Nº 168 MONDO SONORO DICIEMBRE 2009

Diciembre de 2009 nº 168

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

THEM CROOKED VOLTURES

ENCUENTRO GENERACIONAL FUCK BUTTONS

HAZLO CRUJIR QUIQUE GONZÁLEZ

HACE LAS AMÉRICAS

LK O F F O S R E T S O M

S E N U L S O L L O S L A

Y ADEMÁS ESTE MES...

LA TROBA KUNG-FÚ • BEAK • GILLES PETERSON • GIRLS • CASS McCOMBS • RAMONA FALLS • THE ANTLERS • EDITORS • VITALIC THE RAVEONETTES • PARADISE LOST • BENJAMIN BIOLAY • ARIZONA BABY • AARON THOMAS • SFDK • GAS DRUMMERS • SPIKE JONZE

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MondoSonoro · Diciembre 2009 /5/

staff

24 Them Crooked Vultures

Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinador contenidos web Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com)

sumario

NOTICIAS 6. La Troba Kung-Fú, el retorno 7. Gilles Peterson apuesta por el nuevo sonido de Cuba 8. Geoff Barrow hiperactivo al frente de Beak

Una historia verdadera

mondofreako

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres

11. Girls 12. The Antlers 13. The Raveonettes 14. Cass Mccombs 15. Ramona Falls 16. Paradise Lost 17. Benjamin Biolay 18. G.A.S. Drummers

◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) David Morell (david@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación Xavier Puigbó (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939

mondobeats 19. Vitalic

◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892

entrevistas

◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200

21. Fuck Buttons Tienen una bomba 23. Quique González Luz de atardecer 24. Them Crooked Vultures Una historia verdadera 26. Monsters Of Folk Los monstruos ya no dan miedo

◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026

Conciertos

◗ Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479

29-35. Depeche Mode, V Heineken Greenspace, Rammstein...

◗ Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

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◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

36-37. Arizona Baby, Aaron Thomas, Port O’brien...

◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Luis Fernández M. Tlf./Fax 915 400 055

vinilos 39. SFDK Disco del mes

Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

mondomedia 49. Cine: Spike Jonze 50-51. Mondo Recomienda 52. Conexiones

mondoweb 54. Blogs “no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Albert Jodar porque le va el sado”

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

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camisetas

del juego de PSP

“Beaterator Timbaland”

/6/ Diciembre 2009 · MondoSonoro

TAN lejos... ◗ ROB ZOMBIE abandona su sello de toda la vida, Geffen/Universal, para firmar un nuevo acuerdo con Roadrunner Records, una de las discográficas especializadas en sonidos duros más respetadas de la actualidad. La nueva casa de Zombie será la encargada de editar “Hellbilly Deluxe 2”, que saldrá a principios de 2010.

Joan Garriga Foto Jordi Musquera

NOTICIAS

◗ LIARS han confirmado por fin los primeros detalles de su esperado nuevo disco.

El nuevo trabajo de los norteamericanos, titulado “Sisterworld”, verá la luz a principios de 2010 vía Mute y ha sido producido por Tom Biller (Jon Brion, Grant Lee Phillips) en unos estudios de Los Angeles, ciudad que ha marcado de forma importante el resultado final del disco. ◗ MIA se encuentra en estos momentos dando forma a su esperado nuevo disco.

Así lo afirmaba Diplo hace unos días en la web http://pedestrian.tv/, al anunciar que, junto a Switch, productor de “Kala”, se está encargando de dar los últimos retoques a unas cuantas canciones que estarán incluidas en el disco, un trabajo que presentará un buen número de colaboraciones. ◗ KINGS OF LEON, rockeros trendy donde los haya, que se han asociado con una firma de diseñadores franceses, Surface To Air, para lanzar una serie de prendas de vestir en edición limitada. De momento, sólo se podrán adquirir las piezas de ropa desde la web de la exclusiva boutique de moda Paris Texas con base en Copenhage.

El retorno de La Troba Kung-Fú Visitamos La Fournier, guarida de La Troba Kung-Fú, para escuchar en exclusiva nueve de los temas que formarán parte de su esperado segundo álbum. Un disco que, de cumplirse los plazos previstos, verá la luz el próximo mes de febrero. ¡Ah! y por lo oído promete ser la bomba.

Animal Collective Foto Archivo

◗ Tras anunciar hace unas pocas semanas la reedición de uno de sus discos más difíciles de encontrar, “Campfire Songs”, ANIMAL COLLECTIVE anuncian la salida de un Ep el 14 de este mes con cinco canciones nuevas titulado “Fall Be Kind”. Una de las canciones incluidas en el Ep, “What Would I Want? Sky” presenta un sample de “Unbroken Chain” de The Grateful Dead. ◗ JON SPENCER BLUES EXPLOSION, que apenas han dado señales de vida desde 2004, fecha de publicación de su último disco de estudio, han anunciado que la próxima primavera se recuperarán en orden cronológico sus primeros discos, además de presentar un “grandes éxitos”. ◗ THE BLACK CROWES no dejan de editar material de consumo obligatorio para sus fans. Su nuevo lanzamiento es “Cabin Fever”, un DVD muy especial que contiene filmaciones de la grabación de su último disco de estudio “Before The Frost... Until The Freeze”. Especial porque, gracias a una técnica conocida como inviter, permite que el espectador interactúe con el DVD durante el visionado.

D

ebo reconocer que sentía una gran curiosidad por visitar La Fournier, mítico caserón del pueblo barelonés de La Garriga que, desde hace unos doce años, es el cuartel general de Joan Garriga, primero con los míticos Dusminguet -un dibujo del edificio ilustró la portada de “Go”, su disco póstuno- y después con su particular proyecto bajo el nombre de La Troba Kung-Fú. Y lo cierto es que las expectativas se cumplieron con creces. El antiguo caserón de veraneo de la familia Fournier es un imponente edicificio de cuatro plantas, situado entre la vía de un tren empeñado en colarse en algunas grabaciones y el inicio del bosque del macizo del Montseny. Un lugar ideal para ensayar, grabar y establecer la oficina de contratación y management de la banda. La primera en darnos la bienvenida es Marta, una pequeña cabra que es algo así como la mascota del grupo y que, por cierto, está resfriada. Tras esta, Oriol Roca, responsable de contratación, junto al ilustrador y diseñador gráfico Jordi Musquera, que son quienes me dan

Nueve años de Razzmatazz

◗ MOGWAI presentan novedades. La más importante es la salida en breve de “Burning”, un documental sobre la banda escocesa dirigido por Vincent Moon y Nathanaël Le Scouarnec. Mogwai también han anunciado que editarán un disco en directo titulado “Special Moves”. La edición en DVD de “Burning” irá acompañada del disco en directo. ◗ SPOON, una de las bandas más queridas y respetadas del indie norteramericano, acaban de anunciar los primeros detalles del que será su séptimo álbum de estudio a publicar en enero, la continuación del excelente ”Ga Ga Ga Ga Ga” (2007). El disco se titula “Transference”. ■

la bienvenida y me enseñan el edificio: La oficina en la que trabajan; el estudio de grabación en el que Toti (ingeniero de sonido de la banda) está trabajando en las maquetas del disco y por último el local de ensayo, donde una versión reducida de La Troba de tan sólo cuatro integrantes (Muchacho a la guitarra, Pep a la batería, Marià al bajo, además de Joan a las voces y acordeón) están preparando una gira de ocho actuaciones en Inglaterra acompañando en siete de ellas a los amigos de Ojos de Brujo. Desgraciadamente, Flor, su percusionista, ha tenido que volar de urgencia a Argentina debido al fallecimiento de su madre. Un beso de apoyo desde estas páginas. Y bien, tras las presentaciones de rigor y una primera escucha en un deficiente equipo de sonido mientras charlamos un rato, entramos en el estudio de grabación de la banda donde podemos disfrutar, ahora sí, de las canciones en una situación óptima. La idea, me explican, es trabajarlas mucho en La Fournier para completar las sesiones a primeros de diciembre a los estu-

dios Music Land de Figueres. Tras una segunda y más detallada escucha os puedo adelantar que el álbum posiblemente juegue con la idea del viaje como nexo de unión entre los temas, facturados en distintas etapas. Los grabados en casa como ese medio tiempo rumbeado que es “Barcelona” o la poética y delicada “Flor de primavera”, frente a los confeccionados en el viaje de la banda a México, como esa preciosa ranchera fronteriza que es “Yo soy” y, por último, los temas creados a partir de la visita de la banda a Nueva York como “María Hernández” o una curiosa canción que ahora recibe el nombre de “Hip Hop” y que nos ofrece la novedad de ver a Joan medio rapeando en castellano y en inglés.

Además de las mencionadas también caen “Las mil y una rumbas”, un temazo que ya interpretan en directo, más “Y se ríe la muerte”, otra canción que a buen seguro dará que hablar y que posee un aire muy cubano. Como conclusión última me aventuraría a decir que el nuevo trabajo de La Troba resultará más variado que el anterior, que tiene en líneas generales un tono más intimo, profundo y bello y que las canciones están perfectamente trazadas, notándose una banda muy rodada y conjuntada que sabe en cada momento lo que debe aportar al conjunto.

■ Don Disturbios

Late Of The Pier Foto Jon Bergman

Ese conjunto de salas de conciertos que responde al nombre de Razzmatazz celebra este mes de diciembre sus nueve años de trayectoria. Desde el pasado 24 de noviembre y hasta el día 19 del mes en curso, la sala barcelonesa acogerá un montón de actuaciones y festejos que buscan celebrar tanto como sea posible los nueve años de música que han girado alrededor de este popular templo del indie y la música electrónica. Así, la lista de conciertos que formarán parte de este aniversario van desde los oscuros británicos The Horrors, que se pasearon por el recinto a finales de noviembre, Late Of The Pier Dj’s o Naïve New Beaters, que estuvieron el 28 de noviembre, hasta la actuación nocturna de los barceloneses Dorian el 12 de diciembre, pasando por la presentación del tercer disco de Editors (8 diciembre), del retorno de Vitalic (10 diciembre), Delorean (5 diciembre), Alaska (Dj Set), Pedro Marín, Nathan Fake y Crystal Fighters (7 desembre) y las sesiones de Marky Ramone y Boys Noize (4 diciembre). En todo caso, amplía cualquier información en www.salarazzmatazz.com n

Gilles Peterson Foto Archivo

MondoSonoro · Diciembre 2009 /7/ NOTICIAS

TAN cerca... ◗ L.A., Alex Ferreira y Elastic Band protagonizan una gira compartida organizada por Spanish Bombs que estará en marcha hasta finales del próximo mes de enero.

Estas son las fechas previstas para diciembre: 10 Santiago (Sala Capitol), 11 Coruña (Playa Club) y 12 Vigo (Mondo Club). ◗ RANDY NEWMAN tocará por fin en directo en España. Esta deuda histórica se saldará el día 4 de mayo de 2010 en el Teatro Zorrilla de Badalona (Barcelona), dentro del festival Blues & Ritmes. Newman, un verdadero coloso de la música estadounidense, es conocido por muchas facetas, como artista solista, como compositor para otros artistas y como hacedor de celebradísimas bandas sonoras. ◗ FANGORIA ha regrabado con Sara Montiel la canción “Absolutamente”, incluida en último disco del dúo, publicado el pasado mes de febrero y que ahora, en diciembre, vuelve a la vida en forma de reedición. De hecho el dueto Alaska/Montiel sirve para presentar esta reedición que presenta rarezas y multitud de material extra.

Gilles Peterson apuesta por el nuevo sonido de Cuba Gilles Peterson se ha ido a Cuba para descubrir al mundo los nuevos talentos del país. Los presenta en un doble compacto, “Havana Cultura”, que se edita en su sello, Brownswood Recordings, con la colaboración de la marca Havana 7.

“

Con motivo del aniversario de la revolución se están editando muchos recopilatorios que repasan la música tradicional cubana (especialmente recomendable “¡Cuban Funk Experience!”, editado en Nascente, que selecciona varias piezas memorables de la groove music cubana y el exótico experimento “Revolution- Presents Revolution” en Rapster Records, en el que participan Norman Cook y Róisín Murphy entre otros), pero este trabajo es una radiografía de la escena actual”, comenta el gurú de la BBC1. En el primer disco Gilles y el pianista Roberto Fonseca nos invitan a redescubrir clásicos cubanos como “Arroz con pollo”, “Chekere Son” o “Pa’ Gozar” interpretados junto a otros artistas, entre los que destaca la hija

de Bebo Valdés, la vocalista Mayra Caridad Valdés.

Las doce piezas las grabaron durante cinco días en los míticos estudios Egram de La Havana. “Es un lugar muy inspirador, una mezcla entre Electric Lady Land y el Vaticano. En serio, ¡huele como una iglesia!”. Para seleccionar los temas de nuevos artistas que conforman el segundo compacto, Gilles estuvo seis meses escuchando toda la música que le enviaban de Cuba.

Al final escogió dieciséis cortes representativos de la escena que se mueven entre el jazz, el hip hop, el funk e incluso el reggaetón. “Es un proyecto fresco que me ha permitido conocer artistas geniales como Danay, que me ha dejado fascinado. Es una gran vocalista, tiene veintitrés años, y aparece en cinco piezas del dis-

co. Va a ser una estrella. También destacaría grupos que están cruzando reggaetón y hip hop como Ogguere o Los Aldeanos”. Los músicos que participan en el disco están unidos por un mismo factor: crean con medios muy limitados. “Son ‘old school’, ¡y me gusta! Hacen todo de manera muy diferente a los músicos occidentales y a la vez muy espontánea. Con decirte que flipaban al ver cómo manipulaba el sonido con mi portátil... No están acostumbrados a trabajar con software”. Cuenta un caso revelador. “Recuerdo que fui a ver a Obsesión, un tipo que vive en un pequeño piso de La Havana, en un barrio muy pobre.

Su estudio de grabación estaba repleto de cosas viejas y destartaladas. El tío no paraba de hablarme de J Dilla. Estaba obsesionado.

Trata de sonar como él y la verdad es que consigue un sonido muy personal”. Parece que el hip hop, ‘el género musical del enemigo’, ya ha sido interiorizado por la sociedad cubana.

■ Javier López

MondoSonoro celebra sus quince años con Russian Red

A Place To Bury Strangers Foto Archivo

Recta final al San Miguel Primavera Club 2009 Llega diciembre y con él una nueva edición del festival San Miguel Primavera Club, que se llevará a cabo paralelamente en Madrid y Barcelona del 9 al 13 de diciembre. La lista de artistas participantes es extensa, algo que sorprende más aun si atendemos a que habrá varios conciertos de muchos de ellos en las salas que forman parte del festival (infórmate en www.primaveraclub.com). Por lo que respecta a la selección internacional están Devendra Banhart, Scoutt Niblett, The Soundtrack Of Our Lives, Health, A Place To Bury Strangers, The Pastels, Birdy Nam Nam, Little Joy (Fabrizio Moretti de The Strokes), The Black Heart Procession o Jeffrey Lewis entre muchos otros. En cuanto a productor estatal, estarán presentes nombres como los de Sr. Chinarro, Tarántula, Bigott, Standstill, Cohete, Pájaro Sunrise o artistas futuribles como Fred I Son, Me And The Bees o Furguson.n

Esta publicación que tenéis en las manos acaba de cumplir sus primeros quince años de trayectoria, una trayectoria unida en todo momento a la mejor música independiente tanto estatal como internacional. Para celebrarlo, unimos fuerzas con una de nuestras más populares artistas demoscópicas, Russian Red, protagonista de infinidad de conciertos y firmante de todo un disco de oro, “I Love Your Glasses” (Eureka/Pias, 08). Lourdes Hernández y sus músicos volverán de su gira americana para sumergirse de nuevo en una serie de actuaciones en España que contarán con el apoyo de nuestra revista y con algunos invitados especiales aún por desvelar. Los conciertos se llevarán a cabo en San Sebastián (Teatro Victoria Eugenia; 5 diciembre), Barcelona (Palau de la Música, Festival del Mil.leni; 11 de diciembre), A Coruña (Teatro Colón; 18 diciembre) y Madrid (Teatro Haagen Dazs Calderón; 21 diciembre). www.mondosonoro.com / www.russianred.es. ■

Russian Red Foto Beatriz Yanos

◗ Los espacios del Auditorio Príncipe Felípe de Oviedo acogerán una nueva edición del Visiónica. El evento, que alcanza su sexta edición, se extenderá desde el 9 al 12 de diciembre con la participación de Miguel Sierra, Manson Waters, Cesar Ripoll, Ana Matey, Carlos Barral, Sergio Rodríguez, Rob Loren, Alejandro López, Jairo Catelo, Tape, Ellen Alien, Thomas Muller y Eulogio. Más información en: www.visionica.es

Pixies Foto Archivo

◗ Pixies formará parte del cartel de la próxima edición de SAN MIGUEL PRIMAVERA SOUND. Los norteamericanos son el segundo grupo anunciado de la nueva edición del festival, que se celebra los días 27, 28 y 29 de mayo de 2010 en el Parc Del Fòrum de Barcelona, tras la confirmación de Pavement, que vuelven a los escenarios tras unos años sumergidos en diversos proyectos por separado. ◗ La página de información musical SUPERNOVAPOP echa la persiana tras ocho años de actividad. Lo anuncia en un comunicado en el que se acuerda de sus tres coordinadores de redacción Rubén Fernández, José M. Gallardo y Guillermo De La Madrid y de colaboradores ilustres de la casa como David Saavedra o Julio Ruiz. ◗ La banda valenciana y demoscópica POLOCK ficha por Mushroom Pillow, el sello que posiblemente mejor se adapte a su rock guitarrero y bailable, en la estela de The Strokes. 2010 promete ser su año con la edición de su primer disco, del que todavía no conocemos el título. ◗ El próximo día 13 de diciembre Aaron Thomas, Jesse Malin, Joe D’Urso, Los Madison, Marah y Willie Nile se darán cita a partir de las 20 horas en la sala Ramdall de Madrid en un concierto benéfico organizado por la Federación Española de Parkinson y la fundación LIGHT OF DAY para recaudar fondos en la lucha contra el Parkinson. Las entradas ya están a la venta. ◗ La décimo primera edición de la FIRA DE MÚSICA AL CARRER DE VILA-SECA, que se celebrará del 7 al 9 de mayo de 2010, se pone en marcha. El conocido festival de Tarragona ha abierto la inscripción para todas aquellas bandas que quieran participar. Una oportunidad única, ya que permite un contacto directo con programadores y profesionales de nacionales e internacionales. www.firacarrer.cat. ■

Beak Foto Archivo

NOTICIAS /8/ Diciembre 2009 · MondoSonoro

Aviador Dro Foto Archivo

Aviador Dro, tres décadas de lucha Aviador Dro, con el fichaje de Mario Gil (La Mode, Un Pingüino En Mi Ascensor,…) todavía reciente, se lanzan a celebrar sus treinta años de carrera con una actividad frenética que incluye reediciones, presentación en directo y un nuevo trabajo, “Yo Cyborg” (Pias, 09), que combina las composiciones de nuevo cuño con reinterpretaciones de material clásico y remasterizaciones de temas de siempre en su versión original. “Es un grandes éxitos para nosotros mismos, con nuestras canciones favoritas reconstruidas en versiones nuevas grabadas en estudio tal y como las interpretamos ahora en directo. Además incluimos tres piezas nuevas, la que da título al disco, ‘Otro mundo mejor’ y ‘Darwin y yo’, nuestro particular homenaje al científico británico”. Para los nostálgicos mayor valor tendrán las reediciones de “Alas sobre el mundo” y “Síntesis”, convertidos ahora en, respectivamente, doble y triple disco y cargados de versiones maqueteras y tomas alternativas.

“Haremos lo mismo en sucesivas ediciones de ‘Cromosomas salvajes’, ‘Trance’ y ‘Mecanisburgo’. Es probable que esta década vea los últimos soportes musicales físicos, y sólo por eso nuestros discos clásicos ya merecen una reedición”. Y una celebración por todo lo alto con artistas invitados incluidos: el 18 de diciembre en la sala Joy Eslava de Madrid bailaremos la guerra. n Luis J. Menéndez

Geoff Barrow, hiperactivo al frente de Beak Geoff Barrow continúa atacado por el virus de la hiperactividad, y tras reactivar Portishead -ojo, que su cuarto disco parece estar en camino- y producir a The Horrors, ahora se saca de la manga Beak, trío de aires kraut rockeros junto a los también bristolianos Matt Williams (Team Brick) y nuestro interlocutor Billy Fuller (Fuzz Against Junk).

A

propósito de Beak escribía hace unas semanas que aparentan ser los típicos amigos que pasan el tiempo metidos en un garaje grabando una serie de homenajes de sus bandas favoritas en forma de canciones propias. El sarcástico Billy Fuller no se sale del guión clásico a la hora de responderme. “Tanto yo como Matt publicamos nuestra música en Invada, el sello de Geoff. Hace un par de años en Navidad nos juntamos los tres para hacer una jam y nos divertimos tanto que decidimos

volver a juntarnos para grabar algo cuando tuviéramos tiempo. Sobre las influencias, sí, obviamente nos gustan los grupos alemanes de los setenta, pero también la psicodelia británica y nadie nos pregunta por ella”. Algo tendrá que ver el que en los tres últimos discos producidos por Barrow, los de Portishead, The Horrors y este de Beak, haya fusilado el ritmillo del “Mother Sky” de Can a troche y moche... “¿Sí? No creo… Existen un montón de canciones que tienen un patrón rítmico parecido, pero ‘Mother Sky’

sólo suena a ‘Mother Sky’. Es un gran tema”. ¿Y qué te parece si te digo que temas como “Ham Green” o “Dundry Hill” os acercan bastante a la pujante escena drone-doom actual. “Pues que lo estás flipando”. Perfecto, recuérdame que te mande unos discos de Khanate por Navidad. El caso es que Beak se han encerrado en el local de ensayo micrófono en mano y el resultado de esas grabaciones casi domésticas es este “05/01/09 > 17/01/09”, cuyo título documenta el principio y el final de las sesiones. “Esta forma de grabar lo hizo muy refrescante, y posiblemente mucho más fácil. Pero no digas ‘experimental’, eso me suena como un grano en el culo”. Por cierto, ¿es cierto eso que se dice, se comenta, de que tanto tu madre como Beth Gibbons odian el disco? “En realidad no, simplemente piensan que las voces son una mierda”. ■ Luis J. Menéndez

Mallorca Rocks Hotel, las Baleares existen

Catpeople Foto Albert Jodar

Catpeople, autores del mejor clip musical de Cinemad Dentro de los premios que forman parte de la programación del festival Cinemad, una de las categorías es la de Mejor Clip Musical, distinción otorgada por MondoSonoro en colaboración con el evento madrileño y con la sala La Vía Láctea. Este año, el premio ha recaído en el vídeo promocional de “In Silence”, cuyo realizador es Adrián PD, curiosamente cantante del grupo gallego afincado en Barcelona. El premio está dotado con 1.000 euros en metálico. Por lo que respecta a los restantes nueve vídeos seleccionados como finalistas, están “Lógico que salga mal” (Manos de Topo), “Supersubmarina” (Supersubmarina), “Fish Tank” (The Last 3 Lines), “My Plan” (The Sunday Drivers), “Better Than The Movies” (Underwater Tea Party), “Te hiero mucho (historia del amante guisante)” (Love Of Lesbian), “Marta y los escaparates” (Copiloto), “Stay Punk” (The Capaces) y “Imaginari” (Xazzar). Más datos en www.cinemad.org y www.mondosonoro.com ■

The Go! Team Foto Archivo

Logroño a por todas en el Actual 2010 No se nos ocurre mejor forma de abrir el año próximo que pasearse durante unos días, concretamente desde el resacoso sábado 2 de enero hasta el miércoles 6, por la localidad de Logroño. Y no estamos hablando de turismo de mochila, sino de un festival que lleva un tiempo dándonos buenas sorpresas. El Actual 2010 ha presentado ya su cartel y hay propuestas para todos los públicos. Empezando por los nombres internacionales, podemos citar a Darryl McDaniels (Run DMC), Eli ‘Paperboy’ Reed, la revelación escocesa Tigerstyle y The Go! Team. En todo caso, se recomienda visitar la web oficial del Actual ( www.actual2010.es) para estar al tanto de cualquier novedad, horarios y todo lo necesario para disfrutar del primer festival de 2010. ■

En mayo de 2010 abrirá sus puertas el Mallorca Rocks Hotel, nueva franquicia de la marca Ibiza Rocks, responsables de una programación de conciertos tan intensa como ambiciosa que ha contado en los últimos años con nombres de primer orden del rock internacional: Arctic Monkeys, Vampire Weekend, Keane, Mika -cuando nadie sabía quién era-, Calvin Harris, The Rapture.

Fischerspooner... “La idea es copiar el concepto de Ibiza Rocks Hotel”, anuncia Andy McKay, su director. “Al ser el primer año haremos menos conciertos. Nos centraremos en cinco o seis con grandes bandas internacionales. Si todo el mundo está contento después del primer año, la idea es tener un concierto cada semana”. El Mallorca Rocks Hotel estará situado en Magallluf, destino habitual del turismo británico en la zona de Calviá, contará con trescientas habitaciones y, además de los paquetes que se venderán directamente en su web claramente destinados al mercado inglés, ofrecerá entradas simples para aquellos que quieran asistir a los conciertos. www.ibizarocks.com/mallorcarockshotel. ■ Joan Cabot

Calvin Harris Foto Archivo

MondoSonoro · Diciembre 2009 /11/

MONDOFREAKO

Girls Foto Sandy Kim

Girls

Amigos Para entender la música de alguien, a veces basta con hablar de discos con él. A Girls les hemos visto recomendando por activa y por pasiva a algunos de sus artistas favoritos: en fotos promocionales, en el escenario o incluso en alguno de sus videoclips. Son fans de la música, de modo que acudir a la entrevista con algunos discos para hablar de ellos era tan goloso que no pudimos resistirnos. Ah, también hablamos de “Album”.

S

abemos muy poco del pasado musical de Girls: que son del círculo de Ariel Pink y poco más. Así que el primer disco estaba cantado, “The Doldrums”, el primero de sus discos reeditados por la discográfica de Animal Collective, Paw Tracks. (Christopher Owens) “Tocamos con él en un grupo llamado Holy Shit.

Fue mi primer grupo y donde me dí cuenta de que podía escribir canciones. Es el mejor.

Cuando le conocí, estaba tan impresionado que hasta me dejé crecer el pelo para parecerme a él. Hizo que me diese cuenta de que yo también podía escribir mi propio futuro.

No sé si sería mi disco favorito, pero está esa canción, ‘Among Dreams’. Me acuerdo de escucharla por primera vez, sonaba tan extraña... ¡tenía que saber qué era aquello!”.

Otra de las pistas que nos dieron Girls antes de sacar su debut, fue su versión del clásico instantáneo “Dreams Come True Girl” de Cass McCombs.

(Chet JR White) “Cass... solemos tocar algo suyo muchas noches. Es muy reservado,

pero tiene una personalidad absolutamente magnética. Cuando escuché ‘You Saved My Life’, me quedé impresionadísimo. ¡Este hombre está escribiendo las mejores canciones de su generación y parece que nadie va a escucharlas!”. Seguimos hablando de personalidades especiales e influencias comunes hasta la aparición de otro disco, esta vez Felt, (Christopher Owens) “Somos muy fans, fíjate en la imagen que tienen los discos, es lo que queremos para nosotros. ¡Es brillante! ¿Has escuchado a Denim? Felt es más sentimental pero Denim... fue el mejor grupo de pop durante diez años sin que a nadie le importase”. Evidentemente, no todos los discos que traigo levantan el mismo entusiasmo, le toca el turno a Elvis Costello, con cuya voz han sido comparados hasta el aburrimiento. Les traigo “Punch The Clock” porque algunos días, escuchándoles, imaginaba la versión que podrían hacer Girls de “Shipbuilding”. (Christopher Owens) “Oh, Elvis Costello... la verdad es que nunca le he

escuchado demasiado”. (Chet JR White) “No veo esa conexión que dicen, puede que en alguna canción haya alguna inflexión que le recuerde, pero no creo que nos parezcamos.

De hecho en el disco ni siquiera hay una sola manera de cantar”. Ese es precisamente uno de los puntos fuertes del debut de Girls: en cada canción parecen un grupo distinto. (Chet JR White) “Queríamos que el disco fuese precisamente eso. Intentamos hacer lo que suene mejor en cada canción, por eso no sonamos sólo de una forma”. Ese cuidado por cada una de

cipio del documental se explica cómo grabaron sus primeras canciones, sentados en el suelo con un ocho pistas, y yo pensé: ‘joder, ¡estos somos nosotros!’. Todo lo que explicaban del grupo era paralelo a lo que estábamos haciendo nosotros, e incluso descubrí que una de nuestras canciones, ‘Summertime’, tiene la misma progresión exacta de acordes que una de sus canciones. Es muy raro”. Pero todo alrededor de Girls lo es un poco.

Con apenas un single su nombre ya circulaba por todo el mundo indie como la pólvora, en su segun-

"Intentamos hacer lo que suene mejor en cada canción, por eso no sonamos sólo de una forma" sus canciones, hace que Girls sean totalmente distintos a la mayoría de grupos con los que se les relaciona. (Chet JR White) “Sí, nos suelen poner en el saco del lo-fi, pero no nos gusta demasiado. Es verdad que a la hora de grabar el disco no contábamos con el mejor de los equipos, pero nos esforzamos mucho en que todo sonase lo mejor posible”. Y de ahí a The Chills. (Chet JR White) “Es muy raro lo que nos pasó con ellos. No había escuchado más de tres o cuatro canciones de The Chills, pero me puse a ver un documental sobre el sello Flying Nun que circula por Internet. Al prin-

do single ni siquiera parecían el mismo grupo. ¿De dónde salían? Todo apuntaba al gran disco que finalmente ha sido su debut, a grupo en estado de gracia, generacional, culto e hipersensible marcado irremediablemente por el signo de los tiempos: Internet suelta a la liebre y de repente, les tenemos hasta en la sopa. (Chet JR White) “Es bonito que la gente se interese por lo que haces, pero estar tan expuesto en tan poco tiempo es bastante extraño”. ■ Enrique Ramos “Album” está publicado por True Panther Sounds/Pias.

(MONDOFREAKO /12/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

The Antlers Foto Archivo

The Antlers

Qué bello es vivir!

Tras un par de lanzamientos de distribución y repercusión nula, “Hospice”, el primer trabajo propiamente dicho de The Antlers, es una devastadora representación musical de los últimos días de una enferma de cáncer. Con su tono afectado y literario y unos ambientes a caballo de Radiohead y el post-rock, se ha convertido en una de las sorpresas de este 2009.

“

Me hubiera gustado saber desde el primer minuto la deuda impagable que iba a contraer contigo”. Son las palabras con las que arranca este “Hospicio”, término en desuso en castellano y que visualizamos en tonos sepia, como si los enfermos terminales y esos peculiares cementerios de elefantes que son los hospitales para moribundos hubieran desaparecido de la faz de la tierra. Espantamos nuestros fantasmas a golpe de disfrute, vivimos como inmortales. En el otro lado, “Hospice” tiene algo de obsceno, de indecente, al convertir en masaje intelectual el dolor más inhumano. Y eso Peter Silberman lo sabía desde el principio. “Cuando empecé a componer el disco creo que estaba preparado para fallar, para que el proyecto no funcionara. En realidad pensaba y me preocupaba mucho que el disco sonara pretencioso o demasiado sobrecargado de emociones, no sabía cómo iba a recibirlo la gente y si me iba a sentir estúpido. Durante la grabación ocurrió de nuevo que tenía

buena parte de una canción y no sabía qué hacer para terminarla. Si te soy sincero llegué a pensar que nunca iba a acabarlo, porque había momentos en que las cosas no funcionaban, para nada… Y ahora la buena recepción me ha ayudado a pensar que no estoy totalmente loco y que hacer este disco tenía sentido”. Es lo que tiene enfrentarse con veintipocos años a una obra que se presume magna desde su misma concepción: “Hospice” es un álbum conceptual sobre la progresiva degradación de una pareja a causa del cáncer terminal que sufre ella, que surge como obra literaria y se fue completando durante dos largos años a golpe de guitarras nebulosas en el apartamento del propio Silberman junto a sus dos nuevos compañeros de viaje. “Llegué a New York desde mi pueblo y empecé a grabar canciones. Al principio The Antlers era mi proyecto en solitario pero cuando llevaba un año más o menos en Mannhattan decidí convertirlo en una banda”.

La enigmática figura de Silberman, ha desatado todo tipo de comentarios. La leyenda detrás de “Hospice” apunta a que un desengaño amoroso motivó que rompiera con todo y con todos en su pequeña población a hora y pico de New York y se decidiera a lanzarse a la gran ciudad. Lejos de esa imagen de maldito, al otro lado del teléfono lo desmiente con amabilidad y voz entrecortada, como el tímido que no ha dejado de ser. “Creo que todo se ha exagerado un poco. El

y puede moverse hacia delante y seguir viviendo. De hecho para mí si algún valor tiene este disco es ese: el seguir adelante dejando atrás todo lo malo. De ahí viene la esperanza”. Se lleva de cuajo como un bulldozer el ideario romántico de Occidente construido durante siglos, y no resulta difícil leer entre líneas y entender esta colección de canciones como un ajuste de cuentas personal, una particular y dolorosa ascensión a la cumbre en la que las

“Cuando empecé a componer el disco creo que estaba preparado para fallar, para que el proyecto no funcionara” verdadero motivo de mi mudanza a New York fue que quería hacer música, y toda esta leyenda que se ha generado alrededor creo que tiene más que ver con lo que la gente interpreta en ‘Hospice’ que con la realidad. No huía de nadie cuando dejé mi pueblo”. Un discurso que se desmorona cuando más tarde afirma… “Existe esperanza en este disco. Sí, yo quiero pensar que sí.

