Nº 175 MONDO SONORO JULIO/AGOSTO 2010

Julio-Agosto de 2010 nº 175

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MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

ARCADE FIRE

LOS BIEN QUERIDOS

CRYSTAL CASTLES

GUERRILLA ELECTRÓNICA NOTHINK

SIEMPRE FUERTES Y ADEMÁS ESTE MES...

DEPEDRO • HOWE GELB • HARLEM • SURFER BLOOD • BIG CITY • CHEMICAL BROTHERS • IMPERIAL STATE ELECTRIC • ED HARCOURT • DAMIEN JURADO TOUNDRA • IVÁN FERREIRO • MICAH P. HINSON • LA TROBA KUNG-FÚ • JAMES YUILL • THE JIM JONES REVUE • THE MAGIC NUMBERS • FESTIVALES

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MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /5/

staff

sumario

29 Nothink

Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinadora web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com)

Espíritu adolescente

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com ◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación Xavier Puigbó (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 ◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479 ◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 ◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Maria Llorente(maria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 915 400 055 Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marta Terrasa, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

NOTICIAS

entrevistas

vinilos

6. DePedro en LIPA 7. Las alegrías de Córdoba 8-9. Festivales 2010

27. Crystal Castles Metiendo miedo 29. Nothink Espíritu adolescente 30. Arcade Fire Edificios en ruinas

45. La Troba Kung-Fú Disco del mes

mondofreako 11. Harlem 12. Surfer Blood 13. Big City 14. James Yuill 16. Imperial State Electric 17. Ed Harcourt 18. The Magic Numbers 20. Toundra 21. Damien Jurado 22. Iván Ferreiro 25. Micah P. Hinson

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Itzbi Solís que prefiere pintar a trabajar ”

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

Conciertos 33-38. San Miguel Primavera Sound, Rock In Rio, Sónar 2010, VI Caixa Sabadell Etnival, Europavox: 2010

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57. Cine: Tommy Wirkola 58-59. Mondo Recomienda 61. Conexiones

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Nothink Foto Toni Villen

◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

TAN lejos... ◗ EDWYN COLLINS tendrá nuevo disco para este 2010. Se trata de “Losing Sleep”, un trabajo que será editado el próximo 13 de septiembre y que presenta una nómina de músicos invitados de aúpa: Johnny Marr, Alex Kapranos y Nick McCarthy de Franz Ferdinand, Romeo Stodart (cantante de The Magic Numbers), Roddy Frame de Aztec Camera y The Drums, entre otros.

Howe Gelb y Raimundo Amador Foto Archivo

NOTICIAS /6/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro

◗ El mundo del metal perdió a uno de los nombres más destacados de los últimos diez años, nos referimos a PAUL GRAY, bajista y cofundador de Slipknot, una de las bandas más importantes del nu-metal. Gray fue hallado muerto en una habitación de hotel el pasado 24 de mayo y todo apunta a que su muerte se debe a una sobredosis de drogas y alcohol. ◗ KLAXONS han anunciado los detalles de su nuevo disco, la esperada continuación de “Myths Of The Near Future”, editado ya hace más de tres años. El nuevo trabajo de los ingleses se titula “Surfing The Void”, ha sido producido por Ross Robinson (Limp Bizkit, Korn, At The Drive-In, The Cure) y verá la luz el próximo 23 de agosto. ◗ THE VASELINES presentan su primer trabajo de estudio con canciones nuevas desde 1989. “Sex With An X” ha sido producido por Jamie Watson, y presenta a los dos líderes originales de la banda, Eugene Kelly y Frances McKee, dos miembros de Belle & Sebastian, Stevie Jackson y Bob Kildea, y el batería Michael McGaughrin. El disco se edita el 14 de septiembre vía Sub Pop.

!!! Foto Archivo

◗ !!! vuelven a dar señales de vida, tras la trágica muerte de su batería, Jerry Fuchs, el pasado 2009, con el anuncio de los detalles de su esperado nuevo álbum. La banda estadounidense ha titulado su nuevo trabajo con el nombre de “Strange Weather, Isn’t It?”, y tiene prevista su fecha de edición para el 23 de agosto.

Las alegrías de Córdoba Esta historia trata sobre cómo un cowboy solitario llamado Howe Gelb publica “Alegrías” (Eureka, 10), su nuevo disco, apoyándose en el flamenco y en una banda de gitanos cordobeses.

E

s difícil resumir una charla con Howe Gelb (Giant Sand), porque es un gran conversador.

Le gusta hablar, incluso siendo una entrevista de promoción y conferencia de larga distancia.

Empezamos hablando de su contacto con la música flamenca. “La primera vez fue probablemente a finales de los setenta, primeros ochenta. No fue flamenco exactamente. Mi amigo Rainer, al que hemos dedicado este disco, me solía pasar música. Un día me dijo: escucha esto.

Eran dos temas de flamenco, aunque yo no tenía ni idea de lo que era. Noté que el guitarrista tocaba con las uñas. Qué demonios es eso, le pregunté... Ya de forma más seria, lo siguiente fue un disco de Tomatito. Giant Sand y Tomatito compartíamos discográfica, y los de promoción me dieron un puñado de discos, entre ellos el que me llevé al desierto. Eso fue en el año 88 u 89. Me fui una temporada a vivir al desierto, en medio de ninguna parte…

Pero sólo me llevé tres discos, de Miles Davis, Tom Waits y Tomatito”. Es cosa del duende. ¿Has sabido explicar el significado de “duende” a tus amigos y colegas americanos? “Traté de explicarlo (risas), y me dijeron lo de la persona pequeñita… Lo cierto es que aquí no mucha gente sabe lo del duende gitano”. Raimundo Amador y lo que se llama en este álbum A Band Of Gypsies –un puñao de músicos de categoría- colaboraron con Howe por mediación de Fernando Vacas (Flow, Russian Red), productor paciente de este disco, “recordobado” en tandas que aprovechaban las giras del músico de Arizona por nuestro país y sus escapadas a una azotea de la ciudad de Córdoba.

“El final del disco es una manera de resumir todo el proyecto. Yo pienso en las tres últimas canciones como el cierre de una jam session mágica con gitanos, realizada en Córdoba. La forma de irme de la ciudad se ve en esos tres temas. La primera marca el final de la sesión.

Festivales en Portugal

◗ ISOBEL CAMPBELL y MARK LANEGAN han confirmado los detalles del que será su tercer disco juntos (a editar este mes de agosto). El álbum llevará por título “Hawk”, y ha sido producido por uno de ellos, la escocesa Isobel Campbell. Una de las novedades que presenta es la colaboración especial del apreciado cantautor norteamericano Willy Mason. ◗ IRON MAIDEN vuelven a la carga este mes de agosto (concretamente el día 16) con un nuevo trabajo. Se trata de “The Final Frontier”, un álbum producido por Kevin “Caveman” Shirley (habitual colaborador de la banda británica), grabado en los míticos Compass Point Studios de Nassau.

Iron Maiden estarán en España el próximo 21 de agosto en Valencia. ◗ PHIL SELWAY, conocido por ser el batería de Radiohead, debuta en solitario el próximo 30 de agosto con “Familial”. El disco, que ha sido producido por Ian Davenport en los Courtyard Studios (la base de operaciones habitual de su banda madre), cuenta con un buen número de colaboraciones destacadas: Lisa Germano, Glenn Kotche (batería de Wilco) y Sebastian Steinberg (Soul Coughing). ■

Luego viene ‘Leather’ –ese temazo que ya grabó con aquella otra formación de recreo llamada OP8, con Lisa Germano, Burns y Convertino– con apenas un cajón de acompañamiento. Me voy quedando solo, poco a poco, en esa azotea. En la última canción estoy tocando completamente solo. La fiesta se ha acabado”.

“Alegrías” no es un disco con etiqueta, no es fusión, no es rock ni flamenco. Es música infinita surgida de un encuentro, es una búsqueda de inspiración con final feliz. “El problema de hacerse mayor y escuchar música, música que ya has escuchado durante tantos años, es que cada vez hay menos y menos fuentes que te inspiren.

Buscando inspiración, la puedes encontrar en la misma voz de siempre, o en un blues clásico, aunque algo nuevo, desconocido, quizá te ayude más… Es lo que me pasó a mí con la forma de tocar la guitarra de estos gitanos. Es tan inspiradora… Jamás había escuchado una guitarra sonar tan próxima. Esa excitación, emoción, es tan grande, que siendo además nuevo para mí, y viendo que ellos lo hacen de manera tan natural, me dio alas para seguir trabajando”. ■ Luis Argeo

Beck Foto Archivo

Si no tienes suficiente con la sorprendente cantidad de festivales que se van a celebrar durante los próximos dos meses en tierras españolas, siempre puedes ampliar un poco tu radio de acción y pasarte por alguno de los eventos más importantes de Portugal. Entre los más destacados están el Super Bock Super Rock (del 16 al 18 de julio en Meco-Lisboa; con Pet Shop Boys, Vampire Weekend, Cut Copy, Beach House, The National, Sharon Jones, Prince…); el Sudoeste TMN (del 4 al 8 de agosto en Zambujeira Do Mar; con MIA, Flaming Lips, Massive Attack, Jamiroquai…); el Marés Viva (del 15 al 17 de julio en Cabedelo; con Guns N’Roses, Placebo, Ben Harper, Gorillaz, Editors…) o los también populares Optimus Alive! (Lisboa) o Paredes de Coura (del 28 al 31 de julio), con carteles también plagados de nombres destacables. n

Beck sigue adelante con su Record Club Beck lanzó hace unos meses un proyecto original y divertido en el que el músico se encierra junto a otros artistas para reinterpretar íntegramente un disco, sin haber ensayado previamente. Record Club es el nombre de la peculiar iniciativa en la que ahora participa Thurston Moore, guitarrista de Sonic Youth y Tortoise para interpretar un disco todavía no anunciado. Una nueva sesión que, en cuanto finalice, podréis escuchar en la página oficial de Beck. Además de Moore, por el Record Club ya han pasado artistas como Liars, MGMT, Little Joy o Wolfmother. Hasta el momento Beck ha colgado el material correspondiente a los discos “The Velvet Underground & Nico”, “Oar” de Skip Spence y “Songs Of Leonard Cohen”. Ahora mismo está presentando las canciones de “Kick” de INXS, grabadas junto a Liars, St. Vincent y Os Mutantes. Más información en: www.beck.com/recordclub/ n

Gorillaz Foto Archivo

DePedro Foto Archivo

MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /7/ NOTICIAS

TAN cerca... ◗ RAMÓN RODRÍGUEZ más conocido como The New Raemon no para quieto. Y además de seguir editando referencias de su proyecto más exitoso a la velocidad de la luz, ahora escribe y dibuja. Junto a la ilustradora Cristina Bueno han lanzado una página web llamada “El sonido afecta”, en la que muestran sus interpretaciones de las portadas de sus discos preferidas a modo de dibujos. ◗ “Romancero”, el primer álbum de LA BIENQUERIDA se publica ahora en México en la recién estrenada filial Elefant Records México y en Estados Unidos en el reconocido sello de música latina Nacional Records.

Además, Ana Fernández Villaverde se encuentra ahora de promoción al otro lado del Atlántico. Este mes de julio viajará a New York para promocionar la salida del disco y para participar en directo en el LAMC (Latin Alternative Music Conference).

Color Humano Foto Archivo

En septiembre nuevo disco de Color Humano Desde hace unas semanas ya puedes disfrutar en la red de “Limite du Possible“ y “Todos hijos” los dos primeros singles de ”Madiba”, el nuevo y esperado trabajo, tras una década de inactividad, que Color Humano están finalizando, y que verá la luz durante el próximo mes de septiembre. Por eso un equipo de Mondo TV se desplazó hasta el estudio que el sello Kasba Music tiene en el barcelonés barrio de Sants, para mantener una entrevista (que ya está disponible en nuestra web) con Jose “El kapel” (voz y guitarra) y Stephne Laidet (bajista), y en la que nos cuentan cuáles fueron los condicionantes que provocaron la reunión de una de las bandas pioneras en lo que a sonidos mestizos se refiere en la Ciudad Condal… “En diciembre del año pasado Rubio, el guitarrista de Color Humano, nos propuso hacer un concierto benéfico para un amiga que estaba muy necesitada. Ensayamos un poco e hicimos un Apolo. A raíz de esto recibimos unas cuantas llamadas interesándose por si la banda se había vuelto a reunir… Empezamos a hacer bolos y vimos que seguíamos teniendo convocatoria, que la gente no se había olvidado de nosotros y en otra reunión decidimos seguir y hacer un disco nuevo”. n Don Disturbios

◗ WE ARE STANDARD publicará un disco de remezclas después del verano. Por el momento el avance llega de la mano de John Talabot, una de las grandes revelaciones de 2010. También participarán en este disco como remezcladores los barceloneses The Requesters y los internacionales In Flagranti, David E Sugar (del sello Kitsuné), CFCF y otros que el sello Mushroom Pillow promete anunciar pronto.

The Divine Comedy Foto Tom Sheehan

DePedro en LIPA Tuvimos la oportunidad de seguir a Jairo Zabala hasta el Reino Unido, concretamente hasta la ciudad de Liverpool.

La intención era asistir a la colaboración entre el Liverpool Institute For Performing Arts y Artistas en Ruta, protagonizada por el cerebro de DePedro.

D Lüger Foto C. Esteban

Segunda edición del Monkey Week Este pasado mes se presentó la que será segunda edición del Monkey Week (Muestra Internacional de Música Independiente), a celebrar en la localidad andaluza El Puerto de Santa María entre los días 8 y 12 de octubre. Se trata de un evento destinado sobre todo a profesionales del mundo de la música (promotores, sellos, artistas, periodistas, etcétera) con debates, mesas redondas, meetings y conciertos de nombres tan atractivos y referenciales como los de Faust y Rhys Chatham, o más jóvenes como los de Chrome Hoof, Triángulo de Amor Bizarro o Lüger. Por otro lado y destinado a todo tipo de gente, habrá más de cincuenta showcases de bandas emergentes de la escena independiente (incluyendo un escenario MondoSonoro), en el que el público podrá descubrir nombres para el futuro y los sellos potenciar sus nuevas apuestas. Más detalles en: //monkeyweek.org ■

esde hace once años el Liverpool Institute For Performing Arts (LIPA) lleva a cabo una colaboración con Artistas en Ruta (AIE) a través de la cual se invita a un músico español a realizar un concierto con algunos alumnos y una posterior gira por nuestro país. Jairo Zabala al frente de su cada vez menos nuevo y más interesante proyecto, DePedro, fue el elegido en esta ocasión. Con una semana por delante, siete jovencísimos estudiantes se lanzaron a la aventura de preparar un repertorio desconocido. (Jairo) “Los ensayos han sido muy muy intensos. Desde el primer momento me sorprendió su permeabilidad… la progresión era de pasos de gigante cada día, pero estaban preparadísimos. Han asumido la responsabilidad de trabajar con un artista profesional y han conseguido defender muy bien las canciones, no sólo musicalmente (algunas no son nada fáciles de tocar), sino en actitud. Se han adaptado perfectamente a un idioma que no

es el suyo y no están nada asustados por la gira”. El nivel era espectacular y nadie hubiera podido decir que no eran una banda profesional. Además, contaban con un hándicap añadido: ninguno podría tocar el instrumento que más dominaba. Aunque la mayoría de ellos tienen una formación clásica previa, el programa de estudios favorece este tipo de colaboraciones en la que, básicamente, aprenden a buscarse la vida.

Tibi, una de los tres afortunados alumnos becados por AIE, tuvo claro que LIPA era su única opción: “Me he especializado en música moderna. Yo toco el violoncello, que no es algo muy común, así que decidí venir aquí. La forma que tienen de enseñar es preguntándote qué quieres hacer y dándote las herramientas necesarias para ello. Yo soy cellista clásica, y ésa es toda la formación que podía conseguir en España. Todos los años se presenta muchísima gente de todo el mundo y cogen a muy poquitos”.

■ J. Batahola

◗ No podemos dejar pasar la oportunidad de destacar la programación del festival Heineken Jazzaldia, que se llevará a cabo durante los días 21 al 25 de julio en DonostiaSan Sebastián. Y es que, este año, además de los nombres recomendables procedentes del mundo del jazz, el cartel se completa con artistas como The Pains Of Being Pure At Heart, The Divine Comedy, Patti Smith, Elvis Costello, These New Puritans, Mayer Hawthorne... ◗ La BLOGOTHEQUE ha fijado sus ojos en España. Y el primer grupo seleccionado han sido Delafé y las Flores Azules, quienes protagonizan tres clips. No os perdáis a la banda actuando por las calles de Barcelona y sorprendiendo a la gente a su paso. De momento ya se puede disfrutar del vídeo de “Espíritu Santo”. Por otro lado, rodarán un documental completo sobre Standstill. ◗ XOEL LÓPEZ (Deluxe) aprovechará su estancia en Argentina para tocar por toda América y grabar un documental de la experiencia. Todo esto terminará en una exclusiva gira a finales de octubre en España, que se llamará “La Caravana Americana”, en la que Xoel tocará con muchos de los artistas que ha ido conociendo al otro lado del charco. Las paradas de su aventura tendrán lugar en Montevideo, Buenos Aires, México DF, San Francisco, Santo Domingo… ◗ La final del FESTIVAL LAGARTO ROCK se celebró el pasado 12 de junio y el resultado fue el siguiente: El primer premio de 6.000 euros recayó para los almerienses Ortofálico Chisme. El segundo premio, valorado en 1.500 euros, fue para los valencianos The Welcome Dynasty. Y el tercero, 600 euros, para Anika Sade de Barcelona. ■

festivales 2010 ❱〉 Aquasella Durante dos días Asturias vuelve a ser uno de los protagonistas de la escena electrónica –junto a Sónar, Monegros o Creamfields-, gracias a una nueva edición del Aquasella, que viene marcada por nombres de primera categoría que deleitarán al público con una larga lista de propuestas centradas en los beats bailables. Destacar las actuaciones de Svent Väth, Pascal Arbez, Vitalic, Dave Clarke, Dubfire, Luciano, Luke Slater, Obi, Surgeon, Chusso, Reeko, Rob Hall, Robert Hood o los asiduos al festival como Óscar Mulero, entre muchísimos más. www.aquasella.com

Dave Clarke

❱〉 Castillo de Aínsa

Manic Street Preachers

❱〉 Bilbao BBK Live No podemos dejar de apreciar el que un festival como el Bilbao BBK Live, que se llevará a cabo durante los días 8, 9 y 10 de julio, en el espacio Kobetamendi (Bilbao), sea capaz de mirar al pasado, al presente y al futuro del rock alternativo con el mismo respeto y admiración. Por su parrilla pasarán artistas de contrastada trayectoria junto a grupos relativamente nuevos o algunos con apenas unos años en activo. La lista va de Rammstein a Pearl Jam, pasando por Slayer, Rise Against, Faith No More, Alice In Chains, Manic Street Preachers... www.bilbaobbklive.com

❱〉 Faraday 2010 Se trata de una cita altamente apreciada y más bien íntima, sobre todo si la comparamos con festivales como el Cruïlla o como el Contempopránea. Aunque el Faraday sí que puede competir con estos últimos en cuanto a contar con un cartel nada despreciable, que incluye a artistas internacionales como Clem Snide, The Wedding Present, Errors o Jeff Tweedy (Wilco). Además, una lista de artistas locales como Maika Makovski, Mujeres, Los Punsetes o El Petit de Cal Eril, se suman a los ya confirmados Is Tropical, Abraham Boba, Delco, Hello Cuca, Louis Eliot & The Embers y muchísimos otros más. El Faraday 2010 tendrá lugar 2, 3 y 4 de julio en Vilanova I la Geltrú (Barcelona). Los abonos ya están a la venta a un precio de 65 € más gastos y desde 25 a 45€ para las entradas de día. www.faraday.tv

The Wedding Present

Deftones

Muchachito

Digitalism

❱〉 Creamfields Una vez más la Playa de las Guardia sde El Ejido, Almería se llenará de fanáticos de la electrónica, locales y turistas que disfrutarán de los pesos pesados de la escena el próximo 14 de agosto. A un ya nutrido cartel se le añaden las más recientes confirmaciones de Orbital, 2ManyDjs, Skream vs Benga y Ángel Molina.

Estos últimos se suman a los artistas ya anunciados como Vitalic, Benny Benassi, David Guetta, John Digweed, Erol Alkan, Digitalism, Crookers, Wally Lopez o Cristian Varela. www.creamfields-andalucia.com

❱〉 Benidorm Low Cost

Klaxons

❱〉 FIB Heineken Decir que la Costa del Azahar y Benicàssim en particular será tomada por los británicos entre el 15 y el 18 de julio quizás sea una exageración, pero el cartel está bien nutrido de nombres procedentes de las islas. Basta ojear la programación: The Prodigy, Kasabian, Leftfield, Dizzee Rascal, Gorillaz, The Cribs, Dj Shadow, Echo & The Bunnymen, Foals, Goldfrapp, Hot Chip, Ian Brown, Klaxons, Benga o Calvin Harris. A todos ellos, sumen un montón de artistas de diversas procedencias, mezclando lo internacional, como los americanos Vampire Weekend o Broken Bells, hasta los españoles Ilegales y The Sunday Drivers, que despiden sus carreras en el FIB. www.fiberfib.com

❱〉 Sonisphere Después del éxito del pasado verano, con Metallica al frente y en el barcelonés Fórum, llega la segunda edición del Sonisphere, que viene cargada de nombres apetecibles, pero que cambia de ubicación, trasladándose a Madrid (recinto Getafe-Open Air) durante los días 9 y 10 de julio. El último grupo en sumarse es Sôber, que completan un cartel que anteriormente había confirmado a última hora las actuaciones de Porcupine Tree, WASP, Annihilator y Anathema. A estos, se le suman una larguísima lista de nombres de primera división del metal, representados por grupos como Faith No More, Rammstein, Slayer, Alice In Chains o Deftones, entre otros. es.sonispherefestival.net

El Festival Internacional de Música Castillo de Aínsa, en Huesca, llega a su edición número diecinueve y lo hace con un cartel que combina diversas actividades, con artistas de lo más variopinto, que se pasarán por allí durante todo el mes de julio. Así, tendremos la oportunidad de ver a Porretas, Siniestro Total, Reincidentes, Estopa, Los Inhumanos, Boikot, Lilith, Pereza, El Vicio del Duende, Manolo Kabezabolo, Saratoga, Koma, Lujuria, Su Ta Gar, Barón Rojo, Obús, The Bon Scott Band, Melendi, La Pegatina, Chico Trujillo, Muchachito Bombo Infierno o Morodo entre muchos otros. www.festivalcastillodeainsa.com

No puede haber mejor idea para relanzar Benidorm hacia un público joven que montar un festival en condiciones, con nombres interesantes para los aficionados a la música y con una entrada a precio reducido. Y eso es precisamente lo que busca el Benidorm Low Cost, que se llevará a cabo en el Parque de l’Aigüera de la población durante los días 23 y 24 de julio. Los cabezas de cartel serán Placebo, Editors, The Raveonettes y Vive La Fête, aunque la lista de nombres que les acompaña cuenta con propuestas tan atractivas como las de These New Puritans, 1990’s, Lori Meyers, Los Planetas, Love Of Lesbian, Adam Green, Arizona Baby, Hola A Todo El Mundo, Memory Tapes, Niños Mutantes y muchos otros, además de diversas sesiones de Dj’s. Más información en www.lowcostfestival.es

The Raveonettes

Patti Smith Foto Archivo xxxxxxxxxx

❱〉 La Mar de Músicas Del 24 al 29 de julio, la localidad de Cartagena acogerá la edición número dieciséis del festival La Mar de Músicas. Este año el principal protagonista es Colombia, país invitado que aportará parte de los nombres que actuarán. Otros artistas destacados, procedentes de diversos países, son Salif Keita, Melody Gardot, Kronos Quartet & Alim Qasimov Ensemble, Dirty Projectors, Balkatalan Experience, Afro-Cubism, Toumani Diabaté, The Very Best, Bomba Estéreo, Youssou N’Dour, Rupa & The April Fishes, Patti Smith, Diego El Cigala, Gotan Project, Macaco, Aterciopelados, Marta Wainwright o Toto La Momposina, entre muchos más. www.lamardemusicas.com

❱〉 South Pop Isla Cristina

Standstill

❱〉 Sonorama Ribera Desconectar en verano siempre ha sido una tarea fácil; las terracitas, el sol, las cañas e irremediablemente la playa. Pero para todos los que en pleno mes de agosto no puedan disfrutar de la costa, llega una nueva edición del Sonorama Ribera, que se celebrará los días 12, 13 y 14 de agosto en Aranda de Duero (Burgos). Algunos de los artistas que actuarán en la vigésimo tercera edición del festival son Brett Anderson, Los Planetas, Loquillo, Los Punsetes, Love Of Lesbian, Sidonie, Delorean, Arizona Baby, The Raveonettes, Sidonie, Soul Tellers, L.A, Nudozurdo, Estereotypo, Fernando Alfaro, The Right Ons, Tachenko, Hola A Todo El Mundo, Niño y Pistola, Standstill, The New Raemon o Layabouts. www.sonorama-aranda.com

Cada vez son más los que prefieren festivales de menor tamaño, pero en emplazamientos cómodos y disfrutables.

Bien, pues el andaluz South Pop Isla Cristina es uno de los que anda a la cabeza en este tipo de propuestas. Durante los días 10 y 11 de septiembre, Isla Cristina (Huelva) acoge este evento ideal para tomárselo todo con calma. Eso sí, eso no significa que sus responsables descuiden el cartel, todo lo contrario. En esta edición podremos disfrutar de los conciertos de The Whitest Boy Alive, The Radio Dept, We Have Band o Sad Day For Puppets entre los conciertos internacionales, y Dorian, Hidrogenesse o The Baltic Sea entre los estatales. www.southpopfestival.com

We Have Band

The XX

❱〉 Vigo Transforma Vigo pedía a gritos una oportunidad para acomodarse en el circuito de festivales internacionales musicales, así es como nace el Vigo Transforma, un evento que busca la continuidad y que apuesta por un cartel de lo más atractivo. Las actuaciones y las diversas actividades se desarrollarán desde el 2 hasta el 10 de julio, en diversos escenarios (uno de ellos dedicado a los grupos Demoscópicos de MondoSonoro), y contarán con nombres tan atractivos como los de Orbital, The XX, Standstill, Devendra Banhart, Jeff Tweedy, The Divine Comedy, Love Of Lesbian, Fanfarlo, Miike Snow, Triángulo de Amor Bizarro, Os Mutantes, Polock, The Morning Benders, Delafé y las Flores Azules, Fischerspooner y otros. www.vigotransforma.com n

❱〉 Cruïlla Pasar un verano en la ciudad ya no tiene por qué ser motivo de flagelación, si se tienen en cuenta propuestas tan atractivas como la tercera edición del Cruïlla. Esta nueva edición, que tendrá lugar el próximo 16 y 17 de julio en el Fórum de Barcelona, llega con las actuaciones Ben Harper & The Relestless7 junto a otros nombres que abarcan desde el pop, el rock, el reggae o la world music. Macaco, Love Of Lesbian, The Wailers, Femi Kuti & The Positive Force, La Kinky Beat, Albert Pla y Los Sujetadores, Muchachito, Eli “Paperboy” Reed... www.cruillabarcelona.com

Ben Harper

❱〉 Electromar

Richie Hawtin

❱〉 Electrobeach Prácticamente un mes después de que se lleve a cabo el Low Cost Festival, la población de Benidorm acogerá un nuevo evento que responde al nombre de Electrobeach, con garantía Electrosonic. Durante los días 26, 27 y 28, la localidad se convertirá en un escenario ideal para bailar a lo largo de horas sin descanso en sesiones diversas, escenarios en la playa y fiestas especiales. Los nombres que se han anunciado hasta el momento como anticipo de su programación son Carl Cox, Richie Hawtin, Sven Väth y Cristian Varela. www.electrobeachfestival.com

❱〉 Monegros Desert Fest Vuelve a la carga el Monegros Desert Fest, como no podría ser de otra manera, con veinte horas de música ininterrumpida que ofrecerá una muestra muy diversa de géneros como el dubstep, techno, hip-hop, breakcore, drum & bass y mucho más. Busta Rhymes ha sido uno de los últimos cabezas de cartel en incorporarse a la decimosexta edición del festival, que tendrá lugar el sábado 17 de julio en Fraga (Huesca). El “gangsta rap old school” de Rhymes compartirá escenario con el regreso de CPV, SFDK o la imparable Mala. En la sección electrónica destacan Pendulum, Laurent Garnier, Jeff Mills, 2ManyDj’s, Digitalism, Marco Carola, Paul Ritch y Richie Hawtin. Las entradas ya están a la venta en las redes habituales. www. monegrosfestival.com

Pendulum

ToteKing

Josh Wink

Teenage Fanclub

❱〉 Espantapitas

/Playmusic Festival Uno de los festivales andaluces más queridos, el Experiencia Espantapitas, inicia una nueva etapa bajo el nombre de Playmusic Festival para presentar una jornada de conciertos muy especial. La cita será el 7 de agosto en la localidad almeriense de Campohermoso (Níjar, Cabo de Gata) y la programación es más que sólida. Encabezada por Teenage Fanclub, el cartel se completa con Rinôçérôse, Iván Ferreiro, Ellos... www.espantapitas.com/

❱〉 Rototom Sunsplash

Lagwagon

❱〉 Resurrection Por si alguien dudaba del estado de forma del hardcore, aquí está la nueva edición del festival Resurrection, que se llevará a cabo durante los días 29, 30 y 31 de julio en el Campo de Fútbol Viveiro (Lugo).

A lo largo de esas tres jornadas, se sucederán los conciertos del género, basculando entre lo más melódico y lo más bruto. Lagwagon y Sick Of It All son los cabezas de cartel, pero la programación anda sobrada en nombres atractivos como No Use For A Name, Gallows, Converge, Raiser Fist, Enter Shikari, Cro-Mags, Catch 22 o otros. También habrá sonidos más metálicos como los de Down, Vortice, Municipal Waste o Kylesa. www.resurrection-fest.com

❱〉 Zaragoza Ciudad Nach, ToteKing, VKR, Juaninacka, Frank T, Darmo, Iván Nieto, Dani Ro y Sharif son algunos de los nombres más destacados del cartel del Zaragoza Hip Hop Festival 2010, uno de los festivales del género más queridos por la muchachada española que este año se celebra en la capital aragonesa los días 2 y 3 de julio. El Zaragoza Ciudad, además de esas actuaciones, presentará también otras actividades, como la exibición de graffiti, el Escenario Underground y la exibición de breakdance. El bono de dos días vale 30 euros anticipada (40 si lo compras en taquilla), y las entradas sueltas de día 20 (25 si las compras el mismo día del concierto). Más información en www.hiphopzaragozaciudad.com

Los festivales a la vera del mar tienen algo que los hace diferentes al resto. Uno de ellos es el Electromar 2010, que este año se celebra el sábado 7 de agosto en Playa Honda de la Manga del Mar Menor (Murcia), en plena Costa Cálida. Como siempre la programación hace especial hincapié en la música electrónica más variada, esa que va del tecno más puro, al electropop más fresco y desenfadado.

Ahí van algunos de los nombres del cartel: Josh Wink, Zombie Nation, Oxia, Pablo Bolívar, Tadeo, Alexander Kowalski, Danna Leese, Audiofly, Delorean, The Leadings, David Bordalás... www.electromarfestival.com

El Rototom Sunsplash sigue aportando más novedades para la primera edición que se celebrará en nuestro país, el próximo 21 de agosto en Benicàssim. Una semana de lo mejor del reggae internacional, además de contemplar otros estilos como el dub, el ska o el dancehall. Sugar Minott, uno de los grandes exponentes de la música jamaicana, acaba de confirmar su presencia sumándose así a los nombres ya confirmados como Alpha Blondy, Big Youth, Morodo, Busy Signal, Anthony B, Marcia Griffiths, Vibronics o Thunder Clap. Además de los grandes artistas, hay propuestas alternativas como las del Lion Stage, escenario por donde desfilarán los talentos emergentes. El festival presenta durante toda esa semana una serie de actividades complementarias. www.rototomsunsplash.com

Sugar Minott

White Lies Foto Archivo xxxxxxxxxx

❱〉 Santander Amstel Music El festival Santander Amstel Music sigue confirmando artistas que pasarán por el escenario de la Magdalena los días 23 y 24 de julio. Tres nuevas bandas se incorporan a esta propuesta enmarcada enla Semana Grande de la ciudad. White Lies y The Wave Pictures son las nuevas sorpresas que la organización ha preparado para esta tercera edición del Festival. La escena de Cantabria no podía obviarse y Sparkpet será uno de los representantes de la región. Estas tres bandas se suman a un nutrido cartel confirmado con las actuaciones de Belle & Sebastian, The Dandy Warhols, Vive la Fête, La Habitación Roja, Sidonie, Delorean, Dorian o We Are Standard. www.santandermusic.es

❱〉 Pirineos sur

Love Of Lesbian

❱〉 Festivales del Ebro Las mejoras que se llevaron a cabo en Zaragoza a propósito de su Expo han servido, como el paso del tiempo está subrayando, para que despeguen un mayor número de actividades culturales, que se engloban bajo el nombre oficial de Festivales del Ebro. Así, nos encontraremos con una larga lista de propuestas que nadie debería dejar pasar y que se extenderán hasta finales de agosto. Entre otros estarán Muchachito Bombo Infierno, Ben Harper, Love Of Lesbian, Los Planetas o Sidonie (Anfiteatro Ranillas), el festival Zaragoza Ciudad, los acústicos de Eric Fuentes o Le Vian Sonore (Le Pastis) o conciertos diversos dedicados al mundo del folk, el flamenco o el cabaret. www. zaragoza.es/ciudad/actividades/festivales/

No va a ser ni la primera ni la última vez que describamos al Pirineos Sur como uno de los mejores ejemplos de diversidad cultural que se llevan a cabo en nuestro país.

La edición de este año, a celebrar en Lanuza/Sallent de Gállego (Huesca) desde el 8 al 25 de julio, no es más que un subrayado más. Y es que la selección de artistas participantes (argentinos, mexicanos, colombianos, peruanos, africanos, españoles…) lo deja claro: Molotov, Fito Páez, Albert Pla, Los Amigos Invisibles, El Gran Silencio, Pernett, Aterciopelados, Totó La Momposina, Howe Gelb & The Band Of Gypsies, Rachid Taha, Calle 13, Toumani Diabaté o Novalima. www.pirineos-sur.es

Calle 13

Joe Crepúsculo

❱〉 Contempopránea Para empezar, no olvidemos que son quince los años que el Contempopránea cumple en esta edición.

Durante los días 22, 23 y 24 de julio, Alburquerque (Badajoz) se convertirá en uno de los centros estatales del indie. Y lo conseguirá gracias a un cartel que recoge a buena parte de los grupos fundamentales de la escena estatal actual, con la suma de dos invitados especiales, The Pains Of Being Pure At Heart y los renacidos The Primitives. Estos dos grupos encabezan un cartel que se completa con Delorean, La Habitación Roja, Dorian, Love Of Lesbian, Tachenko, Joe Crepúsculo, Annie B. Sweet, Hola A Todo El Mundo, Sidonie, Maga, Klaus & Kinski y un largo etcétera. www.contempopranea.com n

MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /11/

MONDOFREAKO

Harlem Foto Pooneh Ghana

Harlem

Fiesta en el garaje Son guarretes, divertidos y no se toman demasiado en serio a sí mismos. Harlem son la clase de grupo que debería dedicarse a tocar exclusivamente en fiestas de cumpleaños y “Hippies” probablemente sea el disco más cachondo que hayas escuchado en bastante tiempo.

”

Está siendo una gira bastante loca”, comenta Curtis O’Mara sobre las vicisitudes del primer tour europeo de Harlem, la banda que formó en Tucson junto a su amigo Michael Coomers y que acaba de convertirse en un grupo de moda gracias al contagioso y entusiasta “Hippies”, un tratado sobre cómo superar el rechazo amoroso a ritmo de rock de garaje.

“Coomers y yo llevamos mucho tiempo tocando juntos. Harlem nació hace unos tres años. Desde que montamos el grupo no hemos parado de dar conciertos por todo Estados Unidos”. Acabaron instalándose en el corazón del país, en la modesta Austin, Texas, que resulta ser una de las ciudades con mayor tradición musical de todo el continente. Escuchando sus canciones uno diría que fueron allí a buscar a su padre, Daniel Jonston, pero no es así.

“Desde ahí resulta fácil moverte hacia una u otra costa del país. Y hay un montón de lugares en los que tocar”.

Porque básicamente esa es la filosofía: tocar,

tocar y tocar. De la misma forma que musicalmente podríamos resumir sus coordenadas en diversión, diversión y más diversión. Harlem son la clase de grupo que te hará bailar sobre la mesa del comedor o que vas a odiar porque te parecerán triviales y estúpidos. “La intención era escribir canciones pop”, según O’Mara.

“Lo que pasa es que cada vez nos salen más rasposas”. Lo curioso es que hablamos de dieciséis canciones que en el fondo tratan de cosas tristes: el amor es algo jodido a veces.

Pero ellos han encontrado una forma de darle la vuelta a todo el dolor y furia homicida que uno siente cuando le rompen el corazón y le dejan con cara de panoli y salir bailando del lodo. “La inspiración... Solemos escribir sobre las relaciones, cosas que nos suceden y sobre las que a veces no es sencillo escribir. Sí, las letras son divertidas, tienes razón. Porque no queremos ser demasiado serios. Es aburrido. Cuando voy a un concierto no me gusta plantarme ante un tío que se dedica

a llorar durante cuarenta y cinco minutos”. ”Ya no tocamos en garajes, ahora tocamos en bares...”, bromea el tipo cuando le preguntas por sus influencias –“Rubber Soul” aparte- y la nueva ola de grupos rockeros americanos que parecen haber vivido un par de años en una cabaña en el bosque con sólo el recopilatorio “Nuggets” a mano. “No hacemos garage rock, hacemos bar rock. O house party rock.

