Mondo Sonoro junio 2020

Nº 284 Junio 2020 www.mondosonoro.com

BUNBURY, NOSTALGIA.EN.LOS.AUTOBUSES, PERFUME GENIUS, EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN, HNOS MUNOZ, PANTOCRATOR, LAURA MARLING VETUSTA MORLA, C. TANGANA, RECYCLED J., THE PRETTY RECKLESS, PROTOMARTYR, MELENAS, THUNDERCAT, NIÑOS MUTANTES

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Bunbury Lo posible “Repetir fórmulas es, probablemente, cavar tu propia tumba”

El acomodo no va con Bunbury.

Y eso hace que la indiferencia del público tampoco. Es difícil permanecer impasible ante sus discos, porque el zaragozano siempre se la juega. Es imprevisible, y eso lo hace único. Ahora publica Posible (Warner, 20)

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NRIQUE BUNBURY SIEMPRE HA ACTUADO como si el riesgo fuera algo tan ligado a él como sus propias canciones. Y eso es algo de lo que no está exento su nuevo disco, Posible, aunque el aragonés lo ve desde otro prisma. “Últimamente pienso justo lo contrario. Lo arriesgado, pienso, es no moverte de la baldosa. Creo que evolucionar y buscar nuevos contextos para expresarte, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

te enriquece como autor y hace más interesante el viaje a aquellos que les gusta o aprecian tu visión. Por supuesto, en todo hay excepciones y seguro que se nos ocurren nombres a los que les ha pasado justo lo contrario.

Artistas que por moverse demasiado han despistado al público. Y otros que repitiéndose eternamente cada vez les va mejor”. A él, desde luego, mal no le va. Su público parece haber entendido a la perfección las reglas del juego, consistentes en construir una carrera con discos que encajan entre ellos, como un rompecabezas de incierto final. “Sí, claro. Pequeño (99), Flamingos (02) y El viaje a ninguna parte (04) serían mis discos con la mirada puesta en el Mediterráneo y la raíz de la música latinoamericana. El tiempo de las cerezas (06), Hellville de Luxe (08) y Las consecuencias (10) serían los discos más cercanos a la Americana y la frontera de Estados Unidos. Y Palosanto (13), Expectativas (17) y Posible

FOTO: JOSE GIRL

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serían discos más contemporáneos y alejados de la raíz y la tradición. Me dejo fuera Licenciado Cantinas (11) que fue un disco de versiones latinoamericanas, bastante sui generis y El libro de la mutaciones (15) que fue un unplugged muy poco acústico y que enlaza con mis últimos discos.

Me parece que, desde que comienzas una nueva aventura hasta que das por terminada una etapa, se necesita un tiempo razonable”.

MUCHOS SE HAN APRESURADO A LIGAR este último trabajo, por su fondo electrónico a aquel Radical sonora (1997), mucho más valorado ahora que en su momento. “No fue un disco que fuera muy bien recibido, pero con el tiempo ha ganado adeptos y he leído bastantes artículos reivindicándolo, tanto en España como en América. Yo veo (a Radical… y a Posible) muy lejanos uno de otro. Tienen sus conexiones, pero también diferencias muy claras. Además, aunque entiendo que

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FOTO: JOSE GIRL

MONDO FREAKO

LA MÍA Si hay que luchar, se lucha

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desde algunos ámbitos se pueda considerar Posible como un disco que gira hacia la electrónica, yo no puedo estar más en desacuerdo.

Si le preguntas a cualquiera que esté metido dentro de ese mundo, rechazará la consideración. Posible es un disco de canciones, que tiene sintetizadores y utiliza el ordenador y el estudio de grabación como herramienta de producción, pero ni utiliza las estructuras ni las harmonías, ni los ritmos de la música electrónica”. Y hasta la producción nos vamos ¿es esa la principal novedad de estas canciones?

Porque quizá con una producción más clásica hubieran encajado bien en otro disco. “Totalmente de acuerdo. Podría haber arreglado las canciones para que funcionaran en un disco de mi etapa más americana o en la más latina”.

Entonces, quizá ese trabajo con sintetizadores y más electrónico es la única manera de evolucionar el rock. Raro ¿no? “Las opciones que te ofrecen los avances tecnológicos están ahí a tu disposición. Puedes usarlos o no. Se puede ser un gran artista utilizando instrumentos del siglo pasado o del medievo, sin problema.

Pero, The Beatles utilizaron la tecnología que tenían a su disposición y la aprovecharon.

Hendrix se volvió loco cuando descubrió el panning estéreo en Electric Ladyland o cuando se compró un wah-wah. Y cuando aparece el melotron o el Moog o el theremin... Tantos ar-

EN CONCIERTO l Barcelona 4 septiembre, Poble Espanyol l Zaragoza 11 septiembre, Recinto Expo l Málaga 18 septiembre, Auditorio Municipal Cortijo de Torres l Valencia 25 septiembre, Plaza de Toros l Madrid 2 octubre, WiZink Center

EL APUNTE

Político y social, pero menos BUNBURY HA CARACTERIZADO sus últimos discos por mensajes directos hacia los que nos gobiernan y hacia todo lo que pasaba, y no le gustaba, a nuestro alrededor. En este Posible sigue subyaciendo esa forma de hacer las cosas –“hay quien prefiere continuar dormido”, le oímos cantar–, pero estos mensajes aparecen más con cuentagotas. ¿Se ha cansado el artista de utilizar esa ironía para postularse sobre temas muy complicados? Él mismo nos aclara que no, que solo es cuestión de hacia dónde le han llevado, esta vez, las canciones.

“Es cierto que en mis dos anteriores discos de estudio (Palosanto y Expectativas) quise reflejar un momento social que me parecía interesante. Un prisma con muchas caras que merecía atención. Este disco no tiene esa mirada hacia lo que ocurre aquí o allá. Pero es inevitable que alguna frase se te cuele”.

—E.I.

tistas se volcaron a ver qué podían hacer con ellos. Las opciones ahora son casi infinitas.

Yo estoy muy a favor de los Plug-ins y sé cómo manejar un sistema analógico y combinarlo con el digital. No hay reglas. Todo vale y todo es posible. Así es el siglo XXI. Existen tantas opciones coexistiendo a día de hoy que generalizar se ha vuelto ridículo”.

—EDUARDO IZQUIERDO

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asi sin que nos diésemos cuenta se nos ha complicado la vida lo indecible. Sí, a nosotros, la gente que mes a mes hace esta publicación que estás leyendo, pero también a mucha, muchísima otra gente que trabaja en miles de propuestas de lo más diverso.

El golpe ha sido duro e inesperado. Nadie lo vio venir, nadie ha podido esquivarlo demasiado en el mundo de la música. Ni de la cultura, ni de muchos otros campos que han quedado muy tocados y que solamente tienen una salida: trabajar duro y confiar en la faena bien hecha. En eso estamos. Es lo que estamos haciendo nosotros, y lo que están haciendo profesionales de diversos sectores. Por eso, aunque lloré la desaparición de Rockdelux, todo un referente en el mundo de las publicaciones musicales de este país y una de las revistas con las que crecí, no voy a regodearme en la complicada situación actual. Y no lo haré por varios motivos. En primer lugar porque soy mucho más optimista de lo que mis gustos musicales reflejan. En segundo porque confío en que estamos todos juntos en esto de achicar el agua que se nos ha ido colando en las embarcaciones que dirigimos. En tercero, porque estoy convencido de que hacemos las cosas bien. Y que las seguiremos haciendo. Y cuando cometamos errores, aprenderemos de ellos como hemos aprendido hasta el momento. ¿A qué me refiero cuando hablo de hacer las cosas bien? Pues a que Mondo Sonoro va sumando lectores, siempre hacia arriba.

Las visitas a nuestra web se incrementan mes a mes, también la incidencia en redes sociales gracias a nuestra gran actividad, la repercusión de nuestros contenidos, etcétera. También han aumentado de forma exponencial las impresiones de nuestra publicación en difusión digital y el número de lecturas. En evidente que los ingresos que nos genera el papel son importantes, importantísimos, pero Mondo Sonoro lleva años pensando tanto en digital como en físico (iniciamos la singladura de nuestra web en 1998, que se dice pronto). Así que sabemos que vamos por buen camino. A eso le podemos sumar que el rango de edad de nuestros lectores y lectoras continúa ampliándose, y no solamente por arriba, sino también por abajo (más de un cuarenta por ciento de nuestros lectores se sitúa en la franja entre 18 y 34 años, mientras que la cifra de menores de 18 va incrementándose paso a paso, siguiendo la máxima aquella de sin prisa pero sin pausa). Hay muchas formas de hacer bien las cosas. Y nadie ha tenido nunca la exclusiva en eso. Lo dicho: No somos los únicos afectados y si hay que luchar, se lucha. Como todo hija e hijo de vecino, como con total seguridad un gran porcentaje de las personas que estén leyendo ahora mismo este breve texto.

—JOAN S. LUNA

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#4 junio 2020

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nostalgia.en.los. autobuses La irrealidad de un encierro

MONDO FREAKO

"Siempre había fantaseado con hacer algo en solitario"

¿Estamos ante el primer trabajo discográfico en España que es directamente fruto del confinamiento, para bien o para mal? nostalgia. en.los.autobuses es el nuevo alias creativo que ha elegido David Ruiz (La Maravillosa Orquesta del Alcohol, es decir, La M.O.D.A.) para presentar su primer proyecto en solitario.

Se trata de 2.0.2.0., un EP de cinco canciones, producido por Raül Refree, que ni siquiera él mismo tenía previsto.

trarnos al cien por cien”, comenta David Ruiz. “Eso nos pilló de pleno currando.

Tuvimos que pararlo todo de golpe y fue un palo, como para todo el mundo.

Y un bajón. Yo nunca había pensado hacer nada en solitario, aunque siempre había fantaseado con ello. Pero a las dos semanas, supongo que por una cuestión de que es lo que me sale y lo que me pide el cuerpo, y por desahogarme, hice un tema que me moló. Me empecé a motivar un poco y luego hice otro, y se

lo mandé a Raül instintivamente. A él le gustó”. Y ahí surgió el proyecto nostalgia.en.los.autobuses. La premisa era que todo se hiciera bajo la libertad más absoluta. Sin ningún prejuicio ni idea preconcebida. El plan era que no debía haber plan. Pero sí hubo un nombre que cambió el chip. “Raül me mandó Animals, un tema de Oneohtrix Point Never, y flipé, nunca había escuchado nada parecido”. El encierro doméstico hizo el resto. “Nos dimos cuenta de que podía ser interesante ceñirlo al momento que estamos viviendo, algo nacido del confinamiento y de las herramientas y las posibilidades que nos permite, y al final hemos sacado algo positivo de la putada que es esta pandemia”. Raül Refree afirma, por su parte, que “lo que no tenía ningún sentido era pensar en estas canciones como algo más hi fi, dada la situación, y eso para mí marcaba el camino, y era importante que se notara”. Sobre el influjo de Oneohtrix Point Never, pensó que era importante por ser “alguien que trabaja desde la soledad de uno mismo, como la mayoría de músicos de la electrónica, con el sampleo y el ordenador, pero al mismo tiempo en su caso con canciones muy bonitas que no tienen miedo a añadir efectos en la voz, o de pitchearlos, y no por eso dejan de ser canciones muy emocionantes”.

EL RESULTADO tenía que preservar, por fuerza, el sentimiento de los días de confinamiento desde una perspectiva poco complaciente, lejos de casi toda la

música que se ha proyectado estos días a través de los medios, basada en refritos y versiones. “Las canciones de David tal y como él las concibió ya me gustaban, pero no quería que se quedaran en el punto folk de una guitarra y una voz, y me parecía que esta valentía de trabajar con timbres agresivos y al mismo tiempo asfixiantes era una manera de recomponer la realidad en que nos encontrábamos”, argumenta Raül.

EL TRABAJO, lógicamente llevado a cabo a distancia, sin intermediación de ningún estudio común, ha supuesto una válvula de escape para ambos, una forma de dar con un material creativo que difícilmente hubiera brotado en una situación de relativa normalidad.

Pese a ello, David intentó que “no fuese una cosa conceptual de la pandemia ni hacer referencias directas, porque no me salen y no me molan, y pese a que el confinamiento ha marcado la línea ideológica del EP, eso creo que no se refleja en el contenido”. Al mismo tiempo, para Raül fue una forma de dar carpetazo a “un reset que a mí me ha funcionado, por encontrarle la parte positiva, porque durante los primeros días de confinamiento sentía que necesitaba parar y desconectarme, y estar varios días sin hacer música, sin pensar en ella y sin siquiera escucharla”.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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RAÜL REFREE FOTO: CÉSAR SEGARRA

DAVID RUIZ FOTO: RODRIGO MENA Y JULIA JAUME

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L CONFINAMIENTO lo cambió todo. Obligados a encerrarse cada uno – como todos nosotros– en su domicilio. Y de esa extraña sensación de aislamiento físico, a veces angustioso y a veces claustrofóbico, siempre necesitado de localizar algún atisbo de esperanza en el futuro, nacieron estas cinco canciones, masterizadas por Alex Psaroudakis desde su estudio en Nueva York y con diseño a cargo del iraní Maziyar Pahlevan. Cada uno de sus cinco cortes ha visto la luz en plataformas digitales de forma individual, durante cada lunes del mes mayo. Nos lo cuentan en esta entrevista a dos bandas.

“LLEVÁBAMOS TIEMPO currando en el disco de La M.O.D.A., casi desde otoño de 2018, pero de forma muy tranquila, y este año, después de hacer el WiZink en noviembre, que es cuando terminamos la gira, nos habíamos tomado un respiro de los escenarios para poder cen-

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Laura Marling Carta nunca enviada

Song For Our Daughter (Chrysalis/[PIAS], 20) es el séptimo álbum de la británica Laura Marling. Una colección de canciones sencillas con las que ha vuelto a su versión más concisa. Un trabajo confesamente exento de cualquier atisbo de modernidad, remotamente inspirado en el libro Carta a mi hija (08), de Maya Angelou.

Acaban de publicar el EP Palmar de Troya (Linier Discos, 20), un trabajo en el que podemos encontrar el espíritu de bandas como Fugazi, Milemarker o Hot Snakes. Pero al margen de esos nombres, lo que se esconde en Palmar de Troya es una solidez arrolladora.

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EER LA HOJA de servicio de los miembros de la banda granadina Palmar de Troya es un gustazo para los amantes del underground nacional. Desde el core de 8th Of September hasta posicionamientos más ambientales, pero igual de rebeldes de bandas como Red Passenger o Alondra Galopa. “Nos pusimos en funcionamiento en abril de 2019. Llevábamos mucho tiempo queriendo hacer algo juntos, pero las distancias y las responsabilidades nos impedían hacerlo de una forma que tuviera continuidad”.

Ahora, con su epé homónimo de debut promueven dosis de desencanto con paradas en el post-hardcore y post-punk de los noventa. “Bueno, es la escena en la que nos hemos movido siempre y no por comodidad, sino porque es donde nos identificamos más y encontramos más gente que entiende la música cómo la entendemos nosotros.

Más que un tema de estilo, es de actitud con respecto a determinadas maneras de funcionar cómo banda. Si nos da el punto de hacer un disco con una zambomba y un fagot, lo vamos a hacer, no tenemos ningún tipo de prejuicios ni hay una necesidad de sonar a nada en concreto”. Y es que sobran etiquetas al escuchar una propuesta que abarca tanto tendencias nihilistas como hedonistas e incluso revolucionarias. Tres posturas que, en estos días complicados, pasan por la cabeza de cualquiera a todas horas. “El futuro estaba robado ya de antes de la pandemia. Ahora estamos en un punto de inflexión social del que podremos salir reinventando muchos espacios o todo lo contrario, con más control y menos opciones de las que ya teníamos. Imagino que va a depender de la respuesta de la gente a las propuestas o decisiones que tomen los que llevan el control”. —ROJAS ARQUELLADAS

S

ONG FOR OUR DAUGHTER estaba previsto para este verano, pero Laura Marling decidió adelantar varios meses su publicación como una forma de poner su granito de arena en algo que miles de personas necesitaban durante los meses de abril y mayo en sus casas: entretenimiento. Nos lo cuenta por teléfono desde su casa al norte de Londres, en la recta final de un confinamiento que nos describe como algo que comenzó “como un largo Boxing Day” y ha terminado siendo más como “como una película de ciencia ficción”, a medida que fueron pasando los días.

LA HECHURA CONFESIONAL siempre ha estado ahí, presente –con más o menos subterfugios – en las viñetas de folk delicado de la británica, pero en esta ocasión Laura Marling se muestra especialmente orgullosa de la naturalidad con la que ha cuajado una fórmula apenas sostenida por voz, guitarra acústica, piano y algunos arreglos de cuerda a cargo de Bob Moose (alguien que ha trabajado con Paul Simon, Bon Iver o Jose González). “Los sonidos empleados responden a la necesidad que sentía de ser yo misma, de no intentar aparentar ser más inteligente de la cuenta”, argumenta, y aunque reconoce que “algunos elementos no son muy espontáneos, porque los coros están muy trabajados y las cuerdas son bas-

tante intrincadas”, lo fundamental es que lo considera “el más natural” de sus álbumes. La coartada literaria ha sido sumergirse, aunque “no en todas las canciones del álbum”, claro, en la escritura a una hija que aún no tiene, y que al final ella misma considera “como una versión más joven de mí misma, más que una apelación a una generación futura”.

DE HECHO, la conversación deriva a la visión que Marling tiene, desde la perspectiva de sus treinta años ya cumplidos, de aquella adolescente insegura que fue.

“Me hubiera gustado tener más seguridad en mí misma, o más confianza a la hora de manejarme con seguridad por la vida hasta ahora”, confiesa en uno de los muchos arranques de sinceridad de la entrevista. ¿Se siente más segura o más madura ahora? Pues no exactamente, nos dice riendo: “Cuando era más joven me sentía una persona muy madura, pero ahora me siento tremendamente inmadura, y supongo que es una de esas grandes ironías. Creo que utilicé esa sensación de madurez como una forma de protegerme cuando era más joven porque no encajaba en ningún lado, era un bicho raro”.

Vaya, que esa aparente madurez no era más que una forma de enmascarar su propia inseguridad.

PESE A TRABAJAR esta vez con Ethan Johns como productor, Marling reconoce que quien más hizo nunca para que su música no se acomodase fue Blake Mills (“me hizo cuestionarme hasta qué punto era perezosa”) y asume la sombra de Paul McCartney en Blow By Blow y For You (“le he descubierto tarde y me da mucha vergüenza no haberlo hecho antes, sobre todo al de Jenny Wren y su Chaos And Creation In The Backyard, de 2005) y la de Leonard Cohen en Alexandra. “Me encanta la forma en la que escribe sobre las mujeres, aunque sea controvertida”, esgrime. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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“Me hubiera gustado tener más seguridad en mí misma” FOTO: ARCHIVO

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Palmar de Troya Rock palmariano

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#6 junio 2020

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FOTO: CRUELAUDIA

ROSTER

Son de lo más que hay ahora mismo en la escena subterránea barcelonesa. Alma pop, posado punk rock garajero y una verborrea que supura un humor caústico como cura para el mal de amor. Acaban de publicar su segundo EP, La masacre de putis (Helsinki, 20) y han fichado por el roster Jägermusic. Un consejo, no te puto pilles de ellos, te harán disfrutar.

Pantocrator Yonkis del amor

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ARCELONA, NADA MEJOR que hacer el primer día de la fase 1 que reunir a los miembros Pantocrator. Bueno a casi todas ellas y ellos, porque para la entrevista se presentan la cantante y bajista Marta Delmont (seguramente su nombre os resultará familiar por su carrera en solitario como cantautora), el guitarrista Robert Busquets y el batería Xiri Romaní. La teclista Marina Correa aún debe estar confinada. "Estamos bastante bien, algunos mejor que otros, pero bastante bien", responde Xiri al preguntarles por las secuelas de estos dos meses encerrados. "Yo, personalmente, lo he pasado muy bien. Han sido dos meses divertidos. Creativamente, hemos hecho bastante menos de lo que podríamos haber hecho. Pero tampoco es que nos sintamos excesivamente culpables por ello". Delmont coincide con él. Dice que todo el mundo está igual y que a la hora de ponerse a escribir nuevos temas, a Pantocrator el enclaustramiento por pandemia les ha ido como a la inmensa mayoría de grupos y artistas. O eso imagina. "Algo nos ha salido. Tenemos algunas ideas. Pero vaya, tampoco ha sido una época de una productividad extrema". No sé por qué, pero me los imagino más fácilmente gastando las horas en el Tinder buscando matchs que componiendo. De la vida normal, Xiri confiesa haber encontrado a faltar los bares. Delmont también, los bares y en su caso también los conciertos. De hecho, ellos mismos tenían una gira bastante completa por el país que han tenido que cancelar. "Por primera vez en la historia del grupo teníamos bastantes bolos cerrados y se han ido todos a la mierda".

LES PREGUNTO POR CÓMO empezó todo y es Marta Delmont la que se convierte en la voz narradora de la historia.

Explica que Pantocrator nació en una época en la que Marina y ella estaban emocionalmente destruidas, hasta que llegó el día en el que se dijeron que tenían que hacer algo con sus vidas.

"Algo que no fuera estar todo el día en la terraza de un bar tomando carajillos".

“Teníamos bastantes n bolos cerrados y se ha ido todos a la mierda” Lo primero que hicieron fue convertirse en Youtubers. La experiencia duró veinticuatro horas. "Obviamente fue un desastre. Bueno, más que un desastre de inmediato nos dimos cuenta de que eso no era lo nuestro. Así que, aunque Marina nunca antes había tocado, dijimos de montar un grupo". Poco después se unieron a la aventura Robert, para el que Pantocrator también era su primer grupo, y Xiri, músico con militancia pretérita en bandas como Mine! y presente compartido en grupos como Alavedra. "Recuerdo perfectamente la primera vez que escuché a Camellos.

Flipé", rememora Delmont. "Me dije que quería hacer algo así. Nunca me había atrevido a hacer canciones en castellano por el rollo de sentirme expuesta". Con Camellos, asegura, se dio cuenta de que podía hacer letras en castellano y encima molar. "Yo ampliaría la lista de influencias a todo grupo

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de pop rock español que tenga gracia escribiendo sus letras", apunta Xiri, "ya sean Los Punsetes o Carolina Durante".

