Nº 164 MONDO SONORO JULIO-AGOSTO 2009 by MONDO SONORO

Julio-Agosto de 2009 nº 164

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

WILCO

DULCE PLENITUD RANCID

IMPERDIBLES THE SUNDAY DRIVERS

CON PASO FIRME

GOSSIP

Y ADEMÁS ESTE MES... THE MARS VOLTA • RICEBOY SLEEPS • CAFÉ TACVBA • JACK PEÑATE • THE SOUNDTRACK OF OUR LIVES • THE PEPPER POTS • TIGA • ALONDRA BENTLEY CYCLE • THE LIONS CONSTELLATION • PATRICK WOLF • INSTITUTO MEXICANO DEL SONIDO • CHACHO BRODAS • SONIC YOUTH • COPILOTO • FABIÁN • AMA

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MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /5/

sumario

staff

Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinador contenidos web Xavi Sánchez Pons Diseño web Roberto Lorente (roberto@mondosonoro.com)

WILCO Dulce satisfacción

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres ◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) David Morell (david@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación David Morgado (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 ◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479 ◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 ◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Publicidad Gemma Pinilla Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551 ◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379 ◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Luis Fernández M. Tlf./Fax 915 400 055 Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

NOTICIAS

entrevistas

escaparate

6.Café Tacvba 20 años de CaféTacvba 7. Riceboy Sleeps más allá de Sigur Rós

25. Wilco dulce satisfacción 27. The Sunday Drivers el club de los cinco 29. Rancid en la cresta 30. Gossip ama y deja amar

40-41. The Lions Constellation, Instituto Mexicano del Sonido, Telephunken...

mondofreako 11. The Mars Volta 12. TSOOL 13. The Pepper Pots 14. Alondra Bentley 16. Jack Peñate 17. Patrick Wolf 18. Chacho Brodas 22. Cycle 23. Tiga

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Marcos Arenas porque es un pringado”

Edita Sister Sonic, S.L. Aptdo. 21.022, 08080 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

Conciertos 33. Kobeta Sonic 35. Estrella Damm Primavera Sound 36. Día de la Música Heineken 38. Lagarto Rock

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ORTEAMOS!

5 DVD’S DE LA PELÍCULA

CONTROL

/6/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro

festivales ◗ El SANT FELIU FEST se celebrará los días 14 y 15 de agosto en la conocida población de la Costa Brava con un cartel del que ya se conocen los primeros nombres: The Unfinished Sympathy, Nudozurdo, Eh!, Furguson, Toundra, Songs Of Neptune, B>E>A>K, The Lions Constellation, Pony Bravo y Joe K Plan. Más información: www. santfeliufest.com

Café Tacvba Foto Archivo

NOTICIAS

◗ FESTIVAL DE MÚSIQUES CRUÏLLA DE CULTURES sigue en marcha y llevará este mes de julio a Mataró las mejores y más variadas músicas del mundo, propuestas como Konono Nº1, Manu Chao & Radio Bemba, The Wailers, Taj Mahal… www. cruilladecultures.com

Miss Kittin Foto Vincent Flou

◗ La décima edición del festival ESPANTAPITAS se llevará a cabo los días 21 y 22 de agosto en Campohermoso-Níjar, Almería. Y algunos de los grupos que estarán presentes en el festival andaluz serán Macaco, Ojos de Brujo y Cycle. www.espantapitas.com ◗ El festival SANTANDER MUSIC 2009 se celebrará en la ciudad cántabra los días 24 y 25 de julio con un cartel variado y con la mirada puesta en la música independiente. Estereotypo, Cycle, Fangoria, Rinôcérôse, Band Dessiné, Lori Meyers y Vetusta Morla son algunos de los grupos que estarán presentes. www.santandermusic.es ◗ Los días 23, 24 y 25 de julio la localidad orensana de O Barco de Valdeorras el SON DE MEIGA 09, un macrofestival donde destacan las actuaciones, entre otros, de Rosendo, Tequila, Macaco, Mägo de Oz, Mojinos Escozíos, Reincidentes y Siniestro Total. El festival también tendrá una zona exclusivamente dedicada a la música electrónica. www.sondemeiga.com ◗ Variada programación la del LUNA LUNERA, Festival de Verano Sos del Rey Católico. A lo largo de los meses de julio y agosto tendrás la oportunidad de disfrutar de los conciertos de Lucinda Williams, Bunbury, Russian Red, Marah, Vestuta Morla, Macaco … www.lunalunerafestival.com ◗ El festival mod EURO YE-YE llega en plena forma a su edición número 15. Del 30 de julio a 4 de agosto Gijón acogerá los conciertos de James Hanter, Dr Lonnie Smith, Talk, Doctor Explosión, Los Peyotes, Louis Lament, Brian Auger, The Flirtations y The Attention. www.myspace.com/euroyeye ◗ El EBROVISIÓN 09 se celebrará este año los días 17, 18 y 19 de septiembre en el Multifuncional de Bayas en Miranda de Ebro. El cartel está formado por Vetusta Morla, Catpeople, Love Of Lesbian, Cooper, Delorean, Niños Mutantes, Templeton, The Right Ons… www.ebrovision.com ◗ Alineación más que destacada para la nueva edición del ECOPOP, 5º Festival de Música y Naturaleza que se celebra en Arenas de San Pedro, Ávila, los días 20, 21 y 22 de agosto. Es la siguiente: Amaral, Lori Meyers, We Are Standard, Lapido, Love Of Lesbian, Standstill, Cooper, Zahara, Klaus & Kinski, The New Raemon… www.ecopop. es

Veinte años de Café Tacvba La más importante y mejor banda latina del momento cumple ¡veinte años de historia! Y además siguen siendo los mismos componentes (Rubén, Quique, Joselo y Meme), cuatro estudiantes que montaron una banda para divertirse. ¿Qué grupos con ese bagaje sorprenden aún con cada nuevo disco? Para celebrarlo se embarcan en la gira 2020, “20 años 20 ciudades”.

os miembros de Café Tacvba han pasado estos dos últimos años presentando su espectacular disco “Sino” por medio mundo y, además de la gira, están preparando un documental y dos libros sobre la banda. Pero mejor que Ixaya Mazatzin Tleyotl, también conocido como Rubén Albarrán “el cantante de nombre cambiante”, nos lo explique. “Cada vez que terminamos un ciclo de disco y gira, nos damos un tiempo libre de un año aproximadamente, así cada uno puede involucrarse en otros proyectos y trabajar con otras personas, de tal forma que cuando regresamos volvemos fresquitos, con ideas nuevas y con ganas de tocar nuevamente. Pero está vez la fecha de los veinte años se nos venía encima y decidimos celebrarlo. Hubieron varias ideas y nos gustó la de una gira en veinte ciudades”. Bolivia, Chile, Argentina, Cuba, Puerto Rico, México, Estados Unidos, El Salvador, Colombia, Ecuador, Perú, Paraguay, Inglaterra y España serán los países por los que pasará este tour especial que acabará el 25 de julio en Barcelona. Estos mexicanos mediáticos pero alternativos, pop rockeros y experimentadores del folklore, ofrecerán un repertorio especial con temas de todos sus discos. Y esperamos que sea largo. “En la última gira el show normal eran dos horas y media pero en algunos sitios, o aquí en México, puede ser una maratón de casi cuatro horas. Vendrá Alejandro Flores

como músico invitado y Luis Ledezma sigue acompañándonos a la batería”. Como decíamos, la celebración se completa con una película que ya se estaba gestando hace un tiempo. “La idea del documental surgió porque íbamos a visitar Japón por primera vez y justo allí estaba Ernesto Contreras (joven director mexicano) y le propusimos que se cogiera unas cámaras y filmara nuestra visita. Lo hizo y quedó genial, así que decidimos alargarlo a toda la gira. Ahora se acabará completándolo con las presentaciones de este año y con imágenes antiguas. También estamos trabajando en dos libros, uno biográfico con entrevistas que nos ha ido haciendo Enrique Blanc y otro con la historia gráfica de la banda que estoy montando yo mismo con Román Martínez, un viejo colaborador”. No queríamos desaprovechar la ocasión para preguntarle si se podía extraer algo positivo de la gripe mediática que, supuestamente, ha castigado duro en México. “Como se la llama fiebre porcina, lo mismo la gente deja de comer cerdo y eso está bien (risas). Por otro lado, los hábitos de limpieza se han depurado bastante. Lo que sí es terrible es como los gobiernos nos aplican la cultura del miedo y del terror cuando ellos son en verdad los verdaderos terroristas”. ■ Miguel Amorós

◗ El F.M.SINTONITZZA F.I.S.C llega a Santa Coloma de Gramanet los días 4 y 5 de septiembre con un cartel de lujo que presenta lo bueno y mejor del indie español. Delorean, Joe Crepúsculo, Extraperlo, Lagartija Nick, Veracruz o Half Foot Outside, son algunos de los nombres más destacados del cartel. www.myspace.com/ sintonitzzafestival. n

Miss Kittin y The Hacker, juntos de nuevo

Más información en: www.mondosonoro.com

Ocho años después de facturar una de las piezas básicas de lo que se dio en llamar electroclash, Caroline Hervé (Miss Kittin) y Michel Amato (The Hacker) vuelven a aliarse en “Two” (Nobodys Bizzness/Galileo, 09), un álbum donde la madurez intelectual e introspectiva les aleja del sonido que les convirtió en iconos del clubbing mediatizado. “Nunca nos separamos realmente, simplemente nos tomamos un largo descanso del hype que supuso el electroclash para vivir otras experiencias como artistas”, apunta Caroline. “Después de hablar con Michel acerca de cómo nos hacía sentirnos de solitarios pinchar, nos vino a la cabeza la idea de volver a aliarnos para girar juntos”. Los aires new wave e industriales que inundan en temas como “Party In My Head” o “Indulgence”, en cierto modo, con melodías más acordes a los estandartes del synth pop ochentero (por ejemplo en el mantra que supone “Emotional Interlude”) hacen de “Two” una declaración de intenciones nostálgica adaptada a los tiempos que corren. “Michel me animó a que hablara más profundamente sobre mis sentimientos a través del uso de imágenes y metáforas para crear un ente más fuerte y claro”, comenta Miss Kittin demostrando que, las gatas no resultan ser tan fieras como las pintan. ■ Sergio del Amo

Lord Cut-Glass FotoArchivo

Lord Cut-Glass, vida tras The Delgados Alun Woodward ha necesitado más de tres años para sobreponerse a la ruptura de The Delgados. En un arrebato febril, mientras se recuperaba en cama de una infección de escarlatina, leyó “Under Milk Wood” de Dylan Thomas, y decidió tomar el nombre de uno de los personajes del libro para grabar sus nuevas composiciones, las que acaba de editar en “Lord CutGlass“ (Chemical Underground/Popstock, 09). “Soy yo haciendo las canciones, pero es cierto que resulta atractiva la idea de poder ser otra persona, salir de ti aunque sea por un momento”, comenta Woodward, que bromea con el hecho de haber tardado tanto en sacar adelante el proyecto. “En la obra todos los personajes se caracterizan por soñar con algo. Lord Cut-Glass sueña con relojes, espero que no hagan muchos chistes a ese respecto”. Las señas de identidad de The Delgados se mantienen. “La principal diferencia es que ahora lo decido yo todo. Por lo demás, musicalmente también parto de composiciones con acústica o piano y añado elementos orquestales, combinando riqueza y naturalidad”. Sin ensayos, construyendo las canciones únicamente con la ayuda de Paul Savage a la batería, Woodward utilizó un programa informático para crear las partes de orquesta que luego grabaron los músicos en el estudio. ■ Jorge Ramos

Riceboy Sleeps Foto Lilja Birgisdottir

MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /7/

NOTICIAS

festivales internacionales

The Offspring Foto Archivo

◗ Sziget Festival Cartel más que amplio el del Sziget Festival, que se celebra en Budapest (Hungría) desde el 11 al 17 de agosto. Además de un montón de actividades, podrás disfrutar de los conciertos de The Prodigy, The Offspring, Editors, Primal Scream, Klaxons, Faith No More o Manic Street Preachers, entre muchos otros. Puedes comprar ya los pases o el pack que incluye autobús, acampada y entrada. www.szigetfestival. com/spain

Riceboy Sleeps, más allá de Sigur Rós Riceboy Sleeps dio sus primeros pasos como proyecto artístico hará un par de años. Jon Thor Birgisson y Alex Somers presentaban sus primeras piezas instrumentales juntos, además de pequeñas pinturas y dibujos que ayudaban a ampliar los horizontes de Sigur Rós. Ahora, para disfrute de sus seguidores, ve la luz su primer larga duración, “Jónsi & Alex” (EMI, 09), como Riceboy Sleeps.

lex Somers lleva unos años siendo pareja de Jon Thor Birgisson (vocalista y guitarra de Sigur Rós, también conocido como Jónsi), algo que no difunden a los cuatro vientos, pero que jamás han negado. Hasta el momento se encargaba de la mayor parte de las portadas de Sigur Rós y de buena parte del merchandising. Pero si algo les une más allá de su relación es la forma que tienen de entender la música y el arte en general (algo que ya pudimos constatar en un pequeño cuaderno lleno de pinturas, dibujos y fotografías que editaron hace un tiempo. Ahora bien, Riceboy Sleeps nació originalmente como aventura musical, cercana a los paisajes más ambientales de los firmantes de discos tan imprescindibles “Agaetis Byrjun” y “Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust”. “Cuando nos

conocimos, no teníamos ni idea de hacia dónde iban a ir las cosas. Musicalmente tenemos unos gustos parecidos. Empezamos a hacer canciones, después fotos y vídeos. Más tarde publicamos el libro, en el que nos encargamos absolutamente de todo de principio a fin. Ahora ya tenemos un disco. Es algo que ha sucedido de forma natural y sin que pensáramos en ello. Nos ha llevado cinco años publicarlo, pero aquí está”, me comenta con simpatía y algo de timidez Somers. El álbum (en la calle a partir del 20 de julio) incluye nueve cortes, algunos tan preciosos como “Indian Summer”, “Sleeping Giant” o “Happiness” (que incluyeron ya en el disco benéfico “Dark Was The Night”), a través de los que Jónsi y Alex nos introducen en un mundo en el que la calma y la

melancolía lo tiñen absolutamente todo, como si el tiempo jamás hubiera existido y todo lo malo de sus vidas hubiera sido atrapado en botellas vacías y lanzado a la deriva al Atlántico Norte. “Suena a nosotros. Nosotros tocando en casa, grabándolo en casa. Era lo que queríamos: crear una música que reflejase eso, darle forma a un mundo imaginario dentro del nuestro. Es un sentimiento fantástico dejar fluir lo que tienes en tu interior. Ojalá cuando la gente lo escuche le sirva de inspiración o inspire a otras personas a crear su propia música”. Birgisson interpretó la canciones en acústico y Somers manipulo el resultado con sus samplers, a los que se sumaron las cuerdas de Amiina. Como la música de Sigur Rós, la de Riceboy Sleeps tiene esa extraña capacidad para sonar cálida siendo fría, de reflejar estados anímicos distintos sin excesivos cambios estilísticos. “Me alegro de que eso ocurra, aunque nunca nos lo planteamos. Es sencillo porque ni siquiera tienes que pensar en eso. Cuando haces música tu ánimo y tus sentimientos se revelan en las canciones. Pero no es nada especial, eso ocurre siempre que alguien crea algo desde el corazón”. ■ Joan S. Luna

Entrega de los Premios de la Música Indepediente

Los Planetas Ilustración Juanjo Saez

El próximo 4 de julio la Unión Fonográfica Independiente, más conocida como UFI, celebra el Día de la Independencia en el Teatro Fígaro de Madrid. ¿Y qué es el Día de la Independencia, se preguntarán algunos? Pues la entrega de premios a los artistas indies de nuestro país. Hay un total de veintiséis categorías premiadas, desde Mejor Álbum del Año hasta Mejor Promotor Musical, pasando por premios centrados en es-

tilos concretos, canción, clip, etcétera. MondoSonoro entregará el premio al Artista Revelación (cuyos candidatos son: El Guincho, Manel, Nudozurdo, Vetusta Morla y Zenet). La fiesta estará presentada por Joaquín Reyes (“Muchachada Nui”) y actuará una larga lista de grupos nominados en distintas categorías, entre ellos Glitter Klinik, Mastretta, Remate & Paco Loco, Los Punsetes o Shotta. n

Franz Ferdinand Foto Archivo

◗ Paredes de Coura El que continúa siendo uno de los festivales de rock más emblemáticos de Portugal vuelve a celebrarse durante los días 29, 30 y 31 de julio y 1 de agosto en la Playa Do Tabuao (Paredes de Coura). La apertura será con Patrick Wolf el miércoles 29, para continuar durante los días siguientes con Franz Ferdinand, Supergrass, The Pains Of Being Pure At Heart, Nine Inch Nails, Peaches, Jarvis Cocker y muchos otros. www.paredesdecoura.com

Faith No More Foto Archivo

◗ Festival Sudoeste TMN Otra de las citas portuguesas ya consolidadas, el Festival Sudoeste, se celebra los días 5, 6, 7 y 8 de agosto en Zambujeira Do Mar (Alentejo). Un cartel de lo más ecléctico: Faith No More, Buraka Som Sistema, The National, David Guetta, Lily Allen o Basement Jaxx, además de una selección de artistas barceloneses con Macaco, Muchachito Bombo Infierno, The Pinker Tones y Pastora. www.sudoestetmn.com

Los Planetas, ¿disco o cómic? A falta de nuevas canciones, Los Planetas sorprenden a sus seguidores con un lanzamiento que llevará por título “Principios básicos de astronomía” (El Volcán, 09) y que verá la luz a principios de julio. Se trata de un cómic, un disco recopilatorio de diecisiete cortes de su carrera y una pieza inédita (“Soy un pobre granaino”) y todos los clips del grupo andaluz. “Principios básicos de astronomía”, el cómic, presenta ni más ni menos que cuarenta y ocho páginas dibujadas por el dibujante Juanjo Sáez a lo largo de las cuales interpreta desde su punto de vista personal cada una de las canciones incluidas en el recopilatorio. Al mismo tiempo que se anuncia este lanzamiento y su presentación el próximo 14 de julio en la sala El Sol de Madrid, la discográfica actual del grupo de Granada comunica que los músicos ya están en el estudio preparando su nuevo trabajo. Más información en: www.losplanetas.es n

The Black Eyed Peas Foto Archivo

Shotta Foto Archivo

◗ Optimus Alive! Portugal te acogerá con los brazos abiertos si los días 9, 10 y 11 de julio te acercas hasta el Paseo Marítimo de Algés (Lisboa) para asistir al Optimus Alive! de Oeiras. A lo largo de estos tres días podrás disfrutar de un cartel de lo más amplio, que va desde Metallica y Slipknot a The Prodigy o Klaxons, pasando por Mastodon, Placebo, Late Of The Pier, The Black Eyed Peas o Chris Cornell. www.optimusalive.com n

festivales 2009 ❱〉 Aquasella Arriondas, la pequeña localidad asturiana que acoge año tras año el Descenso del Sella, ya tiene otro motivo para sentirse orgullosa. El Aquasella cumple trece ediciones combinando el agradable clima veraniego de la cornisa cantábrica, un paraje natural precioso, y la fiesta para los amantes de la música electrónica. En esta ocasión visitarán Arriondas Carl Cox, Miss Kittin & The Hacker, Ben Sims, Óscar Mulero, Umek o Abe Duque entre otros muchos que alternarán las sesiones con los directos. Los días 6 y 7 de agosto. www. aquasella.com.

Óscar Mulero

❱〉 Bilbao BBK Live

Los Planetas

❱〉 FIB Heineken Con las confirmaciones de Los Planetas (su única actuación durante este 2009 si exceptuamos una pequeña sorpresa que tendrá lugar en Madrid), Glass Candy, Tom Tom Club, Four Tet y The Wave Pictures (que cubren las bajas de Late Of The Pier, James Holden y The Juan Maclean) se cierra definitivamente el cartel del festival veraniego por excelencia en nuestro país. La gran novedad es la ampliación de un día, con lo cual el grueso del festival pasa a desarrollarse del jueves 16 al domingo 19 de julio. www.fiberfib.com.

❱〉 Creamfields Vuelve el Creamfields, lo que da muestras de la buena salud de la que goza esta fiesta musical enfocada a electrónica y que cuenta con un incomparable marco en El Ejido. Festival de una sola fecha, la quinta edición de la sección andaluza del Creamfields contará con la presencia de Jeff Mills, Rex The Dog, Tiga, Kevin Saunderson, The Field (en su versión live, presentando su nuevo disco) o Alex Under, entre otros. Tendrá lugar el 15 de agosto. www.creamfields-andalucia.com.

Turbonegro

Asturias es por tradición un terreno abonado para los registros más duros del rock. Por eso no es de extrañar que el Derrame Rock llegue a su decimocuarta edición convertido en “fiesta de interés turístico” por los responsables del Principado. Cada año más ambicioso, el cartel del Derrame cuenta con primeras espadas del heavy rock internacional como Soulfly, Turbonegro, Gamma Ray, Kreator o Backayard Babies, y también con nombre nacionales que no desmerecen como Rosendo, Hamlet, Def Con Dos, Sex Museum, Burning o Boikot.. El 10 y 11 de julio en Pravia. www. festivalderramerock.com

❱〉 Monegros Desert Festival Cita ineludible para los aficionados a la electrónica, cita en la que volverán a encontrarse buena parte de los nombres más importantes de la escena dance internacional, habituales todos ellos de Monegros. Hablamos, claro, de Carl Cox, Ricardo Villalobos, Tiga, Richie Hawtin, Dave Clarke o Marco Carola. Aunque la gran atracción de la edición 2009 es la vuelta a los escenarios de Orbital, auténticos cabezas de cartel, que compartirán escenario con el reggaetón de Tego Calderón y Calle 13 y el hip hop de Nach y Toteking. El 18 de julio en Fraga (Huesca). www.monegrosfestival.com

Primal Scream

Una de las características que distinguen al Electrosonic de otros festivales de electrónica veraniegos que cuentan con similares cabezas de cartel es su apuesta por los dos días, frente a la fecha única habitual en estos casos. El Electrosonic tendrá lugar los días 21 y 22 de agosto en el Parque Natural de Fuentes Blancas (burgos) y allí se subirán al escenario, entre otros, Sven Väth & Friends. Carl Craig, Óscar Mulero, Jeff Mills, Cristian Varela, Ladytron, Dj Rush, Sebastien Leger, Popof o Radioslave. Más información en www.myspace.com/electrosonicfestival.

Jeff Mills

❱〉 Contempopránea El público indiepop tiene en un merecido altar al Contempopránea, no en vano el festival de Alburquerque (Badajoz) ha jugado un papel importante en la consolidación de la escena nacional. Este año nuevamente se darán cita viejos conocidos como La Buena Vida, Lori Meyers, Love Of Lesbian, Cooper o Sidonie. Y junto a ellos, la nueva savia del indie nacional que viene arreando fuerte: Russian Red, Vetusta Morla, La Bien Querida, Catpeople, We Are Standard… 24 y 25 de julio. www.contempopranea.com

Biohazard xxxxxxxxxx Foto Archivo

❱〉 Lorca Rock Más metal del duro, en este caso en la localidad murciana de Lorca. Su lema es “¡Yo no iré al infierno porque ya estuve allí!” así que echa cuentas… La idea de lo que es el infierno para sus organizadores es, además de las altas temperaturas que habrá que sufrir en Murcia el 24 y 25 de julio, la adrenalítica descarga en directo de Biohazard, Sepultura, Arch Enemy, Messhugah, Carcass, Obituary, Voivod, Dark Funeral y unas cuantas bandas más de la línea dura. La cita tendrá lugar en el Recinto Ferial de Huerto de la Rueda de Lorca. Más información en www.lorcarockfestival.com.

❱〉 Sonisphere

Omara Portuondo

❱〉 Pirineos-Sur

España se incluye por vez primera entre el elenco de países organizadores de este mastodóntico festival dedicado enteramente al metal. El cartel combina los grandes nombres clásicos con algunas de las bandas más pujantes del género en la actualidad: Metallica, Machine Head, Slipknot, Mastodon, Lamb Of God, Gojira o hasta nuestros Soziedad Alkohólica y The Eyes. Además, la ubicación es la mejor de todas aquellas posibles en Barcelona, en el comodísimo (por ubicación y servicios) Parc del Fórum. Tendrá lugar el 11 de julio. www.sonispherefestivals.com.

Vetusta Morla

❱〉 Sonorama-Ribera Como siempre, en el Sonorama la selección de grupos no es tan importante como el excelente ambiente que rodea al festival en Aranda de Duero (Burgos). Y eso que un año más el Sonorama se ha convertido en una especie de “quién es quién” de la música indie española: Vetusta Morla, Ojo Con La Mala, Nacho Vegas, Catpeople, Sr. Chinarro, Kiko Veneno, Lagartija Nick, Dorian, Manos De Topo, The Unfinished Sympathy, Depedro, Extraperlo, La Habitación Roja, Kiko Veneno y un largo etcétera que completan los internacionales Josh Rouse, James y Amy McDonald. Del 13 al 15 de agosto. www.sonorama-aranda.com

En su decimoctava edición el Pirineos Sur sigue haciendo del maravilloso paraje natural que le sirve de sede su baza principal, así que con eso asegurado ya podemos sumergirnos en el cartel. En esta ocasión el festival tendrá lugar en el Auditorio de la Lanuza (Sallent de Gallego, Huesca) entre el 9 y el 26 de julio, con un variado cartel que va del pop y el rock a los grandes nombres de la World Music: Eli ‘Paperboy’ Reed & The True Lovers, Marianne Faithfull, Neneh Cherry, Ojos de Brujo, The Wailers, Omara Portuondo, Maceo Parker y un largo etcétera de artistas de internacionales. www.pirineos-sur.es. Ricardo Villalobos

Cooper

❱〉 Electrosonic

❱〉 Derrame

The Field

Tan sólo la presencia en lo alto del cartel de Depeche Mode, que vienen a presentar el recientísimo “Sounds Of The Universe”, ya es suficiente para que el Bilbao BBK Live se convierta en una de las fechas clave de la agenda festivalera nacional. Pero es que además en Bilbao podremos asistir a los conciertos de Placebo, Jane’s Adiction, Primal Scream, Fischerspooner, Basement Jaxx, Editors, Kaiser Chiefs, Babyshambles, Supergrass y hasta de los nacionales Vetusta Morla, El Columpio Asesino y Cycle. Del 9 al 11 de julio. www. bilbaobbklive.com

Machine Head

MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /11/

MONDOFREAKO

The Mars Volta Foto Archivo

The Mars Volta

Abducidos Un año después del apabullante “Bedlam In Goliath”, The Mars Volta regresan con “Octahedron”, reacción, reverso y polo opuesto de aquél. Un disco semiacústico de piezas etéreas y flotantes en el que vuelven a contar con la ya habitual contribución de John Frusciante.

l tono del quinto disco de The Mars Volta contrasta con la excitación y la verborrea de Omar Rodriguez-Lopez, casi el equivalente oral a su hiperactividad creativa. “Desde el principio quería hacer un disco que fuera lo contrario de ‘Bedlam In Goliath’, que era súper agresivo y súper fuerte de principio a fin, como un golpe cabrón en la cara (risas). Quería que el nuevo disco representara el otro lado, algo completamente diferente”. Su faceta acústica no es nueva, aunque siempre ha aparecido, álbum tras álbum, de forma dosificada. En “De-Loused In The Comatorium”, por ejemplo, lo hizo bajo el título de “Televators”; en “Frances The Mute”, en la canción “Miranda That Ghost Just Isn’t Holy Anymore”. “En nuestros discos siempre ha habido alguna canción acústica, pero llevaba tiempo pensando en hacer un disco entero en esa onda y con esa atmósfera”. Lo que sí mantienen en común sus dos últimos trabajos es una mayor concreción a la hora de componer; siempre, claro, dentro de los parámetros de The Mars Volta. “¡Teniendo en cuenta que en el pasado grabamos canciones de treinta minutos, sí! (risas). Aquí hay temas de siete y

ASI COMO SUENA

hasta nueve minutos, pero, como tú dices, todo está más concentrado”. Si “Bedlam In Goliath” se alimentaba, conceptualmente, de los fenómenos paranormales experimentados con una antigua tabla ouija, “Octahedron” se nutre de otro factor intangible pero al que estamos algo más habituados. “Nace de un sentimiento de pérdida y de nostalgia. De niños,

disco habla también de la desaparición de las emociones”. El título del álbum, en cambio, nació casi al azar, como el de “Amputechture”, pero luego fue cobrando sentido. “Las conexiones surgieron después: llevamos ocho años como grupo, el disco tiene ocho canciones y somos ocho en la banda”. Hablando de integrantes, John Frusciante, de Red Hot Chili Peppers, ha vuelto a grabar con ellos por cuarta vez consecutiva. ¿Casi un miembro fijo de The Mars Volta? “En directo le absorben mucho los Chili Peppers, pero en el estudio podríamos decir que sí. Es mi hermano, tenemos una conexión muy fuerte. Desde el principio me dijo que era muy fan de mi

“Desde el principio quería hacer un disco que fuera lo contrario de ‘Bedlam In Goliath’” en El Paso, un amigo nuestro despareció. La policía dijo que se había ahogado en el lago, pero nunca encontraron su cuerpo. Es una sensación muy extraña. Cuando alguien se muere, al menos puedes aferrarte a tus creencias religiosas y pensar que está con Dios, pero cuando alguien desaparece, todo se hace más difícil. Pensamos en personajes como el abogado Oscar Zeta Acosta, en el guitarrista Richey James de Manic Street Preachers, o incluso en el enigmático Triángulo de las Bermudas. El

Luis Díaz (Nudozurdo) Hace unos meses publicaron “Sintética”, un disco que ha ido ocupando su lugar en la escena estatal, escalando peldaños sin aspavientos, pero con las cosas muy claras. Hablamos con Luis Díaz para descubrir cómo consigue su sonido. ◗ ¿De qué material consta tu equipo en directo? Amplificador combo Fender The Twin, pantalla Marshall 4x12, guitarra eléctrica Fender Jaguar, guitarra eléctrica Fender Stratocaster y un buen puñado de pedales. Además he incorporado a mi set una melódica y un pequeño sintetizador Korg Microkorg.