Tocar en fiestas privadas es incluso más divertido que tocar en bares”. De hecho,

salón de su casa, algo que forma parte del encanto de “Hippies”, aunque en realidad fue grabado en el estudio The Distillery, en Costa Mesa, y por el que han pasado grupos como The Black Lips y The Horrors. “Ayudó el hecho de que el estudio donde grabamos el disco no era un estudio al uso. Es un sitio maravilloso en el que puedes encontrar todo tipo de aparatos extraños como un amplificador hecho a base de transistores viejos”. “Tiene cientos de cacharros”, confirma O’Mara. “Estuvimos

"La intención era escribir canciones pop... Lo que pasa es que de cada vez nos salen más rasposas" O’Mara asegura que durante la grabación del disco se inspiraron en The Beatles y su “Rubber Soul”, que es la clase de disco que nadie cita cuando se habla de “Hippies”. “Fue casi lo único que escuché durante la grabación del disco. No digo que quisiéramos sonar así”.

“La filosofía del disco era no complicarnos mucho la vida”, explica Jose Boyer, bajista del grupo y el último en entrar en Harlem. “Solemos componer en el salón de casa, los tres tocando a la vez, y queríamos trasladar al disco ese espíritu”. De hecho, el disco suena literalmente como si lo hubieran grabado en el

un mes y medio jugando con todo aquello y grabando canciones”. “En Matador todavía deben estar arrepintiéndose de habernos ofrecido un contrato”, sentencia finalmente Boyer, riéndose. Por lo que parece todo en el mundo Harlem es susceptible de ser tomado a broma, incluso cuando a unos tipos tan metidos en la dialéctica loser/nerd las cosas les salen bien. En Matador pueden darse con un canto en los dientes. ■ Joan Cabot “Hippies” está publicado por Matador/Popstock!

(MONDOFREAKO /12/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

Surfer Blood Foto Ian Witlen

Surfer Blood

En la cresta de la ola Salidos de West Palm Beach, Florida, y con un sonido en el que el patchwork cae del lado de los noventa, Surfer Blood presentan un soberbio primer álbum que les ha situado entre los hypes americanos con más sustancia. “Astro Coast” es uno de los estrenos del año, y ya van.

A

estas alturas, el ardor con el que muchos escriben sobre debuts como el de Surfer Blood debería despertarnos poco más que recelos y excepticismo. Pasamos por un momento en que los medios de todo tipo se dan codazos para llegar los primeros y colgarse la medalla de descubridores del grupo del momento, arrastrando a fans e industria en la carrera.

Así las cosas, la mejor opción es la cuarentena: dejar que pase la ola y esperar a ver qué marca ha dejado en la arena. Incluso entonces, “Astro Coast” resulta un álbum soberbio. John Paul Pitts, cantante y guitarrista del joven grupo de Florida asume con naturalidad el hecho de que un disco grabado por ellos mismos sin excesivos recursos haya tenido esta trascendencia. “No sabíamos muy bien qué esperar. Grabamos el disco en mi casa, de hecho, en mi salón.

Durante el proceso estuvimos tan concentrados en ello que ni siquiera nos paramos a pensar en nada más”. Pitts y el batería Tyler Schwarz formaron lo que más tarde se convertiría en Surfer Blood en Orlando, donde ambos

ASI COMO SUENA

cursaron estudios universitarios. El guitarrista Thomas Fekete, el bajista Brian Black y el batería Marcos Marchesani se unieron poco después.

“Durante una noche de fiesta en Miami me encontré a Tom, Brian y Marco, a quienes ya conocíamos por su grupo Weird Wives, y, mientras compartíamos unas cervezas, nos propusieron hacer algo juntos. Tenían su propio grupo, pero Tom tenía la sensación de que ninguno de los dos proyectos iba hacia ninguna parte. Al principio pensé que era de esas cosas que uno dice mientras está tomándose una cerveza, pero tres días después Tom me llamó”. A partir de entonces las cosas han ido a una velocidad considerable, y más después de que en el CMJ de Nueva York. “También cuando nos juntamos las cosas surgieron de forma muy espontánea y natural entre nosotros”, comenta JP. En gran medida, “Astro Coast” funciona como corolario de muchas de las cosas que están sucediendo en este momento en el rock independiente americano: el retorno a las guitarras rugientes, ese sonido

Isa (Charades) Quizás Charades no sea uno de los grupos a los que solemos asociar con el virtuosismo instrumental, pero no cabe duda de que saben qué se traen ente manos.

Para demostrarlo, aquí tenemos a su guitarrista, Isa. ◗ Equipo de directo Un Vox AC30, una guitarra Rickenbacker, dos pedales de delay, un tremolo, uno de distorsión y un afinador.

A veces uso un chorus y un flanger que todo el mundo odia.

Isa (Charades) Foto Archivo

◗ ¿Qué importancia tiene experimentar con instrumentos nuevos?

sucio y algo saturado que se está imponiendo entre la generación del MP3 y los guiños al rock de los noventa. “Sí, me gustan Weezer, aunque no tanto y me hace gracia que siempre me pregunten al respecto. En cambio bandas como The Pixies y Dinosaur Jr. sí nos han influenciado mucho. Yo La Tengo también es un grupo muy importante para nosotros”. No inventan nada, pero a pesar de ello apuestan por un sonido personal. En su caso, esa personalidad está condicionada en parte por su procedencia, Florida, una zona dominada por

sas, así que tuvimos que ponerle imaginación y acabamos grabando algunas pistas de voz en el lavabo, donde conseguimos un sonido realmente especial. Imagínatelo en el baño grabando ‘Swim’. Daba un poco de miedo”. Como especial es el sonido del disco: abrasivo en más de un pasaje sin perder un ápice de gancho pop, en ese aspecto también recuerda a muchos de los experimentos que la escasez de medios forzó a pertrechar a toda una generación de grupos, dando además un papel protagónico a las guitarras. “No creo que el disco tuviera el

"The Pixies y Dinosaur Jr. sí nos han influenciado mucho.

Yo La Tengo también es un grupo muy importante..." la cultura del surf. “Supongo que la cultura de Florida está reflejada en nuestras canciones, pero no sabría decirte muy bien de qué manera”, responde. “Florida es un lugar bastante particular así que quizás me lleve años descifrar de qué manera influye en mis canciones. En cuanto al nombre del grupo, no creo que sea necesariamente irónico. De hecho, no tiene ninguna intención.

Simplemente se nos ocurrió un día y nos pareció un buen nombre”. ”Cuando empezamos a grabar”, explica Pitts, “no teníamos mucho dinero para permitirnos ciertas co-

Bastante. Me gusta probar, sobre todo pedales y modificar el sonido de la guitarra. También me gustan los cacharros de percusion y los sintes que usan mis compañeras. ◗ ¿Tienes todo el equipo necesario para conseguir que tus ideas suenen en estudio como quieres?

Sí, bueno me gustaría tener más pedales; me gustaría tener todos los Carl Martin y un Memory Man. Pero más o menos me apaño. ◗ ¿Qué diferencias existen entre tu equipo de directo y el que usas normalmente en estudio?

Prácticamente ninguna. Grabo con mi guitarra y mis pedales. Eso sí, el Vox que

mismo espíritu si lo hubiéramos grabado de otra forma. Además, soy bastante obsesivo en las mezclas. Podría estar mezclando durante años una misma canción. Nos sentábamos a mezclar con un paquete de cervezas y podíamos estar allí horas. Debe haber como cien cedés con diferentes mezclas del disco. Por otro lado estoy muy contento con el disco, es lo mejor que he hecho”.

■ Joan Cabot “Astro Coast” está publicado por Kanine/Houston Party.

utilizo grabando me lo presta Santi García y es del 66. ◗ Desde que empezaste como músico, ¿qué ha cambiado en tu equipo?

Empecé tocando una Les Paul Junior y un Fender y no llevaba ni un pedal, así que ha cambiado bastante. He tenido varias guitarras pero desde que tengo la Rickenbacker –desde hace 9 años- no quiero cambiar… me gusta muchísimo. ◗ ¿Compras material de segunda mano?

No, no soy una friki de los instrumentos ni estoy todo el día ”traficando” en Ebay. El mercado que hay es genial, hay de todo y la gente se pilla cosas increíbles. Pero yo con lo que tengo estoy contenta.

◗ Nos gustaría saber qué tres discos usarías como referencia por su sonido.

El primero de la Velvet tiene una producción increíble. El "Village Green Society" de los Kinks tiene una producción buenísima también, arreglos perfectos.

Y el primero de Os Mutantes. ◗ ¿Qué importancia crees que tienen los productores y los ingenieros?

Mucha: tienen que materializar lo que el grupo quiere expresar y eso es muy dificil. ◗ Cita a tres productores con los que te gustaría trabajar Santi García, George Martin, Todd Rundgren y Brian Wilson. ■

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“Yo no compro nada, los escucho todos ahí, en el Spotify” Bigott, en Efe EME

“He visto como pequeños duendes correteaban alrededor de mi cama” Dom Howard de Muse, en Q

“No tenemos amigos, ni salimos por ahí con nadie” Ethan Kath de Crystal Castles, en Dazed & Confused

Big City

“Siempre ha habido algo sexy en eso de ser anti-comercial” Thurston Moore de Sonich Youth, en NME

“Ya nunca escucho música indie. Es muy difícil sentir excitación por algo que ya sabes como funciona por dentro” Kele Okereke, en NME

“Me preocupan el paro, la crisis, lo de Grecia. Todos estos fenómenos de la tierra, lo de Haití, Chile, el volcán... La tierra se enfada” David Bisbal en el Magazine de la Vanguardia

ahora o munca Después de diez años, un puñado de discos y un montón de buenas canciones, parece que por fin la espera ha dado sus frutos y ha llegado el momento de Big City. Su nuevo disco, “Celebrate It All”, es la chispa definitiva que ha encendido el fuego de esta afirmación. Hablamos con Javi y Hugo, dos de los responsables de la banda.

“

’Celebrate It All’ es el mejor disco que hemos hecho hasta ahora”, apunta Hugo. La primera en la frente, claro, conciso, y con más razón que un santo. Big City lo saben, este es (hasta la fecha) su disco definitivo. “Para nosotros ha sido como echar el resto. Teníamos claro que había que seguir adelante pasara lo que pasara, lo veíamos como el ahora o nunca de Big City”. Pues bien, ni ahora ni nunca, sino siempre. Los zaragozanos han firmado un disco eterno repleto de hermosas canciones y ahora les ha llegado la hora de celebrarlo, tal y como reza el propio título del álbum. (Javi) “Mi madre decía que hay que celebrarlo todo, lo bueno y lo malo. Ahora que no está me doy cuenta de la razón que tenía. Este disco está dedicado a ella, y a todas las cosas buenas y malas que nos han pasado durante este tiempo”. En cuanto al cambio de discográfica (de Naked Man a I+D), parece que les ha sentado más que bien, por fin da la impresión de que su trabajo va a tener la repercusión merecida.

(Hugo) “Este cambio abre nuevas expectativas, nuevas esperanzas y una nueva energía que mantiene viva la ilusión de seguir trabajando como siempre, al margen de lo que nos depare el futuro”. Preguntados acerca de si el hecho de tener proyectos musicales paralelos al grupo puede llegar a mermar fuerzas o por el contrario enriquecer el imagi-

nario de cada uno, lo tienen muy claro. (Javi) “Big City es la madre nodriza, y el resto de proyectos no hacen sino enriquecer nuestra visión”. (Hugo) “Somos adictos a tocar, a ensayar, a grabar con quién sea y cómo sea. Todo contribuye a acercarte a la música desde nuevos ángulos”.

Admirados desde sus inicios por su sobresa-

Big City Foto Archivo

“Las chicas de mi banda me preguntan, ¿quién cojones son Oasis? ¿quién cojones son Blur?

Esa es la razón por la que las adoro. Son más de Motörhead” Mark E Smith de The Fall, en Clash

tiempo de tu vida a crear algo te hace sentirte bien contigo mismo y más unido al resto de la banda. Siempre se tiene la sensación de que estás aportando algo para los nietos y, modestamente, algo para la posteridad, algo que vivirá más que uno mismo”.

A pesar de que desde la crítica siempre se habla de que sus influencias son principalmente añejas, Javi y Hugo nos aclaran qué piensan que en ese punto no se les entiende mucho, ya que la gran mayoría de grupos que escuchan son nuevos. (Javi) “Hay grupos que han sacado grandes discos hace poco, como Beach House, The National o Foreign Born. Muchos de los grupos que más nos interesan son ac-

"Dedicar mucho tiempo de tu vida a crear algo te hace sentirte bien contigo mismo" liente cuidado del sonido, el grupo continúa por la misma línea de estilo, rozando la maniática perfección. (Hugo) “Los arreglos son menos que otras veces, pero más eficaces, más directos, y por lo tanto, mejores”. El hecho de ser una banda tan pulida y metódica, sobre todo en el aspecto instrumental, podría hacer pensar que son músicos que disfrutan más en el estudio que sobre un escenario, y en cierto modo, hay algo de verdad en esto. (Javi) “Tocar en directo te transmite unas sensaciones distintas que crear algo en un estudio, pero en ‘Celebrate It All’ el proceso de creación ha sido muy natural, saber que estás con los tuyos tocando en directo, con la cinta corriendo arriba en el control, es reconfortante”. (Hugo) “Dedicar mucho

tuales, desde Broken Social Scene a The Sea & Cake, lo que pasa es que sentimos la música como un proceso de creación muy orgánico, incluso a nivel ya de instrumento, y eso puede dar a pensar que sólo oímos a Neil Young y a Tim Buckley, pero no es para nada así”. Aclamados por la crítica desde sus inicios, con la humildad y la paciencia por bandera, Big City han dado el paso adelante definitivo para ganarse el favor del público e inscribirse dentro de la nómina del olimpo musical español. Ha llegado vuestro momento, ¿no creéis? (Javi) “Da un poco de vértigo decirlo, pero creo que sí”. ■ Daniel Arnal “Celebrates It All” está publicado por I +D.

(MONDOFREAKO /14/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

James Yuill Foto Archivo

James Yuill

Baile folktrónico El británico no ha aparcado su guitarra, pero en su nuevo álbum, “Movement In A Storm”, sus composiciones se han volcado más descaradamente a la pista de baile que cuando se nos presentó con su debut hace dos años.

S

u apariencia de nerd, de típico pagafantas que prefiere apoyarse en las barras antes que marcarse unos pasos en la pista de baile, sorprende al oír su segundo largo, “Movement In A Storm”. La base folk de su aclamado “Turning Down Water For Air” sigue palpándose, aunque a nuestro protagonista parece que le ha picado el gusanillo por acabar de explorar las grandezas del beat y ponernos a dar botes en la inmensidad de las luces de neón. Aprovechando su visita relámpago por España hablamos con él acerca del siempre dificultoso reto de lanzar un segundo largo, aquel que debe calar más que nunca entre sus seguidores para mantener la llama encendida. “Teniendo en cuenta que a la mayoría de la gente le gustó ‘Turning Down Water For Air’, las expectativas puestas sobre mi segundo disco son altísimas: tanto por mi parte como para mi manager y mi discográfi-

ca. Siempre, cuando un artista saca su segundo álbum, todos tienden a hacer comparaciones. Lo único que espero es que el público prefiera éste”, comenta a través del otro lado del teléfono tímidamente. ¿A qué se debe ese rumbo bailable de sus últimas canciones? “No creo que haya abandonado los parámetros de mi debut, pero ciertamente ha salido un disco más enfocado hacia el baile. El proceso de composición, de todos modos, no ha variado. La melodía es algo primordial para mí. Empiezo construyendo la línea melódica con mi guitarra y, después, es cuando entra en juego la programación.

Aunque no lo parezca, el laptop no es la base de estas canciones”, añade. “Durante el pasado año he estado machacando discos como ‘Happy Birthday!’ de Modeselektor, que de algún modo me han influenciado directamente a la hora de

potenciar los bajos e intentar transmitir un sonido más claro y directo”.

Durante 2009 Yuill no ha parado de presentarse en directo por buena parte del globo, alimentando el Juan Palomo que lleva dentro, dirigiendo él mismo, sin ningún tipo de ayuda externa, tanto su guitarra como sus coquetos laptops. “Han sido unos meses muy divertidos. A pesar de estar fuera

he podido hacer”. Antes de que se diera a conocer, el londinense se ganaba la vida escogiendo temas para spots televisivos. ¿En qué tipo de anuncio le gustaría ver una de sus creaciones? “Poner música a un producto es más difícil de lo que la gente puede llegar a imaginarse. Así, a bote pronto, no sé en qué tipo de marca me gustaría oírme, aunque sería algo maravilloso”.

"Si yo mismo decido todo lo que quiero hacer, las cosas me resultan más faciles" de casa durante una larga temporada al ver cómo el público disfrutaba en mis shows todo cobraba sentido”. El hecho de que lleve todas las riendas de su carrera, pasando por la autoproducción, ha sido una gran ventaja para su creatividad. “Si yo mismo decido todo lo que quiero hacer, las cosas me resultan más fáciles. Por este motivo fiché con el sello Moshi Moshi, ya que me dan una libertad total en mi trabajo. Desde pequeño soñé con vivir de la música, y gracias a ellos lo

Después de la ajetreada agenda de promoción y conciertos que se le avecina, ¿cuáles son los principales retos a los que se quiere enfrentar? “He decidido que en breve probaré de producir a otros artistas. Creo que este es el momento adecuado. Así que antes de que pueda arrepentirme de no hacerlo, me tiraré a la piscina”.

■ Sergio del Amo “Movement In A Storm” está publicado por Moshi Moshi/Nuevos Medios.

Imperial State Electric Foto Archivo

(MONDOFREAKO /16/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

Imperial State Electric

Rock del norte El rock escandinavo esperaba como agua de mayo los posibles movimientos alrededor de la figura de Nick Royale (ex The Hellacopters). Una vez escuchado el homónimo debut de Imperial State Electric lo subrayamos: Royale no podía fallarnos.

E

xpectantes por saber hacia dónde iba a dirigir sus pasos Nick Royale después de la apreciadísima aventura al frente de The Hellacopters o, mucho antes, como miembro de Entombed, descubrimos que “Imperial State Electric”, el debut discográfico de su nueva formación, no defrauda. Manteniendo su sello y combinándolo con la enseñanza de los maestros del rock y el power pop, Royale da un nuevo paso al frente. “Fue un proceso largo y tranquilo desde el momento en el que tuve el estudio listo, justo cuando empecé a grabar el álbum. Hubo que construir mucho, tender el cableado y aprender muchas cosas. En cambio, una vez solucionados todos esos aspectos técnicos, no le dedico mucho tiempo a grabar una canción. Soy muy impaciente y con dos tomas tengo suficiente. Me gusta esa forma de trabajar porque le da un punto de espontaneidad a lo que estás haciendo”. El suyo no es un cambio

radical, y manteniendo sus referentes habituales, les suma algunas melodías que beben del pop británico y el rock clásico americano, con referencias claras a The Byrds o The Beatles.

“No puedo decir que sea totalmente diferente, pero sí que hay ciertos cambios.

Pensé mucho en que debería hacer ahora, que no hubiese hecho antes con The Hellacopters. Todavía es rock’n’roll y sigo cantando y tocando la guitarra, pero las vibraciones y las sensaciones son diferentes. Al final, Imperial State Electric será lo que tenga que ser. Sabíamos que queríamos hacer un buen álbum de rock’n’roll y, en este caso, yo era el responsable en llevarlo adelante. No había nadie más que pudiese intervenir de forma decisiva.

Si, por ejemplo, quiero que en el futuro alguien cante en un disco, lo haré, y si no, no pasará nada. Ahora bien, aunque pueda sonar contradictorio, no quiero que Imperial State Electric sea algo que parta

solo de mi. Cuando nos veas u oigas, verás a una banda de verdad. No será un problema quién esté o no formando parte de ella”. Sobre eso, podemos apuntar que incluso ha vuelto a contar con Dregen (Backyard Babies), quien también formó parte de The Hellacopters en el pasado. “Ha habido gente que me ha ayudado a hacer el disco, y, sí, Dregen ha sido uno de los que se ha involucrado. Ha tocado guitarras y canta

tado a su tiempo. Cuando, antes del consabido revival, nadie daba un duro por el soul, firmó dos discos maravillosos al frente de The Solution. “No veo la posibilidad de hacer un nuevo disco de The Solution en un futuro próximo. Lo disfruté mucho, pero fue duro poder quedar y contar con todos los músicos al mismo tiempo. El hecho de que Scott Morgan viva en Estados Unidos, lo complica todo todavía más, pero

"Ha habido gente que me ha ayudado a hacer el disco, y, sí, Dregen ha sido uno de los que se ha involucrado" en ‘Throwing Stones’. Le pregunté si le apetecía y respondió que sí al instante.

Pasamos muy buenos ratos juntos hace años, por eso le ofrecí colaborar”.

Aunque subraye sus influencias, Nicke Royale no es un tipo inmovilista, de ahí que busque alternativas sonoras para su material. “Todo lo que escucho tiene una influencia sobre mi música. Puede ser soul, rock’n’roll, pop, country, hard-rock o lo que sea. Si es bueno, me gusta, y eso tendrá una importancia a la hora de componer”. De hecho, de alguna forma, Royale fue un adelan-

estoy muy orgulloso con lo que hicimos.

Me encantaría tocar soul otra vez cuando lo crea oportuno”. La guinda al pastel la han puesto sus actuaciones como teloneros de la gira europea de Kiss. “Es un orgullo para mí.

Kiss me introdujeron en la música cuando tenía siete años y todavía enloquezco al pensar en lo que consiguieron en los setenta”. ■ Toni Castarnado "IMPERIAL STATE ELECTRIC" ESTÁ PUBLICADO POR PSYCHOUT/SUFFER INC

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MV_Mondosonoro_mag quarta-feira, 2 de Junho de 2010 12:48:08

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /17/ MONDOFREAKO)

10

S

JIM JONES (THE JIM JONES REVUE) Jim Jones reivindica como pocos el legado del rock’n’roll más auténtico. Su fiereza recupera la energía desbocada de Little Richard o MC5, referentes que le llenan de orgullo. Pero hay más. Aquí nos los descubre.

Iggy & The Stooges “Raw Power (original Bowie mix)” (1973) La quintaesencia de todos mis elementos favoritos, todos juntos y describiendo un momento perfecto en el tiempo. Es oscuro y violento, es una criatura viviente. Acudo a este disco una y otra vez y me reactiva en muchos sentidos. No se me ocurre otro disco que hiera tan profundamente.

MC5 “Kick Out The Jams” (1969) Sangre, sudor y estilo. Hombres reales que luchan desde las entrañas contra todo aquello que se pone en su camino. Un escupitajo en la cara de la autoridad que se convirtió en la banda sonora de nuestra propia rebelión personal.

Jimi Hendrix “Are You Experienced” (1967) Un increíble hombre de otro planeta. Murió, pero nosotros seguimos aprendiendo de él. Todos sus discos son cool, pero prefiero su material más antiguo porque tiene algo más punk que el resto.

The Rolling Stones “Sticky Fingers” (1971) El más infravalorado (sic) grupo que ha existido en el mundo. Para mí, este disco representa a los Stones en su punto álgido.

The Cramps “Psychedelic Jungle” (1981) The Cramps siempre dibujan una sonrisa en mi cara, además de tener la fórmula más cool que existe para mostrarnos qué se ha estado escondiendo bajo el rock del rock’n’roll. Este disco tiene un aroma realmente sensual y las voces de Lux son fascinantes.

New York Dolls “New York Dolls” (1973) Un disco que destila carisma y actitud. New York Dolls están en la página uno del libro de lo cool y sin duda cambiaron mi vida.

Little Richard “Little Richard” (1958) ¡Auténtica dinamíta! Aquí se encuentra la fórmula para todo lo que vino a continuación en la música, además de la mejor voz de todos los tiempos. Este disco tiene todo lo básico para inspirar a cualquier banda.

Muddy Waters “Complete Chess Masters” (2004) La música de Muddy Waters está reflejada en un montón de recopilatorios, pero la mayoría de los que incluyen su viejo material para Chess son rematadamente cool. Lo cierto es que casi todo el catálogo de Chess es genial, pero Muddy es el padre.

Si tuviese que elegir algo que llevarme a una isla desierta, no cabe duda de que la música de Muddy estaría la primera de mi lista.

The Beatles “The White Album” (1968) Este disco reúne todo lo mejor de The Beatles, sólo que en su forma de expresión más oscura.

Lo adoro.

Elvis Preslesy “Elvis” (1956) Debes acercarte con precaución a sus bandas sonoras, pero más allá de ellas me gusta absolutamente todo el resto de su material. Este disco es un clásico y la reedición es genial, con un montón de material extra, singles, etcétera. Una vez más, otro gran artista de un planeta distinto. ¡El rey! ■

Ed Harcourt Ed Harcourt Foto Archivo

Jim Jones (The Jim Jones Revue) Foto Archivo

DISCO

renacimiento Tras liquidar su contrato con EMI, Ed Harcourt ha renacido de sus cenizas con un disco como “Lustre”, que le sirve para tomar aire e informarnos con orgullo de que está de vuelta.

E

n “Lustre”, Ed Harcourt parece plantearse una vida distinta, sin abandonar su personalidad. Da la impresión de que la ilusión le ha vuelto y que su capacidad para crear y componer hermosas canciones no ha desaparecido. “En 2007 hice un parón, necesitaba un respiro, pensar seriamente en cómo encauzar mi carrera. Me dediqué entonces a escribir para otra gente, a producir, estuve trabajando durante una temporada en Seattle. Quería ser autosuficiente y así financiarme por mi mismo, tener el control de todo. Comencé por crear mi propio sello, tras finiquitar mi contrato con EMI. Estar en una multinacional, al final fue como tener una soga ligada al cuello. Curiosamente, ahora empiezo a ganar algo de dinero, mucho más de lo que conseguía estando allí. Tengo además mi propio estudio a pocos metros de donde vivo en Londres, y esa posición es fantástica. Lo único que intento es ser feliz, estar muy ocupado, ser honesto conmigo mismo. Me analizo y miro de frente a mi carrera. Aún sueño con conseguir metas, crear algo interesante, pero sobre todo, y por encima de todas las cosas, estar satisfecho con lo que hago, tener la conciencia tranquila, saber que el trabajo está hecho”. Ed Harcourt es un músico con una personalidad acusada, una persona que en su sexta tentativa explora una vez más, algo común durante su carrera. “Antes de entrar a grabar no quise escuchar música

de nadie, no quería estar influido por nada ni nadie externo. Quizás este disco sea más country-soul, hay algo de Motown, utilizo el mellotrón, pero también hay algunos cambios, aunque al final las influencias están ahí siempre presentes, ya vengan del hip-hop, de Tom Waits o The Kinks. Todo esto me recuerda a un músico como Elvis Costello, alguien que no se casa con nadie, que tiene su propio estilo, pero que no es nada específico, un músico que picotea de todos los lados y no deja de

nuevo inicio en su carrera, no cabe duda de que “From Every Sphere” fue el trabajo que supuso un antes y un después en su trayectoria. En casos como el mío, aquella obra de Harcourt causó un impacto similar a cuando escuché por primera vez “Grace” de Jeff Buckley.

“Para mí es complicado elegir mi disco favorito. Eso sería como tener muchos hijos y quedarse solamente con uno.

Hay quien prefiere ‘Strangers’ o ‘The Beautiful Lie’. Con la perspectiva que me ha dado el tiempo, yo veo ‘From Every Sphere’, como una obra compleja, retorcida, un disco tremendamente triste y con mucha emoción. Probablemente fue el disco de un joven depresivo y atormentado”.

"Elvis costello picotea de todos los lados y no deja de aprender. Para mí es un buen ejemplo a seguir" aprender. Para mí es un buen ejemplo a seguir”. Costello sería una de sus pocas influencias británicas. Aunque sea inglés y residente en Londres, sus referentes se han situado siempre al otro lado del Atlántico, algo que por cierto siempre se ha encargado de difundir. “Como es lógico, en casa mis padres y mis hermanos escuchaban básicamente música inglesa, The Beatles sobre todo, pero yo me empecé a interesar por el trabajo de Johnny Cash, Bob Dylan, Harry Nilsson, Tom Waits y muchos otros, aunque nunca he intentado cantar como ellos. Ahora bien, realmente me interesa la música de cualquier lado, ya sea de Mali, Sudamérica o Suecia”. Si “Lustre” marca un

Otra de las debilidades de Harcourt es la obra literaria de J. D. Salinger, y aprovechando su reciente muerte, éste parecía un momento oportuno para preguntarle el porqué de su obsesión con el creador de “El guardián entre el centeno”. “Salinger fue único porque tenía un estilo diferente, era brillante y misterioso al mismo tiempo. Tenía su propia visión de las cosas. Con sus libros consiguió cambiar a una generación entera y otras como la mía empezamos a devorar su obra cuando aún estábamos en el colegio”.

■ Toni Castarnado “LUSTRE” está publicado por essential music/popstock.

(MONDOFREAKO /18/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

The Magic Numbers Foto Archivo

The Magic Numbers

En manos del tiempo Son una pequeña joya de la corona británica. Tras un largo descanso, The Magic Numbers regresan más maduros, más discursivos y con un indudable aire setentero. “The Runaway” es su tercer disco y la pieza necesaria para que les sigamos teniendo presentes.

I

rrumpieron como un soplo de aire fresco en 2005 con el lanzamiento de su primer álbum, de título homónimo, un trabajo que recuperaba y actualizaba el mejor pop de armonías de inspiración Costa Oeste. En 2006, casi sin concederse tiempo para digerir el éxito, lanzaron “Those The Brokes”, su continuación natural.

Una vez concluida la gira para ese disco, tras treinta y seis meses prácticamente sin parar, las dos parejas de hermanos que forman The Magic Numbers (Romeo y Michelle Stodart, Angela y Sean Gannon) decidieron tomarse las cosas con más calma. Tres años después llega “The Runaway”, un disco en el que el tiempo se hace notar. Desde las primeras escuchas, el nuevo álbum de The Magic Numbers busca no entrar de una patada en la puerta, sino hacerlo poco a

▲No tenemos claro del todo si merece un suben o un bajan, pero nuestro amigo Jónsi, acaba de sacarse de la manga una fórmula propia de chocolate artesano.

poco, suministrando el oxígeno. Sin ser un giro radical, se nota que hay un viraje hacia paisajes más sofisticados, más maduros y orquestados, aun sin perder la frescura que caracterizó las primeras grabaciones de la banda. “Puedes escucharlo muchas veces y encontrar cosas nuevas”, explica escuetamente Romeo, cantante y compositor del grupo. Junto a Angela, teclista y segunda voz, se encuentra en Madrid para promocionar el lanzamiento de “The Runaway”.

Ambos son todo cordialidad, pero han madrugado mucho y estamos en uno de esos días calurosos en los que cuesta remontar después de la comida.

“Hacia finales de 2007 terminamos de girar y decidimos parar para poder vivir un poco”, explica Romeo sin mostrar un ápice de ironía.

“Mi hermana tuvo un bebé, ahora es mamá.

▲ Sube el grupo murciano The Yellow Melodies, por haber compuesto y publicado la canción “Vamos a ganar el Mundial”.

También montamos nuestro propio estudio en Londres. Se necesita tiempo para eso. Es muy excitante sacar disco de nuevo, pero en realidad necesitábamos no forzar al tiempo”. Quizá el segundo disco llegó de una manera un tanto precipitada. Aunque las posiciones en las listas británicas y las ventas conseguidas invalidan este argumento, la idea que se tiene de The Magic Numbers es que sacaron un gran primer trabajo seguido de otro al que no se le terminó de prestar

te gusta porque tiene algo que te despierta curiosidad, pero luego tienes que pasar a conocerla y valorarla de verdad”, expone Romeo. Así, si el debut les salió sesentero, no hay duda de que en “The Runaway” hay algo del ambiente perfeccionado de los setenta, algo de Fleetwood Mac. “Sí que hay algo de todo eso. ¡Espero que no empiecen a sugerir que para el próximo nos inspiremos en los ochenta!”, bromea Romeo. “Lo que intentamos es no

"No queremos que a alguien le guste una canción nuestra y a los dos años vuelva a escucharla y le horrorice" demasiada atención, algo que “The Runaway” realmente necesita para poder ser valorado como el gran disco que es. “Ahora escuchamos un disco por encima, cargamos en el reproductor portátil las dos o tres canciones que más gracia nos hacen y nos olvidamos de volver a hacer escuchas del disco en toda su extensión. Pero escuchar un buen álbum es como conocer a una persona. De primeras

▲Suben, una vez más, los festivales españoles. No hace falta más que echarle un repaso, para descubrir que prácticamente todos han batido sus récords.

hacer nada que suene demasiado contemporáneo. No queremos que a alguien le guste una canción nuestra y a los dos años vuelva a escucharla y le horrorice, que es lo que pasa a menudo si haces música muy apegada a lo actual”. ■ Jorge Ramos

▲ Suben los valencianos Polock por haber publicado su primer larga duración en Japón, y sobre todo por conseguir que los vendedores vayan de esta guisa.

SUBEN ▲ tBaja Leo Messi. Está muy bien que haya descubierto a Oasis y sea fan a muerte desde ya, pero que, a estas alturas, no se haya enterado de que se separaron no tiene perdón.

“The Runaway” está publicado por Nuevos Medios.

▲ Suben las diversas iniciativas que se han llevado a cabo –una vez más- en nuestro país a propósito del Día de la Música.

▼ bajan t Y ya que estamos con Oasis, bajan por publicar un nuevo recopilatorio más, “Time Flies”. Eso sí, la selección está más que bien y nunca le haremos ascos a sus hits. Eso Leo, que se junten de nuevo.

t Según parece, las películas españolas están recaudando más fuera de nuestras fronteras, que dentro de la península. digamos que baja el público español.

t Bajan los cantantes franceses.

Pasaron sus años de gloria, porque sólo así se entiende que un español esté entre los favoritos del “Factor X” francés.

t Bajan los sellos discográficos que, para reseña, envían apenas unos pocos temas de lanzamientos que, en algunos casos, superan los veinte cortes.n

(MONDOFREAKO /20/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

Toundra Foto Archivo

Toundra

La voz muerta del ego Si uno piensa que cantar es un truco para que la gente escuche tu música, le agradecerá mucho a Toundra. Acallando sus voces, que no sus instrumentos, los madrileños presentan su segundo disco, “(II)”, que lejos de caer en los tópicos del género va a ser uno de los mejores discos estatales de 2010.

“

‘(II)’ nos los hemos planteado como un proyecto: queríamos alejarnos de la etiqueta post-rock o post-metal.

Queríamos dejar de usar clichés que sí se usaron en el primer disco con la intención de transmitir más y mejor… al fin y al cabo cuando te cuentan algo diez veces, a la tercera ya no te interesa”, reconoce Esteban, uno de los guitarristas. Y si él no lo dice, lo decimos nosotros: lo han conseguido. Escalar muchas posiciones con su segundo álbum, seguir teniendo un concepto de grupo coherente y homogéneo, un sonido notable y darnos ganas de mover la cabeza en una sala. Pero antes fue la grabación, con Juan Blas, Carlos Santos y Santi García, que nos cuenta el batería Álex. “Grabar con Carlos es un gustazo. Se nota que le gusta lo que hace y transmite muy buen rollo en todo momento, aunque lleve diez horas en el estudio y esté hasta los mismísimos. Con Santi, en el proceso de grabación, sólo estuvimos un día, pero se ve que es muy meticuloso y muy profesional. Pare-

ce tenerlo todo muy claro, y eso ha quedado patente en el resultado final del disco”.

Un resultado final que se ve enriquecido por el uso de instrumentos poco habituales en el género y por títulos que esconden una idea global más que actual y denominaciones que en origen eran más de andar por casa. Nos lo cuenta Alberto, bajista. “El choque de culturas principalmente. También queríamos que respondiera al rollo étnico que tienen los temas, creo que en ese sentido hemos elegido bastante bien, pero tampoco teníamos un concepto claro en la cabeza”. Conociendo de antemano la filiación literaria y cultural del primer trabajo del cuarteto (que completa Víctor con otra guitarra), no sorprenden las explicaciones de parte de la intrahistoria de estas siete canciones. “’Völand” es una de las formas con las que muchos textos religiosos se referían al diablo en la antigüedad. Ese título lo saqué (nos cuenta Esteban) de ‘El maestro y Margarita’ de Bulgákov, un libro que me recomendó mi amigo donostiarra Iván y en el que se basaron

The Rolling Stones para componer ‘Sympathy For The Devil’. En el libro te sientes más identificado con el diablo que con los humanos que en él aparecen. ‘Tchod’ es un rito tibetano de liberación a través de la destrucción del ego; originalmente esta canción se iba a llamar ‘Muerte del yo’, pero queríamos reducir todos los títulos a una palabra. ‘Koschei’ es un ser inmortal de la mitología eslava, muy relacionado con la destrucción”. Y ahora me gustaría ver cómo se defienden Toundra ante la acusación de que los

libre del disco, mediante la siempre elogiosa política de difusión de Aloud, éste llegó a mil ordenadores. “La música no puede estar mejor.

En la última década hay más grabaciones, más ediciones, más grupos, más festivales o más vías de comunicación con el público que en cualquier otro momento anterior.

Nadie discute el proceso de reajuste de la música, pero la culpa no está precisamente en las descargas de Internet o en que el público se haya convertido en usuario gracias a la tecnología. ¿De qué se va a quejar

"La música no puede estar mejor. En la última década hay más grabaciones, más grupos, más festivales..." grupos instrumentales son aburridos. “Depende mucho de cómo plantee el grupo su música... Nuestro primer disco estaba basado mucho en la reiteración de patrones, pero el nuevo es muchísimo más dinámico. Respondiendo a la pregunta, yo invitaría a que se escucharan un par de temas de nuestro disco”, contesta Alberto, mientras que Álex lo tiene igualmente claro en otra dirección: “No hay nada que defender. Esa afirmación es correcta en el noventa por ciento de los casos (risas)”. Vamos a recordar a los lectores que en las primeras veinticuatro horas de descarga

la industria si Toni Aguilar lleva veinte años haciendo el idiota en los medios? Normal que ni los medios convencionales ni las instituciones se tomen la música en serio”.

Lo dicho, “el segundo” de Toundra es una prueba fehaciente de que la banda no se ha acomodado y de que sigue habiendo vida inteligente en una de las grandes realidades de la música instrumental de fronteras para dentro.

