Dossier taller dibujo y rotulacion by Miguel Lemonier

MIGUEL ANGEL LEMONIER RAMIREZ, mte

Curso-Taller rotulación y dibujo básico para principiantes. ARTE El arte (del lat. ars, artis, y del gr. τέχνη)es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa (arte paleolítico), pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental. Originalmente se aplicaba a toda la producción realizada por el hombre y a las disciplinas del saber hacer. Así, artistas eran tanto el cocinero, el jardinero o el constructor, como el pintor o el poeta. Con el tiempo la derivación latina (ars -> arte) se utilizó para designar a las disciplinas relacionadas con las artes de lo estético y lo emotivo; y la derivación griega (téchne -> técnica), para aquellas disciplinas que tienen que ver con las producciones intelectuales y de artículos de uso. La definición de arte es abierta, subjetiva, discutible. No existe un acuerdo unánime entre historiadores, filósofos o artistas. A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte, entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la razón» (Tomás de Aquino); «el arte es aquello que establece su propia regla» (Schiller); «el arte es el estilo» (Max Dvořák); «el arte es expresión de la sociedad» (John Ruskin); «el arte es la libertad del genio» (Adolf Loos); «el arte es la idea» (Marcel Duchamp); «el arte es la novedad» (Jean Dubuffet); «el arte es la acción, la vida» (Joseph Beuys); «arte es todo aquello que los hombres llaman arte» (Dino Formaggio). Artes estáticas o espaciales Artes mixtas Artes dinámicas o temporales Arquitectura

Cine

Música

Escultura

Teatro

Danza

Pintura

Ópera

Literatura

Clasificación actual Actualmente se suele considerar la siguiente lista de bellas artes:  

El primero es la arquitectura. El segundo es la danza. 2

El tercero es la escultura. El cuarto es la música.  El quinto es la pintura.  El sexto es la poesía (y literatura en general).  El séptimo es la cinematografía.  El octavo es la fotografía.  El noveno es la historieta. Ciertos críticos e historiadores consideran otras artes en la lista, como la gastronomía, la perfumería, la televisión, el teatro, la moda, la publicidad, la animación y los videojuegos. En la actualidad existe aún cierta discrepancia sobre cuál sería el “décimo arte”.  

MEDIOS QUE USA EL ARTE      

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El artista Obra de Arte Público Percepción Materia y Técnica Museos

Academias Fundaciones Coleccionismo Mercado artístico Ferias Exposiciones

FUNCIÓN DEL ARTE El arte puede cumplir diversas funciones, según la voluntad del propio artista o según la interpretación que de la obra haga el público: 

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Práctica: el arte puede tener una utilidad práctica siempre y cuando cumpla diversas premisas de satisfacer necesidades o de tener una finalidad destinada a su uso o disfrute, como es el caso de la arquitectura, o bien de la artesanía y las artes aplicadas, decorativas e industriales. Estética: el arte está estrechamente vinculado a una finalidad estética, es decir, de provocar sentimientos o emociones, o bien suscitar belleza y admiración en todo aquél que contempla la obra de arte. Simbólica: el arte puede estar revestido de una función simbólica cuando pretende trascender su simple materialidad para ser un símbolo, una forma de expresión o comunicación, un lenguaje por el cual se expresa una idea que debe ser descifrable para el público al cual va dirigida. Económica: el arte, como producto elaborado por el hombre, no deja de ser un objeto que puede estar motivado con fines económicos, bien en su concepción o bien en su posterior mercantilización. Comunicativa: el arte es un medio de comunicación, por el cual se expresan ideas o conceptos, o bien se recrean estados de ánimo. En este sentido, puede ser tanto crítico como propagandístico del mensaje que desea transmitir. 3

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Imitativa: el arte ha pretendido históricamente ser fiel reflejo de la realidad, al menos hasta la aparición de la fotografía y el cine en el siglo XX. Así, el arte ha sido un medio ideal para plasmar el mundo, la forma de vida de las diversas culturas y civilizaciones que se han sucedido a lo largo del tiempo. Crítica: el arte puede tener una voluntad crítica, bien de tipo político, religioso o social, haciéndose eco de las reivindicaciones sociales de cada periodo histórico.

