Rafa Barrios - Mixmag Spain #2

barrios

2021

rafa

OCTUBRE- DICIEMBRE

RAFA BARRIOS FOTOGRAFIA POR IMPULSA VISUAL

002 da n c e m u s i c + c l u b c u l t u r e

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anúnciate sara@allinpress.com

O C T U B R E

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D I C I E M B R E

c o n t e n i d o s

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06 REPORTAJE: BIME, un puente de cooperación e internacionalización entre 2 continentes.

08 REPORTAJE: Muchos BIMEs en uno.

14 REPORTAJE: Music Equality Forum 18 ENTREVISTA: John Acquaviva

20 INDUSTRIA SOSTENIBLE: Sostenibilidad ‘Off The Beat’ 24 REPORTAJE: Batidas galegas, una inmersión en la efervescente escena musical de Galicia.

30 ENTREVISTA: Yugen Kala 34 ENTREVISTA:Mounqup 34 ESPECIAL: #5CLAVES 4 discos, 4 artistas y 20 emociones a pecho descubierto

Mounqup

40 ENTREVISTA: Rafa Barrios 48 ENTREVISTA: Auriga 52 ENTREVISTA: Black Flamingo Disco Driver 54 ESPECIAL: Back To The School con: Máster Música en Directo Live Nation (UCM), Escuela MicroFusa, Plastic, Instituto Gallego de Música avanzada- IGMA, Fanzine Project, ProAudio y The Bass Valley.

Los 11 mejores altavoces bluetooth y portátiles Los 14 mejores auriculares wireless del mercado DJM-S7 de Pioneer DJ

90 MODA: Kappa 92 REPORTAJE: ¡Vuelta a las pistas de baile!

METRO DANCE CLUB

96 BREAKS EN PANDEMIA 2; por Eduardo Carbonell

74 TECH: Los 10 sintes más influyentes de todos los tiempos

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N Ú M E R O

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O C T U B R E

De tender puentes… de eso va este número especial BIME. También va de crecer, de inspirar yde aspirar a nivel personal. Va de cooperar como industria para ser más sostenibles, para entendernos yqueremos mejor. Va de entender los proyectos desde el alma, de sacar pecho por el buen hacer de nuestrxs artistas yva de la felicidad que nos da la sensación de – por fin- poder bailar.

Víctor Flores nos presenta en su fantástico especial ‘Batidas galegas, una inmersión en la efervescente escena musical de Galicia’ el momento dulce que está viviendo esta tierra… a terriña que une caminos y tiende puentes por excelencia. A niña terriña por certo, y que orgullosa estoy de ver tanto y tan buen talento emerger en ella.

Dentro todo ese talento galego, nos paramos a hablar un ratito con los jovencísimosYugen Kala y con la Björk galego-francesa Mounqup. De entre el resto de talento BIME es música en vivo, industria, tendencias e innovación. del territorio, lo hacemos con la nueva embajadora del Una experiencia donde crear sinergias entre continentes, techno español, Auriga, yBflecha, HenrySaiz, Pau Roca, hacer negocios, descubrir a través de sus showcases Ikram Bouloum y AFFKT nos dan las #5claves de sus internacionales a los talentos emergentes más últimos proyectos. Y por último, representando el talento prometedores y compartir conocimientos. latinoamericano, el gran Black Flamingo Disco Driver.

Un año después de presentar la primera edición de Mixmag Otro gran bloque de este número va dedicado a la en España en este mismo congreso, os desgranamos todos formación. En el especial ‘Back To The School’ los BIMES que nos trae BIME en su 9º edición. presentamos un mapeo de posibilidades para formarte en las diferentes áreas de la industria musical; ya sea como La gran noticia de este BIME es que tiende un puente entre artista, como booker, como promotor, como productor, América y Europa sumando una segunda cita anual en como creador audiovisual, en la parte legal, la de Bogotá. Bilbao será la sede europea del 27al 29 de octubre comunicación o en cualquiera de las diferentes áreas de y, a partir de 2022, Bogotá será cada mes de abril, la de producción. Con entrevistas a los equipos del Máster América.

Música en Directo Live Nation de la UCM, Escuela MicroFusa, Plastic, el Instituto Gallego de Música avanzada- IGMA, Fanzine Project, ProAudio y The Bass ¿Con qué finalidad? Generar oportunidades de crecimiento económico, cultural y relacional para artistas, Valley. profesionales, empresas y públicos vinculados directa o indirectamente con la música.

Si hablamos de embajadores y/o artistas que son puente entre nuestro país y el continente americano, hablamos de nuestro artista de portada, Rafa Barrios. Este sevillano se ha ganado un puesto entre los grandes levantando pasión tanto en EEUU como en Latinoamérica. Rafa es el perfecto maestro de ceremonias para cualquier evento de electrónica. Y es que no hay dancefloor que se le resista, ni clubber en todo el planeta que no le disfrute. Ya lo dice el refranero popular de las pistas de baile ‘No Rafa, No Party’.

Charlamos con el artista canadiense John Acquaviva sobre su fondo de inversión ‘Plus Eight Equity‘ del cual son asesores Richie Hawtin y Ben Turner. Alex Dakov protagoniza de nuevo la sección ‘Industria sostenible’ haciéndonos reflexionar sobre como los festivales que no priorizan desde ya su política y su impacto medioambiental, corren un grave riesgo de quedarse fuera, porque la sostenibilidad es el nuevo valor diferencial de cualquier evento musical.

En nuestra sección TECH hablamos de los sintetizadores más influyentes de la historia, Os traemos una guía de Mixmag con los mejores altavoces portátiles y de los mejores auriculares sin cables de 2021. Y de cómo el legado del turntablismo sigue muy vivo con la DJM-S7de PIONEER DJ. Para acabar, EvilSound nos vuelve a hacer una selección de los mejores trabajos publicados, y ya era hora de que uno de nuestros números tuviera una pequeña agenda con recomendaciones de conciertos, sesiones de club, festivales y otras propuestas singulares. Y aprovechamos para hacerle un pequeño homenaje a Metro Dance Club por su 30 aniversario. ¡Feliz vuelta a todxs a las pistas de baile!

PAT QUINTEIRO Directora de Mixmag Spain

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D I C I E M B R E

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Han participado en este número Rafa Barrios, John Acquaviva, Auriga, Black Flamingo Disco Driver, Alejandro Serrano Sierra, Julen Martin Larrinaga, Chucky García, Ibone Iza, Alex Dakov, Víctor Flores, Yugen Kala, Mounqup, Bflecha, Henry Saiz, Pau Roca, AFFKT, Roberto Grima, Ana Gómez de Castro, Julio Arce, Manuel Requena, Aranzazu Abadía, Daniela Bosé, Jose Manuel López Serrano, Eduardo Carbonell (EvilSound), EPW, Oli Freke (Mixmag.net), Teo Molina, Carlos Flavio, Víctor Fernandez, Sara J. Gonzalez Arribas, Carlos Peggo, Jassi González y Pat Quinteiro; y los equipos de The Bass Valley, SchoolTraining, Microfusa, IGMA, Fanzine, Plastic y ProAudio.

Agradecimiento especial A Jimena Sporleder, Ibone Iza, Julen Martín, Eva Castillo y Bikendi Cadelo de BIME/ Lasttour. A Federico Sidero y Keleigh Batchelor de Pioneer DJ. A Luke Eastman de The Echo Agency. A Marisa Márquez de Live Nation. A la UCM. A Sandra y Rubén de OCIMAG. A Iago Corral de MOLHO Creación Cultural. A Bruno Caneda. A Berta Cervantes. Y con mucho cariño, al compañero Edu Pérez Waasdorp por su inestimable ayuda.

STAFF DIRECCIÓN GENERAL Y DE CONTENIDOS Pat Quinteiro pat@mixmag.es REDACCIÓN redaccion@mixmag.es DIRECCIÓN DE ARTE Y MAQUETACIÓN: Sheila Enfedaque shenfedaque@gmail.com MUSICA & PREMIERES Carlos Flavio music@mixmag.es DIRECCIÓN COMERCIAL Sara J. Gonzalez Arribas comercial@mixmag.es

BIME promueve entre sus asistentes la posibilidad de colaborar mediante una donación con tres entidades presentes en BIME PRO. Nos sumamos a la iniciativa invitándoos a descubrir su fantástica labor impulsando proyectos que utilizan la música como herramienta de transformación social.!Pura inspiración¡

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hardcorehitscancer.org

dalecandela.org

lloronarecords.com

Hardcore Hits Cancer ( Catalunya)

dalecandELA (País Vasco)

Llorona Records (Colombia)

bime.net

#bimepro

CITY . .

URR 27 → 28 OCT 2021 BILBAO

ONLINE:

presenta “Cómo ser Mala” and many more...

ENTRADA LIBRE · SARRERA LIBREA · FREE ENTRY

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BIME, un puente de cooperación e internacionalización entre 2 continentes A U T O R A :

P A T

Q U I N T E I R O

BOGOTÁ/BILBAO = BILBAO/BOGOTÁ AMÉRICA/EUROPA = EUROPA/AMÉRICA

Haciendo honor a su misión fundacional de promover un ‘Encuentro Internacional de la Industria Musical’, BIME salta definitivamente al otro lado del Atlántico poniendo en relieve la importancia y necesidad de la bidireccionalidad en la industria de la música, y liderando una hoja de ruta alternativa cuyo objetivo es facilitar y multiplicar los flujos artísticos y profesionales entre ambos continentes. ¿Con qué finalidad?

Generar oportunidades de crecimiento económico, cultural y relacional para artistas, profesionales, empresas y públicos vinculados directa o indirectamente con la música.

Para ello BIME tiende un puente entre América y Europa sumando una segunda cita anual en Bogotá. Bilbao será la sede europea del 27 al 29 de octubre y, a partir de 2022, Bogotá será cada mes de abril, la de América.

Este camino - al que auguramos un largo y fructífero recorrido- ya se percibe en esta 9ª edición de BIME en Bilbao, que cuenta con una mayor presencia de profesionales y artistas de América Latina que en ediciones anteriores.

Líderes en diferentes áreas del sector llegarán desde Argentina, Chile, Colombia, Venezuela,

PREGUNTA PARA JULEN Esta alianza con la industria del continente americano no es algo nuevo. Casi desde sus primeras ediciones, BIME en Bilbao ha supuesto un gran punto de encuentro entre los profesionales latinoamericanos y europeos de la industria musical.

México, Brasil, Perú o Cuba - por mencionar algunos destinos de origen- para encontrarse con sus homólogos españoles y europeos.

Para saber cómo surge esta alianza, qué se espera de ella, y qué objetivos y líneas de trabajo han marcado en esa hoja de ruta a corto, medio y largo plazo, hablamos con sus dos directores: Julen Martin Larrinaga, Director de BIME PRO/ LIVE en Bilbao y Chucky García, Director de BIME PRO/LIVE en Bogotá, Colombia. ¡Gracias a los dos por atender a Mixmag Spain¡

favorable para la realización de un encuentro de estas características. Si a todo esto unimos que venimos trabajando ya desde hace 3 años con la red de representantes de BIME en 7 países de América Latina y que durante estas 9 ediciones se habían creado grandes vínculos con diferentes profesionales Colombianos, la ecuación estaba casi resuelta.

PREGUNTA PARA CHUKY

¿Cómo ha sido esa evolución hasta llegar a esta bilateralidad de BIME en ambos continentes ? ¿Por qué en Colombia?

Ser puente entre los continentes americano y europeo fue un objetivo para BIME desde sus inicios, siempre hemos trabajado en esta dirección y en los últimos años habíamos hecho grandes avances en este sentido, con nuestra red de delegadas y delegados en América Latina y el arranque de AMCS (Atlantic Music Conferences Symposium. El nacimiento de una edición de BIME en Bogotá ha sido fruto de seguir trabajando en la consecución de este objetivo, un nuevo paso para establecer un puente con cimientos más sólidos entre los mercados musicales de ambos lados del charco.

El mercado de la música en Colombia es muy potente y está, además, en constante crecimiento. Es uno de los países donde más artistas globales están emergiendo con fuerza y cuenta además con un tejido profesional con agentes muy relevantes. Por otra parte, el continente americano es inmenso, la situación geográfica de Colombia es también muy 6

Has formado parte de varias ediciones de BIME en Bilbao. En estos años, BIME se ha consolidado, ya no solo como uno de los principales congresos del sector en Europa, sino también como una de las citas internacionales de referencia para profesionales latinoamericanos. ¿Qué encontrabas en esas primeras participaciones en BIME que no encontrabas en otras citas en América Latina?

Lo primero, una ciudad como Bilbao, que tiene muchas cosas en común con Bogotá, aunque así a primera vista no lo parezca. Lo segundo, los espacios y momentos para el relacionamiento con todos los demás participantes, lo que con el tiempo deparó en un relacionamiento de largo aliento y en el que era posible darle continuidad a las conversaciones que uno había comenzado uno, o dos o hasta tres años atrás. Conversaciones que tenían que ver con oportunidades de negocios, de colaboraciones, de alianzas o de circulación para artistas en Colombia.

¿Cuál crees que ha sido la clave que ha hecho que BIME sea imprescindible para el sector LATAM como para abrir una puerta directa desde allí?

Siento que ha sido una clave en dos sentidos: ser un puente entre España y Latinoamérica, pero a la vez entre LATAM y LATAM. Porque si bien así parece, no somos un mismo bloque, las dinámicas de los mercados, las escenas o las industrias de la música en Latinoamérica, sobre todo las más emergentes e independientes; tienen particularidades según el país, su economía, sociedad, política o cultura.

Somos un continente unido y que se apoya, en todo caso, desde todos lados se suma cada día un poco más y en la misma vía, pero al final del día las escalas de retos son distintas y los recursos que se tienen a la mano varían. En una ciudad como Bogotá, por ejemplo, la política pública en materia de cultura tiene casos súper exitosos, principalmente en garantizar el acceso a la cultura a todos las personas, pero luego en otras capitales de LATAM esto sigue siendo algo casi utópico.

Y EN ESTA LÍNEA, JULEN ¿Es cuantificable de alguna manera el impacto que tendrá BIME en LATAM para los profesionales y el sector en España y en Europa? ¿Qué supondrá para la industria musical de España esa puerta directa abierta en Bogotá?

global, de aquellas que tienen que ver con nuestras raíces y folclor; de las que hacen eco de las luchas de nuestras comunidades o de las que también tienen como protagonistas a los profesionales del diseño gráfico y la realización audiovisual.

Estamos ante una oportunidad para profesionales de ambos continentes y se podrá medir el impacto cuando llegue el momento. La experiencia y los datos de estos últimos años nos indican que el impacto de la participación en BIME Bilbao es muy positivo para los asistentes, por lo que trabajamos para que la edición de Bogotá siga este camino. Hay que tener en cuenta, que en los encuentros profesionales como BIME hay una parte puramente de negocio, pero no debemos olvidar que hay otra parte tan importante como esta, que es la de la divulgación, la de compartir el conocimiento, aprender de otros y ser un foro en el que debatir y buscar cómo mejorar nuestro sector. Por lo tanto el impacto es y debe ser, tanto cuantitativo como cualitativo.

Esto último, por ejemplo, es uno de los planes a mediano y largo plazo, ir metiendo cada vez más en este relacionamiento de largo aliento a todos esos ilustradores o creadores de posters que existen a lado y lado del Atlántico, y que al igual que los realizadores de videoclips y documentales de música constituyen una oferta en sí y pocas veces se les incluye en las ruedas de negocios.

Será una gran puerta para seguir avanzando en el intercambio de talento y negocios de los mercados latinos a ambos lados del charco, no sólo una oportunidad para profesionales españoles o Colombianos, sino para todos los que se acerquen al encuentro desde diferentes países..

Y PARA ACABAR, JULEN Pensando en las ramas o programas de BIME en Bilbao como BIME Campus, BIME CITY o BIME START UP! - por mencionar algunos- y/o líneas de reflexión en cada edición poniendo el foco, por ejemplo en ‘la sostenibilidad’ (el año pasado) o en la ‘diversidad en cuestión de género’ en la industria musical (en este), nos surgen las siguientes preguntas:

PREGUNTA PARA CHUKY

¿Cómo se trabajará esto en la bilateralidad? ¿Se compartirán programas y líneas generales en cada una de las sedes a la vez? ¿Se replicarán ponentes y ponencias en ambas?¿Se trabajará una Guía de Festivales con LATAM también?

Mencionábamos al principio la voluntad de crear un “hoja de ruta alternativa” entre ambos continentes.

Y a nivel operativo por ejemplo: ¿servirá la App actual de BIME Pro para ambos?

¿Qué objetivos tiene ya marcados para esta primera edición conjunta esa hoja de ruta? ¿Y a medio-largo plazo?

Es algo en lo que estamos trabajando. Bogotá cuenta con su equipo pero estamos en constante contacto y trabajamos coordinados. Está claro que los elementos distintivos de BIME, como son sus diferentes verticales, CAMPUS, CITY, START UP! o FEST seguirán en ambas fechas, y seguro seguiremos evolucionando, más si cabe ahora teniendo dos ediciones cada año.

El principal es sumar, aportar conversaciones nuevas y cada vez más específicas, inesperadas o improbables en algunos casos, y en otros que puedan aportar luces a un sector lleno de talentos y profesionales pero afectado por la pandemia, tanto así que hasta ahora está dando los primeros pasos en firme hacia la reactivación post Covid-19. En ese sentido, tenemos los objetivos adicionales y entrelazados de hablar de lo que está pasando con esas músicas de LATAM que tienen un impacto

Somos un evento vivo y en constante evolución, este año estrenamos un congreso de editores y el Music Equality Forum, por ejemplo, seguro que a raíz de nuestra segunda edición anual, surgen muchas nuevas ideas y oportunidades que nos llevarán a

seguir evolucionando.

La guía de Festivales que ya hemos ampliado y es ahora también de salas y recintos, seguirá también, claro. Es una guía de referencia que tiene además un largo camino y desarrollo por delante.

Llevamos ya varios años desarrollando la App, con mejoras añadidas cada edición y que este año tendrá una nueva apariencia y funcionalidades, por lo que sí, la idea es mantener una única plataforma.

Esto nos permite además, que los asistentes puedan tener un histórico de las diferentes ediciones a las que asisten, pudiendo volver a ver y escuchar todo el contenido que generamos, así como el directorio de profesionales, muy útil para seguir en contacto durante todo el año, no solo los días de los eventos.

Tienes toda la info sobre BIME Bilbao/Bogotá en: www.bime.net

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MUCHOS BIMEs EN UNO A U T O R :

R E D A C C I Ó N

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PONENCIAS + NETWORKING + BIME CAMPUS + BIME FESTS + BIME TECH + AMCS + BIME START UP! + CONGRESO DE

EDITORES + PITCH MUSIC SERIES + MUSIC EQUALITY FORUM

Desde 2013 BIME es música en vivo, industria, tendencias e innovación. Una experiencia donde crear sinergias entre continentes, hacer negocios, descubrir a través de sus showcases internacionales a los talentos emergentes más prometedores y compartir conocimientos.

Por un lado BIME presenta cada otoño el festival BIME Live, uno de los mayores festivales de otoño en Europa, que acoge durante dos noches a los artistas más relevantes de la actualidad musical y a futuras promesas de la escena local e internacional.

Un encuentro global de la industria musical que además - como explicábamos en las páginas anteriores - a partir de esta edición, amplía su espacio para reflexionar sobre los retos que impulsan el futuro del sector y el disfrute de la música en vivo con Bogotá como nueva sede en América Latina, donde tendrá lugar su primera edición en abril de 2022.

Por el otro, BIME presenta el congreso profesional BIME PRO que este año celebra su 9ª edición en el Palacio Euskalduna de Bilbao, del 27 al 29 de octubre.

El éxito de BIME, lo que le ha posicionado como epicentro de la innovación, la tecnología, el networking y pieza clave para el futuro de este sector, reside a nuestro parecer, en que en BIME, hay muchos BIMEs.

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El programa de BIME PRO está compuesto por una serie de charlas y conferencias con profesionales de todos los ámbitos de las industrias creativas y se sustentan además en diferentes programas de actividades especiales que os presentamos en reportaje.

Bajo el paraguas BIME PRO encontramos en esta edición: BIME CAMPUS + BIME FESTS + BIME TECH + AMCS + BIME

START UP! + CONGRESO DE EDITORES + PITCH MUSIC SERIES + MUSIC EQUALITY FORUM + BIME CITY Visita www.bime.netKeychange para eliminar activamente la brecha de género, siendo firmes y con una propuesta anual.

De ahí surgió de manera orgánica una evolución que ha derivado en esta apuesta por la lucha con el MUSIC EQUALITY FORUM, haciendo más fuerte y evidente esta necesidad de unión de las asociaciones/redes más cercanas a BIME PRO a las que consideramos referentes e inspiradoras dentro de la industria internacional.“ -nos explica Ibone Iza Aranguren, Content Manager de BIME PRO. Visita www.bime.net

El programa de BIME PRO 2021 en Bilbao cuenta con un total de 68 charlas, 12 masterclasses y 13 talleres.

Más de 200 ponentes de hasta 17 nacionalidades forman parte de uno de los carteles más extensos de las nueve ediciones de este congreso internacional, referencia para el sector de las Industrias Culturales y Creativas. Tres intensas jornadas con contenidos - en diferentes formatos- sobre tecnología, supervisión musical, financiación, marketing y comunicación, aspectos editoriales y legales, y todo lo relacionado con las últimas tendencias de la industria.

PROGRAMAS DE ACTIVIDADES VERTICALES DE BIME PRO 2021 • • • •

BIME FESTS: El punto de encuentro para promotores de festivales.

BIME CAMPUS: El ciclo de formación de la industria musical.

BIME TECH: El foro de referencia para el sector de los eventos.

BIME START UP!: El encuentro para el impulso de las startups de la industria musical.

BIME FESTS La gran cita de los Festivales Un año más, BIME PRO Bilbao será la sede del encuentro para profesionales del sector de los festivales y la música en vivo. El lugar donde ampliar y compartir conocimientos con los principales promotores de la Península Ibérica, Europa y América Latina.

Programa: Cinco ponencias distribuidas entre el miércoles y el jueves con importantes perfiles del sector.

Se trabajará sobre el presente y futuro de la contratación de artistas en mesas redondas con gran representación de agentes de Reino Unido: Alex Bruford (Managing Director de ATC LIVE agencia de Nick Cave & The Bad Seeds, Metronomy, The Lumineers), Jon Ollier (CEO de ONE FIINIX LIVE, agente de Ed Sheeran), Natasha Gregory (Co-founder Mother Artists, agente de Idles).

Premios Fest: Con carácter honorífico, Premios Fest reúne y reconoce a representantes de la industria del sector de los festivales en España en una entrega de reconocimientos que tendrá lugar la primera jornada de BIME PRO. Este año, en sus premios anuales, BIME reconoce y valora el trabajo de las asociaciones responsables de representar a las empresas y profesionales que trabajan por el desarrollo y el éxito de los Festivales de Música que se celebran en España y que han luchado hasta el final para dar apoyo y mostrar el infinito respeto por la profesión que representan.

BIME CAMPUS El programa de formación avanzado de la industria musical BIME CAMPUS es un ciclo de formación teórica y práctica intensiva impartido durante los tres días por

grandes profesionales del sector dirigida a cualquier persona que quiera profundizar en el conocimiento de la industria musical y crear conexiones con otros emprendedores y profesionales a ambos lados del Atlántico.

BIME CAMPUS + El programa de formación gratuito BECA CAMPUS+ dirigido a 32 jóvenes de entre 18 a 32 años con especial interés en el sector musical y en las industrias culturales y creativas, cinco días de formación de alto nivel teórica y práctica, impartida por grandes profesionales de las industrias culturales y creativas.

BIME CAMPUS está organizado en colaboración con Lanbide y la Consejería de Empleo del Gobierno Vasco.

PROGRAMA BIME CAMPUS 2021 MIÉRCOLES 27 OCTUBRE • 10:00 - 11:00 | Mercados y ferias: como crear conexiones e intercambios culturales a través de encuentros internacionales de música Con Felipe França – Difusa Fronteira, Director • 11:10 - 12:10 | Contratos, la asignatura pendiente de los artistas.

Con Jose Juan Domingo – Domingo Monforte Abogados, Legal • 12:30 - 13:30 | Plataformas de streaming de audio por suscripción: ¿el problema o la solución para la música y los medios de comunicación?

Con Pepo Márquez – Big Audio Media, General Manager • 15:00 - 16:00 | La producción en salas también existe Con Lydia Alonso y Axier Garai – Producción y Jefe Técnico de APPORTE • 16:10 - 17:10 | RPS Presents: entrevista a Zoe Gotusso en conversación con Marta Salicrú, directora de Radio Primavera Sound.

JUEVES 28 OCTUBRE • 9:30 – 10:30 | Mitos y leyendas del Marketing Digital Con Álvaro López – Primavera Sound, Digital Marketing Manager • 10:40 – 11:40 | Emprender en la Industria musical. Lo bello y lo duro Con Claudia Pereira – Somos Fuego, CEO & Founder • 11:50 – 12:50 | ¿Qué y cómo quieres ser en la industria de la música?

Con Alba Blasi – Doble Cuerpo, Co-Directora • 13:10 – 14:10 | Sincros y sub-edición. Hoy te enseñamos el Matrix de las editoriales de música. Con Patricia Varas – Alondra Music, Directora VIERNES 29 OCTUBRE • 10:30 – 11:30 | Business Management desde una perspectiva diferente Con Eva Planas – Enter.Experience, CEO • 11:40 – 12:40 | ¿Yo para qué necesito un sello?

Con Fernando Delgado – [PIAS] Iberoamérica, Director • 13:00 – 14:00 | Música y Agenda 2030: la cultura para el desarrollo sostenible Con Álvaro Luna – Last Tour, Sostenibilidad

BIME START UP! Start evolving. Move up.

Es un espacio para la innovación y el emprendimiento en el ámbito de la industria musical donde se reúnen inversores, corporates y los mejores profesionales nacionales e internacionales.

Además cada año, BIME busca premiar y promocionar a las startups más disruptivas que cuenten con un alto potencial de crecimiento y amplias posibilidades de internacionalización mediante su Startup Competition.

Gracias a la alta participación de inversores, corporates, y al desarrollo de las startups obtenido en BIME PRO, BIME START UP! se ha convertido en uno de los eventos internacionales más punteros en Europa y América Latina.

En definitiva, es el lugar idóneo para descubrir todas las novedades sobre nuevas tecnologías, APPs, videojuegos… ¿QUÉ OFRECE LA BIME START UP!?

Ecosistema emprendedor y creativo: Un entorno propicio para el emprendimiento en las industrias culturales y creativas Conferencias: Conferencias con empresarios y creadores de renombre, inversores y actores clave del sector Networking: Encuentros en diferentes formatos como speedmeetings online, cocktails, cenas…

Competición y exhibición de startups: Selección de las mejores startups internacionales que competirán por presentar el proyecto más disruptivo y hacerse un hueco en el Startup Village.

Inversores y corporates: Conexiones con inversores, corporates y agentes clave del sector en un mismo ecosistema emprendedor y creativo.

Alianzas: Alianzas y acciones paralelas en colaboración con los eventos, aceleradoras e incubadoras de mayor relevancia.

Estos son los proyectos seleccionados para esta edición de #BIMEPRO Startup Competition y aquellas que podréis encontrar en el Startup Village.

BIME TECH Exposiciones, mesas de debate, zona de stands...

El foro de referencia de los proveedores del sector de los eventos. Las últimas innovaciones y los mejores profesionales ofrecen respuestas a todos los retos de la organización de eventos en BIME PRO TECH. 9

Muchos Bimes en uno

FORUMS, CONGRESOS , ENCUENTROS Y PROGRAMAS ESPECIALES EN #BIMEPRO 2021 El Palacio Euskalduna también será testigo del primer Congreso de la Edición Musical organizado por AEDEM con la participación de reconocidos music supervisors, importantes empresas globales como PRISA, Atresmedia, Altafonte y Ministerio de Cultura, entre otros.

Otro encuentro internacional sin precedentes que se desarrollará por primera vez en BIME PRO,es el Music Equality Forum, un espacio que aúna las principales iniciativas nacionales e internacionales que luchan por una industria en igualdad de oportunidades con el objetivo de ampliar la repercusión de sus respectivas actividades y seguir trabajando por un objetivo común. (*Os recomendamos leer el especial Music Equality Forum que encontraréis en este número) También por primera vez, las industrias de la música y de la ficción televisiva se unen para fomentar los mejores talentos de ambos mundos, con el programa “Pitch Music Series” presentado en colaboración con Conecta FICTION. Además, tendrá lugar la tercera edición del encuentro de ferias musicales iberoamericanas, el Atlantic Music Conferences Symposium (AMCS) reafirmando una vez más la intención de conectar continentes, reuniendo a representantes de 14 ferias procedentes de diferentes países iberoamericanos.

AMCS Conexión Europa-LATAM Nacido en 2019, Atlantic Music Conferences Symposium (AMCS) reúne en BIME PRO a más de una decena de ferias de diferentes países iberoamericanos, una iniciativa que conecta continentes y se acerca al sector de la música en América Latina.

AMCS es el punto de partida para el establecimiento de sinergias entre nodos de conocimiento de la industria musical a ambos lados del Atlántico. Esos nodos son los lugares donde se dan cita los profesionales de este sector, las conferencias sobre música más relevantes del ámbito latino e ibérico.

PRIMER CONGRESO DE LA EDICIÓN MUSICAL Evolución y tendencias hacia un nuevo negocio de la música La Asociación Española de Editores de Música (AEDEM) organiza para este año el Primer Congreso de la Edición Musical bajo el título ‘Cambios y Nuevos Retos de la edición musical en el contexto de la Digitalización’. Un espacio de reflexión y convivencia para conocer nuevos discursos que no han tenido cabida en encuentros precedentes.

Se presentarán algunos documentos para contextualizar el debate y para que sirvan de elementos de reflexión y aporte de ideas: 10

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Un conciso ESTUDIO DE MERCADO Una propuesta de CÓDIGO DE BUENAS PRÁCTICAS para someter a debate Un INFORME realizado por una empresa CONSULTORA externa que propondrá las grandes líneas a debatir y sobre las que hacer una introspección y diagnóstico respecto al futuro de la edición musical

PROGRAMA JUEVES 28 • 15:45 - 16:00 | Inauguración Con Josep Gómez de AEDEM. • 16:00 - 16:20 | Presentación informe: Diagnóstico 360º y Líneas Estratégicas preliminares para los editores de música de España Con Elena Orteu.

• 16:20 - 17:50 | Papel del editor en la nueva industria musical Con Josep Gómez, Elena Orteu, Sabino Mendez y Pablo Rodríguez.

• 17:55 - 18:20 | Majors vs. Independientes Con Nerea Gázquez y Leire Alcalde.

• 18:30 - 20:00 | Relación del editor musical con otras industrias creativas Con Teresa Carbonell, Christophe Rodríguez, Arturo Monedero, Adriana Moscoso y Andreu Quesada.

VIERNES 29 • 10:00 - 11:30 | Nuevas tecnologías aplicadas a los usos de la música Con Craig Harris, Vicent Argudo, Vladimir Philippov, Raúl López.

• 11:40 - 12:00 | Edición pura vs. Modelo 360º Con Nerea Gazquez, Enric Pedascoll y Cecilia León.

• 12:00 - 12:20 | Entidades de gestión vs.

Operadores de gestión Con Nerea Gazquez, Eric Jordi y Mercè Vallverdú.

• 12:30 - 14:00 | Marco legal y su evolución a nivel global, europeo y español Con Alma Martínez, Coco Carmona, Manuel López

BIME PRO y Conecta FICTION presentan: “Pitch Music Series”.

La relevancia y el valor de la música en los contenidos audiovisuales Otra de las novedades de esta edición es este primer encuentro de las industrias de la música y de la ficción televisiva para fomentar los mejores talentos de ambos mundos.

“Pitch Music Series”, nace para reconocer la importancia de la música en las series de ficción, en un momento en que ambas industrias están más unidas que nunca. Para ello, impulsaron una convocatoria internacional con el objetivo de premiar aquellos proyectos que destaquen por su uso original de la música desde el proceso más inicial del desarrollo.

El jurado de esta edición ha estado formado por: CARMEN RODRIGUEZ Sync & Licensing Manager de BMG; SERGI REITG Premium Content Director de Sony Music Iberia, JOANNA LOMBARDI

Directora de Ficción de Movistar Latinoamérica, JESÚS AMARO Director Negocios Musicales de Atresmedia, JUAN TOMÁS TELLO Music Supervisor de series como ‘La Casa de Papel’ o ‘Vis a Vis’ y OSCAR GÓMEZ Compositor y Productor Musical de Cargo Music (España) Los 3 finalistas que competirán en BIME PRO son: •

BEATERS Género: Aventura cyberpunk País: México Autor/es: Jorge Freid Productores: Jan Suter, Julián Antuñano Logline: En un futuro postapocalíptico, un adolescente videojugador se enfrenta a una poderosa corporación en el mundo real y en el virtual.

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CHAPA DISCOS Género: Comedia País: España Autor/es: Eduardo Torallas y Manuel Gancedo Productores: Evafilms / Pris&Batty Films Logline: Un famoso y rebelde disc-jockey convence a una discográfica del Opus Dei para grabar a los grupos de rock más combativos de la España de la Transición

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STRINGS Género: Drama País: Rusia Autor/es: Alexander Kessel Productor: Alexander Kessel Logline: Divididos entre estudios intensos, su vida personal y una repentina popularidad, cuatro jóvenes músicos de violonchelo se esfuerzan por triunfar en el increíblemente competitivo mundo de la música profesional.

The Dutch are Coming!

Dutch Music Export traerá a BIME PRO a un grupo de profesionales holandeses de la música. BIME PRO realiza una recepción durante el congreso y además en BIME CITY se presenta el showcase de Dutch Impact en el Kafe Antzokia el jueves por la noche donde actuarán tres increíbles artistas neerlandeses: Luka, Lorrén y Blanks.

Muchos Bimes en uno

PONENTES, PANELES, TALLERES y SPEEDMEETINGS BIME PRO presenta tres jornadas de trabajo, networking, talleres y paneles donde se tratarán temas como la música como herramienta para luchar por el cambio, los derechos de autor en torno allivestreaming, la contratación en festivales o los NFTs; así como las últimas plataformas y formatos de prescripción musical para las nuevas generaciones Entre las novedades de esta edición, habrá mesas con enfoque 100% humano y sostenible, buscando dar más importancia y visibilidad tanto a la innovación social como medioambiental. En el panel “La música como herramienta de transformación social” se disertará sobre la importancia del compromiso social dentro de la industria musical, presentando diferentes proyectos que trabajan con este objetivo.

Se presentarán también mesas con el sonido y la música como protagonistas para conseguir un impacto positivo en el entorno a nivel medioambiental.

Profesionales de diversas disciplinas abrirán un debate para reflexionar sobre la importancia del canal sonoro en nuestra sociedad y ecosistemas naturales desde perspectivas multidisciplinares como la música, la ciencia, la cultura, la tecnología y la salud.

Y como no puede haber innovación sin colaboración, este año se dedicará un espacio para visibilizar todo lo que hay detrás de lo que se conoce como un “featuring”, las diferentes etapas del proceso, dificultades y expectativas durante su gestación.

EL PROGRAMA DE PONENTES ESTÁ ENCABEZADO POR: RAPHAEL compartiendo el expertise ganado en 60 años sobre los escenarios. SHIRLEY MANSON la reconocida cantante y compositora de Garbage quien recientemente ha publicado disco y ha sido elegida como embajadora de Keychange para liderar la lucha por la igualdad de género en la industria musical y MALA RODRIGUEZ reconocida por haber irrumpido en un mundo de hombres donde hasta entonces no había triunfado ninguna mujer siendo la primera y única que ha ganado el Latin Grammy por “Mejor disco” y “Mejor canción” de música urbana, recibiendo desde el Premio MTV Latinoamérica hasta el Premio Nacional de Músicas Actuales.

TALLERES Y SPEEDMEETINGS Con el afán de formar y extender el conocimiento técnico y práctico de los diferentes campos de esta extensa industria, durante los tres días de se llevarán a cabo diferentes Talleres Profesionales de inscripción gratuita y de temáticas diversas para cualquier asistente al evento.

De nuevo también se realizarán los Speedmeetings. Breves reuniones pre-organizadas en las que los asistentes a BIME PRO Bilbao dispondrán de unos minutos para exponer su trabajo ante profesionales de renombre con el objetivo de expandir su negocio o introducirse en nuevos mercados.

Escanea y descubre a todxs los ponentes:

Los líderes del grupo colombiano Bomba Estéreo, Li Saumet y Simón Mejía, ofrecerán una charla junto a sus managers Camila Saravia y Daniel Zawadzki quienes han trabajado en el desarrollo de su carrera desde los comienzos.

El DJ, productor y artista canadiense John Acquaviva impartirá una charla enfocada en inversión, presentando el fondo Plus Eight Equity del cual son asesores Richie H. y Ben Turner.

También dentro del ámbito de lo social, este año se incorpora una mesa sobre psicología para abrir la conversación sobre la evolución psicológica y profesional en la trayectoria artística.

(*Os recomendamos leer la entrevista con el artista que encontraréis en las páginas posteriores de este número)

Durante el panel “Simpatía por la Industria Musical” se grabará en directo la entrega número 100 del podcast de nombre homónimo. También habrá un panel especializado en formación, un sector que cada vez cobra más relevancia dentro de la industria musical.

Del ámbito profesional destaca la participación de Fabio Acosta e Iván Alarcón, mánagers de J. Balvin, Rosa Lagarrigue, CEO de RLM, Gay Mercader, mítico promotor español y Jon Ollier, agente de Ed Sheeran, liderando un programa compuesto por referentes del sector.

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Muchos Bimes en uno

SON ESTRELLA GALICIA INUNDA BILBAO DE MUSICA EN VIVO !MAS DE 40 CONCIERTOS EN DIRECTO¡ BIME ofrece lo más selecto del talento emergente nacional e internacional en esta 9ª edición.

Durante las dos primeras jornadas de BIME PRO, la programación nocturna de BIME CITY SON Estrella Galicia presenta en las principales salas del centro de la capital vizcaína, las últimas tendencias musicales de Europa y América Latina.

Con una diversidad de sonidos que van desde el rock al trap y del pop a los ritmos latinos, el cartel está formado por bandas y artistas emergentes de 9 países brindando más de 40 conciertos en directo a lo largo y a lo ancho de toda la ciudad.

BIME CITY ofrece numerosas actuaciones gratuitas para abrir el abanico BIME a todos los públicos, una oportunidad única para descubrir y vibrar con las bandas que en un futuro coparán los line ups de todos los festivales.

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TE LOS PRESENTAMOS DE LA A A LA Z.

LO MEJOR DE LOS MEJOR “MADE IN SPAIN”

ALBERTO & GARCÍA (OVIEDO) ALEJO Y VALENTÍN ( ARGENTINA) ALLOVA ( RUSIA - GALICIA) ANDREA SANTIAGO ( PAMPLONA) ARIANA ABECASIS ( SEU D’URGELL ) BLANKS ( HOLANDA) CELL7 ( ISLANDIA) CERRERO (COLOMBIA) COMANDANTE TWIN ( MADRID) DIEGO LORENZINI (CHILE) ENTRÓPICA ( CHILE) EVA RYJLEN (GUADALAJARA) EVITA TOULOUSE (MADRID) FATHER ALIEN (VITORIA GASTEIZ) FEMIGANGSTA ( ARGENTINA) FERRAN PALAU ( BARCELONA) FRANK’S WHITE CANVAS (CHILE) IBIL BEDI (NAVARRA) JEMMY BUTTON (CHILE) KIDS RETURN (PARÍS) LA RUEDA (COLOMBIA Y GUINEA) LEE EYE (BOGOTÁ) LORRÉN (HOLANDA) LUCAS HILL (COLOMBIA) LUKA (CAPE TWON - PAÍSES BAJOS) MALAIIERBA (NAVARRA) MEHEHE (POLONIA) MONZI SEZ (ESPAÑA) NOPROCEDE (MADRID) PINPILINPUSSIES (BARCELONA) RODEO (PAÍS VASCO) RUISEÑORA (EXTREMADURA) VALDES (CÓRDOBA -AR) VIOLETA TELLO GRAU (BARCELONA) XISCO FEIJOO (VIGO) YADAM (FRANCIA) ZOE GOTUSSO (ARGENTINA)

Del ámbito estatal, se presentarán: RUISEÑORA de Extremadura; FERRAN PALAU, PINPILINPUSSIES, ARIANA ABECASIS y VIOLETA TELLO GRAU de Catalunya; XISCO FEIJOO y ALLOVA de Galicia; IBIL BEDI, ANDREA SANTIAGO y MALAIIERBA de Navarra; EVITA TOULOUSE, NOPROCEDE, COMANDANTE TWIN y EVA RYJLEN de Madrid; ALBERTO & GARCÍA de Asturias y de Euskadi AIRU, RODEO Y FATHER ALIEN y MONZI SEZ, ganador de la DJ Txapelketa que se hizo en Bilborock.

La participación de estos artistas está apoyada por AIE, AGADIC, CATALAN ARTS, LARROSA MUSIC GROUP, BASQUE.MUSIC., NAVARRA LIVE MUSIC! y SOUNDS FROM SPAIN. !FLYING TO BILBAO¡ El cartel internacional estará nutrido por una variedad de artistas de Europa y Latinoamérica: desde Chile DIEGO LORENZINI, ENTRÓPICA, FRANK’S WHITE CANVAS y JEMMY BUTTON; desde Polonia MEHEHE, desde Colombia CERRERO, LA RUEDA, LEE EYE y LUCAS HILL; desde Francia YADAM y KIDS RETURN; desde Argentina ALEJO Y VALENTÍN, FEMIGANGSTA, VALDES y ZOE GOTUSSO; desde Islandia CELL7 y desde Países Bajos BLANKS, LORRÉN y LUKA. La participación de estos artistas es posible gracias al apoyo de CENTRE NATIONAL DE LA MUSIQUE (Francia), IDARTES (Colombia), INAMU (Argentina), DUTCH MUSIC EXPORT (Holanda), PROCHILE, PROCOLOMBIA y KEYCHANGE.

BIME CITY ONLINE Además de contenido exclusivo de todas las bandas que actuarán en BIME CITY, el talento emergente de jóvenes artistas de diferentes partes del globo se podrá seguir a través de la plataforma online de BIME PRO durante los 3 días de duración del evento.

Horarios/espacios en: www.bime.net/pro/es/bime-city/ !Prepárate para los más de 40 directos de grupos emergentes de 9 países¡ Escanéa y escúchalos:

Muchos Bimes en uno

¡VUELVE BIME LIVE¡

CON UN CARTEL CARGADO DE SONIDOS URBANOS DE ARTISTAS NACIONALES E INTERNACIONALES

Una de las grandes noticias de esta edición de BIME es la vuelta de BIME Live que esta vez se llevará a cabo en el Bilbao Arena de Miribilla.

Manteniendo el formato de festival de dos días, BIME Live presenta el 29 y 30 de octubre, un cartel marcado por los géneros urbanos más rompedores

y los artistas más relevantes de la escena, nexo entre América Latina y España.

Un total de ocho artistas, entre los que encontramos al dúo de raperos Natos y Waor liderando la faceta más underground del festival con sus barras duras y descaradas, a la reina del dancehall Bad Gyal y su arsenal infinito de hits, o al autor de ‘Mamichula’ y referente del trap y rap argentino, Trueno. La chileno-francesa Ana Tijoux con sus reivindicativas letras, la cuadrilla más irreverente de Iruña, Chill Mafia, y el tinerfeño Maikel Delacalle con su mezcla tropical de reggaetón, R&B y rap. También formarán parte del

cartel la explosión colombiana de Frente Cumbiero, el cuarteto liderado por el compositor y productor Mario Galeano, y la poeta Laura Sam junto al productor Juan Escribano en su proyecto conjunto.

Este BIME Live toca dejarse llevar por el ritmo latino, los beats marcados del rap y la electricidad del hip-hop, que nos brinda el festival con los shows en directo de estos 8 destacados artistas nacionales e internacionales.

Entradas a la venta en www.bime.net

BIME Live #DayByDay VIERNES 29 OCTUBRE: El primer día estará protagonizado por el pegadizo dancehall reggaetonero de Bad Gyal, con los himnos de toda una generación como ‘Zorra’, ‘Alocao’ o ‘Blin Blin’.

