli altri e divertirsi, imparando intanto una tecnica di animazione.

B

ritish animation director, Louis Hudson, runs a workshop with the goal of creating an animated film over three days. Using digital and hand drawn methods the participants create an lively, psychedelic stream of consciousness based on ideas originating from their sketchbooks. The three days provide a fun, freeing atmosphere for the participants to share and enjoy each others ideas, as well as learn animation techniques along the way.

BIOGRAFIA / BIOGRAPHY

L

ouis Hudson è un regista d’animazione in 2D, cofondatore del collettivo Dice Productions. Ha realizzato lavori per Channel 4, lo Uk Film Council, il canale BBC Comedy, la Warner Entertainmente e Oxfam, oltre a creare un consolidato canale YouTube con milioni di visualizzazioni.

Il suo primo cortometraggio finanziato, All Consuming Love (Man In a Cat) con Kevin Eldon, Josie Long e Isabel Fay, è stato presentato in diversi festival internazionali e premiato al Festival di cortometraggi di Londra, al London Comedy Film Festival (LOCO) e all’interno della competizione Vimeo Staff Pick. Inoltre, è stato finalista nella categoria dedicata ai cortometraggi, al British Animation Awards 2012.

L

ouis Hudson is a 2D animation director and cofounder of comedy collective Dice Productions. He has created work for Channel 4, UK Film Council, BBC Comedy, Warner Entertainment and Oxfam, having created an established YouTube channel with millions of views.

His first funded short was All Consuming Love (Man In a Cat), starring Kevin Eldon, Josie Long, and Isabel Fay. The animated film had an award-winning run on the international festival circuit, winning at London Short Film Festival, LOCO London Comedy Film Festival, as well as being a Vimeo Staff Pick and being finalists at The British Animation Awards 2012 for Best Short Film.

GRUPPO CAP PRESENTA THE ROCKET KIM MORDAUNT / AUSTRALIA / 2013 / 35mm / 96’

A

PRODUZIONE / PRODUCTION: Red Lamp Films PRODUTTORE / PRODUCER: Sylvia Wilczynski SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Kim Mordaunt MONTAGGIO / EDITING: Nick Meyers FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Andrew Commis SOUND EDITOR : Sam Petty & Brooke Trezise MUSICA / MUSIC: Caitlin Yeo CAST: Sitthiphon Disamoe, Loungnam Kaosainam, Thep Phongam DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Level K

hlo è un bambino vivace nella cui storia c’è però una macchia: è nato dopo il fratello gemello che poi non sopravvisse, segno nefasto secondo la tradizione. Quando la sua famiglia è costretta a lasciare il villaggio, i segni della maledizione sembrano tornare. Ma Alho, con l’aiuto di Kia e di suo zio Purple, saprà riconquistarsi la fiducia del padre e della nonna in una sfida alla natura per far tornare a cadere la pioggia. Un racconto di iniziazione costruito con grazia che si immerge con grande rispetto nello straordinario paesaggio laotiano. A.A.

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hlo is a lively child, however, there is a blemish on his story: he was born after his twin brother who did not survive, an unlucky sign according to tradition. When his family is forced to leave the village, the signs of the curse seem to return. But Ahlo, with the help of Kia and his uncle Purple, will be able to regain the trust of his father and his grandmother in a challenge to nature to make the rain fall again. A story of initiation built with grace which plunges into the extraordinary landscape of Laos with great respect.

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nche quest’anno le Case dell’Acqua nelle location del festival testimoniano l’impegno del Gruppo CAP a diffondere una cultura dell’acqua come diritto accessibile a tutti. Al festival presenta al pubblico The Rocket, di Kim Mordaunt.

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his year again, the “Case dell’Acqua” at the festival locations show the commitment of the CAP Group to spread a culture of water as an accessible right for all. At the festival, it presents The Rocket, by Kim Mordaunt, to the public.

LUSH & GORILLA PERFUME PRESENTA LABYRINTH / LABYRINTH DOVE TUTTO È POSSIBILE JIM HENSON / UK, USA / 1986 / 35mm / 101’

S PRODUZIONE / PRODUCTION: The Jim Henson Company, Delphi V Productions, TriStar Pictures PRODUTTORE / PRODUCER: Eric Rattray SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Terry Jones MONTAGGIO / EDITING: John Grover FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Alex Thomson MUSICA / MUSIC: David Bowie CAST: David Bowie, Jennifer Connelly, Toby Froud, Frank Oz, Steve Whitmire

arah ha quindici anni e un fratello, Toby, dalla nuova compagna del padre. Una sera, durante un temporale, Sarah gli racconta la storia di una ragazza che spera che gli gnomi portino via il suo fratellino, desiderio che condivide ad alta voce e, inaspettatamente, si avvera: Jareth, il Re dei Goblin le dà tredici ore per trovare Toby prima di trasformarlo in gnomo.

Così Sarah viene catapultata in un labirinto pieno di trabocchetti e incredibili personaggi, nel quale dovrà trovare al più presto la strada per riportare a casa Toby. C.G.

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arah is fifteen and has a half-brother, the son of her father’s new partner. One evening, during a storm, Sarah tells him the story of a girl who hopes that the gnomes carry off her little brother, a wish that she voices aloud and, unexpectedly, this happens: Jareth, the Goblin King gives her thirteen hours to find Toby before turning him into a gnome.

Sarah is catapulted into a labyrinth full of traps and incredible characters, where she will have to find the way to take Toby home as soon as possible.

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o Scented Cinema di LUSH & Gorilla Perfume approda in Italia. Dopo le proiezioni multisensoriali organizzate in Inghilterra con le diverse fragranze proposte dai Gorilla Perfume, un evento unico per il Milano Film Festival: la proiezione di un classico anni Ottanta come Labyrinth abbinata ai profumi di Gorilla Perfume.

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he Scented Cinema of LUSH & Gorilla Perfume reaches Italy. After the multi-sensory screenings organized in England with the different fragrances proposed by Gorilla Perfume, a unique event for the Milano Film Festival: the screening of a classic of the 1980s, Labyrinth, combined with the fragrances by Gorilla Perfume.

THE WALT DISNEY COMPANY PRESENTA TEEN BEACH MOVIE JEFFREY HORNADAY / USA / 2013 / HD / 110’

B PRODUZIONE / PRODUCTION: Disney Channel Original Productions PRODUTTORE / PRODUCER: Robert F. Phillips SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Vince Marcello, Mark Landry, Robert Horn FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Mark Irwin SOUND EDITOR : Bob Costanza MUSICA / MUSIC: Various CAST: Ross Lynch, Maia Mitchell, Garrett Clayton, Grace Phipps, John DeLuca, Steve Valentine, Kevin Chamberlin, Kent Boyd, Jordan Fisher, Mollee Gray

rady e McKenzie, liceali appassionati di surf, stanno trascorrendo un’estate che pare senza fine. Prima che la ragazza parta per il college, Brady le propone di andare un’ultima volta sul surf, ma il mare è troppo mosso e vengono travolti da un’onda e sospinti su una spiaggia, dove si trovano all’interno del film preferito di Brady, Wet Side Story. In attesa di una tempesta che possa riportarli a casa, i ragazzi si uniscono ai personaggi del film e, intrappolati in quella nuova dimensione, McKenzie capirà cosa vuole fare alla fine dell’estate. C.G.

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rady and McKenzie, students crazy about surfing, are spending an apparently never-ending summer together. Before the girl leaves for college, Brady suggests they surf one last time, but the sea is too rough and are knocked over by a wave and swept on to another beach, where suddenly they find themselves in the midst of Brady’s favourite film, Wet Side Story. Waiting for a storm that can take them home again, they join the cast of the film and, trapped in this new dimension, McKenzie will understand what she really wants to do at the end of the summer.

