Mondo Sonoro febrero 2024 by MONDO SONORO

Nº 325 febrero 2024 www.mondosonoro.com

Green Day Diablos

ejemplar gratuito GORKA URBIZU · MON LAFERTE · THE VACCINES · MARINA HERLOP · AMPARANOIA · SLEATER-KINNEY · COBRAH · NUDOZURDO

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5/Mondo freako Entrevistar a un artista de este calibre no es algo que ocurra todos los días. Disfrutamos con Gorka Urbizu (Lekunberri, Nafarroa, 1977) de casi una hora de agradable café en Bira Kultura de Bilbo, lugar de encuentro de agentes culturales por el que han pasado un buen número de artistas de todas las disciplinas. El motivo es “Hasiera bat” (Only In Dreams, 24).

FOTO: GUSTAFF CHOOS

GORKA URBIZU Un comienzo

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ACE UNA SEMANA que se ha publicado el primer disco en solitario de Gorka, otrora alma mater de los incombustibles Berri Txarrak. Nos confiesa que el revuelo que se ha formado en medios y sociedad en general le ha pillado por sorpresa. Y no le falta razón cuando dice que su disco “no es para todos los públicos. Es de alma muy minimal”. De hecho, ha sido un secreto bien guardado hasta que el pasado lunes 15 de enero nos entregara de sopetón el álbum entero en todas las plataformas digitales. Sin anuncios, ni adelantos en forma de single o videoclip, ni entrevistas, ni ningún tipo de declaración en los cuatro días inmediatamente posteriores a su publicación. Además, la entrevista que estáis leyendo ahora es la primera que ofrece a un medio musical en todo este tiempo. “Todo este absurdo de presentar los discos con un montón de anticipación, información y de exposición... es como si le quitaran un trocito de alma a la canción, como si fuera más importante el hype que se crea que la propia canción. Hay mil formas de hacerlo, no quiero pontificar sobre ello, pero con este disco quería apostar justo por lo contrario”. SE TRATA, A LA VISTA ESTÁ, de una apuesta profundamente anticomercial; sin embargo, la respuesta está siendo excelente, algo que se nota en la ilusión que siente Gorka. Con esta forma de entregar el disco, el oyente “llega de una forma muy pura al mismo”. Sin previas ni adelantos, “te enfrentas a diez canciones que no te esperabas, un lunes por la mañana. El blue monday: ahí ya llevamos el chiste al extre-

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MONDO MONDOFREAKO FREAKO

“

mo, el día más triste del año, ¡pues venga!”. Son diez temas y media hora para escuchar de seguido. “Hasiera bat” es una deconstrucción en toda regla, de quitar toda clase de artificios y capas de sonido a las canciones hasta dejarlas en su mínima expresión, aunque siempre dotadas de un magnetismo y una personalidad que hace de su sonido algo único. Lo ha grabado en el Teatre de Ca l’Eril (Guissona, Lleida) con Jordi Matas, quien también ha tocado en él (bajo y guitarra, principalmente), además de tres músicos que han grabado las baterías: Joan Pons, Ferran Palau e Ildefons Alonso. Entre todos han conseguido un sonido desnudo y minimalista, dentro del cual cabría imaginar otros contextos. Por ejemplo, “Toki bat”, Teoria bat” y “Lilura bat” incluso admitirían, con otro tratamiento claro está, el formato de la banda que se lo ha dado todo y a la que ha entregado su vida: Berri Txarrak. “Muchas veces eran canciones de pop vestidas de distorsión y con otro tipo de energía que las convertía en canciones de rock o de metal. Muchas que luego eran muy potentes, sobre todo en directo, su corazón era yo en mi sala con una acústica. Si a Berri Txarrak le quitas la distorsión te acercas muchísimo a esto que hay aquí. Ya desde el principio, aunque empezáramos siendo un grupo muy metal y muy fans de Megadeth, de Sepultura o de Su Ta Gar... Cuando sacamos ‘Denbora da polígrafo #6 febrero 2024

FOTO: GUSTAFF CHOOS

“Este es el disco que necesitaba”

bakarra’ (2014) ese punto era más que evidente. La influencia de Nirvana fue brutal. A mí me lo enseñó todo. Yo venía del metal y Nirvana me enseñó que sin tanta técnica se podían hacer muchas cosas. Y en ‘Nevermind’, las estructuras son superpoperas”.

CRITICANDO Hasiera bat Only In Dreams

8 POP / SIN GRANDES CAMPAÑAS de promo-

ción; sin adelantos en forma de single; sin previo aviso. El pasado lunes, 15 de enero, Gorka Urbizu publicó en todas las plataformas digitales el que es su primer disco en solitario. Algo que se podía intuir, aunque no supiéramos a ciencia cierta el cómo, el dónde y el cuándo. Se podría especular con un giro sonoro a atmósferas más sosegadas tras tantos años de tralla. Lo que inmediatamente llama la atención es el proceso de renuncia a los artificios y a las múltiples capas de sonido, si bien va incluso más allá: y es que la desnudez de su propuesta apunta a un minimalismo difícilmente comparable con todo lo que ha producido hasta ahora. La apuesta de Gorka es arriesgada y genuinamente anticomercial. Pero tengamos en cuenta que, tal y como sentencia el título de este trabajo, esto es solo “un comienzo”.—u.a.

EN ESTE DISCO, las canciones “están llevadas a lo básico. La premisa ha sido una elección estética, de decir ‘Bueno, venga, vamos a deconstruir’ y siempre ante la duda la decisión era quitar, podar, llevarlo a la mínima expresión siempre que la canción lo aguantara. Hemos cuidado eso, pero son canciones tan básicas ahora que se prestan a todo. Tú puedes meter ochocientos mil coros, puedes meter violines, puedes convertirlas en canciones de punk si quieres, y quedarían bien. Pero en este mundo hay una gran sobreexposición, sobre todo en el mundo de la música. El turbocapitalismo de las redes, y el algoritmo, te llevan a generar contenido cuando realmente el contenido deberían ser las canciones. Estamos metidos en una rueda absurda. Entonces, ante eso, mi respuesta ha sido ‘Bueno, no voy a hacer ningún adelanto y voy a desnudar las canciones’. A la hora de grabar tienes un montón de opciones, de ir sumando capas y capas, y aquí hemos ido al otro lado, hemos jugado un poco a la contra con todo”. Y en eso “Jordi Matas ha tenido bastante que ver. Hemos hecho un

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LA MÍA ¡Os queremos! tándem, bueno, también Joan, hemos hecho el disco un poco entre los tres”. Lo que pasa es que Jordi le ha obligado incluso a no ensayar. Dos o tres tomas y adelante [risas]. Después de este parón de cuatro años mi intención era acercarme a la música desde otro lugar. Hemos grabado con un ocho pistas analógico, lo cual es como llevarlo al mínimo total. Muy pocos micros, muy pocos instrumentos. Lo que escuchas es lo que hay. Muy poco artificio, porque yo quería un disco sin estridencias. No hay ni distorsión, casi no hay efectos de nada. Está todo muy crudo”. JORDI ES “EL MEJOR GUITARRISTA de jazz de Catalunya, pero aquí ha grabado el bajo. Y hemos elegido bateristas que no lo son, sino que son cantantes, guitarristas, etcétera. Y eso de no ensayar, por ejemplo, también nos ha llevado a esto. Porque si tú dices ‘Tengo dieciocho micros para grabar. Puedo grabarlos y luego ir eligiendo. Puedo hacer novecientas tomas’, es como lo de los móviles hoy en día, que puedes sacar mil fotos, y alguna habrá buena. Pero claro, si tienes uno analógico y el carrete te cuesta dinero, te tienes que pensar mejor cómo hacer la foto. Ya eso te pone en alerta a nivel creativo, y musicalmente es un poco lo mismo”. RESPECTO AL TRATAMIENTO del disco, podríamos hablar de hermetismo, quizás no en las propias composiciones sino por el objetivo final. “Cuanto más oyes el disco más detalles le pillas, porque es tan básico... Tampoco sabría definir este disco estilísticamente. Es el disco que necesitaba, ante tanta velocidad, ruido y spam que hay en el mundo, todo este bombardeo de imágenes, de noticias, de noticias falsas, esto es como un bálsamo”. Evidentemente, “tengo que hacer promoción y estoy haciendo entrevistas. Llevaba cuatro años sin dar una entrevista. Desde que dejé Berri Txarrak no había dado ni una. He empezado esta semana”. En directo, “me gustaría mantener la resonancia que tiene este disco: algo pequeño, bien cuidado, fino, elegante y que llegue al corazón”. —urko ansa

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EN CONCIERTO l Donostia 23 febrero. Intxaurrondo KE l Bilbao 28 febrero. Euskalduna Jauregia - Gaztea Sariak l Vitoria-Gasteiz 29 febrero. Sala Kubik l Iruña 12 abril. Zentral l Madrid 19 abril. Teatro Eslava) l Bilbao 27 abril. Kafe Antzokia l Miarritze-Biarritz 18 mayo. Atabal l Barcelona 25 mayo. Sala Paral·lel 62 l Azpeitia 7 junio. San Agustín Kultur Gunea

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A LO TENEMOS AQUÍ. Transcurrido el primer mes, ya podemos decir con firmeza que 2024 es toda una realidad. Y con él lo va a ser también el treinta aniversario de esta revista que tienes entre manos. Los más observadores ya se habrán fijado en que hemos modificado ligeramente nuestro logo para conmemorar este importante –al menos lo es para nosotros–aniversario. Y es que si, tal y como afirman las estadounidenses Sleater-Kinney en su entrevista, jamás imaginaron seguir en activo después de tres décadas sobre los escenarios, nosotros debemos reconocer que tampoco. ¿Lo peor? Pues ya os lo podéis imaginar: que los mismos tipos que iniciamos la andadura de Mondo Sonoro en octubre de 1994 tenemos treinta años más de achaques sobre nuestras espaldas. ¿Lo mejor? Que nos hemos mantenido fieles al espíritu fundacional de la revista, basado en la independencia y ese “hazlo tú mismo” que nos motivó en los noventa. Eso pensamos nosotros: que somos la misma revista alternativa y gratuita que inició su andadura con apenas dieciséis páginas en blanco y negro, con un zurrón repleto de ilusión, inconsciencia y desparpajo, que nos llevó del amateurismo a la profesionalización como el que no quiere la cosa. Y claro, con los aniversarios llegan las celebraciones, acciones y demás zarandajas. Por lo pronto cabe decir que hemos empezado a trabajar en ellas y que ya tenemos una primera cita que, como todos los años, nos hace especial ilusión. Así que toma buena nota porque el miércoles 20 y el viernes 22 de marzo en Madrid y Barcelona respectivamente, queremos que nos acompañes en ese clásico de la temporada en el que se han convertido nuestras Fiestas Demoscópicas. En concreto tendremos en el Teatro Barceló de Madrid a Las Dianas y Carlos Ares, mientras que en la sala Wolf de Barcelona tocarán El Diablo de Shanghai y Anabel Lee. Además ambas citas contarán son sendos artistas sorpresa que no podemos desvelar, pero que en ambos casos son de esos que suelen formar parte de la letra gorda estatal en los carteles de nuestros festivales. Además, y para no perder la costumbre de mantenernos fieles a nuestra filosofía de acercar la cultura a todo el mundo sin barreras, ambas citas serán gratuitas con invitación hasta completar el aforo de las salas. Por eso siempre aconsejamos máxima puntualidad para asegurar el disfrute. En cualquier caso, estad atentos a nuestras redes sociales porque os iremos informando del proceso para poder descargar las invitaciones. Así que, sin nada más que añadir, solo me resta daros las gracias en nombre de todos por acompañarnos en este viaje que ya dura tres décadas, y emplazaros a brindar con nosotros en estas nuevas citas demoscópicas. ¡Os queremos! —don disturbios

febrero 2024 #7

ENTREVISTA

Mon Laferte Libertad

Libertad, exploración, metamorfosis… Hay muchas palabras poderosas que podrían definir el nuevo álbum de Mon Laferte. “Autopoiética” (Universal Music, 2023) se presenta como un salto de gigante a la hora de presentar a la artista como una creadora al completo. —texto Álex Jerez —foto Mayra Ortiz

N “AUTOPOIÉTICA”, Mon Laferte juega a fusionar géneros, respeta la tradición, se abandera de su identidad más electro, pero jamás pierde su esencia. “Me encanta que empecemos con la palabra ‘libertad’. Siento que nunca he encajado en ninguna parte, pero es que tampoco quiero. ¿Por qué tengo que encajar a la fuerza? No sé, yo empecé a hacer música muy chiquita, comencé en los dos mil cuando el mundo era muy distinto. Eran todo etiquetas, encasillamiento, y a mí lo que me gusta es la música. Me gustan los boleros, me gustan las canciones románticas, me gusta la electrónica, el rock más alternativo… Por eso, yo no entendía por qué no podía ser todo eso a la vez”. QUEDAMOS CON ELLA en Madrid para hablar de este movimiento creativo tan importante, que llega en una etapa de su vida súper especial. “La verdad es que ha sido muy divertido hacer este disco. Estoy en un momento de mi vida de más calma creo yo. Hablando de mi interior, me siento como más tranquila, más plena. Y también por una cuestión de tener el control sabes. Siempre he tenido mucho control creativo, pero esta vez lo hice todo desde mi ordenador, o casi todo, y eso me dio una libertad que no tenía antes”. La maternidad y el paso del tiempo han convertido a Mon en una auténtica superviviente, en un ejemplo a seguir para muchas. Su voz sigue sonando fuerte, sus nuevas historias y discursos celebran la vida. Pero también demuestra, una vez más, lo importante que es romper todo tipo de cadenas para defender la música como arte al completo. “No tenía mucha idea de hacia dónde iba a ir el disco, pero sí tenía súper claro que la canción #8 febrero 2024

“ “Siento que nunca he encajado en ninguna parte, pero es que tampoco quiero”

que da nombre al álbum tenía que estar. La base rondaba mi cabeza todo el tiempo y sentía que esa era la energía del disco. Pero claro, no quise hacer más canciones con el mismo rollo, porque si no se iba a volver un disco completamente hacia ese género y yo quería que fuera un disco mucho más ecléctico. Lo que me interesa es el concepto de que tengas un viaje al completo, que pases por un montón de sitios. Pero sí, es una declaración de principios y ‘Autopoiética’ es uno de los temas en los que me siento más como una intérprete que usa su voz y la lleva al límite, que como una cantante. Me encanta cantar vaya, pero también me gusta ver cómo en ese tema solo digo cuatro palabras. Es todo un statement de que no necesito refugiarme solo en mi capacidad como cantante para hacer música”. MON LAFERTE SE ENCERRÓ en el estudio de su casa todo un mes para desarrollar durante el día este complejo proyecto junto a Manuel Jalil y Daniel Martínez, a los que considera grandes amigos. Por la noche, mientras amamantaba a su hijo, se dedi-

caba a escribir, en el silencio y la paz, las letras con las que llenar todas esas nuevas bases. “Yo si no tengo nada que decir mejor no le pongo letra a la música sabes, yo funciono así. Soy muy de preguntarme a mí misma qué quiero decir o sea qué me interesa de verdad para que cuando me suba al escenario a tocarlo en vivo lo sienta. Así fue cómo descubrí que necesitaba hablar de la cultura de la cancelación, del señalamiento… Pero también me estaban pasando cosas a nivel personal con mi pareja tras tener un hijo. Es súper difícil gestionarlo todo, tener un hijo es maravilloso, pero la pareja se rompe un poco y eso también era algo que estaba dentro de mí y necesitaba sacarlo con las canciones”. “AUTOPOIÉTICA” ES UN DISCO que vive por y para el arte. Un proyecto que celebra la vida, pero en ocasiones también te da un bofetón. “Es que yo creo que así es la vida. No sé, hoy me desperté y me sentía fatal, cansadísima, porque no dormí por el jet lag. Me decía a mí misma todo el rato qué hago y de repente me he puesto este abrigo de animal print y me he sentido súper poderosa. Creo que el disco es un poco eso: soy frágil pero sigo hacia adelante, después de nuevo me permito la fragilidad… Al final eso es la autopoiesis, la capacidad de recrearnos para sanar la herida y seguir adelante”. Un álbum de transformación y crecimiento que culminará en una exposición que Mon realizará el próximo año. “He invitado a colaborar a artistas en esta nueva aventura. El mexicano Fabián Cháirez, por ejemplo, creó una de las pinturas y, por otra parte, todo el imaginario de la portada lo realizó Bárbara Sánchez. Se lo comenté y se le ocurrió la idea de poner una cara en mi culo porque literalmente dice que soy muy cara de culo para hacer todo lo que hago [risas]. Pero lo hizo en plan como una pintura, con una iluminación especial que podría haber salido del Prado, ¿no? La exposición que comentas será para el próximo año e incluirá una instalación sonora, mis pinturas y bueno quiero que sea un viaje completo para que la gente disfrute de mi universo creativo más allá de la música sí”. —a.j.

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febrero 2024 #9

MONDO FREAKO

”

diez años él fue sobre todo el que no quería seguir más. Aunque no era el único. Y de hecho, fue ‘Chavo’ el que nos mandó un mail en el que nos decía que no iba a regresar, pero que si queríamos hacerlo nosotros que lo hiciéramos, porque él se quería seguir dedicando a la música desde el otro lado, desde las bambalinas”.

Austin TV Fieles instrumentales

“Nuestros seguidores son muy apasionados”

Austin TV son noticia en ESpaña por partida doble. Por un lado Montgrí, el sello de Cala Vento, ha editado “Rizoma” (Montgrí, 23), el regreso discográfico de la banda instrumental mexicana. Y por otro lado, se acaban de embarcar en una extensa gira Europea que lesha traído a nuestro país.

