Solardo - Mixmag Spain #5

Tras varios meses centrándonos en los canales digitales por fin tenemos el placer de estar de vuelta con el reclamado formato revista. En esta edición hemos tratado de acercarte a varios artistas que, sin lugar a dudas, nos parecen sumamente relevantes en la escena actual. Pero antes de presentarlos, debemos mencionar a nuestros artistas de portada, un dúo que no creo que necesite presentación alguna puesto que son varios los años que tienen a sus espaldas siendo reconocidos y aclamados por la industria. Hablamos con Solardo, echamos la vista atrás para analizar el magnífico recorrido que los anglosajones llevan trabajado y también nos cuentan sus actuales proyectos.

Abrimos edición con un artículo que Mixmag ha publicado en el que habla con seis artistas palestinos pioneros sobre su trayectoria musical, los desafíos que enfrentan cada

STAFF MIXMAG SPAIN

REDACCIÓN:

Patricia Pareja

Victor Fernandez

Helena Bricio

Carlos Pego info@mixmag.es

día y las diferentes formas en las que utilizan la cultura como forma de resistencia.

Entrevistamos a uno de los productores y deejays que ha tenido mayor crecimiento en los últimos años, se trata del parisino Trym, uno de los líderes de la ola del Fast Techno y New Trance que genera sold outs por todo el mundo.

Seguimos con talento fresco con el jovencísimo Mau P, el holandés ha sabido llamar la atención de la industria con grandes hits como ‘Drugs From Amsterdam’, un título que publicó Repopulate Mars e hizo a Maurits recorrerse medio globo con su exitosa gira.

Representando la ciudad en la que nos encontramos, Barcelona, entrevistamos a AWWZ, una productora y deejay que se atreve a desafiar la efervescente inteligencia artificial creando una propuesta de b2b entre ella y la IA sin

olvidar felicitarla por su reciente LP Ladah Temple.

Terminamos el bloque de entrevistas adentrándonos en el mundo de Quelza, el artista francés que ha sido aclamado por la crítica nos cuenta el proceso creativo tras sus producciones, cuales son sus influencias y sus futuros proyectos.

Disfruta de las críticas que han recopilado nuestros colaboradores y descubre cuales han sido sus pistas seleccionadas.

MÚSICA: C-System

Dave Sinner

Khat

Daniel Rifaterra music@mixmag.es

DEP. COMERCIAL: info@allinpress.com

DISEÑO Y MAQUETACIÓN:

Carlos Pego

NÚMERO #5

Mixmag Spain no se responsabiliza de las imágenes y opiniones vertidas por sus colaboradores. Queda prohibida la reproduccíon total o parcial de contenido sin previo aviso.

Carlos Pego - Mixmag Spain carlos@mixmag.es

CULTURA COMO RESISTENCIA: 6 DJS PALESTINAS QUE DEBES CONOCER

Cuando se formó el Estado de Israel en 1948, 700,000 palestinos fueron expulsados o huyeron de sus hogares. Muchos fueron a Gaza, Cisjordania o los países vecinos de Líbano, Siria y Jordania, mientras que algunos pudieron mantener sus propiedades y quedarse en la tierra conocida anteriormente como Palestina.

En la actualidad, la vida en palestina difiere enormemente según la ubicación. Mixmag habla con seis artistas palestinos pioneros sobre su trayectoria musical, los desafíos que enfrentan cada día y las diferentes formas en las que utilizan la cultura como forma de resistencia.

NOUR (PALESTINA)

En cuanto a creatividad, hay muy poco que Nour Palestina no pueda hacer. La cineasta, DJ, productora, artista yactivista nació en un barrio del este de Jerusalén ocupado llamado Silwan, a poca distancia de algunos de los lugares más sagrados del Islam y el Judaísmo. Al igual que en Sheikh Jarrah, cada vez más colonos judíos-sionistas se están trasladando al barrio de Silwan, y Nour tenía solo 10 años cuando vio por primera vez una bandera israelí colgando en la ventana de una casa que solía pertenecer a uno de sus vecinos palestinos. “Fue muydifícil presenciar eso”, dice Nour. “Fue entonces cuando nos dimos cuenta de que las cosas no iban a mejorar”.

Nour comenzó a pinchar hace nueve años, después de irse de vacaciones a México y nunca volver. En su viaje de regreso a Palestina, tocó en Ramallah con ODDZ y el DJ, productor y rapero Dakn; pero en la actualidad hay muy pocos lugares en la región en los que Nour se sienta cómoda tocando.

Puede pasar los controles de seguridad paratocarenRadiooSnowBarenRamallah, pero no se siente cómoda tocando en lugares dentro de Israel. “Cuando toco en Haifa y la gente comienza a hablarme en hebreo, me hace sentir incómoda, como si ese no fuera mi hogar”, dice Nour. “No quiero compartir mi arte en ese entorno”.

Nour no separa su arte del activismo. Trabaja con la de radio con sede en Berlín Refuge Worldwide para impartir talleres para comunidades marginadas en Berlín yAmman, ycon UNRWA para documentar las vidas de los refugiados palestinos en los campamentos. El año pasado lanzó su proyecto Refugee Chronicles, donde entrevista a ancianos palestinos en los campamentos de Palestina, Jordania y Líbano, ytiene otros cientos de proyectos en mente, principalmente centrados en empoderar a los niños palestinos. “Como palestinos, nacemos empáticos”, dice Nour. “Quiero hacer cosas que cambien la situación y ayuden a las generaciones futuras”.

AUTORA ALICE AUSTIN PARA MIXMAG UK TRADUCCIÓN CARLOS PEGO

YA HU

Escuchar uno de los mixes de Ya Hu es el equivalente auditivo de recibir un martillazo en la cabeza. Desarrolló una pasión por el techno industrial mientras estudiaba en la Universidad de Warwick. Algo sobre la tranquila ciudad de los Midlands Occidentales convocó un gusto musical que te hará sangrar los oídos.

Ya Hu, Yasmin para sus amigos, creció entre Ramallah y Jerusalén, aunque hoy está hablando desde Jericó, en cuarentena. “Quería ir al Mar Muerto hoy, pero no puedo salir”, dice. Se han establecido controles de seguridad israelíes en cada entrada a la ciudad para evitar que cualquiera salga porque están buscando sospechosos de un tiroteo que luego se convirtió en un asedio mortal.

Para Yasmin, la música es una forma de hacer frente al peso de la ocupación, en lugar de escapar de ella. La música le ayuda a gastar energía y crear una sensación de positividad en un mundo donde ser negativo puede parecer inevitable. “La música siempre será parte de mi vida, ya sea que viva bajo ocupación o no”, dice. Desde que Yasmin tocó su primer concierto en 2017 en Ramallah, su prima hermana yDJ, Sama’ Abdulhadi, ha sido su mentora. “Cuando hice el mix para nuestra residencia en Beatport, ella me hizo practicar cada mezcla como 500 veces”, se ríe Yasmin. “Es una perfeccionista”.

Desde que COVID encerró al mundo, la escena una vez vibrante en losTerritorios Palestinos Ocupados (TPO) se ha visto obligada a esconderse bajo tierra. Los TPO son el hogar de una gran variedad de culturas, clases, experiencias yniveles de opresión, y a medida que el estrangulamiento de la ocupación y la expansión de colonos crece, también lo hace la tensión dentro de la sociedad palestina. A medida que la gente busca en la religión seguridad y estabilidad, se vuelven en contra de la libertad que la música de baile representa.

“La sociedad en general desaprueba la música en tiempos de luto”, diceYasmin. Sin embargo, con 29 palestinos asesinados solo en enero de 2023, Yasmin y su comunidad siempre están de luto. Aunque el local clave de Ramallah, Radio, también conocido como Beit Aneeseh, todavía está abierto y contratando a artistas, Yasmin dice que la ansiedad de organizar una noche de club completa no vale la pena. Ahora, la amenaza para la seguridad no solo proviene de las fuerzas de ocupación, sino también de miembros conservadores de su propia comunidad.

Pero como artista,Yasmin tiene un futuro brillante por delante. Recientemente tocó en Kater Blau en Berlín y tiene un mix que saldrá en NTS. “Definitivamente quiero seguir con la música y aprender a producir o entrar en la gestión musical”, dice Yasmin.

HAYA

Haya nació en Akka, una ciudad portuaria ubicada en la costa mediterránea en el noroeste de Israel. Asistió a la escuela en la Ciudad Vieja de Akka, donde el sonido de la música árabe llenaba las calles y el llamado a la oración resonaba en el aire cinco veces al día.

Haya pasó la mayor parte de su vida adulta en Haifa, donde se convirtió en abogada de derechos humanos, ayudando a las comunidades palestinas a navegar por las comparecencias judiciales y combatir el robo de tierras y la violencia de los colonos. Aproximadamente el 30% de la población de Haifa es palestina, por lo que mudarse a Tel Aviv en 2018 fue un shock cultural. “Tel Aviv no tiene hablantes árabes”, dice Haya. “No lo escuchas en la calle ni en los bares, así que me hizo sentir como un extraño”.

Haya se compró un controlador a finales de 2021, inspirada por los sonidos de Moktar, Toumba, Hassan Abou Alam, DJ Plead y Assyouti. Comenzó a tocar una mezcla única de música electrónica con ritmos árabes; un sonido con el que se sentía fiel a su identidad. Cuando el equipo detrás de Kabareet, un lugar palestino en Haifa, se enteró de que había aprendido a pinchar la invitaron a tocar. Su actuación tuvo tal éxito que ha estado con todas sus fechas ocupadas desde entonces.

Pero la decisión de Haya de vivir en Tel Aviv no siempre fue fácil. La ciudad es predominantemente judía-israelí, por lo que es imposible tener una carrera en la música sin tocar en lugares dirigidos por israelíes, lo que invita a recibir críticas de sus compañeros palestinos. Mientras tanto, debe sufrir el ser cosificada por la comunidad israelí-judía, así como por el prejuicio diario contra los ciudadanos palestinos de Israel. Haya incluso es juzgada por personas sin afiliación a la región. “Es ridículo que una persona alemana me critique por vivir en una ciudad a una hora de distancia de donde crecí”, dice.

La situación de Haya destaca las vivencias a las que los ciudadanos palestinos de Israel se enfrentan a diario: el racismo y el prejuicio de la sociedad israelí, mientras son boicoteados por su propia comunidad por tocar en ciertos lugares. “No estoy confundida acerca de mi identidad”, dice Haya. “Soy palestina, fui criada en un hogar palestino, mis padres son refugiados internos. Sé en qué creo. Voy como un extranjero a los lugares israelíes; solo por aquellos que comparten mis valores y comprensión política”.

HAYA FOUR PLAY CLOSING SET

HIBA SALAMEH

Hiba Salameh nació y creció en Haifa, aunque en estos días pasa la mayor parte de su tiempo viajando por el mundo. Terminó una gira porAlemania en diciembre y acaba de regresar de un festival de cine en Claremont, Francia, donde estrenó su cortometraje Hamza: Chasing the Ghost Chasing Me. Para Hiba, la música, el cine, el arte y el activismo siempre han estado entrelazados yutiliza la creatividad como una herramienta para contar historias de la cultura, la identidad y la historia palestina.

De niña, Hiba tocaba el piano y el órgano. La música era su pasión, y después de que un accidente la dejara hospitalizada durante un año a los 18 años, decidió no perder tiempo persiguiendo su sueño. Sin poder usar al completo su brazo izquierdo, recurrió a la música electrónica para expresarse y comenzó a viajar por el mundo recolectando música del mundo árabe, así como de México, España, Brasil y Berlín. Empezó a pinchar en Haifa, Ramallah y Jaffa, tocando una mezcla ecléctica de música que trasciende las fronteras. “Creo que somos una generación deprimida, no solo aquí, sino en todo el mundo”, dice Hiba. “Así que quiero repartir alegríacuandotocomúsica,especialmente a personas oprimidas e ignoradas”.

Hiba lanzará su primer EP este año. “Por fin definí mi sonido”, dice Hiba. “Es una mezcla de todos los géneros que me han afectado”. Hiba se tomó su tiempo para lanzar música porque ha pasado gran parte de su carrera tratando de no ser encasillada. Los promotores esperan que toque solo música árabe, lo que en el mejor de los casos se siente limitante, y es solo uno de los muchos desafíos que Hiba debe afrontar como artista palestina.

“Recibo muchas ofertas para tocar, pero es importante que comprenda sus compromisos de agenda, su opinión política y las personas que estarán allí antes de decir que sí”, dice Hiba. “Mi activismo es para que los palestinos me vean como una artista femenina en el escenario y se sientan empoderados”.

