Nº 166 MONDO SONORO OCTUBRE 2009

Octubre de 2009 nº 166

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

THE NEW RAEMON

SONRISAS Y LÁGRIMAS BERRI TXARRAK

DINERO SUCIO L.A.

PALMA DE CALIFORNIA

r e c e n a m a El repúsculo del c O L U C S Ú JOE CREP

Y ADEMÁS ESTE MES...

MASSIVE ATTACK • BRIAN HUNT • WIRE • THE DUKE & THE KING • WOLFMOTHER • BILLY TALENT • JET • THE MARY ONETTES • RINÔÇÉRÔSE SIMIAN MOBILE DISCO • ANTI-FLAG • MAGNOLIA ELECTRIC CO. • KILLSWITCH ENGAGE • MENEO • LOS TIKI PHANTOMS • AVENUES & SILHOUETTES

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MondoSonoro · Octubre 2009 /5/

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29

Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinador contenidos web Xavi Sánchez Pons Diseño web Roberto Lorente (roberto@mondosonoro.com)

The New Raemon Gimnasia emocional

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres ◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) David Morell (david@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación David Morgado (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 ◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479 ◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 ◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Publicidad Gemma Pinilla Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551 ◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379 ◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Luis Fernández M. Tlf./Fax 915 400 055

23. Killswitch Engage 24. Simiam Mobile Disco 25. Avenues & Silhouettes

NOTICIAS 7. Massive Attack ofrecen un aperitivo de su próximo largo 9. Wire de nuevo en España

Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

mondofreako 11. Duke & The King 12. Jet 13. Wolfmother 14. AFI 16. The Maryonettes 17. Billy Talent 18. Rinôçèrôse 21. Magnolia Electric Co. 22. Anti-Flag

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Enrique Peñas (sólo hay que verle en la página 66)”

Edita Sister Sonic, S.L. Aptdo. 21.022, 08080 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

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26. L.A. Palma de California 29. The New Raemon gimnasia emocional 31. Berri Txarrak en busca de la imperfección 32. Joe Crepúsculo ritmo mágico

45. Sidonie Disco del mes

mondomedia 60-61. Mondo Recomienda 62. Cine Jaume Balagueró y Paco Plaza 64. Conexiones

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35-38. Sziget, Ebrovisión, Hipnotik...

66. Correo

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10

copias en compacto y 10 en vinilo del nuevo disco de Hot DOgs

Massive Attack Foto Archivo

MondoSonoro · Octubre 2009 /7/

NOTICIAS

TAN cerca... ◗ LA CASA AZUL regresa a la actualidad con un disco muy especial, se trata de “La nueva Yma Sumac (Lo que nos dejó la revolución)”, un trabajo que incluye diversas versiones con vocalistas invitados, rarezas, videoclips y demás material que hará las delicias de los fans del grupo capitaneado por Guille Milkyway. ◗ El nuevo álbum de LOS PUNSETES se empieza a grabar este mes de octubre con David Rodríguez (La Estrella De David, Beef, La Bien Querida) como productor, con la idea de que se publique a principios del 2010. El disco de los madrileños aún no tiene título, pero sí se han ido escuchando varios de sus temas en sus últimos conciertos (por ejemplo, la adictiva “Que les del por el culo a tus amigos”). ◗ El 31 de octubre ANTONIO ARIAS estrenará en la sala Joy Eslava de Madrid el repertorio de “Multiverso”, su primer álbum en solitario que verá la luz en los próximos meses. El disco, que presenta colaboraciones de lujo (Floren y J de Los Planetas, sus compañeros en Lagartija Nick o Noni y Alex de Lori Meyers), pone música a poemas de varios autores. ◗ Todo está listo para el lanzamiento del nuevo disco de GAS DRUMMERS, un trabajo titulado “Decalogy” (Red Vanette Music, 09) que ha contado con la ayuda de Paco Loco a la producción. En el disco colaboran Dave Smalley (Dag Nasty, All, Down By Law), Muni Camón (Remate) o Paul Lazar (Gotan Project), entre otros.

Massive Attack ofrecen un aperitivo de su quinto disco de estudio Ha llovido mucho desde que Massive Attack nos ofrecieran sus últimas canciones. Las cosas han cambiado en el exterior, pero no parece que eso les afecte demasiado. Lo subraya “Splitting The Atom” (Emi, 09), Ep que avanza material nuevo del colectivo dirigido por Robert ‘3D’ del Naja.

U

n año después del imponente retorno de Portishead, Massive Attack, máximos artífices, junto a los de Beth Gibbons, del denominado sonido Bristol, regresan con “Splitting The Atom”, un EP de cuatro temas que verá la luz únicamente en formato digital el próximo 5 de octubre. El nuevo material supone, además, un avance de cómo sonará su quinto álbum de estudio, cuya salida está prevista para febrero del 2010. Una continuación del ambiental y etéreo “100th Window” que se augura más rítmica, variada y con mayor groove. “Cada álbum es fruto

de un momento. ‘100th Window’ no existiría sin ‘Mezzanine’, que a su vez fue una especie de reacción a ‘Protection’. Cada disco es de alguna forma consecuencia del anterior”, explica Robert ‘3D’ del Naja, líder y principal compositor del colectivo. “Esta vez no ha sido menos –prosigue-. Las canciones tienen más consistencia y creo que funcionan mejor como piezas autónomas”. Mientras esperamos poder contemplar la foto completa, podremos degustar canciones como la que da título al EP, un downtempo sensual en el que Daddy G entrega

su registro más grave y profundo flanqueado por 3D y por el ya habitual Horace Andy. El segundo corte, “Pray For Rain”, cuenta con un invitado de excepción, Tunde Adebimpe, de los neoyorquinos TV On The Radio, quien aporta su característico timbre a un sutil crescendo de tensión contenida.

“Lo grabamos en Nueva York”, recuerda 3D. “Brooklyn es un sitio increíble para crear, se respira una energía especial”. Los otros dos temas, también incluidos en su próximo álbum, aparecen aquí remezclados. Se trata de “Psyche (Flash Treatment)”, interpretado por Martina Topley-Bird, antigua colaboradora del grupo y popular por su trabajo junto a Tricky; y la pieza más experimental del EP, “Bulletproof Love”, manipulada por Van Rivers And The Subliminal Kid y conducida por la robotizada e irreconocible voz de Guy Garvey de Elbow. ■ David Sabaté

Monkey Week, una cita indispensable

The Ghost Of A Thousand Foto Archivo

El pasado mes apuntamos las primeras informaciones con respecto al que se debería convertir en uno de los puntos de referencia fundamentales para la música independiente en nuestro país. Se trata del Monkey Week, un evento que se extenderá durante cuatro jornadas (concretamente los días 9, 10, 11 y 12 de octubre) en la localidad andaluza de Puerto de Santa María. Este “escaparate internacional de la música independiente”, según sus responsables, presenta en su programa diversas actividades entre las que destacan las conferencias profesionales (medios, grupos, discográficas), los showcases en diversos recintos de la ciudad y las actuaciones de artistas estatales e internacionales en grandes escenarios. Entre los nombres confirmados están Heavy Trash, Josh Rouse, Kitty Daisy & Lewis, Silver Apples, Wire, Tokyo Sex Destruction, Los Coronas, Manos de Topo, Elastic Band, King Khan & The Shrines, Nacho Vegas o Bigott. En todo caso, lo mejor que puedes hacer es visitar ya mismo: www.monkeyweek.org n

◗ La promotora I’M AN ARTIST celebrará en la sala Joy Eslava de Madrid los próximos miércoles 14 y jueves 15 de octubre la primera edición del “I Know I’m Just A Singer-Songwriter [But I Like It]”, un festival que llega con vocación de quedarse y cuyo cartel conforman Nacho Vegas, Mark Eitzel, Franz Nicolay, Josh Rouse, Christina Rosenvinge, Victoria Williams & Simone White y Spoon River. ◗ LONELY JOE abandona Subterfuge.

Su nuevo álbum, con el explícito título de “Songs From The High Side” y del que Joe dice que “casi me cuesta la vida”, será autoeditado y supone un importante cambio de registro que le aleja definitivamente del estilo romántico que había caracterizado sus álbumes hasta ahora. ◗ Los próximos días 2, 3, y 4 de octubre la Estació del Nord de Barcelona acogerá la octava edición de la Fira del Disc de Barcelona, una de las citas más queridas por los aficionados y coleccionistas de música. Este año la feria contará con más de doscientos expositores, y también tendrá la tradicional subasta de memorabilia pop.

Más info en www.firadeldiscbcn.com. ◗ Vuelve el TOLEROCK. El cartel definitivo lo componen Clawfinger, Delinquent Habits, Def Con Dos, 6eiSKAfes, Eraso!, Dulcamara, Bitter Mambo, Víctimas del Jaus, Kolectivo Suicida y Rockabillas. El Tolerock tendrá lugar el 7 de noviembre en las carpas del Recinto Ferial de La Peraleda, en la provincia de Toledo.

El hardcore y el punk se dan cita en el Eastpak Antidote Tras varios años de actividad, el Eastpak Antidote Tour continúa en plena forma paseándose a lo largo de Europa y manteniendo la sponsorización de la popular marca. Esta cita obligada para los amantes del punk y el hardcore actual vuelve a nuestro país, concretamente los días 5, 6 y 7 de noviembre, con paradas en las ciudades de Barcelona (Apolo), Madrid (Joy Eslava) y Bilbao (Kafe Antzokia) respectivamente. En esta ocasión, los grupos participantes serán The Ghost Of A Thousand, The Fall Of Troy, Alexis On Fire y como cabezas de cartel, Anti-Flag, a quienes entrevistamos en este mismo número a propósito de su nuevo disco, “The People Of The Gun”. Si quieres informate sobre la gira, precios y todo lo demás, visita www.antidotetour.com n

Christina Rosenvinge Foto Archivo

Heavy Trash Foto Archivo

◗ El cantautor británico BILLY BRAGG está de gira por España este mes de octubre para presentar las canciones de su último disco hasta la fecha, “Mr. Love & Justice”. Estas son las fechas: 14 Madrid (Galileo Galilei), 15 Barcelona (Bikini), 16 Donostia (Kursaal) y 18 Bilbao (Palacio Euskalduna). n

/8/ Octubre 2009 · MondoSonoro

TAN lejos... ◗ El segundo disco de VAMPIRE WEEKEND llevará por título “Contra”, contará con diez nuevas canciones, y será editado el 11 de enero de 2010. Si entras en la web del grupo, www.vampireweekend. com, podrás descubrir parte del artwork del disco y el tracklist.

Briant Hunt Foto Luis Díaz

NOTICIAS

◗ DEVENDRA BANHART y BECK colaboran e interpretan una canción juntos que aparecerá en la nueva película de Todd Solondz. El tema se llama “Life During Wartime”, como el filme, y ha sido escrito por el propio director norteamericano. Otra canción de Devendra, “Heard Somebody Say”, también se ha incluido en la banda sonora.

Pram Foto Archivo

◗ THE PAINS OF BEING PURE AT HEART regresan a la actualidad con un nuevo Ep que fue editado a finales de septiembre. Se trata de “Higher Than The Stars”, una referencia que incluye cuatro nuevas canciones, “Higher Than The Stars”, “103”, “Falling Over” y “Twins”, y un remix del tema titular a cargo de Saint Etienne, que sólo se podrá conseguir en su edición en compacto. ◗ FOO FIGHTERS editarán en breve su primer grandes éxitos. Será el 3 de noviembre. Para hacer más apetitoso el lanzamiento, los norteamericanos incluyen dos canciones nuevas, “Wheels” y “Word Forward”. El disco llevará por título “Foo Fighters Greatest Hits”.

Pavement Foto Archivo

◗ PAVEMENT, grupo que en los noventa dio lustre al indie rock más brillante e inquieto, vuelva a la vida con un concierto benéfico en Nueva York, en el Central Park SummerStage, que tendrá lugar el 21 de septiembre de 2010. Por el momento se desconoce si habrá más fechas de esta reunión, y si de confirmarse, pasaría por España. ◗ BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB editarán este otoño un DVD en directo que, bajo el nombre de “Live”, recoge imágenes de varios conciertos realizados en 2007 en ciudades como Berlín, Glasgow o Dublín. El DVD se publica el 10 de noviembre y presenta diverso material extra. El grupo también ha anunciado nuevo disco para la próxima primavera. ◗ El flujo de reediciones y lanzamientos relacionados con NIRVANA no para. La última referencia en ser anunciada es “Live At Reading Festival”, un DVD y un CD que recogen uno de los conciertos más legendarios de la banda de Seattle, realizado en el festival de Reading de 1992. Se edita el 2 de noviembre. ◗ El 26 de octubre se edita “Swords”, un disco de caras B de MORRISSEY que recoge todas las B-sides de los singles de sus últimos tres discos. El álbum, que presentará dieciocho canciones, se editará también como un vinilo doble, además de contar con una edición especial en CD que incluirá un compacto extra con temas en directo.

Brian Hunt camina en solitario Lejor de ser un recién llegado, Brian Hunt es uno de esos músicos activos que se esconde tras infinidad de aventuras musicales. Búsquenle en Half Foot Outside y Templeton, en los debuts de Russian Red y Anni B. Sweet o firmando su debut a cara descubierta, “I Lost My Glasses” (Limbo Starr, 09).

D

eberían ustedes conocer a Brian Hunt. Ejerce de guitarrista en Half Foot Outside y Templeton, y suyas eran las gafas que tanto tuvieron que ver en el exitoso debut de Russian Red. También fue el encargado de producir “Start, Restart, Undo” (Subterfuge, 09) de Anni B Sweet, y ahora al fin se atreve con su primer disco en solitario. “Empecé a tener un buen puñado de canciones que quería que viesen la luz.

Además también me lo tomé como un reto personal”. El resultado ha sido bautizarlo con el asociable título de “I Lost My Glasses”. “Sencillamente perdí mis gafas, y ya que estuvieron delante de mi cara durante tantos años, pensé que era buena idea dedicarles un segundo disco. Supongo que el ‘I Love Your Glasses’ (Eureka/ Pias, 08) no era suficiente para esa pasta negra”. Preguntado acerca de su pluralidad, el de Torrelavega no tiene dudas. “La verdad es que da tiempo a todo, con tal de compaginarlo bien, organizarse y esforzarse, todo acaba saliendo”. El resultado es un trabajo a simple vista sin complicaciones y entrañablemente casero, gracias a la naturalidad con la que el músico se pasea por él. “El sonido lo-fi surgió un poco a lo largo de la grabación, y al tardar tanto entre las diferentes sesiones de estudio y el proceso de mezcla tuve pequeñas tomas falsas a las que cogí cariño”. Sin embargo, esta cualidad no impide al oyente dar con un sensible número de recovecos en forma de influencias como Bart Davenport, Jon Auer o el Lennon más desnudo, aunque como suele ser habitual, el autor aporta

nombres distintos. “Se me ocurren cosas como Elliott Smith, Iron & Wine o Vic Chesnutt para los momentos algo más tristes. Todos en su formato más acústico, pero me he dejado llevar más por lo que se me iba ocurriendo y me pedía la canción que por mis influencias”. Habrá ocasión de comprobarlo en directo, ya que se está preparando una gira de presentación.

“Mis conciertos pueden ser algo muy íntimo tocando yo solo, o bien ir acompañado por algún otro músico, e incluso de banda completa. Me gusta ir cambiando”. Entre esos músicos podrían estar algunos de los colaboradores del álbum como Edu Ugarte (HFO, Muy Fellini) o Lourdes Hernández (Russian Red) devolviendo el favor. “La implicación en el álbum de cada uno ha sido la misma: ella tenía canciones donde yo acompañé con mi guitarra y algunos arreglos más, y por su parte ella me hizo unos coros y segundas voces en el mío. En realidad Lourdes colaboró hace un par de años en las primeras grabaciones de mi disco, antes de comenzar a grabar el suyo”.

Brian tiene claro qué esperar de un mundillo que, pese a su juventud, comienza a dominar en sus diversas facetas. “Creo que hay un escalón muy grande entre vivir muy bien de la música o sobrevivir de la música”. Y sentencia con una verdad incuestionable. “Vivir de la música no creo que signifique que sólo puedas hacer canciones o dar conciertos. Es un negocio difícil pero... ¿cuál no lo es?”.■ Raúl Julián

Î

◗ Cinco de los discos clásicos de BLACK SABBATH acaban de ser reeditados en compacto en formato digipack y con nuevos libretos de información. Los álbumes reeditados son los siguientes: “Vol 4” (1972), “Sabbath Bloody Sabbath” (1973), “Sabotage” (1975), “Technical Ecstasy” (1976) y “Never Say Die!” (1978). n

Experimentaclub ’09: vanguardia de otoño

Más información en: www.mondosonoro.com

La electrónica de vanguardia vuelve a su cita de octubre (días 2, 3 y 4) en La Casa Encendida de la mano de Experimentaclub’09, festival que en esta edición cuenta con un cartel excepcional. Y es que podremos disfrutar de los shows de, entre muchos otros, Pram, Wolf Eyes, Fuck Buttons, Zombie Zombie, Pan American o Charles Hayward (ex-This Heat). Pero eso no será todo. Habrá también conferencias, coloquios, proyecciones, talleres (con una presentación de la cada día más popular Reactable), etcétera. Como curiosidad, la presencia del egipcio Mahmoud Refat, en la que será la primera incursión del festival en la escena electrónica del mundo árabe. Una nueva oportunidad, la octava, para subrayar la importancia de este evento como lugar de referencia para la electrónica menos acomodaticia. Más detalles en www.experimentaclub.com n

Guillemka Foto Archivo

Malatesta Records, nuevas fórmulas de autogestión En un época en la que muchos sellos discográficos cierran sus puertas, nace en Valencia Malatesta Records, una nueva iniciativa de sello independiente autogestionado en régimen de cooperativa que apuesta por trabajos de calidad realizados por artistas de contrastada trayectoria musical. De momento cuenta con seis propuestas musicales con estilos diferentes que cantan en cuatro lenguas distintas y que acaban de publicar recientemente sus últimos trabajos. “Estamos decididos a actuar y no esperar en el actual y confuso mundillo musical”. En el incipiente catálogo de Malatesta se puede encontrar folk-rock con mujer al frente (Emma Get Wild ), chanson française con matices americana (Néstor Mir), rock femenino, intimista y visceral (Lülla), pop de riesgo, ecléctico y psicodélico (Guillemka), rock americano en valenciano (Senior i el Cor Brutal) y rock oscuro con toques británicos (Ambros Chapel). A estas alturas el sello ya ha realizado y promocionado diferentes actividades para agitar la escena valenciana como el Festival Incrustados en el Escaparate, que reunió a decenas de bandas y que marcó un antes y un después en la forma de enfocar la independencia y de funcionar fuera de los círculos establecidos en nuestro país. Organizaron intervenciones musicales en la Feria del Libro y celebraron por su cuenta el último Día de la Música. Sus discos cuentan con distribución estatal vía Popstock! y con presencia en Internet: www. myspace.com/malatestarecords n

NOTICIAS

Micah P. Hinson Foto Archivo

MondoSonoro · Octubre 2009 /9/

Heineken: Greenspace y Music Selector

V

ybears (17 noviembre en Madrid, 18 en Valencia y 19 en Bilbao), Atlas Sound y The Pains Of Being Pure At Heart (17 noviembre en Barcelona, 18 en Madrid, 19 en Valencia y 20 en Bilbao). En todo caso, te recomendamos visitar www.heinekengreenspace.es, para ampliar la información por si quieres participar en Convocatoria Música, en la que el Heineken Greenspace da una oportunidad a grupos nuevos. Aunque eso no es todo, también se inicia este mes de octubre el Heineken

Music Selector de otoño. Desde el 7 de octubre hasta el 17 de diciembre se llevará a cabo una larga lista de conciertos en ciudades como Burgos, Madrid, Sevilla, Santiago o Murcia. En ellos participarán artistas como Delahoja, Vetusta Morla, Shinoflow, Joan As Police Woman, Russian Red, Mendetz, The Requesters, Dorian, Kings Of Convenience o los franceses Naïve New Beaters. Te recomendamos que, para descubrir todos los datos, fechas, etcétera, visites: http://heineken.es/musica ■

Wire Foto Archivo

uelve el festival Heineken Greenspace, que este año llega a su quinta edición sin bajar el listón de la calidad en lo más mínimo. Como en ocasiones anteriores, los artistas pasarán por diversos escenarios de las ciudades de Valencia, Madrid, Bilbao y Barcelona, conformando durante los días 17 a 20 de noviembre el cartel de este evento. Los grupos y solistas confirmados son The Duke And The King, Micah P. Hinson & Tachenko y Black Joe Lewis & The Hone-

Devendra Banhart Foto Lauren Dukof

Cine y música se dan lamano de nuevo en el In-Edit Beefeater Son ya siete los años que lleva el In-Edit Beefeater, Festival Internacional de Cine Documental Musical de Barcelona, dando guerra dentro y fuera de nuestras fronteras. En esta nueva edición, a celebrar del 29 de octubre al 8 de noviembre en diversos cines de Barcelona (Rex, Aribau Club, Aribau Multicines), no faltan las propuestas interesantes. La lista de películas es amplia, así que mejor destacaremos que algunos de los directores son Julien temple, Jem Cohen o Peter Whitehead, y los grupos protagonistas Dr. Feelgood, Vic Chesnutt, Devendra Banhart, Johnny Cash o el excéntrico Trimpin. En el apartado estatal, vuelven a contar con un documental Standstill, que además ofrecerán un concierto acústico especial el día 1 de noviembre. Los participantes en la selección oficial aspiran a premios a Mejor Documental Internacional, Mejor Documental Nacional y Premio Beefeater del Público. Manténte informado de todas las novedades en www.in-edit.beefeater.es n

Wire, de nuevo en España Con algo de retraso, la veterana banda británica presenta en España su estupendo “Object 47” (Pinkflag/Popstock!, 08).

Del 7 al 9 de octubre Wire estarán en Barcelona (La [2]), Madrid (Ramdall) y Puerto de Santa María (Monkey week).

“

La historia la escriben los vencedores”. La frase es de Winston Churchill, pero Colin Newman, voz y alma de Wire, tiene motivos para hacerla suya.

Durante treinta y tres años, la banda londinense ha jugado a la contra, reinventándose con la misma facilidad que esquivaba focos mediáticos. Siempre tuvieron a la crítica de su parte, pero ahora además cuentan con un amplio respaldo del público. “Siempre fuimos un improbable grupo de vencedores, pero la historia nos ha acabado dando la razón”, explica orgulloso. Algo tendrá que ver “Object 47”, que tras la hostia sónica de “Send” (Newman lo define como “John Lee Hooker puesto de esteroides”) les reconcilia con un sonido más pop, ya sin las guitarras de Bruce Gilbert. “Cuando Colin y yo empezamos a trabajar en ‘Read & Burn 03’ y ‘Object 47’, expresé mi deseo de darle luz a nuestro cuadro sonoro. Las canciones

de ‘Read & Burn 03’ tenían algunos esbozos de Bruce, pero se negó a elaborarlos o añadir elementos. Para cuando llegamos a ‘Object 47’ él ya no estaba ahí. Bueno, uno se acostumbra a los cambios y mira adelante”, explica el bajista Graham Lewis. Así que nada de lamentos por el “finado”, que ha sido sustituido en directo por Margaret Fiedler.

“Si quieres ser contemporáneo no te queda más remedio que cargarte a las vacas sagradas”, zanja Newman. Wire, en sus diferentes encarnaciones, siempre se ha regido por la máxima de evolucionar o morir, y ahora que la industria discográfica está noqueada, se han embarcado en una mastodóntica gira que dura ya dieciocho meses. “En lo que llevamos de gira nos hemos convertido en predeciblemente buenos. A veces somos jodidamente buenos, de hecho. Nos da una satisfacción inmensa ejecutar un set que deja

a la audiencia feliz y entusiasmada”, asegura Lewis. Newman, propietario del sello Swim~ junto a su mujer Malka Spigel, es menos prosaico. “Supongo que formo parte de la ‘industria del disco’, pero para serte sincero creo que su base es falaz. Mientras las compañías siguen dando a los artistas tan sólo un pequeño porcentaje del beneficio que obtienen con sus discos, los chavales descargan (bueno, ahora prefieren el streaming) todo gratis, así que a las bandas no les queda más remedio que sacar dinero de las giras, suponiendo que puedan hacerlo”. Pero que nadie se asuste, porque Newman anuncia novedades discográficas en varios frentes. “El tercer disco de Githead (la banda paralela que comanda junto a Maka) ya está casi completo y se lanzará en noviembre.

En cuanto a Wire, el proceso creativo acaba de empezar. Estamos intentando tener suficiente material preparado para grabar en enero”. Y a todo esto, ¿sigue en pie esa vieja máxima de la banda de destruir el rock’n’roll? “¡Ni idea! (risas) Ni siquiera sé qué es el rock’n’roll. Sólo sé lo que no me gusta”, bromea Newman. ■ Javi Pulido

Violadores del Verso Foto Anguila

Periferias 2009, una década de sorpresas La décima edición del Periferias toma como eje central la temática de “Lo comercial”, cuyos actos se sucederán en Huesca desde el 23 de octubre hasta el 11 de noviembre. Exposiciones, danza, un homenaje nada oportunista a Michael Jackson (de la mano de Javier Álvarez, Frank T o Funknation All Stars), actuación especial de los referenciales Technotronic, los shows de Albert Pla, Fangoria, Violadores del Verso, de la gran performer Esther Ferrer (Premio Nacional de Artes Plásticas) o de los artistas aragoneses Los Gandules, Will Spector y los Fatus, Kiev Cuando Nieva, AudioClaudio o DJ Der. Y no podemos olvidarnos del Cuarteto Alceste y el grupo de rock gitano Kingteto, que volverán a rendir tributo a Kraftwerk, Sun Ra, Lee ‘Scratch’ Perry y Frank Zappa respectivamente. Aunque lo más sorprendente es la actuación en directo de los humoristas Chiquito de la Calzada y Joaquín Reyes (Muchachada Nui). Más información en www.periferias.org. n

Lo que bien empieza, bien acaba

¡Atención! No ahorres en un nutriénte básico bueno ¡Se ha demostrado que cultivadores que no han usado aditivos caros pero sí fertilizantes de alta calidad han conseguido mejores resultados que si lo hubieran hecho del revés! Sé inteligente porque, ¡lo que bien empieza, bien acaba!, de esta manera obtendrás las mejores cosechas

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15-09-2009 11:07:05

MONDOFREAKO

The Duke & The King Foto Archivo

MondoSonoro · Octubre 2009 /11/

The Duke & The King

musicoterapia Ex-Batería, entre otras cosas, de The Felice Brothers; escritor con cierta repercusión al menos en Gran Bretaña y ahora cantante, guitarra y compositor de este nuevo proyecto con el que dice adiós a sus hermanos. Y todo por culpa de una tragedia. Si es que la vida aprieta pero no ahoga. Simone Felice es la prueba en carne y hueso.

A

caba la actuación de The Duke & The King en el BAM de Barcelona y la sensación de que algo no cuadra se acrecienta.

Simone Felice, cantante, guitarra y compositor de este nuevo grupo parece contento, pero no sólo por la estupenda acogida del público a un proyecto que desconoce totalmente, sino también por lo que parece ser el efecto de unas cuantas copichuelas de más. Y no sólo él, también la bella violinista y corista que le acompaña, y con la que se intercambia tórridas miradas, le anda a la zaga, originando de paso una serie de movimientos de una explosiva sensualidad. Ellos dos, junto al bajista Bobby Bird Burke y al batería Nowell Haskins (The Deacon) han querido dotar a las canciones de su único disco, el excelente “Nothing Gold Can Stay”, de un pulso y una tensión muy rock aun a costa de sacrificar la belleza íntima y delicada de canciones como “Union Street”, “Summer Morning Rain” o “If You Ever Get Famous”. Vaya, que escuchando el álbum uno esperaba encontrar en escena a un cantante de folk apocado y triste en la linea de Damien Jurado o Bon Iver y se encuentra a un salvaje que lleva inoculado el virus del

rock’n’roll pendenciero y cafre en las mismisimas venas. Aunque... ¿De qué me extraño? No en vano los años junto a sus hermanos en The Felice

do, si no fuera por la música y la poesía yo estaría muerto, en la cárcel o en una clínica mental”. Viéndole sobre un escenario, alto, desgarbado, de huesos largos, fuertes espaldas y con la mirada peligrosa del que está ávido de nuevas experiencias y no renuncia a nada, diría que la cárcel hubiera sido el destino más probable. Al fin y al cabo ya desde el nombre de su banda rinden tributo a Mark Twain, cuyo ácido sentido del humor no se llevó nunca demasiado bien con lo establecido... “Mark Twain es un rebelde y

"Estas canciones y la música salvaron mi vida, curaron mi corazón y mi mente" Brothers, uno de los grupos más cachondos e imprevisibles del folk-rock actual sobre un escenario, se deben notar a la fuerza. Pero rebobinemos y veamos qué le sucedió a Simone Felice para que dejará a la familiia justo cuando la repercusión de su último disco el maravilloso “Yonder Is The Clock” (09) los va a catapultar a primera línea de las bandas de rock americano. Por lo visto en enero de 2008 él y su pareja perdieron el bebé que esperaban y Simone decidió encerrarse en una cabaña para componer las diez canciones de un disco en el que se nota la profundidad y belleza desde el principio. “Estas canciones y la música salvaron mi vida, curaron mi corazón y mi mente. Han sido la mejor medicina del mun-

amo a los rebeldes, personas como Ghandi, John Lennon, Picasso y Harriet Tubman.

Personas que rompieron las normas y cambiaron el mundo. También admiro mucho a Ernest Hemingway. Mi libro favorito es ‘Por quién doblan las campanas’. De él me encanta su manera de escribir, tan simple y honesta que quita el aliento”. Y es que no debemos olvidar que Simone Felice es también el escritor de dos novelas, una de las cuales (“Hail Mary Full Of Holes” fue libro del mes de la revista Uncut) y que su particular universo creativo se mueve entorno a una idea muy concreta: “Estoy obsesionado con el místico mundo del amor y la libertad. Al fin y al cabo es lo que nos

hace permanecer a todos juntos en el césped soleado. Además el amor es también lo que nos hace estar a todos ¡locos! Mi deseo para todo el mundo es que sean libres y estén enamorados”. Un deseo que comparto.

No hay nada más poderoso que el amor y debe ser muy triste pasar por este barril de miserias sin experimentarlo hasta los huesos. Pero volvamos al disco porque otra de las cosas que sorprende es que las mezclas hayan corrido a cuenta de Bassy Bob Brockmann, ganador de un Grammy por su trabajo en el “Ready To Die” de The Notorious BIG. “Bassy es único. Un genio que entiende el sonido como El Greco entendió la luz y la sombra. Piensa que creció en New Orleans y tiene mucho soul. Además dejó la mayor compañía del mundo en los noventas para ser un pobre recluso y pensamos que sería perfecto para el trabajo, porque es un rebelde y un amigo”. Y ya para acabar y ¿The Felice Brothers? “Mis hermanos y yo nos queremos mucho. Hemos compartido mucha magia juntos y están felices de que haga The Duke & The King. Simplemente estoy siguiendo mi voz interior y ellos también. Estoy seguro de que algún día nos reuniremos y que será muy especial, pero por ahora estamos en carreras diferentes”.

■ Don Disturbios “Nothing Gold Can Stay” está publicado por Loose/Houston Party

(MONDOFREAKO /12/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

Jet Foto Beatrice Neumann

Jet

Norte, sur, este, oeste Ajetreados han sido los últimos meses para los miembros de Jet, aunque no se trate exclusivamente de cuestiones musicales. En todo caso, lo que ahora importa y lo que les ha devuelto a la actualidad es la publicación de su tercer larga duración, “Shaka Rock”, un disco con el que buscan mantener su nombre en boca de los fans.

A

l día siguiente de nuestra conversación telefónica con Nic Cester en Londres, se casaba en la capital inglesa Cameron Muncey, el guitarrista solista de los australianos.

Y aprovechando la coyuntura, qué mejor que una sesión con la prensa tras varios cambios de hotel, diseñada para dar a conocer a la tercera criatura de Jet, el variado “Shaka Rock”. Días antes habían corrido ríos de tinta por la red.

El cantante de la banda, Nic Cester, con quien conversamos, se desvanecía para ser ingresado de urgencia. “Estaba muy jodido, con unas fiebres muy altas. Me dieron unas inyecciones antes del concierto, pero la dosis no fue suficiente. Tras el diagnóstico me recomendaron hacer reposo, pero yo sólo quería salir a tocar. No me gustan esas jodidas bandas que suspenden una actuación por ese tipo de cosas. Ni aunque me lo diga el doctor, yo siempre tengo claro qué es lo que debo hacer”. Aunque Jet nunca han sido paradigma de ser una apisonadora en escena, los discos han aguantado el tirón, gra-

ASI COMO SUENA

cias, en parte, al nexo común de unas canciones que entran a la primera. Ahora han buscado encontrar ese anhelado equilibrio, algo más compacto, más variedad en el menú. “El disco lo acabamos hace unos seis meses, lo que ha sucedido es que rompimos con nuestro anterior sello, y tuvimos que buscar otro que quisiese publicar nuestra música. Son las miserias y esas cosas ocultas u oscuras del negocio de la música. Ha sido frustrante y bastante duro aguantar todo este tiempo, pero como no podíamos hacer nada por cambiar esa situación, tomamos otra determinación: relajarnos y dejar que el tiempo pasara. En cuanto a la grabación, todo ha sido diferente. Hemos creado una atmósfera nueva, y los objetivos eran otros. Desde el productor al lugar en el que hemos grabado. Nos trasladamos tres meses a Texas, y allí hemos vivido todo ese tiempo. La experiencia nos ha curtido.

Necesitábamos estar de nuevo excitados ante una aventura, y así es como lo he-

Paco Luque (Hora Zulú)

Guitarrista de los particulares Hora Zulú, Paco Luque es un músico que sorprende por su habilidad y por una sorprendente calidad de ideas a la hora de determinar los rasgos más característicos de su sonido.

Descubramos aquí cómo lo consigue.

Paco Luque Foto Archivo

◗ Material de directo.

Cabezal Diezel modelo Herbert, pantalla ENGL XXL de 4x12”. Guitarras Heart-Art modelo Pretty. Efectos Cry Baby, Morley Crazy Horse, Chorus Boss y Pitch Shifter.

mos logrado”. En un momento en el que The Strokes parecen fuera de combate, The Hives tocan techo, y Kings Of Leon despegan como un cohete, Jet se encuentran en tierra de nadie, en busca de una identidad perdida. “El disco es muy ecléctico. Ninguna de las canciones es indicativa de cómo suena el conjunto.

El single, ‘She’s A Genius’, es muy dinámico; el inicio del álbum sorprende con ese toque tex-mex, y nunca antes habíamos escrito una canción como ‘Seventeen’. Las

“’Shaka Rock’ es la definición que hemos hecho nuestro de ese propio estilo musical, que puede llegar hasta África, al tierno mundo de los niños o a Extremo Oriente.

Así somos Jet. Estamos abiertos a todo.

Nuestra música engloba todas y cada una de las posibles culturas distintas que hay en el mundo entero. Eso es para nosotros el ‘shaka rock’”. En el Myspace de la banda se puede ver la reunión junto a Iggy Pop para registrar juntos una canción, una experiencia in-

“Rompimos con nuestro anterior sello, y tuvimos que buscar otro que quisiese publicar nuestra música” guitarras suenan más modernas, la calidad de sonido es más concreta, tocamos de otra manera… estamos contentos con todo el trabajo realizado. Han pasado seis años desde nuestro primer disco y la escena musical era distinta por aquellos días.

Ahora fluye todo con más naturalidad. Con ese debut exploramos, empezábamos a sobresalir como grupo, y, por suerte, creo que pudimos vivir ese momento para gozar ahora de esta nueva situación. Todo ha cambiado mucho en el entorno de Jet”. El extraño título del disco juega al despiste, si bien ellos tienen una explicación sobre esa decisión.

olvidable para el cuarteto australiano que un día reinó con aquel hitazo que era “Are You Gonna Be My Girl”. “Nos propusieron grabar ‘Wild One’ con Iggy Pop, y durante tres días fue nuestro invitado de honor en Miami. prima donna del rock, y el primer impacto fue de impresión. Era el cantante de The Stooges quien estaba allí con nosotros. Después, una vez hecha la primera toma de contacto, descubrimos que no se comporta como una estrella al uso. Es un tipo muy cool”.

■ Toni Castarnado

◗ ¿Qué importancia tiene para ti experimentar con instrumentos nuevos?

La base de mi sonido está en la distorsión pura que saca el mismo cabezal, no me gustan los pedales de distorsión. En el caso del Diezel ni a años luz se puede asemejar un pedal a la calidad que obtenemos del diseño y las válvulas de este monstruo. Me gustan las distorsiones densas pero limpias a la vez y eso sólo se consigue con una buena combinación de cabezal y pantalla para según qué tipo de música haces.

mismo con el tiempo si compone un tipo de música nada definido y que requiere una constante reinvención y búsqueda de algo nuevo para cada disco, pero he observado que para mi sonido, las Gibson (que eran las que tenía en mente) me iban a traer un problemilla serio de acoples y aparte el peso no me mola nada. Son demasiado pesadas para andar dando saltos por todo el escenario con el inhalámbrico y eso trae consecuencias en la espalda con los años y no es que nosotros seamos precisamente muy quietos en directo...

◗ ¿Tienes todo el equipo necesario para conseguir que tus ideas suenen en estudio como quieres?

Hubo un tiempo, hace meses, en que me planteé un poco cambiar las guitarras por sonido y por estética. Obviamente casi todo el mundo hace lo

◗ Desde que empezaste, ¿qué ha cambiado en tu equipo?

En el plano acústico sigo con aquella guitarra de categoría media que me regalaron mis padres hace diez años y que, bueno, hasta ahora me ha dado el resultado que necesitaba en cada

“Shaka Rock” está publicado por EMI

disco. Ahora bien, volviendo un poco a lo de antes de la búsqueda de los sonidos, en el plano acústico, una guitarra flamenca afinada en Do es un problema de sonido en estudio tanto por las frecuencias en que trabajamos como en la afinación, por lo sueltas que quedan las cuerdas por mucha tensión que tenga el calibre de esta. ◗ Nos gustaría saber qué tres discos usarías como referencia por su sonido.

Las influencias de Hora Zulú, tienen todas un componente oscuro y serio si se eligen bien los acordes, las tonalidades y la forma de interpretarlos, todos ellos influenciados por las músicas tradicionales de nuestra tierra y las culturas que pasaron por ella a través de su historia. El sonido de Hora Zulú se basa en eso, en las tonalidades oscuras y melancólicas, andalusíes... ■

(MondoSonoro · Octubre 2009 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“No confío en nadie salvo en mis abogados. Les pago" Mike Oldfield, en Q

“Hace falta más que sangre para ser mi hermano" Liam Gallagher de Oasis, en NME

“Sí, ¡estoy forrado! Aunque soy bastante soso para esas cosas.