Es un disco cuyo tema central no es tanto la enfermedad de ella como la desintegración de una relación sentimental. Así que al final la persona que está corriendo con toda la presión, con el abuso emocional, se queda liberada cuando la otra muere

mochilas deliberadamente se han ido quedando por el camino. La pregunta que me hago es hasta qué punto no seguirá persiguiéndole “Hospice” en forma de fantasma del pasado. Como al protagonista de su epopeya cuando en el Epílogo se despierta en la cama sudoroso, después de que la imagen de ella vuelva a hacer acto de presencia, esta vez en sueños. “Vuelves a mí por la noche y yo estoy demasiado aterrorizado para hablar”. Realmente ¿hay esperanza de un mañana mejor? ■ Luis J. Menéndez “Hospice” está publicado por K7!/Popstock!

THE ANTLERS ESTARÁN EL 2 DE DICIEMBRE EN APOLO (BARCELONA) Y EL 3 EN CARACOL (MADRID)

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“¿Cómo definiría mi música?

Samba sabrosísima para los hermafrodíticos” Devendra Banhart, en Clash

“Bob Dylan llevaba pintura blanca en la cara en la gira de ‘Rolling Thunder’ por culpa de Kiss. Preguntadle” Gene Simmons de Kiss, en Mojo

“La música ahora es muy 3D. Es algo que tienes que escuchar.

Pero lo verás” Pharrell Williams, en NME

The Raveonettes

Power pop visceral Después del ruidismo casi siempre llega la calma. Dejando de lado la vertiente shoegazer que les caracterizaba el dúo danés The Raveonettes vuelve a las andadas con “In And Out Of Control”, un álbum donde el power pop y el macabrismo lírico se fusionan advirtiéndonos una lumínica vuelta de tuerca a su repertorio.

“ “Nunca he tenido nada romántico, personal o financiero relacionado con Courney Love. Me confunde con su ex” Ryan Adams, en Mojo

“’Flower power’?, ¡a la mierda!

Odiábamos su música. Odiábamos su política. Odiábamos la forma en que se vestían” John Cale de The Velvet Underground, en Uncut

“Nuestro sueño es ser la primera banda que toque en Marte” Chairlift, en Clash

Lust, Lust, Lust” no supuso ningún hito para Sune y Sharin a pesar de la buena acogida que tuvo su línea continuista, pero en este “In And Out Of Control” los daneses nos sorprenden gratamente avistando unas melodías más pop de lo que nos tenían acostumbrados. Eso sí, no se sulfuren en vano. A pesar del giro sonoro y la drástica reducción distorsionista que se gastan en esta ocasión, las letras cobran todo su protagonismo con un abanico de personajes dignos de Las Ramblas más decadentes donde las drogas, las violaciones vengativas y la visceralidad elevada al cubo asumen todo el protagonismo. Desde Los Angeles la mitad femenina del grupo, Sharin, nos habla acerca de la dicotomía diabólico-angelical que impera en su última obra hasta la fecha. “Nuestros dos últimos discos confrontan a la perfección. Mientras que ‘Lust, Lust, Lust’ partía de un sonido más oscuro e introvertido, ‘In And Out Of Control’ sonoramente es más festivo, brillante y, por supuesto, pop. Siempre, a la hora de llevar a cabo el siguiente álbum, intentamos dar un paso más allá respecto el anterior o, al menos, que suponga una reacción clara. Repetirse resulta de lo más aburrido”, comenta Sharin, quien enfatiza el carácter tenebroso, digno de un splatter que se precie, que impera en las letras en esta ocasión.

“Existe un claro contraste entre la seriedad y la ironía, la oscuridad y la inocencia…

Nos pareció muy interesante jugar con esta yuxtaposición entre las melodías y las letras. Uno puede quedarse seducido por la música pero inevitablemente la sorpresa

radica en las duras temáticas de las canciones”. El disco es carne del dichoso “Parental Advisory” se mire por donde se mire. “La verdad es que no nos preocupa lo más mínimo que alguien encuentre inapropiadas nuestras letras”. ¿De dónde surgen entonces todas estas perturbadoras historias? “Principalmente de las experiencias de la gente que nos rodea y los destinos de todos aquellos que hemos dejado en el camino”. Con solamente darle al play, “Bang!” se antoja como un descarte la

el hecho de que esta vez quisieron focalizarse, a diferencia del resto de su discografía, “en un mayor número de estribillos instantáneos y unos vocales más luminosos”.

Después de pasarlo más que canutas para encontrar un productor que les hiciera el peso y no pidiera una cifra estratosférica por sus servicios, el también danés Thomas Troelson (Junior Senior, Sarah Connor, Monrose) fue el encargado al final de llevarse el gato al agua y, en gran parte, el culpable de que nuestro dúo deje las distorsiones aparcadas de momento. “Fue una gran experiencia trabajar codo con codo junto a él. Durante la grabación hubo muchos momentos frustrantes, pero los buenos resultados siempre surgen cuando uno se pelea con el productor. Él fue el que nos desafió para que sonáramos más pop y nos alejáramos de nuestros parámetros”. ¿Supongo que

"La verdad es que no nos preocupa lo más mínimo que alguien encuentre inapropiadas nuestras letras" mar de digno de aquellos farsantes ficticios que representaron a The Wonders. Pero las cuotas de frikismo y visceralidad encuentran en temas como “Suicide” y, sobre todo “Boys Who Rape (Should Be Destroyed)”, una nueva dimensión poco dada en el pop de factura aparentemente cándida. Aunque las apariencias engañan.

“Estoy realmente orgullosa de ‘Boys Who Rape’ porque es el tema más bizarro que hemos escrito en nuestra carrera. Resulta caótico y a la vez super cool. Quisimos incorporarle una base dub, del todo novedosa para nosotros, y una melodía doo wop que desentonara del todo con la letra. Se trataba de darle un toque divertido a una canción que trata una realidad tremendamente seria y preocupante para nuestra sociedad”, afirma Sharin quien, asimismo, recalca

durante la gestación del álbum el hecho de que viváis en costas opuestas (Sharin en L.A y Sune en NY) debió suponer un problema? “Pues la verdad es que no parábamos de llamarnos y enviarnos mails con canciones durante todo el día. Nos hubiera encantado trabajar juntos desde una misma ciudad, pero nuestras vidas familiares nos lo impiden por completo. Pero de todos modos, antes de girar y juntarnos con el resto de la banda, pasamos muchísimo tiempo juntos”. Desde luego, la lejanía momentánea, en ocasiones a algunos les sienta la mar de bien.

■ Sergio del Amo “In And Out Of Control” está publicado por Fierce Panda/Popstock!

The Raveonettes Foto Archivo

“Oasis se han ido. Por lo tanto, ahora somos la banda más grande de Inglaterra” Kasabian, en NME

(MONDOFREAKO /14/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

Cass Mccombs Foto Archivo

Cass Mccombs

El último vagabundo Sin que nadie lo adviritiera, la figura de Cass McCombs ha tomado las anchuras de los grandes autores de culto. Tras el brillante ‘Dropping The Writ’ (Domino, 07), en ‘Catacombs’ suena como lo haría el fantasma de Buddy Holly en una película de David Lynch. Nebuloso y vibrante, McCombs es uno de los grandes.

”

Ya sabes, este es un país hermoso, pero no hay nada romántico en mi estilo de vida”. Cass McCombs arrastra las palabras, como si acabara de despertarse o esto de hablar por teléfono con un desconocido le diera una inmensa pereza o ambas cosas a la vez, mientras me explica por qué razón el nomadismo no debería estar en mi lista de estilos de vida preferidos si volviera a nacer. “La gasolina es más cara que un alquiler. Tengo todas mis posesiones en casas de amigos por todo el país. Vivo en una vieja furgonta Dodge yendo de un lugar a otro”.

De Cass McCombs resulta difícil incluso situar su procedencia, aunque lo más común es concedérsela a Baltimore, aunque en realidad nació en Concord, California. Al menos según Wikipedia. “Siempre he vivido así, de manera que no tengo con qué compararlo. Por supuesto, todo te influye cuando estás haciendo música, pero no sé cómo. Supongo que, al viajar tanto, tengo el privilegio de ver a mis amigos y familares todo el tiempo, de ida y vuelta de Costa a Costa. Eso me

permite estar cerca de mucha gente y esa cercanía me brinda mucha materia prima”. La de “Catacombs”, su último trabajo, es la misma materia oscura que ha servido de combustible a sus anteriores trabajos, aunque desenvuelta tomando como referencia el sonido sepia de los años posteriores a la segunda gran guerra, un inesperado giro hacia una contención añeja, una pátina clásica y sobria que da mayor fuerza a su voz y espacio para más matices. “Después de publicar ‘Dropping The Writ’ pasé por un momento especialmente productivo a nivel de composición y reuní unas dieciséis canciones”, explica McCombs.

“Enseguida comprendí que eran bastante diferentes a las del anterior disco. Me tomó cierto tiempo decidir qué canciones formarían parte del álbum y cuáles no.

Sabía que quería grabar el disco con Ariel Rechtshaid. Habíamos estado hablando de ello y del tipo de sonido que nos gustaba, viejos discos de blues, country, rhythm’n’blues, gospel y rock’n’roll antiguo... Música de los cuaranta y cincuenta.

Quería grabar con instrumental antiguo, usar los mismos procesos que usaron esos artistas en el pasado y eso fue lo que hicimos. Simplemente escogí las canciones que encajaban mejor en esa idea, las más líricas y melodiosas”.

La elección de esas canciones y el esfuerzo de McCombs y Rechtshaid por elaborar un sonido cálido y cercano contribuye a situar “Catacombs” más cerca de Cowboy Junkies que de Elliott Smith. Destaca también el uso de los sintetizadores, cuya contraposición a los elementos

cias, de las historias que escucho, de gente que conozco o de mis amigos. En parte, sigo escribiendo canciones para lograr comprender aquello que me confunde. Y no creo que haya logrado nada, porque en ocasiones la canción no hace más que complicar más las cosas”. Eso no significa que vaya a dejar de componerlas. “Pronto vamos a empezar a grabar el nuevo disco. Aún no he decidido con quién, pero en su mayor parte se trata de temas que compuse en la misma época de ‘Catacom-

“ Vivo en una vieja furgonta Dodge yendo de un lugar a otro” más naturalistas crea una bella sensación de irrealidad en cortes como “You Saved My Life”, uno de los mejores momentos del álbum. “La intención no era copiar otros discos”, añade. “Es un disco moderno, en el sentido en que no podría haber sido escrito en otro tiempo que el actual. De hecho, estoy orgulloso de ello”. No sólo eso: “Catacombs” contiene una carga emocional que sólo podrías encontrar en la maleta de un vagabundo moderno, en sus recuerdos de salones a la hora del cierre, vasos vacíos y confidencias. “Hay mucho de ficción en mis canciones, pero siempre parto de mis propias experien-

bs’ y que no encajaban con los músicos y el proceso”. ¿Será un álbum continuista o volverá a las atmósferas electrizadas de sus antecesores? “Ninguna de las dos cosas. En cualquier caso no le doy tanta importancia a la grabación en sí como a las canciones.

Una vez tienes las canciones el trabajo de estudio es hasta divertido, el verdadero trabajo es componerlas”. ■ Joan Cabot “Catacombs” está publicado por Domino/Pias.

Cass McCombs estará actuando en el festival San Miguel Primavera Club.

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /15/ MONDOFREAKO)

confidencial NO

Linda Mirada autora de “China es otra cultura” (La Cooperativa/Nuevos Medios, 09), una obra de pop de miniatura que ha firmado con la ayuda del mismísimo Bart Davenport. La música se le da bien, veamos ahora también si supera nuestro malintencionado cuestionario.

Linda Mirada Foto Archivo

◗ Ana ◗ Naranjo es Linda Mirada, la

¿Qué sueles cantar en la ducha?

Canciones de mucho sentimiento, de esas que te llevas las manos al pecho, para que nadie me vea. ¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito?

“Let Me Down And Die” de The Easybeats. No sé cual podría odiar.

¿Qué artimañas utilizaste para que Bart Davenport accediese a hacerte el disco?

Ja ja ja, le cociné un pescado muy rico un día que le dolía el estómago. ¿Nos puedes decir por qué demonios te llamas Linda Mirada?

Por un personaje de “Barrio Sésamo”. ¿Cuál es el último libro que has leído, la última película y el último disco que has comprado?

“La carretera”, “Distrito 9” y el disco de The XX. ¿Utilizar braguitas de superhéroes ayuda más a triunfar que grabar en el extranjero?

Vete a la porra. ¿Has grabado casi siempre en solitario para quedarte con todo el dinero de los royalties?

Claro, aquí mando yo.

Hay un rumor que dice que no sabes tocar ningún instrumento, ni siquiera en el Rock Band...

Ja ja ja, toco la melódica que flipas. ¿Cuál ha sido el sitio más cutre en el que has tocado y para cuánta gente?

Nunca toqué, con público… ¿Cuál es el personaje más famoso que se cuenta entre tus seguidores?

Creo que Guille Milkyway ¿Es cierto que cuando salió el disco con dos chicas en la portada la gente preguntaba cuál de las dos es Linda y cuál es Mirada?

Alguna vez alguien hizo ese chiste, bastante de abuela por cierto. ¿Es cierto que sólo vas a los conciertos de otros grupos cuando hay barra libre?

Ja ja ja ja, cuando me invitan a teatros y auditorios me pongo hecha una furia. Espero que en las Demoscópicas de este año seáis más generosos con el catering. ¿Con cuál de estos artistas te quedas y por qué motivo: Francisco Nixon, Luxury 54 y Bart Davenport?

Tengo amor para todo el mundo. ¿Cuando seas mayor preferirás ser como Marta Sánchez o como Karina? ¿Por qué?

Quien sea con tal de conseguir una remezcla de Joan S. Luna. ■

Ramona Falls

Paraísos terrenales Un buen día, Brent Knopf sintió la necesidad de transitar diferentes vías musicales a las que hasta el momento había recorrido con sus compañeros de Menomena. Un camino más personal que cobró forma en “Intuit”, una propuesta que gira alrededor de un universo propio y amplio.

“

Sin duda, era mi lugar favorito cuando era niño. Montañas, cuevas, árboles, setas… parecía estar encantado. Ramona Falls significa, para mí, ese lugar al que poder escaparse y ser feliz”. Pero más allá de sus consideraciones personales, Ramona Falls es el nombre bajo el que se ha creado “Intuit”, un álbum de debut en solitario un tanto especial. “El planteamiento del disco era ya un gran desafío y sé que si pretendiese hacerlo todo totalmente solo me volvería loco y las cosas no me saldrían, así que pensé en colaborar con otros músicos”. Hasta ahí todo bien, lo sorprendente llega cuando uno descubre que Knopf no se conformó con recurrir a dos o tres colegas para dar forma a su nuevo proyecto, sino a treinta y cinco. ¿Complicado? No según cuenta. “La cosa fue tan simple como que llamaba a mis amigos y a otros músicos que respeto, les preguntaba si querían colaborar conmigo y si me decían que sí cogía mi micrófono, me iba a sus casas o sótanos y grabábamos durante dos o tres horas”. Un proceso por el que se entiende que encontremos trombones grabados en apartamentos de Nueva York o baterías en sótanos inidentificables. “Lo bueno de esta forma de trabajo es que me obligó a tener las canciones preparadas, para así poder grabarlas cuando iba a tocar con mis amigos”. Amigos entre los que se cuenta gente de The Helio Sequence, Mirah, 31 Knots, Talkdemonic, Nice Nice o Matt Sheehy. “Bueno, en realidad no todos lo

eran, algunos eran totales desconocidos, como Mirah, lo cual acabo siendo una experiencia muy positiva”. ¿Y en qué ha resultado tanto buen rollo y colaboracionismo? (algo que se preguntan solamente quienes no hayan tenido la ocasión de escuchar el disco). “Intuit” es un álbum ecléctico y sofisticado, conmovedor y complejo, en el que la electrónica y la acústica confluyen de la manera más natural. Un disco que segura-

hunde sus raíces en la realidad de su autor.

“He querido aprovechar que yo era el único compositor para darle mi propio estilo y ser más directo con mis experiencias, quizás por eso haya quedado un poco más dramático pero he tratado de no resultar oscuro”. Y lo consigue, a pesar de que el álbum no deja de plantear preguntas desde su comienzo hasta el final de esa balada susurrada que es “Diamond Shovel”. “No es fácil, pero si tuviese que explicar la idea principal del disco sería la de dejar de esperar y comenzar a tomar decisiones. Toda mi música favorita proviene de artistas que resultan creíbles, así que si consigo que Ramona Falls suene verdadero, creíble, eso sería lo máximo”. Hay que saber que cuando

"Toda mi música favorita proviene de artistas que resultan creíbles" mente agradecerá el seguidor de Menomena, pero de esencia más arriesgada y personal.

En “Intuit” hay intensidad, pero no pesadez; emoción, pero no tragedia y temas ensoñadores y ambiguos como “Salt Sack”, que sacuden a uno y lo empujan a querer saber más. “Vacilaría si tuviese que explicar el significado absoluto de esa canción porque surgió como resultado de un sueño que tuve, en el que me encuentro en medio del mar, siento que tengo que tomar una decisión y observo una bolsa de la que no sé el contenido. Ya sabes, uno de esos, extraños y misteriosos”.

Pero que nadie se llame a error, al margen de cierta atmósfera onírica que consigue en ciertos momentos de este viaje musical que construye de principio a final (infinitamente más disfrutable cuando se escucha de este modo y no a saltos), “Intuit” es un disco que

Knopf habla de sus preferencias no sólo se está limitando al campo de la música, sino que entre sus principales influencias se cuelan nombres como los de June Jordan, (poeta, activista y profesora) o Jorge Luis Borges. “Y el chocolate negro, ¡eso es lo más grande! (risas)”. Llegamos al final y la pregunta, casi obligada, que nos queda ahora que ya sabemos cuánto nos gusta Ramona Falls es saber en qué punto se encuentra Menomena como banda. “Ahora mismo estamos dándole vueltas a catorce canciones, tratando de hacerlas más completas y redondas, o sea que seguimos trabajando juntos. ¡He echado de menos a esos tíos!”. ■ Cristina V. Miranda “Intuit” está publicado por Souterrain Transmissions/Pias.

Ramona Falls Foto Archivo

¿Vainica Doble, Olé Olé o Glass Candy?

Glass Candy.

(MONDOFREAKO /16/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

10

S

DISCO

Vuelven a nuestro país para presentar su nuevo trabajo, “In This Light And On This Evening“ (Pias, 09), una obra en la que sus influencias parecen haberse dirigido hacia otro punto. En todo caso, aquí tenemos a Russell Leetch, su bajista para que nos descubra cuáles son sus discos de referencia. Editors estarán actuando Barcelona (8 diciembre; Razz), Madrid (9; La Riviera) y Bilbao (12; Rockstar).

Elbow “Asleep In The Back” (2006) Un disco suculento, precioso. Soy de la opinión de que todo el mundo debería tenerlo en su colección.

Dios está muerto Recién cumplidas dos décadas de trayectoria, Paradise Lost regresan con “Faith Divides Us - Death Unites Us”, un trabajo solemne que ahonda en la dureza y oscuridad esbozadas en el notable “In Requiem”. Melancolía, furia y belleza fundidas en un disco con el que los doomsters británicos parecen querer recuperar de una vez por todas la credibilidad perdida. Este mes nos visitan junto a Samael.

P

arece que el quinteto de Halifax quiera recuperar el tiempo perdido. Detener las agujas del reloj y retroceder hasta la época de “Shades Of God” y “Icon”, su edén particular. Congelar los minutos y los segundos ante la perspectiva de una muerte ineludible tras la que aguarda la nada, el vacío más absoluto. Porque, por si no se habían enterado, Dios no existe. Nunca ha existido.

Y, por supuesto, tampoco hay un más allá.

“No, no, rotundamente no. Volvemos a ser tierra, polvo. Y no hay nada más”, responde vía telefónica Nick Holmes, cantante y letrista de Paradise Lost. La duda ofende a alguien que, sin embargo, confiesa pensar mucho, casi demasiado, acerca de la muerte.

“Pienso en ella constantemente. Vaya, esto me recuerda a algo que dijo una vez Pete Steele –cantante de Type O Negative(risas). Pero no me considero una persona depresiva. Me gusta este tipo de música, pero no afecta a mi estado de ánimo.

Hay una gran diferencia”. Tales reflexiones derivan del explícito título del nuevo álbum de la banda, “Faith Divides Us – Death Unites Us”. “Ninguna creencia debería prevalecer sobre otra ni sobre la manera de vivir y pensar de las personas. Al final todos vamos a morir, pensemos lo que pensemos, así que no vale la pena preocuparse demasiado por tonterías”, explica Holmes.

La temática global del álbum enlaza con una de las constantes de toda su discografía: la ausencia de fe, de algo a lo que aferrarse, y el

sentimiento de desamparo que ello provoca.

Así lo expresan en canciones como “Universal Dream”. “Trata sobre entender qué hacemos en este planeta, aunque nunca lo he averiguado (ríe), ni lo averiguaremos. Es una pregunta con la que el ser humano deberá cargar siempre”. Una pesadumbre existencial explicitada también en su clásico “True Belief”, extraído del colosal “Icon”, con el que el nuevo álbum establece no pocas conexiones musicales. Aunque Holmes niega

nuestro corazón. Tan sólo buscamos mantenernos fieles a ese sentimiento”.

Pues su corazón, sin duda, les empuja de nuevo hacia el doom death gótico de su mejor época. Las guitarras –de siete cuerdas- crujen con cuerpo, el sonido gana profundidad y, aunque el registro melódico de Holmes permanece, se multiplican las estrofas guturales.

“Utilizo la voz como un instrumento más, para reforzar el tono y la emoción de la música, y esta vez el material con el que partíamos era muy contundente”. El cantante niega que la celebración de sus veinte años como grupo, y los posteriores conciertos junto a Anathema y My Dying Bride, los otros dos grandes pilares del género, hayan influido en su última creación. Y aunque hoy ya no queda ni rastro de su etapa electrónica, afirma que no se arrepiente de nada. “Sigo pensando que ‘Host’ es uno de nuestros mejores trabajos”. Parece hablar en serio, aunque con alguien tan cínico como él nunca se sabe.

"No me considero una persona depresiva. Me gusta este tipo de música, pero no afecta a mi estado de ánimo" que hayan tomado ese disco como referencia.

“No he escuchado ‘Icon’, por lo menos, en los tres últimos años. Somos las mismas personas que escribimos ese disco, de ahí, quizás, las similitudes. Pero cada álbum supone una nueva aventura. Es como ir dando forma a una obra de arte, hasta que no la completas, no ves el resultado”. Sin embargo, es evidente que “Faith Divides Us – Death Unites Us”, grabado en los estudios Fascination Street de Suecia junto a Jens Bogren (Katatonia, Opeth), lleva aun más lejos la regresión creciente, en términos de oscuridad y contundencia, experimentada por el grupo con “Paradise Lost” e “In Requiem”. “Nuestra única presión pasa por hacer la música que sale de

“Siendo cínico evitas sentirte engañado.

Si no esperas nada, difícilmente habrá algo que te decepcione, pero al mismo tiempo necesitas unas metas o aspiraciones en la vida. Cuando era joven probablemente era demasiado cínico, ahora he aprendido a disfrutar más de las cosas”.

Paradise Lost tocan este mes en nuestro país con nuevo batería, Adrian Erlandsson (The Haunted) y con el técnico de guitarra del grupo y ex Terrorvision Milly Evans sustituyendo a Greg Mackintosh. ■ David Sabaté “Faith Divides Us - Death Unites Us” está publicado por Century Media. paradise lost estarán el 15 de diciembre en madrid, el 16 en barcelona y el 17 en bilbao

Paradise Lost Foto Archivo

Paradise Lost

The National “Boxer” (2007) El mejor disco que jamás se ha hecho como banda sonora para beber vino tinto.

The Strokes “Is This It” (2001) Una obra enérgica, perfectamente desarrollada y compuesta. The Strokes era muy cool.

Radiohead “In Rainbows” (2007) Pese a que el revuelo se lo llevó la electrónica y todo el asunto de Internet, si algo demuestra este disco es que lo que realmente importa sigue siendo la música.

Arcade Fire “Funeral” (2004) Nadie puede negar que fue un auténtico pelotazo. Es un disco que suena una y otra vez en el destartalado autobús de Editors.

The National “Alligator” (2005) Ya sé que he incluido también “Boxer”, pero si aparecen ambos discos es porque los dos me parecen realmente buenos.

LCD Soundsystem “Sound Of Silver” (2007) La combinación de disco music, kraut rock y soul no puede dar más que una combinación ganadora absoluta como resultado.

Spoon “GaGaGaGaGa” (2007) Sigo sin entender por qué motivos este grupo no ha conseguido tener un éxito masivo y global.

Este álbum iguala a cualquier otro firmado por una banda de guitarras en los últimos veinticinco años. Sencillamente, un disco que deja sin aliento.

Mobius Band “Heaven” (2008) Otra de las mayores injusticias que existen en este universo digital es que Mobius Band no fueran número uno con la canción “Friends Like These”. Es el mejor single de esta década.

Sigur Rós “Agaetis Byrjun” (2000) Cuando lo escuché por primera vez pensé “Wow, esto suena como si fuese de otro planeta”. Y lo mejor de todo es que sigo pensándolo. Es una de las más preciosas obras maestras islandesas de arte moderno. ■

Russell Leetch Foto Archivo

Russell Leetch (Editors)

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /17/ MONDOFREAKO)

Benjamin Biolay Foto Archivo

Benjamin Biolay

Suave es la noche Entre la chanson y el pop de cámara, del tango a la electrónica, Benjamin Biolay presenta un quinto disco, el doble “La Superbe”, en el que vuelve a dejar constancia de sus virtudes como compositor (uno de los más afortunados que ha dado Francia en los últimos años), embarcándose en una historia de pérdidas en la que él mismo se erige como protagonista.

D

ice Benjamin Biolay de su nuevo disco, “La Superbe”, que, más que cualquier otra cosa, es “un estado mental”. Un disco doble y tremendamente ambicioso en el que abunda en una estructura que ya utilizó en “Rose Kennedy”, un debut que se remonta a 2002. “Puede haber una conexión, pero creo que hablar de un álbum conceptual es sobre todo una cuestión de marketing, aunque sí hay un nexo común a lo largo de todo este trabajo: hablo sobre la pérdida. Perder a una chica, pero también abandonar una ciudad y llegar a otra”. Ahí está precisamente el recuerdo de Buenos Aires, trazando el camino inverso al que Cortázar hizo desde la capital argentina hasta llegar a Francia. “Es una ciudad a la que siempre me gusta volver, porque tiene algo muy europeo, cosmopolita, sin perder su identidad; me encuentro muy a gusto allí”. Se toma un respiro, mira por la ventana del céntrico hotel madrileño donde se desarrolla la entrevista, tuerce el gesto y retoma su explicación. “No diría tampoco que

es un disco con un aire cinematográfico, sino más bien que se suceden imágenes que sólo están en mi cabeza. No sé exactamente cómo pueden llegar a los demás; es algo así como un ciclo de canciones que se abre precisamente con la canción que da título al álbum, como si lo englobase todo, y luego hay personajes y situaciones que se repiten, con una historia común que se desarrolla principalmente durante el verano y una relación que no termina de funcionar. A partir de ahí, se trata de reorganizar la vida, lo que a veces da pie a un cierto abandono que he tratado de abordar desde la serenidad”. La pregunta es obvia: ¿una autobiografía? “No, no necesariamente, aunque sí hay mucho de mí, creo que más que en cualquiera de mis trabajos anteriores”. Más allá de su puesto como renovador de la chanson, el gran mérito de Biolay es trazar un camino que llega al pop sin mayor dificultad, desde The Smiths a New Order, y pasando también por el jazz, el rock, el tango, la electrónica

e incluso el hip hop. “No me preocupa que sea difícil encajar lo que hago en un género determinado; dejémoslo en música, no hace falta más. Me interesan muchas cosas, pero no siempre en profundidad. En el caso del jazz, por ejemplo, es un estilo que me gusta, pero sobre todo Chet Baker, es inmenso”. En este punto es cuando aparece el sonido de un tema como “La Toxicomanie”, igual que en “Penny Lane” es evidente la referencia a The Beatles, que se adorna también con el recuerdo de los “Conciertos

muy a menudo, hasta que me junté con más de cincuenta canciones, de las que al final quedan estas veintidós, que son con las que se construye una historia más coherente.”.

No faltan las referencias de todo tipo, desde Sarkozy (y no precisamente para bien) a Carla Bruni (con quien colaboró en su álbum más reciente), y de Carlos Gardel a Francis Scott Fitzgerald (y lo cierto es que estas canciones no quedarían mal como banda sonora de “Suave es la noche”), para terminar hablando de lo mucho que le gusta el último

“No me preocupa que sea difícil encajar lo que hago en un género determinado” de Brandenburgo” de Bach. En esta última canción, por cierto, aparece la trompeta del jovencísimo español Rubén Simeo. “Es increíble; sólo tiene diecisiete años, pero para mí ya es uno de los mejores. Además, fue muy divertido trabajar con él. Estábamos en el estudio y no habíamos terminado de grabar y ya estaba jugando con la Wii”. Estamos ante un álbum doble con el que el autor de “Négatif” o “Trash Yeye” abre una nueva etapa tras la salida de Virgin y su fichaje por Naïve. “He trabajado muy a gusto, sin ningún tipo de presión. He estado dos años yendo al estudio, no todos los días, pero sí

disco de Phoenix y, como reconocido futbolero que es, del largo trecho que hay entre el Olympique de Lyon (su ciudad) y el Barcelona de Xavi, Iniesta y Messi. “Es un espectáculo verlos jugar. Eso sí que es algo soberbio”, subraya. Quizá sea un Serge Gainsbourg del siglo XXI, puede que un Morrissey afrancesado, seguro que un compositor notable (entre otros muchos, para Henri Salvador o Françoise Hardy) o simplemente el protagonista en la sombra de “La Superbe”. ■ Enrique Peñas “La Superbe” está publicado por Naïve.

(MONDOFREAKO /18/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

G.A.S. Drummers Foto Archivo

G.A.S. Drummers

Tiempos perfectos Si con “Dialectics” los gaditanos dejaron claro que la evolución sentimental y cerebral podía ser a la vez natural, ahora vuelven a refrendarlo. Su nuevo trabajo “Decalogy”, bajo su propio sello, Red Vanette, les pone a la altura de muchas de las bandas que admiran.

Rock sin adjetivos ni aditivos, algo puro.

T

ras otro concierto de G.A.S. Drummers esta vez en la sala Sugarpop de Granada y con motivo de la fiesta Aniversario de TheBorderlineMusic, Dani Llamas, cantante y guitarrista del grupo comienza a recoger mientras habla sobre su sello, Red Vanette, con el que ha visto la luz su nuevo trabajo, “Decalogy”.

“Lo de Red Vanette ni siquiera se nos hace raro. Para los grupos que llevábamos años funcionando de manera casi autónoma es un pequeño paso más, una madurez musical que también se hace notar en cuanto al funcionamiento del grupo, después de montar tantas giras y gestionar todo desde hace once años. Es algo así como oficializar algo que era evidente desde el principio, aunque nos echaran un cable algunos sellos con los que hemos trabajado”. Este bagaje responde también al tema de las colaboraciones multidisciplinares de estos últimos trece temas

▲Sube Super Mario por haberse convertido en Socio de Honor de la ASEFOSAM española, la principal asociación de profesionales de fontanería de nuestro país.

Un honor a la altura de muy pocos personajes de carne y hueso. A sus pies.

que conforman un bloque compacto y sin fisuras, con nexos comunes entre fuentes diversas. “Paul Lazar (Gotan Project) fue clave para darle otra dimensión a la acústica ‘Back Among The Dead’ con sus magníficos violines mientras que Muni Camón (ex Maddening Flames), de la que siempre hemos sido muy fans, nos dejó con ganas de más cantando en ‘Black Wind’, porque se sale. Por otro lado, lo de Dave Smalley (Down By Law) se debe a que hicimos un tema muy old school que sonaba como si fuese de su ‘Punkrockacademyfightsong’. Así que a través de un amigo común le pasamos la maqueta y se volcó, con el añadido de que quiso ir expresamente a grabarla a Inner Ear con Don Zientara”. Todo atado y bien atado, una apuesta por ellos mismos que incluye volver a confiar en Paco Loco, alguien que parece formar ya parte del grupo. “Nos vamos conociendo mejor, pero

▲Sube las Pop Up Stores o tiendas de guerrilla, que aparecen y desaparecen por sorpresa en apenas un día con ofertas, novedades y conciertos sorpresa.

si por alguna razón siempre repetimos con Paco es porque es un tipo bastante genuino.

Ejemplo: si llevas tres meses sin ir a verle probablemente cuando vuelves a pasarte por el estudio haya cambiado los muebles y la mesa de sitio. Parece que entras en un espacio nuevo. Aplica eso a su manera de trabajar y nunca tendrás un disco igual. Es por eso por lo que nos gusta tanto”. El feeling existe y se nota en la producción entre la banda y el polifacético señor Loco. Por todos estos facto-

yendo por la borda, y la vergüenza también. Yo creo que los años no nos pesan, más bien nos alivian de llevar ciertas cargas.

El mundo de las etiquetas ha sido un gran problema para nosotros, porque en nuestra vida significan más bien poco. Desde el sur la industria se ve desde otra óptica, no hay que tomarse algunas cosas tan en serio.

Somos un grupo que, con cada entrega, es más libre. Tenemos ganas de hacer grandes trabajos discográficos, con buenas cancio-

“Para nosotros, tener un grupo que nos permite viajar es la mejor de las recompensas” res “Decalogy” resuma sinceridad, ausencia de prejuicios y un resultado creíble, algo demasiado difícil de encontrar en el rock contemporáneo de nuestros días. “‘Decalogy’ toma el pulso de G.A.S. Drummers desde 2007 hasta 2009.

El grupo va creciendo con nosotros porque no nos hemos puesto ninguna meta, y eso hace que musicalmente tampoco hayamos tocado techo. Cada disco es un desafío y una oportunidad de mostrarle a la gente nuestras inquietudes. Los prejuicios se van

▲Suben Catpeople por haber conseguido, con el clip de “In Silence”, el Premio a Mejor Clip del concurso Cinemad-MondoSonoroVía Láctea. Un lujo de vídeo.

nes, y dar buenos conciertos. En ese aspecto todo sigue igual desde que empezamos”.

