La Panera, número 45 by Miracultura.cl

La Panera Periódico mensual de Arte y Cultura

diciembre 2013

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Paul Klee Hace visible la Belleza

«Redgreen and Violet-Yellow Rhythms», 1920. Lent by The Metropolitan Museum of Art, The Berggruen Klee Collection, 1984 (1984.315.19) Image © The Metropolitan Museum of Art / Source: Art Resource/Scala Photo Archives

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Benito Ramos Catalán

Enrique Swinburn

Arturo Gordon

Valenzuela Llanos

Ernesto Molina

Benito Rebolledo

Onofre Jarpa

Valenzuela Puelma

Pedro Luna

Alberto Orrego Luco

Pedro Lira

Alvaro Casanova

Bci te invita a vivir la experiencia del arte y la historia de Chile La “Colección Privada de Artistas” es parte de nuestro patrimonio cultural y es un reﬂejo del espíritu de quienes retrataron a nuestro país en diferentes épocas. La muestra es exhibida en el Ediﬁcio Corporativo. (El Golf 125, Las Condes). No dejes de visitarla.

VISITA GUIADA jueves 12 diciembre desde las 18:30 hrs.

Las visitas guiadas son gratuitas y mensuales, días jueves a las 18:30 hrs. previa inscripción llamando al 2839 7329. Cupos limitados

Infórmese sobre la garantía estatal de los depósitos en su banco o en www.sbif.cl 02 Bci dic 2013.indd 2

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«PUNK: CHAOS TO COUTURE». GALLERY VIEW CLOTHES FOR HEROES. IMAGE © THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART

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28 PERIÓDICO MENSUAL DE ARTE Y CULTURA EDITADO POR LA CORPORACIÓN CULTURAL ARTE+

lapanera@galeriapready.cl

Presidenta Patricia Ready Kattan Directora General Susana Ponce de León González Directora de la sección Artes Visuales Patricia Ready Kattan Editora Jefa Susana Ponce de León González Coordinadora Periodística Pilar Entrala Vergara Dirección de arte Rosario Briones Rojas Diseño Rosario Briones Rojas Asistentes de diseño Simoné Malacchini y Bernardita Espinoza Colaboradores Carolina Andonie - Jessica Atal - Sandra Accatino - Pilar Entrala - Lina Meruane Catalina Mena - Paola Pino - Nicolás Poblete - César Gabler - Violeta Güiraldes María Teresa Herreros - Victoria Jiménez - Miguel Laborde - Pamela Marﬁl - Juan Carlos Ramírez Juan José Santos - David Vera-Meiggs - Rafael Valle - Antonio Voland Corporación Cultural Arte+ Espoz 3125, Vitacura, Santiago de Chile. Fono +(562) 2953-6210 Representante Legal Rodrigo Palacios Fitz-Henry Imprenta Gráﬁca Andes

www.pefc.org

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Arquitectura y Arte, mejor solo que mal acompañado

Arte y crimen, cuando la sangre se confunde con el óleo

Sfar, cómic y humor como antídotos contra la desesperación

MediaBanda: “Y al tercer disco resucitó de entre los muertos”

Nuestro cine ya no es el pariente pobre de la familia creativa chilena

El día que «La Sirenita» reﬂotó a Walt Disney

Con una rica oferta, Santiago a Mil devuelve el teatro a la calle

La “broma Punk” se toma los museos, el cine y las pasarelas

Cambridge, enclave de estudios clásicos y modernas investigaciones

Beatriz García-Huidobro, un caso único en nuestro circuito

Las Bar-Librerías y su seductora fórmula para capturar lectores

Ahora la Cultura tiene su propio Libro Verde

Los imaginarios de Los Andes y la Amazonía en peligro creciente

Internacional y nacional

Cómic Música Cine

Teatro Tendencia Destinos Literatura

Gestión Cultural Columna de Miguel Laborde Agendas

LA PANERA se distribuye en todo Chile y, con el Patrocinio de la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores (Dirac), se hace presente en varios puntos del extranjero (embajadas, agregadurías culturales, consulados y otros). A través de la empresa HBbooks llega a las bibliotecas de las universidades de Harvard, Stanford, Texas (Austin), Minnesota y Toronto, y del Ibero-Amerikanisches Institut (Berlín). Además, la Biblioteca Kandinsky del Centro Pompidou de París la ha incorporado a su catálogo oﬁcial. Y también está disponible en las bibliotecas de la National Gallery de Londres, de los museos Tamayo de México, ThyssenBornemisza y Reina Sofía de Madrid, y de la Internationella Biblioteket de Estocolmo. Premio Nacional de Revistas MAGs 2013, categoría Mejor Reportaje de arte, entretenimiento, gastronomía, tiempo libre, espectáculos; y Premio Nacional de Revistas MAGs 2012, categoría Mejor Reportaje de turismo, viajes y fomento a la cultura chilena, otorgados por la Asociación Nacional de la Prensa. 20 mil ejemplares de distribución gratuita. Vea la versión digital de LA PANERA en www.galeriapready.cl www.lapanera.miracultura.cl dirac.minrel.gov.cl Contacto para auspicios y suscripciones: Roxana Varas Mora rvaras@lapanera.cl

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PROYECTO ACOGIDO A LA LEY DE DONACIONES CULTURALES Nº18.985

LAS OPINIONES VERTIDAS EN ESTA EDICIÓN SON DE EXCLUSIVA RESPONSABILIDAD DE QUIEN LAS EMITE.

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Arte y Arquitectura Capítulo dos

Construir para todos

«Homenaje a la Tercera Internacional» de Vladimir Tatlin.

Por César Gabler

a idea de “Campo Expandido”, el explotado concepto de Rosalind Krauss, aplica al problema del arte y la arquitectura. Una y otra disciplina exceden sus límites y plantean preguntas sobre su propia identidad. Lo señalábamos en la entrega anterior: el arte de hoy no se confina a la representación del espacio arquitectónico, hay quienes van más allá y derechamente construyen… ARTISTAS CONSTRUCTORES

En las primeras vanguardias tomó fuerza la idea de construir. A partir de los ejercicios escultóricos de Pablo Picasso, alejados del modelado y del cincel, la idea de crear con los mismos materiales del obrero o del técnico tomó fuerza. El verbo construir será

usado con insistencia, a no pocas obras se las llamará construcciones, desechando el rótulo de composición y, por supuesto, el de escultura. Vladimir Tatlin (1885-1953), que viajó a París para ser discípulo de Picasso, fracasó en el intento pero volvió a Rusia con ideas y una palabra grabada en su mente: “construir”. Los constructivistas, con Tatlin a la cabeza, propusieron obras que querían cambiar la sociedad y el espacio urbano. Un ejemplo clásico es el «Homenaje a la Tercera Internacional» (1920), una torre con varios niveles, giratorios todos, que sería más alta que la famosa Torre Eiffel. Monumento, a la vez que sede, del partido comunista. Tatlin construyó una gigantesca maqueta, hoy destruida, pero no existió en Unión Soviética el dinero para levantar la obra, y cuando lo hubo, la voluntad había desaparecido. En vez de la modernidad innovadora de los constructivistas, se prefirió el estilo neoclásico de los realistas-socialistas. El impulso de Tatlin o del Kazimir Malévich suprematista animó también la obra de El Lissitsky (1890-1941), quien –tras su formación y logros iniciales– abandona Rusia en 1921. Instalado en Berlín, formará parte del Grupo G, un dream team integrado por Laszlo Moholy-Nagy, Mies van Der Rohe, Hans Richter y Hans Arp. Es interesante notar cómo las artes visuales impulsan a la arquitectura. Desde las maquetas suprematistas de Kazimir Malévich (1878-1935) a los proyectos de El Lissitsky, especialmente el «Estribanubes», su particular modelo de rascacielos con remate horizontal. Si bien muchas de estas propuestas no pasaron de la fase proyectual, no son pocas las construcciones salidas del semillero constructivista. Entre los arquitectos que abrazaron esta causa destacan los hermanos Vesnin (Leonid, Viktor y Alexándr); Ivan Leonidov (1902-1959), un genio que nunca pudo construir (vean su espectacular proyecto para el Instituto Lenin), y otro notable que sí logró hacerlo: Konstantin Mélnikov (1890-1974).

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o construir para uno

ESPACIOS INDIVIDUALES Por lo general, la arquitectura se plantea como una forma de solucionar el habitar colectivo: espacios de trabajo, de ocio, viviendas uni-familiares o edificios de departamentos. En el arte hay creadores que han especulado con la opción de la vivienda individual. La casa para uno puede ser una metáfora individualista o una respuesta urgente y paradójica para el problema de los sin techo. También se ofrece como escape y refugio. ¿Quién no ha querido huir lejos de todo, incluso de sí mismo? Aquí unas propuestas.

Krzysztof Wodiczko (1943), polaco de nombre sencillo, es famoso por sus intervenciones fotográficas sobre espacios públicos. Con sus imágenes, animadas también, da vida a construcciones y las convierte en alegorías históricas o políticas. Es un formato que trabaja desde los ochenta, pero antes había realizado una serie de interesantes propuestas a medio camino del arte, la arquitectura y el diseño. Se trataba de habitáculos para homeless (los sin casa de Estados Unidos) que podían transportarse fácilmente, sirviendo como carrito y convertirse en una vivienda express si era necesario. Casas rodantes para personas de a pie.

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La situación en Holanda fue similar, las ideas artísticas fueron a la par que los conceptos y propuestas arquitectónicas. En las obras de Piet Mondrian o de Theo Van Doesburg existen sugerencias que se volvieron aplicables al diseño arquitectónico y al mobiliario. Juntos crearon un movimiento, De Stijl (El Estilo). Uno de sus ejemplos más destacados es la casa Rietveld-Schröder, una vivienda construida en un barrio tradicional de Utrecht para la señora Truus Schröder y que parece salida del futuro. Diseñada por Gerrit Rietveld (1888-1964), cuenta entre sus logros más interesantes su capacidad de modificar el espacio a través de paneles móviles. El living de la casa se convierte, entonces, en un espacio multifuncional. Rietveld, cosas de la vida, murió en esa casa un día antes de su cumpleaños 76. Pero si en las primeras vanguardias los artistas planteaban modelos más o menos universales para lo que esperaban fuese una nueva sociedad, muchas propuestas contemporáneas parecen optar por un camino casi antagónico. El sujeto como único destino y posibilidad. Una afirmación irónica o a veces funcional del refrán “mejor solo que mal acompañado”.

Bar Rectum

Casa Rietveld-Schröder, diseñada por Gerrit Rietveld. Wellness Skull

Andrea Zittel (1965) ha desarrollado su obra a partir de la tensión entre el sujeto y la sociedad. En sus obras, estar solo aparece como una condición que se asume con voluntad y hasta heroísmo. La artista californiana aborda el asunto sin dramatizarlo, a partir de las herramientas que le proporcionan el diseño y la arquitectura. De su extensa obra podemos nombrar sus Wagon Stations, casetas individuales construidas en metal; o sus Escape Vehicles, versión paródica de la típica casa rodante de la que toma su forma pero modifica sus dimensiones e interior. En este caso, Zittel propone una serie de variaciones que pasan desde espacios típicamente confortables al absurdo de instalarse en una minimontaña rocosa, cascada incluida, para dedicarse a la contemplación.

Joep Van Lieshout (1963) es un artista holandés con formación de escultor que incursiona desde los noventa en los campos del diseño y de la arquitectura. Entre otras ocurrencias célebres, Van Lieshout y su equipo levantaron, en 2001, una comunidad autónoma llamada AVL-Ville (Villa del Atelier van Lieshout). Esta obra es crítica de la sociedad contemporánea, de ahí sus múltiples propuestas que plantean el aislamiento como una forma provisional, y ridícula siempre, de huir de su dominio. Se hace evidente una concepción del espacio social como algo esencialmente represivo. Hasta ahí nada nuevo, pero lejos de presentarlo como un drama, Van Lieshout se vale de un lenguaje de ingenio formal y humorístico: chistes espaciales. Unos ejemplos: Bar Rectum, un lugar que sirve como bar e ilustra con su forma el funcionamiento del aparato digestivo. Parte por la lengua y remata con un rosado y colosal ano rosa. Está instalado desde 2005 en el museo Beuningen de Rotterdam. Otra: un diseño de vivienda individual con forma de calavera. Su función es servir de reposo y relax. Estamos tan cansados (Wellness Skull 2007). Entre las más recientes y también en el formato de casa para uno, su Vostok Cabin. Se trata de un habitáculo construido con planchas de metal recicladas. Parece una prisión hermética y ruinosa, muy lejana de los objetos de terminación industrial. La declaración que acompaña la obra es precisa: “Esta sociedad ofrece opciones; o somos capaces de encontrar caminos alternativos o nuestros días están contados. El cambio climático, el crecimiento de la pobreza, guerras y más, sólo van en aumento. Esta unidad habitacional móvil y nómada provee refugio a esta desconcertante situación”. Y vaya qué refugio.

“El arte en general, y naturalmente la arquitectura, es un reflejo del estado espiritual del hombre en su tiempo”, Mathias Goeritz (1915-1990), escultor mexicano.

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«Steps», 1929. Óleo y tinta sobre lienzo. 520 x 430 mm. Moderna Museet (Estocolmo, Suecia).

“El Arte no reproduce lo visible; más bien, lo hace visible”. Basada en esta frase del creador suizo alemán, hasta el 9 de marzo de 2014 estará en la Tate Modern de Londres una exposición que recorre las últimas tres décadas de su producción artística.

«Fire at Full Moon», 1933. Museum Folkwang, Essen, Alemania.

Paul Klee y la riqueza de su imaginario Por Ximena Moreno

Desde Londres

Latinstock / WALTER HENGGELER

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Paul Klee en su casa en Berna, Suiza. Diciembre, 1939.

he EY exhibition: Paul Klee Making Visible» es la primera de tres muestras que harán en conjunto EY y Tate Modern luego del compromiso de financiamiento que acordaron ambas instituciones. Curada por Matthew Gale, quien está a la cabeza de las exposiciones de la Tate, junto a Flavia Frigeri (curadora asistente), la muestra exhibe gran parte del trabajo realizado por el creador suizo-alemán en sus últimas tres décadas de vida. Aquella que empieza en Múnich en 1912, cuando se hace miembro del grupo Der Blaue Raiter (El Jinete Azul); la fase ligada a su participación en la Bauhaus, donde fue profesor y donde también realizó la mitad de su obra; para terminar en la última década de vida marcada por el regreso a Suiza, previo a

la Segunda Guerra, y por una etapa de alta producción el año antes de morir en 1940 (en 1939 realizó alrededor de mil obras). A pesar de haberse incorporado a Der Blaue Raiter y de haber participado en hitos históricos del grupo, como fue la segunda muestra, en 1912, Paul Klee (1879-1940) es constantemente destacado como un artista solitario y de bajo perfil, que exploró muchos estilos en búsqueda de un camino visual propio. Su paso por la Bauhaus, primero en Weimar y luego en Dessau en los años 20 es considerada su etapa más importante por la productividad de su carrera como por la impronta académica que dejó en la escuela de diseño y arte de vanguardia más importante de ese momento. Allí publicó, en 1925, «Pedagogical Sketchbook». A pesar del rigor de su obra, presente en el cuidado y en la meticulosidad de Klee a la hora de archivarla y catalogarla (lo cual fa-

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cilitó enormemente el trabajo curatorial en una exhibición como ésta), la muestra intenta expandir la percepción existente en torno a ella, subrayando la diversidad de temáticas que exploró el artista en 130 trabajos que, a través de 17 salas, invitan a un recorrido que logra desmoronar un sello pictórico más bien rígido a un total más inestable y orgánico. Óleos, acuarelas y dibujos –principalmente de pequeño formato– construyen un montaje que develan su relación con la música (hijo de padres músicos y violinista profesional) en obras como «They’re Biting» (1920) o «Fire in the evening» (1929), entre muchas otras. Además de evidenciar la notoria relación con Vasily Kandinsky (1866-1944) y Johannes Itten (1888-1967), y con referentes como Robert Delaunay (1885-1941). Basada en la cita “El arte no reproduce lo visible; más bien, lo hace visible”, de Paul Klee, esta exhibición apuesta por “hacer visible” la diversidad de sus caminos pictóricos, que deambulan la mayor parte del tiempo entre lo figurativo y lo abstracto. Haciendo énfasis en lo que su particular imaginario significó para la Bauhaus, a pesar de que la historia lo destituyera como profesor en 1933. La impronta musical y la relación del artista con el color (a propósito del viaje a Túnez

«Park near Lu», 1938. Zentrum Paul Klee.

que hizo con August Macke y Louis Moillet en 1914) quedan a la vista en una muestra donde el elemental orden cronológico le da justamente dinamismo. “En su diversidad, Paul Klee es muy contemporáneo. El desafío de Matthew Gale

y Flavia Frigeri fue tratar de comprender y transmitir parte de esa complejidad a través de su carrera para ‘EY Exhibition: Paul Klee Making Visible’. Diferentes aspectos del trabajo de Paul Klee han tenido resonancia en momentos distintos. Esta exposición expone el rango de esta actividad como el mismo artista la La impronta musical y la estructuró. El principal objetivo está en recuperar relación con el color las maneras con que Klee quedan a la vista en una organizó esta diversidad muestra donde el orden y la transmitió al público a través de sus múltiples cronológico le da prácticas, medios de projustamente dinamismo. ducción, escritos y exhibiciones. Para ver, en otras palabras, lo que Klee hizo visible”, señala Chris Dercon, Director de la galería Tate Modern. El valor de la muestra está en reunir la multiplicidad de la obra de un artista fuertemente enfocado al uso y a la teoría del color en un lenguaje pictórico muy compartido como muy propio. Tal como dijo Adrian Sarle en el periódico «The Guardian» a propósito de su creación: “Hay alrededor de 50 artistas allí y todos son inequívocamente Paul Klee”. «Comedy», 1921. Acuarela y óleo sobre papel. 305 x 454 mm Tate. Adquirido en 1946.

“Todas las cosas que un artista debe ser: poeta, explorador de la naturaleza y filósofo”, Paul Klee.

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SEXO Y PLACER EN EL ARTE JAPONÉS La cultura nipona denomina Shunga a un tradicional género de estampas eróticas que se hicieron populares entre los siglos XVII y XIX. El pintor y grabador Katsushika Hokusai fue uno de sus principales exponentes. A propósito de las 170 obras que conforman la actual exhibición en el Museo Británico de Londres, vale la pena revisar cómo en el antiguo Oriente se experimentaba en privado, pero sin tapujos, el sexo y la pasión. clase de expresiones y ensoñaciones, dejando muy en evidencia que la “liberación sexual” no es monopolio del hombre occidental contemporáneo.

AFP

DESINHIBICIÓN ORIENTAL

Kitagawa Utamaro. «Mare ni au koi» (稀ニ恋 - Amor que raramente se encuentra), c. 1793-1794. La escena ofrece una mirada íntima a la habitación de una pareja madura.

Por Victoria Jiménez

na mujer entregada a ensoñaciones carnales; dos jóvenes retorciéndose de placer mientras se abrazan; un par de mujeres a punto de unir sus labios, estrechando sus cuerpos semidesnudos. Parejas mayores en sensuales poses amatorias, una cortesana cuyo cuerpo se ondula como anunciando placeres venideros. Así de provocativas son las 170 imágenes que el Museo Británico de Londres tiene en exhibición hasta el 4 de enero de 2014. Por cierto, la entrada a la muestra está prohibida a los menores de 16 años que no acudan acompañados de un adulto. Si bien la palabra shunga (春画) podría ser

acertadamente traducida como “ilustraciones de la primavera”, no sería más que un modo poético, o eufemístico de denominar a las pinturas o estampas grabadas en madera (xilografías) que florecieron en Japón entre los siglos XVII y XIX, especialmente durante el período Ukyo-e. Estas imágenes han cautivado a Occidente por ser asombrosamente explícitas al momento de presentar la intimidad carnal en la era Edo. Y aunque muchos espíritus conservadores las hayan tildado de “obscenas”, destaca en ellas su ternura, delicadeza y capacidad de presentar con una contemporaneidad asombrosa las diversas maneras en que hombres y mujeres experimentan el goce erótico y, más aún, donde hay lugar para toda

Aunque la mayoría de las obras expuestas están fechadas entre el siglo XVII e inicios del XX, las raíces del shunga se remontan mucho antes a China y a Japón. Entre los primeros artistas que comenzaron a pintar estos motivos en el lejano Oriente está el chino Zhou Fang, de la dinastía Tang, quien realizó este tipo de trabajos durante el siglo VIII d.C. Es decir, mientras en Occidente, en épocas paralelas, primaba la censura, el recato y el temor por la concupiscencia, este pintor centraba su temática en la representación de cortesanas y cortesanos desnudos, en distintas actividades privadas y con desmesurados órganos genitales. En Japón, en tanto, los primeros trabajos se remontan al período Heian (contemporáneo de la dinastía Tang), aunque cabe señalar que en este sentido el artista fue un adelantado, pues la iconografía erótica alcanzaría una popularidad social bastante posterior en Japón. A partir del siglo XVII, el shunga comenzó a ser producido por célebres grabadores japoneses de la famosa escuela del Ukyo-e, como Kitagawa Utamaro (1753-1806), Hishikawa Moronobu (1618-1694) y Katsushika Hokusai (1760-1849), quienes ganaban mucho dinero gracias a la fuerte demanda popular de estas láminas. Junto con el deleite visual, éstas tenían el claro propósito de servir para la “motivación” personal y para la educación de jóvenes –y no tan jóvenes– sobre los misterios de “las artes del amor”. Es importante señalar que para una sociedad completamente ajena a los conceptos occidentales o islámicos del pecado carnal o la lujuria, un

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buen rollo o álbum de estas imágenes resultaba un regalo siempre bien recibido por las damas japonesas en vísperas de contraer matrimonio, y también por las visitas extranjeras que arribaban por motivos políticos a las tierras del Sol Naciente. Sin embargo, los fuertes cambios culturales vividos por Japón en el siglo XVIII llevarían en 1722 a un intento por parte del Gobierno de regular la distribución e impresión de libros con contenido erótico. Pero este gesto apenas disminuyó la popularidad de la tradición shunga: la ordenanza decía claramente “libros”, pero no “estampas” y, en consecuencia, estas últimas siguieron circulando activamente por toda la isla.

1. Katsushika Hokusai. En «El sueño de la esposa del pescador» (realizada hacia 1814), se observa el envolvente y “cariñoso” abrazo de un pulpo a una joven. 2. Nishikawa Sukenobu. «Coqueteo sexual entre un hombre y una geisha», c. 1711-1716.

POEMAS Y SERES FANTÁSTICOS

El «Poema de la almohada» fue el primero de una serie de libros de lujo, impresos y producidos por Utamaro en colaboración con el editor Tsutaya Jusaburo. Uno de los grabados más famosos Destaca en ellas la dentro de esta serie es «Mare ni au koi» (稀 ternura, delicadeza y ニ逢恋), de Kitagawa capacidad de representar Utamaro. Para ilustrar este poema, el artista las diversas maneras en apostó por un diseño que hombres y mujeres que tuvo gran impacto para los espectadores experimentan el goce del pasado y lo sigue sexual. teniendo hoy: se utiliza un punto de vista muy bajo, volviendo la escena tan próxima que hasta parece que estuviésemos involucrados en la acción. Colabora con esta idea el que los cuerpos fusionados desborden los límites del formato. El ojo recorre curioso desde el kimono negro y rojo hasta la blanca piel de la protagonista, cuyas piernas se confunden con las

de su amante, veladas por una tela transparente que acentúa aún más nuestra participación como voyeurs, intentando dilucidar dónde se esconde el cuerpo entre las ropas. Uno de los ojos del amante se revela bajo el encanecido cabello de su compañera, lo cual evidencia que se trata de una pareja mayor. Él la mira fijo mientras se acarician con esas delicadas manos que el autor ha escogido para sus personajes. La exposición incluye encuentros sexuales entre humanos y seres fantásticos. En esta línea, un ejemplo célebre es la estampa «El sueño de la esposa del pescador», que Katsushika Hokusai realizó hacia 1814. Es una fantasía iconográfica que da rienda suelta al drama corporal que experimenta una mujer envuelta por los tentáculos de un pulpo, que

la abraza y complace. La pose y peinado de la joven contrastan fuertemente con la fisonomía del octópodo, acentuando el absurdo fantástico de tan desigual encuentro. La popularidad del shunga decayó con la llegada y masificación de la fotografía erótica a fines del siglo XIX, una tentadora oferta visual con la cual la tradición japonesa no pudo competir. Ante el estallido de la pornografía en la época de la reproductibilidad técnica, el shunga nos parece hoy suave y probablemente tierno y emotivo. Los ecos de este fascinante mundo de sensualidad oriental resuenan todavía en las “artes populares”, como el tatuaje, el manga o el animé. Para más información ver www.britishmuseum.org.

Sexualidad: Utamaro explora los placeres femeninos en la obra «Uwaki no so» (izq.). A lado, una joven mujer sueña despierta.

“En todo encuentro erótico hay un personaje invisible y siempre activo: la imaginación”, Octavio Paz (1914-1998), escritor mexicano, Premio Nobel de Literatura1990.

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ARTE Y CRIMEN DE LO LITERARIO A LO LITERAL

“I’ ve seen the future, brother: it is murder”. Leonard Cohen, «The Future».

De lo metafórico a lo agónico. De lo abstracto a lo tangible. Artistas cuya relación con el crimen fue literaria, o, en algunos casos, literal. Por Juan José Santos

n 1958, el artista ítalo-argentino Lucio Fontana (1899-1968) comienza su serie «Los Tajos» (en la foto). Perforaciones, cortes, acuchillamientos y desgarro del lienzo y de las arpilleras. Un asesinato al uso tradicional de la tela como superficie sagrada bidimensional. Un cirujano visitó el estudio de Fontana y comentó que esos agujeros, esos tajos, podía perfectamente haberlos hecho él. El artista contestó: “Yo también sé cortar una pierna, pero después el paciente muere. Si la corta usted, en cambio, el

asunto es distinto. Fundamentalmente distinto”. He aquí un artista que se mantuvo literario, fundamentalmente literario. Por suerte. Creadores como Regina Galindo (Guatemala, 1974) o Teresa Margolles (México, 1963) utilizan en sus acciones sangre humana, como Marc Quinn (Reino Unido, 1964), autor de un busto de glóbulos rojos, blancos y plaquetas que ha de mantenerse a una temperatura constante para impedir que se transforme en un charco macabro. Una máscara facial de sí mismo hecha en sangre que ha requerido unos cuatro litros y medio del jugo de sus venas.

El conflicto aparece cuando los artistas pierden la profesión, cuando abordan la violencia, o cuando los criminales confunden la sangre con el óleo. «El asesinato considerado como una de las bellas artes» es un ensayo escrito en 1827 por Thomas de Quincey. Según él, cuando el asesinato está cometido y no podemos hacer nada por las víctimas, debemos dejar de considerarlo moralmente y pasar a juzgarlo como obra artística según las leyes del buen gusto. El filósofo francés Michel Onfray (1959) concretiza: “La mutilación como una de las bellas artes”, otro ensayo interesante que lanza aún más oscuridad sobre el asunto.

