Mondo Sonoro septiembre 2023

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JUNIO Sáb 3 LA1

BLING! CASCALES + DJ2D2

JUNIO Sáb 10 LA1

GLOVE! STEVIE KOTEY (UK)

SONIDO TUPINAMBA +

THE SECRET PERFOMERS +

MISSS DIABLA & MONHOE + DJ2D2

JUNIO Sáb 24 LA1

DJ2D2 + LOLI ZAZOU

JULIO Sáb 1 LA1

HOLLY + DJ2D2

JULIO Sáb 15 LA1

CLOZEE + DJ2D2

JULIO Sáb 29 LA1

DR PACKER + DJ2D2

AGOSTO Sáb 12 LA1

ALAN DIXON + DJ2D2

AGOSTO Sáb 19 LA1

KILIMANJARO +

EMERALD + DJ2D2

AGOSTO Sáb 26 LA1

SIDEPIECE + DJ2D2

Sábado 22 de Julio

De 18.00 a 00.00 h

Amable + Luis le Nuit Sala

PULP, THE STROKES, DAFT PUNK, NEW ORDER, ARCTIC MONKEYS, BLUR, R.E.M., PHOENIX, PRODIGY, DEPECHE MODE, FRANZ FERDINAND, PIXIES, PLACEBO, ARCADE FIRE, BEASTIE BOYS, THE CHEMICAL BROTHERS, THE KILLERS, THE CLASH, NIRVANA, LCD SOUNDSYSTEM, WEEZER, LOS PLANETAS, THE RAPTURE, THE STONE ROSES, UNDERWORLD, INTERPOL, THE SMITHS, FATBOY SLIM, MGMT, TALKING HEADS, OASIS, BLOC PARTY, FOALS, PRIMAL SCREAM, JOY DIVISION, THE JESUS & MARY CHAIN, JAMIROQUAI, KINGS OF LEON, JAMES, RAMONES, RAGE AGAINST THE MACHINE, MUSE, HAPPY MONDAYS, SUEDE, RADIOHEAD, THE WHITE STRIPES, BLONDIE, GARBAGE, YEAH YEAH YEAHS, THE LIBERTINES…

Sala New Wave:

Albert

Code + Viktor Ollé

ECHO & THE BUNNYMEN, THE CURE, SISTERS OF MERCY, PSYCHEDELIC FURS, O.M.D., HEAVEN 17, DURAN DURAN, YELLO, NITZER EBB, FRONT 242...

freako

The Hives Sudor y punk rock

Hay quien intenta emularles, pero en realidad no hay ninguna otra banda como The Hives. Y no hablamos del pasado, sino también del presente que marca su nuevo álbum, “The Death Of Randy Fitzsimmons” (FUGA/Music As Usual, 23).

POCAS BANDAS EXISTEN que, como The Hives, combinen actitud, estribillos imborrables y diversión; la que ofrecen y la que ellos viven sobre el escenario. En una época lejana teloneaban a bandas de mayor renombre que el suyo, pero pese a las limitaciones, los suecos siempre salían victoriosos. Hasta que llegó un momento en que nadie se atrevía a salir tras ellos. Así fue y así continúa siendo. No importa que hayan transcurrido once años sin grabar nuevo material, porque aquí no ha pasado nada. Sin embargo, si nos entregan un nuevo puñado de canciones siempre serán bienvenidas. Porque, en ese sentido, The Hives nunca defraudan. De hecho, de este “The Death Of Randy Fitzsimmons”, el cien por cien de las canciones podrían tener cabida en su nuevo repertorio para los conciertos. “Esa es la sensación que tenemos todos en el grupo. Todas tienen la energía y la vigencia para nuestros directos. Podrían entrar todas, pero las combinaremos con el material más clásico, claro”. El carismático cantante Pelle Almqvist es el interlocutor para esta entrevista. Esta vez me atiende mientras pasea por las calles de Estocolmo, una ciudad que “en los últimos años no ha cambiado demasiado, pero sí es verdad que hay más oferta de restaurantes, lo cual siempre está bien

FOTO: BISSE BENGTSSON

3[risas]”. Y un lugar maravilloso para comprar discos, con muchas tiendas en portales de edificios en las que encontrar primeras ediciones de discos clásicos a buenos precios. Hay que tener en cuenta que por Estocolmo y Copenhague entraban la mayoría de músicos americanos durante la década de los cincuenta y sesenta. “Es cierto. Yo todavía compro discos y la mayoría en las tiendas de Estocolmo. Cuando viajo tengo la oportunidad de comprar algunos por ahí, pero la verdad es que cuando estás de gira es un incordio cargar con ellos de aquí para allá. Cuando llegas a casa estás tan cansado de ellos que luego ¡ni los pinchas! [risas]”. Nosotros sí pincharemos “The Death Of Randy Fitzsimmons”, un trabajo trufado de himnos, especialidad de la casa. Aquí hay de todo, desde canciones con cierto aire a caos (“Crash In The Weekend”) a piezas tan directas como “Countdown To Shutdown”. Y con un mensaje claro: la vida es corta, así que diviértete. “No hay mucho más que decir. La vida es así. Es corta y a veces desagradable, así que cuando tengas la ocasión de pasar un buen rato, no lo dudes. Y ya sabes... Para eso también están The Hives”.

EL APUNTE

Suecia rockea

PODRÍAMOS CITAR a centenares de formaciones. Suecia es una fuente contínua de grupos y propuestas musicales que asaltan el mundo. Una de ellas son The Hives, que llevan años ahí junto a otros como The Hellacopters, Backyard Babies, Ghost, Millencolin y muchos más. “Quizás ahora no haya la misma efervescencia que hace unos años, pero en Suecia y sobre todo en Estocolmo, el rock está en la calle. Forma parte de nuestra idiosincrasia. Con esto quiero decir que no necesitamos reivindicarlo constantemente, ni que haya otra explosión de bandas jóvenes para que sigamos sintiéndolo ahí”. En “El triángulo de la tristeza”, la cinta sueca de Ruben Östlund que estuvo nominada a los Oscar a mejor película extranjera, hay una escena caótica en que suena ese clásico hardcore que es “New Noise” de Refused. Es un momento delirante y memorable. “La vi y me gustó. De hecho tuve a alguien cercano involucrado en la película. En cuanto a Refused, siempre hemos tenido una buena relación y de vez en cuando hacemos alguna gira juntos, aunque tengamos estilos tan distintos”. toni castarnado

A PELLE LE MOLESTA ESCUCHAR aquello de que su música ha madurado. Le parece estúpido. ¿De veras el rock’n’roll madura? “Cualquier cosa puede mutar en otra distinta, pero el rock’n’roll nació como algo primigenio con la idea de rebelarse y de pasar un rato divertido. ¿Quieres madurar? Pues ponte a hacer otras cosas, pero no te dediques al rock’n’roll”. Los cambios en The Hives se vislumbran en cómo han tratado la producción o si han puesto más énfasis en los detalles. En “The Death Of Randy Fitzsimmons” van más a piñón. “Queríamos grabar en bruto, sin demasiados adornos. Es cierto que algunas canciones ya estaban muy rodadas en los directos, así que cuando entramos en el estudio todo fue muy rápido. Nos conocíamos las canciones de memoria. Al margen de eso, nos apetecía grabar así, sin artificios. Eso no quiere decir que siempre tenga que ser así, por eso cada disco ha tenido su proceso”. Lo que sí comparten todos ellos es que las canciones cortas son una de sus señas de identidad. Ahí se sienten como pez en el agua. “Es muy divertido. ¡Mucho! Lo que no quiere decir que sea más fácil hacerlas, pero sí que es una forma de mantener un aire casual y gamberro. Hay muchas can-

ciones que hacemos y nos tomamos como un capricho que nos apetece grabar”. Ahí entraría por ejemplo “The Bomb”, que se postula como la nueva “Tick Tick Boom”, ideal para cerrar los conciertos poniendo el gallinero patas arriba. “Sí, tiene esa vocación. Ahora iremos viendo cómo encaja en los conciertos, pero estoy seguro de que va a tener un papel importante”. ¿Y qué ocurre con Randy Fritzsimmons?¿Sigue vivo o nunca lo estuvo? “Oh, no te puedo contestar a eso. ¡Sigue siendo un secreto!”. toni castarnado

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LA MÍA

De la cabeza a los pies

VIVIMOS EN UNOS TIEMPOS en los que resulta sencillísimo lanzar mensajes en las redes sociales diciendo lo mucho que nos ha afectado el fallecimiento de algún músico al que hayamos admirado. Palabras hiperbólicas en muchos casos, pero sobre todo palabras a las que, de algún modo, hemos restado buena parte del valor. Por eso escribo esta columna, para darle a las palabras que he utilizado en público o en privado recientemente el valor que tienen. No he dejado de repetir lo mucho que me ha dolido la muerte de Raquel Pascual, quien fuera vocalista de bandas como Fromheadtotoe o Collision, por causas naturales. Y creo que ha sido uno de los momentos más sinceros en los que he hablado sobre un músico, o mejor dicho, sobre su fallecimiento. En primer lugar porque conocí a Raquel y traté con ella durante algunos años. Era una persona con carácter y al mismo tiempo con un humor ácido con el que conectábamos. En lo humano podría extenderme, pero sería casi una frivolidad: muchas otras personas la conocieron mejor que yo y mucho más en profundidad. Pero en lo artístico, Raquel Pascual consiguió emocionarme en infinidad de ocasiones. Fuera del escenario, su imagen podía imponer, pero era fácil desarmarla a los pocos segundos y le costaba poco abrirse. Pero en el escenario era un torbellino, puro músculo, pura intensidad combinada con unas melodías que nacían desde su garganta hasta el infinito. Era una de las grandes frontwomen que ha tenido este país y es una lástima que ninguno de los álbumes que grabó sea capaz de reproducir con fidelidad lo que era en escena. Eran otros tiempos y los discos independientes no sonaban en la forma en la que lo hacen a día de hoy. En cierta medida, eso me apena, pero me apena muchísimo más que ahora solamente la recuerden como artista quienes vivieron su momento, que su nombre no permanezca grabado a fuego en la historia del rock español hasta que hemos tenido que reivindicarla por el peor de los motivos posibles. Raquel Pascual fue una de las mejores, aunque solamente acariciase el éxito brevemente en la escena independiente en tiempos de Fromheadtotoe. Nunca tiró la toalla, pero las circunstancias de nuestras vidas cambian y ella, en un momento dado, decidió dar un paso atrás, discretamente. Decidió que su vida eran muchas más cosas que subirse a un escenario, y su enfermedad no la ayudó precisamente a mantener su fuerza y su energía para volver a ello. Nos encontramos unas pocas veces más por casualidad y siempre tenía una divertida salvajada que decirme. Creó alguna otra banda, colaboró con alguna otra, pero la vida nunca fue justa con ella. Y me da igual cómo la describiese Dave Grohl tras un concierto, porque yo estuve allí, la conocí y la viví. Grande para siempre Raquel. joan s luna

“¿Quieres madurar? Pues no te dediques al rock’n’roll”

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FOTO: BISSE BENGTSSON

l Barcelona 04 octubre. Razzmatazz l Madrid 05 octubre. La Riviera l Santiago de Compostela 07 octubre. O Gozo Fest.

JUNGLE

en el que se añaden capas y sedimentos a la esencia soul, neo-funk y electrónica del dúo británico. Hablamos con Josh Lloyd-Watson.

texto Marta Terrasa fotos Arthur Williams

NO ESPERARÍAS tanta intensidad y mentalidad zen de alguien que crea música para electrizar la pista de baile. Pero, ¿por qué no?

Puestos a tirar de clichés y estereotipos –y a querer derribarlos–, hagámoslo con alguien que tenga algo que decir. Al otro lado de la pantalla, Josh Lloyd-Watson, cincuenta por ciento de Jungle –aunque en realidad la órbita de colaboradores en el colectivo se extiende mucho más allá– se queda pensativo mientras discutimos sobre el sentido de “Volcano”, su nuevo trabajo. Los ecos a Junior Boys, Daft Punk o The Avalanches siguen ahí, reposando cómodamente sobre esa base de neo funk y soul sedoso. “Daft Punk siempre será una gran influencia para nosotros” asegura el músico y prosigue: “pero el sonido del disco está basado en el feeling que te queda cuando has escuchado algo antes. Es rememorar ese sentimiento y el camino que recorres, que es la esencia de nuestros proyectos. Creo que Jungle siempre ha ido sobre escapismo; un lugar en el que poder desinhibirse, crear

un espacio distinto y transportarse de nuevo a ese estadio”.

SU DISCO ANTERIOR, “Loving In Stereo” (21), apareció en un momento en el cual el mundo volvía poco a poco a salir al exterior y quizá por ello se sintió celebratorio aunque no terminó de implosionar como podría esperarse, pese a temas indiscutibles como “Keep Moving”, “Romeo” o “All Of The Time”. “Creo que la mayoría de la prensa quiere que todo tenga un sentido y, a medida que me hago mayor, veo que nada tiene ningún significado. Tampoco el resto de nuestros discos. El auténtico valor, el significado de este trabajo es que queríamos hacer un álbum y divertirnos en el proceso, porque para mí esa es la mejor parte de ser músico. Es como pintar; hay algo meditativo en hacerlo. Eres libre en ese mundo y por eso lo haces. Y es la misma razón por la cual nos juntamos y hacemos canciones”. Quizá sea la tendencia de los que estamos al otro lado, haciendo preguntas y una lectura mientras analizamos letras, arreglos y composiciones. “Pienso que le otorgamos sentido a las canciones una vez están hechas y no sabemos de qué van realmente hasta años más tarde. También

El sentido del baile 3

El cuarto disco de Jungle, “Volcano” (AWAL/ Popstock!, 23), es sin duda el más enérgico, rabioso y liberador de toda su carrera; un trabajo de arqueología sonora

3es cierto que algunas son muy obvias y que las puedo relacionar con emociones específicas que he sentido, pero cada vez que hemos intentado hacer un tema en plan: ‘vale, esta canción va sobre esto’... ¡Nunca pasa! Tienes que fingir que las musas no te miran para poder crear. No puedes usar una fórmula en la música. Cada vez que lo he intentado, que he intentado recrear ‘Busy Earnin’’, ¡nunca ha funcionado! Tengo tantas canciones que han intentado ser una segunda versión de esta. Escribir es un proceso muy íntimo, en el que tienes que cerrar los ojos y dejarte llevar, como al hacer el amor”.

ASÍ QUE BÁSICAMENTE, intentamos añadirle capas de sentido a la música de baile porque sin ello, ¿nos parece demasiado vanidosa? ¿Vacía? Como si esta fuera un placer culpable en comparación con el pop o con otros géneros como el metal. “Creo que sí, porque siempre buscamos el significado en todo y no creo que exista. Bueno, quizá hay algún tipo de gran orden universal que no podemos ver”, asegura Lloyd y recostán-

dose levemente sobre la silla del comedor iluminado, frunce el ceño y prosigue: “Mi viaje personal va precisamente de eso, de dejar de buscarle el sentido a todo, de dejar de justificarlo todo y es casi una cosa budista en tanto a estar presente en el ahora, en ser. Como cuando estás en una playa y simplemente estás ahí, escuchando las olas… Es liberador”. Sentir. Punto. El músico habla de su infancia en una familia desestructurada con problemas de adicción y de cómo uno arrastra todo el peso del trauma hasta su vida adulta. Choca esa escena con la levedad con la que aparece sobre un escenario, como tantas veces antes lo hemos visto, capaz de hipnotizarnos y apoderarse de cada uno de nuestros músculos, nota a nota, falsetto a falsetto.

ES POR ESO QUE DESCRIBE “Volcano” como el disco más liberador de su carrera, por esa capacidad de simplemente estar presente. “El proceso fue mucho más rápido, como en la música de antes, donde tenías un presupuesto y un tiempo muy limitado. Y ha sido muy interesante porque

ese elemento de la presión nos ha empujado a terminar las cosas y que no puedas retocarlo todo y cambiar cosas cada día. Al final, las mejores canciones las escribimos en una hora o así, como ‘Casio’. Algunas de las canciones más molestas que tenemos, nos han llevado unos siete u ocho meses escribirlas, como ‘House In LA’”.

CATORCE CANCIONES continuistas pero que se construyen sobre bases en las que la electrónica es más evidente, más dura, como “Us Against The World” tema que abre el disco y se convierte en toda una declaración sónica de intenciones. “Puede que haya un lado más agresivo, más oscuro”, confiesa Josh. “Es como si… you know [gesticula delante de la cámara, aprieta el puño y la mandíbula]. Quizá la palabra sea frustración. Queríamos un disco con mucha energía y con un punto maleducado”, asegura. ¿Puede ese sonido más duro alejar algunos fans? “Seguro que sí. Y tampoco me preocupa, la verdad. Nunca me ha importado demasiado y ahora menos, porque no lo hago por ellos. En realidad

somos los únicos que experimentamos Jungle en el escenario, no a través de los ojos de los seguidores. Si nosotros no disfrutamos tocando, escuchando la música, entonces estamos aquí por las razones equivocadas”, sentencia el británico. Temas como “Holding On” ejemplifican que las bases continúan ahí pero hay una vuelta de tuerca más. “Volcano” cuenta también con colaboraciones como las de Crystal Clear, Channel Tres o Roots Manuva. “Cuando sabes que alguien viene al estudio, hay un punto en el que quieres chulear un poco; sacar lo mejor de ti y eso te da un chute de energía”, comenta Josh entre risas. “Es como ir a una primera cita; intentas ser tu mejor versión. Ser el más divertido, el más inteligente…”. Sonríe con cierta picardía y aguanta la mirada solo para añadir: “Aunque sabes que esa no es la verdad”.

EL CUARTO ESFUERZO de los británicos cuenta con alguna de esas citas en canciones como “Candle Flame” –junto a Erick The Architect–, grabada originalmente 20bpm’s más lenta que la actual [se pone

CRITICANDO

FUNK / “Somos nosotros contra el mundo”, reza el corte que abre el nuevo disco de Jungle, el dúo británico que, desde 2014, nos tiene secuestrados en la pista de baile. Quizá la afirmación sirva de aviso, ya que Tom McFarland y Joshua Lloyd-Watson lo consideran su trabajo más liberador y ha sido grabado de manera considerablemente más rápida. Un cuarto esfuerzo más enérgico, pero coqueteando con la beligerancia, en el cual los ecos funk y soul –marca de la casa–, dan lugar a producciones cristalinas mucho más musculosas (“Holding On”, “Coming Back”).

Jungle han hackeado el código del éxito y a esas melodías sedosas e hipnotizantes de discos anteriores como “Keep Moving”, “Time” o “Heavy, California”, les añade capas de guitarras infecciosas, breakbeats del funk (“Back On 74”), coros infalibles (“Every Night”) o colaboraciones como las de Roots Manuva en “You Ain’t No Celebrity”. Catorce canciones que suenan más producidas, menos orgánicas y aunque ello no tiene por qué ser un problema, puede echar en falta ese punto genuino que convirtió tantos de sus temas en himnos. Porque a pesar de que lo suyo es facturar himnos bailables, también es en los medios tiempos cuando demuestran esa sensibilidad especial para ofrecer un giro contemporáneo a todas esas sonoridades del pasado.