Y sí, Pantocrator suenan a eso, a banda de punk y rock garajero con sensibilidad para las melodías ultratradictivas y letras repletas de imágenes cómicas de un costumbrismo cínico brutal. "Las letras son cosa de Marina y mía y salen de la vida misma. Sí que es cierto que últimamente también les pedimos información sobre sus vidas a Robert y a Xiri, porque los dos están pasando por una etapa bastante emocionante y apasionante. Pantocrator es nuestra válvula de escape a ser yonkis del amor".

DESCUBRIMOS A PANTOCRATOR con Villacapullos (The Yellow Gate, 19), EP que ya nos hizo arquear las cejas de sorpresa gratificante y excitación.

"Marina estaba en esta época de drama intentando llenar su vacío emocional", revela Delmont. "Cada vez que vivía

uno de sus dramitas, cuando me lo explicaba, remataba la historia con un 'otro día más en Villacapullos'. De ahí salió el título del EP y el concepto, una colección de temas inspiradas en los capullos, obviamente". Ahora no solo repiten sino que mejoran la jugada con La masacre de putis, nuevo EP (para el Record Store Day se publicará un vinilo con los dos EP's, uno por cara) que esconde entre sus surcos No te puto pilles, hit instantáneo que cuando estoy redactando esta entrevista ya suma 137.249 reproducciones en Spotify. Y sumando. "¿En serio?", deja ir Xiri en un tono mezcla de sorpresa y orgullo bien llevado.

"Este sería el resumen: ¿en serio? No sé, no lo entendemos".

MARTA DELMONT EXPLICA que siempre que escriben una canción nueva les tiene que molar mucho a los cuatro, si no la abandonan. "Pero vaya, no tenemos demasiado buen ojo para seleccionar los singles. Ninguno de nosotros hubiera elegido No te puto pilles y mira. Es un tema que nos gusta, pero viviendo el proceso de creación desde dentro tenemos otra visión y hay temas que nos molan más". ¿Y de quién se han putopillado últimamente los Pantocrator? "Marina tiene un novio de Internet, solo diremos esto", confiesa entre risas Marta Delmont. Xiri, por su parte, admite que "durante la cuarentena han pasado muchos cosas. Todo hemos vivido de una forma mucho más intensa. Han aflorado muchos secretos. Ha habido muchos cambios". —ORIOL RODRÍGUEZ

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junio 2020 #7

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MONDO FREAKO

Einstürzende Neubauten Berlineses

EN LA MALETA

Einstürzende Neubauten están de vuelta con Alles In Allem (Potomak/Gran Sol, 20), ejercicio de lirismo marca de la casa alterado por los acostumbrados ejercicios de brutalidad industrial y todo un acontecimiento, teniendo en cuenta lo esporádico de su producción en los últimos años. Un risueño Blixa Bargeld responde desde su confinamiento doméstico.

Helena Hauff

Helena Hauff siempre apuesta por la fuerza y por la intensidad. Lo hace en cada una de sus sesiones y lo ha hecho en Kern Vol. 5 (Tresor, 20), la sesión que ha grabado para el mítico templo y sello alemán.

#8 junio 2020

simo dinero "Hemos perdido muchí ello" como consecuencia de

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PESAR DE QUE POCAS bandas han representado mejor el contraste entre romanticismo y cierto carácter marcial asociado al pueblo germano, Blixa Bargeld siempre ha renunciado a identificarse como alemán y berlinés.

C

UÁLES FUERON las razones principales que te llevaron a mezclar discos?

Estaba fascinada por la cultura Dj desde que era muy jovencita. Cerca de jugar a basket, siempre pensé que era lo más cool del mundo. Cuando era teenager empecé a ir muchísimo a los clubes y me enamoré de la música electrónica. Prácticamente toda la gente que conocí durante aquellos años pinchaba solamente en vinilo, así que yo también quise aprender a pinchar discos hasta el punto de que me obsesioné casi de inmediato con los platos y los vinilos.

—¿Qué sesiones te gustaban cuando empezaste a escuchar música electrónica?

Escuchaba constantemente Intergalactic FM y Deep Mix Moscow.

—¿Cómo llevas estar confinada en casa, siendo alguien que vive de pinchar en directo para la gente?

Tengo que decir que es algo realmente extraño. Por unos meses quizás esté bien, pero espero que esto no se alargue mucho. Me gusta girar y estar con la gente, y pinchar frente al público. Esa es mi vida. Ahora lo que hago es dedicar tiempo a trabajar en el estudio y a cocinar un montón. Ahora podemos salir y los parques están abierto, así que voy a empezar a escalar con un amigo. Hay un muro aquí cerca y eso, por lo menos, me ayudará a estar un poco en forma.

Europeísta convencido, el líder de los Neubauten y también quien articula el discurso lírico de la formación –el aspecto musical es cosa de Alexander Hacke, N.U. Unruh, Jochen Arbeit y Rudolf Moser– se descuelga ahora con un disco que refleja su visión de la

—¿Tienes alguna anécdota que re-

cuerdes de tus giras?

Tengo un montón de buenos recuerdos.

Sesiones al atardecer o a la luz de la luna, festivales en castillos medievales, en playas, en barcos, en terrazas, incluso en desiertos. Son buenos recuerdos. Pero también ha habido algún viaje de locos. Una vez cancelaron mis vuelos y tuve que ir en taxi desde Bristol a Lyon. Fueron catorce horas de coche y el taxista me dejó en la puerta de la sala exactamente diez minutos antes de empezar la sesión. Otra vez tardé veintiséis horas en ir de Barcelona a Hamburgo. Se suponía que tenía que ir a Rusia, pero de nuevo cancelaron los vuelos. Había tenido un accidente y no podía llevar zapatos, así que viajé veintiséis horas descalza y tuve que dormir en la calle en Bruselas durante el trayecto.

—¿Cuáles son tus DJ favoritos y por qué motivos?

DJ Stingray, porque es una verdadera leyenda y sigue inspirado. Umwelt, que es una máquina. Pearson Sound, porque adoro sus selecciones y su habilidad para mezclar con destreza distintos géneros. Steffi, porque puede llevarte a través de un gran viaje y tiene una técnica increíble. Pero, una vez más, hay demasiada gente a la que adoro y no sabría por dónde empezar la lista.

ciudad que le vio nacer. O no, porque tal y como nos tiene acostumbrados, en las palabras de Bargeld siempre hay lugar para el requiebro inesperado. “Hay canciones que en apariencia pueden hacer referencia a Berlín, pero que en realidad provienen de otro sitio. Por ejemplo Tempelhof, que no se refiere a esa zona de la ciudad, sino que es la evolución del nombre que inicialmente tenía ese tema, Pantheon, en referencia al Panteón de Agripa en Roma. En realidad la única referencia real a Berlín en el disco es Grazer Damm. Es el nombre de la calle en la que crecí, y la canción se convierte en una suerte de historia autobiográfica vinculada a esa calle. Pero el disco carece de concepto narrativo. Cuando le expliqué esto a Hendrik Otremba, el escritor que firma la nota de prensa, montó toda una teoría enfrentando esa idea a la imagen de Berlín como ciudad que carece de centro”. Y ahora, consecuencia de ello, el decimocuarto álbum de la formación en cuarenta años de actividad, está pasando por esa suerte de singular retrato del Berlín prepandemia...

UNA PANDEMIA, dichosa crisis del Coronavirus, que ha hecho saltar por los aires la Fase IV del singular proyecto de crowdfunding en el que Neubauten llevan inmersos desde 2003.

“El momento culminante de la Fase IV era una serie de actividades que iban a tener lugar en Berlín en abril: un concierto en el Konzerthaus, un viaje en bus por Berlín conmigo ejerciendo

—RAÚL LINARES

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TAN. CERCA RRYa es oficial. El Tomavistas

Ciudad abre fuego para su temporada 2020-2021 con la actuación de Austra el 5 de diciembre en la sala Cool. La artista canadiense presentará HiRUDiN (Domino/Music As Usual, 20) en el ciclo madrileño, aunque también pasará por Barcelona para ofrecer un concierto dentro del Festival Mil·lenni. Será el 4 de diciembre en La [2] de Apolo. Las entradas para ambos conciertos ya están disponibles.

RREl Cruïlla XXS, organizado

de guía, y una escucha del disco en los estudios en los que se ha registrado el disco. Quinientos supporters de diferentes partes del mundo iban a venir a Berlín a formar parte de esos eventos, y todo eso ha tenido que ser cancelado. Hemos perdido muchísimo dinero como consecuencia de ello.

Ayer tuvimos una videoconferencia hablando de cómo y qué tipo de tecnología vamos a utilizar para seguir trabajando juntos. No sé qué es lo que va a salir de todo eso, pero supongo que nos adentramos en una suerte de frontera entre la Fase IV y la V en que íbamos a girar por Europa y América.

Aún estamos decidiendo lo que vamos a hacer”. —LUIS J. MENÉNDEZ

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por los responsables del Cruïlla Festival, llenará la ciudad de Barcelona de actividades diversas. Lo hará desde el 1 hasta el 31 de julio, con protagonistas de lo más diverso y en escenarios también diversos. De momento se han confirmado artistas como Rayden, Iseo, Kaydy Cain, Muchachito, Delafé, Rufus T. Firefly, Ms Nina y un largo etcétera.

Las entradas están disponibles desde el 28 de mayo.

RREl Low Festival de Benidorm

no se celebrará en 2020, pero ya ha confirmado fechas para el próximo año. Será los días 30 de julio a 1 de agosto. El día 25 de junio se anunciarán los primeros nombres confirmados.

RREl festival Animal Sound,

que se iba a celebrar los días 19 y 20 de junio en Murcia, anuncia que se aplaza a después del verano. Ahora anuncia sus nuevas fechas, que serán los días 30 y 31 de octubre.

Protomartyr Mulas de carga Los de Detroit tienen continuación para el celebrado Relatives In Descent. Ultimate Success Today (Domino/Music As Usual, 20) insiste en su visión oscura, pero acentúa la carga de humor negro.

U

N CAMPECHANO Joe Casey (voz y letras), uno de los frontmen más singulares que han salido en mucho tiempo, se atrinchera en un sarcasmo realista y duro –el mismo que imprime a sus magníficas letras–, no exento de humanidad, para capear el temporal que nos ha caído encima. “Como grupo tenemos el feeling de seguir adelante porque todavía nos entusiasma componer cosas nuevas. Greg (Ahee, guitarra y teclados) dijo que deberíamos meter saxos, instrumentos de jazz de fondo. Parecía imposible que funcionara, pero confié en él”. Enlazándolo con los hallazgos de bandas como The Pop Group, Casey profundiza en la manida etiqueta “postpunk”. “No es sonar como una copia de una copia de Joy Division. Muchas bandas de colegas se quedan estancadas en eso. Para mí, post-punk debería significar 'experimentación' por encima de todo. Me alegro de que hayamos podido meter estos elementos, porque en el fondo seguimos siendo chicos del Medio Oeste. ¿Meter un saxo de jazz?

Eso es demasiado pretencioso (risas)”.

El cuarteto ha recuperado el sentido de emergencia brutal de su reeditado disco de debut, lo que ha permitido a Casey reflexionar sobre el paso del tiempo. “Pero espero que no sea un disco de demasiado bajón. Hay optimismo y humor. Está escondido, pero está ahí”. Ese humor desesperado, visible en el hilarante vídeo de Processed By The Boys, aflora desde la salvaje metáfora de la portada, una mula de carga, y el título. “Acababa de leer un libro sobre la historia de las

mulas en el ejército norteamericano. Me pareció un animal fascinante. Se las cría para el trabajo, como bestias de carga.

Me pareció muy adecuado a lo que está pasando y cómo me sentía”.

EL VOCALISTA PROFUNDIZA en ciertos hallazgos melódicos ya explorados en su anterior trabajo. “Ahora que hemos empezado a tocar en lugares que tienen buenos sistemas de sonido, la gente quiere oírme. No puedo limitarme a un farfulleo de borracho”. Similar reto se ponen los músicos, que aportan novedades rítmicas. “El objetivo principal es no acabar encasillado”. Eso sí, Protomartyr no son de esos grupos que un día deciden pasarse a los sintetizadores. “Creo que es muy fácil caer en la trampa, especialmente en el estudio, de decir: 'Vamos a hacer el disco entero con teclados'. Es muy divertido, pero pierdes la esencia. Siempre he oído que no debes cambiar más del veinte por ciento con cada disco, y es lo que nos pasa. Siempre acabamos sonando a nosotros, lo cual es bueno”. La impredecible crisis sanitaria global supone un golpe duro para un grupo que, como casi todos hoy, depende del directo y de vender camisetas. “El año pasado no giramos gran cosa, así que nos tuvimos que apretar el cinturón. Y esperábamos ganar dinero este año. Pero hay que ser realistas respecto al hecho de que, cuando volvamos lentamente a la normalidad, lo último que se van a permitir son las aglomeraciones”. —JC PEÑA

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RRYa sabemos que la edición

Alles In Allem

Potomak/Gran Sol

número veintisiete del festival Sónar Barcelona se celebrará los días 17, 18 y 19 de junio de 2021. Y que incluirá la novena de Sónar+D, pero hoy sabemos otra cosas importante: el primer gran espectáculo que se sumará al evento. Será el espectáculo inmersivo de los británicos The Chemical Brothers en colaboración con el artista visual Adam Smith.

r “Post-punk no es sona a como una copia de un copia de Joy Division”

RREl festival SonRías Baixas

FOTO: DANIEL TOPETE

(Bueu, Pontevedra) se ve obligado a aplazar su celebración al verano del año que viene. Se celebrará los días 5 a 7 de agosto de 2021 y el primer artistas confirmado es el rapero aragonés Kase.O.

—MS

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junio 2020 #9

n gente “Yo solo quiero estar cor los que creen que van a se e van a mejores del mundo y qu cambiar la historia.”

amb desme

C. T

#10 junio 2020

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Esta bición edida

Tangana

Convertido en uno de los nombres más internacionales de nuestra escena, C. Tangana continúa dando golpes de timón y sorprendiendo a quienes pretenden encasillarle. Un buen ejemplo es su recién estrenado EP, Bien :( (Sony Music, 20), motivo por el que volvemos a charlar una vez más con él.

—

TEXTO Luis M.Maínez

A

NTÓN ÁLVAREZ ALFARO (Madrid, 1990) es C. Tangana y con veinticinco años recién cumplidos decidió que era el momento de cambiar la música popular en España y ponerla en consonancia con el resto de Occidente, donde los ritmos derivados del rap y el hip-hop ya eran los dueños de todas las radiofórmulas y los clubes. Las cosas han mutado mucho desde los 2000. La industria musical había perdido poder con la llegada de Internet, así que la tarea era mayúscula.

Desde sus inicios ha ido dando pasos adelante, meditados e inteligentes, hasta llegar a firmar un contrato pionero con Sony Music y convertirse en uno de las estrellas globales de nuestra escena musical, centenares de millones de escuchas de sus temas en plataformas de streaming mediante. Ahora estrena Bien :(, un epé de cuatro temas que son tanto un repaso a su trayectoria reciente como un nuevo intento de lograr el éxito, experimentando con su propuesta. Lo ha conseguido con Nunca estoy, uno de sus mayores éxitos recientes.

ESTE NUEVO TRABAJO tiene un lema, “Música triste en español”, que es más que una coyuntura. “Si lo piensas, hasta los grandes éxitos, menos Booty, que es una canción de fiesta, son todos tristes: Mala Mujer es 'soy un perro llorando por las calles, sin alma'.

Siempre he sentido que eso está en mi música desde el principio. Y siento que 'Música triste en español' es algo que me representa y que me va a representar”.

Tristeza y ambición. Hay hambre en C. Tangana, y una visión de lo que quiere lograr propia de quien está empezando y no de quien lleva más de diez años haciendo música. “Yo solo quiero estar con gente que creen que van a ser los mejores del mundo y que van a cambiar la historia. Es algo que se entiende de una forma un poco más sencilla cuando una madre te dice 'hay dos formas de hacer las cosas, hacerlas bien o hacerlas mal…

Y para hacerlas, pues hazlas bien'. Pues eso es fliparse,

Las influencias

C

. Tangana lleva años reivindicando tanto a los artistas que le han marcado como a la cultura popular española. Tanto es así que esta vez incluso ha completado una playlist de Spotify con todas las influencias que ha tenido. Un ejercicio de sinceridad que para el que no todos los artistas están preparados. “Tiene que ver con que, en este caso concreto, hay cosas muy claras a las que rendimos homenaje.

Está Rosario, está también el funk carioca que es algo muy poco nuestro y que usarlo es un homenaje, hay una canción de James Blake que inspiró mucho en adelante_ruffdemo2016, que en principio íbamos a samplearla.

También hay un par de canciones de Kanye que son muy inspiradoras…. Rosario, por supuesto, o el Corazón partío de Alejandro Sanz, que son homenajes directos, y al ser un trabajo así como experimental… Porque a mí me parece experimental, no conozco a nadie del pop que haya hecho esto. Después de cuatro años haciendo singles y en una tendencia concreta lanzar esto y que salga así…

Me pareció que era una forma de darle más profundidad también al EP, que son cuatro canciones, pero a través de ellas hay mucho que contar… Una de las cosas que se me da bien es escribir. Fundamentalmente se me dan bien dos cosas: escribir y producir, tener la idea de mezclar una cosa con otra, dónde ponerla, cómo ordenarla…. Y creo que si ves la playlist te da más sensación de trabajo. Para mí sube el trabajo hasta el nivel que puedes pensar: '¡Qué cabrón! mezclar esto con esto, poner esto con esto'. También tenía ganas de este tipo de playlist y enseñarle a la peña lo que hay detrás de estas canciones”.

Los colaboradores

A

l margen de trabajar con Alizzz, convertido ya en uno de los grandes productores de nuestro país, resulta interesante encontrarse en este EP con Nineteen85, presente en grandes éxitos de Drake, y al mismo tiempo con Rusowsky, que es un artista español todavía minoritario. Y mientras, sigue habiendo voces de la escena urbana española pidiendo a los artistas que están arriba que den voz a los artistas jóvenes.

“Siempre habrá gente que se queje y que te digan lo que deberías estar haciendo. Yo te puedo asegurar que a mí nadie me echó los cables que yo estoy echando. Cuando yo estaba empezando mi carrera y creciendo nadie me echó un cable como yo intento echar a la peña. Y no lo digo del rollo 'soy supergeneroso y superbuena persona, miradme'. Lo veo como un caso prácticamente egoísta. Si yo quiero que lo que está aquí funcione, tengo que hacer que funcione toda la escena. No puede hacerla funcionar uno solo. Llevo diciendo esto mazo de tiempo, que la salud de la escena te da salud a ti, pero una salud de la que no te tienes que preocupar. Puedes estar seis meses, ocho meses, en tu casa sin hacer nada, y si realmente tenemos una música fuerte en España, una buena música joven, si tenemos algo ahí, eso te va a dar también trabajo a ti.

Va a hacer que te enriquezcas, que tengas más influencias, que haya cierta competitividad y que todo eso se mantenga, que siga yendo la gente a conciertos, que siga habiendo promotores, que siga habiendo marcas interesadas en todo esto y, tú, mientras, puedes estar en tu casa tranquilamente. Cuanto más cuides la escena más te cuidas a ti. En Estados Unidos se hace así y los boricuas lo hacen así”.

creerte que tú puedes hacer las cosas mejor que nadie e ir con esa confianza en ese aspecto creativo”. Pero también hay orgullo indisimulado por sus proyectos previos. “Yo creo que un trabajo como Ídolo, si lo ves con perspectiva, entendiendo lo que eso ha aportado a la cultura urbana en España…. Hay que ver lo que estaba pasando antes de Ídolo y lo que está pasando después. Si tú lo ves, se entiende qué alegato era ese, y tenía muchas ganas de que eso se entendiera”.

LO QUE HA PASADO DESPUÉS en España es que lo urbano ha dejado de estar estigmatizado, y lo que ha pasado después en su carrera es que ha recorrido el continente americano, para nutrirse de influencias y encontrarse con un reconocimiento artístico que, en nuestro país, parece resistírsele. “Si tú le preguntas a alguien de Medellín, de Puerto Rico, de Miami, México… Todo el mundo me reconoce como alguien alternativo, que es uno de mis grandes problemas a la hora de crecer, y en España tienen una idea de que yo soy un producto mainstream cualquiera, y perdóname que te diga, pero no. No hay nadie en el mundo que me considere así”. Con el lanzamiento de Bien:(, “El Madrileño” vuelve a experimentar. Esta vez con sonidos cercanos al bedroom pop, cada vez con más peso en la escena española independiente. Pero, por lo que respecta a los textos, el trabajo incluye una dupla que recoge las dos visiones de una relación de pareja que se desmorona: Nunca estoy y Guille asesino, además de un tema de la etapa de Ídolo. Así, este epé sirve tanto para mirar hacia atrás como hacia adelante, pero todo ello desde una posición de honor innegable en la música actual española. Lo que venga después, porque vendrá cosas nuevas, será una muestra más de la ambición desmedida –como él mismo canta en Un veneno– de un artista que no se conforma nunca. —L.M.M.

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junio 2020 #11

FOTO: ARCHIVO

Mostaza Gálvez La pareja perfecta

“

The Pretty Reckless Viviendo en rock'n'roll

Taylor Momsen y su banda nos han alegrado este confinamiento. Acaban de publicar nuevo single, Death By Rock'n'Roll (Century Media, 20), anticipo del que será su cuarto larga duración.

Guille Mostaza (ex Ellos) y Frank Gálvez (ex Gasca) vuelven a unir fuerzas para publicar Desventura (Subterfuge, 20), un trabajo de electro-pop pegadizo, con el que demuestran que el proyecto está definitivamente engrasado.

A

GUILLE MOSTAZA siempre se le recordará por haber sido parte esencial de Ellos, mientras que a Frank Gálvez le sucede un poco lo mismo con Gasca. Así que era lógico que de la sinergia de ambos surgiesen las peculiaridades de Mostaza Gálvez. “Hay un poco de ambos grupos en este disco. En el anterior traté de que no se notara tanto, pero es evidente que venimos de donde venimos, así que caretas fuera. De Ellos tiene algunos toques en la producción, muchos giros melódicos en la composición y armonías comunes. De Gasca tiene el toque sobrio y ese puntito oscuro, que es la parte que trae Frank. Yo tiendo a ser más luminoso, así que nos complementamos muy bien”. La dupla compositiva presenta ahora Desventura, su segundo disco y un trabajo bastante más asentado y ambicioso de lo que fue su debut. “Cuando empezamos a hacer este disco íbamos por el mismo camino que con el anterior, pero acomodarse es muy de vagos y no hay nada peor que un vago. Empezamos de nuevo con un planteamiento más rico y arriesgado, por eso las canciones están llenas de detalles y es todo mucho más minucioso, además de que los sintetizadores están muchísimo más presentes”.