HIBA SALAMEH AS AA S X RADIO ALHARA

YASMINE EVE

Yasmine Eve creció en Nazaret, una ciudad bíblica en Israel, no lejos de Haifa. Es donde el ángel Gabriel le dijo a María que daría a luz a un hijo, y también es el hogar del taller de carpintería de José. El 70% de la población palestina de Nazaret es musulmana, el 30% es cristiana, sin embargo,Yasmine dice: “No pertenezco a ningún grupo religioso, sino directamente al Señor”.

Yasmine pasó su infancia entre Nazaret y Estados Unidos, pero siempre se sintió profundamente conectada a su tierra natal. Empezó a pinchar en 2013 y pronto estuvo inmersa en la escena underground local de Haifa. Sus sets navegan entre el house y el techno, y tiene un talento especial para construir tensiones ydrops.

Yasmine ve la música y la cultura como una herramienta para conectar, por eso lanzó su fiesta Blue Elephant en 2021 con dos amigos. “Se basaba en la idea de tener un espacio para que todos se sintieran ellos mismos, cómodos, amados y compartir música de la región”, dice Yasmine. “Queríamos conectar Haifa con Ramallah y Jerusalén Este y reunir a artistas palestinos”. Pero crecer bajo la ocupación sin libertad de movimiento y crecer dentro de las fronteras israelíes con libertad de movimiento presentó dificultades dentro de la comunidad.

“La realidad es que vivo rodeada de israelíes y tengo un pasaporte israelí, y no puedo cambiar eso”, dice Yasmine. “Perosédedóndevengo,luchoporPalestina y lucho por nuestra libertad”. Es una realidad compleja y confusa para los ciudadanos palestinos de Israel, pero el comportamiento cada vez más errático de la Autoridad Palestina en losTerritorios Ocupados está dejando a los artistas sin adonde acudir. En una reciente visita a Ramallah, seis oficiales vestidos de civil sacaron un arma a Yasmine porque hablaba demasiado alto. La experiencia la dejó traumatizada. “Les estaba hablando en árabe como ‘somos iguales, hermano, ¿por qué estás haciendo esto?’”

Blue Elephant se disolvió el año pasado, y Yasmine se tomará un tiempo para reagruparse yencontrar una nueva forma de expresarse. “En primer lugar, soy un ser humano”, dice. “No soy mejor que nadie, y nadie es mejor que yo”.

YASMINE EVE RESURRECTION ON THE MOON

SAROUNA

Antes de que Sarouna se convirtiera en ingeniera de sonido, productora y DJ, dominó el qanun, un instrumento de cuerda que se originó en el Imperio Asirio en el 1800 a.C. En 2013, Sarouna ganó una beca para estudiarqanun yproducción de música/ingeniería de audio en el Berklee College of Music de Boston, convirtiéndose en la primera persona en tocar el qanun como instrumento principal.

Comenzó a tocar el qanun cuando tenía alrededor de 7 años, aunque nadie más en su familia es musico. Es del Monte de los Olivos, al este de la Ciudad Vieja de Jerusalén y hogar de muchos sitios sagrados en el cristianismo, el islam y el judaísmo, lo que convierte la ciudad natal de Sarouna en un lugar de controversia histórica. Creció en medio de la Segunda Intifada, cuando los funerales y las demoliciones de casas eran la norma, y encontró inspiración en el colectivo de hip hop palestino DAM y consuelo al recrear sus ritmos en Fruity Loops.

Una vez que se graduó, regresó a casa yse sumergió de cabeza en el underground de Palestina, moldeando los paisajes y sonidos de Ramallah, Haifa y Jerusalén y produciendo música bajo su sello discográficoTawleef para artistas como Maya Al Khaldi.

Está en proceso de escribir su propio álbum, que intenta recuperar los ruidos traumáticos que la rodean. “Realmente quiero incorporar partes de lo que viví”, dice Sarouna. “Así que hay muchas muestras, muchas grabaciones de campo. Mi generación tiene traumas sónicos. Sentimos los efectos de la Intifada a diario y seguimos experimentándolo mientras vivimos bajo ocupación”.

Sarouna dice que siempre hay tensión entre querer hacer música como artista, vivir en medio de un trauma constante y sentirse culpable por crear bajo tantas capas de opresión. “Es normal ver a personas ser baleadas y tener una parte de tu casa quemada y ver a tu primo ir a la cárcel. Pero una vez que ves cómo existen otras personas, te das cuenta de que no es normal, es incorrecto”.

SAROUNA ATHEER JAMS

Trym es un artista parisino también conocido por su aka “Sparkling Water Boy”. Forma parte de la nueva ola de artistas que combina la música Fast Techno y el New Trance, ya sea durante sus actuaciones o en sus propias producciones. Fundador del sello COLOR el cual destaca por publicar una música enérgica y muy melódica, un estilo que expuso durante su primer Boiler Room en agosto de 2022. Perfeccionista incansable, trabajador incansable, siempre está buscando algo nuevo, colorido y fresco. El mayor desafío de Trym: emocionar a su audiencia durante sus deejay sets y contar su historia, que comenzó hace 6 años.

trym

AUTOR CARLOS PEGO

mixmag Spain

Hola Martin, gracias por pasarte por mixmag. Es reconfortante cuando ves a un artista como tu que ha ido creciendo con el tiempo, trabajando duro, haciéndolo con pasión y que de repente su carrera da un salto abismal. ¿Mirando atrás, cuando solías tocar en bares parisinos y la enorme comunidad que tienes a tu alrededor ahora, cómo te sientes?

Antes de nada, gracias a vosotros por la invitación. Me siento muy afortunado de haber llegado donde estoy ahora y de poder compartir mi pasión con mi público. Debo decirte que no ha sido algo fácil pero durante el camino me aseguré de rodearme de las personas correctas para que me ayudaran a llegar donde he llegado.

Sparkling Water Boy

Desde tus inicios, siempre has autoeditado tu propia música pero en el último año has decidido hacer algunos cambios creando tu propio sello llamado COLOR. ¿Qué objetivo tienes con COLOR y con los artistas que participen en él?

Sí, hice muchos autolanzamientos, pero también lancé a través de sellos como Exhale, Involve, etc. Es difícil para mí definir mi estilo musical, incluso más difícil aún encontrar una etiqueta que pueda encajar conmigo. Es por ese motivo que quise crear COLOR, para poder expresarme plenamente y también para descubrir y sacar nuevos artistas que me gusta incluir en mis sets.

Debo reconocer que como consumidor de agua con gas, me ha hecho mucha gracia ver tu aka ‘Sparkling Water Boy’. Puedo imaginarme de dónde viene pero explícanoslo tu.

Efectivamente, como no bebo alcohol, bebo exclusivamente agua y sobre todo agua con gas, siempre presente en mi rider. Un día en Alemania un promotor me llamó Sparkling Water Boy, nos reímos mucho y ya sabes el resto de la historia.

A principios de 2023 lanzaste el EP Trinity a través de Exhale el cual incluye un remix de la propia Amelie Lens. Poco después nos sorprendiste con ‘It’s Better When We Fake It’. Cómo es tu proceso creativo durante la producción? Tienes disciplina de horarios para el estudio o te dejas llevar?

Si pudiera, me pasaría todo el tiempo en el estudio, jaja. Pero es difícil, desafortunadamente no siempre es posible. Con las actuaciones no es fácil encontrar tiempo para estar produciendo en mi estudio de París, así que en cuanto puedo, ya sea en el hotel, en el avión o en el coche, me pongo los auriculares y produzco.

¿Recibiste formación musical en el pasado? ¿Fue algo con lo que creciste en el entorno familiar o es algo en lo que te interesó por tu cuenta?

Mis padres son grandes melómanos. He estado rodeado de música durante toda mi vida. Ellos me transmitieron su cultura musical, la cual pude ampliar y más adelante explorar para finalmente encontrarme con la música electrónica, mi jardín del edén jaja.

Me gusta disfrutar de sesiones ‘All Night Long’ de artistas que son de mi interés porque como público descubro mucha música que, aunque puede que no esperara oír mantiene mi interés con lo sorprendente que puede llegar a ser. Tu tienes por delante varios ‘TRYM all night long’, ¿cómo preparas estos sets para mantener la energía de la pista y su interés durante tanto tiempo?

‘All Night Long’ es mi formato favorito. ¿¡Por qué!? La respuesta es sencilla: libertad. La libertad de poder expresarme por completo, de compartir todo lo que amo: house, groove, hip hop o incluso drum and bass. También hay otro aspecto artístico más allá de un simple deejay set, que es el deseo de crear una experiencia única con el público. Esto es lo que quiero para cada una de mis actuaciones ‘All Night Long.

Hablemos de las redes sociales y cómo esto puede afectar a la carrera de un artista. En tu caso estás haciendo un muy buen trabajo con tu canales. Te vi en una masterclass de deejay dando algunos consejos sobre cómo hacer ciertas cosas con el mixer para que se vea mejor en un video. ¿Dónde aprendiste todo eso? ¿Cómo interiorizaste la importancia de tener una buena comunicación digital?

Creo que hoy en día es importante saber moverse en los tiempos que corren y cumplir con los deseos de las personas que nos siguen en redes. Por eso es importante poder intercambiar ideas, pensamientos, saber comunicar y compartir mis producciones, actuaciones y cualquier novedad artística.

Pero las redes sociales también pueden afectar de manera negativa, me refiero a que tienes que lidiar con la presión de mantener la conexión con la comunidad, tienes que estar expuesto constantemente. Incluso puede que cualquier ser humano necesite algo de ayuda psicológica para sobrellevarlo.

Es parte del juego, no podemos y nunca podremos complacer a todos. Ese es también el poder de Internet, expresarse libremente. Hay que saber dar un paso atrás y no dar todo por sentado, es obvio que algunas cosas me afectan más que otras, pero al final me alimento de los buenos y malos comentarios, así avanzamos, crecemos y aprendemos. Siempre doy el 300% de mí mismo, sabes que la música es mi pasión, mi razón de ser, mi droga. Puse mi corazón y mi alma en ello y por nada del mundo haría cualquier otra cosa.

Has estado muchas veces en España pero creo que esta es la primera vez que tocarás durante la semana de Sónar, en Pacha Barcelona el próximo junio. ¿Cómo te sientes al saber que tu sonido es cada vez más solicitado por el público?

Me alegra ver que nuestra comunidad crece cada día. Esto me da la fuerza constantemente para superar mis límites y brindar la mejor experiencia posible.

Estoy seguro de que vas a traernos un montón de novedades próximamente. ¿Hay algo que te gustaría compartir con nosotros?

Estoy lanzando mis shows audiovisuales, pronto tendréis más información en mis redes sociales.

BONUS TRACK

¿Por qué siente pasión TRYM a parte de por la música? Bolos, Formula 1, fútbol, rugby y golf.

¿A qué se dedicaría Martin si no estuviera en la música? Piloto de aviones de combate.

¿Cuál es la película favorita de TRYM?

El Lobo de Wall Street, Snatch: Cerdos y Diamantes, Ocean’s Eleven.

¿Con qué canción TRYM no puede evitar emocionarse? Adele ‘Skyfall’.

Pizza, hamburguesa o paella? Champions league, amigos y una pizza.

Sigue a Trym para estar al corriente de sus novedades.

mau p

Maurits parece estar destinado a causar un gran impacto en la escena de la música house. El nativo de Ámsterdam come, respira y vive por la música. Creció en un hogar lleno de músicos talentosos, teniendo al alcance varios instrumentos desde muy joven. A los 14 años, Mau P encontró un amor incondicional por la música dance. Ahora canaliza sin esfuerzo sus habilidades musicales, su talento innato y su creatividad sin límites en sus producciones y sets. Con el apoyo de su ciudad, está listo para llevar el sonido de Ámsterdam al resto del mundo. Mau P es definitivamente un artista que vale la pena seguir de cerca.

drugs from amsterdam

¡Qué año tan impresionante ha sido para ti el pasado 2022! Con el exitazo “Drugs From Amsterdam”, publicado en Repopulate Mars, que rápidamente se convirtió en el número 1 en Beatport, muchos sold out en todo el mundo y supongo que finalmente sentiste que realmente podrías vivir de la música. ¿Cómo has experimentado todo este proceso?

Des del release de “Drugs From Amsterdam” hasta ahora ha sido una montaña rusa. Todavía estoy procesando lo que ha sucedido en los últimos meses, es una locura. Luego, el comienzo de este año 2023 ha sido genial con el lanzamiento de “Gimme That Bounce” y el inicio de mi propia gira XXX en América del Norte.