El freestyler argentino Trueno le acompañará en esta primera jornada presentando su exitoso álbum debut ‘Atrevido’.

La originalidad tropical de Maikel Delacalle traerá el perreo a la pista de baile con la mezcla de reggaetón, R&B y rap que le diferencia.

Frente Cumbiero se encargará de cerrar la jornada con su rompedor repertorio de marcado sabor latino.

SÁBADO 30 DE OCTUBRE: El segundo día comenzará con la esperadísima actuación del dúo de raperos Natos y Waor prendiendo el escenario entre barras duras y beats demoledores.

Le seguirá la cuadrilla más rompedora de Iruña, Chill Mafia, culpables de revolucionar por completo el género urbano.

Ana Tijoux y su mensaje tan político como musical serán una vez más muestra de la fuerte conexión latina del festival.

Con la fusión mejor calibrada entre rap y poesía, Laura Sam y Juan Escribano pondrán el punto final a esta edición de BIME Live.

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M u s i c

E q u a l i t y A U T O R A :

P A T

F o r u m

Q U I N T E I R O

BIME PRO da un paso al frente ante la desigualdad de género en la industria musical.

Para su 9ª edición, BIME PRO ha creado un espacio donde aunar las principales iniciativas nacionales e internacionales que luchan por una industria en igualdad de oportunidades con el objetivo de ampliar la repercusión de éstas y seguir trabajando por un objetivo común, bajo el encuentro: MUSIC EQUALITY FORUM. Tras varias ediciones colaborando con diferentes plataformas y redes activas que trabajan por una industria musical más equitativa, inclusiva, justa y diversa, con este MUSIC EQUALITY FORUM, BIME PRO da un paso más impulsando este primer gran encuentro entre asociaciones de la

talla de MIM, Keychange, shesaid.so, Ruidosa, We Are Equals, Femnøise y MUSAP. “En 2017 ya comenzamos a trabajar un programa enfocado en temas de género con la Asociación MIM ((Mujeres de la industria de la música) ​que se había consolidado a finales de 2016. Y en 2018 nos comprometimos aún más de la mano de Keychange para eliminar activamente la brecha de género, siendo firmes y con una propuesta anual. De ahí surgió de manera orgánica una evolución que ha derivado en esta apuesta por la lucha con el MUSIC EQUALITY FORUM, haciendo más fuerte y evidente esta necesidad de unión de las asociaciones/redes más cercanas a BIME

PRO a las que consideramos referentes e inspiradoras dentro de la industria internacional.“ -nos explica Ibone Iza Aranguren, Content Manager de BIME PRO.

Solo un 37 por ciento de las empresas de la industria musical en España están lideradas por mujeres, según el primer estudio de género realizado por la Asociación MIM (Mujeres de la Industria de la Música), con el apoyo de la Universidad Carlos III sobre nuestro país en este sector, para lo que se han analizado más de 90 compañías.

Este mismo informe publicado a principios de año ha determinado que apenas un 14% de las discográficas independientes cuentan con figuras femeninas en la dirección, mientras que las tres grandes multinacionales (Sony, Universal y Warner) tienen a hombres como presidentes. Se expone también que casi el 70% de las mujeres cobra menos del sueldo medio español masculino, a pesar de su preparación: más de un 70% accedió a su primer puesto en esta industria con formación universitaria o formación profesional de grado superior y con conocimiento de idiomas. Casi el 40%, además, ha cursado un máster, curso o formación especializada, y apenas se han encontrado mujeres del sector que no tengan algún tipo de cualificación.

Datos como los anteriormente señalados ponen de manifiesto que resolver la enorme desigualdad en la industria musical en “cuestión de género y diversidad” es realmente urgente.

“Me atrevo a decir que en BIME PRO estamos concienciados con este problema, no puede ser de otra manera cuando hablamos de un congreso que además de fomentar el bussines, está directamente implicado en la búsqueda de soluciones a problemas de actualidad y de futuro.

A la hora de plantear el programa, siempre tenemos sumo cuidado con el tipo de temáticas que proponemos y de que haya un equilibrio entre lxs invitadxs. Hemos echado atrás más de una propuesta hasta encontrar esos perfiles que

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en un principio parecían difíciles o menos mediáticos. En general, lo que hemos visto es que ese “esfuerzo” merece la pena porque la riqueza que consigues saliéndote de “lo de siempre” es muy valiosa, en todos los sentidos.

Tenemos y queremos ser ejemplo e inspiración de que una industria paritaria es muy posible para que poco a poco sea una realidad, aunque aún queda mucho por caminar. Somos y nos sentimos responsables de dar luz y mostrar que existe un futuro diferente, mucho más justo y enriquecedor para todxs.” - Ibone Iza Aranguren, Content Manager de BIME PRO.

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MUSIC EQUALITY FORUM JUEVES 28 DE OCTUBRE Una jornada llena de paneles, workshops y otras actividades especiales.

PROGRAMA DETALLADO 10:00 - 11:00 LA OTRA SOSTENIBILIDAD: LA IGUALDAD DE GÉNERO La industria musical ha comenzado a trabajar en la implementación de planes para su adaptación a la agenda 2030. Los objetivos de desarrollo sostenible ya llevan años encima de la mesa, sobre todo los relacionados con los aspectos medioambientales y el consumo responsable. Pero ahora toca no sólo trasladar al papel sino también aplicar la paridad en todos los ámbitos laborales, la equidad en la programación y la fijación de estrategias de seguridad para las mujeres espectadoras. ¿Cómo afrontan los agentes este reto? Se darán algunas claves e ideas de como ponerlo en práctica.

Con Lluis Torrents (Gerente de la Sala Razzmatazz), Patricia Gabeiras (Socia Fundadora de Gabeiras y Asociados) y Paula Rivera ( Vicepresidenta del Instituto Nacional de la Música (INAMU) en Argentina)

11:10 - 12:10 TALLER - CÓMO IMPULSAR TU PERFIL PROFESIONAL De la mano de Shesaid.so Spain, llega este workshop impartido por Ana Gómez de Castro, Product Manager de Live Nation Madrid, y directora del Máster de Música en Directo - Live Nation en la UCM. Este versará sobre cómo hacer crecer tu red profesional y cómo potenciarla para su crecimiento.

En él se podrá conocer herramientas y dinámicas que ayuden a implementar el perfil profesional dentro de la industria musical.

12:20 - 13:20 TALLER - #ELANTIWORKSHOP: ¿QUÉ BUSCAMOS DEL TRABAJO EN RED? Una invitación a deconstruir la necesidad de la asociatividad. A repensarnos y abrir nuestras necesidades de participación. Deconstruirnos para construir una industria post pandémica poniendo énfasis en crear más y mejores oportunidades para todos y todas.

Impartido por Claudia Pereira ( CEO & Founder de Somos Fuego) y Natalia San Juan (Directora de Femnøise) 13:30 - 14:15 A CONVERSATION WITH...LA MALA RODRÍGUEZ Reconocida en todo el mundo por su estilo único, intensidad escénica y letras contundentes, Mala Rodríguez se ha establecido como una de las artistas más respetadas en el mundo del hip-hop. Su catálogo se ha convertido en una referencia del género no sólo en España, sino también en Estados Unidos, Puerto Rico y en toda Latinoamérica. Es la primera y única mujer que ha ganado el Latin Grammy por “Mejor disco” y “Mejor canción” de la música urbana.

16:00 - 17:00 MISMO OBJETIVO, DISTINTAS FORMAS: HACIA LA COOPERACIÓN GLOBAL EN LA LUCHA POR LA IGUALDAD DE GÉNERO. Representantes de 5 organizaciones nacionales e internacionales activas en la lucha por la igualdad, compartirán sus experiencias, analizarán los desafíos y se plantaearán ideas y perspectivas para un futuro colaborativo.

Con Natalia San Juan (Directora de Femnøise),

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Ludovic Assémat (Head of Arts de British Council, Director de #WeAreEquals y Shesaid.so Spain member) Carmen Zapata (Presidenta MIM y Gerente de ASACC), Mia Ternström (Project Manager de Keychange) y Camila González (Directora de Comunicación de Ruidosa).

17:10 - 18:10 TALLER - NUEVOS PERFILES Y TENDENCIAS EN LA MÚSICA Los nuevos espacios y presencias digitales han dinamitado las antiguas dinámicas de acceso a una carrera musical. En esta charla, DJ Flaca repasa su trayectoria y examina cómo ha usado estas nuevas herramientas para posicionarse en la industria como la DJ referente del ‘Urbano’.

18:30 - 19:15 A CONVERSATION WITH...SHIRLEY MANSON Shirley Manson es conocida por ser la cantante y compositora de la aclamada banda de rock alternativo Garbage. En conjunto, la banda ha vendido más de 17 millones de discos, ha demostrado ser una de las mejores actuaciones en directo del mundo y sigue siendo uno de los grupos de rock alternativo más influyentes de los años 90. Shirley ha sido citada como influencia por muchas de las mayores estrellas del pop de hoy en día, entre ellas Adele, Katy Perry, Lady Gaga, Florence Welch, Rina Sawayama y Olivia Rodrigo.

19:00 - 19:15 ENTREGA PREMIO INSPIRACIONAL KEYCHANGE Shirley Manson, como embajadora de Keychange, entregará un premio inspiracional.

DESCUBRE MÁS SOBRE ELLXS

MIM MUJERES DE LA INDUSTRIA DE LA MÚSICA www.asociacionmim.com En septiembre de 2016 se creó la Asociación MIM (Mujeres de la industria de la música) para impulsar la presencia de mujeres en todos los ámbitos del sector.

La asociación MIM participa en eventos de distinta índole relacionados con la necesidad de incrementar la presencia femenina en la industria de la música. Realiza estudios sobre la presencia femenina tanto en las partes visibles como en las no visibles de la industria, participa en ponencias y charlas que no solo promuevan la igualdad sino que propongan soluciones reales y factibles, organiza eventos propios que demuestran la excelencia y valía profesional de las mujeres, y en su web, tienen un amplio listado de artistas, para todo aquel promotor, festival o productor, que crea que tiene dificultades en encontrar artistas o bandas con presencia femenina.

KEYCHANGE www.keychange.eu Con el apoyo del programa Europa Creativa de la Unión Europea, Keychange es una red y un movimiento mundial que trabaja por una reestructuración total de la industria musical para alcanzar la plena igualdad de género.

Keychange está formada por socios que colaboran desde 12 países diferentes, trabajando de forma proactiva para lograr este cambio.

Un movimiento por el equilibrio de género Keychange pretende acelerar el cambio y crear una industria musical mejor y más inclusiva para las generaciones presentes y futuras.

Lo hace a través de un programa de desarrollo profesional para talentos subrepresentados, un compromiso de equilibrio de género para las organizaciones musicales y un Manifiesto que influye en la política.

SHESAID.SO / SHESAID.SO SPAIN www.shesaid.so

Shesaid.so es una comunidad global de mujeres y minorías de género en la industria musical.

Creada de forma independiente en Londres por Andreea Magdalina en 2014, shesaid.so ha crecido desde entonces hasta contar con más de 12.000 profesionales en todo el mundo, a través de más de 15 delegaciones, incluyendo, entre otros, Nueva York, Los Ángeles, Francia, Alemania, Suecia, Sudáfrica o España, por nombrar algunos. “Nuestra comunidad internacional es muy diversa, desde artistas, compositoras, músicas y otras creativas, hasta líderes de la C-SUITE, ejecutivas de nivel medio, propietarias de pequeñas empresas, autónomas y personas de 18 a 25 años. Nuestro trabajo incluye mentorías, contenidos educativos, programas de desarrollo profesional, eventos de networking y mucho más. she.grows, es su programa de mentoring para mujeres e identidades de género diversas en la industria musical de shesaid.so con el apoyo de YouTube Music. she.grows 2021, está teniendo lugar por primera vez en España desde septiembre, y los meses de octubre y noviembre, y será impartido exclusivamente en español.

Su principal objetivo es desarrollar las carreras en la industria musical de 10 mentees locales.

Las seleccionadas están recibiendo sesiones semanales individuales (1a1) virtuales con la mentora con la que han sido emparejadas y participan mensualmente en eventos virtuales y presenciales de formación, networking. Además tienen acceso a workshops exclusivos impartidos por referentes de la industria musical que compartirán experiencias y consejos sobre sus carreras con ellas.

Precisamente durante esta 9ª edición de BIME PRO lxs mentors y mentees de she.grows Spain, celebrarán un encuentro presencial, y asistirán a diferentes actividades tanto del programa general de BIME PRO como actividades exclusivas realizadas por el equipo de shesaid. so Spain.

RUIDOSA www.somosruidosa.com Plataforma+festival+comunidad feminista latinoamericana que promueve la participación y perspectiva de mujeres en la música e industrias creativas. Consiste en un día de CONVERSATORIOS, CONCIERTOS y CONVIVENCIA. Buscamos generar un espacio de feedback y discusión positiva, donde se pueda romper con el relato patriarcal y binario que nos rige y generar una instancia para construir un relato propio desde otra perspectiva -la perspectiva de mujeres, una perspectiva y visión que nadie más puede entregar. El enfoque es poner a las mujeres como protagonistas del relato, el escenario y cartel del festival, como también visibilizar y conocer más a mujeres que son referentes y ejemplos en este ámbito.

WE ARE EQUALS www.britishcouncil.es We Are Equals es la plataforma creada por el British Council para la igualdad de género y la diversidad en la industria musical.

Desde 2018 impulsa un programa de formación para futuros talentos de la industria musical busca servir de plataforma para proveerles de las herramientas necesarias para expandir y avanzar en su carrera. Centrada en la formación de los futuros creadores y productores de música electrónica, la #WeAreEquals – Music Academy les proporciona la oportunidad de formarse de la mano de mentores y profesionales del sector.

FEMNØISE www.femnoise.com Una plataforma digital multidisciplinar de mujeres, transgénero y personas no binarias en el ecosistema musical. Que busca -a través de la tecnología- luchar contra la brecha de género.

Femnøise ha creado una aplicación móvil, para facilitar la construcción de puentes entre las diferentes necesidades de las mujeres y las personas no binarias, artistas, trabajadores y organizaciones del ecosistema musical. El proyecto está apoyado por el programa de preincubación de la Agencia de Desarrollo Local de Barcelona y patrocinado por el Ministerio de Educación y Cultura del Gobierno de España, con la colaboración de SAE Institute Spain.

MUSAP. www.musap.art Es una organización artística-cultural orientada a potenciar, profesionalizar e internacionalizar las carreras de mujeres y disidencias en el ámbito de la música hecha en Chile.

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J o h n

A c q u a v i v a A U T O R :

T E O

M O L I N A

Aprovechando su paso por BIME PRO, charlamos con el ar tista canadiense sobre su fondo de inversión ‘Plus Eight Equity‘ del cual son asesores Richie Hawtin y Ben Turner.

Pocas presentaciones necesita John Acquaviva.

Es una de las personas más influyentes y creativas de nuestra industria. Como Dj ha recorrido todo el mundo con sus sesiones, ahora vive en Ibiza, y se le puede encontrar realizando sesiones que van desde el soul al funk al house mientras se disfruta de uno de los maravillosos sunsets de la isla. Hemos aprovechado esta entrevista para hablar con John de como ha sido su verano y de los proyectos que tiene en marcha con Plus Eight Equity que será presentado en BIME PRO 2021 y del que queríamos saber más antes de su presentación.

John, es un placer recibir en Mixmag Spain a una leyenda viva de la electrónica. ¿Cómo fue tu verano 2021?

Dependiendo de a quién le preguntes, te puede decir una cosa u otra. Algunos dicen que fue terrible, ya que no hubo fiestas en los clubes, sin embargo, decidimos sacar lo mejor de la situación e hicimos un miércoles semanal de AGUA VIVA durante todo el verano en la playa en el local ALMA EAT IS LIFE. Estuvimos todo el día hasta la medianoche y la gente venía con sus familias, niños y mascotas. Comían muy bien, además de escuchar todo tipo de música, desde soul, funk, disco y luego house a medida que caía la noche.

También pude viajar un poco más hacia el final del verano una vez que me vacuné completamente, así que tuve el placer de tocar en fiestas en Bulgaria, Croacia y Grecia. Ahora que el verano ha terminado, también viajaré para algunas conferencias de negocios como parte de lo que estamos haciendo con Plus 8 Equity, incluyendo BIME PRO, así como eventos en Colombia y Los Ángeles.

Te has instalado en Ibiza, ya conocerás las mil y una caras de la isla, ¿Qué te ofrece en tu día a día como artista? Y si te preguntamos, ¿Cuál es tu rincón favorito?

Llevo años viniendo a Ibiza, pero este es el año que más tiempo he pasado aquí, quizás el 70% y me he enamorado mucho de ella.

Vivo en el casco antiguo y disfruto mucho del lugar tan especial junto con mis amigos que también viven por aquí. Compagino la música con jugar al tenis y viajar por la isla para conocer todos los increíbles restaurantes, por ejemplo, Le Dolce Vite.

Sabemos que Ibiza es el lugar perfecto para muchas cosas, pero ¿es Ibiza un buen lugar para la tecnología?

La tecnología viene a Ibiza y hay una gran discusión en muchos frentes para traer una verdadera y fuerte base aquí en cuanto a inversiones, proyectos y demás. Nosotros estamos abiertos y trabajando para lanzar más COSAS. Estarás en BIME PRO 2021 hablando de Plus Eight Equity. ¿Cómo nació Plus Eight Equity Partners y qué va a aportar a la escena electrónica actual?

Después de construir finalscratch/traktor scratch y Beatport, y más tarde venderlos hace poco menos de 20 años, Richie Hawtin y yo sentimos que había aún más oportunidades para invertir y construir en nuestro espacio. Entonces conocí y me asocié con Rishi Patel para lanzar Plus 8 Equity Partners como el primer fondo dedicado a la tecnología musical.

Nuestra cartera habla por sí misma y pasamos mucho tiempo buscando y escuchando a todo el mundo. También somos mentores y hablamos en numerosas conferencias para compartir nuestras ideas y nuestra visión o inspirar en lo que podamos.

Después de todo lo que hemos vivido en los últimos años, la tecnología sigue siendo una parte fundamental de la música, pero en tu opinión, ¿Qué más necesita la industria actual de la electrónica?

La industria actual necesita seguir centrada en un ecosistema sano y próspero. La economía de los conciertos y de los creadores necesita que la gente gane dinero y, a veces, como en el caso de NFT, todo el mundo quiere hacer una fortuna rápida en lugar de entender cómo ganar dinero de forma sólida y cómo construir una carrera de por vida con un éxito inteligente. ¿Cómo se descubren las empresas que pueden tener “potencial” para invertir en ellas? ¿Cuál es el trabajo que hay detrás?

Se trata de una serie de factores, aquí están algunos de ellos.

1. Las personas son siempre la clave. Empieza con gente inteligente y visionaria.

2. ¿La empresa entiende y aborda una solución para hacer algo mejor, más inteligente?

3. Las personas no pueden limitarse a ser soñadoras, sino que lo ideal es que aborden cómo ganar dinero y crear valor. ¿Cómo os repartís las funciones con Rishi Patel?

Los dos somos gestores activos, pero Rishi es prácticamente una leyenda de Wall Street, por lo que es el experto en los detalles de la formalidad del fondo y, en particular, en los requisitos financieros según la normativa estadounidense.

Ambos viajamos para reunirnos con empresas, hablar y cubrir el flujo de operaciones. ¿Qué papel desempeñan Richie Hawtin, Pete Tong y Ben Turner en el proyecto?

Richie es el presidente, siento que somos como hermanos en muchos sentidos, y hemos hecho muchas cosas juntos e incluso cuando hemos estado separados siempre hemos valorado las opiniones del otro. Él y yo teníamos una primera gran pasión y visión de lo que debería ser el techno y el Dj… así que era el presidente adecuado.

Ben y Pete completan el equipo que da una visión más profunda de lo que Rishi y yo ideamos.

Colectivamente tenemos más de 100 años de experiencia en el espacio musical y eso habla por sí mismo, creo. ¿Recuerdas dónde y cómo fue tu primer encuentro con Richie Hawtin?

Conocí a Richie en 1989 en Windsor, Ontario, y luego cruzamos el río para salir de fiesta en el Shelter de Detroit. Me lo presentó nuestro amigo común Karl Kowalski, con quien más tarde también fundamos Definitive Records. Entonces invité a Rich a grabar conmigo en mi estudio de Londres, Canadá... El resto es historia.

Una pregunta muy habitual en las entrevistas, pero creemos que se puede profundizar un poco más... ¿Cómo crees que será el futuro de la electrónica?

Es una pregunta muy amplia, pero vivimos en una época de economía de los creadores y creo que los Djs, si lo piensas bien, son algunos de los creadores originales... Así que el futuro pasa por que los Djs formen parte de un mundo más grande llamado creadores. Y este mundo está lleno de muchas oportunidades ahora mismo.

Y por último, siempre has sido un visionario en tu carrera, ¿Cuál crees que será la próxima revolución en el mundo de la música y concretamente en el de la música electrónica?

Mi respuesta es muy parecida a la anterior. El futuro es apasionante y tiene que ver con el mundo más grande que conocemos, reconocemos y llamamos “Creator economy”.

John Acquaviva participa en BIME START UP! • • •

Charla: ‘Empresas tecnológicas centradas en el sector musical’ Ponentes: Turo Pekari | John Acquaviva Día: 28 octubre de 17.10 - 18.10 h

La industria de la música, en particular la grabada, ha tenido que adaptarse a la revolución digital y cambiar su modelo de negocio. Mientras que muchas compañías desaparecieron, otras surgieron adaptadas a este nuevo paradigma, modificando el equilibrio y las relaciones entre los participantes y llegando a grandes cantidades de usuarios a través de desarrollos tecnológicos nunca antes vistos en las industrias creativas. El sector de la música ha sido capaz de adaptarse a estos cambios, revelándose como el tipo de contenido ideal para atraer la atención. Estas empresas tecnológicas han logrado atraer la atención de inversores que, por un lado, contribuyeron a estos desarrollos y, por el otro, identificaron nuevas oportunidades.

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i n d u s t r i a A U T O R :

s o s t e n i b l e A L E X

D A K O V

SOSTENIBILIDAD ‘OFF THE BEAT’ “Construir nuestro futuro, nos corresponde a todos y cada uno de nosotros y si no le sigues el ritmo a esta tendencia, puede que te quedes… bailando solo”

¿Por fin? Parece que esto se acaba. Y no; no me refiero a la COVID-19 sino a la dura prohibición de no poder bailar. Aquella que no nos ha permitido poder disfrutar de nuestros conciertos favoritos, de esas noches mágicas e inolvidables en festivales de música, o de una buena pista de baile hasta el amanecer.

Parece que por fin, se ve la luz al final del túnel.

Es hora de sacarle el polvo a los altavoces, aprovisionar las barras, pulir las pistas de baile, colgar los focos y prepararnos para lo que parece que será uno de los retornos más esperados: la vuelta a los eventos. ¿Y cómo será 2022?

Es difícil predecir el futuro, pero sí 2020 será recordado en los anales de la historia de la música como el año sin baile (fuera de casa), probablemente, 2022 sea el año con más eventos de este siglo.

Porque no nos engañemos, nos pilla a todos con ganas. Desde promotores, bandas, djs, melómanos o simples

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amantes de vibrar con la energía de la música en directo, a todos se nos abren los ojos y se nos asoma una sonrisilla picarona cuando vemos las fechas y escuchamos los nombres de los primeros artistas confirmados para nuestros eventos favoritos. Algunos incluso ya estamos calendario en mano, preparando dónde y con quién queremos compartir esos bailes.

Es más, en las mejores localizaciones para eventos, ya se habla de que nunca se habían recibido tantas peticiones como en estos últimos meses.

Pero con eventos a diestro y siniestro.

Bandas y Djs locos por tocar en todas partes.

Festivales y conciertos día sí y noche también. ¿Cuáles van a ser los valores diferenciales?

Pues bien, si hay un criterio; algo que realmente ha evolucionado notablemente estos dos últimos años, no son los diferentes estilos de música ni las nuevas propuestas musicales, sino la preocupación generalizada por la

sostenibilidad, el medio ambiente y el planeta.

Dice un estudio que la mayor preocupación de los jóvenes menores de 30 años, no es el paro o la falta de oportunidades laborales, sino el medio ambiente, el cambio climático, y su impacto en el futuro.

Y aquí, amigos, tenemos una línea clara que marcará la diferencia.

Aquellos promotores que cuenten con un plan de sostenibilidad, un impacto medioambiental medido, reducido y una capacidad de comunicarlo con claridad y transparencia, serán los que se lleven la ovación final.

Pero ojo, por que aquellos que decidan no implicarse, mirar para otro lado y no priorizar su política y su impacto medioambiental, corren un grave riesgo y es que se queden fuera de ser la fiesta más deseada.

Algo que hace unos años era innovador y visionario, ahora, será prácticamente obligatorio.

Esa foto del suelo de tu evento lleno de basura, hoy te puede costar más cara que nunca.

Los promotores de eventos tienen un gran reto por delante. Eliminar plásticos de un solo uso ya no será suficiente, puesto que los eventos son una de las industrias con impacto medioambiental más notorio del mundo.

En un espacio de tiempo de unas pocas horas o días, un festival puede consumir una cantidad ingente de energía, crear una cantidad de residuos abismal, y movilizar a cientos de miles de personas creando una huella de carbono global imborrable.

Organizar un evento en el futuro, tendrá que ser igual de bonito e inolvidable, como sostenible.

Y para ello, habrá que medir el consumo de materias primas (energía, agua), minimizar el impacto y la producción de decoración u objetos de un solo uso para escenarios. Eliminar de manera correcta todos los residuos generados por el evento desde su principio hasta su fin, y tratar de reducir y compensar al

máximo las emisiones. Esto para empezar.

Vivimos ante un reto global, donde ya es innegable que todos estamos avanzando en esa dirección, más lento o más rápido, pero avanzando. Desde gobiernos, empresas y marcas, raro es quien no haya salido con un plan de sostenibilidad en estos dos últimos años.

Así que ahora, después de casi 48 meses en “pause”, le toca coger el ritmo del futuro al sector de los eventos.

Y no amigos, esto no es solo responsabilidad de promotores, directores de festivales o responsables de salas de conciertos.

Seas un pequeño proveedor de iluminación, tengas un foodtruck o seas la mejor empresa de sonido de tu ciudad, te va tocar hacer los deberes; ya que para que un evento sea sostenible, sus proveedores, también tienen que ser sostenibles.

Por ejemplo, para que un evento pueda calcular y compensar la huella de carbono, -cosa que tarde o temprano,

será obligatoria para todos- sus proveedores deberán conocer y compensar la suya, ya que indirectamente forman parte de la huella global del evento. ¿Te imaginas que te llamaran para pedirte un presupuesto en el que se incluya tu huella de carbono?

No hace falta que te lo imagines, pronto será una realidad.

Hoy, toca trabajar en equipo más que nunca, ya que la sostenibilidad, es un reto del que todos somos partícipes.

Construir nuestro futuro, nos corresponde a todos y cada uno de nosotros y si no le sigues el ritmo a esta tendencia, puede que te quedes… bailando solo. ¿Vale, y cuál es el “track”?

A pesar de que la sostenibilidad parece un tema extremadamente complicado donde informes científicos se interpretan por ambientólogos y se ponen en práctica por ingenieros, realmente es un tema que cada vez cuenta con más -y mejor- información.

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industria sostenible

Información, más sencilla, más digerible y más preparada a lo que cada uno necesitamos hacer en cada uno de nuestros negocios.

Para los que prefieren bailar de la mano de alguien, durante estos últimos años en la pista de baile han aparecido decenas de consultorías especializadas en sostenibilidad de eventos y numerosas empresas que te pueden ayudar a calcular y compensar tu huella de carbono.Solo tienes que invitarlos a tu fiesta .

Pero para todos los que preferís bailar a vuestro propio ritmo, descubrir, aprender, conocer, y desarrollar vuestro propio criterio sobre sostenibilidad, solo os puedo recomendar el mejor de los recursos con el que he tenido la suerte de toparme en mi carrera.

El Blue Standard, de Oceanic Global.

El Blue Standard, es mucho más que una guía. Es una herramienta 360º multisectorial que abarca diferentes tipos de industrias, y ofrece recursos abiertos, auditorías paso a paso, sellos y certificaciones, e incluso promociones con proveedores verificados para ayudarte a operar tu evento de manera 100% sostenible,

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Seas un experto en el baile sostenibilidad o estés dando tus primeros pasos, te recomiendo que pases a echarle un vistazo, ya que pese a su aparente sencillez, puede ser una de las herramientas más completas, útiles y prácticas diseñadas para hacer que la

transición a la sostenibilidad sea como...

ALEX DAKOV compagina su labor como responsable en España del desarrollo de programas de la ONG Oceanic Global con su papel como CEO de NEA, alternativa a las botellas de plástico de un solo uso, y Green Motive, primera marca de pajitas de papel 100% biodegradables. Decidió fundar ambas compañías impulsado por su objetivo de implantar una conciencia más sostenible en todo el mundo, promoviendo así la creación de proyectos empresariales adheridos a los Objetivos de Desarrollo Sostenible de las Naciones Unidas.

Anteriormente, también participó en proyectos globales de entretenimiento. En todos ellos tuvo la oportunidad de trabajar para grandes marcas y empresas de referencia como Circo del Sol, Red Bull o Space Ibiza lo que le valió para darse cuenta de los principales retos de la industria

del gran consumo en materia de sostenibilidad. Tras su experiencia en el sector y después de un viaje transformador en el Amazonas, decidió dedicar sus esfuerzos íntegramente a proyectos que aporten un valor añadido a la humanidad apoyándose en conceptos como la economía circular a través de la innovación. En su misión personal de crear conciencia se ha convertido en un conferenciante con una capacidad única para acercar información de calidad, datos reales y soluciones tanto para individuos como para organizaciones que ayuden a paliar algunos de los problemas a los que nos enfrentamos como el sobreconsumo de plástico y acercar soluciones que ayuden a la conservación de los océanos.. alexdakov.com

...bailar al ritmo de tu canción favorita.

Ponte manos a la obra, visita: www.oceanic.global www.bluestandard.com

r e p o r t a j e

A U T O R :

V Í C T O R

F L O R E S

Festival Wos

BATIDAS GALEGAS, una inmersión en la efervescente escena musical de Galicia.

Galicia siempre ha sido una tierra de paradojas y contradicciones, de dobles lecturas (la famosa ‘retranca galega’ -una fina ironía llevada a niveles hiperbólicos-), de enormes posibilidades y calamitosas realidades, y de talento interminable a la vez que exportable (y exportado por causa de fuerza mayor). En lo musical, viniendo de casi dos años en los que en el sector cultural y creativo ha llovido sobre mojado, y atravesando el reciente evento planetario con forma de maldición/plaga bíblica que todavía sufrimos, es posible que nos encontremos ante uno de los momentos más dulces en mucho tiempo para la creatividad y proyección de lxs artistas gallegxs.

Estamos ante un proceso de cambio que

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quizás nos ayude por fin a desprendernos de unas herencias viciadas de supuesto posmodernismo que llevamos arrastrando desde hace casi 40 años, y que algunos siguen intentando reivindicar como el náufrago que se agarra a una estacha de barco deshilachada.

En los últimos años asoma una nueva generación de artistas muy jóvenes, audaces y dotados de una mirada expansiva, que apuntala (o rebate) el recorrido tejido por los que serían sus hermanos mayores y vislumbra un presente continuo centelleante.

Dejando aparte propuestas más cercanas al, llamémosle ‘Pop’ para entendernos, y de recorrido estatal (Sen Senra, Novedades Carminha, Triángulo de Amor

Bizarro…), y otras como Néboa o Blanco Palamera, desde las profundidades atlánticas emergen proyectos artísticos con muchos menos complejos que los de sus antecesores a la hora de mezclar géneros, centrifugarlos, o adoptar la tradición musical gallega y recodificarla hacia lenguajes más actuales, con resultados tan deslumbrantes como el haz de luz del Faro de Fisterra. Sea en forma de Neo-Folk, sonidos ‘urbanos’, o electrónica (los que se tiran a ‘gastar pista’ y otros con un carácter más exploratorio), o de aquellos que pervierten cualquier convencionalismo tradicional, además de expresarse en gallego en estilos musicales hasta ahora poco habituales para ello.

r e p o r t a j e

FOLKTRÓNICA

Uno de los nombres que está en boca de todos, y en los escenarios de innumerables festivales y salas, no solo en Galicia sino en toda España (y con numerosas salidas internacionales), es Baiuca. Alex Guillán ha conseguido dar en el clavo de manera certera y muy creíble en una apuesta (muchas veces fallida anteriormente) por reunir la tradición del folk gallego y sus instrumentos, las cantigas y las voces de coros ‘clásicos’ de las cantareiras con bases electrónicas y una cuidada narrativa visual. Sin despreciar las aportaciones anteriores de otras artistas que experimentaron con los mismos ingredientes, como Mercedes Peón, no cabe duda de que el camino emprendido por Baiuca ha

ELECTRÓNICA DISRUPTIVA

Baiuca

ayudado a difundir el trabajo de otros como Xosé Lois Romero (también colaborador de este último), Aliboria, Tanxugueiras o Xandre Outeiro (Projecto ´Trepia). No directamente vinculada en lo musical con la tradición gallega pero sí en concepto e ideario, sobresale el trabajo de la francesa afincada en una pequeña aldea de Ourense Mounqup. La suya es una propuesta personalísima y con la fuerza de un huracán de categoría cinco. Con una enorme capacidad de improvisación en el escenario, ha superado comparaciones que se le adjudicaron en sus inicios y viene de presentar nuevo disco y directo, arropado por un envoltorio musical y estético fantástico.

EQX

Si hay un nombre al que al que mirar con lupa de doble aumento, este es Yugen Kala. Dos hermanos de Vigo (Héctor y Nico Iglesias) que crearon su primer disco, ‘Nothing is Original’, con… ¡16 años! Una bofetada de electrónica curvilínea (por concepto, arquitectura, influencias y contemporaneidad…) que ‘asusta’, pero deja entrever un futuro esplendoroso para una carrera que se escribirá con letras de oro. Apunten este nombre, y hablamos en unos años.

Pálida

También en Vigo cabe destacar a Pálida, la criatura del productor José Garnelo (Nelo), con un comienzo en la IDM y la electrónica voladora, y últimamente más orientado al Techno anguloso e imaginativo en estructura y sonido, con unos (largos) directos analógicos de obligada devastación en la pista de baile.

Desde el rural lucense (necesario investigar qué ocurre en la aldea de Escairón para que surjan tantos artistas y pequeños festivales más que interesantes), EQX es un misterioso dúo que se balancea entre los breaks y el Avant-Pop, los sintes huracanados y los vocales mutantes, junto a una narrativa poética (versos del poeta maldito galego Lois Pereiro), y un rotundo acompñamiento visual.

También de Lugo es Víctor García, artista multifacético con incursiones en las bandas sonoras o el desarrollo de videojuegos. Con Death Whistle, su última reencarnación tras muchos años de trayectoria, recorre oscuros paisajes sonoros y beats apocalípticos con puestas en escena en directo de intensidad y tensión máximas.

El Techno afilado de Oxygeno es también lucense, y cuenta ya con notable ritmo de ediciones en respetados sellos internacionales (Edit Select, por ejemplo).

Babykatze es el alter ego de la hispanoargentina afincada en Vigo Lucila, de estética, visuales y sonidos Neon-Punk, con cierto regusto Electroclash, pero a través de un lenguaje sonoro y visual

coherente y modernizado.

En Ourense destacan Lagoon, con un potente directo analógico repleto de melodías y beats detallistas. También es muy melódica (remezcla para Lagoon incluida), la línea que siguen los pontevedreses Músculo: electrónica con rastros Pop en formato banda. O la del ourensano John Axiom, quien desde sus primeros trabajos más melódicos y progresivos, y sin dejarlos de lado, ha ido transitando hacia otros territorios y tipos de producciones, propias y para otros artistas y bandas.

Compañero de batallas habitual de Axiom es el morracense David Granha, experimentado productor también con unos inicios en onda Progressive House melódica y un presente derivado hacia el Techno monolítico, y numerosas ediciones en sellos internacionales de pedigrí.

También operando lejos del Atlántico, los vigueses Animal Picnic, con apego por lo armónico y notable proyección internacional, especialmente en Oriente Medio y norte de África.

Babykatze

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r e p o r t a j e

TROPICATLÁNTICA

Otro de los artistas que más ha tocado en los dos últimos veranos, entre el Pop ‘tropicatlántico’ y la electrónica, es Ortiga, alter ego de Chicho González, anteriormente en un dúo irrepetible como eran Esteban & Manuel, en el que reivindicaban la enorme tradición de las orquestas de fiestas de pueblo en Galicia, un fenómeno social que merecería un artículo aparte. En Ortiga, su cumbiatropicalismogalaico sin complejos arrasa en cuanto festival pisa.

Más adelante volveremos a hablar de él.

Compartiendo sello (Ernie Producciones) con Ortiga está Grande Amore, alter ego de un jovencísimo Nuno Pico, en el que mucha ‘retranca’ galega, sintes ochenteros y una actitud muy punk se entrelazan junto a letras en galego, un posicionamiento cada vez más rotundo y claro en muchos de los artistas que aquí reseñamos, despojándose de ciertas reticencias o desafectos de sus colegas de generaciones anteriores.

BATIDAS Y TRADICIÓN ORAL

Entre las batidas (beats), los sonidos ‘urbanos’ (a pesar de lo ligeramente hueco de esta etiqueta) y la utilización ingeniosa de letras y lírica, sobresalen artistas como la personalísima y diferenciada propuesta de Laura LaMontagne & Pico Amperio: beats de hip y trip hop con cantigas tradicionales y/o medievales (Martin Codax, Airas Nunes…).

Sila Lúa

Boyanka Kostova, (busquen de dónde viene el nombre) formado por Chicho (Ortiga) y Cibrán García, en el que trap y gaitas conviven de manera armoniosa, como en su megahit ‘Muinheira de Interior’.

Y Verto son una de las sensaciones de este año (han tocado en todos los festivales galaicos): Pop en galego con alma postadolescente, dotado de gran frescura y arquitectura formal de lírica ‘trapera’.

Ortiga

PERREO GALAICO

Destacar también, a pesar de que su sonido navega entre corrientes diversas, a Mundo Prestigio, vigueses con variaciones extremas entre el Pop, la cocktail music, los beats y el rap y lo tropical, además de colaboraciones con Grande Amore, MaríaGrep u Ortiga.

O la deliciosa nostalgia ochentera e Italo de French Riviera, nuevo artefacto de David Fermoselle (ex Belop y Villanueva).

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Otro de los nombres que sin duda sonará mucho en los próximos meses, es Sila Lúa, artista viguesa con pasado en Londres y presente en Madrid y una poderosa identidad sonora y visual. Una producción muy inteligente y futurista en las bases y un flow vocal lento y cadencioso, junto a un potente reflejo visual y estético, son su mayor seña de identidad.

Comparte sello (Raso Estudio) con Baiuca o Néboa, la jovencísima compostelana MariaGrep, con recorrido por el R&B, el Trap y cierta luminosidad Pop. No podemos dejar de mencionar a Bflecha (siempre junto a Mwëslee en la sombra).

Poco que contar ya de ellos y de su sello Arkestra. Son de los artistas gallegos más irrepetibles de los últimos 20 años. Lo pulido de los conceptos metafísicos que arropan sus producciones, su sonido y la imagen de sus discos y puesta en escena hacen que jueguen en otra liga desde hace ya mucho tiempo. Respetados a escala nacional e Internacional, y superándose con nuevo disco recién estrenado, ‘ExNovo’ es difícil entender por qué no tienen -todavía- mayor proyección dentro y fuera de España. Su sello Arkestra es hogar también de gente talentosa como Elecesar, Judah, Noaipre, Timoti o Arufe.

Uno de los proyectos más gamberros es

También hay espacio para artistas muy jóvenes de NeoPerreo, que mezclan electrónica, reggaetón y otros géneros bastardos sin complejos. Como la viguesa de ascendencia cubana Toccororo: R&B, beats y Perreo, cada vez más sintético y arriesgado, y mucho Vogue. O La Eterna, desde Coruña y origen venezolano, con sesiones llameantes de perreo (más clásico) y sus potentes fiestas Booty Call.

Toccororo

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DJ’S DISCURSIVOS

Dos de las DJ’s jóvenes más activas actualmente son Akazie, viguesa con devoción por los beats y la electrónica percusiva y selvática, recogiendo los sonidos de baile de distintos lugares de todo el mundo, y su habitual compañera de batallas, Russinha, compostelana de potentes sets de electrónica tribalista, afro-house y sonidos tropicales.

Entre los devotos del Disco, destaca FonKid, también con especial apego por el Balearic. Y el coruñés Isaac Peces, experimentado selector de sonidos Disco y música negra.

Con gusto por el Bass y derivados, ICF, vigués y uno de los miembros del respetado colectivo madrileño Holydubs, y que después de su etapa mesetaria y otra en Sudamérica, está de vuelta en Galicia para agitar bien los subgraves.

Otra artista joven y muy interesante por lo personal de sus sesiones es Teresa Ferreiro, DJ de difícil etiqueta con Techno y electrónica como base y la tradición gallega, africana o latinoamericana, junto a collages sonoros diversos, siempre presente en sus sets.

Akazie

COLECTIVOS Y SELLOS

Uno de los colectivos más resueltos es La Melona, de Santiago, también sello discográfico (han editado a artistas tan interesantes como Pálida, Seda, Elba o Kadett GSI), y organizador del Melona Fest, centrado en artistas jóvenes y en la heterogeneidad y lo subterráneo como elementos diferenciadores.

También operan desde Santiago, una ciudad tradicionalmente complicada -hasta ahora- para la electrónica, las fiestas de La Señora está Muerta o Aroma Cósmico, colectivos con integrantes muy jóvenes y carteles arriesgados y novedosos.

Desde el norte del norte (Ferrol), Ferror Records es uno de los sellos gallegos más particulares y arriesgados, que apuesta por grupos tan personales como Koroiev, Chicharrón o Traje de Saliva.

En una conexión O Morrazo-Coruña, el colectivo Chalana es uno de los más activos a la hora de incendiar pistas con Trap, Beats y Neo-Perreo. Sus integrantes: Sebastian Black (también director artístico del interesantísimo Festival Varadero de Moaña -Pontevedra-), y el coruñés Judah (productor de beats pulidos para Arkestra y otros), y de apellido insigne en la electrónica de la ciudad de la Torre de Hércules (¿les suena el apellido Grobas?).

Aunque ya disuelto, no se puede obviar a los talentosos beat makers de Banana Bahía, del que salieron nombres como Elecesar, Royce Rolo, Abelo Valis o Kaixo (alma máter de las radiactivas fiestas Overdose), todos ellos ahora en activo en diferentes andanzas personales.

En Coruña, es indispensable la labor de Fanzine, de los actores más proactivos y, sobre todo, currantes e incansables en toda Galicia. Festival (con unos carteles dignos de otros festivales centroeuropeos), sello discográfico (con Roi como buque insignia, artista que está consiguiendo una proyección en sellos internacionales más que notable), escuela, radio y mil aventuras más con su socio Pablo Cubeiro (The Panic Room, otro DJ de plato fino). U otro de sus colaboradores cercanos, Lefrenk, en onda Tech-House melódico dirigido a la pista.

Operando entre Pontevedra, Vigo y Madrid, Certain Music es el sello de Jose González y Manu Gómez. Vienen de editar su quinta referencia (reedición con remezclas de un bombazo noventero de Casey Tucker), y promueven fiestas en Galicia, Madrid o Asturias con ellos a los mandos y un selecto grupo de invitados internacionales, además de liderar la organización del festival FLOP en Pontevedra.

En Ourense, es imprescindible mencionar al efervescente colectivo Dial: You_El, Mou, Pyschodandy, VHS… Especialistas en navegar por el House y Techno más subterráneo y menos clásico, la calidad de sus DJ’s y el carácter inédito y emergente

de muchos de sus invitados internacionales son sus señas identitarias. Destacar también el trabajo de Mou con sus dos fantásticos sellos: Must Be on Wax y Womb.

Otro colectivo inquieto es Salitre, capitaneado por Southear y Anxiety for Living, con una identidad Techno en lo sonoro y un concepto visual y de imagen categórico y serio. Además de las sesiones de sus residentes, invitan a los nombres nacionales e internacionales menos obvios del Techno contemporáneo.