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een Beach Movie è un Disney Channel Original Movie diretto da Jeffrey Hornaday con un cast di giovani talenti, che viene presentato al pubblico del Milano Film Festival in anteprima rispetto alla messa in onda su Disney Channel.

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een Beach Movie is a Disney Channel Original Movie directed by Jeffrey Hornaday with a talented young cast, having its premiere at the Milano Film Festival before his airing on Disney Channel

VISITSWEDEN PRESENTA FARO / SANCTUARY FREDRIK EDFELDT / SWEDEN / 2013 / 35mm / 88’

I PRODUZIONE / PRODUCTION: Bob Film Sweden AB PRODUTTORE / PRODUCER: Fatima Varhos, Anna Croneman SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Karin Arrhenius MONTAGGIO / EDITING: Harri Ylönen, Daniel Jonsäter FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Mattias Montero SOUND EDITOR : Susanne Kujala, Fredrik Hansson MUSICA / MUSIC: Matti Bye CAST: Jakob Cedergren, Clara Christiansson, Maria Heiskanen, Göran Stangertz DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Nonstop Entertainment AB

l padre è condannato al carcere ed Hella decide di fuggire con lui tra le foreste svedesi.

Immersi nel silenzio dei paesaggi del nord, tra inseguimenti e incontri inattesi, padre e figlia impareranno a resistere e a conoscersi. Dopo il successo del precedente The Girl, il secondo lungometraggio di Fredrik Edfeldt mescola i ritmi tesi del noir alla leggerezza con cui delinea il percorso di maturazione di un padre che si fa uomo e una bambina che cresce in sé una donna. L.C.

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he father is sentenced to imprisonment and Hella decides to flee with him through the Swedish forests.

Plunged into the silence of the Nordic landscapes, with chases and unexpected encounters, father and daughter will learn to resist and to get to know one another. After the success of his previous The Girl, Fredrik Edfeldt’s second feature film mixes the fast rhythms of a noir film with the lightness of touch outlining the oath of maturation of a father as he becomes a man and a child who has a woman growing inside her.

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isitSweden coglie l’occasione di questo film ricco di suggestioni visive per parlare al pubblico del rapporto fra gli svedesi e la natura selvaggia. L’integrazione fra natura e cultura è evidente soprattutto nel Nord della Svezia, dove è situata Umeå Capitale europea della cultura nel 2014.

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isitSweden takes a chance to talk to the audience about the relationship between Swedish people and wild nature. The integration between nature and culture is mostly visible in Northern Sweden, where the European Capital of Culture 2014, Umeå, is situated.

AMNESTY INTERNATIONAL PRESENTA ¿NECESITAS ALGO, NENA? LAURA CHIOSSONE / ITALY / 2010 / HD / 42’

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PRODUZIONE / PRODUCTION: Cartiere Vannucci PRODUTTORE / PRODUCER: Francesca Chiappetta SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Laura Chiossone Francesca Chiappetta Francesco Stasi MONTAGGIO / EDITING: Walter Marocchi FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Laura Chiossone SOUND EDITOR : Walter Marocchi MUSICA / MUSIC: Mala HIerba Walter Marocchi

ngela Maria Aieta, emigrante calabrese, vive a Buenos Aires. Negli anni Settanta, il figlio Dante, leader della Gioventù Peronista, è arrestato. Angela denuncia la sua condizione, diventando scomoda per il regime, che la rapisce: di lei non si avranno più notizie. Dante invece da libero continua la sua attività politica, fino a diventare deputato; grazie alla sua e ad altre testimonianze il pm Francesco Caporale ha istruito un processo contro militari argentini, nel quale Regione Calabria e Provincia di Cosenza si sono costituite parte civile. C.G.

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ngela Maria Aieta, an immigrant from Calabria, lives in Buenos Aires.

In the 1970s, her son Dante, a leader of Peronist Youth, was arrested.

She denounced his condition, becoming awkward for the regime, which kidnaps her: she will never be heard of again. Dante, once released, continues his political activity and becomes a member of parliament; thanks to his evidence too, Public Prosecutor Francesco Caporale took legal proceedings against Argentinean military officers, with the Council of Calabria and Cosenza entering into a civil lawsuit.

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oco dopo l’anniversario della Giornata Internazionale degli scomparsi, un incontro più che mai attuale sul tema dei desaparecidos. La tavola rotonda di Amnesty avrà luogo alla Scatola Magica, dove sarà presentato ¿Necesitas algo, nena? scritto da Francesca Chiappetta, Francesco Stasi e Laura Chiossone per la regia di Laura Chiossone.

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fter the anniversary of the International Day of the Disappeared, a meeting which is more topical than ever on the theme of desaparecidos. The round table of Amnesty International will be in the “Magic Box” of the Teatro Strehler where will be screened ¿Necesitas algo, nena? by Francesca Chiappetta, Francesco Stasi e Laura Chiossone.

NAGA PRESENTA DIEGO STAR FRÉDÉRICK PELLETIER / CANADA, BELGIUM / 2013 / HD / 87’

L PRODUZIONE / PRODUCTION: Metafilms PRODUTTORE / PRODUCER: Pascal Bascaron, Sylvain Corbeil, Nancy Grant, Marion Hansël SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Frédérick Pelletier MONTAGGIO / EDITING: Marie-Hélène Dozo FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Philippe Roy SOUND EDITOR : Frédéric Cloutier, Benoit Biral MUSICA / MUSIC: Martin M. Tétreault CAST: Issaka Sawadogo, Chloé Bourgeois, Yassine Fadel, Nico Lagarde, Marie-Claude Guérin DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION: Métropole Films, FiGa Films

a nave cargo Diego Star, su cui lavora il meccanico africano Traoré, è ferma per un guasto sul fiume San Lorenzo, in Canada: le autorità stanno indagando sull’origine del problema e l’equipaggio viene dislocato presso gli abitanti della zona. Traoré si ritrova così a vivere da Fanny, una giovane madre sola e a poco a poco i due diventano amici. Intanto il capitano, per non incorrere in sanzioni incolpa il meccanico promettendo all’equipaggio di pagare gli arretrati se confermeranno la sua accusa. C.G.

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he cargo ship Diego Star, on which the African mechanic Traoré is working, is idle on the St. Lawrence River in Canada due to a mechanical failure: the authorities are investigating the origin of the problem and the crew is sent to stay with the local people. Traoré ends up living with Fanny, a young single mother and gradually the two become friends. In the meantime, the captain blames the mechanic in order not to be fined, promising the crew to pay their arrears if they confirm his accusation.

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l festival rinnova la collaborazione con Naga per dedicare una proiezione al tema dell’immigrazione e, in questa edizione, ai migranti lavoratori.

Mentre i flussi migratori rallentano e cambiano rotte, gli immigrati sono sempre più spesso lavoratori che lottano per i loro diritti. Come racconta Diego Star, in anteprima dal Rotterdam FF.

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nce again the festival collaborates with Naga to dedicate a screening to immigration and, this year, immigrant workers. As the migratory flows are slowing down and the routes are changing, immigrants are increasingly workers who are fighting for their rights. Like the story in Diego Star, from the Rotterdam FF for its premiere.

