Mondo Sonoro noviembre 2023 by MONDO SONORO

Nº 322 noviembre 2023 www.mondosonoro.com

Premio Fest 2023 Mejor medio de comunicación musical independiente

ejemplar gratuito

María José Llergo Superpoder RECYCLED J · ANABEL LEE · ROYAL BLOOD · MEDALLA · SLOWDIVE · SIDONIE · CRYSTAL FIGHTERS · NIÑA POLACA · LOS ZIGARROS

EL SABOR INCONFORMISTA QUE NECESITA LA MÚSICA.

TODA LA AGENDA Y CONTENIDO EXCLUSIVO

5/Mondo freako

Recycled J Una rosa es una rosa Recycled J, nacido en Madrid en el primer tercio de los años noventa, representa a la perfección la esencia y la evolución de la escena urbana nacional que lleva copando listas de éxitos, buenas críticas y cimas de creatividad desde hace una década. Ahora presenta “CASANOVA DELUXE” (Taste The Floor/Warner, 23), una exploración y una deconstrucción del mito desde su propia mirada.

pop de otra manera. Villano ha peleado mucho por ser quien es y ella habla de un amor muy sexual y muy guarro, pero eso es amor también. Enry K se la juega al mostrarse sincero y tal y como es, y por eso tenía que estar. Leiti es un padre de familia y es un Casanova, y le canta al amor muy a su manera. Y Leo Ricci bebe del pop y del indie pero no es

MPEZAR UN REPORTAJE escribiendo sobre la dualidad entre el artista y la persona que se ¿protege? detrás del mito es un recurso del periodismo que no dejamos de utilizar cuando nos tenemos que enfrentar al reto de trasladarle al lector la dimensión del personaje que estamos tratando. En el caso de Jorge Escorial, lo hacemos porque es una temática que el propio cantante madrileño ha explorado en varias de sus canciones y, en concreto y más recientemente, en “Perla Negra” (“no sabía distinguir a Recycled de Jorge”), el último adelanto de “CASANOVA DELUXE”, la versión ampliada de su último álbum de estudio. Leo Ricci, Leiti, Enry K y Villano Antillano han sido las incorporaciones de lujo en esta reedición ampliada del larga duración más completo de un Recycled J que con cada paso que da, se ve más seguro de sí mismo. “Si hago algo cercano al pop, ¿qué tendría que haber hecho, ir a artistas con esa sensibilidad clara? No era eso. Quería que fuesen Casanovas, hombres y mujeres, que sintiesen el mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

otro artista indie… Los nombres que están, lo están porque son Casanovas”. LOS HÉROES ANTIGUOS se crecían cuanto más lejos estaban de casa. Los héroes modernos, los Casanovas de hoy y los Recycled J, también lo hacen en las distancias cortas, en la rutina y lo diario. Jorge ha querido revestirse para construir a su alrededor una imagen, un halo, un universo estético que es, al final, un relato. “Todo lo que yo tenía claro: comparar la rosa que nace y que muere, que es algo muy bello, con una relación. Y la doble moral de la espina, que duele y hace daño pero queda cuando ya está seca y el pétalo que es lo bonito pero muere… Era hacer ese símil con el amor. En todos los videos hemos reflejado los colores rojos, la espina que deriva en el metal y los pinchos, la armadura del caballero. Incluso todos los valores del Casanova mujeriego pero actualizado, tal como soy yo, sin miedo a amar”. Un guante de malla con el que coger el micro en lugar de una espada; una rosa con sus pétalos y sus

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MONDO FREAKO

espinas; el metal, el acero, lo crudo, frente a la ostentación del oro y las piedras preciosas; el color rojo sangre tiñendo desde los primeros compases esta nueva versión del mismo hombre. “He puesto mi propio listón muy alto hace años y cuando pasamos de la independencia a estar con una major y hacer una superproducción como fue ‘Superpoderes’ (Ep, 20); cuando en Hijos de la Ruina hicimos ’Más Alcohol’ y luego tuvimos que hacer ‘Hasta que salga el sol’ nos vimos en la misma. ¡Que hemos tenido a Loles León y a Antonio Resines! Entonces cuando yo me puse a trabajar la parte de la dirección creativa con Ana [Sotillo], al final nos pusimos unos estándares muy altos, y hemos hecho el noventa y cinco por ciento de lo que teníamos pensado. En nuestros trabajos anteriores como ‘Oro Rosa’ (17) o ‘City Pop’ (19) hicimos una apuesta de calidad que tenía que ver con el arte del disco, pero ahora con ‘Casanova’ es un viaje completo, y todo tiene que ver con todo”.

JORGE NO DEJA de ser el artista cuando se acomoda en la distancia corta, como tampoco se convierte en un tótem performativo, frívolo, sobre el escenario. “El show del Price hicimos que coincidiera con el lanzamiento de ‘150 Canciones’, y ahí quisimos hacer algo especial, yo llevaba un estilis-

mo y una dirección de arte sobre el escenario que íba con todo ese mundo de pinchos y lo rojo porque era el primer paso de este recorrido”. Del mismo modo, a diferencia de otros grandes artistas que, cuando se envuelven en capas de esteticismo, también se les escapa la humanidad, Recycled J sabe conjugar ambas

LAS COLABORACIONES ensanchan el espectro del trabajo y le acercan a realidades diferentes, pero ojo, del mismo modo que hemos dicho que Recycled J se ha envuelto en los pétalos de una rosa roja para representar visualmente “CASANOVA”, y ha apostado por un envoltorio sugerente y fragante, con este trabajo se hace más patente todavía que no se ha abandonado a la tendencia por la tendencia. De nuevo nos encontramos con un artista que ha nacido en Madrid y que se siente cómodo navegando por los ríos del background musical en el que se crío: hay electrónica, hay pop, hay rap, pero no hay ritmos tropicales ni baterías de reggaeton. “No va conmigo, me cuesta. Incluso estando en Colombia, aprovechaba para empaparme de todo ese sonido, pero por cómo me he criado y lo que he escuchado, me sale más fácil experimentar sobre algo que suena a Extremoduro que en algo que suene a Bad Bunny”. Así, Jorge se resiste a claudicar a convertirse en algo que no es. No confundamos evolución con transformación mal entendida. El ejemplo claro es su colaboración con Villano Antillano. Su alianza se baila a ritmo de música electrónica. Recycled J, en esta versión, ensancha el campo de batalla. #6 noviembre 2023

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“Me sale más fácil experimentar sobre algo que suena a Extremoduro que en algo que suene a Bad Bunny”

facetas; sabe que el héroe de la armadura, no solo tiene que ser bello y adorable para conquistar, sino que es humano para que el lector quiera continuar leyendo, el oyente escuchando. “CASANOVA DELUXE” es, al mismo tiempo, el final de un viaje que empezó a recorrer con “Oro Rosa”, que continuó con “City Pop” (19) y con “Superpoderes” (20), en otra vida. 2021 trajo su impresionante participación en “Hijos de la Ruina Vol. 3” (21) y un EP, “Sad Summer” (21), que en MondoSonoro elegimos como lo mejor del año en Madrid. En este periplo de siete años, Recycled J ha ido evolucionando, mejorando, en su camino hacia el pop, desde el urbano, haciéndose, de nuevo, pionero. “Yo me siento contento y orgulloso de las cosas que he hecho. Aunque ya te digo que yo no he inventado el fuego, hay corrientes y personas que las vemos e intentamos hacerlo a nuestro modo”. “CASANOVA” termina ese periplo; ya se ha asentado, y abre otro, nuevo, delicado como los pétalos de la rosa y punzante como las espinas del tallo, pero no es la rosa, es la mano enguantada que la sujeta y dice: ahora empieza todo. Una rosa es una rosa. Y Vistalegre espera. —luis m. maínez

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EN GIRA l Murcia 10 noviembre. Sala Mamba l Alicante 11 noviembre. Sala The One l Santiago 18 noviembre. Capitol l Bilbao 24 noviembre. Santana 27 l Zaragoza 25 noviembre. Sala Oasis l Gijón 01 diciembre. Teatro Albéniz l Pontevedra 02 diciembre. Queen l Granada 08 diciembre. Industrial Copera l Sevilla 09 diciembre. Custom l Barcelona 21 diciembre. Razzmatazz l Madrid 13 enero. Palacio de Vistalegre

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LA MÍA Saturación

LOS ROMANOS les debemos el concepto de saturación, de saciarse o atiborrarse de algo hasta no poder más. Posteriormente la palabra ha cobrado infinidad de sentidos nuevos, desde acepciones concretas para el mundo de la medicina hasta la saturación relacionada con la distorsión audible e identificable de una señal sonora. Pero hoy he venido a hablar de una que puede combinar varios de esas ideas. El atiborrarse hasta no poder más, y el saturar tanto lo que nos entra por las orejas que no podemos más. Bien, en realidad esa relación solamente me la hago venir bien para hablar de la saturación de propuestas musicales que estamos sufriendo en los últimos años. Son muchos factores los que confluyen. Por un lado la democratización por lo que respecta a posibilidades de grabar una canción o un disco en condiciones con apenas un ordenador a nuestro alcance. Por otro que la gente –y digo la gente así a lo amplio, a lo loco, aunque en realidad quiero decir “discográficas” y “artistas”– ha considerado que el mundo post-pandémico necesita más y más música. Tanta como para llegar a las 120.000 canciones que se suben a plataformas de streaming diariamente, algo que recordaba el periodista Jordi Bianciotto en un reciente artículo. Por si no hubiera suficientes canciones, la nueva filosofía que pretende restarle valor a los álbumes así a lo bruto, como concepto, quiere vendernos canciones, singles, pildorazos que tenemos que disfrutar hoy, aquí, ahora... porque mañana habrá 120.000 más llamando nuestra atención. Escucha mi nuevo single de adelanto, y el siguiente, y el siguiente, y el siguiente... hasta que hayas escuchado prácticamente todo lo que vengo a reunir en un álbum que, claro, pierde valor al haber conocido prácticamente la mayor parte de su contenido. ¿Eso es lo que el público reclama como dicen algunos –cosa que dudo– o es lo a lo que el mercado capitalista mejor le puede funcionar en términos de rentabilidad? No lo sé, la verdad. Sencillamente es una pregunta que lanzo al aire, para que pensemos todos en ello. Porque a estas alturas de la película me da igual si un artista apuesta por los singles o por los álbumes, que cada uno haga lo que le parezca, pero en ocasiones me quedo con la sensación de que, en lugar del menos es más, hemos entrado en una etapa del más es menos. Más y más y más, para quizás obtener menos sustancia. Quizás este texto es solamente un grito desesperado para pedirle la industria discográfica que se tome las cosas con más calma, que no es justo que se haya tomado tan al pie de la letra eso de la frenética velocidad del mundo moderno, que no es justo que muchos grandes singles, muchos grandes discos, queden sepultados entre tanto archivos sonoros sencillamente por una cuestión de saturación. —joan s. luna

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ENTREVISTA

Anabel Lee regresan con once canciones en “Ganamos Perdiendo” (Vanana Records, 23), su segundo álbum de estudio. Unos días antes de su lanzamiento nos reunimos con Víctor, Perdi, Jordi y Aitor para hablar de él y su proyecto. —texto Alejandro Caballero Serrano —foto Alba Birds

RAS CASI TRES AÑOS desde su debut, los de Terrassa nos confiesan ser poco conscientes de que ya están a punto de descubrir su nuevo material, pero a la misma vez andan nerviosos. (Jordi) “Estamos haciendo tantas cosas de promoción y de videoclips que no nos ha dado tiempo a parar y decir ‘Es que sale ya’”. Ha pasado un largo tiempo desde su primer y único álbum, pero han sido unos años en los que han aprovechado para madurar al máximo sus canciones. (Perdi) “Realmente no es que haya transcurrido mucho el tiempo, sino que ha sido muy orgánico”. (Aitor) “En estos dos años se ha ido construyendo todo poco a poco. Había un montón de ideas, a nivel compositivo ha sido darle demasiadas vueltas a todo”. Un período que también han invertido en evolucionar en lo músical como banda, afianzando un sonido más compacto y melódico. (Víctor) “Creo que empezamos a tener más cosas que contar como músicos. Al principio teníamos muchas ganas de vomitar información, de dar mucha letra, y ahora sabemos lo que queremos contar y cómo lo queremos contar”. (Perdi) “También nos hemos quitado algún prejuicio en cuanto a géneros musicales. Somos Anabel Lee y vamos a tirar lo que sabemos”. Una evolución que también es palpable dentro de las letras de las canciones, que han dejado de ser tan explícitas para pasar a tener algunos detalles escondidos bajo la superficie, lo cual no implica que hayan cambiado su forma de componer. (Víctor) “Las letras las hago yo, pero de alguna manera, la letra habla de lo que todos creíamos que tenía que transmitir esa canción y conseguir eso como banda está muy guapo. Creo que hacemos mucho hablando poco”. (Aitor) “Las letras se escriben desde un punto más personal, pero la gracia es que cada canción coja a cada persona que la escuche y la haga suya”. #8 noviembre 2023

ADEMÁS DE CREAR MÚSICA, tanto Víctor como Perdi también realizan sus propios videoclips. (Perdi) “Al principio vivíamos en esa ilusión de que podíamos hacerlo todo, pero llega un momento que es muy difícil porque tenemos que estar concentrados en muchas cosas. Luego está el tema de compaginar nuestro trabajo con la música. La situación de cada uno es cada vez más crítica. La música es muy precaria”. Aun así, también han podido grabar los videoclips de artistas como Ginebras o Amatria, unas oportunidades que les llegan a raíz de fichar por Vanana Records en 2022, una unión que ha cambiado el

ANA Pogo,

RONDA RÁPIDA Un artista nacional (Jordi) Smoking Souls, (Perdi) Batec, (Víctor) Quimi Portet (Aitor) Platero y tú Un artista internacional (Jordi) Avenged Sevenfold, (Perdi) The Clash (Víctor) Paulina Rubio (Aitor) Pink Floyd Un disco para escuchar en el coche: (Anabel Lee) “Meteora” de Linkin Park Un disco que todo el mundo debería escuchar (Jordi) “Ganamos perdiendo” de Anabel Lee (Perdi) “London Calling” de The Clash (Víctor) “Chet Baker Sings” de Chet Baker (Aitor) “Wish You Were Here” de Pink Floyd Una canción para llorar (Jordi) “A Wasted Hymn” de Architects (Perdi) “Pieces” de Sum 41 (Víctor) “Ya no me asomo a la reja” de Los Planetas (Aitor) “Fin de ciclo” de Cala Vento Una canción para bailar (Jordi) “Levitating” de Dua Lipa (Perdi) “One Step Beyond” de Madness (Víctor) “Del sur a Cataluña” de Tijeritas (Aitor) “¿Quieres bailar?” de Hazme Caso Colaboración soñada (Jordi) Mad Shadow (Perdi y Víctor) The Smiths y (Aitor) Eskorbuto

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“ ABEL LEE “Tenemos una identidad que no vamos a cambiar”

diversión y sentimiento

rumbo de la banda. (Jordi) “Gracias a ellos hemos cumplido muchos sueños”. (Víctor) “La banda y las composiciones estaban ahí, pero ellos nos han dado las oportunidades y el trabajo”. (Perdi) “Su manera de pensar era literalmente la nuestra y a la que nos conocimos fue un match”. AHORA LES TOCA HACER lo que mejor saben: presentar sus canciones en un nuevo directo. (Perdi) “Va a ser una mejora de nuestra esencia. Tenemos una identidad que no vamos a cambiar. Somos lo que somos, pero mejorado. El ‘Pogo y Diversión’ está asegurado’”. (Víctor) “Y yo le sumaria sentimiento, ahora es ‘Pogo, Diversión y Sentimiento’”. Finalmente, para acabar la charla, les recordamos un pequeño fragmento de su primera entrevista con nosotros, allá por el 2021. En ella nos contaron que su objetivo era poder tocar más allá de Barcelona, cosa que no han parado de hacer desde ese momento. (Víctor) “Veníamos del trauma de la COVID y queríamos salir de nuestra puta ciudad y que gente del resto de España escuchara nuestra música. Ahora ha pasado lo que queríamos que pasara, no llenamos las salas, pero cincuenta personas hay”. Aunque les mandan un mensaje a todos aquellos promotores de la Ciudad Condal. (Víctor) “Nos cuesta mucho tocar aquí. En Mondo Sonoro sé que nos queréis mucho, pero en otros lados no sé qué pasa. Os hacemos una invitación a los festivales y circuitos de aquí. Queremos tocar en Barcelona, llamadnos”. Así que ya saben, ellos son Anabel Lee, ni indies, ni punks. —a.c.s.