Para ser honesto, estoy muy feliz de que este todo esto esté sucediendo ahora y no hace 5 años. Mucha gente piensa que he aparecido de la nada, pero en realidad he estado trabajando durante mucho tiempo. Lo que me ha dado margen para cometer errores, aprender de ellos, construir un equipo sólido a mi alrededor, tener suficiente experiencia de la industria y estar en el estado mental adecuado. Siempre estuve convencido de que podía hacerlo, pero ahora estoy preparado de la mejor manera posible y listo para hacerlo diez veces mejor.

AUTOR CARLOS PEGO FOTOGRAFÍA TOMMY REERINK

Para aquellos que dudan de sus habilidades y las posibles oportunidades, “Drugs From Amsterdam” es un éxito sin lugar a dudas, pero ¿podrías explicar cómo fue el proceso para que el sello de Lee Foss lo publicara? Vi que Lee comentó en una publicación que hiciste con el hook.

Tenía mucha música terminada durante el verano de 2022, así que decidí simplemente enviar una carpeta con toda esa música a los DJs que me gustaban. “Drugs From Amsterdam” fue la que se eligió más rápidamente y seguí viendo cada vez más videos de estos DJs tocándola en Instagram y Tiktok. La estrategia de lanzamiento detrás de “Drugs From Amsterdam” se basó en lo que sucedió con la canción de forma orgánica y simplemente lo planificamos desde allí. En medio de toda la locura en Instagram, también había un mensaje directo de Lee Foss preguntándome por “esa canción de Amsterdam”. Me desperté con ese mensaje y estaba muy emocionado porque sabía que esto podría significar que él la querría para Repopulate. Creo que la probó un par de veces primero y luego volvió a mí preguntándome si la quería en el sello. El resto es historia...

Sabemos cómo las redes sociales pueden ser algo bueno y malo para cualquiera, especialmente para un artista cuyo éxito hoy en día depende en parte de lo expuesto o cercano que esté con sus fans. En tu caso, lo estás haciendo muy bien. ¿Estás mentalmente preparado para cualquier cosa que pueda venir de ahí?

Solía tener una relación de amorodio con las redes sociales. Es muy divertido poder conectar con las personas que escuchan tu música y que vienen a los shows, pero al mismo tiempo puede ser estresante sentir esta obligación de mantenerlo actualizado. Hoy en día me he dado cuenta de que si simplemente publicas lo que te apetece y lo mantienes real, se elimina esa carga. El otro día llegué a casa después de una gira y me sentí un poco abrumado por todo, así que lloré. No sé por qué tomé una foto llorando, pero lo hice y la publiqué en Instagram y siento que muchas personas conectaron de alguna manera. También recientemente el escenario en el que estaba tocando colapsó y alguien lo grabó en video. Me hice daño en la pierna, pero también lo publiqué porque así fue como sucedió y parecía divertido. No todo tiene que ser perfecto en las redes.

Sé que vienes de una familia de músicos muy talentosos, ¿cómo te han inspirado ellos y cómo crees que esto afecta a un artista joven en comparación con una situación sin músicos en la familia?

Mi padre era saxofonista y mi madre es una cantante maravillosa. Tuve la suerte de tener prácticamente todos los instrumentos a mi alcance desde el momento en que aprendí a caminar. Empecé en la batería, pero solo hacía ruido tratando de crear ritmos. Después de eso, recibí lecciones de piano junto con mi hermana, pero odiaba que las canciones que teníamos que tocar fueran tan infantiles. Poco después tuve mi “fase de rock” como adolescente, tocaba Red Hot Chili Peppers, Arctic Monkeys, Nirvana, Paramore, etc., en guitarra. Finalmente, mi padre puso un piano de cola en el estudio que sonaba tan bien que tuve que volver a tocar el piano. Creo al 100% que tener un entorno musical me ayudó a diferenciarme de otros productores. Además, todavía estoy aprendiendo cosas nuevas sobre música y producción todos los días. Es como un viaje interminable y eso es lo que lo hace tan divertido. Por otro lado, hay productores que no tienen nociones musicales pero terminan haciendo cosas locas y geniales porque no siguen ninguna regla. Me gusta tratar de encontrar un equilibrio en eso. No todo tiene que funcionar según las reglas.

A principios de este año lanzaste ‘Gimme That Bounce’, debutando en Insomniac Records, otra canción con un ritmo pegajoso que prende toda pista de baile. ¿Cómo fue el proceso creativo? ¿Usaste tu propia voz?

Comenzó de manera bastante inocente y se convirtió en un monstruo. Solo estaba tratando de crear un buen ritmo y por algunas casualidades llegué a un sonido con graves Wubs y sintetizadores mezclados con un swing clásico de house. Luego dejé el track en standby durante un tiempo porque no sabía cómo seguir. Cuando volví al proyecto, descubrí que también había grabado mi propia voz hablando sobre el ritmo. Fue solo una toma, pero resultó ser perfecta. Creo que en ese momento no sabía realmente cuánto se iban a identificar las personas con la letra, pero eso es probablemente el motivo por el cual la vocal funciona. Fue sencillo. Se trata de la monotonía de 9h a 5h en la que todos estamos atrapados y de la que queremos escapar simplemente metiéndonos en “ese ritmo”, “ese sonido” o “ese ambiente” durante los fines de semana. También incluí algunos sonidos de oficina en el proyecto y cada pieza del rompecabezas encajó perfectamente.

También tienes un programa de radio en Soundcloud y Spotify llamado XXX Radio. ¿Qué pueden esperar los oyentes de él?

Solía hacer un programa de radio mezclando pistas en Ableton, pero XXX Radio es algo que grabo en vivo en los shows cada semana. Siempre estoy buscando los ritmos más nuevos y frescos y eso es lo que trato de mostrar en cada episodio. Una vez más, solo trato de mantenerlo real y darles a las personas una idea de la nueva música que me gusta. Puedo estar resacoso mientras grabo y cometer un pequeño error, puedo tocar más tiempo del que debería ser (60 minutos) o puedo estar en una vibra más oscura en ese momento y terminar el set con algo de techno, pero todo es solo un reflejo de lo que siento.

Tienes una increíble gira en Estados Unidos, con muchos shows agotados. Estás confirmado para varios festivales este verano, como EDC Vegas, Parookaville y Nameless, también tocarás en Ibiza en junio y tendremos el placer de verte en Pacha Barcelona el 16 de julio. ¿Cómo te sientes con todo esto?

Estoy súper emocionado de poder viajar a tantos países. También tenía el objetivo de poder leer a las multitudes de todo el mundo y tocar el set perfecto para ellos entendiendo su cultura.

Cada vez que vuelves a un país específico para un espectáculo, conoces mejor a la gente. Por ejemplo, acabo de tocar en Colombia por primera vez y ya estoy deseando volver y tocar un nuevo set con el conocimiento que ahora tengo del público.

Y para cerrar la entrevista, alguien me dijo que tienes grandes anuncios musicales por delante. ¿Hay algo que quieras compartir con nosotros?

Hay mucha música preparada, pero probablemente una de mis canciones no lanzadas más esperadas de este momento es una que se llama “Your Mind Is Dirty”. Pronto saldrá en el sello de John Summit. Quería crear una canción que hiciera que la gente se sintiera un poco provocada o incómoda y, al mismo tiempo, fuera un éxito rotundo.

Hice sampled de un audio de una chica gimiendo y la usé como el sonido recurrente de la canción. La última parte es la mejor, donde al final ella comienza a gritar y luego entra el drop. Así que después de tener una canción sobre las drogas, ahora he pasado al sexo, veamos qué sigue...

BONUS TRACK

¿Cuál es la mayor pasión de Mau P aparte de la música? El café, estoy aprendiendo a ser un barista seriamente profesional.

¿Qué haría Maurits para ganarse la vida si no fuera artista?

Probablemente sería un diseñador de arte o visual.

¿Cuál es la película favorita de Mau P? ‘Aniquilación’.

¿Cuál es la canción con la que Mau P se emociona? ‘Spotlight’ de S.A.M. y Sarah Ikumu.

¿Pizza, hamburguesa o paella? Sushi.

Escucha el remix de Mau P de ‘Miracle’ de Calvin Harris y Ellie Goulding

solardo

El dúo de Manchester formado por James Elliot y Mark Richards, mejor conocidos por todos en la industria como Solardo, son los protagonistas de nuestra edición de mayo y junio en Mixmag Spain. Solardo recibió grandes influencias de los años 80 y 90 de su lugar de origen, Manchester, una región del norte de Reino Unido con una profunda historia musical. Antes de conocerse, ambos tenían carreras musicales por separado; Mark era un apasionado del dubstep y James lo era del house. Poco después de conocerse, decidieron unir fuerzas y crear un sonido único y característico que, en muy poco tiempo, les posicionó en la industria musical. Además de DJs y productores, el dúo es también dueño de su propio sello Sola Music —que a la vez tiene dos vertientes: Sola Nauts y Sola Eclipse— y se ha alzado como uno de los mejores sellos dentro del panorama musical.

living the dream

Actualmente Mark y James no han parado a descansar ni un segundo; han iniciado el año con muy buen pie e interminables fechas alrededor del globo y ahora se preparan para un verano del todo ajetreado con motivo del inicio de la temporada ibicenca. Este año el dúo tiene un verano completo a la vista, ya que estarán en varias fiestas en la isla: en Ants en Ushuaia y en la fiesta de Fisher, también junto a Vintage Culture, The Martinez Brothers y Paco Osuna en Hï Ibiza, en Paradise en Amnesia y Do No Sleep, sin olvidar The Masquerade en Pacha Ibiza. ¡Va a ser una gran temporada llena de shows! Dejamos que sean ellos mismos los que nos hablen largo y tendido sobre sus inicios, su historia, su sonido, nuevos proyectos, sensaciones y más con motivo de su portada en esta casa.

Bienvenidos chicos, es un auténtico placer contar con vosotros en nuestra portada. Últimamente habéis estado de gira por América, Europa y ahora estáis de vuelta en Sudamérica. ¿Cómo ha ido?

Mark: Hola equipo, gracias por contar con nosotros en la portada de este mes de Mixmag Spain. Últimamente hemos estado con bastantes giras, como ya es habitual, siempre estamos muy, muy ocupados. Por lo general, nos tomamos el mes de enero libre para descansar y hacer algo de música para el resto del año, pero luego comenzamos a hacer giras nuevamente entre final de mes y principios de febrero. Comenzamos 2023 en Nueva Zelanda haciendo una gira de una semana con Fatboy Slim, luego fuimos a Australia durante más de tres semanas, tocamos en muchos eventos y festivales diferentes y fue muy divertido.

Hay un largo camino hasta llegar a Australia y tu cuerpo tiene que adaptarse y acostumbrarse a esa diferencia horaria, que es bastante, pero conseguimos lidiar con ello rápido. Luego pasamos de Australia a América del Sur, ¡tocamos en Tulum y en algunos otros lugares de México!

Volvimos a Reino Unido, tocamos en un par de eventos y volvimos a Europa para pinchar en varios eventos. Después fuimos a los Estados Unidos donde tocamos en bastantes festivales y actualmente estamos en Chile. Ayer estuvimos en Colombia y Ecuador, y unos días antes volvimos a estar en Tulum, estuvimos nuevamente en México,… Así que sí, ¡ha sido un inicio de año increíblemente ajetreado, pero muy divertido! Tuvimos algo de tiempo libre cuando estuvimos en Ecuador para sentarnos, relajarnos y pinchar en Lost Beach Club... ¡gran club!

También habéis tocado recientemente en la Miami Music Week, en la fiesta United Ants. ¿Cómo de emocionante ha sido?

Mark: Así es, recientemente estuvimos en la MMW pinchando en la fiesta ANTS, en el Oasis, y es una fiesta increíble que dura toda la noche. Hicimos un back to back especial con Idris Elba sin tenerlo previsto, simplemente estaba por allí y le preguntamos si quería unirse a nosotros, nos dijo que sí y fue muy divertido.

Luego también tocamos un par de veces en el SLS, un beach club, una de ellas fue en la fiesta de Vintage Culture. Tocamos en Medusa con un b2b con Alec Monopoly, también en Resistance en la closing party de Carl Cox,… ¡una semana a tope! Y para ser sincero, todo fue un poco lioso, como siempre ocurre en Miami, pero fue muy divertido y estamos deseando volver.

Y, ¿cuáles son vuestros planes en Ibiza este año?

Mark: Este año en Ibiza tocamos unas 14/15 veces en diferentes eventos; en bastantes fiestas de Ants en Ushuaia y en la fiesta de Fisher. También junto a Vintage Culture, The Martinez Brothers y Paco Osuna en Hï Ibiza, en Paradise y Do No Sleep en Amnesia, sin olvidar The Masquerade en Pacha. ¡Así que va a ser un gran verano lleno de shows!