ARTISTA Se denomina artista a aquella persona que, o bien practica un arte, o bien destaca en él. Por definición, un artista es quien elabora una obra de arte; así pues, y en paralelo a la evolución del concepto de arte que hemos visto anteriormente, en épocas pasadas un artista era cualquier persona que trabajase en las artes liberales o vulgares, desde un gramático, un astrónomo o un músico hasta un albañil, un alfarero o un ebanista. Sin embargo, hoy día se entiende por artista a alguien que practica las bellas artes.

OBRAS DE ARTE Una obra es una realización material, que tiene una existencia objetiva y que es perceptible sensiblemente. El término proviene del latín opera, que deriva de opus (‘trabajo’), por lo que equivale a trabajo como objeto, es decir, como resultado de un trabajo. Una obra de arte puede ser tanto el objeto material en sí –una pintura, una escultura, un grabado– como una producción intelectual donde la artisticidad se encuentra en el momento de su ejecución o captación por medio de los sentidos: así, en la literatura, el arte se encuentra más en la lectura de la obra que no en el lenguaje escrito que le sirve de vehículo de comunicación, o en el medio material (libro, revista) que le sirva de soporte.

ESTILOS Y GÉNEROS ARTÍSTICOS ESTILOS o FASES

GÉNEROS

Pre-Clásico

PICTORICOS

Clásico

LITERARIOS

Manierista

MUSICALES

Barroco

CINEMATOGRÁFICOS

Arcaizante

ARQUITECTONICOS

Fase recurrente

DISCIPLINAS ARTISTICAS ARTES VISUALES: La arquitectura, Arte corporal, Arte Digital, Arte Robótico, Arte aplicado o Decorativo, Artes Gráficas, Artes Industriales, Artes y Oficios, Cinematografía, Dibujo, Diseño, Escultura, Fotografía, Grabado, Historieta o Paquitos, Comics, Pintura. ARTES ESCENICAS: Danza y Teatro ARTES MUSICALES: Canto coral, Música sinfónica, Ópera ARTES LITERARIAS: Narrativa, Poesía, Drama

MOMENTOS DEL ARTE Y SUS ETAPAS PRE-HISTORIA (25,000-3000 A.C.)

ARTE DE LA ALTA EDAD MEDIA (300900) Paleocristiano Prerrománico Bizantino Islámico Mozárabe ARTE DE LA BAJA EDAD MEDIA (9001400) Románico Gótico Mudejar

ARTE ANTIGUO (3,000-300 A.C.) De Egipto De Mesopotamia ARTE CLASICO (1000 A.C.-300 D.C.) Griego Romano

ARTE MODERNO (1400-1800) OCCIDENTAL Renacimiento Manierismo Barroco Rococó Neoclásico

NO OCCIDENTAL Precolombino Africano Japonés Indio Chino Oceánico

ARTE CONTEMPORANEO (1800-Actualidad) Siglo XIX Arquitectura contemporánea Romanticismo Impresionismo Neo-impresionismo Post-impresionismo Simbolismo

Arquitectura S.XX Vanguardismo Fovismo Futurismo Cubismo Dadaísmo Surrealismo Abstracto Construccionismo

Siglo XX. Ultimas tendencias del arte Informalismo Pop-Art Nuevo realismo Arte Cinético Videoarte Minimalismo Hiperrealismo Conceptual

Arte de Acción Postmoderno

PINTAR Representar algo en una superficie con las líneas y colores convenientes. Cubrir con una capa de color una superficie. La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un recorte de tejido, etc.- una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. Dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos. La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las siete Bellas Artes. En la estética o teoría del arte modernas la pintura está considerada como una categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas digitales. Una pintura es el soporte pintado, sea un muro, un cuadro, o una lámina. La palabra pintura se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a una técnica de pintura, en este sentido es empleado en la clasificación de la pintura atendiendo a las técnicas de pintar, por ejemplo: «pintura al fresco» o «pintura al óleo».