ACE DOCE AÑOS tuve el placer de conocer a Austin TV en Ciudad de México donde dos de sus miembros, Rata y Oiran, participaron como integrantes de la banda de apoyo de una pequeña gira promocional de Enric Montefusco de Standstill. Fue allí, en la fiesta de inauguración del Foro Indie-Rocks, donde pude comprobar de primera mano la eficaz contundencia de #10 febrero 2024

su post-rock instrumental tan abrasivo como atmosférico e hipnótico. Solo hay que escuchar las nueve composiciones de “Rizoma”, su álbum de retorno, para darse cuenta de ello. Y sí, hablo de disco de regreso porque la banda lo dejó en 2013, en parte desencantados por los entresijos de un negocio que incluso les impedía ser dueños al completo de sus propias grabaciones. Propiedad que han logrado recuperar a base de rascarse el bolsillo. (Acky, guitarra) “Así es. Se acordó una suma entre ambas partes y así fue. Y esa operación ha facilitado que ‘Fontana Bella’ (07), que no estuvo durante muchos años en ninguna plataforma de streaming, ya esté disponible y hayamos podido subir todo el material por nuestro lado. Y la verdad es que sí fue un gran avance que nos alentó a hacer algo más juntos”. Pero el retorno se ha cobrado sus bajas y Oiran, es decir, su guitarrista Mario Sánchez ‘Chavo’ se desentendió del proyecto no sin antes darles su apoyo en este nueva etapa del grupo. (Xnayer, batería) “Hace

ESE VACÍO HA SIDO CUBIERTO por otro enmascarado con el apodo Acky y de nombre real Héctor Fematt (Acky) “La primera vez que los conocí fue como en 2005 porque yo tenía mi banda en Tijuana, pero empezábamos a venir a tocar a la Ciudad de México. Aunque fue en Vive Latino de 2007, en el que yo iba a tocar en otro escenario, cuando coincidí con Rata y surgió una buena amistad. Y ya alrededor de 2014, empezamos a tocar juntos Rata y yo porque ya había parado Austin. Luego surgió la posibilidad de hacer un proyecto también con Xnayer y los tres montamos una banda que se llamó Desmemoriados. Por eso mi proceso de incorporación a Austin resultó ser algo como muy natural”. Y así con una reencarnación que completan Chiosan (sintetizadores), Totore (guitarra), Rata (bajo) y Xna Yer (batería) han regresado sin que el público de su país los haya olvidado, más bien todo lo contrario. (Rata, bajo) “La verdad es que no me había planteado por qué la gente se ha mantenido tan fiel a la banda, a pesar de su larga ausencia. Imagino que todos nos sentíamos un poco inseguros con la posibilidad de que la gente se hubiera olvidado de nosotros, pero una característica común que he visto en nuestros seguidores es que son muy apasionados. Y puede que, precisamente por hacer una propuesta instrumental, eso haga que la gente identifique la música con aspectos muy personales de su vida y quizás esa sea la clave de que sean tan fieles. Cosa que agradecemos de todo corazón”. —don disturbios

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EN GIRA l Zaragoza 1 febrero. Las Armas l Donosti 2 febrero.Dabadaba (con Ro) l Barcelona 3 febrero. Paral·lel 62 (con Cala Vento) l Reus 4 febrero. Racó de la Palma l León 8 febrero. Teatro Albeitar l Bilbao 9 febrero. Kafe Antzokia (con Cala Vento) l Manresa 10 febrero. El Sielu. Guirigall Fest

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The Vaccines Nostálgicos pero esperanzados #14 febrero 2024

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ENTREVISTA

Los londinenses The Vaccines regresan con “Pick-Up Full Of Pink Carnations” (Thirty Tigers/Popstock!, 24), nueva colección de canciones con la que vuelven a la inmediatez de sus orígenes, entre la euforia y la nostalgia. —texto JC Peña —foto Wrenne Evans

S MOMENTO de conectar con Justin Young, voz y líder de una banda que en su sexta entrega mantiene sus constantes vitales, pese a la salida en marzo de 2023 del guitarrista Freddie Cowan. Lo suyo es el indie pop de guitarras de inspiración new wave y estribillos luminosos con un regusto melancólico. Tras los experimentos relativos de su anterior álbum, su nuevo trabajo les devuelve a su esencia. Los brillantes dos minutos del single “Love To Walk Away” son la piedra angular de un trabajo que Young y su banda han compuesto y grabado codo con codo en Los Angeles con el productor Andrew Wells (Halsey, Phoebe Bridgers). El técnico imprime ese tono tan contemporáneo como deudor de clásicos del pop que van de los cincuenta a los sesenta y el rock americano ochentero. “Hay veces en que te metes a hacer un disco y sabes exactamente lo que quieres hacer. Otras tienes claro que estás listo, pero realmente no sabes cómo debería ser. Yo tenía unos pocos títulos de canciones y algunas letras, y teníamos la urgencia y el deseo de hacer algo. Pero no estábamos muy seguros de qué camino seguir. Fui al estudio con Andrew Wells, que acabó produciendo el disco, empecé a hacer música con él, compusimos ‘Love To Walk Away’ y nos flipó. Nos emocionaba la idea de hacer música un poco más ‘humana’ que en el último disco, como más ‘rock’, por usar esa palabra, algo más directo, quizá con más imperfecciones humanas, más visceral”. LOS DOS MINUTOS DEL SINGLE representan a la perfección el espíritu pop de la banda, como admite Justin. “Cuando hago una canción mi objetivo es lanzar el mensaje del modo más claro y conciso que pueda; desde mi punto de vista emocional y lírico, pero haciéndolo melódica y musicalmente interesante y directo. Cuando compones una canción que dice exactamente lo que quieres decir y del modo en

“ “Mi objetivo es lanzar el mensaje del modo más claro y conciso que pueda”

que lo quieres expresar, te quedas con una sensación alucinante. Me encantan las canciones que tienen una melodía potente, más que nada porque quiero que llegue el mensaje”. OTRO ELEMENTO CONSUSTANCIAL al cuarteto es esa mezcla de luminosidad con regusto amargo. “Supongo que es la vida. Siempre me ha parecido que las dos emociones humanas más fuertes son el miedo y la esperanza. Por un lado está esta especie de negatividad, de trepidación inherente a la psique humana. Pero creo que la esperanza es la emoción más poderosa. Es lo que hace que la gente siga adelante. La música pop no es tan vieja, tiene como sesenta años, y gran parte de ella tiene letras muy tristes y melodías luminosas. Creo que si todo fuera feliz, sería demasiado azúcar. Disfruto mucho de este equilibrio con The Vaccines”. EL TÍTULO (“Camioneta cargada de claveles rosas”) tiene toda una historia detrás. “Apunté la frase sin saber de dónde venía y la guardé durante siglos. Me preocupaba que la hubiera robado de algún sitio. La googleé, me sonaba muy bien, pero quería asegurarme de que no la había pillado

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de algún sitio. Y un mes más tarde me di cuenta de que había recordado mal una frase de “American Pie”, la canción de Don McLean. Ya sabes, esa de ‘I was a lonely teenage broncin’ buck with a pink carnation and a pick-up truck’. Me hizo mucha gracia, porque esa cancion probablemente va de la muerte del sueño americano. Obviamente, distorsionamos sueños y experiencias: como que resulta fácil sobreestimar el pasado y engancharnos a la nostalgia. En realidad ése es el tema del disco: no saber si debes mirar adelante o atrás”. En la portada, una foto de su novia de entonces mientras conducían por el desierto de The Joshua Tree condensa bien esta idea. SOBRE LA PREGUNTA de si tiene especial mérito hacer música pop luminosa en estos tiempos agitados, el compositor da una respuesta matizada. “No sé si el cometido de la música es hacer eso, pero desde luego que es uno de sus propósitos. Al final creo que lo que tienen que hacer los artistas es escribir sobre aquello que les haga sentir algo. Dicho esto, no cabe duda de que tal y como está el mundo hoy tiene mucho mérito sacar música que te haga sentir bien y con la que te escapes un poco del dolor, la angustia y todo eso. Yo diría que probablemente ese ha sido el propósito de The Vaccines”. Justin admite que a estas alturas encarar un nuevo disco no es nada fácil. “Tienes que seguir teniendo el hambre creativa, y buscar nuevas fórmulas de crear. El primer disco lo compuse con mi guitarra acústica sentado en el borde de mi cama. No creo que pudiera volver a hacerlo, porque no me parece interesante o inspirador. Me gusta cambiar de ambientes y gente, probar instrumentos distintos. Prácticamente te tienes que engañar como si lo estuvieras haciendo por primera vez. A mí las letras y las melodías me vienen con facilidad, pero para ponerlo todo en una canción necesito estar en un ambiente que me haga sentir que lo estoy haciendo por primera vez, no que lo he repetido mil veces”. Y se muestra muy agradecido por mantener una fiel base de fans que están agotando las entradas para su gira. “Hemos perdido a un par de personas por el camino, pero los que seguimos pensamos que tenemos el mejor trabajo del mundo y la mejor vida a la que puedes aspirar”, concluye. —j.c.p.

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febrero 2024 #15

ENTREVISTA

MPARANOIA y Artistas del Gremio han conseguido llevar a otro nivel tanto los clásicos de la banda –no faltan “Que te den”, “Buen rollito” o “En la ciudad”– como canciones totalmente nuevas. Diez canciones en total que nos dan una idea muy aproximada de lo que se viene en la gira conjunta. El reggae, la rumba y el swing se mezclarán con música electrónica, secciones de viento-metal y aires charangueros por todo el país. En una coctelería del centro de Madrid, Amparo nos desvela los detalles de esta nueva aventura donde también estará acompañada de sus dos hijos sobre el escenario. —La relación con Artistas del Gremio se remonta a 2022, cuando grabasteis con ellos “Mi genética (charanga versión)”. ¿Cómo os conocisteis? Les trajo a mi vida el “algorritmo” del teléfono. Apareció un vídeo en el que estaban en un pueblo con sus faldas, su estilismo, su estética y un sonidazo increíble. Estaban haciendo una versión de “Killing In The Name” de Rage Against The Machine, y tenían a gente de todas las edades bailando, saltando. Me encantó el rollo que tenían y la energía que transmitían. Así que les di a seguir, y más tarde pensamos en hacer un videoclip y una versión nueva de “Mi genética”. Yo quería hacerla con ellos, les propuse y me dijeron que sí. Nos encontramos en el estudio y allí nos conocimos realmente. De esos días de convivencia nace mi invitación a que nos acompañen en el último concierto de la gira del veinticinco aniversario en Granada. Vinieron, hicieron la primera parte del concierto, y luego se subieron a tocar los temas. No habíamos ensayado, a la que oían la frase se pegaban rápido: improvisaban, se hacían solos, se iban para el público… Fue un concierto increíble. A los pocos días recibí una llamada de Laita, el líder de la banda, y me propuso que hiciéramos unos cuantos conciertos juntos. Le dije que sí, que claro. Se lo comentamos a nuestro manager y al equipo: “¿Cómo presentamos esto? Hace falta que hagáis, aparte de la “charanga versión”, algún EP o unos temas”. Ahí nació la idea, por un lado, de aceptar esta invitación y agrandarla, pensando que si íbamos a tocar los temas de Amparanoia yo quería darles un nuevo concepto, estético y musical, que ya había sentido en toda la celebración del veinticinco aniversario que me lo estaba pidiendo el cuerpo. A todo esto ya llevaba tiempo trabajando en el estudio con mi segundo hijo, Mayito. Habíamos hecho muchas producciones juntos, yo tenía cositas grabadas con él y dije: “El cambio va #16 febrero 2024

Acorde al espíritu mestizo con el que nació, Amparanoia sigue reinventándose, siempre con la incombustible Amparo Sánchez al frente. Esta nueva encarnación surge de la fusión con Artistas del Gremio, una joven charanga zaragozana con la que llevar sus temas a otro nivel. El resultado es “Fan Fan Fanfarria” (Mamita Records, 24). —texto Jesús Casañas —foto Rakel López

Amparanoia Fanfarria

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“ “El grupo ha sido el medio de vida que hemos tenido como familia”

CRITICANDO Fan Fan Fanfarria Mamita Records

7 MESTIZAJE / AMPARANOIA REGRESA con

su enésima encarnación. El proyecto de Amparo Sánchez se fusiona esta vez con Artistas del Gremio, una joven charanga zaragozana, para perpetrar tres singles nuevos (“Algo está pasando”, “La balanza” y “Fanfarria”) junto a siete nuevas versiones de clásicos de Amparanoia, donde no faltan éxitos como “Que te den” o “Buen rollito”. Una mezcla de metales, percusión, djs y bases electrónicas con aires balcánicos y festivos, donde los seguidores de la banda escucharán los temas “clásicos” con una nueva vuelta de tuerca. —j.c.

a venir por la electrónica y por la fusión de artistas”. Ahí aparece el concepto de “Fan Fan Fanfarria”, el nombre del álbum, la estética de circo y musicalmente el concepto de tirar para los Balcanes, para Orleans, y también para las fiestas del pueblo y la charanga. —¿Cómo habéis trabajado la instrumentación de los temas regrabados? Imagino que no queríais repetir lo que ya había en la grabación original. Claro. Cada tema ha tenido su proceso y su desarrollo. Quizá el que sigue más fiel a su origen es “En la ciudad”, porque no nos apetecía cambiar el tono del reggae y el dub. Pero a cada uno hemos intentado buscar algo. “Somos viento” creo que es el que más sorprende, no es la versión de estudio, que la tenemos, sino que elegí que fuera la versión del directo porque de verdad, de los pocos conciertos que hemos hecho

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en 2023, unos ocho, para rodar el equipo técnico, el entrenamiento, el conocernos, el ver qué pasa aquí, cómo sonamos… Cuando sonaba “Somos viento” pasaba algo muy especial. Luego “Welcome To Tijuana” sigue siendo muy latina, pero tiene un ritmo muy sabroso, muy actualizado. “Que te den” tira más para el electroswing, para Orleans. Esta canción que siempre ha sido más rockera, más mexicana. Y luego estoy muy contenta con “Tu ausencia”, es un tema que echaba mucho de menos en el repertorio. Me acuerdo que le cantaba a mi hijo: “Hay soledad… tucutucá tucutucá”, y él me decía: “Drum & bass, ¿no?”. Fue de lo más emocionante, cuando ya metí las voces e hicimos los arreglos de viento tan peliculeros. En directo tiene otra parte que no hemos incluido en el álbum que la gente se vuelve bastante loca. Eso es también lo bonito, haber preparado el álbum y al mismo tiempo esos temas y otros que no están en el álbum para el directo. Ha sido como un trabajo paralelo, las estructuras cambian en el directo, y hay otras sorpresas. —Ahora vas a empezar la gira de presentación. Sois quince músicos. ¿Cómo la vais a plantear? ¿Salís los quince a la vez? ¿Cómo vais a estructurar el setlist? Seremos los quince en el escenario, siempre que toquemos con Artistas del Gremio. Cuando no puedan venir a alguna fecha, el formato de Amparanoia seremos siete personas, pero ya con esta propuesta musical. Todos todo el rato en el escenario, cada uno en su lugar, intercambiándonos… Yo me he liberado bastante de la guitarra, la toco solamente en el bloque acústico, y el resto estoy bailando y pasándomelo bien. Ahora me voy al DJ, lo veo scratchear… Me lo estoy regalando a mí misma como: “Tía, llevas currándotelo un montón, disfruta y pásatelo bien”. Ellos son muy organizados. Estamos muy contentos, una relación muy abierta. Ellos tendrán sus conciertos y yo tendré los míos, dándonos mucha libertad. Realmente tocamos juntos porque lo deseamos, nos hace ilusión y nos lo pasamos bien. Es una parte que le va a llegar a la gente desde el escenario.—r.l.

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EN CONCIERTO l Vitoria-Gasteiz 23 febrero. Jimmy Jazz l Bilbao 24 febrero. Sala BBK l Madrid 02 marzo. Sala Villanos l León 16 marzo. Espacio Vias l L’Hospitalet de Llobregat 22 marzo. Salamandra

febrero 2024 #17

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ENTREVISTA

Marina Herlop Experiencias sensoriales

A Marina Herlop el éxito imparable que ha desatado su proyecto desde “Pripyat” (21) le ha pillado por sorpresa. Lejos de ralentizarse y decaer, la creciente carrera de la nueva exponente de la música experimental catalana alcanza un nuevo pico con “Nekkuja” (PAN, 23). —texto Abel Olivares —texto Angelo Guttadauro

ENTARME FRENTE a Marina Herlop es todo un privilegio. Tras lanzar su tercer elepé, dando continuación a “Nanook” (16) y “Babasha” (18), no esperaba para nada que algo tan pequeño e íntimo como su música despertaría tantas pasiones en el panorama que la vio nacer. Repentinamente, “Pripyat” la catapultó a la gloria de los artistas más arriesgados; infinidad de conciertos fechados a lo largo y ancho de Europa o América y grandes medios pendientes de ella, alabándola en las constantes reseñas

que le dedican. Siendo más concretos y al margen de la excelente recepción crítica en nuestro país, Pitchfork no la baja del notable. De ahí que conseguir concertar una cita para verla y charlar se haya convertido en todo un reto, pero… ¿Cómo ha reaccionado Herlop al verse bruscamente iluminada por el foco mediático y la cariñosa atención de un público que no para de crecer? “Uf… ¿A qué nivel, no? Lo he vivido de muchas formas. Está siendo la culminación de algo, cerrar un ciclo. Está pasando mucho más de lo que nunca esperaba que pasase. A nivel personal y laboral es muy

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gratificante, aunque existe un punto en el que te ves sometida a la sobreestimulación por girar tanto, ver tanta gente y tener experiencias maravillosas. Afloran signos de cansancio que tú quieres ignorar y es imposible; a la larga, dichas experiencias te confieren cierta sensación de desorientación. Te sobrecargan. Mi vida ahora mismo no se parece en nada a lo que era hace dos años. Ha pasado tan poco tiempo desde que estaba en el lodo que he dicho: ‘esto es ‘El show de Truman’. Aun así, mi proyecto sigue siendo muy pequeño. He vivido la música de forma tan lenta y meticulosa que me agobia un poco ver que, de pronto, hay tantas cosas por hacer rápido y non-stop. Los límites entre trabajar y no trabajar se diluyen. Pero vaya, siento una felicidad enorme. Tengo mucha suerte de poder estar haciendo esto. Doy gracias a diario”. Parte de la diversidad de emociones que siente tiene que ver también con la exigencia que se autoimpone. Le encanta ser pesada; pedir mucho y reivindicar que cada departamento perfeccione hasta el último pormenor. “Podría relajarme, pero no quiero”. Lamentablemente, las apariencias engañan: ver tu música reconocida a gran

febrero 2024 #19

ENTREVISTA

“

dades perturbadoras o de progresiones armónicas comprometidas y que es el reflejo consciente de esa etapa. “Me he atrevido a hacer algo más ligero. Me cuesta mucho encontrar un sendero concreto a nivel tímbrico, armónico y rítmico. No es cuestión de calidad, es cuestión de estilo”. Además, su intención (si es que tiene que transmitir algún mensaje) es la de contradecir la falsa creencia de pensar que el artista es un ídolo; alguien que posee unos atributos o cualidades de un orden ligeramente superior al del resto de humanos. Sin pretensión de criticar ni devaluar a los artistas que son admirados de esta forma, lo que busca es enaltecerlos a todos; igual que en cualquier otro oficio, curran como el que más. “Esa idea está anticuada. La gracia del jardinero es la de ensuciarse haciendo lo que hace. Es un proceso mucho más prosaico de lo que la gente pueda pensar”.

