Lilly Palmer - Mixmag Spain #7

NÚMERO #7

Bienvenidos a un nuevo número de Mixmag Spain, una edición especial con motivo de la celebración anual de ADE que va acompañada de una serie de eventos presenciales en conjunto con otros magazines del grupo. Disfrutar de una estancia en la maravillosa ciudad de Amsterdam siempre es agradable y la experiencia se vuelve más interesante cuando ésta coincide con el festival y sus conferencias enfocadas a la industria y los amantes de la música electrónica. Tenéis un breve resumen de lo que podéis encontrar este año en ADE 2023 en las próximas páginas.

Esta vez tenemos el placer de tener como protagonista de la edición a Lilly Palmer, originaria de Zúrich, Suiza, quien pasó un tiempo inmersa en la bulliciosa escena underground de la ciudad antes de tomar la valiente decisión de sumergirse por completo en el mundo de la electrónica en 2015. En la entrevista, Lilly nos abre las puertas de su universo contándonos todo sobre su carrera y sus próximos proyectos.

Nos adentramos en el fascinante universo sonoro de Eduardo de la Calle, un artista legendario que ha dejado una huella indeleble en la música electrónica de nuestro país. Con una carrera que abarca más de 25 años

STAFF MIXMAG SPAIN

REDACCIÓN:

Borja Comino

Victor Fernandez

Carlos Pego info@mixmag.es

Seguimos hablando con artistas, en esta ocasión con el talentoso productor y DJ francés Shlømo quien se ha consolidado una sólida reputación en la escena musical gracias a su habilidad para abordar géneros que van desde el techno más contundente hasta el sonido más trance.

Seguimos con más mujeres de la industria y hablamos con Caravel, que además de su destreza como productora y DJ, organiza las inolvidables fiestas Resilience en todo el mundo, donde la música se fusiona con la pasión ardiente de la audiencia. Estas experiencias capturan la esencia intrépida de Caravel.

Uno de los talentos innovadores que tenemos en esta edición de Mixmag es Køzløv. Nacido en 1995 cerca de París, empezó a los 22 años con su propio proyecto artístico, nacido de la necesidad de compartir con el mundo su particular visión de lo que el techno representa para él. Desde su adolescencia, Florian Kozlowski se ha sentido profundamente atraído por la música electrónica.

A continuación conocemos a Basswell, un prometedor agente de la escena de la música electrónica francesa. Con un estilo potente y asertivo que fusiona lo rápido y

duro con la esencia del rave, este DJ y productor ha emergido como una fuerza imparable en la música electrónica, respaldado por pesos pesados de la escena underground como Amelie Lens, Shlømo.

En la sección Tech, Victor Fernandez nos presenta el que promete ser un must de todo estudio, el mítico pero rediseñado Console 1 Channel de Softube presenta la versión MKIII.

Todo esto sin descuidar la sección de críticas musicales que nuestros colaboradores elaboran para que seáis conocedores de lo último en cada estilo musical.

MÚSICA:

Dave Sinner

Khat

Daniel Rifaterra

EvilSound

C-System

C.I.S.C.O

music@mixmag.es

DEP. COMERCIAL: info@mixmag.es

DISEÑO Y MAQUETACIÓN: Carlos Pego

Mixmag Spain no se responsabiliza de las imágenes y opiniones vertidas por sus colaboradores. Queda prohibida la reproduccíon total o parcial de contenido sin previo aviso.

Carlos Pego - Dirección carlos@mixmag.es

ade 2023

TODO LO QUE NECESITAS SABER

Ya está aquí el ADE 2023 (Amsterdam Dance Event), evento que se ha convertido en el festival y conferencia de música electrónica más grande e influyente del mundo y se celebra del 18 al 22 de octubre de 2023 a lo largo y ancho de la capital de los Países Bajos con una programación dedicada a conferencias, un amplio programa de Arte y Cultura, música en directo y actuaciones de DJs y artistas.

Para atender al ADE, hay varias posibilidades. La primera opción es hacerse con el ADE Pro Pass, que da acceso a, absolutamente, todos los eventos organizados. La segunda es ADE Lab Tickets, que da acceso a masterclasses, sesiones de estudio, lanzamientos de demos, y más. Luego está, por supuesto, el ADE Festival con todas las actuaciones musicales, y por último, una de las nuevas vertientes del ADE es el ADE Arts & Culture, que celebra su tercera edición.

Como acto inaugural oficial, ADE presenta una colaboración especial con el Rijksmuseum de Ámsterdam y DJ upsammy.. El resultado es “Breathe, Walk, Die”, una actuación única en la que convergen el arte y la música. El acto tendrá lugar el miércoles 18 de octubre a las 19.30 horas y también se retransmitirá en directo a través de los canales de ADE. Se celebrará en el emblemático pasadizo para bicicletas situado bajo el Rijksmuseum, y será posible gracias a la colaboración entre ambas instituciones culturales.

AUTOR BORJA COMINO

FOTOGRAFÍA TOM DOMS

ade Pro

Para el programa de masterclasses y conferencias de agentes destacados del sector, ADE Pro, la organización ha hecho cuatro divisiones que responden a cuatro temas principales para ayudar a los asistentes a orientarse mejor entre los cientos de eventos que hay programados que son: estrategias( management, publishing, legalidad streaming), responsabilidades (sostenibilidad, cambio social, inclusividad), oportunidades (IA, experiencias inmersivas, innovación), y networking. La conferencia ADE Pro estará más centrada que nunca en las necesidades y deseos más urgentes de los profesionales de la música con temas interesantísimos, como por ejemplo:

• ¿Cómo sobreviven los festivales en el panorama actual, lleno de incertidumbres y retos por delante, y cómo se presenta el futuro de los eventos en directo?

• ¿Cómo pueden los profesionales dominar la reciente explosión del aprendizaje automático y (cómo) dominará la IA nuestra industria en los próximos años?

• ¿Cómo pueden los eventos hacer realidad sus ambiciones de neutralidad climática y circularidad, al tiempo que afrontan mayores gastos en todos los frentes?

FOTOGRAFÍA KAPAPHOTOGRAPHY

ade Lab

Hecho por y para productores, DJs, músicos, artistas visuales, y creadores en general, ADE Lab ofrece un programa lleno de actividades y experiencias que cubren el espectro completo de todas las disciplinas creativas que entran en juego en el mundo de la música electrónica. Este año ADE Lab está dividido en cuatro secciones. El Artist Course, Producer Course, Mixed Media Course y Music Professional Course.

FOTOGRAFÍA KAPAPHOTOGRAPHY

ade Festival

Lo más jugoso de todo: la música. Y es que más de 2500 artistas van a ofrecer actuaciones durante la semana del ADE. Las actuaciones en directo se han convertido en un elemento básico del programa del ADE Festival en los últimos años, con lugares como Paradiso, Melkweg, Concertgebouw, entre otros.

El evento sigue creciendo y desarrollándose año tras año, presentando a más de 2500 artistas y 600 ponentes en casi 200 lugares. Este acontecimiento de cinco días atrae a visitantes de más de 146 países y trata todos los aspectos habidos y por haber del mundo y cultura de la música electrónica.

Por mencionar a algunos: 999999999, Amelie Lens, Armin van Buuren, Paula Temple, Dax J, Mama Snake, DJ Stingray 313, I Hate Models, Sara Landry, WNDRLST, The Blessed Madonna, Nastia Reigel, Farrago e infinidad más. Estos últimos días se han confirmado las últimas incorporaciones al cartel con nombres como Adam Beyer, Anetha, A-Trak, Carista, Charlotte de Witte, DJ Holographic, Fatima Yamaha, Hardwell, Héctor Oaks, HoneyLuv, Interplanetary Criminal, Islandman, Sama Abdulhadi, Peggy Gou…

En el ADE Lab estará Cultivating Communities con Saoirse, ISAbella, LYDO, Bella Hall;

Una masterclass creativa de Cercle, un workshop de radio de Echobox, y mucho más.

artistas secretos en residencia:

Tras su estreno en Best Kept Secret el año pasado y su segunda edición en ADE22, Secret Artists in Residence se instala este año en la planta superior de ADE Pro. En Felix Meritis se construirá un estudio de música único para albergar colaboraciones inusuales, producir discos e improvisar con una ecléctica lista de artistas entre los que se incluyen Steve Rachmad, Alberta Balsam, Mathew Jonson, Sarah Neutkens, Sie Medway-Smith y el propio Pitto, anfitrión y comisario del concepto.

max cooper presenta foundational aesthetics:

Basándose en 20 años de estudio y colaboraciones interdisciplinarias, el productor londinense Max Cooper presenta una exploración profunda y envolvente de la intersección entre música, ciencia y arte. Durante una clase magistral única y una actuación audiovisual, Cooper revela la inspiración y la inquisición que hay detrás de proyectos multidisciplinares basados en la estructura profunda de la naturaleza, una historia de la ciencia desde una perspectiva estética.

ade Arts & Culture

ADE Arts & Cultuee se centra, sobre todo, en la nueva generación de creadores, el impacto positivo que emana la música electrónica y la ampliación de horizontes que es intrínseca a la cultura.

El programa ADE Arts & Culture abarca desde obras de teatro interactivas, como ATMEN de Nicole Beutler en el Internationaal Theater Amsterdam, hasta la interdisciplinar Gay Guerilla de 24classics en Zuiderkerk, pasando por un programa de cine en salas como Eye Filmmuseum, Melkweg Cinema, Kriterion y muchas más.

FOTOGRAFÍA KAPAPHOTOGRAPHY

HARMONY OF DESIGN AND PLAYABILITY

Sloping top plate, curved front edge, and elegant aesthetics

STANDALONE 4-DECK PLAYBACK

Jog ring illumination matches the color of each deck

EASY-TO-USE PROFESSIONAL EFFECTS

XY-Pad for Beat FX, plus Smooth Echo and Sound Color FX

SUPPORT FOR MULTIPLE MEDIA SOURCES 4 x USB inputs, plus Wi-Fi and Bluetooth connectivity

RAPID AND ACCURATE TRACK SEARCH 10.1-inch touch screen with keyboard and Playlist Bank, plus new Smart Rotary Selector

ZONE OUTPUT

Separate from the master, the zone output can play different music in a different room

PROFESSIONAL ALL-IN-ONE DJ SYSTEM

Main partners

Founding partner

eduardo de la calle

un viaje sonoro de 25 años en la música electrónica

En este nuevo número de Mixmag Spain, nos adentramos en el fascinante universo sonoro de Eduardo de la Calle, un artista legendario que ha dejado una huella indeleble en la música electrónica de nuestro país. Con una carrera que abarca más de 25 años, Eduardo es un pionero y visionario que ha marcado la escena club y la música electrónica en España.

Desde sus humildes comienzos en Madrid, donde descubrió la música electrónica en icónicos clubes como Eclosión, Saratoga y Radical, Eduardo ha recorrido un camino musical único. Su primer encuentro con la música electrónica le impactó de tal manera que lo llevó a sumergirse en el mundo del New Wave, el Indie y el Alternative Rock, influyendo profundamente en su enfoque musical.

Una de las cosas que distingue a Eduardo de la Calle es su compromiso con la tecnología analógica en un mundo cada vez más digital. A lo largo de los años, ha encontrado el equilibrio perfecto entre los dos mundos, creando un sonido cálido y profundo que es su firma distintiva. En esta entrevista exclusiva, Eduardo comparte su visión detrás de esta alquimia sonora única.

Su proceso creativo es una amalgama de improvisación y estructura, un enfoque que le ha permitido desarrollar sonidos únicos en sus pistas. Además, Eduardo es conocido por su diversidad artística, que se manifiesta a través de sus diversos alias como “The Stolen Tracks,” “As Far As I Know,” y “Tone Control.” Cada uno de estos nombres representa una faceta diferente de su creatividad y una exploración constante de nuevos territorios sonoros.

Eduardo no solo es un talentoso productor y DJ, sino también un mentor para jóvenes artistas a través de su sello, Analog Solutions. Su filosofía se basa en impulsar a nuevos talentos en la escena electrónica.

Además de su contribución musical en la electrónica, Eduardo de la Calle también se ha involucrado en proyectos que buscan equilibrar los ingresos de los DJs y los productores, como Aslice. En esta entrevista, comparte su perspectiva sobre esta iniciativa revolucionaria y su papel en su desarrollo.

Por último, Eduardo adelanta sus emocionantes proyectos futuros, incluyendo lanzamientos en Apnea y otros sellos, que prometen continuar desafiando los límites de la música electrónica y mantener viva su evolución constante. Preparémonos para sumergirnos en el mundo sonoro de Eduardo de la Calle y explorar su inigualable legado en la música electrónica española.