PINTORES Genios del arte de todos los tiempos. Son aquellos(as) que plasman su imaginación, creatividad y sentimientos en Telas al óleo, frescos sobre muros, pinturas sobre madera, acuarelas, témperas y aguadas. Muchos de estos artistas, que desarrollaron sus trabajos hace 400 años o más, no disponían de la gama cromática moderna. Los pintores famosos antiguos fabricaban sus propios colores utilizando diversas recetas personales para conseguir coloración y matices, no conocidos por otros pintores de la época. Aun con esta limitación, los grandes genios de la pintura, dejaron plasmada su vocación sublime alcanzando la perfección. Cada uno de estos pioneros, manejó el tiempo con antojo y lo detuvo para siempre dentro de los confines de su obra. Se llama pintor a la persona que tiene por profesión la decoración y protección de paredes, cubiertas y otras superficies interiores o exteriores mediante la aplicación de pintura. La principal ocupación del pintor es la distribución uniforme de pintura por las superficies a decorar.

DIBUJO Significa tanto el arte que enseña a dibujar, así como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro; toma nombre de acuerdo al material con el que se hace. El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasma imágenes sobre un espacio plano. Debido a lo anterior, es considerado parte de la bella arte conocida como pintura. Es una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, ha sido utilizado por la humanidad para transmitir ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura. El dibujo es el lenguaje universal, ya que sin mediar palabras es posible transmitir ideas de modo gráfico que resulten comprensibles para todos. Hay dibujos que son reconocidos dentro de una cultura, a los que llamamos símbolos. Otros ejemplos son los pertenecientes a la señalética, actividad que se encarga de comunicar parámetros de comportamiento en determinada locación por medio del lenguaje gráfico. Paul Valéry decía que las tres grandes creaciones humanas son el dibujo, la poesía y las matemáticas.

DIBUJAR El dibujo es el arte de representar gráficamente objetos sobre una superficie plana; es base de toda creación plástica y es un medio convencional para expresar la forma de un objeto mediante líneas o trazos. En la pintura, la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. Dibujar y pintar no significa lo mismo. Por su naturaleza física, el dibujo es un subconjunto de las manifestaciones artísticas conocidas como pintura, pero no forma parte de la pintura como técnica de representación. Las técnicas de "pintar" y "dibujar" (o las formas de hacer) pueden ser confundidas, porque las herramientas son, en ocasiones, las mismas, sin embargo la técnica es distinta. "Pintar" involucra la aplicación de pigmentos, generalmente mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; el dibujo es la delineación en una superficie, generalmente es el papel. En otras palabras el acto de pintar utiliza la mancha como recurso comunicativo mientras que el dibujo utiliza la línea. El término dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente exploratorio, con énfasis principal en la observación, solución de problemas y composición. En contraste, la pintura tradicional es generalmente la ejecución o acabamiento del dibujo mediante la inserción de pigmentos.

EL COLOR Es una percepción visual que se genera en el cerebro de los humanos y otros animales al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores en la retina del ojo, que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético (la luz). 7

Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como distintos colores según según las longitudes de ondas correspondientes. El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. Con poca luz se ve en blanco y negro. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada "superposición de colores luz") el color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de color. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas, tintes, tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco solo se da bajo jo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color mientras que el negro es resultado de la superposición de los colores cian, magenta y amarillo. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro (espectro) por medio de un prisma.. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris. El espectro electromagnético está constituido por todos los posibles niveles de energía de la luz. luz De todo el espectro, la porción que el ser humano es capaz de percibir es muy pequeña en en comparación con todas las existentes. Esta región, denominada espectro visible, comprende longitudes de onda desde los 380 nm hasta los 780 nm (1 nm = 1 nanómetro = 0,000001 mm). La luz de cada una de estas longitudes de onda es percibida en el cerebro humano como un color diferente.

Síntesis aditiva Se llama síntesis aditiva a obtener un color de luz determinado por la suma de otros colores. El proceso de reproducción aditiva normalmente utiliza luz roja, verde y azul para producir el resto de los colores. Combinando uno de estos colores primarios con otro en proporciones iguales produce los colores aditivos secundarios, más claros que los anteriores: cian, magenta y amarillo. Variando la intensidad de cada luz de color finalmente deja ver el espectro completo de estas tres luces. La ausencia de los tres da el negro, y la suma de los tres da el blanco. Estos tres colores se corresponden 8

