Mondo Sonoro diciembre 2023 by MONDO SONORO

Nº 323 Diciembre 2023 www.mondosonoro.com

Lo Mejor del Año Boygenius

Mejor disco de 2023 Internacional

ejemplar gratuito ADIÓS AMORES · THE KILLS · ANGELUS APATRIDA · EL BUEN HIJO · VEINTIUNO · GRANDE AMORE · LOS JAVIS · JUAN ANTONIO BAYONA

SHIRLEY COLLINS ARCHANGEL HILL

THE KILLS GOD GAMES

GEORGIA EUPHORIC

JAMES YORKSTON, NINA PERSSON & THE SECOND HAND ORCHESTRA THE GREAT WHITE SEA EAGLE

TIRZAH TRIP9LOVE...??

PROTOMARTYR FORMAL GROWTH IN THE DESERT

JOHN CALE MERCY

CAT POWER CAT POWER SINGS DYLAN: THE 1966 ROYAL ALBERT HALL CONCERT ANIMAL COLLECTIVE ISN’T IT NOW?

STEVE MASON BROTHERS & SISTERS

BONNIE PRINCE BILLY KEEPING SECRETS WILL DESTROY YOU

LA PRIEST FASE LUNA

KING CREOSOTE I DES

JAAKKO EINO KALEVI CHAOS MAGIC

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RazzmatazzClubsBIGWeek Del 13 al 16 de diciembre

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FOTO: SOFJIA PECKAITE

5/Mondo freako

Adiós amores D Caras nuevas

Aunque es cierto que existe una compilación de todos su singles previos, “El Camino” (Ground Control/Sonido Muchacho, 23) es en realidad el primer álbum de Adiós Amores. Así lo ven ellas y así lo estimamos nosotros. Porque un disco debe tener una intencionalidad y unidad de criterio que lo defina. Y en este hay mucha tela que cortar. Y la cortamos. ESDE EL PASADO 19 de octubre “El Camino” ya no es tan solo el disco más reconocido de los estadounidenses The Black Keys. Ahora es también el debut en largo de otro dúo que fija su mirilla sonora en los sesenta. La diferencia es que Dan Auerbach y su compinche Patrick Carney lo hacen en el blues-rock de la época, mientras que Iman Amar y Ana Valladares, nuestras protagonistas, lo hacen en la psicodelia-pop y el ye-yé español y francés de la misma década. Y hasta aquí el juego de las similitudes. Aunque, si nos ponemos a hilar fino, podríamos añadir que en algún momento ambas formaciones se dejan llevar por los sonidos fronterizos y por cierto imaginario de película del oeste, tal y como demuestra la canción que da nombre al disco de las andaluzas. Y si aún estiramos un poco más el chicle de los paralelismos, se podría afirmar que ambos trabajos, pese a tener una sonoridad muy marcada, resultan ser

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bastante diversos en la concepción de los temas. Eso, y que los dos tienen canciones de esas que se quedan fijas en el recuerdo melódico de nuestro cerebro. Pero mejor rebobinemos la cinta hasta el principio porque el camino ha sido largo. EN EL ESCAPARATE MEDIÁTICO Adiós Amores son un dúo de mujeres, Ana e Iman, que en realidad se sabe trío de puertas para dentro. No en vano Guille Briales, el tercero en discordia, es el responsable de dotar a las canciones de esos arreglos orquestales herederos de Augusto Algueró en lo hispano y de Arthur Lee de Love en lo californiano. Todo para conformar una luminosidad pop que se completa con el trabajo de Raúl Pérez desde su cuartel general en los estudios de grabación La Mina de Sevilla. (Ana) “Pues conocemos a Raúl un poco de casualidad, porque teníamos la demo de ‘Charlotte’, nuestra primera canción, y fue ¿dónde vamos? Pues a La Mina que muchos amigos han grabado allí. Y lo

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MONDO FREAKO

cierto es que fue todo un flechazo. Recuerdo que yo iba súper nerviosa porque nunca había grabado en un estudio y fue escuchar las indicaciones que me daba Raúl de forma tan tranquila que resultó una especie de guía”. (Iman) “Además tiene muy buen gusto. Pero, sobre todo, es su forma de trabajar y de comunicarse que hace como que te enchufes a la corriente y a la vez te sientas relajada para hacer lo que quieres hacer”. Sin embargo, antes de llegar a esa primera demo, hubo una serie de acontecimientos que dieron lugar a que Iman y Ana se animaran a montar un grupo. Uno de ellos, bastante crucial, fue la relación de amistad de ambas con Sacha Got de la banda francesa La Femme. Tanto es así que incluso el guitarrista estuvo alojado durante unos días en casa de ambas cuando compartían piso en Granada. (Ana) “También fue por casualidad. Un amigo nos presentó a Sacha, porque creo que sabía que nos íbamos a llevar muy bien, y se creó una conexión muy guay. Luego él siguió volviendo a Andalucía, porque le gustaba mucho, e íbamos quedando cada vez más y eso fue durante la época en la que nosotras empezamos a hacer musica y, evidentemente, nos influenciaron y nos animaron también muchísimo”. (Iman) “Sacha es una persona muy sociable y, además, coincidió con el momento en el que ellos estaban grabando unos de sus discos y nosotros estábamos empezando. Y, claro, tener cerca a gente a la que admirábamos ya de antes y que teníamos como referentes, y que ellos nos animaran a hacer música, pues ha sido para nosotras muy importante desde el principio”. Tanto es así, que ambas participan con sus voces en varios de los temas de “Teatro Lúcido”, el último trabajo de la banda de Biarritz, fuertemente influenciado por la Semana Santa andaluza y que contienen un buen número de temas en castellano. Una relación que, en el caso del disco de Adiós Amores, queda sobre todo reflejada en un tema como “Soleada”. Aunque llegados a este punto, es el momento de adentrase en “El Camino”. SI ANALIZAMOS EL ÁLBUM pieza a pieza, lo primero que cabe destacar es que, pese a la cohesión que ofrece su sonido y la producción, el disco resulta de lo más variado y eso juega a favor del álbum. Eso y que no hayan descubierto todos sus ases #6 diciembre 2023

con la edición de singles previos, y se hayan guardado en la manga canciones tan o más buenas que las mostradas de antemano. Temas como “Ave Rapaz”, la propia “El Camino” o ese magnífico broche que significa “Canción de despedida”. ¿Ha sido algo intencionado? (Iman) “Pues sí que lo hemos pensado y por ejemplo ‘Canción de despedida’ es un tema que ahora me alegro muchísimo de no haber sacado como single previo. Y eso que en su día hubo la tentación de hacerlo para que tuviera más visibilidad. Pero, bueno, quién llegue ahora a la canción pues que llegue. Que también es muy bonito llegar al final de un álbum y encontrar un tema como este que te puede gustar mucho, ¿no?”. La canción, por cierto, resulta ser una especie de fusión entre un tema de Jeanette con otro de La Casa Azul. (Iman) “¡Totalmente! Pero creo que queda bien esa unión como de dos canciones en una”. Y es que si algo denotan Iman y Ana durante la entrevista, además de un encantador entusiasmo por tener el álbum por fin editado, es un apasionado amor por la música y un carácter inquieto que las ha llevado a citar referencias tan poco comunes como las de la francesa Fleur, el japonés Shintaro Sakamoto, la malograda Margo Guryan y el español from. Todo un indicador de que huyen de cualquier tipo de encasillamiento facilón como el de Brian Wilson o Las Grecas. (Iman) “Es verdad. No nos gusta que nos encasillen. Pero eso

“ “Ahora lo que nos toca es disfrutarlo”

es porque la música que hacemos representa solo una parte de nosotras mismas y el hecho de que te encasillen supone que tú misma estás limitada y eso no es así, porque tenemos muchos referentes y escuchamos muchísima música tanto de otros tiempos como actual. Y que te encasillen en sí no es un problema para nosotras, pero lo que pasa es que no coincide con la realidad. Nosotras estamos haciendo esto porque ahora mismo es lo que no sale, pero nadie dice que dentro de unos días de repente hagamos otra cosa que no tenga nada que ver. Y eso ha pasado por ejemplo con un tema como ‘Humo negro’, ¿no? Que si alguien nos había encasillado como ye-yé y escucha un tema como ese, no ves la deriva ye-yé por ningún lado”. (Ana) “Escuchamos mu-

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LA MÍA Nuestro único credo

FOTO: SOFJIA PECKAITE

cha música diferente e igual más adelante nos da por hacer otro estilo porque realmente estamos influenciadas por muchos tipos de música”. AHORA TAN SOLO QUEDA el reto más complicado que es llevar un disco tan rico en detalles al directo. Hasta la fecha, ambas se habían mostrado al público como dúo, sin el respaldo de nadie. Pero las cosas evolucionan a mejor, y están armando una banda desde Bilbao que contará con Guille Briales a los teclados más un bajo y un batería. De ahí al siguiente paso nadie lo sabe, aunque ellas prefieran tomárselo con calma sobre todo cuando les hablo de profesionalizarse en el futuro. (Ana) “Nosotras es que realmente siempre hemos visto la música como un acompañante… Por eso te digo que hay que ir viendo como va todo y valorarlo bien. Además eso es algo que la gente que trabaja con nosotros también sabe, así que directamente no nos van a cargar con toda esa responsabilidad. Simplemente queremos seguir nuestro camino y ver a dónde nos va llevando la vida”. —don disturbios

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A ESTÁN AQUÍ! ¿Qué seria de la recta final del año sin el tradicional encendido de las luces de Navidad y las inevitables listas con lo mejor del año? Sin lo primero nuestras calles lucirían tristes e invernales y, sin lo segundo, desaparecerían las acaloradas discusiones en las que uno calificará a “Oppenheimer” de tostón insufrible, mientras otro defenderá a capa y espada el talento de Olivia Rodrigo. Opiniones múltiples expresadas con pasión e incluso refrendadas con el clásico “no tienes ni idea”. ¡Qué maravilla! Y es que el día que la defensa de nuestros gustos, de aquellas propuestas con las que hemos conectado y nos hacen diferentes al resto, no se haga de forma apasionada y vehemente, habremos perdido parte de la ‘joie de vivre’ que le da sentido a eso de levantarse cada día por la mañana para enfrentarse a otra dura jornada laboral. A nadie se le escapa que las artes, y en especial la música, enriquecen nuestras vidas, reconfortan nuestro espíritu y nos conectan con nuestras almas gemelas. Solo hay que experimentar la comunión de satisfacción que se vive tras un gran concierto para darse cuenta de ello. Y es que el enorme poder evocador de la música es tan importante en las vidas de los que escribimos en Mondo Sonoro, que no podemos comprender a esas personas que no comparten esa emoción. ¿Imaginas un mundo sin música? ¿Un despertar en el que no pudieras ponerte esa canción que te pone las pilas, te hace más llevadera la resaca o hace desaparecer las telarañas del sueño? ¿Una noche en la que salir a bailar estuviera prohibido?. Nadie debería vivir en un mundo así. Y, sin embargo, por desgracia existe y viene impuesto por un dogma. ¡Qué pena! Por eso nuestro único credo lo conforman apóstoles del hedonismo como Romy y ese “Enjoy Your Life” que tanto nos identifica. O esos Jungle que con “Back On 74” te transportan a la pista de baile con solo cerrar los ojos. Eso por no hablar de músicos sanadores que usan sus buenas artes para cerrar heridas con la belleza de sus notas. Galenos del alma como Sufjan Stevens, Anohni o Feist, por citar solo tres ejemplos de nuestra lista, a quienes estaremos agradecidos eternamente por hacer de nuestro día a día un lugar mejor, más habitable. Pues bien, esa es la mejor lectura que pueden darle a estas listas que hemos elaborado con lo mejor de este 2023 que finaliza. Cincuenta mandamientos del disfrute y el descubrimiento con el que deseamos convertir adeptos a nuestra causa. Y es que si la fe mueve montañas, la música derrite al más gélido, alegra al más triste, enamora al solitario y reconforta al más desesperado. Así que sube el volumen de tu reproductor y sumérgete en la emoción que precise tu alma. ¡No será por falta de discos! —don disturbios

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MONDO FREAKO

“Con este disco hemos conseguido un sonido todavía más pesado y oscuro”

”

instrumentos tradicionales no impide que estén abiertos “a cualquier cosa que suene bien. El núcleo de la banda son los instrumentos tradicionales porque eso es lo que comenzamos haciendo, pero creo que podemos darle un empujón a eso usando instrumentos eléctricos, al final todos sirven para hacer música”.

Lankum Seguir un instinto FOTO: SORCHA FRANCES RYDER

Han pasado casi diez años desde el debut de Lankum, “Cold Old Fire”, claro que en ese momento se llamaban Lynched y todavía ni habían firmado por Rough Trade, ni se habían convertido en la banda de folk irlandés de la que más se habla en los medios dedicados al pop y al rock gracias a “False Lankum” (Rough Trade/Popstock!, 23).

L CASO ES QUE EL CUARTETO formado por los hermanos Lynch, Ian y Daragh, Cormac MacDiarmada y Radie Peat se fundó originalmente tocando en sesiones tradicionales en bares de Dublín. Ahora han cimentado su posición como la principal fuerza creativa en la música irlandesa, tanto en círculos #8 diciembre 2023

tradicionales como populares. Me reúno, a través de Zoom, con dos de sus miembros, Ian Lynch y MacDiarmada, para hablar de “False Lankum”, su cuarto trabajo, una obra todavía más intensa y espectacular, probablemente el pico creativo de la banda hasta la fecha. Un disco oscuro pero también devastadoramente bello en el que llama la atención ese contraste sobre el que Lynch me dice que “fue una decisión muy consciente por nuestra parte”. SEGÚN SUS PALABRAS “estamos muy interesados en encontrar un sonido más pesado y grande, pero solo usando instrumentos tradicionales”. Aunque ese sonido “también hay un equilibrio, una búsqueda de crear sonidos que sean más ligeros, más brillantes y bonitos, y crear un contraste entre ambas partes. No revolcarse en la oscuridad porque sí, sino mezclarla con otros sonidos para poder contar la historia de este disco”. Eso sí, su preferencia por

CUANDO LES COMENTO que su aproximación al folk me recuerda a lo que me decía una profesora de literatura sobre los cuentos infantiles y cómo las versiones originales de estos eran verdaderamente terroríficas pero se han ido dulcificando, ambos se muestran de acuerdo con la comparación y me dicen que “son muy similares a las cosas que se cuentan en la tradición folk, que también son historias que se van pasando generación a generación, y es verdad que según se van haciendo, no sé cómo decirlo, más profesionales, cuando se quiere alcanzar audiencias mucho mayores, entonces se toman decisiones que van en contra de la verdadera naturaleza de esas historias o canciones […] pero desde luego a nosotros nos motiva ir al fondo de la versión original. Eso siempre es más gratificante”. También se muestran orgullosos del instinto de la banda a la hora de tocar y arreglar las canciones, un instinto que les ha llevado casi por casualidad a entregar un disco con un tema marítimo en muchas de sus canciones sin que lo buscaran a propósito. “En nuestro caso siempre ocurre de manera accidental. Nunca nos damos cuenta de que está ahí, hasta después de que pase. No nos dimos cuenta de que ‘False Lankum’ tenía un tema marítimo, que sale en la mayoría de las canciones, hasta después de que estuviera hecho”. Aun así es difícil etiquetar a una banda que enamoró al mítico Geoff Travis de Rough Trade hasta conseguir ficharles. Un grupo con un sonido propio en el que la clave puede ser esta: “Supongo que hay mucho que decir a favor de seguir el proceso y el instinto”. El suyo, por ahora, parece no tener fallo. —sergio ariza

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SI EL 2023 FUE UN AÑO ÉPICO, PREPÁRATE PARA EL 2024

TODA LA AGENDA Y MÁS CONTENIDO

MONDO FREAKO “Falta mucha unión en el punk”

Johnny Garso Hasta morir Tras una primera carta de presentación con “REDTIMELINE” (20), el cantante Johnny Garso renueva sus votos con “Espada y rosa hasta que muera” (Step Records, 23), su segundo disco en solitario tras la extinta banda Alien Roots.

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JUAN, FRANCO, MONCHU Y YO hemos hecho mucha piña y he vuelto a recuperar el espíritu de banda al cien por cien”, confiesa el músico aragonés tras un periplo de altibajos artísticos. “Son muy buenos chavales, y mi máxima con ellos es la de hacerles sentir partícipes al máximo de todo lo que rodea a este nuevo trabajo”. Se refiere a “Espada y rosa hasta que muera”, un disco que viene precipitado por una marabunta de cambios, entre ellos, el del idioma. “Desde siempre me había salido natural cantar en inglés. Sin embargo, llegó un momento en el que sentí que quería hacer cosas nuevas. No te niego que no me diera cierto vértigo realizar el cambio al principio, porque me daba la sensación de que así se perdería ese yanquismo tan propio que habían tenido siempre mis canciones. Pero me he dado cuenta de que gracias a todos estos años haciendo este tipo de música, ahora puedo cantar en castellano sin perder ese toque americanizado y he logrado llevar a mi idioma esa apertura característica en las sílabas”. Algo que, desde luego, su público ha terminado agradeciendo mucho. “Cuando incluí canciones en castellano por primera vez en uno de mis conciertos, simplemente aluciné. Mogollón de peña, de repente, cantando mis canciones. Fue como una revelación. Siempre había querido tener esa clase de energía en mis directos. El español es muy poético. Me da unas posibilidades y una riqueza lingüística que no me la da el inglés, eso es así”.

EN CONCIERTO l Zaragoza 01 diciembre. Las Armas l León 15 diciembre. Gran Café León l Fuenlabrada 20 enero. El Grito l Valencia 09 febrero. La 3 l Barcelona 24 febrero. Sidecar l Murcia 15 marzo. Musik l Sevilla 16 marzo. Fun Club

AUNQUE AQUÍ NO ACABA LA COSA, pues el trabajo en la producción de Noel Campillo de NoWayOut le ha permitido poner a prueba también los límites y los cánones del punk. “A Noel le gusta tener el oído abierto a nuevos sonidos, como a mí, y eso nos ha permitido modernear y estar receptivos a los sonidos de ahora. Que nos perdonen los puretas, pero creo que hemos hecho un tratamiento muy respetuoso del sonido punk, encontrando el equilibrio ideal entre el ayer y el ahora. Aunque ya te digo que en adelante me gustaría ser incluso menos respetuoso”, amenaza el cantante, con respecto a su posible nuevo material. “Soy

clasistas que no se juntan con otras simplemente porque ellas hacen un tipo de rock muy determinado. Echo a de menos esa unidad, como la que sí había en el pasado, o la que ahora se aprecia en otros colectivos. En el punk veo que cada banda va por libre y remando con su barca. Tanto, que al final esto parece una carrera de regatas”. —fran gonzález

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partidario de que se cree una escena nueva. Con influencias pasadas, pero desde cero. Y con esa premisa en mente, a saber por dónde nos llevará esto”, continúa. “Quizás en el futuro lo que me apetezca hacer sea punk-rock únicamente con elementos electrónicos”. ANTE LA POSIBILIDAD de levantar ampollas con esto entre el público más conservador, Johnny tiene claro que “por desgracia, falta mucha unión en el punk. Siguen habiendo bandas con ciertos dejes

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diciembre 2023 #11

ENTREVISTA Cocinado a fuego lento, The Kills estrenan nuevo disco, “God Kills” (Domino/Music As Usual, 23). Una experimentación por parte de la banda formada por Alison Mosshart y Jamie Hince que los ha llevado a un nuevo grado de madurez musical en la cual la guitarra, todavía protagonista del álbum, no es el único personaje.