“Problemz” y “Good At Breaking Hearts”, canciones que cierran el disco, intentan justo eso, aunque no sean tan memorables. En cambio, “Dominoes” o “Don’t Play”, se cuelan en el subconsciente, combinando todo aquello que nos atrapa de grupos como The Avalanches, Junior Boys o los siempre presentes Daft Punk. m t

a cantarla brevemente] y muestra también parte del proceso creativo del grupo, basado en reciclar, repensar y el collage. “‘Candle Flame’ nos costó un montón. Era un bajón tan lenta pero la melodía era tan infecciosa que no la podíamos descartar”, afirma el músico y prosigue: “Siempre son los temas grandes los que más cuestan. Igual que ‘Keep Moving’”. ¡Pero si parece que fuera creada esperando el autobús! “Esa es la magia de la música; que algo que ha costado tanto parece que lo creaste sin importarte”, sentencia. Solo un detalle: de ‘Keep Moving’ se hicieron veinticinco versiones y la que se publicó en el disco contiene trocitos y beats de muchas de esas versiones, como un pequeño Frankenstein bailable.

DE NUEVO ESA IDEA de contraste, de dicotomía. Como canciones que han sido arrastradas por el barro creativo, construidas y deconstruidas hasta convertirse en una pesadilla para sus creadores, se convierten en pequeños himnos abrazados por los seguidores con la ligereza de un lienzo en blanco. La pista de baile como elemento transformador. “Siempre imaginas las canciones de una manera muy distinta a lo que eran en tu cabeza. ‘Beat 54’ la grabamos tantas veces que al final la publicamos sin que estuviera terminada. Me pasa lo mismo cada vez que pinto. Lo visualizo en mi cabeza y después es algo totalmente distinto. Es diferente. Y tienes que aceptarlo, porque sino, te quedarás atrapado. Porque en última instancia, el disco...”. Su agente de prensa entra en la videollamada. El tiempo se ha agotado y me quedo pensando cuál sería esa reflexión final. Quizá es la mejor manera de terminar esta entrevista, por aquello de no estar buscándole el sentido a todo, todo el tiempo. Mejor vamos a bailar. m.t.

Entrevista completa >>

l Barcelona 27 octubre. Sant Jordi Club

l Madrid 28 octubre. Palacio Vistalegre

“Queríamos un disco con mucha energía y con un punto maleducado”

Nothing But Thieves Ir más allá

“Dead Club City” (RCA/Sony, 23) deja claro que Nothing But Thieves querían explorar nuevos horizontes en su música, jugar con sus formas y su universo. Sobre él hablamos con ellos, meses antes

texto Fran González foto Beatriz Oliveira

LAS CARCAJADAS con las que Conor Mason, Dom Craik y Joe Langridge-Brown me reciben al otro lado de la línea denotan el buen rollo automático que los miembros de Nothing But Thieves se profesan mutuamente y del que se han valido para reflejar la ligereza en las formas de “Dead Club City”, su nuevo trabajo y la prueba definitiva de que sus responsables buscaban explorar nuevos horizontes estilísticos, aunque para ello tuvieran que remar contra viento y marea. “Desde que comenzamos en esto hemos tenido muy buena suerte con nuestra base de seguidores, y en su gran mayoría siempre han comprendido nuestros deseos por no hacer rock convencional y querer salirnos un poco de los clichés habituales del género”, responde Dom cuando le mencionamos la posibilidad de que su fandom de siempre se sienta confuso al toparse con las nuevas directrices sonoras de la banda. “Teniendo en cuenta lo mucho que a nosotros nos gusta no ponernos límites, ha sido muy beneficioso contar con el apoyo de unos seguidores tan abiertos. De otra forma, nos habría sido imposible hacer el tipo de música que queríamos”.

ES PRECISAMENTE esa inconformidad en las formas y en el fondo lo que ha logrado que, desde su debut, Nothing But Thieves no sea una banda más de rock alternativo al uso. Algo que, irónicamente, se ha terminado convirtiendo en su propio sello personal. “Si escuchas nuestro primer álbum verás que en él ya metíamos mogollón de

ROCK / ANTES DE ALCANZAR esa edad en la que hacemos las paces con nuestro lugar de origen, es de recibo pasar por una renegada e inconformista etapa de desapego y escapismo en la que el espíritu nos demanda, con vehemencia e insatisfacción, ver más allá de nuestros límites terrenales. Es en ese punto vital en el que el conjunto británico Nothing But Thieves parece hallarse actualmente, a juzgar por su manera de esbozar la arquitectura física y emocional de una ciudad distópica que sirve como escenario para su cuarto álbum de estudio. Un sofisticado trabajo conceptual con el que buscan ahondar en temas tan variopintos y dispersos como nuestra continua exposición al capitalismo audiovisual, los cambios sociales avenidos por la cultura de Internet, y la respectiva influencia de ambos en la política y la industria musical. No solo en su ambiciosa narrativa podemos ver su evidente salto madurativo, además es su mayor experimento hasta la fecha y un aguerrido intento por explorar géneros inéditos en su registro. f g

de que vuelvan a visitar nuestro país.

Dead Club City RCA / Sony BMG

influencias de lo más variadas. Desde pop de los dosmiles hasta rock ochentero”, nos recuerda Joe, guitarrista de la formación, en referencia a los primeros pasos del quinteto británico. “Incluso ya entonces sentíamos que la fluidez entre géneros y el hecho de probar cosas nuevas sin atarnos a una etiqueta como tal era nuestra seña de identidad. Tampoco era algo que hacíamos con conocimiento de causa, simplemente nos dejábamos llevar y hacíamos inconscientemente aquello que el cuerpo nos pedía”, subraya Conor, vocalista de la banda. “Si de algo nos ha servido el éxito y el reconocimiento es precisamente para saber que nuestros seguidores esperan de nosotros que nos salgamos de lo habitual y les ofrezcamos algo completamente sorpresivo. Con cada álbum nos hemos ido sintiendo cada vez más cómodos, hemos explorado nuevas maneras de escribir y

componer, hemos jugado con géneros diferentes, y se podría decir que apostar por fórmulas inesperadas es ya nuestra marca personal”.

UNA SEGURIDAD EN SÍ MISMOS a la hora de experimentar que solo podría venir precedida por un aplastante reconocimiento mediático que acumula billones escuchas en streaming, discos de oro y platino y sold

outs allá por donde pisan. “El reconocimiento externo es fantástico, por supuesto, y creo que con el tiempo hemos aprendido a quedarnos con la parte positiva de ello, en lugar de dejar que éste cuestione o dirija aquello nuevo que hacemos”, nos cuenta Dom, quien además de ser guitarrista de la formación, ha sido también el encargado de producir el disco y poner orden en la nutrida colección de influencias que maneja la banda. “Poco a poco hemos comenzado a apreciar lo que Dom era capaz de hacer, gracias a sus respectivas aportaciones en álbumes pasados. Para este trabajo nos dimos cuenta de que las canciones entraban en el estudio siendo simples demos y terminaban convertidas en auténticos bombazos tan pronto como salían de ahí”, nos cuenta Joe sobre la confianza depositada en su compañero de banda para tal responsabilidad. “Tenía todo el sentido del mundo contar con Dom en la producción, a fin de lograr cierta cohesión con el resto de nuestros trabajos”, añade Conor. “Cuando estás trabajando con canciones tan diversas es importante que haya un corte común que las unifique. Un estilo propio. Y Dom lo tiene. Te puede gustar más o menos, pero lo tiene”, concluye entre risas el vocalista.

ADEMÁS DEL TOQUE de Dom en la producción, nos es imposible no cerrar la charla con otro rasgo distintivo de la banda, que es, sin duda, la voz principal de Conor Mason, ahora entregada al cometido de dar cabida por vez primera a insólitos estilos dentro de su registro habitual, como el synth-rock, el soul o el pop más minimalista. “Lo cierto es que mi voz me ha obsesionado durante mucho tiempo”, confiesa Conor. “Comencé a darme cuenta de que quería cantar sobre todo aquello que me rodeaba desde muy temprana edad, e incluso a través de métodos que aún no conocía. Estaba obsesionado, y con este disco creo que me he dado cuenta de que aún sigo estándolo. ‘Dead Club City’ ha supuesto para mí la oportunidad de volver a mis influencias primigenias e introducir éstas en Nothing But Thieves. Ha sido muy divertido dejarme llevar por esta mezcla de géneros y lograr que la banda se abra a otros estilos como el soul o el r’n’b, y a referentes tan inmortales como Nina Simone. Si había un momento para empezar a ser nosotros mismos, definitivamente era con este disco”. —fran gonzález Más

“

“Nuestros seguidores esperan que nos salgamos de lo habitual”

Belako Cuidando el jardín

difícil y hay que ser muy valiente para decir “Belako hace post punk”… Pues es lo que han hecho todos los medios en los últimos diez años [risas].

texto Sergio Iglesias

foto Lide Mikele Billelabeitia

LAS COSAS se demuestran con hechos, y no cabe duda de que hemos sido testigos del compromiso constante de las de Mungia, teniendo la oportunidad de charlar con Lander y Cris antes de su concierto en Kaskagorri, una txosna autogestionada en plenas fiestas de Bilbao.

¿Cómo os planteabais este nuevo trabajo después de tanto tiempo sin material nuevo?

(Lander Zalakain) Tras unos tiempos tan raros para todo el mundo, haciendo cosas diferentes, como la gira de autocines o los remixes de “Plastic Drama” (20), hechos para alargar la vida del disco, junto a artis-

tas a los que admirábamos, ya sentíamos la necesidad de volver a centrarnos en nuestras canciones, y por eso lo afrontábamos con muchas ganas.

De nuevo, os mostráis como una banda absolutamente despojada de complejos, alejada de cualquier etiqueta… (Lander) Si sólo hiciéramos rock, pop o garage, nos aburriríamos la hostia. Nosotras entendemos, no sólo los discos, sino también los conciertos, como una batidora de nuestros diferentes gustos musicales y de las cosas que nos gusta hacer. Además, las canciones no son de un solo género, sino que tienen referencias variadas, y cada tema en sí mismo también es un poco una locura estilística. Es muy

¿Tras haber pasado por los festivales más importantes, tanto a nivel internacional como estatal, y haber recibido multitud de críticas positivas, sentíais una cierta “presión” a la hora de enfrentaros a este nuevo disco?

(Cris Lizarraga) Después de tanto tiempo, sobre todo tenemos la presión de no aburrirnos y de no aburrir. Nosotras seguimos siendo las mismas aunque, obviamente, cada una haya progresado en el aspecto técnico; pero también hay que encontrar cosas que te hagan seguir manteniendo esa chispilla, y asumir que las sensaciones no van a ser las mismas del principio, sino que ahora son otras que también están muy bien. A día de hoy, somos cuatro amigas que tenemos una relación muy sólida, y no podemos seguir con la misma inercia de disco-gira-disco-gira… La parte buena de llevar todo ese tiempo juntas es que te ayuda a relativizar las cosas y, por un lado, tienes esa presión de no repetirte pero, por otro, tienes un aplomo y un aprendizaje que te hacen tener más seguridad a la hora de hacer las cosas, y saber lo que te interesa y lo que no.

Belako regresan con “Sigo regando” (Belako Rekors/ BMG, 23), un nuevo trabajo que supone otro paso más dentro de una carrera impecable, en el que siguen demostrando su coherencia personal y musical.

Para eso también hay que tener la valentía de hacer esa apuesta por vivir de la música, que vosotras hicisteis en su momento, ¿no?

(Lander) Por suerte, nosotras desde hace unos años somos trabajadoras de la música, y aunque exista esa presión de tener que llegar a final de mes, como hemos empezado desde abajo y hemos visto lo que hay, esa ilusión de poder vivir de esto es mayor que la presión. Pero tenemos siempre los pies en la tierra porque, aunque igual no lo hemos tenido tan complicado como otras bandas, sabemos lo que supone empezar desde abajo. De hecho, no me fío de nadie que esté en la música y diga que nunca le ha tocado comer mierda.

Volviendo a “Sigo regando”, es un disco con continuos cambios de ritmos, ¿pensasteis mucho en los directos a la hora de hacer estos nuevos temas?

(Cris) De hecho, en el directo nos gustaría, a veces, que hubiera menos altibajos, y eso nos genera conflictos, porque estando, por ejemplo como hoy, a la una de la mañana tocando en jaias de Bilbo, ¿cómo metes un tema como “Orein eta orain”?... Pero luego creo que entra bien porque tenemos una muy buena materia prima y un repertorio bastante equilibrado. Es verdad que nos

autoimponemos mucha presión a nosotras mismas de querer contentar al público, hacer buenos discos y buenos conciertos, pero tenemos que ser conscientes de lo que tenemos y hacer lo mejor que podamos con ello. En el anterior trabajo sí que pensamos más en canciones que funcionaran en directo, pero en este me parece que hay un buen equilibrio entre el “Render Me Numb” (18), que era muy experimental y el “Plastic drama”, que era muy instant hit para los directos.

Casi desde el principio, habéis apostado por la autogestión a la hora de desarrollar vuestro proyecto, ¿creéis que, tal y como están las cosas en la industria musical, era el camino más adecuado?

(Lander) La industria, a nosotras por lo menos, no nos marca el camino a seguir. Y lo que hacemos es una “autogestión delegada”, porque tenemos gente alrededor que nos ayuda mucho: un manager, una discográfica… Somos como enfermas, porque nos gusta estar muy encima de todo, pero con los años hemos tenido que aprender a delegar algunas cosas, siempre teniendo claro que lo que tiene que primar es que Belako seamos las dueñas de nuestro trabajo.

¿Es esa libertad la que os permite po-

der estar tocando en grandes festivales, pero también, como en el caso de hoy, en una txosna como Kaskagorri?

(Lander) La industria de la música es una mierda oscurísima y lo hemos visto muchas veces. Nosotras no queremos eso. Nosotras queremos tocar en un festival, y luego tocar en la txosna de nuestro pueblo, hacer una gira por gaztetxes… Hacer lo que nos apetezca en cada momento, y eso se consigue trabajando para poder permitirnos hacerlo.

(Cris) Gracias a tener colegas en la escena autogestionada de Alemania, y haber visto cómo funciona, sabemos valorar lo importante que es que haya movimientos sociales jóvenes que generen cultura, y que curren de forma militante para que todo el mundo tenga acceso a la cultura. La autogestión es necesaria cuando el estado no nos ampara. Nuestro discurso como grupo no se sostiene de otra forma, y si no podemos estar en espacios así, no queremos estar. s i

EN CONCIERTO

l Miranda de Ebro 01 septiembre. Ebrovisión

l Donostia 08 septiembre. Boga Boga Festibala

l Menorca 22 septiembre. Cranc Festival

l Almagro 23 septiembre. Imposible Sound

l Oviedo 05 octubre. La Salvaje

l Bilbao 13 octubre. Kafe Antzokia

l Ordizia 21 octubre. Ordiziarock

l Lleida 27 octubre. Café del Teatre

l Zaragoza 28 octubre. Las Armas

l Logroño 29 octubre. Fundición

l Toledo 03 noviembre. Círculo del Arte

l Cáceres 04 noviembre. Boogaloo

l Alicante 09 noviembre. Confetti

l Valencia 10 noviembre. 16 Toneladas

l Castellón 11 noviembre. Terra

l Badalona 24 noviembre. Estraperlo

l Sevilla 08 diciembre. Sala La2

l Granada 09 diciembre. Planta Baja

l Córdoba 10 diciembre. Hangar

l Vigo 15 diciembre. Mondo Club

l Valladolid 16 diciembre. Porta Caeli

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“Queríamos que las canciones hablaran por sí solas”

Rodrigo Cuevas

Bailonga y reivindicativa. Ese es el espíritu de la fiesta popular que ha montado Rodrigo Cuevas en “Manual de romería” (Sony, 23). El nuevo disco del asturiano, producido por Eduardo Cabra (ex Calle 13), es más electrónico y más pop, pero sin abandonar el folk (¡deliciosos interludios!). Un hito del “collage”.

texto Yeray S. Iborra

fotos Ricardo Villoria

Romería folktrónica 3

ROMERÍA SUENA

a palabra en desuso. Se la escuché alguna vez a la abuela. En el pueblo. Hace siglos. Para qué engañarnos, no sé bien bien qué significa: busco en Google. Dicta la primera entrada, “¿cómo se hace la romería?”. Y define, de un post de Aleteia, medio de comunicación con información principalmente religiosa: “No existe una fórmula para hacer una romería, sino que esta arranca del amor, cariño y veneración. [...] La romería es un acto de piedad personal hacia la Virgen. Se va a Ella para rezarle, a pedirle favores o a darle las gracias por favores recibidos”. Romería viene de romero, de aquellos que peregrinan a Roma. Es una celebración con origen religioso. Pero que ha permutado en el imaginario popular hasta convertirse en un acto cultural festivo. Rodrigo Cuevas (Oviedo, 1985) no tiene pintas de romero de Roma. Pero ha vivido muchas romerías: las ha oficiado desde que se sube a los escenarios. Ahora tiene más fundamentos para ello, gracias a su tercer disco, tesista, “Manual de romería”. Hoy, un día de agosto de terrible chicharra, un día más de agosto de los de ahora, pronto por la mañana, se le escucha descansado. Voz calma y musical. Lo segundo, lo potencia cuando tira de ironía y humor. Parecido sin duda a lo que propone sobre el escenario; entre el cabaretista, el cuentacuentos, el MC y el showman. La primera, la del sosiego, sorprende algo después de visitar su bestia artística desde que arrancó con el ya lejano dúo musical La Dolorosa Compañía y su copla freak-pop, el “El ritmu de Verdiciu” (16) o su aclamadísimo espectáculo “Trópico de Covadonga” (19). El asturiano es un hombre de calidades. Es capaz de la pausa y el sprint, de la corchea y la semicorchea. De lo político a lo hedonista. “Estoy bien, cansadín, pero bien, contento”, expone antes de empezar la conversación. Ser tesista de la romería, fatiga. No es poca cosa.

¿Esta última gira, tan basta, ha afectado al disco?

“Manual de romería” debía ser totalmente directo, popular, disfrutón. La idea es hacer verbenas sobre el escenario. ¿Lo has visto?

¡No pude todavía!

Pues verás. Es mucho más… Mucho más. Quería hacer una romería, pero no solo esa cosa bucólica, pastoril, de pradera.

Quería una romería como las nuestras, las que están en vigencia: vale lo bucólico y el pícnic, pero también gusta lo hortera de las verbenas. Las verbenas como superstars de la romería, con sus leds, sus luces. Así lo hacemos nosotros. Lo llevamos a ese punto más kitsch.