Porque el dinero me ha llegado a los cuarenta; si es a los veinte... me mata" Fito Cabrales, de Fito & Fitipaldis, en Magazine de La Vanguardia

“Nunca explico de qué van mis letras. Nunca he escuchado a Bob Dylan contar de qué iban sus canciones" Mark Lanegan, en NME

“Siempre pensé que acabaría siendo un abogado" Rick Rubin, en Q

“Durante treinta años estuve tomando combinaciones letales de alcohol y drogas, y luego casi me mato en un accidente que tuve en una moto de cuatro ruedas cuando iba a dos millas por hora" Ozzy Osbourne, en Mojo

Wolfmother

Wolfmother Foto Archivo

“La droga que nunca nadie debería probar es la ketamina" Jota, cantante de Los Planetas, en La Opinión de Granada

En el universo Despejada la incógnita alrededor de su futuro, Wolfmother vuelven más fuertes, seguros de sí mismos y todavía más sanos que antes de que se anunciara que Andrew Stockdale, el vocalista de los australianos, se quedaba solo al mando de las operaciones. “Cosmic Egg” lo demuestra.

T

ras una etapa de crisis en Wolfmother, Andrew Stockdale sustituyó las dos piezas disidentes y añadió a un nuevo guitarrista, Aidan Nemeth, para dotar todavía de más empaque al conjunto. Así, tras los cambios, el grupo ofrecía en febrero una canción gratis en su web, “Black Round”. Los fondos recaudados por la canción iban destinados a la Cruz Roja: una buena causa y la mejor manera de anunciar que un nuevo disco estaba en camino. “Ahora estoy bien. Son buenos tiempos para mí tras todo el tema de la ruptura y demás. En este momento sólo me queda un camino, el de seguir hacia adelante e intentar enfocar de la manera más adecuada la carrera de Wolfmother. El truco ha estado en no desfallecer en ningún momento, seguir trabajando, escribir muchas canciones, buscar ideas. En fin, no parar, porque entonces ese sí es un mal síntoma. Obviamente, ahora tengo más responsabilidad.

La mayoría de ideas son cosa mía, si bien hay libertad para que todo el mundo opine y decida. Hay mucha más tranquilidad a mi alrededor, y eso ayuda a desenvolverte con más seguridad. Tratamos de hallar nuestra personalidad como grupo, y con esta gente me siento feliz y relajado. Todos esos factores juegan a favor de la banda”. Tras un primer disco de éxito, pero que de algún modo dejaba muchas dudas en el aire, sobre la posible evolución o no de los australianos, “Cosmic Egg” confirma que, afortunadamente, hay banda para un rato largo. “Todo se ha resuelto de una manera muy positiva y paciente. Hemos ido paso a paso, canción a canción, buscando en todo momento pulsar el botón más adecuado que requería cada ocasión. Nuestra obsesión ha sido la de conseguir la mejor calidad posible

en el sonido. Esa era nuestra tarea”. La baja voluntaria de Chris Ross, y la consiguiente de Myles Heskett, por no estar todos en el mismo barco, hizo tambalear un proyecto que en principio tenía muy buena pinta. “En algún momento pensé en cambiar el nombre de la banda, intentar

en nuestro primer disco abusábamos de un exceso de linealidad”. Si con su homónimo debut, se les acusaba de copiar a Black Sabbath, ahora Led Zeppelín podría ser su norte. “Las influencias siempre están ahí y quien te cuente otra historia te estará mintiendo. Es algo que sale de manera natural, inconscientemente.

Nadie debe esconder dónde está su escuela.

Y claro, Led Zeppelin es uno de esos grupos que están siempre revoloteando por nuestra cabeza. ‘In The Morning’ es un buen ejemplo.

En cambio, ‘Far Away’, con esos teclados y las voces que hay al principio de la canción,

"Led Zeppelin es uno de esos grupos que están siempre revoloteando por nuestra cabeza" hacer borrón y cuenta nueva, pero una vez había recuperado la serenidad, pensé que eso sería una estupidez. Que había vida para Wolfmother con ellos y también sin ellos”.

Dave Sardy, productor de “Wolfmother”, dejaba su silla para que la ocupara Alan Moulder. “No quería que nada intercediera entre lo que había sido mi pasado más reciente y lo que, en cambio, supone de positivo para mí, tanto nuestro presente como lo que será nuestro futuro. Quería huir de toda comparación, que todo oliera a fresco, a algo mucho más saludable y fue por esa cuestión que también decidimos cambiar de productor”. Uno de los cambios más sintomáticos ha sido la sorprendente evolución en la forma de cantar de Andrew Stockdale. Más matices y una mayor versatilidad. Un punto de inflexión importantísimo en su carrera.

“Durante los últimos tres años he aprendido mucho. Me he dado cuenta de que mi voz albergaba otras posibilidades, he descubierto que había cosas que podía incorporar al uso que hacía de ella. Antes cantaba prácticamente todas las canciones igual, y ahora el tratamiento cambia de una canción a otra.

En general todo es mucho más rico, ya que

me recuerda más a The Beatles. En nuestra gira americana nos empapamos mucho de la magia de los cuatro de Liverpool”. En 2006 giraron junto a Pearl Jam, y coincidieron también en ese ruedo con My Morning Jacket. Una oportunidad que supieron aprovechar. “Durante la gira con Pearl Jam, los chicos se portaron muy bien con nosotros. Ellos veían nuestros shows, y eso a nosotros nos hacía felices.

En vez de añadirnos presión, nos aliviaba el que ellos estuvieran a un lado del escenario.

Eddie Vedder me invitó varias veces a cantar con él ‘Hunger Strike’, una canción que me trae muy buenos recuerdos”. El título del álbum invita también a elucubraciones, aunque nunca diría de dónde proviene esa idea. “Desde hace un año más o menos, hago clases de yoga.

En una de ellas hicimos una pose llamada ‘cosmic egg’, y entonces pensé, que ya lo tenía. Era como una pose fetal. Para mí eso simboliza, en parte, el futuro, y eso me hace ser optimista”.

■ Toni Castarnado “Cosmic Egg” se publicará el próximo 26 de octubre por Universal

(MONDOFREAKO /14/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

AFI

Los estadounidenses AFI regresan con otro atípico y elaborado tratado de punk rock pasional. Tras la explosión comercial de “Decemberunderground”, “Crash Love” retoma el carácter más directo de su celebrado “Sing The Sorrow”. Hablamos con su bajista Hunter Burgan sobre el éxito, la metamorfosis del grupo y la crisis de la treintena.

M

ucho ha llovido desde que los chicos de A Fire Inside aparecieran con el look de “Reservoir Dogs” en la portada de su debut “Answer That And Stay Fashionable”, editado en 1995. Grupo de culto, para algunos, que ha sabido virar con dignidad del underground punkcore al mainstream más absoluto; carne de MTV y de adolescentes con trastornos adaptativos, según otros. De lo que no cabe duda es que Afi han experimentado una evolución artística y comercial espectacular. Su primigenio punk crudo y rápido a lo Dead Kennedys –sí, hubo Afi antes de “Miss Murder”- captó la atención de Dexter Holland de The Offspring, quien los fichó para su sello Nitro Records, y pronto incorporaron elementos del horror punk de bandas como Misfits. Aunque el verdadero cambio llegó en 1997 con la entrada de su actual guitarrista, Jade Puget, y la publicación de su cuarto disco, “Black Sails In The Sunset”, en el que adoptaron un sonido decididamente más oscuro con apuntes góticos y electrónicos. Junto a una mayor elaboración de

▲Suben los grupos españoles que mantienen vivo el formato Ep. En pocas semanas han publicado The Requesters, DeVito o The Last Three Lines.

los temas, ganaron peso el lápiz de ojos, las uñas pintadas y los flequillos imposibles. Y entonces llegaron los Afi que todos conocemos. La banda fichó en 2003 por la multinacional Dreamworks y edito “Sing The Sorrow”, número cinco en las listas de ventas norteamericanas. Le siguió “Decemberunderground”, que entró directamente en el número uno y que a la semana había vendido ya 182.000 copias. Suponemos que algo de presión habrá rodeado la gestación del nuevo “Crash Love”. “Siempre hay presión” –explica vía telefónica el bajista Hunter Burgan-, “pero al juntar todas las nuevas ideas para el disco nos sentimos tan orgullosos que olvidamos todo lo demás. Ha sido una experiencia refrescante. El éxito viene y se va. No puedes hacer planes en función de eso”. Pues aunque eviten pensar en el éxito, con “Crash Love” lo van a volver a saborear. Compuesto durante diez meses, el disco posee otra retahíla de melodías memorables y estribillos grandiosos. “Solemos componer muchas canciones y elegimos

▲Suben los miembros de grupos conocidos que publican material en solitario como Kyp Malone (TV On The Radio), Karen O (Yeah Yeah Yeahs) o Paul Banks (Interpol).

las más pegadizas. Otra cosa es que acertemos (risas)”. Estar en una major, asegura, les ha proporcionado medios para crecer sin tener que sacrificar su independencia creativa. “Nos consideramos afortunados porque gozamos de libertad artística absoluta, algo que no sucede con otros sellos grandes”. Un buen ejemplo de ello son sus letras, que, en contraste con ciertas armonías de lo más accesible, siguen ofreciendo una mirada adulta, cruda y oscura sobre la pasión, el amor o la muerte. “Giran básicamente en

AFI Foto Archivo

Fuego camina conmigo

cura deje paso a cierta madurez y a nuevas formas de expresar lo que sentimos. Nuestras emociones y nuestra música son más complejas ahora, y creo que nuestros discos reflejan lo que somos, como músicos y también como personas. Lo mejor de todo es que seguimos aprendiendo unos de otros. Lo único que esperamos es que los fans comprendan hacia dónde queremos ir y que nos acompañen en el viaje”. Entre ellos abundan los aficionados al emo, aunque esa etiqueta les queda

"Es un gran honor trabajar en lo que más amas y saber que, además, sirve de inspiración para otras bandas de éxito" torno al amor, el deseo y las relaciones destructivas. Cualquiera puede identificarse con ellas”. Por otra parte, en “Crash Love” afloran una vez más influencias variadas, desde Therapy? (“Cold Hands”) hasta Placebo. “Somos cuatro individuos con gustos musicales distintos, lo que nos abre diferentes caminos”, afirma tras confesarse tan fan de The Clash como de Sisters Of Mercy. “Uno de los mayores retos de este disco ha sido intentar no repetirnos”.

Una máxima que han defendido durante toda su trayectoria sin olvidar las raíces. “Obviamente, seguimos adorando el punk, pero estamos todos en la treintena y es natural que la fres-

▲Suben Bebe y Ska-P (pese a que se tuvo que aplazar la primera fecha) por haber ofrecido conciertos en Madrid con entrada gratuita para parados.

infinitamente pequeña. Lo prueban sus colaboraciones con Bleeding Through o VNV Nation, sus versiones de Morrissey, NIN o The Cure, el respeto por parte de músicos como Billie Joe Armstrong o Glenn Danzig, y la admiración que despiertan en toda una joven generación de bandas como Panic!

At The Disco, Aiden o My Chemical Romance. “Es un gran honor trabajar en lo que más amas y saber que, además, sirve de inspiración para otras bandas de éxito. Es muy halagador”.

■ David Sabaté

▲Suben los españoles Antonio Luque (Sr. Chinarro) y Javier Corcobado, así como Nick Cave por haber publicado nuevos trabajos literarios.

SUBEN ▲

tBajan los responsables de la televisión italiana a los que Muse dieron gato por liebre al ser obligados a actuar en playback (cambiaron sus papeles en el grupo).

“Crash Love” está publicado por Universal

▲Suben los amigos de Monsters Of Folk porque han demostrado que cuatro personalidades tan fuertes y creativas pueden sumarse sin necesidad de entrar en conflicto.

▼ bajan

tBaja el Dj y músico Armin Van Buuren después de haberle echado un vistazo al vídeo colgado en Youtube que confronta su trayectoria con la de Tiesto.

tBajan todos aquellos lectores de MondoSonoro que aún no hayan visitado nuestra nueva web y no se hayan registrado para comentar todo lo que les apetezca.

tBajan los británicos Klaxons por hacernos esperar tanto para escuchar sus nuevas canciones (¿o falta aún la aprobación de la multinacional que les edita?).

tAunque parezca mentira, la descarga ilegal de música está bajando un poco en números globales. Eso sí, no significa que la gente compre más.

(MONDOFREAKO /16/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

10

S

DISCO

No tenían suficiente con publicar discos atractivos, sino que han decidido unir fuerzas para darle forma a ese hitazo rompepistas que es “La fiesta aún no ha terminado” junto a Miqui Puig. Solamente por ello se merecen el compartir con nuestros lectores sus diez discos básicos.

The Mary Onettes

Repetir la fórmula La banda sueca se ha pasado tantos años perfeccionando su libro de estilo que para su segundo disco, “Islands”, apenas han tocado una coma. Una buena noticia para quienes se engancharon a los himnos de pop oscuro y ochentero de su debut

A

The Mary Onettes les han echado un mal de ojo. Sus primeros años como banda se malograron entre horas y horas de estudio sin sacar nada en claro y unos cuantos encontronazos con la industria discográfica. Su fichaje por Labrador Records y el éxito de crítica y público de su homónimo debut parecían haber conjurado el infortunio.

Sin embargo, al volver de su última gira norteamericana a Philip Ekström, compositor de la banda, le robaron de su coche el disco duro que contenía las nuevas composiciones. Para colmo de males, la copia de seguridad que podía haber solucionado el entuerto pereció víctima de una sobrecarga eléctrica. Sí, adversidades suficientes para dar carpetazo a una carrera musical, pero el acicate perfecto para alguien que se nutre del drama para componer. “Sí, todo lo que ha pasado ha afectado mucho al disco. Mis letras se han vuelto más personales. Antes solía escribir más tirando de la imaginación, como si se tratara de pequeñas historias que se forman en mi cabeza, pero todo lo que me pasó me ha hecho pensar y escribir más en retrospectiva. Quería recordar y capturar todos esos buenos y malos momentos de mi juventud y la estupenda gente que en su momento te rodeó, y ponerlo todo en un pequeño libro, que se acabó convirtiendo en nuestro segundo disco”, reconoce Ekström.

Tampoco es que la banda haya decidido comenzar de cero. En realidad, “Islands” está concebido como una secuela de “The Mary Onettes”. Como en toda segunda parte, las nuevas canciones carecen del elemento sorpresa, pero han ganado en ampulosidad y dramatismo. “La intención era mantener la esencia del sonido de nuestro primer álbum, como si se tratase de una extensión del mismo, aunque utilizando otro tipo de instrumentos. Dicha esencia

siempre ha versado en torno a un tipo de sonido épico. En esta ocasión quería que fuese aun más épico, con cuerdas reales y más instrumentos orgánicos como el piano, las guitarras acústicas y los coros”, reconoce. Las nuevas canciones siguen siendo deudoras de algunos iconos ochenteros, pero amplían el espectro. “Bricks” no está demasiado lejos, por ejemplo, de los A-Ha de “Hunting High And Low”. ¿Estaríamos ante un disco radicalmente distinto si

Es muy inspirador y es lo que me hace escribir ese tipo de canciones. A veces hay gente que me dice que debería dejarlo estar, pero no puedo, ni tampoco quiero”. Y es que, como sucede con tantas bandas suecas, es imposible entender al artista sin tener en cuenta su entorno. “Mi proceso creativo sería muy diferente si viviera, digamos, en España. El clima sueco a veces no te deja más opciones: o te quedas en casa viendo películas y jugando a videojuegos o te pasas el día en el estudio ensayando y escribiendo música. Yo elegí la última opción. ¡Claro que siempre puedes dedicarte a jugar al hockey!”, bromea. Quizá sea esta la circunstancia que explique la inabarcable cantera de

"Encuentro el pasado muy doloroso. De hecho, estoy un poco obsesionado con el mismo" Ekström no hubiera perdido las nuevas composiciones? “Supongo que sí. Escribí cuatro nuevas canciones; las otras las tenía guardadas en forma de demo o almacenadas en mi memoria”. Puede que en el mercado trendy no cotice ya al alza recuperar los ariscos guitarrazos del post-punk, pero The Mary Onettes persisten en la exploración de las tenues luces y las abundantes sombras del pop más oscuro de los ochenta. En el caso de Philip Ekström, no cabe hablar de revivalismo oportunista, sino más bien de una maniobra de escapismo musical que obedece a otra mucho más personal. “Supongo que la melancolía de las canciones son reflejo de lo que sucede en mi interior, como si se tratase de un espejo emocional”.

No por casualidad, canciones como “Once I Was Pretty” o “The Disappearing Of My Youth” exploran el implacable paso del tiempo y las oportunidades perdidas. “Encuentro el pasado muy doloroso. De hecho, estoy un poco obsesionado con el mismo. Especialmente en lo que se refiere a mi hogar y mi familia. Me encanta conducir a mi tierra natal y revivir lugares y memorias.

gemas pop del sello Labrador, cuya inspiración no parece fruto de la espontaneidad, sino de miles de horas escuchando y asimilando, hasta hacerlas suyas, las señas de identidad de sus bandas favoritas. “Islands” continúa esta gloriosa tradición melódica. A la impecable “Dare” (“quería que las cuerdas fueran sagradas, así que las grabamos en una Iglesia”), tema principal de su Ep de anticipo, podemos sumar “Symmetry”, una de las mejores composiciones hasta la fecha de Ekström, o “Century”, nuevos himnos de pop crepuscular diseñados para sobrevivir a largos inviernos más que para conquistar las listas de ventas. “Nunca me paro a pensar de forma consciente si mis canciones son más o menos melódicas o tienen madera de hit, como le pasó en su día a The Beatles o a Echo And The Bunnymen.

Sólo quiero que las canciones me parezcan buenas y signifiquen algo para mí”.

■ Javi Pulido “Islands” está publicado por Labrador/Popstock! The Mary Onettes estarán actuando en nuestro país desde el 8 hasta el 17 de octubre. Consultar agendas

The Mary Onettes Foto Archivo

PARIS ANGELS “SUNDEW” (1991) Se trata de uno de los grupos más desconocidos de Manchester, pero firmaron un hit clásico del Hacienda, “Perfume”. Su único disco nos ha influenciado y tenemos muchas similitudes con ellos, tanto en su manera de entender el pop como la electrónica.

RIDE “TARANTULA” (1996) Ha sido difícil tener que escoger entre “Tarantula” y su primer disco, así que lo que ha inclinado la balanza ha sido su portada. Musicalmente el disco nos parece un clásico. Un disco redondo de principio a fin, el álbum más rock y menos shoegazer de Ride.

HEFNER “DEAD MEDIA” (2001) Tal vez no sea el disco más valorado y citado de Hefner, es de lo último que hicieron. El artwork del disco es tan maravilloso como su música y da razones para seguir comprando originales.

THE NOTWIST “NEON GOLDEN” (2002) Obviamente no podíamos ignorar la indietrónica, y este sería uno de los discos bandera de esta escena, si es que realmente ha llegado a ser una escena.

Junto con Dntel, The Postal Service, el sonido Morr o Karaoke Kalk, nos ha influenciado mucho.

NATHAN FAKE “DRAWNING IN A SEA OF LOVE” (2006) Este es un disco de no hace mucho. Coincidimos todos en que fue nuestro favorito de 2006. Tiene la magia del homestudio y el do it youself, sin grandes nombres a la producción, tan sólo alguien muy joven encerrado con sus máquinas. .

808 STATE “NEW BUILD” (1988) Bueno, este es un clásico. Casi todos los grupos de electrónica británicos lo citan, pero es que es una verdadera pasada. TR-808 directas a mesa, nada de plugins. Cuando la electrónica se hacía con aparatos y secuenciadores, revolucionó la música dance...

DISCO INFERNO “TECHNICOLOUR” (1996) Uno de los grupos más desconocidos de la explosión post-rock, como una mezcla de Mogwai con New Order en clave lo-fi. Nos encantan todos los discos que hicieron. El sonido era sucio pero perfecto.

THE UNITED STATES OF AMERICA “THE UNITED STATES OF AMERICA” (1968) Psychedelia y experimentación en estado puro.

Me encanta porque les conocí después de escuchar bandas actuales como The Beta Band, Primal Scream o Manitoba.

GRANDADDY “THE SOPTHWARE SLUMP” (2000) Todos los discos y Ep’s de Grandaddy nos parecen brutales, pero este especialmente, de principio a fin.

Quizás sean uno de los grandes tapados del indie americano, pero valdría como grupo de culto al lado de Yo La Tengo o Pavement.

CABARET VOLTAIRE “MIX UP” (1979) Con este disco pasa lo mismo que con The United States of America, te quedas de piedra al descubrir que en el 79 podía haber alguien haciendo esto. ■

Anorak Foto Archivo

ANORAK

(MondoSonoro · Octubre 2009 /17/ MONDOFREAKO)

Billy Talent Foto Archivo

Billy Talent

Tercer asalto Los canadienses Billy Talent regresan con un tercer disco dispuestos a pulverizar todas sus marcas. Diestros en melodías pegadizas pero con un sonido más crudo que el de otros compañeros de generación, nos muestran en “Billy Talent III” su cara menos punk y más rock ayudados por el productor Brendan O’Brien.

P

odríamos empezar apuntando que el nuevo lanzamiento de Billy Talent barniza su punk rock crudo y melódico con una buena capa de riffs más propios del hard rock.

“Aún sonamos a nosotros, pero creo que hemos conseguido un sonido más fuerte y más grandioso, más envolvente. Las canciones, como bien has dicho, se decantan más hacia el hard rock clásico y también nos hemos dejado influir por grandes bandas de los noventa como Soundgarden o Rage Against The Machine. Creo sinceramente que éste es nuestro mejor disco”. En ello ha jugado un papel crucial, sin duda, el productor Brendan O’Brien, que ha trabajado, entre otros, con AC/DC, Pearl Jam o Bruce Springsteen. “O’Brien ha producido a algunas de las bandas y discos más importantes de todos los tiempos. Está en nuestro Top 5 particular y trabajar con él ha sido un sueño hecho realidad”. Ian D’Sa, guitarrista del grupo, reconoce, sin embargo, que al principio estaban un poco acojonados. Incluso prepararon una silla al estilo director de cine con las palabras ‘Mr. O’Brien’ a modo de bienvenida

y al productor no le hizo ninguna gracia. “Bueno... (risas) Su primera visita al estudio nos intimidaba un poco, pero ya de entrada nos hizo algunas sugerencias increíbles y en seguida supimos que íbamos a aprender mucho de él. Nos metimos en la grabación confiados y seguros de que obtendríamos algo grande”. Como ya hizo en el último disco de Mastodon, “Crack The Skye”, parece que O’Brien contagia de clasicismo rock todo lo que toca. Ian no tiene reparos en desmarcarse del punk. “Cogemos cierta estética del punk, pero hoy por hoy también podemos definirnos como una banda de rock a secas”. Y añade que, para él: “tan punk puede ser The Clash como un filme de Michael Moore”. Sin duda, y ahora más que nunca, lo suyo escapa de propuestas como la de sus compatriotas Simple Plan o Sum 41, con los que injustamente se les ha comparado en más de una ocasión. “Puede que con nuestro debut atrajéramos a fans del pop punk, pero nunca hemos estado metidos en ese rollo. Entiendo que se nos relacionara, porque hacemos canciones punk pegadizas, pero creo que con el se-

gundo y, sobre todo, con este último disco, la gente está empezando a entender mejor nuestra propuesta”. Billy Talent se sienten más identificados con otras bandas canadienses más virulentas como Comeback Kid, Cancer Bats o Fucked Up; incluso con los británicos Gallows. “¡Vimos a Gallows anoche en Londres! Fue impresionante! Tienes que verlos”. Lo que sí tienen en común Billy Talent y Simple Plan es su activismo social y solidario. “Participé en una canción para la organización benéfica Song

del campeón mundial de air guitar. ¿Alguna receta para futuros himnos? “Básicamente unos riffs de guitarra sólidos y con gancho, unos buenos coros y unas buenas letras”.

Las suyas abordan esta vez temas más personales. “Nacen de experiencias propias. Yo, por ejemplo, acabo de salir de una relación de cuatro años; también hemos perdido una persona cercana a la banda. La mayoría de los textos son bastante oscuros, pero ‘Definition Of Destiny’ cierra el disco de forma

"Básicamente unos riffs de guitarra sólidos y con gancho, unos buenos coros y unas buenas letras" For Africa. Con ellos visité el año pasado distintas escuelas y clínicas construidas en África por Free The Children. Fue muy revelador”. También financian un programa de becas para jóvenes con esclerosis múltiple. Algo que les toca muy de cerca, ya que el propio batería de la banda, Aaron Solowoniuk, padece esta enfermedad. Todo un ejemplo de actitud y fuerza vital. “Hasta ahora nos hemos centrado en Canadá pero tenemos intención de extender la iniciativa al resto del mundo”. Lo que de momento va a extenderse como la pólvora es la melodía de “Rusted From The Rain”, nuevo single con videoclip de Wayne Isham (Metalllica, Mötley Crüe) que promete competir con canciones como “Red Flag”, una de las piezas favoritas

optimista. Habla de seguir los signos que te conducirán hacia la consecución de tus sueños”. Los suyos se han materializado con una gira por los States, el pasado mes de julio, junto a Rise Against y los renacidos Rancid. “Rise Against son amigos nuestros y Rancid, uno de nuestros ídolos de juventud. Seguimos a Tim Armstrong desde 'Operation Ivy'”. En los próximos meses estarán tocando por Europa, pero aquí, como sucede demasiado a menudo, nos tocará esperar. Algo, sin duda, mucho más llevadero escuchando las canciones de su notable "Billy Talent III".. ■ David Sabaté “Billy Talent III” está publicado por warner

(MONDOFREAKO /18/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

Rinôçèrôse Foto Archivo

Rinôçèrôse

Cuero y neón Rinôçèrôse enamoraron a medio mundo a finales de los noventa con su innovador sonido dance-rock. Siempre recordados por “Le Mobilier” o “La Guitaristic House Organisation”, hits que todavía hoy suenan vibrantes, los franceses entregan en su quinto disco, “Futurinô”, la colección de temas más pop de su carrera.

J

ean-Philippe Freu y Patrice Carrié son dos viejos conocidos. Ambos, doctores en psicología de día y músicos de noche, llevan en esto desde mitad de la pasada década. En 1997 editaron “Retrospective” (¡editado en Elefant y mezclado por Steve “Dub” Jones!), debut que presentaba sus señas de identidad: guitarras y melodías rock conjugadas con percursiones house y bases electrónicas. Innovador entonces, disfrutable todavía hoy. Han tocado un porrón de veces en España y ellos mismos reconocen que nuestro país es uno de los que mejor les ha acogido durante toda su carrera. Rinôçèrôse han resistido el ir y venir de tendencias y han conseguido mantenerse en una posición privilegiada.

Son claramente una banda de singles antes que creadores de álbumes redondos, pero con los que es posible pasar un buen rato en cualquier club (visitan Madrid y Barcelona este mes de octubre, fichen) o festival (cerraron el Escenario Verde del FIB este año la jornada del domingo, ni más ni menos, aunque tuvieran que lidiar a la misma hora con Hell y Laurent Garnier). Pero, seamos francos, los Rinôçèrôse que molaban e

innovaron fueron los de antaño, sobre todo los de “Installation Sonore”, álbum influenciado por el french touch de la época. Por fortuna mantienen ese feeling en sus directos, en los que siguen colisionando dos mundos aparentemente opuestos: la frivolidad del rock con la ídem del house y el disco. Trajes embutidos de cuero y Gibson’s SG versus bolas de espejos y bombos a negras. Todo eso, son y serán Rinôçèrôse, aunque en su último disco, “Futurinô”, estén más cerca que nunca del pop y el brío de unos The Ting Tings producidos por Alex Gopher.

Glups. “Estoy de acuerdo en que es nuestro disco más pop, aunque muy probablemente el próximo álbum comporte una nueva revolución en nuestro sonido”, reconoce un dicharachero Jean-Philipe. “‘Futurinô’ es la secuela de ‘Schizophonia’ (V2, 2005).

‘Installation Sonore’ (V2, 1999) y ‘Music Kills Me’ (V2, 2002) giraban en torno a un mismo concepto musical, estaban centrados en un sonido más cercano al house. ‘Schizophonia’ supuso una ruptura, introdujimos vocales y la balanza se decantó más hacia

al rock. Seguimos teniendo muy buena sintonía con los dos cantantes principales: Mark Gardener (ex vocalista de The Ride) y Jessie Chaton, por eso decidimos seguir trabajando en esta dirección”. Jean-Philipe siempre ha promulgado ser un guitar freak (“tengo, espera que las cuente… Mmmm, entre quince y veinte guitarras”) y fiel admirador de los clásicos del rock&roll (“siempre recurro a Jimi Hendrix, The Who o AC/DC en la composición de cada trabajo”), pero una de las

escuchando pildorazos como “Time Machine” (en la que cantan Ninja, de The Go Team!, que no para), “Touch Me” o “Where Are You From”, los temas que marcan la pauta del álbum: infecciosos y directos, perfectos para anunciar refrescos de cola, galletas o cualquier producto teen. Para esta nueva entrega han vuelto a contar con Jean-Louis Palumbo a los mandos, miembro oficial desde su segundo álbum y pieza clave de la formación aunque no salga en las fotos. “Lleva las canciones a otro nivel y les

“Siempre recurro a Jimi Hendrix, The Who o AC/DC en la composición de cada trabajo” bandas que más le ha influenciado últimamente ha sido Cut Copy. “Los descubrí cuando ya teníamos hecho el disco pero vimos que teníamos conexiones. Tienen ritmos disco, melodías pegadizas, una voz sugerente, y un toque arty que me encanta. Para mi ‘In Ghost Colours’ es uno de los mejores discos de los últimos años”. Damos fe, se llevo un 4,5 sobre 5 en esta publicación, pero ¿qué hay de la nueva hornada francesa? ¿no os habéis empapado de los nuevos popes del electro galo?

“Me gustan algunas cosas como Justice o Mr. Oizo, pero últimamente a quien más he escuchado ha sido a Bob Dylan (risas).

Voy por temporadas…”. Cualquiera lo diría

otorga direcciones que nosotros ni siquiera nos planteamos en el momento de escribirlas. Es muy perfeccionista en la edición y es un freak de los sintetizadores, los arreglos electrónicos son cosa suya. Como es habitual ha sido el productor principal, pero también hemos trabajado con otros ingenieros como Alex Gopher, que se responsabilizó de la mezcla”. Pues nada, a hacer cuernos en el dancefloor.

■ Javi López “Futurinô” está editado por Phantom Sound & Vision/ Nuevos Medios. Rinôçèrôse estarán actuando este mes de octubre en nuestro país.

(MondoSonoro · Octubre 2009 /21/ MONDOFREAKO)

Ant-Flag Foto David Cooper

Anti-Flag

¡Muera la economía!

Anti-Flag siempre ha sido una banda de punk sin querer serlo del todo.

A contracorriente hasta con las propias tendencias de un género que ya es casi una caricatura por completo de lo que debería haber sido desde hace treinta años, los de Pittsburgh embisten ahora a su manera con “The People Or The Gun”, su séptimo disco de estudio.

L

o primero es lo primero: vuelta a la independencia discográfica, tras lograr usar los tentáculos de RCA para, por ejemplo, sumar a su experiencia su anterior producción con Tony Visconti. “Cuando estábamos pensando en quién podíamos incorporar al disco anterior, Justin estaba escuchando ‘Ringleader Of The Tormentors’ de Morrissey y nos dimos cuenta de que muchas de las cosas de las que estábamos hablando se encontraban en ese álbum. Le propusimos por teléfono producirnos y accedió, para él era algo diferente venir a Kentucky a trabajar con nosotros después de tener que lidiar con gente tan difícil como Bowie”. El efecto inmediato de esa vuelta a los orígenes es un álbum mucho más rudo que aquel “The Bright Lights Of America”, dominado por una amarga voluntad de romper, sí, pero también con la alfombra de la actualidad para construir esa utopía que Anti-Flag viene defendiendo desde sus comienzos. “Mucha gente nos está

diciendo que lo que parece que tratamos en este disco nuevo es de mantener el punk rock como algo interesante, con cosas que ofrecer… Queríamos un disco que la gente pudiera escuchar muchas veces, y encontrar significados diferentes cada vez, un álbum con elementos dinámicos. Pero me importa poco lo que se pueda decir del espíritu del punk o del punk que sale en la MTV2, lo que me importa realmente son por ejemplo el racismo, el machismo o la homofobia que siguen existiendo”, se reafirma Chris#2, voz, bajo e interlocutor, quien junto a Justin Sane, Chris Head y Pat Thetic, jóvenes y ya veteranos. “Sí que nos consideramos una banda de punk. Hay muchas definiciones al respecto de la palabra o el género, pero yo no encuentro que sea tan cerrado. Se trata de ser fieles al propio grupo, a los ideales del mismo. Si alguien nos considera clásicos, bien, eso es un gran honor para nosotros, mucho mejor que si alguien dice

¿Qué te parece que la mayoría de los ganadores de las diferentes categorías de los premios UFI (Unión Fonográfica Independiente) fueran escogidos por el público a través de Internet?

taryfreezone.org). Códigos morales que esperan tengan un espaldarazo institucional de aquí a unos meses. “Creo que habrá un cambio real con la administración Obama. Espero que haya una sanidad al alcance de todos, que se cierre definitivamente Guantánamo… si varias de esas cosas pasan, nuestro país será un país diez millones de veces mejor de lo que lo es ahora. Lo bueno que ha ocurrido bajo los mandatos de George W.

"Sí que nos consideramos una banda de punk... yo no encuentro que sea un género tan cerrado" que dices, el propósito final de un grupo como el nuestro sería un mundo en el que nuestras canciones no fueran necesarias.

Me gustaría escribir una canción sobre tener sexo en un baño, pero actualmente existen para mí, para nosotros, otras preocupaciones más serias”. La conciencia de Anti-Flag no se dibuja sólo a gran escala, también trabajan codo con codo con asociaciones que tratan de rebajar el impacto de lacras como la delincuencia juvenil en los barrios (www.cvvc. org) o la que cabalmente promueve el rechazo a los reclutamientos militares en institutos y universidades norteamericanas (www.mili-

Bush ha sido que la protesta en las calles ha crecido porque las políticas conservadoras han sido tan agresivas que la gente ha tenido que salir a moverse”. Este pasado verano Chris y los suyos visitaron el continente europeo “Es importante focalizar sobre la idea de que la juventud que nos sigue en Europa y la que lo hace en nuestro país no es tan diferente. Tenemos la misma serie de problemas e inquietudes”. ■ Nacho P. L. “The People Or The Gun” está publicado por Side One Dummy. anti-flag estarán en el eastpack antidote tour.

"La verdad es que no vemos el problema en que haya sido así. Internet es uno de los medios de comunicación más potentes del momento y que además vote el público creemos que es bastante más real que no un jurado que a lo mejor no te ha visto en la vida".

la pregunta indiscreta

que somos un grupo muy‘chungo’”. A Chris se le nota una seguridad y entusiasmo con el disco que quizá tenga algo que ver con que las cosas estén como estén ahí fuera, con una crisis que ya no entiende de nacionalidades ni etnias ni bolsillos ni entrepiernas, sino que nos sobrevuela cada vez que intentamos respirar algo que no sea plástico vaporizado. ¿Paradójico? Nada que ver, para un colectivo como Anti-Flag es la razón, coyuntural, de ser y concienciar. “Es cierto lo

Manuel Sánchez (Antonna, Los Punsetes)

"Es un sistema como cualquier otro, con su pros y su contras, sus luces y sus sombras, su ying y su yang y todo eso. Aunque si yo organizara unos premios desde luego serían los premios Mi Criterio o los premios A Dedo, elegiría aleatoriamente a los ganadores según me viniera en gana y me quedaría un palmarés mucho más chorra. Si la UFI quiere emplear este sistema, se lo presto. Si quieren que lo haga yo, que me paguen. Bueno, creo que no tienen un duro. Bueno, es igual".

La Kinky Beat

Pablo Román (Elastic Band)

"Muy democrático. Así la decisión puede parecerse a un “acuerdo de la mayoría”. Tampoco se nos puede olvidar que esa “mayoría” decide bastante condicionada, es relativamente libre y está más o menos informada. Seguro que esto es mejor que un jurado poco serio que vuelva a premiar a los que ya conocen o al que viene de la mano del conocido. También los jurados son mejorables. Lo que no creo que sea bueno es que los que informan, los que critican y los que premian sean exactamente los mismos todo el rato".

(MONDOFREAKO /22/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

NO confidencial

Martín guevara (CÁpsula) Constantemente de gira, este año han actuado, por segunda vez, en el SXSW de Austin (Texas). Para no perder el tiempo, también han publicado un par de discos: “Rising Mountains” y, junto al ex Voidoids Ivan Julian, “The Nacked Flame” . A ver qué nos cuenta.

Magnolia Electric Co.

El orgullo del artesano Jason Molina lleva muchos años luchando duro y componiendo grandes canciones al frente de distintos proyectos. Magnolia Electric Co. es uno de ellos. Ahora, con disco nuevo bajo el brazo (“Josephine”) visita nuestro país por enésima vez dentro del Roky Mountains Festival organizado por Houston Party y Ruta 66.

P

arco en palabras, pero incontinente a nivel creativo, Jason Molina lleva años construyendo una carrera tremenda, de fondo y sin un sólo traspiés. Al principio como Songs:Ohia y desde hace unos siete años como Magnolia Electric Co., sus canciones siempre han seguido el hilo inconfundible de su voz. Una voz cercana y poderosa, un auténtico pilar de la música americana de los últimos quince años. Corría el año 1996 cuando Songs:Ohia sacaron su primer single en Palace Records, la discográfica de Will Oldham. Era de cajón: enseguida le empezaron a llover comparaciones con el de Louisville. Poco a poco, a razón de un disco por año, tropecientos mil singles y Ep’s, Jason Molina fue avanzando posiciones hasta acabar siendo una de las patas de la mesa que formaban Bill Callahan, Chan Marshall, Will Oldham y él. Cuatro escritores de canciones excepcionales, una generación que ha acabado siendo un nuevo paradigma de la música de raíces americana, esa que no busca tanto las raíces como la copa del árbol. Y ahí siguen los cuatro. Hubo un tiempo en que Jason Molina era un artista permeable. Colaboraba con grupos distintos allí donde estaba y su música se mezclaba con la de otros. Tenía discos desnudísimos y de repente pasaba una temporada en Escocia para grabar con Arab Strap, para inmediatamente después convertirse en Crazy Horse para el siguiente disco.