— texto Karen Montero — foto Myles Hendrik

OR PRIMERA VEZ, la banda con base en Estados Unidos prueba los sintetizadores en canciones como “My Girls My Girls” o “Going To Heaven”. Es una nueva era de The Kills en la que, sin embargo, no abandonan el rock consolidado que llevan hirviendo desde hace años. Jugar a la idea de Dios cuando el proceso de creación avanza es lo que les motivó principalmente para titularlo así y escenificarlo visualmente en la portada. Con algunos directos post pandemia por Estados Unidos –uno de ellos, abriendo para Jack White el año pasado– la cantante estadounidense y el guitarrista británico están listos para presentar su nuevo trabajo sobre el escenario. Y lo celebrarán por doble: 2023 no es solo el año en el que sacan su sexto disco, sino también el de su vigésimo aniversario como banda. Hablamos con Jamie Hince y nos cuenta sobre el proceso de creación y las dificultades que se han encontrado tras la pandemia. — Aunque podemos encontrar la figura

de Dios en todas partes, especialmente en el arte, te defines ateo. ¿Cuál es el motivo por el cual decidisteis titular el disco “God Games”? Estaba fascinado con el concepto de por qué soy ateo en mi vida real y por qué juego con la imagen de Dios en mi vida creativa. Escribí la canción “God Games” y me gustó la manera en que transmitía las sensaciones en el confinamiento, donde tuvimos un sentimiento compartido de miseria y desesperanza. Incluso como ateo, pensé que tenía que haber algo ahí afuera que estaba con nosotros y que estaba haciendo que esto pasase. Ya no recuerdo cómo vino el nombre de “God Games”. Estaba preocupado de haberlo robado de algún lugar. Me sonó a subgénero de videojuegos, donde se crea un metaverso y juegas a ser un poco como Dios. Eso es lo que hago con mis canciones: crear un nuevo universo e inventar #12 diciembre 2023

un dios para explorar cosas como la muerte, el sufrimiento y la moralidad. Por ello también el símbolo de la portada: ¿eres el toro o eres el torero? Que quede claro que estoy en contra de las corridas de toros. — El álbum se cocinó en tiempos de pan-

demia. ¿Cómo afectó al álbum? Acabamos el tour a finales del 2019. A principios del 2020 tuvimos unas sesiones de escucha: ese era el germen de un nuevo disco. El disco todavía no tenía toda la ambición que necesitaba y mientras lo escuchábamos lo notábamos. En la semana de Navidad escribimos tres canciones, entre ellas “Bullet Sound”. De esas tres, elegimos aquella y vimos que era la semilla del nuevo álbum. Empezamos el álbum y luego la pandemia llegó. Fue difícil de digerir al principio, pero luego vimos que tras haber encontrado “Bullet Sound” no había un deadline. La gente estaba teniendo la misma experiencia y la vida paró, así que podíamos hacer sonar el disco de la manera más increíble. Empezamos a experimentar y a tratar de conseguir el sonido al que queríamos llegar como banda. — En esta experimentación, ¿qué es lo

que probasteis? Ya no puedo experimentar mucho con la guitarra porque me siento súper familiarizado con ella. En ese momento no me sentía muy inspirado porque sentía que tocaba sin pensar. Así que empecé un proyecto paralelo llamado LA Hex. Con ello pude hacer el tipo de música que me daba la gana, como una canción dance de siete minutos. No me preocupaba por si no sonaba como The Kills. De ahí surgió “My Girls My Girls”, que sonaba como The Kills, y queríamos que esa fuese la dirección. Creo que eso es lo que quiero decir con experimentar: no es un disco experimental, pero empezar sin una guitarra es algo muy experimental para nosotros. — Leyendo los titulares de vuestra vuelta,

muchos medios apuntan que volvéis des-

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he Kills Dios juega a los dados

“

“Empezar una canción sin una guitarra nos parecía algo muy experimental” pués de siete años, pero realmente no es así porque queríais volver antes. Simplemente la pandemia se interpuso. Qué irónico, justo tuve una discusión sobre esto con nuestro publicista. Le dije que no pusiera eso en la nota de prensa. No hace falta que le recuerdes a todo el mundo que hace siete años que no sacamos nada porque así va a ser como van a empezar todas las entrevistas. Pero sí, la espera se está haciendo larga. — ¿Cómo sentisteis la vuelta a los escena-

rios tras el COVID? Fue increíble. Abrimos un concierto de Jack White en San Francisco el año pasado. Había olvidado cómo tocar en vivo. Fue una sensación muy rara. Necesitas más de cuatro shows para calentar. Pero la reacción fue estupenda y muy inspiradora. — ¿Cómo estáis preparando los directos

para el nuevo álbum? Todavía estamos muy al inicio de la preparación, pero vamos a hacerlo en dos partes, como Alison y yo siempre hacemos. Como siempre digo, no quiero que mis directos sean como si estuvieras viendo Youtube y sonar igual que en el disco. Quiero una experiencia distinta. Tocar en vivo es para nosotros la parte más importante. Tenemos el disco preparado desde hace un año, pero todo toma mucho más tiempo y dinero en este mundo pospandémico. — Tu confinamiento estuvo lleno de otros

proyectos artísticos. ¿Cómo lo pasaste y cuáles fueron? Me encantó. Cuando conducía por Los Ángeles, no había nadie en la calle. Siento como si hubiese pasado dos años con un episodio maníaco de creación. Simplemente compraba muchas máquinas, hacía ropa, aprendía poesía… Me gustó mucho el confinamiento por esta locura creativa. Vivía como un gato: dormía cuando estaba cansado, no me iba a la cama por la noche. —k. m.

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diciembre 2023 #13

El Buen Hijo ya no son tan niños y su recién estrenado segundo disco, “Viene y va” (Sonido Muchacho, 23), lo deja bien claro. Con una gira por toda España a punto de zarpar y una aparición en la serie del momento, a la banda le esperan meses ajetreados. —texto Mara Gómez

— foto Joaco Carbajales

S DOMINGO por la mañana y, entre algún bostezo y risas varias –¡los buenos hijos resisten a cualquier resaca!–, Marco (voz y guitarra) y Cham (batería) me hacen un hueco para charlar sobre su nuevo trabajo. Con confianza plena ante este nuevo despegue, para el quinteto asentado en Madrid, todo está “más cerrado, más asentado”. “Yo me siento muy tranquilo, la verdad, más seguro. Con ganas, ya no tanto de ‘a ver qué opina la gente’, ¡sino que de que la gente lo escuche ya!”. Y es que si algo se percibe en este nuevo álbum es una filosofía sin “rayadas innecesarias” y una seguridad que demuestra una verdadera evolución. ¿Cómo definirlo en una frase? “Resignación serena: saber que nada es para siempre y que todo cambia; las cosas buenas se van y las cosas malas también”. “VIENE Y VA” es un disco que, efectivamente, se balancea entre emociones –al igual que esa rana de la portada, columpiándose mirando al abismo–, pero también entre velocidades. Ejemplo de ello son las revoluciones al máximo de “Contigo o con nadie”, que contrastan con “Con seguridad”, uno de esos temas en los que la banda ha echado el freno. “Nunca pensamos cómo salen las canciones. La demo fue muy larga también; intentamos quitarle partes, pero entonces no funcionaba: de repente la canción no nos gustaba”. De hecho, es con diferencia la canción más larga del grupo. ¡Más de cinco minutos! ¿Es esto un reflejo de madurez de El Buen Hijo? Letras como las de “En un lago”, primer adelanto del nuevo álbum, dejan claro que ya no viven en el drama adolescente romántico de “Una estudiante de biología” (“Los cinco temitas de El Buen Hijo”, 17) ni de los protagonistas de “Dame un beso” (“PAN, PAN, #14 diciembre 2023

CRITICANDO Viene y va Sonido Muchacho

7 POP / “VIENE Y VA” es el segun-

do álbum de El Buen Hijo y, aunque ha llegado en octubre, han plasmado el regustillo a salitre y paseos de verano con precisión. Si no que se lo digan a esa tarde “En un lago”, patrocinada por la voz de Alicia – quien quizá os suene de Cariño – y un romanticismo lleno de nostalgia y muy bien escrito. Y es que, en este nuevo elepé, se nota que este hijo sigue siendo bueno, pero ya no tan niño. Letras construidas con tacto, mucha introspección e ideas que van más allá de golpes “rápidos y brutales”. Sí, sigue habiendo restos de la picardía de “¡PAN PAN PAN!” (Sonido Muchacho, 21), pero encontramos un equilibrio entre juego y reflexión interesante. Pistas como “Con Seguridad” son un claro reflejo de que este quinteto ha crecido. Esta fórmula, con menos bpm’s de los que nos tenían acostumbrados, se repite en “Perfecto”. Banda sonora ideal para esa rana que se columpia pensando en su amor de verano. Pero, repito, no todo es seriedad. También hay croquetas (“Me lapidaría”) y riffs con estribillos pegajosos altamente adictivos. A veces hay que volver al parque para jugar a ser adultos. —m.g.

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ENTREVISTA

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“Las letras costaron más, pero la música estaba clarísima”

PAN”, 21). “Algo hemos crecido, pero al final siento que esos problemas e inquietudes sobre la vida siguen estando ahí, no desaparecen nunca”, cuenta Marco después de echarse las manos a la cabeza pensando en su edad. “La manera de transmitirlas sí que va cambiando […], ¡pero creo que tenemos las mismas rayadas que hace diez años, la verdad!”. SI NOS COLÁRAMOS en la habitación de Marco, su centro de composición por excelencia, nos encontraríamos a “cinco locas”, explican entre risas. “Intentamos darle forma los cinco. Llegamos con las ideas claras al estudio”. Tras muchos de esos encuentros caseros, comentan, tuvieron que grabar el disco en solo cuatro días. Un intensivo que se cocinó en el estudio La Mina (Sevilla) con Raúl Pérez como chef en la producción. “Teníamos que ir con todo aprendido, con todo sabido y con cero dudas. Las letras sí que costaron más, pero la música estaba clarísima”. Esas letras sin ataduras, unidas a unos ritmos que te hacen sacudir hasta la última de las penas, te mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

trasladan a las veladas estivales. “Me gustó mucho una cosa que me dijo alguien: que El Buen Hijo era perfecto para escuchar montando en bicicleta un día de verano”. De hecho, el jersey en la noche de San Juan es protagonista del tema que cierra el elepé, “Lo que no me pase, no me pasará”. “Es una nostalgia de final de verano, absolutamente, siempre… Pero aún sigue haciendo una temperatura agradable, creo”. Esa bicicleta está a punto de echar a rodar hacia más de diez ciudades del país: Valencia, Madrid, Zaragoza, Barcelona… Una excursión que resulta casi milagrosa para un quinteto en el que cada integrante tiene, por lo menos, otro proyecto paralelo entre manos. Cariño, Chavales o Menta son algunos de los grupos con los que comparten acordes. “Seguramente estemos influenciados, pero no por tocar con ellos, sino porque estamos escuchándolos, porque son amigos y nos gustan. Es imposible separar hoy la profesión de la amistad”. SI UNO HACE MEMORIA recordará que la música de El Buen Hijo explotó con su participación en la banda sonora de “Paquita Salas”. Y si uno está al día de las series españolas, sabrá que Los Javis acaban de lanzar otra nueva, “La Mesías”. Sin embargo, esta vez la banda no se ha limitado a poner ritmo a la escena, sino que se ha colado dentro de plano en el cuarto episodio de la serie. “Fue una experiencia chulísima, muy divertido. Hacemos de un grupo de rock cristiano y salimos tocando una canción”. —m.g.

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diciembre 2023 #15

ENTREVISTA Angelus Apatrida es uno de nuestros grupos de metal más queridos y aclamados, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Prueba de ello es la gira que están preparando y que les llevará por Europa, Oceanía, Asia, América Latina, Estados Unidos y Canadá. Todo para presentar “Aftermath” (Century Media, 23). — texto Jesús Casañas

RUTO DE AQUELLOS DÍAS en los que la pandemia azotaba el mundo y nos encerraba en nuestras casas vienen esta docena de temas nuevos, con la caña y calidad que caracterizan a Angelus Apatrida. La particularidad es que esta vez incluyen hasta cuatro colaboraciones: Jamey Jasta (Hatebreed) canta en “Snob”, Todd La Torre (Queensrÿche) hace lo propio en “Vultures And Butterflies”, Pablo García (Warcry) toca la guitarra en “Fire Eyes”, y Sho-Hai rapea en “What Kills Us All”. De todo ello charlamos con el cantante, guitarrista y frontman de la banda, Guillermo Izquierdo. — Reconstruyamos la historia de este

disco nuevo. Para ello me voy a remontar a la crisis sanitaria, que terminó con muchos grupos. Pero vosotros hicisteis aquel disco homónimo, “Angelus Apatrida”, que funcionó muy bien. Se posicionó número uno en nuestro país, entró en listas de Alemania o Suiza, y os llevó a una gira internacional por Europa y América del Norte. ¿Cómo recuerdas todo aquello? Literalmente, como si hubiera sido ayer, aunque hayan pasado tres años. Lo bueno es que ninguno de nosotros tuvo que sufrir ningún problema grave, ningún familiar ni nadie cercano lo sufrió. Por lo tanto, centrándonos en el tema económico-laboral, ahora lo recordamos como una batalla que acabó con un final feliz. Porque tuvimos serios problemas. Una banda de nuestro nivel tiene que estar tocando continuamente, y que se jodan tantísimos conciertos… Al final un grupo es como cualquier otro negocio, y eso es lo que les pasó a tantos negocios. Lo que pasó con la mayoría de gente que se dedica a la música en directo, a la cultura y al arte, es que no recibimos la cantidad de ayudas que sí que recibieron otros sectores enseguida, que fueron rescatados. Hubo un momento que vimos que peligraba la empresa, porque estábamos en números rojos. Pero afortunadamente en julio empezaron a aparecer festivales a pesar de las restricciones, y nos encontramos en 2022 con mogollón de bolos y en una situación bastante favorable. Gracias a la gente sobre todo, que nos ayudó a tirar para adelante: primero comprando el disco y mucho merchan online, y después acu#16 diciembre 2023

diendo a los shows. Lo recordamos súper felices, el concepto de que solo el pueblo salva al pueblo. Olvídate de los de arriba, de instituciones ni hostias. — Tocasteis en Hellfest, Graspop, Dyna-

mo, Resurrection Fest y Leyendas del Rock, e hicisteis vuestra primera gira como cabezas de cartel en Estados Unidos y Canadá. En febrero de 2023 hicisteis las últimas cuatro fechas de la gira en España con las entradas agotadas. ¿Ha sido vuestra gira más ambiciosa, contra todo pronóstico?

“

Sí, sobre todo contando con el hándicap que veníamos arrastrando. Teníamos un montón de planes para 2020 que se fueron a la mierda, y uno de ellos era la tan ansiada gira estadounidense, que pudimos rescatar para septiembre de 2022. No vamos a engañar a nadie, sabemos el estatus que tiene ahora mismo Angelus Apatrida en el estado español siendo una de las bandas más punteras del metal, pero no nos esperábamos la acogida tan grandiosa que íbamos a tener en esas cuatro fechas. Fue brutal, hicimos un documental que sacamos este verano en el que hablamos de todo esto: la pandemia, la gira por Estados Unidos. Está en Youtube gratis, se llama “28 meses después”. Nos dio mogollón de esperanza y nos recargó las pilas para poder afrontar una nueva vida. — El resultado es “Aftermath”. Comentas

en la nota de prensa que hace referencia a todo lo vivido desde la pandemia de 2020. ¿Es todo consecuencia de lo que hemos contado hasta ahora en la entrevista? No era el título que teníamos pensado originalmente, pero al final acabó en este

"Por puro desconocimiento, de niños nunca fuimos demasiado fans del rock y el metal españoles"

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Angelus Apatrida No más secuelas

concepto de “Aftermath”: después de una catástrofe, de una guerra… Puede ser físico o psicológico. Marcaba perfectamente, en ambos sentidos, el haber sobrevivido a una pandemia global, que es la primera vez en nuestra vida que lo vivimos. Y haber salido tan reforzados en la banda, musicalmente, con una simbiosis con el público que nunca habíamos tenido… Lo que refleja la portada, que es un tópico, pero el tema de la victoria de la gente normal como nosotros, seguidores del heavy metal y del rock, ellos han sido los que nos han aupado y apoyado. El concepto es entre una cosa post-apocalíptica y una romántica.

hacer una mezcla entre el heavy y el rap. Esta canción estaba casi compuesta cuando estábamos con el anterior disco, pero no pudo ser. Tengo muchas ganas de que la peña lo escuche. Mucha gente nos decía: “Haced algo en castellano”. El crossover que se crea va más allá, no es la típica banda que pueda mezclar rap con metal… Va a haber mucha gente en España que se va a sorprender, obviamente, como en su momento con la colaboración de Anthrax con Public Enemy, “Bring The Noise”. Aunque tampoco es nada nuevo. Ya lo habían hecho S.A. con Violadores, por ejemplo.

— Habéis contado con diversas colabo-

que recomendabais vosotros para la exposición Tiempos de Rock en la sede de la SGAE en Madrid. Entiendo que es uno de vuestros mayores referentes estatales… Sí, desde luego. Por puro desconocimiento, de niños nunca fuimos demasiado fans del rock y el metal españoles. Crecimos con Iron Maiden, Judas Priest, Black Sabbath, Metallica... lo típico. Con once o doce años empecé a escuchar música un poco más dura: Kreator, Sepultura, Machine Head, Fear Factory, Biohazard y cosas así, o mucho hardcore de Nueva York, Sick Of It All... De repente escuché a Soziedad Alkoholika y dije “qué cojones es esto”. Creo que fue con la banda sonora de “El día de la bestia”, allá por el 95. Me fliparon, me pillé la maqueta, el “Intoxicación etílica”. Recuerdo ir al colegio escuchándoles, para mí era la vaina. Luego por supuesto también Hamlet, otra banda que, con “Sanatorio de muñecos” (94), es uno de los pilares del metal español sin ninguna duda. Además de grandes amigos, son una banda que admiro. Al margen de lo típico, algo de Barón Rojo y cosas así, no conocíamos mucho más. Luego, con los años, sí que hemos descubierto mucho más.— j.c.

raciones. La que más me ha llamado la atención es la de Sho-Hai, rapeando en castellano en “What Kills Us All”. Nos apetecía hacerlo. No lo habíamos hecho nunca. De Sho-Hai precisamente somos muy amigos, le quiero un montón, Violadores es la puta mejor banda de rap de este país, y él es uno de los mejores. Siempre ha habido algún guiño por ahí en el que decía “soy un Angelus Apatrida” o cosas así, y llevábamos tiempo diciendo de

— Soziedad Alkoholika, que fue el grupo

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EN GIRA l Santiago D.C. 01 diciembre. Malatesta l Gijón 02 diciembre. Acapulco l Valencia 05 diciembre. Rock City l Ponferrada 12 enero. La Vaca l Gasteiz 13 enero. Jimmy Jazz l Salt (Girona) 19 enero. La Mirona l Zaragoza 20 enero. Oasis l Salamanca 26 enero. Potemkim l Burgos 27 enero. Andén 56 l Valls 02 febrero. RedStar l Villava-Atarrabia 03 febrero. Totem l Murcia 09 febrero. Garaje Beat Club l Granada 10 febrero. El Tren l Madrid 22 marzo. Wizink Center

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diciembre 2023 #17

LADY BANANA ELANE

MARÍA MONZÓN

MONTANA SIENNA

La nueva hornada de Girando por Salas La decimocuarta edición del Circuito Estatal de Músicas Populares Girando por Salas (GPS) ya tiene a sus seleccionados: veintidós bandas y solistas que actuarán por las salas españolas. Los conciertos tendrán lugar entre enero y el dos de junio de 2024, aunque el grueso se celebrarán en primavera.