Ese tipo de fiesta popular a la que aludes, no es igual en todos los sitios, ¿no? Pienso en las orquestas en Galicia. Lo que pasa en Galicia es horroroso. Llegaron a un extremo, que también pasó en Asturias… Las orquestas se volvieron súper grandes, superproducciones. Se saca el dinero de debajo de las piedras, van orquestas a los pueblos que cobran 20.000 euros, se les paga con dinero de la gente, y luego nadie del lugar baila. Es como un circo. La gente no baila y va para casa. Luego hay dúos que con nada ponen mogollón de canciones y todo el mundo baila… Esa verbena es la que a mí me gusta, no la de la Orquesta Panorama.

Tu disco es sin duda como ese dúo al que aludes: mucho baile. De una base sintética bakalaera a un piano melódico. Y a la tradición. Entendible en Valencia, Barcelona o Bogotá. Hay mucha electrónica. Es más fácil que “Manual de cortejo” (19). No es tan intimista ni ese punto marciano, experimental. Este es más popular.

¿Y lo viste claro desde el principio que debía ser así? ¿Por cierto, empezaste hace mucho con él, no? Empecé a plantearlo… A ver si me sale la cuenta. Empecé a escribir a finales del 2021. A Puerto Rico me fui a grabar en abril de 2022. Después vino Eduardo Cabra [productor, ex Calle 13] a viajar por España conmigo. Pero vamos, sabía desde el principio que quería ir hacia el baile. Hacia lo hedonista, lo disfrutón.

¿Nos ves muy sosainas? Es que es momento de disfrutar. No sé si es por la pandemia. Pero creo que hay algo colectivo importante: debemos de empezar a valorar todo lo que tenemos, abrir los ojos. Ir hacia el estado en el que estás en una romería.

¿Te diste cuenta en una romería? ¡Claro! Es un estado que incita a valorar lo que uno tiene alrededor: unos amigos de puta madre, una familia maravillosa, un entorno equis, un paisaje genial, gente guay que conocemos… Mira como estoy en

libertad con mi novio dándome un beso y nadie me mira. Son cosas que damos por hechas cada día. Y con esta ola fascista las podemos perder en cualquier momento. Qué irresponsabilidad afectiva estamos teniendo con toda la gente que luchó por las libertades o que construye iniciativas que nos ayudan a mejorar nuestras redes. Si esa gente que luchó nos viera por un agujero, diría: “¡Pero qué hacéis con esa cara de amargaos!”. Es una falta de respeto hacia ellos. Hay que celebrar por ellos.

Reivindicar quiere decir eso, ¿no? Lo político y lo festivo. Exacto.

¿Las personas comprometidas se olvidan del “lleure”? En catalán quiere decir ocio, relax, todo un poco. Tanto risas como introspección. El tiempo dedicado

“Hay que vivir con picaresca intelectual todo el rato”

a los intereses propios. Para luchar por cosas, ¿hay que cargar pilas?

Dentro del activismo hay una negación a todo lo que sea disfrutar. Se ve como conformismo. Hay una parte del activismo que le parece fatal que la gente se divierta porque “quedan tantas cosas por reivindicar”. “¡Y estáis ahí divirtiéndose!”. Hijo de puta, y todos los que consiguieron esto, ¿no merecemos disfrutar de todo lo que se consiguió? ¿O esto consiste en estar tristes y flagelados hasta que expiamos no haber hecho lo suficiente?

¿Y cómo se reivindica desde el sofoco, la saturación, la parálisis? Y sin humor. Otra cosa que fastidia mucho en el mundo comprometido. A ti te flipa el equilibrio entre el vacile y la sobriedad. ¿Se tiene que sufrir mucho para encontrar la fórmula idónea?

En el humor está el arma, claro. Siempre se usó así. Le das una ligereza al mensaje que hace que no se pueda tomar a mal. Tengo haters para aburrir y hay gente que se lo toma todo a mal. Pero en el humor encontré mucho más margen para irme hacia un lado punk, más frívolo. Todo lo revisto con humor. Es un lubricante. Y me di cuenta que sirve para mensajes incómodos o tostones; con el humor lo puedes hacer. Es un superpoder muy fuerte y muy bueno.

¿Cómo has hecho con las letras para que tengan ese picante justo? ¿Te llevó mucha revisión?

Me sale muy natural. Pero Guille también me ayudó con las letras.

¿Guille Galván, Guille de Vetusta Morla? ¡Sí! Eduardo Cabra se lo encontró en los Grammys, en Las Vegas…

Casi nada… Como quien se lo encuentra en la plaza del pueblo.

[Risas] Se lo encontró y entonces le dijo que estaba trabajando conmigo. Porque ellos ya habían hecho algo en Trending Tropics con Vetusta Morla. Yo con Vetusta Morla tenía relación porque me llamaron para una colaboración en directo que nunca pasó por fechas, pero bueno, siempre hablábamos. Guille se ofreció para ayudar en las letras. Y cuando vino Eduardo, me lo comentó. Este disco tiene muchas letras mías, y yo nunca fui letrista. Todo el rato me parece una mierda lo que escribo y que será el fin de mi carrera, que la gente se reirá… Le llamé, le invité unos días a casa para que me ayudara a revisar y aquí estuvimos. ¡Fue genial el curro!

¿A qué tono llegásteis juntos? Juguetón. Creativo. Yo cuando estoy rodeado de un grupo de amigos creativos, están así, en ese tono. El de la chispa. Igual estás

hablando de algo muy serio y profundo y al momento están diciendo cualquier tontería y muriendo de risa. Es así la vida. Y hay que tomarla así, sino es un rollo, una mierda. Busco siempre ese tono, porque me gusta, en “VALSE” hago una descripción bucólica de donde vivo y luego digo lo de “sabemos que la fruta robada sabe mejor que la comprada”. No creas que por vivir en un lugar bucólico somos gilipollas [risas]. ¡Somos listos y como el Lazarillo, tenemos picaresca! Hay que vivir con picaresca intelectual todo el rato. y s i

Más en www.mondosonoro.com

EN GIRA

l Huesca 07 septiembre. Festival Sonna

l Pontevedra 09 septiembre. Festival Revenidas

l Pamplona 15 septiembre. Sala Zentral

l Rentería 16 septiembre. Atlantikaldia

l A Coruña 21 septiembre. Noites Do Porto

l Logroño 30 septiembre. Riojaforum

l Málaga 05 octubre. Teatro Cervantes

l Manresa 07 octubre. Kursaal

l Elche 10 noviembre. Gran Teatro

l Vigo 24 noviembre. Teatro Afundación

l Girona 15 diciembre. Auditori de Girona

l Reus 16 diciembre. Teatre Fortuny

l Gijón 22 y 23 diciembre. Teatro de la Laboral

Me gustan los discos por las voces de los cantantes y como además tengo una fuerte tendencia a la melancolía pues soy muy fan de Chet Baker y de Caetano Veloso, mis dos cantantes favoritos. “Chet Baker Sings” es una maravilla de principio a fin, un disco donde se para el tiempo y uno se sumerge en una atmósfera densa, de una tranquilidad calurosa, con la voz sedosa y sensible de Chet y su trompeta.

Jorge Explosión (Doctor Explosion)

No cabe duda que Jorge Explosión atesora una gran cultura musical, sobre todo en todo lo que concierne a garage-rock. Sin embargo, esta vez le hemos pedido que nos haga una selección de discos que le hayan marcado y que se alejen del género que practica con Doctor Explosion. Este ha sido el resultado.

Caetano Veloso Livro (1997)

Es difícil escoger un disco de tu voz favorita entre una discografía tan extensa como la de Caetano Veloso. “Livro” no es muy conocido pero a mi me encanta, especialmente la canción que da título al álbum, con un aire de misterio y un ritmo arrastrado de samba que llama la atención. Con una letra intelectualmente sugerente, los arreglos no dejan indiferente. Las canciones se van sucediendo combinando tradición y vanguardia.

The Divine Comedy Bang Goes To The Knighthood (2010)

Soy muy fan de Neil Hannon y en el fondo es porque su voz no deja de ser una versión indie de Scott Walker, lo cual debería ser un piropo para ambos. Me gustan todos sus discos y en particular mi favorito es “Bang Goes To The Knighthood”, Me encantan “At The Indie Disco”, “The Complete Banker”, “I Like” y “Neapolitan Girl”.

The Smiths The Queen Is Dead (1986)

El disco que más veces habré escuchado cuando tenía dieciséis años. Mis favoritas son “Frankly Mr Shankly” y “The Boy With The Thorn In His Side”. Recuerdo ir un día a Paradiso y encontrarme allí a Jorge Ilegal. Él estaba empeñado en que me comprara “Search And Destroy” de Iggy And The Stooges y yo quería comprar “Meet Is Murder” de The Smiths lo cual provocó todo tipo de coñas por su parte.

Burt Bacharach Reach Out (1967)

Burt Bacharach es elegancia y un buen gusto algo hortera y clásico. El álbum que hizo para la película “What’s New Pussycat” es una maravilla como toda su obra. También me flipa “Reach Out” donde viene “What The World Needs Now” o el álbum “Make It Easy On Yourself” del 69, aunque quizá lo mejor sea elegir un recopilatorio de sus mejores hits cantados por otros artistas como Jackie De Shannon, Aretha Franklin o Dionne Warwick.

Boogarins Manual (2015)

Les conocí en un concierto en Austin y me fliparon porque eran tropicalistas que juntaban influencias tradicionales con la nueva psicodelia de bandas como Tame Impala. Al poco me contactaron para grabar su segundo disco en mi estudio Circo Perrotti de Gijón y tuve el placer inmenso de tenerles un mes entero en mi casa para hacer este disco por el que nos nominaron a los Grammy Latinos. ¡Todo un lujo! MS

Chet Baker Chet Baker Sings (1956)

EL SABOR INCONFORMISTA QUE NECESITA LA MÚSICA.

Cruz Cafuné Su santidad

Con “Me muevo con Dios” (Mécèn Ent, 23), Cruz Cafuné se ha erigido en nuevo número uno del rap nacional. No lo dice él, lo dicen los datos. Y un público que le ve como un rapero diferente al resto.

texto Alfonso Gil foto Will Reyes

QUEVEDO, ROSALÍA, C. Tangana y, ahora, Cruz Cafuné. El canario ha protagonizado el sorpasso del año en la industria musical colocando su nuevo disco como el cuarto mejor debut en Spotify España. Un hito histórico para un disco que se basa principalmente en el rap, sin acercarse tanto al mainstream como los otros tres. ¿Y cuál ha sido el secreto de este logro? “Ojalá lo supiese y tuviese la fórmula del éxito seguro”, explica el cantante. “Aunque seguramente no la compartiría”, añade entre risas. Sea como fuere es evidente que el rap nacional esta viviendo una época dorada, tanto en números como en creatividad, y discos como éste demuestran el trabajo que hay detrás. “Hemos tardado mucho tiempo en hacer este disco. Tiene muchas capas, muchos detalles que vas apreciando cuando vas escuchando más el álbum. Hay mucho sacrificio detrás de ‘Me muevo con Dios’ y la respuesta ha sido mejor de lo que esperábamos. Es verdad que estos últimos años ya notábamos que estaba creciendo el hype y se venían cosas buenas, pero esto ha roto todas nuestras expectativas”, explica Cafuné. Y hay que reconocerle el mérito de haber logrado estos récords con una propuesta alejada de lo fácil y comercial, gracias a un sonido muy personal donde el rap y el trap más os-

curo absorben elementos de otros géneros manteniendo esa esencia underground y clandestina que tiene Cruzzi. Un estilo que él define como “rap mezclado con cosas” y que coge su inspiración del “rap americano, especialmente del sonido Toronto. Es un sonido que han absorbido raperos de todo el mundo y que tiene un rollo muy especial. Pero eso no quita que también coja referencias de aquí y allí. En este disco hay sonidos de muchos lugares diferentes, si oigo algo que me gusta quiero probar con ello”. Son palabras de un cantante que, al mismo tiempo, confiesa “no estar muy al día de la música que se hace en España” aunque sí recuerda cuál fue el primer disco que me marcó como músico. “No recuerdo el nombre del disco pero era de un grupo de Tenerife que se llamaba Soul Sanet. Hacían rap, pero también cantaban, tenía como parte de soul y R&B y eso me llamó mucha la atención en aquella época. Tenía siete u ocho años pero fue más tarde, cuando unas navidades me regalaron la banda sonora de ‘8 Millas’, cuando me voló la cabeza con el rap”. Palabras mayores este trabajo de Eminem, aunque no hay que desprestigiar tampoco a una escena de rap, la canaria, “que está entre las tres más importantes de España. Además Madrid, Barcelona, Sevilla… tienen un sonido concreto y Canarias es lo contrario, un crisol de estilos y ritmos”.

HAY UN ASPECTO en “Me muevo con dios” que llama la atención especialmente: la espiritualidad, la religión. Empezando por el título del álbum, dentro del mismo encontramos múltiples referencias a estas creencias, algo poco usual en el rap. ¿Por qué este enfoque? “Yo digo que soy cristiano pero porque vivo la espiritualidad a través de símbolos cristianos ya que en mi casa mi madre era muy cristiana y me lo inculcó desde pequeño. Pero no creo en el dios judeocristiano del señor con barba que está en el cielo y que te castiga con rayos. Tampoco veo un dios misericordioso ya que la vida es muy puta para la mayoría de la gente. Entonces no creo en esa idea de dios como ese Jesucristo, sino que tengo una espiritualidad muy personal. Y mucho menos creo en la Iglesia como institución porque es una puta mierda llena de incoherencias e injusticias. Se supone que tu profeta promulgaba el amor a todo el mundo pero luego tú no permites que dos personas del mismo sexo se casen. La iglesia es una empresa, una secta que se creó alrededor de la muerte de una figura política y religiosa muy importante. Que además está cada vez

“Mi objetivo es llegar a ser número uno”

RAP / EL DE CRUZ CAFUNÉ es uno de los proyectos más sólidos del país. Tiene en su haber el récord de artista nacional con más semanas en el número uno gracias a "Contando Lunares" y el remix de "Cayó la noche" que empujó a Quevedo al estrellato. Ahora ha firmado uno de los trabajos del año en la escena urbana española, incontestablemente. Ha podido permitirse más de tres años de trabajo en el estudio, rara avis en una sociedad musical ultra acelerada. El resultado es apabullante por su extensión, genial en su concepción y brillante en su ejecución: el tipo de álbum que consagra a un artista no desde los récords, sino desde la profundidad y el arraigo. luis m. maínez

más enfrentada con la ciencia; si no crees en el creacionismo te quieren quitar el carnet de cristiano. Hay que evitar los fanatismos. Está en mano de cada uno hasta dónde quieres hacerles caso”. Aclarado este asunto, hay otro que rige el disco y no podemos pasar por alto: esa fijación por el movimiento. Representada en el álbum con la figura del tiburón (no pueden permanecer parados, siempre necesitan estar nadando) como símbolo del trabajo. “Realmente lo del tiburón fue lo típico que te aparece en una pregunta del Trivial y se te queda grabado. Pero me vino muy bien para simbolizar esa necesidad del artista de hoy de tener que estar siempre lanzando música, exponiéndose en redes sociales y llamando la atención. Es algo que me da mucha pereza. A mí lo que me gusta es hacer música y todo lo que hay detrás a veces me aburre”. Nos pasa a muchos. Pero, como también sabe el propio Cruz Cafuné, hoy en día es algo necesario para cumplir su gran sueño. “por qué no decirlo, mi objetivo es llegar a ser número uno. En el rap hay mucho de competición y me gusta esa parte. Aunque realmente no es tanto por vanidad si no porque cuanto

más crezcas más posibilidades tienes luego de poder mejorar tu proyecto. Poder ofrecer cada vez un producto más cuidado y elaborado”. Y culmina: “y además me gusta también poder inspirar a la gente. Si con mi música puedo remover algo dentro de quien la oye, la meta está cumplida”. a.g.

EN GIRA

l Salamanca 02 septiembre. Urban Hood

l Alicante 29 y 30 septiembre. Sala the One

l Granada 06 octubre. Industrial Copera

l Málaga 13 octubre. Sala París 15

l Sevilla 14 octubre. Cartuja Center Cite

l A Coruña 19 y 20 octubre. Sala Pelícano

l Bilbao 21 octubre. Santana 27

l Murcia 02 noviembre. Mamba

l Valencia 03 y 04 noviembre. Sala Repvblicca

l Barcelona 10 y 11 noviembre. Razzmatazz

l Tenerife 06 abril. Recinto Ferial

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EN PORTADA

JON BATISTE

Sonidos del mundo

Jon Batiste es una gran estrella. Ahora mismo lo es a niveles estratosféricos, aunque en el fondo no haya tantas diferencias entre aquel chico que, durante siete años, dirigió la banda del The Late Show de Steve Colbert y el autor de “World Music Radio” (Universal, 23).

texto Toni Castarnado fotos Emman Montalvan

JON BATISTE se hizo realmente famoso cuando, en 2021, publicó “We Are”, un trabajo que incluía éxitos como “I Need You” y “Freedom”, ganó varios Grammy y puso música a la película de Pixar “Soul”, combinando sus composiciones y arreglos jazz con la música de Trent Reznor y Atticus Ross, y consiguiendo el Oscar y el Globo de Oro a la Mejor Banda Sonora del Año. Así que Batiste podría ir por el mundo como un gran triunfador. Sin embargo, su comportamiento en el cara a cara no es nada altivo. Sorprende que se muestre tan relajado y luciendo una sonrisa permanente y muy característica. Jon Batiste es tal cual lo vemos en sus videoclips. Charlo con él vía Zoom desde su casa en New Orleans, su residencia cuando no está de gira. De hecho, su aprendizaje como músico fue en esas calles, epicentro de algunos de los movimientos musicales más excitantes en Estados Unidos. Un lugar que, desgraciadamente, mutó a causa del Katrina. “No sabría decirte si ahora la ciudad es mejor o peor que

antes del huracán porque a mí lo que me importa es que tengo aquí a mi familia y que les puedo cuidar como merecen”. Pero volvamos al tema que nos atañe. Batiste publica “World Music Radio”, un álbum de pop con tintes de globalidad con el que quiere llegar a cada rincón del planeta. “Con este disco quiero llegar a todos sitios y a toda la gente, no voy a excluir a nadie. He querido experimentar y profundizar en la world music. No obstante, esto no es para nada algo excepcional porque, en esencia, toda la música que oímos es world music”. De ahí que aglutine estilos y tendencias, dándole forma a través de canciones que trasciendan más allá del concepto de música pop. “Mi único propósito es crear una comunidad. El poder que tiene la música es tan grande que con que, solamente le pongas un poco de cariño, vas a conseguir que la gente sonría y se sienta bien. Con eso ya me doy por satisfecho”. Quizás por ello, Batiste ha invitado a participar en “World Music Radio”a artistas como Kenny G, Camilo, Lil Wayne, Native Soul o

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EN PORTADA

Leigh-Anne. Entre todos esos nombres, la mayor sorpresa es encontrarse con nuestra Rita Payés en la canción “My Heart”. “Me aconsejaron que la escuchara y tras hacerlo, no dudé ni un momento. Quería que participara en el disco. Tiene mucho talento y personalidad. De momento no nos conocemos en persona, porque hicimos todo a distancia, pero espero solucionar eso pronto”. A quien sí conoce en carne y hueso y mantiene una relación especial es a Lana del Rey. Él participó en la canción y el videoclip de “Candy Necklace”, acompañándola bajando por unas escaleras y tocando el piano, con ella transformada en Marilyn Monroe. Por tanto, manteniendo esa química especial, Lana del Rey también tenía que aparecer en “World Music Radio”. Y ahí la tenemos en “Life Lesson”. “Con ella todo es muy fácil. Nos encontramos en el estudio y nos dejamos llevar. Aunque fue la última canción que grabé, decidimos colarla en el disco, aunque fuera como bonus track. En cuanto al videoclip que citas, fue divertido. Lana siempre te sorprende, así que uno simplemente se tiene que dejar llevar por su instinto”.