El resultado ha resultado ser un disco de electro-pop vistoso y pegadizo, de esos difícilmente cuestionables dentro de sus coordenadas. “Es un conjunto de canciones a las que hemos decidido dotar de estos vestidos y trajes. Lo que sí queríamos es que esas ropas fueran elegantes y estuviesen limpias. Los discos son como los embarazos, van creciendo sin que lo veas claro y no sabes qué aspecto tendrá hasta que lo tienes en las manos”.

T

HE PRETTY RECKLESS lo tenían todo a punto. Pero, como a tantos otros, la pandemia del Covid-19 les ha cambiado los planes. Son noticia por la publicación del single Death

By Rock'n'Roll, anticipo del que será su cuarto disco y, al mismo tiempo, su debut con Century Media. De momento, lo han atrasado a la espera de ver cómo se desarrollan los acontecimientos. Taylor Momsen, la mediática (Gossip Girl), pero accesible vocalista, nos cuenta sus sensaciones en estos complejos momentos. “Es todo muy extraño y al mismo tiempo es fascinante ver el cambio de vida que estamos experimentando. Como estoy alejada de la gente, estoy aprovechando para escuchar muchos discos. Nunca tengo ocasión de escuchar tanta música, así que me he volcado en eso… Casi ni veo películas. Y estar en casa sola no es algo tan diferente para mí. Estoy acostumbrada”. Lo peor es que The Pretty Reckless tenían planes de abrir para Foo Fighters este próximo verano. “Es una pena, pero por otro lado me siento afortunada de tener eso en el horizonte. Doy gracias todos los días por poder vivir la vida que estoy viviendo, por mucho que ahora estemos condicionados por este virus y por las circunstancias”.

A pesar de todo, también hay buenas noticias. Entre ellas la publicación de este nuevo single, Death By Rock'n'Roll. “La canción habla sobre el rock, sobre la libertad que todos debemos tener para elegir nuestro propio camino. Podrás escuchar todo tipo de opiniones y consejos, pero para nosotros solamente hay esta opción, el rock'n'roll. Esa es la mentalidad que tengo desde que era una niña. No me he subido ahora al carro porque sea lo que toca”. En la canción

hay ciertas similitudes con I Love Rock'n'Roll de Joan Jett, por ejemplo en su vocación de himno. Aunque en 2014 conoció a Jett, me comenta telefónicamente que “Me halaga que digas eso, te lo aseguro, pero no puedo decir que Joan Jett haya sido una influencia para la banda”. De todos modos, uno de los detalles más importantes es que se trata de un adelanto de un disco sin fecha de publicación, pero que tienen ya acabado. “Es un disco audaz, intrépido y que estará en la onda de este single. Es el disco que nos apetecía hacer ahora mismo”.

Y esa onda exuda rock'n'roll. A eso hay que sumarle que sus portadas suelen ser indicativas de lo que después nos encontraremos en sus discos. Con el single no hay dudas: el cuero, una motocicleta y esa actitud.

“El concepto nos remite, como dices, a una imagen: el rock'n'roll clásico, con sus guiños. Hemos tomado una postura muy definida y creo que el mensaje de esta canción ya lo dice todo. Pero... ¡Te estoy dando muchas pistas! (risas)”.

CAMBIANDO DE TERCIO, le pregunto por Soundgarden. The Pretty Reckless fueron teloneros de la banda la noche antes de la muerte de Chris Cornell. “Soundgarden es una de mis bandas favoritas de siempre. La verdad es que estábamos disfrutando mucho en esa gira. Además era una gran oportunidad para nosotros.

Cuando me enteré de la noticia me fui a casa. Deje de hacer cosas, de escribir... Me sentí muy triste y deprimida. Fue muy duro”. Para terminar, charlamos sobre su participación en el festival virtual Fearless At Home, en el que han participado artistas como Underoath, Ice Nine Kills, August Burns Red, Oceans Ate Alaska y muchos otros. “Fue un honor que contasen conmigo. Fue algo raro porque no lo había hecho antes, ya sabes, todo eso de colocar la cámara en el lugar correcto, chequear el sonido... suerte que la gente es comprensiva y todo el mundo entiende que ahora no puede ser todo tan perfecto. Esa fue mi pequeña contribución en este momento tan extraño”. —TONI CASTARNADO

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“Es fascinante ver el cambio de vida que ndo” estamos experimenta FOTO: ARCHIVO

—RAÚL JULIÁN

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#12 junio 2020

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Si Recycled J fuese un superhéroe, sin duda sería de los que pueden convertirse en cualquier persona u objeto.

El madrileño regresa con Superpoderes (Universal, 20), un EP con el que confirma su gran habilidad para adaptarse a diferentes estilos musicales y salir siempre victorioso.

C

ADA VEZ, CADA DISCO, resulta más difícil catalogar a Recycled J. Igual te rapea sobre un beat al más puro boom bap que se introduce en ritmos de reggaetón o trap o, como este nuevo EP, se atreve con nuevas metodologías.

“Tras sacar City Pop, y la dirección que quise tomar desde Bambino, mi intención era reinventar a mi manera el sonido pop español de los ochenta y los noventa. De hecho este EP se empezó a gestar a principios de 2019, mientras salía City Pop. En aquel entonces yo tenía un estudio con Selecta en Carabanchel. Estábamos trabajando en paralelo en nuestros proyectos en solitario, composiciones para otros artistas y surgió la idea de hacer un EP conjunto. Ambos nos sentimos cómodos experimentando y probando nuevas fórmulas y sonidos”. Pero la ambición de Recycled siempre le hace dar un paso más. Y para cada una de las cuatro canciones de este EP ha elegido un sonido y una personalidad diferente, demostrando su extraordinaria versatilidad. Así, analizando canción a canción, “Culpable tiene un sonido que me recuerda al de una banda de funk. Es la canción que más rapeo tiene y narra la situación en la que en una relación de pareja uno de los dos miembros se siente juzgado por el otro constantemente. Éste primero asume que es culpable de lo que se le acusa. Pero no solo de lo malo, sino también de lo bueno, como es amar a la otra persona”, cuenta el propio Recycled. Mientras que Superpoderes “es el main track, que da nombre al trabajo y del que parte todo. Yo quería hacer una canción electro-pop con toques de Daft Punk y Selecta estaba en su salsa. A la hora de escribirla me fijé en la fórmula que utilizaba Mecano, a los cuales respeto y admiro.

Bajo mi punto de vista es una canción

“Me fijé en la fórmula que utilizaba Mecano, a los cuales respeto y admiro”

retrofuturista con toques psicodélicos y mucha fuerza”. Por su parte Un extraño es “una extraña canción de reggaetón. Le escribí con Cruz Cafuné para que fuese un featuring pero finalmente me la quedé para este proyecto.

Queríamos juntar dos mundos, el de la electrónica y el de reggaetón, haciendo una canción con un mensaje y un sonido triste y ambiental, pero que te incitase a bailar y sonase actual. De ahí que hayamos mezclado ese sonido más bailable con elementos como el vocoder y los sintetizadores puros de la electrónica. La canción habla del momento en el que ha terminado una relación y ves a la otra persona como un extraño, prácticamente un desconocido, y olvidas tanto lo malo como lo bueno. Quisimos hacer un estribillo sin elementos prácticamente, con llu-

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via y sonidos ambientales para reflejar ese vacío”. Y para finalizar, en Boomerang, canción que cierra el lanzamiento, el beat “surgió como una composición para un tercero en un principio.

Cuando la fuimos desarrollando me di cuenta de que podía lucirme en algo que nunca había hecho. Es una canción que quizás tiene más toques de balada pop-rock. La manera y la forma en que está escrita me recuerda a como se hacía hace años. La canción habla de una relación del pasado, que tras haber terminado, vuelve con más fuerza, como un boomerang”.

CUATRO CANCIONES con sonidos distintos. Aunque, si nos fijamos en las palabras de Jorge, mantienen algo en común: una clara inclinación hacia la melancolía. “Porque he estado

observando que, por regla general, las canciones que están funcionado tienen un toque triste en el que la sociedad actual se está viendo reflejada”, asegura.

Pero él no tiene miedo a arriesgarse. En realidad nunca lo tuvo. Desde que pasó de ser Cool a Recycled J su misión en la música es romper moldes y esquemas.

“Sé que es un buen trabajo, pero también sé que es una de las propuestas más arriesgadas, musicalmente hablando, que he hecho en mi carrera. Quien sepa apreciar el proyecto sé que lo valorará en la forma en que lo se merece; y el que no, lo tendrá que escuchar unas cuantas veces y dejar de lloriquear”.

—ALFONSO GIL ROYO

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FOTO: ARCHIVO

Recycled J Elijo la metamorfosis

MONDO FREAKO

EL APUNTE

Tras la estela de City Pop “CITY POP SIN DUDA fue un currazo. Es un disco del que estoy muy orgulloso tanto a nivel musical como estético.

Conseguimos aunar el sonido urbano y la mezcolanza de estilos que queríamos mostrar al público”. No es para menos, ya que con la salida de este álbum, tras el EP con Hijos de La Ruina, cambió la carrera de Recycled J, aupándole a lo más alto de la música urbana nacional. Y ya que hablamos de Natos y Waor, ¿podremos ver pronto algo nuevo juntos? “Tenemos algo entre manos, pero no es un trabajo como

tal. Preguntadle a ellos”, responde con intriga Jorge. Por el momento disfrutaremos de Superpoderes, publicado además en plena época de la crisis del Coronavirus. “Una situación que me ha hecho darme cuenta de lo volátil y cambiante que es todo. Hay que adaptarse a los nuevos tiempos que corren. Hemos vuelto a una época en la que prima la música y no tanto a la imagen. En lo creativo, me está afectando a la hora de escribir y componer, ya que necesito nuevos estímulos, vivir cosas para poder contarlas”.—A.G.R.

junio 2020 #13

WALA. WALA.

“Jacoby Shaddix de Papa Roach me dijo que mi historia le había inspirado.

En 2005 yo fui de los primeros, pero ahora hay muchos músicos que hablan de Dios. Estoy encantado porque no quiero ser el llanero solitario (risas)” Brian 'Head' Welch de Korn, en Rockzone

Friday Forever (XL/Popstock!, 20), segundo trabajo del alias artístico de Richard Russell, es una deslumbrante enciclopedia musical con la que el fundador de XL Recordings explora el espíritu de la fiesta del viernes… Y la inevitable resaca.

R

“Hace poco George y yo estuvimos con él en el estudio. El simple hecho de estar allí y preguntarle cosas ya fue genial. Hablamos sobre la posibilidad de que co-produzca nuestro siguiente disco. Brian Eno es un jodido genio” Matt Healy de The 1975, en Pitchfork

“En música, hay el mito de que ser auténtico y genuino tiene que suponer ser confesional, y creemos que lo que Sparks hacemos en cien por cien auténtico y genuino, con letras que son casi pequeñas novelas” Russell Mael de Sparks, en NME

“LO DE IZAL ERA UNA ASIGNATURA PENDIENTE EN NUESTRA OFICINA: COGER A UN GRUPO DE CERO Y LLEVARLO A LO MÁS ALTO EN UN TIEMPO RÉCORD. NUNCA LO HABÍAMOS SENTIDO Y HAN SIDO UNOS AÑOS MAGNÍFICOS. HE DISFRUTADO MUCHÍSIMO CON ELLOS” Manuel Notario de Hook, en Muzikalia

Everything Is Recorded El día después

ESULTA SURREALISTA HABLAR de raves en plena deprimente crisis global del COVID-19, pero la vida sigue.

Un didáctico y muy centrado Russell nos adelanta también cosas de su inminente libro Great Liberation Through Hearing, “un libro sobre las posibilidades de la música y la libertad que te puede dar”. Pero naturalmente, es su disco el principal objeto de la conversación. “La idea estaba ya en tres canciones en las que estaba trabajando. Empezaron a tratar de un modo natural de la noche y la mañana después. Francis Ford Coppola dijo que si quieres contar una historia, necesitas saber cuál va a ser el final”. Un disco de dos mitades casi opuestas, del júbilo a la melancolía, que reflejan “la dualidad de la experiencia. Cuando empecé a hacer raves, de joven, siempre hice singles, nunca un álbum entero. Y este disco trata realmente de salir de fiesta, sobre esa experiencia. En aquel momento nunca habría hecho un disco sobre el día después, pero según pasa el tiempo, eres más consciente de que siempre que hay una subida, viene después una bajada. Y está bien que sea así”.

RUSSELL, QUE DESTACA, por encima de todo, la gran influencia del hip-hop de la vieja escuela (es decir, de los ochenta) en todo lo que hace, define su trabajo como “un disco multicultural. Inglaterra es multicultural y Londres

lo es particularmente. Es un aspecto muy importante”. Un álbum en el que la espontaneidad y la energía de cada colaborador (Maria Somerville, FLOHIO, Berwyn, Infinite Cole…) está por encima de virguerías de producción.

“En todas las formas de entretenimiento se tiende a pulir demasiado las cosas, para hacerlas comerciales. Eso no es lo que me atrae.

Lo que me interesa es la honestidad y la verdad. Una autenticidad que no sea perfecta. La perfección es inalcanzable, así que si intentas presentar algo de manera “perfecta”, no será auténtico”. Una filosofía que aplica a rajatabla en su faceta como productor. “Habrá gente a la que no le guste lo que haces y está bien, porque no tienes control sobre lo que vayan a pensar.

Ni un solo artista tiene control sobre eso. Sólo puedes controlar el proceso y estar abierto mientras dure”.

EN SU OPINIÓN, su singular proyecto “es como hacer películas y que yo las dirija. Trabajo con un montón de intérpretes, pero hay un guion, lo escribimos juntos y yo lanzo conceptos, sonidos y visiones. Es una manera de involucrarme con diferentes artistas”.

EL BRITÁNICO, que espera encontrar una fórmula para llevar al directo este nuevo trabajo, como ya hizo con el anterior, cree que “la evolución de la tecnología para grabar es emocionante, porque todas las viejas técnicas están disponibles”. Y asegura no dedicarle tiempo a pensar en la evolución de la industria. “El streaming es pura inmediatez, pero al mismo tiempo desconcierta al consumidor. Todos los formatos tienen su lado positivo y negativo”.

—JC PEÑA

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la “Lo que me interesa es , honestidad y la verdad no la perfección”

FOTO: ANNA POLLACK

“Me encanta Damon Albarn y he colaborado con él en varios proyectos. Soy un gran fan de Gorillaz sobre todo por Jamie Hewlett. Es mi dibujante de cómics favorito” Peter Hook, en Consequence Of Sound

#14 junio 2020

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Far Water & Solutions Immortal Records, 1997 FUERON ALGO ASÍ COMO el eslabón perdido entre la era post-Nirvana y los años del nu metal, con un pie en el emo y el otro en el post-hardcore. Tal vez por ello gustaban a todo el mundo y al mismo tiempo nunca acabaron de encajar en ninguna parte. Eso y que, a diferencia de bandas con un talento mucho menor pero capaces de encapsular sus escasa genialidad en una sola canción, eso que los guiris llaman one hit wonders, a Far les faltó el temazo.

Estuvieron a punto. Lo rozaron con Bury White, Really Here, Water & Solutions y, muy especialmente, con Mother Mary, pero se quedaron a las puertas de componer esos tres minutos y medio que te permiten alcanzar la gloria. Posteridad que, como suele pasar, sí que alcanzarían posteriores copiones.

FAR SE FORMARON en Sacramento a inicios de la década de los noventa. La banda la conformaban el cantante y guitarrista y principal impulsor creativo Jonah Matranga, el guitarrista Shaun Lopez, el bajista John Gutenberger y el batería Chris Robyn.

Tras dos primeros largos, Listening Game (Rusty Nail Records, 92) y Quick (Our Own Rercords, 94), ficharon por Immortal Records, subsello de Sony.

Su primera referencia para la multinacional fue el muy prometedor Tin Cans With Strings (96).

YA EN 1997, contrataron los servicios de Dave Sardy para su nuevo trabajo. Sardy era un joven y prometedor productor cuyos mayores logros eran haberse hecho cargo de la arquitectura sonora de Undisputed Attitude (96) de Slayer y Aftertaste (97) de Helmet. Él fue el responsable de encontrar el equilibrio perfecto entre la pulsión melódica de Jonah Matranga y los riffs afilados de Shaun Lopez. Water & Solutions es justamente eso, la mixtura perfecta entre Mineral y los ya mentados Helmet, entre sus adorados Weezer y Deftones, banda a la que les unía una relación casi de hermanos.

Un disco pluscuamperfecto que lo tenía todo para triunfar en aquellos años de benevolencia con el rock alternativo pero que acabó convirtiéndose en una semidesconocida referencia de culto. Un objeto de adoración de discípulos aventajados como Thursday, Thrice o Biffy Clyro.

FAR SE SEPARARON en 1999 para volverse a reunir diez años más tarde, retorno certificado con el álbum At Night We Live (Vagrant Records, 10). Desde entonces no se ha vuelto a saber nada de ellos.

Entre medio Jonah Matranga comandó más aventuras de culto como Onelinedrawning, New End Original o Gratitude y Shaun Lopez emprendería una interesante trayectoria como productor, trabajando, entre otros, con sus colegas de Deftones, para los que modeló el sonido de su quinto disco Saturday Night Wrist (06). —ORIOL RODRÍGUEZ

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Niños Mutantes Ventanas en tiempo de balcones

Acaban de publicar proverbial disco.

Ventanas (Ernie, 20) es una ruptura con el clásico sonido mutante en el que el guitarreo y los riffs dejan paso al sintetizador y la música de tintes latinos.

Un regalo pluscuamperfecto, impecable y que deberían presentar en vivo tan pronto como la situación lo permita.

S

I ALGO NOS DEJA CLARO Ventanas es que una ruptura total con el clásico sonido mutante. Una obra que suena tan ajena a Niños Mutantes, pero al mismo tiempo tan personal, que no deja de sorprendernos día a día. Salió en los prolegómenos del Coronavirus, pero su rugido mayestático aún colea. Mientras la gente aplaudía en los balcones, ellos nos hablaban de Ventanas.

Justo cuando estábamos dando palmas, ellos aclamaban ese lugar de la casa mucho más minúsculo y coqueto que el balcón, pero capaz de dejar entrar la luz y el aire necesarios. Dice Juan Alberto Martínez, líder de la banda, que en tiempos materialistas la mejor declaración de amor es decirle a alguien que le das todo lo que tienes. Suena rotundo, como cada uno de los temas del disco y, aunque es evidente que existe ese giro en su sonido habitual del que hablábamos unas líneas más arriba, si lo escuchas descubrirás recovecos mutantes en cada rima. “Nos interesa mucho más el crecimiento y el trabajo en equipo que todo lo demás”. Y se refiere al giro hacia la electrónica en ciertos pasajes, descubriéndonos algunos detalles. “Hay distintas tendencias y sensibilidades musicales que nos interesan. Por ejemplo el tema por la electrónica no es algo nuevo para nosotros, siempre nos hemos visto muy influenciados por el synth-pop de los ochenta. Mis primeros discos fueron el primero de The Communards y Actually de Pet Shop Boys. Mi padre me regaló una minica-

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dena y venían estos dos como regalo”. Tanto es así que nos podemos encontrar con la genial Una noche, con un sonido muy New Order. “Bueno, nuestra referencia máxima son Metronomy. Su disco The English Riviera de 2011 nos marcó profundamente. Puedo decir que se ha convertido en una de mis obras preferidas y, sin lugar a dudas, en cada una de las canciones de Ventanas hay guiños y toques de esa obra”. Lo curioso es que combinan su efervescencia con influencias latinas.

“Sí, hay muchas. Aunque me gustan mucho Chabuca Granda, Atahualpa Yupanqui y Violeta Parra, tal vez de ellos haya ciertas estructuras en las letras y luego están las bases y los sonidos más latinos en el trasfondo del álbum”.

EN VENTANAS TAMBIÉN HAY INVITADOS. Noni López y Javier Doria de Lori Meyers han metido mano a Las Estrellas. “Noni tiene una colección de sintetizadores que lo flipas. Sin exagerarte, unos treinta o cuarenta o cosa así. Me invitó a su casa el año pasado y cuando vi lo que tenía allí dije: 'Bueno, bueno, este es el tío que necesitamos para las canciones que queremos'. Y ahí fue cuando surgió todo esto”. También deambula por el disco Christina Rosenvinge, que se implicó al máximo en la producción de varios temas. “Pues mira ha sido una experiencia artística y personal de lo más bonito de todo el disco. Entramos en contacto con ella de forma casual. Vino a presentar su libro, Debut, a Granada y estuvimos con ella. Nos reímos mucho. Nos pareció que, siendo fan de ella y teniéndola como un mito musical patrio, era muy accesible y una persona genial. Entonces nos fuimos a comer y ciertamente tuvimos una conversación superdivertida. Y al hilo de la misma le pedimos recomendación sobre productores pues estábamos pertrechando este álbum. Entonces nos dijo que a ella no le importaría hacerlo. Se lo pedimos y le encantó.

Luego tuvimos un encuentro previo en Madrid. Y todo ha sido de puta madre. Una experiencia inolvidable”.