“Yo lo único que quiero es tocar de puta madre y hacer una música que flipas”

escala no siempre es algo positivo. Querer trabajar de forma pausada, encariñándote con cada detalle, entra en conflicto con la vorágine productiva de la industria. “Los tempos que necesita este tipo de música no van de la mano con el ritmo que llevo actualmente. Es incompatible. En algún momento tendré que parar en seco, si no no podré hacer música. Para mí [la música] es como una alquimia; poner tres gotas de ‘x’ y esperar a ver la reacción. Un laboratorio que no entiende de ‘lo necesito para ayer’. Requiere paciencia”. EN “NEKKUJA”, Marina nos habla de un jardín como metáfora del proceso creativo, una clara alusión al período de negatividad que supuso la gestación del mismo. Carcomida por la ansiedad y la incertidumbre, coincidió con la salida de “Pripyat” (que parecía no llegar nunca). “Era un panorama desalentador. Una espera constante. Pasé mucho tiempo destinando gran cantidad de energía a asuntos que no eran mi desarrollo como músico. Estuve distraída. Entonces llegó un punto en el que me dije: ‘Igual tengo que volver a ponerme las pilas con lo mío’. Sabiendo que las circunstancias de mi día a día no eran favorables, acabé refugiándome en lo que me gusta de verdad: el proceso creativo. Me #20 febrero 2024

di cuenta de que tenía a mi disponibilidad un jardín sinfónico al que poder acceder cuando quisiera y crecer sin limitaciones. No obstante, aquí viene lo interesante: este jardín no es un lugar de recreo ni alegría. No te diviertes. Lo que ocurre ahí es tortuoso, pero, por muy mal que lo pase, no puedo dejar de acudir a él. Si no lo hiciese, a mi vida le faltaría algo. Es pura intuición”. Herlop continúa especificando el origen de lo que hoy llamamos “Nekkuja”, título que, por cierto, no significa nada. Un vocablo inventado que surge de combinar las sonoridades ofrecidas por la palabra “Nené” y las películas “Tekkonkinkreet” (06) y “Koyaanisqatsi” (82). “El disco se origina en un encargo que nos hizo L’Auditori de Barcelona y que se pospuso por culpa de la pandemia. Confluyó con la idea a la que le estaba dando vueltas [El jardín] y preñamos el espectáculo de ella. De hacer ‘Pripyat’, ciertos temas se quedaron en el tintero. A partir de ahí fui desarrollando. El resultado es ‘Nekkuja’ y el encargo acabó siendo la gira de ‘Pripyat’ que, de hecho, terminé en 2019 y salió en 2022. Este disco igual. Llevaba listo, por lo menos, dos años y hasta ahora no ha visto la luz”. A PESAR DE TODO, la pierense ha dispuesto una paleta sonora que huye de sonori-

MÁS ALLÁ DE SEGUIR OFRECIENDO íntimos directos que rozan la fantasía mágica o de reclamar la vigencia de un tipo de arte que no tiene la necesidad de darle un sentido a todo, Marina afronta el futuro pendiente de varias incógnitas que pueden ver su carrera afectada. “Tengo muchas ganas de volverme loca otra vez. De tener breakdowns creativos. Siento que he cumplido tantas metas a nivel externo que, ahora, la deuda vuelve a ser interna. No te negaré que tengo la ambición de hacerme grande, pero yo lo único que quiero es tocar de puta madre y hacer una música que flipas. El don de la música es que es el arte que menos depende del mundo extramusical. A mí me gusta explotar eso: que solo sea música. El resto sobra. Regalarle a la gente experiencias sensoriales que les permitan montar su propia historia es mucho más divertido que crear un imaginario concreto. Si haces las cosas intuitivamente, sin pensártelo demasiado, el propio tiempo ya se encargará de darle un sentido. No me hace falta saber de dónde sale lo que hago. Me he encontrado con muchas personas que están deseando poder disfrutar de esto; música hecha de otra forma. Que no sea fast food. Aplicaciones como Tik Tok, fomentando versiones sped up, nos están haciendo enloquecer. A mí me desajustan la cabeza: si tengo que hacer un disco, mi cerebro no puede estar ocupado con eso. Cuantas menos distracciones tienes, más direccionada estás hacia lo que tú quieres hacer en la vida y, cuanto más direccionada estás, menos distracciones necesitas”. —a.o.

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Diez años de

PIPIOLAS

Jägermusic

Jägermusic, el proyecto musical de Jägermeister, cumple diez años como programa de apoyo a nuestra escena emergente. Un apoyo que no se ciñe exclusivamente a los artistas y las bandas, sino también a salas, festivales y clubes.

Dalila

lo largo de estos diez años, Jägermusic ha respaldado las carreras de infinidad de nuevos artistas, ayudando a consolidar algunas trayectorias y disparando otras hacia adelante. Podríamos citar nombres ahora habituales y de indudable repercusión en salas y festivales como Ginebras, Cariño, trashi, Shego, Yawners, The Parrots o La Plata, por citar unos pocos. ¡Ellxs también fueron Jägermusic! Además, durante esta década de actividad, Jägermusic ha ampliado su radio de acción con infinidad de proyectos centrados en la escena independiente y emergente, entendida en toda su amplitud. Eso significa que ha organizado giras (Jägermusic Tour); ha publicado una guía de tiendas en las que encontrar los discos que importan; ha lanzado varios vinilos recopilatorios e incluso la banda sonora de una máquina de Arcade. Y todo ello sin incluir su aportación a festivales, como el escenario en la pista de autos de choque y en el parking del Monkey Week o en una cabaña en el bosque en el Vida. Incluso ha colaborado en la producción

Marcelo Pantani

PINPILINPUSSIES

VATOCHOLO

NUEVE DESCONOCIDOS

TEO LUCADAMO

DALILA

MARCELO PANTANI

CIUTAT

PUBLIRREPORTAJE

de videoclips, sponsorización de salas, backline para artistas o merchandising. Y la aventura apenas ha empezado. Jägermusic continúa brindando su apoyo a los nuevos nombres con energías renovadas. Sin ir más lejos, ahora se dan a conocer los ocho nombres que se suman al roster del programa este 2024:

Ciutat

Malabaristas de la escena clubber –JP Sunshine y Guim, ambos del colectivo Mainline– han ampliado su radio de acción estilístico y tendrán nuevo disco este mismo año.

Nueve Desconocidos

Lo gótico, lo independiente, lo electrónico y las armonías españolas combinadas en una misma aventura musical cada día más sólida.

Pipiolas

Actrices y cantantes, Adriana y Paula aportan aire fresco con una personalidad musical madura y capaz de redondear arreglos preciosos.

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DJ y productora andaluza capaz de darle nueva vida al breakbeat y que se ha convertido en uno de los nombres imprescindibles de las cabinas de salas y festivales del país. Genio y figura en la escena electrónica barcelonesa también miembro del colectivo Mainline– que ha pasado ya por las más importantes salas de la península con su italo-body a ciento cuarenta.

Pinpilinpussies

Una catalana y una vasca creando universos rabiosos y eléctricos, garajeros algunas veces, punks otras, pero siempre con la melodía y el espíritu riot grrrl en el horizonte.

Teo Lucadamo

Alicantino afincado en Madrid, actor y cantante, Teo combina –en colaboración con Roy Borland– electrónica y hip hop para crear hits como “Ritmo”.

vatocholo

La música de vatocholo es el resultado de combinar géneros musicales –del rap al rock– y una experiencia vital que le ha llevado de México a Dinamarca, hasta afianzarse en Madrid. n febrero 2024 #21

ENTREVISTA

Carrie Brownstein y Corin Tucker pueden presumir de un decimosegundo disco tan sobresaliente como “Little Rope” (Concord/Music As Usual, 2024), sobre cuya gestación cayó a plomo el repentino fallecimiento de la madre y el padrastro de Brownstein en accidente vial mientras hacían turismo por Italia.

Sleat

Apret

—texto Carlos Pérez de Ziriza —foto Chris Hornbecker

ARRIE Y CORIN han recuperado la furia, la agresividad, la combinación de fiereza y dulzura que hacía de ellas, entre ochos muchos atributos, una de las bandas de rock más relevantes de las últimas dos décadas. Mucho ha tenido que ver lo acontecido en sus vidas y el estado del mundo que nos rodea, que tampoco es precisamente como para tirar cohetes. Así que esa combinación de duelo, angustia y rabia, en la que lo personal también acaba siendo político, y viceversa (como en cualquiera de sus discos anteriores), bombea con fuerza en estas doce vibrantes canciones, producidas con mano firme (y sabia) por John Congleton, experto en el diseño de texturas que funden crujido eléctrico con crepitar digital, y que llegan cuando las dos componentes del grupo bordean los cincuenta años y cumplen treinta como Sleater-Kinney. Hablo de todo ello con ambas a través de la pantalla del PC. “Es muy personal y emocional, muy de corazón”, me dice Corin. “El último disco era más insular, y ahora queríamos hacer algo que desprendiera más ansiedad, con guitarras más agresivas, más salvajes, más furiosas, más identificables con lo que siempre ha sido Sleater-Kinney”, abunda Carrie. Coincidimos. No hay duda de que esa era su intención. El mensaje llega claro y diáfano. Y ambas tenían claro que John Congleton era el productor indicado. “Llevábamos hablando con John desde 2015, cuando publicamos ‘No Cities To Love’, y creo sabe cuáles son nuestras virtudes y es muy hábil a la hora de extraer un sonido crujiente, sin miedo a explorar una paleta sónica que sea ligeramente fea, incluso a veces manifiestamente ruidosa, porque sabe cómo dar con un equilibrio entre eso y cosas que son más bonitas y melódicas”, dice Carrie. “Lleva las canciones a un lugar distinto, a veces imprimiendo un paisaje sonoro intimidante, con un sonido muy atmosférico”, redondea Corin. #22 febrero 2024

RESULTA OBLIGADO preguntarles si, dadas las trágicas circunstancias que rodearon la grabación, sienten que este ha sido un disco singularmente cauterizador. Contesta Carrie, obviamente: “Sleater-Kinney siempre ha sido un contenedor para canalizar emociones intensas y para reflejar momentos de nuestra vida que pueden ser celebratorios y alegres o bien intimidantes y dolorosos, y obviamente, he tenido que enfrentarme a la muerte de mi madre, que llegó cuando teníamos la mitad de las canciones grabadas, con lo que no debe

CRITICANDO Little Rope Loma Vista

9 INDIE ROCK / URGENCIA. MORDACIDAD. Abra-

sión. Todo lo que echábamos de menos en un disco de Sleater-Kinney desde "No cities to love" (2015) está aquí. Ya sea por la producción crujiente de un John Congleton que extrae oro del balance entre el chasqueo de lo digital y el restallido analógico de unas guitarras eléctricas que para Carrie Brownstein y Corin Tucker son herramienta distintiva, ya sea porque las dramáticas circunstancias que enmarcaron su grabación le confirieron ese carácter de duelo-que-no-quiere-parecerlo-porque-exprime-la vida, ya sea porque las de Olympia tratan de no repetirse nunca y esto es lo que ahora tocaba. Es un undécimo álbum vibrante, tan áspero como seductor, emocionante en todo momento, que rescata la capacidad del dúo para combinar fiereza e irrebatibles ganchos pop. —c.p.z.

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ter- Kinney

tando sin llegar a ahogar

“ “Queríamos guitarras más agresivas, más salvajes, más furiosas”

sorprender que la banda sea para mí también una herramienta para explorar todo el dolor por el que estaba pasando y aprender a sobrellevarlo, porque a nuestros fans también les ha servido nuestra música para lidiar con ciertos aspectos de sus propias vidas”, admite. Mientras, Corin amplía la visión a la combinación de ese elemento personal con el sociopolítico: “Intentamos reflexionar sobre el mundo en el que vivimos y contar historias personales en la piel de otras personas, porque pensamos que es la mejor manera de hablar sobre lo que nos ocurre colectivamente, pero no siempre es fácil”. “LITTLE ROPE” llega justo cuando Carrie Brownstein y Corin Tucker están a punto de cumplir treinta años juntas en el mismo proyecto. Desde 1994. Janet Weiss, quien se había subido al carro dos años después, en 1996, decidió dejarlo hace cinco. El trío quedó reducido a dúo, en su esencia. Aún así, las de Olympia nunca pensaron en disolverse. O al menos no lo calibraron ni más ni menos que con cualquier nuevo empeño. “Tras la marcha de Janet tuvimos que volver a comprometernos con el proyecto y reconectar con las razones que nos llevaron a Corin y a mí a formar Sleater-Kinney en 1994, pero incluso cuando Janet estaba en la banda, cada vez que nos poníamos a trabajar en un disco nuevo, solíamos hacer un ejercicio de auto indagación y preguntarnos qué es lo que significa Sleater-Kinney, por qué hacemos lo que hacemos y si queremos continuar por esa senda. Así que esa pregunta ha surgido siempre”, recalca Carrie. EN REALIDAD, cuesta extraer de cualquiera de las dos una reflexión que singularice su momento actual, porque consideran que todo forma parte de una continuidad. De un núcleo creativo inquebrantable. Incluso cuando les pregunto cómo se sienten al ser la única banda surgida del sustrato riot grrrl de los noventa en gozar de tal longevidad e impacto. “Empezamos ya en la escena post-riot grrrl, cuando aquello se estaba desvaneciendo, y aunque la gente aplicaba el término a nuestra música, siempre tuvimos claro que no queríamos ningún adjetivo modificador, ni ser vistas como un grupo de chicas ni como un grupo del riot grrrl”, afirma Carrie Brownstein, quien piensa que si lo lograron fue “a base de hacernos preguntas, desafiarnos a nosotras mismas y perdurar gracias a las canciones, que es lo que al final trasciende”. Y estas doce son categóricas, añado yo. —c.p.z.

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febrero 2024 #23

EN PORTADA

IDES UN DÍA SIN SUELDO en el trabajo, subes a un avión hacia Londres que va con retraso, alguien te derrama un potito de zanahoria sobre tu pantalón blanco. Uno de los músicos está enfermo y no asistirá a la entrevista. Ok. Aterrizas. Vas corriendo a por el tren. Vas corriendo a por el metro. Llegas a un hotel de esos que se dirían fancy y te predispones a escuchar el nuevo disco del grupo. ¡Ah! Por cierto, el cantante se encuentra indispuesto y tampoco podrá atenderte. Los altavoces no funcionan. Lo escuchas como puedes a través de un móvil, después en un ordenador que suena a lata y tomas notas con un bolígrafo al que se le acaba la tinta. Pero no pasa nada. No pasa nada porque la música tiene esa capacidad de emocionarte y hay ciertos grupos que llevas grabados a fuego bajo la piel de la memoria. Así que buscas corriendo otro boli y escuchas el nuevo disco de Green Day. Al final consigues sacar adelante una entrevista en dos partes en la que tienes la oportunidad de compartir puntos de vista con, ahora sí, Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool. SI DESGRANAMOS CON ATENCIÓN la playlist que los propios Green Day ha publicado en Spotify podríamos dibujar paralelismos con la carrera de los californianos. Más de tres décadas en las que se han forjado himnos generacionales y baladas que expanden el radio de influencia del grupo. También temas que pasaron sin pena ni gloria, joyas escondidas o inventos que no tuvieron el éxito esperado. Ahí están “Boulevard Of Broken Dreams”, “Holiday” o “American idiot”. También “Brain Stew” o “Basket Case”, aunque estos formen parte de otra liga. Y en esa misma línea se encaminan los cuarenta y seis minutos de “Saviors”. ¿El resumen de toda una vida? “Amo el punk rock. Lo escucho cada día, ya sea a través de nuevos grupos o bandas como Ramones”, contesta Billie Joe Armstrong al otro lado de la pantalla y prosigue: “Está en nuestro ADN, así que canciones como ‘Look Ma, No Brains!’ nos vienen de manera natural. En cierta medida me recuerda a canciones muy antiguas. El punk no se puede forzar, tienes que esperar a que llegue la inspiración”. Y no es la única. “Goodnight Adeline” o “Father To A son” bien podrían ser el equivalente de “21 Guns” o “Wake Me Up…”. De hecho, esa misma reflexión la hizo Mike Dirnt, bajista de la formación, en nuestro cara a cara londinense, justo después de pedir perdón bromeando por no ser Billie Joe. Sentado cómodamente en un sofá tan elegante como caro, reconocía el potencial de esas baladas y la importancia de explorar sonoridades nuevas para el grupo, llegándose incluso a “sorprender” tras crear temas como “Corvette Summer” o “Suzie Chapstick”, la que podría ser la más prescindible del álbum. “Creo que con este

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Green Siempre punks

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n Day

“Saviors” (Warner, 23) esconde los nuevos cuarenta y seis minutos que los estadounidenses Green Day quieren compartir con el mundo. Canciones directas de punk rock con mensaje y, sobre todo, con energía. Esta vez además lo estarán presentando en dos festivales españoles —texto Marta Terrasa —fotos Alice Baxley

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disco avanzamos musicalmente, pero utilizando la gasolina que tenemos en nuestro depósito de toda la experiencia anterior y sí, mirando también a nuestros discos en busca de inspiración”, puntualiza Tré Cool, batería del grupo. Así que en parte se entiende que desde su entorno lo describan como la quintaesencia de un disco de Green Day. “Habíamos explorado y arriesgado mucho más en ‘Father Of All Motherfuckers’ (20), reflexiona Mike Dirnt. “Queremos hacer discos que no estén muertos, que sean incómodos y que pongan a prueba a los fans y a nosotros mismos”, añade Armstrong. Ese fue un álbum que no cosechó buenas críticas en general y del que muchos esperaban cierta beligerancia política en la era Trump –como fue el caso del aclamado “American Idiot” (04) en la época de Bush. Sin embargo, años después, la banda al completo confiesa que no sentían que fuera el ambiente correcto para crear música reivindicativa. “Ahora la perspectiva es mucho más profunda”, asegura Dirnt. Con una hija recién graduada en la universidad y siendo todos padres en general, hablan de lo que pueden esperar los jóvenes hoy en día. Y es que analizando las letras de las canciones al vuelo, conceptos como el miedo, el aislamiento o el hacerse preguntas, flotan sobre melodías soleadas de punk-rock californiano, como en “1981” o “Comma City”. “A eso lo llamo #26 febrero 2024

yo la identidad de los discos”, explica Billie Joe y prosigue: “En 2018 escribimos ‘The American Dream Is Killing Me’ y era una muy buena demo. Pero no queríamos publicarla en ‘Father Of All Motherfuckers’ porque tomamos una decisión consciente de no ser políticos en ese disco. Ahora es natural para nosotros que en ‘Saviors’ seamos algo que ya fuimos: comentadores sociales. Así que teniendo temas como ‘Strange Days Are Here To Stay’ o ‘Living In The 20’s’, tenía todo el sentido del mundo recuperar ‘The American Dream…’. Podemos escribir estas letras después de unos cinco años para digerir todo lo que ha pasado en América y el conflicto y la división en la que vivimos”, sentencia. “PIENSO EN UNA PALABRA para describir la letra de ‘Strange Days…’ y la primera que se me viene a la mente es: absurdo”, confiesa el bajista del trío. “Y es absurdo porque bebe de ese sentido del humor que surge de todo el bombardeo de información constante. Hay una frase que dice: “Everyone is racist / and that Uber is running late” (Todo el mundo es racista / y el Uber llega tarde) y estás hablando de dos cosas completamente distintas y es un poco lo surrealista del mundo en el que vivimos. O en ‘Dilemma’, donde se habla de la adicción, de los problemas de salud mental. Pero la canción, escrita de esa manera en clave mayor y con

esa melodía, está hecha para ser coreada al unísono. Y la gente se puede identificar con ella y creo que esa es la luz al final del túnel; el tipo de música que puede cambiar el mundo y la vida de la gente. O al menos en mí han tenido ese efecto [ese tipo de canciones en general] y por eso queríamos devolver el favor”, relata Dirnt.

