MONDO SONORO MAYO 2009 by MONDO SONORO

AY D N E E R G

MENDETZ

ASÍ SE BAILA EL SIGLO XX YEAH YEAH YEAHS

MANERAS DE SER PUNK

A D N U SEG JUVENTUD

Y ADEMÁS ESTE MES... BIGOTT • BOAT BEAM • LIDIA DAMUNT • BLASTED MECHANISM • ANTI • BLACK LIPS • PHOENIX • LAMB OF GOD • PÁJARO SUNRISE • JESULY JOAN MIQUEL OLIVER • JOE K-PLAN • hamlet • BRUNETTO • Q-BERT • DAMIEN JURADO • TITUS ANDRONICUS • ESTIRPE • UNDERWATER TEA PARTY

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OASIS

JUEVES 16

FANGORIA GANG OF FOUR GLASVEGAS MYSTERY JETS THE WALKMEN ALDO LINARES ANNI B SWEET LA BIEN QUERIDA THE BISHOPS THE CORONAS JUSTUS KÖHNCKE NAIVE NEW BEATERS NO REPLY OBLIQUE WE ARE STANDARD

KINGS OF LEON

VIERNES 17

CHRISTINA ROSENVINGE COOPER THE HORRORS MAGAZINE MAXÏMO PARK NACHO VEGAS PAUL WELLER YUKSEK BOYS NOIZE FIGHT LIKE APES JOE CREPÚSCULO NUDOZURDO

FRANZ FERDINAND

SÁBADO 18

2 MANY DJ’S ELBOW FOALS JOSELE SANTIAGO LAURENT GARNIER LILY ALLEN PEACHES RUSSIAN RED TELEVISION PERSONALITIES AEROPLANE BELL X1 GUI BORATTO THE MIGHTY STEF RATOLINES STEVE AOKI TADEO THE UNFINISHED SYMPATHY

THE KILLERS

DOMINGO 19

FRIENDLY FIRES GIANT SAND HELL LATE OF THE PIER THE PSYCHEDELIC FURS TV ON THE RADIO WHITE LIES CATPEOPLE DAVID KITT KLAUS & KINSKI LYKKE LI Y MUCHOS MÁS...

JAVI PREFIERO LA FILA* DE ATRÁS

NANO

TANIA

HE CONOCIDO AL BAJISTA DE MI GRUPO PREFERIDO EN EL PUESTO VEGETARIANO*

AYER VI EL MEJOR CONCIERTO* DE MI EXISTENCIA

FIBERFIB.COM

CORTOS-ARTE-MODA-TEATRO-DANZA-CURSOS ORGANIZA

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MondoSonoro · Mayo 2009 /5/

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MENDETZ Así se baila el Siglo XX

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres ◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) David Morell (david@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación David Morgado (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 ◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479 ◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 ◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Publicidad Gemma Pinilla Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551 ◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379 ◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Luis Fernández M. Tlf./Fax 915 400 055 Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

NOTICIAS

entrevistas

vinilos

6. Blasted Mechanism Misticismo en las Azores 7. Anti el retorno de un clásico del indie nacional

27. Yeah Yeah Yeahs Maneras de ser punk 28. Mendetz Así se baila el siglo XX 30. Green Day Yo no soy idiota

43. Phoenix Disco del mes

mondofreako 11. Bigott 12. Boat Beam 13. Joan Miquel Oliver 14. Lidia Damunt 16. Black Lips 18. Lamb Of God 21. Titus Andronicus 23. Hamlet 24. Brunetto

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Jordi Nopca porque hace performances extrañas”

Edita Sister Sonic, S.L. Aptdo. 21.022, 08080 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

Conciertos 35-38. Plaça Odyssea, AC-DC, Franz Ferdinand...

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57. Cine “Chaser” 58-59. Mondo Recomienda 61. Conexiones

escaparate

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mondomedia

The Lions Constellation

“Flashing Light”

/6/ Mayo 2009 · MondoSonoro

TAN cerca... ◗ La UFI (Unión Fonográfica Independiente) ya ha puesto en marcha los primeros Premios de la Música Independiente. Ya está abierta la convocatoria para participar en los premios al dar a conocer las categorías, las normas para ser candidatos a ellas y demás información. Consulta todo esto en www.ufimusica.com.

Blasted Mechanism Foto Hugo Lima

NOTICIAS

◗ BON VIVANT recopila en “Generación Bird. Vol 1”, algunos de los artistas más destacados del folk indie nacional. En él vamos a encontrar las canciones de Delmar, Alondra Bentley, Martin Page & The Polaroids, Emma Get Wild, Jean Paul, Denle, Ashworth, Eric Bonafonte, Boat Beam... ◗ De la mano de Lengua Armada, sello dirigido por Nano (ex guitarrista del grupo), ha visto la luz “Rarezas”, una nueva referencia –la que hace diez- de HABEAS CORPUS que incluirá versiones, cortes inéditos, grabaciones de ensayos y remezclas firmadas por el ex miembro del grupo madrileño.

Sidonie Foto Archivo

SuperNanas, proyecto benéfico indie

◗ Ya te puedes descargar gratis el nuevo single de NIÑOS MUTANTES. Un sencillo que presenta tres canciones: “No puedo más contigo”, corte extraído de “Todo es el momento”, y “Mundos por descubrir” y “El Predicador”, dos composiciones inéditas. Para descargarte el single entra en www.nmutantes.com.

◗ Luís Miguélez y Fabio McNamara presentan trece nuevas composiciones que combinan de nuevo electrónica, glam rock, surrealismo y mucho desparpajo. El trabajo aparece bajo el nombre de FABIO & GLITTER KLINIK (proyecto que reúne a Miguélez con Juan Tormento y Grace Ryan). El disco se titula “Bye Bye Supersonic” y está publicado por Algoenblanco Records. ■

TAN lejos... ◗ Dos de las formaciones más importantes surgidas de la escena del rock alternativo estadounidense de los noventa suman esfuerzos en la gira NIN/JA 2009. NINE INCH NAILS y JANE’S ADDICTION actuarán juntos en diversas ciudades de toda América durante los próximos meses de mayo y junio en la que podría ser la despedida de la formación de Trent Reznor. ◗ Por fin llega a España “Communion”, el nuevo trabajo de los suecos THE SOUNDTRACK OF OUR LIVES, que recoge ni más ni menos que veinticuatro canciones repartidas en dos discos. En nuestro país el disco está distribuido por Locomotive. ◗ PHIL SPECTOR, legendario productor creador del “Muro de sonido”, conocido también por sus trabajos con The Beatles, Leonard Cohen o Ramones, entre otros, ha sido declarado culpable del asesinato de la actriz Lana Clarkson (un crimen cometido en 2003). Spector, de sesenta y nueve años de edad, se enfrenta a una condena de dieciocho años de cárcel. ◗ RANCID ya tienen listo su nuevo disco, el primero tras seis años de silencio. Su nuevo trabajo se titula “Let The Dominoes Fall” y llegará a las tiendas el 2 de junio. En breve estrenará single, “Last One To Die”, en www.myspace. com/rancid.

Blasted Mechanism, desembarco en España Auténtico fenómeno en Portugal, su país de origen, Blasted Mechanism se han propuesto que se les descubra en nuestro país. Nos fuimos hasta las Azores para entrevistarles y escuchar su nuevo trabajo, “Mind At Large”. De momento, el próximo 20 de junio estarán actuando en el Fax Festival de Orense.

esde hace prácticamente una década, Blasted Mechanism es el grupo alternativo más grande de Portugal junto a, por ejemplo, Buraka Som Sistema o The Gift. Aunque no se trata de una banda corriente, sino que su propuesta es una combinación de rock, electrónica, música étnica y una estética sorprendente que cambia disco tras disco y que forma parte fundamental de su universo visual. “Mind At Large” suena como su inmediato predecesor, “Sound In Light” (en el que, entre otros, colaboraba nuestro Dani Macaco), es decir a medio camino entre Asian Dub Foundation y Senser, pero con percusiones tribales, didgeridoos o instrumentos creados por ellos mismos. Tengo la oportunidad de hablar con el grupo junto a un lago, en pleno centro de un volcán en Sao Miguel, en las Azores. Hasta allí se desplazarán más de cuatro mil fans llegados desde Portugal y las restantes islas. “Este disco supone nuestra conexión con Gaia, con la tierra, con el movimiento, con seguir adelante, la evolución, el universo. No nos estamos portando bien con la naturaleza y debemos actuar ya mismo, aquí y ahora”, me comenta Valdjiu, uno de sus guitarristas y cerebro espiritual de la formación. Para Blasted Mechanism, el mensaje positivo es fundamental. Debemos conocernos a

nosotros mismos para mejorar como personas. Ese es otro de los grandes ejes de “Mind At Large”. “Trata sobre un viaje interior, sobre las puertas de la percepción. A veces, hay una burbuja en tu mente y crees que ya no hay nada más allá, pero puedes reventar esa burbuja y verás que hay mucho más por descubrir. A veces lo importante no son las respuestas, sino que debes hacerte las preguntas correctas para generar el pensamiento que te ayude a encontrarlas”. Aprovechando que cuentan con un nuevo trabajo, los portugueses se han propuesto abrirse camino en España y descubrirnos que, en su país, también hay bandas sólidas. “El pueblo portugués ha sido muy inquieto a lo largo de la historia. Hemos tomado nuestros barcos y salido a conocer otros mundos. Los españoles también han tenido esa mentalidad, asÌ que tenemos mucho en común. Ya sabes, los lusitanos, el pueblo de la luz”. Su nueva visita a España el 20 de junio, dentro del Fax Festival de Orense, supondrá el nuevo desembarco de un grupo portugués en nuestro país, después de casos aislados como los de The Gift, David Fonseca o Silence 4. ■ Joan S. Luna

◗ ELVIS COSTELLO editará el próximo 2 de junio “Secret, Profane & Sugarcane”, un disco muy especial en el que el británico vuelve a los sonidos acústicos y a la música de raíces norteamericana. El álbum ha sido grabado en Nashville con la ayuda de T Bone Burnett, y también cuenta con la colaboración de Emmylou Harris. n

Impulsada por TheLoveComes Foundation, nace la iniciativa benéfica SuperNanas. Su intención es obtener fondos para apoyar a Aldeas Infantiles SOS. Para conseguirlo, se ha contactado con diversos artistas españoles procedentes fundamentalmente de la escena independiente que aportarán una nana dentro de su estilo. Entre esas canciones de cuna daremos con temas compuestos para el proyecto, adaptaciones o piezas tradicionales firmadas por Standstill, Love Of Lesbian, Vetusta Morla, Sidonie, Miqui Puig, Delafé y las Flores Azules, Nena Daconte, Amaral, Giulia y los Tellarini, Zahara y María Villalón. A partir del día 22 de mayo podrás descargar las canciones en www.supernanas.org a un precio de un euro por tema, dinero que irá destinado a Aldeas Infantiles SOS. ■

Más información en: www.mondosonoro.com

Grandmaster Flash Foto Archivo

Grandmaster Flash, retorno después de veinte años Tras dos décadas dedicadas a pinchar por todos los confines del planeta Grandmaster Flash vuelve a ponerse tras los controles para firmar “The Bridge” (Strut/Popstock, 09), su homenaje a una cultura que el contribuyó a formar y cuyo impacto global ya no discute nadie. Joseph Saddler (Barbados, 1958) fue una de las figuras más influyentes en los primeros años del hip hop por sus innovadoras técnicas como DJ y su aportación definitiva con The Furious Flash para que el rap evolucionara narrativa y estilísticamente. Historia viva que vuelve a publicar después de veinte años sin producir, básicamente dedicado a recorrer el mundo como pinchadiscos. “He tenido la oportunidad de viajar por todo el mundo y de comprobar como esta cultura se ha convertido en algo global y se ha adaptado a cada rincón del mundo. Por eso quería tener en este disco a raperos de todo el mundo, gente joven junto a veteranos como KRS One o Grandmaster Caz”. Ahí anda Kase-O, de Violadores del Verso, que participa en la coral “We Speak Hip Hop”, que encierra a su vez buena parte del leit motiv del álbum. “Estuve escuchando muchas demos y buscando por Myspace”, explica al respecto. “Alguien me pasó un CD por casualidad y enseguida supe que era él a quien quería en el disco”. ■ Joan Cabot

Anti Foto Archivo

MondoSonoro · Mayo 2009 /7/

NOTICIAS

festivales

1990’s Foto Archivo

◗ Absolut Faraday Como cada año, el Molí de Mar de Vilanova i la Geltrú verá pasar por el escenario del Faraday una larga lista de interesantes nombres independientes. Durante el 3 y el 4 de julio, el evento contará con grupos internacionales como The Divine Comedy, The Lucksmiths, 1990’s, Ipso Facto o The Leisure Society e imprescindibles artistas nacionales como Manel, The New Raemon, Joe Crepúsculo, Dorian, Half Foot Outside, Extraperlo, Le Pianc, Charades, Margarita, Biscuit o The Lions Constellation. Más detalles en www.faraday.tv.

El retorno de anti “Antiaventura” (Federación de Universos Pop, 09) supone el feliz regreso de un Tito Pintado que siempre se ha esforzado por dejar claro que iba por libre, tanto en su etapa como vocalista de Penélope Trip y Telefilme, como cuando publicó el primer y hasta la fecha único trabajo de Anti (Elefant, 98) para luego desaparecer durante casi una década de la faz de la tierra. Hasta hoy...

más concretamente hasta hace algo más de un año, que fue cuando empezó a colaborar con Single y por vez primera vieron la luz a través de su Myspace las maquetas de las nuevas canciones de Anti. “Durante todos estos años he seguido haciendo música, pero de forma intermitente y sin planes de hacer un disco. En su mayor parte eran bocetos, canciones inacabadas, pero que me han servido para aprender cosas y depurar un poco el estilo. Ha sido una evolución de puertas para adentro. Sin ella no podría haber hecho este disco. Por ejemplo, el cambio del inglés al castellano fue bastante lento. Entre este y el anterior hay un montón de intentos fallidos de hacer

letras en castellano que, afortunadamente, me los guardo para mí. Pero gracias a esos intentos he podido escribir estas nuevas canciones, de las que estoy muy orgulloso”. Es para estarlo. “Antiaventura” es una colección de doce canciones cocidas a fuego lento en la soledad de su habitación y ensambladas en los estudios Headroom -los mismos donde se ha grabado lo último de Single y Corazón-. Extraño compendio de tecno-pop misterioso y mutante, a veces con pulsión reggae, que en otras remite a la cold-wave, y que en conjunto construye un sólido y adictivo universo personal ajeno a los vaivenes de las modas. “Lo único que tenía claro es que quería que fuese un disco con muy pocas cosas, un poco vacío. Un poco descuidado,

como inacabado, como un boceto, huyendo un poco del típico disco de electrónica en el que todo está inmaculado, muy en su sitio... Y soy consciente de que, después de estar diez años sin publicar nada, tengo que empezar otra vez desde cero pero no me importa, siempre será más emocionante que llevar una ‘carrera’ musical ordenada y estable, que no me interesa nada”. Le insinúo si se siente partícipe de la primera “generación perdida” del pop español, la de aquellos que como él, Ibón Errazkin, Teresa Iturrioz o David Beef se acercan a los cuarenta haciendo música sin plegarse a la tiranía del mercado. “No me interesan las generaciones. Me interesan las individualidades, las excepciones, como Kiki D’Aki, Single, Hidrogenesse o Mano de Santo. Si mi generación está perdida, me alegro; ojalá se los tragase la tierra a todos, en especial a los indies de manual. No soporto el indie rancio de chándal y pelo de tazón. Es el peor género musical del mundo, entre otras cosas porque debería ser una actitud y no un género. Es música para anuncios de coches. ¡A la hoguera con ellos!”. ■ Luis J. Menéndez

Gertrudis edita “500”, la grabación de su concierto quinientos

Mike Farris, directo por partida doble Los fans del rock americano con raíces en el gospel más apasionado están de enhorabuena. Mike Farris, una de sus voces más destacadas, nos visita de nuevo. El ex-Screamin’ Cheetah Wheelies actuará en el festival Azkena el 16 de mayo, nada menos que con una banda de once componentes, y cambiará de registro para presentarse en solitario en Madrid y Barcelona los días 19 y 20 del mismo mes. Así de motivado por su retorno se muestra el estadounidense. “Siento un gran amor por España y su gente desde mi primera visita. Estoy muuuy excitado por volver. Venir con la banda al completo es genial”. Su visita, además, coincide con la aparición de su nuevo disco en directo “Shout Live”. “En ‘Salvation In Lights’ junté unas canciones en el estudio sin trabajarlas con la banda. Después de un año girando, esas canciones evolucionaron naturalmente con The Roseland Rhythm Revue, mi banda. Me fascinan las diferencias de las versiones en vivo hasta el punto que decidí documentarlo totalmente en directo, sin overdubs y con equipo vintage”. ¿Capta el disco la enorme intensidad de sus conciertos? “Nada puede reproducir una experiencia en vivo, pero ‘Shout! Live’ está muy cerca”. n Xavier Llop

El pasado 21 de noviembre celebraron esa representativa cifra con la grabación de este DVD + CD en directo desde la sala Razzmatazz 2 de Barcelona. Se trata del cuarto disco de esta banda rumbera procedente de La Garriga y que alcanza en los directos su máxima expresión. Muchos de sus amigos estuvieron con ellos en esa actuación que dejó numeroso público fuera. Lichis (La Cabra Mecánica), Gerard Quintana, Iñaki Betagarri, Xavi Sarrià (Obrint Pas), Los Manolos, Peret Reyes (Papawa), Sicus (Sabor de Gràcia), Pablo (Lagarto Amarillo) o Ai Ai Ai dejaron su firma cómplice en las canciones del grupo. Pero las noticias sobre Gertrudis no paran ahí. A principios de abril presentaron este disco en un concierto exclusivo de Myspace en la sala KGB de Barcelona, sumándose así a la lista de artistas como Smashing Pumpkins, Los Planetas o Fangoria que lo han hecho. Ahora emprenderán una larga gira de presentación en la que tocarán ya sus nuevos temas. Miguel Amorós

Klaxons Foto Archivo

◗ Sziget Festival Desde el 11 al 17 de agosto, la isla de Óbuda en Budapest volverá a acoger al masivo Sziget Festival (el año pasado tuvo más de cuatrocientos mil asistentes), del que formarán parte una larga lista de artistas. Para empezar, destacaremos la presencia española con Muchachito Bombo Infierno, 08001, Che Sudaka y Ska-P. Aunque esos son unos pocos nombres de una avalancha que se amplía con The Prodigy, Klaxons, The Offspring, Fatboy Slim, Placebo, The Ting Tings, Bloc Party, Calexico, Digitalism, Coldcut, Snow Patrol, o Blasted Mechanism. www.szigetfestival.com.

Ellos Foto Archivo

◗ PlastidePOP El retraso a la hora de reabrir la zaragozana sala Oasis ha llevado al festival aragonés Plastidepop a cambiar su fecha a los días 15 y 16 de mayo. Entre las propuestas para esta nueva edición encontramos a los madrileños Ellos y Los Punsetes, a Francisco Nixon, Klaus & Kinski, The Movidas, Niños Mutantes y los Dj’s DonGonzalo y Batidora. Se puede ampliar información en la red a través de www.myspace.com/festivalplastidepop

Soulfly Foto Archivo

Gertrudis Foto Archivo

◗ Piorno Rock En Granada también suena metal, y más sonará el próximo 6 de junio en Pinos Puente, donde se llevará a cabo el Piorno Rock, una cita ideal para aficionados a los sonidos más duros. Allí estarán Soulfly, Brujeria, The Haunted, Caliban, Entombed, Dagoba, Hora Zulú, Demiurgo, xKrude y Hormigón. El precio de las entradas será de 30 € anticipada y 35 en taquilla. www.myspace.com/piornorock. ■

festivales 2009 ❱〉 El Azkena Rock Festival

❱〉 FIB Heineken, últimos

cierra definitivamente su cartel

movimientos

Con las confirmaciones de Alice Cooper hace unas semanas y de los japoneses Electric Eel Shock, el Azkena Rock completa su parrilla para la edición de este año, que se llevará a cabo en Mendizabala, Vitoria-Gasteiz, durante los días 14, 15 y 16 de mayo. Algunos artistas aprovecharán el festival para presentar novedades, como la actriz y rockera Juliette Lewis o los estadounidenses The Black Crowes, que aprovechan para relanzar en doble compacto su último disco, “Warpaint”. Más información en: www.azkenarockfestival.com ■

The Black Crowes Foto Archivo

Common Foto Archivo

❱〉 Más nombres para el

Cultura Urbana 09 A dos semanas prácticamente de su celebración, siguen confirmándose nuevos nombres para el Cultura Urbana, festival dedicado a todo lo que rodea al hip hop que se celebra este año en Madrid el 16 de mayo en el Telefónica Madrid Arena. De los nuevos nombres anunciados destacan Common (que será el cabeza de cartel), Dj Craze (uno de los mejores Dj turntablistas del mundo) y Xzibit, entre otros. En este mismo número encontrarás una entrevista con Q-Bert, otro maestro de los platos. Más información en www.culturaurbana.es. ■

❱〉 Pirineos Sur llega a la

Escenario Lanuza Foto Archivo

La Bien Querida Foto Archivo

Dream Theater Foto Archivo

❱〉 Kobetasonik Por si no había suficiente con el aluvión de nombres importantes que estarán presentes en la segunda edición del Kobetasonik, a celebrar en Kobetamendi (Bilbao) durante los próximos 19 y 20 de junio, ahora se nos brinda la oportunidad de descubrir cómo se las gasta en directo Hot Leg, el nuevo grupo de Justin Hawkins junto a Marilyn Manson, Mötley Crüe, In Flames, Dream Theater, Anthrax, Papa Roach, Journey, Machine Head, Trivium, Suicidal Tendencies o Dragonforce. www.kobetasonik.com ■

❱〉 Sónar, a pleno rendimiento

mayoría de edad El jueves día 9 de julio se inaugura este Festival Internacional de las Culturas y justo ese día cumplen la friolera de dieciocho años. En esta ocasión estará dedicado al Atlántico Negro y serán también dieciocho las noches temáticas que desarrollarán. 17 Hippies y Shantel abrirán el festival en ese Auditorio Natural de Lanuza encima del agua que sí merece el apelativo de marco incomparable. Ojos de Brujo y Lizana lo cerrarán el sábado 25. Entremedio desde Maceo Parker a Marianne Faithfull pasando por Willie Colón, Actitud María Marta, Mariza, Eumir Deodato u Omara Portuondo. Cuarenta conciertos junto a talleres, actividades infantiles, pasacalles y mercadillo del mundo. Si vas una vez, seguro que vuelves. ■

El FIB Heineken 09 (del 16 al 19 de julio) ha agotado ya todas las entradas que dan derecho a disfrutar de la zona de acampada. Eso sí, quedan tickets para asistir al festival: abonos de cuatro días sin derecho a acampada, y entradas para días sueltos. Por otro lado, algunos de los últimos nombres a sumarse al evento de la Costa del Azahar son 2 Many DJ’s, La Bien Querida, Cooper, Christina Rosenvinge, Fangoria, Foals, Giant Sand, Television Personalities o The Unfinished Sympathy. Entradas en tickets.fiberfib.com; Info: www.fiberfib.com. ■

The Horrors Foto Archivo

❱〉 El Estrella Damm Primavera

Sound suma más nombres Por si no había suficientes grupos en el cartel del Estrella Damm Primavera Sound, sus organizadores han anunciado más novedades. Auténticos fans de la música, no pueden resistirse a incluir en el evento a todos aquellos artistas que les gustan. Así que, desde el lunes 25 de mayo hasta el domingo 30, podremos ver en los diversos escenarios del Fòrum, en Sidecar, Apolo y en diversas estaciones de metro, a The Horrors, The Disciplines (con Ken Stringfellow), Elvira, Sedaiós, Oniric, Ezra Furman & The Harpoons, Joan Colomo, The Disciplines, King Automatic, QA’A, Mujeres, Hola A Todo El Mundo, Sleepy Sun, o Alondra Bentley. En todo caso, visita www.primaverasound.com. ■

Como cada año, el Sónar –subtitulado Festival Internacional de Música Avanzada y Arte Multimedia de Barcelona- volverá a ocupar diversos espacios de la Ciudad Condal (CCCB, MACBA, Fira Gran Vía 2) durante los días 18, 19 y 20 de junio con infinidad de propuestas con la electrónica como eje principal. Entre los artistas más destacados estarán Orbital, Animal Collective, Carl Craig, Graces Jones, Jeff Mills, Alva Noto o James Murphy & Pat Mahoney de DFA. De todos modos, no faltarán los nombres nuevos o experimentales con propuestas más que atractivas: Crystal Castles, Late Of The Pier, Buraka Som Sistema, Fever Ray, Ebony Bones, Micachu, Dan Le Sac Vs Scroobius Pip, Konono Nº 1 y decenas más. Más información en www.sonar.es ■

Orbital Foto Archivo

Machine Head Foto Archivo xxxxxxxxxx Foto Archivo

❱〉 Sonisphere

completa el cartel Hablábamos el pasado mes del Sonisphere como algo bastante más completo que el paso de la nueva gira de Metallica por nuestro país, sobre todo para los aficionados al metal estadounidense. Y es que los de Lars Ulrich no estarán solos en Barcelona (te recordamos que el festival se celebrará el 11 de julio en el Parc del Fòrum), sino que les acompañarán grandes nombres de su país como Slipknot, Machine Head, Down, Mastodon y Lamb Of God. A todos ellos se suman ahora los franceses Gojira y los españoles Soziedad Alkohólika y The Eyes. Las entradas continúan a la venta por un precio de 70 euros más gastos. www.sonispherefestivals.com. ■

❱〉 Jane’s Addiction en el

❱〉 Sonorama Ribera

Bilbao BBK Live Si tu intención es pasarte por el Sonorama Ribera que se celebrará en Aranda de Duero (Burgos) durante los días 13, 14 y 15 de agosto, la organización ha puesto a la venta los mil primeros bonos a 50€ hasta el 31 de mayo. Por si dudas, allí actuarán Amy Macdonald, Vetusta Morla, Loquillo, Ojo con la Mala, Nacho Vegas, Kiko Veneno (recuperando “Échate un cantecito”), Josh Rouse, La Habitación Roja, Christina Rosenvinge, Dorian (presentando su nuevo trabajo), Sr. Chinarro, Catpeople, We Are Standard, Lagartija Nick, Manos de Topo o The Unfinished Sympathy. Más información en www.sonoramaaranda.com. ■

Amy MacDonald Foto Archivo

Buraka Som Sistema Foto Archivo

❱〉 Más novedades en el

Territorios Sevilla Si el mes pasado anunciábamos en estas páginas que el Territorios Sevilla contaba con nuevas incorporaciones a su parrilla de actuaciones, en esta ocasión apuntaremos que el legendario grupo de country alternativo The Jayhawks actuará en Sevilla el viernes 29 de mayo, noche en la que coincidirán en el cartel con sus amigos Wilco. Con todo ello, durante los días 28, 29 y 30, la población andaluza verá desfilar a grandes nombres internacionales y estatales, desde Emir Kusturica a Buraka Som Sistema, pasando por Akron/Family, Lori Meyers, Ojos de Brujo, Diplo, Alpha Blondy, Toteking, The Right Ons o The Go! Team. Todos los datos en www. territoriossevilla.com ■

El festival Bilbao BBK Live anunció ya hace un tiempo la presencia de Depeche Mode, The Ting Tings, Placebo o Primal Scream, nombres todos ellos capaces de atraer a un público muy variopinto. Bien, pues este evento que se celebrará los días 9, 10 y 11 de julio en Kobetamendi aumenta la lista con artistas igualmente populares. Además de un nuevo retorno de la leyenda del rock alternativo de los noventa Jane’s Addiction, se ha confirmado la participación de Kaiser Chiefs, Editors y Chris Cornell. Entre los artistas menos populares estarán también Motor y el grupo de indie rock vasco Ama Say, que vuelve tras más de diez años de silencio. www.bilbaobbklive.com ■

Jane’s Addiction Foto Archivo

Pj Harvey Foto Archivo

❱〉 El Estrella Levante SOS 4.8

a la vuelta de la esquina Con una vocación ecologista (el festival es cien por cien sostenible y buena parte de sus acciones apuntan a la concienciación de su público), el Estrella Levante SOS 4.8 (viernes 1 y sábado 2 de mayo) se dispone a celebrar su edición más importante hasta la fecha, con un cartel impresionante. MondoSonoro se une a la fiesta con un auditorio en el que descargarán sus canciones Pj Harvey & John Parish y The Matthew Herbert Big Band. Dos nombres de relumbrón que viene a completar un cartel en el que también destacan The Prodigy, Keane, The Wombats, Maxïmo Park, 2Many DJ’s, Catpeople, Babyshambles, Underworld, El Guincho, Russian Red o Spiritualized, entre otros. www.sos48.com ■

MondoSonoro · Mayo 2009 /11/

MONDOFREAKO

Bigott Foto Clara Carnicer

Bigott

Fin de la primera parte Hace unos años, el misterioso nombre de Bigott comenzaba a sonar con fuerza en Zaragoza. Un habitual organizador de conciertos de la ciudad me comentaba que la mordacidad de Borja Laudo -principal artífice tras este proyecto de atípico folk- no permitía diferenciar si se estaba riendo contigo o de ti. Con motivo de la publicación del excepcional “Fin”, llega el momento de aclararlo.

pesar de que ambos residimos en la ciudad del Ebro, la entrevista se realiza vía mail, ya que la promoción no es muy del agrado de este peculiar artista. “Yo hago música y hacer entrevistas o promoción no es lo mío, aunque soy consciente (qué raro) de que es necesario para que el disco tenga más salida. Estoy haciendo un curso acelerado de cómo dejar de ser tan idiota y poder así contestar como un ser humano a preguntas que no tienen nada de raro, aunque a mí me lo parezca. Como ves, aún estoy en el primer nivel”. Bigott debutó con “That Sentimental Sandwich” (King Of Patio, 05), un álbum sorprendente que inauguraba el casillero de referencias del sello, y que sin apenas publicidad se coló en las listas nacionales con lo mejor del año. La continuación llegó con “What A Lovely Day Today” (Autoeditado, 07), una obra ambiciosa y extensa que, aun perdiendo parte del factor sorpresa, superaba a su predecesor. A pesar de nuevas alabanzas por parte de los medios, el disco no encontró sello que pudiese o quisiese financiarlo. “Fue una grabación muy cara y nadie apostó por ella. Como hicimos con los anteriores,

mandamos ‘Fin’ a todas las discográficas que pudimos, pero pocas nos hicieron caso y sólo con Grabaciones en el Mar llegamos a un acuerdo que nos gustara”. El recién publicado “Fin” marca el final de una trilogía poco o nada planificada como tal, pero que en cualquier caso significa el momento cumbre de una carrera incorruptible. Un trabajo de sólo treinta minutos (“Es que cada vez me gusta más la piscina de Paco Loco y menos el estudio ese sin luz”) que respetando la total identidad del autor -intensidad, ironía y simplicidad-, resultará el más accesible para el público. “No sé, a mí no me resultan difíciles ni fáciles de oír. Si me preguntas por la reacción de la gente, es cierto que ‘Fin’ entra mejor que ‘What A Lovely Day Today’”. El elepé ha sido grabado en los estudios de Paco Loco y además del productor, su mujer Muni Camón (ex-vocalista de Maddening Flames) y Andrés Perruca (ex-batería de El Niño Gusano) completaron el equipo titular de Bigott, encargándose de coros e instrumentos varios. Mención aparte merece Clara Carnicer. Pareja, músico, alma gemela, corista, fotógrafa, musa y ya inseparable colaboradora de Borja Laudo, a la

que dedica el tema “Oh Clarin”. “Clarín es maravillosa. Sólo tengo esas palabras sobre ella”. “Fin” también incluye “Algora Campeón”, una particular y sentida dedicatoria al añorado Sergio Algora, fallecido el verano pasado. “Yo no hago homenajes. La canción de Algora estaba hecha meses antes de que se fuera sin avisar a Las Bahamas. Es una canción para un gran amigo. Me ha dicho que es una basura y que no la toque, y yo le he respondido que si tiene huevos venga a prohibírmelo”. El resultado final reclama atención desde la misma foto

de locura siempre acompañan al protagonista, lo que enriquece discos y conciertos (“Hay cierta premeditación en que la espontaneidad sea protagonista”), y de paso deja la sensación de que no se toma a sí mismo demasiado en serio. “Cómo voy a tomarme en serio… ¿Has visto la pinta que tengo? La música me gusta y por eso la hago, pero no es algo que tenga que tomarme en serio o en broma. Es música”. Hasta la fecha no ha resultado demasiado fácil disfrutar de actuaciones de Bigott fuera de tierras aragonesas. Una tendencia que parece

“Cómo voy a tomarme en serio... ¿Has visto la pinta que tengo?” de portada, mostrando a Clara y Borja cogidos de la mano dentro de un ataúd rodeado de coloridas flores. Una imagen que guarda ciertas similitudes con la famosa instantánea de Yoko Ono abrazada a John Lennon tomada por Annie Leibovitz, aunque el músico no parece estar muy de acuerdo. “Se te va un poco la olla, pero si lo ves así pues vale, me parece bien que sea a la vez homenaje, burla y sátira”. En realidad los diez temas aquí incluidos, más que al de Liverpool remiten a la canción de Remate o Iron & Wine, el folk marciano de Devendra Banhart, la profundidad de Will Oldham o la sobriedad de Micah P. Hinson, a lo largo de temas como “She Is My Man”, “Walk The Ufo”, “The Party” o “New York S’Eveille”. Cierta teatralidad misteriosa y un punto

puede cambiar con este nuevo lanzamiento. “Hasta ahora no había habido demasiadas propuestas, o las condiciones eran increíblemente malas. En estos meses están saliendo algunas cosas, así que pronto podrá vérseme actuando por ahí. Además me apetece mucho tocar”. Es una suerte para todos, porque verle sobre un escenario siempre es un placer además de una experiencia, en cualquiera de sus posibles formatos. “Cuando se puede, prefiero actuar con banda y cuando no, pues solo”. ■ Raúl Julián “Fin” está editado por Grabaciones en el Mar y el vinilo lo editan los sellos King Of Patio y Naked Man Recordings.

