Zona Inédita Zurich: Sobre los artistas y su obras
Amadeo Azar (Mar del Plata, 1972) Egresó de la Escuela de Artes Visuales M. Malharro y continuó su formación con becas patrocinadas por la Fundación Antorchas. Este año participó de la residencia Fountainhead Artis Residence Miami. En los últimos diez años realizó numerosas muestras individuales y colectivas en galerías privadas y espacio espacioss institucionales. Entre ellas se destacan: Open session Program del Drawing Center (New York 2013 2013-2015), 2015), Patience is a Mine Field, Alejandra Von Hartz Gallery (Miami, 2013) Cuando llegue era todo blanco, Centro Cultural Haroldo Conti (Buenos Aires, 2013) 2013),, Últimas tendencias Museo de Arte Moderno (Buenos Aires, 2012), Los límites de la neblina (Cadiz, 2008) Abre alas, A Gentil Carioca Gallery (Rio de Janeiro, 2012) 2 Visiones del paisaje contemporáneo, Jacobo Karpio Gallery (San José de Costa Rica, 2005) Obtuvo tuvo el Segundo Premio de la Bienal de Pintura del Banco Nación (2013) la Segunda Mención Salón Nacional de Rosario, Museo Juan B. Castagnino (2012). Primer Premio Telecom ArteBA (2000). Reside en Buenos Aires desde 2007.
Crimen y castigo, 2012 Impresión sobre papel, 1/3 21 x 21 cm
Sin título, 2012 Impresión sobre papel, 1/3 21 x 21 cm
Amadeo Azar revisó hace unos años la historia de las vanguardias y, en especial, el trabajo de artistas como Lazlo Moholy Nagy, Nag El Lissitzky o Gustav Klutsis quienes entablaron relación con el diseño, la pintura y la fotografía. Bajo la clara influencia de estas obras, realizó varias tomas fotográficas y compuso escenas abstractas a partir de elementos rutinarios. Hasta hoy, Azar consideraba estas fotos como parte de un proceso. No obstante, cuando seleccionó las im imágenes elevó sin dudarlo su jerarquía.
Juan José Cambre (Buenos Aires, 1948) Artista plástico y en 1974 arquitecto de la Universidad de Buenos Aires. Paralelamente a sus estudios de arquitectura, asistió asist al taller del artista Felipe Noé desde 1972 a 1973. Realizó numerosas muestras colectivas y personales desde 1974 hasta la fecha. Su última trilogía de exposiciones individuales: individuales Novum Ovum en la Universidad Di Tella (Buenos Aires, 2012); Azul en el Museo Lopez Claro de esa localidad Bonaerense (Buenos (Bueno Aires, 2013); Desde el paisaje, teoría y práctica del encuadre Museo Caraffa de Córdoba y MacRo Castagnino de Rosario (2014). Algunos premios: Artista plástico del año, Asociación argentina de Críticos de Arte 2009; Primer Premio Amalia Lacroze de Fortabat 1993. Mención Artista Joven del Año, Asociación Argentina de Críticos 1982. Primer Premio de Pinturas Salón ¨Manuel Belgrano¨1981. Primer Premio de Pintura S.H.A. 1976
Cerúleo (laurel), 2013 2013--2014
Degradée (laurel), 20132013-2014
Impresión giclée sobre papel de algodón
Impresión giclée sobre papel de algodón
29 x 42 cm
29 x 42 cm
Las fotografías de Juan José Cambre suelen prefigurar el encanto de sus pinturas de bosques y enramadas. Pero en la serie de imágenes del laurel de su casa cordobesa, ocurre lo contrario: las fotos se independizaron de su finalidad, dejaron de ser un registro, un paso previo cuyo destino pictórico las iba a convertir en obras “de verdad”. Sin proponérselo Cambre descubrió en esas tomas tom las cualidades inocultables que posee una “obra”. Las fotos de ese laurel brillan con una luz que la pintura nunca podría alcanzar. a