con los tres picos de sensibilidad de los tres sensores de color en nuestros ojos. Las televisiones y los monitores son las aplicaciones prácticas más comunes de la síntesis aditiva. Síntesis sustractiva La síntesis sustractiva explica la teoría de la mezcla de pigmentos entos y tintes para crear color. El color que parece que tiene un determinado objeto depende de qué partes del espectro electromagnético son reflejadas por él, o dicho a la inversa, qué partes del espectro son absorbidas. Se llama síntesis sustractiva sustractiva porque a la energía de radiación se le sustrae algo por absorción. En la síntesis sustractiva el color de partida siempre suele ser el color acromático blanco, el que aporta la luz (en el caso de una fotografía el papel blanco, si hablamos de un cuadro cuadro es el lienzo blanco), es un elemento imprescindible para que las capas de color puedan poner en juego sus capacidades de absorción. En la síntesis sustractiva los colores primarios son el amarillo, el magenta y el cian, cada uno de estos colores tiene la misión de absorber el campo de radiación de cada tipo de conos. Actúan como filtros, el amarillo, no deja pasar las ondas que forman el azul, el magenta no deja pasar el verde y el cian no permite pasar al rojo. La aplicación práctica de la síntesis sustractiva sus es la impresión en color y los cuadros de pintura.

Circulo Cromático Síntesis Aditiva

Circulo Cromático Síntesis Sustractiva

Los colores primarios no son una propiedad fundamental de la luz, sino un concepto biológico, basado en la respuesta fisiológica del ojo humano a la luz. Un ojo humano normal sólo contiene tres tipos de receptores, llamados conos.. Estos responden a longitudes de onda específicas de luz roja, verde y azul. Colores complementarios En el círculo cromático se llaman colores complementarios o colores opuestos a los pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia, unidos por su diámetro. Al situar juntos y no mezclados colores complementarios el contraste que se logra es máximo. 9

La denominación complementario depende en gran medida del modelo de círculo cromático empleado. Así en el sistema RGB (del inglés Red, Green, Blue; rojo, verde, azul), el complementario del color verde es el color magenta, el del azul es el amarillo y del rojo el cian. En el Modelo de color RYB (Red, Yellow, Blue = rojo, amarillo, azul) que es un modelo de síntesis sustractiva de color, el amarillo es el complementario del violeta y el naranja el complementario del azul. Hoy, los científicos saben que el conjunto correcto es el modelo CMYK, que usa el cian en lugar del azul y magenta en lugar del rojo. En la teoría del color se dice que dos colores se denominan complementarios si, al ser mezclados en una proporción dada el resultado de la mezcla es un color neutral (gris, blanco, o negro).

COLOR Y LOS MATICES. Cada color determinado está originado por una mezcla o combinación de diversas longitudes de onda. En las siguientes tablas se agrupan los colores similares. A cada color se le han asociado sus matices. El matiz es la cualidad que permite diferenciar un color de otro: permite clasificarlo en términos de rojizo, verdoso, azulado, etc. Se refiere a la ligera variación que existe entre un color y el color contiguo en el círculo cromático (o dicho de otra forma la ligera variación en el espectro visible). Así un verde azulado o a un verde amarillo son matices del verde cuando la longitud de onda dominante en la mezcla de longitudes de onda es la que corresponde al verde, y hablaremos de un matiz del azul cuando tenemos un azul verdoso o un azul magenta donde la longitud de onda dominante de la mezcla corresponda al azul.

EFECTO DE LOS COLORES EN LOS ESTADOS DE ÁNIMO DE LAS PERSONAS El uso de ciertos colores impacta gradualmente en el estado de ánimo de las personas, muchos de ellos son utilizados con esa intención en lugares específicos, por ejemplo en los restaurantes es muy común que se utilice decoración de color naranja ya que abre el apetito, en los hospitales se usa colores neutros para dar tranquilidad a los pacientes, y para las entrevistas de trabajo es recomendable llevar ropa de colores oscuros, ya que da la impresión de ser una persona responsable y dedicada; estos son algunos ejemplos de la relación entre los colores y las emociones. Colores análogos: Se utilizan de manera adjunta y producen una sensación de armonía. Colores complementarios: Cuando son usados producen un efecto de agresividad, provocado por el máximo contraste al utilizarlos juntos. Colores monocromáticos: Al utilizarlos producen una sensación de unidad y estabilidad se pueden usar con diferente intensidad (más claro o más oscuro) esto va a depender de la luz. 10

ESQUEMA. Es una representación gráfica que permite describir un objeto en todas sus partes pero de manera sencilla y dejando claro la relación que guardan cada una de las partes con el todo. Un esquema es la representación gráfica o simbólica de cosas materiales o inmateriales. Para su realización utilizamos los elementos básicos de la expresión gráfica: punto, línea, plano y el campo del cuadro.