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Facilitar, embellecer la muerte. Como hizo en 2008 el artista alemán Gregor Schneider (1969). Estas fueron sus declaraciones a la prensa: “Quiero mostrar a una persona que fallece de muerte natural. Mi objetivo es mostrar la belleza de la muerte… (-) Quiero crear lugares humanos para la muerte y para los muertos… (-) No hay nada perverso en que una persona muera en una galería de arte”. Lo que deseaba Schneider era construir una habitación bajo tierra, donde una persona moribunda pudiera pasar sus últimos momentos en vida. Que ese acto pasara a ser obra de arte, convirtiendo una experiencia de muerte en una experiencia positiva, similar a la del nacimiento. No pudo lograrlo por la fuerte oposición de la opinión pública y política. De forma paradójica, Schneider recibió varias amenazas de muerte si llevaba a cabo su obra de arte. A estas alturas del texto, pongo un pie en lo literal y otro en lo literario. No significa que me vayan a descuartizar en dos partes, no sean tan literales. Pasemos a la acción con el Accionismo Vienés. En 1963 se juntan los austríacos Günter Brus (1938), Otto Mühl (1925-2013), Hermann Nitsch (1938) y Rudolf Schwarzkogler (19401969). Realizan acciones artísticas en las que se flagelan, mutilan, beben orina y sangre, comen excrementos, copulan con animales, o celebran misas negras con sacrificios, tal como describe Jean Clair (1940) en su ensayo «De inmundo» (2007), donde se lamenta cómo el arte contemporáneo se ha vuelto tan literal que es infantil. La cosa del Accionismo se pone más seria cuando empiezan con automutilaciones, y Otto Mühl declara que

El conflicto aparece cuando los artistas pierden la profesión, cuando abordan la violencia, o cuando los criminales confunden la sangre con el óleo.

“todo merece ser expuesto... comprendidos la violación y el asesinato”, o “masacrar humanos no debe seguir siendo un monopolio del Estado”. Mühl acabó en prisión por abuso de menores, Schwarzkogler suicidado y el Accionismo como una corriente artística pionera. Sigo mutilando la palabra literario, he cercenado la o, acribillado la i, vamos ahora a por la erre. Erre del inglés Richard Dadd. Pintor de la era victoriana que vivió entre 1817 y 1886, Dadd padecía un fuerte trastorno bipolar que le hizo creer estar bajo el influjo del Dios Osiris y ser su sacerdote, mostrándose sumamente irascible y violento. En agosto de 1843, durante un paseo campestre, asesinó a su padre Robert con un cuchillo, convencido de que su progenitor era un príncipe de las tinieblas vestido del enemigo de su divinidad, Osiris, y escapó a Francia, donde fue detenido después de intentar acometer otro asesinato. No es de extrañar que en su posterior reclusión en un Hospital Psiquiátrico creara obras de arte tan alucinantes y alucinadas

2. 1. Richard Dadd, «The Fairy Feller’s Master-Stroke» 2. Caravaggio, «La muerte de la Virgen» 3. Marc Quinn, «Self», Escultura en sangre (2006), acero, perspex y equipos de refrigeración. 208 x 63 x 63 cm.

como «The Fairy Feller’s Master-Stroke», acuarela, o tan autobiográficas como la también acuarela «Murder» (Homicidio). MINIMAL KILL THE PERFORMANCE STAR

Literal. Sin condena. Ana Mendieta (1948-1985). Artista cubana que trabajaba con su cuerpo, el medio natural y la sangre humana. Se embadurnaba de ella y la plasmaba sobre muros y lienzos. Su trabajo se torna macabro cuando lo relacionamos con su muerte. El 8 de septiembre de 1985 se cayó de su casa, un piso 34 del Greenwich Village de Nueva York, donde vivía con su esposo, el también artista Carl André. Antes de su muerte, los vecinos habían oído a la

pareja discutir violentamente. Pero no hubo testigos. El minimalista André se convirtió en sospechoso de asesinato. Fue juzgado, y absuelto. Si se trató de un asesinato, resultó un asunto muy minimal. Pero es Caravaggio (1571-1610) el artista criminal por excelencia. Aún no ha sido superado. Se dice que en su niñez ya había matado a un compañero de juego tras un berrinche. En «La muerte de la Virgen», a ojos de la Iglesia, se excedió con su afán realista. Se dice que la modelo que “posó” para este lienzo era el cadáver de una prostituta embarazada encontrada en el río Tíber. No fue por una búsqueda de modelos para sus cuadros sino fruto de su carácter agresivo la primera muerte adjudicada a Caravaggio. Era la noche del 29 de mayo de 1606, entre las siete y las diez de la noche. El pintor jugaba un partido de pala a corda (especie de antecedente del tenis) con Ranuccio Tomassoni cuando una discusión sobre si la pelota estaba dentro o fuera complicó el juego. Caravaggio desenfundó su espada y clavó la punta en el muslo de su contrincante. Tomassoni cayó al suelo y el artista, riéndose a carcajadas, dio un corte sobre su pene. Fue impreciso. En lugar de castrarlo, le cercena una arteria. Tomassoni muere desangrado. Caravaggio gana la partida. Para calmar y, sobre todo, pedir el perdón papal por su asesi3. nato, Caravaggio pinta «Salomé sostiene la cabeza de Juan el Bautista», mostrando su propia cabeza sobre un plato, y «David con la cabeza de Goliat». Puede que en lugar de perdón obtuviera la muerte. Se rumorea que fue asesinado en Roma por los Caballeros de Malta, con la aprobación del Vaticano. Termino con un rito eclesiástico que finaliza en otro. Del matrimonio a la extrema unción. Pippa Bacca (1974-2008) era sobrina de Piero Manzoni, el de la mierda de artista. En 2008 decide juntarse con una amiga y realizar una acción artística. El 8 de marzo, Día de la Mujer Trabajadora, se lanzan a la carretera vestidas de novias con la intención de llegar haciendo autoestop hasta Tel Aviv. La obra se llama «Brides on tour» («Novias de gira»). Se separan al llegar a Estambul el 19 de marzo. “Era un trabajo basado en la confianza en los demás”, dice Rosalia Pasqualino di Marineo, la hermana menor de Pippa, añadiendo que “el traje era una metáfora del encuentro con el otro, la unión y la búsqueda de la parte femenina positiva, de la mujer como fuente de vida, estabilidad y sensatez”. El 31 de marzo, Pippa es violada, estrangulada y enterrada desnuda en un pueblo del noreste de Turquía por un hombre que la recogió en su coche. Todos –incluida Elena Manzoni, la madre de Bacca– se apresuran a resaltar que era un desequilibrado. Pippa Bacca, el primer ejemplo de artista que muere durante su obra de arte. Poniéndome trascendente, me pregunto si la vida es literal o literaria, y si la muerte es literal o literaria. Ya todo da igual. Fin. La muerte en forma de asesinato se culmina con la desaparición de este texto de manera literaria, y literal.

“A cualquiera le gusta un buen crimen, siempre que no sea la víctima”, Alfred Hitchcock (1899-1980), cineasta y productor británico.

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Diseño

EL NUEVO DISEÑO ITALIANO «BIRD ON A WIRE» (2009). Giopato&Coombes. Cerámica y luz fluorescente dan la idea de instalación permanente, la cual apela a las aves que se posan en los cables de la electricidad.

MENOS ARTE Y MÁS INDUSTRIA

POR PAOLA PINO A.

Atrás quedaron los íconos. Esos grandes nombres que marcaron el siglo XX y que llevaron los objetos de diseño a los museos. El mundo ha cambiado, los sistemas de producción tienen más que ver con el mercado que con las piezas únicas, y hoy se trata de establecer relaciones con el cotidiano y la industria. Una mirada que transformó la enseñanza de este arte en Italia y que llega al país con la muestra «El Nuevo Diseño Italiano», parte de la colección de la Triennale de Milán. «SCARPETTA» (2009). Antonio Cos. Zapatos de pan blanco que estimulan la muy italiana costumbre de limpiar el plato con un trozo de pan.

na galleta con el corte exacto que permite apoyarla en el borde de la taza. La galleta ya no se moja si el café se derrama y llega perfecta, crujiente, al consumidor. Aquí no se inventó nada, galleta y café son una dupla antigua, lo único que el diseñador hizo fue pensar en un problema y darle una solución que se transformó en éxito de ventas. Como en su minuto dijo el gran diseñador italiano Bruno Munari a propósito de su libro «Fantasía»: “La Fantasía permite pensar en algo que no existía sin ningún límite… incluso en cosas que no son realizables… La Fantasía nunca ha inventado nada, sino que tiene que ver con conectar cosas conocidas. La Fantasía en diseño es crear nuevas relaciones entre las cosas, partiendo de lo que uno ha aprendido y conocido”. Sumar, conectar, establecer relaciones. Con ese mismo espíritu, en los años 20 nació la primera Bienal de Artes Decorativas en Milán, su propósito fue mostrar el potencial de estas artes para la industria del mueble, de larga data en la región de Lombardía. Su éxito a nivel económico e industrial fue tal, que una década más tarde se decidió institucionalizarla dando vida a la Triennale di Milán, como una suerte de contenedor flexible que apunta a crear diálogos entre, por ejemplo, las empresas y la academia. Una feria que luego se transformó en una institución, cuya cara pública es el Triennale Design Museum en Milán y parte de cuya colección llega este mes al Centro Cultural La Moneda, donde podrá ser vista hasta fines de marzo. Son 288 piezas y proyectos realizados por

133 diseñadores italianos que dan una mirada al quehacer contemporáneo y muestran los cambios que ha sufrido el diseño en Italia, y cómo éstos se vinculan con la ajetreada realidad política, económica y tecnológica del siglo XX. La muestra ha itinerado por Madrid, Estambul, Beijing, Nantou, Bilbao y San Francisco (California), e incluye diseño gráfico; diseño de objetos relacionados con el cuerpo, como joyería y accesorios; food design, y diseño de interiores. Se trata del trabajo de diseñadores en plena actividad y la innovación de la propuesta es tal, que incluso la curatoría se realizó a partir de una encuesta. Silvana Annicchiarico, curadora de la muestra, cuenta desde Milán que con esta exposición se propusieron hacer una cartografía que mostrara el estado del diseño italiano actual: “El paso del siglo XX al XXI no se caracteriza por las nuevas tendencias, sino por un cambio sustancial en la profesión. De hecho, el diseño se ha convertido en algo así como una ‘profesión masiva’. Esto, lejos de ser negativo, refleja el creciente número de universidades, escuelas y estudiantes de diseño que existen en el mundo. Hoy el diseño es una práctica que no está vinculada a los centros de excelencia, a la individualidad o al prestigio empresarial”, sino a la autogestión y a un profesional capaz de establecer relaciones con un mercado que valora su aporte. Así, esta muestra convocó a diseñadores de productos, pero también de web, gráficos, moda, textil, joyas, multimedia, cine, comunicadores, investigadores, etc. hasta dar con un verdadero 360º que abarcó todos los ámbitos en los que hoy interviene el diseño. Todos

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«CICLO» (2005). Luca Schieppati. Un diseño moderno que apela al biotransporte, práctico y accesible para el uso urbano.

«MEDITERRÁNEO» (2002). Carlo Contin. Este acuario de “dos habitaciones” representa la evolución de la tradicional pecera de vidrio.

ellos se postularon en línea, para luego someterse al parecer de las universidades e institutos, así como de las empresas. Una muestra que Triennale Design Museum se encarga de mantener actualizada. Annicchiarico, agrega: “El motor que ha impulsado esta iniciativa es la innovación, como sinónimo de estrategias dinámicas y propuestas de renovación constante. Aquí nada es definitivo, el cambio está en función de la competencia y del mercado. El diseño italiano contemporáneo se encuentra y opera en un paradigma muy diferente a como lo hacían los ‘Maestros’. Ellos crearon objetos indispensables que solucionaron de manera perfecta grandes necesidades de la era moderna. Hoy, por el contrario, los diseños reflejan un momento en que las necesidades son cambiantes. Y la ironía a menudo flota en ellos. Los artefactos son en realidad diseñados para una sociedad opulenta y madura”. EL PROFESIONAL DEL SIGLO XXI

En este contexto, los diseñadores ya no son los de antes, se alejan de los grandes maestros como Achille Castiglioni (1918-2002), Bruno Munari (1907-1998), Alessandro Mendini (1931) o Ettore Sottsass (1917-2007), y se acercan al concepto de multitask. Se trata de profesionales que abordan su quehacer como un 360º, en el que caben desde las capacidades estéticas hasta la innovación tecnológica, y que se ha convertido en un factor clave en la economía. Hay quienes incluso le asignan una vocación política, en tanto busca, partiendo de lo más simple, transformar el mundo en un lugar más bello.

«CADEAU» (2003). Damiani Lorenzo para Illy Caffè. Una galleta redonda con un calado que permite insertarla en el borde de la taza, lo que evita que se remoje en café.

«SCI ARPA GAUNTO» (2006). Punto5 - Collezione àmano. Formada por un rectángulo y dos guantes de lana, esta bufanda se adapta al cuerpo, incentivando diversas posibilidades de uso.

Arturo Dell’Acqua Bellavitis (1947), Presidente de la Fundación Triennale Design Museum, ha estudiado en profundo el cambio y afirma que Italia hoy sólo puede competir potenciando la innovación tecnológica y el diseño: “De ser el privilegio de unos pocos, el diseño pasó a ser una referencia constante en la cultura del país, lo que en parte se explica porque somos herederos de una cultura impregnada de valores estéticos. Sin ir más lejos, desde la invención del prêt-a-porter, incluso la alta costura se democratizó y el diseño entró a las casas y a las oficinas. Hoy, en Italia todas las empresas tienen un grupo de diseñadores y consultores que están constantemente pensan-

do y desarrollando productos que satisfagan las nuevas necesidades de los consumidores”. De esta manera, agrega, se ha logrado superar la tradición que encasillaba al diseño italiano en las famosas 4F: Furniture, Fashion, Food and Ferrari: “La evolución del diseño es un fenómeno que alcanza a todos los ámbitos de producción. Pone a prueba la capacidad de entender una pluralidad de idiomas, de manera que los objetos de diseño no sean íconos reconocidos sólo por su forma, sino también por su contenido sensible y el relato que hay detrás de ellos. Muchos objetos se anticipan y determinan diferentes formas de uso, son ellos los que están moviendo el mercado. Esto se explica por la capacidad italiana para leer y procesar los estímulos del mundo. Somos un país que durante siglos ha sido invadido por diversas culturas y que, a pesar de su tamaño y de los múltiples idiomas y costumbres que conviven en él, ha desarrollado una habilidad única para comprender las sensibilidades de los mercados. Así, las empresas han dejado de ser simples productoras de manufacturas para convertirse en lo que llamamos empresas editoriales”. A lo que Bárbara Pino, representante de la Triennale en Latinoamérica, agrega: “Esta muestra llega a Chile en un momento en que el diseño crece de manera exponencial, por lo que adquiere una importancia que podríamos llamar política, en tanto muestra cómo el diseñador se ha convertido en una pieza clave para el desarrollo de la economía”. De este modo, el diseño dejó de ser el arte por el arte para convertirse en un potente factor de crecimiento económico.

“La moda es como el arte: nace, crece, muere, renace”, Coco Chanel (1883-1971), diseñadora francesa famosa por sus colecciones prêt-a-porter.

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Exposiciones destacadas [ Por CATALINA MENA ]

Natalia Babarovic «CÓMO DESAPARECER COMPLETAMENTE»

Desde esa sensibilidad, Natalia se desplaza hacia la construcción de un lenguaje pictórico que cuestiona la permanencia de la imagen y, al mismo tiempo, la retiene como residuo de la memoria. Sus pinturas siempre representan escenas y objetos ambiguos. Se trata de inciertas situaciones, que disparan vagos momentos, en los que reconocemos cierta extraña familiaridad. Gran parte de la escena pareciera suceder fuera del cuadro y, por ello, los sucesos enmarcados quedan inconclusos, suspendidos del eje temporal. El observador es quien deberá restituir los elementos ausentes de su narrativa e imaginar un desenlace a partir de su propia subjetividad. La obra de la artista parte de referentes fotográficos que registran objetos y escenas aparentemente nimias e insignificantes, como una piscina vacía, unos hombres apenas delineados que conversan, unas niñas que juegan en algún sitio que parece eriazo y descampado, una mujer que mira hacia ninguna parte y que podría estar llorando o, simplemente, esperando. Estas imágenes, más que funcionar como modelos de fiel representación, operan como sugerencias, desde las cuales ella extrae un voltaje estético y emocional que se traduce en potencia pictórica. Es esa aterradora certeza fotográfica de lo que “ha sido” (como dice Barthes) y que ya nunca más será lo que Natalia recoge en su obra. Ciertas zonas aparecen mientras otras se hunden en la neblina del olvido, como si ella se viera constreñida a respetar ese irreductible carácter fantasmático que carga toda fotografía. Las imágenes de sus pinturas penetran en la mirada sin apelar al efecto retiniano, sino a una especie de eco que rebota tardíamente. Exhiben una tímida y rara belleza.

Museo de Artes Visuales, MAVI (José V. Lastarria 397. Teléfono: 2264-9337). Hasta el 29 de diciembre.

l margen de la ligereza imperante en el actual campo del arte chileno (donde muchas veces el lobby cultural supera a la creación) aún sobreviven esos escasos artistas que se mantienen en la disciplina del oficio, arriesgando la posibilidad, siempre latente, de la desaparición. Así se llama la muestra que Natalia Babarovic ha montado en el Museo de Artes Visuales (MAVI): «Cómo desaparecer completamente». El título bien podría aludir a su actitud, pues desde los 90 la artista viene realizando una especie de ejercicio de resistencia en la pintura. Encerrada en su taller horas y horas, Natalia sigue tirando de su propio hilo, para avanzar en la continuidad de su obra, como texto que adquiere consistencia en la implicación de la mano pensante. Pero, más allá de su actitud como artista, la obra de Natalia puede también interpretarse como un mecanismo consciente que juega en los límites de la desaparición del referente para que prevalezca el significante pictórico (el trazo, la “manera”). Si bien, su pintura (que reelabora los géneros del paisaje y del retrato) no aspira al virtuosismo académico, parte de ese conocimiento para luego transgredirlo. Determinante para el sustrato de su ejercicio es la privilegiada oportunidad que tuvo, a finales de los 80, de participar en los talleres que el pintor Adolfo Couve impartía en Cartagena.

Georges Rousse Museo de Arte Contemporáneo (Parque Forestal. Teléfono: 2877-1751). Hasta el 19 de enero de 2014.

o que uno busca en el arte es, más allá del placer estético, una imagen que cuestione y desestabilice nuestras ideas y experiencias perceptivas. Eso es lo que sucede con la impresionante muestra del artista francés Georges Rousse montada en el MAC del Parque Forestal. Se trata, además, de la primera gran exposición de este autor en Latinoamérica. Con más de 30 años de producción artística, Rousse se ha destacado por realizar una obra que incorpora múltiples lenguajes visuales: arquitectura, instalación, gráfica, pintura y fotografía. Lo que hace es inscribir figuras geométricas en espacios marginales (pasillos, hall, rincones) y construcciones abandonadas o destinadas a la demolición (galpones, industrias, antiguas edificaciones), que, generalmente, se encuentran en un estado de fragilidad. A través de su obra, Rousse las recupera como territorios utópicos. El proceso de la obra de Rousse es sumamente complejo, por lo que es necesario comprenderlo grosso modo. Primero registra fotográficamente el lugar y traduce la imagen de la foto a un dibujo de tipo arquitectónico. Sobre ese dibujo pinta una figura geométrica (generalmente una estrella o un círculo) que desea inscribir en el espacio real. Más tarde se aboca a un preciso cálculo matemático que le permite planificar las intervenciones que debe realizar sobre la edificación para que, desde una perspectiva específica, en la que debe situarse la mirada, se visualice la figura. Finalmente, vuelve a la edificación y ejecuta una serie de modificaciones muy específicas: extrae algunas partes de su armazón, modifica otras y aplica pinturas y papeles de distintos colores para destacar los elementos necesarios para que, dentro del espacio, se

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arme la figura, que sólo puede ser visible desde un punto de vista específico. Una vez realizados todos los cambios realiza la fotografía final, tomada desde ese punto de vista único. En la foto aparece, mágicamente, una forma plana, perfectamente delineada, como si estuviera superpuesta al escenario en el cual se enmarca. Son estas fotografías, impresiones Lambda de inédita belleza, las que Rousse ha exhibido en museos y galerías de todo el mundo y las que ahora muestra en el MAC. Tan misterioso y sorprendente es el resultado que uno,

al enfrentarse por primera vez a sus obras, piensa que se trata de simples negativos a los que se les ha pintado encima la figura y que luego han sido impresos. Ni siquiera agudizando el ojo hasta el extremo, es posible descifrar la complejidad del truco que genera sus imágenes. Para descubrirla es necesario, entonces, recurrir a información suplementaria respecto del intrincado proceso (la que se entrega a través de textos y de un video que lo documenta). Recién entonces nos percatamos de que la forma geométrica, que aparece como una ilusión óptica, efecti-

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[ Por césar gabler ]

En esta última exposición –que consta de 37 obras realizadas en diversos formatos– la imagen ha sido sometida a un doble traspaso (el referente fotográfico muere dos veces). Porque, si antes Natalia pintaba a partir de fotografías (muchas de ellas encontradas en cajones polvorientos y que fueron realizadas por su abuelo Bosko Babarovic en la década de los 70), ahora lo que hizo fue extraer sus imágenes de medios de reproducción masiva, lo que incide, claramente, en el tratamiento pictórico y cromático. Dos orígenes se recuperan en su obra reciente. El primero son performances emblemáticas realizadas hace 50 años (cuando aparece la cámara de video doméstica y los movimientos conceptuales) por artistas como Allan Kaprow, Claes Oldenburg y Dick Higgins y publicadas en revistas de la época. Se trata de escenas muy simples, pero misteriosas, acordes a ese imaginario ambiguo que identifica la obra de Natalia. Por otra parte, la artista selecciona pantallazos de videos de youtube, los que nuevamente se traducen a la pintura como momentos suspendidos de una acción congelada. Aunque Natalia se mantiene y avanza en el tejido esencial de su obra, en estos trabajos las situaciones y retratos pintados adquieren un nuevo dramático: el trazo es más rápido y decidido y sus característicos colores melancólicos y difusos (asociados a la fotografía análoga en blanco y negro) ahora son intervenidos por la gama cromática propia de la reproducción mecánica y de la pantalla. “Cómo desaparecer completamente” confirma la densidad y madurez de una artista que, atravesando la insoportable levedad, interroga a fondo los problemas de la representación pictórica.

vamente se encuentra camuflada dentro de la estructura y que la fotografía que la rescata es un registro real del espacio intervenido. Además de las fotografías, el artista ha reproducido, en el neoclásico hall central del Museo, la estructura de una casa que vio en Ritoque, lugar que le resultó tremendamente inspirador, por la creatividad de sus construcciones, su emplazamiento sobre arena y el estrellado cielo que las cubre. Esta casa modelo es modificada en su composición de modo que, desde la perspectiva de la entrada al Museo, puede verse una perfecta estrella inscrita en el centro del frontis. Tampoco esto es fácil de percibir para un espectador que ingresa desprevenido. Sólo después de comprender el procedimiento de la obra, uno vuelve a acercarse a la instalación y comienza a rodearla desde todos los ángulos hasta descubrir, como un niño asombrado, la estrella inscrita. La de Rousse es, sin lugar a dudas, una de las mejores exposiciones que se han montado este año y pone la vara altísima en muchos sentidos. Impresiona, en primer lugar, la solidez de una propuesta que se ha perfeccionado a lo largo del tiempo buscando la excelencia del resultado. Estremece también darse cuenta de lo trabajosa que resulta su ejecución y de la disciplina con la cual él realiza paso a paso el proceso, sin tentarse por soluciones fáciles sino, por el contrario, desafiando al máximo la inteligencia y los recursos técnicos. Por otro lado, no deja de ser admirable su uso de diversos registros de las artes visuales y su traducción final a una fotografía: con este gesto, Rousse expande el oficio fotográfico hacia zonas raramente exploradas. Pero, más allá de eso, la obra conmueve por el modo en que el artista transforma el espacio, convirtiéndolo en un territorio poético que adquiere múltiples sentidos. Su juego de perspectivas nos sitúa, perturbadoramente, entre lo ilusorio y lo real, iluminando, como pocos artistas pueden hacerlo, los insondables acertijos de la mirada.

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Juan Castillo «RITOS DE PASO» Galería D21 (Nueva de Lyon 19, depto. 21. Teléfono: 2335-6301). Hasta el 2 de enero de 2014.

i tuviéramos que resumir, Patria, identidad, territorio, Golpe Militar, fotografía, video, podrían figurar como las palabras clave de esta exhibición. De ésta y otras decenas del panorama artístico local. Nuestro arte se ha articulado, desde los setenta, a partir de una referencia continua a la dictadura y sus efectos sociales y culturales. Desde allí, y exilio mediante, a una reflexión sobre la identidad nacional, esa que durante los setenta de Pinochet encontró su eco en el paisaje y en una visión folclórica de la gente. Chile era una bandera, una araucaria y un himno. Por ello, estos signos emergieron de manera problemática: Carlos Altamirano,Víctor Hugo Codocedo o Carlos Leppe, por citar sólo a tres artistas, hicieron de la bandera y de los emblemas un problema clave. Juan Castillo andaba en las mismas.Y sigue. Quizá el corazón de la muestra se resume en la video instalación ubicada a la entrada de la galería: son tres pantallas enmarcadas. La del centro muestra sucesivamente a ocho entrevistados que nos cuentan de su vida y de cómo perciben la patria. Mientras hablan y hablan, vemos cómo a cada lado se incendia, en distintos lugares de Chiloé y de Atacama, un letrero con la frase “Te devuelvo tu Imagen”, escrita con muy buena caligrafía. De la misma mano son los textos que aparecen manuscritos en la galería, con tinta sepia, citando frases de los entrevistados. Aquellas que abordan el concepto de patria o a veces su difícil situación existencial.

Ya sabemos, candidatos mediante, cómo los letreros tapan el panorama. Los de Castillo, al incendiarse, le restituirían al paisaje su propia presencia. Que la naturaleza se filtre a través del marco del cartel y que nosotros podamos verla sin interrupciones. La lógica del testimonio opera como otra forma de evitar mediaciones, aun a riesgo de agotar la paciencia del espectador. “Te devuelvo tu imagen”, en ese sentido, puede implicar una renuncia a crear íconos o palabras que representen la realidad. O la identidad. Porque aquí el asunto es Chile y es algo que se repite con insistencia. Mucha. Están los ocho entrevistados, está el paisaje, están las banderas chilenas. Dibujadas con sepia y líneas rectas parecen esquemas didácticos. En una señala: ”Ni idea, ni símbolo, ni ícono”, como René Magritte y su pipa. La revisión irónica de la imagen alcanza al emblema patrio. Castillo, con un lenguaje sugerente y hasta un inesperado conjunto de calaveras dibujadas, entrega una de sus exposiciones más plásticas a la fecha.