Escuchar cada paso siempre era excitante porque siempre era distinto. ¿Ha cambiado eso desde que a principios de ésta década empezó a firmar sus discos como Magnolia Electric Co? Sí y no. Aunque siga colaborando una ingente cantidad de músicos buenísimos, Magnolia

Electric Co tienen un núcleo de miembros fijos, un sonido pétreo, lleno de matices, donde la mayoría de canciones cabrían perfectamente en un disco u otro como si hubiera encontrado por fin lo que había estado buscando en tantos otros discos. “Todavía escribo exactamente de la misma forma que en los días de Songs:Ohia. Siempre me ha gustado tener aportaciones de otros músicos,

fragilidad humana, han sido temas recurrentes en todos sus discos, pero aquí parecen cantados desde otro lugar, uno más sabio: “lo más duro fue el momento en que tuve que coger la guitarra periódicamente y simplemente escribir sobre ello”. Y para ello, sigue alargando su paleta, esta vez añadiendo alguna pincelada de country-soul de muchísimos quilates como en “Rock Of Ages” o “Little Sad Eyes”, algo que para él es más una cuestión de percepción nuestra que de su propia voluntad. “En realidad para mí son canciones normales. ‘Little Sad Eyes’ es simplemente una canción muy triste que suena algo más animada”. Porque Jason Molina entiende sus propias canciones como un artesano, un trabajador incansable más

"Todavía escribo exactamente de la misma forma que en los días de Songs:Ohia" para mí es fácil hacerlo. La peor parte es conseguir coincidir en tiempo y espacio con ellos”. Scout Niblett, Will Oldham, Alasdair Roberts, David Lowery, Edith Frost... la lista es interminable y llena de nombres que quitan el hipo hasta hoy, recién estrenado su último disco, “Josephine” y a punto de editar su colaboración con Will Johnson (Centromatic, South San Gabriel), “Esperamos tenerlo en otoño. Escribimos las canciones los dos juntos y estamos muy orgullosos del disco”. Este proyecto les traerá a ambos a la península en una gira que se prevé como una de las más emocionantes del año: por una parte, el directo es el hábitat natural de Molina, por otra, es una espina clavada desde la cancelación de su gira española hace un par de años por la muerte de Evan Farrell, uno de los miembros de la banda. Aunque “Josephine” no es exactamente un disco sobre Evan Farrell, su muerte recorre todo el disco. La ausencia de los seres queridos, la

que un artista tocado por algún don extraño.

“Siempre empiezo a componer bastante antes de grabar. En este caso no he enfocado las composiciones de una manera distinta a la que suelo realizar. Escribo cada día y eso me da mucho material donde elegir. A la hora de grabar, siempre intentamos hacerlo lo más parecido posible al directo”. Quizá sea esa la razón por la que incluso canciones tan maduras como “Knoxville Girl” puedan llegar a sonar tan hechas al momento como las de sus primeros discos como Songs:Ohia. Y ojo porque hablo de inmediatez. Molina adelanta a todos porque sus discos, sus directos, siempre son cálidos: el Neil Young de su generación.

■ Enrique Ramos “Josephine” está publicado por Houston Party.

Magnolia Electric Co. estarán actuando este mes en el festival Roky Mountains en Madrid, Alicante, Barcelona, Zaragoza y Mallorca.

Magnolia Electric Co. Foto Archivo

¿Cual es la montaña más difícil que has escalado?

Tocar algunas líneas de guitarra de Bob Quine de las canciones de los Voidoids que hicimos en la gira con Ivan Julian. Fue como hacer un ocho mil en el Himalaya del sonido. ¿Cuál es tu ciudad perdida?

Las ciudades que conocemos es porque vamos de gira. Nuestro lugar ideal es la carretera. ¿Qué haces cuando no estás tocando?

La mayor parte del día tiene que ver con la música, si no estamos ensayando o viajando a algún sitio para tocar, estamos grabando, escuchando discos o produciendo. ¿Por qué de Buenos Aires a Bilbao?

Bilbao es nuestro centro de la galaxia. Tiene un campo magnético, atracción pura. Casualmente vamos a pasar por Buenos Aires en uno de los próximos conciertos de la gira el mes que viene. Va a ser un bonito reencuentro. ¿Qué es lo primero que piensas cuando te levantas?

Debí haberme ido a dormir antes anoche. ¿Café, té o mate?

Café por vena para abrir bien los ojos, mate el resto del día y té de melocotón para la tarde.

Dos discos en un año… ¡qué sobrados!

Sí, los dos discos fueron publicados este año, aunque los veníamos desarrollando desde dos años antes. Las canciones pasaron por muchas fases y cuando salieron llevaban su rodaje. Estamos muy orgullosos de ambos y con el rec encendido para el siguiente.

Os han comparado con The Who, The Cramps, Sonic Youth y The Velvet Underground. Elije un único disco de alguno de estos grupos.

Nos halaga mucho que nos comparen con los grupos que crecimos escuchando. ¿Qué tal un disco grabado por John Cale al bajo, Keith Moon en la batería, Thurston Moore en la guitarra y Lux Interior cantando? Bueno... a Lou Reed le dejamos hacer las guitarras rítmicas para que no se rebote. ¿A qué crítico musical respetas más?

Periodista musical mola más. Crítico suena a viejete cascarrabias.

La última vez que te enfadaste fue…

No suelo enfadarme más de lo necesario y normalmente suele ser conmigo mismo. ¿Cual es tu revista musical favorita?

Más que revistas tengo mis periodistas favoritos. De todos modos paso más tiempo leyendo biográficos.

Ahora mismo estoy metido con “Up Tight” de The Velvet Underground. ¿Cómo cargas pilas antes de salir al escenario?

En realidad las pilas se cargan instantáneamente con la adrenalina una vez en el escenario. ¿Quien o qué es tu peor enemigo?

La paranoia puede ser un gran aliado, pero también el peor enemigo. ■

Martín Guevara Foto Archivo

◗◗

(MondoSonoro · Octubre 2009 /23/ MONDOFREAKO)

Killswitch Engage Foto Archivo

Killswitch Engage

¿El fin del metalcore?

Mientras el metalcore se dirige hacia terrenos cada vez más extremos, los norteamericanos Killswitch Engage siguen fieles a su combinación de death melódico, hardcore y estribillos que rozan el emo. Una fórmula con claros síntomas de agotamiento, pero que ellos ejecutan mejor que nadie en su nuevo disco homónimo. Y esta vez con Brendan O’Brien como director de orquesta.

L

a nueva obra de los de Massachusetts se titula sencillamente “Killswitch Engage”, como su homónimo debut de 2000; algo que parecía augurar un nuevo inicio o al menos un intento de redefinición de la banda. Sin embargo, su último disco se asemeja más al epílogo de sus dos anteriores entregas. Tras el sensacional “Alive Or Just Breathing”, todo un revulsivo para la escena del metal yanqui, la entrada del cantante Howard Jones marcó el punto álgido del quinteto a nivel creativo. “The End Of Heartache” poseía una producción mejorada y todos los rasgos del sonido del grupo hasta el día de hoy: riffs y armonías de guitarra propias del death metal melódico; estructuras y elementos cercanos al hardcore neoyorquino; y partes cantadas con voz limpia, especialmente en los estribillos, que rayan lo pomposo pero que se adhieren a tu cerebro cual sanguijuela. Polos opuestos que el quinteto ha sabido fundir en un estilo inicialmente original, atractivo y copiado hasta la saciedad. Brutalidad coreable.

“Emo-death”, si eso fuera posible. Tras el notable

pero poco novedoso “As Daylight Dies”, se imponía la necesidad de cambio, pero la banda ha vuelto a optar por la autocopia, por la autoafirmación, si prefieren los eufemismos. Algo que, por otra parte, no quita que estemos ante un disco cien por cien disfrutable. El propio Justin Foley, batería de la banda, reconoce el carácter continuista de su discurso. “El nuevo material suena como lo hacemos habitualmente, aunque hemos intentado sonar algo más orgánicos y probar cosas nuevas con las voces”. Como es habitual, el apartado vocal y la variedad de registros de Jones es uno de los aspectos que más sobresale del disco. También es uno de los puntos en los que más ha trabajado el afamado productor Brendan O’Brien (Pearl Jam, Mastodon) junto con la percusión. “Más que buscar grandes efectos o ritmos complicados, nos centramos en captar la vibración de la batería en directo.

Nunca había oído un resultado similar”. Otro matiz que llama la atención es el toque heavy metal de “Starting Over”, con un curioso trote

rítmico a lo Iron Maiden. “Creo que hay partes hardcore, partes thrash… no sabría decirte.

Sí que quizás hay algo más de heavy clásico, aunque también es algo natural porque llevamos escuchando metal toda nuestra vida”. ¿La buena acogida de su versión de “Holy Diver”, de Dio, no ha tenido, entonces, nada que ver? “Podría ser. Nos lo pasamos muy bien grabándola y tocándola en directo. Y parece que gustó mucho a la gente”. También gustó

final todo se trata de pasarlo bien y divertirse”. Algo más serios, al menos en apariencia, se mostraban en sus inicios, cuando lideraron la denominada New Wave Of American Heavy Metal junto a bandas como Shadows Fall o God Forbid.

“Apenas he vuelto a escuchar esa etiqueta. Al principio se hablaba mucho de eso.

Hubo una explosión de bandas. Yo venía, como Howard, de Blood Has Been Shed, pero nunca antes habíamos experimentado

"¿Cómo nos gustaría ser recordados?... qué coño, ¡como una buena banda de heavy metal!" su actuación del pasado mes de junio en el escenario principal del Download Festival de Londres, en el que abrieron para Faith No More. “¡Estaba muy excitado por verlos! ¡Son una de mis bandas favoritas! Fue un concierto impresionante y tocar en el mismo escenario lo hizo aun más especial”, recuerda Foley emocionado.

Para el recuerdo van quedando también los modelitos imposibles que utiliza para los directos el guitarrista Adam Dutkiewicz, capaz de combinar unos shorts con un gorro de lana con orejeras y una capa de superhéroe. “Adam es un tipo jodidamente divertido. Sorprende ver esas pintas en una banda como la nuestra, pero eso precisamente lo hace más divertido. Al

semejante comunión y complicidad con los grupos de nuestro alrededor”. Foley se despide haciendo honor a su fama de tipos divertidos.

“Espero que cuando volvamos a España ya nos hayamos aprendido las nuevas canciones. Ahora ya las tocamos casi igual que en el disco (risas). ¿Qué cómo nos gustaría ser recordados? Sólo aspiramos a crear unas cuantas canciones que gusten a la gente.

Bueno, qué coño, ¡como una buena banda de heavy metal! (risas)”.

■ David Sabaté “Killswitch Engage” está publicado por Roadrunner/Divucsa

Avenues & Silhouettes Foto Archivo

(MONDOFREAKO /24/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

Avenues & Silhouettes

Lluvia de estrellas Uno de sus momentos cumbre fue participar en el Festimad 2007, donde compartieron cartel con The Used y Pearl Jam. El más bajo, sin embargo, ha sido el tener que bregar en un limbo editorial, que al final ha tenido final feliz. Con “Meteors” (Kaiowas, 09), los madrileños Avenues & Silhouettes sacan el resto, y se marcan un descomunal ejercicio de hardcore.

S

u juventud -con una media de veintipocos años- no les impide ser críticos con los clichés que rodean un género en el que el componente visual ejerce de poderosa telaraña. Pero no nos engañemos, los tan manidos flequillos góticos y los providenciales guantes de esqueleto no figuran precisamente en su fondo de armario. “Yo llevo intentando sacarme el carné de emo un buen tiempo, pero siempre suspendo el examen práctico. La parte que peor se me da es cuando tengo que grabar un video en Youtube enumerando mis diez breakdowns preferidos”, comenta el bajista Miguew a modo de coña. “Ahora en serio, la etiqueta emo se utiliza para tantas chorradas que ya no tiene sentido. Hay moda en todos los estilos de música conocidos y por conocer. El exceso que hay en el mundo del emo es tan ridículo como el que hay en el mundo del hardcore, donde la marca de zapatillas y los pantalones cortos de chandal parecen más importantes que los grupos que vas a ver. Lo importante es sentirte a gusto con quién eres y

no hacerlo por complacer a tus coleguitas de los fines de semana”. La carrera del combo castizo ha sido meteórica (haciendo honor al título de su primer largo), así se atisba en un disco que destila una madurez poco convencional en estos lares. Sin nada que envidiar a vacas sagradas como Norma Jean o Bullet For My Valentine. “Cuando hicimos ‘Oh, How Welcoming Your Reflection’ simplemente éramos cinco chavales queriendo hacer ruido, con trabajo claro está, pero al fin y al cabo la cosa era de poner el volumen al once y pasárnoslo bien. Con ‘Meteors’ no solo hemos evolucionado musicalmente sino personalmente . Entendemos la música de otra forma, intentamos recrearnos más en los detalles, que se puedan descubrir nuevos en cada escucha”. Marcados por una gira europea en la que pudieron comprobar el efecto de sus nuevas composiciones en el público, sus canciones cobran otra dimensión a la hora de desmenuzar su contenido lírico. “El disco habla sobre la autoestima, el potencial de cada uno, la superación personal y la

fuerza de voluntad, puntos muy presentes que se tienen en los debates internos que se producen a nuestra edad. El catálogo de personajes presentes va de los inseguros a los confiados, moviéndose en contextos distintos como la amistad, las relaciones personales, la escena musical, el condicionamiento de nuestros orígenes… El título del disco es una alegoría sobre la capacidad de superación de cada uno que encuentra sus límites, generalmente en

mos a alguien que ha contado en su agenda con Mago de Öz o Children Of Bodom saldría a relucir la mano cornuda sin más dilación. “Lo que más nos convenció de elegir a Mika Jussila fue escuchar el Ep de El Ego que había masterizado. Carlos Santos -el ingeniero de sonido- nos puso la versión sin masterizar y la masterizada una después de otra y fue instantáneo. Supimos que de las distintas opciones que teníamos en mente, esa era la mejor”. Su cantante, Kals, ha tenido el honor

"Yo llevo intentando sacarme el carné de emo un buen tiempo, pero siempre suspendo el examen práctico" distracciones o traumas. Se interesa por el enorme potencial que cada uno tenemos dentro, animándonos a darle el uso que prefiramos en función de nuestras ambiciones personales. Y las propiedades físicas de los meteoros se convierten en una metáfora lo suficientemente persuasiva”.

Que una de las grandes voces del heavy metal patrio se haya hecho cargo de la producción puede chocar bastante. O no. “Leo Jiménez (ex Saratoga, Stravaganzza) es un gran cantante con la cabeza siempre en funcionamiento y con gran experiencia en grabaciones de todo tipo. Creíamos que sería beneficioso para darle un toque diferente a nuestra música y no nos equivocamos”. Y si suma-

de grabar con Another Kind Of Death, Something About Belgrado y Nacen de las Cenizas, algo que le permitió entrar por vez primera a un estudio de grabación con dieciséis años. “Por otra parte Tweety (batería) y Manu (guitarra) han trabajado como productores en una dimensión más profunda. Tweety ha producido a Never Draw Back y So Alive.

Mientras que Manu lo ha hecho con Something About Belgrado. Ambos siguen desarrollando sus habilidades en esta labor de forma prometedora”.

■ Miguel Ángel Sánchez Gárate “Meteors” está publicado por Kaiowas

(MondoSonoro · Octubre 2009 /25/ MONDOFREAKO)

EN LA

MALETA

Zombie Nation Foto Archivo

Zombie nation Aunque todos le conozcamos como Zombie Nation, Florian Senfter es uno de esos tipos aguerridos que combina con una sabiduría magistral sus facetas de músico y Dj. Este mes le tenemos respondiendo a lo referente a su actividad como pinchadiscos. ◗ ¿Cuáles eran tus intenciones cuando empezaste a pinchar? ¿Pasarlo bien, conocer chicas o convertirte en una estrella?

Por supuesto que todo eso, pero sobre todo empecé porque me fascinaba la parte más técnica de mezclar dos discos y convertirlos en algo nuevo. ◗ ¿Qué recuerdas de tu primera sesión?

La primera vez que puse música en público fue en un sótano de una fábrica abandonada.

Fue una experiencia inolvidable y una fiesta muy loca. Lo que aprendí aquella vez es que es la gente la que hace la fiesta, no el Dj.

◗ ¿Y al contrario? ¿Cuál de tus discos favoritos no te has atrevido a pinchar nunca en una sesión?

Hay muchas canciones que me gustan que no encajarían en ninguna sesión. Escucho un montón de soul y funk. Si pones ese tipo de canciones en una sesión con una base o un remix, acaba sonando a house comercial. ◗ ¿Qué es lo más odioso que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

Bueno, creo que todo puede ser cool a no ser que hagas el mismo truco cada cinco minutos. Ah, sí, ya lo sé. Está definitivamente descartado tocar el air piano. La air guitar sí que está permitida. ◗ ¿Cómo influye la respuesta de la gente en tus sesiones?

Si siento que todo el mundo se lo está pasando bien, suelo sumergirme más en la música y hacer algo más experimental. Tiene más que ver con la fiesta en general que con el Dj. No cabe duda de que para un Dj siempre será más difícil conseguir animar un sitio medio vacío que un local totalmente lleno en el que todo el mundo está borracho. ◗¿Tienes algún problema en mezclar guitarras y electrónica?

No. Si la fiesta está bien, todo es posible. ◗¿No te cansa trabajar de noche?

No, de hecho siempre he sido una persona muy nocturna y, además, trabajar de día tampoco es una cosa increíble. ◗¿Qué opinas del papel que juegan los Dj’s en este momento?¿Crees que son importantes o se les tiene demasiado en cuenta?

No me preocupan los Dj’s. La mayoría no suelen impresionarme. Sigo pensando que es mucho más cool estar en un grupo. ◗¿Recuerdas tu mejor sesión hasta la fecha?

Lo siento, pero no. Bebí demasiado. ■

Simian Mobile Disco Foto Archivo

◗ ¿Qué disco nunca falta en tus sesiones?

No tengo ningún disco que siempre lo haya estado, más que nada porque creo que es bueno cambiar siempre el set.

Simian Mobile Disco

Nuevos caminos El dúo inglés se rodea en su segundo disco, “Temporary Pleasure”, de siete vocalistas de lujo para dar forma a una obra que seduce aunque se alejen de las luces de neón y la acidez nerviosa de su ópera prima.

Han escogido el camino difícil, pero, tras un par de atentas escuchas, la conclusión es que han acertado.

J

ames Ellis Ford lo repite varias veces durante los menos de quince minutos de conversación telefónica: “Se trata de evolucionar constantemente”. Y paradojas de la vida, esa evolución les ha llevado de nuevo (y parcialmente) al pop. “‘Temporary Pleasure’ es un disco más calmado y pop que el primero, pero mantenemos la esencia de nuestro sonido”.

Como ya hicieran en “Attack Decay Sustain Release” (Wichita, 07), han incluido diez cortes, todos ellos de entre tres y cuatro minutos de duración. Pero mientras que en su primer álbum los invitados que brillaban eran su ex-compañero en Simian, Simon Lord (The Black Ghosts) y Ninja de The Go! Team metiendo algunos fraseos tan simples como efectivos (“It’s The Beat!”), ahora el dúo cuenta con una lista de siete gargantas de lujo. En orden de aparición: Gruff Rhys (Super Furry Animals), Chris Keating (Yeasayer), Beth Ditto (The Gossip), Jamie Lidell, Alexis Taylor (Hot Chip), Young Fathers y Telepathe. “Fue algo accidental. Queríamos incluir tan sólo un par o tres de cortes vocales, pero todas las pistas que nos enviaron eran tan buenas y funcionaban tan bien, que cambiamos radicalmente de dirección y decidimos hacer un álbum de canciones más que de temas para club”.

Los colaboradores tuvieron carta libre. “No les pusimos ninguna condición, nos dejamos sorprender. Todas las letras las han hecho ellos mismos y no hemos tocado ni una coma. Es lo mejor, porque para un cantante es más natural cantar lo que ellos mismos escriben”. Y de esta manera aparentemente tan sencilla y diligente les ha salido “Temporary

Pleasure”, un disco de notable, que se divide entre temas electro pop de originales ritmos y estribillos adhesivos, junto con soberbios tracks de pista como “10.000 Horses Can’t Be Wrong”, la epidérmica “Synthesise” o la taquicárdica “Ambulance”. “El disco iba a ser otra cosa: temas de siete minutos enfocados a la pista de baile”.

tardar más de un día en tener un tema. Si nos estancamos, desechamos la idea porque si no sale rápido quiere decir que no funciona”. Más cosas, que se acaba el espacio ¿algo ha cambiado en SMD desde que pegasteis el petardazo y liderasteis la nueva era post-Daft Punk? “La música que escuchamos, la que hacemos y la que pinchamos. Estamos continuamente en movimiento, aunque el espíritu del proyecto sigue siendo el mismo, no queremos encasillarnos como una banda electrónica porque también estamos abiertos al pop y al rock”. Ídem filosofía en los directos. “Nuestro directo está continuamente en evolución, nunca hacemos uno igual, cada vez que

"Decidimos hacer un álbum de canciones más que de temas para club" ¿Y por qué habéis escogido el camino difícil? Quizá los fans querían chuletas y les estáis sirviendo ensalada. “Hemos tomado el camino adecuado. El segundo disco siempre es peligroso, y más aun cuando intentas hacer lo que tus fans esperan de ti. Creo que muchas bandas cometen ese error”. James puede estar tranquilo, el álbum es un pepino aunque contenga un par de temas que bajen el listón como “Cream Dream” o “Turn Up The Dial”. Además la producción es excelente y han ganado brillo en su sonido sin perder nervio. Han mejorado manejando sus máquinas. “El único software que usamos es Pro Tools. Seguimos trabajando con antiguos sintetizadores y cajas de ritmos. Nos gusta y se nota en el acabado final. Para nosotros supone un trabajo más instintivo y creativo que manipular programas y sintes en un ordenador. Odiamos los menús y las programaciones en una pantalla”. Venga, confiésanos otra clave de vuestro modus operandi. “Intentamos trabajar rápido y no solemos

tocamos modificamos algo. Las estructuras cambian, incorporamos nuevos sonidos…

Intentamos que nuestra música no pare de crecer y explorar nuevos caminos”. “Attack Decay Sustain Release” trajo consigo un disco de remixes, “Sample And Hold”, en el que participaron Joakim, Shit Robot, Simon Baker o Cosmo Vitelli entre otros. No se sabe si repetirán el experimento. “Queremos ir con más cuidado con el tema de los remixes… Con el anterior disco hubo demasiados y para éste vamos a seleccionar los justos y necesarios”. ¿Y ahora qué será lo próximo? “Por el momento no vamos a producir para otros artistas y vamos a concentrarnos en reconvertir los temas del disco en versiones extended para pinchar.

Es muy probable que lancemos estas versiones el próximo año”. Pues que siga la fiesta.

■ Javier López “Temporary Pleasure” está editado por Wichita/Nuevos Medios.

(ENTREVISTA /26/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

Desabrochando a

L.A. Foto Alvaro Antolinez

L.A.

Pop con sabor a sal Una alegría reencontrarme, aunque sea vía telefónica, con Luis, o L.A. para hablar de su faceta artística. Una alegría porque “Heavenly Hell” cumple las expectativas puestas en una carrera que viene de largo.

Alegría también porque siempre es reconfortante encontrarte en muchas de las letras que alguien escribe. Y alegría porque, joder, sigo pensando que es un buen tipo.

D

e este rollo van las entrevistas que me gusta hacer, de buenas personas que para colmo son trabajadoras y con talento. Cuando además esas personas me regalan canciones que poder hacer mías, en las que perderme o hallarme, el flechazo suele ser muy, muy largo. Es lo que me ha pasado con L.A. y su nuevo trabajo, el primero para una multinacional después de varios años de lucha desde las barricadas. “Heavenly Hell” es un disco que igual me hubiera pasado desapercibido de no ser por llegar desde donde llega y a manos de quien llega.

Reconozcámoslo, las oportunidades de L.A. viviendo en Estados Unidos no serían muchas más que las de otros artistas similares , pero viniendo de un exilio insular, no me queda más que quitarme el sombrero. Ojo, que no digo que el disco no lo merezca, cortes como “Crystal Clear”, “Perfect Combination”, “Hands”, “Sweetest Goodbye” o “MIcrophones & Medicines” han hecho que crea en una serie de canciones que tenía olvidadas, quizás porque entonces no necesitase el sabor de sus mensajes. Ahora me vienen de maravilla. Les voy a contar quién es el responsable, lo vamos a hacer entre los dos para que quede claro que este señor arropado por una multinacional no es ningún infiltrado. “Es que no me gustaría que la gente pensara que aparecí ayer. Empecé por

el 93 o 94. Luego me monté Glycerine donde tocaba la batería y cantaba. Empecé con The Nash sobre el 2000 y con ellos hicimos algo más en serio, empecé a ver lo que era salir de Mallorca y girar con bandas como Buzzcocks o The Soundtrack Of Our Lives. Trabajamos bastante, era como ser una banda de

T

odo este trabajo y empeño al final parece que comienza a dar sus frutos. “Fue una humilde discografía editada, a disco por año, y en 2006, con el disco doble que saqué conseguí que la distribuidora El Diablo me hiciera caso. Entonces me planteé hacer el disco para el año siguiente”. Ojo, que estamos hablando de alguien que vive en Mallorca, no en una capital peninsular llena de salas y, por decirlo de algún modo, oportunidades. “Es complicado para alguien de Madrid, por ejemplo, meterse en la mentalidad de un tío que desde los trece años está soñando con algo así.

Y aunque suene muy poético, está soñando desde una isla. Una isla es un sitio completamente acotado y no existe el ‘vamos a coger

“No me gustaría que la gente pensara que aparecí ayer” verdad, con su lado bueno y su lado malo.

Hicimos gira con Buzzcoks por Inglaterra”.

Vamos situando a L.A. en contexto. “En 2004 es cuando me planteé seriamente hacer algo yo solo. A ver si todas esas demos que tenía grabadas en casa en el baño, servían para algo. Se lo empecé a enseñar a amigos y me animaron a grabarlo todo en un álbum. ‘Grey Coloured Melodies’ es el primer disco, y lo saqué con el sello que creé. Me pillaron en un club de Palma y empecé a tocar semanalmente y a hacer una serie de seguidores que me hicieron confiar en mí. Ya no sólo estaba detrás de los tambores sino que daba la cara con una acústica”.

la furgo y vamos a tocar a Burgos’. Eso no es así. Tienes que alquilar una furgoneta, meter el equipo dentro, pagar un barco. Es algo que parece como imposible, ¿no?”. Si ya es toda una proeza para grupos gallegos o andaluces, lo de las islas es algo casi impensable. Y aun así se embarca en una aventura carísima y muy larga para la grabación del disco que todavía estaba huérfano. Aventura en la que, aunque es responsable de todos los instrumentos que escuchamos, estuvo acompañado en todo momento por Toni Noguera en las interminables labores de producción. “Los dos juntos hemos sido uno en el proceso de grabación del disco. Ha grabado, bajos, sintes, guitarras eléctricas, etcétera…

Llevo trabajando con él desde el primer disco de Glycerine, en 2002. Desde entonces ha masterizado todo mi trabajo anterior como L.A., hemos tocado juntos en Los Valendas, con los que grabamos disco en 2006, y volvió a estar conmigo en la mezcla del disco que realizó Nick Didia en Atlanta. A veces no nos dábamos cuenta y llevábamos tres meses con una canción. Cuando nos dábamos cuenta teníamos noventa pistas para esa canción. Pero siempre hemos trabajado con ilusión”. Ilusión y algunos ramalazos freaks que tanto gustan en esta casa. “Fue una de esas veces que comíamos en el estudio.

Estábamos probando percusiones de todo tipo. La canción nos pedía un sonido, una percusión que no encontrábamos y al final pillé la barra de pan, con su envoltorio de papel, y usándolo contra el MondoSonoro de aquel mes, encontramos el sonido”. Apunten este dato, señores ingenieros de sonido.

En Mallorca llueve a mares y yo tengo una fiebre que no puedo salir de casa, así que hablamos de las canciones, parece que ninguno de los dos tenemos prisa por terminar con la entrevista. Le pregunto por “Microphones & Medicines”, la cual me parece hecha para terminar un concierto dado el guiño de su letra al respetable. Pero no.

“Bueno, algo tiene que ver con el proceso de grabación. He pasado por una serie de fases complicadas y…”. Y ahí quiero ir a parar. Es un disco de amor, de relaciones, de sentimientos. Le estás cantando muchas de las frases a alguien en particular, no me engañas. No me engañas porque estoy pasando por lo mismo, porque canciones como “Perfect Combination” o “Close To You” definen a la perfección lo que quiero explicar. “Muchas veces despersonalizo las letras para que no parezca que estoy hablando siempre de lo mismo, que no parezca que estoy siempre hablando de una misma persona. A veces me dejo llevar mucho por una película o algo que me venden en un libro o una revista”. Cuando ya no me cabe duda es cuando le escucho cantar esas letras. La voz de L.A. es cálida, y a la vez llena de fuerza y sentimiento, es una voz enorme y capaz de una sinceridad que asusta.

“Ahí es cuando cobra más vida, es cuando de repente estoy leyendo la letra. Yo en los ensayos me implico emocionalmente. No hay público, no hay nadie, pero me cuesta no meterme en el personaje. Me cuesta no interpretar esa canción. De hecho, muchas veces, si no estoy metido ahí, ensayamos sin cantar la canción. No me gusta cantar sin darle sentimiento. Ha habido ensayos que he acabado casi con la lagrimita. Por una serie de cosas, o porque la letra te recuerda tal…”. Una de mis favoritas, la que abre el disco, “Crystal Clear”, ha sido mi canción de cabecera durante los últimos días. Una canción que define un estado emocional demasiado familiar en estos momentos, la duda. “Pues sí. Todo va muy guay, todo va como muy rodado, pero obviamente no sabes cómo va a acabar.

Eso se verá cuando salga a la jungla, a ver cómo me va a acoger esa misma jungla”.

■ Rafa Angulo ➲ L.A. visten Jeans Levi’s® 501® y tops de Levi’s® Red Tab”

“Heavenly Hell” está publicado por Universal

(MondoSonoro · Octubre 2009 /29/ ENTREVISTA)

The New Raemon Foto Lyona

The New Raemon

Gimnasia emocional Su segundo larga duración en apenas un año y con un Ep en el camino, “La dimensión desconocida”, alarga la sorpresa que supuso el debut de The New Raemon. De nuevo apoyándose en una voz carismática y unas letras personales, Ramón Rodríguez celebra el encuentro con su nuevo alter ego de la mejor forma posible: creciendo en todo.

T

iene dos hijas de una relación anterior.

Se lleva muy bien con la madre. Su anterior disco hablaba de otra relación, su actual novia. Con Ramón Rodríguez uno siente ganas de meterse donde no le llaman, de entrometerse en su vida y mirar en los cajones del comodín, y es culpa suya. Nos dio permiso con “A propósito de Garfunkel” (B-Core, 08), sus primeros pasos como The New Raemon, un disco tan íntimo como humilde que le ha permitido, tras años de esforzada militancia en Madee, uno de los mejores grupos de la escudería B-Core, vivir de la música. “Compongo por las mañanas”, cuenta, “cuando las niñas están en el colegio. A la grande le gusta más Madee.

Me ha salido un poco heavy. Pero nunca se lo he puesto yo, se lo pone su madre.

De hecho, cuando están en casa ni toco ni grabo”. Y uno tiende a oler el café y sentirse las legañas. Así es cómo se hace un disco y así nació “La dimensión desconocida”, tercer episodio tras su espléndido debut y el EP “La invasión de los ultracuerpos” (B-Core, 08), fruto ambos de un mismo impulso. “Nunca pensé en hacer una gran obra ni mucho menos, aunque cuando estuvieron grabados los temas con Ricky Falkner pensé, bueno, está bien. Era todo muy minimalista y sencillo. La idea inicial era grabar las canciones yo solo con la guitarra, pero luego fuimos añadiendo elementos. La diferencia en esta ocasión es que ya he pensado las canciones sabiendo que tenía la banda detrás”.

En general, “La dimensión desconocida” es un disco más consciente, la instrumentación es más detallista y parece que te has esforzado en darle un tratamiento propio a cada canción.

Sí, se nota que ya llevamos un par de años tocando juntos y que hemos hecho muchos conciertos. Cada uno sabe cuál es su rol y yo

soy más consciente de las posibilidades que tengo a mano cuando hay que grabar. Es lo bonito de este proyecto, empezó un poco a ver qué pasaba y luego ha ido creciendo poco a poco. Me siento más cómodo con el idioma y cantando. En el primero estaba más comedido.

Estaba probando un terreno que tampoco tenía muy claro. w Hablando del idioma, a nivel de letras vuelves a usar frases hechas y expresiones comunes como trampolín para tus propios pensamientos.

Es que soy bastante payaso en general, siempre hago bromas con juegos de palabras. Uso bastante esas frases hechas y las llevo a otro contexto. Le da un efecto especial, como eso de “hasta luego, Lucas”, que es de Chiquito. Me sale así. Desde el principio lo que quería intentar con las letras era ser fiel a cómo me expreso coloquialmente, no hacerlo ni demasiado poético ni demasiado soez, un poco como se lo dirías a esa persona si se lo estuvieras explicando en un bar. w “A propósito de Garfunkel” hablaba de una relación. ¿Vuelve a haber una temática concreta o una idea que una todas las canciones?

Cuando te sientas a escribir a veces estás inspirado y a veces no. Otras estás inspirado pero sólo te salen un par de canciones y luego estás cuatro meses sin escribir nada. Estas canciones han sido escritas a lo largo de un año y con lapsos entremedias, quizás por eso la temática no es tan evidente como en el anterior, que era una declaración de amor muy evidente. Estaba un poco cansado de esa temática, porque el último disco de Madee era más o menos lo mismo. No me apetecía escribir canciones de pareja. Quizás este sea un disco menos exhibicionista. Hay que leer más entre líneas, aunque también creo que cada uno se las puede apropiar.

“

Todo el mundo ha tenido una relación en la que lo ha pasado fatal”, añade, “pero es que el anterior disco era tan explícito que a veces te sentías algo extraño, cantando esas canciones delante de la gente, porque además quizás está allí esa otra persona sobre la que cantas. Llegaba a sentir vergüenza de verdad”. A Ramón Rodríguez se le acerca la gente y le pregunta cómo está. La gente se preocupa por Ramon Rodríguez, algo que no le había sucedido antes.

Tal es el efecto de sus canciones. “Es curioso ver la idea que se hace de ti la gente a partir de una canción; con Madee no me

tadas, porque a veces notas que falta ese punto de tensión en los conciertos, pero también temas calmados. No hay ningún secreto en la música que escribo. Cualquiera podría hacerlo, porque está todo hecho. Tú simplemente intentas buscar tu propia personalidad y hacer lo que sientes en ese momento. Siempre he intentado hacer discos que me gusten a mí. w ¿La buena recepción de “A propósito de Garfunkel” ha hecho que te crees expectativas respecto a éste nuevo disco?

He aprendido a no tomarme las cosas demasiado a pecho. Antes me lo tomaba todo demasia-

“La gente se hace suyas las canciones de The New Raemon y las interpreta a su manera” pasaba. La gente se hace suyas las canciones de The New Raemon y las interpreta a su manera”. Es el resultado de que la gente entienda tus palabras. Después de años en un grupo con letras compuestas en inglés, The New Raemon supuso su primer experimento en castellano y eso ha permitido una comunicación más fluida entre autor y público. Todos hemos salido ganando, porque si hay algo que merezca atención además de su forma de cantarlas -esa voz- son esas palabras que siempre parecen esconder una segunda intención, sugerir una vuelta de tuerca. Quizás en esta ocasión sea más exigente, pero sigue habiendo allí algo que te obliga a volver sobre tus pasos y releer sus canciones. w Tengo la sensación de que no haber sido cantautor toda tu vida te hace, curiosamente, mejor cantautor. Te favorece venir de un estilo de música totalmente distinto, como Madee y Ghouls’n’Ghosts.

Crecí escuchando mucha música y, a medida que va pasando el tiempo, vas ampliando tus gustos, descubriendo artistas a los que habías pasado por alto. Piensa que yo empecé a tocar con Madee a los catorce años. The New Raemon me va bien para descansar de tanto ruido, aunque también echo de menos ese punto más crudo, pero esta faceta más tranquila no la podía explorar. En este disco están un poco las dos cosas: hay canciones que están más instrumen-

do en serio y me obsesionaba con ello. Tener grandes expectativas es fatal, porque nunca vas a colmarlas. Pero la vida es sorprendente.

Del anterior no esperaba nada y todo lo que ha sucedido ha sido bueno. Es uno de los discos que más ha vendido B-Core. Es la primera vez que puedo ganarme la vida haciendo música.

Antes trabajaba en un despacho y era un infierno porque no podía hacer todo lo que quería.

Ahora no tengo un sueldo como antes, pero es todo mucho más gratificante, así que lo único que espero es poder seguir sacando discos y ganándome la vida. Y soy consciente de que soy un afortunado, porque hago lo que me da la gana. Eso es un privilegio.

Dejémoslo en el aire. Si el debut de The New Raemon sorprendió, “La dimensión desconocida” no hace más que perpetuar el encantamiento. Sin perder de vista el espíritu economista de su debut, Rodríguez ha reunido un racimo de canciones más ambicioso y pleno, entre legañas y café, rodeado de nuevo de amigos cercanos para dar forma a un disco que lo confirma entre los autores más personales y fascinantes de esa nueva hornada de músicos que ha hecho precisamente de la personalidad su toque de distinción. Hay Dramón Ramón para rato. ■ Joan Cabot “La dimension desconocida” se publica el próximo 14 de octubre vía B-Core

(MondoSonoro · Octubre 2009 /31/ ENTREVISTA)

En busca de la imperfección La noticia no es que Berri Txarrak hayan grabado con Steve Albini en Chicago, si no que los navarros tienen nuevo disco, sello a estrenar y bajista recién incorporado. Y encima todos los cambios son a mejor.

Ah, el trabajo se llama “Payola”.

H

ace medio siglo, el locutor radiofónico Alan Freed, pionero en la emisión de rock’n’roll y r’n’b a través de las ondas norteamericanas, tuvo también el dudoso honor en ser seminal en el chanchullo en lo que a cohecho y royalties se refiere. Fue condenado por la justicia a pagar una suma importante de dólares de aquellos años al radiar incansablemente “Maybellene” de Chuck Berry, tema del que era co-autor, y aceptar pinchar los discos que desde la industria se le dictaba a cambio de un recargo económico. Poco después irrumpió con fuerza el poder de la televisión y los rayos catódicos adaptaron estas posturas.

La radio dejó de ser el catalizador de masas número uno, pero eso es otra historia. El argot con el que se hizo reconocible dicho tejemaneje denominó payola a este fenómeno, término mejicano, a caballo entre el español y el inglés, y que viene a definir el especial quid pro quo que se crea entre ambas partes. Los navarros Berri Txarrak bautizan así su sexto trabajo con el fin de sacar los colores a los capitostes del mundillo, los cuáles soslayarían de pleno hacer lo propio con los de Lekunberri por la idiosincrasia sonora que les caracteriza. “El término lo vimos en una biografía de Tom Waits y nos gustó como concepto. Es un término ligado a todo el circo que rodea la música, pero es aplicable también al día a día. Queríamos plantear una reflexión en torno al soborno, el venderse, etcétera. La portada lo ilustra bastante bien: un vertedero enorme y dos encorbatados dándose la mano”. Precisamente, grabar con Steve Albini refuerza ese carácter de independencia

en la música y en el escepticismo en la forma de mirarla. Y es que el productor y músico de Chicago se ha caracterizado siempre por correr en dirección contraria al poder empresarial, haciendo caso omiso de la técnica del marketing y su correspondiente target. Alguien que ha trabajado con Nirvana, Pixies o P.J Harvey, y cuya influencia haya trascendido tanto, hace que la primera pregunta que nos venga irremediablemente a la cabeza sea la siguiente. ¿Teníais miedo que el protagonismo de Albini os eclipsara mediáticamente? Gorka Urbizu, voz y guitarra, se defiende. “Nos hemos encargado de que no sea así. La noticia es que Berri Txarrak viene con nuevo disco cuatro años después, con bajista nuevo, discográfica nueva y la misma ilusión de siempre. Lo de grabado por Steve Albini y la colaboración de Tim McIllrath de Rise Against son si acaso un plus que le añade interés al disco, pero lo más importante son las canciones, eso que no se nos olvida nunca”.