N EL MOMENTO DE ESCRIBIR estas líneas, de “Saviors” solo se habían dado a conocer tres canciones del que será el decimocuarto disco de estudio de los californianos. Grabado entre Los Ángeles y Londres, ha sido de nuevo producido por Rob Cavallo, la mano detrás de “Dookie” (94) y “American Idiot”, entre muchos otros más. “Puede que Rob sea un alto ejecutivo, pero para nosotros sigue siendo Rob”, confiesa Mike Dirnt y prosigue: “Nos hicimos famosos juntos y siempre tendrá un lugar especial entre nosotros. Reconocemos su gran talento; su habilidad por querer aprender constantemente. Tendrías que ver todo el equipo que tiene en el estudio y el hecho de haber contado de nuevo con él hace que nos quitemos la presión de tener que producirnos nosotros mismos y nos podamos centrar en ser músicos. Y eso nos empuja a tocar mejor”. El resultado de estas nuevas sesiones juntos son quince canciones en las que hay guiños autorreferenciales, comentario social,

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“ “Amo el punk rock. Lo escucho cada día, ya sea a través de nuevos grupos o bandas como Ramones”

skate parks, cierto grado de exploración y punk-rock 2.0. Melodías soleadas, rápidas y afiladas; medios tiempos y baladas escritas para ser coreadas en estadios y sonar más allá de tu radio indie de confianza. Hay ecos a The Presidents Of The United States, a The Hives, algún amago cercano al Britpop o escaladas de tintes épicos a lo The Who; algo que hace sonreír a Mike Dirnt cuando se lo menciono (“¡Exactamente!”). 2024 SERÁ UN AÑO CLAVE en el calendario de Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool. Un año en el que publican su nuevo disco, pero en el que también celebrarán los aniversarios de su masterpiece “Dookie” y de “American Idiot”. Dos –¡incluso tres!– líneas del tiempo en el que vivir. Billie Joe Armstrong lo tiene claro. “Los aniversarios se acercaban mientras hacíamos ‘Saviors’ al mismo tiempo y veías cómo todo se alineaba. Queríamos celebrarlo; celebrar todo lo que hemos hecho. Así que tocábamos en directo algunas canciones más de ‘Idiot’ o de ‘Dookie’. Y al mismo tiempo estábamos super emocionados con el nuevo disco, el cual consideramos que es el mejor que hemos hecho. Así que es de locos, haces malabares para encajarlo todo”. Aprovechemos pues para hablar de la completísima edición del treinta aniversario de “Dookie”, con un precio poco punk-friendly. “A lo largo de los años, te das cuenta de que si vives

lo suficiente, vas a pisar alguna mierda. Y tienes que aprender a recoger tu propia mierda y apesta. Y vas a tener también que aprender a tapar el olor”, filosofa Tré Cool. “Y es por eso que el box-set del ‘Dookie’, contiene bolsas de recoger excrementos y ambientador”, puntualiza Mike Dirnt y prosigue: “Queríamos que el pack-aging fuera divertido y con un punto de broma. Refleja un poco ese momento en el que veníamos con una actitud irreverente básicamente sobre todo en general. A ver, a día de hoy seguimos haciendo broma, contando chistes malos y aún así, nos hacemos reír los unos a los otros”. Pese a lo absurdo de (casi) todo, los tres insisten en la seriedad de la música, en cuanto a calidad y esfuerzo. “Puede ser que la música se haya hecho algo más seria y de ahí también que haya un mayor éxito detrás. Queremos ser exitosos. Pero venimos de familias de clase trabajadora y creo que eso empapa la música que hacemos. Porque trabajamos muy duro para componer estos discos: somos pacientes y muy perfeccionistas”, asegura el músico. “EN ESE TIEMPO DEL QUE HABLA MIKE viajábamos en furgoneta y no había Starbucks ni cafeterías en las que pudieras ir al baño. Así que nos pasábamos buena parte del tour y gastábamos nuestra energía buscando sitios en los que poder cagar”, recuerda Tré Cool. “Liquid dookie” es lo que se llamaría una especie de diarrea explosiva y el disco fue llamado así porque durante las giras anteriores, como tan explícitamente ha recordado el batería, pasaban mucho tiempo buscando un baño, ya que solían sufrir de este tipo de descomposición estomacal por la mala calidad de la comida que tomaban de gira. “Estábamos obsesionados con ‘dookie’ en esa época”, añade Tré Cool. Soy incapaz de saber si se refiere a la gestación del disco o a lo escatológico del tema, imaginándome a tres veinteañeros con camiseta, bermudas, eyeliner, pelo de colores y risa fácil. “Es parte de la vida de mucha gente, de hecho”, puntualiza Billie Joe. No pillo la broma en ese mismo instante y prosigo con la pregunta: de hecho, sí, estoy de acuerdo,

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EN PORTADA

“Dookie” es una parte integral de la vida de muchísima gente. Facepalm. ¿Las nuevas generaciones conectan mejor con este disco o con posteriores como “American Idiot”? “En los conciertos vemos a gente joven, aunque también a gente mayor, de nuestra edad y chicos de catorce años que se tiñen el pelo verde y azul por primera vez y llevan eyeliner y son super creativos. Y formamos parte de la banda sonora para esos jóvenes que se están encontrando a sí mismos por primera vez. Me identifico completamente con esa experiencia, como cuando empecé a ir a Gilman street por primera vez”. En el 924 de la calle Gilman de Berkeley se encuentra uno de los clubs más emblemáticos de la escena punk. Fue uno de los hotspots durante los noventas y sobre su escenario han actuado grupos como Rancid, Operation Ivy, The Offspring o Green Day, antes de ser vetados en el 93 por “venderse” al firmar con Reprise. VOLVAMOS POR UN MOMENTO a la edición de lujo del “Dookie”, en el que se encuentra uno de los dos conciertos que el grupo ofreció en la desaparecida sala Garatge Club de Barcelona. ¿Por qué ese, entre tantísimos donde escoger? “Fue un show memorable. Veníamos a España y nos quedamos en casa de gente maravillosa en Zaragoza. Y la escena en general era genial, había pop, punk, todo estaba floreciendo más que en cualquier otro lugar de Europa, salvo en Inglaterra. Jose Antonio nos consiguió el bolo y el resultado fue un viaje genial y se hicieron bootlegs y un montón de cosas guays. Incluso recuerdo que estaba hablando con un periodista que llevaba una camiseta de un grupo que me flipaba y nos las intercambiamos. Fue un bolo memorable”, recuerda Billie Joe Armstrong. La nostalgia es un arma de doble filo; un filtro pesado bajo el cual a veces es complejo avanzar o incluso disfrutar del aquí y ahora. Green Day han sabido caminar una delgada línea en la que furgonetas y colchones amarillentos se conjugan con llenar estadios y el reconocimiento mundial. Y a punto de rozar la edad de una temprana jubilación, han decidido hacer lo que mejor saben: hacer añicos las expectativas a golpe de guitarra. —m.t.

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EN CONCIERTO l Santiago de Compostela 30 mayo. O Son do Camiño l Madrid 01 junio. Road to Rio Babel

febrero 2024 #27

TAN. CERCA.

EL DISCO. RECUPERADO. The Seahorses Do It Yourself (1997) TRAS EL RELATIVO BATACAZO que supuso en su momento “Second Coming” (Geffen, 94), el que fuera esperadísimo segundo álbum de The Stone Roses (y el mismo que el tiempo se ha encargado de reivindicar), el grupo coliderado por Ian Brown y John Squire llegó abruptamente a su fin. Mientras que el vocalista trabajaba en el que podría ser su mejor disco en solitario, “Unfinished Monkey Business” (Polydor, 98), Squire fichaba a un cantante callejero llamado Chris Helme para dar forma al que sería su nuevo proyecto, The Seahorses. Uno de los mejores (y más reconocibles) guitarristas británicos de su generación (en pugna con Bernard Butler y Graham Coxon) evitaba así ponerse tras el micrófono, una posición que asumiría en 2002 ya bajo su nombre. La escena de 1997 venía, en cualquier caso, marcada por un Britpop todavía en auge, con unos Oasis convertidos ya en estrellas mediáticas y firmando el mastodóntico “Be Here Now” (Sony, 97) –The Seahorses serían teloneros de varias fechas españolas de esa gira– y The Verve lanzando al mundo su obra magna “Urban Hymns” (Virgin, 97). RESULTÓ QUE SQUIRE y compañía se presentaron en sociedad con un disco que encajaba como un guante dentro de la corriente imperante en la época. “Do It Yourself” era un disco de clásico aspecto de indie-pop con corte British e influencias actualizadas de

RR Querido –la banda de Andrés

Ferreiro, hijo de Iván Ferreiro– publicará un primer álbum que llevará por título “Una nueva esperanza IV”. De momento lo estarán presentando el 9 de febrero en Galileo Galilei de Madrid.

Small Faces, The Beatles, The Kinks, Faces o The Rolling Stones. O, lo que es lo mismo, aquello que plena década de los noventa se denominaba, sí o sí, Britpop. Los reconocibles riffs y líneas de guitarra del ex Stone Roses fueron colocados con premeditación en primera línea, copando un plano protagonista que solo osaba compartir la efectivamente apropiada interpretación vocal de Helem, tan sentida como bonita y no exenta de matices con los que dotar de alma a las canciones. Sucedía con “I Want You To Know”, “Suicide Drive”, la pegadiza “Love Me And Leave Me” (co-escrita con Liam Gallagher), los ocho minutos de “Love Is The Law” –primer single extraído del elepé y con espacio para el lucimiento como músico de Squire–, el acelerón de “Round The Universe”, “1999”, o el también sencillo “Blinded By The Sun”. Un álbum revindicado con los años, que presentaba un conjunto de canciones equilibrado y con mayoría de singles en potencia manteniendo el nivel de las melodías a lo largo de cuarenta y cinco minutos. Y también dotado de cierta ambición subyacente (no en vano fue producido por el afamado Tony Visconti, habitual de David Bowie), entreverada con ese aspecto accesible y de líneas limpias latentes en la superficie que emparentaban a The Seahorses con los mejores Cast, mientras dejaban por el camino algún pequeño guiño a los propios The Stone Roses. —raúl julián

RR El próximo 23 de febrero verá

la luz “Makinavaja”, el nuevo EP de Depresión Sonora, del que ya hemos podido escuchar “Mala”, “Vivo del aire” y “Estupefacientes”. Por otro lado, la banda de Marcos Crespo será uno de los dos artistas españoles en Coachella (la otra será BB Trickz). RR Los Planetas anuncian que

habrá gira de celebración de los treinta años de su primer álbum, “Super 8” (94). En estos conciertos interpretarán el álbum completo, que incluía hits como “De viaje” o “Qué puedo hacer”. RR Los valencianos Zoo se se-

paran. Para celebrarlo con sus fans ofrecerán diez conciertos en ciudades como Barcelona, Madrid, Bilbao o Murcia. RR El madrileño Ralphie Choo ha sido galardonado en los premios Music Moves Europe 2024, que se entregaron en el festival Eurosonic de Países Bajos. El jurado dijo que “Ralphie Choo tiene un estilo único con una producción y unos ritmos fantásticos”. RR El pasado 19 de enero se inició

el Circuito Estatal de Músicas Populares, Girando Por Salas (GPS) #GPS14, que se extenderá hasta el 6 de junio. Los protagonistas son: Alba Armengou Trío, Ben Yart, Chica Sobresalto, Diego Guerrero, Elane, Fernando Rubio, Franvvi, From, Gilipojazz, Lady Banana, Lisasinson, Los 300, Marilia Monzón, Melenas, Meritxell Neddermann, Montana, Ortiga, Sabela, Sharon Bates, Sienna, The Son Of Wood y Tres Caladas.

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RR Este enero nos dejó la leyenda

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del punk Morfi Grei, quien fuera líder y vocalista de los referenciales La Banda Trapera del Río. Nos ha dejado a la edad de sesenta y cuatro años. Anteriormente habían fallecido el guitarrista Tío Modes (2004) y el batería Juan “Raf” Pulido (2010).—MS

febrero 2024 #29

Cruzando el Charco Al otro lado del Atlántico Atrás quedan las múltiples incursiones en nuestro país de su líder Fran Lago. Ahora los argentinos Cruzando el Charco nos visitan por primera vez con la banda al completo.

UNQUE FRAN LAGO, líder de Cruzando el Charco, me cuenta que a lo largo de los casi doce años de trayectoria de la banda, él ha visitado España como unas ocho veces en las que siempre ha aprovechado para “golpear la puerta de algún bar” y tocar de forma “digamos menos profesional”, esta es la primera vez que los argentinos aterrizarán en nuestros escenarios con la banda al completo dispuestos a dejar huella. Ade-

TAN.LEJOS

más lo hacen en el momento más dulce de una carrera que siempre ha seguido una trayectoria ascendente y que, tras cinco discos de estudio, ha puesto la guinda a su particular pastel con un directo grabado en el Luna Park de Buenos Aires. Álbum en el que se han rodeado de amigos y han titulado con un explícito “Hasta la Luna”. Toda una forma de reconocer que, en cierta medida, han tocado el cielo con la punta de los dedos con el subsiguiente vértigo que eso puede ocasionar. “Da un poco de miedo e incertidumbre saber lo que va a pasar a partir de que uno toca en locales tan grandes, porque lo más difícil no es seguir creciendo, sino mantenerse dónde estás. Por eso hay que ser conscientes y estar preparados para saber que no va a ser así toda la vida”. Pero eso ahora no toca. Ahora hay que disfrutar de lo logrado, aun-

e “Somos muchos los qu no i esperamos que Mile e dijo cumpla con todo los qu que iba a hacer”

RR Kim Gordon, co-fundadora y

bajista de los legendarios Sonic Youth, publicará su segundo disco en solitario el 8 de marzo. “The Collective”, a publicar vía Matador, mostrará las distintas caras de Gordon, que ya nos deja intuir cambios en el avance “Bye Bye”. RR Paramore versionan el clá-

sico de Talking Heads “Burning Down The House” como anticipo del álbum tributo a la película “Stop Making Sense”. Al margen de eso solamente sabemos que lo

publicará A24 y que contará con dieciséis artistas de nivel. RR Este pasado mes falleció

Luis Vásquez, más conocido por su nombre artístico de The Soft Moon. La causa de su muerte podría ser sobredosis de fentanilo y junto a él se encontraron los cuerpos sin vida de John Méndez (Silent Servant) y su pareja. RR Ha fallecido Mary Weiss,

quien fuera voz principal del cuarteto femenino de los sesenta

Art School Girlfriend La sutileza de lo sublime El proyecto de Polly Mackey aflora a través de un sonido atmosférico y orgánico. Charlamos con ella poco antes de la gira de presentación de “Soft Landing” (Fiction, 23)

USIONANDO LA ELECTRÓNICA más sutil con un avant-pop melódico, Polly Mackey se presentó en 2021 con “Is it Light Were You Are”, pero ha sido “Soft Landing” el trabajo en el que la artista consigue dar #30 febrero 2024

con su esencia máxima. Polly me recibe en el salón de su casa (desde el otro lado de la pantalla) con una luz tenue y la voz relajada. Empezamos a hablar del inicio del año y de aquel sentimiento vertiginoso que genera tener que decidir qué hacer con los doce meses que quedan por delante. ¿Un nuevo disco quizás? Eso está más que confirmado. Art School Girlfriend ha empezado a esbozar directa, instintiva y experimentalmente este tercer trabajo que calcula tener acabado para finales de mayo. La evidencia definitiva, además del atrevido deadline, son algunos pequeños clips que la artista

comparte puntualmente en su perfil de Instagram.“Lo hago para tener cierta responsabilidad y compromiso, compartirlo lo hace más tangible y probablemente me veré obligada a acabarlo si sé que otra gente lo ha escuchado”. Pese a estar a finales de enero, los proyectos, los logros y las tareas pendientes de diciembre siguen presentes, en el caso de Art School Girlfriend, la presentación en directo de su aclamado segundo disco “Soft Landing”. A DIFERENCIA DEL ANTERIOR, este segundo álbum está hecho por y para tocar con banda, lo que dota al proyecto

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MONDO FREAKO que una gira como esta entraña muchas dificultades. “¡Imagínate! Venimos siete personas y eso resulta muy costoso. Para nosotros el cambio de moneda está muy difícil y por ahí la gente piensa que, como vamos a ir a España, nos vamos a hacer de oro porque vamos a volver con euros. Pero la realidad es muy distinta. Solo los pasajes, hospedaje, comidas, el alquiler de las salas y demás, realmente es todo muy costoso. Por eso es muy importante que la gente nos acompañe. Aunque, por suerte, parece que lo está haciendo porque vemos que el ritmo de venta de entradas está yendo muy bien, al menos para poder decir que no perdimos dinero”. Y es que a nadie se le escapa lo complicado de la situación en su país que ha derivado en la elección de todo un personaje como Javier Milei. “Realmente somos muchos los que esperamos que no cumpla con todo los que dijo que iba a hacer, porque hay mucha gente que estaría en una situación muy complicada. Sabemos que es un personaje que desde fuera se debe ver muy nefasto y es muy complicado de explicar pero, a la vez, tam-

The Shangri-Las, uno de los grupos más queridos de la década con una carrera de varios hit singles y un par de álbumes. Weiss volvió a la música en 2007 con el disco en solitario “Dangerous Game”.

—don disturbios

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EN CONCIERTO l Madrid 21 marzo. Copernico l Valencia 22 marzo. Peter Rock l Palma de Mallorca 23 marzo. La Movida l Ibiza 24 marzo. Es’ Birra l Barcelona 26 marzo. Bikini

álbum no será techno, pero el espíritu está realmente ahí”. RR Universal está trabajando en el biopic

que adaptará “Scar Tissue”, la biografía de Anthony Kiedis, vocalista de la banda de funk, rock y pop Red Hot Chili Peppers, escrita junto a Larry Sloman. El propio Kiedis es uno de los productores de la película.

RR Conor O’Brien anuncia nuevo larga

duración de Villagers para esta primavera. “That Golden Time” verá la luz el próximo 10 de mayo, aunque ya puedes escuchar varios adelantos.