RETROSPECTIVA CARLOS FAZ (1931-1953) Sala Matta del Museo Nacional de Bellas Artes (Parque Forestal. Teléfono: 2499-1600). Hasta el 5 de enero de 2014.

a retrospectiva de Carlos Faz (1931-1953) nos permite confrontar un mito gracias a una amplia selección que reúne pinturas, grabados y dibujos junto a fotos, cartas y recortes de prensa. Una síntesis de obras producidas entre los dieciocho y veintidós años. No hay que olvidarlo. Al principio de la exhibición vemos cómo Faz fundía con esfuerzo a Joan Miró con el Geometrismo. Se trataba de un intento juvenil por subirse al carro de la modernidad, pero sin una intención clara. Ésta emergerá cuando adopte la figuración y con ella la narrativa sentimental que caracterizó sus trabajos más conocidos: «Celista» o «Premonición», entre otros. Faz fue un expresionista, más cercano a la ternura que a la ira. Cuando sus obras se dejaron llevar por la ensoñación, como la de Marc Chagall o la de Pieter Brueghel, encontró sus resultados más plenos. Lo contrario le ocurrió ante la obra violenta y dramática de los mexicanos (José C. Orozco y David Alfaro Siqueiros especialmente). Aquí ni su color ni su dibujo encontraron acomodo. Es el Faz menos logrado, exagerando hasta el absurdo las ya teatrales obras de los mexicanos. Dolor, llanto y manos extra-large. No se percibe en la exhibición algo como un estilo maduro, pero tampoco asoma el fantasma de la

repetición. Faz arribó tempranamente a un estilo, o dos incluso, pero a diferencia de otros artistas, como Bernard Buffet, al que se parece, siguió ampliando su repertorio aún a riesgo de tropezar. En sus pinturas de 1950 y 1951 vemos, por un lado, un estilo de figuras estilizadas y llenas. Ojos grandes y soñadores, bocas pequeñas. Colores pasteles, bien orquestados, dispuestos a la manera cubista. «Jugadores de Carta y Gato», «Jugadores de Ajedrez» y la notable «Clarinetistas» son ejemplos de ello. El resultado semeja una ilustración infantil a la manera de Juan Gris. Casi en paralelo, desarrolla obras que le siguen el pulso a Pieter Brueghel. Se trata de grandes composiciones protagonizadas por decenas de personajes. En ellas se hace patente el empleo del claroscuro y un estilo más descriptivo que aquel de sus cuadros “cubistas”. Pero en uno u otro caso, Faz aparece siempre como un narrador, muy lejano del discurso que se instalaba en Estados Unidos, país al que viajó, y que abogaba por un arte autónomo, libre de cualquier relato y encarnado en la abstracción. Lo que vemos en la sala Matta del Bellas Artes demuestra que el mito de Faz es uno de carácter especulativo. El mito no se cierra con lo que pintó, se abre con lo que pudo haber pintado.

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Cómic

JOANN SFAR

DIBUJANTE, GUIONISTA, DIRECTOR DE CINE Por César Gabler

oann Sfar (Niza, 1971) debe estar entre los autores más completos, complejos y prolíficos de los últimos tiempos. Como guionista, dibujante y, desde hace unos años, también director de cine, este autor francés navega sin complejos entre el mundo del cómic adulto y el infantil, entre la ternura y el erotismo y así en un sinnúmero de combinaciones dialécticas. Lo de sin complejos es relativo, su mundo está poblado por personajes que se debaten entre conflictos morales y existenciales, en los que caben la culpa, la desesperación y todas las sutilezas de la psiquis. Hay sexo también. Eso sí, sin perder jamás el sentido del humor, porque Sfar, quien se maneja con comodidad en las aguas del discurso filosófico, tiene el don del humor. Todo el panteón de «La Mazmorra», su saga co-escrita con Lewis Trondheim, o creaciones tan personales como «Pascin» o «El Gato del Rabino», comparten una mirada en la que, sin importar las circunstancias, el humor es forma de conocimiento y antídoto contra la desesperación. El carácter humorístico de su obra no lo convierte en cómico. Sería restrictivo. Sfar se caracteriza por abordar temas diversos y tener un completo dominio de los géneros narrativos en los que mueve sus historias. Muchas de ellas, partiendo por «La Mazmorra», podrían considerarse como piezas meta narrativas. Los géneros y convenciones tradicionales del relato son reprocesadas para construir un universo personal, en el cual caben la rebeldía y la compasión. Sus personajes suelen cuestionar el orden establecido por las leyes o la religión y lo hacen a través del discurso y la acción. Porque los héroes de Sfar son siempre dialécticos: hacen cosas y hablan de ellas. Piensan y actúan y casi siempre nos hacen reír. No es poca cosa.

«LA MAZMORRA» «La Mazmorra» es una de las creaciones más amplias y rentables en ese universo en expansión que es la obra de Joann Sfar. Digamos que se trata de un mundo antiguo, La Tierra de Amata, que se presenta en tres épocas distintas: Amanecer, Zenith y Crepúsculo. Lo aconsejable es familiarizarse con este relato desde su tronco y luego derivar a las ramificaciones, para eso lo mejor es partir con el número uno: «Corazón de Pato». Escrito por Lewis Trondheim y Sfar, está dibujado por el primero y narra las peripecias de Herbert de Vaucanson, un pato que por una cadena de errores termina emprendiendo una misión de gladiador. Todo ocurre en un mundo medieval poblado de animales antropomórficos. Hasta ahí tiene la apariencia de un cómic para niños –correrías y animalitos–, pero la lectura de unas pocas viñetas permite entrar en las claves narrativas que proponen los autores: aventura, absurdo y humor negro. Tal como ocurre en la notable «Cerebus», de Dave Simm, «La Mazmorra» funciona como una parodia del género de la Fantasía Heroica y el de Capa y Espada. Pero va mucho más lejos: puede entenderse como una saga del poder, un ciclo vital en el que los cambios existenciales y hasta físicos de su protagonista se proyectan sobre el mundo que lo rodea. Fenómeno editorial.

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«EL GATO DEL RABINO» En la cosmogonía de Sfar, el sexo y el judaísmo son fundamentales. «El Gato del Rabino» es su aproximación, en clave de realismo mágico, a su religión. Los protagonistas de esta saga son un gato que habla por milagro (se comió a un loro), un rabino de Argelia y su sensual hija. Combinado de historias familiares, aventuras y constante reflexión filosóficoreligiosa. La imaginación de Sfar no tiene límites y su manera de entender la noción de cómic para adultos tampoco: el resultado es un cómic reflexivo y anecdótico, que muestra las ventajas del formato para desarrollar ideas. Verborrea pensante que se vuelve tan interesante como cualquier aventura. La película «El gato del Rabino», estrenada en Francia en 2011, es un trabajo que sintetiza en una historia elementos de los volúmenes uno, dos y cinco del cómic. Codirigida por el propio Sfar y Antoine Delesvaux, es un cuidadísimo trabajo visual donde sorprende el esmero para animar las ricas posibilidades de la línea y del trazo. Recuerda, en ese sentido, a los «101 Dálmatas», de Disney. Aunque por momentos pueda resultar demasiado dialogada, la película levanta vuelo cuando se convierte en el relato de una aventura: encontrar la ciudad de los judíos negros. Entre muchos momentos notables, escojo dos: la aparición de Tin-Tin (presentado como un idiota colonialista) y la secuencia en el campamento beduino. Una hora y veintinueve minutos para entrar al mundo de Sfar (y está en youtube).

En sfar, sin importar las circunstancias, el humor es forma de conocimiento y antídoto contra la desesperación. El carácter humorístico de su obra no lo convierte en cómico, Sería restrictivo. su quehacer se caracteriza por abordar temas diversos y tener un completo dominio de los géneros. «PASCIN»

EL DIBUJANTE JOANN SFAR

Basándose en la figura del pintor búlgaro-estadounidense Jules Pascin (18851930), esta es una historia que reinventa al artista y lo convierte en una figura de leyenda. Pascin vive la época de oro de la famosa Escuela de París. Sus amigos son pintores como Marc Chagall o Chaïm Soutine, y en el relato aparece como un tipo irónico, borracho y feo con un irresistible encanto para las mujeres. Como si lo hubiera escrito Charles Bukowski y lo hubiese dibujado Quentin Blake. El personaje adelanta al (Serge) Gainsbourg que Sfar presentó en la película del mismo nombre y, como señaló a «Entrecomics», “es el mismo personaje. Es un pintor judío que viene o de Rusia o de Bulgaria, que se siente muy mortificado, muy triste, y que sólo encuentra felicidad en los brazos de mujeres, que se comporta como un Don Juan, que es un cliché muy viejo. Que es muy misógino, pero que es muy frágil, y las mujeres alrededor de él tienen tanta personalidad… Y es también el cliché del pintor y la modelo que trata de estudiar. Me gusta muchísimo este tipo de personaje. Su religión es su arte, y es muy materialista, pero también busca algo”.

Hasta ahora hemos hablado casi exclusivamente del guionista, pero Sfar dibuja desde niño. Como los artistas que admira –Chagall o Pascin–, el dibujo de Sfar es expresionista. Porque aborda la figura deformándola, sin por ello abandonar su capacidad de describir física y emocionalmente a sus personajes. Para eso, la línea puede ser clara u ondulada, o bien prolija o gestual. Como diseñador de personajes, se halla a gusto en la caricatura y en la deformación grotesca, pero puede desarrollar seres sutiles y hasta bellos valiéndose de una refinada síntesis formal. Según lo necesite, Joann Sfar alterna la descripción detallada con arranques de expresionismo grotesco o de delicado lirismo. Poeta de la línea. El lenguaje del dibujo como un vehículo comunicativo e inteligente, como el propio autor.

“Los adultos huyen del dibujo en el momento en que les resulta demasiado difícil y creen que la escritura es más digna”, Joann Sfar.

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El Arte de Mirar

Paul Gauguin

Paul Gauguin. «¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿A dónde vamos?», 39.1 × 374.6 cm., Museum of Fine Arts, Boston.

¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿A dónde vamos? (Museum of Fine Arts, Boston, 1897)

A diferencia de los pintores impresionistas, que buscaban capturar en sus telas las fugaces sensaciones del presente, las obras del artista francés nos sumergen en un tiempo profundo y complejo, en el que imágenes lejanas nos devuelven nuestras propias obsesiones y preguntas. primitiva” y el dolor provocado por el ansia de conocer, un deseo encarnado, al centro del cuadro, por el árbol de la ciena r a Pa u l G a u g u i n ( 1 8 4 8 - 1 9 0 3 ) , cia, cuya fruta alcanza un joven hermafrodita, un “mahu”. el significado de la pintura escapaba a las palabras. Quizás porque el conocimiento es también un ejercicio de “Mis cuadros –señaló en 1895, justo antes de la memoria, Gauguin dio a la tela un aspecto de pintura anpartir a su segundo y definitivo viaje a Tahití– no tigua y sagrada (“como un fresco con los ángulos arruinados expresan directamente ninguna idea, sino que hacen pensar, sobre una pared dorada”) y pintó en su superficie las imágeal igual que la música…, a través de afinidades misteriosas nes que lo habían acompañado en los últimos años. Figuras que existen entre nuestra mente y las disposiciones de co- tomadas de sus anteriores obras; del «Almuerzo sobre la lores y de líneas”. hierba» (1863), de Édouard Manet; Por esta razón, quizás, el nombre de «El bosque sagrado» (1884), de A diferencia de gran parte de de «¿De dónde venimos? ¿Qué Puvis de Chavannes; y también de las pinturas occidentales, el somos? ¿A dónde vamos?», que él culturas distantes: una divinidad hinconsideró su obra más lograda, no dú que Gauguin asoció a la diosa porelato visual de esta obra se nos propone ninguna certeza, sino linésica Hina y una momia del Perú inicia desde la derecha, donde exhibida en el Museo de Etnología, sólo preguntas. Seducido por el sentido que las que el pintor convirtió en la anciana el perro que irrumpe en la palabras entretejen, Gauguin intende tez oscura que, doblada sobre sí escena nos señala al niño tó, sin embargo, explicar este cuadro misma, nos observa mientras cubre en al menos tres cartas, dándole un recién nacido como comienzo sus oídos para no escuchar la “vanisignificado de expiación y sacrificio dad de las palabras”, simbolizada por de nuestro ciclo vital. a su realización, que culminó, según el pájaro que ha capturado a un lacuenta el artista, con un fallido suigarto. Por otro lado, la composición cidio. Asolado por la muerte de una de sus hijas, las enfer- horizontal del cuadro recuerda a los antiguos frisos griegos, medades, la soledad y la precariedad económica, describió al igual que la solemnidad de las figuras. Entrelazadas por los el cuadro como “una obra filosófica temáticamente similar al arabescos azulados de los árboles, sus ramas, reflejos y somEvangelio”, una “inasible alegoría” nacida del “estado de vago bras, ellas emergen prístinas y anaranjadas, absortas en sus sufrimiento y [de] la sensación dolorosa frente al misterio pensamientos o acciones, o mirándonos como si las respuesincomprensible de nuestro origen y nuestro devenir”. Años tas a las preguntas, que nosotros buscamos en la superficie de más tarde, el artista diría que en ella se conjugaban el “alma la tela, estuvieran más bien en el espectador que la observa.

POR SANDRA ACCATINO

Sandra Accatino es académica del departamento de Arte de la Universidad Alberto Hurtado. Ha publicado diversos capítulos de libros, artículos y ensayos sobre pintura europea, arte de la memoria, coleccionismo y artistas chilenos contemporáneos

“Los dos ángulos superiores son amarillos … de forma que parece un fresco con los ángulos arruinados, sobre una pared dorada. Abajo, a la derecha, hay un niño dormido y tres mujeres sentadas. Dos figuras vestidas de púrpura se confían sus pensamientos. Una gran figura agachada, que elude deliberadamente las leyes de la perspectiva, levanta el brazo y mira sorprendida a las dos mujeres que se atreven a pensar en su destino. En el centro, una figura recoge frutos. Dos gatos cerca de un niño. Una cabra blanca. Un ídolo, con los brazos alzados misteriosa y rítmicamente, parece indicar el más allá. Una figura sentada parece escuchar al ídolo. Finalmente, una anciana, cercana a su muerte, resignada y ensimismada en sus pensamientos, completa la historia, mientras un extraño pájaro blanco, que aferra entre sus garras a una lagartija, representa la vanidad de las palabras. El conjunto de la escena se sitúa entre un arroyo y bajo los árboles, al fondo está el mar, y, más allá, las montañas de la isla vecina”. Carta de Paul Gauguin a Daniel de Monfreid, febrero de 1898. Fascinado, al igual que sus contemporáneos, por la figura del hermafrodita, Paul Gauguin pintó a un “mahu” al centro de su pintura y convirtió a «Seráfita», la novela de Honoré de Balzac protagonizada por un ser perfecto e inasible, en una de sus lecturas favoritas. En ella pudo haber leído la frase que inspiraría el título de esta pintura: “Que mis palabras se revistan con las formas brillantes de tus sueños, que, adornándose con santas imágenes, destellen y desciendan hasta ti. […]. La humanidad se despliega como una simple cinta. […] ¿Comprendes, ahora, cuál es el destino de la humanidad? ¿De dónde viene, a dónde va?”.

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CARAS Y CARÁTULAS

[ POR ANTONIO VOLAND ]

ENTRAMA LA ORQUESTA SIMBÓLICA

DIEGO MANUSCHEVICH LA VOZ DE LOS MAESTROS

ue una noche gélida de 2005, en la sala de la Fech, cuando se presentó con su trío, ocasión en la que improvisó durante 70 minutos sin respiros. A cosas como esa, y a otras aún más severas, nos tenía acostumbrados Diego Manuschevich, el músico que en la portada de este disco aparece con uno de los muchos instrumentos de viento que domina: el clarinete bajo. En «The calling» (sello Animales en la Vía), su tercer trabajo como solista, el menor de los hermanos Manuschevich da un siguiente paso hacia la madurez creativa, sobre todo en los campos de la composición y del liderazgo de conjuntos. “Es el producto final de un proceso de refinamiento, reconfiguración y consolidación de un lenguaje”, apunta el músico en las notas del disco, para remarcar así la idea. Aquí aparece al frente de un sexteto jazzístico de avanzada, que le permite acceder a los espacios que viene explorando hace unos diez años: Cristián Gallardo (saxo alto y flauta traversa), Pablo Jara (saxo barítono), Jasper Huysentruyt (piano), Roberto Carlos Lecaros (contrabajo) y Hugo Manuschevich (batería). Y todas sus composiciones se instalan, además, en un contexto basado en una tradición moderna. Es el llamado de los maestros desde distintos ángulos: en «Booker» se escucha a Booker Little; en «Rocinante», a Eric Dolphy; en «GMM», a Thelonious Monk; en «Zenis», a Charles Mingus; en «Nieve», a Ornette Coleman; en «The calling», a John Gilmore; y en «La senda del tenor», al más grande de ellos, John Coltrane.

uince años y cuatro discos después nunca serán historia suficiente para medir la influencia que ha tenido en la nueva música un conjunto como Entrama. Es un proyecto formado durante la fiebre del cambio de siglo, un ejercicio de mestizajes capaz de reunir en un mínimo núcleo a muchas corrientes estéticas, representadas por sus propios protagonistas: la música docta (el cellista Rodrigo Durán), la música andina (el quenista Pedro Suau y el charanguista Italo Pedrotti), el folclor sudamericano (el guitarrista Juan Antonio Sánchez), el rock (el baterista Marcelo Arenas) y la fusión (el percusionista Carlos Basilio, el guitarrista Daniel Delgado y el multi-instrumentista Pedro Melo). Entrama es mucho más que la suma de esas partes. En el disco «Año luz» –que no es una medida de tiempo, sino de distancia– se describe esa abundante trayectoria de un lado a otro, siempre de la mano del sello Mundovivo, pero también da cuenta del cambio de edad que está experimentando el grupo. En su primera época fue un derroche de arreglos musicales, colores y sentidos, pero ahora los tiempos se han vuelto más calmos para Entrama: “La tendencia es a simplificar la música en lugar de ampliarla”, contaba el músico Pedro Melo. Aquí, temas como «Paréntesis», «Olvídalo», «Tarkeada», «Valsa» e, incluso, la cumbia cantada «La vida nos dirá cuándo», dan luces sobre este proceso. Si alguna vez Entrama fue un hijo natural de Inti-Illimani, hoy es un familiar de respeto, un símbolo en la música latinoamericana y la fusión. PAZ MERA SIEMPRE QUE LLOVIÓ, PARÓ

o es una primeriza en el campo de la música brasileña. Paz Mera ganó en 2006 el concurso «Chile canta a Brasil», con «Canto de Ossanha», de Vinicius de Moraes, y este año también grabó el disco colaborativo «Eu nau sou brasileiro» –es decir «Yo no soy brasileño»– junto a otros cultores locales de la bossa nova y la MPB: Marcelo Vergara, Valentina Carrillo, Pablo Galarce. En esa grabación, la cantautora introdujo uno de sus más bellos temas, escrito en portugués en solo dos estrofas: «Meu cais» («Mi muelle»). En «Procelária», Paz Mera recupera esa melodía, le añade una tercera estrofa –la traducción de una de ellas– e invita a Magdalena Matthey a cantar. Entonces escuchamos la cota de mayor altura poética en esta serie de nuevas canciones, todas despojadas de artificios porque están construidas con la voz y el piano. Nada más. Salvo en «Meus cais», donde Mera y Matthey se entrelazan en un equilibrado y bello empaste de timbres vocales. Es una canción de marcados rasgos melancólicos, como las nueve que la preceden. Si existen los discos autobiográficos, «Procelária» es uno de ellos. Y si desaliento, soledad, sombra y temporal son palabras que aparecen en las letras, entonces Paz Mera le hace frente al momento como lo haría la propia procellaria, la llamada «golondrina de las tormentas», ave marina que nunca escapa al remolino, ni al oleaje, ni a la lluvia torrencial.

JAVIERA MENA LO PRIMERO ES LO PRIMERO

i hoy las canciones digitales corren rápido de SoundCloud a GrooveShark, hace una década también corrían, aunque a la velocidad del mano en mano en casetes piratas. Así se movían los primeros temas de Javiera Mena, una figura ineludible de lo que viene siendo el pop independiente. Entonces no era más que una escolar que escribía sus primeras composiciones, ahora recuperadas en un disco tras el rescate que ella realizó junto al productor Cristián Heyne. «Primeras composiciones 20002003» retrata ese período creativo con canciones como «Me inhibe», «Hambre» y «Supapilapuso», que la artista solía tocar junto a un par de amigos mayores, una guitarra acústica casera y una afinación vocal entonces deficitaria. La materia prima estaba allí. No sería más que cuestión de tiempo para que depurara esa naturalidad como autora hasta desembocar en cosas como «Sol de invierno», «Cámara lenta» o «Al siguiente nivel», y llevar su creación al territorio del pop de teclados y de las herramientas de producción. Pero en este disco de carácter acústico se encuentra lo primario de su cancionero. Y lo primero es lo primero: lo segundo viene después. El coro de «Hambre», basado en un poema de Bertold Brecht, así lo subraya: “La comida es lo primero /la moral viene después”.

NOMBRES PROPIOS LUIS AGUIRRE PINTO (1907-1997)

espués de tocar en la boite Lido y de recorrer Chile desde Puerto Montt hasta Arica, el joven conjunto de tango que el violinista Luis Aguirre Pinto integraba siguió hacia Perú. Corría 1933. Actuaron en Tacna, Arequipa y Cuzco antes de llegar a la capital. En Lima fue donde el promotor que los contrató presentó a los chilenos como el grupo que había tocado con Carlos Gardel en la película «Luces de Buenos Aires», de 1926. Ninguno de ellos conocía siquiera de vista al astro argentino. En esa gira, Lima fue también la ciudad donde Aguirre Pinto escribió su primera gran canción: el vals «Reminiscencias», que el cantante Pepe Aguirre convertiría en éxito poco después. De esa pieza, el periodista, investigador y músico Eugenio Rengifo

obtuvo el título para la biografía «Reminiscencias de Luis Aguirre Pinto» (SCD / Catalonia), donde rescata la figura de uno de los más versátiles y prolíficos autores de música popular de ese viejo frente en la primera mitad del siglo pasado, y donde se apuntan también nombres como los de Nicanor Molinare, Armando González Malbrán y Francisco Flores del Campo. A los 42 años, Aguirre Pinto calculaba haber escrito más de dos mil obras, entre canciones populares, folclor, música de moda, fantasías, aires, arreglos y poemas sinfónicos. Y eso que aún le faltaban diez años para crear su mayor éxito, que compuso una tarde de paseo en bote por Valdivia. Es la tonada «Camino de luna», que comienza con los versos “En el río Calle Calle se está bañando la luna...”.

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Música

Por Antonio Voland

“A

l principio me daba algo como un ataque de pánico: ahogo y palpitaciones”, recuerda Cristián Crisosto, el saxofonista, flautista, compositor y cerebro de la banda. “Estaba acostumbrado a tener grupos con los mismos integrantes por mucho tiempo, como había sido con Fulano. Pero después me di cuenta de que hasta era una ventaja que hubiera tantos cambios de músicos. Los que llegaban eran siempre más jóvenes y entonces traían otras ideas”. Si hay un proyecto de música actual que se ha redefinido en su geometría y que le ha sacado provecho a muchos ángulos de perspectiva, ese es MediaBanda. En noviembre pasado (trece años y tres discos después), el grupo, que practica una música inclasificable, retomó su historia, presentando a un elenco prácticamente nuevo. Liderados por el propio Crisosto, MediaBanda –tal como lo hizo Fulano, también este año– regresó a las métricas irregulares, las frases melódicas demenciales, la inspiración líquida, antipoética y sónica. Tras una temporada de diez meses de puesta a punto con estos nuevos nombres, a la fecha ha sumado tres actuaciones en escenarios de cierto underground capitalino: Onaciú,

El grupo vuelve al ruedo después de tres años

La nueva

MediaBanda Apoyado por el baterista Christian Hirth –el único sobreviviente de la camada de músicos del grupo original– y a trece años de su creación, el saxofonista y compositor Cristián Crisosto retomó el trabajo con una de las agrupaciones más llamativas de la escena actual. Ahora, con una formación renovada, recuperan su repertorio de música ecléctica y antihegemónica: “Nuestro estilo es no tener estilo”, dicen.

Merkén y el Clan. Los resultados dejaron a Crisosto y al baterista Christian Hirth, únicos supervivientes de la formación original del 2000, con ganas de más. “Llegó a escucharnos mucha gente que nunca habíamos visto. Creo que renovamos casi por completo el público”, dice Crisosto. “Había varias personas que jamás habían visto a la MediaBanda, que se habían saltado los doce años que estuvimos activos. Y se produjo el mismo efecto que en 2000: un palo en la cabeza”, añade Hirth. Nota por nota: la mística

“Debieron pasar diez meses para ver los primeros resultados. Es el tiempo en que estuvimos trabajando con ensayos en un régimen riguroso, dos veces a la semana. La MediaBanda es muy peculiar. No nos sirve un

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–¿Cambió la música con el cambio de nombres? Hirth: “La música se mantiene intacta, pero tiene colores distintos. Los guitarristas nos dan otra sonoridad, y con los cuatro vientos también se genera un cuerpo distinto de sonido”. Crisosto: “Aquí no se puede hablar de un estilo musical, porque no se podría decir de ninguna manera que MediaBanda hace rock, o reggae, o lo que sea. El eclecticismo antihegemónico nos define: el estilo es no tener estilo. La música varía porque las composiciones son diversas. Vamos desde temas cromáticos como ‘Tsunami’, de Hirth, donde nada más está la rítmica y tenemos que improvisar encima, hasta canciones pop como ‘Ya no soy el mismo que sería’, con un coro tirando para Lady Gaga”. –Siempre está el riesgo del éxodo de los músicos. Crisosto: “En un año más es muy probable que el grupo cambie y entonces tendremos que partir de nuevo. No tengo problema con eso. Cuando retomas los temas, siempre aparece algo distinto. En ‘Nadie nos conoce aún’, a Hirth se le ocurrió un ‘reenchulamiento’ que la convirtió en otra cosa. Los trabajos de taller que hemos hecho por separado, tal como ensayaría un director de orquesta sinfónica con las familias de instrumentos, nos han entregado nuevas cosas. Te puedes dedicar a los detalles, porque esta cuestión está llena de detalles”.