Esos buenos conciertos se van a poder disfrutar a lo largo de todo el territorio europeo en 2010 gracias a la salida al mercado común con el sello francés Kicking Records. “Para nosotros, tener un grupo que nos permite viajar es la mejor de las recompensas”. ■ Rojas Arquelladas “Decalogy” está publicado por Red Vanette Records.

▲Sube el grupo Supersubmarina por conseguir que su vídeoclip sea el primero español en ser seleccionado por el Interfilm Festival de Berlín.

SUBEN ▲ tBajan los aficionados a la música independiente que no se hayan hecho con un ejemplar del especial Rockdelux de sus veinticinco años de trayectoria.

▲Sube la revista Vice por celebrar sus quince años de trayectoria con un número tan divertido como el que publican: un supuesto ejemplar perdido que no vio la luz en 1994.

▼ bajan

tAunque respetemos su trabajo, bajan Fangoria por su dueto con Sara Montiel.

Una cosa es nadar a contracorriente y otra hundirse en aguas de la España más cañí.

tBajan los promotores de conciertos que, en sus informaciones, pasan por alto visitas previas de los artistas para colarnos que son los primeros en traer a un grupo.

tBaja Baria Qureshi, la chica que ha abandonado la formación de The XX pocas semanas después del repentino éxito del grupo en medio mundo.

tBaja el tiempo de espera hasta las nuevas Fiestas Demoscópicas de MondoSonoro. En unas semanas anunciaremos cuáles son los grupos que formarán parte de ellas.

MondoSonoro · Diciembre 2009 /19/

MONDObeats

EN LA

Antonio Batidora DJ Extremeño afincado en Barcelona, Antonio Batidora es uno de esos Dj’s que jamás le hará ascos a la música cantada en español. En sus sesiones no solamente se combinan guitarras y electrónica, sino que el inglés y el castellano comparten el protagonismo en buena sintonía. ◗ ¿Por qué empezaste a pinchar?¿Para ligar, para ser una estrella?

Empecé a pinchar como hobby por esa loca pasión que tengo desde siempre por la música. Luego se me fue de las manos, ¡la pasión digo! y pensé… ¡¿Por qué no ser una estrella?! Y si además ligo, mejor ¿no? ◗ ¿Qué disco nunca falla en una sesión tuya?

“Singles y Primeras Grabaciones” (1995) de Parálisis Permanente, uno de mis grupos fetiche de España.

Vitalic

◗ ¿Cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué?

Pues fíjate hasta dónde me voy a transportar... “Hysteria” de Def Leppard. Nunca suelo decirlo, ¡coño!, y me encanta este disco, está repleto del mejor hard rock cien por cien bailable. Una joya. ◗ ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión?

Si el público en la pista no se mueve, no significa que estén muertos, significa que lo estás haciendo fatal… Si la gente te baila, tu ego, tu energía, tu mente fluyen y viene el momento de comunicación con la pista. ◗ ¿Recuerdas alguna anécdota especial a lo largo de tu carrera como Dj? Muchas. Compartir cabina con Billy Nasty, Glen Matlock (SexPistols), Jarvis Cocker (Pulp), Andy Rourke (The Smiths), Olvido Gara & Nacho Canut… ◗ ¿No estás harto de trabajar siempre de noche?

Por un lado, nunca me gustó madrugar y, por otro, la noche es peligrosa. Qué dicho tan bien definido. Hay que tomárselo con calma. Hay actitudes peligrosas engañosas y otras buenísimas y enriquecedoras. Hay que saber valorar y respetar… Aún no estoy harto. ◗ ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Supongo que era necesario poner o dar al Dj un lugar en la escena, vamos, que se le reconozca su papel como transmisor de todas las tendencias musicales. ◗ ¿Qué opinas de los músicos que pinchan?

Opino que la gran mayoría, con todo mis respetos, deberían dedicarse a cantar, componer o tocar. Si ponen discos que lo hagan decentemente. ◗ ¿Cuáles son tus Dj’s actuales favoritos?

Nacionales te citaré a Ángel Molina y Amable. En cuanto a internacionales, Fatboy Slim y Ellen Alien. ◗ ¿Bebes o haces cosas malas mientras estás pinchando?

No me junto con esa gente. ■

Vitalic Foto Lisa Carletta

Antonio Batidora DJ Foto Archivo

MALETA

Juego de espejos Vitalic vuelve tras cuatro años de silencio con un segundo álbum, “Flashmob”, lleno de esencia disco, retazos de electro pop y EBM viperina, melodías emblemáticas y una producción excelente. El yayo Pascal sabe lo que gusta a la muchachada.

“

El disco es el rock’n’roll de la música de baile”. Quien suscribe esta frase es Morgan Geist antes de pinchar el octubre pasado en Barcelona. El jefe del género al otro lado del charco soltó más perlas reveladoras. “Llevo oyendo que vuelve la música disco desde hace ocho años, así que no creo que sea una moda pasajera, es un género que siempre estará ahí”. Y ya de paso, se cagó en los re-edits de temas disco, tan en boga últimamente.

“No me gustan, no me parece ético que alguien toque sin permiso la música de otros, y menos que intenten ganar dinero”. Pilooski miraría a otro lado mientras que Pascal Arbez asentiría con la cabeza a todas estas sentencias, porque se alinea con la manera de entender y vivir la música del de New Jersey. Además guardan muchas similitudes alopecia aparte (cuidan al detalle todo lo que editan, sin prodigarse mucho, y menos en el arte del remix, son infalibles en directo...). Ahora todavía están más cerca ya que en su segundo disco, “Flashmob”, Arbez ha declarado abiertamente que una de las mayores influencias han sido Metro Area. Sí, muchachos, Vitalic es ahora música disco. Pero no del orquestal, del cheesy o del espacial (tan en boga, también, últimamente gracias a la camada europea), música disco de arpegio matador, de ritmos in crescendo repletos de palmas y cencerros, de bajos que supuran groove, de melodías pop al servicio del despendole nocturno... Pero… ¿Por qué Metro Area? “Por su forma de transmitir sentimientos. Su música es sexy y emo-

cional. Es difícil encontrar buena música de baile que conjugue ambos elementos.

Antes no buscaba transmitir este tipo de sensaciones en mi música. Lo único que me preocupaba era facturar temas oscuros y potentes, estrictamente enfocados a la pista de baile, pero en ‘Flashmob’ he intentado explorar el lado emocional de la música de baile. Por otra parte, he buscado aplicar una producción de carácter pop al disco, muy en la línea del

disco punk de LCD Soundystem y el ingrediente soft de Metro Area. La verdad es que ‘disco’ es una palabra con miles de significados...”. Lo que se traduce en jugosa variedad. “En ‘Flashmob’ hay temas para diferentes estados de ánimo. Creo que eso es algo que define a los buenos discos. Quizá un tema te puede recordar a lo último de Joakim, otro puede parecer más cercano al universo DFA, y otro tener un sonido más techno”. Un año y tres meses de faena, con temporadas en Berlín para producir y visitas a Londres para masterizar. En todo caso, “Flashmob” es por derecho propio uno de los trabajos de electrónica indie del año y un must para los grandes festivales en 2010, porque temas como “Flashmob”, “Poison Lips”, “Your Disco Song”,

"Llevo oyendo que vuelve la música disco desde hace ocho años... es un género que siempre estará ahí" de MGMT, que últimamente también han sido una referencia para mí”. Olvídense del Vitalic con fachada rock de “Ok Cowboy” (sin desmerecer, que también partía panas), aunque en algunos foros puedan leerse diversidad de opiniones entre sus acólitos. Mientras parece que algunos acogen con los brazos abiertos esta versión de Vitalic más cercana a Cerrone, Moroder y Patric Cowley, otros echan de menos el serrucho de “Ok Cowboy”. Pascal está encantado con su cambio de registro.

“Es un disco más positivo y luminoso, y creo que encarna bien las diferentes maneras de entender la música disco. Al principio del proyecto estuve bastante pillado por el italodisco, y fue el primer resorte para empezar a pensar en el carácter que quería que tuviera ‘Flashmob’.

Las otras ventanas importantes fueron el

o la Chimo-Bayera “Terminnateur Benelux” son carne de madrugada en carpa. “Todavía es pronto, pero espero estar en alguno.

Tengo preparado un nuevo concepto de live en el que llevo un juego de espejos en el que el público podrá verse reflejado en el escenario, además de proyecciones para cada tema”. ¿Y de remixes qué? No te prodigas mucho... “No me gusta hacer remixes por dinero. Los hago cuando me gusta de verdad el tema y me parece un reto remezclarlo. Ahora tengo uno entre manos para Amadou Et Mariam”. Éste come aparte. ■ Javier López “Flashmob” está publicado por Citizen Records/ Pias. Vitalic estará actuando el 10 de diciembre en Barcelona (Sala Razzmatazz).

MondoSonoro · Diciembre 2009 /21/

ENTREVISTA

Fuck Buttons Foto Lucy Johnston

Fuck Buttons

Tienen una bomba Su debut supuso un soplo de aire fresco que confirmó que la fórmula post-rock no estaba agotada y era susceptible de reinterpretación. Ahora “Tarot Sport” les lleva unos cuantos pasos más allá para convertirse en carta de presentación ante audiencias mucho mayores, ante el mismo público que ha convertido a Animal Collective en clásicos contemporáneos.

E

n toda entrevista promocional se resuelve un conflicto inevitable entre periodista y músico -por otra parte no demasiado diferente al que se produce en cualquier otro tipo de relación interpersonal- originado por las expectativas de uno y la realidad que esconde la máscara, la fachada pública, del otro. En algunas ocasiones el plumilla tiene la suerte de dar en el clavo y hacerse una imagen muy aproximada a la realidad, y es entonces cuando se produce una comunión que da en una entrevista excelente, llena de guiños y referentes compartidos. También puede ser que el entrevistado sea todo un profesional, una estrella, un personaje que, por mucho que no pueda (o sepa) dejar de interpretar su papel, nos regale momentos delirantes de esos que engrandecen la mitología del rock: ¡triunfo asegurado! Pero ¡ay! sucede demasiado a menudo que el periodista y (a veces) fan de la música se deja llevar, arrebatado por las canciones que ha compuesto ese señor que está ahí sentado, a un par de metros de distancia.

Un señor que ha dejado de pensar hace tiempo -si es que alguna vez lo hizo- en los conflictos entre lo humano y lo divino, y cuya mayor preocupación en estos momentos consiste en la dichosa acidez de estómago que le produce siempre la ingesta de cocido en sus visitas promocionales a Madrid. Son esos los días en que la pifia está garantizada…

El pasado 2 de octubre asistí al primer concierto de Fuck Buttons en Madrid, dentro de la programación del festival Experimentaclub.

El dúo de Bristol había agotado las entradas varios días atrás y el ambiente que se respiraba estaba a medio camino de lo festivo y la expectación inusitada que genera uno de esos conciertos que pueden quedar en históricos.

“Disfruté mucho, era la primera vez que estaba en Madrid y lo cierto es que creo que fue un show muy exitoso”, recuerda Benjamin John Power (el de la gorra en los directos) un par de semanas más tarde. Y doy fe que así fue. Con los simpaticotes Zombie Zombie ejerciendo labores de teloneros y calentando a un personal ya de por sí predispuesto al baile, desde el primer segundo de su actuación Fuck Buttons levantaron un muro sónico casi tangible por el que apenas se colaban los detalles que hacen de “Tarot Sport” un disco mágico. El brillo se tradujo en brutalidad despiadada. Mientras tanto, sobre el escenario,

con ellos por mail hace un par de años y en aquellas otras que he tenido oportunidad de leer desde entonces, en las que más que un grupo de rock parecían futbolistas en rueda de prensa post partido: sus declaraciones viven del tópico. Toda una sorpresa si tenemos en cuenta que su música es cada vez más una puerta abierta al trance y las experiencias (extra)sensoriales que ha desatado no pocas hipérboles y alucinadas descripciones en la prensa especializada de todo el mundo. En cualquier caso, Benjamín se rebela como una auténtica máquina a la hora de echar balones fuera y negarlo absolutamente todo. Y así, por unos minutos la conversación podría pasar por la escena central del interrogatorio en una película de espías que se desarrolla en la antigua RDA. ¿El elemento dance en vuestras canciones? “Entiendo que la gente haga referencia a ello porque nuestra música se construye sobre un cuatro por cuatro muy claro, pero nosotros no pensamos en hacer música bailable cuando nos

“El modo en que componemos nuestras canciones es en tiempo real, el uno frente al otro” una puesta en escena tan sobria como efectiva enfrentaba a nuestros dos protagonistas a ambos lados de la mesa entregados a un bailoteo constante, convertidos en la reencarnación de los grandes grupos del ruido analógico de los ochenta. Comienzo a hilar nombres: SPK, Cabaret Voltaire… “Bueno, sí, el impacto del sonido en directo es tan fuerte…”. ¡Agua!

“Piensa que el modo en que componemos nuestras canciones es en tiempo real, el uno frente al otro, por eso el directo es muy importante para nosotros y necesitamos como grupo que nuestros conciertos sean interesantes. Al mismo tiempo nosotros también queremos divertirnos actuando. Así que no creo que se pueda entender una cosa (el disco) sin la otra (el live)”. Tocado y hundido. Era cierto lo que se dejaba entrever en la entrevista que mantuve

paramos a componer”. ¿Extremismo? “No considero nuestra música extrema. Antes te hablaba de que nos interesaba experimentar pero siempre intentando hacer el tipo de música que nos gustaría escuchar. Todo surge de forma muy natural así que no hay espacio para lo extremo”. ¿Qué dirías que es una propuesta extrema para ti…? “Creo que la primera vez que escuché Wolf Eyes. Flipé, porque no sabía que nada así existiera. Creo que fue la primera vez que me introduje en el noise y fue un shock”. Sin embargo, echando un vistazo en Youtube a vuestros conciertos en locales pequeños, a servidor le queda una sensación similar a la que me invade revisando viejas grabaciones de los primeros años del hardcore: tecnokids llevando al límite su propio lenguaje, una cóctel molotov de rabia y agresi-

vidad canalizado por la vía del ruido en canciones de una indudable pegada… “Sí, pero en realidad, para nosotros el mejor concierto de nuestra vida ha sido sin duda el del Primavera Sound el año pasado. Flipamos con toda la gente que había allí y lo bien que recibieron nuestra música”. Y me acuerdo en ese momento de Matt Eliott, otro bristoliano ilustre, y de aquella larga conversación que sostuvimos hace un año y que nunca llegó a publicarse. Una charla sobre música, ruido y revolución, sobre los disturbios estudiantiles en Grecia y la necesidad de que algo finalmente se tiene que romper, aunque sólo sea sobre lo alto de un escenario.

■ Luis J. Menéndez tarot sport está publicado por atp/houston party. ❱❱ Andrew Weatherall.

La mano que mece la cuna “Andy hizo el remix de ‘Sweet Love For Planet Earth’, y decidimos llamarle para producirnos porque nos pareció una persona muy sensitiva y que conectaba con lo que nosotros queremos decir. Su principal aportación consistió en ordenar el sonido, colocarlo en el espacio. Nosotros no somos ingenieros de sonido y necesitábamos que alguien externo hiciera esa aportación.

Es un tipo encantador, muy afable, pero a la vez con un carácter muy fuerte. Sabe muy bien lo que quiere”. Y lo que Weatherall quiere como productor se ha podido rastrear a lo largo de veinte años en apenas cinco discos que, sin embargo, han sido suficientes para cambiar el rumbo del pop contemporáneo: “Screamadelica”, “Vanishing Point” y “Evil Heat” para Primal Scream, el “Morning Dove White” de One Dove, “Trailer Park” de Beth Orton y, por supuesto, sus propios trabajos al frente de The Sabres Of Paradise y Two Lone Swordsmen. ■

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /23/ ENTREVISTA)

Quique González

Luz de atardecer Conjugando aires de clásico con un personal enfoque íntimo y alejado de instrumentaciones excesivas, el músico madrileño publica “Daiquiri Blues”, su octavo disco, grabado en Nashville con la ayuda del productor Brad Jones.

Q

uique González tiene fama de ser un entrevistado escurridizo, de esos que ponen el piloto automático a la hora de responder a la prensa. Por suerte, o porque las leyendas, ya se sabe, no tienen por qué estar alineadas con la realidad, parece que eso no va a suceder hoy. “Hablamos de lo que tú quieras”, masculla con indisimulada amabilidad justo antes de comenzar. Los últimos días del mes de octubre aún regalan temperaturas casi veraniegas, así que la cita tiene lugar en la terraza del Café Moderno, en la madrileña Plaza de Comendadoras. González acaba de salir de Radio City Discos y lleva consigo una bolsa con varias novedades. “Me interesa mucho la música que se hace en la actualidad. Hay verdaderos discazos. No entiendo a los músicos que dicen que no escuchan discos nuevos”, confiesa. Madrileño de nacimiento y cántabro de residencia, el último rebelde del rock español publica ahora su octavo disco, grabado en Nashville con músicos de la talla de Al Perkins, un superviviente que ha compartido camerino con leyendas como Gram Parsons o Bob Dylan. Toda una experiencia. Los dos términos que componen el título, “Daiquiri Blues”, juegan a la sugestión de contrastes, implícitos en lo proteico de la música de Quique González, tan sencilla y directa como profunda e introspectiva, y probablemente extrapolables a su condición personal, tan disociable de su discografía. De la producción se ha encargado Brad Jones, responsable de trabajos de grupos como The Sunday Drivers y Josh Rouse, aquí, o Chuck Prophet y Matthew Sweet, allí. “Solía hablar con

David Bonilla [A.R. de Warner] de la posibilidad de que Brad produjera un disco mío en su estudio. Llegó el momento en el que se animó y no lo dudé. Era la primera vez que iba físicamente, aunque mis tres últimos discos habían sido masterizados en Nashville”. Pero el trabajo comenzó antes del viaje (“Más que nada, hablábamos de los músicos que nos gustaría que estuvieran.

Le mandé las demos de una forma muy básica, con guitarra, piano y voz. Él prefería que fuera así, quería trabajar desde lo esencial”); una vez allí, tal y como se muestra en el documental que acompaña al disco, primera referencia de Last Tour Records, todo fue sobre ruedas. En las imágenes puede verse a un Quique González totalmente relajado, un tanto perdido entre chistes y conversaciones en inglés y embriagado por el misticismo ancestral de las calles de Nashville, pero asintiendo satisfecho ante lo que escucha. Brad Jones lo explica perfectamente: “Lo bueno de Qui-

que es que él sabe quién es, pero también sabe quién no es. Le sugieres algo y te dice sí o no al momento”. Quique tiene su visión sobre la estrategia de ponerse a grabar con gente desconocida y que acaba de ser expuesta al material con el que se va a trabajar. “Me extrañaba que Brad no hubiera enviado las canciones a los músicos. Las escucharon justo antes de hacer la primera toma. Al principio me extrañó mucho, pero ahí está el resultado. Por supuesto, eso es algo que se puede hacer sobre todo con músicos como los que están en el disco. Brad lo hace así porque piensa que la primera vez que alguien toca una canción lo está haciendo desde el corazón. La toma número nueve está mejor tocada, pero es menos natural que las primeras”. Así las cosas, el disco estaba terminado antes de lo planeado e incluso hubo días de sobra para socializar y

“Me niego a hacer playbacks y a tocar para ayuntamientos, tampoco pido mucho más” digerir gustosamente la experiencia vivida antes de regresar. Una vez retractilado, cuando ya no puede cambiarse nada y a través del cartón se pueden casi sentir las pulsaciones de trece canciones serenas y crepusculares como la luz del atardecer, creadas desde la desnudez de la intimidad y la memoria, llega el tiempo de la apertura y la valoración.

C

on el piloto automático con el que los periodistas acudimos a menudo a las entrevistas, se suele preguntar a los músicos qué han aportado de nuevo en sus discos.

A veces olvidamos interesarnos por lo contrario, mandar a paseo lo nuevo. Por ejemplo, olvidamos preguntar a los músicos qué es lo que, en su opinión, siempre va a haber en sus discos.

“En mi caso, un perro, una chica y un coche”, bromea Quique, “me he dado cuenta hace poco. No sé aún qué significa”. El espíritu escurridizo ha asomado por un instante, pero vuelve a desaparecer. “En este disco el sonido es muy natural y los arreglos, sencillos y poco pretenciosos. Sin embargo hay muchos pequeños detalles que vas descubriendo con las escuchas.

Conseguimos poder jugar con las dinámi-

❱❱ El proceso Desde que haces la primera canción hasta que alguien abre el disco pasa mucho tiempo. Al final me quedo con una sensación agridulce, de plenitud pero también de vacío. A uno siempre le gustaría hacer las cosas para las que no está especialmente capacitado. Yo suelo pasar página. Es algo que hay que aceptar para no volverse loco. ❱❱ Las canciones He metido las mejores canciones que tenía, sin querer cumplir con cuotas. Una canción debe emocionarme; si me emociona a mí, pienso que tiene la capacidad para emocionar. No me importa que, como en este caso, casi todas tengan un corte parecido.

Quique González Foto Archivo

cas y no tener que hacerlo con el volumen, la excesiva instrumentación o la producción. Hago este disco porque a mí como oyente me gustan los discos así, que crecen de una escucha a otra. Supongo que en todos mis discos hay algo de esto. Por otra parte, en mis canciones siempre van a estar reflejadas mis experiencias personales”. El asunto surge como algo inevitable, porque lo es, y se trata como algo natural, porque lo es. “Entiendo los discos como ciclos vitales. Mi vida personal va en paralelo con mi música. Llevo tres años sin pareja y sin la estabilidad de vivir en un sitio fijo.

Todo eso influye. He tenido la suerte de conocer a muy buenas musas. Me refiero a personas reales, mujeres que te dejan con una canción en los labios, que tienes que escribir para redimirte de alguna manera”. Finalmente, abordar otro asunto en

❱❱ La discografía Me llevo muy bien con mis discos. Me tolero menos por la voz, sobre todo en el primero. También me gustaría haber estado más maduro, pero creo que es un buen disco de debut. Incluso hay gente que pide que haga cosas parecidas. Sobre todo me lo dice gente que anda por los veinticinco años, más o menos la edad que tenía cuando lo grabé. ❱❱ El público Suena a lo típico, pero es verdad. Quienes más han hecho por mí han sido mis

principio peliagudo resulta no serlo tanto. ¿Qué pasa entre Quique González y la industria? “Me niego a hacer playbacks y a tocar para ayuntamientos, tampoco pido mucho más.

Warner quería llevarse un tanto por ciento del dinero de mis directos, una condición que los sellos imponen ahora, y me negué.

No trabajo para ellos. Nos separamos sin hacer dramas, eso es todo”. Y eso es todo porque Quique González es consciente de que su insobornable independencia, aún costándole dinero (él mismo ha sufragado parte de la edición de “Daiquiri Blues”), cuenta con el mejor aliado posible, un público fiel que se siente respetado y se identifica a muerte con el músico.

“Me fue muy bien el año pasado. Di más de setenta conciertos y me parecía justo emplear parte de ese dinero en grabar.

Cuando fui a Nashville, ya no estaba con Warner. El dinero vino de la música y ha sido empleado en hacer más música”.

■ Jorge Ramos “Daiquiri Blues” está publicado por Last Tour Records. quique gonzález estará el 5 de diciembre en sevilla, el 12 en segovia, el 19 en madrid y el 27 en bilbao

fans. Ellos me han hecho crecer y son los que me permiten estar ahí. Su cariño y el boca a boca, eso ha hecho por mí más que cualquier campaña de marketing. ❱❱ El artista Tengo fama de problemático, pero yo no considero que sea así. Lo único que he hecho en todo este tiempo ha sido tocar y grabar. He hecho ocho discos en doce años. Lo demás es secundario. ■

Them Crooked Vultures (de arriba a abajo John Paul Jones, Josh Homme y Dave Grohl) Foto Archivo

(ENTREVISTA /24/ Diciembre 2009 路 MondoSonoro)

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /25/ ENTREVISTA)

Them Crooked Vultures

Una historia

verdadera El rumor es casi siempre la antesala a la noticia. En el caso que nos ocupa fue el propio Dave Grohl quien, hace cosa de cuatro años, soltó esta bomba ante el asedio de la prensa: “el siguiente disco lo grabaré con Josh Homme a la guitarra y John Paul Jones al bajo”. En todo caso, el ex Nirvana no mentía. Aquí está “Them Crooked Vultures” para desvelar la verdad.

M

ientras Foo Fighters publican su “Greatest Hits”, Queens Of The Stone Age se toman un respiro para oxigenarse y John Paul Jones –nuestro afable y sencillo interlocutor vía telefónica desde Los Angeles- descarta una posible reunión de Led Zeppelin, llega el momento propicio para presentar una aventura muy especial, la que Dave Grohl, Josh Homme y el bajista británico están protagonizando bajo el nombre de Them Crooked Vultures. Aunque este tipo de asociaciones no son siempre del todo fiables, en esta ocasión parece que todo ha funcionado como miel sobre hojuelas, dando como resultado una clase magistral de rock en estado puro con el sello de sus autores. “Las sensaciones son fantásticas.

Estoy muy satisfecho con el resultado del álbum. Lo grabamos prácticamente todo en el estudio tocando juntos y al mismo tiempo. Teníamos allí toda la maquinaria necesario, así que podía mezclar todo al instante. Era una sensación muy especial. Tocamos en el estudio como si estuviésemos en un local de ensayo o en el sótano de una de nuestras casas y enseguida veíamos los resultados, las pruebas instantáneas de lo que habíamos hecho. Además, como este proyecto era un secreto que teníamos guardado desde hacía mucho tiempo, teníamos la percepción de que estábamos haciendo algo presuntamente ilegal, ocultando una información que podía ser muy valiosa para mucha gente. Fue divertido

hacer. Si algo no funciona, nos damos cuenta todos al instante. Eso es lo que muestra si hay o no hay química entre los músicos. Trabajar juntos fue muy sencillo, muy natural. Nos divertimos y nos reímos un montón. La verdad es que fue una experiencia enriquecedora”.

John Paul Jones ya había colaborado con Foo Fighters en “In Your Honor” (2005), y participó junto a Jimmy Page en la segunda de las dos noches históricas que los estadounidenses protagonizaron en el estadio de Wembley, como constata el DVD que se publicó del evento. Dave Grohl, por su parte, había tocado la batería en Queens Of The Stone Age. El círculo se iba estrechando, pero faltaba comprobar cómo iba a funcionar la conexión entre el experimentado y legendario bajista y el fornido ex Kyuss. En todo caso, y vistos los resultados, parece que muy bien. Una sana respuesta al siempre esperado regreso de Led Zeppelin. “Para mí, esto no es un retorno porque nunca me he sentido como si estuviese fuera de este juego.

Hacía poco que había llevado a cabo la reunión efímera de Led Zeppelin para la fiesta de Atlantic y después estuve durante un tiempo probando con Jimmy Page y Jason Bonham, pero eso es todo.

Desde un buen principio Robert Plant dijo que no estaba interesado, que para él Led Zeppelin era un ciclo que había terminado, mientras que Jimmy Page tenía entre ceja y ceja activar de nuevo el grupo, costase lo que costase, pero con

“Dave Grohl sabe aunar a la gente, aconsejando, arriesgando, sabe dirigir y conducir” sentirse como un chico travieso”.

En Them Crooked Vultures, cada músico ocupa su posición, cada uno tiene un papel asignado. Los egos, las manías y los caprichos de los tres artistas han quedado totalmente al margen. “Fue un proceso muy orgánico.

Ellos son dos grandes músicos, Dave disfruta mucho tocando la batería, para él era como volver inusitadamente a sus orígenes, y Josh es un guitarrista muy fino, uno de mis favoritos, además de buen cantante y gran letrista también.

En un principio nos lo tomamos como una jam. Nos parecía el proceso natural para encontrar el camino de las canciones. Los tres tenemos mucha experiencia, sabemos tocar y escuchar lo que hacen los demás, no hace falta explicar a tus compañeros qué es lo que deben

la condición de que si no estaba Robert debería ser un proyecto con un nombre y un sonido distintos, una banda totalmente diferente. Probamos o pensamos en otros cantantes, pero la idea no nos satisfizo, hasta que al final nos percatamos por nosotros mismos de que ese no era el camino correcto. Entonces apareció Dave, que me preguntó si estaba interesado en empezar una nueva banda con él. Pensé que me estaba haciendo un favor, porque así dejaría de pensar en ese proyecto fallido. Mi cerebro tomó aire y me sentí liberado. De nuevo empecé a tocar muy bien, con otro ímpetu.

Me ilusionaba empezar con una nueva banda. Por eso precisamente no tengo la sensación de estar de vuelta. En cambió, sí puedo afirmar que Them Crooked Vul-

tures me ha devuelto la ilusión”. Como en el reciente ejemplo de Johnny Marr con The Cribs, era interesante comprobar cómo iban a congeniar músicos de generaciones distintas.

“En realidad, mantengo la misma pasión por la música que Dave y Josh, con la diferencia de que ellos vienen con la inercia de Foo Fighters y Queens Of The Stone Age. Por mi parte, yo aporto mucha sensibilidad, alma. El problema es que, para gente como yo, que está metida en el rock’n’roll desde hace tanto, aquella primera generación del rock nos queda ya muy lejos y te da la sensación de que, aunque hayas tenido períodos de inactividad, nunca has dejado de dedicarte a esto y que por mucho que quieras no puedes dejar de ser músico. El tiempo pasa y tú sigues ahí como si nada hubie-

de los tiempos de Nirvana. Al principio parecía algo oxidado (risas), pero rápidamente se puso en forma. Es puro nervio.

De Josh también me impresionó su visión de los conciertos. Es un improvisador nato, muy aventurero. Puedes hacer quince o veinte conciertos con él y todos serán distintos”.

H

ablando de conciertos, el trío se subió por primera vez a un escenario el pasado 9 de agosto, en la sala Metro de Chicago. “Hacía mucho calor, el sitio era pequeño. Lo sorprendente era que entre el público nadie se sabía ninguna de las canciones, ni tan siquiera ‘No One Loves Me & Neither Do I’ o ‘Elephant’. Estaban plenamente concentrados como si se las hubiesen aprendido, con el sólo propósi-

“Como este proyecto era un secreto... teníamos la percepción de que estábamos haciendo algo ilegal” se sucedido. Pregúntaselo a Mick Jagger o a Keith Richards, seguro que están de acuerdo conmigo. Con contar las giras que llevan acumuladas sería suficiente.

Cada día que pasa te sientes mejor músico y no quieres dejar de explorar. Quieres ser más complejo, experimentar. Lo peligroso es mirar demasiado al pasado.

Si lo haces, artísticamente vas a cavar tu propia tumba. Por eso no he perdido ni la energía, ni la pasión, con lo que puedo compartir experiencias con chicos como estos y disfrutar tocando en una banda”.

U

na de las leyendas acerca de la creación de Them Crooked Vultures es la que cuenta que, aprovechando la fiesta de su cuarenta cumpleaños, Dave Grohl sentó a los implicados en una misma mesa para comprobar si había o no química entre ellos. “No fue exactamente en la fiesta de cumpleaños de Dave cuando llegamos a ese trato. Fue al día siguiente. Hicimos una jam y nos dimos cuenta de que aquello fluía, que había una excelente interacción entre nosotros. Hasta el mes de enero no intercambie información con Josh. Yo venía de un período oscuro, tras pasar unos días entre sombras. La casa se me caía encima y las noches eran interminables. Empezar con todo esto, conocer en profundidad a Josh y conocer a alguien tan positivo y vital como Dave me ayudó a superar ese bache. De inmediato nos pusimos a tocar, y sobre todo Josh supo como sacar provecho de nuestras virtudes. Sabe aunar a la gente, aconsejando, arriesgando, sabe dirigir y conducir una jornada de trabajo. Es un técnico excelente, sobre todo cuando se trata de guitarras. Me impresionó su forma de trabajar y la capacidad de esfuerzo de Dave. Para él ha sido muy refrescante tocar la batería con la energía

to de escucharlas, disfrutarlas e incluso analizar lo que estábamos haciendo. Era curioso observar desde arriba esa extraña conexión. Fue una experiencia muy diferente para los tres, acostumbrados a que todo el mundo se sepa las letras y las notas de todas tus canciones. La atmósfera era eléctrica, muy pura, había que trabajar duro, en una sala llena hasta los topes, con poco espacio para maniobrar. Me gustó experimentar un concierto desde esa vertiente, con otros objetivos en mente, otras pautas”. De lo que no cabe duda, acepten ellos o no esa responsabilidad, es que estamos ante uno de los acontecimientos musicales de este año que está a punto de acabar. “Desde dentro no vemos el proyecto como algo muy grande, más bien lo sentimos como algo más casual, más familiar. No estamos hablando de Led Zeppelin, aquello era otra cosa. No hemos notado la presión en absoluto. Al final los que decidimos somos nosotros, y yo recuerdo que en Led Zeppelin las decisiones, en ocasiones, las tomaban otros. Them Crooked Vultures empezamos de cero, y eso ahora mismo es una ventaja. Sé que hay expectación, es lógico, pero nuestra visión es más tranquila, más serena. Mi única presión es la de enfrentarme de nuevo con la prensa (risas). En cuanto a la longevidad del grupo, hay ideas que no han entrado en este primer disco. Hay material pendiente para hacer más canciones, más música que queremos desarrollar, pero, cuando el año que viene vuelvan a la actividad Foo Fighters y Queens Of The Stone Age, estos tíos me devolverán al paro (risas)”. ■ Toni Castarnado “Them Crooked Vultures” está publicado por Sony BMG.

(ENTREVISTA /26/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

Monsters Of Folk

Los monstruos ya no dan miedo

La historia nos ha brindado muchos supergrupos. Algunos han marcado su nombre a fuego en la historia del pop o el rock, otros han quedado en mera anécdota. De momento, Monsters Of Folk no buscan mucho más que pasarlo bien y Dios dirá qué puede pasar en el futuro.

Ustedes, por lo que pueda pasar, disfruten de “Monsters Of Folk” aquí y ahora.