RR Morrissey continúa liándola, esta vez a

través de su página Morrissey Central. Según dice, varios medios minusvaloran su trabajo en The Smiths a partir de que se ha citado varias veces que fueron Johnny Marr y Andy

RR FKA twigs ha anunciado que su próximo

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trabajo, en el que ya está trabajando junto a Koreless, estará influido por el techno. “El

o “Al final del día, lo únic que busco es vivir el presente”

poco deja de ser cierto que fue elegido por el pueblo. La mayoría lo eligió y ahora hay que ver qué pasa con eso”. Para finalizar no hemos podido resistirnos a pedirle que nos recomiende tres canciones para iniciarnos en su propuesta.“Si tuviera que elegir solo tres, les recomendaría ‘El trato’, que es una canción de amor de las últimas que sacamos junto a Coti; ‘Viejo’, que es una canción muy sentida que disfrutamos mucho de tocar en vivo y ‘Terminales’, una canción bien rockera que de hecho es la que le pone nombre a este gira”. En ella nos vemos.

de muchos más matices y capas sonoras. “En el directo busco que se perciban las diferencias entre lo acústico y lo electrónico. Se trata de un puzzle que estoy consiguiendo que vaya encajando poco a poco”. Los retos de la puesta en escena van más allá de lo musical y Polly Mackey asegura que en esta gira, incluso con varios sold outs, no está cubriendo los gastos. “Posiblemente en el siguiente disco haré algo más intimista y electrónico que requiera dos o tres personas, para así hacerlo un poco más sostenible, aún así estoy disfrutando mucho de lo que estamos haciendo”. El pasado noviembre, Art School Girlfriend empezaba la gira por el Reino Unido y semanas antes de la primera fecha, pidió por su cuenta de

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Rourke quienes se reunieron con Rough Trade en sus inicios. Morrissey argumenta que él estaba allí y que Rourke ni siquiera era miembro fijo del grupo en aquellos días.—MS

Instagram recomendaciones de bandas locales para que abrieran sus conciertos. “Quería brindar la misma oportunidad que me dieron a mí las grandes bandas cuando empecé a hacer música, además he descubierto que mis fans tienen muy buen gusto”. —mirentxu palomar

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EN CONCIERTO l Barcelona 10 febrero. Sala Laut l Madrid 11 febrero. Moby Dick

febrero 2024 #31

MONDO FREAKO

Cobrah Deseo y poder La liberación a través de la música y el uso de esta para mostrar al mundo tu verdadero ser. Bajo este discurso Cobrah ha conseguido desarrollar su universo creativo de una forma espectacular y sin ver a día de hoy límites algunos. “Succubus”, su último EP (Gagball AB, 23), revela la transformación definitiva de la artista hacia una criatura fantástica que se abandera de las diferencias.

SUS VEINTISIETE AÑOS, Clara Blom Christensen, más conocida como Cobrah, lidera su propia comunidad de fieles y muerde, a través de beats duros con alma pop, para marcarte y empujarte a vivir tu propio viaje dentro de la pista. Lo viviremos en breve en Barcelona, visita que motiva nuestra charla con ella. “Para mí el sexo es esa sensación de sentirte completamente libre gracias a que lo puedes dominar, a sentir que tienes el poder sobre él. Es como un lenguaje visual y musical que me hace sentir segura”. El último proyecto de Cobrah se inspira en una especie de demonios, procedentes de leyendas medievales, que durante la noche adquieren la figura del cuerpo de una mujer para sentarse sobre el cuerpo de los hombres y absorber así sus almas. Un discurso que, en el caso de la propia artista, va más allá apoderándose de ese uso de la imagen femenina para darle una lectura mucho más poderosa, fuerte y justa que la de un monstruo aterrador que debe ser condenado. “Cuando era #32 febrero 2024

más pequeña me sentía siempre como alguien muy débil porque yo era una mujer a la que no le gustaba el rosa, ni las cosas prototípicas. Por eso me acerqué más al metal, a lo emo, a conceptos más duros. Así que cuando descubrí el tipo de mujer que representa ‘Succubus’ me di cuenta de que era el tipo de mujer que a mí me gusta ser”. Este nuevo EP viene acompañado de una portada espectacular bajo la dirección creativa de Kurt Johnson en la que Cobrah aparece desnuda mostrando las espinas de su columna vertebral al

completo. La nueva personalidad de Cobrah está dentro de un universo oscuro en el que se desenvuelve a la perfección y que le hace conectar con su identidad más auténtica. Además, ya está pensando en ir un paso más allá. “Creo que muy en el futuro podría llevar mi concepto a un terreno artístico más amplio y que viva al margen de la música, porque estoy comprometida con mi arte al cien por cien. Pero, por ahora siento que tengo que centrarme en crear música, focalizar mucho más en ella”.

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e “Los conciertos son es momento único que no volverá a repetirse” LA PARTE VISUAL QUE ACOMPAÑA el EP está liderada por una narrativa alienígena que una vez más atraviesa lo diferente para generar un nuevo discurso y apropiarse de todos esos miedos y rechazos que pueda generar. En “Suck” vemos su proceso de fecundación rodeada una vez más de todo ese mundo kink y fetish que tanto potencia. Pero es mucho más interesante hablar de lo que supone el vídeo de “Feminine Energy” y su huida para proteger a su bebé de la destrucción. “El vídeo lo grabé junto a un par de amigos en una isla de Suecia. Nos trajimos un bebé alien hecho en Australia y lo rodamos con una cámara analógica en un castillo alquilado lleno de murciélagos que no paraban de volar sobre mi cabeza. Fue una de las experiencias más divertidas que he vivido nunca”. La música de Cobrah se desarrolla en un mundo de clubbing y noches infinitas. La artista busca generar emociones de todo tipo a través de esa voz de diva pop que podría llegar sin dudarlo al gran público. Además, tiene muy claro lo importante que es la precisión cuando tienes que construir este tipo de proyectos y sabes que todas las piezas del puzzle tienen que encajar para que tenga un sentido. “Cuando creas un EP tienes que concentrarte en que todo lo que haya en él sean bangers. Me centré mucho en lograr pistas con una energía muy alta, que no se salieran del foco y fueran divertidas. Y estoy muy contenta porque la mayoría de ellas suenan ahora como las demos iniciales que se crearon. No se hicieron demasiadas alteraciones”. LONDRES, PARIS, BERLIN, SAN FRANCISCO, Los Ángeles, New York… La lista de ciudades por las que pasará el “Succubus World Tour” es enorme. Además, la conexión de la artista con su público es verdaderamente especial. Los fans llenan las redes sociales de mensajes de agradecimiento por ayudarles a sentir que pueden ser quienes quieren ser a través de la música. “Yo siempre digo que trates de hacer lo que siempre quisiste hacer. Si verdaderamente tienes miedo al qué dirán, prueba un poco a hacer lo que sientes y si te sientes bien sigue avanzando. Paso a paso”. Cobrah explica que la verdadera razón que le motiva a salir de gira es conectar con toda esta gente tan especial y sentirles más cerca. “Yo siento que siempre intento darlo todo y este EP fue algo más grande y me siento súper agradecida por haber podido trabajar con un equipo tan increíble. También creo que es importante estar con los fans, con el público, y eso es lo que más me motiva para salir de gira. Los conciertos son ese momento único que no volverá a repetirse, ese lugar en el que puedes estar con toda la gente que te quiere y que ama la música”. —álex jerez

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EN CONCIERTO l Barcelona 10 febrero. Razzmatazz

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WALA. WALA.

“Si estuviese en una isla desierta me gustaría tener ‘Catch For Us The Foxes’ de Mewithoutyou, ‘Translatlanticism’ de Death Cab For Cutie y ‘Control’ de Pedro The Lion” Julien Baker de Boygenius en Mojo

“Conozco a varias personas que murieron por sobredosis de fentanilo. Es una mierda. Así es América. El sistema se aprovecha de la desesperación de la gente para ganar pasta” Karly Hartzman de Wednesday en Rockzone

“Soy muy fan de Jungle, que me parecen extraordinarios y me encantan. Fui a verlos hace poquito y me dejaron impactada, la verdad, porque tienen un directo de la hostia” Queralt Lahoz en Muzikalia

“A veces, cuando alguien nos pregunta qué música hacemos, miento y digo que ‘indie’. Sería complicado decirles ‘folk deprimente con drones’” Cormac MacDiarmada de Lankum en Mojo

“HAY UN TEMA BASTANTE APOCALÍPTICO QUE RECORRE EL DISCO, PORQUE PARECE QUE, EN ESTOS MOMENTOS, ESTAMOS VIVIENDO EL FIN DE LOS TIEMPOS” Dan Andriano de Alkaline Trio en NME

febrero 2024 #33

27 D E M AYO 2024 WIZINK CE NTER M A D RID

ENTRADAS EN LIVENATION.ES Y TICKETMASTER.ES

MONDO FREAKO

“Este disco ha sacado mi garra y mi rabia”

Izaro El color de las canciones Charlamos con Izaro en el edificio Tabakalera de Donostia sobre su nuevo trabajo. “Cerodenero” (Autoeditado, 23) ha conseguido mantener e incluso superar el nivel de grabaciones anteriores.

ZARO HA PUBLICADO su nuevo trabajo en plataformas, incluyendo Youtube. “Para mí el concepto es que hemos grabado un videoclip para el disco. Es verdad que no están todas las canciones enteras, porque yo quería que durara treinta minutos”. En parte, estas nuevas canciones son una vuelta a “Eason” (18), quizás debido a esas atmósferas tan envolventes. “Eso es. Son más azules. Para mí, como van en colores, es verdad que ‘Eason’ era un disco azul, con un poco de morado, como una Aurora Boreal, que es también para mí el sonido ‘Cerodecero’”. La intro “Zero”, “Aguacero” e “Iparraldera” irían en esa onda. Luego entraría la parte electrónica, que son tres temas seguidos: “X eta besteak”, “Campamento base” e “Ixildu mese”. “He intentado acudir a diferentes sonidos míos, pero todo es Izarofriendly, en plan cómo sonaría la electrónica a mi manera. Grabamos en Zestoa en el estudio de Eñaut Gaztañaga. Eñaut sí que programó mucho en ‘X eta besteak’”. En ese estudio

[Gaztain] fue en el que encontró su sonido, justamente con el disco “Eason” (18). “Para mí es especialista también en entender mi cerebro, y el de todos los que pasan”. EN “EDZDDH” NOS SORPRENDE con la potencia de su voz, cantando con una fuerza que no es habitual en ella. “Este disco me ha sacado la rabia, la garra. Y estoy a gusto porque de repente he encontrado un sonido contundente”. De la trilogía electrónica, destacar la fortaleza que tiene “Campamento base”, y también la fuerza de su voz. “Ahora que he llegado a estar cómoda en ese registro, me apetece cantar en directo con esa fuerza”. Después de este subidón llegan los medios tiempos y las baladas. Por ejemplo, en “El mundo no es un buen lugar”, es ella sola ante el peligro. “Para mí el setlist está organizado en una montaña. Es como una expedición a la alta montaña, como mi proceso terapéutico: ha sido subir un monte y bajarlo”. Cerrando el disco tenemos “Todas las horas que quedan”, interpretada nada menos que con la orquesta de Bratislava. “Es como una reflexión del disco entero, del viaje entero. Subes la montaña. Reflexionas. “El mundo no es un buen lugar” y “Limoiondo” son como la reflexión de arriba. Y luego cuando bajas y te curas, “Udara, udara”, “Las llaves de tu casa” y “Todas las horas que quedan”, y dice: “todas las horas que quedan van a pasar”. Es inevitable.

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EN LA NUEVA GIRA Izaro va a cantar y bailar a la vez. “Hay una coreografía cerrada y es un nivel exigente. Para mí es todo un reto, estoy preparándome también físicamente. Va a haber una persona que me entrene, porque cantar y bailar a la vez es una cosa loca”. A punto de cerrar este artículo, nos llega la noticia de que ha entrado directamente al número cuatro de las listas de venta españolas, por delante de Taylor Swift o Bad Bunny. —urko ansa

EN CONCIERTO l Gasteiz 03 febrero. Principal Antzokia l Barcelona 09 febrero. Sala Apolo 2 l Sevilla 02 marzo Cartuja Center l Madrid 07 marzo. La Paqui l Azpeitia 09 marzo. Soreasu l Iruña 10 marzo. Baluarte l Santander 05 abril. Escenario Santander l Donibane Lohizune 06 abril. Tanka l Barakaldo 13 abril. Zeidfest Gaztea l Valladolid 17 mayo. Porta Caeli l Logroño 24 mayo. Fundición l Cascante 27 septiembre. Estaciones Sonoras

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febrero 2024 #35

MONDO FREAKO

Nudozurdo Clarividentes “Si la separación de o para Nudozurdo ha servid más que la gente lo pusiera o” en valor, pues estupend Nudozurdo regresaron a la vida el pasado 14 de noviembre con un imponente concierto en la Sala El Sol de Madrid, confirmando un regreso, cinco años después de su separación, que se completa con la publicación de un magnífico nuevo disco, “Clarividencia” (Sonido Muchacho, 24).

UEDAMOS CON LEO MATEOS –alma mater de Nudozurdo– en el estudio/oficina que Mondo Sonoro tiene en el centro de Madrid, para comenzar la entrevista con dos cuestiones básicas como son por qué decidió dar por finalizado Nudozurdo de 2018... y por qué ahora ha decidido recuperar el proyecto en cuestión. “Fue básicamente una necesidad vital. Llegó un momento en el que estaba un poco saturado de la dinámica del grupo y no estaba disfrutando de la música. Sobre todo, por fatiga. Cuando empecé a ensayar con mi grupo en solitario, empezaron a pasar cosas muy interesantes y yo de repen#36 febrero 2024

te volví a reconectar con las canciones de Nudozurdo. Me volvía a sentir muy cómodo, Así que lo vi bastante claro”. Sucede que, a veces, es necesario dar un paso a un lado para reubicar un proyecto, incluso para que de verdad se llegue a valorar a la banda. “No lo hice con esa intención, pero es probable que sea así. El otro día leí una entrevista con El Columpio Asesino y decían que en este país enterramos muy bien. Y es cierto. Pero si eso ha servido para que la gente pusiera más en valor a Nudozurdo, pues estupendo”. El presente retorno comenzó con un concierto (medio) sorpresa en la madrileña Sala El Sol, con la banda luciendo un sonido apabullante y evidenciando cuánto se les había echado de menos. “Nos quedó muy claro que había muchas ganas de Nudozurdo y eso fue muy bonito. Llevamos ya tres años trabajando juntos, aunque no fuese como Nudozurdo, y el día del concierto todo eso cristalizó. Nos conocemos ya mucho. También fue el público: notamos que había una energía muy bestia allí y que estaban pasando cosas muy potentes”. Por Nudozurdo han pasado un buen número de músicos, siempre en torno a la figura de Leo Mateos como líder del asunto, así que interesa conocer cuál es la actual formación del

EL APUNTE

La voz LA FORMA DE CANTAR de Leo Mateos ha sido siempre uno de los distintivos del grupo, algo de lo que es plenamente consciente. “Valoro la voz más que nunca: ahora voy buscando espacios, evitando que sea un rodillo constante. A veces no me apetece estar luchando contra la banda sino percibir que la banda juega a favor de la voz. Hay un balance en el disco, de canciones más ruidosas y otras en las que la voz sobresale más y lucha menos contra los elementos”. Y apuntilla el tema. “Normalmente la relación que tenemos los cantantes con nuestra voz es complicada. Canto mejor que al principio, claro: voy con más cuidado, encontrando mis fallos. Yo creo que por el timbre de la voz va saliendo la personalidad de cada persona. No puede haber nada más humano que el timbre de una persona que ha vivido, sufrido y amado. —r.j.

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TOP VÍDEOS.

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grupo. “A la batería está Jorge Fuertes, que ya estuvo tocando nos nosotros en la gira de “Sintética” (08); al bajo está Ojo, que ha tocado en muchas bandas y le conocimos cuando estaba en La Débil. Y, por último, está Juanma como otra guitarra, al que conocí cuando produje un disco de Disciplina Atlántico”. Formato de cuarteto, por tanto, en esta nueva andadura de Nudozurdo. “Me siento cómodo así. El trío también es muy interesante porque está a ras de silencio todo el rato, pero dos guitarras es otra historia. La energía que crean entre las dos es increíble. Esa posibilidad de juegos entre las dos guitarras, las progresiones largas... En el fondo es como la versión clásica de rock y que lleva funcionando toda la vida. Y está la voz de Juanma, que en Nudozurdo nunca ha habido coros y me da mucho juego”. NUDOZURDO TIENEN, ADEMÁS, un nuevo (e incontestable) disco de título “Clarividencia”. “Imagino que, como siempre, la inspiración ha venido de un estado anímico. Las canciones son de diferentes épocas de composición, no son todas recientes. Así que he ido repescando cosas que me gustaban y hay dos o tres improvisaciones que han acabado en el disco. Tenía en mente texturas del sonido del disco que quería hacer: me apetecía hacer un disco abrasivo, que tuviera ese fuego. Después ha quedado parte de eso, pero no exclusivamente”. “Angels Genetics” fue el primer sencillo extraído del álbum, pero lo cierto es que “Clarividencia” está copado por un generoso número de singles potenciales. “Creo que en eso tiene mucho que ver la mezcla a cargo de Paul Corkett. Ha sacado el lado más pop de todas las canciones. Las premezclas son mucho más brutas y sucias, y tirando de su personalidad como mezclador ha colocado las canciones en su vertiente más pop, llevándolo todo a su terreno”. Para terminar, procede sacar el tema acerca de cómo se plantea esta próxima gira. “Van a ser conciertos largos. Habrá entre cinco y siete canciones de este nuevo disco y acumularemos también canciones de otros trabajos. Tengo muchas ganas porque el concierto de El Sol sirvió para disipar dudas acerca de cómo estaría la gente y de cómo estaríamos nosotros. Y estamos con muchas ganas de tocar”. —raúl julián

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Residente Ron En El Piso

Residente lo vuelva a bordar con un vídeo dirigido por él mismo directo a la yugular de las emociones. Porque nada desprende tanta nostalgia como reunir a las personas queridas en tu propio funeral.

The Black Keys Beautiful People (Stay High)

The Black Keys han querido demostrar con el vídeo de su chispeante single “Beautiful People (Stay High)” que su música no conoce fronteras y es apta para hacer bailar a todas las culturas, razas y gentes del planeta.

Club Del Río Una vida

Gran canción, el nuevo single de Club Del Río, que acompañan con un vídeo que refleja los momentos vividos en el estudio de grabación, que parecen claves para que el tema se haya impregnado de la buena onda que transmite.