FESTA DEL CINEMA

I CORTI DI DIPLOMA DELLA SCUOLA DI CINEMA E TELEVISIONE

Big as Life Chiara Davanzo, Cristina Crippa, Cristina Savelli / Italy / 2013 / HD / 30’

Radio Lis Elisa Giacalone, Laura Filios, Laura Giuntoli / Italy / 2013 / DV / 8’

Civica educazione Gianmaria Sortino / Italy / 2013 / HD / 22’

La Risacca Lorenzo De Angelis / Italy / 2013 / 16mm / 7’

Collage Cristina Gnappi / Italy / 2013 / HD / 5’

Sweet memory will die Simone Pizzi /Italy / 2013 / S16mm / 9’

Echo Lorenzo De Angelis, Riccardo Riccardi, Simone Pizzi / Italy / 2013 / 16mm / 1’

U-move Andrea Parma, Elia Morra, Giacomo Zanni, Pietro di Bari / Italy / 2013 / HD / 3’

In un mondo o nell’altro Gianmaria Sortino / Italy / 2013 / S16mm / 7’

L’uovo di Tesla Elena Baucke / 2013/ Italy / HD / 7’

Ladri di papere Leonardo Fallucca / Italy / 2013 / 16mm / 9’

Waisting swing Cecilia Di Giulio / Italy / 2013 / HD / 2’

I passi Riccardo Riccardi / Italy / 2013 / S16mm / 8’

VERNIXAGE Frozen Flames Luca Trevisani / Italy / 2013 / HD / 40’ (Italian Première) Negus - Echoes Chamber Invernomuto / Italy / 2013 / HD / 40’ (Italian Première) Now Showing: Austerity Measures a cura di Jõao Laia e Andrey Shental / AA.VV. / UK / 2012 / Various Formats / 52’ (Italian Première)

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olitamente, che sia per necessità organizzativa, ordine mentale o più semplicemente per comodità, siamo portati a distinguere le cose per genere e area di appartenenza. Dividiamo ogni nostra conoscenza in maniera chiara e netta, ne circoscriviamo immediatamente i confini e la immettiamo in una geografia generale più ampia. Anche in ambito culturale, in cui questi confini apparirebbero più sfumati, più labili a causa dei - o forse faremmo meglio a dire grazie ai - soggetti che ne abitano il territorio, di fondo adottiamo lo stesso atteggiamento classificatorio di sempre.

VerniXage, per il terzo anno consecutivo, prova invece ad indagare le aree interstiziali che si creano e si posso creare erigendo dei ponti tra il sistema dell’arte contemporanea e quello del cinema. Due territori attigui ma ancora ben distinti, per il grande pubblico come per la distribuzione, che attraverso la rassegna vengono messi in relazione alimentandone i possibili scambi, aprendo delle nuove vie sulle mappe dei generi. Sono sempre più numerosi infatti gli artisti visivi e gli autori che si cimentano con la narratività del linguaggio cinematografico andando ad accrescere attraverso l’art cinema (appunto il cinema fatto da e per il mondo dell’arte) l’orizzonte del contemporaneo.

Nello specifico di questa diciottesima edizione del MFF,

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sually, whether by organizational necessity, mental tidiness or more simply for convenience, we distinguish things by kind and the category they belong to. We divide all our knowledge clearly, we immediately circumscribe its limits and we insert it into a wider general geography. In the cultural context as well, where these borders would appear more blurred because of – or perhaps it would be better to say thanks to – subjects that inhabit its territory, we basically adopt the same attitude of classification all the time. VerniXage, for the third year running, tries to investigate the interstitial areas that are created and can be created by building bridges between the system of contemporary art and that of the cinema.

Two territories that are adjacent but still very distinct, both for the general public and for distribution, which through this section are brought into contact with one another, fuelling possible exchanges, opening up new paths on the maps of genres. More and more visual artists and authors are trying their hand at narrative using cinematic language, broadening the contemporary horizon through art cinema (cinema made by and through the art system).

In the specific case of this eighteenth edition of the MFF, VerniXage will focus its research on the possibi-

VerniXage focalizzerà la propria ricerca sulle possibilità e le modalità di applicazione, distribuzione, fruizione e racconto dell’art cinema. Lo fa grazie all’apporto di tre differenti autori e altrettanti lavori.

João Laia, autore e ricercatore portoghese, con Now Showing: Austerity Measures, disegna un tracciato inedito riassemblando, attraverso la tecnica del found footage (una sorta di collage per immagini in movimento) spezzoni e trailer di tutti i film che sino ad oggi hanno parlato di crisi economica. Al di la di ogni retorica sulla crisi che l’economia occidentale sta vivendo oggi, il lavoro di Laia dimostra come il cinema ormai possa essere inteso ed approcciato oltre che come documento finito, anche come materiale da riassemblare e plasmare, da ricostituire secondo una propria logica, dando al cinema e ai suoi contenuti nuove forme e nuovi possibili significati.

Luca Trevisani presenta Frozen Flames , lo studio della sua prima opera cinematografica in via di definizione. I flussi dell’acqua e i suoi passaggi di stato, il suo parallelo con l’animo umano e i suoi inevitabili sviluppi, serpenti albini, droni e luoghi estremi, sono tra i protagonisti della trama. Un lavoro che pone il film come una piattaforma progettuale, la testa di un grande polpo dalla quale si diramano diverse iniziative, diversi approcci, diversi formati, diverse tecniche a seconda del contesto e del pubblico con cui confrontarsi di volta in volta.

Invernomuto, collettivo composto da Simone Bertuzzi e Simone Trabucchi, conferma il proprio interesse nell’accostare realtà, livelli e culture piuttosto eterogenee tra loro, tecniche espressive e linguaggi come cinema, musica, performance. Negus - Echoes Chamber è uno spettacolo inedito realizzato in esclusiva per gli spazi del Piccolo Teatro Studio che mette insieme materiale filmico girato tra Italia ed Ethiopia e che tra i protagonisti vede Lee Perry (padre del dub jamaicano), un Sound System artigianale di quasi cinque metri, un giradischi e la totale immersione del pubblico nello spazio scenico.

In tutti e tre i casi, questa edizione di VerniXage avrà particolare attenzione per gli aspetti dialogici generati da questi lavori. Nel caso di João Laia e Luca Trevisani attraverso un incontro specifico con gli autori, i relatori ospiti e con il pubblico stesso, atto a sviluppare appunto un racconto oltre che una analisi, di quanto condiviso e sperimentato. Nel caso di Invernomuto lo spettacolo compenetra lo spazio e chi lo abita, stabilendo un dialogo immediato con il pubblico partecipante. Tutte maniere per iniziare a vivere e a discutere il cinema secondo nuove prospettive (di produzione, di distribuzione, di fruizione) nella speranza di generare un nuovo campo da circoscrivere, valicare, ed alterare a sua volta.

Davide Giannella

lities and ways of application, distribution, enjoyment and relating of art cinema, and does so through three different authors and the same number of works.

João Laia, a Portuguese author and researcher, with Now Showing: Austerity Measures, makes an original outline, through the technique of found footage (a sort of collage in moving images), clips and trailers of all the films that to date have dealt with economic recession. Beyond all the rhetoric on the recession that the Western economy is experiencing today, Laia’s work shows how the cinema can now be understood and approached, as well as a finished document, as material to be re-assembled and moulded, to be reconstituted according to a logic of its own, giving the cinema and its contents new forms and new possible meanings.

Luca Trevisani, presents Frozen Flames, the study of his first film under completion. The flows of water and its changes of state, its parallel with the human soul and its inevitable developments, albino snakes, drones and extreme places, are amongst the characters of the story. The work positions the film as a project platform, the head of a large octopus from which various initiatives branch out, together with different approaches, different formats and different techniques according to the context and the public to be faced each time.

Invernomuto, a collective made up of Simone Bertuzzi and Simone Trabucchi, confirms its interest in bringing together situations, levels and cultures that are somewhat heterogeneous, expressive techniques and languages such as the cinema, music and performance. Negus - Echoes Chamber is an original performance created exclusively for the stage of the Piccolo Teatro Studio and brings together film material shot in Italy and Ethiopia and with the protagonists including Lee Perry (the father of Jamaican dub) an artisanal Sound System of almost five metres, a record- player and the total immersion of the audience in the scenic space.