E

spero a que Conor Oberst y Mike Mogis aparezcan en una fría habitación en el backstage del Troxy Club, en Londres, después de subir varios pisos, abrir puertas falsas y toparme con un saco de boxeo en el camino. La expresión en su cara al entrar me confirma que han seguido la misma ruta siniestra y el que Mogis me pida la bufanda, subraya que realmente estamos en una gélida habitación. La conversación no tarda en empezar.

“A Jim James no le gusta la comida picante y a mí me encanta. Es por lo único que podemos discutirnos”, me confiesa Conor Oberst. Cuando en un grupo como Monsters Of Folk, nacido de la fusión de cuatro fuertes personalidades creativas, el único motivo de enfrentamiento podría aparecer a la hora de elegir menú no es sino una prueba de que se trata de un proyecto largamente ansiado entre amigos.

Monsters Of Folk nace como proyecto en 2004 -más por generación espontánea que por cualquier motivo comercial-, durante una gira en la que participaban Bright Eyes (Conor Oberst y Mike Mogis) y My Morning Jacket (Jim James), junto a M Ward. “Todos somos fans de las

bandas de los demás y empezamos a colaborar en las actuaciones haciendo los coros y tocando juntos un par de temas. Al final era como un set acústico de las tres bandas. Y la verdad, lo pasamos genial”, asegura un Oberst sonriente. Sorprendidos por el potencial y la química que desprendían, empezaron a hablar de colaborar en algo más, como grabar un disco para ver qué tal y con la única intención de pasarlo bien. “Darle forma

responsable de la mayor parte de producciones del sello Saddle Creek (Bright Eyes, Rilo Kiley, Cursive, The Faint, etcétera) y músico de estudio para Lightspeed Champion, The Concretes, M Ward o Julian Casablancas.

Al pensar en la dinámica del grupo, uno tiende a imaginarse una pelea de gallos, un pulso de egos rockstarnianos, pero, según parece, nada más lejos de la realidad. “Respetar es clave. Admiro y respeto a nivel musical

“Darle forma a la idea nos llevó cinco años, grabar el disco, cinco semanas” a la idea nos llevó cinco años, grabar el disco, cinco semanas”, asegura el productor y multi-instrumentalista Mike Mogis. Nadie sabía nada de lo que se fraguaba entre giras, vía emails y llamadas telefónicas; ni sus mánagers, ni sus discográficas. Nadie. “A la hora de grabar el disco nosotros tocamos todos los instrumentos, cantamos, nos producíamos. No hubo nadie más involucrado que nosotros cuatro”, confiesa orgulloso Mogis,

y personal al resto de la banda, son mis amigos”, afirma Mogis. Nadie se impone a nadie. Es un proyecto de colaboración y muy abierto. Cada uno aporta sus canciones pero sólo para que entre todos sean discutidas o modificadas hasta alcanzar un consenso de cómo deberían ser una vez acabadas. Todos los temas (exceptuando “Man In The Truth”, surgida de un tour de Bright Eyes) fueron concebidos expresamente para Monsters Of Folk. “Me

siento como si estuviera en una banda de instituto, porque experimento con la música, aprendo de mis amigos, no hay estrés y disfrutamos un montón”, comenta Oberst y prosigue “nadie trata de imponerse a los demás, porque todos los puntos de vistas son interesantes y quieres escucharlos y sobre todo compartir y aprender”. “¡Sí, yo siento que he aprendido a ser mejor persona!”, bromea Mogis. Yo insisto en que en algún momento habrán querido tirarse los trastos a la cabeza, pero da la impresión de que no, de que todo son ventajas. “Lo mejor de crear conjuntamente es que si la cagas puedes echarle la culpa a otro. Compartes la culpa, aunque, ahora que lo pienso, también la gloria”. Con tanta broma y buen rollito dan ganas de montar un supergrupo. Ya lo apunta Mogis, que estos chicos dan envidia.

Y eso que, estableciendo un paralelismo más cercano, Monsters Of Folk es como compartir piso con tus mejores amigos. La experiencia puede resultar genial o incluso acabar con la amistad. “Nuestras expectativas eran muy bajas, sólo queríamos probar a ver cómo

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /27/ ENTREVISTA)

Seis super-discos de cinco estrellas ❱❱ BLIND FAITH “Blind Faith” (1968) BLUES-ROCK/ Recuerdo haber comprado de adolescente este disco por su portada y haber descubierto más tarde que la pre-puber era la hija del batería Ginger Baker (Cream), quién junto a Eric Clapton (Yardbirds, Cream) ,Steve Winwood (Spencer Davis Group, Traffic) y Ric Grech (Family) parieron un clásico algo efímero. ❱❱ CSN&Y “Déja Vu” (1970) FOLK-ROCK/ El mayor ejemplo de la historia de la música popular de que, en contadas ocasiones la suma de los factores da un todo absoluto ¡cómo una catedral de grande!

Clásico entre los clásicos, David Crosby (The Byrds), Graham Nash (The Hollies) Stephen Stills y Neil Young (ambos ex Buffalo Springfield) dan lo mejor de sí mismos.

De izquierda a derecha Conor Oberst, Mike Mogis, Jim James y M Ward Foto Archivo

❱❱ DOLLY PARTON, LINDA RONSTADT, EMMYLOU HARRIS “Trio” (1987) COUNTRY/ Las tres damas del country americano unen sus preciosas voces para crear unas harmonías de ensueño bajo la tutela de Ry Cooder y David Lindley. El disco fue todo un éxito de ventas y además cosechó un merecido Grammy

salía y por suerte todo ha ido genial”, asegura Oberst. “En dos meses que llevamos de gira no ha pasado nada malo, bueno, sí, yo he perdido dos iPhones”, se queja Mogis. Le insinúo que quizás se trate de una novatada que le han gastado los demás, puesto que él fue el último en incorporarse a la aventura. Mogis confía en sus compañeros y Oberst aprovecha para volcarse a elogiar su talento.

“Es un productor fantástico y toca muchísimos instrumentos a la perfección. Tiene un don, un oído muy fino que le permite captar cosas que yo jamás oiré y utilizarlas en las canciones. ¡Es como un perro!”. Quitándole romanticismo al asunto, Mogis asegura que sólo le quieren en Monsters Of Folk porque nadie más sabe manejar el equipo de sonido. Se miran el uno al otro y rompen a reírse. La habitación ya no parece tan siniestra ni gélida.

P

or suerte para ellos, pero sobre todo para nosotros, estos cinco años de secretismo y amistad han formado unos lazos que consiguen que el proyecto viva y camine con una naturalidad sorprendente.

Basta repasar la acogida de su disco homónimo y la larga lista de fechas confirmadas. Ahora bien, ¿es este el principio y el final de Monsters Of Folk? Mogis y Oberst transmiten un brillo paternal y orgulloso en sus miradas al escuchar la pregunta, y apuesto a que lo mismo ocurriría con las de James (que está en la sala contigua respondiendo a una entrevista de la BBC) y Ward. “Nos ha llevado cinco años lanzar este primer álbum, no sé, quizás dentro

❱❱ TRAVELING WILBURYS “Vol. 1” (1988) ROCK/ A estas alturas se me agotan los adjetivos... otro de los grandes clásicos que ha dado el fenómeno super-grupo y, junto a los ya mencionados CSN&Y y The Dirty Mac (Lennon, Richards, Clapton y Mitchell), la alineación más alucinante jamás reunida. Imaginad: Dylan, Orbison, Harrison, Petty y Lynne. Casi nada

❱❱ NEUROTIC OUTSIDERS “Neurotic Outsiders” (1996) PUNK-ROCK/ De la reunión en el club Viper Room de Los Ángeles de un grupo de amigos para hacer jams y liarla un rato surgió este disco que muestra a Steve Jones de Sex Pistols, Matt Sorum y Duff McKagan de Guns N’ Roses y John Taylor de Duran Duran en muy buena forma para rockear duro.

❱❱ THE GOOD, THE BAD AND THE QUEEN “The Good, The Bad And The Queen” (2007) POP/ Producido por otro ilustre, Danger Mouse, las doce composiciones de Damon Albarn (Blur, Gorillaz), acabaron arropadas por toda una banda de lujo: Simon Tong (The Verve), Paul Simonon (The Clash) y el gran batería, pionero del afrobeat, Tony Allen. ■ Don Disturbios

unas vacaciones”, me comenta Oberst. Sí, unas vacaciones creativamente muy productivas. Eso sí, todos ellos continuarán con sus carreras, con sus respectivas bandas y con sus proyectos de futuro más inmediatos.

Lo que realmente importa es que están abiertos y emocionados con respecto a su porvenir hasta el punto de que incluso se han planteado incluir a nuevos monstruos en la formación. Es el caso del batería de esta gira, nada menos

“No queríamos a los mánagers o a las discográficas en medio... todo esto ha sido como unas vacaciones” de cinco más habrá un segundo”, especula Mogis. “No creamos Monsters Of Folk porque estuviéramos cansados de nuestros grupos, sino más bien por hacer música juntos, algo realmente excitante, sin límites ni presiones externas. No queríamos a los mánagers o a las discográficas en medio, así que puede considerarse que todo esto ha sido más bien algo así como

que Will Johnson (Centro-matic), al que ya consideran uno más y a quien permiten interpretar una balada, guitarra en mano y acompañado por Ward. Y es que ahí reside el principal valor de Monsters Of Folk, en la amistad, en compartir momentos y canciones.

Cambiando de tercio, me intereso por saber cuándo van a actuar en nuestro país. Su cara cambia de repente. “¡No sabes las ganas

que tenemos!”, exclama a voces Mogis. “El sur de Italia y España son los mejores sitios para estar de gira. Tocas y estás tranquilo con tus amigos. Hay mucha fiesta y una cultura muy interesante”, comenta Oberst, para continuar “tienes que hacer cinco shows en Alemania porque tu agente de gira lo ha contratado y hay más dinero de por medio. Parece que en España no hay quórum suficiente para que llevarnos les compense”. Una lástima, sobre todo después del concierto que íbamos a presenciar unas horas más tarde en el Troxy Club.

Dos horas y pico de show, un total de treinta y tres canciones entre temas de Monsters Of Folk, Bright Eyes, My Morning Jacket y M Ward, y una descarga de energía pura, con un sonido cohesionado y unas voces capaces de poner la piel de gallina en repetidas ocasiones. Allí sentimos de todo excepto un ambiente gélido.

■ Marta Terrasa “Monsters Of Folk” está publicado por Rough Trade/Popstock!

CONCIERTOS Micah P Hinson Foto xxxxxxxxxxx

Peche Mode Foto Alfredo Arias

MondoSonoro · Diciembre 2009 /29/

Depeche Mode (1114) Sala Palacio de Deportes de la Comunidad (Madrid) Fecha 16-XI-09 Estilo rock electrónico Público sold out Promotor Gamerco La primera de las dos noches de conciertos con los que el Tour Of The Universe recala en Madrid se saldó, como no podía ser de otra forma, con un baño de masas y un triunfo que, por otra parte, estaba asegurado desde el comienzo. Con unos Depeche Mode reconvertidos a quinteto y a los que hasta les sobra Andy Fletcher. No deja de sorprender el ostracismo al que ¿se ha sometido? ¿le han sometido? al ahora orondo teclista, que incluso se permitió picotear algo de comida entre tema y tema y cuya labor sobre el escenario se reduce a balancearse en su posición a un par de metros de sus sintes y lanzar los brazos al aire con bien poca gracia -para eso cuenta con un “negro” que toca todo lo que él no sabe o no está dispuesto a tocar-. Poco importa, visto el increíble estado de forma de unos Martin Gore y (sobre todo) Dave Gahan que parecen haber pactado con el diablo y agradecen la presencia escénica de un batería de esos que sacuden fuerte. Arrancó el concierto con la triada que viene siendo habitual en este tour, “In Chains”, “Wrong” y “Hole To Feed” con los que se despidieron casi por completo de su último álbum para embarcarse en una reinterpretación rockista de temas como “Walking In My Shoes“, “A Question Of Time “ o “World In My Eyes” y Gore en una posición de guitar hero que abandonó sólo en puntos de inflexión, como a la hora de interpretar la preciosa “Home”. Con una escenografía que combinaba la realización en directo con clips seleccionados para los momentos álgidos, se lanzaron a una recta final en la que encadenaron entre el fervor popular “I Feel You”, “Enjoy The Silence” y “Never Let Me Down”. En el único bis, vuelta a empezar: “One Caress” y “Stripped”, pagando la cuota con el pasado, para volver al delirio, el pie de micro por los aires y las carreritas por el escenario con “Behind The Wheel” y “Personal Jesus”. Y en ese momento, viendo a un extasiado Dave Gahan en medio de la locura general, me pregunto si Depeche Mode no han acabado en su defensa de la megalomanía rock por convertirse veinte años después en lo que Queen fueron en la década los ochenta, con su cantante transmutado en Freddy Mercury de la generación post-punk. Lo cual puede ser todo lo bueno o malo que se quiera en función del color del cristal con el que se mire… Luis J. Menéndez

V Heineken Greenspace (1111) Sala Teatro Circo Price (Madrid) Fecha 17-XI-09 Estilo diversos Público lleno Promotor Heineken Greenspace La quinta edición del Heineken Greenspace arrancó en Madrid con la actuación de The Duke & The King, la nueva banda de Simone Felice, quien, dejando a un lado la épica pantanosa de The Felice Brothers, descargó un amistoso y profundo torrente espiritual, tan cercano a las misas afroamericanas como a los himnos de los grandes grupos de los setenta. En formato cuarteto casi enteramente vocal, con el bajo de Robert ‘Chicken’ Burke sosteniéndolo todo, brillaron las canciones de su preciosista “Nothing Gold Can Stay”, especialmente “If You Ever Get Famous” y ese regalo para el directo que es “Union Street”. De remate, un “Helpless” (Neil Young) magnífico. Más que magnífico fue el concierto de un Micah P. Hinson más centrado que nunca, acompañado por unos Tachenko nerviosos y felices, que rayaron a una altura espectacular y escupieron el disco de versiones de Micah como si lo hubiesen grabado ellos. Para terminar, Black Joe Lewis, con su efectismo de calidad (si bien un tanto trillado), propuso un fin de fiesta sudoroso y desbocado, el cierre perfecto para una gran noche americana. Jorge Ramos

Rise Against Foto Hara Amorós

The XX Foto Susana López

( CONCIERTOS /30/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

Rise Against (1111) Sala Razzmatazz 1 (Bcn) Fecha 13-XI-09 Estilo Hardcore Público sold out Promotor Last Tour International Con las entradas agotadas meses atrás, llegó por fin a nuestro país este triple cartel ineludible para los aficionados al punk y el hardcore. Estrenaron escenario Poison The Well, con su robusta combinación de agresividad y melodía, totalmente vigente en su último “The Tropic Rot”; un disco inferior a “You Come Before You”, pero que sigue manteniendo a la banda en buena posición. Los de Miami convencieron más que en su última visita a nuestro país, donde sonaron algo apagados, intimidados, quizás, por los arrolladores The Dillinger Escape Plan. Tras ellos, unos clásicos contemporáneos del screamo con garra y neuronas, Thursday, quienes exprimieron al máximo sus escasos treinta cinco minutos sobre las tablas. Su actuación reflejó a medias la volubilidad de su post-hardcore, capaz de aglutinar potencia, matices y arreglos de piano sin chirriar. Los temas de “Common Existence” mejoraron; el cantante Geoff Rickly combinó –esas piruetas con el micro- con una interpretación notable; y hasta tuvieron tiempo de proclamar su postura antibelicista y de celebrar con cava el cumpleaños de su teclista. Y llegó el turno de los también norteamericanos Rise Against, quienes desde el primer minuto dejaron claro por qué en su país llenan estadios y son capaces de liderar un cartel por encima de Rancid. Al contrario que las dos anteriores bandas, con propuestas más complejas e intermitentemente ruidosas, la música de Rise Against se decanta claramente por la melodía. Sus canciones son directas, pegadizas y coreables. Lo más parecido a los Bad Religion del siglo XXI. El público explotó desde el primer momento, cantando estribillo tras estribillo, de “Collapse” y “Savior” a “Ready To Fall”, y formando pogos sin cesar. No pareció importarles demasiado ni el calor ni el opaco sonido, capaz de deslucir bastante algunos temas. Defectos colatorales que se sumaron a un tercio final con arritmia en formato acústico. Nada de eso logró empañar la sensación final de que Rise Against son, ahora mismo, un grupo cuya energía y proyección imparables pueden con cualquier irregularidad. David Sabaté

The XX (1111) Sala Razzmatazz 2 (Bcn) Fecha 9-XI-09 Estilo pop oscuro Público sold out Promotor More Live Si existe un deporte nacional realmente popular en este país es la desconfianza y la envidia. Por eso no extraña que la reacción frente a aquello que solemos conocer hypes sea tan fuerte a su favor como en su contra. Quieres juegan a favor quizás acaben decepcionados, pero nadie va a quitarles los meses de disfrute. Quienes lo hacen en contra como actitud vital deberán retractarse cuando el sujeto de sus iras sean grupos como The XX. Me explico. Frente a un grupo de cuatro (ahora tres, tras la fuga de Baria Qureshi) jovencitos londinenses a los que se adula hasta en las hojas parroquiales la desconfianza parece la opción más militante y más legítima, aunque, atendiendo a su propuesta, a su disco de debut y a su directo, esa actitud ha acabado por devenir algo sin la más mínima coherencia. The XX podrían ser uno más de esos grupos sin personalidad que salpican la escena británica primero y la internacional después, pero ocurre que no es así.

The XX nacen de un choque cultural y musical que da unos frutos sorprendentes. Sus canciones suenan a colisión entre la parquedad de medios de Young Marble Giants, la esencia melancólica de Everything But The Girl, las bases de Timbaland para Justin Timberlake, la latente oscuridad de Glass Candy o Chromatics, las guitarras de Chris Isaak (aun me extraña que no reclame derechos por “Infinity”) y los ecos dark de Cocteau Twins, todo ello salpicado por sexo, insatisfacción y cigarrillos post-coitales. La teoría les funciona, de eso no cabe duda, sólo que lo más sorprendente es que también lo hace la práctica. Porque “Night Time”, “Crystalized”, “Basic Space” o su relectura del “Teardrops” de Womack & Womack sonaron con una magia malsana y asfixiante. En Barcelona, Oliver Sim, Romy Madley Croft (auténtica líder de la formación, con su surrurrante forma de cantar y sus guitarras minimalistas) y Jamie Smith subrayaron con una caligrafía casi perfecta el valor de su personal repertorio, de esas canciones pop, oscuras y sulfurosas que convirtieron la sala mediana del barcelonés Razzmatazz en un escenario brumoso y brillante al mismo tiempo.

No quiero imaginar cómo hubieran emocionado de actuar en una sala de mejor sonido y mayor intimidad. No sé en el mundo de los desconfiados y los descreídos, pero en mi pequeño universo y en el de los que ven las cosas como yo The XX son una realidad más sólida de lo que podía esperarse. Joan S. Luna

( CONCIERTOS /32/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

Eastpak Antidote Tour (1111) Sala Apolo (Bcn) Fecha 5-10-09 Estilo punk Público lleno Promotor Last Tour International

Pendejo

salió ya descamisado del backstage, algo que le perdonamos por el gran chorro de voz que posee y por ese hardcore metálico de tintes emo que ha ayudado a crear junto a sus compañeros de banda. La propuesta de los canadienses triunfa, pero en esto tiene mucho que ver la combinación de voces entre la más desgarrada de Pettit y las más melódicas de los dos guitarristas. En Barcelona echaron hasta los restos, con el bajista Chris Steele manteado por el público en la última canción. Este año los cabezas de cartel del Eastpak Antidote Tour eran Anti-Flag. Los de Pittsburgh sonaron más tralleros, más punk, que en anteriores visitas. Venían a presentar su reciente “The People Or The Gun”, pero lo que más agradecimos fue que recuperases sus himnos más clásicos (“Got The Numbers”, “Underground Network”, “Die For The Government”). Y es que Anti-Flag tienen la gran virtud de convertir las proclamas (antimilitaristas las que más) en coreables estribillos y enmarcarlos en un sonido punk muy personal. Además conectan muy bien con la gente, especialmente los dos vocalistas, Justin Sane y el bajista Chris, quien repitió tantas veces el nombre de Barcelona que al final perdí la cuenta. También tocaron una versión acelerada del “Should I Stay Or Should I Go” de The Clash con Pat tocando la batería en el foso. ■ Jordi Forés

Fangoria Fotos Jesús Alarcón

Anti-Flag Fotos Hara Amorós

A media tarde la mala noticia ya corría como la pólvora entre los medios: la furgoneta en la que hacían la gira europea The Ghost Of A Thousand y Four Year Strong se había averiado en Francia y no se sabía si los dos primeros grupos del cartel del Eastpak Antidote Tour llegarían a tiempo al bolo de Barcelona. Al final no lo hicieron y los organizadores tuvieron que colgar carteles a la entrada de la Apolo comunicando que los sustitutos de última hora serían Read My Lips.

Los de Barcelona encantados de la vida, a pesar de haber tocado en la Ciudad Condal la semana anterior.

Y es que la sala Apolo es el recinto más grande en el que les he visto actuar y supieron aprovechar la ocasión. Los temas de su reciente “News For The Afflicted” sonaron más atronadores que nunca y el público les respondió con un circle pit de los que siempre se montan en los conciertos de Read My Lips.

Por cierto, acabaron con una buena versión de Good Riddance que ya habían testeado en directo el viernes pasado. Poco después, mientras el DJ de la sala pinchaba grandes temas de Misfits, Madball o Propagandhi, Alexisonfire se preparaban para salir al escenario. Bueno, aunque poca preparación necesitan. De hecho, tienen muchas tablas y eso es algo que saben transmitir desde el primer segundo. George Pettit

Periferias Lugar varios espacios en Huesca Fecha del 23 de octubre al 11 de noviembre de 2009 Estilo diversos Público 15.000 personas aprox. Promotor Ayuntamiento de Huesca Diez años se han cumplido de uno de los festivales más rompedores, eclécticos y entusiastas del estado. Diez años dedicando cada una de sus ediciones a un tema, a un tronco común, tocándole el turno este año a “Lo Comercial”. De la amplia oferta que nos proponía este año el festival, siempre es digno de elogio el Bleep!, un apartado dedicado a la producción musical aragonesa que este año volvió saldarse con éxito, ofreciendo las actuaciones de Kiev Cuando Nieva, Estige, Will Spector & The Fatus, Los Gandules y el genio indiscutible de un Bigott en estado de gracia. Otro de los momentos de este Periferias ha sido el de la recuperación para los escenarios de Chiquito de la Calzada, quien junto a Joaquín Reyes colgaron el sold out en la puerta del Palacio de Congresos e hicieron brotar lágrimas de risa a un auditorio entregado. Hubo homenaje a Michael Jackson al más puro estilo Periferias. Willi Jiménez & Chanela, los llamados Jacksons de la rumba resucitaron para la ocasión.

Dignas de mención las versiones de un Javier Álvarez valiente.

Fangoria confundieron lo “comercial” con anodino aburriendo

al personal. Claro que siempre hay incondicionales. Sin embargo unos Funknation All Star dieron al público lo que se esperaba de una celebración y tributo a Jackson: ritmo salvaje. Violadores del Verso, a pesar de que el Palacio de Deportes tiene unas carencias enormes en cuanto a acústica se refiere, lo dieron todo, repartieron hits, se fundieron con su público y demostraron que por algo son la más grande banda de rap de este país. Grandes también las actuaciones de Juice Aleem y Crazy Cousins.

Baile y más baile. Adictivo el show de Albert Pla, cada día más de otro planeta y de digna se podría calificar la actuación de Technotronic, la apuesta del festival para este año. Ahora, no olvidemos a los escoceses de origen indio Tigerstyle, quienes reventaron la pista hasta altas horas, confirmando que Periferias apuesta por artistas poco conocidos en nuestro país, pero con una calidad que sorprende y reconforta. Un año más, Periferias puede apuntarse un tanto, el que se otorga a quien mezcla sin prejuicios y regala sin esperar otra cosa a cambio que no sea descubrir y entretener. Rafa Angulo & Eva Lopera

Rammstein Foto Juan Pérez Fajardo

Anari Foto Tom Hagen

( CONCIERTOS /34/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

Rammstein (111) Sala Palacio de los Deportes de la Comunidad (Madrid) Fecha 10-XI-09 Estilo rock germano Público sold out Promotor Encore Sed bienvenidos al show de Rammstein, olvidad el virtuosismo y ceded a los decibelios, ocultad corazón y mostrad entrepierna, preparaos a disfrutar con el más antiguo espectáculo del mundo, pan y circo. Rammstein hicieron en Madrid síntesis de lo que son en concierto: una montaña rusa para los ojos y un peligro para los tímpanos, ¿qué más se puede pedir a una banda de metal sobre el escenario? Con el Palacio al borde del colapso los alemanes hicieron su entrada rompiendo un muro, se ve que estamos de aniversario, y comenzaron con “Rammlied”, el primer corte de su nuevo disco “Liebe Ist Für Alle Da”, parte fundamental de su set list y su mejor obra desde “Mutter”. Más cercanos que nunca a Killing Joke y con un escenario que parecía levantado entre Houdini y H.R. Giger por las trampas y trucos que escondía, Rammstein dispararon con las fanfarrias de “Waidmanns Heil” hora y media de dinamita, de olor a pólvora, de ácido verde en las luces y rojo carmesí en el traje de carnicero de Hill Lindemann. Él fue el perfecto maestro de ceremonias en una noche de fuego en la boca, enfureció a las masas golpeando con sus puños y su voz como un martillo un yunque. Todo sucedía en una fábrica de ventiladores colgantes, entre gas, chispas, petardos, centellas volando sobre el palacio, surtidores de gasolina ardiendo, bebes colgando sobre cables que salen disparados, y todo desfilando marcialmente con “Links 1, 2, 3”, o la esperadísima “Du Hast”. Cuando llegó el momento de su nuevo y polémico single, “Pussy”, la cosa acabó con el señor Lindemann sobre un cañón-falo corriéndose sobre el respetable a base de espuma y confeti. Para cuando llegaron los bises todo el pescao estaba vendido, y Rammstein se despidieron con el clásico paseo en lancha neumática de su impagable teclista-clown Christian Lorenz, que navegó sobre las cabezas de los presentes de un lado a otro del Palacio. Valió la pena, Rammstein siguen recordándonos que, en esto del metal en directo, pesan más las entrañas que los sesos. Tomás Martínez

Anari + Mursego (1111) Sala Kafe Antzokia (Bilbao) Fecha 12-XI-09 Estilo folk Público Lleno Promotor Bide Huts Mursego, Maite Arroitajauregi en el registro civil, es una rara avis en el panorama euskaldun. Y no sólo por el hecho de que el significado del nombre sea murciélago en portugués. La violonchelista de Eibar (Guipúzcoa) se enfrenta ella sola al público, con las únicas y heterodoxas armas que comprenden su propio instrumento, un Casiotone, capas de loops que le repican y le van moldeando la canción y la escritura automática (mientras utiliza el ruso, euskera, el luso y el inglés). Sorpresa mayúscula que coquetea con lo bizarro, pero que en definitiva convence al escéptico y es capaz de aunar de forma positiva a una audiencia que no traga con las nuevas tendencias. Las versiones de Kraftwerk y Moldy Peaches barnizaron con elementos pop a un cancionero osado en forma y fondo. La fuerza de una (pequeña) mujer como Anari se siente a varias millas de distancia. Acompañada por una banda fiel que ya deviene fundamental (y que se puede considerar de lo mejor que hay por las vascongadas actualmente: músicos de BAP, Negu Gorriak y Dut, amén del cello de Mursego), la presentación bilbaína de “Irla Izan” (Bide Huts, 09) no pudo resultar más intensa.

La de Azkoitia (Guipúzcoa) lanza sus letanías del corazón al oyente con la corpulencia de quién lo siente de verdad, sin adornos y este es casi incapaz de aguantar el envite ante tanta hermosura, triste hermosura. Habilita el euskera como idioma capaz de empapar el alma a cualquiera que la escuche, lo entienda o no, y le inyecta una fonética que reviste el idioma de Gabriel Aresti en un lenguaje que pone los pelos de punta. Ni PJ Harvey en inglés, con quién tanto- y mal- se la compara. Al final de recital, Karlos Osinaga, de Lisabö, subió a entonar a medias “Gu”, de su anterior disco “Zebra” (Metak, 05), y redondeó un bolo desde ya memorable. Álvaro Fierro

Mondo Sonoro diciembre

18/11/09

10:49

Página 1

Imelda May Foto Carolina Hernández

Oumou Sangaré Foto Pita

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /35/ CONCIERTOS)

n CONCIERTOS DICIEMBRE 2009 ASTURIAS,CANTABRIA, CASTILLA LEÓN, EUSKADI, GALICIA Y LA RIOJA Asturias

Galicia

Savoy (Gijón)

Aturuxo, Bueu (Pontevedra)

6/12 No Reply

11/12 We are standard

Vieux Farka Toure Foto Luisa Segura

Castilla león

20/12 Gatibu

La Vaca, Ponferrada (León)

Café Auriense (Ourense)

4/12 Berrogüetto

19/12 Gatibu

26/12 We are standard

Navarra

7/12 No Reply

Totem (Pamplona) Wallaby, Valladolid 4/12 Jesuly

5/12 Cornelius 1960

ANDALUCIA Y CEUTA Fonda Utopia, Benalup (Cádiz) 5/12 El Vicio del Duende Sala W (Cádiz) 4/12 El Vicio del Duende 11/12 Berrogüetto

Aragón

Lugar Parque Santa Catalina (Las Palmas) Fecha 12 al 15-11-09 Estilo diversos Público entre 10.000 y 30.000 por día Promotor Ayuntamiento de Las Palmas versión de “Tainted Love” acabó de incendiar el escenario. Otra mujer que también reinó fue la malí Oumou Sangare que se encargó de poner el broche de oro a esos quince años de Womad Las Palmas. Su portentosa voz y colorida banda entusiasmaron a todos y especialmente al público africano que llenaba las primeras filas.

También el jazz, funky, soul del maestro vibrafonista Roy Ayers, en su gira de cuarenta aniversario, fue magistral. Quizá su quinteto pecó de virtuosismo por sus largos solos, pero, cuando compactaban su propuesta, aquello era una máquina de ritmo infernal. Otros momentos para el recuerdo fueron los protagonizados por Tinariwen y Vieux Farka Toure, ambos desde Malí. Compartieron sonoridades en algunos momentos, sobre todo cuando tañían ese blues arenoso del desierto, pero con cadencias más hipnóticas los primeros y más rockeras el segundo. La cuestión es que ambas propuestas causaron sensación. Nos quedamos también con las fusiones aportadas por dos originales dúos. Por un lado el guitarrista y productor inglés Justin Adams (Jah Wobble, Robert Plant) con el gambiano Juldeh Camara, virtuoso del riti (violín ancestral de una sola cuerda) crearon auténtica magia. Algo parecido ocurrió con el mítico guitarrista americano Gary Lucas (Jeff Buckley, Captain Beefheart) y la cantante de origen indio Najma Akhtar en una inusitada pero interesante unión musical.

Entre los que consiguieron más conexión con el público isleño, debemos citar al cubano Eliades Ochoa, que con su clásico son puso a bailar a todo el Parque. Y

The Fox Tavern, San Fernando (Cádiz) 12/12 Berrogüetto

ARAGÓN, BALEARES, CATALUÑA, MURCIA Y VALENCIA

WOMAD Las Palmas de Gran Canaria Quinceava edición del Festival Womad Las Palmas y nuevo éxito artístico y de convocatoria de público. Hace ya veintisiete años que a Peter Gabriel se le ocurrió crear este tipo de eventos (cuya primera edición significó una gran perdida económica para el ex Genesis), pero su filosofía permanece intacta. A través principalmente (pero no solo) de la música, este festival sigue siendo un excepcional e inmejorable punto de encuentro de las diferentes culturas de todo el mundo. Una vez más la diversidad de estilos musicales de la treintena de artistas ha sido su importante nexo común. Quizá no tanto en el apartado internacional (a pesar de la diversidad, han mantenido una cercanía contemporánea a las músicas de raíz), sino en el apartado de las propuestas locales, que además este año ha sido bastante numerosa.

Pero vayamos por partes. Durante los cuatro días del festival el trasiego de miles de personas entre los cinco espacios que ofrecían actividades (conciertos, talleres, películas, etcétera) ha sido constante, sin embargo el público canario es ejemplar y se entrega a cada una de ellas de forma activa, entusiasta y con un respeto enorme, lo cual sorprende en un festival completamente gratuito. A nivel popular la actuación a resaltar fue sin duda la de la irlandesa Imelda May. Su original mezcla de rockabilly, soul, blues, jazz y ese carisma que transpira con su imagen estilo pin up, le ha hecho borrar fronteras musicales y ganarse a todo tipo de público.

Había despertado mucha expectación y su puesta en escena fue impactante, además su banda bordó el show. Su portentosa

La Sala Café Club, Ceuta 11/12 Coque Malla

es que Canarias parece tener un enlace directo con la isla caribeña. Chiwoniso desde Zimbabwe también firmó un bonito show acústico. Mostró el poderío de su voz y las múltiples posibilidades de la mbira (ese pequeño instrumento conocido como el piano de pulgares). Otros artistas interesantes fueron Laura Vane & The Vipertones (a quien le auguramos buen futuro por fomentar esa recuperación del funk & soul que encabezó la díscola Amy Winehouse), los brasileños residentes en New Yok, Forro In The Dark o el centroafricano Bibi Tanga y su soul-disco. En el apartado nacional resaltar a Manel, quienes tuvieron una muy buena acogida a pesar de actuar el jueves y cantar en catalán, algo que alteró la habitual puesta en escena de su espectáculo. Depedro también salió contento de su actuación, porque sus aires fronterizos gustaron a ese público cómplice. El malagueño Zenet y el argentino Melingo presentaron shows cabareteros pero que conectaron a pesar de las inmensas dimensiones del escenario. De la amplia representación canaria resaltar el efectivo y contundente techno punk rock de Line (que hacían dudar de si estaban tocando en un festival llamado Womad), Manao y su jazz de tintes tradicionales, Oscartienealas y su personal pop rock que seguro que pronto conseguirá en la península la popularidad que tiene aquí. O Pumuky y su pop atormentado con ribetes noise. Solo hay algo peor que vivir intensamente y sin parar estos cuatro días de música... tener que esperar un año para volver.