(MONDOFREAKO /12/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

Boat Beam Foto Archivo

Boat Beam

Pop de cámara Si mezclas a una cantante australiana que toca la guitarra con una estadounidense que tiene una viola y a eso le añades el chello de una madrileña, el resultado es Boat Beam. Juntas debutan en el precioso “Puzzle Shapes”, editado por el sello discográfico Origami.

Alisha estaba a punto de irse a Estados Unidos y de allí a Corea, pero conoció a un chico unos días antes de marchar y me dijo ‘yo creo que me voy a quedar’. Y de repente me encontré con que éramos tres”. (Aurora) “Así que en lugar de sustituir una pieza, nos convertimos en trío y empezamos a ensayar. Yo tenía la sensación de que nos entendíamos muy bien, porque me decían a todo que sí… ¡y resulta que no se estaban enterando de nada!”. (Josephine) “Mi español no era muy bueno entonces”. (Aurora) “Supongo que por eso la música es el lenguaje universal”. Su debut, publicado por Origami, se llama “Puzzle Shapes” y es, como bien dice su nombre, un rompecabezas lleno de matices. (Aurora) “Casi todo venía ya grabado de Australia. Justamente por eso es un puzzle. Manuel Cabezalí lo mezcló y masterizó y nosotras grabamos lo que faltaba en casa de Josephine”. Mientras hacemos esta entrevista, Alisha está colgada cabeza abajo a las órdenes del director de cine Gonzalo López-Gallego. Ruedan el videoclip de “The Rainy Pauly”, primer tema del disco que ejercerá de single de presentación y que es, junto con “Puzzle shapes”, una de las dos únicas canciones que Boat Beam han

The Juan Maclean The Future Will Come DFA Ya disponible

Au Revoir Simone Still Light, Still Night Moshi Moshi Ya disponible

Still Flyin’ Never Gonna Touch... Moshi Moshi Ya disponible

homenaje a The Cure en la sala Ocho y Medio (Madrid) y, si hay que echarle imaginación para hacerse una idea de cómo sonará el lado oscuro de estas chicas, también sorprende oírlas decir que en su repertorio habrá próximamente una versión de Ella Fitzgerald. Las han relacionado con Au Revoir Simone pero, más allá de que sean tres chicas, en sus canciones no hay ni rastro de bases electrónicas, todo es orgánico y artesanal. Se ponen pocos límites: incluso se han lanzado a componer en castellano. (Josephine) “Quiero representar lo que es Boat Beam y como en

“Me encanta el formato que tenemos porque es muy íntimo y nos permite actuar en lugares pequeños” cuerdas, porque las pastillas no dan más volumen. Ahora que hemos empezado a hacer música las tres estamos aprovechando al máximo las posibilidades que tiene este formato”. Si en los conciertos se ciñen a la combinación guitarra-viola-chello (alternándose en el piano según la canción), para su álbum Boat Beam no han querido renunciar a ningún ingrediente y han utilizado baterías, acordeones y todos los arreglos que han creído necesarios para que el paisaje quedara completo. (Josephine) “A mí me gusta que la música sea rica, con muchas capas y elementos; pero también disfruto mucho la minimalista. Depende de la canción”. El 8 de mayo participan en un

myspace.com/coopspain

uitarra-viola-chello, ese es el triángulo equilátero de Boat Beam, una formación que estamos muy poco acostumbrados a ver sobre un escenario pero que funciona a la perfección, a pesar de que los cánones exigen la presencia de un bajo y una batería cuando se habla de música pop. Pero ¿es Boat Beam pop? “Hay muchísimos discos que me han influenciado, como el primero de Arcade Fire. Tenía ganas de hacer algo similar por la pasión que transmiten. También mujeres como Amanda Palmer, Fiona Apple o Sia y me encantan grupos como The Shins, es rock pero te hace reír…”, explica Josephine, vocalista y seguramente la más cercana al pop-rock de este trío (Aurora y Alisha tienen formación clásica, como puede deducirse de sus instrumentos). Ella llegó de Australia para aprender español y con un disco casi terminado; en la academia donde daba clases de inglés se topó con Alisha, que empezó a acompañarla en los conciertos de su proyecto Igloo. Y cuando Alisha iba a abandonar el barco, apareció Aurora. (Josephine) “En realidad yo tenía en mente algo pequeño, había estado en dos grupos de rock y estaba cansada del formato, de tener que ponerme de acuerdo con tanta gente…

grabado al completo en Madrid y sin músicos extras. (Josephine) “A mí me encanta el formato que tenemos porque es muy íntimo y nos permite actuar en lugares pequeños. Es una buena forma de presentarse al público, tal y como somos. En algún concierto creo que llevaremos una batería pero como algo puntual”. (Aurora) “El hecho de no tener batería tiene ventajas. Por ejemplo, las cuerdas no se pierden tanto y se pueden escuchar más matices de lo que es la música de cámara. La batería siempre causa problemas con las

Conor Oberst Outer South Wichita 4 de Mayo

Peter Bjorn and John Living Thing Wichita Ya disponible

el grupo hay una española sería una mentira solo cantar en inglés”. (Aurora) “Los niños que vinieron a vernos a La Casa Encendida nos pedían canciones en español porque no entendían nada, los pobres…”. (Josephine) “En Toledo teloneamos a Vetusta Morla y el público coreaba todos los temas. A Alisha le pareció muy emocionante”. Parece que su racha con el número trece (la explicación completa, en el blog de su Myspace) ha terminado. (Aurora) “La viola de Alisha sigue intacta. ¡Toquemos madera!”. ■ P. Muñoz “Puzzle Shapes” está publicado por origami.

LA COOPERATIVA

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próximos discos de Richard Swift Atlantic Ocean

Secretly Canadian 4 de Mayo

Fever Ray Fever Ray

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(MondoSonoro · Mayo 2009 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“Creo que Kurt sintió en la época que estábamos robando algo del boom de Nirvana. No creo que hiciéramos nada consciente para provocar eso” Eddie Vedder de Pearl Jam, en Mojo

“No descansaré hasta que mi vecina venezolana tenga un póster de Love Of Lesbian en su habitación” Santi Balmes de Love Of Lesbian, en Muzikalia

“Nadie me ha preguntado si quiero que mi casa se vea en el Google Street View. Es siniestro”

Joan Miquel Oliver Foto Archivo

Joan Miquel Oliver

Neil Tennant de Pet Shop Boys, en NME

El Lego y la vida “Un día me levanté de la cama, puse la radio, y no pude escuchar ni una buena canción. Y me pregunté dónde había ido a parar la radio que yo conocía” Steve Van Zandt, en Popular 1

“Nos cansamos de ir por ahí con narices de payaso animando a la gente. Hacia 1984 nos habíamos convertido en unos tipos sin ninguna gracia” Madness, en Uncut

“Hay algunas canciones de mis discos de las que no me siento orgullosa” PJ Harvey, en NME

“Muchos de los músicos de este país somos un poco pijos porque tenemos suerte de hacer música gracias a que nuestros padres nos mantienen durante nuestra juventud” Underwater Tea Party en Supernovapop

Cada uno de sus pasos, tanto en solitario como con Antònia Font, ha sido más celebrado que el anterior. Oliver entrega ahora “Bombón mallorquín”, su trabajo más complejo y personal, un círculo que se cierra sobre sí mismo en el que expande su pop de autor todavía más allá.

“

Es un disco muy hermético, tiene mucho sentido en sí mismo”. Joan Miquel Oliver se está tomando un café con leche en el bar del Passeig del Molinar de Palma, a escasos metros de su casa en una tranquila plaza de un barrio que a pesar de estar a cuatro pasos de Ciutat parece estar en la otra punta de la isla. “Es un disco perfecto”, dice un minuto antes de explicarse. No es vanidad, para él es la constatación de un hecho casi científico. “Bombón Mallorquín” es así y punto. No le falta ni le sobra nada, como él mismo dice, ahí está todo. Es su trabajo más personal, un jeroglífico lleno de referencias particulares y colectivas, nostalgia e imaginación. A esto último nos tiene más acostumbrados, no tanto a lo anterior. “En cada época de tu vida, tus intereses musicales cambian. No es porque sea un disco mío en solitario, simplemente me apetecía complicarme un poco”. Oliver, nacido en Sóller y emigrado a Palma -el equivalente insular y a pequeña escala a ser de provincias e irse a vivir a Madrid o Barcelona- describe en su segundo trabajo en solitario la añoranza de una época, un estilo de vida, que tienen tanto que ver con su biografía particular como la de cualquiera de los miembros de su generación, dentro y fuera de este iglú caluroso que es Mallorca, cuyas pequeñas cosas sirven en muchos casos de anclaje emocional para todo lo demás. De ahí esa referencia al helado de chocolate y nata de La Menorquina o esas fotos de portada e interiores, retratos de nuestra Era de la Inocencia Turística, cuando todo nos parecía un sueño repleto de promesas. “Este segundo disco lo he hecho a plena conciencia de lo que vendrá des-

pués, de que será un disco que tocaré en directo, de que debía ser el mejor disco que yo podía hacer en este momento”, explica. “Está contado de forma muy simple, como si fuera una película en tres actos: presentación, nudo y desenlace. La presentación es ‘Lego’, que habla de ti mismo, del conflicto de tener que estar siempre

tario de texto. Explico el procedimiento, todas las rectificaciones que voy haciendo de las letras, como una canción acaba convirtiéndose en otras dos, que ahora me gusta esta letra pero ya no la música y que voy a cambiarla. Explico el método, pero no el sentido”. Y quizás sea ése el enigma que hace que su música siempre resulte fascinante: cuanto más intenta explicarse, más lejos estás del secreto. “El público quiere una propuesta clara”, comenta cuando le preguntas si teme que el público reaccione de forma diferente esta vez. “No le gusta la ambigüedad ni las medias tintas. No le gustan las concesiones”. “También veo que la gente se está tirando

“El público tolera músicas muy extrañas, ya no debes ceñirte a componer canciones sencillas” contigo. ‘Polo de llimona’ es el punto de inflexión hacia el segundo acto y desde entonces se va desarrollando toda la vida adulta, los sentimientos, la pareja... y llegamos hasta el tercer acto, ‘Polo de menta’, que es la culminación de la vida adulta. El último acto es el desenlace. El tema del disco es la vida dramatizada, la vida entendida como un relato. Es una autobiografía poética”. Incluso cuando se trata de hacer algo tan simple como escribir un álbum completo a partir de una lista de títulos -cosa que hizo en su debut “Surfistes en càmera lenta”-, en el mundo de Joan Miquel Oliver siempre hay un plan o algo que se le parece mucho. Quizás sería más preciso llamarlo una intuición, la naturaleza de la cuál queda registrada en “Quaderns 2008” (Empúries, 09), un recorrido por el bloc de notas de Oliver durante la gestación de su segundo álbum en solitario y una extraña y fascinante obra en sí misma. Otra forma más de desmitificar lo que hace y cómo lo hace. “No es un comen-

de la moto”, continúa, “que el público tolera músicas muy extrañas, ya no debes ceñirte a componer canciones sencillas. El público está preparado para todo esto. ‘Lego’ la grabé cuando debía tener dieciocho o diecinueve años y nunca se la había mostrado a nadie y ahora está ahí la primera”. Cita a Joe Crepúsculo y a su amigo David Rodríguez de La Estrella de David como ejemplos. Pero a pesar de todo puede que “Bombón mallorquín” sea su disco más homogéneo, el mejor ensamblado de toda su carrera, precisamente por esa condición de relato lógico que le permite meter en un bote de ColaCao vacío un puñado de pop y otro de folk, algunos ritmos de sintetizador de orquesta de hotel y que todo parezca dispar pero a la vez en su sitio. También por eso merece éste ser considerado un disco valiente, el rizo rizado de un autor único. ■ Joan Cabot “Bombón mallorquín” está publicado por Blau/Discmedi.

(MONDOFREAKO /14/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

Lidia Damunt

Los fantasmas de Lidia Alumbró los caminos del folk-blues destartalado en español a fuerza de gaznate, guitarra, armónica y pandereta. Su debut la convirtió en uno de los nombres más celebrados del año pasado. Sin margen para el respiro, nos regala un nuevo susto mágico. Tormina está de vuelta con “En el cementerio peligroso”.

Lidia Damunt Foto Archivo

“

▲ Sube el programa de TV3 Casal Rock

▲Sube el proyecto “Unidos por el flow”,

en el que unos abueletes octogenarios se atreven a interpretar temas como “Highway To Hell” de AC/DC bajo la batuta de Marc Parrot.

que reúne en un disco, libro y documental, a algunos artistas latinos que forman parte de grupos como los Latin Kings o los Ñetas.

Cuando terminé de grabar el primer disco seguí escribiendo canciones. Es algo que no dejo de hacer, lo hago por entretenimiento. Cuando tenía unas cuantas con el mismo rollo de oscuridad, empecé a pensar lo del cementerio. Justo el año pasado me pilló leyendo la novela que da nombre al disco y ya estaba dándole vueltas a la cosa medieval, siempre me ha gustado y quería que este disco tuviera un toque de fantasía. De hecho, Guinglain, el protagonista de una de las canciones, es un personaje que también sale en ‘En la Isla de las Bufandas’. Kanel y Vanilj aparecían en el primer disco y, bueno, Tormina me acompaña desde el nacimiento de todo, ella está conmigo desde siempre”. Con un lenguaje propio en clave de trovadora del bluespunkabilly medieval desgarrado, Lidia parece encontrar en sus personajes el refugio perfecto para esconderse del mundo, construyendo a través de ellos un bucle ingeniosamente simple de piezas empalmadas, de historias rescatadas de las fábulas de su propio imaginario “donde el azar se llena de significado destinacional”. Un ejemplo es “El hundimiento del Sirio”. “Es una historia real que me contó mi madre. Habla de un barco italiano que naufragó en Cabo de Palos cuando se dirigía a América en 1906. Se hundió enfrente de la costa y se ahogó mucha gente. La mayoría

eran inmigrantes que iban en la bodega y tras el naufragio muchos de estos cadáveres empezaron a llegar a la playa. En Cabo de Palos hay una calle que se llama Sirio, le pregunté a mi madre por qué y me contó la historia. También añadió que un amigo suyo con una casa justo donde ocurrió el naufragio, tiene fantasmas y por las noches se oyen ruidos. En esa época los cuerpos que quedaban en el mar no se recogían para enterrarlos. Como hay una leyenda popular que dice que lo de los fantasmas es porque no les han enterrado bien, pues se me ocurrió mezclar la historia real con la mía, más fantasiosa. Por eso empieza con lo del Sirio y termina con la historia del fantasma, imagínate”. Historias alucinadas que se adaptan perfectamente a los sonidos de raíz

▲ Sube Noel Gallagher de Oasis por haber llamado en directo a Barack Obama para preguntarle si era hincha del West Ham United. El caso es que el político no contestó.

▲ Sube el grupo vasco/argentino Cápsula por haber sido destacado por el mismísimo David Fricke (Rolling Stone) entre los artistas más interesantes de la última edición del SXSW,

me gusta mucho y nunca en la vida me plantearía cantar en otro idioma. ¿Para qué? ¿Para que gente de otros países entienda lo que digo? Que lo traduzcan igual que yo he traducido toda la vida. La cuestión es que como estamos en un mundo que con la globalización es anglófilo y el inglés es el idioma dominante, se pierden muchas cosas. Hay grupos que cantan en alemán o en sueco o en portugués y suena precioso. Eso de que el español es menos melódico y suena mal en una canción es una chorrada, no estoy de acuerdo”. Y bien que lo demuestra nuestra heroína cuentacuentos recuperando, con un clasicismo genuinamente moderno, la tradición de los asaltantes de caminos solitarios guitarra en mano. A ellos hace referencia en “Guinglain”, un highlight de coros luminosos (a cargo de Emma Croona) e inmediatez espontánea. Para cerrar el círculo, Lidia acudió a los estudios Perrotti, donde el tándem Damunt-Cobo funcionó a la perfección. “Solo conocía el estudio porque había grabado gente como Billy Childish o Holly Golightly. Allí conocí a Jorge (Muñoz Cobo) y a Mike Mariconda. En un principio pensaba: ‘grabo mi guitarra, mi zapato, mi voz y me arreglo sin tonterías’. Él ya me había comentado que quería meter un banjo y yo era muy cerrada, no quería. Pero una vez allí me dio muy buena impresión y tenía ideas chulas. Él es muy sixties y de alguna manera vintage y creo que las ideas que aportó me vinieron genial. Mike también

“Eso de que el español es menos melódico y suena mal en una canción es una chorrada” americana gracias, entre otras cosas, a mucho Davy Graham en el walkman. “Si quieres influencias, en la hoja de prensa tienes una lista”. Sumen pues Odetta, Shirley Collins y Calvin Johnson a las escuchas. Pero a pesar de poner las orejas al otro lado del Atlántico, Lidia se aferra al sentimiento carpetovetónico. “El castellano es el idioma en el que hablo, en el que sueño, en el que pienso. Además

SUBEN ▲

tenía muy buen gusto, metió alguna guitarra, piano, bajo, pero todo muy sutil. No rompe el concepto para nada. Luego en Madrid solo pensaba en volver a Gijón, tenía un poco síndrome de Estocolmo, me pasé una semana hablando del estudio”. ■ Estela Aparisi “En el cementerio peligroso” está publicado por Subterfuge.

▲ Suben todos los implicados en el proyecto be-

néfico SuperNanas, impulsado por TheLoveComes Foundation y dirgido a conseguir fondos para apoyar a Aldeas Infantiles SOS.

▼ bajan

▼ Si la propuesta iba

en serio, bajan los responsables de PETA por haber propuesto a Pet Shop Boys que se cambien el nombre por el de ‘Rescue Shelter Boys’ para concienciar a la gente de que adopten animales en lugar de comprarlos.

▼ Bajan todos los agoreros y pseudo-analistas

▼ Baja nuevamente Rafa Angulo, redac-

▼ Bajan las publicaciones serias como Paris

que se empeñaron en vaticinar la crisis de los festivales cuando el ritmo de ventas de entradas de estos eventos demuestra lo contrario.

tor de MondoSonoro y responsable de la edición de Aragón, por irse de gira durante dos semanas por Asia con El Columpio Asesino.

Match o Washingtonian que retocan las fotografías de los políticos para que se les vea mejor (en este caso, Sarkozy y Obama).

▼ Aunque se escape de la órbita de nuestra publicación, debemos incluir en este bajan a Billy Ray Cyrus, por no dejar tranquila ni un momento a su pobrecita hija.

(MONDOFREAKO /16/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

Black Lips Foto Archivo

Black Lips

Duro, crudo y cool Con uno de los directos más enérgicos, intensos y divertidos del planeta y una colección de discos digna de un oscuro combo garajero de los setenta, The Black Lips han entregado en “200 Million Thousand” una nueva dosis de rock’n’roll en llamas cuando todos esperábamos que entregaran su alma a Satán. Por eso les queremos.

lack Lips nos caen bien por muchas y buenas razones: sus incendiarios directos, por ser chicos de clase media que como buenos chicos de clase media solo quieren pasarlo bien liándola y destrozando cosas y partiéndolas y dándole patadas y, puede que la crucial, su carencia de pretensiones: hacen rock’n’roll divertido, frontal, y porque sí, porque la vida son dos días y todo lo demás es tontería. Ni siquiera cuando algunos podrían haber esperado de ellos un disco orientado a una escena más amplia que empezó a sentir curiosidad por ellos con “Good Bad, Not Evil” (Vice, 07) han cambiado en nada. “200 Million Thousand” (Vice, 09) es otro tratado de rock garajero, salvaje y enfermo que toma de los mejores brebajes de los sesenta (13th Floor Elevators, The Sonics) y setenta (The Stooges, MC5) sin concesiones ni medias tintas. “Ahora tenemos nuestro propio estudio, así que hemos controlado todo el proceso de grabación”, explica Jared Swilley, bajista del grupo de Atlanta. “Ha sido realmente divertido”. Divertido significa burro. “200 Million Thousand” contiene catorce temas y cada uno parece abordado de forma

diferente más allá de coincidir todos en un sonido procedente de otra época. “La música que más nos gusta suena así”, explica. “Hemos podido experimentar más con el sonido, grabar cuando nos daba la gana, era nuestra casa. Es el tipo de estudio que tenían en los sesenta, con pocos micrófonos, nada digital. La música en aquella época sonaba mejor, a pesar de las técnicas de producción de hoy en día”. Por eso los adoramos, son esa clase de garrulos. “Alguna gente esperaba quizás un disco más pop, algo más comercial. Pero nosotros hacemos lo que nos da la gana”. Y a pesar de ello, Black Lips han conseguido el favor de cierto sector del público indie que sabrá Dios por qué les sigue. Ellos tampoco tienen la respuesta, aunque se alegran de ello, y les permite dedicarse a lo que más les gusta: tocar en directo. Black Lips se han pasado los últimos años tocando alrededor del mundo, desplegando su enérgico directo noche tras noche, y parecen disfrutar como enanos haciéndolo. “Hemos tenido experiencias fantásticas, nos hemos divertido mucho. Creo que no he estado

más de un par de semanas en casa desde enero de 2004 y cuando paro por ahí demasiado tiempo me vuelvo loco”. Aunque no siempre la experiencia es buena. Poco antes de nuestra conversación -y de la edición del álbum, buena promoción- el grupo tuvo que salir por patas de la India después de que las autoridades amenazaran con detenerlos. “No fue todo malo en India. Hubo cosas buenas. Pocas bandas americanas o europeas han ido allí

conciertos fueron un poco aburridos, pero esa noche nos desmelenamos de verdad y la gente se lo pasó en grande, aunque normalmente no hacemos tanto el ganso”. “Fuimos a Palestina a tocar rock’n’roll”, explica. “No tenemos ningún problema con nadie”. Ahí está: hacen lo que hacen porque les da la real gana y poco más. En la música de Black Lips no hay ninguna otra pretensión, más allá de que podamos considerar que hoy en día

“Creo que no he estado más de un par de semanas en casa desde enero de 2004” de gira antes así que el público estaba en estado de shock en nuestros conciertos. La cuestión es que allí la homosexualidad está prohibida, ni siquiera dejan que dos tíos se den la mano en público. Los problemas empezaron cuando Cole y Ian se besaron en el escenario. En ese momento no pasó nada, pero después el promotor suspendió el resto de la gira y nos dijeron que habían llamado a la policía, se quedaron nuestros pasaportes... Nos cagamos de miedo, pero la comida ahí es realmente buena”. La mejor noticia es que la experiencia no les ha hecho replantearse la naturaleza de sus conciertos, aunque Jared comenta que esa noche se salieron especialmente de madre. “Es que los anteriores

no hay nada más subversivo y revolucionario que hacer las cosas porque sí, ser irreverente porque es divertido y punto y ellos lo son y basta leer las notas del libreto que acompaña “200 Million Thousand” para darse cuenta que hay más inteligencia en su postura que en los panfletos de muchos. “Me gusta la música dura, cruda y cool”, suelta Jared en algún momento. Y ellos son duros, crudos y, sí, cool. Pero no como lo diría una moderna en el Bread & Butter sino como lo diría Beavis o lo diría Butthead. Molan y punto. Porque sí. ■ Joan Cabot “200 Million Thousand” está publicado por Vice/Pias. Black Lips estarán en el Estrella Damm Primavera Sound.

(MONDOFREAKO /18/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

Lamb Of God Foto Archivo

Lamb Of God

Metal a bocajarro Integridad, honestidad, constancia. Muchos grupos se llenan la boca de esas palabras, pero muy pocos las convierten en acción y virtud. Ajenos a su sorprendente éxito comercial, Lamb Of God siguen riéndose de poses y etiquetas en “Wrath”, un rotundo tour de force metálico con todas las de la ley. En julio nos visitan junto a Metallica.

l quinteto de Virginia constituye todo un expediente X similar al que protagonizaron Slipknot con sus devastadores dos primeros discos: suenan en multitud de radios estadounidenses y sus últimos discos se han abierto paso, guitarrazo a guitarrazo, entre las primeras posiciones de las listas de ventas yanquis. En concreto, su anterior “Sacrament” debutó en el número ocho de Billboard. “No sé explicarlo”, responde vía telefónica el guitarrista Mark Morton. “Quizás se deba a que actualmente mucha gente escucha música en Internet y las emisoras se están resituando. No quieren descartes ni canciones de relleno. Las emisoras de rock y el público buscan música con fuerza más allá de modas y de la última sensación del momento. Y creo que nosotros somos un buen ejemplo de ello. Hemos sonado en muchas radios sin tener un solo hit”. Lejos de sucumbir a las mieles del éxito, Lamb Of God han optado por recrudecer el sonido en su última entrega, “Wrath”, un

ASI COMO SUENA

certero, seco y directo puñetazo en la boca del estómago. “‘Sacrament’ era un disco muy producido, muy orientado al estudio, y funcionó, pero esta vez nos apetecía cambiar, desde el principio supimos que queríamos hacer un disco más crudo, más directo en la cara”. No cabe duda que lo han conseguido. Una decisión que, si analizamos por un momento dos claros precedentes de música extrema con inusitado éxito comercial como fueron “Iowa”, de los citados Slipknot, o “Far Beyond Driven”, de sus admirados Pantera -número tres y uno, respectivamente, al otro lado del charco-, permitía presagiar el mejor de los augurios. “Te mentiría si te dijera que no estamos nerviosos por entregar estas canciones al mundo y ver qué pasa. Aunque lo que realmente nos quita el sueño es saber cómo lo reciben nuestros fans”. Dos semanas después de esta conversación, el disco impacta en el número dos de Billboard, tan solo superado por “Fearless” de la melosa Taylor Swift, y sus fans lo reciben

Fuxedo (DeVito) Si de algo pueden estar orgullosos De Vito es de hacer bailar hasta al apuntador con “Arty Party” (King Of Patio/ Naken Man, 09), su carta de presentación. Ahora bien, conseguirlo no es tarea fácil. Además de imaginación hace falta un equipo como el que Fuxedo nos descubre aquí.

Fuxedo Foto Archivo

◗ ¿De qué material consta tu equipo en directo? Llevo Fender Telecaster HS y Epiphone Flying Korina 58, un VOX AC 15 con pedales Boss, Microkorg, Kaossilator, Yamaha RMX1, Digitech Vocal 300 y Reason desde un Macbook. ◗ ¿Qué diferencias existen entre

con los brazos abiertos. Se veía venir. Y es que “Wrath” destaca tanto por su sonido casi en directo, sólido y compacto –produce Josh Wilbur (Hatebreed, Atreyu, Avenged Sevenfold)-, como por el increíble trabajo del cantante Randy Blythe. Tras haber sido cuestionado en sus inicios por no estar a la altura técnica de sus compañeros, el vocalista encuentra definitivamente su registro acallando de paso a quienes le acusaban de ser un mero imitador de Phil Anselmo. “Estoy de

el caso de sus amigos Down o Corrosion Of Conformity, pero definitivamente palpable –escuchen, si no, el solo de guitarra de “Set To Fail”-. Aunque si algo predomina en el universo de Lamb Of God es la ley no escrita del riff; el riff musculoso, sudoroso, palpitante. “Los riffs de guitarra son la base de todo”, asiente Morton. Pero, ¿cuándo sabes que has dado con el riff definitivo? “Es una búsqueda constante. No pienso que al crear un buen riff debas dar la búsqueda por

“Es una búsqueda constante... Créeme, seguimos buscando el riff perfecto” acuerdo al cien por cien. Randy es la estrella indiscutible de este disco y creo que ha hecho su mejor interpretación hasta la fecha”. “Wrath” presenta al mismo tiempo nuevos e inesperados matices, como la guitarra aflamencada con ecos a Pink Floyd que abre “Grace” (“la tenía desde hace tiempo en mi cabeza y me dejé llevar”) o el sonido del oleaje en “Reclamation” (“simplemente pusimos el micrófono en la terraza del estudio donde grabábamos, que estaba junto al mar”). Un pequeño lujo que les ha ayudado a relajarse y centrarse mejor en el trabajo y que subraya el aroma sureño de su propuesta, más sutil que en

tu equipo de estudio y el que usas normalmente en directo? En estudio jugueteo con todo lo que puedo pedir prestado, lo sampleo y luego lo disparo en directo. Ahora tengo un Korg MS 20, y un Mochika para hacer glitch que me están haciendo muy feliz. Me encantaría llevarme todos los juguetes a los escenarios, pero es poco práctico y ese material se acaba perdiendo o jodiendo. ◗ ¿Compras material de segunda mano? He comprado algunas cosas, sobre todo guitarras, algún módulo de sonido y un par de sintetizadores. El G.A.S. (Guitar Syndrome Acquisition) es muy peligroso para el bolsillo así que intento comprar solo lo que necesito o voy a usar con De Vito. He comprado y vendido mucho equipo. Supongo que me divierte hacerlo funcionar y venderlo

concluida y bajar la guardia. Créeme, seguimos buscando el riff perfecto”. Cualquiera lo diría. No faltan en “Wrath” numerosos riffs que rozan lo divino y que, curiosamente, según Mark, beben más del blues que del metal. “No lo creerás, pero nunca he sido un loco metalhead (risas). Uno de mis guitarristas favoritos es Jimmy Page, pero lo que más escucho es blues”. Como Pepper Keenan (C.O.C., Down). ■ David Sabaté “Wrath” está publicado por Roadrunner/Divucsa. Lamb Of God estarán actuando en el Sonisphere.

cuando ya no da más de si. ◗ Desde que empezaste, ¿qué ha cambiado en tu equipo? Conservo una correa de leopardo para la guitarra. Mi primera guitarra fue una Squire Stratocaster que me acompañó hasta mi primera nómina y mi primera caja de ritmos una Yamaha RX7, que nunca conseguí que hiciese lo que yo quería. Todo fue muy inestable hasta que Reason e eBay entraron en mi vida. ◗ ¿Qué importancia tiene experimentar con nuevos instrumentos? Creo que la gente que experimenta sabe lo que hace. Yo me limito a jugar con el sonido. Empecé en la música enganchado a una guitarra, de la misma forma que continué con las maquinas, con sonidos básicos y, poco a poco, he ido creándome mi universo sintético a base de probar y probar. Es más di-

vertido, además, no creo que Hendrix utilizase presets de nada. ◗ Nos gustaría saber que tres discos usarías como referencia por su sonido. No hay ninguno en concreto, pero “In Ghost Colours” de Cut Copy suena del copón o el ya curtido “Any Minute Now” de Soulwax. Me ha sorprendido bastante el primer trabajo de Late Of The Pier, suena muy directo, me gusta. ◗ Cita a tres productores con los que te gustaría trabajar o a los que admiras… Pues James Murphy o Erol Alkan me parecen cojonudos. Sus trabajos en LCD Soundsystem, Daft Punk, Mystery Jets, Justice o Soulwax se encuentran entre mis favoritos. De más aquí, me gusta mucho Ernesto Telephunken. Es original y fresco, muy fresco. ■

(MondoSonoro · Mayo 2009 /21/ MONDOFREAKO)

NO confidencial

Rafa (The Right Ons) Estados Unidos, pero va llegando la hora de volver a rendir cuentas en España. Y nada mejor para empezar a tocar con los pies en el suelo de nuevo que enfrentar a Rafa, guitarrista de The Right Ons, con nuestro cuestionario más desalmado.

¿Fichasteis con 2Fer Records porque su capo os garantizó fiesta continua durante la gira? Pero con una cláusula: el contrato también contempla los períodos fuera de gira. ¿Cuántas canciones del nuevo disco se han compuesto bajo los efectos de las drogas? Una fue bajo el efecto del atún encebollao, y otra bajo el de unos langostinos... Del resto, todas. ¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito? Para no pensar mucho, respondo a las dos preguntas con la misma canción: “Let It Be”. ¿Podrías recomendarnos un libro, un disco y una película? Libro: “La explosiva historia de Little Richard, biografía autorizada”. Disco: “King Of Rock & Roll, The Reprise Recordings”, de Little Richard. Película: “Down By Law”, de Jim Jarmusch.