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EN CONCIERTO l Valladolid 10 noviembre. Desierto Rojo l Toledo 17 noviembre. Picaro l León 02 febrero. Gran Café l A Coruña 03 febrero. Sala Mardi Gras l Barcelona Viernes 09 febrero. Sidecar l Oviedo 16 febrero. La Salvaje l Bilbao 17 febrero. Azkena

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noviembre 2023 #9

Royal Blood Lazos de amistad Mike Kerr y Ben Thatcher necesitaban sentir que volvían a empezar. Sentir que Brighton volvía a ser su hogar, el de ambos. Fruto de ello nace “Back To The Water Below” (Warner, 23), su cuarto larga duración. —texto Fran González —foto Peter Crosby

OLVIENDO AL ARRAIGO compositivo del que la banda emergió una década atrás, los británicos Mike Kerr y Ben Thatcher han creído a pies juntillas que lo único que podía salvar su trayectoria era entregarse el uno al otro con total y absoluta honestidad, desnudando mutuamente sus almas y emulando aquellos primeros días en los que Royal Blood comenzaba a copar las radiofórmulas con su energía pegadiza y su dinamismo voraz: “Brighton fue la chispa que originó todo esto, y su influencia es una marca bien distinguible en el disco,” apunta Kerr al otro lado del teléfono, con respecto al hecho de que la dupla regresara a su ciudad natal para producir de manera conjunta y sin invitados las canciones pertenecientes a su cuarto disco de estudio, “Back To The Water Below”. “Fue precisamente el hacer las cosas como si no tuviéramos nada que perder lo que nos condujo a percibir este trabajo casi como si fuera un nuevo debut”. Pero lejos de sentirse como el trabajo de unos noveles, “Back To The Water Below” se presenta como un disco presto a demostrarnos que Royal Blood son mucho más que un mero proyector del abc del rock alternativo. “Nuestro debut nos permitió presentarle al mundo tan solo una pequeña parte de nosotros. Una que, muy probablemente, nos haya permitido tener una gran acogida mundial y de la cual nunca renegaremos. Pero no deja de ser eso, una simple parte más de todas esas influencias y referentes que manejamos”, nos cuenta Kerr, preparándonos para comprender mejor los giros #10 noviembre 2023

de guión que su cuarto disco ofrece. “De repente ya no sentimos la necesidad de que una canción tengo que ser atravesada por un mega-riff para sentirse completa. Tenemos más herramientas en nuestro registro que queremos exhibir, y eso en parte se lo debemos al trabajo que realizamos en ‘Typhoons’ (21) que, de alguna forma, abrió la puerta a que nuestro público comenzara a conocer una paleta más amplia de nuestro sonido”. Irremediablemente, mi pregunta sobre la aceptación o no por parte de la crítica de esta nueva tónica en su sonido termina derivando en una malcarada diatriba en la que el vocalista y bajista de Royal Blood tiene a bien expresarse con total sinceridad. Y es que si algo nos han demostrado también ciertos hechos recientes es que la dupla ha logrado desarrollar una muy sana indiferencia con respecto a lo que la opinión pública tenga que decir: “No he leído ni una maldita reseña sobre el álbum, ni tampoco leo las mentiras que salen en la prensa sobre mí”, sentencia aludiendo a su controvertida aparición en el Big Weekend de Radio 1 de hace unos meses. “Como ya sabrás, han pasado ciertas cosas recientes que me han provocado un rechazo sistemático a leer cualquier cosa relativa a la banda. Ni siquiera estoy ya en redes sociales porque, sinceramente, siento que no hay nada ahí que me interese o que sea sano para mí”. “EN LO QUE RESPECTA a las opiniones, siempre tratamos de mantenemos bastante al margen. De hecho, cuando trabajamos en un disco nuevo trato de cimentar mis sentimientos hacia éste lo más rápido posi-

ble y antes de que la opinión ajena lo contamine”, continúa Kerr. “Tan pronto como el álbum se hace público es muy fácil dejarse influenciar por las opiniones y por el posible éxito que tenga en términos comerciales, y personalmente, prefiero mantener los pies bien metidos en la verdad y en la lógica antes de que eso suceda. De este modo mi opinión sobre un determinado disco siempre será más imparcial, y eso es para mí lo único que de verdad importa”. DE LA MANO HASTA PARA ESTO, Thatcher y Kerr sellan aún más si cabe los lazos de una amistad que se siente ya inquebrantable. “Para formar un vínculo profundo y significativo con alguien debes de haber pasado junto a esa persona por una vivencia intensa y especial, y no cabe duda de que haber vivido esta salvaje experiencia junto a Ben ha forjado un vínculo entre nosotros para toda la vida”, dice. “Nuestra conexión es lo que le ha permitido a la banda evolucionar y es una verdadera suerte que la amistad sea uno de los fundamentos principales de Royal Blood”. Una confianza que nos lleva directamente a tratar otro de los temas más remarcables en la vida –y por ende, en la música– de Kerr: su sobriedad. “No, desde luego que la vida del artista no es el contexto más fácil para comenzar a estar sobrio o dejar de tomar drogas. Recuerdo que durante nuestros primeros conciertos, cuando aún no éramos nadie, nos pagaban con alcohol. El alcohol era, literalmente, nuestro salario”, cuenta Kerr, quien desde 2019 decidió dar un giro radical en sus hábitos. “Obviamente, cada situación y experiencia es diferente, pero a pesar de las dificultades, estoy aquí como prueba de que no es imposible lograrlo. Reconozco haber vivido momentos fantásticos de gira, mientras iba hasta arriba de todo, pero desde que decidí apostar por la sobriedad siento que cada vivencia con la banda es más enriquecedora y significativa. Estoy presente, ya no estoy de paso”. —t.c.

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ENTREVISTA

“ “Nuestra conexión es lo que le ha permitido a la banda evolucionar”

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www.

firab.org

MÚSICA Palma, 2 - 5 / noviembre / 2023 JAZZ · ROCK · POP · INDIE FOLK · MÚSICAS DE RAÍZ · ELECTRÓNICA RAP · R&B · CLÁSICA JORNADAS PROFESIONALES del 2 al 3 de noviembre, en el Teatro Mar i Terra, Palma Inscripciones en pro.firab.org

ESPECIALISTAS EN SEGUROS PARA EVENTOS

MONDO FREAKO

French 79 Diez canciones de una vida A punto de cumplir una década de carrera con este proyecto, French 79 nos visita para presentar el que es su último trabajo hasta la fecha, “Teenagers” (IN/EX/Grande Bonheur, 23).

UNQUE “TEENAGERS” sea una oda al french touch más evolucionado, mirando hacia adelante sin darle la espalda al pasado, es evidente que el universo musical del francés es amplio y rico. Por ello, y para sumergirnos en el universo de influencias que han llevado a French 79 a dar forma a este “Teenagers”, le hemos preguntado por diez canciones que le hayan inspirado a crear su propia música y este es el resultado:

Beethoven “Sinfonía nº 7 en La mayor”(Compuesta entre 1811 y 1812) De ahí vengo, de la música clásica y, por tanto, influye necesariamente en la música que compongo, en las armonías, en las melodías...

Depeche Mode “I Want You Know” (del álbum “Music For The Masses”, 1987) Las primeras notas de música electrónica que pude escuchar gracias a mis dos hermanas mayores que la escuchaban sin

FOTO: CAUZBOY

parar. Inmediatamente sentí muchas cosas con esta música.

los temas y en el que aprendí a ser un músico de gira. ¡Una verdadera base para mí!

Nirvana “Aneurysm” (del álbum “Incesticide”, 1992) Lo que escuchaba una y otra vez cuando era adolescente. También hice mis primeros conciertos tocando versiones de Nirvana. Tocaba la batería. R.E.M. “Half A World Away” (del álbum “Out Of Time”, 1991) El pop que me hizo crecer, la fina mezcla de melodías increíbles e instrumentación ligera. ¡Estuve atrapado con este tema durante mucho tiempo! Beastie Boys “Sabotage” (del álbum “Ill Communication”, 1994) El grupo que inició uno de mis primeros cambios radicales. Gracias a ellos escuché mucho rap y en especial de New York.

Daft Punk “Emotion” (del álbum “Human After All”, 2005) La banda que me volvió completamente loco en su momento porque no quería escuchar música electrónica. Solamente gracias a ellos estoy hoy aquí.

Nasser “The End” (del álbum “The Outcome”, 2018) Mi primer grupo en el que compuse todos

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Jamie XX “Gosh” (del álbum “In Colour”, 2015) Una pieza de referencia para mí por su inventiva, su originalidad, su sonido y su atmósfera general. Una obra maestra. Jai Paul “All Night” (del álbum “Leak 04-13 (Bait Ones)”, 2013) ¡Me alegro mucho de que este disco finalmente haya salido! Todo el álbum es una obra de arte. A veces no entiendes nada, a veces es mágico.... ¡Creo que lo he escuchado cien veces pero todavía no lo entiendo todo! The Beatles “Girl” (del álbum “Rubber Soul”, 1965) Me resulta imposible hacer una lista de canciones sin mencionar a The Beatles. Definitivamente el grupo que más he escuchado en mi vida y que sigo escuchando. Pioneros, innovadores, inventores…. ¡Genio puro! —MS

EN CONCIERTO l Madrid 22 noviembre. La Paqui l Barcelona 23 noviembre. Razzmatazz 2

ENTREVISTA

Se fueron durante casi dos décadas, pero hoy en día parece que siempre hayan estado aquí. Y “Everything Is Alive” (Dead Oceans/Popstock!, 23) no hace más que subrayarlo. —texto Carlos Pérez de Ziriza —foto Ingridpop

ON SLOWDIVE, totémica enseña de esa forma de entender el pop que juega con las texturas, la ensoñación y la sugestión desde que decidieran unir fuerzas en Reading (Reino Unido) hace treinta y cuatro años. “Everything Is Alive” es su quinto álbum, el segundo que publican desde que volvieran a reunirse en 2014, y sobre él hablo a través de la pantalla de mi ordenador con Rachel Goswell y Simon Scott, guitarrista y batería de la banda que completan Neil Halstead (voz, guitarra, teclados y compositor principal), Nick Chaplin (bajo) y Christian Savill (guitarra). Una conversación a tres bandas de la que se desprende, por si no quedara claro tras escuchar sus ocho cortes, que este es un disco de tacto más electrónico. “Hay gente que nos dice que tiene cosas de ‘Pygmalion’ (95), pero en realidad no lo sé: nos ha llevado tres años de trabajo y me gustaría decir que es distinto a los anteriores, al menos hemos explorado una tecnología diferente”, comenta Rachel Goswell, a lo que Simon Scott añade que “lo que ocurrió es que cuando hicimos el último teníamos ese entusiasmo de volver a reunirnos otra vez todos como una banda, y dimos muchísimos conciertos, esa fuerza puede sentirse en aquel disco, pero la fragmentación y la dislocación que provocó la pandemia llevó luego a Neil [Halstead] a escribir mucho material repleto de loops, con más sintetizadores y un sonido más electrónico”. YA DESDE EL PROPIO TÍTULO, “Everything Is Alive”, se intuye –y así lo corrobora su nota de prensa– que la sombra de la muerte de algunos familiares [la madre de Rachel y el padre de Simon, nuestros dos interlocutores] está bien presente desde un prisma que no pretende sonar mortuorio ni apesadumbrado. Rachel Goswell matiza ese duelo. “Hay elementos que suenan muy oscuros, al menos en canciones como ‘The Slab’, pero también hay luz: justo un año antes de la pandemia tuve un hijo, y supongo que esa nueva vida también está ahí, y aunque es cierto que hemos perdido a nuestros padres, y es un dolor que hay que digerir, su ADN está en nuestros huesos, siempre van a estar física y mentalmente en nuestros cuerpos, es el ciclo de la vida y creo que por eso #14 noviembre 2023

el título encaja”, asevera. Esta recapitulación sonora de mediana edad que gira sobre la vida y la muerte coincide con la sensación de que Slowdive llevan casi una década renacidos para reencontrarse con un público que, en su caso, se ha multiplicado como por ensalmo en la última década. “Tenemos Internet y es muy fácil para cualquiera acceder a cualquier música y tomar sus propias decisiones, y está claro que nuestro público es mucho más amplio ahora que en los noventa”, me dice Rachel. Hasta ahí la explicación simple. Esta es la compleja: “En los noventa ya pensábamos que lo más importante para un grupo es la longevidad y hacer discos que aguanten la prueba del tiempo, pero creo que si hablaras con nuestros yoes de veintitantos años acerca de qué pasaría en nuestros primeros cincuenta, ninguno de nosotros hubiera podido predecir esto”.

CRITICANDO Everything is alive Dead Oceans / Popstock!

8 SHOEGAZE / Los seis años de silencio

–que no inactividad, no han parado en directo– no han diluido el hechizo de la música del quinteto de Reading. Hay pespuntes electrónicos que justifican los paralelismos que algunos han trazado con "Pygmalion" (1995), aunque sin aquel minimalismo que tan incomprendido fue en aquel momento. Y aunque es cierto que la recta final de este quinto álbum, influido por la pérdida de algunos seres queridos y las complicaciones logísticas de la pandemia, no está al mismo nivel del resto, hay aquí argumentos suficientes como para seguir confiando en ellos como la franquicia patriarcal de ese ya insigne recetario que cruza el dream pop y el shoegaze en una fórmula de singularísimo poder evocador. —c.p.z.

Slow

Nuevas letan

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“ “Es precioso ver a tantas bandas jóvenes que le dan al shoegaze”

Simon Scott añade un factor adicional: el de cómo su obra ha permeado en la fibra emocional de jóvenes que ahora mismo tienen la misma edad que ellos cuando facturaron sus discos más celebrados. “Tenemos en nuestros conciertos a gente que nos vio en directo en 1992 y también a adolescentes que nos ven ahora en primera fila, que tienen la edad de nuestros hijos y se saben todas las canciones: si alguien nos hubiera dicho que un día estaríamos tocando para adolescentes que han pagado por vernos, nos hubiéramos descojonado. Creo que es algo increíble, extraño, como un raro accidente, es maravilloso y loco a la vez”, explica alborozado.

wdive

nías de vida y muerte

OBVIAMENTE, la gratificación que Slowdive extraen del hecho no solo de conectar con nuevas generaciones de público sino también de su condición de referentes indiscutidos de eso que se ha dado en llamar dream pop es compartida por Rachel Goswell y Simon Scott. “Nos resultaba muy extraño cuando volvimos, hace nueve años, porque no queríamos parecer arrogantes, quizá por este rollo de la corrección británica que tenemos, pero hemos llegado a aceptarlo con naturalidad: quizá las bandas de krautrock también se sintieran igual, con esa sensación de incomodidad al ver a tantos nuevos acólitos”, dice ella. Un argumento que él remata reconociendo la ilusión que le hizo ver a Slowdive por primera vez formando parte del cartel del multitudinario festival de Glastonbury, el pasado junio. “Fue un poco surrealista eso de que todos nuestros vecinos pusieran la tele para poder vernos en directo, pero fue también importante porque mucha gente ha oído hablar de nosotros pero nunca ha escuchado nuestra música: mi corazón se hundía un poco durante todos aquellos años en los que no figurábamos en el cartel del festival”, reconoce entre risas. —c.p.z.

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noviembre 2023 #15

ENTREVISTA

UANDO SUENAN los primeros acordes de “We Got Hope” bien podría ser 2011 y que fuera la primera vez que escucharas “X-tatic Truth”, dejándote llevar por esa pulsación primaria, sobre la cual se construyen capas de armonías vocales pastorales y un beat infeccioso y duro como las luces encendidas del club a las seis de la mañana. Puede que ahora salgas menos (o no), pero sigues moviendo los hombros rítmicamente y de vez en cuando cerrando los ojos, entregándote a eso -sea lo que “eso” sea-, que se apodera de ti cuando suena un hit. Crystal Fighters saben hacer hits. Saben también cómo traspasar la delgada línea que separa lo indie de lo comercial y cómo escribir canciones que podrían sonar en el anuncio de cerveza estival. En “Love+” hay canciones de anuncio, como “Lovex3” o “Carolina”, que parecen destinadas a una verbena. Pero hay también una reverencia innegable a sus inicios, a ese “Star Of Love” (11) mucho más bailable, más provocador y experimental. “Intentamos recrear las mismas sensaciones que con el primer álbum: tocar hasta altas horas de la madrugada, coger trozos de una demo y mezclarlos con otros temas y sobre todo estar juntos”, explica Gilbert Vierich, guitarrista de la formación británica. Su disco anterior, “Gaia & Friends” (19), quedó sepultado bajo la pandemia, al igual que su gira de presentación. “Durante ese tiempo vivíamos en continentes separados, escribíamos en horas distintas… Hubo un momento en el que nos planteamos si podríamos seguir haciendo música”, recuerda el guitarrista y añade: “Perdimos todo nuestro impulso”. “QUERRÍAMOS HABER PUBLICADO algo mucho antes, pero escribir así era complicado. Al final, a pesar de lo duro del momento, supimos que no queríamos dejarlo. Sabíamos que teníamos un deber, una tarea que hacer”, confiesa Vierich. Esa responsabilidad a la cual se refiere, ese objetivo marcado, consiste en “hacer llegar nuestra música al mayor número de gente posible, repartir amor y alegría a través de las canciones. Ayudar a que la gente sane y recuerde la belleza que existe en esta vida. Todo esto forma parte del núcleo de ‘Love+’”. Diez canciones en las #16 noviembre 2023

Quienes hayan seguido la carrera de Crystal Fighters sabrán que hay ciertas constantes: su pasión por la fusión de la electrónica ravera con el pop colorista o su mezcla de instrumentos y apreciaciones culturales. En su quinto disco, “Love+” (Play It Again Sam, 23), el amor y la espiritualidad siguen presentes, pero también una vuelta a sus orígenes más bailables y menos comerciales. —texto Marta Terrasa

Crystal Fighters

Volvamos a la cueva mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

que también hay lugar para experimentar, como en la deliciosa y psicotrópica “Manifest” o “Multiverse” y en las que las colaboraciones se dan a un nivel más sutil y más orgánico, a diferencia de su predecesor. “La idea era volver a nuestras raíces, así que contamos con los productores de ‘Star Of Love’, porque al ver qué canciones eran las más populares, nos dimos cuentas que todas estaban producidas por Charlie Hugall, además de tener una gran sintonía con él. La idea era recrear esa magia. Y lo mismo pasó con Luke Smith. Contamos con Ghost Culture como nuevo colaborador, así como Nick Littlemore (Empire Of The Sun, Pnau) en el tema ‘Multiverse’. De hecho, ya hicimos algunas sesiones juntos en 2017 y puede que sea una de las canciones que más me emocionan del disco, porque no es la típica canción de Crystal Fighters”, afirma Vierich.

“ “Nos gusta ver que formamos parte de la banda sonora de la vida de la gente”

RECREAR LA MAGIA. Volver a las raíces. ¿Son estas más rentables? ¿Más auténtico el debut? “Nos gusta ver que formamos parte de la banda sonora de la vida de la gente y era importante centrarse. Así que

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hemos compuesto como solíamos hacerlo: solo para nosotros, porque entre tantos discos, conciertos, festivales, es fácil perderse. Hemos intentado producirlo nosotros tanto como fuera posible. No se trata tanto de recrear, cómo de emular las dinámicas del primer disco, capturar esa vibe de rave de nave industrial, pero también de días soleados y vaporosos”, puntualiza el guitarrista y añade: “creemos que es la mejor música que hemos hecho hasta ahora”. ¿No dicen eso todos los músicos? “Amamos lo que hacemos. Si reniegas de algún disco tuyo, es que eres idiota, porque tienes que reconocer lo que te ha llevado hasta aquí. Cuando eres músico, siempre te gusta lo que haces, aunque solo sea en ese momento, porque en caso contrario no lo publicarías. Y por ello siempre pensamos que los álbumes son buenos. Pero es que ‘Love+’ es incluso mejor que nuestro debut, porque es un viaje sonoro que va expandiéndose. Y esperamos que esta sea nuestra mejor versión de la banda, porque queremos seguir. Tenemos nuevos planes y colaboraciones a la vista y deseamos volver con fuerza, aprovechando el impulso y con pasión”. EN UN MOMENTO en el que el mundo parece abocado al conflicto constante, ya sea a una escala micro o macro, ¿queda tiempo para bailar? ¿Para sentarse a contemplar la belleza? “Ahora más que nunca necesitamos tiempo; tiempo para considerar quiénes somos, qué podemos ofrecer. Más que nunca, es un momento para pensar y no actuar; lo cual es difícil porque nos movemos constantemente y estamos ocupados. Nosotros queremos traer más luz, más amor a la música. Que nos unamos en estos tiempos oscuros y que haya ‘Love+’”. —m.t.

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EN GIRA l Santander 09 febrero. Escenario Santander l Burgos 10 febrero. Sala Andén 56 l Sevilla 12 febrero. Sala Custom l San Sebastián 14 febrero. Kursaal Auditorioa l Madrid 15 febrero. WiZink Center l Barcelona 16 febrero. Razzmatazz

noviembre 2023 #17

MONDO FREAKO

, “Después de esta gira estras queremos explorar nu carreras en solitario” FOTO: NAIA CAMBARY

Agar Agar Cuidado, peligro, eclipse Armand Bultheel y Clara Cappagli nos visitarán para presentar “Player Non Player” (Cracki Records, 23). Una oportunidad ideal para disfrutar de esa suerte de romance electroclash, decadente y oscuro.