Cynthia Cohen (Buenos Aires, 1969) Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Piridiano Pueyrredón y asistió al taller de dibujo de María Mihanovich, estudió pintura con Marcia Schwartz y Pablo Suárez. Realizó diversas presentaciones de su obra de manera individual en Monumentos Ingravidos, Galería Del Paseo (Punta del Este, 2014); Una acción para la amistad Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires, 2014); Penetración en el medio, Museo Macro-Castagnino Macro (Rosario, 2013); Candy Crush Fundación Esteban Lisa (Buenos Aires, 2013); Deforme, Centro Cultural Ricardo Rojas (Buenos Aires, 2012). Poderosa Afrodita, Museo de la Mujer (Córdoba, 2011). Y de manera colectiva: Todos contentos (performance), C.H.I.N.A (Buenos (Buen Aires, 2003), SynchroNY-city, city, Consulado Argentino (New York, 2011), 25 unidades disponibles, C.H.I.N.A (2011); Eva Perón y la mujer en el arte, MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo, (Buenos Aires, 2003) entre las más recientes. Obtuvo el Premio Primera Selección Fundación Banco Ciudad (Buenos Aires, 2000); 1er Premio Distinción Alianza Francesa, (Buenos Aires, 1999), Primera Selección Premio Universidad de Palermo (Buenos Aires, 1999). Reside en Buenos Aires.
Molde, 2014 Cámara digital 50 x 70 cm
"De molde", así de básico es el título de la fotografía de Cynthia Cohen que forma parte de un proyecto más amplio, “Masas”, dedicado a la denunciar la masificación del hombre y las cosas. El concepto gira en torno de lo moldeable, lo seriado, unificado en e la forma y en la figura gracias a la procedencia: un mismo molde. La ironía de Cohen, su cinismo, consiste en llevar a la dimensión de un u juguete ridículo ideas como la adaptación a un sistema y la declinación de la libertad. Entonces sí se torna evidente evident la ausencia de contenido, el vacío insondable.
Eduardo Costa (Buenos Aires, 1940) Comenzó su vida artística en Buenos Aires hacia 1966. Continuó trabajando en Nueva York donde contribuyó fuertemente a la vanguardia van local entre 1967 y 1971, junto a artistas rtistas como Vito Acconci, Scott Burton y Marjorie Strider. En Brasil entre 1978 y 1981, Costa frecuentó y participó en proyectos con Hélio Oiticica, Lygia Pape y otros de la escuela de d Rio. Después de la muerte de Oiticica, viajó a Estados Unidos dond dondee residió hasta el 2003, año en que volvió a Buenos Aires. Su obra se ha comentado en Art in America, Flash Art y Art Forum, así como en los principales libros sobre arte conceptual (A. Alberro, MIT, 1999; P. Osborne,, Phaedon, 2002; Mari Carmen Ramirez y Héctor Olea, Yale/Houston Mus of Art, 2004; I. Katzenstein, MoMA, NY, 2004; Luis P. Oramas y otros, San Antonio Mus of Art, 2004, Luis Camnitzer, Texas Un. Press, 2007, etc.). La obra de Eduardo Costa se ha visto en el New Museum, New York, Victoria aand nd Albert Museum, Londres, Reina Sofía, Madrid, Queens Museum of Art, Queens, NY, List Art Center, Boston, Miami Art Museum, Walker Art Center, Minn, Museo Nacional de Bellas Bell Artes, BA; MAMBA, Buenos Aires, MALBA Buenos Aires, Vienna Secession, Viena, Fu Fundación/Colección ndación/Colección Jumex, México DF, Banco Mercantil, Caracas, y otros. Figura en las colecciones del Metropolitan Museum of Art, NY, MOMA, NY, Guggenheim Museum, NY, Museo M de Arte Moderno, Rio de Janeiro, y Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Vive y trabaja en Buenos Aires.