Titus Andronicus

Jóvenes adultos

¿Sabes qué opinión tienen tus familiares de la música que hacéis? Sé que a mi abuela le cuesta pronunciar el nombre del grupo, pero la única vez que vino a vernos bailó en primera fila. ¿Es cierto que todas las críticas positivas que habéis tenido las han firmado amigos? Es cierto que con la música se hacen amigos, pero no creo que conozcamos a tantos periodistas. Sin contar vuestro local de ensayo, ¿cuál es el sitio más cutre en el que habéis tacado? Si alguna vez tocamos en un sitio cutre ya ni me acuerdo, porque dejó de serlo desde el momento en que tocamos allí. Es cierto que MondoSonoro os parecía una basura hasta que os visteis en la portada... No. Lo único que no nos gustaba eran las portadas. ¿Quién en el grupo puede pasarse más horas en una tienda de ropa? ¿Y en una de instrumentos? Seguro que cualquiera de nosotros pasa más tiempo en una tienda de instrumentos que en una de ropa. Ordénalos por orden de importancia: Sexo, drogas y rock’n’roll El orden de los factores no altera al producto. ¿Es verdad que tuvisteis que emborrachar repetidas veces a Don Disturbios para que hablara bien de vosotros en esta revista? Y ya de paso, le acompañamos en la borrachera para hablar bien de él. The Right Ons surgen de las cenizas de Jet Lag... ¿Cuándo vais a escribir el obituario? Con permiso del poeta: “Y hubo un tiempo, en que seremos felices”. ¿Qué harías si te dijéramos que Los Coronas nos han dicho que son mucho mejores en directo que vosotros? Tocando surf no hay duda. Pero mientes, porque te lo dije yo. ¿Le romperíais las piernas a algún crítico musical de este país? Es más divertido emborracharlos para que hablen bien de uno. ■

Titus Androginus Foto Pieter M. Van Haltem

Rafa M. Foto Archivo

◗ Se ◗ lo han pasado en grande por los

“The Airing Of Grievances” llevaba unos meses publicado, hasta que los responsables de XL oyeron hablar sobre los anfetamínicos directos, escucharon su disco, se enfrentaron a este grupo de veinteañeros y les ficharon para darles un empujón internacional. Y aquí les tenemos con sus ganas de pasarlo bien y su energía a pleno rendimiento.

i existe algo que afecte, generalmente para mal, la perspectiva de los aficionados a la música pop y rock es considerar que los grupos jóvenes y nuevos poco o nada tienen que aportar. Todo lo contrario. Y si lo único que aportase una banda como Titus Andronicus fuese energía y vitalidad, ya me parecería suficiente. Pero no. Este quinteto de menores de veinticinco años tiene también actitud, ganas de comerse el mundo y pocos prejuicios. De ahí que, en su universo, confluyan The Replacements, Commander Venus, Bruce Springsteen, The Pogues, Hunter S. Thompson o Albert Camus sin que nadie se ruborice. Dejen paso a la juventud. “Nuestro miembro más joven tiene veintiún años, con lo que ahora mismo no sentimos nada de rabia o excitación juvenil, sino que ha pasado a ser un angst de jóvenes adultos. En todo caso, no somos más que una banda de rock’n’roll a la que le gusta tocar con las guitarras fuertes e intentamos no pensar demasiado más allá de eso. Por otro lado, tampoco puedo negar la considerable influencia que han tenido en nosotros grupos como Television Personalities, Neutral Milk Hotel o Minor Threat, por citarte tres. Es cierto que me gusta mucho Bruce Springsteen, pero mi amigo Ian O’Neil y yo somos los únicos a los que puedes considerar realmente fans suyos en el grupo”. Escuchando “The Airing Of Grievances”, uno se imagina a los chicos saltando y gritando como descosidos

en el estudio en una celebración de la amistad, la diversión y de una carrera musical que parece estar despegando poco a poco. “Ha habido un montón de diversión, un montón de risas, pero también momentos de tensión y de bajón. No grabamos el disco en una sesión. Estuvimos en el estudio unos cuatro días y

atención, pero la verdad es que el concepto ‘indie rock’ no significa demasiado a día de hoy musicalmente. No te dice nada sobre el estilo que la banda puede hacer y al mismo tiempo también puede servir para hablar de grupos de auténtica ‘música americana’. Me gustaría pensar que ambas ideas representan, en nuestro caso, honestidad e integridad, que son cosas que siempre estamos buscando y que logramos en distinto grado”. De todos modos, si existe una formación que haya influido en la carrera de Titus Andronicus -más que sus referentes literarios, claro está- no cabe duda que se trata de Weezer, a quienes suelen versionear habitualmente. A ellos

“La verdad es que el concepto ‘indie rock’ no significa demasiado a día de hoy musicalmente” grabamos un montón de ruido, después nos pasamos seis meses intentando encontrar tiempo para dedicarle unas horas al disco. Por un lado fue un proceso tedioso y pesado, pero siempre excitante. Hubo un montón de gritos en el estudio, eso seguro, pero no demasiados saltos. Lo hicimos lo mejor que sabíamos y lo que ahora importa es cuánto puede llegar a gustarle a la gente”. De Troubleman Unlimited -el sello que publicó inicialmente estas mismas canciones en Estados Unidos- a XL y de ahí a un mercado internacional que ya está acostumbrado a ver como algunas formaciones son capaces de combinar las raíces de la música americana con el indie rock. “Como ciudadanos de los Estados Unidos, sentimos cierta afinidad con la música americana a lo largo de los años y eso se filtra en nuestra música. El indie también le ha prestado

y a Misfits. “Weezer fueron muy importantes para nosotros en nuestros años de aprendizaje como rockeros. Les habíamos escuchado mucho cuando éramos más jóvenes y, en América, mucha gente de nuestra edad creció con ellos. Eso hace que podamos compartir la música de Weezer con nuestra audiencia como diversión, desde un punto de vista nostálgico si quieres, pero las canciones siguen atrapando y los solos de guitarra son muy divertidos de tocar. En cuanto a Misfits, somos de New Jersey y ellos fueron la más grande banda de punk rock que surgió de aquí, con lo que tocar su música nos mantiene en sintonía con nuestras raíces”. ■ Joan S. Luna “The Airing Of Grievances” está publicado por XL/Popstock!

(MondoSonoro · Mayo 2009 /23/ MONDOFREAKO)

DISCO

Damien Jurado vuelve a nuestro país, en una gira que le llevará por siete ciudades españolas. Volverán a sonar las canciones de su aplaudido “Caught In The Trees” (Houston Party, 08). Las citas son el 23 de mayo enPontevedra, el 24 en Santander, el 26 en Zaragoza, el 27 en Madrid, el 28 en Alicante, el 29 en Barcelona y el 30 en Vitoria.

Damien Jurado Foto Archivo

Damien Jurado

Beat Happening “Beat Happening” (1985) Adoro este disco. De hecho, diría que es mi álbum favorito de todos los tiempos. Captura la verdadera esencia del grupo. Despreocupado, inocente y divertido.

Butthole Surfers “Hairway To Steven” (1988) Sin duda una de las más infravaloradas e influyentes bandas de todos los tiempos. No dejéis que las letras bizarras y el ruidoso feedback os haga enloquecer. Butthole Surfers escribieron un montón de bonitas canciones. Battle Hymns “Hidden Reservations” Mi banda favorita de Seattle firmó este extraño disco que ha escuchado poca gente. Desgraciadamente, nadie les ha fichado hasta el momento. Apreciado mundo, os lo estáis perdiendo. Kraftwerk “Radio-Activity” (1975) Fue Jason Molina (Magnolia Electric, Songs Ohia) quien me regaló este disco. Los grandes pioneros de la música electrónica firmaron aquí un disco oscuro y precioso. La banda sonora perfecta para conducir de día o de noche. Little Wings “Magic Wand” (2004) He sido fan de Kyle Field (Little Wings) desde hace años. Me gusta absolutamente todo lo que graba, pero “Magic Wand” es mi favorito. El imaginario lírico que puede incluir en una canción me vuela los sesos. ksinksgiving “Caves Days Thanksgiving “Caves Days And Moments” (2006) Como Kyle Field, Adrian Orange es otro genio lírico que me maravilla. También como Field, es complicado quedarse con un único disco suyo. Este lo selecciono por su belleza oscura y su imaginario. Thanksgiving “Thanksgiving” (2005) Este es el primer Thanksgiving disco que escuché. Recuerdo cuando lo compré. Estaba girando por Estados Unidos y lo escuché durante semanas sin parar. Cuando volví a casa, no pude esperar a comprarme todo lo que encontrase suyo. Vincent Gallo “When” (2001) Lo admito, cuando oí que Vincent Gallo iba a publicar un disco me mostré muy escéptico. Pero no me defraudó. Es un disco muy bonito. Cuando nació mi hijo se lo estuve poniendo cada noche al acostarse. Kicking Giant “Alien ID” (1994) No sé demasiado sobre Kicking Giant, excepto que sus miembros son el artista visual Tae Won Yu y Rachel Carns, que toca en The Need. Soy gran fan de los grupos que tienen dos miembros (The Spinanes, Two Gallants, 764- Hero, White Stripes) y Kicking Giant son uno de ellos. n

Hamlet

Hamlet Foto Archivo

Nirvana “In Utero” (1993) Lo grabaron prácticamente en directo en el estudio y así es exactamente como suena. Contiene las mejores baterías que jamás haya escuchado en un disco hasta el día de hoy. ¡Es irreal!

Rey de reyes El metal nacional no se entiende sin su presencia. Santo y seña de una escena sólida, Hamlet inician una nueva etapa con las ilusiones intactas. El colosal “La puta y el diablo”, su primera referencia para Roadrunner, refresca y redimensiona su propio legado histórico.

n tipo la mar de entrañable. Así es Luis Tárraga, único superviviente junto al vocalista J. Molly de la flota original en la escuadra madrileña. Honesto, divertido, sincero. Luis habla con nosotros horas antes del concierto de AC/DC en Madrid. Reconoce sentir un cosquilleo en el estómago y se le ve tan ilusionado como un niño. Lo mismo le sucede al hablar de esta nueva etapa de Hamlet, que se abre con “La puta y el diablo”. “Te mentiría si dijese que todos los discos son iguales, que todos tienen el mismo nivel. Esta vez se han juntado varias cosas. Por ejemplo que durante mucho tiempo hemos tenido casi la misma formación, y ahora ha habido cambios. Hicimos la gira del veinte aniversario, y lo pasamos muy bien, ya que recuperamos muchas canciones antiguas, de ‘Sanatorio de muñecos’ y ‘Revolución 12.111’, e incluso pensamos que a lo mejor nos estábamos metiendo en demasiadas aventuras. Luego había lo del sello, el contrato con Roadrunner, o el vernos de golpe con un miembro nuevo allí entre nosotros (ndr: el guitarra Alberto Marín, procedente de Skunk D.F.). Y no es que de repente se viniese todo abajo, pero sí era una situación diferente. Eso hace que el disco sea especial, y en vez de anquilosarnos, hemos cogido el toro por los cuernos. No como si fuésemos un grupo nuevo, pero en muchos aspectos, te lo juro, ha sido como si fuese nuestro primer disco. Nos hacía mucha ilusión lo del sello, la inclusión de Alberto, y eso en el disco lo notamos mogollón”. “La puta y el diablo” arranca como un torbellino con “El hábil reino del desconcierto”, y, a partir de ahí, metal de bandera, cambios de ritmo cargados de melodías

subliminales en “Siete historias diferentes”, retazos grindcore, algún oasis instrumental y mucha crispación. “Es un disco con más diferencias de las que suponíamos. Si lo repasas fugazmente, poniendo un minuto de cada canción, no te darás cuenta de los matices. Pero el sello de Hamlet también se mantiene. Por otro lado, tenemos muchos discos, y sabemos las cosas que nos gustan y las utilizamos. En este

en nuestro caso no queríamos grabar tan rápido. No queríamos hacer diez canciones a todo meter. Queríamos estar preparados, y nos pusimos un término a la larga, unos siete meses. En cambio, ellos tenían el disco casi acabado cuando firmaron. Nos ha valido para saber cómo les ha funcionado. Aunque igualmente, ya nos habíamos tirado al barro. Estar con ellos nos va a dar la posibilidad de expandirnos un poco. Nos hemos recorrido España cincuenta veces, y hay canciones como ‘Jodido facha’ e ‘Irracional’ que las hemos tocado todas las noches, y aquí si no las tocas alguien te puede matar. En cambio, tocar fuera nos permite cambiar de repertorio. No es que esto sea una flipada y ahora

“Nuestro sonido se había convertido en algo un poco frío, mimético, un poco en lo que se ha convertido el metal” disco, ha sido clave la gira de aniversario. Nos trasladó a una época, a un sonido, y eso nos metió en una especie de vorágine que nos molaba mucho, y cada canción en este caso es un mundo. Eso me gusta, porque incluso nosotros, como autocrítica, etiquetábamos nuestros discos. En ‘Syberia’, todo era más melódico y todo estaba encuadrado ahí. Esta vez, dijimos, ¿Por qué coño nos vamos a encasillar? Y esa es la similitud con los primeros álbumes. Para nosotros ha sido como meternos en un garaje de verdad, tocando muchas veces las canciones, meneando la cabeza, rockeando como cabrones. Nos hemos quitado capas de encima. Había demasiada depuración”. S.A. dio el mismo paso antes que Hamlet, formando parte de ese gran sello especializado en metal que es Roadrunner. “Curiosamente, nosotros firmamos antes que ellos. Y no es que esto sea una competición por saber quién ha sido el primero, ya que somos grandísimos amigos de S.A., pero

pensemos que ya somos un grupo internacional. No se trata de eso. Es una cuestión de que podremos abrir más puertas y salir por el extranjero con algo físico, con un disco que la gente pueda escuchar y que, al menos, un centenar de los que nos vayan a ver conozcan las canciones”. Alberto Seara ha sido de nuevo el productor, y el intocable Colin Richardson ha dejado su sillón a Logan Mader (Machine Head) en las mezclas. “Por tema de agendas, no pudimos cuadrar con Colin. Aunque estábamos contentos con él y nos une una buena amistad, era una buena oportunidad para dar un giro. Quizás nuestro sonido se había convertido en algo un poco frío, mimético, un poco en lo que se ha convertido el metal actual, y a nosotros nos apetecía abandonar ese sonido de laboratorio que hace que casi todos los discos suenen igual”. ■ Toni Castarnado “La puta y el diablo” está publicado por Roadrunner/Divucsa

(MONDOFREAKO /24/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

EN LA

MALETA

Q-BERT Foto Archivo

Q-BERT Además de uno de los Dj’s más espectaculares del mundo, Q-Bert es un referente fundamental para todos aquellos para los que las palabras vinilo y hip hop significa algo. Si quieres descubrir el motivo, pásate por el festival Cultura Urbana. ◗ ¿Existe algún vinilo que nunca falte en tu maleta? Desde hace muchos años el “Superseal”, el disco para poder hacer scratching. ◗ ¿Alguno de tus discos favoritos jamás ha tenido lugar en tus sesiones? Un picture disc de una crew de graffiteros rocksteady, con la carpeta de Doze. ¡Me he hecho un reloj con él! ◗ ¿Qué crees que es lo peor que puede hacer un Dj durante una sesión? No estar preparado y usar las peores canciones.

Brunetto Foto Nuria Rúsi

Brunetto

El alquimista “B+”, es el tercer disco de Brunetto, tras “Déjalo Así Bru” y “Homeself”, y sus ep’s para Irregular y Phonobox. Con “B+”, el sevillano instalado en Barcelona vuelve a dar un giro a su sonido y entrega una obra electrónica humedecida por ritmos trip hop y soul experimental en la frecuencia de Dj Krush y Amon Tobin. Todo condimentado con ensoñadoras melodías y beats humeantes que entroncan con el dubstep actual.

umo, voces y atmósferas. Así define Brunetto el magma sonoro que ha creado en “B+”, un disco más oscuro que sus predecesores y que se ramifica en varios géneros: trip hop, avant hip hop, pop intimista, downbeat y soul. “La idea principal era aunar todo el concepto de mi carrera, componer con más seriedad y recrear con voces la mayoría de los temas del disco, para así aportar personalidad al acabado. Las composiciones están más trabajadas y creo que el álbum es un paso más en el desarrollo de mi propio estilo, que bebe de tantas fuentes”. “B+” es huidizo en cuanto a estilos, pero rezuma profundidad y calidad sonora. Y aunque el hilo conductor del disco sean las atmósferas esotéricas y los ritmos soñolientos, el disco se divide en dos partes temáticas. En la primera, Brunneto se entrega al trip hop. “Es la manera perfecta de empezar a bombear el corazón y contar la historia del disco. Después de un primer tema más paisajista y electrónico, ‘Killing For The Red Of A Rose’, se van sucediendo temas muy trip hop con las voces de Zhanna (‘Pravda’) y Uno (‘A World In Pieces’ y ‘Pillow’), para después pasar a un aire más sucio, de beats y hip hop”. El sevillano ha

contado con una buena legión de colaboradores: la ucraniana Zhanna, sus amigos Diargi y ACCD, los hip hoperos Suko y Kiffa y hasta la cantante de ópera canadiense Martina Govednik; pero es en los cortes en solitario en los que Brunettto se muestra más crudo, experimental y (paradójicamente) bailable. “Me encuentro muy a gusto componiendo este tipo de temas más oscuros, de bases íntimas pero intensas. Me gusta experimentar pero sin sacar de quicio o perturbar. Es una de mis particularidades favoritas. También quería incluir temas con el bpm más alto, que

que califica como su aliada favorita, la groovebox Roland SP-808. “Y muchos VST plugin’s de máquinas o efectos”, añade. Lo que se traduce en capas y capas de sonidos que hacen descubrir nuevos matices a cada escucha. Las letras son también parte importante de este trabajo. “Son historias sobre mis días entre Barcelona, Sevilla y el resto del mundo. ¿Otros temas? Mi adicción por el chocolate negro, un día de calor excesivo, la distancia durante un viaje, mis juegos con una almohada…”. Los diferentes vocalistas participantes han sido los compositores de las letras. “Les hice alguna sugerencia, en algunos casos les di el título, y fueron ellos mismos los que decidieron expresar sus palabras. Bastante tienen ya con soportar mis recortes, flirteos o la postproducción de lo que cantan…”. Con su tercer trabajo, Brunetto se reivindica como uno de los más importantes valores de la IDM estatal, y sería un acto de justicia volverle a ver en el Sónar de 2009. “Espero estar en el

“Me encuentro muy a gusto componiendo temas oscuros, de bases íntimas pero intensas” diesen más juego a los remixes posteriores y que dieran cancha en los directos”. Bruno ha producido el disco durante un año y medio a caballo entre Barcelona y Sevilla, ciudad ésta última donde tiene la mayor parte de su hardware, pero confiesa haber usado indiscriminadamente desde el Ableton Live 6, CubaseSX3 o Reason 3, hasta sintetizadores como el JP8000, Karma Korg o Emu XK-6, o la

lugar que me merezco. Estoy satisfecho con mi trabajo y eso es vital”. “B+” ya se ha editado en Francia, Reino Unido e Italia y es muy probable que se distribuya en Canadá y Japón, lugares a los que ya llegó con su segundo largo, “Homeself”. ■ Javier López “B+” está editado por Freelastica/Decoder Muzique

◗ ¿Qué odias de otros Dj’s? Si no ponen buena música o si tienen una actitud estúpida con los demás. Todos aquellos que han olvidado que, como hijos de Dios, todos somos iguales. ◗ ¿Consideras que los Dj’s de hip hop son mejores que los que se mueven en la electrónica? No, por supuesto que no, todo depende de la persona. Yo suelo poner tanto electrónica como hip hop, así que dependerá de quién esté tras los platos y lo mucho que haya trabajado en su arte para contentar a todo el mundo. ◗ ¿Qué importancia tiene el scratch en tus sesiones? Bueno, para mí es fundamental. Me gusta utilizar los platos como si fuesen el instrumento musical de un músico de jazz o algo por el estilo. Es lo que más me divierte y es la forma que tengo de hablar con mis manos. ◗ ¿Lo más importante en tus sesiones es conseguir que la gente baile? Me gusta ver que la gente se divierta tanto como sea posible. Si bailan significa que se lo están pasando bien. No importa que no estén fijándose demasiado en los scratches, al menos significa que le gusta lo que estoy poniendo. ◗ ¿Vinilos o compactos? Sin duda vinilos, porque recoge el sonido más cercano al original. Hay una especie de misterioso sonido oculto en los vinilos que, tan pronto como lo pinchas, hace que te sientas muy cómodo. Puede que sea las ondas delta, que propician esa atmósfera, pero por otro lado no tengo problema en usar música digital cuando es necesario. ◗ ¿Alguna vez has perdido o te han robado la maleta de los discos? Teniendo en cuenta que yo no robo, mi karma es bueno y no me suelen robar nada. Conozco a Dj’s a los que les gusta robar discos continuamente, pero también sé que les suelen robar también a ellos. El karma es una energía real que hace que este mundo gire. Y Dios sabe todo lo que haces... n

Visita las tiendas: Donostia c/Garibai, 11 Madrid c/Augusto Figueroa, 3 Madrid c/Espoz y Mina, 13 Zaragoza c/Pedro Maria Ric, 22 Valencia c/Martinez Ferrando, 3 Las Palmas c/Cano, 20 Barcelona c/Carrer del Rec, 71

Yeah Yeah Yeahs

Encuentros en la tercera fase El punk como actitud. Esa parece ser la filosofía con la que Yeah Yeah Yeahs se enfrentan a la promoción de su último disco, “It’s Blitz”, un trabajo con el que han conseguido volver a estar en boca de todos a pesar de tratarse de su álbum menos guitarrero y visceral. La rabia va por dentro.

eah Yeah Yeahs se enfrentan al siempre temido lanzamiento del tercer disco con “It’s Blitz” y, por el momento, no parece que les esté yendo nada mal, sobre todo cuando se les compara con otros compañeros de promoción. Karen O y sus chicos parecen haber regresado de una de esas vacaciones reparadoras que nos renuevan y revitalizan por fuera, aun cuando por dentro seguimos siendo los mismos. Me explico, o mejor lo hacen ellos. “Es verdad que este disco suena más tranquilo, pero para nosotros el punk no es una cuestión de guitarras. El punk es una actitud y en ese sentido, este álbum es tan punk como siempre lo hemos sido”. Su música sigue siendo una forma de alertar al mundo de su presencia, pero esta vez han optado por suavizar las formas y han preferido el discurso elegante. Discurso al que dan comienzo con “Zero”, un primer single que resulta todo un alegato al baile y al buen uso de los sintetizadores. Sí, Yeah Yeah Yeahs también han descubierto las virtudes de la electrónica y lo agradecen dejando que se cuele en sus hasta ahora rabiosos ritmos y los contagie más que lo que hubiésemos llegado a sospechar con “Fever To Tell” (2003) y mucho menos de lo que se ha exagerado en ciertos foros. “It’s Blitz”, es cierto, suena diferente a todo lo anteriormente escuchado de Yeah Yeah Yeahs, ¿pero acaso no debería ser siempre así? “La música que

reflejamos en cada momento es simplemente la que viene a nosotros. Es cierto que cuando empezamos trabajábamos en base a ciertas ideas y buscábamos nuevos sonidos, pero ahora no sabría decirte qué estábamos buscando, quizás antes sonásemos más salvajes y este disco suene más cool, más detox, pero es la música que nos apetecía hacer”. En la conversación, resultan ambiguos y difusos y evitan términos como ‘ruptura’ o ‘cambio’ tanto como el de ‘influencias’. “No tengo ni idea de qué tipo de bandas han sido un referente para nosotros, ni en el nuevo disco ni nunca (…) Si quieres saber la verdad, ni siquiera escuchamos demasiada música, bueno, quizás cuando necesitamos relajarnos. Pero va, por divertirme puedo decirte algunas… Talking Heads, Donna Summer y David Bowie. Esas son nuestras referencias”. Una provocación, entendible viniendo de parte de quien tiene que enfrentarse a todo tipo de teorías acerca del más nimio detalle de su álbum, por ejemplo, aquella que afirmaba encontrar influencia de músicos de los setenta como Giorgio Moroder en las canciones de “It’s Blitz”. “Hay cosas que primero se escriben y que después nosotros, mirando hacia atrás, descubrimos que son verdad, pero no podemos considerarlas influencias porque no hay una intención voluntaria de imitación”.

os neoyorquinos son maestros en el arte de la evasión, tanto, que hablando con ellos una podría llegar a imaginar toda la labor de elaboración del disco como un proceso tremendamente ingenuo y natural, cuando lo cierto es que “It’s Blitz” está medido al detalle. Una muestra de ello es la (por otra parte gran) labor de David Sitek de TV On The Radio en la producción. Un papel cuyo resultado se ve clara y positivamente reflejado en el álbum, pero al que ellos tampoco quieren dar demasiada relevancia. “David es un amigo, está aquí y está allí y no se puede decir que sea alguien que trabaje de manera convencional. Todo lo que hace siempre es diferente y por eso nos gusta, porque nunca sabes lo que va a suceder trabajando con él y eso es genial”. Yeah Yeah Yeahs y TV On The Radio son amigos, lo dicen ellos y se deduce, no sólo de la repetida colaboración de Sitek como productor, sino también de la de otros miembros, como su

han abrazado con su último trabajo, porque al fin y al cabo no dejan de ser evoluciones lógicas en la vida de cualquier grupo. Quizás no para aquellos preocupados por conservar a determinados fans pero eso, a Yeah Yeah Yeahs (tampoco) parece importarles demasiado. “Quizás nuestra música haya cambiado un poco, pero la esencia es la misma, así que no sé por qué iban a cambiar nuestros fans”. Una mentalidad ambiciosa que aun así, no tiene problemas en admitir que “quizás nuestra mejor cualidad como banda no sea otra que la de haber tenido mucha suerte”. Pero será que nunca me he fiado mucho de la suerte que no me lo creo. Y casi me atrevería a decir que no se lo creen ni ellos, ni tienen por qué. Brian Chase, Karen O y Nick Zinder llevan largo tiempo demostrando ser unos currantes, y aunque puede que como banda no sean la más prolífica del mundo y al margen de lo que hagan por separado, ellos deciden despedir la entrevista

“En la colectividad radica el poder, la energía y la comunicación” vocalista Tunde Adebimpe. “La mejor de todas las colaboraciones del disco es la que hacemos con TV On The Radio, la voz de Tunde tiene algo absolutamente especial que no tiene nadie más y el resultado ha sido genial”. Resultado y genial, dos palabras aplicables a todo el disco y en las que realmente radica la importancia del mismo, más allá de cuestiones como si “Zero” es o no una concesión a las pistas de baile. “¡Yeah, la pista de baile!”. Tomaremos eso por un sí. En realidad, resulta lógico que decidan tomarse con humor todas estas opiniones acerca de los cambios, más o menos sutiles, que

ensalzando el poder del grupo como potencia creadora, la colectividad como fuente de energía. Una declaración que (a pesar de que ya habían conseguido que nos creyésemos lo de su actitud punk por encima de todo) sí que suena convincente: “Una banda siempre va a ser más que un individuo, porque un conjunto de individuos pasan a convertirse en algo colectivo y en la colectividad radica el poder, la energía y la comunicación”. ■ Cristina V. Miranda

“It’s Blitz” ” está publicado por Interscope/Universal

Yeah Yeah Yeahs Foto Archivo

(MondoSonoro · Mayo 2009 /27/ ENTREVISTA)

(MondoSonoro · Mayo 2009 /28/ MONDOFREAKO)

Desabrochando a

Mendetz Foto Albert Jodar

Mendetz

¡Queremos que baile Sloth! Estamos de enhorabuena. El nuevo trabajo de Mendetz, “Souvenir”, por fin asoma tras una espera de tres añitos. Los diez cortes de la nueva criatura se antojan maduros, elegantes, meditados y alejados del sonido primario de la banda. Ojo, en ningún momento escapan de la pista de baile, al contrario, ahora es más suya que nunca.

endetz se han mimetizado de tal forma con bolas de espejos y luces estroboscópicas en su nuevo trabajo que parece que siempre estuvieron allí. De cuando en cuando algunos solos rockeros de guitarra nos recuerdan que en su momento también versionaron, como todos, a leyendas del punk y del rock. Felicidades chavales. Creo que se puede decir que este partido lo han ganado, al menos por ahora. No hay más que remontarse atrás unos años, cuando de la mano de Joan S. Luna, mi guía espiritual, me llegaba una demo de unos tales Mendetz desde Barcelona. El camino trazado por la banda desde entonces no ha podido ser más recto. La cosa es saber cómo se ven ellos cuando echan la vista atrás, y parece que Stefano Macarrone (guitarra y voz) lo tiene claro. “Mendetz seguimos siendo cuatro grandes amigos que se llevan muy bien y que se lo pasan en grande haciendo música. Somos esos mismos cuatro amantes de su infancia que quieren seguir compartiéndola en forma de canciones, porque además de beber, jugar a la Play 3 y fantasear sobre sociedades alternativas, es lo que mejor sabemos hacer juntos”. Demasiado tiempo en la carretera puede hacer saltar chispas si se lleva mal, si se lleva bien, el poder pasar tanto tiempo con tus compañeros de trabajo no tiene precio a la hora de contrastar resultados. (Stefano) “Una gira de un año y medio da para mucho... Ahora tenemos el hígado algo más castigado y los pulmones algo resentidos. Con tanta carretera nuestra salud y cordura salieron algo perjudicadas, pero tuvimos muchísimo tiempo para escuchar música, reordenar nuestras influencias, reflexionar sobre nuestras composiciones y entender cómo queríamos sonar. Volvemos con las mismas ganas de reivindicar esos sonidos con los que crecimos pero pasán-

dolos ahora por un filtro algo más maduro y personal, mostrando probablemente nuestra faceta más íntima”. Y si hay que hablar de intimidad, la de Mendetz durante el proceso de grabación no ha podido ser mayor. No han pasado por estudio, ni por técnico de grabación, intimidad absoluta y resultado brillante. (Stefano) “Hace tiempo que coqueteamos con la producción musical. Siempre nos ha gustado la autograbación, desde que hacíamos versiones de Nirvana y Bad Religion hace diez años y grabábamos baterías enteras en nuestras habitaciones con el micrófono de Windows, así que recursos teóricos no nos faltaban. Ahora hemos invertido algunos ahorros en hardware y nos hemos podido montar

batería) “Ha sido un poco de todo. Las ganas de seguir haciendo cosas. De moverse y tener bolos aquí y allá. La diversión de poner los temas que te molan… y sobre todo el gustazo de poder subir mucho el volumen, ¡de controlar las petadas a tu antojo!”. En la hoja de promoción de “Souvenir” hay una frase que me descoloca por completo: “Un grupo total, arrollador, sin complejos y ‘peterpanesco’ como somos todos los que crecimos con ‘Los Goonies’”. (Pablo) “Quiere decir que ‘Los Goonies’ es un peliculón, además de una referencia, una vez más, a este discurso que tanto nos gusta evocar de nuestra infancia. Como siempre hemos dicho, somos un grupo que rememora los ochenta, no desde la música sino desde películas, personajes, juegos, dibujos, cómics o música no tan ‘molona’”. Comprendido. Hablemos del sonido, de las canciones. El disco me parece una obra tremendamente elegante. Escuchándolo con mi chica, dice que os imagina en el escenario vestidos con elegantes trajes y corbatas. “Gracias por lo de elegante (risas)... nunca nos habían

“Somos un grupo que rememora los ochenta desde películas, personajes, juegos, dibujos, cómics...” un pequeño estudio en casa de mi abuelita, porque lo que queríamos era tiempo. Tiempo para poder tener una idea grabada y darle vueltas, y poder cambiar algo dos o tres veces ocho semanas después”. Para lo que han tirado de teléfono ha sido para llamar a ALF, mago de las mezclas, responsable, entre otras maravillas, del “United” de Phoenix. (Stefano) “Hace tiempo que pensamos que ese disco es una pequeña gran joya del pop-rock europeo de los últimos años. No solo a nivel musical sino por su tratamiento del sonido”. Algo que me gustaría apuntar es que Mendetz, una vez terminada la gira y durante el proceso de grabación del disco no han desaparecido de los carteles de salas y festivales. Su faceta como Dj’s ha hecho que la marca siguiera presente durante las noches de muchas salas. (Pablo Filomeno,

dicho algo así... Nos lo tomaremos como un cumplido, aunque suena a ‘eres muy simpático...’ o ‘es un grupo muy sólido en directo...’. Supongo que te refieres a que el sonido es claramente menos garajero y a que las pistas parecen más nítidas y tratadas. Es algo que hemos buscado a conciencia. Nos hemos armado de valor y hemos dejado de lado muchas vergüenzas, haciendo un disco que, ante y sobre todo, nos gustará a nosotros. Hemos aparcado muchas guitarrazas, distorsiones injustificadas, bajos octavados o riffs sintetizados más facilones, porque queríamos ofrecer variedad rítmica y una paleta estilística más amplia. Partimos de la base de que queríamos un disco que nos apeteciera escuchar aun después de haberlo grabado, algo casi utópico para una ban-

da, pero lo hemos conseguido. La verdad es que ‘Souvenir’ nos encanta” Y, ¿qué le encanta a Mendetz disfrutar desde el auditorio? (Jan Martí, voz y teclado) “Cuando estamos juntos viendo un concierto siempre nos ponemos de acuerdo en que nos gusta una banda cuando se lo curra, cuando está tocando lo que suena, está sintiendo lo que toca, y está transmitiendo lo que siente. Da mucha rabia ver a grupos que hacen casi playback... me sabe mal decirlo, pero Cut Copy en directo hacen menos que Bustamente en la gala de ‘Murcia, Qué Hermosa Eres’, y eso que tienen un discazo”. Una cosa, ¿me pueden ustedes explicar los motivos de la tremenda admiración que le tienen a Kase O de Violadores del Verso? Tarde o temprano habría que poner a Mendetz en contacto con el MC zaragozano… (Jan) “Somos fans desde el 94, cuando los amigos maños de Stefano le pasaron las dos primeras maquetas de Kase O... Ahora suelen sonar los discos de Violadores en la furgoneta, normalmente el domingo, el día de vuelta, cruzando la meseta. Mientras grabábamos algunos pasajes de ‘Souvenir’ pensábamos que funcionarían a lo grande como bases de hip-hop, algunas un poco funk, algunas más oldchool, algunas del palo Timbaland o Neptunes, y que sería la hostia que don Javier Ibarra (Kase O) rapeara encima. ¡La próxima vez que vayamos a Zaragoza tenemos que quedar con él!”. ■ Rafa Angulo ➲ Mendetz visten Jeans Levi’s® 501® y tops de Levi’s® Red Tab”

“Souvenir” está publicado por Sinnamon

(ENTREVISTA /30/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

Green Day

Amor en tiempos de revolución Puede que Bush haya abandonado la Casa Blanca, pero aún queda mucho por lo que luchar. Al menos eso creen los californianos Green Day, quienes cinco años después del exitoso “American Idiot” regresan con “21st Century Breakdown”, una ópera rock sobre el caos, el amor y la libertad. Punk pop para las masas, sí, pero el mejor del mercado. Hablamos con Billie Joe Armstrong sobre The Clash, los Simpson y cómo combinar popularidad e integridad.