Khruangbin A Love International

La música de Khruangbin siempre se muestra tan evocadora como cautivadora. En esta ocasión le pone banda sonora a esta postal que recoge un romance adolescente bajo el ocaso en una playa tailandesa

EN GIRA l Oviedo 26 enero. La Salvaje l Valladolid 27 enero. Cientocero l Vigo 9 febrero. Radar Estudios l A Coruña 10 febrero. Mardi Gras l Bilbao 15 febrero. Kutxa Beltza l Donosti 16 febrero. Dabadaba l Granada 1 marzo. Planta Baja l Sevilla 2 marzo. Malandar l Valencia 7 marzo. 16 Toneladas l Murcia 8 marzo. Spectrum l Zaragoza 22 marzo. Sala López l Barcelona 23 marzo. Apolo 2

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Jorja Smith Stay Another Day

Emotivo vídeo de animación el que nos presenta Jorja Smith, quien aparece transmutada en una pequeña zorrita blanca e indefensa que deambula sola por las calles de una gran ciudad. Bonita forma de ilustrar esta sentida balada. —MS

febrero 2024 #37

ESPECIAL

Bandas ficticias Fue una sorpresa descubrir el nombre de Stella Maris en el cartel de la próxima edición del barcelonés Primavera Sound. Pero el grupo respaldado por la música de Hidrogenesse no es el único que podría actuar en un festival, con lo que vamos con una pequeña lista –más amplia en nuestra web– de encantadoras bandas ficticias. No están todas las que son, pero sí son todas las que están.

The Rutles

TODO EL MUNDO CONOCE A THE RUTLES, son la banda más grande de la historia, Ron Nasty, Dirk McQuickly, Stig O’Hara y Barry Wom. Desde el momento en el que Ron y Dirk se conocieron y formaron la pareja compositiva más famosa de todos los tiempos, creando la Rutlemania en todo el mundo, con pegajosas canciones como “Hold My Hand”, “I Must Be In Love” y sus prominentes paquetes en sus ceñidos pantalones, sus películas, su actuación en el Che Stadium o el momento en el que comenzaron a expandir sus horizontes, después de que Dylan les descubriera el té, llegando a su gran obra maestra, “Sgt. Rutter”. Como todo el mundo sabe se separaron a finales de los sesenta, después sus relaciones se deterioraran tanto que Dirk y Nasty se casaron... No el uno con el otro, sino con mujeres. Dirk con una actriz francesa que no hablaba inglés, y tampoco mucho francés, y Ron con una artista vanguardista cuyo padre había inventado la II Guerra Mundial. Su separación puso fin a los sueños e ideales de los sesenta y comenzó una época dorada para los abogados, aun así, todo el mundo sabe que los Prefab Four son una leyenda viva que vivirá mucho tiempo después de que otras leyendas vivas hayan muerto.

Spinal Tap

SPINAL TAP TIENEN UN ÚNICO OBJETIVO, lograr que tus oídos sangren, cambiar tu vida, aunque no necesariamente para mejor... El día en el que Nigel Tuffnel conoció a David St. Hubbins, que compartía su pasión por la música y era igual de negado que él para ella, la historia de la música cambió para siempre, aunque fuera para peor. Al principio se llamaban The Tha#38 febrero 2024

mesmen y seguían los pasos de The Rutles, mientrasa que su primer sencillo ya dejaba claro su lema, “Gimme Some Money”. No había dobles entendidos, ni metáforas escondidas, danos algo de dinero. Cuando el viento giró hacia el “paz, amor y música” Spinal Tap, ya con el imprescindible Derek Smalls, sacó “Listen To The Flower People”. El mensaje era claro, no hables, no pienses, solo escucha. A finales de los sesenta, el dinero pasó a estar en el naciente heavy metal y Spinal Tap no dudaron en poner sus amplificadores al 11 (los únicos que lo pueden hacer en el planeta; ni siquiera Manowar pueden superarles en esto) y virar, como una veleta, en esa dirección. Así llegaron grandes clásicos como “Big Bottom”, “Swallow My Love” o su canción más mítica “Stonehenge”, un tema de rock progresivo en el que el hard rock se funde con el folk y el misticismo. Su “Stairway To Heaven”, aunque Lester Gang aclara: “como Led Zeppelin, solo que mucho peor”.

Sex Bob-omb

“¡SOMOS SEX BOB-OMB, UNO, DOS, TRES!”. Posiblemente hayan visto más camisetas con este logo que con el de Ramones pero, como los de Queens, Sex Bob-omb son una banda de música y no una marca de ropa. Al principio sus integrantes fueron Stephen Stills a la guitarra y la voz, Scott Pilgrim al bajo y Kim Pine a la batería, aunque terminaron triunfando cuando el joven Neil (que no Neil Young) reemplazó a Pilgrim. Aunque dos de sus integrantes se llaman muy parecido a dos Buffalo Springfield lo suyo es el indie y el lo-fi, “We Are Sex Bob-omb” es su gran clásico (aunque Scott Pilgrim insista en llamarla “Launchpad McQuack”) pero la canción que mejor les describe es su oda a los camiones de basura.

“ “Spinal Tap

son como Led Zeppelin, solo que mucho peor”

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LOS HAPPINESS NACIERON para ser portavoces de la “Asociación Nuevo Renacer, por una Juventud sin Mácula”, querían destacar los valores de la familia tradicional, la castidad y el matrimonio, en una sociedad corrompida por el sexo, principalmente entre miembros del mismo género. Eran dos chicos y dos chicas, Cayetano Motos, Borja María Arcega Jones, María del Mar Prima de Rivera y Laura Álvarez, e hicieron el himno definitivo a la castidad “Amo a Laura”, escrito por el primero, con ese estribillo celestial en el que decían aquello de “Amo a Laura pero esperaré hasta el matrimonio”. Fue un éxito nacional y aparecieron en varios programas de televisión. Tras el fracaso de su segunda canción, “El honor de Laura”, pa-

SEX BOB-OMB

saron a trabajar en los consejos de administración de las empresas de sus padres. Años después hubo un pequeño escándalo cuando, tras publicarse la biografía de Britney Spears, en la que hablaba de su embarazo y aborto de Justin Timberlake, Laura dijo que había pasado por lo mismo con Cayetano. En la actualidad Los Happiness (menos Laura) van todas las noches, junto a sus familias, por supuesto numerosas, a Ferraz a ¡PutodefenderEspaña!

Stella Maris

STELLA MARIS ES UNA GIRL BAND DE POP ultracatólico, compuesta por seis hermanas, Aina, Cecilia, Julia, Neus, Beth y Nora Puig Baró cuyo principal objetivo es salvar el mundo a base de música celestial y vídeos

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THE RUTLES

STELLA MARIS

SPINAL TAP

Los Happiness

hechos con clase y criterio. La compositora principal de las letras es su madre, Montserrat Baró, que las recibe directamente de Dios, así que puede que otro de sus principales objetivos sea echar por tierra aquella declaración de que The Rutles eran más grandes que Dios y que este nunca había tenido un éxito. Ahora, gracias a Stella Maris, eso va a cambiar, así que querido creyente, querido seguidor, escucha sus canciones y confirma que Dios es más grande que The Beatles, perdón The Rutles, y gánate la salvación eterna.—sergio ariza

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febrero 2024 #39

Avance de conciertos

Sábado 10 FEB. LA1 - RAZZMATAZZ CLUBS Barcelona

Jueves 15 FEB. RAZZMATAZZ 1 Barcelona

Sábado 24 FEB. LA1 - RAZZMATAZZ CLUBS Barcelona

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DOM 21 ABRIL de 18.00 a 00.00 h

o Aniversario · d n u g e S · SALA 1

Amable + Nacho Ruiz Dj

britpop · indie · shoegaze · big beat · grunge POPBAR

Angel Molina + Siria Dj new wave · synth pop

SALARAZZMATAZZ.COM

BAR

41/Mondo VINILOS 8

Robe

Se nos lleva el aire El Dromedario Records

ROCK / Robe lo ha vuelto a ha-

cer. Quienes pensaban que con “Mayéutica” (21) había tocado techo, han de volver a quitarse el sombrero ante “Se nos lleva el aire”. Una nueva entrega de rock progresivo y psicodélico mezclado con un sinfín de estilos, compuesta por Robe durante la pandemia y arreglada posteriormente en el local de ensayo bajo la habitual fórmula de experimentación que trae consigo la libertad creativa. Aunque no suponga un disco conceptual como “Mayéutica”, el nuevo trabajo mantiene su estela: temas largos llenos de progresiones, cambios de dinámica, hueco para todos los instrumentos y las letras de Robe a la altura de lo que nos tiene acostumbrados, demostrando una vez más que la poesía no está reñida con las frases lapidarias ni las palabras malsonantes. “No es necesario entender el arte para disfrutarlo”, sentenciaba Robe en la presentación. Amén.

—jesús casañas

La introspección de The Smile The Smile

Wall Of Eyes XL/Popstock!

8 ROCK / Cuando descubrimos que parte de

Radiohead transitaba a The Smile, lo único que teníamos asegurado es que el cambio no pasaría desapercibido, porque nada de lo que hagan los de Oxford es por que sí. Con su primera muestra, “A Light For Attracting Attention” (22), que marcó una dirección de amplias gamas cromáticas bajo la emblemática oscuridad de sus compositores, pudimos descubrir un sonido nuevo, fresco, que confirmaba la inextinguible creatividad de Thom Yorke y Jonny Greenwood, complementada a la perfección por Tom Skinner (Sons Of Kemet). Ahora, en pleno inicio de año, The Smile se atreven con “Wall Of Eyes”, una oda a todas las fantasías creativas y musicales de los artistas para dejarnos derrumbados, suspendidos en el aire, con la mirada perdida y, al mismo tiempo, con los sentidos plenamente fijados en lo que

nos ofrecen los tres británicos. Y lo que nos ofrecen son ocho temas –de entre cinco y ocho minutos de duración– en los que nos invitan a adentrarnos en otro mundo que no deja de ser, una vez más, el reflejo borroso de lo que tenemos a nuestro alrededor. Una expedición instrospectiva en la que esperanza y angustia se entrelazan dejándonos con un estado de ensoñación casi letárgico. El disco arranca, en el tema titular, con un Yorke susurrante reptando sobre una acústica y una percusión tribal que aportan algo de una luz brumosa. Una luz que, conforme avance el álbum, derivará en un escenario casi progresivo y laberíntico cimentado en las elaboradas estructuras de las canciones, con sus transiciones y esas modulaciones que el impecable registro vocal de Yorke es capaz de crear. A todo ello podemos sumarle unos exquisitos arreglos de cuerda (“Friend Of A Friend”, “I Quit”), la deslumbrante presencia del piano (“You Know Me”) y la amplia variedad de instrumentos que vienen y van a lo largo del recorrido. Así, una vez más, The Smile nos convencen sobradamente con un “Wall Of Eyes” que refleja estos tiempos de resiliencia, fortaleza y superación mejor que nadie, y que le pide al oyente calma, confianza y, ante todo, valentía. —mirentxu palomar

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Ryan Adams

Star Signs PAX AM Records

AMERICANA / Diez canciones que

nos presentan al Ryan Adams más reconocible. El intenso. El emocionalmente frágil. El que pone todo su talento (que le sobra) al servicio de las canciones. Crudo y desgarrador, con las mejores letras de los cinco discos editados en 2024. Con su dosis de introspección que sí, a veces cansa, pero con canciones tan maravillosas como “Shinin’ Though The Dark”, mi favorita de todos los discos. La armónica de “Tomorrow Never Comes” se te clava en el alma, la guitarra de “Be Wrong” va a sonar muy bien en directo y el piano de “I Lost My Place” llora contigo. Todo es tristemente hermoso, y quizá es que es ahí cuando la estrella de Ryan Adams más brilla ahora. Parece que están lejos los tiempos de “New York, New York”, de “Firecracker” o de “To Be Young (Is To Be Sad, Is To Be High)”. Aunque eso ya lo sabíamos, y este Ryan Adams, al menos a mí, también me sirve.

—eduardo izquierdo

febrero 2024 #41

MONDOVINILOS

Syd dePalma

El Lugar de Arder Raso Estudio

ROCK / Una estructura zigza-

guea en la portada de este debut, sugiriendo el surrealismo onírico de Dalí o Tanguy: infinitos parajes desérticos, habitados por criaturas informes e inquietantes. Una buena representación de este largo experimental donde se entrecruzan prog-rock, postpunk e incluso algunos episodios aflamencados para narrar una especie de viaje del héroe febril y tortuoso. Es un ejercicio de texturas que funciona casi exclusivamente como la suma de sus partes; moviéndose a un ritmo lánguido y con amplia reverberación, guitarras alicaídas, percusión electrónica y cascadas de sintetizadores describen entornos pesadillescos, vastos y yermos. Una explosión de metales o palmeos lejanos atraviesan de vez en cuando la oquedad, pero generalmente los temas reptan y se funden unos con otros, y las cavilaciones de dePalma están ofuscadas por pronunciaciones extrañas e intensas modulaciones. —salomé lagarés

FOTO: JULIO MUÑOZ

Bill Ryder Jones

Viva Belgrado tocan el cielo Viva Belgrado

Cancionero de los Cielos Fueled By Salmorejo

10 ROCK / No pasa tantas veces que el lanzamien-

to discográfico de una banda independiente suscite verdadera expectación. El presente “Cancionero de los Cielos” de Viva Belgrado entraría en ese selecto grupo. ¿Qué Viva Belgrado nos encontraríamos en 2024? Pues bien, escuchado repetidamente, tengo la sensación de estar ante un disco importante para la carrera del cuarteto que también puede dejar huella en mucha gente. En esta ocasión, el cielo es el elemento conductor de nuevo disco repleto de referencias literarias y metáforas –de las gaviotas a los planetas pasando por la luna– al servicio de la exploración interior. El mejor ejemplo es la acelerada “Gemini”, un ejercicio de honestidad brutal con ecos a

#42 febrero 2024

lechyd Da Domino/ Music As Usual

los disonantes Drive Like Jehu. Abundan las referencias a su trabajo como hacedores de música, de las que destacaría esa búsqueda de la canción perfecta en “Ranchera de la Mina” y la dulce voz de Sara Zozaya en “Nana de la luna Pena” prometiéndoles inspiración. “Si me acunas una noche más, te prometo la mejor de tus canciones”, les responde. Grabado por Raúl Pérez y Santi García, “Cancionero de los Cielos” sigue la senda marcada por el entonces rupturista “Bellavista” (20), un pop en mayúsculas en el que tienen cabida colaboraciones con artistas como Erik Urano y canciones sin guitarras como la preciosa “Elena observando la Osa Mayor” sin abandonar del todo el post-hardcore de sus inicios. “Se han marcado un Standstill en toda regla”, le decía a un amigo cuando escuché por primera vez este disco. No pude evitar pensar en ese “Vivalaguerra” (06), un puente entre el post-hardcore y el indie. Con el tiempo también recordaremos este “Cancionero de los Cielos” como un hito de la música independiente, un álbum total, “poético, político y un poco espiritual”. —luis benavides

POP / El quinto disco en

solitario del ex The Coral, Bill Ryder-Jones, se llama “lechyd Da”, que significa “buena salud” en galés, pero está centrado en un momento difícil. Si su anterior trabajo, “Yawn” (18), giraba en torno a la muerte de su hermano, este está hecho bajo la sombra de una ruptura sentimental aunque es la prueba de que el dolor y la angustia no tienen por qué ser las únicas respuestas ante ello. Hace las paces con la oscuridad del pasado y se esfuerza por hallar un lugar más alegre y luminoso. Es un disco de amor y pérdida en el que lo más importante son las brillantes composiciones del cantante y productor, que están en su momento álgido. Además ha sabido acompañarlas de la producción más exquisita y cuidada de su trayectoria, arreglos deliciosos, tenues, íntimos y, a la vez, grandilocuentes, algo así como Nick Drake con los Mercury Rev de “Deserter’s Songs” (98).

—sergio ariza

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Helado Negro

Christina Rosenvinge

Phasor 4AD/Popstock!

Los versos sáficos Primavera Labels

POP ROCK / Hay aquí una

modulación distinta de la sensibilidad que siempre ha mostrado Christina Rosenvinge. El saldo global no tiene el impacto de sus discos, digamos, convencionales, pero discurre por una saludable vía de servicio. Culmina un lapso de cinco años, durante los cuales la madrileña ha estado adaptando la poesía griega clásica de Safo a un contexto pop, tras estar al frente de la obra teatral que lleva el nombre de la poetisa, junto a Marta Pazos y María Folguera. Y eso lo condiciona todo, claro. El empeño no es fácil, ya que en cuestión de adaptación métrica, síntesis y exposición temática, estos trabajos son delicados y requieren extrema precisión. Y aquí no hay soporte escénico, lógicamente. Pero fluye. Aunque tampoco deslumbre y seguramente tampoco sea esa su intención. Y muestra disparidad de tratamientos, algo que también se agradece.

—carlos pérez de ziriza

INDIE POP / La presente en-

trega se imponía como de especial relevancia en la carrera de Roberto Carlos Lange, al ser la continuación del espléndido “Far In” (21). “Phasor” despeja las dudas casi de inmediato y, si bien podría situarse medio peldaño por debajo del mencionado “Far In”, sin duda cumple con lo esperado. Un elepé potenciado entre funk, indie-pop y electrónica, con esa aura exótica que, junto al encanto específico y la chispa creativa del músico, alumbra cada uno de los recovecos (y no son pocos) de estas nueve canciones. Una obra más comedida en extensión, que parece empeñada en concretar virtudes en una secuencia sedosa y trascurrida sin desconcertantes vaivenes. Si “Far In” apuntaba a la multitud de opciones como motor, “Phasor” es, a cambio, un disco con sentido global y cuyo engranaje funciona con precisión en torno a (casi) una única dirección. —raúl julián

POP / Pocos referentes tienen

el decoro de envejecer como Manolo García y Quimi Portet, quienes veinticinco años después de su separación se reencuentran para enfrentarse a la compleja tarea de reinventar veinticuatro clásicos de su discografía. Marcadas por el presente y deudoras de su senectud, las canciones de “Desbarajuste Piramidal” presentan altibajos de todo tipo, desde balsámicas sorpresas (“Dios de la lluvia”, “Sara”), hasta desconcertantes transformaciones (“Lápiz y tinta”, “Como un burro amarrado en la puerta del baile”). Y es que, contaminados por la vis original de las piezas, la dificultad inicial de comprar su nueva fórmula será innegable; aunque si algo queda claro es que, por encima de inventivas de laboratorio, prevalecen sus legendarias letras como agentes testimoniales de una carrera plagada de himnos, convertidos ya en lugar común para oyentes de todas las edades, colores e ideas.

—fran gonzález

POP FOLK / Pocas aspiracio-

nes más honestas existen en el mundo musical que hacer de tus canciones una expresión de belleza al dictado de un discurso atractivo. Suso Giménez, quien lidera esta formación valenciana, no ha logrado que su nombre comparta honores con quienes absorben el reconocimiento popular, una contrariedad que sin embargo debe quedar eclipsada cuando se es capaz de engendrar un disco como el actual. En una perfecta correlación de fuerzas entre el delicado y melódico bagaje pop, no exento de perturbadora sombra “velvetiana”, como demuestra “Quizá sea mucho pedir”, y las raíces americanas, brotadas desde terrenos de evocadora sutilidad –habitados por Iron & Wine o Josh Rouse– o al trote elegante que impone el western, las doce piezas de este álbum emergen atronadoras para cantarle al necesario aliento que nos mantiene en pie frente al sonido del derrumbe.