Luís Díaz Foto Archivo

¿Qué importancia tiene experimen-

grupo, que sabía que yo lo componía todo y que él iba a dejar a un lado su ego para ayudarme a lograr lo que quisiera”. Thomas Pridgen también se ha adaptado al nuevo registro de la banda. “Es un baterista increíble y un tipazo. Además, es muy versátil, como demuestra en el nuevo disco”. En este momento, Lázaro Cárdenas, el perro de Omar, una mezcla de labrador “igualito al perro volador de ‘La historia interminable’” al que rescató en la calle del mismo nombre, nos interrumpe con sus ladridos. Jugar con su perro es uno de

tar con instrumentos nuevos? Para mí la experimentación musical (también con instrumentos nuevos) es básica para tu evolución como músico. ¿Tienes todo el equipo necesario para conseguir que tus ideas suenen en estudio como quieres? No, tengo la limitación económica y sólo tengo lo que puedo permitirme. ¿Qué diferencias existen entre tu equipo de directo y el que usas normalmente en estudio? En estudio suelo usar el mismo equipo que en directo dado que es el que conozco mejor y al que sé sacar todo su rendimiento. Desde que empezaste ¿qué ha cambiado en tu equipo? Pues todo. Yo empecé tocando el piano y el saxofón (con sus clases de solfeo

los pocos pasatiempos de Omar al margen de la música. Sólo así se explica que en apenas un año haya sacado dos discos con su banda, haya realizado una gira, producido el próximo disco de Juliette Lewis, editado abundante material en solitario y haya visto crecer su propio sello, Rodriguez-Lopez Productions –si estáis pensando en enviarle vuestra música, Omar avisa: “debe ser real, tiene que emocionarme y ponerme la piel de gallina”-. Con todo, sigue siendo inevitable preguntarle de dónde saca el tiempo. “No tengo vida social, es así de simple”, afirma riendo. “La gente me pregunta cómo puedo trabajar tanto. Y aunque obviamente hay mucho trabajo y mucha disciplina detrás, para mí componer es como jugar. Me siento como un niño. La única diferencia es que ahora tengo mi casa y mi estudio, pero así es mi vida. Me he rodeado de gente que me ama y a la que amo”. Entre ellos están su hermano, Marcel Rodriguez-Lopez; el cantante Cedric Bixler-Zavala (“mi mejor amigo, mi sangre”); y, cómo no, su novia, la joven actriz y cantautora mejicana Ximena Sariñana. “Componemos juntos en casa”, confiesa. Música y amor, qué mejor antídoto contra los excesos del pasado. “No bebo, no fumo, no tomo drogas… no hago las cosas que se supone que haría cualquiera en mi situación”. ■ David Sabaté

incluidas) y degeneré en esto que veis ahora... ¿Compras material de segunda mano? Algo de segunda mano sí que tengo y además ahora con Internet es mucho más fácil acceder a este mercado aunque, como todo, siempre es cuestión de tener un poco de suerte y ser avispado. Qué tres discos usarías como referencia por su sonido. Bueno, no soy de los que tiene canción o grupo favorito así que esta respuesta sería distinta si me la hicieras mañana, pero así a bote pronto te diría “The Piper At The Gates Of Dawn” de Pink Floyd, “Broken Arrow” de Neil Young y “Goo” de Sonic Youth. ¿Qué importancia crees que tienen los productores y los ingenieros en

“Octahedron” está publicado por Universal.

el resultado final de un disco? Pues tienen toda la importancia y es básico que sepan plasmar en el sonido de un disco la esencia del grupo y sean capaces de interactuar con el grupo sin imponer criterios. Un mal productor puede hacer que una buena canción y unos buenos músicos suenen incoherentes y flojos. Además creo que es una de esas cosas que escasea en este país. Cita a tres productores con los que te gustaría trabajar o a los que admiras... Pues si solo puedo elegir a tres ahora mismo, te diría a Chris Goss, que produjo entre otros “...And The Circus Leaves Town” de Kyuss, que me encanta por su crudeza y originalidad; Brian Paulson que produjo el “Spiderland” de Slint en muy pocos días con un sonidazo y Flood, que tiene una buena ristra de grandes trabajos a sus espaldas. ■

(MONDOFREAKO /12/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro)

TSOOL Foto Archivo

TSOOL

Todo es mentira A Ebbot Lundberg y sus amigos les ha sentado de maravilla el paseo que se han dado por Estados Unidos para presentar “Communion”, el disco doble que rompe un largo silencio. Cargado de optimismo y acidez hacia la publicidad que nos rodea, The Soundtrack Of Our Lives creen que han dado con su mejor disco, nada menos. ¿Esfuerzo final? Parece que no.

a voz de Lundberg suena cansada pero amable desde alguna carretera. Eso cuando no se entrecorta. Por suerte sus ideas sobre “Communion” son claras y breves. “Creo que es el disco más homogéneo, aunque sea doble, y también el más épico. Todos en la banda creemos que es el mejor disco de The Soundtrack of Our Lives”. Añade palabras de elogio hacia todo el equipo. “Ha sido un esfuerzo común, todo el grupo ha estado más involucrado en el proceso que antes, hemos estado más juntos como banda. Y ha sido el álbum más fácil de grabar, todo fluyó, todo llegó muy rápido”. A pesar de defender la homogeneidad de “Communion”, Lundberg concede que hay un punto mayor de vitalidad, de despegue, en el disco uno. Todo quizá consecuencia inevitable cuando te enfrentas a un doble. Es posiblemente un error pensar por inercia que sacarlo

suena a esfuerzo final. “No estoy seguro de que vaya a ser nuestro esfuerzo final”, dice Lundberg. “Lo hemos hecho para cada seguidor nuestro que ha esperado tanto tiempo desde nuestro anterior disco. En realidad, creo que este disco nos devuelve a nuestros comienzos como grupo. Habíamos reunido treinta canciones”. Entre las más notables, sin duda, “The Ego Delusion”, un desarrollo suave que desemboca en el estribillo más acertado, más épico si quiere Ebbot, más significativo cuando canta para “encontrar un lugar lejos de este castillo de aire”. “Es la canción que impulsó todo el disco, mi favorita y me encantaría verla como single. Habla de separar el ego de nuestra individualidad. Es muy representativa, junto a ‘The Passover’, la última, de todo lo que queríamos decir”. ¿Y qué han querido decir TSOOL con “Communion”? Un vistazo a la porta-

da y el libreto, además de sorprender, da todas las claves. Personajes con una felicidad absoluta, que acaban de estrenar lo último de Apple, con casas inteligentes, un trabajo ideal, gente purificada que sonríe indefinidamente. “Queríamos hacer algo distinto que reflejara la psicosis de hoy, el corporativismo y la vida perfecta a la que nos empujan los medios. Vemos estas fotos por todas partes sobre una vida falsa que no existe. Ni siquiera las personas que apare-

todo. La mayoría empezará a reaccionar”. La conversación también deja claro que además de una “relajante” actuación en el show de Jay Leno, con quien acabaron discutiendo de coches en su propia casa, y de disfrutar de la maravillosa luz de California, los chicos de The Soundtrack Of Our Lives se han traído otras sensaciones sobre el cambio acontecido en Estados Unidos. “Creo que Obama es un símbolo de que no debes separar a la gente, uno de los pecados ori-

“Queríamos hacer algo distinto que reflejara la psicosis de hoy” cen sabían que acabarían en nuestro disco. Son fotos de una agencia cualquiera”. La idea surgió antes del colapso financiero de octubre de 2008 y la consecuente tormenta que se ha llevado por delante decenas de miles de empleos en el mundo occidental con unas cuantas casas y coches y televisiones y vacaciones por pagar. Lundberg parece hablar de una vida más sencilla. “Tenemos que renovar todo lo que hemos construido. Es fundamental, no se puede seguir así, haciendo lo que cierta gente hace cuando tienes esas enormes diferencias en

ginales”, dice Lundberg, el frontman-profeta, el de las túnicas y los brazos al cielo. Por cierto, ¿de dónde viene todo ese rollo? “Es mi papel como persona. Liberas mucha energía con la música y con toda la expresión del directo, y de algún modo, deseo aumentar la intensidad para la gente y para mí. Te conviertes en un instrumento y sientes como si fueras intocable, algo mágico. Es especial”. Desde luego lo parece. ■ Jerónimo Martín “Communion” está publicado por HEART OF GOLD.

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“Tengo veintiocho años y he pasado cinco durmiendo en el suelo de una casa ocupada. Me da igual lo que piensen de mí” Beth Ditto de Gossip, en El País

“Aparentemente, conocí a Paul McCartney un par de veces. El problema es que iba tan ciego que no recuerdo nada de eso” Shaun Ryder, de The Happy Mondays, en Uncut

“Estoy más abierto a las cosas. Me fijo en Tom Petty y Paul McCartney y en su rango como contadores de historias” Trent Reznor de NIN, en Mojo

“Lennon canta sobre la paz porque es un maltratador de mujeres. Los hippies están muy llenos de mierda” Mark “E” Everett, en Uncut

“En mis primeros años en Murcia, vivía en el campo con mis padres, muy la casa de la pradera, sacábamos agua de un aljibe” Alondra Bentley, en Supernovapop

“Una vez tomé ácido en un festival. Ni siquiera me acuerdo de cómo eran los lavabos” Lady Gaga, en Q

“La industria musical está dirigida por una panda de jodidos idiotas” Lilly Allen, en NME

The Pepper Pots Foto Archivo

The Pepper Pots

El soul de girona La llama del sonido Motown sigue viva en Girona. Ver para creer. Los once componentes de The Pepper Pots vuelan alto en “Now!”, un disco que recupera lo bueno y mejor de una era irrepetible. Una obra mayor que es mucho más que un simple ejercicio de estilo.

í, aunque no se lo crean a la primera, el grupo que mejor está llevando en la actualidad el estandarte del soul de alma pop que la Motown alumbró en los sesenta reside en Girona. Responden al nombre The Pepper Pots y acaban de publicar “Now!”, un excelente disco que celebra con inteligencia, frescura y mucha alma el sonido de la era dorada del sello de Berry Gordy. Al habla Joan Barrientos, bajista del grupo. “Nos encanta que digas eso, porque sí, efectivamente era nuestro objetivo. Motown es un sello que nos ha inspirado muchísimo en ‘Now!’ y queríamos recrear la manera de hacer de aquella época. Está claro que también teníamos muchas otras influencias, pero principalmente nos centramos mucho en ese tipo de sonido, investigando qué instrumentos utilizaban y de qué manera…”. El salto de calidad que han dado los catalanes con su tercer álbum es galáctico. En poco tiempo, han pasado de ser un grupo de ska cercano a los sonidos jamaicanos apreciadísimo en la escena del género (han llegado a girar por Japón) pero poco conocido fuera de ella, a una banda de soul pop favorita, con una proyección brutal, que figura con todas las de la ley en el mismo saco que Eli ‘Paperboy’ Reed, Sharon Jones And The Dap-Kings y Amy Winehouse. “El soul es una música que siempre ha sido una fuente de inspiración para nosotros y desde los inicios de The Pepper Pots lo hemos practicado. Siempre le hemos tenido mucho respeto, al ser un estilo muy complejo, con unas armonías muy trabajadas, unos arreglos muy cuidados y lo más importante: tiene que sentirse y ser tocado con el corazón. El soul debe tener alma. Hemos estado todo este tiempo trabajando muy duro, y no ha sido hasta este tercer disco que nos hemos visto capaces de hacer un disco práctica-

mente de soul. Para conseguir este cambio también nos ha ayudado mucho el trabajo junto a nuestro productor Binky Griptite”. Al loro. Binky Griptite ha sido una pieza clave para el sonado giro estilístico que ha tomado la banda. Este soul man estadounidense de buen corazón e increíble talento es el capo de los Dap-Kings, banda de acompañamiento de las antes citadas Sharon Jones y Amy Winehouse, además de una de las figuras más destacadas de Daptone Records. Jefazo es poco. “El primer encuentro con Binky fue en la sala Apolo de Barcelona hará un par de años cuando vino a tocar con Sharon Jones &

Supremes, de las Ronettes o de las Chiffons revive en Adriana, Mercè y Marina. “Teníamos claro que el gran reto de este disco era mejorar sobre todo el tema vocal. Se trabajó muchísimo escuchando cómo lo hacían nuestros artistas favoritos, cuando cantaban a unísono o cuando armonizaban los coros… Muchos de los temas se han trabajado durante meses y hasta años. Se hizo un trabajo previo muy importante antes de la grabación, y luego Binky en el estudio hizo los últimos arreglos, sobre todo dando mucho énfasis a la pronunciación americana. Aunque estamos satisfechos, creemos que todavía tenemos mucho trabajo y muchos objetivos a mejorar”. Por último, qué mejor que preguntar a los de Girona por los cinco discos de soul que más les han influido a la hora de grabar “Now!”.”‘Reach Out, I’ll Be There’ de The Four Tops: las armonías vocales y la composición de los temas de Four

“Motown es un sello que nos ha inspirado muchísimo y queríamos recrear la manera de hacer de aquella época” The Dap-Kings. Es una persona muy tranquila que transmite muy buena energía en todo momento. Vive y trabaja al estilo ‘old school’, y tiene muy clara la sonoridad que busca. No le gustan las nuevas tecnologías a la hora de hablar de música, sino que utiliza todas las viejas técnicas de grabación: poca microfonía, mesa de grabación analógica, instrumentos y microfonía vintage. Graba los temas tocando todos a la vez para no perder la naturalidad y con un sonido más de directo. Su manera de trabajar y la nuestra se entendieron enseguida y todo fue muy sencillo”. Griptite ha sido capaz de sacar lo mejor del grupo, algo que queda claro en los estudiados y emocionantes arreglos que presentan todas y cada una de las canciones del disco, y en el increíble trabajo de las voces. Las tres componentes femeninas de The Pepper Pots, encargadas de la parte vocal, brillan con especial fuerza en “Now!”. El espíritu de las

Tops han sido un gran referente. ‘Let’s Get It On’ de Marvin Gaye: este es nuestro disco de cabecera… Nunca existirá un cantante que consiga transmitir los sentimientos como él. ‘The Young Mods’ Forgotten Story’ de The Impressions: la producción y los arreglos de estos discos son difícilmente superables. ‘Where Did Our Love Go’ de The Supremes: ha sido un claro referente para nuestra música, sobre todo en temas como “You’re Still In My Mind” o “Time To Live”… Y ‘Band Of Gold’ de Freda Payne: de la mano de los cerebros musicales de Motown, Holland/Dozier/Holland. Payne también nos ha influido con temas como el mítico ‘Band of Gold’ y hemos estudiado muchísimo sus discos mas souleros”. ■ Xavi Sánchez Pons “Now!” ” está publicado por Black Pepper.

(MONDOFREAKO /14/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro)

Alondra Bentley Foto Archivo

Alondra Bentley

El folk se lleva dentro Alondra es uno de los secretos mejor guardados de la escena murciana. Han tenido que pasar años para que la desnudez de sus elogiadas maquetas madurase en un primer álbum, “Ashfield Avenue”, con unos colaboradores que quitan el hipo, pero la espera ha valido la pena.

o sería justo hablar de Alondra Bentley como una joven promesa del folk y simplemente sumarla a la lista de chicas que cantan y tocan la guitarra. Con su voz y la sinceridad de sus canciones sobran los argumentos. Alondra López Bentley (Lancaster, 1983) no es nueva en esto; lleva años componiendo y grabando maquetas, ganando concursos… Para bien o para mal, su disco llega en medio de esta especie de revolución del folk femenino, pero hace mucho tiempo que comenzó a gestarse. “Desde el principio me lo tomé con mucha naturalidad, si se grababa bien y si no… Estaba listo en 2006 pero hubiese sido un disco diferente”. El punto de inflexión llega cuando el productor César Verdú (Schwarz) y la propia Alondra empiezan a perfilar la idea de cómo grabarían el disco si pudieran decidir cada detalle. “Hemos cambiado de opinión bastante, la idea terminada y concreta es reciente, había cosas claras desde el principio pero también han aparecido

▲Sube la revista musical mensual Rockzone por celebrar este mes de julio sus cincuenta meses en la calle. Lo festejarán con un número especial.

canciones nuevas que han sustituido a otras de antes… Se ha reinventado un poco”. Tenían claro que no querían que el resultado se pareciera a una maqueta con sonido profesional y bonitos arreglos. “Es cierto que un disco es simplemente un registro de las canciones que tienes, yo compongo sola pero teníamos ganas de hacer algo diferente. A veces tocas sólo por tus circunstancias, no porque no te guste la idea de llevar un cuarteto de cuerdas… Para algunos se trata de una decisión de estilo, para mí no. Este disco lo hemos grabado en cinta, todo es analógico y casi siempre en directo, tocando la mayoría de músicos a la vez. Realmente podría haberlo hecho en casa porque tengo un buen equipo, pero quería llevar las canciones más allá. Lo mismo no se puede, pero queríamos intentarlo”. Buscaban el disco perfecto y se han acercado bastante: producido por Paco Loco y con una nómina de colaboradores que pocos pue-

▲ Sube la cantidad y calidad de conciertos gratuitos que se están llevando a cabo estos meses como. los del del Día de la Música, el Indyspensable, Sintonitzza...

den aspirar a reunir en su debut (Vicente Pigmy, Fino y Cristina de Clovis, Joaquín Pascual, Gary Louris e Isobel Knowles, Xel Pereda, los arreglos de Joserra Semperena...), “Ashfield Avenue” es un estreno cuanto menos prometedor. La espera ha sido larga pero no todos los grupos tienen la suerte de que la paciencia les dure hasta que sucede el milagro. “Absolute Beginners han sido como mis mecenas. Mimar la edición, sacarlo en vinilo… son cosas a las que muy pocos están dispuestos. Estaban de acuerdo

un final feliz. “Cada músico definió el cuerpo de la grabación. El grabar casi en directo me ha beneficiado porque he tocado con banda muy pocas veces y creo que esto le ha dado feeling. Registrar cada cosa por separado es muy frío y casi más difícil andar aislando cada instrumento, porque para mí las canciones son un todo”. Además de un buen disco, “Ashfield Avenue” es un paseo por la infancia y el mundo interior de Alondra, y no en un sentido figurado. “Ashfield Avenue es el nombre de

“Hemos esperado para poder grabarlo tal y como soñábamos. Y creo que ha merecido la pena” con César y conmigo en una producción adecuada. Queríamos cuidarlo muchísimo, que cada canción sonase como debía, meter cuerdas, que participaran muchos amigos… Hemos esperado para poder grabarlo tal y como soñábamos. Y creo que ha merecido la pena”. La gesta duró dos semanas del mes de noviembre y a los seis meses ya estaba en fábrica. Sincronizar las agendas de tantos músicos (y tan solicitados) fue un trabajo de chinos que ha tenido

▲ Sube la cantidad de vividores que se suman a los grandes artistas internacionales. Mötley Crüe vienen con sesenta personas, Marilyn Manson con treinta. ¿Y U2?

la calle de Lancaster donde nací y pasé mi corta infancia, hasta los cuatro años que nos vinimos a España. Las fotos son sitios de un parque donde jugaba de pequeña, volví allí para hacerlas, y la carpeta la he diseñado con una de mis hermanas”. ■ P. Muñoz

▲ Sube Jorge Obón, redactor de esta casa, y uno de los responsables de la sorprendente combinación de artistas que han actuado en el Día de la Música Heineken.

SUBEN ▲

▼ Baja el otrora popular rapero MC Hammer, conocido por su hit “U Can’t Touch This”. Ahora el artista intenta montar una gira europea actuando en casas privadas.

“ASHFIELD AVENUE” está publicado por ABSOLUTE BEGINNERS

▲ Sube el blog El Radar, del periodista Pablo Gil, en www.elmundo.es. Encontrarás actuaciones de artistas como Ron Sexsmith, Manel o Nacho Vegas en lugares poco habituales.

▼ bajan

▼ Baja la feria profesional Popkomm que acaba de anunciar la cancelación de su edición de este año por el bajo volumen de profesionales que se habían acreditado.

▼Baja Ana Torroja (Mecano) por negarse a declarar en la causa judicial abierta contra ella por una posible evasión de impuestos. El fraude ascendería a 655.000 € .

▼Baja el conflicto que mantienen Russian Red y su discográfica Eureka que terminará en los tribunales. La cantante dice no haber recibido ni un duro del sello.

▼ Bajan las posibilidades de ver en el Sonorama a La Bien Querida o Joe Crepúsculo tras las disputas aireadas en Internet que ha habido entre organizadores y músicos.

(MONDOFREAKO /16/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro)

Jack Peñate

Cambio de forma

Quizá sea exagerado decir que Jack Peñate es un hombre nuevo, pero no lo es en absoluto asegurar que, en “Everything Is New”, su música ha experimentado un cambio más que notable, convirtiéndose en un motivo de descarada celebración. Suyo es un segundo disco sorprendente como pocos este año. Una reinvención en toda regla que debemos recibir con los brazos abiertos.

espués de escuchar “Everything Is New”, queda claro que Jack Peñate ya no es el debutante del tibio “Matinée”, cuando fue etiquetado en el Reino Unido como una suerte de versión masculina de Lily Allen. Una operación bastante artificial que nunca llegó a cuajar. “Oh, eso… Bah, para mí no tuvo ninguna importancia. Son cosas de la prensa, nada más”, señala este londinense de apenas veinticuatro años, que acaba de dar todo un giro de ciento ochenta grados con este segundo álbum en el que el ritmo se convierte en el eje fundamental. “Me encanta la idea de hacer que la gente se mueva, que baile. Es el poder de la música, y el hecho de acercarme a ese objetivo es realmente increíble. Quería que tanto la batería como el bajo jugasen un papel muy importante, no hacer sólo el clásico disco de guitarras”. De acuerdo: el cambio estaba en su mente, pero ¿hasta el punto de darle una completa vuelta a su sonido? “Sé que para mucha gente es sorprendente, incluso dentro de mi propia discográfica no sé si se esperaban algo así; en el single ‘Tonight’s Today’ ya se podía escuchar esta nueva línea, aunque hay quien pensaba que era sólo un amago y que luego no habría una diferencia tan grande, pero las canciones son las que mandan, y al trabajar con ellas

co. No es que en ‘Matinée’ no lo hiciera, pero fue completamente distinto; desde luego que fue un álbum muy importante en mi vida, porque me enseñó a crecer, pero ahora no quería seguir otra vez ese camino, sino intentar sorprender no sólo a los demás, sino también a mí mismo. En cierto modo, supongo que estas ideas siempre han estado dentro de mí, pero antes no me atrevía con ellas y ahora sí lo he hecho”. Como consecuencia, aquí aparece este “Everything Is New”, cuyo título hace justicia a su contenido. “Es casual, porque en realidad no quería hablar exactamente de la música, sino de algo más personal: alguien entra en tu vida, te enamoras y cambia la percepción de todo lo que está a tu alrededor”. Tan simple como el amor, aunque tras un par de segundos de silencio admite que, efectivamente, se trata también de volver a empezar. En ese proceso, el pop se ha visto envuelto de sonidos latinos, aires tropicales y afrobeat, influencias que reconoce sin necesidad de dar mayores rodeos. “He escuchado mucho a Fela Kuti, Os Mutantes o Dr. John; son geniales. Me han contagiado su amor por el ritmo”. Tampoco estaría de más hablar de Talking Heads, ni tampoco de Vampire Weekend, aunque en el caso de esta comparación más contemporánea el protagonista de

“Me encanta la idea de hacer que la gente se mueva, que baile. Es el poder de la música”

myspace.com/coopspain

Jack Peñate Foto Alex Sturrock

fuimos observando que funcionaba y que el cambio estaba siendo positivo, con una energía muy fuerte”. En ese plural que utiliza Jack Peñate hay que incluir al productor Paul Epworth (conocido por sus trabajos para The Rakes, Mäximo Park, Bloc Party o Kate Nash, entre otros muchos, y una de las figuras clave en la renovación de la escena británica), con el que ha trabajado mano a mano para dar forma a estos nueve temas. “Sobre todo me ha hecho ser mucho más abierto, no cerrarme de antemano a cosas que al final encajan y han salido muy bien. He aprendido mucho de él”. Además, poco antes de entrar en el estudio también se dejó aconsejar por Norman Cook (Fatboy Slim), y, casualidad o no, éste es un trabajo decididamente exultante, en las antípodas de la melancolía que recorría su debut. “He disfrutado mucho con este dis-

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estas líneas no lo tenga tan claro. “Respeto mucho lo que hacen, pero no creo que nuestro sonido sea parecido; quizá podamos compartir algunas referencias de manera puntual, pero el resultado es muy diferente”. De lo que no cabe duda es de que estamos ante un disco con vocación nocturna y festiva, por momentos casi carnavalesca (“Let’s All Die”), una invitación al desenfreno que lleva la rúbrica de este inglés con ascendencia española, como certifica su propio apellido. “En Reino Unido lo pronuncian de cualquier manera: peniate, penate, penyate… Es un auténtico lío, no te puedes hacer a la idea”. Está claro: la eñe, esta vez sí, marca la diferencia. ■ Enrique Peñas “Everything Is New” está publicado por XL/Popstock!

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17/6/09 16:21:06

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /17/ MONDOFREAKO)

NO confidencial

Toni Eskorzo(Eskorzo) Eskorzo han dado un golpe de timón estilístico a su carrera con “Paraísos artificiales” (Acostao Records, 09) que les acerca a géneros hasta ahora inéditos en su carrera. Ahora bien, ¿seguirán cambiando así después de nuestro cuestionario más desalmado? Charles Baudelaire experimentó en sus “Paraísos artificiales” con el alcohol, el opio y los derivados del cannabis. ¿Algún elemento añadido por vosotros a vuestro paraíso? El arte. ¿Es ahora la amapola la flor de tu secreto? No es ningún secreto, nos poníamos ciegos de opio en las sesiones de grabación, aunque eso no nos hace más “guais” ni más “cool”, es simplemente vicio. Un lugar para perderse en Granada: La Alpujarra, el Albaycín o el PlantaBaja En cualquiera de los tres seguro que te pierdes… ¿Qué disco escuchas a escondidas del resto de Eskorzo? Nuestro último disco. ¿Cómo te sientes mejor? ¿Abogado en paro o músico en paro? Abogado en paro, por supuesto, como músico me siento de puta madre.

Patrick Wolf

Consagración precoz

Aviso para otros músicos. ¿Se liga más con las manos libres? Supongo que más que un crítico del MondoSonoro.

Abandonó su anterior sello para tomar las riendas de una carrera artística tan personal desde el principio como para considerarlo una isla en sí mismo. Patrick Wolf publica “The Bachelor”, la primera parte de su doble nuevo álbum, “Battle”, en el que vuelca de nuevo toda su compleja vida emocional.

Una voz femenina para acompañarte en Eskorzo de entre estas tres: Mónica Naranjo, Christina Rossenvinge o Amparo Sánchez. No gracias. Ya estoy acompañado (mejorando lo presente).

En los orígenes de Eskorzo, abríais los bolos en ropa interior y con música del anuncio de Andros. ¿Qué queda del espíritu ‘Mojinos’ que denuncia Don Disturbios de vosotros? Nunca lo hubo, lo que pasa que cuando hacíamos eso éramos gilipollas. Ahora lo seguimos siendo, pero con más clase. ¿Dónde te haces con la colección de camisetas de rayas negras y blancas? Me las compra mi novia. Un vicio confesable, que realmente te avergüence. Leer el MondoSonoro. ¿Qué tipo de literatura lees en el servicio? Soy de los que cagan rápido y a otra cosa. No me gusta recrearme con la lectura mientras estoy oliendo mi mierda. ¿Has hecho algún copio y pego respondiendo entrevistas a diferentes medios? Por supuesto que sí. Las entrevistas musicales están llenas de demagogia “rocanrolera”, y suelen ser siempre las mismas preguntas en las que no cabe más que la misma respuesta. Luego siempre hay gente que se lo curra un poco y entonces la cosa es más interesante. ¿En quién piensas reencarnarte cuando llegues al paraíso terrenal? Soy ateo, me moriré y punto. Pero si existiese esa opción lo haría en gato. Viven como Dios.■

atrick Denis Apps es, a sus veintisiete años recién cumplidos, uno de los autores más personales de nuestro tiempo. Con apenas tres álbumes a sus espaldas Patrick Wolf puede presumir de haber creado un universo propio tanto musical como lírico proyectando un personaje cuyos excesos teatrales generan fascinación y rechazo a partes iguales. Pero ni sus detractores ni aquellos que prefieren ignorar su existencia pueden negar el magnetismo que ejercen sus canciones. “No concibo otra manera de hacer música que no sea ésta”, sentencia Apps al otro lado del teléfono. En su cuarto álbum ha tomado las riendas de su carrera artística, rompiendo con su anterior sello, la multinacional Universal Records, haciendo a sus fans accionistas de “Battle”, álbum doble del que acaba de publicar la primera parte, “The Bachelor”. “Los grandes sellos tienen mucho control sobre sus artistas. No era mi lugar”. “Tenía cuarenta y cinco canciones y no fui capaz de desprenderme de ninguna de ellas”, explica, “pero tampoco tenía suficiente dinero para grabarlas todas. Publicar ‘The Bachelor’ me ha permitido ganar tiempo para conseguir el dinero necesario para entrar en el estudio en julio para terminar la segunda parte”. En su voz no hay ni un ápice de dudas sobre si fue o no una buena idea dejar su anterior sello y sus presupuestos -llegaron a proponerle a Mark Ronson como productor-. Habla con orgullo del control que ahora ejerce sobre su carrera. “Los artistas no deberían

tener miedo de ejercer todo el poder sobre su propia creación”. También lo personal ha tenido una gran influencia en la seguridad con la que ha afrontado el proyecto y en que parte de ese aire de niño desvalido haya dejado paso a una figura menos acomplejada. “‘Battle’ es un disco sobre mi relación”, comenta. “La primera parte es sobre mi pasado, sobre mí antes de entrar en esta relación, y la segunda sobre mi futuro”. Esa segunda parte lleva por título “The Conqueror”, un título suficientemente elocuente, y está prevista su edición para 2010. “Las

trapunto narrativo en tres de los cortes de “The Bachelor”- y Alec Empire. “Alec ha sido una figura realmente importante para mí, que me ha inspirado a muchos niveles. Es un futurista, un anarquista, un artista realmente independiente. Y con el resto de personas que han participado en el disco la relación ha sido igual de importante. Mirando atrás veo cómo he crecido con cada álbum”, dice Patrick. “Es como si cada disco tuviera una edad: dieciocho, veintiuno, veintitrés, veinticinco... Ha sido como documentar cómo me sentía en cada momento, cómo he crecido espiritual y mentalmente a lo largo de estos años”. A medida que ha ido creciendo, el artista que deslumbró con su álbum de debut se ha revelado como una de las figuras más complejas del panorama musical a día de hoy. Costaría encontrarle comparaciones y las que te vienen a la mente coinciden en ser lo

“Los grandes sellos tienen mucho control sobre sus artistas. No era mi lugar” canciones están escritas, pero hasta que no salga del estudio no puedo estar muy seguro de cuál va a ser el resultado final”, explica. “En ambos usaré la misma instrumentación, el mismo estudio, pero incluso así puede que sea un disco totalmente diferente, especialmente a nivel emocional. Cuando estás grabando es importante dejar espacio a la casualidad. Suelo tener una idea aproximada en mi cabeza de cada canción, pero de lo que más disfruto en el estudio es de sorprenderme a mí mismo”. Es ahí donde entra en juego el papel de los colaboradores que han arropado a Patrick Wolf en este cuarto álbum: Matthew Herbert, la actriz Tilda Swinton -con-

suficientemente personales como para que por cada coincidencia haya una divergencia que equilibre la balanza. “Para mí es muy importante estar seguro de que todo lo que hago es extremadamente honesto. No tengo nada que esconder”. Nunca lo ha hecho, y quizás por eso ha habido momentos en que parecía más interesante hablar de su vida privada que de su obra pública. Ésta última sigue creciendo, quizás porque es tan difícil separar a Patrick Denis Apps de su creación como que Patrick Denis Apps deje de crear. ■ Joan Cabot “The Bachelor” está publicado por Naïve/Popstock!

Patrick Wolf Foto Archivo

Toni Eskorzo Foto Archivo

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(MONDOFREAKO /18/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro)

Chacho Brodas Foto Archivo

Chacho Brodas

Veneno para puristas Si “Los impresentables...” podía pasar por un pasatiempo loco, el anuncio de la disolución de Sólo Los Solo y la edición de “Date cuenta” convierten a Chacho Brodas en el proyecto principal de Griffi. El productor más respetado del rap nacional está de vuelta acompañado de los sospechosos habituales.

“

Mi casa es un puticlub”, cuenta Griffi al otro lado de la línea telefónica. Es 27 de mayo y el FC Barcelona está a unas horas de ganar la Champions, aunque no estamos hablando de eso sino sobre el tipo de cosas que influyen al mejor beatmaker de la escena nacional. Por alguna razón, siempre pensé que era un bicho de estudio, uno de esos obsesos que se pasan el día encerrados con sus cacharros, pero Griffi desmonta esa imagen de plano. “Me encanta que venga gente a casa, les pongo mi mierda y me fijo en sus reacciones. Siempre hay alguien por aquí. Además, soy un tío de calle, me encanta salir por ahí”. Entonces habrá que buscar en otro lado la explicación a un estilo tan personal, a su sello de fábrica Del Palo, un toque que explota por el costado más funkero en “Date cuenta”, el segundo largo de Chacho Brodas. Lo que empezó siendo un recreo mientras se resolvía la duda de si Sólo Los Solo seguían o no, se ha convertido en el proyecto principal del productor catalán. Tocaba pulir lo expuesto en su álbum de debut,

“Los impresentables Chacho Brodas” (Del Palo, 07) y lo ha hecho partiendo del núcleo de colaboradores que le han acompañado en directo y que forman la médula tanto de Chacho Brodas como de Del Palo: Tremendo, Quiroga, Aqeel y Lil Trappy. “La sensación es que ahora es algo más definido. Con el primer álbum sentamos las bases, queríamos concretar el concepto, tanto en la música como en la portada, la actitud y la filosofía de grupo. Precisamente por eso no hay muchas colaboraciones”. El cerebro, en cualquier caso, es el mismo. Y también el juego de referencias que manejan en el Universo Chacho: P-Funk, diversión, pibas y ritmos infecciosos. “Es la onda del disco: energía positiva, pasarlo bien... Hay un pisteo, algo de guarreo y algo de amor”. De hecho, hay mucho pisteo: en “Date cuenta” nos encontramos a un Griffi de cada vez más alejado de los cánones del rap. “A mi hija no le gusta mucho el rap, así que intento hacer canciones que le molen”, explica.”Pero para

mí sigue siendo hip hop al cien por cien. No puedo hacer otra cosa. Lo que sí intento es darle un color u otro, pero eso forma parte del hip hop. Lo que sucede es que las normas están para saltárselas. Siempre estás buscando algún detalle especial para cada beat. En este disco, por ejemplo, he trabajado por primera vez con un músico, con Nik Codina, que ha puesto algunos arreglos de saxo”. Es esa inquietud constante por abordar el hip hop desde una perspectiva

Juan Sólo empezaba a producir sus propios temas, mientras Griffi encontró en Chacho Brodas un proyecto al que dedicar su esfuerzo. “Sólo Los Solo siempre estuvimos muy seguros de lo que estábamos haciendo y creo que dejamos nuestra herencia. Estamos defendiendo una parte muy real del hip hop. Ahora veo a muchos grupos con una actitud y mentalidad totalmente diferente al tipo de rap que siempre ha predominado en España y me alegro de que sea así”.