¿Cómo te iniciaste en la música electrónica y bajo qué aspectos te sentiste atraído por la misma?

Bueno, fue un poco “affair at the first sight “, escuché en Madrid mi ciudad natal una cinta de casete allá por el año 88, mi vecino David me mostró algunas sesiones de los clubs más representativos de la ciudad por aquella época como Eclosión, Saratoga o Radical, así que el impacto fue tan brutal y fui tan insistente que David no dudó en llevarme de la mano a esos clubes, eso sí, discutiendo a la entrada con todos los porteros de las salas, argumentando que yo era su hermano menor, media 1,60 de estatura y no tenía más de 14 años! Y bueno... ahí empezó todo …

Recuerdo escuchar el track The Stand de Joolz (el que 30 años después acabé remezclando) editado por Columbia Records un año antes en el 87 y algunos grupos más como Crash Course In Science, The Snake Corps o The Sisters Of Mercy, ciertamente me quedé en shock y terminamos a la mañana siguiente en la terraza del Radical, duchándonos vestidos después de haber pasado al amanecer por la Plaza de lo Cubos y previamente por un par de clubs a los que asistimos aquella madrugada, y es que en club Radical había duchas y columpios de jardín donde poder escuchar la música desde la terraza.

Un auténtico desfase para un crío de 14 años, desde luego el New Wave, el Indie y el Alternative Rock empezó a ser lo mío.

Teniendo en cuenta que era el más joven de todos aquellos clubs, añadiría que tanto el público en general como la comunidad gay, cuidaron de mi muy afanosa y cariñosamente, me sentí bastante protegido, mi visión apenas funcionaba correctamente de la ingesta que llevaba encima y más de una vez acabe de la mano de algún misericordioso que me vio desorientado por allí.

Eres conocido por el uso de equipos analógicos en tu estudio ¿Qué te atrae de la tecnología analógica en un mundo cada vez más digital?

Al principio solo producía en digital, recuerdo que tenía un estudio compartido en la zona alta de Barcelona, Lesseps, junto a D. Santaelena, Dj Fra y Maxi (Ferenc), mi primera mesa en aquel local fue una 01 V de Yamaha (no es precisamente una mesa con una EQ muy analógica) y aunque tiraba de muestras lanzadas desde un MPC, aquello sonaba como el culo. Más tarde gracias a Frederic Laroche, un íntimo amigo de Quentin Dupieux -Mr Oizo, que por cierto Frederic era aquel tipo que salía dopando a la lombriz en el official video de Mr. Oizo (Analog Worms Attack) me aferré mucho al tema analógico, EQs, sintes y demás cuestiones, supongo que por el sonido más caliente y profundo, aprendí todo de aquel tipo, pero he de admitir que hoy en día uso las dos tecnologías y estoy muy contento con la combinación de ambas, dejé de ser un radical, aunque día de hoy sigo tirando de EQ y efectos analógicos, mayormente combinados con fuentes de sonido digitales y analógicas.

¿Cuáles son tus herramientas imprescindibles en el estudio?

Polyend Tracker, Electron, Eventide H3000, Akai, ordenadores, discos viejos, Reaktor, todo vale… Espero pronto poder aprender algo de Kyma ,Max Msp, modulares o cosas parecidas, es algo que me inquieta bastante.

Tu música a menudo tiene un enfoque orgánico y experimental. ¿Cuál es tu proceso creativo para desarrollar sonidos únicos en tus pistas?

No hay ningún gran secreto, básicamente utilizo una estructura previa para luego improvisar encima, digamos que es la misma ecuación que utilizaba Milles Davis o cualquier otro compositor de Jazz, tampoco tengo un orden predeterminado para empezar una canción, puedo empezar al revés o al derecho, con un sonido o un arpegio y luego un bombo o sección rítmica encima o a la inversa, otro día me da por un Sampler de Jazz o una voz de Juliette Lewis o Cheedar Gorgeous y vuelta a empezar… No hay reglas en lo que se refiere a esta cuestión.

[...] me aferré mucho al tema analógico, EQs, sintes y demás cuestiones, supongo que por el sonido más caliente y profundo [...]

Es posible que algunos de tus seguidores no conozcan varios de tus alias, como “The Stolen Tracks,” “As Far As I Know,” o “Tone Control.” ¿Puedes contarnos un poco sobre la inspiración detrás de cada uno de estos nombres y por qué decides separar su música de la de tu identidad artística principal?

Supongo que simplemente forma parte de mi cultura, artistas a los que idolatro ya utilizaban estos términos hace 2-3 décadas, me refiero a grabar cosas con 25 nombres diferentes, me llama la atención esto de ser una persona diferente cada día y expresar diferentes ideas a través de un nombre en particular, llámalo bipolaridad si quieres, al fin al cabo uno es libre de expresar ideas diferentes, supongo que también es una manera de huir de lo ortodoxo, de repetir una fórmula y así poder adentrarte un poco hacia lo desconocido y estar en un constante “explorer mode “.

Cargas con una carrera activa de más de 25 años en el estudio publicando música. ¿Te encuentras con obstáculos a nivel creativo para seguir componiendo?

Los obstáculos aparecen, pero diría que más bien tienen que ver con la personalidad de un artista, tengo muchas maneras de practicar el auto-sabotaje, y no es que me guste el dolor. A veces creo trampas o agujeros negros en las que tengo el rol de verdugo, las creo para luego caer en ellas y sufrir las consecuencias, las cuales afectan de manera muy negativa a mi proceso creativo. Estas conductas aparecen de manera recurrente y forman parte de mi pasado, el cual estuvo lleno de adicciones, y aunque las supere todas, es normal que todo aquello haya dejado un feedback afectando de vez en cuando a mi persona a día de hoy.

¿Qué criterios sigues al seleccionar la música que se lanza en tu sello, Analog Solutions? ¿Qué buscas promover a través del sello?

Al principio vendimos 15.000 copias en vinilo durante los seis primeros meses, básicamente editaba música sampleada de discos de baile más o menos icónicos o incluso desconocidos, y mezclaba esos samplers/muestras entre sí hasta que “a veces” en conjunto no se pudieran reconocer, así que la filosofía del sello era un poco rescatar o transformar la música de mi juventud, aquello lo hice de una manera totalmente inconsciente, por inercia. Esto ya lo hacía Frankie Bones y un montón de peña previamente. La verdad es que nunca llegué a entender realmente el éxito del sello, como he comentado un montón de artistas de los 90 llevaban a cabo esta práctica como una religión y se sampleaban unos a otros por doquier, sin parar… Por poner un ejemplo…

¿Cuántas veces escuchábamos la sección rítmica del Go de Moby en otros discos? ¿Decenas? ¿Cientos? ...ni idea

Hoy en día básicamente utilizo mi plataforma Analog Solutions para editar artistas más jóvenes, prácticamente desconocidos, y darles visibilidad, siempre en formato digital, aunque pronto editaremos cosas de gente conocida como Matrixman y creo Orlando Voorn, pero en general es un sello para gente más joven. Ejercer el rol de mentor es una cosa que me sale de manera natural, digamos que cuando veo algo de calidad, me sale, y pongo en la mesa toda la ayuda que le pueda prestar a la persona en cuestión, ya lo hice con Orbe y algun@s más y están llegando lejos, cosa que me enorgullece gratamente.

¿Qué elementos y qué artistas destacarías de la escena actual?

Me gusta mucho Orbe, Kai Campos, Moormother, Kode9, RTR, Pau Cabeza, Brainwaltzera, Luxus Varta, Theo Parrish y un montón de cosas más.

¿Qué te parece la aparición de propuestas como Aslice, que buscan equilibrar la balanza entre los ingresos de los djs y los de los productores?

Zak (DVS1) contó conmigo para el desarrollo de la plataforma al principio, cuando la plataforma no era pública aún y había una versión beta. En esa época manteníamos videollamadas de 7-8-9 participantes, había gente de todos los ámbitos, desde personal del Fabric de Londres hasta propietarios de sellos, Djs, productores, en fin, de todo un poco. Me parece una iniciativa cojonuda, creo que este proyecto llegará a ser una herramienta indispensable para cualquier productor /DJ que quiera contribuir de manera directa en el mantenimiento y buena salud de la industria musical a nivel global.

¿Qué proyectos o lanzamientos tienes en mente para el futuro? ¿Hay algo emocionante en lo que estés trabajando actualmente?

Mi próximo lanzamiento en Apnea, la referencia número 106, es sin duda mi mejor disco hasta la fecha, esta vez me sumerjo y exploro registros más IDM, historias complejas, pero muy armónicas, sin duda de ejecución difícil, en el que practico la deconstrucción a modo “storytelling “. También hay un track para el sello del madrileño Pergo que saldrá en breve acompañando a Dj Shufflemaster en el maxi y un nuevo remix en un sello de nueva hornada italiano, no puedo revelar más datos.

Muchas gracias Eduardo por concedernos esta entrevista.

En un universo donde la música electrónica se funde con la innovación y la imaginación, emerge una figura que se destaca como auténtica pionera. El año pasado, Lilly Palmer hizo historia al convertirse en la primera DJ en actuar en la sede de la Agencia Espacial Europea (ESA), llevando sus vibraciones sonoras a las estrellas y dejando una huella cósmica en la escena electrónica.

lilly palmer

AUTOR BORJA COMINO

Con una carrera que está experimentando un ascenso meteórico, Lilly Palmer se ha convertido en un nombre omnipresente en la escena del techno internacional.

Originaria de Zúrich, Suiza, pasó un tiempo inmersa en la bulliciosa escena underground de la ciudad antes de tomar la valiente decisión de sumergirse por completo en el mundo de la electrónica en 2015. Desde entonces, ha forjado un sonido decididamente potente que le ha abierto las puertas a las cabinas más codiciadas de todos los rincones del planeta.

El viaje de Lilly desde su adolescencia como amante del metal hasta su destacado debut en la escena electrónica es una historia inspiradora de determinación y perseverancia. A pesar de los obstáculos iniciales y las críticas, nunca claudicó, continuando su camino en un mundo en gran parte dominado por hombres. Su singularidad y su capacidad innata para conectar con la audiencia la catapultaron rápidamente a la fama.

Además, es una amante de la naturaleza y apasionada del kitesurfing. Su determinación para superar obstáculos se refleja tanto en su música como en su estilo de vida activo y en constante evolución.

También ha demostrado ser una emprendedora sagaz como propietaria de Spannung Records. Su sello ha acogido a varios talentosos artistas y ha lanzado éxitos notables como ‘I Am Machine’ y ‘Crave’ y con prestigiosas colaboraciones. Para Lilly, la calidad siempre prevalece sobre la cantidad, una filosofía que se manifiesta claramente en sus lanzamientos, siempre cuidadosamente seleccionados.

En esta entrevista, profundizaremos en sus inicios, desafíos superados, autenticidad, conexiones emocionales, éxito y el prometedor futuro que aguarda a Lilly Palmer. Con una base de seguidores en constante expansión y una carrera que se eleva a nuevas alturas, esta talentosa DJ alemana se erige como una fuerza imparable en el vasto cosmos de la música electrónica.

Bienvenida, Lilly. En Mixmag España estamos muy contentos de que tenerte en la portada de nuestra edición de octubre.

Te hemos estado siguiendo el rastro durante los últimos años y, a todas luces, este 2023 está siendo prácticamente inmejorable para ti.

¿Podrías compartir con nosotros algunos de los momentos más destacados de lo que llevamos de año?

Sí, este año está siendo una auténtica locura y ha superado todas mis expectativas. Te daré un pequeño ejemplo: hace 7 años todavía estaba en Tomorrowland como raver, el año pasado pinché en un escenario lateral y este año en el principal. Es una barbaridad. Luego estuve en el desvarío que resultaron ser Nature One y Rose Festival, con un público que lo dio absolutamente todo. Por último, pero no menos importante, nuestro truck de Spannung Records en la Streetparade en Zurich. Esto fue puro amor y magia.

A nivel privado, me casé con el hombre de mis sueños, Egbert. Nos hemos convertido en una unidad casi perfecta, no solo en privado. Vivimos la música. Él es mi apoyo como marido y también en el estudio, lo cual es gran parte de mi éxito. Con todo este ajetreo, casi se me olvida que esta vida también va muy deprisa y necesitaba desesperadamente otra salida aparte del kitesurf, que es muy divertido pero también agotador. Para bajar un poco de revoluciones y crear también una oasis de relajación, cumplí un sueño de la infancia y me compré un caballo, que fue una decisión tan especial como acertada. Luna me da calma en los pocos días que estoy en casa y disfruto de la unión con ella en el establo o cuando salgo a montar.