XPERIMENTALISMO y sintetizadores se entienden a las mil maravillas en esta, la deliciosa dupla gala de synth-pop. Dibujando nostalgia, sensualidad y disco-punk una regresión emotiva y kitsch de la que cuesta escapar y que confirman ahora con la innegable belleza y suavidad de “Player Non Player”, su último álbum de estudio. Dispuestos a abrir boca sobre el impecable dinamismo que traen consigo sus melodías en directo y prepararnos así para lo que supondrá su llegada a España, charlamos con el cincuenta por ciento de la banda, Armand Bultheel. “Tenemos mucha suerte de compartir nuestras giras con un equipo de seres humanos increíbles que hacen de nuestra experiencia en la carretera un auténtico lujo. Y por supuesto, nuestro público, que siempre nos ha apoyado y ha sido muy fiel. Sin duda, son las dos cosas que más he echado de menos durante este tiempo en el que la banda ha estado parada. Pero no te negaré que girar

también es agotador, así que he agradecido en cierta manera tener algo de tiempo para descansar”. De todos modos, es de suponer que para una formación como Agar Agar, volver a tocar es no solamente importante, sino uno de las razones de su existencia. “El directo es una parte imprescindible de nuestro trabajo, francamente. Tratamos de poner muchísima energía y dinamismo en aquello que hacemos sobre el escenario y creo que el resultado es un rato de lo más divertido para nosotros y para los asistentes. Además, es una oportunidad única para poder escuchar de una forma distinta aquello que hacemos, gracias a la delicada forma con la que nuestros ingenieros de sonido Vincent Hivert y Vivian Allard mezclan nuestros temas en pleno directo. Ah, y por supuesto, no nos olvidemos del hecho de poder vernos a nosotros dos haciendo el tonto sobre el escenario, acompañados de nuestro amigable monstruo de piedra que nos acompaña ahí arriba (diseñado por Alex Kontini e ilustrado por Selma Yaker)”.

nidad interesante de rendirle tributo y me siento muy orgulloso de ese tema en particular. No recuerdo bien cómo me inspiré para hacerlo, simplemente pensé en la idea y me dejé llevar”.

AHORA ESTÁ POR VER si, en España, interpretarán su tema en español, “Cuidado, peligro, eclipse”, algo que seguramente el público apreciará. “Esto surgió debido al hecho de que la mitad de mi familia es española, así que en cierto modo siento la cultura de allí muy arraigada a mi identidad. No sé, sentí que ésta era una oportu-

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AUNQUE EL DISCO SALIÓ en enero y continúa estando fresco, no me gustaría cerrar la entrevista sin saber si Agar Agar han tenido tiempo de preparar alguna cosa nueva, de cara a la gira. “Sí, pero la mayoría de composiciones nuevas que hemos hecho son cosas por cuenta propia. Después de nuestra gira queremos explorar nuestras respectivas carreras en solitario, aquellas por las cuales ya éramos reconocidos antes de Agar Agar y que ahora nos apetece de alguna manera resucitar. Incluso si aquello que saquemos por cuenta propia no tiene demasiada repercusión o mantiene un plano bajo y discreto, es importante para nosotros cuidar ese espacio. Así que estad atentos, porque muy pronto publicaremos cosas nuevas en solitario”. —fran gonzález

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EN CONCIERTO l Barcelona 22 noviembre. Razzmatazz 2 l Madrid 23 noviembre. Changó

noviembre 2023 #19

ENTREVISTA Tras tres años sin publicar, Sidonie regresan por todo lo alto. La formación, que ya lleva más de veinticinco años junta, edita un álbum corto, efectivo y directo, “Marc, Axel y Jes” (Sony Music, 23). Nos reunimos con ellos para desengranar los secretos de su nuevo trabajo. —texto Alejandro Caballero Serrano —foto Anxo Casal

PESAR DE SU DILATADA trayectoria, Sidonie se muestran muy excitados con este nuevo disco, tanto que bien podría ser su álbum de debut. (Marc) “Me gusta esa reflexión. Es un disco basado en bajo, guitarra, batería y voz y justo eso es lo que mostraríamos al mundo si nos presentamos por primera vez a una civilización alienígena, por ejemplo”. En su anterior trabajo, “El regreso de Abba” (Sony Music, 20), encontrábamos más de veinte cortes con sonoridades muy distintas, al contrario que en este, en el que solo hay diez piezas, que duran menos de tres minutos y medio y que son totalmente pop. (Marc) “El hecho de que sea breve, corto, recto claro... todos esos adjetivos que hemos ido encontrando, era el objetivo. Puede ser una reacción al anterior disco, que es más conceptual, o también unas ganas de meterse en el local de ensayos a hacer mucho ruido”. Y es que este es un estilo de música que Sidonie defienden a ultranza y que saben de sobras que dará gasolina a algunos de sus detractores. (Marc) “En realidad todo eso se queda en nada. Nuestros sentimientos acerca de esto, nuestros complejos y la mierda de comentario de ese señor o señora respecto al exceso de melodía de nuestra banda se queda en nada, como cantamos en ‘Es muy pop’. Yo creo que criticar a Sidonie es muy de boomer”. Y, aunque se han subido a la moda de los discos cortos, no lo han hecho con los featurings”. (Axel) “Sí, es a propósito. Nos encantan las colaboraciones, somos un grupo que ha colaborado mucho y que colaborará mil veces más, pero a medida que la grabación iba avanzando y más se denotaba que el disco respiraba ese power pop y que además tenía que titularse ‘Marc, Axel, Jes’, ¿qué sentido tenía contradecir a ese espíritu? Eso sí que es querer ser distintos al resto en una época en la que todos apuestan por una colaboración. Y por eso también tiene sentido que la portada no fuera en Cambridge o en las calles de Londres, sino que fuésemos nosotros en el edificio en el que ensayamos”. Pero si hay algo que han mejorado con los años es la composición, sus letras son igual o más directas incluso que sus melodías, una tarea que no es para nada sencilla. (Marc) #20 noviembre 2023

Sid Rápido,

“Las letras tienen que estar en equilibrio, que no den mucha vergüenza al que las escribe, ni al que la canta o hace los coros y toca la batería y que, además, sean creíbles”. (Axel) “Marc no te lo dirá por humildad, pero lo que nos sorprende a nosotros como compañeros y amigos es que tenga esa estabilidad de conseguir conectar de forma directa y sin mucho artificio con la letra. Eso es muy difícil y es fruto de todos los años en los que ha ido creciendo como compositor. Estas letras son las más complicadas que ha escrito a lo largo de toda nuestra carrera”. SORPRENDE QUE LA BANDA, a pesar de contar con más de veinte años de experiencia, se sigue poniendo muy nerviosa antes del lanzamiento de cualquiera de sus nuevas canciones o discos. (Marc) “Llevamos toda la vida queriendo gustar a todo el mundo y hay esas mariposas en el estómago todavía, que el día que se pierdan igual es que habremos perdido algo en el camino. Hay tanto trabajo que es lógico que el día que lo tengamos que enseñar estemos como un flan”. Aunque se apunten a las nuevas tendencias, no dejan de ser unos románticos de la música, por eso le dan valor a las ediciones físicas y cantan aquello de que “el cedé va a volver”. (Marc) “Le damos importancia porque seguimos

RONDA RÁPIDA Un artista nacional Cometa Un artista internacional Rolando Bruno Un disco para escuchar en el coche Cualquiera de Hinds Un disco que todo el mundo debería escuchar “Rubber Soul” de The Beatles y “Marc, Axel y Jes” de Sidonie Una canción para llorar “God Only Knows” de The Beach Boys Una canción para bailar Cualquiera de “The Rill Thing” de Little Richard Vuestra pieza favorita “Giraluna” Un lugar para escuchar vuestra música En el coche Describid a Sidonie en una palabra Diversión

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donie recto y (power) pop

“ “Criticar a Sidonie es muy de boomer”

comprando esos formatos para escuchar música en casa, nos gusta crear un vínculo con el objeto. Además, el cedé ya ha vuelto, ¿no te has enterado? [risas]”. (Jes) “Yo ahora estoy muy enamorado del CD, tengo una discografía en físico grandísima y cometí un error por olvidarme de ella”. (Marc) “Lo único que le falta es esa capa de romanticismo que sí que tiene el vinilo”. AHORA ARRANCAN una amplia gira que empezará en México y que, a continuación, les llevará a recorrer toda la península. (Marc) “Estamos viendo de qué forma metemos las nuevas canciones en el proyecto. Son canciones muy toconas, pero no queremos hacernos pesados y hacer todo el disco, pero ya se verá”. Y tras más de mil trescientas resacas, más de ciento cuarenta canciones, diez discos y veinticinco años juntos, lo que más tienen claro desde el principio es que todo este recorrido lo iban a hacer juntos. (Axel) “En cada uno de los momentos en los que hemos estado encarando nuevos discos y giras siempre hemos pensado en el ‘para siempre’. Es como una relación de amor. Hace veinte años pensábamos en el ‘para siempre’ y hoy en día pensamos que vamos a estar veinte años más juntos. Si no creyéramos en eso, no estaríamos aquí”. (Marc) “Cuando estás es porque crees en el ‘para siempre’, si no ya no empiezas”. (Jes) “El secreto es ser feliz dentro de la banda y en el momento que haya un problema, resolverlo”. —m.t.

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EN CONCIERTO l Valencia 30 noviembre. Sala Moon l Alicante 01 diciembre. The One l Murcia 2 diciembre. Mamba l Gijón 15 diciembre. Teatro Albéniz l Santiago de Compostela 16 diciembre. Sala Capitol l Madrid 12 enero 2024. La Riviera (Inverfest) l Málaga 19 enero. La Trinchera l Sevilla 20 enero. Sala Custom l Barcelona 27 enero. Razzmatazz (Cruïlla Hivern) l Valladolid 10 febrero. LAVA l Granada 16 febrero. Aliatar l Almería 17 febrero. Berlín Social Club l Bilbao 23 marzo. Kafé Antzokia

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noviembre 2023 #21

Medalla

Dragones y Mazmorras

#22 noviembre 2023

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ENTREVISTA

De las cientos de formas que hay de afrontar un duelo, la banda barcelonesa Medalla nos sorprende apostando por el acto natural y honesto de abrazar la tristeza y sincerarse entre sí. Eso demuestra su cuarto álbum, “Duelo”, el primero que editan con su propio sello: Estudio Mazmorra. —texto Fran González —foto Lidia Arruego

N “DUELO”, Medalla emplean su voz más humana, portando con sobresaliente madurez una actitud que ni niega ni disfraza los momentos más bajos de su ser y los esculpe ahora, a modo de sobrecogedor tributo, en las diferentes piezas que componen su cuarto álbum de estudio. “Abrirnos de esta forma nunca había sido nuestra prioridad, y en ese sentido, este disco ha significado todo un reto”, nos confiesa Eric Sueiro, vocalista, cuando le preguntamos por la intensidad de su nuevo trabajo. “Sin embargo, y sabiendo que éste iba a ser nuestro cuarto disco, teníamos claro que queríamos ir más allá. Somos un grupo de rock, y por supuesto nos gusta la caña, pero también están ahí estas oportunidades para ofrecer otra visión de nuestro trabajo”. “ES FÁCIL ENTRAR en lo que hemos querido expresar aquí”, subraya Joan Morera, guitarrista. “Aunque el disco sea muy subjetivo, también habla de un lugar muy común como es el duelo ante la pérdida”. Y si se trata de analizar la espiral crítica del álbum, el propio Joan tiene claro que, desde un plano más personal e íntimo, ese espíritu continúa presente. “Hacer un disco así también ha sido bastante liberador. Somos una generación que ha estigmatizado la tristeza y se nos ha machacado con la persecución del bienestar económico, así que salir ahora con temas en los que cantamos abiertamente sobre abrazar el fracaso me resulta muy político y muy crítico”. JOSEP PERIS, bajista y trompetista, nos cuenta que “DUELO” es el trabajo más homogéneo de la banda (“Veníamos de hacer un disco tan ecléctico como ‘Arista Rota’ (21), que cualquier cosa que hiciéramos después se iba a sentir más uniforme”, confiesa entre risas); no obstante, la

“ “Nunca hemos hecho canciones con el fin de encajar”

formación vuelve a exhibir su habilidad para nadar a contracorriente en un álbum que no se casa con ningún género ni se rebaja a ser etiquetado de forma convencional. “Nunca hemos hecho canciones con el fin de encajar”, sentencia Sueiro. “Es algo que hemos aprendido de nuestros referentes. Artistas que proyectan sus carreras como algo de largo recorrido y no tanto como trayectos que meramente satisfagan la tendencia del momento. Si encajamos, bien, y si no, también”. Y por si las energías depositadas en este disco no fueran suficientes, la banda se ha enfrascado en la autoedición del mismo a través de su propio proyecto, denominado Estudio Mazmorra. “Siempre habíamos manejado otros mecanismos”, reconoce Peris, sobre la incredulidad del proyecto a priori. “Cuando Sueiro nos planteó esta idea nos rompió los esquemas, pero en su defensa diré que los argumentos que nos dio fueron muy válidos y nos hizo creer que se puede y que se debe”. Ahora, y desde la autoedición más DIY, Medalla continúan dando soporte y guía desde la mazmorra a otras bandas, ávidas de seguir su ejemplo. “Cuesta tanto sacar adelante tu propia música que al final te tienes que involucrar tú mismo

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en mimarla al máximo y en lograr que las cosas salgan como quieres”, comenta Sueiro. “No queremos que venga nadie a decirnos que una decisión determinada va en contra de las normas de la industria o que esto o aquello no tiene rédito económico. Queremos hacer las cosas a nuestra manera”. UNA SENTIMIENTO COLECTIVO en el que repite Sergio Pérez García a los mandos de la producción y Lidia Arruego como directora artística del proyecto (“La verdad es que ha sido un trabajo muy comunitario. Es un lujo tener a gente de confianza tan cerca de ti capaz de ayudarte con su talento a llegar donde tú no llegas”, constata Sueiro), así como una brillante colaboración con Valdivia, la cual se fraguó precisamente entre ciertos anhelos expuestos en una entrevista pretérita para este mismo medio. “No la conocía en aquel momento, pero un día vino a vernos tocar y tan pronto como acabamos la pillé por banda y le insistí en que trabajara con nosotros para esta canción”, dice Sueiro, en referencia al tema que da título a esta cuarto trabajo. “Para mí ha quedado espectacular y creo que es el cierre perfecto para el disco. Es escucharla cantar y se te pone la piel de gallina.” SEIS AÑOS Y CUATRO DISCOS después, Medalla se sienten esperanzados en que esto no sea más que el principio, y así lo constatan a modo de corolario. “Perseguir el cambio constante es el resumen perfecto a estos seis años”, determina Joan. “En el momento en el que deje de ser así, todo esto dejará de tener sentido”. Sueiro, por su parte, apela al valor comunal generado. “De lo que más orgulloso estoy es de haber creado una comunidad tan fuerte en torno al grupo. No somos una banda que mueva a grandes masas, pero quien decide entrar en nuestra música, se termina quedando. Le damos mucha importancia al tú a tú y a escuchar a las personas que vienen a vernos desde diferentes partes del país, y dentro de otros seis años tan solo espero poder al menos seguir conservando eso”. —f.g.

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noviembre 2023 #23

EN PORTADA

O NOTORIO NO ES TENER un superpoder: por efímero que sea, todos tenemos alguno (o en algún momento lo hemos tenido). Lo realmente bestia es aprovecharlo. María José Llergo (Pozoblanco, 1994) hace años que actúa como fuerza catalizadora. Las emociones pasan por su cuerpo y las transforma en algo siempre más bello. No es casualidad que las calidades de su voz y lo visceral de sus composiciones le hayan llevado a alcanzar altas cotas, pese a no llegar a la treintena: conciertos en medio mundo, un premio Goya por la canción de “Mediterráneo” y, evidentemente, el favor de otros artistas (Pablo Alborán, Fuel Fandango o Juancho Marqués) e incluso del público generalista gracias al homenaje a Lola Flores del anuncio de una popular cerveza o a la participación del prime time televisivo “La voz”. LA CORDOBESA HA COMBINADO toda esa actividad hacia fuera con un cincelado trabajo desde dentro. La prueba más evidente fue “Sanación” (21). Ahora –anuncia– hacía falta cambiar las tornas, mostrar menos el yo y más el nosotros, fruto de todas las experiencias recogidas aquí y allá en estos años de girar y girar. “Ultrabelleza” es una celebración de lo colectivo, de la diferencia. Es un disco de muchas identidades. Es directo y hacia fuera, asimilable internacionalmente, y bebe de todas las manos que lo han mecido: sus habituales Lost Twin y Oddliquor, pero también Zahara, Martí Perarnau, Antonio Narváez, George Moore (Mura Masa) o Knox Brow (Mary J. Blige o Beyoncé). El largo de la autora se mueve por vientos cordobeses, granadinos, madrileños, británicos o jamaicanos. Pop y electrónica. Tensión y ritmo. Un trabajo sin descanso y que ya tiene recompensa: sold out en los primeros bolos de otoño de la gira. Y lo más importante: sus queridos abuelos, abuelos ya un poco de todos (y a quienes va dedicado parte del largo, sobre todo “Intro”), ya le han dicho que les encanta el álbum. Es otro envoltorio, sí, pero la misma María José Llergo que vistió “con lo que había” aquella “Niñas de las dunas” hace algo más de un lustro. La misma que todavía se expresa con reflexión y calma, y que proyecta bondades. Todo piel. —¿Saliendo ahora mismo del ensayo?

Ay… Muchos melones abiertos. ¡Muchos, muchos, muchos! Pero estoy disfrutando del proceso más que nunca. Me siento muy realizada. —¿Hay mucha diferencia en el proceso respec-

to a tus otras publicaciones? He aprendido mucho, sobre todo en hacer una buena juntera de personas con las que compartir. De eso depende el desarrollo de una carrera. Los #24 noviembre 2023

buenos de siempre, siguen a mi vera, pero cada vez, ¡ampliamos más el equipo! Me encanta que haya personas preciosas trabajando por y para esto. También he aprendido a pensar mejor, a pensar desde el amor, la pasión por lo que hago. El desarrollo psicológico no es el mismo con veinticinco que con veintinueve años. He aprendido mucho de la terapia psicológica. Es un proceso precioso de autoconocimiento. —¿Explica eso que no te hayas quedado ancla-

da a “Sanación”? ¡Qué bien oírlo, viniendo de ti! Qué lejos aquel día que nos conocimos en un menú de mediodía. ¡No había ni firmado con Sony! Sí, el autoconocimiento lo explica todo. Hace dos años que empecé a componer: hemos descartado unos veinte temas. Ha habido canciones compuestas en Montreal mientras viajaba, otras con productores de Jamaica, británicos, personas que hacen afrobeat en Londres, otras con Zahara y Martí en la Casamurada en Tarragona, otros que han nacido en Granada. Como 50 Cent paseando por los jardines y prometiéndole a su chica amor eterno. —Como 50 Cent en Granada, eh… Buen con-

traste de culturas. Este es el primer disco que he hecho pensando en cantarle al mundo. El primer disco pensaba que nadie lo iba a escuchar [ríe], por eso era una conversación de autosanación. “Ultrabelleza” es la celebración de la diversidad del mundo que me rodea. Por eso cada canción habla de ámbitos sociales que nos hacen mejores como persona. Cada canción diferente, registros diferentes, planetas diferentes. Muy exigente. Quería comprobar mis habilidades, mi capacidad de adaptación. Quería rapear, quería invocar la oscuridad para luego ir a la luz, para luego cantar un bolero, e ir a Nueva York cantando. —¿Todo esto lo has decidido por el camino o

había un plan preestablecido? Es un reflejo de mi crecimiento como persona, de aprender a moverme por el mundo y no tenerle miedo. Que el amor le gane al miedo, como digo en “Ultrabelleza” y en el manifiesto. Yo fui a Montreal a cantar en el festival de jazz. Allí se me ocurrió “Rueda rueda”: girando feliz por el mundo, con un poco de miedo y buscando lo que hay más allá, aquello que me protege para que no me pase nada. Celebración de poder dedicarme a esto. Cada día que me levanto y puedo seguir haciéndolo me siento tan privilegiada. También me fui a Londres buscando inspiración. Luego… Con Zahara y Martí fue un encuentro precioso que surgió a la hora de hacer “Sansa” para el disco “Reputa” (22). Ahí sentí una conexión bella, pura, enorme. Conocí a una referencia. Es muy fuerte lo suyo: canaliza

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María José Llergo

Más allá de la belleza

Lleva en las páginas de esta revista desde sus primeros pasos. Ahora, reconocida como una de las voces más potentes de la escena, María José Llergo llega a nuestra portada, porque ayudar a que su música viaje lo más lejos posible es contribuir al amor, el compromiso y la vanguardia. Porque eso, y mucho más, es “Ultrabelleza” (Sony, 23). —texto Yeray S. Iborra —foto Miguel Sierra

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noviembre 2023 #25

la energía que da gusto. Tiene una capacidad de escritura.... Pero es que es una gran productora. —¿No está suficientemente reconocida?