i siguen ahí significa que han dejado a un lado los prejuicios. Han elegido bien. Probablemente Green Day haya formado parte de la banda sonora de su adolescencia, algo, ojo, no necesariamente negativo, y eso les haga tomar cierta distancia. Están en su derecho. Pero su caso nos recuerda que entretenimiento y calidad, a veces, van de la mano. Hagan la prueba. Pónganse “Dookie” en el iPod camino del trabajo y una de dos: o sienten una explosión de ímpetu juvenil en el pecho y terminan subidos a un skate o haciendo campana en algún parque; o cogen la

baja por depresión recordando lo mayores que se han hecho. Ésa es la energía y el influjo del tercer álbum de la banda, todo un clásico del punk rock melódico que lideró la revitalización del género a mediados de los noventa junto a “Smash” de The Offspring y “…And Out Come The Wolves” de Rancid. La buena noticia es que el trío de California pasa en los últimos años por el mejor momento de popularidad de su carrera, además de por una segunda juventud creativa. El motivo: “American Idiot” (Warner, 04), un trabajo ambicioso, político y generacional que ha despachado ya más

de trece millones de copias. El salto definitivo a las masas y el refuerzo de los argumentos en contra por parte de los alérgicos al mainstream. Que se vayan preparando, sobre todo si tienen MTV en casa. Porque los autores de “Basket Case” y “Welcome To Paradise” editan nuevo disco, “21st Century Breakdown”, con el que esperan repetir, cinco años después, el descomunal éxito de “American Idiot”. “Ha habido presión, pero creo que es mejor no ignorarla y utilizarla en tu beneficio”, responde vía telefónica desde Oakland un cercano Billie Joe Armstrong. “Nuestro anterior disco nos dio la oportunidad de

mucho dolor (risas)”. El resultado, pese a contar con Butch Vig (Nirvana, Smashing Pumpkins) como productor, hereda claramente el sonido de su antecesor, aunque introduce también algunas novedades. Entre ellas, el sorprendente latido balcánico de “Peacemaker” o el aroma cabaretero de “Viva La Gloria (Little Girl)”. “Salió de forma natural. ‘Peacemaker’ tiene bastante de música del Este y algo de los primeros Berliner” –prototipo de gramófono cuyos discos de cinco pulgadas se comercializaban inicialmente tan sólo en Europa-. “The Clash ya se interesaron por la world music, aunque todo ha sido

“Es un disco sobre la desesperación... sobre el huracán Katrina, los fanáticos religiosos y la crisis financiera” mejorar como músicos y compositores, y queríamos seguir evolucionando. Nos hemos tomado nuestro tiempo. Hemos invertido muchas horas y paciencia… y también

fruto de la energía que requería la canción. En cuanto a ‘Viva La Gloria’, siempre me ha gustado la manera de escribir de Tom Waits. De alguna forma, quisimos darle un

Green Day Foto Archivo

(MondoSonoro · Mayo 2009 /31/ ENTREVISTA)

aire de taberna, de whisky bar”. A su lado, los guitarrazos de la rockera “Horseshoes And Handgrenades” y de “East Jesus Nowhere” conectan, respectivamente, con Jet y Marilyn Manson; mientras que “Last Of The American Girls” se destapa como una soleada canción pop con algo de los Weezer de “Buddy Holly” y mucho de los eternos clásicos The Beach Boys. “Los he escuchado mucho, sobre todo la primera etapa surfera (risas). Amo la melodía. Siempre ha formado parte de mi manera de escribir”. Ésta incorpora cada vez más partes de piano. Como ya sucedía en “American Idiot”, se percibe de nuevo la influencia de Queen, y también de John Lennon (“Last Night On Earth”), de quien ya versionaron “Working Class Hero” para recabar fondos para las víctimas de Darfur. “Cuando compongo, simplemente, obedezco mis instintos, dejo que me lleven donde sea y finalmente junto todas las ideas”.

tra conexión con su anterior trabajo: si éste incluía canciones como “Jesus Of Suburbia” o “Homecoming”, ambas fragmentadas en cinco partes, “21st Century Breakdown” constituye un álbum conceptual dividido en tres actos. El fondo: una historia de amor en tiempos de revolución. “Éste es un disco sobre la desesperación y el caos, sobre el huracán Katrina, los fanáticos religiosos y la crisis financiera. Los protagonistas se rebelan contra esa realidad, aunque también intentan sacar algo bueno de sus problemas”. ¿Quién es el enemigo de “Know Your Enemy”? “Tú mismo puedes ser

tu peor enemigo, aunque tenemos muchas influencias negativas a nuestro alrededor, la televisión o Internet nos intoxican constantemente. Al final todo se reduce a que seas un consumidor más. Esta canción es una llamada a las armas, un levantamiento contra todo eso”. A pesar de ello, el reciente relevo en la Casa Blanca –“American Idiot” era un incisivo alegato contra la Administración Bushcambia un poco la perspectiva. “Sin duda estamos ante una realidad más esperanzadora. Aún es pronto para una valoración, pero es la primera vez en mucho tiempo que

aquello de que ser punk significa ser uno mismo y hacer absolutamente lo que te dé la gana, pero ¿Significa también mantenerse joven? “Creo que significa mantener la vitalidad. Todos en la banda nos hemos hecho mayores. Acepto, y quiero, las arrugas y las canas, porque simbolizan una especie de sabiduría. Además, cuanto más mayor me hago, siento que quiero ver, vivir y experimentar más cosas, y tengo una mente más abierta. El punk rock, por naturaleza, nos enseña todo eso, al menos el de mi generación”. Armstrong se refiere a la segunda generación del punk, surgida

“Cuanto más mayor me hago, siento que quiero ver, vivir y experimentar más cosas” tenemos a alguien inteligente ocupando el cargo de presidente. Todavía queda mucho camino por recorrer, pero creo que Estados Unidos está intentando hacer algo positivo, como es unir al resto del mundo”. Puede que tenga razón, ¿Pero está el pueblo por la labor de pensar globalmente cuando peligra su sueldo? “Creo que no tengo una respuesta a eso. No soy político. Lo que sí creo es que América es una gran isla en el centro del mundo que no hace ningún esfuerzo por motivar a sus ciudadanos, todo lo contrario, para que viajen y exploren otras ideas y culturas. Es algo nefasto, pero me gustaría pensar que eso también está cambiando”. Volviendo a la música, si algo mantienen Green Day es la energía y la frescura de sus primeros días. Ya sabemos

unos cuantos años después del triunfo mundial de The Clash. Conocidos son los problemas casi morales que experimentó Joe Strummer cuando su mítica banda empezó a saborear la fama. ¿Es difícil para Green Day lidiar con la voluble ecuación entre popularidad e integridad? “Vivimos en Oakland, en California. Aquí tengo mi familia y mis amigos, y cuando llega el momento de tomarnos un descanso, nos tomamos un descanso. Siendo consciente que sólo se vive una vez, no tengo ningún problema en ser una estrella del rock. Mientras lo utilices en un sentido positivo y creativo no veo nada malo en ello”. Un claro indicativo de que te has convertido en una verdadera rock star –casi al mismo nivel que grabar con U2, coleccionar premios Grammy o que se prepare un

musical de Broadway inspirado en tus dos últimos discos- pasa por aparecer en la ya clásica serie americana de animación “The Simpsons”. Por ella han desfilado –bueno, sus cartoons- bandas como The Who, Metallica o The Rolling Stones. Green Day debutaron en la película basada en la serie, donde morían ahogados en una memorable autoparodia. ¿Cómo se siente uno tras regresar de la tumba? “(Carcajadas) Cuando leímos el guión nos pareció muy cool y divertido. Fue un honor formar parte de los Simpson. ¡Es la prueba definitiva de que lo estás haciendo bien! (risas)”. La banda, completada por el bajista Mike Dirnt y el batería Tré Cool, ya se defendía estupendamente al empezar los noventa, cuando giraban incluso por modestos recintos españoles. Aunque eran más inexpertos. “Sin duda, hemos madurado bastante desde entonces. Ahora sabemos cómo manejar las cosas. Creo que éste es el mejor momento de Green Day de los últimos veinte años”. Una sentencia optimista, como el mensaje que cierra “21st Century Breakdown”. Su última canción, “See The Light”, alumbra la salida a la actual crisis global. “Todo el disco, de principio a fin, trata de encontrar esa luz, una verdad a la que agarrarse en un tiempo tan convulso y oscuro como el nuestro. Tengo la esperanza que llegaremos hasta ella”. ¿Quién dijo ‘no future’? ■ David Sabaté “21st Century Breakdown” se publica el próximo 15 de mayo vía Warner. Green Day estarán en Madrid (29 de septiembre, Palacio de Deportes) y Barcelona (1 octubre, Palau Sant Jordi).

Lacrosse

Extraperlo

Piano Magic Fotos Dani Cantó

(MondoSonoro · Mayo 2009 /35/ CONCIERTOS)

Frank Ferdinand Foto Ricardo Pizana

La Plaça Odissea Lugar Maremagnum (Bcn) Fecha 16-17-18/04/09 Estilo pop rock Público lleno Promotor Depo & Maremagnum A menudo, los factores climatológicos correspondientes a la primera etapa primaveral se caracterizan por una inestabilidad latente. Durante el fin de semana del 16 al 18 de abril el clima fue la espada de Damocles que amenazó el festival. Pero eso no impidió que la gran masa Indie barcelonesa atravesara el puente que une el Paseo Colón con el complejo portuario Maremagnum para asistir a los conciertos del festival de la Plaça de la Odissea que programan los propietarios del mítico Bar Depósito Legal desde l’Hospitalet. En su tercera edición, el festival delata una clara madurez y consigue mezclar propuestas emergentes de calidad (léase Valero) junto a la presencia, por primera vez en el festival, de artistas internacionales como Lacrosse y Piano Magic. Todo empezó el jueves, en un arrebatado escenario interior, situado en la segunda planta del edificio del centro comercial del Maremagnum. El Tarántula, Joe Crepúsculo, ofreció su show habitual a excepción de que el antepenúltimo tema lo compartió con algunos de los miembros de Extraperlo, quienes le acompañaron en coros, entre un ambiente amigable. Antes de Joe Crepúsculo estuvieron actuando Valero y Marcel Cranc. Los primeros, que se establecen como una de las propuestas emergentes más interesantes

de la escena independiente barcelonesa cuentan con un background musical envidiable forjado en una base de pop rock de calidad y finura. El mallorquín Marcel Cranc supuso la propuesta más intimista del jueves y Extraperlo, a última hora, ofrecieron un concierto simplemente genial. Para el viernes se reservaban dos de los platos fuertes del festival. Abrió la tarde el grupo sevillano de pop compuesto a la vieja usanza, Bombones, quienes ofrecieron un show sin altos ni bajos ante la mirada atenta de los más puntuales. Les siguieron Lacrosse, quienes protagonizaron uno de los mejores conciertos del festival, en el que además presentaron temas de un nuevo disco que por lo que parece apunta maneras. Finalmente Antonio Luque cerró una completa noche de viernes, tocando únicamente canciones de los tres últimos álbumes de Sr. Chinarro. El sábado, Cuchillo firmaron un concierto fino en la línea de su folk místico de capas y percusiones psicodélicas. El concierto de Klaus & Kinski no me resultó extremadamente apoteósico, pero el de Piano Magic sí cumplió con lo esperado. Quizás con la masa de público más fiel delante del escenario, los ingleses embalumaron de ritmos progresivamente oscuros un lugar poco acostumbrado a esos estilos. Arnau Sabaté

Franz Ferdinand + Mando Diao 1111 Sala Palacio de los Deportes de la Comunidad (Madrid) Fecha 3/4/09 Estilo rock para bailar Público sold out Promotor Live Nation Los grupos feos son mejores. Es una ley empírica creada por Stooges, heredada por Ramones y llevada a categoría de mito por los que unas horas antes en el Palacio nos habían recordado de qué va este negocio: AC/DC. Se volvió a demostrar el viernes. Después de que los guapísimos Mando Diao animaran a la chavalada apoyados en nuevos hits como “Dance With Somebody”, los caretos de los Ferdinand recordaron a los suecos por qué después de cinco discos siguen haciendo de teloneros. Desde que abrieron con “The Fallen”, quedó claro que aunque el señor Kapranos no tiene de Freedy Mercury más que la piñata, a su banda le sobra elegancia y cojones para realizar un concierto memorable. En un escenario austero, la rabia y las ganas que pusieron los

de Glasgow para ir tirando de temazos (que no son pocos), fue la clave para que desde arriba el suelo del Palacio se viese como una continua marea. “¿Os gusta bailar?”, pregunto Álex, y desde “Michael” a “Jacqueline” aparecieron todos los nombres que han marcado una carrera que no ha hecho más que mejorar. Además, según avanzaba el metraje nuevos sustantivos como “Ulysses”, “No You Girls” o “Turn It On” tomaban de la entrepierna un concierto de hora y media que no dio tregua. Acabaron con “This Fire”, y después de cantar que iban a quemar la ciudad dieron un paso al frente, saludaron y se fueron con la cabeza bien alta. Hace unos días en el mismo lugar, al guapete Brandon Flowers le habrían hecho llorar como una nena. Tomás Martínez

Un proyecto de TheLoveComes Foundation para cumplir los sueños de los niños de Aldeas Infantiles SOS. Nanas pop, nanas rock, nanas rap, nanas folk... Composiciones originales de:

Miqui Puig - Amaral - Nena Daconte Love Of Lesbian - Delafe y las Flores Azules Vetusta Morla - Standstill - Sidonie Giulia y los Tellarini - Maria Villalon - Zahara

Colabora:

Descargas solidarias en www.supernanas.org a partir del 22 de Mayo

AC/DC Foto Carles Photopass

(MondoSonoro · Mayo 2009 /37/ CONCIERTOS)

AC/DC 1111 POR Y PARA LA MÚSICA EN DIRECTO

Sala Palau Sant Jordi (Barcelona) Fecha 31/12/2009 Estilo rock duro Público sold out Promotor Live Nation En pleno desparrame efectista de los habituales cañones, campana infernal, plataforma elevadora y muñeca inflable, me dio por pensar en que el triunfo inapelable de la banda australiana se debe, en gran medida, a que AC/DC a duras penas se han movido del guión durante décadas, ofreciendo cada cinco años todos los manidos tics del género que es, al al fin y al cabo, lo que su seguidor desea. Si otras bandas de hard rock como Aerosmith, Van Halen o Kiss han necesitado a lo largo de su carrera buscar vías de escape creativas o dar un nuevo paso, ya fuera hacia el AOR o directamente el rock más comercial y radiable, los de Angus Young no. Ellos, como Ramones en su época, siguen y seguirán tirando de lo de toda la vida: Riffs de guitarra tan viejos como el mísmisimo Chuck Berry para los que no importa que la fórmula esté agotada (que lo está) y teniendo muy en cuenta que la mayoría de los presentes en el Palau Sant Jordi lo que queríamos eran clásicos como “Back In Black”, “Dirty Deeds Done Dirt Cheap”, “The Jack”, ”T.N.T.”, “Whole Lotta Rosie”, “You Shook Me All Night Long”,”Hell Bells”,”Highway To Hell” o “For Those About To Rock”. Los tuvimos. Al igual que tuvimos temas de su último trabajo, sabiamente dispuestos e intercalados entre los de toda la vida. Por ello, su triunfo era tan previsible como el espectáculo y la sonrisa de oreja a oreja del aficionado tras el concierto. Una satisfacción tan sincera como la que exhibe un niño en Port Aventura, pues mucho de Dragon Khan audiovisual tuvo una espectacular puesta en escena basada en el descarrilamiento de un tren alimentado por carbón, que es el principal atrezzo de un escenario tan diabólico como los cuernos luminosos que triunfaron en el merchandising de la banda. Y es que puestos a no vender discos, el futuro está en los cuernos de plástico o en la venta de calzoncillos con el logo de la banda como los que nos mostró en pleno striptease hardrockero el peso pluma de Angus. Y es que hasta su torso desnudo y sudoroso se conserva como en los viejos tiempos, no así la calva incipiente que denota el inevitable paso de los años. Don Disturbios

9ED9?;HJEI C7OE (&&/ 7IJKH?7I"97DJ78H?7" 97IJ?BB7 B;äD" ;KIA7:?" =7B?9?7 O B7 H?E@7 Asturias

Galicia

Savoy (Gijón)

A Reserva (Carballo, A Coruña)

Wipoolwill (Oviedo)

Aturuxo (Bueu, Pontevedra)

22/05 Los Peces

23/05 Miguel Costas

01/05 Miguel Costas 09/05 Narf

Bar Liceum (O’Porriño,Pontevedra) 29/05 Vilma y Los Señores

Castilla León Atomiko Cafe (Ávila)

14/05 El Tío Calambres La Oveja Negra (Segovia) 02/05 Silvia Penide Wallaby (Valladolid)

08/05 Los Guapos

Euskadi

Café Auriense (Ourense) 23/05 Ácido C

La Fábrica de Chocolate (Vigo, Pontevedra) 09/05 Miguel Costas

La Iguana (Vigo, Pontevedra) 23/05 Los Peces

30/05 Vilma y Los Señores

Tunk (Irún) 08/05 Narf

24/05 Ácido C

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Akasha (Marchena, Sevilla) 15/05 Silvia Penide 16/05 Kérkennai

22/05 ProjectdeFak Café Dada (Rota, Cádiz)

16/05 El Tío Calambres

Woodstock (Cádiz) 02/05 Ácido C

Milwaukee (Puerto de Sta.María, Cádiz)

22/05 El Mentón de Fogarty La Sala Café Club (Ceuta)

Adanowsky Foto R. Tomás

Cortijo El Cartero (Vejer, Cádiz) 15/05 El Tío Calambres 03/05 Ácido C

17/05 El Tío Calambres Fonda Utopía (Benalup, Cádiz) 23/05 El Mentón de Fogarty

7H7=äD" 87B;7H;I" 97J7BKz7" CKH9?7 O L7B;D9?7 Edén (Huesca)

08/05 El Tío Calambres 22/05 Kumar

29/05 Las Culebras La Lata de Bombillas (Zaragoza) 03/05 Le Petit Ramón

Cataluña Harlem Jazz Club (Barcelona) 13/05 ProjectdeFak

Monasterio (Barcelona) 17/05 Abracanalla

Café del Teatre (Lleida) 16/05 Abracanalla

Sala Salamandra (L’Hospitalet) Fecha 21/04/09 Estilo teatral Público 400 personas aprox. Promotor El Volcán

Castilla LaMancha Pícaro (Toledo)

07/05 Los Guapos

la inmortal “I Put A Spell On You”. Y así entre bailoteos propios de James Brown, canciones que recuerdan a Bunbury como “Mátense ya” o la preciosa “No”, con ese toque melacólico y de crooner latino y un mucho de todos los ingredientes que el rock’n roll ha ido acumulando década tras década de The Rolling Stones a Marc Bolan, pasando por Andrés Calamaro, nos encontramos con un Adanowsky que da mucho más en directo de lo que ofrece en disco. Tras Adanoswky, Tonino Carotone lo tenía difícil y en cierta medida me defraudó. Hacía mucho tiempo que no tenía noticia de él y tampoco había tenido ocasión de escuchar su nuevo álbum, cuyas copias por cierto acababan de llegar a la oficinas de su discográfica esa misma mañana, pero lo suyo tuvo un mucho de orquesta de verbena en la que un elegante Carotone, con smoking y bastón, ejerce de maestro de ceremonias, pero dejándose ayudar demasiado por una corista que incluso tiene su momento de gloria en la versión del “Parole Parole” de Celentano en la que toma el papel de solista sobre el escenario. Y es que a Tonino se le acaba apreciando más por lo de entrañable que tiene el personaje que por su pericia como músico y cantante. Lo inaudito es que en Italia se le quiera de una forma que en España tan sólo puede causar estupor. Don Disturbios

Zero (Tarragona)

16/05 Club Sibarita

Murcia Café Zalacain (Murcia) 14/05 Silvia Penide J.R. Club (Murcia)

21/05 Vilma y los Señores

Valencia Café del Duende (Valencia) 09/05 Abracanalla

Kafé de la Kaku (Villena, Alicante) 08/05 Los Peces

El Loco (Valencia) 26/05 Kumar

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Extremadura

Debe ser un coñazo que en todos los comentarios o referencias generadas por tu actividad artística salga mencionado el nombre de tu padre, pero es que en el caso de Adanowsky la alargada sombra paterna es imposible de obviar. No en vano su hijo ha tomado buena nota de los actos de psicomagia que su afamado padre Alejandro Jodorowsky administra a sus pacientes para superar traumas y los aplica con desparpajo e inteligencia sobre el escenario. No es nada que no hayan hecho antes personajes como Alice Cooper y su teatrillo del terror o Iggy Pop y su crema de cacahuete. La diferencia estriba en que estando Adanoswky más próximo a la impostura típica del vodevil del primero que de la fiera actitud real y esquizoide del segundo, tanto teatro efectista acaba por eclipsar la música y eso, cuando se trata de un concierto, es peligroso. Corres el riesgo de que la gente te recuerde más por montar el número que por las canciones. Y la verdad, sería algo injusto porque en directo Adanowsky, metido en la piel de “El ídolo”, exprime y revitaliza los temas de su único trabajo hasta la fecha, con una banda de rock clásica que por momentos recuerda al Beck de la gira de “Midnite Vultures”, cuando no rinde homenaje, como discípulo que es, a Screamin’ Jay Hawkins disfrazándose de demonio para interpretar una versión de su clásico

01/05 Ácido C

02/05 Ácido C

Aragón

Adanowsky + Tonino Carotone 111

The Fox Tavern (San Fernando, Cádiz)

Mercantil (Badajoz)

21/05 ProjectdeFak Arte y Acción Belleart (Cáceres) 23/05 ProjectdeFak

La Belle (Cáceres)

14/05 Vilma y los Señores

Madrid Galileo (Madrid)

14/05 Los Peces La Boca Lobo (Madrid) 01/05 Silvia Penide 15/05 Club Sibarita

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada. UN PROGRAMA DE: CON LA COLABORACIÓN DE:

GOVERN DE LES ILLES BALEARS Conselleria d’Educació i Cultura

De Vito

Elastic Band

Nacho Vegas y Cristina Rosenvinge Foto Keka Claros y Pelotte

( CONCIERTOS /38/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

Festival Extratonauta 1114 Sala Industrial Copera (Granada) Fecha 28/03/09 Estilo pop y baile Público lleno Promotor La Máquina de Escribir Con todo prácticamente vendido y un cartel plagado de galácticos del indie patrio, sólo la baja de última hora de El Columpio Asesino podía restar nota a un Extratonauta que en su cuarta edición optaba a sobresaliente. No cabe duda de que los pamplonicas se echaron en falta, merced a su excelente estado de gracia actual. Con intención de ocupar su lugar que en el cartel se presentaron Notes To Myself. Los malagueños no tuvieron ningún vértigo a la hora de abrir fuego en una noche que prometía grandes momentos. Para romper el hielo no hay nada como el filo de las guitarras y la rabia contenida de un set comprimido según las circunstancias. El paseo por la estratosfera pop incluía este año viaje en el tiempo con la reaparición de Mama Baker, santo y seña del “Granada Sound” de los noventa, en una ocasión única -así lo apuntaron ellos- para recuperar clásicos populares como “Pablo”, “Cuando te vi”, “Oxidado”… Un repertorio que viendo la planta, electrizante y contundente, con la que el quinteto lo defendía en la Copera, invitaba a una reflexión sobre a dónde podría haber llegado este proyecto si la diosa fortuna les hubiera sonreído. Tanto como la musas lo hacen a menudo con el tercer extratonauta de la noche. Nacho Vegas subió al escenario en el momento en el que apenas podía correr el aire en la sala, bien acompañado por su fiel escudero Xel Pereda, así como una banda en la que sobresalía la magia a los teclados de Abraham Boba. Sólo le quedaba libre el flanco derecho y, tras abrir con su ya popular oda a Michi Panero, saltó al escenario Cristina Rosenvinge. Entonces el público levitó a falta de espacio en suelo firme para corear junto a la pareja de moda “Días extraños” y “Junior Suite”. Ocho temas en total para un set que se hizo corto y que tuvo su colofón con “Perdimos el control” y un “Noches árticas” con final de estruendo guitarrero. El asturiano le hizo un quite a Lori Meyers digno de los mejores maestros y los granadinos jugando en

casa y en su mejor estado de forma entraron directamente a matar. Y de qué forma. Rockeros como nunca, se saltaron el guión armónico a medida que sus “Luciérnagas y mariposas” volaban hacia el más de millar de personas que rendidas a sus pies respondían con un coro perfecto. Igual dinámica siguieron con “Sus nuevos zapatos” y una selección de sus tres discos que alcanzó el éxtasis con “Viaje de estudios”, su primer hitazo, para rematar con un Noni a pecho descubierto y micrófono danzando por el espacio sónico de “Alta fidelidad”, sin duda la sintonía de este Extratonauta. Pero la exhibición granadinista no acababa todavía. Elastic Band eran conscientes de que no podían dejar escapar vivo ese toro y antes de que el público tomara aliento hicieron uso del magnetismo de su flamante debut, “Boogie Beach Days” (Rock On, 08) para firmar el mejor concierto de la noche. Pablo Román, Daniel Díaz y David Fernández forman un triángulo equilátero sobre el escenario que no se desdibuja en ningún momento. Ritmos atronadores, equilibrios imposibles de la mandolina diabólica de Pablo que rascaba su voz hasta el extremo y un público que no salía de su asombro confirmaron a Elastic Band como la última reencarnación del siempre pródigo pop granadino. Ya sólo tocaba danzar como malditos y eso es lo que jalearon los maños DeVito al grito de “Hey Co”. Los extratonautas volcaron lo que le quedaba en sus bolsillos y dieron merecida recompensa a este trío supersónico que contagian de su caos sobre el escenario y destrozan cinturas a poco que les des un metro de distancia. Por si fuera poco a Alberto (alias Fuxedo) le comunicaron a medio concierto que habían aparecido las llaves perdidas de su coche, entonces ya la armaron. La noche quedó en manos de Ufo Kidnappers -ojo con ellos- que alargaron la órbita extratonautica hasta no se sabe dónde, ni cuándo. Que la fuerza nos acompañe, decían algunos. Arturo García

escaparate

The Joe-K Plan

Hermano L Viene de: Mallorca/Barcelona Publica: “Malo hasta el hueso” (Coffy Records, 08) En la onda de: La Puta Opepé, Black Uhuru, Mr. Rango

Pájaro Sunrise! Foto Archivo

Viene de: León Publican: “Done/Undone” (Lovemonk, 09) En la onda de: Stars, Micah P. Hinson, Wilco

necesitaría a varios músicos aquí se estructura en sólo dos personas. “Lo cierto es que The Joe K-Plan comenzó en formato trío. Tocábamos con un bajista cuando empezamos. En un dúo tiene que haber mucha comprensión para hacer todo de una manera equitativa, únicamente hay dos opiniones en juego y estas tienen que llegar de alguna manera a la misma conclusión, a veces es fácil y otras imposible, ya que no hay una tercera persona que dé su opinión. Respecto a lo demás, creemos que funcionamos como una banda cualquiera, con sus penas y sus alegrías”. “Rigan Asesino Olibia Vencerá” es un debut a tener en cuenta, y que además se puede descargar de forma gratuita en la web de Aloud Music. ■ Natxo Sobrado

Hermano L Foto Archivo

Yuri Méndez tiene veintinueve años. Hace unos meses se disolvió el grupo en el que tocaba. Más que disolverse se transformó en otra cosa: Pájaro Sunrise pasó a ser él y sus canciones. Así que este disco, el segundo, es muchas cosas a la vez, quizá por eso es doble: cuando pasan cosas que no esperas hay que abrir el espacio de proyección. “Ha sido doloroso. Nos metimos tres personas a grabar una treintena de canciones con ideas dispares y no pudimos o no supimos ponernos de acuerdo. No he escuchado mucho el disco, ya tuve suficiente. Pero estoy contento con él”. “Done/ Undone” son veintidós canciones. Por un lado están las que Méndez hizo solo, en casa, remoloneando con su guitarra. Por otro, el lado más sofisticado del grupo donde lo electrónico se acopla y ajusta a la melodía con igual naturalidad que una acústica. “Creo que el truco está en grabar en casa y con pocos medios, de forma que al final aspiras a lograr algo con lo que tienes delante…”. Manoseando cuerdas y enchufes, la continuación al debut, “Pájaro Sunrise” (Lovemonk, 06), supone un paso más en la evolución de Méndez como músico a todos los niveles, especialmente en cuanto a esa capacidad, envidiable, por crear el tipo de canciones perfectas para su voz (algo así como lo que consiguió Lou Barlow con Emoh). Pero la definición de música bonita a veces resulta demasiado hueca y plana para calificar unas canciones (“… es tranquilo y tiene melodías, por eso la gente dice que es bonito”) y unas letras que desnudan a su autor y también a quien escucha. “Eso tiene que ver con querer ser sincero. El anterior disco fue escrito en un momento que requería esconderse, pero aquí no hubo manera de algo así”. Beatriz G. Aranda

Pájaro Sunrise

Como dices, donde realmente se aprecia nuestro sonido es en directo ya que es donde nos sentimos más a gusto. El objetivo ahora es que poco a poco el sonido del grupo se enriquezca tanto del directo como de la experiencia en estudio”. Tras un particular título inspirado en una pintada de su ciudad se encuentran cincuenta y cuatro minutos de post-hardcore instrumental que ellos dicen componer partiendo de “casi siempre una línea de guitarra o un ritmo de batería para después ir desarrollando y estructurando esa idea hacia algo que nos transmita lo que buscamos. La improvisación también entra dentro de nuestra composición, a veces de una manera controlada, otras dejándonos llevar por lo que tocamos”. Un estilo que a priori

Tras la separación de La Puta Opepé, El Hermano L ha vivido una época de hiperactividad, aprendizaje y soundsystems cada fin de semana, haciendo contactos y dando forma a un primer trabajo, “Malo hasta el hueso”, que lo sitúa en primera línea del dancehall y el ragga nacional. La Puta Opepé siempre fue una anomalía en el mundo del rap nacional: por su estilo, por su procedencia y porque jugaban al despiste con álbumes conceptuales siempre publicados un año y medio antes de que el mundo estuviera preparado para escucharlos. Tras la separación del grupo El Hermano L instaló su base de operaciones en Barcelona y se ha pateado media España acompañando a Nyabingi Sound y The Ranking Soldiers. “Malo hasta el hueso” es la crónica de ese viaje, su debut discográfico en solitario y, además, un disco que puede marcar un punto de inflexión en la escena por cuanto tiene de cruce de estilos. “Quiero pensar que todo cuaja, a pesar de ser un disco muy heterogéneo”, explica Juan Carlos Alonso, el hombre detrás del alias, aunque aquí todo el mundo le llama Alolo. “Tenía claro que quería juntar ragga con hip hop, hacer algo de dancehall y hacer reggae. Me lo he planteado como un viaje. He circulado por todo el país y trabajado con gente muy diversa”. La nómina de contribuidores incluye a Mycal Rose, miembro de Black Uhuru, Professor Angel Dust, Flavio Rodríguez y su ex-compañero en La Opepé El Charro de las Calaveras. “El reggae está creciendo. Ahora cada ciudad tiene su soundsystem, es un mundo muy competitivo”. ■ Joan Cabot

“Engrandecer los pequeños instantes que surgen a lo largo del día, algo tan básico como tomar un té con tu gente son detalles que se pierden sin darnos cuenta. Ese amanecer que incita a devorar con los que te rodean cada segundo de luz es una manera de transmitir el poder de seguir vivo y todas las posibilidades para crecer como persona”. Eso es lo que sugiere la imagen de la portada de “Buenos días voluntad”, en boca de Estirpe. Esas ganas y el deseo de querer cambiar de verdad las cosas se intuyen en unas canciones con un peso épico aplastante, muestra de la constante evolución de los cordobeses. Ya el himno con aires de coro de iglesia de “En el nombre de quién” anticipa sus líneas maestras. “’Océanos en desierto’ es una especie de ‘rock andaluz’ de este nuevo siglo. Combina sensibilidad y dureza de una forma increíble. Tiene unos aires muy andaluces y a la vez tiene un ritmo trepidante y caótico, que va en la línea de la letra de la canción por lo del cambio climático y el consumo de recursos que estamos haciendo”. Como ven hay para dar y tomar. Desde la impostura melodramática a lo Muse de “Te seguiré”, con scratch de DJ Bicho incluido, hasta la emotiva balada de “El último pétalo”, con unos epatantes violines a cargo de Luis Rubén Gallardo. Las novelas de Paul Auster o la poesía de Benedetti son algunos referentes a la hora de escribir, aunque prefieren no casarse con nadie. “Las letras de este disco son más Estirpe que nunca. Hablan mucho del grupo, de lo que hemos vivido, de lo que nos ha ocurrido, y de que tampoco somos inmunes a los problemas y a las tragedias que han ocurrido en estos años”. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

Estirpe Vienen de: Córdoba Publican: “Buenos días voluntad” (Lengua Armada, 09) En la onda de: Muse, 30 Seconds To Mars, Radiohead

Estirpe Foto Archivo

he Joe K-Plan acaban de publicar “Rigan Asesino Olibia Vencerá” y aún quieren volver al estudio para seguir grabando más temas. El dúo, formado por César y Mario, llevan años protagonizando unos directos brutales (lo que ofrecieron en la Demoscópica de Madrid fue de nota) y en este nuevo álbum buscan transmitir lo mismo. “De cara al disco queríamos hacer algo que fuese muy fiel al directo”, comenta Mario. “Grabamos los dos al mismo tiempo con todos los loops de guitarra en las mismas tomas y guiándonos de la misma manera que lo hacemos en los ensayos y conciertos. El contenido de ‘RAOV’ no es ni más ni menos que el resultado de lo que estábamos haciendo en ese momento tal cual somos musical y emocionalmente.