POP / Inspirado por esas ondas de sonido que surcan el espacio y que se descubrieron hace un par de años, sin que nadie sepa muy bien de dónde vienen, “World Music Radio” es todo un viaje musical a través de diferentes etilos que van del R’N’B, al soul pasando por el rap, gospel, swing, funk y por supuesto el jazz. Todo ello hilvanado gracias a multitud de colaboraciones con gente tan dispar como Lil Wayne, Lana del Rey o la catalana Rita Payés. Jon Batiste ha conseguido poner toda su inteligencia musical, que es mucha, al servicio de un concepto: demostrar que la música es el lenguaje artístico que más y mejor puede destruir todas esas barreras que nos separan como humanos.

PERO NO PODEMOS DEJAR DE HABLAR sobre su participación en la banda sonora de “Soul”, una experiencia que le dio muchos réditos y le permitió tanto llegar al gran público como ampliar sus horizontes artísticos. “Fue maravilloso. Primero porque me facilitó trabajar con un equipo muy bueno. Era una oportunidad que no podía desaprovechar, aunque no imaginaba que luego tendría tanto alcance. ¿La película? Aunque sean de animación, todas las películas de Pixar son ideales tanto para niños como para adultos. Es alucinante la imaginación que tienen para crear sus historias. Y no descarto trabajar de nuevo en un futuro en algún otro proyecto de estas características”.

JON BATISTE HA ACUMULADO premios, rivalizando (en el mejor de los sentidos) con Taylor Swift. No parece preocuparle. Se muestra modesto y lo entiende como un reconocimiento a su trabajo, pero ni de lejos le obsesiona conseguirlos ni tampoco dirige sus movimientos. “Es importante cuando la industria discográfica te premia, pero nunca haré nada que se dirija solamente en esa dirección. En mi caso

lo que prima es que trabajo para que mis seguidores disfruten con mis discos, con mis conciertos, con mis vídeos, y que se identifiquen con lo que les cuento en mis canciones. Que se sientan cómodos y, ya de paso, arrancarles una sonrisa. Cuando consigues eso, la sensación es muy grata”. El optimismo que transmiten sus palabras, también marca sus videoclips, tanto los que salieron de “We Are”, con los singles de “I Need You” y “Freedom”, o los de “World Music Radio” como en el reciente “Uneasy”, con su colorido y esa visión siempre positiva. Y eso a pesar de las dificultades del día a día. Durante el proceso de creación de este disco, su mujer se sometió a dos transplantes de médula. Aún así, Batiste nunca ha dejado de sonreírle a la vida. Como su compañero Tony Bennett, quien justamente fallecía el

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA

día en que se llevaba a cabo esta conversación. “Todavía no sé qué haré, pero seguro que le homenajearé de alguna manera. Ha dejado una huella imborrable con su música y con sus gestos. Además, estuvo al pie del cañón hasta el último día. Y abrazó a los jóvenes. Confió en nuestro talento cuando nadie se lo pidió”.

PARA ACABAR NUESTRA CHARLA, volvemos a sus orígenes en New Orleans. Con apenas doce años, se codeaba con la familia Marsalis, estudió con el trombonista Trombone Shorty y fue uno de los protagonistas de la serie de HBO “Treme”, actuando como un personaje real. “Lo que intentó David Simon con esta serie fue contextualizar a la ciudad después del Katrina. Creó una ficción con tintes realistas. La verdad es que los músicos que salimos ahí formamos una gran familia. Yo hice cameos en algunos capítulos y participé en casi todas las temporadas de la serie. Simon dejó un documento para la historia, un verdadero regalo. t.c.

SOUL / Es evidente que “We Are” marca un antes y un después a la hora de grabar y componer de Jon Batiste. El propio artista confesó que este es el primer disco del que se sentía del todo satisfecho, y que los anteriores no eran más que pasos que debía trazar para llegar a la exuberancia musical que ahora exhibe. Aquí saca lo mejor de sí mismo y pone en práctica su profundo conocimiento de la música afroamericana de las últimas décadas.

BANDA SONORA / Aunque Jon Batiste y sus Stay Human ya eran muy conocidos en su país por ser la banda del ‘late-show” de Stephen Colbert desde 2015, fue la banda sonora de “Soul” y la multitud de reconocimientos y premios que recibió, entre ellos el Oscar de la Academia, lo que le acabó de cimentar un reconocimiento mundial. Compartida con Trent Reznor y Atticus Ross, estos se encargaron de lo pasajes más incidentales, mientras Batiste le daba al jazz.

JAZZ / Grabado junto a los Stay Human, “Social Music” es todo un tratado musical sobre el jazz en el que los músicos tocan con precisión académica casi todos los palos del género. Y quizás sea esa la principal pega del disco, que busca la exhibición por encima de la emoción. Dos años depués alcanzaron su catapulta televisiva; un escaparate que Jon Batiste abandonó en 2022 tras siete años en televisión.

JAZZ / En 2005 y con tan solo diecisiete años lanzó este disco de debut en el que venía a demostrar lo aprendido en su primer año en la Juilliard School de Nueva York, además de lo mucho atesorado durante su infancia en el seno de una familia de músicos de prestigio. Seis de las nueve pistas son composiciones propias, con las que logró llamar la atención por su pericia al piano.

“El poder que tiene la música es tan grande que consigue que la gente se sienta bien”

EL DISCO. RECUPERADO.

Spin Doctors Pocket Full Of Kryptonite (1991)

NO, NO FUE UN SOLO DISCO. De hecho Spin Doctors, cuentan en su discografía con seis discos en estudio, incluyendo un más que notable retorno en 2013 con el muy bluesero “If The River Was Whiskey”. A ello hay que sumar tres discos en directo y un buen puñado de recopilatorios. Pero, claro. Estando “Pocket Full Of Kryptonite” por en medio ¿de qué más se puede hablar? Fue su debut. El disco que los llevó a vender cinco millones de copias en Estados Unidos o a Saturday Night Live. El que los colocó en el puesto tres de la lista de Billboard y el que incluía canciones como “Two Princess” o “Little Miss Can’t Be Wrong”, auténticos trallazos de rock con groove. Pero es que, además, fue el álbum que parecía convertirles –recuerden que fue publicado en 1991–en la respuesta alegre al grunge. Ellos eran la alternativa a aquellos discos densos, hastiados, melancólicos. Eran la kriptonita –cómo no usar el vocablo– a las lágrimas y la introspección. Imposible no pasarse por cualquier club de la época y no toparse con las dos citadas canciones. Y quizá, por ello, la banda sucumbió a ellas. Un muy buen disco lastrado por dos temas demasiado adictivos ¿les suena la contradicción?

A PESAR DE ESO, “Pocket Full Of Kryptonite” es un muy buen trabajo de rock comercial, Con el atrevimiento cachondo de iniciarse con una carta de amor de Jimmy Olsen a Lois Lane en “Jimmy Olsen’s Blues”. Que lo de la kriptonita da juego, hombre. O con

TAN. CERCA.

esa armónica de John Popper de Blues Travelers en “Off My Line”. O con ese explosivo solo de Erik Schenkman en “Refrigerator Car”. Y qué decir de los doce minutos y pico de “Shinbone Alley/Hard To Exit” en los que la banda recuerda sus orígenes como jam band, cosa que luego recuperarían solo con cuentagotas en algunos de sus discos posteriores. Su funk rock parecía llegar en buen momento.

PROPUESTAS PARECIDAS aunque más negroides como la de Living Colour eran demasiado crudas y duras para el público general, aunque “What Time Is It?” podría haber estado sin problemas en un disco de Corey Glover y compañía. Y para intensidad emocional, como hemos dicho, ya estaba el grunge. Así que parecía haber un nicho para ellos. Aunque este se llenó demasiado pronto. Estiraron el chicle hasta tres años, y entonces las relaciones entre sus miembros eran cualquier cosa menos cordiales. Su segundo trabajo no fue mal, de hecho “Turn It Upside Town” (94) se acerca al millón de copias, cifra al menos destacable. Pero pronto su discográfica, Epic, les daría puerta, concretamente en el siguiente disco, y algunos de sus miembros fueron desfilando, cosa que les condenó a una segunda fila de la que ya nunca salieron ni en posteriores reencarnaciones. Chris Barron, su líder y cantante, ha asegurado en varias ocasiones que no cambiaría nada de lo que hicieron. Viendo como les fue, al menos permítanme que lo dude. eduardo izquierdo

RR Tanxugueiras han sido noticia por partida doble. Por un lado porque finalmente han compartido su primera canción en catalán, creada con fines benéficos para La Marató de TV3. Se trata de “Més fort”, que es una relectura del hit “Stronger” de Kelly Clarkson. Por otro porque anuncian un concierto muy especial de despedida de su actual gira. Será el 16 de diciembre en el recinto Coliseum de A Coruña con invitados como Rayden, Rozalén, Muerdo, Guadi Galego o Valeria Castro.

RR Raquel Pascual, quien fuera cantante de bandas como Fromheadtotoe, Childhood y Collision, ha fallecido víctima de un cáncer que llevaba años sufriendo. Ella fue sin duda una de las grandes voces y frontwomen de los noventa y de principios de la década siguiente en nuestro país. Todo nuestro amor para ella esté dónde esté.

RR El mes próximo verá la luz el nuevo disco de María José Llergo en el que tenemos muchas ilusiones depositadas. Hace unos meses avanzó el single “Rueda, rueda”, del que acaba de lanzar dos remixes firmados por DJ UWU, de la escena nightcore española, y de Daniel 2000, miembro también del colectivo Mainline Magic Orchestra

RR Sen Senra lanzó por sorpresa un nuevo single, “Mis amigos opinan lo mismo”, pieza que funciona a modo de nexo de unión entre el volumen uno y el dos de “PO2054AZ”

RR El Caudal Fest se llevará a cabo los días 15 y 16 de septiembre en el jardín del Palacio de Ferias y Congresos de la ciudad de Lugo. Los cabezas de cartel son Vetusta Morla y Leiva, pero habrá muchísimo más de la mano de Miss Caffeina, Sidonie, Natalia Lacunza, La La Love You o Galician Army. www.caudalfest.es

RR Este pasado mes falleció también por causas naturales Javi Homeboy, Dj madrileño con más de veinte años de trayectoria y que combinó indie con electrónica en diversas salas de la ciudad y en muchos festivales. MS

FOTO: ARCHIVO

Guadalupe Plata Jugaré sobre tu tumba

“Guadalupe Plata” (Everlasting, 23) supone la séptima y tenebrosa entrega discográfica de la banda ubetense preferida de Iggy Pop, los genuinos e inconfundibles Guadalupe Plata.

ESENCIAS OSCURAS INTACTAS por cada surco, sumando matices y piezas muy pulidas. De la inclusión de saxos por primera vez, a hechizantes melódicas y camaleónicos teclados de 8 bits que mutan en voces de inframundo. Trece canciones con las que, tras la marcha de Paco Luis y el anterior álbum junto Mike Edison, vuelven al formato dúo-boogie matriz, sin variar

mucho el proceso de creación, pero bajo el bautizado Estudio Ataúd, a fuego lento y con hierro y cromo en vena. “La experiencia de tener el Estudio Ataúd –y rematado en La Mina con Raúl Pérez– como aliado ha sido la mejor manera de poder conseguir un sonido trabajado y peculiar, teniendo en cuenta que se ha grabado en una Tascam 246 en cuatro pistas”.

SIEMPRE CON ESE SELLO ÚNICO de humor surrealista y negritud envolvente de serie B, rezumando sabiduría popular ubetense y aromas rurales de la España vaciada y profunda, historias que emergen de manera “espontánea e intuitiva. Muchas de las letras son un robo a mano armada a otros sitios que te llaman o que ya has vivido. Pueden provenir de cualquier lugar, desde una frase mal escucha-

TAN.LEJOS

RR Green Day pusieron a la venta durante setenta y dos horas unas camisetas benéficas especiales de “Nimrod” en las que utilizaban la fotografía policial de Donald Trump al entregarse en Georgia. Lo recaudado se utilizará para “llevar comida a los afectados por los incendios forestales de Maui”.

RR Talking Heads reaparecerán como grupo para celebrar en el TIFF 2023 (Festival de Cine de Toronto) el cuarenta aniversario

de “Stop Making Sense” (1984). Ahora bien, de momento no será para actuar, aunque no nos cabe duda de que los más grandes festivales internacionales se los rifarían. Esta reunión será el 11 de septiembre.

RR El día 15 de septiembre verá la luz el nuevo trabajo de Mitski, que llevará por título “The Land Is Inhospitable And So Are We”. Para lanzar la noticia estrenó dos singles al mismo tiempo, “Star” y “Heaven”.

Nanpa Básico Rompiendo la frontera

El rapero colombiano Nanpa Básico publicó antes del verano su enésimo EP, “99,9” (Autoeditado, 23). Un trabajo que, después de casi veinte años de carrera, le ha permitido hacer su primera gira por España. Y las que están por llegar.

EN “99,9” NOS ENCONTRAMOS con cinco canciones que tratan de explicar una historia de amor idealizado, pero no perfecto. “Por

mucho amor que puedas tener, jamás estarás completo en todas tus aristas”. Lo más particular de este trabajo es que ha decidido liberar de muchas capas a las canciones para que sea su voz la protagonista. “Quería hacer canciones que siempre quiera cantar. Por eso es tan predominante la voz, y las texturas, la forma…”. Como ya es habitual en su trayectoria, se atreve a incluir distintos estilos, desde una balada hasta un tema de rap, pasando por el reggae. “En el rap colombiano es como que, si no suena de una forma determinada, no es rap. Mi idea es desmitificar eso. Siento que el rap puede ha-

cerse de la manera que tú quieras”. Pero, tras la salida de este EP, el colombiano ha seguido lanzando canciones durante todo el año. “Soy un enfermo escribiendo canciones, me encanta hacerlo. Tengo muchísimas y las voy sacando según las sinergias”. Muchas de estos temas son colaboraciones, especialmente con artistas españoles (Nach, ZPU, Rayden, Lia Kali, Sharif...). “La gente profunda me cae muy bien y el rap español es bien profundo, por eso me siento muy afín con los raperos españoles”.

ANTES DE ESTE EP, creado durante la

“El truco está en no deshacerte de nada de lo que llevas dentro”

RR El 15 de septiembre verá la luz “STONE”, el nuevo álbum de la banda de metal Baroness. Sus primeros avances han sido “Beneath The Rose” y “Shine”.

RR Ya tenemos aquí el primer álbum de Empire State Bastard, la banda de metal capitaneada por Simon Neil de Biffy Clyro. En “Rivers Of Heresy” le acompañan Mike Vennart (Oceansize), Naomi Macleod y Dave Lombardo (Slayer, Dead Cross y un largo etcétera).

RR Turnstile y BadBadNotGood han publicado este pasado mes un EP cola-

da, a una falseta, una canción popular… Surgen como un enamoramiento hacia esas palabras. Otras veces es simplemente un decir lo que te viene en gana”. Un personalísimo averno pesadillesco en el que reflotan influencias apocalípticas y funestas, de un eclecticismo sorprendente y cautivador: “H.P. Lovecraft, La familia de Pascual Duarte, Alan Moore, David Lynch, Ennio Morricone, Screamin’ Jay Hawkins, Frank Zappa, Link Wray, John lee Hooker, La Paquera de Jerez, The Twilight Zone, Atahualpa Yupanki, Cine de barrio, Howlin’ Wolf, Skip James, El niño Miguel, Edgar Allan Poe, Bloodbowl, José Luís Cuerda, las guitarras rotas, La noche de los muertos vivientes, Captain Beefheart, Robert Crumb, Las pinturas negras de Goya, Los Indios Tabajaras, misterio y fenómenos paranormales, Drácula, Frankenstein, El hombre lobo, asesinos, presos y gente del malvivir, el Tarot, cosas del pasado…”.

“GUADALUPE PLATA” destila, por tanto, una alquimia sonora que manejan

borativo titulado “New Hearts Designs” en el que le dan una vuelta de tuerca a varias canciones de “Glow On” (21).

RR The B-52’s han participado con una exposición especial en el Punk Rock Museum fundado por Fat Mike de NOFX. Se trata de una expo en colaboración con Save The Chimps en la que se muestran cuadros pintados por chimpancés.

RR La chileno-mexicana Mon Laferte está de vuelta a la actualidad con el anuncio de un nuevo disco que adelanta con el single “Tenochtitlán”. MS

pandemia, estuvo “Hecho M13rd4” (Autoeditado, 22), con el que consiguió entrar por primera vez en la lista Billboard. “Siento que la pandemia me dio mucho más tiempo del que siempre había tenido para pensar. También publicamos ‘Los no tan tristes’ en 2021 con Charles Ans y Gera MX con los que charteamos número uno en todos los lanzamientos, algo que para unos rappers independientes, significa muchas cosas”. El año que viene Nampa cumple veinte años dentro de la industria, una relación muy estable que tiene claros los motivos por los que está durando tanto. “Lo único que te puede hacer que perdure tanto es el amor. Van diecinueve años, pero viviendo de la música llevo apenas seis, es un balance muy

como nadie, mezclando folclores ajenos y propios, dando fruto a ese sonido tan definitorio que los hace únicos. “Tratamos de crear la música que nos gustaría escuchar con los ingredientes que disponemos y con las cosas que nos atraen. El truco está en no deshacerte de nada de lo que llevas dentro desde que empiezas a mamar música, todo está ahí, lo antiguo y lo nuevo, y sería un tremendo error renegar de tus propias raíces para intentar hacer música de raíz”. david pérez

CONCIERTO

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desproporcionado”. Aprovechando su gira por España, le preguntamos sobre el significado que tiene para él esta gira. “Para mí es un sueño, es un hito en mi familia y en el rap. Solo son seis fechas, pero venir aquí a poner la bandera con el rap es algo hermoso, estoy muy feliz”. Y ahora solamente queda hablar del futuro. “Tengo todos mis lanzamientos organizados hasta enero del 2024. Y ha salido mi featuring soñado, un tema producido por Soma y en el que rapeamos Nach, ZPU y yo. Se vienen cosas bien interesantes y muy diferentes la una a la otra”.

aleejandro caballero serrano

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“Siento que el rap puede hacerse de la manera que tú quieras”

l Granada 02 septiembre. Colegio Manuel de Falla l Almería 25 noviembre. Berlín Social Club

EN

MONDO FREAKO

Bethany Cosentino En solitario y muy en serio

Bethany Cosentino tenía la necesidad de volar sola. Había llegado el momento de hacerlo y no ha dudado ni un instante. No hace falta más que escuchar “Natural Disaster” (Concord/ Music As Usual, 23), para ver que va muy en serio.