Cuéntanos cuán bello es vivir en la costa de los Países Bajos.

Aquí se vive muy bien. Cuando vuelvo a casa de las giras, estoy rodeada de playas salvajes interminables donde puedo relajarme. La gente es muy abierta y positiva, y el ambiente es estupendo. La familia de Egber, que también vive aquí, me ha hecho sentir que tengo un hogar, y eso vale su peso en oro, sobre todo cuando llevas el tipo de vida que llevo ahora.

¿Qué piensas de tu actuación en el MainStage de Tomorrowland este año?

Obviamente estaba muy nerviosa. Tomorrowland es uno de los festivales más conocidos del mundo. Además, mi single t se publicó en Tomorrowland Music la semana de mi actuación. Sentía mucha presión y estaba un poco agitada por la emoción, pero cuando subí al escenario y toqué el primer tema, mi miedo escénico desapareció y a partir de ahí fue simplemente genial. Sentí una verdadera oleada de orgullo y gratitud flotando por mis venas. Creo que puedo decir que fui feliz en ese momento, y de hecho así se puede ver en el vídeo de mi actuación en Tomorrowland. El miedo escénico forma parte del negocio y, por lo tanto, también es importante, aunque a veces sea realmente molesto.

‘You’re My Guide’

Este verano, vuestro truck en la Streetparade de Zúrich fue el que más éxito tuvo. ¿Cómo fue la experiencia?

Nos asociamos con We Love Techno de Suiza y, he de decir que estos chicos son increíbles. Junto con mi manager, hemos conseguido un pequeño milagro. La verdad es que nunca esperé que nuestro camión, presentado por mi sello Spannung Records y We Love Techno, con el apoyo adicional de ESA (Agencia Espacial Europea) como partner, tuviera tanta repercusión. Casi todos los DJs eran de mi sello, Jose Bonetto, Frankyeffe y mi marido Egbert, además del invitado especial Joyhauser. La combinación fue perfecta y, como nos dijo el comité del Street Parade, no hubo truck que siguiera más gente que el nuestro. El ambiente era de otro mundo, realmente una mezcla de emociones basadas en la paz, la libertad, la apertura, la locura, la diversidad y el amor, y todos coincidimos al final en que fue un momento mágico en nuestro viaje personal en el mundo del techno. Cuando terminé mi set, tuve un momento catártico en el que me senté en la valla del camión junto a la cabina del DJ, miré al lago de Zúrich y empecé a llorar delante de todos. Derramé lágrimas de alegría y amor y nunca olvidaré ese momento en toda mi vida.

Háblanos de tus próximos grandes conciertos.

Tengo una gran gira por Estados Unidos en octubre, con un hito absoluto: el IIIPoints Festival de Miami. Es, probablemente, uno de los mejores carteles que he visto nunca. Esa es también la razón por la que no iré al ADE en persona, mi manager Karl serña el que se encargará de todo ahí. Luego está mi propio escenario en el Groove Cruise de Miami en 2024, elrow en Eindhoven, una gira australiana en noviembre, gira por la India en diciembre y el cierre de Pyramid en Amnesia Ibiza. Para 2024 ya he confirmado un montón de grandes festivales, pero por desgracia no se me permite anunciarlos con antelación. 2024 ya tiene una pinta increíble y ya me están reservando hasta agosto. Qué prefieres, ¿shows grandes? ¿O pequeños?

Siempre es una pregunta interesante, porque creo que son cosas totalmente distintas. La energía de un festival es completamente diferente y no se puede comparar con la intimidad de un club. Por supuesto, los grandes escenarios impresionan más, sobre todo en SoMe, pero no quiero perder la energía que hay en los clubes. Yo vengo de allí, es donde crecí, donde di mis primeros pasos como DJ y adquirí experiencia, y estaría traicionando mis propias raíces si sólo me centrara en los festivales. En la mayoría de los festivales, la gente simplemente espera energía a tope con la primera pista, que luego, idealmente, dura todo el set. Especialmente con sesiones cortas de 60-90 minutos, no puedes trabajar de forma tan creativa como en un club, donde puedes llevar a la gente por un viaje más creativo. En un club suelo pinchar otros temas, no sólo techno en horas punta, también hay algunos groovers y temas techno más minimalistas que me encanta pinchar, pero que no encajarían en un set de escenario principal como, por ejemplo, en Tomorrowland.

Se viene un contrato discográfico con PIAS. ¿Qué podemos esperar de esta colaboración y cómo se alinea con tu visión artística?

Creo, y espero, que muchas cosas. Teníamos ofertas de casi todos los grandes sellos y el proceso de decisión duró más de medio año. Al final, el equipo de PIAS nos convenció por su creatividad y motivación, y probablemente eso ya se pueda ver en el ADE. Queríamos ir a un sello que entendiera a los artistas independientes y la trayectoria de PIAS, junto con las relaciones personales que pudimos entablar en los últimos meses, nos hicieron decantarnos por ellos. Mi primer single con PIAS será ‘My Fantasy’, que muchos de mis fans esperan con impaciencia. Tenemos 5 o 6 singles más casi listos y estamos trabajando en mi primer álbum y en una colaboración con un artista no techno.

¿Qué significa que 2023 sea el año de tu independencia?

Esa es una muy buena pregunta. Aunque 2023 fue un gran año, hubo momentos en los que me di cuenta de que no todo en nuestra industria es paz, alegría y felicidad. Mi pequeño equipo y yo siempre hemos luchado por la independencia y algunos socios con los que hemos trabajado han hecho que tengamos eso más claro que nunca. No quiero lavar trapos sucios, pero ha habido momentos en los que hemos pensado, ¡wtf! y no me refiero a los haters, sino a personas de las que habría esperado más a nivel humano. Pero detrás de la fachada había egoísmo, narcisismo y envidia, e incluso mentiras y misoginia e intentos de perjudicarme deliberada y conscientemente. Los que me conocen saben que siempre trato las cosas de forma abierta, honesta y transparente. Lo mismo hace mi jefe, pero parece que eso no va mucho con algunas personas y, entonces, los trapos sucios se lavan en segundo plano. En 2023, nos separamos intencionadamente de dos personas y una empresa, y las experiencias resultantes valieron un millón, en retrospectiva. He comprendido que mi franqueza y mi capacidad para inspirarme en otras personas y también para volcar todo mi corazón y mi alma en apoyarlas no debían malinterpretarse como complacencia. Tengo mi propia cabeza, mi propia realidad y no soy el apéndice de otra persona al que se le permite ladrar cuando le conviene.

Por eso, como equipo, hemos tomado ciertas decisiones que nos permiten ser mucho más independientes y libres. Por eso, el año 2023 es el año de mi independencia.

Detrás de cada DJ de éxito hay un equipo que trabaja duro. ¿Puedes presentarnos un poco a tu equipo y explicarnos cómo contribuyen a tu éxito?

Mi equipo está formado por 3 pilares, además de mí. Nuestra relación se basa en el trabajo duro, la amistad y la confianza.

El número uno es mi marido Egbert, que no solo me da seguridad y confianza, sino que también es una bestia en el estudio. Junto a él he desarrollado mi sonido y es quien me acompaña en la mayoría de los conciertos y filma mis contenidos de SoMe y los produce conmigo. También me lleva lejos del ajetreo de los viajes y ha creado un hogar junto a mí. Tenemos un carácter totalmente distinto el uno del otro, pero por eso nos complementamos tan bien. En los últimos años, hemos conseguido convertirnos en una unidad tanto privada como profesionalmente. Hemos pasado por todos los altibajos posibles, hemos crecido y disfrutado de la vida al máximo juntos.

Luego está Karl, mi manager. Un veterano del sector con el que mantengo una amistad desde hace más de 17 años. Somos mejores amigos y siempre ha estado a mi lado como amigo y consejero desde que era un joven ravero. Con él di a luz a Lilly Palmer y le di vida. Siempre está disponible para mí. Es mi puntal. Especialmente cuando las cosas se ponen difíciles, sé que siempre estará a mi lado. Ahí estará para mí si alguien intenta hacerme daño. Ha creído en mí desde el minuto 0. Aunque de vez en cuando me vuelva loca (a mí, y a Egbert) con su ritmo frenético y sus ideas, a veces disparatadas. Es realmente uno de los pilares de mi carrera.

Luego están Heike y su ayudante Kate. Las dos son nuestro back office, por así decirlo, y hacen ese trabajo extremadamente bien, de forma fiable y, sobre todo, con calma. Mi jefe y yo somos más bien espontáneos y creativos, pero tenemos una idea muy precisa de cómo deben funcionar las cosas, de lo que queremos, y trabajamos 24 horas al día, 7 días a la semana, para coordinar mis visión y las suya y luego ponerlo todo en práctica juntos.

Por último, pero no por ello menos importante, me gustaría mencionar a Lenny, mi manager de gira. No es uno de los tres pilares, pero es una parte muy importante de nuestro equipo. Es un verdadero experto en techno, no se le puede engañar. Siempre está ahí para ayudar y aconsejar y es insustituible como tour manager.

¿Y en cuanto a los distintos aspectos de tu carga de trabajo, incluidas las redes sociales, el trabajo en el estudio y el marketing?

Para tener éxito hoy en día, tienes que verte a ti mismo y a tu carrera como un trabajo a tiempo completo. Cuando no estoy de gira, sigo teniendo una jornada laboral de más o menos 14 horas. Incluye la creación de contenidos, discusiones estratégicas con mi manager, trabajo conceptual y todo tipo de actividades de marketing, como, por ejemplo, escribir entrevistas como esta.

Gran parte de mi rutina consiste en estar en el estudio produciendo todos los días que no estoy de viaje. Egbert lleva definitivamente la voz cantante, pero yo estoy en el estudio para cada canción hasta que Egbert dice que necesita tiempo para hacer su magia. Entonces trabajo paralelamente en las letras y las voces, por ejemplo, o preparo la comida o voy a visitar a mi caballo. En algún momento vuelvo al estudio, cuando Egbert tiene una primera versión acabada que presentar y doy mi aportación para finalizarla, de modo que pueda tocarla y probarla inmediatamente en mi próximo concierto.

Para nuestro equipo, la comunicación es lo más importante. Suelo levantarme a las ocho de la mañana y acostarme a medianoche. Eso, cuando no estoy de gira. Cuando estoy de gira, la rutina es completamente distinta, pero sigo trabajando en mis redes sociales, preparo o reviso contenidos, hablo con mi equipo y hago que las cosas avancen. Además de todo eso, está mi sello Spannung Records, que absorbe cada vez más tiempo.

En realidad no hay horarios fijos, es un proceso flexible. A veces estoy más en el estudio y al día siguiente hablo con Karl durante una o dos horas o tenemos llamadas de equipo. Sin embargo, la regularidad es muy importante, al igual que la disciplina. Siempre intento hacer algo a solas todos los días durante una o dos horas. Me libera del estrés y alivia mi mente y todos los pensamientos que giran en torno a mi carrera. Eso es muy importante como para mantener cierta estabilidad.

¿Cómo ha evolucionado tu enfoque de la producción musical a lo largo de los años? ¿No hace falta que pregunte con quién te sientes más cómoda trabajando, verdad?

Es una pregunta sencilla que puede responderse rápidamente. He trabajado con algunos otros productores antes, pero con Egbert he encontrado al socio perfecto. Sé exactamente de lo que es capaz en el estudio, aunque su creatividad siempre da lugar a sorpresas impresionantes. He aprendido a expresar realmente lo que quiero, también a nivel técnico. Puedo trabajar en layouts y hacer muchas cosas, pero al final tengo a mi lado a un profesional que puede hacer todas estas cosas mucho mejor que yo y eso me da mucha seguridad y confianza para seguir sacando grandes temas. Mejoro constantemente mis habilidades e intento aprender todo lo que puedo mientras estoy en el estudio con mi marido, pero nunca seré tan buena como él y sería un poco candoroso que ese fuera mi objetivo.

“Mi equipo está formado por 3 pilares, [...]nuestra relación se basa en el trabajo duro, la amistad y la confianza”

¿Algún plugin específico que hayas aprendido a amar a lo largo de los años?

Creemos que Serum es casi el plugin “definitivo” para básicamente todo lo que quieras crear y siempre acabamos volviéndolo a utilizar. Su interfaz humana está construida de forma muy lógica y te ofrece infinitas posibilidades para explorar tu sonido. Además, no hay que subestimar los plugins de stock de FL Studio. Pueden parecer simples, pero esa es exactamente la razón por la que son tan eficaces. No te distraen con una cantidad excesiva de opciones y puedes usar muchos de ellos al mismo tiempo sin sobrecalentar el sistema, lo que a menudo puede convertirse en un gran dolor de cabeza para los productores.

