Mondo Sonoro febrero 2021-2

Nº 292 Febrero-2 2021 www.mondosonoro.com

SLOWTHAI, KASE.O, MALUKS, RHYE, MARCELO CRIMINAL, MOGWAI, NATOS Y WAOR, DJANGO DJANGO, KIKE MAÍLLO

Califato ¾ Contraçeña

7/Mondo freako

Tyron Kaymone Frampton sigue siendo el mismo joven iracundo que asombró con un álbum (“There’s Nothing Great About Britain”, 19) que orlaba con ritmos contundentes y rimas agrias la lúgubre coyuntura de la Inglaterra depauperada del Brexit. Sí, lo sigue siendo, pero ahora también desvela en su notable segundo álbum, “TYRON” (Universal, 21) una veta mucho más confesional y, por qué no, emotiva: por algo lleva por título su nombre de pila.

T

slowthai Introspección

“El rebelde que hay en mí se ha tenido que relajar”

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YRON” ES UN DISCO en el que slowthai nos habla de la soledad, la identidad, el aceptarse a sí mismo tal y como es y la conciencia, por vez primera, de estar grabando canciones siendo ya un personaje de dominio público. Lo hace además con colaboraciones como las de Skepta, A$AP Rocky, James Blake y Mount Kimbie.

El artista más ilustre de Northampton –junto al guionista de cómics Alan Moore, el DJ Alan Walker y la actriz Sophie Turner– nos lo cuenta en una breve charla de quince minutos.

—¿Cómo has llevado estos últimos meses, entre el primer confinamiento y este segundo, aún más estricto, que en tu país parece ya materializarse? ¿Ha sido un periodo creativo?

Lo ha sido en cierto modo, pero es frustrante tener que estar tanto tiempo en casa. El rebelde que hay en mí se ha tenido que relajar. Por el lado positivo, me ha venido bien para leer y para pasar más tiempo con mi familia.

—¿Fue el disco concebido después del encierro de marzo, en cierto modo condicionado por la situación?

Sí, casi todo. Un tiempo en el que no podíamos hacer casi nada, grabando cosas en el estudio y otras en este sótano, un poco a medias.

—¿Has sentido alguna presión, dado que es el primer disco que grabas siendo ya una celebridad?

No, si me preocupara por cómo la gente lo va a acoger… Solo quiero hacer música, tío. No importa demasiado si a la gente le gusta o no. Hago música para gente que la necesita. Pero si ya no la necesitan, no es algo que me preocupe.

—¿Es verdad que tenías unas sesenta canciones ya escritas antes de entrar a grabar, y tuviste que descartar material hasta seleccionar las doce que han entrado?

Sí, sí, para el primer álbum creo que llegué a tener ciento ochenta canciones. Y para este, sesenta. Sale así.

Me encanta hacer música, y luego escucharla, y siempre necesito más. Una canción más. Una canción para cada vibración, para cada sentimiento. Escucho como diez tipos de grupos y estilos diferentes, no solo raperos. Quizá sea algo egoísta, pero me gusta ir de género en género, tener una canción para cada momento o estado de ánimo.

—¿Cuál dirías que es la principal diferencia de “Tyron” respecto a “There’s Nothing Great About Britain”?

Con el primero, miraba a mi alrededor. Con este, miro hacia dentro de mí. El anterior estaba pendiente de lo

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febrero 2021 #3

MONDO FREAKO

LA MÍA Hincarle el diente

A

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que ocurría a nivel político, en el país y en el mundo, y este trata sobre nuestra salud mental, cómo nos sentimos todos como personas.

Es una mirada introspectiva.

—De hecho, esa mirada también condiciona el sonido, porque hay canciones como “I Tried”, “Adha”, “NHS” o “Feel Away” –en la que hablas del hermano que perdiste por una enfermedad cuando tenía solo un año– que tienen un sonido mucho más dulce, menos agresivo, de lo que acostumbras.

Sí, quería reflejar esas dos caras: la agresiva, que es la que la gente tiene de mí, y la más dulce, la más honesta, que tiene que ver con quién soy y cómo me siento ahora, creciendo y desmarcándome de esa agresión y esa rabia. La persona que eres cuando nadie te está viendo, en resumen.

—De todos modos, y más allá de este disco: en los ochenta solía decirse que las canciones de Public Enemy eran como la CNN de los negros. ¿Crees que tu música, y la de otros de tu generación, bandas como Idles, es como la BBC de los descontentos en la Gran Bretaña actual?

Sí, al cien por cien. Es la voz de una generación, sin duda, y cada día está evolucionando con alguien nuevo que sale y se une a nosotros.

Estamos en un momento en el que necesitamos hitos, algo que capture la esencia de este tiempo. Pasa especialmente con Idles. La forma en que resumen la situación, tan bien. Viviendo en esta era, siempre va a haber alguna cosa que te cabree, alguna mierda. Hay muchas cosas sobre las que hablar, tío. Si no lo hicieran, la gente se sentiría defraudada. Es algo que captura la esencia de este tiempo. Puede que el día de mañana ocurra con cualquier otro artista más joven. Siempre que tengas una opinión sobre algo, va a haber alguien arriba que la desacredite. Tú solo puedes hablar desde tu propia perspectiva, y estimular una discusión siempre va a ser más interesante que no decir nada.

—Me gustaría preguntarte por quiénes fueron tus referentes. Se te compara con Skepta o Stormzy, lo que es lógico. También con Dizzee Rascal. Pero, ¿fue Mike Skinner (The #4 febrero 2021

to en el "Estamos en un momen hitos" que necesitamos Streets) también una influencia para ti?

Mi madre siempre ponía a The Streets en casa, yo era muy joven cuando empezó a publicar discos, con lo que no fue una elección consciente por mi parte, pero luego según crecía él estaba siempre presente en los canales de la tele, sus cedés sonando en casa… y lo mismo con Dizzee Rascal: mi tío ponía el “Boy In Da Corner” (03) cuando se quedaba a cuidarme en casa, cuando era un crío. Luego, cuando crecí, ya tuve más conciencia. Es material que siempre estuvo a mi alrededor. Era el sonido de aquel tiempo. So Solid Crew también. Cosas que ponían mis padres, mis amigos… Uno de los primeros conciertos a los que pude ir fue de Skepta. Luego fui a uno de Devlin, cuando vino a Northampton. Solía ir siempre con amigos mayores que yo. Era el pequeño de la panda, el que siempre seguía su camino. Me decían “nos mola esto”, y yo me metía en ello, en toda esa mierda.

—¿Es verdad que te gusta mucho Rosalía?

Sí, es genial. He coincidido con ella algunas veces. Tiene un talento enorme. La forma en la que incorpora cosas del flamenco a su música, cómo crea con todo con eso… Es un ser humano adorable, además. Me encantaría trabajar con ella. Supongo que cuando llegue el momento. Ojalá.

—Hay grupos punk británicos recientes, como Idles o Shame, incluso otros que no son de rock de guitarras, como Sleaford Mods, a quienes se le compara con tu música por lo que representáis. ¿Los escuchas?

Sí, son amigos, gente a la que siento muy cerca de mi corazón. También a los Fontaines DC, con quienes coincidí en los Mercury Prize. Puedo conectar con lo que dicen con su música. No sé, supongo que cuando llegas a conocer bien a otros músicos se convierten en algo así como tu familia, escucho más música de mis amigos que de nadie más. Es una bonita escena la que se ha creado en los últimos años.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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ver, vamos a ver. ¿Sobre qué puedo hacer esta columna?. ¡Ya está!

Sobre lo desproporcionado que resulta enviar a alguien a prisión por expresar opiniones contrarias a la Corona y al orden establecido. No, mejor no.

Que ya se ha escrito mucho sobre la situación de Pablo Hasél, y un texto más no va a cambiar nada las cosas. A ver, a ver... ¡Otra! ¡Tengo otra! Sobre las trampas de Spotify inventándose perfiles de artistas falsos que acumulan cientos de miles de escuchas para pagar menos a los artistas. Buff. ¡Qué pereza! Otra vez el típico texto en contra de esas grandes empresas malignas que todos criticamos, pero no por ello dejamos de usar. Muy congruente todo. Sigamos...

Ya está. Escribiré sobre el hecho de que en marzo se va a cumplir un año que dejamos de editar nuestra versión impresa y que, desde entonces, hemos volcado todos nuestro esfuerzos en el digital. Pero no por ello dejamos de añorar mucho el papel, al que regresaremos en cuanto la situación de conciertos y festivales se normalice.

No olvidemos que son los eventos y sus patrocinadores nuestra principal fuente de ingresos. Umm. Tampoco me convence.

La gente ya está cansada del típico texto onanista cargado de falso ‘buenrollismo’ que, al final, acaba siendo un cúmulo plañidero de lamentaciones sobre lo mal que lo estamos pasando. Sigamos pues. ¿Sobre la brutalidad policial amparada por la ley mordaza? ¿Y qué demonios pinta eso en una revista de música? Fuera. Sobre las elecciones catalanas en plena pandemia. ¿Eres tonto o qué te pasa? Sobre la situación de las salas de conciertos. Chaval, espabila que ese tema ya está muy tocado. Sobre lo duro que está resultando para todos la vida sin poder ir a pegarse unos bailoteos. Uff... cada vez la cosa degenera más y más.... ¡Ya está! ¡Lo tengo! Voy a escribir sobre lo inútil que resulta expresar en esta columna una opinión que, posiblemente, no interesa a nadie.

Y más en una época en la que, lo que sobran, son precisamente opiniones. Aunque no por ello, todos estamos convencidos de que la nuestra es la más importante; la que todo el mundo necesita; la que sienta cátedra. Así de vanidosos somos. Así de tontos resultamos. Por eso he dejado de escribir a título privado en mis redes sociales, donde solo ejerzo de voyeur ocasional. Y es que estoy tan cansado de leer las opiniones de los demás como de expresar la propia, en busca de una aceptación que alimente mi ego. Al final resulta que es este pequeño rincón de la revista, el único lugar que reservo para expresarme y, pese a ello, ya podéis comprobar como pierdo la oportunidad de lucirme.

Será que cada día me estoy volviendo más perezoso. Pues bien, con esto me despido hasta dentro de dos meses en los que a buen seguro habré encontrado otro tema polémico, como las acusaciones a Marilyn Manson, al que hincarle el diente.

—SERGIO MARQUÉS (DON DISTURBIOS)

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MONDO FREAKO

Rhye Hogar, dulce hogar Resulta difícil imaginar lo que nos deparará este 2021, aunque lo encaremos con luz y optimismo. En todo caso, lo que es evidente es que vendrá acompañado de buena música. Hoy, por ejemplo, nos enfrentamos a “Home” (Loma Vista/Music As Usual, 21), el nuevo trabajo de Rhye tan solo un año después del último. Hablamos con Mike Milosh sobre este periodo tan decisivo para el artista canadiense, sobre el nuevo disco y sobre su visión del mundo a raíz del Covid.

A

NTES DE QUE HABLEMOS de tu nueva música, me gustaría preguntarte: ¿Cómo ha sido el 2020 desde el punto de vista de un artista? ¿Parar ha sido algo frustrante o liberador?

Soy una persona bastante resistente. No lo digo de una forma ególatra, es solo que me gusta fluir. Tengo toda la vida por delante, soy un optimista. Cuando he hecho un tour con cien conciertos, lo he disfrutado. Pero este pasado año he tenido la oportunidad de trabajar mucho en el estudio y de encontrar la felicidad en la vida, a pesar de todo lo que estaba ocurriendo a mi alrededor.

—En cualquier caso, “Home”, tu nuevo álbum, ya está en la calle. Antes que nada, ¿el título tiene algo que ver con la forma en la que hemos abrazado a nuestros hogares este último año?

Sí, el título del disco está muy ligado a mi decisión de mudarme a las montañas en Topanga (Malibu) el año pasado, justo antes de la pandemia. Hicimos de esta casa un espacio creativo para hacer música. Queríamos un hogar que realmente significara “creatividad”.

—Canciones de “Home” como “Beautiful” o “Helpless” dejan entrever que el disco traba sobre el amor, ¿no?

El álbum habla sobre muchas cosas; el

"Siento que estamos volviendo un poco a la normalidad y a la positividad"

amor es solo una de ellas. Es un disco romántico y sexual. Hay canciones que han surgido a raíz de la filosofía de no dejar que el miedo domine tu mente, como es el caso de “Black Rain”, que habla sobre los incendios de California.

También hay elementos que reflejan mi frustración acerca de la situación social que estaba atravesando Estados Unidos por aquel entonces, y otros que hablan sobre la importancia de estar unidos.

—Hablas de “Black Rain” como una canción que realmente te ha marcado.

Cuéntanos más acerca de este tema y sobre lo importante que es para ti.

Es especial para mí porque habla sobre encontrar la alegría en un momento terrorífico. En “Black Rain” canto sobre la diversión y está diseñada para tocarla en directo y regalar esa experiencia a la gente. También la siento muy nostálgica.

—Hemos visto en tu Instagram que, muchas veces, primero trabajas con una melodía con el piano. ¿Cómo compones tu música?

Lo primero que me salen son los acordes, luego las melodías y, después, la parte que más tiene que ver con el ritmo. Pero no siempre es igual. No tengo una única fórmula cuando escribo música, pero la letra siempre suele salir después de la melodía. Tampoco intento meter la letra con calzador.

—Otra cosa que hemos visto en tu Instagram es un post en el que sales con Diplo “haciendo unos temas”, y otro en el que aparece Beck. ¿Qué ocurre con esas colaboraciones?

No están en el disco. Diplo y yo estamos trabajando en otros proyectos ahora mismo.

—Lo que está claro es que vamos a bailar bastante escuchando “Home”. ¿Bailar es sanador para ti?

Bailar es increíble y muy importante.