Y muy intensas eran las fiestas queer prepandémicas de Akelarre Club, repletas de actitud, vogue y transgresión, de las que esperamos pronto regreso.

EL REGRESO DE UN ARTISTA ÚNICO

La vuelta a la música (casi 20 años después de su última publicación) de Carlos Ordóñez, uno de los pioneros de la electrónica, no solo en Galicia sino en toda España, ha sido una de las sorpresas más inesperadas y a la vez emocionantes de este año. Creador de proyectos personalísimos como Prozack, Gauss, Ciëlo, Discodé o Grado 33, su regreso (por primera vez bajo su propio nombre) es una noticia mágica para la música hecha en Galicia. De momento, ha avanzado un tema de electrónica luminosa y paisajista, ‘Retortoiro’, con un fantástico vídeo a cargo del creador coruñés Juan Lesta, y en los próximos meses publicará un EP y un álbum. Bendito regreso.

Carlos Ordóñez

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r e p o r t a j e

INCOMBUSTIBLES MUY ACTIVOS

Aunque en este artículo nos hemos centrado en descubrir los nombres que están escribiendo (o lo harán) la historia de la música reciente hecha en Galicia, no queríamos dejar pasar la oportunidad de destacar a algunos de los que vinieron antes y, sobre todo, siguen en plena forma: en Coruña Grobas y sus exquisitas fiestas Retrofuture, Fat Fish, promoviendo Modulartec (Encuentro de Síntesis Modular), Ino, (con agenda imparable en Ibiza, México, Centroeuropa…), Jose González (co-responsable del sello y los eventos de Certain Music), Dr Think en Lugo con diversas bandas y alias (Telémaco el más celebrado), Hi-Fi:Wi-Fi (nuevo juguete del veterano Doc Manhattan), o este ‘abajo firmante’

miento dentro y fuera de España desde la industria y vienen avalados por numerosos premios internacionales. Destacar también a Fanzine Fest, en Coruña (Techno y electrónica con cada vez mayor proyección nacional e internacional), y ya en formatos más pequeños otros como FLOP (Pontevedra, alrededor de la diversidad en todos sus ámbitos), Varadero (Moaña – Pontevedra: Trap, R&B, Neo-Perreo…), Música na Rúa (cartel siempre sorprendente con artistas muy jóvenes en Escairón -Lugo-) o Sona Gaifar (electrónica multifocal con artistas inéditos en Galicia en un bonito enclave junto al mar en Nigrán, Pontevedra).

artistas gallegxs forman parte por fin de carteles de festivales y salas de conciertos, que obtienen cierta visibilidad en prensa y medios más o menos generalistas, con un impulso aún más firme de industria y público, no suena atrevido pensar que esta sea una gran oportunidad de proyección para la creación musical hecha en Galicia. Y no se trata de vender humo, eso lo dejamos solo para afumar los chorizos.

Sona Gaifar

Wos

FESTIVALES SINGULARES

En el país de los más de 800 festivales de música anuales (dato de 2019, obviamente), Galicia no iba a ser menos, y aunque también aquí se da cierto colapso en número de eventos -y como en casi todos lados, una apática clonación de conceptos y carteles-, existen ciertas particularidades muy específicas en los que poder sustentar una oferta diferente (si se quiere): naturaleza y entornos muy especiales, patrimonio, gastronomía y comodidad a la hora de albergar festivales de pequeño y mediano formato que huyen de la masificación y apuestan por ofrecer algo distintivo. Es, por tanto, una oportunidad única para esos que reivindican lo dispar. Desde el veterano Sinsal, con cartel secreto (y siempre arriesgado), que celebra su formato más conocido en la mágica Isla de San Simón, en medio de la Ría de Vigo.

Sinsal

O WOS, en Santiago de Compostela: un festival único, que atomiza sus escenarios entre algunos de los espacios más singulares de una ciudad que en sí es todo un decorado fascinante, además de presentar un cartel de electrónica de vanguardia que no tiene nada que envidiar a conocidos festivales centroeuropeos de los que navegan por lo más sinuoso de la electrónica y la cultura digital. Ambos tienen un amplio reconoci-

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En cuanto a los clubes, la situación pre-Covid ya no era muy boyante, algo común a otras ciudades pequeñas y medianas desde la crisis financiera de 2008 en adelante, y debido también los cambios acelerados en los hábitos de ocio. En este entorno hostil casi-Post-Covid (aunque también una oportunidad de regeneración), destacan Mondo Club en Vigo, especialmente con su sala SUB dedicada a la electrónica, con invitados nacionales e internacionales y sólida nómina de residentes, y Trax (también en Vigo y más centrado en el Techno, con fiestas como las Wildlife de Toni Alvarez).

Fanzine Fest

En Coruña, salas grandes como Pelícano (que alberga fiestas como Retrofuture o Wake Up), y poco más que contar, ya que en Ourense, Santiago, Lugo u otras ciudades hay más eventos puntuales itinerantes promovidos por colectivos que espacios y sesiones consolidadas.

Terminado este (¿pequeño?) repaso, y confirmando que materia prima de calidad hay (y mucha), que cada vez más

*Víctor Flores es gestor cultural, DJ y programador de la sala SUB (Mondo Club Vigo), y codirector del Festival Sona Gaifar.

r e p o r t a j e

Festival Wos

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Y u g e n

K a l a

HÉCTOR Y NICO IG LESIAS SON DOS JÓVENCÍSIMOS MÚSICOS Y PRODUCTORES DE VIGO CUYO AKA ARTÍSTICO ES YUGEN KALA.

A U T O R :

P A T

Q U I N T E I R O

La madurez sonora de este dúo de hermanos en cuánto a sonidos abstractos y la electrónica más vanguardista no deja indiferente a quiénes les escuchan, y mucho menos a quiénes les ven en directo. Servidora precisamente les descubrió en la edición 2020 del WOS Festival de Santiago de Compostela, en el que presentaron un brillante Dj set de Ambient, previo al directo de Suso Sáiz. Nada más y nada menos.

Si has llegado hasta esta página de nuestro número especial para BIME PRO, habrás devorado ya el repor ta je ‘Batidas galegas, una inmersión en la efervescente escena musical de Galicia’ de Víctor Flores sobre el gran momento que vive la escena musical - y en especial la de la electrónica - en Galicia. Sin duda, que entre los ar tistas de las generaciones más jóvenes - esos que tomarán las riendas de dicha escena en los próximos años- encontremos ar tistas como Yugen Kala, es la mejor muestra de ello.

Pero...¿Qué les hace tan especiales? ¿Cómo han logrado que todos hablemos de los Yugen Kala? ¡Descubrámoslo con ellos!

Vuestro padre es ingeniero de sonido, productor musical y propietario de una sala de conciertos en Vigo. ¿Cómo ha sido vuestra infancia en un entorno como este?

Desde pequeños siempre hemos estado expuestos a la música, y obviamente nuestro padre ha jugado un papel determinante en ella, ya fuese viendo vídeos en la MTV, yendo a conciertos o posteriormente, creando nuestros propios temas. Desde muy temprana edad hemos estado ligados al campo del sonido y es a través de este lenguaje cómo nos relacionamos con el mundo y lo entendemos. ¿Qué tipo de música se escuchaba en casa?

En un principio escuchábamos básicamente lo que ponían en la radio, y a través de esa escucha diaria del camino al cole comenzamos a conocer la historia de la música pop y rock contemporánea. Poco a poco, después de esas sesiones de escucha comenzamos a interesarnos por nuevos artistas de géneros variados que van desde el jazz hasta la electrónica. Estos descubrimientos los hicimos gracias a acudir

a un gran número de festivales, conciertos y a una necesidad de exploración de músicas más novedosas e interesantes para nosotros.

Que a ambos no solo os guste la música electrónica sino también producirla…¿Os ha gustado siempre la misma música?

Desde pequeños la música que sonaba en casa era muy similar, como hemos dicho antes, pero cuando descubríamos a un artista o grupo nuevo de forma autónoma siempre nos lo contábamos el uno al otro, por lo que muy a menudo ha estado presente una retroalimentación constante que aún hoy día sigue vigente y que provoca que veamos la música desde un prisma muy similar a la vez que personal. ¿Cómo y cuándo empezasteis a trastear con máquinas para crearla?

Hace algo más de 10 años descubrimos una aplicación para crear música en el iPad llamada ‘Maschine’. A partir de ese momento comenzamos a crear música propia con mucha emoción. Más tarde, esta aplicación

sería reemplazada por su versión física. En ese momento empezamos a tomarnos algo más en serio el proceso de producción. Por otra parte, en esa época también ejercíamos como Dj’s en un proyecto al que llamamos ‘Electric Feels’, y al que aún le guardamos mucho cariño. A partir de ahí no hemos parado de hacer música, algo de lo que estamos muy satisfechos. ¿Cómo os habéis formado a nivel técnico?

Los dos hemos tocado diferentes instrumentos a través del conservatorio (Nico: guitarra, Héctor: batería, y los dos algo de piano). A nivel de producción siempre hemos sido un poco autodidactas, aunque todo hay que decirlo, nuestro padre siempre ha sido una gran ayuda en este aprendizaje, aportando su conocimiento especialmente en mixing y mastering. Fue él además quien nos introdujo en nuestra faceta como Dj’s. Y tras mucho trabajo a lo largo de todo este tiempo no hemos parado de formarnos y evolucionar tanto a nivel técnico como creativo.

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¿Qué artistas son vuestros referentes o influencias?

Es muy complicado nombrar algunos de tantos artistas que han ejercido una influencia en nosotros, ya que no solo consumimos música, sino que nos alimentamos de todo tipo de disciplina artística, e incluso no artística. En campos tan diversos como el cine, la literatura, la filosofía… De todas formas, algunas de estas influencias relacionadas con la música se pueden escuchar en nuestros mixes, playlists, sesiones… Donde se puede descubrir parte del universo de Yugen Kala.

En 2020 con tan solo 16 años nos distéis a todos una sorpresa con vuestro primer disco ‘Nothing is Original’. Un disco impecable donde presentasteis 14 tracks en formato Mixtape que fluctúan entre la IDM, el Bass, Grime, la electrónica oscura y el ambient. ¿Cómo decidisteis que estabais listos para publicar ese disco?

Pues teníamos tantos temas que decidimos que había que hacer algo con ellos, así que comenzamos un proceso en el que tomamos lo que nosotros consideramos las canciones más interesantes e hicimos que encajasen todas en un mismo formato, editándolos, produciéndolos, transformándolos para así darle al conjunto una coherencia. Una vez terminado este proceso nos dispusimos a sacar el disco, lo que fue un gran éxito en lo personal. ¿Quién os ayudó a entender cómo se creaba y se publicaba un disco? no suele ser algo que los chicos de 16 años sepan hacer, la verdad.

Siempre hemos estado interesados en el proceso de publicación de un disco, y al relacionarte con diferentes personalidades que cumplen con un papel en este proceso empiezas a familiarizarte y a entender cómo funciona (acudiendo a tiendas de discos, hablando con otros artistas o simplemente poniendo atención a cómo distribuidores y sellos discográficos publican su material). En el caso de ‘Nothing Is Original’ decidimos publicarlo de forma independiente, lo que nos dio un gran control y libertad en todos los aspectos de publicación del álbum, algo de lo que estamos muy orgullosos. ¿Cómo se gestó a nivel musical?

En este primer disco simplemente hicimos lo que más nos gusta, crear nuestra propia música sin pretensión alguna, y recoge canciones que van desde 2017 a 2019. Más tarde nos dimos cuenta de que había material suficiente para un disco, así que nos pusimos manos a la obra. Una vez acabada la parte musical nos pusimos con la conceptual, trabajando con los demás artistas visuales que aportarían una visión más extensa de lo que queríamos transmitir, ampliando todo nuestro universo artístico.

Todos estos procesos dieron como resultado lo que posteriormente sería ‘Nothing Is Original’.

El disco ha sido todo un éxito por lo poco convencional de su sonido, llegando alguna de las canciones incluso a ser número 1 en 32

los charts de Mixcloud. ¿Teníais claro desde el principio que lo que habíais hecho era tan bueno? ¿Desechasteis mucha música antes?

Como artista siempre surgen muchas dudas de si lo que estás haciendo es realmente bueno, y la creación artística es algo muy personal y aún hoy día es complicado. No tiene mucha lógica para nosotros hablar en términos duales y simplistas. Todas las piezas publicadas y el disco en su conjunto forman parte del tiempo en el que se crearon, por lo que no las interpretamos según lo buenas o malas que nos parecían, sino que surgen de una necesidad de publicar y soltar algo en lo que habíamos trabajado durante mucho tiempo, no solo musical sino personalmente. Es simplemente un reflejo de esta época en la que vivíamos.

De entre todas las canciones creadas en ese momento escogimos las más honestas y las que más hablaban directamente de y a nosotros. El disco se quedó en 14 canciones y en unos 45 minutos, que puede parecer mucho material para un disco de debut, pero que en realidad se componía de cientos de temas que hemos descartado. ¿Por qué ese formato de álbum en formato mixtape?

Al comenzar a trabajar en el estudio buscamos formas de darle unidad al álbum y nos pareció una muy buena idea presentarlo en formato mixtape, buscando que el disco se pudiese escuchar de principio a fin sin ningún tipo de interrupción. Quizás esta decisión sea un eco de nuestra relación con nuestra práctica de Dj’s. ¿Qué tipo de influencias hay en ‘Nothing is Original’?

El disco abre con ‘Manifiesto’, una declaración de intenciones íntimamente ligada a la película de culto del mismo título y su discurso sobre la apropiación, o el hecho de que ya no existan fuentes puras de inspiración. Aunque sampleamos a muchos artistas diferentes y escuchamos tanta música y tan variada, al final el resultado termina siendo único y personal, con una retroalimentación constante. ‘Silver’ comienza con el fraseo de un legendario pianista de jazz que rápidamente se convierte en una locura de samples vocales con tono alterado (uno de ellos de una conocida rapera estadounidense). ‘Fight’ es la pista más melancólica de todo el álbum, como el paisaje sonoro de un viaje en tren hacia un destino incierto. ‘Poem’ fue el single de avance del disco. Es el tema con el arreglo sonoro ‘urbano’ más claro del álbum, con “triples de un ritmo Trap deconstruido”, envuelto en una melodía metálica repetitiva y penetrante. ‘Overload’ es otro homenaje al micro-sample, con acercamiento al Grime.

‘Naive’ es el interludio, volviendo (brevemente) a la calma meditativa del inicio del álbum, antes de entrar en texturas Dark Ambient. ‘Points’ también es melancólico, elemento que aparece en todos los pasajes del disco, con una voz y una guitarra que recuerda ciertos momentos pasados de ​​ IDM o Indietronica. ‘Awake’ conduce a un Neo-Trance que explota como un trueno de

un lado a otro, entre el ensueño y la vigilia.

‘404’ podría ser el tema más ‘bailable’ del LP. 4x4 con ritmo shuffle, muchos sonidos obsesivos, como una cascada de monedas cayendo al suelo, y samples de un artista de Musique Concrete. ‘Faster’ va directo al punto de Bass, Grime y Future Beats (Con una clara referencia a Sophie). ‘Alive’ envuelve un arpegio celestial alrededor de la muestra de una conocida pieza de videoarte.

‘Lucid’ recuerda las estructuras rítmicas de los sonidos urbanos latinos. ‘Breath’ es casi un epílogo, otro guiño contemplativo antes del final. ‘Shots’ cierra el disco con una pieza cinematográfica, de nuevo con muchos samples vocales alterados, que en un principio evocan un pasaje cinematográfico clásico, pero esconden muestras del folk asiático.

Habéis publicado piezas visuales de ‘Silver’ y muy recientemente de ‘Faster/Alive’ de la mano de los videoartistas gallegos Pixel Muerto (Marta Verde y Juanma Lodo). ¿Cómo surgieron esas sinergias?

Realmente Juanma LoDo siempre ha estado a nuestro lado desde nuestros inicios y fue a través de él que conocimos a Marta Verde (aunque ya conocíamos su trabajo), así que todo surgió de manera muy orgánica. El resultado es una pieza audiovisual donde el lenguaje de internet y las redes sociales nos invita a reflexionar sobre aspectos como la construcción de la identidad online y cómo afecta a nuestra percepción de la realidad.

En el caso de ‘Silver’ con Freno, lo conocimos a través de la ciberesfera y cuando supimos que era de Vigo quisimos trabajar con él, ya que siempre es un gusto colaborar con el talento local en relaciones que nutren a ambas partes. ‘Silver’ parte de una estructura poética que sugiere cómo una relación cargada de erotismo y sexualidad da lugar a una desintegración del individuo, a un vacío.

Y por último también hemos trabajado con Rivmer (también de Vigo pero afincada en Amsterdam), que nos pidió permiso para utilizar nuestro tema ‘Breathe’ para un trabajo de su carrera universitaria que finalmente terminó siendo un video que más tarde publicaríamos y que transmite un mundo oscuro pero cautivador, en el que el sujeto experimenta un entorno 3D lleno de obras de arte oníricas.

Mencionaba al principio de esta entrevista que yo os descubrí en vuestro directo en el WOS del año pasado, antes del gran Suso Saiz. Me impactó mucho vuestra presencia sobre el escenario. Serenidad absoluta, dominando las máquinas y fluyendo entre los dos como si fuerais uno. ¿Cómo os enfrentáis al directo?

En el momento en el que salió el álbum (finales de febrero de 2020) íbamos a trabajar en el directo, pero poco después llegaría la pandemia, por lo que decidimos dejar el directo a un lado y centrarnos en material artístico (mixes, canciones, vídeos…) Ahora mismo, con la reactivación de clubs y festivales decidimos presentarnos

en un formato Dj set en el que confluyen todo tipo de géneros y sonidos avanzados y rupturistas. ¿Esa manera de fluir es orgánica o tenéis claro quién hace qué en cada momento?

En nuestros sets todo fluye de forma muy natural, para armar un set de la mayor calidad es indispensable interpretar la pista y las energías que la conforman. Además, debido a la gran cantidad de música que escuchamos tenemos una gran facilidad de adaptación, aunque nuestra marca personal siempre está presente, algo que también consideramos esencial.

Os ha tocado en pleno lanzamiento de vuestro proyecto una pandemia, lo que os ha imposibilitado poder hacer más bolos. ¿En qué festival nacional os gustaría llegar a tocar cuando todo se reactive?

Para nosotros haber tocado en el WOS es un gran honor, ya que siempre ha sido nuestro festival de referencia, al que llevamos asistiendo como público desde nuestros inicios en la música. Además, durante la pandemia tuvimos la gran suerte de colaborar en proyectos artísticos con festivales tan admirados por nosotros como MIRA o Loom. En un futuro nos gustaría presentar nuestro trabajo en los festivales ya nombrados, además de muchos otros como MUTEK, LEV o Sónar.

¿E internacional?

Nunca hemos tenido la oportunidad de asistir a festivales fuera de la península, pero en el caso de nuestros vecinos portugueses hay muchos festivales de los que hemos salido fascinados, como el Semibreve o el Mucho Flow. Fuera de la península tenemos mucha curiosidad por tocar en eventos como Berlin Atonal, Unsound, CTM o Nyege Nyege.

Estoy segura de que ya sois un ejemplo para muchos jóvenes. ¿Qué consejo poder darle a esos futuros productores que comparten vuestro mismo sueño de dedicarse a la música?

Lo más importante es la honestidad, te dediques a la música o no, es un aspecto imprescindible y esencial en todas sus formas. En el ámbito artístico creemos que es muy importante crear un lenguaje mediante el cual puedas expresarte, entenderte y situarte en el mundo que te rodea sin ningún tipo de miedo, abrazando la vulnerabilidad que esto supone. Debemos ser conscientes de que este es un proceso eterno e imposible de alcanzar, utópico. Pero pese a ello, no debemos desanimarnos y dejar de intentarlo, sino acercarnos cada día lo máximo posible al tan abstracto concepto de autenticidad. La industria musical es un terreno complicado, pero tenemos la esperanza de que si cualquiera trabaja y se esfuerza en estos aspectos, el sueño de

dedicarse a ello también se cumplirá (aunque igual suene un poco optimista de más).

Y para acabar, sé qué acabáis de comenzar a estudiar en la universidad. ¿Qué estáis estudiando?

Acabamos de empezar el primer curso de Bellas Artes en Pontevedra, que compaginamos con un curso online de cine de vanguardia en LAV (Madrid) y otros cursos de arte digital, filosofía…Siempre estamos buscando nuevos medios para transmitir y comunicar nuestras inquietudes, pensamientos, sentimientos…

Y ya por curiosidad ¿De dónde sale el nombre de Yugen Kala?

“Yugen” es un concepto japonés que describe la conciencia del universo, que desata respuestas emocionales y misteriosas demasiado complejas para ser reproducidas en palabras, y “Kala” (diminutivo de Kalahari) lo integramos por nuestro interés en el baile del ‘Gran Hambre” de los bosquimanos, que es una danza para manifestar la mayor hambre de todas, la del significado.

Seguid así chicos, porque no cabe duda de que llegaréis muy muy lejos.

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M o u n q u p E L AQ U E L A R R E E X P E R I M E N TA L D E LO S E L E M E N TO S

A U T O R :

P A T

Q U I N T E I R O

Electrónica pop experimental muy catár tica, muy personal, sin fronteras de códigos ni estilos de música. Así podría describirse el traba jo de Camille Hedouin, conocida como Mounqup; una creadora de música y videocreación y cantante francesa, establecida desde hace una década en Galicia.

Os pongo en contexto Allí es todo un referente. Destaca entre esa nueva ola de creadores y creadoras que trabajan con el amor por Galicia, y su idiosincrasia como base. Tanto, que el idioma en el que te habla cuando no lo hace en francés, es el gallego.

Ella en realidad no lo sabe, pero en otra vida fue una meiga, seguro.

Por su trabajo creativo Camille ha recibido numerosos premios y reconocimientos: Premio 34

Narf al Mejor Artista Gallego Diputación de A Coruña (2017), Premio al Mejor Artista Gallego Martín Codax (2018) y Premio Universitario al Mejor Artista Internacional de Andalucía UNIA (2018). Finalista como Mejor Directora en la categoría de Video Musical en el Festival de Cans (2019 y en 2020). Ha sido seleccionada en el programa europeo INES Talent en 2019 y por KeyChange EU en 2020. Y tiene el Premio Sonidos Mans Fundación Paideia ( 2020) y Premio Mahou - Coworking EOI- Fundación Paideia (2020).

También es dinamizadora cultural e impulsora del proyecto de recuperación de Saumede en A Bola (Ourense) a través de la asociación ‘El Pueblo’ de la que es presidenta. Abandonada hace años, trabaja en ella para convertirla en una aldea cultural en la que confluyan turismo rural, gastronomía y patrimonio.

Actualmente Mounqup está inmersa en la presentación de su último disco ‘Aquelarre’. Un trabajo que surge de una introspección de la artista durante la pandemia y de enormes cambios personales durante esta época, de lo

incierto del momento y de esa sensación de fragilidad sobre su propia vida, o de darse cuenta de la distancia que le separa de su familia en Francia, comienza a preguntarse por qué sigue en Galicia. Y como respuesta, nace este nuevo proyecto artístico, que no solo tiene forma de disco, sino que es también su primer espectáculo de gran formato “Aquelarre AVS Extended Show”, donde culminan todas esas emociones, esa búsqueda de legitimación vital y esa necesidad de entender su arraigo a la naturaleza gallega.

‘Aquelarre’ es un punto de partida para reencontrarse con su nueva ‘yo’ en reconstrucción a través de un proceso creativo que brota desde su fascinación por la naturaleza salvaje y los elementos que la rodean.

Mounqup siente que finalmente, tras 10 años en esa tierra, están empezando a crecer sus raíces, y comprende que no son solo existen las raíces biológicas -del lugar de donde uno procede-, sino que uno puede decidir dónde plantarlas y dejarlas crecer.

Bajo esta idea comienza a trabajar con una serie de elementos cotidianos como pudieran ser el agua, el fuego, la naturaleza, la madera, los metales. En paralelo encuentra una enorme alianza inspiradora en las mujeres gallegas.

Mujeres fuertes del mundo rural- como las de Maruja Mallo- que como ella, crían a sus hijos en estos entornos naturales, compaginando sus vidas con el trabajo infinito que requiere en el mantenimiento de sus hogares: cortar leña, prepararse para las estaciones, cultivar alimentos…

Y a través de ellas también descubre la mirada -desde una perspectiva femenina- del tradicionalismo y del legado heredado por la mujer a lo largo de la historia en Galicia. Con ellas, comienza su propio aquelarre a nivel personal, pero también su propio ‘Aquelarre’ creativo; poniendo en valor otra manera de hacer folklore, inspirándose en la historia que nunca que fue contada y a la vez haciendo una revisión de sus raíces tras sus 10 años de conexión con la que ya siente su tierra.

“Desde que llegué a Galicia observaba a esas mujeres del entorno rural, mujeres fuertes, que se encargan de todo, que llevan la carga mental que se encargan de la búsqueda constante de trabajo. Son las que dan las órdenes y sobre las que recae la crianza de los hijos. Mujeres que ríen fuerte. Mujeres de grandes espaldas.

Y poco a poco me fui dando cuenta de que yo también era así. También sentía que llevaba la carga, que no era la mujer frágil que pensaba.

Me sentí mucho más identificada con las mujeres del rural gallego que con las de Francia.

Luego escuché hablar de lo que es una sociedad matrilineal, de las historias de las ninfas aureanas gallegas, conocí a muchas mujeres creadoras que me inspiraron… y pensé en la importancia de ser referentes para las niñas, pensé en mi hija y en lo que quería que ella viera reflejado en mí. Y así empezó este proceso. “ - nos cuenta Mounqup.

A continuación, ella misma nos cuenta cómo fue el proceso creativo y emocional de los diferentes tracks que componen ‘Akelarre’; un viaje interno personal y de conexión e investigación con los elementos y la naturaleza, como herramienta de transformación: Es muy diferente según cada elemento. Cada elemento a su vez, es el reflejo de un momento concreto emocional y personal. De hecho, el orden del disco no es el orden el que se hizo.

Comencé con la piedra, con la idea de qué es como la piel del planeta.

Paseaba mucho por los penedos ( grandes paredes de roca), me alucinaba pensar cómo se habían formado. Tiene ese punto volcánico, hay actividad tectónica. De hecho es la primera vez en mi vida que -aunque flojito- he sentido temblar la tierra.

Y luego están esas casas construidas en las rocas, entre esas especie de burbujas que le salen a la paredes. Me parecía - y parecefascinante.

Esa capa de piedra es como la piel del planeta para mí.

Luego hice la demo del tema del agua con la idea de dos realidades.

Quería saber qué podía sacar de eso, de entrar en el elemento. De escucharlo desde fuera y desde dentro. Cambiando su realidad.

Después, cuando ya empecé a trabajar con la letra, cambió el sentido del tema.

Ahora cuenta la historia de unas ninfas que se burlan de los dramas humanos. Que piensan que nuestros problemas están muy bajos de conciencia. Algo que yo sentía también en ese momento.

Luego llegó la lluvia con la idea de la unidad en un todo.

Un tema que comenzó inspirada por Cris, una amiga mía musicóloga, que me mandó una demo de un tema muy melancólico que había hecho. Yo soy más de tristeza y melancolía que de ira y de enfado y me gustó.

Además había hecho una canción con un sonido que grabé de un artista que con su boca imitaba al ‘cloinck’ de una gota al caer. Y comencé a pensar en cómo me sentiría si fuera esa gota que cae, uniéndose a otras, formando un manto de agua que cubre todo. De lo individual a un todo.

traducción de las ondas electromagnéticas . Y encontré el de la tierra y me gustaron algunos elementos y con todo ello salió el tema.

Decidí dedicarle este tema a mi hija; quería transmitirle esa sensación de que pase lo que pase, yo siempre estaré allí, como está la tierra.

Luego llego el hierro, un tema lleno de enfado.

Me irritaba la imagen que la gente tiene de la personas fuertes, frente a esas que se autovictimizan constantemente. Había mucho movimiento en mi vida, y sentía como que necesitaba quejarme. Y de esa necesidad, salió el tema del metal. Dejé que Ableton trabajara conmigo en ese fluir, y me dediqué a gritar y quejarme y quejarme sin parar a través de este elemento.

Luego llegó el viento.

También surge de una sinergia con mi amiga Cris. Esta melodía me trajo mucha paz. El viento que se llevaba toda es revolución. Un poco como esa imagen de la meditaciones guiadas.

Luego ceniza, que en realidad es el primer tema porque lo escribí un año antes del resto.

Viví trauma de un incendio grande en casa, y sentí que había pasado en ese momento porque era como una alerta de que necesitaba un cambio. Fue como algo simbólico de que tenía que limpiar muchas cosas. Me costó muchísimo acabarlo, hacer el videoclip, todo…

Pero al final resultó el primero el disco, el tema que ilustra toda esa necesidad ardiente de cambio.

Y luego compuse el de la madera, dedicado a los amigos y familia.

Pensé en los árboles, esos seres superiores por excelencia. Estaban antes que nosotros, se nutren de la tierra y la luz, se comunican entre ellos, se ayudan entre ellos, no hacer ruido, acogen vida y no huelen mal. Algunos como los castiñeiros incluso pueden ser inmortales.

Como mis amigos para mí, a los que va dirigido este tema.

Y por último, hice el tema del fuego, ‘do lume’.

El fuego como elemento del que sale todo lo nuevo. La catarsis, el aquelarre, la renovación… y pon ende, este disco.

Espero que lo disfrutéis.

Escanea para escuchar su Spotify:

Justo ahí me acababa de separar y la investigación y creación de ese tema me acompañó mucho en ese proceso de rotura que viví.

Luego trabajé en el elemento de la tierra.

Me había mudado de casa, comencé a trabajar la tierra de ese nuevo hogar, a cavar. Y ahí pensé de nuevo en esa idea de la manta de la tierra; la capa donde hacer crecer los alimentos, la naturaleza.

Paralelamente descubrí que en la NASA tenían grabados sonidos de los planetas fruto de una 35

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#5CLAVES 4 DISCOS, 4 ARTISTAS Y 20 EMOCIONES A PECHO DESCUBIERTO

Hemos recopilado algunos de los #5Claves más especiales publicados este verano en nuestra web: mixmag.es.

Bflecha, Henry Saiz bajo su aka H.Haze, Pau Roca y AFFKT, son algunos de los artistas que nos han abierto la puerta de acceso a sus creaciones. Y como el resto, lo han hecho de una manera tan íntima y personal, que no solo hemos podido ver desde dentro cómo fue su proceso creativo, sino lo que este les supuso a nivel emocional.

Enfrentarse a nuestros #5claves no es fácil, lo sabemos. Por eso, cada vez que tenemos uno nuevo entre manos, en la redacción no salimos de nuestro asombro ante la humildad y belleza con la que nuestrxs artistas nos comparten un trocito de su historia.

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BFLECHA

NOS DA #5CLAVES PARA ENTENDER SU ÁLBUM ‘EXNOVO’’ PUBLICADO EN ARKESTRA DISCOS

“Lo escrito aquí me sirvió para componerlo y encontrar algunas claves para seguir adelante en el presente, espero que sirva de inspiración.”

Engranajes sonoros multicapa que se van activando y descubriendo con el movimiento, como si de las ruedas interiores de un reloj mecánico se tratara. Un crossover de “texturas digitales, R&B y pop deconstruido” como lo define la artista gallega BFlecha en la carta de presentación de su increíble álbum, ‘ExNovo’ (Arkestra Discos).

Compuesto y grabado a lo largo de 2019, ‘ExNovo’ consta de 12 experiencias escritas y producidas por la propia compositora y cantante BFlecha con Mwëslee como co-productor. Y acompañando las diferentes “vueltas de rueda” de esta perfecta maquinaria del tiempo: Judah GT en “Skyline”, Monkey’s Cymbal en “Máscara” y “Blázares” y Lost Twin que aparece en “Enantiómeros”, la primera incursión de nuestra protagonista en gallego, con un texto inédito del poeta y novelista Xavier Queipo.

Volviendo a citar la propia descripción con la que se presenta el disco “ExNovo es una reivindicación del vacío y del silencio, un espacio donde no se pueda contar, donde las estadísticas y los algoritmos han sido abolidos para recuperar la atención y escuchar con ojos cerrados para soñar otra vez.”

Nosotros no lo hubiéramos podido definir mejor.

‘ExNovo’ significa de “De nuevo” e indica que algo, un proceso, una investigación ha de retomarse desde el principio”. No es un disco escapista, todo lo contrario, es un disco que se hace preguntas sobre nuestra realidad y las deja ahí delante para que cada uno busque sus propias respuestas” -nos cuenta ella misma.

Aquí algunas reflexiones con las que Belén aka BFlecha nos invita a entender el álbum: CERRAR LOS OJOS Antes de nada, hay que buscar un sitio tranquilo, en silencio, cerrar los ojos a esta saturación de información e imágenes a las que estamos expuestos cada día para abrirlos a nuevas posibilidades.

La omnipresencia de las imágenes secuestra nuestros pensamientos, nuestra capacidad de imaginar… y parece que de alguna manera inhabilita el resto de los sentidos, ya no escuchamos con los oídos sino con los ojos, miramos los números, las estadísticas…

Estamos entretenidos en un mundo de millones de canales, creando contenidos que además adquieren una vida muy corta por lo que nuestro trabajo se devalúa, ya que la unidad de medida son las reacciones que tenga la publicación, no el trabajo en sí mismo.

Todas estas nuevas plataformas son las nuevas estructuras a través de las cuales nos comunicamos y trabajamos, están diseñadas y optimizadas para la comodidad y la inmediatez, pero en la comodidad está la trampa.

Creo que era David Mancuso el que decía que a veces se confunde conocer una canción (porque nos la repiten hasta la saciedad en la radio) con que nos guste. Pues creo que es lo que nos pasa con lo que nos rodea, de tanto ver lo mismo parece que las cosas no se pueden hacer de otra manera.

Necesitamos cerrar los ojos a toda esos estímulos que nos acechan y parar, para pensar y “soñar otra vez” usando nuestra imaginación para descifrar nuevas maneras proyectarnos en el futuro.

SIMBIOSIS En ‘Exnovo’ hay una intención en que los sonidos digitales y orgánicos convivan en armonía. La idea fue generar una especie de híbrido entre sonidos naturales, como caracolas, palos, piedras, gaitas … con texturas digitales, síntesis granular, etc .. Una metáfora sonora en la que la tecnología está al servicio de la vida, respirando al ritmo de la biosfera.

En la actualidad la tecnología está dominada por los intereses de unos pocos humanos, que la usan para su beneficio a expensas del resto. Pero no por ese motivo debemos dejarla de lado, sino más bien recuperarla para el bien común, hacer sistemas libres que se puedan ir modificando para adaptarla a las necesidades de los seres vivos.

La bióloga Lynn Margulis decía que no es el más fuerte el que sobrevive, sino que para que haya supervivencia y evolución a largo plazo, es imprescindible la cooperación. Creo que en general tenemos que aprender mucho de esto y ponerlo en práctica para abordar los retos que van a venir.

DESPUÉS DE LO HUMANO Cuando salió el disco lo acompañaba la pregunta de “¿Qué significa tener éxito en una sociedad que ha fracasado? ¿Qué sentido tiene triunfar en un sistema que no funciona, que nos lleva al borde del colapso?” Tener éxito en un contexto así, que nos hace competir los unos con los otros, que nos separa, que está destruyendo el planeta, en la que nuestras acciones son guiadas por deseos implantados, el único éxito posible en un lugar así es el fracaso.

Zaï, es una defensa del planeta, de los ecosistemas, de la vida; un Apocalipsis inverso en el que la roca negra que representa los fondos buitre como “Blackrock” es derrotada.

La idea fue hacer una utopía, en contraposición a todas las distopias de las que nos venimos alimentando desde hace mucho tiempo en series y películas. Creo que vimos tantas que nos cuesta generar imágenes mentales afirmativas respecto a nuestro porvenir. La idea es ponerle freno al pesimismo imperante y buscar nuevas vías para no venirnos abajo y mantener la motivación.

Por eso hay que empezar de nuevo, buscar otras maneras e inspirarse en otras cosas lejos de lo que hicimos hasta ahora.. buscar estar en el mundo de otra manera.

MODUS OPERANDI Actualmente las plataformas nos hacen competir los unos con los otros por la atención, mostrándonos sus estadísticas para que nos comparemos todo el rato. Los estereotipos sociales expresan solo vías de éxito individual y el culto a la marca personal parece que es el único modelo posible hoy en día y no nos deja ver más allá.

Este es un disco hecho en colaboración con otros artistas, como Mwëslee, Judah, Pablo Martín, Lost Twin o Xavier Queipo. Todo ellos son amigos, gente a la que conozco desde hace mucho tiempo y de quienes admiro mucho trabajo. Creo que la colaborar nos hace más fuertes, compartir puntos de vista diferentes enriquece los resultados, además de que aprendes trabajando con otras personas.

‘ExNovo’ se edita en Arkestra Discos, un sello que creamos Mwëslee y yo en el año 2005 y que desde entonces ha sido una plataforma para editar música independiente e innovadora . Nos ha permitido editar propuestas de otros artistas, ser autosuficientes, marcar nuestro ritmo de publicación sin hacer caso a los ritmos y tendencias de la “industria” y lejos de las grandes capitales y decidir de qué manera queremos editar los discos. Un sitio en donde cobijarse y sentirse seguro en estos tiempos de huracanes y tormentas.

Si queremos que sigan existiendo biodiversidad musical y que no solo haya propuestas de música “industrial (de la industria)” tendremos que abandonar esas dinámicas y sustituirlas por otras donde la cooperación e interdependencia sean los pilares fundamentales. Y así reconstruir los ecosistemas creativos tan dañados durante los últimos años.

FUERZA AFIRMATIVA Con las simultáneas crisis que estamos viviendo es normal sentir rabia e indignación, y a veces resulta difícil salir de esa espiral. Pero la verdad es que quedarse ahí alimentando esas pasiones negativas no sirve para nada. Está bien indignarse y sentirse mal, porque eso nos sirve como motor para empezar a cambiar las cosas. Y la idea es esa, es convertir esa negatividad en Potentia, en fuerza creadora.

Una filosofa que me inspiro mucho para el disco Rosi Braidotti, su pensamiento está influido en conceptos de Spinoza y Deleuze entre otros… Las ideas de las que habla me sirvieron de inspiración para apoyarme en ellas a la hora de hacer el disco y en la vida en general.

Ella habla de crear espacios para la reflexión, para entender los problemas actuales y crear herramientas para afrontarlos, e insiste en crear valores afirmativos y generativos desde lo colectivo, para unir fuerzas y redefinir lo que somos capaces de llegar a ser.

Descubre más sobre ‘ExNovo’ en: exnovo.world Fotos: White Dog Studio Escanea y escúchalo:

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HENRY SAIZ

NOS DA LAS #5CLAVES DE ‘TRISTE’

Álbum debut bajo su nuevo alias H. Haze

H.Haze, es el nuevo proyecto de Henry Saiz que debuta con “triste”. Este nuevo mundo musical de H.Haze está lleno de imágenes, recuerdos y un inmersivo sentimiento de nostalgia. En su sonido caben etiquetas como bedroom-music, vaporwave-urban, retro-futurismo y muchas más. Pop electrónico del 2021 con la personal firma de este ecléctico artista.

LIBERTAD CREATIVA Y DIFERENCIAS CON HENRY SAIZ H.Haze es un proyecto cuya principal misión es servirme como forma de expresarme a nivel muy personal, no quiero rendir cuentas a nadie más que a mí mismo y me lo tomo con una absoluta libertad a la hora de producir y componer, tal y como hago en todos mis proyectos pero aún más ya que al no tratarse de música de baile que tenga que ser pinchada por un Dj puedo manejar cualquier tempo, rítmica y estructura. En la música de club inevitablemente tienes que jugar dentro de unos parámetros para facilitarles el trabajo a los Djs. Como Dj además de productor entiendo por qué y no me importa ceñirme a ciertas reglas cuando hago música de Club como Henry Saiz, pero algo que me atrae muchísimo de H.Haze es que puedo dar rienda suelta a mi creatividad a un nivel aún más grande, puedo explorar cualquier estilo y unificar todo ese collage musical con el tipo de tratamiento de producción, mi voz y letras autobiográficas. Soy un melómano absoluto y disfruto de casi cualquier estilo musical así que necesito tener proyectos artísticos donde dar rienda suelta a toda esa inspiración.

EXPERIMENTACIÓN TÉCNICA Más allá de la libertad creativa con la que siempre hago música quería además salir de la zona de confort, reinventarme a todos los niveles incluido el técnico. Como productor tengo muy claro que el estilo de producción, los sonidos, las atmósferas, la ecualización, la textura, todo marca el tono emocional del disco. Quise experimentar en todos esos aspectos para plasmar exactamente como me sentía. Por eso el sonido de “triste” tenía que ser oscuro, profundo, melancólico, psicodélico y mil cosas más para poder abarcar el abanico de sensaciones por las que pasa el disco, desde el principio totalmente depresivo de “triste” hasta el final esperanzador de “Ya me fui, no estoy” en el cierre.

Para ello he creado todo tipo de técnicas de producción para texturizar el sonido de la producción y de mi voz, haciendo especial hincapié en la textura y el ruido de fondo de los instrumentos, el aire de mi voz y todo lo que pudiera resaltar esa atmósfera lo-fi que a veces consigue transmitir más aún que las propias notas musicales.

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LA IMAGEN. CREAR UN NUEVO PERSONAJE ARTÍSTICO. Siempre cuido mucho el aspecto visual, ni que decir tiene que hoy por hoy es absolutamente esencial. Con H.Haze quiero recrear todo ese mundo visual artístico que adoro y que no encaja en mi perfil como Henry Saiz o Hal Incandenza. Todo el mundo del anime y de la ilustración siempre me ha fascinado e influenciado increíblemente, no solo por la estética sino por la forma de entender la belleza y las formas de la cultura japonesa, el cuidado por el detalle, la atmosfera, los silencios, las texturas, ese es el tratamiento que le he intentado dar a mi música, cuidando hasta lo casi imperceptible, intentando emocionar con las sutilezas y los detalles.

Todo ese mundo estético visual de obras que me influencian cabe en este proyecto. Desde el anime de Satoshi Kon o series como Adventure Time o la estética Cyber-Punk, el vaporwave y mil cosas más. También hay mucha influencia de series y películas de mi infancia. Mucha gente no lo sabe pero también soy diseñador así que he aprovechado este proyecto y la pandemia para retomar toda esa faceta y me he hecho cargo de todo el apartado visual también, desde la portada hasta los videos que vendrán. Incluso he acabado haciendo la portada del álbum de mi amiga Ana Torroja (álbum del cual he producido la mayoría de tracks junto a Maxthor y Pional) así que crear H.Haze me ha hecho estar activo y embarcarme en muchos proyectos diferentes y refrescantes.

Sin ir más lejos el video lyric que hice creando un collage con algunas de mis obras de anime favoritas que narra perfectamente lo que ocurre en el disco.

LAS LETRAS Una de las cosas que más complicadas e inalcanzables me parecían cuando empecé con el proyecto fueron las letras. Nunca pensé que pudiera terminarlas sin ayuda, las dos únicas colaboraciones en las letras que hay en el disco fueron por puro placer de colaborar con mis hermanos Luis M.Deltell y Eloy aka Ghost Isle que hace un featuring en “Soledad”. Crear el estilo de las letras fue un proceso agotador mentalmente pero súper terapéutico, la elección que haces de palabras cuando estás escribiendo en modo automático es muy revelador y si sabes entender a tu subconsciente te da mucha información sobre ti mismo. Sobre qué valor le das a tus emociones al usar una palabra u otra. Al final lo más honesto me pareció escribir tal como pienso y hablo, sin artificios e intentando retener el máximo contenido en el lenguaje más sencillo.

Cuando hablas desde el corazón y desde tu verdad se nota y es todo lo que importa.

LA ESCUCHA PRIVADA Me decidí 100% a editar el disco y desarrollar este nuevo proyecto tras una serie de audiciones muy emocionantes con personas muy cercanas a mí, amigos íntimos y familia cercana. Casi todas por Zoom o Skype por obvias razones. Fue increíblemente motivador y hermoso poder oír este disco tan personal con mis padres, mi hermano, mis mejores amigos incluso mi grupo de Patreon y que todos lo entendiesen y les emocionase, eso me hizo darme cuenta de lo mucho que podemos empatizar todos hoy en día con las emociones contenidas en “triste” y sentirme más unido a ellos.