The Joe-K Plan Foto Archivo

Vienen de: Madrid Publican: “Rigan Asesino Olibia Vencerá” (Aloud Music, 09) En la onda de: Don Caballero, Hella, The Locust

Mazoni Foto Archivo

Mazoni Vienen de: La Bisbal de l’Empordà (Girona) Publican: “Eufòria 5–Esperança 0” (Bankrobber, 09) En la onda de: The Rolling Stones, Graham Coxon

Vienen de: Madrid Publican: “What Crisis? This Crisis” (Green Ufos, 09) En la onda de: Stereolab, The Flaming Lips, Belle And Sebastian No todo es tormento y frustración en la vida del crítico. De vez en cuando aparecen canciones por las que merece la pena la búsqueda de las melodías que nos hagan sentir algo. “Better Than The Movies”, el primer corte de “What Crisis? This Crisis”, el segundo largo de Underwater Tea Party, es una de ellas. Directa, pegajosa y tan intranscendente como el amor más verdadero. ¿La olvidaremos pronto? Puede, pero nos ha hecho pasar los mejores momentos que recordamos en los últimos meses. Martí Peramau tiene varios motivos para sentirse orgullo de su nuevo disco, uno de ellos es haberlo sacado adelante. “La verdad es que ha sido un horror conseguir publicarlo porque nos quedamos sin sello a mitad de la grabación. Entre que acabamos de grabar (un par de meses) y que conseguimos uno nuevo pues ha pasado casi un año”. Green Ufos es la encargada de poner en circulación unas canciones que no por llevar bastante tiempo compuestas han perdido alegría. “Cuando escucho el disco todavía me suena fresco, y no me ha pasado con ningún otro que haya hecho anteriormente. Eso significa que o está bien grabado o las canciones son buenas. Las pocas veces que

las hemos tocado en directo han funcionado muy bien”. Ni la forma de grabar fue la más convencional ni la estabilidad de la formación algo que ayudara, pero superaron el examen con nota. “Hemos cambiado mucho como grupo. El disco se grabó con otro batería que se ha tenido que ir a Praga por motivos de trabajo y ahora hay uno diferente. Lara (voces) grabó el disco, pero no va a poder venir de gira con nosotros porque se tiene que dedicar a salvar el mundo con su oposición de diplomática. Ha entrado otra cantante y está funcionando muy bien. El directo está más dirigido hacia mi voz y va a ser un cambio que en el tercer disco se va a notar mucho. Grabamos en varios estudios y en casa. Decidimos que era mejor inversión puesto que lo íbamos a pagar nosotros, dedicar el dinero que teníamos a las mezclas. Las ha hecho John McEntire y estamos encantados”. El próximo 8 de mayo en la sala El Sol de Madrid será la ocasión de comprobar si su optimismo está justificado. ■ J. Batahola

The Jim Jones Revue

Underwater Tea Party

Más información en:

www.mondosonoro.com

Vienen de: Inglaterra Publican “The Jim Jones Revue” (Punk Rock Blues/Locomotive, 09) En la onda de: Jerry Lee Lewis, MC5, Little Richard The Jim Jones Revue tiene toda la pinta de ser sobre los escenarios una salvaje maquinaria de rock’n’roll primitivo, crudo y furibundo. Los espectros de Jerry Lee Lewis, Screamin’ Jay Hawkins, MC5 y demás malas hierbas se dan cita en “The Jim Jones Revue”, el descarnado debut homónimo de la banda de un tipo que ya lideró en su día a Thee Hypnotics o Black Moses. Que el sonido del disco sea tan rasposo y directo, como una olla de grillos a punto de estallar, obedece a una autoproducción de razonamientos bien simples. “No teníamos ni tiempo ni dinero, así que no había elección. Pero sí que sabíamos desde un principio que no valía la pena hacer algo demasiado pulcro o mediocre… ¡tenía que ser brutal y violento!”, explica Jim Jones, quien también reconoce que sus diez abrasivos temas están diseñados para ser ejecutados sobre un escenario. “El grupo es una experiencia de directo. De hecho, una de las razones por las que hicimos el disco era para documentar cómo nos desenvolvemos sobre el escenario. Eso sí: ningún video o grabación puede captar la energía del contacto humano y real que implica el directo”. No hay duda de que su propuesta indaga con descaro y entusiasmo en “el rock and roll de los cincuenta, conducido por el piano, y pasado por el filtro de hoy. Esa es la inspiración básica del grupo. ¡Puedes esperar crudo rock and roll! Un bocado de su espíritu original, tal y como fluye por The Jim Jones Revue… ¡puedes esperar algo puramente real! ¿Y qué podemos esperar nosotros del público español? ¡Espero ver a la gente subiéndose a las mesas y baliando como animales!”. ■ Carlos Pérez de Ziriza The Jim Jones Revue estarán en Bilbao el 7 de mayo, Burgos (8 mayo), Cáceres (10 mayo), Valladolid (11 mayo), Madrid (13 mayo), Valencia (14 mayo), Vila-Real (15 mayo), Vidreres (16 mayo) y Barcelona (17 mayo).

Underwater Tea Party Foto Archivo

Sin duda al sevillano se le quedaron muchas cosas en el tintero en su anterior trabajo, e incluso se le abrieron nuevos frentes desde el momento que accedió al star system del hip hop patrio. Todo y todos han tenido su correspondiente replica en “Mi llama”, con la que no ha bajado el tono de su discurso ni un ápice, es más, se diría que lo ha subido un par de puntos más. “Pienso que este disco es mucho más cañero que el anterior, mucho más hardcore”. Su firmeza también se refleja en su forma de trabajar, no hay que olvidar que desde sus primeras maquetas ha contado con colaboraciones de lujo (Acción Sánchez, Ozone..) y esto le ha dado cierta disciplina de trabajo que deja poco a la improvisación a diferencia de otros MC’s. “Al estudio he llevado todos los temas terminados, todas las letras atadas y bien atadas; eso da más seguridad sobre todo si quieres hacer un álbum contundente”. Por eso “Cachos de maldad” ha sido el primer single del nuevo álbum. “Si tenemos que elegir un tema que defina el disco es sin duda ‘Cachos de maldad’ por su fuerza, por su velocidad, porque es el que tiene más juegos de palabras…”. Subida de tono que, entre otras cosas, viene a responder a ese debate estéril de quienes han subestimado el hip hop sevillano tildándolo de uniforme y a sus MC’s de miméticos. “Está claro que siendo de la misma ciudad e incluso del mismo barrio tengamos un acento parecido y algunos temas nos relacionen, pero cada uno tenemos una forma de rapear personal y el que sepa un poco de hip hop lo puede ver”. Por otro lado Jesuly ha ganado en oficio a la hora de empapelar sus textos sobre ese muro crossover de temas como “Venimos fuerte”, uno de los mejores que ha facturado. Pese a su juventud, es capaz de ordenar las ideas de sus textos de forma concisa. “Creo que he madurado como persona, aunque sólo tengo veintitrés años mi primera grabación la hice con diecisiete. Estoy bastante contento con la forma en la que me he expresado”. ■ Arturo García

Jesuly Viene de: Sevilla Publican: “Mi llama” (SFDK Records, 09) En la onda: Shotta, Hazhe, Dogma Crew

Jesuly Foto Archivo

The Jim Jones Revue Foto Archivo

Las nuevas canciones de Mazoni consiguen dosificar muy bien pesimismo y optimismo planteando temas como el extravío generacional (“Eufòria”), el retrato urbano (“Tres moments”), la narración fatalista (“Caputxeta”) o la canción de amor urgente (“Ei, que surt el sol!”). “A diferencia de ‘Si els dits fossin xilòfons’, que era un ejercicio de estilo, en este disco el eclecticismo y la variedad de estilos lo encontramos dentro de las propias canciones, que van mutando y pasan por varios momentos. De este modo, he conseguido mi disco más unitario, porque todos los estilos que he ido desarrollando en mis otros álbumes confluyen en el rock”. Mazoni recupera el punch eléctrico de sus canciones más intensas, herencia de lo que el grupo consigue en directo. “Presentando ‘Si els dits fossin xilòfons’ nos dimos cuenta que sonábamos mucho más primitivos en directo. En disco todo parecía más reposado. En ‘Eufòria 5-Esperança 0’ quisimos corregir esta sensación”. Las nuevas canciones de Mazoni comparten el alto voltaje (sea eléctrico o emocional). Letra y música avanzan juntas, y la voz de Jaume explora registros que nunca antes había probado. La instrumentación del grupo sigue creciendo: además de insistir en que el violonchelo puede ser un condimento altamente expresivo (en “Ei, que surt el sol!” o “Tres moments”) encontramos el interesante matiz de la batería electrónica (en “Bruixes”, por ejemplo) o la aparición puntual de un theremin. “La curiosidad es muy importante para mí. Quiero pasarlo bien, componiendo y tocando las canciones. Creo que la base de lo que puede llegar a ser trascendental empieza con la diversión”. ■ Jordi Nopca

MondoSonoro · Mayo 2009 /43/

SANTA N

“Carlos Ann y Mariona Aupí” Títere Records

POP

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Érase una vez una terraza en medio de la Barceloneta en la que Mariona Aupí (la vocalista de Fang) y Carlos Ann (pluriempleado musical) gestaron, entre arroz negro, una futura colaboración donde el tango, el pop de taberna marinera, unas dosis justas de la vertiente poética de la chânson y cierto positivismo se unieron de la mano para crear el proyecto Santa N. Aunque a pesar del tándem los duetos brillan por su ausencia, temas como “Todo para mí” (en la que Mariona despliega magistralmente la Adriana Varela que lleva dentro) o “Viajes por el subconsciente” (en el que Ann reencarna a Bunbury con su ya personal seña de identidad) convierten su debut en una banda sonora ideal para ser degustada en estos momentos en los que las bermudas y las cervezas de chiringuito se aproximan peligrosamente. La poesía de sus letras, de todos modos, resulta ser su mejor carta de presentación al ser interpretadas por dos seres inquietos que no resultan ser tan diferentes como imaginábamos. Álbum con versos para amantes de los cantautores, hilo musical para un privé… En estos tiempos, que alguien se atreva a decir que el negro es el color de la vida se merece, como mínimo, todos mis respetos. Sergio del Amo

STILL FLYIN’

“Never Gonna Touch The Ground” Moshi Moshi/Nuevos Medios

POP

111

Hay algo de inocencia reconfortante en el proyecto itinerante (en lo que a componentes se refiere) de Still Flyin’. “Never Gonna Touch The Ground” es una jam grabada de la banda, una más, tal y como el propio concepto de los de San Francisco indica, un disco vivaz y que celebra la alegría de unos tiempos que obligan a un gran ejercicio de fe para iniciativas como esta. Aparentemente reggae por el corte que da inicio al disco, es quizá más acertado estacionarlos cerca del amor que acabó desarrollando David Byrne por la world music como salvadora del stress y la ansiedad del primerísimo mundo. Así, encuadrando proyectos como este en un mundo paralelo a la feroz jungla urbana, es como uno debería partir para disfrutar con estos saxofones y ritmos sincopados (sobrevuela un cierto cariño por el revival británico de los sonidos jamaicanos), coros que son puros devaneos con el latin soul, y en definitiva una razón de ser que no es otra que la de elevar el espíritu a algo poco material y sí muy físico, a un naturalismo del que han sabido sacar un gigante partido grupos con un perfil de marketing mucho más alto: sin ir más lejos, los también felices y naïf Architecture In Helsinki. Nacho P. L.

A CERTAIN RATIO “Mind Made Up”

Le Son Du Maquis/K-Industria

POP

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Aunque muchos pretendan darnos a entender lo contrario, ya no vivimos en los ochenta. Por eso mismo, grupos como A Certain Ratio, tras su vuelta a los escenarios y su primer disco de temas nuevos en doce años, han evolucionado. Y teniendo en cuenta que for-

maron parte de una de época y un lugar con nombre propio dentro de la historia del pop, el hecho de que los de Manchester cambien de formas (aunque no de conceptos), parece que a primera vista es lo más acertado. Puede que ello lleve a algunos a rasgarse las vestiduras, porque pasar de la sequedad rítmica y la oscuridad bailable de discos como “The Graveyard And The Ballroom” a la claridad de formas clásicas y elegantes de este “Mind Made Up” -paseándose por el pop, pero implicando a soul, funk y jazz en una fiesta rítmica brillante- es sin duda una apuesta por la renovación. Acertada en tanto que renovadora, correcta en sus desarrollos y un tanto aburguesada en su perfil, pero con poco que ver con lo plantean bandas de la nueva hornada influenciadas por su legado. Y eso, a día de hoy, ya es todo un éxito. Francesc Feliu

vinilos

el pop con clase de phoenix

THURSDAY

“Common Existence” Epitaph/Pias

POST-HARDCORE

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Dejando aparte el hecho indiscutible de que el sexteto, pese a su juventud, ha logrado convertirse en un referente imprescindible para una nueva generación de bandas, siempre ha dado muestras de su inconformismo, investigando y aportando algo nuevo en cada disco. Un hecho que esta vez les ha llevado hacia una mayor complejidad de planteamientos, decantando sus desarrollos hacia estructuras –digamos más progresivas- con muchos y muy diferentes estados de ánimo. Ya no estamos ante las típicas canciones directas, con melodías perfectas y cientos de cambios enérgicos. “Common Existence” se decanta hacia un lado más sensitivo y emocional, que combina los momentos álgidos y pletóricos de fuerza –sobre todo en su primera mitad-, con melodías e instrumentaciones entornadas y más orientadas al pop. Puede que este quinto álbum suponga el momento escogido por el grupo para dirigirse hacia otros terrenos, pero es un alivio descubrir que sus composiciones no se resienten por ello. Más bien todo lo contrario. Francesc Feliu

Phoenix Foto Antoine Wagner

PHOENIX

“Wolfgang Amadeus Phoenix” EMI

POP

CHRIS CORNELL Scream Universal

POP

El problema no es probar cosas nuevas. Eso es algo lícito y hasta cierto punto, lógico. De hecho, esa garganta privilegiada ya estaba acostumbrada a dar giros de más o menos grados a su carrera artística. Lo hizo en la fructífera etapa final en Soundgarden, con su primer e incomprendido disco en solitario, y también al darle la vuelta a la tortilla en Audioslave con el núcleo duro de Rage Against The Machine a sus espaldas. Otra cosa bien distinta es que se junte con un productor tan diametralmente opuesto a él y excesivamente sobreexpuesto como Timbaland (Madonna, Jay Z, Justin Timberlake, Missy Elliott) y juntos se dediquen a dilapidar su propia y trabajada credibilidad. Cierto es que la versión de “Billy Jean” de Michael Jackson en su discreta reaparición en solitario, generó simpatías, algo que no consigue con este carrusel de loops, samples y beats... ¿Dónde coño está aquel animal que gritaba “Jesus Christ Pose”? Suponemos que en manos de una secta que le ha lavado el cerebro hasta dar como resultado este descalabro artístico. Su voz sigue ahí, pero ya no luce, no engancha. Sólo en “Other Side Of Town” asoma ese cantante soberbio que conocíamos y que, esperamos, asuma que esto es un resbalón y sepa volver al camino correcto. Toni Castarnado

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Estoy seguro que hubo un tiempo en que resultó complicado levantarse por la mañana y mirarse al espejo siendo Thomas Mars: la presión que supone convertirse en el tercer vértice del french pop -los otros dos serían, por supuesto, Daft Punk y Air- puede con cualquiera. Sin embargo, sea que compartir almohada con

Sofia Coppola templa los nervios de cualquiera (más te vale…) o que el trío parisino fue desde el principio mucho más grupo de lo que le suponíamos, Phoenix cumple diez años convertido en uno de los escasos valores en la bolsa musical actual que coquetea por igual con el indie y el mainstream cotizando al alza, tanto en el apartado artístico como en lo que a ventas se refiere. Y mira que lo tenían difícil después de firmar “It’s Never Been Like That”, un disco superlativo del que, como el cerdo, se aprovecha todo. Para conseguir la proeza han vuelto a reclutar a Philippe Zdar, cincuenta por ciento de Cassius que ya produjera su álbum de debut, cuya mano se deja notar en el primer single, un “1901” que hará palidecer de envidia a Franz Ferdinand en su exquisita colisión de pop directo y trucos electrónicos. Temazo. En el lado negativo de la balanza un par de medios tiempos atmosféricos (“Fences” y “Love Like A Sunset”, demasiado protagonismo para Zdar…) que rebajan una tensión que vuelve en la “cara B” encadenando “Lasso”, “Rome”, “Girlfriend” y “Armistice”, temas todos ellos al sobresaliente nivel de su precedente colección de canciones. Luis J. Menéndez

en la onda

TODD RUNDGREN

BIG STAR

ZOOT WOMAN

“Runt: The Ballad Of Todd Rundgren” (Ampex, 1971) 11114

“#1 Record” (Ardent, 1972)

Una influencia siempre reconocida en Phoenix que ha ido haciéndose más evidente conforme el grupo francés ha ido escorándose hacia el rock. De “Runt: The Ballad Of Todd Rundgren” dijo la revista Rolling Stone que “es el álbum que Paul McCartney nunca llegó a hacer”, una colección de canciones con la que, entre alguna que otra balada, se apuesta por un pop vibrante de corte guitarrero.

No sólo Teenage Fanclub le deben media carrera a Chilton y Bell. La que está considerada primera banda de powerpop de la historia debutó con un álbum en el que los juegos vocales competían con intrincados desarrollos de guitarras y solos gloriosos, la misma base que hace de “It’s Never Been Like That” y “Wolfgang Amadeus Phoenix” dos discos espectaculares.

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“Living In a Magazine” (Wall Of Sound, 2001)

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Ambos surgen en el arranque de esta década como cabezas visibles de una supuesta revolución que ocupó más espacio en las revistas de tendencias que en las propiamente musicales. Sin embargo, el sonido del primer disco Zoot Woman se mostraba más sofisticado, en su persecución de un pop de sintético que ahora sirve de guía a la producción de Phillippe Zdar para este disco. L.J.M.

(vinilos /44/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

el metal moderno de mastodon EL PETIT DE CAL ERIL

“I les sargantanes al sol” Bankrobber

FOLK

Mastodon Foto Archivo

MASTODON

“Crack The Skye” Reprise/Warner

METAL

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Tras dos primeros discos, “Remission” y “Leviathan”, erigidos por méritos propios como tótems incontestables del metal moderno, el paso dado por Mastodon en “Blood Mountain” abrió vías de consecuencias aún por calibrar. “Crack The Skye” ahonda en la apertura melódica trazada por aquél y constituye, en esencia y sonido, un álbum más rock, sin renunciar por ello a los desarrollos progresivos y a cierta experimentación. Estructurado en torno a la narración de un viaje astral, el cuarto trabajo de los de Atlanta inicia el vuelo con la majestuosa “Oblivion”, un medio tiempo alucinógeno en el que despuntan

las voces limpias de Troy Sanders y Brent Hinds, cada vez más cercano a Ozzy Osbourne. El apartado vocal es precisamente uno de los puntales del álbum, aunque no el único. En “Quintessence” suenan a unos Jane’s Addiction desquiciados; en el tema título, aderezado con voces robóticas, colabora de nuevo Scott Kelly de Neurosis; y el conjunto, coronado por una demencial “Last Baron” de trece minutos en la que invocan el fantasma de Frank Zappa, desprende un delicioso aroma setentas no exento de frescura. El disco se acompaña de un completo DVD de hora y media con un detallado making of del álbum, ensayos, anécdotas y demás. Aquellos que renegaron de “Blood Mountain” probablemente ni se planteen ni puedan asimilar este “Crack The Skye”; el resto, prepárense para degustar el que sin duda será uno de los discos de 2009. David Sabaté

THERAPY?

CORTNEY TIDWELL

COPILOTO

DR2 Records

City Slang/Nuevos Medios

Grabaciones en el Mar

“Boys”

“Crooked Timber” ROCK

1114

Regresan los rockeros irlandeses más esperados. Y no me refiero a U2. No, el comentario inicial está dedicado a Therapy?, una banda que desde mi punto de vista está viviendo últimamente una segunda juventud. De la mano de Andy Gill en la producción (Red Hot Chili Peppers, Killing Joke, We Are Standard) el trío de Irlanda del Norte ha conseguido en “Crooked Timber” dar una vuelta de tuerca más a su personal mezcla de rock progresivo y punk rítmico. Y es que en este nuevo álbum de Therapy? abundan los riffs densos, los punteos poderosos, los bajos gordos, las cajas marcadas y las modulaciones en la voz de Andy Cairns. Quizás el momento álgido de “Crooked Timber” se encuentre en la terna que va desde “Exiles” hasta “I Told You I Was Ill”, pasando por el tema que da título al disco, pero también debemos hacer una mención especial a “Magic Mountain”, corte que empieza como si de los Misfits se tratara para luego desarrollarse durante diez minutos exactos sin voz alguna. Por cierto, el título hace referencia a una cita de Kant, el filósofo alemán. Jordi Forés

POP

“Un segundo luminoso” 1111

Aunque inevitablemente uno al oír el segundo largo de Cortney Tidwell le viene a la cabeza la voz de la Björk más delicada y susurrante alejada del (para algunos) criticable grito gratuito, la joven estadounidense da un paso más allá respecto aquel “Don’t Let Stars Keep Us Tangled Up” que la puso en la palestra hace tres años con un álbum que la confirma como una de las artistas a las que seguir la pista durante los próximos meses. A pesar de continuar explorando diversos terrenos como el folk con tintes country (en la delicada “Being Crosby”) o el pop con guiños a la electrónica más minimalista (en “Son & Moon”, su “Cocoon” particular), nos sorprende en esta ocasión con un par de temas más cercanos al rock (“So We Sing” y la flamante “17 Horses”) en un disco de lo más ecléctico capaz de poner los pelos de punta a cualquier ser mínimamente emocional. Desgarradamente bello, inquietantemente hipnótico… lo cierto es que “Boys”, por méritos propios, se trata de un pequeño tesoro sonoro. No prediquen su devoción demasiado alto, prefiero que el secreto quede entre ustedes y un servidor. Sergio del Amo

POP

1114

En cuanto suena “Moleskine”, primera canción del disco, advertimos que Javier Almazán ha dado un paso adelante, colocándose a los mandos del vehículo y dominándolo con maestría: planea la sombra de The Byrds gracias a la guitarra de doce cuerdas de Juan Aguirre (el dúo zaragozano Amaral ha escogido a Copiloto para abrir varios de sus conciertos). El nivel compositivo e interpretativo se mantiene a lo largo de este segundo trabajo, continuación de “Defensa del artista que no existe”, combinando temas eléctricos con otros más acústicos. Eso sí, la melodía y las armonías –tanto vocales como instrumentales, con puntuales y cuidadísimos arreglos de metales- mandan: se nota que Almazán, como los valientes, se ha mirado sin complejos en el espejo de los clásicos (junto a los ya mencionados The Byrds, The Beatles y The Beach Boys, la Santísima Trinidad del Pop). Además, el oscense asume la herencia de grupos como La Costa Brava o los primeros La Habitación Roja: siendo así, parece lógico que edite el sello Grabaciones en el Mar. Sebas Puente

1111

Las influencias del weird-folk anglosajón están empezando a arraigar fuertemente en nuestro país de una manera ciertamente curiosa. Se mantienen las formas y se mezclan con elementos autóctonos de la tierra. Joan Pons viene de Guissona, un pueblo de la provincia de Lleida que puede que les sea familiar por cuestiones extramusicales y, donde el paisaje, el ritmo de vida cotidiano y la familia ha sido lo que, en buena parte, han inspirado la música de El Petit del Cal Eril des de su primera maqueta hasta éste su primer largo. Pons es técnico de sonido de profesión, excusa que le ha permitido crear un disco a medida de sus posibilidades. Aunque pudiérase definir como casero, el sonido no le delata. La meticulosidad con la que la banda cuida los detalles, hacen de éste un disco con constantes referencias al contexto que inspiró su creación. Las letras dibujan escenas típicas de la vida en un pueblo, así como te permiten cerrar los ojos y oler a tierra mojada, a fruta fresca. Discurriendo pausadamente, tras una breve introducción “I les sargantanes al sol” empieza oficialmente en el minuto y medio de la segunda canción. Instrumentos tradicionales se mezclan con electrónica, guiños a antiguas canciones folklóricas y coros infantiles. Arnau Sabaté

THE VON BONDIES

“Love, Hate And Then There’s You” Majordomo/Popstock!

ROCK

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Aunque hayan cambiado con el tiempo, The Von Bondies, léase Jason, Don, Lean y Christy, son jóvenes rebeldes que visten camisas blancas con corbatas negras estrechas y chupas de cuero, calzan deportivas, empuñan guitarras y hacen bailar salas de conciertos enteras a golpe de estribillos facilotes y ritmos puramente bailables. Con “Love, Hate And Then There’s You” firman su tercer álbum de estudio y se reafirman en la condición de estrellas para un público principalmente juvenil, aunque apostando por una fórmula más accesible que en el pasado. Riffs de guitarra rockeros y ritmos marcadamente acelerados como los de “Shout Your Mouth” o “I Don’t Wanna”, que permiten crear coros épicos y divertidos de tararear en directo. En muchas ocasiones se las ha visto teloneando a grupos grandes como Franz Ferdinand, Kasabian o The Killers (por no hablar de The White Stripes). Si continúan a este paso, difícilmente podrán pasar de invitados a estrellas de la noche. Arnau Sabaté

DEAR READER

“Replace Why With Funny” City Slang/Nuevos Medios

POP

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Nadie diría que una voz tan preciosa y libre pudiese salir de Johannesburgo, de entre tanta miseria y contrariedad socioeconómica en que está sucumbido el país surafricano. Y más si encima se la embellece con esos coros épicos con los que es fácil que uno se sienta en la gloria. Su fórmula no aporta nada que no hayamos escuchado ya miles de veces porque, aunque aislados del resto de mortales, Dear Reader ha absorbido de la

cultura occidental ese pop épico de melodía amable y limpia que nace de la melancolía. Sin duda, y es la pura verdad, si no fuera por la dulzura y pureza de la voz de Cherilyn MacNeil su propuesta no se nos presentaría tan bella. Aunque tampoco le quitemos mérito a unas estructuras pop in crescendo que saben encajar a la perfección armonías vocales extenuantes, y no nos referimos sólo a la suya sino también a esos misteriosos y angelicales cantos corales tan arrebatadores. Apunten dos títulos, los mejores: “The Same” y “What We Wanted” que encogen y a la vez pueden explicar tanta contrariedad. Y por si no les bastase: un intenso instrumental final sorpresa. “Replace Why With Funny” rebosa honestidad y sinceridad, y lo hace con optimismo. Brent Knopf de Menomena seguro que lo produjo por la pureza que desprende. Celestí Oliver

COLA JET SET

“Guitarras y tambores” Elefant

POP

1114

Siempre se tiende a tildar a grupos como Cola Jet Set o similares como chicleteros y demasiado edulcorados, pero lo cierto es que en las letras de este disco también hay rencor, amargura y desamor. Pasa como en las canciones de Lesley Gore y los girl groups de los sesenta, el envoltorio es dulce, esponjoso como una nube, pero los sentimientos son reales y a menudo dolorosos. El antídoto que proponen Cola Jet Set es un puñado de canciones luminosas, con deliciosas armonías vocales (“Subidubi”), temazos para bailar y corear (“En esta pista ya no se puede bailar”) y baladas de aire doowop (“Durará”). También hay espacio para el pop twee (“Chocolate y té”, “Guitarras y tambores”), aunque barnizado con una capa de soul; y en el hit “Suena el teléfono” parece que mezclen “He’s On The Phone” de Saint Etienne con “Gritando amor” de McNamara. “Nadie nos va a poder parar” tiene cierto toque a pop de iglesia y “Este grupo está bien” desprende el entusiasmo y la ilusión de cuando descubres a un grupo nuevo y te encanta. Lo mismo se puede decir de Cola Jet Set y este “Guitarras y tambores”, aunque flojee un poco en los últimos cortes. Marc Luelmo

AU REVOIR SIMONE

“Still Night, Still Light” Moshi Moshi/Nuevos Medios

POP

111

Con “Verses Of Comfort, Assurance & Salvation” pasaron de la autoedición a ver cómo uno de los sellos más cool del momento les hacía traspasar fronteras. Registrado con más medios, “The Bird Of Music” les colocó en otra esfera, poniéndoles a girar por medio mundo como uno de los grupos pop más fascinantes del momento. Y así llegamos hasta este “Still Night, Still Light” del que a priori no sabíamos qué esperar. Erika, Annie y Heather, fieles a su perversa estética, ni se han despeinado con su tercer álbum, un trabajo de corte continuista del que apenas podemos destacar novedad alguna. Si acaso, la suma de estas doce canciones lo convierte en su trabajo más downtempo hasta la fecha, con excepciones como las alocadas “Anywhere You Looked” o “Knight Of Wands”, que cuando la presentaron en directo bien podría haber pasado por un cover de Azul Y Negro. Olvidémonos pues de cualquier cambio en las señas de identidad del grupo: ahí está su sonido cien por cien vintage de teclados y cajas de ritmo y sus característicos juegos vocales. Y nos encanta, sí, pero va a haber que empezar a plantearse seriamente si en el universo de Au Revoir Simone existe un mañana. Luis J. Menéndez

(MondoSonoro · Mayo 2009 /45/ vinilos)

cápsula, rock internacional

top10 internacional LAURENT GARNIER

“Tales Of A Kleptomaniac” Pias

ELECTRÓNICA

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

PHOENIX

“Wolfgang Amadeus Phoenix” V2/Nuevos Medios

GREEN DAY

“21st Century Breakdown” Warner

YEAH YEAH YEAHS “It’s Blitz” Universal

BONNIE ‘PRINCE’ BILLY “Beware” Drag City/Domino

THE HORRORS

“Primary Colours” XL/Popstock

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART “The Pains Of Being ...” Houston Party

WILLIAM ELLIOTT WHITMORE “Animals In The

Dark” Anti/Pias

VETIVER

“Tight Knit” Bella Union/Nuevos Medios

FEVER RAY

“Fever Ray” Rabid/Nuevos Medios

THE JIM JONES REVUE

“The Jim Jones Revue” Punk Rock Blues/Locomotive

11114

Laurent Garnier se ha decidido a plasmar todas sus influencias (el techno, el jazz, el reggae, el dub, la música africana, el funk, el disco y el hip hop) en un mismo álbum. “Tales Of A Kleptomiac”, su quinto trabajo de estudio, es una reivindicación y un homenaje a todo lo que ama. Un disco ecléctico, pero con una predominancia clara de la música negra (abundan las atmósferas jazzísticas, los ambientes orquestales, el uso constante de trompetas, grooves muy sólidos a base de bajos y baterías grabados en vivo...), todo ello sumado a la extraordinaria capacidad de Garnier de crear ambientes y desarrollos profundos y envolventes. Los fans del francés que quieran hits en la onda de sus míticos “Crispy Bacon” y “The Man With The Red Face” aquí los van a encontrar. Son concretamente cuatro, perfectamente distribuídos a lo largo del álbum. El primero es “Gnanmankoudji”, casi diez minutos de techno africanista con trompetas que va a volver loco a Villalobos. El segundo es “Bourre Pif”, una bocanada breakbeat con aire de peli de espías. Los otros son “Back To My Roots” y la cósmica “Dealing With The Man”, piezas ambas de techno clásico que contienen las claves que le han hecho grande: armonías oscuras y planeadoras, latencia soul y esa capacidad de mantener la tensión hasta llegar a un clímax dulce y luminoso (cosa que también hace de miedo en sus dj sets). El disco contiene hip hop, algo de dub clásico, un corte trip hop (“Dealing With The Man”), momentos detroitianos (“Desirless”) o funk-house (“No Music”). Me fío de él más que de mi mismo, así que bájense este disco, róbenlo o cómprenlo, pero por sus madres, no se lo pierdan en directo. Javier López

top10 nacional

Cápsula Foto Archivo

CÁPSULA

“Rising Mountains” B-Core

ROCK

1111

Tras no dejar indiferente con su debut “Songs & Circuits” hace dos años, vuelve el trío porteño-bilbaíno, para dejarnos claro que siguen yendo a por todas. Este nuevo disco vuelve a navegar desde el punk más furioso hasta el rock’n’roll puro y duro, pasando por la psicodelia y el noise, pero puestos a destacar una vertiente del grupo nos quedamos con la desgarradora y la que te hace vibrar como ocurre en sus direc-

tos. Es por lo tanto en temas como “Original Is Dead”, “Found & Lost” o “The Damage Is Done” donde ponen toda la carne en el asador y evocan a los espíritus de Sonic Youth, Primal Scream o T-Rex. Menudo mejunje, pensarán. De hecho lo son, no queda claro realmente durante la escucha de su nuevo trabajo qué es lo que tienen estos chicos que engancha con tanta facilidad. El disco pasa momentos de mínima tregua con temas como “Rising Mountains” o “The Sea Cave”, para volver a la carga más rockera con trallazos como “Magnetic Brain”, “Wild DC” o la impresionante “Flood”, con lo que queda claro su pegada y empuje canción tras canción. Marcos Martín

RAMBLIN’ JACK ELLIOTT “A Stranger Here” Anti/Pias

FOLK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

BIGOTT

“Fin” Grabaciones en el Mar

HELLO CUCA

“Esplendor en la arena” Austrohúngaro

MENDETZ “Souvenir” Sinnamon

BOAT BEAM

“Puzzle Shapes” Origami

SEDAIÓS

“Resolen problemes” Gandula

ANNTONA

“En la cama con Anntona” Gramaciones Grabofónicas

ANNI B. SWEET

“Start Restart Undo” Subterfuge

CÁPSULA

“Rising Mountains” B-Core

PAL

“Error de fábrica” Limbo Starr

JOAN MIQUEL OLIVER “Bombón mallorquín” Blau/Discmedi

11114

Compañero de correrías y fechorías de Woody Guthrie, padrino artístico de Bob Dylan y visionario que legitimó a grupos como The Rolling Stones. Ahí es nada. Contrariado en los setentas por no generar ingresos con sus discos, Elliott decidió pasarse un cuarto de siglo sin grabar, si bien continuaba recorriéndose América de una punta a la otra con su guitarra en el lomo. A mediados de los noventa vuelve al cauce, y es con “I Stand Alone”, hace tres años, que impregna su firma en su primer álbum para Anti. Por allí desfilaron Lucinda Williams, Corin Tucker (Sleater Kinney), David Hidalgo (Los Lobos) o un personaje tan contradictorio como Flea (Red Hot Chili Peppers). Folk en estado puro que presume de nervio y madera. En “A Stranger Here”, y aprovechando la actual crisis social y económica, lanza un mensaje a través de un cancionero de blues reivindicativo. Es su primera toma de contacto directa con ese blues primario originario de la era de la Gran Depresión, y sale más que airoso con el resultado. Piezas de luminarias como Son House, Mississippi John Hurt o Blind Willie Johnson –espeluznantes las lecturas de “Rambler’s Blues” y Soul Of A Man”-. En esta ocasión, es Van Dyke Parks el invitado, el atinado Joe Henry ejerce de productor, y en el caparazón de esta brillante colección, encontramos blues de enorme dinamismo y folk de muchos quilates. Guiños a Tom Waits y al ragtime de Nueva Orleans, en “Please Remember Me” y “Rising High Water Blues”, y el sonido fronterizo de un corte como “How Long Blues”. Mayúsculo. Toni Castarnado

BULLITT

FRANÇOIS VIROT

ALVA NOTO

Hang the DJ Records

Clapping Music/Green Ufos

Raster-Noton

“Yes Or No”

“Squared Wheels” ROCK

1114

Hacer fácil lo que no tiene por qué ser difícil. Esa parece ser la premisa de Bullitt, banda que aglutina a ex-componentes de grupos señeros como 2 Minuts d’Odi, Without o Airmail y que es fiel heredera de la tradición post de la escena catalana. Su debut, “Squared Wheels”, carece de complejo alguno para abrazar el rock melódico anglosajón sin ceñirse a modas pasajeras. Lo de estos chicos se ha visto y escuchado tanto que es precisamente esa pertinencia su bandera, son tantas las mañanas que uno puede encarar con buena cara y dientes apretados al son de canciones como “Universe” o “Silence” que echaría en falta su ausencia en los oídos y el resto del cuerpo. Hagan la prueba, escuchen “Compromising” en sus reproductores portátiles mientras avanzan por las calles, a un ritmo constante, ni lento ni rápido, mientras ven a los coches parados y anodinos, mientras ven a los peatones desquiciados y arrítmicos; esa y el resto de las canciones de Bullitt sonarán como un bálsamo para la ansiedad y un estimulante para la desidia: ese es el gran logro del rock melódico de cuatro chicos de Girona. Nacho P. L.