Y

es a lo que íbamos. Una colección de canciones musculosas, exentas de sonidos impostados, lijando adrede la perfección. Una búsqueda de lo genuino, del directo. “Albini viene a ser como un buen árbitro, que cuanto menos influencia tenga en el partido mejor es su trabajo.

Puede sonar a paradoja, pero creo que es ahí donde es un maestro: él pone lo medios para captar el sonido puro que cada grupo tiene, por eso odia que le llamen productor, porque él es por encima de

todo un ingeniero del sonido, nunca mete mano en las canciones, los arreglos...”. Berri Txarrak han grabado su nuevo álbum como si fuera un puente construido desde Big Black a Drive Like Jehu, conduciendo a través de él con el euskera como vehículo fonético, totalmente ergonómico a la prosa del trío. Hablemos del cambio de sello (de la modesta Gor a la poderosa Roadrunner) y de variación en la formación.

Con los medios que habéis dispuesto en este trabajo, parece que la apuesta que han hecho por vosotros ha sido importante. ¿Os sentíais presionados? “Nosotros teníamos atada la sesión con Albini antes de saber quién

ya venían bien atadas desde el local. Si acaso te aporta como grupo, además de que tocamos un concierto en la Reggie’s y pudimos ver a bandas que admiramos como The Gaslight Anthem o Torche”. En sus quince años de andadura, con la perseverancia como estandarte, Berri Txarrak han conseguido aunar un público diverso que llena sus conciertos día sí y día también, y simplemente les han bastado unos pocos ingredientes para cuajar su, a priori, difícil propuesta: trabajar duro en el local y decir lo que piensan, y lo que es más importante, en su idioma. El minoritario euskera ha trascendido el lenguaje

“Albini viene a ser como un buen árbitro, que cuanto menos influencia tenga en el partido mejor es su trabajo” sacaría el disco. Incluso hubo un momento en que nos planteamos la autoedición, pero queremos ahondar en la brecha internacional abierta en la anterior gira, y Roadrunner parece tener medios para echarnos un cable”. ¿Y qué me decís de la llegada del bajista nuevo? “Cuando entró David (González) los temas ya estaban encaminados y bastante estructurados. Él los llevó a otra dimensión y le ha dado un empaque al disco que se aprecia a cada escucha. Tenemos un gran bajo”. A pesar de tener las ideas claras musicalmente, aterrizar en un nuevo entorno como es la cosmopolita Chicago, tiene que influir, aunque sea de manera tácita, en el enfoque del disco. Ya pasaron por los estudios de Steve Albini La Habitación Roja o 12Twelve, y Berri Txarrak también consideraran a la ciudad del viento como aconsejable cuando menos. “Chicago es una ciudad que recomendaría a todo el mundo, pero, sinceramente, cuando estás en el estudio estás plenamente a ello y las canciones

y las barreras inherentes para llegar al corazón del oyente. Terminemos con el omnipresente Steve Albini, que aunque mucho nos propongamos relegarle a un segundo plano, nos es muy complicado. Y comentemos el acabado del elepé, de los problemas finales y de lo que tuvo que ver Albini con todo ello. “No hubo ningún problema, si acaso ciertas dudas -habituales, por otra parte- con la masterización.

Conforme íbamos componiendo los temas el nombre de Albini surgió enseguida y creo acertamos de pleno porque no hay nadie mejor que él para captar la inmediatez de un grupo tocando en una sala.

Todo se basó en ir al grano: grabamos en analógico, todos juntos y utilizando sólo dieciséis pistas. En una semana teníamos todo grabado y mezclado. Es un disco sin artificios donde puede escuchar todas sus imperfecciones”. Álvaro Fierro “Payola” está publicado por Roadrunner/Divucsa.

Berri Txarrak Foto Zortzi

Berri Txarrak

Joe CrepĂşsculo Fotos Pablo Zamora

o r e l l a b a c l E oscuro

(MondoSonoro · Octubre 2009 /33/ ENTREVISTA)

Joe Crepúsculo

Tras un año loco que le convirtió en la sensación del underground patrio, Joël Iriarte, alias Joe Crepúsculo, regresa con “Chill Out”, una continuación soñada y sorprendente del increíble “Supercrepus”. Al loro. El tercer disco del barcelonés, lejos de repetir fórmula, se atreve con nuevos aires, y encima, triunfa.

J

oël Iriarte me recibe justo debajo de su casa, muy cerca de La Rambla de Barcelona. Me saluda con afecto, hace años que nos conocemos y coincidimos en los sitios, si bien no hemos pasado nunca de la fase ‘conocidos’. Me anuncia que su plan para la tardenoche es visitar algunos de sus bares favoritos de la zona, y, entre mediana y mediana, hablar de “Chill Out”, su nuevo disco, y de todo el fenómeno que rodeó a “Supercrepus”, el trabajo que supuso su revelación para el “gran público”. Yo asiento, el plan me convence. Soy un fan suyo (para que mentiros) y encima mitómano, así que la idea de compartir cervezas con uno de mis ídolos actuales es golosísima. Corro el peligro de desencantarme, algo que suele ocurrir cuando conoces a tus héroes. Pero ya les avanzo que eso no es lo que acabará pasando.

Me tiro de cabeza. Empezamos con la primera cuestión y le pregunto que ha significado para él todo el fenómeno desatado tras la salida de su anterior disco, “Supercrepus”, el segundo de su carrera y una de las explosiones de talento más gigantescas del pop español reciente. “El éxito de ‘Supercrepus’ me cambió todo. En noviembre del año pasado, más o menos,

reales…”. Cuando se refiere a las canciones ‘tecno’ Joël hace referencia a los tres rompepistas marca de la casa que ofrece “Chill Out”, que son “Ritmo Mágico”, “Diriri Dararara” (donde hace coros David Rodríguez y Ana Fernández-Villaverde, más conocida como La Bien Querida) y “Todo lo bello es gratis”. Esta última merece una mención especial. Y es que el arreglo de guitarra española que la corona sirve para tocar uno de los puntos fuertes del disco, su carácter español, cañí. Un sano y nada casposo orgullo patrio que lo hace aun más especial. “‘Todo lo bello es gratis’ es la más explícita en ese sentido.

Es una canción que fue un golpe de suerte.

Era un tema que quedaba fuera del disco, que no agarraba, era totalmente distinto porque no tenía guitarras. Y no se como fue pero se me ocurrió que necesitaba guitarras españolas y solos. La verdad es que quedó guay, tuve suerte… Sobre lo del disco ‘muy español’ no ha sido mi intención.

Si ha quedado así yo no lo sé ver. Hago lo que me apetece, intento que me guste… Si ha quedado guay, perfecto. Eso sí, prefiero que suena a algo de mi tierra, que suene español a que suene británico…”.

“Un disco no se sostiene siendo sincero todo el rato, sería un bastardo pesado y gilipollas” me echaron del trabajo. Tenía un contrato fijo en una empresa de digitalización de documentos antiguos en bibliotecas y archivos. Cobraba el sueldo mínimo y una parte en negro. En octubre de ese mismo año me dijeron que no iba a cobrar esa parte y dije ‘ostia, ahí os quedáis’. Empecé a cobrar el paro y de repente se juntó con la buena acogida de ‘Supercrepus”. Y luego, en enero, con lo de mejor disco de Rockdelux empezó todo a coger mucha envergadura… Fue todo muy raro. Es como el destino, así extraño, terminas un ciclo e inicias otro bueno sin tener ese pozo oscuro en el que debe de haber mogollón de peña y en el que la sigue habiendo.

Tuve la suerte de que fue bien… Y ahora, más o menos, quiero ganarme la vida con esto…”. Dos cervezas más, un par de cigarros y seguimos con la entrevista. Empezamos a hablar sobre “Chill Out”, un disco que me parece más abierto estilísticamente que “Supercrepus”, que muestra a un Joe más ‘clásico’, cediendo protagonismo a los instrumentos tradicionales frente a los teclados y cajas de ritmos marca de la casa, que aún aparecen pero menos (sin perder importancia, eso sí) . Canciones como “Toda esta energía”, “Si no te beso” o “Una paloma atraviesa el fuego”, dejan claro ese giro, sonando mucho más orgánicas, respetando el formato clásico de banda: bajo, guitarra y batería. “Que va, todavia me quedan por hacer discos más orgánicos… En este disco al haber baterías, guitarras, bajos y demás se nota más la diferencia entre las canciones ‘tecno’ y las que no. Y bueno, en este las canciones más electrónicas tienen baterías

L

legados a este punto de la charla ya vamos un poco animados, y le hago una de las preguntas del millón. Le comento ese lado romántico y tierno que tienen sus canciones. Muy bonitas y sentidas para un tipo que, en apariencia, tiene un punto pendenciero y rockero, poco dado, a primera vista, a las cosas del corazón. “En ‘Supercrepus’ ya quedaba totalmente claro que era un disco de amor, y que si no era romántico me podríais dar una ostia en la cara cuando me vierais (risas). Era un disco romántico bueno. La intención de mi nuevo disco es ser ‘anti-crepus’. Se

E

stirando del hilo de esta última cuestión, y cada vez más suelto por culpa de varias Estrellas Doradas, le pregunto a Joël que tiene de personaje Joe Crepúsculo, qué hay de verdad y de mentira en ese alias. Y ya de paso, también por la ironía que esta presente en algunas de sus canciones. Una fina ironía de la que es fácil abusar y que en sus manos se convierte en una acertada y divertida forma de analizar los comportamientos humanos. “Es que hay que mirar la evolución. ‘Escuela de zebras’ (su primer trabajo) es un disco que igual si que tiene muchos puntos de ironía en el sentido medieval, en tocar algunos aspectos que igual podían ser irónicos. ‘Supercrepus’ es un disco abierto al corazón. Y ‘Chill Out’ es un disco oscuro, es como si cogiera el ‘Supercrepus’ y lo pusiera cien años en un túnel… ¿Ironía? Pues un disco no se sostiene siendo sincero todo el rato, sería un bastardo pesado y gilipollas. Un disco se sostiene cuando sabes equilibrar bien los elementos que tienes para hablar. “Chill Out” tiene puntos de ironía, sí, pero es otra vuelta de tuerca, utiliza unos puntos de ironía que son necesarios.

Pero todo no es ironía, muchas cosas son sinceras…”. Tras confirmar lo evidente, que la broma que pueda parecer a muchos Joe Crepúsculo va en serio, y que detrás de este filósofo licenciado y algo descreído hay un músico purasangre, le confieso que lo que más me gusta de sus discos es que son un mundo en si mismos. Que lo que hace es personal a rabiar y que casi no se parece a nada que conozca. Joël Iriarte ha conseguido crear un universo propio y autorreferencial en tan sólo tres álbumes. Algo al alcance de pocos. “Si he conseguido eso que dices, guay. Tampoco he pretendido buscar nada, simplemente hacer los discos que me apetecían. No es mi opción buscar los mundos que hago, mi opción es hacer lo que me apetezca. Si los hay ya lo analizaréis otros…”. Prosigue. “Lo que intento es no repetirme. Lo de las letras es lo que intento cuidar más. Tal vez porque lo musical me cuesta poco; hacer melodías y acordes. Lo que se me da mejor es hacer música, pero luego las letras las trabajo y quiero algo que quede guay, que no canse, que te entre bien. Que sea áspero pero tierno. Busco equilibrios. Las letras me las acabo currando mucho, pensando que le viene bien a cada canción. Me alegro de

“Soy como un brujo, un brujo blanco, buscando siempre el bien” trataba de hacer justamente lo contrario. Si ‘Supercrepus’ apuntaba hacia el sol, este apunta hacia abajo. Es un disco oscuro. Incluso cuando hay una canción que parece que sea buena como ‘Si no te beso’, es una canción de amor chunga. Es un amor primerizo, adolescente, es una chungada. En verdad sabes que es el típico tío que cuando esté con una chica lo primero que hará ella es dejarlo… Quería darle la vuelta a la tortilla, quería darle la vuelta a todo…”. Matiza.

“Más que romántico yo igual hablaría de emotivo. Me gusta más que romántico.

Romántico está claro… La gente que me conoce ya sabe que soy una persona sencilla y tierna. No tengo nada de rockero ni de nada…”.

conseguir eso que dices…”. Ahora, un quiebro de cintura. “Bueno, si quieres comparar mi música se puede hacer. ‘Canción del adiós’ se puede comparar con canciones de José Luis Perales, por ejemplo. Un amigo me decía hace poco que las canciones tecno de ‘Chill Out’ sonaban a los noventa, Scatman y cosas así. ‘Todo esta energía’ puede ser de Manolo García. Y “Momentos bestias’ tiene guitarras que parecen de Loquillo. ‘Siento que muero’ puede sonar a Maná (me la canta, entre risas, como si fuera el cantante del grupo mexicano). ‘Noche eterna’ puede parecer una canción de 10cc, el ‘I’m Not In Love’… Referentes los tengo, no vengo de la nada”. Fin de la entrevista. Pero os cuento que aún hablamos de más cosas. De lo grande que es “Gran Torino” de Clint East-

La gramola de Joe Joël Iriarte escoge diez de sus canciones de cabecera para MondoSonoro. Algunas son placeres culpables, otras no tanto, pero, eso sí, todas sorprendentes. Bob Dylan

“Tell Me That It Isn’t True” (del disco “Nashville Skyline”, 1969)

Camilo Sesto

“Algo de mí” (del disco “Algo de mí”, 1971)

Fleetwood Mac

“You Make Loving Fun” (del disco “Rumours”, 1977)

The Troggs

“I Love You Babe” (del disco “The Singles A’s & B’s, 2005)

Status Quo

“Gerdundula”(del disco “Dog Of Two Head”, 1971)

Kiko Veneno

“Lobo López”(del disco “Échate un cantecito”, 1992) The Doors

“Love Her Madly” (del disco “L.A. Woman”, 1971)

Gato Pérez

“La balsa” (del disco “Carabruta”, 1977)

Stevie Wonder

“As” (del disco “Songs In The Key Of Life”, 1976)

Luis Eduardo Aute

“Sin tu latido” (del disco “Cuerpo a cuerpo”, 1984)

wood y lo mucho que nos gusta a los dos John Carpenter. De la gran cantidad de grupos chulos que hay en la actualidad (Joël me nombra a Extraperlo, Thelematicos, Internet 2 o Monta-man), y de su lado esotérico (“Creo en la energía y en el poder de las piedras”, me confiesa, “siempre llevo piedras encima, llevo cuarzos, amatistas y creo en la transmisión de la energía de personas a cosas. Soy como un brujo, un brujo blanco, buscando siempre el bien”). ■ Xavi Sánchez Pons “Chill Out” se publica este mes de octubre de la mano de Discoteca Océano/Popstock!

Calexico Manic Street Preachers

The Offspring Fotos Roger Desumvila

Klaxons

(MondoSonoro · Octubre 2009 /35/ CONCIERTOS)

Sziget Festival Lugar Isla Óbudai (Budapest, Hungría) Fecha 11-17/08/09 Estilo diversos Público 70.000 personas aprox. Promotor Sziget/Chispas Edición número diecisiete del Sziget Festival y mi segunda incursión en ese parque temático en el que se convierte la Isla Óbudai, en pleno Danubio, durante una semana. Alrededor de ciento veinte hectáreas dedicadas al ocio en todas sus expresiones posibles. No puedo imaginarme un espacio tan enorme y tan honesto como el Sziget. En la isla conviven alrededor de unas setenta mil personas sin ningún tipo de tensión. La falta de seguridad en el recinto es lo único que me puede dar una explicación a tal armonía. Es realmente muy difícil expresar cómo se siente este festival si no has estado allí. Sé que suena a tópico, pero hay que vivirlo. En el Sziget cada uno puede ser quién quiera ser durante una semana. Puedes pasarte los siete días sin dormir (hay una zona de la isla en el que la música no para en toda la semana) o puedes dedicarte a aprender húngaro, jugar al ajedrez, iniciarte con los malabares o probar con los graffitis, por ejemplo. Y si esto le sumas poder pasar una semana en Budapest, ciudad vital, bella y decadente a partes iguales, la propuesta se convierte en insuperable.

Pero vayamos con los conciertos. Sin olvidar que las actuaciones empezaban el martes, la programación al completo se desplegaba a

partir del miércoles, día con el que empezamos nuestra nueva andadura en el Sziget.

Nos apresuramos para poder ver los últimos coletazos de la actuación de unos renacidos Ska-P, y algo sorprendidos pudimos comprobar tanto su buena forma como la cada vez mayor legión de españoles en el festival.

Después llegó el turno para unos sobrevalorados y tediosos Snow Patrol que, eso sí, dieron lo que se esperaba de ellos. El prime time se lo repartieron Calexico, algo desangelados pero enormes como siempre, y Lily Allen, que ha vuelto a recuperar su figura y se mostró más enérgica y entregada que de costumbre; incluso se atrevió a versionar con gracia el “Womanizer” de Britney Spears.

El jueves nos lo tomamos con más calma y dejamos pasar con cierto reparo las actuaciones de The Ting Tings, 08001 y 808 State.

Eso sí, nos dio tiempo de comprobar el gran estado de forma de Bloc Party, así como lo tramposo que se ha vuelto ya hace un tiempo Norman Cook con su alter ego Fatboy Slim.

Le cuesta ofrecer un directo en condiciones y no pinchar como si estuviera en una verbena cualquiera. Por suerte Tricky sí ha decidido volver en toda su plenitud. Nos desconcertó al poner de intro a Phil Collins, pero lo arregló

con creces con su sólida actuación.

El viernes se presentaba muy cargadito. Los australianos Jet, ejerciendo casi de viejas glorias, precedieron a unos Primal Scream que se defendieron bastante bien para lo diurna que fue su actuación. Y, en medio del concierto de Prodigy (otras viejas glorias paseando sus hits de antaño), el público húngaro y de medio mundo pudo disfrutar de las dos propuestas patrias más esperadas, La Troba Kung-Fú y el siempre alborotado Muchachito Bombo Infierno que, según mis fuentes, ya venía liándola un poco en el avión. Nada nuevo.

El sábado fue un día muy completito. Mientras sonaban Editors pudimos pasear con calma y disfrutar de la parte tranquila de la isla, donde las artes escénicas y otras ofertas más relajadas nos permitieron palpar ese latido igual de intenso pero más espaciado que también nos ofrece el festival. Perfecto contrapunto fue el empezar a acelerarnos con Klaxons, máquina de hits donde las haya. No fue fácil para Manic Street Preachers mantener el listón, pero les vamos a dar un aprobado. The Notwist se presentaban como una buena transición hasta el

comienzo de Placebo, pero los problemas técnicos no les dejaron brillar; Brian Molko y los suyos ejercieron de cabezas de cartel y justificaron sus galones. Una vez finalizada la jornada en el escenario principal nos adentramos hacia el espacio donde La Fura dels Baus ofrecía un espectáculo creado para la ocasión, mientras escuchábamos los dos últimos temas de la actuación del guitarrista Al Di Meola, perfecto preludio para disfrutar desde la colina de la efectiva creación visual y sensitiva de La Fura.

Para el domingo nos quedaban dos de los platos fuertes del festival, The Offspring y los renacidos Faith No More. Los primeros fueron la cara B de un cassette compartido con Green Day en mi adolescencia, y verlos en directo fue algo parecido a besar años después a la chica que te gustaba en el instituto: ya no me supo igual, pero fue gratificante. En cambio, Mike Patton sigue siendo ese frontman chulesco y sobreactuado, como si el tiempo no hubiera pasado para él ni para el resto de nosotros. Turbonegro cerraron con actitud un festival al que sin duda volveremos el año que viene.

Mauri Jiménez

The Right Ons

Sidonie Fotos Ionpositivo

( CONCIERTOS /36/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

Ebrovisión 09 Lugar Miranda de Ebro (Burgos) Fecha 17, 18 y 19/09/09 Estilo indie Público 10.000 personas en total Promotor Asociación Cultural Rafael Izquierdo Que el que lo prueba repite y que cada vez se acerque más público a Miranda de Ebro en el mes de septiembre arrastrado por la buena prensa de su festival musical ha quedado certificado en la novena edición del evento. El Ebrovisión del récord de asistencia venía precedido de varias jornadas netamente otoñales a pesar de ser “el último gran festival del verano” y la lluvia y el frío amenazaban con deslucir la cita. Sin embargo, el mítico recinto cubierto de La Fábrica de Tornillos (antigua sede de Ebrovisión) sirvió de ideal punto de arranque el jueves 17 con los conciertos de Bryan Estepa (el australiano fue el único artista internacional que actuó este año), Amigos Imaginarios y los emergentes The Red Crayon Aristocrat Club. El viernes 18 los conciertos se trasladaron al recinto Multifuncional de Bayas y pudimos ver a unos desubicados Requiem 3.54 & Beat Boss, a unos más afines con el perfil del festival Templeton (su indie pop gustó a los ya varios cientos de asistentes cobijados en ese recinto), a los quizá nunca considerados como se merecen Niños Mutantes (que, a pesar de su veteranía y destacable cancionero, siguen obteniendo su mejor respuesta con su relectura del “Como yo te amo” de Raphael) y unos Sidonie de estreno que presentaban “El incendio” (ese disco de madurez que no ha hecho que los catalanes pierdan el sentido más lúdico de su propuesta escénica), en formación de quinteto y con muchas gargantas coreando sus himnos.

A pesar de que Vetusta Morla fueron el grupo más vilipendiado en los corrillos pre y post Ebrovisión, la verdad es que nunca este festival había registrado tal cantidad de público como cuando los madrileños aparecieron en escena para interpretar las canciones de su exitoso largo de debut.

Tras un concierto que muchos tildaron de aburrido, llegó el momento del baile y el desparrame con Delorean, habituales de los cierres de Ebrovisión y toda una garantía para poner el broche final a este tipo de festivales. Los que no quemaron todas las naves el viernes y pudieron madrugar al día siguiente, se acercaron al mediodía a La Fábrica de Tornillos para los conciertos de Sin Arreglo, Arizona Baby (mucha atención a ellos) y Zodiacs enmarcados dentro de una paellada popular amenizada por DJ Patrullero. Buen rollo y camaradería en el centro de la localidad castellana. Tras la siesta de rigor, el recinto de Bayas abrió con los burgaleses Entertainment y siguió con unos Cooper un tanto fríos que no terminaron de carburar hasta que no vieron que aquello empezaba a llenarse. CatPeople fueron los siguientes en salir a escena y nos volvimos a quedar con la sensación de que no terminan de explotar. Por su parte, The Right Ons fueron los más enérgicos de la velada y, aunque no convencieron al sector más pop, todo aquel que quiso sudar la camiseta pudo hacerlo de lo lindo con hits inapelables de la altura de “Thanks”. Que los cabezas de cartel del viernes (Vetusta Morla) tenían mayor tirón que los del sábado (Love Of Lesbian) quedó claro con un recinto no tan abarrotado como en la jornada precedente. Sin embargo, también quedó claro que la banda de Santi Balmes fue una de las grandes triunfadoras del festival. La última banda de la noche volvió a responder al patrón de grupo cañero y disfrutable en la pista de baile. Así, Cycle se encargaron de cerrar las actuaciones en directo con un show en el que sus primeros hits (“Confussion”, “Mechanical”, “Apple Tree”) fueron los triunfadores de la noche. Joseba Vegas

( CONCIERTOS /38/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

Hipnotik Festival Lugar CCCB y Mercat de les Flors Fecha 11, 12 y 13 de septiembre Estilo rap Público 9.000 personas aprox. Promotor Hipnotik

Nach Fotos Susana López

conjunto, “Tu madre es una foca”, y rapearon al alimón temas de sus respectivas obras en solitario además de rescatar algún viejo tema de Alta Escuela, su primera formación. Ruidazo y constatación de que estos hermanos reinan actualmente en la escena nacional. El mejor juez siempre es el público, y por eso se llevaron las mayores aclamaciones los que más la merecieron: Nach, Falsalarma (los de Sabadell jugaron en casa y se notó), y Duo Kie, que, pese actuar a una hora temprana la jornada del viernes, congregaron a una cantidad de fieles (sus camisetas inundaban el recinto). Su rap festivo hubiera funcionado mejor como precedente a Toteking & Shotta, aunque El Chojín mantuviera el tipo realizando un show ameno que fue in crescendo teniendo como punto álgido su famoso “Lola”. Rapsusklei brindó posiblemente la actuación más floja del festival.

Su rap con efluvios ragga no terminó de cuajar, y el propio zaragozano tuvo que recurrir al viejo truco: “Qué pasa con la peña, que está a medio gas, en Madrid hacen más ruido...”. El respetable se puso a vociferar, claro, porque además era la Diada y tocaba exacerbar el sentimiento catalanista, aunque sea en un marco tan alejado de las pestes políticas. Durante el fin de semana, en el CCCB, se llevaron el gato al agua Gabriela Berti, autora del libro “Pioneros del graffiti en España”, y cuya conferencia fue seguida con interés; así como la proyección del documental “Malabo, Barrio X” de Marc Tardiu y Oriol Rivero; que narra como un grupo de jóvenes combaten en silencio el régimen militar de su país, Guinea Ecuatorial, a base de rap. Desfilaron durante ambas jornadas numerosos artistas en el Escenario Montana y el Red Bull Hall que comienzan en la jungla del hip hop. De entre todos los shows, destacaron los de los ya veteranos Hermanos Herméticos y Trece14, que presentaron los frescos temas de su debut “Trece14ando!!!”. Javier López

El Chojín

La speaker que caldeaba el ambiente entre actuaciones en el Mercat de les Flors pronunció la siguiente sentencia: “El ruido no se pide, el ruido se da”. Se lo dijo a un chavalín que competía junto a otros tres en una mini-batalla a rimas por un iPod. En el hip hop la calidad se mide por el ruido que emite el respetable a cada verso del MC (en este caso, aspirantes a serlo). El jovenzuelo en cuestión gritó: “¡Dadme un poco de ruido, que me lo he ‘currao’!”. El pobre, aparte de no contar con el favor del público, se llevó de regalo la frase de marras: “El ruido no se pide, el ruido se da”. Hubo ruido, mucho ruido, durante los tres días de un Hipnotik que se ha consolidado como evento de referencia del género en España, con un cartel de corte nacional, una programación repleta de actividades (Batalla de Gallos, conferencias, proyecciones, exhibiciones de graffitis, concursos de breakdance...), y todo ello amparado este año bajo la efeméride conmemorativa de veinticinco años de cultura hip hop en España. El estilo goza de buena salud a nivel nacional y si hay algo realmente loable es la capacidad que tiene de salvar la identidad musical de muchos adolescentes. El festival estuvo lleno de público que no alcanzaba la mayoría de edad, y prueba de ello era también la cantidad de esforzados padres que esperaban a la puerta a sus hijos en las jornadas nocturnas en el Mercat de les Flors. Un Mercat que acogió uno de los retornos más esperados, y que suscitó gran expectación, sobre todo entre los seguidores más veteranos. El legendario sexteto de Madrid, CPV (Club de los Poetas Violentos), diez años después de su disolución y un mes después de su reaparición oficial en Pinto, volvía a escena para repasar los temas de sus tres únicos pero influyentes álbumes. Se llevaron la mayor cuota de ruido del festival, con permiso de Tote y Shotta, cabezas de cartel de la jornada del jueves, que la liaron parda. Repasaron clásicos de su disco

La Troba Kung-Fú

La Mala Fotos Susana López

( CONCIERTOS /40/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

Festival Cruïlla BCN 09 Sala Fòrum (Barcelona) Fecha 5/09/09 Estilo varios Público 6.000 personas aprox.

Promotor AA Company & Visual Sonora Segunda edición de este festival que ya tiene su lugar y momento en la ciudad de Barcelona. La filosofía es la misma que la del Cruïlla de Cultures de Mataró, su progenitor, o sea propuestas musicales que actualizan las músicas de raíz en cualquiera de sus múltiples direcciones. Unas seis mil entradas vendidas confirman la consolidación de este festival que mantuvo el formato del año anterior: dos escenarios situados en una amplia plaza del Fòrum que funcionan alternativamente y una zona de descanso con Dj’s. Además dos formaciones de calle animaron los espacios libres de Parc del Forum. A las cinco en punto la simpática Always Drinking Marching Band empezó a lanzar sus bailables canciones en una calurosa tarde. Más de una docena de músicos para animar a los pocos que se atrevieron a colocarse al sol mientras el resto los veía desde las gradas.

Presentaron su espectáculo de escenario, “On The Rocks”, con temas propios y versiones que pasean por el funk, rock, afrobeat, soul o hip hop, con mucha desvergüenza y vitalidad. Justo acabar, los franceses Dub Inc consiguieron, en pocos minutos, reunir a todo el público que había entrado hasta ese momento y lo pusieron a bailar y saltar. Su mezcla de ritmos jamaicanos con esencias africanas y árabes enganchó a la primera con un público muy cómplice. Fue el prologo perfecto para La Troba Kung-Fú. Están de lleno en el proceso de creación de su nuevo trabajo y la banda de Joan Garriga cada vez se muestra más compacta e intensa. Estrenaron temas nuevos e hicieron guiños a viejos éxitos de Dusminguet que el numeroso público agradeció. Tras ellos, La Mala Rodríguez junto a la Original Jazz Orquestra, pero con la baja de Raül Refree por paternidad, presentaron ese “Ojo

con La Mala” que ya se ha visto en otras plazas.

Empezaron algo fríos y con visos de que la voz de La Mala no conjuntaba bien con la big band, pero poco a poco y a base de clásicos como “Tengo un trato” o “La niña”, la combinación fue ganando enteros. La aventura es valiente y está bien resuelta, pero aparte de algunos momentos brillantes, el resultado se queda a un paso de funcionar como debiera. El relevo se lo pasaron a Elbicho, que acaban de editar su primer disco en directo, “De imaginar”. Cualquiera que les haya visto sabe que, en vivo, son especiales. Los aires flamencos de su cantante junto a la propuesta jazz-psicodélica de la banda crean un universo musical en el que no es fácil entrar, pero que puede transportarte a un mundo muy particular. Su actuación fue impecable, lo mismo que la de Gentleman & The Far East Band. Si este alemán amante de los ritmos humeantes se ganó el beneplácito de los jamaicanos en su misma casa, cómo no iba a convencer a los muchos que habían acudido para verle sobre un escenario. Es un gran conocedor de la cultura rastafari y de los “riddims” jamaicanos, y posee una voz dúctil y rica, aunque debemos reconocer que gran parte del mérito de su infecciosa actuación se la debe a su banda. Para acabar, los incombustibles La Pegatina dejaron claro que, entre sus conciertos y su propia red de promoción, se están convirtiendo en el fenómeno del año. Además, sus extenuantes bolos son los preferidos por un público joven que aguantó hasta las dos de la madrugada para verles y bailar con su rumba urbana. Hay que mencionar asimismo a los Dj’s Tute, Alberta In Love, Djjiva y Lord Sassafras por sus labores en los platos en una zona de descanso con mucha animación. Miguel Amorós

Los Tiki Phantoms Foto Archivo

escaparate

Los Tiki Phantoms

Meneo Foto Archivo

“Desde un primer momento teníamos claro que queríamos sonar como en los directos, con toda esa esencia rock pero a la vez muy pesados”, responden desde Cambrils los miembros de No Apto. Su tercer disco, “La gran manzana”, supone un claro salto cualitativo respecto a “Mi propio infierno” y “Voces”. “En lo compositivo, éste ha sido más espontáneo e instintivo. Nos metimos en el local y los temas fueron saliendo a base de jams”.

Ello ha desembocado en un sonido más directo, más rock, y en el que empiezan a desvanecerse sus influencias más evidentes, como las de Sôber y Héroes del Silencio. “A nivel instrumental creo que somos mucho más rockeros que esos grupos. A nivel vocal, nos lo han dicho muchas veces y creo que hay cierta similitud, pero cada uno tiene su propio estilo. Erik es más agresivo, sobre todo en directo”. En el disco predominan, por otra parte, los medios tiempos y los riffs contundentes, pero también las melodías y los detalles. “Estamos encima de todo al cien por cien, aunque una vez terminada la grabación siempre cambiarías cosas”.

De los títulos de las canciones (“Sobrevivir”, “No mirar hacia atrás”...) se desprende una percepción hostil y a la vez esperanzada del día a día. “Todo está podrido, corrupto, casi perdido, pero hay que agarrarse los cojones, no mirar hacia atrás y seguir hasta las metas que uno se marca”. Una de ellas pasa por despuntar en el rock de este país procediendo de un lugar como Cambrils. Algo que encaran con optimismo. “La historia ha dado grandes grupos que provienen de pequeños pueblos, como U2 o Slipknot”. Y, obviamente, con ilusión. Como la generada por su primera gira estatal en solitario este otoño. n David Sabaté

Meneo Vienen de: Miami/Barcelona Publican: “Santa Nalga” (Dress For Excess/Pias, 09) En la onda de: The Pinker Tones, Atari Teenage Riot, Tego Calderón

No Apto Foto Archivo

No Apto Vienen de: Cambrils (Tarragona Publican: “La gran manzana” (Esese Records/Avispa, 09) En la onda de: Sôber, Skizoo, Stone Temple Pilots

extraordinario que parezca, hemos aprendido a tocar un poco mejor”. Amén de contar con los menesteres de un tal Yves Roussel, que le ha sacado punta a estas canciones con alma de espuma y vocación de pipeline. “Es un indigente francés muy simpático y profesional que toca el bajo en Segunda Apnea y masteriza discos a cambio de vino”. Los cadavéricos músicos se jactan de ser precursores de un look que haría las delicias de cualquier especialista en osteopatía. “En 1979 el joven Danzig nos sacó una foto un día de marchita y, con un poco de Photoshop ochentero, se sacó de la manga

A las puertas de su segundo disco y asumiendo todavía la repercusión del primero, Meneo nos cuentan su visión acerca de algunas de las claves que les han convertido en una de las apuestas más bizarras, originales y divertidas de la escena. Para sumergirnos en su universo Rigo Tovar nos introduce en sus influencias: “Cyberpunk, software-art, dadaísmo, los gorilas enjaulados en los zoológicos, Super Mario Bros”, pero también en sus letras: “Casi todas se basan en conversaciones con amigos que luego quedan haciendo eco en mi cabeza.

‘Licuadora’ era una tía que conocí cinco minutos en una rambla y me la cantó tras decirle el nombre de nuestra banda”. A eso, su compañero Raúl Seixas, le suma la fantástica conexión que tienen encima del escenario. “Esto va de crear un estado mental. Es como el free-jazz o un cuadro de Basquiat, ¿sabes?”. Han recorrido media Europa gracias a Myspace, consiguen que el público se lo pase tan bien en sus directos que llegue incluso a desnudarse (junto con ellos mismos) y han devuelto los 8-bits al panorama musical. (Seixas) “Pensamos que cuando te fuerzas a expresarte con lo mínimo te es más fácil llegar a la esencia de lo que quieres transmitir”. (Tovar) “A mí lo que me alucina es que haces música con un puto chip de hace veinticinco años y suena más trasgresor y actual que cualquier pijada que te venden por miles de euros ahora mismo”. “Bitnik”, su próximo disco, promete ser rompedor, incluso para ellos: cantarán los dos, habrá temas en inglés y probarán con ritmos 4X4. ■ Dani Arnal

el ‘Crimson Ghost’ que todos conocemos“. Los cuatro calaveras se desmarcan de ser una banda de surf al uso.

“El purismo es un lastre. Es precisamente de la mezcla donde sale todo lo interesante. Siempre hemos intentado dejar claro que lo nuestro no es el surf purista. Si escuchas detenidamente los discos te darás cuenta de que no solo de surf viven los Tiki y si vienes a nuestros conciertos te lo dejamos todavía mas claro”. Y ya puestos, dejan caer que su surfista favorito de todos los tiempos es Patrick Swayze en “Le llaman Bodhi”. “Es tan mono”. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

La voz de Marc Teichenné suena cavernosa al otro lado de la línea, más aún que en sus discos. Y como en estos, su discurso es agresivo y enemigo de perder el tiempo. Contactamos con él para hablar de “Seeds Of The New Dawn”, quinto elepé de The Rippers, que como casi todos los anteriores, uno imaginaba –a juzgar por su magnífico sonido-, grabado en los estudios de Santi García, pero resulta que el cuarteto de L’Arboç también apuesta en estos tiempos por el low cost. “Lo ha grabado mi hermano en el local de ensayo”, explica Marc. “Hemos tenido más tiempo para hacer lo que nos ha dado la gana. Lo que, por otro lado, también es un arma de doble filo, porque te haces la picha un lío, y a veces necesitas que alguien externo te diga cuándo parar”. Eso sí, puede que la grabación les haya salido más barata, pero en lo que no han ahorrado es en esfuerzos. “Nunca habíamos trabajado tan a lo bestia los temas. Empezábamos a media tarde y los ensayábamos sin parar hasta la mañana del día siguiente, ayudados por distintos estimulantes”. El resultado son nueve temazos que suenan… a lo de siempre. The Rippers son un (fascinante) caso perdido: a su granítico sonido le crece vello o se le marcan las grietas, pero no afloja en ferocidad ni ofrece novedades. A Marc se la traen floja estas cuestiones. “Lleva el sello Rippers, y eso es algo que me encanta; todos los grupos que me gustan tiene un sonido identificable”. Ciertamente resultan inconfundibles, sobre todo en elepé (sus singles son anecdóticos), formato en el que el grupo pone toda la carne en el asador. “Un elepé es como un libro, es donde hay que concentrar todos los esfuerzos, fluye de principio a fin…” n Daniel F. Marco

The Rippers Vienen de: : L’Arboç (Barcelona) Publican: “Seeds Of The New Dawn” (Rock On, 09) En la onda de: Wipers, Mudhoney, Bored

The Rippers Foto Archivo

E

l Ejército de las Calaveras está formado por todos aquellos acólitos que compran los discos y camisetas de Tiki Phantoms, y que hastiados de escuchar hablar de bandas con nombres estúpidos tipo Madera, Hombro o José Luis, se apuntan a los conciertos del musculoso combo catalán. “El aspecto mas básico y fundamental que ha marcado la diferencia en el parto de este disco ha sido el geográfico: el primer álbum lo grabamos en Pamplona y este en San Feliu de Guíxols. A parte de eso creemos que este segundo suena mas limpio y contundente, pero supongo que se debe a que, por

Los Tiki Phantoms Foto Archivo

Vienen de: Barcelona Publican: “El ejército de las calaveras” (B-Core, 09) En la onda de: The Straightjackets, Los Coronas, Man Or... Astroman

Alado Sincera Foto Archivo

Muy Fellini Viene de: Navarra Publica: “Muy Fellini” (B-Core/Underhill, 09) En la onda de: Josh Rouse, Johnny Cash, Leonard Cohen

Alado Sincera Vienen de: Igualada (Barcelona) Publican: “Palimpsesto” (Repetidor disc, 2009) En la onda de: The Constantines, La Jr., Suma

ficarse. Se trata de mirar al mundo y hablar sobre ello”. La dupla publicará su homónimo debut este mes de octubre. “El disco fue grabado con Hans Krüger en Montreal, mezclado por Kenneth Ishak (Beezewax) en Oslo y masterizado por Brian Hunt (HFO, Templeton) en Madrid”. Varios de los temas que incluirá dicho trabajo han podido ser escuchados en diversos escenarios y ciudades, ya que la banda ha ofrecido un buen número de conciertos antes de tener una referencia publicada.