Miguel Amorós

Corleone, Sabiñanigo (Huesca) 4/12 Cornelius 1960 La Barraca, Cretas (Zaragoza) 7/12 Guillamino

Murcia

Gamma, Murcia 12/12 El Puchero del

Valencia

El Loco, Valencia 11/12 El Puchero del

hortelano

Cto. Ovidi Montllor, Alcoy (Alicante) 12/12 At Versaris

Hortelano

CASTILLA LA MANCHA, EXTREMADURA Y MADRID Asturias

Galicia

6/12 No Reply

11/12 We are standard

Savoy (Gijón)

Castilla león

La Vaca, Ponferrada (León) 4/12 Berrogüetto 7/12 No Reply

Aturuxo, Bueu (Pontevedra) 20/12 Gatibu

La Fábrica de Chocolate (Vigo) 10/12 We are standard

26/12 We are standard

Café Auriense (Ourense)

Wallaby, Valladolid

19/12 Gatibu

4/12 Jesuly

Navarra

Totem (Pamplona) 5/12 Cornelius 1960 Esta información puede sufrir alguna alteracióndebido a la antelación con que es elaborada.

CON LA COLABORACIÓN DE:

GOVERN DE LES ILLES BALEARS Conselleria d’Educació i Cultura

UN PROGRAMA DE:

Arizona Baby Foto Archivo

escaparate

Arizona Baby Vienen de: Valladolid Publican: “Second To None” (Subterfuge, 09) En la onda de: Two Gallants, Paco Loco Trio, Akron/Family

El Vicio del Duende Foto Archivo

“El funeral de las diez almas” es el nuevo larga duración de los asturianos Sound Of Silence, después de “La casa de los lamentos” (2007) y “Nuestro amor a la agonía” (2008). En él se muestran más arriesgados, más versátiles y capaces de combinar influencias clásicas y modernas sin perder la esencia de su sonido.

Los cortes son diez oscuras cartas de despedida desde otros tantos prismas y situaciones personales. De ellos, uno servirá de enlace al siguiente trabajo. “Efectivamente, este disco pretendemos que tenga una contextualización con el siguiente. Hemos hecho algo muy oscuro y pretendemos que sea el enlace hacia un trabajo menos oscuro y que tenga otros matices.

También irá unido el diseño. Queremos que el concepto quede completado en esa continuación, un disco del que ya sabemos el título, ‘La resurreción de las diez almas’, de atmósfera más esperanzadora”. Aunque esas no son las únicas buenas noticias con respecto al grupo. Una de las más destacables es que su disco se publique de la mano de un sello norteamericano.

“Para nosotros es todo un acontecimiento el sacar un disco.

Es gratificante, además nos hace mucha ilusión editar fuera de España. Nos ha escrito gente de México, Chile y Estados Unidos. Lo dicho, un acontecimiento. Hemos firmado contrato discográfico con el sello de Texas Crushing Balls”.

De todos modos, “El funeral de las diez almas” tendrá una edición distinta en España. “Así es. De la fabricación española nos ocuparemos nosotros, intentando cuidarla al máximo. Lo distribuiremos en los conciertos y a través de Internet”.

■ J. L. Quirós

El Vicio del Duende Vienen de: Zaragoza Publican: “Humo” (Producciones Malditas, 09) En la onda de: Marea, Despistaos, La Fuga...

Sound Of Silence Foto Archivo

Sound Of Silence Vienen de: Asturias Publican: “El funeral de las diez almas” (Crushing Balls, 09) En la onda de: At The Gates, The Black Dahlia Murder, As I Lay Dying

deberían dar paso a muchos más”. Una evolución a la que no es ajeno el trabajo de Paco Loco, del que la banda se siente muy satisfecha “porque Paco ha captado la esencia de lo que vive la banda en este momento.

Pretendíamos lograr un sonido crudo, directo y potente, pero que no descuide los matices”. Un sonido, de todos modos, no del todo fiel al que reproducen sobre el escenario, ya que “es una producción bastante austera, que no se corresponde del todo con el sonido que sacamos en directo... porque en directo siempre hay otro tipo de crudeza”. ■ Carlos Pérez de Ziriza

estilos, es lógico que lo no que hacemos nos salga con ese toque americano”. Un toque americano que destapa el tarro de adjetivos, tan comunes como socorridos, para apelar a las cualidades “desérticas” o “polvorientas” de su propuesta y que Javier Vielba, vocalista y guitarra de un trío que completan el guitarrista Rubén Marrón y el batería Marcos Úbeda, entiende porque “aunque los hemos oído muchas veces, son adjetivos que nosotros utilizábamos cuando comenzábamos, así que tampoco te puedes quejar si los demás lo usan. Lo que ocurre es que nuestra evolución demuestra que esos adjetivos

Ismael Castañosa, Daniel Valer, Daniel San Emeterio y Pablo Muñoz siempre han tenido claro qué hacer: tocar rock. Su estilo influenciado por grupos como Marea, La Fuga, Transfer o Despistaos llamó la atención de los fans de esas bandas y les hizo ganar seguidores rápidamente. Explicar las razones de su estilo es fácil. “Como siempre hemos escuchado ese tipo de grupos, nos han salido ese tipo de canciones”, dice Isma. Cuando ganan el concurso Popyrock ’06 de Zaragoza entre más de ciento sesenta participantes consiguen lo que todos los grupos nuevos buscan: promoción en los medios y apoyo económico. Tuvieron la oportunidad y no la dejaron pasar. Con el dinero del premio grabaron el disco “Mil y un desvelos”, que fue un éxito. Sabían muy bien cómo lograr lo que querían.

“Grabamos con Iker Piedrafita. Ya sabíamos cómo grababa y buscábamos el sonido que le saca él a los discos”, apunta Sáneme. “Lo teníamos en mente desde que empezamos a componer”, destaca Valer. Los cuatro músicos tienen las ideas bien claras. Ahora con su disco “Humo” han doblado la apuesta.

Buscaron para la producción nada menos que a Javier San Martín, de los estudios Sonido XXI, que junto a su hermano Juanan ha producido a bandas importantes del rock estatal, como Barricada, Despistaos, La Fuga, Konsumo Respeto o Marea. “Probablemente los discos que más hemos escuchado los han grabado ellos, así que no lo pensamos dos veces en buscarlos”, señala Saneme. Si con la producción de Iker se habían convertido en un grupo profesional, con los excelentes arreglos que metió San Martín han subido directamente a primera división, cerca de las bandas que ellos admiran. ■ Rodrigo Conde

Veteranos de la escena hardcore catalana, los miembros de Read My Lips acaban de lanzar un misil titulado “News For The Afflicted” con la idea de poner a la Barcelona hardcore de nuevo en el mapa. Aunque ya avisaban con su demo de presentación, “Reflections”, es con su primer disco para el sello Kaiowas con el que pretenden revitalizar la escena a base de postulados old school, guiños al metal y algo de melodía. Wero (cantante) y David (batería) lo cuentan con sus propias palabras. “No nos centramos en nada en concreto a la hora de componer. Sale así de forma natural pues todos los miembros del grupo coincidimos cien por cien en gustos musicales”.

Otro punto a favor de Read My Lips son los textos de las canciones, un aspecto fundamental en el hardcore, pero que en muchos casos no se trata con la seriedad requerida. “El mensaje es una cosa esencial y en las letras no nos gusta decorar las cosas. Nuestros textos tratan de los problemas del mundo pero también apuntando que, si queremos, todo tiene solución. Hablamos de explotación infantil, venta de armas, liberación animal, el trepidante ritmo de vida de las ciudades… Simplemente enciendo la tele y tengo un montón de ideas para tratar. Y de ahí viene el título que le hemos puesto al disco”. La banda se encuentra actualmente en pleno proceso de promoción del álbum, siendo el directo su mejor carta de presentación. “Durante lo que queda de año vamos a tocar prácticamente todos los fines de semana para presentar el disco. El concierto en el Resurrection Fest de Viveiro de este verano nos ha disparado y próximamente estaremos en Bilbao, Donosti, Valencia y otras ciudades del Estado”. ■ Jordi Forés

Read My Lips Vienen de: Barcelona Publican: “News For The Afflicted” (Kaiowas Records, 09) En la onda de: Ignite, Good Riddance, Indecision

Read My Lips Foto Archivo

C

omo si de una suerte de cruce entre Leadbelly, Violent Femmes y Two Gallants se tratase, el árido, espartano y vibrante segundo álbum de los vallisoletanos Arizona Baby, “Second To None”, grabado en el estudio de Paco Loco, se ha convertido en una de las sorpresas de la escena hispana en lo que va de año. ¿Qué hacen tres jóvenes de Valladolid recreando con tanta fidelidad las atmósferas de géneros tan tradicionalmente americanos?

“Pues viene por toda la música que escuchas desde los tiempos del instituto, que generalmente venía de América. Aunque luego escuchamos toda clase de

Port O’brien Foto PressImage

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /37/ escaparate)

Port O’brien Vienen de: Estados Unidos Publican: “Threadbare” (City Slang/Nuevos Medios, 09) En la onda de: Neil Young, The Duke And The King, The Builders And The Butchers

The Hot Dogs!

Aaron Thomas Viene de: Australia/Madrid Publica: “Made Of Wood” (Recordings From The Other Side/Popstock!, 09) En la onda de: Elvis Costello, Julio de la Rosa, Jeff Buckley

A

aron Thomas solía hacer canciones para liberarse de sus demonios, para hablar de sus miedos y experiencias. Así surgió “Follow The Elephants”, un debut íntimo y personal a partir del que comenzó a desarrollar una nueva voz, un camino por el que transitar más seguro y confiado. Así surge “Made Of Wood”, en el que nos habla de superar limitaciones y luchar por lo que uno cree. “Resume un tema que se repite a lo largo del álbum; estar hecho de madera significa estar limitado, inmóvil, que es como te sientes cuando pesa demasiado la presión que te imponen las expectativas de los demás. Es algo que yo sufro demasiado, pero al mismo tiempo, si eres consiente de tus limitaciones también vas a poder luchar para cambiarlas y mejorar tu vida”. “Made Of Wood” continúa siendo un disco reflexivo e intimista de un cantautor que necesita expresar su visión del mundo que le rodea, pero esta vez Aaron Thomas apuesta por ampliar su perspectiva

y enriquecer sus historias a través de personajes diversos y complejos. “Mis canciones suelen partir de experiencias personales, pero si quería hacer más interesante mi punto de vista tenía que empezar a utilizar la tercera persona. Es algo que no hice en el primer disco, pero últimamente he estado escuchando mucho a Elvis Costello y Leonard Cohen y me interesaba desarrollar más mi faceta como letrista. Dejar de sonar tan sólo como una persona quejándose de su vida (risas)”. Casi sin querer salen a relucir sus influencias y Aaron se precipita a contar como han variado sus referentes a la hora de afrontar el nuevo álbum. “Antes siempre estaba intentando sonar como Jeff Buckley o Thom Yorke. Con este disco he querido admitir y mezclar mis influencias de una forma distinta, los años cincuenta, la chanson, la música del teatro...

No he querido hacer un disco de folk puro sino una mezcla de muchas cosas”. ■ Cristina V. Miranda

Vienen de: Urretxu (Gipuzkoa) Publican: “Nothing But A Bad Day” (GP Records, 09) En la onda de: AC/DC, The Rolling Stones, New York Dolls La banda surge en Urretxu (Gipuzkoa) allá por el 99, cuando cuatro amigos deciden formar un grupo, grabar un disco y subirse al escenario.

Hasta ahí todo normal. Lo galáctico del caso llega con el primer acorde sobre las tablas, cuando el directo de The Hot Dogs! empieza a dejar boquiabiertos a todos los que se acercan a esos primerizos bolos. Después de un segundo álbum, una separación, una reunificación y un tercer disco, presentan “Nothing But A Bad Day”, un cuarto trabajo recién salido del horno con cambio de guitarrista, de productor y de sello. “Lo del cambio de sello básicamente fue por la necesidad de tener a alguien que nos representara, que nos buscase conciertos. Es algo para lo que nosotros nunca hemos servido (somos un puto desastre)”, nos cuenta Iñigo (guitarrista). El resultado es un álbum que destila rock de barrica, en el que se quedan con su parte más clásica y rockera. “Cada vez sonamos más a bloque. Creo que nunca hemos estado tan cerca de lo que, personalmente, siempre he querido que fuera un disco de The Hot Dogs!”. La experiencia es un grado; lo deja claro Uri (batería). “Antes, a lo mejor no mirábamos tanto el sonido ni que estuviera técnicamente perfecto, sin embargo, es difícil conseguir la frescura del primero. Siempre hay una exigencia mayor por parte de cada uno en cada disco y eso se nota”. Los objetivos de la banda se han basado en reunir canciones más rítmicas y ganar en frescura, para lo que se han decantado por grabar casi en directo. “Ya teníamos unos cuantos temas y encajaban con esa idea. En cuanto al sonido, queríamos recuperar un poco la crudeza que tiene nuestro directo. Nunca me quedo conforme con el sonido, siempre pienso que puede sonar más agresivo y más alto. Este disco es el que mejor refleja lo que realmente queremos transmitir: fuerza y chulería”. ■ Eli Ibarra

Aaron Thomas Foto Archivo

Mario Cobo, guitarrista y cantante de The Nu Niles, debió de quedarse de piedra cuando un exaltado del público le hacía una comprometida petición durante un bolo en San Sebastián: “¡¡¡Cocaína!!! ¡Aquí mismo, tú y yo, demuestra lo que vales!” . “Yo le miraba y pensaba que era un loco que quería esnifar encima del escenario, en medio del show. Al acabar se aclaró la cosa, lo que quería era que tocasemos ‘Cocaine’ de Eric Clapton. El resumen es que todavía no sé cuál de las dos cosas hubiera sido peor”, explica divertido uno de los tres pilares de este trío de rockabilly, para nada fundamentalista, que se ha recorrido el Viejo Continente en diez ocasiones, amén de descargar al otro lado del charco en los festivales Viva Las Vegas o Greenbay.

En este último hicieron a pachas varios temas con Eddy Nichols, vocalista de Royal Crown Revue. El nombre de una pomada para el pelo es el culpable de su paso por la pila bautismal ante un inminente primer concierto sin denominación alguna. “Sin rendición” es su sexto largo, un trabajo maduro, rico en ingredientes y que apuesta por el castellano.

“El destino me llevó a Iván el día que quería montar junto a Blas (batería) una banda de rhythm’n’blues (The Lazy Jumpers). Me pasé por la escuela de música donde había estudiado y allí me dijeron que acababa de llegar un tipo de Serbia que era contrabajista. Empezamos a hablar e Iván me contó que había tenido su propia banda de rockabilly en Belgrado durante diez años.

Fue todo un hallazgo. Blas y yo nos conocimos compartiendo escenario con algunas bandas hasta que llegamos a The Bop Pills”. La necesidad de ampliar horizontes y buscar algo más propio y mezclado con más estilos les ha llevado a su estado actual, donde lo mismo tiran de western que de swing, y homenajean a sus compadres Los Brioles con “Be Bop Ska”. ■ Miguel Angel Sánchez Gárate

The Nu Niles Vienen de: Barcelona Publican: “Sin rendición” (Arañazo Records) En la onda de: Gene Vincent, Los Coyotes, Los Lobos

The Nu Niles Foto Archivo

The Hot Dogs! Foto Archivo

M Ward expandió el rumor y el resto lo hicieron las canciones exquisitas y acogedoras de su álbum de debut. “All We Could Was Sing” cambió la vida de Van y Cambria, dos habitantes de la aislada Cambria en California (sí, cantante y ciudad comparten nombre) y les lanzó a una vida nómada de conciertos que se completa ahora con la llegada de un nuevo disco. “Threadbare” viene marcado por el vitalismo de quien todavía quiere cantarle al mundo, pero también por la tragedia. A comienzos de este año, cuando el álbum comenzaba a tomar forma, Cambria sufrió la pérdida de su hermana, una fatalidad que obligó al grupo a replantearse su situación. “Después de la tragedia decidimos concentrarnos de una forma muy activa en realizar cambios en la banda, enfocarnos en escribir canciones y volver a lo que era nuestra idea inicial de Port O’Brien”. Su debut estaba marcado por el intimismo pero también por las melodías contagiosas y una alegría e inmediatez que ya no es tan evidente ahora. “Éste es un disco más emotivo y tranquilo, pero cuando lo escucho no siento que sea pesimista porque mantiene un sentimiento de esperanza.

Queríamos reflejar la idea de que la vida es corta y tienes que ser curioso y divertirte. Es importante distanciarte de la gente que te hace sentir mal, o deshonesto”. A ellos les gusta rodearse bien y por eso en un primer momento acudieron al estudio casero de su amigo de Papercuts, Jason Quever, para la producción del disco, que finalizaron en Los Ángeles con Aaron Espinoza. En “Threadbare” abundan los arreglos preciosistas y ciertos enfoques que le han valido comparaciones con bandas como Arcade Fire. “Me sorprende porque en realidad no he escuchado más que un par de canciones suyas. Yo he crecido con Neil Young y Nirvana y ahora escucho mucho hip-hop. Estamos más influidos por las emociones que puede transmitir cierto tipo de música que por el estilo de la misma”. ■ Cristina V. Miranda

MondoSonoro · Diciembre 2009 /39/

ALEC OUNSWORTH “Mo Beauty” Anti/Pias

ROCK

1114

Tras el linchamiento crítico del segundo disco de Clap Your Hands and Say Yeah!, “Some Loud Thunder”, su líder Alec Ounsworth parece haber confinado la banda a un letargo indefinido en espera de nuevas ideas que puedan hacerla renacer de sus cenizas artísticas. En el entretanto, nos sorprende con su primer trabajo en solitario, un pretendido tratado de fusión de géneros que Ounsworth ha grabado en Nueva Orleans, rodeándose de veteranos músicos de sesión de la zona.

Por suerte, “Mo Beauty” se aligera de las veleidades de “Some Loud Thunder” y deja fluir esos viejos ritmos de jazz, funk y blues del sur estadounidense. Se sienten de una forma más evidente las influencias de Tom Waits de las que siempre se ha jactado el de Philadelphia. Ahí están los ritmos tribales de “Bones In The Grave” o el sabor a tierra mojada de “Idiots In The Rain”. De ahí al folk amargo de “What Fun” o a la sentida balada “Holy, Holy Holy Moses”, un seguido de sorpresas agradables que reautorizan al protagonista. que ha permitido el distanciamiento del sonido pegadizo pero raquítico de su banda madre para ganar en volumen, suntuosidad y riqueza. Robert Aniento

BASEMENT JAXX “Scars“

XL/Popstock!

ELECTRÓNICA

111

Felix Buxton y Simon Ratcliffe vuelven a la carga con un nuevo largo de su eterno proyecto conjunto Basement Jaxx. Precursores del house en casi todas sus ramificaciones durante las dos últimas décadas, los británicos se descuelgan con “Scars”, un disco en el que vuelven a confirmar su despegue definitivo de la música puramente clubber para volverse todavía más orgánicos que en anteriores trabajos, caso de “Rooty” o “Kish Kash”. Este quinto álbum de estudio, que cuenta con colaboraciones vocales como las de Maleka, el rapero inglés Chipmunk y, sobre todo, Kelis, ahonda en el R&B más convencional (la propia “Scars” como ejemplo), el hip hop de coartada house de la mano de Eli ‘Paperboy’ Reed (“She’s No Good”) o el house con deje a lo Daft Punk de “Raindrops”, quizá el mejor corte del disco. Lástima que otros como “A Possibility” con Amp Fiddler ejerciendo del Prince más descafeinado, “Saga”, con Santogold en los créditos, o la paranoide “Twerk”, Yo Majesty mediante, se queden en una mera anécdota, dejando en un bien lo que podría haber sido un notable. Lo de Yoko Ono en “Day Of The Sunflowers” lo dejamos aparte. José Manuel Cisneros

THE BLACKOUT

“The Best In Town” Epitaph/Pias

HARDCORE

1114

Desde su impronunciable localidad natal de Merthyr Tydfil, en Gales, un lugar más dado a la explotación industrial que a cultivar estrellas de screamo, el sexteto comandado por Sean Smith y Gavin Butler se va haciendo un lugar en el mundo de las guitarras más

afiladas, a paso lento pero seguro. Si hace un par de años, con “We Are The Dynamite”, The Blackout consiguieron convertirse en uno de los nombres habituales en las páginas de las revistas metaleras británicas, con este segundo trabajo han empezado ya a extender su nombre más allá de las Islas.

Gracias sobre todo a su facilidad para las melodías coreables, son ya una de las bandas referencias para todos los seguidores de las melodías emo pop. Jugando en ocasiones en el estrecho límite de la autoparodia -ahí está la idea de introducir coros hooliganeros o voces infantiles al inicio del single “Children Of The Night”- los de Gales se atreven incluso a trastear con uno de los míticos títulos de Nirvana en la eufórica “I Love Myself And I Wanna Live”. Es precisamente esa falta de prejuicios y la huida de la seriedad impostada que caracteriza a muchas bandas similares, su gran baza. Robert Aniento

vinilos

sfdk, siempre fuertes

BLK JKS

“After Robots” V2/Nuevos Medios

ROCK

1114

Por veinticinco pesetas (¡qué antigüedad!), díganme grupos de rock sudafricanos…

No se vayan de manos vacías, apunten: BLK JKS, diminutivo de Black Jacks y lo que algunos consideran una versión africana de los venerados TV On The Radio. Producidos por Brandon Curtis de Secret Machines, estos cuatro muchachos no esconden sus cartas en ningún momento: llevan figuras de jazz, de progresivo (“Standby” podría ser perfectamente una cara B de Pink Floyd) y de esa locura colectiva que invade ambos lados del océano Atlántico desde el afrobeat a la salsa sin ser exactamente ninguno de esos estilos tan socorridos el más útil para describir su música. Es éste el ejemplo perfecto de disco que seguiría en uno de los más ignotos rincones del planeta de no ser por la aldea global, bendita sea entonces ésta por estas cositas (las buenas) y pídase encarecidamente desde aquí una oportunidad al lector ávido de nuevos, jugosos y densos nombres, porque BLK JKS rechazan hacerlo fácil y feo, refrescan en escorzo y debería ser este “After Robots” el punto de partida de mayores logros para estos valientes. Ignacio Pato

BRENDAN BENSON

“My Old, Familiar Friend” Coop/Nuevos Medios

POP

1114

Primer disco en solitario de Benson tras la aventura en The Raconteurs junto a Jack White. Y parece haber heredado la incontinencia del guitarrista de White Stripes, pues Benson asegura tener ya listo un nuevo trabajo para publicar. El trovador de Nashville no parece sentirse presionado por el hecho que acechan por encima de sus canciones más ojos que nunca. Al contrario, se muestra liberado y entrega una colección de temas alegres, desinhibidos, zurcidos en pop clasicista y repletos de melodías amables y tarareables, con ese power pop contagioso, más cercano al de bandas como The Wings o Cheap Trick que al contemporáneo de Matthew Sweet. Cada uno de los cortes se presenta como un pequeño catálogo en sí mismo de las diferentes virtudes que han hecho del pop el género más apreciado de la música popular. Las radiantes “Feel Like Taking You Home”, “Poised And Ready” o “Garbage Day” se dan la mano con las más reflexivas “You Make A Fool Out Of Me” o “Don’t Wanna Talk”. Uno de esos discos que parecen tan fáciles de componer pero que son tan difíciles de encontrar.

Robert Aniento

SFDK Foto Archivo

SFDK

“Siempre fuertes 2” SFDK/Boa

RAP

11114

Los sevillanos no han tenido más remedio que tirar de galones y de su propia hemeroteca, diez años en el ruedo del rap patrio, y algunos otros en el lodo, para poner las cosas en su sitio. Para firmar una banda sonora que repasa, fotograma a fotograma, una década de rap en castellano vivida en primera persona. Porque ellos sí han vivido para contarlo. Para salir al rescate de esos valores humanos que han hecho del hip hop un modo de vida en nuestra sociedad. La veteranía es un grado, aunque más de uno se rasgó las vestiduras de forma obtusa tras la publicación de su anterior trabajo “Los veteranos” (07). SFDK se tiran de bomba sobre la “C.R.I.S.I.S.” salpicando seguramente a algún integrante de esa corte que

Zatu desenmascara en “El séquito”, otro tema que dará comidilla. Sin embargo, si en el germen de este sexto álbum, aquel mítico “Siempre fuertes” (Zona Bruta, 99) con el que debutaron, la fuerza seminal, en forma de crossover abría su carrera a puñetazos, ahora son verdades como puños las que aprestan un álbum tan largo como su sombra. Un disco que levanta emociones y que esta vez no afrontan solos: Jefe de la M, Legendario o Pinnacle Rockers son algunos de los protagonistas directos así como muchos amigos, colegas y fans que verán sus caras sobre sobreimpresas en temas como “La de los niños”. Las producciones de Óscar huyen como de la peste de maniqueísmos y es puro hip hop hecho a mano y a maquina según se mire. “S.E.V.I.L.L.A.” es el single, una exaltación de esa ciudad de contrastes, de bodevil permanente que proporciona letras para sus rimas y fuerza para seguir en la cima. Aviso a navegantes.

Arturo García

en la onda

NAS

Tote King RAP

La Alta Escuela

“Illmatic” (Sony, 95)

“Un tipo cualquiera” (BOA, 06)

1111

Si bien SFDK se alejan en su producción de esos guiños al rock que su paisano dejaba entrever en este disco, sí coinciden a la hora de bajar a la tierra a más de un personaje ingrávido de la escena hip hop actual. Ambos ponen encima de la mesa los valores de una cultura que para ellos es un modo de vida.

RAP

“En pie de vuelo” (Flor Records, 99)

11111

Ha sido siempre un álbum de referencia para Óscar a nivel personal y en cuanto a producción se refiere. “Ilmatic” es uno de los mejores discos de hip hop de la historia donde Nas contó con colaboraciones entre otros de Large Profesor de Main Source o Dj Premier de Gangstarr.

RAP

1111

La forma de rapear de Juaninacka cautivó a Zatu en aquel momento en el que SFDK editaban su debut “Siempre fuertes”. El nuevo disco de los sevillanos se retrotrae a esos comienzos del hip hop en nuestro país y el disco de La Alta Escuela es referente de esa época. ■ A. G.

(vinilos /40/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

el encanto de mcenroe CYMBALS EAT GUITARS

“Why There Are Mountains” Memphis Industries/Nuevos Medios

ROCK

McEnroe Foto Archivo

MCENROE

“Tú nunca morirás” Subterfuge

POP

1114

El tercer álbum del quinteto de Getxo refrenda su crecimiento como banda, y consolida un discurso de pop en castellano del que, quizá si detentase picos melódicos de combustión más instantánea, no sería descabellado afirmar que podría encarnar una seria alternativa a fenómenos tan aparentemente imprevisibles-e inexplicables-como el de Vetusta Morla.

Pero ahí, en la serena homogeneidad de un álbum que desnuda sus encantos tras sucesivas escuchas, reside el cuajo de este “Tú nunca morirás”, cuya cocción en los fogones de Abel Hernández (El Hijo,

Migala) no parece en absoluto casual. Y es que no le faltan argumentos de peso. La dicción discreta y sin estridencias de Ricardo Lezón repasa entuertos emocionales con aroma a los primeros Sr. Chinarro o Mercromina (“Los Valientes” o “Tormentas” y su gran crescendo final), abreva puntualmente -sin regodearse- en la afectación melódica de aquellos Radiohead acústicos (“El Alce”), cede el timón de mando (en el delicado tema titular) o comparte honores con la exquisita voz de Miren Ilza (la abisal “La noche de San Juan”) e incluso recurre a ciertos aderezos post pop (“Los veranos”), para perfilar un trabajo a degustar sin fobia a la pesadumbre y con el metrónomo al ralentí, siempre con la mira puesta en cada uno de los muchos pequeños detalles que hacen de él un disco especial. Carlos Pérez de Ziriza

RAMMSTEIN

COLD CAVE

VV. AA.

Universal

Matador/Popstock!

Great Confort/Popstock!

“Liebe Is Für Alle Da” ROCK

“Come O Spirit!”

“Love Comes Close” 111

Los integrantes de Rammstein son más listos que el hambre. Las cifras y la repercusión les avalan. La banda más grande surgida en Alemania en los últimos veinte años, sabe cómo, dónde y a qué juega. Tienen las ideas claras, funcionan como una empresa que debe generar beneficios constantemente y saben de memoria cuáles son las claves de su estrategia. Ahora mismo su evolución musical es prácticamente nula, pero a ellos les basta con seguir esa línea recta que les asegura que una legión de fieles les siga a todos lados. Da igual que hayan hecho una vez más el mismo disco de siempre (“Mutter” fue el último giro serio que dieron a su carrera), que su inmovilismo sea parecido al de AC/DC, Slayer o algunos otros. De hecho, esta vez han jugado otra carta, la del single claro. El escándalo suscitado por el clip de “Pussy”, la reválida con el inglés en ese mismo corte, la confusión con respecto a si “Früiling In Paris” suena a U2 o Coldplay –de hecho, a ninguno de los dos-, o que el comienzo y el final estén planteados con las mismas coordenadas de siempre son los argumentos que Rammstein han utilizado para mantener la atención del público y de la prensa. Toni Castarnado

ELECTRÓNICA

1111

Poco importa si dentro de Cold Cave podemos encontrar componentes de bandas tan ilustres de la escena alternativa yanqui como Prurient o Xiu Xiu, o que Wesley Eisold, verdadero impulsor del proyecto, haya engrosado en el pasado las filas de diferentes combos hardcore. Poco importa porque desde el mismo instante en que se publica “Love Comes Close”, el proyecto alcanza entidad al margen de todos esos nombres.

Los mira de soslayo rindiendo homenaje desde su propio nombre a su verdadero punto de partida, una cold wave que se revela ahora como principal influencia de un proyecto que arrancó con “Cremations”, oscurísimo y primitivo recopilatorio que los situaba más cerca de lo industrial. Pero Cold Cave han abierto las ventanas, dejando que una sorprendente impronta melódica y bailable les dé un saludable revés a estos nueve temas que se pasan en un suspiro y manejan una paleta sonora que va de Fad Gadget -en general el disco respira el sadismo y la claustrofobia que impregnaba los trabajos del británico- a Lali Puna -ese arranque con “Cebe And Me”, que parece un descarte de “Scary World Theory”-. Luis J. Menéndez

ESPIRITUALES

111

En Estados Unidos el cristianismo sigue tomando posiciones dentro de la escena independiente. Desde el referencial sello Tooth & Nail, pasando por artistas como Pedro The Lion e incluso Sufjan Stevens que han conseguido trascender el nicho de los conversos. Aunque algunos no quieran ser relacionados directamente con la música cristiana, son lo suficientemente ambiguos al respecto como para que los seguidores del género -si es un género- les consideren autores de cabecera. Great Confort Records es el nuevo proyecto de Daniel Smith, Danielson, junto a su padre, compositor de himnos espirituales y carpintero (todo encaja), y “Come O Spirit!” un primer paso ambicioso y toda una declaración de objetivos: reunir bajo la batuta de Isaac Wardell y Mason Nelly algunas de las grandes voces del indie-folk americano para reinterpretar gospels. Entre los que prestan su voz o simplemente el talento, están Rosie Thomas, David Bazan, Denison Witmer, Leigh Nash, J. Tillman y el mismo Sufjan Stevens en un trabajo que toma como punto de referencia una sensibilidad gótica de cabeza gacha y gesto implorante. Joan Cabot

1114

Mientras esperamos ansiosos el retorno a los escenarios de Pavement, es un auténtico placer que salgan grupos que nos recuerden tanto a ellos. Y un disco como éste hace que la espera se haga más ligera. La primera escucha de “Why There Are Mountains” recuerda a una versión moderna de “Slanted & Enchanted” –el primer disco de Pavement- pero se trata de algo mucho más complejo. Cymbals Eat Guitars son un compendio de referentes del indie-rock de los noventa. No sólo Pavement, también están Built To Spill, Dinosaur Jr. e incluso Yo la Tengo, a lo que se suma algo de grupos más recientes: en “Indiana” parecen Clap Your Hands Say Yeah!, mientras que en la parte final de “Like Blood Does” se acercan a Deerhunter. “Why There Are Mountains” es un álbum conceptual en forma de montaña rusa llena de canciones con subidas y bajadas. Los cambios de intensidad y los múltiples registros son habituales en todo el disco, pasan del susurro al grito sin que apenas te des cuenta. El punto álgido se encuentra en los siete minutos de “Share”, con guiño incluído al tema “Gold Soundz” de Pavement: “We need secrets”, dicen.

Desde luego que los tienen. Blai Marsé

DEAD BY SUNRISE “Out Of Ashes” Warner

ROCK

111

Primer disco en solitario de Chester Bennington. En palabras suyas: “en mi mente se agolpan demasiadas ideas que estilísticamente no cuadran con Linkin Park”, por lo que el californiano se ha puesto manos a la obra. Se ha juntado con componentes de Julien-K y Orgy y han sacado a la luz este primer disco que a bien seguro dejará con un sabor amargo a los fans de Linkin Park, pero que, por otro lado, como nos ha pasado a otros, sirve de bocanada fresca a ese estilo tan machacado como fue el nu-metal. Dead By Sunrise no reinventan nada, pero se agradece que hagan rock puro y duro. Tal cual, sin sonido metalero ni desgarrando la voz del bueno de Chester como en sus inicios. Rock americano, a veces alternativo otras cercano a Creed o Nickelback. “Fire” es una buena prueba de ello, un tema directo que funciona perfectamente como inicio del disco. Siguen con “Crawl Back In” que suena incluso mejor que la primera. Y aunque a partir de ahí hay escarceos de baladas aburridotas, podemos decir que superan la primera prueba. Marcos Martin

DIVISION OF LAURA LEE “Violence Is Timeless”

I Made This Records/International Trade Unión

ROCK

1114

Quinto disco de los suecos en el que, definitivamente, consolidan un sonido bastante personal a medio camino entre el garage más refinado y el post-punk más enérgico y oscuro. Presentado durante cuatro meses antes de su lanzamiento mediante clips de todas (sí, todas) las canciones del grupo colgados periódicamente en su pá-

gina web, Division Of Laura Lee entregan una colección de canciones sugerentes y pegadizas, llenas de riffs oscuros y convincentes y de literatura vital y atractiva. “Violence Is Timeless”, tema que da nombre al disco, es un hit punk de estribillo pegadizo lleno de clase, “Evil Out Of Me” recuerda a los cortes más bailables de Joy Division, guitarras crudas para una melodía sombría y adictiva, “Pirates” es uno de los momentos más cool del álbum, un tema en el que el grupo se acerca a las pistas de baile con mucho ritmo y recuerda al brit-rock de discoteca, y “Do You Love Me?”, la pieza que cierra el disco, son dos minutos de autentico punk melódico, breve y divertido.