LA APUESTA DE BETHANY Cosentino es firme y decidida. Best Coast se han tomado un respiro, todavía indeterminado, que seguramente irá en función de cómo le vaya a ella la aventura en solitario. Pero no parece que su retorno como grupo sea una opción a medio o largo plazo. Si nos tenemos que fiar de lo que suena en “Natural Disaster”, es posible que Cosentino haga camino por su cuenta, y queda claro que tiene un prometedor recorrido por delante. El suyo es un disco de pop noventero fresco y que apuesta por unas canciones como soles. “Para mí, la diferencia es que este es un disco trabajado desde la perspectiva de una cantante. Todo parte de ahí. El foco y las intenciones son distintas de cuando trabajas con un grupo. No tiene nada que ver con Best Coast. Aquello era

más democrático mientras que ahora soy yo quien dirige todo. Y la verdad es que me he sentido muy cómoda en esta situación [risas]”. Aunque lógicamente reconoce que sin esa experiencia grupal previa, no habría llegado hasta aquí. Cosentino jamás renegará de esta etapa, pero ahora mismo sus horizontes son otros. “La razón por la que este disco es de esta manera es porque cuando empecé con Best Coast tenía veintidós años y ahora tengo treinta y seis. Y todo lo que he aprendido, los cambios derivados por la propia sociedad, el cambio climático o muchas otras cosas que nos preocupan, han influido en la Bethany que soy hoy en día. No sé si diría más madura, ya que quizás eso aún no me corresponde, pero sí te diré más consciente de las dificultades y de la realidad del momento actual que estamos viviendo”. “Natural Disaster” puede traernos a la cabeza lo que grabaron Sheryl Crow o Shania Twain en los noventa, sin embargo hay otra artista de aquellos días que a Cosentino le cuadra más. “Exacto, por ahí quería ir. Liz Phair es el ejemplo perfecto. Más que ninguna otra artista de esa época es con quien siento una conexión más fuerte. Era guerrillera y al mismo tiempo muy dulce. Liz Phair y todo el movimiento que propició el Lilith Fair Festival me ha marcado a fuego. Hasta entonces, la

gente era reacia a comprar entradas para ver a una chica cantar, así que se juntaron todas y crearon una comunidad en el Lilith Fair. Una red de seguridad y la posibilidad de que muchas de ellas tuvieran más visibilidad. Todavía existe un núcleo duro de mujeres artistas que siguen escondidas en algún lugar invisible. En cualquier caso, me encantaría que me invitaran, sería un honor entrar en ese edificio”.

AUNQUE COSENTINO no ha estado sola, sino que en la construcción y la sólida factura de “Natural Disaster” ha sido determinante la figura del reputado productor y músico Butch Walker. “Sí, Butch ha sido muy importante. Probé a mucha gente, pero nadie me convencía. No quería al típico productor que cumple con el expediente de trabajar contigo y que se marcha corriendo tan pronto como ha acabado. Buscaba a un colaborador, a alguien que fuera cómplice y que se implicara al cien por cien. Entonces me fijé en la ciudad de Los Angeles y ahí fue cuando apareció la figura de Butch. Hacía diez años que le conocía y este era el momento propicio para hacer algo juntos. Tuvimos buena química desde el primer día, trabajando bien y rápido”. La relación entre ellos ha ido más allá, se han convertido en amigos y en un futuro seguro

que habrá más colaboraciones. “Hemos creado ese tipo de relación en la que a él le considero una parte de mi familia. En el pasado nunca me quedé con mal sabor de boca trabajando con ningún productor, pero esto es otra cosa. Además, ahora soy yo quien toma las decisiones y la opinión que más cuenta es la mía [risas]”.

“NATURAL DISASTER” tiene ese aire a country comercial tan típico en Nashville y al mismo tiempo a ese pop radiante y soleado que viene siendo habitual en California. “En realidad no fue intencionado. La localización geográfica no fue tan importante para definir el sonido. Lo que quería ante todo era describir mi situación actual, el placer de ir andando hasta el estudio y después conducir hasta algún lugar escuchando las canciones. Ha sido un proceso distinto al habitual y que he disfrutado mucho”. Y ya que hablamos de caminar y conducir, Cosentino defiende que un disco hay que disfrutarlo como una experiencia completa. A poder ser en copia física. “Cuando viajo o salgo a pasear a mi perro, está muy bien tener un catálogo muy amplio a tu disposición en plataformas. Es cómodo y ágil, pero en casa la experiencia es otra. Creas un vínculo con el objeto. Puedes seguir la secuencia de la música y las canciones a través de las letras. Así es como mejor conectas con ellas. Es una obra completa, una pieza de arte que se ha compuesto con mucho cariño. Así que agradeceré que quien compre mi disco en físico lo aprecie”. toni castarnado

TOP VÍDEOS.

QTravis Scott Sirens

1

No hemos podido resistirnos a caer bajo el influjo del nuevo vídeo de Travis Scott. El artista se desplazó hasta Cataluña para hacer uso de la fuerza visual de las tradicionales “diades castelleres”.

2

Con una letra brutal en la que no se corta un pelo, Yungblud se erige en el protagonista absoluto de este nuevo y explícito adelanto aguantando en el clip un primer plano, mientras todo se tiñe de petróleo para acabar, como no podía ser de otra forma, ardiendo.

QPeter Gabriel Panopticom (Dark-Side Mix)

3 Todo un alarde conceptual y visual el que nos presenta Stephen Grzanowski, también conocido como Vnderworld, como creador de este clip para Peter Gabriel. Se trata del resultado de un concurso auspiciado por el cantante. Este vídeo obtuvo el segundo premio.

QJon Batiste Uneasy (ft. Lil Wayne)

Brutal fusión de jazz y rap la que se marcan Jon Batiste al piano y Lil Wayne con sus afiladas rimas. Y todo ello en un clip que busca captar la pureza de la colaboración rodeados de skaters.

4

QFuture Islands

Deep In The Night

5Elegante clip filmado en blanco y negro con mimo artesanal que logra, con su combinación de primeros planos, juegos con las sombras e iluminación, transmitir la intensidad emocional del nuevo single de Future Islands. MS r

QYungblud Hated

“Ahora soy yo quien toma las decisiones y la opinión que más cuenta es la mía”

FOTO: SHERVIN LAINEZ

LA REACCIÓN AL DISCO parece estar siendo muy buena, ¿no? Desde la estrategia de poner primero los remixes a cuando ya se fue descubriendo el álbum, y ya estos meses posteriores.

Sí, ha sido una respuesta maravillosa, me siento muy afortunada y feliz. Me pone muy contenta también sacar nuevo material, poder tocarlo en directo, ir a festivales... Me siento muy privilegiada de poder hacer todo esto con nueva música. Lo siento como el comienzo de un nuevo viaje.

Has mencionado como principales referencias para este disco la música electrónica de los ochenta y el italodisco. ¿Algún artista en particular –o canciones en particular– que hayan sido una influencia?

No te sabría decir. Muchas cosas, no puedo nombrar solo una. Muchas canciones con sintetizadores, muchas de italodisco... pero quería también darles una pátina contemporánea. Era importante para mí que, pese a esa inspiración retro, sonase actual; ese balance era lo primordial para mí.

Muchos artistas del pop tanto mainstream como underground están usando muchos samples, sonidos y, en general, elementos de los noventa o primeros dos mil, y hay artículos interesantes sobre esta nostalgia y el posible “escapismo” a un lugar a priori sin una crisis económica continua, una extrema derecha con tanto poder, etcétera. Tú llevas fijándote en el pasado mucho tiempo, no solo en este disco, pero precisamente por eso creo que puede ser interesante tu punto de vista. Mmm. Yo es que no veo que sea algo de ahora. La cosa es que yo creo que siempre ha habido nostalgia, como que es algo inherente... Ahora la hay, claro, pero es algo muy natural. Aunque a veces puede ser un poco aburrido. Pero creo que ocurre todo el tiempo, es como con la moda, la música también, las cosas vienen y van, no sé. Es algo que ocurre constantemente.

Empezaste a escribir estas canciones durante el confinamiento. ¿Siempre tuviste claro que iban a ser para este proyecto en solitario, o por entonces eran canciones para Goldfrapp?

No, no, quería hacer temas nuevos y tenía claro que mi próximo disco iba a ser en solitario. Pero lo cierto es que en principio iba a ser un EP, me gustaba la idea de empezar esta nueva etapa así, con algo sencillo, sin demasiada presión. Pero

Alison Goldfrapp

Bailando

Alison Goldfrapp nos está haciendo bailar como nadie. Lo consigue con “The Love Invention” (BMG, 23), un álbum en el que se siente libre para mirar a los ochenta y el italodisco, pero con sonido contemporáneo.

texto Pablo Tocino foto Mat Maitland

cuando se lo llevé al sello, estaban muy entusiasmados y me pidieron un disco completo. Y al final eso me hizo sentirme con mucha confianza, y muy contenta con la gente con la que estaba trabajando, así que me dije que por qué no, que era algo totalmente posible. Ahora estoy muy contenta de haber tomado ese camino.

Te quería preguntar por la producción, porque veo que has querido contar con colaboraciones de Richard X, James Greenwood y Toby Scott. Sí, fue todo muy orgánico, la verdad. Había escuchado algunas cosas de James Greenwood, y le pregunté si estaría interesado en hacer algo de composición, y ya mi sello fue quien me sugirió a Richard X, que ya nos había hecho un remix como Goldfrapp antes. Fui un libro abierto con ellos, quise hacer un “por qué no”, explorar qué trabajo podíamos hacer juntos. Y con Toby también, como que todo fue fluyendo de una manera muy interesante.

“NeverStop” es un buen tema para abrir. No sé si lo elegiste por la parte hablada, que, por lo que he leído en otras entrevistas, representa a un terapeuta. Como queriendo representar lo que te vas a encontrar en el disco.

Sí, lo del terapeuta es un poco como cuando hablas contigo mismo, que estás tú y está ese “otro tú” con el que reflexionas. Era un poco la intención, la de hablar con tu conciencia. Pero no era intencionado colocarlo el primer tema. Siempre es interesante, cuando haces un disco, ver cómo funcionan las canciones, cómo fluyen entre sí, cómo dividir las caras A y B, qué canción colocar detrás de otra, etc. Eso, las atmósferas, es lo que realmente está detrás del orden de las canciones.

“In Electric Blue” es quizás mi favorita de este disco. ¿Qué puedes contarnos del proceso de composición?

Pues fue un proceso especialmente particular, porque ocurrió muy rápido, y de repen-

te se paró, y lo retomé casi un año después. La idea inicial la tuve pronto, pero quise dejarlo ahí, seguir con otras cosas, y volver un año después. Es extraño, pero a veces ocurre así: tener la idea, dejarla madurando y así no quedarte atascada. Vuelves a ella con ojos y oídos frescos.

También es muy fresco el resultado. Me gusta ese punto de romanticismo y euforia que tiene la canción, y en general me recuerda un poco a Robyn, que por lo que veo a más de uno le ha pasado también. Sí, y no lo entiendo. Estoy leyendo mucho lo de esa conexión con Robyn, supongo que es por los sintetizadores arpegiados, pero están por todo el disco, no sé... La referencia para mí es realmente la música de los ochenta, que usaba mucho ese tipo de sonidos de sintetizador. Pero no entiendo la comparación que hace la gente, es como si asociaran ese sintetizador con Robyn, pero están en muchas canciones dance, y en mucho pop de los ochenta.

Robyn fue precisamente una de las artistas que mencionaste cuando, en una entrevista reciente, te preguntaron por divas disco, junto a Madonna, Kylie o Roisín. Todas ellas están sufriendo en mayor o menor medida edadismo, el caso más reciente es la negativa a pinchar “Padam Padam” de Kylie en radios o incluirla en listas de Spotify pese a su éxito. Quería preguntarte sobre este asunto, que en la música parece afectar especialmente a las mujeres.

Sí, yo creo que hay muchísimo edadismo, y en la radio ocurre mucho. Lo cual es una locura, pero bueno, al final lo interesante es que haya mujeres de nuestra edad haciendo música tan apasionante, eso prueba que, cuando te haces mayor, puedes ser igual de creativa, de extremadamente creativa, puedes ser fuerte, tener buena salud, y estar haciendo trabajo creativo igual de apasionante o más. Así que juzgarnos por nuestra edad... Es que además, si prejuzgas a alguien por su edad, si le discriminas, al final lo que estás haciendo es discriminarte a ti mismo. Porque todos vamos a envejecer, ese es un hecho [risas]. Y no deberías limitarte por tu edad, es una tontería, la gente por lo general ha hecho las cosas más interesantes en un momento más tardío de la vida. p.t.

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“Si discriminas a alguien por su edad, te estás discriminando a ti mismo”

Él Mató A Un Policía Motorizado El club del buen humor

El tiempo pasa, pero las cicatrices quedan ahí. Algunas incluso sirven de inspiración para un disco como “Súper Terror” (Primavera Labels, 23), la nueva obra de los argentinos Él Mató A Un Policía Motorizado, y también para generar esperanza como respuesta.

AUNQUE A MUCHOS afortunados les suene ya a pleistoceno, las consecuencias de la pandemia continúan muy vigentes en el imaginario de muchas personas. Así es como nos lo han hecho saber recientemente los platenses Él Mató A Un Policía Motorizado, quienes ajenos a pudores y embarazos, han querido reforzar en su nuevo trabajo, “Súper Terror”, la repercusión vital y emocional que este aciago periodo de nuestra historia reciente trajo consigo. “No nos avergüenza reconocer que es un disco muy a rebufo de lo que vivimos en la pandemia”, confiesa Santiago Barrionuevo, líder y vocalista de la banda. “No escribí pensando en la pandemia como tal, pero sí lo hice pensando en las consecuencias vividas a raíz de ésta, ya que sin duda supuso un cambio del todo radical en mi vida”. Un contexto que, sin lugar a dudas, se lo ha puesto complicado al grupo a la hora de tratar de romper con esa dinámica melancólica tan característica que lleva atesorando durante años. “Recuerdo perfectamente que cuando estábamos grabando los últimos arreglos de ‘La Síntesis O’Konor’, (17) sentí un enorme vértigo de timidez y dije ‘Eh, paradlo todo, esto se siente demasiado melancólico’”, nos sorprende entre risas Santiago. “Pensé para mis adentros que el próximo disco tendría que ser mucho más luminoso, y aunque la melancolía continúa teniendo un peso importante, diría que esta vez he logrado ir un poco más allá y la esperanza asoma con más evidencia que en nuestro anterior trabajo”.

DURANTE NUESTRA CHARLA con Santiago, no podemos pasar por alto el hecho de que “Súper Terror” es el primer trabajo que la banda nos entrega tras haber sido galardonados con el Grammy Latino a Mejor Álbum de Rock por su trabajo en “Unas vacaciones raras” (21), algo que el mencionado elude con cierta timidez y

elegancia. “Sin restarle valor al reconocimiento recibido, por supuesto, esto fue algo que celebramos en la intimidad y sin demasiados aspavientos”, nos comenta. “A fin de cuentas, eran canciones antiguas y regrabadas para la ocasión y se sintió más como un reconocimiento a toda la trayectoria de la banda que al proyecto en sí. Aunque nos alegró mucho, especialmente por nuestros seguidores, es algo que vivimos con un perfil bajo. Nos gusta reforzar la idea de que el valor del arte y de la música no pasa por recibir premios. Justo la gracia de esto

es que son ámbitos que no tienen nada que ver con ganar o perder”.

METIÉNDONOS EN LAS CARNES de “Súper Terror”, Santiago nos cuenta un poco más sobre ciertas líneas narrativas pretendidas en algunos de sus cortes, como por ejemplo, la crítica anticapitalista oculta en “Medalla de Oro”. “Es una canción de ruptura, como tantas otras que hay en el disco, pero en medio de ésta quise ahondar en la ambición superficial que nos invade hoy día”, menciona el cantante argentino.

“Me choca mucho que en un país como el mío, donde la gran mayoría de los jóvenes son prácticamente pobres, continúa reinando entre estos la idea de arengar el éxito. Un éxito basado en el dinero, en seguidores en redes sociales y en cosas superficiales donde, a fin de cuentas, tratan de proyectar aquello que no tienen y desean. Es algo que por desgracia ya está impreso en la dinámica de nuestras vidas y en lo cual caemos todos, yo incluido”. Y es que, aunque a priori el discurso de los motorizados se sienta muy personal y críptico, la banda platense no pierde su toque a la hora de lograr que sus pesquisas, del todo sentimentales y personales, se tornen colectivas y pluralmente interpretables. “Para mí es importante que todas las letras tengan a su vez cierto margen de interpretación, en tanto que el receptor pueda ponerle a éstas su particular significado y experiencia”, dice Santiago. “Siempre trato de recorrer ciertas ideas sin nombrarlas de forma explícita. Busco que las letras cobren vida propia, comenzando con un disparador concreto y dejando que poco a poco la narración lleve al oyente a otros puntos. Es entonces cuando se genera ese margen, y cuando nos comienzan a llegar interpretaciones de todo tipo por parte de los oyentes. Algunas esperables y otras que, desde luego, no lo son. Me divierten más las que no lo son, claro”.

A LAS PUERTAS de que la publicación de su debut cumpla pronto las dos décadas, Santiago no duda a la hora de reconocer lo que hace que el quinteto siga unido, veinte años después. “¿La clave? Te diría que el buen humor. Los cinco, incluido yo, somos unos payasos frustrados. Somos como hermanos, y aunque pasemos mucho tiempo separados, tan pronto como nos juntamos de nuevo nuestro sentido del humor común reflota otra vez. Luego paso un tiempo que no los quiero ni ver de nuevo [risas], pero sin duda nuestro humor ha sido crucial para mantener una convivencia sana entre todos”. fran gonzález

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WALA. WALA.

“Nunca dejaré la música por el cine. Como Victor Mature dijo una vez: ‘Yo no soy actor. ¡Y ahí están mis treinta películas para probarlo!’”

