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Chausme La descomposición psicodelica de Neil Krug • Ren Hang y cómo la depresión afecta al artista • Chema Madoz y la juxtaposición • Alison Scarpulla y el valor del sueño en la imagen • El error cómo género de fotografía moderna

El rollo del mes: El Ektachrome

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Por Javier G.

El mundo inexplorado de la fotografía infrarroja Por Andrea E.

El reciente auge de la Post-photography Por Amaranta A.

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Allison Scarpulla, y el valor del sueño en la imágen Por Esteban V.

La descomposición psicodélica de Neil Krug

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Por Amaranta A.

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Ren hang y cómo la depresión afecta al artista Por Adán Z.

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La juventud a través del lente de Petra Collins Chema Madoz y Por Javier G. la juxtaposición

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Por Esteban V.

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El error como género moderno de fotografía Por Hillary S.

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No.1

Co-fundadores Luis Pablo Pérez Adán Zavála-Madrigal

Director de medios digitales Milton Rivera

Directora de estrategia Dania Alfonsina Zweier

Director de diseño Luis Pérez

Directora de mercadeo Yue Nagasaki

Web www.chausmemag.com Correo contacto@chausme.com

Director de contenido Adán Zavala-Madrigal Director de redacción Martín Echeverría

Créditos a los respectivos fotógrafos presentados en esta edición.

Rollo del mes

El Ektachrome

El film Kodak Ektachrome vuelve para los fotógrafos que se dedican a tomar fotografías con film, el anuncio fue hecho en la conferencia CES en Las Vegas por Kodak Alaris, la compañía independiente propiedad del Plan de Pensiones Kodak en el Reino Unido que dirige la antigua división de imagen personalizada de Kodak.

Kodak vuelve resucitar de entre los muertos la diapositiva en color, anunciando que a partir del último trimestre de 2017 dispondremos de nuevo de la maravillosa Ektachrome.

La linea original a color de Kodak Professional Ektachrome fueterminada por Kodak en 2012 después de años de disminución de ventas y una caída en su uso por fotógrafos. Parece que la tendencia se ha invertido.

“La reintroducción de una de las películas más icónicas es apoyado por la creciente popularidad de la fotografía analógica y un resurgimiento de tomar fotos con film”, dice Kodak Alaris.

“El resurgimiento en la popularidad de la fotografía analógica ha creado una demanda por nuevos y viejos productos cinematográficos por igual.”

Al fin y al cabo han pasado 4 años desde que en 2012 Kodak anunciara que dejaba de fabricar todos los productos Ektachrome. Esto quiere decir que en 4 años el consumo de película se ha hecho de nuevo “interesante” para una compañía tal como Alaris Kodak que pretende poner en valor el know how regresando a la fabricación de productos que solo ellos (y Fujifilm) podían hacer con esa calidad.

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El mundo inexplorado de la fotografía infrarroja El Enclave, 2012-13, es una obra visceral y conmovedora del artista irlandés Richard Mosse filmado en la República Democrática del Congo. Mosse pasó años desarrollando y creando el proyecto inspirado en la obra maestra literaria modernista de Joseph Conrad Heart of Darkness (1899), ambientada en un Congo de 1890, destrozadotal como se mantiene hoy (se estima que se han perdido 5.4 millones de vidas por causas relacionadas con la guerra desde 1998 ).

Mosse estaba en parte atraído por una disyunción entre el relato ficcional de Conrad, cargado de simbolismo, y la documentación del autor de los crímenes de guerra hechos como humanitarios; Y en parte a la crisis de la representación a la que se enfrentan los fotoperiodistas y los cineastas al tratar de describir la brutalidad, el sufrimiento y la destrucción.

Fue filmada en una película infrarroja de 16 milímetros de color, una película suspendida desarrollada por los militares de los Estados Unidos como herramienta de reconocimiento durante la Segunda Guerra Mundial.