—kepa arbizu

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INTERNACIONAL

1 Viva Belgrado Cancionero de los cielos

1 Sleater-Kinney Little Rope 2 Bill Ryder Jones lechyd Da

2 Delaporte Aquí y ahora

3 Fin del Mundo Todo va hacia el mar

3 Gorka Urbizu Hasiera bat 4 Muchachito Bombo Infierno Qué puede salir mal 5 Nudozurdo Clarividencia

4 Green Day Saviors 5 Cobrah Succubus 6 Helado Negro Phasor

6 Izaro Cerodenero 7 Christian Varela My Way

9 Las Odio Presente perfecto

7 Marika Hackman Big Sigh 8 Ana Tijoux Vida 9 The Vaccines Pick-Up Full Of Pink Carnations

10 Christina Rosenvinge 10 Kali Uchis Orquídeas Los versos sáficos

Vännäs Kasino

Como que nada ocurrió Discos Sféricos

Desbarajuste Piramidal Warner

NACIONAL

8 Mushkaa SexySensible

Petit Mal

El Último de la Fila

top 10.

Marika Hackman

Vännäs Kasino Clouds Hill

ROCK / Dennis Lyxzen se

junta con otros reconocidos músicos de Umeå para formar una banda local que sabe a punk rock desde todos sus aspectos. Este álbum solo lanzado en vinilo por Clouds Hill funciona de maravilla para quien busque adrenalina, mugre, velocidad… y fineza. Sí, las canciones son urgentes y arrebatadas, pero todo está sobrevolado por una portentosa solvencia compositiva. La escucha es dinámica y deja con ganas de más, sobre todo si el oyente conecta con el vicio hardcore de los dos bulldozers del disco “All Bets Are Off” y “No Information” (que tienen sus reflejos en “Final Warning” y “Opinions”), el gancho irresistible de “2046” y “Savage”, la magnífica “Mystery” que recuerda tanto a Sex Pistols como a The Cramps, el aire proto-punk de “Small Price To Pay” o el halo misterioso y brutal al mismo tiempo de “Fear Monger” y “Scandinavian Slums”.

—adriano mazzeo

Big Sight Chrysalis/ Popstock!

INDIE FOLK / No hay nada tan

fuerte, ni tan demoledor, como el deseo. Con su retorno después de cuatro años, Marika Hackman muestra su cara más oscura en diez cortes en los que muestra de forma cruda cómo la aceptación de la tristeza puede ser un punto de liberación. Un recopilatorio de baladas, reminiscencias folk y temas indie-rock, delicado e impactante a partes iguales, que hasta parece danzar en el dolor. En él encontramos “Hanging”, una balada que retrata el aislamiento, y la culpa inconsolable que siente uno al encontrarse en una relación frustrada. Pero también hay flashes de pasión como la envolvente “Slime”, la más vibrante y animada, o “No Caffeine”, su tema más pop, en el que intenta alejarse de una relación abusiva de la manera más propia de la sociedad del estímulo: no parando ni un solo segundo a pensarlo. Sin olvidar “The Lonely House”, únicamente a piano, o la hipnótica “Vitamins”. —eva sebastián febrero 2024 #43

MONDOVINILOS

La vuelta a la vida de Nudozurdo Nudozurdo

Clarividencia Sonido Muchacho

8 POST-PUNK / Nudozurdo han vuelto a la vida

cinco años después, primero con un imponente concierto en la Sala El Sol de Madrid y ahora refrenando el golpe de autoridad con el lanzamiento del que es su nuevo (y espléndido) disco de estudio. La banda capitaneada por Leo Mateos materializa la premisa de mantener incorruptible la esencia del proyecto con Jorge Fuertes a la batería, Ojo al bajo, y Juanma López Cruz a la segunda guitarra. A pesar de respetar el gen artístico dominante del combo, “Clarividencia” presenta palpables matices con respecto al catálogo previo de los madrileños, en torno al que podría ser el disco más cercano al pop, accesible y plagado de estribillos firmado hasta la fecha por el ahora cuarteto. En lo que es una premisa innegociable, los diez temas incluidos en la referencia vuel-

Cristian Varela

ELECTRÓNICA / Este “self-ma-

de techno man” a la española, que lo vendió todo para emigrar a Londres con el fin de seguir creciendo y creyendo, llevaba seis años sin pronunciarse en largo formato para lanzar ahora este “My Way”, un más que notable álbum de techno atemporal en el que además hay lugar para el electro, el ambient y la EBM. De paso se reivindica él mismo y lo extiende al techno español, que no es que sea ahora más excelente que antes, es que ahora suena mucho mejor y es más conocido y respetado allende nuestras fronteras. Del track-list destacaremos, sobre todo, el techno retro-futurista, contundente y veloz de la trilogía formada por “Earendel”, “Assymetric” y “Helion”. Pero en “My Way” también hay lugar para lo emocional y ambient con cortes como “Intron1ka” o “WASP103B”. Al igual que demuestra su conocido cariño por la EBM, rindiendo tributo al género, con la extraordinaria “Yknalb”. Puro Varela, oiga. —fernando fuentes #44 febrero 2024

ROCK / La imagen de porta-

da del nuevo disco de The Diesel Dogs se parece mucho a la de “And Out Come the Wolves” de Rancid o a la de la discografía completa de Minor Threat. Musicalmente este cuarteto de Madrid tiene más que ver con los primeros que con los segundos, aunque su rock elegante se asocia mejor a bandas como New York Dolls, Social Distortion o The Gaslight Anthem. Además, se han inventado unos cuantos títulos geniales para las nueve canciones que aparecen en el vinilo: “Society Disgusts Me, Advertising Sickens Me, Computers Make Me Puke” (mi favorita, también en el apartado musical), “The Year John Ford Saved My Life” o “Safe In The Arms Of Rock’n’roll”, la última, en la que colabora Nat Simons con una voz femenina que va dando la réplica adecuada a Javi Diesel. Un dulce broche final en plan balada para “The Shipwreck”, el sexto trabajo de The Diesel Dogs.

—jordian fo

—raúl julián

Fin del Mundo

Pleasure Beast Spinning Top/ Popstock!

The Shipwreck Ghost Highway Recordings

beneficiándose las propias canciones de ese contraste, en la práctica, tan favorecedor. La lírica abierta en canal de Mateos es puesta a disposición de melodías que supuran con mayor presencia que nunca en temas de fuerza torrencial como “Soledad/Clarividencia”, “Bisontes albinos” o “Crevillente/La industria del sueño”, que podrían situarse entre lo mejor del cancionero del grupo.

Haiku Hands

The Diesel Dogs

My Way Black Codes Experiments

ven a apostar por esa habitual mezcla afilada de post-punk e indie-rock, como punto de partida desde el que expandirse en vías de esta nueva conquista, luciendo el abanico de herramientas más amplio (y algo menos hermético) que en previas. La oscuridad latente (e innata) en Nudozurdo encuentra, en esta ocasión, contrapunto en las labores como mezclador de Paul Corkett (que ha trabajado con Nick Cave o Björk), aportando horizontes inéditos y

POP ELECTRÓNICO / Abrazar

el caos y olvidar. La idea central del segundo LP de Haiku Hands se apoya básicamente en despedir el año celebrando la vida. Pese a conservar algún que otro guiño que mantiene vivo el espíritu crítico del trio, “Pleasure Beast” es una bola de sexo y libertad que pone el ojo en disfrutar de la felicidad de los pequeños detalles. Esta vez juegan a no tomarse nada demasiado en serio para sobrevivir, tratando así de tapar toda esa frustración que viene directa del mundo real. Es un disco de desenfreno, físico y liberal donde te empujan a pensar en ti por encima de cualquier otra cosa (“Cool For You”). Una especie de fumada que te hace levitar y activa el modo relax ante el asfixiante ritmo de la sociedad de consumo. Entre lo mejor nos encontramos ese corte de seis minutos que es “To The Left” o la ascensión psicodélica que presentan con “Elastic Love”.

—álex jerez

Todo va hacia el mar Spinda Records

SHOEGAZE / Vienen de con-

quistar España, sin tapujos ni medias tintas, con la presentación de su debut en nuestro país y la confirmación del buen talento que Argentina siempre exporta. Fin del Mundo enamoran a la primera con ocho cortes que aúnan sus dos primeros EP’s y cierran la primera etapa de la formación, marcada por una suma de sonidos que abraza desde el shoegaze hasta el post-rock, entre guiños al sur de su país y a ese ferviente deseo por invitarnos a dejarnos llevar. El cuarteto logra equilibrar así y con oportuna precisión su diverso bagaje y refleja su implícito gusto por conformar una propuesta con pretensiones de banda instrumental (con solos que avanzan sin premura y con temple) sin renunciar a otras fórmulas, tan efectivas como congruentes. A dónde pueda terminar llevándoles esta marea solo lo saben ellas, pero el vaivén de las olas no podría haber arrancado mejor. —fran gonzález

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MONDOVINILOS

Muchachito Bombo Infierno Qué puede salir mal El Orfanato Eléctrico/ Volcán

SWING-RUMBA / El nuevo

álbum de Muchachito Bombo Infierno se ha cocinado a fuego lento. Ya habíamos ido escuchando algunas de sus canciones en los distintos singles que ha ido lanzando desde 2021, en plena desescalada de la pandemia. Y dándole una vuelta al mantra de “Todo va a salir bien” de aquellos días extraños, llega por fin “Qué puede salir mal”, forjado en su propio estudio de grabación. Un lugar levantado a lo largo de un año con sus propias manos donde fabricar canciones rodeado de los suyos. Y es que estamos ante un disco coral, lleno de vientos, percusiones y colaboraciones, pensado para tocar en directo con una gran banda. La rumba le deja también espacio al swing, el blues o el funk, fusionándose en el característico estilo que el propio Muchachito ha bautizado como rumbaorleans. Un disco lleno de vitalidad, historias de barrio y ritmos que harán bailar sin parar al respetable. —jesús casañas Las Odio

Presente perfecto Autoeditado

INDIE POP / Las Odio regresan

con un disco autopublicado en el que, de nuevo, apuntan a la filosofía DIY y al movimiento riot grrrl, de ritmos acelerados. Las madrileñas no se guardan nada y parecen reclamar atención en base a la inmediatez incontestable de seis temas directos a la yugular y suficientes para convencer de sus intenciones. El cuarteto deambula entre la celebración vital, la rabia, el humor y la desesperación, con una generosa acidez que preside cada una de las letras. El cuarteto saca así a la superficie la desesperanza implícita a la generación millennial, en un desaliento que afrontan con inevitable conformismo y cierto optimismo. Una teoría que supura sin parar a lo largo de esta referencia sin prejuicios y apuntalada en vertical con influencias de Las Vulpes, Parálisis Permanente o Undershakers, apurando una amalgama estilística que transita, con pose punk, entre power-pop, new-wave e indie-pop. —raúl julián

Delaporte dan otro golpe de timón Delaporte

Aquí y Ahora Mad Moon Music

9 POP / En la reseña de “Las Montañas” (20),

comentaba que un “Como Anoche 2.0” me hubiese gustado, pero que el golpe de timón que habían dado Delaporte en su segundo disco me encantaba. Pues bien, “Las Montañas 2.0” me habría encantado, pero Sandra y Sergio han vuelto a arriesgar y a dar otro golpe de timón, y “Aquí y Ahora” me encanta aún más. Frente a la variedad de estilos de “Las Montañas”, “Aquí y Ahora” lo apuesta absolutamente todo al techno (o al “hard pop”, como dicen ellos). Si no te gusta la electrónica contundente, te horrorizará, porque no tienes escapatoria (quizás el cierre con la estupenda “Besa”, y ni eso). Pero si te gusta, “Aquí y Ahora” es quizás el primer gran disco nacional de este 2024: el “hazme estar aquí” del que hablan en “El techno cura”

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sobrevuela todo el tracklist. “Cuando empecé a componer el nuevo álbum me di cuenta de que bailar me cura, de que el techno me cura y me llena el corazón, y que es tan verdad como que respiro”, contaba Sandra en una entrevista reciente, añadiendo que le ha ayudado a superar una ruptura complicada, “desde entonces voy de rave en rave”. “Hay que salir”, como repite en el temazo inclasificable “Fractal de coños”. “He vivido mucho tiempo con esa idea de que el amor romántico implicaba posesión, porque cuando sentía que esa otra persona era mía ya no me gustaba”, explicaba al hilo de “Ángel Caído”, la colaboración con Alice Wonder. Y es que “Ángel Caído” es una de las joyas del disco, pero también son tremendas “Los lobos”, “Peligro social” o “Súbete la radio”, además de las ya mencionadas “El techno cura”, “Fractal de coños” o “Besa”. Delaporte demuestran con este tercer largo que siguen siendo una de las bandas más interesantes de la escena nacional, que les encanta lo que hacen, y que les encanta ese mundo paralelo (y, a la vez, verdadero presente) al que pueden llevarnos la electrónica y el pop. No podemos esperar a escuchar estas canciones en directo. —pablo tocino

febrero 2024 #45

HELADO NEGRO

PHASOR

Erika de Casier

Still 26.01.2024

STERN AUDITORIUM / PERELMAN STAGE AT CARNEGIE HALL / SYMPHONY SPACE THE TOWN HALL / LE POISSON ROUGE ANGEL ORENSANZ FOUNDATION / INSTITUTO CERVANTES / KJCC-NYU / MERCADO LITTLE SPAIN

FESTIVAL FLAMENCO NEW YORK FEB 2O–24/2024 TICKETS AT pacodelucialegacy.com

09.02.2024

21.02.2024

.LOS DISCOS DE MI VIDA.

Berri Txarrak Jaio.Musika.Hil (2005) Probablemente la banda que más me ha influenciado en cuanto a forma de hacer las cosas y vivir la música. Las giras interminables que solían hacer, mezclar lo político con lo poético, y esa especial atención al apartado lírico es algo que definitivamente me ha marcado para siempre. Gorka Urbizu es sin duda uno de mis letristas favoritos.

Lisabö Ezlekuak (2007) “Ezlekuak” es probablemente el disco que más veces he escuchado en mi vida. Pasan los años y me sigue revolviendo las entrañas como el primer día. Cuando lo descubrí me abrió un mundo de posibilidades y cambió mi forma de intentar escribir canciones, especialmente viniendo del punk-rock y músicas de estructuras y producciones mucho más convencionales.

EN CONCIERTO l Madrid 02 febrero. La Paqui (Inverfest) l Cáceres 01 marzo. Boogaloo l León 22 marzo. Espacio Vías l Sant Feliu de Guíxols 05 abril. Casino Las Vegas l Gasteiz 20 abril. Hell Dorado l Valladolid 10 mayo. Porta Caeli l Córdoba 16 mayo. Hangar l Copenhage 18 mayo. Nasty Cut Fest l Cangas del Narcea 03 agosto. Prestoso Fest

Bon Iver 22, A Million (2016)

Cándido Gálvez (Viva Belgrado)

La banda cordobesa Viva Belgrado da un importante salto creativo con su nuevo álbum “Cancionero de los Cielos”. Aprovechamos para preguntarle a su vocalista, Cándido Gálvez, por los seis discos de su vida aunque puntualiza que son los de su adolescencia los que más le han acabdo marcando.

Daïtro Laissez Vivre les Squelettes (2005)

Standstill Vivalaguerra (2006) Todas las etapas de Standstill me parecen magistrales, pero “Vivalaguerra” es para mí su cumbre. Definitivamente hay una parte importante de influencia musical, pero también su forma empedernida de girar y su actitud quijotesca a la hora de afrontar la creatividad y la industria me han influenciado mucho. No sé cuántas veces llegué a ver su documental “Diez años y una zanahoria”.

Me pasa algo parecido a lo que siento con Lisabö, pocas bandas me revuelven tanto las entrañas como Daïtro, la otra banda con diéresis. Hay muchos grupos de screamo, pero la forma en la que desgarran la voz tiene algo que me emociona sobremanera. Su forma de mezclar lo político con lo poético y sus giras por Europa nos influenciaron definitivamente. Además, fue por ellos que grabamos nuestro primer disco (y todos los demás) con Santi García.

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Cada disco de Bon Iver me parece una obra maestra, pero por el momento en que salió “22, A Million” y cómo me afectó, no puedo dejar de incluirlo en esta lista. La sensibilidad de Justin Vernon, su increíble voz y su especial habilidad para jugar con el lenguaje, llegando hasta a inventarse palabras si no encuentra las que necesita, me fascina.

Los Piratas Relax (2003) Cuando empecé a tocar la guitarra tuve un profesor al que le encantaban Los Piratas y me transmitió su fascinación por ellos. “Ultrasónica” (01) y “Relax” (03) son dos obras maestras que no han obtenido todo el reconocimiento que merecen. Las letras, la sutileza de los instrumentos, el mood nocturno e hipnótico y, cómo no, la producción de Suso Saiz (sueño con trabajar con él) crean un disco inclasificable. —MS

febrero 2024 #47

48/Mondo Media

Demián Rugna Posesión infernal En 2018, la argentina, “Aterrados” causó un fuerte impacto en el Festival de Sitges. Cinco años más tarde, su director, Demián Rugna, volvió con “Cuando acecha la maldad”, con la que ha obtenido el Premio a Mejor Película tras convertirse en la instantánea favorita del público desde su primera proyección. Ahora puede verse en las salas de nuestro país.