“Lo del sonido Griffi me corta un poco el rollo, porque siempre estoy intentando sonar diferente” mucho más abierta lo que le ha llevado a ser el productor más admirado de la escena nacional aunque su trabajo no siempre haya encajado en la corriente dominante, algo que le enorgullece. “Cuando todo el mundo hacía hardcore, Sólo Los Solo salíamos a hacer bolos con traje”, explica. “Hubo un tiempo en el rap español en que se decía que lo de bailar era para gays. Pero nosotros siempre defendimos eso. Ahora, por suerte, los tiempos han cambiado”. En parte precisamente gracias al legado de Sólo Los Solo, que el pasado 17 de febrero anunciaban oficialmente la disolución del grupo. “Fue algo natural, sin malos rollos”. Habían dejado de hacer conciertos y

Él, por su parte, ha conseguido crear un universo sonoro propio, un sello, aunque no le haga gracia reconocerlo. “Cuando me comentan lo del sonido Griffi me cortan un poco el rollo, porque siempre estoy intentando sonar diferente. Sé que me lo dicen con la mejor de las intenciones, pero a mí me gustaría no sonar nunca igual”. Esa es la actitud, hermanos, y aquí están los resultados. El Barça gana la Champions y los Chachos a lo suyo: poniendo el hip hop patas arriba, como siempre debería estar. ■ Joan Cabot “Date cuenta” está publicado por Del Palo

(MONDOFREAKO /22/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro)

Cycle Foto Mario Martín

Cycle

Sonámbulos digitales Han pasado cuatro años del debut de Cycle y David Kano y Carlos Calderón se han vuelto a poner el traje de faena. Guerrilleros del sonido electro-rock están preparados para asaltar con “Sleepwalkers” las listas y las pistas: las de baile y todas las que se les pongan por delante.

on Cycle repite una China Patino vestida para la ocasión, más sensual y menos combativa que antaño, pero aun así dispuesta a no dar tregua a nuestros oídos, y entra un nuevo personaje compartiendo voces con ella. ‘”Somos los mismos que los que estábamos en el anterior disco excepto Luke, que abandonó el grupo y al que ha sustituido Matías. En directo también llevamos una guitarra más”. Formación renovada y, sobre todo, nueva voz al frente de Cycle, la de un tal Matías Freund que ha resultado ser el complemento ideal para las sugerentes proposiciones vocales del componente femenino de la banda. “A Matías le conocíamos de tocar juntos en festivales, así que no hemos hecho un casting al uso para dar con él. Estuvimos escuchando a varios cantantes y realmente no cuadró ninguno, algo que no nos animó a seguir adelante. Un día recibí un mail de Matías en el que me decía que quería ser cantante. Yo no se lo había propuesto directamente”, cuenta David Kano. “Le había preguntado que si

conocía alguien en Alemania con una voz grave y masculina que estuviera dispuesto a pasar una temporada de rock’n’roll en España. Pasó el tiempo y a los meses recibí un mail escueto de Matías en el que me decía que él iba a ser el próximo cantante de Cycle”. Y es que la voz del germano encaja a la perfección con la de Silvia en todos y cada uno de los once temas que componen “Sleepwalkers”, de hecho es una de las bazas más potentes del disco. Los dos registros empastan a las mil maravillas y forman dúos de indudable pegada, surgiendo la química entre los dos de la manera más natural posible, como comenta el propio Matías: “Fue un proceso muy natural. Yo ya conocía la voz de Silvia y todo ha sido muy sencillo a la hora de grabar este disco”. Cambio en las voces y giro hacia paisajes más claustrofóbicos, más siniestros y góticos. Todo en “Sleepwalkers” es más pesado (en el buen sentido de la palabra) y más oscuro. En sus cincuenta y dos minutos reinan a placer las cadencias techno, con la presencia de muchas más guitarras que en el anterior trabajo, ya que

es un disco menos pop, menos ligero. Explica David que “quizá el otro estaba más basado en el impulso y tenía un poco más pop, y este se ha quedado un poco más denso. Creo que es una continuación lógica para no caer en lo fácil, como podía haber sido hacer un ‘Weak On The Rocks 2’. Hemos intentado cambiar todo, desde el concepto del álbum, el arte… que la gente, porque

podía ser la personalidad de Cycle; y vistos los rasgos de personalidad del grupo, ¿por qué no asentarlo?”, se pregunta David. “Hace unas semanas pinché ‘You Talk To Much’ recién mezclado, ni siquiera lo tenía la discográfica, y por la respuesta de la gente vi que este tema la podía liar. Es un grito de guerra que la gente se había aprendido al segundo estribillo. Ya lo he pinchado

“Cada álbum es un capítulo, un momento de nuestra vida y una historia diferente que contar” haya funcionado el primero, no piense que hemos seguido su estela. Cada álbum es un capítulo, un momento de nuestra vida y una historia diferente que contar”. Después de cuatro años tras el pelotazo que supuso “Weak On The Rocks”, de editar un tema tan poderoso como “Confusion” y todo lo que vino a continuación, el segundo trabajo de Cycle no se queda atrás en cuanto a cortes con pegada. Ahí están seguidos en el libreto temas como “You Talk To Much” (el single), “Imsomniak” (un auténtico trallazo) o “Let Me Down” (quizá el corte más agresivo) componiendo un desfile continuo de canciones para quemar pista y un despropósito para oídos en reposo. “Nuestro anterior disco ya dio un poco las claves de lo que

muchas veces para cerrar mis sesiones y no falla; es garantía”. Pero lo que asusta de verdad, son las ganas con las que llegan los cuatro Cycle a la edición de “Sleepwalkers”. “Empezamos otra vez desde cero. Llevamos bastante tiempo sin tocar juntos, aunque en los primeros conciertos la respuesta ha sido espectacular con todo el mundo bailando ya que nos ha salido un disco muy pensado para clubes y para pasarlo bien. Es muy poco reflexivo, y se nota que la gente en directo se lo pasa de la hostia con él”. ■ María Baigorri “Sleepwalkers” está publicado por Pias.

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /23/ MONDOFREAKO)

EN LA

MALETA

DJ Floro Foto Archivo

DJ Floro Pinchadiscos con una larga trayectoria a sus espaldas, Dj Floro ha luchado y mucho por defender los sonidos del mundo y lo africano. Por si no hubiera suficiente, su nombre está tras la serie “Repúblicafrobeat” (Cañamo/ Nuevos Medios, 09), que llega ahora a su tercer volumen. ◗ ¿Por qué motivos empezaste a pinchar? ¿Para ligar, para ser una estrella? En el tiempo que empecé a pìnchar había otro tipo de planteamientos, no había el concepto, por ejemplo, de Dj estrella.

◗ Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué? Normalmente mis discos favoritos suenan en mis sesiones, porque no sólo son de baile. A veces para abrir la sesión pincho temas más lentos que no entran en una sesión normal. ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando? No leer lo que está pasando en la pista y pinchar sólo para él. Hay que ser generoso y no mirarse el ombligo a la hora de pinchar, pero sin ser una jukebox. ◗ ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más odias de otros Dj’s? Lo que más me gusta de otros Dj’s es que sepan establecer conexiones con el público sin ceder a la comercialidad y lo que más odio es que vayan de estrellas. ◗ ¿Qué aportas a cada remezcla que haces? Las remezclas las realizamos Ale Acosta y yo, con lo cual es un trabajo conjunto en el que los dos vamos aportando ideas para ir avanzando en la remezcla. ◗ ¿Recuerdas alguna anécdota especial a lo largo de tu carrera como Dj? Una, en un festival conocido. Cuando fui a empezar la sesión después de las actuaciones de varios grupos, no había equipo, se les había olvidado traer la mesa, los reproductores de CD’s y demás. ◗ ¿Vinilo o CD? Los dos formatos, depende del sitio. También ocurrre que hay muchos temas que sólo están en CD, aunque prefiero el sonido, la calidez y los matices del vinilo ◗ ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s? En algunos casos es merecida, pero últimamente hay demasiados que se consideran Dj’s porque está de moda serlo, sin tener ni cultura musical ni capacidad de interrelacionarse con la gente a través de la música. ◗ ¿Cuáles son tus Dj’s actuales favoritos? Will Holand alias Quantic, Jose Castillo.■

Tiga

Sueños de campeón “Ciao!” supone el retorno de Tiga tras el irregular “Sexor” (06). Para darle forma a unas producciones que rompen con su pasado, el canadiense se ha rodeado de la flor y nata de la electrónica. Synth pop vocal, gotas de acid y electro pistero son las constantes de un trabajo que plantea una pregunta: ¿Podría Tiga haber hecho tan buena faena él solito?

unque a Tiga se le haya visto pinchando con taconazos y con la cara más pintada que Pavlovsky, el pavo es un rudo amante del balompié y a la mínima te clava un símil futbolístico para definir su nuevo trabajo discográfico. “El disco es el resultado de un dream team”, espeta. No es para menos, el zorro de Tiga se ha rodeado de auténticos barones de la electrónica como Soulwax, James Murphy, Jesper Dahlback, Gonzales, Jori Hulkonnen y Jake Shears (Scissor Sisters) para crear sus nuevos temas. Así ha conseguido facturar un disco entretenido de escuchar, altamente pinchable en todo tipo de clubes y que contiene piezas radiables como “Shoes” o “Sex O’ Clock”, que recuerdan a hits pretéritos como “Hot In Here” o el cover de Public Enemy, “Louder Than a Bomb”. “Me he divertido mucho haciendo este disco y creo que está a años luz de ‘Sexor’. Sé que no es perfecto, pero estoy contento del resultado”. La gran diferencia de “Ciao!” respecto a “Sexor” es que Tiga ha producido sin ningún tipo de hipoteca sonora. “Cuando comencé los temas de este disco partía de cero. Con ‘Sexor’ tenía algunas deudas que me ataban, no sabía tanto de música y comencé a producir el disco cuando ya tenía tres temas circulando. Me dediqué a hacer una colección de canciones más que un álbum. Tres años es mucho tiempo en la vida de una persona. Mi personalidad y mi visión de las cosas han cambiado y eso se evidencia en el disco, el cual considero un buen reflejo de cómo soy ahora”. Un aspecto inamovible es su amor por el electro pop vocal en la frecuencia de Soft Cell, Depeche Mode y OMD, que queda reflejado en pistas como “Luxury”, “Speak, Memory”, “Turn The Night On”, “Love Don’t

Dance Here Anymore” o la citada “Shoes”. Como novedad, el viraje al sonido de la factoría Soulwax, no en vano se nota el peso ideológico y productivo de los hermanos Dewalee en varios cortes y presuponemos que han tocado más de una tecla. “Pasé largas temporadas en Bélgica con los hermanos Dewalee. Su estudio es fantástico. Me gusta porque trabajan mucho en vivo, con instrumentos y sintetizadores analógicos

Y remata la parrafada poniéndose magdalena. “La verdad, para mí lo más importante es poder compartir el proceso de creación con amigos, valoro más el proceso de producir los temas que el propio hecho de editarlos”. Tiga ha aprendido la lección, si bien fue una de las cabezas visibles, de forma consciente o inconsciente, del movimiento electroclash con “Sunglasses At Night”, en su nuevo trabajo ha intentado crear un discurso propio que ofrece lecturas de los géneros que forman su ideario, pero sin empantanarse en un estilo concreto. Sabe que las modas no duran más de tres o cuatro temporadas y no quiere mojarse. “En la nueva hornada electrónica (se refiere al nu rave) el noventa por ciento es mierda, pero el diez por ciento restante es muy bueno.

“En la nueva hornada electrónica el noventa por ciento es mierda, pero el diez por ciento restante es muy bueno” y eso te da libertad y hace que el proceso sea más excitante. También visité Nueva York un par de veces y pasé una temporada en Suecia. El proceso de trabajo se ha dilatado durante un año y medio. Trabajaba una semana a tope y luego lo dejaba aparcado un mes, ya que lo combinaba con mis sesiones de Dj. He trabajado sin objetivos y sin pretensiones, porque creo que las cosas salen mejor así, más naturales. Sabía que quería facturar tres o cuatro temas de club como ‘Mind Dimension’ (los otros dos torpedos son “What You Need” y “Overtime”), pero en todas las demás pistas me he dejado llevar por las influencias que siempre me han marcado: los ochenta y el electro pop; y sobre todo por lo que me ha aportado la gente que ha trabajado conmigo. Ha sido muy enriquecedor. Al principio con James Murphy no sabía si iba a funcionar, porque ambos tenemos backgrounds muy diferentes, pero el resultado ha sido muy bueno y al final hemos incluido dos temas”.

Creo que la escena actual está muy basada en la imagen y en la promoción de una estética, y eso nunca ha de estar por encima de la música. Yo estoy lejos de eso, lo que hago es escoger aquellos temas que encajan bien en mis sesiones”. Sesiones en las que también pica del minimal y el techno más accesibles, así como de los temas que ha facturado su buen amigo Florian Senfter aka Zombie Nation que se ha marcado uno de los mejores discos de electrónica de baile de lo que va de año, y que ha editado el propio Tiga en Turbo Recordings. “Vamos a dejar pasar este año para volver a juntarnos y producir algo como ZZT. Ambos hemos editado disco casi a la vez y estamos enfocados en presentarlo por todo el mundo”. Si algo queda claro de todo esto es que Tiga tiene unos muy, muy, buenos amigos. ■ Javi López “Ciao!” !” está editado por Wall Of Sound/Pias. Tiga estará en el Monegros Desert Festival y en Creamfields Andalucía.

Tiga Foto Qarim Brown

◗ ¿Qué disco de afrobeat nunca falla en una sesión tuya? Más que un disco, es un músico, Fela Kuti. No tengo un tema único, tiene muchos muy bailables e incluso últimamente hay muchos edits que están haciendo algunos Dj’s de temas de Fela.

Wilco Foto Archivo

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /25/ ENTREVISTA)

Wilco

Dulce satisfacCión Quince años de carrera dívidido entre tres dan un lustro de formación estable y sin fisuras. Tranquilidad, sosiego y reconocimiento conforman un panorama dulce en el que todo parece encajar, quizás incluso demasiado. Uno echa de menos cierta tensión en “Wilco (The Album)”, pero es que ya no somos tan jóvenes.

ltimamente me he ganado la enemistad de los más acérrimos seguidores de Wilco con mis comentarios a raíz de la edición de su séptimo largo de estudio y su reciente concierto en Barcelona. Pero, ¡qué le vamos a hacer! Ya me hubiera gustado a mí, que los he defendido a muerte ante mis compañeros de redacción, haber colmado expectativas con sus dos últimos trabajos. Aunque no me gustaría que nadie malinterpretara mis opiniones. Tanto “Sky Blue Sky” como “Wilco (The Album)” son trabajos más que correctos. Lo suficientemente buenos para mantener en el candelero de la actualidad a la banda de Jeff Tweedy. Pero hay cosas que han cambiado y mucho en el universo Wilco y es más que posible que sus integrantes piensen que para mejor. No en vano se encuentran en el momento más tranquilo de una carrera reconocida hoy por casi todo el mundo. Es ya un lustro el que podemos hablar de una formación estable que además parece tocar con los ojos cerrados. Para hablar de todo ello nos desplazamos a los camerinos del Auditori de Barcelona horas antes del inicio de su último concierto de una exitosa gira española por escenarios de similares características. Por lo visto el premio gordo de entrevistar a Jeff Tweedy les ha correspondido a los medios que han acogido su último trabajo de forma más calurosa, mientras que para los más tibios, como nosotros, nos ha correspondido el premio de

consolación del bajista. Un voluntarioso y educado John Stirratt que, cual fiel escudero, se mantiene junto al líder desde los remotos tiempos de Uncle Tupelo. Pero vamos a hablar de su recién editado nuevo trabajo, que parece ya desde su nombre hacer balance de una carrera que acumula la friolera de quince años. “Bueno, más que hacer balance pienso que el nuevo disco refleja a la perfección lo unidos que estamos en estos momentos. Lo que más

mos juntos y no puedo hablar por los demás pero de verdad espero que sea la definitiva”. Y tanta estabilidad, tranquilidad, complicidad y buen rollo ¿Cómo afecta a vuestra música? Lo digo porque ya lleváis dos discos en los que los medios tiempos son mayoría y en los que echo a faltar canciones más rápidas, rockeras o duras “Bueno, si miras atrás te darás cuenta que el primer álbum tiene más medios tiempos que ningún otro. Con esto quiero decir que siempre ha sido una característica de la banda. Sin embargo para este disco queríamos hacer algo más basado en el rock, pero no teníamos ni idea de cuál iba a ser el resultado. Simplemente salió así en el proceso. En ocasiones no puedes cuestionarte las cosas cuando están pasando, simplemente suceden”.

“Nos interesaba explicar el momento tan dulce que como banda estamos viviendo” nos interesaba era explicar el momento tan dulce que como banda estamos viviendo”. ¿El más dulce de estos quince años? “Déjame pensar... Sí, creo que sí se podría decir que es el momento más tranquilo, hubo momentos en los noventa y anteriores que también lo fueron y tienes que tener en cuenta que cuando se está creando una banda siempre hay cambios y los cambios pueden dar lugar a tensiones, pero podría decir que siempre ha habido momentos tranquilos...”. ¿Sientes por tanto que estamos ante la formación definitiva de la banda? “Eso espero y eso quiero pensar. No veo porqué no debería ser así. Es ya mucho tiempo el que lleva-

ras el primer round hagamos un pequeño paréntesis. Primero para aclarar que no es ni de largo un disco rockero y máxime cuando hay en él canciones con los tempos de “Deeper Down”, “One Wing” o “Everlasting Everything”. Iniciemos pues el segundo round de la entrevista. ¿Porqué tocáis tan pocas canciones del último? Es poco habitual. “No es que no queramos que se vea primero todo el disco en Youtube, no es eso. Tan sólo es que nos hemos dado cuenta que preferimos ofrecer a la gente lo que quiere oír, ofrecer un concierto que resulte especial” ¿Significa eso que del disco que más orgullosos estáis es “A Ghost Is Born”? Porque es el álbum del que

más temas estáis tocando. “No te sabría decir cuál es mi favorito. No soy objetivo ni la mejor persona a la que preguntar porque la verdad es que me resulta un problema ser objetivo con los diferentes discos, sobre todo cuando no fueron divertidos”. ¿Quieres decir que antes, y muy especialmente cuando estaba Jay Bennett en la banda, la música de Wilco nacía más del conflicto o la confrontación de ideas y ahora todo resulta más plácido y sencillo? “No, creo que ese aspecto de la relación Jay-Jeff se ha exagerado por la película (se refiere al documental “I’m Trying To Break Your Heart”). Ambos trabajaron mucho y de una manera muy cercana, había armonía. Me parece que existe la idea de que Jay propiciaba situaciones dramáticas para hacer grandes creaciones y en realidad la mejor música que hizo fue en momentos de armonía. Es otro aspecto que puedes ver en la película que es falso”. Ahora que Jay Bennett ya no está entre nosotros ¿Qué crees que aportó a la banda? “Cuando llegó sin duda cambiamos. Hubo una completa evolución y nos convertimos en una banda de experiencias colectivas, ‘Summerteeth’ y ‘Mermaid Avenue’ son un ejemplo de esto”. Desde fuera dais la impresión de ser muy perfeccionistas. “Para nada (risas). Al menos no comparados con otros grupos. La verdad es que Jeff no presiona demasiado. No sientes que esté presionando para nada. Te podría decir que incluso yo puedo llegar a presionar más que él en algunos sentidos”. ■ Don Disturbios “Wilco (The Album)” está publicado por Dro.

¿Se han acomodado Wilco tras sus dos últimos trabajos? Javi Vicente (Big City) “Sky Blue Sky” ya daba claros indicios de que Tweedy no iba a exorcizar muchos demonios con ese disco ni quizá con el siguiente, pero tenía algunas canciones brutales, y muchos arreglos fantásticos. La verdad es que “Wilco (The Album)” es, junto con “A.M.”, los discos que menos me maravillan de ellos . Albaro Arizaleta (El Columpio Asesino) El último disco de Wilco me ha parecido un disco bonito y aburrido, como si fuera concebido para ser interpretado en teatros y no en salas con malos humos. Raul Fernández (Refree) Yo no creo que se pueda decir que se han acomodado para nada, pienso que siguen buscando con intención, y siguen hallando buenas canciones y momentos felices. Aunque es cierto que a mí los resultados últimos no me llenan de la misma manera. Yo apuesto por ellos y sobre todo por su visión de la música. Noni (Lori Meyers) Yo personalmente el último disco que vivi con pasión fue “Summerteeth”, pero porque es con el que más me identifico musicalmente. Sin embargo, creo que en este disco más que acomodarse se nota que Wilco y Jeff Tweddy están más cómodos con un estilo que ellos han creado. Se están regocijando en su propio sonido, en sus propias canciones, en una fórmula perfecta.

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /27/ ENTREVISTA)

The Sunday Drivers

El club de los cinco Carlos, Jero, Fausto, Lyndon y Miguel son algo más que unos simples domingueros y también mucho más que los integrantes de The Sunday Drivers. Son ante todo amigos y después músicos. Sin esa clave cuesta entender no su música, sino esa evolución que les ha llevado a mejorar con la década hasta dar con su mejor álbum, “The End Of Maiden Trip”. Pasen y lean las claves.

Sunday Drivers Foto David Blazquez

esde el año 2003, en el que se publicó el primer disco de los toledanos The Sunday Drivers, cada dos años hemos tenido noticias suyas. Puntuales como un reloj, no se puede decir tampoco que su ritmo de trabajo haya sido agotador. Pero tal y como me comenta el propio Jero Romero (cantante y guitarra acústica) la banda muestra una total incapacidad para componer durante el periodo de gira. Por eso su calendario vital está tan marcado. A cada disco le sucede la temporada de bolos que puede durar más de un año y en la que llegan a realizar un centenar de directos. Con la pasta recogida, cual hormiguitas, inician el periodo de composición, los ensayos preparatorios de los temas nuevos y por fín una nueva grabación. Y así han sido alumbrados sus cuatro largos. Siempre la misma dinámica de trabajo y siempre, desde hace una década, los mismos y fieles protagonistas. The Sunday Drivers no serían lo que son si faltara tan sólo uno de ellos. Pero esa fidelidad fruto de la amistad más sincera, también se refleja en su forma de hacer música y su cuarto y más completo álbum lo demuestra como ningún otro de sus discos. Vayamos a ello. Digámoslo ya desde el principio, “The End Of Maiden Trip” es el mejor disco de The Sunday Drivers, el trabajo en el que demuestran hasta qué punto han crecido como instrumentistas, sin perder por ello parte de su espontaneidad en la composición

de melodías redondas. Es el álbum en el que han tenido las cosas más claras a la hora de ejecutar las canciones y dotarlas de los arreglos justos, sin barroquismos, sin excesos o capas innecesarias. También es en el que resulta más difícil destacar una canción por encima de otra, porque realmente todas funcionan. Aquí han probado registros distintos, alguno incluso inédito y que gana enteros por la variedad de los tempos y tonalidades de los instrumentos. En especial de las guitarras, que suenan cristalinas, y las líneas de bajo más atrevidas hasta la fecha. En su hoja promocional dicen que es su obra más optimista, pero si me permiten la corrección yo hablaría de la más luminosa y sobre todo insistiría en que es la que posee una mayor clarividencia de lo que es el pop-rock elegante y definitivamente redondo. (Jero) “Estoy de acuerdo contigo en que no hay ninguna canción que sobresalga. De hecho me estoy sorprendiendo bastante, porque ahora que estoy haciendo promo, ya he recibido opinón de la gente sobre ‘este tema es el single’ de cada canción. Con lo cual hasta nosotros, que estamos pensando ahora en hacer un video y elegir una

canción, no sabemos muy bien cuál escoger. Ni siquiera la discografica, que siempre lo ha tenido más claro, sabe cuál elegir y eso es una de las cosas que más me gusta del disco, que todas las canciones tienen bastante identidad por sí mismas”. En todo esto mucho ha tenido que ver el hecho de que, a diferencia de “Tiny Telephone”, su anterior álbum grabado bajo la tutela de Brad Jones (Josh Rouse, Yo La Tengo) en San Francisco, el nuevo haya sido grabado bajo la supervisión de un habitual de la banda como José M. Rosillo quien les ha acompañado durante el último lustro como técnico de sonido. Una forma distinta de hacer las cosas, en la que la complicidad y el entendimiento ha sustituido al relumbrón y el fasto de grabar fuera. “Lo primero es el grupo. Si el grupo no suena, no hay nada

de este álbum es que se ha jugado siempre a favor de la canción. Sin recargarlas de forma excesiva y si, por ejemplo, era necesario que sonara sólo la voz y una acústica o un piano, ¿para que embarrar su belleza con más instrumentos? “En esta ocasión tanto Rosillo como nosotros hemos visto qué era importante y qué lo era menos y qué es lo que teníamos que potenciar y qué era más secundario. Es algo que aprendes con el tiempo, como a saber cuáles son las virtudes y cuáles los defectos. Nosotros hemos intentado que, cuando la canción nos sonase bien, dejar de arreglarla. Antes les dabamos muchas vueltas, pero ahora, mirando desde la distancia, creo que hay canciones de discos anteriores que tienen más arreglos de los que realmente necesitaban. Por ejem-

“Lo primero es el grupo. Si el grupo no suena, no hay nada que hacer” que hacer. Es como un equipo de fútbol. Si no juega bien no lo va hacer ni en el Camp Nou ni en el campo de tierra del barrio. Vaya, que para empezar el grupo tiene que sonar y yo creo que ahora tocamos mejor y nos manejamos mejor en estudio que hace tres años y muchísimo mejor que hace siete. Sólo hay que escuchar los discos. Luego son importantes los medios y, por lo menos para grabar, los hay igual de buenos aquí que en Estados Unidos. Por eso son más importantes las personas que te rodean que el sitio. Luego, también ocurre que, en cada momento de tu vida, buscas una cosa distinta como experiencia vital. Nosotros más que el que el estudio de San Francisco fuera bueno o no, lo que nos apetecía era trabajar con una persona completamente ajena al grupo. Cederle espacio para que influyese, que es lo que hizo Brad Jones, para luego poder decir ‘he estado en San Francisco, pero como experiencia vital’. Ahora no buscábamos eso. Diría que por fin hemos logrado acercarnos en el estudio a la forma en que sonamos en directo. Vaya, no es un directo porque es imposible y creo que no se puede lograr en un estudio, pero por lo menos en cuanto a intensidad es el disco en el que más nos hemos acercado”. Como afirmábamos antes, lo mejor

plo, hay estrofas en este disco que son bajo, batería y voz, y eso es algo que no habíamos hecho antes. También hay una canción con una eléctrica y no hay ninguna acústica, cosas así. Pero eso que parece fácil, obvio y simple, a nosotros nos ha costado tiempo aceptarlo”.

e esa guisa, sin alardes ni pretensiones vanidosas, entregan trece canciones que, como viene siendo habitual en ellos, son un repaso por el pop y el rock de toda la vida. El de Lennon y Harrison, pero también el de Steve Winwood, Ronnie Lane, Stephen Stills, Gene Clark, John Fogerty, Paul Weller y el sempiterno Neil Young. Referencias clásicas para un sonido tan clásico que, para sus detractores, ha sido el bocado al que hincarle el diente de la crítica fácil. ¡Paparruchas! Cuando hay canciones de la solvencia épica de “Specially (Today)” con ese aplastante crescendo, otras de la belleza clarividente y sencilla de un “So What”, que te retrotrae a los mejores Wilco, o esa “(Hola) To See The Animals”, con el buen rollo que destila el ukelele, no hay críticas que valgan. Un sonido tan clásico como un ataud de pino, pero que en ningún caso atufa a caduco o pasado de moda. Y es que el abajo firmante siempre preferirá grupos de su honestidad musical a otros que esconden sus carencias en el amauterismo mal entendido. The Sunday Drivers suenan mejor que nunca y es de justicia decirlo. Para acabar de hacerle un favor a Jero, no te quedes solamente con las melodías y profundiza también en los textos de las canciones. Igual hasta te llevas una sorpresa. “En general, quitando el primer disco, estoy bastante contento con todas las letras. En ese sentido soy bastante exigente y me lo curro. Obviamente, no es mi idioma y me cuesta bastante trabajo, aunque, por otro lado, entiendo el rollo de ese sambenito de que si cantas en inglés es porque no tienes nada que decir. Yo poco más puedo hacer para cambiar eso excepto invitar a la gente a que lea las letras. En nuestro grupo, desde el segundo disco, está Lynton que es galés y además un hijo de puta con las letras. Él no consentiría que dijera tonterías y estoy muy contento con todas las letras de este disco y creo que son las mejores que he escrito nunca, como las de ‘So What’ o ‘Specially’”. ■ Don Disturbios “The End Of Maiden Trip” está publicado por Mushroom Pillow

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /29/ ENTREVISTA)

Rancid

Abanderados de la estética punk de cresta, cuero e imperdibles, Rancid jamás han sido unos descerebrados nihilistas sino todo lo contrario. Aprendiendo la lección de sus predecesores, llevan años combinando punk veloz, rocksteady y hasta ska, dando forma a una personalidad que “Let The Dominoes Fall” no traiciona lo más mínimo.

os estadounidenses Rancid se han ganado el derecho a ser reconocidos como la última gran banda punk de la era moderna. Una condición legítima lograda gracias al brillante “…And Out Comes The Wolves” (1995), un disco que puso patas arriba el patio de butacas del punk-rock. Había quien prefería la energía de “Rancid” (1993) o la anarquía visceral de “Let’s Go” (1994), más rápidos, más crudos, pero no cabe duda de que su continuación fue la responsable directa del elogio generalizado que desde entonces merecen. Canciones como “Ruby Soho”, “Time Bomb” o “Roots Radicals” se escuchaban y bailaban en plazas de todo tipo. Los intocables The Clash ya tenían de una vez por todas a su esperado relevo generacional. Tres años más tarde llegaría “Life Won’t Wait” (1998), con mayores dosis de ska y reggae, al que siguió esa salvajada de imperdible y tachuela que fue “Rancid” (2000) y el collage de colores “Indestructible” (2003). Tras el cese en la actividad del grupo californiano –el más largo que se les recuerda: seis años prácticamente- llega “Let The Dominoes Fall”, un asalto al cuadrilátero dispuesto a presentar batalla. Para descubrir más cosas al respecto, conversamos a dos bandas vía telefónica desde las oficinas de Epitaph en Los Angeles. A Tim Armstrong le irrita dar entrevistas; le aburren, aunque a la hora de la verdad se muestre correcto y educado. En cambio, a Lars Frederiksen le pirran. Y se nota. Habla como una cotorra y poniendo un enorme énfasis en sus palabras. (Frederiksen) “Hacer entrevistas, la promoción, es una de las partes más desagradables de ser músico. Preferimos hablar sobre el escenario, tener ese contacto directo con la gente. Por tanto, es el periodista quien tiene que conseguir que esto sea divertido de verdad, así que espero que lo consigas. Hablar de uno mismo siempre es algo muy aburrido, aunque me da la impresión de que esta vez vamos a pasarlo

bien”. El reto está servido. Tras esa interrupción estratégica y voluntaria de seis años, “Let The Dominoes Fall” toma la palabra. Empero, sus miembros han estado ligados a otras aventuras. Lars Frederiksen junto a The Bastards y Tim Armstrong en solitario y con Transplants, que funcionaron como una válvula de escape consiguiendo cierta repercusión. Mientras, Brent Reed deliberaba sobre cuál iba a ser su futuro fuera de la banda. (Armstrong) “Este equipo funciona como tal cuando estamos juntos. Cada uno tiene su estilo, su forma de escribir, y eso queda bien definido en los proyectos que tenemos fuera de Rancid, como por ejemplo Transplants. Lars también tenía material que afortunadamente vio la luz, y yo estuve en 2007 en España durante cuatro meses, en Barcelona y en el sur, grabando música que luego aparecería en ‘A Poet’s Life’ y en este álbum de Rancid. Además, tengo que decir que todavía tengo más canciones de esa etapa, sacaré muy pronto en otro disco mío”.

n reguero de constantes rumores, presagiaban que la publicación de “Let The Dominoes Fall” se iba a producir mucho antes de lo que al final ha acontecido. (Frederiksen) “Empezamos a finales de 2007, y estuvimos una semana reunidos en octubre, en noviembre y en diciembre hablando mucho sobre cómo sería el disco. Hicimos pruebas en un centro de operaciones pensado para sentirnos cómodos sobre las ideas que teníamos cada uno de nosotros. Nos sentamos en una mesa redonda, y con guitarras acústicas plasmamos melodías e ideas diversas. Era otro modo de plantear la grabación, distinta, más amena, abierta a la opinión de cada uno de los integrantes de Rancid. Fue durante el transcurso de esos días cuando nos dimos cuenta de que tenía-

Rancid Foto Archivo

En la cresta mos buen material en nuestras manos. Las canciones fueron tomando forma, así que empezamos a pensar en la logística, cosas como el lugar en el que íbamos a grabar, la producción con Brett Gurewitz, las mezclas y todos los movimientos que supone un nuevo trabajo. Luego decidimos que nos convenía salir a tocar en directo y, en los descansos entre giras, continuamos puliendo el disco. Cuando nos volvimos a juntar vimos que teníamos un nuevo enfoque, otro pensamiento, queríamos añadir cuatro piezas, y al final cambiamos muchos de esos cortes. Volvimos con más energía, no

la chica que sale de tu pastel de cumpleaños cubierta de nata a tu disposición. Una gozada. ¡Teníamos frente a nosotros a una leyenda del sonido Stax! Tranquilo, pero con mucha energía”. Por mucho que conozcamos el tan característico sonido de Rancid, nunca es fácil predecir hacia dónde va a dirigirse cada nuevo álbum del cuarteto californiano. Pueden sonar muy punk, muy callejeros, muy jamaicanos, o todo al mismo tiempo, como en “Let The Dominoes Fall”, que administra con sabiduría todas y cada una de sus facetas. (Armstrong) “Definitivamente, cada disco documenta un periodo de nuestras vidas y estrecha

“Sigue la tradición de los Ramones y de todo ese punk auténtico que te va a estallar en la puta cara” deseábamos hacer la típica grabación fría, estudiada, impersonal. Así fue como acabamos de ajustarlo todo, hasta estar completamente satisfechos con el resultado”.

l single de presentación, “Last One To Die”, es un tema radiable y reconocible al instante, y el arranque con “East Bay Night” nos dirige hacia el corazón del nuevo material de la banda. (Frederiksen) “En esa canción radica el espíritu del disco. Hasta que no sacamos ese tema, no estuvimos completamente convencidos. Es Rancid al cien por cien, una canción extraordinaria. Es esa típica situación en la que te pones al límite. Es como decir: ‘Hola, somos Rancid y estamos aquí para hacerte pasar un buen rato’. Sigue la tradición de los Ramones y de todo ese punk auténtico que te va a estallar en la puta cara. Queríamos que ese fuese un buen ejemplo acerca de lo que para nosotros significa el punk”. El legendario y recuperado Booker T. Jones se ha convertido en el inesperado comensal que se suma al banquete que han preparado Rancid, en ese apetitoso “Up To No Good” y en la no menos atractiva “Damnation”. (Frederiksen) “Estando en Los Angeles nos sorprendieron con la presencia de Booker T. Jones, sabedores de la ilusión que nos hacía. Fue como tener a

ese círculo que genera la música de Rancid. Nuestra actitud es la que marca la frontera entre unos discos y otros”. Brett Gurewitz, jefe de Epitaph y alma de Bad Religion, vuelve a ejercer de productor. (Armstrong) “Nos conocemos desde hace mucho tiempo, pero la clave de nuestra sintonía profesional es el respeto personal que hay entre nosotros. Él canta, escribe, controla, pero deja que Rancid sean Rancid. A muchos otros grupos les intimida su presencia, a nosotros nos da seguridad”. Para completar el lanzamiento de “Let The Dominoes Fall” (que aparece también en edición especial con un making of de la grabación y tomas acústicas de todas las piezas), Rancid han tenido la excelente idea de colgar en su página web una serie de episodios cortos y en blanco y negro de las sesiones en el estudio. Una curiosa manera de descubrir sus entresijos. (Frederiksen) “Nuestros fans y amigos nos los pusieron muy fácil. Nadie dejaba de preguntar cuestiones sobre el disco y la mejor manera de responderlas era de esta forma. Nos ahorramos trabajo y dar explicaciones. Aunque muchos se asustaron, ya que se pensaron que habíamos hecho un disco acústico”. ■ Toni Castarnado “Let The Dominoes Fall” está publicado por Epitaph/Pias.