¡No paráis ni un segundo! ¿Cómo conseguís encontrar el equilibrio entre la vida artística y personal?

James: Eso es, estamos continuamente viajando y a veces resulta difícil encontrar un equilibrio. Ambos tenemos dos hijos, así que normalmente intentamos verles entre una gira y otra. Digamos que, si estamos de tour en América o en Europa, siempre volvemos a casa después del fin de semana. Y luego, lo que hacemos generalmente es volver la semana siguiente después de pasar tiempo en casa con nuestras familias, relajarnos y tener un poco de vida personal.

Cuando estamos en casa también aprovechamos para hacer nueva música cuando ellos están en el colegio, vamos al gimnasio y hacemos lo posible por desconectar un poco.

Creo que es muy importante mantener un equilibrio saludable entre la vida social y las giras porque puedes atraparte demasiado. Estás fuera durante semanas y acabas yéndote varias veces de fiesta, cosa que hace que acabes sintiéndote algo fatigado y pierdes la energía. Si dedicas más tiempo a ti mismo entre shows, es mucho mejor mental y físicamente. Eso es lo que estamos tratando de hacer :)

Ambos sois de Manchester, una región en el norte del Reino Unido con una gran historia de la música electrónica y house. ¿Cuándo os conocisteis y cómo empezó Solardo?

Mark: Ambos somos de Manchester y nos conocimos hace unos 18 o 20 años. Yo solía hacer dubstep, empecé en 1999 y fui uno de los primeros en hacerlo antes de que se llamara así. Luego evolucionó alrededor de 2000 a la palabra y el nombre dubstep, el dubstep old school. Por aquel entonces solía tocar en la radio y pinché en muchos clubes como Mark One en Virus Syndicate, mi alias de dubstep. James estaba en la radio, tocó antes que nosotros en Buzz FM (o algo así), nos conocimos allí y nos hicimos amigos. Solardo empezó después, hace unos ocho o nueve años.

Dejé mi carrera de dubstep alrededor de 2012 cuando el sonido que comencé originalmente cambió a un bajo más estadounidense, un sonido más duro. Me alejé y pasé a hacer otros géneros de música, probé un montón de cosas diferentes y trabajé con Hank Shocklee de Public Enemy haciendo un poco de hip hop... Luego me mudé a Londres y comencé a hacer un poco de música pop, que obviamente no me gusta nada pero en aquel momento la gente estaba muy metida en el pop así que pensé en intentarlo, y luego me mudé de vuelta a Manchester. Me crucé con James de nuevo, en ese momento yo estaba estudiando producción y James estaba haciendo música house, cosa que a mí no me interesaba nada.

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Nos sentamos en el estudio y comenzamos a trabajar juntos en música durante unos nueve meses seguidos. Durante ese tiempo nos encerramos en el estudio y desarrollamos nuestro propio sonido. Pasamos mucho tiempo recorriendo otros estudios y aprendiendo diferentes técnicas, luego, volvimos a nuestro estudio y tratamos de aplicar esos métodos con los que habíamos estado usando anteriormente e intentamos crear un sonido híbrido de música house. Una vez estuvimos listos y tuvimos unos 30 tracks diferentes con los que estábamos contentos, simplemente los enviamos a todos nuestros conocidos, a todos los sellos, a todos los DJ. Fuimos muy, muy persistentes con el envío de esos tracks y, finalmente, los DJ comenzaron a captarlo y luego nuestro nombre comenzó a aparecer en la industria. A partir de ahí todo despegó y firmamos en el sello de Steve Lawler y el sello de Max Chapman.

Todo empezó a crecer como una bola de nieve e hicimos un gran lanzamiento en Hot Creations que nos hizo despegar y nos adentró de pleno en la industria; desde entonces pudimos lanzar en diferentes sellos y junto a los artistas que queríamos.

Todo empezó a crecer como una bola de nieve e hicimos un gran lanzamiento en Hot Creations que nos hizo despegar [...]

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¿Recibisteis educación musical desde la infancia o fue a una edad adulta?

Mark: No he recibido educación musical desde la infancia, pero a medida que avancé a lo largo de los años fui aprendiendo yo mismo. Cuando comencé a hacer música, comencé con un programa en PlayStation llamado rave DJ, no era un programa de música bueno, ni siquiera uno profesional, pero me dio una idea de cómo unir pistas y aprender los samples para ello. Eso fue en 1999 cuando estaba en la universidad, después de eso salió un nuevo programa y fue la primera oportunidad para que los productores comenzaran a hacer música en el ordenador sin salir del estudio. Abrió las puertas para muchas personas, incluyéndome a mí, por lo que pude aprender eso y hacer música real.

Pero después de un tiempo de usarlo, Chase & Status —buenos amigos míos que vivían cerca de mí en Manchester— me introdujeron a Cubase, me enseñaron los conceptos básicos y, una vez supe cómo poner ritmos y grabar cosas, me fui y seguí aprendiendo por mi cuenta. Esto es realmente todo lo que he hecho musicalmente, pero eso fue hace 20 años, todo este tiempo he estado aprendiendo cosas nuevas. Tengo mucha más educación musical, pero no desde una edad muy temprana, diría que comencé a los 18.

¿Cuánto influyó vuestra ciudad natal en vuestro sonido?

James: Siendo de Manchester, creo que ambos hemos recibido grandes influencias de nuestra herencia musical. Han habido un montón de grandes bandas de rock y mucha música electrónica. En el pasado, el acid house era enorme en Manchester. Sé que la gente dice que Chicago Detroit comenzó allí, pero cuando llegó al Reino Unido, Manchester fue la meca para ello. Tenemos los clubs llamados The

Hacienda y Sankeys y han jugado un papel importante en que la música se convierta en lo que es. También tenemos muchas raves, solía ir a muchas cuando era más joven, raves ilegales y oficiales, simplemente aparecían por todas partes en Manchester.

Es un gran lugar para estar, para adentrarte en la música y ser parte de la comunidad musical. Creo que eso influyó mucho en nuestro sonido, las primeras canciones que lanzamos tenían una base muy ácida y los sonidos estaban cogidos del acid house antiguo en Manchester. Tratamos de replicar el sonido con otro un poco distorsionado y crudo, y ahí es donde comenzamos nuestro viaje musical, haciendo ese tipo de música inspirada en el acid house de los 90 en Manchester.

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Antes de que naciera Solardo, ambos teníais sonidos muy diferentes. Como explicabais ahora, James, tu sonido era house y garage en la radio Pirate y Mark, eras un productor de dubstep llamado MRK1. ¿Cómo fue el proceso hasta que conseguisteis trabajar juntos y configurar un solo sonido?

Mark: Eso es, antes de que Solardo naciera, James estaba muy metido en el house y el garage y yo en el dubstep y garage. Yo no pinchaba house, pero se parecía un poco a lo que él hacía, por aquel entonces yo era un productor de dubstep también llamado Mark One en el grupo Virus Syndicate junto con otros chicos. Poco después, alguien trató de demandarme diciendo que era el dueño de los derechos del nombre, lo que creo que era pura ton-

tería, pero eso es lo que me dijeron. No quise estar discutiendo sobre la situación, así que cambié mi nombre a MRK1. Esto sucedió bastante pronto en mi carrera, por lo que no me afectó mucho.

James y yo logramos trabajar juntos configurando nuestro sonido único, nos conocimos en un momento genial porque no estábamos atados a nada. Habíamos estado haciendo nuestras carreras musicales de manera individual durante bastante tiempo, y luego pasamos a hacer cosas diferentes. Cuando volví a Manchester me reuní con James, me dijo que deberíamos empezar a intentar hacer música house, dije que sí, ¡y el resto es historia!

Cuando volví a Manchester me reuní con James, me dijo que deberíamos empezar a hacer música house, dije que sí, ¡y el resto es historia!

¿En qué momento en la vida os disteis cuenta de que podíais empezar a vivir de la música?

James: Cuando comenzamos como Solardo no teníamos dinero y nos pasábamos el tiempo en nuestros trasteros, y todo el dinero lo gastábamos en cualquier cosa que tuviera que ver con la música y con impulsar nuestra carrera. Básicamente gastábamos todo lo que teníamos, así que era difícil sacar beneficio, pero luego, afortunadamente, cuando comenzamos a firmar canciones, hubo un gran revuelo en torno a nuestro nombre... Ganamos el premio al Mejor Dúo en los DJ Mag Awards, así como al Mejor Artista Revelación en los premios de Ibiza. Antes de eso, teníamos como dos shows a la semana y eso nos mantenía activos. Pudimos comer y vivir de eso realmente, pero luego, cuando ganamos los premios y aparecimos en la portada de DJ Mag, la pelota comenzó a rodar de verdad, la gente empezó a sentir interés en nosotros y empezamos a recibir ofertas cada vez más grandes.

Nos fuimos de nuestra primera agencia, una agencia bastante buena pero que solo funcionaba en un cierto nivel de negocios. Cuando nos mudamos a la siguiente agencia, que era enorme, nos abrió las puertas para tocar en grandes festivales y discotecas en Ibiza... Creo que empezamos de inmediato en Hï y ahora llevamos cinco años ahí, ha formado gran parte de nosotros y eso nos ha ayudado para tocar en otras partes del mundo. Pero como dije al principio, durante el primer año más o menos, fue muy, muy, muy difícil. Recuerdo que, básicamente, parecía que estábamos viviendo en el estudio y estaba realmente podrido (risas).

Vuestro sonido ha cambiado y evolucionado a través de los años. ¿Cómo lo describiríais hoy en día?

¿Cómo os sentís con él en comparación con años atrás?

James: Sí, ha evolucionado, tal como pasa con todos los géneros musicales. Para describir nuestro sonido hoy en día, diría que siempre mantenemos la misma columna vertebral; siempre son tracks

de club, pensados para fiesta. A veces, simplemente cambiamos la dinámica de la pista en sí, ahora usamos muchas más voces y la producción es un poco más limpia porque, obviamente, hemos aprendido mucho a lo largo de los años y cómo hacer que las cosas suenen más grandes. Descubrimos que, por lo general, si tienes una melodía que suena fuerte, funciona mejor en el club, así que lo hemos desarrollado. Pero siempre entramos y salimos de lo que está de moda, siempre mantenemos la columna vertebral, como dije, que es música basada en clubes. Nos gusta probar cosas diferentes, ya sabes, no puedes hacer lo mismo toda tu vida, tienes que probar cosas una y otra vez, de lo contrario, la gente se aburrirá, así que tienes que evolucionar un poco y probar un sonido diferente. Tal vez ir un poco más duro, o tal vez un poco menos. A veces funciona, a veces no, por lo que debes probar diferentes cosas en el público y ver qué sale y qué conecta con las personas.

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Lleváis en la escena más de una década. ¿Qué tan fuerte es vuestra amistad ahora en comparación con el momento en el que empezasteis? ¿Hay alguna anécdota que queráis contarnos?

James: Sí, individualmente llevamos más de una década pero juntos llevamos nueve años. Para ser sincero, nuestra amistad es la misma que al principio; podemos tener peleas, pero siempre acabamos reconciliándonos como hacen las familias. Aunque para ser justos, en realidad no nos peleamos demasiado... Es solo que a veces, cuando estamos de resaca o cansados porque viajamos mucho, hay más posibilidades de que haya una pequeña pelea. A veces no tenemos tiempo para dormir, vamos del aeropuerto directos al evento y vuelta, ¡con suerte un par de horas de sueño en un avión y a pinchar en otro evento! Pero para ser justos, somos buenos compañeros, como hermanos, ¡y todo es más o menos igual que siempre!

¿Cuáles han sido los 3 mejores momentos de vuestra carrera hasta ahora?

Mark: ¡Ha habido tantos en los últimos 9/10 años! Creo que el primero que me viene a la mente es cuando ganamos el premio al Mejor Artista Revelación en los premios DJ Mag... solo llevábamos un par de años y éramos relativamente nuevos en la escena, pero teníamos una buena base de seguidores y nos ayudaron a conseguir ese reconocimiento, fue simplemente increíble.

El segundo sería de nuevo, un premio, pero esta vez el Mejor Dúo en los premios DJ Mag del año siguiente... lo cual fue una locura. Pasar de ganar el premio al Mejor Artista Revelación al Mejor Dúo, según lo votado por la gente, ¡fue simplemente increíble!