Filmado en las exuberantes regiones del Congo Oriental, las imágenes de Mosse son alucinantes, oníricas y misteriosas; Mientras que todo se presenta en detalle documental fino y exacto, los colores verdes generalmente de la selva y del bosque se substituyen por el violeta brillante.

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El reciente auge de la post-photography

En nuestro mundo saturado de imágenes, el desafío es qué hacer con todas estas imágenes, y los fotógrafos están encontrando estrategias innovadoras para tratar con material fotográfico.

Para los fotógrafos-artistas de esta pieza, una imagen es sólo una plataforma, el punto de partida (o punto final) de un largo proceso, llevando la fotografía a lugares que nunca había estado antes.

Dada la superabundancia de las imágenes en el mundo contemporáneo,

¿hay algún punto en que los artistas tomen sus propias fotografías más? Las imágenes encontradas se han vuelto cada vez más importantes en lo que podría llamarse la práctica post-fotográfica, con el Internet sirviendo como un laboratorio para un tipo importante de experimentación de creación de imágenes.

Donde los artistas todavía manejan cámaras, ciertamente hay una sensación de que simplemente tomar fotografías ya no es suficiente, con la mano del artista continuamente interviniendo para ir más allá de la imagen tradicional y la fotografía tomando un “giro materialista” - prestar mayor atención al apoyo o marco o subrayando la fisicalidad escultural de la obra, para crear una nueva tensión entre la imagen y el objeto.

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La fotografía artística no está muerta, sino que está siendo hibridizada. En 2006, cuando la artista francesa Aliki Braine recibió una residencia en la Fundación Edward James en el idílico campo inglés, partió con la intención de hacer dibujos como lo hubiera hecho un dibujante aficionadodel siglo XVIII. “El crujido del puñetazo en el negativo es increíblemente placentero”, señala.

‘Como no es posible acercarse al pasado, tratamos de encontrar otras maneras de lidiar con las experiencias del mismo. En mi caso, deslocando materiales de archivo y museos, fragmentos del pasado, de sus propósitos e intenciones originales, sugiero un mundo histórico ficticio.

En general, utilizando una plétora de cosechas históricas visuales, busco crear un tejido de encuentros y conexiones, una matriz que traduzco en imágenes y narraciones, un campo de fantasía e imaginación.

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Alison Scarpulla y el valor del sueĂąo en la imagen Chausme

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Alison Scarpulla es una de esas jóvenes promesas del arte contemporáneo que han saltado a la fama a través de las redes sociales, en esta ocasión Flickr ha sido el responsable. Esta joven fotógrafa presenta un estilo onírico, muy vintage, que combina elementos de la antigua técnica cinematográfica con motivos y paisajes casi de ensueño.

Alison crea mundos paralelos, otras realidades. A partir del uso de exposiciones dobles, películas vencidas y diferentes tipos de revelados recupera todo el potencial del error fotográfico para darle su máxima expresividad.

Películas altamente granuladas, y juegos con el contraste y la saturación hacen que las fotos de Scarpulla parezcan no sólo de otros tiempos, también de otros universos paralelos donde las notas efímeras se asientan ya sea en bellas jóvenes etéreas o paisajes fríos y otoñales.

En ocasiones, sus lentes sucios o mojados, permiten entender su tono melancólico, un tanto frío, pero siempre muy sutil. Las fotos de Alison nos hablan de existencias, pero también de inexistencias, de espacios vacíos, en la memoria, el alma o el corazón.

“Creo la fotografía análoga te da oportunidades que lo digital no nos ofrece, es un mundo en el que experimentar es algo primordial.”

- Allison Scarpulla

Scarpulla trata el origen del arte – el culto. Una y otra vez , uno encuentra leyendas inquietantes y rituales como temática en sus fotografías. Su conexión con la naturaleza y la gente es muy clara.

El efecto misteriosos a menudo es causa del grano y de tomas borrosas.