Música que queda muy lejos del éxito de otros paisanos suyos como The Hives o Mando Diao, pero que a base de originalidad y talento ha terminado por ganarse merecidamente un hueco dentro de la escena. Dani Arnal

EL NIÑO DE LA HIPOTECA “Que te vaya bien”

Niño de la Hipoteca Records

FOLK

111

Guiu Cortés es El Niño de la Hipoteca o El Niño de la Hipoteca es Guiu Cortés, en fin, lo mismo da. Ambos entienden y crean el sonido acústico con igual eficacia. Y es que este cantautor forjado en el metro de Barcelona nos regala un disco sin complejos, cotidiano y sorprendente. Quien haya escuchado el larga duración de principio a fin, insisto de principio y, sobre todo, a fin, entenderá de qué hablo. Editado bajo el sello Niño de la Hipoteca Records, “Que te vaya bien” nos muestra líneas finas y sutiles inspiradas en genios como Jorge Drexler o Silvio Rodríguez.También muestra una fusión que nos pasea por costas africanas y nos mece en exquisitos violines, violoncelos y violas. Cuerdas impecables, percusión muy viva y conjunto instrumental muy variado: de la darbuka a la kalimba, pasando por el kabosy y terminando por el acordeón. Este gran surtido de sonidos y arreglos embellecen considerablemente las letras de un Guiu Cortés decidido a –una lástima- actuar en directo únicamente con su guitarra. Yeray S. Iborra

VV. AA.

“Envelope Collective Sampler” Envelope Collective

POP

1111

Siempre es un lujo el poder hablar de una discográfica que empieza a encaminar sus pasos en estos días duros para el negocio.

Máxime cuando lo hacen con un marcado carácter preciosista e internacional que les lleva desde el folk canadiense de The Museum Places, lleno de matices intimistas y referencias americanas, a la suavidad de las voces de Ghost Bees con un cierto aire country y unas voces dulces que sugieren una extraña mezcla entre Cocorosie y una primeriza Kristin Hersh. Ellas cantan a dúo con una sonoridad acogedora y extraña.

Kippi Kaninus es una de esas inagotables sorpresas que nos depara esa minúscula isla que es Islandia. Más cerca de la música barroca que del indie sorprenden al pasar de los pasajes de cuerda barroca a una electrónica autista, de clicks and cuts, muy Autechre. The Folding And The Point recalan también en una acústica muy Sigur Rós, llena de paisajes sonoros y de pequeñas melodías encerradas unas dentro de otras, de esas que necesitan un largo desarrollo y paz para crecer en la oscuridad. Y para cerrar, Homein Malaguaux, un misterio de cuerdas acústico maravilloso. Ojalá pronto podamos escuchar un largo de todos. Alfredo Arias

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /41/ vinilos)

el rock para las masas de l.a.

top10 internacional LAURA GIBSON

“Beasts Of Seasons” Souterrain Transmissions/Pias

FOLK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THEM CROOKED VULTURES “Them Crooked Vultures” Sony BMG

MONSTERS OF FOLK

“Monsters Of Folk” Rough Trade/Popstock!

WEEZER

“Ratitude” Interscope/Universal

RICHARD HAWLEY “Truelove’s Gutter” Mute/EMI

WILD BEASTS “Two Dancers” Domino/Pias

WOLFMOTHER “Cosmic Egg” Universal

BLACK JOE LEWIS & THE HONEYBEARS “Tell’em What Your Name Is!” Lost Highway

DELPHIC

“Acolyte” Coop/Nuevos Medios

BENJAMIN BIOLAY “La Superbe” Naïve

SLAYER

“World Painter Blood” American/Sony Music

1114

Segundo trabajo de la compositora californiana tras “If You Come To Greet Me” de hace tres años. Dos conceptos, en teoría antagónicos, se dan la mano en él. La primera parte la dedica la autora a una serie de “Canciones de comunión”.

“Me quedaré contemplando la procesión de sombras” canta en la inicial “Shadows On Parade”, una apología de la soledad en forma de elegía de casi siete minutos, conducida sobre los envites de la cercanía y la sensibilidad. Arropada por la inspiración del sol californiano, Gibson sedimenta sus logros con la embrujada “Spirited”, un cierto alejamiento del folk más atemperado del resto del álbum.

En la segunda parte, “Canciones de funeral”, toman el relevo las reflexiones sobre la mortalidad, teñidas del mismo folk de raíces, del que gusta recrearse dibujando paisajes. El productor de Sufjan Stevens o The Decemberists, Tucker Martine, embellece la pátina de los nueve temas dirigiendo la banda de apoyo de manera que sirvan como soporte y acompañamiento a la voz y palabras de la autora y a sus suaves rasgueos de guitarra. El folk de Gibson, sin la misma pasión que el Bon Iver de “For Emma, Forever Ago” pero con mayor carga social, chispea, se decolora y languidece con ortodoxa precisión. La sensación final es de melodías frágiles que bien degustadas en su contexto adecuado pueden ofrecer una bella puerta de fuga y hacer del tiempo algo menos desechable. Robert Aniento

top10 nacional EARTH CRISIS

L.A. Foto Álvaro Antolínez

L.A.

“Heavenly Hell” Universal

POP

1111 Lo que ha logrado Luis A. Segura (L.A.) es a todas luces loable y raya el notable alto. Ha hecho un disco de melodías exquisitas, que suena tan perfecto como coherente y sólido. Un disco del que puede sentirse orgulloso pues no deja de ser el resultado de años de intentarlo sin conseguirlo. Años en los que sabes lo que quieres hacer, hacía dónde quieres ir, pero nunca encuentras ni las herramientas, ni las oportunidades que lo propicien. Bueno, pues ya está aquí y van a por todas. Manager, compañía y músicos se han confabulado para hacer que las poderosas canciones de este disco enganchen al público para el que están

destinadas: El gran público. Y no hay nada malo en ello. El único problema es que, en ocasiones, erramos el tiro pretendiendo hacer pasar gato por liebre. Si quieren que pensemos que L.A. es un cantautor que hace un pop-rock de autor para minorías selectas a lo Elliott Smith o Matt Pond PA, estamos enfocando mal las cosas. Lo de L.A. tiene más que ver con Teddy Geiger o David Gray y no hay nada malo en ello. Es comercial en el sentido de que es cristalino, limpio, a veces incluso algo inocuo (“Elizabeth”, ”Stop The Clocks”) además de clásico tanto en las formas como en las estructuras de las canciones. Pero es ahí dónde reside su baza más importante. Lo que hace, lo hace de fábula pese a que se haya hecho antes hasta la saciedad.

Sólo hay que escuchar un temazo como “Hands” o el poprock épico a lo Travis de “Microphones And Medecine” para darte cuenta de ello. Don Disturbios

“To The Death” Century Media

HARDCORE

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

SFDK

“Siempre fuertes 2” BOA

QUIQUE GONZÁLEZ “Daiquiri Blues” Last Tour Records

L.A.

“Heavenly Hell” Universal

NUEVA VULCANO

“Los peces de colores” B-Core

MUJERES “S/t” Sones

MCENROE

“Tú nunca morirás” Subterfuge

CAMPING

“The Remains Of Industry” Pupilo Records

ARIZONA BABY

“Second To None” Subterfuge

AINARA LEGARDON“ Forgive Me If I Don’t Come Home To Sleep Tonight” Winslow Lab WILD HONEY

“Epic Handshakes And A Bear Hug” Lazy Recordings

1114

Los neoyorquinos Earth Crisis regresan tras ocho años de silencio discográfico.

Y lo hacen por la puerta grande: con nuevo sello, Century Media, y con un disco arrollador, “To The Death”, que parece reclamar a gritos el trono y el tiempo perdidos. Ante la pregunta de si los de Syracuse, uno de los máximos precursores del metalcore, tendrían algo que ofrecer a una escena actualmente sobredimensionada, la respuesta es rotundamente sí. Está claro que el quinteto no inventa nada, pero su estilo, afín al de Hatebreed o Snapcase, suena más honesto y natural que el de muchos grupos de última generación.

El pepinazo que abre el disco, “Against The Current” –una patada en toda la mandíbula-, anuncia que estamos de nuevo ante los Earth Crisis más brutales, los de “Destroy The Machines” o el más metálico “Breed The Killers”. De hecho, en sus escasos treinta minutos, en los que reconocen haber trabajado a conciencia para no repetirse, asoman incluso algunos fogonazos de death metal –las voces rasgadas y las armonías de “Security Threat Number One” o las guitarras de “Control Through Fear”-. Algo que, por otra parte, no debería extrañarnos teniendo en cuenta que el propio Crouse se confiesa más amante del metal que del hardcore y que han vuelto a contar con Andy Sneap (Kreator, Machine Head) para las mezclas. Todo ello liderado por un Kart Buechner con cuerda para rato y que pocos querríamos como enemigo. Feliz regreso. David Sabaté

ESPLENDOR GEOMÉTRICO

FRANK TURNER

FRUIT BATS

Geometrik

Epitaph/Pias

Sub Pop/Popstock!

“Pulsión”

ELECTRÓNICA

1114

Los movimientos de Lanz y Evangelista en los últimos años, retomando una inédita actividad en directo, hacía factible que la continuación de “Compuesto de hierro” estuviera al caer. “Pulsión” es su primer álbum como tal con material original desde 2002 -con el aperitivo que supuso su disco en directo de 2007, en el que incluían ocho nuevos temas de estudio- y nos devuelve a la pareja rindiéndose homenajes a sí mismos desde el primer momento: ¿es Arturo el que vocea en la intimidante “Japo” que sirve para abrir el disco? A continuación “Joven comunista” recupera uno de sus extraños y característicos sampleos, en este caso en castellano, a propósito de las virtudes de un comunista (se presupone) en plena Guerra Civil: misterioso y, a la vez, acorde con su peculiar sentido del humor.

La “cara A” concluye con un intimidante “Sistema de emisión” que recupera la etapa “árabe” de la banda, hoy con más sentido, más amenazadora que nunca. A partir de aquí, el álbum avanza hacia una exploración del ritmo que por momentos les acerca al ambient. Únicos en su especie.

Luis J. Menéndez

“Poetry Of The Deed” FOLK-ROCK

“The Ruminant Band” 111

El joven Frank Turner ya va por su tercer álbum largo de estudio, este “Poetry Of The Deed” que continúa la estela de su anterior trabajo, el bien recibido “Love, Ire & Song” con el acostumbrado sonido de folk urbanita con actitud punk que también ha acariciado en los últimos meses, por ejemplo, Tom Gabel de Against Me! Una mayor homogeneidad en el conjunto del disco, una ligera apreciación de mejor ensamblaje en las composiciones en torno al piano, guitarra y la voz de Turner y un inconfundible sabor a Billy Bragg son algunas de la las señas de identidad de un muchacho educado en Eton que se ha decidido a mostrarse a sí mismo en unas canciones que quizá toquen demasiado de refilón a su propia generación, más frenética, y levemente a las mayores, que encontrarán la trova del autor aun tierna y por formar. Sin embargo, canciones como “The Road”, single lógico, dejan entrever un mayor atractivo y mejor futuro para esa voz que habrá de contar seguramente con discos más reconfortantes que éste si continúa la lenta progresión. Ignacio Pato

POP

1114

“Primitive Man” y “The Ruminant Band”, hermosísimas piezas de indie pop disfrazado de revival folk, abren el disco con una exhuberancia instrumental y rítmica que promete un más que gozoso viaje. A fuerza de andar con los tipos de The Shins, Eric D. Johnson ha encontrado la manera de imprimir a su música un contraste muy interesante entre lo secular y lo weird (es decir, lo snob). El problema es que Fruit Bats tiene canciones muy buenas, pero no consistentemente buenas, y el subidón de los primeros minutos se ve eclipsado por una fase de inconcreción, si bien no muy larga, ciertamente decepcionante. Todo se perdona, no obstante, cuando la beatleliana “Being On Your Own” vuelve a dar la luz y “My Unusual Friend” desprende ecos de guitarra a lo Clarence White. Todo se perdona porque el disco perfecto no existe y a estas alturas escuchar canciones como “The Blessed Breeze”, ferozmente contemporánea en su trote sesentas, no te salva la vida pero, demonios, te da un poco más de vida. Porque el disco perfecto no existe pero, a estas alturas, a algunos nos vale con la promesa. Jorge Ramos

(vinilos /42/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

nueva vulcano, canciones bonitas

NUEVA VULCANO

“Los peces de colores” B-Core

ROCK

1111

Tercer disco de estudio para los catalanes. El tercero y el mejor. Ellos, al leer lo que acabo de escribir ya estarán levantando cejas de incredulidad y esperando a ver qué burradas voy a contar sobre “Los peces de colores”.

Pocas bandas conozco tan buenas y con tan poco alarde exhibicionista. “Nos dice Santi

Nueva Vulcano Foto Albert Polo

(García) que tiene que ser un disco con canciones bonitas”, comentaba Artur Estrada hace un par de meses. Pues lo son.

Son bonitas, muy bonitas y, chaval, celebro que esa voz se haya venido arriba para este trabajo porque las letras lo merecen. Las canciones lo piden también, unas composiciones estructuradas sobre los instrumentos de tres músicos impresionantes en su estilo, contundentes, imaginativos e incansables.

Lo primero que pensé al escuchar este disco es que me faltaban una “Sagrada Familia” o una “El día de mañana”, pero tras varias escuchas intercaladas con sus anteriores trabajos, puedo afirmar que no las echo de menos, que este disco, en conjunto, no necesita de esos hits, que a lo mejor brillaron tanto al estar rodeados de temas menos generosos.

Aquí lucen todas, “Dulce y ácida”, “Níquel, canela”, “Te debo un baile”, “El ataque” o “La maleza”. Rafa Angulo

GARRETT WALL BAND

THE GOOD COMPANY

GORKA 2H

“El hombre orquesta”

“Once”

KID HARPOON

KISS

Monde Green Records

Mckenzie Muzik

Boa

Young Turks/Popstock!

Roadrunner/Divucsa

“Hands And Imperfections” POP

111

Segunda referencia de la banda liderada por Garrett Wall, músico irlandés afincado en Madrid. El curioso combo (guitarra, cajón flamenco, bajo y trompeta) enriquece la instrumentación respecto a su anterior álbum y surca desde los primeros acordes (“Copernicus Dreams”) aires de pop adulto con paradas a ambos lados del océano, dejando entrar por la ventana soplos de blue-eyed soul y canción de autor. “Is There No Freedom”, con la ayuda de Lua (We Are Balboa) a las voces, marca el mejor momento del disco. En adelante, se echa algo de menos la riqueza de texturas conseguida con esta acertada invitación. Wall se sofistica en “Better Days”, baja hacia el sur en “Worst Case Scenario” (sin mancharse de barro, a la manera de Fastball) y hace honor a sus orígenes en “Mynah Bird”, cantando como sólo los irlandeses cantan al amor, de una manera oscura pero vitalista, y en “Never Give All The Heart”, donde pone música a un texto de W.B. Yeats. Un disco que no pretende hacer daño y, aun en la exquisitez casi excesiva de su factura, deja el regusto de la buena repostería artesanal. Que no lo pierdan. Jorge Ramos

“28”

ROCK

1114

The Good Company va a ser uno de esos grupos ante los cuales se van a empezar a rendir todos aquellos que entren en su música. Bastará una sola escucha para saber que este dúo canario-catalán tiene algo especial.

Y es que este su primer disco, “28”, lo es. Dejando de lado la garantía de estar producido por Ricky Falkner, junto a Víctor Ordóñez, el disco te atrapa desde la primera escucha con “Endless”, rock cargado de emotividad al más puro estilo Radiohead pero sin su precisión milimétrica. The Good Company dejan sitio a la interpretación libre, y eso se agradece. Y lo siguen haciendo en temas como “Sweet Stone” o “Busy Town”, pero no se pueden perder de vista sus piezas más delicadas como “A City Shines”, “Unkind” o “Future’s Gone”. Así hasta acabar con los diez temas que componen “28”, una obra de instrumentación meticulosa y emotiva, salpicada en algunos instantes por una voz femenina que aporta mayor sutileza. Ellos mismos han definido su trabajo como “un reflejo del momento en la vida del personaje que lo protagoniza hasta llevarlo a la liberación sobre fracasos, pérdidas y miedos”. Lo tienen, claro. Nosotros también. Marcos Martín

RAP

114

La mitad de Doshermanos se lanza casi en solitario con “El hombre orquesta”, su primer largo. Digo casi, porque este trabajo está plagado de colaboraciones. A destacar la participación de su hermano Yosu (la otra mitad), Rosa Rosario y Andalucía Vandals en “Escribiendo graffiti” y sobre todo la de J Pelirrojo en “Porque puedo” (de lo mejorcito del disco). Gorka nos ofrece un total de diecisiete canciones en las que nos encontramos casi a partes iguales las mismas dosis de cal que de arena. Así, rimas de altura como las de “No me importa nada”, conviven con letras llenas de topicazos como las de “Enciendo el show” o “Conocemos los trucos” pese a que paradójicamente Gorka 2H en “Patas arriba” rapee que patea tópicos y punto (quizás haya que patearlos todavía un poco más). Y bases elegantes como las de “Bailando con los sueños” y “Yo paso”, se codean con las más anodinas de “Intentad pararme” y “Como si fueran a prohibirlo”. Sabor agridulce por tanto el de “El hombre orquesta” que como punto final nos ofrece “Hip hop”, una más que curiosa y completa “rapikedia” para principiantes. David Lorenzo

POP

“Sonic Boom” 1111

Debería ser así siempre: un tipo con una guitarra y algo que contar. Quizás sea por su origen portuario, Chatham concretamente, pero no cuesta mucho imaginarse al inglés Tom Hull un sábado cualquiera poniendo la taberna patas arriba desplegando esta imponente y sencilla colección de corajudos himnos suburbanos. Algo en él recuerda a esa generación de músicos británicos que devolvieron el rock’n’roll al pueblo durante el engañoso capítulo del pub rock. Kid Harpoon canta con la intuición de Squeeze, el ímpetu del primer Elvis Costello, la clase de Nick Lowe y la heroicidad de Kevin Rowland. Y “Once” arranca con la incontestable “Stealing Cars”, una de esas canciones que te lanza disparado hacia lo que sea que te depare la noche, y continúa con temas tan redondos como “Back From Beyond” y “Burnt Down House”, “Marianna” y “Flowers by The Shore”, y a medida que van pasando los minutos repitiéndose la liturgia de volver atrás a escucharlas una y otra vez la figura de Hull va haciéndose de cada vez más grande y acabas convencido de que en M80 ya tardan en incluirlo en su Serie Oro. Un gran disco, sí, señor. Joan Cabot

ROCK

1114

Once años dan mucho de si. Y a pesar de que Kiss no hayan grabado durante ese tiempo, su maquinaria no ha parado un instante.

Unas veces para deleite de sus seguidores, y otras tantas para desespero de quienes más le exigen a su banda favorita. Mientras Gene Simmons grababa un horroroso disco en solitario, “***HOLE”, Paul Stanley salvaba la cabeza con una obra, “Live To Win”, que honraba el legado de Kiss, aunque la polémica principal estaba en plantearse si mantener a Eric Singer y Tommy Thayer a toda costa o si este iba a ser mejor disco que “Psycho Circus”. Por suerte, la inspiración se mantiene en este notable “Sonic Boom”. Con la década de los setenta siempre en perspectiva y la de los ochenta como referente para huir de lo peor de aquellos años, Kiss han dejado el pabellón alto con la publicación de un trabajo fresco y dinámico. Arranca de forma inmejorable con “Modern Day Delilah”, combinado con el clasicismo bien entendido en “Never Enough” y la poderosa “Stand”. Ahora bien, entre lo mejor del disco destacan “Yes I Know (Nobody’s Perfect)” y “Say Yeah”, un gran colofón de base épica que sorprenderá a propios y extraños. Toni Castarnado

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /43/ vinilos)

el roy orbison de sheffield RICHARD HAWLEY “Truelove’s Gutter” Mute/EMI

POP

1111 ¿Sobreviviremos a esto?, parece preguntarse Richard Hawley desde el fondo de “Truelove’s Gutter”, su tesis definitiva sobre la descomposición sentimental, sobre la inevitabilidad del desastre cuando la vida te coloca en ese punto de no retorno, cuando tomas conciencia de que todo cuanto te rodea está ajado y marchito. Sin concesiones, el sexto disco del Roy Orbison de Sheffield supone también la culminación de sus ejercicios atmosféricos, de esa concepción cada vez más económica pero no menos devastadora de su música. Para cuando “Soldier On” se parte en dos en un arrebato de paroxismo uno ya sabe que no hay nada por lo que luchar, no dejaremos

nada detrás nuestro aparte de rencor y palabras a medio decir. Sólo nos quedarán nanas, pero, sí, sobreviviremos. Hawley siempre ha sido la clase de compositor de canciones tristes que, sin embargo, no te hacen más miserable, más bien lo contrario, más duro y más sabio. Escuchar este disco es como sobrevivir a un hundimiento.

Si seguimos en pie después de escuchar “Don’t Get Hung Up In Your Soul” es que algo hemos aprendido. Joan Cabot

Richard Hawley Foto Archivo

“The B-Suite”

“Chant Darling”

LAWRENCE ARABIA

LISA GERMANO

MAGGOT BRAIN

MAX RICHTER

Ed Banger/Karonte

Bella Union

Young God Records

Lengua Armada

Fatcat Records

KRAZY BALDHEAD ELECTRÓNICA

1111

Aunque la fórmula del manido french touch no nos tenía que deparar ninguna sorpresa cuanto menos mayúscula, la disquera Ed Banger vuelve a ganarse un tanto gracias al primer largo de uno de sus protegidos. Con numerosas horas de conservatorio a sus espaldas que han dado sus frutos, Krazy Baldhead no está predestinado a descoyuntarse ante los platos como SebastiAn ni a copar las portadas cool de turno como Justice, pero ni falta que le hace. Después de darse a conocer gracias a los EP’s de breakbeat “Bill’s Break” y “Dry Guillotine”, la vertiente conceptual que ha incrustado a su “The B-Suite” (dividido en cuatro movimientos perfectamente adheridos con cuatro pistas cada una) supone un ejercicio minucioso de electro progresivo con algún que otro regodeo hip hopero (como en el caso de “Time” o “Sweet Night”, que sería como meter en la coctelera Ed Banger a los propios N.E.R.D) y una notable adhesión por la punzante a la vez que delicada naturaleza del beat (“Saturnication”) que hacen de su debut uno de los álbumes electrónicos más flamantes de la presente temporada gracias a una inteligente imaginería musical. Sergio del Amo

POP

“Magic Neighbor” 1111

Habrá quien siga pensando que Nueva Zelanda es sólo la patria de Peter Jackson y de los All Blacks, pero nada más lejos de la realidad. En el terreno musical las dos islas que forman el país han alumbrado a más de una luminaria del pop independiente más selecto y exquisito de las últimas tres décadas. En el pasado número de MondoSonoro y con motivo de la crítica de The Bats, hablábamos del sello neozelandés Flying Nun y de la gran cantidad de bandas de la vida que acogió en los ochenta y noventa, pues bien, el testigo de aquella escena maravillosa, aún viva en la actualidad, lo recogen ahora grupos como The Ruby Suns o Lawrence Arabia. Detrás de este cinéfilo nombre se esconde James Milne, un personaje digno de la troupe de Mike Alway y Él Records que consigue sacar la cabecita por Europa con “Chant Darling”, su segundo disco, una pequeña maravilla de pop bonito y alucinado capaz de citar con tino y sin perder personalidad a lo mejor de su patria, a la escena Elephant 6 y al pop campestre de Scarlet’s Well. Sería una pena que este sensacional freak no se hiciera un hueco entre los corazones de los fans del pop culto y refinado. Xavi Sánchez Pons

FOLK

“Land” 1111

Todo lo que toca Lisa Germano cobra vida y se convierte en naturaleza viva de fábula, la que construye en cada canción. Lisa es como una hada. Siempre encanta, siempre ha cautivado, gracias a una desnudez instrumental plagada de un sinfín de detalles pero sobre todo por su susurrante y oxigenada voz con los que alcanza un exotismo único. Y lo vuelve a hacer en “Magic Neighbor”, que se abre con “Marypan”, un guiño a la melodía de “Red Thread” de su antecesor “In The Maybe World. Sabe crear todo un microclima de pequeños seres misteriosos hasta de capullos que liberan a sus mariposas como en “Cocoon”, con la que se cierra el disco. Una vez finalizada te das cuenta que podrías repetir los once cortes hasta el infinito y en cada nueva escucha descubrirías nuevas vidas que viven en su mundo de ensueño, como en la saltarina y bufona “Suli-mon”, en el vals acústico de “Simple”, en la orgánica “A Million Times”, en la nana venenosa que es “Snow”, en la hipnótica “Painting The Doors”, en la literaria “The Prince Of Plati” o en la extraña melancolía de la canción que da nombre a su octavo disco. Lisa es una especie única.

Celestí Oliver

ROCK

“Memoryhouse” 1114

La persistencia ha colocado a los chicos de Maggot Brain en el lugar que merecen. Tras casi una década de lucha sin tregua, grabando, tocando sin parar, llamando a mil puertas, dando a la vara a todo aquel que se dejase, los extremeños han conseguido perpetrar esa obra con la cual poder presumir orgullosos. En su cuarta intentona, el quinteto ha puesto sobre el tapete todo su muestrario de habilidades. Una suerte de rock rocoso muy lúcido, resuelto con tino y brillantez: el detalle de los vientos, la slide guitar, un piano que viste las canciones y los coros de The Brainettes, dos voces femeninas que le dan a buena parte de las canciones un punto adicional de sutilidad y frescura. “Awake” irrumpe en escena con virulencia, mientras que con la presencia de “Birds In The Head” o “In Our Veins” demuestran que si se ponen manos a la obra pueden ser una excelente jam band. Se colocan sus mejores galas en “Drunk As A Hobbit” y “Land”, mostrando su lado más elegante a la vez que canalla.

Y directamente desde Los Angeles y por vía satélite –el álbum lo grabaron en casa-, unos Mother Superior que le dan su toque especial a “Southbound”. Toni Castarnado

ELECTRÓNICA

1114

“Memoryhouse” es un recorrido musical a lo largo y ancho de la vieja Europa del siglo XX por cortesía del músico alemán Max Richter. Con la ayuda de la Orquesta Filarmónica de la BBC, dirigida por Rumon Gamba, Richter deja a un lado su trabajo en Future Sound Of London y sus puntuales colaboraciones con Roni Size para tejer un entramado electrónico donde beats y música clásica se dan la mano gracias a composiciones como ese genial “Europe After The Rain” de John Foxx que rompe el hielo para dar paso a otras piezas menos conocidas como “Sarajevo” o “November”, estas propias y que se van intercalando con otras ajenas de nombres como Wojciech Kilar, siempre con el minimalismo en el punto de mira y claras referencias a Philip Glass y otros clásicos del género, sin descuidar tampoco el componente electrónico, tan cercano en ocasiones a la electroacústica como al ambient más preciosista. ¿A dónde vamos?, parece preguntarse Ritcher echando la vista atrás con una perspectiva más bien pesimista de la historia europea más reciente. A la espera de una respuesta, nos quedaremos con este bonito recital, que no es poco. José Manuel Cisneros

(vinilos /44/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

el “garage indie” de mujeres PEN CAP CHEW “Pen Cap Chew” Perk Producciones

ROCK

111

Tras dos maquetas publicadas, este trío sevillano se lanza a la aventura con su primer disco homónimo. Un total de once cortes bajo la batuta en la producción de Paco Loco, con la tranquilidad y seguridad que eso supone, mostrando un consistente resultado que se aprecia desde la primera escucha. Diríamos que beben de Soundgarden o Pearl Jam con un sonido duro y de una pegada brutal en prácticamente todos los temas. Pero como grupo joven que son, mejor diremos que podrían ir de la mano de propuestas tan dispares como Nothink o Maggot Brain. Aunque comparaciones al margen, sin reinventar los postulados del rock alternativo, Pen Cap Chew avanzan con paso firme en temas como “Little Craker” o “Let It Go”. La guitarra suena afilada y justa en su determinación por no eclipsar a una sólida base rítmica que avanza en cada tema como una apisonadora. Seguramente se ganan el corazoncito del oyente cuando pasan al castellano en ese gran tema que es “Monstruo” o en el no menos interesante “No volverás”. Muy contundentes estos sevillanos. Marcos Martín Mujeres Foto Archivo

MUJERES “S/t” Sones

GARAGE

1111

Menos mal. Menos mal que Mujeres no han perdido nada de su fresca, festiva y deslenguada reinterpretación del sixties punk subterráneo a la In The Red tras su paso por el estudio de forma oficial. Un paso que ha dado como resultado este excelente disco de debut, un trabajo que deja bien a la claras que son mucho más que un grupo de temporada o simplemente “los Black Lips de Barcelona”, sambenito que hagan lo que

hagan, me temo, les seguirá mientras estén en activo.

Y es que el primer disco de los barceloneses abre una vía aún virgen en nuestro país, la de ese sonido garage de indudable sabor sesentas conectado también con cierta sensibilidad indie, una marca que ha patentado con éxito el sello In The Red, discográfica estadounidense nombrada al principio de este reseña y no de forma gratuita. La casa de The Strange Boys, King Khan, Black Lips, Thee Oh Sees o Andre Williams, entre otros, acogería con los brazos abiertos a Mujeres después de escuchar trallazos de garage cazallero del calibre de “Blood Meridian”, “Wanna Boom”, “Reyerta o “L.A.”.

Chapeau. Xavi Sánchez Pons

MCINTOSH ROSS

CAMPING

NURSES

Cooking Vinyl

Pupilo Records

Dead Oceans/Popstock!

“The Great Lakes” POP

“The Remains Of Industry” 1114

Hay ocasiones en que los músicos necesitan abstraerse, soltar lastre, y empezar de una manera casi anónima una nueva aventura. Eso es algo parecido a lo que debe haberles ocurrido a Lorraine McIntosh y Ricky Ross. Hartos de haberse cobijado siempre bajo el manto protector de Deacon Blue, la pareja se propone grabar un disco simple, común, accesible y bonito. Y sepan que funciona gracias al uso de sus dos dulces voces, el acompañamiento de unas guitarras acústicas armoniosas y delicadas y unos músicos a su lado curtidos junto a Sparklehorse, Emmylou Harris o Danger Mouse. Producido por Mark Howard, asalariado de Tom Waits o Bob Dylan, y primera espada en la confección de “World Without Tears” de Lucinda Williams, “The Great Lakes” toma como punto de partida la tradición del folk británico y ciertos aires de la música celta, salpicando el conjunto del aroma atemporal y espiritual que nos llega del otro lado del Atlántico.

Así, nos encontramos ante unas canciones tocadas por la varita mágica del talento, la sencillez, el buen gusto y el saber hacer casi artesano. Toni Castarnado

ROCK

1114

Camping han vuelto con un disco marcado a priori por un cierto oscurantismo musical y social, una especie de canto a esta tecnología que nace y muere cada día, en música y vida cotidiana. ¿Un disco pesimista y ventajista entonces? No necesariamente, ya que “The Remains Of Industry” viene a ser como una especie de superación total de modas y sospechas de seguidismo de esas modas en lo musical, así como un acopio de canciones cínicas y maduras en relación al mundo que rodea a los catalanes. Un aviso a navegantes en el que encontramos a los Camping grandes, nerviosos, los de “The Masses Are Right”, los de las bases potentes (“North Is Down”), matemáticos (“New Beginnings”) y con la acidez suficiente como para pegarse un tema como “Children Playing Massacre”. En este disco ya no tiene mucho sentido hablar de post-rock ni de la influencia británica, y sí más bien de que Camping han hecho una colección de canciones totalmente defendibles desde una óptica post-industrial, un disco sano en una época febril, y eso es más de lo que consiguen muchos otros con más nombre. Ignacio Pato

“Apple’s Acre” POP

111

En poco tiempo, Animal Collective se han convertido en los grandes referentes del pop. A partir de ahora, toda banda de pop psicodélico que reúna elementos como juegos de voces y harmonías, programaciones electrónicas y ritmos con reminiscencias africanas, será relacionada con el Colectivo Animal. Nurses es uno de estos grupos. Seguramente, si antes no hubiesen existido Animal Collective, “Apple’s Acre” sería un disco totalmente diferente. No obstante, sería un error acusarlos de plagio, ya que el primer disco de esta joven banda de Portland tiene personalidad propia. Nurses debutan con diez canciones de delicadeza extrema gracias a una voz personal –aunque de timbre difícil de asimilar- que se complementa con otras voces y unos arreglos muy bien logrados. El disco arranca de forma prometedora con el tridente formado por “Technicolor”, “Mile After Mile” y “Caterpillar Playground”, pero a medida que avanza se va haciendo demasiado monótono y la escucha se hace ligeramente pesada. Que sí, estas enfermeras son muy atentas y ocurrentes, pero no capaces aun de curar nuestros males. Blai Marsé

NOAH AND THE WHALE

”The First Days Of Spring” Mercury

POP

1114

Tras un primer álbum irregular pero coronado con al menos tres canciones memorables, Noah And The Whale regresan enfundados en su traje de bucólicos directores de cine. “The First Days Of Spring” es un disco y una película, filmada por el líder y cantante del grupo Charlie Fink, un proyecto ambicioso que ha servido de coartada a la banda londinense para profundizar en su vertiente más campestre.