—OZANTOÑO TORRES

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“Nos interesa mucho más el crecimiento y el trabajo en equipo que todo lo demás”

FOTO: ARCHIVO

EL DISCO. RECUPERADO.

junio 2020 #15

MONDO FREAKO

C

UESTA CREER que hayan pasado siete años desde Santalegria, el último disco de La Troba Kung-Fú. Y en parte es así porque Joan Garriga no ha estado lo que se dice quieto en todo este tiempo. Sin parar de tocar, ya fuera en un espectáculo circense o en sus largas incursiones en el mundo de teatro, su espíritu ácrata y libre le sigue guiando para hacer lo que le pide el cuerpo en cada momento. Sin ir más lejos, hace unos meses se sacó de la manga un Ep de cuatro temas (Nocturns de vetlla i revetlla) que, como siempre, dejó una profunda huella en los pocos que se acercaron hasta él. Una edición que el propio Garriga tilda, con esa sorna que le es tan propia, de “clandestina” y que le ha llevado a recuperar esos mismos cuatro temas para darles una pequeña vuelta, y presentarlos de nuevo en sociedad, acompañados por ocho dianas más y hasta completar este El ball i el plany (“El baile y el llanto”) que, ahora sí, debería ser presentado a bombo y platillo. Doce composiciones que muestran a Garriga en plena forma en su uso de la rumba, el ballenato, la cumbia, el corrido e incluso el blues (Aixó és tot), género que no puede faltar si hablamos de “plany” (llanto). Y es que el disco cobra sentido desde el propio título, en el que mezcla dos conceptos que no son tan antagónicos como a priori puede parecer. “Tendemos a esconder el dolor y eso para mí es algo muy negativo y la música no deja de ser gimnasia para nuestra mente, al igual que el baile es una gimnasia para nuestro cuerpo”.

EL DEL MONTSENY me contesta vía Skype desde su casa en pleno confinamiento. Es una hora de conversación en la que me explica detalles del disco, de cómo se fraguó, de los compinches que integran El Mariatxi Galàcti, que no son otros que un viejo compañero de batallas como Marià Roch (bajo), el fogonero de la caldera rítmica, Rambo (batería), y el estratosférico guitarrista Madjid Fahem (Manu Chao, La Ventu-

CRITICANDO Joan Garriga i El Mariatxi Galàctic El ball i el plany Fina Estampa MESTIZAJE 9/10

¡EY! LEVANTA LA MANO, apaga la pantallita de los huevos y ven a bailar porque el buen tiempo ya está aquí y hay que ahogar las putas penas. Así de rotundo empieza el disco de Joan Garriga. Con toda una declaración de principios desde el corazón del Montseny. Allí donde la filosofía del mundo rural más genuino, el que sabe vivir feliz con cuatro perras, se junta con esa exaltación diaria que nos recuerda que estamos vivos, que la vida es un ciclo y que hay que sacarle todo el puto juego porque no sabemos dónde va ese alma cuando todo se deshace. Así de simple, así de complicado. Porque el 'padrino' del mestizaje catalán, el único e inimitable Joan Garriga, lo tiene claro. El baile y el llanto van de la mano. Porque solo en la verbena, en la exaltación del solsticio, encuentra el ser humano esa conexión kármica con el universo. Olvida tus clases de yoga, meditación y terapias varias. Una cerveza bien cariñosa, buena compañía y a bailar. No hay más secreto.

Lo demás son paparruchas. —D.D.

Joan Garriga A las penas, puñalás

ra). Aunque también le pregunto por su importancia dentro del mestizaje catalán. Movimiento del que podríamos considerar que, al igual que James Brown lo es del soul, Joan Garriga es su padrino. “Pues la verdad es que no me siento padrino de nada ni de nadie. Y tampoco estoy seguro de que todos esos grupos que me nombras se parezcan demasiado a lo que hacemos nosotros. Es posible que, por eso, les vaya a todos tan bien (risas). Sí es verdad que tengo un público que me sigue desde hace muchos años y me siento muy querido. Y también es verdad que tengo canciones que se han escuchado bastante, y sí que ves que hay gente que te respeta. Pero creo que las nuevas generaciones no saben demasiado quién soy ni qué he hecho”. ¡Alto! Ahí tengo que discrepar. Todos esos jóvenes que bailan y disfrutan en verano de grupos como Txarango, Els Catarres o Doctor Prats, deberían saber qué ha hecho Joan Garriga y conocer su legado. El impulso que él le ha dado a la música de verbena es,

a todas luces, incuestionable. Sobre todo por haberle aplicado ese sello distintivo propio, de autor. Algo que vuelve a demostrar con creces en este El ball i el plany, que ahora presenta en condiciones claramente adversas.

“El disco sale ahora porque se acaba de fabricar. Había la opción de esperar al otoño, cuando ya se puedan hacer conciertos para presentarlo, pero he decidido sacarlo ahora porque no lo podía tener más tiempo en un cajón.

Me quería quitar un peso de encima explicándolo, porque la verdad es que quiero hacer ya otras canciones y estoy metido en otras cosas”. Que no pare la “loco-motora”. —DON DISTURBIOS

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“La verdad es que no me siento padrino de nada ni de nadie”

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Joan Garriga pensaba que La Troba Kung-Fú ya había dado todo de sí y decidió montar un proyecto nuevo como Joan Garriga i El Mariatxi Galàctic.

Un cambio de nombre que no debería suponer un problema, porque el músico catalán se ha ganado a pulso el respeto para poder hacer lo que le venga en gana. Y si lo acompaña con un disco tan maravillosamente certero como El ball i el plany (Fina Estampa, 20) mucho mejor.

junio 2020 #17

Hamilton Leithauser Vidas cruzadas

LOS DISCOS DE MI VIDA

Hamilton Leithauser se dio a conocer como cantante de The Walkmen, pero el músico afincado en Nueva York ha publicado dos discos en solitario a tener muy en cuenta. En The Loves Of Your Life (Glassnote/Popstock!, 20), se destapa además como perfeccionista artesano de gemas pop con aliento soul.

T

Lauren Mayberry (Chvrches)

Al supervisor musical de la popular serie de Netflix Élite le molan Chvrches, tanto que coló su tema Forever en un par de capítulos. En época de Coronavirus, los escoceses han grabado una nueva versión, rebautizada Forever (Separated But Together), para sus nuevos fans.

The Mamas & The Papas

Spice Girls

The Cure

Mis padres tenían muy buen gusto musical y muchos de sus discos han acabado teniendo bastante influencia en mí, como éste. Esa combinación de luminosidad y melancolía es lo que he intentado conseguir desde el principio con Chvrches.

Creo que el primer disco que me compré fue Spice, el debut de las Spice Girls. Y con este alguno de Boyzone.

Eran mis dos artistas favoritos en mis años de instituto. Recuerdo que me pasaba el día haciendo listas con mis temas favoritos de las Spice Girls. Era algo absurdo pero que hacía constantemente. Cada día (ríe).

Cuando hablamos de discos que nos parecen sublimes, siempre acaban apareciendo Violator de Depeche Mode y Disintegration. Para mí The Cure son el máximo ejemplo de cómo triunfar sin renunciar a ser tú mismo.

PJ Harvey Stories From The City, Stories From The Sea (2000)

Luna

Idles Brutalism (2017)

Todos los discos de PJ Harvey son imprescindibles. He elegido este, básicamente, porque es mi favorito de ella. Hubo quien lo criticó afirmando que es un disco demasiado pop. A mí no me lo parece. Y qué coño, PJ Harvey puede hacer lo que le dé la gana.

Hay una banda americana que se llama Luna que... No sé si podríamos decir que me he obsesionado con ellos, pero... Son ya casi unos clásicos del indie rock, aunque no les tenía muy controlados. El año pasado publicaron este disco, que me parece sublime. Se ha convertido en un disco muy especial para mí.

Estoy escuchando mucho a Idles durante el confinamiento.

Lo suyo es bastante diferente a lo que hacemos nosotros, pero me flipan sus dos discos. Estando de gira no puedo centrarme a descubrir nuevos grupos y nueva música. Ahora sí. —MS

#18 junio 2020

Spice (1996)

Postscripts (2019)

Disintegration (1989)

Ese protagonismo vocal puede que tenga que ver con los artistas clásicos de soul que Hamilton escuchaba en su momento. “No sé si llega a notarse, pero estaba oyendo mucho a Marvin Gaye, Otis Redding, Aretha Franklin, discos de Stax… No sé si eso llega a salir. Quizá sí, quizá no. Lo que me encanta de esta gente es su personalidad”. Calidez, sí, pero también regusto amargo. “Nadie quiere saber de los éxitos constantes de algún crío malcriado de no sé dónde. No estoy muy interesado en meterme en terrenos demasiado oscuros, quizá en el próximo disco me apetezca, pero al final estás hablando de gente con problemas, penurias y dificultades en sus vidas. Eso es lo que hace interesantes a las personas, y de lo que quiero cantar”.

EL ARTISTA PREFIERE la flexibilidad que le da su estudio doméstico, aunque “a veces puedes llegar a tener demasiado control sobre las cosas, y que todo acabe siendo demasiado rígido. Te tienes que controlar sin perder cierta espontaneidad. Me llevó años llegar a ese punto”. Leithauser también se toma con filosofía la compleja situación sanitaria, que probablemente le obligue a retrasar la gira europea. “Es uno de esos discos que tiene muchas historias a descubrir.

Espero que tenga la longevidad suficiente para mantener el interés de la gente hasta que volvamos al directo en un par de meses”. —JC PEÑA

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Joy As An Act Of Resistance (2018)

r sin “ Te tienes que controlaeidad” perder cierta espontan FOTO: ARCHIVO

If You Can Believe Your Eyes And Ears (1966)

HE LOVES OF YOUR LIFE explora una polifonía de personas reales. Un encantador disco de pop de autor, compuesto, tocado y grabado en su estudio, con el apoyo de su familia. No ha le ha resultado fácil llegar hasta aquí al vocalista de The Walkmen. “Tenía un montón de temas que me gustaban mucho, pero cuando llegó el momento de ponerles voz me di cuenta de que tenía problemas para cantar. Probé distintas voces y letras, pero no sabía qué cantar. Fue un momento raro. Así que lo dejé durante un tiempo, aunque seguí trabajando en la música”. Dos encuentros fortuitos con extraños y un amigo le despejarían el camino: un tipo que parecía dedicarse a coger el ferry cada día para pasar el día fuera de casa; una mujer polaca con el pelo teñido de rosa que le contó su dramática vida en un banco junto al mar; y, finalmente, un viejo conocido al que no veía desde hacía una década. “Tuve esta sensación extraña de recordar los viejos tiempos… y se me ocurrió que sería muy divertido –y peligroso– hacer una canción sobre alguien a quien conocí. Luego pensé que daría bastante grima, pero al final decidí que podría hacerlo. Ahí es donde todo encajó, y dije: quiero escribir sobre personas, pero no sólo extraños”.

COMO SU DISCO PRUEBA, Leithauser volvió a disfrutar vocalmente. “Una vez supe lo que estaba haciendo, fui realmente capaz de ser constructivo e ir progresando, probar cosas distintas.

Y sí, acabó convirtiéndose en un disco en el que las voces son fundamentales”.

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Hnos. Munoz Los New Romantics

“Intentamos aportar nuestra visión al mainstream”

No es sencillo encontrar espacio en un país con tendencia a la polarización.

También en la música, envuelta en una absurda guerra civil entre defensores y detractores de la etiqueta urban, poco menos que un “conmigo o contra mí”. En ese contexto el debut largo de Hnos Munoz, Nuevo romance (Club Ruido, 20), tiende puentes, no cava trincheras.

F

UE UN FLECHAZO. Desde el día en que trasteando por Bandcamp me crucé con su primera colección de canciones allá por abril de 2017, he seguido con fervor cada nuevo paso de Hnos Munoz: sus sucesivos singles y EP's, la inicialmente tímida y cada vez más consolidada propuesta en directo, sus coqueteos con sellos, managers y festivales... No en vano dos de esos lanzamientos fueron señalados por la Edición Madrid de esta publicación como el primer y segundo mejor lanzamiento autoeditado del año en 2017 y 2018. A partir del reconocimiento de mi pasión por el proyecto de estos dos malagueños asentados en Madrid que ni son hermanos ni se apellidan Munoz, me resulta sorprendente que, aún practicando una exquisita combinación de ambient pop, ritmos latinos y dejes sureños que nada a favor de corriente, su prestigio y también su número de seguidores no sea mucho mayor. Supongo que ese detalle puede interpretarse como la demostración de su singularidad... “La estrategia está en decidir cuánto apuestas por lo seguro y cuánto a arriesgar con algo nuevo.

Nosotros intentamos aportar nuestra visión al mainstream (entre otras cosas) y creemos que se percibe de manera evidente en nuestras producciones.

Por supuesto, la personalidad de una banda no determina automáticamente su éxito. Tenemos la suerte de tener apoyo de un grupo de gente bastante heterogéneo, pero esa misma tierra de nadie en la que nos movemos puede causar recelo. Los prejuicios y las etiquetas cierran muchas oportunidades

tanto a artistas como a oyentes”. O tal vez todo tiene sentido y el proyecto de Álex y Nacho estaba predestinado a no terminar de despegar del todo hasta la publicación de este primer largo, Nuevo romance, que es, tal y como ellos mismos sentencian, puro Hnos Munoz... pero mejor. “Algo que superas con el tiempo es la impaciencia por sacar a la luz tus trabajos. Al final la diferencia entre un single, un EP o un álbum es el énfasis que dedicas a la idea que quieres mostrar. Nosotros teníamos ganas de hacer algo de forma pausada poniendo en práctica lo que habíamos aprendido con estos primeros proyectos. Es una forma bastante robusta de conocernos. Los diez temas de Nuevo romance son nuestros mejores diez temas y tiene la extensión que nos permite desarrollar de la manera más profunda, cómoda y accesible la idea que queremos mostrar”.

ES LLAMATIVA TAMBIÉN la evolución que ha tenido la imagen de Hnos Munoz a lo largo de estos tres años: desde el anonimato inicial y una fuerte identidad gráfica en portadas y clips, hasta esta “nueva normalidad” en la que la pareja abandona la penumbra para ponerse frente al objetivo. “Desde el principio pusimos en común nuestra

EL APUNTE

Nuevo régimen UN REPASO A LA RELACIÓN de Hnos Munoz con las discográficas y su apuesta (o la falta de ella) por los formatos físicos, habla tanto del proyecto como de la manera en que una nueva generación de músicos se relaciona con la industria musical.

Arrancaron poniendo sus canciones en Bandcamp y autoeditándose en un formato tan singular como la cassette. Aún hoy, y a falta de lo que ocurra con Nuevo romance, esa es la única grabación en formato físico del dúo. En vez de apostar por ese formato, el vinilo o el CD para celebrar su primer álbum, Hnos Munoz han fabricado y distribuido un número limitado de colgantes con el título del mismo en un ejemplo palpable de cómo el merchandising ha venido a ocupar

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el espacio antes destinado al disco material. Igualmente su vinculación con discográficas consolidadas ha sido fugaz: tras un corto periodo de tiempo de la mano Altafonte, han terminado bajo el ala de Club Ruido, un management más que un sello al uso que comparten con artistas también noveles como Laskaar, PBSR o Fru Katinka. —L.J.M.

fascinación por proyectos que funcionaban con un pie en la sombra. De Dean Blunt a MF Doom, Burial, Captain Murphy... Toda esa gente que nos flipaba, pero cuyas caras no veías en los videoclips. Siempre nos ha gustado la idea de transmitir con la música por sí sola, pero una vez armas las piezas puede parecer una locura dar la espalda a lo estético, más aún hoy día. En nuestro caso se ha convertido en un complemento”. Las circunstancias actuales impiden concretar fechas de presentación, pero el contexto lejos de frenarles les invita a pensar en otras vías de consolidar su relación con el público que les va a conocer con Nuevo romance.

“Habrá que plantearse nuevas formas que no estén necesariamente ligadas a la interacción con una pantalla. Resulta interesante imaginar encuentros entre artista y público en espacios no convencionales”. —LUIS J. MENÉNDEZ

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junio 2020 #19

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“Hemos tratado de volver a nuestro ADN, a los sonidos que hicieron que quisiéramos montar una banda”

M

ATT HEALY PODRÍA ACABAR siendo el Bono de la generación millennial, pero de momento es lo suficientemente inteligente como para esquivar esa tentación. Es un firme defensor del feminismo, de los derechos de la comunidad LGTBI y de la defensa del medio ambiente (de hecho, el primer corte de su nuevo álbum, otra vez homónimo, ahorma un monólogo de Greta Thunberg), pero también lo es de una visión del pop que no entiende de celdillas genéricas ni puede debe ser sometida aquellos viejos paradigmas que hacían de un álbum una obra conceptual perfectamente secuenciada. De hecho, puede que no haya otra banda de su hornada capaz de tender tantos puentes entre públicos de distintas generaciones. No al menos a su nivel de popularidad. Healy es consciente de que Internet y las redes sociales rompieron las reglas del juego en el que todos nos movemos desde hace más de una década.

Y aunque en Notes On A Conditional Form, su cuarto álbum, amplíe aún más el foco y se valga de la influencia de la tradición de la música urbana de baile del Reino Unido (la sombra de The Streets o Burial) o incluso del hardcore norteamericano, quiere dejar muy claro –y hace muy bien– que él no es un portavoz generacional. Tan solo un músico que se plantea preguntas muy necesarias, muchas de ellas sin respuesta. El de Manchester, líder del cuarteto que completan el batería George Daniel, el guitarrista Adam Hann y el bajista Ross McDonald, nos lo cuenta desde su retiro a las afueras de Oxford, muy cerca del estudio en el que han registrado sus dos últimos elepés.

ESTE ÁLBUM TIENE VEINTIDÓS CANCIONES. Junto con las quince del anterior, A Brief Inquiry Into Online Relationships (Dirty Hit/

#20 junio 2020

m Universal, 18), suman treinta y siete canciones en menos de dos años. “La forma de concebirlas es muy fluida, puede llegar de algo que escuchas decir a alguien, de la música que escucha otra gente o de una conversación, y una vez empiezas a trabajar en la canción, no es que trabajemos sobre ella desde las nueve hasta las cinco, pero sí de las doce a las doce”, afirma sobre un periodo especialmente fértil, con canciones compuestas en varias tacadas a lo largo de un año entero de gira, el 2019. Varias de ellas fueron avanzadas unas semanas antes. Entre ellas, esa People que es lo más hardcore que han hecho nunca. “Crecí escuchando hardcore, punk y emo, eso está en nuestro ADN y es el tipo de música que solíamos hacer antes de ser The 1975, cuando éramos una banda mucho más dura”, confiesa acerca de una canción compuesta “en el bus, de gira por Alabama, cuando se había aprobado allí una ley que penalizaba el aborto, algo que nos cabreó bastante, y nos pilló en un momento en el que estábamos un poco bebidos, así que nos salió algo bastante agresivo”, concluye.

ESTE DISCO EXHIBE UN CONTRASTE más acentuado entre las canciones más agresivas y las más calmadas, aunque el británico no piensa que sea algo intencionado, si acaso algo más enfocado. “Creo que transmite emociones muy concisas, pero no por el hecho de intentar sonar más íntimo o más explosivo, sino porque más conciso emocionalmente, en cada una de las canciones”, explica. Y en esa concisión puede haber jugado un papel determinante la vuelta a esas músicas que a todos nos marcaron cuando éramos adolescentes, cuando las letras se nos grababan a fuego para siempre en la sesera, y que The 1975 reconocen que son lo que más les ha influido. “Hemos tratado de volver a nuestro ADN, a los sonidos que hicieron que quisiéramos montar una banda, por eso el cincuenta por ciento está mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EN PORTADA

Utopía millennial The 1975

The 1975 es uno de esos grupos que ha ido subiendo paso a paso internacionalmente. Ahora, tras varios retrasos, publican el que seguramente sea su mejor disco hasta la fecha, Notes On A Conditional Form (Dirty Heat/Universal, 20), cuarta obra que amplía su abanico musical a través de nada menos que veintidós canciones.

—

concebido en torno a la música de baile y a la cultura nocturna del Reino Unido, y el otro cincuenta estaría dedicado a evocar la música del medio oeste norteamericano con la que también crecimos, sobre todo el emocore”, dice. Es el primer manojo de influjos el que más ha pesado, desde luego, porque “cosas como el primer disco de Burial o el Original Pirate Material (02) de The Streets, que escuchábamos en emisoras de madrugada cuando éramos adolescentes”, les han marcado hasta el punto de “querer cerrar ese círculo”.

NOTES ON A CONDITIONAL FORM se presenta, así, como un álbum sobre crecer en el Reino Unido de los últimos tiempos, pero (dado que fue compuesto, en gran medida, de gira por todo el mundo) también se empapa de una vocación global. “Para mí sí que suena al Reino Unido, pero también va sobre el mundo, porque las letras son muy específicas, pero en un sentido que puede ser universal”, esgrime, afinando su argumento con la idea de que “es como un álbum hecho en Heathrow, o en algún lugar entre el aeropuerto de Heathrow y el JFK de Nueva York”.

HAY QUIEN DICE QUE LOS DISCOS de The 1975 funcionan como las playlists modernas, y esa es la razón de que, a su vez, suenen contemporáneos, algo en lo que Healy coincide, aunque no crea sea “un proceso consciente”, según el cual traten de mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EL APUNTE

Motivos para un álbum largamente diferido NOTES ON A CONDITIONAL FORM llega tras acumular dos retrasos: iba a publicarse en mayo de 2019, luego se anunció para el verano, más tarde quedó postergado a enero de 2020, y finalmente apareció (y demos gracias a que el Coronavirus no lo retrasó por cuarta vez) en mayo de este año. ¿Por qué? “Básicamente, yo nunca dije que fuera a salir en una fecha concreta”, argumenta un Matt Healy que nos explica que “lo que ocurrió es que, en el momento de dar entrevistas, comencé a hablar de que podría salir en seis meses, luego en un año, y después de cuatro o cinco entrevistas la gente empezó a sacar sus conclusiones”. Lo hicieron estando de gira, una justificación más. “Lo último que haría es precipitarme, porque eso podría dar lugar a un disco de mierda”. —C.P.Z.

TEXTO Carlos Pérez de Ziriza

“funcionar estilísticamente como un servicio de streaming”. Digamos que tiene mucho que ver con un sesgo generacional más que otra cosa. “Crecí en un mundo en el que Internet ya había empezado a romper todas las reglas, y honestamente, tengo un problema con la idea de autenticidad.

Ahora mismo si estás en una banda, y te preocupa ceñirte a la idea de ser una banda de rock, de punk o de lo que sea, y quieres vestir y sonar como una banda punk, y hacer este tipo de música que ya existía hace muchos años, creo que es directamente postureo. Es como si hicieses cosplay.

Es como querer vestir como un personaje de videojuego. No es real”, asevera.