Durante el confinamiento seguí clases de baile africano cada lunes, solo para

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sentir un poco de alegría. Pero este disco no va solo sobre bailar, eso es solo un color.

—¿Cuáles han sido tus principales influencias a la hora de crear “Home”?

Mis principales influencias han sido probablemente llevar una buena vida en medio de toda esta intensidad, encontrar la felicidad y la belleza, construir un hogar con mi compañera Genevieve… También me ha gustado acercarme hacia el ámbito de la producción, grabando los instrumentos y las voces de una forma orgánica y natural.

—¿Estás contento con el resultado de tu cuarto disco? Lanzarlo en enero puede parecer una nueva forma de empezar el año, como si fuera un nuevo capítulo o comienzo después de la tormenta.

Sí, estoy muy ilusionado con este trabajo. Lo retrasamos hasta enero de 2021 porque no queríamos que el lanzamiento coincidiera con las elecciones de Estados Unidos, por razones obvias. Me gusta la idea de lanzar este disco en 2021 porque siento que estamos volviendo un poco a la normalidad y a la positivi-

dad. Con suerte, el álbum contribuirá un poco a esa sensación.

—Para terminar, me gustaría preguntarte sobre un tema del que todo el mundo está hablando ahora mismo.

Todos parecemos estar esperando a que el Covid termine para volver a la “vieja normalidad”. Como si la “nueva” fuera solo temporal. Sin embargo, hay quien piensa que no tenemos por qué volver a todo lo de antes, porque hay cosas que deberíamos cambiar. ¿Qué es lo que tú no rescatarías de la era pre-Covid?

La contaminación del aire. Creo que América debería mover ficha y unirse a Europa en la lucha para evitar un desastre medioambiental. Hubo un claro cambio en el clima de Los Ángeles cuando llegó la pandemia, pero los incendios de California lo cambiaron todo a peor. Debemos unirnos para mejorar la situación, y necesitamos ayuda por parte de la gente y a todos los niveles gubernamentales. —ÁLVARO TEJADA

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febrero 2021 #5

ANNA B SAVAGE A COMMON TURN CD | LP | LPX

‘distractions’ CD | LP | LPX – 19.02

cityslang.com

C

uando empezasteis hace dos años, ¿teníais algún objetivo muy claro de vuestros objetivos o de la música que queríais hacer?

(Maria) Pues, a ver, yo creo que queríamos empezar por hacer música que nos gustara a todas, así que desde un principio empezamos a tantear los estilos y el rollo por el que nos gustaría trabajar. E incluso, en el principio, hicimos una lista de música que nos gustaba, porque, es que al final a mí me estaban conociendo en aquel momento y, bueno, yo a ellas también. Al final, llegamos a una unión de música latina que nos gusta en todas sus vertientes y música jamaicana (reggae, dancehall, trap, etcétera). Nuestro objetivo era mezclar todos esos estilos en uno (risas), por eso nuestras canciones no son ortodoxamente reggae o dancehall, sino que son una fusión de todos esos estilos que, al final, se complementan y dan forma a lo que somos. Para todo esto buscamos a un productor que supiera de todos esos estilos y los hubiese trabajado para poder adaptar nuestras canciones a los estilos que queríamos, y dimos con Oriol Puig.

—En el disco hay muchas colaboraciones de gente como La Fúmiga o Pupil·les. ¿Cómo y cuándo surgieron estas dos colaboraciones en concreto? ¿Os conocíais de antes?

(María) Casi todas las colaboraciones que tenemos han sido porque son gente cercana nuestra. Con La Fúmiga fue muy fácil, porque nos conocemos desde que empezamos con Maluks y, encima, estamos en la misma productora de management. Como les gustaba lo que hacíamos, apostaron por nosotras y nos propusieron ellos hacer una colaboración (“Cap. 3: L’aposta”) y luego se lo propusimos nosotras a ellos, y de aquí salió “Me toca”. Con Mireia (Pupil·les) lo mismo, es amiga y conocida nuestra y siempre nos ha animado. Así pues, fue muy fácil contar con ellos. Con las demás colaboraciones lo mismo, excepto con Tremenda Jauría que si que les lanzamos la propuesta y aceptaron, aunque no nos conocíamos de antes.

—Hablando de feminismo, ¿cuándo

Maluks Su turno

“Cada vez tenemos más referentes y grupos de ica.” mujeres que hacen mús

empezasteis a saber lo que era el feminismo y a hablar y escribir sobre feminismo?

(María) Bueno, yo tengo treinta años, y empecé a escuchar música cuando tenia trece años y todos mis referentes hasta hace muy poco relativamente, han sido hombres o grupos masculinos.

Desde hace pocos años, y siguiendo el auge feminista a nivel mundial, se han ido visibilizando más mujeres que ya hacían música históricamente y que no estaban tan visibilizadas. Además, ha ido apareciendo una nueva escena musical donde las mujeres son el punto central del grupo, y, por lo tanto, cada vez tenemos más referentes y grupos de mujeres que hacen música. Y mi evolución ha seguido este auge de artistas femeninas a nivel mundial. Porque yo creo que, aunque antes ya teníamos en cuenta la importancia del feminismo, ahora se lee más, se escuchan más cosas y se conoce más sobre este tema, y es que es un movimiento que está calando en toda la escena social y artística.

—Y creéis que todo este cambio que has dicho tu que está calando más en la sociedad, ¿se va a mantener o se va a ir olvidando? Porque hay veces que parece que solo nos acordamos de algunos temas cuando pasa algo muy grave, y no tendría que ser así…

(María) Bueno yo lo que creo es que hay

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una lucha inmensa por desarticular el movimiento feminista desde ciertas posiciones políticas que salen en los medios de comunicación continuamente y tienen un altavoz muy grande. Y, aunque el movimiento feminista haya crecido tanto, posiblemente intenten pararlo, silenciarlo o ridiculizarlo de alguna manera a través de las redes sociales y medios de comunicación.

Entonces, eso puede ser que llegue a un punto que igual pare los pies un poco al movimiento, pero yo creo que es tan fuerte que va a estar de frente siempre a partir de ahora. Esperemos que nunca se caiga ni se pare.

(Laura) Bueno, y es lo que dices tú, parece que incluso los temas importantes van un poco por modas, por “booms”…

Pero vamos, al final, el feminismo, aunque ahora haya dado un poco el “boom”, como es algo tan de raíz y tan importante, espero que no sea pasajero, como lo es llevar pantalones de campana. Hay un trabajo muy grande detrás, de muchas personas, y espero que si ahora ha pegado el “boom”, por lo menos, sirva para calar en la gente y que se siga luchando, porque hay mucho que hacer aún. Lo que no se cuando llegará es entender el feminismo de manera natural, a normalizar ciertas cosas o cuando de verdad el feminismo va a estar tan integrado como para no tener que seguir luchando….

—¿Qué libro, artista, disco, serie o película recomendaríais a alguien que no sabe nada sobre feminismo?

(María) Uf… Pues no sé, Emma Goldman, Nina Simone, por el poder de ser mujer y negra en una época en Estados Unidos donde los negros no tenían aun ni derecho a voto, y ella convertirse en un altavoz tan potente…

(Laura) Bueno, la música ahora mismo también tiene mucho poder y luego, a parte de leer y formarte en el feminismo, empezaría por prohibir cosas que veo (risas). Pero es que el feminismo llega de verdad cuandolo sientes, y es muy difícil decirle a una persona que no sabe nada sobre el tema venga léete esto y ya está, porque le queda aún tanto que sentir o que sufrir para darse cuenta de cómo es.

(María) Yo también recomiendo Pikara Magazine, que a mí me encanta y son artículos muy sencillos de leer y de los que puedes aprender un montón de cosas.

(Laura) Incluso te puedes formar vía Instagram. Por ejemplo en @Diversualshop hablan del sexo y el machismo, de la sexualidad, de la feminidad, etcétera.

(María) Sí, y la ilustradora @tresvoltesrebel, que se ha “labrado” un nombre dentro del movimiento y la ilustración.

—GEMMA PUIG BRU

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FOTO: STÉPHANE CARTEAUX

Maluks es un grupo de reggae, dancehall y cumbia formado por cuatro chicas: Núria Pons (voz), Marina Bolea (voz), Laura Honrubia (voz) y María Deltell (DJ). En sus canciones tratan temas político-sociales y feministas, y han colaborado con grupos como La Fúmiga, Pupil·les y Tremenda Jauría.

Acaban de publicar “Som i vibrem” (Propaganda Pel Fet!).

MONDO FREAKO

febrero 2021 #7

LOS “ ASES DE KASE.O ENTREVISTA

“Intento dar buena imagen del rap”

#8 febrero 2021

A

NTES DE METERNOS a hablar del disco y de música; ¿Cómo está Kase.O. ¿Cómo ha vivido este año de pandemia tan extraño?

Supongo que como todo el mundo, con días mejores o peores. Pero soy partidario de intentar ver lo bueno, y he podido disfrutar mucho de mi hija, he escuchado mucha música y he intentado llevarlo lo mejor posible. Ha habido momentos difíciles, pero hay que intentar ser positivo.

—Profesionalmente, como músico, ¿Cómo te sientes? ¿Qué futuro o salidas le ves a la situación actual?

De cara a los conciertos es una jodienda, así que he decidido ponerme a crear, hacer trabajo de estudio. Creo que es la mejor forma de canalizarlo. Y cuando podamos volver a hacer conciertos ahí estaremos, pero las previsiones y condiciones van cambiando y es imposible planear nada, nadie se arriesga a organizar nada. Me gustaría hacer algún concierto aunque sea pequeño. Este año es el décimo aniversario de Jazz Magnetism y me gustaría hacer aunque fuese dos o tres directos conmemorativos. Hace poco estuve en el concierto de Ara Malikian y había quinientas personas, respetando todas las medidas de seguridad, y buen ambiente. Así que me gustaría hacer algo parecido aunque sea difícil. Pero mejor eso que nada.

—En este tiempo te hemos visto muy participativo en redes sociales, algo que no era muy habitual. ¿Has descubierto un nuevo canal para comunicarte con tus seguidores?

Sí, es cierto que no me gustaban mucho, incluso me daban cierto asco (risas), nunca he sido partidario de ser tan cercano con el público. Pero durante el confinamiento no sé si por aburrimiento o porque me apetecía conectar con gente abrí la ventana de los directos de Instagram y me enganché, es divertido. Me lo pasé bien, troleé bastante (risas) y hasta me vino bien.

—Entrando ya en tu nueva creación, “Divertimentos”, tu primera intención era no sacar un disco nuevo, darte un tiempo, y sin embargo sacas este por fascículos. ¿Qué ventajas te ofrece sacarlo así?

La mayor ventaja es evitar el proceso traumático de encerrarte en un estudio tres o cuatro meses para grabar un disco. O estar un año con trece canciones abiertas terminando una y otras a la vez. Ese proceso ya lo pasé con “El Círculo” y me lo quería quitar. Me quise tomar un tiempo, pero mi chica me convenció de que no, así que grabé estas dos canciones y creí que era mejor sacarlas ya, y entonces ya decidí ir sacando el disco por partes, según lo fuese grabando.

—¿Y desventajas, no crees que puede tener menos impacto que un disco completo?

Sí, el mayor miedo es que no tenga el mismo impacto que un disco normal, o que algunas de esas canciones puedan pasar desapercibidas. Aunque para que no caigan en el olvido voy a sacar en vinilo cada “Divertimento”. Realmente es un disco que empieza ahora pero aún no sé cuándo acabará. Pero por el momento la aceptación ha ido bien, colocamos las dos canciones en tendencias el día 31 de diciembre. ¡Se peleaban entre ellas por ser el número uno ese día! (risas). Aunque seguramente fuese porque no salió casi nada más de música ese día de nochevieja (risas).

—Analicemos estas dos canciones nuevas por separado. “Tiranosaurius Rex”. ¿Cómo la describes?

Es una canción sanadora, que alegra el espíritu, que inspira buenos pensamientos y sentimientos. Intenta evocar que cambiemos nuestros malos pensamientos por buenos, que tengas compasión y amor por el prójimo, por ese tío que se olvida de poner el intermitente porque tú también te olvidas de ponerlo a veces (risas). Creo que hacía falta en este momento publicar una canción con positividad.

—¿Y “El gordo que la pisa bien”?

Esta es una exhibición de formas estilísticas, una canción de vacile y competición clásica. Tenía un poco abandonado este género del cual soy uno de los creadores aquí, creo. “El Círculo” es más autobiográfico y tiene más mensaje, y me apetecía una canción así más vacilona y desenfadada. Además trae reminiscencias de épocas pasadas. El rap de ahora es más os-

Kase.O

El mejor Mc que ha dado nunca España vuelve a escena. Kase-O regresa anunciando “Divertimentos”, un disco nuevo que irá publicando por fascículos. Por el momento ya ha publicado el primero de ellos, compuesto por “El gordo que la pisa bien” y “Tiranosaurius Rex”. Dos canciones sobre las que conversamos con él en esta entrevista realizada en un céntrico hotel de Madrid, donde también nos cuenta sus gustos, tanto musicales como de fuera de la música.

—TEXTO Alfonso Gil Royo —FOTO Gustaff Choos

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curo, acorde a los tiempos que corren, y esto ha sido como volver atrás en el tiempo. Y me alegro de que haya gustado, pero nunca hago dos canciones iguales, así que no sé si volveré a hacer otra canción como “El gordo”.

—¿Qué puedes contarnos del resto del disco? De momento tienes grabada una colaboración con SFDK. ¿Tienes algo más grabado?

Tengo dos “Divertimentos” con Óscar y Zatu ya a punto de terminarse, que eso será lo próximo que salga. Y luego ya tengo letras para hacer otras dos canciones aunque aún no sé con quién será, aún no lo he decidido. Habrá con R de Rumba, con chavales de Zaragoza, de Madrid. La idea será presentar cada tres o cuatro meses, pero dependerá de la inspiración, de la logística, de las restricciones de movilidad, etcétera. Lo bonito es que no me he puesto normas, quiero sentirme libre al hacerlo.