Chris Isaak en Ruta 66

“Estuve trece horas ordenando papeles con arreglos y le preguntaba a la gente ‘¿Esto es lo que Beyoncé haría?’ mientras me arrastraba por el suelo para ordenar todo alfabéticamente”

Natalie Merchant en Uncut

“No creo que los temas sobre los que hablamos sean exclusivos de las personas de nuestra edad, el punk no se inventó ayer”

Martín Vallhonrat de Carolina Durante en IndieRocks

“ESTUDIÉ EN UNA ESCUELA CATÓLICA Y RECUERDO FINGIR HABER SIDO POSEÍDA POR EL DIABLO Y COSAS ASÍ. ME METÍ EN MUCHOS PROBLEMAS PORQUE SER TROLL ESTÁ EN MI NATURALEZA”

Grimes en Wired

“Mi filosofía es la honestidad. No es un trabajo fácil, pero tampoco se supone que debería serlo”

Jason Isbell en Mojo

“El valor del arte y de la música no pasa por recibir premios”

l Madrid 19 octubre. La Riviera l Granada 20 octubre. Sala Aliatar l Valencia 21 octubre. Moon l Barcelona 22 octubre. Razzmatazz

El debut de Suede canción a

El pasado marzo “Suede” (Nude, 93), el que fuera inflamable debut homónimo del grupo londinense producido por Ed Buller, cumplió treinta años. Ahora establecemos una clasificación de sus canciones de mejor a peor.

“SUEDE” RESULTÓ GANADOR del Mercury Prize y quedó como una de las primeras piedras de toque de lo que daría en denominarse Britpop, motivo más que suficiente para que ahora se haya relanzado en diferentes formatos. Esa es la excusa para recuperar un álbum que, tres décadas después, sigue resultando tan desafiante y descarado como profundamente emocionante. Brett Anderson describía, con marcado acento británico, el entorno y la juventud inglesa de la época, tras beber a horcajadas de Bowie, Bolan o Morrissey y voltear influencias en beneficio propio. El vocalista hizo gala de una lírica afilada y segura de sí misma que, en su intensa (casi asfixiante) interpretación, aún consigue

destilar un inconfundible romanticismo urbano y ese tipo de glamour inherente a mercadillos y tiendas de segunda mano. Una fórmula que Bernard Butler se encargó de completar con líneas de guitarras tan explícitas que por momentos decían tanto o más que las propias letras. Con motivo del presente aniversario, ordenamos las piezas del disco, si bien “Suede” debe seguir entendiéndose en la grandiosidad de su conjunto.

“So Young”

Si “Animal Nitrate” se lleva el premio a la pieza más popular del disco, “So Young” se alzaría con el de mejor canción. El que fuese cuarto y último single extraído de “Suede” resulta

ser puro romanticismo urbano, además de una alegoría a las drogas del sábado por la noche y esa invencibilidad inherente a la juventud.

“The Next Life”

Un disco como “Suede” necesitaba un cierre a la altura. “The Next Life” es otra pieza bellísima hasta motivar la pura lágrima, con la voz de Anderson en niveles alejados de lo terrenal y luciendo protagonismo junto al piano que acompaña toda la canción, hasta concretar la definición de épica en el mejor sentido del término.

“Animal Nitrate”

Seguramente el single más recordado de “Suede”, himno de los noventa y una canción que contenía (en cantidades industriales) todos aquellos elementos que definían a Suede: vicio, ambigüedad sexual, drogas, falsetes vocales, nocturnidad, guitarras desbordantes y glamour. El resultado sigue siendo, a día de hoy, una canción tan insinuante como los violentos movimientos de cadera que Anderson exhibía en el videoclip.

canción

“Metal Mickey”

Si “The Drowners” fue el bofetón en la cara que despertó a críticos y un público británico ansioso de bandas autóctonas que tomaran el relevo del grunge americano, “Metal Mickey” fue la confirmación instantánea. Una canción (si cabe) todavía más afilada que su antecesor, que incidía como un cuchillo en la mantequilla.

“Pantomine Horse”

La pieza que ejerce de bisagra entre los dos principales universos latentes en “Suede”: el eléctrico y el emocional. Casi seis minutos que mecen al oyente –una vez más, entre la interpretación vocal plagada de matices de Anderson y las guitarras determinantes de Butler– en una secuencia creciente que termina por devorar al oyente.

“Sleeping Pills”

Anderson vuelve a enfundarse una piel femenina, con la intención de plasmar esa perspectiva en cuatro sentidos minutos. Lo consigue en la que quizá sea la canción más bella del elepé (con permiso de “The Next Life”), en una

frecuencia, y casi podría llegar a entenderse como borrador de aquel eterno “The Wild Ones” incluido en “Dog Man Star” (94).

“Animal Lover”

tendencia que después refrendaría a conciencia con la insuperable “The 2 Of Us”. 07

“The Drowners”

El single con el que empezó todo –con portada del Melody Maker nombrando al cuarteto la mejor nueva banda de Gran Bretaña incluida– era (y es) una pieza provocadora, arrebatadora y (una vez más) de marcado perfil sexual que, efectivamente, significó una llamada de atención imposible de ignorar tanto para prensa como para público. 08

“She’s Not Dead”

Emocionantísima resulta también esta canción, muy matizada (sobre todo en la delicadísima parte vocal) y en la que Anderson prueba su empatía para narrar temáticas desde la óptica femenina, captando una fragilidad que deriva en heroicidad con el ejemplo de su admirada madre siempre en el horizonte.

“Breakdown”

“Breakdown” es uno de esos preciosos y sentidos medios tiempos que el combo ha venido alumbrado con

“Animal Lover”, a pesar de que su perfil ambiguo/sexual encaje a la perfección en el universo Suede, es uno de los cortes más obviables del disco. Una buena canción que hubiera resultado incuestionable como complemento, pero que en el conjunto glorioso de “Suede” no puede evitar palidecer ligeramente. 11

“Moving”

Quizá el corte más prescindible de “Suede” sea esta agitadísima canción de apenas tres minutos, que, aunque en el contexto del álbum no aguante la comparativa con el resto de compañeras de lote, hubiera sido una magnífica cara B.

Bonus track: “My Insatiable One”

Las caras B de los singles extraídos de “Suede” resultaron ser, casi en su totalidad, espléndidas composiciones. Sirva como ejemplo y representación de todas ellas este tema que, a pesar de su estatus inicial, se considera un clásico del grupo. No en vano, hasta el mismísimo Morrissey, llegó a versionarlo. raúl julián

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MATT OSMAN (BAJO), BRETT ANDERSON (VOZ), SIMON GILBERT (BATERÍA) Y BERNARD BUTLER (GUITARRA)

41/Mondo VINILOS

Hidrogenesse Cielo repleto de naves extraterrestres Austrohúngaro

BANDA SONORA / Apenas hay textos, ni estribillos en combustión, ni un humor tangible ni apenas luminosidad en este álbum, porque pone música a “La alarma” (22), la aportación de Nacho Vigalondo a los remakes de “Historias para no dormir”: un relato de cincuenta y dos minutos protagonizado por Aníbal Gómez, Roberto Álamo, Carlos Areces o Javier Gurruchaga. Hidrogenesse facturan para él una música sombría, esencialmente malrrollera, también como una forma de contrarrestar el histrionismo de unos actores propensos al exceso: sus doce cortes destilan ambientación de ciencia ficción distópica, a veces más cerebral (“Relojería de la alarma” o “Mecanismo melódico”, que pueden recordar un poco a Kraftwerk o a la escuela electrónica de Warp, respectivamente) y otras más espectral, como en “Bola de confusión” o en “Desbordamiento de lo real”, que recuerda a algunos de los últimos trabajos de Joaquín Pascual en su aplicación de teclados vintage. carlos pérez de ziriza

CANCIÓN / A pesar de las colaboraciones en 2022 con Neneh Cherry y Hercules And Love Affair, a ANOHNI le habíamos perdido prácticamente la pista. Andaba desaparecida y la posibilidad de oír música nueva con su firma parecía remota. En 2016, cambio de identidad mediante, apostó por nuevos sonidos y texturas, alineándose con la electrónica y la experimentación. El resultado fue “Hopelessness”, un disco que, con el paso del tiempo, no vemos como uno de ruptura, sino como uno de transición. Era un paso necesario, pero no el definitivo. Ahora, ANOHNI se enfrenta otra vez a la melancolía, sin forzar la máquina, dejando que las cosas fluyan y con la vista puesta en el significado global hace cin-

cuenta años de “What’s Going On” de Marvin Gaye. Pero sobre todo haciendo lo que más le gusta: canciones que queden para siempre en la memoria de quienes las escuchan. Por eso “My Back Was A Bridge For You To Cross” se abre con “It Must Change”, el inicio soñado, el reencuentro con ese viejo amigo al que añoras, mientras que en “Go Ahead” hay ese impulso que la lleva a la protesta desatada y que precede al estímulo a un abrazo amable y sincero de “Silver Of Ice”. En este tramo volvemos a avistar la cara más desgarradora de ANOHNI, que rescata las últimas palabras que Lou Reed dejó en su escritorio. Los últimos compases de “Can’t” suponen un contraste en el que hay cierta euforia. “My Back Was A Bridge For You To Cross” se mece en la sensibilidad puntual de la música soul, se arropa con arreglos de cuerdas de Rob Moose –sublimes los de “Scapegoat”– y nos inunda con la arrebatadora y suave voz de ANOHNI en canciones como “Rest”, una pieza lánguida y profunda en la que afloran esos rasgos suyos tan característicos y por los cuales se ha convertido en icono y leyenda. toni castarnado

7 8

RAP / Nicki Nicole presenta su trabajo más íntimo y personal hasta la fecha, “ALMA”. Tras “Recuerdos” y “Parte de mí”, la argentina publica diez canciones en las que logra unificar ese sonido que tanto nos llamó la atención con su álbum debut con lo aprendido en su segundo disco, con el que logró consagrarse como una estrella mundial. De ahí que abandone esa senda más cercana a las tendencias latinas y regrese a sus inicios, a ese rap argentino que está tan al alza y que tan bien se le da; por eso todas las colaboraciones del trabajo las firma con sendos raperos como Rels B, Younk Miko o Milo J. Aunque ella puede adentrarse en cualquier género sin problema, como demuestra en la increíble cover de “Tuyo”, porque talento le sobra. Se nota que se ha abierto en canal especialmente en las letras, que son mucho más nostálgicas, y en su voz, que brilla y emociona a partes iguales. alejandro caballero serrano

Nicki Nicole ALMA Dale Play Records

FOTO: NOMI RUIZ

AMERICANA / Jason Isbell está en el momento más dulce de su carrera. Una cresta de la ola materializada por su inclusión como actor en la próxima película de Martin Scorsese; el estreno en HBO Max del documental sobre la grabación de “Reunions” (20) y la reciente edición del álbum que nos ocupa. “Weathervanes” es un disco que, pese a mantener la esencia compositiva de Jason intacta, presenta novedades. Por lo pronto el propio autor decide prescindir de la figura de Dave Cobb como productor, para hacerse cargo él mismo de dirigir el ritmo de las grabaciones. Y lo ha hecho, aunque parezca contradictorio, para perder protagonismo. Así sus ya inseparables The 400 Unit han tenido más tiempo para adueñarse de las composiciones del jefe y aportar ese toque de banda que se nota y mucho en “King Of Oklahoma”, “When Where Close“ o ese broche final llamado “Miles” que rinde homenaje a Neil Young sin disimulos. don disturbios

Blur y la mediana edad

POP ROCK / La inmersión de Albarn y compañía en la melancolía de la mediana edad, con el reflejo de un sentimiento de pérdida que puede relacionarse con los decesos de Tony Allen, Bobby Womack o su antiguo road manager Chris Duffy, no redunda en un brindis al sol. No tiene trazas de excusa de mal pagador para retomar la carretera sin material que lo justifique, aunque sean ellos mismos quienes lo escatimen porque apenas han tocado últimamente en directo la extraordinaria “The Narcissist” y la bowieana (esas guitarras a lo “Scary Monsters”) “St. Charles Square”. No debe ser fácil sonar tan enfocados cuando hace solo unos meses que Gorillaz, Dave Rowntree y The Waeve (proyecto de Coxon junto a Rose Elinor Dougall) acaban de estrenar sus nuevos trabajos. Demasiados frentes abiertos. Y lo cierto es que la merma de brillantez, o al menos la

carencia de combustión espontánea, la suplen con una cohesión incuestionable, mayor que la que lucía el estimable “The Magic Whip” (15). Impera el sosiego, la reflexión, la saudade. La frescura del estribillo de “Barbaric”, con su pulso metronómico, recuerda a la de “Coffee & TV”. El tacto acústico y taciturno de “The Everglades” hace honor al perfil de Leonard Cohen en el que está inspirado, su sobriedad casa con él. El medio tiempo “Goodbye Alert” y el vals “Far Away Island” son eficientes en su rol de odas al desarraigo y al extrañamiento de quien otea la vida desde el éxito en la cincuentena pero tampoco son como para venirse demasiado arriba porque podrían pasar por piezas del repertorio de The Good, The Bad & The Queen. Los vientos de la esperanzadora “Avalon” y las cuerdas de “The Heights” me resultan más convincentes en su forma de orlar un crepúsculo que, reconozcámoslo, tampoco pensamos que los poster boys del viejo britpop fueran a delinear con tanta entereza. Como suele ocurrir con la mayoría de discos de Blur, cada vez más inmunes a coyunturas (hasta el título es una auto referencia: Darren es el guardaespaldas de Damon), el tiempo fijará con mayor precisión qué lugar ocupan estas nuevas canciones en su particular canon. carlos pérez de ziriza

PUNK

cambia el sensacionalismo por las partituras en el primer álbum de Public Image Ltd en casi una década, acercándose a su mejor registro (“Car Chase”) y dedicándole una gran parte de su oratoria a la memoria de su esposa, recientemente fallecida (“Hawaii”). Pese a las notables limitaciones que la edad infringe en su genio y figura, el británico reparte con preciso acierto los epítomes de su propuesta, manifestando furia, drama y emoción de la mano de una teatralidad casi épica, cuyo tono roza la epopeya moderna en determinados momentos (“Penge”). Lástima que también sobresalgan otros rasgos de su personalidad como esos arrebatos por recordarnos su faceta más anti-woke (“Being Stupid Again”), pero ya sabemos que en el pack vienen incluidos otros aspectos de su incorregible alter ego que, como poco, nos asegurarán seguir viéndole dando el cante unos cuantos años más. fran gonzález

Public Image Ltd. End Of World Autoeditado

POST

/ John Lydon

Jason Isbell Weathervanes Southeastern Records

Blur

The Ballad Of Darren Parlophone/Warner

FOTO: REUBEN BASTIENNE-LEWIS

RAP / Ha tenido que pasar un largo tiempo, pero por fin podemos disfrutar de “Paraíso 39” lo nuevo de Juancho Marqués. El de Aranjuez lanza su álbum más extenso y experimental. Un LP que nació y creció durante el confinamiento y en el que no le ha temblado el pulso a la hora de salirse del estereotipo marcado por el rap, de ahí que en la lista de colaboraciones encontremos a Iván Ferreiro o Rufus T. Firefly, o que incluya “Los ojos del nativo”, un corte de nueve minutos en el que se desnuda totalmente. Pero para aquellos que todavía buscan al rapper de sus inicios, el artista sigue regalándonos grandes barras en temas como “tú que ves en mí” o “Internacional II” que nos trae de vuelta de forma breve a Suite Soprano con esa colaboración de Sule B. En definitiva, un disco que abre nuevos caminos para Juancho, que, en lugar de quedarse encallado en el rap, ha acertado explotando. alejandro caballero serrano

Soto Asa Super Sintiendo 64 Sony Music

REGGAETON / Después de tres años sin firmar un larga duración –los que han pasado desde el maravilloso “Coupé” (2020)– y un lustro después de aquel “Down Music” (2018) que disparó su popularidad con temas como “Me gustaron sus nai”, llega “Super Sintiendo 64”, un álbum en el que Soto Asa vuelve al reggaeton más purista y aparta el coche de la fusión entre urbano, psicodelia y electrónica con el notable resultado habitual. Es complicado definir las fronteras y las capitales del reino de Soto, pero es evidente que cada proyecto suyo es un lugar en el que quedarse a vivir por hedonista. A vivir y a bailar. ¿Qué es más la música que eso? Sin alcanzar la profundidad de “Coupé” o de “La Cruz”, “Super Sintiendo 64” plasma la personalidad de Soto Asa y la docena de canciones que lo conforman se cuentan entre lo mejor del género en el presente curso escolar en España. luis m. maínez

ROCK & ROLL / Lucinda Williams no tiene nada que demostrar. A sus setenta años es el nombre más importante de eso que se dio en conocer como Americana, aunque tenga claro que su corazón pertenece al rock & roll. Su decimosexto disco, “Stories From A Rock & Roll Heart”, es una oda al género que le hizo coger una guitarra eléctrica por primera vez. Un disco de rock & roll sobre la vida del rock & roll, con sus altos y bajos, sus revelaciones y sus tonterías, sobre un género que solía salvar vidas y que, gracias a trabajos como este, se niega a ser visto simplemente como una reliquia del pasado. La tesis del disco es “Never Gonna Fade Away”: Lucinda está mayor y cansada pero no piensa desvanecerse, cuando has recibido la llamada no hace falta morir joven y dejar un bonito cadáver, se puede mantener un espíritu indomable hasta el final. Queda clara una cosa, hey, hey, el rock & roll no puede morir. sergio ariza

Far From Saints

Far From Saints Ignition Records

POP / De la unión de Kelly Jones (Stereophonics) y Patty Drew y Dwight Baker (The Wind & The Wave) surge este proyecto cuyas canciones saltan continuamente entre premisas de pop, folk y country. Una mixtura desarrollada con relativa naturalidad, la misma que, en realidad, muestran ambos artistas cuando toca alternarse (o compartir papel) tras el micrófono. Una complicidad que puede llegar a funcionar, aunque sin alcanzar esa química del todo evidente en otros casos similares. “Far From Saints” es un disco tan agradable como algo irregular, en el que tienen cabida destellos y también piezas meramente cumplidoras y algo melosas. Un disco de aires nostálgicos que en la práctica puntúa poco más allá de la mera curiosidad, pero en la que los seguidores de ambas formaciones madre encontrarán algo donde rascar mientras confían en que la mezcla gane poso y solidez de cara a próximos movimientos.

raúl julián

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Sen Senra PO2054AZ

2 Rels B AfroLOVA’23

3 Soto Asa Super Sintiendo 64

4 F/E/A Anti

5 Adriano Galante Toda una alegría

6 Pimp Flaco Mmmua

7 Schizophrenic Spacers So Long

8 No Sanctuary Metafísica Popular Portátil

9 Maikel Delacalle Códigos

10 Joaquín Pascual Baladas para un atraco

F/E/A Anti Electric Talon Records

POST METAL / La banda radicada en Palma de Mallorca acumula una abundante producción de vigoroso rock instrumental en los confines del post-metal. Su nuevo álbum está grabado íntegramente en directo, de modo que es un testimonio fidedigno de su poder en vivo. Siete cortes muy trabajados en los que exploran los recovecos del post-rock instrumental, de la calma a la tormenta eléctrica. La cinemática “Rodellar” pone las cartas encima de la mesa: arranque plácido lleno de tensión que desemboca en tormenta eléctrica de guitarras desgarradoras y coda atmosférica que vuelve a estallar hasta el desenlace. En “Malpas” engarzan bajo y batería en un bucle hipnótico cuya tensión se va liberando. La oscuridad compleja de “Atta Boi” y los once minutos de contención eléctrica de la atmosférica “Wata” rematan un viaje entre la luz y las tinieblas que vuelve a mostrar el poder de fascinación del género. jc peña