Para aumentar este efecto juega con las luces y las sombras.

Otra característica es que sus protagonistas normalmente se ven iluminados tenuamente. La identidad del sujeto no es importante, pero sí la acción y su relacción con el entorno.

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La descomposiciĂłn psicodĂŠlica de Neil Krug

Con un estílo píctorico muy distinto al de sus contemporaneos, Neil Krug ha logrado conseguir seguidores que han estado impactados con el nivel surrealista que manejan sus imágenes las cuales invitan al espectador a imaginar más allá de lo que observan.

Al ojear las imágenes de Neil Krug (1983) descubrimos que la fotografía comercial también puede ser una experiencia sensorial casi psicotrópica, y eso nos agrada.

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Fotógrafo y director con sede en Los Ángeles, Neil fundó, junto a su exesposa Joni Harbeck, Pulp Art Book, su propia editorial con publicaciones limitadas de fotografía y cine, a la que pertenecen numerosas portadas de discos realizadas para bandas de la talla de Ladytron, Ratatat, Justice, Scissor Sisters o The Horrors, entre otros.

Imágenes tomadas con Polaroids, Holgas o Nikons que juegan con la magia y la casualidad de lo analógico.

Momentos psicodélicos y cuerpos sinuosos, captados en paisajes sobrenaturales y rocosos como los de la icónica montaña catalana.

El fotógrafo Neil Krug es de Kansas y en 2008 pasó por Montserrat para dirigir el vídeoclip de la canción Tomorrow de Ladytron. Desde que la banda de Liverpool lo descubrió, otros como Justice, Scissor Sisters, Tame Impala, Foals, Fuel Fandango o Bat for Lashes han confiado en él para crear el arte que acompañaria a su música.

Krug se dio a conocer en 2011 con la publicación de su primer libro Pulp Art Book, donde predominan retratos de su exesposa, Joni Harbeck.

Maneja fotográfias consolidada antes de que aparecieran esos efectivos filtros digitales. Una imagen setentera, muy de serie B, según dice el propio Krug, llevada a la más absoluta contemporaneidad, y que consigue, de forma natural, el tipo de fotografías que a todos nos gustaría tener en nuestro perfil de Instagram.

En este primer libro no hay mucha variedad temática, ya que el artista parecía obsesionado por retratar vastos desietos que recuerdan la superficie de Marte o escenas del apocalíptico filme Mad Max. Un buen ejemplo es la serie “Coyote”, incluida en este libro, que muestra a Harbeck posando desnuda sobre una roca porosa.

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Más tarde, su punto de vista se tornó caleidoscópico.

Fue cuando Krug comenzó a experimentar con más colores y patrones, haciendo de su obra un deleite hipnótico y psicodélico.

Uno de los factores que más impactó su obra y lo sacó del anonimato, fue su primera colaboración con la cantante americana Lana del Rey para el álbum Ultra Violence.

Comenzando en el estado medio-oeste rural de Kansas, Krug ascendió rápidamente el mundo de la fotografía después de la extensión de la palabra de su trabajo misterioso e iluminador.

Utilizando a su ex esposa y modelo Joni Harbeck como una musa en su primer libro ampliamente elogiado, Pulp, a partir de 2011, Krug pronto encontró artistas apareciendo uno tras otro, exigiendo su talento.

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Ren hang y cรณmo la depresiรณn afecta al artista

Uno de los jóvenes fotógrafos más talentosos de China, Ren Hang, ha fallecido. Según Taschen, que publicó la obra del artista de Beijing, el joven de 29 años se suicidó el jueves.

El editor del libro también publicó: “Taschen está devastado por la muerte del fotógrafo chino Ren Hang (1987-2017), un maestro autodidacta de imágenes surrealistas, sorprendentes y bellas, censuradas en su patria, festejadas en todo el mundo, Y en la vanguardia pionera de un mundo inclusivo de género “.