En la industria no nos damos cuenta hasta qué punto las vocalistas, cantantes, compositoras, arreglistas, autoras… estamos detrás tantas veces de lo que acaba sonando detrás de los altavoces. Zahara está tras todas esas cosas. Es lo más. —Los otros nombres que has citado,

¿cómo llegas a ellos? Son muy top [risas]. Me muero. Los tenía fichados. Pero no tenía los medios. Tampoco sabía cómo iba a salir. Yo pensaba “¿Cómo le explico el compás flamenco a un productor que no habla ni mi idioma? No me van a entender”. Pero al final coges tus herramientas: “One, two; one, two, three…”. Y te entiendes. Ha sido precioso. —¿Y seguiste el mismo proceso con el pro-

ductor nacido en Jamaica, Knox Brow? La música es universal, si a ti te mueve lo que hace un compañero, te inspira. Y si no te mueve, pues no te mueve. La música es como una sonrisa, cuando la ves la imitas sin querer. ¿Estás sonriendo? —Sí.

[Risas] —¡Tienes un Goya! ¿Cómo has hecho para

encontrar el tiempo para el disco? La prioridad siempre es la música. Mi vida se para cuando hago música. Lo demás, lo más mediático, es precioso, pero la música es lo más importante. Yo solo puedo controlar mi trabajo, ahí mejoro y estudio y aprendo, investigo y camino por nuevas sendas. No quiero simetrías en las canciones. Quiero divertirme y aprender, explorar, darle a los demás algo nuevo. Esa es la prioridad. Me encanta. Y lo demás lo hago encantada, con una sonrisa, si es un shooting o ir a “La Voz” o a la gala de los Goya; me parece precioso, pero no dejo de lado la razón principal. —Lo importante es hacerse propios esos

conceptos, imagino. El disco traspasa todo el rato la frontera de lo universal a lo íntimo. Lo micro con lo macro. Eso pasa en la naturaleza. Igual que nuestras huellas dactilares parecen las marcas del agua cuando fluye. O nuestros alveolos, como las raíces del árbol. Igual que… [Piensa] Una piedra cortada parece los surcos de los ríos. Lo micro y lo macro tiene un impacto inmediato lo uno y lo otro. #26 noviembre 2023

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EN PORTADA

—Todas las historias de vida se parecen.

Todos estamos conectados con todos. Todos necesitamos lo mismo. Amor, aceptación, necesidades básicas cubiertas. Querer y ser amados. —¿No te costó encontrar el tono para que

no quedase un panfleto? Sí. Además, no quería reivindicar desde la tristeza, desde la rabia. No quería nada amargo. Quería celebrar la diversidad de la sociedad en la que vivo. Yo me monto en un taxi y me lleva una persona que viene de Colombia y me enseña la música de su tierra, me hace el regalo más grande del mundo. Salgo a la calle y veo cómo los vecinos escuchan salsa en el barrio de Tetuán. Conozco sus realidades y me inspiran en la mía. Traduzco a lo musical lo que vivo.

CRITICANDO Ultrabelleza Sony

8 POP / NO SIEMPRE ES ASÍ, PERO… Por lo

general, cuesta lo mismo quejarse que proponer. Aunque tenemos tendencia a señalar y, todavía más, a mirar al dedo que señala. María José Llergo apuesta por salirse de esa rueda tóxica en “Ultrabelleza”: ensalzar la diferencia y atizar al odio. Después de la autoevaluación –exhaustiva– que supuso “Sanación”, de atmósfera tupida, flamenco bastardo y pasajes de tormenta electrónica, la cordobesa dibuja un nuevo escenario artístico. Recoge los frutos de la exploración, todo lo emocional vivido personal y colectivamente, y lo transforma en pura comunicación. La cosa era hacer llegar el mensaje al máximo de gente, y para ello ha desacralizado –todavía más– el cante y lo ha llevado a un nuevo escenario: un escenario mestizo. Con la ayuda de productores como el valenciano Lost Twin, pero también con una nueva dosis de electrónica de club gracias a Zahara y Martí Pernarnau, y sobre todo de temas de sonido global trazados con George Moore (Reino Unido) o Knox Brow (Jamaica/Reino Unido). No ha repetido fórmula alguna. Respetar la naturaleza de cada uno es escucharse en cada momento. Te lleve eso al lugar al que te lleve. —y.s.i

“ “Este es el primer disco que he hecho pensando en cantarle al mundo”

Al final, somos seres espirituales teniendo una experiencia humana, lo que quiero es celebrar porque esto es una suerte. Que nos queda mucho por resolver, claro. Pero el primer paso es querernos a nosotros mismos, luego a los demás. —Es una apuesta valiente. Lo fácil es se-

ñalar. Destruir en vez de construir. Coincido contigo. Es que el odio si lo alimentas, no va a dar amor. En cambio si cada vez le das más amor, igual dejas de odiar. No pienso convertirme en lo mismo que critico; no quiero ser hater de los demás. Cuando ves algo que no está bien, muchas veces criticar se queda corto. Lo que hace falta es proponer. Yo propongo esto. Celebrar nuestras diferencias, como una suerte. Aceptarnos es el primer paso para cogernos de la mano y caminar juntos. —Como esa pareja de “Tanto tiempo”.

Tiene ese aura de bondad, de lugar seguro. Yo me imagino a dos personas mayores sin poder celebrar su forma de amar. Me imagino que tuvieron una infancia donde no pudieron ser lo que eran, después de tanto tiempo se reencuentra y pueden amarse, por eso lo del bolero, un guiño al pasado y por eso también lo de “matemáticas de Dios en esta habitación”, un guiño a Val del Omar: “Que me alejase de ti, no quiero”. [Canta al teléfono dos minutos y termina en un silencio relajado] —En “Lo que siento”, reside esa idea de

romperse sobre el escenario. Un grito: ¡Soy una persona, no un objeto, un producto! Habla sobre mi relación con el escenario, digo que “soy un corazón que se está partiendo para entregarte lo que tiene dentro”. Hablo sobre el espacio que abro en mi pecho donde todo el mundo mire, y duele tanto como sana. Soy una persona que se

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está entregando. Queda claro que soy una persona ante todo. Lo del consumo ya ni lo menciono, no me importa, queda en segundo plano. —Cuando saques el disco, se llenará la

agenda de cosas. ¿Cómo haces para seguir siendo persona, encontrar el equilibrio, cuidarte? A mí me sana la naturaleza. Yo vivo en el campo. Me canta el río, me cantan los pájaros, me canta el árbol que mueve el viento. Me da tanto la naturaleza. —¿Y tienes el tiempo para esa descom-

presión? No siempre tengo el tiempo, pero lo busco. Comprendo que hay veces que no se puede. A veces tengo que descomprimir yo: hago mucho deporte. Rocódromo, boxeo, crossfit, mi tabla de ejercicios de fuerza… El boxeo me tiene enamorada. —Para acabar, ¿por qué hay un sonido de

cassette al inicio? El cassette sirve para encapsular una declaración. —¿Qué querías inmortalizar?

Ahí le estoy diciendo a mi abuela que a mí siempre me dijeron que creyera en la virgen María, pero yo solo puedo creer en ella. Si le tengo que pedir algo a Dios, viendo como nos cuida y nos protege, es que ella nunca nos deje. “Aprendiendo a volar” la hice porque estaba triste, afectada por un miedo recurrente, que es que la muerte de mis abuelos me pille en el otro lado del mundo y sobre el escenario. La canción me sirve para prepararme, por si eso pasa. —¿Qué te han dicho ellos del disco?

[Risas] Les ha gustado mucho, se han reído mucho. No se lo esperaban. Pensaban que iba a ser más tradicional, pero les ha gustado. Con “Visión y reflejo” les explota la cabeza, claro. Si yo tuviese un siglo de vida, igual diría lo mismo. —y.s.i.

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EN CONCIERTO l Córdoba 11 noviembre. Gran Teatro de Córdoba l Cádiz 18noviembre. Teatro Falla (Festival de Música Española) l Barcelona 29 noviembre. Sala Paral.el 62 (Festival de Jazz) l Madrid 18 diciembre. Teatro EDP Gran Via l Málaga 20 diciembre. Teatro Cervantes

noviembre 2023 #27

BULEGO

TAN. CERCA.

EL DISCO. RECUPERADO. The Fire Theft The Fire Theft (Rykodisc, 2003) SUNNY DAY REAL ESTATE anunciaron su separación a finales de 2001, justo cuando la banda contaba con el respeto de la crítica y el reconocimiento de una nueva hornada de bandas de emo que les reivindicaban como padres del género. La mala promoción y las dificultades para girar con su último trabajo, “The Rising Tide” (00), lanzado a través del sello Time Bomb un año antes, generó unas tensiones insoportables para una banda imponente encima del escenario y tremendamente frágil de puertas para dentro. El carácter de Dan Hoerner, explicaron sus compañeros, generaba una dinámica insana. Y aunque tampoco se trata de buscar culpables, lo cierto es que Jeremy Enigk y William Goldsmith sí querían seguir tocando juntos. Así nace The Fire Theft. Se sumó al proyecto un viejo amigo, uno de los cofundadores de la inmobiliaria del día soleado, el bajista Nate Mendel, entonces puntal en el sonido de Foo Fighters, con los que ya había grabado dos trabajos de estudio: “The Colour And The Shape” (97) y “There’s Nothing Left To Lose” (99). Merece la pena recordar que en ese momento Grohl había aparcado la exitosa banda post-Nirvana para grabar un disco con sus colegas en Queens Of The Stone Age y salir de gira con ellos. Curiosamente el presente disco homónimo tiene algo de “disco de reunión”. Y es que la maravillosa sección rítmica formada por Goldsmith y Mendel llevaba años sin hablarse, exactamente desde que el batería abandonó Foo

RR El año de éxitos de Arde Bogo-

tá se redondea, al margen de todos los sold outs en sus conciertos y de los Grammy Latinos, con un prestigioso Premio Ondas a Fenómeno Musical del Año.

Fighters durante la grabación de su segundo largo. Aquí no solo encontramos a tres cuartas partes de los Sunny Day Real Estate originales, sino que decidieron grabarlo con el productor del mítico “Diary” (09), Brad Wood. Eso sí, en lugar de volver a las raíces más musculosas de la banda de su vida, siguieron expandiendo su concepto de disco épico y emocionante con la ayuda de una imponente sección de cuerdas y teclados, refinando más si cabe la propuesta del citado “The Rising Tide”. De hecho, la única pieza relativamente inmediata es “Chain”, único adelanto de un disco abismal cerrado por un tema de catorce minutos —con final instrumental— titulado irónicamente “Sinatra”. ¿Les faltó un par de buenos singles para vender mejor el paquete completo? Quizá, pero supongo que Enigk nunca ha pensado en esos términos y con este debut no hizo una excepción.

RR La Paloma vuelven a la actua-

lidad con un nuevo single y todo un grito generacional. Se llama “La edad que tengo” y está disponible ya en todas las plataformas de streaming. RR Lo mejor del metal nacional

unirá fuerzas en el Kaos Zone Fest. Será el 22 de marzo del próximo año en el WiZink Center de Madrid y participarán Soziedad Alkoholika, Angelus Apatrida, Hamlet y Crisix. RR Viva Belgrado anticipan

otro nuevo tema de “Cancionero de los cielos”, un nuevo trabajo que verá la luz el 19 de enero de la mano de su propio sello Fueled By Salmorejo. La canción es “Perfect Blue”.

Introspectivo, melancólico y sofisticado, “The Fire Theft” está repleto de deliciosas composiciones de corte progresivo como “Oceans Apart”, “Heaven” y “Carry You” que no todos entendieron o supieron valorar en su justa medida en esos primeros dosmiles, cuando el viejo rock de los ochenta estaba en las antípodas de lo ‘cool’. Quizá pecaron de pretenciosos, haciendo bueno su mitológico nombre, y admito que eran cualquier cosa excepto originales. Pero qué queréis que os diga, a mí me encandilaron hace veinte años y me siguen conmoviendo ahora como el primer día, mientras escribo estas líneas. —luis benavides

RR Se confirma definitivamente

el retorno de los referenciales Standstill. Por el momento parece que solamente serán unas pocas apariciones en directo. La primera en darse a conocer ha sido su participación en el Vida Festival, a celebrar entre los días 4 y 6 de julio de 2024. RR Varry Brava continúan con

su apuesta por el baile con “Tierra para bailar”, primer single de adelanto del que será su próximo trabajo. RR Triángulo de Amor Bizarro

lanzan una nueva versión de su tema “La carretera”, una pieza que formaba parte originalmente de su disco “SED”, editado hace apenas seis meses.

FOTO: ARCHIVO

RR Se han dado a conocer los ar-

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tistas que formarán parte del primer ciclo AIEnRuta del próximo año. La lista, por orden alfabético, incluye a Adiós Amores, Alberto & garcía, Amorante, Camellos, Crudo Pimento, Fillas de Cassandra, Hofe x 4:40, Idoipe, Jordana B, Magalí Datzira, Maren, María de la Flor, Merina Gris, Riders Of The Canyon, Sandré, Santero y los Muchachos y Viva Belgrado. —MS

noviembre 2023 #29

Ichiko Aoba La belleza de un espíritu A través de una dulzura íntima y una magia ensoñadora, la nipona Ichiko Aoba es capaz de trasladarnos a lugares remotos y llenos de fantasía, creando escenarios privados de confesión y confidencia en los que nos invita a perdernos.

U PRIMERA VISITA a España bien merecía charlar con ella, quien tiene a bien dejarnos claro desde el comienzo la ilusión que le genera debutar por fin en nuestro país. “Apuesto a que las personas allí son como el clima: luminosas y cálidas”, vaticina la artista, tan pronto como le preguntamos por sus respectivas fechas en Barcelona y Madrid.

Los shows forman parte de una gira que le llevará por todo el globo, haciendo aún más internacional su ya poderoso nombre. “Nunca hay dos conciertos iguales”, matiza, mientras revisa su ajetreada agenda, entre la que, por supuesto, también hay espacio para las anécdotas. “Mientras daba un concierto en Metz, se produjo un fallo técnico en el cuadro de sonido, impidiendo que se me oyera. Acto seguido, desenchufé mi guitarra, la llevé conmigo hasta el centro de la sala y comencé a tocar rodeada de todo el público. Con un sonido tan débil, obligué a que la gente se acercara más y tuviera que escucharme con más atención. Fue una experiencia maravillosa que me demostró cómo un sonido tan pequeño puede ser capaz de atraer a tanta gente y concentrarla en un sitio tan grande”. Sin embargo, y a pesar de esta notable pasión por la cone-

, el “Pese a su exclusividad n un co japonés es un idioma ” llo espíritu realmente be

RR Dejando al margen a su her-

mano Noel, Liam Gallagher ha anunciado hasta doce fechas de conciertos de celebración de los treinta años de “Definitely Maybe” de Oasis por el Reino Unido e Irlanda. Las actuaciones se llevarán a cabo en junio de 2024. RR Massive Attack han dado a co-

TAN.LEJOS

nocer la muerte a causa de un cáncer de pulmón de quien fuera su guitarrista durante años, Angelo Bruschini. Fallecido a la edad de sesenta y dos años, Bruschini fue

también miembro de bandas como The Blue Aeroplanes, The Numbers o Rimshots. RR Este mes de noviembre verá la

luz “Cat Power Sings Dylan: The 1966 Royal Albert Hall Concert”, el trabajo en el que la cantautora estadounidense Cat Power rinde homenaje a uno de los artistas y a uno de los conciertos más importantes de la historia del folk/rock. RR Billie Joe Armstrong, Mike

Dirnt y Tré Cool, es decir Green

Blanco White La música nos hace libres Josh Edwards, se ha empapado de la belleza natural del ecosistema gaditano y ha sanado sus energías para conformar “Tarifa” (Nettwerk, 23).

“

CUANDO VIAJÉ A TARIFA el pasado año para trabajar en el álbum fue realmente la primera vez en mucho tiempo que me sentía suficientemente sano como para estar lejos de casa”, nos cuenta Edwards. “Es un rincón del mundo increíblemente hermoso y la luz en invierno es extraordinaria e inspiradora. #30 noviembre 2023

Sin duda, hay un sentimiento implícito de gratitud a España en este disco”. Un lugar de nuestra geografía que ha logrado el honor de figurar en la discografía del británico, precisamente por ser el escenario de su recuperación tras haber sido diagnosticado de un dolor crónico. “Fue un momento de lo más aterrador y complicado”, recuerda. “No podía tocar mis instrumentos y no tenía nada claro si podría volver a girar. Aprendí muchas lecciones durante aquel tiempo que me cambiaron profundamente y una de ellas fue la de intentar ser más indulgente conmigo mismo. Seguir queriendo superar mis límites, pero desde el

autocuidado. Siempre es bueno dar lo mejor de ti, pero hacer música nunca debería dejar de ser algo divertido”. El resultado de este momento tan personal en su vida es un disco envolvente, cautivador y escapista que lleva a su vez la firma de varios amigos, entre ellos Pilo Adami de Nubiyan Twist (“Recuerdo tener muy claro que quería centrarme en el ritmo, y Pilo fue fundamental para lograr eso. Mantuvimos el tono orgánico de mis trabajos previos, y además ampliamos la paleta de sonidos con su enorme colección de instrumentos de percusión tradicional”, recuerda el londinense) o la artista española Mavica,

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MONDO FREAKO xión más orgánica que se genera a través de sus notas, Ichiko ha demostrado recientemente querer añadir matices nuevos a su propuesta, ahora más sobrecargada como hemos intuido tras su último álbum de estudio, “Windswept Adan” (20), al que han seguido un directo y una banda sonora. “Tras mi experiencia actuando en teatros y proporcionando música para representaciones y obras, me di cuenta de que quería explorar más a fondo ese surtido de arreglos que hasta ahora solo había escuchado en mi mente”, menciona la japonesa, tras confesarnos que en determinados tramos de muchas de sus canciones es capaz de oír arreglos de arpa o clarinete que originalmente no están presentes. “Para ello, conté con la increíble ayuda del compositor y arreglista Taro Umebayashi, quien puso todo de su parte para comprender mis canciones de forma única y lograr que éstas fueran más allá de las palabras”. La importancia de las palabras, que en el caso del brillante hacer de Ichiko, logran romper cualquier barrera idiomática que se precie y conquistar las emociones de todo

el mundo. “A lo largo de los años, la humanidad ha desarrollado una gran cantidad de idiomas, y ciertamente, me siento muy agradecida por no ser capaz de entender muchos de ellos. De esta forma, siento que estos lenguajes fluyen suavemente en mis oídos, con sus sílabas percibiéndose casi como hechizos. Honestamente, me gustaría creer que el japonés le suena así a todos los que escuchan mi música y no dominan el idioma. Pese a su exclusividad, el japonés es un idioma con un espíritu realmente bello”. —fran gonzález

EN CONCIERTO l Barcelona 09 noviembre. Razzmatazz 3 l Madrid 10, 11 y 12 noviembre. Café Berlín

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FOTO: KODAI KOBAYASHI

RR También este mes de noviembre

–concretamente el día 17– se publicará “Songs Of Silence”, el primer y ecléctico álbum en solitario del mismísimo Vince Clarke, miembro original de Depeche Mode, Yazoo y Erasure.