Gossip Foto Lee Bromfield

(ENTREVISTA /30/ Julio-Agosto 2009 路 MondoSonoro)

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /31/ ENTREVISTA)

Gossip Vuelve Beth Ditto, la gorda más cool del mundo y sus dos secuaces, Brace “Nathan” Paine, un perfecto estereotipo de nerd a la guitarra, y Hannah Billie, una batería tan andrógina como atractiva. Esta vez ya no pretenden sorprender, sino establecerse con su cuarto largo de estudio, “Music For Men”, un trabajo accesible y adictivo que recoge con orgullo el testigo de “Standing In The Way Of Control”, uno de los títulos imprescindibles del último lustro.

stamos en el American Hotel de Amsterdam. La noche anterior hemos presenciado en el Paradiso, local mítico de la capital holandesa, uno de las primeras presentaciones en directo de lo que será el nuevo disco del conjunto de Portland. (Beth Bitto) “Después del concierto hubo una fiesta en el local, y acabamos con un montón de gente en una casa de okupas gay en las afueras de la ciudad. Algunos de ellos tenían SIDA, otros, enfermedades de las que ni recuerdo el nombre, pero nadie parecía preocupado por el futuro. Todos actúan como voluntarios en la casa, con tareas perfectamente establecidas. No he visto gente tan vital y fiestera. Fue la bomba. Perdona que estemos tan resacosos, pero la movida fue increíble. No lo podíamos dejar pasar”. Así es la banda más atrayente del panorama musical actual. Liderada por la frontwoman por excelencia, la mujer que ha sido capaz de trasladar a las masas una actitud y modo de vida realmente alternativo; que ha conseguido acaparar portadas en los medios de referencia de todo el mundo por su magnética presencia, su actitud a la hora de enfocar la vida y por el carisma que la ha llevado a conseguir que una presencia tan impactante como la suya (ciento veinte kilos, lesbiana y nula preocupación por la depilación u otros tipos de complejos) haya sido valorada como propia de “la persona más cool del mundo”. Bueno, eso además de haber encabezado un trío que facturó el salvaje “Standing In The Way Of Control”, con el que iniciaron una nueva etapa que dejaba atrás una primera época más oscura, cruda e independiente, formada por varios Ep’s, los largos “That’s Not What I Heard” y “Movement” y el directo “Undead In NYC”.

os juntamos ahora en Amsterdam para dar contexto a “Music For Men”, estreno en la multinacional Sony BMG, si no contamos el divertido pero prescindible directo del año pasado “Live In Liverpool” (Ditto asegura no haberlo “escuchado ni una sola vez. Fue idea de la compañía y un intento de Nathan de demostrar que la banda tiene un directo potente y audible, después del puro ruido de ‘Undead In NYC’”). “Music For Men”, un título irónico proviniendo de la lesbiana más famosa del rock, será un nuevo punto de inflexión en la carrera del trío. Más electrónico, más adictivo, menos DIY, propone con éxito una readaptación de su fórmula orientándola a un público más mainstream. Sin hits tan evidentes como los de “Standing...”, el trabajo se sustenta en un discurso más cohesionado, más elaborado: (Hannah Billie) “El último disco lo grabamos de forma muy rápida. En esta ocasión tuvimos más tiempo para probar cosas, para experimentar”. El sonido también evidencia una gran mejora respecto al de sus anteriores álbumes. Más musculoso y elástico, sorprende que detrás de los mandos se encuentre nada más y nada menos que el poderoso Rick Rubin, maestro del back to basics en sus producciones para artistas tan diversos como Beastie Boys, Johnny Cash, Slayer o The (International) Noise Conspiracy. Una elección además curiosa, proviniendo de uno de los grupos al que le unen menos vasos comunicantes con el universo más comercial del mercado musical. (Los tres al unísono) “¡No fue una elección nuestra! ¡Nosotros fuimos una elección suya!”. Esta claro que el viejo barbudo

sigue teniendo buen ojo (y oído)... (Beth) “Nos vio hace ya algún tiempo en un concierto que hicimos en Los Angeles. Vino después de la actuación al camerino y nos hizo prometerle que teníamos que dejarle producirnos. Nosotros nunca nos podríamos haber permitido económicamente contratarle; ni siquiera se nos hubiera pasado por la cabeza”. Hasta ahora, la suerte comercial ha acompañado a Gossip sin ellos buscarla. Su imagen, actitud y la magia que desprendía su anterior obra les catapultaron a la situación actual de focos mediáticos para crítica musical, diseñadores de moda y hasta para organizaciones no gubernamentales. Pero parece que llega el momento de la verdad para el trío con este nuevo disco. Compañía multinacional, gran estudio, gran productor, y todas las miradas dirigidas hacia ellos. Una presión que hasta ahora nunca habían tenido. (Beth) “(larga pausa y sus-

medios con mayor tirada del mercado, cuando antes debían conformarse con verse expuestos en fanzines y blogs minoritarios. (Beth) “Hemos conseguido tener un especie de nicho raro dentro de la música mainstream que nos sirve de plataforma y que nos diferencia de la mayoría de bandas que siguen un cliché mucho más aburrido de drogas y alcohol. Eso sí, a veces tendemos a encerrarnos en nuestro propio mundo. Nathan es la única persona heterosexual a la que me siento apegada. Mi realidad es así, pero en la gran foto del mundo eso es una rareza, que en ocasiones olvido. Piensas: ‘Pues no todo está rodeado de punkies y maricones, ¡vaya mierda!’”. Beth Ditto también ha abierto la puerta a una mayor aceptación de la homosexualidad femenina en el rock, hasta ahora muy poco destapada, más allá de bromas morbosas como la de T.A.T.U. Tanto que ahora hasta resulta cool proclamarse lesbiana y darse el lote con chicas en videoclips, como el reciente caso de Katy Perry en “I Kissed A Girl” (Beth) “Prefiero pensar que a Katy le pasa como a Nathan, que empezó formando parte de una banda de rock cristiano (risas)”. (Nathan, protestando) “Sí, joder, era cristiano, pero ya hace tiempo que cambié. Joder, Beth, y no sé por qué sacamos este tema ahora”. (Beth) “Nathan hacía todo lo necesario para ser famoso, y lo del rock

“No todo está rodeado de punkies y maricones, ¡vaya mierda!” piro) Vaya pregunta para una resacosa... No sé... Si quieres que te sea completamente sincera, me sigo tomando todo esto como una gran broma. A veces pienso en nuestro éxito como en la segunda parte de ‘The Great Rock’n’Roll Swindle’ -“El gran timo del rock and roll”- (risas)”. En serio, nunca había pensado estar en un grupo de rock mucho tiempo, ni había pretendido ni imaginado grabar en un gran estudio. Ha venido todo dado. Sigo conservando en un rincón de mi mente la idea de que todo se acabará pronto y que no debo acostumbrarme a nada de lo bonito que me está pasando. Tengo sólo veintiocho años, y llevo ya diez en Gossip. Muchas veces me he dicho a mí misma, ‘OK, ya está bien. Veamos qué es lo próximo que me depara la vida, cuál es su próximo paso’. Pero hasta ahora la vida me ha demostrado que es imposible adivinar lo que te espera a continuación. Siempre es una sorpresa. Así que he dejado de preguntármelo y simplemente vivo el momento actual, sin preocuparme demasiado de lo que venga”.

as letras del disco son otro de los elementos que marcan un nuevo punto de partida en la trayectoria del trío. Alejados del compromiso militante de “Standing...” (recordemos que la canción que daba título al disco era una diatriba escrita por Beth tras darse a conocer la negativa del gobierno Bush a legalizar los matrimonios homosexuales en Estados Unidos), “Music For Men” adopta más la forma de un dietario personal, dando cabida a las relaciones de Beth Ditto en estos dos últimos años. Hasta cuatro canciones llevan la palabra “love” en su título, toda una declaración de intenciones. (Beth) “Sí, lo compusimos durante una época de relaciones convulsas, en medio de las elecciones. A veces al escucharlo me da un poco de vergüenza, porque pienso que todo el mundo va a conocer mis sentimientos más profundos”. Quizás sea esta nueva etapa abierta por Barack Obama la que lleva al trío a enterrar de momento el hacha de guerra. Contexto ideal en el que las proclamas nada convencionales de Ditto pueden seguir teniendo resonancia en los

cristiano hace tiempo que dejó de ser cool... (risas). Supongo, ahora en serio, que Katy Perry hace lo mismo. Pero la vi en directo por la tele hace poco y me sentí realmente mal. De la misma manera que me siento mal por esas artistas a las que obligan a llevar kilos de maquillaje o a vestir modelos japoneses extravagantes. Es muy triste, la verdad”. Beth Ditto fue proclamada en el 2007 “Coolest Person In The World” por la revista inglesa New Musical Express, un nuevo hito que expresa como el carisma y una belleza “diferente” puede romper alguna de las fronteras existentes con ciertos estereotipos actuales, como el de lo atractivo. Después llegaron un sinfín de portadas, desde Les Inrockuptibles a Dazed & Confused. (Beth) “No lo sé. Para mí es muy complicado decidir si algo es bonito o feo porque el contexto lo cambia todo. Ese armario de ahí en esta habitación queda horrible, pero en otra puede quedar increiblemente bonito. No pienses nunca que algo o alguien es feo, porque en su contexto puede ser maravilloso”. En breve podremos ver a Gossip descargar sus nuevos temas en Barcelona, en su tercer concierto en la ciudad y que, a poco que se parezca al que pudimos presenciar en el Paradiso de Amsterdam (con una formación de cuarteto, ya que añaden un bajista al conjunto), promete ser una nueva apisonadora en directo, donde los hits de este año se funden con los “Coal To Diamonds”, “Jealous Girls” o “Standing In The Way Of Control” del pasado, dejando espacio a versiones adrenalíticas de temas de los ochenta en la voz imparable y sobrenatural de Ditto. En Amsterdam cayeron covers de Tina Turner (“What’s Love Got To Do With It”) y Madonna (“Into The Groove”) (Beth) “Soy una persona muy dada a las obsesiones. Cuando escucho un tema que me gusta, lo pongo y me lo vuelvo a poner, hasta que acabo aburriéndolo. Es lo que me está pasando ahora mismo con ‘Private Dancer’ de Tina Turner. No puedo parar de escucharlo. ¡Estoy totalmente fascinada por su voz!”. ■ Robert Aniento

“Music For Men” está publicado por Sony BMG. Gossip estarán el 13 de julio en Barcelona.

Discografía Aunque fundamentalmente podríamos resumir las virtudes de Gossip en lo incluido en sus cuatro largos, el trío estadounidense ha nutrido su catálogo a base de diversos singles, Ep’s y splits (junto a Le Tigre, por ejemplo), que ayudan a entender cómo ha sido su evolución y quiénes les han acompañado en su camino hasta la fama. Aquí tienen ustedes lo que ha dado de sí la aventura en casi una década. “That’s Not What I Heard” (Kill Rock Stars, 00)

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El primer larga de Gossip (catorce temas en poco más de veinte minutos) nos descubre las claves del sonido soul punk de filiación riot y queercore del trío: una voz con garra, unas guitarras crudas y chirriantes y una batería bastante básica pero efectiva. En directo aún suelen tocar “Swing Low”, el tema que abre el disco.

“Movement” (Kill Rock Stars, 03)

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El sonido algo destartalado de “That’s Not What I Heard” deja paso a algo más sólido sin que el espíritu primitivo pierda un ápice de frescura y personalidad. El cuarto corte, “Don’t (Make Waves)”, se convierte al instante en uno de sus primeros éxitos, aunque apenas nadie más allá del underground les presta demasiada atención.

“Undead In NYC” (Dim Mak, 03)

Ya que “Live In Liverpool” (Columbia, 08) apareció recientemente, mejor recuperamos el primer directo del grupo. El sonido es muy pobre, sin editar, y ahí está la gracia, en que refleja la fuerza y sonoridad punk de sus inicios (de hecho, interpretan “I Wanna Be Your Dog” de The Stooges junto a Chromatics).

“Standing In The Way Of Control” (Kill Rock Stars/Pias, 05)

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La cosa se pone seria, muy seria. Beth Ditto, Nathan Paine y la nueva batería Hannah Billie se sacan de la manga un álbum plagado de hits que marca un nuevo inicio para la banda, sin abandonar el aroma soul punk que les ha caracterizado siempre. Y claro, está el tema titular, que arrasó en las pistas de baile independientes. La edición de Pias incluye el popular remix de Soulwax.

“Rework It” (Back Yard, 08)

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Recopilación de buena parte de las remezclas publicadas en los singles correspondientes a su tercer álbum. Sólo por los arrolladores remixes de MSTRKRFT (“Listen Up”) y Soulwax (“Standing In The Way Of Control”) ya vale la pena hacerse con él. Entre los restantes invitados, Arthur Baker, Punks Jump Up, Playgroup, Headman, New Young Pony Club o Tiga. n JSL

Marilyn Manson Fotos Stuart MacDonald

In Flames

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /33/ CONCIERTOS)

Anthrax

Cradle Of Filth

Motley Crüe

Kobetasonik Lugar Kobetamendi (Bilbao) Fecha 19 y 20 de junio Estilo rock Público 28.000 personas aprox. Promotor Last Tour International La segunda edición de Kobetasonik comenzó con un piso embarrado y una fina lluvia (el típico sirimiri de la capital vizcaína, vamos) que supuso una afluencia pobre durante las primeras horas de conciertos, tiempos muertos en los que les tocó bailar con la más fea a los autóctonos Idi Bihotz, las rockeras nórdicas Crucified Barbara y los efectivos Gojira con su metal agresivo y crudo, preludio de lo que iba a acontecer en el siguiente escenario con los californianos Devildriver, liderados por el ex-Coal Chamber Dez Fafara. Los rimelados Hot Leg comenzaron su rock’n’glam aullado en falsete y estampa escénica justo cuando el barrizal formado dificultaba el acercamiento a los escenarios, pero para la llegada de Cathedral camiones cargados de paja habían alfombrado el terreno para solaz de nuestro calzado. El legendario Lee Dorrian con sus poses y gestos evocaba al Ozzy de los buenos tiempos (el de hace cuatro décadas) y su apuesta por el sonido Black Sabbath se vio reflejada en su set-list plagado de riffs lentos y pesados. A la vuelta de la esquina estaban

los vampíricos Cradle Of Filth sacando brillo al cuero para montar su show acelerado y teatral, amén de interludios operísticos que acumularon a las hordas amantes del metal agresivo, que iban a tener una grata sorpresa con los samuráis Trivium que arrasaron con su potencia y puesta en escena. Sin duda una de las sensaciones de la tarde junto con Journey, auténticos clásicos del AOR melódico que repasó sus temas nuevos y los clásicos como “Don’t Stop Believin’”, de vuelta a la actualidad gracias a “Los Soprano”. La noche se tornó más oscura y llegaron Machine Head atronando con una potencia desmesurada y una fuerza cautivadora que dejó a la gente sin aliento para el que se preveía plato fuerte de la noche, y que a la postre apenas llegaría ser catalogado de simple refrigerio, un cada vez más descafeinado Marilyn Manson. Un recital anodino, pese al espectacular montaje. Gracias a Dios Mike Muir y Suicidal Tendencies aguardaban su turno para hacernos botar con su punk acelerado y divertido y olvidarnos así del mal trago del show anterior.

La segunda jornada contó con una masiva afluencia de gente desde los primeros momentos y la amenaza de lluvia que no llegó a descargar. Abrimos boca con Ekon y Lauren Harris, hija del mítico bajista de Iron Maiden, que apuesta por el rock melódico, todo lo contrario que God Forbid, auténticas bestias sonoras que taladraron tímpanos y agitaron cerebros. El panorama se relajó (un poco) con Buckcherry que hicieron un concierto rockero puro y duro y directo, sobre todo apoyados en su sobretatuado cantante Joshua Todd. Volvimos al metal más épico con los británicos Dragonforce que nos mostraron su cosecha de power-metal acelerado y cargado de un virtuosismo, quizás desmesurado, pero esforzados en hacer un bolo divertido, al igual que unos inquietos Papa Roach, que no pararon de mover a sus huestes con la fortaleza de su metal-punk melódico y merecieron el reconocimiento de los allí presentes. Uno de los momentos más esperados de la tarde llega con los neoyorkinos Anthrax, padres del trash- metal que nos deleitaron con himnos como ”Indians” o “Im The Law”, y que sorprendieron al público con su recién estrenada versión del “New Noise” de Refused. Thin Lizzy cayeron del cartel y nos pusieron sobre el escenario al teatral Lizzy Bor-

den, enmascarado, túnica en ristre entre ráfagas de heavy americano de los ochenta, incluyendo el numerito de vampiro-muerde-rubia. Una fórmula más sencilla tienen In Flames, paladines del death melódico sueco con un grado de madurez musical y escénico que no falla y no decepcionó al gentío, que estaba ya pensando en la banda de Vince Neil, pero los dioses del metal progresivo Dream Theater tenían su turno para aletargarnos con su técnica y sus temas largos y complicados . Y el momento más esperado llegó. Los macarras Mötley Crüe saltaron al escenario con “Kickstart My Heart” para despertarnos. La banda se movía frenética por el escenario y nos regalaban “Girls, Girls, Girls” (la más coreada), “Doctor Feelgood” y “Shout At The Devil” junto a temas de su último trabajo y dejaron una actuación quizá corta y con momentos de poca continuidad (sobre todo con el speech disparatado que se marcó Tommy Lee en un momento del show), pero con fuerza. Y para acabar con quien tuviera algo de energía en la recámara, los metalcore Hatebreed arrasaron con su expresión de inconformismo y contundencia, dejando un buen sabor de boca a esta segunda edición que apuntala a Bilbao como referente en la escena metal europea. Manu Fierro

The Horrors Fotos Fernando Ramírez

Jarvis Cocker

The Jesus Lizard

Neil Young

Yo La Tengo

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /35/ CONCIERTOS)

Estrella Damm Primavera Sound Lugar Parc del Fórum (Barcelona) Fecha 28, 29 y 30-05-2009 Estilo varios Público 76.000 personas aprox. Promotor Primavera Sound La primera cita internacional del Primavera Sound llegó, el miércoles, de la mano de The Reigning Sound. Su directo tuvo fuerza y dejó en evidencia a un Ken Stringfellow algo perdido al frente de The Disciplines. The Right Ons convencieron, aunque aquella noche faltó algo de respuesta por parte del público. El jueves ofreció ya grandes momentos y alguna decepción. Una de ellas, My Bloody Valentine. Junto con Neil Young eran la gran atracción de un festival que pasó las siguientes jornadas discutiendo sobre la validez de su propuesta en directo: volumen ensordecedor (más que nunca), voces inaudibles y Colm O’Ciosoig compitiendo con Brian Chippendale por el título de batería salvaje del festival. Sin embargo, My Bloody Valentine son (o deberían ser) mucho más que un amplificador a punto de estallar. Tampoco The Horrors sonaron como deberían. Infinidad de problemas con su equipo limitó sus posibilidades recordándonos de nuevo que, sobre un escenario, aciertan solamente una de cada cinco veces. Después llegaría Ebony Bones, con un directo oscuro y denso y mucho de teatrero, pero con algunas canciones a tener en cuenta. Antes, Joe Crepúsculo y Los Destructores ofrecieron un concierto desternillante, memorable y más over the top que nunca. Acompañado de una banda especial para la ocasión en plan rockero, sus canciones brillaron igual o más que en su formato original. En el escenario Rockdelux, Ana Fernández-Villaverde, La Bien Querida, demostró que todas la gemas de pop emocional que forman parte del excelente “Romancero” funcionan más que correctamente encima de un escenario. Algo tímida y nerviosa en los primeros compases de la actuación, acabó soltándose el pelo en un concierto donde sólo se echó en falta una banda que supiera arro-

par mejor las canciones de la bilbaína. Eugene Kelly y Frances McKee, al frente de The Vaselines, brillaron a pesar de la edad y sonaron igual de frescos y ácidos que en los ochenta, acompañados por varios Belle And Sebastian a los instrumentos. En plena fase de desarrollo, los franceses Phoenix van a convertirse en la respuesta europea y cool a unos The Strokes en barbecho. Tienen melodías contagiosas, desparpajo y actitud escénica. Por momentos el sonido no les acompañó demasiado y pecan de cierta pomposidad en el uso del sintetizador. En cuanto al resto de la jornada, destacar lo vibrante del show de Spectrum, el nuevo acierto de Yo La Tengo sobre el escenario y las actuaciones de Lightning Bolt y The Jesus Lizard. Acostumbrados a verles en espacios muy reducidos tocando a ras de suelo se hacía rara la presencia de Lightning Bolt sobre el escenario ATP. No importó nada. Gibson y -sobre todo- un espectacular Chippendale en su papel de hombre pulpo a los parches, se hicieron con un público cada vez más numeroso en el preámbulo del no menos salvaje concierto de The Jesus Lizard, con un David Yow que sigue tan en forma como en su mejor momento. Infinidad de actuaciones destacables hubo el viernes, demasiadas para listarlas todas. Cumplieron bien Magnolia Electric Co., Bat For Lashes, Bloc Party, Art Brut o Throwing Muses, aunque sus conciertos no serán recordados entre lo mejor del Primavera Sound 09. Más sorprendieron Extra Life en el Auditorio y Sunn 0))), pese a los problemas de sonido. Shellac funcionaron como siempre, aunque ya va siendo hora de que no repitan prácticamente el mismo concierto año tras año. Sorprendió la solidez de las actuaciones de The Pains Of Being Pure At Heart,

Vivian Girls y la locura de Crystal Antlers (que contaron con la colaboración de una de ellas y de Marnie Stern), por no hablar de unos Fucked Up eficaces y compactos, pese a perder gran parte de sus matices al interpretar los temas en directo. Entre las aportaciones más destacables, nos quedamos con The Mae Shi y Dan Deacon Ensemble. Para los que todavía no sabían cómo se las gastaban los californianos The Mae Shi, apuntar que fueron una de las sorpresas del festival. Treinta escasos minutos de éxtasis e intensidad, entre el exabrupto hardcore y la electrónica ácida en la línea de sus primos hermanos !!! / Out Hud. Acabaron haciendo stage diving y zarandeados por el público mientras los ecos de su actuación aún resonaban en el fondo. Dan Deacon y su Ensemble protagonizaron un concierto divertido y completo, pero el americano no debería reunir a más de una decena de músicos para tenerlos cruzados de manos durante casi la mitad del show. Menos entertainment y más música, por favor. En el salón MySpace hubo también momentos destacados, como la actuación para abrir boca de cara al día siguiente de Kitty, Daisy & Lewis y de Love Of Lesbian que congregaron a una cantidad de público mucho más que respetable pese a las dimensiones del exclusivo escenario La jornada del sábado reunía a las grandes estrellas en el escenario Estrella Damm. Abrieron The Jayhawks, aunque tenemos que apuntar que Gary Louris y Mark Olson deberían plantearse qué hacer en el futuro, porque no parece demasiado adecuado sacar a pasear un puro ejercicio de revival, cuando la ocasión pecunaria lo requiere. O se plantean revitalizar su propuesta y tomársela en serio o que la dejen morir del todo. Así su recuerdo será entrañable y nos ahorraremos ver cómo semejante cancionero es interpretado con profesionalidad, pero sin chispa, garra o convicción. Lo único decepcionante del concierto

de Neil Young fue la duración. Se hablaba de dos horas y media y se dejaron cuarenta y cinco minutos en el tintero. Claro que empezar con “Mansion On The Hill” y “Hey Hey My My” no entraba ni en la mejor de las previsiones. Al igual que el enérgico y contundente repaso a lo mejor de un cancionero tan clásico como extenso. Especial mención para “Cortez The Killer” y un “Rockin’ In The Free World” coreado hasta el éxtasis por el público menos Primavera de todos los Primaveras. Cerraron unos Sonic Youth a los que la incorporación de Mark Ibold al bajo les ha venido más que bien. Ejecutaron, sin tanta furia como en otras ocasiones pero de forma magistral, un repertorio sin apenas hits (¿”Bull In The Heather”?) y centrado en “The Eternal”. A sus fans acérrimos les guiñaron el ojo con “Brother James”, “Tom Violence” y el explosivo cierre de “Expressway To Yr. Skull”. En cuanto a los restantes escenarios, hubo de todo. Ariel Pink y su grupo sorprendieron, pero se quedaron a medio gas cuando el sol más apretaba. Jeremy Jay convencía a sus fieles, pese a sufrir algunos problemas de sonido que obligaron a cortar la actuación durante un buen rato. Acompañados de su padres, el trío de jovenzuelos Kitty, Daisy & Lewis conquistó a la audiencia del escenario Ray Ban-Vice con un vibrante y movido show donde recuperaron con tino el rock and roll de esencia más clásica. Por otro lado, más descarados fueron unos Black Lips que repetían en el Primavera y que congregaron a una gran cantidad de público. Acabaron, como de costumbre, desbocados, aunque sin conseguir birlarle el público a Simian Mobile Disco. En cuanto a estos, dejémonos de hostias: A esas alturas del sábado la ocasión requería ir hasta las cejas, sólo así te podías dejar llevar hasta el KO técnico por la contundente demostración de electro cafre que no dejó títere con cabeza. Joan S. Luna, Don Disturbios, Xavi Sánchez Pons y Luis J. Menéndez

Vetusta Morla y Christina Rosenvinge

Marc (Dorian) y Mendetz Fotos Nacho Ballesteros

Russian Red y The Sunday Drivers

( CONCIERTOS /36/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro)

Día de la Música Heineken Lugar Matadero (Madrid) Fecha 21/06/09 Estilo pop rock Público 10.000 personas aprox. Promotor Heineken-Actúa Madrid completaba el cartel más ambicioso de todas las ciudades que celebraban el Día de la Música, y el público respondió acudiendo en masa desde primera hora de la mañana. Eso, a pesar de un sol de justicia que nos castigó con dureza desde que Vetusta Morla arrancaron su actuación a las doce del mediodía con el cartel de “Aforo completo” en la puerta del Matadero, con lo que numerosos fans se quedaron fuera del recinto. Los madrileños, en formato semiacústico, no ofrecieron un show demasiado diferente de lo que nos tienen acostumbrados, con la excepción de esa versión del “Chicago” de Sufjan Stevens junto a Christina Rosenvinge. A continuación, de riguroso luto a pesar de los cuarenta grados de temperatura, aparecieron en escena Catpeople, que desde el principio tuvieron que sufrir además algún que otro problema técnico. Aferrados también al formato semia-

cústico, repasaron los hits de sus dos discos hasta fecha pero nos dejaron con las ganas de escuchar su cara a cara con Inhabitants, que Adrián sí interpretaría por la noche en Barcelona. Cuando en el escenario de Radio 3 aún se bailaba a ritmo de Catpeople algunos prefirieron desplazarse hacia el único espacio cubierto del recinto para disfrutar de la propuesta intimista de Le Mot, el proyecto en solitario de Malela (ex-Nosotrash y Grande Marlaska) y, posteriormente, de Josele Santiago, que tras un seco “gracias por venir y todo eso” fue ofreciendo una buena muestra de las canciones de su último trabajo “Loco encontrao”, canciones desnudas que tocó acompañado por su guitarra, con sobriedad y contundencia y, como siempre, convenciendo. Más vacía se fue quedando la sala con Gilbertástico -que aun así divirtió con una energía y unas ganas que comenzaban a flojear a aquellas horas-,

las chicas de Boat Beam, Malcolm Scarpa y Polock; para volver a recobrar músculo con la salida al escenario de Antonio Arias de Lagartija Nick, en una inédita actuación en “formato cantautor”. Mientras tanto, en el más castigado de los escenarios, el de Radio 3, se iban dando paso las propuestas de JF Sebastián, Aline And The Esplendids, Idealipsticks y Underwater Tea Party, y Klaus & Kinski junto a Cuchillo, todos ellos bajo un sol cada vez más insoportable. Volvamos al interior: Nudozurdo desgranaban sobre el escenario su propio repertorio en el que fue uno de los mejores conciertos del día. Con él volvieron los problemas de aforo: durante unas horas ese fue el único escenario en funcionamiento, una olla a presión en la que difícilmente tenía cabida la décima parte de la gente que ya estaba en el festival, un serio problema a solucionar en futuras ediciones. A continuación, Julio de la Rosa secundado por su fiel Abraham Boba, sorprendió obviando su último disco y recuperando muchas de sus composiciones con El Hombre Burbuja. No estuvo mal, pero no le hizo ningún bien salir entre dos de las bandas

que mejor nos lo hicieron pasar en todo el día, Extraperlo y Mendetz. Estos últimos hicieron subir la temperatura al límite con piezas como “Souvenir” o “Futuresex” dejando la esperadísima versión de Morrissey “The First Of The Gang To Die” junto a Marc de Dorian para el momento final. Tras volver con un bis que ni ellos mismos pensaban ofrecer, regalaron “Freed From Desire”, cover de Gala, a un público totalmente entregado y en pleno éxtasis bailarín. A partir de ahí se abrió el escenario principal para encontrarnos, con un recinto nuevamente hasta la bandera, a dos de los momentos más esperados del día. El primero fue la actuación de Russian Red enfrentándose a un repertorio inédito en su mayor parte, con versión de The Magnetic Fields incluida y acompañamiento de The Sunday Drivers para arremeter con el “Divine” de Sebastian Tellier. Unos Drivers que firmaron el punto y final a las doce horas de conciertos poniendo a bailar a todo el mundo con las nuevas canciones del inminente “The End Of Maiden Trip”. Cristina V. Miranda, Berta Romero y Luis F. Mayorala

Vetusta Morla Fotos César Moreno

Guadalupe Plata

( CONCIERTOS /38/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro)