In all three cases, this edition of VerniXage will pay special attention to the aspects of dialogue generated by these works. In the case of João Laia and Luca Trevisani through a specific meeting with the authors, the guest speakers and with the audience, aimed at developing a story as well as an analysis of what has been shared and experienced. In the case of Invernomuto the participating public. All ways to begin to live and to discuss the cinema according to new perspectives, the performance penetrates the space it inhabits, establishing an immediate dialogue with (of production, distribution and enjoyment) in the hope of generating a new field to circumscribe, cross and alter in its turn.

FROZEN FLAMES ITALY / 2013 / HD / 40’

Italy

MAPPA 214x178

PRODUZIONE / PRODUCTION: Luca Trevisani PRODUTTORE / PRODUCER: Luca Trevisani SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Luca Trevisani MONTAGGIO / EDITING: Luca Trevisani, Angelo Teardo FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Vassili Spyropoulos SOUND EDITOR Luca Trevisani MUSICA / MUSIC: Luca Trevisani CAST: Amos Kahana, Carlo Trevisani, Umberto Bado, Sebastiano Sofia, Sara Sofia, Francesco Viceconte

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’acqua, il suo ciclo e i suoi vari passaggi di stato sono i principali protagonisti di Frozen Flames, progetto cinematografico in via di definizione che verrà presentato da Luca Trevisani al Milano Film Festival. I soggetti, trattati come veri e propri attori, danno vita a una narrazione tipicamente cinematografica ed aprono a differenti riflessioni sulla condizione umana, il suo rapporto con la natura e la simbologia a essa correlate. Distinti livelli di lettura e fruizione di un’opera che partendo dalla forma filmica, saranno nel tempo passibili di molteplici declinazioni e differenti valorizzazioni attraverso nuovi medium e a seconda dei contesti coi quali l’opera andrà a confrontarsi.

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ater, its cycle, and its various changes in state are the main protagonists of Frozen Flames, a cinematic project still in progress, which will be presented by Luca Trevisani at the Milan Film Festival. The subjects, treated as if they were real actors, bring a classic cinematic narrative to life, and invite the viewer to reflect on the human condition, its relationship with nature, and the symbolism associated with it. Different ways of reading and experiencing a piece that, with film as a starting point, will, in time, change and be appreciated in different ways through new mediums and according to context.

LUCA TREVISANI 1979 FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Frozen Flames (2013), Il Dentro del Fuori del Dentro (cm) (2012), Flogisto (cm) (2012), Platinoiridio (cm) (2008), Dopo il Gingko Biloba (2006), Clinamen (cm) (2006), La Costellazione Squilibrata (2005)

NEGUS - ECHOES CHAMBER ITALY / 2013 / HD / 40’

Italy

MAPPA 214x178

PRODUZIONE / PRODUCTION: 9.99 Films PRODUTTORE / PRODUCER: Luca Legnani SCENEGGIATURA / SCREENPLAY: Invernomuto MONTAGGIO / EDITING: Invernomuto FOTOGRAFIA / CINEMATOGRAPHY: Invernomuto SOUND EDITOR Invernomuto MUSICA / MUSIC: The Upsetter, Bill Laswell, King Tubbys Prince Jammys & Scientist, Lee “Scratch” Perry CAST: Jim C. Nedd, Matteo Pit, Luca Trabucchi, Kuri “the Farmer”, Sahara Benji, King Kong, Lee “Scratch” Perry

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egus - Echo Chamber è uno spettacolo teso tra la rappresentazione cinematografica e la performance musicale. Una proiezione monocanale e una colonna sonora realizzata dal vivo e diffusa attraverso il sound system Prince Healer, all’interno del TeatroStudio di Milano, interagiranno durante lo spettacolo. Negus - Echo Chamber, realizzato in esclusiva per il Milano Film Festival, è parte del progetto in fieri Negus che si ispira a fatti storici avvenuti in epoca fascista e che tende una linea di connessione tra Italia, Etiopia e Giamaica, dalla piazza di Vernasca, alla comunità rasta di Shashamane. Tra le molte partecipazioni al progetto, quella suggestiva del padre della musica dub, Lee Scratch Perry.

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. Negus – Echo Chamber is an audiovisual piece lying somewhere between film and musical performance. A single frequency projection is set against a soundtrack which is performed live and played through a Prince Healer sound system set up at the Teatro Studio in Milan. Negus – Echo Chamber, created exclusively for the Milan Film Festival, is part of the Negus project, which is inspired by historical events from the Italian Fascist period, and draws a line between Italy, Ethiopia and Jamaica, from the square in Vernasca to the Rasta community of Shashamane. Among the many films created as part of the project is the striking piece by the father of dub music, Lee Scratch Perry.

INVERNOMUTO 2003 (SIMONE BERTUZZI, SIMONE TRABUCCHI) FILMOGRAFIA / FILMOGRAPHY: Negus - Echoes Chamber (2013), POA Perspectives on Archive: Fondazione Furla (2011), POA Perspectives on Archive: Pirelli (2011), Dungeons and Dregs (2010), POA Perspectives on Archive: Catch Me When I Fall, Parade (2009), Boomeria (2009), POA Oblivia Tapes (2009), POA Perspectives on Archive: Check-in Architecture (2008), Teastas Mor, Black Cross Bowl (2007), Voodoo (2006), Catch Me When I Fall 2 (2005), Landscape07, House study B (2004), Landscape06, Interior design (2004), Catch Me When I Fall (2004), Landscape04, Anomalieux (2003)

NOW SHOWING: AUSTERITY MEASURES A CURA DI JÕAO LAIA E ANDREY SHENTAL / AA.VV. / UK / 2012 / VARIOUS FORMATS / 52’

Replica / Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) / USA / 2011 / 5’ The Meaning of “Austerity” / James Corbett / USA / 2010 / 5’ (extract) Touch my Body / Ilya Korobkov / Russia / 2009 / 4’ Infinite Doors / Takeshi Murata / USA / 2010 / 2’ Nobody Here / Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) / USA / 2009 / 3’ #67 / Jean-Gabriel Périot / France / 2012 / 4’ Climbing / Jesse McLean / USA / 2011 / 7’

The Misty Suite / James Richards / UK / 2009 / 7’ Versions / Oliver Laric / UK / 2010 / 7’ Les Barbares (The Barbarians) / Jean-Gabriel Périot / France / 2010 / 5’ New Materials in The Reading of the World / Chooc Ly Tan / France / 2011 / 5’ Film Socialisme Trailer 4 / Jean-Luc Godard / Switzerland / 2011 / 2’

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uesto programma investiga la nozione di austerità come uno strumento creativo per la sperimentazione visiva e le analisi sociali. Questi film criticano l’estetica immacolata della cultura mainstream con ironia; possono essere letti come una parodia della recessione estetica delle nuove misure conservative o come critica alla politica liberale che ha stimolato un consumismo sfrenato e ha portato alla situazione attuale. Now Showing: Austerity Measures presenta un inventario di materiali poveri e di tecniche marginali usate a livello internazionale dagli artisti contemporanei. Queste opere sono un esempio di nuovi linguaggi filmici che riflettono l’immaginario e i contesti sociali contemporanei.

his programme investigates the notion of austerity as a creative tool for visual experimentation and social analysis. The films presented criticize the pristine visuality of mainstream culture in a tonguein-cheek manner. It can be read as a parody of the recessional aesthetics of the new conservative measures as well as a critique of the previous liberal policies that stimulated a high-paced consumerism and led to the present state of affairs.