“Hay un sentimiento implícito de gratitud o” a España en este disc

RR Danny Elfman ha sido acusado por

una demandante anónima de cuarenta y siete años de “agresión sexual, violencia de género y de infligir intencionadamente angustia emocional, acoso y negligencia”. Elfman se declara inocente. RR Ha visto la luz el último tema que

grabó en vida Joey Jordison (Slipknot, Murderdolls, Sinsaenum) antes de fallecer. Se trata de “Assimilate”, una versión de Skinny Puppy grabada con la banda italiana Alien Vampires y otros invitados como Attila Csihar (Mayhem) o Istvan Zilahy (Plasma Pool). —MS

FOTO: SEQUOIA ZIFF

Day, vuelven a la actualidad con un nuevo pildorazo de guitarras y melodía, “The American Dream Is Killing Me”, que sirve de adelanto de “Saviours”, el que será su próximo álbum de larga duración a publicar el 19 de enero. En 2024 lo estarán presentando por todo el planeta, incluyendo nuestro país.

quien el propio Edwards confiesa que “ha dejado una gran huella en este disco y que le ha ayudado a sentirse más seguro a la hora de cantar en español”. Precisamente, esto es lo que nos lleva a concluir la charla poniendo sobre la mesa el tema de la mal llamada apropiación cultural, zanjado por el británico de una forma muy resolutiva y convincente. “Es importante acercarse al arte culturalmente ajeno desde la sensibilidad y el respeto, pero también siento que la idea de limitarse únicamente a aquellas influencias que tan solo están próximas a tu tradición o procedencia es absurdo”, dice. “Si ejerciéramos exclusivamente ese tipo de procesos creativos, muy probablemente terminaríamos sentenciados al estancamiento artístico. La música es el

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lenguaje universal más importante que tenemos y su historia se ha construido a través de movimiento e intercambio. En un momento en el que el mundo está más conectado que nunca, el intercambio musical y cultural es algo que deberíamos fomentar en lugar de penalizar”. —fran gonzález

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EN CONCIERTO l Madrid 01 noviembre. Teatro Lara l Barcelona 03 noviembre. Razzmatazz

noviembre 2023 #31

MONDO FREAKO

Niña Polaca Nuevo equipo Superando con nota las idas y venidas propias de un agitado año de cambios, los miembros de Niña Polaca encaran el lanzamiento de “Que adoren tus huesos” (Subterfuge, 23) con la calma tensa de quien se sabe puesto a prueba. “Nos sentimos casi como si estuviésemos a punto de tener un hijo o de entregar un trabajo de fin de carrera”, confiesa Surma, vocalista de la banda, en una terraza de su nativa Alicante y rodeado del resto de miembros de la banda.

A COMPOSICIÓN de este esperado tercer larga duración se ha producido en medio de la salida de Sandra Sabater (Ginebras, Grasias) y la incorporación de Rubén y Claudia (Muro María) a la formación, algo que han logrado capear con entereza y sin exceso de dramas. “Todo ha sido más fácil de lo que cabría esperar. Sentimos que la banda ahora está más organizada”, cuenta Surma, quien es interrumpido por Kobe, el batería, apostillando: “A pesar de que seamos más y de que apenas quepamos en el local”. Aun así, la esencia de Sandra continúa reflejada en diversos temas, algunos directamente de forma explícita como “Pollo Frito”. “Se ha dado la situación en la que hay temas cuyos arreglos están hechos a medias entre ella y Rubén [el nuevo guitarrista], y a decir verdad, creemos que esto es algo que le da bastante riqueza al disco”, matiza Beto, bajista. “Sonamos diferente, pero seguimos siendo los mismos”. HABLAMOS DE UN ÁLBUM con un notable salto cualitativo en el sonido, en la producción y en la composición, donde realmente se nos permite apreciar la evolución de la banda gracias a elementos tan concretos como la valiente apuesta por una narrativa que rompa con el abc más convencional del pop actual. “He tratado de cuidar mucho no caer en estructuras facilonas o que resultaran similares a las típicas mierdas que cualquiera puede escuchar en TikTok”, resalta Surma. “Reconozco que soy un friki de la literatura y del romanticismo francés, y siempre que puedo aprovecho para coger esa hipérbole #32 noviembre 2023

del sentimiento y llevarla a algunas de nuestras canciones”, menciona, en referencia a temas como “Los Días Malos”, donde presenciamos un registro poco explorado por parte de la banda. “Es un tema al que le tengo cariño, pero tampoco sé si es el tipo de canción que querría hacer siempre. La poesía requiere tiempo y no es para todos los oídos. Es un tipo de composición que te lleva irremediablemente al típico cantautor intenso y pesado, y yo soy la persona menos intensa del mundo”, concluye, aunque algunas risas irónicas en la mesa parecen

discrepar con ello. “Las letras de este disco yo las veo como las típicas que podrías tener impresas en papel, a modo de poemario, para poder leerlas durante un viaje en tren, por ejemplo. Si además de tocar en Niña Polaca fuera un fan increíble de la banda, que también lo soy, creo que es algo que haría”, apunta Beto, tirando un capote. “LAS LETRAS DE SURMA siempre me han parecido buenísimas y creo que es importante salirse de lo genérico y apostar por el sentimiento más personal. Si no, al

WALA. WALA. ro “Sonamos diferente, pe seguimos siendo los mismos” final escribiríamos todos canciones iguales”, continúa Rubén, en lo respectivo a “Los Días Malos”. “Ha gustado mucho y es curioso, porque es de los temas que en menos playlists ha entrado, y aun así es de nuestras canciones recientes más escuchadas. Así que estamos agradecidísimos a los fans reales de la banda que se han dejado de algoritmos y han ido directamente a lo que les gusta”. Una suma, la de intensidad y euforia, que han sabido trabajar en el estudio bajo la lujosa factura de Guille Mostaza y Carlos Hernández, quienes cuentan que han sido responsables de las dos esferas distinguidas que contiene el disco. “Ambos son unos maestros. Te hacen sonar de una forma increíble, les lleves lo que les lleves. Primero fuimos a grabar con Guille, con la idea de focalizarnos en la parte más electrónica del disco. Después grabamos con Carlos, a quien acudimos directamente a dejarnos llevar por el rock y a gritar”, cuenta Beto. Y ALGO QUE NO PODÍA FALTAR en ningún disco de Niña Polaca que se precie son las referencias a Madrid, convertida ya en el telón oficial de la formación desde que su icónica “Madrid sin ti” figurase en aquella fatídica campaña de Ayuso y Vaquerizo. “Recuerdo que un día desperté y tenía como quinientas notificaciones en Twitter y me asusté muchísimo”, apunta Surma tras el negativo impacto de la campaña en redes. “En nuestra defensa diré que no habíamos visto el anuncio antes de aceptar el uso de nuestra canción en éste, y visto en perspectiva reconocemos que sí que debíamos de haberlo hecho, porque realmente daba mucho cringe”. Con todo, Madrid sigue siendo el principal epicentro de sus objetivos, pues cuando les preguntamos qué les gustaría lograr con “Que Adoren Tus Huesos”, Surma lo tiene claro: “Con el anterior disco conseguimos clavar nuestra bandera en La Riviera, así que, por pedir, pedimos que con éste podamos hacerlo en el WiZink”. “Y ya puestos, que Hacienda baje el IVA cultural y la tasa de autónomos también”, concluye acertadamente Beto. —fran gonzález

“Una niña en Murcia nos dijo toda emocionada que aquel había sido su primer concierto... Qué alegría que el primer concierto que vea una niña sea de una banda de tías” Teresa de Aiko el Grupo en Crazyminds

“En Londres corre un montón de cocaína y si tienes una banda es fácil que llegues a ella. Solía ir a un bar en Camden que parecía que estuviera construido con cocaína. ¡Dios! Por suerte, ya nunca voy” Frank Turner en Rockzone

“Somos una banda que ha tenido éxito, sí y no, no y sí. Tienes que estar en los festivales, pero seguíamos haciendo salas. Hay bandas que ni las hacen” Albaro Irizaleta de El Columpio Asesino en Jenesaispop

“Siempre me encantó The Cure porque podían escribir lo más oscuro y luego ‘Friday I’m In Love’” Jared Leto, de 30 Seconds To Mars en Zane Lowe’s Apple Music 1

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EN CONCIERTO l Barcelona 04 noviembre. Apolo Sala [2] (Cruïlla Tardor) l León 10 noviembre. Gran Café l Vigo 11 noviembre. Radar Estudios l Madrid 24 noviembre. La Riviera l Badajoz 01 diciembre. OFF Cultura l Cáceres 02 diciembre. Boogaclub l Madrid 21 enero. La Riviera l Murcia 02 febrero. Sala Spectrum l Granada 10 febrero. Sala Aliatar l Zaragoza 16 febrero . Sala López

“ENTRE LAS DOS ABARCAMOS DESDE LOS BOLEROS HASTA EL HIP HOP. NOS ENCANTAN LOS PANCHOS, BILLIE EILISH, LA FEMME O MARÍA JIMÉNEZ” Adiós Amores en Muzikalia

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noviembre 2023 #33

MONDO FREAKO

Los Zigarros Carta de amor en clave rock Tras cerrar etapa con el directo “¿Qué demonios hago yo aquí?” (20), Los Zigarros comienzan una nueva con “Acantilados” (Cultura Rock Records, 23). Nueva discográfica, nuevo productor (Leiva) y nueva gira de presentación.

N “ACANTILADOS” nos encontraremos con once nuevas canciones plagadas de amor, teclados, guitarras y rock stoniano. Charlamos de todos estos cambios con Ovidi Tormo, cantante, guitarra, teclista y compositor del cuarteto valenciano. El disco llega después de muchas cosas. Para empezar, después de una pandemia mundial. “Ha quedado tan atrás, que ya me parece como que… Paramos un año o así. Acabábamos de grabar el directo del Price en enero y a los dos meses pasó esto. Teníamos una gira de la hostia por delante, la gira más grande hasta el momento y la que mejor pinta tenía, y nos jodió un montón”. El directo mencionado, #34 noviembre 2023

“¿Qué demonios hago yo aquí?”, podría entenderse como una recapitulación y un pasar página. Se cierra una etapa y se abre otra. Para empezar, “Acantilados” supone un cambio de discográfica: de Universal a Cultura Rock Records. Muchos grupos de rock de nuestro país están dejando las grandes multinacionales para irse a sellos más pequeños y especializados. “Nuestra experiencia con Universal no voy a decir que fuese mala, voy a decir que tienen unas prioridades y nosotros nunca fuimos una de ellas. Con Cultura Records estamos en familia. Nunca nos hemos sentido mejor, ni más atendidos”. A eso se suma el cambio de productor: de Carlos Raya, vuestro productor histórico, a Leiva. “Con Carlos habíamos hecho tres discos, cuatro con el directo. ¿Diferencias? Los dos son amigos, y los dos son buenísimos. A Leiva le llamamos porque tiene un talento tremendo. Somos amigos, con lo que sabíamos que nos íbamos a entender. Queríamos cambiar de productor porque ya llevábamos tres discos con Carlos, y de alguna manera necesitábamos salir un poco del nido. Ha sido maravilloso trabajar con Leiva”. Lo que no ha cambiado es grabar práctica-

mente en directo, esta vez en Estudio 1 en Colmenar Viejo. “Estuvimos un año o así preproduciendo, quedábamos con Leiva, íbamos a su casa, mirábamos las canciones… Esta vez sí, fuimos a Colmenar Viejo y grabamos el disco en directo prácticamente todo, excepto algunas cosas que se graban después. Fuimos tan rápidos y tan inspirados que nos sobró una semana entera. Lo nunca visto, lo normal es que te falte una semana. Pero en ese año de preproducción lo cerramos de una manera que no habíamos hecho antes, y luego fue simplemente ir allí y tocarlo”. Incluso se nota mucho más teclado en las canciones, tanto en las más cañeras como en las más lentas. ¿Cuestión del cambio de productor? “No tiene nada que ver con eso. Yo toco el piano, compongo con piano, con guitarra, con lo que tenga. En este disco simplemente había más canciones con piano, con teclas en general: órgano, sintetizadores… Es una cosa que siempre ha estado ahí y nos apetecía. Me apetecía además tocar en directo los teclados. Dan un color que nos encanta”. AHORA TOCA PRESENTARLO en las principales ciudades españolas. “Sí, vamos

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TOP VÍDEOS. Q

Idles Dancer

Idles se nos ponen bailongos, a su manera claro está, y lanzan este trepidante y contagioso videoclip en el que participan haciendo coros James Murphy y Nancy Whang, de LCD Soundsystem.

Sleater-Kinney Hell

El ahora dúo Sleater-Kinney siempre se ha caracterizado por cuidar sus clips e invitar a artistas visuales de la escena independiente estadounidense a dejar su huella. En esta ocasión es la directora de fotografía Ashley Connor con cuidado blanco y negro.

tan un “Las canciones necesi s” la vestido y lo eligen el

FOTO: ROBERTO CIMIANO

a hacer una gira de invierno. Noviembre, diciembre, enero y febrero por salas, como solemos hacer cada invierno. Presentaremos el disco, además de las otras canciones. Después haremos festivales hasta ver dónde nos llevan. Supongo que hasta el siguiente invierno, que haremos lo mismo. Es un poco la rueda de siempre”. —jesús casañas

Monaco

Seamos sinceros, contar con el mismísimo Al Pacino en uno de tus clips es la certeza indiscutible de que has tocado el cielo. Puede que la canción te parezca una basura o que el vídeo sea una ostentación indecorosa de nuevo rico, pero ¡Joder, es Al Pacino!

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EN CONCIERTO l Murcia 11 noviembre. Sala Mamba l Málaga 17 noviembre.Sala París 15 l Alicante 18 noviembre. Sala The One l Valencia 16 y 16 diciembre.Sala Moon l Santiago de Compostela 22 diciembre.Sala Capitol l Santander 23 diciembre. Escenario Santander l Gijón 29 diciembre. Sala Acapulco l Bilbao 30 diciembre. Sala Santana 27 l Madrid 11 y 12 enero. The Music Station l Barcelona 13 enero. Sala Razzmatazz l Vitoria 20 enero. Sala Jimmy Jazz l Zaragoza 26 enero. Teatro Las Esquinas l Valladolid 27 enero. Sala Lava l Pamplona 02 febrero. Sala Zentral l León 03 febrero. Espacio Vías l Sevilla 09 febrero. Sala Custom

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Bad Bunny

Monsieur Periné En La Oscuridad (Ft. Bandalos Chinos)

Elegante clip que combina el blanco y negro con el color para mostrar esta colaboración entre las bandas Monsieur Periné y Bandalos Chinos que nos invita a no parar de bailar en la más estricta oscuridad.

All Time Low Fake As Hell

Divertido clip en el que combinan animación con el típico lyric-video para que puedas cantar la letra junto Avril Lavigne y la banda. Mientras lo haces, te irás preguntando si al final los muñequitos podrán escapar de su cajas. —MS

noviembre 2023 #35

ESPECIAL Con motivo de su treinta aniversario, Green Day han publicado una edición limitada de su tercer álbum, “Dookie”, contando entre sus cuatro discos con material inédito, demos y los famosos directos ofrecidos en Woodstock y en la mítica sala Garatge Club de Barcelona en 1994. Una excusa ideal para volver a acercarnos al disco más vendido en su trayectoria y uno de los álbumes de punk más influyentes de los noventa.

A QUISIÉRAMOS MUCHOS cumplir años con la misma salud, vigor y validez que algunos discos. Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool venían de hacerse fuertes en la escena sumergida con dos álbumes previos de corte independiente publicados por Lookout! Records a principios de los noventa: el recopilatorio de sus primeras canciones, “39/Smooth” (90) y “Kerplunk” (92). Dos trabajos que no solo lograron darle a Green Day un reconocimiento destacado entre acólitos y colegas, sino que también provocaron que la banda comenzase a estar en el punto de mira de las grandes multinacionales, quienes veían venir el potencial éxito de los mismos y habrían vendido su alma al diablo durante aquellos días con tal de sentar en su mesa al trío. En esta sibilina batalla, el gato al agua se lo terminó llevando Reprise Records, un sello subsidiario de Warner que ofreció a Armstrong y compañía los medios idóneos para pergeñar un álbum depurado y profesional que rompiera con la atmósfera naíf y DIY de sus trabajos previos. Para empezar, ahora compartirían créditos en la producción con “un cuarto en discordia” llamado Rob Cavallo, responsable en aquellos días del sonido de The Muffs y que a partir de entonces vería en “Dookie” la ventana idónea para terminar convirtiéndose en el productor de referencia del sonido poppunk de los dosmiles (dejando su huella en trabajos de artistas como Paramore, Avril Lavigne o My Chemical Romance). Lejos de convertirse en una imposición por contrato, la participación de Cavallo en el que sería el tercer álbum de Green Day tan solo fue el comienzo de un vínculo entre ambas partes que duraría décadas, y ésta es, sin lugar a dudas, la clave para entender por qué “Dookie” llegó a ser tan influyente en generaciones posteriores. POR SUPUESTO, hasta la fecha habíamos visto a varias bandas siendo portavoces de distintas diatribas ácidas, satíricas, reivindicativas o repletas de humor sexual como santo y seña de su propuesta. No obstante, y #36 noviembre 2023

como indicativo principal del cambio presente, éstas nunca habían logrado llegar al gran público, o al menos no como sí lo terminaría haciendo Green Day de la mano de “Dookie”. De repente, canciones basadas en la desidia vital, la crisis de identidad, la incapacidad emocional, la ansiedad o la frustración más rabiosa comenzaban a copar los charts de medio mundo, compartiendo filas con el pop más comercial y las propuestas más generalistas, y convirtiendo sus potenciales himnos en un discurso sin cifrar que llegaría directo y al pie a ese público adolescente que exigía inmediatez y verosimilitud en sus referentes. “DOOKIE” NO ES UN ÁLBUM CONCEPTUAL, nada más lejos; sin embargo, es innegable la existencia de un hilo conductor común en todas sus piezas, convirtiéndose desde el primer corte en el altavoz de todo un grupo social específico que veía su vida pasar, sin esperanzas ni vistas a tenerlas (“I’m not growing up, I’m just burning out”, versa el estribillo de “Burnout”). De repente, sentirse diferente con respecto al mundo o manifestar pensamientos profundamente autodestructivos no solo se sentía válido en el imaginario musical y colectivo, sino que además era algo exigido por los oyentes, quienes necesitaban poner palabras a aquello que sentían y que hasta la fecha ningún capo imbatible de la radiofórmula se había atrevido a hacer (“I’m losin’ all my happiness / The happiness you pinned on me / My loneliness still comforts me”, cantan en la dolorosa “Having A Blast”).