1 Anohni My Back Was A Bridge For You To Cross

2 Jon Batiste World Music Radio

3 Gabriels Angels & Queens

4 The Hives The Death of Randy Fitzsimmons

5 Jason Isbell Weathervanes

6 Él Mató A Un Policía Motorizado Súper Terror

7 Margaret Glaspy Echo The Diamond

8 Local Natives Times Will Wait For No One

9 Julie Byrne The Greater Wings

10 Miles Kane One Man Band

Gabriels Angels & Queens (Deluxe) Atlas/ Parlophone

SOUL / Más allá de la confusa dosificación con la que Gabriels han decidido hacernos entrega de su música, “Angels & Queens” se convierte en una maravillosa forma de reunir en un mismo encuadre las razones que justifican su imponente e innegable salto a la fama, ofreciendo al oyente una elegante hora y media de magia en satín blanco, imperecederas orquestaciones cinematográficas, y los mil y un dones de los que la voz de Jacob Lusk es capaz de hacer gala. Su debut queda ahora completo con temas inéditos, remezclas, y versiones en directo en las que el trío combina con sensatez y paladar las bondades del soul (“Offering”), del blues (“Taboo”), del funk (“Remember Me”), del disco (“Love And Hate in Different Time”), y del góspel (“Great Wind”), desvistiendo ante nosotros la apoteósica forma final de su primer largo, que no deja de ser tan solo el promisorio principio de una carrera con estrella. fran gonzález

8

NUEVO SINGLE DISPONIBLE

Sen Senra continúa creciendo

POP / El trance en el que Sen Senra se sumerge –y nos sumerge como oyentes– en “Familia”, la antepenúltima canción de su nuevo álbum “PO2054AZ (Vol. 1)”, comienza mucho antes de llegar a los lances definitivos del que podemos asegurar que es uno de los mejores trabajos del año en España en su género. Sen Senra hace suya la máxima que dice que el final de un viaje es siempre el comienzo de otro. Ese nuevo comienzo llegó cuando, en 2019, vio la luz un proyecto como “Sensaciones” que el tiempo pondrá en su lugar aún más de lo que está, dotándole de la categoría de grandes trabajos fundacionales de un movimiento. Asimiló ciertos estilemas del género urbano desposeyéndolos de la dimensión de simpleza que venía asociada a ellos. El álbum perfeccionó lo

que C. Tangana quiso hacer en “Ídolo” “Sensaciones” fue también la confirmación de Sonido Muchacho como uno de los labels más importantes de su generación en España. “Corazón Cromado”, el anterior proyecto de Senra, quizá tenía menos de eso que se ha venido llamando ADN Senra, a pesar de contar con magníficas canciones, pero este “PO2054AZ (Vol. 1)” es un prodigio y la culminación de un periplo de madurez, de un bildungsroman narrado en primera persona con brillantez, concisión

y, lo más importante, estilo. El trance de “PO2054AZ (Vol. 1)” es más psicodélico que hipnótico. Uno pasa por el álbum a toda velocidad pero sabe distinguir los estados por los que transcurre. Hay pausa y temple, y destreza para entrar a matar cuando hace falta. Su apuesta, no solo musical, sino también estética, le desmarca de cualquier otro competidor en la escena nacional que ya ha hecho suya, así como en la internacional que aspira a conquistar. luis m. maínez

POP / ¿Puede un álbum de debut ser tremendamente inferior a todos los EP’’s que lo han precedido? Kim Petras demuestra que sí con un “debut” (con muchas comillas, sí) bastante olvidable, allí donde “Clarity”, “TURN OFF THE LIGHT” o “Slut Pop”, sin ser perfectos, eran divertidísimos y arriesgados.

“Unholy” le dio su único megahit mainstream hasta el momento, con lo cual “Feed The Beast” podría ser un poco una apuesta “todo o nada”... pero para eso tendría que tener un riesgo del que, la verdad, el proyecto carece. En su esfuerzo por ser mainstream, resulta un disco bastante random que –salvo excepciones–podría ser de ella, de Ava Max o de Bebe Rexha. Petras “debuta” ofreciendo su peor trabajo hasta el momento, en el que a duras penas se ve el talento que desde luego tiene, y que hemos visto en temas como “Do Me” o “There Will Be Blood”.

pablo tocino

POP / Softee se desplaza por “Natural” gritando que necesita amor por todos lados. Avanza sobre los dos caminos habituales que sabe que la hacen más fuerte como artista. Por un lado, surge ese synth pop ochentas que se estira a través de una narrativa de canciones inofensivas, fáciles de comer, pero difíciles de retener. Historias de amor eterno y enfrentamiento cuerpo a cuerpo como pura necesidad física de expulsar todo lo que tiene dentro. El otro lado de la moneda es la faceta de r’n’b de inclinación noventas que Softee suelta en algunos de los temas. Bases de sonido clásico sobre las que Nina se muestra casi como si estuviera en una interpretación actoral y no despierta gran interés. Además, la esencia DIY palpita marcando una sensación de laboratorio de ideas, de usar este nuevo álbum casi como una forma de unificar procesos de creación musical que ha vivido en los últimos años, más que intentar generar una obra claramente conceptual. álex jerez

ROCK / The Guapos es la nueva banda de rock formada por Jay de la Cueva, Leiva, Adán Jodorowsky y El David Aguilar. Un proyecto que surgió durante la pandemia y que ahora han redondeado con la salida de “Hey!”, su álbum debut. Diez canciones que suenan a auténticos clásicos del rock and roll gracias a la nostalgia que comparten los cuatro componentes por el género y a la forma en la que están grabadas las pistas, de forma analógica en cinta y con máquinas de la década de los cincuenta. Esta decena de composiciones que presentan hablan sobre todo de amor y de cómo vivir dentro del rock, y todas ellas lo hacen de forma desenfadada e incluso salpicada de humor. Aunque lo que comparten todas es una gran base musical gracias al bagaje que atesoran los miembros del grupo. Los amantes del rock and roll más clásico están de enhorabuena, porque parece que la historia de The Guapos solo acaba de empezar. alejandro caballero serrano

ELECTRÓNICA / Considerando que es su primer álbum en siete años y el primero desde su decisión de deshacerse de la máscara tribal tras la que se había escondido durante más de una década, sería natural anticipar “THE RAT ROAD” como un disco que afirmara la personalidad de SBTRKT definitiva y totalmente. En su lugar, es un proyecto a menudo inofensivo que puede tender a lo tedioso, con interludios derivativos y a la vez demasiado cortos. Eso no significa que sea un mal álbum: adopta la indiferencia al género que lo enmarcó como artista post-dubstep, y arraiga su eclecticismo electrónico a los placeres más inmediatos del pop urbano y el R&B contemporáneo con una lista de invitados que vuelve a ser dilatada, pero se amolda con comodidad a la paleta del productor británico. Cuando SBTRKT se deja fluir, como en las texturas expansivas de “L.F.O.”, vemos destellos de lo que podría haber sido “THE RAT ROAD” salomé lagares

Kim Petras Feed The Beast Amigo Records/ Republic

SBTRKT THE RAT ROAD AWAL/ Popstock!

Softee Natural City Slang

The Guapos Hey! One Little Blue Records

Sen Senra PO2054AZ (Vol. 1) Sonido Muchacho/ Universal

Grian Chatten Chaos For The Fly Partisan/[PIAS]

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FOTO: EIMEAR LYNCH MONDOVINILOS

POP / ¿Capricho paralelo? ¿Brindis al sol? ¿Fruto del horror vacui? Absolutamente nada de eso. Este primer disco a su nombre confirma lo que cualquiera podía sospechar: que Chatten es de las grandes voces del pop (¿de las islas? ¿británico? ¿europeo?, diría que de cualquier pop) de los últimos cinco años. Un digno legatario de Morrissey, Nick Cave, Jarvis Cocker o Neil Hannon, tal y como se nos destapa aquí. Un letrista, cronista (no solo crooner) y vocalista mayúsculo, más versátil que nunca. Cualquier duda razonable acerca de su valía sin el sostén de Fontaines D.C. se volatiliza de un plumazo. Sin el nervio post punk, sin las guitarras afiladas y el chute de electricidad de sus compañeros, el dublinés no solo no empequeñece: entra en otra dimensión. Preñada de lirismo, delicadeza, vulnerabilidad y una emoción serena.

Jagjaguwar

POP / Hay discos que son una brisa de aire fresco que te acaricia en plena canícula. Trabajos que, parafraseando a Amparo Sánchez, generan “buen rollito” mientras los disfrutas. Esa y no otra es la categoría en la que debemos enclavar el nuevo disco de Max Clarke bajo su alias de Cut Worms. Un tercer largo homónimo en el que el músico de Ohio, afincado en Brooklyn, ha ido sin disimulos en busca de esa redondez pop inmaculada con un pie en lo sesentas vía Brian Wilson y otro en la reinterpretación que de esa misma década han hecho artistas como M. Ward, Sonny And The Sunsets o los propios The Lemon Twigs, quienes participan incluso en un par de temas. Así que cierra los ojos, libérate de prejuicios y sumérgete en este gigantesco flan de gelatina pop que ha perpetrado Cut Worms para hacer llevaderas las miserias que nos rodean. Da igual que de innovador tenga lo que la manecilla para un reloj o la mina para un lápiz. don disturbios

Porque la honestidad ya se le supone, como decían del valor y los soldados. Hasta el ardid de recurrir a su novia, Georgie Jesson (directora del videoclip de “The Score”), se revela como una genialidad: basta escuchar cómo empastan sus voces en el suntuoso pop de cámara de “Bob’s Casino”, a lo Lee Hazlewood y Nancy Sinatra, o cómo mezclan en la melodía circular, a ritmo de vals o de vodevil, de “Last Time Every Time Forever”, ambas con precisos y preciosos

La Trinidad Sheriff Playa Sonido Muchacho

POP / Está claro que hacer un simple disco de pop garajero más no entraba en los planes de La Trinidad, y su segundo álbum bien nos lo demuestra rascando en la médula del artpunk más primigenio y sumergiéndonos en deliciosos anacronismos que unen el ayer y el hoy como pocos nombres de nuestra escena logran hacer. Enfundados en sus correspondientes monos, como si de unos Devo malagueños se tratara, la banda nos transporta de un punto a otro de su geografía referencial, con un juguetón Carlangas en la producción y una exquisita colección de guiños a fin de encontrar su mejor sonido entre el garage-rock (“6,30”), el ska más lacónico (“La Vieja Europa”), el experimentalismo (“Jardín de cemento”), y el rock castizo más añejo (“A este lado, a esta orilla”). A golpe de groove y líneas de bajo, subrayan la facultad única de su propuesta, y de paso, nos muestran que otro verano es posible.

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fran gonzález

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POP / Los californianos Local Natives demuestran sufrir una renovada preocupación por el paso del tiempo, a juzgar por las notas de duda, colapso e inquietud que salpican su quinto álbum de estudio. Su obsesión por el ayer (“Desert Snow”), por lo que pudo ser y no fue (“Just Before The Morning”), o por esas memorias que rebosan el tintero de la auto-tortura (“Empty Mansions”) conforman las bases de un trabajo consciente de la importancia de aprovechar el tiempo que nos queda y de tener presente el número finito de oportunidades que la vida nos concede. Aunque como viene siendo regular en su técnica, el quinteto logra convertir el más aciago recuerdo en el combustible ideal para generar melodías caprichosas y pegadizas; herramientas indispensables para terminar valorando las recompensas de su presente realidad, como el amor incondicional (“Ava”) o el arrojo por probar cosas nuevas (“NYE”). fran gonzález

URBANO / La carrera de Maikel Delacalle pedía un álbum a gritos, y aquí tenemos uno en el que ha hecho lo que le ha dado la gana, desde luego. No hay corriente interna de tendencia vanguardista o de mainstream superpopular que refrende el R&B en español como un género por el que apostar para desarrollar una carrera fértil en números. Maikel Delacalle no renuncia a su identidad, sus habilidades, ni a su gusto personal, para atreverse por primera vez con un larga duración. Para Maikel Delacalle, salir del barrio no solo ha sido algo literal, sino espiritual. Maikel Delacalle es un artista a la vieja usanza, de los que realmente aman cantar y componer por encima de todo lo demás. Estos son sus “Códigos”, un debut que expone al canario por completo. Un trabajo que se mueve entre lo clásico y lo moderno, entre lo íntimo y lo universal, entre el pasado y el presente, y que le sirve para reivindicarse como un artista de verdad. luis m.

Cut Worms Cut Worms

maínez

Maikel Delacalle Códigos Virgin

No solo hay vida en Fontaines D.C.

Modern Sky/ Virgin

INDIE POP / Miles Kane no es el músico más novedoso del mundo, pero a cambio tiene muy bien cogida la medida de su propio estilo. Sucede, además, que “One Man Band” presume del aspecto y la efectividad de un recopilatorio, secuenciando un single en potencia tras otro. Once dianas de indie-pop elegante y clásico corte británico, con influencias de The Beatles –sobre todo de Lennon–, David Bowie, Oasis o The Jam ajustándole como un buen traje. Guitarras al servicio del pop, con la electricidad como línea argumental junto a ese tipo de estribillos tan aptos para cantar a voz en grito en el pub como en el festival de turno. Tras un par de títulos cumplidores, Miles Kane vuelve a rayar al nivel mostrado en sus comienzos gracias a un trabajo producido por James Skelly de The Coral. Con Arctic Monkeys inmersos en plena madurez creativa, la corona del clásico sonido británico parece asentarse sobre la cabeza del de Merseyside. raúl julián

Pimp Flaco y las cosas del crecer

INDIE / Santiago Barrionuevo y compañía hacen gala de su laureada experiencia en el campo del desánimo para emerger más reforzados que nunca con un disco mayúsculo, repleto de impecables himnos, envenenados con esa prima de incertidumbre y precariedad emocional que la pandemia trajo. A través de reflexivas acometidas de disculpa y reproche, los platenses ponen al servicio del oyente un relato personal, marcado por finales anticipados, nostalgias adversas, romances obsoletos y sentimientos anestesiados, en aras de recordarnos la no-linealidad del tiempo y sus posibilidades. Un discurso humano y de fácil apropiación, al que se suma un generoso deleite de elementos sonoros (electrónica minimalista y sintes ochenteros en sintonía con su indie-rock dosmilero) con los que apostillar las razones para afirmar que los motorizados son una de nuestras bandas más queridas del otro lado del charco. fran gonzález

POP / Pimp Flaco siempre juega a lo mismo: el tatuaje en la cara es lo evidente, pero tras la tinta, lo que algunos verán intrépido y otros una auténtica barbaridad, está lo valioso. El músico tiene mucho que aportar, macarrada al margen. Es más que la forma. Lo que importa aquí no son los adornos del busto, sino lo que contiene. Estamos ante una de las primeras muestras de “maduración” del trap, precisamente en el fondo. Porque en el vestido, en lo musical, ya hace tiempo que la vemos: clarísimo, ha sido un estallido hacia mil lugares. En el caso de Pimp Flaco, a todos menos en dirección a los sonidos latinos. En “Mmmua” hay hiperpop, guitarras flamencas auxiliares y protagonistas (colaboración de lujo de Miguel Campillo, “Por qué tanto lío”), distorsión y ‘glitch’ (“Olofísmo”). Canciones más homologables a Cupido, su banda: “Barrio”, por ejemplo.

Sobresale la que cierra el largo, homóloga en el título y con deudas electrónicas, o “Todavía”, prima hermana de “Fiebre” (Bad Gyal). También las hay ligeras, de las que no llenan, pero que acaban de zurcir el disco: “Skate” o la ravera “Vente conmigo”. En el caso del mensaje, una generación que en la veintena vivía el presente más absoluto, cortaza ligada al dinero, el hedonismo, el ‘yo’... ahora empieza a virar el discurso. De componer sobre amor, materialismo o beefs, a hacerlo sobre envejecer. Antes molabas es paradigma de ello. El álbum, en general, muestra una gran preocupación por el tiempo, como lo hace el ejercicio de estilo ficcional “Vida al revés” o la medio garaje “Nada dura para siempre” con sentencias del tipo “tienes lo que encuentras, no lo que buscas”. Pimp Flaco ya no sólo se escucha para acompañar fiestas o desamores. También acompaña en esto del crecer. Y eso le infunde longevidad artística. Si los había que se preguntaban cómo se harían mayores todos los de la pasada década, cómo quedarían todos esos tatuajes en pieles arrugadas… Pues nada, bien. Porque, al menos en el caso de Pimp Flaco, no sólo eran fachada, un punto naíf afín al “no future” y el “carpe diem”. Dentro estaba lo importante. yeray s iborra

Miles Kane One Man Band

48/Mondo Media LIBROS

“La Casa del Diablo” (Aristas Martínez, 23), el tercer libro de John Darnielle (Bloomington, Indiana, 1967), es un novelón. Una historia fascinante sobre el true crime, la adolescencia, la marginalidad social y el respeto a los muertos (asesinados) y a sus familiares y allegados, con la que se puede decir que el músico, líder de The Mountain Goats desde hace algo más de treinta años, se doctora como uno de los grandes narradores de la literatura norteamericana actual.

NO IMPORTA QUE SU CARRERA como novelista sea bastante más corta que la de músico, en comparación. Él mismo asume ya que su faceta de escritor le permite brillar con más fuerza que la de músico. En “La Casa del Diablo”, Darnielle sitúa la acción en unos años ochenta que en los Estados Unidos. estuvieron marcados por el llamado pánico satánico, un fenómeno social que tuvo su reflejo en películas y series. “Fue una auténtica movida, aunque mi experiencia fue más bien desde la óptica de los adultos, porque yo era enfermero psiquiátrico en aquel momento. De hecho, trabajé en un hospital en el que teníamos un formulario de admisión de veinte páginas con preguntas sobre el abuso ritual y a veces teníamos a niños ingresados cuyos padres estaban asustados por lo que estaban leyendo o escuchando”, cuenta sobre aquellos años, germen del presente libro.

UNO DE LOS GRANDES ALICIENTES de la novela es la descripción que traza de la adolescencia desde la mediana edad. Su protagonista, Gage Chandler, es un escritor de novela negra inspirada en crímenes reales, de algo más de cincuenta años. Lógicamente, nos vemos de una forma muy distinta cuando superamos esa barrera mental de la mediana edad. “No podemos evitar pensar en nosotros mismos, pero últimamente creo que el yo en el que me he convertido, que es la suma total de todos mis yoes ante-

riores, es simplemente mejor. ¿Sabes? Realmente no te daría un centavo por mí yo más joven. Era un desastre”, reconoce mientras traza un paralelismo con los personajes del libro, aunque él no se vea a sí mismo como alter ego de ninguno de ellos.