—El nombre nos da que pensar, “Divertimentos”. ¿Ha habido momentos en los que Kase-O no se ha divertido haciendo rap?

Sí, durante “El Círculo” hubo momentos complicados. Me lo tomaba con mucha exigencia, me metía mucha presión yo mismo. Incluso Gonzalo de las Heras me decía “tráete a colegas, que sea todo más cercano”. Pero yo no quería, quería un disco íntimo, y ahora al revés, ahora quiero compartir buenos momentos con otros, y que nos aportemos cosas nuevas.

—Cuando Kase-O saca una canción y habla de sus seguidores, a quién se refiere. ¿A sus seguidores de siempre o estos nuevos chavales que acaban de empezar con el rap?

Creo que mi público es muy variopinto en cuanto a estrato social, cultural y de edad. Mis seguidores son los que han comprado “El Círculo” y los que compraban los discos de Violadores. Algunos son raperos y otros sólo les gusta mi movida. Y sé que también hay chavales jóvenes a los que les gusta y eso es una buena noticia. Afortunadamente no tengo un seguidor tipo, creo.

—Estamos hablando de que te has adaptado bien a los nuevos tiempos como músico. Pero como oyente, ¿te sigues comprando discos o ya sólo escuchas a través de plataformas? ¿Cuál fue el último disco que te compraste?

La verdad es que casi no me acuerdo. Es posible que los últimos discos que comprase fueran de Suite Soprano, el de Jota Mayúscula y Lion Sitte, y uno de Aarón Baliti & DJ Volo. Pero fue hace mucho, antes de irme a Colombia, ahora es que ya ni tengo reproductores para cedés, ni siquiera los coches traen ya.

De hecho cuando alguien te regala un cedé ahora te quedas como… mejor en vinilo (risas).

—Hace pocos días saliste en el telediario de TVE1. ¿A ti te parece bien que el rap se abra a grandes medios o te parece que pierde así parte de sus valores?

No, eso ya está superado. Yo lo que quiero para mi música es que la oiga el mayor número de gente posible. Igual con dieciocho años que éramos más cerrados no queríamos entrar en los grandes medios, pero ahora prefiero salir yo en el telediario a que salga otro de otro estilo en ese espacio. Por mí y por el rap. Y yo estoy muy orgulloso, que un rapero que titula a su canción “El gordo que la pisa bien” salga a las nueve y media de la noche en el telediario de La 1 parecía imposible hace tiempo, parecería una coña. Y esta noche voy a la ventana de La Ser. Y eso es bueno para el rap, que la gente se entere de qué es, no somos drogatas con armas. Yo intento dar buena imagen del rap.—A.G.R.

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febrero 2021 #9

Marcelo Criminal Frente al ordenador

—Muchos de estos artistas lo que

“Popemas” es un disco que me gusta mucho. Creo que lo conocí cuando ya llevaba un tiempo haciendo música. La Estrella de David tampoco fue una gran referencia al principio. Pero Primogénito López (en el disco hago una versión) fueron fundamentales, como otros grupos de cierto underground catalán, como Tirana o Gúdar. Me inspiraron mucho. La tradición del lo-fi americano, de Daniel Johnston, Beat Happening, Teen Suicide, Elvis Depressedly, todo eso. Y nada, supongo que mi propia forma de hacer las cosas. Ninguno de esos artistas son particularmente graciosos ni hacen canciones especialmente cortas, en general. Pero en mi caso, hay mucho sentido del pudor o vergüenza: no me gusta repetirme. Bueno, por ejemplo Los Lagos de Hinault son un grupo que me marcó mucho y ellos sí que hacen canciones muy cortas sin excesiva repetición.

mí no, porque no soy un gran músico, pero para muchos lo es, y yo lo respeto mucho.

—¿Tu idea entonces es llegar al público más amplio que puedas?

Esto es complicado para mí, pero no pretendo hacer canciones que sean bromas internas para trescientas o cuatrocientas personas que pillen los códigos. A veces caigo en eso, puede ser divertido también, me lo paso bien con letras herméticas, analizando.

—Hay una frase que me ha gustado especialmente: “Te prometo que tu barrio será como Roma en el futuro”.

Pues para mi gusto es probablemente la frase más bonita que he escrito nunca, la verdad. Cuando la escribí pensé: “Madre mía, la gente se va a morir con esto” (risas). —JC PEÑA

tienen en común es que anteponen cierta espontaneidad e inmediatez a la perfección técnica, o a tocar muy bien. Para ti, claramente es algo fundamental, como se ve en el disco.

Sí, sí, totalmente. No creo en la idea de la perfección técnica, creo casi en todo lo contrario (risas). En general, aunque cada vez menos, siempre me he sentido bastante repelido por el virtuosismo. No es una cosa que me interese nada: me interesan las canciones, no la chulería (risas). Valoro mucho la humildad de un músico para no pasarse. Creo que es muy complicado muchas veces. Para FOTO: ARCHIVO

El joven murciano cuya canción “Perdona (Ahora sí que sí)” llegó al gran público a través de la versión de Carolina Durante y Amaia, tiene ya nuevo disco largo, “Momento de auténtica realidad” (Sonido Muchacho, 20). Su trayectoria prueba por enésima vez que el underground más subterráneo a veces emerge y tiene su oportunidad. Incluso en la era de las redes sociales y la sobreabundancia.

voces tienen mucha mayor presencia, creo que es más luminoso y mucho más introspectivo y quizá por eso, también más divertido. Pienso que es mejor, sinceramente (risas).

—La mayor parte de las canciones son muy cortas: un minuto y medio o así. Se pueden definir como viñetas costumbristas con un humor muy curioso. Yo recuerdo aquel disco de Nosoträsh, “Popemas”, que eran también canciones reducidas a la mínima expresión. También encuentro ecos de La Estrella de David. ¿Conocías a estos artistas? ¿Cuáles han sido tus referencias?

M

e gustaría que, para empezar, me hicieras un resumen de cómo ha sido el camino hasta llegar a

este disco.

Empecé a hacer canciones de una forma más o menos sistemática con dieciocho años. Llevaba un tiempo aprendiendo a tocar la guitarra y a hacer música por mi cuenta, y me puse en serio en 2015.

A mediados de 2016, empiezo a subir algunas cosillas grabadas de forma muy rudimentaria a mi Bandcamp. Ni por pistas ni nada, con una grabadora probablemente peor que ésta, con el móvil, tocando la guitarra y ya está. Tiempo después, esta música llegó a un músico murciano que se llama Álex López, me invitó a su estudio doméstico a grabar cosas, y empezamos a colaborar de una forma amistosa. Le gustaba mi música y le daba como pena que no hubiera más producción. Sacamos una canción que se llamaba “Solán de Cabras” que, sin ser ni mucho menos un hit, subió mucho mi visibilidad. Mientras tanto, seguía componiendo canciones y las íbamos grabando. Esa canción llegó a Fikasound, que me propusieron sacar un CD, que se llamó “Acepta su cruz”.

El plan de Álex y mío era hacer un disco juntos e intentar moverlo luego por los sellos, pero antes de que pasase nos lo sacó Fikasound.

—¿Cuál es el papel de Álex en el proyecto? Él es el productor, los instrumentos los toco yo. Él aporta ideas, es un trabajo muy simbiótico, en el estudio estamos siempre juntos. Después de lo de Fikasound, saqué una canción que #10 febrero 2021

“Me interesan las canciones, no el virtuosismo” Carolina Durante versionó con Amaia, tuvo bastante éxito. La canción no había entrado en el disco que sacó Fikasound, la subí a Youtube y ya está. Poco después, me contactó Sonido Muchacho, proponiendo sacar lo que fuera. Yo les dije que estaba haciendo un EP (“Repentino brote de añoranza y amor”), y me dijeron que si me apetecía sacarlo, lo sacábamos. Lo editamos, no sé qué éxito tuvo o dejó de tener (risas), pero en principio aquí seguimos. Hago canciones, las grabo, y hay un momento en que decimos: “Vale, el disco va a ser esto”. No es muy glamouroso ni misterioso.

—¿Qué evolución ves entre el EP y el disco?

La evolución existe. Quería cambiar un poco el rollo, vas aprendiendo sobre la marcha para llegar a puntos distintos.

En general, creo que suena mucho más orgánico, mucho más auténtico. Las

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EN PORTADA

La vía Califato ¾ en rosa

Elegimos seguir “la vía en rosa” de Califato ¾ y les pedimos las claves de su segundo asalto “La Contraçeña” (Breaking Bass, 21), un lust for life por sevillanas, guajira y seguiriya, un trabajo en el que resucitan al quinto día y vuelven menos sampleados y más auténticos.

—TEXTO David Pérez —FOTOGRAFÍA Adri Offdelcampo

“ C “Nosotros nos vamos y nos llevamos, como los Happy Mondays, “al coleguita de marras” que nos ambienta”

#12 febrero 2021

on el espíritu reivindicativo andalucista y el ADN de golferío y guasa intacto, manoseando las raíces entre fandangos espectrales, zambras western y cornetas de lisergia semana santera. Los cinco productores de electrónica han encontrado la fórmula perfecta y a esta banda ya no hay quien la pare. Les pedimos “La Contraçeña” de su nuevo álbum y les rogamos que nos inviten a la próxima grabación.

—Este “La Contraçeña” suena con un extra de psicodelia y energía muy potente…

(Chaparro) Psicodelia mucha, además, esa energía es de cuando nos abrieron un poco el confinamiento y nos pudimos ver en junio. Nos fuimos a Ronda a hacerlo y estábamos con muchas ganas, la verdad.

(Curro) Es más “desfasao” que el otro, porque estábamos nosotros también más “ambientaos” (risas).

(Chaparro) Hicimos trece temas en cuatro días.

(Curro) Las ideas, claro. Luego hemos tardado ocho meses en acabarlo. Las colaboraciones, los arreglos…

—Os vais a Ronda y grabáis en un apartamento que era un antiguo estudio en el que grabaron discos bandas como dEUS, Tindersticks o Yann Tiersen...

(Curro) Ahora es una AirBnB, pero nosotros lo volvi-

mos a convertir en un estudio, también por el sitio mítico que era…

Con unas vistas a la serranía increíbles.

(Chaparro) Allí han pasado muchas cosas importantes para Andalucía.

(Curro) Y nos gusta irnos a sitios apartados, las tres veces lo hemos hecho igual… Nosotros nos vamos y nos llevamos, como los Happy Mondays, “al coleguita de marras” que nos ambienta. Y además, esta vez, había seis sitios en la casa y, o llevábamos al técnico de sonido o llevábamos al colega, y dijimos: “illo, po está claro, llevamos al colega, para que el disco salga mejor y ya luego lo mezclaremos bien” (risas).

—¿Cuál diríais que es la mayor diferencia que encontramos en “La Contraçeña” con respecto a lo anterior?

(Curro) La gran diferencia de este disco es que hay muy pocos samples. Hemos grabado muchas cosas en vez de utilizar samples. Eso ha sido un avance bastante grande para nosotros, un síntoma de madurez. Eso le ha aportado riqueza y frescura al disco.

(Esteban) Y ha sido natural, de haber estado tocando, incorporamos con más naturalidad los instrumentos.

(Sergio) Yo creo que en “L’ambôcca” éramos realmente solo productores, y ahora estamos ya más integrados con el formato banda.

(Chaparro) Hemos aparcado los ordenadores y hemos empezado a currar más con los instrumentos, tenemos más bagaje, estamos más seguros, hemos evolucionado en ese aspecto.

(Curro) En este disco ya hemos alcanzado ser un híbrido entre electrónica y banda. Nos hemos puesto las pilas, hemos salido de la mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

zona de confort de productores de electrónica, que es lo que somos, y cada uno se ha obligado a asumir un rol en la banda para sacarla adelante. Pero las canciones las seguimos creando como productores de electrónica.

—Ahora vayamos al título del disco. ¿Por qué “La Contraçeña”?

(Esteban) Es por el disco del Pele.

(Curro) Sí, viene por una canción del Pele que escuchábamos mucho y que solemos cantar antes de cada concierto, antes de salir la cantamos todos.

(Esteban) Para hacer piña.

(Curro) Para relajarnos un poquito.

(Esteban) Viene del estribillo de “La sevillana del pañuelo”, del disco del Pele con Vicente Amigo.

(Curro) También por el arte del disco de Rorro Berjano.

(Chaparro) Es un pelotazo.

(Esteban) Nosotros en los singles hemos mostrado fragmentos de la portada.

(Chaparro) Cada single es un cachito de la portada.

(Esteban) Pensando en el título de la canción, en el ambiente de tema, hemos recortado un fragmento del cuadro, porque él ha creado un cuadro con todos los ingredientes del disco.

(Curro) Por eso también lo de “La Contraçeña”, vamos desvelando “los dígitos” y al final se verá el código entero.

(Chaparro) Vamos, que nos quedamos “cogíos” en Ronda (risas).

—Con olor a incienso, azahar y cornetas bajo palios, llega una zambra con pulso de hardcore-rap de los noventa, “Çambra der Huebê Çanto”, donde seguís mostrando las costuras “enmorecías” de Andalucía, con regusto a western y aparición estelar del mítico silbido de Kurt Savoy…

(Curro) La canción empezó con un sample de Antonio Molina, partía de una zambra de él, y nos pedía darle ese rollo de rap noventero… Y a mí se me ocurrió meterle la marcha, que la compuse yo, pero esta no la hemos sampleao como la otra, que eso también es un paso adelante. Llamamos a un montón de gente para que hicieran los vientos.