BOCETO. Es un dibujo rápido que se hace antes de realizar un diseño definitivo. Sirve para comunicar ideas simples, muy generales y lleva pocos detalles. Un boceto es un dibujo realizado a mano alzada, utilizando lápiz o cualquier otro tipo de elemento de escritura, que representa visualmente la idea que se ha generado en la mente de la persona creativa. Esta representación, realizada en forma esquemática sin preocupación por las terminaciones finales, es un dibujo rápido de lo que luego llegará a ser el dibujo definido o la obra de arte final.

CROQUIS. Es el trazo de un dibujo a lápiz sin instrumentos de dibujo, en él se observa claramente las formas de la pieza cuyas dimensiones se indican por medio de cotas.

FORMA y FONDO Se llama "fondo" a los sentimientos, pensamientos, ideas, etc, que hay en una obra; se llama "forma" a las palabras y giros sintácticos con que se expresa el "fondo”. Una cosa es qué dice (fondo), cómo lo dice (forma). La forma es un elemento a medio camino entre lo perceptivo y la representación. La función más importante de la forma es la capacidad de identificar al objeto.Se analiza el fondo con respecto a tres cualidades: 1- Con respecto al sujeto, habrá que tener en cuenta quién, qué, dónde y cuánto observa. 2- Con respecto a la luz, analizaremos su intensidad, dirección, origen, etc. 3- En relación a la forma. Enumeramos algunas alternativas en la relación de la forma y el fondo, que pueden ser combinadas entre sí. Contraste: ocurre cuando la figura, por color, valor, forma, línea o textura, se separa claramente del fondo. Fusión: ocurre cuando, por el tratamiento del color, valor, forma, línea o textura, la lectura de la figura se hace más “difícil” porque se parece al fondo. Fondo simple/Figura compleja: la figura representa definición de detalles, 11

con mucho volumen y muchos y variados planos de color, valor o textura. Sin embargo, el fondo es resuelto en grandes planos, con color neutralizado y con escaso contraste de valor. Teoría de la Gestalt La Teoría de la Gestalt es una corriente psicológica que nace en Alemania en el siglo XX. La palabra "Gestalt" puede traducirse como "forma o aspecto". Nuestra mente configura, gracias a una serie de leyes o principios, los elementos que llegan a ella a través de la percepción. Algunos de estos principios son: 1. Principio de Semejanza: Nuestra mente percibe los elementos parecidos pertenecientes a la misma forma. 2. Principio de Proximidad: Nuestra mente agrupa los elementos según la distancia de éstos. 3. Principio de Continuidad: Nuestra mente percibe a los elementos en línea curva o recta como si se trataran de una misma unidad. 4. Principio de la Relación entre Figura y Fondo: Cualquier campo perceptual puede dividirse en figura y fondo. La figura se diferencia del fondo en sus características. 5. Principio de Inclusividad: Nuestra mente camufla la imagen, mediante la homogenización de la figura y su fondo.

PERSPECTIVA y el PLANO La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes. En un dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. Es también la ilusión visual que percibe el observador que le ayuda a determinar la profundidad y situación de los objetos a distintas distancias. Por analogía, también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador, y que influyen en su percepción o en su juicio. Cónica Isométrica Ortogonal Dimétrica Perspectiva

Trimétrica

Axonométrica

Caballera Oblicua Militar

La perspectiva se define como el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con que se aparecen a la vista. También, como el conjunto de objetos que se visualizan desde el punto de vista del espectador. Mediante esta técnica, los artistas proyectan la ilusión de un mundo tridimensional en una superficie de dos dimensiones. La perspectiva nos ayuda a crear una sensación de profundidad, de espacio que retrocede o avanza. Un plano es un objeto ideal que solo posee dos dimensiones, y contiene infinitos puntos y rectas. Cuando se habla de un plano, se está hablando del objeto geométrico que no posee volumen, es decir bidimensional, y que posee un número infinito de rectas y puntos. Sin embargo, cuando el término se utiliza en plural, se está hablando de aquel material que es elaborado como una representación gráfica de superficies en diferentes posiciones. Los planos son especialmente utilizados en ingeniería, arquitectura y diseño ya que sirven para diagramar en una superficie plana o en otras superficies que son regularmente tridimensionales. Un plano queda definido por los siguientes elementos geométricos: Tres puntos no alineados.