Parece cosa de magia o sugestión pero a raíz de mostrar el disco y editarlo he conseguido pasar página con muchos aspectos negativos de mi vida y el proyecto me ha servido realmente como proceso terapéutico, hay miles de cosas de las que quiero hablar con H.Haze así que el viaje solo acaba de empezar, ojalá muchos y muchas de los que me siguen como Henry Saiz se unan :) Escanea y escúchalo:

PAU ROCA

NOS DA LAS #5CLAVES DE ‘EUPHORIA’ Su primer EP de música original en solitario

Presentábamos este agosto en nuestra web, una colección de Balearic House, fresquito y lleno de matices, de la mano del ‘gourmet made in Spain’ Pau Roca.

En su primer ‘solo EP’ el capitán de los sellos Escola y Bons Records, presenta cuatro pistas de un elegante y atmosférico retro house & trippy breakbeat. Un Pau con un sonido realmente maduro, digno del sello de L.A. Pleasure Of Love.

Pau Roca nos dejó estas #5claves de este EP tan especial para él. Descubrámoslas: TIEMPO Parece obvio, pero me ha costado entender que para hacer música es importante el tiempo.

Sentarse a crear sin la presión de tener que acabar algo a contrarreloj o porque los tiempos del mercado lo exigen o te impones tú. ‘Euphoria’ es un conjunto de canciones que pude componer durante el confinamiento, con tranquilidad y sin ningún tipo de estrés; aparcando un tema y volviendo a él al cabo de unos días habiendo descansado bien. No esperaba que pudiera dedicar tanto tiempo a hacer música y fue gracias a la Covid-19, así que es de lo poco (o lo único) que puedo agradecer a esta situación que hemos vivido.

CONFIANZA Hace cosa de tres años, cuando saqué el disco de edits en Pleasure of Love, el dueño del sello Dino Soccio (dj y selector brillante por cierto) me dijo que le encantaría sacar un EP de tracks “originales” míos al escuchar una demo. Que me lo tomara con calma, pero que supiera que en POL tenía mi casa y que quería hacerlo a corto plazo. Así que creo que gracias a su confianza ha podido salir ‘Euphoria’.

Creo que el hecho de saber que alguien como Dino estaba esperando mi música me ha empujado a acabar algo y atreverme a sacarlo.

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MEZCLA Una vez que decidimos con Dino los tracks del disco, me di cuenta de que podía mejorar mucho la mezcla. Tampoco tengo un estudio preparado para hacer una buena mezcla (es muy austero y simple, la verdad) y es algo que he de mejorar en todo el proceso de producción, por lo que Salva Coromina (MouseUp / Absis) me recomendó que hablara con Jorge (Uranio Empobrecido) para que me echara un cable con la mezcla. Creo que sin su ayuda el disco no sonaría igual.

PAL JOEY Llevo años obsesionado con la carrera de Pal Joey, quien probablemente sea el artista house más infravalorado que hay. Ha producido a Bjork, Deee-Lite, Sade… El remix para The Orb es una preciosidad, además de sus diferentes aka’s. Y como Dj es increíble también.

No sé, para mí y para muchos es una figura de culto, sin más. Hace un tiempo lo invitamos a pinchar a una fiesta Affaire en Razzmatazz, hemos ido manteniendo el contacto y cuando le envié el track ‘Euphoria’ me dijo que le encantaría hacer un remix, escribir una letra y cantar. El resultado es maravilloso bajo mi punto de vista.

Un remix súper especial. Es un sueño tenerle en el disco.

DISEÑO Creo que, por poco que se pueda, cualquier EP debería presentarse con un diseño de portada.

Puede que un EP no explique tanto como un LP, pero sigue teniendo una portada y desaprovechar ese espacio para comunicar es perder una gran oportunidad. Con Dino tuvimos claro que queríamos una ilustración que reflejara la música del disco y a Òscar Medina le encantó la idea de diseñarlo. Supo leer a la perfección lo que buscábamos y el resultado no puede ser mejor.

Ha quedado precioso, estoy muy contento.

Escanea y escúchalo:

AFFKT

#5CLAVES DEL LP ‘THE BIG PICTURE’ DE AFFKT ‘EUPHORIA’ Es su tercer álbum y lo ha publicado en el sello alemán Mobilee Records

En este nuevo disco, el valenciano AFFKT nos regala una visión de los últimos (y nada sencillos) años desde una perspectiva muy positiva.

Es además su largo más sincero y personal.

Aquí van las #5Claves de este largo publicado en la reconocida escudería alemana Mobilee Records:

CONCEPTO Y FORMA El título The Big Picture’ sugiere la capacidad de captar conceptos, ideas y posibilidades abstractas. Lo que podríamos llamar también pensamiento global, es decir ver la totalidad de un panorama o de una situación. El disco quiere ser una inyección de optimismo y al mismo tiempo reflejar lo que he sido, lo que he vivido y en lo que me he convertido en este momento. Estoy en una edad en la que me siento tan bien mirando al pasado como mirando al futuro.

No ha sido algo premeditado, pero este álbum sale justo cuatro años después del anterior, y a su vez el anterior también surgió cuatro años después del primero. Con la perspectiva del tiempo parece que enfrentarme a proyectos en formato de larga duración me sirve para asimilar e ir cerrando etapas vitales.

Cuando trabajo en un álbum, la perspectiva, el concepto y la forma son muy distintos a cuando lo hago para un EP, single o remix. Y lo cierto es que disfruto mucho desarrollando historias más largas, pues su duración me da la posibilidad de trabajar con tempos distintos y estilos variados a los habituales en el EP o en el single.

Las canciones de este disco esconden momentos inolvidables de mi vida condensadas en cápsulas sonoras, sensaciones y recuerdos que quizá solo pueda expresar con la música y que espero que no dejen indiferente a quién lo escuche.

COLABORACIONES En este trabajo han colaborado una vez más muy buenos amigos y grandes artistas, que sin duda han sumado y enriquecido la historia.

Sutja Gutiérrez es un gran amigo y compañero de batallas; después de tantas canciones y proyectos juntos siento que en lo que a nuestras colaboraciones se refiere, estamos en un punto de madurez, solo hace falta escuchar ‘Let It Burn’ y ‘Zambomba’ en las que ha bordado su parte, convirtiendo ambas canciones en piezas atemporales.

Otra colaboradora vocal es e11e, con la que no había trabajado hasta ahora pero con la que estoy seguro de que repetiré. Con Elle, aka e11e, hubo conexión desde el primer momento, la letra que escribió habla de los sueños, tomando prestado su título de la famosa película de 1997 de Alejandro Amenábar.

Alex Ross, otro buen amigo y grandísimo batería afincado en Múnich, al cual conozco de mi etapa de prácticas en un estudio en la ciudad germana y con quien hice las primeras canciones como AFFKT. Colabora en ‘Zambomba’ donde es la batería principal de la canción, y en otros temas del álbum también con arreglos de batería que ayudan a que las canciones suenen más orgánicas y naturales, ya que mi principal objetivo era que sonara como una banda, una banda con muchos matices y colores distintos pero una banda al fin y al cabo.

Nacho también conocido como Piek es sin duda una de las personas con más talento que conozco. Nos conocimos hace ya muchos años y es siempre un auténtico disfrute poder colaborar, no es casualidad que mi anterior álbum también lo acabara junto a él. ‘Adiós ayer’ es un continuo crescendo, como si de una mascletà se tratara, y es a la vez un tributo al icónico DJ y productor ibicenco José Padilla, que falleció recientemente y que sin duda es un referente para mí.

LA CANCIÓN ‘UELI’ La canción ‘Ueli’ está dedicada a mi abuela, que falleció hace poco más de un año; ella era muy importante para mí, y yo lo era para ella. Una pérdida como ésta te hace reflexionar sobre tu lugar en el mundo y sobre la percepción que uno tiene del tiempo, por lo que en realidad creo que su pérdida ha influenciado todo el álbum.

Esta canción, a pesar del sentimiento de tristeza, quiere transmitir justo lo contrario, ganas de vivir y disfrutar del momento. Para final de la canción rescaté una grabación en la que se escucha a mi abuela diciendo ‘encara no l’havies provat?’ (¿todavía no lo habías probado?). Me puedo imaginar perfectamente la cara que hubiera puesto si hubiera podido escuchar la canción.

LA CANCIÓN ‘END OF THE ROAD’ Esta canción titulada ‘El final del camino’ contiene unas líneas escritas por mí, pero leídas por una voz robótica de un generador de voz, y dice así: “Desde la cima de la montaña se puede ver el final del camino Nada parece igual desde este punto Los viejos miedos han desaparecido y todo parece tener más sentido La visión y las sensaciones desde aquí arriba son tales Que sin duda ha merecido la pena.”

Pienso que el álbum es muy visual y cinemático, así que pensé que situar al oyente para hablarle de la vida, la muerte y de cómo me siento era algo esencial, para entender mejor la historia que cuento.

INFLUENCIAS Mi primer álbum ‘Punto 0’ fue un proyecto conceptual, buscando la esencia y las raíces de mi sonido. Con el segundo ‘Son of a Thousand Sounds’, Hijo de los mil sonidos, quise condensar todas mi influencias y hacer un álbum colorido a la par que redondo. Con éste, mi tercer álbum, siento que ya no tengo tanta necesidad de explicar quién soy y de dónde vengo. Para mí era prioritario hacer un álbum de esos que, cuando acabaras de escucharlo, te apeteciera oírlo de nuevo.

Ahora, con la perspectiva que te da dejarlo reposar, creo que tiene muchas influencias, desde el hardcore melódico que escuchaba de adolescente, a los grandes discos de electrónica de finales de los 90, pasando por influencias de cuando era niño en los 80 de sonidos New Wave y también me he nutrido de muchas influencias recientes y actuales.

Descubre más en: soundcloud.com/affkt Fotos: Raquel García Vendrell Escanea y escúchalo:

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A U T O R A : P A T Q U I N T E I R O F O T Ó G R A F O : I M P U L S A V I S U A L

Rafa Barrios TENDIENDO PUENTES MUSICALES ENTRE CONTINENTES

Si hablamos de embajadores y/o artistas que son puente entre nuestro país y el continente americano, hablamos de Rafa Barrios. A sus 35 años - cumplidos el día antes de hacer esta entrevista- este sevillano, natural de Arahal se ha ganado un puesto entre los grandes. Y es que ya lo dice el refranero popular de las pistas de baile ‘No Rafa, No party”, claim que -por cierto- surgió del mismísimo Carl Cox, quién tras una sesión en un BPM en la que pinchó un montón de tracks suyos le dijo en los camerinos, que así era, que si una noche no pinchaba tracks suyos, no había fiesta.

Cercano, cariñoso y simpático como pocos, Rafa es uno de esos artistas que durante sus sets crean familia y elevan la pista al nivel de fiesta. ¿Su fórmula?

Hacerla vibrar a base de temazos Tech House cargados de groove y aderezados con esos toquecitos de percusión que le caracterizan. ¿El resultado? El perfecto maestro de ceremonias para cualquier evento de electrónica. Y es que a Rafa no hay dancefloor que se le resista, ni clubber en todo el planeta que no le disfrute en una fiesta.

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Tanto es así, que desde enero el sevillano ha realizado ya 40 shows por EE.UU. con paradas en N.Y, Miami, L.A, Orlando… siendo uno de los pocos españoles que giraban fuera, mientras aquí estábamos sumergidos aún en plena pandemia. Estaréis de acuerdo conmigo en que el dato, es un claro indicador de la pasión que nuestro artista de portada levanta tras nuestras fronteras. Un artista de referencia también en Latinoamérica para los amantes del género en Colombia, Venezuela, Chile, Paraguay, Uruguay, Argentina, Panamá…

Por todo ello, en este número especial que os presentamos en BIME PRO, y aprovechando este encuentro en el que nos encontramos la industria musical de nuestro país y la del continente americano, ponemos en portada a Rafa Barrios, para rendirle un sincero homenaje por sus logros y su carrera.

Algo que pocos saben de ti, es que antes de ejercer de Dj, ya eras productor. En 2012 fue cuando comenzaste a pinchar y en 2013 ya lo estabas haciendo en Nueva York y Miami. ¿Cómo era la vida de ese joven Rafa Barrios en aquel momento? ¿Cómo fueron esos comienzos en esto de la música electrónica?

Mis comienzos fueron difíciles porque trabajaba con mi padre en una empresa de mantenimiento agrícola y prácticamente no disponía de tiempo. Pero en 2008 fuí a Ibiza y vi a Carl Cox pinchar y ahí entendí que lo que yo quería hacer era producir. Así que a mi vuelta me puse manos a la obra, investigando software y hardware para hacer mis propios temas.

Recuerdo que mis primeros temas, yo pensaba que eran unos temazos. Y ahí estaban mis amigos para decirle que aquello era infumable.

Ahora lo pienso y tenían razón (risas). A todos nos pasa al principio, supongo.

Ya en 2011 la cosa sonaba mejor y empecé a enviar temas a sellos que eran fuertes en ese momento - bueno y lo siguen siendo- como Suara, Liebe Detail y llegaron los primeros gigs con ellos.

En 2012 me invitaron a pinchar a La Riviera en Madrid. Recuerdo que pinché a primera hora, vamos que no estaban ni los camareros, pero yo como si estuviera antes 10 mil clubbers. Y mira, de ahí me llevaron a tocar a Space Miami y Pacha NY.

Y esas fueron mis primeras fechas internacionales… Y ahí ya hablé con mi familia y planteé la idea de dedicarme a la música por completo, o al menos intentarlo.

Una carrera como la tuya, debe estar llena de anécdotas. ¿Es verdad eso de que te echaron una vez de un evento por tirarle a la cabina un pendrive a Carl Cox? ¿Cómo fue eso?

Anécdotas tengo para aburrir, casi cada fin de semana me pasan algunas.

Lo de Carl Cox surgió porque a mi me encantaba él. Cómo pinchaba, cómo armaba sus fiestas, todo. Era - y es- mi Dj de referencia. Pero no tenía ni idea de cómo hacerle llegar mi música.

Así que me fui con un amigo a ADE en Ámsterdam y habíamos preparado una bolsa con 15 pendrives, y me puse en primera fila y se los fui tirando uno a uno a la cabina a ver si lo pillaba.

Claro, alguien me vio y le dijo a los de seguridad que había un chico “tirando cosas”... imagínate.

Me sacaron del evento. Y yo explicándoles que solo quería que escuchara mi música, que sabía que no estaba bien, pero que claro no tenía otra manera de acceder a él. No me dejaron volver a entrar, estaba claro.

Pues cual es mi sorpresa, que un día en el coche con mi padre, íbamos escuchando ‘Carl Cox Revolution’ y puso un tema mío. Así que mira por dónde, no fue tan mala idea “tirarle pendrives· a Carl Cox en Ámsterdam.

Pues sí, mereció la pena (risas). Ahora que hablas de tu padre. Imagino que tu familia, ha sido un gran apoyo en tu carrera.

El apoyo de mis padres ha sido vital. No lo veían bien al principio porque era algo desconocido para ellos, pero luego ya siempre han estado ahí. Mi novia - ahora mi mujer- también siempre me ha apoyado.

De hecho, recuerdo que la primera vez que un promotor me llamó preguntándome por mi nombre artístico para un cartel, decidí que sería Rafa Barrios, por él. Mi padre se llama también Rafael y recuerdo decirle “ Papá, me pongo Rafa Barrios, para que así tu nombre esté por todo el mundo”. Y así fue como nació Rafa Barrios. ¿Qué piensan ahora tus padres y tu mujer, Nazaret, sobre tu carrera? ¿Van a verte pinchar?

Ellos saben que ha sido muy complicado llegar a donde estoy ahora mismo y me tienen en una burbuja. Me cuidan mucho y son mis mayores fans. De hecho, este 16 de octubre toqué en el Auditorio Rocío Jurado de Sevilla, y vinieron a verme. Con todo lo que ha supuesto la pandemia, llegar a un evento ante 7000 personas, y en nuestra tierra y ver lo que allí ocurrió, se que les ha dado mucho mucho orgullo. ¿Y tu pandilla?

Son mis amigos de toda la vida, crecimos e hicimos todas las gamberradas juntos. Uno es 43

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ingeniero, otro herrero, otro policía, otro electricista, otro camarero … y me lo paso muy bien cuando nos vemos, aunque con tantos viajes puedo verles menos de lo que me gustaría.

Se que se alegran por mí, y los quiero mucho, aunque cuando nos veamos me llamen con los mismos motes de pequeño - siempre me están jodiendo-. Hay cosas que no cambian aunque hayan pasado 20 años. ¿Qué música se escuchaba en casa cuando eras pequeño?

Siempre he escuchado bandas de música de cornetas y tambores de Semana Santa. Ha sido algo que me han inculcado desde pequeño, de hecho siempre me pillo vacaciones para ir a ver las procesiones con mi familia.

Mi madre era a su vez muy fanátic de Julio Iglesias. Te prometo que me se de pe a pa todas sus canciones. Te las canto cuando quieras (risas).

Tu padre es herrero, y trabajaste con él muchos años. De ahí debe nacer esa afición tuya por trastear aparatos. ¿Eras el típico chaval que desmontaba la radio? !Totalmente! y no solo la desmontaba, sino que era el típico - como me decía mi abuela- que cogía la antena y la ladeaba. ¿Cómo es tu actual estudio y qué lo diferencia al que tenías cuando empezaste a producir?

Al principio tenía un estudio en la cochera de casa de mis padres. Aquello ni tenía acústica ni nada. Una mesa de escritorio, una tarjeta de sonido, un teclado y dos altavoces. Pero creo que para empezar tampoco se necesita tanto.

Bueno lo de la acústica si es importante (risas).

El estudio insonorizado que monté ya cuando tuve mi casa, es otra cosa. Y claro, ahí ya cambió mi sonido. ¿Cuál es la máquina del estudio a la que le tienes más cariño?

A la Roland TR-8, siempre me la llevaba al principio a los directos y es sin duda una herramienta clave para producir mis beats.

Hemos seleccionado cuatro momentos clave en tu trayectoria para viajar por tu carrera.

Cuéntanos ¿Qué supusieron esas fechas? ¿Qué recuerdas de ellas?

El primero en 2014, en el BPM en Playa del Carmen en enero de 2014.

Recuerdo que estaba muy nervioso, era mi primer BPM. Fíjate si estaba nervioso que antes de mi pinchó Christian Smith y tenía unos efectos puestos en la mesa. Pues cuando comencé, toqué los primeros cinco tracks con el efecto. Yo sabía que no me sonaba bien, pero no era capaz ni de saber por qué (risas).

Pero la verdad es que al final, hice un set que ni yo me lo esperaba, y fue un gran paso para mi trayectoria en Latinoamérica.

El segundo en 2015 en Isla Margarita, Venezuela.

Recuerdo que fue en el Festival Partai en la piscina del Hotel Hesperia con unas 4000 personas. El festival era de jueves a domingo. Y 44

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a mí me tocó el domingo. Pinchaban Djs locales y cerraba yo. En principio terminaba a las 6 de la mañana, pero los promotores me dijeron que si quería que siguiera… Acabamos a las 11 de la mañana.

Además ese evento se estaba retransmitiendo por YouTube, y fue una auténtica locura, marcó un antes y un después en toda mi carrera, tanto en LATAM como EE.UU.

porque me había pedido música, y él tenía justo una gira por Argentina. Así que como la vocal es hispana, y como Facundo además es argentino, lo puso, y eso fue una bomba.

Explotó.

El tercero en 2016 en Space Miami.

Fue una maratón con Chus & Ceballos, donde tocamos 11 horas y media… Lo recuerdo como si fuese ayer.

Ese evento, me dió muchísima fama en Miami, Florida, NY, Texas , L.A, San Francisco… en prácticamente todo Estados Unidos. Un vínculo que perdura.

Cuando hice ese track, había hecho otro track antes que se llamaba ‘Lucerito’ que tenía la misma vocal. Pero lo había sacado en un sello muy pequeño, así que decidí hacer una versión en condiciones del track y le llamé “ Ilusiones’ y fue otro de esos momentos que marcó mucho mi carrera.

El cuarto en 2018 en un aniversario del elRow en Viladecans.

Fue la primera fecha que me dieron en un aniversario de elRow y lo hacía en la Terraza.

Recuerdo que tenía mucha presión, tenía a todas las agencias viéndome, al equipo de elRow que me habían dado esa oportunidad. Y resultó mágico.

Tenía un set muy trabajado y cuando llegué vi que tenía que tirar cosas que no tenía preparadas, y salió fantástico. Aún lo escucho de vez en cuando. Me encantó esa fecha.

Y desde entonces trabajo mucho con la familia Arnau por todo el mundo.

Al igual que hemos hecho con esas cuatro fechas destacadas, hemos seleccionado cuatro tracks tuyos que creemos que han marcado los inicios de tu faceta como productor.

‘Distraído’ ( Agile Recordings, 2015) cuenta solo en YouTube con más de 3 millones y medio de visualizaciones.

Aún recuerdo cuando cogí esa vocal del escritor Facundo Cabral y se lo mandé a un par de amigos y me decían - al principio- que estaba loco, que cómo iba a meter en un track la voz de un hombre haciendo un discurso, hablando de la vida…

Y esa misma gente, me llamaba días después diciendo que no podían parar de escuchar la voz, y lo que decía. Qué verdad tenía.

El track lo puso por primera vez Uto Karem . Yo le había mandado este tema junto a otros

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Una comida: las papas fritas.

Un lugar especial: Sevilla.

Que te viene a la cabeza si te digo Nazaret: Mi primer apoyo desde el inicio. Rafa Barrios no sería nada sin ella.

Y si te digo Arahal: mi casa, un pueblo maravilloso, el lugar donde disfruto de mi familia. Deberíais conocerlo.

‘Illusiones’ Sabb Ft. Rafa Barrios (ITH (Defected In The House,2013) con más de 2 millones de reproducciones solo en Spotify

Fue un track que lo ponía Luciano, Carl Colx, Nic Fanciulli… sonaba en todas las radios del mundo. Recibí mucho apoyo. Le tengo un gran cariño a esta track.

Y ‘Palabras’ incluido en Balearica 2014 (Compiled by Chus & Ceballos) o ‘daledalehey’ (Intec, 2015), ambos también con casi dos millones de reproducciones.

Son otros de los grandes temas que han influido más en mi carrera en Latinoamérica.

Tenía una vocal hispana, y salió por el sello de Carl y fue el disco más vendido de Intec. De hecho durante tres años, Carl Cox lo pinchaba en todos sus shows. ¿Cuál es el tema que más te piden?

Sin duda ‘Distraído’. No puede pinchar Rafa Barrios en una fiesta y no tocarlo, van unidos. la gente lo pide siempre. ¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Cómo te enfrentas a la pista en blanco?

Siempre igual. Cojo un patrón de un minuto, y comienzo por la base. Si veo que esa base no tiene ese swing que busco, ese sonido groove con percu que siempre me mueve, lo borró y comienzo de nuevo.

publicar en mi sello la verdad.

Hacía mucho que no tenía un sello y le gusta darle mi identidad. Y la mejor manera de darle identidad a un sello es publicando tú mismo en él. ¿Qué tipo de artistas encajan en el sello?

Pues toda la música buena, me es indiferente que sea más House, mas Tech House o más Techno. Si me gusta, y la pincho, la saco. No me cierro a un estilo concreto. ¿Qué cositas nos puedes adelantar del sello?

Estamos preparando bastantes showcases, ya hemos hecho alguno. Pero ya os adelanto que entre los próximos estaremos en enero en BPM, Costa Rica, Tamarindo y en el Ultra Music Festival.

Echando la vista atrás y a la vez mirando hacia el futuro ahora que parece que vuelven los clubs a ‘cierta normalidad’: ¿Por qué clubs o promotoras sientes un cariño especial?

Tengo muchas promotoras que ya son amigos. elRow siempre me ha tratado genial, todo su equipo siempre me ha tratado con mucho cariño. También la gente de TheKlan de Chile.

También la promotora de mis amigos ‘Human I Like’ de Miami. Gente como la de la promotora de Mike Nervous que siempre me ha dado muchas oportunidades en Nueva York.

Y para cerrar, volvemos a viajar al otro lado del océano ¿Qué te gustaría decirle a esa enorme base de fans que tienes por todo el mundo?

Tengo mucha suerte. Soy un artista con suerte, tengo mucho apoyo de mis fans y en muchos lugares del planeta.

Tengo algunos incondicionales que hace 10 años, cuando aún no tenía tanta fama, ya me escribían y venían a ver, y eso es de admirar.

A todos, lo que me gustaría decirles es que gracias, que sin ellos no hay Rafa Barrios.

Escanea y escúchalo en su SoundCloud

Soy muy estricto con eso. Si no es una base que mueve, no es mío.

Tienes también tu propio sello Bandido Records.

La verdad es que nosotros hacemos el mismo empuje tanto si publicamos algo mío como algo de otro artista. Pero me está gustando mucho

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Un disco que te hubiera encantado producir: Ilario Alicante ‘Vacaciones en Chile’.

Una canción que siempre te emociona: Energy 52 ‘Cafe del mar’.

El mejor compañero de cabina (nacional): son muchos, no podría elegir solo uno.

El mejor internacional: Technasia.

Una artista femenina de referencia: Nina Kraviz.

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Si te digo “equipo”: Carlos, Ruben, Christian, Mikel, todos primordiales para mi carrera.

Si te digo un evento especial: elRow. Y un festival: Dreambeach.

Si te digo lugar donde has pinchado que era un sueño hecho realidad: Space Ibiza.

Si te digo Mixmag:Prensa de electrónica mundial.

Si te digo #NoRafaNoParty: Pues nada, que te lo agradezco.

Rafa Barrios

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A u r i g a A U T O R : P A T Q U I N T E I R O F O T O S : N A C H O A C A S O

“Siempre me ha gustado mucho la astronomía, de hecho quise estudiar Astrofísica pero no había la carrera en la Universidad de Oviedo y al final me decanté por algo más práctico: la informática. Auriga viene de una constelación, y en la antigua Roma ‘los aurigas’ llevaban un carro tirado por caballos y eran personas de máxima confianza, así que me gustaba también el concepto de llevar las riendas de la fiesta” Así comienza nuestra charla con Alejandra González, curioseando sobre el significado de su alias ar tístico: Auriga.

Apasionada del Techno y de la música electrónica, esta clubber de no hace tanto que decidió ir un paso más allá y aprender a pinchar todo aprender cómo se hacía esa música que tanto le gustaba. resultado? Actualmente es una de las promesas del género, dentro de nuestras fronteras.

Oviedo y sobre ¿El y fuera

Una ar tista en alza, que mueve la pista como pocas, con su enrome maestría y dominio del 4x4 a base de contundentes producciones y sesiones estructuradas, con un Techno que se impone y se cuadra, que pesa…

Estudiaste Ingeniería Informática en la Universidad de Oviedo y has trabajado en el sector informático hasta los 30, aunque en realidad, la música estaba en tu vida desde pequeña, ya que te formaste en Piano en el ¿Cómo nace tu vínculo con la electrónica?

Desde muy joven veía videos musicales en la VIVA, una cadena alemana donde salían artistas como Wamdue Project o Gigi D’Agostino, y música electrónica Dance de los 90 y 2000; me encantaba.

De hecho hice un track con la vocal de “King of my castle” titulado “The Reason” ya que fue una de las razones por las que empecé a interesarme por este estilo de música. Creo que es un tema por el que aunque han pasado 20 años, para mi tiene unos sonidos muy actuales, muy minimalistas y nada comerciales.

Si te digo ‘La Real’: ¿ Qué es lo primero que te viene a la cabeza?

Me vienen una cantidad de emociones que no te puedes imaginar, parece mentira que algo tan “frívolo” - a simple vista - como puede ser una discoteca, me pueda despertar tantos sentimientos.

Es música, amistad, sorpresa, bailes, felicidad, hermandad, ilusión… Con el tiempo le he cogido todavía más cariño. Esa sala era muy especial,

la música y el ambiente eran inigualables, todos los que la conocimos, coincidimos en ello.

Venía gente de toda España y era una ilusión asistir a esas fiestas, rara vez he vuelto a sentir algo igual.

Sigo teniendo esas mariposillas también con el festival Aquasella, en Asturias. Fue el primer festival al que asistí en 2002 y pocas veces me lo he perdido desde entonces. He conocido después muchos clubes y festivales y me sigo quedando con La Real y Aquasella que por suerte, sigue celebrándose. (La Real cerró en 2005). ¿Qué importancia ha tenido este club de Oviedo para ti?

Ahora es cuando realmente me doy cuenta de lo que ese club me ha marcado, ya que ha sido el causante de que descubriera este estilo de música que tanto me apasiona. ¿Cuál fue el detonante para que te decidieras a dejarlo todo por la música?

Llevaba 10 años trabajando de informática y sentía que mi trabajo no me llenaba. Había aprendido a pinchar y los fines de semana pinchaba en varios locales y veía que se podía ganar dinero con la música. Además en verano empecé a trabajar en una cadena de hoteles en

Ibiza como DJ y decidí dejar el trabajo de oficina “temporalmente” para dedicar más tiempo a la producción de música y aún no he vuelto :) ¿Qué pensó tu familia en aquel momento?

Cuando les dije que pinchaba se lo tomaron un poco a broma en plan “ya se le pasará”, porque no les hacían mucha gracia los horarios de la noche y los ambientes. Pero empezaron a ver que me lo tomaba muy en serio, les contaba las cosas que iba aprendiendo, todo lo que iba haciendo y cómo funciona la industria (que ellos desconocían por completo) y me apoyaron.

Mis padres saben que esto me hace feliz y toda mi familia me apoya, ha sido algo que ha surgido progresivamente y de manera natural y lo aceptan como si toda la vida me hubiera dedicado a esto. Confían en mí y saben que cuando quiero algo, pongo todo de mi parte y soy muy constante.

Era una de las cosas que más dudas y miedos me generaba, que mi familia lo aceptara y ahora - ¡hasta mi padre me ha conseguido algunos eventos!

Además me asesora en cuanto a contratos, y todo el tema legal, ya que es abogado. Considero que es la persona que más me ha apoyado en 49

¡Pensaría que es una locura!

En aquella época vivía con mis padres y estaba estudiando la carrera, y el hecho de poner música alta en casa o meter un plato de vinilo era impensable. Le hubiera dicho: Haz Ingeniería de Sonido :) Me encanta todo lo relacionado con el sonido y haber estudiado esto desde el principio me hubiera facilitado mucho más las cosas. ¡Y es algo que no descarto!

Voy a tirar de topicazo y corrígeme si me equivoco. Pero estudiando piano, y siendo ingeniera, me atrevería a decir que te riges por lo científico, lo matemático, lo estructurado, lo disciplinado... ¿Será por eso que te gusta tanto el techno? ¿Cómo combinas ese pensamiento más científico con la parte más artística y creativa a la hora de producir?

Estudiar una ingeniería me ha enseñado a pensar de una determinada manera, parece que todo lo analizamos y para cada problema diseñamos un algoritmo (una solución).

Soy una persona creativa, he pintado al óleo (mejor o peor), he escrito poesía, me encanta hacer música…pero todo tiene que tener una técnica.

La programación se basa en unas buenas prácticas a las que llamamos “Metodología” que constan de patrones de diseño y diferentes fases (análisis, diseño, desarrollo, pruebas) y muchas veces al hacer música con Ableton pienso que nos falta una metodología, unas reglas bien documentadas para hacer “Techno” de tal manera que nos facilite que fluya la creatividad y también la mezcla y el mastering.

Creo que la creación de un tema musical tiene analogía con cualquier proyecto de ingeniería: • Análisis: Qué quiero hacer, cuáles son los temas en los que me quiero inspirar.

• Diseño: Con qué máquinas, DAW, plugins, etc lo voy a hacer y cómo lo voy a hacer (en cascada, secuencialmente…) Patrones de diseño, elementos de track.

• Desarrollo: En modo Live, con secuenciadores, MIDIS, samplers…

• Pruebas: Probar el track en diferentes entornos, monitores, coches, móvil… mi carrera y al que le debo todo.

Antes de dedicarte al 100% a la música habías creado ya tu propia promotora de eventos, y organizabas las fiestas ‘Pitch Ladies’ en Madrid donde apoyabas a otras mujeres DJ. ¿Sirvieron estas fiestas de trampolín para algunas? ¿Tienes conexión todavía con ellas?

Cuando empecé a pinchar buscaba un colectivo de chicas o algún grupo donde pudiera encajar y no encontré nada, no conocía mucha gente dentro de la industria ni veía que fuera algo habitual ver pinchar a una mujer, así que pensé en crear una serie de eventos con mujeres DJ. Conocí artistas maravillosas, muchas de las cuales se han convertido en grandes amigas.

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Fue una época genial de la que guardo muy buenos recuerdos y espero que todas las DJ que hayan pasado por ‘Pitch Ladies’ también recuerden esa etapa con una sonrisa y les haya podido ayudar en algo. Aprendí muchísimo de promoción y organización de eventos. ¿Recuerdas la primera vez que viste pinchar a una mujer?

Sí, fue en La Real y fue Monika Kruse, artista a la que admiro profundamente. Lleva en activo más de 20 años y es para mí, todo un ejemplo de trabajo y seriedad.

Si le pudieras hacer un spoiler a tu yo de aquel día en que la viste pinchar y contarle que años después tú también serías una DJ profesional ¿Qué crees que pensaría? ¿Qué consejo le darías para el camino?

¿Has producido algo que no sea techno?

Sí, Mínimal. Me encanta el sonido Minus, uno de mis artistas favoritos es Marc Houle. ¿Te gustaría acercarte a otro género?

Me gustan muchos géneros dentro de la electrónica, sobre todo el Mínimal y el Melodic Techno. ¿Qué otro tipo de música que no sea electrónica escuchas?

Escucho mucha música clásica, sobre todo piano. Me encanta Debussy, Chopin, ….

Y hablando de producciones, tus dos últimos años han sido imparables a nivel de publicaciones. IAMT, Second State, Odd Recordings, son algunos de los sellos en los que has sacado releases.

Sí, ha sido un sueño publicar en estos sellos que para mí son un referente en cuanto a techno. Así que muy contenta y muy motivada.

La pandemia lejos de pararte, te ha permitido tiempo para meterte en el estudio con fuerza, imagino. ¿Cómo has trabajado estos largos meses de pandemia?

Soy bastante disciplinada, sigo un horario, me suelo levantar a las 8 de la mañana y me pongo a experimentar un poco con las máquinas y a producir. Me siento mucho más inspirada por las mañanas, porque siempre he madrugado para estudiar y trabajo mejor. ¿Cómo han surgido las sinergias con estos tres sellos en concreto?

Siempre he pinchado mucha música de Odd Recordings. Ramiro López es uno de los artistas españoles que más admiro y ahora, después de conocerlo, mucho más. Es una persona super trabajadora, super humilde y que me ha apoyado y me ha animado desde el principio.

Me considero de la familia Odd Recordings y espero seguir trabajando con ellos en el futuro.

Por supuesto IAMT y Second State han sido pasos muy importantes y que me parecían imposibles de conseguir, es muy complicado que te escuchen en un sello tan grande. Y que además les encaje alguno de tus temas ¡es casi un milagro¡ Eso te da fuerzas y ánimo para seguir trabajando.

Destácanos un par de momentos que hayan sido realmente especiales para ti tras la cabina.

Para mí fue muy importante pinchar en Aquasella en 2019 ya que fue el primer festival al que asistí como comentaba antes y llevo yendo casi 20 años. Tengo muy buenos recuerdos y mi actuación fue muy especial.

Aunque fue en la zona de día, había muchos amigos de Asturias y Madrid apoyándome y todavía hoy mucha gente me dice que recuerda esa actuación.

También recuerdo con mucho cariño mi actuación en Ginebra, Suiza. Fue un día especial ya que era la primera vez que pinchaba fuera de España y nada más llegar al club me encontré con unos chicos españoles que habían ido a verme desde lejos y me hizo mucha ilusión, me sentí como en casa.

ÚLTIMOS LANZAMIENTOS: ‘Paipah’ [ODDyssey Vol. 5 Compilation] (Odd Recordings / Junio 2021)

Hablando de pinchar fuera Budapest, Lisboa, Ginebra o Varsovia, son algunos de los lugares donde has pinchado últimamente. ¿ Qué planes de viaje y/o fechas tienes para los próximos meses?

El 31 de octubre vuelvo a Budapest, que es una de mis ciudades favoritas. Estoy muy contenta ya que este trabajo me permite viajar ,que es otra de mis grandes pasiones.

También vuelvo a Lisboa el día 6 de noviembre y el 18 me hace mucha ilusión volver a pinchar en Madrid, en Goya Social Club al que considero como mi casa.

Y para acabar.

Este pasado julio publicaste un Podcast para Awakenings - !enhorabuena¡ Eso me hace pensar en todas las cosas que te esperan. Así que imaginemos que nos volvemos a encontrar en estas páginas dentro de10 años. ¿Qué te gustaría que hubiera pasado hasta entonces?

Me gustaría escuchar toda la música que hubiera sacado en 10 años y emocionarme.

Sobre todo sentir que me he realizado como artista y que he podido sacar todo lo que llevo dentro. Me gustaría verme en una actuación con un montón de máquinas haciendo un Live. No te puedo decir festivales en concreto, ni sellos ni clubes, solo haber podido expresarme musicalmente y sentirme orgullosa de lo que he publicado, ese sería mi mayor logro.

‘This Is Our World’ EP ( Second State/ Julio 2021)

‘Underneath’ EP (IAMT / Septiembre 2021)

Y a nivel personal, como Alejandra González ¿Qué te gustaría ver al echar la vista atrás dentro de 10 años?

Dos hijos listos ya para hacer la comunión (es bromaaaa).

Awakenings Podcast #118 Auriga

Escanea para escucharlos en su SoundCloud:

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B l a c k F l a m i n g o D i s c o D r i v e r ‘A R P B AT T E R Y ’ E S S U Ú LT I M O E P P U B L I C A D O E N O D D P L E A S U R E S , J U N T O A M A R Z I A N .

A U T O R :

A L E J A N D R O S E R R A N O F O T Ó G R A F O : J A L L U X

S I E R R A

Por voluntad propia, Black Flamingo Disco Driver se ha acostumbrado a nadar a contracorriente. No sabemos muy bien cómo lo ha conseguido, pero en esa dirección ha logrado hacerse un hueco inclasificable en la e s c e n a . S a l v a j e , a d i c t i v o , a c i d , s i e m p r e r e a d y. S u s e t s i m p e n i t e n t e s , s u trabajo de fondo y desdramatización constante, han conseguido salvarle y hacer de su reality show electrónico, un ar te.

Ahora, Carlos, vuelves con un nuevo release, después de una trayectoria explosiva, sobre todo, estos dos últimos años pandémicos, que han sido apabullantes, pasando por labels como Panal Records y coronado con un trabajo junto a Marzian en el sello berlinés ODD Pleasures. Eres incombustible, y veo que el eclecticismo, la intensidad y la energía, en cada una de las pistas, vuelve a estar presente, pero esta vez, con una línea narrativa más progresiva y cuidada.

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¿Dónde te ubicarías, musicalmente, con este último trabajo? ¿Y a qué época te remites de influencias musicales?

Hola Alejandro, es un placer muy grande poder presentaros nuestro nuevo trabajo titulado ‘Arp Battery’ junto a mi querido compañero Marzian. No me gusta poner clichés a las cosas y menos auto ponérmelo, no sabría por dónde empezar. Lo que si te puedo decir es que es que este EP es una reunión de buenos amigos, compuesta por artistas a los que admiro mucho. Musicalmente expone un

poco de todas nuestras influencias musicales, sin duda a todas las personas que forman parte de este proyecto nos encanta el Ítalo Disco, los ritmos a baja combustión, el EBM, los 80s o la música orgánica… ¿Qué fue lo primero que te atrajo del mundo de la música electrónica?

Mi historia ligada a la música electrónica viene desde 1997/98, en concreto vengo de toda esa efervescencia House Balearic de aquel entonces.

Me quedé completamente petrificado al descubrir aquellos ritmos que eran influencias Funky y Disco adaptados de algún modo a un sonido contemporáneo. Fue un flechazo instantáneo, al poco tiempo no tardé en abrir mi mente a sonidos más sintéticos y la evolución hacia este campo fue muy rápida, pistas de artistas como Basic Channel y su Dub Techno gaseoso, el sonido Kamzleramt de Heiko Laux o las corrientes Detroit de UK de artistas como Vince Watson terminaron de encaminar de un modo muy sólido la dirección que debía trazar. ¿Recuerdas algún disco o concierto que te haya hecho ver todo de otra forma?

Te voy a hablar de las 2 cosas. Un disco sin duda alguna fue el momento en el que Boards Of Canada entro a mi cerebro, lo recuerdo como algo mágico completamente revelador. Los hermanos Michael Sandison y Marcus Eoin has conseguido y conseguirán con sus futuros trabajos, estar un paso más allá al resto de músicos. Su simpleza, minimalismo y sobre todo la capacidad de evocar sentimientos como la niñez, colores o estados bucólicos los hacen únicos, son puro sentimiento.

Hablando de conciertos o actuaciones me vienen mil a la cabeza -ufff-, son muchas noches debajo de escenario, viajazos de bandas como Brian Jonestown Massacre, Moon Duo, Broken Social Scene, The Oh Sees, Nils Frahm o Djs como Andrew Weatherall, Antal o Lena willikens… pero de entre todo ello, de lejos a muchos kilómetros me quedo con un Dj set de Jon Hopkins en Dekmantel 2017.

Fue especial por varios motivos, uno era ver a este artista haciendo otro desarrollo que no era Live, porque siempre o casi siempre lleva este formato.

La pinchada fue tan legendaria que todos los allí presentes nos quedamos completamente alucinados, aquel set lo tenía todo: imagina beats sólidos, acido en cascada, melodías cargadas de trance y todo un torrente de techno con mayúsculas a toda pastilla. Para hacer más especial la situación se puso a llover y entre las luces, el láser, las pantallas rojas, el agua… todo ello hacía de ese set un momento de perfección absoluto. Al finalizar la sesión me quedé con una mano en la boca 5 minutos mirando al horizonte intentando asimilar lo que había vivido. A nivel artístico esto fue muy bueno para mí, siento que me hizo crecer o tener otro ángulo de vista y decirme a mí mismo: vale empieza de cero otra vez.

Desde que te metiste en esto profesionalmente, ¿qué echas en falta a nivel nacional, internacional? ¿Y qué te ayudó más a crecer, incluso a creer en ti mismo?

A nivel nacional una escena más sólida sin duda.

Me ha dado mucha pena ver como apenas hace un mes en concreto Holanda y Alemania la gente y artistas han sabido organizarse, han salido a manifestarse para pedir a sus gobiernos que de algún modo se pueda volver a hacer eventos con todas las medidas de seguridad etc.. Aquí no hemos visto nada de eso, es una radiografía bastante clara sobre algo en lo que mejorar.

Hablando de aspectos internacionales, más exposición a artistas latinoamericanos, están haciendo un trabajo increíble en cuanto a música electrónica se refiere, hay mucho talento al que dar soporte.

Durante mis inicios y desarrollo como artista no he buscado nunca pensamientos como creer en mí, o el buscar este actual momento personal, sencillamente ha pasado. Seguramente es por un cúmulo

de cosas o accidentes de la vida, pero de lo que si estoy seguro, es de que me ha ayudado mucho el aspecto empático con todo el mundo, y conocer el trabajo de gente como Luis Costa que de algún modo me ayudó a sacar una visión más profunda de la música o el mundo tan bien construido y con tanto sentido de Álvaro Cabana o el señor Talabot, siempre aprenderás algo de alguien analizando lo que hacen. ¿No es precioso conocer otros artistas e intercambiar opiniones o visiones sobre todo esto? ¿Cómo presentarías tu trabajo a alguien que no te conoce?

Lo presentaría como una experiencia psicodélica sobre una pista de baile y le invitaría a que entre a un mundo de sonidos muy diversos, en el que hay cabida para multitud de espectros sonoros.