EL CUARTETO DE MANCHESTER ni intenta sonar aventurado o ecléctico por capricho (“solo queremos no aburrirnos”), ni trata de dar lecciones a nadie con los posicionamientos vertidos en sus canciones. “La forma en la que nos comunicamos a través de las redes sociales y por Internet también ha cambiado la forma en la que nos comunicamos con los demás, y eso se presta a que nos hagamos muchas preguntas, pero yo no soy un político. Mi trabajo no es construir una utopía, en todo caso señalizar su camino, pero no construirla”, concluye. —C.P.Z.

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junio 2020 #21

FOTO: DANI CANTÓ

MONDO FREAKO

Melenas Afianzando raíces Cuando se le pregunta a este cuarteto de Pamplona sobre sus orígenes siempre encontramos una referencia a la Calle San Francisco, donde el Bar Nébula se ha convertido en centro neurálgico de tantas bandas que hoy pueblan el panorama nacional. Días raros (Snap! Clap! Club, 20), su segundo álbum, no solo puede ahondar en esos orígenes sino que puede situar al aprendiz a la altura del maestro.

rle “Solo buscábamos pone e qu s palabras a las cosa queríamos hacer”

IDLES, este pasado mes estrenaron Mr. Motivator, primer single de adelanto del que será su tercer larga duración, que verá la luz en algún momento por determinar de este año. El grupo montó una falsa sesión de aerobic a cargo de Dev, su bajista, para trolear a sus fans con el estreno de la canción.

batería Steve “Thee Slayer Hippy” Handford, quien formó parte de la banda de hardcore punk Poison Idea; del bluesman Lucky Peterson y sobre todo de Ernesto González, elemento imprescindible de la escena independiente española al haber formado parte del FIB, de Intromúsica y de bandas como The Pribata Idaho y Grupo Salvaje.

RRDesgraciadamente, han sido muchos

RRBjörk es una de las apariciones es-

los artistas que nos han abandonado durante las últimas semanas. Entre ellos lamentamos la muerte de Jimmy Cobb, batería que participó en el histórico Kind Of Blue de Miles Davis; del también

telares de Kick i, el nuevo trabajo de la venezolana Arca, junto a Rosalía, Shygirl y Sophie. Pero lo que no sabíamos es que su aportación será cantando un poema de Antonio Machado, Anoche cuando dormía.

RRY ya que estamos con los británicos

TAN.LEJOS Thundercat Magia negra Stephen Bruner, Thundercat, ha mamado la música desde que era un crío. Hijo de músicos (su padre tocó con Diana Ross o Gladys Kinght, su hermano lo hizo para Kenny Garrett o Stanley Clarke), fue bajista de Suicidal Tendencies, ha colaborado en discos totémicos de Erykah Badu, Snoop Dogg, Pharrell Williams o Kendrick Lamar, y ha tenido tiempo de edificar una pujante carrera en solitario que alcanza ahora su cuarto capítulo largo con It Is What It Is (Brainfeeder/[PIAS], 20). #22 junio 2020

I

T IS WHAT IT IS es una nueva ambrosía de sonoridades que se mueven entre el soul cósmico, el soft rock, el r’n’b o el jazz de fusión, con colaboraciones de Steve Arrington (The Internet), Childish Gambino, Steve Lacy, Lil B o Ty Dolla.

Quizá por eso, porque vive y respira música por los cuatro costados, Bruner no siente necesidad alguna de explayarse más de lo estrictamente necesario en las entrevistas. Es un tipo afable, pero más bien parco en palabras. Nos atiende al teléfono desde su casa en California, recién estrenado el confinamiento domiciliario en todo el estado, unas horas después extendido al resto de los Estados Unidos.

ES EL SUYO UN ÁLBUM brillante, que vuelve a contar con la esencial aportación de Steven Ellison, o sea Flying Lotus, como coproductor. Una especie de alma gemela en lo musical.

ó "Kendrick Lamar molde s" sa co mi forma de ver las

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tegrantes. “Oihana (voz) siempre trae la idea principal, pero en este disco hemos participado todas en las letras.

Puede que no lo parezca, pero somos bastante mayores e intensas, aunque siempre intentamos que las canciones sirvan para darle la vuelta a la bajona.

En el primer disco fuimos improvisando un poco, pero con este álbum sabíamos cómo queríamos sonar. Solo buscábamos ponerle palabras a las cosas que queríamos hacer”.

PARA DARLE FORMA a Días raros el grupo ha contado con la dirección de Karlos Osinaga, pero en él ha colaborado también amigos como Guillermo F. Mutiloa (Wilhelm) en los teclados, Tamu (Exnovios) o Jaime Cristóbal (Souvenir). “Nos hemos dado un espacio para que en el estudio pasasen cosas. Nos importa mucho la visión de quienes han colaborado, además de que coincidimos en muchas ideas y entienden nuestros planteamientos.

Con este trabajo creemos haber logrado una mayor amplitud estilística y

ciado que publicará Eight Gates, disco inédito firmado por el desaparecido Jason Molina (Songs:Ohia, Magnolia Electric Co.). Molina murió en 2013 a causa de un fallo multiorgánico fruto de sus años de alcoholismo.

Días raros

Snap! Clap! Club,

sonidos, todos ellos procedentes del gran árbol genealógico de la música negra –soul, funk, jazz o r’n’b–, sin que se pueda decir que ninguno de ellos prevalezca por encima de los demás, algo aplicable a Chance The Rapper, Kamashi Washington y otros artistas negros de su generación. “El entorno que nos rodea a todos es muy abierto, y al mismo tiempo intentamos nutrir nuestra música de muchas cosas diferentes, porque la música de la que nos rodeamos siempre está cambiando, siempre hay cosas nuevas, y por eso nos movemos en múltiples direcciones y resulta tan difícil encasillarnos”, esgrime. En ese crecimiento artístico tan integrador jugaron un papel esencial sus múltiples trabajos para otros músicos, en los que si alguno se lleva la palma fue Kendrick Lamar, para quien trabajó en To Pimp A Butterfly (15). “Kendrick moldeó mi forma de

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Pablo Cobo, es decir Chico Blanco, tiene mucho que contar tanto musical como personalmente. Tras Life After House (19), publica Gominola (Autoeditado/Altafonte, 20), un paso adelante en una carrera a tener muy presente.

E The Cure) y Budgie (ex Siouxsie And The Banshees y The Creatures) unen fuerzas en una nueva banda que responde al nombre de LXB. Contarán con invitados como Kim Gordon, Bobby Gillespie (Primal Scream) o Mark Bowen (IDLES). —MS

extendió durante varios días en redes sociales sobre el tipo de mujer que refleja en sus letras, Lana Del Rey ha anunciado dos discos para los próximos meses. Behind The Iron Gates.

Insights From An Institution y Vio-

El amor es una droga

R

RRLol Tolhurst (ex batería de

RRAl margen de la polémica que se

Chico Blanco

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let Bent Backwards Over The Grass On The Way serán discos en los que recitará poesías con base musical de Jack Antonoff. El primero verá la luz el 5 de septiembre.

RRSecretly Canadian ha anun-

“Llevamos muchos años trabajando juntos, pensando siempre creativamente, elucubrando con ideas acerca de cuál va a ser nuestro siguiente paso. Y además es una de mis personas favoritas en este planeta”, recalca sobre su papel. Si ya su anterior álbum, Drunk (17), vino marcado por la muerte de su amigo Austin Peralta, músico de jazz, este también nace a consecuencia del impacto que tuvo en Thundercat la muerte del rapero Mac Miller, también buen amigo suyo, a finales de 2018. “Su muerte jugó un rol fundamental en el desarrollo de este álbum, desgraciadamente”, explica, pero es algo que asume con naturalidad y sin demasiado dramatismo, porque “es la forma en la que la vida se mueve, no podemos disociarla de la muerte”, añade.

ESA MISMA NATURALIDAD es la que aplica a una forma de integrar

nos hemos salido un poco de nuestro esquema”. Sobre este futuro incierto de la cultura en vivo, un único miedo.

“Melenas se mueve por la ilusión. La mejor recompensa al esfuerzo son los directos y esperamos que vuelvan lo antes posible”. —ALBERTO BONILLA

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I UNO SE ACERCA a No puedo pensar, el segundo adelanto conocido de Días raros, puede creer que anda escuchando el single de una banda con una larga trayectoria. Esa habilidad de Melenas para facturar canciones repletas de melancolía con espíritu liberador es difícil de asimilar en una formación que, prácticamente, está dando sus primeros pasos en esto de la música.

Un futuro prometedor del que ellas todavía no quieren escuchar hablar.

“Vivimos esto con sorpresa. No creemos que hayamos llegado más lejos que bandas como Exnovios, Kokoshca… Quizás nosotras hemos tenido la posibilidad de tocar más fuera, pero no tenemos el público de estas bandas que son una referencia para nosotras.

Solo es que todo ha sido más exprés en nuestro caso”. Un viaje a toda velocidad que les ha servido para seguir creciendo profesionalmente y que, en este segundo trabajo, ha contado con la participación activa de las cuatro in-

ver las cosas, entre la experiencia de aprendizaje y la inspiración, y como artista me animó a querer hacer más cosas y a hacerlas mejor”.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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It Is What It Is Brainfeeder/[PIAS]

L CAMINO MUSICAL de Pablo Cobo comienza con doce años, cuando empezó a buscar en Google cómo hacer bases, y, aunque en el instituto pensase en hacer Física, las artes seguían tirando (“recuerdo que de muy chico quería ser director de cine”).

Finalmente decidió meterse a Técnico de Sonido y, mientras, se fue haciendo hueco en la escena urbana de Granada, para centrarse luego en lo que más le flipaba: la electrónica. Tras Life After House, contacta con él Kigo –manager también de C. Tangana–, y su crecimiento se hace cada vez más bestia: un año después tenemos la continuación de ese EP, Gominola. La producción –cita como influencias a Kanye, Yung Lean o el rollo high energy de los ochenta– es uno de los aspectos que más llama la atención del EP, y el mérito es todo suyo: salvo una colaboración con AN17INO6, el resto es todo él, con la mezcla de Antonio Narváez y, eso sí, el apoyo incondicional de 8kitoo. “De manera formal podría decirte que es mi DJ, pero es básicamente mi hermano. Es la persona a la que le enseño primero las canciones, me enseña un montón de música... Le pido su opinión para todo”. Esa transparencia también está cuando tratamos El cole no es para siempre, una de sus canciones que más ha dado que hablar. “Cuando algo es real, te llega.

Yo quería expresar lo que le diría a mi yo de ese momento”. Debatimos entonces sobre la visibilidad de los artistas LGBT. “Me toca la polla que se juegue con esas cosas para vender en los medios. Titulares como ‘el nuevo artista LGBT’, que parece que reduces el arte a si esa persona lo es, o coger a tíos que ni siquiera lo son y poner ‘las nuevas masculinidades’ como si estuviese de moda serlo-pero-no-serlo”.

—PABLO TOCINO

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junio 2020 #23

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iLe Aquelarre

Desde que inició su carrera en solitario tras su tiempo con Calle 13, la puertorriqueña iLe se ha convertido en una de las artistas imprescindibles de la escena latinoamericana gracias a dos discos tan exitosos como iLevitable y Almadura, pero no tiene pensado bajar el ritmo.

M

E HA ENCANTADO el ambiente de brujería que se desarrolla en el videoclip. Y está claro que las brujas siempre han representado el concepto de la mujer empoderada. ¿Qué crees que la humanidad debería haber aprendido de las brujas?

Quizá a prestarle atención a ciertas cosas que a veces damos por sentado, como la intuición y como darle una mirada a otras cosas que son importantes también sobre nosotros mismos. Nos hemos dado cuenta de eso con el tiempo, por lo menos eso quiero pensar, así que debemos confiar más en nuestro instinto femenino, pero también humano, diría yo. Es cuestión de atenderlo un poquito mejor.

—¿La historia que se cuenta en el clip ha sido idea tuya o dejaste las cosas en manos del equipo?

La idea del video ha surgido como todas las ideas que hago junto al equipo creativo, que es mi hermana Milena, mi hermano Gabriel, Ismael Cancel (el productor del tema) y yo.

Como hay mucha confianza entre nosotros, nos decimos lo que pensamos y ese debate nos lleva siempre hacia algún lugar.

—¿Qué te ha gustado especialmente de trabajar con Natalia Lafourcade?

Trabajar este tema con Natalia fue, de verdad, una experiencia muy bonita. Logramos conocernos un poquito mejor y creo que conseguimos sentirnos muy cómodas en el proceso, muy tranquilas. Se logró porque siempre hubo muy buena comunicación entre las dos con respecto a la canción y al proceso de grabación también. Siempre estuvo todo bastante claro y creo que eso ayudó a que todo fluyera mucho mejor.

Eso ocurrió tanto en la grabación del tema como en la filmación del video. Nos sentimos bien y cómodas dentro de espacios que, a veces, pueden ser extraños o rígidos.

“

RomeroMartín Hijos de un dios distinto

RomeroMartín son Álvaro Romero en la voz y Toni Martín en la producción, y hemos querido hablar con el primero por teléfono sobre el lanzamiento de su debut, Manifiesto (Ground Control/The Orchard, 20), en plena crisis del coronavirus.

N

O ME HA AFECTADO DEMASIADO a nivel de curro porque trabajo mucho online con Toni, pero sí es una putada el tema conciertos. Y nos ha pillado en medio de la presentación del disco, toda la promo, pues imagínate... Ha pasado todo desapercibido”. Han surgido estos días iniciativas de conciertos online, pero Álvaro no es muy fan de ese concepto. “Es como muy frío, y yo estoy acostumbrado al flamenco, a sentir el calor del público”.

Y ES QUE ÁLVARO ROMERO lleva en el flamenco desde hace quince años, cuando se apuntó a una escuela de cante con Esperanza Fernández. Durante ese tiempo se planteó sacar temas como solista, pero: “no lo hice porque sacar un disco de flamenco tradicional es súper difícil, tienes que estar muy concentrado... Y a mí estar en los tablaos me cansaba mucho como para luego llegar a casa y ponerme a trabajar en un disco así”. En cambio, cuando empezó a trabajar con Toni Martín, poco a poco se fueron decidiendo a grabar un disco, animados por la aceptación que tenía lo que iban haciendo. Aunque la producción la lleva más Martín, ambos se aportan ideas. “Yo tengo en la cabeza cantes tradicionales que dibujo y los veo claros. Le hago un pequeño

boceto con una caja de ritmos y filtros a Toni, luego él me va mandando cosas y vamos probando”.

MANIFIESTO SE CENTRA en la diversidad sexual, compuesto en su mayoría por extractos de poetas homosexuales. A excepción de Zambra, que es del propio Álvaro, las demás canciones son de distintos autores, destacando el histórico Pedro Lemebel. “De él he aprendido que, a nivel político, la homosexualidad no va ni con derechas ni con izquierdas”. Para Romero, tampoco el flamenco. “Entiendo que la gente lo ligue al franquismo, porque se apoderó de él y de otros símbolos españoles, pero es un arte que no va con ninguna ideología”, me explica. “No estoy a favor de los toros, pero lo que hizo Estrella Morente en Operación Triunfo, usar el flamenco para algo reivindicativo, a mí eso me pone. Cada uno que lo haga para algo de derechas, de izquierdas, es respetable. A mí me interesa más el arte para preguntarte cosas, usarlo para cuestionarte cosas”. ¿Y QUÉ OCURRIRÁ tras Manifiesto? Romero nos cuenta que ahora le pillamos trabajando en poemas de Ioshua. “Era un poeta argentino que murió de VIH y del que me consiguieron las obras completas”. Pero también con letras tradicionales de flamenco que le encajan para su proyecto. “Me molaría seguir con Toni, pero también meter algún instrumento, y llevar un directo más completo a nivel musical, armónico. Y aparte estoy trabajando mucho con Cristina Hall, más de performances”. —PABLO TOCINO

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no “La homosexualidad va ni con derechas ni con izquierdas”

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—MARCOS ARENAS

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#24 junio 2020

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MONDO FREAKO CRITICANDO No Shape (Matador Records, 17) consolidó a Perfume Genius como uno de los artistas de referencia de la actualidad.

Su continuación nos llega en pleno confinamiento bajo el título de Set My Heart On Fire (Matador/Popstock!, 20), un cuarto disco que vuelve a destacar por su honestidad emocional y la tendencia del artista americano a evolucionar y buscar nuevos caminos.

M

IKE HADREAS, el hombre tras el alias de Perfume Genius, jamás imaginó que su nuevo disco saldría en plena pandemia. No obstante, el artista americano nunca tuvo intención de cambiar de planes. “Ninguno de nosotros hemos tenido que lidiar con algo así, pero la situación es tan incontrolable que tampoco podemos saber cuándo va a mejorar y cuándo va a ser un mejor momento para lanzar el disco”, comenta. Tal y como estaba planeado, el 15 de mayo vio la luz Set My Heart On Fire, un disco en el que vuelve a abrirse emocionalmente, pero, a diferencia de sus discos previos, desde un punto de partida distinto. “En esta ocasión no comencé con el disco a raíz de una preocupación. Más bien, fue que, por primera vez, empecé a sentirme más liberado, y esto era una sensación nueva para mí. Gran parte del álbum trata sobre sentirme más conectado con el mundo que me rodea y conmigo mismo”. Después de cinco discos caracterizados por una fuerte carga sentimental autobiográfica, uno puede pensar que vomitar emociones sobre el papel puede resultar fácil, pero Hadreas no lo ve así.

“La verdad es que pienso mucho en ello. Para mí es difícil abrirse emocionalmente. Pero creo que depende de la historia de cada persona”, apunta el músico americano. Lo que parece que no le cuesta es abandonar la zona de confort cada vez que se mete en el estudio. A través de las diferentes canciones que conforman Set My Heart On Fire nos topamos con diferentes géneros. “No me siento cómodo haciendo siempre lo mismo. Cada día, de un minuto a otro, me siento diferente. También siento que la música que escucho cambia, lo que me motiva a hacer cosas diferentes”, explica. No obstante, el disco en su conjunto está

Set My Heart On Fire

Matador/ Popstock!

POP 9/10

DESDE SU DEBUT CON Learning (Matador, 10) y pasando por Put Your Back N 2 It (Matador, 12), Too Bright (Matador, 14) y No Shape (Matador, 17), Mike Hadreas ha mantenido siempre intacta la base de su identidad, pero aprovechando cada entrega para asumir retos inéditos y sumar tonalidades a la paleta. Un proceso que continúa en el quinto álbum de Perfume Genius, con el autor mostrándose más arriesgado y sofisticado que nunca. El de Iowa parece retroalimentarse a sí mismo, aprendiendo de trabajos previos y afrontando una vuelta de tuerca adicional con la que conformar el presente lanzamiento. Un disco imponente en cuanto a sensaciones se refiere, pero también logrando la exquisitez de todos y cada uno de aquellos sonidos dispuestos en la entrega. El músico templa y somete a puro antojo esa teatralidad implícita a su obra, propiciando así una

ligado bajo un mismo espíritu y es que “al tocar todos juntos en la misma habitación, creamos una atmósfera que unifica a las canciones e incluso a los músicos, aunque vayan en direcciones diferentes”.

UNA VEZ MÁS, Blake Mills se puso a los mandos de la producción, decisión que Hadreas tuvo clara desde el principio. “Volví a contar con Blake simplemente porque me encanta como persona y me encanta su forma de entender la música”. Pero Mills no ha sido la única colaboración de altura durante el desarrollo del disco. Leyendas como Jim Keltner, Pino Palladino y Matt Chamberlin han formado parte de la grabación. “Para que te hagas una idea, mi primer disco lo grabé yo mismo en una habitación, y en ningún momento podía haber imaginado que acabaría grabando un álbum con artistas tan maravillosos como ellos”, confiesa. Una evolución que también se ha visto reflejada en sus directos. “Quiero hacer una gira con una producción con la que sea capaz de transmitir el mundo que tengo en mi cabeza”, cuenta aun sabiendo que, por el momento, toca “esperar hasta que finalmente pueda presentarlo”.

Perfume Genius Todo fuego

serie de escenas coherentes pero bien diferenciadas entre sí, en lo que resulta ser un amplio abanico de recursos.

Mike Hadreas vuelve a abrirse en canal para exteriorizar sentimientos y presentarlos en forma de canciones bellas y en ocasiones tensas, pero siempre elegantes y elaboradas, que terminan por descansar en el propio sentir del oyente. La profundidad poética de su lírica se mantiene constante, en unas coordenadas donde nostalgia, belleza, tristeza y un halo de esperanza se entremezclan repetida e irremediablemente.

Ya sea a través de arreglos orquestales o tradicionales, pedales o sintetizadores, el vocalista materializa su objetivo principal, que no es otro que el de empacar emociones en espacios concretos de cinco minutos. El barroquismo compositivo de Handreas empieza a alcanzar cotas extraordinarias de desborde imaginativo y ejecutivo. Y aunque juegue en la misma liga que Anohni, Rufus Wainwright, Peter Broderick, Owen Pallett o John Grant, la forma en la que canaliza su dramatismo comienza a consolidarse como algo único y excepcionalmente valioso. —RAÚL JULIÁN

"No me siento cómodo haciendo siempre lo mismo"

—GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA

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junio 2020 #25

Vetusta Morla Vetusta dentro de Vetusta

Después de convertirse en la banda más importante del país en base a una actividad creativa prácticamente ininterrumpida entre conciertos y diferentes proyectos, Vetusta Morla afrontan en su nuevo disco una maniobra hasta hora inédita dentro de su catálogo.

Los madrileños publican MSDL. Canciones dentro de canciones (Pequeño Salto Mortal, 20), una relectura completa de su anterior disco Mismo sitio, distinto lugar (Pequeño Salto Mortal, 17).