Casi a la vez llegará también un vinilo de diez pulgadas y cuatro cortes, compartido con una leyenda del indie americano como Ken Stringfellow (The Posies, Big Star).

“Tenemos relación con él desde hace muchos años y para mí es uno de los nombres imprescindibles en la música de las últimas dos décadas”. Presentarán el single junto al norteamericano los días 8, 9 y 10 en Zaragoza, Madrid y Barcelona respectivamente. n Raúl Julián

Telekinesis Foto Archivo

Con “Palimpsesto”, el cuarteto catalán Alado Sincera renace con un nuevo discurso musical más intenso y directo. “Fue un cambio de actitud interno: un intento consciente de huir del pop más desinhibido que era la base de ‘Cuidado contigo’”, nos cuentan entre broma y broma (hemos conseguido reunir a todo el grupo, que haciendo justicia a la sinceridad del nombre y a la honestidad de sus canciones se comportan como si el periodista que anota sus respuestas no estuviera presente). “Fuimos a grabar con Paco Loco después de haber machacado los doce temas del álbum durante medio año. Era el momento en que estábamos disfrutando al máximo de lo que habíamos estado componiendo…”. Cuando hablan de sus nuevas canciones, los integrantes de Alado Sincera muestran su entusiasmo y reafirman la decisión de cambiar de rumbo. “Antes nuestras canciones acariciaban: ahora el sonido rasca y pide al oyente unas cuantas escuchas para que se acostumbre a las novedades”.

Canciones como “Naturaleza muerta”, “Comercial del descanso”, “El mirador” o “La televisión va por dentro” nos presentan a un grupo valiente que desplaza su punto de vista antes introspectivo hacia la sociedad (política, religión, televisión, Barcelona). El nuevo repertorio de los barceloneses palpita, chirría y condensa mensajes a modo de letanía. “En ‘Palimpsesto’ nos planteamos utilizar la voz como instrumento, y aparece solamente en los momentos indispensables. Es un disco grabado en directo, preparado con Frank Rudow y grabado en tres días y medio, donde priorizamos sonar frescos por encima de la perfección. Creo que por primera vez podemos decir que hemos conseguido que las canciones suenen tal y como las ensayamos en nuestro local”. ■ Jordi Nopca

T

ras el cinematográfico nombre de Muy Fellini, encontramos al dúo navarro formado por Juan Maravi y Edu Ugarte. Este último (batería también de Half Foot Outside y Brian Hunt) confirma las ventajas de trabajar en número reducido. “La verdad es que nos apañamos muy bien. Es un formato muy cómodo ya que vas más en bloque. Juan compone las canciones y entre los dos le damos forma”. El baterista también define a la perfección las cualidades de su sonido. “Siempre digo que es música tranquila y agradable a poco volumen, aunque lo curioso es que siempre que me pongo el disco lo hago a tope, porque así se aprecian más todos los matices”. Pero sin duda el mayor valedor de Muy Fellini recae en unas cuidadísimas letras llenas de sentido y sentimiento. “Tienen mucha importancia ya que al fin y al cabo recogen experiencias propias y personales vividas por nosotros, pero con las que seguramente cualquiera puede identi-

Telekinesis Vienen de: Seattle (Estados Unidos) Publican: “Telekinesis!” (Merge/Popstock!, 09) En la onda de: Death Cab For Cutie, Fountains Of Waye, The Album Leaf Sin necesidad de recurrir a tendencias de dudoso gusto y manteniéndose fiel a su estilo deudor del acid house, el techno de factura trascendental, las dosis justas de ambient psicotrópico e, incluso, algún que otro regodeo hip hopero de aire instrumental, el neoyorquino de espíritu ecuatoriano Abe Duque vuelve a dar rienda suelta a su savoir faire como ente intocable de las cabinas en “Don’t Be So Mean” después de aquella recopilación de doce pulgadas que supuso “So Underground It Hurts”. “Mi anterior álbum plasmaba el frenético ritmo de canciones que realizaba por entonces, mientras que para esta ocasión he querido partir de una mayor disciplina de trabajo”, comenta el que fuera productor del “NY Muscle” de Dj Hell y parte de ese conjunto de Globe Trotters del ambient que capitaneo junto a Mika Vainio o Dietrich Shoenemann, entre otros llamado Rancho Relaxo Allstars que, dicho de su boca, seguramente “volverá en un futuro a cobrar vida propia”. Con la colaboración en los vocales de una de sus mayores flamantes amistades, Blake Baxter, Duque (aunque a priori pueda parecer todo lo contrario) dota a sus beats de una personalidad que no se muestra ajena a los cambios sociopolíticos de su tierra de adopción.

Este es el caso de “Tonight Is Your Answer” que, a pesar de contar con un discurso sampleado de Barack Obama cuando se filtró por la red en plena fiebre electoralista, finalmente se ha comercializado sin discurso audible por cuestiones de fuerza mayor. “Al final no he recurrido a Obama por dos razones: porque debería haber conseguido la autorización del propio presidente, lo cual hubiera sido prácticamente imposible, y porque la remezcla respondía a una expresión que quise manifestar en un momento concreto”. Siendo un superviviente de las cabinas de la Costa Este (a pesar de la tradición electrónica que impera precisamente en la costa opuesta) el productor tiene más que claras sus intenciones con el paso de los años: “Mi objetivo primordial es mostrar al mundo la música que realmente amo”. ■ Sergio del Amo

Abe Duque Vienen de: Nueva York Publican: “Don’t Be So Mean” (Process Recordings, 09) En la onda de: Rancho Relaxo Allstars, Jesper Dahlbäck

Abe Duque Foto Archivo

La banda de Benjamin Lerner es la nueva esperanza blanca para los amantes del pop inmaculado, radiante, contagioso. Desde Seattle, y con el padrinazgo de Chris Walla (Death Cab For Cutie) de por medio, quien se ha encargado de producirles, han facturado el homónimo “Telekinesis!”, uno de esos álbumes destinados a convertirse en un compañero de viaje de largo recorrido. Uno de esos vitaminados y deliciosos vademécums sonoros que seguramente no destaquen por haber roto barreras estilísticas, pero ni falta que le hace. Su escucha puede prolongarse durante meses sin desgaste, como los mejores discos de Fountains Of Wayne, Gigolo Aunts o Tommy Keene. Incluso mejor que cualquiera de ellos. Benjamin Lerner, batería, vocalista y compositor de la banda, es además un tipo sencillo. Ni siquiera se molesta en rebatir los argumentos de esos periodistas perezosos que definen su música como un cruce entre el power pop y el mejor indie rock americano. “Sí, creo que se ajusta bastante a lo que hacemos. Estoy de acuerdo con esa definición. Acordes de guitarra poderosos, melodías simples y estructuras pop”. Seguramente también la sombra de Death Cab For Cutie, más que presente en la filiación sonora de la banda, tenga algo que ver. En todo caso, y pese a lo que pueda pensarse, la opción de Chris Walla como productor fue más casual de lo que parece. “Chris y yo nos conocíamos antes, pero no creo que él ni siquiera supiera que yo estaba ya haciendo música por mi cuenta. Un día me envío un mail para decirme que le gustaban las canciones que había descubierto en nuestro Myspace. Una semana más tarde, en un concierto de Death Cab For Cutie, me preguntó si habría posibilidades de hacer un disco juntos. Y hay que reconocer que su entusiasmo fue un catalizador definitivo para que el disco viera la luz”. n Carlos Pérez de Ziriza

Muy Fellini Foto Jorge Hunt

MondoSonoro · Octubre 2009 /45/

LAYABOUTS

“...And They Ran Into The Woods” Homeless

ROCK

1114

Segundo disco y segundo intento de encontrar su propio espacio. De acuerdo a las implacables leyes del mercado, lo razonable hubiera sido seguir la línea de su álbum de debut, “Layabouts” (Wild Thing, 07), pero sentían la necesidad de hacer algo diferente. “…And They Ran Into The Woods” es un trabajo potente y sólido en el que los sintetizadores han quedado prácticamente escondidos tras un orgánico muro de guitarras que Kaki Arkarazo ha sabido levantar desde los bosques que rodean los estudios Garate. El entorno en el que se registró el álbum es, en esta ocasión, casi un instrumento más. Recuperando sus influencias básicas, contundente es la palabra que más veces me viene a la cabeza al escuchar canciones como “You Got It”, “The River And The Razorblade”, “Epidemic”, “Sleeping” o “You’re Not Good”. “Corrupted Scene Behind The Stage”, el single de adelanto, fue elegido por los fans a través de su página en Myspace y es quizás el tema más antiguo y el que menos encaja en un disco muy coherente. Los puntuales arreglos sintéticos visten a la perfección la suciedad de las guitarras. Pocas canciones bajan de revoluciones, y es tal vez la única pega a un trabajo que promete grandes momentos sobre los escenarios. J. Batahola

JJ

“Nº 2” Sincerely Yours

POP

11114

En tiempos de sobreinformación, cuando el próximo y efímero hype entra por tus ojos y oídos ad nauseam, resulta una bendición que una colección de canciones que apenas llega a la media hora de un grupo del que ni has oído ni tal vez vuelvas a oír hablar te acompañe por todo un verano hasta convertirse en tu mapa sentimental. Poco o nada sé acerca de JJ y me resisto a averiguarlo. Apenas que debutaron con un single no menos maravilloso, que vienen de Suecia y publican con Sincerely Yours, también el sello de The Tough Alliance y Air France y cuyo servicio de correo por el momento es el único modo de conseguir en formato físico este “Nº2”.

Te aseguro que no vas a necesitar nada más cuando te dejes arrastrar por esa voz casi adolescente que comanda una colección de cancioncillas vitales, mágicas, en las que la electrónica y las guitarras acústicas conviven de la mano con la armonía que conocimos en aquellos viejos discos de New Order o Family, mientras que el misterio y unos arreglos deliciosos nos remiten esa familiar extravagancia con la que nos enamoraron los primeros múm. Que no se acabe nunca este verano, el verano de JJ. Luis J. Menéndez

BMX BANDITS

“The Rise And Fall Of BMX Bandits” Elefant Records

Elefant Records

11112

Difícil hablar este goloso y obligatorio recopilatorio de los escoceses sin declarar mi amor infinito e incondicional a uno de los grupos que más admiro en la vida por todo. Por carrera, por ética profesional, por encantadores y por tener unas canciones que me han

acompañado desde siempre. BMX Bandits no son un grupo, son EL grupo si uno quiere explicar de qué va el indie pop soleado y saltarín, en qué consiste el amateurismo bien entendido, y cuál es la clave para facturar canciones que duran una eternidad. La mejor manera de comprobar esto que les cuento es hacerse con una copia de este disco y de cualquier otro de esta banda escocesa que ha marcado la historia del pop independiente de su país y del resto del planeta. Teenage Fanclub, Belle And Sebastian, Los Fresones Rebeldes, Go Sailor, y los The Soup Dragons del principio (su primer disco es una cima absoluta e insuperada del punk pop cardíaco a reivindicar), entre otros, les deben media vida. Y cientos grupos que vendrán después les deberán otro tanto. Gracias, sobre todo, a canciones totémicas como “Disco Girl”, “Your Class” (mi favorita de todas), “Come Clean”, “I Wanna Fall In Love”, “Life Goes On”, o “Help Me, Somedody”. Xavi S.Pons

vinilos

el incendio de sidonie lo arrasa todo

THE FIELD

“Yesterday And Today” Kompakt

ELECTRÓNICA

1111

Hace dos temporadas “From Here We Go Sublime” fue acogido con entusiasmo por la prensa, que lo señalaron como uno de los momentos álgidos en la escena electrónica de los últimos años, un nuevo eslabón en la conquista del espacio por parte de la nueva hornada de productores escandinavos. Ahora Axel Willner -esto es, The Field- viene a demostrar que aquello no fue mera casualidad con una nueva entrega que, con similar punto de partida, supone un paso hacia delante en pos de esa evolución que poco a poco le excluye de los estrechos confines del minimal techno. Aquí también resuenan los ecos de ese shoegaze tan del agrado de Willner -si en el anterior disco sampleaba a My Bloody Valentine ahora les toca a Cocteau Twins-, pero su música se hace más física, en parte como consecuencia de haber reclutado al batería de Battles para aporrear los parches. No se han hecho de esperar las comparaciones con la influyente y vaporosa obra de Mike Ink, pero a diferencia de aquel y como demuestra la preciosa versión de “Everybody’s Got To Learn Sometime”, The Field no le pone puertas al campo. Luis J. Menéndez

LACUNA COIL “Shallow Life” Century Media

METAL

Sidonie Foto Archivo

SIDONIE

“El incendio” Sony/BMG

POP

1111

Nuestro trío favorito, el mismo que hemos revindicado con empecinamiento en estas mismas páginas, acaba de darnos una patada en los morros con un disco en el que definitivamente se han quitado los pocos corsés que todavía les atenazaban. “El incendio” es uno de esos discos que acaba resultando toda una declaración de intenciones desde el principio y que se revindica a sí mismo como el álbum de amor de Sidonie. Amor en mayúsculas y sin complejos.

Amor por la música, por el trabajo bien hecho. Amor ambicioso y sin cortapisas. Amor, en definitiva, por el concepto mismo de la canción redonda que no sobrepase los tres minutos y no se pierda en los arreglos o la psicodelia de antaño. ¿Su obra más variada? Sin lugar a dudas. ¿La más atrevida? También. Marc, Axel y Jesús salen reforzados

hasta tal punto que apuesto mi sueldo de un año a que este va a ser el disco que mayor repercusión va a generar y gano seguro. Estamos ante su disco más descaradamente comercial, si es que hoy en día, y ante la crisis de ventas de soportes, esa frase sigue teniendo sentido. Y es comercial en el sentido de que los pildorazos pop que contiene te llegan a la primera. El álbum se abre con un single claro y directo, de estribillo arrebatador y que da título al disco, para continuar con un temazo como “La sombra” con ecos a la tradición de grupos de pop español cuyos máximos representantes serían Los Brincos. Recuerdan a Andrés Calamaro en “Viva el loco que inventó el amor”. Se vuelven delicados y sugerentes en “Algo nos pasará” y aun más delicados y tiernos en “Por ti”. Pero cuando realmente suenan arrebatadores es cuando echan mano del recurso de los vientos en una canción como “A la vera del mar” o cuando se sacan de la chistera una de sus mejores canciones, “En mi garganta”. En definitiva, Sidonie salen de su particular incendio sin rasguño ni quemadura alguna. Don Disturbios

111

A diferencia de sus compañeros Theatre Of Tragedy y The Gathering, artísticamente más respetados pero bastante alicaídos tras la sustitución de sus respectivas cantantes, Lacuna Coil, como Within Temptation, han seguido una trayectoria ascendente e imparable de popularidad. Algo acompañado, sin duda, de una comercialidad creciente y objetiva de su sonido, actualmente más amable, limpio y radiable. Ello no quita que los italianos sigan facturando discos de primera calidad como este “Shallow Life”, por mucho que la apertura con “I Like It” sea lo más pop que hayan grabado jamás. Igual o más movida resulta “I Won’t Tell You”, mientras que en la canción que da título al disco parece como si Madonna interpretara un tema del etéreo “Host”, también de los de Nick Holmes. El registro vocal de Cristina Scabbia mantiene toda su fuerza, con nuevos efectos y algún que otro deje a la primera Alanis Morrissette. Y aunque a uno le sigan sobrando las habituales armonías orientales y algunas estructuras reiterativas, no cabe duda de que temas como el potente “Spellbound” permiten seguir viendo con simpatía a una banda, aún, con personalidad. David Sabaté

en la onda

ANDRÉS CALAMARO

“Andrés Calamaro” (Dro , 2007)

LOS BRINCOS

“Forever Changes” (Warner , 1967)

POP

ROCK

POP

LOVE

11111

El tercer disco de los Love de Arthur Lee está considerado hoy día como uno de los discos de pop más importantes de la historia, gracias a unas canciones inmortales y a unos arreglos que abren vías futuras y cuya influencia todavía es palpable a día de hoy. Love, Beatles, Kinks, Hollies, The Lovi’n Spoonful están en el imagianario vital de Sidonie

1111

El último disco de Andrés Calamaro hasta la fecha es el más terrenal, el menos ido y más accesible de su trayectoria. Un disco en el que todas las canciones, en su variedad, aguantan el tipo y son plenamente comprensibles. Del r’n’r autoparódico de “Sexy y barrigón” a los himnos ya inmortales de “5 Minutos más” o “Mi Gin Tónic” recuperan a un Calamaro en plena forma

“Brincos II” (Sony , 1966)

1111

Si hay un grupo básico en nuestro país a la hora de combinar el pop de melodías tan resultonas como cristalinas con letras que hablan de relaciones, amores y desamores desde un romanticismo nada tórrido que hoy hasta resulta ingenuo, ese es el grupo de Vicente, Ricky, Juán y Junior. Los Brincos son grandes.

D.D.

(vinilos /46/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

generación xx: el futuro es oscuro PEREZA

“Aviones” Sony BMG

AMERICANA

xx Foto Archivo

THE xx “xx”

Young Turks/Popstock!

POP

1111

Curioso sello Young Turks, hijo menor de XXL. ¿Cómo podríamos calificar de otra forma al hogar de gente tan dispar como Kid Harpoon, El Guincho o The xx? Aunque no menos curioso, o mejor dicho particular, es el caso de The xx. Estos cuatro londinenses de apenas veinte años de edad forman parte de esa generación que parece esquivar los prejuicios estilísticos, fruto de lo que surge una música que acaba por sonar personal. Guitarras de ecos cálidos, cajas de ritmo nada crepitantes, preciosos juegos de voces chico-chica… Parece imposible que un grupo

que versiona a Aaliyah se acerque a Cocteau Twins, que una gente que reverencia a Chromatics o Glass Candy utilice guitarras dignas de los oscuros Interpol o que dos chicos y dos chicas capaces de debutar con un single como “Teardrops” –en el que versionan en clave dark a Womack & Womack- se hayan acabado sacando de la manga una suerte de homenaje encubierto a Chris Isaak en “Infinity”, pero esas son algunas de las cosas que ocurren en los once cortes que recoge el primer larga duración de la banda. Sea como sea, lo que resulta indudable es que The xx son uno de esos grupos que obtiene unos resultados magníficos casi sin darse cuenta y sobre todo se disfruta en la intimidad y con las lámparas apagadas.

La oscuridad vuelve, y allá ustedes si no conectan con “Crystalised” o “Island”. Joan S. Luna

SPINNERETTE

CASS MCCOMBS

PORTUGAL THE MAN

Hassle

Domino/Pias

Equal vision

“Catacombs”

“Spinnerette” ROCK

114

No hace tanto tiempo, hará unos cinco años más o menos, parecía que Brody Dalle se iba a comer el mundo con The Distillers. Pero después de dos primeros y enérgicos discos la magia se diluyó a partir de “Coral Fang”, el tercero en discordia. Dalle se apartó de su esquema inicial y, pese a una mejor producción y más presupuesto, fueron las fallidas canciones las que le traicionaron. Tras la ruptura de su relación con Tim Armstrong (Rancid) y su boda con Josh Homme (Queens Of The Stone Age), Dalle ha encontrado la estabilidad necesaria para hacer frente a un nuevo proyecto, en este caso Spinnerette.

Lástima que el resultado no sea el deseado, ni mucho menos el esperado. Con una banda de lujo formada por Jack Irons (RHCP, Pearl Jam), Allain Johaness (QOTSA) y Tony Bevilacqua (The Distillers), Spinnerette deberían ser un relevo perfecto a The Distillers, pero desgraciadamente su rock alternativo con ritmos bailables no acaba de cuajar. En esa misma onda, Yeah Yeah Yeahs le adelantan por la izquierda. Dalle solamente saca a relucir toda la furia que lleva dentro en canciones puntuales como “Geeking” o “Baptized By Fire”. Toni Castarnado

POP

“The Satanic Satanist” 11114

Es escuchar los primeros acordes de “DreamsCome-True-Girl”, primer corte de “Catacombs”, y saber al instante que la cosa va a ser grande. Y lo es. Si, Cass Mccombs, después de tres discos de pop bonito y torturado a la vez que rozaban la perfección, por fin llega a la excelencia más absoluta con su nueva entrega, uno de esos trabajos que consiguen parar el mundo cada vez que lo escuchas. Lo sé, suena cursi pero es la verdad. Y es que esa hermosísima tonada que abre el álbum con aires a lo Buddy Holly e invitada de lujo a las voces (la actriz norteamericana Karen Black) ya deja bien a las claras por dónde irán los tiros: pop preciosista y emocionante a rabiar teñido de una romanticona e inquietante melancolía. Algo, esto último, que aun hace más especial a este slacker que vive como Dios en la retaguardia del indie estadounidense, en esas catacumbas que dan nombre al disco. Lo que sigue son diez cortes más, inspiradísimos, a lo largo de los que absolutamente todo es posible. Sirva de ejemplo “You Saved My Life”, una canción más grande que la vida capaz de aunar la herencia de Felt con el country del Gram Parsons más pausado.

Xavi Sánchez Pons

POP

1114

Desenpolvad los pantalones de campana, encended unas barritas de incienso y poned a balancear esos gordos culos al ritmo groove y caliente de Portugal The Man porque este “Satanic Satanist” no debería pasar desapercibido entre tanta oferta. Y es que el cuarto disco de esta banda originaria de Alaska, pero afincada en Portland (Oregón), ha sido toda una sorpresa por la nueva deriva que ha cogido su música, que se ha vuelto mucho más terrenal y accesible. Rock, funk, psicodelia, pop y estribillos infecciosos que se inoculan en tu cuerpo para quedarse en una mezcolanza de ritmos con vocación de himnos, evidentemente setenteros de inspiración hippie y alma funk, desarrollados a golpe de wah-wah y clásicos punteos. Nada que no hicieran Sly And The Family Stone, Stevie Wonder o incluso los Bee Gees menos discotequeros (la excelente voz de su cantante y compositor John Baldwin Gourley consigue registros muy altos y es un valor añadido nada despreciable). La única mácula que se le puede poner al conjunto es que la originalidad brilla por su ausencia y no hay nada que no se haya cocinado antes aunque suene cañón. Don Disturbios

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Estando de vacaciones en el Pirineo con el reproductor de la furgo estropeado, no podía más que buscar constantemente emisoras que me proporcionaran un placer truncado por las circunstancias y en estas que dí con una entrevista a Leiva en la que el músico seleccionaba a sus artistas favoritos: Jakob Dylan (previsible), Joe Henry (lógico), Josh Rouse (sorpresa) y Sufjan Stevens (pasmo). Y no ha sido hasta ahora, cuando me enfrento a su nuevo disco, que empiezo a entenderlo todo. Si a los artistas anteriores le añades un poco de Calamaro (participa en “Amelie”, un brillante tema que podría haber firmado él mismo) y un mucho de Quique González, te encuentras con el mejor disco de Pereza que podías echarte a la cara y que adquiere una dirección diferente a la que nos tenían acostumbrados. Un disco al que cabe achacarle dos pegas: Es excesivamente largo (quince temas) y mantiene un tono demasiado apocado y atonal, por lo que no le hubiera ido mal prescindir de alguna balada como “Está lloviendo” o “El día que no pueda más” que empalagan en exceso. Pero no cabe duda de que nos encontramos ante un disco ambicioso en el que Leiva y Rubén han volcado lo mejor de ellos mismos. Don Disturbios

YACHT

“See Mystery Lights” DFA/Nuevos Medios

ELECTRÓNICA

1111

Quizás les extrañe, pero soy de aquellos que prácticamente no aprendieron nada viendo “La Bola de Cristal”. Diría que solamente un par de cosas. Una de ellas fue que “solo no puedes, con amigos sí”. ¿Y por qué recuerdo aquello? Pues porque a Jona Bechtolt, tras varios pasos en solitario como Yacht, le ha hecho falta asociarse definitivamente a Claire L. Evans para dar forma a su mejor material hasta la fecha y, esperemos, apetecible anticipo de lo que está por llegar. “I Believe In You, Your Magic Is Real” (2007) ya tenía sus momentos (“See A Penny”, “Women Of The World”), pero ha sido necesario esperar hasta “See Mystery Lights” para encontrar un equilibrio que convierte al dúo en una de las firmes promesas de DFA. Y es que no se me ocurre nada mejor para escuchar después del redondo “The Future Will Come” de The Juan Maclean que canciones con el exultante ritmo, la gracia electrónica y la frescura pop de “I’m In Love With A Ripper”, “Psychic City” o la dfanesca “Summer Song”. Si electrónica e indie aún pueden ir de la mano, Jona y Claire saben bien cómo hacerlo.

Joan S. Luna

BAD LIEUTENANT

“Never Cry Another Tear” Cooperative Music/Nuevos Medios

POP

111

Pocas esperanzas había puestas en este spin off de New Order que supone Bad Lieutenant y, tristemente, los acérrimos detractores de Bernard Summer, tendrán más motivos para desconfiar de esta nueva etapa de una de las bandas más influyentes de la historia. Sin Peter Hook como motor, y con la inclusión del bajista Alex James (Blur) y Jake Evans

(Rambo And Leroy), ese giro pseudoguitarrero que ya desarrollaron en sendas resurrecciones (“Get Ready” y “Waiting For The Siren’s Call”) vuelve a ser la protagonista en “Never Cry Another Tear”, pero con un resultado que indudablemente tira para atrás. Dejando en el baúl de los recuerdos sin saber uno muy bien el porqué las melodías electrónicas y los sintetizadores marca de la casa (a excepción de “Dynamo”) y anhelando una madurez sonora que resulta del todo intrascendente, en esta ocasión nos han dado pocos motivos para su defensa a ultranza, como buena muestra de ello suponen “Runaway” o “Summer Days On Holiday”. “This Is Home”, “Poisonous Intent” o “Head Into Tomorrow” se salvan de la quema, pero si el propio Summer pretendía conseguir el impacto que antaño produjo Electronic lo tiene más que crudo en esta ocasión.

Sergio del Amo

CHRIS GARNEAU “El Radio” Fargo/Naïve

FOLK

1114

Chris Garneau apareció de la nada como una alternativa fiable a Antony & The Johnsons, Rufus Wainwright y todo ese sequito de cantautores intimistas y excesivos. Pero desde un principio, y harto de que le compararan, él busco desmarcarse, no ser catalogado de antemano. Si en su primer disco había demasiados rastros que indicaban y le aconsejaban no huir tan placidamente de aquella etiqueta, con “El Radio” ha conseguido plantar una barrera entre ellos y su figura escuálida.

Algo parecido a lo conseguido por Elvis Perkins en su último trabajo, aunque su senda sea otra. El órgano de iglesia en “The Leaving Room”, la fantasía burtoniana de “Dirty Night Clowns” y el minimalismo imperante en “Raw And Awake”, así lo plantean. Dividido en cuatro partes, con tres piezas en cada una, es la primera de ellas –“April Showers”-, la parcela en la que Chris Garneau se muestra más inspirado, ofreciendo en ese tramo lo mejor de si mismo. En el bloque denominado “In Autumn” se refugia más en el piano, con “Hometown Girls” a la cabeza, y es en la última vuelta al circuito, cuando apuesta por un corte instrumental como “Lucioles En Re Mineur” y un cierre que pone los pelos de punta, “Pirates Reprise”. Toni Castarnado

MASTERS OF REALITY “Pine/Cross Dover”

Brownhouse/International Trade Union

ROCK

111

Chris Goss fue un visionario, un pionero, aunque ahora ya casi nadie se acuerda de él. Es el padre del stoner-rock, el responsable de que Kyuss grabasen cuatro discos bajo su esmerada producción que forman parte del abecedario global del género. En cuanto a su carrera en particular, su homónimo debut es un clásico en toda regla que va a cumplir veinte años, y su evolución llega hasta el elegante “Deep In The Hole” (2001). Con el tiempo, Chris Goss fue matizando su sonido y suavizó sus canciones, sonando como los Led Zeppelin más espaciales y bastante menos a los Black Sabbath originales. Desde ese disco, un vacío de casi nueve años, si pasamos por alto un álbum en vivo –“Flak N’Flight” (2002)- y otro con descartes en acústico –“Give Us Barabbas” (2004)-. En “Pine/Cross Dover”, una obra dividida en dos partes, se dedica a experimentar con John Leamy como socio conspirador. Una sobrexposición de sonidos, de atmósferas relajadas -”Johnny’s Dream”-, de canciones que no siguen ningún patrón ni tampoco otro tipo de teorías. Más rica en su segunda parte, con cortes como “Up In It” o la muy apreciable “Rosie’s Presence”. Toni Castarnado

(MondoSonoro · Octubre 2009 /47/ vinilos)

el mejor disco de tokyo sex destruction

top10 internacional THE BLACK CROWES “Before The Frost...”

Silver Arrow/Popstock!

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THE xx

“xx” Young Turks/Popstock!

FUCK BUTTONS “Tarot Sport” ATP Recordings

KINGS OF CONVENIENCE

“Declaration Of Dependence” EMI

CASS MCCOMBS “Catacombs” Domino/Pias

HEALTH

“Get Color” City Slang/Nuevos MediosI

GIRLS

“Album” True Panther Sounds/Pias

soulsavers

“Broken” V2/Nuevos Medios

THE ANTLERS

“Hospice” Frenchkiss/K7!/Popstock!

MONSTERS OF FOLK “Monsters Of Folk” Rough Trade

THE BIG PINK

“A Brief History Of Love” 4AD/Popstock!

top10 nacional

1112

La historia es conocida, pero repitámosla de nuevo para los más despistados. Chris Robinson había sido invitado a participar en una de las jams con público que bajo el título “The Midnight Ramble” se organizan en el estudio que Levon Helm (The Band) tiene en Woodstock y descubrió las posibilidades del espacio para grabar un disco ante unos doscientos elegidos que harían las veces de público. La idea era dar con un ambiente de grabación que recogiera la energía e inmediatez de un concierto y de paso no alargarse demasiado en esas insufribles sesiones de grabación que buscan la perfección, pero sacrifican la pureza de lo auténtico. ¿Lo han logrado? No cabe duda. Las canciones se disfrutan gracias a la pericia de los allí reunidos (no descubriremos a estas alturas la precisión rítmica de Steve Gorman a la batería o la elegancia en los punteos de un Luther Dickinson que ha revitalizado el sonido de la banda) e incluso en ocasiones parecen más producto de una jam reciente (el ejemplo más claro serían los siete minutos de “Been A Long Time”) que de la búsqueda de canciones que les ayude a reverdecer laureles. Y es que el principal problema de este disco (y del disco de descarga que le acompaña gracias a una tarjeta que te da una clave de acceso exclusivo a Internet) es que las canciones se suceden sin que te quede la sensación de que te encuentras ante un nuevo clásico que añadir a su largo bagaje. Y no deja de resultar curioso es que sea precisamente “I Ain’t Hiding”, con ese ritmo funky discotequero que provocará más de un sarpullido entre los rockeros más talibanes, la que se puede preveer perdurará en el tiempo. Aunque sólo sea como rareza. El resto es una clásica mezcolanza del rock’n‘roll, honky tonk y blues de toda la vida. Nada nuevo bajo el sol, aunque perfectamente ejecutado.

Don Disturbios

Tokyo Sex Destruction Foto Archivo

TOKYO SEX DESTRUCTION “The Neighbourhood” B-Core

ROCK

11114

Hermanos y hermanas… ¿cuáles son vuestros deseos reales? Si están más cerca de pegarle fuego a la cafetería que de sentarte a tomarte un café vacío de sabor y lleno de marca, las palmadas y el groove de Tokyo Sex Destruction se van a hacer fuertes en tu cabeza. Más que antes. “The Neighbourhood” no supone nada que no huela a perfecta adaptación de nuevo miembro en grabación, líneas reflexionadas con escuadra y cartabón privativos al servicio del bien pú-

blico, falsetes que son gloria bendita a la salida de una semana de cinco días que abre un paraíso terrenal de dos, un ensamblaje de piezas que por culpa de jugar con el pasado en el futuro suena atemporal. Efectivamente, “The Neighbourhood” es un disco enorme que incorpora texturas y capas inéditas en Tokyo Sex Destruction (¿no es “Don’t Let My Hands Fall” un puro incendio?), que pone banda sonora a la colocación de un artefacto y también a la huida tras la explosión. Una huida sólo para estar a salvo, para preparar la siguiente acción. Sexual y exigente, sucio e impecable, barriobajero en palacio y dandy en la revolución pendiente, así es el disco definitivo de los catalanes.

Nacho P.L.

GRAND ARCHIVES

“Keep In Mind Frankenstein” Sub Pop/Popstock!

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JOE CREPÚSCULO

“Chill Out” Discoteca Océano/Popstock!

THE NEW RAEMON

“La dimensión desconocida” B-Core

BERRI TXARRAK “Payola” Roadrunner

TOKYO SEX DESTRUCTION “The Neighbourhood” B-Core

L. A.

“Heavenly Hell” Universal

PARADE

“La fortaleza de la soledad” Jabalina Música

LAYABOUTS

“... And They Ran Into The Woods” Homeless

BLUEBERRY HILL “Giants” Lucinda

ORTHODOX

“Sentencia” Alone Records

ANNE ARBOR

“La caja de música” Siesta

FOLK-POP

1114

Lo malo de hacer un primer álbum soberbio es que resulta muy difícil de superar y lo normal es no hacerlo. Claro que eso no sigtnifica que el segundo disco sea malo, sino más bien que es menos bueno que el debut y encima juega con unas premisas sonoras ya conocidas por el oyente. Le pasó a Band Of Horses con su segundo álbum y lo achacamos a la marcha de Matt Brooke para formar Grand Archives, así que ahora que les ha sucedido a ellos, lo vamos a achacar al empalago. Y es que la tonalidad excesivamente pastoral de las canciones de su segundo disco acaba por edulcorar en exceso el tono del álbum, embarcándonos en una especie de ensoñación musical sin duda mágica, pero también algo catatónica. Y es que hay momentos en los que deseas que suceda algo que rompa el ritmo apocado, denso y onírico cimentado en una voces etéreas y unos coros que de tan celestiales, quieres que un duende mefistofélico rompa el ritmo de un álbum perpetrado para esas tardes lluviosas de invierno. Aun así el álbum registra momentos de una belleza tan intensa y cautivadora (no te pierdas esa suite de más de seis minutos que es “Witchy Park /Tomorrow Will” o el uso de la slide en la candorosa “Oslo Novelist”) que situa a la banda afincada en Seattle unos cuerpos de ventaja por otros orfebres del folk-pop como Fleet Foxes. Por cierto ¿Qué estarán haciendo Neil Halstead (Mojave 3) en estos momentos? Don Disturbios

BLUEBERRY HILL

SOULSAVERS

PARASITES

Lucinda

V2/Nuevos Medios

Rock Indiana

“Giants” POP

“Broken” 1114

Con “Giants”, Blueberry Hill han cambiado el alt country y la americana por el pop: basta solamente con escuchar el tema que titula el álbum, que empieza haciendo –probablemente– un guiño a “Memòria” de Mazoni, una de las canciones más poperas del disperso pero luminoso “Si els dits fossin xilòfons” (Bankrobber, 07).

Por si no quedaba suficientemente claro, en “Country Is Dead” ironizan sobre algunos de los clichés del género (Nashville, los campos de algodón, la figura entre heroica y maldita del country man). Lo hacen con un discurso pop que irradia calidez, ejecutado con toda la inspiración y profesionalidad que han podido acumular desde su debut, “Thanks”, hace ya cuatro años. En “Giants”, los teclados de Ferran Resines ganan protagonismo, y la voz de Maria Bennassar domina las composiciones con una gravidez sorprendente, que se acompaña de forma puntual de arreglos de cuerda suaves pero a la vez densos, dos adjetivos que definen la mayoría de temas de un álbum grabado en los estudios Greenhouse de Sturla ‘Mio’ Thorisson en Reykjavik. Una grata sorpresa. Jordi Nopca

POP

“Solitario” 1111

A pesar de que el matrimonio de Mark Lanegan con Rich Machin e Ian Glover debemos situarlo en aquel “It’s Not How For You, It’s The Way You Land”, la apuesta continúa manteniéndose firme en este sobrecogedor “Broken” que nos ocupa, que tanto puede rozar momentos de insultante brillantez, “Unbalanced Pieces”, con la ayuda de Mike Patton (Faith No More, Fantomas, Tomahawk), como llegar a cuotas de sobrecogedora redención en esa versión que el propio Lanegan, con su característico poderío vocal cargado de blues por los cuatro costados, se marca del “You Will Miss Me When I Burn” de Will Oldham. Obviamente, ni Richard Hawley en la delicada “Pharaohs Chariot” ni Gibby Haynes (Butthole Surfers) en ese primer single cargado de esputos guitarreros que supone “Death Bells” han perdido la ocasión de dejar su granito de arena vocal en esta reafirmación de clase y sabiduría musical. Entre los regodeos rockeros, gospel y de electrónica sigilosa marca de la casa, sobresale un nuevo nombre a tener en cuenta, el de la australiana Red Ghost, quien obtiene su momento de gloria en “Praying Ground” y “Rolling Sky”. Sergio del Amo

PUNK

1114

Hubo un tiempo, fugaz pero entrañable, en el que servidor disfrutó mucho de la energía vital y la frescura de bandas como Bum, Squirtgun, The Queers, Shock Treatment, Depressing Claim, Sloopy Seconds o Parasites, sobre todo de la de Parasites. Eso ha cambiado. El tiempo pasa y las cosas cambian. Por suerte, algunas cosas permanecen inmutables al paso del tiempo. Una de ellas es la capacidad de Parasites de no fallar nunca el tiro a la hora de componer canciones de pop punk eficaz y saltarín. Sí, incluso en 2009. “Solitario” lo demuestra. Dave Parasite y sus muchachos no se distancian ni un centímetro de las coordenadas que han marcado su música a lo largo de más de quince años de carrera. Y, aunque le cueste decirlo alto y claro a un tipo que se apunta a las modas a la primera de cambio, me alegro de que así sea. “Solitario” incluye un montón de temas para brincar mientras se derraman las cervezas sobre alfombras, moquetas o baldosas. “All The Time In The World”, “Hanging Around” o “Real Real Good Time”, la versión de nuestros Feedbacks que se marcan los estadounidenses. Imaginarse joven de nuevo, qué fantástico.

Joan S. Luna

(vinilos /48/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

yo soy simon tú garfunkel

KINGS OF CONVENIENCE “Declaration Of Dependence” EMI

POP

Kings Of Convenience Foto Archivo

HOPE SANDOVAL & WARM INVENTIONS

“Through The Devil Softly” RCA/Nettwerk

FOLK

1111

En una entrevista reciente Hope Sandoval declaraba no percibir el correr del tiempo.