Actualmente me encuentro en un momento muy feliz y cómodo con lo que hago en cabina y fuera de ella como músico. Todo tiene el objetivo final de llevar al oyente de viaje o evocar sentimientos que no conoce. ¿Cómo decidiste embarcarte en tu último EP? Este EP es una alianza que va para mucho tiempo con mi querido artista argentino Marzian. Nos conocimos en 2019 por redes sociales fruto de una admiración mutua y en la Sonar Week de 2019 en Barcelona, se culminó un encuentro muy divertido que forjo una amistad muy férrea. Mariano Larumbe es un artista al que admiro mucho es pura creatividad, es el tipo de artista que no está contaminado por nadie, lo que le sale es completamente del alma. ¿Qué habéis querido transmitir en este proyecto?

Este proyecto es el lugar de encuentro de ambos, un trabajo en el que confluyen nuestras visiones más íntimas de la música e influencias más directas.

Han salido como resultado 2 tracks originales cocinados a bajas revoluciones y 4 remezclas de artistas de la talla de Freudenthal con su toque oscuro y tintes progresivos, Daniel Mónaco que nos presenta una pista gamberra y descarada para momentos de hora punta en la noche, Adrian Marth y su tratamiento único del Ítalo Disco / New Beat, o el dúo Random Atlas que presenta un track muy mental y con un toque Deep, todos ellos aparte de grandes amigos, destacan por ser unos artistas únicos y sobre todo mejores personas. Hemos querido transmitir una visión del follón musical que tenemos en la cabeza (jajajaja). ¿Cuál es el único instrumento del que nunca te desharías, pase lo que pase?

Actualmente me siento muy cómodo con mi Roli Seaboard Rise y todo su paquete de plugins, es una herramienta altamente creativa que me permite desarrollar ideas y plasmarlas en un tiempo récord. Los motores audio son un pasote.

Acabo de hacerme con un Moog Mother 32, realmente es una maquina fascinante con la que me voy a llevar muy bien y el punto analógico es genial y sobre todo muy divertido. ¿Cuál fue la última tienda de discos que visitaste? ¿Y qué rescataste de allí?

Me encanta esta pregunta, en mi última visita a París el verano pasado fui para tocar en el festival Ritual Days, por suerte me dio tiempo a visitar una de las tiendas que más de una alegría me ha dado en el pasado, Betinos. A pocos metros de Rinse Fm se esconde una de las mejores tiendas de música que he visto jamas, no te iras sin cavar alguna joya

Funk, Disco o Soul… Esta tienda no falla, es apostar a caballo ganador os lo aseguro. Me llevé una copia de Tina Liu - City Girl, un discazo con tintes Disco y Synth Pop terrorífico de 1987, de hecho se lo pincha mucho DEA Barandana. También me hice con una copia de Lowell - No Matter y con Made in Usa Never Gonna Let you Go, como ves musicón de altos vuelos. ¿Tienes esperanza en el porvenir de la música? ¿Cómo te gustaría que fuera el porvenir de la industria musical?

Tengo toda la esperanza en el futuro, en la gente joven que viene tan fuerte y con tantas ganas, que vienen tan conocedores de las corrientes del pasado y la cruzan con música contemporánea, creo en todos ellos y creo en ese camino, creo en la actual música que se está haciendo, creo en la gente de casa como Hivern o Haus of Beats, creo en Pinkman, en Permanent Vacation, en Correspondant, en Musar en el EBM que viene de México, en las artistas femeninas que hay: Teresa Winter, Elise Massoni, Mari Herzer o lo que nos influye cada mix del maestro Vladimir Ivkovic y sobre todo me gusta más llamarlo escena musical en vez de industria musical. Ojalá el porvenir sea normalizar el undergroud, hay muy buena música. ¿Puedes desvelarnos algunos proyectos futuros?

El futuro es nuestro amigos, viene en camino un segundo EP junto a Marzian absolutamente demoledor muy enfocado a la pista de baile y viene un proyecto ambient que estoy desarrollando en este momento a nivel personal. También os puedo adelantar que mi sello y agencia de artistas está a punto de salir a la luz y se llama A.R.E ( Altered Rhythm Experience), esto va a ser una plataforma para artistas y un modo de hacer booking construyendo desde la visión de hacer relaciones más personales y duraderas entre artistas, agentes y promotores. ¿Qué te hace feliz?

Descubrir un track y no soltarlo en 2 semanas (jajaja), la empatía, el amor, el chocolate, el mar, mi familia, mis amigos y mi amiga Balléspi. ¿Cómo estás viviendo la escena musical en tu ciudad con esta turbia situación de pandemia?

Bueno la pandemia ha traído cosas muy negativas para la escena en Zaragoza, se ha llevado por delante los 2 espacios principales, donde mis eventos Electric Selectors junto con Jal Lux cobraban vida. Va a ser realmente complicado retomar esta vía creativa por lo menos a corto plazo. El sector de la cultura en este país ha sido muy duramente castigado. ¿Tienes algunas palabras finales de sabiduría?

Es un placer muy grande haber compartido con vosotros estas palabras, y quiero darte las gracias a ti Alejandro Serrano por esta fantástica entrevista y a la Directora Pat Quintero por demostrarme día a día lo profesional que es, os quiero.

Escanea y disfrútalo

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BACK TO THE SCHOOL ¡HAZLE UNA PUESTA A PUNTO A TU CV! RECÍCLATE, FÓRMATE Y A TRABAJAR EN LA INDUSTRIA DE LA MÚSICA

Imagínate a pie de pista, en primera fila, en un gran espacio donde se celebran todo tipo de eventos. Tienes los nervios a flor de piel; en segundos saldrán al escenario tu Dj, cantante o banda favorita. Al fin, tras meses con tu entrada en la bandeja de recibidos, vas a escucharles y verles en directo.

Esa sensación es incomparable ¿Verdad? ¡Es la magia de la música en vivo! ¿Pero te has parado a pensar en todo el proceso previo realizado hasta llegar a esos segundos de silencio antes de un show? ¿Has pensado alguna vez en quiénes y/o cómo lo hacen realidad?

Si la respuesta es un doble sí, a lo mejor, es que eres una de esas personas que sienten que “trabajar en la industria musical” sería su gran sueño. ¿Cómo hacerlo realidad? ¿Qué formación deberías tener para lograrlo? ¿Por dónde empezar? Con este especial ‘Back To The School’ queremos ofrecerte un mapeo de posibilidades para formarte en las diferentes áreas de la industria musical; ya sea como artista, como booker, como promotor, como

productor, como creador audiovisual, en la parte legal, la de comunicación o en cualquiera de las diferentes áreas de producción.

Y si ya trabajas en el sector, quizás esta guía te sirva para encauzar esa idea que tienes desde hace tiempo de dar un salto a otro departamento, o para aplicar a un perfil más elevado, o para simplemente no dejar de aprender, reciclarte y hacerle una puesta a punto a tu CV y seguir manejándote con soltura en este sector nuestro de la industria musical y del entretenimiento, siempre tan cambiante.

Os presentamos diferentes propuestas de toda la geografía nacional, como la reciente incorporación a los estudios del Departamento de Musicología de la Universidad Complutense de Madrid del Máster Música en Directo Live Nation; la metodología de Escuela MicroFusa, referente en la formación en Tecnología Musical desde 1987 con sedes en Madrid y Barcelona; y cómo las diferentes academias Plastic, desarrollan desde 1988 una formación especializada en la profesión de DJ y Productor Musical. En esa misma línea

formativa trabajan desde Vigo el equipo de IGMA (Instituto Gallego de Música avanzada); y desde A Coruña, Fanzine Project, nos cuentan cómo se retroalimenta su trabajo como promotora, sello discográfico y escuela, y como han logrado ser los principales impulsores de proyectos de vanguardia vinculados a este territorio.

Si lo que buscas una certificación oficial de Ableton o quieres introducir a los/as peques de la casa en el universo del Dj, tu lugar está en Sevilla, en la escuela ProAudio. Y si además de Producción Musical, lo que quieres es centrarte en el Music Business, tu lugar está la plataforma 360 de The Bass Valley.

Por último, desde Málaga descubrimos la exitosa fórmula con la que el equipo de SchoolTraining logra una alta inserción laboral y acceso a una red de contactos de alto nivel, con sus Másteres y Cursos de formación técnica mediante prácticas, en el sector del Cine, la Música y el Espectáculo. ¿Te animas? ¡Matricúlate con nosotrxs!

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MÁSTER DE ROBERTO MÚSICA EN GRIMA DIRECTO LIVE NATION (UCM)

Presidente de Live Nation España

Comenzamos por el primer máster en España especializado en música en directo y el único que se imparte en la universidad pública: el Máster propio Música en Directo Live Nation, en la Universidad Complutense de Madrid (UCM).

Este máster surge de la necesidad de profesionalizar y formar a jóvenes en el sector de la música en directo, para cubrir una demanda creciente en la industria de las músicas populares debido a la proliferación de festivales, ciclos y conciertos musicales en grandes espacios.

Es el único en España y uno de los pocos en el ámbito europeo que ofrece una formación dedicada exclusivamente a este tipo de eventos. Y es fruto de una alianza natural forjada ya en el tiempo entre Live Nation y la Universidad Complutense de Madrid, sobre todo a raíz del festival DCODE y del congreso formativo DCODE Lab. ¿Pero qué importancia tiene la formación en la carrera de un profesional de la industria musical? ¿Qué ha motivado a una empresa como Live Nation a emprender y liderar este tipo de estudios en el ámbito universitario? ¿Cómo llega la universidad pública a integrar en su plan de estudios un Máster de Música en Directo? ¿Cómo se deciden los contenidos de estos estudios? ¿Qué importancia tiene la parte práctica sobre terreno? …

Hablamos de todo ello con Roberto Grima, Presidente de Live Nation España; con Ana Gómez de Castro, Co-directora del máster, Doctora en Publicidad y RRPP y Product Manager en el departamento de Marketing en Live Nation; y con Julio Arce, Director del máster y Profesor Titular y Director del Departamento de Musicología de la UCM.

Robert, tú empezaste en la música como guitarrista de ‘Los Negativos’, una de las bandas de culto de pop psicodélico-garage de los años 80 en España. Después trabajaste como booker en salas como Bikini. Más tarde formaste la empresa Iguapop, con la que ejerciste ya de promotor de artistas internacionales trayendo a nuestro país -por primera vez- a nombres como Smashing Pumpkins, Nirvana, Beastie Boys, Foo Fighters, Radiohead , Oasis, Sonic Youth, Blur, Beck o Pixies en los años 90. De ahí diste el salto al mundo de los festivales, siendo clave en citas como FESTIMAD o el POP FESTIVAL en Barcelona. Y ahora eres el promotor principal y presidente de Live Nation Madrid y responsable de giras para el recuerdo de artistas y grupos como Coldplay, Imagine Dragons, Foo Fighters, Madonna, U2, Muse, Beyoncé, Lady Gaga o Metallica por mencionar algunos.

Casi nada….

Recorriendo un poco tu trayectoria, la tuya podría ser la versión inspiradora para muchos/as amantes de la música, cuyo sueño es trabajar en la industria musical. Una historia que comienza porque le apasiona un instrumento, tras despuntar con algunos shows, comienza a bookear a otros grupos, luego arriesga se hace promotor y finalmente monta una empresa de eventos. ¿Si le hubieran leído esta intro a tu yo de hace 30 años - guitarra en mano en un bolo en cualquier antro de la época - qué hubieras pensado? ¿Imaginaste que llegarías a ser el responsable de hacer realidad todo esto?

La verdad es que nunca me hubiese imaginado llegar a donde he llegado como promotor. De hecho, nunca me planteé ser promotor, fue algo que empezó a ocurrir de una manera natural al estar en un grupo y formar parte de la escena musical de Barcelona. Me gustaba la música y empezamos a traer a España grupos que nos gustaban y que no venían por aquí. Y lo compaginábamos con tocar en una banda o trabajar de conductor o road manager para otras bandas.

También es cierto que al no existir una escena de grupos pequeños o alternativos existía ese nicho para explorar y trabajar y que nadie entonces hacía. Pero mientras lo hacíamos no nos dábamos

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cuenta de lo que podía llegar a suponer en el futuro. ¿Los saltos y los riesgos van implícitos en este sector?

Si uno quiere ser promotor - o empresario en general - los saltos y riesgos existen. Pero los saltos y riesgos existen en todos los niveles de la vida porque - y como se suele decir- quien no arriesga, no gana. Si se mira con perspectiva, las mejores decisiones suelen ser las que más te cuesta tomar, pero cuando finalmente das el salto te preguntas por qué no lo hiciste antes…

Y el riego como promotor sigue existiendo, aún más en el mercado actual donde la competencia y la velocidad es mayor que hace 30 años. ¿Qué se ha mantenido en ti en todo este tiempo?

En mi caso lo que más he mantenido es el amor por la música y el seguir disfrutando con ella.

Entiendo que hay gente y compañeros que hasta reconocen que no les gusta la música y eso no les hace peores promotores, pero la música es algo con tantos matices y con tanto impacto en nuestra sociedad y en las personas, que tener esa sensibilidad y/o olfato me ha ayudado a descubrir muchos grupos y me ha hecho ver el impacto que nuestro trabajo tiene en la vida de muchas personas. ¿Hay que ser de una pasta especial para trabajar en la industria musical?

Yo creo que en todos los trabajos es muy importante la actitud y la motivación, pero la formación hoy en día es totalmente imprescindible. Con cerca de casi 35 años en el negocio reconozco que mi aprendizaje ha sido a base de oficio y a base de también aprender de los errores. Hasta hace muy poco no existía prácticamente ninguna posibilidad de formación y aprender en la carretera era prácticamente la única manera. Conozco mucha gente que empezaron de carga y descarga que son directores de producción reconocidos en giras de estadios, otros abogados especializados, otros promotores…todos que aprendimos haciendo el camino porque no había otra opción.

La práctica te da mucha experiencia pero la formación es muy necesaria.

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Y si, un poquito de otra pasta hay que tener. Es un negocio donde la flexibilidad y predisposición es muy importante. Hay giras de estadios que el mismo día del anuncio todavía los equipos estás ajustando el ticketing por las múltiples variables que hoy existen, o están rehaciendo la nota de prensa, diseños o campañas 30 minutos antes de que esa información se haga pública y tenga el impacto que tienen giras de este tipo.

Hay que saber trabajar con presión y con calma a la vez.

Tu perteneces a una generación donde la estructura de la industria musical no existía como tal. Muchos de los roles no eran ni necesarios hace 30 años, muchos otros lo eran pero no tenían nombre. Vamos, que algunos de los profesionales con más trayectoria, no lo son tanto de formación como de oficio. ¿Crees que es posible todavía ser un trabajador “de oficio” en la industria musical actual?

Creo que todavía se puede ser trabajador de oficio, como yo lo he sido, pero me hubiese gustado y preferido tener formación. Lo ideal es un compendio de formación y oficio. Como dice Ralph Nader “Tu mejor profesor es tu última equivocación”.

ANA GÓMEZ DE CASTRO

Co-directora del máster. Doctora en Publicidad y RRPP. Product Manager en el departamento de Marketing en Live Nation.

¿Cómo ha cambiado en estos 30 años de tu carrera la Música en Directo?

Lo que está claro, es que aunque te mantengas en el sector por tu trayectoria profesional, conocimiento y/o experiencia, la industria es tan cambiante, y va tan tan de prisa (sobre todo en la última década) que te exige estar en continuo reciclaje. Y ahí entra la necesidad de la formación continua. La personal, y la de las empresas si quieren ser competitivas.

La industria ha cambiado mucho en los últimos 30 años. La producción, la comunicación, la música en sí que evoluciona constantemente. Por eso mismo la formación continua es necesaria. Y cuanto más preparados estemos los profesionales del sector, mucho mejor. ¿Cómo y porqué decides que Live Nation lidere en la enseñanza pública un máster específico para la Música en Directo?

Como líderes en la industria del entretenimiento creímos necesario y vital compartir por un lado nuestras mejores prácticas y, por otro, crear un tejido profesional y joven necesario para el crecimiento de la industria.

Detectada una necesidad real de formar a jóvenes en unas materias específicas dentro de la música en directo que no existían hasta el momento, una de nuestras prioridades era acercar la formación a todo tipo de estudiantes. Y con esta unión con una de las universidades públicas más importantes de España, no solo hacíamos accesible esta formación en las diferentes ramas de la industria de música en directo a todo tipo de jóvenes, sino que además lo hacíamos dentro de uno de los principales departamentos de musicología a nivel universitario de nuestro país, un marco que para nosotros era imprescindible. ¿Habías detectado necesidades o deficiencias en los profesionales que buscabas?

En cierta manera si, la gente acudía a nosotros para prácticas y para aprender y sólo existían oportunidades de trabajo de campo o en empresas y siempre hemos pensado que para crecer hay que compartir.

La idea de la creación de este máster parte sobre todo de unas sinergias que nacieron con la UCM fruto del festival DCODE que fueron creciendo y

Este modelo potencia el acceso a los alumnos/as a espacios profesionales de medio y alto nivel, y crea una red cercana entre los proyectos y los talentos recién formados. Supone una vía directa de acceso al espacio profesional y facilita mucho el trabajo a las empresas ya que conocen de primera mano a sus futuros talentos. Un modelo 100% Win Win que también implementa en el Máster propio Música en Directo Live Nation.

Ana, en vuestro máster, los/as futuros/as profesionales no solo acaban específicamente formados/as ( a nivel teórico y práctico) en una área de trabajo concreta, sino que también adquieren conocimientos generales del sector.

Tiene una larga trayectoria en el ámbito académico especializado en el sector de la organización y protocolo en eventos; y es una pionera en nuestro país en la gestión y dirección de este tipo de estudios con una importante mirada puesta en la parte práctica real del alumno/a en las diferentes áreas, estructuras y órganos de gestión y dirección de los eventos.

que primero derivaron en el congreso DCODE Lab, de cuyas conclusiones surgió la voluntad de ir más allá, derivando en la formalización del máster.

¿Por qué es importante que los profesionales de la Música en Directo tengan conocimiento de todo el sector?

Creo que para hacer crecer la industria y que esta misma genere sus propios profesionales, es necesario que se cree una formación reglada, ad hoc y especializada, que de cabida a todas las ramas de la música. Desde los inicios del sector, todos los trabajos relacionados con la música han sido muy autodidactas, y apenas han existido programas formativos adecuados a todas las necesidades. En nuestro caso, veíamos que los alumnos que venían a formarse en prácticas, no tenían una formación especializada, pero sí mostraban interés en la industria de la música en directo, por lo que se vio una oportunidad debido al vínculo que teníamos con la Universidad Complutense. Todo fue bastante progresivo, primero nació el vínculo por el festival DCODE,

luego apareció DCODE Lab y por último nació este máster, que al partir de una universidad pública, daba cabida a todo tipo de estudiantes. ¿En base a qué se han decidido los contenidos de un máster como este?

El máster se ha desarrollado siguiendo el proceso natural que se hace a la hora de llevar a cabo un concierto o un festival. Se empieza por unos contenidos más genéricos dentro de la industria musical, cada alumno trae un conocimiento diferente, por lo que es importante hacer una base igualitaria para todos. Después se van viendo de forma simultánea diferentes módulos necesarios para los primeros pasos: promotoría y contratación, ticketing y producción. Después ya se van viendo el resto de módulos del programa formativo, management y booking, aspectos legales, patrocinios, comunicación y marketing.

También se ven otros aspectos del directo, fuera de la música, cada vez existen más oportunidades en otros tipos de espectáculos y estos también deben ser tenidos en cuenta. ¿Qué hay del modelo empresarial de Live Nation en esos contenidos?

Nosotros hablamos de la industria del directo en general, de hecho el claustro docente cuenta con otros muchos profesionales que cuentan otros modelos de negocio diferentes al de Live Nation.

Es verdad que contamos con muchos profesionales de Live Nation y algunos exponen el modelo que llevan a cabo en su día a día, pero otros también exponen otros modelos de los que también tienen experiencia. Desde luego, el 57

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BATERÍA DE RESPUESTAS A TUS POSIBLES PREGUNTAS. ¿Qué contenidos estudiaría?

• Aspectos teóricos, sociales y culturales de la música en directo • Management y booking • Ámbito legal y jurídico • Comunicación, marketing y patrocinios • Operaciones y ticketing • Producción • Prácticas externas • Trabajo Fin de Máster (TFM) ¿Para qué salidas profesionales me prepararía?

Organización de festivales y grandes, medianos y pequeños eventos de música en directo: aspectos conceptuales, de producción, logística y coordinación.

Contratación de artistas y relaciones con los agentes de la industria de la música en directo (promotores, agencias, managers, discográficas, etc.).

Aspectos administrativos y legales de la música en directo.

Estrategias de comercialización: ticketing y E-commerce; lanzamientos, paquetes, etc.

Comunicación y promoción de conciertos: marketing y estrategias de comunicación de diferentes tipos de producciones.

Patrocinios y búsqueda de financiación para proyectos. ¿Tengo el perfil?

Sí, si eres licenciado/a o graduado/a, y posees un título universitario español o del Espacio Europeo de Educación Superior, y deseas adquirir la capacitación necesaria para integrarte en el ámbito laboral de la música en directo en sus diferentes perfiles.

También tienes el perfil si eres un/a profesional de la industria musical con una trayectoria acreditada y deseas ampliar o reciclar tus conocimientos hacia esta área.

No se exige una formación previa en unos estudios concretos; los estudiantes podrán acceder desde distintos ámbitos de conocimiento, valorándose la cooperación y colaboración interdisciplinar. ¿De quién aprendería?

Aquí te dejamos un listado de tu futuro profesorado: • •

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Roberto Grima: Presidente de Live Nation España.

José María Barbat: Presidente de Sony Music Entertainment (Spain & Portugal).

Rosa Lagarrigue: Presidenta de RLM, agencia que actualmente representa artistas como: Alberto Iglesias, Ana Torroja, Raphael, Rozalén, entre otros.

Paz Aparicio: Directora del WiZink Center.

Kim Martínez: Director de EsmerarArte Industrias Creativas y Presidente de ES_MÚSICA.

modelo Live Nation es de una compañía líder en el sector a nivel global, pero también hay otros modelos y es muy importante que los alumnos también los conozcan. ¿Qué perfil tienen los alumnos/as?

El perfil de los interesados en el máster es muy variado, desde jóvenes recién graduados como profesionales en activo que quieren formarse en lo suyo o en otras materias relacionadas. Aunque se trata de un máster propio, es necesario tener un grado oficial previo, por lo que algunos perfiles que se interesan no tienen opción de hacerlo, de momento (quizás más adelante se abra un grupo específico para profesionales sin estudios oficiales). En esta edición, los perfiles de los alumnos matriculados son muy variados, de ramas como la administración de empresas, económicas, musicología, comunicación o derecho. De esta forma se confiere al grupo de una diversidad muy enriquecedora en sí mismo, y además vinculadas a la áreas que componen el programa formativo. Este curso estamos contentísimos de tener un total de 12 alumnos y 11 alumnas, por lo que vamos viendo el creciente interés de las estudiantes en las diferentes ramas (no solo en el marketing y la comunicación) de la música en directo. Esto es algo muy importante para nosotros. ¿Saben a qué quieren dedicarse dentro de la industria musical cuando se matriculan o lo van decidiendo durante el máster?

Hay de todo tipo, aquellos que tienen las ideas claras de que quieren formarse para ser promotores o trabajar en áreas relacionadas con el patrocinio, y aquellos que desconocen más el sector, pero que quieren adentrarse y averiguar exactamente lo que les gusta. En otros casos, lo que ocurre es que creen que les gusta una rama específica, y al realizar las prácticas formativas se dan cuenta que les gusta mucho más otra área.

Destacábamos al principio que tú eres una de las impulsoras del modelo de “Prácticas activas” de los alumnos/as en la organización de los eventos.

Este modelo ha tenido ya un gran impacto en el sector. ¿Por qué crees que ha sido?

La formación práctica es necesaria. Todos los estudios vinculados al sector de los eventos y la música en vivo, tienen una peculiaridad que no tienen otros estudios, y es justo eso, el directo, “el vivirlo en vivo”. Por mucho que estos alumnos se formen adecuadamente en las aulas con los mejores programas formativos, bajar a tierra y poner todo esos conocimientos en práctica es necesario. En mis más de diez años en el sector de la formación, he sido propulsora de que esto fuera posible. Me he sentado con muchos organizadores de eventos, que al principio veían con recelo acoger a alumnos en sus oficinas, y les he explicado los beneficios que para un alumno que está estudiando esto tienen. En primer lugar, poder conocer de primera mano toda la infraestructura que conlleva un evento, concierto o festival, por otro lado, la posibilidad de networking que se le da al alumno estando en estos espacios, donde se puede relacionar con otros profesionales y por ende, mejorar su situación profesional.

¿Qué tipo de prácticas y con qué tipo de empresas podrán trabajar vuestros alumnos/as?

Las prácticas son distintas dependiendo la empresa donde la realicen. En nuestro caso, en Live Nation, los alumnos pueden acercarse a cualquiera de los departamentos con los que cuenta la oficina de Madrid: booking, promotoria, ticketing, marketing, entre otros. Por otro lado, los alumnos pueden hacerlas en venues, como Vistalegre o WiZink Center, en empresas de management como EO! Music, Pink Tiramisú, en sellos discográficos como Sony Music o Vanana Records, en festivales como Mad Cool o DCODE. Estos son solo algunos ejemplos.

Para acabar. Analizando la última década el sector de los eventos, y en este caso de los eventos de Música en Directo, vemos que ha crecido a pasos agigantados. Podemos afirmar además, que estamos ante otro gran cambio fruto del impacto derivado de la pandemia en el sector cultural y en especial de la industria musical. ¿Qué papel crees que juega y jugará la formación en esta nueva versión o readaptación del sector?

Desde luego la formación ahora es más importante que nunca. Todo está cambiando muy rápido y ahora más que nunca, por lo que creo que es muy importante estar actualizado y al día de todo lo que ocurre. Yo siempre le digo a mis alumnos que ahora nos encontramos en la misma casilla de salida, y que el aprendizaje ahora es obligatorio por parte de todos. ¿Qué importancia tiene actualmente la formación específica en este sector para las empresas?

Creo que es clave. Antes se aprendía cómo se podía, y cuando empezabas a trabajar hacías lo mejor posible para que todo saliera bien. Contratar a jóvenes cualificados en diferentes materias te garantizan a profesionales formados para esas necesidades. El sector cada vez tiene más claro que es necesaria esta formación, y lo estamos viendo con la proliferación de estudios que están apareciendo últimamente. Pero también es importante que antes de matricularse se informen bien de quién los lleva a cabo, y de la titulación que van a conseguir con ese programa.

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JULIO ARCE Director del máster y Profesor Titular y Director del Departamento de Musicología de la UCM.

que nos aportan el valor añadido de la experiencia comunitaria y del consumo compartido.

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Es evidente que ante una nueva forma de consumir música es necesaria la adaptación y reconfiguración de la industria y de sus perfiles profesionales. El volumen del sector de la música en directo es tan grande que hace falta cubrir la demanda de profesiones que la industria necesita.

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• ¿Qué papel juega la universidad pública en esta nueva área de formación tan específica? ¿Qué aporta al sector?

En mi opinión la universidad pública tiene el propósito principal de transmitir y crear conocimiento; de procurar el bienestar social y fomentar valores como la sostenibilidad, la tolerancia, la integración, etc. Además, tiene que estar conectada con la sociedad y responder, en la medida de sus posibilidades, a las nuevas demandas y retos profesionales que han generado los cambios tecnológicos.

Licenciado en Filosofía y Letras, Doctor en Historia y Ciencias de la Música. Ha sido Asesor Técnico Docente de la Consejería de Educación de la Comunidad de Madrid entre 2000 y 2006 y ha participado en varios trabajos de catalogación e investigación en la SGAE y en el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU).

También puso en funcionamiento el Centro de Documentación Musical de Cantabria para la recuperación, conservación e investigación de su patrimonio musical.

Actualmente es el Director del máster Música en Directo Live Nation y Director del Departamento de Musicología de la UCM. Julio, tu trayectoria en el ámbito de la investigación y la educación en la Música te ofrece un amplio conocimiento de cómo ha ido evolucionando el sector en las últimas décadas, con sobre todo, la explosión de los eventos musicales en vivo. ¿Cómo y por qué crees que surge la necesidad de potenciar la formación en este ámbito de la música?

Desde los años noventa se ha operado una gran transformación motivada, sobre todo, por un proceso de digitalización que ha afectado directamente a nuestra forma de consumir, relacionarnos, divertirnos, etc. Nuestro día a día se ha visto profundamente alterado y, en especial, la forma en la que nos relacionamos con la música. Esta situación provocó una gran crisis en la industria musical que vio alterados patrones, productos y comportamientos que hasta entonces parecían inmutables.

Una de las salidas de la crisis de la industria musical ha sido la recuperación del valor de la música en directo que se había perdido, parcialmente, por la comercialización de las grabaciones discográficas y la presencia de la música en los medios audiovisuales durante la segunda mitad del siglo XX. Con el cambio de siglo hemos asistido, pues, a una revitalización del concierto en vivo, de los eventos musicales presenciales

A veces es complicado que los planes de estudios se adapten a los cambios de la sociedad, la economía o la cultura; sin embargo, las universidades han desarrollado sistemas de formación permanente y titulaciones propias que tienen el propósito de cubrir rápidamente la demanda de nuevos sectores. A diferencia del sector privado, la universidad pública está siendo capaz de ofrecer una formación de calidad (que, en el caso de la UCM, está avalada por una plantilla de docentes e investigadores cualificados) y asequible económicamente, pues nos mueve el compromiso con la equidad y la igualdad de oportunidades. ¿Cómo surge esa alianza de la UCM con Live Nation?

La relación de la UCM con Live Nation tiene casi más de una década. En el año 2011 se celebró la primera edición del festival DCODE y, desde entonces, el campus de Moncloa ha acogido este evento, salvo en estos dos últimos años que se ha interrumpido por causa de la pandemia. El DCODE ha creado un vínculo con la ciudad de Madrid y, sobre todo, con el mundo universitario.

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Nacho Córdoba: Senior Promoter en Live Nation España (Madrid).

Marisa Márquez: Directora de Marketing de Live Nation España (Madrid).

Rocío Vallejo-Nagera: Directora de Patrocinios de Live Nation España (Madrid).

Israel V. Márquez: Profesor e investigador en el Departamento de Periodismo y Nuevos Medios de la UCM. Héctor Fouce: Profesor de la UCM. Director del Grupo de Investigación Semiótica, Comunicación y Cultura.

Nuria Rico: Directora de Ticketing y Operaciones en Live Nation España (Madrid).

César Andión: Relaciones Públicas, Talent A&R/Export y nuevos proyectos para Live Nation España (Madrid).

Josep Pedro: Doctor en Periodismo por la UCM. Investigador en la U. Carlos III de Madrid.

¿Haría prácticas profesionales?

Si. Uno de los principales pilares de este máster es la formación práctica en empresas. Podrás realizar tus 12 créditos ECTS desde el inicio del curso en cualquiera de las empresas con las que existe un convenio de colaboración. El máster te garantiza las prácticas curriculares en empresas destacadas del sector, permitiéndote así, conocer el funcionamiento real y actual de la industria del directo. ¿Quién acredita mi titulación?

Obtendrás un título propio de la Universidad Complutense de Madrid coordinado con Live Nation, compañía líder en el mundo en la organización de eventos musicales, que aporta un modelo de negocio exitoso y la experiencia de profesionales en todos los ámbitos de la planificación, organización y gestión de la música en directo. La Universidad Complutense de Madrid, por su parte, ofrece la experiencia y la cobertura académica de una de las instituciones de educación superior más importantes de Europa.

Sin embargo, en el año 2016 Live Nation tuvo la iniciativa de incorporar al festival unas jornadas universitarias para la reflexión y el análisis de la comunicación y la industria musical. Nació así el DCODE Lab, un evento que ha conectado a profesionales de la industria, músicos y artistas de toda índole, con los estudiantes complutenses. Edición tras edición fuimos comprobando el interés de los estudiantes por abrirse camino en la industria musical y lanzamos la propuesta de este Máster que, afortunadamente, tuvo una acogida estupenda tanto por parte de las autoridades académicas como de los alumnos complutenses.

¿Cuánto me costaría?

El Máster tiene un precio de 5000 euros; aunque también existen diferentes becas y descuentos. Puedes consultar los detalles en su web.

¿Cómo habéis decidido el profesorado? ¿Y los contenidos?

El claustro de profesores del Máster Música en Directo Live Nation está formado por profesores de la UCM de diversas especialidades (Musicología, Comunicación Audiovisual, Periodismo,

Aquí tienes sus redes: Twitter: @livemusicmaster Facebook: livemusicmaster Instagram: livemusicmaster

¿Y si tengo más dudas o quiero matricularme ya?

Encontrarás más info en www.ucm.es y si eres una empresa del sector de la música en vivo y te interesa sumarte a la oferta de prácticas, puedes escribir a masterlivemusic@ucm.es

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TESTIMONIOS

Marketing, Derecho, etc.). Es preceptivo en las titulaciones propias que haya un porcentaje de profesores complutenses, para cubrir los contenidos teóricos y la supervisión de los trabajos académicos. Sin embargo, la gran ventaja de los títulos propios es la incorporación de profesionales de reconocido prestigio en su ámbito de actuación puesto que pueden aportar el conocimiento y la experiencia de primera mano. Nuestro Máster propio cuenta, entre otros, con la participación de Roberto Grima (Presidente y Head Promoter de Live Nation Madrid), José María Barbat (Presidente de Sony Music para España y Portugal), Paz Aparicio (Directora del Wizink Center), Daniela Bosé (Directora General del Palacio Vistalegre), Rosa Lagarrigue (fundadora de RLM Management), y un largo etcétera.

Jose Manuel López Serrano

Manuel Requena - Ld Eventos

Ex-alumno

Claustro docente

“El Máster de Live Nation me ha aportado una visión global y completa de la industria de la música. He adquirido los conocimientos necesarios para conocer los entresijos de la industria del directo a través de una formación práctica y teórica. Las prácticas obligatorias en empresas son el eje central de esta formación, puesto que así he establecido el primer contacto con los diferentes oficios y he conseguido hacer contactos dentro de estas. Además, la variedad de los ponentes y profesorado hace que la experiencia sea más enriquecedora. Sin duda, recomiendo esta formación para todo aquel que quiera dar los primeros pasos para poder acceder y desarrollarse dentro de la industria musical.”

“Considero que la formación que tiene el máster de Live Nation es esencial para que las personas que se quieren profesionalizar en el sector de la industria de la música en directo, y en particular, en la producción, puedan tener unos conocimientos base que les ayuden a conocer de cerca cuáles son las necesidades a la hora de producir un evento musical en directo a cualquier escala.”

Aranzazu Abadía De La Torre Ex -alumna “Solo puedo dar las gracias a Albert Petit de Pink Tiramisú y al equipo de Live Nation por haberme dado la oportunidad de poder realizar mis prácticas y por enseñarme tanto sobre booking y management. Ha sido una experiencia increíble, educativa y además muy divertida que recomiendo sin lugar a dudas. Tuve la oportunidad de trabajar mano a mano con grandes artistas y sus equipos y de poder participar desde dentro de la organización de conciertos y festivales. Nunca podré agradecer lo suficiente esta oportunidad.”

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Daniela Bosé - Directora general Palacio Vístalegre Claustro docente “Estoy convencida que este máster, que mezcla teoría y práctica, aporta tanto a los alumnxs como a la Industria que les va a recibir. Nuestra industria sigue necesitando de la pasión por la música pero el nivel de preparación será un rasgo diferenciador en los nuevos profesionales que se incorporen a ella. Me encanta enseñarles Palacio Vístalegre y ver sus caras iluminadas por la emoción de descubrir un gran recinto pero ya como profesionales y no como público.”

Los contenidos se articulan de acuerdo con el proceso de realización de los eventos musicales; de este modo se organizan en 6 módulos (Aspectos sociales y culturales de la música en directo; Management y booking; Ámbito legal y jurídico; Comunicación marketing y patrocinios; Operaciones y ticketing; Producción), más prácticas externas en las empresas líderes del sector y un trabajo fin de máster. ¿Es una rama en la que se especializan estudiantes que vienen de otros grados o licenciaturas relacionadas de la UCM?¿De cuáles?

Por supuesto. Los alumnos matriculados provienen de diferentes grados y licenciaturas. El sector de la música en directo abarca tantos “oficios” que tienen cabida estudiantes que previamente han estudiado Comunicación Audiovisual, Marketing y Relaciones Públicas, Música y Musicología, Derecho, Empresariales, etc. ¿Qué salidas profesionales ofrece un máster como el vuestro?

El Máster tiene el propósito de cubrir las demandas de un sector que está en expansión y necesita profesionales cualificados con una formación específica que, hasta ahora, no se ha ofertado de manera conjunta y por una universidad pública. Ofrece la posibilidad de formarse e integrarse en todos los ámbitos que requieren los eventos de la música en directo. Además, quiere abrir, gracias a la investigación, nuevos nichos de empleo relacionados con los festivales.

Y para acabar. ¿Esperabais que fuese tan exitoso?

Somos conscientes de que la manera de consumir música ha cambiado en estos últimos años. De que la gente, en especial el público joven, demanda música en directo. Por ello, desde un primer momento tuvimos la certeza de que la unión entre la Universidad Complutense de Madrid, que aporta la tradición y el prestigio académico, junto al impulso de Live Nation, que incorpora la experiencia profesional y la conexión con la industria musical actual, iba a tener, como así ha sido, un éxito seguro.

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ESCUELA MICROFUSA Nació como un “laboratorio sonoro”, un espacio de experimentación sonora y musical. Su nombre surgió de la combinación de las palabras microcomputador, que apela a la parte más tecnológica de la empresa, y fusa, una figura rítmica de notación musical.

Actualmente Escuela MicroFusa es toda una referencia en el ámbito de la formación en Tecnología Musical y Sonido en nuestro país. Una posición que se ha ganado a pulso tanto por la calidad de su enseñanza como por su compromiso en el acompañamiento hacia la profesionalización y la inserción en el mundo laboral de sus alumnos y alumnas. ¿Cuándo nació y quién/quienes la fundaron?

La escuela inició sus primeros talleres formativos en el año 1987, en Barcelona. Fue fundada por su actual CEO, Ignasi Benavent ¿Qué os motivó a hacerlo?

La visión respecto a la tecnología musical. En aquellos tiempos la producciones y el entorno de la música ya empieza a notar un cambio de tendencia. Esto implicaba la necesidad de formar a profesionales y aficionados a esas tendencias en las técnicas de producción y el Djing. ¿Qué valores os definen cómo proyecto?

Innovación, inclusión, dedicación y pasión por la música. ¿Qué os diferencia de otras escuelas de Tecnología Musical y Sonido?

Seguramente la metodología es la parte más importante. Por otro lado, las instalaciones y los recursos tecno-pedagógicos a disposición del alumno/a.

Contáis con una gran variedad de cursos y titulaciones: Cursos de Producción Musical, Music Business, Composición para Videojuegos, Técnico de Sonido, DJ. Cursos de Software: Ableton Live, Logic y además de manera online y/o presencial.

Casi todos los cursos se pueden realizar tanto en formato presencial como online. Excepto algunos bloques de prácticas en salas o estudio de grabación que, obviamente, no se harían igual desde casa. ¿Cuál es vuestra metodología de enseñanza?

La metodología está basada en el aprendizaje “learning by doing” (aprende realizando) con evaluación continua. Esto implica un despliegue importante de medios para poder calificar mayoritariamente mediante prácticas y proyectos de la vida real.

La formación está focalizada en la adquisición de competencias, más que en la pura memorización. ¿Qué tipo de alumnos/as tenéis?

Tenemos un público muy variado. La mayoría son estudiantes de ente 18 a 20 años, en menor medida alumnos/as de 25 a 35 años o incluso mayores. ¿Quién forma parte de vuestro profesorado?

Nuestro profesorado está formado esencialmente por profesionales del sector, que además tienen

altas capacidades para dedicarse a la docencia.

Nosotros nos encargamos de formarlos en una metodología propia para conseguir una mejor cohesión entre todas las materias impartidas. ¿Qué buscan vuestros alumnos/as en un sitio como Escuela Microfusa?

Fundamentalmente, aprender. Por otro lado, un entorno agradable -incluso familiar - de gran cercanía con todo el equipo, y dotado de todo tipo de recursos, así como la posibilidad de compartir inquietudes similares, además de establecer contacto con gente profesional y de talento.

Una parte muy importante para formar parte de la industria musical es conocer cómo funciona, lo que se conoce como ‘Music Business’. ¿Qué tipo de herramientas y conocimientos son importantes adquirir para entender el negocio de la música?

Conocimientos técnicos sobre aspectos legales, marketing, organizativos, sumados a aspectos humanos, como el trabajo en equipo, el buen ambiente y las relaciones profesionales.

El perfil habitual en esta formación es de personas relacionadas con el entorno de la música: producción, Djs, músicos y artistas, etc.

Algo por lo que siempre habéis destacado es por vuestra implicación en proyectos musicales de todo tipo, en especial los que surgen desde vuestros centros. ¿Qué tipo de acciones realizáis durante la formación?

Disponemos de un sello discográfico propio.

Realizamos eventos que son retransmitidos a través de las redes.

Nuestro festival de final de curso, de fechas inmemorables, ha pasado por salas en Barcelona como Zeleste, Bikini, Razzmatazz, y actualmente Sala Apolo. En Madrid, hemos estado en Sala Caracol y sala Siroco. ¿Qué respaldo o acompañamiento les ofrecéis una vez han acabado su formación?

Nuestros/as alumnos/as saben que MicroFusa es

su casa. Estamos aquí para aconsejarlos y asesorarlos. Cuando se encuentra algo interesante se ofrecen prácticas en empresas.

Tenemos ex alumnos trabajando en diversos ámbitos de la industria de la música y el sonido.

Una ex alumna reciente es compositora para Warner. Otra exalumna y exprofesora es ahora una de las figuras relevantes en el ámbito del techno.

También recuerdo a diversos ex alumnos que hoy en día se dedican profesionalmente al sonido en audiovisuales y los espectáculos en vivo, incluso uno ha llegado a ganar un Grammy como ingeniero de grabación.

Aprender con la tecnología más avanzada es lo que hace que un futuro talento sea realmente competitivo y pueda hacerse un hueco en la industria. ¿Qué le ofrece MicroFusa a nivel de instalaciones y equipos?

Todas las aulas disponen de un ordenador iMac para el desarrollo de las clases y el acceso a nuestro campus virtual. Entre Madrid y Barcelona sumamos más de 150 iMacs. Disponemos de cabinas y estudios altamente equipadas. Cada una diseñada para una formación concreta.

Estudios para DJ, para Producción musical, grabación y mezcla, etc. Tecnología analógica y digital para poder tener el mayor rango de posibilidades.

Entre las marcas con las que trabajamos, encontramos mesas de mezclas SSL, Midas, Yamaha, Set de Dj de Pioneer DJ, con sistemas completos de CDJ300, por ejemplo. Licencias de software de Ableton Live, Logic, Pro Tools..., sistemas de altavoz EVE audio, Genelec, Dynaudio o Focal por destacar algunos. ¿Dónde están?

• Escuela MicroFusa en Madrid: Paseo Juan Antonio Vallejo-Nájera Botas, 59. 28005 Madrid • Escuela MicroFusa en Barcelona: Ronda del Guinardó, 65. 08024 Barcelona • Escuela Online: https://school.microfusa.com/ Descubre más en: https://escuela.microfusa.com/

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SCHOOLTRAINING

ESCUELA DE CINE Y SONIDO SchoolTraining es una escuela de Creación Audiovisual y Sonido donde los alumnos y alumnas adquieren formación especializada, pero siempre de una manera práctica e impartida por profesionales en activo de la industria del Cine, la Música y el Espectáculo.

Desde sus dos sedes en Málaga ofrecen un amplio abanico de Másteres y Cursos enfocados a futuros/as profesionales que quieran ser: Dj, profesionales del sector del vídeo, de la imagen y/o el cine, del sonido, de la producción musical, o especialistas en la sonorización e iluminación de espectáculos. ¿Cuándo nació y quiénes la fundaron?

Nació en 2011 y fue fundada por Atom Rodríguez Fuentes y Sinuhé Muñoz Martín. ¿Qué os motivó a hacerlo?

Como Sinuhé y yo éramos profesionales de nuestros sectores, Sinuhé como montador y yo como técnico de sonido y productor musical, queríamos ofrecer una formación hecha por profesionales de primer nivel y con el mismo material que luego iban a encontrar los alumnos en la industria, huyendo de la típica formación de aula y hecha por profesores no profesionales.