Cuando Gre MIKE DIRNT, BILLIE JOE ARMSTRONG Y TRÉ COOL

EN 2023 NOS ES HABITUAL toparnos con artistas que reconocen públicamente su vulnerabilidad emocional, que escriben sobre ella o que directamente cancelan giras atendiendo a su salud mental como prioridad; sin embargo, en plena década de los noventa hablar de trastornos de personalidad, de ansiedad, o del desamparo propio por no tener ayuda en esas situaciones no solo era una rara avis en el sector sino que además tampoco era una de las virtudes o talentos que más apreciaban las discográfimondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Treinta años de "Dookie"

een Day apostaron y ganaron cas o el público mayoritario, precisamente. Con más mérito observamos ahora el éxito retrospectivo de un disco conducido por personajes ficticios y anónimos, pero verosímiles y crudos, que con la tragicomedia en la mano eran capaces de llevarnos a los confines de la rabia y a la parte más honda del pozo. A su vez, tampoco cayeron en saco roto los particulares intentos de la banda por sembrar la semilla de una realidad distinta y cambiante, sin pretender sentirse pioneros de nada, pero aprovecharon la visibilidad que les daba su nuevo estatus y la proyección de una major para ser fieles a aquellos valores que eran dignos de ser realzados (como apreciamos en “Coming Clean”, donde Armstrong tiene a bien viajar a las entrañas de su yo adolescente, revisitar los dubitativos caminos de la masculinidad tóxica y auto-reconocerse como bisexual; o como sucede en “She”, la que muy probablemente acabaría siendo la primera aproximación para muchos a la música con dejes feministas).

De repente, canciones basadas en la desidia vital, la crisis de identidad, la incapacidad emocional, la ansiedad o la frustración más rabiosa comenzaban a copar los charts de medio mundo

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INSTRUMENTALES ALEGRES para relatos descorazonadores (“Pulling Teeth”), reencuentros con mal sabor de boca (“I saw my friend the other day and I don’t’ know exactly just what he became”, recuerdan en “Emenius Sleepus”), clichés arquetípicos de romances frustrados con cubierta de hit (“When I Come Around”), mala baba y despecho entre toques de urgencia (“In The End”), llamadas de auxilio inmortalizadas en éxitos manoseados pero irrebatibles (“Basket Case”), o la representación progresiva más fiel de cómo debe sonar un encabronamiento exponencial (“F.O.D.”), son tan solo algunas de las razones que hicieron de “Dookie” la joya de la corona en la discografía de Green Day y que ahora, gracias a la pertinente re-edición del álbum por su treinta aniversario, tenemos la ocasión de revisitar a fondo y hasta sus entrañas. —fran gonzález

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noviembre 2023 #37

Avance de conciertos Miércoles 22 NOV. SALA LA PAQUI / Madrid Jueves 23 NOV. RAZZMATAZZ 2 / Barcelona

Miércoles 22 NOV. RAZZMATAZZ 2 / Barcelona

Sábado 25 NOV. RAZZMATAZZ 2 / Barcelona

23oAniversario

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Del 13 al 17 de diciembre

EL DIRTY / MANDANGA / FUEGO / LA1 / HUMAN

SALARAZZMATAZZ.COM

Estrella Damm recomienda el consumo responsable. 5,4

39/Mondo VINILOS

Otra obra maestra de Sufjan Stevens Sufjan Stevens

Javelin Asthmatic Kitty/Popstock!

9 FOLK POP / La primera sorpresa, al escuchar

este “Javelin”, es que después de los primeros sencillos y la lectura de los primeros comentarios esperaba un disco cercano a aquella maravilla titulada “Carrie & Lowell” del 2015, pero eso es un poco reducido, como si solo hubieran escuchado las primeras partes de cada canción y hubieran obviado las segundas, porque este disco va más allá del regreso de Sufjan Stevens al modo cantautor folk pop, eso es cierto en el esqueleto de las canciones, pero su sonido se expande, incluyendo pequeñas pinceladas de su amor por la electrónica y su gusto por el pop barroco y colorido, siendo una especie de perfecta síntesis de sus distintas etapas, con varios cortes que le confirman como uno de los mejores compositores del siglo XXI. Las canciones comienzan con unos

ligeros arpegios de guitarra o una breve línea de piano antes de convertirse en sinfonías con toques electrónicos, crescendos orquestales y maravillosos coros femeninos. Si bien es cierto que vuelve a colocarse como el heredero de Nick Drake y Elliott Smith, músicos que consiguieron trasladar en canciones la esencia misma de la tristeza y la melancolía, también logra con esos crescendos musicales contrarrestar la tristeza inherente a sus maravillosas melodías, como si compartiera contigo una tragedia y luego decidiera animarte. Como decía Kazu Makino de Blonde Redhead a artistas como Stevens “los amas porque realmente puedes escuchar su sufrimiento, su agonía, su dolor” y eso vuelve a pasar en “Javelin” pero también hay optimismo, a pesar de ser un disco de ruptura, la vida sigue doliendo pero hay esperanza. Si Springsteen describió su aspiración para “Born To Run” (75) como Roy Orbison cantando letras de Dylan, producidas por Phil Spector, entonces este “Javelin” podría ser como si el Dylan de “Blood On The Tracks” (75) se hubiera juntado con Elliott Smith y hubieran encargado a un Brian Wilson del siglo XXI su producción. En resumen, una obra maestra. —sergio ariza

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FOTO: ARCHIVO

Los Zigarros Acantilados Cultura Rock Records

ROCK / Tras publicar en 2020

“¿Qué demonios hago yo aquí?” (un repaso en vivo a sus tres primeros álbumes de estudio), llega un trabajo lleno de cambios como es “Acantilados”. Ellos siguen siendo los mismos. Cambia la discográfica, de la multinacional Universal a Cultura Rock Records (el sello montado por Xabier Arretxe ‘Polako’, donde ya militan otros artistas como Fito & Fitipaldis o M-Clan). Y cambia el productor: de Carlos Raya a Leiva. Lo primero que se nota es un mayor protagonismo de los teclados, ya sea para darle flow al rocanrol (“Aullando en el desierto”, “Por fin”) o mayor base armónica a los medios tiempos (“Barcelona”, “El monstruo”). Pero el disco no busca sorprender ni introducirse en sonoridades nuevas. Viene a seguir la tradición del rock stoniano facturado en nuestro país, tras la estela abierta por Burning y Tequila y defendida después por Los Rodríguez, M Clan o Pereza. Un paso más en la meteórica carrera del cuarteto valenciano. —jesús casañas Yung Beef

Bajo Bajo Mundo La Vendición

URBANO / “Bajo Bajo Mundo” es

un ejemplo claro del talento de Yung Beef no solo para dominar los códigos del género, sino para expandirlos. La mayoría de los popes del reggaeton internacional están pinchando en sus nuevos trabajos. Estamos viviendo un momento de estancamiento. “Bajo Bajo Mundo” juega con el concepto de underground, así como el del infierno, dos de los motivos que marcan la trayectoria de Yung Beef desde sus inicios. El mejor tema del proyecto, “Gremling/Triste” es una joya para hacer sonar en las escuelitas del perreo de todo el mundo. Un tema en el que Yung Beef se une con Playero (pionero del reggaeton antes de que existiera como tal), damnpablo y tommyj para sentar cátedra sobre cómo seguir escribiendo reggaeton veinte años después. Un trabajo ecléctico y poco accesible, pero cuya calidad queda fuera de toda duda.

—luis m. maínez

noviembre 2023 #39

MONDOVINILOS

Jorja Smith falling or flying FAMM

FOTO: RICARDO VILLORIA

alcanzar el cielo. Jorja Smith escapa de la vorágine de la industria y de todos esos juicios y expectativas que generó su primer álbum. Ahora busca la estabilidad y poder analizar el poder de la vulnerabilidad con distancia. Desarrollarse de una manera libre, sin presión. Dividido, se podría decir así, en dos bloques, en el primero la artista se une a Edith Nelson y Barbara Boko para jugar sin filtro a pasar de un género a otro reflejando toda su paleta actual, de una forma suave y orgánica. Su ADN se llena de afrobeats, reggae, funky e incluso pop punk. Tras todo esto, Jorja salta a un espacio más denso, frágil, pausado y descorazonador de la mano de P2J (Dave, Stormzy, Wizkid). El álbum baja revoluciones, echa el freno entregándose al downtempo para que la voz de Jorja se deslice por crudos riffs de guitarra, cuerdas, melodías que la van empujando para que encuentre esa luz de la que hablábamos antes. —álex jerez Nueve Desconocidos Toque de Ánimas All Nighters

Rodrigo Cuevas: lo local y lo universal Rodrigo Cuevas

Manual de romería Sony

7 FOLKTRÓNICA / Espíritu coplista, recuperador

de tradiciones, popero de corazón, electrónico de bigote, gamberro por costumbre y pícaro por convicción. Rodrigo Cuevas es el tipo de músico que enorgullece a cualquier escena. Explorador y exportable. Comprometido y riguroso. Pero, además, hedonista y divertido. En “Manual de romería” se ha prometido revolver y, además, ya que estamos, entregar buena fiesta al pueblo. “Si aquellos que lucharon por nosotros nos vieran por un agujero, dirían que tenemos cara de amargaos”, dictaba hace bien poco para este medio. La gesta arranca con “BYPA”. De forma sacra. Con él “per la aldea”. Poco dura, claro, la castidad. Ya en “Romería” discurre por la mezcla, los cánticos world music y la electrónica de dúo de feriantes –a honra– y los estribillos claros. El gijonés,

#40 noviembre 2023

POP / Tocar la tierra para

decíamos, tenía gusanillo de baile para este nuevo disco. Y necesidad de una mano de universalidad. Por eso se juntó con Eduardo Cabra (Calle 13) para acabar extirpar cualquier tentación de ortodoxia. Por perturbar, hasta el “Valse” cayó. No funciona todo el tiempo con la misma intensidad: el álbum hace valle hacia la mitad. “Dime, ramo verde”, por ejemplo, incurre en un spoken que no le hace justicia a su voz ni gracejo. Sobre todo después de ver de lo que es capaz en la absolutamente himno, el adelanto del pasado verano, “CÓMO YE?!”. El disco tiene tres pasajes de canción de tradición oral. Tres dibujos que sitúan al despistado. Al que pudiera pensar que todo el campo es tropicalismo astur, dígase “Casares”. Rodrigo Cuevas ha vuelto a arriesgar después del éxito de presentación que fue “Manual de cortejo” (19), mucho más recogido: interpretación vocal atrás y producción mucho menos radiofórmula. El asturiano ha vuelto a conectar con el espíritu de su ya lejano EP, “Prince Of Verdiciu” (16), más sinvergüenza. Lo ha hecho con más medios. Es un inicio hacia lo que parece vendrá si todo va bien: cachondeo, compromiso y mucha más conexión con la folktrónica internacional. —yeray s. iborra

POST-PUNK / Tres golpes

de campana que anuncian el acontecimiento de la noche y nos invitan al recuerdo de los que ya no están inspiran el título del segundo disco de Ares Negrete como Nueve Desconocidos. Exento de límites, el alicantino no se achanta ante la posibilidad de recitar versos tenebrosos y sórdidos sobre bases de bakalao, creando de la mano de sus moduladoras y sintetizadores el túnel del tiempo perfecto entre el ayer y el hoy, sin perder nunca de vista su propia personalidad. Un choque de trenes entre tradición medievalista y vanguardia experimental que bien nos sirve para acelerar las revoluciones de un sábado por la noche (“Humo Negro”, “Animal”), como para ambientar una partida de rol (“Leyenda”, “El Nigromante”). “Toque de Ánimas” es magia, es ocultismo y es tralla, pero sobre todo es la consagración de un artista under que no debemos perdernos. —fran gonzález

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Ralphie Choo

Wilco

Cousin dBpm

ROCK / El nuevo disco de

Wilco, “Cousin”, no tiene tanto que ver con “The Bear”, la serie de Christopher Storer que utiliza la música de la banda para hacer saber que está ambientada en Chicago casi tan a menudo como varios de los personajes de la misma se llaman unos a otros así, “primo”. Y no tanto por sus temas, como por su ritmo, si la serie de Storer es frenética, caótica y estridente, “Cousin” es relajado, suave y distante, aunque también tiene sus aristas, a pesar de que no cambia de marcha en ningún momento. Tweedy no sube la voz en todo el disco, lleno de medios tiempos, sin golosinas pop, ni rock & roll, ni lamentos country, no suena como Wilco en directo, pero siguen siendo ellos, intentando, con treinta años de carrera, buscar un nuevo sonido, con más capas, y ganando con cada nueva escucha. Así, “Cousin” puede pecar de distante y frío, pero hay una extraña calidez en él.

—sergio ariza

es la culminación de la primera etapa de la carrera de Ralphie Choo. Un primer ciclo de cuatro años en el que ha pasado de compartir escenario junto a otros artistas emergentes una noche de sábado en una sala de unas cien personas, a colaborar con una leyenda de la música de autor de nuestra era como Mura Masa en “Máquina culona”. “Supernova” son mantras, repetidos una y otra vez haciendo las veces de estrofas completas sin renunciar a la complejidad del significado. No se trata de unir una frase trascendente tras otra, se trata de dar con la frase y hacerla calar, gota a gota, en el espíritu del oyente. Solo hay que escuchar los primeros dos o tres temas que Ralphie Choo tiene publicados para saber que estábamos ante un artista distinto, un artista de categoría. Ralphie Choo se consolida como una de las figuras más interesantes de la escena actual con proyección internacional. —luis m. maínez

POP / Han hecho falta cua-

tro discos para que Angus Stone se decida a dar la cara en la portada de uno de sus trabajos como Dope Lemon, una declaración de intenciones con la que reivindica la patria potestad de sus temas y sintetiza las diferentes piezas de su yo artístico (tan casual y despreocupado como siempre). Desde guiños al film “Hermanos por pelotas” (“Kimosabè”), a las más áridas carreteras del rock indie (“Derby Riceway”), pasando por el pop lo-fi y romántico (“Just You & Me”), el hedonismo más despreocupado (“Miami Baby”) o el garaje más dosmiles (“Broke Down Caino”, junto a Sloan Peterson), el australiano hace gala de su versatilidad compositiva, pero desafortunadamente también de un numeroso conjunto de carestías tonales que hacen que el resultado se quede corto y su cuarto disco caiga en una casi insalvable monotonía estival de moderado hechizo.

—fran gonzález

POP / Después de haber pari-

do un disco tan único como “Tus poderes” (20), no estaba nada claro que Roldán pudieran igualar tan excelso nivel de inspiración y originalidad. Sin embargo, con su nuevo retoño, no sólo han mantenido el pulso creativo, sino que lo han elevado en lo que ya podemos considerar como uno de los hitos discográficos de lo que llevamos de año. Para justificar tamaña sentencia, no hay más que sumergirse en la exótico arcadia retrofuturista que han ensamblado para “Fumarola”, en la cual Abel Hernández (El Hijo) ha sido una pieza más del grupo, gracias a su capacidad para darle una vuelta más desde la producción al peculiar universo sonoro de Roldán. Un universo que se mueve entre extremos como These New Puritans y Björk, entre el Lucio Battisti experimental y Stereolab, entre Jean-Jacques Perrey y Haruomi Hosono, entre los Talking Heads de la era Eno y la tropicalia más refrescante. Poca broma. —marcos gendre

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INTERNACIONAL

1 Mujeres Desde flores y entrañas

1 Sufjan Stevens Javelin

2 Travis Birds Perro deseo

2 Troye Sivan Something To Give Each Other

3 Ralphie Choo Superonova

3 Jorja Smith falling or flying

4 Sidonie Marc, Axel y Jes

4 Blink-182 One More Time...

5 Niña Polaca Que Adoren Tus Huesos

5 The Drums Jonny

6 La Ludwig Band Gràcies per venir 7 Angelus Apatrida Aftermath

Johnny Garso

verbo, en castellano y libre de estándares yanquis, le da a Johnny Garso la oportunidad de ganar en autenticidad, credibilidad y emoción, logrando un reconocimiento merecidamente más dilatado y extendido. El segundo LP del artista maño consigue aunar bajo una misma cubierta las diferentes aristas creativas que han definido su sino durante ya más de una década, y conforman ahora un espacio que idóneamente da cabida a su vena cantautora (“Hasta que muera”), a su rabia adolescente (“Hijo del caos, hijo del rock and roll”) y a su inventiva más vanguardista (“Amateratsu”). Sus versos ejercen como telón de fondo de una visceral entrega en la que el desamor es el protagonista y el fuel necesario para generar baladas de pop-punk nostálgico (“Femme Fatale”) que confirman su mejor momento y suponen una renovación de votos excelente y una previsión de futuro del todo prometedora. —fran gonzález

8 Black Pumas Chronicles Of A Diamond

Lol Tolhurst x Budgie x Jacknife Lee

Espada y rosa hasta que muera Dale Play/ StepRecords PUNK ROCK / Su renovado

7 The Rolling Stones Hackney Diamonds

10 Lol Tolhurst x Budgie x Jacknife Lee Los Angeles

10 Xoel López Caldo Espirito

6 Steven Wilson The Harmony Codex

9 Nation Of Language Strange Disciple

9 Lord Malvo Carrera de obstáculos

Fumarola El Genio Equivocado

Kimosabè BMG

NACIONAL

8 Grande Amore II

Roldán

Dope Lemon

ELECTRÓNICA / “Supernova”

top 10.