FOLK POP

“Xerrox Vol.2” 1114

Escrito, grabado y mezclado en casa, “Yes Or No” es el primer elepé de François Virot, fenómeno lo-fi y primitivista que se ha convertido en una de las sensaciones del año pasado en Francia. Su primera colección de canciones no son nada que no hayamos escuchado antes en el transitado mundo del folk pop, pero el entusiasmo sincero con el que canta “Not The One”, “Island” o “Cascade” no es habitual y confiere a su repertorio una valiosa autenticidad que a medio disco deriva hacia la euforia (“Say Fiesta”) para, a continuación, relajarse en la cara B –“Yes Or No” es un álbum concebido a la antigua–: las tranquilas “Young Sand” y “Where O Where A” desembocan en una versión naïf y curiosa del “I Wish I Had You” de Billie Holiday (podréis escuchar reinterpretaciones inéditas de “Dancing Queen” de ABBA, “Aguas de março” de Antonio Carlos Jobim o de “Close To Me” de The Cure en http://virb.com/ francoisvirot). El disco acaba con la intimidad suave de “Yes Sun” y la historia alucinante de “Fish Boy”, que puede hacer pensar en Ramona Córdova, que publicó “The Boy Who Floated Freely” en Clapping Music hace tres años. Jordi Nopca

ELECTRÓNICA

1114

Lo ha vuelto a hacer, por enésima vez. Carsten Nicolai, el hombre detrás del universo Alva Noto, entrega el segundo volumen de su serie Xerrox (presumiblemente serán cinco), un conjunto de discos basados en el error y en el caos de las primeras impresoras (Xerox) y nos demuestra que hay vida tras los límites de la abstracción y la experimentación sonora. Tomando como punto de partida samplers de Stephen O’Malley, Michael Nyman o Ryuichi Sakamoto, el genio procesa digitalmente atmósferas paisajísticas profundamente densas, las inventa y reinventa cada segundo, las cubre de supuestos errores consecutivos en forma de ruido blanco infinito, las deconstruye dejando siempre una ventana abierta al ritmo matriz, creando un mundo mágico de ritmos dominados por un drone sintetizado que transportan al oyente a la grandilocuencia de una macroinstalación sonora en el mismo salón de su casa. Estamos ante uno de los trabajos quizá más sobresalientes (y accesibles) de Alva Noto, uno de los genios visionarios más notables de nuestra época, un auténtico maestro en el arte de diseñar sonidos y crear imágenes a través de la música. Dani Arnal

(vinilos /46/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

hello cuca haciendo historia

HELLO CUCA

“Esplendor en la arena” Austrohúngaro

ROCK

11111

Hará unos cuantos años, cuando el que esto escribe aún estaba en esa fase heroica de editar fanzines, pensé en Hello Cuca como entrevista estrella para el debut de mi zine. El motivo del cuestionario era su primer siete pulgadas, “Amor y cohetes”, primera referencia de Rompepistas, sello creado por el propio grupo. El disco contenía cuatro canciones que, parafraseando a Joe Meek, “me abrieron un mundo nuevo”. Tras escucharlo

Hello Cuca Foto Archivo

les envié con una ilusión infinita unas preguntas por mail (de las que prefiero no acordarme) que no tardaron en contestar. A partir de ese momento se convirtieron en favoritos. Incorruptibles y fieles a si mismos, once años después de ese single y diez casi de mi fanzine, aquí está “Esplendor en la arena”, un recopilatorio de casi toda la carrera de Hello Cuca (solo quedan fuera las canciones de su único largo, “Gran Sur”) que también incluye cuatro piezas nuevas, que deja bien a las claras el sonado legado de un grupo que no tiene igual en nuestras fronteras. Cerca del brillante binomio del DIY yanqui, el formado por los sellos Kill Rock Stars y K, de la música surf más desmelenada y de los grupos de pop más destacados de finales de los noventa en España (Astrud, Los Fresones Rebeldes y TCR), la hermanas Damunt y el incombustible Alfonso Melero son uno de esos grupos seminales que pueden presumir de haber cambiado unas cuantas vidas. Una de ellas fue la mía. Y nunca les estaré lo suficientemente agradecido por ello. Xavi Sánchez Pons

FEVER RAY

THE THERMALS

BEAT CIRCUS

MI PEQUEÑA RADIO

LOU GARX

Rabid/Nuevos Medios

Kill Rock Stars/Pias

Cuneiform Records

Astro

Warner Music

ROCK

EXPERIMENTAL

“Now We Can See”

“Fever Ray” POP

1114

Esperadísimo debut el de Karin Dreijer Andersson, la mitad femenina de The Knife, una de las sorpresas de mayor repercusión de entre las llegadas de tierras nórdicas. Publicar un disco en solitario cuando a tus espaldas tienes un grupo del calibre de los suecos puede ser una jugada extremadamente complicada, pero la verdad es que Karin Dreijer acierta con la maniobra. El álbum promete ya de primeras, desde el cuidadísimo artwork hasta el single, la inquietante y susurrada “If I Had A Heart”, que se extiende entre glitches y voces distorsionadas, toda una declaración de intenciones que marca el desarrollo del resto de la obra, con la rítmica “Seven” como principal punto en común con el grupo madre, The Knife. Las cimas de “Fever Ray” llegan con la inquietante “Concrete Walls” y con la tremenda “Keep The Streets Empty For Me”, gracias al poder de unas voces temblorosas y emocionantes sobre unos sintetizadores que consiguen unas texturas realmente sugerentes. Dani Arnal

114 Me gustaría pensar que “Now We Can See” me parecería lo mismo si no hubiese visto en directo a The Thermals, pero no pondría la mano en el fuego. Supongo que la evidente diferencia entre lo que esperaba ver tras disfrutar con sus tres primeros álbumes y lo que vi ha acabado lastrando mi opinión. O quizás no. El caso es que, más allá de suposiciones, “Now We Can See” es un álbum más del trío, ni mejor ni peor, con canciones pero sin novedades. Once piezas de indie rock con regusto a noventas y con, nuevamente, algunas puntas que sobresalen del resto. El discurso de este modesto supergrupo (sus vértices provienen de All Girl Summer Fun Band o Kind Of Like Spitting) ya está claro y las cartas descubiertas, lo cual no impide que podamos disfrutar con “When We Were Alive”, “Now We Can See” o “Liquid In, Liquid Out”, canciones para aquellos que durante los noventa brincamos como memos con Superchunk, Tsunami, Archers Of Loaf, Pavement y tantos otros. Joan S. Luna

“Dreamland”

“Esquiando hacia arriba” 1114

Tipos curtidos como Tom Waits o Les Claypool han masticado a conciencia las penumbras decadentes de los cabarets, ya sea de forma física o subconsciente. A este selecto club se une Brian Carpenter, un multi-instrumentista que se aplica tanto al micrófono como a la trompeta, la harmónica o el piano de juguete. Entre la variada instrumentación (cellos, acordeones y saxos) destaca el banjo tenor de Brandon Scabrok, que teje ese aura rural típica de los pantanos del sur estadounidense. Con el leit-motiv del parque de atracciones sito en la neoyorquina Coney Island, las historias y melodías que aquí se conjugan invocan a escenarios tan opresivos como los de la sobrecogedora película “Freaks”. Las melodías se tensan y destensan como esperpénticos espejos de feria. La melancolía de estética jiddish de “Delirium Tremens” se codea con el pasodoble de “El torero”, donde entre aires klezmer se hace un guiño a la tonadilla popular de “El Vito”. No faltan alocuciones de presentador de pista, como en “The Rough Riders”, donde solo se echa en falta a una pizpireta Liza Minnelli. Miguel Ángel Sánchez Gárate

POP

“Contrabando” 111

Esquiando hacia arriba es la cronología de una carrera musical llena de obstáculos y con final feliz. Obstáculos por falta de medios o poca creencia en su trabajo, pero todo resuelto de genial manera por David Tabueña (ex Less) y corroborado con este primer disco cargado de buen pop-rock, con canciones directas, estribillos difíciles de olvidar y letras cargadas de emotividad. Mi pequeña radio crece junto a bandas como Apnea, Estrella Polar, Copiloto o los mismos Less, todos están en la misma onda y por eso componentes de dichas bandas se apoyan entre ellos. En este disco debut de MPR encontramos buenos temas, reconocibles tras una primera escucha como “Mi constelación platónica” o “Siempre positivo, nunca negativo”, pero posiblemente David Tabueña se crece en temas con carga emotiva como “Cien años enteros”, “Te quiero tanto” o “Ya no puedo”. Incluso el músico oscense se atreve a tocar otros palos como las versiones (“Ni tú ni nadie”) o el pop más lírico al más puro estilo Ellos (“Dos mil fragmentos”). Buen resultado en ambas. Si en directo suena tan bien como en disco, atentos a Mi Pequeña Radio. Marcos Martín

ROCK

1114

El tercer disco en solitario de la que fuera vocalista de Algo Salvaje es un contundente ejercicio de guitarras y actitud. Mucho más endurecido que sus dos primeros trabajos, tiene bastantes puntos en común con Sonora, su banda paralela. Bajo la bandera de psycho-mex-metal (no olvidemos su ascendencia chilanga) y con las espaldas bien cubiertas -David Curtonates (Terroristars), Kiki Tornado y Manolo Tejeringo (Def Con Dos) e incluso Yotuel (Orishas), ayudan entre otros a darle forma-, “Contrabando” es un disco rocoso y de lo más heterogéneo. Hay invitaciones a la pista de baile en “La danza de los esqueletos” (todo un homenaje a la cultura mejicana que hay en torno a la muerte), guiños al rap en “Padre” o “Mi habitación” y bestiales cabalgadas hardcore en “El mundo”, una canción co-firmada con Juanjo Melero (Sangre Azul, Universo Violento). “Contrabando” muestra un afán por casar lo melódico con lo visceral sin ningún tipo de prejuicios. Una buena vuelta de tuerca a ese crossover que esgrimieron en los noventa pioneros como Santa Fé. Miguel Angel Sánchez Gárate

(MondoSonoro · Mayo 2009 /47/ vinilos)

con el corazón en la mano WILLIAM ELLIOTT WHITMORE “Animals In The Dark” Anti/Pias

BLUES

11114

Hacía mucho que un disco no se mantenía fresco durante tantos días seguidos en mi cadena de música. Justo ahora, cuando curiosamente los álbumes se evaporan de nuestras vidas a las primeras de cambio, “Animals In The Dark” se enfrenta a ello con fuerza. Como un predicador que reivindica la validez del blues más profundo y visceral, el de Iowa exprime sus facultades y posibilidades como nunca en su quinto trabajo. De timbre rocoso y áspero, Whitmore se expresa con un minimalismo y una desnudez que encajan a la perfección en su universo de almas confusas y víctimas dolidas. Así pasa del gospel trotón de “Mutiny” a la íntima y ceremoniosa “Who Stole The Soul”, con su chelo lacrimógeno, dejando caer por el camino perlas tan brillantes como “Johnny Law”, que se acerca al country deudor de Johnny Cash; piezas como las favo-

ritas “Old Devils” o “Hard Times”; una “Lifetime Underground” en la que reaparece su viejo compañero el banjo, antes omniprsente, o “A Good Day To Die”, que presenta un mensaje contradictorio: la muerte y la esperanza abrazados por la cintura. En resumen, Whitmore, con esa frondosa barca como inevitable seña de identidad de los mejores cantautores estadounidenses, traza maravillosas líneas de realismo sonoro, rudo como la primera Alela Diane (giraron juntos) y con un pasado curtido en mil batallas que no hace sino enriquecer una emocionante y tremenda propuesta. Toni Castarnado

William Elliott Whitmore Foto Archivo

DOCTOR LONCHO

ANAL HARD

YUKSEK

EPMD

DANIELSON

Alter Ego Records

HFNM/Carnús

Barclay/Universal

EP Records/Bodog Music

Secretly Canadian/Houston Party

RAP

POP

“El fantasma de las ojeras” RAP

1114

Tras cuatro años de silencio desde el que fuera su disco de debut, el rapero zaragozano vuelve a la carga con un ambicioso proyecto que trasciende los convencionalismos de lo que es un álbum de rap al uso, con una edición limitada y exclusiva de 1976 copias que incluye un compacto de audio con doce nuevos temas y seis interludios dramáticos, un cómic a todo color de tapa dura dibujado por el maño David Daza, colaborador de editoriales como Marvel y una especial sorpresa en su interior. En lo puramente musical, reseñar que en la producción destaca la presencia de gran parte de la crema del panorama rap zaragozano y aragonés, caso de Grossomodo, Lex Luthorz, Hazhe, Kapy aka Mr.K, Dj Ochoa, IZK, El Gordo del Funk, el oscense Juanjo Javierre aka Fat Pockets (ex Mestizos, Soul Mondo…), Jean Reno, GRN Bass y el grupo mod Shepherd Bush. El resto lo pone la rima cotidiana de Loncho y su ingenio a la hora de congeniar en las letras con las colaboraciones del norteamericano Lil Dap (un sorpresón) y de los locales Eneko y Gareta o el veterano Presión. Toda una aventura sonora, visual y gráfica que merece la pena tener. José Manuel Cisneros

“Esto es una mierda” HARDCORE

“Away From The Sea” 111

Ahora que corren malos tiempos para la lírica (y para el bolsillo) qué mejor forma de hacerse entender que llamar a las cosas por su nombre. Con esta premisa los catalanes Anal Hard en su segundo trabajo nos acompañan en un recorrido a bocajarro por el lado mas vicioso y escatológico de la vida, añadiendo, y ahí reside su originalidad, un humor ácido y despiadado a un género que, de tanto hinchar el pecho, a menudo se toma a si mismo demasiado en serio. “Esto es una mierda” es una oda destemplada a las drogas (“Strouffva”), al sexo guarro e incontrolado (“Lujuria anal”, “Eyaculador precoz”), al alcoholismo militante (“Romero”) e incluso el desamor descarnado (“Zorra”), sin intención alguna de morderse la lengua. En lo estrictamente musical, refieren al hardcore metálico de mediados de los noventa, se saben deudores de las enseñanzas de bandas como Madball, Integrity, Blood For Blood y Versus entre otros, con los consabidos riffs, breakdowns y doble-bombo habituales, sumado a una producción mas potente que en anteriores trabajos. Hardcore para hacer molinillos con una sonrisa en los labios. José Manuel Hevia

ELECTRÓNICA

“We Mean Business” 1111

Cuánto daño hicieron Daft Punk, espetarán algunos. A pesar del agotamiento que la fórmula del french touch había mostrado durante los últimos años (en el que un sinfín de clones de nuestros robots favoritos hicieron acto de presencia en la escena electrónica) lo cierto es que doce años después de “Homework” nuestros vecinos galos siguen explotando la gallina de los huevos de oro. Ahora le toca el turno a Yuksek, un productor que ya hizo de las suyas remezclando con una nota más que notable a Mika o los propios White Lies. En su puesta de largo, el Dj de Reims se codea con colaboradores de lujo como la rapera Amanda Blank o los mismísimos Chromeo (en la radiada “So Down”) para lanzar trece trallazos que no pierden fuelle y, lejos de provocar bostezos, vuelven a hacernos confiar en el dance punk del nuevo milenio. Aunque “Break Ya” o “Tonight” (sin olvidar “So Far Away From The Sea”, digna de Cut Copy) podrían estar firmadas por los propios Justice o Data, “Away From The Sea” resulta ser una mina para explotar en las pistas de baile. ¿Podrá el pupilo superar a sus maestros?. Sergio del Amo

111 EPMD han sido siempre algo infravalorados. Nadie duda de la calidad de clásicos como “Housin’”, “You Gots To Chill” o “Rampage”, pero a pesar de ello nunca han sido tan venerados como otros compañeros de generación. Y quizás haya llegado el momento de reivindicar la figura de Erick Sermon y Parrish Smith, porque a diferencia de otros, ellos se han mantenido veinte años en el negocio y lo han hecho con fe en la vieja fórmula de sus inicios, la que repiten en “We Mean Business”... A pesar del lapso de nueve años que ha pasado entre éste y su anterior disco, poco ha variado en el mundo EPMD. Sermon vuelve a firmar el grueso de las producciones y ambos pasean su flow con la firmeza de dos curtidos veteranos, bien secundados por KRS One o Method Man (que se luce en “Yo”, uno de los mejores momentos del álbum junto a “Roc-Da-Spot” y “Bac Stabbers”). A estas alturas, EPMD no van a sorprender a nadie ni a revolucionar la escena, pero al menos se mantienen fieles a su legado y siguen publicando álbumes que no serán geniales, pero sí dignos. Joan Cabot

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“Trying Hartz” 1111

Daniel Smith ha resumido sus primeros diez años en un doble álbum con veintiocho de las composiciones que ha declamado, proclamado y cantado entusiásticamente junto a miembros de su familia. Su proyecto musical empezó como tesis doctoral en 1994: “A Prayer For Evening Hour” tenía como particularidad que la música rudimentaria y las voces alocadas que acompañaban a su ya inconfundible (agudo, chirriante) timbre vocal eran sus hermanos. Fruto del espíritu familiar fueron sus siguientes álbumes, “Tell Another Joke At The Old Choppin’ Block” (1997), “Alpha” (1998) y “Omega” (1999), en los que se confirma lo apasionado y excéntrico de sus composiciones, al mismo tiempo que se descubre la esencia cristiana de su discurso, implícito en la mayoría de su repertorio y explícito en temas como “Thanx To Noah”. La religiosidad de la música de Smith, a diferencia de otros ejemplos actuales como Half-Handed Cloud, estriba en la celebración eufórica de la vida, que brilla especialmente en temas como “Flip Flop Flim Flam”, perteneciente a “Fetch The Compass Kids” (2001) o “Daughter’s Will Tune You”, de “Brother Is To Son” (2004). Jordi Nopca

(MondoSonoro · Mayo 2009 /49/ vinilos)

BEIRUT

“March Of The Zapotec/Real People Holland” Pompeii/Popstock

POP

1114

La nueva pieza del rompecabezas sonoro que Zach Condon empezó a entregar con “Gulag Orkestar” (2006) y continuó con “Lon Gisland Ep” (2007) y “The Flying Club Cup” (2008) es un doble Ep editado conjuntamente en el que, por una parte, nos encontramos con una aproximación entre curiosa y vibrante a la música mexicana, y por la otra una ración de electrónica orgánica. “March Of The Zapotec” supone un nuevo acercamiento a los vientos metal –anteriormente fue la música balcánica–; esta vez, Condon se ha rodeado de una banda mexicana de diecinueve músicos, The Jiménez Band, que han dosificado su oscilante voz en temas como “The Akara” o incluso la han eliminado en instrumentales intensos como “My Wife”. En “Holland”, en cambio, el multiinstrumentista se vuelve a camuflar bajo el alias Realpeople: instrumentación electrónica que decora una serie de canciones de letras viajeras y espíritu juguetón (“My Night With The Prostitute From Marseille”) con la única excepción de “The Concubine”, donde recupera puntualmente la efervescencia instrumental con acordeones, pianos de juguete y percusiones primitivas. Jordi Nopca

BOSSACUCANOVA “Ao Vivo”

Crammed Discs/Nuevos Medios

BOSSA NOVA

1111

A finales de 1998 se editaba el primer disco de BossaCucaNova: “Revisited Classics”. Un trío de jóvenes productores-músicos de Río de Janeiro, cansados de que Dj’s de todo el mundo se aprovecharan de los ritmos brasileños para llenar las pistas de baile, se pusieron a reconstruir clásicos de la bossa nova. Todo ello con mucho respeto y con los medios que la electrónica y sus avispadas mentes les permitieron. Diez años después, tras dos recomendables discos más y girar por medio mundo, llega este “Ao Vivo”, grabado en la famosa sala Canecão de Rio y la demostración de que el proyecto sigue más activo que nunca. En este digipack que contiene compacto y DVD se puede ver y oír cómo Marcio Menescal, Alex Moreira y DJ Marcelinho Da Lua invitaron a leyendas de la bossa y a algunos jóvenes y cómplices amigos como Carlos Lyra, Ed Motta, Marcos Valle o Roberto Menescal para celebrar su personal homenaje a los cincuenta años de edad de la bossa nova. Fue una gran fiesta. Se incluye un interesante documental sobre el género con entrevistas y una sesión acústica con más ilustres invitados. Miguel Amorós

BACKFLIP “Dead Man In Barcelona!” Hang The Dj Records

ELECTRÓNICA

111

Con un buen portátil y algo de tiempo cualquiera puede atreverse a hacer sus pinitos musicales. Este es el caso de Jorge Ochoa, quien, aunque no es un principiante en los regodeos melódicos, no sabemos a ciencia cierta si se toma en serio lo que hace o simplemente quiere vacilar a diestro y siniestro.

La cara visible de ese grupo myspace llamado MatameYa deja a un lado su vena más indie rockera y apuesta por el electropop de factura casera en “Dead Man In Barcelona”. Producido por Eric Fuentes (The Unfinished Sympathy), los cinco cortes que componen este trabajo maman de los inmortales sintetizadores ochenteros que casi tres décadas más tarde, sorprendentemente, siguen siendo igual de efectivos. Ese déjà vu synth-popero carente de ornamentos que firma Ochoa es un aviso de lo que su mente está maquinando para el futuro. “Fake Plastic Girl” es adictica mientras que “The Story About Me” podría ser el sueño húmedo de un gameboyista de pro, ahí es nada. A pesar de todo, Backflip deja claro que, con unos pocos euros, y un puñado de buenas intenciones cualquiera puede montarse su propia discoteca particular. Sergio del Amo

la sensibilidad de annie b. sweet

TELEFON TEL AVIV

“Inmolate Yourself” Bpitch Control

ELECTRÓNICA

1111

Asusta de veras la relación entre el título de la obra póstuma de Telefon Tel Aviv y la muerte de Charles Cooper, una de sus dos mitades. Obviamente resulta complicado juzgar con objetividad este trabajo dada la circunstancia, pero la cosa está clara: Telefon Tel Aviv se despiden de la escena con un gran disco, en el que se acercan al indie e incluso al pop de la manera más sutil. Experimentadores incansables, mantienen los mismos hilos conductores de siempre, sigue el ambient elegante, la IDM y los ritmos hipnóticos, pero nos encontramos el poso Detroit y su estilo techno en varios de los cortes del disco, toques deep house e incluso coqueteos con ritmos más duros cómo el drum’n’bass. “The Birds” es una joya de la electrónica progresiva con juegos vocales que recuerda a Lindstrøm. La apocalíptica “Mostly Translucent” es pura emoción y su final de ritmos épicos podría ser la banda sonora perfecta de “Terminator XII”. La guinda final la pone el tema que cierra el disco y la carrera de Telefon Tel Aviv, el homónimo “Inmolate Yourself”, un himno nostálgico que pone la piel de gallina. Esto es decir adiós con estilo. Dani Arnal

Annie B.Sweet Foto Haussmann

ANNI B. SWEET

“Start Restart Undo” Subterfuge

FOLK

MAXIMO PARK

VETIVER

Warp/Pias

Bella Union/Nuevos Medios

“Quicken The Heart” POP

“Tight Knit” 1114

La máxima de Maximo Park parece ser la de renovarse o morir, pero lo suyo más que las grandes revoluciones son los avances discretos y seguros. Se les nota que no viven con esa obsesión tan común de repetir el éxito de su álbum de debut, algo que ya demostraron con “Our Earthly Pleasures” y vuelven a poner de manifiesto ahora. En “Quicken The Heart” la experimentación es sutil, pero existe, y como declaración de intenciones ahí está “The Kids Are Sick Again”, ese anti-single que sin embargo acaba por envolvernos en esa atmósfera densa y contenida que crea. “Quicken The Heart” esconde muchas sorpresas, pero que nadie espere tampoco la inmediatez de “A Certain Trigger”. Este disco exige complicidad y paciencia, una escucha reposada que quizás empiece por engancharnos a temas esenciales como “Roller Disco Dreams“ o “Let’s Get Clinical” y acabe por obligarnos a repetir el álbum entero guiados por esa cadencia que va de la agresividad de “Wraithlike” al final agridulce de “I Haven’t Seen Her In Ages”. Si la palabra madurez no nos diera tanto repelús, quizás pensaríamos en utilizarla. Cristina V. Miranda

1114

El boca a oreja ha convertido a la malagueña Anni B. Sweet en uno de los fenómenos del año, lo que no deja de tener su riesgo, y sería una pena. Si no es fagocitada por el éxito rápido y la música para publicidad, es más que posible que nos encontremos frente a una artista que nos haga pasar muy buenos momentos en el futuro si mantiene el nivel de su álbum de debut para el sello Subterfuge. Envuelto en una deliciosa portada a cargo de

FOLK POP

1111 La poperización que ha sufrido, disco a disco, el folk tranquilo de Vetiver ha ido casi pareja a la de M. Ward. Dos propuestas afines que este año han coincidido en el tiempo con un par de trabajos que elevan a la categoría de arte a esa música de raíces norteamericana capaz de armar canciones atemporales que te pueden acompañar tres vidas si hace falta. Andy Cabic, al igual que el responsable de “Hold Time”, es un tipo que se toma las cosas con calma, modesto como pocos y nada dado al famoseo, que está aquí simple y llanamente por el placer de componer pequeñas gemas de folk pop de alma vaquera y espíritu trotón que casi sin querer se convierten en favoritas. “Tight Knit” tiene varias de esas canciones para el recuerdo. “Rolling Sea” y sus aires a lo Chris Bell, “Sister”, con sus guiños a Fleetwood Mac y Buddy Holly, la muy The Everly Brothers “More Of This”, ideal para echarse unos bailecitos, “Everyday”, que es casi un hit, o “Another Reason To Go”, la más negroide y vacilona del lote, con una sección de vientos más que apañada. Ante tal arsenal de tonadas ganadoras solo cabe el elogio más encendido. Xavi Sánchez Pons

Javier Doria con fotos de Mercedes Hausmann, la producción impecable a cargo de Brian Hunt (a los mandos en el debut de Russian Red) convierte canciones sencillas –las más difíciles de componer- en un cajón lleno de pequeñas cosas, de detalles casi imperceptibles que dan color a paisajes que podrían parecer conocidos y anodinos de no tener un voz tan dulce y segura de si misma detrás. Folk-pop casi lujurioso, de guitarra acústica y preciosistas arreglos con una clase que ya quisieran para si muchos lanzamientos mainstream, aquí lo que importa son las canciones. Once en inglés y una en castellano entre las que resulta muy difícil elegir y, también es cierto, en ocasiones distinguir. J. Batahola

VV. AA.

“Republicafrobeat Vol. 3-Compilado por DJ Floro” Cáñamo Records/Nuevos Medios

AFROBEAT

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Fue en el año 2003 cuando el reputado DJ Floro, miembro fundador de la Asociación Cultural Afrobeat Project, pudo ver plasmados sus deseos con un disco de tributo a la música de Fela Kuti. El objetivo principal era rendir pleitesía al genial saxofonista nigeriano con un séquito de seguidores que prolongaba su rítmico sentir más allá de su muerte, acaecida en 1997. Si en esa primera entrega dejaban restallar su talento Fatboy Slim, Keziah Jones, Tony Allen, Masters At Work o Femi Kuti, el vástago de Fela que más ha trascendido, en esta ocasión el “pincha” madrileño ha recurrido a nombres más o menos conocidos, caso de Jimi Tenor & Kabu Kabu o los norteamericanos Kokolo Afrobeat Orchestra, y a sorpresas como la saxofonista sueca Sofi Hellborg, los franceses Fanga, los alemanes Deela, o la única representación patria a cargo de Afro Soul Toasting All Stars. Los sonidos orgánicos y sintéticos se funden con remezclas de Afrodisiac Soundsystem, Señor Lobo, Watch TV, Ale Acosta o el propio DJ Floro. Es fácil pensar que Fela se sentiría orgulloso de lo aquí plasmado. Miguel Ángel Sánchez Gárate

BELL X1

“Blue Lights On The Runway” Bellyup/Naïve

POP

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Damien Rice fue sabio en su momento al dejar literalmente colgados a sus compañeros de aquella banda denominada Juniper, reconvertida posteriormente a raíz de la sorprendente espantada en Bell X1. Después de cosechar un sorprendente éxito en su Irlanda natal gracias a “Flock” y emplear “Eve, The Apple Of My Eye” como hilo musical de “The O.C.”, el cuarto álbum de la banda prometía ser el pistoletazo de salida de su reconocimiento internacional. Sus melodías pop (aderezadas a cuentagotas con algún sintetizador a lo new wave) cercanas en algunos momentos al propio Ryan Adams (salvando las distancias, obviamente) hacen de “Blue Lights On The Runway” un álbum de grandes pretensiones comerciales que, sintiéndolo mucho, uno prevé que calará discretamente fuera de sus fronteras. Teniendo en cuenta que la mejor baza del álbum la encontramos nada más darle al play con “The Ribs Of A Broken Umbrella” y su single de presentación “The Great Defector”, el disco acaba anodinándose a pesar de las buenas pretensiones que muestra en “How Your Heart” o la balada “Light Catches Your Face”. Sergio del Amo

(vinilos /50/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

el pop lunático de anntona PSYCHIC TV/ PTV3

“Mr. Alien Brain Vs. The Skinwalkers EXPERIMENTAL

Anntona Foto Archivo

ANNTONA

“En la cama con Anntona” Gramaciones Grabofonicas

POP

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Las anomalías geniales dentro del pop underground patrio, esas propuestas que escapan a la descripción fácil, hacen gala de una personalidad diferente y rara, y han sido capaces de entregar grandes discos, siempre se han podido contar con los dedos de una mano. La punta de lanza de esta especie en extinción en nuestro país fueron y serán siempre Patrullero Mancuso, un grupo inagotable, un universo en si mismo, y auténticos bichos raros, a los que siempre habría que volver cuando uno pierde la fe en esto del pop. Algunos de los seguidores mancusianos

fueron Cronos o Los Empresarios, verdaderos eslabones perdidos del pop diferente hecho aquí. Pues bien, el pasado año Los Punsetes se unieron a este selecto club con su excelente y sardónico debut, un trabajo sin parangón en el indie nacional reciente que miraba de tú a tú al legado del desparecido grupo de Villaviciosa de Odón. Y ahora lo hace Anntona, proyecto en solitario de Manu, guitarrista de Los Punsetes. “En la cama con Anntona” es un disco de pop desquiciado y lunático, grabado con lo mínimo y con unas colaboraciones de lujo (La Bien Querida, Ariadna Punset, Luis Espanto), que hace de la sinceridad bruta un arte. Y es que detrás de las palabrotas, los arreglos de hojalata y el humor socarrón, hay unas canciones pop emocionantes a rabiar más grandes que una casa de pagés. Xavi Sánchez Pons

BONNIE ‘PRINCE’ BILLY

FITNESS FOREVER

THE DECEMBERISTS

Drag City/Domino

Elefant

Rough Trade/Popstock!