— #26 junio 2020

TEXTO Raúl Julián

S

I DE ALGO NO PUEDE ACUSARSE a Vetusta Morla es de conformistas. El grupo de Tres Cantos ha evitado siempre cualquier tipo de estancamiento y, precisamente esa hiperactividad artística, deriva ahora en MSDL. Canciones dentro de canciones. Un disco en el que reinterpretan las diez canciones incluidas en su anterior entrega, decisión que el vocalista de la formación, Juan Pedro Martí “Pucho”, explica al otro lado del teléfono. “Siempre habíamos jugado con las canciones, pero nunca habíamos grabado un disco reinterpretándolas, sacándoles una nueva vida. La idea viene de 2018, cuando tocamos para doscientas personas en Los Veranos de la Villa. Entonces decidimos hacer una revisitación del disco, salió de puta madre y pensamos que todo ese trabajo no podía quedarse en un único día”. El resultado es un disco más melódico, con menos instrumentación, menos electricidad y menos adornos en comparación con su predecesor. En definitiva, un trabajo más orgánico y quizás también más real. “En el disco matriz había muchas capas, se había jugado con las estructuras, etcétera. Y queríamos volver a nuestro origen. La idea era hacerlo en una sola toma los seis a la vez, algo que no tuviésemos que regrabar luego. También había intención de llevar algunas canciones a lugares que de primeras no te esperas”. Aunque sea una relectura del anterior trabajo del sexteto, MSDL. Canciones dentro de canciones se anuncia como el quinto álbum de estudio de Vetusta Morla, y es el propio entrevistado quien defiende la identidad de la criatura y su peso específico. “Si atendemos al concepto de ‘disco-de-estudio’ lo es, porque se han grabado en estudio las diez canciones de arriba a abajo y de manera completamente distinta. No es cuestión de hacer comparativas. Hay versiones en las que me gusta mucho cómo quedan los arreglos nuevos y otras canciones que tenían mucha fuerza en el original y me lo sigue pareciendo”. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

“En España los cambios cuestan mucho y toda esa independencia surgida en los noventa tardó en arraigar aquí”

EL APUNTE

Mismo sitio, distinto lugar, el origen AUNQUE AHORA SE ASUMA como un éxito incontestable, lo cierto es que el cuarto álbum de Vetusta Morla fue un paso arriesgado y valiente por parte del grupo. “Íbamos un poco a eso. Llevábamos tres discos con el mismo productor y éramos conscientes de que, aunque a nivel compositivo se había evolucionado, a nivel sonoro nos faltaba dar ese paso”. El disco presentaba un cambio de sonido con respecto a entregas previas, y se sostenía sobre letras más ásperas y críticas con el entorno sociopolítico. “Teníamos un poco ese come-come de si nos habríamos pasado o nos habríamos quedado cortos, porque eso nunca se sabe hasta que lo lanzas. Y luego el público y el tiempo dirán”. La jugada salió

francamente bien, con una gran acogida tanto de público como de crítica y, a día de hoy, Mismo sitio, distinto lugar se impone como la entrega más ambiciosa y seguramente inspirada del combo. “Creo que es el que más me gusta. No porque sea el último ¿eh?, porque ya hay otro nuevo de estudio (risas), pero creo que a mí también es el que más me gusta”. —R.J.

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LA HISTORIA DE VETUSTA MORLA es bien conocida: alcanzaron el éxito después de diez años trabajando salas y garitos pequeños, haciendo gala de una fe ciega en sus posibilidades.

La situación del combo ha cambiado mucho desde entonces, pero hay algo que permanece inmutable. “Ese compromiso con el trabajo no ha flojeado en todos estos años. Incluso diría que ha crecido hasta niveles un poco enfermizos (risas).

Somos muy pesados, pero es lo que nos ha funcionado. Pero, ojo, que una vez que ha funcionado hay que mantenerlo. Y en ese sentido no me voy a quitar la medalla, porque eso sí que es importante: una vez que lo has conseguido, cuenta el no dormirse, el no quedarse en el mismo sitio y seguir buscando nuevas maneras de hacer cosas interesantes”. Ese éxito tardío creció luego de manera imparable y exponencial, y dejó como consecuencia el encumbramiento popular de un grupo que partía de la escena independiente. Un hito que abrió la puerta a muchos otros grupos y terminó por definir una parte importante de la actual escena musical del país. “No nos sentimos abanderados de nada, pero hemos pertenecido a una generación abierta por muchas bandas. No creo que seamos punta de lanza, sino que se ha creado una escena cúmulo de muchas cosas, una época y un sentir general en torno a esa música española no tan masiva o comercial. En España los cambios cuestan mucho y toda esa independencia surgida en los noventa o dosmiles tardó mucho en arraigar aquí, un poco porque somos muy nuestros”. Para terminar resulta inevitable preguntarle acerca de esas canciones del todo inéditas de Vetusta Morla que sus seguidores tendrán que continuar esperando. “Pues… No estamos trabajando en nada. Después de esta gira que se ha interrumpido íbamos a tener una desconexión con todo. Entonces creo que esperaremos un tiempo todavía.

Antes cumpliremos con esos compromisos que teníamos y después ya veremos qué será lo próxil Valencia 2 y 3 septiembre, Plaza de Toros mo”. —R.J. l Sevilla 5, 6 y 7 septiembre, Cartuja

EN CONCIERTO

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junio 2020 #27

l Zaragoza 11 septiembre, Vive Latino l Madrid 12 septiembre, Dcode Festival l Pamplona 26 septiembre

ยกYa en la calle y en la web!

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29/Mondo VINILOS

M Ward

St Woods

Migration Stories ANTI

FOLK / Importa poco dilucidar si cada nueva entrega de M Ward está más cerca del pop, del folk, del soul o del rythmn and blues, porque su música es un género en sí mismo. Lo que no está de más es resaltar que nos encontramos muy posiblemente ante la mejor colección de canciones de Matthew Ward desde los tiempos de Hold Time (09), y eso es mucho decir. Dice el californiano que se ha inspirado en este periodo de migraciones forzosas, ambientándolo en un futuro próximo menos traumático que el que viven hoy en día quienes se ven obligados a un penoso éxodo, exprimiendo al límite un wishful thinking que puede confundir deseo con realidad. Pero a uno le da por pensar que si se hubiera puesto a recitarnos su lista de la compra, el resultado hubiera sido igual de brillante y conmovedor.

9

The 1975 pegan el estirón The 1975

Notes On A Conditional Form Dirty Heat/Universal

8

POP / Suele decirse que quien mucho abarca,

poco aprieta. Y aunque en el caso de The 1975 cunde la tentación de aplicarles la máxima, por aquello de sus treinta y siete canciones publicadas en apenas año y medio (las veintidós de este disco y las quince de A Brief Inquiry Into Online Relationships, de finales de 2018, que es como su alma gemela), no tiene tampoco mucho sentido pensar en esos términos cuando hablamos de una banda que ya hace algún tiempo desechó el concepto de álbum que manejamos casi todos los que ya lucimos (en el mejor de los casos) alguna cana.

Matt Healy sigue entendiendo sus álbumes como colecciones de instantáneas cazadas al vuelo, cúmulos de cortes que, por su naturaleza fragmentaria y casi esquizofrénica, se parecen mucho a una lista de reproducción cualquiera. Escuchando sus elepés, es fácil transitar de la fascinación al arqueo de cejas, de la rendición ante la temeraria pero desarmante bisoñez con la que encaran algunos estupendos ejercicios de estilo hasta el escepticismo que despiertan sus momentos con mayor dosis de almíbar mainstream, pero es aquí donde más se inclina la balanza hacia la primera aceptación de las cosas. Al fin y al cabo, qué puñetas, su pop millennial, que no discri-

mina crominancias, también merece aspirar a tener su Exile On Main Street o su London Calling. O al menos, su Being There. Notes On A Conditional Form es ese álbum. Doble, caleidoscópico, ecléctico, aparentemente veleta. El retraso ha valido la pena. Un trabajo que transita de un extremo de su discurso al opuesto, sin más preocupación que plasmar la foto fija de una banda que se pasó todo 2019 subida en una montaña rusa, en medio de una gira que la llevó por varios continentes, y que generó ese caldo de cultivo para gestar música que puede radiografiar lo que es ser joven en el Reino Unido hoy en día, pero también lo que es moverse entre Heathrow y el JFK de Nueva York, con posteriores escalas en México, Abu Dabi o Yakarta. ¿Quién podría afearles el resultado? La cosa bascula entre el monólogo conservacionista de Greta Thunberg en The 1975 o el hardcore desmelenado de People hasta las leves infecciones de 2-step y dubstep que enlucen Yeah I Know, I Think There’s Something You Shold Know, Shiny Collarbone o Having No Head (ojo, que The Streets y Burial son las dos influencias asumidas), pasando por el folk acústico de Jesus Christ 2005 God Bless America con Phoebe Bridgers, baladones como Then Because She Goes o Playing On My Mind, los coros gospel de Nothing Revealed/ Everything Denied, el pop policromado y contagioso de If You’re Too Shy (Let Me Know) o esa delicia r’n’b que es Tonight (I Wish I Was Your Boy). Es su disco más equilibrado hasta la fecha. El más convincente. El que mejor se digiere de principio a fin. El mejor, sin más rodeos. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Bones ONErpm

7

debut de St Woods es un disco interesante al que todavía le falta definición, demasiado deudor de su gran influencia, Bon Iver, como para tener un sonido propio. Las canciones en las que más se sale de su sombra, como Wasted Love, nos descubren a alguien en busca de esa identidad. Se notan otras influencias como Sufjan Stevens o James Blake, pero no se consigue distinguir a qué suena realmente St Woods. Algo que se nota con el final, una orgía de autotune y de admiración a Bon Iver llamada Bones (Psalm). Es una especie de homenaje/exorcismo, de intentar liberarse de su alargada sombra con una canción totalmente referencial. Cerrar el disco de esta manera le obliga a cambiar de dirección en su siguiente entrega, un disco que parece que ya está haciéndose. —SERGIO ARIZA

The Architect

The Weeknd

Une plage sur la lune X-Ray Production

TRIP HOP / Suenan los primeros compases de Une plage sur la lune, el primer álbum del productor francés The Architect, y vienen a la cabeza imágenes de sótanos oscuros llenos de discos a descubrir, de tardes aromatizadas con índica y términos ya en desuso como los de digger, beatmaker o turntablism.

Este disco es una oda a Dj Shadow, Cut Chemist, The Herbalisher y mil nombres más que nos hicieron disfrutar de lo lindo décadas atrás, pero con la nostalgia justa y necesaria, ya que también es capaz de aplicar nuevos sonidos y estilos, como en el cachondo Boogie Dola con Troy Berkley y el gran Killa P de invitados. El gran Nightmares On Wax viene a la mente al escuchar Peanut, y tenemos que esperar a Baile del sol para descubrir su toque propio, combinando afrobeat con hip hop y toque latino. —RAÚL LINARES

8

INDIE FOLK / El esperado

After Hours Republic/ Universal

7

POP / En After Hours en-

contramos algunas de sus mejores virtudes: un sobrado dominio vocal y una producción musical impresionante en la que Abel Tesfaye se ha implicado de lleno. Sin embargo, a pesar de que ninguno de sus catorce temas baja el listón, tampoco encontramos ningún clásico instantáneo, a diferencia de lo que venía acostumbrando a hacer hasta la fecha.

También falta, por momentos, esa capacidad de hacer canciones que transmitan sentimiento y pongan las emociones a flor de piel. Pierde fuerza el delivery del canadiense respecto a trabajos anteriores como Starboy. La dupla Hardest To Love y Scared To Live sí da la talla, igual que Save Your Tears, pero hay motivos para pedirle más a un The Weeknd que ha querido basarse en los sonidos y el espíritu de los años ochenta. —LUIS M. MAÍNEZ junio 2020 #29

MONDOVINILOS

Lucinda Williams

Good Souls Better Angels Highway 20

The Hinds sin miedo al qué dirán

AMERICANA / Lucinda Williams es una superviviente y demuestra estar muy viva, a sus sesenta y siete años recién cumplidos se acaba de sacar de la manga su disco más crudo y visceral. Sería fácil decir que la creadora de Car Wheels On A Gravel Road es una pitonisa y que las malas noticias de las que está lleno este Good Souls Better Angels son una premonición de la pandemia que asola medio mundo, pero no, las malas noticias ya estaban allí, sentadas en el puto sillón con más poder de la Tierra, en el despacho oval de la Casa Blanca. La edad parece no haber atemperado nada su rabia, es más parece que ahora le duele más. Lucinda está furiosa y ha hecho un disco furioso, su voz rasposa escupe verdades sobre un fondo musical de pantanoso blues rock, pasado por la distorsión de un Neil Young cabalgando a sus fieles Crazy Horse. Es un disco que supura tensión y agresividad, un chute de adrenalina de una veterana que nos entrega su mejor obra desde World Without Tears.

8

Hinds

The Prettiest Curse Lucky Number

8 POP / Hinds han pasado de tirarse a la

piscina a quedarse a vivir en ella. Tras un debut en 2016 que les supuso giras internacionales, inéditas para una formación lo-fi española, y no poco hooliganismo en contra, y después de un segundo disco que afianzó su fórmula y dejó en sancedes muchas críticas sobre ellas (¿en plena era trap se las acusaba de tocar o cantar mal?), el cuarteto ha vuelto más cómodo que nunca. La tercera no es la de la vencida, es la de la autoconfianza. Curadas de espanto, en The Prettiest Curse, la banda se permite usar recursos sin el miedo al qué dirán: secuencias en castellano, como en la power pop Boy, coqueteos con nueva instrumentación (Riding Solo) o probaturas en un rock muteado y baladista (This Moment Forever). La experiencia no ha abigarrado la estructura de unos temas que siguen siendo directos y accesibles. Pero el mayor tiempo de producción –han sido

meses de parón– sí les ha permitido coquetear con sonidos de los que han florecido melodías renovadas. Los riffs agudos, los diálogos entre Carlotta Cosials y Ana Perrote a la voz, santo y seña del combo, se mantienen, pero ya no hay miedo a incursionar en el pop de carcasa ochentera. Good Bad Times es un adelanto rotundo, vestido a la perfección y, como el resto, en coproducción con Jennifer Decilveo (Beth Ditto o The Strokes). Más allá de sus devenires sobre el amor y otros debates generacionales,

el disco suma sorna contra los haters en Just Like Kids (Miau). Y es que Hinds siempre han tenido que dar explicaciones de más. Pero cada paso discográfico las ha consolidado como una de las bandas que mejor se codean con las melodías, sobre todo con aquellas que parecen espontáneas. Tal vez les toque seguir justificándose a ojos de algunos, pero es que acabar con el patriarcado por ellas solas es algo que, desgraciadamente, escapa a su dominio. —YERAY S. IBORRA

—SERGIO ARIZA Mostaza Gálvez

Red Axes

Desventura Subterfuge

7

POP / Hace tres años que

Guille Mostaza (ex Ellos) unía fuerzas con Frank Gálvez (Ex Gasca) para publicar el debut del nuevo proyecto de ambos.

Ahora Mostaza Gálvez presentan una continuación bastante más engrasada y cómplice, en una sinergia que tiene como principal consecuencia un álbum vistoso y de mayor sentido conjunto. Inicialmente el aspecto de Desventura recuerda sobre todo a Ellos, y por tanto induce a pensar que el peso ejecutivo de Mostaza se impone como prioritario.

Sin embargo, esos detalles de lo más aparentes que aparecen en sucesivas escuchas y apuntalan el producto, bien podrían llevar la firma de Gálvez. Las propias canciones –un total de diez– se ven así convenientemente enriquecidas con las peculiaridades creativas y aportaciones vocales de ambos autores. Un disco de electro-pop cumplidor y efectivo, ataviado en base a una serie de estribillos que confirman a sus creadores como especialmente duchos en ese arte. —RAÚL JULIÁN #30 junio 2020

Brian Fallon

Red Axes Dark Entries

ELECTRÓNICA/ Hace tiempo que, desde Tel Aviv, Red Axes están quemando las pistas de baile de todo el planeta, a base de eclecticismo musical. Ahora, en su décimo aniversario, han grabado su tercer álbum homónimo en el sello Dark Entries, dándole una vuelta de tuerca más a su sonido y añadiendo beats de electrónica de los noventa, con algunos tintes de EBM, como en They Game, Break The Limit y Shelera, hasta llegar explosionar con Stick & Stones en una sudorosa rave pre-Coronavirus. Comprobamos que siguen sellando su pasaporte para viajar entre melodías del mundo: de los ritmos africanos de Udibaby a las delicias asiáticas de Arpman y Hold.

El espíritu cien por cien Red Axes abocado al baile sale nuevamente a la luz en Zeze y Watching You, pero también encontramos pasajes más orgánicos como Brotherhood (Of The Misunderstanding), tema oscuro de dark wave. Uno de los proyectos más en forma de la música electrónica actual.

de The Gaslight Anthem, Brian Fallon se lanzó en solitario con el brillante Painkillers (16). El cantautor se alejaba de las formas más efervescentes del rock, para adentrarse en el mundo del country y el sonido americana sumando a su lista de referentes e influencias nombres como Steve Earle, Ryan Adams, Jesse Malin... Con estas coordenadas sonoras volvió a perfilar su segundo largo, Sleepwalkers (18) y ahora Brian Fallon retorna con su tercera entrega sin banda: Local Honey. Modelado con la ayuda de Peter Katis, productor con una nómina de clientes en la que figura gente como The National, Interpol o The Get Up Kids, el de Nueva Jersey firma ocho piezas donde vuelve a reivindicarse como un trovador de corazón roto, forajido en eterno proceso de redención, con una sensibilidad especial para firmar sobrecogedoras progresiones de acordes.

—ALBERT CARRERAS

—ORIOL RODRÍGUEZ

9

7

ROCK / En el pasado líder

O.B.F. Sound System

Lin Cortés

Local Honey Lesser Known

Gitanerías BMG

FLAMENCO / Tras despachar el año pasado el álbum de duetos que supuso Indomable, Lin Cortés regresa en formato epé. Considerado uno de los actuales exponentes del nuevo flamenco (en lo que él definió en 2015 con su ópera prima como Gipsy Evolution), reivindica un regreso a sus raíces desde el propio título del trabajo, Gitanerías. Un sonido acústico, donde la voz del cantante cordobés se acompaña principalmente de guitarra flamenca, palmeos, cajón y coros femeninos. Abre Amar, basado en el tema Amar por amar de su buena amiga La Susi.

La rumba más fresca y canalla inunda Novia moderna, el tema más bailable y pegadizo del disco. Sus delirios amorosos siguen desarrollándose en Una locura.

El jardín de la memoria supuso el primer single, corte lento, poético y melancólico. Despide la breve La belleza de la muerte, donde Cortés le pone música a algunos versos seleccionados del poeta libanés Yibrán Jalil Yibrán. —JESÚS CASAÑAS

6

Signz Dubquake Records

8

REGGAE / O.B.F. es uno de los

nombres más valorados y respetados de la escena Sound System europea gracias, además de a sus imponentes directos, a trabajos como este. Signz es el segundo álbum de la formación de origen francés y una obra en la que sacan a relucir ese arsenal musical que pasa por el dancehall, el dub, el new roots y, en términos generales, todas las posibilidades que le ofrece la producción digital al reggae. Una explosión musical desarrollada en veintidós canciones en las que, entre algunos de los cantantes más importantes a nivel europeo, encontramos las voces de Sr. Wilson, quien colabora en tres cortes, y de Belén Natalí. Y aunque en un principio una veintena de canciones puedan parecer demasiadas, uno se queda con ganas de más. La meticulosidad de las producciones da como resultado un sonido potente y explosivo, muy cuidado, con el que ya han conquistado decenas de escenarios llevando el concepto de urban reggae un paso más. —ALFONSO GIL ROYO

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Charli XCX

Paradise Lost

Obsidian Nuclear Blast Records

7

METAL / Los amantes del

gothic doom están de enhorabuena. Si en marzo veía la luz lo nuevo de My Dying Bride, ahora es el turno de los autores de Shades Of God. Aunque quien conozca mínimamente la trayectoria de los de Halifax, así como el genio del dúo Nick Holmes-Greg Mackintosh, motor creativo de la formación, sabrá que esta no es una banda autocomplaciente o que se sienta cómoda con las etiquetas. Quizás por ello han decidido condensar la mayoría de los registros explorados desde In Requiem (07), con un claro repunte del componente gótico de su ADN. Buena prueba de ello es Ghosts, potencial rompepistas de clubes góticos, o Hope Dies Young, ambas deudoras de sus adorados Sisters Of Mercy. Por su parte, Ravenghast compensa la balanza hacia terrenos doom, así como Fall From Grace, con un ritmo pesado marca de la casa, voces cavernosas y un desenlace más melódico.

Un álbum extraño pero fascinante que mantiene el aura de una banda clásica. —DAVID SABATÉ

Ratpenat

how I’m feeling now Atlantic/ Warner

POP / A Charli XCX, la cuarentena le pilló en su casa de Los Ángeles, lugar donde la artista tiene instalado un pequeño estudio de grabación casero. Allí decidió gestar un nuevo disco, dándose treinta y ocho días de preparación. Como resultado, how i’m feeling now no puede ser más marca de la casa. Con sus aliados A. G. Cook y BJ Burton como productores, han surgido canciones enérgicas que hablan de sentimientos universales como la ira, la frustración, la tristeza, la rabia, la excitación o el amor, potenciados todos ellos por la situación que estamos viviendo. Acercándose al pop pero siempre desde una perspectiva DIY, futurista e industrial que hace que cruce la línea con el PC Music constantemente. Un diario abierto sobre lo que ha pasado por la cabeza de Charli durante las primeras semanas de confinamiento. No pretende ser perfecto ni limpio ni agradable, porque eso lo arruinaría todo.

8

—ÁLVARO TEJADA

Nereida Fau

50% Glam 50% Clavegueram Rock De Kasba

7

PUNK ROCK / Entre el punk

más rockero y el rock más macarra se mueven Ratpenat. Estos cuatro murciélagos de la Ciudad Condal se aliaron en 2017 con el objetivo de rockear sin limitarse a ningún estilo determinado.

Tras debutar con 100% Indecent vuelven a la carga con esta secuela amparada por Rock De Kasba.