Lagarto Rock

La Excepción

Lugar Auditorio de la Alameda (Jaén) Fecha 13-06-09 Estilo varios Público 4.500 personas aprox. Promotor Ayuntamiento de Jaén Con una excelente revisión de lo que ellos denominan blues pantanoso, el trío de Úbeda Guadalupe Plata hizo valer una puesta en escena cargada de vibraciones del más allá y predicamentos hipnóticos que convirtieron su actuación en el Lagarto en todo un ritual que invocaba a los espíritus de Skip James o Charlie Patton. Sin duda la de este año ha sido la final más al rojo vivo de las que se recuerdan en el concurso Lagarto Rock de Jaén. Y no sólo por los más de cuarenta grados que abrasaron Jaén durante todo el día sino también por el acierto de la organización al reunir en una sola jornada toda la fase final, alternando en el escenario los artistas invitados (Vetusta Morla, La Excepción y Macaco) con los tres finalistas (The Red Crayon Aristocrat Club, Bei Ping Mafia y Guadalupe Plata). Esto propició que los aspirantes gozaran en sus actuaciones de un Auditorio de la Alameda rebosante de público. En el aspecto puramente artístico, también la final de este año se antojaba calentita, debido a que la terna de aspirantes firmaban propuestas si no antagónicas, sí muy

diferentes que impedía medir sus posibilidades en un mismo contexto. Una final ajustada que abrieron los madrileños The Red Crayon Aristocrat Club a los que todavía cegados por el sol poniente les costó poner en valor su elegante synth pop oscuro en el fondo (The Cure, Joy Division) pero electrizante en la forma (Ladytron, The Raveonettes). El Mc sevillano S Curro y su proyecto Bei Ping Mafia subió el listón con su hip hop ecléctico y renovador, en el que el hardcore, la electrónica e incluso la actitud punk merodean. Muy bien asentado sobre el escenario todo apuntaba a que la deuda del Lagarto con las nuevas tendencias se iba a saldar esa noche. Pero como si de una aparición diabólica se tratara irrumpieron Guadalupe Plata incendiando con una escenografía cargada de magnetismo las posibilidades de sus competidores. La esencia primigenia del rock pudo al final con las nuevas formulaciones contemporáneas en un pulso que sobre todo premia a un certamen, el Lagarto, renovado en cuerpo y alma. Arturo García

The Lions Constellation Foto Dani Cantó

escaparate

The Lions Constellation Vienen de: Vilanova i La Geltrú (Barcelona) Publican: “Flashing Light” (B-Core, 09) En la onda de: Spacemen 3, Ride, The Jesus And Mary Chain

Ama Foto Archivo

Según Annie en “Still Night, Still Light” hay “un montón de cambios. El sonido es distinto, un poco más sucio, más distorsionado y orgánico. Creo que es como un álbum de folk pero tocado con teclados”. No termino de estar de acuerdo. Para el que esto escribe, el tercer álbum de Au Revoir Simone apenas se diferencia de “Verses Of Comfort, Assurance & Salvation” (2006) y “The Bird Of Music” (2007). Lo que a día de hoy aún no resulta un problema: con el primero se asomaron tímidamente al circo indie, el segundo las puso en boca de los ávidos de nuevas sensaciones y ahora les corresponde recoger los frutos con una nueva colección de envenenados caramelos pop con envoltorio de electrónica analógica. “Hemos dado un paso adelante. Pasamos mucho tiempo en la furgoneta, de gira y estamos realmente ocupadas con los negocios relacionados con el grupo porque en Estados Unidos no tenemos sello, nos autoeditamos. Creo que el resultado final es mejor, pero supone mucho trabajo y estar tomando decisiones constantemente”. Lógico. Lo que decíamos del definitivo paso adelante, lo que les ha servido para publicar en el selecto Club del Single del sello Elefant o girar junto a bandas como Air. “Creo que de todos los grupos con los que hemos tocado Air son nuestros favoritos porque nos enseñaron muchas cosas sobre teclados. También nos daban consejos sobre cómo relajarnos cuando estamos de tour, comer bien, disfrutar… ¡Solo puedo decir cosas buenas de ellos!”. Tendremos la oportunidad de comprobar lo que les enseñaron los gabachos en dos fechas en España: el 14 de julio en la BeCool de Barcelona y un día después, el 15, en Moby Dick en Madrid. ■ Luis J. Menéndez

Ama Vienen de: Donosti Publican: “Exposición Permanente” (Los Enanos Gigantes, 09) En la onda de: La Buena Vida, Carlos Berlanga, Family

Au Revoir Simone Foto Sarah Wilmer

Au Revoir Simone Vienen de: Nueva York Publican: “Still Night, Still Light” (Moshi Moshi/Nuevos Medios, 09 En la onda de: Air, Marine Girls, Stereolab

varios puntos por encima de lo entretenido que empezó a gestarse a finales de 2007. P. Arthur (batería) no duda en dejar claro que hacen esto por diversión. “No estamos aquí para convencer a nadie. Es bueno que un grupo no genere indiferencia. Intentamos hacer canciones que nos gustan, con la que nos divertimos tocando. Hacemos temas pop que se revisten con capas de distorsión. Es una mezcla que nos encanta, buscar melodías en medio del ruido… aunque los temas funcionan igual con una guitarra acústica”. En la pasada edición del Primavera Sound despertaron más expectación de lo esperado para una banda prácticamente nueva. “A pesar de la hora a la que tocamos, fue

“Lo del Donosti Sound es algo que ya hemos hablado, porque nos fastidiaría que se cayera en los tópicos y clichés, ya que este disco no es del típico de un grupo donostiarra. Hemos tratado de hacer un álbum diferente a lo que la gente podía esperar, algo más vitalista, radiante, luminoso”, declara Yon Vidaur (Manoukian) cuando se le pregunta por las (odiosas) comparaciones con otras bandas de la escena pop de San Sebastián. Y la verdad es que razón no le falta, ya que Ama han ido bastante más allá de lo que podíamos esperar (o de lo que los tópicos nos permitían vislumbrar) y han sacado de la chistera un nuevo álbum que sitúa al grupo en un nuevo plano, mucho más animado, optimista… y no tan lánguido, melancólico y tristón como otras referencias de algunos ilustres del pop radicado en la capital guipuzcoana. Un tercer trabajo que resulta, ya no sólo novedoso, sino renovador. Un disco preciosista y muy completo en cuanto a arreglos. “Pero, ¿se hace muy pesado tanto arreglo?”, pregunta preocupado el productor. Le respondo que no y, aun así, se excusa: “Lo que pasa es que si estás haciendo un disco durante mucho tiempo es inevitable meterte en los detalles. He intentado que hubiera matices, dinámicas, contrastes, detalles…”. Damos fe de que lo ha logrado. Ama han publicado “Exposición permanente” con el sello Los Enanos Gigantes (propiedad de Fernando Alfaro y Mariano Tejera), abandonando así pues la discográfica Jabalina e iniciando una nueva etapa, aunque más cercana a la autoedición de lo que pueda parecer. “En el fondo es una autoedición. Lo sacamos nosotros con la ayuda del sello”.■ Joseba Vegas

genial, porque había mucha más gente de la que pensábamos y creo que disfrutaron del concierto tanto como nosotros”. De momento, la opinión pública y mediática está a su favor. “Tenemos muy buenas críticas dentro y fuera de España, así que ya estamos mirando la posibilidad de poder licenciar el disco fuera”. Grabado por Pedro Serrano (Alias Galor) en Grabaciones de Mentira, mezclado en Ultramarinos Costa Brava con Santi García y masterizado en Chicago por Bob Weston (Shellac), la producción ha corrido a cargo del propio grupo. “Teníamos las cosas bastante claras, aunque no hemos cerrado las puertas a ideas que al final han funcionado”. ■ J. Batahola

A corazón abierto, así se puede definir la gestación del último trabajo de los cordobeses. Después de firmar “Lo normal”, un disco engalanado de arreglos y capas sonoras y de abordar como productor trabajos tan desarrollados como los de Prin La Lá, Howie Gelb, Russian Red o el álbum póstumo de Sideral, Fernando Vacas sacó una conclusión: cambio de aires y por qué no México. “No sabía por qué, pero tenía claro que me tenía que ir allí porque grabar en Córdoba significaba relax, hacer las cosas de una manera, que la energía de mi casa interviniera en el disco y yo quería otra cosa, quería inmediatez y captar la energía del momento y que se la pudiera transmitir a la gente”. El resultado un disco que se nota que aún está caliente, directo, sin rodeos, en el que las canciones han fluido sobre la marcha de unas cuantas notas en una libreta, del corazón. “El disco refleja en las letras la etapa que estoy viviendo, tranquilo y enamorado, incluso una canción, ‘La flor del Tamarindo’, se la dedico a Tamara, mi novia. En definitiva ha sido sacar todo lo que tenía en mi corazón y ponerlo encima de la mesa”. Pese a esa visceralidad la factura del álbum es impecable, en ello tiene que ver el trabajo de Benny Facone (Maná, Santana) en la mezcla. “La diferencia de este disco con los anteriores es que éte tiene mucha intención”. Y esta era captar el momento, la energía de un país que empieza ahora su boom indie. Su trabajo como productor le ha ayudado a captar la psicología que tiene la música y la capacidad que tienen las cosas sencillas de trascender. “Realmente no quería arreglos bonitos, o un toque mexicano o latino, ni mucho menos. Lo caliente del disco se debe a cómo se ha grabado”. ■ Arturo García

Flow Vienen de: Córdoba Publican: “Echo en México” (Eureka, 09) En la onda de: Dennis Wilson, BMX Bandits, La Habitación Roja

Flow Foto J. C. Nievas

star a la última no da tantas satisfacciones y es francamente agotador, aunque es verdad que ya no es tan caro como antes. Con este panorama, siempre es reconfortante descubrir un grupo con el que simplemente disfrutar y recordar que eso es realmente lo importante. The Lions Costellation, catalanes con miembros de Tokyo Sex Destruction o It’s Not Not en sus filas, no necesitan esconder sus influencias ni justificarse; algo que es tan corriente que ya ha dejado hasta de tener gracia. Suenan a The Jesus And Mary Chain o a los primeros Primal Scream, algo que ya demostraron en la maqueta previa que les convirtió en grupo demoscópico de esta publicación. Su álbum de debut, “Flashing Light”, es un manual de ruido blanco

Telephunken Foto Archivo

Telephunken Vienen de: Zaragoza/Madrid Publican: “Qué viva el ritmo!!!” (DA/Actúa, 09) En la onda de: Fatboy Slim, Ursula 1000, Bentley Rhythm Ace

Copiloto Foto Archivo

Hablar de Telephunken es sinónimo de groove y samplers de inspiración funk a raudales. Considerados unos de los pioneros de la escena break patria, su cuarto trabajo hasta la fecha, “Que viva el ritmo!!!”, vuelve a aportarnos unas buenas dosis de ritmos latinos bajo una seña de identidad inconfundible que les ha acercado al mercado internacional. “La idea era conseguir el sonido más orgánico posible pero sin el uso de instrumentos reales, así que he trabajado con samplers sacados de diversos instrumentos y luego los he montado como si fueran un puzle”, comenta la mitad del dúo, Ernesto Sánchez (quien trabaja codo con codo junto a Sergio Zamarvide). Este trabajo de chinos, con sendos homenajes a artistas de la talla de Edwin Starr o The Velvelettes, se ha visto recompensado con la admiración que han demostrado diversos Dj’s internacionales al dúo al incorporar algunos de sus temas en sus habituales sesiones de clubbing. “Con Internet tenemos contacto con toda la escena internacional. Ya no es algo raro hacer esto siendo españoles, es más, intercambiamos relaciones y sesiones con todo tipo de artistas”. La fascinación que muestran por sus pequeños tesoros sonoros setenteros no ha hecho más que acrecentar su admiración por una época donde las melodías vocales y las instrumentaciones a modo de big band fueron sus principales bazas. Teniendo a Ursula 1000, (encargado de reinterpretar “Latin Demon”) entre su agitada agenda de amistades, el grupo ha conseguido un estatus fuera de nuestras fronteras del todo sorprendente. En septiembre volverán a demostrar su valía en territorio yanqui. “El nuevo directo es como una versión sintetizada de nuestras ideas con la base del grupo: una batería, bajo y máquinas con el añadido de los metales que ahora tocarán siempre con nosotros creando una unión perfecta de electrónica y funk”. ■ Sergio del Amo

Vienen de: México Publican: “Soy sauce” (El Volcán Música, 09) En la onda de: The Pinker Tones, Le Hammond Inferno, Beastie Boys

amilo Lara parió al Instituto Mexicano del Sonido en 2006. Mucho ha llovido desde entonces. Su cóctel infecto de sonidos ha mutado en onda expansiva que se mueve con rapidez más allá del boca-oreja. Y permítanme la exageración pero a propósito de la publicación de su nuevo disco, “Soy sauce”, Camilo ha hecho correr ríos de tinta sobre el fenómeno en NY Times, el Billboard y Los Angeles Times. Estuvo en Coachella para demostrar que lo suyo no es una broma. “Coachella estuvo mortal. El show fue memorable. La gente no paró de bailar y no solo había mexicanos. Muchos, muchos gringos. No me quejo. Hangeamos con mucha gente, mi novia andaba casi de la mano de Roxanne Arquette, lo cual me dio mucha risa. A mi camerino se metía todo el contingente francés del festival a robarnos cerveza y vino. Hasta vi ahí a Justice, Sebastian Tellier y Kavinsky. Salimos a tocar vestidos de mariachis modernos, cortesía de la brillante diseñadora de México Paola Hernández. Ella le diseñó la ropa a The Horrors y quería ver su look y compararlo con el nuestro… (risas). En la lista de cosas que uno debe lograr conseguí tres en una semana: NY Times, una plana, plana en el LA

Times y Coachella. Nada más me falta MondoSonoro, Rockdelux, Benicàssim, John Peel (imposible), Sónar y diez puntos en Pitchfork. Si publicas esto tendré cuatro cosas logradas: ¿nada mal no?”. Nada mal teniendo en cuenta que compagina sus labores de músico con las de consumidor compulsivo de discos, A&R de grupos, productor ejecutivo de bandas sonoras de filmes y novelista (parece que tiene entre manos una novela). Y es justo ese espíritu inquieto y revoltoso el que vemos impreso en su música, una batiburrillo de sonidos e influencias que beben de la tradición mexicana, la cumbia, el hip hop, la electrónica y el pop y se convierten en un collage imposible perfecto para las pistas de baile. “El disco es muy errático y va del mariachi al garage. Así que quería algo que fuera igual de dadaísta. El nombre le iba bien, me inspiré en Rayuela de Cortázar. Me gustaba la idea de un disco con muchas lecturas, de algo que tuviera muchas capas de información”. En todo caso, Instituto Mexicano del Sonido estarán actuando a principios de julio en Barcelona (día 2) y Madrid (4). ■ Estela Aparisi

Copiloto

Instituto Mexicano del Sonido

Más información en:

www.mondosonoro.com

Vienen de: Zaragoza Publican: “Un segundo luminoso” (Grabaciones en el Mar, 09) En la onda de: Tachenko, La Habitación Roja, Bob Dylan Con veintiocho años, una maqueta autoeditada en Internet y dos discos en su haber, el leonés Fabián se presenta como uno de los jóvenes talentos a tener más en cuenta dentro de la canción de autor nacional. Ahora publica “Adiós tormenta”, colección de canciones de aires nostálgicos e intimistas. “De repente me encontré con diez canciones hechas muy desde el fondo, pero que quieren salir a la superficie. Si las escuchas con atención o lees las letras, te das cuenta de que te estás despidiendo de alguien”. Tras su primer álbum (“Espera a la primavera”) Fabián no se ha demorado en preparar su continuación. “Empecé a grabar nuevas canciones en mi casa poco después de editar el primer disco. Aquel tuvo muy poca promo, así que me dio tiempo de ponerme a escribir y registrar temas. Cuando lo tenía todo más o menos maquetado, me fui una semana a casa de Yuri para terminar de grabarlo”. Se refiere a Yuri Méndez, mano derecha en toda su obra, coproductor de ambos discos y quien se encuentra también detrás del proyecto Pájaro Sunrise. “Yuri ha sido muy importante en la gestación del disco. Es el que sabe de cacharros y plugins y tiene un gusto único a la hora de producir. Para mí siempre ha sido muy importante. Somos amigos, de León, nos damos ánimos el uno al otro y nos reímos mucho de todo”. Quien escuche “Adiós tormenta” se encontrará con un disco otoñal, acústico y grabado en la calidez de un hogar con una amarga sensación de pérdida presente en todas las canciones. “No soy una persona triste, pero sí melancólica, quizá nostálgica. Las canciones más hondas se escriben desde esa perspectiva, pero siempre procurando no caer en sentimentalismos fáciles. Procuro hacer canciones de verdad”. Pese a ese corte intimista y acústico del álbum, Fabián no se cierra a la opción de volver a tocar con una banda. “Me siento muy cómodo tocando solo, pero con la banda hay un sonido grande en el escenario. Está muy bien contar con las dos opciones. Los conciertos con banda tienen una energía muy especial, y mi objetivo es captarla en la próxima grabación”. ■ Juanjo Abad

Fabián Vienen de: León Publican: “Adiós tormenta” (Vicious Group, 09) En la onda de: Quique González, Elliott Smith, Nick Drake

Fabián Foto Archivo

Javier Almazán, oscense afincado en Zaragoza, acaba de publicar su segundo trabajo. Luminoso es de sobras, al igual que plagado de guiños a bandas como Tachenko, La Habitación Roja, Carrots y buena parte de la escudería de Grabaciones en el Mar, casa, en otros tiempos, de esas bandas. Un disco este, que, según le digo a Copiloto, me parece un perfecto catálogo de estilo del sello al que pertenece. “Pues es un halago porque me gustan mucho esos artistas que comentas. Siempre digo ésto y parece que barro para casa pero yo siempre he sido muy fan del catálogo de Grabaciones. La primera vez que entré en la oficina de Vizcaíno, con todos esos discos por todos sitios me sentí como un niño en Disneylandia”. El disco, grabado en La Cafetera Atómica, el estudio de Rafa Domínguez (Muy Poca Gente, Guisante, El Huracán Ambulante…) ha contado con colaboraciones de renombre. Desde los demoscópicos y oscenses también, Domador, hasta Juan Aguirre de Amaral. “Domador son una banda de Huesca que tienen un talento descomunal y les pedí que lo compartieran un poco conmigo. De Juanjo Javierre he sido fan desde pequeño, Mestizos y Soul Mondo fueron una referencia para mí. A Rai lo conozco desde niño, con él formé mi primera banda a los trece años. A Juan Aguirre lo conocí a raíz de telonearles en un par de conciertos y como a los dos nos encanta el sonido de las Rickenbaker de doce cuerdas, estaba cantado que tenía que estar en este disco. Con David Tabueña (Mi Pequeña Radio) tengo una relación de amistad estrecha, hemos grabado juntos dos canciones. Y no puedo terminar sin destacar la impicación y la calidad de la banda de músicos que trabaja conmigo, sin ellos y sin Rafa Domínguez, este disco no hubiera sido así”. ■ Rafa Angulo

Instituto Mexicano del Sonido Foto Archivo

MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /43/

VINODELFÍN

“Seres únicos” Representarte

POP

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Esto de la música es a la vez lotería y carrera de fondo. Si llegas tarde todo el mundo se referirá a ti bajo la estela comparativa del que golpeó primero, pero por lo menos y aunque perdieras la carrera, habrás conseguido que alguien se fije en tu trabajo. Me explico. Apuesto mil duros, de los de antes, a que uno de los nombres que inmediatamente va a salir en cualquier referencia al segundo disco de Vinodelfín es Vetusta Morla. A los catalanes les va a fastidiar al principio, pero si la comparación sirve para que les toque la pedrea de la fama (el gordo ya les tocó a los madrileños) pues igual van cambiando de opinión y se apuntan con alegría al carro de los grupos de pop-rock épico cantando en castellano. Ese mismo que practicaban sus amigos Elefantes o los gallegos Piratas. Grupos que, con su desaparición, han dado vía libre a esta nueva hornada que encabezada por Vetusta puede dar que hablar. Claro que cabe aclarar que ahora sí. Ahora han entregado un segundo disco que puede presumir de buenas canciones como “Reconocer”, con unos samplers que evocan a Radiohead, o “Amaros” una balada que le encantaría interpretar a Shuarma o “Mi inspiración” que suena como si Jorge Drexler se hubiera pasado por fín al pop-rock. Don Disturbios

DINOSAUR JR “Farm” PIAS

ROCK

1111

Dice Lou Barlow que “Beyond”, el disco que reunió en 2007 a la formación clásica de Dinosaur Jr, fue “fallido”. El que lo afirme no debería ser una sorpresa viniendo de uno de los cretinos con más talento de la generación indie-rock, pero en realidad “Beyond” supuso un dignísimo retorno en el que los desarrollos guitarreros de J. Mascis encontraban contrapeso en la obsesión de Barlow por componer canciones y no sólo patrones sonoros. “Farm” retoma la fórmula y la perfecciona, si bien una vez más el ex Sebadoh exagera cuando asegura que es éste un disco old school que se sitúa a la altura de las tres primeras entregas del Dinosaurio. No nos pasemos, hombre… “Farm” carece de un “Freak Scene” o “Little Fury Things “ y mira muy de lejos el espasmo hardcore que propulsaba su debut. Pero a cambio cuenta con grandes momentos y canciones que se cuentan entre lo más destacado de su producción desde “Green Mind” para acá, como los ocho minutos de “Said The People” que se pasan en un periquete con Mascis llevándonos en volandas por la jungla de las seis cuerdas o los dos temas firmados por Barlow para la ocasión. Luis J. Menéndez

EBONY BONES

“Bone Of My Bones” Sundays Best/Pias

POP

1114

Resulta muy complicado equiparar el papel de Ebony Thomas a alguna actriz española (empezó a aparecer en series televisivas a la edad de doce años), aunque tanto da: aquí ni Dios conoce su historial al respecto. Eso sí, conocerlo nos permitiría descubrir por qué

se la ama y se la desprecia a partes iguales. Aunque nosotros estamos aquí para valorar “Bone Of My Bones”, un trabajo que suele compararse a la obra de M.I.A., pero que apenas guarda relación en unos pocos cortes. Ebony Bones no ha creado una fórmula propia como la de aquella, pero tiene algunas canciones que funcionan y se dejan querer. Su sonido es mucho más oscuro, combinando ingredientes procedentes de ESG o Siouxsie por citar dos ejemplos. Todo ello no le impide sacarse de la manga algunos hits algo densos (la electrónica mantienen en todo momento un aire dark que marca y mucho), pero hits al fin y al cabo (algunos con casi dos años de antigüedad). Lo son “W.A.R.R.I.O.R.”, con sus palmas y sus guitarras; la eminentemente post-punk “Don’t Fart On My Heart”; la irónica “I’m Yr Future X Wife” o esa bomba imparable y rítmica que es “When It Rains”, facturada con la ayuda de un Timbaland que mantiene el tipo por primera vez en meses. Joan S. Luna

vinilos

sonic youth inspirándose en su pasado

BILL WELLS AND MAHER SHALAL HASH BAZ “GOK”

Geographic

JAZZ/FOLK

1111

Ya tenemos por partida doble personaje y álbum enigmático de la temporada. Y es que se nos podría llenar la boca de hermosos calificativos para ensalzar lo que contiene un álbum tan irreprochablemente cool como este. Música de tempo dulzón basada en la labor a los vientos de la banda japonesa de folk indie Maher Shalal Hash Baz, que logran crear una sonoridad algo fúnebre con sus vientos y decididamente muy cinemática. Por lo visto el músico escocés Bill Wells (que ha trabajado entre otros con Aidan Moffat, Norman Blake y Jens Lekman) enamorado del swing, el jazz, Japón y la particular visión musical de los Maher, se desplazó hasta Tokyo para colaborar en dotar una sonoridad y un colorido decididamente mate a sus canciones. Temas de melodías muy simples y meridianas, recreadas a partir de una percusión minimalista, el piano y un conjunto de metales en los que los trombones, saxos y trompetas recrean una atmósfera tan peculiar como certera. Si a eso le añades la enigmática voz del japonés Tori Kudo tienes la banda sonora perfecta para el restaurante más chic de tu ciudad. Don Disturbios

THE RIPPERS

“Seeds Of The New Dawn”

Sonic Youth Foto Archivo

SONIC YOUTH “The Eternal”

Matador/Popstock!

ROCK

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A dos años de su treinta aniversario y tras desprenderse de su largo contrato con Geffen Records, habríamos aceptado que se tomaran el tiempo por delante como un plácido paseo hacia la jubilación. Sería natural, algo comprensible teniendo en cuenta que, en más de veinticinco años, Sonic Youth no han hecho un disco malo (al menos no ninguno realmente decepcionante). Pero arranca “Sacred Trickster” y una Kim Gordon intensa y fría te anuncia que esto es otra cosa. No se trata tanto de recuperar la energía, algo que parecen no haber perdido realmente nunca como que en “The Eternal”, su debut para Matador, toda esa corriente fluye de forma majestuosa. Con John Agnello de nuevo a los mandos y con el ex Pavement Mark Ibold de adlátere, Sonic

Youth han firmado su trabajo más inspirado desde el incomprendido “NYC Ghosts & Flowers” rebuscando en su propio legado y reformulando sus propios fundamenteos. No disimulan la nostalgia, de hecho la exponen con esa foto interior de Johnny Thunders y dedicándole el disco a Ron Asheton. No hay mucho aquí que no hayamos escuchado antes en un disco de Sonic Youth y sin embargo suenan rejuvenecidos, empujados por un nuevo ímpetu, algo evidente en cortes como “Poison Arrow”, “What We Know” o la arrebatadora y sugerente “Antenna”. Vuelve el Thurston Moore más melódico, mientras su esposa te eriza los pelos de la nuca con esa voz que es grito y suspiro a la vez y Lee Ranaldo canta algunos de sus mejores temas. Sí, resulta extraño decirlo, pero “The Eternal” no sólo supone una suerte de renacimiento anunciado, sino también el retorno en plena forma de una de las bandas más importantes de las últimos tres décadas: Sonic Youth han hecho uno de los álbum de rock del año. Joan Cabot

Rock On!/Popstock!

ROCK

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Disco a disco, los catalanes The Rippers van ensuciando un sonido que empezó tosco y primario y que ha ido acotando sus directrices hasta sonar musculado, compacto y pesado. Tras “Nomelêc’s Revenge” (06), los catalanes mantienen un sonido que navega entre el punk y el hardcore oscuro a la manera de unos Muletrain con las revoluciones amortiguadas. En “Seeds Of The New Dawn” no descubren nuevos caminos para el género, pero si demuestran tener la lección muy aprendida y conocer las claves de la música que facturan. Por eso, consiguen que “Can’t You See” parta de una melodía cercana al primer Alice Cooper para llegar a Rocket From The Crypt, que “Leaning Towards Darkness” mantenga una emoción siempre contenida pero intensa, que exista un nexo de unión entre los primeros Riverboat Gamblers, Turbonegro, Dead Boys o The Wipers. En todo caso, no queda más que subrayar que The Rippers continúan por el mejor de los caminos. El disco verá la luz en una edición limitada en vinilo que incluirá una copia en compacto en el interior. Ernesto Bruno

en la onda

GLENN BRANCA

WIPERS

“Youth Of America” (Park Ave , 1981)

SONIC YOUTH

“Lesson No.1” (99 Records , 1980)

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Branca fue un personaje crucial en sus primeros años, al que Moore y Ranaldo acompañaron durante algunas de sus giras cuando Sonic Youth estaban dando sus primeros pasos. Su expeditiva forma de tocar la guitarra sigue siendo la piedra angular sobre la que el grupo ha construido su propio lenguaje sonoro, transformando la scordatura y el maltrato de cuerdas en dulzura envenenada.

Según Thurston Moore una de las bandas que le sirvieron de inspiración cuando empezó a componer los temas de Wipers formaron parte de una oleada de bandas cuya crónica de la parte más mugrienta de América continuarían ampliando Sonic Youth. “Youth Of America” es un disco increíblemente complejo, a la vez que brutal, incluso para el punk de la época, un clásico a reivindicar.

“Goo” (Geffen, 1992) Obvio, pero Sonic Youth se han inspirado especialmente en su propio legado reencontrándose con la inspiración de sus mejores años. Al fin y al cabo, los mejores Sonic Youth son aquellos que consiguen balancear la carga eléctrica de su faceta más ruidista y experimental con el magnetismo de sus melodías. “Goo” muestra claramente el potencial de ambas armas combinadas. J.C.

(vinilos /44/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro)

la broma seria de tarántula LOS SEIS DÍAS “Lunes”

Pupilo/Popstock!

POP

Tarántula Foto Archivo

TARÁNTULA

que deberían tener en su casa en un lugar destacado todos aquellos que sienten más respeto por todo aquello que se supone que es basura que por aquellos seres petulantes que se pasan el día diciéndonos lo que se supone que es basura. Rock borrachuzo, sí, humildad trascendental, churros y merinas, pero esta broma es cosa seria, incluso esa versión de “El vals de las mariposas” de Danny Daniel. Fronterismo arrabalero (“Total por una noche”), estribillos brillantes (“Condes de Barcelona”) y melodías que, digan lo que digan y aunque hasta ellos se las tomen a pitorreo, funcionan igual de bien en la barra del bar, en una versión perversa de Barrio Sésamo (Espinete y Don Pimpón cantando “Eres un gusano”, yo lo veo) o como himnos rock para esos buenos ciudadanos que necesitan algo con que contrarrestar tanta pompa. Métele al artista. Joan Cabot

“Humildad trascendental” Producciones Doradas

ROCK

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Lo ridículo es lo otro: pensar que tu existencia cambiará el rumbo del mundo, que el destino del planeta depende de lo que puedas decir o no en una canción, creer que todo esto sirve de algo, sirva o no, ésa no es la cuestión. Tarántula lo dejan claro en “Mítico culo”, con una de las letras más garrulas y descacharrantes del álbum, “métete los mitos por el culo [...] Velázquez, Warhol y su puta madre, vaya panda de pinochos [...] la policía sí que es arte”. Así de claro. Es tan sencillo como decir que “Humildad trascendental” es de puta madre -¡y gratis!-, que “Con toda la marcha” es la anti-canción del verano definitiva y que este es el disco

ZODIACS

ELECTROPUTAS

TRIGGER

Dro

XX Records

Algoenblanco Records

“3,2,1...” ROCK

“Black Panther”

“Babytron”

1112

Se veía venir. Cualquiera que hubiera asistido a uno de sus incediarios conciertos, podía intuir que Zodiacs era una banda en expasión y continuo crecimento. Con los Who, los Kinks y los Stones en un lado de la cama y los Ramones, los Sonics y los New York Dolls en otro, el trío de Getxo afincado en Madrid logra en su cuarta entrega su mejor disco hasta la fecha, un trabajo que parece aunar toda la tradición del rock cantado en castellano. El mismo que practicaban antaño Tequila o Los Ronaldos o practican ahora con igual soltura Airbag. Frescura, desparpajo, desenfreno y diversión asegurada. No encontraras metáforas sesudas ni tampoco alardes o coartadas estilísticas. Aquí no se engaña a nadie. Del swing vacilón de “Un millón de pájaros”, al logrado homenaje lisérgico que es “Roky Erickson”, pasando por el power-pop con regusto a clásico de “Carretera del norte” o el rock’n roll correoso y rápido de “Fuego en el aire”. Un abecedario de sonidos rock, bien ejercitado, interpretado con la chulería justa y dispensado a lo largo de doce pildorazos que demuestran que en eso del rock’n’roll hay vida más allá de Pereza. Don Disturbios

ELECTRÓNICA

1114

Después de haber fusionado aires flamencos con tintes electrónicos, los barceloneses Electroputas vuelven a la carga con un álbum conceptual, “Babytron”, que a través de la ciencia ficción explora un universo del todo espacial a través de su particular y especial reinterpretación del ying y el yang virtual. La electrónica bastarda que, por momentos, se permite licencias analógicas, es el ingrediente principal de este disco relativamente experimental que aporta una nueva visión a las creaciones con las que nos han ido obsequiando desde 2004. Los tintes electro de “Teluriks”, “Speed Light” o “Atomicron” se entremezclan con temas como “New Asia”, en los que las influencias orientales conjugan a la perfección con beats que, sin necesidad de recurrir a la mera base machacona, tanto pueden deleitarse en la pista de baile como en la más estricta intimidad. A pesar de que el concepto del álbum en cuestión no puede tomarse en serio se mire por dónde se mire, Electroputas dejan a un lado el house con reminiscencias flamenco-rumberas de “124” y sus flamantes remezclas a favor de un álbum que supone un paso más allá en su carrera. Sergio del Amo

ELECTRÓNICA

111

Aunque uno desconfía de buen grado que antaño los denominados Panteras Negras danzaran al son de la propuesta de Trigger, este “Black Panther” apuesta por la fórmula del electro-rock tan en boca de todos desde hace unos años. Con el propósito de reivindicar la “revolución sincera” que predicaba la organización afroamericana (del todo palpable en “Mechanic Evil” o en una de las mejores del bazas del álbum, “She’s Hitler”), el disco deja a un lado las guitarras predominantes en los primeros cortes para pasar a convertirse en un festín de electrónica, cuanto menos analógica, con regodeos techno como en el caso del bonus track “Cardiac Auscultation”. Aunque el mensaje ideado por sus creadores pierde fuelle en pro de la estricta melodía robótica (como en “Sweet Surrender”), las reminiscencias de la new wave pueden observarse de primera mano en los sintetizadores de “Miss KGB”, la canción más easy listening del conjunto. Con ansias de provocación semejantes a la de los Primal Scream más electrónicos, Trigger ha facturado un producto de puro entretenimiento para los danzantes trasnochadores. Sergio del Amo

En los últimos tiempos hemos asistido en la Ciudad Condal a una batería de nuevas bandas y regresos renovados que han dotado de aire fresco al indie nacional. A medio camino entre el mainstream masivo y esta escena independiente (no en vano Santi Balmes de Love Of Lesbian les echa una mano en “Te odio”), llegan Los Seis Días y este “Lunes”, su trabajo de presentación y nueva producción de Ricky Falkner (èlena, The New Raemon, Love Of Lesbian, Zahara…). “Lunes” supone un recorrido por un pop rock que bebe de los lugares comunes del imaginario colectivo (lo cual no tiene que suponer una mala característica) con la comodidad que ello conlleva para el público más general. Si bien se trata de un trabajo técnicamente impecable, los problemas aparecen cuando nos sumergimos en los aspectos más creativos de los once cortes que incluye. Pesa en exceso la rigidez de querer dar en el clavo en cada momento, perdiendo espontaneidad y personalidad propia. De todos modos, si Los Seis Días alcanzan al gran público bien podrían convertirse en una formación de éxito más que respetable. Mis mejores deseos. Rafa de Los Arcos

SOAP & SKIN

“Lovetune For Vacuum” Couch/Pias

POP

1111

Hace unos meses cayó entre mis manos un misterioso Ep sin apenas créditos en el que llamaba poderosamente la atención el nombre de Christian Fennesz como remezclador de uno de los tres temas allí contenidos. Al final, su participación quedaba reducida a mera anécdota ante la extraña belleza de las tres piezas originales, semidesnudos bocetos de canciones interpretadas al piano y comandadas por una dolida voz de mujer. Aquel era el Ep de debut de Soap & Skin, y ahora llega la prueba de fuego, un largo en el que Anja Plaschg, condensa todo el aprendizaje acumulado en sus tan sólo dieciocho años de vida: el bagaje que le da su formación clásica al piano -el instrumento vehicular del álbum- y violín, con el que pespuntea algunas composiciones dotándolas de solemnidad y acercándolas al neoclasicismo de sellos como Type y Miasmah. Pero al contrario que las referencias de estos, la Plaschg nunca abandona el formato canción con un registro vocal que la coloca a medio caballo de la Lisa Germano más oscura y la socorrida Kate Bush. Toda una sorpresa. Luis J. Menéndez

ST. VINCENT

“Actor”

4AD/Popstock!