esde su primera edición en 2010, GPS se ha consolidado como valiosa herramienta para apoyar el recorrido en directo de artistas emergentes más allá de su comunidad autónoma. El Circuito está impulsado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) del Ministerio de Cultura y Deporte, en colaboración con la Federación Coordinadora del Circuito de Músicas Populares (FCMP). GPS también facilita ayudas económicas para

#18 diciembre 2023

la producción y promoción discográfica. El tirón del programa se ha reflejado en las casi mil solicitudes que se recibieron esta edición. Y es que desde su creación, GPS se ha hecho clave en el desarrollo de propuestas emergentes que después han llegado al gran público: de León Benavente a La M.O.D.A., o más recientemente Nat Simons y Luis Fercán. La lista de este año vuelve a caracterizarse por la variedad, reflejo de la vitalidad de nuestra escena. El cuarteto femenino de Pamplona Melenas lleva en activo desde 2016 con su kraut pop

melódico y atemporal en el que resuenan de Stereolab a la escuela C86. También en los confines del indie pop de la rica escena navarra, Chica Sobresalto publicó su primer disco en 2017, y en 2020 fue noticia por entrar a formar parte de la Academia de OT. Su tercer disco, “Oráculo” (El Dromedario) se publicó en mayo de este año.

abela viene de Galicia y también pasó por OT, donde llegó a ser finalista. Sin embargo, desde 2020 y la cancelación de una gira a causa de la pandemia, decidió darle un carácter más personal y oscuro a su música, combinando letras duras y melodías de pop electrónico. Miriam y María forman Lisasinson, proyecto gráfico y musical formado en la facultad de Bellas Artes de Valencia. “Barakaldo”, su primera canción, tiene una frescura punk pop que remite tanto a bandas nacionales y anglosajonas y tiene el respaldo del sello Elefant Records. The

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Son of Wood es un quinteto salmantino que combina rock, folk y rap, con letras crudas que remiten al desencanto cotidiano. Llevan cinco años de recorrido y han publicado su LP “Náufragos” con Calaverita Records. De la misma comunidad autónoma procede Sharon Bates, quinteto en activo desde 2010 que practica indie pop y ha teloneado a bandas como Franz Ferdinand y Supersubmarina. También en las coordenadas del indie pop está Sienna, proyecto unipersonal del valenciano Álex Ruiz: a partir de un enfoque de terapia emocional se ha autoeditado dos álbumes, despertando un interés que le ha llevado a actuar en festivales y telonear a Vetusta Morla. franvvi viene de Murcia y combina el espíritu del pop juvenil del momento con la energía del power pop de los dos mil. Tras su paso por el festival Sonorama continúa presentando con éxito su debut “Tres noches sin dormir”, publicado en 2022. De la misma región es Fernando Rubio, cuya propuesta integra la americana con sus propias experiencias y una mirada personal.

rom es el proyecto unipersonal de Fernando Romero, joven compositor asturiano que se inclina hacia el bedroom pop de la escuela de Mac Demarco y King Krule, y cuyas canciones combinan frescura con una madurez musical impropia de su edad. Desde Zaragoza y con un disco ya editado por el sello independiente Subterfuge, Lady Banana proponen contundencia rockera

MERITXELL NEDDERMANN

DIEGO GUERRERO

CHICA SOBRESALTO

ORTIGA

FERNANDO RUBIO

PUBLIRREPORTAJE

a partir de sus dos componentes femeninas, Nerea y Alba, que se foguearon tocando en las calles de Londres. Las guitarras también caracterizan a los vascos Montana, quinteto que combina diversas influencias que desembocan en un sonido elegante plasmado en un primer disco titulado “Sin la red”. De Madrid es el dúo Tres caladas, que hacen canciones frescas y directas cuya producción corre a cargo de miembros de Fito y Fitipaldis y Sidecars. En 2022 publicaron su primer disco, de título homónimo, publicado por Sin Anestesia. Los 300 es un trío andaluz que apuesta por una descarga de funk, afrobeat, cumbia y latin jazz, con un sustrato psicodélico. Tienen en el escenario su hábitat natural y lanzaron en 2022 su tercer disco “The Penguin Trip” (Maracuyeah!) en el que condensan su arrollador estilo. También trío pero de Madrid, Gilipojazz comparten la visión lúdica e irreverente de la música.

mparentados tanto con Les Luthiers como con Frank Zappa, en 2022 publicaron su primer disco “¿Dónde está el jazz?”, con el respaldo de Universal Music. Ben Yart, del colectivo Chill Mafia, es un joven de Mendillorri, Pamplona, que habla de la vida de barrio con crudeza e ironía. De la mano del sello Oso Polita, ha lanzado ya un single y una mixtape y actuado en festivales. También desde el norte, Ortiga es un joven de Santiago de Compostela cuya música tiene

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mucho que ver con las verbenas gallegas: los sonidos caribeños y la cumbia que se trajeron de vuelta los emigrantes, combinados con la estética del trap.

e Barcelona procede la jovencísima trompetista y cantante Alba Armengou. A sus veintiún años ya ha participado en decenas de discos y formó parte de la Sant Andreu Jazz Band, aunque arrancó su trío en 2020. En su primer disco “Susurros del viento” explora el folclore latinoamericano. También barcelonesa, Elane lleva desde los diecisiete años perfeccionando su propia versión del hip-hop contestatario y lanzando singles. Otra solista catalana es Meritxell Neddermann, en cuyos dos álbumes demuestra su destreza y sensibilidad entre el jazz, el funk, el indie y la música clásica. Marilia Monzón es una chica canaria afincada en Madrid que practica canciones de pop folk tan personales como despojadas de artificios. Influida por los sonidos de su tierra natal, acaba de lanzar su primer álbum “Prenderé una velita”, con la producción de Juan Manuel Latorre y las guitarras de Xoel López. Onubense con residencia en Madrid, Diego Guerrero fue nominado a los Latin Grammy de 2023 gracias a las virtudes de un primer álbum “Vengo caminando”. El artista amplía su original redefinición del flamenco en su segundo álbum “Por La Tangente”, en el que combina este género con la rumba afrocubana y el jazz. n diciembre 2023 #19

2023, ha estado muy bien 1 ANTIFAN ‘La Caída’ | 2 Tigres Leones ‘Todo va bien’ | 3 Surfin Bichos ‘ Más allá’ | 4 Monteperdido ‘Daño Físico’ 5 Sen Senra ‘PO2054 AZ VOL I’ 6 La Trinidad ‘Sheriff Playa’ | 7 Juicy Bae ‘Antes de Conocerte (Parte I: Premonición)’ 8 Marcelo Criminal ‘La Última Casa de Apuestas’ 9 Mujeres ‘Desde Flores y Entrañas’ | 10 Adiós Amores ‘El Camino’ 11 El Buen Hijo ‘Viene y Va’ | 12 María Blaya ‘GRANDE’

11 11

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EP’s

Y en 2024, mejor Cupido, Daniel 2000, Depresión Sonora, Erik Urano, Fresquito y Mango, Judeline, Nina Emocional, Nudozurdo, Russian Red...

ENTREVISTA

Veintiuno

Graduados en derrotas

“El arte de perder” (Warner, 23) es el tan esperado cuarto disco de Veintiuno. La banda toledana aspira a marcar un punto de inflexión con este trabajo del que hablamos con Diego y Rafa, dos de sus miembros. —texto Alejandro Caballero Serrano

N “EL ARTE DE PERDER”, los miembros de Veintiuno han querido plasmar todo el tiempo que llevan dentro de la industria, en el que la mayor parte no han tenido éxito hasta ahora. (Diego) “Cuando me puse a recopilar maquetas vi que había una narrativa muy poderosa por la cantidad de cosas en las que hemos perdido, con las que nos hemos encontrado y las que estábamos dejando ir”. Con esa idea han dado forma a once piezas que han creado

EN CONCIERTO l Madrid 11 enero. La Riviera l Bilbao 12 enero. Stage Live l Zaragoza 26 enero. Sala López l Pamplona 27 enero. Sala Canalla l Valladolid 01 marzo. Porta Caeli l Valencia 02 marzo. Jerusalem Club l Vigo 08 marzo. Masterclub l Barcelona 15 marzo. La 2 de Apolo l Benicàssim 28-30 marzo. SanSan Festival l Sevilla 17-18 mayo. Interestelar

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y grabado como si estuviesen prácticamente en un concierto. (Rafa) “Queríamos captar la esencia de cómo haríamos nosotros esas canciones en directo y luego decorarla con otros arreglos y darle esa sensación de grandeza que requiere un disco”. Desde marzo de 2022 hemos podido escuchar hasta cinco adelantos de su nuevo trabajo, pero han dejado escondidas unas cuantas joyas dentro del álbum. (Diego) “Era importante que las que se quedaran dentro del disco fueran la hostia”. ALGO QUE MANTIENEN en “El arte de perder” es la capacidad de combinar letras con mensajes duros con melodías mucho más alegres, un hábito que se ha convertido ya en su sello de identidad. (Diego) “Me gustan muchísimo las canciones que tienen diferentes niveles de lectura. La relación forma y fondo me parece muy interesante para construir una canción. Cuando veo una canción con una forma alegre y un fondo oscuro

diciembre 2023 #21

ENTREVISTA

me parece que me está transmitiendo dos informaciones que en mi cerebro producen más estímulos. O sea, “Perfect Day” de Lou Reed me parece una canción muy interesante por lo que parece que cuenta, por cómo suena, lo que cuenta y lo que está debajo de lo que cuenta. Vestir lo que nosotros hacemos de un traje más bien pop es muy divertido. Pero como mucha gente no atiende a las letras, hemos visto en muchas críticas decir que ‘es un grupo de pop’ y ya está. Y lo bonito de eso es que habla más del crítico que de ti”. VEINTIUNO ES UNA FORMACIÓN que lucha mucho por la supervivencia del concepto de banda, aunque saben que la industria no les apoya lo que les gustaría. (Diego) “La escena de bandas es potentísima. Hay bandas brutales como Shego que tienen un primer disco espectacular, bandas como Viva Suecia que acaban de llenar el WiZink y hay proyectos pequeños inmensos. Pero lo cierto es que en el Top 50 de España en Spotify y en las listas de las principales radios comerciales no hay bandas. Es muy difícil que una niña o un niño que consume la cultura de una manera masiva su primera idea sea tener una banda. Porque los ejemplos que tienen de lo que trasciende tienen más que ver con la cosa neoliberal del individuo que ha tenido éxito porque se ha construido a sí mismo, esta cosa asquerosa, tóxica, barata y falaz de que J Balvin “es un businessman”. Pero el arte es otra cosa y las bandas

RONDA RÁPIDA Una banda nacional (Diego) Los Rodríguez y (Rafa) Rufus T. Firefly Una banda internacional (Diego) Twenty One Pilots y (Rafa) Coldplay Un disco para escuchar en el coche (Diego) “August And Everything After” de Counting Crows y (Rafa) “Rumours” de Fleetwood Mac Un disco que todo el mundo debería escuchar (Diego) “1999” de Love Of Lesbian y (Rafa) “Pangea” de Los Mesoneros Una canción para llorar (Diego) “The Downward Spiral” de Nine Inch Nails y (Rafa) “Apocalypse” de Cigarettes After Sex Una canción de una banda para bailar (Diego) “The 1975” de The 1975 y (Rafa) “Tieduprightnow” de Parcels Colaboración soñada (Diego) La Oreja de Van Gogh o Los Piratas y (Rafa) Pereza Vuestra pieza favorita (Diego) “Cabezabajo” y (Rafa) “Leona” Un lugar para escuchar vuestra música (Diego) Dentro de una estación de metro y (Rafa) en el coche Describid a Veintiuno en una palabra (Diego) Emo y (Rafa) Familia

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“ “Vestir lo que nosotros hacemos de un traje más bien pop es muy divertido”

estamos infrarrepresentadas”. Pero a pesar de esta falta de representación, lo cierto es que los toledanos están empezando a obtener los frutos de su trabajo, como muestra la gira que arrancó este año en la que ya llenan salas más grandes. (Diego) “Siempre hay vértigo, pero está empezando un momento muy bonito y no estoy preocupado, estoy deseando hacerlo. Además, no me estimula menos tocar para los cuarenta que había en el FNAC ayer, como para los cinco mil de Canarias del fin de semana pasado. Es que todos están implicados. Hay una atención preciosa sobre las canciones y la banda”. —a.c.s.

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diciembre 2023 #23

Grande Amore

Que Dios sepa que lo intentamos

#24 diciembre 2023

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ENTREVISTA

Grande Amore nació como el proyecto en solitario de Nuno Pico. Con la llegada de mariagrep y Clara Redondo se han consolidado como grupo y han lanzado “II” (Ernie, 23), su segundo disco, en el que la angustia existencial y la fiesta desenfrenada caminan de la mano. —texto Javier Ramos —foto Aigi Boga

UNO, CLARA Y MARÍA conforman Grande Amore. En conjunto exhiben una complicidad admirable, propia de aquellos que no solo viajan juntos, sino que también disfrutan del proceso. “Todavía no hay rencillas en el grupo como para que los conciertos sean una experiencia traumática”, comenta, entre risas, Nuno Pico, alma máter de un proyecto que, con solo dos discos, ha crecido a pasos agigantados en la escena musical gallega. Los tres atienden a Mondo Sonoro en una entrevista en la que, además de respuestas, se suceden anécdotas de la gira, bromas internas y muestras de camaradería entre ellos. La conversión del otrora proyecto solitario en trío es reciente, apenas unos meses, pero Nuno dice sentirlos como si llevasen ya “cinco años tocando juntos”. Y es que el ritmo de actividad y de exposición pública han sido frenéticos. Cerca de cien conciertos, primero en solitario, luego como dúo y ya en última instancia en el actual formato, en poco más de dos años y medio. DE ESTE TRABAJO GRUPAL todavía no hay huella en las obras de estudio de Grande Amore, grabadas con anterioridad a la llegada de Clara y María, que sí se hacen notar en el directo. Cambios en los arreglos, subidas de revoluciones o fraseos de Rosalía en canciones oscuras de synth-punk. El mapa sonoro del grupo es amplísimo y se alimenta de la diversidad de sus integrantes. A la vuelta de la esquina pueden acechar Ilegales, Sisters Of Mercy o una adaptación sui generis del clásico callejero de “Con un porrito en la mano”. “Ese tipo de energía es muy difícil llegar a ella desde otro punto que no sea tener un toque de atrevimiento”, advierte Nuno, que, en cualquier caso, sostiene que no se trata de una reivindicación “de las rarezas, de las bizarradas y de lo aleatorio” porque sí, sino que son propuestas que “encajan en el universo del grupo”. PARA “II”, última referencia de Grande Amore, la consigna ha sido soltar amarras y pisar a fondo el acelerador hacia un so-

“ “Si fuese una época más feliz haríamos lo mismo”

nido “un poco más directo, más crudo que el primero” y apoyado en “canciones más cortas y más punk”. Ese ha sido el resultado de un proceso de grabación del que Nuno no deja de enfatizar la importancia de la figura de Carlangas como productor, del que destaca su “visión minimalista”, que ha ayudado a crear un álbum oscuro, agresivo, por momentos sórdido, pero con el que también es fácil conectar. “La música que hacemos, entre los dos, no se parece en

CRITICANDO II

Ernie records

8 ELECTRÓNICA / Un artefacto sonoro con

aspecto electro-punk, de consecuencias directas e intensidad impertérrita (y poco común). Composiciones protagonizadas por desesperación vital, mutada en un tipo de celebración tan rabiosa como viciosa, además de nada velada… y pegadiza. Hace ya tiempo que Grande Amore eran un secreto a voces en Galicia, y con la publicación de “II” someterán también bajo el yugo de su potente personalidad artística al resto de la península. —raúl julián

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nada, pero sí que él también viene de eso, del punk, de Ramones, aunque ahora haga música diametralmente opuesta”, señala. LAS MELODÍAS y los ritmos de este segundo disco de Grande Amore invitan más que nunca al baile, al desenfreno y a una fiesta agónica; en contraste con unas letras repletas de existencialismo y misantropía. Canciones como “Ben sabe Dios que o intentei”, “Pelea”, “Do meu corpo van nacer outros corpos” o “Eu son a noite” describen atmósferas sociales opresivas, mundos interiores complejos. Pero no forman parte de una pose deliberada para tiempos difíciles, asegura Nuno. “Lo que pasa es que ahora, como el umbral de miseria del mundo ha subido tanto y está todo el mundo tan jodido, la gente sí piensa ‘Qué razón tienen estas letras’. Aunque fuese una época más feliz haríamos lo mismo, solo que nadie diría nada”. Elude, por lo tanto, su categorización como “iconos de una generación lastimada” y subraya que, aunque lleven mal hacerse mayores, están disfrutando de su momento actual como banda. “Si fuesen todos los años como este firmaba muchísimo”, enfatiza el cantante, que dice estar cómodo con poder quedarse “para siempre” en una etapa como la actual. “Es el mejor año para mí de realización personal que he tenido nunca. Las canciones que sacamos ahora me gustan, disfruto del directo”, recalca, pese a que confiesan llevar “fatal el paso del tiempo”. MIRANDO HACIA EL FUTURO, todavía no se vislumbra en el horizonte material para un tercer disco ni nada pensado más allá de ciertas ideas de cómo debería sonar. “Estoy en ese proceso de saber a quién copiarle, básicamente”, bromea Nuno, que asegura que esta es la parte más laboriosa a la hora de crear nuevas canciones. De momento, aunque su idea es que “no pase tanto” tiempo entre un futuro tercer álbum y este “II” como el que pasó entre su debut y el actual, lo único que cabe esperar del mismo es la participación en el mismo de Clara y María. “Tengo ganas de la experiencia de estar unos días por ahí fuera grabando los tres”, afirma Nuno. Para ello, habrá que encontrar tiempo entre la apretada agenda de un grupo que gira sin descanso y que, además, tiene que hacer margen para los varios proyectos paralelos de sus integrantes. —j.r.

