Mondo Sonoro octubre 2023

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7/Mondo freako

Ralphie Choo Juan, Ralphie

Aunque son muchos sus méritos acumulados, hacía falta que Ralphie Choo publicase su primer álbum, “SUPERNOVA” (Rusia-IDK/ Warner, 23), para subrayar la personalidad de un artista ligado emocionalmente a ese clásico que es “Juan Salvador Gaviota” de Richard Bach.

“AL REDUCIR A TREINTA y extender sus alas otra vez el pesquero era una miga en el mar, mil metros más abajo. Sólo pensó en el triunfo. ¡La velocidad máxima! ¡Una gaviota a trescientos veinte kilómetros por hora! Era un descubrimiento, el momento más grande y singular en la historia de la Bandada, y en ese momento una nueva época se abrió para Juan Gaviota. Voló hasta su solitaria área de prácticas, y doblando sus alas para un picado desde tres mil metros, se puso a trabajar en seguida para descubrir la forma de girar”. Juan Casado, Ralphie Choo, hoy Juan Salvador Gaviota, inició su camino como artista en 2019 con canciones como “Town Boyz” y pocos meses después ya presentaba un maxi, “Sad Meal”. “Yo decía ‘sé hacer bases, sé producir, tengo buenas ideas, pero no me atrevo a cantar porque no soy cantante y no tengo voz de cantante'. Y me animé poco a poco, un poco [risas]. Conocí a Rusowsky, que es una pieza clave en todo esto. Fue al sacar los primeros singles. Normalmente la gente se documenta y luego hace música, y crea sobre una base sólida que ya tiene. En mi caso, una ventaja que puede ser una desventaja: no conocía mucha música que había fuera, y todo lo que escuchaba era nuevo; descubrir artistas y que me inspiraran una y otra vez. Era como una tienda de chuches para un niño. Además me rompí el ligamento cruzado, me quedé en casa parado y tuve mucho tiempo para hacer música”. Ambos proyectos son absolutamente brillantes. Tenía veinte años. Juan rompió el cascarón y ya tenía la visión y la determinación de hacer algo distinto con su vida. Volar, quizá, y no solo comer. “La metáfora clave es la ardilla surfera: un Gif. Una ardilla que está apurada surfeando porque no tiene ningún sentido estar ahí. Nos sentimos en un momento en el que estás llegando al final, estás celebrando pero te estás cayendo, y no sabes si va a llegar”.

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

La suya fue una irrupción no sorprendente en repercusión en un primer momento, pero sí en ejecución, y que, como en la fábula, fue solo el principio de una serie de ensayos, de ejercicios, de pruebas y de prácticas, de canciones, que cristalizaron con el primer golpe de efecto de Ralphie Choo, “Lamento de una supernova”, donde hizo una reinterpretación del sonido flamenco adaptado a su vuelo (”Tragó saliva, comprendiendo que se haría trizas si sus alas llegaban a desdoblarse a esa velocidad, y se despedazaría en un millón de partículas de gaviota”), y cuyo concepto le sirvió para anticipar uno de los candidatos a mejor álbum de 2023, “SUPERNOVA” –una estrella que explota y que a su vez se despedaza en un millón de partículas de estrella– y más importante aún, un disco importante para su autor y para la escena.

“SUPERNOVA” HA SUSCITADO el interés del público (sold out en Madrid en menos de un día) y de todos sus compañeros de profesión: de los más populares, como Rosalía, que le han presentado sus respetos, a los más pequeños, que se rinden de admiración ante un trabajo tan profundo como elástico (“Cuando volvieron, había anochecido. Las otras gaviotas miraron a Juan con reverencia en sus ojos dorados, porque le habían visto desaparecer de

donde había estado plantado por tanto tiempo”). “SUPERNOVA” es un álbum que explora géneros como quien repasa recuerdos sin arrepentirse de ninguno. Milagro y buena suerte al mismo tiempo. Vivir cerrando los ojos a lo interesante del mundo porque no lo conocemos o, peor, no lo queremos conocer, es algo del pasado. “Desechar la madurez y todas esas categorías de adulto. Me inspira gente como Yung Lean, que siguen siendo unos niños en el buen sentido, que rechazan levantarse para trabajar e ir a la oficina, que le dan importancia al juego. Hay gente que sigue jugando a los veinte, a los treinta, a los cuarenta, a los sesenta… y que va a morir jugando”. Un artista como Juan Salvador Gaviota no puede renunciar a sentirse vivo creando, no puede renunciar a inventar las reglas del juego; es en ese escorzo donde se encuentra consigo mismo. “Hay una parte muy espontánea de todo esto. Muchas de las cosas que salen cuando estás produciendo son cuestión de testeo, de lo que te dice la naturaleza, de lo que está pasando físicamente en ese momento. Puedes llamarlo azar o lo que sea pero de repente suena bien. El álbum es un sesenta por ciento de planificación y un cuarenta de azar. Nosotros hacemos lo que hay que hacer y ya en tus oídos sonará bien o no”.

RALPHIE CHOO HA BUSCADO la evolución constante desde sus primeros pasos. Cuando ya naces distinto, ¿qué buscas para tu primer álbum? Tan sencillo y tan complejo como seguir la línea hacia donde te lleve, quizá cerrar los ojos y rezar por no estrellarte, quizá frenar para lanzarte inmediatamente después a un nuevo vuelo. Para eso, cuenta con una bandada de las buenas a su lado, de las que te empujan y no te retienen, de las difíciles de encontrar. Rusia-IDK se ha convertido en la plataforma perfecta para que los artistas más valientes encuentren un lugar en el panorama. En el caso de “SUPERNOVA”, no solo Drummie, también mori o Rusowsky aparecen para ayudar a Juan a levantar el vuelo. La conversación es coral. Barry B y Drummie acompañan a Juan (“cuando

“Tienes que ver la vida como una obra de teatro en la que tú eres el único protagonista”

tú estás en el estudio hay un componente súper guay que es la confianza con la que haces todo, dices que es azar pero tienes las cartas trucadas”, le comenta Drummie) y esperan y complementan y hasta cuentan los detalles de la gestación del álbum que han sido importantes para ellos. No se olviden, claro, de que este es un álbum internacional. Edita Warner Estados Unidos, y Juan Salvador Gaviota ha volado a Los Ángeles (“El viento le azotó la cabeza con un bramido monstruoso. Cien kilómetros por hora, ciento treinta, ciento ochenta y aún más rápido….”) y ha conocido de primera mano la gran industria del entretenimiento. El equilibrio entre la libertad individual y el entorno adecuado siempre han sido las claves y no lo dejan de ser en una era en la que todo lo demás parece haberse roto: los géneros, los tempos, las voces… Entre la distorsión y la fragilidad, entre lo lúdico y lo espiritual, Ralphie Choo surge en su propia fábula.“Lo que tengo muy claro es que tienes que ver la vida como una obra de teatro en la que tú eres el único protagonista. Los demás son personajes principales, secundarios, extras… el papel que tú quieras darles. Pero tú eres el protagonista de tu propia obra y hay que intentar darle el sentido que más te apetezca”.

RALPHIE CHOO HA LOGRADO lo más difícil, que es romper el falso techo que nos separa del lugar en el que queremos estar, uno que construimos nosotros mismos y que solo vemos nosotros. “SUPERNOVA” es el trabajo de un artista que antes de los cinco lustros de vida, ha pensado que no hay límites de fondo ni de forma cuando hay algo que contar. Doce canciones que completan un catálogo diferente al de cualquier otro, banda sonora de una vida que aún no existe, pero que se proyecta.(“Y con esto, Juan evocó en su pensamiento de la imagen de las grandes bandadas de gaviotas en la orilla de otros tiempos, y supo, con experimentada facilidad, que ya no era silo hueso y plumas, sino una perfecta idea de libertad y vuelo, sin limitación ninguna”). Apunten su nombre, Ralphie Choo, hoy Juan Salvador Gaviota, Juan. luis m. maínez

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LA MÍA

FARO no se apaga

l Málaga 05 octubre. Velvet Club

l Granada 06 octubre. Plantabaja

l Barcelona 24 noviembre. La Nau

l Madrid 22 y 24 febrero. Sala Paqui

HA QUERIDO el fatídico destino que, por segunda vez consecutiva, usemos esta sección para rendir homenaje a una persona que se ha ido de nuestras vidas de forma anticipada. Si el mes pasado mi compañero Joan S. Luna escribía un sentido texto en el que loaba la figura de Raquel Pascual al frente de Fromheadtotoe, os puedo jurar que desearía no estar juntando estas letras para expresar lo que siento ante el fallecimiento de un compañero de profesión y amigo como Rubén Scaramuzzino, director de la revista Zona de Obras entre muchas otras cosas. También ha querido el fatídico destino que sea precisamente en este número de Mondo Sonoro, en el que hemos realizado un especial dirigido a los profesionales del sector y en el que justo hemos dedicado un artículo a FARO, la alianza de medios de comunicación musicales iberoamericanos de la que Rubén era alma y fundador, donde me vea en la tesitura de explicar lo huérfanos que vamos a quedar el resto de compañeros y revistas ante su pérdida. Rubén era FARO y FARO era Rubén. Su vitalidad contagiosa, su fe en el proyecto y su ánimo inquebrantable en las reuniones, convencido de la importancia de estar unidos frente a los retos que nos deparaba el futuro, se van a echar mucho de menos. Su ausencia va a dejar un vacío muy difícil de cubrir en la Alianza, pero estoy convencido de que el resto de cabeceras que la conformamos, estaremos de acuerdo en que el mejor homenaje que podemos hacerle a Rubén es mantener con más firmeza y fuerza que nunca los objetivos que le llevaron a fundar FARO. Hemos de procurar que su espíritu no desaparezca, y esta unión de revistas musicales de hasta ocho países, se convierta en ese referente soñado por Rubén, dentro de la industria musical iberoamericana. Va a ser muy difícil hacerlo sin él, pero va a ser más fácil hacerlo por él. Estoy convencido de que una vez asumamos la tristeza y el enorme vacío en el que nos vamos a sumir los próximos días en nuestras reuniones, Faro resurgirá y será ese punto de encuentro entre las diversas realidades a la que nos enfrentamos desde nuestros respectivos países. Ha querido el fatídico destino que Rubén nos deje justo cuando queda muy poco para nuestra habitual cita en el BIME de Bilbao. Es en esta feria de la industria musical en la que solíamos encontrarnos para intercambiar opiniones sobre la situación de nuestras respectivas revistas y charlar, cómo no, sobre FARO. Va a ser raro no escuchar sus reflexiones sobre la industria y su habitual defensa de la vitalidad de los artistas que se expresan en español, frente a la apisonadora anglosajona de la que él no quería saber nada de nada. Va a ser muy raro. Por eso solo podemos dedicarle este número a su memoria y prometer que su FARO no se apaga. don disturbios

Amor, dolor, identidad, libertad

Romy

Habíamos tenido trabajos en solitario de

Jamie XX y Oliver Sim, pero quizás el mayor bombazo salido de The XX sea este “Mid Air” (Young/ Popstock!, 23), el primer álbum en solitario de la persona que faltaba, Romy Madley Croft.

texto Pablo Tocino fotos Arthur Williams

CANCIONES como “Lifetime” o “Strong” ya nos avisaban de que podía ser interesante, pero “Mid Air” ha terminado siendo un discazo que maneja muy bien el equilibrio entre bops como “Enjoy Your Life” y “Did I”, y la electrónica más íntima de temas como “Loveher” o “The Sea”. Hablamos con Romy de cómo surgió todo esto, de haber trabajado para este debut con Stuart Price o Fred Again.., del significado que tienen los clubs para la gente LGBT, de su admiración por Florence Welch, Rosalía o Arca, y de mostrar su vulnerabilidad en canciones que, por sonido, parece que no van por ahí. La vulnerabilidad y la inseguridad son temas que, de hecho, salen bastante en la entrevista, y tanto eso como la actitud tímida de la propia Romy resultan curiosas: muchísima gente bastante más segura de sí misma desearía haber logrado un debut tan bueno como éste.

LA AUTORA DE “THE SEA” nos recibe “con muchos nervios y muchas ganas. Llevo cinco años trabajando en este disco, así que estoy deseando sacarlo de mi corazón, pero también de mi cabeza [risas] y compartirlo con la gente. Creo que eso es lo que deseo más, ir escuchando qué canciones gustan más a la gente, ir sintiendo las conexiones que se forman con otras personas a través del disco”. La intención principal de este debut es plantearlo como una carta de amor a los clubs. “He intentado celebrar

las conexiones que se dan entre la gente en una discoteca, los momentos que solo se pueden dar en la vida real; recuerdo estar con mi mujer en la cocina bailando al ritmo de temazos dance y deseando que llegase el momento en que pudiésemos volver a estar todos juntos en un club. Me alivia ver que ahora podemos, porque la verdad es que, mientras hacía estas canciones, hubo ocasiones en las que pensé que quizás no podríamos volver a hacerlo”.

SI “MID AIR” ES UN DISCO que, según ella misma, trata sobre “el amor, el dolor, las relaciones, la identidad, y además la libertad, celebración y salvación en el santuario que pueden ser los clubs”, ese santuario que puede ser aún mayor para la población LGBT, y Romy lo tiene claro. “Cuando fui por primera vez de adolescente a una discoteca queer, el sentir que podía bajar la guardia... es algo que no podía hacer en el instituto, y supongo que es una experiencia compartida, en distintos grados, por todas las personas de la comunidad LGBTIQ+. Era un lugar seguro para sencillamente ser tú mismo, y, después de todo un día en el que ser tú mismo en el trabajo o en la calle lo sentías como un desafío, llegar a un lugar en el que puedes hacerlo... además, un lugar en el que estás con amigos, conoces gente nueva, te lo pasas bien, bailas, etcétera. Pero la protección que un lugar así puede darte

“

“Cuando fui por primera vez de adolescente a una discoteca queer, sentí que podía bajar la guardia”

es muy especial, siempre ha significado mucho para mí. Incluso ahora, si estoy de gira, o de viaje con mi mujer en algún lugar lejano, y vamos a un club queer, es como que tiene para mí esa sensación de lugar seguro en el que podemos tener cercanía entre nosotras”.

ROMY REFLEJA ESTO en todas las canciones del disco de alguna u otra manera, pero es especialmente notable en el inicio con “Loveher” y el cierre con “She’s On My Mind”. “Sí, hay una conexión entre ambas canciones. Las dos las escribí en un momento similar, en el que me sentía muy inspirada y muy orgullosa, y quería mostrarme abierta sobre mi sexualidad y sobre mi relación. Te sientes tan bien que quieres compartirlo. La energía de ‘Loveher’ empieza como muy nerviosa y va construyéndose una atmósfera de seguridad, y para la energía de ‘She’s On My Mind’, lo que tenía claro es que quería cerrar el disco con una liberación. Como que las luces se han encendido ya en el club, pero te da igual, vas a la calle y cantas ‘Ya no me importa, estoy enamorada de ella’, dejas atrás esa autoconciencia constante. Quería intentar transmitir ese sentimiento a quien la escuchara”.

“TWICE” Y “DID I” eran dos canciones que no se conocían, y que han resultado ser dos temazos. “Tengo muchas ganas de ver cómo las recibe la gente. ¡La transición entre ‘Twice’ y ‘Did I’ está además inspirada por algo español! Hay un sonido de avión ahí, porque Stuart Price me contó que, cuando estuvo de DJ en Ibiza a principios de los dosmiles, los aviones sobrevolaban el club, y el sonido de los despegues y demás se mezclaba con lo que pinchaba. Hace poco además estuve por allí y pude sentir eso. Fue muy guay porque pinché esa transición en ese lugar, y luego la sentí”.

Madley-Croft nombra en varias ocasiones tanto a Price como a Fred Again.., los dos principales nombres con los que ha colaborado en la

3producción. “Conocí a Fred antes de saber que iba a hacer un proyecto en solitario, solo estaba interesada en aprender sobre composición, pero no tenía la seguridad en mí misma necesaria para sacar yo un proyecto. Él tampoco había sacado por entonces nada más allá de componer y producir para otros, así que los dos nos pusimos a ir creando cosas sin ninguna presión, y divirtiéndonos mucho. A veces nos preguntábamos ‘¿Y esta canción quién podría cantarla?’, y un día, después de que escribiésemos ‘Loveher’ juntos, nos lo preguntamos y de repente dije ‘Pues quizás pueda cantarla yo’. Ahí ya empezamos a tomárnoslo más en serio, y hemos escrito juntos gran parte del disco. Estoy muy orgullosa de dónde ha llegado en estos años”, cuenta sobre el autor de “Marea (We’ve Lost Dancing)”. Por otro lado, sobre el experimentado Price solo tiene palabras de agradecimiento. “Vino a mitad de camino, y nos ayudó a Fred y a mí a darle otra perspectiva a lo que teníamos, evolucionarlo hacia otro lugar y tal, y luego hice con él otras canciones también. Me gustó mucho poder preguntarle cómo hizo muchos de los sonidos en el disco de Madonna, tuve momentos muy fan con él [risas]. Pero siempre me hizo sentir muy segura”.

ALGO PARECIDO OCURRE con “Enjoy Your life”, que, en cierto modo, ha acabado siendo la canción principal del disco. “Estoy muy agradecida a Stuart Price porque se sentó conmigo e hicimos versiones y versiones, tuvo muchísima paciencia. Yo estuve cerca de rendirme y decir ‘Esta

canción no funciona’. Estuvo muy cerca de quedarse fuera del tracklist... pero ‘Enjoy Your Life’ es una canción profundamente emocional para mí, y creo que quizás por eso había una parte de mí que estaba empeñada en continuar y terminarla, para poder compartir la emoción que yo sentía”. “Emocional” es un adjetivo que puede usarse para describir “Mid Air” al completo pese a su componente uptempo. Otro ejemplo lo encontramos en “Strong”, cuya creación describe como “terapéutica”. “Poder sacar ideas o sentimientos relacionados con este proceso de duelo en una canción que parece tan optimista en sonido es algo que realmente me ha sido muy positivo. Y espero que, por el estilo de la canción, pueda llegar aún a más gente”.

TODO ELLO NOS DESCUBRE por qué en “Mid Air” no hay colaboraciones. “Lo que quiero con este disco es que se me conozca a mí, que gente que admiro pueda conocer qué es lo que hago aparte de The XX, y que esto pueda abrir posibilidades para colaborar con gente en el futuro”. Eso sí, si las hubiera, Romy tiene algún que otro nombre nacional. “Me gusta mucho lo que hacen John Talabot y Pional. Han venido en ocasiones con The XX de gira. Y bueno,

me encantaría, aunque ahora es una superestrella y tal, pero... Rosalía es alguien que admiro. Su show de Coachella es uno de los mejores que he visto, fue impresionante. Me encanta ella como artista. ¡Y Arca! Me parece increíble. A ella no la he llegado a ver en directo, pero me encantaría. Sus producciones son como de otro mundo”. Y, aunque no sea como colaboración, el nombre de otra artista que sale a la palestra es el de Florence & The Machine, por el parecido temático que puede haber con “Dance Fever”. “Me encanta el disco, y ella es una artista maravillosa. La forma en que se adueña del escenario durante los conciertos... siempre he admirado eso, y a la vez siempre he pensado que yo nunca sería capaz de hacerlo, de tener la seguridad en mí misma para ello. Pero verla me empodera en cierta manera, me inspira muchísimo. Tengo que encontrar mi propia manera de actuar en el escenario para presentar estas canciones, quizás con un poco menos de presencia escénica”.

EN DEFINITIVA, por todo lo que nos cuenta, y lo que hemos podido escuchar en “Mid Air”, parece claro que Romy tiene mucho que ofrecer en solitario. Pero, ojo, porque tampoco está muy lejos una posible reunión de The XX. “Nos hemos visto en el estudio y hemos ido compartiendo ideas y haciendo algo de música. No es que estemos preparando algo concreto, pero queremos ir viendo qué sale, y darle forma”. —p.c. Más

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“

“La transición entre ‘Twice’ y ‘Did I’ está inspirada por los aviones de Ibiza”

Mujeres

Los barceloneses lo ponen todo en su nuevo doble disco “Desde flores y entrañas” (Sonido Muchacho, 23): un tour de force de diecisiete cortes en el que añaden matices y algún experimento a su propuesta, sin dejarse por el camino su luminosa identidad.

Mirando siempre adelante 3

texto JC Peña

fotos Nacho Argañarás

EL MODO QUE MUJERES tiene de entender el pop les lleva, como bien sabemos, a las melodías y estribillos que miran tanto a los sesenta como a las reinterpretaciones que tantos artistas ilustres han hecho de aquel sonido. Sólo que esta vez se han dado margen para aventurarse en nuevos territorios. Nos vemos en persona en las nuevas oficinas de Sonido Muchacho, donde unos encantadores Arnau (batería), Pol (bajo) y Yago (cantante, guitarra y teclados) están de promoción con su mejor sonrisa. Con la que ha llovido en estos últimos años, se muestran felices de tener un álbum especial en el que aseguran haberlo volcado todo, y que les ha deparado sorpresas. El batería sostiene que de otros discos pueden llegar a cansarse en la furgoneta, pero no de éste, con sus vaivenes de tempo, estilo, sonido y ánimo, que lo convierten en su trabajo más personal. Pol, el bajista, cuenta que “íbamos a hacer un disco más al uso de diez o doce temas, quizá trece, porque teníamos algunos más distintos de lo que acostumbramos a hacer normalmente. Y teníamos la idea de promocionar el disco a la vieja usanza, sacando tres o cuatro singles durante el año, y en las caras B meter canciones que fueran un

poco como experimentos o maquetas: un campo para probar cosas con las que no se nos relaciona normalmente. Entonces, cuando tuvimos todo grabado, vimos que como tracklist entero hacía que el disco pasara por distintos sitios, que no fuera un ‘churro de caña’. Así que nos dijimos: ‘Vamos a probar a hacerlo largo’”.

ARNAU DESTACA EL APOYO de su sello. “Cuando escucharon todas las canciones nos dijeron: ‘Nos gustan todas’. Siempre te da un poco de vértigo proponer un doble álbum. No hay muchos grupos de nuestro estilo que los hagan. Tener un apoyo de toda la gente que te dice que está bien así, y que va siendo hora de cambiar, nos facilitó ese punto de mostrar todo. Y te ayuda, como ha dicho Pol, a que el disco no sea un tubo de canciones cañeras o que, como pasa a veces, te falte algo. De esta manera pudimos trabajar bastante bien el orden y yo creo que para ser el disco más largo que hemos hecho, se pasa muy rápido. Se pasa más rápido que otros más cortos”. Yago insiste en la idea de “generosidad. Hay algo en este disco como de vaciarse: venimos de un lugar potente, han pasado cosas, y habla de muchas que tienen que ver con cambios, golpes y cómo encajar esas situaciones que no siempre son sencillas. Yo lo leo así. De ahí esa idea del título, ‘Desde flores y entrañas’”.

EN CUANTO AL SONIDO, nos llevan a terrenos insospechados: de baladas cortas y sensibles, a tensión eléctrica a lo The Jesus And Mary Chain y Phil Spector (“Estallido sin cambios”), o incluso un rock más recio (“Si piensas en mí”) y, por supuesto, singles rotundos (“No puedo más”). En las letras, bastante desamor literal y no tanto. Sobre todas planean los golpes de la vida y cómo superarlos. “Siempre hemos cogido esa idea básica de la canción rock de los cincuenta, destinada a un público adolescente, que habla de amor. Ese desamor puede ser entre personas, pero también puede ser con la vida o con una tragedia que haya pasado. El disco está lleno de distintos golpes que te dejan marcas y moratones, con los que aprendes a convivir”. Yago complementa sus palabras: “Cuando lo estábamos escribiendo, porque lo escribimos de forma conjunta, vamos arrojando ideas y luego vamos conjugando ciertas cosas y pactamos temas, hablamos mucho

“La voluntad era probar cosas distintas”

de ‘los problemas’. En el disco aparece mucho la palabra ‘problema’ y plantea cómo afrontar soluciones, asumir las derrotas”. El trío trabaja las letras de forma literalmente comunitaria: cada uno vuelca en un Google Drive sus ideas (“frases, nombres de canciones, conceptos que pueden terminar siendo el nombre del disco, letras, estribillos...”), que después van tomando forma. La música, en cambio, se trabaja en el local, aunque admiten grabar muchas ideas que luego pueden ensamblarse del modo más insospechado.

LA GRABACIÓN CORRIÓ A CARGO, de nuevo, de Sergio Pérez, en su ciudad, Barcelona. Pero hasta llegar ahí, explica Arnau, dieron sus vueltas. “Los anteriores discos en castellano los grabamos con Sergio. Hubo un EP que grabamos con Carlos [Nombela] y para éste queríamos probar otro productor, estaba todo agendado para bajar a Andalucía a grabar con Paco Loco. Pero Yago se lesionó y tuvimos que cancelar. Al final, vimos que lo más sensato y razonable era grabar en Barcelona, en nuestra casa, por si había cualquier problema o incluso por la comodidad de estar cerca de la familia. Lo que hicimos fue reservar más días, dos semanas. Lo que hemos buscado es más limpieza, más claridad, que todo se escuche. La voz está súper limpia, los registros se entienden muy bien, incluso en

los temas que están cantados de forma más suave. La batería, igual, es la vez en que está más limpia y estructurada. Hemos tratado de limpiar el sonido, y creo que con la ayuda de Sergio, hemos conseguido sonar lo más cercanos a como teníamos el disco en la cabeza”. Pol interviene para contar que “Yago se trajo una Tascam [grabadora] de cuatro pistas que teníamos desde hace tiempo, y con la que queríamos hacer cosas. Ésa era la intención de las caras B: tienes un hit que suena potente, los giras, y te encuentras con una cosa que tiene otra sonoridad. Eso es lo que hace que el disco pueda parecer más distinto y variado”.