■ Ignacio Pato L. “(II)” está publicado por Aloud.

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /21/ MONDOFREAKO)

confidencial NO

Fuxedo (De Vito) escenario, acaba de publicar con su banda “Berlusconi EP” (King Of Patio Records, 10), su segundo trabajo.

Antes de rodearse de estrellas del porno en Zaragoza ha tenido tiempo de responder a nuestras sandeces. ◗ ¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito?

Me flipa gente como Lee Mavers que hacen un temazo, “There She Goes” (The La’s) y desaparecen del planeta. No odiaría haber escrito ninguna canción, pero enviaría a Macaco con Lee Mavers, a ver si se le pega algo o aprende a no ser tan coñazo. ◗ ¿Qué piensa tu familia de tu música?

Una de cada tres frases de mi padre es: “Pero, hijo, ¿todo este trajín te compensa? A mi madre creo que le resulta exótico. ◗ ¿Cuál es el último libro que has leído, la última película que has visto y el último disco que has comprado?

Releí hace una semana “Otro Rey, la misma reina” de Sergio Algora. Anoche me vi una película de Lindsay Lohan y Naomi Campbell y acabo de comprar a ciegas “Heartland” de Owen Pallett, que ha resultado ser una gozada. ◗ El mes que viene tocáis en el Salón Erótico de Zaragoza. ¿Os habéis planteado dedicaros a hacer bandas sonoras para películas porno?

Pierre Bachelet y Hervé Roy dejaron el listón muy alto con “Emmanuelle”. Con tocar en el Salón Erótico y poner música a un par de anuncios de líneas cachondas nos hemos conformado. ◗ Te vas de fiesta y has de elegir de acompañante entre Danny De Vito, Silvio Berlusconi y Bunbury. ¿Con quién te irías de marcha y por qué?

Con Bunbury ya hemos fiesteado y tiene su punto kitsch. Silvio tengo entendido que las monta serias, pero me iría con Danny, que es el único que envejece y no se disfraza de zombie. ◗ ¿Es cierto que a nadie le gustan vuestros conciertos y que sólo os contratan por el fiestón que monta el público sobre el escenario?

Es muy probable, es más, ni siquiera yo iría a tocar si el público no festejase en el escenario. ◗ ¿Es cierto que tocáis a cambio de drogas, un bocadillo y unas cervezas?

Tocamos por muchísimo menos que todo eso.

Tal y cómo está la industria, me conformo con no tener que pagarle las drogas, los bocadillos y las cervezas al promotor a cambio de tocar. ◗ ¿Cuál es el sitio más horrible en el que habéis tocado?

Creo que ese sitio está por llegar; siempre nos han tratado muy bien. Aunque una vez en un pueblo que no nombraré nos “obligaron” a tocar un tema de U2 porque, según palabras del promotor, “era lo único moderno que entendían”. ◗ ¿Por qué ese empeño en tocar el Día del Orgullo Gay sobre una carroza?

Nuestro manager, que es de un pueblecito, no se cree que haya chicos que se quieran entre si y se acuesten juntos. Lo queremos llevar a Madrid para que lo vea, haga fotos y luego visite el Thyssen. ◗ ¿Le partirías las piernas a algún crítico musical?

No, por Dios, ¿con qué bailarían si no? ■

Damien Jurado

Un lugar en el mundo Encerrado durante una semana en un estudio con Richard Swift, Damien Jurado ha parido una nueva docena de canciones como pocos saben hacer. El de Seattle sigue siendo uno de nuestros ídolos en el difícil arte de abrirse en canal y conseguir que los demás no caigan en la depresión o el aburrimiento. Escuchen “Saint Bartlett” si lo dudan.

H

an pasado ya más de diez años desde que Damien Jurado irrumpió en el panorama musical independiente de la mano de Sub Pop. Y por el camino nos ha obsequiado con discos como “Rehearsals For Departure” o el más reciente “Caught In The Trees”. “Yo diría que he crecido. Al principio, para mí resultaba todo muy nuevo en cuanto a eso de ser un músico. No tenía ni idea de lo que significaba, y aun así después de muchos años haciendo música, me parece que todavía estoy aprendiendo”.

Es el que nos ocupa un disco que vuelve a mecernos y a trasladarnos a otros paisajes, seguramente mejores que los que vemos a diario, y en el que más que la melancolía nos invade la tranquilidad de un tiempo pasado, ni mejor ni peor: simplemente incomparable al actual. “Es un sonido que he buscado durante años. No fue hasta que conocí a Richard Swift que he sido capaz de conseguirlo. Llámalo oldie o llámalo clásico, yo lo llamo simplemente buen sonido. Desafortunadamente, los discos ya no suelen sonar así”. “Saint Bartlett” está grabado en una única semana en Oregón en la que Jurado y Swift han hecho todo lo que necesitaba el disco para sonar así. “Ni Richard ni yo intuíamos que el disco tardaría tan poco en grabarse.

Tuvimos un montón de buenas primeras tomas. Sabíamos lo que queríamos y lo capturamos. Trabajar con él fue un sueño hecho realidad. Como te digo,

he buscado mi sonido durante años y mi manera personal de ser un músico.

Pues eso lo he encontrado trabajando con Richard. Tenemos gustos musicales similares, así que funcionó a la perfección”. Jurado matiza ese adjetivo estirado de “pop experimental orquestal” con el que ha sido asociado tan esperado álbum.

“No creo que sea necesariamente ‘pop experimental orquestal’. Diría que son simplemente buenas canciones con el

y de ingenieros de sonido temen usar esa habitación, pero es donde estás grabando, es parte del disco, de lo que estás haciendo”. Que nadie dude de que el noveno disco de Jurado volverá a hacernos la más efectiva de las compañías cuando queramos dejar la mente en blanco y saber que no somos los únicos que pensamos que la vida no es un camino de rosas. “Para ser franco, de las letras no puedo decir mucho. Todas las canciones, excepto una, van sobre una íntima amiga mía. Y eso es todo lo que puedo decir. No creo que mi música sea necesariamente triste, aunque como dices haya sido etiquetada como tal. Diría que es sólo música.

No creo que ponerle una etiqueta haga justicia a las canciones. Son lo que son.

Todo depende del oyente y de cómo le hagan sentirse”. Intuyo que, a pesar

"Es un sonido que he buscado durante años... hasta que conocí a Richard Swift no he sido capaz de conseguirlo" sonido adecuado. No intenté hacer un tipo o estilo de disco en concreto. Se trataba de traer canciones al estudio y que quedasen registradas de manera apropiada, de manera correcta. Considero que es mi disco más completo hasta la fecha”. El sonido hace realmente justicia a unas canciones que vuelven a mostrarnos el lado más desnudo y valiente del ser humano. Un envoltorio que sigue siendo delicado y aparentemente frágil pero ahora con algo más de rugosidad, lo que le da otro sentido a un trabajo que puede abrir nuevas vías futuras. “Diría que el ruido y la distorsión añade mucho a mi música.

Conseguir el sonido de la habitación en la que estamos es muy importante.

Siento que la mayoría de productores

de los clichés que se le aplican a su música (y por extensión supongo que a él mismo), Jurado está contento con el disco por motivos no sólo musicales y mira al futuro con otros ojos. “Es claramente mi disco más esperanzador, aunque esto, de nuevo, depende del oyente. Para mí, es un álbum sobre una gran amiga que pasó una época muy dura. Para los que no conozcan la intrahistoria, va a significar algo completamente diferente. Ha sido así siempre. Sólo espero que la gente disfrute el disco”. Y por supuesto que eso último, como casi siempre con él, es difícil no hacerlo. ■ Ignacio Pato L. “Saint Bartlett” está publicado por Houston Party.

Damien Jurado Foto Troxel

Fuxedo (De Vito) Foto Archivo

en liarla parda sobre el ◗ Especialista ◗

(MONDOFREAKO /22/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

Iván Ferreiro Foto Archivo

Iván Ferreiro

Paraísos espaciales Bastante marciana es la vida como para no tomárnosla un poquito a cachondeo. “Picnic extraterrestre”, el cuarto disco de Iván Ferreiro, pone las notas más saladas para dosificar en esos días en los que nos preguntamos: ¿y qué he hecho yo para merecer esto?

G

allego de nacimiento, pero no porque no se sepa si sube o acaba de bajar la escalera, Iván Ferreiro nos hace un planteamiento musical en cada uno de sus discos que no da lugar a dobles interpretaciones. “Básicamente creo que nuestro sonido es en cierta manera nuestra ‘falta de sonido’. No tenemos un estilo concreto que nos defina y más que preocuparnos por ello trabajamos las armonías, las letras y todo lo demás.

Este disco no significa una ruptura con el anterior”. Y lo que salen son declaraciones de pop sin complejos, perfectamente estructuradas y cambiantes entre sí, a tres o cuatro bandas en el local de ensayo y a cinco sobre el escenario, facturadas con todo el descaro, la ternura, la rabia y la ironía de la que puede presumir este hacedor de canciones que, con casi veinte años de aventuras musicales, es uno de los más veteranos dentro de la escena. El mes de mayo vio la luz su cuarta grabación (“Picnic extraterrestre”), un disco cuyo título está inspirado en un libro de cienciaficción escrito por Arkadi y Boris Strugatski en los años setenta, una referencia tan marciana que ni

siquiera el propio Ferreiro se ha atrevido a ojear.

“La idea era hacer un disco de ficción, pero después nos hizo más gracia que fuera de ciencia-ficción. Nos pusimos a escribir sobre puntos de vista que no fueran los nuestros...

En vez de volvernos locos con nuestros propios problemas decidimos hablar de los problemas de los demás, cosa que es bastante más divertida. En realidad todos los discos del mundo son de ciencia-ficción: en una canción ‘te quiero mucho’, en otra ‘no te quiero nada’, en una es ‘ayer’ y en otra es ‘mañana’’. Aunque éste sea el menos autobiográfico de todos los discos que ha escrito hasta la fecha, se suceden los espacios comunes y las historias compartidas: los sentimientos a flor de piel de “Canción de amor” y las desilusiones diarias de “Paraísos perdidos” se pasean entre los previsibles desequilibrios de “Cabaret” y hacen hueco a la decepción y a la agresividad que se palpa en “Farenheit 451”, una canción que le sirve para cantar las cuarenta a más de uno sin cortarse un pelo. “Creo que hay más riesgo en la música que en las letras. Excepto en dos canciones

que son como muy ‘para alante’ me parece un disco cero arriesgado en cuanto a las letras, porque mandar a la mierda a alguien no es que tenga mucho riesgo. Me parecen más arriesgadas las canciones pequeñitas y lentas; las baladas son más complicadas que las canciones potentes. Una canción con energía ya tiene parte ganada. Yo creo que paramos más en las notas, en poner flautitas, teclados y cosas así, aunque tampoco es que sea un riesgo de la ostia: no nos va a arrollar un tren ni nada parecido”. Lo

planteaba unas armonías que nosotros no sabíamos ni que existían. Luego llegaron Tony y Suso, y Suso fue el que se paró con cada arreglo para ver cómo tenía que sonar cada detallito”. Pero si quisiéramos echarle algo en cara a Ferreiro sería su aparente hiperactividad creativa y su apuesta por el multiformato para contar historias. Tanto le vale un blog, como una web al más puro estilo ‘teletexto’ o un cómic. La salida de este álbum viene acompañada de una mini-serie en formato de telenovela minimalista.

“Después de terminar un disco te quedas

"Me parecen más arriesgadas las canciones pequeñitas y lentas. Una canción con energía ya tiene parte ganada" que está claro es que ‘Iván Ferreiro’ como concepto ya no es uno, nunca lo fue desde que viera la luz en 2005 “Canciones para el tiempo y la distancia”. Es la suma de unos cuantos factores y de unos cuantos y bien avenidos músicos. Unos llevan con él años (su hermano Amaro, Pablo Novoa o Tony Toledo); otros son casi recién llegados (Emilio Saiz) pero todos dan forma al completo y complejo ‘Universo Ferreiro’. El gallego nos cuenta que este disco “lo empezamos haciendo entre Amaro, Pablo y yo, pero realmente fue Pablo el que empezó a meter mucha mano en las composiciones; de hecho, llegaba a casa y

sin nada que hacer y te aburres. En el caso de la serie me aburría y empecé a montarla: la hice en dos días. Lo que sí me gusta es echarme unas risas, divertirme y probar formatos. Soy básicamente un cantante que escribe canciones: no soy ni un cineasta, ni nada, pero el pop, que es el mundo que mejor conozco, permite de todo. Así que con que dos tíos se echen unas buenas risas viéndolo me llega de sobra”. ■ María Comyn “Picnic extraterrestre” está publicado por Warner.

(MONDOFREAKO /24/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

Micah P. Hinson Foto Archivo

Micah P. Hinson

En paz con sus demonios Tras reformular la música de algunos de sus héroes con un álbum de versiones del pasado año, el tejano Micah P. Hinson vuelve a reivindicarse con “Micah P. Hinson And The Pioneer Saboteurs” como uno de los nombres más apasionantes del rock yanqui.

M

icah P. Hinson vuelve a la actualidad con diversos asuntos, entre ellos un quinto álbum más sereno y ornamentado, con el que parece hacer las paces con algunos de sus fantasmas, en pos de algo que podríamos llamar madurez, si no fuera porque a los veintitrés años ya parecía más experimentado que la inmensa mayoría de sus coetáneos. Un Micah P. Hinson de lo más afable y locuaz reconoce que ha “exorcizado demonios con este disco. Es importante para mí porque representa la superación de unos años en los que he vivido muchas experiencias, interesantes y duras a la vez, pero mirando al futuro”. Para ello, ha incrementado la duración de sus temas y ha otorgado un mayor protagonismo a las cuerdas, añadiendo una tensión dramática que se explica porque “siempre intento añadir belleza a mis canciones, y las secciones de cuerda siempre añaden emoción como ningún otro instrumento. Sobre el ritmo, más lento, creo que favorece la creación de paisajes sonoros y le da un toque de cierta locura. No quería que los instrumentos y la voz sonasen igual que en el pasado. Quería un aire nuevo”.

El álbum fue mezclado en Texas por Matt Pence (Centro-matic) y masterizado en Nashville, pero no puede desestimarse la conexión zaragozana de los miembros de Tachenko, quienes ya acompañaron a Hinson en su última gira hispana, recreando su álbum de versiones (“All Dressed Up And Smelling Like Strangers”, 09), y que ahora han vuelto a aportar su granito de arena.

“Sí, añadieron algunas voces. Son unos tipos fantásticos, de los que te darían su brazo izquierdo si lo necesitaras. Con ellos de gira hay risas todo el día. Y es cierto: clavaron aquel disco en directo, sin necesidad de mucho ensayo. Sólidos como una roca”. Y eso que aquel disco fue para el norteamericano “uno de los más complicados de hacer, ya que no es fácil tomar el trabajo ajeno, y menos el de los artistas que elegí”. Los aspectos más sórdidos de su biografía (su paso por prisión, sus dolores de espalda) han sido constantemente remarcados por los medios desde su irrupción en nuestro país. Especialmente por aquella prensa generalista que se ve en la necesidad de recurrir a factores externos a lo estrictamente musical. ¿No supone eso una pesada carga, a estas alturas?

“No, no es algo que me canse. Todo eso es importante. Si desconocemos el pasado, estamos condenados a repetir los mismos errores. Todo el mundo necesita escuchar a gente que ha pasado por situaciones difíciles, ese es un sentimiento universal.

Estando de gira ha habido gente que me ha dicho que algunas de mis canciones les han salvado la vida: esa es una buena razón para hacer lo que hago. La vida es dura, pero si fuera fácil, ¿valdría la pena vivirla?”. Todas esas vivencias las narra una voz que, pese a no

mes de junio a nuestro país se enmarca dentro de esa recurrente dualidad que, año tras año, nos muestra al músico de Abylene en su versión más desnuda (solo y en acústico) y en la más mullida, cuando viene con alguna clase de banda de acompañamiento, por simple que sea. Es a veces difícil decidir con cuál de los dos formatos encaja mejor.

“Quizá el formato en solitario me permite ponerme más personal, y el de banda más fiero, algo que me encanta. Es importante dejar escapar cierto sentido de violencia y agresión”. Lo que no admite discusión es la

"Todo el mundo necesita escuchar a gente que ha pasado por situaciones difíciles" llegar a los treinta, cualquiera diría que supera los cincuenta. Algo que justificaría a ojos de muchos las comparaciones con Nick Cave o Leonard Cohen. “Cuando me escucho yo me oigo joven, pero creo que, para la gente, sigo sonando mucho mayor, lo cual es bueno, porque no me comparan con mis colegas coetáneos.

No escucho mucha música moderna, porque me decepciona al centrarse en el dinero y la fama, y no en la forma en cómo la gente ve el mundo. Pero sí, no deja de ser un cumplido que me comparen con gigantes de esa talla”. La gira que le ha traído este pasado

buena acogida del público español, quien le recibe año sí, año también, con los brazos abiertos. “Da la sensación de que estén muy metidos en lo que hago. Son rabiosos. No como ocurre en otros lugares, sobre todo en mi país. El público español hace que la experiencia de tocar en directo sea de lo más gratificante, mientras que en otros lugares tengo la sensación de estar simplemente tratando de salir de un agujero”. ■ Carlos Pérez de Ziriza “Micah P. Hinson And The Pioneer Saboteurs” está publicado por Houston Party.

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /27/ ENTREVISTA)

Crystal Castles

Crystal Castles Foto Archivo

metiendo miedo

El primer disco de los canadienses Crystal Castles fue un accidente que, sin embargo, acabó convirtiéndose en uno de los debuts más sonados de la electrónica de los últimos años. Alice Glass y Ethan Kath vuelven ahora con “II” en el que confirman que tienen una personalidad especial.

E

than Kath forma parte de esa generación de artistas para los que, a pesar de haber crecido escuchando rock’n’roll, ha sido más sencillo comprarse un montón de teclados y todo tipo de cacharros antes que aprender a tocar la guitarra. “Me gustan los sintetizadores antiguos. Son baratos. Si se estropean siempre hay piezas, y si no, me puedo comprar otro de segunda mano”. Herramientas versátiles y baratas y la posibilidad de ir aprendiendo sobre la marcha son una opción demasiado atractiva, especialmente cuando lo que deseas es darle una salida urgente a toda tu angustia en forma de gélidos y brutales cortes de electrónica de baile.

“Nos gustan grupos de rock, especialmente punk y post-punk, pero no queremos sonar como esos grupos”. “Ambos dejamos nuestros apartamentos, así que cuando estamos de gira nos instalamos en la última ciudad en la que hemos tocado”, explica Kath sobre

diense que fabrica plástico. Un trabajador se suicidó tirándose a un depósito de plástico líquido”. Desde el principio de la conversación es evidente que no le apetece hablar demasiado del peculiar mundo que comparte con su compañera de grupo (“somos así, así es como vivimos”), aunque sí deja claro que él y Glass son algo más que simples compañeros: “Alice es como la hermana pequeña que nunca he tenido. A ambos nos gustan los mismos grupos de punk, los mismos grupos new wave, los mismos libros... Lo tenemos todo en común”. También da bastantes pistas sobre el ambiente algo alienante en el cual ambos han creado “II”. “No he parado por casa demasiado tiempo”, explica hablando de Toronto, la ciudad en la que nació el grupo. “Cuando voy, además, no me gusta quedarme en la ciudad. Prefiero refugiarme en los bosques para trabajar en nuevas canciones”. La imagen de Ethan en

“Queríamos crear algo inhóspito...

Es más un estado mental que una atmósfera” el momento en que Crystal Castles, el proyecto musical que comparte con la cantante Alice Glass, empezó a tomar forma. “Sólo es cuestión de encontrar un estudio en el que trabajar en la ciudad. Al cabo de un tiempo hemos reunido un buen puñado de temas grabados en diferentes sitios”. Tienen fama de solitarios y de poco amigables con la prensa. Glass produce una combinación explosiva de fascinación y miedo sobre el escenario. Kath responde educadamente a las preguntas, pero como si estuviera mucho más allá de lo que pueda cubrir cualquier línea telefónica y explica cosas como que “la canción ‘Celestica’ proviene de una compañía cana-

el bosque elaborando los temas de su segundo trabajo en plan Unabomber encaja perfectamente en la imagen que uno crea en su mente escuchando este nuevo trabajo del dúo: desafecto, soledad, frío, aislamiento... “Queríamos crear algo inhóspito”, explica. “Es más un estado mental que una atmósfera”.

“

El primer disco estaba formado por maquetas y canciones que habíamos publicado de forma separada en singles”, continúa. “Era material disperso. Ninguna de esas canciones estaba concebida para acabar en un disco junto a las otras.

Nos tuvieron que convencer para que las recolectáramos. En esta ocasión teníamos claro que queríamos crear algo mucho más cohesivo”. Curiosamente en su segundo trabajo Crystal Castles muestran un sonido más complejo y variado que en su debut. “Cuando componemos no pensamos en otra cosa que en nosotros mismos. Es un proceso muy personal. Solemos buscar el aislamiento. Las grabaciones y los directos son sentimientos totalmente diferentes. Los conciertos son

mos a diario, así que soy incapaz de decirte qué vamos a hacer en el futuro. Desde que formamos Crystal Castles no hemos tenido nunca demasiado tiempo para sentarnos a reflexionar sobre el mañana”. Nuestra conversación toca a su fin y me siento obligado a preguntarle por su polémico paso por el festival Sónar de Barcelona el verano pasado. Crystal Castles no terminaron su actuación debido a problemas técnicos y acabaron enfrentándose con la seguridad del festival. Las imágenes dieron

“Alice es como la hermana pequeña que nunca he tenido.

A ambos nos gustan los mismos grupos de punk...” caóticos”. También explica que han puesto a prueba los temas de “II” y que por ahora la respuesta ha sido buena. “Estrenamos los temas en una fiesta privada en una galería de arte de Toronto y la reacción fue muy positiva.

A veces nos sorprende porque todo lo que hacemos es muy personal”. Esa sorpresa es una constante. En más de una entrevista Kath ha hecho referencia a todos los accidentes que han sucedido en torno al grupo y que los han acompañado durante sus inicios, incluida la forma en que se publicó su primer álbum. “La canción ‘Alice Practice’ era precisamente eso, un ensayo. Entramos en el estudio para grabar cinco canciones, pero el chico del estudio nos grabó mientras probábamos el sonido.

Después de grabar me llevé el disco a casa y descubrí que había seis canciones. Cuando Merok Records nos propuso publicar el single les mandé ese cedé, olvidando que había una sexta canción en él. Cuando lo recibieron decidieron que querían publicar esa sexta canción. Alice ni siquiera la había escuchado y le tuve que explicar que nuestro primer single iba a ser un ensayo, pero a ella no le importó. De hecho, pasó un año antes de que la escuchara”. Confiesa así mismo que no le preocupa demasiado el futuro ni adivinar cuáles van a ser los siguientes movimientos del grupo. “Vivimos el presente.

La gente cambia a diario. Nosotros cambia-

la vuelta al mundo. “¿Quieres la verdad?”, me pregunta. Y después de que le responda que sí añade: “Chris Chartrand, el batería, y yo estábamos por ahí divirtiéndonos con alguna de la gente que estaba trabajando allí.

Nos estábamos divirtiendo. El caso es que nuestro técnico de sonido de entonces era de Texas y tenía muy mal carácter. Los de sonido del festival se cabrearon tanto con él que decidieron sabotear nuestro show, aunque nosotros no tuviéramos nada que ver. Parte del público ni siquiera oía nada.

Al principio no sabíamos que nos habían “muteado”, pero Alice se dio cuenta y le hizo una seña a Chris para cortar el concierto. ¿Has visto las imágenes?¿Sí? Luego el tipo de seguridad la agarró y la golpeó.

Cualquiera que pegue a una chica merece que le partan la cara. En cualquier caso, después del Sónar cambiamos de técnico”.

No ha sido la única polémica en la que se han visto inmersos, pero el de Crystal Castles es el clásico caso en que la leyenda negra forma parte del aura del grupo, amplificando esa sensación de peligro que te asalta cuando les ves sobre un escenario o escuchas sus discos. También en eso se parecen a los grupos de rock que admiran.

■ Joan Cabot “II” está publicado por Universal.

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /29/ ENTREVISTA)

Nothink se han convertido por derecho en una de las más firmes realidades de nuestro rock alternativo, ese que juega en una liga distinta que la de El Canto del loco. Han hecho méritos de sobra para lograrlo. Llámenles indies, táchenles de post-hardcore, o lo que quieran. “Hidden State”, su tercer y proteínico álbum, está por encima de etiquetas.

R

esulta significativo que el trío madrileño haya acabado registrando su último disco en Seattle ese enclave de promisión musical, donde aquel diablo de la guitarra llamado Jimi Hendrix forjó su leyenda divina, o sirvió de incubadora de uno de los movimientos musicales más llamativos de hace dos décadas, el fenómeno grunge. Más que nada porque algunas de las bandas de cabecera de los madrileños, sin ir más lejos Pearl Jam, proceden de tan melómano emplazamiento. Y eso que el talento de Nothink está por encima de rendez-vouz e idolatrías de tres al cuarto. Un ejemplo claro es cuando Biffy Clyro, con los que compartieron tres fechas en su gira por territorio español este mismo año, sugirieron que debían ser ellos mismos los que tendrían que abrir para el power-trio que nos atañe. Ya ven

grande durante mi estancia en Londres y por ese motivo enviaba canciones a Madrid casi todas las semanas y organizábamos ensayos en ambas ciudades por lo menos una semana al mes”. Juan se refiere a ese periodo “sabático” transcurrido en la capital inglesa, que permitió a la banda realizar algunos conciertos, y al que alude en una de las canciones del disco, “Coleman Fields”. “Es una calle de Londres, muy cerca de donde vivía. Un tramo que recorría cada día y con el que me sentía en deuda”. Nothink llegaron a barajar la City como posible destino de grabación, pero el jugoso reclamo de Matt Bayles y la

“Al final todos pudimos disfrutar de este lugar tan mítico” cómo cambian las tornas. El grupo al que admiras rendido ante la evidencia de las poderosas armas que esgrime el telonero. Es algo que salta a la vista cuando se escuchan las once canciones de su espectacular nuevo retoño. El caso es que “Hidden State” (“la representación de un lugar en el cual las cosas funcionan quizás como deberían, un lugar que se mantiene al margen de lo que ocurre aquí fuera y un ejemplo de sociedad organizada bajo valores perdidos con el paso de los años. Pura utopía”, en palabras del guitarrista y cantante Juan Blas) equidista bastante de la historia conceptual y la intención que manejaban en “Spotlights”, su largo previo. El planteamiento más barroco o perfeccionista del antecesor, que les llevó incluso a requerir de la colaboración estelar de la Orquesta Filarmónica de Kiev, ha quedado algo eclipsado por unas intenciones que apuntan más a lo visceral que al detalle. Aunque no por eso su sólido andamiaje se resienta, ni mucho menos. “’Hidden State” ha sido un disco muy trabajado en este aspecto, más que ningún otro. Hubo una pre-producción muy

baja cotización del dólar en relación con el euro les hicieron cambiar de idea. “Tanteamos varias opciones, incluso la de grabar en Londres pero luego surgió la posibilidad de ir a Estados Unidos y Matt era una persona que mostró mucho interés por el proyecto, y alguien que nos encantaba por sus trabajos previos con gente como Mastodon, Pearl Jam, Isis, Minus The Bear…”.

E

l saldo que arroja la aventura americana ha sido bastante positivo a tenor de las vivencias que relatan en el blog que actualizaban día a día en su página web.

“Digamos que unos tuvimos menos tiempo para conocer la ciudad que otros, pero al final todos pudimos disfrutar de este lugar tan mítico”.

Visitas a las oficinas del sello Sub Pop, veladas musicales en salas de referencia como The Crocodile Café o Fun House, e intentos infructuosos de encontrar el famoso Parque Magnuson, que aloja el célebre Sound Garden, un especta-

cular monumento construido con doce torres de plata, que contienen tubos de órganos verticales rematados por veletas, y que con los vaivenes del viento producen sonidos que emulan desde coros de ballenas o aterrizajes de aeronaves.

Así que no todo quedaba entre extenuantes jornadas de trabajo entre las cuatro paredes del estudio en el que grabaran bandas como Soundgarden, The Blood Brothers, The Presidents Of The USA, Deftones o Pearl Jam. ¿Y qué se va a encontrar el oyente en “Hidden State”? “Un disco hecho con mucho cuidado, muy especial para nosotros por las circunstancias en las que ha sido grabado y el tercer disco que la banda deseaba hacer. No quisimos repetir la fórmula de ‘Spotlights’ por lo que cada canción en este disco tiene su propia historia, pero a la vez suma en el todo”. La sombra de Matt Bayles no ha sido tan alargada como para desbaratar la esencia primaria del cancionero. “Matt evidentemente ha ayudado e introducido cambios, pero creo que a un nivel de perfeccionismo en el acabado, pues el disco iba bastante cerrado”. El trío se ha debido divertir de lo lindo con el fondo de cachivaches del que disfrutaba en el estudio: sitares hindúes, pianos, shakers, panderetas… Aunque hay un instrumento que se lleva la palma en cuanto a valor sentimental. Es el amplificador giratorio que inventara Don Leslie, un técnico de radios norteamericano, y que dota al órgano de un efecto de trémolo bastante potente. “Ese Leslie rotatorio para el solo de ‘Once You Said’ y que anteriormente aparece en la voz de Chris Cornell en los discos de Soundgarden grabados en Litho Studios”. Y tan importante como el contenido del disco es el envoltorio. La imagen de la portada teletransporta al oyente hasta algún paraje de la taiga finlandesa, en esos días en los que apenas se atisban resquicios de luz. “Olli Kekäläinen, fotógrafo finlandés, accedió encantado a trabajar con nosotros. La foto fue tomada en Finlandia y fue nuestro amigo Víctor García (guitarrista y diseñador de Toundra) el que nos puso en contacto con él”.

■ Miguel Ángel Sánchez Gárate “Hidden State” está publicado por Aloud Records.

Espíritu adolescente

Nothink Foto Archivo

Nothink

Arcade Fire Foto Suburbshres

(ENTREVISTA /30/ Julio-Agosto 2010 路 MondoSonoro)

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /31/ ENTREVISTA)

Arcade Fire

Edificios

en ruinas Con “The Suburbs” Arcade Fire hacen frente al siempre complejo ejercicio del tercer disco. Y lo hacen apelando al rock’n’roll, apostando por la apertura de estilos y renunciando a esa escalada en la épica que les llevó a tocar el cielo. Es ese paso de madurez que, en cierto modo, esperábamos en la banda más arrebatadora de este arranque de siglo.

L

a provincia de Ontario cuenta con la mayor comunidad de cuáqueros de Canadá, lo que tampoco es decir demasiado: apenas un millar de cristianos convencidos de que es posible vivir de acuerdo a las enseñanzas de la Biblia sin un organismo rector -censor- que ejecute la voluntad de Dios en la Tierra. Richard Reed Parry creció en la ciudad de Ottawa, sometido a dos fuertes influjos.

Por un lado el arte, representado por igual en las figuras paterna y materna, músico folk y director teatral él, poetisa y cantante ella, roles que tanto Richard como su hermana Evalyn terminarían por reproducir. Por el otro unas convicciones religiosas, las de la comunidad

hace un par de años tomamos la decisión contraria e intentamos dar un paso atrás.

Cuando eres joven no tienes la capacidad de tomar según qué decisiones, sin embargo, creo que hemos madurado lo suficiente como para que eso cambie. La tensión termina por afectar tu cuerpo, tu espíritu y tu mente, así que nos tomamos unas vacaciones después de la gira mundial de ‘Neon Bible’ y cuando volvimos lo hicimos combinando la grabación de ‘The Suburbs’ con nuestros propios proyectos.

De hecho, la mayor parte del tiempo en este último año y medio se me ha ido entre Bell Orchestre, la colaboración con

“Nos hemos empeñado en tomarnos un respiro.

Hasta ahora todo había sido un constante empujar” cuáquera, en las que el credo no tiene tanta importancia como la ejemplar actitud vital: el respeto por el prójimo y por nuestro entorno es la verdadera base de las creencias amish.

De todo ello aún encontramos pistas evidentes en la carrera musical de Richard, fiel lugarteniente que cubre las espaldas de Win Butler y Régine Chassagne desde que Arcade Fire nacieran como grupo allá por 2003. Por ejemplo en los aspectos meramente frívolos, como su gusto -el del grupo, en realidad- por una estética casi rural y decididamente retro. Pero también en la manera en que ha conducido su caminar artístico como compositor contemporáneo, fundador de Bell Orchestre y, por encima de todo, chico para todo, multiinstrumentista en el grupo más grande que ha dado el primer decenio del siglo XXI. En una entrevista que ya tiene unos cuantos años Richard aseguraba que toda persona que se precie debería pararse por un momento, tomar un respiro y pensar si los pasos que está dando le conducen en la dirección adecuada. Ahora con el tercer disco de los canadienses a punto de publicarse, cuando han pasado tres largos años desde la publicación de “Neon Bible”, soy yo quien le pide que haga un alto en el camino y eche la vista atrás. “Nos hemos empeñado en tomarnos un respiro. Hasta ahora todo había sido un constante empujar, intentar seguir remando sin parar para hacer el grupo lo más grande posible, pero

The National, componer música orquestal y comenzar a producir a otros grupos”.

Ese es el motivo de que la grabación del disco -entre New York y Montreal, de nuevo con Markus Dravs a los controles- se dilatara a lo largo de los dos últimos años. También de que “The Suburbs” no se preste a dar un nuevo paso en esa escalada en pos de la épica que había caracterizado la obra de Arcade Fire hasta la fecha. No. En “The Suburbs”

Eso a pesar de que nos cuesta hacer ese ejercicio de autoreferencia y evaluar dónde hemos estado y hacia dónde nos movemos: a menudo no eres muy consciente de lo que estás haciendo, simplemente avanzas y sólo al final te das cuenta del resultado”.

E

n total, dieciséis canciones, casi setenta minutos de música que dan en un doble disco de vinilo de los de antes.

“Mucho material se quedó fuera y algunos temas se incluyeron en el último momento. Es irónico porque los únicos discos que realmente he disfrutado en los últimos años eran muy cortos, de apenas cuarenta minutos. El disco de Bon Iver, que he escuchado sin parar, pero también clásicos como ‘Rumours’ de Fleetwood Mac, Cat Stevens o ‘Harvest’ de Neil Young. La idea de hacer un doble álbum nos gustó en parte porque nos pareció totalmente pasado de moda si tenemos en cuenta que los hábitos de consumo de la música hoy los marca iTunes. De hecho manejamos varias ideas como sacar varios discos, o ir publicando canciones en iTunes que al final del año reuniríamos en un disco. Discutimos mucho, y al final nos decidimos por esto.

Y puede que tengas razón, puede que sea demasiado largo (risas)”. Los suburbios que dan título al disco y también al tema de apertura y cierre ejercen de leitmotiv de forma casi obsesiva a lo largo y ancho de la grabación. Suburbios urbanos -Butler ha reconocido inspirarse en sus recuerdos de adolescente cuando vivía en la periferia de Houston- y, por

“La idea de hacer un doble álbum nos gustó en parte porque nos pareció totalmente pasado de moda” encontraremos bastantes medios tiempos, un buen puñado de temas con Springsteen más en mente que nunca, algún que otro jugueteo techno pop y piezas orquestales que parecen una consecuencia lógica de los coqueteos del propio Parry con la contemporánea y el interés de la dupla Butler & Chassagne por las bandas sonoras -suya es la música de “The Box”, de Richard Kelly-. En definitiva, todas las caras conocidas de Arcade Fire y hasta alguna más que hasta la fecha no se habían atrevido a desarrollar por completo. “Es un disco que no para de subir y bajar. Hemos intentado hacer algo diferente tanto en el aspecto técnico como a nivel de arreglos, y creo que en líneas generales es un poco más rock’n’roll que ‘Funeral’ y ‘Neon Bible’.

supuesto, suburbios emocionales, relaciones que se derrumban como casas viejas pendientes de rehabilitación… “Las letras manejan diferentes niveles y hablan de experiencias y emociones que van más allá de si conoces o no la realidad de los suburbios de una gran ciudad norteamericana. En realidad este es nuestro intento de componer nuestro particular ‘White Album’, con canciones muy diferentes entre sí en el aspecto sonoro, pero letras e ideas que se repiten, autoreferencian y solapan a lo largo y ancho del disco”.

■ Luis J. Menéndez “SUBURBS” SERÁ PUBLICADO POR UNIVERSAL EL PRÓXIMO 3 DE AGOSTO

El Trivial de

Arcade Fire ❱❱ Proyectos paralelos: Busca a sus componentes colaborando o formando parte de Bell Orchestra, The National, Wolf Parade, The Unicorns, Islands, Les Jongleurs de la Mandragore, Azúcar, Clark, The New International Standards, The Luyas, Snailhouse, Kepler... ❱❱ Influencia: Su influencia ha llegado a países tan remotos y exóticos como España: ahí están Hola A Todo El Mundo o Manel para demostrarlo.

Fuera de nuestras fronteras el listado es interminable: Fanfarlo, Beirut, Final Fantasy, Ra Ra Riot, Lavender Diamond,… Y un largo etcétera al que habría que sumar varios momentos del último trabajo de Vampire Weekend. ❱❱ Spike Jonze: Para Jonze “Funeral” está totalmente conectado con el universo de su último filme, “Donde viven los monstruos”, para cuya banda sonora seleccionó el tema “Wake Up”. Como la cosa le supo a poco, el pasado mes de abril supimos que el cineasta planea algo junto a la banda: ¿clip? ¿cortometraje? ❱❱ Homenajes: El que les hizo Bruce Springsteen invitando a Win y Régine a interpretar a su lado una versión de “Keep The Car Running” en un concierto del Boss. O el que se dieron cuando grabaron tres temas con David Bowie en 2005, cuando acompañaron a U2 en Montreal para atacar “Love Will Tear Us Apart” de Joy Division o el día que a Peter Gabriel le dio por versionear “My Body Is A Cage” en su nuevo disco. Y por supuesto los que los propios Arcade Fire han hecho en forma de cover en directo a Yeah Yeah Yeahs, Talking Heads, The Clash, The Smiths o Serge Gainsbourg. ❱❱ The Flaming Lips: No todo van a ser rosas… Tras compartir escenario con los canadienses, Wayne Coyne se soltó la melena en unas declaraciones en las que les acusaba de “presuntuosos que tratan como mierda a los que están a su alrededor”. Butler contraatacó con una nota en la que se declaraba decepcionado con quien una vez fue su ídolo. Y Parry, al otro lado del teléfono, no sabe no contesta: “Todo aquello fue una gran nada.