Serie Registro del uso de los muebles públicos de Scott Burton Principios de los 90s Toma directa diapositiva 20 x 30cm
Las fotografías de Eduardo Costa dejan al desnudo la estetización del objeto, fenómeno que alcanzó notables expresiones en Nueva York a fines de los años 80 y principios de los 90. Costa documenta el uso del mobiliario público del artista Scott Burton. En las tomas figuran los habitantes anónimos de la ciudad usando ina inadvertidos dvertidos los muebles de la Battery Park Plaza y el complejo edilicio diseñado por Cesar Pelli entre otros similares. Pero a la familiaridad de los oficinistas y el patinador cansado, se contrapone la helada hel belleza de las formas.
Daniel García (Rosario, 1958) Desde 1981 ha presentado su obra en numerosas muestras individuales, las más recientes son: Bandido, Centro Cultural Parque de d España (Rosario, 2009), Retrovisor, Museo Emilio Caraffa (Córdoba, 2010), Nocturno, Galería Zavaleta Lab (Buenos Aires, 2011), 201 Elogio de la obsolescencia, Museo de Arte Contemporáneo (Salta, 2012), Ad astra per aspera, Museo Diario La Capital (Rosario, 2012), Nachleben, Na Centro Cultural Haroldo Conti (Buenos Aires, 2012), Corpus, Espacio Cultural Universitario (Rosario, 2012) y Casi boyitas, Galería Mar dulce (Buenos Aires, 2013). También expuso en otras ciudades del exterior del país como en la Galería OMR de México en 1998, la Galería Sicardi de Houston en 1999, la Galería Ramis Barquet de New York en el 2000, y en la Galería Animal de Santiago de Chile en 2006, entre otras. Además participó en numerosas muestras colectivas como la 47º Bienal de Venecia, en 1997, VI Bienal de La Habana (Cuba, 1997), 1997) 1º y 2ª Bienal del Mercosur (Porto Alegre, Brasil, 1997 y 1999), De Ponta Ponta-Cabeça, Cabeça, I Bienal de Fortaleza (Brasil. 2002), Southern Identity: Contemporary Argentine Art, International Gallery of the Smithsonian’s S. Dillon Ripley Center, (Washington D.C., 2010). Ha recibido numerosas distinciones, el 2º Premio Braque en 1992, la Be Beca ca a la Creación Artística de la Fundación Antorchas en 1994,, el Primer Premio Austria en 1996, el 2º Premio Adquisición de los Premios Colección Costantini en 1997 y el Premio 50º Aniversario Aniver del Fondo Nacional de las Artes en 2008. Fue considerado como el Artista Joven del Año 1995 por la Asociación Argentina de Críticos de Arte, y en el 2002 obtuvo el Konex de Platino de la Fundación Konex. Vive y trabaja en Rosario.
Atlántida, 2011 Toma directa 33 x 44 cm
El paisaje de Daniel García muestra un mundo quieto y estable, la noble y simple objetividad de una visión que a juzgar por las apariencias no esconde nada. “Atlántida 2011” bien podría ser una instantánea tomada al azar, pero hay rastros que delatan el ojo entrenado del artista. El primero es el mástil que, tajante, divide la obra en dos; el segundo rastro es una luz que no permite adivinar si es del alba o el atardecer. El misterio subyace allí mismo.