Dos rectas

Una recta y un punto exterior a ella.

Dos rectas paralelas. Dos rectas que se cortan.

Los planos suelen nombrarse con una letra del alfabeto griego. Suele representarse gráficamente, para su mejor visualización, como una figura delimitada por bordes irregulares (para indicar que el dibujo es una parte de una superficie infinita).

COMPOSICION, el EQUILIBRIO y la PROPORCION. La composición se define como una distribución o disposición de todos los elementos que incluiremos en un diseño o composición, de una forma perfecta y equilibrada. En un diseño, lo primero que se debe elegir son todos los elementos que aparecerán en él, luego debemos distribuirlos para colocarlos con el espacio disponible. Los elementos pueden ser tanto imágenes, como espacios en blanco, etc. Es muy importante tener en cuenta de que forma situaremos estos elementos en nuestra composición, para que tengan un equilibrio formal y un peso igualado. El peso de un elemento se determina no sólo por su tamaño, que es bastante importante, sino por la posición en que este ocupe respecto del resto de elementos. Por ejemplo, si queremos hacer destacar un elemento en concreto, lo colocaremos en el centro. En toda composición, los elementos que se sitúan en la parte derecha, poseen mayor peso visual, y nos transmiten una sensación de avance. En cambio los que se encuentran en la parte izquierda, nos proporcionan una sensación de ligereza. Esto también se observa, si lo aplicamos en la parte superior de un documento, posee mayor 13

ligereza visual, mientras que los elementos que coloquemos en la parte inferior, nos transmitirán mayor peso visual. Actualmente no existe una composición perfecta. Cada composición dependerá de su resultado final, para todo ello, es necesario conocer todos los aspectos y formas para obtener un resultado con un cierto equilibrio.

En una composición se puede conseguir el equilibrio a través del uso de líneas y formas. Todos los pesos deberán estar compensados para obtener el equilibrio ideal. Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico.

El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales, existe igualdad de peso en ambos lados. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso. La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden. El equilibrio asimétrico, es cuando al dividir una composición en dos partes iguales, no existen las mismas dimensiones en tamaño, color, peso etc, pero existe un equilibrio entre dos elementos. La asimetría nos transmite agitación, tensión, dinamismo, alegría y vitalidad; en este tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel.

ROTULACION y ROTULAR Rotular es poner un rótulo a algo o en alguna parte. Es lo mismo que titular, inscribir, marcar, dibujar, diseñar, publicar. La rotulación es el arte de dibujar letras o hacer letreros. Es toda perfección que se consigue cuando se está trazando los literales. La rotulación es el arte de escribir las letras y números con arreglos y unas normas ya establecidas. 14

Legibilidad es término empleado en el diseño tipográfico de rotulación, para definir una cualidad deseable en la impresión de las letras del texto. Algo legible es la facilidad o complejidad de la lectura de una letra. Fue durante el final del siglo XIX cuando C.W. Reinhardt (antiguo dibujante en jefe de la Engineering News) vio la necesidad de crear un tipo de letra sencilla y legible, que pudiera ser hecha con trazos simples. Es por ello que desarrolló alfabetos de letras mayúsculas y minúsculas, basado en letras góticas y en una serie sistemática de trazos. Después de Reinhardt, se empezaron a desarrollar una diversidad innecesaria y confusa de estilos y formas de letras. Luego interviene entonces la American Standards Association, en 1935 para establecer normas de letras que se conocen hoy en día como estándares (normas ASA).

TIPOGRAFIAS y los TRAZOS Definimos la tipografía como el arte o técnica de reproducir la comunicación mediante la palabra impresa, transmitir con cierta habilidad, elegancia y eficacia las palabras o textos. La tipografía son las letras, y varían según la época. Por ello la evolución del diseño de las mismas responde a proyecciones tecnológicas y artísticas. En los primeros signos de escritura, cada signo nos expresa una idea, un concepto o una cosa; estos signos se combinan entre sí para comunicar ideas más complejas. Estos sistemas de escritura son los pictogramáticos, jeroglíficos e ideogramáticos. El campo tipográfico, abarca la realización de libros, periódicos, anuncios publicitarios, revistas, etc... y cualquier otro documento impreso que se comunique con otros mediante palabras.