Abunda el paisaje folk, abundan los violines y los arreglos de todo tipo, abunda la celebración del ciclo que empieza a costa de dar por consumido el ciclo que lo precede. Así funcionan las cosas. Por supuesto, hablamos de amor. La estremecedora “My Broken Heart” lo deja claro, mientras que con “Love Of An Orchestra”, “Our Window” y la preciosa “Blue Skies” sitúan a Noah And The Whale junto a Stuart Murdoch, quien ha emprendido un proyecto similar en “God Help The Girl”, y Neil Hannon entre los mejores arreglistas del pop británico. Joan Cabot

RMSonce

“Reflections” Medusa Music

ELECTRÓNICA

1111

“Reflections” es el tercer álbum del matemático y compositor barcelonés Francesc Martí, que combina ritmos electrónicos e instrumentos eléctricos, paisajes ambientales y sonoridades experimentales una vez más bajo su alias RMSonce. De nuevo con la etiqueta de Medusa Music, el catalán nos sorprende con nueve composiciones mucho más cálidas que la de sus dos anteriores largos, si bien el noise, el glitch, al ambient y la experimentación siguen

siendo el hilo conductor de sus obras. Tras cuatro años de silencio desde su anterior disco, “The Game Of Life” (05), Martí se nos muestra más cercano, más humano.

Sus canciones, bajo un envoltorio tan camaleónico como consistente, se han desprendido de la frialdad de antaño, por mucho que el oscuro y nuboso digipack en el que viene envasado el trabajo y que firma David Martínez parezca decirnos lo contrario. Cortes como “Clouds” o “Jazz, Drugs And Some Distortions” así nos lo demuestran, con guiños a la música orgánica y una historia que contar. Magnífico el trabajo en el estudio de Martí y su colega Juanjo Alba, quien, además de masterizar el disco, se atrevió a compartir con su amigo la autoría del tema que da nombre a este notable disco. José Manuel Cisneros

ROSA-LUXEMBURG

“Com cremar una ciutat” RGB

POP-ROCK

111

Lejos queda ya el rock de bandas como Sau, Els Pets o Sopa de Cabra. La música en catalán se ha tomado un respiro, se ha reciclado y ha renacido en nuevas e interesantes propuestas. Rosa-Luxemburg es una de esas formaciones que, junto a Manel, Mishima y muchos otros, demuestran la buena salud de la nueva escena independiente en catalán. Catapultados por el concurso Sona 9, el cuarteto barcelonés nos agita con un disco eficaz y personal que deja entrever un carisma envidiable.

Guitarras rockeras y teclados psicodélicos que se combinan dando forma a un disco más rompedor y sólido que los anteriores, y al que no le faltan letras alocadas, estribillos atractivos (aunque, por qué no decirlo, también algo reiterativos) para conseguir un conjunto de lo más recomendable. Y es que Rosa-Luxemburg se atreven con todo: desde una crítica a la descarga de música ilegal (“ADSL”, primer corte del larga duración) hasta la hipotética quema de una ciudad en “Com cremar aquesta ciutat”. Destacar la coherencia general del disco en el que es, sin duda, el mejor trabajo de la banda hasta la fecha. Yeray S. Iborra

RUSSIAN CIRCLES “Geneva”

Suicide Squeeze/Everlasting

POST-ROCK

11114

Mozos y mozas de oídos amantes de viajes duros y largos, he aquí uno de los discos del año que termina. Russian Circles, con Mogwai faltos de ideas por un lado y por otro sus conciudadanos de Pelican algo ensimismados en su propio planeta, vienen convirtiéndose en ese grupo de una segunda fila que escandalosamente les queda ya pequeña como se demuestra con este tercer largo. Un álbum nada frío, nada rígido y sí con un sonido atronador y en orden reverso al primer mandamiento del estilo (esto es, de la explosión al escombro) y una gama de tonos y texturas que se mueve de la rugosidad de “Geneva” a una mayor abstracción que la de “Station” (si “Melee” no es trip hop del orgánico se le parece mucho), la calma chicha de “When The Mountain Comes To Muhammad” o la grandiosidad de “Malko” (el doble bombo que precede a la entrada del bajo y ésta misma ya valdrían el disco) y que acaba haciéndonos quitar el sombrero ante Brian Cook (Botch, These Arms Are Snakes) que ya es un Russian más y cuyos graves son una de las claves para que este “Geneva” suena tan gordo como suena. Un auténtico discazo. Ignacio Pato

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /45/ vinilos)

SQUAREPUSHER

“Solo Electric Bass 1” Warp/Pias

IMPROVISACIÓN

111

Tras el nombre de “Solo Electric Bass 1” se esconde la nueva aventura sonora del británico Tom Jenkinson, más conocido por su alias como productor electrónico: Squarepusher. Aunque lo cierto es que no es tan nueva, puesto que se trata de un recital que el genial artista dio hace un par de años en La Cite de la Musique (París) armado únicamente de un bajo eléctrico de seis cuerdas y un amplificador, de ahí el título del disco.

Doce cortes componen esta jam donde artista e instrumento beben de la improvisación durante muchos minutos, aunque también nos dejen alguna que otra sorpresa como la revisión del clásico de Jimmy Hendrix “Castles Mades Of Sand” o ciertos acercamientos al funk o al jazz que nos muestran una faceta desconocida hasta ahora del productor de Warp. ¿Excentricidad? Quizá, sobre todo para quienes piensan que desde que “Hard Normal Daddy” Squarepusher no ha vuelto a ser el mismo. ¿Genialidad? Pues también la hay. Y es que podemos esperar cualquier cosa del peculiar artista de Essex, cualquier cosa menos algo convencional.

José Manuel Cisneros

THE STARLETS

“I Wake Up Dreaming” Discos de paseo

POP

111

Primera referencia internacional del sello barcelonés Discos de Paseo, este disco es una recopilación de sus tres trabajos anteriores realizada expresamente para el mercado español, una colección de “canciones para días de lluvia”, según la propia banda. Pop melancólico con tendencia a la sobreorquestación y los arreglos barrocos, luminosos y tristes a partes iguales, con cierta inclinación a los crescendos épicos y una voz principal susurrante que, en ocasiones, termina por ser empalagosa. Se agradecen no obstante algunos detalles que acercan al grupo a terrenos dream-pop e incluso shoegaze, pero en general demasiado violín y melancolía, un sonido excesivamente pomposo que hace que escuchar el disco de principio a fin sea una experiencia algo aburrida. En conclusión, se buscan muchos puntos comunes con las bandas indie escocesas por excelencia (Belle & Sebastian, Camera Obscura, BMX Bandits), pero en realidad excesivamente por debajo de las mismas como para tenerlos en consideración dentro de un estilo en el cual hay que hacerlo muy bien para destacar.

Dani Arnal

THIS IMMORTAL COIL

“The Dark Age Of Love” Ici D’ailleurs

POST-ROCK

1114

La inesperada muerte de John Balance en 2004 al caerse desde el piso superior de su propia casa y partirse el cuello, no hizo más que agrandar un mito que, por otra parte, nunca necesitó de ello. Para el que esto firma Coil son una de las más alucinantes e inspiradas anomalías de la música de las últimas décadas, una banda irrepetible, y a nadie debería sorpren-

der que a un homenaje como el de This Immortal Coil se sumen nombres tan mayúsculos como Will Oldhan, Matt Elliott o Yann Tiersen. Utilizando la fórmula de This Mortal Coil, y hasta abrazando similares parámetros estéticos, el proyecto reúne a una serie de artistas que entran y salen libremente en forma de colaboración de las once versiones del cancionero de Coil aquí registradas. Quítate de la cabeza las reinterpretaciones tontorronas, para todos los públicos, de material de los ochenta a cargo de Nouvelle Vague: “The Dark Age Of Love” es un sentido homenaje que alcanza altas cotas emotivas -escalofriante “Red Queen” a cargo de Matt Elliott- a costa de reinterpretar a Coil en clave neoclásica, apostando por los instrumentos acústicos en perjuicio de la electrónica que caracterizó al dúo. Luis J. Menéndez

La selección Jäger:

cuomo invencible

TRANSATLANTIC “The Whirlwind”

InsideOut/Mastertrax

PROGRESIVO

111

Tras largos años enfrascados en sus propias bandas, las cuatro estrellas del supergrupo progresivo más famoso del siglo XXI, han considerado que ya era hora de volver a reunirse y grabar nuevo material.

Tras enfrentarse a esta tercera entrega en estudio de Transatlantic, uno no puede dejar de preguntarse por qué no han tratado de ofrecernos algo más personal, de crear algo con un mínimo de identidad propia.

Porque no hay ninguna diferencia entre lo que nos encontramos en la mayor parte de “The Whirlwind” y la carrera de Neal Morse. Algunos temas (ese final “Dancing With Eternal Glory”) parecen la enésima repetición de otros pertenecientes a la carrera de Morse, y lo que no, recuerda en demasía a The Flower Kings, el grupo de Stolt. Sea como fuere, Morse, Stolt, Portnoy y Trewavas se divierten con lo que hacen y en conjunto el trabajo resulta más inspirado que lo último de Neal Morse. Ahí estás las influencias habituales (Genesis, Gentle Giant, Yes, Pink Floyd...), en una obra conceptual que no pasará a la historia pero que mantiene un nivel digno. De regalo, un bonus CD con cuatro temas nuevos y cuatro versiones de Genesis, America, Procol Harum y Santana. Ferran Lizana

THE WALKABOUTS “Got No Chains”

Glitterhouse Records

FOLK

1114

Nada más y nada menos que veinticinco años cumplen los de Seattle, un cuarto de siglo en el que Carla Torgerson y Chris Eckman han desarrollado una prolífica carrera que les ha convertido en una de las bandas de alt-country más respetadas de la actualidad. Para celebrarlo qué mejor que un álbum doble en edición de lujo, con un disco recopilatorio que contiene quince de sus cortes más celebrados y (¡sorpresa!) otro compacto con los mismas canciones interpretadas por gente tan dispar como Chris Cacavas (fantástica su revisión de la mítica “Grand Theft Auto”) o los alemanes Locas In Love (preciosa “The Light Will Stay On”), además de las colaboraciones de Peter Buck de REM o Steve Wynn, entre muchos otros. En cuanto al disco propio del grupo, se trata de una cuidada selección de varios de sus temas más conocidos remasterizados por ellos mismos entre los que destacan “Jack Candy”, “Got No Chains” o “Wondertown”. Un merecido regalo de cumpleaños para una de las formaciones más influyentes y elegantes de la historia reciente del folk estadounidense.

Dani Arnal

Weezer Foto Archivo

WEEZER “Ratitude”

Interscope/Universal

POWER POP

1114

Que Weezer son, hoy por hoy, el grupo de power pop comercial a la Cheap Trick más grande e inspirado que hay en el planeta es algo que nadie debería de poner en duda. El arrollador inicio de este “Ratitude”, con esas tres joyas de pop vitaminado, eufórico, resultón y festivo que son “(If You’re Wondering If I Want You To) I Want You To”, “I’m Your Daddy” y “Girl Got Hot” (canción guiño al sonido Gary Glitter), así lo demuestra. Lo que sigue después es, salvo algún desliz (los aires bollywood de la imposible “Love Is The Answer” y esa chiste a costa de Timbaland que es “Can’t Stop Partying”), otra celebración de guitarra-

zos, melodías y estribillos pegadizos e infalibles marca de la casa. Rivers Cuomo es un genio en lo suyo, para qué negarlo, y a pesar del sonrojo que producen algunas de sus letras de espíritu loser, llenas de chascarrillos dignos de Matías Prats, siempre nos la acaba colando con esa facilidad que tiene para fabricar canciones grandes como una casa de pagés. Dejando a un lado las tres primeras del disco, desde ya clásicos instantáneos de los californianos, Cuomo y cía brillan en “Let It All Hang Out”, corte que toma prestado partes del “Magic” de The Cars, “Put Me Back Together“ y “I Don’t Want to Let You Go”, joya escondida de “Ratitude” y una canción pop perfecta.

Xavi Sánchez Pons

(vinilos /46/ Diciembre 2009 · MondoSonoro)

el clasicismo de wolfmother ZOÉ

“Reptilectric” Noiselab Records/EMI

ROCK

Wolfmother Foto Archivo

WOLFMOTHER “Cosmic Egg” Universal

ROCK

1114 Escucho el disco de Andrew Stockdale y la cuadrilla que ha juntado a su alrededor para seguir manteniendo vivo el tirón que logró con su primer trabajo como Wolfmother y me viene a la cabeza que este chico tiene muchas cosas en común con Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters). Para empezar los dos tienen pinta de ser buenos chicos; ambos afirman no tomar drogas, pese a estar en el vicioso y viciado mundo del rock, aman a Led Zeppelin por encima de todas las cosas y son más listos que el hambre. Son listos porque están demostrando que saben regurgitar

a la perfección toda esa música que han mamado desde pequeños y mostrarla con un barniz, un acabado, un tuneado brillante, esplendoroso, vital. Y no era fácil en el caso de Wolfmother máxime cuando has estado cuatro años sin sacar disco y corres el riesgo de fundirte en el olvido. Pero no. Este “Cosmic Egg” es un acierto en sus postulados clásicos gracias a que las melodías funcionan a la pefección apoyadas por una instrumentación más que sólida, contundente (me gusta hasta la balada y mira que es facilona). Y lo mejor de todo es que lo hace a pesar de que no puedes evitar ver al ectoplasma de Ozzy Osbourne, Josh Homme, Jimmy Page, pero también de Soundgarden o incluso The Cult. Todo un acierto este huevo cósmico que desde luego no inventa la sopa de ajo, pero no veas como pica el cabrón. Don Disturbios

CLAW HAMMER

TOM WAITS

THE X

Munster Records

Anti/Pias

Galileo Music

“Deep In The Hearth Of Nowhere!”

ROCK

1114

Los amantes de las rarezas están de enhorabuena. Y es que este disco cumple con todos los requisitos: se trata de un largo que recoge una actuación de hace casi quince años de una de las bandas americanas más inclasificables de los noventa, en un auditorio con capacidad para setecientas cincuenta personas al que sólo acudieron dos (privilegiados a los que se escucha no obstante en algunos momentos de la grabación) y que además posee una portada que homenajea claramente al cine fantástico de serie B. Pero es que, además, la grabación posee un sonido fabuloso que consigue transportarte a la primera fila de este peculiar concierto y llegar a sentir incluso el sudor de los músicos y hasta los escupitajos del cantante. Rock frenético (“Moonlight On Vermont”), thrash (“Mahaney Bus Ride”), guitarras y batería enormes (“Sticky Thing”), la rabia de un Jon Wahl con una voz que recuerda a la de Mick Jagger, pero con una sobredosis de ácido (“Hollow Legs”) y el tema que lo resume todo, “Uncontrollable Urge”. Bendita locura en forma de disco. Bendito Bob Lee, que decidió grabar esta joya. David Lorenzo

“Glitter And Doom Live” ROCK

11114

Conscientes de lo difícil que es pillarlo en gira, del esfuerzo titánico que supone para sus seguidores encontrar y luego pagar las entradas para sus actuaciones, y atendiendo a que no publica un disco en vivo desde “Big Time” (1988), debemos enfrentarnos a “Glitter And Doom Live” como la opción ideal para rememorar los escasos conciertos que el californiano ofreció el pasado año. Aunque no se trate de una actuación completa al recoger piezas de hasta diez ciudades distintas, no se nota corte alguno entre temas, ni diferencias ostensibles en el sonido de unas canciones y otras. “Lucinda/Ain’t Goin Down” es la encargada en dar el pistoletazo de salida, tal y como sucedía cada noche, para a partir de ahí empezar un recorrido por toda la discografía de Waits, cargando las tintas en la última etapa con especial énfasis al interpretar las piezas (hasta cuatro) de “Real Gone”. Waits empieza con ese sonido áspero tan característico, retorcido y crudo, en “Get Behind The Mule”, “Dirt In The Ground” y “Goin’ Out West”. Con “The Part You Throw Away” abre la puerta a sus seguidores más conservadores, a los que prefieren sus discos de los setenta y le disfrutan más sentado al piano. Toni Castarnado

“Neutralizer” ROCK

1114

No se confundan. La cuestión es que muchos se preguntarán si el mayor hype del presente año se ha comido una equis, pero la historia va por otros laureles señoras y señores. The X son valencianos y no precisamente unos novatos por los recodos musicales. Después de que Xperimental Shop pasara a mejor vida y rompieran con su discográfica, la banda decidió autoproducirse un trabajo que supone una batidora de influencias confesas donde tienen cabida desde los tintes reggae que dejan entrever en “Awakening” hasta las justas dosis de electrónica distorsionadora easy listening. A veces nos pueden recordar a Yorke y compañía, en otros momentos a unos The Police padeciendo el ya conocido síndrome de megalomanía Bellamysta, pero en definitiva “Neutralizer” supone un ejemplo esclarecedor de que, en nuestro país, se pueden facturar dignos productos pseudoelectrónicos sin caer en la ordinariez que inunda en buena parte de nuestras propuestas patrias. A la primera escucha “Loverdome” ya vale su peso en oro, al igual que ese corte carne del NME tildado de “Zoo Regeneration”. Sergio del Amo

1114

Gracias a Dios, en territorio mexicano no todo son bandas triunfantes como La Quinta Estación e intentos de divas pop a lo Julieta Venegas o la innombrable Paulina Rubio. La escena indie del país, en ocasiones, nos descubre a grupos como Zoé, que con su quinto álbum de estudio hasta la fecha nos ofrecen un más que correcto ejercicio de rock con las dosis justas de psicodelia y melodías pop con un regusto atormentado. Sin la megalomanía de Muse, no se alejan en exceso de los postulados del brit pop. Pero, eso sí, a más de uno y de dos de esos ineptos que pululan por las páginas de NME les gustaría firmar piezas como “Reptilectric” o la simplemente sobresaliente “Neandertal”. Bien es cierto que el medio tiempo con regusto a Tequila “Poli” o “Fantasmas” suponen sus únicos puntos débiles, pero con puntazos como la enérgica “Últimos días” consiguen hacernos preguntar por qué la banda es una auténtica desconocida en nuestro país después de facturar un trabajo cuya homogeneidad y calidad sobresalen por encima de las mayorías de las propuestas latinas que llegan a nuestras radio-fórmulas. Sergio del Amo

KEN STRINGFELLOW & MUY FELLINI “Ken Stringfellow & Muy Fellini” King Of Patio/Underhill

POP

111

De meritorio debe calificarse el logro de dos modestos sellos como el navarro Underhill y el zaragozano King Of Patio, sacando adelante de forma conjunta este vinilo de diez pulgadas en el que se reparten protagonismo Ken Stringfellow, legendario líder de The Posies o The Disciplines, y el debutante dúo pamplonica Muy Fellini. El de Seattle aprovecha la cara A para entregar sendas versiones de dos de sus temas favoritos, registradas tiempo atrás pero inéditas hasta la fecha. Concretamente una fiel apropiación del “Quinn The Eskimo (The Mighty Quinn)” de Bob Dylan y una delicada revisión de la bella “Nature Boy” de Eden Ahbez. Por su parte Juan Maravi y Edu Ugarte (batería de Half Foot Outside) aportan a la cara opuesta dos temas no incluidos en su recién publicada ópera prima “Muy Fellini” (Underhill/BCore,09). “El Valls” y “Recuerdos del pasado” dejan una significativa muestra de su propuesta, con cuidadas letras llenas de sentido y sentimiento acompañadas de minimalista pero férrea instrumentación. Con el tiempo quizá termine convertido en codiciado objeto de coleccionismo. Raúl Julián

AIR

“Love 2” Archeology/EMI

POP

11

La sombra del fracaso ya planeó muy seriamente sobre el dúo francés con su anterior trabajo, el débil y simplón “Pocket Simphony”, pero esta vez se cierne irremediablemente ante su nuevo trabajo, un “Love 2” que traspasa definitivamente la delgada línea que separa el minimalismo electrónico de calidad con la música de ascensor. Más de diez años después de su aclamadísimo

“Moon Safari”, gracias al cual consiguieron con todo merecimiento crear tendencia y poner la electrónica sosegada y elegante dentro del panorama indie más exigente, Nicolas Godin y Jean-Benoît no han sido capaces de mantener el nivel estilístico único e inconfundible que lograron crear a inicios de siglo. Temas como “Sing Sang Sung” o “So Light Is Her Footfall” suenan planos, faltos de personalidad y profundamente aburridos, y la inicialmente atractiva “Tropical Disease”, termina disolviéndose en un sonido confuso y cutre a partes iguales. Un disco que en una primera escucha podría llegar a resultar interesante, con sus melodías pop ligeras y facilonas y sus intentos de psicodelia, pero debido a la falta de alma acaba siendo una propuesta demasiado lacónica y sin un ápice de fuerza. Dani Arnal

BLACK JOE LEWIS & THE HONEYBEARS

“Tell’em What Your Name Is!” Lost Highway

RHYTHM’N’BLUES

1111

En pleno revival negroide, Black Joe Lewis parece salido del infierno para recordarnos que en el pasado no todo fue amor edulcorado, pegamento para corazones rotos, sino que allí estuvieron el sudor, el whisky y, ante todo, las almas flambeadas de Muddy Waters, Otis Redding y Ray Charles. Salido de Austin, Texas, y con un primer trabajo a sus espaldas que ya contaba con al menos un tema digno de pasar a la historia desde su mismo título (“Bitch, I Love You”), el segundo álbum de Lewis y sus Honeybears no deja de ser rhythm’n’blues de toda la vida, pero escupido a la certeza de un torpedo e interpretado con la convicción de aquellos que, una vez asumido el pasado, actúan como si el mundo existiera desde ayer y no hubiera mañana. “Tell’em What Your Name Is!” es un auténtico terremoto de blues, soul y funk, salpimentados con una ristra de “yeahs” como no habíamos oído desde los buenos tiempos de James Brown, un disco que más que revivalista acaba erigiéndose como la celebración de un sonido que por su autenticidad sigue siendo tan válido ayer como hoy. Joan Cabot

MIKA

“The Boy Who Knew Too Much” Casablanca/Universal

POP

114

Lo de Mika hace dos años con aquel “Life In Cartoon Motion” supuso una obra mercadotécnica de escándalo. La gallina de los huevos de oro, lejos de sorprendernos yéndose por recodos electrónicos que como en el caso de “Relax, Take It Easy” le iban que ni pintado, sigue postulándose como un imitador apolillado de Freddie Mercury y los falsetes histriónicos. En pequeñas dosis agrada, en exceso corremos el peligro de que todo nos suene igual. Después del fallido single de adelanto “We Are Golden” (el cual le debería dedicar explícitamente a Belinda Carlisle y su “Heaven Is A Place On Earth”), el joven incomprensiblemente se nos planta con un álbum carente de sencillos de escándalo para la masa mainstream. Adiós factor sorpresa... A falta de “Grace Kelly” o “Big Girl (You Are Beautiful)”, únicamente se ha podido sacar de la chistera la infalible “Rain”, la típica balada lacrimógena de turno “I See You” o esa petardada llamada “Good Gone Girl” como entes recordables. Quizás debería dejar aparcados los álbumes de Queen para no caer en el error de “Dr. John” o “Toy Boy”. Freddie era un indiscutible frontman. Y él solamente aspirará a la larga a ejercer de modelo para American Apparel.

Sergio del Amo

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /47/ vinilos)

REEDICIONES

BLACK STONE CHERRY

“Folklore And Superstition” Roadrunner/Divucsa

ROCK

1114

Poco menos de un año después de la salida a la venta del segundo disco de los norteamericanos nos vuelve a llegar reeditado, con un compacto adicional de seis temas nuevos -algunos de ellos publicados anteriormente en Ep’s digitales- y cuatro relecturas acústicas, tres de ellas de canciones de su disco de estreno. Nueva ocasión pues para celebrar el hard rock de tintes sureños con ramalazos de post-grunge que tan bien sabe hilvanar el cuarteto de Kentucky y que con tan solo dos discos los ha colocado en el punto de mira de los aficionados al rock duro. “Folklore And Superstition” es una continuación coherente de lo que ya ofrecía el grupo en su estreno homónimo, revistiéndolo de un sonido más afilado y con una aproximación más visceral y enfocada. El saber combinar un sonido añejo con influencias de hace menos de una década es lo que le otorga a Black Stone Cherry su diferencial estilístico. Y el conseguir hacer del resultado un bloque compacto que suena a poderoso músculo rockero y no a un pastiche multicolor es sin duda su gran aportación. Robert Aniento

THE CULT

“Love (Expanded Edition)” Beggars Banquet/Popstock!

ROCK

1111

Fue el disco que marcó el primer punto de inflexión en la carrera de los ingleses.

Tras la experiencia oscura –una época que también merece reivindicación- de Southern Death Cult y del primer trabajo como The Cult, “Dreamtime”, que todavía se anclaba en el post-punk oscuro de sus inicios, Ian Astbury y Billy Duffy dieron inicio con “Love” a una ecléctica trilogía de álbumes antológicos de los ochenta. Le darían continuación con la metamorfosis en unos renovados AC/DC que dio origen a “Electric” y la reconversión en grupo de rock para todos los gustos y edades en el bombástico “Sonic Temple”. En el que nos ocupa, los de Bradford parten de las influencias góticas de “Dreamtime”, pero metarmorfoseándolas gracias a un enfoque mucho más directo, ribetes psicodélicos y los primeros préstamos de Led Zeppelin en forma de riffs, con los que alimentan la mayoría de temas. Los singles “Rain”, “She Sells Sanctuary” y “Revolution” permanecen como tres de los grandes referentes en la discografía de The Cult, aunque el resto de cortes ralla casi a la misma altura.

Ahora, coincidiendo con la gira que están realizando reivindicando la obra, se publica en dos nuevas ediciones. Robert Aniento

THE GET UP KIDS

“Something To Write Home About” Vagrant

ROCK

1111

Si algo vale la pena en esto de la música es que existan cientos, millares, de subgéneros y submundos que funcionan paralelamente y que nos brindan obras

maestras a la sombra de los discos que todo el mundo conoce y recuerda en las listas de final de año. Ha pasado el tiempo (tampoco tanto, apenas una década) y es una alegría que se recuperen álbumes como “Something To Write Home About”, una de las puntuales grabaciones capitales de cuando el emo aún era emo. El mejor álbum de los estadounidenses supera no solamente la prueba de la fidelidad de quienes les veneramos durante aquellos días, sino que demuestra que el grupo de los hermanos Pope tenía un puñado de canciones frescas y directas que consiguen algo tan difícil como mantener su vigencia.

“Holiday”, “Action & Action”, “Red Letter Day” o ese cándido corte sobre amores veraniegos que es “I’m A Loner Dottie, A Rebel”. Y nada mejor para esta reedición que completarla con un DVD en directo y con una tarjeta de descarga de las demos originales de esta pequeña y modesta obra maestra. Joan S. Luna

q

JULIE FOWLIS “Cuilidh”

Shoeshine Records

FOLK

1111

Gran estuche de la emergente y ya famosa cantante Julie Fowlis. Procede de una pequeña isla al norte de Escocia, canta en gaélico y parece haber dado un nuevo y fuerte empuje al folk escocés y, por extensión, al británico.

La caja contiene dos compactos y un DVD. El primer disco es su aclamado “Cuilidh” que le ha reportado valiosos y múltiples premios tales como mejor álbum del año o mejor cantante folk, y no exclusivamente en los medios especializados. El segundo es un esplendido concierto en directo en el prestigioso festival Celtic Connection de Glasgow, más la encantadora versión del “Blackbird” que la revista MOJO le pidió para revisar el “White Album” de The Beatles. En cuanto al DVD, contiene el video de una canción en directo y un corto pero interesante documental sobre la artista.

Su repertorio son canciones tradicionales arregladas con maestría y buen gusto y por encima de todo ello su limpia, cristalina y sugerente voz iluminándolo todo. Por si fuera poco su grupo de acompañamiento incluye una selección de los mejores músicos del nuevo folk del momento. Un lujo en todos los sentidos. Miguel Amorós

Bauhaus Foto Archivo

BAUHAUS

“In The Flat Field” “Mask” Beggars Banquet/Popstock!

ROCK

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Si hemos de hablar de una banda estandarte del rock gótico, no cabe duda de que debemos acudir al nombre de Bauhaus. Ahora, estas lujosas reediciones de “Mask” e “In The Flat Field” en formato de lo más completo son las que los devuelven al candelero. Y las fechas no pueden ser mejores, ya que si Jack Skellington fuera quien repartiera los regalos estas Navidades,

THE VASELINES

ELBOW

U2

Sub Pop/Popstock!

Fiction/Universal

Mercury/Universal

“Enter The Vaselines” POP

THE PARLOR MOB

“And You Were A Crow” Roadrunner/Divucsa

HARD ROCK

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Mientras los australianos Wolfmother digieren su éxito como buenamente pueden, pasando de la disolución al retorno en un abrir y cerrar de ojos, y los norirlandeses The Answer se recrean en el gran escaparate brindado por AC/DC al incluirles como teloneros de su gira mundial, The Parlor Mob se postulan como grandes candidatos a formar parte, junto a los dos primeros, de una especie de afilado tridente del hard rock actual con raíz setentera. En realidad, su primer disco fue lanzado al mercado estadounidense hace algo más de un año, pero parece que todavía les falta el empujón mediático y comercial necesario para situarse en lo más alto. Musicalmente, en cambio, diríamos que no adolecen de nada. Los cimientos de su propuesta están sólidamente asentados en el pasado y, a partir de ahí, el quinteto de New Jersey edifica unas canciones fieras y directas, que evitan ornamentación innecesaria para sonar frescas y atemporales. Xavier Llop

seguro que llevaría su saco lleno de estas dos referencias que 4AD edita vía Beggars Archive. “In The Flat Field” recrea en CD el formato original del vinilo, además de otro disco con rarezas, tomas descartadas, caras B y demos, sin dejar de reseñar el nutrido libreto que lo acompaña. “Mask”, aparte de ofrecer algo similar a “In The Flat Field” nos regala diecisiete canciones en directo que Bauhaus grabaran en 1981.

Absolutamente imprescindible para fans, y para quienes no hayan escuchado nunca joyas como “Spy In The Cab”, “Bela Lugosi’s Dead” o “The Pasión Of Lovers” estas reediciones suponen una inmejorable oportunidad de redención. Rafa Angulo

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Me hace ilusión, volver a hablar de los Vaselines como dios manda por estas páginas.

Los he citado en mil y una críticas, pero la primera vez que lo hice como merecían fue solo hace unos pocos meses tras su excelente concierto en la pasada edición del Primavera Sound. Sin duda alguna, uno de los comebacks más dignos y emocionantes que recuerdo. “Enter The Vaselines”, reedición de lujo y ampliada de una antología Sub Pop sacó a la luz en la era grunge cuando Kurt Cobian descubrió a los Vaselines al mundo, se editó coincidiendo con la vuelta a los escenarios de los escoceses y es, desde ya, el recopilatorio definitivo y obligado para entrar en el universo de una de las mejores bandas de indie pop ruidoso de la historia. Este goloso volumen recoge todo el material que grabaron, un par de epés, su primer y único elepé, y un concierto grabado en Londres en 1988, más jugosos extras, una serie de demos y otro concierto. En resumen, un verdadero milagro hecho disco para los que, como yo, perdemos el culo por las melodías primitivas, la distorsión cavernícola y las guitarras que hacen raca raca. Xavi Sánchez Pons

“The Unforgettable Fire (Deluxe Box)”

“Asleep At The Back” POP

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El caso de Elbow es muy particular. En Inglaterra se les aprecia desmesuradamente. Quizás no estén entre los artistas más vendedores, pero resulta muy complicado dar con alguna crítica que no les dedique diversos elogios. Sin ir más lejos, el bajista de Editors cita este mismo álbum entre sus favoritos y Peter Gabriel ha decidido versionarles en su nuevo disco (de hecho, las voces de Gabriel y Guy Garvey tienen, en muchos casos, un registro similar). De un modo u otro, la reedición de lujo de “Asleep At The Back”, el debut en larga duración de estos tipos, funcionará mucho mejor en las islas, lo que no quita que debamos quitarnos el sombrero ante un trabajo mantiene bien el paso del tiempo (se editó en 2001) y que muestra a un grupo alejado de buena parte de sus compañeros de fatigas, aunque con un poso muy Radiohead, eso sí, en “Noisebox Ep”, con el que debutaron en 1998 y que se incluye aquí como extra. Podríamos hablar más del disco en cuestión, pero como esta deluxe edition está especialmente indicada para sus fans, apuntemos que se completa con nueve piezas en directo y un DVD extra con clips.

Adrián Santos

POP

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Al recuperar del tirón los dos compactos y el completísimo DVD que forman parte de esta lujosa caja (a la que se suman varias postales y un libro en la línea del incluído en “The Joshua Tree”) uno recuerda por qué motivos ha sido y sigue siendo fan de U2 pese a lo impopularidad que ello conlleva. Han pasado veinticinco años y “The Unforgettable Fire” continúa siendo un gran disco, una obra que combinaba temas en los que mandaban las atmósferas conseguidas por el grupo con la ayuda de Brian Eno y Daniel Lanois con un par de canciones de indudable efectividad pop. Los irlandeses habían madurado y creado una fórmula propia que, aunque ahora suene extraño, podía conquistar tanto al seguidor de Simple Minds como de los primeros The Church. No importa que vistiesen fatal, que sus peinados duelan a día de hoy a la vista, ni siquiera que, en ciertos momentos, su discurso espiritual atufase.

Ahora bien, esta vez los extras valen mucho la pena: outtakes, caras B, remezclas (con François Kevorkian entre los firmantes) hasta el DVD que recoge desde apariciones en festivales como el Live Aid hasta “The Unforgettable Fire Collection”. Joan S. Luna

Spike Jonze Foto Archivo

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /49/

MONDOMEDIA)

CINE

Spike Jonze

Monstruos S.A. Mucho se ha hecho esperar pero por fin podremos disfrutar de “Donde viven los monstruos” (en los cines el 18 de diciembre), personalísima, emocionante y amarga traslación a la pantalla grande del cuento para niños de Maurice Sendak. Una película cien por cien Spike Jonze que devuelve al menudo e inquieto cineasta yanqui a la primera plana cinematográfica.