YAGO ADMITE que han ido aprendiendo y sacándole jugo al proceso de grabar. Y que la cosa ya no es tanto reproducir la energía sobre el escenario sin más. “Para nosotros grabar ha sido un proceso largo. Empezamos siendo un grupo muy de directo, que quería grabar los discos en vivo. No teníamos muy claro, yo creo, lo que era grabar, y creo que hemos ido aprendiendo a lo largo de los años: cada vez lo hacemos un poquito mejor. No éramos muy conscientes de las labores de producción, ni de las posibilidades del estudio. Hemos ido madurando un montón en este sentido, y en este disco hay mucho curro. Hubo más tiempo. No somos un grupo muy dado a improvisar en el estudio, todo llegaba muy cerrado. En los primeros tres discos se hacía lo que se tenía que hacer y ya está. Pero desde ‘Un sentimiento importante’ (17) y ‘Romance romántico’ (19) empezamos a improvisar un poco, a tomar decisiones sobre la marcha. En este disco la idea ha sido más desarrollarnos creativamente: grabar las baterías de formas diferentes, olvidarte de la fidelidad al directo en el sentido de ampliar la orquestación: hay teclados, guitarras dobladas de una manera que es imposible tocar, usar una guitarra de doce cuerdas y una de seis en el mismo tema... Es imposible, porque sólo toco yo. Podríamos llevar una guitarra con dos mástiles, pero imagínate el panorama [risas]”.

AUNQUE A MUJERES a menudo se les ha asociado al pop garajero se los sesenta (e

incluso de los cincuenta, como asoma por momentos en este nuevo trabajo), ellos ven este trabajo como el “menos retro” de cuantos han hecho. En opinión de Yago, “esas influencias siempre han estado ahí, en los fundamentos del grupo: el garaje americano de aquella época. Luego fuimos progresando hacia el pop. Pero siempre hemos tenido esa cosa un poco retro. Aún así, siempre decimos que este disco nos da la impresión de ser el menos retro. Lo vemos más abiertamente pop, y va hacia diferentes direcciones. Pero yo qué sé, también hay destellos de la Velvet [Underground] y más cosas”.

EL GUSTO DE LA BANDA por hacer las cosas de forma familiar y cercana se concreta en su singular Club de Los Sentimientos, una extensa gira por todo el país bajo el nombre del Club. La reserva del disco da acceso a este show exclusivo. Arnau explica que el Club, con su propio carnet, es como “un antiguo club de fans, de amigos, con el que ofrecemos cosas: emails con maquetas, sorteos... La idea, en este caso, es hacer una especie de charla-concierto acústico. Igual ponemos vinilos, habrá vermut… No es un concierto al uso. Todo viene de la pandemia, cuando hicimos un concierto en la sala Zowie de Barcelona y como todo el mundo tenía que estar sentado, decidimos hacer algo un poco especial. Pusimos una mesita con patatas, olivas y tal. Íbamos hablando, pasamos un menú de canciones para que la gente fuera eligiendo. Queremos hacer algo parecido y estamos terminando de ver qué hacemos”. j.c.p.

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EN CONCIERTO

l Alicante 03 noviembre. Sala Stereo

l Murcia 04 noviembre. Sala Mamba

l Vigo 10 noviembre. Sala Rouge

l Santiago 11 noviembre. Sala Malatesta

l Zaragoza 17 noviembre. Las Armas

l Castellón 18 noviembre. Al Port

l Valencia 25 noviembre. Sala Moon

l Granada 01 diciembre. Aliatar

l Almería 02 diciembre. Berlín Social Club

l Madrid 16 diciembre. La Riviera

l Málaga 25 enero. La Trinchera

l Córdoba 26 enero. Hangar

l Sevilla 27 enero. Sala X

l Bilbao 02 febrero. Kafe Antzoki

l Donosti 03 febrero. Dabadaba

l Lleida 09 febrero. Café del Teatre

l Salamanca 16 febrero. Camelot

l Valladolid 17 febrero. Porta Caeli

l Gijón 23 febrero. Albéniz

l Coruña 24 febrero. Inn Club

l Pamplona 12 abril. Zentral

l Huesca 13 abril. Sala Veintiuno

“El garaje siempre ha estado en los fundamentos del grupo, pero luego fuimos progresando hacia el pop”

The Clash Sandinista! (1980)

Este disco se grabó en Nueva York y en 1980 (¡un gran año para la música!). The Clash también eran británicos, pero muy influidos por Nueva York. Vale, quizás este triple álbum es demasiado, quizás sea una obra maestra defectuosa, pero ¡qué más da! ¡Es “Sandinista!”! Les vi en la primera noche de sus diecisiete conciertos en Bond, en Times Square, en el verano de 1981.

.LOS DISCOS DE MI VIDA.

EN GIRA

l Madrid 25 octubre. Club Lula l Valencia 26 octubre. La Rambleta l Barcelona 27 octubre, La [2] de Apolo l Zaragoza 28 octubre, Las Armas l Bilbao 29 octubre, Kafe Antzokia l San Sebastián 30 octubre, Dabadaba

Dean Wareham (Luna)

Luna que funcionaron entre 1999 y 2005, nos visitarán de nuevo este mes de octubre para repasar su trayectoria y sumar las versiones de su “A Sentimental Education”, publicado hace un lustro. Por eso le preguntamos a Wareham que nos descubra algunos de sus discos favoritos.

The Feelies Crazy Rhythms (1980)

Es perfecto de principio a fin. Nueve canciones que son un conjunto, un mundo entero. Es tan sofisticado como cualquier cosa que saliese de la escena post-punk neoyorquina de 1980. Además es un disco que va mejorando hasta el punto de que los tres cortes finales completan mis diecisiete minutos favoritos de música de todos los tiempos.

The Rolling Stones Some Girls (1978)

Viviendo en Nueva York en el verano de 1978, esta fue la banda sonora de mi vida, junto a las bandas emergentes de punk. Sé que son ingleses y que el disco se grabó en París, pero Mick Jagger dijo que este disco era sobre Nueva York y puedes escuchar que el disco y el punk estaban allí. The Rolling Stones siguen siendo una gran influencia para mí y creo que puede escucharse en Luna.

The Modern Lovers Modern Lovers (1976)

Otro disco perfecto de principio a fin, con muchos clásicos como “Hospital”, “Old World”, “Pablo Picasso”... Jonathan Richman es único como cantante y como guitarrista. Después de grabar este disco oscuro, tuvo un cambio casi-religioso de actitud y decidió que nunca más cantaría estas canciones. La banda esencialmente se rompió después de publicarlo.

The Velvet Underground 1969. The Velvet Underground Live (1974)

Podría haber elegido su primer álbum, o el tercero, o el cuarto, pero este fue el primer disco suyo que me compré. Es un álbumdoble y si tuviera que llevarme un disco conmigo al otro mundo, sería este. Esta es la prueba de que, como banda en directo, eran mejores cuando Cale ya no estaba con ellos.

The Cure Seventeen Seconds/ Faith (1980/1981)

Volvemos a 1980. Es posible que os esté haciendo trampa eligiendo dos discos, pero estos dos sombríos/preciosos discos funcionan para mí como un doble álbum. Se grabaron rápido, en la misma sala, el mismo año, con los mismos músicos y con el mismo productor. Escucharlos en 1981 me inspiró a comprarme un flanger y un chorus para mi guitarra. MS

El fenómeno que está revolucionando la industria de la música

car sus audiencias. Lo que significa que los artistas están siendo compensados por su trabajo de una manera mucho más justa e inmediata.

ONErpm con más de 43 oficinas en todo el mundo es la empresa musical independiente líder en América Latina y Brasil (donde están por encima de las “Majors”). De hecho, el año pasado aumentó sus ingresos en un 70% y espera un crecimiento superior al 30% en este 2023.

Como dice Emmanuel Zunz (CEO de ONErpm); “Ya no somos sólo una empresa de distribución; somos una empresa de servicios musicales completos para artistas que también ofrece una solución de distribución. Para nuestros artistas y creadores, podemos ser desde su distribuidor hasta su sello discográfico, pasando por todo lo demás”.

Sellos discográficos modernos o sellos boutique, antes llamados distribuidoras, tales como ONErpm han ayudado a fortalecer este fenómeno, liderando el futuro de la industria musical y permitiendo que artistas y sellos independientes tengan acceso a los mismas oportunidades y canales de distribución, que hace algunos años eran exclusivos para los entonces “grandes sellos”.

Las empresas como ONErpm proporcionan herramientas que facilitan de manera directa y transparente visibilizar la monetización de la música y los “royalties” recibidos por su ejecución en diferentes plataformas, con análisis de datos y herramientas de marketing para amplifi-

La compañía ha creado una tecnología inteligente que ayuda a gestionar todas las campañas de marketing en cada territorio. Por eso trabaja a escala, algo que no tienen muchos de sus competidores incluidas las grandes discográficas. Esto significa que puede prestar servicios de alta calidad a los artistas a precios mucho más asequibles.

ONErpm sobresale dentro de un mercado competitivo

La principal diferencia entre sus competidores es la forma en la que están organizados, siendo una empresa descentralizada que actúa localmente. La segunda es todo lo que tiene que ver con la tecnología y la transparencia.

El diferencial principal de la compañía, es poder hacer crecer de una forma escalonada a los artistas, permitiéndoles asegurar que no pierden calidad en cuanto al servicio y a los clientes que representan, así como poder ejecutar completamente las metas y objetivos que se plantean. Otro diferencial es que han logrado que su servicio sea asequible con precios rentables y competitivos en comparación con los principales sellos.

En palabras de Zunz; “Si eres un artista emergente no te vamos a ofrecer un contrato discográfico tradicional. Te daremos uno que te ayudará a crecer al siguiente nivel, y luego al siguiente, y al siguiente. Ayudamos a construir artistas de forma escalonada y eso nos permite administrar los recursos de una manera mucho más eficiente“. l

Últimamente se habla mucho sobre la democratización del negocio de la música y de cómo este fenómeno ha contribuido significativamente al crecimiento del sector en varias formas.

King Gizzard & The Lizard Wizard Los reyes camaleones

texto JC Peña

foto Jason Galea

EN EL MOMENTO de llevar a cabo nuestra entrevista, el sexteto de Melbourne está de gira por Europa, con tres paradas en España. Aprovechamos una rendija en su hiperactiva agenda para encontrarnos con un encantador Stu Mackenzie en las intrincadas entrañas de La Riviera, donde ya tocaron, según recuerda, en 2019 (“los españoles son entusiastas y saben divertirse”, asegura). King Gizzard vienen de liarla parda en el Canela Party, donde ataviados con gorras de pilotos, derrocharon esa vitalidad sin límites que les ha hecho objeto de devoción de miles de fans capaces de seguir hasta el éxtasis sus vertiginosos cambios de rumbo y su brillantísima capacidad para la improvisación. La única banda del planeta capaz de encadenar tres o cuatro discos nuevos en doce meses, o pasar sin despeinarse del thrash progresivo a la electrónica pop, dio en sus conciertos una lección de química productiva, dejando sensaciones sólo al alcance de los grandes. Mackenzie es algo así como el catalizador de la incontenible magia psicodélica de los muchachos. Exhibe sentido común y le quita hierro a su productividad. Por encima de discusiones bizantinas sobre su incontinencia discográfica, King Gizzard demuestran sobre el escenario ser un grupazo único. Que al final es lo que cuenta.

STU ASEGURA habérselo pasado en grande en el Canela, “un festival estupendo, con un ambiente muy bueno”. La banda estuvo inspirada dentro de sus intrincados, irresistibles vericuetos instrumentales. “A nivel personal improvisamos mucho ahí arriba [señala el escenario]. En ocasiones eso puede llevarte a algo muy especial, y otras te puedes quedar atrapado en un bucle un poco cutre. Hay noches en las que el material improvisado funciona, todo encaja, y sacas cosas que molan mucho. Se convierte en algo muy especial. Cuando mola, te das cuenta; nos bajamos del escenario y nos miramos flipando en colores, porque hemos estado como sincronizados. También hay otros bolos que molan por el ambiente y el público, y eso fue lo que pasó anoche. Notabas cómo todo el mundo se lo estaba pasando muy bien, y nos llegó muchísima energía de la gente”.

EL GUITARRISTA Y CANTANTE, peto vaquero y uñas pintadas, asegura que su manera de entender el directo exige una complicidad que va más allá de lo profesional. Lo cual se nota. “Creo que hay muchos modos de estar en un grupo, pero lo que nosotros hacemos no funcionaría si no fuéramos tan amigos. Me da la impresión de que te tienes que conocer muy bien y ser capaz de leer al otro, porque cuando improvisamos no nos damos pistas necesariamente. En la mayor parte se trata de lenguaje corporal y hay algo innato en que si conoces a alguien

“The Silver Cord” (KGLWR/Virgin Music, 23) es, se dice pronto, el vigésimo quinto álbum de los australianos, nueva vuelta de tuerca, esta vez electrónica, a su insaciable apetito creativo.

lo suficiente, sabes a dónde va. Hay algo así. Pero es sólo por lo que hacemos. Hay un montón de bandas que se juntan para los conciertos y que en realidad no se conocen muy bien, pero en su caso no importa. Y me parece que eso está bien también. Es una manera distinta de hacerlo. Pero creo que en nuestro caso necesitamos ser los mejores colegas”. No es casual que “una de las cosas de las que el grupo está más orgulloso es del tipo de relaciones y amistades que tenemos entre nosotros. La dinámica que tenemos mola mucho y es muy especial”. Asombra que a estas alturas sean esencialmente los mismos.

LO DE SU INAGOTABLE CAPACIDAD para sacar discos puede terminar eclipsando todo lo demás, pero Stu se lo toma

con naturalidad. En los últimos años han redoblado su ritmo. La razón es tan sencilla como elocuente. “Somos un grupo. Hacemos música. No tengo otro trabajo”, afirma sin ningún tipo de impostura. Y añade: “Todavía nos tomamos tiempo libre. Veo a otros amigos de grupos y pienso que pasan mucho tiempo componiendo y grabando. Nosotros nos dejamos caer ahí [en su propio estudio] y lo hacemos. Sin más”. Además, a Stu lo de grabar le gusta tanto como tocar en directo. “Es lo mío”, afirma. Y se le ilumina la mirada. Dicho esto, el músico tampoco ve que su ritmo sea tan demente. “Todavía pienso que si ves el proceso de principio a fin, casi todos nuestros discos nos llevan un par de años. Es el tiempo necesario para formular una idea, bocetarla, llevarla al papel, tocarla con el

“

“Hay noches en las que la improvisación funciona y todo encaja”

3resto, grabarla, mezclarla y hacer todas las cosas necesarias para terminarla. Siempre tenemos varios proyectos a la vez y algunas cosas están en un punto determinado, y otras en otro. Algunas son apenas una idea, y otras se han mezclado, y todo pasa a la vez. Quizá sea la única diferencia con otra gente”.

SU NUEVO ÁLBUM sale a finales de octubre y se titula “The Silver Cord”. La banda publica –y no es broma– dos versiones, una de versiones cortas, “concisas” como las define él, y otra con los temas ampliamente extendidos “en plan Kraftwerk”. Ambos discos son el reverso sonoro de su anterior trabajo, un desparrame de metal progresivo de título kilométrico y portada friqui. “Con ‘PetroDragonic Apocalypse’ creo que volvimos al camino de ‘Infest The Rats’ Nest” (19), más thrash metal puro y duro. En su momento nos pareció un poco experimental, porque no creo que estuviéramos muy cómodos tocando ese tipo de música. Es interesante porque algunos de nosotros, yo incluido, crecimos escuchando metal y todavía me influye. Pero con King Gizzard no habíamos tocado nada tan heavy. Con ‘Rats’ Nest’ nos propusimos meternos en terreno desconocido, y resulta que todo encajó. Era cuestión de tiempo que hiciéramos otro disco heavy. Me parece que estábamos esperando a tener una idea lo suficientemente distintiva de ‘Rats’ Nest’. Y también supongo que queríamos que fuera más metal progresivo. El otro es más thrash puro y duro, aunque ambos discos tienen muchas cosas en común, y nacen del mismo ‘huevo’”. “The Silver Cord”, explica, tiene su razón de ser dentro de la lógica de la banda. “Cuando empezamos con ‘PetroDragonic’ nos dijimos que debería-

EL APUNTE

El “capullo” australiano

ALA PREGUNTA de por qué las bandas que salen de Australia son casi siempre buenas, independientemente del género que practiquen, el músico termina respondiendo con una teoría interesante.

mos ponernos a trabajar con dos discos a la vez, y que no compitieran el uno con el otro. La idea es que las líneas melódicas tuvieran dos identidades completamente distintas. Así que empezamos a hacer los bocetos de ‘The Silver Cord’ al mismo tiempo. Llevó un poco más de tiempo completarlo, pero la idea era que fueran imágenes especulares el uno del otro”. Dicho y hecho.

POR LA COLA que se ha formado en la puerta de la sala horas antes del bolo madrileño, sus fans no tienen ningún problema con semejantes bandazos estilísticos. Lo cual, en un mundo en el que la gente tiende a encastillarse en su nicho genérico, tiene mucho mérito. Stu ha estado un rato afuera firmando vinilos y haciéndose fotos. “Nos limitamos a hacer lo nuestro y es súper guay que la gente venga a verlo. Hacemos exactamente lo que queremos. No nos preocupa lo que se supone que hay que hacer o lo que hacen los demás. Hacemos justo lo que a nosotros nos encaja. Desde que empezó la banda nos han repetido una y otra vez que lo hacemos todo mal, pero la gente viene a vernos”. El australiano confiesa, eso sí, que lo de publicar tanta música no les favorece de cara a las ortodoxias de la industria. “Es algo que confunde. Grabar nuestros discos nos sale gratis, todo es barato. Todo es muy DIY, usamos equipos reducidos. No tenemos productor, tenemos un management pequeño… Al principio nos sentíamos yendo cuesta arriba, pero tenemos esto y ya está. A ver cuánto tiempo podemos continuar”. De momento, su energía contagiosa y a prueba de bombas parece inagotable. j.c.p.

“Nos preguntan esto de vez en cuando, y es difícil dar una respuesta. Supongo que la más sincera, la verdadera, es que no tengo ni idea. Pero quizá se trate de que somos un lugar aislado, en medio de la nada. Es un sitio pequeño, ¿verdad? O sea, es un país muy grande en extensión, pero muy poco poblado. No hay tantos sitios para tocar”. En su opinión, “eso crea esa sensación de ‘capullo’, en el sentido de que Australia es un universo en muchos sentidos. Estamos aislados de todo, y eso es raro. La industria se siente a salvo, y por eso hablo del ‘capullo’, como lugar seguro para perfeccionar tu oficio. Y luego, cuando estás listo o eres capaz, sales de gira a Europa o Estados Unidos. En el momento en el que un grupo australiano puede irse de gira internacional –algo cada vez más caro porque tienes que sacarte los putos visados, los vuelos y todo–, es muy sólido, se conoce bien su mierda. Porque es muy difícil montar una gira fuera, especialmente la primera. Creo que algo de eso hay. Las bandas australianas que ves aquí han pasado por todas las fases de la metamorfosis desde que estaban en el ‘capullo’”. JCP r

KING GIZZARD AND THE LIZARD WIZARD EN BARCELONA (POBLE ESPANYOL, 24 AGOSTO, 2023) FOTOS:EDUARD TUSET

Wilco Forjando su leyenda

Wilco han entrado como banda en una fase interesante: los de Chicago están cada vez

texto

foto Peter Crosby

EL PESO EN LA HISTORIA que tienen Wilco resulta ya a estas alturas indudable. Han escrito su propio camino y, en pleno 2023, ya no hay quien dude sobre el lugar que ocupan y la huella que han dejado con una discografía casi inmaculada, con decenas de canciones que hemos escuchado infinidad de veces en casa y con una buena lista de sólidos directos para el recuerdo. Seguramente eso es algo que los propios componentes del grupo ni se plantean. No tienen la necesidad. Lo suyo es componer canciones y grabar discos de los que se sientan orgullosos. Si “Cruel Country” fue el curioso e inesperado artefacto que lanzaron el año pasado, un álbum que todavía hoy está por digerir (por su duración), ahora vuelven con “Cousin”. Se trata de un disco más concreto, pero que mantiene su punto de riesgo. Nada que no hayamos escuchado antes en una fórmula sobradamente aplaudida y asimilada, similar a la transitada en “Yankee Hotel Foxtrot” (02) y “A Ghost Is Born” (04).

ESTE PASADO VERANO, Wilco han estado girando de nuevo por nuestro país. Da la sensación de que, más allá de componer canciones y grabarlas, no han parado de tocar. Incluso así, el guitarrista Nels Cline tiene tiempo para atender a nuestra entrevista vía Zoom antes de su concierto en Dublín. Cline lleva ya diecinueve años en la banda. “Tras todo este tiempo juntos me siento parte de esta familia. Soy una de las seis piezas del engranaje. Lógicamente al principio me costó entender cómo funcio-

naban las cosas en el grupo, cuáles eran las dinámicas, incluso me costaba saber cuál era mi papel. Ahora todo es muy fácil. Las cosas fluyen con total naturalidad. A veces, con Jeff [Tweedy] solamente necesitamos una mirada para comunicarnos. Con eso nos basta”. Quienes seguimos a Wilco desde sus inicios tenemos esa sensación. Cuando les ves en directo es como tener enfrente a un grupo de amigos tocando juntos. “Nunca nos han dicho eso, pero compro tu teoría. Intentamos mostrarnos cercanos a nuestros seguidores y la culpa de que esto sea así la tienen las canciones. Son ellas las que crean esa familiaridad”. Frente a bandas con tantos años juntos, siempre me invade una curiosidad: ¿se aburren los músicos repitiendo cada noche sus canciones? “Por suerte, en nuestro caso tenemos mucho repertorio y podemos elegir. Es cierto que hay algunas más recurrentes, pero cada noche metemos material que hace tiempo que nos tocamos. Y las más conocidas, siendo el tipo de banda que somos, y sin considerarnos una jam band o gente que se pasa el concierto improvisando, sí las afrontamos de una manera distinta. Siempre encontramos un enfoque algo distinto, un detalle, algo que las haga de nuevo atractivas”.

HABLANDO DE LOS DIRECTOS, en el caso concreto de Nels Cline, un momento esperado en sus conciertos es el solo de “Impossible Germany”. Se crea una gran expectación similar al que se da con el pistoletazo de salida de una carrera de atletismo o el lanzamiento de un penalti en un partido importante. “Cada vez es un nuevo reto

más cerca de ser una leyenda en lo suyo. Y “Cousin”

(dBpm/Sony, 23) se suma a los motivos para que eso ocurra más pronto que tarde.

Toni Castarnado

para mí [risas]. Y sí, sé que hay mucha gente esperando ese solo. Hay una especie de mística alrededor y yo, cuando llega, lo vivo con la intensidad y el rigor que merece. De hecho siempre me ha sorprendido, porque no soy un guitarristda especializado en solos, ni la banda va por ahí, pero esa es la magia de la música, y también la de Wilco”.

EN CUANTO AL QUE ES SU DUODÉCIMO disco, “Cousin”, se percibe que hay una gran expectación. El disco, dadas sus hechuras y circunstancias, va a dar que hablar. El inicio con la intrigante “Infinite Surprise”, la elegancia de “Evicted”, los sonidos más ásperos de “Sunlight Ends”, la belleza embriagadora de “Pittsburg” o “Mean To Be”, con toda esa electricidad camino de la exploración, esos sonidos sugerentes y el folk vanguardista. “Desde dentro es más difícil hacer cuentas sobre cómo funcionará un disco. Nosotros nos dedicamos a escribir canciones. Luego es Jeff, con la complicidad del resto, quien decide el formato. Por ejemplo, con ‘Cruel Country’ no empezamos con la idea de que fuese doble y tuviese ese aire más reposado. Y ahora pasa lo mismo. No diferenciamos unas sesiones de otras. Quizás algunas de estas nuevas canciones ya venían de cuando hicimos ‘Cruel Country’. No tenemos la sensación que este sea un disco que nos vaya a generar más cosas en comparación a otros. Eso sí, estamos ilusionados y expectantes”. Una gran novedad es el nombre de la productora. Wilco han elegido a Cate Le Bon. “Eso fue cosa de Jeff. Hace tiempo que tenía ganas de trabajar con ella. Cate nos ha aportado otros matices y una visión externa necesaria. Ella tenía claro con qué banda iba a trabajar y nosotros también, así que hubo en todo momento un clima en el que primó la confianza y sobre todo en el que nos escuchamos unos a otros”. Aprovechando que en la exitosa serie de televisión “The Bear” suenan canciones de Wilco, le pregunto qué considera más duro: formar parte de una banda de rock’n’roll o trabajar en una cocina. “Sin duda la cocina. ¡El nivel de estrés es altísimo”, apunta entre risas y prosigue “Creo que es la única serie que he visto en los últimos dos o tres años. Me encantó la trama y ver lo bien que encajaban nuestras canciones. Pero te diré una cosa, al contrario que el resto de los chicos de la banda, yo nunca he vivido en Chicago, aunque según ellos está muy bien ambientada”. —t.c.

“

“No tenemos la sensación que este sea un disco que nos vaya a generar más cosas que otros”

Nadie diría que los hermanos Brian y Michael D’Addario tienen veinticinco y veintiséis años, desde luego. Su música parece salida de la primera mitad de los setenta. El delicioso “Everything Harmony” (Captured Tracks/ Popstock!, 2023) lo demuestra una vez más.

The Lemon Twigs Los clásicos serán siempre modernos

“EVERYTHING HARMONY” es el cuarto álbum de los hermanos D’Addario, una sucesión de filigranas pop que son el principal motivo para charlar con ellos a través de la pantalla del ordenador. Me atienden desde su casa en Brooklyn, pocos días después de haber presentado el disco en países como Reino Unido, Francia, Alemania y Holanda. Son bastante más locuaces en las letras de sus canciones que conversando por Zoom, desde luego. Y con eso basta para disfrutarlos. Este último álbum suena incluso más clásico que los anteriores, si cabe, ya que deja un poco de lado su vena más power pop y se acerca más al filón de los cantautores de la Costa Oeste norteamericana de principios de los setenta. La era dorada de los singer songwriters. Es decir, que se remonta algo más atrás en el tiempo. Michael lo atribuye al hecho de que “todas las canciones tienen una estructura pop muy simple, con muchas guitarras acústicas y cosas así”. No es mucho decir,

no. Brian lo achaca a que han estado “escuchando músicos que responden al molde de cantautor como Bob Dylan o Leonard Cohen, y posiblemente estemos en uno de esos periodos en el cual unas influencias resaltan por encima de otras”. Es algo más.