Silvia Gurfein (Buenos Aires, 1959) Estudió filosofía y artes escénicas. Inicia su formación plástica de manera autodidacta y luego en 1999 y 2000 participó de las l clínicas de Tulio de Sagastizábal. Del 2001 al 2008 fue docente en el Posgrado de la F.A.D.U/UBA. Entre 2009 y 2010 crea El texto te de la obra, taller de escritura para artistas, que dicta en diversas ins9tituciones como Universidad Di Tella, Centro de Investigaciones Investigac Artísticas, Bienal de Arte Joven de Buenos Aires y de modo privado, tanto en Buenos Aires como en diversas provinci provincias as de la Argentina y también en San Pablo, Brasil. Algunas de sus exposiciones individuales son: Pierdo el tiempo, Centro Cultural Recoleta, (Buenos Aires, 2014); Lo Intratable, Intratable Fundación Klemm (Buenos Aires, 2013) / Praxis (Buenos Aires, 2010), El libro de las excepciones, Casa Triangulo (San Pablo, 2010) Temporal, ZavaletaLab, (Buenos Aires, 2007) y Concentrada, Casa Triangulo, (San Pablo, 2006) Participó en la Bienal Nacional de Bahía Blanca 2003 2003-9 y en el Salón Nacional de Rosario 2002-3-4-5-8. Premios ios y Becas: 2014 Residencia internacional URRA en Buenos Aires, 2013 Premio Igualdad Cultural, 2012 Beca Nacional Fondo Nacional de las Artes / 2011 XV Premio Klemm a las Artes Visuales Primer Premio / 2005 Beca Programa Intercampos Fundación Telefónica /Concurso de Pintura Fundación Deloitte 2005 Mención Especial del Jurado / Salón Nacional de Rosario 2004 y 2002 Mención Especial del jurado. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Paraíso perdido, 2007 Foto toma directa 20,24 x 25,32 cm
Silvia Gurfein emprende al fotografiar un objeto la misma búsqueda que realiza cuando pinta: establece con rigor extremo la máxima dificultad al ejercicio de la mirada. En “Paraíso perdido” trata de encontrar el lugar, el momento, el color y la forma precisa preci que, acaso alguna vez existió, donde lo visual se transforma en idea pura. El deseo de tocar el “cielo” en medio de la vida cotidiana común co a todo artista, inspira la obra de Gurfein.
Carlos Huffmann (Buenos Aires, 1980) Licenciado en Economía con un Master en Bellas Artes del California Institute of the Arts. Tomó clases de pintura con Leonardo Alessi y participó de los talleres de Diana Aisenberg, Pablo Siquier y Mónica Girón. Nacido durante la dictadura militar en Buenos Aires, construye su trabajo desde la preocupación de que una mentira verosímil tiene el mismo orden de realidad que cualquier objeto de la memoria. Su obra se compone de pinturas, esculturas, dibujos y textos que, con fuertes referencias al surrealismo post-estructuralista, estructuralista, busca investiga investigarr los mecanismos de la ficción como índice y cincel de lo real. Ha expuesto pinturas, esculturas e instalaciones en varios países y publicado diversos textos teóricos y literarios. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Sin título, 2014 Impresión Inkjet sobre papel, 57x42cm 1/3 + p.a
Carlos Huffmann es un fotógrafo decidido a componer una imagen con un gesto simple: ha colocado entre sus piernas la mochila que suele llevar al hombro. La telas del jean que lleva puesto se confunde con el de la mochila y los contornos se esfuman. En esa zona casi abstracta se destaca un libro que no es cualquier libro, es “El Aleph” de Borges. De repente, al igual que una radiografía, radiograf la imagen nos revela un rasgo go fundamental de Huffman y su arte: su pasión por la literatura, el goce que le procura tenerla siempre presente.