M

ucho ha llovido ya, nada más y nada menos que siete años, desde “Adaptation. El ladrón de orquídeas”, hasta hace unos meses la última película como director de Spike Jonze, un filme que logró cuatro nominaciones al Oscar (Chris Cooper se acabó llevando el de Mejor Actor Secundario) y que dejó al director de videoclips más cool del momento en lo más alto. Después de eso, Jonze se lo tomó con calma y dejo pasar el hype. Durante estos años, lejos de parar quieto, ha aprovechado para hacer de todo un poco. Desde sus habituales videoclips (los más recientes son para Kanye West y UNKLE), a producir películas de sus amigos (entre ellas “Synecdoche, New York”, la ópera prima Charlie Kaufman, su media naranja en esto del cine). Ahora bien, lo que le ha llevado más tiempo ha sido la preparación de la esperadísima “Donde viven los monstruos”, cinta que adapta el homónimo, celebrado y breve cuento infantil de Maurice Sendak. Jonze, vía telefónica, nos explica el porqué de esa tardanza. “Como bien dices es verdad que para nada he estado parado, he hecho un montón de cosas. He hecho vídeos, otros proyectos… Pero es verdad que esta película me ha tomado más tiempo del

que tenía previsto. Cada parte del proceso de creación me llevó mucho más tiempo de lo que había pensado, unos cinco años en total. Ha sido complicado…”. El resultado de ese lustro de trabajo es, sin dudarlo, el film más personal de Jonze hasta la fecha. Sin Kaufman en el guión, el director de “Cómo ser John Malkovich” se atrevió a escribir el libreto con la ayuda del escritor Dave Eggers, convirtiendo el sencillo cuento de Maurice Sendak en una amarga, oscura y fascinante película sobre la pérdida de la inocencia de un niño de nueve años. Una película que, ojo, asustará a casi todos los niños y emocionará a muchos adultos. “Bueno, la verdad que a la hora de adaptar el libro al cine me planteé que podría sentir un niño de nueve años, en este caso el protagonista, a esa edad. Partí de esa base para escribir el guión. No lo escribí como una película de adultos. Es más, no considero mi película ni para niños ni para adultos en especial, es sólo una cinta sobre la niñez, que no es condescendiente, ni es una historia de superación, ni nada parecido, es una historia muy honesta, sobre lo que dices, la pérdida de la inocencia”. Sobre la gran carga amarga de

El universo Spike Jonze en “Como ser John Malkovich” (Spike Jonze, 1999)

Antes de esta película Spike Jonze era “sóo” un talentoso director de videoclips.

Tras ella, se convirtió, como dice una amiga mía, en el Orson Welles de toda una generación. Y es que esta inclasificable y genial cinta filmada por Jonze y escrita por Charlie Kaufman dio un empujoncito para adelante a la narrativa cinematográfica de finales de siglo.

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“Tres reyes” (David O. Russell, 1999) Ahora casi nadie se acuerda, pero hubo una época en que Jonze lo intentó como actor. Llegó a aparecer en “The Game” de David Fincher, pero su papel más brillante fue el de un alocado militar de buen corazón en este excelente filme bélico con aires a “Los violentos de Kelly” que, a día de hoy, sigue siendo el mejor trabajo de David O. Russell.

su adaptación cinematográfica de “Donde viven los monstruos” añade: “Me encanta el libro, y estaba todo ahí. Lo único que he hecho ha sido ampliar todas las sensaciones que me dio al leerlo de pequeño…”. Uno de los puntos fuertes del nuevo filme del director estadounidense es el diseño de los monstruos, verdaderas estrellas junto al niño protagonista (excelente Max Records, una especie de Spike Jonze en miniatura) de la función. Criaturas entre lo entrañable y lo terrorífico que, en la versión original, tienen las voces de James Gandolfini, Forest Whitaker, Catherine O’Hara, Paul Dano, Chris Cooper y Lauren Ambrose, creadas gracias a una mezcla de complicadas técnicas digitales y de métodos

combinado muchas técnicas para conseguir eso, y que cada pequeño detalle de cada monstruo no fuera gratuito”. Otro detalle que ha cuidado Jonze en “Donde viven los monstruos” es la banda sonora. Firmada por Karen O bajo el nombre de Karen O And The Kids, la cantante de Yeah Yeah Yeahs se ha rodeado de músicos amigos (Bradford Cox de Deerhunter, Aaron Hemphill de Liars, Nick Zinner y Brian Chase de Yeah Yeah Yeahs…) para componer una banda sonora muy atípica que viste las imágenes de una película donde realidad y fantasía se dan la mano.

“Sí, estuve en casi toda la grabación y fue larga. El proceso fue diferente a cualquier banda sonora en la que haya participado

“No considero mi película ni para niños ni para adultos en especial, es sólo una cinta sobre la niñez” tradicionales con la marca de la Creature Shop de Jim Henson. “Fue muy trabajoso y complicado porque había muchos elementos en juego, pero todo el proceso se basaba en una cosa, conseguir que los monstruos nos produjeran verdaderas emociones, que nos encandilarán, que nos asustarán, que nos hicieran creíbles sus personajes… Vamos, convertir en real lo que Maurice Sendak había descrito en su cuento. Queríamos convertir los disfraces y las caras generados por ordenador en algo muy serio, en verdaderas extensiones de los personajes, y no solo en un buen efecto digital. Hemos

porque Karen O nunca había escrito una.

Durante una temporada, cada dos meses, los músicos entraban en el estudio y ensayaban y probaban cosas. Karen escribió las canciones de una forma muy orgánica y casual. Cuando venía alguno de sus amigos a colaborar en los temas les dejaba que aportaran cosas. Si teníamos problemas para encontrar el tono y la melodía que iba bien para cada canción, nos poníamos una y otra vez la escena de la película en la que tenía que sonar para inspirarnos. La verdad es que Karen escribió la banda sonora desde el corazón”. ■ Xavi Sánchez Pons

pasos “Jackass TV series”

“ The Work Of Director ...”

“Tell Them Anything You Want ...

(2000-2002)

(2003)

(Spike Jonze y Lance Bangs)

Quizá aún quede algún despistado que no sepa que Jonze es el co-creador del mejor programa humorístico de telerrealidad de la historia. “Jackass”, que tuvo hasta su versión cinematográfica (la primera parte es sencillamente magistral), actualizaba de una forma salvaje el slapstick clásico, es decir, el humor de caídas y trompazos creado en la época del cine mudo.

Verdadera piedra filosofal del arte del videoclip, este DVD es obligado si uno quiere entender por qué la tarea de poner imágenes a las canciones es un arte mayor.

Del “Sabotage” de Beastie Boys” al “Drop” de Pharcyde”, o el “Praise You” de Fatboy Slim -el mejor video de la historia-, todos los clips que aparecen en este DVD son obras maestras.

Jonze y Sendak se conocen desde hace catorce años, y la gestación de “Donde viven los monstruos” los ha convertido en amigos inseparables. Este riguroso y sentido documental estrenado en la HBO repasa la vida del famoso y esquivo escritor, no muy dado a las apariciones públicas. Una oportunidad única de conocer la vida y milagros de Sendak. ■ X.S.P.

mondorecomienda

LA ENTREVISTA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

libros

Los Soprano Forever

Jerry Rubin Blackie Books (1111)

VV. AA. Errata Naturae (1114)

Jerry Rubin fue el máximo ideólogo de los yippies (una suerte de versión radical, irónica y muy activa de los hippies), un revolucionario blanco, treintañero y de clase media que puso en jaque a derechas e izquierdas por igual. Un héroe de la sociedad del espectáculo, un tipo capaz de reirse de Nixon, de Dios y de si mismo con la misma mala baba. Joan S. Luna

Los fans no se olvidan de Los Soprano, y mientras David Chase termina de decidirse sobre si finalmente va a rodar o no una película sobre los mafias de New Jersey, aquí tenemos para hacer tiempo esta colección de textos en los que filósofos, escritores, periodistas y profesores de lo audiovisual se interrogan sobre diferentes aspectos de la serie. L. J. M

Agustín Fernández Mallo Foto Archivo

Do It!

Agustín Fernández Mallo

Festín de Nocilla El viaje vertical Enric Montes Autoeditado (1114)

El fotógrafo experimental Enric Montes nos sorprende con una obra autoeditada en la que desarrolla una parte de su trabajo. Paisajes brumosos en los que la presencia de los seres humanos se intuye. Una mirada distinta y enigmática de un mundo que existe fundamentalmente en la mente del artista (www. enricmontes.com). Enrique Gijón

Como una moto: la vida galopante de John Belushi

Bob Woodward Papel de liar (1111)

Más que su obra, lo que admiramos de John Belushi es su figura, su vida desbocada y sus excesos. Todo un premio Pulitzer, el periodista Bob Woodward ofrece un minucioso repaso de la alocada carrera del humorista hasta el bungalow 3 del Chateau Marmont donde murió por sobredosis. Indispensable. Joan Cabot

DVD MÚSICA

Abba

Joe Bonamassa

En 1978 Abba dominaban el mundo, y sólo los japoneses quedaban fuera de su influjo. El especial para la televisión nipona que presenta este DVD cambió eso, convirtiendo a la banda sueca en un fenómeno de masas en el país del sol naciente. Verdadero sueño húmedo para fans, este DVD presenta íntegro ese especial más diversos extras reveladores. Xavi Sánchez Pons

Destacado continuador de la mejor tradición guitarrera con base bluesera y grandilocuencia rockera -esa que iniciaron dioses de las seis cuerdas como Hendrix o Clapton- el neoyorquino Joe Bonamassa sigue en trayectoria ascendente como prueba esta magnífica filmación en el mítico Royal Albert Hall londinense, con el propio Clapton como invitado. Xavier Llop

Gogol Bordello

LT 22 Radio La Colifata

Por fin un documento visual de un directo de los gitanos más punks o los punks más gitanos del planeta. Filmación de una de sus incendiarias actuaciones en su ciudad natal New York en 2007. Bonus con clips, antiguos conciertos, una grabación de su creativo y cómplice trabajo en estudio, además de un CD con temas inéditos.

Arrolladores. Miguel Amorós

Apasionante, emotivo y crudo documental sobre la radio de los internos del Hospital psiquiátrico J.T. Borda de Buenos Aires.

Ellos son los protagonistas, con unos diálogos de tal lucidez que dudas si el cartel de “hospital” no está colgado al revés. Manu Chao pone la música y los invita a compartir escenario en un multitudinario concierto en Buenos Aires. Impactante. M.A.

“Abba In Japan” Universal (11114)

“Live From Axis Mundi” Side One Dummy (11114)

“Live From The Royal Albert Hall” Provogue (1114)

Carlos Larrondo Cameo (1111)

Agustín Fernández Mallo rebaña el tarro de la creatividad.

La tercera entrega del Proyecto Nocilla , que lleva por título “Nocilla Lab” (Alfaguara, 09), mezcla narración, fotos, cómic y documental. Toda una merienda creativa.

A

estas alturas, no hacen falta presentaciones, ni referencias a sus libros. Si te consideras moderno, sabrás quién es este tipo. Viendo el documental que completa el Proyecto Nocilla junto a su último libro recién publicado, “Nocilla Lab”, se podría afirmar que Agustín Fernández Mallo es un Agente de la TIA after pop. “Ja, ja, no, bueno, eso es una broma que me gustó mucho de Eloy Fdez. Porta. Pero sí es cierto que, vistos desde fuera, mis proyectos pueden parecer un ensamblaje de muchas cosas de diferentes naturalezas. Es como en la música, cuando un grupo une rarezas, suele tener ya algo ganado para mí”. Luego seguimos con música. Ahora metamos el dedo en Nocilla Lab (Alfaguara), última entrega de la trilogía Indie por antonomasia, tras los previos “Nocilla Dream” (07) y “Nocilla Experience” (08). El libro mezcla ciencia y ficción, incluso se aproxima al género de la ciencia ficción. ¿Es la más convencional de las tres Nocillas? “Puede parecer que es la más convencional en la forma, pero creo que es la más

experimental. Habla de la mente de un creador y de una aventura, y eso da mucho juego para experimentar. Además, al haber cómic (obra de Pere Joan) y fotografía, en cierto modo sobrepasa la idea de texto literario convencional. Además está la película ‘Proyecto Nocilla’, colgada en mi blog, que envuelve a las tres novelas, con entrevistas a varias personas, entre ellas a Antonio Luque (Sr. Chinarro) o al propio Pere Joan.

Y eso sí que excede ya al proyecto literario, es otra cosa, pero no separada de éste”. Además, Agustín se ha lanzado a los espectáculos de spoken word, incluso hizo sus pinitos con la batería. “Lo que más me hubiera gustado es tocar bien la batería, mucho más que escribir”. ¿Cuál es tu disco del año? “No soy experto en música, pero como simple oyente me están pareciendo muy buenos Nudozurdo. Están haciendo algo muy personal, con mucha actitud, y de paso revisan la música de los últimos treinta años con gran talento”.

■ Luis Argeo

libros

Kanye West presenta “Glow In The Dark” El díscolo Kanye West -su desliz en la pasada gala de los MTV Video Music Awards sigue aun dando que hablar (que se lo digan a la pobre Taylor Swift)-, acaba de editar un jugoso libro que, bajo el nombre “Glow In The Dark”, repasa su última gira. De compra obligada para los fans irredentos de rapero norteamericano, la publicación presenta un lujoso formato y una edición muy cuidada a cargo de BaseDesign (conocido estudio creativo internacional e independiente especializado en diseño gráfico y dirección de arte) bajo el sello de Rizzoli Nueva York. El libro incluye toda clase de material fotográfico de la gira de 2008 de West, unas cuatrocientas imágenes tomadas por Nabil Elderkin en las que también aparecen otros artistas (Rihanna, Bono, Beyoncé y Paul McCartney entre otros, además de un especial dedicado a la fiesta del treinta y un aniversario de Kanye West) y un CD que incluye cuatro canciones inéditas del músico estadounidense y una interesantísima entrevista con el cineasta Spike Jonze, director, productor y colaborador de la gira. Más detalles en www.kanyeuniversecity. com y www.basedesign.com n

(MondoSonoro · Diciembre 2009 /51/ MONDORECOMIENDA)

LA ENTREVISTA Cómics

◗ The Drums “Let’s Go Surfing” (111) Brooklyn sigue siendo un hervidero de nuevas bandas que luchan por hacerse un hueco en el panorama internacional más indie. La nueva sensación de este final de año son The Drums que van a necesitar algo más que correr en este vídeo.

Una vida errante Yoshihiro Tatsumi Astiberri (11114)

Nombre fundamental para entender el manga adulto (o si me apuran, el gekiga, una suerte de realismo sucio japonés hecho viñeta), Yoshihiro Tatsumi sigue en activo a sus setenta y cuatro años de edad.

Gracias a ello hemos podido disfrutar de esta completa autobiografía que no es sólo el transcurrir de una vida, sino una narración de la evolución del mundo del cómic en Japón. Imprescindible, no lo duden.

Joan S. Luna

Camille Jourdy

una nueva sensación Scott Pilgrim

Bryan Lee O’Malley Debolsillo (1114) A “Scott Pilgrim” no caben aplicarle los mismos filtros de calidad que a otros productos indies. El canadiense Bryan Lee O’Malley ha completado un producto típico de Oni Press, claramente enfocado al público adolescente, con un dibujo ágil y funcional con reminiscencias manga y que deliberadamente confunde la temática amorosa, el rock’n’roll y por momentos (surrealistas) el género de superhéroes. En breve versión cinematográfica. L. J. M.

La joven Camille Jourdy acaba de debutar en nuestro país con “Una sensación conocida” (La Cúpula, 09), primera parte de la trilogía “Rosalie Blum”. Una aparente historia cotidiana, de vidas mundanas y secretos de provincias, que esconde algo más.

C

amille Jourdy se confiesa una apasionada del lenguaje “mágico” de la historieta, gracias al cual, y con sólo “unos lápices y un papel se pueden crear todos los universos posibles e imaginables. Se puede inventar un mundo y una nueva historia en la que eres el responsable de todo: el guión, la puesta en escena, los actores, el vestuario, la decoración, la luz…”. “Rosalie Blum” es su segundo trabajo en solitario, pues anteriormente se había dedicado a ilustrar guiones ajenos para tebeos infantiles. “Eran trabajos de encargo con los que disfruté haciéndolos, aunque eran mucho menos personales”.

El protagonista de “Una sensación conocida” es Vincent, un peluquero de una pequeña ciudad, sometido todavía a la presión de su madre. “El

primer libro de ‘Rosalie Blum’ está presentado desde el punto de vista de Vincent, sus impresiones, sus dudas… pero de repente la situación cambia y en el segundo tomo pasamos a verlo todo desde los ojos de Aude.

Una misma situación es interpretada de manera muy diferente por cada uno de ellos”.

Un original planteamiento que Jourdy ya tenía cerrado desde el principio de la obra. Precisamente en mayo se puso a la venta en Francia la última entrega de una saga (“que ha sido recibida con muy buenas críticas”) con la que Jourdy ha entrado por la puerta grande en la categoría de “la otra BD”. “Puede que los temas que abordo, y la manera de hacerlo, sean diferentes a los de las historietas clásicas, pero el principio narrativo es el mismo”. ■ Óscar Gual

Génesis

Robert Crumb La Cúpula (11114) Cuatro largos años y toda su energía le ha llevado a Robert Crumb completar su particular visión del libro del Génesis. Olvídense de la ironía y el espíritu gamberro que el padre del underground ha impreso a la práctica totalidad de su obra. Aquí Crumb se muestra todo lo fiel que ha podido a los escritos bíblicos, lo que por supuesto implica recrear toda una serie de relatos de violencia, incestos y demás barbaridades vistas desde la actual mentalidad occidental. L. J. M.

Hablando del diablo Beto Hernández La Cúpula (1114)

Vuelve Beto Hernández y lo hace más rabioso, paródico y fuera de control que nunca. “Hablando del diablo” arranca con temple, con una historia en que un vouyer condiciona la aparente tranquilidad de una pequeña población en Estados Unidos. Pero un giro hacia la mitad del libro convierte su último trabajo hasta la fecha en una espiral de violencia y sexo nonsense que se aferra a los códigos pulp que tanto le fascinan. L. J. M.

LOS CLIPS DEL MES

cine

Cámara, música y acción

◗ Crystal Fighters “Xtatic Truth” (111) Quienes sigan MondoSonoro ya sabrán que esta banda navarra afincada en Londres son una auténtica debilidad de la redacción y el que nos ocupa es un temazo que no se acompaña de un video a la altura.

◗ Catpeople “In Silence” (11114) Ganador del premio MondoSonoro/Cinemad a Mejor Videoclip del concurso, este nuevo vídeo de Catpeople vuelve a estar dirigido y protagonizado por Adrián PD, vocalista de la banda. Rodado con fuerza, sorprende por su frescura y su excelente factura.

◗ Copiloto “Marta y los escaparates” (1114) Quizás no sea un prodigio de imaginación, pero el nuevo clip del aragonés Copiloto es fresco, encaja a la perfección con la canción a la que acompaña y no convierte su buen humor en una estupidez sino en sencillamente una muestra más de optimismo.

Que el mundo del cine y el de la música han estado ligados desde tiempos inmemoriales es algo que no vamos a descubrir aquí y ahora. Eso sí, que algunos de nuestros músicos andan muy metidos en el mundo del celuloide sí que merece ser reseñado. Adrián PD, vocalista de Catpeople, es un ejemplo.

Comentábamos hace unos meses que, en nuestro país, existen un buen puñado de músicos que comparten su afición con otras no menos creativas. Una de ellas es el cine. Así de primeras podría citarle a dos miembros de Manos de Topo, uno de The Requesters, otro de GAS Drummers y, aprovechando, podemos hablar de Adrián PD, vocalista y cantante de CatPeople, además de responsable de buena parte de sus clips. Su trayectoria se extiende durante varios años y diversos cortometrajes.

Ahora es el guionista (y autor de la banda sonora) de “Pin Up”, dirigido por Tania Verduzco, y en el que Javi Abalo (guitarrista de Catpeople) ejerce de director de fotografía. “Tania y yo estamos acostumbrados a coodirigir, realizamos varios proyectos juntos entre ellos los vídeos de CatPeople. Ella tenía clara la idea del corto, pero prefería no escribirlo para centrarse más en la dirección y en las imágenes. Así que yo me encargué más del guión y de darle forma a las emociones que ella quería transmitir”. Hasta el momento, el cortometraje ha sido seleccionado en eventos como el Festival Internacional de Cine de Morelia (México), Festival Internacional de Jóvenes Realizadores de Granada, Festival de Sitges y Festival Modolist de Kiev (Ucrania). Se trata de una historia sobre sexualidades/sensualidades reprimidas en los años cincuenta. Hablemos ahora de la banda sonora, música instrumental y de corte clásico. ¿Cuál fue la perspectiva a partir de la que darle forma?

“Al inicio del corto suena ‘Parlez Moi d’Amour’ de Lucienne Boyer. De esta forma mostramos la época y el tono del corto. Así que mi música debía ir en un tono similar. Tania pensó que estaría bien algo sencillo utilizando un piano en plan Erik Satie. Mi proceso para crearla fue a través del visionado de las imágenes.

Intenté reflejar las sensaciones que yo sentí al escribirlo y la elegancia de las imágenes que Tania creó”. ■ Joan S. Luna

◗ Dorian “La tormenta de arena” (1114) La productora Crampton y el grupo barcelonés Dorian presentan este proyecto conjunto, una serie de clips que conforman una historia que se extenderá a través de ellos. Una historia de amor, sentimientos verdaderos y un punto fantástico que se resolverá en siguientes capítulos.

◗ Dizzee Rascal “Holiday” (114) Más allá de la curiosidad de que el vídeo se inicia con una conversación en castellano, la valía del clip está en la música producida por Calvin Harris, quien imprime su sello en el subidón disco final. El resto, chicas en bikini y “party” en la piscina. Lo de siempre, vamos. n

mondomedia /52/ Diciembre 2009 · MondoSonoro

CONEXIONES a Varry Brava, The Blue Mondays, Munich, Amatria y Martin Page & The Polaroids. Una nueva oportunidad de descubrir a prometedores y muy futuribles nombres estatales.

◗ Guitarras Gibson, la compañía líder en fabricación y desarrollo de instrumentos y tecnologías musicales a nivel mundial, sigue reiterando su apoyo a los artistas del panorama nacional e internacional y ofrece la posibilidad de disfrutar de veinte fotografías de Juan Pérez-Fajardo (fotógrafo de MondoSonoro entre otras revistas y diarios) en su showroom en Madrid, sin aglomeraciones y rodeado de las mejores guitarras, del 5 de noviembre al 18 de diciembre. La fiesta de inauguración tuvo como padrinos ni más ni menos que a The Right Ons y Los Coronas, que descargaron allí mismo sus canciones. ◗ Se cumple el trigésimo aniversario de la muerte de Sid Vicious. Y por lo que significó y sigue significando su figura en el mundo de la música, Notodovale, la empresa de diseño, quiere rendirle su particular homenaje. Para ello, han preparado un especial Sid Vicious que engloba una camiseta homenaje con su caricatura, la camiseta retro del 77, un año que marcó el mundo de la música, un juego de imanes para la nevera y las tazas de desayuno basadas en canciones y discos del grupo que le hizo famoso, entre otros complementos.

Chinese Christmas Cards Foto Dani Canto

◗ Por otro lado recordar que Levi’s ha celebrado los Unfamous Music Awards, que ha dado como ganador al dúo de Barcelona Chinese Christmas Cards, que practica una suerte de pop electrónico con muchos matices, y como finalistas

◗ Ron Cacique lanza su nueva campaña, Selva, una experiencia digital que usa los últimos avances tecnológicos e interactivos para adentrar al participante en una aventura única a través de los sentidos. Aquel que descubra el secreto del origen de Cacique en www.roncacique.com y llegue al final, podrá ganar “El viaje Runakay” para él y dos acompañantes durante quince días. El plazo para participar termina el 21 de diciembre. ◗¿Qué tienen en común Russian Red y La Roux? A primera vista se podría afirmar que prácticamente nada, pero la nueva web promovida por Vodafone “360 Héroes” (http://heroes.vodafone360.com) tendrá cada semana a un invitado de postín como protagonista de unos videos donde podremos conocer en mayor profundidad a algunos de los artistas más destacados tanto del panorama nacional como internacional. Por el momento podemos pasar un día por Zaragoza con Russian Red o ver cómo se las gasta La Roux por la capital británica horas antes de subirse al escenario rodeada de diseños imposibles. En las próximas semanas Santigold, Faris Badwan, Simian Mobile Disco y el propio Nacho Vigalondo de la mano de los enfant terribles del humor bizarro patrio, los Venga Monjas, entre otros, se unirán a este proyecto multidisciplinar donde descubriremos las facetas más desconocidas de las mentes pensantes más en boca del momento.

Habrá que estar atentos a lo que la web nos deparará… ◗ Como cada año, Levi’s lanza una campaña con motivo del día Internacional del SIDA (el 1 de diciembre). Este 2009 tiene como temática la expresión de artistas en cuanto a lo que este día significa para ellos. Bajo el título “I Am” la campaña lanza un mensaje positivo para todas las personas afectadas por el VIH/SIDA. Los artistas Mysterious Al, PinkyVision, Ihok y Matt Sewell han donado algunas de sus obras para ayudar a difundir información sobre la existencia del Día Internacional del SIDA. ◗ “Jóvenes listos para triunfar” el nombre de un artículo publicado en el magazine del diario La Vanguardia y en el que Anni B. Sweet posa de la mano del delantero centro barcelonista Bojan Krkic. El contenido te lo puedes imaginar, y el reportaje fotográfico es de nota, con la cantante malagueña mostrando sus aptitudes con el balón ante la mirada atónita de Bojan. ◗ Juega gratis al póquer y gana entradas para los mejores espectáculos de Europa con Poker2Events. El nuevo portal de apuestas que inicia hoy su actividad permitirá jugar y ganar entradas para el Mundial de Fútbol, la Fórmula 1 o los próximos grandes conciertos . ◗ Por si no te has enterado, en estas fechas Jack Daniels está haciendo unas fiestas especiales por toda España, con sorpresas, pinchadiscos y algunas copas de parte de la clásica marca de bourbon, que desde hace ya un tiempo está apoyando fuertemente la música en directo en nuestro

país. Mantente atento a la web, porque la única manera de acudir es entrando en www.jackdanielsmusic.es. En Barcelona, actuaron The Noises, procedentes de Getafe, junto a los prometedores Crystal Fighters, grupo navarro afincado en Londres que ha debutado discograficamente de la mano de Kitsuné. ◗ Sony Music ha creado, en colaboración con Umbro, una versión futbolera del videojuego Guitar Hero para promocionar el nuevo single de Kasabian. Se eligió a cinco chavales que tenían que lanzar balonazos contra las casillas del color que tenían asignadas para así ir haciendo sonar la canción de Kasabian. ¡Todo un reto! ◗ Nos acaba de llegar el nuevo volumen de Singstar para PS3, en este caso dedicado por completo al grupo español Mecano. El juego incluye un total de treinta canciones de la banda de los hermanos Cano, desde “Aire” hasta “Ya viene el sol”, pasando por “Cruz de navajas”, “Maquillaje”, “No hay marcha en Nueva York” o “Mujer contra mujer”. ■

MONDOWEB

/54/ Diciembre 2009 · MondoSonoro

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Héroes por un día

Primer Reich (Luis Menéndez) Un lujo asistir ayer al primer concierto en más de veinte años de Steve Reich en Madrid. El neoyorquino subió al escenario para interpretar “Clapping Music” y “Music for Pieces of Wood” junto a miembros del Bang On A Can, y el resto del tiempo se le pudo ver -siempre parapetado tras una gorra de béisbol- mezclado entre el público, junto al técnico de sonido, observando las evoluciones de un ensemble que también se enfrentó a “New York Counterpoint”, “Piano Phase/Video Phase”, “Electric Counterpoint” y “Sextet”. No quiero ponerme pedante ni pesado, mis conocimientos de teoría musical con casi nulos y no estoy capacitado para enfrentarme a una crítica técnica sobre lo que vimos y (sobre todo) escuchamos ayer. Pero el concierto sí que dio para una reflexión que encaja perfectamente en esta revista, y es lo bien asumida que está la influencia de Steve Reich en la música popular contemporánea. Ayer escuchando “Sextet” podíamos pensar que nos habíamos colado en un concierto de Tortoise.

O resultó curioso cómo en “Electric Counterpoint” (1987) el guitarrista Mark Stewart construía el tema a base de superponer capas con un pedal de loop, la base del directo de Matt Elliott, Colleen o Dominique

Un, dos, tres, al escondite inglés

Los mejores inicios de películas que recuerdo ahora mismo...

(Xavi Sánchez Pons)

◗ “El fantasma del paraíso” de Brian De Palma Para mí es, de largo, la mejor peli de Palma y uno de los musicales raros más grandes jamás paridos. El inicio de la peli es simplemente antológico, con esa banda inventada para la ocasión que son los The Juicy Fruits, un grupo que parodia a la perfección los grupos vocales de rock de los cincuenta… ◗ “Sed de mal” de Orson Welles Otra de mis películas favoritas que nunca me canso de ver. El plano secuencia del inicio es una clase magistral de lo que debe ser el cine, y durante mucho tiempo fue el plano secuencia/travelling más largo filmado nunca en Hollywood…La banda sonora de Henry Mancini para esta escena es de traca. ◗ “Mister Lonely” de Harmony Korine Si bien esta peli de Korine me encanta, no es uno de sus mejores trabajos. Eso sí, la escena inicial con Diego Luna en la moto de miniatura como trasunto de Michael Jackson con la canción de Bobby Vinton de fondo es memorable. Aunque suene cursi, pura emoción y poesía en movimiento y una de las presentaciones de personaje más grandes del cine reciente… ◗ “Malditos Bastardos” de Quentin Tarantino Los que ya leísteis mi actualización sobre la última película de Tarantino ya sabéis lo mucho que me gusta la escena inicial de “Malditos Bastardos”, una maravilla de principio a fin protagonizada por un Christoph Waltz como Hans Landa estelar. Sin duda alguna, esta larga secuencia recoge uno de los mejores diálogos escritos y filmados jamás por el amigo Quentin. ◗ “El amanecer de los muertos” de Zack Snyder Los primeros diez minutos del excelente remake a cargo de Zack Snyder del clásico de Romero son simplemente brillantes. Cine de terror en estado puro

Desde las barricadas con un Martini seco

Pies negros sí, gilipollas no (Don Disturbios) Los lectores habituales de la revista saben que un servidor junto a Miguel Amorós somos los máximos defensores de los grupos llamados mestizos. Pues bien, cansado ya de tener que defender a este tipo de grupos me gustaría empezar con una obviedad. En el estilo, como en cualquier otro, hay grupos nefastos, malos, regulares, normales, buenos y otros (pocos) que son la puta ostia. Y no deja de sorprenderme que desde instancias más indies se califique de forma despectiva a estos grupos con la etiqueta de pies negros. Pues bien, no sé la frecuencia con la que se lavan los pies ni me importa, pero lo que sí sé es que, a diferencia de muchos grupos de flequillo ombligista, no se conforman con ese amauterismo cool mal entendido y luchan poniendo todos los medios para llegar a algo. Un fín. Una meta. Por lo pronto son grupos que tocan tres veces más, en salas tres veces más llenas que la mayoría de grupos de pop. Y es que la gente que mueven se la han tenido que currar al igual que hace años se lo curraron los grupos de rock radikal o rock urbano. Y lo han hecho porque han sabido crear a su alrededor una escena compuesta de managers, agencias de promoción, discográficas y salas que funciona y sobre todo que trabaja. Vaya, que el mito del gandul que se pasa el día en la plaza tocando la flauta, es precisamente eso un puto mito. Son grupos que tienen claro y saben cómo funciona el negocio, cuando las discográficas más indies, no sólo no saben lo que es una campaña de promo o publi, sino que encima te exigen de malas maneras cuál tiene que ser el contenido de la revista. ¡De locos vamos!.

EL 77% DE LOS LECTORES DE MONDOSONORO NUNCA DIRÍAN QUE ESTE SUJETO ES UNO DE LOS RESPONSABLES DE LA EDICIÓN DE MADRID

Uno entre un millón

Amérika Is Different (Joan S. Luna) Pese a que lo que se entiende como política me interesa más bien poco, suelo identificarme con todos esos tipos raros que han puesto en funcionamiento ideologías psicotrónicas o sencillamente contra la maquinaria habitual y seria de estel mundo. “Do It!”, un libro editado en nuestro país por la recién nacida editorial Blackie Books, me ha hecho descubrir a uno de mis nuevos héroes. Corrían los años de Vietnam, los Panteras Negras, los hippies y de las revoluciones, del enfrentamiento social y político, de la lucha entre padres e hijos. Y Rubin fue un maestro de la provocación. Odiado por la derecha estadounidense tanto como por la izquierda, radical en sus posiciones y al mismo tiempo tan flexible como le apetecía, defendió teorías sólidas y teorías psicotrónicas con igual empeño. Por eso le admiro, porque nadie como él definía a una clase media treintañera, universitaria y harta de todo y con la sana teoría de tomarse todo lo serio en broma, tomarse todas las bromas en serio...■

CONCURSOS WEB LA PREGUNTA DEL MES:

Packs de

Blackie Books formados por

¿De qué grupo es la canción que da nombre a la sala Razzmtazz?

los libros “Do it!

Escenarios de la revolución” de Jerry Rubin y “Cosas que los nietos deberían saber” de Mark Oliver Everett

cajas de coleccionista de

Porcupine Tree entrevistas

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Sorteamos

Packs aniversario del Razzmatazz que incluyen un CD, una camiseta y un abono para asistir a diez conciertos, entre ellos los de Editors, Delorean, Crystal Fighters, Vitalic, Chinese Christmas Cards, Dorian, Dokser... Y dos camisetas exclusiva firmadas por The Horrors y Editors

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