De un extremo a otro –¿Cuán traumático fue perder a las dos cantantes, Arlette Jequier y Regina Crisosto? “Un punto complejo. Arlette es única, no hay nadie que cante parecido a ella. Y la Regina tiene un pulso tremendo. La llamé para ver si quería participar y dijo que no. Entonces tuvimos que hacer audiciones especiales, en las que pasaron como diez postulantes. Ahí te das cuenta de que en las escuelas están enseñando un canto súper estandarizado. Cuando las cantantes se enfrentan a algo que no conocen, no pueden resolverlo”, explica Christian Hirth. Carolina Riveros, de 25 años, fue la voz que superó la gran prueba y hoy ya está al frente de la MediaBanda. Estudió canto popular en la Escuela Moderna de Música con las profesoras Gloria Pérez y Valentina Rodríguez, y ha sido corista de algunas bandas, entre ellas, Brain Damage. “De todo el grupo nuevo, Carolina era la que venía con menos experiencia. En los ensayos se concentró para estar cerca de la máquina, que iba muy rápido. Pero cuando llegó el momento, agarró el concepto y se soltó. En vivo realmente me sorprendió”, cuenta Cristián Crisosto. “Hay temas que hay que gritarlos, como ‘El pulgar del diablo’, y otros que hay que susurrarlos, como ‘Entre la inseguridad y el ego’. Ella puede ir de un extremo a otro”, agrega.

Anthony Odgers

músico clásico, no nos sirve un improvisador y no nos sirve un rockero. El tipo tiene que estar en las tres, porque debe leer, improvisar, y rockear duro también”, dice Hirth. “Y además tiene que leer nota por nota en una rítmica caprichosa: odd metter”, completa Crisosto. La MediaBanda versión 2013-2014 se completa con Cristóbal Dahm (saxo, barítono y clarinete) y Rafael Chaparro (saxo, tenor y soprano), músicos con mayor trayectoria, pero además reúne a un contingente de nombres nuevos que en promedio bordean los 24 años: Rodrigo Aguirre (flauta y saxo tenor), Tomás Ravassa (teclados), Nico Voigth (bajo), los guitarristas Aurelio Silva y Benjamín Lechuga, y la desconocida, hasta ahora, cantante Carolina Riveros (ver recuadro). El grupo que había organizado Crisosto en 2000, tomó el nombre de MediaBanda poco después de la muerte de su compañero del grupo Fulano, Jaime Vivanco, en 2003. Fue un gesto de respeto en memoria del pianista y en recuerdo de los años universitarios de ambos, cuando en los 80 tocaban en un grupo experimental llamado Media Banda.

Hirth: “Estamos viviendo lo que vivimos en el comienzo de MediaBanda: una mística genuina. Eso se había perdido. Es buena idea trabajar así. Me doy cuenta de que el grupo de hoy suena mejor que la MediaBanda del segundo y del tercer disco. Suena como la primera MediaBanda”. –¿Qué repertorio están tocando? Crisosto: “Lo mejor de todas las grabaciones. ‘El largo camino hacia la superación de la Tras una temporada de diez estupidez’, ‘Inspiración líquida’, ‘Dr. Vertical’, meses de puesta a punto ‘La cumbia del chileno con nuevos nombres, a la medio’, ‘Nadie nos cofecha han sumado tres noce aún’, ‘Entre la inseguridad y el ego’, ‘Ya no actuaciones en escenarios soy el mismo que sería’, de cierto underground ‘El pulgar del diablo’. Nos dimos el tiempo capitalino. de estudiar el repertorio completo, así el grupo se iba empapando de la esencia de la música. Ahora estamos con temas nuevos, uno de tres compases que se llama ‘Mini mal’. Cuando uno compone le interesa conocer al músico. Yo no compongo para una agrupación con tales o cuales instrumentos, sino para los músicos con nombre y apellido, para ver qué me pueden dar”. Hirth: “No nos vamos a quedar con lo que hay. MediaBanda va por más”. Crisosto: “Y al tercer disco resucitó de entre los muertos”.

El largo camino: la discografía «Entre la inseguridad y el ego» (2004) Mientras estaba en Fulano, Cristián Crisosto había comenzado a componer en una línea más exigente técnicamente, como «Los peligrosos disfrazados». “Pero mis compañeros no me pescaron porque esos temas tenían muchas notas”, recuerda. El músico tardó más de dos años en reunir un repertorio abierto, ecléctico y antihegemónico, de catorce temas. “Cuando armé la banda no quería que tocaran músicos de mi generación. Quería pura gente joven… que me admirara”, bromea. Ese invierno sacaron «Entre la inseguridad y el ego», y al verano siguiente tocaron en el Festival Providencia Jazz. “No sé a quién se le ocurrió llevarnos allí”, vuelve a bromear Hirth.

«Dinero y terminación nerviosa» (2007) “Con ‘Dinero…’ fui feliz, porque me di cuenta de que lo que se me había ocurrido en mis noches de insomnio era posible”, señala Crisosto. “Aquí viene ‘Nadie nos conoce aún’, que es una derivación de ‘Nadie nos conoce’, un tema de Fulano que apareció en el disco ‘Trabajos inútiles’ (1997). Se puede hacer un contrapunto entre los dos grupos y ver realmente cuál es la diferencia entre Fulano y MediaBanda”, dice Hirth.

«Siendo perro» (2010) Fue el disco menos difundido de la trilogía. “Teníamos bastantes problemas con la cantante. Fue el momento en que reventó la cosa no más”, admite Crisosto, pareja de Arlette Jequier por largo tiempo. “Y, además, habíamos quedado en una especie de inercia, en un acorde sostenido, cuando nos quedamos sin pianista después del terremoto. Fue súper desgastante”, agrega Hirth. En «Siendo perro», MediaBanda anota una de las modificaciones más importantes con la salida de Jequier y la sola presencia vocal de Regina Crisosto.

“El mundo nos usó como excusa para volverse loco”, George Harrison (1943-2001), músico británico integrante de Los Beatles.

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Cine

PRESERVACIONES

omo cineteca, la Nacional debe conservar el patrimonio fílmico del país, por lo que las novedades de la programación incluyen el rescate y restauración de obras amenazadas. Entre los trabajos que la muestra exhibe hay cuatro que merecen toda la atención del público actual. «Historia de un equipo de billar» (1988) es una producción soviética dirigida por el maipucino Sebastián Alarcón (1949) durante su larga permanencia en la URSS. Pero eso no significa que esté desprovista de interés para el público chileno. Por el contrario, es un Chile reconstruido con el esmero y el cariño que impone una obligada distancia. Una de las más atractivas películas del exilio de los años ochenta. Recomendación absoluta. «Alsino y el cóndor» (1981), de Miguel Littin (1942), es una co-producción mexicana-nicaragüense basada en la novela emblemática de Pedro Prado. Un logro en su momento, con una bella actuación de la gran Carmen Bunster y una lectura política que no ahogó lo poético del relato original. Obtuvo en 1982 una candidatura al Oscar como mejor película extranjera. «Santiago blues» (1984), de Francisco Vargas, es un cortometraje deslumbrante de virtuosismo filmado en un solo plano-secuencia, lo que es una proeza en cualquiera cinematografía. Su director no volvería al cine y se dedicaría a la televisión, donde actualmente dirige «Tolerancia cero». «Historia de lagartos» (1989), de Juan Carlos Bustamante (1948), es un conjunto de tres cuentos, no igualmente logrados, pero que presentan una hipnótica visión de la región maulina y que posee una espléndida fotografía del mismo realizador.

«Historia de un equipo de billar»

Cuarto festival de la

«Cien niños esperando un tren» LOS AÑOS 80

iempos duros para el cine nacional y lo escaso que se logró producir fue obtenido contra una situación política que favorecía poco la creatividad artística. Tres títulos indispensables: «No eran nadie» (1981) fue el único largometraje de ficción (pero no mucho) del enorme documentalista Sergio Bravo Ramos (1927). Protagonizada por Rebeca Garrido y Marés González, cuenta una dramática historia de detenciones y desapariciones durante el encuentro de dos mujeres en la fiesta del Nazareno de Caguash, en la que no falla la belleza fotográfica de Bravo Ramos y su ambientación chilota. «Cien niños esperando un tren» (1988), de Ignacio Agüero (1952), es ya un clásico y uno de nuestros mayores y más entrañables monumentos fílmicos. «Los deseos concebidos» (1982), de Cristián Sánchez (1951), es la oportunidad de acercarse a uno de los filmes más atractivos y misteriosos de la vasta producción de este cineasta, desconocido por el gran público, pero que ha merecido estudios y retrospectivas en festivales extranjeros.

CINETECA NACIONAL

Se cierra con cine chileno el año 2013. Del 16 al 22 de este mes se podrán disfrutar gratuitamente películas nuestras de varias generaciones. Por Vera-Meiggs

l cine chileno ha superado con creces los tiempos de la pobreza de propuestas. Hoy ya no es el pariente pobre en la familia creativa nacional y los jóvenes entran a estudiar este arte a las universidades en cantidades poco prudentes para la realidad de los espectadores que Chile tiene. Se producen más películas que las que se estrenan en salas comerciales, pero eso no detiene el flujo de realizaciones, y la presencia nacional en las competencias internacionales ya no es una gran noticia. El mes pasado «Volantín cortao», de Diego Ayala y Aníbal Jofré, estuvo en el concurso del Festival Internacional de Roma. Y se trata “solamente” de una película de egreso de la Escuela de Cine

de la Universidad del Desarrollo. Cabe esperar para el futuro. Problemas hay y no son pocos, pero tampoco parecen abrumar a creadores y productores. Insuficiencias varias impiden eficacia en la distribución, en la promoción mundial y en los acuerdos productivos. Todavía los guiones se agotan en el esfuerzo de armar la anécdota y los directores exhiben más ganas que destrezas, mientras el “naturalismo” verbal hace estragos en la boca de los intérpretes. Pero de todos modos los logros son evidentes y a ellos la Cineteca Nacional dedica su Cuarto Festival, que es en realidad una muestra de lo más interesante, de lo más variado y de lo más permanente de nuestro cine. No necesariamente de todo, que también sería algo imposible y quizás poco atractivo.

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1. «Calafate, zoológicos humanos», de Hans Mülchi. 2. «Sibila», de Teresa Arredondo. 3. «Trapananda: en la patagonia occidental», de Ignacio Aliaga. 4.«El futuro», de Alicia Scherson.

2. Todavía los guiones se agotan en el esfuerzo de armar la anécdota y los directores exhiben más ganas que destrezas, mientras el “naturalismo” verbal hace estragos en la boca de los intérpretes. Pero de todos modos los logros son evidentes.

LOS ESTRENOS DEL 2013

an sido abundantes y varios han causado mucho revuelo. Otros han pasado sin pena ni gloria, y algunos han tenido mucha notoriedad y eso no ha impedido su inclusión en el Cuarto Festival. Es el caso de «Gloria», de Sebastián Lelio (1974), gran éxito de público, aplaudida por la mayoría de la crítica, premiada por la mejor actuación en el Festival de Berlín y actual pre-candidata chilena al Oscar a la mejor película extranjera. Junto a la actuación de Paulina García, la de Sergio Hernández también es muy notable y la amable confección general de la película explica su éxito. «Las cosas como son», de Fernando Lavanderos (1974), y «Sentados frente al fuego», de Alejandro Fernández (1971), son dos de los mejores ejemplos de la cinematografía nacional reciente, que ya oportunamente hemos comentado. «El futuro», de Alicia Scherson (1974), adaptación de «Una novelita lumpen», de Roberto Bolaño, ambientada en Roma, donde fue íntegramente filmada. La preocupación formal ahoga la vinculación emocional con los personajes, pero es una cuidada aproximación al peculiar mundo del famoso escritor nacional. En el terreno del documental –por décadas lo mejor que produjo el cine chileno–, las ofertas son de amplio registro y prometen un futuro esplendor digno de los mayores logros del género. «Trapananda: en la Patagonia occidental», de Ignacio Aliaga (1950), es de esas obras que se vuelven material indispensable para el conocimiento del territorio nacional, que tanto debiera estimularse en la educación escolar. Un recorrido por una remota región escasamente habitada, pero cuyos individuos poseen una densidad vital que suple la soledad con el ejercicio de la memoria y de las relaciones personales. Algunos de sus protagonistas resultan inolvidables.

«Rosita: la favorita del tercer reich», de Pablo Berthelon (1974), reciente ganadora del primer premio en el Festival de Valparaíso, es un retrato íntimo de uno de los personajes musicales más célebres de nuestro siglo: Rosita Serrano, el ruiseñor chileno, que efectivamente fue una de las favoritas de Alemania durante el oscuro período del nazismo, lo que no evitó su relación con los judíos. Surge un retrato cercano (el cineasta era su sobrino-nieto) y melancólico de una mujer notable. «Sibila», de Teresa Arredondo (1978), es otra mujer predestinada por la historia a estar en circunstancias excepcionales. Sibila Arredondo Ladrón de Guevara fue hija de Matilde Ladrón de Guevara y esposa de Jorge Teillier, del que se separó para casarse con el gran novelista peruano José María Arguedas, del que enviudaría. Su relación con Sendero Luminoso le costaría quince años de cárcel en Perú. Todo eso ella lo repasa delante de la cámara de su sobrina, que busca una explicación tal vez inexistente. «Calafate, zoológicos humanos», de Hans Mülchi (1967), que ya hemos comentado anteriormente, es uno de los capítulos más conmovedores de la reciente historia patagónica. Indispensable nexo entre pasado y presente. Cine chileno para conocer lo que hemos sido, lo que seguimos siendo y para soñar lo que queremos ser, en pantalla y fuera de ella.

“El negocio del cine es macabro, grotesco: es una mezcla de partido de fútbol y de burdel”, Federico Fellini (1920-1993), cineasta italiano.

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Cómic

cuando disney salió

a la superficie … y tomó aire después de varias películas animadas que fueron éxitos menores o derechamente altibajos económicos y creativos. Fue con «La Sirenita» que en 1989 hizo que la compañía recuperara su toque mágico para poner clásicos en pantalla. El debut de la cinta en Blu-ray invita a recordar cómo llegó esta bocanada que, con la vista en Broadway y los consejos del propio difunto y mítico Walt, inauguró una última época dorada.

Por rafael valle m.

Tratando de ser felices para siempre: Ariel es la hija del Rey Tritón, que quiere ser humana para reencontrarse con su amado príncipe Eric.

rase una vez unos cuentos que ya no tenían finales tan felices. Tras inventar la fórmula de los largometrajes animados y anotar varios clásicos en su hoja de ruta, en los 70 la factoría Disney empezó a mostrar cierta fatiga de material. A partir del big bang que fue «Blancanieves y los Siete Enanitos» (1938) todo funcionó relativamente bien –con taquillazos y personajes e historias instalados en la memoria colectiva– hasta «Los Aristogatos» (1970), la última cinta con la supervisión y el visto bueno de Walt Disney (1901-1966) antes de su muerte. De allí en adelante vinieron éxitos modestos (¿alguien tiene a «Robin Hood» (1973) o «Policías y Ratones» (1986) entre sus favoritas?), altibajos económicos y/o creativos estrenados a la sombra de los triunfos que se anotaban directores como George Lucas y Steven Spielberg, que estaban cambiando la industria y los gustos de la audiencia. La crisis llegó a su punto más alto con «El Caldero Mágico» (1985), que ni siquiera recuperó los costos de producción y encendió

las voces de alarma en el castillo levantado por el Tío Walt. Pero el estreno de «La Sirenita», en 1989, hizo que Disney recuperara el toque mágico e instalara un nuevo éxito gigante en su catálogo. El logro justifica la llegada de «La Sirenita» al formato Blu-ray (tras un reestreno en 3D, este mismo año), remozando en imagen y sonido la historia de la hija del Rey del Mar que quiere subir al mundo de los humanos, y que lleva a cuestas el propio viaje de sus creadores para que Disney saliera a la superficie. NODO A BROADWAY

“La Sirenita cimentó todo un renacimiento”, cuenta Jeffrey Katzenberg (1950), presidente de Walt Disney Animation Studio, en el documental «The Making of the Little Mermaid», que cuenta cómo se hizo la película, ese éxito de taquilla que inauguró la última época dorada de las animaciones Disney. El registro (incluido entre los extras de la edición en Blu-ray) muestra al orgulloso Jeffrey como general después de la batalla y también revela una turbulenta travesía por el océano. Hacer «La Sirenita» fue una lucha de animadores, dibujantes, directores y guionistas para imponer sus ideas ante un Katzenberg tozudo, desconfiado, derechamente equivocado. Al ejecutivo no le convencían los storyboards ni el ritmo del relato, creía que era “una historia para chicas” con poco gancho para otro público y tenía incluso la idea de

sacar el segmento de la canción «Parte de Tu Mundo», acaso uno de los más logrados. En él, la adolescente sirena Ariel le canta al público su sueño de conocer a los humanos y de pisar tierra firme. “Queríamos canciones que contaran la historia, que la hicieran avanzar, que movieran la trama y mantuvieran las cosas en desarrollo”, cuenta en el making of Howard Ashman, coproductor y letrista que con sus estrofas y estribillos terminó guiando la historia. Jodi Benson, la actriz que le dio su voz a Ariel, agrega: “Lo hicieron como un musical de Broadway, algo nuevo por completo. Los personajes se quedan sin palabras, ya no pueden expresarse, así que cantan”. Disney miraba a Broadway, la Meca de los musicales, y en «La Sirenita» las canciones dejaban de ser relleno, pie forzado, para ser parte medular del relato. Fue la oportunidad, además, para Sherman y su socio Alan Menken al piano, de ponerse a tono con los tiempos. «Bajo el Mar», donde el cangrejo Sebastián canta las bondades de vivir en el fondo del océano y el peligro de ir al mundo de los humanos (Oscar por Mejor Canción Original), introduce el calypso y el reggae en un soundtrack donde se cuelan también el pop y las baladas con sensibilidad radial.

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Sin dolor: en la versión Disney, Ariel pierde su voz de sirena por un hechizo de la malvada Úrsula. En el cuento original de Andersen le cortan la lengua...

WALT, EL FANTASMA

Le decían que sería un fiasco. Que nadie aguantaría más de una hora viendo dibujos animados. Pero el productor Walt Disney no se amilanó y siguió adelante con su proyecto «Blancanieves y los Siete Enanitos». En el camino se quedó sin dinero y mostró un corte en crudo a un grupo de inversionistas desconfiados que hicieron posible el estreno. Ocho millones de dólares de la época (130 de 2013) recaudó la película, la más vista de 1938. Disney se llevó aplausos, un Oscar honorario y puso la primera piedra de su imperio. Se reveló como un visionario con olfato, ávido de probar nuevas tecnologías audiovisuales, experimentar con formatos y mover los hilos de las emociones de sus personajes y de su público. «La Sirenita», el cuento original de Hans Christian Andersen, tenía un final trágico, oscuro, que a Disney, por ejemplo, no le interesaba. “No tenemos por qué ser literales”, decía Walt en sus anotaciones durante los preparativos, a fines de los años 30, de un corto animado basado en el relato. Sorpresa: el equipo que en 1985 hacía la pre-producción de «La Sirenita», el futuro largometraje, no sabía de aquel viejo intento y encontró un tesoro en los escritos y bocetos de ese trabajo inédito, que revelaba una idea muy cercana a la propia. Disney, que ya daba muestras de su gusto por esas aventuras con chicas inocentonas y malvadas mujeres maduras, por las que sus detractores lo acusarían de misoginia, apostaba por una

historia con una doncella en busca de su príncipe y enfrentada a una carismática villana en una aventura alegre, triste, romántica, terrorífica y con final feliz. La idea de los directores Ron Clements y John Musker de hacer una película como las de la vieja escuela tuvo una feliz coincidencia en las instrucciones que el fantasma de Disney enviaba desde el pasado. No tenemos por qué ser literales, asintieron los hombres de Katzenberg. Nada de que a Ariel le cortan la lengua y por eso pierde su precioso canto de sirena a cambio de convertirse en humana. La chica submarina ahora quedaría muda por la magia de la malvada bruja Úrsula, que quiere apoderarse de su alma. Nada de una protagonista muerta y convertida en humo por la dolorosa pérdida del amor. Esto terminaría con un beso y el romance eterno dentro de un castillo. Al estilo Disney. MÁGICO MUNDO DE COLORES

guidilla de éxitos. El renacimiento siguió con «La Bella y la Bestia» (1991), «Aladino» (1992), «Pocahontas» (1995) y «Mulan» (1998), entre otras. En el ramillete, «El Rey León» (1994) se convirtió en la película animada más vista de la historia, con US$950 millones. La nueva era fue generosa en ganancias y tuvo la inteligencia de conectar bien a los estudios Disney con el mundo que se globalizaba a pasos agigantados en los 90. El molde anglosajón de las historias se dejó de lado y entraron historias de princesas indígenas (Pocahontas), guerreras asiáticas (Mulan) y aventureros de Medio Oriente (Aladino). La renovada fórmula Disney apostó por ampliar la paleta de colores y mundos, y, claro, por no olvidar las canciones. Elton John puso las suyas para «El Rey León», y Phil Collins hizo lo propio en «Tarzan» (1999), el último hit de esa década prodigiosa. Con historias que se paraban fuerte sobre melodías pegajosas, la mayoría de estos filmes llegaría, curiosamente, hasta Broadway. En 1993, partió Disney Theatrical Group, que de tanto en tanto reestrena estos clásicos contemporáneos en las tablas neoyorquinas y donde «La Sirenita» es el último título a la fecha convertido en musical. Y lo que todos sabemos: Disney selló el destino de su vieja escuela al apoyar la vigorosa llegada de Pixar, que con su animación digital abrió las puertas para relegar a las películas dibujadas con lápiz y papel a un lugar secundario del que hasta ahora no pueden salir. Así, ver en 2013 «La Sirenita» y oír la envolvente melodía de «Parte de Tu Mundo», es recordar cómo la dulce voz de Ariel entonó también los acordes iniciales de un canto de cisne.

Y el final esta vez fue demasiado feliz. «La Sirenita» se convirtió en un éxito, aunque para eso hubo que hacer cirugías reveladas en el material inédito de la versión Blu-ray. Originalmente había un importante personaje secundario llamado Harold el Tritón, que no pasó de la etapa de los bocetos, y también había segmentos musicales como la «Canción de los Marineros», que voló en el corte final junto a varias otras escenas aquí reveladas. El taquillazo de «La Sirenita» aceitó la máquina para que Disney produjera una se-

“No duermas para descansar, duerme para soñar”, Walt Disney (1901-1966), director estadounidense, figura emblemática en la historia del cine de animación.

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El cangrejo Sebastián canta, al estilo Broadway y al ritmo del calypso, las bondades de vivir bajo el mar en «Under the Sea».

Dibujos del ilustrador danés Kay Nielsen, comisionados a fines de los años 30 por Walt Disney para su proyecto de cortometraje «La Sirenita».

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Teatro

SANTIAGO A MIL

Un itinerario posible para no perderse en la rica oferta teatral del próximo enero santiaguino. «Tiraniwen»

Por Vera-Meiggs

Teatro a mil

omo prueba de la blancura de una sociedad democrática está la frecuencia de sus elecciones, sin duda, pero también la libertad de su actividad teatral. Más que cantar sus virtudes, proclamadas invariablemente por el gobierno que sea, el teatro revisa los conflictos y por eso ha sufrido persecuciones a lo largo de los siglos. Para sobrevivir no ha tenido miedo de descender de los grandes templos y aventurarse a decir lo que más le urgía en la vía pública. Durante un largo período en la Edad Media europea, el teatro estuvo prohibido por la Iglesia y, por lo tanto, fueron las callejuelas de las ciudades amuralladas el escenario en que porfiadamente sobrevivió, en una plebeyía que lo nutrió de verdades indesmentibles. De a poco se acercó a las puertas de las iglesias, luego penetró en ellas y se instaló a recordar que el teatro era hijo del rito religioso y que no podía ser desconocido. Inteligentemente, la institución eclesiástica recuperó esa vinculación que alimentó al drama religioso hasta transformarlo en uno de los vehículos mayores para el siempre difícil proceso de evangelización. Así llegó a nuestro país, a hacerse mestizo y a proclamar las maravillas del Viejo y del Nuevo Mundo. Construyó salas y se volvió burgués y luego universitario. Pero hubo un tiempo, no muy lejano, en que tuvo que volver a las calles. Y las calles estaban llenas de espectadores ansiosos de escuchar lo que tenía que decir. Recordando eso es que el Festival Santiago a Mil 2014 dedica parte importante de su programación de enero al Teatro Callejero.

3 al 19 de enero de 2014. Obras gratuitas para vivir la calle, grandes espectáculos internacionales, danza y teatro hecho en Chile. Para más información, visite www.santiagoamil.cl

SUGERENCIAS PARA PEATONES

En el rubro “calle”, los logros de Santiago a Mil han sido evidentes. ¿Quién no recuerda la Pequeña Gigante, cuyo despertar tuvo de testigo a la Presidenta de la República? ¿Y las jirafas del año pasado?

«Ciudad Edipo»

En esta ocasión, Santiago estará traficado de nuevas propuestas y de hechos prodigiosos, máquinas gigantes y acróbatas virtuosos, de aquellos que no requieren del pago de una entrada o de una edad especial para ser disfrutados. La Machine es un grupo francés de la ciudad de Nantes que ha conseguido prestigio creciente desde 1999 con sus intervenciones monumentales urbanas. Traerán su nuevo espectáculo «La expedición vegetal», ya exhibido en Amberes, que consiste en la llegada de una nave espacial que viene a realizar una investigación sobre la vida de las plantas. La Machine es un cruce entre las fantasías de Julio Verne y la tecnología moderna, entre un bestiario científico y el parque de entretenciones. Habrá que esperar hasta mediados de enero para asistir a esta monumental aventura dirigida por François Delarozière. El catalán Roger Bernat, que en la versión pasada del Festival mostró los espectáculos «Dominio público» y «Pendiente de voto», que no evitaron la alusión política, ahora viene intencionado a profundizar esa línea con una intervención virtual llamada «Desplazamiento del Palacio de La Moneda», en que la participación de los espectadores es primordial, buscando a través de ello la experiencia de apropiarse del espacio más urbano posible: el político, justamente. Los chinos tienen una larga tradición de espectáculos callejeros, junto a una larga–de verdad larga– tradición teatral que nunca tuvo deuda alguna con la occidental. En ocasiones anteriores las acrobacias y malabarismos han convocado multitudes de santiaguinos hipnotizados por el virtuosismo soberano de los chinos, por eso no podían faltar tampoco en esta ocasión y el Grupo Artístico de Shenzhen será el que representará la capacidad de asombro que puede despertar ese país. María del Carmen Dongo es emblemática intérprete del cajón peruano. Una tradición

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«Víctor, un canto...»

«Bola de sebo»

musical arcana trasplantada al Perú por los negros y que ha conocido una reciente fortuna entre los jóvenes chilenos. Con su conjunto de percusiones Manomadera, la artista hará vibrar a su público. Totalmente africana es la embajada musical de Mali, remota tierra sahariana que hará llegar un afamado conjunto de música tuareg en guitarra, el Tiraniwen, cuyo éxito internacional siguió a su celebridad como expresión de rebeldía ante el propio gobierno, que desconocía la autonomía de la nación tuareg y que desembocó en una guerra civil.