(Esteban) Y lo de Kurt Savoy fue que estábamos aquí bromeando...

(Curro) Y en plan locura, dijimos, “y si metemos aquí a Kurt Savoy”, en plan ida de olla…

(Esteban) Miramos la página web y llamamos a la manager que aparecía.

(Curro) Y nos lo cogió él (risas). Que manager ni manager. Muy personaje.

(Esteban) Nos dijo que le gustaba mucho lo que le estábamos contando, que le mandáramos la canción.

Y nada, él alquiló un estudio en París, que vive allí, y grabó una toma con la base de fondo y nosotros la producimos y la integramos. Su parte es como un encadenado de sus melodías míticas con Morricone, un mashup de su trayectoria como silbador.

—Y de una zambra, pasamos a la nave del misterio

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febrero 2021 #13

EN PORTADA

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por fandangos espectral, con esa genialidad surrealista y cañí del segundo adelanto, “Fandangô de Carmen Porter”, una historia de amor paranormal a fuego lento, con una letra que es pura fantasía y flota en una hechizante atmósfera espacial de dreampop y shoegaze, con psicofonías auténticas incluidas… Habladnos del tema, pero primero decidme que Iker Jiménez y Carmen Porter os han mandado una foto por whassap con una camiseta de Califato ¾, por favor.

(Curro) Nos dieron las gracias por Twitter y compartieron el tema.

Nada, nosotros era un poco de guasa…

(Esteban) Son un icono pop.

(Curro) Yo lo metí en plan de guasa, aunque luego el vídeo, que está genial, la interpretación que ha hecho Nono (Ayuso) es súper seria y le ha quitado ese punto sarcástico, pero la letra, aunque sea una canción de amor, tiene mucha ironía, por eso metimos a esta gente.

Que tampoco son gente que nos represente, que nosotros los vemos cuando estamos de resaca, que ya sabemos que a veces dicen unas barbaridades y últimamente más… La idea era usarlos como icono popular, ese era el rollo.

—Con el tercer adelanto llega el que quizás sea el tema más rompepistas del lote, “La bía en roÇa”, con el Lorca y el Morente más lisérgico entre líneas…

(Curro) Sí, nosotros en el título jugábamos sobre todo con lo de la

#14 febrero 2021

“La vida rosa”, que en andaluz es “la vía rosa”, “el camino rosa”. Y como a nosotros nos gustan también mucho “los polvitos rosas”, pues es también “el mal camino”, esa doble lectura…

(Esteban) No arrepentirse.

(Curro) Y lo de Morente sí, tiene la melodía de esa letra que grabó Morente varias veces, el “Tú vienes vendiendo flores, las mías son amarillas y las tuyas de todos los colores”. A mí me entraba en la canción con la melodía que él usaba en “Omega”. Esto fue como todo, en el momento… Con el morao se nos viene una cosa y si vemos que entra, perfecto, la referencia que sea. No pensamos en problemas de derechos ni nada, pero luego vienen los problemas (risas).

(Chaparro) Tú imagínate allí en Ronda, cinco mentes funcionando al doscientos por ciento (risas).

—Entonces, ¿Habéis dado con vuestra fórmula creativa perfecta?

(Curro) Las canciones nuevas saldrán así también. Nos vamos, nos concentramos, nos metemos y pum, lo que salga y tiramos con eso.

(Chaparro) Sí, además cada año estamos más enchufados. Hay veces que ni se habla, con mirarnos a los ojos, suficiente…

(Curro) Claro, creo que eso también se nota en el disco, hay un mayor nivel de compenetración, estamos más acostumbrados a trabajar juntos, se van desarrollando las dinámicas de trabajo mejor y mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EN PORTADA

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“En este disco ya hemos alcanzado ser un híbrido entre electrónica y banda. Nos hemos puesto las pilas”

todo fluye mucho más que antes. Hemos ido puliendo esta técnica propia que nos hemos inventado y cada vez la maquinaria va mejor.

(Chaparro) Que ya te digo que igual se levanta el Curro por la mañana y dice, “¿quién ha grabado esa melodía de guitarra tan guapa?”. Y le tenemos que contestar “Pero si has sido tú, gilipollas. La grabaste anoche” (risas).

—El quiebro total llega con “Te quiero y lo Çabê”, que empieza con la oscuridad de P-Orridge, y pide al siguiente parpadeo, con la tecno-rumba de Los Sobraos en vena, feria o verbena a gritos.

(Chaparro) De Psychic TV a Los Sobraos, ¿cómo llegaríamos nosotros a eso? (risas).

(Curro) La cosa es que siempre me ha gustado mucho todo lo que ha hecho Genesis P-Orridge, de Throbbing Gristle a Psychic TV. Y “I Love You, I Know”, que es un tema de Psychic TV, tiene ese bajo súper guapo, que es el que sale al principio de nuestro tema. Quería hacer algo con eso, estaba obsesionado. Es un tema súper retorcido, es una locura. Empezamos a jugar con él y yo no sé cómo, dije: “aquí me entran a mí Los Sobraos”. Es un mashup mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

entre Psychic TV, como un tema todo oscuro, y Los Sobraos. Un Frankenstein muy loco.

(Chaparro) Un pelotazo.

—Otro de los temas que destacaría es “Er carrito de lô muertô”, me parece una joyita. Entremezcláis cantes jondos por seguirillas, fundiendo quejío con autotune, sintetizadores, guitarras y hasta un bazuki, con la voz afilada de bronce añejo de Andrés de Jerez como protagonista…

(Chaparro) Andrés de Jerez te puede cantar cuarenta veces la misma letra y nunca la hace igual. Le sale del estómago, va al corazón y a la garganta, no pasa por la cabeza, por eso lo llaman “flamenco salvaje”. Es un término que se usa allí en Jerez.

(Curro) El tema nace con unos patrones flamencos que sacamos Esteban y yo con guitarra eléctrica.

(Esteban) Y ya sobre ese patrón repetitivo, que sería como el metrónomo de Andrés de Jerez, Andrés hizo muchas improvisaciones.

(Chaparro) Después de eso vino con el bajo de Arispont y le pegó otro giro.

(Esteban) Y luego vino el Mangu con el bazuki.

(Curro) Fuimos haciéndolo poquito a poco, y le metimos a la canción ese cambio que tiene en medio, que para mí es lo que hace que el tema destaque más.

(Esteban) Es un tema que, como productores, pues te sientes orgulloso de juntar en el tiempo a tanta gente tan dispar.

(Curro) Yo creo que, en ese tema en concreto, sí que hemos pegado un palmetazo sobre la mesa. En la fusión del flamenco con la electrónica, creo que nunca se ha hecho nada así. Estamos muy orgullosos del resultado y a Andrés le gustó mucho también.

—Siguiendo con las colaboraciones, encontramos otra aparición que deja huella en “Tó ba a Çalih bien mamá”, con Queralt Lahoz en el ojo de un huracán de hip-hop aflamencao...

(Chaparro) Ha estado muy bien jugado. Yo decía: “este tema es más raro que sus muertos, no sé cómo va a quedar”, pero cuando lo mandó ella de vuelta, dije: “hostia, se lo ha currao y lo ha clavado”.

—Nos vamos a la feria de nuevo y nos arrancamos por sevillanas morfínicas en “Pascual Márquez 33”, con una cadencia hipnótica que rompe en rave por momentos, y con otra letra marca de la casa…

(Esteban) Es una sevillana desordenada. Es muy minimalista y luego rompe…

Y estribillo al final, es una locura. Además tiene sonidos de Las 3000 sampleados.

(Curro) También nos parece de los temas más redondos del disco. Y aparte, con anécdota: mi caseta, en verdad es “Pascual Márquez 184”, pero eso no rimaba, y digo, bueno, pues “Pascual Márquez 33”, que me entra mejor en la letra. Y luego, cuando me

dio por mirar, hace dos o tres semanas, resulta que “Pascual Márquez 33” es ¡la caseta de los jefes de la policía! (risas) —En la recta final destacan esos cantes de ida y vuelta, una guajira cañí cantada por derecho, empapada de picaresca andaluza de la buena...

(Curro) La hicimos en Ronda el último día, allí en una mesa y dijimos, a ver, cuáles son los abusos que se pegan con los guiris la peña, o cómo es la relación de los andaluces de la costa con toda esa afluencia de turistas de fuera y, cómo los andaluces, por su idiosincrasia, se toman esas situaciones de una manera que, en otros lados, es muy diferente. También queríamos hacer un tema en el que cantarán las dos chavalas con las que más hemos colaborado, Roxana y María José Luna, y la verdad que se la han cantado muy guay. La han hecho muy bonita —Terminamos con la combativa “Camelamô naquerâh”, con ese grito flamenco (rapeado para la ocasión) de reivindicación de la cultura y dignidad gitana… Un “queremos hablar” en el que Chaparro canta en Andalusí…

(Chaparro) Hemos recuperado esa lengua muerta, el romance andalusí. Gracias a un hombre que la estudia desde hace muchos años, Pablo Sánchez.

(Curro) Y aparte canta Ebla, una chavala siria que, un día cuando estábamos ensayando y grabando unas voces, salimos para echarnos un cigarrito y la escuchamos cantar en el local de al lado. Pegamos a la puerta y le dijimos: “illa, ¿te quiere grabar unas voces?”. Y ahí está.

(Chaparro) Así funcionamos. Ella canta increíble.

—Con el “Ecô der dormío” y Esteban en un estado cercano al “nirvana”, nos despedimos. ¿Qué le decís a la gente que tiene muchas ganas de Califato ¾, de recuperar la normalidad y pegarse unas fiestecita de las buenas?

(Curro) Pues nada, que se vayan a Estados Unidos, se gasten 30.000 euros y se pongan la vacuna (risas).

(Chaparro) Mejor que se vayan a Cuba, que es gratis y está toda Cuba vacunada. Que lo han dicho, todo el turista que vaya, vacunado gratis.

(Curro) A Israel no, eh. No, en serio, estamos todos locos por que la cosa salga adelante y poder tocar a tope y desarrollar el proyecto de verdad como nos gustaría.

(Chaparro) Que tengan paciencia y no desesperen, que Califato les espera.

(Curro) Estamos al límite de la pobreza, pero vamos a aguantar hasta que se pueda tirar para adelante de verdad. —D.P.

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febrero 2021 #15

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17/Mondo VINILOS

Martin Gore

POP / Resulta altamente refrescante imaginar cómo sería la trayectoria de Martin Gore de no haber tenido que encabezar Depeche Mode a lo largo de cuatro décadas. Por un lado, nos habríamos perdido a uno de los grupos más influyentes de la historia. Por el otro, seguramente, habríamos disfrutado de un Opus en lo que se entiende como electrónica orgánica, oscura como la que perfiló en “Black Celebration” (86) y los pasajes más inspirados de “Ultra” (97), elepés a los que más recuerdan estos cinco cortes instrumentales de títulos simiescos. Y es que, a falta de nuevo material del grupo más famoso de Basildon, lo que “The Third Chimpanzee” ofrece es un paliativo de lo más refrescante, con un Gore altamente inspirado, siempre abriendo las vetas más belicosas de su estilo personal.

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Lo mejor de Django Django Django Django

Glowing In The Dark Caroline/Music As Usual

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POP / En realidad, lo de Django Django se veía venir desde el principio. El cuarteto ha sido siempre un grupo francamente imaginativo y dotado con chispa diferenciable, que se estrenó a lo grande hace casi una década con aquel álbum homónimo de 2012 para a continuación confirmar sensaciones con “Born Under Saturn” (15) y “Marble Skies” (18). Sin embargo, es ahora y con el que es cuarto larga duración en la trayectoria de los londinenses cuando llega esa obra grandiosa que insinúa su enorme potencial, apurando una ambición que, junto a la variedad estilística y el momento especialmente inspirado en el que parecen inmersos, propicia su álbum más redondo y trabajado.

“Glowing In The Dark” es también el disco más evidentemente atractivo de los británicos, en una sucesión incuestionable que desprende colorido e hipnotismo a través de todas y cada una de sus trece piezas. Un conjunto carente de relleno, poseedor de un ritmo activo y agudo que no se permite decaer en ningún momento motivado por esa multitud de tonos que los británicos ponen al servicio de su neo psicodelia electrónica de querencia pop. Un trabajo ampliamente afanoso que desafía los límites estilísticos convencionales,

para apostar por la miscelánea y con el combo removiendo todos los elementos colocados en una única marmita hasta salir orgullosamente victorioso de la probatura. La referencia viene conformada por trece singles en potencia, tan afilados y jugosos que el oyente resulta incapaz de focalizar con claridad las destacadas del lanzamiento. Sucede con hits tan profundamente verticales y bailables como “Spirals”, “Free From Gravity” o “Night Of The Buffalo”, pero también en “Headrush”, durante los dos minutos bien aprovechados de “Right The Wrongs”, o con el exotismo de “Got Me Worried”. Por su parte, la instrumental “The Ark” es puro Primal Scream, a la que añadir el misticismo más clásico de “The World Will Turn”, el glamour sensual de “Waking Up” –con la colaboración vocal de Charlotte Gainsbourg–, o una “Kick The Devil Out” que podría haber sido propiedad del último Beck.

Igual de inexcusable es la propia “Glowing In The Dark”, enlazando sin descanso con el ramalazo funky de “Hold Fast” y antes de que “Asking For More” eche el cierre recordando a los colegas de Metronomy. “Glowing In The Dark” presenta a un grupo ya asentado y que apuesta por alcanzar niveles adicionales de llegada con valentía y una confianza plena en las canciones. Django Django apuran aquí las posibilidades de ese eclecticismo presente a lo largo de toda su carrera, y el resultado es un elepé grandioso, de esos que apuntan a la atemporalidad y que sugieren que resonará igual de vigente y vanguardista en cualquier tiempo venidero. —RAÚL JULIÁN

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Barry Gibb

The Third Chimpanzee Grabbing Hands/Mute

—MARCOS GENDRE

Greenfields: The Gibb Brothers’ Songbook (Vol. 1) Capitol/EMI

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AMERICANA / Pocos discos

más almibarados que este vais a encontrar en el mercado.