CREAR y la CREATIVIDAD. Crear: Producir una cosa a partir de la nada. Producir una obra a partir de la capacidad artística, imaginativa o intelectual de su autor. Hacer que una cosa comience a existir por primera vez. La creatividad: Pensamiento original, imaginación constructiva, pensamiento divergente o pensamiento creativo, es la generación de nuevas ideas o conceptos, o de nuevas asociaciones entre ideas y conceptos conocidos, que habitualmente producen soluciones originales. El pensamiento original es un proceso mental que nace de la imaginación. No se sabe de qué modo difieren las estrategias mentales entre el pensamiento convencional y el creativo, pero la cualidad de la creatividad puede ser valorada por el resultado final. La creatividad también se da en muchas especies animales, pero parece que la diferencia de competencias entre dos hemisferios cerebrales es exclusiva del ser humano.

LAS HERRAMIENTAS PARA DIBUJAR Y ROTULAR. EL lápiz.

Crayones o marcadores.

Las reglas.

La mesa /el espacio para trabajar.

El pincel.

Cutters y Tijeras.

PASOS PARA DIBUJAR El proceso para hacer buenos dibujos tiene varios pasos: PASO 1- Pensar en la clase de dibujo que vamos a hacer y como va a ser. Colocarnos con una buena postura y con el material que necesitamos cerca. Tener los materiales necesarios a la mano papel o cartulina A3, lápiz, borrador, ganas y mucha creatividad. Entonces hacemos el esquema global. PASO 2- Escoger el dibujo. El dibujar los contornos. Terminar nuestro boceto, dando las proporciones en el dibujo. Hacemos cuantos bocetos necesitemos. PASO 3- Empezar a dibujar algo fácil mientras calentamos. Encajar el dibujo. Hacer unas líneas básicas que sirvan de referencia. PASO 4- Ilusión de profundidad: la perspectiva en el dibujo. PASO 5- Ilusión de volumen: las luces y las sombras. PASO 6- Ahora borraremos con mucho cuidado las líneas que estén demás. PASO 7- Luego de haber borrado las líneas que estaban demás comenzaremos a pintar el dibujo hasta darle color. Es el momento de colorear, en caso que sea necesario. PASO 8- Analizar el dibujo por si hay que cambiar algo y para hacerlo aun mejor la próxima vez.

PASOS PARA HACER UN LETRERO O CARTEL. El cartel o letrero sirve para dar un mensaje a los demás, cuentan con características como: Colores llamativos; Distintos estilos de letras; Dibujos que los hacen interesantes, entre otros. 1.- Escoger un tema e investigar. Identifica la razón para el cartel y el mensaje en el que estás trabajando para comunicar. Si estás anunciando el evento del año, asegúrate de que el evento esté claro. Usa pocas y simples palabras para que el mensaje no se pierda. 2.- Identifica a tu público objetivo para que puedas adaptar el mensaje y contenido de acuerdo a él. 3.- Define tu presupuesto para elegir bien el formato y su calidad. Define técnica de reproducción.

4.- Proceso de bocetaje. Comienza el diseño de tu letrero o cartel una vez que hayas identificado tu mensaje y público objetivo. Desarrolla un borrador, y realiza el diseño para que encaje en el tamaño elegido. 5.- Propuesta y retroalimentacion. Imprime un borrador y deja que alguien lo revise para comprobar el contenido apropiado, la ortografía y la disposición de diseño. 6.- Coloca tu logotipo o una imagen de identificación en el letrero o cartel antes de imprimir el producto final. Esto asegurará a aquellos que lo vean que identifiquen el anuncio contigo o tu organización. 7.- Colocarlo en un lugar visible. Si es necesario ilumina el esa área.