¿Qué tema recuerdas que te haya pegado especialmente fuerte?

Creo que fue ‘Fuck That Shit’ de The Subs. Mi manager siempre dice que esta canción ha quedado grabada de forma indeleble en su memoria porque la asocia mucho conmigo (risas).

¿Podrías compartir tu opinión sobre cómo utilizas personalmente Beatport y Spotify, y qué piensas de cada uno?

Beatport es muy importante para la verdadera comunidad techno y para todos los DJs. Se trata más de imagen y siempre es emocionante ver y seguir el rendimiento de mis lanzamientos. Es imprescindible y no hay que subestimarlo. Spotify, por otro lado, puede darte ingresos importantes, sobre todo si planificas con una estrategia a largo plazo.

Si cuidas tu cuenta de artista con regularidad, realizas un buen SoMe y publicas buena música, tienes bastantes posibilidades de tener un buen índice de crecimiento. Spotify se ha vuelto extremadamente importante, incluso para los promotores, y me encanta checkear cómo están funcionando mis canciones y si hay una lista de reproducción editorial el día del lanzamiento. Me gusta mucho Spotify y, justamente, acabo de superar la barrera de los 100.000 seguidores. Algo que jamás habría soñado hace 3-4 años.

¿Tienes en mente alguna colaboración que se te antoje especialmente potente? ¿Qué hay de tus últimas colabos?

La colaboración con Thomas Schumacher fue una buena excursión. Dos canciones muy chulas, pero eso es todo. No habrá nada más.

Mi colaboración soñada, si realmente pienso a lo grande, grande, grande… Sería Chris Martin. Me encanta Coldplay y su voz. También estoy trabajando en una nueva colaboración con alguien fuera del género techno con el apoyo de PIAS. Todavía no hay nada concreto, pero tenemos una idea que sería enorme.

¿Qué hay des las amistades que has ido forjando a lo largo del camino?

Mis amistades suelen tener lugar fuera de la industria musical. Una gran excepción es mi representante. Tengo muy buena relación con algunos DJ, pero con los que parecían amigos, tuve que darme cuenta de que había intereses ocultos y me alegro de haberme dado cuenta a tiempo. Aunque todo el mundo conozca a Egbert, a veces parece haber problemas de lealtad en la industria. Pero puedo vivir muy bien con eso, porque sé a quién pertenece mi corazón.

¿Qué podemos esperar de Spannung Records en los próximos meses?

Tenemos bastantes nuevos lanzamientos de grandes artistas emergentes como Jose Bonetto, Frankyeffe, y de Egbert y yo. Seguiremos aumentando la frecuencia de los lanzamientos y nuestro objetivo será de 1 a 2 lanzamientos al mes.

En el futuro solo publicaré temas en Spannung Records a través de PIAS y también estamos planeando más y más label nights. Tenemos algunos lugares realmente geniales en mente para 2024.

¿Algunos consejos para mantener la cordura cuando estás on the road?

Una dieta y una rutina de sueño estrictas y, lo más importante, descanso absoluto entre show y show, que es algo que a veces no se entiende. No quiero tener conversaciones interminables, ni escuchar música, ni tener ajetreos en el coche ni en ningún otro sitio. Tengo que aprovechar estos pequeños breaks de tiempo para relajarme y solo puedo hacerlo cuando tengo mi paz y mi tranquilidad. Es por eso que la elección del hotel es muy importante para mí. Por favor, que no me den una habitación frente a la pista de baile de Ushuaïa (risas). En realidad sólo bebo agua con limón fresco, medito mucho y hago mis ejercicios de respiración regularmente y hago tanto deporte como el tiempo me permite. Así que, un hotel sin gimnasio, ¡ni de coña!

¿Se cuece algo en Barcelona?

Me encanta Barcelona y, si no viviera en Holanda, Barcelona sería sin duda una alternativa. He tocado allí muchas veces en Input y me ha encantado cada vez. Los amantes del techno en Barcelona son guays y extrovertidos. Mi próximo show en la ciudad será en Pacha el 7 de enero de 2024. Pincharé para vosotros, Mixmag. Estoy deseando que llegue ya el día.

¿Algún otro plan del que te gustaría hablar?

Creo que la entrevista lo ha cubierto casi todo. Quizás me gustaría mencionar que quiero centrarme aún más en las producciones y compartir mi sonido con mis fans y los nuevos que espero que vengan. Me encanta la sensación cuando pincho mis propias canciones y la gente las reconoce al momento e incluso empieza a cantarlas (o, más bien, a hablarlas). Es una sensación increíble cada vez que ocurre. También haremos algo nuevo en el aspecto visual, que ya está en fase de planificación y, como soy un poco perfeccionista, estoy segura de que no estará nada mal.

shlømo

El talentoso productor y DJ francés Shlømo ha consolidado una sólida reputación en la escena musical gracias a su habilidad para abordar géneros que van desde el techno más contundente hasta el sonido más trance.

Asiduo de los mejores clubs y los mayores festivales del mundo, que empezó bebiendo de la escena parisina, no es un recién llegado en el mundo de la música. Shaun Baron-Carvais, hizo su debut como Shlømo en 2013 a través de su propio sello Taapion. A lo largo de los años ha lanzado una serie de proyectos notables que lo han establecido como una figura muy influyente en la música electrónica. Sus temas han encontrado hogar en sellos respetados como Delsin y Arts, además de ser reconocido por su residencia en las aclamadas fiestas Possession y en Tama, un club de gran relevancia en Polonia. No contento con eso, Shlømo también está detrás de Welcome Back Devil es la serie de fiestas de marca de Shlømo que ha estado sacudiendo pistas de baile en todo el mundo. Y aún falta mencionar su otro sello, Saike.

Además de su carrera en solitario, Shlømo ha demostrado su versatilidad como artista. No se contenta con un solo proyecto, sino que a finales de 2019, dio vida a otra emocionantes iniciativa. Se trata de Viper Diva, un renacimiento que se ha convertido en uno de sus proyectos más importantes, y que ha cautivado a la audiencia más afín al sintetizadores noventeros trance con un infalible bombo a negras.

Acompáñanos en esta entrevista en profundidad con Shlømo mientras exploramos su viaje musical y los horizontes sonoros que continúa conquistando.

AUTOR BORJA COMINO

por encima de todo, la pasión

¿En qué momento te diste cuenta de que la música iba a ser un aspecto importantísimo en tu vida?

Desde que era niño que estoy inmerso en el mundo de la música, sobre todo por parte de mis padres, que escuchaban rock, jazz, pop, bossa nova… Lo cuál ejerció una gran influencia en mí. Ya de adolescente, me interesé mucho por el rap americano, británico y francés, y a la vez me fascinaba la música para cine –de hecho, aún me fascina. Ya en década de los 90 y 2000, gracias a la MTV fui testigo del auge de la música dance y del toque francés. Pero el descubrimiento real de la música electrónica me llegó de parte de Warp Records, que me voló la cabeza. Fue en ese momento cuando me dije a mí mismo que, definitivamente, la música iba a ser una parte fundamental de mi vida.

¿En qué punto de tu carrera profesional dirías que te encuentras ahora mismo?

Yo lo veo como un punto de inicio de partida perenne. Siempre tengo ganas tanto de echarme a la carretera como de ponerme a producir música. También es un gustazo tener la oportunidad de conocer a nuevos artistas, nuevos públicos… Aunque soy consciente de que soy un artista con un cierto recorrido y reconocimiento, creo que es importante tomar riesgos, encontrar nuevos retos, y evolucionar. En eso consiste ser un artista.

¿Dónde y cuándo empezó todo?

¿Cuál fue tu introducción a la escena de clubbing francesa?

El punto de partida fue mi descubrimiento del Lebel UK Warp, sería en 2005 o 2006. Inmediatamente, por mimetismo, quise comprar sintetizadores vintage sin siquiera saber usarlos. Fue bastante gracioso porque en aquella época no existía YouTube para aprender a usarlos, sino blogs que me pasaba noches enteras leyendo.

Así que me metí de lleno en la producción al mismo tiempo que empecé a salir por París, a Rex, Batofar y Social Club un poco más tarde. No había noches de techno todos los días como ahora, eran los viernes y los sábados, y tenías que elegir entre 2 como máximo. Una época totalmente diferente… El resurgir del techno llegó más tarde, en 2013, con la creación de las fiestas Concrete, que se ha convertido en un club icónico en Europa, y fue entonces cuando me convertí en residente.

¿Podrías comentar, a grandes rasgos, cosas buenas y cosas malas que ves en la escena parisina?

El techno en París ha tenido 2 grandes épocas doradas durante los últimos 10 años, lo cual es increíble. En primer lugar, con Concrete, que siguió el sonido techno berlinés y tuvo un gran impacto en la escena, y después con la crew LGBTQ+ Possession, con la que también llegué a ser residente. La principal diferencia entre estas dos épocas se explica así: Concrete se definía como fiesta de club, mientras que Possession se definía como fiesta de warehouse. Se podía sentir esa ansia de ese nuevo movimiento de la escena a través de lo que la gente buscaba. Después de muchos años en los clubes, se quería recuperar el espíritu de libertad rave. Hoy en día, la escena en París parece que está un poco decaída, a pesar de todos los artistas franceses increíbles que están saliendo, y a pesar, también, de la gran demanda que hay por parte del público parisino.

¿Cuáles han sido los lugares más increíbles en los que has actuado?

Concrète, Atonal, Médusa, Solidays, Eurockéennes, Fabrik y Spazio.

En tu bio de Instagram se puede leer que tienes como alias: “The Daddiest”. ¿De dónde sale ese AKA?

Surgió de forma natural cuando nació mi hijo, y todo el mundo empezó a llamarme daddy y papi. Esa es la razón principal. También existe este aspecto de papá en términos de edad en la escena techno para todos los jóvenes productores con los que trabajo y también con el público. Siempre he intentado poner el foco en los artistas jóvenes y transmitirles lo que yo mismo he aprendido a lo largo de los años que llevo trabajando en este campo. En cuanto a la palabra “Daddiest”, en realidad proviene de un meme que me envió un día mi amiga Sara Landry. Me convertí en el daddy por antonomasia (risas).

Viper Diva es tu proyecto paralelo. ¿A qué se debe? ¿En qué se diferencia de Shlømo?

Creé Viper Diva con Hadone en 2019, justo antes del covid. Tuvimos el tiempo justo para hacer un live en Unpolished que se convirtió en histórico y nos permitió crear esta gran comunidad desde el principio. Teníamos un sonido un bastante único para ser 2020: hard techno mezclado con melodías en plan himno trance. El universo musical de Viper Diva es, de hecho, un sonido trance y future pop con baterías techno. El año pasado Hadone decidió abandonar el proyecto porque quería concentrarse en su propio proyecto. En la actualidad, la principal diferencia radica en que Shlømo se define por un sonido techno más duro y Viper Diva por un sonido más trance con toques future pop.

¿Cómo enfocas ahora las colaboraciones, qué buscas en los artistas con los que quieres trabajar?

Es una muy buena pregunta, porque hoy en día, un poco como en el hip-hop, con el streaming y tal, las colaboraciones son un proyecto clave en la carrera de un artista. Para mí, esto toma 2 formas: o bien me enamoro de un tema de un artista que no conozco pero que acabo de escuchar, y me pongo en contacto con él para felicitarle y proponerle una colaboración. O a través de un flechazo más amistoso, un sentimiento a desarrollar con un artista de un universo diferente, como hice con Vladimir Cauchemar. El resultado fue una gran amistad, y uno de mis proyectos favoritos.

También ayuda a los artistas más pequeños a darse a conocer más, y siento que ese es mi papel como “papá” de la escena.

Eres el fundador de Taapion y Saike, ¿cuál es la principal razón de ser de cada uno?

Creé Taapion en 2013 porque no quería tener que estar contactando con sellos, solo quería lanzar música exactamente como a mí me apeteciese. Desde entonces, Taapion ha expandido su legado y estoy super orgulloso de ver donde este sello se encuentra hoy. También con esta nueva serie llamada “sangre fresca” que se centra en la promoción de nuevos artistas. Ojalá yo hubiera tenido esta oportunidad en mis tiempos.

Saike llegó en 2020 para promocionar a Viper Diva. Pero decidí publicar también a nuevos artistas con un sonido similar a Viper Diva, mezclando anthem techno, trance y future pop. Hablo de artistas como Zorza, Peligre o Krl Mx.

¿Alguna vez has sufrido un bloqueo creativo o profesional más largo de lo normal?