Eli Klein, de la Klein Sun Gallery, también rindió homenaje diciendo: “Hoy lloramos la pérdida de Ren Hang, un joven y talentoso fotógrafo que falleció mucho antes de su tiempo. Klein Sun gallery tuvo el honor de acoger su exposición individual el año pasado y envía nuestras más sinceras condolencias a todos sus seres queridos.

“El controvertido joven artista, que había sido detenido varias veces en su tierra natal y tenía su trabajo a menudo sexualmente provocativo censurado, parecía luchar con la depresión.

En un maldito mensaje de Weibo, el 27 de enero, escribió: “Cada año mi deseo es siempre el mismo: morir más temprano”. Rápidamente lo siguió con otro post diciendo: “Espero que este año [yo] pueda lograrlo”.

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En su breve carrera, el Sr. Ren perfeccionó un estilo visual claramente audaz que también era subversivo, aunque sólo fuera por el entorno social en el que trabajaba constanmente.

En sus fotos, una persona se sienta en la hierba sosteniendo lo que parece ser una cabeza desencarnada; Un hombre aplica el lápiz labial rojo a su pene; dos mujeres desnudas abrazando un árbol.

“Es muy difícil disparar desnudos en China”, dijo Ren en una entrevistacon la revista de moda francesa Purple en 2014.

Continuó agregando que “La gente está más limitada por las actitudes tradicionales y conservadoras hacia el cuerpo.

Piensan que es una degradación, incluso una desmoralización, mostrar lo que piensan que debería ser privado.

Generalmente aborrecen la desnudez aquí. Escondemos el cuerpo en nuestra cultura “.

“No quiero que otros tengan la impresión de que los chinos son robots sin penes ni vaginas (...)

O tienen genitales sexuales pero siempre los guardan como algunos tesoros secretos. Quiero decir que nuestros genitales no son embarazosos en absoluto.”

-Ren Hang Chausme

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La juventud a trรกves del lente de Petra Collins Chausme

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Con una imagen fresca, relajada y empática, Petra intenta destacar todas esas características juveniles que nos forjaron para ahora tener un estilo, una forma de pensar y una identidad marcada.

Todos pasamos por esa época complicada, difícil y compleja en laque ocurren una seria de inexplicables cambios de los cuales no nos queremos ni acordar o fotos que queremos deshechar para siempre.

Existen artistas que se han inspirado en la pubertad, en esas décadas, años, personajes y figuras para poder realizar creaciones artísticas basadas en la exploración juvenil.

Actualmente las editoriales de moda apuestan por la oportunidad de conocer a nuevos rostros, fotógrafos y modelos y esto además de actualizar el panorama de nuevas expresiones artísticas, nos vincula con innovadoras propuestas, con trabajos de una asombrosa calidad y con una forma diferente de ver al mundo.

Es así como con 22 años aparece en el campo de la moda Petra Collins. Fotógrafa de origen canadiense, en la prepa iba a una escuela de arte en Toronto y fue ahí donde comenzó su interés por la fotografía.

Conoció a Richard Kern, colaborador de revistas como GQ, Playboy y Vice, mientras lo asistía en una producción. En ese momento se dio cuenta de su vocación y pasión por la fotografíade moda pero imponiendo su estilo particular en cada cuadro. Richard Kern se volvió su mentor y la ayudó con su carrera.

La dulzura mezclada con la realidad son sus principales características, modelos reales, situaciones cotidianas. Una joven con sus amigas en pijamada, una más en ropa interior acostada en su cama.

La exploración del paso de niña a mujer, el no saber exactamente lo que quieres pero visto en un filtro de remembranza son algunos de los cuadros en los que podremos apreciar el trabajo artístico de Petra.

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Chema Madoz y la juxtaposición

Creando imagenes que contrastan con lo real, mezclando lo onírico con metáforas aúdacez y sencillas.