«Ciudad Edipo»

POR SI… … no las vio en su estreno, se repondrán algunos de los títulos fuertes de 2013, como la aplaudida «El jardín de los cerezos», de Anton Chejov, dirigida por Héctor Noguera; el bello remontaje del clásico «Ánimas del día claro», de Alejandro Sieveking, dirigido por Nelson Brodt; y la trilogía

CLÁSICOS RECARGADOS

completa de Teatrocinema: «Gemelos», «Sin sangre»

Si lo anterior parece privilegiar lo exótico y popular, no se pueden negar otras tradiciones prestigiosas, por eso Santiago a Mil también ofrecerá tragedia clásica, desde los griegos a Shakespeare, pero pasados por el cedazo de la creatividad contemporánea. El proyecto más ambicioso, y por eso mismo muy raro de ver como conjunto, es el de unificar las cuatro grandes tragedias que tienen a Edipo y su saga familiar como centro. Es lo que promete Stephan Kimmig, director nada convencional, que fue llamado por el clásico y tradicional Deutsches Theater de Berlín para el montaje de «Ciudad Edipo», que comprende una síntesis de «Los siete contra Tebas», de Esquilo; «Las fenicias», de Eurípides; y «Antígona» y «Edipo Rey», de Sófocles. Un acontecimiento teatral de los que se ven pocos. «Antígona» también será reinterpretada en danza por el coreógrafo estadounidense Trajal Harrell, que de clásico no tiene nada y que ha sido elogiado por sus audacias, a veces transgresivas, que mezclan el travestismo con las formas de la danza callejera. La Ópera de Shanghai entregará su versión de «Hamlet» bajo el título de «La venganza del Príncipe Zi Dan», siguiendo las formas de las danzas y cantos propios de la

y «El hombre que daba de beber a las mariposas». Y esto es sólo parte del festín inigualable ofrecido entre el 3 y el 19 de enero.

«La venganza del príncipe Zi»

tradicional Ópera de Peking, pero que incorporan elementos occidentales al propio repertorio y que ha sido presentada en muchos escenarios desde su estreno en 1990. BUEN TEATRO CHILENO

Probablemente, el gesto más importante que Santiago a Mil realiza en su versión número XXI es la que se relaciona con el teatro chileno. Este año se ha evidenciado una crisis en las salas del país que ha puesto el dedo en la llaga de la subvención estatal. Hay compañías que han cerrado y otras que están en vías de hacerlo a causa de sus dificultades financieras. Por eso, la Fundación Teatro a Mil decidió subvencionar las obras nacionales que un jurado de expertos seleccionó para esta ocasión, como una forma de apoyar creaciones que no pueden perderse por falta de

apoyo. De esta forma, el trato para invitados extranjeros (debidamente protegidos por sus respectivos países) y para los chilenos será el mismo. Todos tendrán asegurado el pago de su trabajo y no deberán depender del grado de publicidad o de ventas de entradas que sean capaces de producir. Junto a esta aplaudible iniciativa, está la muestra llamada Regiones al Centro, en la que jurados regionales escogieron lo mejor del teatro de Antofagasta, Valparaíso y Concepción para exhibirlo en Santiago. Así llegarán «Los trenes se van al purgatorio», adaptación de la obra de Rivera Letelier hecha por el Teatro de la Universidad de Antofagasta; «Bola de sebo», según el célebre cuento de Guy de Maupassant, del Teatro Provincia de Valparaíso; y «Víctor, un canto para alcanzar las estrellas», de la compañía La Otra Zapatilla, de Concepción. La Panera I 27

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Tendencia

«PUNK: Chaos to Couture». Gallery view D.I.Y.: Destroy. Image © The Metropolitan Museum of Art

Contracultura, alta costura y museos

¿La gran broma

del punk?

La subcultura que se tomó el mundo en los 70 se metió este 2013 en los museos, el cine y las pasarelas. Sin embargo, muchos hablan de la “ingenuidad del punk” en su afán por cambiar el mundo. ¿No será todo lo contrario? Sid Vicious, 1977 Courtesy of The Metropolitan Museum of Art, Photograph © Dennis Morris - all rights reserved Karl Lagerfeld for House of Chanel Vogue, March 2011. Photograph by David Sims / art partner

Por Juan Carlos Ramírez F.

egún la historia oficial, el punk fue una versión anárquica del viejo rock and roll que acabó con las pretenciones del rock progresivo y con la frivolidad de la música disco. Para los constructores del mito (documentales, televisión, la revista «Rolling Stone»), todo comenzó con The Ramones en Nueva York y los Sex Pistols en Londres. Jóvenes, rebeldes y furiosos que asumieron la voz de los adolescentes que deseaban ver los valores conservadores en llamas. Con ellos, las guitarras eléctricas y la velocidad volvían a reinar, prometiendo cambiarlo todo, como con Elvis o los Beatles.

Sólo bajo esa perspectiva es comprensible la sorpresa de muchos con la exposición «Chaos To Couture» organizada por el Metropolitan Museum of Art, de Nueva York. O la aparición de la “estética punk” en las semanas de la moda o tiendas de retail. O el estreno este año de «CBGB», que –como toda cinta de rock– idealiza y retrata al club del mismo nombre, donde brillaron Iggy Pop, Patti Smith o Blondie. IDEA ACOMPAÑADA DE GUITARRAZOS

¿Pero por qué debería molestarnos el glamour del punk si desde sus orígenes fue una acción de arte que parodiaba –y conflictua-

ba– ese mismo mercado? Es decir, el punk, más que la música, era un comentario –caótico, sucio y divertido– sobre la industria que la sostiene. Y permite cosas como esta: que un fan del género se enoje porque se pone de moda, o que un joven crea de todo corazón que escuchando –y usando una polera de las bandas The Exploited o Misfits– demuestra una radicalidad frente al sistema. De cara a teóricos como Simon Reynolds (1963) o Greil Marcus (1945), el punk no fue ni una estafa ni un acto glorioso. Fue simplemente una idea acompañada de guitarrazos y de gritos. No es casual que el músico, empresario, diseñador de ropa y productor británico Malcolm McLaren (1946-2010), el polémico

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Vista de la exposición «Linder, Femme/Objet», Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 2013. Foto : Pierre Antoine

sis (la Gran Bretaña de esa época). El juego era que estaban editados por la EMI, vendían millones de discos e intentaban mantener un promedio de giras rentable. A su vez, el grupo cancelaba conciertos, se comportaba horriblemente y se autoboicoteaba en las entrevistas. ¿Podemos denunciar con tanta liviandad “la ingenuidad del punk”? UN CHISTE Y UNA METÁFORA SONORA

manager de los Sex Pistols, viniera del mundo del arte y del pensamiento situacionista (impulsor de la filosofía de Mayo del 68). Cada gesto de la banda, desde su ropa mod harapienta hasta tocar arriba de un barco en pleno Támesis (para llamar la atención sobre una supuesta censura que les impedía tocar «God save the queen» dentro de la isla), funcionaba como una instalación, dispositivo o street art. Sin temor a equivocarnos, podemos decir que, musicalmente, el punk nació paralelo a The Beatles. Efectivamente: el sonido que caracterizó al movimiento ya se practicaba en los garages de todos los adolescentes que querían sonar como ellos. El problema es que al no saber tocar tan bien y no poder comprar buenos instrumentos, las canciones se reducían a los acordes básicos y a un sonido desprolijo. Eso se llamó en su momento “garage-rock” (y luego “proto-punk”) y está muy bien documentado en compilaciones famosas como «Nuggets», que registra esa escena de grupos como The Seeds, The Sonics o The Kingsmen, haciendo caóticas adaptaciones de las bandas británicas (los primeros The Kinks, sobre todo) o ruidosos temas originales. La cosa se profesionalizó con MC5, The Stooges y New York Dolls. Los primeros, con fuerte contenido político (eran el brazo musical del “black power”) y los otros, muy sexuales. Tanto como la propuesta de Roxy Music, David Bowie y el Lou Reed del disco «Transformer». MÁS ALLÁ DE LA MÚSICA

Sin embargo, todos repetían una fórmula unificadora: guitarras saturadas envolviendo canciones que luchaban entre la raíz blues y la melodía pop. Nada muy distinto a lo que se conoció oficialmente como punk, desde los Ramones a Green Day. Incluso los géneros

que fueron surgiendo después –como el hardcore o el thrash metal– partían de esa base, pero incrementando la velocidad y la disonancia. Lo que convierte algo en punk, entonces, no es su música, sino su estética. O dicho de otro modo: la música en el punk es sólo la cobertura. El fondo está hecho de otra cosa. Eso es precisamente lo que han recalcado espacios como el Museo de Arte Moderno de París y la Tate de Liverpool en sus exposiciones 2013: «Linder Sterling» y «Glam! Representación de Estilo», respectivamente. Es en el juego con la decadencia, la puesta en conflicto de los valores sexuales, el feísmo como algo estético y el cinismo frente al mercado, donde se percibe la naturaleza del movimiento punk, desde su eclosión en 1977 (considerado “el año cero”) hasta bien entrados los noventa con el boom de Nirvana, la cultura “alternativa” y el coqueteo con MTV. Eso es lo que vuelve interesante la operación de MacLaren ya citada. El tipo quiso convertir a un grupo de chicos londinenses que hacían covers de Alice Cooper y de Modern Lovers en un happening cultural como los que él mismo disfrutó en 1968. Fuera de contexto, los Sex Pistols pueden escucharse como una banda de pop ruidoso y con letras irreverentes (aunque no debemos olvidar que en «Bodies» cantaban contra el aborto, asumiendo la voz del bebé que grita “¡no soy un animal!”). Pero en 1977, con la actitud del bajista Sid Vicious o con la demencia impostada del cantante Johnny Rotten, realmente se veían peligrosos. O como una patada de realidad frente a un país que estaba en cri-

Si revisamos los números especiales dedicados al movimiento a fines de los años 70 en la prensa musical, podemos apreciar al menos dos estéticas en permanente diálogo: la estadounidense, con sus chaquetas de cuero, peinados estrafalarios y actitud despreocupada, versus la inglesa, con pelos cortos, accesorios y pendenciera. Aunque grupos como The Jam y Buzzcocks apelaban a otros peinados o ropa, ya había quedado instalada en la cultura juvenil cierta vestimenta que ayudaba a configurar una actitud que se resume en el “no future” de los Sex Pistols. Al contemplar cómo las tiendas de ropa estampan la figura de los héroes icónicos del movimiento, mientras, al mismo tiempo, desfilan por las pasarelas modelos que reinterpretan el look de Patti Smith en «Horses», o de Siouxsie Sioux, nuevamente la idea del punk como “dipositivo” vuelve a emerger. Porque, ¿no es interesante que una estética que surge desde la no-moda termine incorporada al flujo de la alta costura o al diseño? Es decir, el underground acoge una estética determinada; luego, se empieza a desarrollar en la clase media, adquiriendo significantes apariencias (se dijo que el peinado con crestas era una parodia del peinado de la Estatua de la Libertad); enseguida es domesticado y embellecido por la élite y finalmente se simplifica y convierte en moda. Es el mismo proceso por el que cualquier subcultura (mods, skinheads, thrashers) termina siendo absorbida por el mercado dominante, en definitiva. Entonces, lo genial del punk es que funciona como una metáfora sonora de cómo una industria es capaz de convertir lo callejero en una moda que, a su vez, se nutre de retratar este conflicto infinitamente. En tiempos de movimientos sociales globales, comunicación instantánea y crisis, no es casual que volver a la broma punk sea una necesidad. Aunque curadores, diseñadores o modistos no entiendan del todo el chiste.

“El día que leí que el alcohol era malo para la salud... dejé de leer”, Jim Morrison (1943-1971), poeta, compositor y vocalista de The Doors.

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María Teresa Herreros

Destinos

Conocida por ser una de las ciudades universitarias más importantes del mundo, en ella se respira historia en cada rincón y, pese a ser una localidad pequeña, siempre ofrece lugares con encanto por descubrir. Por María Teresa Herreros

Desde Londres

u nombre se pronunció y se leyó un millón de veces en el mundo en la tarde del 29 de abril de 2011, cuando, inmediatamente después del matrimonio del Príncipe William y Kate Middleton, la Reina Elizabeth II de Gran Bretaña les confirió el título de Duques de Cambridge (*). Y continúa estando “de moda” en vinculación con la familia real inglesa, últimamente con el nacimiento del pequeño Príncipe George de Cambridge. Mientras tanto, en esa pequeña ciudad, situada aproximadamente a 80 km al sudeste de Londres, pareciera como si nada hubiera cambiado durante siglos, aunque lo cierto es (*) El ducado de Cambridge es un título nobiliario destinado solamente a sucesivos miembros de la familia real británica. Fue otorgado por primera vez en 1660 para designar a Carlos Estuardo, hijo mayor de Jacobo, Duque de York, que más tarde debía reinar como Jacobo II. El actual poseedor, el Príncipe William, es el quinto Duque de Cambridge.

Cambridge… ¿de moda? que ni la ciudad ni la Universidad han permanecido inmutables. Al visitarla, ojalá sin prisa, uno no puede sino maravillarse ante tanta belleza y sobrecogerse al recorrer lugares donde vivieron, pensaron y crearon tantas figuras excepcionales de la cultura occidental. Así como lo hacemos ahora, hace ya más de tres siglos hubo días cuando John Milton, recorriendo sus parques y claustros, dio forma a parte de su «Paraíso Perdido»; o Isaac Newton, a su teoría de la gravitación universal en un período que él mismo llamó “su época más fecunda de invención”. En su momento, Henry James escribió: “Si me pidieran mencionar la más bella esquina del mundo, daría un suspiro pensativo y apuntaría en la dirección del jardín de Trinity Hall”. Cambridge es una notable fusión de lo antiguo y lo moderno, de los residentes y los estudiantes (town and gown), de las comunidades de los Colleges y de las instituciones académicas. Es un fruto de la evolución más que de un plan deliberado. Es ciertamente mucho, mucho más que un

atractivo turístico como puede dar la impresión a quienes deciden visitarla atraídos por la imagen del esplendor de la arquitectura de los Colleges. Cambridge es la sede de una de las universidades más antiguas y prestigiosas del mundo, que en 2009 cumplió 800 años de historia y que es tanto un tradicional enclave de estudios clásicos como un moderno complejo de centros de investigación (en el que sobresale el Laboratorio Cavendish, donde Francis Crick y James D. Watson produjeron su famoso paper sobre la estructura del ADN (descubrimiento que ellos anunciaron en «The Eagle Inn», el 28 de febrero de 1953). En ella se combinan la enseñanza, la investigación y la reflexión sobre todos los grandes temas de las artes y las ciencias al más alto nivel académico. Sus logros continúan hasta hoy transformando y beneficiando a la humanidad. Aun cuando seis de los primeros Colleges fueron fundados por mujeres, como Lady Elizabeth de Clare y Lady Margaret Beau-

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Fitzwilliam Museum

Fotos: Creative Commons Attribution

King’s College Chapel West

Capilla del King’s College

Biblioteca Trinity College

fort, todos permanecieron como instituciones masculinas durante siglos. Sólo a contar de 1860 se permitió contraer matrimonio a sus académicos. Aunque se crearon dos colegios femeninos en la década de 1870, ellos no fueron reconocidos como parte integral de la Universidad sino hasta mucho después. Sólo en 1881 las mujeres pudieron dar los exámenes de Cambridge y en 1916, forzados por las circunstancias de la Primera Guerra Mundial, se les permitió tomar exámenes médicos. Pero debieron esperar hasta mediados del siglo XX para tener pleno acceso a los grados y funciones académicos. Para destacar esto se otorgó un grado honorario a la entonces Reina Madre Elizabeth. La Universidad en la actualidad alberga a 31 Colleges, diferentes Facultades, y edificios administrativos y ceremoniales. Tiene una Biblioteca, un Jardín Botánico, un Hospital, una Editorial, un Teatro (que se abrió en 1936 por iniciativa de un grupo de estudiantes aficionados al arte dramático encabezados por el que sería destacado economista, John Maynard Keynes), en cuyo estreno bailó Margot Fonteyn. También ocho museos, siendo el principal el Fitzwilliam Museum, que contiene una importante colección de pinturas (Tintoretto, Rubens, Van Dyck, Gainsborough, Cézanne, Monet, Renoir, entre los principales), y más de medio millón de antigüedades de categoría internacional, como monedas y medallas, manuscritos, miniaturas o cerámicas. La Senate House es el centro ceremonial

de Cambridge, donde se confieren los diferentes grados ante distinguidos visitantes, y se toman importantes decisiones que afectan a la Universidad. Además, se dictan clases magistrales. También allí, en listas ubicadas en la pared sur, se informa sobre el resultado de sus exámenes a los estudiantes, los que concurren en vestimenta académica a recibir su diploma de graduado de la Universidad de Cambridge en ceremonia solemne cuando el Vice-Canciller pronuncia su discurso en latín. Los alumnos de pregrado viven, se alimentan y comparten en su College, donde dividen su tiempo entre tutorías individuales y enseñanza en pequeños grupos, método considerado como uno de los mejores modelos educativos. Actualmente, los estudiantes de tiempo completo alcanzan a 18.000. WHO’S WHO DE LA INTELECTUALIDAD

De entre los treinta y un Colleges, uno de los más grandes y ricos es Trinity College (1546), fundado por el Rey Henry VIII. La lista de sus alumnos destacados parece el Who´s Who de la intelectualidad británica, entre ellos están Francis Bacon e Isaac Newton, Bertrand Russell y Ludwig Wittgenstein, Lord Byron y Alfred Tennyson, William Thackeray y Vladimir Nabokov, sin olvidar por supuesto a Jawaharlal Nehru. Y sin dejar pasar a los tristemente célebres espías Guy Burgess y Anthony Blunt. Su edificio es imponente en las formas típicas de Cambridge,

“Dios y mi derecho”, emblema de la Reina Isabel II de Inglaterra, bisabuela del pequeño Príncipe Jorge de Cambridge.

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IMPRONTA DE UN GRANDE Mención muy especial merece Sir Christopher Wren (1632-1723), el más grande arquitecto inglés, en su vinculación con Cambridge, donde permanece su impronta en el diseño de las capillas de Pembroke y de Emmanuel Colleges, y en la Biblioteca de Trinity College, una de sus más bellas obras fuera de Londres. A él le fue entregada la responsabilidad de reconstruir las 52 iglesias dañadas por el Gran Incendio de Londres de 1666, incluyendo la Catedral de San Pablo, su obra magna.

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PREMIOS NOBEL Intelectuales afiliados a la Universidad de Cambridge han ganado más Premios Nobel que los de ninguna otra institución del mundo y en todas las categorías de este galardón: 89 en total: 29 en Física, 26 en Medicina, 21 en Química, 9 en Economía, 2 en Literatura y 2 Premios Nobel de la Paz. 32 de ellos pertenecientes al Trinity College, más que ningún otro de Cambridge. Y el ganador del Premio Nobel de Química en 1958 y 1980, Frederick Sanger (de los colleges St. John´s y King´s) fue la cuarta persona del mundo en recibir dos de estos galardones (los tres anteriores fueron Marie Curie, Linus Pauling y John Bardeen).

con importantes capilla y biblioteca como las de ser un lugar relajado, donde las actitudes tienen todos los Colleges. Como dato anec- liberales y la tolerancia con la informalidad se dótico, su patio interior –el más amplio de combinan perfectamente con sus altos estánEuropa, con circunferencia de 360 metros– dares académicos. fue escenario de la famosa carrera del filme Debemos referirnos al Magdalene College «Carros de Fuego», donde los atletas deben (1542), llamado Maudelyn, donde alojamos recorrer el perímetro antes de que el reloj de en un austero dormitorio, cuya ventana perla torre haya tañido 24 veces. El récord lo te- mite observar las de la residencia que ocunía Lord Burghley desde 1927 y fue batido pó C.S. Lewis entre 1955 y 1963. Quienes en 1988 por Steve Cram y Sebastian Coe. nos recibieron confirmaron que los docentes Este último gran medallista olímpico y mun- mantienen hasta hoy la tradición de comer a dial, ya con el título de Sir Sebastian Coe, la luz de las velas. Probablemente así lo hiciepronunció el discurso inron ahí el propio Lewis, augural de las Olimpíala Universidad de T.S.Elliot o Michael das de Londres 2012. Ramsey, quien fuera ArCambridge habría sido Verdaderamente magzobispo de Canterbury. fundada en 1209 por nífica es la gran capilla del Tuvimos la oportunidad King´s College (1441) de recorrer su famosa académicos que huyeron punto focal –y con toda biblioteca Pepys, consde Oxford tras una razón– para todo visitantruida en hermosa piete de Cambridge, un perdra blanca de Keton bajo reyerta. Enrique III les fecto ejemplo de arquiel lema “Garde ta Foy” concedió el monopolio tectura gótica tardía de (mantén tu fe). Europa. Las estilizadas Maudelyn experimende la enseñanza en aquel columnas de su interior tó una expansión mayor lugar en 1231. crean una impresión de a principios del siglo paaltura y grandeza, finalisado bajo la Rectoría de zando en la hermosa y delicada decoración de A.C. Benson, a quien se recuerda también abanicos del techo, a la usanza de la arquitec- por haber escrito la letra de «Land of Hope tura gótica inglesa. En las ventanas se aprecia and Glory», que los británicos cantan de pie una de las mayores y mejores colecciones de como un himno nacional. En la vereda del vitraux del siglo XVI. Detrás del altar se ubi- frente de Maudelyn permanece desde el siglo có recientemente la hermosa “Adoración de XVI la encantadora Pickerel Inn, la más antilos Reyes Magos”, de Rubens, donada por un gua taberna de la ciudad, y cruzando el inmebenefactor anónimo. El gran órgano del siglo diato puente está el principal embarcadero de XVII se usa frecuentemente en servicios, re- las barcazas que recorren el río Cam. citales y conciertos, incluyendo el de los ViNo se puede visitar Cambridge sin dar un llancicos de Víspera Pascual con la actuación paseo por el río en lanchones impulsados con del Coro de Jóvenes y Niños de King´s Co- pértigas por jóvenes residentes que cuentan la llege, de prestigio internacional. Cada colegio historia, a menudo a su manera. No importa tiene su propia tradición y atmósfera. Algu- las veces y los lugares en que hayamos navenos más formales, otros más distendidos. A gado por hermosos canales, no hay otro con pesar de su grandeza, King´s no tiene mayor tanto encanto como éste, especialmente a la cantidad de alumnos. Goza de su reputación hora en que baja el sol.

Fotos: María Teresa Herreros

Destinos

PERSONAJES Cuando comenzaba el siglo XVI, Erasmo de Rotterdam (1466-1536), siempre inconformista, se lamentaba en Cambridge, mientras preparaba su edición del Nuevo Testamento Griego: “No puedo salir a la calle por la peste… me acosan los ladrones y el vino no es mejor que el vinagre… No me gusta en absoluto la cerveza de este lugar”. Oliver Cromwell (1599–1658) estudió en el Sidney Sussex College. Posteriormente, en tiempos de la Guerra Civil, siendo Lord Protector volvió a Cambridge a instalar una guarnición para soldados, espacios para almacenar materiales de construcción y apresar al Rector de su antiguo College. Después de su muerte y habiendo sido decapitado póstumamente, su cabeza fue preservada. Siglos después, en 1960, el Sidney Sussex College aceptó recibirla en una caja de madera y enterrarla en un lugar que nadie conoce. Charles Darwin (1809-1882) escribió: “No seguí ninguna actividad en Cambridge con más entusiasmo ni hubo ninguna que me diera más placer que el coleccionar escarabajos”.

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Literatura

LA MULTIPLICACIÓN DE LAS

CAPITALES CULTURALES POR LINA MERUANE

Desde Nueva York

ARÍS ES AHORA LA AÑEJA

capital cultural de América Latina. Berlín ha sido desde hace algunos años la posible sucesora del mítico centro del deseo literario latinoamericano, pero no ha llegado demasiado lejos. En los tiempos ultra capitalistas que corren, esa posta parece haberla tomado Nueva York, ciudad de la paradójica fundación de Nuestra América (Martí dixit). En todos mis años, que ya son muchos, viviendo en esta ciudad he advertido que la insistente repetición de esta idea parece haberse hecho cierta en nuestras desaforadas imaginaciones sudacas.Y es cierto que por esta metrópoli pasan y a veces se quedan (o nos quedamos, provisoria o definitivamente) muchos artistas de todos los campos de la cultura. Es cierto que con esos escritores y poetas, con esos cineastas y artistas visuales, con esos compositores y jazzistas, han ido apareciendo también minúsculas empresas que difunden aquí esas obras y las ponen no sin esfuerzo a circular. Para que no se cierre en la lengua ingle- los talleres de escritura creativa en castellano se sa o en la traducción el diálogo alrededor de lo siguen multiplicando. Es cierto: algo está pasando. Y una se siente nuestro. Para generar encuentros y debates en torno a las producciones culturales de cada país, demasiado cerca para calcular sus dimensiones. de cada foco de irradiación de cultura. Para abrir Una podría hablar de capitales culturales o de puentes siempre colgantes, siempre en peligro desbarrancaderos e igualmente equivocarse. Me de ser derruidos (porque acá no hay temblores pregunto, sin embargo, si no será que precisamente porque no vemos claramente la compleja pero hay huracanes). Cualquiera noche una puede ir a ver una pe- realidad del mundo latinoamericano le asignalícula de alguno de nuestros países. Otra noche, mos un nombre excesivamente festivo que terasistir al lanzamiento de una novela argentina en mina por borrar lo que preferimos no ver. Si será acaso porque nada es tan la ya emblemática librería fácil, porque nada se logra McNally Jackson del bajo SI UNA SE FIJA CON CUIDADO, aquí sin esfuerzo, porque Manhattan o sumergirse NOTARÁ QUE AUNQUE LA ese enorme esfuerzo geen un seminario de dos nera comunidades ante lo días sobre la actualidad ENERGÍA LATINOAMERICANA adverso, preferimos pencultural del Caribe. Una ES FUERTE AQUÍ, LA VIDA sar en Nueva York como puede ser invitada a hablar una glamorosa capital de la de su último panfleto o CULTURAL ANGLOSAJONA cultura. Le pinchamos una de su obra maestra o de su poemario inédito ante SIGUE SU CURSO SIN PRESTARLE bandera y sonreímos para la foto. Decimos o escribilos entusiastas asistentes MUCHA OREJA A LOS mos en las páginas efímede un club de lectura en el ESCRITORES DEL CASTELLANO. ras de las redes sociales, así, sótano de una librería de con mayúsculas (mayúscuBrooklyn, y conocer casualmente a los editores venezolanos de Sudaquia las en vez de exclamaciones) que Nueva York o a los editores chilenos de Sangría o al editor es La Nueva Capital Cultural de América Latina. colombiano de Arte Poética. Esa misma sema- Alguien anota en esas redes “que Nueva York es na una podría acercarse, si quisiera, a escuchar a a la literatura en español actual lo que el París de Mario Vargas Llosa o a su traductora en City Co- los 50 fue a la generación del Boom”. París está llege de la Universidad Pública de Nueva York o sin duda más lejos y desde la distancia geográfica al Che de los Gays (el gran Víctor Hugo Robles) y temporal una puede preguntarse qué clase de en algún recinto de la Universidad de Columbia. capital cultural pudo ser París para los escritoUna podría toparse, caminando por Harlem, con res latinoamericanos de esos años (y qué decir Álvaro Enrigue (reciente ganador del Herralde) para las escritoras). No pocos se quejaban de mientras el número de mexicanos, trabajadores ser tratados como ciudadanos de segunda clase, indocumentados de Puebla, la mayoría, o una mi- portadores de una lengua que no alcanzaba el noría de letrados y connotados autores como prestigio literario que requerían las editoriales. Valeria Luiselli, continúa aumentando. Oigo que Severo Sarduy se desesperaba ante esa realidad

excluyente, pese a que él hablaba con perfecto acento parisino. Y esa realidad parisina no es tan diferente de la neoyorquina. Si una se ﬁja con cuidado, notará que aunque la energía latinoamericana es fuerte aquí, la vida cultural anglosajona sigue su curso sin prestarle mucha oreja a los escritores del castellano (y qué decir de los escritores que incurren en localismos). Los editores estadounidenses no leen nuestra lengua –ni una sola palabra fuera del sabroso campo semántico que nombra ciertas comidas, ciertos tragos favorecidos–; esperan, por eso, que sea algún editor británico o parisino o español quien les sugiera a un autor, o que sea un traductor devoto el que emprenda el arduo trabajo de convencimiento editorial. Entonces, ¿qué hay de verdadero en estas idealizaciones que rezan París o Berlín o Nueva York como capitales culturales nuestras? ¿No habrá ahí una angustia post o neocolonial de inscribirse latinoamericanamente en la vida cultural ya no sólo de Manhattan sino que del mundo? ¿Cómo podríamos pensar que la nueva capital cultural de América Latina sea este minúsculo ghetto que habla y escribe en una lengua considerada poco culta y sobre todo foránea? ¿No sería más centro cultural latinoamericano Buenos Aires o la Ciudad de México que Nueva York?, me pregunto, y de inmediato me contesto que no: elevar de este modo cualquier capital latinoamericana sería incurrir en el mismo centralismo del que pecan las elegías a Manhattan o París y Berlín, insistir en un centralismo que imagina la cultura como efecto de un emplazamiento y no de los azarosos recorridos reticulares por diversos espacios de la cultura. ¿No deberíamos empezar a pensar en todos esos espacios nacionales como puntos de apoyo de la heterogénea capital cultural que es América Latina?