Sí, uno largo que empezó durante la pandemia seguida del nacimiento de mi hijo. Fue más o menos un año con una enorme página en blanco en la que solo podía atascarme con mis aparatos y sintes sin sacar nada relevante de ahí. Fue un periodo realmente frustrante para mí, pero también supuso un empujón y me ayudó a hallar otros métodos y formas de producir música.

¿Qué es lo que le mantiene en pie y con ganas seguir adelante en la vida musical?

Por encima de todo, la pasión. Esa es la razón principal. Siempre he dicho que aunque este increíble viaje se detuviera mañana, seguiría produciendo en mi estudio todos los días. Llevo la pasión por la música en la sangre y la mantendré hasta el final. También me encanta descubrir nuevos artistas cada día. Hay tantos productores con talento… Y lo veo como una presión positiva para empujarme a mí mismo a hacerlo mejor.

También hay muchas oportunidades que pueden surgir de esta escena, muchas conexiones en el mundo de la moda (por ejemplo, haciendo el desfile de música de Ottolinger), el cine, etc. No tengo ni idea de adónde me llevará esto en el futuro, siempre me siento como si estuviera al principio de algo nuevo, y eso me ayuda a evolucionar y asumir riesgos. Lo último que me mantiene en pie es seguir siendo, al final de mi carrera, parte del legado de la música techno.

¿Cómo pintan las cosas estos próximos meses?

Las cosas pintan brillantes y bonitas. La agenda está llena hasta la primavera de 2024 y estoy invirtiendo más y más energía en mis propios eventos Welcome Back Devil, como lo demuestra el hecho de que he haber montado eventos en todo el mundo. Sitios como Medellín o NYC con más de 4500 personas. Tengo, también, muchos lanzamientos planeados, colaboraciones en camino, y seguiré impulsando artistas jóvenes en mis sellos.

También estoy trabajando en una sinergia entre la música y la moda, de la que pronto tendréis noticias.

victor fernandez

“Estoy muy feliz de arrancar este nuevo camino junto a X/ACT bookings. Después de muchos años autogestionando todos los aspectos de mi carrera, al fin he encontrado un equipo con el que hablar en el mismo idioma y poder desarrollarme artísticamente, rodeado de artistas como Gaetano Parisio o Shlomi Aber. Además, este año he empezado con una nueva residencia, aparte de la que ya tenía en el legendario Florida 135, con el mítico sello napolitano Conform Records en The Garage of the Bassvalley. ¡Espero veros pronto por ahí!”

En el competitivo mundo de la música electrónica, se alza una figura decidida a dejar su huella. Caravel, con una audacia única, fusiona los implacables ritmos del techno industrial con melodías complejas, sumergiendo a los oyentes en un emocionante universo de texturas, dramatismo y emociones profundas. Sus impactantes producciones han encontrado reconocimiento en sellos de renombre como Exhale y Sacred Court, trazando un camino de violencia sonora e intensidad a su paso. Caravel es una artista incansable, perfeccionando constantemente su estilo para atraer a nuevos públicos con cada nuevo movimiento.

Además de su destreza como productora y DJ, Caravel organiza las inolvidables fiestas Resilience en todo el mundo, donde la música se fusiona con la pasión ardiente de la audiencia. Estas experiencias capturan la esencia intrépida de Caravel.

FOTOGRAFÍA INTRODUCCIÓN @GEOFFREYYAHYAVARGAS AUTOR BORJA COMINO

Muchos artistas tienen sus propios rituales o rutinas antes de actuar. ¿Podrías compartir con nosotros algún ritual o hábito que te ayude a prepararte para una actuación?

Creo que mi rutina es bastante típica. Diez minutos antes de la actuación, voy al baño para evitar ciertos problemas mientras pincho, me pongo mis guantes sin dedos y compruebo que todo funciona correctamente (siempre llevo al menos 3 llaves USB diferentes).

¿Podrías explicarnos un poco cómo es tu proceso creativo a la hora de crear estos temas tan contundentes que produces, desde el principio hasta el resultado final?

Siempre empiezo con el bombo. Utilizo diferentes samples de bombos que superpongo para obtener un resultado que me convenza. Normalmente no sé adónde voy, la inspiración llega mientras construyo los elementos fundamentales de la pista. A veces también me influye la música que estoy escuchando en ese momento.

“[...] siempre intentamos impulsar la escena local y dar oportunidades a productores para que actúen en lugares donde nunca pensaron que lo harían.”

Además de DJ y productor, organizas fiestas Resilience por todo el mundo. ¿Qué pueden esperar los fans de estas experiencias únicas?

Hace un año que lanzamos Resilience. Siempre he querido organizar mis propias fiestas. Gabrielle y yo siempre intentamos impulsar la escena local y dar oportunidades a productores para que actúen en lugares donde nunca pensaron que lo harían. Hasta ahora hemos hecho algunos eventos en Berlín y Lyon, siempre con el mismo objetivo: traer esta atmósfera especial en la que el techno no sólo rima con oscuridad, sino con felicidad y seguridad. También estamos planeando hacer collabs en diferentes ciudades europeas.

Tu música ha encontrado un hogar en sellos de renombre como Exhale y Sacred Court. ¿Cómo ha influido trabajar con estos sellos en tu trayectoria artística y en tu enfoque de la producción musical?

Me alegró mucho publicar dos temas en el sello de Amelie Lens. Cuando terminé ‘Queen of Darkness’, supe que sólo podía encajar en Exhale, y en ningún otro sello. Con Sacred Court me sorprendí mucho, y me siento super honrada de que me pidieran un tema. Lo que hice fue intentar mantener la misma dirección que tiene el sello pero sin olvidarme de añadir mi toque.

Además, por fin puedo decirlo: mi sello Haku tendrá su primer lanzamiento en noviembre, pocos días después de ADE (Amsterdam Dance Event).

También empezaremos con un primer EP, producido por Ikkhi, un artista nacido y afincado en Argentina.

Hubo un momento, escuchando algunos unreleased tracks me di cuenta de que, aunque eran increíbles, no tenían ningún sello a través del cual salir. Así que, ese también es uno de los motivos por los que decidí lanzar mi propio sello.

Como residente del colectivo de berlinés Synoid, estás en el corazón de una de las escenas techno más vibrantes de la ciudad. ¿Cómo ha marcado Berlín tu evolución musical y qué significa formar parte de la familia Synoid?

Me encanta Berlín, me siento libre cuando pincho allí, ¿sabes?

Estoy muy orgullosa y feliz de formar parte de Synoid, para mí es uno de las crews más respetadas de Berlín. Desde el viernes hasta el lunes, los fines de semana son siempre eventos loquísimos, con el line up más grande y diverso que puedas imaginar. Desde hard groove hasta hard techno. Siempre estoy encantado cuando tenemos un show de Synoid todos juntos.

Comenta un poco qué piensas acerca de la evolución que ha ido teniendo tu sonido y hacia dónde ves que se encaminará en el futuro?

Mis producciones reflejan lo que pincho. Y la verdad es que cada vez pincho más duro. Solía empezar mi set a 150bpm, pero ahora siento que es demasiado lento y no aporta la energía que quiero.

En una industria dominada por los hombres, ¿cómo te sientes al ser una artista femenina que causa sensación en la escena techno? ¿Te has enfrentado a algún reto o momento decisivo relacionado con el género en tu carrera?

La diferencia entre hombres y mujeres se nota permanentemente. Las mujeres podemos tener talento. Pero también podemos ser guapas y talentosas al mismo tiempo. Por favor, déjennos llevar lo que nos resulte más cómodo. Sexy o no. No decimos nada de los chicos que se suben al escenario sin camiseta, porque es su cuerpo, ¿no?

Pero por desgracia, me he enfrentado al sexismo y creo que tendré que volver a hacerlo en el futuro. Las cosas tardan en cambiar. Sin embargo, no todo el mundo es así y siempre tengo un gran equipo conmigo.

¿Algo más que se venga en los próximos meses?

Acabo de terminar mi próximo EP y ya estoy trabajando en el siguiente. También voy a lanzar el primer VA de Haku a principios de 2024 con una colaboración especial con alguien a quien respeto de verdad. También estamos planeando diferentes giras por América y Asia, además de otros eventos de Resilience alrededor del mundo.

Uno de los talentos innovadores que tenemos en esta edición de Mixmag es Køzløv. Nacido en 1995 cerca de París, empezó a los 22 años con su propio proyecto artístico, nacido de la necesidad de compartir con el mundo su particular visión de lo que el techno representa para él. Desde su adolescencia, Florian Kozlowski se ha sentido profundamente atraído por la música electrónica. Sin embargo, fue un festival en Croacia lo que marcó un punto de inflexión en su vida. Allí, bajo el resplandor de luces estroboscópicas y el ritmo constante del techno, descubrió una pasión que lo llevaría a embarcarse en un viaje inquebrantable en el mundo de la música electrónica. Ha colaborado ya con sellos respetados como ARTS, NineTimesNine, Green Fetish Records, OMEN Recordings, COUP y Gomboc Records. Lo que hace que Køzløv destaque en la escena es su disposición para explorar el lado más abrasivo del género con producciones que son una explosión de energía y emoción capaces de transportar a los oyentes a dimensiones sonoras desconocidas.

FOTOGRAFÍA INTRODUCCIÓN @GEOFFREYYAHYAVARGAS

AUTOR BORJA COMINO

Creaste Køzløv a una edad relativamente temprana, a los 22 años. ¿Qué fue lo que te alentó a compartir tu visión del techno con el mundo, y cómo ha evolucionado tu trayectoria artística desde entonces?

Empecé mi proyecto hace unos años con el techno industrial, en un momento estaba muy de moda y a la gente le gustaban las vibes más oscuras. Recuerdo cuando salía por París con mis amigos (casi todos los fines de semana, para ser sincero) y empecé a descubrir esta escena. Era como si fuese un juego. Salía de rave por almacenes abandonados y me sentía como en una techno family que estaba en constante crecimiento.

Quería aportar mi visión de este techno industrial, más rápido, y siempre tratando de traer una historia detrás de mi música del tipo Chernóbil, Fukushima, el Coronavirus… Temas que suponen un gran impacto en la historia del mundo y, ¿por qué no asociarlo con mis producciones? Siempre me gustó schranz techno, los bpm más rápidos y el gabber de antaño, pero no era el momento adecuado para pinchar este tipo de música. Ahora, estoy totalmente enamorado del hardtechno, que combina todas estas cosas.

¿Podrías compartir algún momento o experiencia memorable que te hiciera darte cuenta de que el techno era el género que querías explorar a la hora de crear tu música?

Para mí, hubo dos momentos importantes. El primero fue durante unas vacaciones en Croacia cuando tenía 19 años. Pasé un tiempo allí con unos amigos y descubrí el Sonus Festival sin saber nada del techno. Las entradas estaban muy baratas, así que con mis amigos decidimos: “¿por qué no probar? Si no nos gusta, pues a otra cosa”.

Directamente, me enamoré y quise volver a vivir ese momento en París, mi ciudad natal.

A partir de ahí, empecé a salir bastante y recuerdo que en 2015 fue este segundo momento del que hablo. Cuando DAX J aún no era tan grande, hizo un closing set durante el día para DROM en La Courneuve que me pareció absolutamente increíble. Fue a partir de ahí cuando empecé a producir mi propia música.

¿Hay alguna herramienta, software o instrumento específico que prefieras utilizar en la configuración de tu estudio por encima de los demás?

Cuando empecé a producir, compré algunos aparatos analógicos para aprender a hacer música por mí mismo viendo algunos tutoriales en Youtube pero tampoco ayudaron demasiado, ya que no había tantos tutoriales de hardtechno como ahora. Así que me dediqué a escuchar miles de temas para empezar a producir lo que quería y de la forma que quería.

Ahora me gusta usar más Ableton y Fruity Loops con muchos plugins VST porque es más sencillo y rápido encontrar inspiración. No tengo VSTs que utilice especialmente más que otros. Simplemente me gusta ir probando hasta que me canso de ellos.

¿Has tenido la suerte de encontrar la figura de un mentor o algún compañero que te haya ayudado a conseguir tus objetivos?

Recuerdo como, al principio de todo este proceso de aprender a hacer música, iba preguntando cosas acerca de sintetizadores y aparatos analógicos a colegas, pero lo que hice más tarde fue comprarme algunos libros para así no tener que estar dándoles el coñazo. Principalmente, aprendí por mí mismo el proceso de hacer música. Fue duro, pero estoy muy contento con el resultado.

En el siempre cambiante mundo de la música electrónica, ¿cómo haces para mantenerte fiel a tu propia visión del techno al mismo tiempo que defiendes un sonido fresco e innovador?