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“La verdad raramente es verosímil, debemos reinterpretar lo que se es puesto frente a nuestros ojos, cambiar lo que conocemos, ¿o acaso te divierte lo cotidiano y lo que solamente esta ahí?”

-Chema Madoz Chema Madoz es Premio Nacional de Diseño y, según la opinión de muchos, un poeta cuyo lenguaje son las imágenes.

Dicen sus críticos –y él lo suscribe– que la poesía es el andamio de su producción. Carlos Grassa Toro habla en este artículo de la metáfora y el sentido común en la obra de Madoz y nos explica cómo crea valiéndose de imágenes conocidas por todos, lo que constituye la base de la tradición oral.

Del mango de madera de un martillo nacen espinas de un rosal.

Sobre la roja camisa masculina un hueso humano ocupa el lugar de la corbata. El filamento del bombillo no es otra cosa sino un termómetro de mercurio. Si lo prefieren, un pincel tiene púas de tenedor.

Ya ven, son todas ellas imágenes de Chema Madoz.

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Digo pues que digo, o que se dicen, o que son dichas.

Aceptaremos, sin correr demasiados riesgos, que si pueden ser dichas una vez que son lo que son, es porque pudieron decirse antes de ser, en el momento de la construcción, de la imaginación, lo que nos permitirá formular un primer axioma.

Pueden construirse imágenes a partir de palabras.

Una pinza de tender la ropa es una pareja de enamorados. Una cafetera italiana es un elefante. Una cinta métrica es el sinuoso cuerpo de una serpiente.

Se trata ni más ni menos de la entrada en escena de la ya antigua metáfora:A es B. Ahora bien, esta sustitución en la identidad no va a darse entre las cosas en sí (queda un largo trecho de humanidad para conseguir que una cafetera italiana sea un elefante); sino entre las imágenes de las cosas. Dónde cualquier imagen de una cosa puede ser la imagen de otra cosa.

Así fue, así es como Chema Madoz construye personajes, que van ganando volumen conforme pasan los años; crea espacios, y en los espacios sus correspondientes escenografías; y, al fin, sopla sobre los personajes para que actúen, para que jueguen.

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La palabra “falla” ya está cargada con una estética rayas de arco iris altamente saturadas y ruido blanco cortar una imagen, flujos de vídeo pixelada en la que las palabras de los sujetos no coinciden con el audio, brillantes y tics en los videojuegos.

A pesar de que los fallos se encuentran con frecuencia con impaciencia o molestia, un número creciente de artistas son errores estéticos de fuentes digitales o analógicas, ya sea por manipulación intencional o por malfunciones y corrupciones como las que ya estamos familiarizados.

Hay todo tipo de formas de crear o explotar una falla para propósitos artísticos; No sólo cualquier arte basado en computadoras puede ser llamado arte glitch (ver, por ejemplo, este hermoso arte generado por código que no se basa en problemas).

Algunos procesos son mucho más intencionales y laboriosos que otros, haciendo que la manipulación del glitch se convierta en algo de un arte.

Glitch art comienza las conversaciones que las formas de arte tradicionales no pueden acceder realmente, sólo por la naturaleza de cómo se crea. ¿Cuánto controlamos nuestra tecnología, y cuánto nos controla? ¿Puede la tecnología trascender la imperfección inherente a sus creadores humanos? ¿Qué significa si podemos recuperar los “errores” en nuestros ordenadores, teléfonos y cámaras y reutilizarlos como herramientas?

La esencia del arte glitch es bastante simple: los seres humanos se someten a la tecnología y ejercen control sobre ella en mayor o menor medida para producir una obra de arte que es un producto tanto de la intención del creador como de los caprichos del dispositivo.

Mediante la experimentación con los procesos de fallas, los artistas de Detroit y otros podrían potencialmente reutilizar algunas de las estrechas narrativas existentes de sus ciudades y ganar una voz nacional e internacional positiva prominente a través del movimiento de arte glitch a medida que avanza.

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