“Beware” FOLK

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Cuando hace unos meses Will Oldham anunció que había acabado otro disco a algunos se nos puso la carne de gallina. No por lo inesperado (edita una media de dos discos al año), sino por el envoltorio. “Beware” iba a ser su disco más ambicioso. Nunca estuvo tan cerca de los clásicos. Fue un primer paso, iluminando sus composiciones más oscuras con una pátina de country rock digna del mismísimo Gram Parsons. El siguiente fue otra de sus obras mayores, “The Letting Go”, donde integraba sección de cuerda a su propio discurso, dejando entrar el aire. Después tocaba un disco menor plagado de grandes canciones. “Lie Down In The Light” es algo así como la cara oscura del “New Morning” de Dylan. ¿Y “Beware”? Su disco más ambicioso es algo a medio camino entre ambos. Tiene las letras menos crípticas de su carrera, los arreglos más desaforados, cerca de pioneros del country rock como Michael Nesmith o, sí, Gram Parsons, pero sin perder de vista su propia personalidad. Precisamente ahí está el clásico: porque el nuevo disco del de Louisville no es ninguno de ellos sino solamente Oldham, ventrílocuo de si mismo y gigante de nuestros tiempos.Enrique Ramos

“Personal Train”

POP

“The Hazards Of Love” 111

Muy en la línea de Elefant, Fitness Forever es un grupo italiano que seguro gustará a los fans del bubblegum pop y las melodías alegres y azucaradas. El disco entra fácil y cada tema es como un pequeño caramelo de distinto sabor. Tenemos el toque brasileño de “Je Je Jeox”, el italo disco de “Se come te”, el medio tiempo –muy de final de verano- de “Vacanze a Settembre” o la deliciosa instrumental “Albertone”, que incluye una melodía silbada muy de banda sonora de los sesenta y un toque lounge muy Bacharach. La cita al maestro no es baladí pues incluso titulan un tema con su nombre y tanto él como los grandes de la canción italiana –Mina, Rita Pavone, Adriano Celentano- están presentes en el disco. Haciendo un símil fácil, Fitness Forever son como La Casa Azul en italiano, la diferencia es que aquí hay más instrumentos orgánicos que en los temas de Milkyway (básicamente porque los italianos son cuatro y el barcelonés uno) y predomina el aire sesentas. Campanillas, violines, vientos y coros se administran armoniosa y generosamente, a menudo incitando al baile, aunque puede que a algunos les empache tanto preciosismo. Marc Luelmo

ROCK

1114

“Hell Is Invisible... Heaven Is Here” (2007) inauguró una nueva etapa para Psychic TV, que a partir de ese momento pasaron a llamarse PTV3 y recuperaron algunos elementos que se habían perdido en su larga travesía electrónica: pulso after punk, protagonismo de las guitarras y un concepto de banda, que les puso a girar con frenesí, mucho más cercano al tradicional del rock. Poco más de un año después, “Mr. Alien Brain Vs. The Skinwalkers” nos los devuelve con similar vocación “clásica” (si es que alguna vez algún proyecto comandado por Genesis P-Orridge puede ser calificado así, y tal y como demuestra la elección de versiones de Lou Reed y Syd Barret), mayor peso de lo lisérgico y unos nubarrones en el horizonte que diluyen la pegada de su antecesor. En realidad hay algo de mueca amarga en un disco por cuyo ambiente flota el fallecimiento de Lady Jaye, miembro de la banda, compañera sentimental de Genesis y conspiradora necesaria para su proyecto en pos de la pandrogenia, a la que de hecho se puede ver casi en el DVD en directo que acompaña al disco. Luis J. Menéndez

CONDO FUCKS “Fuckbook”

Matador/Popstock!

ROCK

1114

Es una bendición que en un mundo tan repleto de grupos aburridos, Yo La Tengo hayan tomado la sabia decisión de no dejar de ser un grupo de instituto. Condo Fucks es el enunciado perfecto: Kaplan, Hubley y McNew rebuscando en su colección de discos para tocar las canciones con las que más se van a divertir. The Troggs, Richard Hell, The Kinks, Small Faces, Slade, The Flamin’ Groovies... pilares del rock rompecaderas pasadas por la batidora de garage con sonido a lata de los directos de los Headcoats, o peor. Porque para esta cara macarra del precioso “Fakebook” ni siquiera parecen haber necesitado medio ensayo. Todo está grabado en el momento, recomenzando la canción si es necesario. Y a diferencia de “Yo La Tengo Is Murdering The Classics”, compilación de sus sesiones para la cadena de radio WFMU donde tocan las canciones que piden los oyentes, sí suena de verdad a grupo. A un gran grupo al que de vez en cuando le apetece hacer el gamberro. Enrique Ramos

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El cambio empezó a trazarse en su anterior trabajo, el irregular “The Crane Wife”, y sobre todo en canciones como la progresiva “When The War Came”, pero es en este “The Hazards Of Love” donde la mutación se ha hecho de una realidad tan pasmosa como rotunda. Lejos del folk-rock acústico, pastoral y de inspiración británica de “Picaresque”, Colin Meloy nos golpea en los morros con una opereta rock de inspiración gótica y algo grotesca que mucho tiene que ver con los viejos discos de Jethro Tull o Procol Harum, aunque esta sea una afirmación que provocará sarpullidos a más de uno. No te espantes. Si no le tienes alergia a los pasajes instrumentales de inspiración setentera, rockera y algo épica más propia de Rush que de Belle And Sebastian, déjate seducir por esta historia de bosques encantados, secuestros y asesinatos. Ya veras como si aparcas tus prejuicios, te encontrarás ante un disco perfectamente tramado en el que las canciones –en especial las cuatro partes del tema que da título al disco y sobre todo la última, “The Drowned”, que rezuma una belleza única- se suceden creando una atmósfera de aplastante irrealidad. Don Disturbios

CHIMAIRA

“The Infection” Nuclear Blast/PIAS

METAL

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Chimaira no es una banda conformista. Nunca se han subido a ningún carro; a pesar de contribuir a su impulso, siempre se han mantenido al margen de la llamada nueva ola de metal americano; y, lo más importante: a diferencia de otros compañeros de generación, nunca han grabado dos veces el mismo disco. Ya con su tercer álbum, “Chimaira”, frío como el témpano y arrollador como un alud de rocas, dieron signos de una madurez insólita para una banda de tan corta trayectoria. Su posterior “Resurrection” profundizó en su personal visión del death, el hardco-

re y el trash; y ahora, con “The Infection”, marcan un nuevo cambio de rumbo. No es ningún eufemismo. Tras una introducción a la Maiden, “The Venom Inside” arranca con un medio tiempo monstruoso, cuyas guitarras deformadas parecen fruto de una jam junto a Meshuggah; un tono, envolvente y fantasmal, que persiste a lo largo de todo el disco mediante riffs deconstruidos, un original uso de sintetizadores y efectos, y unas voces arrastradas que ejercen un extraño influjo en el oyente. Mark Hunter extremiza por momentos su registro más death (“Coming Alive”, “Secrets Of The Dead”); en “Impending Doom” recuerdan a Misery Loves Co. y cierran el álbum con la instrumental “The Heart Of It All”, de casi diez minutos. De nuevo, no es éste un disco fácil de asimilar, pero el esfuerzo, créanme, tiene su recompensa. La banda sonora perfecta para la inminente pandemia zombie. David Sabaté

I AM GHOST

“Those We Leave Behind” Epitaph/Pias

HARDCORE

1114

Leí el otro día en una publicación especializada que I Am Ghost era una copia mala de AFI y que este “Those We Leave Behind” era un disco aburrido. Estoy de acuerdo en que esta banda californiana recuerda a los firmantes de “Sing The Sorrow” y a otros (Thursday, Boysetsfire), pero no comulgo con la opinión de que sea aburrido. Todo lo contrario. Como buen disco de emocore que es, los instrumentos juegan con las sucesiones tormenta-calma- tormenta y la voz de Steve Juliano igual se desgarra que se torna melódica. De hecho, I Am Ghost cuando quieren muestran su potencia (“Those We Leave Behind”, ”Buried Way Too Shallow”, “Bone Garden”) y cuando no ahí están los estribillos pegadizos, esos puntazos de voz femenina y la inclusión de algún sonido de violín y de chelo. Respecto a las letras, podrían considerarse como la Biblia del emo. Historias oscuras (como las que asombran a la chica de la portada) que giran alrededor de los conceptos clave de esta subcultura: la muerte, el romanticismo, el dolor, el amor, las lágrimas… Todo ello configura un universo propio que es de lo mejor que he escuchado de Epitaph en los últimos tiempos. Jordi Forés

SEDAIÓS

“Resolen problemes” Gandula

pop

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Hemos pasado los dos últimos dos años aplaudiendo la aparición de grupos cantando en su propio idioma. Dos años en los que hemos llevado sus nombres con orgullo como un tatuaje en la frente. Y no era para menos: Manel, La Brigada, Nisei, Albaialeix, Joan Miquel Oliver, Mishima... discos increíbles abriendo las puertas por fin a otra música cantada en catalán. Tan buena fue la remesa que en poco tiempo la cuestión idiomática ha creado un nuevo paradigma en el que el idioma ha dejado de ser lo importante: más que la excepcionalidad de la lengua, estaba la excepcionalidad de las canciones. Sedaiós forman parte de esta última excepción: Canciones diurnas, cotidianas, soul mediterráneo, palmas y panderetas, pop rápido moderadamente trotón, como unos The GoBetweens grabando “16 Lovers Lane” con la inocencia de sus primeros singles. Su disco de debut, está plagado de pequeños grandes hits como “Els vells”, “Bam Bam”, “Històries, llibres i cançons”, “Reveiller Avant Toi” o la preciosa versión de Bahta Gèbre-Heywèt (“Perdo el cap”). Una maravilla a colocar entre los “ísimos” de Espanto, The Wave Pictures o toda la obra de André Herman Dune como Stanley Brinks. Enrique Ramos

(MondoSonoro · Mayo 2009 /51/ vinilos)

PENDRAGON “Pure”

InsideOut/Mastertrax

PROGRESIVO

111

Este veterano grupo inglés, integrante básico de la ola progresiva en los ochenta, sigue decidido a dar un paso adelante con el objetivo de adaptarse a los tiempos que corren. Tras el fiasco del aburrido “Believe”, en esta ocasión pasan a engrosar la cada vez más larga lista de bandas que decantan su sonido hacia el lado más exitoso del género en estos momentos: Porcupine Tree. Si bien “Pure” no llega a traicionar el legado estilístico de Pendragon, no es menos cierto que la intención de actualizar su propuesta en la dirección que apunta al grupo de cabecera de Steven Wilson, es más que evidente. De hecho su líder Nick Barrett ya se ha apresurado a informar que si este nuevo álbum no logra una mínima repercusión o reconocimiento, pasará a ser el último trabajo en la historia de Pendragon. Total, que al adentrarnos en los surcos del disco, entre piezas habituales del sonido de los ingleses, nos encontramos con temas que hacen gala de una agresividad hasta ahora inédita en los ingleses (“Indigo”, “Comatose”). Buen intento. Ferran Lizana

ranzadamente”. Así empieza Julie Doiron su nuevo disco y es imposible no alegrarse, porque en este trabajo está completa la Julie Doiron a la que queremos: la que acompañada de una guitarra y el cantar de los pájaros de fondo es capaz de cambiar nuestros días a mejor, la que vuelve la vista atrás hasta sus tiempos con Eric’s Trip y la que se siente cómoda con una carrera en solitario igualmente plagada de aciertos. Para ello, se ha dejado acompañar por su pasado (las guitarras distorsionadas de Rick White, su media naranja en Eric’s Trip) y su presente (Fred Squire, su pareja, mitad de Calm Down It’s Sunday e, igual que ella, colaborador en esa obra maestra que es “Lost Wisdom” de Mount Eerie) en la mejor versión posible de si misma: enamorada, feliz de haber pasado la tormenta, inspirada. Su séptimo disco contiene todo lo mejor de su carrera, la intimidad, la familiaridad, el indie-rock de toda la vida (“Consolation Prize”, la mejor canción de los noventa en lo que llevamos de década) y el folk de habitación, todo conviviendo perfectamente en un disco que es simplemente una maravilla. Enrique Ramos

La selección Jäger:

un cambio sorprendente

MICACHU

“Jewellery” Rough Trade/Popstock!

POP

NEIL YOUNG

“Fork In The Road” Reprise/Warner

ROCK

111 Los seguidores de Neil Young somos así. A cada nuevo paso del canadiense esperamos ansiosos que nos vuelva a sorprender, aunque luego él nos maltrate con discos que no acaban de calmar la sed en su totalidad. Discos que están bien tramados, que contienen momentos brillantes y en los que siempre tienes un par o tres de temas muy dignos, pero que lamentablemente quedan lejos de sus grandes obras del pasado e incluso lejos de otras más recientes como “Ragged Glory” (90), “Harvest Moon” (92) o “Sleep With Angels” (94). En esta ocasión, la temática del nuevo álbum se construye alrededor de un viaje a través de su país de adopción con su viejo Lincoln Continental del 59, adaptado para funcionar exclusivamente con energía eléctrica. Pero si nos olvidamos del contenido y de las letras –que, como es habitual en Neil Young, tampoco son un prodigio poético- y nos centramos en la música, nos encontramos ante un disco furioso, cargado de riffs “marca de la casa” y confeccionado algo a piñón. Un disco que, en cierta medida, retrotrae a la fiereza de “Living With War”, pero que desprende un aire de rapidez e improvisación que en el fondo lo desmerece. Es como si la proximidad de la muerte que da la vejez, le hubiera dotado de una prisa a todas luces innecesaria. Y es que las prisas nunca fueron buenas compañías para redondear el acto creativo hasta lo sublime, tan sólo hasta lo correcto. Don Disturbios

JULIE DOIRON “I Can Wonder What You Did With Your Day” Superball/Pias

FOLK

1111

“Estoy viviendo una vida de ensueño/con gente buena a mi alrededor estoy viviendo una vida de ensueño/estoy viviendo espe-

111

Un buen padrino no lo es todo, pero es mucho. En el caso de Micachu ha sido suficiente para acabar en boca de todos. El padrino es nada menos que Matthew Herbert y el resultado, un disco que sin estar excesivamente bien, tampoco está tan mal. Me explico: el debut del proyecto de la inglesa Mica Levi, es como uno de esos discos del sello Upset The Rythm, molón, vestido con los colores de la temporada e incluso resultón por momentos. Pero tiene un problema, se queda en medio, como si no acabara de atreverse a lanzarse al mismo vacío que Dan Deacon o Lucky Dragons. Suena demasiado como tiene que sonar. Las canciones no están mal, alguna hasta hace levantar de la silla: la saltarina “Lips”, “Just In Case” (estribillazo) o el swing sintético de “Calculator”, pero a la mayoría las pierde la intención demasiado manifiesta de sorprender. Le sobra cabeza y le falta picardía (¿Qué es eso de empezar con la peor canción?): en cuarentena. Enrique Ramos

MISS KITTIN & THE HACKER “Two”

Nobody’s Bizzness

ELECTRÓNICA

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Parece que fue ayer cuando “Stripper” o “1982” dejaron a más de uno extasiado en la pista de baile, pero han pasado ocho años desde entonces. Cuando el electroclash como tal pasó a mejor vida, la gatita y su escudero siguieron sus caminos con diversos lanzamientos irregulares que, en lugar de hundirlos en la miseria, les convirtieron en dos iconos del eletropop más bastardo. Con “Two”, lejos de experimentaciones y sonidos minimal, el dúo apuesta por los loops continuos y las melodías cyber envueltas con claras influencias synth pop (“1000 Dreams”, sin ir más lejos). El hecho de carecer de himnos inmediatos como “Frank Sinatra” (a excepción de “P.P.P.O.”) no lo convierten en un álbum menor, ni mucho menos. Temas como la euro-dance “Party In My Head” o la reinterpretación electro de ese clásico que es “Suspicious Minds” hacen de este esperado retorno un más que correcto ejercicio de electrónica hedonista adaptado a los tiempos que corren. De todos modos, no tenían que romperse mucho la cabeza para superar “Batbox” o “Reves Mécaniques”. Sergio del Amo

The Horrors Foto Archivo

THE HORRORS “Primary Colours” XL/Popstock!

ROCK

1114

The Horrors no son una banda de pop al uso, sino un grupo de superhéroes en la tradición de los Nuevos Mutantes. Como ellos, no responden cuando les llamas por sus propios nombres sino por sus apodos artísticos: Spider Webb, Joshua Third,… Son chicos raros, diferentes, y su misión en la tierra consiste en luchar contra la fatal influencia que ejercen sobre los jóvenes del mundo entero los supervillanos que se encuentran en lo alto de las listas de ventas, tipos de alias igualmente ridículos como Lady Gaga o nuestra Labuat. Cierto es que, llevados por la inexperiencia de la juventud,

han fracasado en misiones anteriores, como ese debut, “Strange House”, atropellada declaración de intenciones en que su pasión por el garage rock les jugó una mala pasada. Pero una vez encontrados sus particulares Lobezno y Profesor Xavier en las figuras de Chris Cunningham y Geoff Barrow, responsables de la producción de este disco y de la actual devoción de la banda por la oscura psicodelia de Silver Apples y United States Of America, los adolescentes neogóticos pueden respirar tranquilos: The Horrors están aquí para salvarlos. Y ésta no será la mejor de sus misiones, pero sí su primer trabajo bien hecho. Luis J. Menéndez

REEDICIONES

CAVITY

“Laid Insignificant” Hydrahead/Junk

METAL

1111

Pese a no disponer de un reconocimiento tan masivo como otras bandas, admitir la importancia de Cavity dentro de un género como el sludge es hacerlo como de uno de sus grupos clave. Algo que el bueno de Aaron Turner y su buen ojo clínico al frente de Hydrahead ha sabido ver -y reivindicar- al reeditar ésta junto a otras de sus grabaciones, rescatando para la ocasión el disco publicado originalmente por Pushead’s Bacteria Sour hace diez años. Un compendio básico de metal cocido a fuego lento con una inyección extra de hardcore la cual no parece haber envejecido lo más mínimo. Una pequeña joya –extrema, intensa-, compuesta por el quinteto que, pese a no superar a su particular hito discográfico “Supercollider”, los de Florida bordaron. Y si aparte hay que destacar como el formato de Ep publicado originalmente se complementa aquí con dos pistas más recuperadas de las mismas sesiones de grabación, nada mejor que volver a disfrutar ahora con este pedazo de animalada. Ya va siendo hora que una banda como esta tenga el reconocimiento que se merece. Francesc Feliu

ESPLENDOR GEOMÉTRICO

“Veritatis Splendor” 1114 “Balearic Rythms” 1111 “Polyglophone” 11114 Geometrik

ELECTRÓNICA

Hace ya un par de años que Esplendor Geométrico cumplieron sus bodas de plata y sin embargo el dúo vive un insospechado renacimiento que se traduce en presentaciones en directo, material nuevo (a punto de publicarse) y una serie de reediciones que recuperan grabaciones perdidas (“Early Recordings”) y discos descatalogados. Entre estos últimos resulta una gran noticia la recuperación digital de “Veritatis Splendor” (1994), “Balearic Rythms” (1996) y “Polyglophone” (1997), o lo que es lo mismo los tres primeros pasos en la última etapa de la banda, aquella en la que Saverio Evangelista se sumó a Arturo Lanz, inductor del proyecto y el único de los componentes de Esplendor que ha estado presente en cada una de sus diferentes reencarnaciones. Los tres han sido remasterizados para la ocasión, aunque las principales novedades tan sólo afectan a “Balearic Rythms”, con la inclusión del las tres canciones que componían el single “30 Km de radio” y una nueva portada, firmada por el trasgresor cineasta Velasco Broca. Luis J. Menéndez

GENTLE MUSIC MEN “Gentle Music Men” Pias

POP

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A principios de 2008 vio la luz el primer disco de Gentle Music Men y desde entonces el sexteto de Vilanova i la Geltrú (Barcelona) no ha dejado ni un solo momento de seducir a

crítica y público con unas canciones que concentran la belleza y el entusiasmo de la mejor música pop. Los nueve temas del debut homónimo de Gentle Music Men supusieron una pequeña revolución en la cosecha indie catalana de 2008, y por esta razón han sido reeditados a través de Pias, que ha añadido algunos extras al álbum original, como la suave relectura de “Only Love Can Break Your Heart” de Neil Young o una segunda versión de uno de los temas más impresionantes del grupo, “Peculiar Story” (además de los clips de los singles “Cry” y “Universe”). Dani Poveda (ex Flint) apuesta por el pop ilustrado con Gentle Music Men, y lo consigue gracias a unas composiciones inspiradas donde exhibe su voz dúctil junto a una instrumentación que supera las expectativas del pop nacional: al bajo, guitarra y batería habituales tenemos que sumar la inclusión de teclados, arreglos de cuerda que nos hacen pensar tanto en los omnipresentes The Beatles como en The Divine Comedy o Adam Green, y apariciones puntuales de vientos metal. Jordi Nopca

EL GUINCHO “Alegranza”

Pavement Foto Archivo

Discoteca Océano!

POP

1111

“Alegranza” nos descubrió a El Guincho, un Pablo Díaz-Reixa en estado de gracia que, además de darle a las percusiones en Coconot y experimentar en bandas como La Orquesta de la Muerte, decidió hacer de 2007 su mejor año conquistando el mundo a base de alegría tropical. El Guincho explotó con “Alegranza”, uno de esos segundos discos, el primero había sido “Folías” (Discos Compulsivos /LUVLUV, 07), que por su repercusión mediática inesperada y desbordante siempre trascenderá como el primero. Una suerte de puzzle esquizofrénico que hizo del sampler, el tropicalismo, los ritmos africanos y una justa ingenuidad sus señas de identidad. Ahora, doce meses después de que esta inteligente combinación de creatividad, ambición y ganas, ocupase las listas más insospechadas de lo mejor del año, El Guincho regresa con una reedición del disco que le dio la fama dispuesta para su lanzamiento mundial. La elección del single “Palmitos Park” en siete pulgadas, algunos ligeros retoques y un videoclip a su antojo son sus armas para comerse un mundo que, al fin y al cabo, ya tiene rendido a sus pies desde hace tiempo. Cristina V. Miranda

PAVEMENT

“Brighten The Corners” Matador/Popstock!

ROCK

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El catálogo de Pavement sigue siendo una fuente inagotable de placer para sus fans. Cada una de sus reediciones aparece acompañada de tropocientas canciones inéditas, caras b, maquetas, directos, versiones y algún churro que se hace querer. “Brighten The Corners”, el cuarto disco del grupo, fue saludado en su día como su disco más pop gracias a ese principio imbatible que formaban “Stereo” y “Shady Lane”, pero había más, claro. Allí están sus primeros coqueteos serios con el rock setentero, semilla de lo que seria la carrera en solitario de Stephen Malkmus (“Embassy Row”), un par de avisos del principio del

KANGRENA

THIN LIZZY

SPANK ROCK & BENNY BLANCO

B-Core Disc

VH1 Classic/Locomotive

COOP/Nuevos Medios

“Casetes” PUNK

OCEANSIZE

“Frames (Deluxe Edition” Superball/Mastertrax

ROCK

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Tras el relativo éxito cosechado hace un año con su último álbum “Frames”, los de Manchester intentan exprimir más la naranja con esta lujosa edición del que es probablemente su mejor trabajo. Presentado en una rígida caja, además del álbum original nos ofrecen también un DVD muy completo que obviamente centra todo el interés de esta crítica, dado que la correspondiente al álbum ya apareció por estas páginas. Así, el citado DVD incluye la grabación del álbum al completo en un espacioso local de ensayo, de manera que podemos visualizar como este joven grupo interpreta con exactitud milimétrica cada corte de “Frames” en estricto orden, pero en el que se hecha en falta el calor del público. Ese detalle lo reservan para uno de los extras que se incluyen en el DVD, con la filmación en uno de sus conciertos de tres temas y un documental sobre la grabación del álbum. Ferran Lizana

fin (“We Are Underused” podría haber estado en “Terror Twiglight”), y clásicos menores como la maravillosa “Old To Begin” o “Date w/ Ikea” (si no fuese por la voz podría pasar por una canción de The Clean). Por lo que respecta a las rarezas, las ocho que acompañan al disco no son mucho más que un apéndice. Es extraño que un grupo tan prolífico se equivocase tan poco al hacer la criba de canciones que van en cada disco. La verdadera joya es el segundo compacto: veinticuatro canciones llenas de juegos, como el country nervioso de “Slow Typed”, la versión primeriza de “Harness Your Hopes” (si “Terror Twilight” hubiese sonado así otro gallo habría cantado), chistes bien contados como “Neil Hegarty Meets Jon Spencer In A Non-Alcoholic Bar” y algún que otro hit a medio cocer (“Winner Of The”, “Destroy Mater Dei”). Se les echa de menos. Enrique Ramos

“Bangers & Cash”

“Still Dangerous” 1111

Recuerdo la primera vez que escuche a Kangrena. Un amigo había comprado la cinta de “Estoc de pus” (veintidós canciones editadas en 1984) y pensé que sonaban como el auténtico culo en aquellos días en los que yo era un chaval interesado exclusivamente en el heavy metal estadounidense. Me impactó descubrir a un grupo tan punk, tan descarado, tan descacharrado, tan destructivo, y saber que provenía de una pequeña localidad cercana a Barcelona. No eran hijos de familias acomodadas como buena parte de los iconos de la movida, era chusma, eran unos descastados, unos tipos que sabían lo que era el punk de verdad. Sabían que la verdad estaba en Discharge, Anti-Nowhere League, en Crass o en los Dead Kennedys, y en esas andaban. Ahora, B-Core remasteriza sus dos míticas cintas (la ya citada “Estoc de pus”, en claro ataque a un programa televisivo de la época, y “El cubo de la basura”), remasterizadas por Santi García (No More Lies) y su hermano Víctor. Y digo míticas porque hasta la Bíblia del punk Maximum Rock’n’Roll les dedicó decenas de elogios. Justicia histórica en setenta y seis minutos y casi cincuenta piezas. Joan S. Luna

HARD ROCK

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Disco mítico entre los históricos dobles en directo que reinaban en los años setenta, “Live And Dangerous” no se libró tampoco de los típicos y tópicos lastres con los que cargaban este tipo de álbumes. Que si fue retocado después en el estudio, que si estaba formado por retales de varios conciertos, que si la calidad del sonido no era óptima... Difícil argumentar contra esas críticas, pero insuficientes para evitar que esos dos vinilos sigan ocupando un lugar preferente en la discoteca de muchos de nosotros. Más como complemento que con auténticas pretensiones de sustitución, aparece ahora esta revisión de aquella magnífica obra, en la que se han eliminado los citados retoques de estudio. Así es como se ha librado de sospecha al extraordinario potencial de la banda irlandesa y, esperamos, se logrará captar la atención tanto de viejos fans como de recién llegados al colectivo de admiradores de Phil Lynott. Lamentablemente, sólo se han incluido diez temas en este “Still Dangerous”, pero ello no impide que recuperemos con pasión este clásico imprescindible del hard rock de la década de los setenta. Xavier Llop

RAP

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Por si alguien no había pillado de qué iba la música de Spank Rock ahí va un resumen: culos, gloriosos y bamboleantes culos. Como tema para una tesis, a no ser que sea de anatomía, no da para mucho, pero si lo que se pretende es hacer música para bailar, música para culos, son un tema tan bueno como cualquier otro y, de hecho, si encima consigues que esa música cumpla su función, a saber, te haga mover el culo, se cierra el círculo y tiene uno entre manos un canto a las posaderas -vibrantes, sacudidas posaderas-, la Gioconda del culismo. “Bangers & Cash”, publicado un año después del tremendo debut de los de Filadelfia y en el que Naeem Juwan colabora con el productor Benny Blanco (Kate Perry, Britney Spears), es eso y más. Un canto al culo como no habíamos oído desde ese mítico “I Like Big Butts” de Sir-Mix-A-Lot y un retorno a lo grande al rap de los siempre dispuestos 2 Live Crew y de Beastie Boys antes que el budismo les vaciara el cerebro. ¿Queda claro? ¿No? Pues escuchen “B-O-O-T-A-Y”, “Shake That” o “Pu$$y” y anoten en una libreta las partes de su cuerpo que se mueven en contra de su voluntad. Exacto. Ahí lo tienen. Joan Cabot

/54/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

New York Ska Jazz Ensemble Foto Archivo

LAVENTANA

Brixton Records

Getxo Ska El iconoclasta Teddy Baxter cantaba aquello de “La rebelión del Getxo Sound”. Una sátira de aquella hornada de los ochenta en la que nacieron bandas como El Inquilino Comunista, Los Clavos o Lord Sickness. Curiosamente, es en esta localidad donde tiene razón de ser Brixton Records, sello entregado al ska, el reggae y todo lo que huela a jamaicano.

Imprescindible

a etiqueta vizcaína nace a finales de 1999 fruto de la amistad con integrantes de los desaparecidos Banana Boats, una banda de reggae logroñesa. “Querian empezar una nueva historia como The Starlites y les editamos un Ep. A partir de ahí comenzamos a desarrollar la discográfica hasta hoy que tenemos veintisiete referencias”, rememora Javier José Rodríguez Lozano, responsable directo de la discográfica. “El peso principal recae en mí, pero tenemos mucha gente que trabaja a tiempo parcial para proyectos concretos”. Centrado en editar bandas que hacen música jamaicana de manera original, la

discográfica ha ampliado la oferta con un subsello de reggae para bandas noveles y prometedoras que lleva el nombre de Silver Bullets. En esta subsidiaria han editado el primer disco de la banda de Girona The Gramophone Allstars, “Just Delighting”. “Además tenemos otro subsello dedicado al rock’n’roll, Guns Of Brixton Records, en el que hemos editado en vinilo ‘Jodiéndolo todo’, la primera maqueta de Eskorbuto”. Brixton Records vive sus mejores horas en estos momentos, como lo corrobora el reconocimiento y la extensiva distribución mundial de su actividad. “En el estado español estamos distribuyendo noso-

tros mismos actualmente. En Francia se encarga Mosaic. En Benelux lo hace Sonic Rendezvous. En Alemania y Austria se ocupa Cargo. En Italia lo lleva Goodfella. En USA Light In the Attic. En Japón Ska In The World...”. Desde hace mas de quince años cuentan con la tienda Brixton Denda, especializada en ropa y música. Así mismo trabajan con Brixton Management, su agencia de contratación/promoción, que se encarga de hacer girar por el estado a la mayoría de las bandas del catálogo y otras que lo solicitan. “Nuestra filosofía es que editamos lo que encontramos interesante y nos gusta. No podría elegir un disco favorito en concreto, pero por poner algún ejemplo destacaría ‘Way Out East’ de Dave Hillyard & The Rocksteady 7, ‘Step Forward’ de New York Ska-Jazz Ensemble, ‘Roads Of Love’ de The Starlites me parecen discos tan imperecederos como los de Basque Dub Fundation, Lone Ark o Benjammin”. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

David Hillyard & The Rocksteady 7 “Way Out East” (2007)

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Música jamaicana e improvisación jazzística. Esta poderosa aleación se respira en este set grabado en directo en el Kassablanca Club de Jena (Alemania) en plena gira europea del año 2004. Entre temas incontestables como “Play Time” o “Ethiopian Melody” hay hueco para curiosas revisiones de Bob Marley (“Duppy Conqueror”) y The Beatles (“Norwegian Wood”).

RECOMENDABLES

Benjammin “Rise Up” (2007) 1114 No son muchas las voces que destacan en el reggae nacional, a excepción de Morodo, Lion Sitté y pocos agraciados más. Benjammin destila sentimiento isleño con su acertado nu-roots. Entre los firmantes de ritmos cuenta con Alberto Sánchez (Lone Ark), toda una garantía para lucirse en números de la talla de “Truth”

Begoña Bang Matu “I’m Thinking About You” (2006) 1114 ¿Qué decir de nuestra Doreen Shaffer patria? La que fuera vocalista de Malarians lo borda en su tercer disco en solitario. Arrasa con el imparable ritmo de “Wanna Say Good-Bye”, ska trufado de soul y Hammond incandescente; provoca sonrisas en el tonificante y educativo calypso de “El pequeño roedor”, y enciende las velas en la romántica “I Want To Be Where You Are”. Un pleno.

NOVEDADES

New York Ska Jazz Ensemble “Step Foundation” (2008) 11114 La banda en la que milita el virtuoso Alberto Tarín (Jah Macetas, Seguridad Social) sienta cátedra con sus revisiones de Charles Mingus (“Boogie Stop Shuffle”), Dave Brubeck (“Take Five”) y Jerry Lieber y Mark Stoller (“Kansas City”). Sus soplidos y su upbeat mantienen la misma enjundia que otros titanes como The Skatalites y Carlos Malcolm. Parafraseándoles, otro paso adelante.

Soweto

“You Give Me Fever!” (2008) 1114 En una regresión a los gloriosos sesentas la banda catalana enfila su proa hacia el refugio pirata de Byron Lee & The Dragonaires y The Pioneers. Ska y rocksteady con soniquete a gramola y discos de pizarra. Canciones como “Pretty Girl”, “Feel So Well” o “Wappa Do Di Wha” propiciarían más de un restregón en cualquier baile del Kingston ye-yé. Colabora BB Seaton. n M.A.S.G.