Nosotros, por contra, sí. Ocho largos años han transcurrido desde que apareciera el único disco de The Warm Inventions, trece desde la última entrega de Mazzy Star (afirma también que el cuarto disco del dúo está al caer). Demasiada espera, salpicada de una serie de extrañas colaboraciones (Chemical Brothers, Air, Death In Vegas, Air France o Vetiver) que no saciaron nuestro apetito.

Pero en algo debemos darle la razón a la mujer que cantó “Fade Into You”: arranca “Through The Devil Softly” y la sensación es de que todo se ha detenido. Al igual que sucede con Chris Isaak, Richard Hawley o Julee Cruise, la Sandoval sigue perdida en un tiempo pasado de luces y sombras -éstas últimas más protagonistas aun que en su debut-, un universo extraño y evocador, deudor de la América crooner, la psicodelia angelina y el jazz tabernario, en el que su sensual y perezosa voz campa a sus anchas entre guitarras temblorosas y percusiones fantasmales cortesía de Colm Ó Cíosóig (My Bloody Valentine). Luis J. Menéndez

1111

No lo recuerdo con tristeza, pero sí con cierta acritud. Estuvo mal que Kings Of Convenience nos dejasen cuando más les queríamos. Fue un error y, como todos los errores, puede subsanarse. “Quiet Is The New Loud” (2001) había sido uno de esos discos que uno pincha hasta lo extenuante, con una primera mitad que dejaba sin aliento. “Riot On An Empty Street” (2004) se quedó un poco atrás, pero nos

mantuvo en vilo durante muchas noches.

Ahora, tras grupos paralelos, remezclas y sesiones, la química vuelve a aparecer en “Declaration Of Dependence”, un tercer largo que quizás no esperábamos, pero sí deseábamos. Y sepan que Erlend y Eirik no les van a decepcionar. Estas nuevas trece canciones continúan donde acababa “The Build Up”, es decir en algún lugar de una habitación enmoquetada, con las ventanas a medio abrir y las cortinas bailando al son de un par de acústicas y de dos voces preciosas y melancólicas. Quizás sea melancolía de spot de tampones, no se lo voy a negar, pero es una melancolía con la que me emociono y coincidirán conmigo en que eso es lo que, a fin de cuentas, importa. Lo que a mí me importa, lo que importará a quienes, cuando suene “Boat Behind”, piensen en que, aunque desaparezca en el horizonte cada noche, el sol volverá a aparecer por la mañana. Joan S. Luna

ORTHODOX

SUPER FURRY ANIMALS “Dark Days/Light Years”

“The Incident”

PORCUPINE TREE

HEALTH

Alone Records

Rough Trade/Popstock!

Roadrunner/Divucsa

City Slang/Nuevos Medios

“Sentencia”

EXPERIMENTAL

1114

El trío sevillano Orthodox continúa sin edulcorar una propuesta en la que, como diría aquel, donde cabe una sotana cabe un demonio, donde come el flamenco, lo hace el metal y tapea el jazz. Pero, cosas de la creación, cuando vuelves a este mundo después de treinta y tres minutos y treinta y tres segundos te das cuenta de que no hay nada de lo referido, sino todo ello dispuesto en una nueva dimensión digna de un relato de literatura añeja y polvorienta. ¿Era el mismo tema ese que hacía crepitar ora una voz ora un piano torturado?, ¿dónde se localizan exactamente los vientos en el caos?, ¿cómo se diseña un edificio desvencijado con técnicas modernas?, ¿el que camina hacia la luz deja de ver la oscuridad?. Orthodox es generador de éstas y otras preguntas. Ellos lo saben y no cejan en su empeño, haciendo más que bien, sabiendo que, como la muerte, el doom jondo no tiene dominio. No lo duden, si Raskólnikov hubiera tenido equipo de audio en su cuchitril, estaría expiando sus pecados con “Sentencia” sonando desde el principio cada treinta y tres minutos y treinta y tres segundos. Nacho P.L.

ROCK

1111

Hace un tiempo que Super Furry Animals dejaron de ser un grupo preocupado por arrastrar nuevos fans. En sus dos últimos trabajos, los galeses parecen más interesados en aprovechar su posición para dar bandazos a su gusto. El objetivo primero es no aburrirse de ellos mismos, aunque también hay algo de autoindulgencia en su actitud. Bajo ese prisma resulta más fácil comprender este excéntrico “Dark Days/Light Years”: un álbum cuyos cimientos recaen sobre la sección rítmica de Guto Pryce y Dafydd Ieuan. A partir de allí, el resto de la banda esparce su particular psicodelia en todas direcciones resultando en una mezcla de funk y pop flipado desquiciante y fascinante a partes iguales. Desde la inicial “Crazy Naked Girls” a la abiertamente kitch y despiporrante “Inaugural Trams”, con parada y fonda en genuinas gemas pop como “Helium Hearts” y “Where Do You Wanna Go?”, el último disco de Super Furry Animals invita a imaginarse qué hubiera ocurrido si The Kinks hubieran conocido a Kraftwerk y hacer cábalas de hasta qué punto ha influido en este nuevo trabajo la colaboración de Gruff Rhys con Boom Bip en Neon Neon. Sin duda, ha sido para bien. Joan Cabot

PROGRESIVO

“Get Color” 1111

Cada vez parece más complicado reseñar lo nuevo de Porcupine Tree, más que nada por no repetir elogios. Y es que la capacidad para asombrar y el talento de Steven Wilson, lejos de tener fin, parecen incluso acentuarse. “The Incident” consiste en un único tema de casi una hora (dividido en catorce secciones), que por sí sólo es capaz de definir al rock progresivo actual. Un trabajo sobrio, sin efectismos, donde cada pieza juega un papel elemental en el todo, en cincuenta y cinco minutos que fluyen sin apenas darnos cuenta. Una mayor inclinación por los pasajes acústicos y la melancolía, así como un obvio recorte del factor metálico y algunos coqueteos industriales, confeccionan el avance evolutivo a que nos tienen acostumbrados. “The Incident” es, definitivamente, un álbum de rock progresivo a la antigua usanza, pero plenamente adaptado a la actualidad musical por Wilson y los suyos, con una maestría y facilidad que a estas alturas ya no debería sorprender a nadie.

Por si fuera poco, un segundo CD con cuatro valiosos temas, complementa la obra a modo de bonus EP. Otro inmenso álbum de una de las bandas esenciales del rock de esta década. Imparables. Ferran Lizana

ROCK

1111

Me pregunto qué diría la antropología de esta nueva fiebre tribal en la que vive sumida parte de la música occidental. De Londres a Los Angeles, el hombre moderno parece enfrascado en una ancestral búsqueda del fuego primigenio, remitiéndose a los rudimentos más básicos e instintivos del ritmo. A medio camino entre Animal Collective y sus vecinos No Age, los angelinos Health han dado a su segundo largo un barniz más asequible, lo que no ha supuesto menos riesgo, sino mayor definición. A pesar de que en esta ocasión despliegan un abanico de estructuras y melodías más convencionales, siguen fascinados por el poder redentor de las atmósferas chirriantes y la combustión sónica. El equilibrio perfecto lo encuentran en la perturbadora “Die Slow” y lo van desmontando y reconstruyendo a lo largo de un disco que, aun siendo más inteligible que su abrumador debut, supone de nuevo un viaje emocional del que resulta difícil salir indemne. Aunque muchos probablemente se rindan a la tercera canción. Hay algo casi esotérico en “Get Color”, en su primitiva sofisticación y la obsesión de Health por bordear el colapso, algo definitivo y brutal, trance y revelación todo en uno. Joan Cabot

(MondoSonoro · Octubre 2009 /49/ vinilos)

un buen álbum de cromos MONSTERS OF FOLK “Monsters Of Folk” Rough Trade

AMERICANA

1114

Pasaba hace veinte, treinta y cuarenta años y sigue pasando ahora. La suma del talento de las partes, no tiene que dar cómo resultado una obra maestra perdurable en el tiempo, sino más bien un divertimento para esas mismas partes que la integran. Y así ha sido: partiendo de lo mucho que de auto-paródico tiene el nombre del mega-grupo, del disco y el arte de la portada, nos encontramos que Jim James (My Morning Jacket), Conor Oberst (Bright Eyes), M. Ward y el productor Mike Mogis (también en Bright Eyes) han compilado nada menos que quince canciones (demasiadas) en un álbum en el que, como era de esperar, hay absolutamente de todo, aunque sin esa argamasa tonal y formal

imprescindible para que suene como un todo. Hay momentos de lucidez del enorme talento de los ilustres miembros de la banda (ya el tema inicial de Jim James, el excelente “Dear God (Sincerely M.OF.)”, da buen cuenta de ello) e incluso hay complicidad a la hora de combinar voces y guitarras, pero tras un inicio impecable –los siete primeros temas en el que los componentes van alternando su protagonismo son una maravilla- el álbum se desinfla como un globo de helio que pretendía alturas mayores de las que logra.

Don Disturbios

Monsters Of Folk Foto Archivo

SEBASTIEN GRAINGER

“Sebastien Grainger & The Mountains”

PATTERSON HOOD

CURRENT 93

“Tudo É Possible” Cavernícola/Kasba Music

Saddle Creek/Popstock!

Ruth St. Records

Coptic Cat/Popstock!

CHE SUDAKA MESTIZAJE

111

Este quinteto de argentinos y colombianos afincado en Barcelona, pero de vocación alter-mundialista, está demostrando con hechos el utópico título de su nuevo trabajo. En siete años han pasado de tocar en las calles de Barcelona a hacerlo para miles en macro festivales europeos y sin cambiar un ápice su filosofía de vida. Este cuarto disco no rebaja la tensión de sus canciones ni el posicionamiento social y vital de sus letras, que en directo tienen una puesta en escena pasional y electrizante, pero de nuevo la producción de Gambit (Radio Bemba) les espolea a mostrar nuevas experiencias musicales. Cortes como la radiante “El libro de los abrazos” con Meri (Costo Rico), la simpática “La risa bonita” con Jaime (Pa’lo Que Sea), o las intensas, experimentales y hip hoperas “Soberbia”, “Locoworld” y “Tout Est Posible”, con múltiples colaboraciones, sorprenden por interesantes.

Otros temas como “Quiero más”, “Calle Luna” o “Mentira polítika” se convertirán en sus próximos clásicos. El CD se acompaña de un DVD con video clips, extractos de sus directos y un interesante documental para entender los dos últimos años de la banda y lo que es “Vivir con el corazón”. Miguel Amorós

POP

111

Transcurridos un par de años desde la separación del dúo de party-rockers Death From Above 1979 por motivos artísticos y personales, su batería y vocalista firma ahora un primer disco en solitario en el que, además de emplear el estudio que regenta en Toronto junto a Jimmy Shaw, de Metric, se ha encargado de la grabación de prácticamente todos los instrumentos. Todo queda en casa, y la fórmula dance rock sigue vigente, pero sobresale aquí algo más de músculo y esencia rockera, más insinuada en pasajes discursivos como los que abren el álbum en “Love Can Be So Mean” y más evidente en canciones como “Who Do We Care For?”, una furiosa muestra de fuel rock en toda regla. En esencia, el planteamiento es el mismo, sólo que ampliando el espectro sonoro a una banda completa y desprendiendo de las canciones parte del componente cáustico que predominaba en Death From Above 1979. El envoltorio perfecto para unos textos ciertamente angustiosos, demasiado incluso. Aunque, ¿Quién no siente deseos de gritar en ocasiones cosas como “I’m All Rage” o “I Hate My Friends”?

Jorge Ramos

“Aleph At Hallucinatory Mountain”

“Murdering Oscar” AMERICANA

111

Por mucho que nos quieran vender la moto, el segundo álbum de Patterson Hood al margen de Drive-By Truckers, suena a temas descartados por la banda, además de sonar a ellos. Me explico. En el libreto del compacto, cada uno de los temas está comentado por el propio Patterson y leyendo te enteras de que hay canciones con una antigüedad de aproximadamente quince años y que, reunidas, conforman una especie de biografía del guitarrista y cantante. Pero excepto el primer y contundente corte, que además da título al disco, el resto del material es bastante intrascendente, excepto para él mismo y para los fans más declarados de los camioneros. Esos mismos fans se regodearán en las historias que plantea Patterson e incluso defenderán que esta es una obra cruda y sincera. De acuerdo, pero yo que no soy tan fan, prefiero esperar al nuevo larga duración de Drive By Truckers, en los que el grupo y el propio Patterson establecen un filtro de selección de los temas. Porque en “Murdering Oscar” hay mucho relleno.

Don Disturbios

POP

LUKE VIBERT

“We Hear You” Planet Mu

1114

Un aleph en la montaña de las alucinaciones. Eso promete el título del nuevo disco de David Tibet y eso es justamente lo que encontramos: un agujero en el que asomarnos y ver bullir la psicodelia británica y el germen de la música industrial, todo ello en un emplazamiento apocalíptico y, sí, alucinatorio a tope. No están aquí músicos habituales en los discos de Current 93 como Steve Stapleton (retirado en una casa que él mismo ha construido en el condado irlandés de Clare) o Michael Cashmore (que se dejó escuchar el año pasado en un disco junto a Marc Almond), pero David Tibet sigue contando con un montón de invitados. El nuevo fichaje es el guitarrista James Blackshaw, que ha acompañado a la banda en su reciente gira y se ha unido a músicos como Baby Dee, Rickie Lee Jones, Andrew W.K. y Matt Sweeney para ayudar a Tibet a facturar otro álbum oscuro y profético, tan cercano a la psicodelia pre-krimsoniana de Les Fleur De Lys como al punk terminal de Crass, tan extraño como interesante y tan deudor del folk inglés en su instrumentación como alejado de cualquier concesión a la inocuidad. Jorge Ramos

ELECTRÓNICA

1114

El hombre de los mil alias (Plug, Amen Andrews, Kerrier District, Spac Hand Luke) regresa esta vez bajo su propio nombre con un álbum accesible y entretenido. Electrónica bizarra y variada que salta de un género a otro, con samples que van del funk al acid, pasando por el disco o el drum’n’bass, tempos llenos de melodías extrañas y atractivas y una confesa devoción por los bajos y baterías más caóticos. “Marvelous Music Machine” es un hipnótico homenaje a Kraftwerk y “Hot Sick” o “Square Footage” recuerdan a los primeros Daft Punk pasados por el filtro de la imaginería de Vibert, con un punto etéreo y envolvente cercano al ambient más animado. Como contraste, en “Dive And Lie Wrecked” la mezcla de bajos profundos con una melodía G-funk consigue un tema oscuro y sugestivo que suena a principio de los noventa. En “House Stabs” sigue acercándose al old school mezclando sonidos de Inner City con juegos vocales melódicos deudores de las divas de la música negra. En definitiva, un trabajo muy disfrutable si no nos empeñamos en pedirle al bueno de Vibert una revolución y una vuelta de tuerca en cada nuevo disco. Dani Arnal

(vinilos /50/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

dorian, luces en la oscuridad MARMADUKE DUKE

“Duke Pandemonium” 14th Floor

ROCK

Dorian Foto Archivo

DORIAN

La ciudad subterránea Intromúsica/Pias

POP

11114

No tengo claros los motivos, pero, pese a que la música de Dorian no es más que pop, siempre les he considerado un grupo alejado de las demás formaciones estatales. La particular voz de Marc, sus arreglos electrónicos cada día más elaborados y la efectividad de sus singles se alejan de la obra de sus teóricos competidores. Y “La ciudad subterránea” supone –debería suponer- su despegue definitivo. El cuarteto catalán combina con sutileza su original esencia pop con una carga electrónica (que echa la vista hacia los ochenta para mirar hacia el futuro) que les sienta más que bien

y que ha ganado muchísimo en protagonismo. Nunca antes Dorian habían sonado tan consistentes y tan redondos en conjunto como en canciones de la frescura de “Verte amanecer”, “Estudios de mercado”, “Las malas semillas”, “La tormenta de arena” o “Paraísos artificiales”. Ni tan bailables tampoco, aunque siempre hubo algo de eso en “10.000 Metrópolis” (04) o “El futuro no es de nadie” (06). Si algo queda claro es que Dorian confían en su potencial y va siendo hora de que nosotros también lo hagamos. “La ciudad subterránea” suena comercial y radiable y lo mejor de todo es que lo hace sin traicionarse en ningún momento y sin que nada suene superfluo o impostado. Vamos, que, se hayan dado cuenta o no, Dorian han firmado su mejor disco y uno de esos álbumes que se hacen querer. Joan S. Luna

THE TEMPER TRAP

REDBANNER

DATA

Infectious/PIAS

Radikal Records

Ekler’O’Shock/Naïve

“Conditions” ROCK

“Skywriter”

“Una altra història” 11

Los australianos The Temper Trap (no confundir con los mucho más jugosos Tender Trap de Amelia Fletcher) son de esos grupos que parten de una fórmula perfectamente acotada, una estrategia rígida, semifanática.

El objetivo parece ser la tensión, sin embargo lo habitual es el melodrama para todos los públicos y una épica dócil que en ningún momento consigue sacudirse uno de los peores acrónimos que le pueden caer a uno encima en este negocio: AOR. “Conditions” consigue engatusar en aquellos momentos en que la banda liderada por Dougy Mandagi y su falsete se libera del yugo de su propio plan de ataque, pero en la mayoría de casos lo único que ofrecen es una versión desteñida de la melancolía de Sunny Day Real Estate, algo de Coldplay sin su inspiración y un cruce de cables considerable entre hits radiofónicos de los ochenta y el rock inocuo que tanto les gusta a los zagales y zagalas que miran “The OC”. Algunos les señalaban como una de las grandes promesas de este 2009, aunque puede que lo mejor que pueda pasar sea que algunos se confundan y acaben en brazos de la Fletcher. Eso estaría bien.

Joan Cabot

PUNK

111

El principal valor añadido de este disco es la manera de contar las cosas. A cada canción le corresponde una fecha, la cual señala un suceso de la historia contemporánea de la humanidad a partir del que se construye la letra. Así, “Una altra història” empieza en 1492 con “La conquesta del paradís” y acaba en el 2009 con “No ens canviaran”, después de haber repasado las germanías, la Guerra Civil, el apartheid, el conflicto palestino-israelí o la Barcelona olímpica.

Redbanner cuentan una historia distinta a la oficial y además lo hacen en catalán, aunque los textos se traduzcan al inglés en el libreto. Desde el punto de vista meramente musical, la banda del Baix Llobregat se conforma con un hardcore-punk a lo Ràbia Positiva o Revolta 21, pero de vez en cuando lo aliñan con unas pizcas de ska (esa sección de vientos invitada en “Els carrers de Soweto”, por ejemplo) que no desentonan lo más mínimo. Además Redbanner se apropian curiosamente del celebérrimo “Cum On Feel The Noize” de Slade y lo convierten en “No ens canviaran”, el himno que cierra “Una altra història” de una manera combativa y rebelde. Jordi Forés

ELECTRÓNICA

1114

Tras un buen puñado de maxis y otros tantos remixes para gente de la talla de Felix Da Housecat o M83, el francés David Guillon ha decidido por fin debutar en formato largo bajo su alias Data. “Skywriter” es el nombre de este compendio de once temas que trascienden del 8 bit, género al que se abrazaba al principio el productor galo, para evolucionar de manera más que sólida hacia el synth-pop revisitado o el electro pop más amable. Recuperando alguno de sus temas más exitosos, como el bailongo “Aerius Light”, Guillon le lanza por un tobogán de resultones temas vocales con protagonistas de prestigio, caso de Sebastien Grainger, vocalista de los difuntos Death From Above 1979 y que toma el micrófono en “One In A Million” y “Rapture”, o de Benjamin Diamond, maestro del house pop más fino, que pone su garganta al servicio de dos de las composiciones más acertadas del álbum: “So Much In Love”, donde comparte cualidades con el gamberro Breakbot y la homónima “Skywriter”. Un disco divertido y amable de disfrute igualmente diurno que nocturno. Electrónica de baile para gafapastas dirán algunos. Puede ser, pero hecha con clase. José Manuel Cisneros

111

Mientras esperamos expectantes que Biffy Clyro dé continuación con su nueva obra de estudio -de inminente publicación- al excelente “Puzzles” de hace dos años, una de sus dos mitades, el guitarrista Simon Neil, ha aprovechado el hiato de la banda para volver a reunir el proyecto paralelo que inauguró junto al líder de Sucioperro, JP Reid, hace cuatro años con “The Magnificient Duke”. Conservando el interés por la búsqueda de vericuetos musicales que den salida a las laberínticas ideas artísticas de ambos protagonistas, el hecho diferencial de Marmaduke Duke reside en el abandono de los sinfonismos y las marañas de texturas que protagonizan el sonido de sus bandas madre. En su lugar, Neil y Reid dan entrada a modos y formas más orientadas al baile y la electrónica. Se muestran especialmente inspirados con el funk claustrofóbico que protagoniza “Everybody Dance”; “Silhouettes” o “Erotic Robotic” los acerca a las propuestas de Gang Of Four, y hasta ceden espacio al pop espacial en la adictiva “Demon”. El disco deambula así, navegando entre la compleja estructura melódica y el particular mapamundi sónico, algo psicótico, del dúo escocés. Robert Aniento

THE HERBALISER “Session 2” Studio K7!

ELECTRÓNICA

1111

Casi una década después de su “Session 1”, celebradísimo álbum en el cual el grupo decidió encerrarse en el estudio para captar a base de caóticas jams su verdadero sonido en directo, los londinenses vuelven a hacer examen de conciencia y editan una fantástica continuación a aquel genial trabajo, una secuela que hereda tanto el estilo cómo el espíritu del original sin desmerecer lo más mínimo. Tomando como base varios de sus temas más reconocibles, desde los sucios breaks underground de “Blow Your Headphones” al estilo cool y refinado de “Same As It Never Was”, la banda deja de lado sus colaboraciones con vocalistas y se concentra en ofrecer un discazo puramente instrumental de principio a fin. Cinemática, scratch, funk, beats de guateque, psicodelia, sci-fi, mucha clase y muy poquito sampler son los hilos conductores de este “Session 2”, una obra en la que consiguen un sonido que nada tiene que envidiar a las bandas sonoras de sus idolatrados John Barry o Quincy Jones. Otro clásico pues que añadir a la ya extensa nómina de The Herbaliser, actualmente, en un estado de forma envidiable. Dani Arnal

QUANTIC & HIS COMBO BARBARO “Tradition In transition” Tru Thoughts/Nuevos Medios

WORLD MUSIC

111

Dentro de la creciente ola de exploración hacia la música considerada históricamente más exótica (África, Caribe, Latinoamérica), Quantic y su combo pueden ser distinguidos como abanderados del movimiento. Liderados por el productor inglés William Holland (más conocido cómo Quantic), el Combo Bárbaro es una colección de artistas inter-

nacionales que se desenvuelven a las mil maravillas incorporando elementos de soul y groove a los estilos más reconocidos como la bossa o la salsa. El tema que da apertura a la obra, “The Dreaming Mind Part. 1” recuerda nítidamente a la Cinematic Orchestra (nada menos), “I Just Fell In Love Again” fusiona el caribe con el soul negro de la mano del cantante panameño Kabir, y cuenta con unos de los arreglos más cuidados de todo el disco, una sección de cuerdas de nada menos que doce músicos. Finalmente, “Arianita” nos devuelve al funk y a la bossa más caribeña y dulce hacia el final del disco a ritmo de piano y maracas. Un álbum que mezcla acertadamente corrientes modernas cómo el acid jazz y el deep funk con músicas globales y sugerentes para lograr un todo definitivamente atractivo que gustará más allá de los amantes del género. Dani Arnal

J DILLA

“Dillanthology 2” Rapster/PIAS

RAP

1111

Más de tres años han pasado ya desde la muerte de James Dewitt Yancey, más conocido como J Dilla en esto del rap. El suyo fue un fallecimiento por causas naturales, no por una reyerta con armas de fuego ni por llevar una vida de excesos. Su obra es precisamente un reflejo de su vida. Dilla no respondió nunca al perfil de chico malo del rap, ni mucho menos, y sus producciones son el reflejo de ello. El segundo volumen de la serie “Dillanthology”, en la que el sello Rapster recopila de forma anónima sus mejores remezclas, no puede evitar que miremos con un halo de melancolía los magníficos once cortes que lo componen y que nos devuelven por espacio de una hora lo mejor del arte de este maestro del estudio. Los clásicos De La Soul, The Pharcyde, Four Tet o Busta Rhymes son algunos de los variopintos nombres que nos encontramos en el tracklist de esta nostálgica recopilación, aunque de quedarnos con alguno de los cortes lo haríamos con la remezcla del “Fall In Love” de sus Slum Village, un grupo que con los años seguro que alcanzará la categoría de culto. Y es que su escueta pero magnífica obra recoge al cien por cien la impronta de este genio del rap.

Descanse en paz. José Manuel Cisneros

THE WAVE PICTURES “If You Leave It Alone”

Moshi Moshi/Nuevos Medios

FOLK-POP

1114

Los británicos se habían caracterizado hasta ahora por un ritmo frenético de edición (entre grabaciones caseras, directos y recopilaciones de las muchas canciones que han ido escribiendo desde hace una década, a las que se suma un reciente tributo a Bruce Springsteen), por conseguir títulos inspirados como “The Hawaian Open Mic Night” o “The Airplanes At Brescia” y por una preocupación progresiva por el acabado de sus discos, que ya en “Instant Coffee Baby” mejoraba sensiblemente y que en “If You Leave It Alone” sigue refinándose con los arreglos de Herman Düne. El saxo nos acompaña puntualmente desde el primer tema: aparece y desaparece, igual que los momentos inspirados de David Tattersall y compañía. “If You Leave It Alone” está formado por doce canciones, pero podría contener quince o veinte, y el efecto sería igual: The Wave Pictures son un grupo con algo que contar y que lo cuenta con recursos mínimos pero buenos resultados, igual que pasa con Darren Hayman o Jonathan Richman. Jordi Nopca

(MondoSonoro · Octubre 2009 /51/ vinilos)

ANIMIC

“Himalaya” Les petites coses/Error Lo-Fi Recordings

FOLK-POP

1114

Con “Himalaya”, Anímic se propusieron llegar a la cordillera más alta del mundo. Se marcaron este objetivo como quien, un día cualquiera, se levanta, se calza las chirucas y se va a pasear por la montaña con la intención de pasar un rato relajante y revitalizador: Es así precisamente como suenan las doce nuevas canciones del septeto de Collbató (Barcelona), tan relajantes y revitalizadoras como los rayos de sol de principios de junio que bañan riachuelos llenos de peces que suben a la superficie sin temor, aunque en pequeñas fábulas como “La mort i el riu” se haga referencia a la falta de piedad de los ecosistemas naturales (todo ello relacionado con cierto rencor hacia los amantes). Después del EP “Plou massa poc” (Error Lo-Fi, 06) y “Hau o Hïu” (Error Lo-Fi, 07), Anímic han sabido integrar su experimentalismo innato en un disco muy coherente e inspirado en el que todo fluye armónicamente, complementado por las apariciones puntuales de Ricky Falkner y Jordi Mora –productor e ingeniero de sonido del disco, respectivamente–, María Rodes o Joan Pons (El Petit de Cal Eril), entre otros. Todos ellos consiguen llegar hasta el Everest del indie catalán en menos de cuarenta y cinco minutos. Jordi Nopca

JULIAN PLENTI

“Julian Plenti Is... Skyscraper” Julian Plenti Is... Skyscraper

POP

114

Nadie pretendía que fuera un secreto, pero ha sido demasiado fácil acercarse a Julian Plenti sabiendo que se trataba de Paul Banks, vocalista y guitarra de Interpol, por mucho que su pelo haya crecido y no se afeite como de costumbre. Banks necesitaba aire y aquí lo ha tomado, abandonando la oscuridad asfixiante de su banda habitual y convirtiéndola en una melancolía con la que cuesta empatizar. Mientras la frialdad glaciar y marcial de Interpol embravece los ánimos y excita en muchas ocasiones, aquí Banks se muestra demasiado plano (apenas “Unwind” insta a moverse), nada epidérmico, ni mucho menos visceral. Escucharlo desvela que lo que aquí hay no ocupará lugar en la próxima obra de los neoyorquinos, que si Banks ha decidido publicarlo por su lado es porque no encajaba en manos de sus compañeros. Para dar forma a estas once piezas sin demasiada alma, ha recurrido a amigos como los músicos de jazz Dmitry Ishenko y Mike Irwin, la improvisadora Jessica Pavone o los más cercanos Mike Stroud (Ratatat), Charles Burst (The Occasion) o su compañero Sam Fogarino.

Un cartucho más bien malgastado.

Joan S. Luna

JOSH FREESE “Since 1972”

Outerscope Records

ROCK

14

Personaje inquieto e irreverente donde los haya, Josh Freese se ha ido dando a conocer en el mundillo musical por ser el batería de grupos como The Vandals, A Perfect Circle o Nine Inch Nails. Y es que el californiano lleva dando la brasa desde hace

una eternidad, tal y como asegura el título de su segundo trabajo en solitario. “Since 1972” es un disco que podría ser calificado de ombliguista, en el que Josh Freese ha compuesto todas las canciones y ha tocado todos los instrumentos. En plan Juan Palomo, vamos. La pega es que dichas composiciones resultan insulsas, carecen de chispa y, además, son poco originales sin decidirse entre el emo-pop y el punk rock melódico. Parecen collages de ideas sueltas y descartes de temas de las otras bandas en las que ha militado. Desde mi punto de vista, apenas salvaría las correctas “Blood On Your Knuckles” y “Because”.

Para colmo, el disco viene acompañado de un DVD de veinticinco minutos de duración en el que abundan las frikadas y las tonterías varias. En este caso, tan sólo resultan de interés los escasos minutos que documentan la gira con Nine Inch Nails.

Jordi Forés

fuck buttons, futuro para el post-rock

PETIT

“Loveshines Firefly” Manlay Recordings

POP

111

Las notas de agradecimiento de “Loveshines Firefly” acaban con una referencia a Antoine de Saint-Exupéry, pero no evocan al mundo naíf y fantástico de “Le Petit Prince”, sino al periplo sombrío de “Vol de Nuit”. El aviador tiene un accidente y observa cómo arde en el desierto. O bien: Petit –Joan Castells– escribe diez canciones impecables después de acabar con una relación. El disco empieza con “Faster” una enumeración de alergias (arañas, picaduras de abeja, chicas malas y caras bonitas) servida con guitarrazos avispados y una voz oscura, que en “Empty” –una balada de tomo y lomo– escupe todas sus capacidades comunicativas, que no son pocas.

Más adelante, el folk suave de “Christmas Tree”, el hit rabioso “People In Love”, la aproximación a la americana en “Seeds” o los medios tiempos gloriosos de “Blackmail At Night” o “Sixteen” nos descubren a un músico y letrista que sabe encontrar la sonoridad y la referencia exacta para cada una de sus canciones. Jordi Nopca

Fuck Buttons Foto Archivo

FUCK BUTTONS “Tarot Sport” ATP Recordings

POST-ROCK

1111

Con su debut “Street Horrrsing” y a partir de herramientas de sobra conocidas en el terreno de la electrónica analógica -sintetizadores, secuenciadores, repetición- Fuck Buttons ponían banda sonora al fin del mundo con un lenguaje tan poderoso como magnético, confirmando que sí, aún hay caminos por recorrer para el post-rock en nuestro tiempo. Pero aquellos instrumentales de largos desarrollos dejaban entrever un punto débil: la posibilidad de convertirse

en un cliché, una parodia de sí mismos, tal y como sucedió en el pasado con bandas como Mogwai, o Godspeed You Black Emperor. Chicos listos, el dúo de Bristol reclama los servicios del hechicero Andy Weatherall, al que cabe achacar algunos de los aciertos de esta segunda entrega. A saber: poco ha cambiado en el universo Fuck Buttons, que si acaso afilan aún más los cuchillos, pero el ex Sabres Of Paradise dota de mayor solidez a unas canciones que ahora incorporan percusiones reales y un rango sonoro más amplio. Un paso adelante en este maravilloso viaje al que no están invitados cobardes y tradicionalistas con camisas de franela. Luis J. Menéndez

SALLY SHAPIRO

“My Guilty Pleasures” Permanent Vacaction

POP

1111

Tras exprimir hasta la saciedad su disco de debut con dos álbumes de remezclas en los que nombres como Lindstrøm, Junior Boys, The Juan Maclean o Dntel se apropiaban de sus canciones, aquí llega la esperadísima continuación de “Disco Romance”. Como el proyecto de dormitorio que es -Sally se niega a hacer conciertos en directo- el productor y compositor de los temas, Johan Agebjörn, ha echado el resto en pos de esa combinación de eurodisco, pop naïf y detalles kosmische, otorgándoles un mayor brillo y dejando atrás la doméstica producción de su debut del 2006. Y así, situados en un punto intermedio a caballo de Saint Etienne y el Lindstrøm más melódico, la mayor parte del disco fluye entre la sensación de ingravidez que produce el colchón de teclados y la indisimulada melancolía de la voz de la Shapiro. La apuesta por la sofisticación tiene como consecuencia que no encontremos estribillos tan rotundos entre estos “placeres culpables” como en el pasado, algo que de alguna forma remedia la inclusión de aquel single perfecto del pasado año que fue “He Keeps Me Alive”, que ya había aparecido remezclado por Skatebård en “Remix Romance, Vol. 1”.

Luis J. Menéndez

FABIÁN

YOU ME AT SIX

Vicious Records

Slam Dunk

“Take Off the Colours”

“Adiós, Tormenta” POP

1114

Últimamente los oídos de cualquier amante de la música agradecen que nos dejen de avasallar con todos esos cantautores que, lejos de adoptar una actitud personal, nos dejan indiferentes con sus propuestas. Por suerte, también hay quien pretende romper con eso. Entre ellos se encuentra el leonés Fabián. El suyo es un disco de aquellos que encajan a la perfección en tardes otoñales ante la ventana, con la lluvia de fondo. Uno lo escucha y algo se remueve por dentro.

Y además sin recurrir a ñoñerías ni a esas patologías infantiles que tanto abundan.

“Adiós, Tormenta” es un disco agradecido, lleno de arreglos que ensalzan las canciones y las desnudan frágiles y a la vez contundentes. Fabián se mueve como pez en el agua entre su voz más susurrada en temas como “Atardeceres” o “Lugares” y en su faceta poética y más acertado uso de los instrumentos en “Palabras raras” o “Pequeño decimal”. Con versión de Calamaro incluida (“Todo lo demás”), Fabián se posiciona al frente del folk en estas tierras que si huyeran del prejuicio darían verdadera importancia a las letras preciosas y sencillas.

Marcos Martín

PUNK POP

11 Enésima promesa de punk pop que surge a rebufo de la nueva generación del género.

Pese a generar un cierto reconocimiento últimamente por haber teloneado a Fall Out Boy en su última gira y por haber estado nominados por el Kerrang! británico en la categoría de mejor banda de 2008, este quinteto de Surrey empezó a generar cierta atención en su país hace ya unas cuantas temporadas, gracias a un directo que destacaba en el boca a oreja de la escena inglesa de salas. Después de un EP autoeditado en 2005, “We Know What It’s Like To Be Alone”, el screamo con el que inicialmente se dieron a conocer ha ido evolucionando hacia un punk pop con muy pocas boyas de interés a las que agarrarse. Demasiados refritos que suenan a descartes de My Chemical Romance, Paramore o los primeros Panic! At The Disco. Tan solo la divertida “Jealous Minds Think Alike” puede hacerse merecedora de ganarse un lugar en los playlists menos exigentes. Pese a la medianía como tono general del disco, Epitaph se ha hecho ya con los derechos del grupo para editar el disco en Estados Unidos tras el verano. Robert Aniento

PETER FOX

“Stadtaffe”

Down Beat/Warner

HIP HOP

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Teniendo en cuenta que mi kit verbal de supervivencia germana se limita a pronunciar “danke” y “currywurst” sin que se me caiga la cara de vergüenza, el debut del berlinés Peter Fox (antiguo integrante de los allí muy populares Seeed) se antoja como una lección en toda regla de que, gracias a Dios, el universo hip hop y el dancehall pueden encontrar sonoridades a explotar alejadas de la mera base intrascendente. Acompañado de la Orquesta Alemana de Cine de Babelsberg uno de los vecinos más célebres del flamante barrio de Kreuzberg, alejado de los estereotipos de chico rudo que su compatriota (y principal rival en el universo de las rimas) Bushido transpira, dota a su propuesta de un exquisito gusto donde los paisajes de aura cinematográfico (en la sorprendente “Alles Neu”, con videoclip de factura impecable) junto a los justos arreglos electrónicos cobran merecidamente todo su protagonismo. A pesar de la evidente barrera lingüística que la gran mayoría puede padecer, tal impedimento no resulta trascendente para que temas como la trompeteramente adictiva “Der Letzte Tag” o “Ich Steine, Du Steine” resulten cuanto menos degustables. Sergio del Amo

(vinilos /52/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

parade, genio en la sombra CORNERSHOP

“Judy Sucks A Lemon For Breakfast” Ample Play/Popstock!

POP

Parade Foto Archivo

que el murciano vuelve a volar alto en su nueva entrega.

Más suelto que nunca y sin traicionar para nada el espíritu inconfundible de su pop de cámara para el que las palabras bonito y emocionante se quedan cortas, Galván, en canciones como “Stephen Hawking”, “Proyecto Genoma” o “El astrónomo melancólico”, se atreve, con éxito, con el glam de Bowie, la herencia de Brian Wilson más de juguete y la sombra siempre alargada de Phil Spector. Del quinto disco del murciano también cabe destacar de forma especial tres canciones divididas en diversas partes que bajo el nombre de “Rainbows Avenue I, II y III” recuperan el espíritu del inolvidable “Señor Azul” de Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, canción versionada por Parade en sus inicios, una divertida ensoñación dedicada a Dylan bautizada como “El aerolito Dylan”, y una sentida versión del “Your Wonderful Parade” de The Carpenters que sirve de excelente colofón para un disco de traca. Xavi Sánchez Pons

PARADE

“La fortaleza de la soledad” Jabalina Música

POP

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Siempre que pienso en Antonio Galván me lo imagino como un Stephin Merritt educado e algo inocente, luminoso y abstemio, pero con el mismo talento. También pienso en una especie de Clark Kent metido a músico que para ser Superman y demostrar quién es de verdad, tiene que echar mano de su traje de superhéroe. En el caso de Galván, de Parade y de toda la retahíla de teclados y demás instrumentos que pueblan sus discos. “La fortaleza de la soledad” pone fácil el símil con el héroe de cómic creado en los años treinta por Joe Shuster y Jerry Siegel, y de paso, también pone fácil rendirse ante la evidencia de

DOLORES O’RIORDAN

PAPA ROACH

THE PHENOMENAL HANDCLAP BAND

Cooking Vinyl/Pias

Universal

Lovemonk

“No Baggage” POP

“The Phenomenal Handclap Band”

“Metamorphosis” 114

Los dos años que han pasado desde el estreno de la vocalista de The Cranberries en solitario han acabado almibarando el recuerdo que “Are You Listening?” ha dejado en nuestras memorias, redefiniéndolo como un trabajo notable, contenedor de un buen puñado de pequeñas joyas pop. Quizás no suficientemente valorado en su momento por las inevitables comparaciones con la obra realizada junto a la banda madre, el bautizo discográfico de O’Riordan ha conseguido finalmente un pequeño lugar de honor entre los discos que merecen ir recuperándose de vez en cuando. Las malas noticias son que no parece que vaya a pasar lo mismo con “No Baggage”. Once cortes confesionales e introspectivos, pero con muy pocos ganchos melódicos de los que siempre han caracterizado a la intérprete. No es que sea un mal disco (Ahí está su presencia vocal, tan sublime como siempre) sino que canciones como “Skeleton” o el single “The Journey” nos permiten recordar que la vocalista alcanzó cotas más altas. Porque un catálogo de suntuosas pero medianas baladas de ribetes sombríos y melancólicos no es lo que la mayoría esperamos de O’Riordan. Robert Aniento

HARD ROCK

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Muy poco queda en 2009 de la banda que se reivindicó como uno de las mejores combinaciones de nu metal y hardcore a principios de siglo. A pesar de que sus mejores discos nunca estuvieron a la altura de lo que ofrecían en directo, “Infest” y “LoveHateTragedy” merecen un lugar privilegiado en el recuerdo de un género que dejó tras de sí mucha más paja que trigo.