Once nuevos temas entre el punk rock y el rock&roll con toques de garaje, rap, metal o hardcore para los que han contado con un buen puñado de colaboraciones. Morfi Grei (La Banda Trapera Del Río) se apuntó al primer single, Barcelona ha mort, una suerte de secuela de su Ciutat podrida. Soto Sargantana (Pirat’s Sound Sistema) hace lo propio en Demà pots ser tu, cuyo estribillo pegadizo le hacía un claro candidato a ser el segundo adelanto. Su gusto por la serie B se desata en Terror, pizza i r’n’r con la voz de Dani Moreno, alma mater de Motorzombis. La lista de invitados la cierra Àlex Vendrell, el cantante de Inadaptats y Eina, en la acelerada Mori el mal govern. —JESÚS CASAÑAS

Romeromartín

A Autoeditado/ La Cúpula

7

POP / El potente segundo

disco de Nereida Fau, A, es una carta brillante en defensa de la igualdad de género y una de las caras más personales de la artista. La lírica, poética y cálida, que se adentra en los problemas que ha ocasionado históricamente el patriarcado para las mujeres. La artista apela al que ha sido el caso más mediático sobre una violación en nuestro país –el de La Manada– en Yo sí te creo. En Mientras sigas, condensa la idea de miedo a la violencia de género y la necesidad de un progreso feminista. Poesía contundente para el cambio. Pop de corte independiente con algunas dosis experimentales que se revuelcan en el rock, como en Hombres raros, en la que la voz de la artista se distorsiona y se mezcla entre ritmos contundentes de guitarra y batería. Cinco años de espera desde El regreso, su primer disco en solitario, A es una abertura en canal realmente intensa y la constatación de una definición como solista excepcional. —KAREN MONTERO

Manifiesto Ground Control

8

FLAMENCO ELECTRÓNICO

/ Un indispensable Manifiesto de electrónica jonda en ocho pasos. La tradición del cante más puro, rezumando dolor, rabia y redención, se funde y bambolea como la mimbre, manteniéndose firme bajo una rave de poesía queer, combativa y liberadora. Alegato a la libertad sexual y creativa, fusionando flamenco (Álvaro Romero) y electrónica (Toni Martín) con textos extraídos de escritores homosexuales y el manifiesto Hablo por mi diferencia de Pedro Lemebel como bandera. De los ecos de “compases y silencios” morentianos y los versos con sed de vida de Braulio Ortiz Poole en la Saeta del pirómano inicial, a una Mariana que rezuma espiritualidad y bola de espejos, pasando por la cicatrizante herida que se abre por Granaína (de la herida), el Que sí, que no de Remedios Amaya, un Tango (de la coca) con aromas cabareteros, o esa batalla vencida del cuerpo y el espíritu en Nací como quise yo. —DAVID PÉREZ

La variedad de Car Seat Headrest

Clem Snide

Forever Just Beyond Ramseur Records

Car Seat Headrest

Make A Door Less Open Matador/Popstock!

POP / Car Seat Headrest no es un grupo cualquiera o al uso, y hasta el propio Will Toledo (principal artífice principal de asunto) es capaz de crearse un alter ego –Trait– para asumir nuevas perspectivas creativas que ahora plantea. Potenciado por sus peculiaridades, el anuncio del primer disco con temas nuevos del grupo en cuatro años –desde que viese la luz Teens Of Denial (Matador, 16)– sólo podía entenderse como una gran noticia. Lejos de decepcionar, el nuevo trabajo del combo norteamericano cumple las expectativas tras revelarse como un disco inspirado, arriesgado, jugoso y, sobre todo, mutante a lo largo de diez temas. En este caso la cooperación alcanza al colectivo 1 Trait Danger, y la referencia presenta orgullosa un indie-pop que se permite algo de pose arty, mientras coquetea indistintamente con la electrónica o apura algún que otro ramalazo punk. El resultado de tan afilada mixtura es un trabajo lleno de aristas que vira en diferentes direcciones, poniendo de manifiesto su poder hipnótico con

AMERICANA / Hay discos que pese a tener todo en su contra acaban viendo la luz, e incluso lo hacen bajo una imprevista brillantez. Las desgracias sufridas últimamente por Eef Barzelay, guía exclusivo de este proyecto, lejos de hundirle definitivamente se han tornado en caldo de cultivo para la publicación, tras un lustro de silencio, de su nuevo trabajo.

Para tal fin ha resultado indispensable la colaboración, artística y emocional, de uno de los hermanos Avett, concretamente Scott, con quien ha elaborado un exquisito paisaje de cálido e íntimo sonido de raíces. Un tejido en el que se vislumbran nombres como Jeff Tweedy, M. Ward o Ron Sexsmith a la hora de encarar un repertorio donde se alterna elegancia, excelsa sobriedad o un pellizco country, representaciones de esa valiosa fórmula que permite transformar el desencanto en belleza.

8

8

cada giro, así como la inmediata convicción del contenido. Car Seat Headrest juegan en una liga similar a la de nombres imprescindibles como Spoon o Dr. Dog, para luego fijarse en otros artistas hasta alcanzar excelentes resultados. Weightlifters se sitúa a medio camino entre Peter Gabriel y David Byrne, mientras que Can’t Cool Me Down y Martin rememoran a los mejores Clap Your Hands Say Yeah, y There Must Be More Than Blood recuerda a Beck. El nivel se mantiene

en el single Hollywood o la acústica What’s With You Lately, antes de que el cuarteto tienda hacia Hot Chip en la final Famous.

Make A Door Less Open es, en definitiva, un disco de notable alto por su jugosidad, variedad y efectividad, así como su fuerza lírica, protagonizado por canciones de sonido contemporáneo, pero que también bebe sin disimulo del pasado y grupos como Talking Heads, Television o Devo.

—RAÚL JULIÁN

—KEPA ARBIZU mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

junio 2020 #31

MONDOVINILOS

Rojuu

Daniel Romano

FOTO: NOEMÍ ELÍAS

OOO Ceuve

TRAP / Rojuu presenta OOO, su nuevo álbum, en el que se percibe una evolución musical que le ha llevado a apostar por sonidos diferentes en algunos de los temas, más alejados del sad/emo trap de sus inicios y más cercanos a lo casi psicodélico de Sticky M.A. OOO es un trabajo que supone un salto de calidad en la carrera del jovencísimo músico catalán que, antes de cumplir la mayoría de edad, se confirma como una de las promesas más interesantes del género. El disco, con dos vertientes (una más continuista con sus trabajos anteriores y otra más innovadora), contiene canciones de nivel como 6to sentido, Como murió algo tan mágico o 4everyoung, donde colabora con Carzé o Clutichill para no romper con la tradición.

Si Rojuu sigue por el camino que marca este trabajo es casi seguro que llegará a hacer trabajos sobresalientes en un futuro, que no pequen de los pequeños defectos (muy pasables) de este. —LUIS M. MAÍNEZ

7

Visions Of The Higher Dream You’ve Changed Records AMERICANA / El canadiense ya no es que salga a disco al año, es que a veces, como es el caso, sale a dos o incluso tres. Es más, en quince días de ha sacado de la manga un jugoso directo titulado Okay Wow (espléndido a todas luces) y estas diez canciones que nos ocupan. Un resumen perfecto de lo que hoy en día es Daniel Romano: un completísimo e inclasificable músico que está ofreciendo un catálogo discográfico al público que quizá sea difícil valorar ahora, pero que con el tiempo debería ser visto como algo muy grande, al alcance de muy pocos. Un geniecillo imprevisible que es capaz de cambiar de tempo un tema tres veces de manera brusca, girar de lo acústico a lo eléctrico en escasos segundos, picotear de la psicodelia e incluso guiñarle el ojo al pop barroco sin que nada suene extraño ni fuera de lugar.

Porque al final, cuando te enfrentas a un disco de Daniel Romano sabes que cualquier cosa puede pasar y que siempre será algo bueno. —EDUARDO IZQUIERDO

9

Sorry

Fleur East

925 Domino/ Music As Usual

The New Raemon y el recto caminar The New Raemon Coplas del andar torcido BMG

8

POP / Hay que tener una pericia muy madurada para cantar sobre la vida y la muerte como cara y cruz indisociables de una misma realidad y no caer en lo pretencioso. Ramón Rodríguez lo consigue en un buen puñado de canciones de este disco, que logra algo que parecía difícil de barruntar hace un par de años: llevar la expresividad del sensacional Una canción de cuna entre tempestades (18) un poco más allá, hasta atisbar una cota de refinamiento que apenas tiene parangón en nuestra escena. Es este un disco sensible y rotundamente honesto, propio de alguien que rebasa con creces los cuarenta tacos. Un trabajo que oxigena, nutre, espolea la reflexión y modela un ideario

#32 junio 2020

en el que la poética de lo cotidiano y una forma de manejar cierta trascendencia sin despeñarse por la sima de la pedantería acaban dándose la mano de forma ejemplar. De nuevo con la complicidad de Raúl Pérez en su estudio de La Mina, Javi Vega (Maga), Salvador Horta y Ricky Lavado a la base rítmica, los arreglos de cuerda de Antonio Fernández Escobar y los pespuntes electrónicos a cargo de David Cordero, The New Raemon profundiza en una sonoridad con más profundidad de campo que nunca, realzada por los coros ingrávidos que aporta Anni B Sweet en tres de sus composiciones. Una colección que dispensa cortes tan fabulosos como El árbol de la vida, Pronto todo será sombra, la moruna Días de rachas grises, En un zarzal, En la feria de atracciones, Ruido de explosiones o La última palabra, con la que el de Cabrils araña esa quimera que él mismo describe (en La mano en el fuego) como atrapar la belleza de la ambivalencia.

Soberbio.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

7

ROCK / Con tan lacónico

nombre se presenta en sociedad la penúltima y joven promesa salida de la fecunda cantera londinense. El filtro de calidad del sello Domino avala a un dúo de amigos del instituto, chica y chico (Asha Lorenz y Louis O’Bryen) que beben de fuentes como el garage elegante, el post-punk, el indie de los noventa y la psicodelia perversa. Su debut largo, que se materializa tras varias prometedoras maquetas y mixtapes, oscila de los buenos estribillos pop como el de Right Around The Clock, More o Starstruck –esta con su riff glam asilvestrado a lo Queens Of The Stone Age– a las melodías siniestras de In Unison o Rosie, que navegan con toques de psicodelia de mal viaje. Esa idea de fluctuar “del cielo al infierno” –así lo definen ellos– la llevan a la práctica con la colaboración del productor James Dring (Gorillaz, Nilüfer Yanya), con el que han grabado trece cortes que, pese a algún altibajo lógico, les muestran maduros y coherentes. —JC PEÑA

Fearless Platinium East

7

POP / No todos los que

se presentan a un talent show consiguen alcanzar el éxito como Fleur East, quien cinco años después de lanzar su álbum debut, presenta su segundo proyecto Fearless intentando superar el listón que alcanzó con Sax. Fearless es un álbum que mezcla distintos géneros musicales, pero East consigue mantenerse fiel a su esencia y a sus directrices pop, hip hop o R&B (lo que la permite navegar de Cardi B o Azealia Banks hasta Alicia Keys o Rihanna). Además, podemos vislumbrar elementos latinos y africanos. East sabía que no era fácil superarse, pero ha hecho todo lo posible. Size es el tema que se acerca más a lo que la artista hizo con su hit de 2015.

Es animado, ligero, pero debemos llegar hasta el final para presenciar el maravilloso Absence Speaks Louder Than Words, un tema blues, R&B, con elementos soul, con una producción más sutil y curada. Con él nos muestra su virtuosismo vocal, su estilo y su elegancia. —NÚRIA CARDÚS

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MONDOVINILOS

Mark Lanegan

Straight Songs Of Sorrow Heavenly Records/[PIAS]

9

ROCK / Aunque hay quien

no lo vea así, aprecio a los músicos que experimentan cosas nuevas. No hay nada más aburrido que escuchar el mismo disco.

De hecho, creo que para volver en condiciones óptimas a tus raíces tienes que atravesar ese periodo de ensayo y error en el que busques llevar tu música a otros terrenos. Hace poco leía un artículo en que se llegaba a esta conclusión: Neil Young ha acabado siendo quien es ahora por esos tres discos fuera de su onda que grabó en los ochenta, a pesar de lo poco valorados que están por público y crítica. A Mark Lanegan su comunión con la electrónica le ha permitido agarrar una luz nueva. Precisamente, en este álbum casa esa faceta con la de toda la vida, esas canciones tan tristes y tan profundas que siempre le han caracterizado.

Lanegan ha grabado un disco en que están todos los elementos que han regido su vida artística, siendo su obra más ecléctica y la más completa al mismo tiempo.

El debut en solitario de Jehnny Beth Jehnny Beth

To Love is To Live Caroline/ Music As Usual

9 POST-PUNK / La artista de origen francés

podría haber tirado por el camino fácil.

Nadie se lo habría reprochado. Su abrumadora presencia escénica, junto a sus sobresalientes facultades vocales y el espléndido trabajo de sus compañeras de Savages, convirtieron al grupo británico en uno de los más justamente respetados de la era reciente. Pese a ello, Beth sentía que la rutina estaba a la vuelta de la esquina, de modo que ha preferido empezar casi de cero con su primer trabajo en solitario. El resultado de su inquietud está a la altura de unas expectativas acumuladas –el magnífico Adore Life de Savages data de 2016–, pero Beth se aleja lo que puede, y hace bien, del sonido de su grupo. El resultado es un disco valiente y dislocado, que tiene en la honestidad brutal y los extremos, entre el grito desafiante y la vulnerabilidad, su mayor baza. Los ropajes instrumen-

tales contemporáneos y el punto justo de experimentación funcionan. Atrás quedan las comparaciones con Siouxsie y los mimetismos hacia cierto post-punk vintage (cuya filosofía sigue presente): en To Love Is To Live hay una apuesta firme por aventurarse en arenas movedizas. Apoyada por su cómplice y compañero sentimental Johnny Hostile (con quien ya tuvo, años atrás, la aventura musical John & Jehn), productores de pedigrí como Flood (Depeche Mode, PJ Harvey) y el NIN

Atticus Ross, y apariciones estelares como las del actor Cillian Murphy y Joe Talbot de Idles, Beth explora terrenos sintéticos, cuasi industriales y atmosféricos, mientras su voz se convierte en el instrumento principal. Una voz con una amplitud de registros prodigiosa, capaz de pasar del desafío macarra sin restricciones de la musculosa I’m The Man a la sensualidad descarnada de Flower y su poderoso estribillo o la dulzura romántica de The French Countryside. —JC PEÑA

—TONI CASTARNADO Lu Rois

Fake Names

PUNK / ¿Es Fake Names una banda necesaria en este momento? Disculpad el monotema, pero un disco así de enérgico y fresco podría desentonar con el ánimo en el que el mundo anda metido. Sí, este disco y esta banda son muy necesarios a día de hoy. Fake Names es un nuevo súper grupo formado por Brian Baker (Bad Religion, Minor Threat, etcétera), Dennis Lyxzén (Refused, The (International) Noise Conspiracy), Johnny Temple (Girls Against Boys) y Michael Hampton (Embrace). Su recién nacido disco de debut es el resultado de un trabajo que comenzó en 2016. Y sólo ocupará veintisiete minutos de tu vida disfrutarlo al completo, multiplicado por la cantidad de veces que quieras repetir su escucha en caso de que te entregues a una dosis de power-pop, hardcore punk y guiños new wave, moderada con llamativa precisión. Aquí encontraremos ecos de todos los grupos principales de los integrantes de la banda, donde todas esas sonoridades logran convivir perfectamente. —ADRIANO MAZZEO

7

Sparta

Microcosmos Bankrobber

Fake Names Epitaph/ [PIAS]

8

POP / En un live de Insta-

gram, cerquita y sin artificio, y con su hijo revoloteando por la casa. Así estrenó Lu Rois su nuevo disco. Y la coyuntural puesta de largo no pudo venirle mejor. Microcosmos es cálido pero enérgico, perfecto para mimarlo a piano y voz. Además, trata sobre la maternidad y la experiencia de tener un pequeño en casa. Un hecho que, a la vista está, afecta incluso a la elaboración de un concierto. La complejidad de la maternidad es el punto fuerte de Microcosmos: amor e ilusión, pero también soledad y extrañeza. Todas esas vivencias están recogidas en el tercer disco de la catalana, cuya última referencia, Clarobscur (17), era más folk. Lu Rois da un paso adelante en la producción, más atmosférica. La suma a una voz llena de matices (aniñada pero potente), un piano en tromba que sería del gusto de la última María Coma y unas melodías cristalinas. Así, las sensaciones llegan. L’univers als teus ulls es un buenísimo ejemplo.

—YERAY S. IBORRA

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Moby

Trust The River Dine Alone

8

ROCK / Se hizo esperar y

mucho este Trust The River, el primer trabajo de Sparta en catorce años. Siento debilidad por esta banda de El Paso, como por tantas otras formaciones injustamente infravaloradas. Merece la pena recordar que esta banda se gestó en el 2001 cuando At The Drive-In cesaron su actividad por primera vez en el 2001.

Después de tres discos de posthardcore y dolorosos cambios en la formación, Trust The River tiene un corte mucho más clásico.

Se intuye la influencia de Sleepercar, el proyecto personal de su cantante y guitarra Jim Ward, en la inicial Class Blue, el dueto de Spirit Away, el precioso piano de la balada Dead End Signs y, sobre todo, Believe, la cosa más ‘radio friendly’ de toda su carrera. Solo el nervio de Cat Scream nos devuelve a los Sparta de los primeros dos mil. ¿Qué podíamos esperar después de tanto tiempo?

Trust The River es una fotografía actual del superviviente Ward, mucho más relajado y espiritual. —LUIS BENAVIDES

Silvia Pérez Cruz & Marco Mezquida

All Visible Objects Mute/[PIAS]

ELECTRÓNICA / Moby fue paradigma de modernidad electrónica en los noventa, pero los últimos discos de Richard Melville Hall han quedado en mixturas algo desordenadas que, de algún modo, son el propio reflejo abreviado de su carrera.

All Visible Objects no es una excepción, e incluye piezas de diferentes pelajes que tienen como consecuencia una referencia algo irregular tanto en formas como en consecuencias. A favor puntúa que Moby ha evitado venderse a moda alguna, y que todavía alberga destellos de inspiración que concreta en las piezas más brillantes del lote. En contra, que luce algo estancado y en ocasiones perece recrearse en exceso en lo que algún día fue. Aquí hay bastante más de lo primero que de lo segundo, con varios cortes capaces de devolver la fe en el autor al tiempo de remitir a aciertos del curriculum pasado. Y es que sólo por el placer de localizar esas gemas que salpican cada una de sus entregas, el asunto termina por merecer la pena.—RAÚL JULIÁN

6

MA. Live In Tokyo Universal

8

CANCIÓN / Hay algo en

Silvia Pérez Cruz que aplaudo y envidio: su libertad para decidir y tomar los caminos que más le apetecen. Después de Vestida de nit ya dejó claras sus intenciones, deseaba asumir más riesgos. Lo cual, y siendo ella, no es tema menor, pues nunca se caracterizó por ir a únicamente hasta cotas sencillas. Se involucró en Grito Pelao, actuó con Toquinho y Javier Colina, y a todo esto, su aventura japonesa junto a otro que no tiene techo, un Marco Mezquida que se mete en el bolsillo a todo el mundo, gracias a una clase y delicadeza que no pasan desapercibidas. En octubre de 2019, tras dos años de compartir escenarios, juntos tomaron un vuelo en dirección a Tokio para registrar un directo en el Blue Note de la ciudad. Aquí no hay truco. Ella a la voz y la guitarra, él acompañando al piano. ¿Y el repertorio? Un puzle que tiene de todo, desde referencias hermosas y cálidas a las islas, hasta guiños al pop aunque llevados al terreno del jazz. —TONI CASTARNADO junio 2020 #33

MONDOVINILOS FOTO: ARCHIVO

Daniel Avery y Alessandro Cortini

Moses Sumney: sin reglas Moses Sumney

græ Jagjaguwar/Popstock!

9 POP / Para Moses Sumney, no hay más reglas

que las que él mismo se quiera imponer. Es decir, ninguna. Si alguien tenía alguna duda sobre la conveniencia de añadir su nombre a la pasarela de grandes talentos de ese pop polimorfo que desenmaraña la complejidad de nuestro presente (Anohni, Perfume Genius, Solange), quedará más que solventada con este colosal segundo álbum. La mitad de su contenido fue ya desvelado digitalmente en marzo, pero es ahora cuando sus veinte canciones cobran formato físico como una ambiciosa declaración de intenciones que empequeñece –por contraste– un trabajo tan notable como Aromanticism (17), y que explora a fondo la idea de la alteridad y cuestiona los planteamientos binarios en esta sociedad del like y el unlike para poner en solfa los estereotipos de género (ya sea sexual o

#34 junio 2020

estilístico), de raza o de cualquier cosa que se le ponga por delante a este talento omnívoro, artista total, portentoso vocalista de falsete que desafía cualquier capa de la atmósfera y compositor de instinto superlativo para rodearse de un all star de músicos que dan a su discurso justo lo que necesita en cada momento: el bajo de Thundercat, el saxo de Shabaka Hutchings, los vientos de Adult Jazz, los arreglos de cuerda de Bob Moose, la voz de la gran Jill Scott, el piano ocasional de Esbjörn Svensson, la rúbrica compartida de James Blake y ahora, por si fuera poco, la coproducción de Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) en un equipo en el que también figuran Matt Otto y John Congleton. Sin definirse como soul, ni como jazz, ni como r’n’b, ni como folk ni como art rock, o definiéndose implícitamente como todo eso (y algo más) al mismo tiempo, el californiano de origen ghanés entrega un álbum desbordante, que funde lo cerebral con lo carnal, se presta a innumerables y múltiples escuchas y logra plasmar la deslumbrante belleza de lo indefinible.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Illusion Of Time [PIAS]

7

EXPERIEMENTAL / Unidos

por una recíproca admiración, Daniel Avery y el teclista de Nine Inch Nails, Alessandro Cortini, han decidido gestar un álbum definido por el devenir conceptual, la divagación sonora y una producción que oscila entre lo onírico y lo ferruginoso.