LINA MERUANE es autora de «Fruta Podrida» y «Sangre en el Ojo», entre otras obras de ficción, y «Viajes Virales» es su reciente libro de ensayo. Ha recibido los premios literarios Sor Juana Inés de la Cruz (México) y Anna Seghers (Berlín). Enseña literatura universal y cultura latinoamericana en la Universidad de Nueva York.

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Literatura

Los mundos infinitos, y

el único, de Alice Munro Por Jessica Atal K.

na madre enérgica y avasalladora, maestra de escuela hasta que enfermó de Parkinson cuando su hija Alice tenía doce años. Un padre dedicado, en la granja familiar, a la crianza de zorros y luego a la de pavos cuando el primer negocio no prosperó. La vida austera en el campo; primero, en los años de la Depresión, y después, durante la Segunda Guerra Mundial. Las pequeñas habladurías en un pueblo presbiteriano, donde lo que las mujeres dicen poco o nada importa, dedicadas al cuidado de la casa y de los hijos las casadas, y a trabajos menores, las más jóvenes. Este fue más o menos el entorno donde creció la canadiense Alice Munro (1931, Wingham, Ontario), ganadora del Premio Nobel de Literatura 2013. Quien fuera descrita alguna vez en la prensa local de su país como dueña de casa dedicada a escribir cuentos en sus horas libres, se hizo conocida en el mundo entero como la «Chèjov canadiense». Munro escribe con una delicadeza engañosa, pues no nos enteramos en qué momento esa sencillez expresiva nos termina conduciendo hasta profundidades insospechadas del alma. Sostiene Ralph W. Emerson (18031882): “El constructor de una oración, como todo artista, se lanza al infinito y construye un camino en el Caos y en la vieja Noche. Quien (…) aprehende el infinito (…) concentra todo valor y significación en el lugar del espacio en el que se encuentra, sea una zanja, un campo de papas, un banco de trabajo. (…) Y en consecuencia, también cada buena oración parece implicar toda verdad”. Este revelador pensamiento del escritor, filósofo y poeta estadounidense sobre el arte

de escribir es perfecto y exacto para apreciar la narrativa de Alice Munro, donde si bien coexisten el miedo y el dolor y los finales no son necesariamente felices, sus historias siempre nos enfrentan al entendimiento agudo del mundo, a su verdad. Generalmente, las protagonistas de sus historias son mujeres infelizmente casadas o infelizmente solteras. No importa el estado civil. Lo fundamental es esa sensación de una vida carente de importancia, de sentido, de trascendencia, detrás de rostros abnegados, reprimidos, inocentes, estúpidos a veces o, simplemente, como la protagonista de «Prue» (de «Las lunas de Júpiter»), una chica que trabaja como camarera en un hotel y después en una florería, quien parece no tomarse muy en serio, y es percibida como poco vehemente y civilizada, pues nunca formula ninguna petición ni queja auténtica detrás de sus desvanecidas esperanzas o sueños ridículos en un mundo donde todo se altera de un modo grotesco sin que haya jamás explicación. ¿Feminista? No. No se trata de eso. Alice Munro escribe desde la autonomía del ser, concentrada en lo que sea que cautive su atención. ¿Qué exactamente? La vida misma, la cotidianeidad y la rutina, entre sueños y esperanzas desvanecidas o “desastres cósmicos” que nunca están libres del drama y la violencia. Podemos afirmar que lo que más ha observado esta escritora es justamente mujeres y sus relaciones humanas, obviamente porque es una de ellas. Allí reside su inmensa virtud. En esa asombrosa capacidad de observación y su prodigiosa memoria. Una observación que va mucho más allá de la superficie evidente de los hechos y que muestra el lado oscuro de lo que a simple vista resplandece en ambientes donde no parece ocurrir nada más que la sucesión de días y noches, en un estilo que

equilibra ternura y fiereza, siempre atravesado por un sentido íntimo de compasión por seres comunes y corrientes, sobre todo vulnerables, pues la culpa y la vergüenza son dos fuerzas poderosas que mueven a sus personajes. COSAS MÁS IMPORTANTES QUE LA MUERTE

Una mujer que labora en un hospital de niños tuberculosos. Una tímida joven que comienza trabajando como cajera en un cine. Una mujer de 45 años que se desempeña como directora editorial, pero que no se atreve a mencionar su oficio de poeta y viaja sola. Una mujer que se enfrenta al macabro crimen de sus tres hijos. Matrimonios que a último momento fracasan, pero está bien porque el amor no es amable ni honesto y para nada contribuye a la felicidad en la vida. Jovencitas ávidas por conocer el sexo y desafiar la autoridad de padres e iglesias. Mujeres todas, eso sí, que viven rodeadas de hombres, todos con algo de bueno y de malo, creando claroscuros en las vidas de estas protagonistas, que tienen o no tienen hijos, que trabajan fuera o dentro

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cial la naturaleza. Paisajes inmensos y vírgenes, con cielos estrellados y ríos, regalados con una flora y una fauna salvaje, logran dar cierta contención a quienes en su mayoría nacen y mueren sin haber salido jamás de sus pueblos natales. Sin embargo, como ocurre en la literatura de corte costumbrista, la naturaleza se transforma repentinamente en un feroz y perverso enemigo. Se pasa hambre y frío y esos parajes con flores silvestres y gruesos y erguidos árboles se vuelven de pronto un escenario corrupto y enloquecedor. La mayoría de los relatos de Munro se ambientan en pequeñas localidades de la provincia de Ontario –donde creció–, en pueblos unos iguales a otros. Hay dos factores claves en el desarrollo de una historia: el “momento” y el “misterio”. Como revelara en una entrevista publicada en «The Observer», en 1987, hay ciertos “momentos” de la vida que la preocupan, que no los pierde. Los visualiza, cada detalle, ya sean provenientes de su propia vida, de alguna anécdota familiar o comunitaria. Rescata esos instantes. Pero esa no es la parte difícil, sino lo que viene a continuación: construir la historia alrededor de esta imagen. Aquí entra el segundo factor clave en su escritura: el misterio en la atmósfera. Un misterio saturado de olores, de recuerdos, de ideas que revisten los muros de una casa vieja, los gestos y ropas, los caminos de tierra, el mismo silencio que se percibe como otro elemento esencial en su literatura. Un último aspecto donde detenernos es La vida austera en el campo; primero, en los años de la su manera de titular Depresión, y después, durante la Segunda Guerra Mundial. Este sus libros: «Demasiada felicidad» o «Mi fue más o menos el entorno donde creció esta canadiense vida querida» sugieren ganadora del Premio Nobel de Literatura 2013. Quien fuera mundos idílicos, en los que nada malo puede descrita alguna vez en la prensa local de su país como dueña suceder. Sin embargo, de casa dedicada a escribir cuentos en sus horas libres, se hizo nos encontramos con personajes comunes y conocida como la “Chèjov canadiense”. corrientes, no carentes de desdichas, con sus la relación entre madre e hija. Las conversapequeñas alegrías y sus pequeños logros. Así ciones en la cocina frente a una taza de té o de y todo, Alice Munro logra comunicar una una copa de vino dejan entrever la melancolía gratitud hacia la vida que, a fin de cuentas, de vidas traspasadas por un sufrimiento ines la única que tenemos. En este sentido, evitable, no grotesco sino callado, o el morbonada hay más preciado. Nuestra naturaleza so pecado impuesto por la religión que, como es magnánima y Dios, si creemos en Él, toconfiesa Del en la novela «La vida de las mudopoderoso, pero no por ello capaz de evijeres», hacía que el paraíso fuera “precisamentarnos el sufrimiento o la injusticia. Sólo nos te lo que no podíamos ver ni oír, y a veces ni ayudan, y a veces de manera extraordinaria, siquiera imaginar, debido a las llamas que se una y otra fuerza –y que puede ser la misretorcían en el foso, y el humo del pecado que ma-, a sobrellevar los momentos difíciles. se elevaba a nuestro alrededor”. Exactamente eso es lo que logra la lectura Juega en la prosa de Munro un papel esende la magistral obra de Alice Munro.

del hogar y que elaboran pensamientos propios, aunque se los guarden para ellas. Porque son tiempos en que predomina la creencia de que a la hora de enfrentarse al espectáculo nocturno de la luna, ellos reflexionan sobre el Universo, su inmensidad y su misterio, mientras que ellas, ante el mismo espectáculo, sólo piensan en que tienen que lavarse el pelo. Sí, es un mundo controlado por hombres que van a la guerra, que trabajan en el campo, que se relacionan con sus mujeres feliz o infelizmente de modo sorpresivo e inesperado en los siempre extraordinarios –dentro de lo ordinario– mundos de Alice Munro. La autora no quiere imponer modos de ser ni de vivir. Interpreta lo que ve, vida y muerte en toda su complejidad, haciéndonos notar que ocurren cosas aún más importantes que la muerte (algo de todos los días), porque la existencia no se detiene. Su prosa tiene la capacidad de atrapar esos momentos reveladores –instantes en que se definen destinos o caracteres–, y recrear alrededor de ellos perfectas historias. Una muerte, un crimen, una enfermedad; puede ser un amor adolescente o

“La felicidad constante es la curiosidad”, Alice Munro.

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Literatura

MUCHO MÁS QUE

SOMBRAS CHRIS HEYERDAHL

Beatriz García-Huidobro publica el volumen «Hasta ya no ir y otros textos», cuatro pulidas nouvelles que llevan el sello distintivo de la escritora. La que titula el libro, ﬁnalista del Premio Sor Juana, es ya un clásico, escrito hace casi dos décadas, y se reedita aquí.

Extracto de «Hasta ya no ir»: “Cada día yo debo cruzar el potrero para llegar hasta mi casa. Hago el camino corriendo. Alguna vez me imaginé que el diablo me perseguía y no puedo desprenderme de esa impresión. El viento que voy cortando se me pega a la espalda y envuelve mi cuerpo de un modo aterrorizante. Al acercarme a su verja disminuyo la carrera desbocada que llevo. Él siempre está ahí. Yo sé que no faltará jamás. Inútil habría sido evadirlo. Así es que paso frente a su puerta caminando con un aire distraído. Don Víctor me sonríe desde el portal. Yo finjo sorpresa al descubrirlo en ese lugar habitual. Y le sonrío con una mueca incontrolable. -Ven- me dice. Pero podría permanecer silencioso y yo lo seguiría del mismo modo al interior de esa casa fría y clara. Antes me preguntaba cosas mientras sus manos recorrían mis piernas. Después ya no. Apenas entro, me abraza y avanzan sus manos urgentes por todos los caminos. El viento suena lejano. El sol, al ponerse, tiene un nuevo resplandor encandilante que muere junto con nacer. Un atardecer denso y gris se cuela por las ventanas cerradas. El polvo ya se ha levantado cuando me voy”.

POR NICOLÁS POBLETE PARDO

n su ya contundente carrera como narradora, Beatriz García-Huidobro ha sabido mantener un lugar sólido durante casi dos décadas de producción literaria. Esta escritora es sin duda un caso único en nuestro circuito, gracias a su interesante perfil multifacético: además de su fiel contribución a la casa editorial LOM, donde comenzó a publicar a mediados de los 90, García-Huidobro se ha adentrado en la composición de novelas para niños, trabajado como profesora y periodista. Sus reseñas en el portal «Vuelan las plumas» destacan por su aguda mirada y atenta lectura, y, como editora, ha gestado diversas compilaciones, notablemente «.cl- Textos de Frontera» (junto a Andrea Jeftanovic), un proyecto monumental que incluyó a cincuenta voces nacionales, publicado en 2012 por la Universidad Alberto Hurtado. Su versatilidad se ha plasmado en novelas como «Sombras nada más» (1999). En ella la autora despliega su talento para crear nítidas atmósferas, haciendo uso de un lenguaje destilado, descubriendo el mundo interior de una mujer solitaria que contrasta con el telón de fondo de una sociedad en la que los valores han sido reemplazados por la superficialidad, las mascaradas y la impotencia. En su nouvelle «Nadar a oscuras» (2007), la voz narrativa ejecuta un contrapunto entre la visión de una niña con la de una anciana que rememora su vida. El correlato nos muestra una ciudad minera y empobrecida, confrontada con la modernidad agresiva que depreda el terreno con

sus industrias. Por otra parte, García-Huidobro ha experimentado con el microrelato. Los cuentos en «Café Turco» (2009) son ejercicios de contención de lenguaje y forma, “hasta llegar a ser una manera válida de encontrar el modo de moverse con libertad en un espacio estrecho y exacto”, explica la autora. EL ABUSO, MOTIVO MÁS PROFUNDO

Recientemente Beatriz lanzó «Hasta ya no ir y otros textos». Esta recopilación esencial para familiarizarse con su narrativa, incluye cuatro nouvelles. La que da título al volumen es un poderoso relato ambientado en el campo, y en 1997 fue finalista al premio Sor Juana en México. –¿Cómo surgió la idea de hacer un volumen de tus textos, incluyendo «Hasta ya no ir»? ¿Hiciste algún cambio para la reedición? “Excepto un par de mínimos motes, no cambié nada. Un texto es lo que fue y si uno empieza a reescribir, finalmente puede obtener un engendro”. –«Hasta ya no ir» comienza con una cita de Samuel Beckett. De hecho, el título surge de su narración «Manchas en el silencio». ¿Cómo usas este intertexto? “Eso se basa más que nada en mi admiración por Beckett, quien tensó el lenguaje de un modo tan absoluto y fue capaz de generar universos en brevísimos escritos. Esa imagen me conmueve mucho, es muy visual, transmite lo que quisiera expresar”.

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–Esta es una novela donde la narración ha sido destilada. El tono es económico, sin juicios, y algunos pasajes son asombrosos en su impacto poético. Recuerda cierta literatura europea: Peter Handke, Herta Müller, Agota Kristof. “¡Ojalá así fuera! Son tres autores que admiro mucho, los mundos angustiados de Kristof, la primera Müller y sus pueblos desgarrados, la inteligencia aplastante de Handke…”. –Eres una lectora voraz. ¿Cómo influyen o cómo dialogas con los autores que lees? ¿Qué escrituras han marcado tu trabajo? “En ese sentido, creo que existen afinidades escriturales que no tienen que ver con las admiraciones como lector. Hay autores brillantes y únicos, como Franz Kafka, el mismo Samuel Beckett, Tony Morrison, Diamela Eltit, John M. Coetzee, Manuel Rojas, Mircea Cărtărescu, etc., cuya obra no me inspira, sólo la disfruto. En cambio, hay lecturas que me motivan intensamente para escribir, que representan exactamente lo que hubiese querido crear, como «Mi Pushkin», de Marina Tsvietáieva; o «Kaddish por el hijo no nacido», de Imre Kertész. Tras ese tipo de lecturas, con mucho optimismo me pongo a escribir. aviso la panadera tra ok.pdf

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–En tus narraciones se puede observar ciertas constantes: la preocupación por las mujeres, por los niños, el avance de la edad, la soledad. ¿Qué hay en esos mundos que exploras desde distintos ángulos? “Creo que el tema del abuso es lo que me motiva más profundamente. Las fuerzas de poder naturalizadas por la sociedad sobre los más débiles –que en muchas oportunidades son los niños y niñas– los invisibilizados y en ocasiones despreciados como sujetos insignificantes, en el sentido de no tener significación para el otro, de no significar en el contexto global”. –Eres una prolífica escritora que también ha volcado su energía hacia la literatura para niños. ¿Cómo difiere este registro del de la novela sin apellidos? ¿Qué posibilidades te ofrece el cambio de género? “Esta literatura me fascina; ha sido más complejo hacer estos libros para niños y niñas que sean lectores iniciales, pues requiere la unión con ilustrador/a. Las novelas que he publicado apuntan a lectores de 10-12 años, y mi aspiración personal es entretener y ser un mínimo eslabón en el acercamiento a la lectura”.

Esta escritora es sin duda un caso único en nuestro circuito gracias a su interesante perfil multifacético: además de su fiel contribución a la casa editorial LOM, donde comenzó a publicar a mediados de los 90, se ha adentrado en la composición de novelas para niños. También ha trabajado como profesora y periodista y sus reseñas en algunos medios destacan por su aguda mirada y su atenta lectura.

–En nuestro país han emergido muchas editoriales independientes y hay diversas voces nuevas. ¿Qué opinas de la situación actual literaria? Con más de siete títulos publicados, ¿qué consejo podrías darle a quien comienza en este campo? “Son dos temas relacionados. Por una parte, los pequeños sellos editoriales están jugando un rol fundamental en la industria del libro en términos de contenidos literarios y diversidad de propuestas. Ellos están sustentando la verdadera literatura y abriendo los espacios para que ampliemos nuestra mirada a multiplicidad de voces, estilos, tramas, etc., enfrentando con audacia y creatividad a los gigantes. Entonces, esta apertura genera el optimismo también en los nuevos escritores y escritoras que antes miraban con desaliento su imposibilidad de entrar en el círculo de los grandes conglomerados que definen con otros parámetros sus apuestas editoriales. Me interesa mucho leer no sólo los textos, sino también la búsqueda de su propia voz que hacen los nuevos autores; todo esto refresca y motiva. De modo que a alguien que se inicia, aparte de invitarlo a leer mucho –rescatar clásicos y consagrados para no engañarse creyendo que descubre mundos ya conocidos– lo alentaría a creer en su propuesta y a no desesperarse con los cantos de sirena del mercado”.

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Carolina andonie

Literatura

En constante búsqueda por capturar la atención de los lectores, los libreros se las han ingeniado con distintas fórmulas de seducción, que van desde coquetear con la hostelería hasta la inclusión de otras disciplinas en sus instalaciones, como el teatro o las artes visuales. Sin embargo, las hay más osadas, como la cadena El Péndulo, en Ciudad de México, donde es posible beber un trago con nombre de escritor, con música ad hoc y en medio de largos muros tapizados con libros.

El Bistró de La Central, en Barcelona.

El boom de las bar-librerías Por Carolina Andonie Dracos

Desde Ciudad de México

elacionar el alcohol con escritores es una tarea larga y mañida. Por lo mismo, las librerías se han enfocado en la idea de bar, lectura y consumidor de libros para dar la batalla a las grandes superficies. En Los Angeles, California, por ejemplo, ya son moda las bar-librerías, con propuestas como la de Library Bar, que ofrece desde clásicos hasta textos filosóficos; XIV, uno de los más sofisticados, con alta cocina, buen diseño y una colección de libros específicamente seleccionada para el lugar; o The Wellesbourne, con una estética tipo Hogwarts de Harry Potter, de estanterías altas, lámparas de bronce y chimenea. En España, durante 2010 se abrieron casi simultáneamente tres locales de este tipo: Ubik (por el libro de Philip K. Dick), Slaughterhouse (en homenaje a Kurt Vonnegut), y Cosecha Roja (por la obra de Dashiell Hammett), especializado en novela negra. A esto sumemos Tipos Infames, en la que el visitante se topará con libros y vinos de autor para saborear con el paladar y la mente en un espacio que también acoge exposiciones,

catas de caldos y presentaciones literarias, y La Central, que permite disfrutar de zonas de lectura, una cafetería-restaurante (El Bistró) y una coctelería (El Garito). En Buenos Aires, en pleno barrio Palermo, se encuentran Eterna Cadencia (Honduras 5574), hermosa librería (también es editorial) que incluye bar y comida; Crack Up (Costa Rica 4767), donde se puede pedir “El Crack Up de F. Scott Fitzgerald”, y Libros del Pasaje (Thames 1762). ACOGEDOR AMBIENTE CULTURAL

Sin embargo, el concepto de “libro y algo más” alcanza su máximo esplendor en México, a través de la cafebrería El Péndulo, que comenzó como una combinación de cafetería y librería ubicada en la colonia Condesa, en 1993. Desde su concepción original, se integraron otras manifestaciones, como una exquisita colección de discos y películas de arte, lanzamientos literarios y talleres. Con el tiempo, El Péndulo ha evolucionado hasta convertirse en uno de los centros culturales más importantes de América Latina. Por sus escenarios han pasado reconocidos artistas aztecas, como Lila Downs, Fernando

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EL PÉNDULO El concepto de “libro y algo más” alcanza su máximo esplendor en México, a través de esta cafetería que partió en la colonia Condesa, en 1993.

Delgadillo, Julieta Venegas, Café Tacuba, Cecilia Toussaint, Mexicanto, Paté de Fuá, Jaime López y Monocordio, entre muchos, además de otros internacionales, como Jorge Drexler, Pedro Guerra, Manuel García y Los Tres. Sus seis sedes se encuentran en Ciudad de México: Condesa, Perisur, Polanco (considerada una de las 10 librerías más bellas del mundo), Zona Rosa, Santa Fe y Roma (que actualmente ha sumado a los conciertos musicales la improvisación teatral, la comedia stand-up, la poesía y una barra para los más pequeños (El Foro del Tejedor, tercer piso). Todas las librerías parten de la premisa de que el visitante es un huésped y cada una tiene su propio atractivo, aunque comparten las mismas características que las han distinguido a través del tiempo: una arquitectura abierta y luminosa, una decoración eclética que, en conjunto con sus mesas tipo bar de café, sus salas de estar, y su hilo musical, logran un ambiente inigualable. En El Péndulo de la Zona Rosa (Hamburgo 126, Col. Juárez) se encuentra el cultupiano-bar Bukowski’s, un espacio que rinde culto a los bohemios escritores inspirados por el alcohol. En él se puede degustar una amplia gama de cocteles y vinos. El supervisor de esta sucursal, Fernando Benhumea, cuenta que funciona hasta la medianoche: “Es el mismo concepto que en todas: ser un ambiente cultural. Aquí te puedes tomar un café, beber un trago, almorzar mientras lees. Siempre teniendo presente que el público es un huésped al que hay que mimar. Quizá por lo mismo, las ventas no se han resentido, sino que han ido en aumento. También ayudan los lanzamientos, el que haya siempre muy buena publicidad, promociones y ayuda social”.

Benhumea considera, además, que las librerías de la cadena están ubicadas en zonas donde se lee mucho y hay mayor poder adquisitivo, sin contar que los precios son asequibles. Todo ello añadido al goce que supone hojear sin prisa para después comprar un buen libro. «Bukowski´s», que se encuentra en el segundo piso de la librería, mira hacia bloques de paredes tapizadas de libros, discos y películas. Su decoración se inspiró en el Nueva York de los años cuarenta e incluye música de miércoles a sábados y promociones mensuales. El servicio es de excelente calidad, especialmente para el lector habitual, que precisa de tiempo y de un espacio cómodo para sumergirse en su lectura. Sumemos a ello el Bar del Foro, una terraza abierta, con internet gratuita, donde el visitante puede pasar del café de mediodía hasta un cóctel de la tarde. Me consta. Nadie lo apurará ni le llevará la boleta a los 10 minutos. Concepto de huésped, ¿recuerda?, desde el desayuno hasta la cena. Más que un lugar, El Péndulo es una experiencia. Definitivamente, hay que ir, y con tiempo.

[ Re Retweet] 1.@QueLeer: La literatura está de fiesta, arrancó la Feria del Libro de Santiago (FILSA) http://ow.ly/qac9j 2. @FMartorrell: FILSA inaugura su oferta literaria y cultural con vistoso espectáculo de graffiti, hip-hop y homenaje a Parra - http://elperiodistaonline.cl/panoramas/2013/10/feria-del-libro-de-santiago-inaugura-suoferta-literaria-y-cultural-con-vistoso-espectaculo-degraffiti-hip-hop-y-homenaje-a-parra/ … 3. @OscarContardo: Este año la Filba se extiende a Santiago, no es una feria pero ¿estará destinada a opacar las actividades de la Filsa? http://www.telam. com.ar/notas/201308/29494-se-lanza-el-festivalinternacional-de-literatura-filba.html … 4. @alfaxis: Me siento Parisi: “Cualquier cosa q venga, ya no le tengo miedo; esto es como Rocky” FILSA 2013, BikeSantiago allá les voy por KO #alorocky 5. @OBLibroLectura: “Los analfabetos y el derecho a la belleza”: conmovedor discurso de Alejandra Araya en la inauguración de FILSA http://www.uchile.cl/noticias/95908/palabras-de-inauguracion-en-la-33-feriadel-libro-de-santiago … 6. @EstacionMapocho: “Filsa pal que lee y para los que no leen”. Ministro Roberto Ampuero cierra discurso inaugural de #Filsa2013 pic.twitter.com/rYefiEWA1I 7. @theclinicl.cl: La Feria del Libro y la polémica de “FILSA pal que lee”. http://www.theclinic.cl/2013/10/24/ la-feria-del-libro-y-la-polemica-de-filsa-pal-que-lee/… 8. @Soyundiletante: Filsa pal que lee, Filsa pal que compra! #Librossinivaahoraya. 9. @vicmassarelli: Filsa 2013 presenta novedoso rediseño: “Queremos que sea el Lollapalooza de los lectores”. http://LaSegunda.com http://www.lasegunda. com/Noticias/CulturaEspectaculos/2013/10/887769/ filsa-2013-presenta-novedoso-rediseno-queremos-quesea-el-lollapalooza-de-los-lectores… 10. @mgsubercaseaux: Queremos #FILSA2013 FILSA pa’l que lee y FILSA pa’l serio botado a intelectual que se enoja. FILSA para todos.