Ahora, “Metamorphosis” reincide en la reconversión en grupo de hard rock californiano al uso en que los de Tobin Esperance decidieron mutar a mediados de década. A priori, no habría nada que objetar a la evolución, tratando de sobrevivir a un género en agonía. Es más, el cuarteto de Sacramento se defiende bien en el terreno de los chisporrotazos guitarreros edulcorados con melodías amistosas. “March Out Of Darkness”, “Lifeline”, “Change Or Die” o “Hollywood Whore” son argumentos de peso para seguir consiguiendo ventas decentes y una buena excusa para seguir grabando nuevos trabajos. El problema es que Papa Roach ha perdido todo asomo de personalidad para convertirse en un producto de plástico más.

Robert Aniento

POP

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Superbanda a la vista. Dos Dj’s de la escena (semi)underground de Nueva York, eruditos y famosos, ávidos de nuevas emociones, se convierten en productores y reúnen para su proyecto nada menos que a gente como Carol C, (Si*Sé), Jaleel Bruton (TV On The Radio), Bart Davenport, Jon Spencer o Lady Tigra. Juntos han conformado un ente que bebe de la cosmic disco, de la psicodelia y el hippismo de los sesenta, del funk de los setenta, de la música brasileña y de los ritmos calientes. El resultado es un viaje que nos lleva de lo épico al groove más sugerente, animado y estiloso que uno se pueda encontrar ahora mismo por ahí fuera. “Journey To Serra Da Estrela”, el tema que abre el disco, es un candidato a hitazo sintético de nueva generación; “You’ll Disappear” es un rompepistas de disco químico y “15 To 20” es un tema divertido y petardo a partes iguales que huele a clásico instantáneo. Un combo de grandes músicos, eclécticos y cosmopolitas dirigidos por dos de los pinchadiscos más reputados de la Gran Manzana, un tratado de soul bailable que se da la mano con la psicodelia y el rock progresivo más excéntrico. Dani Arnal

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A pesar de la larga trayectoria que arrastran a sus espaldas, sobrellevar la barrera del one hit wonder (con aquel “Brimful Of Asha” y los numerosos remixes que ejercieron de carta de presentación global) supone un reto en toda regla, y más teniendo en cuenta que se habían esfumado del mapa desde siete años atrás, después de aquel fallido “Handcream For A Generation”. En este “Judy Sucks A Lemon For Breakfast”, a pesar de la amargor que su título transpira, supone una consolidación de su vertiente más pop sin perder un ápice del carácter multicultural que impregnan a sus temas con un sugerente sitar como principal leit motiv marca de la casa.

Sirvan de ejemplo “Who Fingered Rock’n’roll” o en la sugerente “Free Love”, con vocoder incluido. Dejando los regodeos disco para ese interludio llamado “Half Brick”, la banda no tiene reparo alguno en marcarse una edulcorada versión del “Quinn The Eskimo” de Dylan o caer en regodeos megalómanos en ese cierre de diecisiete minutos que supone la insufrible “The Turned On Truth”. Uno no esperaba gran cosa, pero los de Leicester vuelven a la carga con unas buenas dosis de honestidad pop. Sergio del Amo

MEGAFAUN

“Gather, Form & Fly” Hometapes

FOLK

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Segundo álbum de Megafaun, el trío de músicos que surgió de las cenizas de DeYarmond Edison, anterior formación en la que también militaba el archiconocido Justin Vernon (Bon Iver). El disco en sí es una maravilla de experimentación sonora llena de texturas que va desde los terrenos más pantanosos del bluegrass y el freak-folk a marcianos collages cercanos a la música concreta, todo ello arropado por hipnóticas líneas de banjo que remiten a un pasado anglosajón muy rico, voces que se mueven en el típico lirismo del folk y la canción americana, arreglos bizarros e imposibles rescatados de los frondosos bosques estadounidenses y que dotan al disco de un punto psicodélico y de una literatura honesta salpicada de hippismo. Podrías establecer paralelismos con contemporáneos como Akron/Family o Bowerbirds o incluso apuntar que su sonido recuerda al deconstructivismo instrumental de “Yankee Hotel Foxtrot” de Wilco. En algunos temas incluso llegan a emocionar, como ese himno hillbilly que es “Colums”, la balada hippy “The Longest Day”, el folk ruidoso y pesado de “Solid Ground” o la compleja “Guns”. Gran disco. Dani Arnal

THE DODOS

“Time To Die” Wichita/Nuevos Medios

POP

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La primera idea que le viene a uno a la cabeza al escuchar este “Time To Die” es clara: estos no son los The Dodos que dejaron boquiabierto a medio mundo con su álbum “Visitor”, no es aquella mezcla de indie-folk y experimentación que los convirtió en unos de los triunfadores de 2008. Los californianos han hecho un disco más accesible y conven-

cional que su predecesor, han añadido una tercera pieza al rompecabezas (su acompañante en directo, el vibrafonista Keaton Snyder) y han contado con la mano en la producción de Phil Ek, artífice principal de que su estética sonora haya mutado considerablemente y se acerque ahora más al hilo conductor del resto de bandas con las que ha trabajado (The Shins, Fleet Foxes, Band Of Horses). Y dicho esto, la valoración general del disco es, digámoslo por fin, fantástica. El grupo suena mucho más luminoso y rítmico, los juegos vocales y la melodía han sustituido al ruidismo y el factor sorpresa de su anterior trabajo, sin que nada de esto les haya quitado un ápice de clase. La estructura de los temas, el desarrollo instrumental de los mismos, los arreglos pop y la elegancia en los matices que aporta la contribución del nuevo miembro, y, sobre todo, la definitiva consolidación de su sonido, de su personalidad como banda, dan como resultado un disco redondo, una joya de indie-pop vital que hará que, de nuevo, den mucho que hablar. Dani Arnal

THE BROKEN FAMILY BAND “Please And Thank You” Cooking Vinyl

ROCk

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A Steve Adams y a sus The Broken Family Band les está pasando algo parecido a lo que les ocurrió a Eef Barzelay y sus Clem Snide. Reciben numerosas críticas elogiosas a cada nueva entrega, pero no acaban de comerse un colín. Y no será porque no lo intenten, aunque para ello tengan que cambiar algunas de sus coordenadas estilísticas. Y ese es el problema de este quinto largo: Porque, sinceramente, me gustaban más los The Broken Family Band de “Welcome Home, Loser” (05), con su querencia country a lo Gram Parsons pasada por el filtro indie de Hefner. Ahora, desprovistos de la esencia folk-rock yanqui que desprendían desde Inglaterra, suenan más ramplones que nunca. Como una descafeinada canción de Elvis Costello versionada por los americanos Cake. Y pese a todo, el álbum tiene algún momento de lucidez que lo salva (“You Did A Bad Time” es un temazo), de lo contrario, no valdría la pena gastar más saliva. Otra promesa, que no lo es, rota. Don Disturbios

RISQUÉ

“Tie Me Up, Tie Me Down” Some Bizarre

ELECTRÓNICA

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¿Qué ocurriría si metiéramos en el mismo saco a unos Cycle con espíritu francés, algo de imaginería dominatrix y una vertiente hedonista digna de los años mozos del electroclash? Pues la respuesta sería Risqué, un dúo (a la vez que matrimonio) a caballo entre París y Gales que explota la vertiente del electrorock con fusta de infarto en mano (¿ganas de polemizar innecesariamente?) y haciendo propia las directrices almodovarianas con letras picantes que no rozan ni mucho menos lo explícito como a priori uno podría pensar del pezonero tetófilo de su portada. Las sendas versiones que se marcan del “Venus In Furs” de The Velvet Underground (en una lectura más propia de Chicks on Speed, si me apuran) o del “Psycho Killer” de Talking Heads (entonado por Pravda) aguantan el tirón de un álbum que, a pesar de las colaboraciones de la oxigenada Amanda Lepore (en la irónica “Marilyn”), la propia Billie Ray Martin en el caso de “Push The Button” y algún que otro regodeo de inspiración momentáneo (llámese “Hotline”) hacen de “Tie Me Up, Tie Me Down”, tristemente, un ejercicio de sintetizadores guarrones falto de personalidad y algo anodino. Sergio del Amo

(MondoSonoro · Octubre 2009 /53/ vinilos)

EMILIO JOSÉ

“Chorando apréndese” Foehn

POP

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Que Emilio José (parte de aquel tridente indietrónico llamado Apeiron) es un cachondo mental no cabe duda después de oír esta locura lo-fi que nos presenta en el doble compacto “Chorando apréndese”. Gallego, y orgulloso de ello, su debut supone un rompecabezas visceral y la mar de sincero incluso para el mismísimo Albert Pla. Que de golpe y porrazo Nuria Roca, Buñuel, la Game Boy y un sinfín de referencias costumbristas hagan acto de presencia sin ton ni son provoca más de una sonrisa bobalicona, pero, ciertamente, la baza principal de este álbum no recae en el collage sonoro naíf que nos presenta (donde tiene cabida desde el pop marciano hasta la electrónica juguetera, pasando por la bossanova festiva), sino en unas letras cargadas de mala leche, reivindicación ourensana a laurales y samplers de lo más variopintos que funcionan a la perfección como divertimento puntual. Quizás un servidor se ve obligado a analizarlo más como una joya curiosa que, como un compacto con pies y cabeza, pero no me cabe la menor duda de que tanto Brian Wilson como Van Dyke Parks se tomarían esta parodia pop cuanto menos en serio.

Sergio del Amo

DJ VADIM

“U Can’t Lurn Imaginashun” BBE/Pias

RAP

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Exceptuando, por razones evidentes, a Coldcut, nadie representa mejor el sonido Ninja Tune que DJ Vadim: el hip hop visto más como sistema que un sonido en concreto. También una actitud ante la vida: Vadim empezó a trabajar en “U Can’t Lurn Imaginashun” después de superar un cáncer ocular y varios problemas familiares. La respuesta: un trabajo vitalista, seguimos vivos, la música es maravillosa, celebrémoslo. Especialmente contagioso cuando se arrima al reggae y el dancehall, como en el single Hidden Treasure , y risueño en cortes como That Lite y Always Lady , Vadim Peare sólo deja espacio a las secuelas de su annus horribilis en la preciosa y melancólica instrumental Game Tight . El resto es un nuevo ejercicio de clase a cargo de uno de los productores más hábiles a la hora de resumir el carácter y aportaciones del hip hop europeo del que precisamente su antiguo sello discográfico fue el máximo estandarte. Con o sin vista, su imaginación sigue allí intacta. Y esa no te la extirpa nadie. Joan Cabot

THE BIG PINK

“A Brief History Of Love” 4AD/Popstock!

POP

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Adorados por buena parte de la prensa británica, el problema de The Big Pink es contar con un hit como “Dominos” o incluso con “Velvet”, dos piezas que van más allá de su disco de debut. Si su restante repertorio estuviese al mismo nivel, les reverenciaría, pero no es así. Aunque poco importa.

Se supone que Milo Cordell (capo del sello discográfico Merok) y Robbie Furze (acom-

pañante del inquieto Alec Empire) han dado forma a “A Brief History Of Love” para pasarlo bien, aunque sus cuentas corrientes empiecen a obligarles a tomarse la cosa mucho más en serio. Su rock electrónico tiene mucho de shoegazer, diría que de shoegazer grabado en Manchester en el momento que todos ustedes ya conocen. Así, podrán ustedes descubrir en sus canciones mil y una influencias, desde My Bloody Valentine o los The Jesus And Mary Chain más contenidos a unos TV On The Radio teletransportados al Reino Unido o a los Colourbox más densos y lentos. Aunque una de las cosas que dan peso a The Big Pink es el mundo en el que se mueven Furze y Cordell, un entorno en el que la música se entiende desde una perspectiva nada conformista y que les ha permitido contar con el apoyo de Akiko Matsuura del malogrado y chillón dúo Comenechi, Leo Ross del también disuelto grupo de hardcore Error, Daniel O’Sullivan de Guapo o Jo Apps, la hermanísima experimental de Patrick Wolf, un artista aún más particular e igualmente amigo de Alec Empire. Joan S. Luna

La selección Jäger:

el pop efectivo de girls

MODULAR

“Fantasías de un robot psicodélico” Elefant

POP

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Alejados de los estereotipos argentinos preestablecidos en nuestra memoria colectiva, Mariana Badaracco y Pablo Dahy nos proponen un psicodélico viaje retrofuturista a un universo pausado donde lo analógico nos teletransporta a la banda sonora perfecta que el mismísimo Ed Wood hubiera incluido en uno de sus bizarros filmes. Con varios EP’s en su haber desde su formación hace ya nueve años, “Fantasías de un robot psicodélico” recoge algunos de los temas que esta particular banda de aires yeyés (como en el caso de “Playa Biquini”) ha confeccionado a través de vocoders oníricos, Moogs analógicos y una creciente disposición por los arreglos orquestrales naífs dignos de una película landista. Si Stereolab hubiera contado con John Barry en las partituras no nos extrañaría en absoluto que se hubieran atrevido a entonar la bossa nova galáctica “Perdidos en el espacio”, la kafkiana “Hombre hormiga” o esa reinterpretación de los felices sesenta a modo de Jackie DeShannon que supone “Picnic en el arcoíris”. Sergio del Amo

SAGARROI “Haikua”

Sagarroi Ekoizpenak

MESTIZAJE

1114

Tiempo hace que Sagarroi dieron el giro del rock hacia un sonido mucho más Joxe Ripiau, de manera que muchas veces se confunden. En su quinto trabajo la novedad es que tratan los ritmos caribeños desde un punto de vista acústico. Hasta ahí podría sonar un poco más de lo mismo, pero si algo ha caracterizado siempre a los Muguruza, en este caso a Iñigo, es nunca quedarse quietos y ahondar con sus trabajos distintas culturas y sonoridades del mundo. Detrás de ese sonido acústico, esta vez esconden una nueva pretensión: las letras son poemas “haiku”. El haiku es una forma poética japonesa de tres frases que suman diecisiete sílabas. La letra y la música dan a este trabajo un ambiente totalmente dulce y tranquilo, que obliga a una escucha totalmente pausada. A ello también contribuye y mucho la voz de Miren Gaztañaga. Siguiendo con su tradición, vuelven a incluir una canción con referencias cinematográficas: “Bread & Roses”, basada en la película del mismo título de Ken Loach. Ivan Ferrer

Girls Foto Archivo

GIRLS

“Album” True Panther Sounds/Pias

POP

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Girls son uno de esos grupos especiales, únicos, personales de verdad. Y eso es algo que sabes tan sólo escuchar los primeros acordes de “Lust For Life”, desde ya la mejor canción de indie pop saltarín de la historia. Un quitadepresiones del tamaño del Everest. Christopher Owens y JR White, cabezas pensantes de la banda, son dos antihéroes de cómic que abrazan la cultura pop en un todo donde cabe absolutamente cualquier cosa que les guste. De Felt a Dakota Fanning, pasando por Ariel Pink, el vino, Suede y James Dean. Todo eso forma parte de su discurso, de su música.

El suyo es un pop directo y sincero, de esos que enamoran a la primera y no te sueltan nunca que, además, toca mil y un palos en este “Album”. En canciones como “Laura” o “Ghost Mouth” parecen una versión lo-fi de Pulp, en “Big Bag” juegan a ser unos The Jesus And Mary Chain adolescentes, y en “Morning Light” hacen saltar los colores a Kevin Shields. Dejando a un lado su más vena saltarina y luminosa, los de San Franciso, como el mejor Dan Treacy, también tienen su lado oscuro, y a veces miran al abismo de una forma descarnada. Los siete minutos del hipnótico crescendo de “Hellhole Ratrace” dan fe de ello.

Xavi Sánchez Pons

(vinilos /54/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

the antlers, calma e intensidad BLUE ROSES “Blue Roses” XL/Popstock!

POP

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La jovenzuela Laura Groves debuta en el mercado discográfico armada simplemente con su guitarra, el melodramatismo de su delicada voz y unos acompañamientos instrumentales que no hacen más que reforzar su, aparentemente, simplista repertorio. Pero, eso sí, no se dejen engañar por esta versión folk-pop de Kate Bush porque demuestra que, en ocasiones, el postulado menos es más puede resultar más que efectivo. Partiendo de esa atormentada balada de pasión pianística “Greatest Thoughts”, “Blue Roses” sigue acrecentando la nueva ornada campestre de féminas que juguetean con el pop (aunque todas, en la más estricta intimidad, sueñan con transmutarse en Feist) y que, asimismo, adoran cual creencia los vinilos de Joni Mitchell. “Cover Your Tracks” y sus coros, los espejismos sintetizados de “I Am Leaving” junto “I Wish I…” aportan la vertiente poética que muchas de sus contemporáneas olvidan en el tintero en pro del mero acorde cíclico.

Sergio del Amo

The Antlers Foto Archivo

THE ANTLERS “Hospice”

Frenchkiss/K7!/Popstock!

POP

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“Hospice” es un salto mortal sin red y, como tal, desde el principio estaba condenado al éxito más estruendoso o a terminar destripado en el suelo para horror de los asistentes. Estamos ante el primer disco de este jovencísimo trío de Brooklyn, en realidad el vehículo emocional de Peter Silberman que se enfrentó al reto de componer una obra magna encerrado en su dormitorio y consumido por la depresión tras romper con su pareja. Es una de esas historias que

por su juego tanto nos gustan a los periodistas. Y otro tanto cabe decir de aquella que vehicula “Hospice”, álbum conceptual en tiempos más dados a lo frugal, a lo anecdótico, que cuenta con pelos y señales el infierno de una niña que sufre cáncer de huesos y de todos aquellos que la rodean. Dejemos al margen que no todo el mundo cuenta con la energía o el humor para introducirse en una obra de este tipo: el éxito de The Antlers no reside tanto en lo efectista de su propuesta como en la efectividad a la hora de llevarla a cabo con una sentida y angustiosa interpretación, sobresalientes pasajes instrumentales con Arcade Fire en el retrovisor y unas letras descarnadas que no esconden su filiación literaria. Luis J. Menéndez

DEVIN TOWNSEND PROJECT

HAYSEED DIXIE

HOBOTALK

InsideOut/Mastertrax

Cooking Vinyl

Glitterhouse/Nuevos Medios

“Ki”

ROCK

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Lo de este hombre es para dar de comer a parte. Tras desatar su talento hace tres años con otra gran obra en su habitual estilo, “Synchestra”, y tras dejarnos atónitos hace dos con la marcianada “Ziltoid The Omniscient”, ahora se destapa con un álbum en una onda más melódica y atmosférica, con el que incluso se supera. Tres trabajos diferentes, pero al mismo tiempo con ese sello personal e instransferible de nuestro hombre, cosa que no hace más que confirmarlo como uno de los artistas más eclécticos del panorama rockero actual. “Ki” es el primer álbum de una serie de cuatro bajo el nombre de Devin Townsend Project, utilizando músicos diferentes escogidos especialmente para instrumentar cada trabajo, ¡los cuatro previstos para ser editados este mismo año! Veremos qué nos ofrece en los tres restantes, pero de momento el proyecto no ha podido empezar mejor con esta maravilla. Una obra unitaria y variada que amalgama estilos que van desde el doom moderado al progresivo más melancólico y contemporaneo, pasando por industrial y hasta rockabilly, y que incluye delicias del calibre de “Terminal” o “Lady Helen”. Devin Townsend. Qué tío. Ferran Lizana

“Alone Again Or”

“Golden Shower Of Hits!!”

BLUEGRASS

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Versionar a AC/DC en clave bluegrass les puso en el mapa hace nueve años, desatando los instintos más festivos de algunos, las carcajadas de otros y también la repulsa de los menos receptivos. Seguramente, Hayseed Dixie tampoco se tomaban a sí mismos demasiado en serio y no apostaban por perpetuar su bizarra propuesta, pero el caso es que aquí están, con una trayectoria consolidada, siete álbumes en su haber y un presente en forma de recopilatorio o -tomando la terminología cachonda del título- de lluvia dorada de hits. Black Sabbath, Aerosmith, Queen, Judas y, por supuesto, sus amados AC/DC, son algunas de las víctimas de estos sureños amantes de los banjos, el violín, la cerveza y los jeans con peto. También, junto a sus referentes hard rockeros, se alinea un tema más refinado de Scissors Sisters y alguno propio. Frente a esta selección, servidor se ratifica en que le divierten, le entretienen y le gustan. Además, pese a los pesimistas vaticinios de sus detractores, su fórmula todavía da de sí. Por si se agota pronto, les dejo y voy a corear otra vez “Highway To Hell”, antes de que la cerveza se caliente.

Xavier Llop

FOLK

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Si les dicen que Marc Pilley, aka Hobotalk, es escocés seguro que no se lo creen. Su música suena a la América más profunda, desde las piezas de corte más clásico que recuerdan a lo viejo y a lo nuevo, a Dylan y a Fleet Foxes, hasta los cortes más psicodélicos o experimentales que traen a la memoria los noventa y el movimiento Elephant 6. El tema que abre el disco, “Mother Creation Cries”, es pura psicodelia con estribillo hippie. Después llega “Love Is Hard To Do”, que evoca al Bolan más rockero, con una voz peleona acompañada únicamente de un riff infalible y dos golpes de batería. “Naked In The Afternoon” relaja el disco llegados a la mitad, y da paso a una de las joyas, la profunda “Under The Spell Of Love”, donde Pilley se regala lírica y vocalmente para ofrecer un tema bellísimo que hipnotiza y enternece a ritmo del ukelele. “Bring Down The Moon” es puro country de carretera y la juguetona “Until The End” trae a la memoria de una manera nitidísima al Syd Barret de “Madcap laughs”. Folk en sus tres mil variantes. Absolutamente inclasificable, Marc Pilley hace de todo y todo bien, y como resultado, un disco maravilloso, lleno de magia y de lirismo. Dani Arnal

SECTION 25

“Nature + Degree” LTM/Green Ufos

ELECTRÓNICA

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Casi veinte años después de su separación, los mancunianos Section 25 volvían con “Part-Primitiv”, un ambicioso trabajo que si por algo fallaba era precisamente por su falta de concreción: un poco de funk, bastante techno-rock, efluvios afterpunk… Dos años después y tras haber despedido al resto de la banda, los hermanos Cassidy, sección rítmica y verdadero motor de Section 25 desde los míticos tiempos del sello Factory, reclutan a nuevos componentes para dar forma a “Nature + Degree”. Sin las ínfulas de trascendencia del anterior, los casi cuarenta y cinco minutos de los que se compone su sexto largo minimizan los riesgos -apenas la estela patillera de Primal Scream en “One Way Another”- en una apuesta por un pop electrónico tan anacrónico como elegante, con bases electrónicas que juguetean con los experimental. Se nota la cercanía de Peter Hook, bajista ocasional en sus directos, en el frío tratamiento de unas melodías que cuentan como principal aliada con la voz de Bethany Cassidy, hija de Larry y de Jenny Cassidy la que también fuera parte de la banda hasta su fallecimiento. Luis J. Menéndez

THE AIRBORNE TOXIC EVENT “The Airborne Toxic Event” Island/Universal

ROCK

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Estos californianos se han convertido en pocos meses en el grupo a defender en los sumideros de opinión de los cazadores de futuro. Su disco de debut ha pasado de ser distribuido por Shout! en 2008 a ser comprado y reeditado con todos los honores en el presente año por Island/Universal. ¿Y por qué tanto ruido? ¿Son sólo un hype más o merecen realmente tanta atención? Apostaremos por lo segundo. Porque la escucha de “The Airborne Toxic Event” ofrece una

de esas deliciosas sensaciones de encontrarse ante un nuevo grupo del que vamos a seguir oyendo hablar en los próximos años.

Una de sus principales bazas son sus letras, pequeñas novelas de tres minutos –su líder, Mikel Jollet es novelista; el nombre de la banda está extraído de “Ruido de Fondo” de Don DeLillo- vestidas con un sonido que recuerda en unas ocasiones (“Something New”, “This Is Nowhere”) al pop musculoso de The Strokes, en otras (“Innocence”, “Sometime Around Midnight”) a la suntuosidad de Arcade Fire y a veces (“Missy”) al folk dramático de Bright Eyes. Préstamos transparentes pero que eluden el original para defenderse orgullosos por sí mismos.

Cortes como “Sometime Around Midnight” o “Gasoline” se encuentran entre lo mejor que se ha editado en Estados Unidos últimamente. Robert Aniento

BRUTAL TRUTH

“Evolution Through Revolution” Relapse/Divucsa

METAL

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Su retorno a los escenarios tras casi diez años de parada por fin tiene respuesta con un nuevo largo con el que retomar la actividad dejada justo antes de empezar el nuevo siglo. Un acontecimiento con el que recuperan nuestro respeto, más que nada porque el cuarteto consigue reseguir su carrera justo en ese punto donde lo dejó, aportando veinte nuevos temas de metal y grindcore cargados de mala hostia y buenas maneras, pero con más bien pocas (o nulas) novedades, simplemente dejándose llevar por lo que siempre han sabido hacer bien. Algo así como si los de Nueva York hubieran continuado con los quehaceres de ese último “Sounds Of Animal Kingdom”, dando rienda suelta a los habituales ritmos frenéticos de Richard Hoak, lijando las canciones con la brutal garganta de Kevin Sharpe y blindándolas con los rotundos apuntes de bajo de Dan Lilker y las guitarras abrasivas de Erik Burke. En este sentido, todo un compendio de lo que el cuarteto nos tiene acostumbrados, magnífico y excitante pero sin sorpresas. Substituyendo genialidad y brillantez por una veteranía y habilidad fuera de toda duda. Francesc Feliu

SOTA ZERO

“Electric Rumba” Radio Chango/K Industria

RUMBA

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Mezclan castellano y catalán, rumba y rock, funk y ritmos latinos. Vamos, nada original a estas alturas, pero lo importante no son los ingredientes, sino que la combinación entre ellos sea la correcta para conseguir un buen producto final. Y está claro que sus temas son frescos, pegadizos y bailables, que junto a unas letras entretenidas, personales y sociales funcionan a la perfección. Si hay que dar referencias, diría que están en la onda de los divertidos Jaleo Real. Y mal no lo tienen que hacer en directo, ya que su agenda, en esta su tercera temporada, está repleta. Aunque en la portada aparecen solo cuatro músicos, Albert “Classe” Ferré (voz principal y nylon), Toni “Funky” Riera (guitarra y coros), Manel “Manu” Pérez (guitarra y coros) y Marcelo “El gato” Remeseiro (bajo), para los conciertos en directo también están Sergi Iglesias a la batería, Didac Sauret a las percusiones e Ignasi Cama Robert a la guitarra flamenca.

“Electric Rumba” es su segundo disco y junto al primero los puedes descargar gratuitamente desde www.sotazero.com. Además forman parte del proyecto Tercera Vía, una asociación de músicos de Cataluña que nace como respuesta a la falta de recursos, ayudas y confianza de la administración y de las empresas musicales. Miguel Amorós

(MondoSonoro · Octubre 2009 /57/ vinilos)

Reediciones

PRODIGY

“Experience: Expanded” “More Music For The Jilted Generation “ XL/Popstock!

ELECTRÓNICA

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El tiempo pasa a velocidad de vértigo en el universo pop. Prodigy fueron los primeros en popularizar el dance y descubrirle a la parroquia indie de aquí lo que era una rave.

Llegaron los primeros a la meta sacando un par de cuerpos de ventaja a The Chemical Brothers, materializaron los tímidos intentos previos de Happy Mondays y The Stone Roses para encamar rock y electrónica, hasta hacerse definitivamente mediáticos con “The Fat Of The Land”. Después, la decadencia: muchos años para entregar el mediocre “Always Outnumbered, Never Outgunned” en un momento en el que el cauce del río fluía en su contra. Y hoy la entronización: dieciséis años después de su debut (se dice pronto, pero es el tiempo que separa a Fugazi del Elvis de Las Vegas) ya toca. Y ésta llega de la mano de unas ediciones expandidas de sus dos primeros trabajos, emblemas de un tiempo y un lugar en que se revivió el sueño hippy entre vahídos nihilistas. Luis J. Menéndez

GRAHAM NASH

Song For Beginners Rhino/Atlantic

FOLK

1111

Oportuna reedición del imprescindible debut en solitario del miembro inglés de CSN&Y, máxime cuando estos últimos se hayan en plena actualidad tras la edición hace unos meses, del DVD que testifica lo que ha supuesto en Estados Unidos su gira de reunión a lo largo de 2008 y que se ha convertido en todo un alegato anti-militarista, contrario a la actuación de su país en la guerra de Iraq y a las numerosas mentiras y omisiones que la justificaron. Pues bien, en 1971 y en plena era Nixon con Vietnam como telón de fondo, las cosas resultaban parecidas a lo que han sido las dos oscurantistas legislaturas de administración Bush. Una época convulsa en que canciones como la inmortal tonada de “Military Madness” cobraba pleno sentido.

Grabado tras la ruptura sentimental del exHollies con Joni Mitchell, otro icono hippie de la época, los ecos del final de esta relación se dejan sentir en canciones como “Better Days” con esa desgarradora y melancólica melodía.

También hay momentos que, tras casi cuatro décadas, pueden resultar cuando menos algo ingenuos y tontorrones como en la “hippiosa” tonada de “Be Yourself”. Para compensarlo siempre nos quedará “Chicago”, otro de esos clásicos que valen por si solo la adquisición de este álbum. Don Disturbios

SAINT ETIENNE

“Fox Base Alpha” Heavenly/Universal

POP

1111

Teniendo en cuenta la indisoluble trinidad que han formado a lo largo de casi veinte años Bob Stanley, Pete Wiggs y Sarah Cracknell, volver sobre sus pasos hasta “Fox Base

Alpha” y acordarse de aquel punto en que el puesto de cantante de Saint Etienne todavía no tenía dueña resulta, como mínimo, curioso. Porque, de hecho, el álbum arranca con la voz de Moira Lambert y la versión del “Only Love Can Brake Your Heart” de Neil Young que puso a Saint Etienne en el mapa de la escena pop británica post-Verano del Amor. En esta reedición, esa sensación de que Cracknell todavía estaba en prácticas se ve reforzada por la inclusión de la versión original de “Kiss And Make Up” con Donna Savage, junto a la que grabó la voz del grupo para los restos, y la cara B “Filthy” con la rapera QTee, una de esas joyas olvidadas cuyo simple rescate justifica hacerse con esta reedición.

El primer álbum de Saint Etienne es, además, de esos que aguantan bien los años, de los que a pesar de sus flaquezas -demasiado relleno en forma de interludio entre canción y canción-, conservan intacto el encanto que otorga el ardor pop con el que fue concebido. Joan Cabot

q

Radiohead Foto Archivo

NIRVANA

“Bleach (Deluxe Edition)” Sub Pop/Warner

ROCK

1111

Ha pasado a la historia como poco más que el precursor de uno de los discos más importantes de la pasada década, el caldo de cultivo sin sazonar de lo que dos años más tarde daría origen a la colección de canciones que cambiaría la vida de una generación. Todavía tenían que aparecer en escena las mágicas manos de Butch Vig a la producción, la inteligencia puesta al servicio del marketing de David Geffen y la contundente presencia del entonces integrante de Scream, Dave Grohl. Aquí sólo contamos con la rabia juvenil de un imberbe Kurt Cobain y su escudero Krist Novoselic, escupiendo desesperanza en el contexto de un Seattle industrial, decadente y atestado de jóvenes que refugiaban su desánimo tras las formas de unas canciones que cohesionaban los postulados del hard rock setentero con un punk con actitud. Pero en justicia, es mucho más que un borrador. “About A Girl”, “Love Buzz” o “School” ofrecen muestras de un nivel de composición que ya por entonces destacaba como adhesivo y asfixiante a partes iguales. Robert Aniento

RADIOHEAD

xx Foto Archivo

“Kid A” 11111 “Amnesiac” 11114 “Hail To The Thief” 1111 Capitol/EMI

ROCK Finaliza EMI la labor de recuperación de archivos de lo que ha sido su banda fetiche de los últimos años. En esta segunda tanda ven la luz las reediciones de los últimos tres trabajos de los de Oxford para el sello. “Kid A” es la obra clave. Los de Thom Yorke regresaban tres años después de poner el mundo patas arriba con “OK Computer”. Y lo hacían de la mejor forma posible. Con otro manifiesto de genialidad, de atmósferas densas, mensajes indescifrables y malabarismos sonoros, de una belleza inasequible para el resto de bandas de su generación. Un disco que el tiempo ha acabado encumbrando como la segunda de las grandes obras maestras –para algunos la más completa- del quinteto. Abrazo ya desacomplejado a la electrónica y las

SPACEMEN 3

“Sound Of Confusion” 1111 “Performance” 111

WHITESNAKE

“Slide In It. 20th Anniversary Edition” “Slip Of The Tongue. 25th Anniversary Edition” EMI

HARD ROCK

1114 El grupo de David Coverdale ascendió a la cresta de la ola en los ochenta, sobre todo gracias a su álbum “1987”. Rememorando aquella época de éxitos masivos, ramalazos heavy y estética exuberante, se reeditan –además del citado- otros dos trabajos destacables de la serpiente blanca, coincidiendo respectivamente con su vigésimo y su vigesimoquinto aniversarios. Ambas lujosas ediciones incluyen disco original remasterizado, libreto, abundantes bonus tracks -la mayoría se limitan a una mezcla distinta- así como un interesante DVD con actuaciones en vivo y video clips. Quien esto suscribe prefiere a los Whitesnake de los años setenta, aquellos que formaban una sobria y engrasada máquina hard rockera cercana al blues. Aun así, y con la perspectiva del tiempo transcurrido, estos dos trabajos se revelan como sólidos y reivindicables ejercicios de rock duro ochentero con tintes comerciales. Xavier Llop

Fire

ROCK

El que la influencia de The Stooges y The Velvet Underground haya sido asimilada por tantas bandas contemporáneas tiene mucho que ver con la irrupción en los años ochenta de Jason Pierce y Peter Kember al frente de Spacemen 3. También el gusto por las atmósferas que hicieron suyas My Bloody Valentine y que a la postre derivaría, ya rebajadas las dosis de peligro, en el movimiento shoegaze.

En “Sound Of Confusion” (1986), su primer disco, parecen recién salidos del local de ensayo, rugientes, haciendo evidentes sus deudas con el sonido garage -incluyen una versión del “Rollercoaster” de 13th Floor Elevators-. Y pese a que por lo general se considera su disco más flojo, creo sinceramente que se trata de una extraordinaria colección de canciones, de la que de hecho se recuperan dos temas para el directo “Performance”, grabación un tanto fría que data de 1988 y no termina de reflejar la energía volcánica sobre un escenario de la banda de Rugby.

Tirón de orejas para una rácana edición que desde fuera puede dar el pego -reproduce la carpeta de un vinilo- pero carece de notas interiores. Luis J. Menéndez

palpitaciones sincopadas, “Kid A” debe digerirse de principio a fin, y esa digestión es una experiencia frágil, a veces desoladora, pero demoledora y que deja la sensación de estar consumiendo verdadero arte. “Amnesiac” nació como hermano menor de “Kid A”. Surgido de las mismas sesiones, se malinterpretó como colección de descartes de aquél, que veían la luz apenas ocho meses después.

En realidad, era su reverso más amable y accesible (es un decir). Radiohead se arrimaba al ambient y seguía profundizando en su inmersión hacia la electrónica experimental.

“Hail To The Thief” aparecía en una época políticamente convulsa. En medio de las tropelías que marcaron el doble mandato de George W. Bush, los británicos por primera vez se humanizaban y se permitían fusionarse en su contexto.

Ya desde el título, el sexto largo de la banda constituía un alegato agrio y furioso contra el estado de las cosas, en su disco más guitarrero desde “The Bends”. Musicalmente, la banda se descarga de la gravedad y tensión que habían marcado sus últimos trabajos y se relaja con canciones, más directas y rockeras. Robert Aniento

OF MONTREAL

“Hissing Fauna, Are You The Destroyer?”

“Icons, Abstract Thee” “The Sunlandic Twins” Polyvinyl Records

POP

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Fabulosa reedición en digipack de las tres referencias de Of Montreal anteriores a “Skeletal Lamping”. Mientras Kevin Barnes trabaja en un nuevo proyecto junto a Andrew Van Wyngaarden, de MGMT, Polyvinyl relanza ahora el material con el que la banda de Athens dio un giro definitivo a su estilo, giro que le llevaría a incluir definitivamente elementos electrónicos y alejarse así de los preceptos del colectivo Elephant Six. “The Sunlandic Twins” (05) llegaba después de “Satanic Panic In The Attic” (04), que era un trabajo de ruptura. Es por ello que, siendo fresco dentro de su locura experimental entre el pop sesentero y la música disco, se queda algo deshilvanado. Quizá falla la visión. O quizá fallan las canciones, algo que no sucede en el extraordinario “Hissing Fauna, Are You The Destroyer?”, de 2007, un torrente de escritura febril con sublimes muestras de genialidad como la rompepistas casera “Gronlandic Edit” o la liberizadora vomitona de doce minutos “The Past Is A Grotesque Animal”. Jorge Ramos

FLIPPER

“Generic “ “Sex Bomb Baby!”

“Gone Fishin’” Domino/Pias

PUNK

1111 1114 111

Kurt Cobain descubrió a Flipper a toda una generación que, sin embargo, no tuvo posibilidad de acceder a su música. Su fanatismo por el slow-punk de los de San Francisco, evidente en numerosos pasajes de la música de Nirvana, no fue suficiente para que la corta discografía de Flipper fuera reeditada hasta hoy, vía reunión y con nuevo trabajo de por medio. Se dice, se cuenta, que Domino ha hecho un buen trabajo (algo que no hemos podido comprobar dada la cicatera política del sello británico para con los medios) y que Krist Novoselic, Henry Rollins, King Buzzo de Melvins y Steven Blush (autor del documental “American Hardcore”) han completado unas interesantes notas sobre la influencia de Flipper en la escena hardcore. Una influencia obvia al escuchar su primer álbum “Generic” (1982) y el recopilatorio de singles “Sex Bomb Baby!” (1988), conectados por el que posiblemente sea su tema más emblemático, “Sex Bomb”, sudor, rock’n’roll y locura que se alarga hasta casi los ocho minutos, en las antípodas del hardcore que creció según el libro de estilo de Minor Threat. L. J. Menéndez

LAVENTANA

/58/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

Pájaro Sunrise Foto Archivo

(

Lovemonk

música morena A siete años de su pistoletazo de salida el sello Lovemonk apuesta fuerte por la black music con denominación de origen ibérica. Sus enconados esfuerzos han tenido un eco discreto, diametralmente opuesto al de la calidad que esgrime en sus lanzamientos. Sus ediciones de Louie Vega (Masters At Work) o Quantic hablan por si solas.