La red de contactos que teníamos como profesionales las usamos para buscar opciones de inserción laboral de nuestros alumnos/as de las diferentes áreas, la cual está siendo alta en los últimos años ¿Qué valores os definen cómo proyecto?.

Los valores principales de nuestra filosofía son: 1. Profesionales en activo: Todos nuestros docentes deben ser profesionales en activo y haber hecho proyectos de relevancia dentro del sector que imparten. Si el instructor deja de ejercer en su sector no puede impartir clases en SchoolTraining.

2. Trabajar mientras estas aprendiendo: Es nuestro eslogan ya que los alumnos forman parte de nuestra bolsa de prácticas y de trabajo desde el primer día. Lógicamente segmentamos nuestra bolsa de empleo en función de las necesidades del profesional.

Se da la circunstancia de que alumnos que van teniendo contacto con empresas durante su formación, empiezan a trabajar incluso antes de terminar la formación. Para conseguir esto, introducimos a los alumnos en procesos reales de empresas desde el primer mes de clase.

3. Fomento de la creatividad del alumnado: Los alumnos tienen la posibilidad de usar todas las instalaciones y material para crear cualquier tipo de proyecto que se les ocurra individualmente o en sinergia con el resto de los másteres de la escuela dentro del marco de SchoolTraining-Lab, la factoría de la escuela.

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¿Qué os diferencia de otras escuelas de sonido, imagen e iluminación?

En SchoolTraining pensamos que el fomento de proyectos personales a través del marco de SchoolTraining-Lab es uno de los valores añadidos más importantes de nuestra formación, ya que salen con un currículum de proyectos propios, que no son trabajos de clase y que les sirve para su inserción laboral.

Aquí los alumnos de las diferentes formaciones (cine, sonido, producción musical, Dj y espectáculos) se unen para crear proyectos libremente donde la escuela cede instalaciones y material para que los alumnos creen todo lo que puedan imaginar. Videoclips de producciones de los propios alumnos, bandas sonoras para producciones audiovisuales de los alumnos de cine, largometrajes y publicidad, producciones musicales, y un largo etc., donde el alumnado desarrolla cualquier tipo de proyecto con el soporte de la escuela.

Además la escuela dispone de instalaciones para que los alumnos/as vengan todas las horas que quieran a practicar fuera de las horas de clases con un material de altísimo nivel en todas las disciplinas, por lo que las horas dedicadas a la formación del alumno/a se duplican con respecto a las horas del curso en cuestión, con muchas horas de tutorías.

La red de contactos de que dispone la escuela para la inserción laboral es muy alta ya que todos somos profesionales de nuestro sector y eso ayuda a encontrar opciones laborales para nuestros alumnos.

Ofrecéis diferentes titulaciones homologadas y certificaciones oficiales.

Las formaciones de mayor nivel son nuestros Másteres. (Formaciones de 600 a 1000h) con prácticas en empresas del sector.

También tenemos cursos de especialización de 3 meses que los llamamos cursos expertos y

monográficos de diferentes disciplinas de 1 o 2 semanas.

Y además disponemos de cursos de pregrado con la Universidad de Málaga y Certificados de Profesionalidad ya que somos un Centro Homologado por la Junta de Andalucía. ¿Cuál es vuestra metodología de enseñanza?

Empezamos enseñando el fundamento teórico de la disciplina paralelamente a la práctica con desarrollo de proyectos y supuestos reales para su mejor asimilación.

Los/as alumnos/as empiezan a aplicar conceptos en supuestos reales desde el primer mes de clases en teatro, cine, espectáculos, Dj en salas y festivales,…

Y por último trabajamos con ellos para su

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promoción dentro del oficio incluyendo a los alumnos en procesos con empresas del sector y así van mostrando las destrezas adquiridas para su incorporación a la industria. ¿Qué tipo de alumnos/as tenéis?

Vienen alumnos/as de toda España e incluso del extranjero. Especialmente vienen muchos de universidades y grados superiores buscando sobre todo una formación eminentemente práctica y para especializarse de la mano de grandes profesionales. También tenemos alumnos que vienen del conservatorio para aplicar los conocimientos musicales a la producción musical y perfiles que no tienen formación previa y quieren dedicarse profesionalmente a alguno de nuestros sectores. ¿Qué buscan en un sitio como SchoolTraining?

Sobre todo una formación especializada, con buen material actualizado constantemente y tener en el aula a grandes profesionales que son los que pueden contarle la realidad del sector en el que trabajan.

Además como somos productora técnica de festivales como MTV Gibraltar, FIB, Viñarock, Dreambeach, Weekend, Cabo de Plata o Granada Sound y tenemos nuestra propia productora audiovisual AV2Media Films -donde tenemos a nuestras espaldas multitud de producciones audiovisuales- los alumnos saben que forman parte activa de un nivel muy alto de producciones y eso tanto para su formación como para su currículo es muy importante.

Imagina un alumno que mientras estudia se sube de prácticas a un escenario con artistas de la talla Craig David, Ricky Martin, Pendulum, Ozuna, Snoop Dogg, 50 Cent o Deadmau5. O que puedan encontrarse rodando en producciones del nivel de Warrior Nun de Netflix o Snatch de Sony o incluso de Juego de Tronos de HBO como está haciendo actualmente una de nuestras alumnas como asistente de DIT. Les ofrecemos un sinfín de producciones de alto nivel, todo un sueño.

La diversidad de sectores en los que ofrecéis formación requiere un profesorado muy especializado.

Nuestros instructores son el pilar más importante dentro de nuestra metodología sin duda. Contamos con instructores como: Alex Capilla, director de La Bocina con 8 Goyas al Mejor Sonido; Jose Mª Rosillo, Premio Grammy como Mejor Productor; el productor internacional Shall Ocin ; Juanjo Beloqui, uno de los diseñadores de iluminación para espectáculos más reconocidos a nivel nacional; German Brigante, productor internacional y director del sello discográfico Manitox; Dani Koala, director de Dskonnect y manager de artistas como Maceo Plex y Oxia; Rafael Cobos (La Isla Mínima, El hombre de las 1000 caras…) como guionista premiado nacional e internacionalmente ; o Jaime Sagi-Vela como montador de series tan conocidas como La Que Se Avecina o El Pueblo.

Tal y como indicas lo mas complejo de todo nuestro trabajo es poder contar con algunos de los mejores profesionales del país y cuadrar todas las agendas de ellos para que puedan venir a formar a nuestros alumnos.

Algo también a destacar es que muchos de ellos son directores de empresas o proyectos de alta

envergadura, lo cual les da mucha cancha para contar con alumnos/as que ya han visto como trabajan en las clases e incorporarlos a sus proyectos y no tirar de un currículo a puerta fría. Y además, el alumno/a sale con una cartera de contactos del sector muy importante.

Además de los programas oficiales, tenéis otras ramas de aprendizaje en formato masterclass, taller y/o charlas con profesionales.

Exacto, las masterclass con grandes profesionales son un complemento muy a destacar dentro de la formación ya que vienen con proyectos propios que muestran y desglosan para que el alumno/a vea las diferentes metodologías de trabajo.

Imagina ver todas las pistas de audio de La Isla Mínima o La Trinchera Infinita con Alex Capilla, ganadoras de Goyas al Mejor Sonido; o el proyecto de WYSIWYG de iluminación para la presentación de Cartier en Dubai de Juanjo Beloqui; o de la gira de Vetusta Morla con Diego García; o analizar la producción del Dreambeach desde dentro con Gonçalo; o ver cómo hacer la gestión de radio frecuencias del SÓNAR con Diogo Nunes; o el montaje paso a paso de una serie como El Pueblo con Jaime Sagi-Vela…

Una de vuestras principales fortalezas en vuestra bolsa de empleo y un exitoso programa de prácticas en empresas.

Buscar buenas prácticas ocupa gran parte del esfuerzo de la escuela. Hay un departamento que se ocupa expresamente de cerrar convenios de prácticas durante todo el año, con las empresas más destacadas y las producciones más importantes en las que sabemos que nuestros alumnos /as van a formar parte muy activa del desarrollo técnico o artístico.

Son muchas las empresas y producciones donde han estado, pero por destacar hablaría de las prácticas de los alumnos de Producción Musical en Dreambeach y Weekend Beach Festival.

De las prácticas de los de cine destacaría las realizadas con Fresco Film (Snatch, Juego de Tronos), Atípica Films (Modelo 77 de Alberto Rodríguez), Plano a Plano (ToyBoy)….

En espectáculos, las prácticas en Starlite Marbella, o en giras nacionales como Lory Meyers o festivales como Primavera Trompetera, Granada Sound, Interestelar o FIB, etc.

Además muchos de nuestros alumnos/as de producción musical firman con sellos discográficos con los que la escuela tiene contactos para sacar sus producciones. Es el caso por ejemplo de Abdon, Oclum o Heliena, que se encuentran desarrollando sus carreras musicales gracias a su gran trabajo y el empuje que tuvieron de la escuela; lo cual nos enorgullece mucho.

Si vemos que un alumno/a trabaja y va en serio, incluso una vez terminada la formación seguimos apoyándolo y no solo asesorándole, sino facilitándole el uso de las instalaciones cuando lo necesite.

Nosotros vivimos del éxito de nuestros alumnos/ as, no de dar títulos. ¿Qué tipo de salidas profesionales buscan los alumnos/as de este tipo de cursos, y másteres?

La mayoría buscan terminar trabajando del puesto del que se les ha formado, es decir, montadores, directores de fotografía, técnicos de sonido tanto en cine como en espectáculos y estudio de grabación, produciendo mezclando y masterizan-

do su propia música o la de otros artistas, iluminando espectáculos, dirigiendo una producción audiovisual, etc.

Y a nivel de equipamiento, instalaciones y servicios. ¿Qué se encuentran?

Dentro de las instalaciones cuentan con un estudio de grabación de 100m2 con 2 salas de grabación simultánea, gobernado por una SSL AWS924 con sus 24 canales bajo Antelope Orion 32+ con Apple M1, y el control de monitores y corrector de sala Trinnov D-Mon 6, que es una auténtica maravilla.

En dicho estudio cuentan con monitorización de mastering de gama alta LIPINSKI y para mezcla usamos QUESTED, que nos encantan para la referencia cercana.

Para los productores musicales disponemos de un estudio con todas las controladoras más usuales como Maschine, Jam, Push, Native Instruments Keyboards. Cajas de ritmos como Elektron Rytm o Roland TR8, sintetizadores como Moog Sub 37, Arturia Matrixbrute o Analog Keys de Elektron ,todo bajo plataforma Apple M1. En esta sala también contamos con monitorización Quested.

Otro de los estudios es el de postproducción para sonido en producciones audiovisuales con un sistema multicanal de mezcla con monitores GENELEC con controladoras AVID Serie Artist y tambien Apple M1.

Sala de montaje de cine (Avid Media Composer y Adobe Premiere) y corrección de color (Davinci Resolve) con controladora de BlackMagic DaVinci Resolve. 16TB de almacenamiento interno en RAID 0 y 36TB de almacenamiento externo en RAID 5.

Todos los estudios cuentan con estudio acústico con paneles de Vicoustic.

Tenemos 2 salas informáticas, una con 18 IMAC Apple M1 Silicon con Maschine para todos los alumnos, teclado controlador y tarjeta de sonido que usamos para sonido y producción musical y otra sala con 21 workstation para montaje de cine y postproducción de video con tabletas gráficas Wacom Intuos.

Una sala con 4 Apple IMAC M1 con Maschine, Jam y Push con teclados controladores y tarjetas de sonido y 4 Workstation con doble monitor específica para que los alumnos puedan venir a trabajar fuera de las horas de clases y desarrollar sus proyectos.

También disponemos de plató con croma de 25m2 con sinfín y cámaras profesionales como Arri, Blackmagic, trávellings profesionales, iluminación, grips…. Biblioteca y 3 Aulas Polivalentes. ¿Qué otros servicios ofrecéis para los profesionales externos?

Disponemos de una empresa de alquiler de material audiovisual y service que está teniendo mucha actividad en los últimos años y que ofrece, no solamente alquiler de material para realizar producciones fuera de la escuela, sino que también ofrece instalaciones como Sala de Etalonaje, Estudio de grabación para bandas musicales y doblaje y servicios de mezcla y masterización. ¿Dónde están?

• Sede 1: C/ Aljofaina, 4, El Palo, Málaga • Sede 2: C/ Pérez Zúñiga esquina con Calle Carlos Frontaura, El Palo, Málaga Descubre más en: www.schooltraining.es 63

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THE BASS VALLEY

TBV es un grupo de empresas que desarrolla sus unidades productivas y proyectos en el sector de la industria musical, actuando como una plataforma 360 a través de: la formación de artistas y productores, la generación de contenidos musicales, los servicios profesionales de producción y postproducción, servicio de management (Editorial, Booking…), y como promotora y productora en sus salas de conciertos y clubs, o en sus eventos de mediano y gran formato. ¿Cuándo nació y quién la fundó?

The Bass Valley nace en 2015 en Asturias de la mano de su fundador original, Rubén Fernández Álvarez. ¿Qué os motivó a hacerlo?

En el momento de su fundación, parte del equipo de The Bass Valley ya estaba interviniendo en la industria en diferentes roles y agentes. Vimos una oportunidad y un valor en compartir tiempo y experiencias con los artistas de primera mano, en formato ‘bootcamp’, y así es como se inició The Bass Valley. ¿Qué diferencia The Bass Valley de otros centros de formación para artistas y productores/as?

Actualmente toda nuestra formación es 100% online y asíncrona, es decir, cada estudiante 64

tiene su propio itinerario construido en un Campus Virtual donde cursar los contenidos a su ritmo. Buscamos eliminar las barreras de entrada a la formación musical ‘tiempo/ horarios’ y ‘lugar’.

En The Bass Valley ofrecéis una amplia formación en Producción musical y Music Business, con un exitoso formato online 2.0 a través de vuestro Campus Virtual. ¿Qué tipo de cursos y formaciones ofrecéis?

Formación 100% online, no presencial.

Combinamos recursos en directo con formación y contenidos grabados. Cursos de distintos niveles, generalistas y especializados. ¿Cuál es vuestra metodología de enseñanza? ”Learning by doing”. ¿Qué tipo de alumnos/as tenéis?

Perfiles de todo tipo: desde melómanos/as que buscan completar su formación como hobbie, a profesionales que buscan seguir formándose y especializándose para seguir en la actualidad del mercado. ¿Qué buscan en un proyecto como The Bass Valley?

Formación y experiencia. Una fuente de conocimiento fiable mediante la apropiada supervisión y curación de todo el contenido formativo.

¿Qué tipo de certificaciones adquieren los alumnos/as?

Titulación privada otorgada por The Bass Valley.

Sabemos que estáis trabajando en un nuevo modelo-plataforma más en la línea de vuestro Campus Virtual. ¿Qué nos podéis contar sobre ella?

Creemos que el usuario online hoy día tiene multitud de caras y aristas, y por tanto multitud de intereses. Pensar actualmente en usuarios ‘estancos’, con intereses a modo de compartimentos cerrados es una idea que pertenece más bien al pasado.

El usuario digital es cada vez más transversal en cuanto a sus intereses, y nosotros queremos facilitar el acceso a dichos intereses.

Una de vuestras principales fortalezas es esa Visión 360º en la que se incluyen prácticamente todos los pasos que un artista ha de realizar desde la idea al directo. ¿Qué acompañamiento ofrecéis a los/las artistas desde que entran a TBV a formarse hasta que llegan al escenario?

Gracias a las diferentes unidades productivas que tenemos internamente pero también mediante alianzas con agentes externos conseguimos cubrir todas las necesidades de

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oportunidad cuyo freno principal para su desarrollo era la barrera económica. ¿Qué os ha motivado a hacerlo?

Conseguir un cambio real en nuestra industria. Y este cambio debe de llegar desde la base, la formación. Si no potenciamos la inclusión en este punto de distintos perfiles y colectivos, en el origen de todo, será difícil que aparezcan modelos ‘de éxito’ a seguir y que consigan exposición y visibilidad suficiente en la industria para convertirse en referentes para otros.

Y a nivel de equipamiento, instalaciones y servicios:¿qué ofrecéis?

Instalaciones creadas desde cero buscando la excelencia en cuanto a las prestaciones, tanto de las propias instalaciones, como del material de las mismas y de los profesionales que en ellas operan.

un artista desde su origen o creación hasta el desarrollo comercial del artista o su obra como un producto que se introduce en un mercado.

Otra de vuestras ramas de formación es la de “Desarrollo artístico”, donde ayudáis a los artistas a registrar, distribuir y monetizar su producto y a entender cómo funciona el Music Business.

Intentamos divulgar la idea o filosofía del artista como empresa (siempre que se pretenda una explotación y un resultado comercial del mismo).

Por tanto contamos con diferentes especialistas del sector, como Rafa Puerta, Irene Bauzá, David Cardenal, Rocío Bengolea… como expertos en diferentes temas que ofrecen formaciones sobre temas en los que están especializados y se desarrollan profesionalmente.

Suelen ser programas que facilitan la incorporación a nuestras formaciones mediante una serie de descuentos, facilidades en cuanto al pago y la forma de pago y otra serie de ventajas especiales, dependiendo del programa de becas en concreto. ¿Qué resultados están teniendo estas convocatorias especiales?

Estamos tremendamente agradecidos por la buena acogida que han tenido todos estos programas pero sobre todo agradecidos de encontrar tanto talento que merece una

¿Qué otros servicios ofrecéis para los profesionales de la industria?

Dentro de nuestro actual modelo 360 intentamos cubrir todo el ciclo de gestación de un artista, desde la formación, servicios de estudio que necesiten durante la creación de una obra o el desarrollo de sus proyectos, servicios profesionales adheridos mediante agentes especializados (prensa, comunicación, desarrollo artístico, producción audiovisual…) ¿Dónde están?

TBV: Sede física: Passatge Can Polític, 13, 08907 L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona.

Servicios online globales Descubre más en: thebassvalley.com

¿Qué tipo de alumnos/as buscan este tipo de formación?

Tenemos todo tipo de perfiles: el usuario ‘hobbie’, el pro-sumer y el usuario profesional que busca una alta especialización para seguir actualizado en el mercado. ¿En qué aspectos cojean más los creadores nacionales?

En la visión de la industria musical como negocio.

En estos últimos meses habéis lanzado un programa de becas enfocado a apoyar la carrera de mujeres e identidades de género diversas, en colaboración con diferentes colectivos y asociaciones de género en la industria musical.

Constantemente buscamos ofrecer programas de becas con diferentes colectivos y/o alianzas.

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PROAUDIO

ESCUELA DE MÚSICA ELECTRÓNICA La oferta formativa de la escuela sevillana ProAudio está dirigida y pensada tanto para futuros músicos y artistas, como para profesionales del sector que desean expandir sus conocimientos y mejorar sus técnicas creativas, y/o encontrar nuevas formas de generar y reproducir música. ¿Cuándo nació y quién la fundó?

ProAudio nació en febrero de 2012 y su fundador fue David Surex, actual director y Oficial Trainer de Ableton Live en nuestro centro. ¿Qué os motivó a hacerlo?

Nuestra motivación principal fue aportarle a la ciudad un punto de encuentro para gente “como nosotros”, ya que existía un gran vacío formativo en este campo. Si que existían escuelas tradicionales de sonido, pero ninguna que trabajara la música desde la creatividad que aportan las herramientas actuales. David siempre cuenta que él mismo quería aprender más y no tenía a donde ir en toda la ciudad. ¿Qué valores os definen como proyecto?

Estamos enamorados de nuestro trabajo.

Intentamos transmitir la locura de perder la cabeza por hacer mejor música cada día.

Queremos que nuestros alumnos/as se lleven una experiencia bonita de su paso por nuestra escuela, pero sobre todo, que sepan qué hacer en cada momento cuando se sienten a producir en el estudio.

Trabajamos desde el primer día con las ganas de superarnos como proyecto. La escuela no ha parado de crecer en todos los sentidos en estos últimos 10 años, ejemplo de ello es nuestra nueva sede, un lugar inspirador y súper equipado que recién estrenamos este pasado mes de septiembre. ¿Qué diferencia ProAudio de otras escuelas de formación en producción musical?

De nosotros siempre hablan sobre la cercanía que se adquiere entre alumno/a y profesor/a, y es verdad, el factor humano es nuestro punto clave.

Somos una gran familia que no para de crecer, muchos de nuestros alumnos/as de hace 6, 7 u 8 años ,hoy son parte de nuestros mejores amigos.

Por otro lado, le ponemos mucha pasión a todo. Es una suerte para nosotros trabajar con lo que más nos gusta, que es la música.

Además, somos un centro oficial de entrenamiento de Ableton, algo que nos posiciona con cierta exclusividad. Para nuestros alumnos/as es una garantía estudiar con los mejores trainers e igualmente con una workstation de primera línea. ¿Qué tipo de formación ofrecéis?

Tenemos la oferta formativa separadas por asignaturas, y cada una de ellas se encarga de formar a nuestros alumnos/as en una de las fases de toda producción musical. Se pueden estudiar por separado o reunidas en uno de nuestros másteres, disponible tanto de forma presencial como online.

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¿Cuál es vuestra metodología de enseñanza?

Impartimos clases de manera que el alumno/a reciba información teórica y que la ponga en práctica al instante. Tanto el instructor como el alumno comparten equipamiento, de manera que todo lo que el alumno ve proyectado lo está tocando y practicando en su propia workstation.

Para fortalecer aún más la formación contamos con un home studio donde poder trabajar en un escenario real. ¿Qué tipo de alumnos/as tenéis?

Muy heterogéneo, cada vez tenemos más

diversidad en las aulas, reflejo de la propia diversidad que se da en las pistas de baile, algo que afortunadamente no para de crecer y que celebramos.

Además, acabamos de lanzar ProAudio Kids, clases extraescolares de producción y Dj para niños/as y adolescentes; un proyecto que rondaba nuestra mente desde hacía mucho tiempo y que por fin ha visto la luz. ¿Qué buscan en un sitio como ProAudio?

Cada vez recibimos más alumnos/as de diferentes partes de la península e incluso de fuera de

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nuestro país. Tenemos a nuestras espaldas una experiencia de más de 10 años y antiguos alumnos/as desarrollando sus carreras musicales dentro y fuera de nuestras fronteras.

Vienen buscando profesionalizarse cada vez más.

Hemos visto como la exigencia y objetivos de nuestro alumnado cada día es mayor. La responsabilidad es grande, pero muy positiva porque nos ayuda a superarnos y ser mejores. ¿Quién forma parte de vuestro profesorado? ¡Nuestro mayor tesoro sin duda! Guillermo Jorge Manjón es el profesor de Teoría Musical e imparte clases en el conservatorio de Sevilla, además de ser un gran músico y productor.

Arturo Romero es nuestro ingeniero de sonido, se encarga de las clases de Producción y Mezcla.

Además de Mastering, él también produce y mezcla para diferentes artistas.

Ana Ramírez aka Jade Tansa, -Dj muy reconocida de Sevilla – es la encargada de todo el Área Dj en la escuela.

David Surex, es nuestro entrenador oficial de Ableton.

Vidal Romero imparte las clases de Historia y Cultura de la Música Electrónica, y participó en el popular libro Loops.

También contamos con colaboradores tan ilustres como Pedro Viñuela, uno de los profesionales del mastering de mayor reputación de nuestro país.

nuestros profesionales trabajando y tener así una idea clara de cómo poner en marcha su propio estudio.

Algo de lo que estamos muy orgullosos es del acondicionamiento acústico que hemos logrado en nuestra nueva escuela. El alumno se forma en un lugar muy cuidado en cuanto a acústica se refiere y esto le ayuda a darle valor a algo tan importante dentro de cualquier entorno de creación musical. ¿Qué tipo de apoyo y acompañamiento ofrecéis a vuestros alumnos y alumnas?

En nuestro máster tenemos clases enfocadas al Music Business. La idea es ofrecer una imagen nítida del mundo profesional y de su funcionamiento, cómo crearse una imagen, relacionarse

con profesionales de la industria y todo lo que eso conlleva.

Somos parte de diferentes proyectos culturales donde nuestros alumnos/as siempre tienen un papel protagonista. Tenemos alianzas con diferentes colectivos y clubs de la ciudad que dan cabida a nuestro alumnado y les permiten hacerse visibles dentro de sus diferentes programaciones.

Y estamos trabajando en nuestro propio sello discográfico pensado como un trampolín donde lanzar a todos los productores que salen de nuestra escuela. ¿Dónde están?

Escuela ProAudio: C/ Relator, 10, 41002, Sevilla, Andalucía.

Descubre más en: www.ProAudioecuela.com

Una de vuestras principales fortalezas reside en que sois un Centro de Certificación Oficial de Ableton, el único en Andalucía si no me equivoco.

Ofrecemos una certificación oficial con Ableton Live. Un curso impartido por un trainer de la marca y que se imparte con equipos de alta gama.

Igualmente, desde el área Ableton ofrecemos un curso para aprender a desarrollar música en directo y Pro Audio Kids, nuestras clases extraescolares para niños.

Llega mucha gente que trabaja para el sector y quiere conseguir la certificación para sumarla a su currículum. Otros, que ya son Djs consagrados y quieren dar el salto a la producción. O también recibimos mucho alumno/a que se inicia desde cero pero que busca la garantía que le ofrece una certificación oficial.

Al acudir a un centro oficial, el alumno/a tiene la garantía de estar formándose con expertos de la marca que están a la última en cuanto a las actualizaciones que ofrece Live, y bajo sus últimas versiones tanto en software como en hardware. ¿Qué encuentran los futuros creadores en ProAudio?

Nuestra Workstation está formada por equipos de última generación. El alumnado tiene cada día de su formación su propio equipo formado por un iMac, Interface Focusrite, Ableton Push2, Ableton Live 11, una completa suite de plugins de producción y teclado Novation.

Así mismo, todos los alumnos/as tienen acceso a nuestro Home Studio donde pueden trabajar en un entorno real y donde también pueden ver a 67

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PLASTIC

ACADEMIA DE DJ Y PRODUCCIÓN MUSICAL Barcelona, Castilla la Mancha o Tarragona, son algunas de las diferentes ciudades donde podemos encontrar sedes de la Academia Plastic facilitando el acceso a una formación cercana centrada en el desarrollo especializado en las diferentes facetas y servicios que requiere la profesión de DJ y Productor Musical, dentro de la música electrónica. ¿Cuándo nació y quién/quienes la fundaron?

Plastic nace en 1988 de la mano de Pep Garcés como tienda de discos, evolucionando posteriormente de manera natural hacia la formación en 1993 ya que muchos clientes buscaban cómo aprender a ejercer el oficio del DJ de una manera profesional más allá de ser autodidactas. ¿Qué os motivó a hacerlo?

Plastic fue creado con la idea de dar servicio y unir a la comunidad de DJs, tanto de radio como de Club, especializándose en atender las necesidades del profesional y amateur a través de la música de importación generando ese espacio como punto de encuentro donde poder compartir novedades y experiencias.

Desde el principio, organizamos actividades como el campus en Ibiza (año 1988) o diferentes encuentros entre DJs (Club DJ ‘89), además de organizar los campeonatos DMC en las fases finales de Cataluña. ¿Qué valores os definen cómo proyecto?

Tras estos años de experiencia, en Plastic hemos creado una gran comunidad de amantes de la música siendo una gran familia. Nos sentimos identificados con la cercanía e implicación con el alumno, teniendo siempre la puerta abierta para resolver cualquier inquietud de nuestros estudiantes apoyándolos en su crecimiento como artistas. ¿Qué os hace diferentes?

Nos gusta definirnos como especialistas. No somos una academia donde se impartan infinidad de cursos, y además el de DJ o Productor Musical, sino que desde 1988 estamos enfocados en el desarrollo de estas dos profesiones consiguiendo desarrollar un método práctico, funcional y actualizado pulido y mejorado durante más de 100 distintas promociones escuchando atentamente los feedbacks de los estudiantes.

En Plastic ofrecéis diferentes modalidades de Cursos y módulos de DJ, de Producción Musical, de Efectos para DJ (FX), de Mezcla con Vinilo, y hasta un Módulo de Música Urbana y otro de Music Business y Marketing.

En Plastic contamos con dos ramas principales, que son el DJ y la Producción Musical. Ambos cursos se imparten tanto de manera presencial como virtual en directo, de manera que los estudiantes que no tengan cerca una de nuestras sedes pueden disfrutar igualmente de una formación de alta calidad desde sus casas. Estos 68

cursos se realizan de manera trimestral con una duración de 70h comenzando desde cero absoluto, de forma que en tres meses seas capaz de desarrollar tu sesión o plasmar tus ideas en canciones de manera práctica y funcional. Somos una de las pocas academias Official Partner EMEA de Pioneer DJ, certificación ofrecida directamente desde la marca que avala el contenido y métodos de nuestra formación.

Para complementar la formación y continuar creciendo, ofrecemos tanto un Curso Avanzado de Producción Musical, también trimestral, como diferentes Módulos de especialización más cortos y económicos, que permiten también profundizar más en temas concretos. Estos son el Módulo de FX donde entramos en detalle en el mundo de los efectos, aprendiendo a manipular la energía de nuestro DJ set en tiempo real, el Módulo de Mezcla con Vinilo para reconectar con las raíces del DJ o el Módulo de Music Business y Márketing para aprender todas las herramientas necesarias para una adecuada promoción de tu marca personal, o incluso crear tu propio evento. También estamos trabajando en ampliar nuestros horizontes, estrenando este año el Módulo de Música Urbana. ¿Cuál es vuestra metodología de enseñanza?

En nuestros cursos combinamos clases Teóricas, Prácticas y Masterclass consiguiendo un conocimiento 360º de la figura del DJ y Productor Musical desde una perspectiva técnica, artística y profesional acercando tanto la parte más tecnológica trabajando con Pioneer DJ y Ableton Live, como la parte más artística ayudando al alumno a descubrir su propia identidad y sonido personal.

La práctica es algo fundamental en nuestros cursos, y es por ello que los alumnos pueden acceder de manera gratuita e ilimitada a nuestras instalaciones incluso una vez han terminado el

curso, y disfrutar de cinco cabinas de DJ habilitadas con la última tecnología y un estudio profesional equipado incluso con cabina de grabación de voces. ¿Qué tipo de alumnos/as tenéis?

El amor por la música no entiende de edades ni aspiraciones, siendo este un curso válido tanto para artistas en potencia que buscan dedicarse plenamente a esta profesión o aficionados de la música que buscan profundizar en su hobby, y disfrutarlo al máximo. ¿Quién forma parte de vuestro profesorado?

Dentro del Curso de DJ contamos con un amplio equipo de profesores, con Kanedo como profesor tutor y colaboradores de alto nivel como Andrè Vicenzzo, Albert Salinas, Pep Garcés, Blanca Ross, Octavi Lobo, DJ Murdock, Jaume Batlle o Antoni Tort.

En el Curso de Producción tenemos a Khat como profesor tutor y a Lorena de Tena como profesora de música, acercando al estudiante el mundo de la composición. Dentro del equipo de colaboradores tenemos a Envel, LOWER, Chris Main y Maximilian G, aportando diferentes puntos de vista de alto valor en nuestros cursos. ¿Qué buscan vuestros alumnos/as en un sitio como Plastic?

Aprender aquello que les apasiona, y obtener las herramientas y capacitación necesaria para plasmar sus ideas en forma de sesión de la mano de profesionales y especialistas del sector.

Sobre la modalidad virtual. ¿De qué manera se imparte el contenido?

Tras dedicarnos durante 30 años a la formación presencial, ha sido muy importante encontrar un método que nos permita acercar la calidez y

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cercanía de nuestras aulas adonde estén nuestros alumnos ofreciendo una formación en vivo, interactiva y dinámica más allá de un tutorial pregrabado. Contamos en nuestras aulas con sistemas multicámara y realización en directo a través de plataformas profesionales de videoconferencias, donde el alumno puede intervenir en cualquier momento de la clase resolviendo cualquier duda al momento, asegurando así su aprendizaje día a día. Incluso en la parte práctica del Curso de DJ, quizás el aspecto más complejo de esta modalidad, incluimos en el curso el controlador DDJ-400 de Pioneer DJ y una tarjeta de sonido para poder realizar prácticas en streaming corrigiendo en tiempo real la sesión de nuestros estudiantes.

¿Qué otros servicios ofrecéis a profesionales de la industria?

Contamos con un showroom donde profesionales y aficionados pueden venir y probar diferentes equipos de DJ y Producción Musical, además de alquilar equipamiento para cualquier tipo de evento. Además, nuestra amplia base de datos de ex-alumnos nos permitirá encontrar el DJ perfecto para tu evento!

La principal finalidad de formarse de manera profesional en una academia como Plastic está en acceder al mercado laboral. ¿Qué tipo de apoyo y acompañamiento ofrecéis a vuestros alumnos y alumnas?

En Plastic tenemos activo un sistema de Prácticas Externas que nos permite acercar al alumno la

realidad del sector. Actualmente, tenemos activas prácticas en espacios como Macarena Club, La Daurada, Pachito Sitges o el Hotel Duquesa de Cardona y en el pasado hemos estado presentes en Tomorrowland España, el festival BBF o Ibiza Global Radio. Todos nuestros alumnos pueden participar, y ser seleccionados para realizar estas sesiones ampliando sus conocimientos y experiencia en el sector. Además, siempre están invitados a consultarnos cualquier duda acerca de sus proyectos personales y profesionales para recibir nuestros consejos u orientación. ¿Dónde están?

Plastic: C/ Calabria 95 Bajos – 08015 Barcelona Descubre más en: www.plastic.es

¿Qué target tienen los alumnos/as que se forman en esta modalidad tan específica?

Durante años hemos tenido en nuestras aulas gente que ha venido expresamente a formarse desde lejos, tanto desde España como Europa o Sudamérica. No obstante, son muchas las personas que desean formarse pero no tienen los recursos o facilidades para desplazarse hasta una de nuestras sedes por lo que estos Cursos Virtuales sirven para acercar a cualquier parte del mundo una formación cercana y de calidad con la última tecnología.

Comprender el ecosistema musical y cómo funciona la promoción en la industria es sin duda una de las herramientas en las que más apoyo necesitan los y las productoras. ¿Qué tipo de conceptos y estrategias les enseñáis a vuestros alumnos/as en el Módulo de Music Business y Marketing?

El módulo de Music Business y Marketing está impartido por Wooky (Albert Salinas), responsable de la plataforma multidisciplinar Lapsus la cual es sello discográfico, festival, agencia de booking, y podcast semanal en RNE, entre otros. De esta forma, contamos con un especialista que conoce todos los roles dentro del sector ya que es DJ, Productor, Promotor, gestiona su sello, realizan bookings... Aquí aprenderán desde lo más básico como la creación de un Presskit o rider técnico a profundizar en la identidad de sus eventos y como mostrarlo al mundo conociendo también herramientas de diseño gráfico y publicidad online.

A nivel de equipamiento, instalaciones y servicios: ¿Qué encuentran los futuros creadores en las Academias Plastic?

Acercar la tecnología que utilizan los profesionales a nuestros estudiantes es fundamental. Además de las aulas, contamos con 5 boxes equipados con cabinas Pioneer DJ de alto nivel incluyendo CDJ-3000, CDJ-2000NXS2, DJM-900NXS2 o DJM-V10 y un estudio de producción musical sonorizado con Vicoustic y sonorizado con EVE Audio. Es importante comentar también que somos tienda, por lo que en definitiva cualquier equipo que se desee probar o aprender al detalle, en Plastic se puede encontrar.

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FANZINE PROJECT

FANZINE SCHOOL, FANZINE FEST Y FANZINE RECORDS

Fanzine Project, es una promotora, un sello discográfico y una escuela con un doble objetivo: favorecer la accesibilidad, conocimiento y expansión de la música electrónica en A Coruña y fomentar la creación de un tejido cultural de vanguardia a través del apoyo en la producción y distribución musical a proyectos vinculados al territorio.

que colaborar, crecer y aprender los unos de los otros.

Desde Fanzine buscáis crear escena y talento a través de tres ramas: Fanzine School, Fanzine Fest y Fanzine Records. Qué nació primero: ¿el sello, la escuela o el festival?

Pues la verdad, ninguno de los 3. El primer proyecto que empezamos fue el Fanzine Club, que tuvimos abierto desde el 5 de diciembre de 2008 hasta el 2012.

El resto de ramas del proyecto fueron naciendo a partir de ahí. Primero el festival, que celebramos siempre en diciembre coincidiendo con la apertura del club. Prácticamente en paralelo nace el sello y la escuela nació en marzo del año pasado

Vuestro modelo de escuela es bastante diferente a lo que uno imagina cuando piensa en una escuela de DJ o de Producción. La atención personalizada es vuestra seña de identidad: clases privadas, acompañamiento en la carrera, etc.

¿Cómo y quién lo fundastéis?

Lo fundamos Roi Grobas y un servidor (Pablo Cubeiro). Roi y yo somos coruñeses y después de unos años fuera de la ciudad, nuestro retorno coincidió en el tiempo. Es cuando nos conocemos y vemos que hay muchas cosas por hacer en la ciudad.

Previamente a abrir el club, estuvimos promoviendo las fiestas Frequencies en las que también estaba involucrado Diego Villa. Viendo que teníamos una muy buena sintonía tanto a nivel laboral como musical, dimos el salto a gestionar nuestro propio club. A partir de ahí han ido surgiendo los proyectos que hoy conforman Fanzine Project. ¿Qué os motivó a hacerlo?

Pues lo mismo que nos ha mantenido motivados estos 13 años. Crear en nuestra ciudad una escena completa en torno a la música electrónica. Poner nuestro grano de arena para generar talento local, desarrollarlo y exportarlo. Conseguir que en nuestra ciudad los artistas y profesionales de la música electrónica tengan una plataforma con la 70

¿Qué valores os definen cómo proyecto?

Creemos firmemente en la cultura del trabajo, la perseverancia y el crecimiento conjunto.

SOBRE FANZINE SCHOOL

¿Qué tipo de formación ofrecéis?

Ofrecemos clase de producción musical en entorno Ableton Live y clases de Dj. Como comentas, la formación es individual y personalizada al nivel de cada alumno/a. Pero en la escuela no nos limitamos a dar un temario, también ayudamos a los/as artistas o futuros artistas a desarrollar sus carreras, a profesionalizarlas. Y en los tiempos que corren, eso significa hacer más cosas aparte de la música, como la gestión de RRSS, la imagen artística, como presentar y vender proyectos, y un largo etc.

También asesoramos en la compra de material.

Vivimos en una ciudad pequeña en la que no siempre es posible ir a testar el hardware que quieres adquirir y procuramos ayudar en la tarea, a través de distintos colaboradores. ¿Qué tipo de alumnos/as tenéis?

Tenemos todo tipo de alumnos/as: desde principiantes que buscan iniciarse en la electrónica, a artistas que buscan perfeccionar un área concreta de su formación.

Hay quien busca proyectarse como artista y hay quien viene como hobby.

Creo que es lo bonito de la escuela, que viene gente con distintas aspiraciones o necesidades pero con un nexo común y acaban surgiendo nuevos proyectos y amistades.

¿Qué buscan en un sitio como Fanzine School?

Un sitio en el que poder compartir la pasión que todos tenemos por la música electrónica. Un sitio donde aprender y poder expresarse artísticamente. ¿Quién forma parte de vuestro profesorado?

Actualmente nuestro profesorado está formado por Francisco Martinez, conocido artísticamente como Lefrenk, quien está al cargo de las clases de producción . Y Roi es quien está a cargo de las clases de DJ. Muchos años de experiencia acumulada.

SOBRE FANZINE FEST Este año llevaréis a cabo en A Coruña la 7ª edición del Fazine Fest (del 29 de noviembre y el 5 de diciembre), un festival de música electrónica de vanguardia que se ha posicionado como una de las propuestas de referencia de electrónica audiovisual en el noroeste peninsular. ¿Qué tipo de artistas han pasado en otras ediciones por Fanzine Fest?

La lista es muy amplia y variada. En todos nuestros eventos hay un equilibrio entre artistas internacionales consagrados y artistas nacionales y locales en proyección. Y también tratamos que todos los estilos que conforman la electrónica estén debidamente representados.

Cómo festival y como proyecto, nos gusta abrir horizontes y explorar nuevas formas de expresión relacionadas con la música electrónica. Por ello, en el festival se pueden encontrar desde shows experimentales diseñados para teatro a shows para dejar la pista temblando, tiene que haber de todo. ¿Qué hace diferente a Fanzine Fest de otras propuestas de música electrónica y artes visuales?

Fanzine es un festival vivo, en constante desarrollo.

No buscamos la masificación de público sino la diversidad en la propuesta cultural y en el crecimiento horizontal del festival. Va creciendo de forma orgánica e involucrando proyectos de

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diferentes ámbitos pero siempre con la música electrónica como hílo conductor ¿Cómo se integra el festival en la ciudad?

Como comentaba antes, el festival se desarrolla a lo largo de casi una semana y va dejando su impronta en espacios referenciales de la ciudad, como el planetario de la Casa de las ciencias, la Domus, el centro de arte contemporáneo Luís Seoane, el Teatro Colón o la Sala O Tunel.

Cada show lo concebimos en función del espacio en el que lo desarrollamos con lo que la impronta de la ciudad queda marcada en cada show que conforma el festival

SOBRE FANZINE RECORDS Un sello discográfico es una oda al amor por la música. Cuesta hacerse rico con un sello, ya me entendéis.

Tenemos un amor casi enfermizo por la música. ¿Qué espectro sonoro cubrís en el sello?

Es filosofía del proyecto la de no limitarnos o centrarnos exclusivamente en un estilo. Roi y yo somos Dj´s y nos gustan estilos muy diversos con lo que la única restricción que nos ponemos es que nos guste a nosotros.

Igual suena pretencioso pero nos gusta la música atemporal, aquella que cuando la escuchas 10 años después la sigues considerando buena. ¿A quién podemos encontrar entre vuestras referencias?

Hemos tenido la suerte de contar con la colaboración de grandes artistas de los que admiramos su trabajo. No me gusta hacer listas porque seguro que me dejo alguno en el tintero pero para que os hagáis una idea: Carl Finlow, DMX Crew, Santiago Salazar, Orlando Voorn, Basic Soul Unit, Architectural, Eduardo de la Calle, HD Substance, Oswld, Shurko Love, Roi, Lefrenk, Garcynoise, Ungar, Nullptr, Norwell,... ¿En qué soportes soléis editar?

Tenemos dos líneas de edición: una en Vinilo y digital y otra sólo en digital. ¿A quién os gustaría publicar algún día?

Hay muchos artistas con los que nos gustaría colaborar.

Yo al menos, no tengo ningún mito inalcanzable al que querría llegar. Quiero editar a gente que quiera trabajar con nosotros y tenga la misma pasión y ganas que nosotros. ¿Nos podéis avanzar alguna referencia que tengáis entre manos?

No somos de adelantar acontecimientos :). Lo único que os puedo decir es que será el debut en el sello de un dúo gallego al que tenemos mucho cariño y que nos han enviado un material único. Y os recomiendo que os paséis por nuestro BandCamp y chequeéis los últimos lanzamientos de Roi, que son una joya. ¿Dónde están?

Fanzine School: Rua Lagar, A Coruña Descubre más en: www.fanzineproject.com

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IGMA

INSTITUTOGALLEGO DEMÚSICAAVANZADA Desde vuestra base en Vigo, desde el Instituto Gallego de Música Avanzada -IGMA- os habéis hecho fuertes por vuestro amplio abanico de Cursos Presenciales y a distancia para DJs y Productores Musicales, además de por vuestro programas de Formación Superior. ¿Cuándo nació y quién lo fundó?

IGMA, se formó en 2017. Su fundador es Toni Álvarez. ¿Qué os diferencia?

IGMA es la primera academia Gallega especializada en la formación profesional de DJs y productores musicales en el centro de Vigo.

Está integrada por un equipo de profesionales avalados por una extensa trayectoria profesional a sus espaldas que ha desarrollado una metodología formativa diseñada para que cada alumno aprenda a su ritmo y según sus necesidades.

Ofrecemos cursos de formación con los más avanzados materiales y contamos con las principales marcas y materiales de primer nivel siempre actualizados: Pioneer, Allen & Heath, Technics, Korg, Solid State, Moog, Native Instruments, Universal Audio, Arturia, Reflexion Arts, Manley, Roland, Akai….