Tipos Infames, libros y vinos de autor en Madrid.

11 @adnradiochile: Creativo eslogan Filsa: “No es una ofensa, es un homenaje al lector” http://bit.ly/19x7jDQ 12. @sesentawatts: Les dejamos una columna de @ lopezaliaga sobre Filsa o, mejor dicho, sobre el show de los libros: http://60watts.cl/2013/10/columna-luislopez-aliaga/ … 13. @tengochicle: Es linda la frase “Filsa pal que lee”. Puede producir un solo gran equívoco: que la gente vaya y diga “La Filsa es como el filsa”.

The Wellesbourne, estética Hogwarts en Los Angeles.

14. @Insurrecta: ¿Los dobles de One Direction? ¿Cierto? El rasquerío de la Filsa este año no se puede creer.

“A la muerte se le toma de frente con valor y después se le invita a una copa ”, Edgar Allan Poe (1809-1849), escritor estadounidense.

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BRÚJULA LITERARIA

[ POR CAROLINA ANDONIE DRACOS ]

DÉFICIT ATENCIONAL Y HERRAMIENTAS SOCIALES

i bien el Déficit Atencional es algo con lo que ellas no las aprendieron, aunque el resto crea que sí. la sociedad chilena convive a diario, existen La autora explica que estas herramientas sociales pocas obras amigables para quienes lo pade- son una extensión de lo que nos enseñaron en el kincen y su entorno. Más aún, es escasa la bibliografía dergarten: tomar turnos/compartir; jugar justo, saber al respecto para los adultos, que descubren tardía- las reglas y seguirlas; no atacar a otros ni tomar comente que su falta de atención y caos interno tiene sas que no nos pertenecen; preocuparse de la higienombre y apellido. ne personal; disculparse cuando se hiere, y Uno de esos libros es «What does everyaprender a calmarse e ir despacio. body else know that I don’t?», de Michele Las personas con Déficit suelen ser extreNovotni, sicóloga y educadora especializada madamente creativas y brillantes. Sus menen este desorden. Se trata de una guía de tes están en constante movimiento, pero cafácil acceso para personas con déficit o para recen de filtros mentales para mantenerse quienes tienen algunas de sus características, frente a un solo objeto. Nunca saben a ciencomo la impulsividad o la desorganización. cia cierta qué es lo que están haciendo mal. Si bien aún no ha sido traducida al español, Digamos que les cuesta leer entre líneas a la obra fue pensada para un público con este «WHAT DOES nivel de interacción. Sin embargo, las herradesorden, por lo que con un buen dicciona- EVERYBODY ELSE mientas sociales no son invisibles, hay patrorio a mano, basta dejarse llevar por los dibu- KNOW THAT I nes de conducta posibles de observar una jos y los resúmenes que hay al final de cada DON’T?» vez que se sabe lo que se está buscando. capítulo. Además, está escrita por la madre Michele Novotni Temas tan cotidianos como la inatención de un joven que lo padece, por lo tanto, que Specialty Press (escuchar, pero no dar esa impresión), la imentiende que su lector es dado a distraerse 314 páginas pulsividad (dificultad para pensar primero y le cuesta permanecer quieto frente a un 14.56 dólares antes de hacer o decir algo), la hiperacti(Amazon.com) mismo estímulo, en este caso, su libro. vidad (hablar excesivamente, levantarse en Uno de los grandes aciertos de esta puuna situación en la que se espera que no) o blicación es que se aboca a las herramientas la desorganización (no llegar a tiempo, caos sociales, que son todas las cosas que decimos o no de- en las finanzas), envían mensajes negativos al entorno, cimos (o no decimos y hacemos) cuando interactua- dificultando aún más la interacción. mos con otro. La mayoría asume que estas habilidades El libro muestra funciones cognitivas que están en se aprendieron a temprana edad, lo que agrava aún juego, como la habilidad de empatizar o de entender más la situación de las personas con Déficit, ya que los sentimientos del otro, discriminar y evaluar las

AÚN NO HA SIDO TRADUCIDA AL ESPAÑOL, PERO LA OBRA FUE PENSADA PARA UN PÚBLICO CON ESTE DESORDEN, POR LO QUE CON UN BUEN DICCIONARIO A MANO, BASTA DEJARSE LLEVAR POR LOS DIBUJOS Y LOS RESÚMENES QUE HAY AL FINAL DE CADA CAPÍTULO. ADEMÁS, ESTÁ ESCRITA POR LA MADRE DE UN JOVEN QUE LO PADECE. consecuencias del comportamiento social. También el mensaje que proyectamos, ya sea verbal o no (contacto visual, expresión facial). Cada capítulo incluye ejemplos de pacientes y de su propio hijo para trabajar caso a caso la “lectura de la situación” (el signiﬁcado de lo que se dice y se hace, subtexto y contexto) y sus consejos para abordarla. Sin duda, un manual necesario para las personas diagnosticadas o que presentan características similares a las del Déﬁcit Atencional. “Espero que este libro te entregue el valor y la esperanza que necesitas para mejorar tu situación social. Así como también para que de ahora en adelante no sientas que los demás saben el secreto de las habilidades sociales y tú no. Ahora tú también lo conoces”.

DÉFICIT ATENCIONAL Y RELACIONES DE PAREJA

as relaciones románticas pueden ser más duras o desafiantes de la norma si uno o ambos integrantes (que sucede) padecen Déficit Atencional. Como muchos adultos nunca han sido tratados, pasan de una relación sentimental a otra, sin entender qué pasó o qué hicieron mal. «A.D:D. & Romance» (Déficit Atencional y Romance), aún sin traducción al español, es de los pocos libros que tratan el problema. Dirigido a un público con este desorden y a su entorno, incluye un subtítulo muy vendedor, pero que revela lo que su posible lector quiere saber: “Cómo encontrar pareja y conservarla”. Su autor, Jonathan Scott Halverstadt, terapeuta de familia y consejero matrimonial, descubrió que tenía Déficit Atencional pasado los 30 años, y esta obra es el resultado de su trabajo consigo mismo y con los pacientes que ha atendido con este problema, muchos de los cuales llevaban años analizando sus fracasos en estas materias, cuando lo que les faltaba era un buen diagnóstico. “El Déficit Atencional (Attention Dedicit Disorder o A.D.D.) es un desorden neurobiológico, es decir, causado por un malfuncionamiento en el cerebro. Sus causas son físicas. Como la artritis o la epilepsia, no es culpa de la persona”, aclara el autor. Sin embargo, puede causar estragos en distintos ámbitos de su vida, especialmente, en las relaciones románticas, ya que no cuenta con los saberes necesarios para la intimidad y la comunicación.

Características propias del Déficit Atencional son la dece nunca ha experimentado otra cosa. Cuando se impulsividad (tapar al otro con regalos, llamarlo, seguir- medican apropiadamente, comienzan a sentirse bien lo), el comportamiento conflictivo (mecha corta), la en su cuerpo por primera vez en su vida”. necesidad constante de estímulo (estar siempre ena«A.D.D. & Romance» utiliza ejemplos reales y exmorado), pensamientos obsesivos (idea fija), plora los problemas comunes de quienes el olvido, la carencia de herramientas sociales lo padecen y sus parejas. Incluye diagnósy la falta de organización, todo lo cual hace ticos de relaciones, cómo escoger, herracuesta arriba un vínculo sano con el otro. mientas comunicacionales, las finanzas en la La lucha constante contra el aburrimienrelación y la resolución de conflictos. Un to (“el estímulo es mi amigo”), incluso, libro didáctico para dejar atrás frases como puede hacer creer a quienes lo padecen “él no comprende mis sentimientos”, “ella que el amor se ha acabado cuando lo que olvidó nuestro aniversario”, “estás, pero tu sienten es una falta de estímulo, o que se cabeza está en otra parte”, “otra vez no ama cuando lo que se siente es bienestar «A.D:D. & pagaste las cuentas”. Un manual que inclufísico. “Cuando se concentran en el roman- ROMANCE» ye los aspectos neurológicos del desorden, ce, las personas con este desorden hacen Jonathan Scott su funcionamiento y los distintos tipos de las cosas más fabulosas y dulces, porque les Halverstadt tratamientos, y que no olvida los rasgos resulta estimulante. Ese despliegue de afec- Taylor positivos de quienes lo padecen, como que to es para automedicar sus cerebros con 230 páginas ellos se encuentran entre los personajes 12.46 dólares endorfinas. Les da la sensación de sentirse más creativos en la historia de la Humanibien en su propio cuerpo, una sensación de (Amazon.com) dad (Thomas A. Edison, Alexander Graham bienestar que no experimenta en el día a Bell, Abraham Lincoln, Winston Churchill), día como el resto”. son leales, entretenidos, carismáticos e inEl terapeuta explica que las personas con Déficit tuitivos, lo que puede ser muy enriquecedor para la tienen un aprendizaje más kinestésico: entienden me- vida de a dos. jor la vida cuando la interpretan a través de la exCómo es vivirlo y cómo opera desde el punto de periencia de sus cuerpos. “Este desorden tiene un vista científico, este libro, puede iluminar zonas concomponente físico, de malestar contante en el cuerpo, fusas para todos aquellos que nunca asociaron este pero no es asumido así, porque la persona que lo pa- déficit con las relaciones sentimentales.

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Cultura de Vida

CUENTACUENTOS SORPRESAS Y EMOCIONES PARA TODA EDAD Una actividad que fomenta la lectura, despierta la imaginación, desarrolla el lenguaje y crea un poderoso vínculo entre los narradores y quienes escuchan. Vez, que crea bibliotecas en regiones y publica una revista de fomento a la literatura infantil y juvenil por Internet.También, las fundaciones La Fuente y Mustakis, esta última tiene una escuela de cuentacuentos dirigida en parte a la práctica del teatro y a la entretención; y otras. “Ser cuentacuentos o narradora oral me ha permitido potenciar en los que me escuchan el desarrollo de la imaginación y el ejercicio de su capacidad de asombro”, asegura Carmen Muñoz. Algunos autores dicen que siempre el que escucha puede construir un monstruo mucho más amable que el descrito por el narrador o el que muestra la ilustración.

RAQUEL ECHENIQUE

MÁS ALLÁ DEL MOMENTO

POR VIOLETA GÜIRALDES DEL CANTO

O N T E N TA , A N I M O S A Y C O N L A

nariz helada por la brisa matinal, caminaba hacia el colegio. Como muchos de sus compañeros, mis nietos –Fran, Pablito e Isidora– me esperaban ansiosos en el portón, con sus caritas apoyadas en los barrotes. Era el Día de los Abuelos Cuentacuentos, una experiencia inolvidable que se realiza todos los años. Allí nos reunimos para contar relatos tradicionales o inventados por nosotros. Niños y profesores nos ofrecen galletas y queque, junto a un té o un café bien caliente para reponernos del viaje. Entonces compartimos con ellos en sus salas de clases y, después de narrarles algunas historias, los pequeños nos muestran sus habilidades artísticas en agradecimiento a nuestra visita. Además, nos entregan algún regalito hecho por ellos –un llavero, un señalizador de libros– con el que nos dan las gracias por ese momento mágico, que ojalá se replicara en todos los colegios de Chile. La tradición de contar cuentos a los hijos y nietos tiene un profundo signiﬁcado afectivo y muchas otras buenas cosas. Las historias sirven para compartir un mensaje, divertirse, comunicar lo que nos parece mal y dar ideas de cómo solucionar los problemas. Ese ambiente mágico que se crea en torno a la narración va atrapando al oyente y envolviéndolo en sensaciones e imágenes. No se lee solamente, también se interactúa con el que escucha.

Ahora no sólo padres y abuelos realizan esta actividad, también hay personas que la han convertido en su profesión y la desarrollan frente a grandes y chicos en los más diversos lugares. ¿PUEDO SER UNO DE ELLOS?

Para ser cuentacuentos es importante aprender algunas técnicas que ayudan a potenciar los contenidos y los resultados esperados, como ejercitarse para tener una muy buena dicción. Carmen Muñoz Bohlken, miembro de la Red Internacional de Cuentacuentos (RIC), señala: “Para contar es necesario manejar muy bien la musicalidad de la palabra, dominar las pausas, los énfasis de la voz, sin exagerar las expresiones, por ejemplo, de los personajes animales. Hay que leer en voz alta, con conocimiento de lo que se está leyendo, y liberando los sentimientos y las emociones. No es conveniente contar algo que no le gusta al cuentacuentos, porque esto invalida lo anterior”. Para Carmen existe una diferencia entre cuentacuentos y narradores orales. Los primeros leen los cuentos en voz alta y los segundos narran, ya que no usan el texto escrito, porque lo han aprendido. En Chile existen diversos lugares para formar cuentacuentos, como el Centro Lector de Lo Barnechea, que tiene un gran prestigio nacional e internacional en el tema del fomento de la lectura para niños y jóvenes. Igualmente, instituciones como Fundación Había Una

A través del cuentacuentos se despierta la necesidad de acceder a la literatura. Al entrar a ese mundo, una persona aprende a manifestar sus emociones y sentimientos a través de la palabra. Amplía su vocabulario y comprende cómo ordenar sus ideas para formularlas de manera clara y precisa. En otros países y continentes las prácticas de cuentacuentos y narradores están muy desarrolladas y tienen una actividad continua, forman parte de su cultura. Escuchar relatos puede ser el primer contacto con la lectura. Por ello, es imprescindible que el cuentacuentos se entusiasme con lo que está diciendo, que actúe un poco. El vocabulario debe ser lo más rico posible, sin perder accesibilidad. Los expertos dicen que el ideal es no interrumpir la historia con imágenes sino mostrarlas al final. Es importante elegir un texto adecuado a quienes oyen y estudiarlo lo suficiente para narrarlo, involucrándose en la historia y mirando a los niños. Las conversaciones entre padres e hijos surgen espontáneamente cuando se narran historias y se aprende a distinguir el bien y el mal. Se pueden conocer los problemas más comunes de la sociedad, de las personas y de los animales. Igualmente, se despierta la creatividad, la imaginación y se entrena el hábito de prestar atención. Es una forma de desarrollar el espíritu y vivir emociones. Los relatos para niños pequeños deben centrarse más en las acciones que en los pensamientos de sus protagonistas. La fábula debe fluir y aumentar la tensión a momentos, dejando ver algo misterioso. También repetir algunas frases atrae a los niños. Los cuentos que nos gustan son como las canciones: parecen más lindas cuando se escuchan varias veces. Niños y adultos pueden pasar un muy buen momento escuchando relatos de calidad y los hay en abundancia. Es posible encontrarlos en Internet, si no tiene libros a mano, o en su propia imaginación. Lo importante es aprender a contar bien y darse el tiempo para hacerlo. En los colegios y en las casas se pueden crear rincones especiales para ello, lugares cómodos con cojines y sobre una alfombra con un baúl o cualquier otro objeto que oculte el libro que se va a narrar. Anímese y entusiasme a grandes y chicos con esta actividad.

“Leer no es matar el tiempo, sino fecundarlo”, Herminia C. Brumana (1897-1954), escritora, maestra y periodista argentina.

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Gestión Cultural

POR PILAR ENTRALA V.

SOLEDAD POIROT

ada tiene que ver con el archiconocido y pegajoso “verde que te quiero verde” que repite Federico García Lorca en su «Romance nocturno». Menos con el «Libro Verde» donde el ex-mandatario libio Muamar el Gadafi expone su pensamiento político al estilo de Mao Tse-tung en su «Pequeño Libro Rojo». Tampoco se refiere a novedosas recetas de cocina, ni es una publicación dedicada a respetar el medioambiente, y no tiene vínculo alguno con el texto de carátula verde dedicado a la Responsabilidad Social de las Empresas, presentado en 2001 por la Comisión Europea. Este documento en específico circula libremente por la web para marcar la ruta del proceso de crecimiento económico europeo en los próximos diez años, junto con dar respuesta a tres de los objetivos que se ha fijado la Unión Europea en su Estrategia 2020, como son la Innovación, la Educación y el Empleo. Tres ejes que, de la mano con el Cambio Climático, la Energía y la Lucha contra la Pobreza, impulsarán la pauta de una década de laborioso trabajo en el Viejo Continente. Se llama «Libro Verde: Liberar el potencial de las Industrias Culturales y Creativas» y apunta a contribuir al diseño de una agenda en torno a la competitividad “para potenciar a los profesionales y empresas de la cultura como catalizadores de riqueza, y reforzar la percepción sobre el papel de la creación, la producción y el patrimonio cultural como motores de la sociedad contemporánea”. Desde su publicación, en 2010, en esta parte del mundo las réplicas sólo se han sentido con la presentación de otro libro verde, pero “a la mexicana”. En 11 mesas de trabajo, 77 expertos reflexionaron y se proyectaron hacia 2018 en 449 páginas, que aparecen como “una hoja de vida para que 15 años de esfuerzos en materia cultural conduzcan a un desarrollo equilibrado, que reduzca las desigualdades y promueva la convivencia entre los habitantes de esta gran urbe”, según se lee en la presentación. Y aunque no viene al caso hacer un paralelo entre ambos textos, ni menos poner el dedo en la llaga para recalcar lo tan cerca y a la vez tan lejos que está América Latina de posicionarse unida y como una gran ventana con vista al resto del

ECONOMÍA Y CULTURA

LIBRO, QUE TE QUIERO

VERDE Aunque por su color suena a receta de cocina o a “mamotreto” político, el nuevo texto de la Unión Europea potencia a los profesionales y a las empresas creativas como fuentes de riqueza.

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Gobierno para exponer su política sobre un determinado asunto. Mientras tanto, y en una versión que nada tiene de británica, el «Libro Verde de las Políticas Culturales de Ciudad de México», también presentado en 2010, está siendo difundido “como el único esfuerzo en su tipo en América Latina”. Esta publicación no ha estado quitada de bulla. La tierra del simpático “Speedy” Gonzales es hoy azotada por una dura guerra contra el narcotráfico, la misma que –según concluye esa verdosa versión– “está involucrando a las instituciones políticas y sociales del país con un grado de violencia nunca antes vivida, mientras factores como la interferencia de cuestiones políticas presionan para orientar el Gasto Cultural hacia intereses de grupos más que a intereses de la propia comunidad” (www.proceso.com.mx).

LA CÁMARA ARGENTINA DE EMPRESARIOS CULTURALES (CAEC), CELEBRA ESTE MES DOCE AÑOS PROMOVIENDO LA IDEA DE “CULTURA COMO BIEN ECONÓMICO”, Y RESCATA EL PAPEL CENTRAL DE LOS SECTORES CREATIVOS Y ARTÍSTICOS A LA HORA DE IMPULSAR EL CRECIMIENTO DE NUESTROS PAÍSES. DOS ÁMBITOS QUE –DE ACUERDO AL “LIBRO VERDE” DE LA UE– REPRESENTAN EL 2,6% DEL PRODUCTO INTERNO BRUTO Y PROPORCIONAN EMPLEOS DE CALIDAD NADA MENOS QUE A 5 MILLONES DE PERSONAS EN ESA PARTE DEL MUNDO.

UNA ACCIÓN TITÁNICA

mundo, estas propuestas giran en torno a un mismo color, sinónimo de una misma esperanza: “Darle a los ámbitos creativos y artísticos el lugar que les corresponde como un sector más en la economía”. Al fin y al cabo, no hay que ser augur para adelantar que entramos en la llamada Tercera Revolución Industrial, esa en que las fábricas se sustituirán progresivamente por Comunidades Creativas, cuya materia prima será su capacidad para imaginar, idear e innovar. ¿POR QUÉ SE LLAMAN ASÍ?

La clasificación por colores da para todo. Y es que la UE suele catalogar sus documentos de trabajo por tonalidades. Los “Green papers” estimulan la reflexión colectiva sobre un tema en concreto. Para redactarlos, se invita a las partes interesadas (tanto organismos como particulares) a participar en un proceso de debate sobre una serie de propuestas. Si de ahí nace un lobby legislativo, pasa entonces a ser un “Libro Blanco”, más concreto y con la participación de otros colectivos (empresarios, administraciones de los Estados miembros, gremios profesionales). Como curiosidad, esta “euro jerga” habría tomado prestada la idea del Reino Unido donde, desde los años 40, se denomina “White Books” a los documentos de

En pleno corazón de Buenos Aires, y sin haber editado ningún texto verde, Liana Sabbatella, presidenta de la Cámara Argentina de Empresarios Culturales (CAEC), celebra este mes doce años promoviendo la idea de que “cultura como bien económico genera riquezas”, y rescata el papel central de los sectores creativos y artísticos a la hora de impulsar el crecimiento de nuestros países. Dos ámbitos que –de acuerdo al “Libro Verde” de la UE–representan el 2,6% del Producto Interno Bruto y proporcionan empleos de calidad nada menos que a 5 millones de personas en esa parte del mundo. “Una cámara como la nuestra apaña y da un paraguas a las Industrias Culturales y Creativas con el objetivo de considerar este ámbito como un producto, como cuando hablamos de cine, o del tango como un bien cultural exportable. Hay que entender la cadena productiva. Muchos economistas han empezado a comprender la cultura como una ganancia más que como gasto. De hacer un balance, es un haber no un debe”, explica Sabbatella. –El Ministro de Cultura de Buenos Aires, Hernán Lombardi, declaró en el reciente seminario sobre Economía y Cultura realizado en esa ciudad que el tema es tabú. “Para que el tema no esté medio escondido, debemos capacitar y concientizar a los empresarios, a las respectivas cámaras. De hecho, la Cámara Argentina de Comercio es la primera institución del rubro que aceptó como comisión interna asesora a una Cámara de Empresarios Culturales, de la cual es co fundadora, a la vez que le da el soporte institucional y patrocinio”.

Desde Buenos Aires, Liana Sabbatella hace un llamado para que la Cultura sea una cuestión de Estado: “Para que el tema no esté medio escondido, hay que capacitar y concientizar a los empresarios. Debemos cuidar las fronteras, el patrimonio, restaurar, conservar, preservar, capacitar a través de la formación de formadores”, comenta la gestora y economista.

–¿Cómo se logra convencer a los empresarios para que financien las organizaciones que viven de su creatividad, y así insertarlas en el mercado? “Para hacer una acción titánica como esa, funciona el boca en boca, o el efecto dominó, invitando y haciendo actividades en que se vea y se difunda todo lo que mueve la Industria Creativa. Todo lo que se puede desgravar desde ahí, según la ley de cada país, por aportes de sponsor, junto con la proyección de la imagen país que ésta implica, o el trabajo que se puede hacer con la cultura en la línea de la Responsabilidad Social Empresarial, entre otros. Ahí aparece la figura de los economistas que han relacionado, por ejemplo, el tema del turismo con la cultura. Ese es un producto que se convierte en industria, que da servicios, que mueve el producto interno bruto y que genera ingresos y dinero”. –Se asocia el verde a la esperanza, ¿alguna vez será la unión entre Cultura y Economía un proyecto colectivo en este Continente? “Toda América Latina está abocada a esa unión, a través de la formación de formadores y gestores que hace la propia Cámara con las nuevas sedes que hemos abierto en Cochabamba, Montevideo y ahora Santiago de Chile, así como la Asociación Latinoamericana de Integración (ALADI) y la UNESCO, entre otros. Hay países más avanzados, con legislaciones y códigos aduaneros que protegen los servicios de las industrias culturales en fronteras, por ejemplo. HASTA QUE LA CULTURA NO SEA UN TEMA DE POLÍTICA DE ESTADO, nunca conseguiremos nuestro cometido. Con respecto a la asociación de los colores con los sentimientos, así como el rojo es la pasión o el demonio, ahora justamente el VERDE califica en cultura”.

“La cultura es lo que, en la muerte, continúa siendo la vida”, André Malraux, (1901-1976), novelista y político francés.