19 Junio RAGOZA Da Luxe ZA

(MondoSonoro · Mayo 2009 /57/

MONDO MEDIA)

CINE

El mejor cine oriental se da cita en la nueva edición del BAFF

The Chaser Foto Archivo

Na Hong-Jin

A la caza Aún inédita en nuestras pantallas, “The Chaser” es uno de esos thrillers tensos y trepidantes que no dan un minuto de descanso al espectador. De un empaque visual poderosísimo para un debutante, su director, Na Hong-jin, se revela como una de las grandes promesas del cine coreano actual.

s un hecho irrefutable que, a estas alturas de la jugada, Hong Kong y Corea del Sur son la vanguardia del thriller mundial, muy por delante de la producción hollywoodense. Un género, el thriller, híbrido entre el suspense, la acción y algo de terror, que está ofreciendo, desde hace años, las mejores montañas rusas que se pueden disfrutar en una pantalla de cine. A “The Chaser”, una de las cintas orientales más celebradas del pasado año, le viene como anillo al dedo eso de “montaña rusa”. La película del debutante Na Hong-jin es todo un tour de force de emociones, culminado en una hora final de antología, llena de giros narrativos inesperados. La historia está protagonizada por un ex detective metido a proxeneta (un excelente Kim Yun-seok) que tendrá que perseguir y encontrar, en una carrera contra el reloj, a un despiadado y torpe asesino en serie que está acabando con sus prostitutas. Un relato tenso y dramático, de una brillantez visual apabullante, que nace de un concienzudo trabajo

idea. Luego añadí mi imaginación. Pensé, si yo matara a alguien, si yo tuviera esa idea en la mente, ¿que haría? Llegué incluso a perseguir a algunas chicas por los callejones de mi ciudad como si fuera un asesino para observar sus reacciones. Fue un proceso difícil. En la mayoría de los thrillers los asesinatos no son muy reales, no te los crees. Por eso quería crear un asesino diferente, realista, y que se pareciera un poco a mí. Después de acabar el guión pensé, si al final no puedo hacer la película, dedicarme al cine, al menos puedo ser un asesino de verdad (risas). También aprovecho para pedir perdón a las mujeres que perseguí…”. Muy en la línea de los grandes thrillers coreanos recientes, con “Oldboy” y “Memories Of Murder” en el horizonte, el debut de Hong-jin es igual de crítico con la policía de su país como lo son los dos títulos citados anteriormente. Algo que no es solo una argucia del guión. “Si tu mismo vinie-

“Lo que diferencia nuestros thrillers del resto es que son más humanos, se basan en el humanismo” de guión previo. “Cuando empecé a escribir el guión no tenía claro cómo sería el asesino y los asesinatos. Empecé a entrevistar a la policía y a consultar libros para hacerme una

ras a Corea y tuvieras tu propia experiencia verías que es así. El problema no es sólo de la gente que forma parte del cuerpo de policía, sino del sistema. Durante una época

en Corea del Sur hubo una dictadura que no respetaba los derechos humanos, estaban totalmente destrozados. Por lo tanto los teníamos que recuperar y aún estamos trabajando en ello. Es un camino lento y aún nos queda mucho. Es una situación que me produce tristeza”. Dejando a un lado la dura denuncia al sistema policial coreano, una de las grandes señas de identidad del cine de género en la Corea democrática es el humanismo que destilan sus historias. Personalizado en “The Chaser” en el personaje de Eom Joong-ho, el perseguidor, un hombre duro pero de buen corazón que acabará redimido al final del relato gracias a su tierna relación con una niña. “El thriller nunca ha sido muy popular en Corea, aun así ha habido grandes películas de ese género, como ‘Memories Of Murder’. Creo que lo que diferencia nuestros thrillers del resto es que son más humanos, se basan en el humanismo. Por eso nuestras películas inquietan más y dan más miedo, porque te las crees. La trama es también importante, pero lo principal es el humanismo”. Na Hong-jin es una de las nuevas promesas del cine coreano, un realizador que pertenece a la segunda generación de directores del país conocidos en Occidente, la que viene después de Park Chan-wook, Bong Joon-ho y Kim Ji-woon, los tres cineastas que pusieron, hace ya unos sietes años, a Corea en el mapa mundial cinematográfico. Hong-jin solo tiene palabras de admiración ante tamaño triplete de ases. “Siento un gran respeto por todos los directores que has nombrado, son una gran influencia para mí, he aprendido mucho de ellos. Cuando preparo mis películas esos tres directores son como mis libros de texto cinematográficos. Algún día quiero ser capaz de hacer películas tan buenas como las suyas. Pero aún me falta mucho”. ■ Xavi Sánchez Pons

on la primavera llega el buen tiempo y el buen cine a la Ciudad Condal. Esto último se lo debemos al BAFF (Festival de Cine Asiático de Barcelona), un certamen que este año se celebra del 30 de abril al 10 de mayo en diversos espacios de Barcelona (Cine Rex, Aribau Club, CCCB…). Para su onceava edición los responsables del festival han preparado una cuidada selección que incluye lo más destacado de la cosecha reciente del cine oriental. Alguno de los títulos que no hay que perderse bajo ningún concepto son: “My Darling Of The Mountains”, nuevo film de Katsuhito Ishii, autor de la inolvidable “The Taste Of Tea” (uno de los highlights en la historia del BAFF); “Love Exposure”, última locura de Sion Sono, uno de los directores nipones más descerebrados del momento; “Dream”, película en la que el coreano Kim Ki-duk intenta recuperar el pulso tras varios patinazos creativos consecutivos; “Achilles And The Tortoise” de Takeshi Kitano, tercera parte una trilogía que ha puesto patas arriba toda su obra; “24 City”, filme experimental del cada vez más en forma Jian Zhang-ke; “Still Walking”, nueva cumbre emotiva de Hirokazu Kore-eda, y “Jodhaa Akbar”, el sonado bollywood de rigor de cada edición del BAFF. Más información en www. baff-bcn.org/es/. ■

thrillers coreanos de oro “Oldboy” (Park Chan-wook, 2003)

Segunda parte de la trilogía sobre la venganza de Park Chanwook, esta es, sin duda, la más brillante de las tres. De una puesta en escena casi sobrenatural, por su perfecto encaje de bolillos dramático y por sus set-pieces antológicas, “Oldboy” es una de las obras maestras indiscutibles de este recién estrenado siglo.

“Memories Of Murder”

“A Bittersweet Life”

(Bong Joon-ho, 2003)

(Kim Ji-woon, 2005)

Con un estelar Song Kang-ho a la cabeza del reparto, “Memories Of Murder” supuso la revelación internacional de su director, que luego siguió volando alto con “The Host”. Thriller atrevidísimo capaz de hacer trizas los tópicos más manidos del género, la cinta de Joon-ho marca un antes y después en el boom del cine coreano.

Respuesta asiática a “Kill Bill” y una de las películas de acción más adictivas de los últimos años. De un ritmo endiablado y con varias secuencias para el recuerdo (el entierro, vivo, y posterior huida del protagonista es sencillamente espectacular), confirmó la valía de Kim Ji-woon, un todoterreno en esto del cine de género.

“A Dirty Carnival”

“City Of Violence”

(Yu Ha, 2006)

(Ryoo Seung-wan, 2006)

Trágica y emocionante epopeya criminal sobre un joven gangster que trata de hacerse un hueco en su familia mafiosa, dejando un reguero de sangre a su paso. Al mismo tiempo intentará llevar una vida normal sin éxito.Una de las joyas a descubrir de la producción coreana reciente por su sorprendente clasicismo, cercano al polar francés.

Historia de venganza de ascendencia tarantiniana, muestra el lado más sanamente verbernero del thriller coreano. Artes marciales acrobáticas, guiños al cine de yakuzas japonés y un ritmo frenético, son las principales bazas de una película que acaba triunfando por su descarada condición de tebeo de acción. ■ X.S.P.

mondorecomienda

LA ENTREVISTA Amélie Nothomb Foto Archivo

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

DVD MúSICA

Wilco

“Ashes Of American Flags” Dro (11111) “Ashes Of American Flags” recoge la filmación de trece canciones extraídas de un total de cinco conciertos de la gira americana de Wilco del pasado año. La banda, además de mostrar el enorme potencial de su directo, se quita la espinita que supuso la edición del directo “Kicking Television” (2005) del que no estaban nada satisfechos. Ahora sí. Ahora los temas han sido escogidos con sumo cuidado y han sido intercalados con imágenes cotidianas de lo que supone una gira. Una delicia para sus fans, que además cuenta con la dirección de Brendan Canty (Fugazi) y Christoph Green (responsable de la serie “Burn To Shine”). Don Disturbios

The Mooney Suzuki

Leonard Cohen

Grabado con pocos medios, pero sin perder detalle, este concierto grabado en la madrileña sala Gruta 77 recoge un total de dieciocho piezas del repertorio de los neoyorquinos. El grupo no hace más que dejarse llevar y desplegar todo su repertorio de tics rock’n’roll, su mayor virtud y defecto al mismo tiempo. Enrique Gijón

De realización sin lujos pero constantemente atenta a Cohen, recoge prácticamente dos horas y media de música grabada en directo sin olvidarse de sus grandes clásicos. La parte final con “Take This Waltz”, “So Long, Marianne”, “First We Take Manhattan” y “Sisters Of Mercy” seguidas quita el hipo. Un aperitivo perfecto para su gira española. E.G.

“Live In Madrid!!!” Munster (114)

“Live In London” Sony BMG (1111)

La bicicleta roja

Bizarro Cómics

Una nueva muestra del cada vez más popular manhwa (manga coreano), en este caso deudor en lo gráfico de la animación de Ghibli y en lo temático del emo-costumbrismo de Jirô Taniguchi, si bien en ambos casos los referentes se encuentran a años luz del resultado final. Un joven cartero viaja en bicicleta por los pueblos de Corea recreándose en lo maravilloso de sus paisajes y sus gentes. Luis J. Menéndez

La plana mayor del cómic indie yanqui -e incluso algunos nombres europeos como Dupuy & Berberian- se enfrenta a Batman, Superman, Wonder Woman, Flash y demás fauna de la factoría DC en un volumen irregular pero realmente divertido en su vocación desmitificadora. Eso sí, tirón de orejas para el editor, por la publicación de algunas páginas pixeladas y otras borrosas. L.J.M

Fallos de raccord

El último viaje de Olivier Duveau

Marcos Prior Di·bolo Ediciones (1111) Nicholas Nicholson es detective, experto en coaching, superviviente del Katrina y personaje con tendencia al fallo de raccord. No hay aquí una historia sino una divertida reflexión con incontables referentes y homenajes (de Bolaño, Auster o Foster Wallace a “El lobo solitario”). Abrumador despliegue de recursos gráficos y narrativa no lineal para una obra compleja y apasionante. J. M. Palmer

Ni de Eva ni de adán Amélie Nothomb ha vuelto a ritmo de frases cortas y recuerdos con risas enlatadas. Precuela de la estupenda “Estupor y temblores”, “Ni de Eva ni de Adán” (Anagrama) nos presenta el lado amable del Japón de los ochenta, novio nipón incluido.

cómics

Kim Dong-Hwa Planeta DeAgostini (111)

Amélie Nothomb

VV. AA. Planeta DeAgostini (1111)

Jali

Astiberri (11114)

Atrás quedan los referentes con los que le emparentamos en sus inicios. Jali habita desde hace tiempo a un desolado universo por el que tan sólo deambulan héroes románticos como este Olivier Duveau, otro caballero de la triste figura que añadir a su impresionante galería de personajes. Para aficionados a los cuentos góticos y almas sensibles en general. L.J.M.

e levanta cada día a las cuatro de la mañana, se prepara medio litro de un té explosivo, espera a que haga efecto (“literalmente, me estalla en la cabeza”) y se sienta a escribir, bolígrafo Bic en mano, en una libreta cualquiera. Amélie Nothomb no le teme al insomnio ni a los ex-novios, ni siquiera si son nipones y odian a Marguerite Duras, por eso ha decidido volver a Japón y contarnos qué pasó antes de convertirse en esclava para una empresa con lavabos sonoros (véase “Estupor y temblores”) en una precuela, “Ni de Eva ni de Adán”, que funciona como historia de amor bizarra. “Me apetecía volver a Japón y volver a tener veintiún años”, cuenta. Es de las que opinan, como Virginia Woolf, “que si algo no se ha contado, no ha pasado”, y, por el momento, “escribir es la única forma que tengo de volver a contarme mi vida. Ojalá pudiera hacerlo con la música pero no puedo”. Sin pudor, esta belga nacida en Kobe que pasó la infancia subida a un avión (su padre era embajador), reconstruye su historia de amor con Rinri, un joven nipón al que dio

Macanudo 4

Liniers Reservoir Books (1111) Llega el cuarto volumen recopilatorio de “macanudismos” de Liniers, aunque con el primero ya nos rendimos a sus pies. Descubrirle y no disfrutar con sus tiras de inteligente humor y su excelente dibujo únicamente puede ocurrir si somos ciegos, sordos, mudos y vivimos en una isla desierta. Vuelvan a pasarlo en grande con sus pingüinos, ovejas, duendes, Picasso y con su fantástico mundo. Joan S. Luna

clases particulares de francés en Japón y con el que salió durante dos años, aunque, eso sí, obviando las escenas de sexo. “Mis lectores ya saben lo que es el sexo y yo también y no quiero convertirme en un mito erótico, así que me he saltado esa parte”. Y si tiene que señalar un tópico japonés que sea cierto, se decanta por la incomunicación. “Es muy difícil comunicarse con ellos, si alguien quiere entenderlos mejor, tiene que liarse con uno”. Y otro, la disciplina. “Es algo que interioricé de mis primeros años de colegio. Allí el sistema de enseñanza es militarista, realmente rígido, pero tiene que serlo porque tardan doce años en aprender a escribir”, subraya. Nothomb vivió en Japón hasta los cinco años y luego regresó a los veintiuno, dispuesta a quedarse. Conoció a Rinri y se puso a trabajar en la empresa de lavabos sonoros de la que hablábamos antes. “Me convertí en una esclava y me dije: ¿Y si me hiciera escritora?”. Desde entonces escribe cada día de cuatro a ocho de la mañana. ■ Laura Fernández

Grandes mentiras para niños pequeños Andy Riley Astiberri (111)

El autor del éxito “Conejitos Suicidas” nos enseña esta vez cómo esas grandes preguntas que todos tenemos pueden tener respuestas sencillas y completamente locas, aunque mucho más divertidas que las reales y no necesariamente los niños, sino para aleccionar a esos mayores pesados que nos rodean. Eduard Tuset

Ombligo sin fondo

Dash Shaw Apa Apa Cómics (11114) Sin duda uno de los cómics más ambiciosos de los últimos tiempos, “Ombligo sin fondo” es una pirueta emocional y artística de más de setecientas páginas que no deja impasible. Shaw nos presenta las formas distintas en que tres hermanos se enfrentan al divorcio de sus padres tras cuarenta años casados. El primer lanzamiento imprescindible del año. Joan S. Luna

(MondoSonoro · Abril 2009 /59/ MONDORECOMIENDA)

LA ENTREVISTA

LOS CLIPS DEL MES Haruki Murakami Foto Iván Jimenez

LIBROS

Ruy Castro

Bossa Nova. La historia y las historias Turner (1114) Ruy Castro es un periodista brasileño que en 1990 contribuyó, gracias a la publicación de este meritorio y ameno ensayo, a la resurrección del género no únicamente en Brasil sino en países como Estados Unidos, Alemania o Japón (Pizzicato Five le deben más de una copa). “Bossa nova”, originalmente titulado “Chega de saudade” –canción emblemática de Antonio Carlos Jobim– repasa el género exhaustivamente. Su fluida narración se acompaña de una cantidad importante (y entrañable) de material gráfico. Jordi Nopca

◗ Calvin Harris “I’m Not Alone” (111) Aunque no se le haya tomado demasiado en serio, Calvin Harris está demostrando saber dirigir muy bien su carrera, por lo menos comercialmente. En su nuevo video, mantiene las gafas psicotrónicas y las chicas aunque el guión sea torpe.

◗ Lily Allen “Not Fair” (1114) La verdad es que, con este videoclip, la británica ha demostrado tener un divertido sentido del humor. Ella y una banda de acompañamiento interpretan como si se tratase de una banda de country pop en las primeras emisiones en color de TV.

Alcanzar las nubes Phillipe Petit Alpha Decay (1111)

◗ The Juan Maclean “One Day” (114) Juan Maclean y Nancy Wang (LCD Soundsystem) protagonizan un clip correctivo para una canción que supone un sincero homenaje a todo el pop electrónico de los ochenta, que deja a Hercules & Love Affair bien acomodaditos en la sombra.

Materia de la cual se nutre el oscarizado y vibrante documental “Man On Wire”, “Alcanzar las nubes” es una obra adictiva que ahonda aun más sobre la hazaña que protagonizó Phillipe Petit el 7 de agosto de 1974: pasearse por lo más alto de las Torres Gemelas a través de una cuerda floja. Personaje herzogiano como pocos, su egocentrismo y entrañable megalomanía le delatan, no es casualidad que una cita del director alemán abra el libro. Xavi Sánchez Pons

Haruki Murakami

Luces en la oscuridad “¡Ahora! No mañana” Pablo Martínez Vaquero Milenio (1114)

Escrito con un tono directo y ameno, sobrado en experiencias en primera persona, este libro resume exactamente lo que apunta el subtítulo (“Los Mods en la nueva ola española”), diez años de actividad máxima a la que no solemos prestar la atención merecida. A destacar también el divertido prólogo de Kiko Amat (“Rompepistas”). Enrique Gijón

Sida mental

Lionel Tran Periférica (1114) Cruda y muy áspera en su definición del protagonista (le seguimos en tres etapas distintas de su vida, que van alternándose en el relato), “Sida mental” es una novela sobre la peor enfermedad de la sociedad actual: nosotros mismos y nuestros problemas emocionales. ¿La solución? Malvivir con ello o rebelarnos. Enrique Gijón

Amante de los gatos y el footing, el escritor nipón tuvo un club de jazz antes de meterse a vivir otras vidas. Porque es lo que hace cuando escribe, o eso dice. En “After Dark” (Tusquets/Empúries, 09) hace de chica misteriosa en una cafetería.

í, Haruki Murakami comparte jardín con Jack Shephard y Benjamin Linus. Es tan fan de “Perdidos” que se ha comprado una casa en Hawaii, en la isla que no deja de dar saltos, como un vinilo rayado. Hijo único, pasó demasiado tiempo solo en casa cuando era un crío. “Sólo tenía a mis gatos”, dice. Sus gatos y la música. “Y los libros”, añade. “Por eso escribo sobre ello, me gusta escribir sobre lo que me gusta”. Y le gusta correr. “Corro desde los veintisiete años. Hago maratones de cuarenta y dos kilómetros una o dos veces al año. Uno tiene que estar preparado física y mentalmente para escribir”. Por eso el próximo libro del autor de éxitos tan apreciables como “Tokio Blues (Norwegian Wood)” o “Kafka en la orilla” es un ensayo sobre el arte del footing titulado “¿De qué hablo cuando hablo de correr?”. No, no está loco, es así y dice cosas como esta: “Escribir para mí es como entrar en un bosque oscuro y peligroso, donde hay criaturas extrañas y pasan cosas raras, y corres el riesgo de perderte. Pero si quieres encontrar algo especial, tienes

que arriesgarte. Yo siempre entro y consigo escapar. Por eso sigue habiendo libros míos en las librerías”. Del toque lynchiano de “After Dark”, su última entrega, una especie de pesadilla de una joven que sólo pretendía tomarse un café en una noche poco apropiada. “Adoro ‘Twin Peaks’ y sí, puede decirse que algo me ha influido, pero también que todas mis novelas cortas son experimentos”. Ahora acaba de terminar una “muy larga, la más larga que he escrito nunca”, de la que no quiere hablar. Lector de Dostoievski, Kafka, Dickens, Raymond Chandler y Francis Scott Fitzgerald, Murakami sigue sin entender su éxito aunque se lo explica en parte. “Hablo de individuos que quieren dejar de formar parte de un grupo, porque eso es lo que pasa en Japón, que la sociedad no te deja ser uno, ser tú mismo, y es lo mismo que les pasa a los jóvenes cuando entran en la edad adulta y quieren empezar a ser ellos mismos, distinguirse. Estoy hablando de Japón pero también del resto del mundo”. Y quizá está dando en el clavo. ■ Laura Fernández

◗ Love Of Lesbian “Club de fans de John Boy” (111) Rodado en diversos espacios en Barcelona y L’Hospitalet, el video del nuevo y efectivo single de los catalanes mantiene el concepto de su disco, “1999”, con la pareja de la historia como protagonista.

◗ La Bien Querida “De momento abril” (1114) Excelentemente filmado y con un final sorpresa precioso, sirve de perfecta carta de presentación para una de las revelaciones pop de la temporada, aunque en ocasiones la imagen del grupo despiste un poco.

◗ Vetiver “Everyday” (114) Presentado como si se tratase de un simpático karaoke de la canción, el video de “Everyday” no hace justicia a una preciosa canción en la que Andy Cabic resume lo mejor de su momento actual. Simpático, pero no mucho más. n

MondoSonoro · Mayo 2009 /61/ mondomedia

CONEXIONES

◗ La página web Universia, un portal de información para jóvenes creado por el Banco Santander, presentó en Madrid los conciertos de The Unfinished Sympathy, The Batic Sea, Templeton y Supersubmarina los pasados 28 y 29 de abril en la sala Heineken. De esta forma comienza la temporada de conciertos para Universia. Sus siguientes eventos tendrán por protagonistas a The Rumble Strips junto Eli ‘Paperboy’ Reed y Jenny Dee & The Delinquents (La Riviera, Madrid, 13 de mayo), Cycle (Apolo de Barcelona Converse Pink Floid Foto Archivo el 14 de mayo), de nuevo Cycle esta vez junto a X-Wife (La Riviera de Madrid, 21 de mayo), La Excepción (Razzmatazz de Barcelona el 21 de mayo) y Madcon (Razzmatazz de Barcelona el 26 de mayo y La Riviera de Madrid el 27 de mayo). ◗ Converse ha creado para la primavera de 2009 una colec◗ Con motivo de la presentación de la colección Mix It Up de ción imprescindible titulada Chuck Taylor All Star Music inspiraAdidas, exclusiva para FootLocker, ambas marcas organizaron da en la fuerza del rock británico. Para ello, ha colaborado con la primera “Swap Party”. Durante la fiesta, que se celebró el 15 una selección de grupos británicos pioneros que crearon su de abril en el Bar Pepino de Barcelona, los participantes debían propio sonido y su propia estética visual y que cambiaron para intercambiarse la ropa con sus compañeros de pista al son de la siempre la cultura de la música. Converse ha producido una música, hasta conseguir el look más loco y desenfadado. gama atemporal de diseños icónicos para todos los aficionados al calzado y a la música en la que participan Ozzy Osbourne, ◗ Late Of The Pier suceden a Vampire Weekend como proPink Floyd y The Who. Pero esa no es la única noticia que retagonistas de la campaña publicitaria de la marca Durkl que laciona a Converse con la música. La marca deportiva en colapuedes ver en http://durkl.com/lookbook. boración con Bono han lanzado una colección de cien playeros Chuck Taylor’s diseñados por las más diversas personalidades ◗ El próximo 11 de mayo se abre el plazo de inscripción para en apoyo a la campaña (RED) de la cual Bono es cofundador y una nueva edición de la Red Bull Music Academy, pero con que se encarga de combatir el sida en África. un cambio notable respecto a ediciones anteriores: en lugar de celebrarse en otoño, como venía siendo habitual hasta ahora, lo ◗ Durante dos días y dos noches del pasado 15 de abril, siete hará en los meses de febrero y marzo de 2010. La ciudad elegraffiteros profesionales entre los que se encuentran los pogida para albergar las actividades de la Academy será Londres. pulares Hosh y Belin fueron los encargados de dar forma a un Este cambio de fechas trae también consigo modificaciones en grafiti de casi 1.000 m2 inspirado en la nueva gama de máquiel período de inscripción, que irá del 11 de mayo al 27 de julio de nas Nespresso CitiZ. este 2009. Entre ambas fechas, todos los músicos, Dj’s, MC’s o productores interesados podrán enviar su solicitud para acceder ◗ a una de las sesenta cotizadas plazas que la Academy pone a disposición de artistas emergentes de todo el mundo. Descarga el formulario en www.redbullmusicacademy.com.

◗ El grupo de metal extremo 3 Inches Of Blood inspira una serie limitada de zapatillas de la marca Nike. Las fotos del bajista y cantante presentándolas en sociedad son impagables…

3 Inches Of Blood Foto Archivo

◗ Quiksilver propone para esta Primavera/Verano una colección especial urbana creada por la diseñadora alemana Karen Scholz y el artista gráfico barcelonés Joan Tarrago, como una declaración de contrastes e individualismo. El principal elemento identificador de esta colección es la insignia étnica de máscara que simboliza diferentes componentes de la cultura del surf, como la mezcla entre la tradición y el espíritu moderno. Así, los tatuajes tradicionales polinesios se mezclan con el arte vudú y el estilo callejero de Berlín o Barcelona, en un mundo de monstruos “zen basura”. ◗ En Nintendo estarán contentos. Triángulo de Amor Bizarro, la singular y genial banda gallega, se declaran enamorados de la Nintendo DS, y como tal han anunciado que a partir de ahora la incorporarán a sus directos como un instrumento más. Puedes leerlo en el blog de su sello, más concretamente en http://yosoyfande.blogspot.com/2009/03/triangulo-high-tech.html.

Violadores del Verso Foto Archivo

Día de la Música Foto Archivo

Por cuarto año consecutivo, Heineken celebra en nuestro país el Día de la Música, cita creada en 1981 por la asociación ‘Fête de la Musique’. Para elegir la imagen de la cita, que se desarrollará en varias ciudades el próximo 21 de junio, convoca un concurso de carteles. El plazo de presentación de proyectos, a través de la web www.diadelamusica.com, se inicia el 16 de abril y estará abierto hasta mediados de mayo.

Pachamama Crew Foto Archivo

◗ La activista, escritora y Premio Nobel Vandana Shiva, junto con la asociación Voces, colabora en el nuevo clip del colectivo madrileño de hip hop Pachamama Crew. Un clip que pretende alertar contra las patentes de semillas y los transgénicos, y denuncian la situación que están viviendo los campesinos indios frente a las multinacionales americanas.

◗ RapSolo ZGZ, la cooperativa en la que encontramos a Violadores del Verso, Xhelazz o Señor Rojo no solo gestiona los trabajos y conciertos de estos referentes del rap estatal, sino que coordinan festivales como el Zaragoza Ciudad y tienen su propia marca de ropa. Común 20, aparte de tener tienda física en la ciudad de Zaragoza, se lanza ahora, gracias a una nueva web, a vender de modo virtual sus productos, entre los que encontramos el merchandising oficial de los artistas de RapSolo así como su línea de diseño, Común 98. La dirección es: www.comun20.com n

MONDOWEB

/62/ Mayo 2009 · MondoSonoro

E-MAIL: Envía tus cartas a mondo@mondosonoro.com

POR TORQUE MONDITO

Aburridos de la mecánica habitual del correo en las revistas musicales por la cual los lectores escriben para que la revista les ponga de vuelta y media? Amigos, les aseguro que no saben ustedes bien lo que significa la palabra “tedio”. Tedio es pasarse más de diez años ejerciendo de madame castigadora y zurrando en el culete a adolescentes pajilleros que no tienen mejor cosa que hacer que mandarnos “hate mails” reprochándonos nuestro dudoso gusto para elegir las portadas. Y de eso, servidor sabe un rato. Apiádense de un pobre plumilla como yo y denle un poquito más al coco antes de darle al “enviar”, por favor. Como ejemplo perfecto de lo que NO debe hacerse, aquí tenemos el correo que nos ha enviado “Juan de Madrid”, cuyo ordenador, para colmo, debe de tener un virus tipo plaga de langostas porque nos ha hecho llegar su correo a todas las direcciones de la revista como unas diez veces. Juan, tío, háztelo mirar. “Hola Mondos, me llamo Juan y soy de Madrid. Ayer jueves hemos tenido una cena de antiguos compañeros de facultad, somos viejos lectores del Mondo y el resumen de la cena con sus consecuentes copas fue el siguiente: -¿Qué coño es esto de La Bien Querida? Estáis perdiendo identidad y cada vez os parecéis más al Rock De Lux, meditad sobre ello. Desde cuándo apoyáis a cosas tan mal hechas. -Del Rock De Lux estamos un poco aburridos y hastiados de tanto folk, cansa y no lo vemos muy nuestro, o sea de aquí. -¿Qué pasa con Nacho Vegas y Cristina? ¿Ha salido el tiro por la culata? No sé si sabes pero fueron portada en la revista Woman y un super-repor en Vanidad vistiéndose con ropa de marca ¿¿¿Indies??? Todo resultó pura pose y engaño”. Vamos a ver, ¿me estás diciendo que te

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vas de cena con los antiguos compañeros de facultad, llega el momento de las copas y no tenéis mejor tema de conversación que si la portada del MondoSonoro es La Bien Querida o Perico de los Palotes? Aquí en la redacción siempre bromeamos sobre los múltiples usos de la revista (arreglar desperfectos de fontanería, pillar las cacas de perro, cubrir el cuerpo destemplado de Luis Menéndez cuando duerme en plena calle tras una cogorza del quince en Malasaña...), pero lo de salvar las cenas de antiguos compañeros de facultad ¡es algo completamente novedoso y sorprendente! Déjame adivinar. ¿Las chicas acudieron a la cena con sus respectivos maridos e hijos y os jodieron el plan? En fin, continuemos con la segunda parte de la misiva. “Revindicamos a: Corcobado. ¿No lo olvidareis verdad? ‘A nadie’ es cojonudo, un respeto a Corcobado y su obra de teatro sobre el suicidio. ¡¡¡Es total!!! Parece ser que en México lo respetan mucho, no sé si tenéis el CD que ha editado, se ven imágenes de México, donde se muestra el respeto que sienten hacia él, ¿y vosotros? -Menos mal que habláis de Love Of Lesbian y Lagartija, sino ya sería lo último. Y debéis saber que Manos de Topo ya no hacen gracia a nadie, se repiten más que el ajo. -¿Cómo es que nunca habláis del crossover Carlos Ann? ‘La nada’ es quizás el mejor álbum indie del 2000. ¿O el crossover pasa de vosotros y se lo rifan también los méxicanos? Quizás es el típico músico que de golpe un día todo el mundo lo adorará, a nosotros no nos hace falta para ver su gran talento. Sin duda sus shows son de nivelazo, igual que sus textos y canciones. ¿Y Santa N qué? ¿No conociais a Fang? Santa N es un pedazo de disco. Acojonante. Guay por las Furias, son de puta madre y ahí os vemos... Pensadlo bien, no debéis perder el

rumbo y ser un sucedáneo del Rock De Lux, recobrar la identidad. Viva AC/DC”. Haciendo balance, que Corcobado, Lagartija, Love Of Lesbian, Carlos Ann, Santa N/Fang y AC/DC sí, y La Bien Querida, Vegas & Cristina y Manos De Topo no… Hmmm. Se me ocurre una solución satisfactoria para todos: te pillas un MondoSonoro de hace diez años, le das un repasito y nosotros seguimos a lo nuestro. Por otro lado estoy realmente alucinado con la cantidad de reclamaciones que nos llegan mes tras mes sobre RockDeLux: acabamos de repasar tus quejas, pero es que además este mismo mes en nuestro foro la gente se ha liado a boinazos a discutir sobre si la decana publicación musical que dirige Santi Carrillo debería recibir la Medalla al Mérito de las Artes o está preparando un ERE, siempre de acuerdo con los tiempos que nos toca vivir. Santi, por favor te lo pido, recupera el correo en tu revista y habilita de una vez un foro en la página web, porque tus fans y tus detractores, a cual más palizas, nos tienen agotados… Puestos a hablar de otras publicaciones y un poco al hilo de lo que Juan nos decía antes sobre Nacho Vehas y Cristina Rosenvinge, yo me quedo, sin gota de ironía, con el artículo que el Rolling Stone de Marzo le dedica al cantautor gijonés. Tomen nota, raquíticos plumillas de MondoSonoro de cómo el autor del reportaje en cuestión le tira de la lengua… Ante lo jugoso de las declaraciones, no me puedo resistir reproducir por aquí un extracto de la entrevista. Lean Lean… “La primera vez que me enganché al caballo hice un tratamiento muy sencillito por la Seguridad Social con un opio sintético y trankimazín. Estuve unos meses así, y no pasaba el mono, pero recaí. Después lo intenté con pastillas de naltrexona, pero también recaí, y con lo peor. Lo peor no es la heroína, lo peor es la coca cuando te la metes no por la nariz sino por vena o por base. Eso engancha mogollón, además. No sé cómo no pillé

CONCURSOS WEB

el 90% DE LOS LECTORES DE MONDOSONORO JAMÁS HABRÍAN DICHO QUE NUESTRA REDACCIÓN DE MADRID EN PLENO ACABARÍADEESTAGUISACONDANI(CANTODEELLOCO)ENUNKARAOKE

nada, vamos, me hice análisis para ver porque te metes por vena cosas que cualquiera ha estado masuñando por ahí. Y eso es lo que al final te jode más, Te enganchas a ello y necesitas caballo para bajarlo, porque, si no, te quedas con una ansiedad que se te sale el cuerpo por la boca. Cuando ya me metí en esto vi que me estaba jodiendo la vida totalmente, fui al médico y me dijo que tenía que empezar con la metadona. Yo no quería meterme metadona, pero la verdad es que me sirvió bastante para mantener una vida normal, porque el caballo es como un trabajo de veinticuatro horas, estás todo el día o de medio mono o pillando, no puedes pensar en otra cosa. No te deja tiempo para nada. Con la metadona puedes hacer vida normal. Lo malo es que, de vez en cuando, picaba otra vez con el caballo, y ya había llegado un momento en el que vivía anestesiado. Los opiáceos te quitan lo malo pero te quitan lo bueno también”. Un relato escalofriante contado con frialdad por un Nacho Vegas que lucha por no convertirse en otro mártir del rock. Por mucho que la imagen de los sacrificados por la causa de las drogas, sexo y rock’n’roll resulte de lo más atractiva, morirse nunca tiene cuenta y desde aquí le deseamos de todo corazón que se recupere.■

www.mondosonoro.com LA PREGUNTA DEL MES:

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