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EN CONCIERTO l León 22 diciembre. Sala Espacio Vías l Oviedo 23 diciembre. La Salvaje l Madrid 20 enero. Inverfest (Sala El Sol) l Ourense 23-25 mayo. OurenSound

diciembre 2023 #25

SERIES

Entrevistamos a Los Javis en el verano de 2017 en un bar de Malasaña; seis años después, lo hacemos en un despacho de las amplias oficinas de (su) Suma Content. Sí, en este tiempo han cambiado muchas cosas. Algo que no ha cambiado, sin embargo, es lo que se ve en sus ojos cuando desgranan sus proyectos, cuando hablan de sus actrices o cuando miran hacia el futuro. La serie “La Mesías” es un claro ejemplo. —texto Pablo Tocino

O QUE SE VE EN LOS OJOS de Javier Ambrossi y Javier Calvo es pasión cuando hablan de sus proyectos, admiración al hacerlo de sus actrices y ambición al conversar sobre el futuro. “Yo creo que siempre veíamos que éramos capaces de conseguir todo esto. No sé si sabíamos que lo íbamos a conseguir, pero sí que capaces éramos, que lo que teníamos entre manos podía funcionar”, comienza Javier Ambrossi. El cambio de estatus no les ha apartado de la realidad, pero sí notan que hay quienes se callan las cosas negativas, “pero tú no sabes la presión que hago en eso, en que la gente de mi círculo sea sincera sobre el contenido artístico, porque es lo más peligroso que te puede pasar como creador”, me comenta. “LA MESÍAS” ES UN PASO muy importante en sus carreras, suponiendo un tremendo cambio de tono. “En los proyectos anteriores hay como un subrayado, un intentar gustar, y aquí no”, explica Ambrossi, quien considera que “hemos hecho un poco la anti-serie. Pero creo que por eso la generación Z ama ‘La Mesías’, porque están hasta el coño del algoritmo”. Hay espacio hasta para el terror, pero nunca de forma aislada, porque “la pureza de la vida está en lo terrorífico, divertido, absurdo y a la vez lógico que es todo. Por eso ‘Titane’ (21) gana Cannes. Cuando las cosas son solo algo, solo comedia, solo #26 diciembre 2023

EL APUNTE Un reparto que da la nota EL REPARTO SIEMPRE HA SIDO esencial en la obra de Ambrossi y Calvo, y “La Mesías” no es una excepción. La red se ha llenado de alabanzas para el casting infantil, y para las tres actrices que interpretan a Montserrat. Ana Rujas se sale aquí con un papel distinto al de “Cardo”, que Ambrossi define como “la Penélope de ‘Jamón jamón’ llevada a hoy”, y Lola Dueñas entrega el que quizás sea el mejor papel de su carrera, “es que es majísima, pero tiene una cosa que la gente no ha visto, y es su fuerza y lo que impone”. Y ojo con los hasta ahora desconocidos Biel Rosell e Irene Balmes: “Biel tiene lo que tienen las estrellas: le pones una cámara delante y es otra persona distinta, se vuelve cien veces más interesante de lo que ya es”, defiende Calvo, mientras que Ambrossi cuenta que eligieron a Irene por “la tristeza que tenía en sus ojos”. El apellido de Irene es, efectivamente, de donde imaginas (Santi de Love Of Lesbian es su padre), pero no es ésta la única conexión musical en el reparto. Tenemos a Albert Pla, que interpreta durante toda la serie al inquietante Pep, a Amaia o a la también ex-triunfita Cristina Rueda, ¡e incluso tienen cameos El Buen Hijo y Papa Topo, estos últimos como un ¡grupo musical cristiano! —p.t.

thriller, solo una cosa, son mucho menos interesantes”, argumenta Javier Calvo. Ambrossi añade: “en la génesis de lo que escribimos no pensamos en el género. El género es solo un vehículo para dirigir y añadir capas”. UNO DE ESOS TEMAS es, claro, la relación entre los hermanos y su madre. “Nos parecía muy interesante esta mujer que encontraba tanto la validación en lo sexual, en el protagonismo, en ese narcisismo que tiene, que utilice esa herramienta con su hijo”, explica Calvo, “lo que quiere Enric es el amor de su madre de la manera que su madre le ha enseñado”. Incluso si implica abusos de distinto tipo. “Como sociedad estamos todo el rato permitiendo abusos. En las redes sociales lo consentimos y lo expandimos... vivimos en una cultura de permisión del abuso”, denuncia Ambrossi. A él, que ha comentado en otras entrevistas las similitudes entre su historia y la de Enric, la serie le ha ayudado a entender la relación con su hermana [Macarena García interpreta también a la hermana de Enric]. “Era importante para mí explicar esos vínculos de hermanos que han vivido historias en común fuertes […] En el diálogo final siento que Maca me hablaba a mí, y me decía ‘Cuando sea tu momento de volver a casa, pues vuelves’. Por eso estoy tan orgulloso de la serie. No sé si ha limpiado nuestra relación, pero sí siento que es un paso”. LA MÚSICA SIEMPRE ha tenido un peso especial en la obra de Los Javis, y “La Mesías” no es una excepción. En su banda sonora están implicados Refree, Hidrogenesse, Papa Topo y dos miembros “curiosos” del reparto: Albert Pla y Amaia. Pero, además, suenan Bowie, Pink Floyd, Jefferson Airplane, Kim Carnes, Cecilia o la banda sonora de “Cantando bajo la lluvia”... solo se les escaparon Pulp. “Movistar sabía que nuestra manera de trabajar necesitaba eso, y que una gran parte del presupuesto iba a ir ahí”, comenta Ambrossi. ¿Y cómo es que nunca han dirigido un videoclip? “Hemos tenido ofertas de gente nacional e internacional, gente súper potente... pero siento que tampoco es algo que vaya a estar en nuestro camino. La ficción tiene unas virtudes, y un videoclip tiene otras, que no necesariamente tenemos nosotros”, explica.

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MONDO MEDIA

“ “La generación Z ama ‘La Mesías’ porque está hasta el coño del algoritmo”

EL FINAL DE “LA MESÍAS” redondea, además, el simbolismo LGBT que hay en la historia, con cierta frase durante la catarsis de Enric. “La serie habla del encierro, del estigma, del desarraigo. ¿Cuánta gente se va de su casa y luego se planta con una etapa adulta llena de soledad?¿Cuántos padres se mueren sin saber la orientación sexual o la identidad de género de sus hijos? ‘No se lo voy a decir a mi abuela, que no sé qué’, pues tu abuela se ha muerto sin conocerte. Y ahora vive tú con ello. Eso no es algo con lo que uno pueda vivir tan tranquilamente. Que las personas que más quieres se mueran sin conocerte... Ojo, que luego lo arrastras […] Lo más LGBT que existe es sentir que es tu culpa ser así, que eres un deshecho, que eres un pecador, casi que pedir perdón cada vez que tengas relaciones sexuales, etcétera”, defiende Ambrossi. ¿Y PARA EL FUTURO? Hay un proyecto aquí y otro en Hollywood... pero no, el de Hollywood no es el biopic de Madonna como se llegó a rumorear. Aunque admiten que eso fue cierto. “Y nunca habíamos dicho nada de esto”, reconoce Ambrossi. “En fin, quién sabe, igual de repente nos ofrece otra cosa”. Calvo finaliza parafraseando a Magüi, uno de sus personajes. “Sí, porque la historia es jugosa, y más como yo la contaba”. —p.t.

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diciembre 2023 #27

MONDO MEDIA

J.A. Bayona Lo inmenso y lo claustrofóbico Una década ha tenido que pasar para que la historia que J.A Bayona (“El Orfanato”, “Lo imposible”) recitaba fascinado a Tom Holland haya podido materializarse en la gran pantalla. Más de diez años después de esa revelación literaria podemos ya sentarnos con el cineasta catalán para charlar sobre “La sociedad de la nieve”, película seleccionada para representar a España en los premios Óscar.

RAS SALUDAR A J.A BAYONA (a partir de ahora, y disculpándome previamente por las confianzas, Jota), me lanzo a preguntarle lo que seguro muchos ya le preguntaron antes. Sin embargo, presiento que en esa cuestión estereotípica se esconde la semilla de una catedral fílmica cuya milimétrica inmensidad sólo puede ser fruto de una obsesión. Le pregunto sobre el momento exacto en el que se da cuenta de que “La sociedad de la nieve” de Pablo Vierci se debe convertir en “La sociedad de la nieve” de J.A Bayona. Me responde que el libro ―el cual narra la historia real del choque de un vuelo uruguayo contra los Andes en 1972― llegó a sus manos por casualidad mientras filmaba “Lo imposible” (12). “Recuerdo leerles fragmentos a Tom Holland y a Naomi Watts. El primer día de rodaje le regalé una copia del libro a todo el equipo. Me obsesioné con él hasta el punto de comprar los derechos el último día de rodaje”. Reconoce Jota que le sorprendió que los propios supervivientes siguieran contando la historia. “Parecía que ellos necesitaban que se hiciera esta película mucho más de lo que lo necesitaba yo”, afirma.

lícula de catástrofes. Le pregunto al cineasta si su afición por retratar tsunamis, accidentes aéreos y desastres jurásicos es fruto de una filia o pura casualidad. Ante el comentario, Jota me corrige, pues lo que a él le fascina no son las catástrofes sino lo asombroso. “Me atrae mucho la idea de una cotidianidad que de repente puede virar a lo extraordinario. Me gusta trabajar los personajes a partir de esta premisa”, responde. En una filmografía tan arraigada al cine de género como la de Bayona, el asombro acaba por convertirse en la columna vertebral de una carrera. Sin embargo, ¿cómo de presente ha estado el fantástico en la concepción de “La sociedad de la nieve”? “Los supervivientes hablaban de cómo eran incapaces de entender algunos momentos de su historia desde el realismo. Era fascinante cómo las fronteras entre la realidad y la ficción se desdibujaban en muchos momentos de su historia”, confiesa el cineasta. Afirma Jota que la película tiene como objetivo trasladar esta realidad brumosa a la puesta en escena, alejando sus imágenes de lo real y acercándolas a una interpretación de la misma.

NACE UNA PELÍCULA DE CATÁSTROFES justo cuando se acaba de filmar otra pe-

CUANDO SE PONE SOBRE LA MESA la cuestión de reencuadrar la realidad, se

#28 diciembre 2023

me hace imposible resistirme a preguntarle por su espectacular uso de las ópticas y cómo estas convierten la película en un constante contraste entre lo inmenso y lo claustrofóbico. Me confiesa que, justamente, le interesaba generar claustrofobia en las inmensas montañas e inmensidad en el claustrofóbico avión. “Esta es la historia de unos personajes que se ven obligados a reinventar la vida porque esta no existe en la montaña. En ese momento uno se ve obligado a revisionar su sistema de valores: ¿qué es lo importante y qué es insignificante en la vida a la hora de recrearla?”. Esta es, en definitiva, una historia sobre la ruptura con lo conocido. Paradójicamente, Bayona busca lo trascendental en una película visceralmente arraigada al cuerpo. “La película tuvo

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“ “Fue sin duda un rodaje de supervivencia”

FOTO: QUIM VIVES

CINE

que rodarse cronológicamente porque los personajes van perdiendo peso. Intentamos que todo lo que supusiera una dificultad para los actores se convirtiera en un estímulo”, cuenta Jota afirmando que este ha sido un rodaje de supervivencia. “Estar a mucha altura te limitaba muchísimo. No se podían utilizar grúas o travelings. Toda imagen que se viera afectada por esto, aportaría realismo al resultado final”. LAS CARENCIAS tienen que convertirse en virtudes en un rodaje condenado a la inmensidad y donde, a pesar de la vinculación de la película a la pantalla doméstica, la inmensidad nunca es negociable. “No me gusta que el visionado posterior de la

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película pueda condicionar su rodaje. El lenguaje es indivisible de la historia. No quiero que la televisión o el cine lo condicionen”, defiende Jota. Resulta imposible separar la labor de Bayona del espacio del rodaje, lugar donde -pese a la contención de la banda sonora de Giacchino en la película- la música siempre se abre camino. “Ruedo con música todo el tiempo. Los actores no sólo se acostumbraron a rodar con música, sino que incluso la pedían. Te permite ver la película un poco más acabada. Hace que lo que ocurre delante de la cámara merezca aún más tu atención”, concluye Jota. —daniel grandes

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diciembre 2023 #29

novetats / novedades / berriak / NOV—DIC 23

NUEVO ÁLBUM

EL TRIB REIAL ‘Terra Màgica’ YA DISPONIBLE terramagica.ppf.cat

NUEVO EP

BOOM BOOM FIGHTERS & COOKAH P ‘Hereus del Dancehall’ EP + VIDEO YA DISPONIBLE

NUEVO ÁLBUM

SARA SOCAS “TFN-MAD” ÁLBUM DEBUT YA DISPONIBLE tfnmad.ppf.cat

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NUEVO SINGLE

LA OTRA & ANÍS GUATEQUE “Cumbia de la Paciencia” SINGLE + VIDEO DISPONIBLE 8DIC cumbia.ppf.cat

NUEVO SINGLE

CARMEN XÍA “mami mami“

VALIRA “Mañana”

SINGLE + VIDEO YA DISPONIBLE

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manana.ppf.cat

EL DISCO. RECUPERADO.

TAN LEJOS TAN CERCA.

Girls At Our Best! Pleasure (1981) ¿SE HA LANZADO alguna vez un sencillo más aplastantemente profético que “Getting Nowhere Fast”? Apenas dos minutos de guitarras espinadas subrayadas con un bajo denso y funk, es un perfecto bocado pop en el que Girls At Our Best! detallan su irremediable trayectoria hacia la nada con el entusiasmo de quienes ya tienen el resto de su vida resuelto. Quizá lo vieron todo claro desde el principio. Su single debut, que los catapultó del anonimato al número nueve en las listas indie del Reino Unido y los estableció como una de las bandas de Leeds más prometedoras de 1980 antes de desvanecerse de nuevo en el semi-olvido dos años más tarde, no ofrecía concesiones sobre cómo iba a ser su futuro: este cuarteto se abocaba de cabeza al vacío, y lo hacía deprisa. CUANDO GRABARON EL TEMA, ni siquiera eran un cuarteto: aparecieron en 1979 como The Butterflies bajo la dirección de James Alan, quien había abandonado SOS al aburrirse de la homogeneidad de la escena punk. La banda sufrió diversas modificaciones hasta reducirse otra vez a sus dos miembros principales, Alan y Judy Evans. Dando el experimento por terminado, quisieron dejar algún legado y grabaron “Getting Nowhere Fast” junto a su tema más punk, “Warm Girls”. Cuando Rough Trade mostró interés en el siete pulgadas, Alan y Evans se apresuraron a reunir un grupo de verdad con un nombre de verdad, bautizándose con la línea

RR El festival Tsunami Xixón

coreada en su afortunada cara B. Lo que siguió fueron otro par de sencillos muy bien recibidos, sesiones con Richard Skinner y John Peel y, finalmente, “Pleasure”, su primer y único álbum publicado en 1981 y reeditado en 2009: un proyecto frenético y fluorescente que condensa los deleites del punk-funk y el indie-pop, resaltando su acidez y envolviéndola en caramelo. Está lleno de guitarras chirriantes, melodías almibaradas, aliteraciones dignas de trabalenguas y, como sugiere inequívocamente su título, una predilección tanto textual como sonora por el placer. GIRLS AT OUR BEST! destacaron por su desenfadada y lúcida mordacidad y su contradictoria sincera frivolidad en el sombrío contexto post-punk. Canciones como “Politics!”, “Go For Gold” o la colateralmente feminista “Warm Girls” están más interesadas en examinar la teatralidad y las tensiones personales involucradas en las situaciones que describen que en hacer grandes declaraciones ideológicas o morales. Aun así, “Pleasure” también llega a ser atrevido y aunque las inflexiones sardónicas abundan, la mayor ironía es cerrar con una colorida versión del clásico gospel “This Train (Is Bound For Glory)”. A pesar de que el tren de Girls At Our Best! no estuviera destinado a la gloria, al menos es recordado como fascinantemente fresco y original más de cuatro décadas después de haber pasado aceleradamente por su última parada. —salomé lagares

(19 y 20 julio) anuncia nombres como los de Bad Religion, Yungblud, Descendents, Royal Blood, Arde Bogotá y Alkaline Trio, entre otros. RR La banda sudáfricana

Die Antwoord volverá a Barcelona dentro de su gira “REANIMATED”, con una única fecha para el 18 de abril de 2024. Presentarán su sexto álbum, “UIT DE HEMEL GEVALLEN”. RR Después de anunciar que

tendría como cabeza de cartel a los mismísimos Green Day, el festival madrileño Road To Río Babel anuncia cartel completo con The Interrupters, The Hives, Lagwagon, 30s40s50s y Maid Of Ace. Será el 1 de junio de 2024 en La Caja Mágica de Madrid. RR Love Of Lesbian desmienten

que vayan a tomarse un parón indefinido, tal y como se dejaba intuir en una noticia publicada por varios medios. El grupo está ultimando los detalles de su próximo trabajo y de la gira posterior. RR La mítica banda

estadounidense Jane’s Addiction se convierte en el tercer cabeza de cartel del Azkena Rock Festival, cuya 22 edición tendrán lugar los días 20, 21 y 22 de junio de 2024 en Mendizabala (Vitoria-Gasteiz). Se suman también Tarque & La Asociación del Riff, The Black Halos y otros. RR Mars Williams, quien fuera

saxofonista de bandas como The Psychedelic Furs o The Waitresses, ha fallecido a los sesenta y ocho años de edad a causa de un cáncer ampular. RR El festival barcelonés

Primavera Sound ha presentado el grueso de su programación para el próximo año. Los principales cabezas de cartel son Lana del Rey, Pulp, Mitski, SZA, PJ Harvey, Disclosure, FKA twigs, Justice, The National, Phoenix y Vampire Weekend. RR Finalmente el “NOFX Final

Tour” tendrá una última fecha en nuestro país. El grupo de punk rock actuará en Madrid el 14 de mayo (WiZink Center) con invitados especiales todavía por confirmar. —MS mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

diciembre 2023 #31

EN PORTADA

Lo mejor de 2023 Internacional

El disco, los discos

ENCILLO Y DIRECTO. Titular tu primer álbum como “The Record”. El disco. Y eso que podría haber sido realmente complicado atendiendo a que Boygenius no son un grupo corriente, sino la suma de tres artistas con la suficiente personalidad y fuerza por separado como para que los egos afectasen al conjunto. Pero para nada ha sido así. Phoebe Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker han conseguido que lo suyo no haya sido una simple suma, sino una potente multiplicación. Pero, obviamente, el año no ha sido solamente suyo. Han sido muchas otras y otros los protagonistas de estos últimos meses. Algunos lo han pasado mal, jodidamente mal, en lo personal como Sufjan Stevens, lo que se ha acabado reflejando en su nuevo cancionero. Otros, han sabido disfrutar de sus momentos de calma para grabar discos fantásticos. Ese es el caso de Grian Chatten, quien no contento con colocar “Skinty Fla” de sus Fontaines D.C. en el primer puesto de nuestra lista el año pasado, ahora consigue que su primer trabajo en solitario ocupe nada menos que la tercera posición de este. AL MARGEN DE ESTOS TRES primeros puestos, nuestra lista vuelve a ser realmente #32 diciembre 2023

A nosotros lo que nos gusta es compartir gustos y aquí hay cincuenta discos para escuchar. variada, tanto que podría marear a algunos, aunque somos conscientes de que cada vez somos más los que combinamos géneros y estilos musicales sin ningún tipo de remordimientos. Tanto quienes nos leen desde siempre como quienes lo hacen desde hace poco, sabrán ya que en nuestras listas tan pronto podremos encontrar álbumes de electrónica de lo más variopinto como muros de guitarras cortantes; voces de una extrema sutileza como gargantas quebradas a punto de sangrar; clásicos de extensa discografía como debutantes con mucho por decir y así podríamos seguir y seguir. Esta es nuestra lista general, y tenemos otras por géneros que pueden encontrarse en las páginas siguientes. No se enfrenten

a ellas interpretando que se trata de una suerte de canon de la temporada, porque para nada es esa nuestra intención. A nosotros lo que nos gusta es compartir gustos y aquí hay cincuenta discos para escuchar. MUCHO MÁS COMPLICADO resulta defender las posiciones con rotundidad. No porque no nos hayamos puesto de acuerdo democráticamente entre nosotros, ni siquiera porque pensemos que algunas deberían cambiarse sea por el motivo que sea. Lo es porque disfrutar de la música guarda muchísima relación con nuestros estados de ánimo. “Javelín” puede ser hoy mi disco de la vida, y mañana podrían serlo “Mid Air”, “Volcano”, “SCARING THE HOES” o “The Silver Cord”, por poner unos pocos ejemplos. Así que préstenle a los puestos una importancia relativa y piensen solamente en la cantidad de horas de buena música que se reúnen en una única lista. —joan s. luna

PLAYLIST Escucha aquí el TOP 100 de canciones internacionales >>

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Sufjan Stevens Javelin

Asthmatic Kitty/Popstock! FOLK POP / Este disco va más allá del regre-

so de Sufjan Stevens al modo cantautor folk pop, eso es cierto en el esqueleto de las canciones, pero su sonido se expande, incluyendo pequeñas pinceladas de su amor por la electrónica y su gusto por el pop barroco y colorido. Es una especie de perfecta síntesis de sus distintas etapas, con varios cortes que le confirman como uno de los mejores compositores del siglo XXI. Las canciones comienzan con unos ligeros arpegios de guitarra o una breve línea de piano antes de convertirse en sinfonías con toques electrónicos, crescendos orquestales y maravillosos coros femeninos. Si bien es cierto que vuelve a colocarse como el heredero de Nick Drake y Elliott Smith, en cuanto a la tristeza y la melancolía, logra con esos crescendos musicales contrarrestar esos sentimientos, como si compartiera contigo una tragedia y luego decidiera animarte. Una obra maestra. —sergio ariza