LO QUE ESTÁ CLARO es que la etiqueta de “atemporal” es un sambenito que no van a quitarse de encima, aunque ellos lo lleven –dada su edad– con filosofía. “Se nos compara con bandas de hace cincuenta años, más que con las de ahora”, asume Brian, y Michael extrae la lectura más positiva: “Es pequeñísimo el puñado de grupos contemporáneos con las que nos podemos comparar, pero tampoco es malo esto de sentirnos fuera de tiempo, porque nos deja sin competidores en nuestro terreno”, esgrime entre risas. Y aunque reconoce que la mayoría de sus seguidores “tienen más de cuarenta años”, también calibra que, con este nuevo disco, han empezado “a tener fans adolescentes en los conciertos. No sé muy bien por qué, quizá porque este trabajo conecta especialmente con los adolescentes taciturnos”.

NO ES FÁCIL SACARLES a los hermanos D’Addario una declaración de intenciones altisonante. Ni juicios concluyentes acerca de casi nada. Es como si componer

texto Carlos Pérez de Ziriza

“

“Este disco conecta con los adolescentes taciturnos”

3canciones y llevarlas al directo fuera tan natural para ellos como respirar. Un proceso tan artesanal que explica su cambio de sello, de 4AD a Captured Tracks, un tránsito del que sí se intuye cierto resquemor hacia su antigua discográfica. “Con Captured Tracks son todo ventajas, porque 4AD era un edificio enorme con muchísima gente trabajando, como cien personas, y no sabías quién se dedicaba a qué. Aquí está todo el mundo centrado en la banda”, me dice Brian, mientras Michael abunda en la idea de que “en un sello como 4AD siempre hay más recursos, pero muchos no se usan, y lo importante es que notamos más ilusión por la banda aquí: allí todo iba más lento”.

ENTRE LAS ALIANZAS que los dos hermanos neoyorquinos han cultivado en los últimos tiempos figuran las de Weyes Blood y Todd Rundgren, dos músicos a quienes respetan mucho, “como músicos y escritores de canciones”. Dos colaboraciones que, en cualquier caso, se desarrollaron de forma muy diferente. Brian me cuenta que a Todd (Rundgren) simplemente le enviaron una pista, pero no trabajaron con él en su estudio de Hawaii, mientras que para el de Weyes Blood sí que se juntaron con Natalie Mering y con su productor, Jonathan Rado, “en el mismo estudio, lo que resulta más difícil

CRITICANDO

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POP / Los hermanos D'Addario desde que comenzaron su carrera intentan con canciones propias recrear el sonido y sentimiento de artistas como The Beatles, The Beach Boys, Dylan, Hendrix, Yardbirds, Simon & Garfunkel, Electric Light Orchestra o Paul McCartney en su época Wings. Esa especie de pastiche musical es un poco como andar en la cuerda floja, siempre estás a punto de darte un buen trastazo y parecer una risible parodia sin alma. Para estos tipos la historia de la música se reduce al periodo entre 1967 y 1976, y su estilo, tanto musical como visual, proviene directamente de allí. Hay que tener muy buenas canciones para evitar el ridículo y con “Everything Hamrony” The Lemon Twigs las tienen consigo. sergio ariza

pero también más gratificante, porque es interesante y divertido formar parte de algo que no es tuyo”.

TODO EN EL UNIVERSO de The Lemon Twigs suena a orfebrería vintage para minorías, a delicatessen para paladares selectos, de esas que nunca escucharás en una radiofórmula o en una playlist con los hits más impactantes del momento, y quizá por eso mismo sorprenda que Elton John, Questlove, Elijah Wood o Elton John figuren entre las celebridades que se declaran abiertamente devotas de su sonido. Al menos, eso es lo que dice su propia web. Brian se carcajea reconociendo que es “autobombo”. Aunque luego se pone más serio para confesar que nunca pensó “en ser famoso cuando era un crío”, sino en lo mucho que “molaría trabajar con personas célebres que además escucharan mi música. Es muy guay, muy gratificante”. Michael se limita a decir que “siempre está bien leer o escuchar esas cosas de parte de gente a la que respetamos”.

c.p.z.

Entrevista completa >>

EN PORTADA

Travis Birds

Transformación

Hace ya varios años que Travis Birds sobrevuela el panorama nacional musical, en el que, paso a paso, ha ido encontrando su hueco y ganando más adeptos. Ahora llega el momento de su consolidación con “Perro deseo” (Calaverita Records, 23), su tercer álbum de estudio.

texto Alejandro Caballero Serrano foto Javier Bragado

EN “PERRO DESEO” nos encontramos con once canciones que van guiadas bajo una misma sensación, el deseo. Si en “La costa de los mosquitos” (21) tenía a las obsesiones como leitmotiv del álbum, ahora son esos impulsos los que dominan la temática de lo nuevo de la madrileña. “Para mí los discos van muy ligados al momento vital que estoy teniendo. ‘La costa de los mosquitos’ fue identificar un lugar dentro de mí y ‘Perro deseo’ ha sido aceptarlo, darle pie y vivirlo”. Vivirlo a través de once contextos diferentes que reflejan los deseos que ha ido sintiendo la propia autora durante el proceso de composición del trabajo. “Creo que es la primera vez que empiezo a darle pie a los deseos que me surgen. Me da la sensación de que estos me hacen conocerme muchísimo más y que, a la vez, me potencian. Todos estamos llenos de movidas que ni nos atre-

vemos a mirar, pero cuando permites que eso ocurra, te vas encontrando cosas en ese camino. Y descubrí que todas las cosas que he estado viviendo, y a las que le he dado cabida durante todo ese tiempo, estaban muy movidas por el deseo, aunque desde distintos prismas y ángulos”.

POR TANTO, EL ÁLBUM CONSERVA ese fino hilo conductor que le da sentido a toda la obra, pero lo que sí que cambia de forma radical son los tempos en los que se mueve. Entre el lanzamiento de su primer trabajo y la publicación del segundo pasaron seis años, mientras que entre el lanzamiento del segundo y la salida de este tercero ni siquiera han llegado a pasar dos. “Tuvimos que retrasar ‘La costa de los mosquitos’ porque me metí en una movida legal muy heavy y luego llegó la pandemia. Durante ese tiempo yo ya empezaba a ser otra persona y componía nuevas canciones. Aunque la inspiración se me disparó una vez que iniciamos la gira del segun-

do disco y ahí empecé a trabajar mucho en estas nuevas composiciones”. Aunque, a pesar de publicar el álbum con tan poco tiempo, no lo siente como algo que haya surgido de forma rápida, pero sí algo que ha buscado con ahínco. “Es verdad que yo no quería parar entre un disco y otro, pero no siento como que no he tenido tiempo, sino que ha surgido de una forma bastante natural. Es cierto que me he apretado más que nunca para llegar a esta fecha porque me apetecía mucho por fin poder defender canciones que estuvieran directamente relacionadas con el momento vital en el que estoy, algo que no pude vivir tanto con el anterior álbum, en el que tenía que hacer una especie de meditación previa para volver a entrar en él”.

EN TODO CASO, Travis llevaba varios años planeando este nuevo proyecto que empezó a ver la luz en 2022. En ese tiempo entre el inicio de la publicación de los singles de “Perro deseo” y el lanzamiento oficial del trabajo se puede ver como el concepto visual ha ido cambiando y madurando, algo que se puede comprobar en las portadas de los singles publicados durante el pasado año. “Yo tenía claro el objetivo, pero a veces tienen que pasar otras cosas para que termine todo de estar redondeado. Es una especie de metamorfosis que ahora sí que noto que está mucho más transformada”.

UNO DE LOS RASGOS más característicos de la carrera de Travis Birds ha sido, sin duda, el aunar canciones muy diferentes

entre ellas en un mismo disco, y esta vez no iba a ser diferente. En “Perro deseo” la madrileña logra encajar once piezas cuyo único nexo de unión es ese hilo conductor que forma el deseo –y su voz, claro está–, creando un universo musical distinto para cada una de ellas. “Yo bebo de muchos ríos distintos y fluyo mucho con eso. De repente durante un mes estoy escuchando mucha música negra de los años cuarenta y me apetece hacer una traducción de ella hacia mis canciones. A mí lo que me gusta, tanto en la música como en la moda, es mezclar, mezclar retales, mezclar texturas que no tengan nada que ver. Entonces yo voy cogiendo y fluyendo con el momento vital que estoy viviendo y con aquello que estoy escuchando en ese momento”. A pesar de que esta manera de darle

forma a un disco pueda parecer extraña, ella asegura estar muy contenta con el resultado de sus tres trabajos. “Me quedan discos con un montón de cosas diferentes, pero eso forma parte de mi estilo y no quiero hacerlo de otra manera. Dentro de mi caos hay un orden, hay un sentido, y me gusta que sea ese mi estilo, ese no tener un hilo común en todo más allá de un ambiente, de mi espíritu y de mi voz”. Es tal la peculiaridad en la música de Travis que apenas ha invitado a tres artistas a formar parte de sus discos, y dos de ellos son los que encontramos en este nuevo álbum. “Intento no componer desde ser intérprete porque eso siempre me va a limitar a lo que ya sé hacer. A la hora de interpretarlas, mis canciones siempre suponen un reto porque intento que estén

3compositivamente a un nivel mayor del que yo tengo como intérprete”. Por eso, cuando le preguntamos si creía que eran necesarias las voces de Depedro y Leiva para acabar redondeando los dos temas en los que participan, contesta de forma contundente. “No lo creía necesario. Creo que son grandes canciones independientemente de quien las interpretara”. Aún así, se siente orgullosa de tener a ambos en el disco. Fue un capricho personal que se permitió. “Depedro es como la zanahoria que llevo persiguiendo desde hace mucho tiempo. Tenía muchas ganas de que me dijera que sí. He esperado a tener la canción que me pareciera que no podría decirme que no, que pensase que el pegaba de verdad. Y esa es ‘Urgente’”. “Grillos” es el título de la otra colaboración, aunque inicialmente no estuviera prevista. “Yo la veía muy Leiva y a priori él solamente iba a encargarse de la producción. No habíamos hablado de que él fuese a cantar. Pero la noche de antes le mandé un SMS de forma muy teenager y le dije que me encantaría

RONDA RÁPIDA 2021 VS. 2023

Un artista nacional Camarón

Un artista internacional:

Jorge Drexler vs Jeff Buckley

Un disco para escuchar en el coche:

“Un sol dentro” de Club del Río vs “Kaya” de Bob Marley

Un disco que todo el mundo debería escuchar

“La costa de los mosquitos” vs “Perro Deseo”

Una canción para llorar “Imagine” de John Lennon vs “Extrema pobreza” de Iván Ferreiro

Una canción para bailar “Habanera” de L’Haine vs “Salomé” de Chayanne Colaboración soñada

Jorge Drexler

Tu propia pieza favorita “Madre conciencia” vs “Grillos” (hoy, mañana será otra)

Un lugar para escuchar tu música El monte

Describe a Travis Birds en una palabra: Mezcla

que la cantase conmigo, y eso tranformó bastante la canción”. Al día siguiente Leiva se sumó a interpretar el tema, además de producirlo de forma íntegra. “Con la producción ha hecho un traje que no se puede mejorar. Ha convertido una canción que era muy pequeñita en algo muy grande. Para mí es una canción refugio. Siempre me apetece estar dentro de ella, y con Leiva ha cogido una magnitud que nunca me hubiera imaginado que fuera a tener. Es muy sencilla, sin pretensiones, y creo que eso es lo bonito y lo que a él le hizo decir que sí a todo”.

EN CUANTO A PRODUCTORES, al margen de Leiva nos encontramos con otros tres nombres (Tato Latorre, Paco Salazar y Campi Campón), algo que también varía con respecto a sus anteriores trabajos, grabados íntegramente con Álvaro Espinosa a los mandos de la producción. “Yo tenía mucha sed de trabajar con distintos productores y aprender mucho del proceso de cada uno, así que intenté hacerlo de esta forma. Creía

que iba a sumar y que, por otro lado, iba a ser un reto intentar darle sentido a un álbum entero con cuatro personas distintas trabajando cada canción. Además, es que ni siquiera han trabajado juntos, así que es todo totalmente diferente y, no sé, me parecía guay. Yo tenía mis ideas y ellos me han ayudado mucho a crear la colección y he aprendido un montón de cada uno. Me han dado muchas herramientas”.

LO QUE MÁS HA CAMBIADO con respecto a sus dos anteriores discos es la transparencia con la que Travis se desenvuelve. Siempre ha sido un personaje más bien enigmático y oscuro, pero parece que, poco a poco, va saliendo a la luz. “Es algo que ha ido surgiendo. Creo que mi personaje es un poco más caricaturesco. Busco que tenga un poco de fantasía de puertas para fuera, porque la gente no está dentro de mí y no sabe cuánto tengo yo dentro [risas]. Pero creo que ha sido un proceso natural. Yo estaba sintiendo un cambio que ha venido

solo con las cosas que he vivido. Ahora realmente me siento tan conectada con ello como para que sea lo que muestre de mí”. En ese sentido, le recuerdo que, cuando charlamos con motivo del lanzamiento de su anterior álbum, me contó que había arrancado el proceso de aprender a salir de su zona de confort. “Ahora soy mucho más flexible en ese sentido, pero creo que es un camino que no acaba nunca. Cualquier reto al que te enfrentes siempre te hará aprender cosas, pero yo creo que me he flexibilizado mucho [risas]. Ya solo enseñarle la canción a Leiva, eso fue… Me costó muchísimo... ¡No he hablado de esto ni con mi psicólogo! [más risas]”. Uno de los principales motores que la han llevado a evolucionar como artista ha sido su última gira. “La oscuridad que tiene ‘La costa de los mosquitos’ y el sitio desde el que yo intento cantarlo, en el que creo que realmente conecto con la gente, me supone hacer un gran ejercicio. Muchas veces llego después un viaje de seis horas conduciendo, casi sin comer, casi sin haberme podido

EN PORTADA “

lamente encontraremos nuevas canciones, sino que también podremos disfrutar de un espectáculo distinto al que nos tenía acostumbrados. “Vamos a ir con banda a todos los conciertos. Es una apuesta que hago porque quiero que sea así, aunque a lo mejor en algunos vaya mejor y en otros peor. Pero el formato de la banda lo he cambiado. He metido un viento fijo, que era algo que llevaba mucho tiempo queriendo hacer y que solamente había podido en conciertos puntuales. Creo que, a nivel de show, está un escalón por encima. En un punto también añadimos la electrónica, que es algo con lo que siempre hemos coqueteado, pero no tanto como lo haremos ahora. Aunque será a modo de recurso, el bolo no va a ser electrónica. En definitiva somos prácticamente los mismos, pero con este cambio de teclado por trombón y trompeta. Tengo mil ganas de que la gente lo vea”.

duchar antes del bolo, y tengo que llegar y concentrarme, meterme en ese sitio y en ese lugar en el que soy la mejor intérprete que he sido nunca en la vida, que es la forma en la que yo me tomo cada concierto. Hacer todo ese ejercicio es lo que me ha hecho salir de mi zona de confort y ensanchar un poco el músculo para afrontar distintas situaciones”.

De nuevo en la carretera

EN BREVE ARRANCARÁ la gira de presentación de “Perro deseo”, un álbum con el que se siente muy conectada. “En este disco es más fácil entrar. Es muy divertido para el directo, que es una cosa que yo siempre buscaba. Hacer ese contraste me apetece. Es verdad que siempre tienes que hacer tu ejercicio de meditación antes de un concierto, pero me apetece pasármelo bien y llevar un repertorio que me apetezca mucho defender”. En ese repertorio no so-

POR SI NO HUBIERA SUFICIENTE, la gira en la que está a punto de sumergirse es mucho más ambiciosa que las anteriores. Hasta el momento se han confirmado veinte fechas en las que se subirá a escenarios tan imponentes como los de La Riviera (Madrid, 4 noviembre) o Sala Apolo (Barcelona, 24 febrero de 2024). “Me da mucho vértigo, pero estoy preparada, muy preparada. En realidad me da vértigo todo lo que está pasando y la magnitud que noto que está tomando de cara a la cantidad de gente que viene a los conciertos y las expectativas que se generan. Pero también es la primera vez que siento que estoy mucho más cerca del show que quiero llevar. Es decir, que es un vértigo que viene respaldado con mucha seguridad en lo que vamos a hacer”. —a.c.s.

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EN CONCIERTO

l Bilbao 12 octubre. Kafe Antzokia

l Vitoria-Gasteiz 13 octubre. Jimmy Jazz

l Valladolid 28 octubre. Porta Caeli

l Madrid 04 noviembre. La Riviera

l San Sebastián 11 noviembre. Doka

l Alicante 17 noviembre. Sala Stereo

l Valencia 18 noviembre. Jerusalem

l Burgos 14 diciembre. Sohho Club

l Oviedo 16 diciembre. Sala Gong

l Granada 02 febrero. Aliatar

l Murcia 03 febrero. Sala Rem

l A Coruña 09 febrero. Garufa Club

l Zaragoza 23 febrero. Sala López

l Barcelona 24 febrero. Apolo

l Sevilla 02 marzo. Sala Custom

l Almería 09 marzo. Berlin Social Club

l Málaga 10 marzo. La Cochera Cabaret

l Benicàssim 28 marzo. Sansan Festival

“Me apetecía mucho defender canciones que estuvieran relacionadas con el momento vital en el que estoy”

JORNADAS PROFESIONALES del 2 al 3 de noviembre, en el Teatro Mar i Terra, Palma Inscripciones en pro.firab.org

35/ESPECIAL MONDO PRO

Tenéis entre manos un nuevo ejemplar de Mondo Sonoro algo distinto a los de costumbre. Al margen de los contenidos habituales os ofrecemos alrededor de veinte páginas centradas en temas relacionados con la industria musical.

ilustraciones Roger del Río @rudraws

QUIZÁS SEÁIS MÚSICOS o trabajéis en el sector, en ese caso tenemos muy claro que los asuntos tratados os interesarán. En el caso de que sencillamente seáis lectores o lectoras habituales de nuestra publicación, no os preocupéis porque hemos intentado sumergirnos en cuestiones que también os puedan resultar interesantes. ¿Por qué

acaso no son la sostenibilidad de los festivales, los circuitos de salas, la paridad de los carteles, el ticketing o el streaming cuestiones que, de un modo u otro, nos afectan como aficionados a la música?

QUIZÁS AHORA LA PREGUNTA sea ¿Y por qué? Bien, pues porque nuestra industria está madurando a pasos agigantados. Lejos atrás quedan aquellos tiempos en los que los artistas nacionales se sentían totalmente encajonados en un país del que no tenían apenas posibilidades de escapar a la busca de nuevas audiencias. Nuestros músicos, nuestros artistas y nuestras empresas han crecido, han madurado y se han profesionalizado como nunca antes. Obviamente, el talento ha sido muy importante para ello, pero existe también otro factor muy importante. Y son esas ganas de salir fuera, de crear tejido interno y sinergias externas, de sentir orgullo por el trabajo bien hecho lo que nos ha dado precisamente la confianza necesaria para ir a por el trofeo. Un caldo de cultivo imprescindible para que eso se haya dado han sido las ferias profesio-

nales de nuestro territorio, las decanas y las que se han ido sumando, creciendo y consolidándose. Todas ellas han generado ese tejido del que acabamos de hablar, nos han hecho conscientes de nuestros errores y sobre todo de nuestros aciertos. Compartir, contrastar, debatir... todo ello nos ha abierto los ojos de una vez por todas. Se lo debemos a ferias profesionales como BIME Pro –la cita más internacional del sector en nuestro país que se llevará a cabo este mismo mes entre los días 25 y 28, con hermano en Bógota en mayo de 2024–, a Primavera Pro, Sónar Pro, Monkey Week, Mercat de Música Viva de Vic, Cranc Pro, Big Up!, Fira Mediterrània, FHLIM, MUM, IMS Ibiza, MAPAS, TROVAM, Fira B!, Future Music Forum, MUTEK, la recién nacida INSPIRA, entre otras. De este modo, los showcases, las charlas, los talleres, los speed meetings e incluso las masterclasses se han convertido en herramientas o vías fundamentales para hacer crecer la industria musical –especialmente la independiente– de una forma más sana, más robusta y sobre todo derribando barreras y superando fronteras. MS

Inteligencia Artificial ¿innovación o apocalipsis?

La controversia en torno al uso de la inteligencia artificial y otros avances –como los NFT– en el mundo de la música no debería limitarse al clásico enfrentamiento entre apocalípticos e integrados.

DECÍA UN RECIENTE ARTÍCULO de El País, con el elocuente título de “En busca del optimismo tecnológico”, que ojalá la inteligencia artificial nos acabe robando el trabajo. Desmentía, con datos, que no es cierto que el 25% de las profesiones que hoy cono cemos vayan a desaparecer por su culpa, sino que tan solo nos ayudará a ejecutar aquellas rutinas que nos resultan más tediosas y mecánicas. Que nos será de gran utilidad para librarnos de aquello que más pereza y menos gratificación nos genera, vaya. Lo que no detallaba es cu tos puestos de trabajo se sustentan en esas rutinas, claro. Que seguramente sean miles y miles. O millones.

Rutina vs creatividad

TAMPOCO DECÍA NADA

cometido, ojo– de lo que podría ocurrir en el ámbito musical, pero basta reparar en la naturaleza creativa que entraña esta para darse cuenta de que difícilmente se compadece con el carácter tedioso, funcionarial, gris, de todas esas otras actividades que cualquiera de noso tros puede tener en mente como fácilmen te intercambiables. Componer canciones, igual que escribir un poema (no digamos

una novela), pintar un cuadro, dibujar una ilustración, dirigir un film (del metraje que sea) o tallar una escultura, son empeños que dependen básicamente de intangibles como la inspiración, las influencias estéticas y éticas, los ideales

sea tan esencial como otra clase de servicios básicos, pero esa es otra historia: que nos lo cuenten a quienes vivimos de ella, desde cualquier lado de la barrera. O a quienes no viven de ella pero tampoco podrían vivir sin ella.

TAMBIÉN ES CIERTO que ya hace tiempo que resuena con fuerza la teoría de la finitud de las melodías inéditas: llegará un día, se nos dice, en que no queden combinaciones melódicas disponibles porque todas habrán sido ya utilizadas. No habrá forma de componer algo medianamente original. La fuente de las canciones nuevas se secará. El curso de la historia, la democratización de las herramientas para componer desde un PC y la sobreabundancia de músicos (profesionales o amateurs, lo mismo da) nos ha llevado a esto. Y esa visión también aporta argumentos para que la IA entre en juego. ¿Será una solución o será el fin de la música tal y como la hemos conocido?

La posición de los músicos y la industria

NTE TAL PANORAMA, parece que la música también es terreno abonado para la IA. Pese a la firme resistencia de la gran mayoría de músicos, obviamente: Thomas Bangalter (Daft Punk), Sting, Ed Sheeran, Nick Cave, Ice Cube, Drake y muchos más se han posicionado abiertamente en contra. Sin ambages. Son menos quienes han mostrado su entusiasmo: el de Grimes ha sido quizá el más inequívoco, pero entre ambos supuestos bandos hay toda una zona de grises que se presta a muchos matices, como cuando Paul McCartney justifica el recurso puntual para

poder “resucitar” a John Lennon y plasmar una vieja canción de The Beatles o cuando Rivers Cuomo (Weezer), Pharrell Williams, Arca o Toro y Moi, por solo mencionar unos cuantos (el listado de detractores y defensores podría ser interminable si lo ampliamos a los músicos de nuestra escena), argumentan que su utilización depara aspectos positivos.

EL GRUESO DE LA INDUSTRIA musical se puso de frente cuando hace unos meses comenzaron a difundirse canciones creadas por IA, que alimentaban la ficción (o la fantasía, según el gusto del oyente) de estar escuchando una colaboración entre Drake y The Weeknd, de Ariana Grande con SZA o la esperadísima vuelta de Oasis (convertidos en Aisis, vaya tela). Universal Music Group abogó por su eliminación. Herramientas como ChatGPT, Boomy o Midjourney habían empezado a generar todas estas canciones, y plataformas de streaming como Spotify las acogieron para luego eliminarlas, porque estas a su vez habían multiplicado sus reproducciones gracias a la generación de bots. Un mecanismo perverso, desde luego.

Y TAMBIÉN LLEVAN UN TIEMPO en juego los NFT (tokens no fungibles), que ofrecen al

músico una nueva forma de presentar su trabajo mediante tecnología blockchain, permitiéndoles vender sus canciones a consumidores potenciales. Kings Of Leon fue las primera banda célebre en apuntarse a este procedimiento con “When You See Yourself” (2021). Vendieron dos millones de tokens en dos semanas, parte de los cuales fueron destinados a Crew Nation, una fundación de soporte a los profesionales de la industria del directo que estuvieron inactivos durante la pandemia. Claro, hay que ser un grupo de la popularidad de Kings Of Leon para permitirse algo así con resultados tan pingües. Y tan loables, desde luego. Incluso Mondo Sonoro fue revista pionera al ofrecer meses atrás una portada exclusiva en NFT obra de Lacabezaenlasnubes, aunque esa es otra historia.

El futuro está por escribir

RESULTA CURIOSO que fuera precisamente la industria de la música en vivo la que se beneficiase (aunque solo fuera en parte) de tal avance tecnológico, recordando esto que ocurrió con Kings Of Leon. Sobre todo, cuando arrecian las voces que alertan de que la IA y el progreso tecnológico asociado a ella acabarán con la música (o con cualquier clase de creación) tal y como la conocemos: de momento, por mucho holograma que pulule para resucitar glorias muertas, no hay nada menos adulterable e insustituible que la música en directo. No hay un flanco del sector que experimente mejor salud. De hierro. Basta echar un vistazo a las cifras de asistencia –grosso modo– de salas y (sobre todo) de festivales de cualquier calibre. Por su propia (e irrepetible) naturaleza, no tiene pinta de que ningún algoritmo ni inteligencia artificial pueda reemplazar esa magia, de la que participan niños, adolescentes, jóvenes, talluditos y ancianos. Abonados a cualquier estilo imaginable. Todo cristo. El futuro respecto a la incidencia de las nuevas tecnologías (y tantas otras cosas) está aún por escribir, pero esta evidencia debería hacernos pensar que el apocalipsis aún nos queda muy lejos. carlos pérez de ziriza

El grueso de la industria musical se puso de frente ante las canciones creadas por IA

ILUSTRACIÓN: ROGER DEL RÍO

La importancia de las ticketeras por una compra-venta segura

Si has estado este verano de aquí para allá, con la manta a la cabeza y sin perderte un festival, es muy probable que hayas visto con tus propios ojos (o incluso, en el peor de los casos, sufrido en tus propias carnes) algún connato de estafa referido a la compra-venta de entradas.