#48 febrero 2024

E PREGUNTAMOS a Demián Rugna si el galardón en Sitges ha ayudado a que “Cuando acecha la maldad” llegue a más espectadores. El director se la toma con buen humor. “La película se ha validado de cara al público. No tanto para los distribuidores, pero sí con el público. Piensan: ‘Vale, es argentina, es sudamericana, pero ganó Sitges’”. Si por algo destaca “Cuando acecha la maldad” es por tratarse de una película de posesiones con una mitología totalmente original. “Decidí que iba a ser una película de exorcismos y coloqué a un poseído en medio del campo, en medio de la nada, en una familia muy pobre. Con un demonio que no sólo está en tu cabeza, sino que se está gestando en tu propio cuerpo. Esta idea me la trajo lo que mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

sucede en Argentina con las fumigaciones de glifosato en los campos de soja y las enfermedades que propagan impunemente a través de esos pesticidas. Ese fue el punto de partida y luego la observación de muchos años de cómo el odio se extendía a través de las redes sociales, de los medios de comunicación. Y cómo ese odio puede hacerte daño, a vos y a tu familia. Esa mezcolanza de cosas hizo que me sentara a escribir sobre cómo la maldad, el demonio, nace del interior de las personas”. Es imposible escuchar esto que nos cuenta y no recordar el clima social que se instaló durante las restricciones provocadas por el COVID- 19. Rugna nos aclara que acabó el guion dos años antes de la pandemia. “Puede parecer muy loco, pero en realidad es el reflejo de la sociedad que ya teníamos antes. Luego, en la pandemia, se vio evidenciado el individualismo, la lucha de clases, las teorías conspiranoicas respecto al estado, la idea de cumplimentar reglas para no contagiarte”. HAY VARIOS ASPECTOS en los que “Cuando acecha la maldad” se aleja radicalmente del cine de terror actual de Hollywood. Uno es en tipo de protagonistas que elige: unos seres falibles y humanos. “Quería

personas con las que nos pudiéramos identificar, que fueran antihéroes”, nos dice Rugna. Otro es en su visceralidad, que se enseñorea de la película tras una secuencia brutal protagonizada por un perro y una niña. “Esa escena estaba escrita para que sea el punto de partida de la pesadilla. Esa era la bisagra que iba a tener el espectador atado, con miedo a que vuelva a suceder algo semejante en la película. Es cierto que la película no cumple con los cánones de las películas políticamente correctas de Hollywood que intentan quedar bien con todos. Eso, en una película de terror, no está tan bueno. Agradezco que, aunque la película sea tan macabra, y tan fuerte, llegue a las salas de cine en España. Es algo bastante exótico”. LE PREGUNTAMOS cuál fue su mayor referencia mientras escribía la película. “Pues fue ‘La carretera’, la película en la que actúa Vigo Mortensen. Y después intentando analizar qué otras influencias me marcaron para escribir todo esto entendí que ‘Evil Dead’ es una película que está reflejada en esta. También la coreana ‘The Wailing’. Y, por supuesto, ‘¿Quién puede matar a un niño?’. Me dio la autorización para hacer con los niños lo que quise”.

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“ “Escribí sobre cómo la maldad, el demonio, nace del interior de las personas”

COMO JOHN CARPENTER o Rob Zombie, Rugna es, además de cineasta, músico. Al hablarnos de esa faceta de su personalidad, nos comentó: “Tengo una banda de heavy metal que se llama Pasco 637 desde los dieciocho años. Creo que tiene muchísima relación con mi cine: la búsqueda de lo fronterizo, de lo agresivo, de una música que no se suele escuchar en todos lados, que no es para todos, compleja, difícil de tocar, Todas esas cosas digamos que te crean una postura de ¿por qué mi cine tiene que ser diferente a lo que yo hago en mi otra pasión? Y cada vez que he podido me he involucrado en la banda sonora de mis películas. Siempre le pongo mucho de mi vida en lo que hago”. —josé martínez ros

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febrero 2024 #49

“CUANDO ACECHA LA MALDAD” FOTOS: ARCHIVO

CINE

no tienen agua, alimentos, ni medicamentos. Necesitan tu ayuda.

CINE Y SERIES El rapto

Los que se quedan

Marco Bellocchio

Alexander Payne

9 LA PRIMERA SORPRESA que depara “El rapto” radica en el hecho de que se ocupa de una historia real por la que también se ha interesado Steven Spielberg para un proyecto todavía no realizado, “The Kidnapping Of Edgardo Mortara”. Una vez vista la versión de Bellocchio, lo mejor que se puede aconsejar a nuestro respetado Spielberg es que dedique el tiempo a otros menesteres. Nada de lo que haga podrá superar en intensidad a este inmenso “El rapto”. La historia es brutal: el secuestro impune de un niño judío por parte de la omnipotente Iglesia católica de la Italia del siglo XIX, debido a que el crío fue bautizado (furtivamente y con nocturnidad) por una criada devota. Y así la trata el veteranísimo director italiano. Con brío, con fuerza, con un sentido cinematográfico

incuestionable de acción continua. Un vendaval que te arrolla, un drama lacerante, de efectos devastadores, sobre el poder y la injusticia que provoca en el incrédulo espectador impotencia y rabia. Bellocchio narra sin cortapisas. Recuerda a otro cineasta comprometido de la misma generación –seis años les separan–, el griego Costa-Gavras: no les importa que se note de qué pie cojean. No están para sutilezas. Y si en otras ocasiones, hemos reprochado al cineasta cierto error de cálculo en el tono -como en la, por otra parte, notable “El traidor” (19)-, aquí Bellocchio se acoge, inteligentemente, a los sueños pesadillescos del perpetrador de la infamia, el Papa Pío IX, para dar rienda suelta tanto a su humor más vengativo como a su registro más travieso y juguetón. —j. picatoste verdejo

7 COMO TÍTULO, el de “Los que se quedan” no solamente se adecúa a la trama que ofrece la última película de Alexander Payne, sino que, además, concentra la esencia de la mayoría de los personajes que han poblado la filmografía del director nebrasqueño. Los que se quedan, los abandonados, los que no avanzan, los que han llegado al fin. Puede ser el jubilado de “A propósito de Schmidt” (02), el anciano de (¿su obra maestra?) “Nebraska” (13) o el divorciado depresivo, alcohólico y fracasado de “Entre copas” (04). No es cine social, ni comprometido, al menos tal como lo entendemos, ya que sus protagonistas no pertenecen a las capas bajas, pero habla de la sociedad y los patrones que la rigen, de la experiencia vital, de sus sinsabores, de sus pequeñas alegrías y sus grandes decepciones. Ahora es el turno de un profesor a la anti-

Yannick

Cuando acecha la maldad

Quentin Dupieux

Demián Rugna

7 SIGUIENDO LA ESTELA de “Guermantes” (21) de Christopher Honoré, Dupieux apuesta por el metateatro francés, colocando la cámara no entre bambalinas, sino en el patio de butacas. Si “Fumar provoca tos” (22) se interesaba por la infinidad de capas que una narración puede contener en sí misma, “Yannick” se preocupa por la narración que reside fuera de la pantalla, aquella que se construye en la experiencia del espectador. El humor, siempre presente en las películas de este Stephen King del cine de género europeo, se despliega en esta ocasión a través de un gesto simple, similar al que lleva a un inodoro a cambiar la historia del Arte. Dupieux reflexiona sobre su profesión sin elitismos ni estridencias, alejándose de la neurosis de Nathan Fielder y apostando por un tono atípico

gua usanza de una escuela privada (perfecto Paul Giamatti, quien ya fuera el protagonista de “Entre copas”), temido por los alumnos, despreciado por sus compañeros y tolerado a regañadientes por el director. Además, como colmo e igual que ogros, brujas y demás villanos de los tradicionales cuentos infantiles, está señalado físicamente: un defecto ocular, una sudoración excesiva y un progresivo mal olor corporal lo estigmatizan. Solitario, ha de quedarse en el centro durante las Navidades vigilando a aquellos pocos alumnos que no pueden ir con sus familias, especialmente un tan brillante como díscolo pupilo. Ambos aprenderán a entenderse, a ceder. Como suele ser habitual en Payne, “Los que se quedan” es una historia tragicómica profundamente humana y equilibrada en su tono. —j. picatoste verdejo

en su filmografía: pocas cosas ocurren en la pantalla para que muchas puedan pasar fuera de ella. Un elegante teatro parisino se convierte en el escenario de una comedia que funciona mejor como estrofa que como verso, donde la carcajada puntual se ve eclipsada por la sonrisa final. Dupieux propone una guerra de egos –el espectador incomprensivo contra el actor frustrado– en la que el humanismo acaba ganando como respuesta a la pregunta que sobrevuela toda la película: ¿qué derechos y qué deberes tenemos como creadores y como espectadores? La genialidad de esta pequeña broma diegética reside en la capacidad de Dupieux para huir de la metáfora. De nuevo, la historia que merece ser contada no está en el escenario, sino en el patio de butacas. —daniel grandes

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“CUANDO ACECHA LA MALDAD”, la gran vencedora del pasado Festival de Sitges, es una de las sorpresas más agradables (e impactantes) del cine de terror de los últimos años. El director de la muy estimable “Aterrados” (18) nos trae una historia de posesiones que no se parece a ninguna otra gracias a su elaborada mitología, situada en un remoto paraje de la Argentina rural. Demián Rugna apuesta por un terror visceral, orgánico, tremendamente físico, donde no parece haber rastro de CGI. Un pequeño y desdichado grupo de antihéroes se ven obligados a afrontar una amenaza total, casi un ejemplo de horror cósmico lovecraftiano, lo que la emparenta con esos monumentos del género que son “La Trilogía del Apocalipsis” de John Carpenter o “La Trilogía de las puertas del infierno” de Lucio Fulci. Pedro (Ezequiel Rodrí-

guez) y Jimmy (Demian Salomon) tienen bastantes motivos para estar insatisfechos con sus vidas, Pero todos sus muchos problemas quedan anulados cuando descubren que una “pandemia” que se había extendido por muchas grandes ciudades ha llegado al fin a su tranquilo pueblo. Pero no se trata de ningún virus: los que la contraen están poseídos por un demonio. Los protagonistas se comportan como lo haríamos cualquiera de nosotros: tratando de escapar, de rehuir sus responsabilidades o anteponiendo la salvación de su familia a cualquier otra circunstancia. La película de Rugna posee, entre sus muchas virtudes, una atmósfera malsana que, a veces, nos hace pensar en un western fronterizo, un ritmo inexorable y una refinada crueldad que apenas da tregua al espectador. —josé martínez ros febrero 2024 #51

CÓMICS

LIBROS Mano dura

Fe, esperanza y carnicería Nick Cave y Seán O’Hagan Sexto Piso

7 “Tiendo a pensar que mis discos se construyen sobre un anhelo inconsciente de algo. Si es un anhelo de caos o de paz depende mucho de lo que sucedía en ese momento”. Esta es una de las muchas citas memorables de este libro que recoge una sucesión de conversaciones entre Nick Cave y el periodista Seán O’Hagan. Unas charlas con un grado bastante asombroso de intimidad. Juntos van saltando entre infinidad de temas: su infancia en un apacible rincón de Australia; su adolescencia de rebelde; su larga adicción a la heroína; sus desencuentros con otros músicos y mucho más. Cave es un conversador elocuente y reflexivo. Hay, sobre todo, una figura, una circunstancias, que aparece una y otra vez: la muerte de su hijo, Arthur, en trágico accidente. —josé martínez ros

No es la primera vez que la obra de Robinson se traduce al castellano, pero, de no ser por esta nueva y excelente traducción a cargo de Silvia Moreno Parrado, muchos no tendríamos una idea precisa de la valiosa aportación del autor estadounidense, referencia ineludible en el estudio sobre el capitalismo global y los cambios sociales. Robinson, advierte que estas páginas despertarán la alarma de sus lectores y, a pesar de asegurar que “no tiene las respuestas” a los diferentes dilemas que plantea, “Mano dura” representa una exposición lúcida que nos advierte del “futuro distópico” que se nos viene encima. Un libro que golpeará conciencias, consiguiendo quizás su principal objetivo: que empecemos a observar el mundo que nos rodea con unos nuevos ojos. —tomeu canyelles ¡Ese era mi bistec, Valance!

David J. Skal Es Pop Ediciones

Andrés Rus y Javier Sanabria Sílex

#52 febrero 2024

Lemire, Sorrentino y Stewart Astiberri

Monster Show

Una verdadera lástima que, poco después del lanzamiento de este libro en castellano, el referencial y gran David J. Skal nos haya dejado. Pero su legado pervivirá indudablemente entre los aficionados al terror clásico gracias a títulos como este “Monster Show”. Un didáctico viaje por la coyuntura que rodeó a cada uno de los grandes del terror del siglo XX a lo largo de la historia, empezando por la vida de Tod Browning y la llegada de “El gabinete del Doctor Caligari” (1920) a Estados Unidos y continuando por cómo la Guerra Fría o el sida influyeron en el terror en sus diversas formas. Anécdotas, toneladas de información y análisis desde la perspectiva –siempre amena y fresca– del que fue uno de los grandes estudiosos del género. —joan s. luna

Diez mil plumas negras

William I. Robinson Errata Naturae

7 Quizás el título despiste, pero las pistas las encontrarán en la cubierta. La famosa escena en la que aparece la frase fue filmada por John Ford, en el centro de la imagen, a quien respaldan Dennis Hopper y John Huston. El subtítulo es “El western de la contracultura en 20 películas (1960-1980)”. Y ya no necesitarían más datos. En estas doscientas y poco páginas recogen muchas de las grandes historias del western crepuscular entendido en su más amplio sentido. Esas cintas indispensables en las los héroes pasaron a ser sustituidos por perdedores con fuerte sentido del honor y también por gente sin escrúpulos que intentaban sobrevivir en las ruinas del mundo en el que crecieron. Con ellas el western sirvió para tratar muchos y muy interesantes temas.

—joan s. luna

Que el tándem Jeff Lemire y Andrea Sorrentino funciona a la perfección cuando Lemire explora su cara más enferma, es algo que teníamos claro por obras anteriores (“Primordial”, “Gideon Falls”), pero que esta nueva serie –“Mitos del huerto de los huesos”– subraya con claridad meridiana. Juntos han creado un universo malsano y más oscuro que la sangre coagulada que va dándonos pistas sobre lo que se esconde en las sombras. Primero fue “El pasadizo”, ahora este segundo título autoconclusivo –que Astiberri acompaña por el comic book “Preludio”–, pero a una le queda la sensación de que lo mejor y más aterrador está todavía por llegar cuando empecemos a atar cabos, descubramos las conexiones entre todas estas historias y caigamos en el abismo.

—mercè gutiérrez

El viaje de Shuna

Hayao Miyazaki Salamandra Graphic

8 Cuando el gran Hayao Miyazaki dio forma a “El viaje de Shuna” –estamos hablando de 1983– ya era un genio, pero la mayor parte del universo todavía no lo sabía. Aunque las cosas estaban a punto de cambiar. Inspirado en una leyenda tibetana que impactó al director japonés al leerla en los setenta, “El viaje de Shuna” es un cuento ilustrado más que un manga, en el que las preciosas ilustraciones se complementan con textos explicativos –y apenas unos pocos bocadillos–. Al mismo tiempo es una suerte de piedra Rosetta en la que descubrir las semillas de la princesa Nausicaä o de San y Ashitaka de “La princesa Mononoke”. Hemos tenido que esperar una eternidad para tenerlo entre manos, pero la excelente edición de Salamandra justifica la espera. —adrián santos

Padualand Miguel Vila La Cúpula

8 Cuando, a finales de 2022, “Dulce de leche” de Miguel Vila llegó al mercado español de la mano de La Cúpula supuso toda una sorpresa y una revelación. El artista italiano combinaba a la perfección un particular estilo en el dibujo –muy personal y al mismo tiempo influido por Chris Ware– y una sorprendente capacidad por mostrarnos a los seres humanos con todos sus defectos, físicos y emocionales. Dos años antes había firmado este “Padualand”, una obra que nada tiene de primeriza y que subraya que el talento de Vila no es flor de un día. Las claves de su estilo ya estaban ahí; su forma de reflejar quienes somos también. Una historia coral en la que sus protagonistas más que marginales son gente corriente, de barrio, con sus complejos, sus decepciones, obsesiones y frustraciones. —joan s. luna Go West Young Man VV. AA. Norma Editorial

8 Hacer la lista de autores de este suculento volumen es un poco drama, para qué engañarnos. Un guionista, y director del proyecto, Tiburce Oger, al que se suman hasta quince dibujantes. Casi nada. El objetivo, eso sí, es de lujo. Y el resultado también. Se trataba de rendir pleitesía, con la ayuda de un puñado de compañeros de la escena franco-belga, al cómic del oeste. Al western, vaya. Y el fruto del trabajo es directamente impecable. Catorce historia cortas que se mueven en un período temporal que abarca tres siglos, desde 1783 hasta 1938. Lo bueno es que a la ecléctica propuesta reforzada por la variedad en el dibujo y el color, se suma un elemento que da unidad a todo: la historia de un reloj que en mayor o menor medida da sentido a todo lo narrado. —eduardo izquierdo

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8 La Ruina

Ignasi Taltavull y Tomàs Fuentes

No hay nada que nos una más como seres humanos que la desgracia, la vergüenza ajena y la inoportuna adversidad. Un lugar común en el que Tomàs Fuentes e Ignasi Taltavull han visto un filón a explotar y la excusa idónea para petarlo en salas y teatros de toda la península a través de “La Ruina”, su particular circo de las vergüenzas y una invitación abierta a que asistentes y seguidores lleven a cabo su singular terapia de shock, contando directamente y a las bravas su experiencia más traumática, incómoda, y en ocasiones, inconfesablemente bochornosa. Han pasado por sus micrófonos Berto Romero, Venga Monjas, Ana Morgade, Silvia Abril, Dani Rovira, Ladilla Rusa, Nacho Vigalondo, Jordi Évole o Marc Giró entre muchos otros.

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Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador general Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com

Nudozurdo Nudozurdo regresan a la vida cinco años después de anunciar su separación. Hablamos con Leo Mateos, líder de uno de los grupos más personales y abrasivos que ha dado la escena indie patria que ahora publica “Clarividencia” de la mano de Sonido Muchacho.

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Iván Ferreiro

Disco prestado

Invitamos a Iván Ferreiro a nuestras oficinas de Barcelona para hablar con él del cambio de registro en su último trabajo “Trinchera Pop” (Warner Music, 23), sus proyectos paralelos, su paso por Los Piratas, su secreto para elegir colaboraciones y su desencanto con la música en formato digital.

#54 febrero 2024

ESPECIALES WEB

Marc Aliana

—joan s. luna

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—fran gonzález

“Disco prestado” no es un repaso fugaz a la trayectoria de un artista, sino que Aliana conversa durante tres, cuatro o cinco programas –a razón de una hora aproximada de duración cada uno– con un mismo invitado sobre un único álbum. Es decir, que se trata de monográficos en varias partes en los que se habla, se discute y sobre todo se comparten cosas sobre discos que han marcado al invitado. En ocasiones, Aliana conoce sobradamente el disco, en otras se sumerge en él para preparar el especial. También hay un repaso al momento en el que apareció, la coyuntura y el punto de la carrera de los correspondientes artistas en que apareció. Y muchas veces también nos sumergen en cuestiones técnicas instrumentales de algunas canciones.

PUBLICIDAD Director comercial Dani López T. 687 914 719 dani@mondosonoro.com Coordinador publicidad David Morell T. 607 366 693 david@mondosonoro.com

Ed. Noroeste. Galicia, Castilla y León noroeste@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Raúl Julián T. 659 93 02 04 Administración y contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com COLABORADORES Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Fernando Fuentes, Eva Sebastián, J. Batahola, J.C. Peña, Jordi Forés, Jorge Ramos, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Mara Gómez, Marcos Gendre, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Salomé Lagares, Sergio Ariza, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Virginia Barbero

Grandes discos producidos por otros músicos La figura del productor musical siempre ha sido mirada con recelo, más como un tipo que está allí para hacer dinero que para ayudar a los artistas, pero no hay que olvidar que hubo un tiempo en la música popular en la que el productor era la propia estrella y el que arriesgaba en el estudio.

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