Grian Chatten

Chaos For The Fly

Boygenius

The Record Interscope INDIE / Da la sensación de que Phoebe Bridgers,

Lucy Dacus y Julien Baker se han tomado su colaboración muy en serio. Quizás se hayan dado cuenta de que juntas tienen más fuerza e incluso posibilidades de alcanzar cimas más altas que en solitario. Su aventura no parte de una estrategia falsa o creada en un despacho de discográfica, sino que surgió como fruto de la química que consiguen trabajando juntas. Unidas pueden exprimir su inconformismo y que cada acción suya sea una reivindicación de su independencia y libertad como artistas. Tres personalidades distintas, pero complementarias. Entre ellas no hay competitividad alguna, sino sororidad y, sobre todo, ganas de crear algo juntas. Phoebe Bridgers es la

más profunda y sensible, Lucy Dacus escribe historias cotidianas con el cuchillo entre los dientes y Julien Baker es la más punk y guerrillera. Con estas cartas sobre la mesa, han grabado un disco que había generado grandes expectativas y, por qué no decirlo, cierta incertidumbre. Lo bueno de “The Record” es que nos ofrece justo lo que esperábamos. Y es que las sorpresas no son necesarias cuando tienes un puñado de canciones estimulantes que ofrecer. Con aplomo y seguridad, comienzan a modo de introducción y a tres voces con “Without You Without Them”. A continuación, se dejan llevar por el ramalazo alternativo y noventero de “$20” y, con “True Blue”, nos ofrecen cinco minutos deliciosos en que alternan funciones. En “Cool About It” suenan como lo harían Simon & Garfunkel en el siglo XXI y en “Not Strong Enough” nos ofrecen un estribillo pegadizo como pocos. Desconozco si “Leonard Cohen” es un homenaje, pero “Satanist” sí lo es a ese sonido que, hace treinta años, pusieron en danza nombres como Veruca Salt, Belly o Bettie Serveert. Y cerrando, una “Letter To An Old Poet” que nos deja muy claro que Boygenius no es para ninguna de ellas un simple pasatiempo. —toni castarnado

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Partisan/[PIAS] FOLK POP / ¿Capricho paralelo? ¿Brindis

al sol? ¿Fruto del horror vacui? Absolutamente nada de eso. Este primer disco a su nombre confirma lo que cualquiera podía sospechar: que Chatten de las grandes voces del pop de los últimos cinco años. Un digno legatario de Morrissey, Nick Cave, Jarvis Cocker o Neil Hannon, tal y como se nos destapa aquí. Un letrista, cronista y vocalista mayúsculo, más versátil que nunca. Cualquier duda razonable acerca de su valía sin el sostén de Fontaines D.C. se volatiliza de un plumazo. Sin el nervio post punk, sin las guitarras afiladas y el chute de electricidad de sus compañeros, el dublinés no solo no empequeñece: entra en otra dimensión. Preñada de lirismo, delicadeza, vulnerabilidad y una emoción serena. Porque la honestidad ya se le supone, como decían del valor y los soldados. Un dechado de pop artesanal en el que las guitarras acústicas, los violines y los pespuntes electrónicos conviven en plena armonía, perfilando un trabajo de folk del siglo XXI. —carlos pérez de ziriza diciembre 2023 #33

Fueron los mejores... 1994

1. “Crooked Rain, Crooked Rain” Pavement 2. “Sleep With Angels” Neil Young 3. “Experimental Jet Set, Trash and No Star” Sonic Youth

1995

1. “To Bring You My Love” P.j. Harvey 2. “Post” Björk 3. “Maxinquaye” Tricky

1996

1. “Roots” Sepultura 2. “Pre- Millenium Tension” Tricky 3. “No Code” Pearl Jam

1997

1. “Ok Computer” Radiohead 2. “The Fat Of The Land” Prodigy 3. “Portishead” Portishead

1998

1. “Mezzanine” Massive Attack 2. “Acme” Jon Spencer Blues Explosion 3. “Rafi’s Revenge” Asian Dub Foundation

1999

1. “Mule Variations” Tom Waits 2. “The Fragile” Nine Inch Nails 3. “Midnite Vultures” Beck

2000

1. “Relationship…” At The Drive-In / “The Rising Tide” Sunny Day Real Estate 2. “Ágaetis Byrjun” Sigu Rós 3. “Xtrmntr” Primal Scream

2001

1. “Bleed American” Jimmy Eat World 2. “Rock Action” Mogwai 3. “Amnesiac” Radiohead

2002

1. “Yankee Hotel Foxtrot” Wilco 2. “Yoshimi Battles the Pink Robots” Flaming Lips 3. “Finally We Are No One” Múm

2003

1. “Transatlanticism” Death Cab For Cutie 2. “De-Loused In The Comatorium” The Mars Volta 3. “Elephant” The White Stripes

2004

1. “Franz Ferdinand” Franz Ferdinand 2. “A Ghost Is Born” Wilco 3. “Louden Up Now” !!! (Chk, Chk, Chk)

2005

1. “Funeral” Arcade Fire 2. “You Could Have It So Much Better” Franz Ferdinand 3. “LCD Soundsystem” LCD Soundsystem

2006

1. “Return To...” TV On The Radio 2. “Post-War” M. Ward 3. “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not” Arctic Monkeys

2007

1. “Neon Bible” Arcade Fire 2. “Kala” M.I.A. 3. “Myths Of The Near. Future” Klaxons

#34 diciembre 2023

ROMY

Mid Air

ANOHNI & The Johnsons

Young/Popstock!

My Back Was A Bridge For You To Cross Rough Trade

ELECTRÓNICA /Romy Madley Croft

Olivia Rodrigo Guts

Geffen

POP / A pesar de las colaboracio-

POP / La historia de Olivia Ro-

nos sorprendió gratamente cuando, en el último trimestre de 2020, decidía presentar su camino en solitario con un bop como “Lifetime”. Tres años después, llega su debut largo al margen de The XX. Para la producción, ha querido invitar a dos colegas con tan buena mano como Stuart Price (Madonna, Kylie Minogue, Scissor Sisters, al margen de su carrera en solitario) y la ya-nada-promesa Fred Again.., quien acaba de sacar disco junto a Brian Eno... que precisamente se les une en “Mid Air”. El mítico artista es uno de las colaboraciones extra, junto a S P, Koreless y, por supuesto, el mismísimo Jamie XX. Pero principalmente la mano derecha de Romy aquí es Fred Again.., y juntos han creado un debut que ya quisieran muchos. Romy ha querido hablar aquí de “el amor, el dolor, las relaciones, la identidad y la sexualidad”, y de la “celebración, santuario y salvación en la pista de baile”, tratando de hacer “una carta de amor a los clubes queer” donde la artista encontró comunidad y conexión. Lo ha conseguido. —pablo tocino

nes en 2022 con Neneh Cherry y Hercules And Love Affair, a ANOHNI le habíamos perdido prácticamente la pista. Tras la electrónica y la experimentación. de “Hopelessness” (16), ANOHNI se enfrenta otra vez a la melancolía, sin forzar la máquina, dejando que las cosas fluyan y con la vista puesta en el significado global hace cincuenta años de “What’s Going On” (71) de Marvin Gaye. Pero sobre todo haciendo lo que más le gusta: canciones que queden para siempre en la memoria de quienes las escuchan. Por eso “My Back Was A Bridge For You To Cross” se abre con “It Must Change”, el inicio soñado, el reencuentro con ese viejo amigo al que añoras. Se mece en la sensibilidad puntual de la música soul, se arropa con arreglos de cuerdas de Rob Moose –sublimes los de “Scapegoat”– y nos inunda con la arrebatadora y suave voz de ANOHNI en canciones como “Rest”, una pieza lánguida y profunda en la que afloran esos rasgos suyos tan característicos y por los cuales se ha convertido en ícono y leyenda. —toni castarnado

drigo es conocida, ex estrella Disney saca disco y se convierte en estrella pop, siguiendo los pasos de Britney Spears, Miley Cyrus o Selena Gomez, pero, a diferencia de ellas, su primer disco (“Sour”, 21) recibe el beneplácito de la crítica y logra que las comparaciones cambien hacia Billie Eilish y Lorde, artistas que también escriben sus propias canciones y que sacaron también grandes discos a edades anteriores a los veinte años. Ahora llega la difícil prueba del segundo disco, “Guts”, y la pasa con nota, añadiendo más guitarras, algo que en el panorama “mainstream” actual se puede considerar casi revolucionario, y esas baladas de piano marca de la casa que la emparentan con Lorde. “Guts” suena, a veces, como dos discos distintos, por un lado la parte más punk pop y guitarrera, donde suele utilizar un refrescante sarcasmo sobre sus relaciones y, por otro, las baladas de desamor devastador en las que se desnuda emocionalmente. Hay mucho talento aquí. —sergio ariza

Lana Del Rey

Jungle

Sunny War

AWAL/Popstock!

New West

POP / El disco más confesional,

FUNK / El dúo británico nos tie-

AMERICANA / Se muestra mucho

específico y explícito y, también, el disco menos accesible de todos los que ha publicado Elizabeth Grant. Uno que, de hecho, podría haber firmado así en lugar de como Lana, pero que al final tiene sentido que venga con su nombre artístico, ya que Lana es la de “Fingertips” pero también la de “Peppers”. —pablo tocino

ne secuestrados en la pista de baile. Un cuarto esfuerzo más enérgico, pero coqueteando con la beligerancia, en el cual los ecos funk y soul –marca de la casa-, dan lugar a producciones cristalinas mucho más musculosas. Jungle han hackeado el código del éxito.

más sólida y cargada de detalles que arropan sus tonadas con la guitarra y esa voz robusta que la identifica. Y por encima de todo, las canciones. Catorce joyitas que te envuelven y conmueven con la sabiduría de un alma vieja atrapada en un cuerpo de treinta y dos años.

Did You Know That There’s a Tunnel... Polydor/Universal

Volcano

Anarchist Gospel

—marta terrasa

—don disturbios

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Lo mejor de 2023 internacional

Caroline Polachek

The Blaze

Jessie Ware

Animal63

PMR/EMI

Verve/Universal

POP / La expectación por el espe-

ELECTRÓNICA / Han despertado

DISCO / El confinamiento trajo un

POP / Duke Ellington, Quincy

rado segundo álbum de Caroline Polachek era enorme. “Desire, I Want To Turn Into You” llega en el mejor momento de la artista, cuatro años después del aclamado “Pang” y con la magnífica recepción de singles como “Bunny Is A Rider” o “Welcome To My Island”. Nuevas canciones que han sido cocinadas a fuego lento en su casa y en el estudio, junto a su colaborador habitual, Danny L Harle, mientras la pandemia ocurría. En este álbum se exploran los contradictorios sentimientos que afloran cuando uno se enamora. Todo ello envuelto en letras metafóricas, una voz privilegiada y angelical, y una producción bizarra que conversa entre el pop mainstream (“Smoke”) y la experimentación más celta (“Blood And Butter”), industrial (“Billions”) o PC Music (“Fly To You”, con Grimes & Dido). Solo ella podría ser telonera de Dua Lipa mientras colabora junto a Sega Bodega, Charli XCX u Oneohtrix Point Never. Recoge lo mejor del mainstream y el underground y lo transforma en su propia movida. —álvaro tejada

recelo desde sus primeros cortes, como casi todo lo que ha derivado del french touch en los últimos tiempos. ¿Por efectistas? No hay trampa en la pregunta: ellos disponen por y para que la maquinaria de la emoción funcione… y siempre consiguen recibo. Voces graves, coros puntuales, percusión profunda, teclados calmos y, zas, tormenta. Son como esas películas con carteles diáfanos, un solo actor conocido y participaciones en festivales de monóculo. Cannes, Toronto, Berlín... Los primos Guillaume y Jonathan Alric saben hacer pasar historias de extrarradio, crisis generacionales, cotidianidad y bucolismo por el filtro de la publicidad. Pero eso no hunde sus aspiraciones. Al contrario, ellos son conscientes del juego. Un juego que les llevó con su primer disco, “Dancehall” (18), a coronar todas las plazas. Ahora quieren repetir, pero con balas bailables. El horizonte de expectativas se ha cumplido. Emoción –rápida– y baile. Nada más. —yeray s. iborra

resurgimiento de la música disco gracias a dos discos fabulosos, “Future Nostalgia” (21) de Dua Lipa y “What’s Your Pleasure?” (20), que sirvió para salvar la carrera de Jessie Ware, dejando atrás las tontas comparaciones con Adele y convirtiéndola en heredera de la corona disco de Donna Summer. Ahora vuelve con “That! Feels Good”, un disco que, como ya preveíamos gracias a adelantos tan sobresalientes como “Free Yourself” o “Begin Again”, no hace sino confirmar su excelente estado de forma y dejar claro que Ware quiere su corona y la quiere ya. No vende tantos discos como Dua Lipa o Beyoncé, pero la británica ha hecho más que nadie por traer las bolas de espejo de vuelta. Además, con un discurso abiertamente a favor de la libertad y el placer sexual, más clásico si cabe que “What’s Your Pleasure?” con vientos, cuerdas, guitarras funk y varios estribillos que se quedan grabados al instante. Ware deja claro que el lema correcto no era “Disco Sucks” sino “(With) Disco (You) Fuck”.

—sergio ariza

Jones, Stevie Wonder, Prince y ahora Jon Batiste ¿Exagerado?. Bueno el tiempo dará o quitará razones. Total, Jon solo tiene 36 años y ya atesora un extenso e inmaculado currículum lleno de grandes premios en el zurrón. Música popular elaborada con la sabiduría del que ha estudiado música hasta quemarse las cejas. Inspirado por esas ondas de sonido que surcan el espacio y que se descubrieron hace un par de años, sin que nadie sepa muy bien de dónde vienen, “World Music Radio” es todo un viaje musical a través de diferentes etilos que van del R’N’B, al soul pasando por el rap, gospel, swing, funk y por supuesto el jazz. Todo ello hilvanado gracias a multitud de colaboraciones con gente tan dispar como Lil Wayne, Lana del Rey o la catalana Rita Payés. Jon Batiste ha conseguido poner toda su inteligencia musical al servicio de un concepto: demostrar que la música es el lenguaje artístico que más y mejor puede destruir todas esas barreras que nos separan como humanos. —don disturbios

Desire, I Want To Turn Into You Perpetual Novice

Jungle

That! Feels Good

World Music Radio

The Armed

Foo Fighters

Sargent House

Sony

Scaring The Hoes AWAL

ROCK / Aquí hay emoción y me-

ROCK / Un trabajo marcado por la

RAP / Un viaje de adrenalina,

POP / Una carta protesta a acabar

lodías con gancho, mugre, perspectiva artística y un trabajo de producción y de interpretación magnífico. El concepto se basa en la voz de Tony Wolski transmutada felizmente en un crooner bolinga. Pensemos en géneros improbables: esto sería grind-pop.

pérdida reciente de seres queridos que se asemeja más al último gran álbum del sexteto, el variado e impecable “Wasting Light” de 2011. Grohl ya no esconde sus sentimientos en frases metafóricas. El título “But Here We Are” no puede ser más elocuente. Esto duele, pero ahí siguen y seguirán. —luis benavides

una vertiginosa persecución de coches en el inframundo. Imperan la disonancia y los giros súbitos. A menudo, los sonidos entran y salen de frecuencia, como si este fuera un proyecto concebido a partir de interferencias. Son los soberanos del hip hop experimental.

con una sociedad falsa y corrupta. Este primer álbum expulsa ira por todos lados, pero sobre todo refleja las ganas de cambiar muchas cosas. El disco pasa así por multitud de estados deslizándose por el drum’n’bass, colándose en el rap noventero o estirando esa energía lo-fi que tenían los epés previos. —álex jerez

Perfect Saviors

—adriano mazzeo

But Here We Are

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JPEGMAFIA & Danny Brown

Jon Batiste

—salomé lagares

Yaeji

With A Hammer XL Recordings/Popstock!

diciembre 2023 #35

2008

1. “Med Sud I Eyrum Vid Spilum End” Sigur Rós 2. “Third” Portishead 3. “Dear Siencie” TV On The Radio

2009

1. “Merriweather Post Pavilion” Animal Collective 2. “Wolfgang Amadeus ” Phoenix 3. “The Pains Of Being Pure At Heart” The Pains Of Being Pure At Heart

2010

Squid

1. “Teen Dream” Beach House 2. “The Drums” The Drums 3. “This Is Happening” LCD Soundsystem

O Monolith

2011

1. “Let England Shake” PJ Harvey 2. “Bon Iver” Bon Iver 3. “Father, Son, Holy Ghost” Girls

2012

1. “An Awesome Wave” Alt-J 2. “The Seer” Swans 3. “Kill For Love” Chromatics

2013

FBC

Fatoumata Diawara

Warp/Music As Usual

O Amor, O Perdão e a Tecnologia... Do Padrim

London Ko

POST-PUNK / Su segundo trabajo

POP ELECTRÓNICO / En su quinto

WORLD MUSIC / La superheroína

incide en los hallazgos de su debut (“Bright Green Field”, 21), quizá sin el mismo elemento sorpresa, pero con abundantes alicientes. Lo cerebral se da cita con lo visceral en una combinación que suele ser ganadora si se hace con la musicalidad de los británicos. —jc peña

larga duración, el artista brasileño se presenta respaldado por Pedro Senna y Ugo Ludovico para ofrecernos un disco que se acerca tanto a los setenta o a los ochenta como a las sonoridades de artistas como Jungle o Channel Tres. Es decir, sonidos retro para bailar. —ernesto bruno

marfileña de origen maliense retoma su camino de reivindicación y música total y lo hace de la mano de Damon Albarn, otra vez demostrando que su sociedad da resultados óptimos, cristalizando una simbiosis que resume de gran manera el encuentro de dos culturas. —adriano mazzeo

Montuno/Wagram

1. “Overgrown” James Blake 2. “A.M.” Arctic Monkeys 3. “Yeezus” Kanye West

2014

1. “Lost in the Dream” The War On Drugs 2. “Singles” Future Islands 3. “Everyday Robots” Damon Albarn

2015

1. “Carrie & Lowell” Sufjan Stevens 2. “To Pimp A Butterfly” Kendrick Lamar 3. “Every Open Eye” Chvrches

2016

1. “Skeleton Tree” Nick Cave & The Bad Seeds 2. “★“ David Bowie 3. “Let Them Eat Chaos” Kate Tempest

2017

1. “DAMN.” Kendrick Lamar 2. “Sleep Well Beast” The National 3. “Arca” Arca

2018

1. “Joy As An Act Of Resistance” Idles 2. “All Melody” Nils Frahm 3. “Vibras” J Balvin

Zulu

Feist

Mon Laferte

Flatspot Records

Universal

Universal Music

HARDCORE / Pese a estar impreg-

POP / Feist presenta unas cancio-

CANCIÓN / Libertad, exploración,

nado de hardcore, estos angelinos no se ciñen exclusivamente a gritar un par de verdades, sino que usan este género para dar forma a un manifiesto filosófico basado en la apertura mental y la reivindicación cultural con guiños al soul, al spoken word o al reggae. —adriano mazzeo

nes que han madurado en conciertos íntimos con la maternidad y el fallecimiento de su padre como hilos conductores. Las interpreta además con total naturalidad, con voz cristalina y con una guitarra tan pura que parece estar tocándola en la habitación contigua. —toni castarnado

metamorfosis... Hay muchas palabras poderosas que podrían definir el nuevo álbum de la chilena afincada en México, un salto de gigante como creadora completa. Fusiona géneros, respeta la tradición e incluso abandera su identidad más electrónica, pero sin perder su esencia. —álex jerez

A New Tomorrow

Multitudes

Autopoiética

2019

1. “Magdalene” FKA Twigs 2. “Ghosteen” Nick Cave & The Bad Seeds 3. “Igor” Tyler The Creator

2020

1. “Set My Heart On Fire” Perfume Genius 2. “Future Nostalgia” Dua Lipa 3. “Fetch The Bolt Cutters” Fiona Apple

2021

1. “Sometimes I Might Be Introvert” Little Simz 2. “Bright Green Field” Squid 3. “Actual Life” Fred Again..