MIENTRAS QUE EL SECTOR cultural sigue creciendo y convirtiendo nuestro país en un punto ineludible para las grandes giras de artistas mediáticos, desgraciadamente, también ha incrementado el número de timos y fraudes del que cada vez más asistentes son víctimas. A base de palos, hemos ido aprendiendo sobre los riesgos que supone comprar entradas de eventos a terceros y hemos recogido los malsanos frutos de dejarnos contactar por este tipo de individuos. En los últimos años, las probabilidades de terminar comprando entradas falsas o duplicadas o de sufrir la desorbitada subida de precios que se produce con la reventa, se han multiplicado por cientos, llegando a afectar así a una numerosa cantidad de personas que, a las puertas del recinto de marras, han tenido que darse la vuelta y marcharse a su casa porque las entradas que compraron unas semanas atrás a un desconocido a través de redes sociales resultaron ser falsas. ¿Os suena esta historia, verdad?

POR SUERTE Y POR DESGRACIA, tanto el problema como la solución a esta lacra radica en nosotros mismos, los asistentes de conciertos y

amantes de la música. Se insta, por tanto, a que el comprador se ciña única y exclusivamente al proceso regular llevado a cabo a través de las principales ticketeras de nuestro país, descartando así la tentación de la mal llamada reventa y sus trágicas consecuencias. Nuestra cultura, parsimoniosa y relajada por naturaleza, nos empujará a dejar las cosas para última hora y llevarnos las manos a la cabeza cuando veamos colgado el siempre descorazonador cartel de sold-out. Por ello, es primordial organizarse con tiempo y tener bien a mano las direcciones de nuestras ticketeras de confianza, consultar regularmente sus novedades y condiciones, y confiar en el método reglado y legítimo de adquisición de entradas para cualquier concierto o evento.

CONOCEMOS TAMBIÉN el reverso menos amable de las ticketeras, como la poco grata tendencia de sus websites a caerse y colapsarse en los momentos menos procedentes o la huella digital que dejan nuestras acciones online tras concluir cualquier transacción; sin embargo, es innegable que el sector de las ticketeras es uno de los que mejor funcionan en nuestro país actualmente, con unas cifras al alza que demuestran el gran estado de salud del que goza el negociado en cuestión. Por eso, su papel en la lucha contra el auge del número de estafas se ha vuelto crucial en aras de combatir por la seguridad de los clientes y asistentes.

ASÍ PUES, ALGUNAS DE LAS EMPRESAS principales del sector, como Ticketmaster o Wegow, han decidido darle la vuelta a la

tortilla y sumarse a esta emergente tendencia de compra-venta entre terceros de la mano de una metodología regulada que facilite esta acción y a su vez minimice al máximo las posibilidades de experimentar cualquier desagradable percance. Nos referimos sin duda a los servicios Fan to Fan y Weswap, donde Ticketmaster y Wegow, respectivamente, ofrecen a los usuarios la oportunidad de revender las entradas que hayan adquirido a otras personas a través de las propias ticketeras (de esta manera, las entradas no se perderán, sino que serán revendidas al mismo precio al que se adquirieron originalmente, evitando así subidas excesivas y venta de tickets falsos).

POR SUPUESTO, las anteriormente citadas no son las únicas ventajas de vender o adquirir nuestras entradas a través de

alguna de las principales ticketeras del país. Además del alto grado de alcance que un evento en cuestión adquirirá gracias a su pertinente registro en la red a través de una ticketera online, es obvio que la facilidad de uso que ofrecen las ticketeras actualmente hará que la compra-venta de entradas sea una acción sencilla y asequible de llevar a cabo, tanto para asistentes como para promotores.

LAS TICKETERAS, por su parte, también nos ofrecen información complementaria del evento al que pretendemos asistir, control de la capacidad del recinto en el que se celebra el mismo, estimación del número de localidades vendidas, estadísticas detalladas sobre el proceso de compra-venta, atención al cliente personalizada, contacto directo con organizadores y responsables, códigos de descuento, y una vez más, la certeza de saber que nuestras compras estarán siempre protegidas.

DICHO ESTO, solo nos queda saber un poco más sobre algunas de las principales ticketeras de España que, de forma regular, sirven de puente entre promotoras y asistentes. Y es que el número de plataformas que ofrecen este servicio ha aumentado progresivamente en las últimas dos décadas hasta forjar una sana competencia que subraya y corrobora el momento tan dulce que atraviesa ahora mismo el sector. A las ya citadas Ticketmaster (responsables de habernos acercado a artistas como Bruce Springsteen, Madonna, U2, Rolling Stones, Bon Jovi, Metallica, The Police) y Wegow (pioneros en el social ticketing en España y en interconectar asistentes que compartan mismas inquietudes), sumamos la mención de unos veteranos en el sector como son Entradas.com (desde 1998 en el sector, que se dice pronto), la cercanía y humanidad de SEE Tickets (nacidos de la raíz de una pequeña tienda de discos en Nottingham y conservando la ética en sus praxis como el primer día), la eficacia profesional de Eventbrite (postulándose como una de las mejores herramientas para organizadores y promotoras) o los ya no tan recién llegados DICE.fm (comodidad y ocio desde su app, a golpe de click). Seguramente nos estamos dejando a muchas más en el tintero (Mutick, Entradas A Tu Alcance, Taquilla. com, Atrapalo.com, Enterticket, incluso Live Nation, que dispone de su propio servicio de ticketing online, y el WiZink Center con Baila.Fm, pasando por la recién llegada Passline), pero lo que sí que no podemos pasar por alto es la eficaz labor que realizan todas ellas por garantizarnos, año tras año, la asistencia a nuestros conciertos, festivales y eventos favoritos, con la certeza siempre presente de saber que nuestro rol como consumidores está protegido y amparado. fran gonzález

Las principales empresas del sector se han sumado a la compra-venta entre terceros

ILUSTRACIÓN: ROGER DEL RÍO

Radiografía de la Música Grabada éxitos y desafíos pendientes en la industria

Cualquiera diría, y más en estos tiempos tan aciagos que corren, que un sector como el de la música grabada podría vanagloriarse de cerrar su respectivo año fiscal con un crecimiento de hasta el 12,43% con respecto a su anterior ejercicio, respaldado por nada menos que un valor de venta al público de cuatrocientos sesenta y dos millones de euros.

ESTAS SON LAS CIFRAS ofrecidas por Promusicae junto con la Universidad Internacional de la Rioja (UNIR) a través de la segunda edición de su “Radiografía de la Música Grabada”, y que quizás para el consumidor medio suenen anodinas o indiferentes, pero que mucho importan cuando recordamos que el mercado viene de defenderse como gato panza arriba ante un periodo de desacelere económico y una crisis pertinaz que aún colea. Y es que, sorpresivamente, unos años tan convulsos y marcados por una

acuciante pandemia global como los presentes, se han cobrado también el mayor pico en consumidores de música a través de plataformas de streaming (con hasta diecisiete millones de usuarios, representando el 85% por ciento del consumo de música en España), corroborando con ello esa concepción de valor de primera necesidad que todos sabemos que la música posee en nuestras vidas.

CON LOS DATOS EN LA MANO, Antonio Guisasola, presidente de Promusicae, no duda en recalcar que las cifras recibidas

MERCADO DE LA MúSICA GRABADA EN EL MUNDO

“insuflan la fuerza y la confianza necesarias para seguir invirtiendo en nuevo talento y produciendo música en España”, sabiendo que el pasado 2022 fue “el año de la consolidación a nivel mundial de la música en español”, con varios artistas latinos posicionados en lo más alto de las listas de ventas mundiales. Un momento dulce que, según apunta, debe ser aprovechado por la industria local en aras de “mantener o devolverle a los artistas españoles ese reconocimiento en primera línea que merecen”. Porque en efecto, el lado positivo de estos números revela a su vez algunos claroscuros que exigen y requieren de la colaboración de ciertos poderes e instituciones públicas, así como de la disposición de determinadas herramientas que intensifiquen la labor de concienciación y “nos permitan enfrentar, en igualdad de condiciones, la potente competencia internacional”, tal y como reclama el presidente de Promusicae.

ASÍ ES COMO GUISASOLA se pronuncia sobre la acentuada necesidad de brindarle a la industria de la música grabada un acceso completo al sistema de deducciones fiscales, como del que ya disfrutan tanto la música en vivo como otras industrias culturales –y que tantos y tan fructíferos éxitos ha generado en otros países vecinos, donde ya se aplica. Una ayuda que, junto con el esfuerzo cotidiano de las empresas involucradas en el sector, buscará potenciar el lado creativo de los artistas, ofrecer una distribución justa y equitativa, y captar el interés de las nuevas generaciones, a fin de crecer y destacar dentro y fuera de nuestras fronteras.

DE LA MANO DE MUCHAS y muy diversas fuentes, este propósito comienza a cobrar forma gracias a los diversos métodos que el público medio ha desarrollado para acceder y descubrir música nueva, pasando por la radio tradicional (donde la música continúa siendo la razón principal por la que los oyentes sintonizan sus emisoras favoritas), hasta el ya generalizado fenómeno podcast (nutrido a partir de ofertas

temáticas y generacionales que permiten filtrar distintos tipos de público). Y por supuesto, no debemos olvidarnos de ese valor al alza que suponen las aplicaciones de vídeos cortos, como Tik Tok o los shorts de YouTube, donde un nada desdeñable 53% de las personas consideran que la música juega un papel fundamental a la hora de mantener su atención en el visionado de vídeos. Y es que no olvidemos que la música grabada es también una materia prima esencial a la hora de acompañar los diferentes tipos de producciones audiovisuales que nutren nuestro ocio diario (largometrajes, videojuegos, publicidad…), tal y como hemos apreciado con la creciente incorporación al mercado laboral de la figura del Music Supervisor (un elemento imprescindible en todo tipo de producciones audiovisuales, donde su función como intermediario entre los creadores de contenido y los poseedores titulares de los derechos de la música se torna vital).

MERCADO DE LA MÍUSICA GRABADA EN ESPAÑA

CON TODO, Y LEJOS DE HABER GANADO la batalla, la industria de la música grabada aún tiene en su agenda una serie de retos por delante que pasan por combatir el todavía existente acceso no autorizado a la música (ocupando un alarmante 49% entre los jóvenes de dieciséis y veinticuatro años), equiparar el importe medio que genera una escucha en streaming en España al que se obtiene en otros países europeos, o facilitar la aplicación de un modelo de consumo vía streaming sostenible para todas las partes implicadas, correspondiendo al nivel de suscripciones de pago alcanzado en otros países. Guisasola no es ajeno al camino que aún queda por andar, pero su optimismo con respecto al crecimiento ponderado y gradual que se ha podido observar en los últimos años le empuja a terminar remarcando que “la música grabada sigue siendo la carta de presentación de los procesos creativos de los artistas, y la clave para abrirse paso a sus respectivas giras por salas y festivales, permaneciendo así en la memoria de los fans; el momento es bueno y hemos de lograr entre todos que nuestra música sea bandera de innovación y calidad a nivel mundial”.

“2022 fue el año de la consolidación a nivel mundial de la música en español”

Carteles paritarios mucho trabajo por hacer

Corría por ahí 2018, internet post #MeToo, y las calles estaban plagadas de camisetas de imitación “We Should All Be Feminist” de la colección Dior SS2017 y de tantas otras venidas directamente de cadenas de fast fashion con el lema “The Future Is Female”, que vimos lucir a Bella Hadid en las pasarelas otoño

alrededor de las mujeres en los festivales musicales que el Primavera Sound, en su edición de 2018, había logrado llegar al 36% de presencia femenina en su cartel. Al mismo tiempo, el resto de España seguía suspendiendo en paridad. En ese mismo reportaje, Ivone Lesan, miembro de la asociación MIM (Mujeres de la Industria Musical), y actual booker en el Primavera Sound desde 2019, asumía que desde hacía tiempo era evidente que las cosas no se estaban haciendo como se debía, pero que hasta hacía poco no se había tomado consciencia de que el poder para cambiarlo estaba en manos de quienes conforman el tejido de la industria y se había convertido en un deber moral cambiar las cosas. Destacaba que las excusas para no incluir mujeres en la programación siempre eran las mismas: “no venden tickets, no sé dónde están, no sé dónde encontrarlas, o no las conozco.” ¿Y cuál era el motivo de que se dieran estos factores? Al no tener la oportunidad de ocupar espacios en los escenarios, la gente no las podía conocer.

EL PANORAMA ERA, COMO POCO, desalentador. Pero hubo alguien que se puso las pilas, se tomó en serio la problemática, y presentó un cartel paritario para un macrofestival. Primavera Sound presentó a finales de año The New Normal, una reinvención donde las mujeres, la comunidad LGTBIQ+ y los nuevos géneros musicales encontraban por fin su lugar en este tipo de espacios. En 2019, el festival, por aquel entonces, capitaneado por Gabi Ruiz, programó sobre sus escenarios 169 mujeres vs. 209 hombres, es decir, un 44,70% de la presencia del cartel era femenina. Contra todos los detractores, quedaba demostrado, un cartel de éxito paritario era posible.

PERO NO ESTABAN SOLOS. En paralelo, distintas asociaciones empezaron a remar a favor del cambio. Desde el BIME, uno de los encuentros internacionales de la Industria Musical más destacados de nuestro país celebrado en Bilbao, se comprometieron en 2018 con Keychange, una red y movimiento

mundial que trabaja por una reestructuración total de la industria musical para alcanzar la plena igualdad de género. Y, anteriormente, habían unido fuerzas con la Asociación MIM para desarrollar un programa enfocado en igualdad de género, y apostaron por mayor reconocimiento y visibilidad a las mujeres y LGTBIQ+ en BIME Pro.

POR DESGRACIA, cuando se empezaba a calentar motores, la pandemia lo paralizó prácticamente todo. Pero el cambio ya era ineludible. Desde Primavera Sound se siguió trabajando en esa dirección hasta aumentar al 46,1% la presencia femenina en su cartel del 2022. Además de firmar un acuerdo de colaboración con Queer Destinations con el fin de convertirse en el primer festival a nivel global en obtener la distinción Queer Destinations Committed, para seguir demostrando sus compromiso con sus valores de igualdad, seguridad e inclusión, especialmente con la comunidad LGBTIQ+. Por otro lado, BIME creó en 2021 el Music Equality Forum (MEF) para poder garantizar la participación de manera equitativa con un acceso libre e igualitario a los recursos, al reconocimiento y a la toma de decisiones en la industria musical. Sin ir más lejos, en la edición de este año, se darán

diálogos sobre el futuro generacional y de género de la prensa musical, la maternidad, la diversidad cultural en la sociedad y la industria con el Director de Conciencia Afro y la co-fundadora y coordinadora de Afrocolectiva; y contará con la presencia de otras grandes mujeres en la industria musical como: Laura Tesoriero, Vicepresidenta de The Orchard en Latinoamerica y Chiara Santoro, Head Of Scaled Markets And Label Relations en EMEA, YouTube.

PODRÍA PARECER que todo va sobre ruedas. Pero la verdad es que, aunque hay macrofestivales como el Cala Mijas, que en su segunda edición han alcanzado la paridad formal –más de un 40% de mujeres–, no es lo más común. Sin ir más lejos, en 2022 el Arenal Sound solo ha tenido un 13,41% de presencia femenina en su última edición, y otros se siguen moviendo entre grises con entre el 20 y el 35% como el FIB, el Sónar, el BBK o el MadCool, según subrayaba un artículo publicado en El Español.

AÚN QUEDA MUCHO CAMINO por recorrer. Queda en manos de todos –no solo se trata de quienes ponemos sobre el escenario, sino también de quien trabaja para hacerlo posible– seguir trabajando y exigiendo que uno de los grandes focos de nuestra cultura, como lo es la música en directo, sea un espacio donde todo el mundo tenga su lugar y nadie se vea infrarrepresentado. En todo caso, en los últimos tiempos han aparecido nuevas iniciativas como She Sounds, +Músicas, Inspira y otras que hacen pensar en un futuro mejor. eva sebastián

BIME EQUALITY FORUM 2022 FOTO:JAVIER ROSA

Hace unos escasos cinco años las mujeres brillaban por su ausencia en los festivales

ILUSTRACIÓN: ROGER DEL RÍO

30 artists, 21 Showcase Festivals & Conferences in 2022 41 artists, 25 Showcase Festivals & Conferences in 2023

THE SPANISH WAVE SHOWCASE & FIESTA AT MAIN SHOWCASE FESTIVALS AND CONFERENCES WORLDWIDE

OPEN CALLS TO PLAY + ARTIST SELECTION

INTERNATIONAL PR (MEDIA & INDUSTRY) + BESPOKE INTERNATIONAL SHOWCASES FOR LOCAL AGENCIES

FOCUS ON SPAIN ESNS 2023 + THE GREAT ESCAPE 2024 +SXSW 2024

MUSIC CAMPS + EXCLUSIVE SHOWS (ILMC, IFF)

INTERNATIONAL EXPORT OFFICES SHOWCASES + TRADE MISSIONS IN SPAIN

OPEN CALLS TO SUPPORT INTERNATIONAL ARTISTS IN SPAIN

WE ARE PROFESSIONAL DELEGATES, SPEAKERS AND REPRESENTATIVES AT MAIN MUSIC INDUSTRY CONFERENCES

DORA NEW COLOSSUS (NYC): BELAKO, DHAR OF ROBERT, TOFLANG-S TX,USA)-FOC exh SOFIA MA BLO LIVERPOOL SOUN K): P VAS, GO CA WE n): YO GH EA o PPL LJ ESTIVAL (London AHOZ

LAUREN NINE-LINECHECK (Mi PA ond Y, RRIENTE MERCAD BLACK MARACAS-CASTELLON WEEK n, MO al, Quebec, C RBAHN FESTIVAL any)V emburg, Sweden) MONTESCO burg ND MUSIC WEEK (D ay)-FINLAND MUSIC & M nland): LINECHECK Showcase in M A GHOST FOCUS W w BUG CLUB, VOSOTRAS V

2 gen N C (London): DELAPO BLACK MARACAS, YO DI X S ) G OU J BALL CHE-FOCUS WALES (W L M U SPIKE (Plodv g EK e): GAUDEA OROVEG ( O M, SHAN IONAL FESTIVAL FORUM (London SKI- AL ( A )-FIRA TROVAM (Castellón Spain) REEPE mburg, Germany) THE LAST CO G, SLUITEN-VISA FOR MUSIC ( OVEG , IKR M ongwri aly): XENIA SILA LUA- A

UFi dos décadas de independencia

la música.

CON ESE AFÁN, en octubre de 2003, se constituyó la Unión Fonográfica Independiente (UFi). Unión porque se buscaba dentro de la diversidad los puntos comunes de defensa del trabajo de los sellos y el de los artistas que confiaban en ellos. Fonográfica porque un fonograma es cualquier elemento físico o virtual capaz de almacenar sonido. Y, finalmente, Independiente porque ninguno de ellos se postra ante el ídolo de las cuentas de resultados y la rentabilidad.

LOS INDEPENDIENTES son trasgresores, irreverentes, atrevidos. En realidad, son lo que quieren ser. Lo fueron en los ochenta, lo fueron antes del fin del milenio y, con orgullo, se puede asegurar que en UFI hay suficiente savia nueva para seguir liderando y defendiendo la industria independiente durante muchos años más.

CINCO AÑOS DESPUÉS de la creación de la UFi, se atrevieron a reconocer el potencial de la música realizada por los productores independientes, por todos, fueran o no parte de la entidad y así, nacieron los Premios de la Música Independiente que este año han celebrado también su 15º aniversario.

TRATA DE HACER la música accesible para todos y tiene como principal objetivo el de reivindicar, fomentar y desarrollar la música independiente en España así como mejorar las posibilidades de

acceso al mercado de un sector que tradicionalmente ha sido motor creativo de la industria discográfica.

SE TRATA DE UNA ENTIDAD que ha sabido reinventarse. No sólo centra sus esfuerzos en dotar de numerosos recursos, beneficios y servicios a sus socios, sino que atiende las necesidades de la industria independiente en general y de sus agentes (artistas, distribuidores, promotores, mánagers…).

LA ENTIDAD HA SABIDO también adaptarse a las necesidades de formación tanto de sus socios como de la industria poniendo en marcha su propio programa de formación ultra especializado en producción fonográfica con varias líneas de actividades: un programa de formación continuada a socios, otro programa de mentoring dirigido a emprendedores y un curso de formación para conocer los pasos necesarios para poner en marcha un sello discográfico.

TAMBIÉN TRABAJA y es miembro activo de varias entidades nacionales e internacionales como la Federación de la Música de España (EsMúsica), IMPALA, la asociación europea de empresas y asociaciones de sellos discográficos y WIN, la red mundial de asociaciones de productores fonográficos. Además, colabora con los proyectos Girando Por Salas a través de la Federación Coordinadora del Circuito de Músicas Populares y la plataforma de exportación de la música española Sounds From Spain participada entre otros organismos por el ICEX.

Modernización, optimización, y superación son algunos de los valores que UFi abandera a lo largo de estas dos décadas en las que la entidad no ha parado de crecer. Veinte años que, sin duda, han dado muchos frutos y alegrías por los que se va a seguir luchando, como mínimo, otros veinte años más. UFi

Hace ya veinte años un grupo de sellos independientes realizó su enésimo intento de aunar sinergias y buscar puntos de colaboración de cara a los interlocutores institucionales y dentro de la misma industria de

UFi tiene como principal objetivo reivindicar, fomentar y desarrollar la música independiente en España

ILUSTRACIÓN: ROGER DEL RÍO

Las marcas lo dan todo por la música

Sin el patrocinio de las más importantes firmas comerciales de diversos sectores, sería imposible mantener la pujanza de ciclos, festivales de mayor o menor tamaño y todo tipo de eventos musicales a lo largo y ancho de nuestra geografía. Es una estrategia que beneficia a todas las partes, y que va a más.

EL MECENAZGO SE EXTIENDE todo tipo de eventos con un efecto simbiótico de mutuo beneficio: por un lado, concier tos, ciclos, festivales y músicos se benefician del apoyo econó mico en un entorno cada vez más exigente y complejo, donde el factor económico se hace crucial. Las marcas, por su parte, re ciben atención, visibilidad, notoriedad, y prestigio entre su público objetivo. Además, asociarse con diferentes acciones, ciclos, festivales u otros eventos las relaciona con los valores juveniles, artísticos o rompedo res que muchas veces se relacionan con los eventos. Esta forma de patrocinio viene de lejos, pero según prueban las conclusiones del Observatorio de Marcas en Festivales (in forme bautizado como se trata de una estrategia al alza por parte de todo tipo de firmas. Que, además, es bien valorada por un público que espera de ellas un valor añadido para su experiencia.

LA MÚSICA, POR SU PROPIA NATURALEZA dica y juvenil, se ha convertido en uno de los sectores más apetecidos por parte de las marcas de bebidas alcohólicas, cervezas y refrescos, que acaparan según el informe ci tado nada menos que el 59 % de los acuerdos comerciales en los festivales. Marcas como Alhambra, Vibra Mahou y Estrella Galicia

llevan años patrocinando conciertos, ciclos y festivales por todo el territorio, con firme vocación de seguir apoyando la música, y verse por tanto, asociadas a ella. Con sus Momentos Alhambra, la cerveza granadina ha apostado por los formatos íntimos en entornos especiales de nuestra geografía, además de apoyar a festivales de autor como Canela Party, muy en línea con su filosofía. Las otras cervezas han optado por el patro cinio de conciertos eléctricos en salas de muchos de los artistas más prestigiosos a ni vel nacional e internacional. Estrella Damm, por su parte, ha asociado su nombre a uno de los festivales más potentes y consolidados:

con su reciente proyecto documental –conducido por el cantante Dani Martín–, o más recientemente Monkey Shoul der, que tuvo su propio mural en el festival madrileño Tomavistas, se han implicado también a fondo. En cuanto a los refrescos, Coca-Cola, que tiene incluso su propio festi val Coca-Cola Music Experience, lleva tiem po patrocinando Mad Cool, Bilbao BBK Live y Sonorama Ribera, montando su espacio propio dentro de cada recinto. En la última edición de los tres festivales ofreció a los asistentes toda una experiencia musical in teractiva. Las bebidas energéticas han esta do muy activas en el sector desde hace años. Especialmente Red Bull, marca de referencia a nivel mundial, que llegó incluso a tener su propio estudio de grabación en el emble mático Matadero de Madrid, y patrocinó la en Madrid a finales de 2018.

HABLANDO DE ESTUDIOS DE GRABACIÓN –forma muy eficaz de tener presencia con tinua asociada a la música–, la firma de moda Levi’s ha puesto en marcha su propio espacio Levi’s Music Studio en el corazón de Madrid, con su proyecto formativo Levi’s Music Project de apoyo a estudiantes. En ediciones anteriores el programa ha contado con artistas como Rosalía, Alizzz o Rigoberta

Las marcas de bebidas alcohólicas, cervezas y refrescos acaparan el 59 % de los acuerdos

OTRAS MARCAS DE ROPA como Desigual han apostado por asociarse a artistas en alza como Nathy Peluso, con la que acaban de crear su primera colección. Y es que no sólo las bebidas se han comprometido con la música grabada o en directo. Domino’s Pizza ha puesto en marcha Domino’s Live Music, con el fin de impulsar a las salas pequeñas en Madrid, que siguen siendo parte fundamental del tejido cultural. El grupo Barceló está impulsando Imagine Music Fest, un ciclo de conciertos íntimos que tienen lugar en el lobby de su hotel Imagine. Y MINI, el icónico fabricante de coches que fue imagen de la cultura pop de los sesenta, ha apostado

top ten marcas

por la búsqueda de nuevo talento junto al mítico músico argentino Alejo Stivel, dentro del proyecto MINI Stage que da a conocer su nuevo modelo eléctrico.