POP

1114

El debut de St. Vincent fue una agradable sorpresa, tanto como su actuación antes y junto a Sufjan Stevens en su visita a Barcelona ese 7 de noviembre de 2006 que, para muchos, fue uno de los conciertos más memorables de nuestra vida. En su segundo álbum, Annie Clarke abandona los pasajes más optimistas de “Marry Me”

(Beggar s Banquet, 07). Decidida a probar su personalidad más allá de fáciles asociaciones con sus colaboraciones pasadas, se mete en la piel de sus personajes exponiendo una colección de tragedias cuyo efecto resulta todavía más profundo por esa sensación de extrañeza que producen sus letras por un lado y su imaginación para vestir las canciones yendo a veces en la dirección opuesta. Piezas como “Save Me From What I Want” y “Laughing With A Mouth Of Blood” suenan como si la Wendy de Peter Pan despertara en Wisteria Lane: melodías cálidas, tormentos fríos, soberbios arreglos para envolver unas canciones duras cuya bipolaridad resulta espeluznante, siempre rebosante de talento. Emerge definitivamente como una artista con voz propia y discurso complejo, cuesta asociarla a aquella chica que pasó por The Polyphonic Spree antes de formar parte de la banda de directo de Stevens. Joan Cabot

JEREMY JAY

“Slow Dance” Green Ufos

POP

11112

Se sigue pareciendo al pijo malo que interpretaba James Spader en “La chica de rosa” pero sigue sacando discos más grandes que la vida. El bueno de Jeremy Jay sigue en racha con “Slow Dance”, un trabajo que cambia el imaginario glam de juguete que poblaba su primera obra por la nueva ola más resbaladiza y bizarre. Los teclados que acompañan ahora al músico más cool que ha parido nunca California son, en su sencillez, gélidos y metálicos, de esos que cortan la piel. Como si fuera posible cruzar en una canción a The Cars y a los primeros Subway Sect sin cagarla. Pues bien, Jay lo consigue, y demuestra que es un as a la hora de armar canciones que, a pesar de ser rabiosamente pop, esconde oscuros y complejos recovecos. Es un outsider con encanto, el personaje que siempre eliminarían de nuestra teen-movie favorita, y detrás de su apariencia cándida e inocente, de mejor amigo soñado, Jeremy Jay sigue siendo un esquivo, fabuloso e hipnótico enigma. Si un día David Lynch se decidiera a hacer una película sobre la adolescencia, “Slow Dance” sería su perfecta banda sonora. Xavi Sánchez Pons

COHETE

“Cohete” Autoedición

POP

1111

Como los astronautas que permanecen durante meses aislados en el espacio exterior, el mecanismo interno de Cohete no responde a más tiempos ni lógicas que las suyas propias. Desde el principio de su andadura, cuando pusimos el ojo en ellos con su maqueta “Simulacro”, demostraron ser una banda diferente, sin anclajes sonoros obvios -el más claro sería la etapa “pop” de Patrullero Mancuso, a los que también les une el vínculo de sangre: Enrique Godino es hermano de Manuel y Jaime, cincuenta por ciento de aquellos- y sin urgencias en su elegante deambular por el palacio de la aristocracia pop nacional. Casi tres años después, con algunos cambios en la formación de por medio y recurriendo a la autoedición, los madrileños publican este precioso artefacto sonoro de pop saltarín y pluscuamperfecto, un álbum que por desgracia y, si un milagro no lo remedia, parece condenado al puñetero culto desde su nacimiento. Un álbum en el que las trompetas y unas guitarras cristalinas comandan a trote ligero el asalto a la tradición del pop independiente en castellano. Luis J. Menéndez

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /45/ vinilos)

la puesta de largo de avenues & silhouettes

top10 internacional RINOÇERÔSE “Futurinô”

V2/Nuevos Medios

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

GOSSIP

“Music For Men” Sony BMG

SONIC YOUTH

“The Eternal” Matador/Popstock!

JACK PEÑATE

“Everything Is New” XL/Popstock!

MANIC STREET PREACHERS “Journal Of Plague Lovers” Sony BMG

JAPANDROIDS

“Post-Nothing” Polyvinyl/Locomotive

DINOSAUR JR “Farm” PIAS

JAY REATARD

“Watch Me Fall” Matador/Popstock!

RANCID

“Let The Dominoes fall” Epitaph/Pias

JEREMY JAY

“Slow Dance” K Records/Green Ufos

THE MARS VOLTA “Octahedron” Universal

top10

1114

Rinoçerôse siempre fueron unos rockeros jugando a hacer house, pero con el paso del tiempo los franceses han dejado de lado sus característicos temas expansivos e instrumentales. “Futurinô” es la prueba de ello. Ahora las estructuras de sus canciones son más convencionales y van a la caza del estribillo y la melodía memorables. Muchos les tacharán de grupo light, carne de escenario grande de festival a las dos de la mañana, chunda chunda para el indie. Tienen razón, pero aun y así resultan irresistibles. Vale que el electro rock está más visto que la copla, vale que sus riffs son de primero de guitarra, vale que buscan descaradamente el single (bueno, en eso no hay nada malo…), pero su fórmula funciona y sus temas tienen una energía y efectividad pistera que para si la quisieran muchos (Vive La Fête, por ejemplo, que van del mismo palo y son un quiero y no puedo). Éste es un disco que ha de disfrutarse sin prejuicios, porque uno acaba rindiéndose a la efectividad de hitazos como “Panic Attack”, que te pone a botar desde el primer minuto, el electropop rabioso de “Touch Me” y “Time Machine”, el pildorazo que resulta “My Cadillac”, su particular “My Generation”…. Suenan horteras y un poco previsibles cuando intentan sonar como un cruce raro entre Franz Ferdinand y The Rolling Stones (“Where You From?”, “Head Like A Volcano”), pero quien quiera peras se vaya a otro huerto. “Min City” y “The Heroic Sculpture Of <<rinôçerôse>>” (cachondo el titulito), son las piezas que presentan su sonido más reconocible y se digieren bien. Si le quitas las dos lentas, “Tomorrow” y “Week End Of Sin”, tendrás ocho dianas que te alegrarán el mes y, muy probablemente, la noche que les veas encima de un escenario. Javier López

nacional

Avenues & Silhouettes Foto Archivo

AVENUES & SILHOUETTES “Meteors”

Kaiowas Records

HARDCORE

1111

La Gran Vía madrileña no es Hollywood Boulevard, y las hordas de los flequillos y la pose suicida están en clara desventaja numérica respecto a lo que se cuece en la otra orilla del charco. Pero convendría sacudirse de una vez por todas los complejos acerca de la valía de bandas como Something About Belgrado o la de estos jefes llamados Avenues & Silhuettes, que ya despuntaron con su EP “Oh, How Welcoming My Reflection” hace dos

años. Ganadores del Festimad Taste 2007 y acreedores de uno de los myspace nacionales que cosecha mayor número de visitas, son fieles a la máxima de que cuando el río suena agua lleva. En “We Are The Captains“ claman sin alardes: “Somos los capitanes y estamos alistados incluso si es sobre un galeón, una carabela o una cáscara de nuez”. Se les pueden achacar todos los tics propios del género: los riffs metálicos a lo Emery o I Am Ghost, o esa dualidad vocal melodramática a lo Dr Jekyll y Mr Hyde, en la que se debate el esquizofrénico Kals, pero se lo curran realmente bien. Además están secundados por la notable producción de Carlos Santos y Leo Stravaganzza. Miguel Ángel Sánchez Gárate

THE LEMONHEADS “Varshons”

Cooking Vinyl/Pias

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THE SUNDAY DRIVERS “The End Of Maiden Trip” Mushroom Pillow

COHETE

“Cohete” Autoedición

TARÁNTULA

“Humildad trascendental” Producciones Doradas

CHACHO BRODAS “Date cuenta” Del Palo

ZODIACS “3,2,1...” Dro

ALONDRA BENTLEY “Ashfield Avenue” Absolute Beginners

JUANINACKA “41100 Rock” BOA

CYCLE

“Sleepwalkers” Pias

VINODELFÍN

“Seres únicos” Representarte

AMA

“Exposición Permanente” Los Enanos Gigantes

111

El periplo artístico durante los últimos años (¿lustros?) de Evan Dando deja a priori poco espacio a la esperanza. Discos en solitario que pasan desapercibidos, recuperación del nombre de The Lemonheads en un intento frustrado a la Billy Corgan de recuperar la atención perdida, conciertos en salas medio vacías; y ahora, como culminación del listado de “cosas que hacer cuando la inspiración desaparece y estás desesperado”, el inevitable disco de versiones. Pero cuidado, eso sólo es la superficie. Si nos alejamos de prejuicios y prevaloraciones, comprobaremos que “Baby I’m Bored” era una evolución valiente y madura desde su etapa exitosa en los noventa. Y el disco homónimo que representaba la vuelta al ruedo de The Lemonheads en 2006 contiene temas que desde el ostracismo destacan entre lo mejor de la discografía histórica del grupo. “Varshons” no se queda atrás. Desde el inicial homenaje a uno de sus grandes referentes, Gram Parsons, hasta el guiño que supone revisitar “Beautiful” de Christina Aguilera. Evan y su banda se envalentonan con un cancionero que huye de lo evidente -ok, ahí está Cohen- y se atreve a descubrirnos oscuras joyas (¿quién coño eran Sam Gopal?, ¿y Fuckemos?, ¿alguien se acordaba de July?) pasados por el filtro del pop pulido y tamizado de Dando, que hace de salvajes como G.G. Allin o del art punk de Wire pedazos de un tapiz de pop crepuscular y exquisito, cultivado para ser degustado por minorías con buen gusto. Robert Aniento

SLEEPY SUN

MOBY

PEDRO MARÍN

ATP Recordings

Little Idiot/PIAS

Blanco y Negro

“Wait For Me”

“Embrace” ROCK

1111

Al grito de “Let’s get weird” se presenta este sexteto de San Francisco. Vamos a ponernos raros. Genial, vamos. Así, el disco empieza a ritmo de rock psicodélico con “New Age” y es como si se tratase de la banda sonora para un sacrificio masivo. Celebración y casquería, siete minutos, Jefferson Airplane desatados. Lo siguiente es el lamento y la oración. Arranca “Lord” a pasos de soul nocturno y sureño, como cuando Chan Marshall baja a grabar a Memphis, y en el acto consigue que el disco no sólo merezca la pena, sino que incluso tome tintes de cosa muy seria. Así de buenos somos, parecen querer dejar claro desde el principio. Más que claro queda, y a partir de ahí es cuando la cosa ya se pone rara. “Red/ Black” y “Sleepy Son” fuerzan la máquina, destilan sudor negro y hacen medio guiño a propuestas actuales como la de Howlin’ Rain, “Golden Artifact” son The Beatles de ácido, “White Dove” es el camino de vuelta, cuando suena “Snow Goddes” ya dudas si eso es estudio o directo y “Duet With The Northern Sky” apaga las luces como quien se va sin querer hacer ruido pero queriendo ser recordado. Jorge Ramos

POP

“I Will Glam” 114

Con David Lynch como estandarte y punto de partida de su artesanía creativa, en “Wait For Me” Moby factura un álbum alejado de los regodeos pop que desarrolló en “Hotel” y “Last Night” acercándose, por momentos, a la que fue su obra magna, “Play”, en temas como “Study War” o la preciosista balada “Jltf”. Con el propósito de alejarse de las listas de ventas (y las agencias publicitarias), el estadounidense apuesta por un álbum de electrónica (prácticamente ambient) donde las instrumentaciones de cuerda copan gran parte del protagonismo (en esa intro orquestal que supone “Division”, sin ir más lejos) de este disco autoproducido en su propia cama, a pesar de contar con la colaboración de Ken Thomas (M83, Sigur Rós). Los artistas invitados de renombre brillan por su ausencia, pero uno de los calvitos más célebres de la electrónica mainstream, de vuelta de todo, ha creado una obra melódica más oscura de lo que nos tiene acostumbrados repleta de fantasmas oníricos sin importarle lo más mínimo el qué dirán. Lo cierto es que tanto desasosiego acaba incomodando en un álbum donde los temas recordables brillan por su ausencia. Sergio del Amo

POP

111

Después de aquel ejercicio de petardeo pop que supuso “Pulpo negro”, Pedro Marín resurge de sus cenizas con una reinterpretación del rimmel y las plataformas que antaño Bowie (o mejor dicho Ziggy Stardust) lució durante la invasión glam británica. Dejando a un lado la electrónica y las bases pseudo-poligoneras, Marín cuenta en su tercera resurrección (desde que volviera a los escenarios en 2004) con un tándem de músicos (entre los que se encuentra Jordi Busquets, guitarrista de Miqui Puig, o Eric Jiménez, batería de Los Planetas y Lagartija Nick) que adquieren el dificultoso cometido de perfilar las carencias vocales del intérprete de aquella reliquia de “Aire”. Con la colaboración de Arianna Puello en “El influjo de la luna/Angeldust”, el álbum rompe ciertamente con los estereotipos que esconden su figura. El positivismo a base de distorsiones de “El día después” o los falsetes inaudibles de “Rock’n’Roll Stars”, adquieren una nueva dimensión en la mayor baza del álbum, “Voy a ser yo”, y en un puñado de temas adictivos que demuestran que Marín, por fin, ha encontrado el buen camino sin perder un ápice de su dignidad. S. del Amo

(vinilos /46/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro)

la edad dorada de green day

GREEN DAY

“21st Century Breakdown” Reprise/Warner

ROCK

Green Day Foto Marina Chavez

CASIOTONE FOR THE PAINFULLY ALONE “Vs Children”

Tomlab/Locomotive

POP

1111

A lo largo de la historia de la música, ha habido gente que ha viajado por el mundo desde un simple dormitorio. Alejado de los grandes estudios de grabación, Owen Ashworth despliega un pequeño gran universo con sus melancólicos planetas convertidos en canciones y sus naves capitanedas por astronautas de la emoción casera. En su quinto trabajo como Casiotone For The Painfully Alone, “Vs Children”, este californiano apuesta por la elocuencia de los acontecimientos más nimios, convirtiéndolo en una carta de amor a una forma de entender la música: minúscula, fabricada con los mínimos recursos, con la esencia del lo-fi, pero con una calidad de dimensiones sorprendentes. Quizás nunca haya gozado de la popularidad de Eels (el referente más popular que me viene a la cabeza que pueda resultar más cercano), pero todo en “Vs Children” tiene un valor similar. Para la posteridad queda ese homenaje al “Heroes” de David Bowie, escondido entre las letras del disco (“we could be killers, just for one night”). Rafa de los Arcos

1114

Hablar de Green Day es hablar ya, desde la edición cinco años atrás de su sorprendente “American Idiot”, de una banda de estadios no muy alejada, en términos comerciales, de U2 o Coldplay. Ya no son los chavales que incendiaban mugrientos clubes con su urgente punk rock melódico. Por el contrario, los californianos han ganado en matices, en capacidad para componer temas que conecten con una audiencia aún mayor y

en una mejor integración de sus influencias clásicas. Entre ellas, en su último disco asoman más que nunca desde Queen hasta John Lennon (“Last Night On Earth”), pasando por The Clash y una irresistible vibración sesentas, de The Beach Boys (“Last Of The American Girls”) a The Who (el tema título o la propia concepción del álbum como ópera rock). El resultado es un disco de cierto sabor clásico aliñado con algunas novedades –la polca rock de “Peacemaker”- y algún préstamo más que obvio -el riff de guitarra de “Horseshoes And Handgrenades” parece un sample del de “Main Offender” de The Hives y el arranque de “East Jesus Nowhere” recuerda demasiado a Marilyn Manson. El conjunto, sin embargo, repite los esquemas y el sonido de su anterior plástico. Estamos, pues, ante una segunda parte de “American Idiot”; algo, en el fondo, poco objetable si no fuera porque sus dieciocho temas resultan algo excesivos. A pesar de todo, funciona con creces y garantiza la pervivencia de Green Day como fábrica de hitazos pop. David Sabaté

EH!

JUANINACKA

THE AGGROLITES

THE HOLD STEADY

B-Core

BOA

Hellcat/Pias

Vagrant/Rough Trade

“36 de 48” POST-ROCK

“41100 Rock”

111

Hay ocasiones en la vida en las que te enamoras sin remedio, como un estúpido adolescente, aunque ello suponga la ruptura con todo, el divorcio inevitable de tu pareja. Algo así le sucedió a Elías Egido, que en un momento determinado tuvo que elegir entre dejar de lado a Standstill, su novia de siempre, para arrancar una nueva vida en Madrid. Cualquier otro posiblemente habría abandonado toda idea de comenzar una nueva carrera musical, sin embargo, el que fuera bajista de los barceloneses hasta su disco homónimo, ha encontrado fuerzas para dar vida a este nuevo proyecto, cuarta demo del pasado año para la edición madrileña de esta revista, y que llega de la mano de colaboradores necesarios de altura que provienen de bandas como It’s Not Not y Dead Capo. El resultado es una colección de diez temas instrumentales nocturnos, misteriosos, jazzísticos (la apuesta de Elías por el contrabajo ayuda), cercanos en concepto y resultados a las bandas sonoras imaginarias de Barry Adamson, con alguna que otra deuda pendiente con el post-rock de Chicago. Hermosa ramificación de ese robusto árbol llamado Standstill. Luis J. Menéndez

RAP

“IV” 1114

Enfrentado a su tercer asalto en solitario, Juaninacka se ha rodeado del altar de los beatmakers nacionales casi al completo, de R de Rumba a Acción Sánchez pasando por El Cerebro y Titó, quienes ponen los andamiajes para el siempre personal flow y los buenos textos del rapero sevillano. Porque Juan Ignacio Guerrero, de nuevo con DJ Makei cubriéndole las espaldas y poniendo los scratches, siempre ha sido especialmente bueno con el bolígrafo y eso es precisamente lo que le lleva a sostener él solito los cincuenta minutos de “41100 Rock” con sobrada dignidad. Con la nostalgia a cuestas (“Abc”), la de todo rapero mayor de treinta, Juaninacka es sutil incluso a la hora de vacilar, aunque sus mejores temas funcionan como crepusculares misivas desde el asfalto: “6 de la mañana”, “Cuando estés a oscuras”... Definitivamente su mejor trabajo, el que debería situarlo, si no en la primera línea del rap nacional, sí como uno de esos MC’s con un estilo propio, que saben lo que hacen y que merecen un respeto absoluto. Joan Cabot

REGGAE

“A Positive Rage” 1114

Cuarto y difícil álbum de la banda californiana de skinhead reggae por excelencia. Difícil porque desde que empezaron han ido combinando álbum con gira sin otorgarse descanso (en su último concierto adelantaron ya alguna canción de este trabajo). Ya la primera pieza define perfectamente lo que vendrá a ser esta cuarta entrega. Con los primeros acordes uno reconoce instantáneamente lo que se está escuchando (reggae, funk, soul...), pero ¿y la fuerza y pegada a la que nos tenían acostumbrados? Siendo malo diría que estos pandilleros se han dulcificado o hepcatizado (¿tendrá algo que ver el contar con el ex bajista de Hepcat en su formación?). Por lo demás, “IV” es un trabajo excelente, sobrado en buenas canciones y bien nutrida de sus habituales himnos para corear en sus potentes directos (en este caso, “What A Complex”, “Fellin’ Alright, “The Surferer” o “Reggae Summertime”). Siguen manteniendo su capacidad de mantener un ritmo endiablado, combinado esta vez con un algo silenciado Hammond y con la increíble voz de Jesse Wagner. La diferencia está en que aparecen varios tiempos lentos. ¿Necesitan un descanso? Lo veremos el año próximo. Ivan Ferrer

ROCK

1114

En los conciertos de The Hold Steady no hay misterio. El mismo Craig Finn define a su grupo, en el DVD que acompaña la grabación de su concierto en el Metro de Chicago el 31 de octubre de 2007, de la forma más escueta y acertada posible: simple rock’n’roll con letras inteligentes. Con “Boys & Girls In America” (Vagrant, 06) todavía reciente, el grupo pasaba por su momento álgido en cuanto a popularidad, así que también era un momento óptimo para capturar en disco la rabia positiva que desprende en directo una formación cuyas canciones parecen concebidas para ser tocadas cuerpo a cuerpo. Buen momento también para echar la vista atrás y recuperar algunos de los momentos de “Separation Sunday” (Frenchkiss, 05), su mejor álbum, sin duda, aunque sin el gancho popular de sus últimos trabajos, y rescatar dos clásicos de su primer disco, de cuando todavía estaba presente en su música mucho de lo que fueron Lifter Puller (“Killer Parties” y “The Swish”). Además, un corte procedente de la edición limitada de “Stay Positive” (Vagrant, 08) y dos inéditas. Nos caen bien, más incluso después de verles entre bambalinas en el DVD extra. Joan Cabot

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /47/ vinilos)

calidez melódica GRIZZLY BEAR “Veckatimest” Warp/Pias

ROCK

1114

Su disco anterior, “Yellow House”, despertó la curiosidad y el entusiasmo de mucha gente gracias a que Grizzly Bear, lejos de concentrarse sólo en las melodías, arreglos y armonias vocales como Band Of Horses, My Morning Jacket o Fleet Foxes, les gusta rizar el rizo de su propuesta con dosis de experimentación que les aproximan más a Brian Eno que a Robbie Robertson. Por eso se ganaron los elogios de personajes de peso como Jonny Greenwood (guitarra de Radiohead) que los reconocía como una de sus bandas favoritas y se los llevaba de gira. De ahí la expectación algo exagerada estaba asegurada ante su nuevo trabajo, un “Veckatimest” que combina grandes momentos melódicos (“Two Weeks” o “Fine For Now” por ejemplo) con otras que me resultan algo pesadas o inocuas (“Dory”, “About

Face”, “Hold Still”) en parte por ese nada disimulado deseo de ser los más raritos de la clase. Y es que si se fuerza demasiado esa intención de hacer las cosas de forma digamos “diferente”, puede parecer una actitud impostada, poco creible, condenando al oyente a una maraña de languidez que aburra sin remedio. Y ojo, porque para ser justos, no es así del todo en este caso, aunque algo de eso también quede. Además, si encima logran los unánimes elogios de una crítica que se ha encargado de encumbrarles demasiado rápido, se pueden pegar una ostia en toda regla. Don Disturbios

Grizzly Bear Foto Archivo

TWO DEAD CATS

TAKING BACK SUNDAY

WAVVES

ANATHALLO

Ipecac/Popstock!

Aloud

Warner

Bella Union/Popstock!

Anticon/Green Ufos

“Carboniferous” ROCK

“La curiosidad mató al gato” 1111

Curtidos a lo largo de más de trece grabaciones, Zu son una banda con la que muchos quieren contar, empezando –entre otrospor Joe Lally, al que acompañaron como banda soporte en su pasada gira, y acabando por Mike Patton, quien se los ha agenciado en su sello para publicar este “Carboniferous”. Un disco que, a decir verdad, sorprende por su planteamiento sonoro, el más visceral de los hasta ahora compuestos por la banda italiana y relativamente alejado de ese patrón que hasta ahora les había hecho mezclar rock y free jazz de manera ambivalente, pero cuyas maneras casan a la perfección con el resto de catálogo del sello americano, en especial en la línea de Melvins o Tomahawk. Un factor que, sumado a su tono general (pesado y de ritmo incansable), esa clara conexión con los King Crimson más desgarradores o las apariciones de Patton (en las únicas voces de todo el trabajo) y King Buzzo (en las que, como no, les dirigen hacia su terreno), dan buena cuenta de la capacidad del trío para mutar y moverse cómodamente por tales entornos. Y visto de lo que son capaces, no hay duda que lo consiguen. Francesc Feliu

POP-ROCK

“New Again”

111

Cultivados en unas cuantas actuaciones hasta la fecha, el nombre de Two Dead Cats ya hace algún tiempo que suena por los entornos independientes locales. Si un primer disco homónimo ya puso en aviso a algunos gracias a su combinación de pop y post-hardcore, la atención que merecen ahora debe ser reclamada por este “La curiosidad mató al gato”. Y no sólo por saber trasladar a la grabación esos atributos que su directo sabe transmitir, centrados sobre todo en el papel nervioso y dinámico de su frontwoman, sino por el partido que este quinteto ha sacado a las siete composiciones aquí tratadas. Se trata de unos temas que han ido ganado en madurez, que consiguen liberarse de cierto caos gracias a pulir pequeñas asperezas y complementarlos con arreglos que aportan un mayor colorido, permitiéndoles brillar allí dónde mejor saben hacerlo, es decir, donde las melodías de corte pop encajan con las guitarras afiladas. Una buena continuación a su debut, que equilibra el protagonismo entre el hemisferio instrumental y vocal, con sus objetivos cada vez más enfocados. A seguir así. Francesc Feliu

ROCK

“Wavvves” 114

Taking Back Sunday vuelven un poco por la puerta de atrás, en parte por falta de movilidad y en parte por un mercado que devora a sus grupos con mayor rapidez que aquella que los encumbra, y esta es mucha. Los neoyorquinos, tras algún que otro tormentoso cambio en sus filas, acometen un cuarto álbum conservador por inmovilista, como decíamos antes (y especialmente teniendo en cuenta que lo presentan como algo nuevo e innovador en su universo), pero también cuajado de todos esos tics y canciones que llevan haciendo una década, con marchamo de himnos juveniles de fiesta y viaje urbano en autobús o monopatín. De cualquier manera, la cuestión al evaluar discos de grupos así acaba redundando en las comparaciones: si las hacemos con grupos de otros niveles, Taking Back Sunday salen perdiendo en creatividad, ejecución y elevación de la música a la categoría de arte, pero si escogemos al trillón de grupos surgidos a la sombra de la moda emo de finales de los noventa, los de Long Island se siguen manteniendo en una posición que les capacita para mirar desde arriba a unos cuantos. Nacho P.L.

ROCK

“Canopy Glow” 1114

Me gusta el ruido. Dejémoslo claro de entrada, porque el ruido es algo difícil de evaluar, qué es buen ruido y qué simple ruido y si el simple ruido es sólo ruido o puede ser algo más. Pero a mí en general me gusta el caos, las atmósferas saturadas y la sensación de peligro, de que hay un cable suelto por ahí con el que puedes electrocutarte. Una parte de mí sonríe por dentro cuando escucha discos que otra gente considera insoportables. Y precisamente por eso me estoy divirtiendo estos últimos años escuchando a bandas como No Age, Times New Viking, Japandroids, Japanther... No le den muchas vueltas. Sucedió antes, no inventan nada y tampoco vale la pena romper el juguete desmontándolo: Nathan Williams -un joven que tolera mal las drogas, como demostró en el Primavera Sound- hace surf y punk ruidoso y cacofónico, en algunos casos electrizante (“To The Dregs”, “So Bored”) y en otros inocuo, dependiendo de si su intuición acierta o no en todo aquello que no es estruendo y que precisamente dota a su música de algún interés. El resto es un cable suelto en el suelo, una toma de tierra chunga. Aunque a los que pensamos que el ruido es bonito nos da bastante igual. Joan Cabot

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POP

111

Podríamos decir que Anathallo es lo más parecido a una comuna nómada que debe existir en estos momentos en el mundo indie. Desde sus inicios estos siete jovencitos (giraron sin parar por Estados Unidos, sin domicilio fijo y adaptando sus conciertos a todo tipo de recintos (cuentan que desde garajes a hogares de veteranos de guerra). Tras varios Ep’s y un primer larga duración, “Floating World”, alguien se apiadó de ellos y les permitió quedarse en una iglesia de Chicago en la que se encargaban de cocinar, alimentar a los perros o juguetear con los niños de la guardería. Aquella calma debió sentarles bien, porque “Canopy Glow” (editado por Anticon, otrora sello que marcó un punto y aparte en el indie rap) es un disco que destila paz y tranquilidad por los cuatro costados, con momentos tan bonitos como “Italo”. Uno diría que Anathallo disfrutan con las pequeñas cosas y que eso empapa unas composiciones que, aunque bien podrían recordar a nombres como Sufjan Stevens o Matt Pond PA, tienen algo que las hace no memorables, pero sí bien disfrutables. Joan S. Luna

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /49/ vinilos)

JAMES ORR COMPLEX “Com Favo”

Rock Action/Popstock!

FOLK

111

Desde la megalópolis de Sao Paulo Christopher Mack entrega las canciones de la continuación de “Chori’s Bundle” con una seguridad que, sin duda, hace bien a una colección de temas de potencial alineación en la fragilidad más absoluta. Sin embargo, el universo de este escocés ex miembro de Eska consigue sobrevivir a base de acordes y melodías, deudor de esa pureza individualista que hace de la música un instrumento con el que comprender el mundo (o crear otro nuevo, en caso de estar tocado por un talento más transcendental) y discípulo sin duda de casos más concretos como el de Nick Drake, salvando las distancias, claro está. Bautizado en algún sitio como favela-folk por lo llamativo de una emigración desde Glasgow a Brasil, lo cierto es que aconsejaría no esperar demasiado deje latino (salvo excepciones de instrumentos locales) en un disco al que parece aquejarle una cierta sensación de desahogo personal, pero no dejaría de ser una mezquindad de crítico preponderar ese aspecto sobre la indiscutible calidad de Mack a las cuerdas ni poner en tela de juicio la decisión de un hombre con dicha capacidad para poner a circular su manera de comprender el mundo. Nacho P.L.