2022

1. “Skinty Fia” Fontaines D.C. 2. “Dragon New Warm Mountain I Believe In You” Big Thief 3. “Mr. Morale & The Big Steppers” Kendrick Lamar

#36 diciembre 2023

Gabriels

Zach Bryan

Young Fathers

Atlas/Parlophone

Belting Bronco/Warner

Ninja Tune/[PIAS]

SOUL / Una maravillosa forma de

AMERICANA / Pese al título, no se

ROCK / Los escoceses han regre-

reunir en un mismo encuadre las razones que justifican su imponente e innegable salto a la fama, ofreciendo al oyente una elegante hora y media de magia en satín blanco, imperecederas orquestaciones cinematográficas, y los mil y un dones de la voz de Jacob Lusk. —fran gonzález

trata de un disco de debut, De hecho es el cuarto largo de este ex marine de los Estados Unidos reconvertido en cantautor crepuscular. Disco que lo ha puesto en el disparatero como joven promesa del género, obteniendo las loas de las que se han impregnado de sus canciones. —d.d.

sado con el mejor trabajo de su carrera, un cuarto disco con el que dicen volver a la fuente original, a África, al continente de las percusiones y los ritmos tribales del que descienden dos miembros del trío. Influencias muy variadas pero perfectamente cohesionadas. —sergio ariza

Angels & Queens

Zach Bryan

Heavy Heavy

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Lo mejor de 2023 internacional

Kelela

H. C. McEntire

Margaret Glaspy

Paris Texas

WARP/Music As Usual

Merge/Popstock!

ATO Records

Autoeditado

R’N’B / Dice Kelela que el inicio

AMERICANA / ¿Qué tiene la música

INDIE POP / Un álbum muy com-

RAP / El segundo “Mid Air” de

que da vida a “Raven” es como ese soplo de alivio que sueltas cuando por fin conectas y estás en paz contigo mismo. Un mensaje contra la marginación y de renovación que pone una vez más el mundo del r’n’b patas arriba. No ha dado ni un solo paso en falso en toda su carrera. —álex jerez

de H. C. McEntire que llama tanto la atención? Pureza y magia. Un timbre de voz cristalino y una delicadeza que no está al alcance de cualquiera. Tonadas de inspiración country-folk que surjen a borbotones de su guitarra para conformar un universo de belleza inusual. —don disturbios

pleto. Un disco en el que la autora se olvida de su soleada California natal y se sumerge en las calles de Nueva York, su ciudad de acogida. Pero sobre todo es un trabajo que atesora canciones con un enganche melódico enorme, a pesar de la simplicidad en su ejecución. —don disturbios

nuestra lista está firmado por el dúo rapero estadounidense que forman Pastel y Felix. Atesoran un bien preciado: personalidad propia y un universo particular que se mantiene pese a una diversidad en la que caben desde los ritmos raperos pesados al espíritu post-punk. —joan s. luna

Raven

Mitski

Every Acre

Echo The Diamond

Mid Air

Shame

Lankum

Dead Oceans/PopStock!

Rough Trade/Popstock!

Praise A Lord Who Chews... WARP/Music As Usual

INDIE POP / Solo un año después

POST-PUNK / La banda londinen-

FOLK / Folk tradicional combi-

POP / Alejado del murmullo azu-

de “Laurel Hell” –número uno en EE.UU. y nominación al Oscar por su tema para “Todo a la vez en todas partes”–, Mitski Miyawaki vuelve con el que posiblemente es su disco más oscuro, con la soledad como eje principal, aunque a su vez tenga cierta luz y le sobre calidad. —pablo tocino

se es una de las más inspiradas de la penúltima hornada crecida al amparo del Windmill Brixton. En su tercer asalto recuperan la espontaneidad añadiendo luz, y la jugada les sale mejor que bien. Y no se dejan por el camino su lado más arisco ni sus inesperados requiebros. —jc peña

nado con un expresionismo sonoro oscuro y angustioso, que suena a algo así como si mezcláramos a Fairport Convention con Nick Cave, pero solo con instrumentos acústicos y tradicionales. Sin duda, su mejor trabajo hasta la fecha.

—sergio ariza

frado de sus primeros lanzamientos, el nuevo trabajo de Tumor –el menos ambicioso y atrevido hasta la fecha–, es un álbum de conceptos y texturas elevados que lo acercan más que nunca al pop manteniendo su posición en el panteón de los artistas experimentales. —salomé lagares

The Land Is Inhospitable And So Are We Dead Oceans/Popstock!

Food For Worms

False Lankum

Yves Tumor

Mitú

Slowdive

Blur

Blink-182

Autoeditado

Dead Oceans/Popstock!

Parlophone/Warner

Columbia/Sony

ELECTRÓNICA / Cuando Julián

SHOEGAZE / Se fueron durante

POP ROCK / La inmersión de Al-

PUNK POP / Parecía que tanto

Salazar abandonó Bomba Estéreo para iniciar aventura con Franklin Tejedor, un verdadero maestro de las tradiciones rítmicas latinoamericanas, poco podíamos imaginar que a día de hoy continuaríamos disfrutando del universo electrónico de raíces de los colombianos. —adrián celaya

casi dos décadas, pero hoy en día parece que siempre hayan estado aquí. Y este quinto álbum no hace más que subrayarlo. Son Slowdive, totémica enseña de esa forma de entender el pop que juega con las texturas, la ensoñación desde hace treinta y cuatro años. —carlos pérez de ziriza

barn y compañía en la melancolía de la mediana edad, no redunda en un brindis al sol. La merma de brillantez, o al menos la carencia de combustión espontánea, la suplen con una cohesión incuestionable.Impera el sosiego, la reflexión, la saudade.

Blink-182 como sus fans se habían hecho demasiado mayores para entonar canciones con ese descaro que perdemos pasada la pubertad. Pero los californianos demuestran que uno puede hacerse mayor y seguir siendo un adolescente de corazón.

Astra

Everything Is Alive

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The Ballad Of Darren

—carlos pérez de ziriza

One More Time...

—montse galeano

diciembre 2023 #37

13.01.2024

WIZINK CENTER

Lo mejor de 2023 internacional

El Mató A Un Policía Motorizado

Queens Of The Stone Age

Caroline Rose

Model/Actriz

Matador/Popstock!

New West

True Panther/Popstock!

INDIE / Santiago Barrionuevo y

ROCK / El hecho de que la vida de

POP / Caroline Rose se suma a la

POST.PUNK / La penúltima sen-

compañía hacen gala de su laureada experiencia en el campo del desánimo para emerger más reforzados que nunca con un disco mayúsculo, repleto de impecables himnos, envenenados con esa prima de incertidumbre y precariedad emocional que la pandemia trajo. —fran gonzález

Josh Homme esté plagada de tribulaciones le hace mucho bien a su música. Esta es una placa que embandera el dolor y su (intento de) liberación. Riffs heroicos que siguen conmoviendo y unos arreglos vocales impecables capaces de convertir todo tema en hit. —adriano mazzeo

lista de elegidos que, escarbándose el lado izquierdo del pecho con sus propias manos, extrae una de esas obras que marcan un antes y un después, vital y artístico, en su carrera. Catorce descarnadas pistas a corazón abierto, fraguadas tras una ruptura sentimental. —david pérez

sación de la inagotable escena neoyorquina. Recogen el testigo de los esquivos Liars, en el sentido de reinterpretar las bases del post-punk tan bailable como visceral, en un disco tan cautivaador como intimidante. Diez cortes que insuflan turbio peligro. —jc peña

Súper Terror Primavera Labels

In Times New Roman...

The Art Of Forgetting

Dogsbody

Niña Tormenta

Sigur Rós

Sampha

Fever Ray

Autoeditado

BMG

Young/Popstock!

Rabid Records/[PIAS]

INDIE-FOLK / En esta época frené-

POP / Una versión especialmente

SOUL / Un trabajo más comunal y

POP ELECTRÓNICO / Si un aquela-

tica marcada por el algoritmo, la música de la chilena se antoja rareza y bálsamo a la vez. Se podría decir que su visión del folclore tiene un pie en el pasado y otro en el futuro. Entrelazamiento cuántico del que emana una belleza extraña, solo apta para oídos pacientes. —don disturbios

introspectiva y espectral de los islandeses. Un disco obsesivamente meditado, que se extiende con pulcritud y clasicismo hasta voltear su propia esencia y sonar turbadoramente contemporáneo. Su música seguirá sanando y no pasará de una moda a la que nunca ha pertenecido. —raúl julián

colectivo que su debut. Cuenta con grandes nombres entre sus créditos (El Guincho, Yaeji, Yussef Dayes, Morgan Simpson...), pero sin perder su dosis individual, el londinense depura una selección de soul, rap, jazz, dance y jungle de ensueño que emociona a la par que engancha. —fran gonzález

rre estuviera oficiado por una estrella del pop alienígena, sonaría exactamente así. Fever Ray nos mira como quien sabe algo más de lo que nos va a contar. No hay respuesta, no hay una gran revelación, pero una vez escuchado, ya no puedes salir. —eva sebastián

Las cosas lento

Black Country, New Road Live At Bush Hall

ÁTTA

King Gizzard & The Lizard Wizard

Lahai

Radical Romantics

Wednesday

100 gecs

Dead Oceans/Popstock!

Atlantic

Rat Saw God

10,000 gecs

Ninja Tune

The Silver Cord KGLWR/Virgin

POST-ROCK / Black Country, New

PSICODELIA / Se dice pronto, pero

ROCK ALTERNATIVO / Es solamente

POP / El segundo álbum del

Road no son un grupo, son un culto. Sobrevivieron a la devastadora fuga de su vocalista principal, pero han sabido sobreponerse entregando un disco en directo con material nuevo e inédito en el que la química entre los músicos sigue tan viva como siempre. —sergio ariza

“The Silver Cord” es el vigésimo quinto álbum de los australianos y supone una nueva vuelta de tuerca, esta vez electrónica a su insaciable apetito creativo. Y además por partida doble, cuando extienden los temas tanto como les apetece, ampliando de paso su poder hipnótico. —jc peña

un revival, pero ¿qué les hace especiales? De primeras en aquella década no había ninguna banda que mezclara las distorsiones con una pedal steel y ‘twang’ country; segundo, cualquier banda con tan buenas canciones dentro, merece ser alabada, suene a lo que suene. —sergio ariza

dúo es una extensión de sus esfuerzos anteriores: un sonido caótico y pirotécnico que mezcla pop-punk, nu-metal, chiptune, electrónica experimental y ska y una capacidad para explotar lo absurdo que les permite no estar limitados por ninguna regla. Pura diversión. —salomé lagares

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diciembre 2023 #39

Lo mejor JASON ISBELL & THE 400 UNIT FOTO: ARCHIVO

por estilos internacional

FOLK - AMERICANA Excelente añada

N AÑO MÁS, no hemos querido repetir en este resumen artistas del mismo género que ya aparecen en nuestro listado general. Por eso no vais a leer de nuevo los nombres de Sunny War, H.C. McEntire, Lankum, Zach Bryan y otros… Para poder dar cabida a más excelentes discos que agregar al reproductor. Y es que si algo nos vuelve a regalar este 2023 es una excelente añada de obras en la que la música de raíz estadounidense y el folk de autor han sido protagonistas. Al igual que lo han sido las mujeres, en una selección de evidente poder femenino. Aunque si nos ceñimos al número uno, hay que quitarse de nuevo el sombrero vaquero ante un Jason Isbell que disco a disco está labrando una carrera de leyenda. Pocos pueden hacerle sombra a pesar de que las nuevas generaciones vienen pisando fuerte. Solo hay que escuchar los trabajos de Margo Cilker, Kara Jackson o Joy Oladokun para darse cuenta de ello. Además, esta última nos ha regalado una de las mejores baladas del año “Sweet Symphony” formando un dueto imbatible con el gran Chris Stapleton. Cowboy infalible que ha demostrado en “Higher” su excelente estado de forma. Y luego tenemos el capítulo de las sorpresas. Y es que no puede calificarse de otra forma el excelente retorno de una veterana como Iris DeMent, tras una década de silencio discográfico. Lo mismo sucede con otra joya inesperada como la perpetrada por Julie Byrne con la muerte y el duelo como generador de belleza. Y a los nombres que nos quedan por citar como Margo Price, Grace Potter o Molly Tuttle, añádanle otros que han quedado fuera por poco como Corey Hanson, Turnpike Troubadours, Bella White, Anjimile, Joanna Sternberg, Kara Jackson, Whitney Rose…etc. —don disturbios #40 diciembre 2023

Top 10 1

Jason Isbell & The 400 Unit Weathervanes Southeastern/Thirty Tigers

Escucha aquí la PLAYLIST >> 6

Joy Oladokun Proof Of Life Republic/Universal

Kara Jackson Why Does The Earth Give Us People To Love? September Recordings

Margo Cilker Valley Of Heart’s Delight Loose Music

Julie Byrne The Greater Wings Ghostly International

Margo Price Strays Concord/M.A.U.

Chris Stapleton Higher Mercury Nashville/Universal

Grace Potter Mother Road Concord/Music As Usual

Iris DeMent Workin’ On A World Songs Of Iris

Molly Tuttle & Golden Highway City Of Gold Nonesuch/WEA

El primero Jason Isbell & The 400 Unit Weathervanes

Southeastern/Thirty Tigers UN DISCO QUE, pese a mantener la esencia del saber hacer compositivo de Jason Isbell intacta, presenta novedades. Él mismo se ha hecho cargo de la producción y ha cedido protagonismo a sus músicos para lograr que las canciones se aproximen más a lo que son en directo. Sigue manteniendo ese “toque” confesional marca de la casa que tan a favor juega en sus canciones. Puro disfrute. —d.d.

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Resumen por estilos internacional

METAL Los amos de la tierra

N UNA ÉPOCA DE TENDENCIAS pasajeras acuciada por la dictadura de la inmediatez y los algoritmos, Godflesh siguen a lo suyo. Fieles a sí mismos, imponentes y atemporales como un monolito de acero industrial, su post-metal incólume de ritmos machacones y guitarras abrasivas merece nuestro primer puesto por su solidez y su actitud ajena a cualquier intento de injerencia. En segundo lugar, los inclasificables y prolíficos King Gizzard & The Lizard Wizard entregan un nuevo ejercicio de thrash metal fresco y rotundo que deja una retahíla de futuras pistas para toda una nueva generación. Completan el podio los noruegos Dødheimsgard y su black metal vanguardista. Les siguen Khanate, con miembros de Scorn y Sunn O))) y su arisco drone metal, y Baroness y su enésima demostración de tenacidad y libertad creativas. Completan la lista el speed metal de Hellripper, el death metal de Autopsy y Cattle Decapitation, el heavy metal de The Night Eternal y el doom épico de Cirith Ungol. Como siempre, quedan fuera muchas propuestas interesantes que ejemplifican la vigorosidad de este género de géneros en permanente ebullición: desde el cambio de rumbo de Avenged Sevenfold al doom de Bell With, Green Lung y Sorcerer, pasando por el black metal de Urfaust, Afsky, Mork, Lamp Of Murmuur, Fires In The Distance y los colindantes Liturgy y Svalbard; el black thrash de Violent Sin, Diabolic Night y Cruel Force; el black death de Predatory Void, Sulphur Aeon y Mortuary Drape; el death metal de Incantation, Obituary, Suffocation o Vomitory, y el grindcore de The Hirs Collective. Todo ello sin olvidar la experimentación de Portrayal Of Guilt y Blut Aus Nord, o las últimas entregas de clásicos que mantienen el pulso como Voivod, Metallica, Cannibal Corpse y Megadeth. —david sabaté y edu tuset GODFLESH FOTO: ARCHIVO

Top 10

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Godflesh Purge Avalanche Recordings

Hellripper Warlocks Grim & Withered Hags Peaceville

King Gizzard & The Lizard Wizard PetroDragonic Apocalypse KGWL/Virgin

Cattle Decapitation Terrasite Metal Blade

Autopsy Ashes, Organs, Blood And Crypts Peaceville

Khanate To Be Cruel Sacred Bones/Popstock!

The Night Eternal Fatale Ván Records

Baroness Stone Abraxan Hymns

Maya Youssef Finding Home Autoeditado

Dødheimsgard Black Medium Current Peaceville

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El primero Godflesh Purge

Avalanche Records EN UNA ÉPOCA de tendencias absurdamente efímeras, el dúo de Birmingham capitaneado por Justin Broadrick mantiene su rumbo inalterable, al margen de injerencias, y lo mejor de todo es que con ello mantienen también intacta su singularidad. “Purge” (92) constituye, según la propia banda, una revisión de los conceptos y sonidos explorados en su celebrado “Pure”. Una actualización, tres décadas después, que reúne elementos conocidos pero no por ello menos estimulantes: cajas de ritmos propias del breakbeat, guitarras cortantes, samples y atmósferas opresivas. —david sabaté

enero 2022 #41

Resumen por estilos internacional

RAP ¿Qué forma de rapear es esta?

“

WHAT KIND OF RAPPING IS THIS?!”, exclama JPEGMAFIA al comienzo de “Scaring The Hoes”, el álbum que éste firma con Danny Brown y una buena síntesis de lo que muchos sentimos al cerciorarnos de las vueltas de campana que el género urbano por antonomasia ha dado en el último año. Sin lugar a dudas, y en lo que respecta a este juego de bases rompedoras y rimas disruptivas, el 2023 nos ha permitido atestiguar un unánime envite por el abandono de las claves y métricas más al uso, imperando así la experimentación, las fórmulas menos previsibles y el trabajo a pachas como señas de identidad propia. De qué otro modo se podría explicar si no que la colaboración perdida entre Danger Mouse y Jemini The Gifted One (“Born Again”, iniciado en 2004 y entregado ahora), la mezcla entre verbo y contundencia de Paris Texas (“Mid Air”), el viaje a la raíz de Earl Sweatshirt y The Alchemist (“VOIR DIRE”) o el antagónico choque entre El Michaels Affair y Black Thought (“Glorious Game”) sean ahora títulos indispensables de nuestra biblioteca anual de rap internacional. Pero además de propuestas que subrayan con crédito el deseo de sus responsables por pisar fuera del tiesto, el año que cerramos también nos ha hecho entrega de las bondades ofrecidas por la fina línea que separa la vanguardia del referente añejo (Joy Valence & Brae, “PUNK TACTICS”), la promisoria cantera que se viene (Portraits Of Tracy, “Drive Home”) o la inmortalidad de algunos iconos a los que la etiqueta old-school se les queda pequeña (Nas, “Magic 3”). Motivos para celebrar, un año más, la brillante orla de artistas que hacen grande el legado de un género marcado por el arrojo y la diversidad.