¿QUÉ NOS DEPARARÁ el futuro? Parece indudable que en los próximos años veremos acciones cada vez más originales y audaces, además de una mayor implicación de marcas de otros sectores, hasta hace no tanto bastante ajenas a la industria musical: el transporte de pasajeros –Ouigo ya ha entrado–, las cadenas hoteleras, el sector inmobiliario o los Seguros. Además de los bancos: El ciclo “1001 Músicas en La Alhambra”, que ha traído a la ciudad andaluza artistas como Andrés Calamaro, Bob Dylan o Suede, está patrocinado por Caixabank.

TAMBIÉN SE ACERCAN A LA MÚSICA en directo las distribuidoras de cine que buscan a su público –por ejemplo, “Barbie” tuvo su stand en el reciente Mad Cool de la mano de Warner Bros. España– e incluso las empresas relacionadas con la enseñanza, por citar dos sectores distintos. Cabe esperar también más patrocinios fijos como el de WiZink en el gran recinto de conciertos de Madrid, de referencia a nivel europeo, o en el propio naming de festivales: Bilbao BBK Live, por ejemplo, cuenta con dos patrocinadores institucionales, el ayuntamiento de Bilbao y el banco BBK, ahora Kutxabank.

LOS ASISTENTES A FESTIVALES celebrados en España mencionan las cervezas, los refrescos, el turismo, las plataformas de entretenimiento (desde Netflix a Amazon Prime o Spotify), las bebidas alcohólicas y las energéticas como las marcas que más reconocen y han visto. Pero la incorporación de otros sectores se hace, como vemos, inevitable. Y es que la música tiene un poder sugestivo difícilmente igualable y cada vez más atractivo para todo tipo de firmas. jc

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. Coca-Cola ESPECIALMONDOPRO

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La unión hace la fuerza Faro, Alianza de Medios Musicales y Culturales Iberoamericanos

En septiembre de 2020, año de infame recuerdo por culpa de un virus de lo más pesado, se constituyó Faro. Alianza de medios de comunicación culturales de hasta ocho países iberoamericanos que tiene como finalidad compartir experiencias, y sumar esfuerzos para afianzarse como referente prescriptor. Labor que bien merece un análisis.

JUEVES, CINCO DE LA TARDE hora española. Ha llegado el momento de conectarse y saludar al resto de integrantes de la asociación. Hoy estamos todos, algo por desgracia poco habitual. Nuestras respectivas agendas imponen su dictadura y a veces resulta complicado que todas coincidan. Somos Indie Hoy de Argentina, Indie Rocks! de México, Magazine AMM de Cuba, PiiiLA de Uruguay, POTQ de Chile, Scream & Yell de Brasil, Shock de Colombia, Zona de Obras y Mondo Sonoro de España. Nueve medios especializados, ocho países y una rica cultura musical en común. Legado que ha vivido sometido al rodillo del show-business anglosajón desde que la música popular pasó a ser un bien de consumo masivo. ¡Es el mercado amigo!

SIN EMBARGO, resulta evidente que algo está cambiando desde hace una década, más allá del perenne triunfo de la música ligera, el pop mainstream y ahora también el urban-reggaetón. Hay pruebas reales de que cada vez más grupos de la escena alternativa, del pop, el folk y el rock de autor, se lanzan a cruzar el enorme charco que nos separa sin el apoyo de la multinacional de turno. Solo con el entramado que han creado pequeñas y medianas empresas de contratación. Es justo en ese escenario donde

en ocasiones no resulta muy halagüeña si hablamos en términos de futuro. (Ruben

Cada vez más grupos de la escena alternativa se lanzan a cruzar el enorme charco que nos separa

Scaramuzzino; Zona de Obras, España) “En el futuro cercano creo que las revistas o medios musicales nos jugamos mucho más de lo que nos creemos. O apostamos fuerte por nuestro espacio y revalorizamos nuestro trabajo o la pasaremos mal”. Y justo de eso va Faro de apostar fuerte, además de actuar como punto de encuentro para compartir experiencias. (Fabian David Paez; Shock, Colombia) “Para mí Faro ha sido una experiencia clarificadora en cuanto al descubrimiento de las tendencias, las formas de trabajo y los problemas en la industria de la música de habla hispana. Pero, sobre todo, ha sido interesante para conocer personas, sus proyectos y visión del trabajo en el campo de la música”.

MEDIOS ADSCRITOS A FARO

l Indie Hoy (Argentina) indiehoy.com

l Scream & Yell (Brasil) screamyell.com.br

l Shock (Colombia) shock.co

l AM:PM (Cuba) magazineampm.com

l POTQ (Chile) potq.net

l MondoSonoro (España) mondosonoro.com

l Zona de Obras (España) zonadeobras.com

l Indie Rocks! (México) indierocks.mx

l PiiiLa (Uruguay) piiila.com

EL HISTORIADOR ROMANO Gayo Salustio Crispo escribió en el siglo I (A.C.) la máxima “concordia res parvae crescunt”. Algo así como “las cosas pequeñas florecen en la concordia”. Y justo eso es lo que nos mueve a todos a sentarnos al menos un jueves al mes delante de nuestras pantallas. Compartir experiencias para que nuestros proyectos florezcan y luchar de paso contra ese oscuro futuro que no aceptamos como inevitable. ¿O acaso The Buggles tenían razón cuando cantaban aquello de “Video Killed The Radio Star”?. Es evidente que las reglas del juego cambian, pero es justo ese proceso de transformación lo que nos ha llevado a unirnos y reivindicar el papel que todavía jugamos y seguiremos jugando. (Marcelo Costa; Scream & Yell, Brasil) “Las revistas musicales hemos de seguir con lo de siempre: profundizar en el contenido más allá de la música. No basta con que te guste, tienes que entenderla. Es una idea fija que a menudo acaba arrastrada por las modas, y a menudo se pierde, pero sigo pensando que el camino a seguir es el de la profundización y, cada vez más, la crítica. A principios de la década de 2010, pensamos que la crítica había muerto como indicador de tendencias, ya que la conexión cada vez más directa del público con los artistas significaba que el intermediario (el crítico) desaparecía. Sin embargo, el volumen de novedades musicales es imposible de seguir para el ser humano medio que trabaja de ocho de la mañana a cinco de la tarde, por eso necesita acudir a una web o una revista como las nuestras para saber qué vale la pena escuchar en medio de la avalancha de novedades”. Alea iacta est. don disturbios

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Una industria sostenible

En los últimos años hemos visto un auge global de la preocupación por la preservación del medio ambiente y una relación lo más armónica posible entre las actividades humanas y la naturaleza. Lejos de mantenerse al margen de este impulso, la música ha sido protagonista. Los festivales han sido punta de lanza de esta visión sostenible cada vez más extendida y apreciada por un público sensible.

UNO DE LOS PUNTOS destacados de la agenda 2030 promovida por la ONU se refiere a la sostenibilidad medioambiental. La industria musical ha recogido el guante con entusiasmo, pues no hay mejor modo que comprometerse con una causa que predicar con el ejemplo. Músicos, promotores, conciertos, festivales y todo tipo de profesionales han tratado de poner su grano de arena de cara a tener una relación más positiva con nuestro entorno.

AUNQUE ESTA FILOSOFÍA ha teñido ya giras, conciertos individuales e incluso producciones discográficas -y desde hace bastante tiempo: ahí tenemos ejemplos ilustres como los de Radiohead, Neil Young, U2 o Coldplay-, han sido los festivales de música, con sus grandes

aglomeraciones de público sostenidas durante varios días, los abanderados de la sostenibilidad. Siguiendo la estela de grandes festivales de referencia como Glastonbury en Reino Unido o Coachella en Estados Unidos, cada vez más eventos celebrados en España implementan todo tipo de acciones concretas de cara a que su impacto en el entorno y su comunidad sea el menor en lo negativo y el mayor en el positivo. La organización británica A Greener Future, con sus propios premios, reconoce a los festivales de todo el mundo comprometidos con su Código de Conducta: entre ellos, Primavera Sound.

LA SEPARACIÓN Y RECICLAJE de residuos de todo tipo (vasos, papel, plásticos), la generación de energía desde fuentes renovables limpias, la minimización o eliminación de plásticos y su sustitución por materiales

biodegradables y vasos reutilizables; la buena gestión y reutilización del agua; la implementación de fuentes de agua potable que eviten el uso de botellas de plástico; y la incorporación en los puntos gastronómicos de productos locales que tengan un impacto positivo en la zona y no requieran de largos transportes, son algunas de las medidas que han venido extendiéndose. El efecto contagio ha funcionado, y raro es ya el festival que no ha puesto en marcha alguna o varias de estas iniciativas como el barcelonés Cruïlla, siempre con la complicidad del público asistente.

POR SU IDÍLICO EMPLAZAMIENTO en Kobetamendi, Bilbao BBK Live se ha tomado muy en serio la implementación de esta filosofía verde. La organización destina 3 euros de cada entrada vendida a la reforestación de Balmaseda, una zona de

Bizkaia afectada por los incendios. Last Tour, empresa detrás del evento, cuenta con un certificado de sostenibilidad am biental aprobado por el Gobierno Vasco: el objetivo es minimizar el impacto nega tivo del evento en cada una de sus fases, desde el mismo montaje de los escenarios a su finalización.

DESDE SU ORIGEN BARCELONÉS, Sound se ha convertido en referencia mundial sumándose a las acciones be neficiosas, con la recogida selectiva de residuos para su reciclaje, el uso de vasos reutilizables y el fomento del transporte público para acceder a los recintos. El escenario Plenitude, activo en las últimas ediciones de Madrid y Barcelona, funcio na con energía renovable. Además, este año el festival amplió a seis los espacios alimentados mediante la red eléctrica del

recinto, y desde 2011 compensa las ediciones de CO2 al final de cada edición.

MAD COOL, consolidado como gran festival europeo, ha eliminado el plástico de sus puestos de comida, recoge el vidrio en las barras y en la medida de lo posible reutiliza los materiales de impresión, así como el césped artificial que cubre cada edición el recinto. La organización ha llegado a un acuerdo con Iberdrola para

las botellas de plástico. Es una medida que ha ahorrado unas 600.000 botellas de plástico y unas 168 toneladas de CO2, según cálculos de la organización. En 2022 recibió el premio de Festival más Sostenible de España en los Premios Fest.

CICLOS DE CONCIERTOS como Noches del Botánico de Madrid también han incorporado acciones verdes para minimizar su impacto sobre el medio, en este caso el Jardín Botánico de la Complutense, en un entorno privilegiado de la ciudad. Sus dimensiones reducidas, la cuidadosa integración en el jardín, el reciclaje y el uso de materiales como la madera lo han convertido en otro referente. En 2019 recibió el premio al festival más sostenible y comprometido con el medio ambiente de la Península Ibérica, en los Iberian Festi-

Los festivales de música han sido los abanderados de la sostenibilidad

ILUSTRACIÓN: ROGER DEL RÍO

Los circuitos de salas como vehículo del talento

Bendito verano. Con sus festivales, sus ciclos al aire libre, sus pogos sudorosos… Si uno tiene el dinero (y

Como si de La Vuelta a España se tratara, los artistas seleccionados por el jurado de AIEnRUTa-Artistas (promovido por la Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España), recorren el mapa nacional demostrando su arte. La Pecera (Vigo), Gorila (Zaragoza) o la Sala X (Sevilla) han servido de escaparate para este “grand prix” en el que no hay fronteras geográficas ni de estilos. Çantamarta, El Último Vecino, Mice, Morreo, Shego o Vera Fauna son algunos de los protagonistas que este trimestre atravesarán la senda de las salas en una carrera donde, insistimos, todos ganan.

DESDE CATALUÑA, la ASACC estimula la actividad de grupos emergentes a través de Curtcircuit. Con una decena de ediciones a sus espaldas, suman, combinan y apoyan artistas emergentes catalanes en salas como VOL, Sidecar u Upload, entre muchas otras.

EXISTE UNA PLANTA más abajo –muchas veces incluso se trata de un sótano– donde el talento se fragua realmente. Las salas. Rincones de la ciudad que en época estival quedan relegados a un segundo plano, pero a los que corremos cada septiembre como refugio a la tormenta de la rutina. Albert Salmerón, presidente de APM (Asociación de Productores Musicales), señala las salas de conciertos como el primer eslabón de la música en vivo. “Es ahí donde nace y se desarrolla el directo”, donde se pone en marcha la maquinaria de la fantasía.

SIN EMBARGO, aquí no hay unicornios ni hechizos mágicos: hay trabajo, dedicación y proyectos firmes. Es el caso de los circuitos de salas, programas dedicados a potenciar el talento musical de artistas más allá de sus límites domésticos. Algo que no únicamente ayuda a las propias bandas y cantantes, sino que fomenta la afluencia de públi-

co en los locales musicales. Estas iniciativas suelen surgir del fervor de asociaciones de salas, como ACCES (Asociación Cultural Coordinadora Estatal de Salas privadas de música en directo) o ASACC (Asociación de Salas de Conciertos de Cataluña). Entidades que llevan más de 15 años promoviendo la idea de que estos lugares son mucho más que “garitos de una noche”: son auténticos espacios de cultura. Cuatro paredes donde músicos, técnicos, organizadores y público hacen resonar su importancia.

la fuerza física) suficiente, podría vivir de cartel en cartel. Pero, ay, este sueño iluso de nubes de algodón y cervezas a precio de lingotes de oro no surge por arte de magia.

Girando por salas S

I HAY UNA PROPUESTA que ha resistido a las curvas durante años es Girando Por Salas El circuito, que cuenta con el INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música) como apoyo principal está a punto de cumplir 14 ediciones. Más de una década de noches de directo con el acento siempre en el fortalecimiento del sector de la música en vivo y el intercambio cultural.

VEINTISÉIS ARTISTAS incipientes y unos doscientos conciertos respaldados por GPS en cada versión. Veintiséis artistas que, no solamente presentan su valía sobre las tarimas de toda España, sino que

reciben ayudas para su propia promoción discográfica. Aiko el grupo, Nat Simons, Queralt Lahoz, La Trinidad, Luis Fercán… Ninguna voz faltó en la programación de la pasada edición, que contó con 150 escenarios como los de Sala Vesta (Madrid), La Salà (Valencia), Sala Totem (Navarra), Sala Rocknrolla (Granada)…

ADEMÁS, ESTE AÑO INAEM ha unido fuerzas con ACCES para elaborar un circuito

por y para las salas. En #Culturadesala, son los propios locales quienes actúan como prescriptores y escogen las estrellas de sus escenarios. Entre abril y julio de 2023, meseta, costa e islas han sonado al ritmo de treinta bandas y, en total, ciento ochenta y ocho conciertos. Desde las guitarras de El Niño de la Hipoteca o Depedro hasta las texturas mágicas de Trashi o Travis Birds: ninguna semana se ha quedado en silencio en los más de 100 espacios participantes como el Avalon Café (Zamora), 16 Toneladas (Valencia), Fun House (Madrid), Asklepios (Valladolid), Santana 27 (Bilbao), Sala X (Sevilla), Almo2bar (Barcelona), Mardi Grass (A Coruña) y muchas otras. m.g.

¿Algunos de los nombres agendados para los próximos meses? Els Catarres, Julieta o Uma. Un esquema similar sigue Sonora, que hace viajar la música levantina por las carreteras de la Comunidad Valenciana, Música en Salas o Mazo Madrid, reinventando la música en vivo por Galicia y Madrid, respectivamente.

PRECISAMENTE EN LA CAPITAL esperamos saltar al ritmo de los mejores temas en nuevas aperturas (y reaperturas) como La Sala del Wizink Center, Latroupe Prado o la Sala Villanos (antigua Sala Caracol) … En Vigo, la Sala Reverb (antigua Ferré); y en Cádiz, la Holiday, también lo tienen todo listo para los próximos meses. Para Salmerón (APM), la música en directo “tiene aún mucho crecimiento y necesidad de trabajo y de desarrollo de ese talento”. Propuestas como estos circuitos ponen a las salas en el punto de mira para profesionales y audiencia. Recorridos que hacen de la fantasía musical una realidad sin alucinaciones.

mara gómez

VINILA VON BISMARK EN EL JIMMY JAZZ GASTEIZ (GPS, 2019)

FOTO: STUART MACDONALD

ILUSTRACIÓN: ROGER DEL RÍO

ESPECIALMONDOPRO

Exportando nuestra música

Son infinidad los proyectos tanto públicos como del ámbito privado que luchan por la internacionalización de nuestra música y de nuestra cultura. En este artículo no están todos los que son, pero sí están algunos que luchan por ponerle las cosas fáciles, en la medida de lo posible, a nuestros músicos de cara a abrirse al mundo.

YNO CABE DUDA de que, a la hora de hablar de la exportación de nuestro talento, al margen del trabajo de una institución pública española como es el Instituto Cervantes, no podemos empezar por otro proyecto que no sea Sounds From Spain, con una larga trayectoria a sus espaldas. Se trata de la plataforma de apoyo a la internacionalización de la Industria Musical Española, formada por instituciones públicas: ICEX España Exportación e Inversiones, el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música-INAEM, y privadas: Artistas Intérpretes y Ejecutantes-AIE, la Fundación SGAE, la Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo-ARTE, los Productores de Música de España-PROMUSICAE y la Unión Fonográfica Independiente-UFI. En sus propias palabras, su objetivo es “fomentar la internacionalización de la música española, y para ello organizamos actividades en el exterior como la participación en ferias, eventos y festivales internacionales de relevancia”. Y eso es precisamente lo que llevan haciendo desde su creación en 2005, ofrecer a nuestros artistas y a nuestras empresas culturales la posibilidad de participar en ferias como South By Southwest, Eurosonic, Womex MusikMesse y un larguísimo etcétera, además de poner en marcha misiones comerciales a Estados Unidos, China, Japón, México, y Argentina, entre otros. Su prestigio y su valor, a día de hoy, es indudable. Una de sus acciones más recientes es su participación en el festival alemán Reeperbahn con Eva McBel, Lady Banana, Nueve Desconocidos y Lorenzo Soria. Incluso podríamos sumar los esfuerzos de la AC/E, Acción Cultural Española, empresa pública creada para difundir la cultura española dentro y fuera del territorio nacional, apoyando ferias, eventos, etcétera.

TAMBIÉN LA EMPRESA PRIVADA que decir con respecto a la exportación de nuestro talento al exterior. La importancia de The Spanish Wave en ese ámbito ha cre cido exponencialmente desde su aparición. Se trata del proyecto de internacionaliza ción de nuestro talento de la mano de Live Nation España. Colabora estrechamente con agencias de contratación españolas, con la AIE, Fundación SGAE o el Instituto Cervan tes. The Spanish Wave no solamente estable ce puentes entre festivales de talento emer gente de todo el mundo y nuestras bandas, sino que ha apoyado y respaldado propues tas organizando showcases en eventos de la talla de South By Southwest y The New Colossus (Estados Unidos), Marvin Gateway (México), Wave Vienna (Austria), The Great Escape y Focus Wales (Reino Unido) o Viva Sounds (Suecia), entre otros. Por otro lado, también suelen abrir convocatorias para dar la oportunidad a nuevos artistas espa ñoles de abrir giras de nombres internacio nales importantes.

PODRÍAMOS INCLUSO HABLAR D hacer nuestros festivales a la hora de brin dar a diversos artistas la oportunidad de participar en los carteles de sus versiones internacionales. Estamos hablando de Sónar y Primavera Sound con sus diversas edicio nes más allá de nuestras fronteras, o de Last Tour, responsables del BIME, cuyo hermano en LATAM se lleva a cabo en Bogotá.

EN CUANTO A LO PÚBLICO, también las comu nidades cuentan con sus propios proyectos. En Catalunya, al margen del importante papel que juegan ferias como el Mercat de Música Viva de Vic dentro del territorio, no podemos dejar de destacar el proyecto Ca talan Arts, marca del Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC) para la exporta ción e internacionalización de las empresas catalanas que se mueven en los ámbitos de la música, las artes escénicas, el libro, las artes visuales y la cultura digital. A lo largo de los años han presentado proyectos variados, respaldado a artistas catalanes a la hora de abrirse al exterior y mucho más. Podemos citar como ejemplos su selección de artistas en mercados profesionales de nuestra geografía, la potenciación de la mú sica catalana entre la prensa internacional en el Primavera Sound o incluso la creación de una serie de discos especializados por géneros a modo de resumen de la escena catalana de pop, electrónica, jazz y otros.

MARINA HERLOP EN THE GREAT ESCAPE (BRIGHTON AND HOVE, U.K.) FOTO: NICI EBERL

SHANGHAI BABY EN THE GREAT ESCAPE (BRIGHTON AND HOVE, U.K.) FOTO: NICI EBERL

BLACK MARACAS EN THE FOCUS WALES (WREXHAM, U.K.) FOTO: KEV CURTIS

y más allá

POR SU PARTE, el Institut Ramon Llull –institución dependiente de la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona y el Gobierno Balear– también está detrás de una larga lista de acciones específicas a lo largo y ancho del planeta de cara a dar a conocer la música catalana, con spotlights y actos que no se circunscriben al mundo profesional, sino que se acercan a los públicos de las ciudades en las que se llevan a cabo. Sin ir más lejos podemos citar una de las acciones de este mismo año en la que se vivió una jornada muy especial ni más ni menos que en el Central Park de Nueva York con las actuaciones de grandes nombres de nuestro talento femenino emergente como Lia Kali o Queralt Lahoz, entre otras.

POR LO QUE RESPECTA A EUSKADI, son varios los proyectos de internacionalización. Podemos hablar de Basque Music, colaboración entre Musika Bulegoa (Oficina de la Música de Euskal Herria, proyecto estratégico de colaboración sectorial para la promoción y mejora de la actividad musical de Euskal Herria), el Instituto Etxepare y Gobierno Vasco para ir a ferias internacionales con representación de bandas vascas, empresas, residencias artísticas, etcétera. De hecho, una de las principales líneas de trabajo del Etxepare

ILUSTRACIÓN: ROGER DEL RÍO

Euskal Institutua es fomentar la presencia internacional de creadores/as y artistas vascos/as. Eso se consigue a través de subvenciones para “potenciar la movilidad de creadores/as vascos/as y para reforzar el posicionamiento de nuestro sector cultural y creativo en el exterior, impulsar su presencia y visibilidad, y potenciar las redes con los agentes culturales internacionales”. A todo ello podemos sumarle el trabajo de la Navarra Music Commission, oficina pública que, bajo el formato de ventanilla única, tiene como objeto el impulso de la industria musical de la Comunidad Foral con tres líneas principales de trabajo: formación, asesoramiento y promoción.

EN BALEARES, por ejemplo nos podemos encontrar con eventos respaldados por el Institut d’Estudis Baleàrics como el FiraB! o Mercat Professional de Música i Arts Escèniques de les Illes Balears, que suele invitar a promotores nacionales e internacionales de cara a abrir las actividades artísticas más allá de las islas, o incluso tender puentes entre las propias islas a través de TalentIB, Circuits Artístics de les Illes Balears. Incluso en Canarias existen propuestas en una línea similar como Canarias Cultura en Red, por citar un ejemplo.

Y TODO ESTE RESPALDO del que hemos estado hablando hasta este punto no solamente se materializa en la posibilidad de tocar frente a nuevos públicos, sino que también se expande en speed meetings, debates, ferias, etcétera, con vistas a dar a conocer la oferta musical española a los agentes internacionales más importantes y valorar las posibilidades de exportación de los artistas y catálogos de las empresas españolas. Sin ir más lejos en BIME 2022, UFI, A.R.T.E y PROMUSICAE en colaboración con ICEX España Exportación e Inversiones, organizaron bajo el paraguas de Sounds From Spain un Encuentro Profesional con vistas a captar la atención de los más de 3.000 profesionales acreditados provenientes de todo el mundo y un total de 1500 empresas. joan s. luna

El objetivo es fomentar la internacionalización de la música española

JUEVES 26 OCTUBRE: 12:45 h

Panel AIE:

Músicos, derechos y plataformas: el auge de la música en el audiovisual

En este panel, la música en el ámbito audiovisual pasa al primer plano. Tres voces experimentadas del sector hablarán sobre la vida más allá de los escenarios y las posibilidades que este entorno ofrece a los artistas. Con Travis Birds, Manel Santisteban y Álvaro Aragüés (moderador).

MIÉRCOLES 25 OCTUBRE | SALA TBA

JUEVES 26 OCTUBRE | SALA TBA

LADY BANANA

EL DISCO. RECUPERADO.

Paul McCartney Off The Ground (Parlophone, 1993)

EN LOS ÚLTIMOS AÑOS, la figura de Paul McCartney parece estar siendo objeto de una necesaria y bien merecida reivindicación, con su último disco de estudio reconstruido por artistas de primer orden en “McCartney III Imagined” (21) y el éxito de las excelentes docuseries “McCartney 3, 2, 1…” (21) y “The Beatles. Get Back” (21). Un acto de pura justicia para con una de las figuras más importantes de la historia de la música contemporánea, que lleva cinco décadas amasando una carrera en solitario con bastante más miga de lo que la opinión generalizada podría sugerir. En la primera mitad de la década de los noventa –y tras un elepé en directo, un unplugged y hasta un disco de música clásica– vio la luz “Off The Ground”, en lo que no era sino otro regreso a ese tipo de pop que el británico maneja en propiedad desde su determinante militancia en The Beatles.

El primer álbum de estudio de McCartney en cuatro años fue una continuación lógica de aquel exitoso “Flowers In The Dirt” (89) que había contado con la colaboración de Elvis Costello, con el vocalista rodeado de su banda habitual de directo para firmar un bonito disco con mayoría de singles en potencia. Doce nuevos temas (más el escondido “Cosmically Conscious”) de pop cristalino, cuidados en la composición y alentadores de ese efecto balsámico que el género puede llegar a motivar. Trabajado dentro de unos parámetros de sobra conocidos por el de Liverpool, “Off The Ground” se mani-

TAN. CERCA.

fiesta en cualquier caso como una obra tan ambiciosa como encantadora, además de con enorme potencial comercial, circunstancia esta última que el propio autor ha arrastrado como supuesto lastre durante toda su trayectoria. Se trata, sin embargo, de una valiosa virtud consistente en combinar calidad y accesibilidad, en un equilibrio que en esta referencia afloraba con inusual efectividad.