Now Showing: Austerity Measures presents an inventory of poor materials and marginal techniques used internationally by contemporary artists. These works are examples of new filmic languages that use and reflect contemporary visual imaginary and social contexts.

SALON DES REFUSES La bionda deve morire (The Blonde Must Die) Simone Giusti / Italy / 2013 / 4’ Chiamami Gianluca Fedele / Italy / 2012 / 13’ Droppers Fabrizio Oggiano / Italy / 2013 / 9’ Fine del mondo Pierre D’oncieu / Italy / 2013 / 10’ Già visto Cecilia Brianza / Italy / 2012 / 8’ Homeless Michele Giannantonio / Italy / 2013 / 8’ It Will Never Work Michele Cardano, Alberto Vignati / Italy / 2012 / 2’ Lato B (B-Side) Stefania Celentano / Italy / 2012 / 3’ Maria Cristina Giuseppe Imparato / Italy / 2012 / 8’

Mother Chiara Natalini / Italy / 2012 / 8’ Il passato che ho incontrato (The Past I Met) Damiano Scarano / Italy / 2012 / 14’ Quell’uomo col cappuccio Giorgio Martina / Italy / 2013 / 10’ Shame and Glassess Alessandro Ricorda / Italy / 2013 / 7’ Lo sgambetto Rosanna Elia / Italy / 2012 / 10’ Silenzio bianco Lucia Mazzi / Italy / 2012 / 7’ Sogno Enrico Targetti / Italy / 2012 / 4’ Ultimo atto Marco Mori / Italy / 2012 / 10’

MILANO FILM FESTIVALINO The Animation of Man Amanda Nedermeijer / Netherlands / 2012 / HD / 3’ Fear of Flying Conor Finnegan / Ireland / 2012 / HD / 9’ Gran Prix Marc Riba, Anna Solanas / Spain / 2011 / Digital / 8’ Jag är rund (I Am Round) Mario Adamson / Sweden / 2011 / Digital / 14’ Kiekje (Snapshot) Arthur van Merwijk / Netherlands / 2012 / Digital / 3’ The Kiosk Anete Melece / Switzerland / 2013 / HD / 7’ Der Kleine Vogel und Das Blatt (The Little Bird and The Leaf) Lena von Dören / Switzerland / 2012 / HD/ 4’ Kleurrijk Wit (Colorful White) Julia Jager / Netherlands / 2013 / HD / 4’ Linnuvaatlemine (Birdwatching) Chintis Lundgren / Estonia / 2011 / Digital / 1’ MOSTERSINFONIE (Monster Symphony) Kiana Naghshineh / Germany / 2012 / HD / 3’

Nyuszi es Oz (Rabbit and Deer) Péter Vácz / Hungary / 2013 / HD / 16’ O tondovi, ktery svitil (Shining Tony) Filip Pošivač / Czech Republic / 2011 / HD / 3’ Le petit blond avec un mouton blanc (The Little Blond Boy With A White Sheep) Eloi Henriod / France / 2013 / HD / 8’ Project K9 Francisco J. Cabrera, Alicia Esteban, Elsa Esteban, Juan E. Forero, Victoria González, Adrián Parra, Iria Salgado, Pablo Serrano, Huijun Shen / Spain / 2013 / HD / 5’ Rhapsodie pour un pot-au-feu (Stewpot Rhapsody) Charlotte Cambon de la Valette, Stéphanie Mercier, Soizic Mouton, Marion Russel / France / 2012 / HD / 3’ Shave It Fernando Maldonado, Jorge Tereso / Argentina /2012/HD/4’ Troy Lee Matthews / UK / 2012 / HD / 2’ O Xigante (The Giant) Luis da Matta Almeida, Julio Vanzeler / Spain /2012/HD/10’

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llegro e puntuale, torna l’appuntamento con il Milano Film Festivalino, il festival dei piccini anche quest’anno nella splendida location della Cascina Cuccagna, la cascina in città dove si può sostare per un pomeriggio all’aperto, con il giardino riservato alle corse dei bambini mentre i genitori si rilassano. Due cicli di proiezioni in due weekend saranno dedicati a cortometraggi animati selezionati tra le ultime produzioni mondiali, per intrattenere ed educare i più piccoli alla fruizione del cinema, con l’attenzione che ci distingue verso il mondo dell’animazione. Imaginarium, leader nel mondo dei giocattoli educativi, firma i due laboratori cinematografici che accompagneranno le proiezioni: durante il primo, uno speciale regista d’eccezione girerà dei cortometraggi realizzati dai bambini, che verranno forniti di costumi, accessori e complementi d’arredo per un’interazione realistica con il mondo del cinema e il suo mestiere; nel secondo laboratorio, i bambini verranno insigniti del prestigioso premio “Oscar” per il lavoro svolto, con tanto di passeggiata sul tappeto blu e premiazione nominale: un’emozione da non perdere!

Carla Vulpiani

un-filled and regular, the rendezvous with the Milano Film Festivalino, the festival for little people, is back again this year in the splendid location of the Cascina Cuccagna, the farm in the city where you can spend an afternoon outdoors, with the garden for children to run around in whilst their parents relax.

Two cycles of screenings in two weekends will be dedicated to animated short films selected from the most recent world production, to entertain and educate children to enjoy cinema, with the special attention that we pay to the world of animation. Imaginarium, a leader in the world of educational toys, is organizing the two film workshops that will accompany the screenings: during the first one, a special exceptional director will shoot the short films made by the children, who will be given costumes, accessories and props for a realistic interaction with the world of the cinema and its craft; in the second workshop, the children will be awarded the prestigious “Oscar” for their work, a blue carpet and an awards ceremony with their names being called out; an exciting occasion not to be missed!