A

veces un traspiés propicia giros tan inesperados como los vividos por Bruno Muñoz, el capitán de la nave Lovemonk. “Repatriado de Estados Unidos, donde trabajaba, para participar en Gran Vía Musical, el proyecto que montó el Grupo Prisa, fui despedido en marzo de 2003.

Borja Torres –otro de los afanados contramaestres de la tripulación- estaba bastante a disgusto con su jefe, de modo que casi hizo que le echaran y lo consiguió en abril. En mayo montamos el sello con la ilusión de hacer las cosas como nos daba la gana y sin muchas pretensiones”. Con esta ejemplar filosofía y un discreto equipo de

cinco personas, que cuenta con la distribución nacional del sello Nuevos Medios, la etiqueta madrileña gusta de tapizar sus sueños más húmedos con bolas giratorias de cristal, coreografías dignas del malogrado Jacko, y cardados afro a discreción. Asila ejemplares tan exóticos como Bing Ji Ling, un guerrero del funk neoyorquino que pierde el culo por Earth Wind & Fire; o exponentes patrios como Makala, alter ego de Mikel Unzurrugaza Smith, un surfista colega de Javi 3 Pez y del ubicuo diseñador Txarly Brown.

“Somos muy eclécticos, pero nos tira mucho el soul y el funk, música soleada”. Así lo avala un catálogo que no obvia el formato vinilo. Ahí están el

aún calentito doce pulgadas de Watch TV y el ultimísimo single de Pájaro Sunrise “Kinda Fantastic”. “Hay un montón de sellos hermanos con los que nos identificamos, como Hi Top, pero realmente no nos pusimos ninguna meta ni dirección. Simplemente hemos creado nuestro propio perfil a medida que han salido discos y artistas que siempre escogemos porque nos emociona su música”. De su primera referencia, “Guapapasea”, el disco del ex Animal Crackers Gecko Turner, a su última apuesta, el cuarto volumen recopilatorio dedicado al céntrico club Marula, han vivido momentos estelares como las diez mil copias despachadas de “Taste The Mojo”, de los castizos Mojo Project. “Al final aprendimos a quedarnos en nuestro sitio y no tener sueños de grandeza. Somos un sello pequeño para grandes artistas sin pretensiones. Aunque no todo es vender. Existen metas altas, pero hay que saber verlas”.

■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

Imprescindible

Gecko Turner “Guapapasea!” (2006)

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Desde la dylaniana “Subterranean Homesick Blues” a “Limón en la cabeza Guisao Mix” el músico extremeño emprende un viaje musical por todas las latitudes del globo. Nigeria, Brasil, Jamaica o Estados Unidos son algunas de las escalas en las que hace pie este moderno bardo, que fue galardonado con el Premio Extremadura a la Creación. Soul afromeño.

RECOMENDABLES

VV. AA.

“Achilifunk” (2004) 1111 Si al otro lado del charco vibraban con Sly & The Family Stone y James Brown, aquí en la piel del toro nos retorcíamos a base de bien con Peret, Los Amaya o Las Grecas. “Achilifunk” bucea en las recónditas arcas de la rumba ibérica. El carismático ilustrador Txarly Brown ejerce de compilador y rescata joyas de La Terremoto, Gato Pérez y Los Chunguitos, entre otros.

Fat Freddy’s Drop “Based On A True Story” (2005) 11114 Cuando el público eligió este disco como álbum del año en el programa de radio de Gilles Peterson sabía muy bien lo que se hacía. Desde las antípodas neozelandesas en la coctelera del gordo Freddy se dan cita todos los ingredientes más exquisitos de la black music. Alguien se atrevió a catalogarlo como Hi Tek Soul. Simplemente sabe a música celestial.

NOVEDADES

VV. AA. “Marula Soul 4” (2009) 1114 La actividad de la segunda casa de The Sweet Vandals, Nickodemus o Vetusta Morla da tanto de si como para dedicarle una cuarta antología a modo de homenaje. Hip hop, funk, afrobeat, disco music, house y soul brillan en manos de nombres de la talla de Groove Armada, Jamie Lidell o Sumo. Una sugerente invitación a la pista de baile del selecto club madrileño.

Pájaro Sunrise

“Done/Undone” (2009) 1111 Quizás el leonés Yuri Méndez no sea tan prolífico como Andrés Calamaro y aquel “salmón” que pescara años atrás. Sin embargo estas veintidós canciones, talladas como un testamento musical y vital, no se antojan para nada prescindibles.

Sus poros transpiran gotas de sudor con un ADN similar al de Will Oldham o Remate.

■ M. A. S. G.

mondorecomienda

LA ENTREVISTA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

CÓMICS

Low Moon

Gentleman Jim

Contra mi pronóstico, el noruego Jason se ha superado a si mismo en esta compilación de cinco historias en las que el humor y el drama se combinan y hacen piruetas con algo de surrealismo, mucha venganza y las siempre acongojantes dosis de soledad e incomunicación que el autor maneja con una maestría que no admite dudas.

Joan S. Luna

Pese a ser conocido por la adaptación al cine de “Cuando el viento sopla”, Raymond Briggs demuestra con “Gentleman Jim” que sabe cómo describir personajes de los que, queramos o no, nos acabaremos compadeciendo. La inocencia y la ignorancia cruzadas en una historia que retrata la imposibilidad de enfrentarse a las normas sociales del mundo moderno.

J.S.L.

Raymond Briggs Astiberri (111)

Lionel ShriverFoto Maria Teresa Slanzi

Jason Astiberri (1111)

Lionel Shriver Lapinot y las zanahorias de la Patagonia Lewis Trondheim Astiberri (111)

Han sido muchos los momentos de diversión que hemos vivido junto a Lapinot y sus amistades a lo largo de los años. En este voluminoso cómic le vemos prácticamente nacer y crecer ante nuestros ojos, sin el color habitual, pero con la misma frescura y claridad narrativa. Enrique Gijón

Rosalie Blum. Una sensación conocida Camille Jourdy La Cúpula (111)

La primera parte de la trilogía guionizada y dibujada por la francesa Camille Jourdy no maravilla, ni emociona hasta la lágrima, pero sabe hacernos conectar con las experiencias de unos personajes obsesivos que se muestran incapaces de enfrentarse al futuro o de buscarle un sentido a su presente. J.S.L.

Doble vida Primero hizo volar en pedazos la maternidad entendida como principio universal (con una bomba literaria llamada “Tenemos que hablar de Kevin”) y ahora se ha propuesto dinamitar el mundo de la rutina conyugal con su molesta y adictiva “El mundo después del cumpleaños” (Anagrama)

T ¡Escucha esto!

Pobre marinero

Este tomo está sacado de las tiras cómicas que M.Bartual publicó en la página de MTV. Para los amantes de la música será un complemento perfecto ya que responde y da consejo en torno a asuntos como los conciertos en vivo, los formatos digitales que arrasarán en unos años o sobre por qué a J. de Los Planetas no se le entiende un carajo. Una lectura rápida y entretenida.

Eduard Tuset

Es muy posible que hayan visto ustedes “Up” y se hayan emocionado con los cinco minutos en los que se repasa toda la vida del protagonista.

Bien, pues el estadounidense Sammy Harkham consigue algo parecido en este ejercicio de concreción abrumadora al adaptar con mucho acierto el cuento “En el mar” de Maupassant.

J.S.L.

Manuel Bartual Astiberri (111)

Sammy Harkham Apa Apa Cómics (1111)

iene nombre de cantante de la Motown, pero prefiere un capítulo de “The Wire” a cualquier hit de Lionel Ritchie. Cree que el snooker (variante británica del billar) es erótico y que ver la tele con tu pareja y un bol de palomitas, mola. “Las grandes obras siempre hablan de amores imposibles, o amores fugaces, amantes, todo ese rollo, pero, ¿qué hace la gente? La gente se casa y pasa veinticinco años al lado de la misma persona. Si todo el mundo prefiere eso, ¿no será que es mejor?”, dice Lionel. Y digamos que ese fue el punto de partida de “El mundo después del cumpleaños”. La protagonista de la novela, Irina, lleva diez años saliendo con Lawrence, el tipo del bol de palomitas. Pero una noche acaba compartiendo un porro con un jugador de snooker y su vida se parte por la mitad. Literalmente.

Desde ese momento tiene dos vidas. Una en la que

se ha liado con el jugador de snooker y otra en la que sigue felizmente casada sin papeles con Lawrence.

“A mí me pasó algo parecido. Una noche tuve que decidir entre mi chico de toda la vida y una nueva y presumiblemente apasionante vida nueva junto a otro tipo”, cuenta. Y se quedó con el primero. “Cada decisión que tomas, te cambia. Y de hecho, la pareja que tienes, lo cambia todo.

Tus amigos, la relación con tu familia, todo”, dice.

También dice que no le gustan las sorpresas. Y que, al final, el destino es el mismo. “Después de darle muchas vueltas, y de tratar de vivir dos vidas (literariamente), llegué a la conclusión de que no importa tanto con qué pareja te quedas. Irina al final llega al mismo punto, sólo que por dos caminos distintos. Así que no vale la pena preguntarte si hiciste bien, seguro que hiciste bien, eligieras lo que eligieras”, vaticina. Construida de manera que el instante parece alargarse hasta el infinito (como si en el momento de darle la primera calada al porro, en plena encrucijada, imaginara qué pasaría si diera un paso más), en la novela se suceden los capítulos casi simultáneos de las dos vidas de Irina, “como en un juego de espejos” sin sentido porque “no podemos controlar todas las variables”. Porque, “¿qué pasa si en uno de los caminos, el chico elegido se pone enfermo y muere? ¿Habrá merecido la pena?”, se pregunta Lionel. Nunca se sabe.

■ Laura Fernández

CINE

Otoño de miedo Breakdown 3 Takao Saito Dolmen (1111)

Aunque lamentamos la cancelación en nuestro país de otra serie de Saito (“Survival”, igualmente interesante), es una suerte poder disfrutar de esta inquietante y ágil historia post-apocalíptica. En un Japón devastado, el protagonista y quienes le rodean deben luchar por su propia supervivencia al mismo tiempo que enfrentarse a personas con muchos menos escrúpulos que ellos. E.G.

Death Note: Jugando a ser un Dios moderno Eduardo Serradilla y Eduard Terrades Manga Books (111)

Si ha habido un manga sorprendente en los últimos años, no cabe duda de que se trata de esa pirueta de intriga que es “Death Note”. Ahora, para rendir tributo a sus logros, descubrirnos sus antecedentes, su influencia y sus múltiples recovecos, esta pareja de periodistas se sacan de la manga un completo volumen en el que analizan tanto el manga como el anime. J.S.L.

Octubre es un mes especial para los aficionados al cine de terror y fantástico. Se inicia con el festival de Sitges y finaliza a lo grande con la noche de Halloween. La mejor manera de hacer más corta la espera entre esas dos fechas marcadas con sangre en el calendario es viendo unas cuantas películas de género que no fallan. Empezamos por Manga Films, que aún tiene frescos tres lanzamientos de esos que crean afición. Encabeza la lista un imprescindible pack dedicado a Terence Fisher, genio del terror británico, que bajo el título de “El maestro de la Hammer”, contiene cuatro de sus cintas más celebradas, todas ellas obras maestras: “Drácula, Príncipe de las Tinieblas”, “Frankenstein creó a la mujer”, “La novia del diablo”, y “Frankenstein y el monstruo del infierno”. Otra de las ediciones que hará la boca agua a los fans es la salida en DVD, por fin, de “El diario de los muertos”, el penúltimo film de zombies de George A. Romero que incomprensiblemente no llegó a las salas comerciales. La cinta, sin ser una de la mejores del director neoyorquino, sigue convenciendo por su autenticidad y sus múltiples lecturas políticas. Ojo, eso sí, a uno de los extras que incluye la edición, un entrañable documental titulado “Fan Of The Dead” donde un fan francés de Romero viaja a Pittsburgh para recorrer las localizaciones reales de sus filmes. Por último, Manga pone en circulación un título señero del terror psicológico de los ochenta, “Flores en el ático”, un hit de videoclub, que merece ser redescubierto por su atmósfera opresiva y descorazonadora. Un par de adjetivos que servirían también para describir “Déjame entrar”, la excelente película de Tomas Alfredson que, tras su bella factura, esconde una historia de dependencia muy cruel. La edición en DVD de Karma Films de la cinta sueca presenta diferentes extras, entre ellos escenas eliminadas y una featurette sobre la repercusión de la película. n Xavi Sánchez Pons

(MondoSonoro · Octubre 2009 /61/ MONDORECOMIENDA)

LA ENTREVISTA

LIBROS

LOS CLIPS DEL MES

◗ Rammstein Pussy (114) En su empeño por ser provocadores, los alemanes Rammstein se sacan de la manga el clip promocional más explícito de la historia.

Lo que empieza con unos desnudos acaba en un festival de penetraciones y eyaculaciones apto sólo para mayores edad.

Hiromi Kawakami

“El cielo es azul, la tierra blanca” El Acantilado (111)

El asombroso viaje de Pomponio Flato Eduardo Mendoza Seix Barral (1114)

Es encomiable que un autor del prestigio de Eduardo Mendoza cultive la novela humorística y que además lo haga con asiduidad. Este asombroso viaje no llega al despiporre de la libérrima “Sin noticias de Gurb” pero es una fresca y original incursión –otra vez– en la novela detectivesca de un autor al que no se le caen los anillos al dotar de su escritura rica y precisa a un liviano entretenimiento que esconde divertidas sorpresas.

J. Picatoste Verdejo

Nadie es más de aquí que tú Miranda July Seix Barral (1114)

Uno se imagina a Miranda July como el reverso de Amélie. Tan original y perspicaz para el detalle cotidiano como la heroína francesa pero, a diferencia de esta, obsesionada no con la luces de la vida sino con sus sombras. En este conjunto de dieciséis relatos, que puede verse como una extensión de su largometraje “Tú, yo y todos los demás”, July retrata personajes, mayoritariamente femeninos, asfixiados por todo tipo de soledades. J. Picatoste Verdejo

Antonio Luque Foto Archivo

El primer libro de Hiromi Kawakami que se traduce al castellano trata sobre la extraña relación entre una alumna y su viejo profesor, una historia de amor llena de misticismo y sutileza que nos habla de la soledad, la esperanza y el sentimiento de necesidad por acercarnos a cualquier cosa que nos de un mínimo de felicidad.

Bueno. Dani Arnal

Antonio Luque

◗ Love Of Lesbian Te hiero mucho (1114) Lyona, responsable del arte y de los demás clips correspondientes a “1999”, nos sorprende con un vídeo de animación cándido, de una simpatía indudable, que subraya su creciente valor como realizadora.

Lápiz y papel Por si no tuviera suficiente con todas sus aventuras al frente de Sr. Chinarro, que han sido muchas a lo largo de los años, Antonio Luque agarra fuerte la pluma y no parece querer soltarla. Sin que nos hayamos dado cuenta acaba de presentarnos su libro “Socorrismo” y una historia en la antología “Matar en Barcelona”, ambos editados por Alpha Decay.

C

on el tiempo, los discos de Antonio Luque han dejado de sonar a rayos y centellas y han empezado a tener estribillos. Con el tiempo, se ha dado cuenta de que hacer canciones no es la única manera de escribir. Un cuento en la antología de relatos “Matar en Barcelona” y en solitario, “Socorrismo”, son sus dos primeras aventuras –editadas por Alpha Decay- en saltar de la estantería de los discos a la mesilla de noche. “Me apetecía más que escribir música y como soy un poco anárquico trabajando, era algo más sencillo que escribir letras. Supongo que son caprichos propios de un artista. Fue la editora la que se empeñó, nos conocemos hace tiempo y le había comentado que estaba probando a escribir unos cuentos. No me apaño demasiado con el ordenador, así que lo iba dejando, y me alegro mucho de que me animara a hacerlo”. Aunque parezcan cosas muy parecidas, no es lo mismo. “Normalmente tengo la melodía o me tengo que ajustar a la estructura de lo que estoy haciendo, pero más o menos lo que escribes te viene dado por la música. En una canción tienes que condensar una histo-

ria, y en un relato eso es mucho más sencillo porque tienes más espacio”. A base de frases aparentemente incoherentes que se alejan de la realidad porque no les queda más remedio y en las que se ríe amargamente de todo lo que se le ponga por delante, Luque ha creado un imaginario particular tan cotidiano como los días que pasan y vuelven a pasar. Los que somos devotos, sólo podemos dar gracias por el paso al formato largo. “No he dejado de hacer canciones, pero en el último año me apetecía más escribir y no tener que ir con un ejército detrás. Es más sencillo pero estás más horas. La canción se te tiene que ocurrir pero la novela es más fácil porque si tienes la idea sabes que lo vas a terminar”. El absurdo, una vez más, por delante. “Me encargaron una historia sobre crímenes que ocurrieron de verdad y me apetecía escribir sobre unos asesinatos que sucedieron en un bingo. Animado por esto, pensé en inventarme otras tramas.

No me atrevía a publicarlo, pero como ya me habían publicado lo otro me sentía en la obligación de enseñárselo y al final hemos hecho un libro”. ■ J. Batahola

Libros

◗ Manos de Topo Lógico que salga mal (11114) Nadie va a negar que la relación entre Manos de Topo y el realizador Kike Maillo está obsequiándonos con algunos de los mejores clips que se hayan visto en este país en los últimos años. El de “Lógico que salga mal” no podría ser menos.

◗ We Are Standard The First Girl Who Got A Kiss (111) “The First Girl Who Got A Kiss” es un simpático vídeo en el que lo único que falla es un guión algo tópico. Protagonizado por marionetas y filmado con sobriedad, el clip antepone la historia a la canción.

◗ The Requesters Live (1114) El diseñador Roboto y el dúo The Requesters se saca de la manga un clip inspirado en algunos trabajos franceses, pero la clava al combinar un sonido rotundo con un trabajo de tipografía ciertamente brillante. Eso sí, la curiosidad es que el tema que no se publicará hasta dentro de unos meses.

Corcobado apuesta por la poesía Papel y plástico 2 Oscar Lombana Astiberri (111)

Divertidísimo ejercicio de nostalgia visual que completa un primer volumen que resulto ser un éxito inmediato. Cualquiera que haya vivido los ochenta, que se identifique con ellos o con su estética esbozará más de una sonrisa al encontrarse con personajes, juguetes y curiosidades de una época en la que todos éramos inocentes.

Enrique Gijón

Además de habernos ofrecido infinidad de canciones que forman parte de las vidas de algunos de nosotros, Javier Corcobado ha ido dando forma también a una carrera literaria a la altura de su obra musical. Ahora, nos coge por sorpresa publicando una nueva referencia bibliográfica. Se trata de “Cartas a una revista pornográfica viuda” (Arrebato Libros, 09). Más de ciento cincuenta páginas de poesía cruda y descarnada con su inseparable sello personal. Por otro lado, el libro se inscribe en licencia Creative Commons, lo que permite “copiar, distribuir y comunicar públicamente la obra sin fines comerciales, siempre que se reconozcan los créditos de la misma manera especificada por el autor o licenciador”.

Más detalles en www.arrebatolibros.com n

◗ Supersubmarina Supersubmarina (111) Supersubmarina siguen luchando por darse a conocer en nuestra escena independiente.

Y este clip es una buena manera de conseguirlo, por imaginativo y porque está mucho mejor resuelto que la media habitual. En todo caso, una carta de presentación más que digna. n

( MONDO

MEDIA

/62/ Octubre 2009 · MondoSonoro)

CINE

(Rec 2) Foto Archivo

Jaume Balagueró y Paco Plaza

Posesión infernal Dos años después de una de las cintas de terror más escalofriantes de cine español reciente, llega “[REC] 2”, su continuación. Una secuela notable que nace con la intención de asustar, contentar y divertir a todo el fandom que vibró con la primera parte. Algo que consiguen con creces Jaume Balagueró y Paco Plaza en un nuevo juguete terrorífico que abrirá la nueva edición del Festival de Sitges

H

ace un par de años, y por estas mismas fechas, dos de los directores más respetados del cine de género español sorprendían con “[REC]”, un experimento en forma de película de terror que consiguió lo imposible.

Poner de acuerdo a todo el mundo sobre su calidad. Desde la crítica ‘seria’, a los fans del cine de terror más alocado. Ahora Jaume Balagueró y Paco Plaza regresan con la segunda parte. Una secuela que nace por y para los seguidores de la primera. Ellos mismos nos lo cuentan en una animada charla que tuvo lugar en una terraza de bar situada en el Passeig de Sant Joan de Barcelona, recién llegados del festival de cine de Venecia. (Paco Plaza) ”Fue a raíz de la primera y de ver un poco la reacción, los comentarios, cuando comenzamos a fantasear con la idea de poder hacer una secuela. En ningún momento estaba previsto y vino de una manera bastante natural. Empezamos a hablar de ello, la película posteriormente tuvo una repercusión muy amplia. A los productores también les apetecía mucho hacerla, y bueno, estábamos todos un poco de acuerdo en seguir la fiesta”. (Jaume Bala-

gueró) “El entusiasmo que vimos es el que de pronto nos contagió. Y dijimos ‘ostia, vamos a seguir con esto’. Nos ilusionaba ver a la gente que respondía tan bien con una película que se estaba convirtiendo en algo más grande de lo que habíamos planeado. ‘[REC]’ era un experimento, algo que no sabíamos ni siquiera si se estrenaría, si tendría éxito. A raíz de salir bien nos entraron ganas de seguir en ello y decidimos hacer una secuela para el público, pensamos ‘la vamos hacer para que sigan disfrutando’”. “[REC 2]” retoma la historia donde lo dejaba la primera parte. Y se inicia con la entrada de un grupo de expertos GEOS, acompañados de un misterioso funcionario gubernamental, al bloque de pisos repleto de infectados. Unos infectados que, como ya apuntaba “[REC]”, más que zombies sedientos de sangre son endemoniados, personas poseídas por el diablo.

Un genial twist narrativo y uno de los principales aciertos de la nueva entrega. (Jaume Balagueró) “De hecho fue una de las razones que nos impulsó a hacer una secuela. Habíamos insinuado cosas al final de ‘[REC]’ que nos

parecían muy interesantes, sobre todo ese universo religioso-demoníaco, y ahora era la oportunidad para poder ahondar en ello, seguir tirando del hilo, y explorar ese universo en el que nos habíamos quedado un poco a medias. Y esa fue la razón. Vamos a por ello, vamos a por todas y vamos a entrar de lleno en ese universo demoníaco. La combinación iba a molar mucho: infección, algo vírico relacionado con la iglesia…”.

Otro de los atractivos de la cinta es su carácter sanamente verbenero, su condición de horrorshow adictivo hecho por y para fans, lleno de guiños a títulos señeros del género. “La cosa”, “El exorcista”, “Demons” o “Aliens, el regreso”, son algunas de los clásicos citados de forma consciente o inconsciente en “[REC] 2”. (Paco

otro día alguien nos hizo también una referencia que no habíamos tenido en cuenta pero que era realmente acertada. Consistía en que otro posible modelo de secuela era ‘Terroríficamente muertos’ (segunda parte de “Posesión infernal”), que era una película que potenciaba una serie de cosas de la primera, se mantenía fiel a otras, ahondaba más en el concepto humanístico, autoparódico, hilarante… Para nosotros ‘[REC] 2’ ha sido algo parecido…”. Para acabar, nada mejor que preguntar a Jaume Balagueró y Paco Plaza sobre la utilización de “Suspiros de España”, conocidísimo pasodoble español, en el trailer y en una de las escenas cumbre de la película. Una pregunta que da lugar a una acertada reflexión, perfecta para finalizar la entrevista.

“‘[REC]’ era un experimento, algo que no sabíamos ni siquiera si se estrenaría ” Plaza) “Más que conscientes, son homenajes a una manera muy festiva de entender el género, más que a películas concretas…

En el caso de ‘La cosa’ sí que es una referencia que teníamos bastante clara, pero en lo referente a ‘Aliens’ nos parecía el modelo de secuela que nosotros queríamos hacer en el sentido de ser muy fiel a la original, como era ‘Aliens’, pero cambiarla de género y darle un giro. Contar lo mismo pero de otra manera”. (Jaume Balagueró) “El

(Paco Plaza) “A nosotros nos gusta mucho reivindicar lo hispánico de esta película. Lo castizo y lo ibérico, lo cañí. Porque creemos que parte del gran éxito de ‘[REC]’, el factor que ha hecho que haya sido vista en todo el mundo, es lo local que es. Esa localidad es lo que le ha dado, de alguna manera, ese carácter universal… No hay nada más español que la copla. Y queríamos hacer ese homenaje a nuestra cultura”.

■ Xavi Sánchez Pons

“Thirst” de Park Chan Wook Foto Archivo

Sitges 09, dream team del fantástico Del 1 al 12 de octubre tendrá lugar en Sitges la edición número 42 del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, una edición muy especial por diversas razones. Primero porque recupera la denominación de “Fantàstic” en el nombre, saldando así una deuda histórica. Segundo por celebrar los treinta años de “Alien, el octavo pasajero”, uno de los clásicos más celebrados del cine fantástico y de terror (el cartel del festival hace alusión al film de Ridley Scott). Y tercero por presentar, otra vez, una de las programaciones dedicadas al cine de género más completas del momento. Un verdadero ‘quién es quién’ del fantástico actual. Algunas de las perlas de la sección oficial a concurso son, entre otras, la esperadísima “Thirst”, cinta de vampiros de Park Chan-wook, la indie “Gra-

ce” de Paul Solet, “Enter The Void”, la nueva provocación de Gaspar Noé, “Splice”, el regreso a la vida de Vincenzo Natali o la premiada “Moon”, primer largometraje de Duncan Jones, hijo de David Bowie. Otras películas que no vale la pena perderse de la multitud de secciones de presenta el festival (Orient Express, Anima’t, Midnight X-Treme, Noves Visions…) son las siguientes: la recuperación en pantalla grande de “Zombi 2 (Nueva York bajo el terror de los zombis)” obra cumbre de Lucio Fulci, “Best Worst Movie”, hilarante y sentido documental de la que está considerada la peor película de la historia, “Troll 2”, o “Vengeance” la nueva maravilla de Johnnie To con el cantante francés Johnny Hallyday como protagonista.

Más información en http://sitgesfilmfestival.com/cas. ■ X.S.P.

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mondomedia /64/ Octubre 2009 · MondoSonoro

CONEXIONES Angeles por su insaciable apetito de música, baile y buen vivir, firma contrato después de morir y resucitar en el escenario durante un festival de verano en 2008, con Pias. Ahora Zed lanza su primer single, “Chocolate”, escrito específicamente para Eastpak y producido por John Stargasm (Ghinzu).

“Chocolate” provoca sudores y vibraciones en las pistas de baile. Zed & The Party-Belt se ha estrenado en España este pasado mes de agosto. Rodando a alta velocidad por Ibiza con sus primeros superfans, los Vengamonjas, el dúo de humoristas underground con miles de seguidores en Internet. www.party-belt.com. ◗ Se busca grupo revelación. Esa es la máxima del U>rock Ballantine’s, el primer Concurso Iberoamericano de Maquetas para Universitarios convocado por la web Universia. El 15 de septiembre se publicó el listado de ganadores de la fase local y en la web www.escucha.universia.es tienes toda la información sobre el estado del concurso. ◗ Eastpak y el sello discográfico Ed Banger -en el que militan bandas como Justice- han cerrado una colaboración que se concreta en el lanzamiento de una serie de mochilas Padded Pak’r y la clásica bandolera Delegate en edición limitada y con un estampado diseñado por parte de la discográfica gala. ◗ Guinness ha celebrado su 250 aniversario el pasado 24 de septiembre con motivo del Arthur’s Day en una serie de conciertos por todo el globo, más concretamente en las ciudades de Dublín, Kuala Lumpur, Nueva York, Yaundé y Lagos, con las actuaciones de, entre otros, Calvin Harris, Noah And The Whale, Richard Hawley, Razorlight, The Kooks, Kasabian, Roots Manuva, The Magic Numbers, The Wombats, OK Go o David Kitt.

Wolfmother Foto Archivo

◗ La banda australiana Wolfmother es la protagonista de la campaña de lanzamiento de Absolut Rock Edition. El prestigioso fotógrafo Danny Clinch les ha acompañado durante la grabación de su nuevo disco y ha tomado instantáneas del grupo y de la nueva botella, “vestida” con cuero y tachuelas en su tributo al mundo del rock y que se pondrá a la venta el 1 de octubre. ◗ “Powered by” Eastpak y de la mano de los Vengamonjas, Zed & The Party-Belt y su canción “Chocolate” han aterrizado fuerte en España. Zed (Bill Toon Rustin) siempre ha estado ligado al mundo de la música, inventando instrumentos y creando sonidos extraordinarios. Es un hombre-orquesta y adora las fiestas. Reconocido en la escena nocturna de Los

◗ Kiss, la mítica banda de Gene Simmons y compañía, vuelve a repetir colaboración con Vans. Esta vez, la protagoniza la portada de su disco “Rock And Roll Over”, presente en el calzado, camisetas y pantalones de la marca. No es la única acción relacionada con la música de la marca, que estos días publica “Vans Off The Wall”, un doble CD + DVD con vídeos de skate y canciones de bandas como Motörhead, The Ramones, Iggy Pop, Red Hot Chili Peppers, Napalm Death, Bad Religion, Korn, The Offspring y los nacionales Los Coronas, No Children, Nothink, Los Tiki Phantoms, Subterranean Kids, The Eyes o Read My Lips. ◗ El Langui, el popular rapero de La Excepción, está que no para. Después de haber triunfado en el mundo del cine y haberse alzado con un Goya como intérprete, tras estrenarse como locutor en RNE con Radio Tarasca, ahora se lanza al mundo de la literatura con “16 escalones antes de irme a la cama”, una obra que pretende ofrecer las claves para afrontar y superar los problemas del día a día. ◗ Si el mes pasado hablábamos del estreno de un videoclip de Prodigy en VidZone -servicio online completamente gratuito para PlayStation3- en esta ocasión les toca el turno a Editors. La banda británica ha elegido VidZone para estrenar el vídeo de su nuevo single “Papillon”, dirigido por Andrew

Douglas y correspondiente a su último álbum “Is This Light And On This Evening”. ◗ Para este invierno 2009 Converse lanza su colección de colaboraciones con los legendarios rockeros y artistas del heavy metal AC/DC y Metallica. Los gráficos y elementos visuales icónicos de estos grupos musicales inspiran esta colección única de zapatillas Chuck Taylor All Star. ◗ Acaba de terminar la primera fase de la Convocatoria Música Heineken Greenspace 2009, en la que los grupos han tenido la oportunidad de presentar sus maquetas a concurso. Ahora sólo cabe esperar al 29 de octubre, la fecha en la que serán anunciados los finalistas en www.heinekengreenspace.es ◗ El Eristoff Internative Festival es el primer festival online de España. Conciertos en directo en noches de luna llena, creados para Internet y difundidos sólo por este medio. Se inauguró el pasado 7 de julio en Barcelona con la presencia de Love Of Lesbian y ya preparan su segunda edición para la que contarán con Delorean, que ya están trabajando en las sorpresas que tienes preparadas. Una nueva guarida secreta, nuevas interactividades, una nueva luna llena, el 4 de octubre en Madrid. www.eristoffinternativefestival.com.

◗ La popular marca de microfonía Sennheiser prepara una subasta solidaria a partir de la cual podrás conseguir microfonía evolution profesional, con cable e inalámbrica a precios irrisorios (a partir de cinco euros).

De esta forma además ayudarás a la Fundación Vicente Ferrer, a la que van destinados todos los beneficios. www.muuma. com/micro_muuma/micro_subasta.php ◗ Después del éxito de las dos ediciones de su concurso de maquetas, Levi’s presenta este otoño 2009 los Levi’s Unfamous Music Awards, premios a los talentos desconocidos.

Se trata de una evolución de dicho concurso que da todo el protagonismo a los grupos maqueteros participantes y especialmente los finalistas. ¿Qué hace falta para participar? Tener un Myspace e inscribirse a través de la web del concurso www.levisawards.com y por supuesto muchas ganas de tocar en directo junto a Dorian el 23 de octubre en la sala Heineken (Madrid), el 24 de octubre 09 en la Wah Wah de Valencia y el 7 de noviembre en Apolo de Barcelona.

Además, Levi’s Engineered Jeans celebra su décimo aniversario con una colección inspirada en el Black Label Bicycle Club, un grupo underground fundado por un grupo de jóvenes neoyorquinos que se caracterizó por ser el primer club de bicicletas fuera de la ley y el creador de batallas de justas en bicis altas.■

MONDOWEB

/66/ Octubre 2009 · MondoSonoro

E-MAIL: Envía tus cartas a mondo@mondosonoro.com

POR DON DISTURBIOS

E

ste es un llamamiento para los más despistados o descreidos: En MondoSonoro hemos estrenado nueva página web... Sí, sí, tras más de un año de trabajo azotado por la crisis y realizado con las herramientas que siempre nos han caracterizado (es decir, ilusión y recursos económicos más bien limitados) por fín tenemos la página a punto. Bueno, a punto, a punto... hay que decir que aún tenemos que ir depurando algunos fallitos que para algo somos latinos ¿no?... Y el caso es que, aprovechando la circunstancia del estreno, le he pegado una más que merecida patada en el culo al gafapasta presuntuoso, arrogante y snob de Torque Mondito para hacerme con los mandos de la sección más denostada, carca e imprescindible de la revista. Al fin y al cabo un servidor, el insigne Don Disturbios, es el colaborador y miembro de la redacción más activo -que no más lúcido- de los que participan en el foro de una revista que, tras esta portada, demuestra haber perdido definitivamente la chaveta del todo. Por eso lo primero que me gustaría hacer, aunque no tenga ningún tipo de interés para toda esa especie de mamelucos que no participa en nuestro sacrosanto espacio de descalificación e intercambio, es agradecer a los veteranos e ilustres foreros “de toda la vida” su participación -pasada y futura- además de la paciencia que han demostrado tras tres cambios “foreriles” a lo largo de la última década. Peña como Flint,

Normando, eRRor, Centurion Gay, Rhonda, Lou Ferrigno, Sepi, picolandia, Rodeo Jones, smart, KILLER, safont... (que no se me enfaden los no nombrados, que ya sé que son ustedes muy susceptibles, ¡pero el espacio manda!) han contribuido con sus impagables intervenciones, intercambios y recomendaciones a que todos estemos mejor informados y ampliemos esa pasión que compartimos por la música, pero también por el cine, la literatura de baja estopa, el fútbol y el cómic. Tan sólo cabe esperar que esta nueva estapa, sirva para engrandecer nuestra comunidad y que la paleta de intervenciones se amplie para hacer valer esa gran máxima que en catalán dice “Quan més siguem, més riurem” y que en castellano podría traducirse por un escueto “cuántos más mejor”... Y vaya, parece que desde el principio ha dado resultado, porque con el cambio nos llegan mails de personajes que, hasta el momento, no se habían dignado a deslumbrarnos con su sabiduría y su buenos modales como un tal Miguel Irrizo, quien afirma de forma textual lo siguiente: “Si udtedes son una revista independiente, por ke koño solo publicitan la mierda.

Osea de independiente y rockeros no teneis un huevo, sois otros mas del monton. Hoy en campdevanol actua gatillazo gratis y en su revista no dice una polla o es ke el punk no es rock?

Mejor hagan una revistita para niñas”.

Bueno, al margen de la ortografía, en una cosa te equivocas amigo Miguel. Sí, somos una revista independiente por la simple razón de que publicamos lo que no sale de

los mismísimos, independientemente de lo que opines sobre nosotros. En lo único que te voy a dar la razón es en que somos unas nenazas, machote. Pero no perdamos el tiempo, mejor ilustrar a nuestros lectores con la siempre sabias palabras de ese gran redactor que cual “gremlin” se transforma al contacto de algo con más graduación que el agua. Me estoy refiriendo a mi compañero, el entrañable Luis J. Menéndez, que en su recién estrenado blog (el cual promete más lucidez e integridad musical que el mío) afirmaba... “Los blogs se han convertido en todo un género literario en sí mismo entre lo masturbatorio y lo exhibicionista. Y es por eso que hasta hoy, cuando las responsabilidades profesionales llaman a mi puerta, no he tenido mi propio cuaderno de bitácora (ni fotolog, ni myspace, aunque confieso que en el vicio del facebook he caído) a través del cual vociferarle al mundo lo que es blanco y negro, algo que cada vez está más en boga ahora que todo dios está empeñado en llevar la razón. Con toda la sinceridad del mundo digo que nadie se ha perdido gran cosa por ello, y lo único que espero y deseo es que no termine perdiendo los papeles con esta aventura y la columna de opinión les sirva a unos pocos para compartir algún disco maravilloso, recuperar una banda del olvido o incluso debatir sobre algún aspecto de la actualidad musical, siempre desde la pasión y el individidualismo más absoluto e insobornable. A ver qué tal sale”. ¡Ole tus

el 75% DE LOS lectores de mondosonoro NUNCA DIRÍA QUE NUESTRO COLABORADOR ENRIQUE PEÑAS SUELE ACABAR ASÍ EN LOS FESTIVALES

huevos, compañero! Yo no lo habría expresado mejor. Y como integrante en ese pseudo-apartado de la web que recoge las opiniones de “fijos” de la revista como tú, Joan S. Luna, el poppie de Xavi S. Pons o Rafa Angulo, lo que va a quedar bien claro es lo mucho que nos separa y lo poco que nos une en esto de entender la música. Y que me aspen si eso no es lo hermoso de todo este tinglado y la esencia misma de esta revista cuya linea editorial no la descifra ni el mismísimo Robert Langdon... Pero ¿Y lo bien que nos lo pasamos en nuestras reuniones de redacción? No llegamos a las manos, tan sólo a la descalificación y el chillido algo energúmeno más propio de un hooligan de fin de semana (sobre todo Luna). Claro que pasionales somos un rato largo. Aunque ¡Basta ya de batallitas! No perdáis más el tiempo y corred a registraros en nuestro foro. Así podrás ser uno más de los que me meten cera por mi entrevista-masaje a Sidonie del més pasado. Prometo ser educado... ja ja ja.■

CONCURSOS WEB

1

LA PREGUNTA DEL MES:

Parche de batería firmado por todos los miembros de

¿Cómo se llama el dueño de Ed Banger?

Kasabian

10

Che sudaka

cd-dvd de incluye el documental “tudo é possible”

5

Lotes de

Health

formados por su nuevo disco, “Get Color”, y una camiseta

entrevistas

sOlo en...

5

mochilas eastpak diseñadas por la discográfica Ed Banger

LAURA MORE EILEN JEWEL THE HAPPINESS PROJECT

Consulta los ganadores de los sorteos en nuestra web Entra y participa

¡¡¡SUERTE!!!