Supernova Rusia-Idk/ Warner

Los Angeles [PIAS]

POST-PUNK / “Los Angeles” tiene como protagonistas a Lol Tolhurst –otrora batería y teclista de The Cure–, Budgie –batería de Siouxsie & The Banshees y The Creatures–, y el productor Jacknife Lee. Una sinergia que, tal y como era de esperar dado el currículo de sus protagonistas, confluye en torno a sonidos oscuros y cercanos al post-punk, nutridos de electrónica para recuperar vigencia y ganar en pegada efectiva. Para que el asunto exhiba músculo, el trío se ha rodeado de colaboradores de lujo que aportan un trazo explícito y palpable a cada canción. Una nómina que incluye a Bobby Gillespie de Primal Scream, James Murphy de LCD Soundsystem, The Edge de U2, Mark Bowen de IDLES, o Arrow de Wilde de Starcrawler. El resultado huye del mero capricho para manifestarse como jugoso combo sonoro mayoritariamente sombrío e incluso industrial, y que tan pronto puede remitir a Death In Vegas como a Killing Joke. —raúl julián

noviembre 2023 #41

MONDOVINILOS

Mujeres amplían el foco Mujeres

Desde flores y entrañas Sonido Muchacho

la vida. Lo importante es cómo se afrontan y, a ser posible, se superan. Si es con canciones, pues mucho mejor. El trío barcelonés, caracterizado por su vitalidad en una trayectoria tan sólida como incansable dentro de su manera particular de entender el pop, nos entrega el que es su disco más generoso y valiente precisamente en la resaca de estos años difíciles a nivel general. No olvidemos que con su estupendo “Siento muerte” (20) se toparon con la pandemia de una forma que Jung habría calificado de premonitoria, quién sabe si expresión del inconsciente colectivo… Pocos habrían esperado del trío un larga duración con diecisiete canciones, pero las mejores cosas suelen salir precisamente de lo inesperado o a

Loraine James

ELECTRÓNICA / La DJ y pro-

ductora británica Loraine James se sube al carro de la electrónica más emocional con su tercer disco firmado con Hyperdub, donde tiene a bien abandonar la frialdad y la distancia de sus anteriores trabajos en favor de ofrecernos la versión más privada y honesta de sí misma, a través de cortes en los que, sin tapujos ni dobles lecturas, referencia lo que sintió cuando perdió a su padre con la tierna edad de siete años (“2003”) o enmarca ese tiempo de calidad junto a sus abuelos entre líneas de spoken-word y bases de 8-bits (“Cards With The Grandparents”). Entre contrastes expansivos y dilatados que van desde la ambientación más cinemática (“Gentle Confrontation”) al IDM más primigenio (“I DM U”), la londinense demuestra con éxito que su camino ha traído consigo unos frutos finales innegables, manifiestos ahora en el que sin duda será el disco que consagre su nombre. —fran gonzález

contra corriente. Y en su nuevo álbum dan rienda suelta a todo su potencial, atreviéndose a meterse en caminos insospechados, más allá de las canciones directas y a toda velocidad que guiñan al garaje nacional e internacional vintage, donde están tan cómodos. Y aunque eso sigue ahí, brilla la voluntad de ir más allá. He aquí uno de esos discos torrenciales en los que el grupo pone sobre la mesa todo y más, en forma de canciones inspiradas de hoy y de siempre. Tenemos singles rotundos a la

Maio

POP / “Suau” es el nombre del

segundo disco de Maio, en el que, tal y como indica el título, ha querido entrar de forma suave a esos temas que más le importan. Porque dentro de las diez composiciones que conforman el álbum encontramos, bajo un prisma inclusivo, temas que hablan del amor, de los malos días y de reivindicaciones sociales. Todo tiene hueco en el imaginario de la barcelonesa, y, además, trata cada temática con tan poca polarización que hace que puedas llegar a entender todavía mejor su mensaje. Y, al contrario que en su debut “Des dels marges”, Maio no ha querido experimentar en la sonoridad de sus nuevas piezas. En esta ocasión, el pop más convencional, con ciertos toques de electrónica, es el que manda a lo largo de todo el disco, con la suma de alguna pista que se sale de los márgenes como la urbana “Fred a Barcelona”, dado a la colaboración con Tribade, cómplices por naturaleza.

—alejandro caballero serrano

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altura de lo mejor que han compuesto, pero también pequeñas viñetas que funcionan como interludios, baladas vulnerables sin complejos, coqueteos con el surf o rock de raíces velvetianas. Sin renegar, naturalmente, de su patentado pop espídico. En los textos, referencias a los eternos asuntos del corazón y a los sinsabores de la vida que, lo queramos o no, se empeñan en complicarnos. Y no, la inspiración melódica marca de la casa no se les acaba. —jc peña

Bad Bunny

The Rolling Stones

Suau Propaganda pel Fet !

Gentle Confrontation Hyperdub

FOTO: NACHO ARGAÑARÁS

POP / Los problemas son consustanciales a

nadie sabe lo que va a pasar mañana Rimas Entertainment

Hackney Diamonds Polydor

ROCK / A estas alturas de su

carrera, y de su vida, con la reciente muerte de Charlie Watts detrás de ellos, uno esperaría un disco en el que sus Satánicas Majestades miraran cara a cara a la muerte, plagado de blues lentos sobre el paso del tiempo y baladas lastimosas sobre los amigos caídos. Pero resulta que no, que los abueletes han decidido que el tiempo sigue estando de su parte y que es el momento de hacer lo que mejor saben, un disco de rock & roll sucio, estúpido, lleno de chulería y que, increíblemente, te apetecerá volver a poner una vez terminada esa escucha que les debes por aquello de que son los putos Stones. “Hackney Diamonds” no está a la altura de “Exile On Main Street”, claro que no, tampoco lo están el 99’99999% de discos que se han publicado desde entonces, pero si lo firmara un grupo de veinteañeros estaríamos llamándoles cosas como la nueva esperanza del rock.

—sergio ariza

URBANO / Benito hiperac-

tivo y compulsivamente productivo, consigue sumir al público en un estado de expectación con tan solo poner un twit. Ahora vuelve a firmar más de veinte canciones y continúa su camino para convertirse en lo que a J Balvin no le dio tiempo a ser: el artista más grande del mundo hablando en español. Debemos celebrar el impacto global de la música en castellano gracias a artistas como él. Bad Bunny presenta sus mejores letras de siempre, mostrándose en plena madurez creativa y con el músculo suficiente como para defender casi hora y media de disco desde la originalidad y la profundidad. Benito firma un álbum que supone al mismo tiempo una vuelta a los orígenes y un reflejo de la evolución en su hacer artístico. Bad Bunny acierta esta vez, de lo lindo, y eso que era complicado; este chico está hecho de otra pasta: con él, es cierto que nadie sabe lo que va a pasar mañana. —luis m. maínez noviembre 2023 #43

MONDOVINILOS

La juventud perdida de Blink-182 Blink-182

One More Time... Columbia/Sony

punk-pop, sumado a sus idas y venidas como grupo, parecía que tanto Blink-182 como sus fans se habían hecho demasiado mayores para entonar canciones con ese descaro que perdemos pasada la pubertad. Ahora, tras nueve discos de estudio, esos himnos de eternos adolescentes se convierten en una profecía autocumplida. “One More Time”, el décimo disco de Blink-182 y que supone el regreso de Tom Delonge, sigue dándole vueltas a qué es eso de hacerse mayor. Después de tantos años, los californianos han encontrado la respuesta a su gran pregunta: eso de la edad es relativo. Uno puede hacerse mayor y seguir siendo un adolescente de corazón, así lo demuestran en los diecisiete cortes del disco. Por suerte y siendo un disco que está lejos de ser perfecto, “One More Time”

Grande Amore

ELECTRÓNICA / Apenas media

hora de música ha sido suficiente para confirmar esas generosas expectativas que rondaban el segundo álbum de Grande Amore. El proyecto liderado por Nuno Pico ha ganado en solidez y aplomo, hasta manifestarse directamente arrasador. Un artefacto sonoro que comienza a gestarse con la ejecución en gallego del propio Pico, apostando el vocalista por una agresividad que no deja a su paso rehenes ni prisioneros. La no menos punzante instrumentación (sintetizadores, cajas de ritmo, guitarras y electrónica) empasta la moción con la intención de alumbrar canciones imposibles de esquivar. Desesperación vital mutada en un tipo de celebración tan rabiosa como viciosa, además de nada velada… y pegadiza. Es el influjo nervioso e intimidante de un trío que es pura tensión y ha llegado para sodomizar la parte más visceral del cerebro del oyente. Sin rodeos ni romanticismos.

—raúl julián

#44 noviembre 2023

consigue sortear con gracia sus defectos. Pildorazos de nostalgia como “Edging”, “When We Were Young” o “Anthem part3” van ganando con las escuchas y hacen gala de la destreza de Travis Barker a la bateria para captar a los fans de siempre. Una vez tienen nuestra atención, Blink-182 exhiben su capacidad para revisitar su legado y ofrecernos un sabor distinto. Tandas de canciones como “Terrified” (maqueta del proyecto paralelo de Tom Delonge, Box Car

POST-PUNK / Tras su estreno

en El Genio Equivocado con “Corazón o Plomo”, Raúl López (alma máter de Comando Suzie) regresa con seis cortes enmarcados dentro de un relato de amor y costumbre que pone a prueba las aptitudes narrativas de su responsable y sintetiza con brevedad y puntería lo mejor de su sonido. El tono empleado en “Los Últimos Golpes” no lucha por sonar actual ni disfrazarse de lo que no es, sino que abraza en un mismo plano la oscuridad desde la inquietante atonalidad (“Marea Negra”), y la cotidianidad desde la más sórdida ironía (“La chica del chándal”, “Mistress”). Enmarcado entre tubulares guiños de sonido techno y sensualidad, el EP nos concede acertados picos (los coros de Eva Grace o la diversidad guitarrera de Èric Palaudàries) y se conforma como un proyecto discreto pero disfrutable que continúa recordándonos con éxito el reivindicable y vigente registro de López. —fran gonzález

Slayyyter

Several Songs About Fire Rough Trade/ Popstock!

Los Últimos Golpes El Genio Equivocado

Racer) y “Turpentine”, optan por mirar de forma clara al álbum homónimo de la banda, con algunos destellos del más maduro “Neighbourhoods”. Blink-182 conocen los ingredientes de la receta a la perfección, pero a todo hijo de vecino se le puede ir la mano con el azúcar. Prueba de ello es el “Olé olé” del estribillo de “Dance With Me” que hará arquear más de una ceja o la empalagosa “Fell In Love”. —montse galeano

A. Savage

Comando

II Ernie Records

FOTO: ARCHIVO

PUNK POP / Con la caída de popularidad del

INDIE ROCK / Seis años

después de su debut en solitario, la voz de Andrew Savage, vocalista de Parquet Courts, vuelve a sonar por vez segunda en singular a través de un set de canciones que perfectamente podrían conformar la banda sonora ideal para una tarde de domingo en un deshabitado y decadente bar de carretera. Producido por John Parish, las raíces tejanas de Savage (“Hurtin’ Or Healed”) relativizan sobre la temporalidad de la vida entre hollín y ceniza, y ganan la partida en un trabajo exento de vanguardismos, acompañado de ciertos vientos lánguidos en clave baja (“Thanksgiving Prayer”), pinceladas de rock garajero que bien podrían llevar la firma de su banda madre (“David’s Dead”), o la ternura de una omnipresente y necesaria Cate Le Bon (“Riding Cobbles”). El resultado es uno de esos discos contemplativos que avanzan sin prisa y que se detienen a desengranar lo mundano hasta hacerlo bello.

—fran gonzález

Starfucker Fader

POP / Catherine siempre ha

tenido muy claro su público, pero no tanto su identidad. Es una superviviente total que ha ido saltando de rama en rama tocando todo aquello en lo que se veía cómoda, adaptándose como un auténtico camaleón a las tendencias pop y buscando ese hueco en la escena alt-electro que siempre ha querido. Ha masticado sintetizadores como nadie tragándose todas esas producciones de pista de baile chiclosas y adictivas que coronaron los dosmiles. Pero también ha explicado en alguna entrevista que se ha hecho fan de Kavinsky y pretende dar un giro mucho más sucio a su música al descubrir una vena punk que siente que necesita explorar. Este segundo álbum vive a base de una falsa desnudez solo por juego y placer. Es una propuesta de consumo rápido, una droga para salir de fiesta que te da el subidón y que al final te lleva al infierno a base de canciones hedonistas y agotadoras por tanta pose. —álex jerez

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MONDOVINILOS

Animal Collective

Isn’t It Now Domino/ Music As Usual

POP / Animal Collective al-

FOTO: ALBA BIRDS

canzaron su pico en 2009 con el fundamental “Merriweather Post Pavillion”, un disco en el que se desarrollaba el experimentalismo post-“Kid A”, tan propio del indie de la época. Después de aquello los antiguos favoritos de la crítica se inclinaron demasiado hacia lo abstracto, lanzando una serie de decepcionantes discos en los que parecía faltar el extravagante encanto de sus primeras obras. Tras un largo período parecieron recuperar la forma con “Time Skiffs” (22), con canciones más accesibles en las que mantenían el equilibrio entre la sensibilidad pop y el experimentalismo, añadiéndole toques dub. Se puede ver “Isn’t It Now?“ como un complemento natural de aquel, con canciones escritas en la misma época que continúa la fórmula de Avey Tare, Panda Bear, Deakin y Geologist de organizar su extraño y personal sonido dentro del marco de composiciones más “normales” y bien estructuradas. —sergio ariza Marcelo Criminal

La última casa de apuestas Sonido Muchacho

POP / Da la sensación de

que un disco con un título como éste podría suponer el trabajo más ideológico de Marcelo Criminal hasta la fecha, pero lo cierto es que el murciano continúa más próximo a la ironía y la acidez que a la reivindicación o la lucha. Empleando la agenda socio-política de nuestros días como mero espejo, Marcelo da rienda suelta a sus cavilaciones y conforma un disco de veintidós canciones breves y directas donde sigue cabiendo e imperando la libre interpretación del oyente: ya bien sea quedándonos con la literalidad más trágica y nostálgica (“Canción para llorar”), con los matices rítmicos más movidos (“Otra noche más”), o con la exquisitez de la ficción más mórbida (“El día que murió Pedro Sánchez”). Fuere como fuere, la voz de Marcelo es tan personal como colectiva, y gozar de la definición de la realidad a través de sus versos, todo un lujo. —fran gonzález

Anabel Lee: de promesa a realidad Anabel Lee

Ganamos perdiendo Vanana Records

8 PUNK POP / Han trascurrido casi tres años del

debut de Anabel Lee, un tiempo que la banda de Terrassa ha aprovechado a la perfección para engrasar del todo “Ganamos perdiendo”, su segundo álbum. En esta ocasión nos presentan un disco formado por once composiciones en las que vuelven a contar con Carlos Hernández Nombela como productor para llevar a un nuevo nivel ese sonido que vira entre el punk-pop, la new wave y el indie y que ya se ha convertido en el gran sello de la banda. Se nota que ha pasado un tiempo desde sus inicios en lo que respecta a las letras. La banda ha dejado de ser tan explícita en sus canciones para darle un aire mucho más fresco a las nuevas piezas, tanto en temática como en la forma de escribir.

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Algo que se nota claramente en “Drama en el Sonorama”, en la que, junto a Maren, nos explican una historia a la que somos nosotros los que le tenemos que encontrar el sentido. Pero eso no significa que dejen de lado su vena más punk, solo hay que escuchar la primera frase de “Me das asco” para darse cuenta de que ese espíritu sigue intacto. Pero, en general, el disco, a pesar de los guitarrazos que lleva dentro, tiene un gran tono de melancólica musical. El aspecto en el que más han madurado es, sin duda, el sonido, en parte gracias a la incorporación a la formación de un bajista de forma oficial. Ahora suenan mucho más a banda que antes, algo que les ha permitido atreverse a adentrarse en texturas distintas como muestran en “Cristales rotos” o “Penas y lamentos”. Con “Ganamos perdiendo”, Anabel Lee han pasado de ser una promesa para convertirse en toda una realidad dentro del panorama nacional. Ahora tienen por delante lo mejor que saben hacer, defender estos nuevos temas en directo en los que nos llevarán directos al “Pogo, diversión y sentimiento”.

—alejandro caballero serrano

noviembre 2023 #45

¡HEMOS VUELTO! DESDE EL PASADO mes de octubre mondosonoro YA ESTÁ DISTRIBUYENDO SU edición noroeste (galicia - castilla y león) noroeste@mondosonoro.com · 659 93 02 04 AAFF_Publicidad_NIRVANA_INUTERO_This_Is_Rock_106x150mm.pdf

18/10/23

11:47

.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Piratas Rumbversions

De las entrañas de grupos como Muchachito Bombo Infierno, La Kinky Beat u Ojos de Brujo surge Piratas Rumbversions, grupo de filibusteros del ritmo, dispuestos a poner a bailar a un muerto. Este mes les hemos preguntado por sus discos imprescindibles.

Pata Negra Blues de la Frontera (1987) Son uno de nuestros principales referentes. Pata Negra abrieron la puerta a la evolución de la música flamenca contemporánea. Nos gusta pensar que fue gracias a su capacidad de arrancar el blues que hay en el flamenco y el flamenco que hay en el blues. Además, nos identificamos también con su esencia de barrio, su absoluta falta de prejuicios y una cierta rabia en la forma de tocar y expresarse.

Queen A Night At The Opera (1975) Nos ha costado elegir solo uno de los álbumes de Queen, porque casi toda su discografía posee temas legendarios que nos han marcado por su capacidad de ser himnos de la cultura popular, al mismo tiempo de ser un cóctel de ingredientes (rock, pop, clásica...). Nos flipa la capacidad de trabajo en equipo de un cuarteto tan heterogéneo de personalidades y talentos carismáticos, algo que es muy de la filosofía de Piratas Rumbversions.

Mano Negra Patchanka (1988)

El Príncipe Gitano In The Ghetto (2003) Ni sabemos ni queremos saber si es el inventor de algún estilo musical [risas]. Lo que tenemos clarísimo es que fue un artista que aportó una frescura que nos encanta, mezclando elementos gitanos con influencias de pop y rock, allanando el camino para futuras exploraciones de distintos géneros. Su forma de comunicar nos parece de otro planeta, un mensaje que se dirigía a todos.

Su fusión explosiva y su intensidad son cualidades que nos traen locos. Capaces de mezclar diversos géneros con su fórmula, abrieron muchas puertas a la música global de la escena alternativa de los años ochenta y noventa, algo que valoramos mucho. En escena, coincidimos enormemente con su punch y la propuesta energética. No importa el estilo que hagas, es una cuestión de actitud y filosofía.

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Celia Cruz La vida es cantar (1998) La fuerza y la verdad de La Reina de la salsa nos identifica. En nuestra rumba hay muchos matices de la música latina al expresarnos sobre un escenario, y ella, con su carisma sobre él y como icono de la música tropical, continúa inspirándonos. Tanto es así que “La vida es un carnaval” es un corte que incluimos en nuestro repertorio porque habla de alegría, de unión, de respeto y muchas cosas más.

Technotronic Pump Up The Jam: The Album (1989) Creemos que este influyente álbum, que fue un fenómeno en la música electrónica y dance de finales de los ochenta, cumple todos los requisitos como éxito bailable. En nuestros abordajes hay algún momento para la nostalgia y para el amor pero hacemos música para bailar y si además podemos poner al público “boca abajo” muchísimo mejor. —MS

noviembre 2023 #47

PACO PLAZA FOTO: BORJA B. HOJAS

48/Mondo Media

Paco Plaza Nuestros terrores

E ME HACE COMPLICADO no empezar felicitando a Paco por la que considero que es una interesantísima muestra de cine de terror articulada desde el elemento esencial del cine y del terror: la mirada. La protagonista de la película, una monja ciega llamada Narcisa, concentra en sí misma todos estos dilemas. El personaje ya había aparecido brevemente en “Verónica”, así que empiezo preguntándole a Paco en qué momento empieza a considerar dedicarle una película independiente. Me responde que su interés por el personaje nace incluso antes de empezar a rodar su exorcismo vallecano. “Pasa mucho eso de enamorarse de un personaje que ha tenido poco espacio para desarrollarse”, confiesa el cineasta mientras recuerda con #48 noviembre 2023

cariño esa secuencia de “Verónica” en la que hermana Muerte afirma haberse provocado ella misma su ceguera, frase que “abría infinitas puertas”. Me entra la curiosidad por esos personajes pasajeros por los que Paco se ha podido enamorar a lo largo de su filmografía. El cineasta no tarda demasiado en nombrar a la niña Medeiros, la final boss de “REC”, mientras reconoce haber fantaseado junto a Jaume Balagueró con la idea de otorgarle su propia historia. “Es un personaje que aparece poquísimo en ‘REC’ pero que tiene un peso brutal en todo lo que hicimos. Llegamos a plantearnos hacer la película, pero yo creo que no va a ocurrir”. “HERMANA MUERTE” resulta pesadillesca, sobre todo, por su enfoque de la iconografía católica, fuente de muchos

de mis terrores infantiles. Me alivia saber que, al igual que yo, Paco fue niño de colegio de monjas y que, además, cree que su primer contacto con “imágenes muy cabronas” se llevó a cabo en este contexto. “A San Lorenzo lo quemaron vivo, a Santa Lucía le arrancaron los ojos y a Santa Águeda le amputaron los pechos. El hecho de que estas imágenes, o las de un Cristo ensangrentado, fueran accesibles para nosotros ya a los siete u ocho años es algo que te acaba marcando”. Pensando en esos ojos arrancados de Santa Lucía, la relación entre el género y la mirada vuelve a mi cabeza. Mientras le cuento lo curioso que me parece que en los últimos años directores como Dario Argento o Victor Erice también se hayan cuestionado qué ocurre cuando cerramos los ojos, le pregunto a Paco qué significa

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CINE

“ favoritos

Paco Plaza, director de entre otras “REC” –junto a Balagueró– y “La abuela”, vuelve al que es, según él, el Vaticano del cine de terror con “Hermana Muerte”. La precuela de “Verónica” inauguró el festival de Sitges, lo que nos ha servido como excusa para charlar con el cineasta valenciano sobre gore católico, cine en vertical, Roger Corman y fantasmas dados de alta en la seguridad social.