Un triunfo amparado por ese irresistible trío de ases en forma de singles mayúsculos, en un logro compuesto por la propia “Off The Ground” abriendo fuego, la encantadora “Hope Of Deliverance”, y “C’Mon People” ejerciendo como épico final. Junto a ellas aparecían otro buen puñado de destacadas igualmente pegadizas, del tipo de “Biker Like An Icon” (también extraído como sencillo), “Looking For Changes”, la “Beatle” “Mistress And Maid”, “Peace In The Neighbourhood”, “The Lovers That Never Were”, o el ramalazo de rock & roll añejo de “Get Out Of My Way”. “Off The Ground” fue un disco positivista, de aroma clásico y aparente trazo sencillo, en el que la voz del inglés lucía espléndida y plagada de matices. Un cúmulo de virtudes que, visto en perspectiva, funciona como paradigma de todo aquello que una buena pieza pop debe sugerir: elegancia, estribillos pulidos y buenas vibraciones. Y, de paso, como la enésima prueba de ese talento cada vez menos cuestionable de Sir Paul McCartney. raúl julián

RR Viva Belgrado anuncian nuevo álbum, “Cancionero de los cielos”, del que ya podemos escuchar el avance “Elena observando la osa mayor”. Se publicará en su propio sello Fueled By Salmorejo.

RR Se ha estrenado ya el frenético Live On KEXP que Carolina Durante grabaron en Seattle (Estados Unidos) el pasado mes de julio y que no ha visto la luz hasta finales de septiembre. La banda interpreta cuatro canciones.

RR Parecía imposible, pero Manolo García y Quimi Portet han vuelto al estudio como El Último de la Fila. En este caso han regrabado veinticuatro de sus grandes canciones bajo el título de “Desbarajuste piramidal”

RR El próximo 1 de octubre se celebrarán los cien conciertos del ciclo Encaja2 del Teatro Jovellanos. La protagonista será nada menos que Joana Serrat Y recordad que los conciertos pueden verse posteriormente en Youtube.

RR Miss Caffeina dejarán los escenarios durante una temporada para recobrar fuerzas. Pero antes ofrecerán cinco shows: 12 enero (Sala Repvblicca, Valencia), 19 enero (Sala París 15, Málaga), 26 enero (Teatro Circo Price, Madrid), 17 febrero (Magma Club, Alicante) y 23 febrero (Razzmatazz, Barcelona).

RR No contentos con agotar todas las localidades para su concierto en el WiZink Center de Madrid del 14 de octubre, el dúo rapero Natos y Waor anuncia una segunda fecha en el mismo recinto para el 26 de octubre de 2024.

RR Tras anunciar todo el grueso de su cartel y sus fechas, el SanSan Festival de Benicàssim anuncia que cierra su cartel con el fichaje de La Oreja de Van Gogh. Se suman a una parrilla en la que nos encontramos con Arde Bogotá, Vetusta Morla, Viva Suecia o Amaral. Recordemos que se llevará acabo entre los días 28 y 30 de marzo de 2024. MS

Local Natives Nativos en la distancia

“Time Will Wait For No One” (Concord Records, 23) es el nuevo trabajo de Local Natives, uno de esos grupos cercanos a los que hemos visto crecer, salvando la distancia que marca el Atlántico.

MADURAR JUNTO a una banda trae consigo la inexplicable pero emocional dicha de sentir que ésta te habla directamente a ti a través de sus canciones o que incluso te integra en su particular camaradería, construida a lo largo de los años a golpe de disco y gira. Eso hemos sentido con Local Natives, quienes ahora constatan a través de su “Time Will

Wait For No One” que el paso del tiempo, efectivamente, se ha convertido en una nueva preocupación que incorporar a su particular registro. “Llevamos haciendo música como Local Natives desde hace quince años, y ésta fue la primera vez que permanecíamos tanto tiempo separados los unos de los otros y sin tocar juntos”, apunta Taylor Rice, guitarrista. “Ryan y Kelcey, de hecho, creyeron que, dada la incertidumbre y el bloqueo en el que nos hallábamos, esto bien podría haber significado el final de la banda. Afortunadamente, encontramos la forma de sacar la cabeza y seguir adelante, y de algún modo este disco atestigua este viaje tan intenso de dos años en el que hemos terminado entendiendo quiénes somos y hacia dónde nos dirigimos”. Lo cual no solo se tradujo en la continuidad de la banda,

RR Muse anuncian una caja especial de veinte aniversario del que es uno de sus mejores y más exitosos álbumes, “Absolution”, el tercero de su trayectoria. El lanzamiento incluirá temas inéditos, rarezas, un libro fotográfico y una larga entrevista con el grupo.

RR Tras hablarse del tema durante varios meses, parece que finalmente Lizzo ha sido denunciada oficialmente por abusos y maltrato a parte de su equipo de baile.

Florent y Yo Orbitando solo

El pasado mes de mayo veía la luz “Florent y Yo” (El Volcán, 23) de Florent Muñoz. El eterno guitarrista de Los Planetas se ponía así finalmente tras el micro.

CUALQUIER MOVIMIENTO que tenga que ver con Los Planetas conlleva una repercusión considerable, dado el estatus preferencial (ganado a pulso) que ostenta la formación granadina. El destino ha querido que sea a lo largo de la misma temporada cuando los dos pilares fundamentes del grupo y

miembros fundadores del mismo debuten en solitario y al margen de la banda madre. Si J publicó a finales del pasado mes de septiembre “Plena Pausa” (23), Florent hizo lo propio hace solo unos meses lanzando al mercado el más que agradecido “Florent y Yo”. Nos citamos con el artista en un bar próximo al Paseo del Prado para, entre dobles de cerveza, mantener una charla tan amigable como jugosa, que comienza con el motivo que derivado en el lanzamiento de “Florent y Yo”. “Partimos de la pandemia, un momento en el que nadie sabía lo que iba a pasar. Quería hacer algo que dejase un legado de una forma mucho más personal y

RR El célebre artista Marilyn Manson ha sido sentenciado a 20 horas de servicio comunitario y al pago de 1,400 dólares tras atacar a la videógrafa Susan Fountain durante el transcurso de un concierto en 2019.

RR Tom Waits subasta su mítico sombrero Fedora a través de la Union Solidarity Coalition (TUSC) para facilitar un seguro médico de calidad a los cineastas afec tados por las huelgas estadouni denses de WGA y SAG-AFTRA.

me exigí hacer una letra al día. Mi intención era currar estas canciones para Los Planetas, pero J también curró muchísimo en pandemia y cerró ‘Las canciones del agua’ (21), así que decidí lanzarme. Este disco me recuerda mucho al ‘Súper 8’ porque tiene una única atmósfera”. Queda claro, por tanto, que la dichosa pandemia ha sido un elemento determinante en la creación de este disco, pero, en este caso, motivando un contrapunto y hasta lograr que el álbum luciese luminoso y optimista. Quizás, incluso, la propia respuesta del músico ante aquel momento tan agónico. “Nadie sabía lo que iba a pasar, ni dónde estaba la cura. El

“Este disco es como la síntesis perfecta de nuestra amistad”

RR Jann Wenner, cofundador de la veterana publicación estadounidense Rolling Stone, ha sido destituido de la junta directiva del Rock & Roll Hall Of Fame por sus graves declaraciones de tintes racistas y sexistas en una entrevista con The New York Times.

RR El popular artista mexicano de corridos tumbados Peso Pluma ha sido amenazado por el Cartel de Jalisco Nueva Generación tras atreverse también con los narcocorridos. Recordemos que estará actuando en Madrid (21 noviembre, WiZink Center) y Barcelona

MONDO FREAKO

sino también en la etapa más prolífica de la misma, tal y como nos confirma Nik Ewing, bajista. “’Desert Snow/Hourglass’ fueron los primeros adelantos, pero a decir verdad, cuando los publicamos este álbum ya estaba terminado. De hecho, en aquel momento estábamos ya inmersos en la composición de un nuevo disco”.

PARA ENTENDER MEJOR “Time Will Wait For No One”, debemos remontarnos a su concierto en el Greek Theater de Los Ángeles, que de algún modo, lo cambió todo. “Fue un concierto muy emocional, principalmente porque era el primero que dábamos tras el gran confinamiento. Además, fue en nuestra propia ciudad, lo cual lo hacía todo más especial”, confirma Taylor. “Recuerdo que incluso en los ensayos previos al concierto terminamos llorando como magdalenas, y tuvimos que tomarnos un descanso de unas tres horas antes de comenzar el show porque llegamos a pensar que no íbamos a ser capaces de subirnos al escenario y mantener la compostura”, añade Nik.

(22 noviembre, Palau Sant Jordi).

RR El actor Idris Elba sorprende firmando y publicando la potente banda sonora del videojuego “Cyberpunk 2077: Phantom Liberty” bajo el título de “The Phantom Files”

RR Sufjan Stevens ha declarado que sufre el síndrome de Guillain-Barré, una enfermedad neurológica que provoca parálisis progresiva. Ahora mismo está en rehabilitación y alejado de la promoción del que será su nuevo disco, “Javelin” MS

sistema que tenemos como sociedad se vino abajo y todo se bloqueó. Sin embargo, yo siempre dejaba una puerta abierta para que no hubiera un fin sino una continuidad. En la música está todo inventado, pero hay que manejar los elementos para que surja algo nuevo... o al menos lo parezca”. El destino ha querido que varios miembros de Los Planetas estén ahora mismo enfrascados en proyectos al margen de la banda granadina, circunstancia ante la que cabría sospechar que quizá se trate de un proyecto tan intenso que de tanto en tanto necesite oxígeno. “Los Planetas es una cosa muy potente y a veces te absorbe tanto que te limita. Yo veo muy bien que todos tengamos otras inquietudes y les demos rienda suelta. Hablé con J acerca del futuro de Planetas y le propuse:

“AQUEL CONCIERTO se sintió como una suerte de péndulo, capaz de llevarnos emocionalmente de un extremo a otro, y eso es lo que hemos querido reflejar con este disco”, subraya Taylor, quien además tiene a bien mencionar el clima en el que se gestó este nuevo álbum: “Todo comenzó a fraguarse en el patio trasero de mi casa, que fue donde nos reunimos por primera vez tras el confinamiento. El mood que creamos fue genial, porque nos recordó exactamente el mismo espíritu que tuvo en su día nuestro primer álbum, ‘Gorilla Manor’, dado que en aquel tiempo solíamos vivir juntos”. Un debut que, sorpresivamente y gracias a Taylor, descubrimos que lleva ADN granaíno: “Viví durante un tiempo en Granada, y fue maravilloso. De hecho, y como dato curioso, te diré que algunas de las canciones del disco las comencé a escribir allí”. fran gonzález

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‘Tronco, tengo ganas de hacer un disco de rock & roll’ ¡Así se lo dije! [risas]. Me dijo que cuando quiera lo hacemos y le respondí ‘¡Cuento con tu palabra, J!’”. Y es que Los Planetas ostentan el honor de haber sido uno de los bastiones claves dentro de esa escena indie que se consolidó en España a mediados de los noventa. “Soy consciente de la magnitud, trascendencia e importancia que han tenido Los Planetas. En lo musical, pero también en la postura que hemos tenido ante el negocio musical”. raúl julián

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“Este disco me recuerda mucho al ‘Súper 8’ porque tiene una única atmósfera”

Melenas Hoy es hoy

texto Raúl Julián foto Josedelou

LA PRINCIPAL SENSACIÓN que queda tras una charla con Melenas es la de euforia, alargando así una percepción ya desprendida por el propio álbum. Sin duda, “Ahora” es un paso de gigante con respecto a entregas previas que, por otro lado, ya dejaban entrever el potencial de la banda. “¡La diferencia principal es que desde entonces hemos aprendido muchísimo! Algunas de nosotras apenas sabíamos tocar instrumentos cuando empezamos, y todo fue muy espontáneo. Era pura frescura y pop. Como parte de una evolución natural, hemos ampliado la paleta de sonidos y texturas, incorporando nuevos elementos. Nos emociona mucho ver cómo ha evolucionado el sonido y la capacidad de poder expresarnos conforme hemos ido aprendiendo. Como consecuencia natural, cada vez que hemos sacado un nuevo trabajo nos ha parecido el mejor, así que este es nuestro mejor trabajo hasta la fecha”. De hecho, cabría entender el propio título del disco (y de la canción que lo abre) como toda una declaración de intenciones, apostando por la confianza ciega del cuarteto. “El mensaje del disco es que el momento siempre es ahora. Hay que intentar no perderse demasiado en la nostalgia ni en la proyección de un futuro incierto. Tenemos confianza en lo que hacemos porque lo disfrutamos y nos ayuda a expresarnos. Y, si eso además hace que conectes con la gente, es pura magia. Si nuestras canciones llegan a más gente, podremos visitar más lugares, tocar más y ser más felices”. En la práctica, “Ahora” es un disco de indie-pop con clara querencia por jungle-pop y algunos trazos de shoegaze y post-punk más en el fondo que en la forma. “El denominador común entre los tres discos es la forma en la que entendemos las canciones: melodías pop, progresiones armónicas simples, ritmos contundentes, armonías vocales, y

EL APUNTE

La impronta femenina

GINEBRAS, CARIÑO, SHEGO, Menta, Monteperdido, Lady Banana, Melenas. Hay un buen número de bandas en la actual escena compuestas o lideradas por mujeres, síntoma de que algo está cambiando dentro de la industria musical, un sector que podría estar más evolucionado que otros en este tema... ¿o quizá no tanto? “La industria musical está cambiando desde hace ya algunos años, aunque es necesario que esa tendencia continúe y se haga más profunda. Nos encantaría que siga creciendo el número y la relevancia de las artistas femeninas, pero también que ocurriera algo semejante en otros sectores de la industria tadavía muy masculinizados: promotores, discográficas, productores, técnicos... Nos parece que la cara visible de la música está cambiando, pero que hay otra a la cual le queda mucho camino. Queremos que las cosas continúen cambiando y se destierren esas actitudes sexistas y abusivas que todas las mujeres hemos sufrido, sobre todo en determinados entornos profesionales”. r.j.

arreglos chulos, todo con reverb. A nosotras nos resulta difícil etiquetarla, pero es cierto que en Melenas se pueden percibir influencias de distintos sonidos o escenas musicales, siempre bajo el denominador común del pop”. O, dicho de otro modo: escuchando “Ahora” no es raro que vengan a la cabeza nombres concretos como

Era cuestión de tiempo que Melenas desbordasen definitivamente con un trabajo inexcusable. Sucede en un disco de título premonitorio como es “Ahora” (Trouble In Mind/Mushroom Pillow, 23), tercer álbum de las pamplonicas.

los de Yo La Tengo, los primeros R.E.M., Stereolab, Camera Obscura, The Feelies o The Vaselines, algo que las autoras de las propias canciones aceptan de buen grado pero también puntualizan. “Todos esos nos encantan y, aunque muchas veces no seamos conscientes, mucha de la música que escuchamos acaba en las canciones. Durante el proceso de gestación hemos escuchado mucha música, pero Antena, Reymour, The Magnetic Fields, Stereolab, Yo La Tengo, NEU! o Broadcast están sin duda dentro del universo de este disco”. El resultado es un trabajo con su ritmo propio, con canciones secuenciadas con mano diestra con vistas a que haya una identidad conjunta más allá de que sus piezas funcionen también por separado. “Intentamos tener cuidado a la hora de decidir el orden de las canciones o cuáles van en cada cara. La decisión implica un proceso de escucha, pruebas y reposo que puede llevarnos algunos días, pero nos gusta que la secuencia de canciones tenga cierto sentido más allá de una yuxtaposición. Que se potencien las unas a las otras y que la serie vaya envolviendo a quien la escucha”.

UNA VEZ CUBIERTAS las obligaciones en los festivales veraniegos, queda por ver cómo defenderá el cuarteto sus nuevos temas en directo, ya al amparo del ese circuito de salas del todo necesario. “Habrá gira estatal de presentación del disco a partir del otoño, y en la primavera de 2024 iremos a Europa y Reino Unido ¡Al final tocar (y viajar) es lo mejor de todo esto, lo que le da sentido! En los actuales directos hay una mayor presencia de teclados y sintes, además de cajas de ritmos y secuenciadores, en contraposición a las guitarras que anteriormente tenían más protagonismo. También hay una mayor participación de todas a nivel de coros. ¡Todo esto aporta aire nuevo, nuevas energías y a nosotras una gran emoción por compartirlo!”.

Más en www.mondosonoro.com

EN CONCIERTO

l Málaga 06 octubre. La Térmica

l Granada 07 octubre. Planta Baja

l Donosti 20 octubre. Dabadaba

l Barcelona 27 octubre. Sala Upload

l Bilbao 09 noviembre. Kafe Antzokia

l Oviedo 10 noviembre. La Salvaje

l Madrid 15 diciembre. El Sol

l Valencia 23 diciembre. TBA

“¡Tocar y viajar es lo mejor de todo esto y lo que le da sentido!”

MONDO FREAKO

El brillante crecimiento artístico de Georgia ha ido siempre de la mano de su autoconocimiento y desarrollo personal. “Euphoric” (Domino/Music As Usual, 23), su tercer álbum de estudio, supone una celebración de la libertad, la estabilidad y el equilibrio de su vida actual.

“CREO QUE LA PANDEMIA nos hizo a todos reevaluar ciertos aspectos de nuestras vidas, reinventar parte de nuestra identidad y tener nuevos puntos de vista sobre la vida. Yo fui una de esas personas que hizo un balance de quién era en ese momento para tratar de cambiar algunas cosas y lo hice a través de la música”. De ahí nace “Euphoric”, el tercer álbum de Georgia, un trabajo con el que la hija de Neil Barnes (Leftfield) encara su momento actual, un momento en el que se siente estable y en un equilibrio merecido tras todos estos años.

“Siento que ese sentimiento de búsqueda de libertad afectó al sonido del disco. Impregnó parte de la producción, ciertos acordes que usamos, sonidos, sintetizadores aéreos… Era como si todo estuviera inspirado en la música beach de los noventa, o algo así, y el pop de William Orbit”.

QUEDAMOS CON GEORGIA en un hotel de Madrid para analizar con ella lo decisivo que ha sido este disco en su carrera. Cómo a través de este proyecto ha logrado romper todo tipo de prejuicios previos, conocerse mejor como persona, artista y encontrar la madurez creativa. “Todo lo plasmé en las letras y ese es el sentimiento general que rodea ‘Euphoric’. Espero que la gente al escuchar los temas sea capaz de identificarse con ellos, porque no estaba siguiendo ninguna tendencia musical del momento, ni nada por el estilo, a la hora de crear. Es un disco en el que me enfrento a mí misma como ser humano, pero también para tratar de entender dónde encajo con el resto del mundo”. Un álbum que Georgia define también como lo mejor que ha hecho hasta ahora, una experiencia personal alucinante y con el que por primera vez salió de Londres para seguir creciendo fuera de su refugio habitual. “Amo Londres, pero realmente quería una experiencia diferente. Quería una especie de pequeña aventura, sentirme

Georgia Volando libre

liberada. Así que bueno, salió la oportunidad de trabajar con Rostam, él vivía en Los Ángeles y de repente me encontré haciendo el álbum allí. Sabía que era arriesgado, pero a veces para conseguir tu libertad necesitas tomar ciertos riesgos”. Una unión con la que logró focalizar en su lado más “artista” y no tener que estar preocupada de ser la única persona implicada en todos los procesos

creativos del proyecto. “Fue todo muy mágico. Aprendí mucho y sentí que realmente me empujaba a crear de una forma en la que me hacía sentir que era una cantante de verdad. Rostam sacó de mí la Georgia artista y me ayudó a comprender que podía concentrarme en ello y no estar todo el rato pendiente de ser yo sola la encargada también de producir el álbum, hacer las mezclas, etcétera…

Me hizo sentir muy cómoda en todo el proceso creativo y, a veces, también muy incómoda para que expresara todo lo que yo tenía dentro”.

ERA UN RETO ENORME pasar página tras el impacto y la buenísima acogida de “Seeking Thrills” (20), un disco que supuso un gran salto para la artista y que la definió como una de las figuras más interesantes del nuevo pop. Sin embargo, Georgia no ha dudado ni un solo momento en volverse a poner a prueba y retarse a ella misma a la hora de crear “Euphoric”. Un álbum que busca desarrollar facetas de Georgia que la industria actual desconocía y quitarse un poco la etiqueta DIY que hasta ahora tiene en el mercado. “Esta industria te desafía todo el tiempo y antes estaba intentando complacer a un montón de gente sin pensar en mí. En los últimos dos años he trabajado en aprender a sentirme bien conmigo misma, estar sana, sacar mi mejor versión”.

Una de las grandes joyas de esta nueva etapa es ese cierre de álbum con “So What” para la que se unió a Justin Parker (Lana Del Rey, Rihanna) y que supone el resumen perfecto del crecimiento del que hemos estado hablando. “Ese tema habla básicamente de cuando te intentan hundir y lo importante que es volverte a levantarte. La verdad es que creo que ese es realmente el mensaje del disco. Era muy consciente de que iba al estudio con uno de los mejores escritores que existen y no estaba dispuesta a desaprovecharlo, quería disfrutar de todo ese tiempo juntos al cien por cien”. La música para ella es su forma de vida, su vía para expresar su presente y mostrar así sus historias al mundo. Una forma de comunicación que necesita casi como respirar y que ya le está obligando a pensar en cuál será el próximo paso a dar. “Estoy abierta a todo tipo de música y me encanta crear. Me apasiona entrar al estudio y desplegar mis alas por completo. Ahora vivo una etapa creativa en la que si se presentan oportunidades que me parecen interesantes las agarro sin dudarlo. Me encantaría, por ejemplo, hacer la banda sonora de una película de terror o grabar en el estudio con alguien como Chris Martin, no sé. Tengo muchas ganas también de volver a meterme en el proceso de composición de mi nuevo álbum y estoy abierta a todo tipo de propuestas. Lo dicho, me encanta encerrarme en el estudio, ese es mi verdadero hogar”. álex jerez

WALA. WALA

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“Me encantan los comentarios positivos. Aprecio cuando la gente habla por alguien que está siendo intimidado o atacado por trolls de Internet”

“Dejé los cigarrillos en 2019, la heroína en 1978 y la cocaína en 2006. Todavía me gusta tomar una copa de vez en cuando, porque no voy a ir al cielo pronto”

“Trabajar con Billy Corgan fue un sueño. Quiero decir, es uno de los últimos íconos verdaderos que quedan de su época”

“No mucha gente compra formatos físicos. La gente no lee las notas interiores y la mayoría no saben ni quien ha producido un disco”

“NO ES MI ESTADO NATURAL QUERER ESTAR FRENTE A UN MONTÓN DE GENTE, PERO LO HE ACEPTADO COMO

Ben Gibbard de Death Cab For Cutie en Spin

Chelsea Wolfe en Crash Magazine

Jami Morgan de Code Orange en NME

Doja Cat en Harpers Bazaar

“Este disco trata realmente de la libertad”

Keith Richards de The Rolling Stones en The Telegraph

CELEBRANDO LA CULTURA HECHA POR Y PARA

30 AÑOS HUMANOS.

Allison Russell

Justicia y alegría contra el trauma

Nos reunimos con Allison Russell al día siguiente de su primer concierto en Madrid como artista principal. Hablamos sobre su nuevo trabajo, “The Returner” (Fantasy/Music As Usual, 23), segundo disco en solitario tras el exitoso, “Outside Child”.

texto Sergio Ariza

foto Dana Trippe

RUSSELL ha superado una infancia traumática –su padre adoptivo abusó de ella durante años– y se ha convertido en una de las grandes voces de la escena de Nashville, mezclando folk, soul o funk, con unas letras combativas para una persona que ha sabido sobreponerse a algo terrible y sigue luchando por todo lo que le parece

injusto. Se muestra abierta y simpática y se puede traslucir toda su pasión por la música cuando habla de algunas de sus influencias como Roberta Flack, Joni Mitchell o Prince. Se muestra encantada con el público y el recinto de las Noches del Botánico y explica que le encantó ver a la gente cantando sus canciones. Su nuevo disco es mucho más luminoso que el primero y en la primera canción, “Springtime”, intenta dejar atrás la oscu-

ridad del pasado pero tiene claro que “un trauma así no creo que se supere nunca completamente, o que se olvide, pero se puede dejar atrás”. Esto es lo que intenta con “The Returner”, un álbum llamado así por una palabra con la que describió a Joni Mitchell, uno de sus grandes ídolos, tras participar en su concierto de vuelta tras superar un ictus, aquella experiencia la conmovió tanto que le escribió un poema. Algo normal si tenemos en cuenta que su madre era del mismo pueblo que Joni y una ávida fan de la autora de “Blue” (71) y se pasaba horas tocando al piano las canciones de Mitchell. Russell tiene tatuado en su memoria esconderse debajo del piano de su madre y escucharla cantar las canciones de “Ladies Of The Canyon” (70). “Ella era incapaz de expresar su amor, pero yo lo podía sentir cuando tocaba a Joni Mitchell”. Normal que tocar con Joni sea siempre un placer para ella, en el momento en el que se hizo esta entrevista acababa de volver a hacerlo, tocando el clarinete en una reedición

3de “Young At Heart”, durante la cual Mitchell la llamó “la clarinetista más bella del mundo”. Se puede notar su alegría y emoción cada vez que habla de Joni. “Fui la única canadiense, aparte de ella, que formó parte de aquella primera ‘Joni Jam’, incluso llegué a escribir un poema sobre todo ello y en el poema me refiero a Joni como nuestra ‘lady returner’. Ella ha regresado de la muerte tres veces y la última, tras el aneurisma que la dejó en coma, nadie pensaba que fuera a hablar o andar otra vez”.