Daniel Joglar (Mar del Plata, 1966) Egresó como Profesor de la Escuela de Artes Visuales Martín Malharro y realizó el Programa de Becas de Guillermo Kuitca. Entres sus exposiciones individuales más recientes se pueden mencionar Desplazamientos, Fundación Osde (Buenos Aires, 2014); El mundo siempre, Galería Ruth Benzacar (Buenos Aires, 2013), Periodo Azul, Ga Galería lería DabbahTorrejon, (Buenos Aires, 2009); The Invisible Jump. Blanton Museum of Art, the University of Texas (Austin, 2006). Y de manera grupal participó Soberanía del uso. Apropiaciones de lo cotidiano en la escena contemporánea, Fundación Osde (Buenos Aires, 2014)MALBA, donaciones, adquisiciones y comodatos, Museo de arte Latino Americano (Buenos Aires, 2013) Geometría, desvíos y desmesuras, Espacio de Arte, Fundación Osde, Curadora Danielle Perret (Buenos Aires, 2013), Algunos artistas 90 90-Hoy, Fundación ón Proa (Buenos Aires, 2013); Circuito Cultural Borges-Xul Borges Solar, intervención en la vía publica en Ciudad de Buenos Aires, 2013; Explica. Una ordenación zodiacal sobre la colección Castagnino+macro, Curadores Verónica Flom y Santiago Villanueva (Rosario, 2013) Roberto Aizenberg, Trascendencia-Descendencia. Descendencia. Colección de arte Amalia Lacroze de Fortabat, Curadora Valeria Gonzáles (Buenos Aires, 2013) Intervenciones, Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, 2012) Pertenencia, Villa Victoria Ocampo, Buenos Aires. Poéticas de la experiencia. Pruden, Joglar, Krygier, Instituto Cervantes (San Pablo, 2012) An Exchange whit Sol Lewitt, A two-part part exhibition co co-presented presented by MASS MoCA and Cabinet Curadora Regine Basha (Massachusetts, 2011). Obtuvo las becas de la Fundación Antorchas, del Fondo Nacional de las Artes, el Premio Elena Poggi y de la Bienal Regional de Bahía Blanca. Su trabajo ha sido incluido en los compendios: Vitamin 3D, Phaidon Press, Londres, 2009 y 50 international emerging artists, Contemporary magazine, Londres, 2006. Reside en Buenos Aires.
Sin título, 2009 Copia en papel Motval de Canson 51 x 60 cm
El arte de Daniel Joglar suele estar cargado con una magia inefable. Resulta imposible explicar con palabras qué hace para encontrar el justo lugar de las cosas. En esta ocasión nos trae una imagen que resume de modo impecable varias de las propuestas de esta muestra, como los cruces uces interdisciplinarios y la apropiación más extrema: la copia de la copia de la copia... Así, indefinidamente, como en la vida real.
Mónica Millán (San Ignacio, Misiones, 1960) Realizó el Profesorado de Dibujo y Pintura en el Instituto Antonio Ruiz de Mo Montoya ntoya de Posadas. Y continuó su formación con las becas y residencias: Fundación Antorchas (Buenos Aires 1995, 1999), “Confrontación de obra”, Trama, Rijksakademie van beeldende kunsten kun (Holanda, 2000), Banff Centre for the Arts (Canadá, 2001), Fondo Nacional de las Artes (Buenos Aires, 2004), Identidades en Tránsito, Fundación Rockefeller y Museo del Barro, (Asunción del Paraguay, 2002), Bellagio Center, Fundación Rockefeller (2004). Presentó su obra en varias muestras individuales y colectivas, las más rrecientes ecientes son: Los trabajos y los días, ACMI ong, Arte Contemporáneo Misiones (Posadas, 2014); ¿Oíste los pájaros que cantaban por el corazón de la lluvia?, Galería Zavaleta (Buenos Aires, 2013), Solo Project, Arco (Madrid, 2014); El Nacimiento de los color colores, es, Galería Oscar Cruz (San Pablo, 2012); Murmuran las ramas, Galería Palatina (Buenos Aires, 2010), El rio Bord(e)ado, La Línea Piensa, Centro Cultural Borges (Buenos Aires, 2009); Llueve. Lluev Es de siesta, Galería Zavaleta, (Buenos Aires, 2006), El rio Bord( Bord(e)ado, Spanierman Modern Gallery (New York, 2007). Vive y trabaja en Buenos Aires.