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Jpegmafia & Danny Brown Scaring The Hoes AWAL

Danger Mouse & Jemini The Gifted One Born Again Lex Records

Paris Texas Mid Air Autoeditado/The Orchard

Nas Magic 3 Mass Appeal

Earl Sweatshirt & The Alchemist Voir Dire Warner

Portraits Of Tracy Drive Home Autoeditado

Armand Hammer We Buy Diabetic Test Strips Fat Possum

slowthai UGLY Method Records

Joy Valence & Brae PUNK TACTICS JVB Records

El Michaels Affair & Black Thought Glorious Game Big Crown Records

El primero JPEGMAFIA & Danny Brown Scaring The Hoes AWAL EL PRIMER PROYECTO colaborativo de estos soberanos del hip hop experimental es un viaje de adrenalina, una vertiginosa persecución de coches en el inframundo. La velocidad es un elemento clave del álbum, y aunque acostumbra a ser supersónica, en ciertos momentos se rebajan las revoluciones de manera repentina, saboreando los latigazos que provoca la brusquedad del cambio. No son ocurrencias aisladas: en el disco imperan los giros súbitos. Los sonidos entran y salen de frecuencia, como si este fuera un proyecto concebido a partir de interferencias, como una superposición de pesadillas consecutivas. —salomé lagares

JPEGMAFIA & DANNY BROWN FOTO: SARAH MAKHARINE

—fran gonzález

Top 10

#42 diciembre 2023

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THE BLAZE FOTO: SARAH MAKHARINE

Resumen por estilos internacional

ELECTRÓNICA El estilo no importa

L ESTILO NO IMPORTA. Y es que en este 2023, que ya casi agoniza, la electrónica foránea parece mostrarse más variada, valiente y a su puta bola que nunca. Como debe de ser. Todo esto, y mucho más, exhalan los mejores álbumes de este último año. Parecía cantado que el magnífico “Jungle” del dúo francés The Blaze se iba a aupar a lo más alto de nuestra lista. Como, también, que no iban a poder faltar, bien arriba, los excelsos trabajos “Madres” de la peruana aberlinada Sofia Kourtesis; “Imagine This Is A High Dimensional Space Of All Possibilities” del maestro James Holden o “Playing Robots Into Heaven” del no menos magistral James Blake. Tampoco sorprende ver que la crítica oriunda nos hemos rendido ante las

Top 10

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The Blaze Jungle Animal63

Sofia Kourtesis Madres Ninja Tune

Barry Can’t Swim When We Will Land Ninja Tune

Loraine James Gentle Confrontation Hyperdub

James Holden Imagine This Is A High Dimensional Space... Border Community

Overmono Good Lies XL/Popstock!

Evian Christ Revanchist Warp/Music As Usual

Acid Arab ٣ (Trois) Crammed Discs

The Chemical Brothers For That Beautiful Feeling Virgin/Universal

James Blake Playing Robots Into Heaven Polydor/Universal

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excelencias del “Good Lies” de unos Overmono en estado urgente de gracia absoluta. No es inesperada la inclusión en este top del hedonista “When We Will Land” del escocés Barry Can’t Swim; el personal “Gentle Confrontation” de la británica Loraine James; el tranceroso “Revanchist” de Evian Christ o el cargado de raíces “٣ (Trois)” de Acid Arab. Con especial mención a los incombustibles The Chemical Brothers que se han marcado, a la vejez viruelas, este gran “For That Beautiful Feeling”, uno de los mejores compendios de su veterana carrera. Se quedaron fuera, y por poco, de esta selección anual, discarrales como el reciente “Action Adventure” de DJ Shadow; Skrillex y su “Quest For Fire” o “Again” de Oneohtrix Point Never, entre otros muchos “largo formato” igualmente sobresalientes. Lo dicho, estilos diversos en un año en el que, precisamente, el estilo no importa. —fernando fuentes

El primero The Blaze Jungle

Animal63 VOCES GRAVES, coros puntuales, percusión profunda, teclados calmos y, zas, tormenta. Los primos Guillaume y Jonathan Alric saben hacer pasar historias de extrarradio, crisis generacionales, cotidianidad y bucolismo por el filtro de la publicidad. Pero eso no hunde sus aspiraciones. Con su primer disco, “Dancehall” (18), coronaron todas las plazas. Ahora quieren repetir, pero con balas bailables. “Jungle” tiene las piezas para gustar a un nicho aesthetic, pero también a públicos más masivos. El horizonte de expectativas se ha cumplido. Emoción –rápida– y baile. Nada más. —yeray s. iborra

diciembre 2023 #43

Resumen por estilos internacional

UIDADO AL ABRIR LA PUERTA a las (mal) llamadas músicas del mundo! Porque cualquiera puede caer víctima del síndrome de Stendhal. Pero dejémonos llevar porque este ha sido un año para disfrutar. No hace falta más que atender a nuestra primera posición: Fatoumata Diawara. Música africana contemporánea con una voz hipnótica que ha seducido a Damon Albarn, al multifacético M o al pianista Roberto Fonseca, todos ellos entre los colaboradores presentes en su excepcional “London Ko”. Otro prodigio, Ali Farka Touré, vuelve a las listas diecisiete años después de su muerte a través de unas grabaciones inéditas que nos devuelven la magia de su blues maliense. Jonny Greenwood, guitarra de Radiohead y The Smile, y Dudu Tassa, cantante, guitarra y productor israelí, conforman un dúo muy especial en un trabajo sugerente con algunas de las mejores voces árabes. Hechizantes son el arpa de la galesa Catrin Finch y el violín de la irlandesa Aoife Ní Bhriain, uniendo tradición, música clásica y experimentación. También sorprendente es el trabajo de Peso Pluma a la hora de revitalizar valientemente los corridos regionales mexicanos a través de las músicas urbanas. Hacía veintidós años que el senegalés Baaba Maal no editaba nuevo disco, pero ha sido un placer descubrir que continúa siendo un maestro para combinar tradición y electrónica con su majestuosa voz. Muy moderna –y solemne– suena también a día de hoy la propuesta de la veterana cantante boliviana Luzmila Carpio en “Inti Watana. El retorno del sol”, un disco arraigado a la tierra. Igual de enraizados Tinariwen, pioneros del desert blues, vuelven con uno de sus mejores trabajos. ¿Y qué hacen unos punks como Son Rompe Pera en esta lista? Pues reivindicar sus raíces musicales a través de la marimba, pasando de la cumbia al rock de The Clash. Y cerrando, desde Anatolia, Altin Gün nos brindan una dosis de psicodelia con sabor turco. Ahora, a deleitarse con ellos. —miguel amorós

Top 10

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Fatoumata Diawara London Ko Wagram

Ali Farka Touré Voyageur World Circuit/BMG

Baaba Maal Being Atelier Live Ltd

Dudu Tassa & Jonny Greenwood JarakQaribar World Circuit/BMG

Luzmila Carpio Inti Watana ZZK Records

Tinariwen Amatssou Wedge

Catrin Finch & Aoife Ní Bhriain Double You Mwldan/ARC Music

Son Rompe Pera Chimborazo Aya Records

Peso Pluma Génesis Double P Records

Altin Gün Ask Glitterbeat Records

El primero Fatoumata Diawara London Ko

Montuno/Wagram LA SUPERHEROÍNA MARFILEÑA de origen maliense retoma su camino de reivindicación y música total y lo hace de la mano de Damon Albarn, otra vez demostrando que su sociedad da resultados óptimos, cristalizando una simbiosis que resume de gran manera el encuentro de dos representantes de culturas distantes. Albarn co-produce b hy aparece en los créditos de seis de las catorce canciones y contribuye a una obra de muy fácil escucha, no por una cuestión de simplicidad, más por el hecho de que los diferentes climas y también el gran plantel de invitados invitan a un viaje cultural de valor. —adriano mazzeo

FATOUMATA DIAWARA FOTO: ARCHIVO

WORLD MUSIC Sin fronteras

Resumen por estilos internacional

HARDCORE-PUNK Un nuevo mañana

UNQUE LAS GUITARRAS no estén en primera plana, el underground parece estar en plena forma. Son infinidad las bandas duras o no que se continúan acercando a géneros como el punk, el hardcore, el metalcore, el emo y todas esas etiquetas que tan bien conocemos los aficionados. Por lo menos eso es lo que se deriva de la cosecha de la temporada. Si el año pasado el número uno se lo dimos a Soul Glo, esta vez hemos optado por Zulu y su debut “A New Tomorrow”. Tenemos claro que no es un disco para todos los públicos, pero ese ya es otro tema. En cuanto al resto de nuestra lista, encontrarán una vez más un poco de todo, desde Fiddlehead o Samiam a Militarie Gun, si quieren cosas más accesibles, hasta Jesus Piece o The HIRS Collective (con un disco sorprendentemente plagado de invitados: desde Shirley Manson de Garbage a miembros de Thursday, Touché Amoré, My Chemical Romance...) si prefieren tralla. En cuanto a nombres que se quedan fuera, sabe mal que no hayan entrado nombres tan variopintos –del hardcore más neoyorquino y contundente al emo más accesible– como los de Sunami, Buggin, Scowl, Fucked Up, Jeromes Dream, Gel, Blood Command, Gumm, Hot Mulligan, Hotline TNT, Dreamwell, Heart Attack Man, Year Of The Knife, Initiate, Home Is Where, Ostraca, Taking Meds, los más rockeros ’68 e incluso los más alternativos Angel Du$t, ya sin miembros de Turnstile entre sus filas. ¿Que el mundo anda volcado con los sonidos latinos y urbanos? Tanto da, porque en algún lugar del planeta hay una banda rabiosa con las guitarras bien afiladas militando en la resistencia. Y eso nunca estará de más. —joan s. luna

Top 10

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Zulu A New Tomorrow Flatspot Records

Samiam Stowaway Pure Noise Records

Fiddlehead Death Is Nothing To Us Run For Cover

Jesus Piece ...So Unknown Century Media

Incendiary Change The Way You Think About Pain Closed Casket Activities

Koyo Would You Miss It? Pure Noise Records

The HIRS Collective We’re Still Here Get Better

Drain Living Proof Epitaph

Rancid Tomorrow Never Comes Epitaph

Militarie Gun Life Under The Gun Concord/Music As Usual

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El primero Zulu

A New Tomorrow Flatspot Records QUÉ AGRADABLE ES ENCONTRAR novedad en géneros tan machacados como el hardcore o el crossover. Porque, pese a estar impregnado con las coordenadas clásicas de estos estilos, el debut de estos angelinos no se ciñe exclusivamente a gritar un par de verdades, sino que usan este género para dar forma a un manifiesto filosófico basado en la apertura mental y la reivindicación cultural. Un manifiesto cuya banda sonora agresiva y progresiva se permite guiños al soul, al chill hop, al spoken word e incluso al reggae. —adriano mazzeo

diciembre 2023 #45

Las mejores películas internacionales

Larga vida al cine

A SIDO UN AÑO muy interesante para el cine. Ha sido el año del “fenómeno Barbenheimer” (siendo justos, “fenómeno Barbie” sobre todo), no en vano aparecen tanto “Oppenheimer” como “Barbie” en nuestra lista, aunque en posiciones bien diferenciadas. Pero también ha sido el año en el que dos grandes maestros como Martin Scorsese (“Los asesinos de la luna”) y Hayao Miyazaki (“El chico y la garza”) han ofrecido sus ojalá-que-no-últimas películas mientras una debutante nos ha enamorado (Celine Song y “Vidas pasadas”). Ha sido el año en que Hollywood daba la espalda a la visión crítica que le hacía Damian Chazelle en “Babylon”, el año del estreno en España de dos Palmas de Cannes muy distintas (“El triángulo de la tristeza” y “Anatomía de una caída”), y el año en que el blockbuster adulto continuó reclamando su espacio de la mano de Tom Cruise (“Misión Imposible VII”) mientras asistíamos al regreso de uno de sus mayores exponentes (“Indiana Jones y el Dial del Destino”), y su creador Steven Spielberg nos contaba su propia vida (“Los Fabelman”). Un año estupendo para el terror (“Scream VI”, “Beau tiene miedo”, “Skinamarink”, “M3gan” o las inclasificables “Oso vicioso” y “Good Boy”), pero también para un cine más modesto que se ha ganado un hueco en muchos cinéfilos (“Fingernails”, “Bottoms”, “Las ocho montañas”, “Lie With Me”), y para pesos pesados de la crítica como Hamaguchi (“Evil Does Not Exist”), Abbas (“Holy Spider”), Kaurismaki (“Fallen Leaves”), Koreeda (“Monstruo”). Y ojo, que al cierre de esta edición quedan por estrenarse la ambiciosa “Napoleón” de Riddley Scott, “Wonka” (Timothée Chalamet toma el testigo de Johnny Depp) o “Maestro” (el biopic de Bernstein por Bradley Cooper). Y eso sin incluir a nuestro Bayona que, en “La sociedad de la nieve”, nos cuenta la historia que muchos conocimos por “¡Viven!”. Y ese mismo grito se lo podemos aplicar al séptimo arte: ¡Larga vida al cine en 2024! —pablo tocino #46 diciembre 2023

1 Oppenheimer

Christopher Nolan COMO HICIERA YA RON HOWARD con la vida del matemático John Nash en “Una mente maravillosa”, un biopic transformado en thriller, Christopher Nolan convierte la versión cinematográfica de la vida del físico Robert Oppenheimer, padre de la bomba atómica, en un film de género que cruza una trama de supuesto espionaje con el cine de juicios. En esa búsqueda de aligerar algo tan plúmbeo como la física y las ecuaciones de tiza, Nolan es fiel a sí mismo y pone en marcha un engranaje fastuoso de música e imágenes que envuelve al espectador durante tres horas como antes lo había hecho en otros géneros como la ciencia-ficción de “Interstellar” o el cine bélico de “Dunkerque”. Desfilan decenas de personajes que giran en torno al gran triunfador de la sesión, un Cillian Murphy espléndido ante el mayor reto profesional de su carrera. Que el film no se pretenda como una hagiografía de Oppenheimer, le permite al actor irlandés explorar las aristas de un personaje que transita desde la locura hasta la compasión pasando por la soberbia o el angustioso desasosiego de haber ayudado a crear un arma de destrucción masiva. A su alrededor destacan una poderosa Emily Blunt un terrorífico Casey Affleck y Robert Downey, Jr, aunque algo histriónico en la parte final, en su papel de antagonista.—j. picatoste verdejo

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Lo mejor de 2023 internacional

Los asesinos de la luna Martin Scorsese

Scorsese nos entrega una obra total, en la que hábilmente adapta su cine de mafiosos a un marco de western crepuscular con Robert De Niro en una de sus interpretaciones más tranquilas a la vez que perversas. La cinta también constituye una lección de saber narrativo por el cual fluyen unas casi tres horas y media de metraje que aparecen justificadas en una obra de tal envergadura reivindicativa. Una historia de enormes resonancias morales. —j. picatoste verdejo

Almas en pena en Ishinerin Martin McDonagh

McDonagh construye un film político de alcance mayor sobre la absurdidad de los conflictos, la irracionalidad de los comportamientos humanos, los efectos nocivos del individualismo y la pérdida de la esperanza. Ambientada hace un siglo en una pequeña isla irlandesa, la decisión inesperada de un lugareño –Brendan Gleeson– de romper su amistad con su inseparable colega –Colin Farrell– inicia un conflicto de consecuencias inesperadas. —j. picatoste verdejo

La interpretación del dúo Robbie-Gosling le pone la guindilla al pastel dulcemente empaquetado que nos deleita en forma de carta de amor a las mujeres. “Barbie” rescata a un sector bajo la sombra de live actions y remakes poniendo fin a tópicos preestablecidos con elegancia y humor, convirtiéndose en un evento cinematográfico del que salimos con una sonrisa infantil iluminada por el color más radiante de todos: el rosa. —abel olivares

Ruben Östlund

Ganadora, entre otros premios, de la Palma de Oro en Cannes del pasado año, la película del director sueco Ruben Östlund es la mejor, y más descarnada crítica, que se ha visto en la gran pantalla estos últimos años al sistema capitalista y a las diferencias de clase . Una estructura basada en los roles de poder que una tormenta en alta mar puede acabar revirtiendo. Cine de autor tan ácido como inteligente, no apto para estómagos sensibles. —don disturbios

Las ocho montañas

Todd Field

Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch

Es significativo que esperase una historia de amor entre dos hombres, porque quizás no lo esperaría de una historia de amistad así entre dos mujeres; el corsé de la masculinidad y su representación en la ficción hace que se nos haga extraño ver cómo los personajes que con maestría interpretan Alessandro Borghi y Luca Marinelli tienen sentimientos muy fuertes el uno por el otro. Se admiran, se echan de menos, son cariñosos, se ayudan, se necesitan. Son amigos. —pablo tocino

Tár

SpiderMan: Cruzando el Multiverso VV.AA.

Una rara excepción. No sólo porque trate temas importantes, como si es posible separar la vida y la obra de un artista, la cultura de la cancelación o el abuso desde posiciones de poder, sino porque trata a sus espectadores como a personas inteligentes. No emite juicios. No toma partido. Te muestra los hechos que llevan a Lydia Tár, directora de orquesta y compositora, de la celebridad al abismo y deja que tú seas el que te hagas preguntas y reflexiones. —josé martínez ros

Antes de empezar a desgranar su artesanía pirotécnica, dejemos constancia que hay que valorarla teniendo en cuenta que se trata de la primera mitad de algo más grande. Es importante recalcar esto, porque el final es un cliffhanger que va a dejar a más de uno, con la boca abierta y diciendo “¿En serio?”. Dicho esto, toca abrir el corazón y dejar la dopamina fluir porque nos encontramos ante una de las películas de animación más bien animadas de la historia. —luis de la iglesia

El chico y la garza

La ballena

Hayao Miyazaki

Darren Aronofsky

Barbie Greta Gerwjg

El triángulo de la tristeza

Inspirada en la novela juvenil “¿Cómo vives?” de Genzaburo Yoshino, “El chico y la garza” es, en cierta manera, un paseo por la filmografía de Miyazaki, por sus obsesiones, sus valores, su absorbente estética, el acompañamiento musical de Hisaishi, o la ternura que despiertan la mayoría de sus personajes, incluso los que a priori no son nada tiernos. Comparada con obras anteriores, hay aquí además una mayor dosis de melancolía que la hace aún más especial. —pablo tocino

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Frente a la metáfora bastante clara que se hace con “Moby Dick”, de Herman Melville, Brendan Fraser se convierte en un monstruo en proceso de suicidio con una última obra que hacer: buscar la bondad sincera que esconden las personas que le rodean. Darren Aronofsky aprovecha esta excusa para criticar la política, la sanidad, la religión y la economía en un ambiente estadounidense. Sin embargo, en lo metafórico se queda un poco corto y algo azucarado. —luis de la iglesia diciembre 2023 #47

Los mejores cómics internacionales Con nombre propio

LEVO VARIOS AÑOS empezando este texto con aquello de que ha sido una excelente cosecha. ¿Pero qué demonios voy a decir si es totalmente cierto? No se aceptan dudas al respecto. Podemos entrar a discutir si el aluvión de títulos favorece o satura el mercado, si el manga ha generado nuevos públicos o si algunos superhéroes deberían tomarse un respiro, pero esos serían ya temas que nada tienen que ver con la grandeza de “Monica”, el esperado retorno de Daniel Clowes. Al margen de esté como esté el mercado, todas las seleccionadas seguirán siendo grandes obras que enriquecen el mundo de la viñeta y nos dan alguna que otra lección de vida por el camino. También son muchos los títulos que quedan fuera y que merecen una entregada. Resulta imposible listarlos todos, así que resumamos. Desde Japón, “Una mujer y la guerra” de Yoko Kondo; “Evol”, “Hacia el ocaso” de Nazuna Saitô, la nueva obra de Atsushi Kaneko; el preciosista y malsano “#DRCL. Midnight Children” de Shin’ichi Sakamoto o esas dos obras añejas pero fantásticas que son “El viaje de Shuna” de Hayao Miyazaki y “La fortaleza de papel” de Osamu Tezuka. Por no hablar de obras estadounidenses de lo más variopinto como “No te vayas” de Jordan Crane, “La maldición de la sal” de Hope Larson y Rebecca Mock, “El placer de la renuncia” de Keiler Roberts, “Glenn Ganges en el río de noche” de Kevin Huizenga o “Batman: un mal día. El acertijo” de Tom King y Mitch Gerads, y mixtas como “Night Fever” de Ed Brubaker y Sean Phillips o “Sargento inmortal” de Joe Kelly y Ken Niimura. Y lo mismo ocurriría si nos vamos a Europa, con obras del calibre de “El gran vacío” de Léa Murawiec, “La inevitable ceguera de Billie Scott” de Zoe Thorogood, “Haiku siberiano” de Jurga Vile y Lina Itagaki o “Por Tutatis” de Lewis Trondheim. —joan s. luna #48 diciembre 2023