Podemos hablar de dos cosas, productores y DJs. Para ambos, si eres bueno siempre encontrarás la forma de adaptar tu creatividad al público. Siempre es interesante estar atento a cómo evoluciona la escena dance y cambiar, quizás, ciertas cosas. Depende de cómo lo veas.

Para mí, la clave está en el equilibrio entre el momento y tu perfil como artista. En adaptarte sin cambiar tu identidad.

¿Cuál es tu criterio de selección de temas en tus sets?

Me gusta pinchar temas inéditos míos y también de otros artistas. Nuevos lanzamientos de la discográfica, viejo schranz y techno…En definitiva, na combinación de techno para que mi set sea como un viaje completo.

¿Qué consejo darías a aspirantes a DJ y productor que quieran establecerse en la industria de la música electrónica?

Lo más interesante es hacer tu propia música. Que no te importe lo que hacen los demás. Que la gente te reconozca y aprecie tu estilo a través de tu música. Esa es la mejor sensación del mundo.

Ten paciencia y envía tus temas a todos los DJs y que todo el mundo pueda oír tu música alrededor del mundo.

Como DJ y productor, ¿cómo ves el futuro del techno y la música electrónica en general, y qué papel esperas desempeñar en ese proceso?

La escena hardtechno está creciendo en todo el mundo. No podemos negarlo. Pero habrá más géneros secundarios. Hoy en día podemos escuchar toques de psy trance en la música hardtechno, y también una mezcla de hardstyle y hardcore. La gente está por la labor de descubrir todos estos géneros paralelos que se van creando. Igualmente, creo que el hardtechno tiene para largo.

¿Qué podemos esperar de Køzløv en un futuro próximo?

Recientemente hice mi primer all night long en Buenos Aires y fue realmente bueno. Quiero hacer más, pero esta vez en Europa. Estamos trabajando en ello con mi agencia ya que podrían ser buenos proyectos para 2024. También voy a sacar pronto algo de merchandising con mi propio logo y mis diseños, pero aún no sé la fecha oficial porque está en proceso.

En cuanto a la música, seguiré publicando mis propios temas en las plataformas. El próximo sale este 13 de octubre, se titula ‘Trust No One!’.

Presentamos a Basswell, un prometedor agente de la escena de la música electrónica francesa. Con un estilo potente y asertivo que fusiona lo rápido y duro con la esencia del rave, este DJ y productor ha emergido como una fuerza imparable en la música electrónica, respaldado por pesos pesados de la escena underground como Amelie Lens, Shlømo –quien también está presente en este número de Mixmag España– y Kobosil. A lo largo de los últimos meses, ha dejado una marca indeleble con sus actuaciones en toda Europa y más allá, cautivando al público con su energía implacable y su pasión por el género. Sin embargo, Basswell no es solo un talentoso DJ y artista de actuación en vivo; también es un productor increíblemente prolífico, cuyas pistas como ‘Bass Down Low’, ‘Around’ y ‘Hear the sound’ ya están siendo aclamadas por la crítica. Sus innovadoras creaciones en constante evolución han atraído la atención de sellos prestigiosos como Exhale y Color, estableciéndolo firmemente como un nombre a seguir en la industria. En esta entrevista exclusiva, exploraremos el viaje musical de Basswell, en qué está invirtiendo su tiempo este año, y qué le depara el futuro.

basswell

AUTOR BORJA COMINO

¿Cómo descubriste tu pasión por el techno? ¿Lo llamarías simplemente techno? ¿Quizá hardtechno…?

Descubrí el techno cuando tenía unos 18 años, justo después de mudarme a Lyon. Primero empecé simplemente con eso, el techno, hasta que más adelante me situé mucho más en la escena del hardtechno.

Has conseguido el apoyo de gente top de la escena underground. ¿Podrías hablarnos de cómo está siendo esto de conseguir cada vez más reconocimiento y cómo estas figuras han influido en tu carrera?

Lo cierto es que cuando empecé desempeñé el trabajo de productor mucho más que el de DJ. Gracias a este apoyo que comentas de DJs muy conocidos, noté cómo mis temas sonaban más y más en fiestas europeas, e incluso más lejos. Es una sensación realmente satisfactoria cuando sientes el respaldo de gente a la que admiras.

Tu estilo se describe como una mezcla de influencias rápidas, duras y rave. ¿Cómo combinas estos elementos en tus sesiones y qué crees que diferencia tu estilo del de los demás?

Actualmente, el 80% de mis sets consisten exclusivamente en mi material de estudio. Lo que hago es producir un montón de temas que sé que solo van a sonar en mis bolos. Pienso que eso me da una identidad y exclusividad que valoro mucho.

¿Cómo intentas mantenerte despierto creativamente y seguir innovando en la escena de la música electrónica, que está en constante evolución?

Para mí es muy importante mantener una relación óptima entre lo que sé que funciona hoy en día y la innovación. Siempre me parece interesante escuchar muchos podcasts y estar atento a nuevos lanzamientos. Aun así, sé que me mantengo siempre fiel a mí mismo, siguiendo mis propias pautas.

Compaginar el trabajo en el estudio con las giras puede ser todo un reto. ¿Cómo gestiona las exigencias de ambos aspectos de su carrera?

Soy consciente de que seguir el ritmo es un poco complicado, porque nunca para. Lo bueno es que siempre me lo monto bien como para que me dé tiempo para hacer de todo. Invierto muchas horas creando y produciendo temas nuevos en el estudio. Realmente es algo que solo es posible si reajustas tus prioridades para que lo que de verdad quieres hacer funcione.

¿Hay algún artista o productor electrónico francés emergente que, en tu opinión, merezca más reconocimiento del que está teniendo?

Onlynumbers es un artista con mucho talento. Llevo ya algunos meses trabajando en varios temas con él y tenemos una conexión increíble, lo que hace que nuestros temas también sean increíbles. Es un artista que trabaja bastante behind-the-scenes pero que está empezando a ganar notoriedad y muchos promotores grandes ya le están echando un ojo. Le deseo mucho éxito en todos sus proyectos.

¿Qué podemos esperar de Basswell en los próximos meses?

Hay un montón de cosas por anunciar a lo largo de los próximos meses, con muchos temas nuevos, un sello en el que llevamos varios meses trabajando, e incluso una marca de ropa.

La música electrónica es un género en constante evolución, donde la innovación tecnológica desempeña un papel fundamental en la creación y producción de sonidos vanguardistas. En este mundo de beats electrónicos y paisajes sonoros infinitos, es esencial contar con herramientas que permitan a los artistas y productores dar vida a su visión musical de la manera más fluida y expresiva posible. Una de estas herramientas revolucionarias es el Console 1 Channel Mk III de Softube, un dispositivo que está cambiando la forma en que se mezcla y produce música electrónica.

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AUTOR VICTOR FERNANDEZ

El Console 1 Channel Mk III de Softube es una solución única para aquellos que desean liberarse de la tediosa tarea de mezclar con un ratón. Este dispositivo permite que tus oídos guíen tu proceso de mezcla, brindándote un control táctil y directo sobre tu sonido. Cada botón en el Console 1 Channel corresponde a un parámetro específico, lo que significa que no es necesario realizar ningún mapeo complicado. La ganancia siempre es ganancia, el ratio siempre es ratio. Esto significa que puedes concentrarte en lo que realmente importa: la música.

El Console 1 Channel no solo te ofrece un control sin igual, sino que también te sumerge en el mundo del sonido de consola de alta gama. Softube se enorgullece de proporcionar modelos precisos de equipos de renombre mundial, desde Solid State Logic y Tube-Tech hasta Chandler Limited. Con Console 1 Channel, puedes cargar emulaciones como Summit Audio Grand Channel, Weiss Gambit Series o la poderosa Empirical Labs strip. Además, el dispositivo incluye el nuevo software Core Mixing Suite de Softube, que ofrece una experiencia de mezcla completa y detallada.

la revolución de la mezcla en la música electrónica

mezcla sin barreras creativas sonido de clase mundial a tu alcance

core mixing suite

El Console 1 Channel no solo se trata de sonar bien, sino también de sentirse bien. Su diseño elegante y acabado de alta calidad hacen que sea una adición impresionante a cualquier estudio de música electrónica. Lo más importante es su revolucionaria tecnología Analog Feel™, que ofrece una sensación analógica genuina. Los potenciómetros táctiles de alta resolución de Channel brindan una experiencia táctil que te acerca a la sensación de equipos analógicos de alta gama.

Además de su innovador hardware, el Console 1 Channel incluye el software Core Mixing Suite, que combina lo mejor de las emulaciones de cinta, compresor FET Mk II y procesador de bus en una sola interfaz. Esto significa que puedes realizar desde ajustes generales hasta correcciones quirúrgicas con facilidad, todo dentro de la misma plataforma. Es una herramienta imprescindible para los productores de música electrónica que buscan perfeccionar su sonido.

sensación de estudio analógico

compatible con tus herramientas de producción favoritas diseñado para tu estudio

No importa qué DAW utilices, el Console 1 Channel Mk III se integra de manera perfecta con todas las principales estaciones de trabajo de audio digital. Olvídate de los mapeos complicados, simplemente conéctalo y comienza a mezclar de inmediato. Esto lo hace una opción versátil y accesible para productores de todos los niveles de experiencia.

Tu estudio es un espacio único y personal, y el Console 1 Channel Mk III está diseñado para adaptarse a cualquier configuración. Con su calidad de construcción robusta y su estética elegante, se convertirá en el centro de atención en tu espacio de trabajo.

En resumen, el Console 1 Channel Mk III de Softube es una revolución en la mezcla y producción de música electrónica. Ofrece un control táctil sin igual, sonido de clase mundial y una sensación analógica que elevará tus producciones a un nivel superior. Si eres un amante de la música electrónica que busca una experiencia de mezcla y producción más intuitiva y expresiva, Console 1 Channel Mk III es una inversión que vale la pena considerar.

KOLO55 – RELENTLESS EP [BE AS ONE IMPRIMT]

Relentless EP es el nuevo trabajo de KOLO55 (Neopop nos descubrió en su lineup que en realidad se trata de un aka del artista francés Paul Ritch) para Be As One, sello propiedad del israelí Shlomi Aber. 5 tracks muy enfocados al club y con influencias noventeras como denominador común en los que predominan las rítmicas poderosas, los sintes hipnóticos y esa sensación de exploración espacial que tanto nos gusta.

“Acrophonic” es el título del corte que abre el EP y que es responsable de mostrar sin titubeos la identidad musical de la mayor parte del disco. Bombos pesados, toppings de 909 muy trabajados y percusiones minimalistas sentadas sobre un paisaje sonoro hipnótico y reverberado de diseño exquisito. “La Cloche”, segundo corte, juega exitosamente el mismo partido. Interesante el juego que se crea entre los tracks “Relentless” y “Unrelentless”, que nos muestra las dos caras de una misma moneda mediante dos pistas que comparten rítmica y bajo, pero que nos llevan a destinos muy distintos. “Express Youself” cierra el EP mediante el uso de percusiones tribales y un bajo funk que nos traslada directamente a la época de oro del popularmente llamado “hardgroove”.

THE OUTLIER – LIFE CHANGES EP [ANALOG SOLUTIONS]

Life Changes es el nombre con el que el productor español Fernando Mozas, aka The Outlier firma su EP debut para Analog Solutions, sello del también español Eduardo de la Calle (del que si te apetece puedes conocer más mediante la entrevista que publicamos en este mismo número).

El EP, que se caracteriza por mostrar un sonido que combina características tanto del Techno moderno como del clásico, está compuesto por cuatro cortes Techno y uno Electro y abre con “Blot”, tema muy pistero que nos demuestra que dominando el combo de buena rítmica y buenas modulaciones, no son necesarias más de cuatro notas musicales para llevar a cabo exitosamente el desarrollo de una idea. Le sigue “It Doesn’t Give Me Much”, que bajo una rítmica minimalista y un lecho sonoro de carácter oscuro y perturbador nos presenta una secuencia bitcrusheada que se encarga de dar movimiento a la pista. “Long Live To Underground” se apoya sobre un concepto de desarrollo más progresivo, semicorcheado y enérgico. “Oniric Noises” es el encargado, como sucedía en los Kombination Research más añejos, de añadir ese toque Electro para disfrutar el EP desde otras perspectivas y darnos un pequeño respiro. Cierra “The Simple Way”, que galopa nuevamente a ritmo de Techno muy enérgico y enfocado a la pista.