Parece que a Coyne, por el motivo que sea, le gusta hablar mal de otras bandas. No sé, intento prestar la menor atención posible a esas cosas…”. ■

CONCIERTOS

Pixies

Best Coast

Willco

Standstill Fotos Fernando Ramírez

MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /33/

San Miguel Primavera Sound (1111) Lugar diversos escenarios (Barcelona) Fecha Del 24 al 30–V-10 Estilo muchos Público 80.000 personas aprox.

Promotor Primavera/Murmur Town Ojalá existiese la teletransportación y trasladarse de un escenario a otro, ir y volver, fuese cuestión de segundos. Sería la única opción para que uno pueda ver todos los grupos que le interesan en una edición cualquiera del San Miguel Primavera Sound, sobre todo este año, en el que eran muchísimos los nombres atractivos, siempre y cuando uno no le haga ascos a ningún género. Y eso teniendo en cuenta que, para un servidor, el Primavera Sound se iniciaba el jueves 27 y se despedía el sábado 29. En todo caso, pido a Dios que el año que viene los responsables del festival programen, por lo menos, veinte grupos menos. También sabe mal apuntar que tampoco pasé demasiado tiempo en los escenarios de la programación complementaria (Myspace y Ray-Ban), más allá de las actuaciones de Mujeres y Klaus & Kinski, ambas formaciones fieles a sus habituales directos: excitados los primeros, calmados los segundos. Lo que les decía, demasiada oferta para tan poco tiempo. Sin ninguna intención de ser riguroso y con la simple intención de resumirles buena parte de lo que pude ver en esta edición del festival, aquí tienen mi viaje particular por el Primavera de este año.

Algo despistado durante los primeros minutos en el Fórum, acabé prefiriendo a Surfer Blood a Monotonix, aunque su directo no fuese tan desmadrado. Los americanos tienen mejores canciones y encima, pese a su juventud, suenan con fuerza y solidez. Eso sí, sin el nervio, la exitación y el músculo de Titus Andronicus, que se enfrentaban a un público que no les conocía demasiado, para metérselo en el bolsillo sin demasiadas dificultades. Si hubo un grupo que se vio afectado por actuar en un escenario al aire libre, no cabe duda de que eran The XX. Su propuesta minimalista hubiese funcionado infinitamente mejor en el Auditorio, pero el interés del público no permitía programarles allí. Pese a todo y por momentos, consiguieron crear unas atmósferas preciosas que solamente se rompieron a causa del jolgorio de los tipos poco educados que nos rodeaban. Hubo que salir corriendo para constatar algo que ya sabíamos de antemano, que Superchunk continúan teniendo la energía que les convirtió en referentes necesarios, aunque nunca justamente valorados. Ha tenido que pasar una eternidad para que se les tome tan en serio como merecen. De hecho, programarles en el escenario San Miguel propició que les viese en directo más gente que en cualquiera de sus giras anteriores por España. Lo que vendría a continuación sería una sorpresa y una decepción. La sorpresa la protagonizaron unos excelentes Wild Beasts. Dudaba de que su directo estuviera a la altura de su fantástico trabajo en estudio, pero me equivocaba. No importa que suenen muy épicos, muy gays y muy ochentas para un festival como el Primavera, porque tienen canciones y además una calidad indiscutible. La decepción de mi jornada la protagonizaron The Big Pink, relativamente interesantes en disco, pero a un paso

de los Placebo más anquilosados en directo. A Pavement les había visto en todas sus lejanas visitas anteriores, así que sabía que no fallarían. Los de Malkmus siempre han intentado hacernos creer que eran unos tipos despreocupados y amateurs, pero nunca fue cierto.

Sonaron bien, le metieron muchas ganas y supieron seleccionar un repertorio a la altura de su retorno, aunque la intención de ver a Sleigh Bells me impidió ver su –dicen- apoteósico bis. Era un lujo poder ver sobre el escenario a Sleigh Bells cuando su disco de debut apenas ha sonado. M.I.A. confía en el potencial de la banda y, aunque “Treats” sea un disco que requiere escuchas y no tenga hits tal y como los entendemos, un servidor también. Reconozco no haber visto a Fuck Buttons, pero sabiendo que formaban parte del cartel del Sónar, opté por ver parte del show de unos Delorean que merecen todos los elogios que les dedicamos. John Talabot se les unió para interpretar “Sunshine”, pero esa es ya otra historia.

La primera sorpresa del viernes fue la que protagonizaron Nueva Vulcano. Vamos a ver, siempre han tenido un directo sólido y eficaz, pero nunca antes había presenciado una demostración de fuerza tan compacta y radical como la de aquella tarde. Fue una suerte haber resumido la actuación de Best Coast en apenas unos minutos. A continuación, la coincidencia horaria entre una larga lista de propuestas me hizo optar por Beak> y por Condo Fucks (aunque me quedo con el trabajo de la banda de Geoff Barrow al pasatiempo de Yo La Tengo). Lo de Cocorosie fue un visto y no visto de camino hacia el Rockdelux Auditori para presenciar la puesta de largo de “Room”, el espectáculo que Standstill han creado a propósito de “Adelante Bonaparte”. Los catalanes interpretaron sus canciones con energía y sin apenas fisuras (“Adelante Bonaparte II” sonó francamente genial), y las acompañaron con unas proyecciones que entran y salen en la historia, que suman y solo restan puntualmente (los chicos y chicas que se dispersan por unos pasillos parecen haber sido birlados de un anuncio de La Caixa). Un paso adelante ambicioso del que salieron bien parados. Lo peor, perderme por culpa del retraso inicial las actuaciones de Les Savy Fav y sobre todo Japandroids, dos de mis favoritos de la jornada. De Pixies, aunque presencié su concierto, poco apuntaré. Cumplieron sin problemas y con un repertorio plagado de hits. A partir de ahí, algunas decepciones. Las protagonizadas por Black Math Horseman (demasiado lineales y sin esa actitud que se les presuponía), Major Lazer (lo pasamos en grande, eso sí, pero dudo haber visto un concierto más garrafero y barriobajero en toda mi vida). También supieron a poco Yeasayer. No me he cansado de defender “Odd Blood” desde la primera vez que lo escuché con atención. Además de un paso adelante arriesgado, los estadounidenses han ganado canciones para dotar de dinamismo a su repertorio. Desgraciadamente, eso fue

lo que no consiguieron a su paso por el Primavera. Suerte que los italianos The Bloody Beetroots (también garrafa electronica, pero infinitamente más divertida que la de Diplo, Switch y sus bailarines), convertidos en banda de rock y zapatilla a partes iguales completándose como cuarteto en Death Crew 77. Ofrecieron lo que todos queríamos a aquellas horas y encima samplearon a Refused, ¿qué más puede pedírseles? Por eso que están en todos los carteles festivaleros veraniegos.

Vamos al sábado. Ojalá hubiese visto la actuación de Hidrogenesse junto a Lidia Damunt, reconvirtiendo con imaginación su repertorio.

No fue así. Llegué justo para picar algo de Dr. Dog, The Clean y de Michael Rother & Friends present NEU! Music y tener muy claro por qué me quedé en la actuación de los últimos. Quienes no hicieron justicia a su leyenda, para nada, fueron The Slits y Gary Numan, a quienes respetaba muchísimo más antes de ver en directo. En todo caso, ahí están sus discos. El ajetreo me impidió ver más de un tema de Liquid Liquid, aunque unos años atrás me habían dejado ya muy claro que su directo es cosa seria. ¿Y qué más puedo contarles? Que Pet Shop Boys y Orbital repitieron punto por punto su concierto de hace unos meses en otros escenarios españoles, aunque consiguiendo mejores resultados los primeros que los segundos. Quizás la diferencia está en que todo el mundo puede corear los hits de Pet Shop Boys, y ese feedback siempre ayuda. Y me alegro de haber presenciado dos actuaciones muy distintas. Por un lado la de The Drums, aunque los minutos iniciales de su show despistaron. El cuarteto parecía preocuparse demasiado por resultar gracioso e irónico, por mostrar una actitud algo impostada, pero esa sensación se evaporó tan rápido como se había generado. Sus canciones funcionan y, pese a los pregrabados (que son muchos) tienen potencial de sobras, aunque suenan más ochentas que en estudio (el cambio de registro vocal de Jonathan Pierce hacia tonos más bajos es el principal motivo). Por el otro, la de Sunny Day Real Estate, una deuda saldada para cualquiera que haya crecido con el hardcore más emocional. No disfruté tanto como algunos de mis compañeros, pero lo cierto es que fue sorprendente descubrir cómo Enigk –prodigiosa garganta, una vez más-, Hoerner, Goldsmith y Mendel eran capaces de elevar las cotas de electricidad tan alto. El suyo no fue el último concierto con el que lo pasé en grande en el festival, pero sí el último que me caló dentro. Joan S. Luna

Ryhanna Fotos Alfredo Arias

Rage Against The Machine

Jane’s Adiction

Pereza

( CONCIERTOS /34/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

Rock In Rio (1111) Sala Ciudad del Rock (Arganda del Rey, Madrid) Fecha 6 y 15-IV-2010 Estilo diversos Público 40.000 aprox. Promotor Rock In Rio La segunda edición madrileña de Rock In Rio cumplió su primer fin de semana tirando más del artificio y el espíritu de verbena que del rock, del cual un considerable porcentaje se escuchó durante la temprana actuación de Zoé. Curioso caso el suyo, acaban de editar aquí un álbum con una selección de canciones de su excelsa discografía transatlántica en el que han colaborado artistas destacados de nuestra escena (Vetusta Morla, Bunbury…), cuentan con un considerable empuje promocional y, en una inteligente iniciativa de comarketing, su nombre ha aparecido en el cartel de Rock In Rio junto al de Anni B. Sweet. El público indie, estrepitosamente ausente en la Ciudad Del Rock, no sabe que finalmente la malagueña sólo pisó el escenario durante cinco minutos, pero en su subconsciente flota algo más el nombre de un nuevo grupo. Seguramente Zoé no desmerezcan tanto apoyo. Buenas canciones (“Vía Láctea”, “Nada”) y algún que otro himno (“Love”), grupo grande. Pasa que, definitivamente engañados por el reclamo del cartel (Carlos Tarque y Ariel Rot también salieron a hacer una canción con Pereza pero su nombre no aparecía en el programa), algunos esperábamos al menos un breve set de Anni B. Sweet. Dos pestañeos después Mägo De Oz ya se afanaban en darse un baño de masas aprovechando que el público de Bon Jovi iba llenando el recinto. El baño a esa hora de la tarde también era de sol, con lo cual se hizo dolorosamente evidente algo que todo el mundo sabe, que los años no pasan a lo tonto. Mucho calor para hacer aerobic en pantalones de cuero.

Caída la tarde y ausente John Mayer por motivos de salud, Macaco fue el primero en pisar el imponente escenario Mundo. No le quedó grande. Chirríe más o menos su propuesta integradora, lo cierto es que sus canciones se propagaron por el páramo aleano con un sonido excelente, quizá el mejor del fin de semana. Cuánto se echa en falta encontrar más a menudo conciertos que suenen muy alto y muy bien. De esta manera, “Mama Tierra”, “Puerto Presente” o la ubicua “Moving” supieron a gloria y encajaron perfectamente en el espíritu de la noche. Asimismo, supuso todo un placer ver moverse por el escenario al Undrop Tomas “Tirtha” Rundquist y disfrutar de un final bombástico con la interpretación de “Monkey Man”, de Toots & The Maytals. Antes de Bon Jovi, quienes de verdad vendieron las entradas del viernes, Pereza cumplieron tocando mucho para sí mismos y un poco para la tele. Ni Rubén, transmutado en Keith Richards, ni Leiva son cantantes, así que a lo que tienden naturalmente es a entrelazar solos y fraseos que en ocasiones pueden hacerse algo pesados. En cualquier caso, seguramente a gran parte de las casi 50.000 personas que ya se agolpaban a la medianoche no le vino mal recibir una clase de buen rock’n’roll de doce compases. En síntesis, peor sonido que el resto de grupos y pocas concesiones a interpretar los hits más comerciales de su discografía (si acaso, únicamente “Estrella polar” y “Lady Madrid”).

Para terminar, Bon Jovi cerraron el día con mucha profesionalidad y con un volumen realmente arrollador. Esforzado y cercano pero sin arrugas y con los dientes estúpidamente níveos, esto es, como un remedo hollywoodiense de Bruce Springsteen, Jon Bon Jovi y sus chicos repasaron viejos éxitos (“Runaway”, “In These Arms” o “You Give Love A Bad Name”) y concedieron cuota a su época contemporánea (“Have A Nice Day”, “It’s My Life”), contentando así a su extenso rango de seguidores, chicas de veinte años en un extremo y heavies ochenteros en el otro. Finalizada su actuación, y mientras la mayoría del público abandonaba el recinto, el tratamiento trance de Paul Van Dyk quedaba para los más audaces. Unos a dormir y otros a lo que sea. Algo más fresca, la tarde del sábado comenzó simpática con Los Gerundinos, que dieron uno de esos conciertos dentro de los que uno siente que se está bien; aunque, a decir verdad, daba la impresión de que para Raimundo Amador, mosqueado con alguien de las primeras filas, la cosa no terminaba de ir con él. Después, un retraso en el escenario Sunset hizo que se solaparan las dos propuestas de Puerto Rico. Draco, uno de los tapados del festival, tuvo que resignarse a que Calle 13 le robaran el público con su descacharrante mezcla de ritmos latinos y hip hop de letras saludablemente al margen del dictado de la corrección política. Los caribeños calentaron la tarde siguiendo la acertada teoría que dice que los hits deben ir primero (apenas había cogido aire la gente y ya estaba sonando “Nadie como tú”) y articularon los discursos más sinceros de todo el evento. Rihanna, por su parte, se hizo esperar más de la cuenta y a la segunda canción ya había demostrado no estar a la altura de las exigencias de un escenario mayúsculo. Piernas mareantes, sí, pero poca voz, poco carisma y una infumable fritanga sonora por detrás: pufo absoluto. De momento, lo suyo son los videoclips y las producciones R&B 2.0 de estudio. La colombiana Shakira se maneja con mejor maña en estos envites y lo demostró con creces echando el cierre al sábado y dando paso al día de la familia (los menores llevaban pulseras con el número de contacto de sus padres), en el que los principales atractivos fueron la actuación de la voluntariosa Amy McDonald, que ya debe de sentirse como en casa por aquí, el punk pop-idol de los británicos McFly y el fenómeno Miley Cyrus (de niña a señora al cumplir los dieciocho).

Ante la flagrante ausencia de grandes grupos actuales en el cartel, la segunda tanda de conciertos del Rock In Rio fue protagonizada por varios exponentes de la vieja guardia noventera y algún dinosaurio de reciente cuño. Cierto aire a déjà vu, algo de frío y lluvia intermitente sobrevolaron la cita del viernes dando paso a una inestable placidez en la noche del lunes, aunque ninguno de estos motivos parece que pesase demasiado para que, en conjunto, la dos jornadas registraran bastante menos volumen de espectadores que sus

antecesoras, más dirigidas al público general y adolescente. En lo estrictamente musical, Rage Against The Machine se lo llevó todo el viernes. Los angelinos, sin duda, dieron el concierto del festival. Ágiles como un cuchillo y con sangre en el ojo, salieron a repartir y, durante la hora y media exacta que duró su actuación, vaya si repartieron. Cientos de verbenas y catorce años han pasado desde aquel mitificado FestiMad, y, de repente, lo que se veía y lo que sonaba en Arganda era Rage Against The Machine en su mejor versión. El espíritu del rock se hacía forma en la figura de este grupo improbable e irrepetible, y se hacía forma porque las canciones, la ejecución, la conexión con la gente, los movimientos, el sonido y la urgencia narrativa tenían esa carga de electricidad estática que sólo puede encontrarse en contadas ocasiones, no digamos en un evento como Rock In Rio, tan carente de mística. Zach de la Rocha, Tom Morello y compañía se movieron en estado de gracia e hicieron que todas las canciones (especialmente “Bulls On Parade” o “Bullet In Your Head”) llegaran hasta dentro, aunque no acertaron con una versión bastante mala del “White Riot” de The Clash y obligaron a que nos tragáramos “La Internacional” antes de los bises (un ‘what the fuck’ en toda regla, para qué engañarnos). Antes de RATM, Jane’s Addiction pasaron sin pena ni gloria porque allí nadie había ido a verlos, pero su concierto fue interesante y extraño como sólo puede serlo un concierto en el que sobre el escenario puedan verse juntos a tres tipos como Perry Farrell, Dave Navarro y el ex Guns N’ Roses Duff McKagan. Sobraron las bailarinas pornochachas, sobraron numeritos con botella de vino y, en general, faltó conexión. Las canciones, eso sí (“Been Caught Stealing” o “Jane Says”, por ejemplo), sonaron estupendamente. Bajo un aguacero, habían abierto la tarde los raperos Cypress Hill, que hicieron poco más que fumarse un porro de una cuarta en el escenario y repasar con desgana éxitos como “Hand On The Pump” o “Insane In The Brain”. El lunes, último día del festival, el día heavy, ejercieron de padrinos unos Motörhead comandados por el inefable Lemmy Kilmister, tan auténtico como quijotesco. Sin vídeos ni zarandajas, el trío británico repasó las composiciones de “Motorizer”, su último disco, y, para disfrute general, dejó que sonaran himnos como “Ace Of Spades” o “Killed By The Death”.

En un festival en el que el elevadísimo volumen de la música ha sido una de las principales características, fue curioso ver a Lemmy pidiendo en repetidas ocasiones que le subieran la señal del bajo.

Como colofón, Metallica, flamante cabeza del cartel del último día, quisieron poner la casa patas arriba con su espectáculo de rock duro e histrionismo, pero la verdad es que les costó mucho. No ayudaron un sonido demasiado crudo y la lógica falta de frescura y agilidad que conlleva la edad (nunca fue un batería contundente, pero ahora mismo da la sensación de que Lars Ulrich únicamente marca los golpes). Aun así, sus miríadas de seguidores, eternamente fieles y entregados por más que algún movimiento puntual en la carrera de la banda llegara en su día a interpretarse como un cisma, disfrutaron como nunca según se iban sucediendo éxitos como “Seek And Destroy”, “One”, “Nothing Else Matters” o “Enter Sandman”.

Jorge Ramos

festivalinternacionalde festival

1 - 31

Ăşsica

julio 2010

castillodeaĂ­nsa www.festivalcastillodeainsa.com

19ÂŞ EDICIĂ“N

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Caravana Festival Plan - Valle de Chistau

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LOS INHUMANOS l Viernes 9 Bo taĂąa 22,30

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LUMBALĂš - LA BANDA DEL SOPLO - FOLKINCATS - BERLUNA - DULAMAN

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2

Apertura 23,00

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DJ REPLAY

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SĂĄbado

26 â‚Ź

17

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D.J. SPADES - NOMADAS DEL ROCK - YESKA - INESTABLES - TRIFULCA

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Viernes 23, 12:00 H.

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2 y3

de Julio 2010

LCD Soundsystem

2Many DJ’s

Booka Shade

The Sugarhill Gang Fotos Hara Amorós

( CONCIERTOS /36/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

SÓNAR 2010 (1111) Lugar Diversos escenarios Barcelona Fecha 17,18 y 19-IV-10 Estilo electrónica, pop y rock Público 84.000 personas aprox. Promotor Sónar Nostalgia, hypes, triunfadores, bluffs, buen talento local, una silla que se monta sola, una pandilla de amigos que baila alzando una paletilla de jamón... Así se podría sintetizar, como de tantas otras maneras, lo que ha sido un Sónar de récord. El festival ha congregado a 84.000 personas en su edición de Barcelona (10.000 más que el año pasado) y a 14.000 en la de Galicia, donde se celebraba por primera vez con motivo del Año Xacobeo. La jornada del jueves estuvo marcada por los pequeños descubrimientos aunque fue un continuo calentamiento hasta última hora, cuando pudimos disfrutar de platos fuertes como Caribou o Elektro Guzzi.

La mañana fue dominio para los jóvenes talentos nacionales, a destacar el set del burgaleño Homeless Inc, que desplegó su intensa y vibrante visión del dubstep, el wonky y la bass music con la que atrajo la atención de un público mayoritariamente extranjero. Síganle los pasos, rebosa talento. Sin movernos del Sónar Dôme, la carpa que desde el año pasado programa la Red Bull Music Academy, pudimos ver actuaciones con acento mexicano.

Primero la de la rockera Teri Gender Bender, con sus maneras a lo Pj Harvey y la garantía de tener como padrino a Omar López de The Mars Volta. Show eléctrico el suyo. Los Amparito por su parte desplegaron su mantra electrónico que une los puntos entre Animal Collective y el folklore mexicano. Los que ya querían fiesta la encontraron en el Village, primero con el set del emblemático Pete Tong, que jugó como en casa y más tarde con los Round Table Knights, con sus mash-ups disco hedonistas y bailables.

Tras estos en el Complex aparecían Cluster, auténticas leyendas de la experimentación y el kraut, regalaron una de las mejores actuaciones de la jornada, por su trascendencia y valor. Luego salió a escena una banda que promete ser algo grande, si no lo es ya: Elektro Guzzi. Me juego aquí lo que quieran a que el año que viene repiten y en un escenario mayor. Fue el suyo un concierto épico, la reinvención del techno que practican con los instrumentos clásicos del rock (bajo, guitarra y batería) funciona tanto en pista como en casa (caten su homónimo álbum de debut en Macro). Sonaron terriblemente bien, la gente extasió, y se ganaron con derecho propio el ser los triunfadores de la jornada. No puede decirse lo mismo de Dan Snaith. Aunque Caribou petaron la carpa del Dôme, el concierto sonó como una pelota. Robot Koch cerró la jornada con una laptop-session (imperantes en el festival) que tocó los palos que le molan: hip hop, dubstep y bajos gigantes.

El viernes de día destacaron dos propuestas de aquí que han dado (y están dando) mucho que hablar y van juntas de la mano en la senda de la experimentación que busca la emoción. Los directos de The Sound Of Lucrecia y bRUNA, que preparó un set especial con visuales que será difícil de presenciar de nuevo dada

la reticencia del artista a dar conciertos, captaron la atención del público nacional. Qué sigan creciendo. Buenos sets ofrecieron también Annie Hall en el Village y BFlecha en el Dóme, dos de las mujeres con más proyección en la electrónica patria. En el Village la cosa fue sobre disco, pop y funk. Primero con los resultones pero no epatantes Shake Aletti, luego con unos New Young Pony Club, que no son tan brillantes como pintan... y no fue porque luego salieran Delorean y regalasen una vibrante actuación con cierre junto a John Talabot interpretando “Sunshine” como ya hicieran en el Primavera Sound. La noche del viernes fue una locura, llenazo absoluto en el recinto de la Fira y grandes nombres.

A primera hora Air y Hot Chip se repartieron la audiencia, con desiguales resultados. Por su parte, a la misma hora que LCD Soundsystem, que reventaron el Pub con los himnos que han marcado la década que dejamos atrás, Magda se marcaba una sesión dulcísima de deep techno y minimal house que encendió la mecha a lo que vino después. James Murphy y los suyos ofrecieron un concierto tanto o más rockero de lo que nos tienen acostumbrados y se despidieron (poco antes de que les obligasen a dar por concluido su concierto) con un “Yeah” de antología que hizo justicia a su relevancia.

La de Plastikman fue por decreto una de las actuaciones del festival, un live epidérmico, inteligente y a la postre bailable que borró de un plumazo los fantasmas que perseguían a Richie desde el año pasado con su justita actuación. Luego vino Dixon a impartir una de sus clases maestras, a este hombre lo tendrían que haber puesto a cerrar y a partir de las cuatro de la mañana. Al capo de Innervisions no le tose nadie en materia de deep house y lo demostró con una sesión impecable. Excelente selección e inteligente lectura de lo que necesitaba la audiencia en ese momento. Nos dejó flotando. Tras él Booka Shade facturaron uno de sus clásicos lives, siempre disfrutables y muy festivaleros, entran bien a cualquier hora. John Talabot, que para el que no lo supiera todavía pudo descubrir que es Oriol Riverola (D.A.R.Y.L., Hivern Discos, The Requesters…), se desenvolvió muy bien, dejando claro que sabe cómo pertrechar sesiones personales y coherentes. No se puede decir lo mismo de 2Many Dj’s que se pusieron demasiado gambiteros. En el Lab hubo tres triunfadores, Flying Lotus, que despacho un live oscuro, caótico y genuino, como su último álbum; The Sugarhill Gang, que regalaron un concierto simpático, y la joven Cora Novoa, que crece a pasos agigantados con su techno melódico y bailable. Hay buena cantera.

El sábado comenzó de nuevo con un abanico de nombres nacionales a destacar. Wooky, quién ha facturado un EP delicioso de IDM inteligente y trabajada abrió en el Village. Le siguió David M,

probablemente uno de los mejores Dj’s nacionales del momento.

Escuchen sus faraónicas mixtapes y juzguen. Lo toca todo y bien.

Jimi Tenor y los Kabu Kabu no regalaron un concierto tan impecable como pudimos presenciar en otro festival el pasado año, pero demostraron ser un proyecto sólido y sumamente atractivo en tiempos de sequía afro-beat. Tanto como Bomba Estéreo, otra gran sorpresa, que pusieron patas arriba el recinto con su mezcolanza de cumbia, reggae, champeta y house-rock. Seguro que los vamos a ver más por aquí a tenor de su calurosa acogida.

A quién no apetece ver ni en un flyer es a Uffie, que demostró lo que sospechábamos, que tiene un directo muy soso y pobretón, ella es muy justita en escena, y defender tamaño pestiño como “Sex, Dreams And Denim Jeans” sin recibir pitidos (los hubieron) es misión imposible. La chicha estuvo en el Dôme desde las tres de la tarde, con el directo de AD Bourke y su glitch-soul que sirvió de aperitivo a una de las apariciones más esperadas, la de la leyenda del house Moodymann, que ofreció una de sus impredecibles sesiones ataviado con una toalla en la cabeza. Fue del soul al house, trepando por todas las ramas, incluso cayendo en la del rock pinchando a The White Stripes y The Clash. Genio.

Siguió el live de Space Dimension Controller, niño revelación del techno con sabor al viejo Detroit, que aunque se le vio nervioso en escena, dejó buen sabor de boca. Éste va a subir en picado en las próximas temporadas. El que también merece hacerlo es Axel Boman. El Dj protegido de Dj Koze, se marcó una sesión festivalera de deep house (del nuevo y del viejo) que puso a tono la pista.

Solo le falta lanzar un hit que le encumbre en Resident Advisor para desplegar las alas y recorrerse medio mundo con su maleta a cuestas, el tío lo vale. Cerraron la jornada dos de los grandes exponentes de la RBMA de este año, el canadiense Lunice y el inglés Jackmaster, capo de Numbers y Dj de altura. La noche del sábado fue menos festiva pero más disfrutable gracias a los conciertos de Roxy Music y Jónsi. Los primeros no justificaron su retorno y acabaron dejando el triunfo de aquella hora al vocalista de Sigur Rós. Acompañado por un batería de órdago y diversos músicos, el islandés supo excitar al público en momentos puntuales y presentó un imaginativo show en el que las proyecciones y el escenario compartieron protagonismo con sus canciones. También presenciamos uno de los directos, el de Fuck Buttons, más intensos y que mejor definen el espíritu del festival. Ruido, baile y experimentación mientras que a escasos metros Dizzie Rascal se pegaba un festival en toda regla. Aunque muchos reivindican al primer Rascal, aquí nos quedamos con su faceta hedonista, housera y deudora del mejor Armand Van Helden (en los minutos finales cayeron sus nuevos hits “Dance Wiv Me” y el arrollador “Bonkers”, en una orgía de ritmo que le birló público a Fuck Buttons). Aunque después del subidón del británico todo se vino abajo con la chapa que pegó Matthew Herbert’s One Club, probablemente no era el marco ideal para presenciar esta propuesta, porque el amigo aburrió a la audiencia sobremanera y costaba encontrarle enjundia a la cosa. El papelón del festival lo cumplieron 2020Soundsystem, el proyecto de house orgánico e interpretado en vivo de Ralph Lawson, que les tocó actuar a la misma hora que The Chemical Brothers. Ofrecieron un show muy digno y festivalero.

Empezaron ante ¿100 personas? pero acabaron con medio Sónar Pub pegando botes. Tras ellos apareció Nacho Marco ofreciendo su vertiente house más techie y supo meterse a la audiencia, ávida de bombo, con un set muy correcto. El cierre lo hecho Dj Hell, tirando de experiencia, mientras que en el Sónar Club los enigmáticos Sandwell District ofrecían profundidad techno y en el Lab Del Palo Soundsystem: Griffi + DJ2D2, sembraban el flow. El año que viene más. Javier López y Joan S. Luna

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Bomba Estereo Fotos Francesc Rabat

( CONCIERTOS /38/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

VI Caixa Sabadell Etnival (1111) Lugar Diversos escenarios de Girona Fecha 17/ 18 y 19 de junio Estilo diversos Público 12.000 personas aprox.

Promotor Obra Social Caixa Sabadell

Peter Hook

Europavox: 2010 (1111) Lugar Clermont-Ferrand (Francia) Fecha 20-23 de mayo Estilo pop y rock Público 5.000 personas aprox. Promotor Europavox Un año más, el Europavox francés reunió a más de cincuenta jóvenes entre dieciocho y veinticinco años que oficiarían como embajadores culturales europeos. Todos ellos compartirían experiencias, asistirían a debates y conciertos y explicarían a los demás cómo funcionan las cosas en cuestiones sociales, musicales y culturales en sus países de origen. España, como de costumbre, contó también con los suyos: una servidora María Rodríguez García y Nanni Montoro.

Dejé Sevilla el pasado 20 de mayo sin saber muy bien lo que me iba a encontrar en Francia y he vuelto tan sumamente encantada que no puedo dejar de flotar por los aires. La gente, los embajadores de los otros países, el sitio, los escenarios, los conciertos, el tiempo… ¡todo! Tras un largo (y agotador) viaje, llegamos al recinto Europavox y fuimos recibidos como estrellas. Todo el mundo nos esperaba allí y las ganas de fiesta aparecieron sin querer. Y realmente nunca nos dejaron. El Europavox tiene “espíritu Erasmus”, o sea, gente de todas partes, viviendo una experiencia intensa, fructífera, enriquecedora en todos los sentidos y sobre todo divertida. Hemos podido hacer fiestas, estar en los conciertos pasándolo en grande con la música, hacer intercambio de i-Pods, participar en conferencias, conocer a los músicos y a los encargados del festival, hacer turismo

en Clermont-Ferrand y en París, asistir a cócteles, hablar un poco de todo con todo el mundo dándonos cuenta de que lo que realmente nos diferencia es nuestro lugar de residencia, porque hemos formado un grupo de gente más o menos compacto y nos hemos reído y hemos disfrutado de las mismas cosas. Y lo más importante, nos han dejado ser parte del mundo de la música, aunque fuese sólo por unos pocos días. Si me encontrara una lámpara con genio dentro, le pediría ¡volver el año que viene! El jueves fuimos testigos de como La Cafetera Roja, Dani Llamas y Tokyo Sex Destruction y Jen Onesailor agitaron los cerebros de los que pudieron verlos.

No puedo decir que conociera a La Cafetera Roja, pero doy fe de que todos los embajadores con los que estuve (y yo) quedamos en estado de shock con el mestizaje y la energía que destilan. Se podía adivinar el espectáculo en el escenario Magic Mirror ya desde la puerta. Actuaban allí Tokyo Sex Destruction, bautizados por los medios franceses como “the spanish noisy band”. Jen Onesailor fue el pequeño dulce electrónico francés que cerró la fiesta. Mirándola hasta parecía que pinchar podía ser una especie de juego, que nos hizo saltar a todos. El viernes tuvimos la oportunidad de hacer las primeras entrevistas. Instrumenti fueron mi descubrimiento

La Pegatina

apisonadora trepidante de estos siete jóvenes con base en Montcada i Reixac. Hasta ellos estaban sorprendidos de que la gente aguantara todo lo que llovió y sin inmutarse, Bueno, sin inmutarse, no, estuvieron todo el concierto bailando y cantando al son de la rumba urbana de está banda que está rompiendo moldes. Tras ellos, Ozomatli, la banda de Los Ángeles, cerró la actuación de grupos del día. A pesar de que se les esperaba con ganas, su show tuvo altibajos y solo en la recta final se pudo comprobar de lo que son capaces de dar de sí. Acabaron tocando entre el público, algo que éste agradeció. Dj Tommi remató la faena tras los platos. El sábado amaneció con sol y parecía que se iba a mantener. No fue del todo así, aunque la poca lluvia que cayó apenas se notó. Pirat’s Sound System abrieron puntualmente con su hip hop en catalán y musicalmente caribeño. Soto y Pep a las voces y un Dj Merey imperial en los platos sedujeron rítmicamente a los primeros que se acercaron al festival. Siguieron Color Humano, piedra fundacional del mestizaje bien entendido. Sus mensajes y su fusión musical caló tanto en los más jóvenes como en los que les seguían hace unos años. Presentaron temas nuevos de lo que será su nuevo disco. Pero después llegó la revelación del festival, Bomba Estéreo. Desde Colombia y con apenas cinco años de historia estos cuatro jóvenes poseen un directo realmente espectacular. Mezclando ritmos de raíz colombiana con la electrónica más rítmica y con una Liliana Saumet a la voz y gran presencia, consiguieron que todo el numeroso público que en su mayoría parecía venir para ver a Morodo, bailara a su son. La sorpresa del festival. Como colofón, el mencionado Morodo acompañado por la impresionante banda The Ranking Soldiers demostró porque le llaman el rey de ragga en español. Miguel Amorós

Richard Hawley Fotos Florent Giffard

Nueva edición del Etnival y nuevo éxito de público y artístico. El jueves 17, Diego El Cigala se encargó de iniciar el festival en el único concierto de pago de todo el evento.

Lo hizo en el Auditori de Girona y junto a su cuarteto, piano, contrabajo, percusión y guitarra flamenca, ofreció un emotivo concierto pleno de actitud y flamenco de nueva generación. Ese mismo día en la Sala Platea, Electrotoylets y su maremágnun de instrumentos, serios y divertidos, sorprendieron a quienes no les conocían. Su actuación en el Sónar y especialmente en el Sónarkids fue todo un éxito y es que la transformación que consiguen de la música tradicional catalana a través de la electrónica es espectacular. El viernes, con un tiempo amenazante, la organización dejaba un mensaje claro en el Facebook del festival donde decía: “El Etnival se hará tanto si llueve como si no llueve. ¡A bailar todo el mundo!”. Y vaya si fue así. Justo cuando iban a dar comienzo los conciertos en el amplio y verde Parc De Les Ribes Del Ter, caía una fina lluvia, pero el sol lucía radiante, lo cual originó un brillante arco iris que parecía dar la bienvenida al Festival.

Microguagua, ese combo formado en Barcelona y que aglutina músicos procedentes de Chile, Paraguay, Italia y Argentina, fueron los encargados de calentar el ambiente con su mediterranean reggae dub. Che Sudaka tomaron el relevo y la fiesta empezó. Curtidos en mil batallas saben cómo subir y bajar la intensidad, cómo hacer que el público atienda o se vuelva loco. Activistas musicales y sociales son maestros del “baila y piensa” y lo suyo es un cóctel de ritmos que siempre tiene buen sabor. Lo dejaron todo preparado para La Pegatina. A esas alturas de la noche parecía que la lluvia, que no paraba de caer iba a desmerecer la fiesta, nada de eso. Entre cinco mil y seis mil personas (según la organización) disfrutaron de la

del festival. Su música, a veces furiosa, a veces naïf, me conquistó y durante la entrevista me terminaron de enamorar. Nos contaron que iban disfrazados porque lo único que les interesaba era la música, que no importaba quiénes fueran ellos. Son dos chicos-panda en el escenario, pero virtualmente hay una gran familia de pandas felices en Europa. La totalidad de su grupo está dispersa por otros países y no sólo son músicos, sino video-artistas y gente del mundo del espectáculo en general. Sus influencias van desde Michael Jackson hasta Peter Gabriel y sus canciones cantadas en lituano e inglés nos hablan de amor, de su forma de vivir y del mundo mágico del que provienen. Su concierto fue una descarga de adrenalina. Bailamos, gritamos, reímos…¿se puede pedir más?

Tras su concierto los barceloneses The Requesters hicieron que la explosión del volcán Eyjafjallajokull se quedase en nada al lado de su sesión. El suelo temblaba. Daba hasta miedo. Y finalmente, el francés Boggers fabricó una brillante performance a lo hombre orquesta en el escenario de la Coopérative de Mai. Su actuación inesperada en el cóctel de la tarde auguraba lo mejor, y es que parece mentira que llenara tanto el escenario con sólo su presencia, una guitarra, un pedal y su aparatejo con las bases y los efectos.

El sábado fue realmente grande para mí. Los días anteriores fui la más pesada del festival contándole a todo el mundo la vida y milagros de Bigott, que tenían que verlo, que iba a ser el mejor concierto del festival, bla bla bla y conforme tocaba, la gente tenía la boca y los ojos abiertos de par en par, así que no necesito más confirmación. Puedo decir a boca llena que son geniales, todos ellos (¡Leda Tres, vosotros también!), siendo sencillos, espontáneos, generosos, simplemente con una filosofía: “No pretendemos nada”.