GRAZIE A THANKS TO Marì Alberione, Matteo Alberti – Topside Multimedia, Andrew Aldair, Giulia Amato – Comune di Milano, Stefania Amato – Comune di Milano, Andrea Luigi Antonini – Tagliattacca, Lucio Argano, Franco Ascani – Sport&Movies Fest, Bruce Baillie, Gino Banterla – Piccolo Teatro, Bar Yellow, Andrea Barbato – Piccolo Teatro, Claudia Barucca, Maurizio Baruffi – Comune di Milano, Alessia Barzaghi – Milano Film Network, Daniele Basilio, Cristina Battocletti, Federico Bazzi, Benedetta Bazzo – Provincia di Milano, Pietro Belfiore, Alberto Benedetto – Piccolo Teatro, Stefania Bettoni, Germana Bianco – Scuola di Cinema, Televisione e Nuovi Media, Francesca Bobbio – Limet, Ulrich Braeß – Goethe-Institut Mailand, Valentina Brazzini, Antonio Calbi – Comune di Milano, Carmela Calitri – Scuola di Cinema, Televisione e Nuovi Media, Stefano Campanoni – Cineagenzia, Andrea Cancellato – Triennale di Milano, Gianni Canova – IULM, Cristina Caon, Ruggero Carioli – Peri, Giorgio Casellato – Piccolo Teatro, Paola Cassano, Gianni Catalano, Maria Vittoria Cattozzo – ceCINEpas, Nicola Cavallaro e lo staff di un posto a Milano, Simona Cella – Milano Film Network, Mihai Chirilov, Luisa Comencini – Cineteca Italiana, Elena Conenna – Comune di Milano, Giuseppe Cordaro, Andrea Cortiana – Piccolo Teatro, Mark Cousins, Margo Curto – Consolato Generale dei Paesi Bassi, Elena Dagrada – Università degli Studi di Milano, Lory Dall’Ombra – Comune di Milano, Michel David – Zeugma Films, Anna De Benedetto – Comune di Milano, Raffaele De Berti – Università degli Studi di Milano, Fabrizio De Matteis – Topside Multimedia, Giovanni De Mauro – Internazionale, Filippo Del Corno – Comune di Milano, Jonathan Demme, Alexei Dmitriev, Alison Driver – British Council, Natalia Dupuy – Consolato Generale della Repubblica Argentina, David Dusa, SergioEscobar – Piccolo Teatro, Anthony Ettorre – Ripley’s Film, Michela Facchinetti – Milano Film Network, Anna Maria Falcone – Comune di Milano, Sergio Fant, Luisella Farinotti – IULM, Romano Fattorossi – Invideo, Roberto Festa, Fibre Parallele, Morris Forlin – Koch Media, Ottavia Fragnito – Milano Film Network, Rosina Franzé – Goethe-Institut Mailand, Marco Fusar Poli – Piccolo Teatro, Laura Galimberti – Comune di Milano, Monica Gattini Bernabò – Scuola di Cinema, Televisione e Nuovi Media, Luca Gibillini – Comune di Milano, Christian Giuffrida, Tudor Giurgiu, Gli amici del merlo, Ilaria Gomarasca – Pyramide International, Fiorenzo Grassi, Claudio Grillone – Comune di Milano, Fabrizio Grosoli – Officine Ubu, Francesco Guerritore, Maike Mia Hohne – Berlinale, Diana Holtzberg – Films Transit, Ken Jacobs, Cècile Juan, Johannes Klein – In-Edit Beefeater Barcelona, Marion Klotz – Memento Films, Thomas Lambert – Rouge International, Carmen Landolfi – Dimar, Lucio Lazzara, Hervé Le Phuez, Katja Lenarcic – M-Appeal, Vittoria Leone – Ambasciata del Portogallo a Roma, Patrizia Letterese, Stefano Lionetti, London Short Film Festival, Stefano Losurdo – AGIS Lombarda, Sanam Madjedi – Films Distribution, Francesco Magnani – ceCINEpas, Alessandra Marcatelli – Comune di Milano, Angela Marino – Provincia di Milano, Giampaolo Marzi – MIX Festival, Alfonso Mastrantonio – ceCINEpas, Mauro Mazzali – Peri, Beppe Milani – Piccolo Teatro, Eleonora Mizzi, Paolo Monaco, Nikolas Montaldi, Gianmaria Monteverdi, Luca Mosso – Filmmaker, Martina Mueller – Media Programme, Valeska Neu – Films Boutique, Maurizio Nichetti, Giovanna Nicotera, Enrico Nosei – Cineteca Italiana, Eva Ntafitsopoulou – Media Programme, Patrizia Olivieri, Isabella Padellaro – Ambasciata del Portogallo a Roma, Malgorzata Palarczyk-Vivancos – Media Programme, Marcello Paolillo – ceCINEpas, Giovanni Pesce – Moleskine, Cristina Piccino, Anastasia Plazzotta – Feltrinelli Real Cinema, Randall Poster, Harald Quercia, Alessandro Raja – Festival scope, Pascale Ramonda, Claudio Rapino – Koch Media, Patrizia Rappazzo – Sguardi Altrove, Andrea Rebaglio – Fondazione Cariplo, Stefania Redaelli, Julien Rejl – Capricci Films, Ben Rivers, Andrea Romeo – Biografilm Festival, Stefania Susy Rossi – Comune di Milano, Micol Rossini – Moleskine, Onofrio Rossini, Iulia Rugina, Patrizia Rutigliano – Ferpi, Sara Sagrati – ceCINEpas, Giuseppe Sarcina, Marta Savoldelli, Andrea Segre, Gianmaria Sforza, Maria Elisabetta Sgarrella, Alessandra Speciale – Festival del Cinema Africano, d’Asia e America Latina, Violante Spinelli Barrile – Triennale di Milano, Jorge Tur Molto, Turné eventi, Lucia Urciuoli – Invitalia, Florian Weghorn, Gisela Wiltschek – Global Screen, Laura Zagordi – Scuola di Cinema, Televisione e Nuovi Media, Marta Zagorowska – Consolato Generale della Repubblica di Polonia in Milano, Francesca Zamboni – ceCINEpas, Chiara Zappalà, Giuseppe Zito.

INDICE DEI FILM / INDEX OF FILMS 12 O’Clock Boys - 144 #67 - 224 Å åpne, å se (To Open, To See) - 55 Abu Rami - 56 The Act of Killing - 165 I aionia epistrofi tou Antoni Paraskeua (The Eternal Return of Antonis Paraskevas) - 29 All Consuming Love (Man in a Cat) - 176 All My Life - 140 Un alt craciun (Another Christmas) - 107 The Animation Of Man - 177, 226 Astigmatismo - 178 Atomes (Atoms) - 57 L’aurore boréale (Northern Lights) - 58 Austerity Measures - 140 Avant que de tout perdre (Just Before Losing Everything) - 59 A Band Called Death - 145 Les Barbares (The Barbarians) - 224 La benedizione degli animali - 108 Berlin Night Window - 152 Betty’s Blues - 179 Big as Life - 219 La bionda deve morire (The Blonde Must Die) - 225 Bird Benny - 180 Boles - 181 Broad Sense - 108 But Milk Is Important - 182 Camp 14 – Total Control Zone - 166 Capitalism: Child Labor - 140 Capitalism: Slavery - 140 Les Chebabs de Yarmouk (The Shebabs of Yarmouk) - 167 Carn - 183 Cerdos devorando la penìnsula italìca 140 Chefu’ (House Party) - 109 Chiamami - 225 Chigger Ale (Here Come the Problems) - 60 Civica educazione - 219 Climbing - 224 Collage - 219 Comme des lapins (Chroniques de la poisse, chap. 2) (Like Rabbits (Sticky Ends, chap. 2)) - 184 A Comunidade (The Community) - 109 Conférence de nuit - 152 Contre-Feux 1 et 2: Pour le retrait du projet de loi sur l’immigration et la régularisation sans condition de tous les sans – papiers - 133 Contre-Feux 6: Comment briser les consciences? Frapper! - 134 La corazzata Potëmkin (Bronenosets

Potyomkin) - 146 The Course of Things - 61 Dag meneer de Vries (Goodbye Mister de Vries) - 185 Dans le noir du temps (segment of Ten Minutes Older: The Cello) - 140 Dentro (Inside) - 62 The Devil - 110 Diego Star - 147, 218 Dirty Wars - 168 Discodeine-Aydin - 186 Don’t Fear Death - 63 Le donne della Vucciria - 148 Double Fikret - 187 Droppers - 225 Echo - 219 Les Eclats (ma gueule, ma révolte, mon nom) - 137 Elefante (Elephant) - 110 Los encargados - 140 L’éternel retour - 111 Europe Année 06 (Fragments Ceuta) 135 Exland - 64 Fahtum pandinsoong (Boundary) - 149 Faro (Sanctuary) - 216 Fatigués d’être beaux (Tired of Being Handsome) - 65 Fear of Flying - 188, 226 Fifi az khoshhali zooze mikeshad (Fifi Howls from Happiness) - 31 Film Socialisme (Trailer 4) - 224 Finding the Funk - 150 Fine del mondo - 225 First Row Orchestra - 152 Flytopia - 66 Frozen Flames - 222 La fugue (The Runaway) - 67 Gambozinos (Wild Haggis) - 111 Già visto - 225 God Loves Uganda - 169 Gods, Weeds & Revolutions - 68 Gore Vidal-The United States of Amnesia - 151 Gran Prix - 226 Le grand voyage d’Elastika (A Girl Named Elastika) - 69 Gravity Hill Newsreels: Occupy Wall Street, No. 5 - 140 Grzeli nateli dgeebi (In Bloom) - 33 Habi, la extranjera (Habi, the Foreigner) - 35 Half You Met My Girlfriend - 189 Home - 70 Homeless - 225 Un homme idéal (Fragments K) - 136 Hope - 152 The Hopper - 71 Hopper vu par… - 152