Autor: @Khatmusique techno@mixmag.es

PHARA – EMX SERIES PT.1 [PHAAR]

Phara es un joven artista belga que atesora entre los logros de su carrera hechos tan significativos como haber publicado música en Soma o haber actuado en el legendario Fuse de Bruselas. En este artículo vamos a hablarte de EMX Series vol.1, lanzamiento que ha publicado por Phaar, sello de su propiedad, compuesto por dos cortes de vibra similar pero de composición diferente.

“The Final Pattern” se mantiene en una línea de estructura progresiva e hipnótica, en la que sobre una base muy agresiva se sientan leads enormes de carácter barroco e inquietante.

“Verbs & Snares” tiene un carácter mucho más marcado y directo y nos recuerda al estilo de los primeros Downwards de Regis y Female en los que la mayor parte de energía del track viene transferida por una secuencia agresiva a semicorcheas acompañada de una rítmica ruda y potente.

FEO MESSY, POL PARAISO – SWING EP [END OF DAYZ]

Si eres un miembro activo de la escena clubber de Barcelona, seguro que has oído hablar de Feo Messy o de Pol Paraiso (o de sus trabajos en común como Feo Paraiso). Habituales en salas emblemáticas de la ciudad Condal como Moog o en salas más modernas como The Garage, tienen a su público acostumbrado a sets en los que predomina la identidad Techno de influencias funk y hardgrooveras. Y así es exactamente como se podría definir a este Swing EP, que acompañado de remixes de lujo por Pushmann y DJ Bruce Lee cierra este release de calidad y made in Spain. Abre el EP “That’s What I Like”, corte de sonido clásico protagonizado por chords de carácter profundo y elegante. El remix de Pushmann, muy en la línea del aragonés, que puede presumir de ser artista Axis además de ser uno de los artistas nacionales con más proyección. “October” sigue una línea muy parecida, manteniendo también las modulaciones a tríadas menores como elemento principal. El remix de DJ Bruce Lee en una línea más cruda y afilada en la que el chord queda en segundo plano. Cierra el disco “Nevada”, que bajo una construcción ligeramente más barroca, nos mantiene al filo de la pista sin dejar de lado las influencias funk.

REVIEW CLÁSICO

RON TRENT – THE AFTERLIFE EP [WAREHOUSE RECORDS]

Nos situamos en el año 1990, con las escenas de Chicago y Detroit en plena ebullición. Warehouse (sello sito en la ciudad del viento fundado por Armando Gallop (DEP) y que junto a Trax Records se convertiría en uno de los principales difusores de música House) lanza The Afterlife EP, y en el mismo se incluía cerrando el disco “Altered States”, un track de más de 13 minutos de duración que pasó a ser, a lomos de una 909 cargada de saturación uno de los himnos emocionales del techno, y es que ya lo dijo Surgeon: “Strings Of Life never really meant anything to me. This was always THE emotional techno anthem for me.”

Autor: @Dave__Sinner

CAMEO BLUSH - ULTIMATE GREY EP [FUTURE CLASSIC]

Los sonidos que evocan o directamente referencian a la electrónica de club de finales de los ‘90 y principios de los 2000 llevan ya tiempo entre nosotros, pero el productor londinense Cameo Blush consigue darles su propio rollo en este EP de 5 cortes. Melodías nostálgicas escritas con sintes de uplifting trance de inicio de siglo sobre pads ambientales, chops vocales y ritmos UK Garage se van de after juntas en “Verbatim”. “Ultimate Grey” y “Life After” utilizan el mismo tipo de elementos, pero desprendiéndose de cualquier base rítmica para rodearse de elementos atmosféricos en un híbrido ambient-trance. “Out There” es una colaboración con la vocalista yunè pinku, que canta sobre una base dub a medio tiempo y multitud de sintes que van desde arpegios, acordes pulsantes, pads atmosféricos… En “Millennium Fields” coge el micro Pretty Girl para ponerle voz a un tema que sigue la línea de “Verbatim” pero en un tono más animado. En resumen: Nostalgia con un toque esperanzador y vibes de rave del cambio de milenio.

THE LOW FLYING PANIC ATTACK - UNTIL THE QUIET COMES OVER [TLFPA]

Descubrí a este dúo madrileño con el lanzamiento de su primer álbum, en el que dejaron muy clara su maestría componiendo y produciendo electrónica de mucha calidad, que además contaba con una voz única y especial como es la de su vocalista Marta Brandariz - sin olvidar que Javier Marín también aporta vocales. Además, cuentan con la colaboración de una leyenda de la electrónica en nuestro país como es Ed is Dead, por lo que solo podemos esperar cosas buenas. Su nuevo single nos avanza lo que seguramente está por venir en el que será su segundo álbum: electrónica cargada de ritmos rotos que se sienten tan vivos como cualquier batería humano, acordes llenos de emociones, sintes con muchísimo carácter y una voz especial con letras melancólicas, en una composición que va creciendo constantemente en energía y que se hace demasiado corta, dejándonos totalmente con las ganas de escuchar más.

electronica@mixmag.es

OVERMONO - BLOW OUT [XL RECORDINGS]

El dúo gales no descansa, y pese a haber lanzado un álbum hace apenas unos meses, ya están de vuelta con este nuevo single. Tengo que decir que a mi “Good Lies” me dejó un poco frío, más allá de algunos temas que ya habían sido publicados con antelación como el ya clásico “So U Kno” o mi favorito “Gunk”, así que el hype no era muy alto cuando vi que sacaban nuevo material. Sin embargo, este “Blow Out” se ha convertido en uno de mis favoritos: Un beat garage potentísimo que te arranca un bailoteo si te despistas, con un bajo que se lo lleva todo por delante y la vocal de St. Panther, que añade un camión de groove más al tema, como si no fuese ya sobrado. Y cuando estás dándolo todo y no lo ves venir, aparecen unos pads que abren el tema, transformándolo de algo totalmente físico en algo espiritual. Pero no te confíes, porque te devuelve a la tierra a base de graves cuando vuelve el ritmo. Si lo escucháis en un club estáis perdidos.

MAX COOPER - WITH ME EP [MESH]

El artista inglés vuelve a sorprender en su sello con un EP diferente y variado, en el que podemos encontrar influencias que van desde el techno hasta el drum and bass. Stereoscopic Dive es un corte que sigue la línea que ha llevado últimamente el productor, explorando sintes pulsantes muy vivos acompañados de pads para construir una pieza casi ambiental, sin base rítmica. Swapped, en cambio, bebe del techno más pistero, una faceta en la que no es tan habitual ver a Max Cooper, en la que pone todas sus habilidades y señas de identidad en favor de un groove capaz de poner del revés cualquier pista de baile. Vertebrae es un tema con una clara influencia del Drum & Bass inglés, donde Max se explaya en su diseño de sonido, retorciendo cada elemento y creando arreglos rítmicos únicos en casi cada compás, acompañado de la vocal de Kathrin deBoer. Esta artista es la que toma el protagonismo en el corte principal del EP, With Me, con una base mucho más lenta, pero igual de trabajada, compleja e interesante en cuanto a sonidos y un bajo más relajado, pero muy imponente, construyendo un tema que podríamos clasificar como un híbrido entre el nu soul y la electrónica experimental.

REVIEW CLÁSICO

RADIOHEAD - KID A [XL RECORDINGS]

Quizás te sorprenda ver aquí este disco, al igual que se sorprendieron los millones de personas que en pleno año 2000 esperaban el nuevo disco de la banda británica, que se había camelado al mundo entero con su anterior trabajo, OK Computer, llegando a ser considerados como los salvadores del Rock. Imagínate las expectativas volando por la ventana cuando en su siguiente álbum, el primer tema, no suena a guitarra y batería sino a sintetizador y caja de ritmos electrónica. Es cierto que también hay mucho de rock y que Kid A es un disco que no puede ser encasillado en géneros, pero no se puede negar que temas como el ya mencionado “Everything In Its Right Place”, “Kid A”, “Treefingers” o el rompedor “Idioteque” son iconos de la electrónica. Yorke y compañía habían estado escuchando discos de Warp Records encerrados en un subterráneo durante semanas y el resultado fue este híbrido de rock alternativo y electrónica que a día de hoy es considerado uno de los discos más influyentes del último siglo.

Autor: @DanielRifaterra drumandbass@mixmag.es

CALIBRE - SHELFLIFE 8 [SIGNATURE RECORDINGS]

No era una posibilidad el acercarnos al final de año sin detenernos a escuchar el nuevo álbum del que, para un servidor, es el G.O.A.T. Calibre lanzó el pasado mes de abril a través de su propio sello el que Discogs enumera como su vigésimo LP, octavo dentro de la serie ‘Shelflife’, y con el que demuestra la atemporalidad de su sonido. Inteligencia y elegancia sin importar la emoción que se quiera transmitir en cada tema, pues pese a que el artista norirlandés suele explayarse en el ambient o liquid dnb (destacamos ‘Wirly’, ‘Chantilly’ o ‘Heat’ dentro del álbum), temas como ‘Thrubbin’, ‘Breather’ o ‘No Sense’ muestran otros acercamientos ya sea en la rítmica, la innovación sonora, o la vuelta a los 90. Es buen momento para poner en valor lo extremadamente improbable que es para un artista mantenerse en la pomada durante tres décadas. No para Calibre.

MINOS & INNASELF - JUNGLE MASSIVE EP [VIBEZ’

93]

Ya llevábamos un tiempo siguiendo la pista a Minos, pero este EP nos ha acabado de descolocar del todo. Podríamos culpar a InnaSelf de este giro al jungle, pero ya el primer tema, que da nombre al lanzamiento y que es en solitario, es una declaración de intenciones con unos breaks bien pulidos y samples vocales ‘ragga’. Tanto ‘Look Good’ como ‘Eclipse’, pese a seguir en esa misma ambientación noventera, bajan revoluciones para traer más finura abocada a la nítida suciedad de unas líneas de bajo bien pesadas. Lo que acabo de decir podrá parecer incongruente o incluso negativo, pero quien entienda de jungle sabrá que es todo un halago. ‘Emerald’ por otro lado, sin desentonar en absoluto con el resto del lanzamiento, se toma al pie de la letra eso de ‘Jungle’, pues nos traslada a un pasaje más selvático y caótico tanto mediante el sampleo como los ritmos.

CAMO & KROOKED - IT’S OVER [MODUS]

Nos desviamos un poco de los caminos del drum and bass para oler un poco a como suena la punta de lanza de su primo pequeño, el drumstep. Y si hablamos de innovación, hablamos de Camo & Krooked. Cuando aún no has asimilado lo fresco y avanzado que suena su último lanzamiento, ya te están lanzando otro llevado aún más allá, y lo llevan haciendo toda su carrera. Estoy seguro de que esto ‘It´s NOT Over’, porque les ha sobrado inspiración como para meter varios cortes que podrían parecer de diferentes géneros dentro de un mismo tema, y nexándolos con abrumadora facilidad. El primer drop más cercano a su ‘liquid funk’ (marcado por el característico sintetizador) utiliza de puente un precioso break casi de R&B clásico parra llegar al cúlmen del corte, un segundo drop épico de sonidos celestiales enrabietados (sidechain corto y saturación para los entendidos). Queremos más.

BREAK & FOX - CODE RED [SYMMETRY RECORDINGS]

El aumento de la presencia de vocales en el mundo del drum & bass durante la última década no es ningún secreto. Lo que sí genera mucho debate entre los amantes de este género es si estas suelen estropear la labor del productor. ‘Code Red’, uno de los éxitos de los últimos meses, es el perfecto ejemplo de que si trabajas con el cantante adecuado, el efecto puede ser incluso el contrario. Lo que es una pieza musical más que correcta de Break (meticulosamente producida, pero sin poner nada nuevo encima de la mesa) se ve elevada con la presencia de Fox, quien sabe aprovechar la rotura del tema fijándose en su cadencia para introducir una vocal tremendamente pertinente y pegadiza, y prueba de ello es cuando tras pocas semanas desde su lanzamiento, los DJs bajan el volumen en el drop para escuchar a todo le mundo gritar el estribillo.

REVIEW CLÁSICO

ORIGINAL SIN - DR. FEELS GOOD [PLAYAZ]

Se me ha hecho tremendamente difícil decidirme por cual podría ser el tema más representativo de uno de los padres del Jump Up. Espero haber acertado al suponer que uno de los ‘pecados originales’ y que tan lejos ha llevado al mejor sello del subgénero, Playaz, fue ‘Dr. Feels Good’. Para el que se haya conectado tarde a esto, así de veloz sonaba el estilo que tanto usáis hoy en día para vuestros ‘Reels’ de descenso en mountain bike. Violencia como mentalidad en el estudio para Original Sin cuando usaba sus percusiones, bajos y sobretodo sintetizadores principales de forma abrumadora. Basta con, como ejercicio para subir nota, comparar en Rekordbox la onda de cualquier lanzamiento de este artista por allá por el 2009 con la de un tema actual. Sí, es posible que ahora todo suene más nítido, pero, ¿soy el único que echa de menos ese chute de adrenalina?