Otra de las razones por las que el sábado fue espectacular fue porque estaba presente la joya de la corona: Peter Hook y su homenaje a Joy Division. Ninguno de nosotros pudo conocer a Joy Division en su momento, pero es sorprendente la trascendencia generacional que tiene. No puedo recordar cuándo fue la primera vez que les escuché… El concierto no fue una maravilla en el aspecto técnico, pero sí en el sentimental. Pudimos sentir casi un infarto colectivo cuando sonó “Love Will Tear Us Apart”.

El domingo, el último día de festival, tenía conciertos que prometían, pero que se quedaron a medias. The Plasticines es una banda de chicas por casualidad, puesto que no quieren reivindicar nada, ni feminismo, ni cosas por el estilo. Lo único que quieren demostrar es que hacen buenos conciertos, aunque se quedaron en verdaderos clichés andantes. Francesas, estilosas, guapísimas (eso sí), sin restricciones a la hora de hablar de sexo o de cualquier tema escabroso… pero su rollo de chicas duras cansa. A continuación estuvo Pete Doherty, aunque sin banda queda soso. Eso sí, regaló momentos impagables como cuando tocó “What A Waster”. El chico tiene talento, nadie lo puede negar. María Rodríguez García

Fiera Foto Archivo

escaparate

Fiera Vienen de: Sevilla Publican: “Déjese llevar” (El Rancho, 10) En la onda de: Suicide, Akauzazte, Einstürzende Neubauten

Los Chicos Vienen de: Madrid Publican: “We Sound Amazing But We Look Like Shit” (Dirty Water, 10) En la onda de: Dr. Feelgood, Devil Dogs, Nine Pound Hammer

Challenger Foto Verónica Fieiras

Vienen de: Madrid Publican: “Ümelsion” (B-Core, 10) En la onda de: No More Lies, Drive Like Jehu, At The Drive-In

cesaria y excitante. “La idea es establecer un círculo a largo plazo, crear un equipo de trabajo sólido con el que seamos capaces de tirar adelante. Los grupos tienen que ponerse las pilas, que no es tan difícil hacer tu propio sello, es mucho trabajo sucio y desagradable pero llevamos muchos años en los que el rockero de turno parece mongolo”. En El Establo, su local presidido por un Curro que todo lo ve, y en su sello, El Rancho, gozan de una actividad inquieta y sopesada, una paradoja si no se tratara de ellos, capaces de eso y de mucho más. Ya les aviso para que estén atentos a nuevos movimientos y sorpresas. ■ Ignacio Pato L.

Los Chicos Foto Archivo

“Lo de B-Core ha sido muy bueno para nosotros. Creo que a Jordi le gustó la frikada del video de ‘Severed Finger’, realizado con un presupuesto de 0,50€ (lo que costó una cartulina verde para hacer un croma casero) y a partir de ahí vino lo demás”. En el fondo, nuevos matices en la manera de enfocar estos temas, más alocados, caóticos o rotundos y menos adentrados en el pop que en su primera referencia. “Si ‘Dilitid’ sonaba más pop es porque quizá en ese momento lo vimos de esa manera. Si este ‘Ümelsion’ es más punk, más a la antigua y más cerdo, puede que sea porque estamos hartos de cómo se está estandarizando el sonido de las bandas de nuestra querida escena”. Por eso siguen en sus trece, definiéndose con una urgencia con la que transmitir altas dosis de energía. “No es que sea una premisa, es que nos sale así. De hecho, eso sí que es algo que nos hemos planteado alguna vez, frenarnos. Pero a día de hoy nos parece imposible, quién sabe lo que pasará en el futuro”.

Quizá ello sea fruto de los nuevos puntos de vista establecidos en la producción de Javier Ortiz. “La forma de tomarnos la grabación ha sido determinante de cara al sonido final del disco.

Sin desmerecer a Santi (García) ni mucho menos, que hizo un trabajo glorioso, en este segundo disco, grabando todo en directo, en analógico y con un equipo de hace cincuenta años, nos hemos encontrado como peces en el agua.

Nos dimos cuenta de que es así como sonamos, así somos y así queremos seguir”. ■ Francesc Feliu

Challenger

aplicado a la música, como en el caso de grupos de principios de los ochenta que a base de intelecto experimentaban con esa parte salvaje. Hace tiempo que estoy bastante interesado en la electrónica más orgánica y en la manera de hacer cosas con máquinas. Eso y los instrumentos caseros es lo que ha configurado la parte técnica. Me parecía muy interesante poder hacer algo que hablara del ser humano en su faceta más primitiva e incluso corporal desde esa óptica tan aparentemente deshumanizada”. Definir a Fiera es tan difícil como no concebir a este clan sevillano como una aportación ne-

El cuarto disco de uno de los combos más queridos del rock’n’roll madrileño lleva por título “We Sound Amazing But We Look Like Shit”, en referencia a una anécdota acaecida durante un concierto suyo en Inglaterra, donde una ex estilista de Led Zeppelin les elogió por lo bien que sonaban pero cuestionó que su apariencia física les pudiera ayudar a ir un poco más allá. Los Chicos se lo toman con humor. “Está claro que si nuestra imagen fuese mas ‘cool’ seríamos más ‘vendibles’, pero es lo que somos, gente normal sin pintas raras, y nunca vamos a cambiar nada respecto al grupo con el objetivo de ser más conocidos o vender más”, nos cuentan. El disco ha sido grabado por Mike Mariconda (“Nos conoce al dedillo, sabe lo que nos gusta y cómo queremos sonar, y lo ha conseguido”) y está editado en el sello inglés Dirty Water (“Lo mejor es la distribución que tiene en todo el mundo. De hecho, la primera edición del vinilo se ha agotado en dos meses, y más de la mitad se ha vendido en el extranjero”). En él, la vitamínica fórmula de Los Chicos aparece aumentada y mejorada: rock and roll, power pop, punk, rhythm & blues y, por encima de todo, la sempiterna actitud festiva de este grupo de amigos que se enorgullecen de ver cómo la gente acude a sus conciertos a disfrutar. “Es muy habitual tras un concierto nuestro oír las palabras felicidad y alegría, y eso es algo que la gente necesita en Madrid y en todas las partes del mundo. Y nosotros más que contentos de proporcionárselas, por supuesto”. Después de diversos conciertos por la geografía estatal, el grupo se ha embarcado en una gira por Australia, donde su disco va a ser editado por el sello Off The Hip. ■ Jorge Ramos

Javi Álvarez es gallego y Álvaro Barriuso de Burgos. Álvarez y Álvaro.

Podría haber sido su nombre artístico pero Dúo Cobra mola bastante más, especialmente si quieres dedicarte al reggaetón, aunque no es el caso. “Déjate morder” es un inquietante tratado de pop doméstico a cargo de dos músicos de origen diverso que se juntaron un buen día en Barcelona: uno con formación clásica; el otro curtido en la electrónica; ambos enamorados de los cacharros. “Ambos venimos de mundos diferentes. Curiosamente, Álvaro, que ha estudiado guitarra clásica, ha acabado manejando la parte electrónica y yo tocando la guitarra”, explica Javi, miembro también de Fluzo y propietario de La Follable, el espacio creativo que se ha montado en el salón de casa. También es el responsable del diseño del disco, hecho a mano y con una portada para cada canción. “Nos ha costado darle forma al concepto”, comenta Álvaro. “A mí siempre me ha tirado un poco más el folk. Lo bueno de Dúo Cobra es que ha salido algo que no tiene nada que ver con nuestros gustos individuales”. “Lo curioso es que nos permitimos meter mano en lo que hace el otro, incluso en las letras, algo poco común”, añade Javi. “Somos muy poco metódicos. En general, experimentamos cada uno por su lado. De ahí también el sonido del disco, que arranca muy acústico y acaba con ruiditos.

Cuando lo ves ordenado parece tener sentido, pero ha sido bastante fortuito”. Porque “Déjate morder” es un disco extraño y fascinante, poético y marciano a la vez, experimental sin querer ser raro y raro aunque quiera ser pop. ■ Joan Cabot

Dúo Cobra Vienen de: Barcelona Publican: “Déjate morder” (Repetidor, 10) En la onda de: Jim O’Rourke, Vainica Doble, Quimi Portet.

Dúo Cobra Foto Archivo

S

i Pony Bravo es Jekyll, Fiera es Hyde. Desde ahí, estamos preparados para casi todo lo que tengan que decirnos Javier, Darío, Daniel y Pablo, impulsor del nuevo animal. “Fiera tiene casi el mismo tiempo que Pony. Cuando nos juntamos yo ya tenía algunas ideas que ahora se han materializado. Fue hace un año cuando decidimos que Fiera ya tenía un poquito más de cuerpo y empezamos a trabajar más en serio”. Quemar, resistir, arrojar, romper, molestar, pinchar, cagarse en los muertos y por supuesto disfrutar. Qué maravilla, algo de eso es Fiera. “El concepto parte de sacar el lado instintivo del hombre

Vórtice Foto Archivo

escaparate /42/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro

Vórtice Vienen de: Barcelona Publican: “Zombie” (Kaiowas Records, 10) En la onda de: Meshuggah, Moksha, Cube

Raíces y Puntas Foto Archivo

En nuestra sufrida piel de toro estamos faltos de héroes pop de espíritu lo-fi, esos que intentan cambiar el mundo con tres acordes, muchas ganas y pequeñas canciones milagro, de ahí que hayan tenido que venir del otro lado del Atlántico para ponerle remedio.

Eduardo Chirinos, alma mater de Las Ruinas, es peruano, y desde hace unos años vive en Barcelona. El germen de La Ruinas es simple.

“Empezó como algo casero, para probar canciones que hacía para los grupos donde tocaba. Normalmente sólo colaba una, así que el resto se quedaban guardadas. Las grababa en la habitación con cualquier tipo de instrumento, pero el resultado solía ser algo irrepetible, así que decidí montar un grupo, un trío, y construir las canciones con la instrumentación más básica”. Harto de que nadie le hiciera caso, Chirinos ha decidido autoeditarse su debut, un orgiástico disco de pop ruidoso que no esconde sus referentes. “Para ‘Butano!’ quería hacer canciones pop envueltas por mucha distorsión y soltarlas una tras otra sin descanso. En casa sonaban Hüsker Dü, Dinosaur Jr, Pixies, Buzzcocks, The Replacements, The Wedding Present, The Beatles, The Byrds, Ramones, JAMC, Big Star, XTC, The Velvet Underground, Wire…”. Rabiosamente pop a pesar de la distorsión de sus guitarras, su discurso se enriquece con un sano espíritu DIY de alma loser que hace su propuesta aun más atractiva. “Siempre me ha atraído la cultura outsider... Los grupos americanos de finales de los ochenta y principio de los noventa de sellos independientes como SST, K Records o Sub Pop han sido una referencia, y también la filosofía DIY y lo-fi de grupos como Guided By Voices o Sebadoh”. ■ Xavi Sánchez Pons

Vienen de: Barcelona Publican: “Butano!” (Autoeditado, 10) En la onda de: Dinosaur Jr., Buzzcocks, Television Personalities

Raíces y Puntas Vienen de: Chiclana Publican: “Que le importa a las estrellas” (Komando Chiclana, 10) En la onda de: Kiko Veneno, La Cabra Mecánica, Los Delinqüentes

Las Ruinas Foto Archivo

Las Ruinas

nos entiende, sabe por dónde ir y el sonido que queremos. Además, es un fanático de Meshuggah de toda la vida”. Hablando de los suecos, creadores de las coordenadas por las que Vortice transitan, su guitarrista Fredrik Thordendal ha alabado al grupo catalán e incluso debía interpretar en “Zombie” unas pistas de guitarra que, por motivos de agenda, deberán esperar a un tercer disco. (Pere) “Lo único que sabemos es que para el próximo queremos hacer algo aún más bestia”. (Llorenç Puig, batería): “Más directo, más rápido, con más nervio”. (David) “También queremos alejarnos un poco de la frialdad que se suele atribuir a los grupos de nuestro estilo”. Más información en www.myspace.com/vorticerocks. ■ David Sabaté

los espectaculares resultados, en su caso la pregunta es obligada. ¿Qué peso tiene el sonido, el cuidado de la producción, y cuánto tiempo dedican a la composición?

“Yo creo que cincuenta y cincuenta por ciento. A diferencia de otros estilos musicales, el metal tiene una parte muy importante que afecta al sonido, los amplificadores, la afinación y la producción en el estudio, pero siempre acompañada de una parte creativa que consiste en darle a la cabeza, trabajar y darle vueltas a los temas”. Para dar con la ecuación exacta han repetido con el productor Gorka Dresbaj en The Room Studio, binomio elegido con éxito, también, por bandas como Foscor o Sound Of Silence. David Martín (cantante) apunta: “Es un tío que nos tiene cogidos,

Al frente de Raíces y Puntas está Sharli García, cantante, letrista y compositor procedente de Chiclana. Y aunque mantienen ese origen sureño, la banda reside en Madrid. Junto a sus compañeros acaba de editar “Que le Importa a las estrellas”, su primer y recomendable largo después de un par de demos, un EP y montones de conciertos. “El disco es la cristalización del trabajo de estos años visto desde el momento actual de la banda, más cuajada y madura. Hemos incluido las diferentes vertientes de nuestro sonido, para que quede constancia de los caminos que recorremos”. Como es normal en estos tiempos, la autoproducción es la vía elegida y el disco lo puedes descargar gratis desde su web. “Nos parece más importante que se escuche nuestro trabajo, porque al fin y al cabo haces música para compartirla. Lo que estamos logrando es la ruina económica y el enriquecimiento espiritual”. Nos lo cuenta Sharli, que cuando canta lo hace con una personal y colorista voz. Además es sociólogo y economista, algo no muy habitual en el mundo de la música y que influye en sus originales letras. “De alguna forma eso me aporta una visión analítica del mundo en que vivimos y determina mucho la elección de los temas que abordo en las canciones y la manera de tratarlos. Esto lo compenso con la filosofía de la calle... En cierto modo se trata de hacer política por medio de la alegría”. Y en lo que respecta a su música, han sido ellos los que sabiamente han preferido escoger una etiqueta.

“Como concepto, la ‘rumba guerrillera’ apela a una actitud de conciencia y de lucha frente a lo malo del mundo que nos rodea y de nosotros mismos”. ■ Miguel Amorós

Thelemático Rosa se ha convertido por derecho propio, después de la pérdida del Verde, en el divino creador de un árbol genealógico compuesto de vidas y misterios que irradian su devoción por la magia y por lo oculto a base de un pop críptico, algo místico y surrealista pero plagado de humanismo. Del de verdad, vamos. “Las letras siguen la misma onda, creo, aunque sí que están más influenciadas por la magia y lo oculto. Como más místicas pero sin pasarse”.

Profana lo sagrado, atreviéndose incluso con Ramón Llull, Simón el mago o San Pedro. “Profanamos lo sagrado desde el primer día con ‘Cucufate’, un santo mártir con un nombre muy musical”.

Eso sí, desterrado el feísmo intencionado, como ese primer hit de hace unos tres años, ahora el cripticismo de su debut largo es más luminoso y bello. Mantiene el fondo punk pero su forma está más inspirada en décadas clásicas genuinamente más pop. “Tanto las canciones como sobre todo la producción son diferentes. Creo que podría grabar algunos temas del EP con el sonido del nuevo disco y encajarían perfectamente”. Aunque le han acompañado El Guincho, Joe Crepúsculo y la ex Sibyl Vane Luciana Della Villa, ahora junto a Rocío Campaña, la antigua compañera de ésta, Sergio Pérez ha convertido el proyecto en trío. “Entre que Nacho dejó el grupo y los directos con Joël, la grabación tardó en comenzar y se alargó en el tiempo. Pablo Díaz Reixa toca la batería, Luciana canta y toca el bajo en un par de canciones. Joël Iriarte toca el órgano en ‘Oro Fino’. En cuanto lo tuve terminado empecé a ensayar con Rocío y Luciana. Ahora Thelemáticos somos los tres”. ■ Celestí Oliver

Thelemáticos Vienen de: Barcelona Publican: “Thelemáticos” (Discoteca Océano, 10) En la onda de: Derribos Arias, Patrullero Mancuso, Syd Barrett

Thelemáticos Foto Adria Cañeras

L

os barceloneses Vórtice siguen inmersos en la presentación de su segundo disco, “Zombie”, una obra que les consolida en la primera división del death metal experimental. “Con el primer disco conseguimos el sonido que queríamos, el molde, y esta vez nos hemos centrado más en los temas”, explica Pere Sánchez, guitarrista y miembro fundador del grupo en 2004. “Intentamos que el tema entero camine. Hay muchas bandas que ofrecen una colección de riffs muy chulos pero con las que no tienes una sensación de canción. Creemos que hay que traducir el resultado para la gente. Que, pese a lo complicado del sonido, eso no cree una distancia entre el escenario y el público”. Oídos

The Eyes Foto Rubén Navarro

MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /43/ escaparate

The Eyes Vienen de: Barcelona Publican: “Insignis” (Kaiowas/Divucsa, 10) En la onda de: At The Gates, Metallica, Vortice

www.mondosonoro.com

Jugoplastika Foto Archivo



Más información en:

Jugoplastika

Poncho K Viene de: Sevilla Publica: “Una historia con las manos” (Sony Music, 10) En la onda de: Extremoduro, Kiko Veneno, Albert Pla

“

Una historia con las manos” es la quinta referencia de Poncho K, un disco marcado por una evolución reflexiva. “No ha sido nada premeditado, me he dejado llevar. He descubierto a The Beatles en profundidad hace unos meses y de Dylan solamente he escuchado cosas sueltas. Mis raíces son otras y siguen presentes en el disco. Ahora estoy prestando atención a más música anglosajona...”. El artista rinde un claro homenaje a la manera de contar historias de su admirado Kiko Veneno en “Manolito Caramierda”, una canción simpática pero que trata de un tema serio. “Esta historia nace de una visión personal cuando pienso en mis años de cole y cuando me entero de un caso en Estados Unidos de un adolescente que mató a sus compañeros de clase porque le hacían la vida imposible, según él”. El sevillano, inmerso también desde hace unos meses en una novela (“no sé muy bien los caminos que va a tomar el personaje central, ni cómo va a acabar todo, pero tengo ganas de conocerlo”),

ha pisado el freno en temas como “El último sol”, en la que colabora Rubén de Pereza. “Somos viejos conocidos. En principio lo invité para que grabase una guitarra pero en el estudio surgió el feeling y grabó tambien la voz”. La tradición del rock urbano de Extremoduro y la realidad callejera son parte de sus señas de identidad. “Me fui a Madrid con mi guitarra y lo puesto a los dieciocho.

Dormía en el metro y me ganaba la vida de la manera que podía. Eso es durísimo, pero creo que todos los músicos deberían pasar por ahí. La calle y los barrios son la universidad de la vida. Con esta experiencia ahora valoro mucho más lo que tengo”. Todo ello sin olvidar su vertiente poética reivindicando a Marcos Ana, escritor salmantino de noventa años, enmarcado en la lucha antifascista. “Me sorprendió la obra de este hombre.

Es uno de los pocos autores que, después de pasar un largo tiempo en el talego por motivos políticos, tiene la capacidad de sintetizar lo vivido sin un ápice de revancha”. ■ Rojas Arquelladas

Vienen de: Madrid Publican: “Say Hello The Kid” (Ernie Records) En la onda de: El Inquilino Comunista, No Age, Pavement Jugoplastika acaban de publicar su nuevo álbum, “Say Hello The Kid”, tercero en su carrera y que parte de una nueva situación en la banda española que ha marcado el resultado. “La gestación del disco coincidió con la paternidad de Pablo y sí que se nota un cambio de tono de este disco con respecto al anterior”, comenta el bajista, Ramón Zaruaza. “Es más alegre y festivo en parte gracias a Alvarito, que, por cierto, sale en el videoclip de ‘Little Funny Things’”. En la producción un nombre de sobra conocidos por todos y más aun por los seguidores de Jugoplastika: Paco Loco. El del Puerto de Santa María no se ha separado de ellos desde sus inicios, viéndolos crecer con cada trabajo. “No concebimos entrar a grabar a un estudio que no sea el de Paco ni con otro productor que no sea Paco… Hemos ido de su mano desde nuestra primera demo hasta ahora y es él quién decide cómo vamos a grabar, dónde vamos a mezclar y con quién vamos a masterizar los discos”.

Aquí es dónde entra John Agnello, conocido productor e ingeniero de sonido estadounidense, por cuyas manos han pasado desde Sonic Youth hasta Dinosaur Jr. Como resultado nos encontramos con canciones directas y pegadizas que entran a la primera, recordando a los mejores noventa. “Tenemos una manera de componer un poco caótica e improvisada. De hecho, solemos tocar en directo canciones que nunca hemos ensayado los cuatro juntos, con lo cual desde que tenemos la primera versión hasta la que queda finalmente en el disco, la canción va cambiando poco a poco sin ser realmente conscientes de ello. Lo que nos divierte es tocar, tocar y tocar, y no nos preocupa hacer la canción perfecta o nada parecido, simplemente ir tocándolas según nos vayan viniendo”. ■ Natxo Sobrado

Poncho K Foto Archivo

La mejor manera de definir lo que hace María Rodés es escuchando “Escondite”, el último corte de “Una forma de hablar”. “Mis canciones son fugaces/cualquier amago de sinceridad es fruto de pura casualidad” reza la primera estrofa, y lo cierto es que no se me ocurre mejor definición para sus temas. “’Fugaces’ es porque las canciones son muy cortas y porque al final nunca acabo de decir nada concreto. Siempre me escondo, pero bueno, dicen bastante aun y así. De hecho el disco funciona un poco como un diario personal”. Letras aparte, lo que se nota en este segundo trabajo de la barcelonesa -el primero firmado con su nombre- es, por un lado, que lo le gusta encasillarse en un género concreto (algo que ya demostró en Oníric, su anterior proyecto) y luego una mejora substanciosa tanto en las composiciones como en la producción. El resultado: once canciones que tienen algo de folk, jazz, country y cierto aire afrancesado “Lo del jazz es porque estudié jazz en el Taller de Músics y he cantado muchos standards e inconscientemente se me han quedado las melodías. Para este disco también escuchamos mucho a Richard Swift, porque quería darle al disco un punto antiguo y una atmósfera como de los años cuarenta y cincuenta”. Para ello ha contado con la ayuda del productor Ricky Falkner, que le ha dado a los temas “un formato más de banda, que es un poco lo que quería. En comparación con el disco anterior, este es más fiel a como quiero sonar cuando hago una canción. Es una producción más clara, más definida”. En cuanto a las comparaciones con Christina Rosenvinge que le están lloviendo, Maria declara: “Me lo ha dicho mucha gente, yo no la conozco mucho, sólo el disco que sacó con Nacho Vegas, supongo que es por el tipo de letras y por la manera de cantar susurrando”. ■ Marc Luelmo

María Rodés Viene de: Barcelona Publica: “Una forma de hablar” (B-Core, 10) En la onda de: Christina Rosenvinge, Richard Swift, Beth Gibbons

María Rodés Foto Ana Madrid

Nada menos que cinco años han pasado entre el debut de The Eyes, “Pursuing The Misfortune”, y su nuevo “Insignis”, veloz segundo asalto que se sitúa a la altura de su sólido directo y que confirma a los barceloneses con una de las bandas metálicas con más proyección del país. “Ha sido como dar a luz. Es algo súper bonito y al mismo tiempo muy doloroso, pero al final vale la pena. El problema es que, debido a algunos contratiempos, la salida del disco se ha retrasado casi dos años”. Habla Edgar, guitarrista y cofundador de la banda junto a Wero. Ambos responden a mis preguntas en una informal charla en el frankfurt contiguo a la barcelonesa sala Apolo. Falta una hora para su concierto junto a Soziedad Alkohólika. El presente no podría ser más dulce para la banda. Han fichado por un sello de calibre; el pasado verano actuaron en el festival Sonisphere abriendo para sus ídolos Metallica (“los dos llevamos tatuada esa fecha”), acaban de protagonizar una gira estatal junto a S.A. (“que te vean mil personas dos veces por semana es de lo mejor que nos podía pasar”) y recientemente han estado en el Viña Rock. Aunque, como decían al inicio de la entrevista, antes de llegar hasta aquí han padecido algunos altibajos. El más importante de ellos, los cambios de batería y, sobre todo, de cantante. De hecho, Edgar y Wero son los únicos miembros originales de The Eyes. “Los dos tenemos claro que queremos llegar lo más lejos posible con la banda, y llega un momento en que o te subes al carro o no es posible”. ■ David Sabaté

MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /45/

THE LEADINGS

“Don’t Stop Till You Get Enough!!”

Tsunami Music

ELECTRÓNICA

1114

El título que da nombre al primer álbum de The Leadings, “Don’t Stop Till You Get Enough!!”, proviene de un tema del rey del pop, Michael Jackson. Por lo demás, poco tiene que ver el contenido de sus canciones con éste. El trío murciano, sin dejar de lado el espíritu pop, se decanta más por bases electrónicas destinadas a ser bailadas hasta que el cuerpo no pueda más. Esa es, sin lugar a dudas, su filosofía. Tanto es así que dos de sus miembros (Paco Ganga y Sergio Moreno) decidieron, tras varios años como Dj’s, hacerse con una voz para dar en el clavo. La incorporación de Juan Torrano ha devenido fundamental, consiguiendo un equilibrio entre el pop y la electrónica que nada tiene que envidiar a los británicos The Whip y que les ha llevado a formar parte del cartel de diversos festivales estatales. En todo caso, The Leadings presentan once temas bailables a más no poder, entre los que destacan “Let Me Try”, “Robots” y “Revolution”. Una formación a seguir de cerca de cara al futuro.

Guillermo Esteban

KATE NASH

“My Best Friend Is You” Polydor

POP

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Podría escribirse un extenso estudio sociológico sobre los machos británicos partiendo del retrato que de ellos ofrecen Lilly Allen y Kate Nash, dos artistas ligadas no sólo por haber irrumpido en escena en el mismo momento y por los mismos medios, sino también por ese pseudofeminismo bobalicón del Cosmopolitan que prefiere la revancha: nunca me escuchas, nunca bajas la tapa del retrete, miras a otras tías, eres un cerdo y sólo quieres que llegue el fin de semana para empedarte con tus amigotes y ver el fútbol, etcétera. Ocasionalmente mordaz, en general supone un discurso bastante inocuo que, a ritmo de soul pop facilón, aporta más bien poco a un disco tirando a aburridote: Bernard Butler habrá hecho lo que ha podido, pero Kate Nash no es Duffy, ni tampoco Regina Spektor aunque se esfuerce («Pickpocket»), ni siquiera es Lilly Allen, que tiene más mala leche y nos hace bailar. Quizás sea porque soy un tío, y bastante cerdo además, pero prefiero el fútbol. Joan Cabot

ARIEL PINK’S HAUNTED GRAFFITI “Before Today” 4AD/Popstock!

POP

1111

Siempre tuve la sensación de que el enorme prestigio de Ariel Pink entre la comunidad independiente se debía a lo febril de su producción -once discos e infinidad de grabaciones domésticas- más que a la puntería que el californiano demostraba en ellos. Había genio, sí, se intuía en momentos puntuales, pero casi siempre oscurecido por una gruesa capa de mugre lofi y desgana instrumental. Tiene gracia que se acoja “Before Today” como la primera grabación profesional de Ariel Pink, en este caso de la mano de su banda Haunted

Graffiti y con Sunny Levine a los mandos, cuando parece grabado en el interior de un tubería, lo que le aporta un tono fantasmagórico cercano al de los trabajos de su amigo y puntual colaborador John Maus. El caso es que, caprichos sonoros al margen, lo que resulta indudable es que “Before Today”, con sus excentricidades y constantes cambios de dirección, es lo más cercano a una colección de canciones que Ariel ha grabado nunca. Entre arrebatos glam, guiños al sonido disco, falsetes alocados y arrebatos de nocturnidad - Iggy Pop y The Cure, sus héroes confesos- Ariel Pink’s Haunted Graffiti acaba de completar su primera gran obra. Luis J. Menéndez

vinilos

la rumba más internacional

THE AVETT BROTHERS “I And Love And You” Sony Music

AMERICANA

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Mucho pueden aplaudir los aficionados a la americana, y jalear, y gritar yeeehas como rednecks de los Apalaches. Los hermanos Avett van a necesitarlo. Han firmado por un sello de los grandes, y tienen nuevo álbum –ya no se cuentan con una sola mano, hay que emplear también un dedo de la segunda– para seguir contando, que no cantando, historias de hillbillies salidas de Carolina del Norte, de sus vecinos y amigos, experiencias afectivas y sueños que lanzan al mundo exterior en forma de canciones arregladas con pianos y violines, y que se apoyan en bases de folk añejo y bluegrass para indies del XXI. El reto ante el que se ponen Scott y Seth, junto a su amigo y bajista Bob Crawford no es fácil, puesto que una vez llegados a este punto en su carrera tendrán que romper ese círculo balsámico en el que han vivido para evolucionar en voces y actitud. Lo hacen apocadamente usando las guitarras en “Ten Thousand Words”, y se ponen incluso rockeros en “Kick Drum Herat”, pero su fórmula de comenzar con timidez acústica para ir añadiendo algo de sangre en cada uno de los cortes se queda raquítica para trece temas, más aún cuando las voces del combo adolecen de potencia y apariencia.

Sobra refinamiento, hostia. Luis Argeo

La Troba Kung-Fú Foto David Ruano

LA TROBA KUNG-FÚ “A la panxa del bou” Chesapik

MESTIZAJE

BAND OF HORSES “Infinite Arms” Fat Possum/Sony

ROCK

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El tercer álbum de una banda que ha generado expectación gracias a un gran disco de debut, debe provocar sorpresa y cierta excitación. Si no lo hace, el recuerdo de su primera gran obra continuará sepultando los valores de lo hecho con posterioridad.

Y si no que se lo pregunten por ejemplo a The Strokes. Pero si además de sorpresa, su tercer trabajo abre nuevas vías, nuevos caminos que explorar, el grupo empezará a cobrar una dimensión que lo distanciará del resto del pelotón de su estilo. Pues bien, ninguno de estos dos requisitos se cumplen en el caso de “Infinite Arms”, un disco que mantiene intactas las premisas ya conocidas del grupo de Ben Bridwell y que, si acaso, incide mucho más en la vertiente de balada pastoral afianzada en los tiempos lentos y atmosféricos (“Factory”, “Blue Beard”, “On My Way Back”, “Evening Kitcchen”, “For Annabelle”…) cuando un poco de mala leche rockera no le hubiera ido nada mal, tal y como demuestran los escasos momentos en los que sacan las uñas (“NW Apt”, “Laredo” o “Compliments”). Con todo no podemos decir que el disco sea una decepción, tan sólo que uno tiene la certeza de que pueden dar mucho más de sí. Don Disturbios

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“Me dijeron que mi rumba no interesaba…, que era gallega, que era polaca, que era muy raro lo que mezclaba…” pero La Troba vio bailar a medio mundo, impregnando al respetable de ese frenesí melódico que sólo los elegidos saben transmitir. Pues bien, un servidor de ustedes no tiene ni la menor duda de que Joan Garriga está tocado por esa varita mágica de la melodía contagiosa y la lírica bella y nada pretenciosa.

Y, cómo no podía ser de otra forma, lo ha vuelto a demostrar en lo que se me antoja como un digno suce-

sor de un álbum de debut que subió un peldaño más a lo logrado con Dusminguet, su anterior grupo. Así el disco empieza con “Subway Walk” donde el flow vacilón se combina con un estribillo contagioso que convertirá esta canción en un clásico de sus conciertos. Al igual que “Petit Rumbero”, con ese ritmo maquillado de “country and western”. Y es que el segundo de La Troba les ha salido un álbum muy viajero, en el que la rumba es la base, pero no le hace ascos a la cumbia (“Maria Hernández”), el cha cha chá (“Y se ríe la muerte”), el dub (“Take Your Time”), la ranchera (“Yo soy”) y que tiene en los medios tiempos (“Flor de Primavera”, “Barcelona” y “Les mil y una rumbas”) momentos de una dulzura poética que le eriza el bello incluso al más rudo de los mortales. Don Disturbios

en la onda

GATO PÉREZ

FANIA ALL STARS

“Live At The Cheetah, Vol. 1 y 2” Fania/Nuevos Medios (1971)

“Atalaya” EMI (1981)

SALSA

RUMBA

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Canciones como “Subway Walk”, “Petit rumbero” o “María Hernández” fueron compuestas durante la estancia de la banda en Nueva York, impregnándose de su esencia. Y si hubo un colectivo que condensó todo lo latino en la Gran Manzana ese es sin duda la Fania All Stars dirigida por Johnny Pacheco.

DUSMINGUET

“Vafalungo” Chewaka/Virgin (1998)

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Con la mítica “Gitanitos y morenos” y ese clásico entre los clásicos que es “Se fuerza la máquina”, el tercer disco del Gato Pérez se convierte en su mayor éxito comercial y otorga el impulso definitivo a su peculiar visión paya de la rumba catalana. Su sombra de tan alargada lo impregna todo.

MESTIZAJE

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Han pasado doce años desde el disco de debut de Dusminguet pero canciones como “Sonajeros” o “Marihuana” siguen en el recuerdo de todos los que vivimos la eclosión de lo que se catalogó como sonido Barcelona. Una batidora de ritmos llegados de medio mundo que alcanzaba su cénit en directo. ■ D.D.

(vinilos /46/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

la cara íntima de josh ritter DARDEM “Nada”

Dardentor/Discmedi

ROCK

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Primer largo de este cuarteto andaluz que, tras llevar años recorriéndose la península, plasman en un total de diez canciones la inmensidad del grupo. Porque Dardem son grandes en varios aspectos, y en el que más es en ese aura magnificente que te envuelve sin compasión. A veces pecando de épica aunque lo suyo va más por la electrónica y las guitarras al más puro estilo Héroes del Silencio o The Cure. Dardem plantea un estilo que, a pesar de que siempre recuerde a Depeche Mode, por razones obvias, los andaluces luchan por crearse una etiqueta personal. El tema titular sirve de single presentación del grupo y además lo hace de la manera más correcta: estribillo fácil de recordar y momentos ambientales para encumbrar el tema; la tónica general del disco. Por otra parte también destacamos temas como “Sin miedo” o “City Bus”, con muchísima carga emotiva. Pero es en “Mi amigo” y “Futuros dictadores” donde se muestran más contundentes y efectivos.

Una mezcla de electrónica bien controlada con guitarras poderosas y una base rítmica contundente. Marcos Martín Lora Josh Ritter Foto Archivo

JOSH RITTER

“So Runs The World Away” Pytheas/Popstock!

ROCK

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Sexto álbum de estudio del cantautor de Idaho y, digámoslo ya de entrada, una nueva muestra de su talento.

Y es que si hay en la actualidad una figura a revindicar es la suya. Pero dejemos a un lado las injusticias del negocio y centrémonos es un disco que, tras la exhuberancia instrumental y rítmica de su anterior “The Historical Conquests Of Josh Ritter”, nos muestra de nuevo la cara más íntima y minimalista de Josh Ritter. Una faceta que te recordará, en su riqueza emocional a un -¿des-

aparecido?- Damien Rice en temas como “She How Man Was Made” o en “Another New World”, mientras que en otras canciones de carácter más tosco e intenso se acerca al Bob Dylan de “Oh Mercy” (inmenso en “Rattling Locks” o “The Remnant”) o incluso a los The Jayhawks más baladísticos (“Southern Pacifica”). Canciones todas ellas que combinan la doble faceta del folk de autor de Josh Ritter: la que bebe de la tradición de los emigrantes irlandeses (“Folk Bloodbath”), tamizada con el espiritual o el soul (“Change Of Time”) y la belleza de intentar transmitir emociones intensas con tu música (“The Curse”). Algo así como el disco que otro Josh, en este caso Rouse, podría haber compuesto de no impregnarse del virus de lo latino. Don Disturbios

BRIOLES

FRISKA VILJOR

HOLE

El Toro Records

Crying Bob

Universal

“Love, Rhythm & Hate” ROCK’N’ROLL

“For New Beginnings” 1114

Con más de veinte años de carrera musical a sus espaldas, los hermanos Nunes (Jorge -guitarra y voz- y Daniel -contrabajo y coros-), actualmente junto al baterista Pedro A. Ortega, son uno de los más sólidos pilares de la escena rocker estatal, que ya es decir; pero por su personal y arrollador sonido, su propuesta aperturista y su enorme poderío escénico, merecerían de una vez por todas trascender más allá y ser reconocidos por un público más masivo. Con una discografía igual de selecta que escasa, siempre es motivo de alegría tener noticias de que Brioles publican nuevo álbum. Amantes del rockabilly de los cincuentas, en “Love, Rhythm & Hate” vuelven a revitalizar el género con quince contundentes trallazos de pura energía (los instrumentos echan chispas) y sonido impecable -imprescindibles “Too Drunk For Your Love” y “How To Cry”-. Siempre tamizadas bajo su personal estilo, en este álbum encontramos todo tipo de influencias: desde el mambo -“She’s Bad”- al jazz manouche “Pegado a ti”-, pasando por el surf -la maravillosa “Nana para una pesadilla”-. Ritmo y pegada; músculo y clase; amor, sudor, odio y mucho rock’n’roll. David Lorenzo

FOLK

“Nobody’s Daughter” 1114

La sombra que despide el nuevo folk estadounidense es alargada. Tan alargada que permite el cobijo a bandas que nacen al otro lado del océano. Como el caso de estos suecos. Si en la inicial “Daj Daj Die” nos parece darnos de bruces con unos Fleet Foxes rescatados de los bosques nórdicos, ya a partir de la radiante “If I Die Now” se desmarcan de las variantes folk más evidentes para dejar claro que lo suyo es un folk teñido de pop y calorcillo indie, pese a lo gris de la portada, lo sombrío de algunas letras y lo inhóspito de su procedencia. Los ecos de Port O’Brien, Monsters Of Folk y sus derivaciones, unidos al arraigo europeo de un Emir Kusturica postulan el mensaje sonoro de la pareja de Estocolmo. El vitalismo de temas como “Lakes Of Steep”, “Wohlwill” o “Hey You” contagia de optimismo la estancia donde resuenan y hacen de “For New Beginnings” un excelente compañero para la llegada de los calores estivales. Los ya habituales juegos de melodías vocales del género y sus mandolinas y otros instrumentos de cuerda se hacen fácilmente disfrutables a lo largo de los once temas. Robert Aniento

ROCK

11

El tiempo no pasa en balde, ni para nosotros, ni obviamente para alguien como Courtney Love. Por desgracia su estrella se apagó hace mucho tiempo, y a estas alturas ya nadie espera demasiado de ella. El personaje ha devorado a la persona primero, y al músico después, así que prestarle demasiada atención a un disco de Hole no tiene ningún sentido. Y no porque no lo merezca, el problema es que ella no hace méritos. Mientras buena parte de las estrellas de los noventa se han convertido en clásicos, Love ha preferido perder el tiempo inútilmente. Hole, o lo que queda de ellos, echan por tierra el prestigio que les queda con este mediocre “Nobody’s Daughter”. En su momento, quizás hubiese sido una continuación al inmenso y añorado “Celebrity Skin”, pero ahora no cuela. Faltan canciones, falta garra, no hay mala leche y falta, sobre todo, que ella se lo crea de verdad y que quienes la rodean tengan el peso suficiente como para respaldarla con energía y solidez. El problema es que no ocurre nada de eso. Hay algún momento puntual que podría invitar al optimismo, a la esperanza, para finalmente quedarse en agua de borrajas.