“HERMANA MUERTE” FOTO: DANIEL ESCALE

“En el lecho de muerte no te va a importar si tus películas fueron buenas o malas”

este gesto para él. “Lo que me apasiona de ‘Hermana Muerte’ es que presenta la idea de que para ver haya que quedarse ciego”, responde. Relaciona su película con el final de “El hombre con rayos X en los ojos” de Roger Corman, en el que quedarse ciego implica poder ver todo aquello que la visión tradicional mantiene escondido. Tiene todo el sentido entonces que, a la hora de imaginar un nuevo proyecto, Paco siempre priorice encontrar las imágenes a encontrar su historia, pues cree que el cine empieza donde acaba la trama. “Igual que hace diez años, con el auge de HBO, se decía que el mejor cine estaba en la tele, siento que a día de hoy la mejor televisión se está viendo en el cine”, confiesa el cineasta. “Creo que me interesan mucho directores como Panos Cosmatos, Yorgos Lanthimos, Robert Eggers o Albert Serra porque priman la fuerza expresiva de una imagen más allá de la historia que expliquen”. Paco cree, de hecho, que esta fuerza expresiva debe buscarse también fuera de las salas. “Darle la espalda a la realidad no es una actitud muy positiva. Si ahora hiciéramos ‘REC’ tendría todo el sentido hacerla en Tik Tok”.

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QUIZÁS SEA POR ESO que Paco sea tan devoto del terror, género que considera innatamente vinculado a la búsqueda de imágenes icónicas. “Las pesadillas también se estructuran en torno a imágenes muy potentes. Como cineastas de género debemos aspirar a eso”. Pensando en pesadillas, le pregunto a Paco si se considera supersticioso. Me responde que sí y que, de hecho, cada vez lo es más. “Cuando rodábamos ‘Hermana Muerte’ sabíamos que había un fantasma en una habitación. Aria Bedmar y yo íbamos de vez en cuando para hablar con el fantasma. A veces tiraba las sillas, abría las ventanas o hacía ciertos ruidos, pero yo creo que era para dejar claro que quería formar parte del equipo”, me asegura Paco. Sigo sin tener claro si me mentía o no. Lo que tengo claro es que me era brutalmente sincero cuando me contaba que prefiere trabajar con gente que no le provoque pereza. “En el lecho de muerte no te va a importar tanto si tus pelis fueron buenas o malas, pero el rato que pasas con la gente que quieres no te lo quita nadie”. —daniel grandes

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noviembre 2023 #49

CINE Y SERIES Dispararon al pianista

Historias cortas de Roald Dahl

Fernando Trueba y Javier Mariscal

Wes Anderson

7 TRAS LA DECEPCIONANTE “Asteroid City” acudíamos al encuentro entre Wes Anderson y Netflix para este particular tributo al universo de Roald Dahl con poca fe de dar con algo que pudiera salvar el cargante resultado de sus últimas intentonas. Cuál es nuestra sorpresa cuando encontramos en este singular proyecto de cuatro piezas cortas no solo la posibilidad real de renovar nuestros votos por el cineasta, sino también de aproximarnos a este emblemático autor de literatura infantil a través de un prisma tan único como el ofrecido por el realizador estadounidense. De la mano de los inconfundibles tonos de su cine, así como de un elenco de viejos y nuevos nombres (Dev Pattel, Richard Ayoade, Benedict Cumberbatch, Ben Kingsley, Rupert Friend, Benoît Herlin y Ralph Fiennes), Anderson reescribe las

moralejas y versos de Dahl entre relatos que nos hablan sobre la redención de la opulencia (“La maravillosa historia de Henry Sugar”), la naturaleza del miedo (“Veneno”), el terror más kafkiano (“El desratizador”) o la crueldad infantil más mórbida (“El cisne”). Autoconclusivos e independientes entre sí, los cuatro ponen de relieve las dotes narrativas de Anderson (capaz de mucho con poco) y hacen acopio de esos lugares comunes en su hacer que siempre son tan apreciados (colores pastel, decorados rotativos, animaciones en stop-motion, o esas peroratas sin cuarta pared y dirigidas al espectador). Sin desestimar nuestro interés futuro de volver a ver a Anderson en plena forma, quizás el formato píldora sea una más que posible solución a su reciente y descafeinado efecto en salas. —fran gonzález

8 AUNQUE ES RECOMENDABLE en un alto porcentaje de películas no saber nada de ellas antes de verlas, hay otras, como la que nos ocupa, en las que no viene mal estar advertidos. Así, en esta segunda producción animada dirigida al alimón por el diseñador y dibujante Javier Mariscal y el cineasta Fernando Trueba, tras la alabada “Chico & Rita” (10), no está de más deshacer de manera preventiva cualquier malentendido que pudiera originar la forma en la que se presenta. La modalidad animada en la que se enmarca puede hacer pensar en una ficción sin conexión con la realidad sin embargo, “Dispararon al pianista” es un documental grave sobre la desaparición del pianista brasileño Tenorio Jr, colaborador de Vinicius de Moraes, en los días previos a la dictadura argentina de media-

La caída de la casa Usher

La importancia de llamarse Ernesto y la gilipollez de llamarse Eric

Mike Flanagan

César Martínez Herrada

4 DESPUÉS DE UN PUÑADO de películas y, sobre todo, varias series de televisión de gran éxito, Mike Flanagan, el responsable de “La maldición de Hill House” (18) y “Misa de medianoche” (21), regresa en Halloween. En “La caída de la casa Usher” homenajea al gran maldito por excelencia de la literatura norteamericana, Edgar Allan Poe. A Flanagan no le falta ambición, porque no sólo toma la premisa de “La caída…”: los ocho episodios de la miniserie están plagados de referencias a literalmente decenas de cuentos y poemas de Poe. Todo empieza una noche lóbrega. El fiscal Auguste Dupin es convocado por el anciano Roderick Usher. Roderick y Madeline son los dueños de Fortunato Pharmaceuticals, una compañía que se ha enriquecido terriblemente a costa de desatar la plaga de los opiáceos en Estados Unidos (es obvio que

dos de los años setenta. Tras los colores brillantes y la belleza de las imágenes, el marco del relato revela un contexto trágico que cita al espectador con las autocracias de América Latina en la segunda mitad del siglo pasado. A partir de la excusa argumental de un periodista que presenta un libro, seguimos su investigación pormenorizada acerca de Tenorio Jr. Ello da pie a una larga lista de entrevistas (reales, pero dibujadas) con, entre otros, personajes ilustres como Gilberto Gil o Caetano Veloso, circunstancia que convierte el film en un regalo para los fans de la música brasileña y que pueda hacerse algo fatigoso para quien no necesite tantos datos para disfrutar de un film bello en fondo y forma que hace algo tan saludable como reivindicar personajes callados por la Historia. —j. picatoste verdejo

Flanagan se inspira en los Sackler, la familia propietaria de Purdue Pharma). Usher tiene seis hijos de distintas madres; una camada de niños ricos tan repugnantes que inevitable acordarse de los Roy de “Succession”. Todos ellos han fallecido durante los últimos días en una serie de accidentes extrañísimos y bizarros. Si la denuncia de la epidemia de los opiáceos ya es algo que no termina de casar con el tono nihilista y melancólico de Poe, Flanagan no deja de añadir sin cesar nuevos temas a lo largo de su sobrecargado metraje, lo cual nos deja al final con una miniserie autoconvencida de su propia importancia y más pedestre de lo que Poe hubiera merecido. Estos problemas quizás se podrían haber visto mitigados si las secuencias de terror funcionaran. Irregular y decepcionante. —josé martínez ros

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NO HAY UN CASO PARECIDO en España y parte del extranjero al del granadino Ernesto “Eric” Jiménez: un tipo que desde el talento natural y su pegada colosal de caja y timbales, la pasión, la disciplina y una vitalidad fuera de lo normal, ha impreso una huella imborrable en la música alternativa nacional de estas últimas cuatro décadas. KGB, Lagartija Nick, el mito del flamenco Enrique Morente, Los Planetas, Los Evangelistas, Fuerza Nueva… y ahí sigue el tío en sus trece, haciendo temblar su kit con la fuerza incontenible de quien siempre parece que lo va a hacer por última vez. Tras sendos tomos de memorias –“Cuatro millones de golpes” y “Viaje al centro de mi cerebro”– se le dedica este entretenido documental que, desde el irónico título con referencia indisimulada a Oscar Wilde,

además de presentar sus orígenes personales y artísticos, hace un necesario repaso histórico de la vibrante escena granadina de las últimas décadas. El resultado es obligatoriamente benévolo con un músico que cae bien entre colegas y compañeros, al menos los que desfilan ante las cámaras. Su seriedad como instrumentista compensa sobradamente sus extravagancias, que están ahí. Y conocemos sus orígenes familiares, sus inicios, su trayectoria hasta su consagración como uno de los músicos más importantes de su generación. Que, siendo batería, insisto, tiene doble mérito. Como no podía ser de otra manera, el filme está repleto de sabrosas anécdotas que unos y otros –de su hermano mayor a Jota, Florent, Soleá Morente, Miguel Ríos o Antonio Arias– van relatando con más o menos gracia. —jc peña noviembre 2023 #51

CÓMICS

LIBROS Esa pieza que no encaja

B.B. King. Rey del Blues Daniel De Visé Libros del Kultrum

Santi Balmes y David Escamilla Principal de los Libros

10 Esta biografía de B.B.King prescinde de las habituales treinta o cuarenta páginas –mínimo– en las que otros libros del estilo repasan el árbol genealógico del protagonista para ocupar ese espacio en ponernos en contexto hablando de otros bluesmen de la época que, evidentemente, merecen su espacio. Además, su acercamiento al personaje es certero y riguroso, con la cantidad suficiente de datos pero sin excederse, algo que acaba haciendo tediosos a algunos libros y, lo que es mejor, siempre contextualiza lo que está pasando alrededor de King. Un volumen totalmente imprescindible que debe dormir al lado de “Blues: La Música del Delta del Mississippi” de Ted Gioia. Tomos que son pura historia. —eduardo izquierdo Cine documental Ian Haydn Smith Cúpula Libros

#52 noviembre 2023

Ram V · Filipe Andrade Planeta Cómic

7 Si a estas alturas de la película quedaba alguien en el mundo que no tuviera claro que Santi Balmes –ya sea por sus discos con Love Of Lesbian, sus ya numerosos libros y sus declaraciones a lo largo de todos estos años– era esa pieza que, como muchos de nosotros, no encaja en el mundo de ahí fuera, esta larga conversación con el también músico y escritor David Escamilla nos da una larga lista de argumentos para confirmarlo delante de cualquier juez. De ahí que la gracia de este libro sea que, por el camino, se nos descubre su visión de ese mismo mundo, de la música, de los lazos con sus compañeros de banda, de sus despistes, de sus inicios y de muchas otras cosas en una conversación bastante ágil y divertida. —joan s. luna

Este cómic bien podría haberse titulado “Las muchas vidas de Laila Starr”, porque a lo largo de sus páginas no importan las veces que Laila Starr muere, sino las veces que Laila Starr vuelve a la vida. A partir de ahí nos vemos inmersas en un apasionante relato que funciona como una extraña fábula sobre la vida y la muerte, que destila un hermoso misticismo. El tándem que forman Ram V y Filipe Andrade es un fuera de serie: texto y dibujo encajan y funcionan en una simbiosis perfecta, aportando cada uno su singular poética y su personal manera de mirar al mundo. Y eso convierte a esta novela gráfica en un delicado y profundo ejercicio que ahonda en la dicotomía vida/ muerte desde una visión diferente, ecléctica y libre, estimulante y bella.— laura madrona

La política punk rock de Joe Strummer

Sargento inmortal

Joe Kelly y Ken Niimura Astiberri

Gregor Gall Liburuak

8 Smith elige cien documentales, desde el fundacional “Nanook”, con la intención de demostrar la ductilidad de un género que abarca, entre otros, el cine personalista de Michael Moore, el cinéma vérité de Jean Rouch o las series de naturaleza de David Attenborough. Cada entrada tiene un certero comentario y recomendaciones de obras similares. Además de los imprescindibles –el soviético Dziga Vertov, los franceses Agnès Varda y Claude Lanzmann, el chileno Patricio Guzmán o los norteamericanos Frederick Wiseman, los hermanos Maysles o D. A. Pennebaker, padre del rockumentary–, es estimulante la incorporación, por ejemplo, de la venezolana Margot Benacerraf, el italiano Gianfranco Rosi o el catalán Pere Portabella con “El sopar”. —j. picatoste verdejo

Las muchas muertes de Laila Starr

7 Solo hay que leer el título de este enésimo libro sobre el que fuera líder de The Clash para saber de qué va la cosa. Radicalismo, resistencia y rebelión. Pues eso. Ya está dicho. Gall, investigador asociado de la Universidad de Glasgow, repasa las influencias que llevaron a uno de los músicos capitales del siglo XX a su posicionamiento político. En forma de ensayo e intentando descifrar qué significaban y por qué, para Strummer, conceptos como socialismo, explotación o humanismo,. Ya solo queda saber si consigue ser útil y, sobre todo, huir de la densidad, dado lo complejo y concreto del tema. Y lo hace. Para ello le ayuda recurrir no solo a largas diatribas sino a entrevistas, grabaciones piratas e incluso letras de canciones. Cumple sobradamente.

—eduardo izquierdo

El tándem que formaron Joe Kelly y Ken Niimura nos brindó la emotiva y fantástica novela gráfica “Soy un matagigantes”, que llegó incluso a la gran pantalla. Ahora repiten el logro con un volumen de más de cuatrocientas páginas que, aparentemente –y subrayo lo de aparentemente– se distancia de aquel título. ¿Un thriller protagonizado por un detective malcarado y que está ya a punto de jubilarse? Pues bien, al final existen muchos más puntos en común de los imaginados, al margen de la indudable química que vuelve a existir entre guion y dibujo, con ambos artistas equilibrando a la perfección el humor, el suspense (el asesinato por resolver) y la emotividad de lo narrado (la relación entre James Sargent y su hijo Michael).

—joan s. luna

El monstruo sin nombre

Naoki Urasawa Planeta Cómic

7 Han pasado diez años desde la primera edición española de “El monstruo sin nombre”, el inquietante ejercicio de metaficción que Naoki Urasawa se sacó de la manga en esa adictiva obra que es “Monster”. Oscuros y lúgubres, estos terroríficos relatos aparentemente infantiles y atribuidos por Urusawa a ignotos (e imaginados) autores checos harán las delicias de quien haya seguido el manga en el que se referencian. De paso nos servirán para adentrarnos algo más en la malvada y sádica mente de Johan Liebert – víctima del experimento genético de Franz Bonaparta–. Una pieza breve, pero complemento obligado para un manga que pasa el tiempo y continúa enganchando a nuevas generaciones con sus mil personajes y su constante juego del gato y el ratón. —joan s. luna La lista de Orwell

Carlos Hernández Norma Editorial

7 Al margen de lo que pensábamos que dejaba claro su producción literaria, ¿es posible que George Orwell fuese el chivato que argumentan algunos a causa de la lista que confeccionó con simpatizantes comunistas para el servicio secreto británico? Sobre esa cuestión gira el nuevo cómic del granadino Carlos Hernández que escribe y dibuja una historia que se mueve entre lo biográfico, lo didáctico y el suspense. Desde el primer minuto estamos esperando a ver qué es lo que ocurrió realmente y sobre todo por qué motivo. La teoría de Hernández –que, tras Lorca y Dalí, vuelve a un personaje histórico– queda clara en estas noventa y ocho páginas que se cierren como empezaron, con una loable naturalidad y frescura. —mercè gutiérrez

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#54 noviembre 2023

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The Sisters Of Mercy, leyendas del post punk británico en su versión más gótica, han pasado recientemente por nuestro país para ofrecer tres conciertos. Hemos aprovechado para preguntarle a Ben Christo (Bristol, Reino Unido, 1980), su guitarrista desde hace casi dos décadas, cuáles son los seis discos que le marcaron de por vida. Este es el interesantísimo resultado, descrito con la pericia de cualquier periodista musical al uso.

Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró T 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Iker Bárbara T. 665 050 639 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia sur@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González T. 699 339 245

Aquí hay tema Un podcast de Fundación SGAE y Mondo Sonoro que trata algunos de los temas más candentes de la industria musical de nuestro país. En este capítulo dedicado al flamenco hablamos con la guitarrista Mercedes Luján, que está rompiendo moldes, y con Eddie Díaz, director artístico de la Flamenco Society of San José en California, donde programa conciertos de los artistas flamencos más destacados.

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Fue hace 25 años, cuando Los Planetas y El Niño Gusano publicaron sus LPs más recordados, casi al mismo tiempo. Dos de las más intimidantes expresiones de genio llevadas a cabo en el circo pop nacional. De ambas, la referente al grupo zaragozano sigue siendo la verbalización más fascinante que nos ha proporcionado el surrealismo pop nacional del siglo XX.—marcos gendre

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Albert Pla ha estrenado un nuevo espectáculo junto a The Surprise Band. Aprovechando la gira promocional del espectáculo, dejaremos que sea el propio artista quien nos cuente de primera mano en qué consiste y quienes son las personas y músicos que le rodean para dar una nueva vida a sus canciones.

Los discos de mi vida por Ben Christo, guitarrista de The Sisters Of Mercy

De cuando a El Niño Gusano le brotaron alas de mariposa

Edita Sister Sonic, S.L.

Ed. Noroeste Galicia, Castilla y León noroeste@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Raúl Julián T. 659 93 02 04 Administración y contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com COLABORADORES Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Eva Sebastián, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Mara Gómez, Marcos Gendre, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Virginia Barbero Depósito legal B. 11 809-2013

Anabel Lee Aprovechando la visita que Anabel Lee nos hicieron a la redacción de Barcelona para promocionar “Ganamos perdiendo”, les pedimos que nos contestaran a nuestro cuestionario sobre esos discos que, por diferentes motivos, les han marcado en su vida. Este fue el resultado.

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ESTE MES, TODOS LOS DÍAS PUEDEN SER MUY