Ramas Chaco Paraguayo, 50 grados, monte espinoso. Solo podíamos caminar agachados, 2003 45 x 60 cm
Desde el título, Mónica Millán describe su obra, relata la experiencia y la dificultad que atraviesa una genuina exploradora durante una expedición emprendida para recolectar sonidos en el mes de enero de 2003, cuando el calor es feroz. La foto se llama: "Ramas Chaco Paraguayo, 50 grados, monte espinoso. Solo podí podíamos amos caminar agachados", e invita a imaginar que la exquisita relación intersubjetiva de la artista con la naturaleza perdura, aún cuando se vuelve agresiva. De todos modos, la imagen se ofrece como una alucinación. alucinación
Adriana Minoliti (Buenos Aires, 1980) Realizó el profesorado de pintura en la Escuela de Bellas Artes P. Pueyrredón. Participó de las clínicas de obra de Diana Aisenberg, Ais cursos y seminarios a cargo de Miguel Harte, Rodrigo Alonso, Eva Grinstein, entre otros. Es agente de dell Centro de Investigaciones Artísticas desde 2009, año en que también co co-funda el grupo PintorAs que convoca a 20 artistas visuales. Recibió becas y subsidios de la Secretaría de Cultura de la Nación, del Fondo Metropolitano de las Artes de Buenos Aires y de FONCA Conaculta de México. Obtiene el premio de Curriculum 0 de Galería R. Benzacar en 2004 y el segundo premio adquisición en e Premio Klemm 2012. En 2013, recibe el primer premio adquisición en Bienal MAC Bahía Blanca, y el primer premio en el concurso de pintura latinoamericana de Arcos Dorados Arteba, entre otras menciones. En 2008, participa en la residencia RIAA y en 2012 del Laboratorio de Experimentación Artística del Faena Art Center. Participó de muestras individuales en galerías, museos y centro centross culturales. Entre las exposiciones colectivas participa en MAMBA, Centro Cultural Rojas, C.C. Borges, CCEBA, MAC de Salta, Tucumán y Santa Fe, en MACRO Castagnino y en MALBA, en el FNA, en Alejandra Von Hartz Gallery y en Museum of Latin American Art en Miami, Galería Saffron y Brooklyn Museum en Nueva York, en galerías y festivales de Mexico DF, Oakville Galleries Canada, Kunsthaus Bregenz Austria, Puerto Rico, San Pablo, Río de Janeiro, Jane Lima y Paris, entre otras ciudades. Vive y trabaja en Buenos Aires
Sleeping cyborg beauty, 2014 Impresión color sobre tela, copia única 90 x 135 cm
Adriana Minoliti entabla una lucha para lograr agregarle atractivos a una pintura que los reúne sobradamente en si misma. Su objetivo es incrementar el deseo de una retina insaciable, de aquella que no se cansará jamás del placer que procura lo bello. Los volúmenes volúme y las geometrías entran impúdicas en un cuerpo desnudo tirado sobre la hierba. El espacio más idílico de la estética decimonónica se reconfigura con las nuevas fantasías de la artista. El tratamiento digital y la mezcla de estilos demuestran el uso de la tecnología, tec pero la impresión en tela y en una copia única, remite nuevamente a la pintura.
Luis Terán (Buenos Aires, 1977). Estudió Bellas Artes en la 2010.
Escuela de Bellas Artes Regina Pacis, especializándose en escultura. Participó de la Beca Kuitca/UTDT
A partir del 2002 comenzó a exhibir su obra en el circuito local, de manera grupal e individual en distintas intituciones como el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, la Fundación Proa, el Centro Cultural San Martín, y en las galerías Alberto Sendrós, Dabbah Torrejón, Zabaleta lab, y Ruth Benzacar. En el circuito internacional participó de una resi residencia en el FKSE en Budapest, fue invitado por la Foundation Hermés a exponer en Singapur, por Lada Project a exhibir en Berlín y por A gentil Carioca a mostrar su producción en Rio de Janeiro. Reside en Buenos Aires.