Toni Castarnado

CHALLENGER “Ümelsion” B-Core

POST-HARDCORE

111

Tras su paso por Arindelle, probablemente el lugar más adecuado en el que podían dejarse caer los madrileños Challenger sea en B-Core. Y así ha sido, regalándonos un segundo álbum donde vuelven a incidir en esa mezcla entre post-hardcore, punk rock y pop, vía Drive Like Jehu o At The Drive-In. Así, entre bajos de carácter obsesivo podemos encontrar tramos de simplicidad desgarradora adaptados a una velocidad de crucero considerable, partícipes de esas dos maneras de entender el do it yourself tan complementarias y tan bien imbricadas aquí. Es por ello que las canciones adquieren ese toque ambivalente, entre abstracto y visceral, que les otorga cierto grado de complejidad no sólo epidérmica, sino profundizando en las esencias de cada género. Un trabajo que juega a varias bandas y en cuyas cartas se encuentra esa faceta dedicada a ensalzar la crudeza de unos planteamientos, rompedores y básicos a la vez, algo homogéneos aunque interesantes, desarrollados en un lenguaje estimulante. Francesc Feliu

GALACTIC

“Ya-ka-may” Anti/Pias

FUNK

1114

En una reciente entrevista, Sean Yseult de Rock City Morgue, una mujer que fue pieza clave dentro del engranaje de White Zombie, me comentaba que la ciudad de Nueva Orleans estaba recuperando sus constantes vitales gracias a jóvenes que estaban llegando con nuevas propuestas bajo el brazo, si bien con la vista puesta en la tradición del jazz, el blues y el R&b. Y escuchando “Ya-ka-may”, parece como si sus palabras estuviesen pensadas para definir a Galactic, aunque la carrera del grupo tenga ya mucho camino

recorrido. Galactic es un conglomerado de músicos que no olvida el origen de sus raíces ni el hecho de que estamos metidos de pleno en el año 2010. “Ya-ka-may” es un disco en el que puedes hallar infinidad de sonidos, ritmos que no son muy usuales para una banda de esta traza, rimas que provienen del hip-hop, la presencia sistemática de músicos de la zona como Irma Thomas o Allen Toussaint, más alguien de peso como Dr. John.

Amén de cuatro discos en vivo, éste es el sexto disco de una formación que no deja de experimentar, que se alimenta del funk y que, cuando se junta con la Rebirth Brass Band, causa estragos por la energía que desprende “Boe Money”, la misma que en piezas como “Speaks His Mind”, “Liquor Pang” o “You Don’t Know”. Toni Castarnado

GUSTAVO CERATI “Fuerza Natural” Sony BMG

POP-ROCK

1114

Parece mentira, pero mientras escribo estas líneas, Gustavo Cerati yace inconsciente hace semanas a causa de una grave enfermedad. Una pésima noticia para el reducto de los buenos aficionados al rock argentino, con toda esa pléyade de espléndidos músicos incomprensiblemente desconocidos en España y que tienen en ésta a una de sus máximas figuras. Y es que, dejando de lado su paso por Soda Estero, no hay que menospreciar para nada su obra en solitario o desperdigada en diversos proyectos paralelos. Unas cuantas referencias con el pop-rock por bandera, que en el caso de “Fuerza Natural”, sin ser menos (pues se trata de otro disco marcado a fuego con su personalidad, sin renegar de sus orígenes, aunque sabiendo mantenerse acorde al signo de los tiempos), quizá pueda reprochársele esa leve pérdida de fuelle en cuanto al vigor de sus canciones. Un pequeño inconveniente incapaz de eclipsar la vaporosa sencillez de estos nuevos trece temas, repletos de una elegancia siempre agraciada en formas y, como es habitual, cargados de piruetas melódicas. Esperemos que tan sólo sea lo único a lamentar. Francesc Feliu

MALE BONDING “Nothing Hurts” Sub Pop/Popstock!

ROCK

1111

Durante unos años de utopía partisana, hardcore, punk y noise convivieron bajo la marcial disciplina del sello SST, con Hüsker Dü, Black Flag, Sonic Youth y Dinosaur Jr. formando parte de la misma familia, coincidiendo en ese punto dos de las corrientes más importantes y renovadoras del rock en los noventa. El trío británico Male Bonding, primer fichaje no norteamericano de Sub Pop, hubiera encajado perfectamente en SST. Por un lado, su música es orgánica, musculosa y trepidante. Más que canciones, componen temas, a pesar de que el líder John Arthur Webb haga todo lo posible por aportar una dimensión pop a base de melodías reverberadas. La banda, en cualquier caso, se desenvuelve perfectamente en esa bipolaridad. “Nothing Hurts” es un disco incontestable, arrollador en su inicio (“Year’s Not Long” y “All Things This Way” entran como un tiro) y vibrante de principio a fin, salpicado de himnos vertiginosos (“Crooked Scene”, “T.U.F.F.”). Si en “Weird Feelings” y “Paradise Benders” recuerdan a los primeros Nirvana, en el resto del álbum se alinean junto a Fucked Up, No Age y Dum Dum Girls (otras Girls, las Vivian, colaboran poniendo coros en “Worse To Come”) entre esa nueva oleada de bandas que abordan el ruido y la furia con criterio y personalidad. Joan Cabot

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /47/ vinilos)

la fórmula inagotable de the chemical brothers

top10 internacional DEVO

“Something For Everybody” Warner

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

CRYSTAL CASTLES “(II)” Universal

ARCADE FIRE “The Suburbs” Universal

THE CHEMICAL BROTHERS “Further” Parlophone/EMI

SLEIGH BELLS “Treats” Columbia/Sony

THE GASLIGHT ANTHEM “American Slang” Side One Dummy

JOSH RITTER

“So Runs The World Away” Pytheas/Popstock!

DEVO

“Something For Everybody” Warner

THE MORNING BENDERS “Big Echo” Rough Trade/Popstock

PHOSPHORESCENT

“Here’s To Taking It Easy” Dead Oceans/PopStock!

BAND OF HORSES “Infinite Arms” Fat Possum/Sony

1114

En la portada del nuevo disco de Devo, el primero de estudio en veinte años, una bella damisela de diseño casi sintético hace el ademán de comerse el famoso Energy Dome, el inconfundible gorro que desde “Freedom Of Choice” acompaña a los de Akron. El imposible sombrero ha cambiado de color, ahora es azul, y los Devo de 2010 lo han acabado desterrando, de forma inesperada, en favor de una máscara a lo Fantasma de la Ópera más que resultona. Ahora bien, no se equivoquen, a pesar de esos cambios de imagen “Something For Everybody” nos presenta a los Devo de siempre. Eso sí, con una producción moderna firmada por Greg Kurstin (Lilly Allen, Kylie Minogue, Peaches) que lejos de restar enteros al sonido clásico de la banda, lo endurece con unas programaciones y unos teclados más contundentes que rejuvenecen, lo justo, al veterano grupo liderado por Mark Mothersbaugh.

Decir que todas las canciones de “Something For Everybody” son buenas sería faltar a la verdad, pero eso no es óbice para afirmar que es un retorno digno que presenta más de un rompepistas (“Fresh”, “March On”, “Sumthin’” y “Mind Games”). Si a eso le sumamos que el carácter sardónico, bizarre y nerd de Devo sigue intacto (solo hace falta ver el libreto interior y escuchar canciones como “What We Do”), bienvenidos sean de nuevo.

Xavi Sánchez Pons

top10 nacional TRACEY THORN

The Chemical Brothers Foto Hamish Brown

THE CHEMICAL BROTHERS “Further” EMI

ELECTRÓNICA

1114

Después del fiasco de sus dos últimos discos, “Push The Button” (2005) y “We Are The Night” (2007), The Chemical Brothers estaban obligados a mover ficha para poner freno al descalabro. Había dudas razonables sobre lo que Tom Rowlands y Ed Simons podían aportar a estas alturas a una electrónica que hace tiempo que es más de estadio que de club; y así las cosas, van y emprenden con “Further” un viaje a lo mejor de sus épocas pasadas, concediéndose a sí mismos una nueva oportunidad. Lo hacen sin recurrir a estrellas invitadas (la única voz presente es

la de Stephanie Dosen), pero haciendo uso de los trucos que más les han funcionado: un manto planeador, despegues y subidones marca de la casa, ejecutados en los casi doce minutos de “Escape Velocity” con una contundencia que hacía años que no manejaban; auténtica carne de festivales, camino de una euforia en la que se siguen moviendo como pez en el agua. Nada que no conociéramos, es verdad, pero la fórmula funciona, convirtiéndose en el punto más notable de un trabajo que comienza con los habituales aires psicodélicos (“Snow”), recordando las formas de Animal Collective (o de nuestros propios Delorean en “Subiza”). Después, “Horse Power”, con una insólita dureza, se revela como el tercer gran pilar de un álbum con el que los hermanos químicos vienen a decir que aún es pronto para olvidarse de ellos. Enrique Peñas

“Love And Its Opposite” Strange Feeling

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

LA TROBA KUNG-FÚ “A la panxa del bou” Chesapik

NOTHINK

“Hidden State” Aloud

RAP’SUSKLEI

“Pandemia” Muffin Records

BIG CITY

“Celebrates It All” I+D

HIDROGENESSE

“Hidrogenesse Vs The Hidden Cameras” Austrohúngaro

THE PINKER TONES “Modular” PinkerLand Records

TOUNDRA “(II)” Aloud

BETUNIZER “Quien nace

para morir ahorcado, nunca morirá ahogado” B-Core

AKAUZAZTE “Dan Danok” Autoeditado

DAY OF RISING

“Deceivers United” Young Loyal

1111

La eternamente conmovedora voz de Everything But The Girl se aparta conscientemente de las pistas de baile que tanteó con el irregular “Out Of The Woods” (07) en su tercera entrega en solitario. Tampoco supone, pese a lo que su intimista temática pudiera sugerir, un acercamiento claro al espartano tono acústico de aquel inolvidable “A Distant Shore” (82). Repite productor (Ewan Pearson) en una colección de canciones que explora las distintas fases del amor y de la vida en pareja pasada la barrera de los cuarenta, con ese tino para la disección emocional desde la reflexión sin aspavientos que siempre ha sido marca de la casa. De hecho, si a algún trabajo previo remiten tanto el tono como el tempo de este álbum, es al grueso del “Amplified Heart” que firmase junto a su pareja Ben Watt en 1994. Porque si una lección clara puede extraerse de su reciente producción es que, cuanto más desnuda suena su voz, mejores son los resultados.

Cuando se acerca a patrones rítmicos más robustos cuaja con la misma solvencia aunque menos punzón sentimental. Hay también momentos para lo rutinario (“Singles Bar”, “Late In The Afternoon”) en un disco cuyo material compositivo no siempre es de primera, pero sí recupera parte del mejor tono de Thorn tras lo tambaleante de su predecesor, y se guarda además para el final sus dos más gratificantes sorpresas: una majestuosa versión del “Come On Home To Me” de Lee Hazlewood junto a Jens Lekman y “Swimming”, imponente crescendo de más de cuatro minutos que, por romper con el guión general, se ubica justo al final. Carlos Pérez de Ziriza

JAMIE LIDELL

JEGA

JOENSUU 1685

Warp/Pias

Planet Mu

Bone Voyage/Cuervo Music

“Variance”

“Compass” R’n’B

1114

Jamie Lidell vive perpetuamente instalado en ese momento tan típico de la tradición musical afro en que el cantante hinca la rodilla y brama, se retuerce, su voz se desparrama en una catarata de berridos febriles. Muchas de las canciones del músico inglés toman ese momento culminante como punto de referencia y en muchos casos parece como si todo desembocase ahí. En “Compass” Lidell no se conforma con seguir el hilo argumental de sus trabajos anteriores, en los que desarrolló una raza única de R’n’B digital. A pesar de que no ha cambiado su forma de componer -o más bien, construir- canciones, aparecen aquí elementos nuevos, en parte aportados por la producción de Chris Taylor (Grizzly Bear) y Beck Hansen, figura que inspira en gran medida el sonido heterodoxo del álbum, ese estar en todos los sitios a la vez.

Llegados a este punto había que mirar hacía adelante y, rodeado de una nómina de colaboradores que incluye a Leslie Feist, Chilly Gonzalez y Nikka Costa, Lidell ha abordado el que quizás sea su trabajo más ambicioso, aunque disperso y que llega hasta lo desconcertante de tan desbordante que resulta su ingenio. Joan Cabot

ELECTRÓNICA

“Joensuu 1685” 1111

Tras más de una década publicando material con la IDM entre ceja y ceja, al británico Dylan Nathan le ha llegado por fin el reconocimiento de crítica y, sobre todo, de público (aunque sea underground) con este “Variance” en formato de doble compacto. El primero nos trae temas compuestos en diversos espacios temporales a lo largo de los últimos años, algo normal si tenemos en cuenta que esta referencia se ha ido retrasando desde decenas de meses atrás y que, a la larga, nos viene de perlas para ver en la obra de Nathan una evolución de la IDM perfectamente desarrollada a lo largo de los dieciocho cortes que aquí nos ofrece. Sonando primero a clásico y luego a más moderno, el inglés nos remite tanto a los primeros Boards Of Canada como redunda en sonidos quebrados por momentos cercanos al dubstep en el segundo de los soportes. “Variance” por fin ha visto la luz, pero la hora de la verdad de Jega llega a partir de ahora. Una vez encumbrada su última década de trabajo en la sombra nos queda ver cómo afrontará el futuro este proyecto de sólidos cimientos y un sonido pulcro y que llegar a pecar de perfeccionismo.

José Manuel Cisneros

ROCK

1114

Dos hermanos y un tercer miembro conocido por uno de ellos en el ejército; un nombre basado en el árbol genealógico de los primeros y referencias explícitas a Spacemen 3 en su sonido, son algunos de los puntos de interés en la presentación de un trío finlandés que parece apuntar a querer ser tenido en cuenta por la comunidad indie en próximos años. A la pregunta de si se lo merecen, si merece la pena pegarle una escucha a su debut homónimo, la respuesta es rotundamente sí. Los tres Joensuu son capaces de hipnotizar a base de líneas de bajo repetitivas y evitar el cansancio del oyente moviéndose en la cuerda floja de las pedaleras y las voces recién levantadas del shoegaze. Temas como “(You Shine) Brighter Than Light” o “Crystal Light” tienen pinta además de encajar perfectamente en un directo que las crónicas describen como intenso y poderoso, adjetivos que no parecen gratuitos a tenor de la materia prima que tienen estos tres veinteañeros de Helsinki, encumbrados por la prensa de su país y ya citados de alguna manera por luminarias como Mojo o Pitchfork. Ignacio Pato L.

(vinilos /48/ Julio-Agosto 2010 2009 · MondoSonoro)

the gaslight anthem clasicismo moderno

THE GASLIGHT ANTHEM “American Slang” Side One Dummy

ROCK

1111

Finalmente, The Gaslight Anthem tienen lo que medios y audiencia pensábamos que era su objetivo. Su último álbum, “American Slang”, posee todo lo necesario para ser un clásico moderno, y con ello, convertir a la banda en lo mismo. Este grupo tiene alma y cosas que decir, y no es eso un

The Gaslight Anthem Foto Archivo

vulgar cumplido, sino un lugar honorífico a conservar cuidadosamente por Fallon y sus chicos. Aquí hasta la melancolía brilla (basta escuchar “Stay Lucky”). No se nos ha vendido otro producto pretendidamente clásico y de sonido cien por cien americano sin espíritu, sino que aquí hay canciones, soul en el sentido literal como el que desborda “The Diamond Church Street Choir”, hits casi mainstream brillantemente conducidos (¿no es encantadora “The Queen Of Lower Chelsea”?) y una banda que suena como nunca antes. La cuestión: The Gaslight Anthem han llegado, y aparentemente lo han hecho dónde y cuándo han querido, pero ¿serán capaces de cumplir la petición de permanecer resplandeciente que Johnny le hacía a Ponyboy? Tiene toda la pinta de que sí, pero para ellos éste es un momento tan dulce como crucial gracias y a la vez por culpa de estas diez grandes canciones. Ignacio Pato L.

JOHN & JEHN

JULIAN ELSIE

KAREN ELSON

ANATHEMA

ARCHIE BRONSON OUTFIT

Naïve

Everlasting/Popstock!

XL Recordings/Popstock!

Kscope

Domino/Pias

“Dig A Grave With Bare Hands”

“Time For The Devil” POP

1114

Hace dos años, el dúo formado por Nicolas Congé y Camille Berthomier, con su álbum homónimo grabado con prácticamente cuatro perras, aparecieron como el típico tándem chico-chica en el que las vestimentas cool (por algo son franceses) suponían un aliciente de su sentido del humor macabro post-punk. Ahora, con “Time For The Devil”, el cambio de discográfica ha hecho que nuestros protagonistas, más que nunca, se hayan agarrado a ese pop ochentero (“Down Our Streets” podría haberla entonado Bowie sin muchos quebradores de cabeza, al igual que “Prime Time”, que me hace volver a rescatar los principales highlights de Eurythmics) melódicamente arty y uniformado. No se preocupen, Nicolas sigue pareciendo un híbrido de Ian Curtis y Lou Reed (para muestra “Shy” o “Love Is Not Enough” que, asimismo, habría hecho las delicias de Roxy Music) y Camille sigue creyéndose Siouxsie Sioux (“Oh My Love”). Cuando se nos ponen mínimamente animados brillan con luz propia, a diferencia de los cortes en los que rebajan drásticamente las revoluciones, firmando piezas tan adictivas como la que da título al disco o “And We Run”. Sergio del Amo

ROCK

1114

Con más de veinte años de carrera musical a sus espaldas y después de haber formado parte de bandas como Animal Crackers y Big Black Mariah, el rockero extremeño presenta ahora su primer largo en solitario. Un disco en el que ha compuesto todas las canciones y ha tocado prácticamente todos los instrumentos que aparecen en el mismo, lo que lo convierte en su trabajo más personal hasta la fecha. En “Dig A Grave With Bare Hands”, Elsie ha cambiado los ritmos más frenéticos de etapas anteriores por un sonido más pausado pero a la vez más profundo. El resultado es un disco conceptual y oscuro con el tema recurrente de la muerte como nexo de unión –“My Own Funeral”, “The Need To Kill”-. Un trabajo excepcional de rock añejo y country western, con un sonido muy americano que recuerda a Neil Young; de letras tristes, sarcásticas y hermosas que nos traen a la mente a Tom Waits; e interpretadas con una voz profunda, casi cavernosa que evoca a Lou Reed y a Leonard Cohen. Elsie ha desnudado su alma, ha liberado su espíritu y nos ha regalado uno de los discos con una mayor carga poética del último año. Muy recomendable, de veras. David Lorenzo

“We’re Here Because We’re Here”

“The Ghost Who Walks” FOLK

1114

Aviso a navegantes. Karen Elson es bastante más que una modelo cotizada o la mujer con la que comparte su vida el omnipresente Jack White (quien obviamente produce el disco y toca la batería en casi todos los cortes). Seductora y al mismo tiempo hermética, Elson muestra cierto apego por lo vintage, desde su afición por el rock de otra época hasta esa imagen retro que tanto le gusta lucir. De hecho, parece moverse en unas aguas que se balancean entre Amanda Palmer (coincidieron en The Citizen’s Band de la que Karen es miembro fundador) e Imelda May, aunque es ella al final quién decide como jugar con sus propias reglas. Elson tiene personalidad propia y se preocupa con obsesión por los más mínimos detalles de cada canción. Aunque no juega en solitario, sino que cuenta con el apoyo de Rachelle Garniez (su mano derecha, multiinstrumentista y co-escritora de algunos temas), Jack Lawrence (The Dead Weather) y Carl Broemel (My Morning Jacket). En cuanto al repertorio, quédense con “Pretty Babies”, uno de los cortes más atractivos del disco, ese cruce entre Edith Piaf y Marlene Dietrich que es “100 Years From Now”, o “Cruel Summer”. Toni Castarnado

PROGRESIVO

1111

Parece mentira lo que han cambiado Anathema desde sus inicios. De ser uno de los inventores del doom metal, a miembro de pleno derecho de la escena progresiva más actual. Sin embargo, nadie puede acusar al grupo de traicionar a sus principios. Los ingleses siguen practicando, esencialmente, el mismo estilo, por mucho que el envoltorio se haya ido transformando paulatinamente.

Así, las guitarras duras parecen haber claudicado ante el creciente protagonismo de las atmósferas sinfónicas. Esa es la principal novedad de su nuevo y esplendoroso trabajo “We’re Here Because We’re Here”, donde cuentan con la inestimable participación de Steven Wilson en las mezclas. Un trabajo que se convierte en su mejor obra en más de una década, desde el clásico “Judgement”.

Ya desde la inicial e irresistible “Thin Air” el grupo conmueve con cada uno de los temas, especial mención para la delicada “Dreaming Light”, la fuerza de esa tremenda “Get Off, Get Out” o el emotivo final con esas dos joyas llamadas “Universal” y “Hindsight”.

De largo la obra más luminosa de su carrera y definitivamente una de las cumbres de su ejemplar discografía. Ferran Lizana

“Coconut” ROCK

1114

Cuatro años han esperado para lanzar su tercer álbum. Cuatro años dedicados a escuchar música, viajando de Londres a New York, tocando en proyectos paralelos (Pyramids, entre otros) o buscándose otras venas artísticas para chutarse creatividad multidisciplinar. Así, tras aquella psicodelia garajera bailonga condensada en “Derdang Derdang”, vuelven a la carga con dosis generosas de rock guitarrero, dance sucio, shit-adelia étnica con las que hacernos disfrutar de la resaca más que de la fiesta. “Coconut” es un escupitajo a la música y los grupos pijos de Williamsburg, avalado por su productor, Tim Goldsworthy (DFA). La machacona “Wild Strawberries” es puro punk del XXI, de la mejor mierda, que va dando paso a esos ritmos “made in Madchester” tan añejos, adornados con noise…

Y es cuando el trío liderado por Sam Windett comienza a ponernos el coco del revés. Porque luego da la impresión de que resbalan al querer abarcar tantas influencias y sonidos, desde Iggy Pop a Primal Scream, fijándose en el dancehall o el kraut rock. Sin ser un buen disco para darse a conocer, sin duda es una explosión de agresividad digna de escuchar.

Luis Argeo

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /49/ vinilos)

the national consiguen atención THE NATIONAL “High Violet” 4AD/Popstock!

POP

111

¿La crítica es opinión, no? Pues allá vamos. ¿Se merece este último disco de The National toda la expectación levantada a priori y todos los buenos (y muy buenos) comentarios suscitados a posteriori? Creo que no.

Y creo que no porque desde el principio, con la escucha de “Terrible Love”, un tema reposado y progresivo excesivamente orquestado y que termina en una épica que no me llega, The National dejan un amargo poso de deja vu, de algo escuchado antes demasiadas veces. Para mí, su error y lo que les hace cojear es su tendencia a la grandilocuencia, al sonido stadium rock.

The National se han hecho mayores, eso está claro, pero no por ello tienen que dejar

MADERACORE

“La importancia de llamarse humano” 111

www.cooperativemusic.com

Puede que la propuesta de los vascos Maderacore no llegue con ese label novedoso que algunos parecen querer buscar insistentemente en la música pero, en resumidas cuentas, lo que hacen lo hacen bien. Emocionales hasta la médula, las once canciones que constituyen la continuación de aquella “Maquetacore” que tantas expectativas provocó, se abren de par a par a una visión existencialista de lo humano y conservacionista del resto que logran transmitir uno de los grandes objetivos de ese tipo de modelos musicales: la sensación para el oyente de encontrarse en una casi plena intimidad con la banda en su local de ensayo. Ya saben, una de esas tardes que vuelan y en las que al salir se ha hecho de noche, las calles están desiertas y esas canciones siguen golpeando.

Eso es lo que consiguen inicios como el de “El ebanista” o esa nerviosa “Humus”. Es aún pronto para decirlo pero todo apunta a que tienen bastante de cara poder conseguir –dependiendo de a dónde apunte su segundo disco y si su mensaje continúa con esa credibilidad- estar en boca de cada vez más gente en no mucho tiempo. Ignacio Pato L.

The Black Keys Brothers V2

The National Foto Keith Klenowsky

MAGNÉTICA

NOM DE GUERRE

MEGAAFONÍA

MIKE PATTON

Artilugio Records

Tapete Records/Green Ufos

Autoeditado

Ipecac/Popstock!

“Love Thy Neighbour”

“Maida Vale”

Music Hole

ROCK

de lado su vertiente más eléctrica (obviada casi del todo en este disco), escribir únicamente letras tristes y atormentadas e intentar sonar como algo más grande de lo que realmente son. Que nadie se me altere más de la cuenta, “High Violet” es un buen disco, caduco pero disfrutable (“Bloodbuzz Ohio” o “Anyone’s Ghost” están ahí para subrayarlo), pero que no es (para el que firma) ni mucho menos uno de los discos del año. Daniel Arnal

POP

114

Primer disco de este trío madrileño que, tras pasar una época en Londres y empaparse de “lo bueno y lo malo” del país, vuelve a casa para presentar “Maida Vale”, un disco que deja a la vista sus pros y sus contras desde la primera escucha. Beben del pop británico de Coldplay, aunque recuerdan más a Travis. Lo que ocurre es que la voz de Davile Matellán evoca al mismo tiempo a Pereza o a Copiloto, dando todo ello como resultado una amalgama de sonidos dispares y a la vez entrelazados que suman y que ganan gracias al buen uso de las guitarras y las melodías. “Valkiria” supone, para un servidor, el punto álgido del disco, uno de sus cortes más redondos, como “Mensajera”.

De hecho, Magnética se defienden mejor en los temas guitarreros en los que los teclados también tienen mucha presencia.

Lo reafirman “Enérgica”, “Boomerang” o “Autocontrol”. Lástima que el listón baje con medios tiempos como “Panic Attack” o “Algo pendiente”. En definitiva un buen comienzo para Davile, Aksel e Israel, conscientes de que una casa nunca se empieza por el tejado. Marcos Martín Lora

Mountain Man Made The Harbor Bella Union

The Drums The Drums Moshi Moshi

POP

“Tutto”

1114

Después de la buena acogida de “La La La”, su álbum debut, los suecos Nom de Guerre se desmarcan con este “Love Thy Neighbour”, un ambicioso disco conceptual que aborda la historia de un asesinato desde una perspectiva narrativa a través de sus letras.

Lo que ofrece es Power-pop de manual con inclinación al baile que tiene como baluartes principales un gran talento melódico en la composición y la preciosa voz de Hector, su cantante principal (con un timbre tremendamente parecido en ocasiones al de Colin Meloy, vocalista de The Decemberists). Además, el cinismo y la ironía de sus letras, combinado con el carácter alegre y saltarín del pop provocan una paradoja musicada que termina resultando encantadora y es el arma principal que diferencia al grupo de otras propuestas.

Los hits se llaman “Run Run Run” y “Drama Queen”, canciones redondas que incitan a la sonrisa y al baile, y en las que sacan el máximo provecho a las virtudes de la banda, acercándose al sonido de celebridades como Mika o Scissor Sisters. En definitiva, un paso adelante de la banda y un disco disfrutable e interesante para cualquier aficionado al pop y power-pop. Daniel Arnal

Ozomatli Fire Away Downtown

Kele The Boxer Wichita

POP

“Mondo Cane” 111

Con los temas “Han tapiado la puerta del Razzmatazz con todos dentro y nadie se ha dado cuenta” y “Paso tuyo” en su primera puesta de largo “Despechado” (2005) dejaron con ansias a sus más incondicionales a la espera de un nuevo trabajo capaz de mejorar la primera aventura. Ahora han decidido buscar el equilibrio centrándose más en el pop y prescindiendo casi en su totalidad de las bases electrónicas que tan buenas sensaciones dejaron. “Tutto” evidencia la mutación que ha sufrido la banda en lo musical y en lo grupal. Las bases electrónicas que co-dominaban junto al sonido pop han quedado reducidas en este nuevo proyecto. Eso sí, han mantenido la temática de las letras que continúa abordando aspectos relacionados con el amor y la amistad sin dejar de lado el humor y la ironía como se puede apreciar en “No soy Carrefour” o “Podría ser peor”. Por lo que hace al grupo, han incorporado a su formación original (Pedro y Manel) a cuatro nuevos músicos que ayudan a darle forma a una nueva etapa del grupo catalán dominada por el pop más clásico que dejará a sus fans megaafónicos en los directos. Guillermo Esteban

CANCIÓN ITALIANA

1111

Ya hace algún tiempo que conocíamos de la existencia de este proyecto gracias a la gira que se marcó el cantante acompañado por esta extensa orquesta de músicos italianos. ¿El motivo? Mostrar un esplendoroso repertorio basado única y exclusivamente en un compendio de canciones italianas, ubicadas principalmente en los cincuenta y los sesenta, con el cual descubrir otra nueva faceta del inquieto frontman y que a buen seguro va a hacer disfrutar como un loco a más de uno.

Más que nada porque estamos ante un increíble set list de temas, muy diferentes entre sí, con Morricone, Mina o Morandi como algunos de sus nombres reconocidos, pero que él consigue homogeneizar bajo el mando de su voz, al más puro estilo crooner, así como con un acompañamiento orquestal inconmensurable. Quizá esta versión en estudio se quede un pelín corta en cuanto a profundidad de sonido o algo parca en cuanto al número de cortes -once respecto los veintitantos que han caído cada noche durante el tour-, pero sin duda este trabajo va a sorprender a muchos. Francesc Feliu

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HEALTH DISCO 2 City Slang

The Coral Butterfly House Deltasonic

The Magic Numbers The Runaway Heavenly

Tired Pony The Place We Ran From Fiction

Mondo 250x84 jun 10.indd 1

James Yuill Movement In A Storm Moshi Moshi

24/6/10 10:07:27

(vinilos /50/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro)

el genio intermitente de calamaro THE CITY’S LAST NOISE

“Secret Of An Innocent” Irregular

ROCK

Andrés Calamaro Foto Archivo

ANDRÉS CALAMARO “On The Rock” Warner

ROCK

111

A Andrés Calamaro le ha costado siempre redondear sus discos, capaz de ofrecer en ellos lo mejor, pero también lo peor de sí mismo. Una de las principales virtudes de su anterior “La lengua popular” era, precisamente, mostrarse como una colección de canciones homogénea y sólida, conformando juntas un gran todo.

Sin embargo, en esta nueva entrega, Andrés vuelve a naufragar entre lo excelso y lo vulgar. Una duplicidad que además se puede aplicar a diferentes aspectos del disco. Para empezar hay una dualidad entre las canciones en las que aparece un colaborador y las que interpreta Andrés. Las primeras están sujetas a patrones

estilísticos como el flamenco, la cumbia, la ranchera, el funk o el rap, mientras que las segundas se basan, sin miramientos, en el rock de toda la vida. También las letras se mueven entre las explícitas y las metafóricas y Andrés se muestra inspirado por momentos, mientras que en otras le cuesta el encaje de los versos.

Llegados a este punto, personalmente me quedo con las dos canciones donde el rap es, en cierta medida, protagonista. “Insoportablemente Cruel” con Calle 13 y la trompeta de un maestro como Jerry González, podría ser incluida en el cancionero de Fun Lovin’ Criminals, con ese flow cadencioso basado en los punteos jazzies de la guitarra. La otra, “Te extraño”, es un medio tiempo con ese punto melancólico al que Andrés siempre le da una dimensión extra y la sabia aportación de El Langui de La Excepción. Lo demás no sorprende, pero tampoco desmerece. Don Disturbios

MOUNTAIN MAN

MR. HUBBA Y EL MONO INVENTOR

NITONIKO

Bella Union/Nuevos Medios

Bankrobber

Green Ufos

“Made The Harbor” FOLK

“Vida y muerte de...”

114

Mountain Man debutan con este disco en el que se suben al carro del lo-fi folk que tan de moda está actualmente, y, desgraciadamente, patinan ligeramente en su propuesta Desde el primer tema los ecos a Cocorosie son más que evidentes, si bien Mountain Man reniegan de instrumentos extraños y juguetitos bizarros en sus composiciones, decantándose más por el minimalismo y la simplicidad, hasta tal punto que muchos de los temas están cantados casi íntegramente a capella, con el suave acompañamiento parcial de la guitarra acústica. Canciones que hablan de los árboles, los pájaros, el aire, el mar y la naturaleza en general, con una literatura que es una oda al hippismo y al huir de las ciudades para encontrarnos con nosotros mismos. Grabado en una fábrica abandonada, la atmósfera sonora está bastante conseguida y hay temas que llegan a emocionar, pero en términos generales el álbum empalaga en exceso y escucharlo entero termina resultando una tarea tediosa debido al exceso de linealidad y la nula variedad en los tempos y estructura de las canciones. Daniel Arnal

EXPERIMENTAL

1114

Uno de tantos casos de profetas que no pudieron serlo en su tierra, Mr. Hubba y El Mono Inventor, o lo que es lo mismo, Guillermo Martorell y Miguel Yuste, se codearon desde su formación en verano de 2004 con la flor y nata de la escena experimental internacional, acumulando presencias en festivales foráneos en tierras tan remotas como Japón o California. Tras su definitivo paso a mejor vida, Bankrobber tiene a bien compilar su legado en esta cajita con cuatro CD’s y un libreto con la totalidad de sus grabaciones de estudio y cuatro temas en directo que forman parte de su despedida en el Van Gogh Museum de Ámsterdam. Con su único disco propiamente dicho, el magnífico “Stargarder”, como núcleo central, las grabaciones de estudio de Mr. Hubba y El Mono Inventor apuestan por una electrónica cálida y analógica, en la que los ritmos juegan un papel secundario y los teclados y las ocasionales guitarras se superponen en melodías juguetonas, herederas del kosmische y cercanas al trabajo de sus contemporáneos Isan.

Luis J. Menéndez

“Selva de Mar” POP

111

Las maquetas de Juanjo Pedro ya andaban circulando desde hace cierto tiempo entre los amantes de ese pop naíf que se aferran a Astrud y La Casa Azul como la Santísima Trinidad del petardeo ilustrado patrio. “Selva de Mar” cumple su cometido: melodías pegadizas de esas que sin saber uno muy bien el porqué se quedan grabadas a fuego en la cabeza a pesar de lo intrascendentes que pueden resultar en las primeras escuchas.

Así encontramos “Mecánico Pop” o “¿Por qué? Porque…”, de la que el propio Guille Milkyway se vio obligado a declararse fan y que, a buen seguro, hubiera gozado de un mayor reconocimiento en el circo Eurovisivo.

Uno de los mejores momentos del largo corresponde al cover que se gastan del “Basta de peleas” de Massiel (anteriormente habían versioneado a Alaska). Y es que temas como “Los chicos de ahora” o “El mismo cielo” (que reclama a gritos un dueto con Frankmusik) no suponen la panacea del pop melodramático, pero, más allá de todos los prejuicios que los oídos menos acostumbrados a estos regodeos puedan tener, Nitoniko han conseguido dejarnos varios estribillos en la cabeza, lo cual ya es mucho. Sergio del Amo

1114

El álbum de debut de este quinteto catalán pese a su nombre, “Secret Of An Innocent”, es de todo menos inocente.

Lo único que tiene de inocente es la portada presidida por un niño con una pistola de juguete y un tierno videoclip del tema inaugural “Fifteen Autumns” adjuntado en el CD. Por lo demás, sobre todo en el escenario, The City’s Last Noise demuestran ser un grupo sólido y astuto muy consciente de lo que quiere transmitir. Este primer trabajo está compuesto por diez cortes cargados de rock progresivo con experimentales toques psicodélicos que harán que los neófitos a este género les estén muy agradecidos. Es un disco heterogéneo con melodías suaves y psicodélicas como “Beautiful Remains” y “A Night’s Enough” pero también hay cabida para canciones más progresivas como “Beneath The Waves” o “Bones”. Aunque eso sí, se les puede adjudicar cierta semejanza a Radiohead, básicamente por la voz de Gerard de Pablo y a los Muse de “Black Holes And Revelations”. Guillermo Esteban

RATATAT “LP4”

XL/Popstock!

ELECTRÓNICA

1114

A The Chemical Brothers o Daft Punk -una referencia inevitable siempre que sale a colación el nombre de Ratatat- contar con un sonido plenamente reconocible les otorga personalidad y respeto. Son grandes nombres, nombres de referencia... Con el dúo de Nueva York sucede algo similar pero el efecto es justamente el contrario: al no despegarse de un status de culto, les demandamos casi desde su nacimiento que se movieran de su casilla. Y, frente la opinión mayoritaria, doy fe que no han parado de hacerlo: si “Classics” supuso la perfección de la fórmula que les sirvió de debut -ritmos electro y hip hop ribeteados por guitarras incisivas en un aplastante ejercicio de psicodelia dance-, “LP3” buscó nuevas direcciones levantando el pie del acelerador en pos de medios tiempos y nuevas estructuras. Y ahora este “LP4” explota esa senda explorando las múltiples posibilidades que les ofrece incorporar nuevos instrumentos: el cuarteto de cuerda que aparece en diferentes momentos del disco, las excusiones étnicas a la India (“Bob Gandhi”) y los Balcanes (“Bare Feast”) o el pseudo dub de “Grape Juice City”. ¿Inmovilistas? No. Que me sigo quedando con los originales… Luis J. Menéndez

RJD2

“The Colossus” Electrical Connections/PopStock!