PRECISAMENTE EN SU COLABORACIÓN con su compatriota canadiense conoció a otras dos invitadas de su nuevo disco, Wendy & Lisa, de los Revolution que acompañaron a Prince a comienzos de los ochenta. Las dos tocan en todas las canciones de “The Returner” pero, además, Russell consiguió que cantaran en “All Without Within”, su particular homenaje al genio de Mineápolis. “Les rogué que hicieran esa parte en la canción [se pone a cantarla] y todos nos pusimos a gritar porque era ese sonido de The Revolution…”. Russell reconoce que otra de sus grandes influencias para este disco ha sido Roberta Flack. “He estado escuchando muchísimo a Roberta Flack, he estado obsesionada con ‘Quiet Fire’ (71), es tan bonito y maravilloso, así que esa ha sido una clara influencia en el sonido en este

disco”. Aunque también ha tenido tiempo para empaparse de otro clásico, “What’s Going On” (71) de Marvin Gaye. Influencias que se notan en un disco más soul y menos folk que el anterior.

CLARO QUE RUSSELL sigue siendo igual de combativa que siempre, cuando sugiero que si, a veces, no le entran ganas de volverse a Canadá, viviendo en Nashville, Tennessee, un estado en el que cada vez se hacen leyes más restrictivas. Se lo toma muy a pecho. “Mi hija va al colegio en Nashville y todas sus relaciones son de allí y yo tengo que enseñarle que se puede luchar por todo. No hay que huir del fascismo, hay que plantarle cara. Date cuenta de que yo todavía sería una persona esclavizada si todo el mundo huyera del fascismo…”. Y es que, es evidente, el compromiso social es casi tan importante

o más que la música para Russell, reconociendo que queda mucho por hacer pero ella está dispuesta a lucharlo. “Es muy duro, pero sigo teniendo esperanzas porque esas leyes no representan a la gente, son años de opresión y de leyes hechas para poder acorralarnos y dar más poder a los nacionalistas y supremacistas blancos”. Así, cuando le comento que este disco me parece más alegre y optimista que el primero, como si quisiera demostrar que se puede disfrutar de la vida a pesar de tener una experiencia tan traumática como la suya en la mochila me responde “nunca vamos a vivir en una utopía, podemos reducir el daño, podemos llevar algo de alegría a nuestra comunidad, pero hay que seguir luchando contra la opresión, contra el cambio climático… Contra el fascismo, contra cualquier injusticia… Por eso es tan importante pasarlo bien y tener alegría, porque ellos quieren que estemos asustados y sin esperanza, pero siempre hay esperanza”. Y puede que en esa respuesta esté la esencia de Allison Russell y de su música, alguien que lucha por la justicia, sin olvidarse de la alegría, a pesar del trauma. s.a.

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“No hay que huir del fascismo, hay que plantarle cara”

MONDO FREAKO

Baroness Únicos en su especie

Hace años que los norteamericanos Baroness abandonaron el sludge metal para adentrarse en terrenos abonados al folk, el rock progresivo y la experimentación. “STONE”

(Abraxan Hymns, 23) conserva su sello personal, identificable a pesar de su camaleónica evolución, pero expande aún más sus coordenadas sonoras.

LA GUITARRISTA GINA GLEASON me atiende por videoconferencia. Luce una camiseta de Led Zeppelin, gorra con visera y la sonrisa tranquila y entusiasta de quien sabe que acaba de firmar un buen trabajo. “La voluntad de no repetirse forma parte de la arquitectura de la banda desde sus inicios, pero creo que se aprecia más en los dos últimos discos. Como compositores, es importante saber que no vamos a encontrarnos con la misma vieja fórmula una y otra vez, así que, egoístamente para mí, es algo muy excitante y divertido [risas]”. “STONE” es su tercer disco desde que cambiaron Relapse Records

por su propio sello, Abraxan Hymns, y su segundo álbum desde la entrada de Gleason en el grupo en 2017. ¿Ha cambiado su rol en la banda desde que grabaron el anterior “Gold & Grey” (19)? “En aquel momento ya me sentía muy integrada porque giramos mucho antes de escribir y grabar ese disco. Creo que la mayor diferencia es que entonces tenía una visión casi de fan, estaba muy familiarizada con sus canciones y no podía evitar pensar cómo debería sonar un nuevo disco de Baroness. Con el tiempo he aprendido a pensar más en el grupo como un todo y he podido abandonarme y dejarme llevar. También hemos girado mucho y la relación con los compañeros se ha ido afianzando. Somos amigos y funcionamos casi como una familia”. A ese buen ambiente en el seno del grupo contribuye también el hecho de que todos tengan su propia voz en la mayoría de decisiones. “El proceso de composición es muy democrático, todo el mundo trae sus ideas y todas ellas se consideran y desarrollan. Literalmente es un trabajo en grupo. También es un proceso emocionalmente profundo que nos toca muy adentro, y eso sucede precisamente porque podemos poner mucho de nosotros mismos en cada disco”. Esa aportación personal deja entrever también los variados gustos musicales de cada uno de ellos, factor que alimenta el eclecticismo intrínseco de Baroness. “Lo

bueno de escribir música en esta banda es que nada se descarta por el hecho de ser de un género musical específico. En mi caso, por ejemplo, todos los grupos con los que giraremos este otoño me gustan y algunos de ellos los he visto en directo mientras grabábamos el disco. Bandas como Portrayal Of Guilt, Full Of Hell, Escuela Grind, Vile Creature, cuyo show es uno de los mejores que he visto este año, Soul Glo o Cloud Rat, que tienen un guitarrista increíble”. Dime con quién te juntas y te diré quién eres. La lista de bandas que abrirán para Baroness en su primer tramo estadounidense de gira en esta recta final del año incluye otros nombres destacados como Chat Pile, Primitive Man, Zorn, Ken Mode o Imperial Triumphant. Una alineación heterodoxa que refleja de forma bastante fiel no sólo la actitud y el universo sonoro de Baroness sino también el peso que la banda ha adquirido en el metal alternativo actual.

EN LA TRAYECTORIA MUSICAL de Gleason encontramos algunos detalles sorprendentes. Desde actuaciones con The Smashing Pumpkins y Carlos Santana hasta una intensa pero instructiva etapa como guitarrista en la compañía Cirque du Soleil. “Estuve allí cinco años, realizando casi quinientos shows por año, a menudo con dos actuaciones por día. Fue una profunda lección de

disciplina, paciencia y persistencia. No era realmente lo que quería hacer, pero la experiencia me permitió crecer como artista”. Si retrocedemos aún más en el tiempo hallamos pequeños tesoros como Queen Diamond, su banda de versiones de King Diamond; y Misstallica, grupo femenino de tributo a Metallica que lideró en sus años de instituto. “Fue muy divertido, imagínate, mi primera experiencia tocando en directo y viajando con mis amigas. Tuve una sensación de libertad increíble y en esa época decidí que quería dedicarme a la música el resto de mi vida”. Si le hubieran dicho entonces que años después su banda Baroness abriría algunos conciertos para los autores de “Master Of Puppets” (86)… “Nunca llegué a pensarlo, ¡quién lo habría imaginado! [risas]”.

POR ÚLTIMO, y a pesar de los avances, una reflexión sobre el rock como reflejo del patriarcado. “Veo mucha más diversidad en la música extrema y en el hardcore. No estamos al mismo nivel que en el pop, pero creo que ver más mujeres en bandas de rock está generando cierta sororidad y ayuda a que muchas chicas se planteen tocar en su propio grupo. Ya no hablamos de un club exclusivo de hombres. Aún hay mucho de eso pero estoy contenta de que las cosas estén cambiando y de que las mujeres estén cada vez más representadas en el rock y en sus canciones”. david sabaté

TOP VÍDEOS.

QThe Chemical Brothers Skipping Like

A Stone

1

El dúo electrónico por excelencia son unos clásicos en clips de referencia y este cumple con las expectativas más altas. Toda una loa en imágenes al arte de arrojar piedras, ya sea como diversión o como arma.

2

Clara Peya invita a Silvia Pérez Cruz a hacerse con las riendas vocales de esta delicada pieza que viene acompañada por un vídeo con la misma carga de sensibilidad y belleza que la tonada. Preciosa combinación cargada de simbolismo y expresividad.

QViagra Boys Troglodyte

La banda de punk-rock sueca siempre se ha caracterizado por realizar clips cargados de humor y una buena dosis de auto-parodia y este vídeo realizado con muñecos de plastilina y la técnica stop-motion no resulta ser una excepción.

3

QMåneskin HONEY (ARE U COMING?)

Melodía certera, coreable e intensa, acompañada por unas imágenes que capturan ese ritmo frenético que se le presupone a cualquier banda de rock que se precie. ¿Comercial? Sí, pero nos gusta.

4

QMitski My Love Mine All Mine

La estadounidense de origen japonés nos entrega un clip cargado de una poética sensibilidad, ejecutado con una puesta en escena sencilla, en la que la artista apila un buen número de sillas para acabar encaramada de forma muy ligera en lo más alto. MS

5

QClara Peya Nana para mí

“Cada disco es un proceso emocionalmente profundo que nos toca muy adentro”

71/Mondo VINILOS

James Blake Playing Robots Into Heaven Polydor/Universal

ELECTRÓNICA / El británico James Blake se redime de su prescindible anterior trabajo con un regreso a sus orígenes, remitiendo de forma directa a su etapa primigenia más post-dubstep y electrónica. El aciago y lánguido sino de su engolada verborrea es sustituido ahora por una brillante sucesión de música de club, capaz de congregar bajo un mismo techo las mejores caras de su producción: desde el toque más minimal (“Asking To Break”), al dancehall más indomesticable (“Big Hammer”), pasando por el techno más tórrido (“Fall Back”) y rematando con agradecidos y mesmerizantes pasajes ambient (“Playing Robots Into Heaven”). Glitches, samples, recortes, y tramos deconstruidos que refuerzan más que nunca su faceta experimental, en aras de presentarnos uno de los capítulos más singulares de su trayectoria reciente, la cual se reafirma con certeza de la mano de un disco que logrará despegar nuestros pies del suelo. fran gonzález

La reválida de Olivia Rodrigo

POP / La historia de Olivia Rodrigo es conocida, ex estrella Disney saca disco y se convierte en estrella pop, siguiendo los pasos de Britney Spears, Miley Cyrus o Selena Gomez, pero, a diferencia de estos, su primer disco recibe el beneplácito crítico y con un disco, “Sour”, sobre relaciones rotas y angustia adolescente logra que las comparaciones cambien hacia Billie Eilish y Lorde, artistas que también escriben sus propias canciones y que sacaron también grandes discos a edades anteriores a los veinte años. Ahora llega la difícil prueba del segundo disco, “Guts”, y la pasa con nota, añadiendo más guitarras, algo que en el panorama “mainstream” actual se puede considerar casi revolucionario, y esas baladas de piano marca de la casa que la emparentan con Lorde. Lo

único malo es que ambas partes no terminan de casar del todo y “Guts” suena, a veces, como dos discos distintos, por un lado la parte más punk pop y guitarrera, donde suele utilizar un refrescante sarcasmo sobre sus relaciones y, por otro, las baladas de desamor devastador en las que se desnuda emocionalmente. Creo sinceramente que funciona mejor en las primeras, con temas como “all-american bitch”, con un inicio folk y acústico que se transforma en un gran tema punk pop, “bad idea right?”, otro punk pop refrescante que se rompe en estribillo explosivo y tiene hasta solo de guitarra sucio y ruidoso, o “ballad of a homeshooled girl”, que no hubiera desentonado en el primer disco de Wet Leg tanto por la música como por la mordaz letra. Entre las baladas destacan las dos que mejor conjugan las dos partes del disco, “vampire”, una de las canciones del año, y “teenage dream”, que cierra el disco. Hay mucho talento aquí, es cierto que está muy lejos de ser un producto prefabricado, pero creo que su mejor disco está todavía en su prometedor futuro, en vez de aquí, aunque supongo que un disco que cuenta con un inicio y un final tan sobresaliente, bien podría ser su obra definitiva. sergio ariza

ROCK / Los canarios This Drama continúan con la sana costumbre de lanzar EP’s, porque como siempre han sostenido: nadie necesita temas de relleno. Parafraseando a Jane’s Addiction, aparecen con un ritual de lo inhabitual ya que en “Loose Talk” cambian la piel y se calzan un outfit extraño, pero que les queda que ni pintado. Aparcan la estridencia para dar espacio a lo acústico, dejan de lado la furia para abocarse a la contemplación. Lo bueno es que nada de esto significa que hayan mermado en intensidad ni poder, sino que han desactivado algo de la inagotable energía que les ha estado marcando desde 2010... hasta cierto punto. Resultará excitante para sus seguidores descubrir esta cara emocional e incidental que contrasta con su habitual hardcore rockero. “Loose Talk” es polvoriento, rutero, como si fuera la banda sonora perfecta para recorrer la isla que los vio nacer. adriano mazzeo

This Drama

Loose Talk Golden Robot

FOTO: DAVIS BATES

Royal Blood: tres son multitud

VV.AA. The Endless Coloured Ways: The Songs Of Nick Drake Chrysalis/ Popstock!

FOLK / Pocas veces una carrera tan corta inspiró a tanta gente. Si Nick Drake levantara la cabeza, se asombraría de lo concurrida que es su parroquia de seguidores y legatarios. De Paul Weller a Iron & Wine, pasando por Belle And Sebastian, Kate Bush, Iron & Wine o Jose Gonzalez, entre muchísimos más, se declararon devotos. No hay papel para citar ni a la mitad. Murió en penuria, pero su recuerdo sigue reverdeciendo. Este no es el primer disco de tributo que se le dedica, pero sí puede ser el que mejor explica lo maleable de su repertorio. Ya sea desde el pulso electrónico de Let’s Eat Grandma, AURORA y John Grant, desde el esplendor cinemático de Craig Armstrong y Self Esteem, desde el ritmo motorik de John Parish y Aldous Harding, desde el folk post punk de Fontaines DC, desde el halo jazz de Karine Polwart o desde el folk más reverente de Mike Lindsay o Joe Henry. Todos añaden pinceladas propias desde el cariño y la delicadeza. carlos pérez de ziriza

Wolves In The Throne Room Crypt Of The Ancestral Knowledge Relapse

ROCK/ A lo largo de la última década hemos asistido en directo y a tiempo real a la consolidación del vínculo que hermana y homologa a los británicos Mike Kerr y Ben Tatcher como una de las duplas más sólidas del rock alternativo actual. Episodios de arrogancia en vivo aparte, el cuarto disco de Royal Blood nos demuestra ser un firme reflejo de esa sincronía, comunión y entendimiento que sus miembros se profesan, con una fugaz media hora que va más allá de la simple y explosiva sucesión de melocotonazos enérgicos y feroces, en favor de apostar por una humanidad, confesión y emoción más latentes que nunca (“Mountains At Midnight”). Desde su estudio en Brighton, y prescindiendo de grandes nombres entre sus créditos, el

dúo británico no solo logra erigir un sonido sin pretensiones, sino también elaborar un discurso que les permita ser más honestos que nunca el uno con el otro (en 2019, sin ir más lejos, Kerr hacía público el comienzo de su sobriedad, y si afinamos bien el oído, atestiguaremos ciertos guiños a ese lugar angustioso y tentador que habita en la mente de cualquiera que decide enfrentarse a un acto de resistencia y perseverancia como el citado). Eso sí, la exposición de su vulnerabilidad no será óbice para que la devastación y la catarsis se consagren como su mejor y más efectivo método a la hora de no quedarse nada dentro (“Shiner In The Dark”). Tirando de puntuales connatos de experimentalismo (como la árida psicodelia de “Pull Me Through” o los setenterismos mccartnianos de “There Goes My Cool”), la pareja pelea para convencernos de que no son una simple banda más de rock contundente y pasado de frenada, y nos demuestra que su nuevo disco sirve tanto como redención ante cualquier atisbo de cancelación mediática, como de recuerdo de su nada desdeñable potencial. fran gonzález

METAL / Sabemos que pocos grupos no escandinavos han podido leer y releer el black metal como Wolves In The Throne Room. Lo que no deja de sorprender aquí es la capacidad de ahondar en ese eclecticismo marca de la casa y facturar músicas de compleja elaboración y notable riqueza artística. Ahora entregan un EP de cuatro temas bien distintos entre sí. “Beholden To Clan” abre a plena sinfonía sobre base de blast beat, un señorial desparpajo de solemnidad oscura y la sensación de estar ante la banda sonora de un reino en decadencia. “Twin Mouthed Spring” amplía miras instrumentales y hace aparecer guitarras clásicas justo después de un par de riffs que son pura tensión. “Initiates Of The White Hart” parece estar escrita en amarillentas partituras medievales y en “Crown of Stone” los coros culturales e indefinidos growls a pura reverb dan espacio a teclados que simplemente guían hacia la puerta de salida. adriano mazzeo

Royal Blood Back To The Water Below Warner

FOTO: ARCHIVO

POP / Una sección de vientos digna de Calle 54, percusión afrolatina, hits bailables a la Miami Sound Machine y la voz de Felix Riebl son algunos de los ingredientes que se encuentran en temas como “Thunder Rumbles”, “Owl” o “Dance The Night Away”. El noveno disco de los australianos recupera la ilusión de sus inicios y le añade todo el bagaje de una extensa carrera; incluyendo nuevos músicos, nacionalidades y sonoridades. Un disco ecléctico en el que hay espacio para el pop colorista de Crystal Fighters en cortes como “Boom Boom” o “Drift Away”, que bien podrían sonar en un anuncio de cerveza estival. O algo más de actitud jazzy en temas como “West Sun” y medios tiempos jamaicanos (“Walls”, “Drift Away”). Coros grandilocuentes y un puñado de multi instrumentalistas sobrados de talento, aseguran la fórmula del éxito de canciones como “Rock’n’roll”. Feel good music, aunque sea por un ratito. marta terrasa

Jamie Branch Fly Or Die Fly Or Die Fly Or Die (World War) International Anthem

JAZZ / Es evidente que cuando un artista muere se suele mirar su obra de manera más positiva, no había oído hablar de la trompetista Jamie Branch hasta que apareció este “Fly Or Die Fly Or Die Fly Or Die (World War)”, su disco póstumo, a pesar de que había colaborado con gente que me encanta como TV On The Radio, Yo La Tengo o Madlib, pero las críticas eran incontestables. Así que decidí escucharlo, suponiendo que eran víctimas del síndrome “post mortem”, pero no solo no me pareció inflado sino que nada más terminarlo me lo puse otra vez y luego otra... Busqué el resto de discos de su catálogo, no comenzó a grabar en solitario hasta 2017, pero desde entonces grabó cuatro discos, me gustaron pero no tanto como esta obra, en la que creo que alcanza el culmen de su arte, un disco en el que Miles Davis se mezcla con Meat Puppets, una verdadera maravilla en la que su voz se hace tan importante como su forma de tocar la trompeta. sergio ariza

POP / Cambiante, apasionado, indomable, en ocasiones más visceral de lo razonablemente recomendable, Kevin Rowland no ha perdido su capacidad para desconcertar al personal. Su primer álbum en siete años, primero de canciones nuevas desde hace once, alterna algunos momentos memorables con desvíos que podrían parecer meadas fuera de tiesto. Tampoco le debe importar demasiado. Nunca lo ha hecho. Álbum conceptual en torno a la reevaluación de su masculinidad, transita del northern soul (“I’m Going To Get Free”) al disco funk sin complejos (“Coming Home”), pasando por el spoken word elegantón a lo Gainsbourg (tema titular y “My Goddes Is”) al lúbrico electro funk a lo George Clinton de “Goddess Rules”, seguidos de la espectacular balada “My Submission” y la soberbia “Dance With Me”. Solo a él se le ocurre colocarlos sus dos mejores cortes justo al final: es Kevin Rowland. Vale la pena no olvidarse de él. carlos pérez de ziriza

The Armed Perfect Saviors Sargent House/ Popstock!

ROCK / Todo lo que hizo a The Armed rehenes de sus aspiraciones en “Ultrapop” son fantasmas que se llevó la primavera que el colectivo atravesó en el proceso de “Perfect Saviors” “Es nuestra intención de crear el mejor disco de rock del siglo 21” dijeron. La aspiración grandilocuente es desmedida, pero la realidad dice que quizá les alcance para que sea el mejor disco de rock de 2023. Aquí hay emoción y melodías con gancho, mugre, perspectiva artística y un trabajo de producción y de interpretación magnífico. El concepto se basa en la voz de Tony Wolski transmutada felizmente en un crooner bolinga, heredero de las voces más decadentes e ilustres del pop británico. El desarrollo instrumental es dinámico y toca extremos impensados, mientras las voces se mantienen en total armonía; sentimentales y brillantes en medio del polvo. Pensemos en géneros improbables: esto sería grind-pop adriano mazzeo

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Anabel Lee Ganamos perdiendo

2 Belako Sigo Regando

3 Nin3S Abstract View

4 Non Servium Criatura

5 Los Mambo Jambo El gran ciclón

6 Florent y yo Florent y yo

7 This Drama Looser Talk

8 Ley Dj YYZ

9 Lala Hayden Girl Becomes

10 María de Juan Dramática

Hozier Unreal Unearth Rubyworks/ Universal

1 Romy Mid Air

2 The Armed Perfect Saviors

3 Olivia Rodrigo Guts

4 James Blake Playing Robots Into Heaven

5 Allison Russell The Returner

6 The Casanovas Backseat Rhythms

7 Fredo Unfinished Business

8 Puma Blue Holy Waters

9 Nation Of Language Strange Disciple

10 Barro Constimordor

María de Juan Dramática Son Buenos

7

POP / Tres discos después, Hozier busca dejar de ser considerado un mero acto viral y persigue el reconocimiento de la escena folk contemporánea a partir de sofisticadas influencias filológicas que firman una perfecta comunión entre raíz y modernidad. Capaz de subir la temperatura (“First Time”), y de reivindicar la vigencia de su lengua madre (“Butchered Tongue”), Hozier baja a los infiernos de Alighieri en un conmovedor asalto, resuelto entre elevadas referencias clásicas (“Francesca”, “I, Carrion (Icarian)”), melodrama, compromiso social (“Eat Your Young”), histrionismo cinematográfico y colaboradoras inesperadas (Brandi Carlile, en “Damage Gets Done”). Tan rico en estilos como en hits, la ambiciosa producción de “Unreal Unearth” reafirma la vertiente mainstream de su responsable, sin renunciar a una prosa introspectiva que dote a su propuesta de cuerpo y perdurabilidad. fran gonzález

COPLA / ¿Qué poderío tendrá? La respuesta es clara, mucho. La trama que María de Juan ha urdido para su segundo disco llega en el mejor momento para ser recibida, cuando hay una mirada amable a la música de raíz en toda la nueva escena musical. La granadina, que publicó su debut largo “24/7” en 2020, ha encontrado en la copla el género perfecto para encontrarse a si misma y lo va a hacer Vestida de Encaje. “Dramática” tiene un relato cinematográfico. La copla era cine y la música urbana es imagen. Tatuajes y caracolillos. Tango y rave. Luego “Me enveneno” de esa voz dulce como el anís y diabólica como el éxtasis. El encaje de piezas era el reto, y funciona, ni un ripio en todo el disco, nada forzado, ni siquiera el encuentro con Antonio de Arde Bogotá, el galán. Salvado el nudo, llega la fiesta, “Jari” y “Avilipinti” son el destape. Ya lo dice María de Juan, una noche dramática. arturo garcía

7

DOMINGO

Avance de conciertos

Miércoles 22 NOV.

SALA LA PAQUI / Madrid

Jueves 23 NOV.

Sábado 25 NOV.

JUEVES 14 FEB.

RAZZMATAZZ 1 / Barcelona

WWW.SALARAZZMATAZZ.COM Entradas en:

Amable + Marc Dorian

Britpop · Indie · Shoegaze

Big Beat · Grunge

POPBAR

Angel Molina + Albert Code

New Wave · Synth Pop

Jungle: hackers del código del éxito

Jungle Volcano AWAL/Popstock!