Además somos pioneros en ofrecer cursos con alojamiento cerca de nuestras instalaciones e instaurar la idea de la experiencia de aprendizaje 100% garantizada, prácticas y bolsa de trabajo.

Tenéis un amplia oferta de cursos a distancia y presenciales que van desde cursos de armonía musical, síntesis y diseño sonoro, a cursos de mezcla y masterización en entorno digital y analógico por mencionar algunos.

Exacto. Os detallamos a continuación más detalles sobre los diferentes contenidos de nuestros cursos presenciales.

CURSO DE PRODUCCIÓN MUSICAL Nuestro curso de Producción Musical ofrece una completa y extensa formación, con un total de 160 horas presenciales.

El programa, con una duración de 10 meses, realiza un recorrido por todo nuestro temario, el cual permite al alumno/a conocer todos los aspectos de la producción, desde los procesos más básicos (ecualización, MIDI, efectos de retardo, procesadores de dinámica, fundamentos de la mezcla…), hasta el uso de las herramientas y las técnicas más avanzadas utilizadas por productores profesionales (diseño sonoro por capas, síntesis en todos sus aspectos, tratamiento avanzado de vocales, 72

sampleo y tratamiento profesional del mismo, masterización, técnicas avanzadas de mezcla…), y por supuesto, un total manejo del secuenciador o DAW, (Ableton, Logic Pro X…), que serán la base de sus creaciones musicales.

CURSO DE DJ PROFESIONAL Nuestro curso de Dj Profesional ofrece una completa y extensa formación. Supone la culminación de nuestros esfuerzos y recoge toda nuestra experiencia educativa acumulada en los últimos años para poner a disposición del alumno/a un plan de estudios completo que integra en un solo curso la práctica totalidad de nuestras enseñanzas en los ámbitos del mundo Dj.

CURSO DE INTRODUCCIÓN A LA PRODUCCIÓN MUSICAL En este curso se imparten todas las habilidades necesarias para producir música con Ableton Live; uno de los programas de producción musical más ampliamente utilizados, cuya función es no sólo la grabación, composición y edición de audio, sino que además permite la realización de directos y sesiones de Dj con todo tipo de controladores hardware.

Los alumnos/as aprenden de manera práctica a navegar, a grabar, componer, hacer arreglos, automatizar, mezclar, etc.

CURSO DE DJ INICIACIÓN Es un curso básico en el que el alumno/a aprende conceptos relacionados con el mundo del DJ y que le permitirá realizar cualquier tipo de sesión en discotecas, pubs, eventos, festivales, etc…

Con un total de 50 horas de formación teórico-práctica y nuestra metodología de formación, integramos todos los conceptos de una forma mucho más divertida.

Grupos reducidos (máximo 6 personas). Esto hace que podamos centrarnos más en cada alumno/a y dar una formación de más calidad donde el alumno tiene más tiempo para practicar con los equipos.

CURSO DE DJ INTENSIVO Al igual que en nuestro curso de Dj Profesional, pero en esta ocasión en jornadas más intensivas y grupos más reducidos (máximo 6 alumnos).

CURSO DE MEZCLA Y MASTERING Para aprender a mezclar y masterizar en entornos digitales y analógicos con los mejores equipos y una de las mejores acústicas en un estudio diseñado por Philip Newell.

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CURSO DE SÍNTESIS Y ARMONÍA Para sacarle el máximo partido a los sintetizadores de los alumnos/as o aprender a usarlos desde cero. El curso tiene una duración de 50 horas y se imparte con Ableton y Logic Pro X.

CURSO DE SCRATCH Y TURNABLISH Primer curso de Scratch & Turntablism de Vigo en el que se aprenden técnicas de Scratch, Beatjuggling y Tone Plays.

Y en tenemos dos cursos a distancia: el de Producción Musical y el de Mezcla y Mastering.

En vuestros programas de Formación Superior además de la parte práctica y técnica dais mucha importancia a que los futuros profesionales entiendan la industria musical, de hecho tenéis un Programa Superior en Music Business.

Si, tenemos 2:

PROGRAMA SUPERIOR DE PRODUCCIÓN MUSICAL, MEZCLA Y MASTERING, DJ & MUSIC BUSINESS Con esta formación aprenden desde la creación, arreglos, mezcla y masterización de sus propias canciones de manera profesional,

las múltiples maneras en las que realizar actuaciones (Dj set, Live Set, Hybrid Set, etc…), hasta todos los aspectos del Music Business como la creación del perfil de un artista, la promoción personal, las distintas estrategias de marketing musical, el posicionamiento como artista, la gestión de redes sociales, la creación de un sello discográfico así como la promoción, distribución y gestión de obras, la gestión de eventos y actuaciones, etc.

PROGRAMA SUPERIOR EN MUSIC BUSINESS Con este programa aprenden durante un año escolar cómo funciona el negocio musical en todos sus aspectos.

Desde cómo desarrollar tanto su propia carrera musical, como la de cualquier otro artista, a gestionar sus obras, contrataciones, management, agenda, marketing, posicionamiento artístico, etc.

Les enseñamos también a crear su propio sello discográfico, gestionarlo, promocionarlo y distribuirlo, así como distintos consejos por parte de algunas de las mejores compañías y distribuidoras discográficas del mundo.

Cuenta con amplias y cómodas aulas y locales de ensayo bien equipados y acondicionados, estudio de grabación, mezcla, postproducción y mastering, aulas de música , producción audiovisual y sala de conciertos y conferencias.

Diseñado por el prestigioso ingeniero Philip R. Newell los estudios cuentan con dos áreas de grabación de más de 120m2 totalmente acondicionados, un control equipado con la consola Solid State Logic AW900 SE+, sistema de grabación Protools HD3, así como un excelente personal técnico para poder llevar a cabo cualquier proyecto musical o audiovisual, combinando el carácter analógico con la calidad digital.

En nuestras aulas nuestros alumnos cuentan con su propio equipo 100% profesional y actualizado para que aprendan realmente a desarrollar todas las actividades prácticas y creativas en un entorno de alto nivel ¿Dónde están?

IGMA: Calle Llorente, 29, Vigo – Pontevedra, Galicia.

Descubre más en: www.igma.es

¿Qué ofrece IGMA a nivel de instalaciones y equipos?

Nuestros cursos se imparten en pleno centro de Vigo, en los estudios musicales Metropolis, un moderno complejo musical y multimedia de más de 500 m2.

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TE CH

L O S 1 0 S I N T E S M Á S I N F L U Y E N T E S D E T O D O S T I E M P O S

L O S

El nuevo libro Synthesizer Evolution: From Analogue To Digital (And Back) celebra el impacto de los sintetizadores en la música y la cultura, además de brindar un directorio extenso, meticuloso y bien investigado sobre cada gran sintetizador, drum machine y sampler fabricado entre 1963 y 1995. En esta lista su autor, Oli Freke, elige los 10 más influyentes

Los sintetizadores son la base de la música electrónica moderna. La relación de los sonidos que se hacen con ellos, con la música del día es algo que siempre me ha fascinado: ¿Podrían haber ocurrido ciertos géneros musicales sin los sonidos específicos de cierto sintetizador? ¿Pudieran algunos estilos de hoy nunca haber existido? ¿O se habrían descubierto otras formas de crear los efectos, estados de animo y ambientes?

Son preguntas sin respuesta, ya que no podemos retroceder la historia, pero lo que podemos hacer es enumerar una serie de influyentes sintetizadores, que han jugado un papel más que fundamental en la música moderna, y de los que dependen algunos géneros casi al 100%. En algun caso, incluso de un modelo concreto.

Así que, ¿qué hace influyente a un sintetizador? Cualquier sinte puede, básicamente, hacer un sonido (esperamos), pero solo unos pocos han servido como estándar para los demás. Incluso menos han logrado contribuir a un sonido único, que forma la base de géneros nuevos al completo, y que pueden ser desgranados al detalle, hasta llegar a un momento concreto en el estudio, un disco o un preset particular.

Este articulo presenta 10 instrumentos que han ganado la inmortalidad por inspirar nuevas formas de música, géneros y sonidos únicos. Hay que destacar que esto, a menudo, pasa desapercibido por parte del fabricante del sinte, ya que un sintetizador o drum machine está diseñado para destacar en una serie de tareas, pero los músicos y productores con frecuencia reinventan estos parámetros para descubrir donde yace su autentico valor como instrumentos.

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Estas máquinas quizá no sean las más vendidas o más conocidas (algunas si), pero son las que más han contribuido con un sonido especial, que no es fácilmente replicable.

1.RCA SOUND SYNTHESIZER MKII (1957) Estoy haciendo trampa al meter un “número cero”, pero el laboratorio de investigación sonora, basado en tubos de vacío, del tamaño de una habitación, de RCA, se tiene que llevar el mérito de haber contribuido a la lengua con la palabra “sintetizador”. Es el primer caso de una máquina diseñada para una cosa, y que ha resultado destacar en otra cosa diferente. Una historia se cuenta, de que fue comisionada por la Radio Corporation Of America para reemplazar su cara orquesta con una alternativa electrónica que diera menos problemas.

Pero al tener solo cuatro notas polifónicas y un sistema de programación laborioso a base de tarjetas y ranuras, fue usado por compositores más académicos como Milton Babbitt, quien compuso trabajos electrónicos abstractos. Vamos, que no ha amenazado el trabajo de ningún músico acústico hasta la fecha.

frecuencia, generadores de envelope y más. Esto asentó los patrones básicos que siguieron todos los sintetizadores analógicos desde entonces y también para muchos digitales.

2.MOOG MODULAR (1964) Robert Moog inventó el auténtico primer sintetizador comercial en 1964, usando los nuevos transistores más asequibles que empezaron a estar disponibles, y al hacerlo, implementó los conceptos fundamentales de síntesis que aún hoy se usan: el oscilador, controlado por voltaje; el filtro, también controlado por voltaje; el oscilador de baja

Inicialmente, la tecnología de sintetización naciente solo era de interés para compositores avant-garde como Herbert Deutsch, que ayudó a Moog a diseñar sus primeros instrumentos. Pero durante el trascurso de 1960, a medida que Moog y otros fabricantes refinaban las capacidades de los sintetizadores, sus sonidos empezaron a aparecer en discos pop. A menudo, tomaban el rol musical de

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A U T O R : O L I F R E K E T R A U D U C C I Ó N : E P W

un control sónico destacado para el músico.

3. MOOG MINIMOOG MODEL D (1970) Ninguna lista de sintetizadores estaría complete sin el Moog Minimoog Model D, probablemente el sintetizador más famoso de todos los tiempos. Representa el cambio de los sintetizadores modulares en forma de armario de los 60 a los diseños portátiles todo-en-uno de los 70, que ofrecían teclado con potenciómetros y sliders en un conveniente y único paquete. Remplazando el sistema infinitamente complejo de los patches con cables de los modulares, con interruptores conectados y sliders, el diseño del Minimoog sentó las bases y el patrón para toda esa generación de sintetizadores portátiles analógicos: el ARP Odyssey, el Sequential Circuits Pro One, el Teisco 100F, el Yamaha SY-1 y muchos más.

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exótico órgano electrónico o se usaban para efectos especiales. Uno de los usos iniciales a destacar del Moog Modular fue en ‘Here Comes The Sun’, de The Beatles. El tono de pitch descendente que se escucha al final de la intro ocurrió aparentemente porque los osciladores poco fiable no mantenían el pitch después de tocar la nota, pero a The Beatles les gustó ese efecto accidental y lo mantuvieron. A lo largo de este artículo veréis varios otros sintetizadores que no funcionaron correctamente o que acabaron convirtiendo sus fallos en virtudes.

Sin embargo, no fue hasta que Wendy Carlos lanzó el best-seller ‘Switched-on Bach’ en 1968 que ese potencial de los sintetizadores de tomar el rol central y ser considerados instrumentos musicales reales fue reconocido. Este disco fue una esmerada reconstrucción del trabajo de Johan Sebastian Bach usando un Moog Modular, que en la época no conseguía mantenerse afinado más de dos bars. El construir la grabación multicapa le llevó meses y su esfuerzo fue premiado, ya que el disco ahora es reconocido como el que cambió la

percepción mundial de lo que podría ser la música electrónica y cómo los sintetizadores podían usarse para una genuina expresión musical.

Después de ‘Switched-on Bach’, hubo una serie de discos que intentaron copiarlo. Uno de los más interesantes fue ‘Music To Moog By’, de 1969, de Gershon Kingsley, que es notable por su versión original del clásico de la música sintetizada ‘Pop Corn’, que se hizo famosa por la banda Hot Butter en los 70.

Sintes modulares de otros fabricantes, incluyendo a Buchla, E-mu, EML, y Serge tomaron entonces un rol destacado en el mundo del rock progresivo, convirtiendo los solos extendidos de sintetizador en el mismo cliché musical que los de guitarra, batería o – dios nos ampare – de bajo… en los conciertos.

Así pues, el sintetizador modular, tal y como lo inventó Robert Moog, fue sin duda el primer paso en el camino del sintetizador hacia convertirse en un elemento primordial de la música electrónica, como instrumento de teclas con osciladores que generan sonidos, que ofrecen

Evidentemente no habría tenido éxito si no hubiera sonado genial, pero sus tres osciladores gordos y el famoso filtro ‘escalera de transistores’ de Moog se ocuparon de eso con facilidad. Mientras el tono podría considerarse al nivel de otros “sintetizadores analógicos estándar”, además de ser adorable, también pudo desatacar en todos los roles que se demandaron de él: como máquina de bajo (como en ‘Flashlight’ de Parliament), como sintetizador principal (en ‘Shine On Your Crazy Diamond’ de Pink Floyd), maquina de efectos y todo lo que se os ocurra.

A pesar de su éxito e influencia, no impidió que la RA Moog Corporation cambiara varias veces de mano en 1970 y que se declarase en quiebra ene 1980. Pero, claramente, Robert Moog estuvo más interesado en crear instrumentos musicales atemporales que de lucarse con ello. La evidencia está en la fama del Minimoog de ser el mejor sintetizador monofónico jamás creado, apareciendo en los estudios de casi todos los artistas de sintetizador y teclistas destacados en algún momento u otro de la historia.

La única función que le falta, en mi opinión – que reacondicionaría en caso de poder comprar uno – es el sonido conmovedor del ‘oscillator-sync’, una especie de modulación donde la forma de onda de uno de los osciladores reinicia a lo bestia las ondas de otro oscilador, creando un nuevo set de armónicos sobre el pitch original.

4. SEQUENTIAL CIRCUITS PROPHET 5 (1978) Sequential Circuits fue fundado en 1978 por Dave Smith, una figura legendaria en la historia de los sintetizadores. El primer 75

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aparato de la empresa, el Prophet 5, fue una sensación inmediata. A diferencia de otros grandes sintetizadores monofónicos de finales de los 70, como el Minimoog, este tenía cinco notas de polifonía. Esto significaba que podían tocarse cosas más allá de líneas de bajo y solos, extendiendo la capacidad de los sintetizadores hasta incluir acordes completos y otros acompañamientos polifónicos.

No solo tenía un rico sonido polifónico de cinco notas, sino que fue el primer sintetizador en usar circuitos integrados para brindar presets totalmente recuperables. En una época en la que competía con otros gigantes de la sintetización polifónica, como el Yamaha CS-80, que tenía solamente un recall rudimentario, solo costaba unos 3500$ en dinero de hoy, comparados con los inalcanzables 35000$ que valía el Yamaha.

Harían falta tres revisiones del Prophet 5 para pulir su evidente inestabilidad de afinado y otros problemas, y el resultado lo convirtió de los aparatos con mejor reputación por su fiabilidad.

Quizá el único caso donde los problemas y fallos no fueron una virtud, sino una molestia como cualquier otra.

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Sin embargo, el Prophet 5 mostró que era posible hacer un sintetizador analógico polifónico (relativamente) asequible, mostrando el camino a productos similares de Korg, Moog y otros. Y tenía un gran oscillator sync, que se puede oír en ‘Let’s Go’, de The Cars, en la intro.

Dave Smith creó más tarde el estándar MIDI junto a Ikutaro Kakehashi de Roland, que revolucionó la música electrónica y la producción en el estudio a partir de mitad de los 80. El MIDI permitió un control computarizado de los sintetizadores y la capacidad de conectar entre sí aparatos de diferentes fabricantes, algo que hasta la fecha no era posible.

5. ROLAND TB-303 (1982) Bueno, si hay solo un lector de Mixmag que no sepa el impacto del Roland TB-303 en la evolución de la música electrónica… entonces… bueno… para ese lector solo usaré las palabras ‘acid house’ y que se busque la vida.

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Los hechos destacados del TB-303 es que fue diseñado como como reproductor de bajo autónomo para su uso en prácticas de banda. Para esta tarea, era notoriamente inútil y cualquier miembro de banda que sugiriera su uso quedaría automáticamente despedido, junto a su ridícula caja plateada.

Las montañas resultantes de TB-303s devueltas se apilaron en tiendas de música y de segunda mano de todo el mundo. Pero en Chicago fueron compradas a precio de ganga po DJs y productores que buscaban crear el nuevo estilo musical ‘house’, que crecía en popularidad a principios de los 80. Marshall Jefferson cuenta que se compró la suya en una tienda de empeños por 100$ y luego se la vendió a Bam Bam por 1000$. Sí, después del boom del acid house.

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Quizá solo fue cuestión de tiempo antes de que alguien se topase con el hipnótico sonido del futuro generado por la TB-303, dado que los sintes a menudo ofrecían arpegios simples y secuenciación por pasos. Pero como es bien sabido fue DJ Pierre quien descubrió su efecto y publicó el resultado como el disco ‘Acid Tracks’ bajo el nombre de Phuture, en 1986. El DJ Ron Hardy ya había tocado una versión prototipo del track en el club de Chicago, The Music Box, hasta cuatro veces. La primera vez, recibió abucheos.

Pero para la cuarta, la gente estaba extasiada y un nuevo género había nacido.

‘Acid Tracks’ fue la cancion fundacional de todo el movimiento de acid house, que en Europa evolucionó hasta las escenas de rave y techno y que en la actualidad no muestra señales de pasar de moda. La línea ácida del 303 todavía se encuentra en nuevos releases de todos los géneros y, probablemente, siempre lo esté.

Lo que encuentro increíble es que este sintetizador, en verdad, tiene características terribles – solo un oscilador, que solo tiene dos formas de onda entre las que escoger (sierra y cuadrado).

Tiene solo un filtro, que ni siquiera llega a estar auto-oscilado y solo tiene un secuenciador de 8-pasos básico.

Aunque sin importar estas limitaciones, ayudó a transformar la música electrónica y sigue siendo la piedra fundacional de gran parte de ella. Igualmente sorprendente es que no ha habido ningún otro sintetizador (a no ser que esté específicamente diseñado, como un clon o un modelado digital) que pueda hacer el mismo tipo de sonido acido. Lo que es bastante raro cuando lo piensas. Tan solo tenemos que aceptar que hay algo especial en sus circuitos y como veremos, la corporación Roland pareció tener un don durante los 80 para crear instrumentos que alcanzaban partes del espectro sonoro a las que otras no podían llegar. Y sonidos que encontraron su hogar en la vanguardia de la música electrónica.

6. ROLAND TR-808 (1982) & TR-909 (1983) Aunque no son técnicamente sintetizadores, sino drum machines, sí que generaron sus sonidos usando circuitos analógicos*, así que voy a incluirlas debido a su innegable influencia en toda la música electrónica desde que fueron lanzadas. (*Ok, la 909 usaba samples para los hi-hats y crashes).

Al igual que la TB-303, la TR-808 no fue bien recibida al principio: era cara y la gente estaba mucho más expectante por drum machines más novedosos, como el Linn LM-1 Drum Machine, que usaba samples reales de percusión para tener mayor realismo.

La 808 finalmente rompió gracias a las escenas de electro y hip-hop de principios de los 80, en Nueva York. Replicar los beats del funk y el post disco causó que se grabasen vastas cantidades de discos con ese distintivo cencero y su todavía excelente sonido de clap. El track ‘Planet Rock’ de Afrika Bambaataa de 1982 fue el track que puso al mundo sobre la pista de estos kicks profundos, crujientes hats y siseantes bombos.

Más tarde, encontraría un nuevo hogar siendo el motor detrás del pulso 4/4 del house de Chicago, otro estilo post-disco que electrificó los ritmos que antes habían sido creados en percusiones acústicas. En este caso, esto marcó la llegada del clásico beat house conocido como ‘boots ‘n’ hats’, consiguiendo que los hi hats abiertos de la 808 se mantengan firmes desde entonces.

De forma similar, la TR-909, con su sonido más duro, encontró su casa en la escena naciente del techno en Detroit (o Detroit house, como se le conocía al principio), donde los vocales soulful y ambientes house fueron reemplazados por una sensibilidad futurista más dura. Fue ahí cuando comenzó la fetichización de los instrumentos que crearon ciertos estilos, incluyendo en un lugar especial a la 909.

El famoso espectro bajo del kick-drum del 808 estimuló la creación de nuevos estilos de música de baile, menos densos, como el Miami bass, donde los sonidos potentes y distorsionados serían su firma sonora distintiva.

Lo genial de la 808 es la historia que cuenta Ikaturo Kakehashi de Roland, en el documental 808, sobre el místico aparato. Los microchips que se usaron para la 808 fueron chips militares defectuosos que se vendían barato, precisamente porque provocaban un ruido indeseado. Kakehashi tomó ese fallo – ese ruido – y consiguió hacerlo la piedra basal de toda la música de baile contemporánea. Paradójicamente, debido a que el fabricante de los chips arregló el problema, cuando se fabricaron unas 2000 unidades ya no se pudieron hacer jamás

(al menos no hasta que las tecnologías de clonado y modelado digital aparecieron, treinta años después).

Mientras que el lugar en la historia de la 808 no se puede discutir, cabe destacar que varias otras drum machines también estuvieron presentes en la creación del hip-hop y el house, como la E-mu SP1200, la Oberheim DMX y otras. Y aunque todavía se las tiene en alta estima, ninguna consiguió el estatus legendario de las 808 y 909. Claramente, hay algo especial en el sonido de estas máquinas Roland… ¡como siempre!

7. ROLAND ALPHA-JUNO 1 (1985) Nos quedamos un ratito con Roland y su don para crear sin querer sonidos que definen estilos y géneros. En este caso, hablamos de los denostados sintetizadores digitales, en concreto el Alpha-Juno 1 y 2. Joey Beltram estaba en el estudio en 1991 con su compañero de composición Mundo Muzique, que había traído su Alpha-Juno 1 para la sesión. A Mundo le gustaba cierto preset llamado ‘What The…?’, que tenía un efecto curioso sobre el pitch. Estaba casi al final de la lista de presets, donde los diseñadores de sonido tendían a poner los sonidos menos útiles a primera vista – sonidos de helicópteros, perros ladrando y otras tonterías. Este sonido incluso se llamó “What The?” (algo como “¿Qué cojones?”), sugiriendo cierto nivel de sorpresa en la mente de Eric Persing, que era el diseñador de sonido detrás.

En cualquier caso, los instintos de Mundo Muzique y Joey Beltram dieron en el clavo. Cuando el disco ‘Mentasm’ de Second Phase fue publicado en 1991 dentro del remolino que era la escena de los 90 de breakbeat y hardocore en el techno en Europa, se descubrió que este sonido tenía un efecto muy “estimulante” en la psicología del raver. Hasta tal punto que se renombró como “the hoover” para describir la experiencia y se convirtió en una firma sonora de esa escena.

Varios otros tracks con ese “hoover” (que es aspirar) fueron lanzados al mismo tiempo, como ‘Acid Pandemonium’ del propio Mundo Muzique, y el remix de Joey Beltram del ‘Dominator’, de Human Resource.

Después de esta guerra relámpago con el “hoover” en medio, el sonido se sampleo y usó regularmente en la escena hard dance de 1990 y 2000: primero en el breakbeat hardcore, luego en la escena rave, 77

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jungle, hard house, dubstep y, finalmente… ejem: Lady Gaga. Sabes que un sonido ha cambiado de bando cuando llega a los charts pop…

A pesar de eso, es un sonido intrigante.

Está construido por uno de los dos osciladores, que hace una dramática caída de pitch, sobre la que ocurre simultáneamente una modulación de amplitud de pulso. Un sonido muy dinámico que, de hecho, fue procesada un poco más por Beltram en un sampler Casio FZ-1, añadiendo filtros extra y un poco de textura al sonido.

Y – hablando como productor que administraba un sello de hard house en los 90 y produjo discos de hard dance usando un Alpha-Juno – todavía no he oído ningún otro sintetizador que pueda recrearlo bien. Escuchad cualquiera de los parches que hay para otros sintetizadores que dicen reproducirlo… ¡Son mentira!

Necesitas el Alpha-Juno. O un sample. O supongo que usando un plugin del Alpha-Juno en vuestro ordenador. Vale, es fácil encontrarse o generar el sonido hoy en día, pero ya me entendéis…

Resumiendo: el sonido “hoover” es otro ejemplo de la habilidad única de Roland para hacer sintetizadores que puedan crear o definir géneros nuevos de música, especialmente cuando es por accidente. ¡Impresionante!

8. YAMAHA DX7 (1983) La mayoría de sintes hasta 1983 eran analógicos: usaban circuitos electrónicos para generar formas de onda en tiempo real, manipulando el voltaje de una señal de audio que fluyese a través de él. Está claro que algunos samplers empezaban a aparecer – si tenías unos 100 mil dólares de sobras para el Fairlight CMI, además de otros sintetizadores “aditivos”, pero no estaban nada extendidos entonces.

Así que lo analógico era el rey… Hasta que el primer sintetizador comercial digital exitoso apareció en escena: el Yamaha DX7. Usaba una tecnología conocida como Frequency Modulation (FM) y parecía (al principio) que iba a resolver todos los problemas de los sintes analógicos. Permanecía afinado en situaciones en las que no se podía confiar en sintes analógicos; tenía ocho notas de polifonía asequible, mientras que la mayoría de analógicos todavía eran monofónicos; y aún teniendo esas 8 notas de polifonía, era más barato y fiable que otros modelos polifónicos (como el 78

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Prophet 5); o contaba con 32 presets recordables, algo casi imposible en los analógicos. Pero, sobre todo, tenía todo un nuevo rango de sonidos que eran totalmente imposibles* de hacer usando tecnología analógica. (*Un FM analógico no es imposible, pero es muy difícil de implementar y no puede competir con su equivalente digital).

Yamaha había licenciado la tecnología FM del profesor John Chowning, de la Universidad de Stanford, en 1973 y estuvo la siguiente década desarrollando un producto comercial en torno a ello. El primer esfuerzo vino en forma de piano electrónico, el GS1 en 1981, pero parecía un gran piano y no tenía funciones de edición. El DX7 fue el primer aparato que usaba tecnología para crear un “auténtico sintetizador”, que los teclistas pudieran tocar y usar como sintetizador.

El FM funciona activando y organizando modulaciones complejas de ondas senoidales, que pueden generar armónicos mucho más complejos que una síntesis analógica básica. Como resultado, el DX7 funcionó de maravilla para crear sonidos realistas de piano electrónico, xilófono, marimba, órgano, instrumentos de viento y muchos otros sonidos que antes eran difíciles de replicar con métodos analógicos. Al ser más brillante y rico con los armónicos altos, de inmediato se convirtió en un fijo en la producción de música pop, dando a los 80 sus primeros acordes brillantes de sintetizador.

Se convirtió en el sintetizador mejor vendido hasta ese momento y prácticamente todo productor, estudio o compositor que se respetase tenía uno. Se puede escuchar su tono familiar de piano electrónico en ‘Greatest Love Of All’ de

Whitney Houston.

Yamaha pasó la siguiente mitad de década exprimiendo la tecnología y creando diferentes variaciones del original, como los DX7S, DX21, DX5, DX9, DX7II, DX100, TX81Z, FB01, B200, YS200...

Fue considerado la repanocha durante un par de años, hasta que Roland sacó otro aparato que reventaría la fiesta de Yamaha…

9. ROLAND D-50 (1987) El D-50 le puso todavía más purpurina y chispa al pop de los 80, con su todavía más novedosa técnica de síntesis, llamada ‘Linear LA’, que ciertamente suena muy glamurosa, neón y ochentera.

La técnica de síntesis en sí está basada en el playback de samples pre seleccionados. Estos comprenden samples extremadamente cortos y con “sonido transitorio”, a partir de los cuales el oído deriva mucha información sonora; y samples “sostenidos”, que formaban la porción en buble y más larga de un sonido después del sonido transitorio inicial.

Después de esto, se aplica el proceso de síntesis estándar de filtrar, envolver y LFOs, para llevar más allá el diseño sonoro creativo.

Estos nuevos sonidos realistas inmediatamente hicieron que el sonido de la DX7 fuera limitado y el D-50 pasó a convertirse en el nuevo “sinte del momento”, cuyos presets se volvieron toda una firma sonora, reconocible por cualquiera. Sin ir más lejos, ‘DigitalNativeDance’, que cortaba varios tracks, como ‘Catembe’ de Miles Davies y… ejem… el programa para niños de Reino Unido, Grange Hill.

Extendiendo el rango de realismo del DX7,

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el D-50 sentó la base para la siguiente generación de sonidos sintetizados: vientos realistas, pads brillantes, percusión sampleada, leads de sintetizador cortantes y mucho más. También sentó las bases para los próximos sintetizadores que se diseñarían en el futuro. El siguiente sintetizador que mejor se vendió fue el Korg M1 (de 1988), que también usaban la perspectiva de samples “transitorios y sostenidos” (a lo que normalmente uno se refiere como “sample y síntesis”). Tanto Korg como Roland produjeron en masa variantes de este tipo de sintetizadores durante buena parte de la década, así como muchos otros fabricantes, hasta que la gente se aburrió del parecido sonoro entre unos aparaatos y otros.

Mientras todavía estaba en boga, el pizzicato del D-50 se convirtió en su sonido mejor conodico, siendo el ‘Orinoccho Flow’ de Enya uno de sus temas más representativos. Otros tracks dance de los 90 también tomaron ese sonido pizzicato de cuerda: ‘Insomnia’ de Faithless, ‘Bellisima’ de DJ Quicksilver, ‘Nightmare’ de Brainbug, ‘Encore Un Fois’ de Sash… Aunque estos vienieron gracias a otros sintes Roland posteriores, eran una clara evolución del D-50 original.

El todopoderoso sucesor del D-50, el Korg M1, fue lanzado en 1988 y también contribuyó con sonidos distintivos del primer UK pop house de los 90: el sonido de órgano M1, que puede encontrar en ‘Show Me Love’ de Robin S; o el sonido de piano M1, que encontramos en ‘Ride On Time’ de Black Box. 10. AKAI S1000 (1988) Ok, este es hacer trampas, pero ya habéis obtenido el 10mo sinte de gratis. El Akai no es un sintetizador, evidentemente, sino un sampler. Aunque un sampler con procesos como los de un sintetizador, incluidos en su armería – filtros, LFOs, envelopes, etc. – para ir un paso más allá en procesar los samples.

Pero seguramente se gane una plaza en la lista como uno de los “instrumentos electrónicos” más influyentes de todos los tiempos. El S1000 es una evolución de los primeros samplers de Akai, como el S612, el S900 y el S950 y fue el primer sampler asequible con calidad CD y con una memoria decente.

Fue usado por la fraternidad de música electrónica a finales de los 80 y a lo largo de los 90, y alimentó la explosión

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de la música de baile en esa época. Géneros como el hip-hop, jungle, breakbeat hardcore, big beat y la musical electronica en general son impensables sin la tecnología del sampling. Ciertos efectos del sampleo ahora son incluso clichés.

Aunque más significativo ha sido la perspectiva de collage adoptada en la creación de música, que ha sido el auténtico legado del aparato. La capacidad de reusar grabaciones existentes en nuevos contextos y crear nuevas conexiones entre esas grabaciones generaron un enorme potencial creativo. Así como la introducción de texturas sonoras, que no era posible con los métodos estándar de síntesis.

Evidentemente, surgió el efecto del copyright, después de que los abogados se dieran cuenta lo que estaba pasado. Pero usados de forma creativa, los samples han sido una de las tecnológicas más transformativas de nuestra era en la música.

Vale la pena destacar que el S1000 no era, ni de lejos, el único sampler usado, pero fue sin duda una máquina icónica que esperabas ver en todos los estudios de los años 90. A pesar de que Akai fue el estándar de oro de la industria, el fabricante estadounidense E-mu fue otro gran creador de samplers con su Emax y Emulator.

Así que aquí lo tenemos: 10 de los sintetizadores (y un sampler) más influyentes de todos los tiempos, de los que cada uno puede jactarse de haber contribuido a determinado género o estilo musical. ¿Podría haber ocurrido el acid house sin la TB-303? ¿Podría el jungle haber llegado a exisitir sin los samplers? ¿Y el house de Chicago, estaría con nostros sin la 808? Lo único que podemos decir es que esos géneros – y muchos otros – no existieron hasta la aparición de estas máquinas y ¡creo que es justo decir que tampoco habrían existido sin ellos!

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Os traemos la guía de Mixmag de los mejores altavoces portátiles de 2021

1.SONOS ROAM Una de las mejores opciones cuando se trata de elegir un altavoz portátil, las excelentes funciones de conectividad del Sonos Roam garantizan que se pueda disfrutar de un sonido potente dondequiera que se esté. Su rendimiento de audio con graves intensos no solo lo hace ideal para los amantes de las frecuencias bajas, sino que también lo hace perfecto para escucha al aire libre. Su capacidad de adaptación automática se traduce en que también es perfecto para el disfrute en interiores y que se puede conectar fácilmente al sistema multi-sala de Sonos, a través de su conectividad Bluetooth y WiFi. Elegante, duradero e impermeable, y con un precio más que razonable.

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Precio - 188,44€

2.SONOS MOVE Otro producto de los magos de la tecnología, Sonos, los dos drivers de alta calidad del Move dan un poco más de calidad de sonido general que el Roam. El ajuste de audio inteligente también modifica la salida de sonido, en función del entorno del usuario, para garantizar una experiencia auditiva óptima donde quiera que se encuentre. Sin embargo, debido a su calidad de audio excelente, el Move sale mucho más caro que el Roam, y también es mucho más voluminoso. Esto significa que no es tan fácil de llevar contigo, pero sus capacidades multi-sala se traducen en que, sin duda, es una excelente opción como altavoz principal para uso doméstico.

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3.UE MEGABOOM 3 El hermano mayor del UE Boom 3, el acertadamente llamado Megaboom tiene un punto extra si hablamos de potencia de graves. Con unos graves contundentes, en particular las frecuencias bajas, que se pueden gestionar 80

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mediante la aplicación que lo acompaña, la calidad de sonido general del Megaboom le da una gran relación calidad/precio. La larga duración de la batería asegura que cumple con los requisitos a la hora de llevarlo de viaje, mientras que los múltiples altavoces se traducen en que puede sincronizarse en varias habitaciones.

La carcasa impermeable (y que también flota) garantiza que su durabilidad coincida con su diseño robusto.

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4.UE HYPERBOOM Otro producto de los gigantes de la tecnología Ultimate Ears, el Hyperboom es un altavoz de fiesta que está destinado a proporcionar un potente sonido atmosférico. El peso del altavoz hace que sea difícil moverlo libremente, pero el paisaje sonoro bien equilibrado, que tiene graves realmente buenos, es ideal para escuchar tanto en interiores como en exteriores. El diseño elegante hace que sea muy agradable a la vista, a la vez que se pueden conectar dos teléfonos al Bluetooth, para una transición sin problemas, así que ya no habrá discusión sobre quién manda en la música. La aplicación Hyperboom también permite al usuario conectarse a otros altavoces UE, para ayudar a crear un pequeño soundsystem en casa.

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5.BOSE HOME PORTABLE SPEAKER Como era de esperar al tratarse de productos Bose, su altavoz portátil para el hogar tiene un diseño sofisticado pero duradero y controles fáciles de usar. Al ofrecer compatibilidad tanto con Alexa como con el Asistente de Google, así como con Bluetooth, la conectividad ciertamente no será un problema. Tiene un paisaje sonoro cálido y bien equilibrado, sin embargo no es tiene tan buenos graves como su rival, el Sonos Move. Esto es de esperar, ya que este altavoz portátil tiene aproximadamente la mitad del tamaño, lo que garantiza una mayor portabilidad.

Precio - 391,04€

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6.JBL FLIP 5 Demostrando que no se necesita tener un precio alto para garantizar la calidad, el JBL Flip 5 no ofrece las especificaciones más vanguardistas del mercado, pero ofrece un sonido 81

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realmente interesante. Su diseño inteligente se traduce en que se puede usar tanto dentro como fuera, y los controles intuitivos lo hacen perfecto para quienes compran unos altavoces por primera vez. El sonido, sin distorsiones, y la gran duración de la batería le otorgan al Flip 5 dos puntos más, mientras que la opción de comprar la Eco-Edition (que está hecha de plástico reciclado en un 90%) os permitirá ser fiel a vuestros principios sostenibles mientras escucháis vuestra música preferida.

Precio - 142,21€ 7

7.SONY SRS-XB23 Esta oferta de Sony es como un pequeño bote que, ciertamente, tiene un gran poder sonoro para los usuarios a los que les gustan las actividades al aire libre. Con un precio cercano a 100€, el rendimiento del SRS-XB23 puede alcanzar volúmenes bastante altos sin demasiada distorsión, mientras que los graves son lo mejor de todo lo que Sony ha hecho hasta ahora en el mundo del sonido portátil. Es lo suficientemente cómodo como para caber en un bolsillo, pero lo suficientemente resistente para usarlo mientras se viaja, el diseño inteligente viene con una útil correa, que os permitirá colgar el altavoz en cualquier sitio disponible, para disfrutar de vuestra música sin preocupaciones.

Precio - 118,51€

8.KEF LSX Si no estáis interesados en llevar vuestra música de viaje y, en cambio, estáis buscando un sistema Hi-Fi premium, no necesitáis mirar mucho más allá del KEF LSX. El diseño del driver permite que el LSX llene cualquier habitación con una calidad de sonido destinada a impresionar a cualquier audiófilo, mientras que su recepción a través de Bluetooth, Wi-Fi y Ethernet se traduce en que su conectividad nunca será un problema, para aquellos que quieran escuchar la música directamente desde el altavoz. Te costarán lo suyo, ¡pero además de ser bonito, tiene una gran calidad de sonido!

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Precio - 1183,96€

9.ANKER SOUNDCORE FLARE 2 Posiblemente el mejor del mercado en lo que respecta a la entrega de audio de 82

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calidad, con tecnología Bluetooth asequible, el Soundcore Flare 2 de Anker es ideal para quienes tienen un presupuesto limitado. Las características de diseño a prueba de agua lo hacen perfecto para adentrarse en lo desconocido, mientras que la calidad del sonido es sorprendentemente buena para su tamaño, aunque quizás corra el riesgo de distorsionar un poco al alcanzar el volumen máximo.

Sin embargo, por el precio y la calidad de construcción, realmente no necesitáis buscar mucho más, cuando solo buscáis un altavoz portátil con buen sonido, pequeño, fácil de usar y confiable.

Precio - 65,16€

10.BOOMBOX 2 DE JBL Si lo que os mola es lo retro, el Boombox de JBL es la reinvención moderna del boombox tan típico del hip-hop de los 80. Sin embargo, ahí es realmente donde terminan las similitudes entre los dos, ya que JBL ha mejorado su Boombox con lo último en ingeniería de audio moderna. Un bajo contundente asegura que los sonidos estén a la altura de sus capacidades, mientras que la duración de la batería supera las 24 horas de uso ininterrumpido. Con la potente batería a bordo, también podéis cargar varios dispositivos a la vez. Hará un considerable agujero en vuestra billetera, pero el Boombox 2 es el altavoz que estáis buscando y que ni siquiera sabíais que necesitabais hasta ahora.

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Precio - 472,87€

11.1MORE PORTABLE BT SPEAKER Un altavoz perfecto para escuchar música en la oficina o en casa, el 1MORE mantiene frecuencias de bajos decentes en todos los niveles de volumen, especialmente considerando su tamaño. El micrófono y el conector auxiliar también se traducen en que es perfecto para aquellos que se llevan su trabajo de viaje. Sin embargo, el altavoz no es el más resistente, ni es resistente al agua, por lo que no es el primero de la lista en cuanto a escucha al aire libre. Sin embargo, su calidad de sonido, su fácil transporte y sus útiles funciones hacen que valga la pena apostar por él.

Precio - 73,18€

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L O S 1 4 M E J O R E S A U R I C U L A R E S W I R E L E S S D E L M E R C A D O

Os traemos la guía de Mixmag sobre los mejores auriculares sin cables de 2021 Bien seas un audiófilo experimentado o simplemente alguien que busca probar nuevas melodías en un dispositivo de calidad, siempre es bueno tener una mano amiga cuando se trata de elegir qué auriculares elegir. En los últimos años, las empresas de tecnología han estado experimentando con nuevas formas de mejorar la experiencia auditiva de sus usuarios mejorando todo, desde la cancelación de ruido hasta el lugar donde se encuentra el botón de pausa.

En 2021, diferentes fabricantes, pioneros de la tecnología de audio, han puesto su mirada en los auriculares con conexión inalámbrica, brindando al usuario la oportunidad de ser más dinámico y estar en movimiento. Esto ha presentado nuevos desafíos, como la duración de la batería y la conexión bluetooth, características que muchas veces determinan qué producto acaban eligiendo los usuarios.

En Mixmag, hemos reunido una lista de algunos auriculares inalámbricos en los que vale la pena invertir los ahorros. Desde gigantes de la tecnología hasta visionarios de la manipulación de audio, así como nuevas empresas del mercado.

1.SONY WH-1000XM4 Considerados ampliamente como los mejores auriculares inalámbricos del mercado, dada su excelente cancelación de ruido, calidad de sonido y diseño ligero, el XM4 tiene una serie de características nuevas en comparación con su predecesor. Entre ellas, emparejamiento multipunto, mejora del DSEE Extreme, conciencia conversacional y la reproducción automática mediante un sensor integrado. Todo esto los hace estar a la altura de la tecnología inalámbrica más puntera.

Con una firma sonora clara, los auriculares brindan frecuencias bajas perfectas y enérgicas, sin afectar a otros componentes, ¡lo que los hace perfectos para cualquier fanático de la música!

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700 Estamos ante el mejor modelo de Bose hasta el momento. Estos auriculares ofrecen una cancelación de ruido y calidad de sonido líderes en su clase.

Bose lleva a la vanguardia del diseño de cancelación de ruido desde 2014 y con su último modelo utiliza un sistema de ocho micrófonos para ayudar a rechazar el ruido ambiental. Los micrófonos también aíslan vuestra voz cuando los usáis, para que sonéis más claros a la persona con la que habláis a través de ellos. Esto los convierte en los mejores del mercado para llamadas, mientras que su rendimiento de sonido claro, vivo y bien equilibrado ofrece una gran vitalidad y claridad para escuchar música. Son una gran alternativa a Sony, a pesar de que la duración de la batería es más corta.

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3.JABRA ELITE 85H Estos son los primeros auriculares supraaurales de Jabra tras sus éxitos con los productos in-ear inalámbricos.

Elegante, sofisticado y con un hermoso diseño, los 85H tienen una variedad de modos que permiten al usuario elegir entre cuatro niveles diferentes de cancelación de ruido: viaje cotidiano, en privado, en público y sin cancelación de ruido. El mod más útil, en público, deja entrar el ruido suficiente para escuchar anuncios – como los del aeropuerto – y otra información, al tiempo que garantiza un alto nivel de calidad de audio. Con una gran duración de batería y mucha personalización, son una excelente opción inalámbrica. Sin embargo, los más frikis del sonido pueden sentir que les falta un cierto impacto cuando se trata de frecuencias más profundas y bajas.

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4.AIRPODS PRO Los Airpods Pro realmente han sido un paso adelante por parte de Apple, en cuanto a auriculares bluetooth. Todos los problemas se han abordado ahora con un nuevo diseño que permite una mayor comodidad y un mayor control del audio, mientras que la adición de cancelación activa de ruido se traduce en que los

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Pods están al nivel de su reconocida competencia, Sony, y sus auriculares WF-1000XM3. El sonido es claramente perceptible entre un rango de frecuencias, brindando un audio perfectamente balanceado sin importar vuestra selección. La batería un poco más corta es un aspecto negativo, pero con la adición del estuche de carga, rara vez lo notaréis.