HIP HOP

114

Lo que mal empieza puede acabar bien.

El quinto disco de Ramble Jon Krohn no es de los que empieza bien no, en lo que se refiere concretamente a siete de sus ocho primeros cortes. Uno detrás de otro, se van sucediendo esos tracks que parecen no querer ir a ninguna determinada parte; un sosillo pastiche de algo cercano al

acid jazz, impropio de Ramble Jon. Da la impresión de haberse querido sumar a la nueva escena soul, pero su apellido no es Hawthorne y su disco no lo ha producido Mark Ronson. En ese divagante camino, topamos con “A Spaceship For Now”, un instrumental de tres minutos, arrastrado y espacial, muy grande, lo mejor de esta primera fallida parte. Y así llegamos a la colosal “A Sons Cycle”, al cremoso rap de Illogic, NP y, sobre todo, The Catalyst, y con ellos, a ese hip hop bizarro, futurista y pop que le valió en su día el apodo de “el nuevo Dj Shadow”. A partir de ahí todo son alegrías: ritmos rotos, rifs de guitarra vacilones, sintetizadores vintage, vientos locos y esa cuidadísima producción que tanto se echa a faltar en los primeros cortes del disco. De haber empezado así amigo Ramble Jon… Luis Costa

ROLO TOMASSI Cosmology Hassle

HARDCORE

1111

Funciona el invento. Ojo, cuatro tíos de Sheffield con mucha pinta de ingleses, una chica de dulces apariencias y sorprendentes realidades, el productor Diplo y todo en el nombre del mathcore más agresivo y maníaco. Son Rolo Tomassi y, como decía, me parece que la cosa tira que da gusto, con esos sintetizadores que parecen robados a Zombi y partes que hacen imaginar lo que harían Turing Machine si les hubiera dado por gritar, con ese batería (Edward Dutton se llama) que toca como quiere y con la chica de las dulces apariencias, Eva Spence, desgañitándose viva. “Kasia”, “Sakia”, “Tongue In Chic”, “Cosmology”: me quedaría con el final porque esas canciones devoran la cabeza y corroboran que digan lo que digan es malo cuando un disco bueno es corto. Creo que no exagero si digo que cualquiera de los lectores que alguna vez haya ardido junto a Atari Teenage Riot, deseado que Greg Puciato fuera el enlace sindical de su trabajo precario o pensado que a Pretty Girls Make Graves les faltaba sangre para ser invencibles debería estar escuchando ya mismo “Cosmology”, un disco que no hace prisioneros.

Ignacio Pato L.

SANJOSEX

“Al marge d’un camí” Bankrobber

FOLK

1111

Tras varias escuchas de “Al marge d’un camí”, no resulta un tópico decir que Carles Sanjosé parece haber alcanzado madurez musical. El tiempo también ha pasado para el músico de La Bisbal que, sin perder ritmo ni frescura, muestra más preocupación por la tradición y las raíces que en sus anteriores trabajos. Lo cierto es que Sanjosex respira blues, influencias americanas, suaves brotes flamencos… todo esto coronado por la, aparentemente, invisible mano de Ricky Falkner que dota al conjunto de una coherencia y solidez que demandaba este tercer trabajo.

Un homenaje en esencia a la tradición y al folclore. La guitarra como soporte principal, en harmonía con una banda compacta y con aportaciones tan sugerentes como la de Jaume Pla en “Són Instints”. Un libro de danzas y costumbres del Baix Empordà, un fragmento de canción popular valenciana… una miscelánea de fuentes de inspiración que dan lugar a piezas como “Corriol”, “Bob Dylan”, “La pura realitat” o lo que es lo mismo: la cotidianeidad, el amor, la pérdida, los instintos y otros muchos temas que demuestran el infinito mundo interior del cantautor. Yeray S. Iborra

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /51/ vinilos)

SARAH BLASKO

“As Day Follows Nights” Naïve

POP

1114

Bjorn Yttling (de Peter, Bjorn & John), como productor, se está haciendo de oro. De la mano de Lykke Li o Anna Ternheim, el sueco ha dado una vuelta de tuerca al pop dotándolo de una aura tangiblemente mística y hogareña que le ha valido mil alabanzas. Ahora, la australiana Sarah Blasko se alía junto a él para firmar su tercer largo después de haber puesto patas arriba a los simpatizantes de los canguros en sus dos anteriores trabajos, cargados de guitarras electrizantes y guirnaldas electrónicas. Sin la colaboración por vez primera de Robert F. Cranny, Blasko ha trasmutado en una amante de lo orgánico.

Cargada básicamente de un piano, un buen puñado de arreglos de cuerda y una percusión de herencia jazzística, la ganadora del ARIA lleva las riendas vocales del álbum a su antojo, sonando mucho más cercana y emotiva en temas como ese “All I Want” o “Lost & Defeated”. Aquellos que le seguían ya la pista pueden encontrarse algo descolocados, pero ha firmado su trabajo más personal y evocador. Sergio del Amo

SEABEAR

“We Built A Fire” Morr Music/Popstock!

POP

1111

Algo debe tener la misteriosa Islandia para que la mayoría de sus artistas cuiden hasta el más mínimo detalle algo tan aparentemente básico como la riqueza armónica.

Seabear no son una excepción. A diferencia de Sigur Rós, la banda capitaneada por Sindri Már Sigfússon, además de hacerse entender, alimenta unos parajes mundanos que cualquiera puede hacer suyo sin caer en cuestiones intangiblemente metafísicas. La voz de Sindri (cautivadora y frágil a no más poder) es de lo más limitada, pero gracias a esa familia formada por sus seis compinches se eleva hasta el infinito dotando a canciones como “Cold Summer” de un maravilloso aura sobrecogedor. Lo tenían difícil para superar su debut, “The Ghost That Carried Us Today”, pero con piezas como “Softship” (el único vestigio pop) o la country “Leafmask” consiguen afianzar este disco como si fuese una banda sonora recargada de claroscuros y golpes de efecto (en “Warm Blood”, sin ir más lejos, las guitarras rujen y gritan sin que nadie se lo espere). De aquel proyecto en el que Sindri coqueteó con la electrónica llamado Sing Fang Bous poco queda a día de hoy.

Aunque después de oír “We Built A Fire” todo apunta a que por fin ha encontrado su lugar. Sergio del Amo

LOS SILVERTONES “Amigo Chet”

Láti-GO!/Factoría Autor

ROCK

11

Con esta alineación: Tony Luz -historia viva del rock & roll patrio, guitarrista de Los Pekenikes, Zapatón y Bulldog, productor de Los Rebeldes y Loquillo-, Ile Hämäläinen -guitarrista de The Kingston Mines Blues Gang que ha compartido escenario con maestros como Eddie “The Chief” Clearewater o Michael Coleman-, Alfonso Múgica -bajista y contrabajista de Los Faraones y Los Rebeldes- y Javier

“Lucky” Lobillo -baterista de Uncle Williams y The Zumbidoos-; una cosa está clara, el profundo amor que sienten Los Silvertones por el rock clásico y el sonido cincuentas.

“Amigo Chet”, disco debut de la banda, es la prueba de ello. De hecho, la canción que abre el disco y que le da título homenajea al gran Chet Atkins, padre del sonido Nashville y “Lomas Lo+, Bruno” es a su vez otro merecido homenaje a uno de los pioneros del rock en castellano, el desgraciadamente casi olvidado Bruno Lomas. El problema es que, pese a que es indudable la calidad musical de este cuarteto, en el disco la mayoría de temas son demasiado blanditos y falta chispa. En resumen: corrección musical, sí; falta de alma, también. David Lorenzo

La selección Jäger:

brooklyn no para

SPIT

“Autosuficiente” Autoeditado/Pias

POP

114

Los chicos de Spit llevan tiempo, más o menos una década, detrás de poder mostrarle al mundo su pop-rock adolescente. Émulos de unos Blink 182 madrileños, los componentes de la banda se esfuerzan en mantener abierta de par en par la brecha abierta por grupos de repercusión comercial como la de Pignoise o El Canto del Loco (Dani Martín es fan de la banda).

En pocas palabras, eso es lo que encontramos en su segundo disco, “Autosuficiente”, a todas luces el intento –convencido por parte de sus autores después de tantos años- de subir varios peldaños de un golpe con un álbum que recoge y hace suyos los lugares comunes del género al que nos referimos: espacios con teen solitario y pensativo dentro de ellas, crisis personales saldadas con la fórmula mágica del medio tiempo, arrebatos de despecho y de autoafirmación de personalidad y un poquito de hedonismo controlado. Algo así como rejuvenecer veinte años, cuando uno mismo pensaba que era el alfa y el omega del mundo y éste cabía en una habitación. Colabora en uno de los temas Juan Luís Suárez, miembro de El Sueño de Morfeo y reconocido activista del hardcore en el norte peninsular. Enrique Gijón

STONE TEMPLE PILOTS “Stone Temple Pilots” Warner

ROCK

1114

Suma y sigue. Tras casi una década en el limbo, con el reflotar de los noventa a la vuelta de la esquina, y después de atravesar todos y cada uno de los miembros del grupo una fase de dudas e interrogantes, Stone Temple Pilots han renacido con las pilas bien cargadas. Con una ristra de hasta seis álbumes, todos ellos notables, los de San Diego han puesto otra piedra más en su carrera para así edificar su propio castillo. Con un álbum que afortunadamente suena fresco y actual. Lejos de sonar desfasado ni fuera de tiempo, Scott Weiland canta como lo que es, un vocalista diferente y con un timbre reconocible a la primera. Más pop si cabe, aquí daremos con retazos glam, con un sonido más clásico, influencias de The Beatles en el medio tiempo “Dare If You Dare”, con la sombra de un David Bowie que siempre planea en su música, e incluso Led Zeppelin (escucha la guitarra solista en “Hickory Dichotomy” para percatarte de esa cercanía en el sonido). “Between The Lines” es otro tema más a sumar a su larga lista de singles memorables, “Cinnamon” también se postula como tal con un estribillo irresistible, para un disco que recupera a una banda renovada que sigue vigente en pleno 2010. Y que, dicho sea de paso, es toda una hazaña. Toni Castarnado

Sleigh Bells Foto Archivo

SLEIGH BELLS “Treats”

Columbia/Sony

ROCK

1111

No hace demasiado se nos acusaba de mirar demasiado hacia Brooklyn. Supongo que el autor del desprecio debió sentirse muy orgulloso de sus palabras, lástima que todo tenga un motivo. Brooklyn es aquí y ahora una de las ciudades en constante evolución.

Sleigh Bells son un ejemplo más. La cantante de color Alexis Krauss y el ex-hardcoreta Derek Miller (formó parte de los inicialmente salvajes y arrolladores Poison The Well) forman un tándem (inicialmente les acompañaba también algún miembro de Surfer Blood) que algunos han comparado con Crystal Castles, aunque no tengan tanto que ver. Sleigh Bells sue-

nan como M.I.A. (no en vano, pertenecen a su sello, N.E.E.T. Records), acompañada por una guitarra distorsionada chirriante y que empieza pareciendo algo fuera de lugar, para acabar convenciendo sobradamente; recuerdan a una suerte de Atari Teenage Riot en clave pop y con bases tirando a raperas cuando se ponen más brutotes, es decir, que no son lo que comunmente entendemos como un dúo chico-chica.

En todo caso, son un ejemplo más de que la combinación de géneros funciona, la constatación de que las fiestas entre lo digital y lo analógico pueden aún dar mucho juego y de que, por supuesto, continúa valiendo mucho la pena mirar hacia Brooklyn.

Joan S. Luna

AKAUZAZTE

“Dan Danok” Autoeditado

EXPERIMENTAL

1111

Una crítica habitual a la que están acostumbradas las bandas locales es la de su incapacidad para dotar de sabor propio una música de raíces anglosajonas. Por contra, aquellos que lo consiguen rara vez pinchan en hueso: Akauzazte llevan casi dos décadas dando muestra de ello. Sorprende cómo un proyecto a priori impenetrable tanto en lo musical como en lo discursivo (el empleo del euskera lo convierten en un hermoso jeroglífico) transmite de forma diáfana el estado de ánimo de tres tipos cuya creación no podría entenderse fuera de un espacio y tiempo muy concretos: Azkoitia, la Guipúzcoa presente, resultado del choque entre tradición rural y el inapelable avance de los tiempos, con la inevitable herida vasca al acecho. “Dan Danok” -impresionante presentación- nos acerca al trío en su definitivo momento de madurez: mesmerizantes, solemnes, angustiosos, convertidos ya en pieza angular de los sonidos de riesgo que se producen dentro y fuera de unas fronteras que ellos dinamitan sin contemplaciones. Luis J. Menéndez

CARLOS ANN

“El tigre del Congrés” Titere Records

POP

111

El barcelonés Carlos Ann no para. Si hace un año se unió con Mariona Aupí para tirar adelante el proyecto Santa N, ahora vuelve junto al guitarrista Juan Carlos Allende (conocido por ser uno de los clásicos acompañantes de Chavela Vargas) para presentarnos trece temas con regusto a bolero en el que presumiblemente podría considerarse su álbum más acústico hasta la fecha. En el aspecto musical poco puede decirse acerca de “El tigre del Congrés”, pero si algo hay de remarcable (como viene siendo habitual en Ann) son esas letras sinceras, en las que el alcohol sirve de antídoto para olvidar los recuerdos (“Llora”) y los viejos amigos del pasado, aun habiéndose convertido en enemigos, se esperan con los brazos abiertos para rendir cuentas (“La playa”). En el mismo saco caben héroes anónimos de esos que te marcan a fuego en la piel (este es el caso de “El Patata”) y asesinos a sueldo en los que las arrugas faciales no hacen mella de su leyenda (“El derribahombres”). Carlos Ann, dada la naturaleza de sus últimas composiciones (registradas en el mejicano Estudio Musart), ha moderado su histrionismo para ejercer de narrador de este universo poéticamente decadente que nos brinda.

Sergio del Amo

JAKOB DYLAN

“Women + Country” Sony Music

POP

1111

De las manos de Rick Rubin, el barbudo productor con quien grabó su primer disco bajo su nombre artístico, el ya experimentado Jakob Dylan ha pasado a las del no menos prolífico T-Bone Burnett, con el que ya trabajó en uno de los álbumes de The Wallflowers.

Y, ciertamente, el resultado ha sido de nuevo

excelente. Un disco que no podrán pasar por alto quienes todavía tengan prejuicios con él debido al peso de su apellido. Jakob es un compositor de altos vuelos, tal y como demuestra en cada una de sus entregas. Con Marc Ribot a las seis cuerdas y unas mujeres a su lado con voces que tiran de espaldas como las de Neko Case y Kelly Hogan, ha conseguido reunir una serie de canciones que deben ser diseccionadas con mimo y minuciosidad. Con una filosofía parecida a la de Joe Henry, mira de reojo a sus ídolos, sin dejar de ser él mismo en ningún momento. En la cabaretera “Lend A Hand” recuerda a Tom Waits, en “Yonder Comes The Blues” a un relajado Bruce Springsteen. Pero canciones como “Truth For A Truth”, la mejor del lote, o “Standing Right Count” sí tienen su propio y reconocible sello. Toni Castarnado

la banda de un millón de miembros

ESTEREOTYPO

“Love Your City” Astro

ROCK

1114

Para aquellos quienes opinan que las segundas partes nunca fueron buenas aquí tenemos una muestra de que existen excepciones. Estereotypo es una de ellas porque, tras su álbum de debut en 2009, “Join The Electro Funky Party!”, han dado un paso más en su evolución a nivel profesional con “Love Your City”. La escucha de su nuevo material despeja las dudas que se hubieran podido plantear después de su antecesor. Su maquinaria está muy bien engrasada y no fallan a la hora de hacernos bailar con su postpunk festivo al más puro estilo We Are Standard. Abren el disco con un corte de alto voltaje, “The Big Fake”, al que siguen diez piezas más de similar consistencia y línea musical. Ninguna despunta del resto para que no se nos ocurra dejar de bailar.

Quién sabe, quizás parte del mérito del disco esté en haber sido masterizado por Mike Marsh (Oasis, Depeche Mode o The Prodigy) en los estudios londinenses The Exchange. En todo caso, estamos ante un disco ecléctico, cargado de tensión, que combina con eficacia rock y electrónica.

Guillermo Esteban

Broken Social Scene Foto Archivo

BROKEN SOCIAL SCENE “Forgiveness Rock Record” Arts&Crafts/Nuevos Medios

POP

1114

Cinco años después de su último álbum la banda del millón de miembros regresa con un disco extenso en duración y rico en estilos, como es habitual en ellos.

Para quién todavía no les conozca Broken Social Scene es una superbanda que partió la pana hace ya casi diez años con una de las cumbres del indie reciente, el fantástico “You Forgot It In People”, y cuyos miembros acostumbran a ir y venir, sin mantener una formación fija, lo que le da al grupo un aire cambiante

y ecléctico del que saben sacar partido para conseguir unos discos variados y emocionantes. Para esta última entrega han contado con la ayuda de gente de Pavement, The Sea And Cake, Metric o Feist y el encargado de la producción ha sido el gurú de Tortoise, John McEntire. Sin ser una obra maestra, Broken Social Scene han conseguido grabar un buen disco que posee canciones magníficas (“Texico Bitches”, “All To All”, “Meet Me In The Bassement” o “Water In Hell”) y otras que no lo son tanto (“World Sick” recuerda demasiado a Arcade Fire), pero que sostiene una línea general bastante buena y consigue mantenerlos en las esferas a las que ascendieron hace años por derecho propio. Daniel Arnal

JAPANDROIDS “No Singles” Polyvinyl

ROCK

111

Por si no hubiera sido suficiente ya con “Post-Nothing” (09), su álbum de debut, el dúo torbellino de Vancouver refrenda la capacidad de regeneración de ese indie rock espinado, tenso y arrebatadamente post adolescente -que tan bien conjugaran Superchunk a principios de los noventa- con esta nueva negación nominal: si en su primera remesa se reían de los postismos de todo tipo (pese al poso post-hardcore de su sonido), en este “No Singles” abominan de la propia condición de sencillos de unos temas que ya habían sido publicados en sendos EP’s previos, “All Lies” (07) y “Lullabies Death Jams” (08), que se reparten aquí cinco temas cada uno, la mitad del pastel. No sólo se ríen de las convenciones de la industria, también les va hacer coñas con Springsteen, como en esa tremenda “Darkness On The Edge Of Gastown”, cuatro huracanados minutos que son lo mejor del lote. Porque el resto del álbum se debate entre bocetos aún no demasiado pulidos y señas fiables de por dónde iban a despuntar en breve (“Sexual Aerosol”, “No Allegiance To The Queen”), en una conveniente maniobra para entretener al personal y hacerle, tras su atronador paso por Primavera Sound, salivar a la espera de nuevas canciones. Carlos Pérez de Ziriza

TORO Y MOI

TURIN BRAKES

Carpark records

Cooking Vinyl/Popstock!

“Causers Of This” POP

WOVEN HAND

“Outbursts” 1114

Lo primero que llama la atención de el proyecto Toro y Moi es que ha sido creado por un joven de veintitrés añitos, de nombre Chaz Bundick, estudiante de diseño de la Universidad de Columbia, y lo segundo es que desde el principio parece recordar en exceso a Panda Bear y a su grupo madre Animal Collective, aunque con la trascendencia que los neoyorquinos han conseguido parece imposible que cualquier cosa que aúne pop y electrónica en la actualidad no suene a ellos. Pero hay más, el disco debut de Toro y Moi es un alegre baile de psicodelia, lo-fi y electro-pop, un salvaje collage de estilos mezclado con mucho arte con bases diluidas de jazz y funk, una colección de influencias que van desde Air a Washed out, pasando por MGMT y que le aúpa desde ya a las altas esferas de esa escena freak tan emergente que es el chill wave.

En conclusión, el álbum debut de este niño prodigio de lo cool es lo suficientemente bueno como para considerarlo casi un éxito, el típico disco que puede acabar entre las grandes sorpresas de la temporada o quedarse olvidado en el fondo del armario.

El tiempo dirá. Daniel Arnal

POP

“The Threshingfloor”

114

No parece que lo tenga fácil esta pareja londinense, que lleva tiempo a caballo entre el pop orquestado de sabor inglés y el sonido de tantas y tantas bandas anónimas de pub repartidas por el mundo. Un nuevo álbum, el sexto de estudio, no termina de hacerlos bajar de ese caballo, y las apuestas hoy no se pagan muy altas cuando ya antes te han visto trotar de forma constante, pero sin progresión. Olly Knights y Gale Paridjanian lo hacen bien, demasiado bien. Su corrección es tal, que no despiertan ninguna emoción.

Y más que pura sangres, montan elegantes caballos lipizanos mal ubicados en un hipódromo de carreras. Turin Brakes imitan lo aprendido. A su derecha tienen a Coldplay, y en el cajón de la izquierda meten a Radiohead, pero no están a la altura ni de unos ni mucho menos de los otros. En el estudio, los arreglos de chelo y viola –como en el tema de apertura, “Sea Change”– aportan la elegancia que, desnuda y en directo, también consiguen con falsetes y simples arpegios de guitarra. Y “Rocket Song” podría estar cantada por Jeff Buckley, si siguiera vivo...

En definitiva, el caballo es bonito, sí, pero al mirarle los dientes uno decide no apostarle como ganador. Luis Argeo

Glitterhouse Records/Nuevos Medios

ROCK

1111

A David Eugene Edwards se le fue un poco la pinza con la grabación de “Ten Stones”, un disco más arriesgado, novedoso, que en su momento fue recibido con los brazos abiertos por todo el mundo, pero al que el paso del tiempo se ha ocupado de poner en su justo lugar. Los experimentos, dicen, mejor con gaseosa. Después de expresarse con una libertad que le llevaba de los pasajes ambientales al ruidismo más gratuito, Edwards vuelve a la cueva de la que nunca debió salir. En “The Threshingfloor” vuelve a aflorar el músico torturado, místico, abrupto, ese que no deja espacio para el sosiego. El resultado es un disco sólido como un peñón, como un muro de hormigón. El artista nos lleva a enfrentarnos al lado más oscuro de su música y de nuestras maltrechas vidas, con Dios prácticamente presente en la práctica totalidad de sus canciones.

Por el camino se muestra espiritual, denso y enigmático, moviéndose entre lo bello y la degradación del ser humano. Y además, como postre justo cuando no lo esperas, un guiño a 16 Horsepower, con la esperanzadora y optimista “Denver City”. Camino del culto, sí señor. Toni Castarnado

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Noticias

Agenda

P Desafinado celebra su 9º cumpleaños con RapSolo el 16 de Julio con SLAP! Festival, el primer festival de música negra de la capital Zaragozana. Contaremos con las bandas Breakestra, Cherry Boopers, Faith Keepers y Mama Bogie. A los platos estarán R de Rumba, Funkforward, Dj Sutil o Pendejo entre otros. El festival contará también con una carpa de comida vegetariana.

P 2 y 3 de Julio, Zaragoza Ciudad, Anfiteatro de la Expo P 8 de Julio: Sidonie + Os Mutantes + Fractal Sound.

Anfiteatro de la Expo P 2 de Julio, Inaceptables, Sala El Sol P 9 de Julio: Noa + Dorantes: Anfiteatro de la Expo.

P 9 de Julio La Teloneros Band, Juan Sebastián Bar P 10 de Julio El Duende Eléctrico, La Campana de los Perdidos P 10 de Julio Festival EXPOP (Los Planetas, Mr Hyde y Limnopolar. Anfiteatro de la Expo.

P 15 de Julio Festival Ben Harper + Xavier Rudd + Loner.

Anfiteatro de la Expo.

P 16 julio Slap! Festival soul & funk. Anfiteatro de la Expo P 17 de Julio: Magical Mistery Band. Sala Prior Cavern P 17 julio Mago de Oz + Obús + Azero + Clan Eastwood.

Anfiteatro de la Expo P 22 de Julio: Alpha Blondy, Anfiteatro de la Expo.

P 24 de Julio: ‘77, Sala Arena Rock P 24 de Julio: ‘Fiesta Máxima FM. Anfiteatro de la Expo.

P Si no tienes bastante con la programación de conciertos del Auditorio de la Expo, pudes encontrar mucha más música en las terrazas de la ribera del Ebro que también participan de los festivales del Ebro. Date una vuelta para encontrar buena música y mejor ambiente por Le Pastis, La Riviera, Luna Morena, Q4, El Molino de San Lázaro y por supuesto Las Playas del Ebro.

P Los museos de la ciudad están acogiendo el V Ciclo de Música a Voces en los Museos.

La Coral Salduie, Romareda, Aljafería, o la Coral Valle del Ebro acturan en el Centro de Historia o en el Teatro Cesaraugusta. Todos los conciertos son a las 21 horas y la entrada es libre.

Musica en el Anfiteatro de la Expo

E

stamos metidos de lleno en la segunda edición de los Festivales del Ebro, y con ellos, la renovada ribera del río Ebro se llena de música. El escenario fundamental para la celebración de estos festivales es el anfiteatro de la Expo. Los días 2 y 3 de Julio este recinto acogerá el Festival Zaragoza Ciudad inundando el Ebro con el mejor hip hop, con artistas de la talla de Buckshot with Evil Dee of

Semana de Toulouse

Cats on Trees

Black Moon, Smiff n Wessun, Marco Polo & Torae, VKR, Tote King, Nach, Juaninacka o los locales Dani Ro y Sharif. Además de las correspondientes exhibiciones de break dance o grafitti. El día 8 de julio el turno es para los Barceloneses Sidonie con su inflamable disco “El Incendio” acompañados de Os Mutantes y Fractal Sound.

Noa y Dorantes nos visitarán al día siguiente. El 10 de Julio es el turno del festival Expop en el que

Ben Harper

contaremos con la actuación de unos siempre efectivos Los Planetas acompañados de Mr Hyde y de los ganadores del concurso Mueveté en Directo Limnopolar.

El siguiente fin de semana nos visitará Ben Harper el viernes 15 y los sonidos más metaleros tendrán su hueco para el día 17 con Obus, Mago de Oz, Azero y Clan Eeastwood. El reagge llegará de la mano de Alpha Blondy el día 22 de Julio.

P De Vito Presentando su nuevo EP BERLUSCONI

Z

aragoza y Toulouse tienen una larga trayectoria de intercambio y cooperación a un lado y otro de los pirineos. Por eso, del 5 al 11 de julio se celebra la Semana de Toulouse en Zaragoza ‘Ida y vuelta’, en la que habrá animaciones culturales y espectáculos en diferentes puntos del centro de la ciudad. A destacar la exposición sobre el exilio republicano español en el centro Joaquín 5RQFDO ,QWHUYHQFLRQHV HQ *UD¿ WWL por toda la ciudad. Conciertos de Rock y Hip Hop en la Plaza de San Bruno, Animación de Calle, Danza y el programa Teatro en Acción fruto del intercambio entre jóvenes de ambas ciudades.

Arrebato

E

l Centro de Historia acoge desde el 30 de Junio y hasta el 5 de Septiembre la Exposición Arrebato: Cultura Popular y Comunicación Social en la Madalena (1994- 2010). La exposición repasa de manera exahustiva la actividad de esta asociación referente estatal en lo que autogestión cultural se refiere.

Teatro

T

Superimproindigestos

ambién dentro de la programación de los Festivales del Ebro, Zaragoza cuenta con una surtida oferta teatral que disfrutar para los meses de verano. Cabaret Liquido, Flamenco Contemporáneo Ensamble, la compañía de danza Payasos Divinos, La Venganza de Don Mendo a cargo de la compañía Vania producciones o el musical Grease entre otras muchas, son la oferta veraniega del Teatro Principal. El renovado Teatro del Mercado nos ofrece

De Gira

actuaciones musicales como la del grupo Makumba Beat, el humor del grupo teatral Superimproindigestos, un recital de poesía de Mario Benedetti a cargo de la compañía de Santiago Meléndez, el espectáculo Furcias Ensamble de Jaime Ocaña o actuaciones de alumnos de la escuela Municipal de Teatro. Completan la oferta la variada programación del Teatro de la Estación con “Odón Val en Carne Mortal” de la compañía de Santiago Meléndez y la actuación musical de Larry J. Band.

19 junio, Vinilove Festival, Teruel 2 de Julio, Salón Erótico de Zaragoza - Multiusos 24 de julio, almay festival (Ayora, Valencia) P BIG CITY Presentando su nuevo álbum CELEBRATE IT ALL 4 Junio PAMPLONA (Sala Subsuelo) 10 Junio BARCELONA (Sala Be Good) 20 Junio VALLADOLID* (Día de la Música) 24 Junio MADRID (Sala Charada) 25 Junio ZARAGOZA* (Sala La López) P TACHENKO Presentando su nuevo disco OS REIS PORQUE SOIS JÓVENES 8 Jul 22:00 SALA HEINEKEN Madrid, 23 Jul 23:00Festival Contempopránea Alburquerque, Badajoz 18 Sep 21:00 La Llotja Elche, Alicante 24 Sep 22:00Torrijos, Toledo,

(MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /55/ vinilos)

THE JON SPENCER BLUES EXPLOSION

“Dirty Short Rock’n’roll (The First Ten Years)” Shout!Factory

ROCK

11114

Recopilatorio que incluye veintidós temas extraídos de los diez primeros años de carrera (desde su homónimo álbum de debut en 1992 a “Plastic Fang”, 2002) de una de las mejores bandas de rock de las últimas dos décadas: los neoyorquinos Blues Explosion, es decir, Judah Bauer, Russell Simmins y el carismático Jon Spencer a la cabeza (ahora inmerso en el también excelente proyecto, Heavy Trash). En esencia, sonido sucio, demoledor y contundente; o lo que es lo mismo, la esencia del mejor rock’n’ roll. Y es que la banda americana suena, huele y sabe a botas de piel de serpiente, a tabaco de mascar, a zorra contoneando sus caderas, a escupitajo sobre mosca, a bourbon sin hielo, a “que se jodan” y sobre todo a “no nos jodas”.

Guitarras afiladas -“Money Rock’n’roll”-, aullidos y ladridos salvajes -“Chicken Dog”-, ritmos endiablados -“Wail”-, harmónicas arrolladoras -“Feeling Of Love”-, y todo un amplio abanico de sonidos: rock, blues, punk y hasta country -“Shake’em On Down”-, explorados desde su feroz y personal óptica. En definitiva, música hecha con cojones, con una clase de pelotas. Indispensable. David Lorenzo

KAOTIKO

“Reacciona!!!”

Baga Biga

ROCK

111

Sexto disco del quinteto de Agurain, unos veteranos del punk rock que vuelven a meterse en el estudio para descargar a los cuatro vientos toda su mala baba lírica, sus guitarrazos y melodías más vertiginosas. El disco ha sido editado en un agradecido digipack con todo lo necesario para adentrarse en su universo. A lo largo de su minutaje, repasan los temas de actualidad más candentes. “¿Crisis?” es un fiel reflejo a la actual situación financiera del país; “Bienvenido al show” abre en canal a todo el circo televisivo; “Pederasta” deja bien claro el tema, mientras que “A Kms” aborda el conflicto con los presos políticos. Ahora bien, todos los temas parten del mismo patrón, ritmo desenfrenado y letras combativas con mensaje claro. Y les funciona, claro que les funciona. Kaotiko cuentan ya con una amplia legión de seguidores que acuden a su llamada allá por dónde pisan, así que quizás no esperen un giro radical en su sonido, sino precisamente lo que han conseguido en este nuevo trabajo: exprimir una fórmula que les ha encaramado entre los nombres necesarios del punk rock de nuestro país. Marcos Martín Lora

MISS CARRUSEL

“Els Patis Interiors” Sones

POP

111

A quienes por trabajo tratamos a menudo con discográficas, de entrada ya nos despierta cierta curiosidad la publicación del trabajo compositivo de gente como Mireia Madroñero, una de las cabezas visibles de Sones, tan sólo por el hecho de comprobar si mimará igual su música como hace con los demás.

Y así es. Canta historias sinceras, de tú a tú, empaquetadas con mucha dedicación e ilusión. Incluso el disco va metido en un sobre como si se tratara de una epístola familiar de momentos vividos. Dentro: historias interiores de estos últimos cinco años de idas y vueltas entre Barcelona y Ripoll. Es tan afable que cada canción está reseñada con una referencia espacio-tiempo de cómo las parió; un detalle de absoluta confianza y complicidad. Recogiendo el mismo sujeto testimonial al que Townes Van Zandt deseó buena fortuna en uno de sus versos, narra emociones familiares y retratos urbanos con un tono que suena maduro, a pesar de su juventud. Un cancionero de andar por casa, como canta en “Tots els hiverns”, una de las mejores con “Tinc (o l’últim vals)” o “Fer net”. No sabría explicar por qué pero le queda mejor el catalán que el castellano. Celestí Oliver

vuelve el niño de la selva

SHARON JONES AND THE DAP KINGS

“I Learned The Hard Way” Daptone/Nuevos Medios

SOUL

1114

Debo confesar que cuando escuché “Got A Thing On My Mind” en 2001, pensé que se trataba de otra nueva cremosa re-edición a cuarenta y cinco rpm de soul de los sesenta, de esas que se agotan en una semana. Pero no. Se trataba del primer single en solitario de una cantante de estudio en la cincuentena recuperada para gloria de todos. En “I Learned The Hard Way”, su cuarto disco ya junto a sus Dap Kings, Jones confirma que esto de hacer soul puede ser algo excitante en manos de blancos modernos con buena voz y mejor producción, pero que no hay color cuando la cosa está en manos de negros que lo llevan en el adn. Esa manera de cantar desde lo más profundo del corazón, viniendo directamente del estómago, es cosa de niggers. Aunque los Dap Kings de negro tienen poco, parecen salidos directamente de los estudios Stax o Chess. Por eso no sorprende que el amigo Mark Ronson les echase el guante para grabar el “Back To Black” y acompañar en directo a Amy Winehouse.

Entre el medio y el downtempo que dominan el disco, Jones se viene arriba en “She Ain’t No Child No More” o “Without A Heart”, siendo “Better Things To So” uno de los singles de la temporada. Luis Costa

UFFIE

“Sex Dreams And Denim Jeans” Ed Banger/Warner

POP

1114

Cuatro años ha tardado la estadounidense de espíritu francés en parir su debut. Su agitada vida personal ha retrasado esta prueba de fuego que representa “Sex Dreams And Denim Jeans”. La niña mimada del sello Ed Banger se ha aliado con un buen puñado de productores (he aquí el retorno de Mirwais, que sigue gozando de un gusto exquisito en “Illusion Of Love”) que se han esmerado en demostrarnos que Uffie puede enfrentarse, a base de vocoders y samples aparentemente imposibles (para muestra el tema que da título al álbum, donde hace acto de presencia la sombra de The Velvet Underground), a todo lo que le echen. A destacar el cover “Hong Kong Garden” de Siouxsie And The Banshees y “Difficult”, en la que su colega SebastiAn se marca uno de los mejores temas que podremos encontrar, junto a “ADD Suv”, en la que Pharrell Williams participa de artista invitado.

Aun aprobando con nota, el mayor hándicap a tirarle en cara es la inmensa espera. Si su debut hubiera aparecido justo en el momento en el que la descubrimos en 2006, otro gallo (en este caso mediático) le hubiera cantado. Sergio del Amo

Rap’Susklei Foto Archivo

RAP’SUSKLEI “Pandemia” Muffin Records

RAP

1114

El MC zaragozano llevaba seis años de silencio, un tiempo que ha aprovechado para poner en marcha su propio sello discográfico y tomar fuerzas para un regreso en toda regla en el que colaboran entre otros Quiroga, Aniki y el ubicuo Hermano Ele, que parece tener cuota en todos los discos de rap que salen estos días. En cualquier caso, Rap’susklei se basta solo. Desde sus inicios, Diego Gil ha venido desarrollando un

estilo propio a base de unos referentes claros (Das FX, Leaders Of The New School...) que le separan del común de los rapers. Algo evidente en la inicial “Hip Hop Kresia”, puro Fuck Tha Posse, un guiño al propio pasado de Rap’sus, aunque lo que predominan son cortes de combustión espontánea como “Clik Clik” y “Boss” (con Juaninacka). Si bien Hazhe, productor de sus tres primeros trabajos y de innombrables maquetas, vuelve a aportar algunas bases, en “Pandemía” el MC ha contado también con producciones de Cookin’ Soul, Torrico y Acción Sánchez. Rap’susklei ha querido dar un paso ambicioso en su retorno, y la jugada le ha salido de aprobado alto. Joan Cabot

THE YOUNG VEINS

GRAN PUEBLO

THE MORNING BENDERS

One Haven Music

Kankana

Rough Trade/Popstock

“Miscelánea”

“Take A Vacation” POP

1114

Menuda sorpresa, y de las grandes, ha supuesto para un servidor el disco de The Young Veins. Sorpresa porque quien capitanea el grupo son los dos miembros fugados de ese engendro que ¿fue? (aún no han anunciado oficialmente su separación) Panic! At The Disco. En su nueva aventura Ryan Ross y Jon Walter abandonan, por suerte, el imposible emo-pop con tecladitos de su anterior banda, para abrazar el pop más epidérmico de los sesenta con la vista puesta en el merseybeat inglés y el pop californiano más luminoso. Los más rácanos a la hora de buscar referentes nombrarán solo a The Beatles, The Byrds y The Beach Boys, pero este joven y flequillero combo norteamericano recuerda, y mucho, a otros grupos menos mediáticos de los sesenta, maravillas del calibre de The Beau Brummels, The Grass Roots, The Hollies y Herman’s Hermits, entre otros.