Pocos placeres culpables como este. Pues sí. Me gusta y mucho.

Pero rebobinemos. Bee Gees siempre fueron una de esas bandas maltratadas por la crítica. A veces de forma merecida, pero las más de forma algo injusta. Bee Gees fueron una banda irrepetible con una capacidad para componer perlas de pop dulzón, con unas armonías vocales de ensueño entre las que destacaba la voz de nuestro protagonista, el único superviviente de la saga. El guapo le llamaba mi madre. Pues bien, Barry Gibb se ha puesto en manos del productor de moda de la americana actual, Dave Cobb, y desde Nashville se ha rodeado de una serie de artistas con los que ha dotado a las composiciones de Bee Gees de un sabor genuinamente americano. —DON DISTURBIOS

Young Fresh Fellows

Aiala

2021: An Earth Oddity Kasba

Toxic Youth Yep Roc Records

ROCK / Pues no. Parece que el tiempo no pasa para ellos. Y eso que ya sabemos que Scott McCaughey, líder y principal compositor de la banda pareció durante unas semanas tener un pie más en el otro barrio que en este. El caso es que ya tenemos aquí una nueva entrega de una de esas bandas que no fallan, aunque algo de trampilla sí que nos hacen. Y es que este “Toxic Youth” está grabado en 2017 y se publica ahora como epitafio y homenaje de los Egg Studios y el productor Conrad Uno. Kurt Blotch, Tad Hutchinson y Jim Sangster, con la evidente presencia de McCaughey se metieron en los ya desaparecidos estudios con tres temas para grabar un EP el último fin de semana en que el susodicho iba a permanecer abierto, y salieron con nada menos que con diecisiete, doce de los cuales están este disco. —EDUARDO IZQUIERDO

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POP / Del blues al trap, pasando por el pop o el reggae. No son las múltiples caras de Jara Aiala, sino tan solo una: la de una artista ecléctica que se nutre de múltiples estilos.

“2021: An Earth Oddity” es su confirmación de Aiala. Hasta en silencio, Aiala no puede parar de pensar en la música. Eso hace que sus temas sean aptos para cualquier momento del día, en cualquier situación. Lo diferente, el amor, resistir o aprender son las diferentes temáticas a las que la cantante se refiere a lo largo del disco, siempre a través de múltiples referencias estéticas no solo musicales sino también cinematográficas, como el increíble inicio tarantiniano de “Fighting And Learning”. Para Aiala, la música es comunicación a través de las emociones aun pensando que una no encaja en este mundo.

8

—KAREN MONTERO febrero 2021 #17

MONDOVINILOS

Rhye

Home Loma Vista/ Music As Usual

Arlo Parks: el debut de una estrella Arlo Parks

Collapsed in Sunbeams Transgressive/ Caroline

9 POP / El debut de esta veinteañera londinense depara motivos para justificar que con ella nace una estrella. Su perspicacia para el diagnóstico del pathos de nuestro tiempo (tenemos emblema de la generación Z para rato) corre parejo a su forma de embutirlo en un envoltorio comercial pero detallista, lujoso pero contenido, asequible pero a la vez fluido: no es neo soul al estilo de las producciones futuristas que Erykah Badu o Jill Scott proponían hace ya veinte años, no, ni menos aún el de la lectura evolucionada que encumbró a Janelle Monáe una década después; es más bien algo que tiene que ver con la herencia del soul de guitarra de palo (India.Arie y todos los hijos e hijas de Bill Withers) combinada, en algunos momentos, con esos subgraves sísmicos del mejor trip hop (la sensacional “For Violet”) o con modismos de producción que a ratos sintonizan con el groove

Álvaro Díaz

Zabala

Díaz Antes Universal

URBAN / Ávaro DÍaz recopila los EP’s que han visto la luz en los últimos meses (“Díaz Antes: Wavy para las babys” y “Díaz Antes: La ciudad de los niños tristes”), amén de varios inéditos en este álbum interesantísimo, presentado con unas outros en forma de cuñas publicitarias divertidísimas en varios de sus temas, como si estuviéramos cambiando de emisora de radio en el coche por distintos moods musicales. Álvaro Díaz es un artista auténtico, todas sus canciones suenan frescas y originales y funciona tan bien en sobre un ritmo lento y melancólico como en un hit como “Dame un break”. Sus letras están bien construidas y el delivery de sus flows representa lo mejor del trap latinoamericano. La impresión cuando uno termina de escuchar este trabajo es que Álvaro Díaz se lo pasa en grande cantando, y eso ya hace mucho para atraerte a su imaginario musical y lírico. “Díaz Antes” es lo mejor de un artista que hace todo lo que quiere y le sale todo bien.—LUIS M. MAÍNEZ

8

#18 febrero 2021

escueto de The xx. Muy propio de una artista que adora por igual a Vashti Bunyan y St Vincent, y que se ha hecho acompañar del norteamericano Gianluca Buccellatti (escuchen a Hazel English, Overcoats o Tei Shi, otros talentos femeninos a los que ha supervisado) en el estudio. Aunque por encima de la forma está el fondo. Canciones como soles. Irrebatibles desde cualquier punto de vista. Confesional, inusualmente madura para su edad, dúctil como vocalista, convincente cuando

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ELECTRÓNICA / Jon Agui-

rrezbalaga, ex WAS, ahora como Zabala nos propone un viaje ensoñador, sonoro y cinematográfico a un Marte hecho a su medida, a través de una película que no existe. Este primer álbum de este inquieto y poliédrico músico vasco –publicado por Forbidden Colours– contiene catorces cortes en los que sinergia minimalismo, drone, ambient y sonidos industriales. Todo obedece a una narrativa densa y bien fundamentada con querencias a la habitual distopia sci-fi, pero que, paradójicamente, nos sumerge en una visión algo más abierta, no tan claustrofóbica.

Zabala, solo a base de sintetizadores analógicos, caja de ritmos y su propia guitarra, sustancia un universo musical futurista, intenso y coherente que evoca a aquellas míticas bandas sonoras de los ochenta que tanto le han inspirado. En algunos cortes el tiempo parece pararse. La enjuguescada y, hasta, festiva “Martian Rave” merece mención especial. —FERNANDO FUENTES

le dice a una amiga que le lamería el dolor de sus labios cuando sus ojos se ponen como los de Robert Smith al aguársele el maquillaje por las lágrimas (en la preciosa “Black Dog”), diestra en el arte del spoken word y dominadora absoluta de medios tiempos en los que (como el de la fabulosa “Hope”) parece un cruce entre Amy Winehouse y Blood Orange, la británica ha facturado un álbum de debut ante el que resulta imposible no entusiasmarse.—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Cooler Returns Sub Pop/ Popstock!

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POP / El fichaje de Kiwi Jr.

por el sello Sub Pop no ha motivado cambios significativos en el sonido que los canadienses incluyen en su segundo disco.

El cuarteto reaparece igual de animoso y despreocupado, con la intención de mantener una frescura y alegría que en realidad son santo y seña del grupo. Trece canciones directas y carentes de complicaciones, concretadas en apenas tres minutos de duración y cortitas y al pie, de esas que se asimilan con naturalidad y sin dificultad. Apostando por estructuras caseras algo anárquicas y apurando un considerable olfato para dar con líneas pegadizas, el cuartero se maneja entre referencias que abarcan desde The Strokes a Pavement, pasando por The Feelies, Talking Heads, Art Brut, The Modern Lovers o grupos del desaparecido sello Burger Records. Un disco efectivo que no presenta absolutamente nada nuevo ni tampoco lo pretende, pero de probada practicidad para animar media hora de cualquier día de la semana. —RAÚL JULIÁN

Lucero

Pearl Charles

Kiwi Jr.

Martian civilization O.S.T. Forbidden Colours

R&B / Mike Milosh comenzó su carrera como Rhye con dos canciones enormes, “The Fall” y “Open”, principalmente esta última, y puede que ese espectacular inicio sea una losa demasiado grande. El canadiense va por su cuarto disco de estudio y todavía no ha logrado superar aquellos hitos y tampoco se ha desviado demasiado de la fórmula inicial.

Milosh sigue sonando como siempre, su cálida voz en primer plano, medios tempos suaves y sensuales, perfectos para escuchar a la luz de unas velas, bajos potentes. Sus referentes siguen siendo los mismos, el Smokey Robinson de “A Quiet Storm” y, principalmente, Sade. Realmente no hay nada desagradable, ni mal hecho en este disco, pero a veces suena como una versión para todos los públicos de The Weeknd, sexo menos sucio y con más clase pero, también, menos divertido.

Es un disco en el que se apuesta más por el ambiente que se crea que por los estribillos memorables, algo que se termina echando de menos. —SERGIO ARIZA

7

When You Found Me Liberty & Lament/EastWest

Magic Mirror Kanine records

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POP / Hay artistas a las

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AMERICANA / El décimo tra-

que se les ven de largo las costuras de sus influencias e incluso así logran un resultado tan solvente que te acaba dando un poco igual el latrocinio. Es el caso de la californiana Pearl Charles, quien en este segundo largo se lo debe todo a grupos y solistas como Abba, Fleetwood Mac, Carole King, Carly Simon o Linda Rondstadt. De todas ellas puedes encontrar en el álbum una huella, un giro, un arreglo, una idea, algo. Puestos a rendir homenajes, hasta la portada del disco recuerda las carátulas de los setenta, con un primer plano del rostro de Pearl Charles maquillado como si fuera una artista de la época, esa década en la que el soft-rock y el country-pop reinaba en las emisoras de radio blanquitas y las dulces tonadas interpretadas por mujeres marcaban la pauta. Justo ahí nos traslada de forma evocadora, su suave y melosa garganta.

bajo de Lucero es un disco de rock americano pensado para agradar y sonar en las radios del “Bible Belt” estadounidense. Ben Nichols y los suyos han fijado su blanco en la confección de melodías con gancho y en recrear un sonido de banda, potente, empacado y con lustre. Para ello no le han hecho ascos a incorporar sintetizadores que inflamen su sonido y lo catapulten a otro plano. Así han dado lugar a canciones inéditas en su repertorio como la envolvente “Pull Me Close Don’t Let Go” que sin duda anda más cerca del sonido ochentero de –salvando las distancias– Future Islands que de Uncle Tupelo. Pero es que ya desde el inicio el álbum presenta un acierto detrás de otro. En “Outrun The Moon” todo se inflama como si de los Heartbreakers de Tom Petty se tratara. Los tiros van justo por ahí y, aunque no es algo inédito en su sonido, nunca habían logrado el grado de efectividad que ahora sí le otorgan una buena ristra de temas ganadores.

—DON DISTURBIOS

—DON DISTURBIOS

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Thurston Moore

Meraki Kasba Music

By The Fire Daydream Library/ Popstock!

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ROCK / Cuatro décadas expe-

rimentando y construyendo magnéticos laberintos sónicos y, una vez más, a sus sesenta y dos otoños, Thurston Moore hace bailar a su ejército de minotauros y encuentra la salida en un “By The Fire” que puede mirar a los ojos a sus obras cumbres. Con texturas más refinadas y asequibles en apariencia, pero sin perder un ápice de alquímica complejidad y extra de mordida rock. Nadie como Moore (haciendo tándem con Steve Shelley, Debbie Gouge, James Sedwards y Jon Leidecker) para abrirnos nuevas puertas a otras dimensiones a base de infinitas repeticiones y crescendos poliédricos que cobran mil vidas, pasando por el adictivo rastro luminoso de “Siren”, a una jam fantasmagórica en “Venus”, o rozar el folk y encontrar la calma en “Dreamers Work” y, en una “Locomotives” de casi diecisiete minutos, cortarnos la respiración en su primera parte de locura noise y metamorfosearse en su ecuador, arrastrándonos hacia las estrellas y más allá. —DAVID PÉREZ

MESTIZAJE / En “Meraki” notamos cómo Mabel Flores ha evolucionado musicalmente.

Empieza con un gran impulso que llega a la cúspide con el quinto tema. Y es que “Mujer incendio” se ha convertido en un himno feminista, rescatando la importancia de la mujer y rechazando todas las conductas machistas, todo ello con un ritmo que nos invita a bailarlo frenéticamente.

A pesar de que trata temas crudos e introspectivos, sigue manteniendo un cierto tono festivo en todo momento. Así, Mabel Flores consigue abrir un espacio un poco más intimista en el que se permite dudar y cambiar de idioma. Esta emoción se consagra en “Com els ocells”, donde nos habla sobre la libertad en tono de balada y en su idioma natal. Para redondear el álbum, Flores cuenta con la colaboración de Pedro Pastor, Roba Estesa y Mafalda. En definitiva, la artista ha conseguido hacer un disco pleno de color en lo musical, pero repleto de críticas sociales agazapadas dentro de sus letras.

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—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO Jazmine Sullivan

Shame

Drunk Tank Pink Dead Oceans/ Popstock!

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POST-PUNK / Cuentan

que ese color rosado que da título al álbum comenzó a utilizarse en un instituto correccional naval en 1979 y, poco después, cuando los estudios confirmaron cierto efecto apaciguador, se extendió su uso en las paredes de celdas de prisión, salas psiquiátricas o en las “drunk tank”, habitaciones en las que la policía encerraba a los borrachos hasta que estuvieran sobrios. Charlie Steen pintó de ese tono rosáceo las paredes de una pequeña habitación de su casa, un útero artificial y protector donde se sentaba y dejaba que florecieran sus rugidos interiores, para luego materializarlos en este flamante ramillete de carnívoras canciones. Toda la violenta efervescencia primigenia de la banda intacta, sumando texturas y complejidad reflexiva en cada composición. Del obús rítmico inicial de “Alphabet” a un “Nigel Hitter” que relampaguea a base de venenoso y adictivo groove.