Ambos artistas habían puesto en común sus perspectivas años atrás en la gira que mantuvo ocupada a la banda de Trent Reznor durante varios meses. Avery, telonero del proyecto estadounidense, empatizó a la perfección con un Cortini dispuesto a crear, y el resultado de sus planteamientos ha tomado forma bajo el nombre de Illusion Of Time. Este extraño e intimista decálogo sonoro nos adentra en un pasillo abovedado en el que los juegos de texturas y las intensidades de sonido juegan un papel prioritario. —FERNANDO O. PAÍNO

Amnesia Scanner Tearless PAN

EXPERIMENTAL / La propuesta creativa del dúo Amnesia Scanner no ha parado de evolucionar durante estos cuatro años de existencia. Una carrera breve pero exitosa, que empezó muy fuerte con un gran EP en el sello Young Turks y ha seguido progresando, ahora bajo el paraguas del sello PAN, hogar de otras lumbreras del género como Errorsmith, Beatrice Dillon o M.E.S.H. En este Tearless muestran su visión de la actualidad procesada a través de la

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música con un trabajo influenciado por toda la situación que se estaba viviendo en nuestra sociedad pre-coronavirus. Todos esos sentimientos de confusión, soledad e impotencia se ven reflejados en los diez temas de los que se compone el álbum, con colaboraciones de la cantante peruana Lalita en dos temas (AS Tearless y AS Aca) que parecen un cruce entre M.I.A y Ministry, un toque metalero/experimental que repiten en un AS Flat con la banda de metalcore Code Orange de invitados. —RAÚL LINARES Jorra i Gomorra

Vellut i purpurina Bubota

POP / Quién, por el título, se espere un disco de glam, va mal encaminado. Pero quién literalmente busqué ‘terciopelo y purpurina’ en el álbum, los encontrará porque la comodidad y el brillo son importantes en las diez canciones publicadas por el grupo de Manacor. En su segundo largo exploran lo que ya habían empezado a investigar en su epé anterior, las texturas electrónicas. Sintetizadores y cajas de ritmos llevan nuevos tintes a los temas, acercándoles a un sonido más metafísico pero sin perder la iconoclastia rock de sus amados Quimi Portet o Guided By Voices. Este disco es la última confirmación del genio de Jorra Santiago. Sin pausa pero sin prisa, nos demuestra que le queda música y palabra para rato y que, aunque su universo de procrastinación tropical esté bien claro, hay facetas líricas con las que justo ahora se pone a jugar.

Vellut i purpurina gira en torno a la admiración de cosas resplandecientes, corriendo el riesgo de convertirse en una.

7

—MARCEL PUJOLS

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Oranssi Pazuzu

METAL / A un disco de

Oranssi Pazuzu se acude buscando algo muy concreto y que pocas, poquísimas bandas pueden ofrecer: un magma sonoro denso, oscuro, hipnótico y extrañamente pegajoso cuya originalidad representa un necesario soplo de aire fresco para el black metal. Mestarin kynsi es una obra completísima por aglutinar en una misma obra sus diferentes registros: desde la experimentación de Kuulen ääniä maan alta al blast-beat cósmico de Taivaan portti, donde bajo y batería –elementos claves en el sonido de la banda– alargan la tensión hasta el límite repitiendo una y otra vez la misma figura, hasta llegar a la contención de Tyhjyyden sakramentti, el corte más psicodélico del álbum. Oikeamielisten sali podría formar parte de ese soberbio Värähtelijä (16) y, aún sin llegar a su nivel, Oranssi Pazuzu demuestran con su nuevo trabajo porqué son una de las bandas más interesantes del actual panorama del metal extremo.

—TOMEU CANYELLES

Reunions Southeastern Records

7

sencilla someter la identidad de uno mismo a una continua autoevaluación, ni en el plano humano ni en el artístico. Por eso hay que reconocer el mérito de la música de Jason Isbell, contraria siempre a rehuir los conflictos morales, y que en este nuevo disco decide enfrentarse con los diversos fantasma que han jalonado su vida. Introspección a la que acompañará además de una determinación por superar, apoyado en una vistosa y copiosa producción, los límites de un rock americano en el que figura ya como auténtico experto. Las declamaciones envueltas en un halo confesional –a lo Michael Kiwanuka– de What’ve I Done To Help, el delicioso aroma campestre contenido en Dreamsicle o la esplendorosa balada country que es Letting You Go, subliman un repertorio que sin embargo se descontrola algo en sus envites más eléctricos. Un leve contratiempo consecuencia sin duda de la nunca reprobable decisión de priorizar la pasión y el riesgo.—KEPA ARBIZU

Chencho Fernández

Testura

Testura Forbidden Colours

Baladas de plata Warner

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ROCK / Baladas de plata en

vena nos trae Chencho Fernández como adictivo y morfínico antídoto para huir de lo banal y degustar lo efímero, reapareciendo triunfal y decadente (como los grandes) entre la niebla que separa la madrugada beatnik de Nueva York del alba sevillano aferrado a la penúltima copa de una velada interminable. Con la sombra del Nick Cave más crooner, la sensualidad de Gainsbourg y el Lou Reed más chulesco, Chencho encadena cimas compositivas en las que late resplandeciente (con una preciosista orquestación de altos vuelos), la fragilidad del amor y sus infinitas espinas. Del rock con tintes stonianos de La fosa de Las Marianas a la cabaretera En boga, con coros y vientos al más puro Transformer (72), pasando por el mambo de azufre de Salvador en la plaza del pan, irresistible en el corazón y esa belleza dolorosa que se desborda en Como se odian los amantes y funde amaneceres, a ritmo de ranchera, en la majestuosa Noche americana. —DAVID PÉREZ

AMERICANA / No es tarea

FOTO: PABLO ALZAGA

Mestarin kynsi Nuclear Blast

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MONDOVINILOS

Jason Isbell And The 400 Unit

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ELECTRÓNICA / Ander

Mujika ha mantenido una actividad incansable en el mundillo musical desde la separación de Napoka Iria, pero hasta ahora se ha dado siempre en forma de colaboración y apoyo a otros artistas. Su parte más creativa y personal ha permanecido oculta en todo este tiempo, acumulada en pequeños esbozos, ideas inacabadas y apuntes prometedores que, por fin, ha decidido pulir y redondear y dar a conocer. Un ejercicio íntimo y tan solo compartido con Felix y Johannes Buff para que mezclen y añadan sutiles capas de sonido con extrema delicadeza y elegancia, que se ve aumentado y enriquecido en su traslación al directo, por la proyección de coloristas transparencias de Maialen Belaustegi. Pero Testura es, ante todo, un lienzo sobre el que emergen nuevas, etéreas e irrepetibles formas en cada escucha y visualización, del que este delicioso vinilo es tan solo una bella y muy prometedora primera muestra. —ANTTON ITURBE

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Viva Belgrado: la democracia del grito Viva Belgrado Bellavista Aloud Music

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ROCK /Decir que Viva Belgrado han cam-

biado puede resultar una obviedad, sin embargo el miedo al cambio era un factor común de muchos de sus seguidores mientras que los cordobeses nos avanzaban un corte como Más triste que que Shinji Ikari. Y es que resultaba un adelanto perturbador para los amantes de la cara más screamo o punk de la banda. Ahora, con todo el material disponible, podemos decir que el cambio no ha sido tan drástico pero al mismo tiempo que Bellavista no es un trabajo continuista con respecto a Flores, carne (14) y Ulises (16). Estamos ante un disco mucho más accesible pero igualmente hiriente. Un larga duración no pensado para nadie y hecho para todos los que deseen algo más que un simple hit festivalero. Bellavista es una referencia con un mensaje intergeneracional prácti-

camente inexistente en el panorama musical nacional. Al escuchar el tridente inicial conformado por Una soga, Bellavista y Cerecita Blues apreciamos que Cándido Gálvez es un portavoz de sentimientos en los que todo el mundo tiene derecho a verse reflejado. El grito es solo un recurso, uno más de su paleta de posibilidades. Lo que no ha cambiado es un discurso que va desde el desamor al nihilismo en un par de fraseos. Reiteramos, el grito es solo un recurso de rabia y tensión. La sensación y el sentimiento van a seguir ahí incluso con el sustento de una guitarra flamenca o unas pocas de palmas, Un collar, o en ritmos urbanos cercanos a un elegante pop urbano salpicado de trap. Todo cuadrado en texturas musicales de unos músicos que se conocen bien y saben que son capaces de fabricar el paisaje sonoro que se propongan. ¿Candidatos a honores en 2020? Sin duda, ya que tras los pasos de Standstill, son la cruz de guía de mucha gente que no ve la luz más allá de su local de ensayo. Uno de los referentes actuales de una música que golpea y emociona a partes iguales. Ellos son la democracia del grito. —ROJAS ARQUELLADAS

junio 2020 #35

36/Mondo Media Notas a Apocalypse Now Eleanor Coppola Barlin

9 Tras todo gran hombre hay una gran mujer, dice la máxima aquella. Eleanor Coppola es esa mujer, cineasta y escritora, de la que nadie habla cuando se echa mano de la épica del rodaje de Apocalypse Now. Pero leer su sincero diario sobre los tres asfixiantes años de rodaje, son todo un reconocimiento de la dureza de convivir con Francis Ford Coppola aquellos días.

—JAVIER CASTILLO

Transirak

Mr. Perfumme Niños Gratis*

8 Escritor y músico, el valenciano Mr. Perfumme nunca ha sido un autor corriente. Lleva varios títulos dejándolo claro, pero si pensábamos que Saber matar era la máxima demostración, nos equivocábamos. Transirak es una locura descontrolada. Solo que una locura trenzada a la perfección dentro de su aparente caos y con una galería de personajes surrealistas con mucha miga. Un placer distinto. —JOAN S. LUNA #36 junio 2020

Hernán Migoya Memorias en el paraíso de la compra

Nombre destacado del cómic estatal, el guionista y escritor Hernán Migoya, voluntariamente exiliado desde hace años en Perú, se adentra una vez más en el mundo de la literatura con Baricentro (Reservoir Books, 20). Relato autobiográfico en una de las novelas más sinceras y emotivas de la temporada en nuestro país.

D

ebe ser una soberana putada publicar una novela tan genial como Baricentro y que llegue un virus, nos encierre a todos en casa y joda el plan promocional. Hernan Migoya lo ve de otra manera. Para este guionista de cómics nacido en Ponferrada y crecido en Barberà del Vallès, ciudad dormitorio del extrarradio barcelonés, el bajón vino durante el proceso de creación de la obra, cuando pasó por fases de entusiasmo combinadas con otras de depresión profunda en las que creyó firmemente que a nadie le iba a interesar lo que estaba escribiendo. La recompensa de un escritor es terminar su novela y la guinda, publicarla, sostiene. “Lo demás no me importa, de verdad. Baricentro existe, es lo único importante. Casi todos los libros que adoro no están nunca en boca de nadie, así que no me afecta. Baricentro

llegará a quien deba llegar”.

Hernán Migoya vive opcionalmente exiliado en Lima desde hace años.

Cuando se le pregunta por su expatriación voluntaria, responde que son diversos los motivos que le llevaron a Perú. “Descubrí un país más joven, menos crispado y más ilusionado que el nuestro. No tener que padecer rencillas de identidad en tu entorno ni discusiones políticas por cualquier tema supone un alivio indescriptible para el espíritu. Y, no menos importante, está la cuestión estética: siempre he encontrado muy bellos a los andinos. Me encanta pasear y estar rodeado de personas hermosas y todas morenas… Excepto los pijos, que son rubios y feos”. Más allá del atractivo de los peruanos, puede que hayan sido los casi diez mil kilómetros que separan Lima de Barcelona lo que le ha permitido dar vida a una novela tan personal como Baricentro. O no, contrarresta él. Tal vez si se hubiera quedado de hijo divorciado cuidando a sus padres, también se hubiera visto escribiendo en un rincón de su cuarto de siempre. “Pero vivir en Lima sí me ha proporcionado un mirador privilegiado, como dicen las agencias turísticas, y un filtro más antropológico.

Te das cuenta de lo poco importantes que somos en cualquier parte del mundo”.

Todos los héroes de Hernán Migoya murieron hacia los cuarenta años.

Freddie Mercury, D.H. Lawrence...

Robert E. Howard incluso antes, a los

treinta. Por eso el guionista y escritor siempre pensó que moriría a los cuarenta y seis años. “Ahora tengo cuarenta y ocho y no entiendo por qué sigo vivo. No tengo hijos ni voy a tenerlos, ya no sirve de nada que yo esté aquí. Para mí es como un tiempo regalado, de más. Pero sigo con la sensación de que moriré muy pronto, así que o escribía Baricentro ahora o no lo haría nunca”. La génesis de la novela se encuentra en la anécdota que conforma el prólogo. Aquella visita al centro comercial Baricentro en la que su hermano y él acompañaron a sus padres enfermos despertó en ellos la sensación de que volvían a ser la familia ilusionada, eterna y feliz que cuarenta años antes acudía de compras a ese mismo lugar. “Yo estoy acostumbrado a basar mis novelas en sucesos fantásticos, de imaginación pura, y no concebía que algo así pudiera interesar a nadie. Pero me di cuenta de que podía servir para exhumar mis fantasmas personales y, de paso, darles una tunda”. —ORIOL RODRÍGUEZ

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Baricentro

Hernán Migoya Reservoir Books

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LIBROS

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“Sigo con la sensación to, de que moriré muy proncentro así que o escribía Barinca” ahora o no lo haría nu

Meritxell Duran Reservoir Gráfica

7 Normalización de una enfermedad tan seria como la depresión en formato gráfico a través de afectados en primera persona, testimonios, doctores y terapeutas. Construida con todas esas voces y la de la propia Meritxell Duran, estamos ante una biografía coral que ahonda en los entresijos mentales y físicos de un modo amable y universal, entrando en la terrible oscuridad y saliendo –no siempre– para atisbar la luz a ratos. —OCTAVIO BOTANA Essex County

Jeff Lemire Astiberri

9 ¿Has visto alguna vez a personajes de una gran novela cobrar vida? ¿Has llorado y reído con ellos? ¿Les has llegado a querer y odiar y/o compadecer como si formasen parte de tu propia familia? Tu vida no es como la esperabas, eso ya lo sabemos.

Pero Essex County tampoco, y es importante que lo entiendas, porque nada es normal dado que antes nunca lo fue. Bravísimo.

—OCTAVIO BOTANA Squeak The Mouse (Integral) Massimo Mattioli Fulgencio Pimentel

9 Massimo Mattioli (1943-2019) ofrece en Squeak The Mouse su Apocalipsis slapstick. Respetando las formas de los cartoons clásicos crea una cacería underground de gato-y-ratón disparatadamente gore y con episodios de contundente porno. Todo sin diálogos, con colores pop y una página de doce viñetas fijas. Ejemplo claro de que el cómic es uno de los medios más adecuados para la comedia. —OCTAVIO BEARES

Marc Ros Bailar con el lector

Quiero empezar este texto puntualizando una cosa. Aquí y ahora estamos hablando con Marc Ros, un escritor que, casualmente, también es el cantante y compositor de Sidonie y no al revés. Sigue la flecha. Se hace saber que el artista ha debutado con una novela que se titula El regreso de Abba (Suma de Letras, 20).

E

L REGRESO DE ABBA es una obra que poco corresponde a lo que cabría esperar de una opera prima. Al contrario, me atrevería decir que su estilo combina un perfecto pulso entre la pasión y la madurez, entre el fetichismo y la introspección. Trazado con un oficio propio de los escritores más experimentados.

Y, aunque el resultado sea impecable y contagioso para el lector, no ha sido una tarea nada fácil para el artista.

“Escribir es como una droga; te lleva del cielo al infierno en un clic, pero yo tengo que confesar que he estado más instalado en el infierno. Empezó cuando ya llevaba cincuenta páginas escritas y me vi en un punto de no retorno.

Ya había desarrollado una relación con los personajes. Los quería, formaban parte de mí, los veía por casa, hablaba con ellos y en ese momento fui incapaz de abandonarlos. Además, tengo la sensación de que la literatura me ha salvado muchas veces la vida, o vamos a decir que me la ha mejorado. Así que esta es mi manera de devolver el favor a todos aquellos escritores que alguna vez me han ayudado”. De la trama se desprende un halo de malditismo que se puede oler y que también ha estado presente en la vida de Marc. ¿Es posible ser artista y feliz? “No. Como decía Virgina Wolf: ‘vivir o crear’. Ahora pienso que no tenemos que estar tan al límite, pero sí que las grandes obras se hacen desde el conflicto y esto desgasta mucho. Esto no significa que tengas que ser Kurt [Cobain] y quitarte la vida al día siguiente, pero el conflicto tiene que estar”. En esa distancia que existe entre el arquetipo y el personaje, encontramos a Marc, escondido entre muros, disimulando ante cualquier atisbo de correspondencia. Sea como sea, uno de los méritos de este libro es que los protagonistas se hacen tan vivos, que parecen más reales que algunos ami-

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MONDO MEDIA

una “Escribir es comocielo droga; te lleva deln clic” al infierno en u

gos. Y, como Pinocchio, casi toman vida al margen de las palabras impresas.

“Hugo y Domènech tienen más cosas de personas ajenas, pero en cambio para Abba no he tenido que ir más lejos de mi casa. No me ha hecho falta documentarme demasiado, porque parece que ya estaba muy hecha. Pero al mismo tiempo es la que dejo más al aire.

Me apetecía que permaneciese abierta de alguna manera”.

EN LA NOVELA LAS PALABRAS se dividen entre la acción y la reflexión.

Marc baila con el lector, con unas frases que incendian esa luna que ilumina el alma de cada noche. “En la mayoría de páginas soy yo, con mis referencias y mis modelos en el cogote. Pero con mi propia voz, que surge del error y de mi incapacidad para copiar a mis héroes literarios”. Inmiscuirse en la piel de Abba, cantante de un grupo pop, mujer y protagonista, ha sido un proceso natural para Marc. “Al principio pensé que seria difícil, luego empecé a pensar

en autores que se habían puesto en la piel de una mujer y me dejé llevar.

Liberé mi parte más femenina. Nunca me he sentido claramente hetero y el hecho de que mi condición sexual divague, ha sido para mí de gran ayuda”.

Hay un momento de cierto erotismo en el libro… “Claro yo no tengo ni idea de cuál es la sensación de ponerse un dedo entre los muslos y tocar un clítoris, pero he visto hacerlo y he intentado imaginármelo y creo que al final he conseguido describirlo y comunicarlo”.

—ANDREU CUNILL

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El regreso de Abba Marc Ros Suma de Letras

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Depresión o victoria.

Crónica de una batalla

LIBROS

CÓMICS

junio 2020 #37

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com PUBLICIDAD Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación

Bohannon

Origen: Newman, Georgia (Estados Unidos), 1964-1990 - Fallecido en 2020

F

UE UNO DE TANTOS actores secundarios del estallido disco, aunque es de ley recordar que su música iba mucho más allá, tanto como precursor del género como también –faceta esta menos conocida– como ingrediente fundamental en las bacanales rítmicas que, desde las discotecas de Chicago, removieron las aguas de la pila bautismal del house a mitad de los ochenta. No lo tuvo fácil para hacerse un hueco preeminente: sus primeros álbumes vieron la luz en un periodo copado por obras maestras de la música negra (Marvin Gaye, Curtis Mayfield, Stevie Wonder), en el primer tramo de los setenta, y la propuesta de Hamilton Bohannon tenía además siempre un componente de raíz muy marcado, más propenso a la agitación febril –irresistible, eso sí– que al estribillo memorable. Algo perfectamente lógico, teniendo en cuenta que se había curtido como batería desde 1964 en la banda de directo de Stevie Wonder, cuando este aún era Little Stevie y apenas contaba trece años. Era previsible, pues, que el ritmo sería el condimento esencial de su discurso: repleto de funk, groove y una sensualidad cruda y frondosa, sin amaneramiento alguno, sin la sofisticación mullida del disco lounge pregonado por Barry White o Isaac Hayes. Credenciales, por cierto, que también le garantizarían mayor repercusión en Reino Unido –donde siempre cotizó al alza la negritud sin conservantes ni colorantes– que en su propio país.

NACIDO EN GEORGIA, el joven Bohannon (siempre tuvo a bien primar su apellido por aquello de honrar a su familia) se mudó a Detroit a mediados de los sesenta para hacerse un hueco en la Motown como instrumentista al ser-

#38 junio 2020

vicio de Marvin Gaye, Smokey Robinson, The Four Tops o The Temptations.

Cuando Berry Gordy decidió trasladar la discográfica a Los Angeles, en 1972, él decide quedarse en Detroit, monta su propia banda, The Fabulous Counts (en la que militan Dennis Coffey y Ray Parker Jr) y es cuando emprende una carrera en solitario cuyos estupendos seis primeros álbumes edita el sello Dakar. Destacan entre ellos Stop & Go (Dakar, 72), Keep On Dancin’ (Dakar, 73), con delicias downtempo como Have A Good Day –que prueban que su versatilidad va más allá del remolino rítmico– o Bohannon (Daker, 75), en la que destaca la definitoria Bohannon’s Beat (Part 1), uno de tantos temas que facturaría con su nombre como seña distintiva, junto a baladones en medio

IMPRESCINDIBLE

The Collection (Spektrum, 04)

DADO QUE LO MEJOR que hizo Bohannon se reparte en cerca de una decena de álbumes durante los años setenta, entre los cuales es complicado señalar alguno como su indiscutible obra maestra, lo mejor es adentrarse en su obra con The Collection (Spektrum, 04), recopilación de catorce de sus mejores petardazos. Todos juntos forman una secuencia imbatible.

Depósito legal B. 11 809-2013

de tanto stomper como Gentle Breeze o Think Of Me. CUANDO EL FENÓMENO disco corre como la pólvora por todo el planeta, sus discos cobran algo más de visibilidad. Es lo que ocurre con Dance Your Ass Off (76), Gittin’ Off (76) y, sobre todo, con Summertime Groove (78), ya editado en Mercury. De este último se extrajo la contagiosa Let’s Start The Dance, una canción que, junto a Coming On Strong (78), su dueto con Caroline Crawford, acabarían convirtiéndose unos años más tarde casi en himnos en clubes de Chicago como el Warehouse o el Music Box, en los que Frankie Knuckles y Ron Hardy –respectivamente– las pinchaban de forma habitual. De esta forma, al igual que ocurriría con otras canciones de versos libres de la disco music, como I Need You (80) de Sylvester e incluso High Energy (1984) de Evelyn Thomas, la música de Bohannon formó parte de la simiente del house.

SU DISCOGRAFÍA se fue diluyendo hasta su último trabajo, el flojo Here Comes Bohannon (89). Pero para entonces ya era carne de sampler: Public Enemy, Ultramagnetic MC’s, Jay-Z, Mary J Blige, Pete Rock, Jungle Brothers, Mr. Oizo o Justin Timberlake parchearían su música con fragmentos de sus canciones, mientras él ya vivía retirado de los focos, viviendo de sus derechos de autor y convertido en un ferviente devoto cristiano, al igual que Donna Summer. Tan solo el éxito del Get Get Down de Paul Johnson, en 1999, que plagiaba de forma muy poco disimulada el patrón de su Me & The Gang, de 1978 (y que le valió a Johnson una demanda), hizo que recuperase un nicho en la actualidad diaria. Hasta su muerte, en abril de 2020. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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