THE CHEMISTRY SET “Alchemy#101” Skittlebrau Records

POP

1114

Tras vivir la moda del revival mod a finales de los ochenta Paul Lake y David McLean vuelven a la carga con un disco compuesto por seis canciones que estos amantes de la música pop tratan, una por una, como pequeñas joyas. Con un sonido que evoca a los grandes del pop británico pero con un sello de identidad propio estos londinenses se despachan a gusto con este “Alchemy#101”. Abre el disco todo un hit pop como es “She’s Taking Me Down”, un tema en el que irremediablemente te invade un aura a lo Brian Wilson o Syd Barrett, en uno de los momentos más excitantes del conjunto. “Seeing Upside Down” resulta ser un tema buen rollista donde los haya, con la mayor carga de psicodelia que imaginemo. “Look To The Sky” y “If Rome Was…” mantienen el tipo con las anteriores canciones y se convierten así en piezas adecuadas para redondear el trabajo. Cierran el disco dos adaptaciones: “Silver Birch” de Del Shannon y “Regarde Le Ciel”, (“Look To The Sky” cantada en francés) con la compañía de la cantante de Les Très Bien Ensemble. Necesitamos más material de The Chemistry Set. Marcos Martín

JEREMY ENIGK “Vale Oso”

Cydonia/B-Core

ROCK

1111

Su magnífico arranque parece retrotraernos a las épocas doradas de Sunny Day Real Estate, pero debemos tener en cuenta que se trata de una de tantas sensaciones que el bueno de Jeremy ha optado por ofrecernos en esta cuarta grabación en solitario. Un recorrido por los diferentes campos transitados hasta ahora por el de Seatlle, ya sea en

paralelismo con las sonoridades de la mítica banda precursora del emo o en las de sus discos en solitario, mucho más apacibles y cercanos al concepto de cantautor. Un esperado punto de inflexión con el cual dar reconocimiento, de una vez por todas, a su valioso trabajo como compositor, argumentado aquí en hechos irrefutables como “Mind Idea”, “Late Of Camera” o “Sandwich Time”, mediante un magnífico abanico formal (servido y complementado por una importante contribución catalana tanto en su apartado musical (Ramón Rodríguez, Ricky Falkner, Santi y Víctor García), como en producción (García, Falkner) y publicación (Cydonia, BCore), con el cual recuperar de nuevo algunas expectativas perdidas en entregas anteriores y volver a disfrutar de un puñado de canciones excepcionales. Notable. Francesc Feliu

manic street preachers vuelven a “the holy bible”

ENTER SHIKARI

“Common Dreads” Ambush Reality/Warner

HARDCORE

1111

Hay que reconocer que Enter Shikari son mucho más grupo de lo que parecían a simple vista o de lo que algunos pensábamos al echar un vistazo a su debut “Take To The Skies”. Ahora son (no mucho) más mayores y se mantienen en pie tras tocar el cielo de crítica y público con su hardcore psicótico y saturado, pura respuesta a tiempos revueltos y llenos de incógnitas para unos veinteañeros británicos que ahora apuestan por una conciencia social que sólo les hace bien. A las pruebas me remito, bastaría escuchar la intro y el último tema para darse cuenta de que aquí hay cerebros funcionando, pero es que obviamente el relleno en medio no es simplemente tal, sino un manual de cómo hacer las cosas a cuerpo –sin el factor sorpresa de su lado- sabiendo la cantidad de puñales que iban a tener desenvainando cerca y sacándose de la manga parcelas jazzeras o referencias a la mitología europea vía Silvio Brabo al tiempo que dejan caer singles (“Hectic”, “No Sleep Tonight”, “The Jester” o el oficial, “Juggernauts”, todo un himno de rabia y construcción) con la felicidad del manirroto. Un segundo disco en forma de puñetazo distópico que suda naturalidad; ojalá sigan así. Nacho P.L.

Manic Street Preachers Foto Archivo

MANIC STREET PREACHERS “Journal Of Plague Lovers” Sony BMG

ROCK

1111

Si “Send Away The Tigers” supuso un retorno a la buena dirección tras el aburrido y vacuo “Lifeblood” y el irregular “Know Your Enemy”, esta falsa segunda parte de “The Holy Bible” revive la inspiración del mítico disco y se sitúa a su misma altura. La historia, la conocemos. Letras del desaparecido -ya oficialmente muerto- guitarrista y alma de la banda, Richey Edwards, que la banda tenía guardadas y que han recuperado en un momento nuevamente dulce, tras el éxito de crítica y ventas de su anterior disco, tratando de no dar la imagen de aprovechar el acontecimiento para revivir una carrera en decadencia. Y qué bien les ha salido la jugada. Como si de alquimia se tratara, las letras inteligentes y dolorosas de Edwards insuflan nue-

va magia inspiracional en sus compañeros de banda. Nicky Wire y cía han facturado uno de sus mejores trabajos, compacto de principio a fin, brillante, excitante. Alejados del pop pomposo de sus últimos discos, y de vuelta al art punk de sus inicios, no encontramos ningún gancho melódico como en “Your Love Alone Is Not Enough” u “Ocean Spray”, ni ninguna joya de orfebrería pop como “Design For Life” o “If You Tolerate This”, pero es el primer disco de la banda -desde, ejem, “The Holy Bible”- que se disfruta escuchándolo de principio a fin, que se recarga en sus matices, en la intensidad, la crudeza y la emoción que transpiran cada uno de sus temas. La producción liberadora de Steve Albini -hay productores cuyo trabajo, como el algodón, no engañan- y la portada, una obra, como en “The Holy Bible”, ambigua, magnética y enigmática de la artista Jenny Saville, son el adorno final de lo que supone un nuevo hito en la carrera discográfica del ¿cuarteto? Robert Aniento

JAH NATTOH

PEACHES

SOU EDIPO

LOS TIKI PHANTOMS

Reggaeland

XL/Popstock!

Arindelle Records

B-Core

“En buenas manos” DANCEHALL

“I Feel Cream” 1114

Primer larga duración de este artista de Badalona de la mano del sello Reggaeland, que vuelve a lo grande después de su maqueta “R en tu vida”. Tras los trece temas compuestos por Genís ‘Genious’ Trani (más dos dubs), Jah Nattoh despliega todos sus matices vocales, desde afilados ragga a dulces melodías, haciéndose acompañar en su debut de Lutan Fyah, Lyricson y Bocer. Sus temas circulan alrededor del amor profundo (“”A esa mujer” y “Volverte a ver”) a la crítica más feroz contra los aspectos más variados del sistema babilónico: discográficas que buscan producto (Aprendiendo a cantar”), enseñanzas Rastas (“Confusión”, “Cosas de la vida”), canciones en contra de la violencia (“Hasta cuando”, “Maleante”) o para centrar nuestra propia existencia (“”Recapacita” y “Levanta la moral”). Así pues, Jah Nattoh aprovecha los distintos riddims de Genis (que van desde el soul, al r&b, al dancehall y al hip hop) para entrar dulcemente a remover las conciencias de quién quiera escuchar todo lo que tiene que decirnos. Good vibes más conciencia personal y social: quizá la mezcla más explosiva y una de las claves de la propia existencia del reggae. Ivan Ferrer.

ELECTRÓNICA

“Podría ser en cualquier lugar”

111

El reinado del electroclash ya parece cosa de otra época, pero Peaches sigue reivindicándose como dueña de la corona, entre lo más petardo y una electrónica de trazo grueso. Empieza “Lose You” -con una limpieza inédita hasta la fecha- y uno cree encontrarse ante la reinvención que tanto tiempo lleva buscando Madonna, aquí con producción de Simian Mobile Disco (también en otros tres temas). La canadiense sabe elegir a sus compañeros, dando una vuelta de tuerca a su sonido, ya sea para dejarlo en cueros (la directísima “Talk To Me”, en este caso colaborando con Soulwax) o para retorcerlo descaradamente (“Mommy Complex”, de la que se encarga Digitalism, con resultados no tan convincentes), hasta dar con un disco que en conjunto resulta irregular, aunque contenga unos cuantos cortes notables. Menos guitarrera que de costumbre, encuentra un rompepistas de pop electrónico en “I Feel Cream” (el tema), justo después de rapear (con Shunda K, de Yo Majesty!) en “Billonaire” para confirmar su puesto como diva alternativa y deslenguada. La Peaches de siempre, sólo que esta vez ha hecho un esfuerzo extra para mostrarse más versátil. Enrique Peñas

ROCK

1111

Vayan soltando la madeja de hilo por los pasillos de “Podría ser en cualquier lugar”. Sean astutos como Teseo, pues las diez canciones que conforman esta tupida enredadera sonora podrían extraviarles con sus desarrollos y dilataciones in extremis. Los madrileños se han hecho de rogar casi cinco años debido a deslocalizaciones geográficas, pero se han mantenido en el tajo con Adrift, El Páramo o Mopane. Sou Edipo son intrincados como cualquier tocho freudiano, pero la sombra de Tool o King Crimson no abriga en absoluto sus propósitos, aunque sí puede dar ciertas pistas acerca de su destreza e inconformismo al pentagrama. La impostura de la voz de Quique Carrica está a un palmo de la Eddie Vedder, mas sus letras, que parecen escritas en la penumbra de una vela y con el corazón en un puño, trepan como la hiedra por unas canciones que discurren zigzagueantes como una serpiente en pos de su presa. Tal vez todos los quiebros sean el camino más corto para inocular su veneno. Junto a Jardín de la Croix y Joe K Plan conforman la triple entente castiza de lo imprevisible. Obtusos que son ellos. Miguel Ángel Sánchez Gárate

“Y el ejército de las calaveras” SURF

111

El cinematográfico redoble inicial, digno de cualquier cinta de la Metro Goldwyn Mayer, da paso a una marcha en la que tibias y cráneos recomponen el esqueleto de cuatro fantasmas resucitados. Una presentación que desconcierta por su sabor emo y que salta sin contemplaciones a la tabla de surf en cortes como “Estampida” o “La mosca”, hábiles rompeolas (por no decir rompepistas) que perpetúan con su mayúscula firma la saga de The Shadows o Dick Dale. Mientras “El banquete” propicia blanqueadas sonrisas bajo un soleado pop californiano, en “Siberia” los termómetros bajan muchas décimas con una nostalgia que supura escarcha. “La pequeña Emma” o “Que mujer!“ queman con la adrenalina de Daniel El Travieso, e irían que ni pintadas para figurar en un documental con las evoluciones de Kelly Slater en la cresta de la ola. “Tiki Please Me” (su relectura del clásico de A-ha) suena a unos The Dickies instrumentales, y “Mar de Plata” rebaja la mar picada, para cambiar el coast-line californiano por el nostálgico litoral argentino, y de paso cerrar un disco tan energético como lo fue “Regresan de la tumba”. Miguel Ángel Sánchez Gárate

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /51/ vinilos)

KUMAR

“Película de barrio” Diquela

HIP HOP

1114

Por fin se edita el disco del rapero cubano Kumar. A pesar de llevar varios años listo y ser una apuesta de los siempre clarividentes Ojos de Brujo, ha costado que su disco llegara a la calle. Y a la calle está dedicado. “Película de barrio” es un acertado título para definir la unión de unos textos comprometidos y de calidad, una voz personal y rítmica y unas bases con mucha fibra musical. A veces se tiene la impresión de que los cubanos nacen respirando música, además Kumar es de esas personas que desprenden un brillo especial. Y no es un recién llegado. Lleva desde 1998 como cantante y también productor. Su rap afrocubano viene repleto de ritmos bailables: “Sublevao”, “Fiesta en el Palenque”, “Me gusta el funky”, “Caravana” o “Afrorimandbomba” son temas que incitan al movimiento y que no tienen desperdicio lírico. Es algo así como lo que podrían haber sido Orishas si no hubieran mediatizado su discurso. Y como Kumar canta en el excepcional tema “Una verdad incomoda” del nuevo disco de Ojos de Brujo, “Aocaná”, estos le devuelven el favor en “Rompe cadenas”, un tema que podrían haber firmado los catalanes. Miguel Amorós

JASON LYTLE

“Yours Truly, The Commuter” Anti/Pias

POP

1111

Pasado el primer minuto de “Brand New Sun”, el segundo corte de “Yours Truly, The Commuter” despega y de repente recuerdas lo grandiosos que fueron -todavía son- y cómo nos hicieron volar Grandaddy. Nunca recibieron de vuelta lo que merecían, pero sus tres primeros álbumes forman una de las discografías más personales y fascinantes del indie rock de finales de los noventa y principios del nuevo siglo. “Brand New Sun” es la prueba: Jason Lytle ha vuelto, sí, y no sólo en cuerpo sino también en alma. Nadie como él para emparejar melodía luminosa y tristeza crepuscular, elevarnos a la estratosfera a la vez que nuestras penas se deslizan más allá del horizonte. Lytle se desquita del decepcionante epíteto que supuso “Just Like The Fambly Cat” (V2, 06) con una colección de canciones de nuevo inspiradas y evocadoras que, aunque se eche en falta en algunos cortes el perfecto andamiaje que le ofrecían sus antiguos compañeros, consiguen mitigar las dudas sobre si el suyo era un talento perdido. “Birds Encoureged Him” y “Ghost Of My Old Dog” demuestran que no, que mudarse a Montana le ha sentado realmente bien al músico de Modesto, California, y también ha servido para reconciliarse consigo mismo. Y con nosotros, de paso. Joan Cabot

E.G.O.

“Extraña GEOGrafía Onírica” Warsaw Was Raw Records

ELECTRÓNICA

1114

Este dúo formado por Ev y K.O.’s practica un género que suele definirse con mil nombres, así que llámalo electro pop, future pop o como te apetezca. Si su primer disco causó

buena impresión, llevándoles a telonear a Covenant en su última gira por nuestro país, con “Extraña GEOGrafía Onírica” dan un paso adelante. Una vez vistos en directo y escuchado su nuevo disco me doy cuenta de que tiene temas absolutamente mágicos y dulces como “Sosiego” o “Helios” aunque las letras te transporten constantemente a un mundo primitivo, humano y desesperado. La alienación y la busca de la felicidad del hombre es casi el tema básico del disco, con lo que cada canción va definiendo una peculiaridad de ese ser humano complejo, acercándose en algún momento a las raíces de uno de sus proyectos más conocidos (Kalte Sterne, revividos recientemente para telonear a Esplendor Geométrico). Esa búsqueda se identifica con “Nostromo”, la nave de la película “Alien” inspirada en la obra de Joseph Conrad: aventureros rumbo a lo desconocido y a la búsqueda de un reencuentro espiritual con si mismos. Música para mentes inquietas y con una urgente necesidad de conocerse en profundidad. Eduard Tuset

La selección Jäger:

japandroids a lo crudo

CHICKS ON SPEED “Cutting The Edge”

Chicks On Speed Records

ELECTRÓNICA

111

Pocas bandas del panorama electrónico pueden presumir de ser un estandarte arty como Chicks On Speed. A modo de comunidad artística, en este doble compacto las germanas reconvertidas en dúo (después del abandono de Kiki Morse, a quien le dedican la maliciosa “Black And White Diva”) cuentan con un elenco de colaboradores de infarto como Fred Schneider en “Vibrator”, Whomadewho o Christopher Just, encargado del perturbador remix techno de “Art Rules”, una canción que mama descaradamente de las hombreras y el synth pop más vintage. Sin perder ni un ápice de su sentido del humor y a pesar de tirar de experimentaciones sonoras a través de los reciclados Objekt Instruments, Chicks On Speed suenan más pop que nunca e, inclusive, se atreven a entonar una joya chicle pop como “Buzz” o la playera “Supersurfer Girl” manteniendo su seña de identidad del todo inalterable. Ante tanto collage sonoro y alguna que otra ida de olla de las que nos tienen acostumbrados, posiblemente hubiera resultado más efectivo condensado en un solo disco. Sergio del Amo

DOCTOR EXPERIENCE “Soñando despierto” Autoeditado

ROCK

111

Rebautizándose a partir de su pasión por Jimi Hendrix y Spin Doctors, los barceloneses antiguamente conocidos como Tralla XXL -con la incorporación de un teclista- pasan página e inician una nueva etapa en su carrera. Ahora se dejan llevar sobre todo por los ritmos funk, por sus influencias más setenteras y por ampliar el registro de su sonido hasta contar incluso con la colaboración de la Gigoleto (sección de vientos de Muchachito Bombo Infierno). “Soñando despierto”, la carta de presentación con la que despega esta nueva trayectoria, es un Cd de seis temas concebido originalmente como demo. Una vez valorados los resultados del trabajo realizado en el estudio, sin embargo, sus creadores han decidido promocionarlo como un disco en toda regla, a pesar de su corta duración. Por otra parte, y aunque el envoltorio elegido parece apuntar hacia la psicodelia, el contenido se revela directo e inmediato, dispuesto a funcionar desde la primera escucha. Quizá por ello, nos invitan a que también lo descarguemos desde sus sitios de la red. Xavier Llop

Japandroids Foto Archivo

JAPANDROIDS “Post-Nothing”

Polyvinyl/Locomotive

ROCK

1111

Aunque no tengo nada contra los discos de producción cuidada, da gusto que, de vez en cuando, uno recuerde que lo importante, lo fundamental, suele estar en la esencia de los grupos, en su embrión más primigenio, en las bandas de jovencitos que todos hemos querido tener y no en las florituras. Si hace unos meses uno se sorprendía con la energía púber de Titus Andronicus; ahora, no puedo desengancharme de Japandroids, un dúo de Vancouver que devuelve de un puntapié a The Thermals o Times New Viking al cuarto trasero, aunque de vez en cuando se les vaya pelín la mano con un sonido algo hard rockero. Sus canciones suenan crudas,

directas y grabadas a la brava, vibrantes y sobre todo emocionantes. Escuchándolas uno mira atrás y se empeña en revivir aquellos tiempos en los que Chapell Hill parecía el centro del universo, “Slack Motherfucker” de Superchunk pasaba por la mayor joya de la creación humana, y Archers Of Loaf crujían como si le fuera la vida en cada riff. Cuando no importaba nada más que disfrutar escuchando una guitarra, un ritmo y una voz (obviemos el bajo, Japandroids no lo usan) y dejando los problemas en la cuneta. Y no confundan estas líneas con un ejercicio de nostalgia, para nada, sobre todo porque Japandroids suenan a aquí y ahora. Por lo menos a un aquí y ahora para brincar desbocados. Joan S. Luna

(vinilos /52/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro)

mendetz, del casio-punk a la hi-fi FISHBONE “Live”

Ter A Terre/Karonte

ROCK

1111

Partamos desde la base de que tras treinta años de carrera, ocho discos editados y ser punta de lanza de la música alternativa americana en los años ochenta y noventa en Estados Unidos (influenciando a Tool, Jane’s Addiction o Red Hot Chili Peppers, entre otros) pueda parecer que lo tienen todo hecho, pero eso sería negar la evidencia. Tras pasar varios años en el olvido, su anterior trabajo, “Still Stuck In You Throat” (2006), sirvió para volver a dejar claro que lo suyo es divertirse haciendo canciones y por lo tanto ofreciendo esos directos cargados de energía y vitalidad que tan famosos les han hecho. Y para muestra un botón: se deciden a sacar al mercado su primer CD/DVD con la grabación de este concierto en Burdeos en abril de 2008 durante su última gira. No faltan los temas que les han hecho grandes: “Cholly”, “Ma And Pa”, “Sunless Saturday”, “Date Rape” o su hit “Freddie’s Dead”. Todo sea dicho que el DVD muestra lo mejor del grupo y contiene más temas que el disco de audio. Marcos Martín Mendetz Foto Albert Jodar

MENDETZ “Souvenir”

Sinnamon records

POP

1111

Como decía el gran Machín en su bolero: “Tengo una debilidad, no se puede ocultar, lo llevo en la mirada”. Y es que, a priori, a un viejo rockero como yo el disco de Mendetz debería provocarle pequeños sarpullidos, pero no. ¡Son tan buenos lo jodios! Son buenos mezclando lo imposible y encima con ese buen gusto que se le presupone a mucha gente, pero que luego cuesta un huevo y medio demostrar. Y es que lo de estos chicos es una cocktelera bailonga hasta caer extenuado en la que son capaces de evocar a compañeros de viaje en lo coetáneo como The Faint (“Cholula

Cream”) con guitarrazos que firmaría el mismísimo Steve Lukather de Toto (“Flashback”), el italo-disco (ni puta idea de lo que es, pero me lo han chivado mis compañeros en la redacción y queda de coña!) la E.L.O. más petarda (“The Mystical Farmer”), ecos más que evidentes a Justice (“Souvenir”) y sobre todo garrafones de hedonismo, desenfreno y un vamos a hacer lo que nos salga de los mismisimos que no puedo más que admirar. Resultado: El disco suena cañon (está mezclado por Stèphane Briat ´Alf´, quien ha trabajado para AIR o Phoenix) y nada tiene que envidiar a productos similares que nos llegan de fuera. De hecho, estoy por iniciar una campaña para verles el año que viene en el Primavera Sound a la misma hora que “tocaron” Simian Mobile Disco este año. Ya veríamos quién se llevaba el gato al agua. Don Disturbios

FROM MONUMENT TO MASSES

EMINEM

METRIC

Dim Mak Records

Aftermath/Universal

Metric/Pias

“On Little Known Frequencies” POST-ROCK

1114

¿From Monument To qué? ¿Quiénes son esos?. Desgraciadamente esta pregunta tiene más de ciencia que de ficción, al tiempo que se observa en el trío de San Francisco una vocación de outsider tanto en lo musical como en lo político. He dicho político, sí, porque FMTM hacen rock instrumental y política, o viceversa, hacen literalmente arte gráfico y visual, tienen instrumentos y pensamientos que nos llevan a la raíz de cualquier análisis de esta banda y sus discos: concretizar lo intocable. Una conciencia sensorial que se hace patente en un cuarto álbum que no encuentra diferencias entre Don Caballero, “Watchmen” y Noam Chomsky, entre Maserati, Cronenberg y la Angry Brigade (no precisamente un grupo musical) y que sale airoso de un reto de tamaño nivel con la solución de la sencillez y lo orgánico como garante de unas canciones que conforme son más jóvenes ganan en electrónica y dejan atrás cualquier atisbo de inseguridad, dando forma a un coherente empuje o un agradable descubrimiento (según oyentes). Produce –y se nota- otro gran nombre: Matt Bayles (Botch, Mastodon, Minus The Bear). Nacho P.L.

“Relapse” RAP

“Fantasies” 1114

Marshall Mathers se ha convertido en uno de los iconos más reveladores de nuestro tiempo: la fascinación y repulsión que despierta el rapero de Detroit delata tanto los tics de cierto sector de la América blanca dispuesta a comportarse como si fueran en realidad negros, el miedo que siente otro sector hacia estos y la atracción/repulsión que sienten todos ellos por el mundo de las celebridades, dianas - cosa fácil en el caso del pandero de Kim Kardashian- habituales en las rimas de Eminem. Cinco años después de la edición de “Encore” y tras haber superado un período de adicción relacionado con el golpe que supuso para él perder a su amigo y padrino Proof, Eminem suelta su habitual torrente de cuentas pendientes contra su ex mujer (a no ser que se hayan casado de nuevo), su madre y cualquier pelele televisivo sin piedad alguna. De fondo las drogas, los traumas de un MC que suena en “Relapse” más atormentado que nunca, algo a lo que contribuyen las producciones de Dre. Y una certeza: nos guste o no Eminem es el mejor espejo en el que mirarnos si queremos empezar a entender las contradicciones de nuestro tiempo. Joan Cabot

ROCK

1114

Sólo un tema como el inicial “Help I’m Alive” merece todo un foco de atención sobre el cuarto disco del combo canadiense. Ya habían sorprendido con su anterior “Live It Out” hace cuatro años, un ejercicio tan imposible como imprescindible de post-rock melódico que se alejaba a su vez del exitoso “Old World Underground, Where Are You Now?”. Ahora, Emily Haines vuelve a dejar en la nevera a Broken Social Scene para superar todas las expectativas con “Fantasies”. Los diez temas que lo integran juegan la baza del sonido new wave de este nuevo milenio. El álbum vive y respira a través del carisma vocal de Haines, irresistible en su papel de frontwoman. Saben jugar a ser mejores que Ladytron en “Twilight Galaxy”, a ser más art rock que Arcade Fire en “Stadium Love” o a reirse en la cara de los nuevos Yeah Yeah Yeahs con las irresistibles “Sick Muse” y “Gimme Sympathy”. Un pequeño bajón hacia el final del minutaje, con unas amables pero menores “Collect Call”, “Front Row” y “Blindness” impiden alcanzar algo cercano a la perfección a una de las bandas con una de las sensibilidades pop más absorbentes y disfrutables del panorama. Robert Aniento

THE MACCABEES “Wall Of Arms”

COOP/Nuevos Medios

POP

111

The Maccabees surgieron de la nada (como la mayoría de hypes que imperan en las listas británicas) con una fórmula que mamaba de la vertiente más pop de The Smiths o Arctic Monkeys, por quienes se cambiarían en un santiamén si el mismísimo diablo se lo propusiese. El abanico de temas que englobaba “Colour It In” no supuso ningún terremoto en sus vidas (ni en las nuestras, obviamente), pero sorprende de buen grado que en lugar de dejarse llevar por insustanciales melodías (es decir, el camino fácil) hayan apostado por una considerable madurez en su sonido acercándose a terrenos donde la épica se hace más que palpable. “Wall Of Arms” no supone una reinterpretación de lo que Arcade Fire ha adquirido con tan sólo dos largos, pero la mano de Markus Dravs a la producción (Coldplay, Björk) hace que temas como “Love You Better” o “Young Lions” adquieran una dimensión hasta entonces marca de Butler y compañía. Ciertamente, “Can You Give It” (cien por cien James) o el cíclico estribillo melódico de “No Kind Words” nos hace pensar que la banda puede llegar a sorprendernos en breve. Sergio del Amo

PROPAGANDHI

“Supporting Caste” Hassle

ROCK

1111

Cada nuevo lanzamiento de los comprometidos Propagandhi ha sido, y por suerte sigue siendo, un acontecimiento. Con tan solo cinco largos publicados a lo largo de sus dieciséis años de historia, los canadienses han forjado una obra breve pero casi inmaculada. “Supporting Caste” llega cuatro años después de su último “Potemkin City Limits” y es lo primero que editan fuera de Fat Wreck, despidiéndose del lejano apadrinamiento de Fat Mike. No casualmente, el

álbum actúa como declaración de distanciamiento de su pasado, más cercano al punk rock clásico que a este hardcore entre melódico y progresivo con que decoran sus doce nuevos manifiestos. En algunos momentos, como en la inicial “Night Letters”, los de Chris Hannah se acercan incluso a modos cercanos al thrash, dando un nuevo barniz a su sonido que gustará a los fans más metaleros. Tampoco faltan los cortes más respetuosos con su sonido histórico, como “The Banger’s Embrace”; todo con la justa medida melódica que ha caracterizado siempre a los de Winnipeg. Pero, de nuevo, la piedra filosofal del trío vuelven a ser las denuncias vertidas en sus letras y recogidas en un elegante libreto que no olvida sus habituales proclamas políticas. Destacan especialmente los agudos ataques a la moral americana, como en la imprescindible “This Is Your Life”, que redefinen las proclamas de Green Day como sonrojantes pataletas de preescolar. Robert Aniento

FRIGHTENED RABBIT “Liver! Lung! Fr!”” Fatcat

ROCK

1114

Pocos meses después de presentar uno de los mejores trabajos de 2008, desgraciadamente desapercibido a nivel de ventas, los escoceses Frightened Rabbit vuelven a reeditarlo, pero esta vez grabándolo en acústico en su ciudad natal, Glasgow, una apuesta a priori dudosa que se acaba declarando vencedora. Las propuestas sonoras de “Midnight Organ Fight” pierden aquí músculo pero cobran nuevos matices, una refulgente intensidad que dota a las ya de por si magníficas composiciones de nuevos motivos para ser disfrutadas en este renovado sabor. La energía de la banda, el impertinente pero a la vez delicado timbre de voz de Scott Hutchinson, la devoción de los fans tras el final de cada tema; todos los ingredientes de “Liver! Lung! Fr!” encajan de forma mágica en la tarea de dar nueva vitalidad al folk libre de trabas y repleto de emoción de los de Glasgow. Posee el directo a la vez el efecto colateral de redignificar y coronar a su obra origen como uno de los álbumes de culto más interesantes de los últimos años. Como bonus, el trabajo cuenta con la aparición de James Grahan, de sus compañeros de sello Twilight Sad, que aporta sus cualidades vocales en el tema “Keep Yourself Warm”. Robert Aniento

THE CHELSEA SMILES “The Chelsea Smiles” DR2

ROCK

114

A muchos de los que vemos gran parte del punk actual como una fórmula desvirtuada hasta extremos impropios de un estilo que fue concebido como trasgresor, nos sorprendió gratamente la frescura del disco de debut de The Chelsea Smiles. Con Todd Youth (ex-Danzig y ex-D Generation) como máximo referente en sus filas, este combo norteamericano supo recuperar y actualizar toda la energía melódica de los grupos neoyorquinos punk de los setenta, aunque desgraciadamente sin obtener réditos comerciales significativos a cambio. Quizá debido a esto último, con este nuevo trabajo, las sonrisas de Chelsea han optado por dispersar algo su sonido. Acercándose en algunos temas a un hard rock que recuerda en parte los Backyard Babies post “Total 13”, e incluso incluyendo una balada acústica un tanto desconcertante, parecen probar suerte en unos terrenos en los que, visto lo visto, no acaban de encajar. Menos mal que, aunque sea sólo en parte del disco, todavía son capaces de insistir también en ese punk rock con sabor clásico que tan bien se les da. Xavier Llop

LAVENTANA

/54/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro)

Nothink Foto Archivo

(

imprescindible

Nothink

“Spotlights” (2007) 1111 Si los majariegos estuviesen radicados en Los Angeles, o en cualquier otra parte de los States, otro gallo les cantaría y quizás serían un grupo de estadio. Nuestros Foo Fighters locales dominan la ecuación melodía y guitarras sin ser unos meros replicantes. “Spotlights” es un álbum con alma, y que ondea la enseña de la casa muy por encima de lo que fue su ópera prima.

recomendables

(lo:muêso)

“Giant Catarzêe” 1111 Experimentación. Emoción. Psicodelia. Bastante alejado del noise punk de El Efecto Colioris, su banda previa, el tercer disco de los de Premiá del Mar prosigue en su vena exploradora y catapulta a un universo paralelo, donde sus probetas y tubos de ensayo construyen una realidad virtual en la que todavía queda espacio para el riesgo y la sorpresa.

Aloud Music

Independencia o muerte Al igual que Ian McKaye o Jay Robbins los chicos de Aloud Music abominan de los preceptos caducos de la industria musical. Prueba de ello es la liberación de su catálogo, que puede descargarse gratuitamente desde su web. El sello indie barcelonés anda ojo avizor en busca de carne fresca para la picadora.

a unión de varios managers de bandas con el responsable del portal Muzikalia dio pie en el año 2003 a Aloud Music, una etiqueta en la que la palabra indie-rock parece tener connotaciones distintas a las que maneja el gran público. “Ahora mismo llevamos el sello tres personas, Nuria, Sergi y Sergio. Aunque ya no esté con nosotros Karlos de (lo:muêso), sigue siendo nuestro talismán. Somos tan felices con un dúo de rock instrumental como The Joe K-Plan como con el pop agresivo de Two Dead Cats o la catarsis de (lo:muêso). En el término indie-rock cabe todo eso. Mucha gente no lo entiende, aún hay

mucho cabeza cuadrada que le gusta una cosa y sólo eso, y si te sales del cuadrado te apedrea”, comenta Sergio, uno de los tres mosqueteros en lidia del catálogo. Su primera referencia fue el álbum “Kill The Rock Stars We Were”, de Bloomington, siendo la excusa para el nacimiento de una discográfica en la que miembros de esta banda son socios participantes en la aventura. “Desde siempre compartimos filosofía con Dischord, Desoto, B-Core o Deep Elm. Pero nunca fueron un modelo a seguir, sino sellos a los que admiramos por su trabajo y constancia”. Acusan las limitaciones que provoca el ser un pequeño equipo que ha de

sobrevivir a hipotecas y vivir al día, pero hacen gala de estrategias de lo más peculiar. “Trabajamos por una realidad cultural diferente aportando nuestro propio punto de vista. Vendemos los discos a 10€ con los gastos de envío incluidos. Somos nuestros propios distribuidores y editorial. En nuestros conciertos los menores de veintitrés años no pagan, entran gratis. Y tenemos nuestro catálogo en descarga directa desde la web del sello”. Cuatro puntos que les diferencian del resto de sellos estatales e internacionales, como el ser uno de los primeros sellos independientes en llegar a las estanterías del emporio FNAC. “Tenemos un sexteto inicial (The Last 3 Lines, Nothink, Hedtrip, Two Dead Cats, (lo:muêso) y The Joe K-Plan) que da miedo. Nos gustan muchas bandas a las que no ficharemos por falta de tiempo, dinero y efectivos, como Denegro Partizan, Icebend, Noise Box o Madera Core”. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

The Last 3 Lines “You Are a Deep Forest” 1114 ¿Dance punk? ¿Sonido Dischord con brillantina y trajes de lentejuelas? Delorean o It’s Not Not no están solos en la pista de baile. Les acompañan estos imprevisibles barceloneses que en lo más profundo del bosque se montan una barbacoa con los bailongos y desmadrados trallazos de “Sometimes The Trigger” o “Myriana”. Alguna vez Tony Manero fue punk.

novedades

The Joe K-Plan “Rigan Asesino Olibia Vencerá” 1111 El dúo formado por Mario y César hace más diabluras que Bart Simpson con sólo una guitarra y una batería. Títulos como “Zumaco”, “Bongus Dei” o “Tanca La Porta Una Mica”, en plena sintonía con el discurso que manejan Ahleuchatistas y Oxes, derrochan el mismo ingenio que sus laberínticos conatos de noise dislocado. Guacamole para tus oídos.

Two Dead Cats “La Curiosidad Mató al Gato” 1114 Este quinteto de Girona factura un indie rock que auna las premisas del riot grrrl, el punk-funk, el post-punk y un pop de vocación arty, que suena de lo más desenfadado. Los maullidos de Gemma Rodríguez son el contrapunto perfecto a las inusuales líneas que trazan en “No Party“, “Gent del Pal” o “Girl Like You”, tres de los temas que conforman este llamativo EP. M.A.S.G.