—DAVID PÉREZ

MONDOVINILOS

Mabel Flores

Heaux Tales RCA

Weezer recuperan la forma Weezer

OK Human Crush/Atlantic

R'N'B / Jazmine asegura que su paso por la industria fue de apenas unos minutos cuando lanzó aquel maravilloso “Fearless” (quinientas cincuenta mil copias en Estados Unidos).

Pero, su voz siempre ha sido una especie de guía espiritual para una gran masa de fans que encontró en ella una estrella con la que sentirse identificada. Ahora regresa como la dueña absoluta de su carrera con “Heaux Tales”, un “proyecto” que huye de todo tipo de presiones de mercado. Se rodea de gente en la que confía como KeY Wane, que estuvo tras su “Reality Show” de 2015. Y, por fin, está orgullosa de ser la mujer, y la artista, que es en el presente. Busca la unidad, el valor de las imperfecciones, lucha por la libertad sexual (“Bodies”). Jazmine ya ha aprendido que no siempre se debe ser la víctima, a mandar a la mierda las relaciones tóxicas (“Pick Up Your Feelings”). Está lista para abanderar su propia revolución y servir así de ayuda a todas esas mujeres que no han conseguido romper sus cadenas. —ÁLEX JEREZ

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8 POP / Ojito con estos cuatro señores estadounidenses porque acaban de publicar uno de sus mejores discos en veinte, o puede que incluso veinticinco años. Y es que Weezer nos ha sorprendido editando finalmente un álbum que bebe habilidosamente del giro con el que Brian Wilson (The Beach Boys) o Paul McCartney (The Beatles) llevaron a sus formaciones hacia un nuevo estadio en la segunda mitad de los años sesenta. Según la propia banda inspirado en el álbum “Nilsson Sings Newman” (70) de Harry Nilsson, así como en la obra del pianista y compositor George Gershwin. Durante las dos últimas décadas ha sido innegable que Rivers Cuomo y los suyos habían perdido una gran porción de la magia que les encumbró en sus primeros álbumes, exceptuando parte del acertado “Weezer [White Album]” (16) o algunos singles de aquí y de allá, sobre todo si tenemos en cuenta el fiasco que han supuesto sus últimos trabajos, tanto “Pacific Daydream” (17) como la dupla “Weezer [Teal Album]” (19) y “Weezer [Black Album]” (19); muestras tediosas de cómo una banda puede sonar genérica e impersonal hasta la saciedad. Pero, al fin llegó un ade-

lanto esperanzador como resultó ser “All My Favourite Songs” y luego “OK Human” al completo (con un guiño a la obra maestra de Radiohead en su título); un trabajo rupturista que hace gala de un pop orquestal de fácil escucha, lleno de matices melódicos, instrumentos de cuerda, pianos y coros. Sus doce canciones se pasan volando e incluso dejan con ganas de más, en apenas una media hora que recuerda a la emocionante épica de Arcade Fire, al tono naif de Belle And Sebastian, a la delicadeza barroca de Sufjan Stevens, o al famoso himno de The Verve. En este sentido, no hay que olvidar que este mismo año tendremos otra ración de Weezer en formato disco, el prometido pero retrasado “Van Weezer”, electrizante desde su portada e inspirado en las bandas de rock duro que les influyeron de jóvenes. Aunque los sencillos que han publicado previamente apuntan hacia un material bastante más manido; un pop rock alternativo al uso, enérgico, pero menos sorprendente que el presentado aquí. ¿Logrará el tracklist al completo estar a la altura? Veremos. En cualquier caso, a Weezer no le ha sentado nada mal desprenderse de las guitarras eléctricas, distanciándose de una trayectoria que parecía agotada, cargada de discos sin ton ni son. Y es que “OK Human” es un soplo de aire fresco que nos ha devuelto la fe en la banda; un cancionero goloso, sumamente sólido, talentoso y disfrutable de principio a fin. —JESÚS GARCÍA SERRANO

febrero 2021 #19

MONDO FREAKO

T

ENÍAIS PREVISTO grabar en Estados Unidos con Dave Fridmann, y os habéis tenido que limitar a trabajar con él a distancia. ¿Cómo ha sido todo el proceso?

Sí, fue muy extraño durante los primeros días, hasta que nos acostumbramos. No era la situación ideal, pero era mejor que no grabar un nuevo álbum. Había diferencia horaria entre el Reino Unido y Nueva York, obviamente, con lo que se nos hacía raro empezar a trabajar tarde, ya después de comer cada día, pero una vez te acostumbras, es fácil. Dave (Fridmann) estuvo mucho más implicado de lo que pensamos porque, aun sabiendo que para él era una situación difícil, le dedicó mucho trabajo. Como nosotros, vaya (risas).

—¿Por qué habéis querido trabajar con él de nuevo?

Porque entiende perfectamente lo que somos, y quedamos muy contentos del último álbum que nos produjo, “Every Country’s Sun”. Es una pena que no pudiéramos viajar para estar con él y salir por ahí con él y su familia, y para pasar tiempo en su estudio, que es fantástico. —Es una pregunta obligada, aunque sea recurrente a gran parte de la producción musical de los últimos tiempos, al menos cada vez que un título admite esa lectura previa: ¿Por qué “As The Love Continues”? ¿Es el amor lo que debe continuar, ante la imposibilidad de abrazarnos a muchos de nuestros seres queridos?

La hija de Martin (Bulloch), nuestro batería, que tiene siete años, pronunció esa frase. Íbamos a llamarlo “Dry Fantasy”, como una de las canciones, pero en cuanto escuchamos esto, tuvimos claro que era una opción mucho mejor. Por supuesto que puedes relacionarlo con lo que estamos viviendo, pero como ocurre habitualmente con los tí#20 febrero 2021

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tulos de nuestros discos, realmente no significa nada (risas). Con que suenen bien, nos gusta mantenerlos.

—Vuestro discurso sigue sonando un poco hermético, como si nunca os dejarais empapar por otros sonidos. ¿Es así?

Más que escuchar música hecha por otros, lo que mas nos ha influido, al menos a mí, es el trabajar con otros músicos de la escena electrónica de Berlín, donde vivo. Gente como Kangding Ray (el proyecto del francés David Letelier), con quien he aprendido muchísimo sobre producción y sobre música electrónica, y cómo aplicarla a Mogwai. Es más el hecho de colaborar con alguien, y aprender a hacer las cosas de una forma diferente, lo que hace que pueda haber algún cambio en nuestro sonido.

—Vuestra música sigue teniendo, en cualquier caso, propiedades cinemáticas, y no sé hasta qué punto eso se ha reforzado con vuestros trabajos para algunas bandas sonoras en los últimos diez años.

Cuando estáis empezando a componer una canción, y en vuestro caso entiendo que hay más motivos para pensarlo, al no haber letras ni voz, ¿concebís las canciones como paisajes imaginarios?

No, pero me divierto mucho mucho leyendo emails de gente que nos dice eso mismo, porque en realidad somos una banda muy práctica, apenas hablamos de música entre nosotros. Y tampoco colaboramos de forma directa, escribimos las canciones por separado… Así que no sé qué decirte (risas).

“Nuestra música es instintiva, nada cerebral”

La c

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Los reyes del pandemónium sónico están de vuelta. “As The Love Continues” (Rock Action/[PIAS], 21) es su décimo álbum de estudio. Lo han grabado con un viejo conocido, Dave Fridmann, y han dispuesto para ello de más tiempo del habitual.

Nos lo cuenta por zoom desde su domicilio berlinés Barry Burns, teclista, bajista y guitarrista del cuarteto escocés, el miembro más polivalente de la banda.

historia continúa —TEXTO Carlos Pérez de Ziriza

Mogwai

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—Te preguntaré lo mismo, pero de una forma distinta: ¿cuánto hay de intuición

y cuánto de planificación en Mogwai?

Creo que muchos músicos tienen una idea muy clara de lo que quieren plasmar, y tienen muchas conversaciones entre ellos. Recuerdo que Arab Strap o The Delgados, con quienes trabajé antes de unirme a Mogwai en 1999, tenían largas conversaciones sobre cómo debía ser su música. Al llegar a Mogwai, todo era como “Ok, adelante, hazlo”. No había ningún plan, todo era instintivo, nada cerebral, simplemente tocar nuestras canciones. Así es como funcionamos. Puede que sea un poco decepcionante para la gente escucharnos decir eso, pero es que es así. No discutimos, no deliberamos, no tenemos un paisaje mental en la cabeza. Es todo más directo.

—Habéis celebrado en 2020 el veinticinco aniversario del grupo. ¿Cómo mantenéis la ilusión por seguir haciendo música después de tantos años? ¡Nos encanta nuestro trabajo! También ayuda el hecho de que somos muy buenos amigos, porque conozco a muchas bandas que no mantienen esa amistad. Nos encanta tocar en directo, algo que estamos echando muchísimo de menos ahora. Nos gusta juntarnos, tocar nuestra música y hablar de fútbol, ya sabes, blablabla….

—¿En qué medida han afectado a vuestro trabajo los grandes cambios en la industria de las últimas dos décadas?

Seguimos publicando álbumes, pero somos conscientes de que mucha gente ya no los escucha, no al menos como antes. Sí que hay todavía gente que compra nuestra música en vinilo, lo que significa que les gusta lo que hacemos. Pero la música, en general, se ha convertido en un animal muy diferente. Me sabe muy mal por los músicos que están empezando, porque tienen ante sí una cumbre muy pronunciada que escalar para optar a hacerse un hueco en el mercado, especialmente con el Brexit, que es un desastre para nuestras bandas. Todo se ha hecho más difícil, por un lado. Pero, por otra parte, cosas como Bandcamp son increíbles, es mi plataforma de streaming y de descarga preferida, y al menos permite que algunos músicos se saquen un dinero decente. Es muy buena para grupos que aún no tienen una gran base de fans. No todo es malo, solo diferente. ¿Tú qué opinas?

—Bueno, creo que está claro que hoy en día puedes lograr que tu música llegue más lejos, pero también hay mucha más competencia, una enormidad de músicas compitiendo entre sí por captar nuestra atención.

Hay mucha más música instrumental ahora mismo, por ejemplo. Eso me complace, para mí es algo bueno.

—¿Crees que habéis sido influyentes para músicos más jóvenes?

Creo que lo hemos sido, pero siempre sobre bandas que luego han encontrado su propio sonido. Y aunque tenemos un sonido muy identificable, siempre tratamos de cambiar un poco, en la medida de nuestras posibilidades (risas), aunque siempre vayamos a sonar a Mogwai. Siempre necesitamos cambiar un poco para no hartarnos de nosotros mismos (risas).

—Vives en Berlín, y el resto de Mogwai aún vive en Escocia. Pero te quiero preguntar por la escena de tu país en este momento, porque cuando empezamos aquí a escucharos, teníamos a toda esa cantidad de bandas escocesas a cuyos discos era muy fácil acceder, y también era sencillo verlas por aquí: The Delgados, Arab Strap, Bis, Urusei Yatsura, Camera Obscura… y teníamos una visión de vuestra escena como algo muy fértil. No sé si es por la globalización, por la saturación de músicas que tenemos encima, o por cualquier otro factor, pero no tenemos esa misma percepción hoy en día.

Estoy de acuerdo contigo. El asunto con los músicos escoceses es que nunca ven atractivo mudarse a Londres, a diferencia de lo que ocurre con los de otros lugares del Reino Unido, que se marchan allí y editan sus discos en sellos de la capital. Eso no ocurre con los músicos de Glasgow o Edimburgo. Hubo una explosión de grupos en la época que comentas, con gente como John Peel y otros DJ’s, que se tomaron mucho interés en darles voz en la radio. Pero esa escena siempre ha estado ahí.

—Supongo que estaréis deseando volver a tocar en directo. Más aún teniendo en cuenta que vuestra música es muy física, muy inmersiva, muy de sentirla atronar y perderte en ella.

Sí, creo que hablo por toda la banda si te digo que nos gusta grabar discos y escribir bandas sonoras, pero lo más excitante para nosotros son esos noventa minutos de cada concierto. Diría que el público español, el japonés y el de Glasgow, son con los que más disfrutamos. Recuerdo un Primavera Sound en el que tocamos a las tres de la madrugada, y los cinco que estábamos sobre el escenario lo disfrutamos a tope. Y no creas que es tan habitual, porque lo normal es que, de los cuatro o cinco, siempre haya al menos uno que no esté tan motivado. En Japón son más educados, no tan locos, pero también se entregan por completo. —C.P.Z.

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febrero 2021 #21

EL FUTURO MUERDE Steven Wilson

Hay pocas figuras que emerjan con tanta claridad cuando mezclamos en un mismo enunciado “progresivo” y “contemporaneidad”. El veterano músico británico Steven Wilson, quien ya cuenta con más de sesenta trabajos de estudio a sus espaldas y una amplia visión sobre la innovación musical, regresa en 2021 con “The Future Bites” (Caroline/ Music As Usual, 21), una obra mordaz e incisiva en la que ahonda en su faceta más pop sin perder de vista a su omnipresente horizonte experimental.

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TEXTO Fernando Acero

#22 febrero 2021

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ENTREVISTA

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ómo has vivido la pandemia a nivel personal? ¿Qué diría que has aprendido de ella?

Cuando todo esto empezó me embarqué en varios proyectos: un libro –que debería publicarse en algún punto a mediados de 2021–, un podcast [ndr: “The Album Years” junto a Tim Bowness], remezclas de nuestros directos y además estoy trabajando en nuevas canciones.

Estoy más ocupado que nunca, ¡lo cual es genial! Me gusta estarlo.