The Horse - 140 I Am Alone and My Head Is on Fire - 72 Ilo Ilo - 37 Ils nous tueront tous… - 131 In The Air Is Christopher Gray - 73 In un mondo o nell’altro - 219 Inekafe-Figurka - 190 Inequality for All - 170 Infinite Doors - 224 It Will Never Work - 225 It’s Such a Beautiful Day - 112 Ja arriba el temps de remenar les cireres - 140 Jag är rund (I Am Round) - 226 Jazz that Nobody Asked for - 191 Kali, O Pequeno Vampiro (Kali, the Little Vampire) - 192 Kalté (Guilt) - 193 Der Kapitän und sein Pirat (The Captain and His Pirate) - 171 Katachi (Shape) - 194 Kiekje (Snapshot) - 226 The Kiosk - 226 Kjaere Lisa (Dear Lisa) - 112 Der Kleine Vogel und Das Blatt (The Little Bird and the Leaf) - 226 Kleurrijk Wit (Colorful White) - 226 Kormányeltörésben (Rudderless) - 113 Là où je suis (Where I Am) - 74 Labyrinth-Dove tutto è possibile (Labyrinth) - 214 Le labyrinthe (The Labyrinth) - 195 Ladri di papere - 219 La lampe au beurre de yak (Butter Lamp) - 75 Land of My Dreams - 113 Lato B (B-Side) - 225 Lazarov - 114 Lej en familie A/S (Rent a Family Inc.) 153 Les Lézards (The Lizards) - 76 Licks - 39 Linnuvaatlemine (Birdwatching) - 226 Love Olympics: Fencing - 196 LSD ABC - 197 Lunarcy! - 154 Malária (Malaria) - 77 Manifestación 26S | Exige al policía que le ha golpeado que se identifique - 140 Maria Cristina - 225 The Mass of Men - 78 The Meaning of “Austerity” - 224 Mirage à l’italienne (An Italian Mirage) - 41 Misterio (Mistery) - 114 The Misty Suite - 224 Mittsommernachtstango (Midsummer Night’s Tango) - 155 Mobile Homes - 79

MOSTERSINFONIE (Monster Symphony) - 226 Mother - 225 Mountain - 152 Movimenti di un tempo impossibile (Movements of an Impossible Time) - 115 Moving Stories - 115 La muse - 152 Museum Hours - 156 Mutasalilun (Infiltrators) - 172 My Cover of… Enjoy the Silence by Depeche Mode - 198 My Cover of… Paradise City - 198 My Cover of… Tonight I Celebrate My Love - 198 My Name Is Boffer Bings - 116 N’entre pas sans violence dans la nuit 129 ¿Necesitas algo, nena? - 217 Negus - Echoes Chamber - 223 New Materials in the Reading of the World - 224 Next to Last (Automne 63) - 152 No Border (Aspettavo Che Scendesse La Sera) - 130 No tiene gracia (Not Funny) - 80 Nobody Here - 224 Noelia - 81 Now Showing: Austerity Measures - 224 Les nuées - 132 Nyuszi és Öz (Rabbit and Deer) - 82, 226 O tondovi, ktery svitil (Shining Tony) - 226 Olkiluoto-ilmiö (Olkiluoto Syndrome) - 83 Orde van dienst (Order of Service) - 84 Oslo - 85 Palmipédarium - 116 Paper City - 199 Parade - 157 Pardé (Closed Curtain) - 158 Il passato che ho incontrato (The Past I Met) - 225 I passi - 219 Pastila fericirii (The Pill of Happiness) - 86 Patakès - 117 Pequeño bloque de cemento con pelo alborotado conteniendo el mar (Little Block of Cement with Disheveled Hair Containing the Sea) - 87 Perfect Drug - 88 Peristalsi - 89 Le petit blond avec un mouton blanc (The Little Blond Boy With a White Sheep) - 226 Der Pinguin (The Penguin) - 200 Plug & Play - 201 The Present - 90 Presuda (The Verdict) - 91 Preti (Priests) - 202

Project K9 - 226 Qêrin (Scream) - 92 Quell’uomo col cappuccio - 225 Quelqu’un d’extraordinaire (An Extraordinary Person) - 93 Queridos Amigos - 117 Radio Lis - 219 Random Strangers - 118 RECONNAISSANCE - 94 Les rencontres d’après minuit (You and the Night) - 43 Replica - 224 Requiem for a Robot - 118 Rhapsodie pour un pot-au-feu (Stewpot Rhapsody) - 203, 226 La Risacca - 219 The Rocket - 213 RPG OKC - 95 Run & Jump - 45 Rupture - 152 Scroogin on a Greg - 204 Sekiz Haziran (The Eighth of June) - 140 SettanTA - 119 Lo sgambetto - 225 Shame and Glassess - 225 Shave It - 205, 226 She Loved the Place - 206 Shelved - 207 Silent Passengers - 96 Silenzio bianco - 225 Silvio. Here I Am - 97 Sogno - 225 Sogno di una notte di mezza estate - 159 Solecito - 98 Solitudes - 99 Stew & Punch - 100 Stick Climbing - 119 La strada di Raffael (Raffael’s Way) - 101 Le straordinarie avventure di Mr. West nel paese dei bolscevichi (Neobychainye priklyucheniya mistera Vesta v strane bolshevikov) - 160 Sur le rivage du monde (Standing on the Edge of the World) - 173 Sweet Memory Will Die - 219 Swift 1971 - 140 Tame Impala - Feels Like We Only Go Backwards - 208 Teen Beach Movie - 215 Terra - 120 Terra de ninguém (No Man’s Land) - 47 La tête en bas - 120 A Third Version of the Imaginary - 102 La tierra quema (The Land Burns) - 140 Touch My Body - 224 Towheads - 49 Training autogeno - 121 Troy - 226 Il turno (The Turn) - 121

U-move - 219 Ultimo atto - 225 O umbră de nor (Shadows of a Cloud) - 122 L’uovo di Tesla - 219 Upstream Color - 161 Le Vagabond de St Marcel (The Wanderer of St Marcel) - 209 Vers Madrid-The Burning Bright!

(Scenes from the Class Struggle and the revolution) - 138 Versions - 224 Vie de Reve en Promotion (Dream Life on Sale) - 210 Les voiles du partage (Wind of Share) - 103 Waisting swing - 219 Whaled Women - 104 O Xigante (The Giant) - 226 You Like It, I Love It - 105 INDICE DEI REGISTI / INDEX OF DIRECTORS Abbass Hiam - 148 Adamski Przemysław - 194 Adamson Mario - 226 Aerts Toon - 88 Alché María - 81 Alvarez María Florencia - 36 Amalric Mathieu - 152 Ananas Fanta - 60 Anderson Will - 204 Apers Charlotte - 206 Arieli Karni - 66 Astrup Schröder Kaspar - 153 Babinec Petr - 190 Baillie Bruce - 140 Barthes Sophie - 152 Baucke Elena - 219 Bertuzzi Simone - 223 Bianco-Levrin Nicolas - 117 Blanc Dominique - 152 Blanchet Guillaume - 69 Blom Charlotte - 112 Blumenschein Viviane - 155 Brianza Cecilia - 225 Brüel Flagstad Alex - 71 Buharov Igor - 113 Buharov Ivan - 113 Bulut Bilal - 92 Burnett Charles - 140 Cabrera Francisco J. - 226 Čadež Špela - 181 Cailleau Guillaume - 140 Cambon de la Valette Charlotte - 203, 226 Cappa Felice - 159 Cardano Michele - 225 Carmichael Emily - 95