MONDO MEDIA)

Pegafantas Foto Archivo

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /57/

5 fuentes de inspiración para “Pagafantas” Por Borja Cobeaga

Borja Cobeaga

un tonto muy tonto Tras una carrera televisiva brillante y un par de cortometrajes excepcionales, Borja Cobeaga debuta en el largo con “Pagafantas”, una excelente comedia alocada con regusto amargo llena de gags para el recuerdo. Propulsada por un Gorka Otxoa en estado de gracia, el cineasta vasco firma la película española más divertida en eones.

a generación de oro del cortometraje español sigue dando buenas noticias en ese desierto seco seco seco que es el cine patrio. Después de la savia nueva que aportaron los debuts en cine de J.A. Bayona, Nacho Vigalondo y Koldo Serra, llega por fin “Pagafantas”, primer largo de Borja Cobeaga. El cineasta vasco, todo un monstruo del audiovisual hecho aquí, fue uno de los cerebros detrás del programa televisivo “Vaya semanita”, y un director de cortos de fama internacional (con “Éramos pocos” estuvo nominado al Oscar en 2007), entrega en su primera película una comedia disparatada, llena de gags memorables y de un poso amargo inédito en nuestra fronteras, sobre la figura del Pagafantas, ese chico apocado y cobarde que siempre se acaba convirtiendo en el mejor amigo de la chica de sus sueños. “No tenía nada claro cuál iba a ser mi primera película”, comenta Cobeaga, “así que cuando apareció la oportunidad de hacer ‘Pagafantas’, la verdad es que me relajé bastante. Es decir, pensé, ‘joder pues esto como primera película es estupendo porque, no sé, a mí el género de la comedia juvenil me gusta muchísimo’. Y hacerla ahora, a los treinta, y no a los sesenta”. Cobeaga parte de las enseñazas de la mejor comedia estadounidense (Judd Apatow, Alexander Payne, los hermanos Farrelly) y del humor costumbrista y malcarado del cine español de Luis García Berlanga y Rafael Azcona para fabricar “Pagafantas”, un sólido y

genial híbrido que, ojo, tiene vida propia. “Tenía claro que no quería hacer una película de cinéfilo. Es decir una película donde todo fuera referencias a películas que ya existen y un batiburrillo de lo que me gusta. La gracia estaba en imprimir mucha realidad a la historia. Está claro cuáles son los referentes que me gustan, los que has dicho están clarísimos. Pero creo que el plus de la película está en que es muy realista y muy de verdad en cuanto se basa o bien en experiencias mías, o en experiencias de amigos míos que he visto”. “En realidad”, añade, “Es una comedia sentimental sobre

“La verdad es que siempre me ha gustado la mezcla, ya desde mis cortos me gustaba mucho mezclar gente que viene de orígenes y técnicas diferentes. Aparte surge del convencimiento, y esta es una de las lecciones más importantes de la comedia norteamericana, de apostar por los cómicos más que por la gente que proviene de la formación académica más teatral”. Y hablando de combinación y mezcla. “Pagafantas” es una comedia que contiene guiños al cine de terror. Richard Matheson y David Lynch son citados en la película en un par de momentos clave. “La verdad es que cuando estuve muy metido en harina pensé que esta película necesitaba momentos de terror puro. Entonces claro, era muy coherente retratar ese momento de angustia del protagonista en plan estoy atrapado… Iba con el tono de la película crear esos momentos de terror”. Precisa y directa como un gag televisivo de “Vaya semanita”, el debut del director vasco

“‘Pagafantas’ es una comedia sentimental sobre gente que lo pasa muy mal ” gente que lo pasa muy mal. Y cuando ves un halo de esperanza o un momento de ternura de repente toda la bilis desaparece y te metes… De hecho eso es lo que más ha aportado Apatow a las películas que dirige y produce, esa ternura”. Propulsada por un Gorka Otxoa estelar (desde ya el Ben Stiller vasco) y una serie de secundarios excelentes, Julián López de “Muchachada Nui”, y veteranos como Oscar Ladoire, Kiti Manver y María Asquerino, la película mezcla diferentes generaciones de actores cómicos con tino, clase e inteligencia.

apenas supera los ochenta minutos de duración. Todo un acierto y algo rarísimo en los tiempos que corren. “Mira, eso sí que viene de hace siglos, el hecho de hacer una película por debajo de los noventa minutos. Desde que estábamos en la universidad, Nacho Vigalondo (compañero de Cobeaga, junto a Koldo Serra, en Arsénico Producciones) y yo estábamos obsesionados con que nuestra primera película fuese corta. Y la verdad es que los dos lo hemos conseguido”. ■ Xavi Sánchez Pons

“La cena de los idiotas” (Francis Veber, 1998)

“Es una película francesa que me gusta muchísimo. Es muy divertida y muy directa y además sólo dura setenta y tres minutos, tiene esa brevedad que me gusta ver en el cine. Tiene unas escenas y unos vericuetos de guión estupendos”.

“Election” (Alexander Payne, 1999) “Por la humillación del personaje principal que es sistemática y continua. Le pica la abeja, su mujer le pilla con su mejor amiga... Es todo terriblemente humillante. Payne hace un tipo de cine que me gusta mucho, y en un futuro me gustaría hacer una película parecida a ‘A propósito de Schmidt’”.

“Supersalidos” (Greg Mottola, 2007) “Por la ternura de la parte final de la película, de la relación de amistad entre los dos protagonistas, y sobre todo cómo hacer una comedia juvenil con un aspecto muy sentimental y muy divertida. Apatow es un maestro a la hora de hacer este tipo de comedias”.

“Elling” (Petter Næss, 2001) “Es una película noruega que llegó a estar nominada a los Óscar sobre dos locos que viven en una casa. Es una comedia muy divertida que está siempre bordeando el drama pero nunca sin caerse. Es una película que vi bastante antes de hacer ‘Pagafantas’…”

“Extras” (Ricky Gervais y Stephen Merchant, 2005-2007)

“En el humor de la humillación Ricky Gervais no tiene rival, es el maestro de la vergüenza ajena. A Diego San José (guionista de ‘Pagafantas’) y a mí nos vuelve locos. El protagonista de ‘Extras’ es consciente de su patetismo, y lo mismo pasa en ‘Pagafantas’”. n

Borja Corbeaga Foto Archivo

CINE

mondorecomienda

LA ENTREVISTA xx Foto Archivo

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

DVD MúSICA

Control

Dub Echoes

Edición en DVD de la más que recomendable película firmada por el fotógrafo Anton Corbijn en torno a Ian Curtis y Joy Division. La edición simple incluye la película y habrá una de dos discos (making of y entrevistas con director y actores) y una de tres (súmenle el documental “Joy Division” de Grant Gee). Ernesto Bruno

Hay cierta extraña lógica en que la música dub, una de los estilos más decisivos en el nacimiento del hip hop, la cultura de club y sus técnicas, naciera de coincidencias y de las limitaciones de la Jamaica de los setenta. Una historia apasionante a través de los testimonios de Bunny Lee, King Jammy, Lee Perry o Steve Barrow. Joan Cabot

Iron Maiden

Klaus Schulze & Lisa Gerrard

Anton Corbijn Avalon (1111)

Flight 666 EMI (1111)

Realizado por el documentalista Sam Dunn (“Heavy Metal: A Headbanger’s Journey”) durante la primera parte de la gira del 2009, “Flight 666” recoge la odisea de la banda y su equipo a bordo del avión “Ed Force One” viajando de continente en continente. Un segundo DVD incluye un concierto íntegro. Eduard Tuset

Bruno Natal Soul Jazz Films (1111)

Dziekuje Bardzo SPV (1114)

Poco después de publicar “Rheingold”, la leyenda de la electrónica Klaus Schulze vuelve a unir fuerzas con Lisa Gerrard (ex Dead Can Dance) para ofrecernos un emotivo y emocionante concierto registrado en directo en Polonia, país en el que Schulze no actuaba desde hacía años. Una noche muy especial. Ernesto Bruno

cómics

My Brain Is Hanging Upside Down David Heatley Norma (111)

El slice of life de Jeffrey Brown es la referencia más obvia a la hora de analizar el trabajo de David Heatley. Como él, su dibujo es feísta, deliberadamente naïf, y sus historias parten de lo biográfico para reflejar el tedio del día a día. Por el contrario, hay una mayor variedad en el dibujo de Heatley y en la temática. Excelente la edición de Norma. L.J. M.

Cristóbal Nazareto Álex Fito Glénat (111)

Lejos ya de la aureola de renovador de la historieta española con la que se acogió su irrupción hace una década, Alex Fito sigue fiel a su estilo, que en todo este tiempo apenas ha sufrido renovación alguna, ni en el aspecto gráfico ni en el temático. Esto es, Cristóbal Nazareto, ese Cristo contemporáneo, vive su particular pasión entre yonkis, caraduras y demás fauna urbana. L. J. M.

Quatermass

El fantástico habla italiano Se ha hecho esperar pero por fin tenemos entre las manos la nueva entrega de la revista de cine Quatermass, un excelente volumen, el séptimo de su historia, dedicado al cine fantástico italiano. Un número que es, desde ya, una obra de referencia en castellano para todos los aficionados que perdemos la cabeza con las películas de Mario Bava, Lucio Fulci, Dario Argento, Antonio Margheriti o Ricardo Fredda, entre otros.

D Enfermo

VV. AA. Astiberri (1114) En un ejercicio de justicia comiquera, se reúnen los ocho números del que fuera uno de los fanzines autoeditados más interesantes que se han facturado en nuestro país en años. Al reunirlos en un único volumen podemos valorar la evolución y valor del trabajo de algunos de nuestros grandes artistas recientes (Alberto Vázquez, Félix Díaz, Sascha Hommer, David Rubín o Martín Romero). Ernesto Bruno

La extraña historia de la isla Panorama Suehiro Maruo Glenat (11114)

Hacía tiempo que demandábamos una nueva dosis de Maruo. Este trabajo nos lo devuelve en todo su esplendor, menos explícito en la habitual exhibición de atrocidades pero igualmente perverso, delirante en el uso de la plumilla y buscando inspiración en el manierismo y el simbolismo rococó de Böcklin. Definitivamente, el nipón juega en otra liga. L. J. M.

espués de un par de números dedicados al cine de terror y fantástico de España y del Reino Unido, dos entregas obligadas para repasar la historia del cine de género en esos dos países, la revista de cine Quatermass entrega su obra definitiva con esta “Antología del cine fantástico italiano”, un volumen completísimo, casi de lujo, que ha costado sudor y lágrimas tirar para adelante. “Es difícil transmitir las complejidades que implica una comunicación directa con docenas de profesionales de todo el mundo, cada uno en su propio idioma y su problemática particular. Me he sentido un poco como el ‘padre’ de todos, equilibrando el enfoque profesional con altas dosis de comprensión. Y ni te cuento lo que ha supuesto localizar a los cineastas entrevistados, seleccionar el ingente material gráfico, unificar criterios de todo tipo… Han sido unos años de auténtica locura, en los que el ejemplar crecía día a día, con vida propia, exigiendo más

entrevistas, más artículos, más imágenes, más películas…”. Quién contesta nuestras preguntas es Javier G. Romero, coordinador y responsable máximo de esta locura genial que es Quatermass. Una revista que ha apostado, en los últimos números, por el cine de género hecho en Europa. “El cine de género europeo es, actualmente, un gran desconocido, sobre todo para los cinéfilos más jóvenes. Y reserva grandes sorpresas. La producción, en las décadas de los sesenta y setenta, fue inabarcable, e insólito el mestizaje temático: España, Italia, Alemania, Francia, rodando películas de piratas, westerns, bélicos, de aventuras coloniales… géneros que hasta entonces les eran ajenos. Y el fantástico, claro, cuya visión violenta, sensual, macabra, trascendía, mediante una furiosa y morbosa personalidad, propia del temperamento latino, para entendernos, frente al enfoque más cerebral del cine norteamericano”. ■ Xavi Sánchez Pons

Piltrafilla

Tamara Drewe

Víctor

Después de descubrir las relaciones de Brown con sus novias y con sus mascotas, La Cúpula nos brinda la oportunidad de descubrir cómo fueron sus inicios en el mundo del cómic y cómo se enfrentó a una molesta enfermedad. El tono cambia respecto a obras como “Torpe” (menos emotivo, menos lastimero), subrayando con humor cada uno de los pasos de su trayectoria. Joan S. Luna

Tras la excepcional recreación de “Madame Bovery”, Posy Simmonds vuelve a la carga con idénticas coordenadas narrativas (a caballo del cómic y el libro ilustrado) y similares obsesiones temáticas: la campiña inglesa es el escenario en el que se teje una intrincada red de relaciones amorosas y sexuales en las que el engaño campa a sus anchas. L.J. M.

Uno de los creadores de DKiller Panda, Juan Rubí, se ha lanzado a ilustrar una historieta con uno de sus personajes más emblemáticos. Para ello se ha juntado con Robin Wood, un guionista olvidado por completo, autor de “Nippur” o “Gigamesh”. Víctor es un pequeño mago gafado que investigará el porqué de la tristeza de su ciudad sin lograr que nos interese mucho la historia. Eduard Tuset

Jeffrey Brown La Cúpula (1111)

Posy Simmonds Sins Entido (11114)

Robin Wood y Juan Rubí Planeta DeAgostini (11)

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /59/ MONDORECOMIENDA)

LA ENTREVISTA

LIBROS

LOS CLIPS DEL MES

◗ The Unfinished Sympathy “Homedrunk” (1114) Los catalanes The Unfinished Sympathy juegan a ser Gorillaz de animación más que correcta en la que, además de interpretar el tema, nos cuentan la historia de un aparentemente demoníaco protagonista con menos suerte en la vida de la merecida.

Nostalgia de Charlie Parker

Robert George Reisner Global Rhythm (1111)

La turbulenta existencia de uno de los gigantes del jazz, el añorado Bird, es relatada en esta obra (original de 1962) por algunos de los que más cerca la vivieron. Miles Davis, Max Roach, Charles Mingus y un largo etcétera de protagonistas, profundizan en la personalidad del genio hasta trazar prácticamente un perfil psicológico. Excelente. Xavier Llop

◗ Fabio & Glitter Klinik “Celebritis” (114) McNamara y la banda de Luis Miguelez. El resultado conecta con la estética, filosofía del grupo y sobre todo con la canción, con la esperada y necesaria carga de humor kitsch.

El niño criminal

Jean Genet Errata Naturae (1111) Los elementos biográficos fundamentales para enfrentarse a la figura y obra de Jean Genet son tratados en sendos relatos contenidos en este pequeño libro. “El niño criminal” supone una inmersión en el mundo de los correccionales de menores, un espacio en el que Genet pasó buena parte de su adolescencia. “Fragmentos” por su parte incide en su particular visión de la homosexualidad. Aun hoy se recomienda usarlo con cuidado. L. J. M.

Los trapos sucios Mötley Crüe y Neil Strauss Es Pop (11114)

Si aún existe quien considera a las bandas de sleazy angelino de los ochenta una panda de maricas, está claro que es porque no se ha atrevido a leer “Los trapos sucios”, sin duda uno de los libros indispensables para adentrarse en un auténtico universo de “sexo, drogas y rock’n’roll”. De todo encontrarán aquí, en grandes cantidades y bien revuelto, resumiendo un estilo de vida realmente salvaje. Joan S. Luna

Yo, Curtis Garland Gallardo Muñoz/Troya Morsa (1114)

Al tiempo que publica “La conjura”, Juan Gallardo Muñoz nos descubre sus memorias, dejando atónito a cualquiera que le preste atención. Más conocido como Curtis Garland, el catalán escribió una media de cuatro o cinco novelas pulp al mes durante años, firmando en total más de dos mil entre distintos géneros (western, ciencia ficción, terror...). Descubrir cómo lo hizo es incluso más sorprendente que la cantidad en sí. Ernesto Bruno

Chris Ware

genio de genios Sumergirse en cada uno de los cómics del estadounidense Chris Ware supone una aventura compleja, pero muy gratificante. La complejidad visual de su propuesta y su particular universo emocional le han convertido a pulso en uno de los artistas más grandes del momento. “Catálogo de Novedades ACME” (Reservoir Books, 09) no hace sino subrayarlo.

no podrá conectar con el trabajo de Chris Ware o no, pero su valor y la profundidad de la propuesta justifican hasta el último segundo que le dediquemos a cada uno de los volúmenes de su “ACME Novelty Library”, a su clásico “Jimmy Corrigan, el chico más listo del mundo” (Planeta DeAgostini, 04) o este “Catálogo de Novedades ACME”, editado a nuestro país en una lujosa edición que mantiene hasta el más mínimo detalle del original. Porque Chris Ware es, sin lugar a dudas, uno de los grandes genios de la historieta moderna. Cada página, cada viñeta, cada apunte es una obra maestra en si misma y un ejercicio de sabiduría visual e histórica sorprendente (Ware recupera y reinventa la herencia de clásicos del cómic como McCay o Herriman) a unos centímetros de distancia de la perfección absoluta. “Ahora mismo busco la mayor claridad visual posible con lo que los argumentos (que también son claros) sean tan fáciles de seguir como yo pueda conseguir. Esa perspectiva es simplemente una elección artística; otro dibujante podría elegir que sus sentimientos influyeran en las imágenes a la hora de dibujarlas (por ejemplo dotando al dibujo de un tono más expresivo)”. Ware convierte su cómic en mil cosas al mismo tiempo. En una misma obra nos enfrentaremos a la frustrada vida de Rusty Brown, a los conflictos entre padre e hijo de Big Tex o a un sinfín de falsos e irónicos anuncios publicitarios, textos satíricos influidos por las revistas de décadas pretéritas . Eso sí, Ware nunca busca la pirueta visual por el hecho de regodearse, ni siquiera parece interesado en influir demasiado a la hora de conseguir que nos sumerjamos en

el mundo de sus protagonistas o en el ritmo al que disfrutaremos de sus viñetas. “No quiero impresionar a nadie con piruetas o con complejidad simplemente por hacerlo. Lo único que intento es reflejar la forma en la que la mente –o mejor dicho debería decir ‘mi mente’- conecta y guarda las experiencias (...). Por otro lado, estoy intentando articular el ritmo y el flujo de vida con tanto cuidado y sutileza como me sea posible, lo cual viene muy relacionado con mi forma de entender el cómic. Veo una página como una especie de partitura de pianista que el lector debe seguir a la velocidad a la que se sienta más cómodo. Me horroriza pensar en alguien insistiendo en cada aspecto de lo que hago”. Y no esperen paródicos personajes autobiográficos (aunque el propio autor aparezca en alguna historieta de la “ACME Novelty Library”), musculosos superhéroes o protagonistas caricaturescos. La gente que el americano dibuja es cien por cien humana, con su calvicie, sus cuerpos imperfectos, sus indecisiones, sus traumas y sus mezquindades. “Los cómics de superhéroes americanos son una amalgama estereotipada de mentiras anatómicas sobre el cuerpo humano y no tengo absolutamente ningún interés en tener nada que ver con un lenguaje visual falso. Al mismo tiempo, intento dibujar las cosas tal y como las siento o como las recuerdo, no necesariamente como las veo o como me gustaría que fueran (lo cual, pensándolo bien, puede ser un acercamiento muy útil si se maneja de forma adecuada)”. ■ Joan S. Luna

◗ Fever Ray “When I Grow Up” (11114) Enigmático hasta lo indecible, el nuevo clip de Fever Ray sorprende por su excelente y cinematográfica puesta en escena, por su calidad, por su espectacularidad. No esperábamos menos, pero la sueca se ha superado a si misma.

◗ Patrick Wolf “Vulture” (111) Patrick Wolf va un paso más allá en su provocación, demostrando no cortarse un pelo al mostrarse con una estética y actitud cien por cien fetish y rubber, situándose visualmente en algún lugar entre NIN o los Visage más oscuros. Adiós a los tabúes.

◗ Love Of Lesbian “Cuestiones de familia” (111) Facturado a partir de imágenes de archivo rescatadas de viejas cintas de Super 8 de familias muy distintas, lo logrado de este clip son los rótulos que van dirigiendo la historia y sobre todo narrando todos aquellos detalles que se esconden detrás de cualquier familia.

◗ The Lions Constellation “Kiss Me” (111) The Lions Constellation son un grupo revivalista y como tal se sacan de la manga un clip que rinde tributo también a la estética más shoegaze que recordemos. Luces estroboscópicas, muchas sombras y una estética entre The Jesus And Mary Chain, Spacemen 3 y The Telescopes. n

MondoSonoro · Julio-Agosto 2009 /61/ mondomedia

CONEXIONES Junto a Vaquero llegaron a la final Adrian Carrasco (Málaga), Artur Cabanas (Barcelona), David García (Gijón) y Oscar Garrigues (Valencia). ◗ Los murcianos Second han sido elegidos para apadrinar la categoría “Pop” en el primer Concurso de Nuevos talentos organizado por el canal de televisión Cuatro. “Rodamos”, incluido en el álbum “Fracciones de un segundo”, es el tema elegido como sintonía para el spot. ◗ Tommy Hilfiger anuncia el lanzamiento de una colección de camisetas -en total seis modelos diferentes para mujer y hombre- en edición limitada bajo la etiqueta de su línea de ropa más joven Hilfiger Denim y en colaboración con el artista Saiman Chow, que ha realizado los seis artes finales exclusivos que podrán verse en la colección a partir del mes de julio. Saiman Chow se ha convertido en un artista del collage que cita como fuentes de inspiración los mangas, el anime y la cultura pop japonesa. Nacido en Hong Kong, actualmente reside en Brooklyn donde tiene su estudio y donde experimenta constantemente con el color y la mezcla de texturas, desde acrílico o acuarela al diseño gráfico por ordenador.

◗ El concurso on line lanzado el pasado mes de marzo por la línea femenina de Quiksilver para encontrar embajadora española, llega a su fin. Muchas han sido las candidatas pero solo diez han obtenido el favor del público, convirtiéndose en las finalistas de este original concurso. Entra en http://quiksilverwoman.blogspot.com y accede al foro que han creado para escuchar tu opinión sobre las candidatas. Cantantes, Dj’s, escritoras, bloggers, diseñadoras, pintoras… todas esperan convertirse en la nueva imagen de Quiksilver.

◗ Por quinto año consecutivo, la Red Bull Music Academy ha vuelto al festival Sónar. Y es que durante el festival la Academy se ha hecho cargo de la programación de SonarDôme, escenario al aire libre de Sónar de Día, donde presentó a más de veinte artistas, incluyendo a Hank Shocklee de Bomb Squad, Jamie Woon, Goldie Locks, Mr. Hudson o Culoe de Song. Además, se acaba de abrir el plazo de inscripción para aquellos músicos que deseen participar en la próxima edición de la Red Bull Music Academy, que se celebrará en febrero y marzo de 2010 en la ciudad de Londres.

◗ Los bilbaínos Zodiacs son los encargados de poner banda sonora a la campaña publicitaria veraniega de Fanta con la canción “Con poco me lo monto”, incluida en su último disco “3,2,1…”. ◗¿We Are Standard, MTV, Vueling y Custo dentro de un avión? Pues más o menos, porque a partir de hoy We Are Standard son protagonistas de uno de los dos aviones con los que Vueling pretende cambiar la forma de concebir los viajes, aunando diseño, moda y música a treinta mil pies de altura. Gracias a los acuerdos con MTV, Custo y Vueling, un avión denominado Play Rock con diseño exterior de Custo recorrerá hasta el final del verano España, Italia, Francia y Portugal con un canal dedicado en exclusiva a We Are Standard. ◗ Javier Vaquero, guitarrista barcelonés, fue el ganador de la segunda edición del concurso para guitarristas Yamaha Guitar Hero 2. Tras una dura labor, el jurado -en el que figuraba entre otros el guitarrista norteamericano Check Loeb- decidió que la fusión de jazz y flamenco y la excelente técnica de Vaquero fuera la ganadora de los cinco mil euros en guitarras Yamaha.

Le Grant Foto Albert Jodar

◗ El jurado de la segunda edición del concurso de maquetas Levi’s Live Unbuttoned, formado por miembros de MondoSonoro, Levi’s, Myspace, Nublo, Rolling Stone y Go Mag, ha declarado a los barceloneses Le Grant ganadores del concurso en una final en la que también participaron la Orquesta De La Primera Luz Del Día, Iba Andando, Algora y Nito Niko. En los diferentes conciertos que se han llevado a cabo en los últimos meses para seleccionar a los finalistas hemos podido pudo disfrutar del directo de Love Of Lesbian, Delorean, Cohete, Extraperlo, Lori Meyers, We Are Standard, The Baltic Sea y Catpeople, esto es, un verdadero “quién es quién” de la música independiente nacional.

Tommy Hilfiger

◗ La PAE (Plataforma de Autoeditores), asociación cultural sin ánimo de lucro de la que forman parte músicos como Ani Difranco, Kiko Veneno o Boikot, inicia una nueva etapa en la que podrán asociarse todos aquellos músicos que autoediten o autofinancien una parte o la totalidad de su trabajo, ya sea a través de sello propio o mediante cualquier otro canal. De esta manera la Plataforma de Autoeditores amplía sus perspectivas, para convertirse en una plataforma representativa de todo un sector profesional, la autoedición musical, y así defender sus derechos, promover su labor, establecer redes de colaboración y situar a los músicos autoeditores en un punto de referencia del panorama cultural de nuestro país. Más información en www.autoeditor.org. ◗ Outerspace es el espacio Sneaker & Street dentro de The Brandery, salón de moda que pasará por Barcelona del 7 al 9 de julio, un escenario muy especial que recogerá totalmente el pulso de la calle con varios apartados diferenciados. Entre ellos destaca la Sneaker Expo, una muestra con más de seiscientas sneakers de coleccionistas de todo el mundo que se presenta en exclusiva y primicia en Europa, además de otras zonas dedicadas a bloggers, revistas street... y por supuesto la zona de stands más comercial con las marcas más importantes del sector. ◗ Jeremy Jay, The Secret Society, Oneida, Black Lips, Los Punsetes, Tokyo Sex Destruction o A Certain Ratio fueron algunos de los artistas que durante el pasado Estrella Damm Primavera Sound Festival se acercaron a la pequeña carpa Ray-Ban Unplugged a interpretar sus canciones en formato semi acústico y, de paso, probarse unas gafas de esa misma marca. Tampoco faltaron artistas de renombre en la carpa de Myspace, en la que actuaron grupos estatales como Love Of Lesbian o Manos de Topo y nombres internacionales como Kitty Daisy & Lewis, que interpretaron sus piezas ante unas pocas decenas de afortunados.■

Nacho Vegas, Russian Red, Manos de Topo, , La Casa Azul, La Bien Querida, Prin La La, Klaus Kinski, Abraham Baba, Depedro, Cooper... Artíf ices y herederos del pop-rock de los 90, ahora su música resulta alternativa hasta en el precio.

MONDOWEB

/62/ Julio-Agosto 2009 · MondoSonoro

POR TORQUE MONDITO

ecía Celia Cruz que “la vida es un carnaval”. Y eso que ella nunca pasó por el Primavera Sound, algo que, visto lo de Neil Young en el presente año, posiblemente habría terminado por ocurrir de no haberse muerto hace cosa de un lustro. El mejor ejemplo de que la salsera mayor tenía razón es la nómina de plumillas de esta revista, tipos (y tipas; que las féminas, aunque menos en número, tampoco se salvan…) despreciables que hacen honor a los peores tópicos asociados al gremio de periodistas musicales. No hay hábitat en el que se muevan más cómodos y saquen lo peor que anida en su interior que un festival de gran tamaño. Sólo había que verles deambular hace unas semanas por el citado Primavera Sound, hinchados como pavos con su pase de prensa a primera hora y arrastrándose a cuatro patas a partir de la media noche: Don Disturbios, Xavi Sánchez Pons, Luis J. Menéndez, Joan S. Luna… a cada cual más borracho. ¿Se imaginan ustedes llegar mañana a su puesto de trabajo con una melopea de escándalo? Pues esos señores lo hacen. Y así les salen luego las críticas que les salen, claro. Para ellos la vida es un carnaval permanente, y las salas de conciertos su particular Río de Janeiro. Por fortuna, y como a todo cerdo le llega su San Martín, los lectores de la revista ya les van calando y se dan cuenta de que la mayor parte de los textos dependen básicamente del momento químico que vive el organismo del crítico en cuestión. Por ejemplo, es más que probable que, a tenor de lo que nos dice Diego Vallejo en su correo, Don Disturbios acudiera al concierto de Wilco en Barcelona con una resaca del copón. Y claro, entre eso, y que (vamos a decirlo ya) los de Jeff Tweedy están lejos de ser la alegría de la fiesta, al Dondi le salió una crítica furiosa

en la que decía cosas como “¿Se han acomodado Wilco? Definitivamente sí” o “El concierto fue insoportable para nadie que no conozca sus canciones al dedillo y no sea un joven viejuno prematuro”. Pero dejemos que sea Diego quien defienda el honor de los estadounidenses. “Vaya por delante que soy la persona más intolerante cuando uno de mis grupos me falla. Vaya por delante que estoy de acuerdo en CASI toda la crítica del disco que Dondi ha hecho de ‘Wilco (The Album)’. Pero pienso que la crónica del concierto del Auditori es una resbalón muy gordo. Sí, quizá en el del Razz hace dos años yo también disfruté más (quizá es una cuestión de continente y no de contenido), pero el del jueves pasado fue un conciertazo. Imagino que a Dondi, los adjetivos ‘formidable’, ‘privilegiados’, ‘antológico’ o ‘emocionante’ que otros medios de comunicación otorgaron al concierto del jueves en Barcelona, le parecieron exagerados. A mí no. Pero de ahí a ‘rock cuarentón’... Os lo digo (y espero que duela): cuando el principal defecto de Pitchfork es ser más papistas que el papa, y todo lo que no sea ‘alternativo-experimentalnoise-raro’ ya no vale, y se contagia a medios como el Mondo, mal vamos. Y decidle de mi parte a Dondi (ojalá tuviera su mail, para discutir en el más sofista de los sentidos, claro) que cuando me traiga un grupo delante que sea capaz de hacer lo que ha hecho Wilco en TODA la gira española, que caeré rendido a sus pies. Y My Morning Jacket no vale, que les vi en el Madison este fin de año, y la verdad es que en directo son jodidamente brutales...”. La verdad es que no sé cómo se va tomar todo este asunto Don Disturbios, sobre todo la comparación entre MondoSonoro y

Pitchfork. A él, que se le llena siempre la boca criticando la actitud indie en grupos, sellos y medios especializados... Además, por aquí, en la redacción de la revista, tenemos mucha curiosidad por conocer cuál va a ser su evolución como crítico musical ahora que definitivamente parece haberse decidido a “matar al padre”: ¿Dejará Don Disturbios de escuchar a la Creedence y le dará por el dubstep? ¿Reconocerá al fin que My Bloody Valentine les daban mil patadas a esos jevis de palo que fueron Pearl Jam? ¿Se enrocará en su defensa del mestizaje piesnegrista? Por aquí ardemos en deseos de conocer las respuestas a todas estas preguntas. Entretanto nos entretenemos posando nuestros ojos en otra polémica que ha tenido lugar en Internet estos días, y que, aunque relativa al mundo del cómic, perfectamente puede ser extrapolable al de la música. El caso es que el dibujante Sergio Bleda, autor de “El baile del vampiro” y desde hace unos años trabajador infatigable para el mercado del cómic internacional, la ha liado gorda al publicar en su blog un texto titulado “Intrusos” en el que hace referencia a la cantidad de dibujantes de cómic de nuestro país que no viven de este medio, sino que lo compaginan con otras actividades profesionales que son las que realmente les sirven de sustento. A continuación transcribimos algunos de sus comentarios: “Esta situación es, en gran parte, la culpable de que, la gente como yo, que realmente vive de escribir y dibujar tebeos, tengamos que aprender idiomas y trabajar para editoriales extranjeras. Evidentemente yo no soy quien para frenar la creatividad de la gente. Hay quien dedica su tiempo libre a hacer tebeos y eso es algo que me parece estupendo. Genial, ¡en serio! Algunos son incluso muy buenos. […] El problema no es ese. El problema viene cuando van a las edi-

el 95% DE LOS guiris que pasaron por barcelona a finales de mayo se sumaron a la celebración del triplete del barça

toriales españolas y se prestan a trabajar gratis o por muy poco dinero. Después de todo, ellos no viven de esto. Y como su ego está satisfecho y se ha creado, incluso, un pequeño, pero animoso, grupete de incondicionales en la blogosfera que le pide más y más, repiten. Y luego, otra vez, y luego otra... Si realmente es un hobby que regalen su trabajo. Que se lo regalen a su vecina, o a su puta madre, que seguro que piensa, además, que es el aficionado a los tebeos más guapo que ha existido nunca (es su madre, ¿qué va a decir?). Como digo, el problema no es que dibujen en su tiempo libre o que escriban guiones. Por mí pueden dibujar lo que les dé la gana o conectarse las pelotas a una batería de coche, si eso les hace felices. El problema es que trabajan gratis para unos editores que no querrán pagarme a mí por realizar un trabajo profesional, porque ya hay alguien que se lo hace gratis. A un funcionario con su nómina, su trabajo fijo, y sus vacaciones pagadas, que dedica su tiempo libre a escribir o dibujar historietas por cuatro duros se le llama ‘artista’. Yo lo seguiré llamando esquirol”. n

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