Últimos Recursos Beach Impresión inkejet, papel de algodón 30 x 36 cm
Con el dominio del oficio de escultor, Luis Terán le otorga a las esculturas que moldea en la playa mezclando en un recipiente recipient de gaseosa partes iguales de arena y de agua y levantando falsos dólmenes o figuras que, en las fotos adquieren una falsa monumentalidad talidad que sin embargo es inherente a la obra. Realizadas con humor y con el interés de encontrar la monumentalidad a través de la cámara, las fotos invitan a esbozar una sonrisa s y además, sorprenden.
Dani Umpi (Tacuarembó, 1974) Daniel Umpiérrez es unn artista que abarca las artes plásticas, la literatura y la música. Es Licenciado en Publicidad y Comunicación Artística-Recreativa Recreativa en la Universidad de la República del Uruguay. Como artista visual realizó las siguientes muestras Dani Umpi, Galería Xippas, (Paris, 2014); Informática, Galería Xippas, (Montevideo, 2013); Eterna, Galería Daniel Abate (Buenos Aires, 2011). La evolución del ser, Galería Soa (Montevideo, 2011). Todo incluído, Galería Jacob Karpio (San José, 2010); em Luxo, Nem Lixo, Galería OOZ, (Buenos Aires, 2010); Superbacana, MEC Plataforma (Montevideo, 2009). Participó en la Bienal de Sao Paulo 2010 y en la 1era. Bienal de Montevideo en 2012. Publicó las novelas “Aún soltera”, “Miss Tacuarembó”, “Sólo te quiero como amigo” y “Un poquito ta tarada”; rada”; los libros de cuentos “Niño rico con problemas” y “¿A quién quiero engañar?”; el libro de poemas “La vueltita ridícula” y el libro infantil “El vestido de mamá” mam (junto al ilustrador Rodrigo Moraes). Editó los discos “Perfecto”, “Dramática” (junto al guitarrista Adrián Soiza), “Mormazo” y “Dani Umpi Piano. Vol I” (junto al pianista Álvaro Sánchez). Junto a los músicos chilenos Sofía Oportot e Ignacio Redard integra el proyecto musical “Oportot Umpi Redard”, grabando el disco "Hijo único". Realiza con regularidad recitales en Uruguay, Argentina, Brasil, Chile y México. Reside en Montevideo desde 1993.
Sin título, 2013 Cámara de teléfono celular digital
Además de artista plástico Dani Umpi es un buen novelista y relata mejor que nadie sus incursiones por el mundo de la fotografía, un trabajo casi de ocasión. De este modo cuenta su gusto por los encuentros fortuitos que reconoce como un objet trouvé casual. Umpi desarrolló su habilidad para descubrir abstracciones o, los collages espontáneos del mundo de las vidrieras, contenidos o enmarcados en el límite de un rectángulo. Entonces saca su teléfono y sin ninguna pretensión toma las imágenes que luego atesora y guarda en e secreto. Karina Peisajovich sajovich es una artista que ha investigado el tema del color desde sus orígenes, desde los griegos hasta la actualidad. En sus su obras más evanescentes el color se ha independizado del soporte y sus dibujos realizados con luz flotan en el espacio. Simultáneamente Simult Peisajovich trabaja con focos de luz, como la luna de la imagen que se asemeja a una fotografía clásica y también a su propia obra. En clásico blanco y negro, la fotografía de este paisaje no está ligada a un tiempo histórico determinado, sino que más má bien procede de la memoria de la artista.