FUNK / “Somos nosotros contra el mundo”, reza el corte que abre el nuevo disco de Jungle, el dúo británico que, desde 2014, nos tiene secuestrados en la pista de baile. Quizá la afirmación sirva de aviso, ya que Tom McFarland y Joshua Lloyd-Watson lo consideran su trabajo más liberador y ha sido grabado de manera considerablemente más rápida. Un cuarto esfuerzo más enérgico, pero coqueteando con la beligerancia, en el cual los ecos funk y soul –marca de la casa-, dan lugar a producciones cristalinas mucho más musculosas (“Holding On”, “Coming Back”). Jungle han hackeado el código del éxito y a esas melodías sedosas e hipnotizantes de discos anteriores como “Keep Moving”, “Time” o “Heavy, California”, les añade capas de guitarras infecciosas, breakbeats

del funk (“Back On 74”), coros infalibles (“Every Night”) o colaboraciones como las de Roots Manuva en “You Ain’t No Celebrity”. Catorce canciones que suenan más producidas, menos orgánicas y aunque ello no tiene por qué ser un problema, puede echar en falta ese punto genuino que convirtió tantos de sus temas en himnos. Porque a pesar de que lo de Jungle es facturar himnos bailables, también es en los medios tiempos cuando demuestran esa

sensibilidad especial para ofrecer un giro contemporáneo a todas esas sonoridades del pasado. “Problemz” y “Good At Breaking Hearts”, canciones que cierran el disco, intentan justo eso, aunque no sean tan memorables. En cambio, “Dominoes” o “Don’t Play”, se cuelan en el subconsciente, combinando todo aquello que nos atrapa de grupos como The Avalanches, Junior Boys o los siempre presentes, Daft Punk. marta terrasa

POP ELECTRÓNICO / El nuevo proyecto de Ley DJ es un viaje de ida y vuelta que se desarrolla sobre el inicio de una nueva vida en Toronto, la supervivencia, la curiosidad y el refugio en lo propio. La incertidumbre y dualidad que se pinta en “YYZ” son sinónimo de esa sensación extraña de ser “el otro” en un territorio al que das el salto y que no sientes como tuyo propio. Un disco que tiene como raíz el synth-pop del ADN natural de la artista, pero que ramifica con texturas y saltos sonoros que enriquecen su discurso. Así, vamos atravesando paisajes de pulso funky, esencia ochentera, energía fronteriza o giros hacia el ambient. Posiciona “Una Nueva Cosa”, junto a Second, como candidata a himno indie pop, se expande con una “Bullshit” de loop festivalero y llamada a abrir las alas para soltar la rabia. O se agarra a sus orígenes en “Tirarme Flores” junto a La Shica para exponer un tema fusión que va directo a defender los valores de su tierra. álex jerez

ROCK / En Argentina, donde el metal es tradición, el aporte de Barro es revitalizante: hoy el género sigue con vida en el under pero carece de grandes referentes activos. Más allá de quebrar conflictos de género (musical) con mucha facilidad (admirables las incursiones en el punk rock, el hip hop o el soul con esas vocalizaciones espirituales), Barro le pone barrio a una música que nunca puede abandonar del todo cierta cuota de solemnidad. Mucho de esto sucede en “7 Rojas” en la que se inaugura el improbable género “speed metal barrabrava”, para luego entregar altas melodías en sentido tanto técnico como emocional, pintando un imaginario donde la serotonina y la urbanidad están en constante serpenteo. Haced el esfuerzo por quebrar la barrera del slang argentino y os encontraréis con una propuesta que puede tener puntos de contacto con muchas movidas, pero que, al fin y al cabo, es completamente única. adriano mazzeo

ELECTRÓNICA / Tras dos entregas previas, el dúo catalán The Last Concorde regresa con una nueva dosis de synthwave nostálgico de la mano de “Flashback”, un título destinado a rascar en la pared de nuestros recuerdos más imparciales de niñez y adolescencia. Con el fin de trasladarnos directamente a aquellos romantizados años de fantasía de color neón, máquinas recreativas, y noches de sábado en autocine, los hermanos Godàs confeccionan 14 cortes que dejan entrever con elegancia sus manifiestas influencias retro, haciendo de éste un trayecto amable a golpe de melodías hechas para el amor (“Those Days”), la aventura (“Joan Wilder”), la introspección (“Dark Blue Almost Black”), o el baile (“Dreamers”). Con voces invitadas también (“Back To You”), los badaloneses logran revertir la redundancia propia del género y hacer de este disco una ventana muy válida al pasado, siempre que el presente nos supere. fran gonzález

SOUL FOLK / Lo primero que hace Allison Russell en su segundo disco en solitario es despedirse de ese túnel que atravesó. Y es que si en su primera obra, “Outside Child”, lidiaba con algo tan traumático como los abusos sufridos en su infancia y adolescencia, este “The Returner” es un disco más alegre y bailable, metiendo en su folk de raíces más soul y funk, capaz de poner buena cara al mal tiempo, sabiendo combinar a la perfección la celebración y la protesta. El inicio con “Springtime” es totalmente significativo de la importancia del ritmo y el groove en el disco, transmitiendo ese gozo y alegría de vivir que también puede ser revolucionario, como me comentaba ella misma hace poco, “Hay que pasarlo bien y tener alegría, porque quieren que estemos asustadas y sin esperanza”. Eso sí, los que se hicieron seguidores con “Nightflyer” también encontrarán canciones como la titular, “Eve Was black” o “Snakelife”. sergio ariza

The Last Concorde Flashback Outland Recordings

Anjimile The King 4AD/Popstock!

FOLK / La voz de Anjimile se desplaza rota y malherida por un mundo encadenado en el que los límites de los estándares establecidos ahogan la libertad. Donde los juicios constantes terminan dejando en un enorme charco de sangre a muchas comunidades que arrastran secuelas incurables. “The King”, su segundo álbum, duele. Es un hueso seco directo y claro que habla sobre la identidad. Sobre una supremacía blanca todavía existente y la convivencia diaria con ella en Estados Unidos. Bailando entre el folk y el post-rock, se une al multipremiado Shawn Everett (Adele, SZA) en la producción buscando que el mensaje predomine por encima de cualquier otro elemento. El proyecto se sostiene principalmente sobre una guitarra acústica que el músico corta y ahoga constantemente a través de sintetizadores que la rechazan. Busca así tejer una base que suene a lamento, árida, que llore junto a la historia de su protagonista. álex jerez

Nation Of Language

Strange

Disciple PIAS

POST-PUNK / Ian Richard Devaney, Aidan Noell y Alex MacKay rediseñan los barrios de la Gran Manzana a golpe de nostalgia y sinte, realizando una foto fija de un tiempo pasado e idealizado y confirmando la identidad de la banda como una firme heredera del romanticismo post-punk más pretérito. Pasan de estar encorsetados en una maraña de referentes puros e inamovibles a bailar con cierta ligereza y amplitud de miras entre las diferentes ramas del synth-pop, con temas de irresistible tirada como “Sole Obsession”, en la que además asientan los principios su presente discurso, caminando por los lugares comunes de una obsesión de complicada factura y aciaga recuperación. Con Nill Milhiser en la producción, el trío expande su sonido (del minimalismo de “Weak In Your Light” al toque new romantic de “Surely I Can’t Wait”), y sella un testimonio introspectivo que apunta maneras hacia una proyección futura exquisita.

fran gonzález

The National y su fórmula estándar

POP / Estandarización de la fórmula. A tope. Eso se llama, resumiendo, lo que les ocurre a The National. Hace ya mucho tiempo. Quizá sean demasiados los discos que les ha dado por publicar este año. Veintitrés canciones en total, sumando estas a las que publicaron a finales de abril. Y aunque no hay nada reprochable en ello ni en su resolución, que siguen fiando a un oficio indiscutible, esa delgada línea que media entre la fiabilidad y el muermo se vuelve cada vez más urgente. No hay nada en estas doce canciones que no hayamos escuchado antes. Y casi siempre, mejor. Ni siquiera les sacan muchas aristas a las colaboraciones: la de Bon Iver en “Weird Goodbyes”, la de Phoebe Bridgers en “Laugh Track” e incluso la de Rosanne Cash en “Crumble” (la que más juego podría dar por diferencia en edad y estilo) son más cosméticas que determinantes. Los discretos crescendos, los medidos arreglos de cuerda, la serenidad de sus letanías, el tono

levemente épico pero contenido de sus esperanzadas melodías… es como una salmodia en sesión continua. Reconozcámoslo. La carta de ajuste del indie rock madurito. Un muñeco al que se le agotan las pilas tan lentamente que acaba por sonar a disco rayado. La prolongada languidez de un crepúsculo que ha tenido (por supuesto) atardeceres mucho más lucidos. Solo la apoteosis final de “Space Invader” y la crepitante urgencia de la sobresaliente “Smoke Detector” –ambas por encima de los seis o siete minutos, ya rodadas sobre los escenarios: la segunda podría ser un buen punto de fuga o, quién sabe, una especie de gran epitafio– me sacuden un poco por dentro. ¿Era necesaria esta segunda tanda de canciones tras el notable –aunque igualmente continuista–“First Two Pages Of Frankentein” (23). ¿Son meros descartes de aquel? ¿En qué punto del trayecto se planta uno y se baja del carro? ¿Es imprescindible ser mega-ultra-fan fatal para negar por completo esa posibilidad? Algunas de estas canciones podrían tener un efecto cauterizador, según quien las reciba, aunque me temo que, más bien, casi todas induzcan solo a la modorra. Otras hallarán acomodo en resultonas listas de reproducción. Otras serán buen combustible para sus directos. Pero dudo mucho que nos acordemos de ellas en tres o cuatro años. carlos pérez de ziriza

The National Laugh Track 4AD/Popstock!

FOTO: ARCHIVO

Baroness Stone Abraxan Hymns

7

METAL / Que una banda como Baroness nos sorprenda en su sexto disco es algo de lo que deberíamos alegrarnos. Su evolución estilística podrá convencer más o menos, pero no cabe duda de que la mutación que ha experimentado su sonido en los últimos años es un caso digno de estudio. Si, además, dicha evolución se sustenta en buenas canciones, poco cabe rebatirles. Ya en sus inicios supieron desmarcarse de la alargada sombra de Mastodon y otros coetáneos; pero tras el punto de inflexión marcado con “Yellow & Green” (12), puede que este nuevo disco suponga su giro de guion más remarcable. Manteniendo el equilibrio entre intensidad y melodía, Baroness sacrifican de nuevo la pegada rápida en favor de unas estructuras más esquivas que van calando lentamente; una exigencia a la que nos tienen ya acos-

Tirzah ip9love…??? Domino/ Music As

Usual

tumbrados y que tiene recompensa. El disco arranca y termina con una misma armonía, repetida en “Embers” y “Bloom”: un continuum de arpegios entre el dark folk y la canción de cuna hechizada; una pinza melódica que convive con los riffs contundentes de “Last Word”, un buen resumen de las distintas facetas del grupo. Aunque lo realmente interesante llega con “Beneath the Rose” y sus líneas vocales cercanas al spoken word; un tema oscuro

Empire State Bastard Rivers Of Heresy Roadrunner

The Legendary Tigerman Zeitgeist Discos Tigre Branco Unipessoal

FOTO: EBRU YILDIZ

6

METAL / Finalmente llega el debut del anticipado proyecto que une a Simon Neil de Biffy Clyro y Dave Lombardo de Mr. Bungle, ex Slayer y un etcétera imposible de transcribir. La cosa comienza bien con “Harvest”, la descripción de una alucinación que no sale como estaba planeado: las gárgolas acechan en medio de un sórdido parque, los gritos y riffs frenéticos hacen justicia a semejante agobio. “Blusher” aprieta las tuercas y ofrece más opresión y en “Moi?” la cosa se pone interesante, aparece la sombra de lo alternativo con matices y melodías. Luego, con la casi innecesaria “Tired, Aye?” el camino se pone pedregoso. Con la excepción del riff slayeriano de “Palms Of Hands” y el beat surfero de la roñosa “Sold!”, el disco aparca la sorpresa y no supera los mejores momentos de la primera mitad. Empire State Bastard perdió la oportunidad de lanzar un muy buen EP. Habrá que ver cómo se desarrolla el concepto en directo. adriano mazzeo

ROCK / Paulo Furtado –y su alter ego The Legendary Tigerman– ha sido siempre un personaje artístico curioso y con presencia algo enigmática. Es parte del atractivo del portugués, que ahora entrega “Zaitgeist”, con diez piezas empapadas en densidad y meditada oscuridad, además de la influencia moldeada de Suicide como principal valedor del asunto. No es de extrañar, por tanto, que una amplia presencia de sintetizadores modulares de aspecto vintage marque el camino a seguir, dotando al elepé en cuestión de un aspecto intencionadamente pretérito. Un álbum envuelto en cierto halo de misterio, que sugiere diferentes tonos de negro grisáceo y una niebla sonora que supura en torno a las canciones hasta envolverlas con cuidado. Otra muesca en el revolver cada vez más ajado de Furtado y un nuevo destello dentro de una cerrera que no termina de alcanzar relevancia, pero que, a cambio, continúa resultando interesante. raúl julián

7

jerez

CINE Y SERIES

Desencanto (Temporada 5) Matt

Groening

¿Es realmente necesario tener que esperar más de un año para continuar tramas inacabadas? Según todo lo que implica la realización de una serie animada, pues igual sí. Lo cierto es que, obligar a la audiencia a quedarse con la miel en los labios para que el desenlace termine siendo desalentador, no tanto. Sobre todo si se trata de la temporada que pone el punto y final a una producción como “Desencanto”. Sin ser mala del todo, los productores se la podrían haber ahorrado. Parece más un spin-off que un cierre definitivo. En parte, porque el argumento mal formulado obliga a preguntarnos “¿Qué está pasando?” a cada rato. Tanto es así que, como espectadores, tendemos a desviar la mirada a subtramas paralelas mucho más interesantes. Sintéticamente, se trata de una maraña de sucesos caóticos que cobran sentido a

través del viaje físico y espiritual al que se somete la protagonista para poder hacer frente a su destino. Una “Odisea” de Homero en toda regla, vaya. Las abundantes pullas a The Walt Disney Company y el intentar emular obras como “El Imperio Contraataca” (80) o “El Rey León” (94) activan al público, quien reconoce las referencias y es partícipe de la conversación. Asimismo, el aldeano desvergonzado que rompe la cuarta pantalla, la reinvención conceptual del diablo y la diversidad de personajes conforman los tres aspectos más interesantes de la temporada. De todos modos, la decisión de Netflix por cancelarla es entendible. Fue perdiendo lustre poco a poco. En todo caso, a nuestro desencanto lo apacigua el final feliz que este cuento (que poco tiene de hadas) ha recibido. abel olivares

WOODY ALLEN CIERRA (al menos, de momento) su carrera con un último capítulo del periplo intermitente europeo que le ha llevado a rodar en Barcelona, Londres, Roma, San Sebastián y París. Demuestra el cineasta norteamericano que la capital francesa es la ciudad no anglófona en la que se encuentra más a gusto, ya desde los tiempos de “Todos dicen I love you”. Más recientemente, “Midnight In Paris”, su último Oscar de los tres conseguidos como guionista, quedará como una de sus cintas más recordadas de la última etapa y ahora, este “Golpe de suerte”, como uno de los más dignos de sus postreros trabajos. A diferencia de las otras películas europeas de Allen, el cineasta no se sirve de ningún personaje americano como excusa argumental para el contraste entre culturas. En “Golpe de suerte”, entera-

mente hablada en francés, Allen se adentra en la clase media alta parisina con personajes autóctonos y se mueve con la naturalidad como si estos pertenecieran de las altas esferas neoyorquinas. Allen configura, por lo tanto, unos ambientes reconocibles en su filmografía, analogía reforzada por la apelación ocasional a situaciones y personajes ya visitados en cintas anteriores. Así, Lou de Laâge, ideal como protagonista consciente de los tejemanejes de su marido, aparece como una respuesta al personaje de Cate Blanchett en “Blue Jasmine”, y Valerie Lemercier, divertida en su papel de madre intuitiva de de Laâge, nos recuerda a la Diane Keaton de “Misterioso asesinato en Manhattan”; además de coincidencias argumentales con “Match Point” y “Delitos y faltas”

j picatoste verdejo

ALGO NO CUADRABA al ver los tráileres de “One Piece”: personajes con peinados cosplayers, maquillajes con reminiscencias a “Xena: La princesa guerrera” y el logo de Netflix después de producir varios de los peores live-action de animes de la historia. Sin embargo, estamos en un punto mediático en el que las adaptaciones de aquellas narrativas que tienden a nichos más oscurecidos para el público común, como los videojuegos, cómics y mangas, están haciéndose respetar en la pequeña pantalla. “The Boys”, “Invincible” y “The Last Of Us” fueron pioneros de este fenómeno y, aunque no a su altura, “One Piece” ha sido una agradable sorpresa. Pero no todo es celebración. Varios de los elementos técnicos y narrativos no funcionan. Al CGI le falta madurar, algunos de los arcos no ajustan bien el peso dramático por

decisiones poco justificadas y la dirección no se asienta con comodidad al medio live-action en su lucha contra natura por ser más manga de lo que puede. Y lo mismo sucede con varios de sus personajes. Lo ridículo de Usopp (Jacob Gibson) no funciona, Sanji (Taz Skylar) se vuelve poco icónico y Zoro (Mackenyu) pasa de ser el personaje más molón del manga, a alguien que se esfuerza por serlo. No obstante, estos elementos no impiden que otros personajes y situaciones dejen buen poso durante sus ocho episodios. Nami (Emily Rudd) se convierte en el vehículo emocional de la historia e Iñaki Godoy abraza con vehemencia al personaje más estúpido y épico que se ha escrito y dibujado. Otra mención especial es para Garp (Vincent Regan), que se come la pantalla cada vez que aparece. luis de la iglesia

LA SEGUNDA TEMPORADA de “Heartstopper” sigue justo donde terminó la primera, en los primeros meses de la relación entre Charlie Spring y Nick Nelson, como en la trama del webcómic original. En esta nueva hornada nos encontramos con ocho capítulos en los que empezamos a conocer mucho más a fondo a los personajes, abordando temas que van más allá de las relaciones sentimentales. Pero lo mejor que tiene la serie, tanto en la segunda como en la primera temporada, es el hecho de que se ha convertido en uno de los mayores referentes para el colectivo LGTBIQ+ sin necesidad de caer en los típicos clichés a los que estamos acostumbrados cuando los protagonistas son miembros del colectivo. Poder ver como la relación entre Charlie y Nick crece y se fortalece sin ninguna pretensión sexual, es todo un hito.

Además, esta ausencia de tópicos hace que empaticemos más con los personajes, también por sus grandes interpretaciones. En estos episodios el universo de la serie se expande y se mejora gracias al peso que han ganado las tramas de los personajes secundarios –especialmente la que protagonizan Tao y Elle– que logran crear el equilibro perfecto para que no sea simplemente un show para adolescentes. En parte gracias a que ahora se abordan otros temas, como los trastornos alimentarios, las peleas familiares o las primeras tomas de decisiones que implican una ruptura con la infancia. A pesar de un cierto exceso de inclusividad, es una serie obligatoria de ver por el cariño con la que está hecha, por las puertas que abre en la industria y lo que significará para las próximas generaciones.

alejandro caballero serrano

LIBROS

The Cure Marcos Gendre

Ma Non Troppo/ Redbook 8

Lo cierto es que no han visto la luz demasiados libros de The Cure en nuestro idioma. Por eso este tomo resulta tan agradecido y sobre todo práctico, logrando un agradable equilibrio entre información básica y análisis profesional. Una ponderación favorecedora para con el resultado final y su objetivo prioritario, que parece no ser otro que el de exponer la historia de Robert Smith y compañía. Así, el texto se maneja entre la profundidad de los hechos y el análisis certero, sin perder de vista un espíritu didáctico que marca la lectura. Un libro biográfico tejido a la antigua usanza, con fidelidad a los hechos –perfectamente conocidos por Gendre– y sin florituras que desvíen la atención. raúl

¡Larga vida al Trash! El cine de John Waters como nunca te lo habían contado

VV. AA. Dos Bigotes

Un libro que pide a gritos la propia profanación. Lejos de presentarse dentro de los parámetros y objetivos del análisis fílmico, este collage de miradas propone un festivo paseo por la filmografía de Waters articulado desde la subjetividad y la anécdota. La pluralidad resulta imprescindible para intentar abarcar un objeto de estudio que, por su naturaleza viscosa, parece resistirse a convertirse en objetivo de estudio. El cine de John Waters es un cine (aparentemente) imposible y no hay mayor logro para este libro que saber entenderlo. Cuando la verdad parece imposible, este texto recurre a las verdades. Es un caleidoscopio teórico, un artilugio que no intenta conseguir respuestas sino hacer justicia al acto de mirar una película de John Waters. daniel grandes

Balas perdidas Sunshine & Roses 2 Cambio de planes

David Lapham Ediciones La Cúpula

Las cosas se complican todavía más para Beth y Orson. En realidad ellos mismos se las complican robando a quién no deberían. David Lapham mantiene con vida a sus protagonistas y les convierte en una suerte de delincuentes suicidas jugando con fuego en todo momento (aunque ese fuego tenga nombres propios como Spanish Scott o Kretchmeyer). El resultado es otro de sus thrillers adictivos en los que desarrolla las personalidades de sus personajes hasta hacerlos humanamente creíbles, torpes a veces, dubitativos otras, pero siempre luchando por buscarse la vida y labrarse un futuro. El único lastre del número es el desubicado capítulo que no guarda relación con el desarrollo de la acción y que interrumpe momentáneamente la acción. joan s luna

Llevamos dos mil cuatrocientas páginas leídas de las aventuras de ese pillastre que es Kitaro y el tío no afloja. Shigeru Mizuki supo crear un personaje entrañable –una suerte de muerto viviente vampírico– en todo su descaro, y lo mejor de todo, fue capaz de meterlo en embolados de lo más diverso sin que nos cansemos de leer sus aventuras entre lo fantástico, lo tétrico y el humor. Además, cabe destacar que este es uno de los mejores volúmenes de lo que llevamos de serie, tristemente ácido también con la realidad social del Japón de principios del siglo pasado. Y muy divertido el momento en el que la policía acusa a los mangas de Kitaro de ser una mala influencia para el chico que acaban de detener y que no es otro que, claro está, el propio Kitaro. merçè gutiérrez

Monica Daniel Clowes Fulgencio Pimentel 8

Vamos a comernos el mundo o las locas aventuras de La Pegatina Lluc Silvestre & Mr. Ed Norma Editorial 8

Que una biografía funcione no depende solo de la destreza del escritor, sino evidentemente del interés del protagonista. Y pocos músicos se me ocurren más interesantes que el que fuera líder de The Pogues. Que no les de miedo el a veces limitante concepto de “autorizada”. Sí, Victoria Clarke, esposa de Shane no solo autorizó sino que participó en numerosas entrevistas, igual que el propio MacGowan, su padre o su hermana. Pero eso no hace que se obvien sus adicciones, sus excesos con las drogas y sobre todo con el alcohol, sus complejos, su timidez exacerbada o sus problemas de adaptación. Aquí hay sinceridad a raudales. Nada se esconde. Y eso se agradece, porque eso convierte este libro en vida. Y la vida es lo más interesante que tenemos. eduardo izquierdo

Stephen Davis es, entre otras cosas, el autor de “Hammer Of The Gods”, el mítico libro sobre Led Zeppelin. Lo que ocurre es que da la impresión que se tomó esta biografía de Duran Duran como un encargo para placer de fans entregados al grupo británico. Aunque funciona perfectamente para adentrarnos sobre todo en los inicios del grupo y en sus relaciones, Davis no evita los lugares comunes y la adjetivación absurda cuando habla de las canciones, con lo que nos lleva a pensar en uno de esos biopics cargados de tópicos a los que tan acostumbrados estamos a estas alturas. Quizás es que son ya tantos los grandes libros musicales que degustamos, que algo tan correcto y comedido sabe a poco. joan s. luna

“Monica” nos relata la vida de una mujer a partir de una serie de relatos autónomos que se conectan entre sí: desde las azarosas circunstancias que dieron su lugar a su nacimiento a un final del que conviene no desvelar nada, pero al que le sienta bien el adjetivo apocalíptico. Nueve episodios que homenajean a distintos géneros del cómic: a las historietas de guerra, de romance, de ciencia-ficción o de terror. Uno de los grandes atractivos de “Monica” es la combinación del arte del autor, inspirado por su amor por los tebeos clásicos de los años cincuenta y sesenta, y su narrativa psicodélica, llena de extravagancias y desvíos extraños. Una joya imprescindible de Daniel Clowes, uno de los maestros vivos del noveno arte.

josé

martínez ros

La Pegatina cumplen veinte años y una de las formas de celebrarlo es con un cómic que narra algunas de sus aventuras y desventuras por Asia y America. De la mano del guionista Lluc Silvestre y del dibujante Mr. Ed nos llega este lujo de novela gráfica que recoge el espíritu festivo de esta banda en sus viajes por más de treinta y cinco países. Ahora bien, no está dirigido exclusivamente al fan de la banda, sino que se trata de un trabajo precioso que puede funcionar como cuaderno de viajes. Así, muestra usos y costumbres de otras culturas fascinantes y los choques culturales con la nuestra. Un cómic narrado con agilidad, imaginación y buen humor que puede ser una puerta de entrada para jóvenes no familiarizados con el mundo de la novela gráfica. miguel amorós

Kitaro 10 Shigeru Mizuki Astiberri 7

ESPECIALES

El día en que Rick Astley conquistó Glastonbury versionando a The Smiths

Un cincuentón con aspecto juvenil y traje blanco se encarama a un monitor y con gesto desafiante voltea cable y micrófono sobre su cabeza, ante la enardecida parroquia que abarrota la carpa. A su alrededor, la banda -mucho más joven que él y con aspecto de hippies aseados de 1974- ataca el clímax instrumental de “There Is A Light That Never Goes Out”, la inmortal obra cumbre de The Smiths, pieza central de su eterno disco de 1986 “The Queen Is Dead”. Están escenificando (y probablemente sean conscientes de ello) uno de los momentos más especiales del gigantesco festival británico, donde han actuado nada menos que Queens Of The Stone Age y Foo Fighters. jc peña

PODCASTS MS

Aquí hay tema

Un podcast de Fundación SGAE y Mondo Sonoro que trata algunos de los temas más candentes de la industria musical de nuestro país. El testimonio directo de artistas y profesionales ilumina ángulos pocas veces explorados.

Export

Este primer capítulo trata sobre la Exportación de talento nacional. Nunca antes la música española había estado tan presente y activa en los mercados internacionales. Hablamos con César Andión, responsable del proyecto The Spanish Wave y con Irenegarry, joven artista emergente.

Puentes con LATAM

En el segundo capítulo tendemos puentes de ida y vuelta entre Latinoamérica y España. Hablamos con el artista colombiano residente en Madrid Julián Mayorga. El testimonio de Julián se complementa con el de Simona Sánchez, también colombiana y portavoz de BIME Bogotá.

Electrónica y festivales

En este tercer capítulo hablamos de electrónica y su simbiosis con festivales del calibre de Sónar o Primavera Sound. De todo ello sabe mucho el barcelonés Cristian Quirante, Alizzz, Músico, DJ y productor de éxito. Nuestra otra invitada es Elena Barreras, directora de Primavera Pro.

La música y lo visual

Edita Sister Sonic, S.L.

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Repasamos el “Mermaid Avenue, vol I” de Billy Bragg & Wilco con motivo de su 25 aniversario

En 1998, Billy Bragg y Wilco publicaban el primer volumen de “Mermaid Avenue”, un disco en el que retomaban textos inéditos de Woody Guthrie. Legendario desde su concepción, aprovechamos sus veinticinco años de vida para recuperar un álbum sin el que, probablemente, el Americana no hubiera seguido el rumbo que tomó. eduardo izquierdo

Con el auge de las plataformas y los videojuegos, la simbiosis entre la música y lo visual ha alcanzado nuevas cotas. Hablamos con Juan Tomás Tello, supervisor musical en series como “La casa de papel” y con Tali Carreto, promotor y director de Alhambra Monkey Week.

Efluvios urbanos

Con raíces en el hip-hop y la electrónica lo urbano ha explotado como penúltimo fenómeno global de masas. Hablamos con Beñat Rodrigo (Kiliki Frexko), uno de los miembros del colectivo Chill Mafia y con Flor Juri, responsable del sello Yuuki Music y manager de Nathy Peluso.

Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Eva Sebastián, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Mara Gómez, Marcos Gendre, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María

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