Ahora que va a lanzarse el álbum también ando ocupado con la promoción. Y creo que si algo he aprendido este año es sobre el hecho de que no debo estar necesariamente girando. No digo que no vaya a volver a hacerlo, pero no es algo que haya echado particularmente de menos, he tenido otras cosas creativas que hacer. He aprendido mucho de mi familia y de mis hijas, no sé si lo sabías, pero hace dos años me casé ¡y ahora tengo dos niñas! Con todo, también he tenido que aprender a ser padre. El confinamiento ha implicado que los niños tenían que estudiar desde casa, con lo que he tenido la oportunidad de conocerlas bien.

—2020 debía ser uno de los años más importantes de tu carrera, si más no en lo que se refiere a conciertos: los shows que ibas a hacer en varios estadios europeos han tenido que reformularse en una gira por grandes salas. ¿Cuánto dirías que ha afectado esta situación a la producción de este nuevo directo?

Está claro que definitivamente será distinta. Ya sabes, cuando llevas una gran producción en estadios tienes que llenar un montón de espacio en el escenario. Desafortunadamente muchos de esos recintos ya no estaban disponibles para volver a reservarlos, suelen tener una lista de espera de más de tres años. De todos modos seguirá siendo un gran show. En “The Future Bites” hay muchas cosas que sería factible explorar en el contexto del directo, como la cuestión del consumismo, la identidad o las redes sociales. Hay muchas ideas emocionantes sobre la mesa, no saldría de gira si no tuviese grandes planes.

—“The Future Bites” es muy electrónico en líneas generales. ¿Cómo dirías que se adaptará al formato de una banda en vivo? Me preguntaba cómo habías planteado temas como “King Ghost”.

La verdad es que yo tampoco estoy muy seguro de cómo lo haré (risas). Creo que “King Ghost” es la excepción en el álbum, es completamente electrónica, tal vez también “Self”. El resto tiene elementos en directo como baterías o bajos, “Eminent Sleaze” o “12 Things I Forgot”, por ejemplo. Supongo que esas partes del show tendrán que ver más con la presentación visual, dejando la parte performática en un plano más minimalista. Y eso también está bien, siempre ha habido una parte así en mis conciertos en las que quiero que el público se concentre más en la parte visual.

—Hablando del sonido, me llama la atención la elección de David Kotsen (Faultline) como productor. Supongo que tiene que ver con su equilibrio entre una visión más IDM y otra más bien pop.

Diría que sí, aunque tal vez no lo diría con esas palabras. Mi idea era la de hacer un álbum que sonase muy contemporáneo, que sólo pudiese hacerse en 2020 –o 2019, que fue cuando realmente lo hice–, y para hacer un álbum así debes utilizar el vocabulario de la música electrónica, ya que vivimos en un mundo electrónico. Todos los sonidos que nos rodean a día de hoy son eminentemente electrónicos; todo lo que oímos y nos rodea es electrónico. Mis hijas no saben a qué suena una guitarra, les parece un sonido alienígena. En la música mainstream del siglo XXI no las oyes. Así que por un lado estaba esa cuestión, la de explorar ese vocabulario, algo de lo que por cierto estoy encantado, me encanta la música de Aphex Twin, Autechre, Boards Of Canada o Tangerine Dream, he crecido con ella y es una parte muy importante de mis escuchas. Pero por otro lado lo que realmente me gustaba de David que no es como uno de esos DJ’s jóvenes que sólo conoce la música techno y ya. Es alguien de mi misma generación, que ha crecido escuchando toda la historia de la música rock y pop, es alguien que conoce todas esas cosas. Pero tal y como apuntas, él también tiene este maravilloso equilibrio entre conocer esa historia y saber escribir una canción con un acercamiento inno-

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febrero 2021 #23

ENTREVISTA

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vador.

—“Count Of Unease” es uno de los cierres de álbum más peculiares que has firmado nunca.

Creo que de alguna forma sí es un regreso a lo que hago siempre, terminar un álbum con una pieza lenta y atmosférica. Lo diferente en esta ocasión es que la pieza se mantiene en el mismo mood. Si pienso en temas como “The Raven That Refused To Sing”, “Happy Returns” o “Song Of Unborn” todos tienen este clímax pomposo en el que la banda entra ¡y todo se eleva al siguiente nivel y parece como si los cielos se abriesen! Todo muy épico. Lo que me gusta de este tema es que se queda en esta atmósfera minimalista, muy bonita y trascendente. Al principio pensé en no incluirla precisamente por ello, porque tal vez era demasiado tranquila - por eso me ha venido bien descansar y no escuchar el disco durante más de seis meses, me ha permitido poder ver el trabajo en perspectiva y no pensar más en los detalles técnicos.

Cuando volví a escucharla pensé “dios mío, es súper bonita, debe estar en el álbum”.

—Temas como “Follower” o “Personal Shopper” demuestran una perspectiva verdaderamente artística de la potencialidad de un tema pop. Si hiciésemos una escala entre la visión más clásica del art pop de Prince a la contemporaneidad de artistas como Billie Eilish o Thom Yorke, ¿dónde situarías tu trabajo?

Me gustan todos esos nombres, al igual que Neil Young, Kate Bush o Trent Reznor. Podría añadir mil nombres a la lista. Lo que más me gusta de ellos, dejando de lado su música, es que son artistas difíciles de encasillar en un género en particular. Todos ellos han creado su propio universo musical, siento una gran afinidad con todo aquel capaz de hacerlo. ¿Cómo describirías la música que hacía Kate Bush, o la de David Bowie o Billie Eilish? Es muy difícil, fuera de esa etiqueta, muy válida, de pop experimental. Y creo que el punto es que siempre he sido alguien que se ha resistido mucho a la idea de que lo que yo hago es genérico en ningún sentido. Es uno de los motivos por los que me resisto a ser considerado como un músico de rock progresivo. Por supuesto que he hecho álbumes circunscritos en esa tradición, pero también he hecho álbumes electrónicos, ambient, pop o industriales.

De alguna forma me reservo el derecho a ser considerado como al-

#24 febrero 2021

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“¿Cómo describirías la música que hacía Kate Bush, o la de David Bowie o Billie Eilish?

Es muy difícil, fuera de esa etiqueta, muy válida, de pop experimental”

guien a quien se puede incluir en una categoría o género.

—Debo admitir que mi primera impresión sobre el concepto me hizo pensar en el trabajo que realizaste en “Fear Of A Blank Planet” de Porcupine Tree. ¿Qué diferencias hay entre ambos lanzamientos? ¿Desde qué perspectiva cantas estos nuevos temas?

Los pilares fundamentales de este álbum son, como te comentaba, el consumismo y la identidad, o la autopercepción de la misma. Es cierto que llevo años hablando del modo en el que la tecnología afecta a estos aspectos. Ya lo hice en su momento en el tema de “Signify”, “Every Home Is Wired”. Este nuevo álbum tiene que ver más bien con cómo las redes sociales han destruido nuestra autopercepción y nuestra autoconciencia; del cómo había un tiempo en el que mirábamos al cosmos con curiosidad y nos hacíamos preguntas, y cómo ahora nos pasamos la mayor parte del tiempo mirando la pequeña pantalla de nuestros móviles, mirando cuántos likes, views y comentarios tenemos. Vivimos en un mundo en el que somos cada vez más narcisistas y ególatras, y me parece fascinante observar todo esto tanto en mis hijas como en el resto del mundo. Creo que no es una evolución particularmente buena en la historia de la humanidad.

Muchas de las canciones hablan de cómo ha cambiado nuestra forma de relacionarnos en un breve lapso de tiempo, a duras penas veinticinco años, y sobre cómo las redes nos han conducido a un comportamiento mucho más obcecado y beligerante. Todo es “o blanco o negro”, “una estrella o cinco”. No hay más que ver las reviews de cualquier producto en Amazon. Todo esto también tiene que ver con el consumismo, claro: nuestros hábitos de consumo y compra han hecho que cambie nuestra relación con lo que compramos, algo en lo que yo también me incluyo, por cierto. La mayor parte del tiempo compramos cosas que no necesitamos y ni siquiera queremos, sólo mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

lo hacemos por el mero placer de que nos pertenezcan más que por el uso que le damos. Es fascinante, y también es divertido a su manera, a veces es divertido coleccionar cosas. Pero la aceleración que ha provocado la aparición de Internet en estas cuestiones es preocupante.

—Hay algo de irónico en todo ello: tu presencia en redes sociales como TikTok o Instagram ha incrementado, a pesar de haber sido históricamente críticamente con ellas en temas como “Pariah” o el documental del álbum “Insurgentes”. ¿Tiene que ver con una cuestión de concepto o es más bien una decisión meramente personal o relacionada con tu sello? ¿Cómo te sientes al respecto?

Sigo siendo muy crítico con todo ello, de hecho no tengo redes sociales personales, sólo profesionales. Tengo una cuenta de TikTok, sí, pero si te soy sincero nunca la he visto (risas). Mi chico de redes me dijo que debía estar ahí. Sí que publico en Instagram, y de vez en cuando subo alguna cosa personal. En ese sentido creo que he cambiado ligeramente, creo que tiene que ver con la vida familiar que llevo, pero hay líneas rojas que tengo claro que no voy a cruzar. La cuestión es que si eres músico profesional en 2021 has de estar en las redes sociales. Piensa en este último año: con el Covid-19 no he podido salir de gira, no haré apariciones televisivas ni tampoco firmas de discos en tiendas, así que en realidad la gran ironía de todo esto es que lo único que me queda son las redes sociales, eso y hacer entrevistas como esta. Pero es que incluso ahora estamos usando Zoom para hablar. Todo es parte del mismo universo. Y es que a pesar de que tengo sentimientos encontrados con las redes sociales, hay cosas que me gustan de ellas, como promocionar mi música para llegar al público.

Creo que al final del día “The Future Bites” es como un espejo para mostrar a la gente cuál es mi perspectiva sobre todo esto. No soy la clase de artista que va diciendo a su público qué pensar, qué votar, qué escuchar o qué creer, o al menos eso espero. Al final queda en sus manos decidir si se identifican o no con todo esto o si discrepan. Este es tan sólo mi punto de vista como hombre de cincuenta años sobre cómo han cambiado las cosas desde que era niño, y sobre cómo ha cambiado esta industria desde que entré en ella. Y por supuesto hay mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

muchos sentimientos negativos al respecto, pero no todos ellos. Creo que hay algunas cosas verdaderamente increíbles sobre el mundo tecnológico en el que vivimos.

—La fama y la ambición son tópicos recurrentes en estas letras. ¿Cuánto de ti hay en ellas? ¿Crees que tu popularidad ha afectado al modo en el que creas?

Es una pregunta difícil de responder, porque no me siento particularmente famoso. Quiero decir, sé que tengo una fanbase y sé que tengo fans muy apasionados, y creo que me va bien en líneas generales, no digo que no. Pero a la vez estoy muy lejos de lo que llamaríamos “artista mainstream”. Mucha de las personas que no me conocen no reconocerían ni mi nombre, ni siquiera me asociarían con un músico. Quiero decir, yo no la he escuchado nunca, pero sé quién es Dua Lipa. Estoy lejos de ser una celebrity. Mi mundo es más bien el del underground, y estoy feliz de serlo, porque eso me ha permitido tener la libertad de dirigir mi carrera de una manera muy egoísta. Nunca he hecho música para contentar a mis fans, y mi filosofía ha sido siempre la de sorprenderles, arriesgando y en ocasiones decepcionándoles al no hacer lo que esperaba. Pero no subestimo la suerte que he tenido por tener este tipo de carrera.

Sigo muy agradecido por ello.

No estoy muy seguro de que pudiese seguir esa dirección si fuese una gran celebrity mainstream, aunque a una parte de mí a la que le encantaría ser una estrella del pop. De pequeño mi héroe era Prince, era la mayor estrella de pop de los ochenta junto con Madonna y Michael Jackson. Pero no tengo ni el talento ni el carisma para ser ese tipo de estrella. Y aunque me fascina esa idea romántica sobre los artistas pop, no creo que me gustase estar en esa tesitura, sería muy difícil para mi. Me gusta ser egoísta con mi música. —F.A.

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febrero 2021 #25

MONDO FREAKO

Natos y Waor

L me canc

Diez años han pasado desde que se publicara la primera maqueta de Natos y Waor, “Por la jeta”, algo que nos ha servido de excusa para echar la vista atrás y seleccionar de su trayectoria las que, a nuestro parecer, bien podrían ser sus mejores canciones.

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—TEXTO Adrián Lerma

L DÚO MADRILEÑO Natos y Waor es uno de los grupos más icónicos del rap en España. Con más de diez años de trayectoria, en 2018 asaltaron los cielos del rap definitivamente con “Cicatrices”, un disco que custodiaba la esencia de un estilo que habían perseguido hasta las últimas consecuencias. Su camino particular, progresivo y de maduración lenta, como el buen vino, no conoció de un éxito instantáneo que, como suele ser, llega tan rápido como se va.

Trabajo, constancia y ser fieles a lo que hacían, todo lo demás acabaría llegando por sí solo.

De grabar en casa, metidos en un armario para insonorizar, a los estudios de los productores de música urbana más importantes del país. De tocar para amigos en las casas okupa de Madrid a abarrotar el Palacio de Vistalegre con más de 11.000 personas. De aprendices de los mejores a ser los mejores, creciendo, pero con los de siempre. De la mano de artistas que, como ellos, intentaban hacerse un hueco en la escena de principios de la década pasada y soñaban con comerse el mundo. Y se lo comieron.

Nombres propios como Recycled J (antes Cool), Denom o Suite Soprano, que hoy son referentes, también salieron de los parques y los barrios de Madrid, testigos mudos de la nueva ola del rap que se estaba gestando y que no tardaría en explotar.