SU OTRA GRAN NOTA DIFERENCIAL es la introducción de cuestiones éticas y morales acerca de la responsabilidad social del escritor de novelas true crime, ya no solo por las repercusiones que pueda tener su obra sobre la gente que ha muerto, sino especialmente por los familiares y amigos que aún viven y los tienen en el recuerdo. “Es difícil hablar de esto sin parecer un poco puritano, y yo no lo soy, me gusta la sangre y me gustan las vísceras tanto como a cualquiera”, cuenta el autor, pero asume que “hay una línea en el libro donde alguien le enseña a Gage, el protagonista, que en una novela de crímenes reales hay dos tipos de personajes: el héroe y sus víctimas, y creo que cuando pones el foco en alguien, lo elevas, no puede ser de otra manera, y es algo que vemos en la política ahora mismo,

CRITICANDO

9

EL CRIMEN. La culpa. La responsabilidad. La adolescencia problemática (¿cuál no lo es?). El satanismo. Los trabajos de mierda. La marginación social. La Norteamérica profunda. Todo esto y unas cuantas cosas más es “La Casa del Diablo”, fabulosa –en todos los sentidos– tercera novela del alma mater de The Mountain Goats desde hace tres décadas. Ya no se trata de un músico metido a escritor. Se trata de un narrador con mayúsculas, que (da la casualidad) además tiene un grupo.

c p z

La Casa del Diablo John Darnielle Aristas Martínez

John Darnielle

pornografía y adolescencia

donde las personas hacen o dicen algo horrible y luego encuentran a otras personas que piensan que es genial que hayan hecho algo horrible, y esas personas se convierten en sus seguidores”.

LE PREGUNTO A JOHN DARNIELLE por sus influencias y sus filias, por sus escritores favoritos, y reconoce que la mayoría de quienes lee “están ya muertos”. De entre los que aún viven, me dice que le gustan mucho “Andrés Neumann, Marie Ndiaye y un escritor francés que publica principalmente como Antoine Volodine, pero también bajo un montón de otros nombres (como Lutz Bassman o Manuela Draeger) y sitúa todos sus libros dentro de este inmenso mundo post-totalitario: es complejo y difícil de explicar, pero una vez que estás dentro, es realmente genial, creo que he leído cuatro libros suyos”, cuenta. Aunque reconoce que sus principales influencias son “las novelas de Joan Didion y los cuentos de Robert Aickman; la primera por el estilo y el segundo por por lo que yo llamo ‘la revelación’, por maximizar el impacto cuando algo emerge finalmente de las sombras”.

“LA CASA DEL DIABLO”, poliédrica y repleta de capas, revela tantas lecturas posibles que John Darnielle no se resiste a resaltar uno de sus valores inadvertidos. “Hay aquí una cuestión dual, porque cuando un pueblo pequeño, como es Milpitas, en California, donde se desarrolla la trama, se está convirtiendo en un lugar más grande, los sitios donde vivía y trabajaba la gente son demolidos, y en la historia que contamos sobre el pueblo un poco más adelante, hablamos de lo que se construyó encima de los lugares donde esas personas vivían y trabajaban”. Una historia de crímenes puede ser también, a su vez, un buen anclaje para la memoria de nuestros lugares.

¿ES ESTA LA MEJOR de las tres novelas que ha publicado hasta la fecha el líder de The Mountain Goats? “Espero que así sea. Creo que es probablemente el más completo de mis libros, si eso tiene sentido, porque su historia abarca varios años y rastrea algunas preguntas a lo largo del camino de la vida de varias personas; estoy más que feliz con eso, aunque tengo también verdadero cariño a ‘Universal Harvester’ (17), un apego personal hacia él”, esgrime. carlos pérez de ziriza

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CINE Y SERIES

Full Circle (Círculo cerrado) Steven Soderbergh

STEVEN SODERBERGH, una de las mentes más inquietas de Hollywood, ya creó, para la pequeña pantalla la soberbia “The Knick”, (14) una fascinante y cruda visión de lo que era la medicina a principios del siglo XX, o la igualmente sugerente “Detrás del candelabro”, sobre un personaje para el que el adjetivo “exceso” se queda corto: Liberace. Ahora regresa con la miniserie “Full Circle” (Círculo cerrado) para HBO Max. Nos presenta un alambicadísimo misterio situado en el Nueva York actual, una especie de “Vidas cruzadas” (93) en clave criminal, con una trama que homenajea a la maravillosa “El infierno del odio” (63) de Akira Kurosawa. La gran CCH Pounder (“The Shield”) interpreta a la Sra. Mahabir, la supersticiosa jefa de una pequeña organización criminal formada por emigrados de Guayana. Esta cree que una

maldición ha caído sobre su clan. Para librarse de esta, ha de poner en marcha un poderoso ritual, que de un modo insospechado afecta al único hijo de un matrimonio de la aristocracia neoyorquina formado por Sam (Claire Danes) y Derek (Timothy Olyphant). Pero, además, en torno a ellos, se mueven un buen número de personajes, que se también estarán dentro del “circulo”, entre los que destaca la carismática e insoportable Harmony (Zazie Beetz), una investigadora con un trastorno de personalidad límite. “Full Circle” es una serie que exige una atención constante del espectador, que, en caso contrario, se perderá en una trama laberíntica, llena de engaños y vericuetos. Pero vale la pena. Nos da justamente lo que ofrece su título: un auténtico final para las oscuras historias de sus personajes. josé martínez ros

LA MAYOR VIRTUD de “Háblame” reside en la desfachatez y seguridad con la que se pone en escena no tanto los temores de las nuevas generaciones, sino la forma en la que estas observan aquello que, por definición, deberían temer. Siguiendo la hipótesis ya propuesta por Jordan Peele en “Nope”, los cineastas defienden que la contemporaneidad no puede entender lo sobrenatural alejado de la noción de espectáculo. Lo extraordinario sólo puede serlo desde el filtro de lo viral (y, por lo tanto, de las redes sociales). “Háblame” funciona sobre todo como traducción de los retos nacidos de Internet —“Charlie, Charlie”, “La ballena azul”— desde las formas de referentes directos y explícitos como “Hereditary” (18) (la mejor escena de la película se lo debe todo) o “Insidious” (10) (la idea de la conquista del cuerpo débil). A través de una reapropiación

de la crudeza del cine de Franz y Fiala (ese inicio huele a “The Lodge” (19)...) y de la concepción de un terror metafórico que Robert Mitchell planteaba en “It Follows” (14) (las ETS se sustituyen en este caso por el fentanilo), “Háblame” aspira a ser un retrato generacional que de verdad implique a la generación Youtube. Porque sí, estamos ante un experimento sólido pero también cimentado sobre estructuras y propuestas ya demasiado asimiladas. Mientras que cuando abrazan la comedia —al más puro estilo “Deadstream” (22) o “Bodies, Bodies, Bodies” (22)— los Philippou apuntan a poder convertirse en los representantes de Sam Raimi para la generación Mr. Beast, sus capítulos más solemnes (sobre todo durante su segunda mitad) caminan sobre lugares excesivamente comunes.

daniel grandes

“BARBIE” ES LA PRUEBA con la que Greta Gerwig nos demuestra que no todas las producciones cinematográficas del Hollywood actual tienen por qué ser siempre decepcionantes. Lo interesante, sin embargo, es que lo haya conseguido con un alegato político-social feminista que cuestiona los roles de género amparándose en un guión profundamente complejo, cargado de mensajes subliminales y bajo el paraguas de la comedia. Presentándonos un nuevo cambio de paradigma a través de la irrupción de una Barbie actualizada que llega para transmutarlo todo, Gerwig deja claro cuál es el mensaje al derribar lo estereotípico desde dentro mientras la protagonista asiste a un viaje de autodescubrimiento que da lugar a un discurso construido en base al diálogo cineasta-espectador. Justamente el propio espectador es quién termi-

na de montar el pacto ficcional de una historia cimentada sobre un sinfín de referencias artísticas que consigue sumergirnos en un imaginario de ensueño coronado por los detalles, auténticos protagonistas de la película. Pese haber momentos que nos extasían más que otros y una banda sonora mediocre salvo por un par o tres de hits, la interpretación del dúo Robbie-Gosling le pone la guindilla al pastel dulcemente empaquetado que nos deleita en forma de carta de amor a las mujeres. “Barbie” rescata a un sector bajo la sombra de live actions y remakes poniendo fin a tópicos preestablecidos con elegancia y humor, convirtiéndose en el evento cinematográfico que llevábamos tanto tiempo sin poder disfrutar y del que salimos con una sonrisa infantil iluminada por el color más radiante de todos: el rosa. abel olivares

COMO HICIERA YA RON HOWARD con la vida del matemático John Nash en “Una mente maravillosa”, (01) un biopic transformado en thriller, Christopher Nolan convierte la versión cinematográfica de la vida del físico Robert Oppenheimer, padre de la bomba atómica, en un film de género que cruza una trama de supuesto espionaje con el cine de juicios en un clima político tan desquiciado como la caza de brujas anticomunista de mitad del siglo XX. Nolan es fiel a sí mismo y pone en marcha un engranaje fastuoso de música e imágenes que envuelve al espectador durante tres horas como antes lo había hecho en otros géneros como la ciencia-ficción de “Interstellar” (14) o el cine bélico de “Dunkerque” (17). Así, Ludwig Goränsson debió de recibir instrucciones claras de imitar a Hans Zimmer porque su omnipresente

partitura nos recuerda sobremanera al estilo del compositor de “Origen” (10) o las otras cintas de Nolan ya citadas. Igualmente, el uso inteligente de la hipnótica fotografía de Hoyte Van Hoytema, que alterna el blanco y negro con el color, ayuda a ordenar los saltos temporales de la historia presentados en un hábil montaje. Desfilan por el film decenas de personajes que giran en torno al gran triunfador de la sesión, un Cillian Murphy espléndido ante el mayor reto profesional de su carrera. Que el film no se pretenda como una hagiografía de Oppenheimer, le permite al actor irlandés explorar las aristas de un personaje que transita desde la locura hasta la compasión pasando por la soberbia o el angustioso desasosiego de haber ayudado a crear un arma de destrucción masiva.

j. picatoste verdejo

Háblame Michael y Danny Philippou

LIBROS

Memorias. No compartas con nadie los secretos que te conté

Lucinda Williams Liburuak

Estas memorias de Sweet Lu son, sin duda, un buen libro. Ameno y cortito, para lo que es habitual en estos casos. Como en todo, hay cosas buenas y cosas malas. Lo mejor, la forma en que una de las mejores escritoras de canciones de la música norteamericana nos explica cómo obtiene la inspiración y de dónde vienen algunos de sus textos y melodías. Lo peor, que tratándose de una autobiografía más o menos honesta (eso se transmite especialmente al hablar de los hombres de su vida o de la maternidad), Lucinda obvíe por completo sus graves problemas con el alcohol que estuvieron a punto de acabar con su carrera. Quizá algo demasiado doloroso para recordarlo, pero que se nos antoja necesario para entender por completo al personaje. eduardo izquierdo

En el satélite de Lagartija

Nick Óscar Cabrera Muzikalia

8

Hay personas, músicos y artistas cuya cabeza es todo un universo en si mismo. Pocas dudas pueden existir sobre que Antonio Arias es uno de ellos. Lleva décadas demostrándolo con sus diversos proyectos artísticos, con la profundidad y el contenido que le da a todos ellos. Entre el iluminado y el hombre de ciencia, Arias posiblemente tenga más que ver con lo primero, pero una iluminación inteligente, soñadora y alocada a veces, siempre honesta y con el cerebro y el corazón trabajando siempre al unísono. Como decía, eso es algo que ya sabíamos, pero que este libro de conversaciones nos subraya gracias a su privilegiada memoria y a la falta de miramientos a la hora de contar las cosas como fueron y como se vivieron. joan s luna

Cazarranas

Jeff Lemire Astiberri 7

Incluso por lo que respecta a sus títulos publicados en castellano, hay que tomárselo en serio para no perderle la pista a la obra de Jeff Lemire. A cambio obtenemos el placer de poder disfrutar distintos vértices de su arte. “Cazarranas”, en la que el canadiense ejerce de artista completo, nos vuelve a acercar a la cara más humanista y reflexiva del autor, a esa en la que la muerte y la vida están entrelazadas y pueden convivir en un limbo ensoñador en el que la comunicación entre ambos mundos es posible. La mala noticia es que, aún siendo más onírica, “Cazarranas” es mucho más obvia que el emocionante “Royal City” y menos inquietante que “El soldador submarino”, como si hubiera nacido más para cubrir tiempos muertos que como necesidad vital. joan s luna

La Cúpula edita este breve cómic, publicado originalmente en gallego, en el que Xulia Vicente adapta la historia de Elisa Sánchez y Marcela Gracia, dos mujeres gallegas que en 1901 se convirtieron en el primer matrimonio homosexual registrado en España. Vicente se enfrentaba a unos hechos de los que apenas se conocen retazos en prensa o documentos oficiales, viéndose obligada a tirar de imaginación. El resultado es un cómic que sirve como esbozo o introducción a este insólito hecho, dejando muchos interrogantes abiertos. Cabe destacar el excelente dibujo de Vicente y su pericia para construir cada página, además de ciertos momentos brillantes que aportan vida al relato y que denotan su compromiso con visibilizar esta asombrosa historia. laura madrona

El queercore fue un movimiento fugaz, pero que dejó mucho poso. Han cambiado las formas, pero su espíritu se mantiene en muchos ámbitos. Y eso fue gracias al trabajo –a finales de los ochenta y buena parte de los noventa– de gente como Bruce LaBruce, G.B. Jones, Lynn Breedlove (Tribe 8), John Waters, Jon Ginoli (Pansy Division) o Jodi Bleyle (Team Dresch), protagonistas en mayor o menor medida de este “Queercore. Cómo punkear una revolución”, traslación al papel de lo que pudimos ver en el documental de Yony Leyser, estrenado en 2017. Ahora bien, esta versión se queda algo coja al enfrentarse a la historia oral publicada en inglés en 2021, más extensa y con autoría compartida con Liam Warfield y Walter Crasshole. Incluso así, un libro más que necesario. joan s. luna

El primer libro de la irlandesa Roisin Kiberd no lo parece. Se trata de una obra tan brillante en su combinación de ensayo y autobiografía, que no puede menos que recordarnos al añorado David Foster Wallace. Como él, Kiberd es capaz de transformar vivencias personales más o menos ficcionadas en una gran metáfora de nuestra época, la Era de Internet. Pero, bajo la superficie hay, sobre todo, una enorme, aplastante, sensación de tristeza y soledad. ¿Por qué la herramienta que nos permite conectar con cualquier otro ser humano del planeta nos ha acabado haciendo sentir más solos, desinformados y dependientes? No existe una sola respuesta, pero este magnífico libro nos ofrece unas cuantas reflexiones al respecto tremendamente lúcidas. josé martínez ros

Arnau Sanz no deja de cambiar de universo y de paleta de colores en cada uno de sus títulos, pero en “Cuando veo cables me acuerdo de ti” parece que todo haya fluido con una naturalidad abrumadora. Uno diría que el arte de Sanz siempre ha sido así. Quizás sea por la libertad que ha podido darle la beca de creación del Gobierno Vasco a partir de la que ha sido posible darle forma a este nuevo título, o quizás sea porque Sanz es uno de esos creadores inquietos que siempre busca nuevos horizontes, tanto en lo temático como en lo artístico. Y si el resultado es de la riqueza de esta obra (ciencia ficción sensible y reveladora a través de la que se plantean temas universales, como debe ser), haremos bien en agradecérselo una vez más. joan s. luna

Hay novelas gráficas cuyo valor reside en su cara más artística, y hay novelas gráficas que merecen la pena por lo que nos cuentan, al margen de quienes sean sus autores o si les conocemos en mayor o menor medida. Sin desmerecer para nada el arte de “El partido de las Panteras Negras”, estamos ante un cómic que funciona casi como un libro de referencia en la cuestión que toca. Los autores narran desde los acontecimientos que llevaron al nacimiento de las Panteras Negras en la segunda mitad de los sesenta hasta los que llevaron a su desaparición veinte años más tarde, pasando por los programas sociales que desarrollaron, los activistas que la lideraron, su impacto en la comunidad negra estadounidense primero y en la internacional después. mercè gutiérrez

El partido de las Panteras Negras David F. Walker y Marcus Kwame Anderson Anagrama 7

Elisa y Marcela Xulia Vicente La Cúpula 7

Vuelta al cole de magia y hechicería

SMARTPHONES, TABLETS

PODCASTS

Si uno se sumerge en las profundidades del mundo podcast se va a encontrar con decenas o incluso cientos de programas dedicados al cine de terror. Algunos son divertidos, otros son interesantes, algunos son enciclopédicos, otros didácticos. Pero pocos como “Marea Nocturna” son todo ello al mismo tiempo. Presentado y dirigido por un auténtico dream team del cine fantástico y de terror como es el formado por Ángel Sala –director del Festival de Cine Internacional de Sitges– y los reputados (e imprescindibles) críticos Desirée de Fez –quien pone orden al caos de referencias, digresiones y pensamientos en voz alta de sus compañeros de programa–, Xavi Sánchez Pons y Jordi Sánchez-Navarro. Juntos han creado un podcast que destaca por encima de cualquier otro de esos de los que hablaba al principio. joan s luna

PODCASTS MS

Aquí hay tema

“Aquí hay tema” es un podcast de Fundación SGAE que pone el foco en algunos de los temas más candentes de la industria musical española. En este cuarto episodio nos acercamos a los music supervisors, profesionales que se ocupan de proponer y licenciar las canciones que sonarán en películas, videojuegos y series.

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La Pija y la Quinqui

Tras dos temporadas y 71 episodios se han coronado como uno de los podcasts más escuchados y seguidos por la generación Z, por no decir el que más. Un logro que es totalmente merecido y del que tiene la culpa el esfuerzo y el talento que atesoran sus dos conductores. Carlos Peguer y Mariang son dos jóvenes que decidieron empezar a grabar sus conversaciones llenas de anécdotas y preocupaciones y publicarlas a modo de podcast (cuando todavía no estaba en auge, no como ahora que dos de cada tres personas poseen uno). Pero la frescura y el ingenio de ambos es lo que ha hecho que funcione tan bien este programa, su sencillez, su humor, su mamarracheo, sus anécdotas sus problemas… todo eso hace que cualquier persona se pueda sentir conectados con ellos.

Tanxugueiras ESPECIALES WEB

Auténticas herederas de la lírica popular, defensoras de su cultura y de sus raíces. Hablamos con Aida, Olaia y Sabela en las oficinas de Mondo Sonoro Madrid para hacer un repaso por todos estos años de desarrollo, cómo ha sido llevar la música de raíz a otro punto y qué lugar ocupa ahora todo esto en sus prioridades como artistas.

Marta Jiménez Serrano

A través de los cuentos de su nuevo libro, “No todo el mundo” (Sexto Piso, 23), Marta Jiménez Serrano ha creado un retrato certero sobre las relaciones de pareja en la ciudad de Madrid. En este especial la invitamos a que nos descubra algunos de sus discos favoritos.

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REDACCIÓN

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Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Ignacio Pato, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Marcos Gendre, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Virginia Barbero

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