Pero creo que una de las cosas principales fue que cuando teníamos nuestro pequeño estudio en el Northern Quarter, solíamos tener un tablero de “deseos por cumplir” en la pared, justo detrás de la pantalla en la que estábamos haciendo tracks. En ese tablero teníamos diferentes imágenes de las cosas que queríamos hacer y manifestar porque creemos en la ley de la atracción. Un día, recibimos una llamada telefónica de nuestra agencia y nuestro manager nos dijo: no puedo creer que tengamos esto, pero tenemos una fecha para el día de Año Nuevo en Tobacco Docks, uno de los mejores clubes y más grandes de Londres, muy prestigioso. Es un lugar enorme y los line ups siempre son locos, fue increíble conseguir una fecha allí. Un día estábamos mirando el tablero de nuevo en el estudio, y vimos una foto en la esquina inferior derecha de Adam Beyer pinchando en este gran club. Pensamos: “esto es increíble, hemos estado viendo esta foto ahí colgada mucho tiempo, y de repente hemos recibido una llamada telefónica para ir a pinchar allí”. Fue un momento brutal de nuestra carrera.

Sois DJs y productores, pero también sois dueños de vuestro sello discográfico Sola, Sola Nauts y Sola Eclipse. ¿Cuál es la salud de los sellos? ¿Qué es lo próximo?

Mark: Sí, además de pinchar y producir, también tenemos tres sellos discográficos diferentes. Tenemos Sola, Sola Nauts y Sola Eclipse. Sola es el sello principal que empezamos originalmente y, a día de hoy, han lanzado un montón de grandes artistas ahí.

Sola Nauts es más un sello underground, enfocado principalmente en Beatport y con tracks fuertes con muy poca o ninguna vocal.

Sola Eclipse es mucho más underground, en realidad son pistas bastante minimalistas para artistas menos conocidos, pero con pistas que tocamos en nuestros sets.

Cuando pinchamos nuestros sets son bastante variados, a veces son más minimalistas que si pinchamos en otro lugar un poco más grande. Pensamos que, si tocábamos todas estas pistas y a la gente les gustaba, valdría la pena publicarlas en nuestros diferentes sellos. Algunas pistas no funcionan en Sola o Sola Nauts, por lo que se nos ocurrió la idea de hacer el sello Sola Eclipse mediante el cual podemos lanzar todo lo que queríamos lanzar... ¡así es básicamente como surgió!

A todos los sellos les está yendo muy bien, particularmente a Sola... es uno de los sellos discográficos con más streaming que hay en el mundo underground del house y el techno, y estamos ampliando el sello mientras hablamos, así que tendremos noticias al respecto en los próximos meses, ¡estamos intentando llevarlo a un nivel superior!

Uno de vuestros últimos lanzamientos ha sido ‘Big Talk’ con Idris Elba a través de Ultra Records, se ha estrenado junto a un vídeo musical. ¿Cómo surgió esta pista? ¿Cómo ha sido trabajar con Idris?

James: Nos conectamos con Idris

Elba en Las Vegas e hicimos un b2b con él allí en EDC en 2019, desde entonces nos hemos mantenido en contacto. Probamos algunas pistas diferentes juntos y esta fue la mejor. Nos envió un montón de diferentes vocales que había hecho para otras pistas, todas eran realmente buenas, ¡pero esta particularmente destacó! Para ser justos, originalmente estaba en una pista de hip hop, pero la aceleramos y quedó muy bien en la pista, así que la cortamos y pusimos un poco de producción debajo, lo enviamos de vuelta a Idris para que lo escuchara, que nos dijera lo que le gustaba y lo que quería cambiar, y a raíz de ahí lo terminamos ¡Lo pinchamos varias veces, nos dimos cuenta de que era un hit y lo lanzamos!

solardo

Pensamos que sería genial hacer un video musical ya que Idris es una de las estrellas más grandes del mundo, queríamos involucrarlo y hacerlo un poco divertido... Así que lo basamos en un video musical tipo QVC de la vieja escuela. Parece barato pero realmente no lo es (risas). Es un video divertido y genial, se ha reproducido en MTV, etc. y ya está disponible, ¡echadle un vistazo!

¿Cómo gestionáis el equilibrio entre el overground y el underground, por ejemplo, colaborando con Alok, Tiësto y haciendo la producción para Becky Hill VS, lanzando más pistas de club underground a través de vuestro propio sello Sola?

Mark: Lo que tratamos de hacer siempre es producir pistas que se balanceen entre el underground y el overground. Obviamente, no hacemos todo lo posible con las pistas pop a menos que estemos produciendo para otra persona y solo tengamos crédito de producción. Acabamos de producir para Becky Hill recientemente, lo cual es genial, pero ella querrá su pista de una forma específica para un mercado específico. Como soy productor musical, puedo producir todo ahora y es particularmente bueno cuando puedes hacer pistas para alguien como Becky Hill, ¡puedes llegar a ser el número uno del Reino Unido en ello y te pagarán por ello como productor!

Nos enfocamos en nuestras propias pistas, que son más underground y, a veces, un poco cruzadas. Pero cuando hacemos una canción tipo crossover como la que hicimos recientemente con Alok o Tiësto, tratamos de mantenerla equilibrada y luego lanzamos más pistas underground. Por ejemplo, tenemos una pista próximamente con Raumakustik llamada ‘Welcome To Reality’, que es una mucho más techno y mucho más underground, así que tratamos de mantener ese equilibrio entre el tipo de temas ligeramente overground, que siguen siendo underground, por así decirlo, pero tratamos de combinarlo con un tema underground para mantenernos firmes en ambos mundos y mercados.

¿Cómo es vuestro día a día ahora?

James: Actualmente estamos en una gira por Sudamérica, ha sido bastante intenso durante los últimos 10 u 11 días, pero en un día a día normal, creo que nuestra vida es como la de cualquier otra persona; te levantas, estás con tu familia, trabajas y haces cosas de casa. Pero sí, la mayoría del tiempo estamos de gira y es despertarse, comer, coger un vuelo diferente, tocar en un evento diferente y lo mismo al día siguiente.

Para cerrar, chicos, contadme, ¿hay algún proyecto nuevo en marcha?

Mark: Tenemos bastantes proyectos en proceso, también una nueva pista que acaba de salir con Alok... ¡Creo que hemos hecho un millón de reproducciones en una semana, lo cual es una locura! Es más una especie de pista melódica de house con una gran vocal que suena genial... un poco crossover pero todavía underground. Este mes tenemos una colaboración con Raumakustik llamada ‘Welcome To Reality’ en nuestro sello Sola. ¡Es una pista con base techno!

BONUS TRACK

¿Qué necesitas tener en tu nevera?

James: Seré sincero, mi nevera está bastante vacía porque no paso mucho tiempo en casa, pero tengo lo esencial como bacon o aceitunas (risas)

¿Qué es lo primero que haces cuando te despiertas?

James: (risas) … Ducharme, beber un poco de agua y salir a caminar.

¿Cuál es la mejor comida para la resaca?

James: Para mí, personalmente, algo entre un curry caliente o un kebab.

¿Cuál es la última prenda de ropa que has comprado?

James: Una sudadera con capucha y un par de pantalones de Selfridges en Manchester.

Son los dos proyectos principales que se avecinan, pero tenemos otras pistas que saldrán en el sello Ultra durante el año. También estamos trabajando para sacar un álbum alrededor de octubre/noviembre, pero ahora es momento de terminar todas las pistas que encajen en él, así que eso es lo que estamos haciendo ahora y lo que nos mantendrá ocupados los próximos meses. ¡Esperamos tener un álbum para fin de año!

¿Cuál ha sido el momento más raro que has vivido/visto en un evento?

James: A lo largo de los 8 años de gira ha habido algunos momentos muy divertidos, ¡pero uno de ellos fue cuando me caí del escenario hacia atrás!

¿Cuál es tu película favorita?

James: ¡Esta es una pregunta difícil! Pero diría Sospechosos Habituales.

¿Qué fue lo último que te hizo feliz y por qué?

James: Es difícil responder, ya que siempre estamos felices y viviendo nuestro sueño... ¡podemos recorrer el mundo y actuar ante muchas personas diferentes!

¿Cómo desconectas de la música?

James: ¡¡Con la pesca!!

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La productora y DJ afincada en Barcelona AWWZ, ha estado trabajando durante casi una década en la industria, de manera autodidacta y profesionalizándose con el tiempo. En verano del pasado 2022 presentaba un proyecto colaborativo bajo el nombre de ‘Ladah Temple’, su primer LP producido íntegramente por mujeres, compositoras, cantantes y productoras. Un álbum experimental que luchó por reivindicar los espacios seguros en el mundo de la producción y el rechazo a las dinámicas que se perpetúan a veces en estos estudios de grabación.

FOTOGRAFÍA LEAFHOPPER BLANCA GALINDO Y DAVID SIMON AUTORA HELENA BRICIO

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AWWZ además ha pasado como DJ por las cabinas de distintos festivales, clubes y salas, tanto dentro como fuera del territorio nacional, y ahora presenta un proyecto que se sinergia con la ciencia y la ingeniería en el que interactúa en formato B2B junto a Inteligencia Artificial. Este nuevo trabajo lo ha desarrollado junto a ingenieros de inteligencia artificial y audio de la Universidad UPC - Barcelona Tech: Mireia de Gracia, Casimiro Pio Carrino y Dimas Ávila.

El proyecto se ubica en la intersección entre la clasificación de géneros y la interpretación, contando con una IA especialmente entrenada que analiza los comentarios de YouTube para sugerir canciones. AWWZ elige después las canciones resultantes en un proceso colaborativo que invita a reflexionar sobre cuestiones como el gusto musical y la capacidad como DJ para “leer” al público, además de señalar el camino a seguir en el futuro de la música.

Desde Mixmag España nos acercamos a la mente artística y creativa de AWWZ para conocer y profundizar en este nuevo proyecto y en su trayectoria profesional que la sitúan como una de las artistas electrónicas referentes del panorama en la actualidad.

Las IA’s en la música, van a generar bases, voces, de todo… lo que quiero ver es si podrán generar humanidad

Hola Gemma, muchas gracias por dedicarnos un rato en Mixmag. Llevas más de ocho años en la industria de la música electrónica, ¿podrías contarnos cómo llegas a este género? ¿Cuándo aparece tu interés por la electrónica?

¡Hola hola! El interés por la música la verdad es que salió sólo, empezó como hobby y luego se fue profesionalizando, primero siendo DJ y luego saltando a la producción. ¡También la verdad es que me gusta mucho poder pasar una tarde haciendo un beat antes que muchas otras cosas! (Con todo lo bueno y todo lo malo que eso supone, -risas-)

Eres DJ, pero también productora, ¿qué puedes contarnos acerca de tu proceso creativo? ¿Cómo ha evolucionado a lo largo de tu carrera?

No soy muy “fan” de los álbumes de todos los temas con la misma sonoridad, así que siempre, o casi siempre empiezo con lienzo en blanco, para que la idea que pueda surgir sea algo diferente a la anterior. Empecé con música down o mid tempo y a lo largo de los años he ido abriéndome a un sonido más de club. Esto se aprecia mucho en mi último álbum “Ladah Temple”, se nota el trasfondo de mi producción, que une los temas, pero una disparidad de estilos bastante amplia.

Sé que eres autodidacta porque te he stalkeado bastante, y necesito preguntarte acerca de la disparidad de género que existe en la escena y tu perspectiva frente a este tema… ¿Crees que está cambiando hacia un equilibrio más positivo para las mujeres?

En mi caso cuando empecé, nunca pensé que era una chica o mujer productora, sencillamente me encerré en el estudio/casa porque me encantaba, pero luego llegó la prensa y llevaba la etiqueta delante de género todo el rato. ¡Allí me di cuenta de la disparidad, de que faltaban y había muy pocas! Si que está cambiando, cada vez hay más, pero siguen faltando muchas, el porcentaje es muy pequeño y me gustaría ver más apoyo, no sólo el que existe entre mujeres y n/b, sino también por parte de los hombres productores. De todas maneras, por suerte, estoy segura de que va a ir a mejor.

Soy muy fan del LP Ladah Temple, no solamente por la calidad musical que hay entre sus temas y las artistas que participan en él, que son increíbles, sino también por la filosofía previa a la creación de este. ¿Cómo surgió este álbum?

¡Gracias! El álbum empezó muy abierto, tenía claro que quería trabajar sólo con mujeres, para evitar ese “sentimiento incómodo” que muchas veces tenemos nosotras en el estudio. Empezamos con la idea de un EP, pero con el tiempo y hablando con Leo (Ladradora) empezaron a surgir más oportunidades y canciones, y fue creciendo hasta 9 temas. Estoy muy contenta de haber podido conectar y aprender con todas estas artistas, recomiendo la experiencia al 100.

ladah temple

¿Crees que el hecho de producir un álbum íntegramente por mujeres condiciona al público a que lo perciban como un álbum “sólo para mujeres”? ¿Cómo crees que podríamos derribar esas barreras que automáticamente encasillan propuestas artísticas realizadas por mujeres en un nicho de público también femenino? ¿Es necesario derribar esas barreras?