1 Monica

Daniel Clowes Fulgencio Pimentel

SI SE TRADUJERA A LITERATURA su trama, “Monica” sería un imponente novelón que merecería sin lugar a dudas el calificativo de “gran novela americana”. El autor es capaz de condensar el sublime estudio de una existencia marcada por la historia y los mitos estadounidenses, a través de un sinfín de recursos gráficos. “Monica” nos relata la vida de una mujer, desde las azarosas circunstancias que dieron lugar a su nacimiento, a un final del que conviene no desvelar nada, pero al que le sienta bien el adjetivo apocalíptico, a partir de una serie de relatos autónomos que se conectan entre sí. Nueve episodios que homenajean a distintos géneros del cómic: a las historietas de guerra, de romance, de ciencia-ficción o de terror. Uno de sus grandes atractivos es la combinación del arte del autor, inspirado por su amor por los tebeos clásicos de los años cincuenta y sesenta, y su narrativa psicodélica, llena de extravagancias y desvíos extraños. Una joya imprescindible de uno de los maestros vivos del noveno arte. —josé martínez ros

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Lo mejor de 2023 internacional

Las muchas muertes de Laila Starr Ram V y Filipe Andrade Planeta Cómic

No importan las veces que Laila Starr muere, sino las que vuelve a la vida. Un apasionante relato que funciona como una extraña fábula sobre la vida y la muerte, que destila un hermoso misticismo. El tándem que forman Ram V y Filipe Andrade es un fuera de serie: texto y dibujo encajan en una simbiosis perfecta. Un delicado y profundo ejercicio que ahonda en la dicotomía vida/muerte desde una visión diferente, estimulante y bella. —laura madrona

La sangre de la virgen

Tras muchos años, por fin ya somos conscientes de la magnitud de lo que Sammy Harkham estaba cocinando con esmero y dedicación desde su laboratorio de ideas y pinceles. Un fresco despampanante de los suburbios cinematográficos del cine de terror en los setenta. Una gloriosa orgía de talento, plasmada por medio de una pulsión inequívoca del trabajo exhaustivo de investigación, para el cual Harkham fue la sombra de Joe Dante durante años. —marcos gendre

Roaming

Jillian y Mariko Tamaki Ed. La Cúpula

Monumental, escrita y dibujada con una precisión deslumbrante y exquisita. Esa magnífica pareja de baile que conforman las primas Jillian y Mariko Tamaki se mueve y danza con esa desenvoltura y maestría a la que ya nos tienen acostumbrados, pero esta vez ambas colaboran en la escritura. El guion tiene la amistad como eje principal de la historia. En concreto, la evolución de la amistad, con sus inevitables metamorfosis y transformaciones. —laura madrona

Olvidemos la lista de galardones obtenidos por “Alison”. Pretendamos que llegamos vírgenes no solamente a este cómic, sino a la vida de Alison y descubramos cada paso que da desde que abandona el pueblo costero y a un marido acomodado en un mundo que no parece para ella. Hipnotizada por una vida que no será lo que imaginaba y por hombres siempre dispuestos a decepcionarla, Alison aprenderá que la única salida es tomar las riendas de su propia vida. —joan s. luna

Más de cuatrocientas páginas, un dibujo de apariencia inocente y simpática, una historia autobiográfica de dos años trabajando en una plataforma petrolífera, y sin que lo parezca, una de las obras más feministas que podamos leer Y no precisamente por su militancia, sino sencillamente porque, relatando su experiencia personal, Beaton nos enfrenta –no sin humor de por medio– a lo que muchas mujeres viven como cotidiano en este mundo de hombres. —joan s. luna

Querido Callo

Tatsuki Fujimoto Norma

Aline Kominsky -Crumb Reservoir Books

Eclipsada por ser esposa de Robert Crumb y fallecida el año pasado, Aline se convierte en protagonista a través de un personaje complejo, divertido y salvaje, alguien que es imposible que no te caiga bien. De paso nos permite echar un vistazo lateral a la relación doméstica y nada tradicional con su marido. Después de leer “Querido Callo” sabemos dos cosas de ella: que era una grande del cómic y que vivió una vida que merecía ser contada. —josé martínez ros

Saturn Return

Akane Torikai Milky Way

Akane Torikai demuestra en este manga que es una maestra representando la soledad, el aislamiento, los momentos de crisis que trae aparejada la edad adulta. El suicidio de un amigo de la adolescencia es suficiente para que la protagonista, Ritsuko, deba afrontar un montón de hechos desagradables acerca de su vida, como una relación de pareja llena de secretos y una carrera literaria estancada. Y quizá, tras esa muerte, se oculta el mayor abismo. —josé martínez ros

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Kate Beaton Norma Editorial

Goodbye, Eri

Aunque el Fujimoto más shonen y gore, es bastante impresionante en sus series largas, el más intimista y el más experimental tenemos que buscarlo en sus historias cortas, como en esta “Goodbye Eri”, manga que trata la tragedia familiar y el suicidio con una tierna carta de amor al cine. Yuta comienza a hacer una película sobre los últimos días de vida de su madre. Su interés por el cine lo compartirá con la misteriosa Eri, la única fan de su obra.— manu gonzález

Alison Lizzy Stewart Errata Naturae

Sammy Harkham Fulgencio Pimentel

Patos

La espera

Keum Seuk Gendry-Kim Reservoir Books

Con “Hierba”, la artista coreana inició una trilogía de cómics que giran alrededor de las miserias y tragedias de su país. Y una vez más crea un cómic emotivo y humano, pero al mismo tiempo crudísimo. Con personas que –una vez más– no se han dejado derrotar por la vida, mujeres valientes que han luchado con uñas y dientes para que, exprimiendo lo poco que el mundo les ha dejado, el abismo y la desesperación no las engulleran. —joan s. luna diciembre 2023 #49

Los mejores libros musicales

Una pila que no deja de crecer

E LO CREAN O NO, esta lista ha sido una de las más complicadas de confeccionar de todas las internacionales de este año. Y el motivo no ha sido precisamente el que faltasen títulos para incluir, sino más bien todo lo contrario. Que se amontonen en nuestras estanterías los textos relacionados con el mundo de la música es bueno, de eso no tengan la más mínima duda, pero también es malo en el sentido de que resulta complicado absorber todo lo interesante que está viendo la luz traducido al castellano. Nosotros hemos seleccionado diez títulos a partir de las votaciones de diversos colaboradores y colaboradoras de nuestra escudería, pero puedo asegurar y aseguro que podrían haber sido otros diez títulos distintos y la lista hubiera quedado igual de apetecible e interesante. Lean nuestros seleccionados si los artistas les encajan, pero sepan que si no hay muchísimo e igualmente recomendable a lo que pueden acudir. Demostrarlo es tan sencillo como recordar que también han visto la luz en nuestro país “Viaje al centro de los Cramps” de Dick Porter, “God Only Knows” de David Leaf, “Diarios 1957-1982” de Jane Birkin, “Ese vicio delicioso” de Kid Congo Powers, “El diablo en coma” de Mark Lanegan, “No le cuentes a nadie los secretos que te conté” de Lucinda Williams, “Venas al frente, festines de sangre y mal gusto” de Lester Bangs, “Ciudadano Cash” de Michael Stewart Foley, “La vida extraordinaria de Little Richard” de Mark Ribowski, “Un mundo en cada canción” de Jeff Tweedy, “Queercore. Cómo punkear una revolución” de Yony Leyser, “Infancia y juventud. Memorias” de Fito Páez o la reedición de “Por qué importa Sinatra” de Pete Hammill, entre muchos otros. Hasta, si me apuran, podríamos incluir novelas como la fantástica “Reyes vagabundos” del irlandés Joseph O’Connor o el alocado “La Armada Invencible” del mexicano Antonio Ortuño. Vamos, todos a leer, que se acumulan la pila no deja de crecer. —joan s. luna #50 diciembre 2023

internacionales

Los Beatles marcando el tiempo Craig Brown Contra ES PRÁCTICAMENTE IMPOSIBLE desconocer su historia, pero seguramente nadie te la ha contado así. La aplastante omnipresencia de los Beatles –mediática, radiofónica, incluso casetera en los coches de nuestros padres y vinílica en sus salones – suscitó durante años la inapetencia de generaciones enteras que no encontraban misterio alguno en su fastuosa epopeya, documentada por activa y por pasiva. En ese sentido, soy de quienes empatizan al cien por cien con la visión que Kiko Amat transmite en el prólogo. Quizá lo que faltaba es que alguien con un demoledor sentido del humor, una aguda perspicacia para sacarle punta a lo más grotesco de la condición humana y una desbordante capacidad como cronista, nos diseccionase la relevancia cultural de los Fab Four en ciento cincuenta pildoritas. Eso es lo que hizo el periodista satírico Craig Brown con este libro, publicado originalmente hace tres años y ahora traducido al castellano por Ibon Errazkin. Ciento cincuenta breves capítulos que redundan en un buen tocho que, para sus seiscientas cincuenta y cuatro páginas, generan una lectura tremendamente ágil. Totalmente adictiva. —carlos pérez de ziriza

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Lo mejor de 2023 internacional

BB King. Rey del Blues Daniel De Visse Libros del Kultrum

Además de un acertadísima puesta en situación hablando de otros bluesmen de la época, este acercamiento al protagonista es certero y riguroso, con la cantidad suficiente de datos pero sin excederse, algo que acaba haciendo tediosos a algunos libros y, lo que es mejor, siempre contextualiza lo que está pasando alrededor de King. Un volumen totalmente imprescindible que debe dormir al lado de “Blues: La Música del Delta del Mississippi” de Ted Gioia. —eduardo izquierdo

Una furiosa devoción

Richard Balls Liburuak

Pocos músicos se me ocurren más interesantes que el que fuera líder de The Pogues. Que no les de miedo el a veces limitante concepto de “autorizada”. Eso no hace que se obvien sus adicciones, sus excesos con las drogas y sobre todo con el alcohol, sus complejos, su timidez exacerbada o sus problemas de adaptación. Aquí hay sinceridad a raudales. Nada se esconde. Y eso se agradece, porque eso convierte este libro en vida. Y la vida es lo más interesante que tenemos. —eduardo izquierdo

Vendido Dan Ozzi Neo-Sounds

La biografía autorizada de Shane MacGowan

La verdadera historiade la revolución Riot Grrrl

Sara Marcus Contra

La periodista y profesora universitaria Sara Marcus vivió de cerca los años del movimiento Riot Grrrl, y el gran mérito de su libro es hacerte sentir que estás justo en el meollo de aquella revuelta que se propagó entre 1991 y 1994. Es como una historia oral pero sin su encorsetado formato, convertida en un magnético relato, que ayuda a entender las contradicciones inherentes a un movimiento que plantó una semilla cuyos frutos son más que visibles hoy en día. —carlos pérez de ziriza

Buen pop, mal pop. Un inventario

Oasis Supersonic

No sorprende que las memorias de Jarvis Cocker no sean unas memorias. El cantante de Pulp despliega un inventario gamificado donde, como si de un Tinder de la memoria se tratara, los objetos de su desván son desechados (buen pop) o conservados (mal pop). Este juego unidireccional construye una juguetona literatura de Diógenes en la que Cocker, en el papel de un divertidísimo Proust melómano, explora un pasado en el que ya tenía muy claro cuál iba a ser su futuro. —daniel grandes

Las entrevistas autorizadas completas

Simon Halfon Libros Cúpula

Este libro compila aquellas entrevistas íntegras con los diferentes protagonistas (incluyendo a Liam y Noel) y que, debidamente editadas, dieron lugar al montaje final de “Oasis. Supersonic”. Unas declaraciones que crean una línea cronológica que permite seguir, desde dentro y narrada en primera persona por aquellos que estuvieron allí para vivirlo, la trayectoria de los hermanos Gallagher en un jugoso volumen ahora en castellano. —raúl julián

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Brian Johnson Contra

Padre y esposo a los diecinueve, fan del Newcastle United, amante de los coches y currante por necesidad desde su primera juventud en menesteres de lo más diversos, viniendo como venía de una familia muy humilde, Brian Johnson se destapa aquí como un narrador eficaz y vigoroso, sin florituras literarias pero detallista, tremendamente honesto y con una memoria asombrosa, al servicio de un relato adictivo que aúna dureza y humor, como la vida misma. —carlos pérez de ziriza

Las chicas al frente

Ozzi firma un libro imprescindible para cualquiera que haya disfrutado con el emo, el hardcore o el punk melódico de los últimos treinta años. En él, relata los distintos periplos de bandas como Green Day, At The Drive-In, Jawbreaker, Jimmy Eat World, blink-182, Thursday y algunas más desde sus inicios hasta su fichaje por una multinacional. Y lo hace profundizando en cada caso, contextualizándolos y compilando declaraciones de sus protagonistas. —joan s. luna

Jarvis Cocker Blackie Books

Las vidas de Brian

Peter Doherty

Un chaval prometedor Peter Doherty & Simon Spence

Alianza Editorial

El líder de The Libertines y Babyshambles asegura que no se guardó nada, alegando que tampoco hubiera tenido mucho sentido dado el ensañamiento que en su momento sufrió por parte de la prensa de su país. “Un chaval prometedor” es, efectivamente, otra de esas historias de sexo, drogas y rock & roll. Ni más, ni menos. Una especialmente jugosa y creíble, narrada por uno de esos tipos que decidió tomarse el eslogan al pie de la letra. —raúl julián

Bodies

Vida y muerte en la música

Ian Winwood Liburuak

Ian Winwood puede escribir libros sobre el punk rock de los noventa (recordemos su “Smash!”) o sobre Metallica, pero al mismo tiempo es capaz de publicar este ensayo. En él se sumerge en la cara menos explorada –por lo menos con estas intenciones– del mundo de la música: las adicciones y los desequilibrios mentales de los músicos, y todo ello con conexiones con su propia experiencia y con la de artistas con los que ha charlado. —joan s. luna diciembre 2023 #51

.LOS DISCOS.DE MI VIDA. s discos “Obviamente no son loesta de nuestra vida, pero o estos” semana hemos elegid

Dusty Springfield The Silver Collection (1988) Este es el recopilatorio de Dusty que nos tocó a nuestra generación. Salió en 1989. Son veinticuatro canciones con los mejores compositores, arreglistas y productores (Bacharach/David, Goffin/King, Ivor Raymonde, John Franz…) y la mejor voz. Y sobre todo Dusty eligiendo el repertorio que quería cantar, algo que no era normal en la época.

MGMT Little Dark Age (2018) Quizás sea el disco que más hemos escuchado en los últimos cinco años. El conjunto es un regalo, se nota el cariño que le pusieron en cada canción. Es algo que agradecemos mucho y que te hace volver a escuchar muchas veces un disco: las estructuras te sorprenden, cada arreglo y cada sonido son algo único, el tratamiento tan diferente en las voces. Chispeante y generoso. Parecen cinco grupos diferentes y todos nos gustan.

Phil Spector Back To Mono (1958-1969) (1991)

Hidrogenesse

Carlos y Genís son dos músicos y dos personas inquietas que han escuchado mucha música, toneladas de música. Solamente así son capaces de deconstruir el pop y crear algo tan personal como es Hidrogenesse. Este mismo año han publicado “Cielo repleto de naves extraterrestres” y “Ciutat de sorra”, dos bandas sonoras en su sello Austrohúngaro.

Michel Legrand & Jacques Demy L’Integrale (2013) Sólo por lo que hicieron en “Los paraguas de Cherburgo” ya merecen la gloria: una película en la que todos los diálogos están cantados, algo normal en algunos musicales o en la ópera, pero no en el cine. ¡Tener ese atrevimiento y además llevarlo a cabo con tanta gracia e inspiración! Legrand hizo para Demy aún más bandas sonoras memorables, melodías de las que se te quedan en la cabeza.

#52 diciembre 2023

Esto tiene trampa porque es un greatest hits de una década entera en Estados Unidos. Nacimiento, cúspide y muerte del pop, luego ya llegarían “los grupos”. Sencillo y denso. Exagerado y pegadizo. Producciones atrevidas y melodrama. Salió en 1991, nuestro año favorito.

Saint Etienne So Tough (1993)

Deee-Lite World Clique (1990) A finales de los ochenta y principios de los noventa vimos cómo se abrían las puertas de un mundo nuevo de música que mezclaba pasado, presente y futuro, pop, baile y hip hop, con total desparpajo y sin restricciones, y este es quizás uno de los discos más chulos de esa época. Todo en este disco está bien. No sobra nada, y hay tantas cosas que es imposible echar de menos algo. Podíamos haber elegido “Raw Like Sushi” de Neneh Cherry en esta categoría.

Normalmente elegiríamos “Fox Base Alpha” (92), pero por cambiar hoy escogemos su segundo disco “So Tough”. ¿Más de lo mismo? Puede que sí. No tiene el efecto sorpresa, la frescura y atrevimiento del primero, pero quizás tenga mejores canciones y la mezcla perfecta de las cosas que más nos gustan: el pop, los sesenta, la música de baile, la canción romántica, el sampling, los collage sonoros y la sensación de que tú también podías hacerlo. —MS

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A TU NAVIDA LE FAL D FNAC TA

BARCELONA, SPAIN SALA RAZZMATAZZ 5th APRIL 8:30 PM “GREATEST HITS” RELEASED DECEMBER 1st

Veinte años del “Speakerboxxx/The Love Below” de OutKast El hip hop se había convertido en un género superventas a mediados de los 90, en medio de esa estúpida batalla Costa Este-Costa Oeste que acabó con la vida de los dos máximos referentes del género, 2pac y Notorious BIG. En ese momento OutKast ya había comenzado a demostrar que el mapa caliente del género no se limitaba a las dos grandes ciudades, Nueva York y Los Ángeles, sino que entre el Atlántico y el Pacífico también había una fructífera escena en el Sur, con capital en Atlanta.—sergio ariza

PODCASTS MS

ESPECIALES

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Carlos Tarque Nos reunimos con Carlos Tarque en nuestro primer podcast con público a propósito de la presentación de su segundo trabajo al margen de la banda que le dio a conocer. En “Vol. 2” se presenta en solitario, aunque cuenta con la imprescindible ayuda de su mano derecha, Carlos Raya. En el disco sigue la senda de los sonidos más duros del rock de los setenta,

Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró T 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Iker Bárbara T. 665 050 639 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia sur@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González T. 699 339 245

La Pegatina

“In Utero” de Nirvana, la reacción al éxito de Kurt Cobain

#54 diciembre 2023

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Recibimos a Rubén Sierra y Adrià Salas de La Pegatina para charlar con ellos mientras andan sumergidos en plena gira de conmemoración de su vigésimo aniversario como banda. Una ocasión inmejorable para hacer un repaso exhaustivo, disco a disco, de su carrera en este nuevo episodio de “Música + Charla”.

Después del éxito descomunal de “Nevermind” (91), Kurt Cobain se encontró en una posición incómoda, por un lado había conseguido su sueño de infancia de ser una estrella de rock como su ídolo, John Lennon, pero, por otro, ahora tenía que lidiar con su nueva fama y el papel que le habían dado, el líder de toda una generación, en concreto la llamada Generación X.—sergio ariza

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Quique González El autor de “Vidas cruzadas” se acercó hasta nuestros estudios en Madrid para hablar sobre sus veinticinco años de carrera; un hito que está celebrando con una caja conmemorativa donde se incluye todo su cancionero en una edición espectacular, además de un nuevo disco llamado “Copas de yate Vol.I”.

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