ELEMENTOS NECESARIOS PARA REALIZAR UN DIBUJO Y UNA ROTULACIÓN. Estudio de dibujo Es el lugar donde trabaja el dibujante cuando no lo hace en el aire libre. Esta instancia ha de estar bien condicionada para aprovechar mejor el tiempo. Mesa de dibujo El artista no puede dibujar sobre cualquier superficie. La mesa es un elemento fundamental a la hora de dibujar en casa. Conoce la mesa de calco para saber como calcar dibujos. Silla de dibujo No se puede dibujar, en una mesa, parado. Escoge cual es el mejor tipo de silla para dibujar. Lápiz de dibujo El primer material propiamente dicho para dibujar. Aprende las variedades existentes en el mercado. Goma de borrar Para poder corregir errores o incluso mejorar el dibujo necesitamos este instrumento. Existe una gran cantidad de gomas diferentes. Regla y el Cartabón Son instrumentos para dar precisión a los trazos y hacer figuras especiales o definidas. También ayudan a delinear textos, cuadricular el espacio de dibujo, hacer líneas guías para las tipografías, entre otras cosas. También: Hojas o cartulina, Pinturas, Marcadores, entre otros materiales. SOPORTE. Es la superficie sobre la cual se realiza el dibujo o el letrero. Es un elemento esencial que define la apariencia y la terminación de la obra. Soporte pictórico: material en cuya superficie se aplica una obra pictórica, como el lienzo, la tabla (pintura) o el muro. EL TEMA. El tema propiamente dicho, que en muchos casos no coincide con el titulo de la obra, es el apoyo, la excusa, a través de los cuales el artista imaginativo crea una forma. Es de lo que se trata el dibujo o la obra artística, y de eso depende el contenido. La estructura visual es el primer gran contenido del arte, es su forma y su significado. Los temas artísticos son aquellos directamente objetos de preocupación de los artistas, ligados al contexto histórico y cultural de sus épocas respectivas. 17

Algunos temas antiguos Desnudo La mitología La pintura de historia El retrato y el autorretrato El bodegón y las vanidades El paisaje y la pintura marina La escena de género La pintura religiosa. La Apoteosis (deificación) La alegoría (evocación)

Algunos temas modernos El paisaje El retrato y el autorretrato El bodegón

MENSAJE. Está definido como la información que el emisor envía al receptor a través de un canal de comunicación o medio de comunicación determinado (como el habla o la escritura, por ejemplo). Sin embargo, el término también se aplica, dependiendo del contexto, a la presentación de dicha información; es decir, a los símbolos utilizados para transmitir el mensaje. Cualquiera que sea el caso, el mensaje es una parte fundamental en el proceso del intercambio de información. El mensajes es cualquier pensamiento o idea expresado brevemente en una lengua ordinaria o crítica, preparado para su transmisión por cualquier medio de comunicación. Es el anuncio información o noticia que se comunica a muchas personas, la idea que se transmite en un escrito u obra artística DESTINATARIO. Persona a quien va dirigida o destinada alguna cosa. Es el espectador, quien aprecia una obra o asiste a un espectáculo. Por definición es el sujeto que aprecia la obra que un autor construye. El papel del espectador está predefinido según la voluntad del autor, sin embargo el sujeto que en la realidad percibe la obra puede no ajustarse a lo que el autor de la obra esperaba. También se le llama público objetivo, que tiene varios segmentos según la edad, educación, entre otros factores. Hay que tomar en cuenta si se trata de niños, jóvenes o adultos, gente de zonas urbano-marginales, metropolitanas, etc. Entonces podemos lograr nuestros objetivos al elaborar nuestra producción.

ALGUNOS CONSEJOS PARA DIBUJAR Y REALIZAR LETREROS O CARTELES. COMBINACION. En un letrero o dibujo la posición de las letras o de la imagen son importantes para que el espectador lea y capte el mensaje. Tomando en cuenta el lugar, el ambiente, los colores, la altura podemos realizar un buen trabajo. La combinación debe ser atractiva.

ORDEN. Debemos decidir que va primero, una imagen, un texto o tipografía especial, de esa forma ganar la atención del espectador.

TAMAÑO. El tamaño depende del presupuesto, los materiales, donde se va a colocar, quien lo va a leer. Debe ser en proporción al espacio disponible. El tamaño del soporte y de las tipografías se miden en pulgadas.

DISTANCIA. Esto depende del tamaño y viceversa. Lo normal es que a partir de 2 metros se pueda distinguir cualquier mensaje, la vista no se debe forzar. Los letreros muy grandes se ponen en vallas en lugares estratégicos, los medianos y pequeños, se colocan o se pintan en una pared o dintel. Combinando estos elementos y otros elementos, lograremos la visualización del letrero o dibujo, que al final es lo deseado.

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