Si alguien piensa que un álbum creado sólo por mujeres es sólo para que lo escuchen mujeres, sinceramente, ¡es que estamos muy mal! La verdad es que ni me lo había planteado. ¿Una directora de cine, dirigiendo una película, está pensando únicamente en un público femenino? No. El arte es expresivo sin género, pero cambiar la balanza de un patriarcado del que venimos es necesario.

Has colaborado con bastantes artistas a lo largo de estos años, pero cuéntanos, ¿qué artistas te inspiran? ¿Con quién te gustaría colaborar en un futuro?

Artistas me inspiran todos (risas). Soy de esas personas que no puede evitar escuchar una canción de cualquier estilo y analizar cómo han hecho la batería, los FX que le han puesto, por qué el kick está movido un poco atrás … Un poco drama porque a veces cuesta disfrutar de las canciones. De cara a colaboraciones, más que buscar una colaboración en concreto, lo que no quiero es dejar de colaborar, es la mejor escuela.

Si que hay un tema al que siempre recurro cuando necesito inspiración y es Drunk in love de Beyoncé.

Durante los años que llevas en activo en la electrónica has actuado a distintas ciudades de España y también en el territorio internacional, ¿qué puedes contarnos acerca de tu experiencia con las diferentes escenas de público frente a las que has actuado? ¿Dónde has sentido más el calor de la pista?

¿Calor en la pista? México es mi favorita sin duda. Me acuerdo muy al principio de ir a un festival en el desierto, hacía muy poco que existía AWWZ. Había 4 personas en la pista, empecé el set y de repente levanté la cabeza y estaba lleno, todos bailando a ritmo lento, fue IMPRESIONANTE.

Pero no creo que exista un público mejor que otro, pienso que para un DJ es importante saber leer el público dentro de su rango, y moverse en ese punto mutuo de conexión. Lo mejor de poder moverte por el mundo es poder conocer gente nueva y nuevos sitios.

¿Y para disfrutar de una buena sesión de electrónica, a qué clubes o festivales no faltas? ¿Tienes algún favorito?

Sónar siempre, (risas). Soy bastante underground pero también un poco pop, y allí es dónde encuentro la mayoría de artistas concentrados que me gustaría ver, y también he tenido la suerte de poder tocar en él, tanto aquí como en otros países, Argentina y Portugal.

Tengo mucha curiosidad por tu nuevo proyecto porque todavía no he podido verlo en directo. Desde Mixmag aprovechamos también para darte la enhorabuena por asumir el riesgo de crear algo tan diferente y único. Este nuevo trabajo lo presentaste por primera vez en el AI and Music S+T+ARTS Festival y se concibe como una sesión b2b en la que interactúas con una IA. ¿Cómo surge el proyecto?

Todo empezó con Sónar linkeando artistas con ingenieros de la UPC, después de varias reuniones y ver la viabilidad del proyecto, decidimos tirar adelante con el b2b DJ set con la IA. Nos juntamos con Mireia de Gracia, Casimiro Pio Carrino, Dimas Avila y Ioannis Tsiamas (¡big up a todo el equipo!) y nos pusimos a ello, a crear algo que no existía.

¿Podrías explicarnos más concretamente en qué consiste el b2b y cómo entrenas tu práctica con esta IA?

Claro, la IA necesita un feeding para aprender, pero en este caso, no quisimos hacer un b2b conmigo misma, sino que la decisión fuese más general y abierta. La IA lee todos los comentarios de YouTube de las canciones, crea un “lenguaje” en base a estos comentarios (después de quitar todos los comentarios basura) y relaciona los temas por ese propio lenguaje.

Cuando yo pongo un tema, la IA percibe el lenguaje de este y busca canciones con “similitud”. Así, de alguna manera, la decisión de qué tema poner de la IA viene generada por todo el mundo que alguna vez ha comentado algún tema en YouTube.

Una cosa que me encanta del proyecto es que no podría realizarse sin tu capacidad creativa. ¿Has sentido siempre curiosidad por la tecnología y la ciencia? ¿Cómo crees que pueden revolucionar las IAs la industria de la música? ¡Yo te reconozco que me dan un poco de miedo!

Llevamos tiempo ya viviendo con IAs, existen plugins que la usan hace años, pero sí que es verdad que ahora mismo el boom de crecimiento es muy rápido, tenía que pasar.

Las IA’s en la música, van a generar bases, voces, de todo; lo que quiero ver es si podrán generar “humanidad”. Por ejemplo, esa tonalidad en ese trozo de canción que te hace derretir cuando la escuchas. Si es así, podremos entrar en un loop de aburrimiento de escucha infinita. En mi opinión, lo bueno de la IA es la velocidad que el humano no pueda generar, ¿si nos ayuda a agilizar procesos? - Bien. Si de repente sólo empezamos a escuchar temas hechos únicamente con IA’s, me abruma pensar que nos podemos encontrar en un desierto de monotonía.

¿Crees que podríamos encontrar un punto de inflexión positivo en la implementación de inteligencias artificiales en los entornos musicales que promuevan un sector más justo? ¿Cómo podemos entrenar a estas AI en “el buen hacer”?

Vale, ¡esta pregunta es buena! Tengo la sensación que vivimos en una sociedad en la que una buena mayoría no piensa en comunidades universales sino en más en beneficios personales. Es así, cómo nos han educado. Pero la IA debe y va a generar más equitatividades en el sector musical mientras esté de libre uso para todos, sea de formato social, de género, así como de acceso y agilización a la formación y educación.

¿Tienes algún otro proyecto futuro en mente? ¿Dónde podremos verte actuar próximamente?

Ahora mismo estamos trabajando en mejorar el AI b2b DJ set, es una parte importante y además estoy disfrutando mucho del proceso, es siempre ensayo y error. Se podrá ver en Inmaterial en Tabakalera el 14 de mayo y en IFest en Barcelona el 13 de junio.

Como hemos mencionado antes, has luchado contra el sesgo de género, eres autodidacta y además estás en contacto con la tecnología más avanzada. Probablemente más de una persona te tenga como referente, ¿qué le dirías a alguien que todavía duda de su capacidad artística? ¿Qué consejo le darías a alguien que acaba de empezar en este sector tan hermético?

A los primeros, no dudéis de ninguna capacidad artística, vuestra o de otras personas, el único límite es el que se puede poner uno mismo.

Para quién quiera empezar, lo mejor es dedicarle tiempo, claro, pero también es muy importante ir, conocer, hablar y entablar conexiones en los sectores que se sientan más cómodos e inspirados. Generar o entrar en colectivos ayuda a tener una visión y capacidad más amplia, y ayuda a romper la primera barrera de poder darse a conocer.

Escucha Ladah Temple de AWWZ escaneando el QR

Hoy tenemos el placer de hablar con uno de los artistas más prometedores de los últimos tiempos: hablamos de Leo Naït Aïssa, más conocido como Quelza. El artista francés ha logrado captar la atención del público de todo el mundo y ha sido aclamado por la crítica por sus producciones, lanzadas en algunos de los sellos más emblemáticos de la escena. En esta entrevista hablaremos de su proceso creativo, de su inspiración musical, de sus orígenes y de sus planes para el futuro, entre muchas otras cosas. ¡Así que acompáñanos en este emocionante viaje al mundo de Quelza!

quelza

AUTOR VICTOR FERNANDEZ

Leo, es un honor para nosotros recibirte en este número de Mixmag Spain. Eres uno de los artistas de la nueva ola que más están despuntando en la escena internacional, lo cual arroja una fuerte luz de optimismo. Cuéntanos, ¿cómo has vivido este último año de crecimiento vertiginoso?

¡Hola a todo el equipo y lectores de Mixmag España! En primer lugar, muchas gracias por invitarme a hablar para este primer número de 2023.

El año pasado fue una montaña rusa para mí en cuanto a música, especialmente después de dos años de pandemia. Todavía me resulta un tanto irreal que esté viviendo mi sueño. Estoy intentando acostumbrarme a este nuevo ritmo de viajes y actuaciones, no siempre es fácil, pero muy emocionante. El año pasado comencé la temporada normalmente, con algunas fechas al mes, pero la estrategia con mi agencia era no apresurarse con los bolos y

aumentar el ritmo gradualmente para poder acostumbrarme a ellos y no cansarme demasiado (y, por lo tanto, tener un impacto en mi desempeño). Mi objetivo para 2022 era centrarme en el mundo del discjockeys y desarrollar una nueva forma de actuar en la cabina. Me tomó un año entero, pero estoy satisfecho con el progreso que he hecho y lo que he logrado hasta ahora. Intento usar esta nueva visibilidad de forma responsable y dar un buen ejemplo para todos, porque considero que este éxito no es personal, sino algo que pude lograr gracias al público, mi agencia y los promotores, y, por lo tanto, quiero beneficiar a la escena tanto como sea posible en lugar de solo a mí mismo.

¿Cómo nació el proyecto Quelza? ¿De dónde procedes y cuáles son tus influencias?

Mi proyecto Quelza se originó unos años después de descubrir la música electrónica y, más concretamente, la cultura de clubes de París en 2013. En un principio, buscaba una plataforma de expresión, que resultó ser la música y la investigación de sonido para mí.

Crecí en los suburbios de París en la década de los años 90, en un universo rico en arte y especialmente en música. Era un universo pobre, pero paradójicamente muy rico en cultura, donde aprendí a ser curioso y a valorar las cosas no materiales que tengo a mi alrededor. Me gusta pensar que esto me condujo hacia una forma de expresión abstracta e inmaterial.

En 2011/2012, mientras deambulaba por las calles de París, descubrí la cultura de club por casualidad. Había oído hablar de un barco (Concrete) que hacía fiestas enormes los domingos en el Sena, en el Quai de la Rapée. En ese momento había robado una tarjeta de identificación falsa de un amigo para comprar cigarrillos o entrar en clubes mientras todavía era menor de edad (risas), y así fue como pude entrar en Concrete por primera vez: El impacto fue instantáneo, mi única referencia en términos de música electrónica eran las fiestas gratuitas, al aire libre, en la provincia y hardcore sin parar durante 5 días. Este domingo estaba en medio de París, en un barco, la decoración era gris y azul noche, personas de cualquier origen bailando como animales, banqueros, piratas de la calle, almas perdidas (como la mía en ese momento), todos juntos en esta música, lenta en ese momento, oscura y particularmente abstracta. Me quedé 12 horas en aquel tambor, sin conversar realmente con nadie, pero bailando como un loco y feliz. Después de eso, me fui a casa y empecé a buscar toda la información posible acerca de esta nueva música que aún no conocía y que iba a cambiar mi vida (risas).

Actualmente, estás ubicado en Berlín, lugar donde ya te has establecido. ¿Por qué decidiste mudarte e iniciar esta aventura lejos de tu casa?

Tomé esta decisión en 2016 (aunque hice el cambio más significativo en 2018), un año después de los ataques en París.

París es una ciudad muy intensa y violenta en general, cuando vives allí no te das cuenta por qué es la vida cotidiana. Yo solía amar esta cara oculta y peligrosa de la ciudad, pero después de los ataques sucedieron cambios en mí que no puedo expresar con palabras. La ciudad entró en un estado de paranoia y miedo, y a partir de este resultado comenzó a surgir cada vez más violencia e injusticia.

Hasta ese momento, nada demasiado distinto de lo vivido durante mi infancia y adolescencia, salvo que, tras los ataques, comencé a viajar más por Europa, incluyendo Ámsterdam y Berlín, para asistir a fiestas en otros lugares por curiosidad. Siempre guardaré en mi memoria mi primer encuentro con la idea de que “estas personas son excesivamente amables, esto no es lo habitual, esto es incorrecto o falta de ética”. Pronto me di cuenta de que el problema no estaba en otro sitio, sino en mi ciudad natal, que algo andaba mal. A partir de ese momento, comencé a ver solo lo peor de París y se volvió insoportable para mí. No me sentía satisfecho ni en casa, así que decidí marcharme. Mis padres me brindaron una frase que me ayudó mucho hasta el momento, ya que tenía muchas dudas sobre cómo podría establecerme en otro lugar sin conocer el idioma o la cultura. Me dijeron: “Leo, eres joven. Si fracasas mil veces, siempre tendrás tiempo de intentarlo de nuevo. Pero si vives con el arrepentimiento de no haber intentado tu suerte, es una vida de tristeza la que te espera”. Y hasta hoy es una frase que me ayuda mucho en mis momentos de duda.