Autor: @csystem electro@mixmag.es

VVAA - GENTE SERIA VISTE CHÁNDAL #4 [GENTE SERIA VISTE CHÁNDAL]

Vuelven los guerreros del chándal. En esta ocasión, concretamente el volumen 4, son 6 artistas los que componen el recopilatorio, que nada más pisar la calle, automáticamente se ha convertido en un clásico obligatorio en cualquier maleta de un buen amante del electro. Synth alien, Vema Diodes Feat. Distizuri, The Zenobit3, Korrupted brothers Feat. Haizea, Pablo León y The Bandit Feat. Gerard Braions muestran su cara más macarra (como no es normal en este sello) y dejan claro una vez más que la auténtica pureza reside en la naturalidad que desprenden sus tracks.

BORIS DIVIDER - TAKE MY BEAT [DCOMLTD03]

Estamos ante el 20th aniversario de un himno en toda regla. Un hit, que además de ser la banda sonora de uno de los grandes documentales del electro (Darkbeat: An Electro World Voyage), también aparecía en el recopilatorio “Guilty Compilation II”. Es algo evidente que Boris Divider siempre ha ido 10 pasos por delante, tanto a nivel de concepto como en calidad de sonido, es por eso que 20 años después, este track no sólo no ha envejecido, sino que a día de hoy sigue estando por delante de muchas producciones actuales. Si tus pulmones respiran electro, este track es sin duda oxígeno puro.

RLGN - PRECIOUS BRICKS [DR002]

Desde el sello Dionysian mysteries nos llega este brutal EP firmado por RLGN. Uno de los productores de electro más importantes de Rusia, y también peso pesado del conocido sello Private Person. El ep está compuesto por 4 tracks originales, llenos de vocales, cambios de ritmo, dureza a raudales, y por si todo esto fuera poco, el 5 track no es ni más ni menos que un remix del mítico productor francés Umwelt, del que poco podemos yo decir que no se sepa. Hazte con este vinilo, no te arrepentirás.

SPECTRUMS DATA FORCES - X-TREMELY DEEPLY [HCR018]

Decimoctava referencia del sello español Hypnotica Colectiva. Un honor poder firmar este vinilo con mi aka para los ritmos electrónicos: Spectrums Data Forces. El disco contiene 3 canciones originales fundamentadas en secuencias melódicas y 2 grandes remixes por parte del australiano Ben Featherstone y el jienense Amper Clap. Para completar el lanzamiento, se incluyen 2 temas bonus digitales.

REVIEW CLÁSICO

ESPION & POINT B - PETROL BOMB THE FUCKERS [BASS 4 BOTS / B4B02]

Cuando Espion compuso este track, posiblemente no era consciente de la época distópica apocalíptica que nos iba a tocar vivir casi 15 años después. Lo que sí está claro es que “Petrol Bomb The Fuckers” encajaría perfectamente como banda sonora en estos últimos años. Esta joya del electro muestra un relato de ciencia ficción con sonidos adelantados a su época y una estructura pregunta-respuesta que añade dinamismo durante toda la pieza. A título personal, y después de tantos años escuchándola, cada día me gusta más.

Autor: @EvilSound breaks@mixmag.es

SEKRET CHADOW - YANGO [13MONKEYS RECORDS]

El sello de los 13 monos nos trae lo nuevo del productor Juanmy Rociana, más conocido como Sekret Chadow. El hombre que ha vuelto a poner de moda los funky breaks, con un buen gusto musical como pocos. Con este single, titulado ‘Yango’, el onubense mezcla el funky breaks con animadas vocales y líneas de bajo ácidas. No te pierdas anteriores trabajos del jefe de la casa como ‘Slate’, una tremenda producción de techfunk muy pistera, ‘The Guitar Rumbles’, una producción funky breaks muy fresca, o las colaboraciones funky ‘Mirror Law’ y ‘Murmurae’, junto al pionero Jordi Slate, o ‘Triceratop’, junto a Urbano. Si te quedas con ganas de más buena música tienes su remix al track ‘Dream Of a Sax’ de Colombo y el excelente recopilatorio ‘Going Through The Jungle’, donde Juanmy reúne 12 de sus anteriores trabajos con breaks para todos los gustos.

AGGRESIVNES - POPCORN [ELEKTROSHOK RECORDS]

El productor granadino Miguel Pinto, más conocido como Aggresivnes, es uno de esos productores que sin escuchar su nuevo trabajo ya sabes que te va a gustar. Si hay tres cualidades que no fallan nunca son calidad sonora, musicalidad y contundencia. Con este ‘Popcorn’ nos ofrece una producción de nu skool breaks sin fisuras, aderezada con arreglos funky que mantienen la pista animada hasta su último compás. No te pierdas otros de sus trabajos como ‘You Fool’ y ‘Get Ready’, ni otros grandes lanzamientos de sus compañeros de sello como los EPs ‘Freedom’, ‘Mordor, ‘T-Rex’ y ‘The End’ de Bios Destruction, con sus breaks arrolladores, ‘Bad Girl’ y ‘Hold Me Near’ de MHH, con su alegre UKG, ‘Rain’ de Basstyler o ‘Believe’ y ‘Nothing’ de este último bajo su alias Dany BS. Uno de los sellos de ritmos rotos más potentes a nivel mundial.

THE DARROW CHEM SYNDICATE - HEAVEN TOMURAI (HANKOOK & URBANO REMIX) [NIPPONEER RECORDS]

Nipponeer Records, con sede en Tokio, Japón, fue fundada por Hiroshi Fukuma en 2003. Su primer EP salió en 2009, y desde entonces ha publicado diversos estilos como electro, glicht hop, drum and bass y breaks, siendo este último en el que se ha terminado especializando. A destacar sus recientes lanzamientos ‘Heaven Tomurai’ y ‘Myths’, a cargo de Hankook y Urbano, anteriores trabajos de jungle breaks como ‘Unityver’ y ‘Spank In A Rocker’ de Hankook, ‘Allanhil 1984’ de Hankook y Macho, ‘Toxik’ y ‘Sinister’ de Hankook y MURIX, ‘Visionarie’ de Hankook y KALOCOM, ‘Foggy The Brain’ y ‘Hymn Of The Moog’ de Hankook y Destroyers, ‘Disease’ de OVUS y Hankook, ‘Cross’ de Hankook y ACEDIAS, ‘Prelude’ de OVUS, o los rompepistas ‘Turn Me On’ de Perfect Kombo y JottaFrank, ‘In Jay Walker’ de Hankook y OVUS, ‘The Laughing Lunatic’ de OVUS y ‘Botquin’ de JottaFrank, Rhades y OVUS.

NALIN AND KANE - BEACHBALL (DJ GENESIS CHILLED BREAKS REMIX) [BANDCAMP]

Si hechas de menos el clásico breakbeat que nos llegaba en los 90 desde Florida, no te puedes perder los trabajos del remixer Joe Lawson, más conocido como DJ Genesis. Este productor lleva una buena temporada lanzando remixes desde su cuenta de Bandcamp, que se ha convertido en una ensalada de estilos e influencias con un único denominador común, los ritmos rotos de corte old school de USA. El productor se atreve con una versión progressive breaks del mítico ‘Beachball’ de Nalin and Kane, remezclas Florida breaks a los actuales hits ‘Hold Me’ de Lavern, ‘Lay Low’ de Tiësto y ‘Be My Lover’ de David Guetta y La Bouche, un mashup entre el reciente psy-trance ‘Push Up’ de Creeds y el clásico rap ‘Push It’ de Salt-N-Pepa, o incluso con el single ‘Oye Como Va’ del guitarrista mexicanoestadounidense Santana.

REVIEW CLÁSICO

BEAT & PETER - X-PERIMENTAL II [MAX MUSIC]

Este mes, en la sección de discos clásicos, es el turno de un producto nacional. Uno de los primeros trabajos de breakbeat realizados en nuestro país, nada más y nada menos que por dos pesos pesados de la época como son Alberto Tapia y Pedro Miras. Breakbeat publicado por Max Music, con una calidad tremenda, que nos llegaba en 1996 de la mano de la dupla conocida habitualmente como Fraktal y DJ’s At Work. En este caso, usaron el alias Beat & Peter para dar rienda suelta a la experimentación, incluyendo dentro del EP ‘Funky Groove’ el single ‘X-perimental II’, con claras influencias a Josh Wink y a sus bolos por Andalucía, cuando bajaban con el equipo de It’s Your Time. Un single del que podemos disfrutar desde 2022 en su versión remasterizada gracias al sello Previous de Julio Posadas, dedicado a rescatar joyas retro.

Autor: @CISCOmuzik house@mixmag.es

ANDREW AZARA - ECHOES [POLITICS OF DANCING]

Podría empezar diciendo que este tema me parece un temazo y tiene una armonía que me lleva a un mundo paralelo donde todo es hermoso. ¡Es un excelente track que te asegura un buen baile en club! ¡Y si es al aire libre, mejor aún! Tiene una base rítmica housera donde el bajo mezclado con el bombo mantienen la dinámica del house clásico. Andrew Azara es un increíble productor y amigo. Las armonías y los acordes que tiene Echoes me transportan a una idea del house bastante alegre y de buena vibra. La tensión que genera el build up del segundo drop es alucinante.

DIMMISH - LOVE CRIME [BANDCAMP]

Dimmish nos presenta una propuesta diferente donde con su creatividad unificó un tremendo track de su librería y lo fusionó con la increíble “Sade” utilizando parte de la vocal de “Love Crime” en un tema lleno de energía, buenos stabs y un bajo simple pero housero. Lo bueno de este tema, aparte de su hermosa armonía, es que está disponible en su bandcamp y está habilitada la descarga. El break de este tema es un ejemplo claro de que con pocos elementos puedes conseguir mucho. Personalmente, no conozco a Dimmish, pero de lo que he escuchado me parece un excelente productor y suelo pinchar mucho su música.

SHONKY - JAZZ [CONTEXTERRIOR]

Este tema es de esos que se me atraviesan a lo largo del tiempo y me sigue gustando como el primer día. El bajo que con elegancia se mantiene sonando desde el principio con sus toques funk y más adelante agrega una nota que lo hace aún más hipnotizante. Los drums que nos recuerdan el poder de la Roland 808 y la calidad que tiene esta máquina. Más adelante se descubren unos toms y unas percusiones que se desarrollan a lo largo del tema y lo hace súper dinámico groovero. Y por último, la vocal que con tan solo decir “jazz” ya le aporta seriedad y energía al tema. Este sin lugar a dudas está en mis favoritos por la calidad de la mezcla y sobre todo por las congas que representan mi estilo caribeño.

GIORGIO MAULINI - OG KUSH [H24 MUSIQUE]

Tuve la oportunidad de ir a ver a Giorgio Maulini presentarse en un club de Barcelona llamado “Les Enfants Brilliants” y este tema me recuerda mucho a las primeras horas de su sesión que, por cierto, me pareció digna de un fuerte aplauso. Este track tiene una versatilidad inigualable. Tenemos una parte donde nos presenta un house más simple, enfocado en elementos del género minimal utilizando sonidos humanizados como lo es el bajo y la guitarra. Y luego una parte donde nos regala una bonita fusión entre el break beat y el house utilizando sonidos atmosféricos y un organ bass que alimenta toda la narrativa que transmite este tema. Este productor es de mis DJs favoritos y me llena de orgullo decir que lo considero ejemplo en la industria y también un hermano.

REVIEW CLÁSICO

UNIVERSAL LOVE - RITMO DA RUA (BRIAN TAPPERT PRIME TIME VIBE) [SOULFURIC DEEP]

Este tema me transporta a la terraza de Vengo Station en Barcelona. El intro te hace cuestionar que hay más adelante. La curiosidad aumenta a lo largo que se van descubriendo los nuevos sonidos que te mantienen a la espera del drop, que cuando llega, es el inicio de una fiesta inolvidable. Personalmente, soy fanático de los sonidos de piano eléctrico como lo es el Rhode y este track desde el principio ya te lo presenta. Con una base rítmica festiva y sonidos de ambiente que te llevan a un ambiente de euforia y pasión. Los silbidos y los niños cantando hacen de este track un clásico del house que siempre que suena asegura una buena energía. ¡Recuerdo una vez en Santo Domingo que mientras pinchaba en un bar de la zona colonial se apagó todo por un problema técnico y cuando volví a encender el CDJ puse este track y el público se volvió loco!