Pablo Reinoso (Buenos Aires, 1955) Artista plástico y diseñador franco-argentino. Desde 1973 presenta internacionalmente su trabajo en numerosas exposiciones individuales y grupales como: Bienal de Venecia, Malba de Buenos Aires, Museo MACRO-Castagnino Castagnino de Rosario, Centre Pompidou, Paris, Museum of Arts and Design, New York, y los Museos d’Arte Moderno de San Pablo, Bahia (Brasil) y México. También expone constantemente en las ferias de arte contemporáneo: Art Basel, Miami Basel, Arco, Fiac, ArtBrussels, Tefaf Maastricht. Entre sus exposiciones individuales más recientes podemos mencionar: mencionar Pablo Reinoso, Artist y Designer, Galerie miniMASTERPIECE, Design Basel (Basel, 2014) Galeria Baró (São Paulo, 2013); Pablo Reinoso : A Solo Exhibition, Art Plural Gallery, (Singapur, 2012), Maison Particulière, (Bruxelles, 2012) Fundación YPF, Arte en llaa Torre, (Buenos Aires, 2012); Museo de Arte Latinoamericano, MALBA (Buenos Aires, 2009) Vive y trabaja en París desde 1978.
Agora, Atenas, 2014 Toma directa 50 x 55 cm
Pablo Reynoso exhibe en su imagen la perfección y la belleza del clasismo, virtudes que exalta a través de la luz. Así conjuga las cualidades del arte del pasado a través del medio que utilizó para representarlo: la fotografía. La luz vuelve a dibujar las líneas de las columnas que, fuera del tiempo en su propio anacronismo, depa deparan ran la experiencia enigmática que genera el propio peso del tiempo.
Martín Reyna (Buenos Aires, 1964) Su formación en la pintura es autodidacta. En la década de los ochenta inició, junto a otros artistas, un movimiento inclinadao inclinad hacia una pintura de carácter expresionista. Desde 1987 expone regularmente, sus más recientes muestras individuales son: Noir et Blanc en Couleur, Galerie Argentine (Paris, (Par 2014); Perspectiva Asturiana, Maison de l'Amérique Latine (Paris, 2013); En el hhorizonte orizonte del color. Galería Del Infinito Arte (Buenos Aires, 2012); A l'horizon de la couleu, Galeria MGE (Paris, 2011). Morceaux choisis. Gomendio Gomendio-Boissière, Boissière, (Neuilly sur Seine, 2011); Galería Hogar Collection. (New York, 2010) En 1991 se radicó en Paris y alterna su trabajo entre París y Buenos Aires.
Paralelo 42" Toma directa 50 x 60 cm
Martin Reyna suele fotografiar con su cámara digital o su iphone los lugares, las cosas y las personas que lo rodean. Las imágenes confirman la insistencia perseverante de su mirada, subrayan diversos momentos y distintos modos de mirar. El artista se ejer ejercita y entabla un diálogo entre el que mira y aquel que es mirad mirado. o. En “Paralelo 42”, el diálogo se ha tensado con la irrupción de una rama que atraviesa el plano de la imagen de lado a lado.
Karina Peisajovich (Buenos Aires, 1966) Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y en el taller de Ahuva Szlimowicz. Posteriormente participó en las residencias para artistas como la Beca Kuitca en Fundación Proa, Buenos Aires (1994 (1994-1995) 1995) y ART OMI, Internacional Residency Program, NY (1999). En este mismo año el Fondo Nacional de las Artes de Buenos Aires le otorga un subsidio a la creación y en el año 2001 recibe la beca Comisión Fulbright/ Fondo Nacional de las Artes con la que viaja a NY para participar del programa de residencia residenc Internacional Studio and Curatorial Program, ISCP (2 (2002). 002). Fue docente de la Casa Escuela de Arte entre 2009 y 2013. Desde 1997 da el seminario Solocolor y actualmente da el seminario Ni lleno ni vacío en la Universidad Torcuato Di Tella. Realiza exhibiciones individuales y colectivas en Argentina y en el ex exterior. En 2012 recibe el Premio Konex a las Artes Visuales, Diploma al Mérito en la categoría Instalación. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Sin título, 2013 C-print 23 x 30 cm