Actualmente, te vemos de forma recurrente en el club más famoso y representativo de la escena techno en todo el mundo, Berghain. ¿Qué nos puedes contar sobre ello? No es habitual que artistas tan jóvenes toquen en ese lugar. ¡Felicidades!

Berghain ha tenido un impacto monumental en mi vida, no solo en lo que respecta a la música, sino que también me abrió los ojos a lo que yo llamaría verdadera libertad: libertad sexual, libertad artística, libertad de acción. Este sitio es una muestra del concepto de Nietzsche de la vida dionísiaca. Es un club de exceso, un exceso de libertad, si me es permitido decirlo. Es un lugar que te permite acceder a todas las libertades, pero a tu propio riesgo, por lo que te enseña tus límites. Si consigue hallar su equilibrio, es la catarsis más hermosa que he visto. Mi relación con este club es mucho más personal que cualquier otro lugar, y tener el honor de pinchar aquí es algo de lo que estoy profundamente orgulloso y agradecido. Tuve la fortuna de conocer a Efdemin en algunas ocasiones antes de mi primera presentación, y pudimos debatir sobre música y también sobre mi visión de este club y lo que OstGut significa para mí. Debido a él, tuve mi primera aparición. Tras mi primer set, también tuve la oportunidad de conocer a alguien del club (quien, si lee esto, se reconocerá a sí mismo) y me preguntó sobre mi visión de este club y lo que significa para mí, lo que fue el comienzo de una maravillosa conversación de cuatro horas y una nueva amistad. No tengo más que añadir, salvo que invito a cualquiera a visitar este encantador lugar al menos una vez en su vida y a sacar sus propias conclusiones. Para mí, esa experiencia fue mágica y cambió mi vida.

No obstante, las fronteras de la meca del techno no son tu límite. Este año hemos visto que has estado pinchando por prácticamente todo el mundo. ¿Cómo te sientes al poder expresar su visión artística a nivel internacional?

Me hace sentir humilde y aprendo mucho. Tengo la oportunidad de conocer a gente nueva y culturas que establecen amistades en países que nunca imaginé visitar. Asimismo, aprendo mucho al pinchar en diferentes países, ya que cada audiencia tiene su propia interpretación y relación con la música. Es una experiencia maravillosa descubrirlo y un fascinante ejercicio antropológico.

Este año también nos ha sido posible verte en nuestro país, España, en clubs de referencia como Florida 135 o The Bassement. También estamos al tanto de que pronto vas a tener tu primer bolo en Barcelona, en un showcase de 47, el sello de Tommy Four Seven. ¿Cómo ha sido tu experiencia con los clubes y público español?

La audiencia española tiene una calidez y energía que es electrizante y se extiende por la pista de baile como un virus de alegría (Risas).

Puedo tocar cualquier tipo de música, el público siempre está interesado, lo que me ayuda a superarme y ser más creativo. Cada vez que pincho, me reciben con los brazos abiertos, sin importar en qué ciudad esté poniendo, ¡y siempre es una experiencia maravillosa y emocionante!

Actualmente, forma parte del equipo de artistas de Source Artist, agencia del reconocido sello Polegroup de Oscar Mulero. ¿Cómo tuvo origen esta relación?

Fui contactado por la agencia en 2021 y estuvimos conversando durante varios meses. Buscaba una agencia que pudiera alinearse con mi visión artística y todo sucedió de manera natural, ya que muchos de los artistas de su roster son amigos míos y artistas que me han inspirado desde el principio con su estética. Cuando me pidieron unirme a la agencia porque les agradó mi enfoque en la música y mi visión, no dudé ni un instante.

Hablemos de tu faceta como productor. Has publicado en algunos de los sellos más reconocidos de la escena como, Mord, Hayes o 47, entre otros. Tu música se caracteriza por un diseño sonoro cinematográfico que evoca paisajes oscuros, futuristas y profundos, combinados por ritmos minimalistas, principalmente compuestos por una 909. ¿Qué es lo que intentas transmitir cuando te sientas a hacer música? ¿Cómo te ayuda tu diseño sonoro a transmitirlo?

La música es un formato de expresión que me permite sacar lo que llevo dentro y que nunca he sido capaz de expresar con palabras; emociones, a veces fuertes, a veces dolorosas, a veces felices. La música es mi canalizador, mi terapia, sin importar el estilo, como decía, me permite expresar con sonido lo que no puedo expresar con palabras. Algunos pueden escribir, otros pueden pintar y otros pueden bailar... Me gusta expresar sentimientos a través de la música y asegurarme de que, independientemente de la idea original, el oyente pueda sentir algo indefinido pero único. Intento expresar lo que siento en el momento, pero me gusta la idea de que cualquiera pueda interpretarlo a su manera. ¿Una especie de movimiento del momento presente? El diseño sonoro me resulta útil para pulir esta expresión, hacerla más realista, al menos esa es la forma en que lo uso.

¿Cómo es tu “workflow” en el estudio?

Generalmente, me siento en el estudio con una palabra en mente, un color, un lugar o un objeto. Después lo anoto en una hoja de papel y comienzo a componer sin dirección ni estrategia, solo produzco algo que me haga pensar en esa palabra. Me gusta producir de esta manera porque me permite trabajar con mi inconsciente sin limitarme a un estilo o técnica de producción particular, me ayuda a sorprenderme a mí mismo y salir de mi zona de confort.

¿Qué podemos esperar de Quelza para el resto del año?

Este año, decidí disminuir mi ritmo de lanzamientos para enfocarme en los sets como DJ, perfeccionar mi estilo en vivo y mejorar aún más mi actuación. También quiero trabajar en los lanzamientos con más tranquilidad y durante un período de tiempo más prolongado. Continúo produciendo todos los días, pero ahora tengo un criterio más estricto sobre lo que quiero publicar y el filtro es mucho más crítico que en años anteriores. Sin embargo, todavía tengo un doble disco que saldrá en septiembre y que presenta una nueva evolución de mi investigación sonora, y otro EP en un sello que respeto desde mis inicios, probablemente en diciembre o enero de 2024.

¿Qué mensajes crees que deben calar entre nuestros lectores más jóvenes?

Sé curioso, ambicioso y aventurero, confía en ti mismo si tienes una idea que va en contra de todas las reglas, porque es esta idea y controversia la que será la próxima evolución. Y usaré una frase que me gusta mucho y que me ayude incluso en mis días de duda: “El objetivo no es nada, el movimiento lo es todo”.

Sigue a Quelza para estar al corriente de sus novedades.

DECODER – XX 12 [MOLECUAR RECORDINGS]

El joven tejano Decoder, con releases previos en sellos de prestigio como Axis, firma su debut para Molecular, sello propiedad de Marco Lenzi, presentando un EP que consta de 4 cortes, todos nombrados “untitledmente” a la vieja usanza.

Respecto al material, encontramos contenido dirigido a la pista de baile, muy influenciado por el sonido clásico americano de artistas como Mills, Hood o Young, lo cual resulta curioso porque, paradójicamente, los fundamentos del Techno americano siempre tuvieron la mirada puesta en la ciencia ficción y el futurismo, así que, a pesar de mantener esa línea clásica, el EP tiene un sonido atemporal y muy moderno. Semicorcheas en la rítmica, secuencias y tonos combinados con sonido clásico de 909 al que acompaña un buen toque de creatividad efectiva para satisfacer la escucha de oyentes tanto amateurs como experimentados.

RODER – WHERE I HEAL MY HURTS [TUTU RECORDINGS]

Ya hemos revisado lanzamientos de Tutu anteriormente. Sin embargo, nos parece una buena idea recordar, meramente desde el aporte cultural, que nos encontramos ante un sello nacional que es propiedad del artista ebrense Edgar de Ramón, habitual en las playlists de Richie Hawtin desde hace más de una década. En cuanto al release, Roder nos presenta un disco de formato largo compuesto de intro y outro además de 6 cortes en los que predominan una combinación perfecta de sonido moderno e influencias noventeras muy cercanas al sonido de Birmingham. A pesar de que el resto de tracks están muy enfocados a pista y a club, a su vez es un trabajo que presume de una escucha progresiva y amable si te gusta escuchar Techno en tu día a día. Mucho cuidado y mimo tanto en los detalles de la producción como en la elección del orden de las pistas hacen que éste sea un álbum completo y de calidad, en el que el oyente se va a divertir escuchando desde rumbles, percusiones de estilo FM o trabajos con noise hasta un posible guiño a La Real durante el break de “Endless”, segundo track del álbum. Definitivamente, es una buena noticia el hecho de que se consolida una comunidad de artistas techno nacionales de nivel muy alto.

Autor: @Khatmusique Techno@mixmag.es

REVIEW CLÁSICO

COSMIC EXPLORER – EXOTIC PLANET EP [ANALOG SOLUTIONS]

Seguimos pisando suelo patrio y en esta ocasión nos toca hablar del trabajo de Cosmic Explorer para Analog Solutions, propiedad del que, siempre hablando en clave electrónica, es uno de los mejores músicos y que además cuenta con uno de los mejores “back catalog” de nuestro país: Eduardo de la Calle. Poco sabemos de lo que existe tras este proyecto nombrado Cosmic Explorer exceptuando este debut de calidad basado en 5 originales y un remix de Decoder, del que te hemos hablado anteriormente. Sonido cuidado y habilidad del artista para llevar al oyente a ser realmente ese Cosmic Explorer que como aka atesora el autor. El ep arranca con Something in the Sky, track de corte elegante y minimalista. Head of a Star sale de las rutinas del 4/4 para conseguir un resultado hipnótico de nivel alto a la vez que muy contundente y pistero. Exotic Planet, personalmente mi favorito, combina un cuidado paisaje de diseño sonoro al que acompañan toppings con mucho jazz. Danger Ahed es un perfecto ejemplo de maestría a la hora de convertir rítmicas comprimidas y 3 notas musicales en un auténtico bombazo de track. Complex Aproach nos vuelve a mostrar guiños hacia las influencias afroamericanas más elaboradas y, finalmente, Decoder cierra un muy bien disco de Techno con un remix que mantiene el nivel del original.

RABENT – SABBAT EP [COMBINE AUDIO]

Si en una mano tenemos al artista fundador del colectivo barcelonés Asphixia poniendo la música, y en la otra tenemos a Paula Cazenave poniendo su sello, Combine Audio, el resultado es este Sabbat EP, cuyo nombre ya nos deja entrever algunas pistas acerca de cuál es el mejor día de la semana para escucharlo (o tal vez, pincharlo!).

El Ep, formado por cuatro cortes que guardan un nivel alto de coherencia entre sí, se basa en rítmicas de percusiones contundentes muy semicorcheadas en los toppings mezcladas con líneas sólidas de sintetizador y mucha energía. Barahunda, track que abre el ep, acompaña una rítmica muy straight con una secuencia ascendente de influencia noventera con la que el artista gestiona todo el movimiento de la canción. En el resto de tracks, Escándalo prefiere sonar menos congestionado obteniendo un carácter más hipnótico, aportando interés mediante la polirrítmia en uno de sus elementos , Sabbat juega de nuevo la baza de la polirrítmia de un modo más mental, esta vez mezclada con toppings de 909 y The Covent cierra el EP con otra muestra de solidez enfocada a la pista.

SANTOS RODRIGUEZ - ROAD TO RIO EP [COSMIC ID]

Remontémonos varios años atrás. Y hagámoslo con la mirada puesta en la fabulosa escena del techno inglés. Año 1999, tras el buen criterio del artista a día hoy consagrado Steve Bicknell y la energía de lugares como Lost Club, nace Cosmic ID, subsello de Cosmic Records. Y lo hace por todo lo alto publicando un EP que acabaría formando parte de las maletas de los mejores artistas Techno del mundo. La autoría corre a cargo de Santos Rodriguez, seudónimo de Arthur Smith, quien también publicó grandes trabajos bajo otros de sus akas como Grain (memorable su trabajo en FatCat) o Morgan Reno. El EP, que pasó por manos del ya fallecido Nilz en The Exchange, recoge un total de cuatro cortes sin nombre. En ellos predominan el groove, las percusiones, la creatividad y, en definitiva, todos los ingredientes necesarios para crear sinergias perfectas entre dj y público.

RIVAL CONSOLES - NOW IS [ERASED TAPES]

Ryan Lee West, más conocido como Rival Consoles, lanzaba en octubre de 2022 su octavo álbum de larga duración, en el que nos cuenta en una historia de observación y reflexión, explicada con maestría gracias a su habilidad con los sintetizadores, en esa constante búsqueda por sacar su máxima expresividad y hacer que se sientan vivos y humanos.