Cómpralo ahora por 295,10€ 5.AIRPODS MAX

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Aunque son mucho más caros que cualquier cosa que hayan hecho Sony o Bose, estos nuevos auriculares inalámbricos de Apple ciertamente ofrecen alta calidad de audio. Un sonido envolvente total ofrece un escenario sonoro soberbio, con unos graves ricos y profundos, perfecto para cualquier amante de la música. Y el control en forma de rueda que se encuentra en la parte superior del auricular derecho, junto a un botón de cancelación de ruido ajustable, los hace fáciles de operar. La duración de la batería es menor que la de muchos de sus competidores y tienen una característica sorprendente: en teoría nunca se pueden apagar (supuestamente para hacer el emparejamiento más rápido). Sin embargo, cuando se trata de claridad y plenitud de sonido, ciertamente rivalizan directamente con los mejores del mercado.

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6.AU-STREAM

Si deseáis garantía de calidad, pero no queréis romper la hucha como tendrías que hacer con los productos de Apple, el AU-Stream es un auricular ligero, perfecto para creadores de música y frikis del audio. El exclusivo driver de tres capas de film compuesto está afinado a la perfección, brindando una claridad y un paisaje sonoro que no creerías que podrían salir de un aparatito de este tamaño. Con una gama de almohadillas que se adaptan perfectamente al oído de cada usuario, el diseño también es resistente al agua, al sudor y al rocío de agua. A diferencia del famoso auricular AU-Stream ANC, esta versión más ligera no tiene cancelación de ruido. Sin embargo, por ese precio, será difícil encontrar una opción más rentable en el mercado.

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Otro producto de AUSOUNDS, estos auriculares in-ear con banda para el cuello ofrecen la mejor duración de batería disponible, con un tiempo impresionante de 22 horas. Con un driver de banda de 10 mm, estos auriculares son los mejores para aquellos a los que les gusta su música con los subwoofers bajos, entregando un sonido de bajos profundos y claros, y un amplio paisaje sonoro. Con controles integrados que le permiten reproducir y pausar, omitir track y hablar con Siri o el Asistente de Google, son perfectos para cualquier persona que esté constantemente en movimiento y le guste dejar su teléfono en el bolsillo. Los auriculares en sí no se separan, pero para aquellos que priorizan la calidad del audio sobre cualquier otra cosa, funcionan muy bien.

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Cómpralos ahora por 272,52€ 8.NURALOOP

El Nuraloop es el auricular más inteligente del mundo, con tecnología de sonido galardonada que brinda a cada usuario una experiencia completamente personalizada. NuraLoop aprende automáticamente de cómo el usuario oye en solo un minuto, antes de adaptar el sonido al perfil auditivo individual de cada uno. El resultado es una profundidad y un detalle como nunca antes habíais escuchado, lo que le permite sumergiros por completo en los géneros de vuestra preferencia. Tiene controles de marcación táctil, llamadas de voz, cancelación de ruido y todos los artilugios que podéis esperar en un dispositivo de audio bluetooth, con la ventaja adicional de adaptar la experiencia sonora a vuestras propias necesidades. Con una aplicación de acompañamiento que explica la ciencia detrás de la generación de sonido, estos auricualres son perfectos para escuchar todo el día.

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Cómpralo ahora por 176,59€ 9.NURAPHONE

Al igual que sus homólogos in-ear, los auriculares Nuraphone ofrecen una experiencia que revoluciona por completo la ingeniería de sonido personalizada. Con dos drivers a cada lado, el usuario experimentará una inmersión sonora completa con los ritmos de su elección.

Los drivers over-ear crean la sensación de presenciar una actuación en directo, lo que brinda la opción de ajustar sus niveles de optimización para que se asemejen a lo que sería estar en la parte de atrás de la habitación, o en el lado izquierdo de frente a los altavoces.

Esta inteligente personalización del sonido se traduce en que el audio se oye alto sin sacrificar detalles, al igual que los graves, sin ser opresivo. Con un precio de £ 350, ofrecen otra excelente alternativa a los modelos WH-1000XM4 de Sony.

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Cómpralo ahora por 414,80€ 10.AUDIO-TECHNICA ATH-M50XBT

Si eres un productor al que le gusta tener cosas inalámbricas en el estudio, este modelo de la compañía japonesa de equipos de tecnología Audio Technica es conocido por su durabilidad y excelente audio. Efectivamente, son solo una versión inalámbrica del diseño ATH-M50 anterior, pero estos auriculares brindan un sonido distinguido, con graves intensos y una calidad general que les hace ideales para cualquier persona que trabaje en la música o el cine. Sin muchas de las características adicionales que implementan la mayoría de los auriculares inalámbricos, como todos sus productos, Audio-Technica siempre ha seguido el espíritu de que la calidad del sonido está por encima de cualquier otra cosa. Sin embargo, con una 86

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mente son caros, pero las funciones del PI7 brindan un sólido rendimiento de audio.

Cómpralo ahora por 414,80€ 13.PIONEER HDJ-X5BT

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duración de la batería de más de 30 horas, pocos dispositivos podrán soportar tanto vuestras largas sesiones de estudio como estos.

asegura que cualquiera que sea la selección, desde la frecuencia más alta a la más baja, el sonido se entregará con una claridad impresionante.

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Es raro encontrar auriculares que se ajusten bien, suenen bien y puedan soportar un estilo de vida en movimiento, pero todas estas son las cualidades que hacen que los Buds Pro superen a los omnipresentes Airpods. Elegantes, brillantes y de gran fabricación, tienen uno de los estuches de carga más pequeños del mercado, lo que los hace fácilmente transportables, mientras que los propios auriculares encajan perfectamente en el oído gracias a los accesorios opcionales que proporciona Samsung. El sonido ofrece graves profundos y agudos súper detallados, gracias a la disposición de drivers duales. Esta gama de auriculares

12.BOWERS & WILKINS PI7

Aunque supera con creces a todos los demás auriculares in-ear en términos de precio, el PI7 de Bowers & Wilkins ofrece un sonido increíble debido a sus unidades de transmisión híbrida dual y con cancelación de ruido adaptativa.

Tienen amplificadores individuales incorporados, que ajustan dinámicamente el sonido, mientras que los seis micrófonos brindan una claridad de llamada nítida. El diseño True Wireless de 24 bits con la tecnología Qualcomm aptX™ Adaptive brinda confiabilidad de conexión y una funda de carga inteligente, lo que se traduce en que puedes ir donde quieras. Cierta-

Cuando se trata de cualquier set de auriculares para pinchar, es difícil dejar de lado a Pioneer. Voluminosos, fuertes y con orejeras grandes, ciertamente son bonitos. Sin embargo, eso no es todo: Además de la construcción duradera (que también se ve increíble), el HDJ-X5BT proporciona una calidad de audio formidable, impulsada por sus drivers de 40 mm. Obtienes lo mejor de los graves sin que sean agobiantes, además de medios claros que no se pierden y agudos afilados, entregando hats y snares nítidos. Ofreciendo la misma funcionalidad que el modelo con cable original, los X5BT permiten al usuario escuchar la música en cualquier situación, con una fácil conexión Bluetooth.

Tanto si eres un DJ aficionado, como si vas a volar a Ibiza para tocar este verano, encontrarás que estos encajarán perfectamente.

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AIAIAI lleva su gama inalámbrica del TMA-2 al siguiente nivel, con su versión HD de los populares auriculares para DJ y estudio. Estos dispositivos cuentan con sonido HD de 24 bits, orejeras increíblemente cómodas y toda la tecnología de alta gama que esperas de AIAIAI. Además, se ven increíbles.

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El legado del Turntablismo sigue muy vivo Dentro del mundo del DJ y la mezcla musical, existe una disciplina poco conocida, extremadamente difícil, pero muy admirada por todos los que nos hemos puesto alguna vez delante de los platos.

Se trata del turntablismo, una de las variantes técnicas de mezcla más espectaculares tanto por todos los movimientos que conlleva, como por los locos efectos y energía que se crean en este tipo de sesiones. El turntablismo es lo más cercano que existe hoy al hip-hop original y a sus técnicas, pero ha evolucionado tremendamente desde entonces, especialmente gracias a la tecnología disponible hoy en día.

Especialmente a la tecnología de los mixers especiales que se necesitan para llevar a cabo una sesión de turntablism, conocidos como battle mixers o de batalla.

En este contexto, una de las últimas adiciones al mercado ha sido la la DJM-S7, de Pioneer DJ. Esta nueva mesa de mezclas de 2 canales para batallas, busca dar más libertad, mediante la personalización de tu configuración, para así aportar tu propio estilo único en cada actuación. La unidad permite el uso gratuito de Serato DJ Pro y es un dispositivo Hardware Unlock para rekordbox, por lo que puedes utilizar las funciones Performace en cualquier aplicación.

Los DJ de freestyle, que cortan y cambian de temas entre estilos musicales, necesitan las herramientas para realizar una transición rápida y fluida entre pistas. Y en el mundo hipercompetitivo de las batallas, los DJs siempre buscan aparatos que puedan ayudarlos a actuar de manera más creativa y así, captar la atención del público. La DJM-S7 está diseñada para que todo esto sea posible.

Si has pinchado con la DJM-S11 antes, te sentirás familiarizado con el diseño de la DJM-S7. El gran botón Load y los 16 Performance Pads (8 por lado) te facilitarán la selección de pistas, lanzar samples y otras funciones durante los sets. Vienen incluidos los 22 Beat FX de la DJM-S11 y las palancas de efectos ofrecen una forma animada de activarlos, así como los efectos de software. Los modos de pad son independientes, por lo quepuedes activar Hot Cues en el canal 1 y usar Roll en el canal 2 al mismo tiempo, como ejemplo. Y con el Magvel Fader Pro, puedes disfrutar de una sensación elegante y un rendimiento de crossfader estable.

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También puedes reproducir audio de forma inalámbrica, directamente desde tu smartphone, gracias a la conectividad Bluetooth de la mesa. Reproduce loops sobre los que desees hacer scratch o activa one-shots y enrútalos directamente a la salida Master o a cualquiera de los canales para escucharlos junto con cualquier otro sonido que se reproduzca en ese lado. Y con Loop MIDI, una característica completamente nueva que es exclusiva de la DJM-S7, puedes usar las palancas de efectos para enviar mensajes MIDI a Serato DJ Pro y rekordbox, lo que te brinda una forma nueva de controlar las funciones Performance.

La DJM-S7 ha heredado algunas características principales de la DJM-S11 que tendrás disponibles cuando la uses con Serato DJ Pro, incluido el modo Combo Pad, Scratch Bank y Gate Cue. También ofrece el uso gratuito de las funciones Performance de Serato DJ Pro y rekordbox, incluido el control DVS en ambas aplicaciones. Simplemente conecta la mesa de mezclas a un ordenador (PC/Mac) que tenga instalada la última versión de Serato DJ Pro o la última versión de rekordbox, para

desbloquear el software. Si te suscribes al plan Creative de rekordbox, aprovecha las funciones avanzadas como Cloud Library Sync para una gestión perfecta de tu música en varios dispositivos, y el modo Edit, te permite crear versiones personalizadas de cualquier pista que tengas para convertir tus sesiones en algo único.

FUNCIONES DESTACADAS Interface limpia: Actuación instintiva Con un diseño muy limpio, la DJM-S7 te da la libertad de pinchar con energía y aportar tu propio estilo en cada actuación.

Magvel Fader Pro Se ha mejorado el tacto del Magvel Fader Pro y aumentado la rigidez del eje de montaje del botón, en la dirección vertical en un 30%, para que se pueda scratchear con total confianza.

Performance Pads más grandes Los 8 performance pads de cada canal son más grandes para hacer más rápida la activación de los Hot Cues y los samples. Y con el modo de pad independiente, podrás utilizar 2 funciones

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diferentes, una en cada conjunto de pads por canal, al mismo tiempo.

Palancas de FX grandes Retuerce los sonidos sobre la marcha agregando efectos con las palancas grandes. Es fácil cambiar los 6 efectos asignados a los botones de FX Select sin perder de vista el nombre y valor del tempo que estás utilizando, gracias a la pantalla OLED. Entrada Bluetooth: añade audio de forma inalámbrica desde tu teléfono a tu performance Simplemente empareja tu teléfono con el DJM-S7 a través de Bluetooth y podrás introducir sonidos directamente en tu equipo. Puedes reproducir loops para scratch, activar sonidos desde aplicaciones de instrumentos o usar una aplicación de música para reproducir una pista solicitada por alguien del público. O simplemente ten tu dispositivo móvil conectado y listo como respaldo en caso de que tu ordenador portátil falle.

Loop MIDI: Usa las palancas para automatizar el control de las funciones del software de DJ

Esta característica nueva, en la sección de efectos de la DJM-S7, puede controlar varias funciones de tu software de DJ, enviando repetidamente una señal MIDI al programa en un ciclo de tiempo establecido. Por ejemplo, puedes crear un Build Up acortando gradualmente el ciclo de tiempo de un sample que se está reproduciendo en loop.

Hub USB integrado: conecta directamente tus dispositivos externos Optimiza tu configuración con la DJM-S7. Puedes conectar CDJ, controladores DJ y otros dispositivos directamente en los puertos USB-A duales para reproducir con ellos; no es necesario un Hub externo. Conecta 2 CDJ para usar el modo HID y conecta 2 ordenadores portátiles a través de los puertos USB-B duales para b2b sin problemas. Un próximo lanzamiento de Serato DJ Pro introducirá soporte oficial para el CDJ-3000, así que estad atentos.

Scratch Bank: Accede rápidamente a tus sonidos en Serato DJ Pro Con el modo de pad Scratch Bank, puedes cargar instantáneamente samples de scratch en 4 bancos que hayas asignado

en Serato DJ Pro, simplemente tocando un pad. También puedes cargar desde un punto de inicio específico, lo que resulta útil si deseas utilizar esta función para colocar pistas completas.

Modo Combo Pad: Utiliza simultáneamente hasta 2 modos diferentes en Serato DJ Pro Activa el modo Combo Pad en Serato DJ Pro para usar simultáneamente 2 modos de pad diferentes. Ejemplo: Hot Cue y Sampler. Esto reduce la necesidad de cambiar de modo y te da la opción de combinar más funciones para mejorar tu directo.

Plug and Play: Usa Serato DJ Pro o rekordbox libremente El DJM-S7 desbloquea automáticamente las funciones Performance de Serato DJ Pro y rekordbox, incluido el control DVS, cuando lo conectas a un PC/Mac con la última versión de cualquiera de las aplicaciones. No es necesario que actives una clave de licencia. Se incluye el cupón Serato DJ Pro Expansion Pack (Pitch ‘n Time DJ), que permite el cambio de clave y la sincronización de clave con una calidad de audio perfecta.

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PRENDAS DE INSPIRACIÓN CLÁSICA Y ESTÉTICA RETROVINTAGE, VERSIÓN 2021.

Así es Robe Giovani FW21, la nueva línea premium de Kappa para este Otoño-Invierno.

De inspiración clásica y proyectada hacia el futuro, la colección premium Robe Giovani FW21 llega por primera vez a España para vestirnos esta temporada Otoño-Invierno.

Son múltiples las posibilidades que la colección ofrece para combinar lookazos de estética retro-vintage, al más puro estilo universitario americano old-school de las décadas de los 70 y los 80.

Esta línea premium es una colección perteneciente a Robe di Kappa, la división más clásica de la marca. Robe Giovani FW21 proviene del legado de la marca que durante generaciones ha proporcionado a los jóvenes la libertad de expresarse mediante la ropa. Su esencia clásica pero contemporánea, la calidad de sus materiales y su carácter único hacen de esta colección una elección versátil para cualquier momento del día.

La pieza estrella es la camiseta conocida como La Polo, rediseñada en esta nueva colección directamente desde los años 70 que la vieron nacer, a una versión muy actual; y de tan buena calidad como entonces. Esta icónica prenda se desarrolló a partir de la desestructuración de una camisa para convertirse en un artículo informal con mucha clase. Con el sello Made in Italy se confecciona en piqué con hilo de algodón, natural y transpirable, garantizando siempre un ajuste perfecto !Estilazo a la vista¡

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Si lo que te apetece es un look más sofisticado, la colección tiene una blazer inspirada en las chaquetas vintage de la marca, una versátil camisa estilo Oxford, un pantalón chino y un cárdigan de lana con bordados en la espalda. ¡Ah! y la versión 2021 de la cazadora varsity de lana y mangas de piel sintética de toda la vida.

Si por el contrario, tienes el día más sporty y buscas algo más casual, te encantarán las nuevas sudaderas de capucha, camisetas y jerséis de algodón.

La colección Robe Giovani FW21 está a la venta de forma exclusiva en www.kappastore.es y en Footdistrict (Madrid y Barcelona), Madison Avenue (Vilagracia de Arousa, Pontevedra), 4 Elementos (Vigo), PainKiller (Madrid), Wildakers (Ciudad Real) y Moraiva 2018 (Sanxenxo, Pontevedra).

Robe Giovani FW21, the new brand’s heritage. #RobeDiKappa #RDK

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Festival Wos

¡VUELTA A LAS PISTAS DE BAILE! Parece que por fin las salas de conciertos, los clubes y todo tipo de espacios para eventos de culturales encienden la luz. Si, esa famosa luz al final de túnel que como suele decirse te guía cuando te acecha la muerte, pues en este caso, verla encenderse es sinónimo de vida. ¡Vuelve la vida a las pistas de baile¡ Mira que se ha hecho largo y pesado este pandémico viaje… ¡Que hartura, por favor¡ Ya era hora de que uno de nuestros números tuviera una pequeña agenda con recomendaciones de conciertos, sesiones de club, festivales y otras propuestas singulares. Y aprovechamos para hacerle un pequeño homenaje a Metro Dance Club por su 30 aniversario.

Aquí algunos de los que más nos apetecen para los meses de octubre, noviembre y diciembre:

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NUESTROS FAVORITOS EN OCTUBRE, SE LO DEDICAMOS A LOS CLOSINGS EN IBIZA:

Amnesia Closing Party.

Estábamos en el mes de mayo cuando Amnesia anunció que celebraría su closing el 23 de octubre. Muchos pensaron que no sería posible, otros que sí, finalmente las “Covid restricciones” en las islas permiten que el closing de esta extraña temporada pueda terminar celebrándose. Entradas agotadas y un line up con artistas de la talla de: Alfredo, Young Marco, Jamie Jones, The Blessed Madonaa, Cuartero, Adam Beyer, Deborah de Luca o Marco Faraone.

Este verano nos ha dejado mejores sensaciones que 2020, ya que durante gran parte del verano han estado abiertos diferentes beach-clubs o Cova Santa y Ushuaïa con un renovado concepto enfocado en restaurante + Djs. Marco Carola, Tale of Us, Damian Lazarus, The Martinez Brothers, Luciano, Ricardo Villalobos, o Jamie Jones han sido algunos de los artistas que han actuado para este temporal momento de la isla.

Pero la gran noticia sin duda es que a finales de este mes algunos clubes abren sus puertas aunque sea solo para unos pocos días.

Circoloco.

Pocos se podían esperar que Circoloco anunciara que abriría en octubre para tres fechas. Eso a pesar de que otros años la fiesta del DC10 fuera de las últimas en cerrar temporada o incluso celebrar su habitual fiesta de año nuevo el 1 de enero.

Pero vamos a lo que de verdad importa, el club abrirá los lunes 11, 18 y 25 de octubre, y

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van con todo, Terrace, Main Room y Garden abiertos desde las 17:00h, hasta las 05:00h.

En lo que respecta al line up: &me, Adam Port, Adam Beyer, Amelie Lens, Dj Tennis, Ellen Allien, Jay Cumhur, Michael Bibi, Rampa, Seth Troxler, Sossa, Special Request, Tale of Us y la uruguaya residente en Ibiza, Tania Vulcano harán bailar y enloquecer a los afortunados que puedan entrar en DC10 después de dos años.

Recomendaciones de Ibiza: Teo Molina.

NUESTROS FAVORITOS PARA EL MES DE NOVIEMBRE:

Sougwen Chung; del dúo Overmono, inspirado en el trance de los 90; el directo ambient de la compositora neoyorquina Ana Roxanne; el nuevo proyecto de Eva Geist inspirado en el agua; la mezcla de estilos de la banda neo-bakala VVV [Trippin’you]; la fusión entre noise y trash metal del dúo keniano Duma; el último trabajo de Maxwell Sterling, considerado uno de los mejores discos de IDM de los últimos años; el directo del productor griego ANFS; y los shows de los artistas locales nara is neus y CSFCMMCAB, siglas de nuevo proyecto de Marc O’Callaghan.

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5º edición de VOlumens Festival.

València: 12 y 13 de noviembre • Festival que desde 2015 se articula en torno a tres pilares; el Arte, la Ciencia y la Tecnología, de forma lúdica y didáctica. Su carácter multidisciplinar y transversal transforma los espacios donde se desarrollan las actividades, para vivir con más intensidad las creaciones de los artistas tanto nacionales como internacionales. Y es un escaparate para las nuevas generaciones de creadores musicales que desarrollan su trabajo en entornos tecnológicos y que establecen nuevos códigos y lenguajes.

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Viernes 12 y sábado 13 (La Mutant -Las Naves): Aisha Devi, Elias Merino + Tadej Drolj, Thomas Ankermist, Ill-esha + Alba G. Corral, Bromo, Marta Verde + Jose Venditti, Edu Comelles +Rafa Ramos, Martina Bottela Mestres…

Sábado 12 (Spook) Fiesta CIERRE: Alfa Estilo, Bavs, Martí, Dlight, Polifeme, Irazu, Vladimir Dynamo, Favsto y Fase Bipolar

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Viernes 12: Sala Razzmatazz 3. Barcelona.

Sábado 13: El Sol. Madrid.

Jueves 11 (Noche Inaugural - IDEAL ): Natalia Stuyk presenta “I Believe You Into Being”, Theo Triantafyllidis y Sun Araw presentan “VHW7” Viernes 12 y sábado 13 (Fabra i Coats): MIRA Digital Arts Festival - AV Shows, conciertos, sesiones de DJ Sábado 13 (Sala Razzmatazz): Afterparty

SOUNDIT Plaza BARCELONA: 6 y 14 de noviembre.

Tras 2 citas en la primera mitad octubre, en noviembre llega el segundo round de la propuesta diurna de referencia en la ciudad condal, con un cartel lleno de música luminosa y de intención claramente hedonista, fieles a la filosofía SOUNDIT. Contará con también con su habitual espacio gastronómico en formato foodtrucks !Y con posibilidad de bailar¡

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Este festival de artes digitales barcelonés celebra una década con los shows audiovisuales del músico y compositor americano James Ferraro, con un espectáculo envolvente de láseres; Rian Treanor, centrado en el sonido rave y acompañado de una bailarina; del productor canadiense Aquarian, con visuales de la artista china

DROELOE, el proyecto audiovisual del productor holandés Vincent Rooijers, que aúna una sorprendente combinación de future bass, trap, diseño gráfico y videoarte, recala en nuestro país con su gira europea ‘UNEXPECTED ODYSSEY’. Es una coproducción entre Houston Party y Polar Nights.

JON HOPKINS LIVE ‘POLARITY’ TOUR 2021 Barcelona: Jueves 18 de noviembre

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10ª edición de MIRA Festival ¤ SON Estrella Galicia, Barcelona: del 11 al 13 de noviembre.

DROELOE _‘UNEXPECTED ODYSSEY’.

Barcelona y Madrid: 12 y 13 de noviembre

La gira Polarity de Jon Hopkins presentará las dos caras del artista por primera vez en una oportunidad única. Esto es, “la fragilidad y la severidad” de su música, en palabras del propio Hopkins, con una puesta en escena que combinará un piano de cola con su habitual maquinaria analógica y que esta vez también contará con músicos en escena como Leo Abrahams (guitarrista), Emma Smith (violinista) y Daisy Vatalaro (chelista). El evento en Barcelona es una coproducción entre L’Auditori y Primavera Sound.

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Jueves 18 (L’Auditori de Barcelona): Jon Hopkins + Hayden Thorpe, vocalista de los añorados Wild Beasts.

Sábado 6 ( La Monumental de Barcelona): Dam Swindle, Virginie, Hanakito y Camilo Miranda Domingo 14 ( La Monumental de Barcelona): Gerd Janson, Matthew Styles, Neska y Lydia Vilas

Connect MUTEK.ES: CLARAGUILAR, Freedom Engine, Kyoka Barcelona: 23 de noviembre MUTEK Connect sigue con sus actividades a lo largo del año con programa de alto voltaje. Tras presentar en octubre el concierto ‘light-years’ con Caterina Barbieri, Bendik Giske y MFO; para su cita de noviembre la plataforma MUTEK ofrece el estreno mundial del show en directo de CLARAGUILAR, al aclamado artista canadiense

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Mathew Jonson presentando el estreno europeo de Freedom Engine - su nuevo proyecto lanzado y editado por Dekmantel - y a la artista japonesa Kyoka estrenando un nuevo directo en Barcelona •

Martes 23: Sala Apolo, Barcelona.

Tricky (Concierto) Barcelona: 25 de noviembre.

Tricky visita España para presentar en directo “Fall to pieces” (septiembre 2020) su LP número 14, publicado en su propio sello False Idols.

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Jueves 25: Sala Apolo, Barcelona ( En febrero anunció más fechas en el país, pero en el momento del cierre de esta edición, esta es la única 100% confirmada en su web)

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BOILER ROOM FESTIVAL BCN BARCELONA: 26 y 27 de noviembre Como colofón de los tres Boiler Room Festivals de 2021 (Nueva York, Londres y Barcelona), el Boiler Room Festival BCN arranca con los conciertos en directo de artistas como La Zowi, KeiyaA y Mainline Magic Orchestra. De la programación de club se han encargado por un lado el colectivo queer de Barcelona, MARICAS que proponen a Octo Octa, OK Williams, Saoirse- a o ISAbella entre otrxs; y por el otro la madrileña Chica Gang, que se trae a Dorian Electra, Dinamarca e Isabella Lovestory..

La segunda jornada presenta un escenario cargado de techno con Maayan Nidam, Binh, Evan Baggs, Z@p y TC80. En el segundo, una propuesta de sonidos vanguardistas del continente africano programado por el colectivo Jokkoo, con artistas como Cystallmess, Slikback, M I M I.

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El alemán Löffler es uno de los grandes iconos de la nueva electrónica emocional. En su música mezcla euforia y melancolía y logra evocar los parajes inhóspitos del Mar Báltico, esa geografía del nordeste germano donde creció. Presentará sus dos últimos discos, “Lys” (2020) y “Parallels” (2021), este último un homenaje experimental y electrónico a Beethoven.

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Miércoles 24: Teatro La Laboral (Gijón Sound Festival ) en Gijón.

Jueves 25: Mondo Club en Vigo Viernes 26: Sala Razzmatazz en Barcelona Sábado 27: Mon live en Madrid

Viernes 17: Mon Madrid Source, Madrid.

Viernes 26 (Nitsa Club): La Zowi, Chicoblanco, KeiyaA y de Mailine Magic Orchestra, Octo Octa, OK Williams, Saoirse- a, ISAbella, Budino, Jovendelaperla & Berenice, Dorian Electra, Dinamarca e Isabella Lovestory Sábado 27 (Nitsa Club): Maayan Nidam, Binh, Evan Baggs, Z@p y TC80 /Jokkoo: Cystallmess, Slikback, M I M I …

Pacha Barcelona pres. SIGHT Barcelona: cada domingo de diciembre

NUESTROS FAVORITOS PARA EL MES DE DICIEMBRE:

SIGHT la sesión underground de Pacha Barcelona ya tiene preparadas algunas de sus noches de diciembre, con artistas como Nick Warren, Pablo Fierro, Sparrow & Barbosa, Landikhan, Davide Squillace, Anna Tur y para terminar el año como ya es tradición el 30 de diciembre Marco Carola •

Animal Sound XS Murcia: del 27 noviembre al 27 de diciembre

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La segunda edición de Animal Sound XS celebrará seis conciertos de diferentes estilos como el Hardstyle, Urbano, Pop, Techno, Hardcore y Remember, distribuidas entre el 27 de noviembre y el 27 de diciembre de 2021.

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El festival ha comenzado a desvelar su programación confirmando a Natos y Waor (17 de diciembre), Angerfist (27 de noviembre) y Paco Osuna (11 de diciembre) Plaza de Toros de Murcia.

Consultar programación en: www.animalsoundfestival.com

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Los pioneros de la EBM vuelven a sus orígenes. Con esta gira quieren escribir una página más en su historia. Les acompañarán los veteranos Interfront, la banda liderada por Julio Nexus, y Qual, proyecto en solitario de William M. (Lebanon Hanover), cuyo sonido se encuentra a medio camino entre el Minimal Synth y la EBM. •

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Löffler live Diferentes ciudades: del 24 al 27 de noviembre

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Front 242 «Black to Square One Tour» + Interfront + QUAL Madrid: 17 de diciembre

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Domingo 5: Sparrow & Barbossa, Landikhan and local DJ’s Domingo 12: Nick Warren, Saldivar, Martin Fredes, Lupe Republic & Steve Bimbelan Domingo 19: Pablo Fierro Domingo 16: Davide Squillace, Anna Tur & local DJs Fecha especial: Jueves 30 de diciembre con Marco Carola

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METRO DANCE CLUB Y SU ENÉSIMO RENACIMIENTO El templo electrónico, con 30 años recién cumplidos, anunció el regreso de sus salas de baile con su primera fiesta de la temporada 2021/2022. Tras casi 20 meses de inactividad, artistas internacionales y nacionales muy ligados al club provocan su renacimiento con éxito. ¿Qué se debería esperar de un club que aguante tres décadas bajo una misma dirección y una historia intachable marcada en la memoria de miles de clubbers? Que pasase lo que pasase, gracias a su experiencia –éxitos logrados y fracasos sufridos– siempre volvería a recuperar su actividad.

La realidad es otra, ni el más longevo seguidor del género se atrevería a asegurarlo. Sobre todo tras una pandemia que ha parado el mundo y prácticamente afectado a todos los sectores económicos durante año y medio. De hecho algunos fueron los primeros en irse y están siendo los últimos en volver.

personas en el país. Fue la herencia de un gran movimiento músico cultural (despectivamente llamado la Ruta del Bakalao) de características comparables a la movida madrileña. Una hemorragia cultural de música, productores, artistas y almas que disfrutaban con el baile o el ambiente creado.

El legado de ese movimiento se continuó en salas como Metro, ninguna con tal constancia y calidad musical, con un respeto especial hacia el techno y ningún acercamiento hacia géneros sin duda más rentables.

Es ahora, cuando se anuncia el regreso de una de sus míticas fiestas mensuales, cuando todos los amantes del género se alegran. Su formato multisala, donde varían la contundencia y la melodía, ha vuelto a arrancar motores.

Fue el sábado 23 de octubre cuando ocurrió el enésimo renacimiento del Ave Fénix. Bajo su temática “The Show Must Go On” (ya usada tras un parón hace varios años), se programaron artistas considerados de la casa, nacionales e internacionales que han escrito algún capítulo imborrable en el chalet de Bigastro.

Mathew Jonson, Cassi, Hector, Petar Dundov, Indira Paganotto, Alienata, Animal Picnic, Luca Fabiani o Anna Nova son algunos de los nombres que se unieron a sus valiosísimos residentes Álvaro Escudero, Ángel Sarabia, Dubpaper, Jesús Ortega, Irregular Live, Kuki Cristina, Nhitto y Novakk y a otros invitados y amigos como Finalversion3, Hannah Addams, Javier Ferrer o Jose Rives.

El evento contó con la reapertura de las cuatro salas interiores de Metro Dance Club, 12 horas de música y un minucioso protocolo de gestión del riesgo que se tradujo en controles de temperatura, refuerzo en limpieza y desinfección y adelantamiento de la apertura del recinto para evitar aglomeraciones, además de otras medidas como la reducción del aforo al 50%.

Solo podemos desearle la mejor suerte a uno de los espacios más importantes del panorama nacional en esta nueva etapa.

Con ansias esperamos reencontrarnos el próximo 5 de diciembre para seguir nutriéndonos de cultura de club auténtica.

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Ese es el caso del sector de la música de baile, por lo menos en España, y si a eso le sumamos una estigmatización del género electrónico, macerada durante años en los medios de comunicación generalistas, no podemos dar por hecho nada, y menos la supervivencia de una empresa familiar.

A medio camino entre Alicante y Murcia se encuentra una pequeña localidad de nombre Bigastro con menos de 10.000 habitantes y una superficie de 4 km². A las afueras de este municipio se lleva escribiendo historia de la música electrónica desde 1987.

Con una sencilla cuenta nos podemos percatar que se le deberían otorgar más de 30 años de historia, pero realmente han sido varias las caídas y renacimientos de este club que sigue al mando de la misma familia que lo abrió. Por ello se habla de 30 años de continuidad.

Metro Dance Club surgió de la magia de lo nuevo y lo desconocido, de una inquietud por nuevos géneros musicales que por aquél entonces solo escuchaban unas pocas

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breaks

en

tiempos A U T O R :

E D U A R D O

C A R B O N E L L

de

pandemia

2

( E V I L S O U N D )

Como comentábamos en el número anterior, el breaks está viviendo un resurgimiento a nivel mundial gracias a los perseverantes productores musicales que nunca lo han dejado de lado y a artistas de renombre de otros géneros que también se están introduciendo en este género. Varias acciones surgidas a raíz de la pandemia han influido bastante y han creado comunidad dentro de los ritmos rotos, como el festival en streaming Global Breaks Festival, a cargo de Scott Reeder, y la vuelta de la mítica emisora inglesa Breaks FM, a cargo de Jody Shires. Dos DJs que han contribuido a mantener a los artistas de todo el globo más unidos que nunca. Continuamos dando un repaso a los mejores lanzamientos en lo que llevamos de año.

COLOMBO The Antological Big Beat Acida Records

Uno de los mejores productores de breakbeat a nivel mundial, nuestro malagueño Alejandro Rojo, más conocido como Colombo, vuelve sin previo aviso con un nuevo álbum titulado “The Antological Big Beat”. El sello encargado del lanzamiento es su casa Acida Records, siendo este trabajo su noveno álbum de estudio. A diferencia de sus antecesores, que siempre han sido multigénero, abarcando todo tipo de breaks, Colombo se adentra totalmente en el sonido big beat haciéndonos viajar al pasado.

THE BRAINKILLER Lights & Shadows Musication Records

Hablando de artistas top, también tenemos a Juan Luis Cruz, más conocido como The Brainkiller. Juanlu, también malagueño, está considerado como otro de los mejores 96

productores breakbeat a nivel mundial y nos llega con un nuevo EP bajo su sello Musication Records. El trabajo consta de siete pistas donde la musicalidad va de la mano con la potencia sonora y la pegada rítmica. The Brainkiller crea una fusión perfecta entre hermosas melodías y ritmos bailables.

THELEE

Beatport en la categoría de breaks, breakbeat y UK bass.

Una delicia de producción con un arreglo de piano de la vieja escuela. ¡Lo mejor del verano!

Destacar también otros de sus grandes lanzamientos como ‘Another Decade’, ‘Good Influences’, ‘The Preacher’ y ‘Bad Selection’.

Rude to Be JBC MUSIC

FREESTYLERS Other Worlds Mama’s Pie

El célebre dúo Freestylers, compuesto por los ingleses Aston Harvey y Matt Cantor, vuelve con su sexto álbum de estudio titulado ‘Other Worlds’.

Han tenido que pasar ocho años desde su anterior álbum ‘The Coming Storm’ para ver un nuevo trabajo de larga duración.

14 nuevas producciones de diversos géneros breaks con colaboraciones como Plump DJs, Blapps Posse, Laura Streel, Scarlett Quinn, MC Spyda, Tenor Fly, Hyperactive MC, Mad Doctor X y K-oss.

Desde Girona nos llega una grata sorpresa musical. El dúo catalán anteriormente conocido en el mundo del beatmaking como LeeBeats, formación bajo la que fusionaban las influencias del hip hop de uno con las influencias del rock y punk del otro, ahora da un giro a su carrera y se presenta como Thelee, formación de, nada más y nada menos que big beat. Sus primeros singles titulados ‘Rude to Be’ y ‘Slaves’ no tienen desperdicio.

DIGITAL BASE, ANDY VIBES You Take Me So Far Old Skool Records

El sevillano Andy Vibes, aka Digital Base presenta desde su sello Old Skool Records ‘You Take Me So Far’, alzándose recientemente al puesto número 1 de ventas en la plataforma

BOYS NOIZE Affection Boynoize Records

Antes de la llegada del nuevo álbum ‘+/-’, del productor alemán Alexander Ridha, más conocido como Boys Noize, nos llegaba su single ‘Affection’. Para este single, Ridha se salía de sus líneas más habituales para presentar una producción de electro freestyle en colaboración con la vocalista de R&B Gabrielle Olivia Mirville, más conocida como ABRA. Ridha ya había colaborado recientemente con la artista produciéndole el single ‘Unlock It’.

DRUMATTIC TWINS

RASCO

BROTHERS OF FUNK

Grit Eye Toast & Jam Recordings

The Dark Knight Rider Elektroshok Records

True & Original ElectroBreakz

HANKOOK & PERFECT KOMBO

El sello Toast & Jam Recordings, fundado en 2008 por Scott, Sheldon Gau y Adam Fox, está publicando referencias con artistas muy top. Como es el caso del single ‘Grit Eye’ del mítico dúo inglés Drumattic Twins, compuesto por Kevin Lancaster y Nick Slater, que tantos éxitos cosechó en la década del 2000 con sellos como Finger Lickin’ Records o Passenger. En esta ocasión, la dupla nos presenta una producción acid breaks cargada de ritmo.

Elektroshok Records y el productor onubense Rasco presentan un single que hará las delicias de los más nostálgicos, con la banda sonora del Coche Fantástico como lienzo y una potencia sonora bestial.

Recientemente también salía al mercado su último remix para Wally Lopez, con el que parece haber hecho buenas migas tras su anterior remix de “The King Is Back”. En esta ocasión el track remezclado es “Claim My Heart”, repitiendo con el sello The Factoria.

Uno de los sets que mejor sabor de boca me dejaron en el pasado Global Breaks Festival fue el del dúo Brothers Of Funk.

Esta formación, compuesta por DJ Storm y Johnny Dangerously, ha estado en el juego durante más de 25 años, ganando un estatus legendario en la escena breakbeat y electro de Florida.

Su principal sonido es un electro breaks atemporal, que nos ha dejado auténticas joyas como “Arsenal” o “True And Original”.

3D STAS

SEKRET CHADOW

LADY WAKS, MUTANTBREAKZ

MUTANTBREAKZ & MARIBEL

Bueno Ácido 3D Stas

I Love You Mommy 13Monkeys Records

We Keep The Fire Burning In Beat We Trust Music

Sharquia Guachinche Records

Si existe una región donde el big beat y el breakbeat industrial sigue más vivo que nunca, esa es Europa del Este, con Rusia y Ucrania a la cabeza.

A principios de 2006 3D Stas y Synchronick fundaron el sello Don’t Panic Records y a mediados de 2014, 3D Stas y Alex Hornet fundaron el sello Criminal Tribe Records. En esta ocasión nos trae un álbum autoeditado cargado de ácidos, riffs de guitarra y ritmos pesados.

Publicado el pasado Día de la Madre, ‘I Love You Mommy’ es uno de tantos éxitos que está cosechando la casa de los 13 monos. Un sello donde no sale ni una referencia de relleno, como ‘Break Damn Guitar’, ‘Majara’ o ‘Love Fleeting’ del jefazo Juanmy Rociana alias Sekret Chadow, las partes 3 y 4 de la serie ‘Recipe’, junto a los gaditanos Baymont Bross o los lanzamientos ‘Open Your Mind’ y ‘Give Me The Funky Beat’ del gaditano Urbano.

La DJ y productora rusa Alexandra Seregina, aka Lady Waks, se une como es ya habitual a nuestros paisanos Mutantbreakz, el dúo gaditano compuesto por Rubén Bernal y Ángel Tocino. El single en cuestión se titula ‘We Keep The Fire Burning’ y han escogido para la colaboración vocal nada más y nada menos que al mítico artista inglés MC Navigator, creando una pista breakbeat, con toques ragga, muy potente para la pista de baile.

La veterana DJ gaditana Maribel se adentra en el mundo de la producción y qué mejor manera que hacerlo junto a los jefes Mutantbreakz, dúo también gaditano compuesto por Rubén Bernal y Ángel Tocino, con una carrera muy sólida y ya conocida por todos. Para la ocasión han creado un single de acid breaks muy bailable y ravero, con un breakdown épico y un drop que rescata el sonido Hoover clásico del hardcore.

Zoko Elektroshok Records

El sello nacional Elektroshok Records nos presentaba recientemente el nuevo trabajo colaborativo de dos pesos pesados nacionales, el productor gaditano José Luis Rueda, aka Hankook, y el productor onubense Claudio Fernández, alias Perfect Kombo. Se trata de ‘Zoko’, una potente producción de nu skool breaks con toques árabes y mucha fuerza para la pista de baile. Recomendado también el single ‘Brooklyn’ de Perfect Kombo bajo esta misma casa, con dos cortes breakbeat muy contundentes y enérgicos.

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98

KHOISER

COOLTASTY

FRESH 9T1

Set Me Free (SRS Edition) Breaks Club

Fade Out Banana Club

This Way Bassrock Records

El dúo sevillano Khoiser, compuesto por Sergio Romero e Isaac García, presenta el track ‘Set Me Free’. Una producción que te transporta al pasado, con buenos ácidos, vocales y pianos. Tampoco te puedes perder su serie ‘New Era EP’, dividida en tres partes, con grandes temas como el sobresaliente ‘Get In The Flow’.

Además de lo mencionado bajo el sello digital Breaks Club, los sevillanos han publicado un EP en formato vinilo, titulado ‘Original & Remixes’, bajo Vinyl Club.

El gaditano Fran Marchante, alias FM-3, presentaba recientemente su nuevo sello Banana Club. Aunque aún tienen pocas referencias en el mercado, ya podemos destacar muy buenos trabajos del mismo, como este ‘Fade Out’ del también gaditano José Segundo, alias CoolTasty.

El épico canto que incluye en el breakdown y sus melodías minimalistas crean una atmosfera perfecta para evadirse de la realidad. De este mismo artista recomendamos también ‘Going Down’, con un breaks progresivo cargado de ácidos.

El sello Bassrock Records presenta en su lanzamiento Fresh 9T1 un piano clásico para los ravers de hoy. Jon Doe y Paul Bassrock se hacen cargo de los remixes, mientras que Doe se aventura con los ritmos 4-on-the-floor, Paul se aferra a una mezcla más cercana a la original. Destacar también lanzamientos como los raveros ‘Ravey Age’ del jefe de la casa Paul Bassrock, ‘Take Me There’ de Lucas y el potente ‘Two Sisters’ de Skin Teeth.

BUBBLE COUPLE

SERGEI ORANGE & KELLE

CALIFATO ¾

This Music Like A Drug Distorsion Records

Exit Rune Recordings

La bía en roça Breaking Bass Records

El dúo tinerfeño Bubble Couple, compuesto por Ione Velázquez y Laura González, presenta su nuevo EP a través del sello nacional Distorsion Records. El trabajo incluye dos cortes, “This Music Like a Drug” y “Give You”.

En el primero nos encontramos con una producción de estilo acid breaks con carácter retro.

El segundo corte se trata de una producción breakbeat muy elegante, con vocales y melodías profundas. Vuelven los sonidos clásicos.

El sello RUNE Recordings presenta el nuevo álbum conjunto de dos de sus artistas residentes, el productor bielorruso Sergei Orange y el productor húngaro Kelle. Una alianza musical que dará mucho de qué hablar este año. Su álbum, titulado ‘Exit’, incluye una amplia variedad de estilos breakbeat, desde nu skool breaks, techfunk y tearout, hasta psytrance y nerofunk. Recomendamos también sus anteriores álbumes en solitario, ‘The Newer World’ y ‘Revolution In You’.

Califato ¾ es una formación andaluza compuesta por The Gardener, Esteban Bove, S Curro (SKLT SLKT), Stay Puft (BSN Posse), Lorenzo Soria y Digital Diogenes, que combina electrónica con músicas enraizadas en la tradición popular, creando un folklore propio que mira hacia el pasado y hacia el futuro. En su segundo álbum incluyen ‘La bía en roça’, una oda a la cultura rave de los 90s con una producción muy top.

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