Carruth Shane - 161 Cauwe Jérôme - 103 Celentano Stefania - 225 Celesia Alessandra - 42 Cerfon Osman - 184 Cevik Burak - 140 Chen Anthony - 38 Chiossone Laura - 217 Chokri Monia - 93 Clapin Jérémy - 116 Cohen Jem 139, - 156 Coletti Mattia - 97 Collectif_fact - 61 Corbett James - 224 Covino Mark - 145 Crippa Cristina - 219 Csáki László - 116 Cunningham James - 207 Cynn Christine - 165 D’oncieu Pierre - 225 da Matta Almeida Luis - 226 Daffis Anne-Laure - 65 Davanzo Chiara - 219 De Angelis Lorenzo - 219 de Fontenay Vladimir - 79 de Leval Jezierski Nicolas - 189 de Thurah Martin - 152 de Tilla Pietro - 121 di Bari Pietro - 219 Di Giulio Cecilia - 219 Doñas Luis Ernesto - 85 Dos Santos Alexis - 118 Dufeys Arnaud - 57 Dupont Kévin - 210 Edfeldt Fredrik - 216 Einhorn Ewa - 104 Ėjzenštejn Sergej Michajlovič - 146 Ekvtimishvili Nana - 34 Elia Rosanna - 225 Ellis Simon - 100 Ennis Simon - 154 Esteban Alicia - 226 Esteban Elsa - 226 Falco Alessandro - 101 Fallucca Leonardo - 219 Farahani Mitra - 32 Fedele Gianluca - 225 Felmeri Cecilia - 86 Fiennes Sophie - 152 Figenschou Camilla - 55 Filios Laura - 219 Finnegan Conor - 188, 226 Fisker Esben - 191 Fisker Rune - 191 Flatform - 115 Forero Juan E. - 226 Freed Saul - 66 Frei Michael - 201 Galindo Jorge - 140

Gauchet Gabriel - 78 Gavran Đuro - 91 George Nelson - 150 George Sylvain - 123, 129-138 Giacalone Elisa - 219 Giannantonio Michele - 225 Giroux Maxime - 120 Giuntoli Laura - 219 Giurgiu Tudor - 107 Giusti Simone - 225 Gleeson Thomas - 70 Gleize Thibault - 64 Gleyzer Raymundo - 140 Gnappi Cristina - 221 Godard Jean-Luc - 140, 224 González Victoria - 226 Gonzalez Yann - 44, 113 Grecu Mihai - 64 Green Steph - 46 Grønmo Bjørnsen Eirik - 182 Groß Simon - 34 Grumelin-Sohn François - 197 Hahn Clarisse - 117 Haider Sabah - 56 Häkkinen Janne - 83 Halberstad Mascha - 185 Henriod Eloi - 226 Henson Jim - 214 Hertzfeldt Don - 112 Hornaday Jeffrey - 215 Hotin Rony - 209 Howlett Jeff - 145 Hsieh Joe - 90 Hu Wei - 75 Hudson Louis - 63, 176, 211 Iannaccone Enrico - 89 Ibarra Chema García - 114 Imparato Giuseppe - 225 Invernomuto - 223 Jacobs Ken - 140 Jager Julia - 226 Janicki Maciek - 199 Jarrar Khaled - 172 Jedlicki Liova - 99 Joobeur Meryam - 68 Jude Radu - 122 Jung Annette - 200 Keppenne Alicia - 210 Kijek Katarzyna - 194 Kim Jeuno Je - 104 Kornbluth Jacob - 170 Korobkov Ilya - 224 Kulešov Lev Vladimirovic - 160 L’Ésperance Sylvain - 173 Labaye Mathieu - 195 Lamas Salomé - 48, 109 Larcuen Pablo - 110 Laric Oliver - 226 Le Bars Jeff - 183

Legrand Xavier - 59 Lièvre Pascal - 111 Lopatin Daniel - 224 Lundgren Chintis - 226 Lurf Johann - 94 Luyckx Kristof - 180, 198 Magassouba Myriam - 74 Maldonado Fernando - 205, 226 Mantzaris Anna - 182 Manuzzi Elvio - 121 Marchand Léo - 65 Mariette Vincent - 76 Marlin Jean-Bernard - 67 Martina Giorgio - 225 Massie Felix - 73 Matthews Lee - 226 Mazzi Lucia - 225 McLean Jesse - 224 Melece Anete - 226 Mercier Stéphanie - 203, 226 Messina Piero - 120 Meyrou Olivier - 157 Mezzapesa Pippo - 119 Migotto Carlo - 97 Mordaunt Kim - 213 Mori Marco - 225 Morra Elia - 219 Mousquet Pierre - 103 Mouton Soizic - 203, 226 Mrejen Valérie - 152 Murata Takeshi - 224 Naghshineh Kiana - 226 Nakamoto Hirofumi - 96 Natalini Chiara - 225 Nathan Lotfy - 144 Navarrete Jorge Lopez - 87 Nedermeijer Amanda - 177, 226 Nicolau João - 111 Nieto Luis - 114 Numbenchapol Nontawat - 149 Oda Edson - 77 Oggiano Fabrizio - 225 Oppenheimer Joshua - 165 Orchard Grant - 196 OReilly David - 72 Otte Henk - 84 Panahi Jafar - 158 Parma Andrea - 219 Parra Adrián - 226 Partovi Kamboziya - 158 Pelletier Frédérick - 147, 218 Pelling Joe - 208 Perfetti Tommaso - 121 Périot Jean-Gabriel - 110, 224 Pessoa Regina - 192 Piguet Claude - 61 Pirson Valérie - 152 Pizzi Simone - 219 Pleix - 186

Plumb Shannon - 50 Pošivač Filip - 226 Provost Nicolas - 115 Psykou Elina - 30 Rafael Keren Ben - 58 Rainer Christoph - 118 Rembauville Julie - 117 Riba Marc - 226 Riccardi Riccardo - 219 Richards James - 224 Ricorda Alessandro - 225 Rocha Minter Emiliano - 62 Roussel Marion - 203, 226 Rowley Richard - 168 Ruiz Navia Oscar - 98 Russel Marion - 205, 226 Russell Ben - 140 Salgado Iria - 226 Salomé Ellen - 210 Salvatori-Sinz Axel - 167 Savelli Cristina - 219 Scarano Damiano - 225 Schneider Annelore - 61

Serrano Pablo - 226 Shen Huijun - 226 Sicouri Laura - 197 Sierra Santiago - 140 Singer-Vine Jonathan - 40 Sitaru Adrian - 109 Sloan Becky - 208 Smeriglia Astutillo - 121, 202 Solanas Anna - 226 Sortino Gianmaria - 219 Stöhr Hannes - 152 Takala Pilvi - 108 Tan Chooc Ly - 224 Targetti Enrico - 225 Tereso Jorge - 205, 226 Terlizzi Cosimo - 108 Tiven Benjamin - 102 Tomingas Reda - 193 Trabucchi Simone - 223 Trevisani Luca - 222 Troshinsky Nicolai - 178 Tur Jorge - 140 Vácz Péter - 82, 226

van Merwijk Arthur - 226 Vandenitte Rémi - 179 Vanzeler Julio - 226 Vaughan James - 105 Vignati Alberto - 225 Violadé Carlos - 80 von Dören Lena - 226 Wang Haiyang - 187 Wiese Marc - 166 Williams Roger Ross - 169 Wolff Andy - 171 Wrathall Nicholas - 151 Zanni Giacomo - 219 Zimmermann Daniel - 119