Con influencias de la música clásica, Ryan explora ideas melódicas y las desarrolla a lo largo de cada tema, apoyadas por texturas etéreas y ritmos que fusionan lo electrónico y lo orgánico... Aunque algunos temas podrían tener cabida en ciertas sesiones de club, como el que da nombre al álbum, la gran mayoría se sienten pensados para el disfrute personal en solitario, como es el caso de los impresionantes ‘Running’, ‘Frontiers’ o ‘A Warning’.

DANIEL AVERY - ULTRA TRUTH [PHANTASY SOUND]

Daniel Avery publicó su nuevo álbum en noviembre del año pasado, un ejercicio de eclecticismo que nos lleva casi sin esfuerzo, desde la calma de un Ambient cargado de texturas rugosas hasta la euforia de los ritmos sampleados del Jungle y el Drum & Bass, recreándose también en cortes más pausados, con ritmos rotos, downtempo y el protagonismo de melodías sencillas pero muy melancólicas como ‘Ultra Truth’ y ‘Lone Swordsman’. No faltan colaboraciones con artistas como HAAi, Sherelle, Jonnine o James Massiah.

Todo hilado con mucha clase mediante profundos paisajes sonoros con atmósferas y drones que hacen que el álbum fluya desde el primer tema al último, tejiendo un viaje musical totalmente disfrutable.

Autor: @Dave__Sinner Electronica@mixmag.es

REVIEW CLÁSICO

WEVAL - REMEMBER [TECHNICOLOUR]

El 3 de Marzo vió la luz el nuevo álbum del dúo neerlandés, ofreciéndonos una colección de tracks que giran en torno a los recuerdos y a nuestra percepción distorsionada de los mismos. Prepárate para una hora de nostalgia, de letras tristes que te recuerdan que nada es para siempre y de sintes que evocan a tiempos mejores, en contraste con los ritmos pegadizos con mucho carácter y las líneas de bajo sencillas, pero potentes que te atan a la realidad del presente, recordándote que el pasado ya es historia.

El álbum incluye una única colaboración que cuenta con las vocales de su compatriota Eefje de Visser en “Never Stay For Love”. Aunque no es una revolución en cuanto a innovación, el álbum es un conjunto sólido gracias a la coherencia sonora y musical sin caer en la monotonía.

NATHAN FAKE - CRYSTAL VISION [CAMBRIA INSTRUMENTS]

En abril de 2023 hemos gozado del regreso de Nathan Fake. El británico continúa desarrollando el sonido por el que se le ha reconocido prácticamente desde sus inicios: cajas de ritmo distorsionadas que dibujan patrones interesantes pero funcionales, y que se mantienen durante todo el tema mientras melodías y acordes nostálgicos van creciendo y cogiendo protagonismo, hasta que te acaban envolviendo totalmente.

Nathan sigue siendo un maestro en crear loops musicales tan buenos como para hacernos disfrutar con ellos durante más de 7 minutos, gracias también a un diseño sonoro y a unos arreglos minimalistas que mantienen sus temas en constante movimiento. Si ya conoces su discografía, quizás no te sorprenda en exceso, pero eso no te impedirá disfrutar de temas geniales como ‘The Grass’, ‘Bibled’, o ‘Outsider’.

REID WILLIS - SEDIMENT [MESH]

El nuevo álbum de este brillante artista y productor teje una historia de contrastes extremos con los temas de fondo del nacimiento, la erosión, el declive y la reinvención, llevándonos en una montaña rusa emocional que va de momentos intensos y sobrecogedores a otros que transmiten paz y calma. Sus habilidades como compositor quedan patentes en la naturalidad con la que los temas cambian y se transforman mientras su historia musical va desarrollándose, fluyendo de forma constante de principio a fin. Su estética sonora también representa claramente los temas del disco, con percusiones electrónicas afiladas y agresivas que forman beats retorcidos, contrapuestos con su delicado piano, secciones de cuerda que te atrapan y sintetizadores en constante movimiento, acompañados en todo momento por texturas orgánicas magistralmente tratadas que te mantienen atento durante todo el viaje y líneas de bajo que hacen temblar todo a tu alrededor. Sin duda una experiencia introspectiva en la que merece la pena sumergirse de lleno.

VVAA - JUNGLIZM V.3 [KOS.MOS.MUSIC]

Abstrayéndonos de lo que está ocurriendo y sin querer entrar en polémicas que nada tienen que ver con la música, ponemos nuestra mirada en Rusia para ver que el jungle sigue fuerte allí. El sello moscovita Kos.Mos.Music despliega una recopilación de diferentes artistas dedicado al sonido actual del ‘padre’ del drum & bass. Si bien todo son temazos, cabe destacar dos. Sin necesidad de enfatizar en la obviedad de la calidad en los amen breaks, el ‘Last Year’s Snow’ de Andrey HoT es una oda a la escritura en la música electrónica que tanto peca de previsibilidad y repetición de elementos y patrones, un verdadero arco dramático. ‘Chicke’N’Bass’ como título ya nos da a entender que DJ VV iba con intención de cachondeo con este track, pero eso no significa que el tema sea un meme, una producción excelente en un estilo duro es compatible con ser desenfadado y divertido.

ARCHANGEL

Personalmente, recibo bastantes promos de liquid drum & bass y con frecuencia todo se parece mucho entre sí. Sin embargo, eso hace más fácil darse cuenta de cuándo algo destaca como ha ocurrido aquí con este EP de Archangel. Sobre una base de percusiones bastante genéricas de este subgénero, se suceden una serie de sampleos y decisiones creativas que hacen de este un trabajo especial. El tema que le da título al lanzamiento, ‘Android Waltz’, ya nos abraza desde el principio con un sonido muy español de guitarra clásica, que finalmente queda elegantemente desfigurado en el drop. Si ya quedamos profundamente engatusados con el poco común uso de diferentes y estéticas vocales en un mismo track, ‘Home’ se guarda una sorpresita para los amantes del hip hop de los 90 al incorporar como elemento principal la melodía del ‘Shook Ones, Pt.II’ de Mobb Deep.

- ANDROID WATZ [FOKUZ RECORDINGS]

Autor: @DanielRifaterra Drumandbass@mixmag.es

REVIEW CLÁSICO

TOXINATE - NOPE [DUBZ AUDIO]

Centrémonos ahora en el (para muchos) patito feo del ‘dnb’: el jump up. Echando una ojeada por las listas de Beatport, infestadas de tracks de este subgénero atascados en el mismo ‘preset’ del Serum (para los no productores, sintetizador por excelencia en estos lares), nos llevamos una grata sorpresa con el actual número uno. Toxinate debuta por todo lo alto en Dubz Audio con ‘Note’, un tema que pese a caer por momento en alguno de los tópicos, posee un drop excepcional que justifica su presencia a en lo alto del top 100. La producción del inglés, además de una síntesis limpia y creativa con los sonidos principales, absorbe gracias a la cadencia de los mismos, sumada a las volteretas que la percusión da en cada primera mitad de estrofa. Típico tema que dentro de poco la gente estará gritando su melodía al ser pinchado.

BEATMOOL - SHATTER [170+ RECORDINGS]

Da mucha rabia cuando el mejor track de un EP pasa desapercibido por no ir el primero o por no ir bien acompañado. Esperemos que nadie haya empezado a escuchar este ‘Song of Truth’ de Beatmool y se haya rendido antes del tercer tema, porque si te saltas esos dos primeros tracks más liquid del montón, te encuentras con esta joyita ‘dark’. Shatter ya te envuelve en una atmósfera oscura en toda su intro, pero lo que te pilla desprevenido es su drop de drumstep por el que por un microsegundo se hace ese característico vacío que luego sublima haciéndote soltar un ‘Buah!’. Ejercicio de percusión impoluto, samples de cajón, sintetizador de ‘sidechain’ corto y bajo agresivo como ingredientes de una composición elegante a la par que malvada. A&Rs del mundo, por favor pónganse las pilas y que esto no vuelvan a pasar, no queremos perdernos más temazos.

NETSKY - SECRET AGENT [HOSPITAL RECORDS]

Como hoy la cosa ha estado bastante seria, vamos a terminar con una de las semillitas del subgénero probablemente más enérgico del drum & bass. Muchos se me tirarán al cuello por traer a Netsky a esta sección por el giro comercial que dio hace algunos años, y otros por considerar ya este tema como un clásico. No es necesario que miréis su fecha de lanzamiento, con comprobar la poca compresión de su máster ya queda categorizado como un tema antiguo. No hace falta que presente a este productor belga mundialmente conocido, pero para los que llegaron tarde, quiero reivindicar la figura de un artista que, probablemente junto a Camo & Krooked, capitanearon esa vuelta de tuerca del liquid hacia lugares más pisteros como el electrostep o el liquid funk. ‘Secret Agent’ fue sin duda la punta de lanza de esta revolución gracias a sus melodías pegadizas, escritura creativa y abrumadores sintetizadores.

Electro@mixmag.es

VVAA - GENTE SERIA VISTE CHANDAL #2 [GENTE SERIA VISTE CHANDAL]

El nombre del sello lo deja bien claro. La gente seria viste chándal, y más verdad no puede ser. Tan solo escuchar 10 segundos de cada track te darás cuenta de que este vinilo rezuma barrio por los 4 costados. Nada de mainstream, nada de pretensiones y, por lo tanto, pureza. No hay mejor forma de definir tanto al release como al propio sello en general. En esta edición, la segunda, nos encontramos ante un VVAA compuesto por 6 tracks, a cuál más auténtico (pero auténtico de verdad). Cada uno de los temas aporta un aire diferente consiguiendo hacer de este recopilatorio, un disco especial en el que ante todo rescato el clásico contemporáneo de Robert Cosmic – Siempre en chándal.

POLADROÏD - RETURN OF THE WAVEJUMPER [MICROM RECORDS]

El sello español MICROM, que tantos releases de calidad nos ha regalado, nos trae su nueva referencia, en concreto la n.o 28 de la mano de POLADRÖID. Un álbum de electro minimalista, con un marcado aire a “drexciya”, amenizado con sonidos directos, que te golpean en la cara, pero con muchísima sutileza. 8 Tracks que ofrecen un sonido potente y del que destacaría “Poseidon”. Un viaje enredado en arpegios rápidos y con un toque duro y bastante oscuro. Un álbum muy conseguido que deja de nuevo el listón bastante alto en lo que a material MICROM se refiere.

Autor: @CSystem

VVAA - DETROIT LEGACY VOL. 1 [HCR016]

Hypnótica colectiva se ha convertido en uno de los pilares básicos en cuanto a sellos españoles de electro se refiere. Después del potente release de Wachita China, nos llega este recopilatorio más enfocado al estilo detroit, pero que contiene 2 tracks en los que vamos a centrar la atención para este artículo. Por un lado, Dark Vektor, el cual no necesita presentación, ya que todo lo que hace es una bomba. Para esta ocasión su tema “metaverso frik” es calidad pura, destilando limpieza en cada sonido, con unos pads perfectamente situados, y que junto a las voces (que solo él sabe hacer) dan paso al arpegio principal del track. En definitiva, otra joya más para la vitrina de este querido productor. El recopilatorio lo completa N-ter con su “We Will Emerge”, y que pone el broche final a este mini-album. Tal y como su título indica, el track va emergiendo con un modo atmosférico que va hipnotizando al oyente, hasta sumergirlo en todos los elementos y sonidos que componen esta magnífica pieza de cierre.

SPECTRUMS DATA FORCES - REENCARNACIÓN [NFLTD05]

Spectrums Data Forces es el aka de servidor para los releases de electro. En este caso para el sello del maestro Umwelt, New flesh records (dueño también del prestigioso Rave or Die), y para esta ocasión, una edición limitada en vinilo (NFLTD05). El ep se compone de 4 tracks (reencarnación, track que da nombre al ep, vocación, conmoción y eliminación). Todos ellos creados en una línea parecida, marcando de manera predominante la base y oscilando entre líneas de sintetizadores, pads oscuros y una dinámica muy conseguida. Un retorno al formato vinilo de la mejor manera posible y a uno de los sellos más punteros de electro de la actualidad.

AUX 88 - ELECTROTECHNO REVIEW

AUX 88 son dos genios del electro, dos grandes históricos que cualquier amante de este estilo musical debe conocer sí o sí. En la sección de clásicos de hoy, traemos a la palestra el super hit “Electro/techno”. El track comienza con un sonido de soldador, para posteriormente dar paso a una voz que nos acompañará durante prácticamente todo el track, en la que se puede apreciar las palabras: “electro” y posteriormente “techno”. Esto es solo el principio de una obra maestra, atemporal, repleta de pureza, de originalidad, de flow y ante todo mucho, mucho Detroit, tal y como los componentes del grupo en su momento, William Smith y Tommy Hamilton sabían hacer.