The Young Veins, sin inventar nada, se han sacado de la manga un radiante debut lleno de excelentes tonadas (algunas memorables como “Cape Town” y “Everyone But You”), que se convierte, con todas las de ley, en la perfecta banda sonora para este verano que acaba de comenzar. Xavi Sánchez Pons

RAP

“Big Echo” 111

Consolidados como una de los combos más sólidos y prometedores de la escena catalana, en gran parte gracias a sus colaboraciones con otros artistas (Quiroga, Titó), Gran Pueblo siguen en “Miscelánea” desarrollando un discurso musical deudor de la old skool y el rap de los noventa, y todavía fiel al peso de la tradición y la cultura de los cuatro elementos. De hecho, la nostalgia es lo único que se les puede echar en cara, porque esa añoranza de un pasado mejor deriva en algunos momentos en cierta modorra.

Por lo demás, Eduardo Don Vuelo, El Rubio y DJ Pin han dado forma a un disco sólido que los confirma como un grupo destinado a grandes cosas. Si bien algunos de los invitados acaban por hacerles sombra (Marco Fonktana, El Hermano Ele), Don Vuelo y El Rubio soportan con clase sobre sus espaldas la mayor parte del peso de un disco producido casi íntegramente por el primero y parido para ser escuchado con pausa. Que el grupo haya decidido promocionarlo con una serie de vídeos, uno para cada tema, no hace más que evidenciar el hecho de que estamos ante un álbum de principio a fin en el que no cabe el relleno. Joan Cabot

POP

1111

Sirva “Big Echo” como oficioso anuncio de la llegada del verano: el segundo trabajo del grupo de Berkeley parece el acompañamiento perfecto para esta época del año, cuando el clima aún nos depara algunas sorpresas en forma de tormenta, pero ya se siente próximo el estío. Producido por Chris Taylor de Grizzly Bear, de cada vez más cotizado y en gran medida responsable del impoluto sonido del disco, el segundo trabajo de The Morning Benders arranca con la soberbia “Excuses”, una canción total repleta de arreglos que marca el rumbo de un disco en el que Chris Chu canta perfectamente acompañado por una banda detallista. Si ya en su debut pesaba la influencia melódica de Brian Wilson, en su segundo álbum su espíritu asoma en cada rincón, pasado por el sedazo de un pop barroco pero luminoso y ligero.

“All Day Daylight”, “Excuses” y “Cold War” son de esa clase de canciones que miran al sol de cara, que no temen los chaparrones de mayo porque saben que después llegará junio, vendrá el sol, será verano y todo será un poco mejor. Un gran salto adelante. Joan Cabot

MONDOMEDIA

“Zombies Nazis” Foto Archivo

MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /57/

CINE

Zombies nazis

en el cine “Ondas de choque” (1977) Este pequeño clásico de la serie B más subterránea es pionera en el género de los zombies nazis.

Su protagonista es Peter Cushing, que hace las veces de un torturado científico alemán que vive recluido en una isla perdida en el tiempo custodiada por un grupo de soldados zombies capaces, al loro, de ir bajo el agua.

Tommy Wirkola

“La tumba de los muertos vivientes” (1982)

Infierno bajo cero Desde hace unos años algo se está moviendo en el cine de terror del norte de Europa. El estreno el 6 de agosto en nuestras pantallas de “Zombies Nazis”, una divertidísima cinta noruega que recoge el testigo de cumbres del gore humorístico como “Braindead” y “Terroríficamente muertos”, es una prueba de ello.

S

i nos los cuentan hace unos años no daríamos crédito, pero ahora es toda una realidad. Noruega es, hoy por hoy, uno de los países más en forma en lo que a cine de terror se refiere. La culpa la tienen la dos partes del slasher “Cold Prey” (la primera de ellas es maravillosa y en España se lanzó directamente en DVD con el horroroso título de “Fanaticos del snow”), el resultón survival a lo “La matanza de texas” y “Deliverance” que es “El placer de la caza”, y “Zombies Nazis”, película que protagoniza esta entrevista y verdadera cima reciente del cine gore más divertido y desmelenado. Tommy Wirkola, su director, nos atiende vía telefónica desde Los Angeles y comenta el génesis de la que es la primera película de zombies hecha en Escandinavia. “La verdad es que en Escandinavia no se estilan mucho las películas de terror. Por esa carencia nació la idea de hacer una película de zombies que tuviera lugar en un ambiente totalmente nevado”. “Dead Snow” (título original de la cinta de Wirkola) tiene muchas particularidades que la hacen especial. Primero, la ambientación, y segundo, que los zombies que acechan a los protagonistas, además de ser muerte vivientes con ganas de sangre, son soldados

nazis de la Segunda Guerra Mundial. Poca broma.

De hecho, eso de los zombies nazis se puede catalogar casi cómo uno de los subgéneros más bizarre del cine de terror de bajo presupuesto. Un subgénero que ha alumbrado clásicos de la serie B más desperjuiciada, títulos como “Ondas de choque” de Ken Wiederhorn. “Bueno, es cierto que hay algunas películas de terror que han

Como toda buena cinta de género, la película de Wirkola contiene multitud de guiños a sus clásicos favoritos del cine de terror. En este caso se llevan la palma los trabajos más conocidos y gore de Peter Jackson (uno de los protagonistas de la película lleva una camiseta de “Braindead”) y Sam Raimi (sobre todo la trilogía de “Evil Dead”, de la que algunos personajes hablan en una de las escenas del filme). El noruego es, ante todo, un verdadero geek del horror. “Sí, me puedes catalogar de esa manera (risas). Soy un gran fan de ‘Braindead’ y ‘Mal gusto’ de Peter Jackson.

También me encanta, lógicamente, las tres partes de ‘Evil Dead’ de Sam Raimi. Queríamos que ‘Zombies Nazis’ fuera al menos tan divertida y terrorífica como esas películas

“Queríamos efectos especiales artesanales de la vieja escuela”

Nuestro incombustible Jesús Franco también cayó en la tentación e hizo su particular incursión en este subgénero. Si bien no consiguió una de sus mejores películas, “La tumba…” se disfruta por su espíritu trash y por la participación de héroes del género de aquí como Antonio Mayans y Lina Romay.

“Worst Case Scenario” (2005) Aunque jamás se llegó a rodar (en la red circulan un par de suculentos trailers) el frustrado filme de Richard Raaphorst lo tenía todo para triunfar. El argumento era simple: Alemania, tras perder contra Holanda la final del Mundial de Fútbol de 2006, envía como venganza al país vecino una horda de zombies nazis.

“El búnker” (2007) tocado el tema de los zombies nazis, entre ellas estaría ‘Ondas de choque’, como bien dices, que me encanta. Pero el hecho de que aparezcan zombies nazis en mi película se debe a otras razones. Durante la Segunda Guerra Mundial los soldados alemanes estuvieron en Noruega, y tenemos muchos datos de su estancia en nuestro país y de todo lo que hicieron. Y la otra razón vino de hacernos esta pregunta: ¿Qué puede ser más maligno que un zombie? Y enseguida encontramos la repuesta: un nazi… (risas)”.

que nombras, que hubiera el mismo número de risas y de escalofríos, de chistes y de sangre”. De la misma forma que tenían claro lo de combinar humor y sangre, también estaba cantado que los efectos especiales de la película tenían que ser a la vieja escuela y artesanos. Nada de sangre digital, litro y litros de sangre artificial y maquillajes que recuerdan al mejor Tom Savini.

“No soy partidario de los efectos digitales en las películas de terror, queríamos efectos especiales artesanales de la vieja escuela”.

■ Xavi Sánchez Pons

Como si de un episodio de “The Twilight Zone” se tratara, la simpática película de Steve Barrer (editada en España en DVD) se miraba en el espejo de “Ondas de choque” para urdir una curiosa historia sobre un súper ejército de soldados nazis con muy malas pulgas venidos de otra dimensión. A descubrir.

■ Xavi Sánchez Pons

mondorecomienda

LA ENTREVISTA Javier Calvo Foto Archivo

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

cómics

Las aventuras de Gustavo Max La Cúpula (11)

Gustavo, icono de la revista “El Víbora”, fue una de las primitivas creaciones de Max, allá por 1976. Esas tres décadas transcurridas se han de notar, y tanto el radicalismo de los personajes como el mensaje han quedado algo desfasados. Óscar Gual

Ranx

Tamburini / Chabat / Liberatore La Cúpula (111) “Ranx” es al cómic lo que Gary Numan a la música: un tipo capaz de trasladarte a un periodo muy concreto del pasado pero que en su futurista concepción de su medio ha terminado por quedar definitivamente demodé. Para los nostálgicos aquí está la edición integral de esta celebridad de los tempranos ochenta. L. J. M.

Javier Calvo

Un destripador anda suelto Manual del pajillero Riad Sattouf La Cúpula (111)

Tú me has matado David Sánchez Astiberri (1114)

Podríamos considerar que “Manual del pajillero” es el reverso en clave humor grueso de “El playboy” de Chester Brown. Ambos cómics reflejan una etapa determinada de nuestras vidas que, en muchos casos, nos marca para siempre.

En todo caso, el humor de Sattouf es bastante más sanote. Ernesto Bruno

David Sánchez sorprende con su primera incursión en el mundo del cómic con una obra de corte anglosajón y retorcido que nos remite irremediablemente a Charles Burns y al Daniel Clowes más oscuro, aunque con una relación entre personajes que se sitúa en algún lugar indeterminado entre Beto Hernández y David Lynch. E.B.

Notas al pie de Gaza

Raspa Kids Club

Se disfrute más o menos con su trabajo, Joe Sacco continúa siendo un maestro a la hora de descibrir la realidad social del día a día en territorios en guerra. Su sensibilidad se adhiere a la piel del lector, que va descubriendo entre risas y muchas lágrimas episodios que siempre merecen ser redescubiertos. Enrique Gijón

La serie “Raspa Kids” que el mexicano afincado en Mallorca Alex Fito ha ido diseminando a lo largo de los años en diferentes publicaciones, es lo más cercano que hemos estado en nuestro país de recoger el testigo de Chris Ware en el aspecto gráfico y de planteamiento de página. Fantástica edición. L. J. M.

Joe Sacco Mondadori (1111)

OMAHA vol. 2

Kate Worley y Reed Waller Astiberri (114) Segundo volumen de la edición definitiva de uno de los títulos clásicos del cómic independiente norteamericano de los ochenta, heredero al mismo tiempo de los culebrones televisivos y de los tebeos realistas (el llamado slice of life). Worley, la guionista, y Waller, el dibujante, son gente con oficio, y saben dosificar la intriga para que el serial aguante su interés. O.G.

Alex Fito Glenat (1111)

¿Quién ama a las fresas?

Clara Tamit Astiberri (111)

Clara Tamit nos presenta su visión sobre el atormentado mundo de los adolescentes problemáticos y su intrincado mecanismo interior a través del personaje de Fresa.

Episodios hilarantes e incluso emocionantes entremezclados con otros tensos y duros, con la gracia de que la protagonista es, eso mismo, una fresa. Daniel Arnal

Desde que debutó hace casi una década con el muy televisivo “Risas enlatadas”, Javier Calvo ha ido tejiendo una tupida red de pequeñas obras maestras que hasta ahora se cerraba con su trepidante y onírico homenaje a Stephen King (“Mundo maravilloso”). “Corona de flores” (Mondadori, 10), su novela más negra, acaba de llegar a librerías, y constituye, desde ya, una nueva cima en su narrativa.

E

s fan de Stephen King, aunque no le gusta reconocerlo. Lo que sí reconoce es que colecciona primeras ediciones de “Mary Poppins”. Sí, Mary Poppins fue novela antes de que Disney la convirtiera en un musical de niñera que vuela. La escribió una tal Pamela Lyndon Travers. “También colecciono primeras ediciones de Lovecraft”, dice. De ahí que en la solapa de su último libro, el oscuro “Corona de flores” se defina como “traductor y coleccionista de libros”. Javier Calvo (Barcelona, 1973) no quiere hablar de etiquetas (“me hace gracia que los ‘nocillos’ estén huyendo de su propia supuesta generación”) pero sí de personajes que caen mal.

“Hacía tiempo que quería escribir un policial, pero uno en el que los protagonistas tuviesen cero buen rollo con el lector”. De ahí que Semproni de Paula (su particular Sherlock) y Blai Boamorte (su Watson) sean “dos indeseables”. ¿Y qué es lo que hacen Semproni y Boamorte?

Investigan los crímenes de un tipo al que llaman El

Asesino de la Esperanza, que está sembrando de cadáveres desmembrados (a algunos los cuelga de sus propias tripas) Barcelona. Pero no la Barcelona contemporánea, sino la Barcelona hundida en las sombras del siglo XIX. La época de la Restauración borbónica, “la más tétrica de la historia de Barcelona”, dice Javier, mientras bebe té con leche. La más tétrica y mutante, puesto que es la época en la que caen las murallas y la ciudad empieza a crecer y a perder “el misterio”. “Lo que ocurre es que produce un choque entre la ciudad moderna que viene y la ciudad mágica que fue, la razón intenta acabar con la superstición”, y hay alguien que no está dispuesto a aceptar que eso ocurra: El Asesino de la Esperanza. ¿Y qué hay de Trasgo, también conocido como Menelaus Roca, esa suerte de Doctor Jekyll y Míster Hyde, que se dedica a desenterrar cadáveres?

“Trasgo tiene esa cosa inhumana de la ciencia, carece de emociones”.

■ Laura Fernández

DVD MÚSICA

U2 “360º At The Rose Bowl”

Dropkick Murphys “Live On Lansdowne: Boston”

Que las giras de U2 se sitúan con facilidad entre los eventos más espectaculares del rock actual es algo que todos sabemos. Su última gira podría colocarse a la cabeza de las más ambiciosas de los últimos años, por ello –tras haberla presenciado en directo- uno no se emociona del mismo modo con este documento visual que no capta –no puede hacerlo- la espectacularidad del escenario y el sonido con el que los irlandeses presentaron en sociedad “No Line On The Horizon”. Puede que sea por ello, o porque “U23D” –en pantalla grande y tres dimensiones, aunque dirigida también, como este DVD, por Tom Krueger- resultaba mucho más emocionante y estremecedora. J.S. Luna

Nunca está de más echarle un repaso a los conciertos que, de tanto en tanto, publican los estadounidenses Dropkick Murphys.

La fiesta está asegurada para todos, desde los asistentes a la propia banda, pasando por los espectadores que únicamente pueden verlo todo en casa. Aquí, aprovechando nuevamente las fiestas con motivo de St. Patrick, se montaron una juerga –a la que se sumaron The Mighty Mighty Bosstones- de antología que se extendió durante seis noches (y siete conciertos consecutivos) recuperando los temas que eligieron sus fans, entre temas propios y sus habituales temas tradicionales. Punk a la irlandesa, con mucho ritmo y mucho alcohol, como nos gusta. J.S.L.

Universal (1114)

Cooking Vynil (1111)

MondoSonoro · Julio-Agosto 2010 /59/

LA ENTREVISTA

MONDORECOMIENDA LOS CLIPS DEL MES

libros

www.dailymotion.com

La pesca de la trucha en América Richard Brautigan Blackie Books (111)

◗ Los Massieras “Boogity Boogity Boogity” (1114) A caballo entre una peli de terror de los cincuenta con personajes que recuerdan a los Ewoks, a Chewbaka y Beetlejuice, engancha en un bucle de ritmos discotequeros y estética retro.

“María y Yo” Foto Archivo

Quizás R. Brautigan (1935-1984) y su novela no aporten gran valor a la literatura estadounidense del siglo XX, pero sí unas cuantas anécdotas y recuerdos, suficientes como para conocer sus delirantes dislates por el territorio beatnik que, años después, otros hippies acabarían por arruinar antes de desaparecer. Luis Argeo

Félix Fernández de Castro Satori en París

Jack Kerouac Ediciones Escalera (1111) Por fin se traduce al castellano la última novela de las llamadas “del camino” de Jack Kerouac, uno de los escritores más influyentes del siglo pasado. “Satori en París” narra a través de prosa espontánea el viaje de Kerouac a París en busca de los orígenes de su apellido. Mujeres, mucho alcohol, luces de la ciudad, locura y todo el acostumbrado imaginario beatnik para disfrutar leyendo, una vez más. Daniel Arnal

Exhumación

Luna Miguel/Antonio J.Rodríguez Alpha Decay (1114) Un curioso relato con tintes tétricos escrito a cuatro manos por la precoz Luna Miguel, archiconocida figura del mundo blogger, y Antonio J. Rodríguez. Un relato breve curioso y divertido, con cierto aire de surrealismo pop y gamberrismo que desemboca en un ejercicio de estilo a caballo entre la genialidad y la pedantería. Dani Arnal

Criptozoología.

(Cazadores de monstruos) Rafael Alemañ Berenguer Melusina (1111)

La criptozoología, o lo que es lo mismo, la para-ciencia que pretende demostrar la existencia de animales considerados fantásticos, ocultos, o ya extinguidos, merecía un libro como el de Alemañ Berenguer. El valenciano dota de rigor científico y seriedad a una disciplina injustamente infravalorada.

Xavi Sánchez Pons

Un amor de película

◗ Mishima “Tot torna a començar” (111) Un homenaje al clásico cinematográfico “Ordet” (1955); la sobriedad en los planos, la disposición de los personajes, los colores, la trama... se trata de una réplica exacta estilo pop de una escena de la película.

“María y yo” de Miguel Gallardo ha sido uno de los cómics más exitosos de los últimos años en nuestro país. Ahora, de la mano del realizador publicitario Félix Fernández de Castro, se ha convertido también en buen cine documental.

E

n medio de la grabación de un spot publicitario, Félix Fernández de Castro encuentra un hueco para hablar de su estreno como director de documentales con “María y yo”, un trabajo elogiado en el último festival de Málaga o el REC de Tarragona que nos muestra la relación de un padre y una hija con autismo mientras disfrutan de sus vacaciones juntos. “Mi llegada al proyecto se produjo de forma totalmente casual. Estaba en Madrid rodando un trabajo de publicidad y leí en alguna parte que Gallardo había ganado el Premio Nacional de Cómic con “María y yo”, lo compré y lo leí de una sentada en un avión.

Algunos días más tarde, me pareció que el libro podía convertirse en una película, y contacté con Miguel, a quien había conocido mucho tiempo atrás y de quien había perdido la pista por completo. Le conté la idea de la película y la única condición que puso fue que May, la madre de María, estuviese de acuerdo, y así fue”. Juntos viajaron a Canarias para conocer a María, la hija de Miguel. Y así comenzaron a trabajar.

Partir de una historia ya dibujada puede condicionar el trabajo de un documentalista. No fue el caso de Félix. “Lo cierto es que el cómic me dio enseguida muchas pistas de cómo atacar la película: en algunos casos funcionaba casi directamente como un storyboard. Ahora bien, la película tiene muchas otras cosas que no están en el libro extraídas de montones de diarios, cuadernos, entrevistas y conversaciones con Miguel”.

Los personajes pueden, sin embargo, cambiar cuando son de carne y hueso. “Particularmente, una de las cosas que me resultaron más difíciles del salto del dibujo a la imagen real fue precisamente el personaje de María: en el cómic, la niña es una estilización de un personaje.

En imagen real, la cámara recoge todo lo que constituye el personaje, y ofrece una imagen más cruda, más directa, más auténtica. Aunque al final, María termina por resultar igual de conmovedora, tierna y divertida que en el cómic”.

L

a publicidad y el cine documental tienen métodos de trabajo totalmente opuestos. “Un spot es un sprint, una película es una carrera de fondo, requiere más constancia, más paciencia, dosificar más el esfuerzo. Además, en

un documental, el guión es un elemento que se va construyendo junto con la película en el proceso de hacerla, cosa que le da un elemento de incertidumbre, de imprevisión, pero que lo hace más vivo, mucho más rico, por otra. Por otro lado, creo que mi experiencia en publicidad ha servido para que la película tenga una cierta personalidad a nivel de lenguaje visual, por ejemplo”. Lenguaje visual singular, que además se ve reforzado por las animaciones que salpican la película. “La animación y el grafismo siempre fueron una parte esencial del proyecto. En algunos casos, han permitido contar cosas que hubiese sido imposible reproducir en imagen real”. En cualquier proceso creativo, resulta difícil no mirar a un lado y otro para buscar apoyos donde descansar y coger aire, ideas, perspectivas… “Me gusta mucho ‘The Devil And Daniel Johnston’, un documental que tiene algunos puntos en común con nuestra historia, salvando todas las distancias, aunque probablemente la película tiene muchas más influencias, conscientes o subconscientes, de miles de cosas que me han impactado visualmente en algún momento”. En el terreno musical, también cuenta con una estupenda banda sonora encabezada por Pascal Comelade.

“Originalmente, la incorporación de Pascal fue cosa de Miguel, que le conocía un poco.

Inicialmente quería componer una banda sonora original, pero me pareció que sería mucho más complicado en términos de proceso y de compromiso para él, y optamos por pedirle que nos autorizase la utilización de algunos temas de distintos discos. No puedo expresar con palabras el privilegio que ha sido poder utilizar con tanta libertad tal cantidad de música, y tan adecuada para este proyecto. Aunque también me gustaría destacar la generosidad y la no menos valiosa aportación de otros músicos que también firman la banda sonora, como Antònia Font o Vetusta Morla”. Parece que los temas sociales son un terreno fértil para el nuevo cine documental, aunque Félix evita clichés y moralinas. “He dicho muchas veces que yo nunca me planteé hacer un documental sobre el autismo. Es el relato de cómo dos personas con tantos obstáculos y dificultades objetivas encuentran, a pesar de todo, una forma de comunicarse y de decirse lo mucho que se quieren”. ■ Luis Argeo

◗ Waldorf Histeria “Fantasmas” (111) Inevitable es no reirse con las letras de Waldorf Histeria y con este clip, en la que el pobre protagonista se ve ignorado en su búsqueda incesable de los fantasmas de su casa.

◗ Manos de Topo “Ciencias exactas” (1114) ¿Vouyerismo? No, se trata del nuevo clip de Manos de Topo, en el que un director de pelis porno de pelo grasiento se enamora de su voluptuosa actriz. En medio del más rancio de los escenarios, surge el amor.

◗ S Curro “Contigo no funcionan mis poderes” (111) S Curro llega para cantarle al desamor con la rabia y la impotencia del que siente que el otro es criptonita, una droga nueva a la que cuesta desengancharse. Un video oscuro e histriónico.

◗ Ok Go “This Too Shall Pass (Rude Goldberg Machine...)” (1111) Es el experimento que todos hemos realizado alguna vez de pequeños, aunque elevado al máximo exponencial: las piezas de dominó que caen unas sobre otras. Otra obra maestra a añadir a los vídeos de Ok Go. n

mondomedia

/60/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro

CONEXIONES

◗ Por segundo año Heineken llevará el camión Extra Cold por la geografía española durante el mes de julio.

Un camión con un ice bar en su interior, en el cual podrás tomarte una cerveza Heineken a -8º bajo cero en pleno verano en un lugar creado y ambientado para la ocasión. En Bilbao (del 24 al 27 de junio. Botika Vieja), Barcelona (del 30 de junio al 3 de julio. Playa Barceloneta) y Valencia (del 6 de julio al 9 de julio. Ciudad de las Artes y las Ciencias).

◗ Aaron Thomas, Anni B Sweet y Cabriolets han sido los artistas encargado de estrenar la programación de The Coronita Sundays, un ciclo de conciertos patrocinado por Coronita, la popular marca de cerveza mexicana. La actuación tuvo lugar en la Plaza de la Cebada de La Latina, y acompañando a Aaron Thomas estuvo una banda de auténtico lujo formada por Rebecca Lander, Abraham Boba, Jorge Fuentes (Nudozurdo) y Javier Díez (Dead Capo, Ainara LeGardon…). ◗ Yes.fm, el servicio de música en streaming pionero en España, ha convocado la segunda edición del Concurso de fotos de música en vivo. Para participar, sólo se tiene que subir a Yes.fm un máximo de cinco fotografías sacadas de cualquier actuación musical en vivo en los últimos doce meses: conciertos, eventos callejeros, festivales, backstage... Las imágenes se podrán enviar a partir del próximo 11 de junio hasta el 31 de agosto 2010. Un jurado será el encargado de determinar cuál de las veinte seleccionadas se lleva el primer premio: un iPad de 16GB. Asimismo cada uno de los finalista conseguirá una suscripción gratuita durante todo un año a Yes.fm iPremium. ◗ El pasado jueves 3 de junio, Eristoff fue la encargada de presentar las novedades de la tercera edición del Eristoff Internative Festival contando para ello con la presencia de The Pinker Tones. El dúo barcelonés compuesto por Mr. Furia y por el Profesor Manso presentó a su vez en exclusiva “Modular” en un concierto acústico en vivo y en directo retransmitido vía streaming en www.eristoffinternativefestival.com. ◗ Babylon Magazine, la única revista internacional gratuita sobre cultura española, voló a Londres de la mano de Anni B Sweet, para ofrecer el primer concierto de la cantante en el Reino Unido. La artista malagueña, participó en el festival A Taste of Spain, el evento cultural español más importante en Reino Unido en 2010.

Anni B Sweet

◗ Tras el éxito cosechado a su paso por Barcelona, la Ray-Ban Station pasó por Madrid, donde abrió sus puertas del 22 de mayo al 5 de junio en la Calle de la Reina, 11. El original vagón de metro de la firma permitió a los amantes de las últimas tendencias conocer de primera mano las propuestas más novedosas de la firma así como sus indiscutibles iconos. No es la única noticia a propósito de la popular marca de gafas, que ha aglutinado a algunos de los nombres más glamourosos del mundo de la música y del cine en su proyecto The Essentials. ◗ Doitter es una plataforma digital en torno a la industria musical que ofrece a cualquier artista o grupo establecido en España sin contrato discográfico todas las herramientas y servicios necesarios para la difusión y comercialización de sus canciones y/o álbumes en diversos formatos y a través de multitud de canales. Es también un portal de contenidos informativos multimedia relacionados con el sector, noticias relevantes y oportunidades, organizado a modo de blog. Supone igualmente una guía para empezar o profundizar en las labores de edición, management o publishing, así como también brinda una agenda de contactos profesionales.

◗ “Breaking Rocks” es el título de un álbum de descarga y de corte benéfico que surge como una iniciativa de la asociación Jail Guitar Doors, fundada por Billy Bragg en 2007 y destinada a dotar de instrumentos musicales a aquellos presos que buscan su reinserción en la sociedad a través de la música. Algunos músicos vinculados con Jail Guitar Doors son Wayne Kramer (MC5), Mick Jones (The Clash) o Chris Shiflett (Foo Fighters). ◗ El pasado 8 de junio Movistar presentó en la FlagShip de Telefónica una nueve serie de veintiocho capítulos producida por Hill Valley en colaboración con Arena Media, titulada “Las nuevas e inesperadas aventuras de Enjuto Mojamuto”, protagonizada, cómo no, por el popular personaje animado al que conocemos por “Muchachada Nui”.

gadas de las fiestas de San Juan en Menorca. Ésta es la historia que acompaña el videoclip de “Applejack”, la canción de los australianos The Triangles que Estrella Damm ha escogido para su última comunicación. ◗ Nokia ha participado activamente en Sónar, el Festival Internacional de Música Avanzada y Arte Multimedia, que tuvo lugar en Barcelona el pasado mes de junio. Con el fin de optimizar el tiempo en el festival, cualquier usuario de Nokia pudo descargarse una aplicación en el móvil para conocer antes que nadie todos los detalles del evento: una agenda con alertas para no perderse ningún concierto, Ovi Mapas con los puntos más interesantes, acceso a Redes Sociales para comentar las experiencias con la mayor facilidad, y posibilidad de conseguir toda la música de Sónar a través de Nokia Music Store. ◗ Desde este mes, Yamaha comercializa una nueva categoría de pianos, los pianos Yamaha2, pianos seleccionados, reacondicionados y garantizados directos de fábrica por esta empresa líder en instrumentos musicales. De este modo, Yamaha no sólo ofrece una alternativa económica más ajustada a los tiempos de crisis actuales, sino que pretende resaltar la importancia de ofrecer una garantía directa en la importación directa de pianos desde Japón. ◗ El Disseny Hub Barcelona (DHUB) presenta su última propuesta expositiva. Se trata de un conjunto de actividades: exposiciones, un laboratorio de fabricación 3D en tiempo real, talleres y conferencias que tendrán lugar en el propio DHUB Montcada (Montcada, 12) hasta finales de mayo del 2011, y que dará buena cuenta de lo que van a suponer, en no demasiado tiempo, los métodos para el diseño y la creación en tres dimensiones.

◗ Levi’s® Red Tab® inyecta novedad en su colección Otoño Invierno 2010 con una serie de prendas inspiradas en los ídolos que nacen en el entorno universitario cuyo estilo se caracteriza entre otras cosas por una prenda icónica que se reinventa temporada tras temporada: el chino. En su versión más casual para chico y tipo boyfriend con vuelta en el bajo para chica, el chino se convierte en una prenda que, al igual que sus dueños, nunca pasa de moda: Chino Story. ◗ Por segundo año consecutivo Universia lanza U>Rock, el concurso iberoamericano de bandas para universitarios. Este año contará con la participación de estudiantes de instituciones de educación superior de los veintitrés países que conforman la red de universidades más grandes de Iberoamérica.

Los participantes podrán registrarse y subir las canciones para participar en el concurso online a partir del 17 de junio y hasta el 30 de septiembre de 2010, a través de la web http://escucha.universia.es/concurso. ◗ Cuatro jóvenes que se conocen durante la verbena en un pueblecito de la costa mediterránea, Cadaqués, viajan en velero hasta las Islas Baleares, donde viven las tradicionales cabal-

◗ Ángel y Raúl han hecho su lista, pero existen tantas listas como personas.

Desde su blog, ellos animan a la gente para que les hagan partícipes de sus fantasías y sueños y así descubrir todo aquello que la gente siempre quiso hacer pero que la rutina ha relegado al olvido. Y las ganas de implicarse con la gente no acaban ahí: Ángel y Raúl van a intentar involucrar al máximo número de gente en sus aventuras y están dispuestos a que una de sus ingeniosas ideas salga de las sugerencias de sus seguidores.

La aventura ya ha empezado. Ángel y Raúl han iniciado su particular road movie a bordo de su Volkswagen Polo. http://www.25antesdelos25.com ◗ Pocos lanzamientos de coches causan tantas expectativas como el de un nuevo Mini. Por este motivo, la marca icónica celebró ayer un mini festival en una granja en el corazón urbano de Londres, donde la alfombra de césped verde se desplegó para los invitados que acudieron a la presentación en sociedad del nuevo Mini Countryman. La música corrió a cargo de James Yuill, Joe Goddard de Hot Chip, Michelle Branch y Timbaland. ◗ Rise Against irrumpió en la escena musical de Chicago, convirtiéndose en un fenómeno del hardcore actual. En su último trabajo, “Appeal To Reason”, Rise Against ofrece uno de sus mejores trabajos, y ahora Vans le rinde homenaje con unas zapatillas inspiradas en el arte del disco. ◗ Dos jóvenes directores amateurs, Matt Snyman y Tom Godfrey, han sido los encargados de crear la nueva campaña publicitaria de Pepsi que han titulado “One Euro, One Pepsi, Brother” y que cuenta como protagonistas con el futbolista Fernando Torres y el rapero sevillano Haze. ■

MONDOWEB

/62/ Julio-Agosto 2010 · MondoSonoro

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LOS BLOGS DE MONDOSONORO.COM

Héroes por un día

Mujer, Irascible y Astuta (Luis Menéndez) Si dispones de unas cuantas horas de tiempo libre y eres un verdadero amante del pop y sus mecanismos, bien puedes emplearlas en seguirle la pista a todo lo que está dando de sí el affair entre (Maya Arulpragasam) M.I.A. y The New York Times. Supongo que a estas alturas ya estarás al tanto de la historia, que básicamente se puede resumir de la siguiente manera: la cantante británica le concedió una entrevista al diario a propósito de su inminente nuevo álbum, pero cuando el texto se publicó comprobó para su sorpresa que se había convertido en una ácida crítica en la que básicamente se la calificaba de manipuladora e hipócrita por su supuesto posicionamiento político extremo, y más concretamente a favor de la guerrilla de Sri Lanka. A partir de ahí la madeja se ha ido liando hasta convertirse en un culebrón con múltiples protagonistas: la propia M.I.A., la periodista del The New York Times, Diplo, su productor y ex pareja que ha aprovechado para ponerla de vuelta y media (“total, sé que no me va a despedir, porque sigo siendo quien compone sus mejores canciones…”), la actual pareja de Maya –ni más ni menos que el hijo del presi de Warner Music, que por cierto no deja a Diplo pisar su casa…-, el padre de Maya que está desaparecido en Sri Lanka o no según quién cuente la historia, y hasta Lady Gaga que, como quien no quiere la cosa, ha pillado de refilón... La cosa ha dado para una nueva canción dedicada a la plumilla, clips de audio de la entrevista colgados por la artista -al final parece que lo que más le ha dolido ha sido la acusación de pedirse patatas con sabor a trufa, una versión refinada de lo

que hace todo hijo de vecino cuando elige una bolsa de Lays-, tweets de Diplo censurados y lo que se intuye que aún queda por llegar.

Todo un berenjenal que vuelve sobre uno de los aspectos más trillados del rock’n’roll: su relación con la rebeldía y su supuesta capacidad de crítica social, de remover conciencias.

En diversos momentos del perfil que The New York Times hace de la artista destaca que donde ella apunta actitud contestataria e invitación a la revolución, su público ve a una niña mona y cool, una Madonna tercermundista e igualmente sexual que invita al desparrame del sábado noche bombo mediante. M.I.A. es pop, mero producto de consumo para un Occidente necesitado de entertainers, como también lo fueron Elvis, Dylan, Lennon, Vicious, Strummer o Cobain. Cada uno manejó su discurso, revolucionario o nihilista, como buenamente pudo.

Unos sobrevivieron al circo. Otros, precisamente los más apegados a la cultura underground, aquellos cuya forma de vida rechazaba el compadreo con altos ejecutivos, políticos o líderes eclesiales, simplemente no pudieron soportarlo y se volaron la tapa de los sesos. Al final cabe preguntarse qué es más valioso, si la inteligencia mercantilista con la que unos dirigen sus carreras -también conocida como hipocresía- o la patética sinceridad que ha terminado por convertir a los otros en juguetes rotos.

Uno entre un millón

Les enfants terribles (Joan S. Luna) Quienes me conocen saben lo poco que respeto profesionalmente a los enfants terribles de la prensa, sea esta musical, cultural o política. No se me ocurre peor descrédito para el periodismo que individuos que hacen

de sus textos una batalla por alzarse con el protagonismo a base de chabacanería. Les suelo respetar más bien poco porque lo que su, por lo general, infundado criterio les impide conseguir, lo buscan en una suerte de “caca, culo, pedo, pis” cada día menos gracioso, en un “nadie tiene huevos de decir lo que yo digo” que aburre. Si actúan así solamente puede ser por una de dos: por desconocimiento o porque su concepto de la ironía anda algo aturdido. Se me ocurren varios ejemplos (¿alguien le echó un vistazo a los textos sobre cómics de Vicente Molina Foix o de Julián Ruiz sobre Animal Collective?), pero ninguno relacionado con la música tan gratuito como el de Quico Alsedo (El Mundo digital). Alsedo escribe, lo hace a su manera y con sus reglas, pero también lo hacen millares de bloggers a los que se presta la justa atención que sus textos merecen o dejan de merecer. Para su suerte, Alsedo juega en el Santiago Bernabeu o el Camp Nou con las maneras de un partido de patio de colegio. Y sabe mal. Francamente mal. A Alsedo se le da bien emitir juicios de valor epatantes, incómodos. No es nada nuevo. Coto Matamoros lo hacía años atrás en televisión, pero con una diferencia muy sustancial: las palabras del desfasadísimo genio televisivo eran irreventes en muchos casos, lúcidas en otros, pero siempre fundadas en la experiencia de la escuela de la vida. Combinaba fondo y forma. Alsedo se queda solamente con la forma y se olvida de que sus opiniones tienen un fondo de lo más endeble. Resulta curioso que eche en cara a Los Planetas el firmar “el mismo chiste veinte veces”, sobre todo cuando eso es precisamente lo que caracteriza a su blog “Sexo, drogas y rock & blog”: la misma broma descarada un día tras otro. Y lo más curioso es que, sobre los andaluces, podríamos pensar muchas cosas en común. A un servidor Los Planetas llevan una larga temporada sin decirle nada, pero no consideraré nunca que quienes aún les idola-

EL 79% DE LOS LECTORES DE MONDOSONORO YA SOSPECHABAN QUE ESTE ES EL TIPO DE GENTE QUE TRABAJA EN NUESTRA REDACCIÓN

tran tengan el coco comido por las revistas de tendencias. Por no hablar de comentarios tan desafortunados como “anorexia del panorama”. Obviamente, si algo puede leerse entre líneas es que Alsedo anda más bien perdido.

Y si siguen su blog (sé que lo harán, con lo cual el objetivo de Alsedo se cumplirá) podrán descubrir que el listón suele andar por ahí.

Referirse a un tipo como Damon Albarn de forma crítica como “carapán” o “niño pijo” lo dice todo. Comentarios poco justos, pero, eso sí, muy eficaces para liarla. Sepan que tampoco me gustan Gorillaz, solo que por haber firmado un puñado de verdaderos clásicos del pop rock reciente o por ser el responsable de un sello discográfico como Honest Jon’s, el británico merece mayor respeto, se le critique más o menos duramente. En todo caso, cada nueva entrada en el blog es una perla, hable de Lady Gaga o de quién sea. Pero he esperado a su post sobre el festival Primavera Sound (“Julio Iglesias al próximo Primavera Sound”) para decidirme a escribir sobre él. Aunque el error no es suyo, el error es de aquellos que le han instado a escribir sobre un evento al que no ha acudido y del que, además, poco parece saber. Así que volvamos al principio: todo debe ser fruto de la ignorancia o de una desmedida necesidad de provocar. ■

CONCURSOS WEB

5“God Of War III” juegos

de Playstation 3

2 abonos

5

ejemplares de

para el festival Vigo Transforma

“El Incongruente”

(para los días 9 y 10 de julio, con Jeff Tweedy, The XX, Love Of Lesbian, Orbital, Devendra Banhart...)

entrevistas sOlo en...

de Ramón Gómez de la Serna (Blackie Books)

SOULSAVERS LINDA GUILALA jesse malin

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¡¡¡SUERTE!!!