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Fundación El Observatorio

El encuentro de los Andes con la Amazonía Por su estremecedora importancia sagrada, la cascada del Pongo de Manseriche fue un epicentro de rituales indígenas por siglos. Cristianizada en la Colonia y luego descubierta por el turismo, en el horizonte asoma otro destino: un proyecto hidroeléctrico. Por Miguel Laborde

Carlos Correa Loyola / Creative Commons

os grandes espacios americanos

han dificultado su “apropiación cultural”. No es posible humanizarlos, no son de escala humana, están ajenos a las medidas de la mesura clásica. Pertenecen, en cambio, al ámbito indomable de la desmesura. Cuando Lou Reed escribió la letra de la canción «Take a walk on the wild side», se refería a un fenómeno síquico más que físico, a las selvas que crecen en el interior del ser humano, pero, curiosamente, los imaginarios geográficos tienden a asimilarlos; la selva produce sensaciones salvajes, hace aflorar fuerzas síquicas profundas, mientras las altas cumbres despiertan sentimientos elevados. Son, a lo ancho del mundo, aptos para santuarios. En el caso de Chile, los imaginarios indígenas reflejan esa dualidad a través de la Serpiente del Agua (Kai Kai) y la Serpiente de la Tierra (Tren Treng). La primera habría querido castigar a los hombres, inundando sus valles y costas; la segunda, en su defensa, a algunos los habrían transformado en aves, a otros en peces y, por último, en mamíferos marinos. Como la furia de Kai Kai no menguaba, Treng Treng debió apelar a los cerros, para que se elevaran, y de ello nació, míticamente, la Cordillera de Los Andes. ... ¿Cómo habrá sido el maremoto capaz de inspirar tal mito? ... En todo caso, resulta natural que la mar océano, con todas sus virtudes, aquí encarne una fuerza negativa, poseída por el deseo de arrastrar a los seres humanos a sus abismos; en tanto, la positiva corresponda a la tierra con sus altas montañas, que los protegió. Esta dualidad no corresponde al Bien y al Mal. Es un relato en que una gran Serpiente, en el caso del mar, quiso tomar una represalia en contra de los hombres. No hay ninguna condición negativa “esencial” en el océano. ¿Dónde intersectan mar y tierra en Chile? Tal vez en La Punta del Lacho, de Las Cruces, donde los enamorados convergen a la hora del crepúsculo para ver el sol devorado por el abismo, pero desde la seguridad que les da su sólido enclave terrestre. Y llegan ahí por ser una superficie que se adentra en el agua y, por lo mismo, se aparta del ruido costero. Hacia el norte y el sur entrega una visión completa del Litoral Central. Tiene la gracia adicional de contar ahí con la Estación Marina de Investigaciones Costeras de la Universidad Católica de Chile, donde el Premio Nacional Juan Carlos Castilla estableció un santuario protegido para ver qué sucede cuando locos, choros, machas, almejas y demás quedan libres del asedio de la depredadora especie humana. A su costado está el Parque Ecopoético,

que replicó la idea, una ejemplar obra de la comunidad que es mantenida limpia por voluntarios y donde se han dispuesto frases y versos de los poetas de esta costa, como Vicente Huidobro y Nicanor Parra. No es casualidad que la primera vanguardia artística chilena, la del Grupo de los X, concibiera levantar ahí su torre, con la que querían darle la espalda al Atlántico europeo y contemplar el océano propio; el estruendo y el espectáculo de las olas es avasallador. Sentarse ahí es ingresar a otra dimensión. Cuando Pedro Prado, el líder del Grupo de los X, dedicó un poema a los hermanos músicos, escribió que ninguna pieza musical se pierde junto a las rocas y el mar: porque, si se presta atención, uno puede oír todas las obras que han creado los compositores, desde el principio de los tiempos. El Pongo Mayor

Por razones obvias, también es conmovedor el lugar donde se juntan la serpiente del agua (el río Amazonas o “serpiente sin ojos”) con la de la tierra, cordillerana. No es fácil para un río abrirse paso en medio de la muralla sólida que es la Cordillera oriental en Los Andes peruanos; requiere mucha fuerza y un caudal indomable, lo que ahí, en el Pongo de Manseriche, se

acrecienta por un fenómeno geológico que hace despeñarse el río en cascada. Pongo es el nombre que dan –vocablo quechua– a las corrientes que superan el desafío. Hace miles de años que vienen grupos de indígenas a practicar sus ritos a este lugar, que hasta hoy sigue siendo el pongo que más sorprende por el espectáculo de su imagen. El grandioso fenómeno fue admirado por los europeos que, conscientes de su relevancia simbólica, sumaron toponimia religiosa y un santuario cristiano en la vecindad. Se repite el mismo esquema de las dos serpientes de la geografía chilena, aunque aquí lo acuático es selvático, pero igual representa fuerzas oscuras, caóticas, misteriosas, peligrosas, frente a la pureza sobria y serena, espiritualmente perfecta, de las altas montañas. Habría que reconocer al colombiano José Eustasio Rivera, el novelista de «La vorágine», por ser quien incorporó estos imaginarios en la literatura latinoamericana, por una senda que luego han recorrido muchos, lo que establece una deseable continuidad entre naturaleza, imaginarios indígenas e imaginarios latinoamericanos. Y al chileno Eduardo Neale Silva, principal estudioso de Rivera y sus mensajes. No se trata, nuevamente, que la selva sea “el mal”; pero es peligrosa, física y síquicamente. El protagonista

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de «La vorágine», al adentrarse en ella, se expone a su propia locura; las barreras culturales van desapareciendo y algo primario, instintivo, se va adueñando de su persona. Ha entrado en un dominio de la naturaleza cruda y desnuda, en su versión de la diosa devoradora, y no sabemos qué encontrará cuando llegue –como diría Joseph Conrad– al “corazón de las tinieblas”. Héroes y locos no podrán resistir la atracción de entrar ahí a enfrentar sus peores temores; navegando por las serpientes del agua, que no hay otra forma, podrán verlos cara a cara.Y así saber lo que en el fondo querían saber, quién es quién, detrás de su máscara. Igual y con mayor razón que en el templo de Delfos, podría haber un letrero en el Pongo de Manseriche: “Conócete a ti mismo”. El adolescente mapuche, cuando alcanzaba la plenitud de su formación, debía hacer un viaje en dirección sur, empresa iniciática que, culminada, hacía de él una persona completa: ¿Se adentraba también aquí en un reto similar, al avanzar por los bosques de Como siempre, se reclama la selva fría, austral, donde los desafíos que los estudios son también más síquicos que físicos? El Pongo de Manseriche fue descriprevios, hidrográficos, to por primera vez por Juan Salinas, geológicos, científicos un jesuita que andaba en busca de El Dorado. Quedó aterrorizado por la en general, no dialogan fuerza “terrorífica” de sus remolinos con los imaginarios y torrentes, los que parecían no acabar; efectivamente, muchos han sido del arte, la cultura y la los muertos que ha cobrado esa zona espiritualidad del lugar. del río Marañón, el que, al unirse al Ucayali, da origen al Amazonas; sin la zona de los poderosos pongos, se ha determinado, el Amazonas no sería lo que es. Esa potencia no ha pasado inadvertida. Si el Pongo del Mantaro es el que da su energía hidroeléctrica al centro de Perú, el planificado aquí en Manseriche abastecería el norte y algo más; ambientalistas peruanos han dicho que el financiamiento viene de Brasil, país que estaría cuidando sus ríos mejor que los peruanos los suyos. Como siempre, se reclama que los estudios previos, hidrográficos, geológicos, científicos en general, no dialogan con los imaginarios del arte, la cultura y la espiritualidad del lugar. Por ahora, se han planificado 20 centrales hidroeléctricas en el Marañón, por valor de 15 mil millones de dólares. Por lejos, la de Manseriche (tres veces más grande que la que le sigue), es la mayor: 4500 MW. Para imaginar la fuerza de su caudal hay que recordar que la suma de las cinco de Hidroaysén corresponde a 2750 MW. El informe de Q&V Ingenieros, de noviembre de 2007, iba más allá: 7550 MW. En el nodo geográfico más monumental de América del Sur. Miguel Laborde es Director Cultural de la Fundación El Observatorio (Centro de Estudios Geopoéticos de Chile), director de la Revista Universitaria de la UC, profesor de Urbanismo (Ciudades y Territorios de Chile) en Arquitectura de la UDP, miembro del directorio de la Fundación Imagen de Chile, miembro honorario del Colegio de Arquitectos y de la Sociedad Chilena de Historia y Geografía, y autor de varios libros. “Xxxxxx”, Xxxxxx

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Agenda internacional / diciembre Agenda

MUSEO DE ARTE MODERNO Nueva York Hasta el 26 de enero de 2014 www.moma.org

el «american way of art»

l Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York presenta «Modernidad Americana: de Hopper a O’Keeffe», con obras de más de 50 artistas de la primera mitad del siglo XX. Es una nueva mirada al arte estadounidense comprendido entre 1915 y 1950, y pone el foco en las preocupaciones culturales de esa cambiante sociedad en la primera mitad del siglo pasado. Pinturas, dibujos, grabados, fotografías y esculturas figuran en esta muestra, que incluye trabajos de Charles Burchfield, Stuart Davis, Edward Hopper, Georgia O'Keeffe, Charles Sheeler, Florine Stettheimer, Alfred Stieglitz, y Andrew Wyeth, entre otros. El recorrido destaca la visión que estos artistas tenían de los Estados Unidos en un período de transformación radical, que se manifestó en una amplia variedad de estilos visuales, movimientos artísticos y puntos de vista personales. En la obra «House by the Railroad» (La casa junto al ferrocarril, 1925), de Edward Hopper, una mansión victoriana junto a una vía férrea contrasta con la rápida llegada de la modernidad y el rechazo a la vida basada en las tradiciones rurales. «American Landscape» (Paisaje Americano, 1930), de Charles Sheeler, representa la planta de la Ford Motor Company en River Rouge, cerca de Dearborn. La ciudad es también un tema frecuente en las piezas expuestas, como se evidencia en las fotografías sin título de Walker Evans sobre arquitectura urbana, así como en «Luna Nueva, New York» (1945), de George Ault. Las escenas de la campiña se centran principalmente en la tierra y en los edificios, haciendo hincapié en la forma y en la línea.

SELLO INCONFUNDIBLE El Museo Albertina celebra el cumpleaños número 75 de Georg Baselitz (1938). Un total de 120 piezas, entre cuadros, acuarelas, grabados y dibujos, conforman la muestra «Grupo Remix», en la que el recinto vienés exhibe otra faceta del artista, quien, entre 2005 y 2006, reinterpretó sus propios trabajos elaborados en las décadas de los 60 y los 70. Esta es una oportunidad de revivir sus primeMUSEO ALBERTINA ros tiempos de pintor y redescubrir esa inusual Viena costumbre de enfocar sus trabajos, siempre boca Hasta el 19 de enero de 2014 abajo, para romper todas las convenciones. Nawww.albertina.at cido en 1938, es uno de los creadores alemanes con más renombre en la actualidad, y es reconocido por influenciar la pintura modernista. “No es cosa fácil, pinto mis cuadros en el piso, cada mañana me pongo unas protecciones sobre las rodillas y me paso dos a tres horas tirado en el suelo y, por supuesto, luego me cuesta volver a incorporarme porque tengo 75 años”, dijo Baselitz el día de la inauguración. Desde sus inicios cultiva una fama de provocador y si algo le desagrada lo dice y reconoce sin sopesar las consecuencias, lo que también se aprecia en su propuesta. Por de pronto, su primera muestra causó todo un escándalo en Alemania ya que fue tachada de “obscena” por los críticos de entonces.

GALERÍA GAGOSIAN Nueva York Willem de Kooning, hasta el 21 de diciembre. Richard Serra, hasta el 25 de enero de 2014. www.gagosian.com

FUNDACIÓN PROA Hasta el 23 de febrero de 2014 Buenos Aires www.proa.org

A ESCALA MONUMENTAL En la Galería Gagosian de Nueva York, y hasta el 21 de diciembre, se exhiben 10 trabajos del último período del holandés Willem de Kooning (1904-1997), quien abandonó su carrera artística marcada por el Expresionismo Abstracto tras contraer Alzheimer. Con pinceladas violentas y el uso de espesas capas de óleo, durante su trayectoria se dedicó a pintar exageradas caricaturas de mujeres para denunciar el concepto de la femineidad idealizado por los medios y por los clichés de la época. En los 70 declaró sentirse como “un hombre sentado frente a una mesa de juegos e incapaz de perder”. También en la Gagosian, y hasta el 25 de enero, se presenta Richard Serra (1939), conocido mundialmente por sus gigantescas esculturas ondulantes hechas en acero. Esta vez se trata de un conjunto de enormes piezas en que las líneas, los ángulos rectos y los volúmenes cuadrados y rectangulares dominan la escena. En una interacción entre la obra, el espacio y el espectador, su propuesta invade el recinto con el diseño de grandes y pesados laberintos en metal, en homenaje al recientemente fallecido escultor minimalista Walter de Maria (1935-2013). A finales de los 70, el artista comenzó a trabajar a escala monumental. El inicio de su consagración está marcado por esculturas interiores y exteriores de grandes dimensiones, cuyo tamaño y sencillez les confieren una presencia impactante e imponente. Su propuesta aparece como un desafío a la gravedad y al peso. Destacan el proceso de fabricación, las características de los materiales y el compromiso con el espectador. Las curvas, los cortes y una sutil ligereza, a pesar del tonelaje de sus piezas, lo hacen único y lo transforman en uno de los escultores vivos más importantes del arte contemporáneo.

A ESCALA HUMANA La temática, los materiales y la técnica empleados por el australiano hiperrealista Ron Mueck (1958) lo convierten en un autor original, innovador y contemporáneo. Sus esculturas cautivan por el cambio de escala en las dimensiones y el realismo de los personajes, cuyos gestos expresan sutilmente situaciones llenas de vida y misterio. Inaugurada en la Fundación Proa de Buenos Aires, esta es la primera exposición del artista en Sudamérica. Sus nueve piezas impresionan al visitante que, a primera vista, se topa con el inmenso rostro de un hombre dormido, su mejilla sobre la superficie; la comisura de los labios apenas desplegada, por donde se vislumbran los dientes; la barba de pocos días apenas crecida; los ojos cerrados, apretados. Cada detalle hace pensar que esa cabeza está a punto de despertar. Concebida por la Fondation Cartier pour l`art contemporain de París, la exposición permanecerá hasta el 23 de febrero en Buenos Aires. Luego, viajará al Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil, del 19 de marzo al 1 de junio de 2014. El inicio profesional de Mueck estuvo relacionado con los efectos especiales para el cine, donde trabajó para Jim Henson (The Muppets) en películas como «Labyrinth» o «The Dark Cristal». Utiliza materiales como resina, fibra de vidrio, silicona y pinturas acrílicas, para reproducir los detalles anatómicos, además de abordar de manera permanente la temática de la vida y la muerte.

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CASA DAROS Río de Janeiro Hasta el 23 de febrero de 2014 www.casadaros.net

LUZ EN RÍO A sus 84 años, Julio Le Parc (1928) exhibe una gran sinfonía de luz en movimiento en la Casa Daros, ubicada en pleno barrio de Botafogo, Río de Janeiro. Las 32 obras lumino-cinéticas de este afamado creador argentino radicado en París, transforman el espacio en un verdadero laberinto donde los visitantes deben avanzar a tientas por inmensas salas de techos altos, detenerse, explorar distintos puntos de vista, reorientarse, buscar un camino propio, y jugar con una realidad en constante cambio. Sus luminosas performances se imponen al no respetar las habituales convenciones artísticas. Basta presionar un botón para activar un ventilador y desatar una liberadora tormenta de tiras de papel, o provocar el movimiento de unos círculos con efecto hipnótico. Los materiales –resortes, espejos, planchas metálicas– y mecanismos hechos a mano, son tan simples como su intención: hacer que la gente se sienta bien y protagonista de la obra, para luego aplicar esa energía positiva con el fin de transformar su vida cotidiana. El recorrido es una reedición de la muestra presentada con éxito en el Palais de Tokyo, así como en Suiza, Colombia y México.

CENTRO POMPIDOU París Hasta el 10 de marzo de 2014 www.centrepompidou.fr

NUEVAS TENDENCIAS Cada 18 meses, el Museo Nacional de Arte Moderno Centre Pompidou de París, renueva su colección permanente desplegada en los pisos cuarto y quinto. Ambas plantas albergan entre 1.500 y 2.000 obras, pero el acervo supera las 90.000 piezas. En el cuarto nivel, y hasta el 10 de marzo, el recorrido que se inicia en los años 60 sigue hasta nuestros días para concentrarse en grandes figuras del arte contemporáneo, entre ellas, Joseph Beuys, Cy Twombly, Joan Mitchell, Pierre Soulages, Andy Warhol. Las nuevas tendencias, como el Minimalismo y el Arte Povera, así como la importancia de los soportes digitales y las nuevas tecnologías en las artes visuales están clasificados por tema y autor. Así, los visitantes pueden descubrir las piezas de reconocidos creadores, como Christian Boltanski, Louise Bourgeois, Ellsworth Kelly, Giuseppe Penone o Claude Viallat. Entre las salas 17 y 25 del recinto, está el montaje «Frutos de una pasión», con una treintena de obras adquiridas en los últimos diez años gracias a la Sociedad de Amigos del Museo. Y en el quinto piso, la invitación es a descubrir el aporte de movimientos como el Cubismo y el Fauvismo, junto al Surrealismo y la Abstracción, en un paseo cronológico entre 1905 y 1960. Ahí sobresalen las piezas de Henri Matisse, Pablo Picasso, Vasili Kandinski y Constantin Brancusi.

GALERÍA MARIAN GOODMAN Nueva York Hasta el 21 de diciembre www.mariangoodman.com

EXPERIENCIA EXPRESS «Lecciones en español», del mexicano Gabriel Orozco (1962), en la Galería Marian Goodman de Nueva York, es una insólita experiencia que invita a descubrir, reflexionar y explorar la riqueza del idioma castellano, así como su proceso de traducción e interpretación. De manera novedosa, los espectadores podrán tomar clases express de 20 minutos, así como sesiones grupales de 45 minutos, impartidas gratuitamente por la profesora Irma Cerdeño en compañía de una docena de artistas, entre los que destacan los mexicanos Abraham Cruzvillegas, Pablo Helguera, Gabriel Kuri, Damián Ortega y la poeta Mónica de la Torre. El ciclo incluye las “críticas espejo”, una sección donde Orozco hará una reflexión sobre una obra como si fuera suya, sin tener conocimiento previo sobre el artista o sus intenciones. El proyecto cuenta además con otras actividades, entre las que destacan una entrevista con el artista cubano Wilfredo Prieto y una sesión de karaoke en vivo.

WHITE CUBE Hong Kong Hasta el 4 de enero de 2014 whitecube.com

controversia

l británico Marc Quinn (1964) explora el concepto del deseo en la Galería White Cube con sede en Hong Kong. Mutilaciones, prótesis, tatuajes, máscaras, hermafrodismo, transexualidad, son expuestos en un viaje desde los orígenes de la vida, en que las obras se proyectan hacia el futuro, desde el nacimiento hasta la muerte. Dedicado a esculpir la anatomía humana con un estilo único, mezcla lo espiritual y juega con la física, lo profundo, lo cerebral y sexual, para crear impresionantes esculturas en tamaño y forma. Entre sus trabajos más recientes está la mega instalación que hizo para la ceremonia de apertura de los Juegos Paralímpicos 2012 realizados en Londres. En esa ocasión presentó la escultura «Alison Lapper Pregnant» (Alison Lapper embarazada), que situó de manera imponente en el centro del gran escenario diseñado para ese evento. Alison es una mujer sin brazos y madre soltera, su caso es famoso alrededor del mundo. Las imágenes de este polémico creador representan all cuerpo y la carne exteriorizando los deseos íntimos y las obsesiones mentales del ser humano, que transitan de una condición sexual a otra, y abrazan vida interior y exterior. Éstas también se refieren a la reencarnación. Aquí, los peces son el símbolo de la creación y la retina de los ojos, una superposición del mapa del mundo; mientras que un pedazo de jamón serrano representa la necesidad de alimento. Para la Bienal de Venecia 2013, el controvertido autor presentó una exposición de proporciones gigantescas. Quinn es famoso por la polémica que han causado algunos de sus trabajos, entre ellos, una recreación de su cabeza hecha con su propia sangre congelada, perteneciente a la colección permanente de la National Gallery de Londres. La Panera I 47

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Agenda Santiago / diciembre Centro de Extensión CNCA

Teatro Nescafé de las Artes

Sotomayor 233, Valparaíso - Teléfono: (32) 2326428 - centex.portalpatrimonio.cl

Manuel Montt 032, Providencia - Teléfono: 2236 3333 www.teatro-nescafe-delasartes.cl - www.ticketmaster.cl

«IMAGINA» Hasta el 15 de diciembre. Lunes a viernes, de 10:00 a 19:00 horas; sábado, domingo y festivos, 11:00 a 18:00 horas. Entrada liberada.

El Centro de Extensión del Consejo Nacional de la Cultura, sede Valparaíso, presenta «Imagina», un nuevo ciclo programático con cinco muestras de fotografía y artes visuales, que se extiende hasta el 15 de diciembre. La propuesta está a cargo de artistas como Tomás Munita, Zaida González, Álvaro Hoppe, Paz Errázuriz, además del músico y museólogo José Pérez de Arce. El eje central es la imagen y la forma en que ésta es capaz de transmitir un mensaje.

19, 20 y 21 de diciembre, a las 20:00 horas. Entradas: $25.000 a $8.400, niños $10.000 a $3.500.

Teatro Municipal de Las Condes Apoquindo 3.300 - Teléfono: 2944 7222 - www.tmlascondes.cl

ALFREDO PERL Y PROKOFIEV

«GLORIA» DE VIVALDI

13 y 14 de diciembre, a las 20:00 horas. Entrada liberada. La entrega de entradas para habitantes de Las Condes se realizará a través de la Tarjeta Vecino (más información en www.lascondes.cl). Público en general: inscripción en el sitio www.corpartes.cl. Una vez inscrito, retirar tickets al menos 48 horas antes del evento. El ticket es indispensable para el ingreso al teatro.

20 y 21 de diciembre, a las 20:00 horas. Entrada liberada. La entrega de entradas para residentes en Las Condes se realizará a través de la Tarjeta Vecino (más información en www.lascondes.cl). Público en general: inscripción en el sitio www.corpartes.cl. Una vez inscrito, retirar tickets al menos 48 horas antes del evento. El ticket será indispensable para el ingreso al teatro.

Alfredo Perl, uno de los pianistas chilenos más sobresalientes de su generación, se presenta en el Teatro Municipal de Las Condes. Su trayectoria incluye presentaciones en diversos escenarios del mundo, junto a orquestas como la London Symphony y la Royal Philharmonic. Perl interpretará el Concierto para piano N° 2, Op. 16 de Sergei Prokofiev (1891-1953), bajo la dirección de Ariel Zuckermann. Completan el repertorio, «El Aprendiz de Brujo», de Paul Dukas (1865-1935); «Alborada del Gracioso», de Maurice Ravel (1875-1937), y «La Mer», de Claude Debussy (1862-1918).

«CASCANUECES»

Ariel Zuckermann dirige el tercer y último programa del año. El cierre del ciclo contempla la participación de la Camerata Vocal de la Universidad de Chile junto a la Orquesta Sinfónica, para dar vida al «Gloria», de Antonio Lucio Vivaldi (1678-1741), la obra más conocida de música sacra del compositor italiano. La cita contará con la actuación de las sopranos María Soledad Mayorga y Denise Torre, además de la mezzosoprano Ana Navarro. El cierre del concierto incluye la Sinfonía N° 4 del compositor austríaco Josef A. Bruckner (1824-1896).

Teatro Municipal de Santiago

Taller Siglo XX

www.municipal.cl

Ernesto Pinto Lagarrigue 191 - Teléfono: 273-55 770 www.tallersiglo20.cl

Dirigido por la ex primera bailarina estrella, la uruguaya Sara Nieto, y con un elenco estelar que incluye a alumnos de su escuela junto a más de 30 bailarines profesionales de México, Brasil y Argentina. Esta versión de la coreografía basada en «Cascanueces», el cuento de hadas de Ernst T.A. Hoffmann, sobre música de Piotr I. Tchaikovsky (1840-1893), mantiene la magia original del coreógrafo Marius Petipá, pero introduce una puesta en escena ambientada en los años 20, a cargo del escenógrafo Germán Droghetti. La historia relata la Navidad en que Clarita recibe de regalo un Cascanueces, junto a quien atraviesa el Reino de las Nieves, el País de las Golosinas y se enfrenta al ejército del Rey de los Ratones.

Teatro Universidad de Chile Providencia 043. Plaza Italia - Teléfonos: 2978 24 80 - 2978 24 81 ceacuchile.com

«NOCHE DE MÚSICA RUSA» EL REGRESO DE ALFREDO BRAVO

17 de diciembre, a las 20:00 horas. Entradas: $5.000. Teatro Caupolicán, San Diego 850. Teléfonos: 2699-1556 y 2697-3883.

Luego del incendio ocurrido en sus dependencias, el Teatro Municipal retoma su temporada de conciertos en el Teatro Caupolicán. Bajo la dirección de José Luis Domínguez, el último concierto de la temporada será un recorrido por parte de la historia musical de Rusia. La Orquesta Filarmónica de Santiago interpretará la Sinfonía n.° 5 en Mi menor, Op. 64, de Piotr I. Tchaikovsky (1840-1893), el primer compositor ruso en internacionalizar la música de su país, llevándola al resto de Europa y Estados Unidos. Le seguirá una obra de Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908), con la Obertura de «La Novia del Zar». El cierre incluye el Concierto para violín en Re menor, Op. 46, de Aram Khachaturian (1903-1978), que contará con la interpretación del violinista chino Ray Chen, ganador de la Queen Elisabeth Competition (2009) y de la Yehudi Menuhin Competition (2008).

12,13 y 14 de diciembre, a las 20:00 horas. Entradas: $2.000 a $5.000 público general, desde $1.500 estudiantes.

Ambos dirigen la compañía española de danza contemporánea «Plan B», donde además se han destacado como coreógrafos y bailarines. Para Arantxa Sagardoy es su debut en Chile; para Alfredo Bravo, su regreso como coreógrafo invitado al BANCH. Juntos presentan «Nexo», con música de Igor Stravinsky; y «Babylon», sobre música de Dimitri Shostakovich. «HORIZONTES» Hasta el 30 de diciembre, 11:00 a 20:00 horas. Entrada liberada.

MÚSICA CORAL DE NAVIDAD

Pintura, escultura, grabado y dibujo, se combinan a partir de cuatro miradas diferentes. Es una propuesta de reflexión y aprendizaje sobre temas, autores y obras que, por su originalidad, aportan valor agregado al recorrido. Reúne los trabajos de Verónica Baeza, María Eliana Herrera, Roberto Hoppmann y Leo Lobos.

11 de diciembre, a las 19:40 horas. Entradas: $3.000 público general; $2.000 tercera edad y estudiantes.

Coros y arias de «El Mesías», de Goerg F. Händel (1685-1759), junto a conocidos villancicos interpretados por el Coro Sinfónico de la Universidad de Chile, revivirán el espíritu navideño. Dirige: Juan Pablo Villarroel.

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[ notascul | por pamela marfil ]

> contrastes con humor

l artista japonés Hirotoshi Itoh, más conocido como Jiyuseki, utiliza la piedra como base de su propuesta. Aprovechando su forma natural, destaca con bastante humor el contraste entre las texturas de los materiales que integra. A este juego de dureza maleable al que el artista nos invita, sumamos nuestra intuición de que realmente produjo lo que la piedra le pidió. Para apreciar con mayor detención su trabajo «Pleasures of Paradox», ingrese a www.jiyuseki.com

>ARTE Y SONIDO

l famoso artista, académico y diseñador de muebles Harry Bertoia (Italia, 1915– USA, 1978) fue un artífice muy innovador, invitándonos con sus obras sonoras a vivir un tipo de arte difícil de clasificar. Creó objetos o esculturas que producen sonido o, a la inversa, donde el sonido es manipulado para generar un ente escultórico. Arte y tiempo envuelven al espectador en un fuerte vínculo emocional, que tiene sus orígenes un poco en el arte cinético y otro poco en el estudio del sonido y de la vibración visible, el llamado Cynematics. Disfrute su propuesta en el video www.youtube.com/watch?v=Tt Z3qmGBWEM&feature=share&list=RDmR UVVUgCI20

> UNA VOLCÁNICA LEYENDA

ontemplar el Osorno permite vivenciar uno de aquellos momentos mágicos, que en este caso nos conecta con la red de 2.000 volcanes chilenos pertenecientes a la cadena más grande del planeta, el llamado Cinturón de Fuego del Pacífico. Al estar desprendida del eje central de la Cordillera de Los Andes, la silueta del Osorno, además de ser un referente de la Región de Los Lagos, es lo más cercano al imaginario de cómo debe ser un volcán. Llamado Peripillán por los Huilliches que vivían en sus inmediaciones, cuenta la leyenda que el Pillán, espíritu perverso y maligno que habita en los volcanes, interrumpió la felicidad de Licarayén (la virgen más hermosa y pura de su tribu) y Quitralpique (el apuesto y valiente toqui), haciendo que el Osorno erupcionara. Para evitar una tragedia mayor y calmar al Pillán, el parlamento decidió ofrecer en sacrifico a Licarayén, quien aceptó su destino con la única condición de que su amado lo llevara a cabo. Fue así como Quitralpique abrió el pecho de su amada y extrajo su corazón para depositarlo junto con una ramita de canelo en la parte más alta del

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volcán. Un cóndor de un sólo picotón comió el corazón y en su vuelo dejó caer el canelo dentro del cráter. En ese mismo instante comenzó a caer sobre la tierra una blanquísima nieve que fue cu-

briendo la cima, como si el alma pura de la virgen volviera a la tierra en busca de su amado toqui. Ante esta situación, Quitralpique se arrojó sobre la punta de su lanza.

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LAS OPINIONES TIENEN UN PUNTO DE PARTIDA 50-52 Avisos.indd 51

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