En Mondo Sonoro nos hemos aventurado en la difícil tarea de elegir las quince mejores canciones de Natos y Waor. Convencidos de que las elegidas son dignas de cualquier playlist de la música urbana española (y en español), pero también conscientes de que se han quedado fuera auténticos himnos, aquí van las que, para nosotros, son las más destacadas de sus diez años de carrera.

Gonzalo y Fernando, respectivamente, se conocieron compitiendo en batallas de gallos –nido de buena parte de los que hoy son las estrellas del rap patrio– y allí fraguaron una amistad que terminaría por materializarse en una unión artística. Sacaron su primer trabajo de manera fortuita y desde entonces han facturado tres álbumes completos (“Caja Negra”, “Martes 13” y “Cicatrices”) a los que hay que sumar otras cuatro maquetas, dos de ellas firmadas por Hijos de la Ruina (grupo que forman, de manera esporádica, junto a Recycled J) y una recopilación, “Barras bravas”, con singles que han ido lanzando a lo largo de toda su trayectoria. —A.L. #26 febrero 2021

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Las 10 ejores ciones

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“Botella para dos” A finales de 2017 se daba a conocer la décimo tercera edición de “Barras bravas” y, a nuestro juicio, la mejor del recopilatorio. Con Pablo Gareta a los mandos, recuperan la fórmula de la guitarra acústica que ya habían empleado en otras como “Calavera no chilla” y, esta vez con un estilo completamente distinto, facturan un tema que bien vale esta tercera posición. Rimas y provocación. Temazo. Causa y efecto. “¿Eres el mejor? ¿De verdad? Gánanos”.

“Caminaré (ft. Maka)” Con la música de SokeThugPro, Waor y Maka nos traen la canción más conmovedora y, a la vez, más cruda del grupo. El abismo tras un desamor cuando sabes que toda la culpa es tuya. Waor confesó sus reticencias a publicarla por la sinceridad de su letra, donde se abría en canal dejando todo al descubierto.

Sin embargo, acabó incluida en “Cicatrices” y fue lanzada como adelanto del disco, siendo uno de los temas con mejor acogida.

“Rocknrollas (ft. Costa)” Junto con Recycled, Costa es otro de los artistas sin cuyas colaboraciones la carrera de Fernando y Gonzalo no sería la misma. Su estilo duro, de rap hardcore –como no podía ser de otro modo en un artista que dio sus primeros pasos en la música con un grupo de hardcore punk– siempre ha sacado el lado más gamberro de Natos y Waor. La producción de IKKI en el álbum “Martes 13”, y en este “Rocknrollas” en particular, nos deja uno de los temas más cañeros de su discografía.

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“Cicatrices” La canción que lo cambió todo. No hace falta escuchar más que la primera nota para saber qué viene. Da nombre al disco que les catapultó al nivel más alto de la música rap en España, y no por nada es la canción más escuchada no solo del disco, sino de toda su carrera. Presentada como primer adelanto, el salto de calidad de su nuevo trabajo era evidente. El éxito fue tal que el álbum, publicado en 2018, aún en 2020 se encontraba entre los diez álbumes nacionales más escuchados en Spotify. Todo un hito que los llevó a colgar el cartel de sold out en casi todos los conciertos de la gira y a llenar el Palacio de Vistalegre de Madrid con 11.000 personas, algo que, dentro de la escena, solo había logrado Kase O. Por lo que significó este disco y, en particular, esta canción, “Cicatrices” es el más que merecido número uno de este ranking de Mondo Sonoro.

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“Carretera (ft. Recycled J)” Cuando salió, en 2016, no era una canción de Natos y Waor, era la canción de Natos y Waor –y a día de hoy no ha dejado de serlo, con el permiso de nuestro top uno–. La unión que formaban estos Hijos de la ruina y que tanto éxito había traído consigo cristalizó en este Volumen 2 y, especialmente, con este “Carretera”. Juntos, pero no revueltos. Natos y Waor firmando unas de sus mejores barras y Recycled J cantando los estribillos como nadie más puede dentro del rap español. SokeThugPro y Niño Peludo completaban un combo que solo podía acabar en el segundo puesto de este top.

“Problemas” La canción más escuchada de “Martes 13”. Publicada meses antes como adelanto del disco, cosechó un éxito inmediato que anticipaba lo que el disco iba a significar en su carrera. En este “Problemas”, aún en 2015, presentan su candidatura al nuevo trono del rap español y aprovechan para dejar claro quiénes son y que nada ni nadie les va a poder parar. Y, de paso, dan palos a quien intente competirles el puesto. “Fui la oveja negra por salirme del rebaño, cinco años después soy el dueño del establo”.

“Bicho raro” La canción que ni ellos mismos querían sacar se convirtió en la canción estrella en todos sus conciertos. Pablo Gareta nos contaba hace unas semanas que Fernando y Gonzalo tenían muchas dudas sobre la incorporación de este tema en “Cicatrices”. Recelosos, no creían que el registro que Natos adoptaba en este tema pudiera llegar a ser aceptado por su público. Tanto fue así que no sacaron videoclip.

Pero triunfó. Una dosis de valentía y coraje para perseguir tus sueños que merecía entrar en el top cinco. “Elegí no hacerle caso a la sociedad y ser un puto bicho raro”.

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“Generación perdida” El retrato de una generación, la de los nacidos a finales de los ochenta y principios de los noventa. Crisis, precariedad laboral y falta de oportunidades en el barrio. Menos de tres minutos y medio hacen falta para narrar una realidad como pocos pueden. Claros y concisos.

“Hicimos lo necesario cuando el mercado laboral nos cerró las puertas. Esta vida no es perfecta y tampoco ejemplar, pero es la nuestra”. Y, por cierto, primera canción del álbum de “Cicatrices” en aparecer en este ranking.

“Hija de puta (ft. Cool)” El título de la canción es solo una muestra más de que no importa lo que digan los demás si tú crees que lo que haces vale la pena. A mediados de 2012 lanzaban la primera maqueta de Hijos de la ruina y temas como este “Hija de puta” o “Medias tintas” se iban abriendo a nuevos oyentes que ni siquiera sabían quiénes eran ni Natos, ni Waor, ni Cool.

Letra ácida que narra un desamor, todo un himno para los que los descubrieron con sus primeras maquetas.

“Por ti (ft. Denom)” En esta octava edición de “Barras bravas”, Natos se junta con Denom, el artista que pudo haber cambiado la historia del grupo. Como más tarde confesaron, la primera canción de Natos y Waor, un tema inédito, fue concebida para ser cantada con Denom, pero no se presentó el día de la grabación. Finalmente, solo participaron en ella Fernando y Gonzalo y a partir de entonces formarían la dupla indivisible que conocemos. En este “Por ti” elaboran una de las canciones más sentimentales y tiernas de la trayectoria de ambos y, quizá, uno de los estribillos más pegadizos.

Bonus track: “Dispuestos a morir (ft. C.R.O, Homer el Mero Mero)” Del crecimiento de Natos y Waor y su expansión al otro lado del Atlántico nació en 2019 esta colaboración con dos de los mejores rappers de Argentina, C.R.O y Homer el Mero Mero –quienes, juntos, forman Bardero$–. Tal es la importancia de estos cuatro artistas dentro de la escena que con este “Dispuestos a morir” acumulan más de cincuenta millones de reproducciones en plataformas digitales. —A.L. febrero 2021 #27

FOTO: ARCHIVO

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CINE

Kike Maíllo Enemigos íntimos

El barcelonés Kike Maíllo (1975) responde en primera persona del plural. Le preguntas por él e incluye en su réplica a todos -ora al equipo, ora al sector- en tiempos tan paradójicos y extraños como estos, tan necesitados de vínculos y esfuerzo colectivo. Maíllo, bregado en la publicidad y el videoclip, estrena en Filmin su tercer largometraje, “Cosmética del enemigo”, adaptación de la novela homónima de la belga Amélie Nothomb.

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S SU PRIMERA CINTA en inglés, con reparto internacional y tuvo su estreno mundial en el pasado festival de Sitges.

Precisamente su pase en la Blanca Subur (que califica de “maravilloso porque la proyección en el Melià de Sitges es una de las mejores que se puede tener en el mundo”) coincidió con el anunció de las restricciones por la segunda ola de la pandemia que ha acabado condicionando su estreno on line.

—La novela es de 2001. ¿Qué viste de vigente en ella para hacer una adaptación 20 años después?

En general las novelas que perduran en el imaginario colectivo durante años tienen una vigencia de fondo. Y aquí el fondo tiene que ver con los fantasmas del pasado, con la lucha de contrarios.

Me pareció muy sugerente su dialéctica, esa esgrima verbal entre dos personajes. Uno, que es un ácrata y que juega

en una liga fuera de los estándares de lo políticamente correcto y otro con el que es más fácil empatizar porque genera una opinión muy reconocible y que responde a los parámetros de la corrección política.

—¿Te identificas más con alguno de ellos?

Lo bueno de la novela, y está en la película, es el cambio de identificación. Hay un prejuicio positivo a favor de uno de los personajes, Angust, el que escucha.

Y esa empatía va transformándose, va cambiando de un personaje a otro. ¿Y si me identifico? Sí, con los dos. Son dos personajes que pueden componer uno.

—En la adaptación hay un cambio importante. Textor, el personaje que habla, es un hombre en la novela y una mujer en la película. ¿Por qué?

La película es bastante fiel a la novela en el discurso y sobre todo en el diálogo y es profundamente infiel en la composición de personajes. Y en el caso de

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Textor, yo tenía ganas de aprovecharme de un prejuicio. Es una película que va de un personaje que entra en la vida de otro. Y es mucho más difícil quitarte de encima a una pelmaza que a un pelmazo porque hay un prejuicio de género, porque la violencia se ejerce de otra manera, menos obvia, más cerrada. Me interesaba mucho la mezcla de lo que uno desea hacer y lo que no se atreve a hacer porque no es políticamente correcto. Por otra parte, la novela, que podría tratarse de una obra de teatro, no abunda en explicar al que escucha.

Angust es un hombre al que suponemos gris y en el que hemos volcado nuestras neurosis, lo hemos hecho hombre de éxito, que dejó la arquitectura de ricos para dedicarse a una arquitectura más social y que además es el creador del aeropuerto en el que pasa el corazón de la acción de la película.

—Ese sustrato de obra de teatro que tiene la novela ¿ha sido uno de los re-

3 febrero 2021 #29

MONDO MEDIA

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tos a la hora de hacer el guión, hacerlo más cinematográfico?

Sí. Es curioso porque lo que más me gusta de la novela original es lo que más complicaciones te podía crear. Cuando uno decide llevar a cabo una la adaptación sobre una obra que es un único diálogo lo que hace es buscar fórmulas que transformen en acción y cinematografía lo que en la obra es pura literatura. Eso tiene que ver con capar diálogos sin matar el espíritu y tiene que ver con dotar a ese aeropuerto de decorados, de crear coreografías a la hora de contar la historia y que la cámara transmita la capacidad de hipnosis del cuentacuentos.

—La película se sustenta en los dos actores protagonistas. En la elección de Tomasz Kot como Angust, un personaje con un conflicto amoroso todavía por cicatrizar, ¿tuvo que ver el poso romántico de “Cold War”, de la que era protagonista?

Sí, “Cold War” es la película que nos hizo pensar que Tomasz Kot podía ser un magnífico intérprete para nuestro film. Él estaba dando un salto internacional y a nosotros nos interesaba dar con alguien que estuviese en ese tránsito y que no estuviera todavía aposentado porque para una película como la nuestra sería muy complicado. Y sí, nos gustaba ese aire romántico de alguien que no ha podido pasar página de algo que tiene que ver con un romance. Y esa elegancia que tiene “Cold War” y que tengas un prejuicio positivo sobre él nada más empezar. #30 febrero 2021

illo “Creo que es más senc nga a que lo internacional ves” nosotros que no al revé —La gran revelación de la película es

la surafricana Athena Strates, en el papel de Textor, que solo había hecho papeles secundarios en Genius y La gran mentira. ¿Cómo llegáis a ella?

Seguimos dos líneas de estrategia a la hora de buscar actriz. Una era buscar a mujeres que estuvieran ya aposentadas en la cinematografía anglosajona y otra que era pedirle una prueba a tres o cuatro chicas que nos gustaban mucho. La de Athena nos fascinó y nos hizo apostar por ella, aunque no aportara ese plus de financiación de alguien del star system. Es tan solvente, es tan mágico lo que hace que decidimos casarnos con esa idea, una idea romántica de hacer cine. Es una superdotada y está llamada a ser, si tiene suerte, una estrellaza.

—Un actor que tiene un pequeño papel es el francés Dominique Pinon. ¿Fue una petición tuya como un guiño al cine de ciencia-ficción europeo de los noventa, como “Delicatessen”?

Imagínate, era fantástico que Dominique Pinon se pusiera a tiro a través de nuestros socios franceses. Era un ídolo de la niñez. Para nosotros era un homenaje a un tipo de cine, a un momento. Se dio la posibilidad. Los socios franceses nos presentaron quince o veinte nombres y, claro, al verlo en el listado fue como “¿Esto es posible?¿Puede pasar, que venga Dominique Pinon a hacer esto?”. Es un personaje que no estaba en la novela y que nos ayudaba a explicar a Angust. Y dijeron que sí. Nosotros somos todavía muy ingenuos (risas).

—Es tu primera película en inglés y,

aunque pequeña, tiene una clara voluntad internacional. ¿Tener carrera internacional es uno de tus objetivos?

No sé qué decirte. Lo que nos ha pasado en los últimos años va más de lo local que nunca. Creo que es mucho más sencillo que lo internacional venga a nosotros más que nosotros nos abramos a lo internacional. Lo que han puesto de manifiesto las plataformas es que las series o las películas hechas aquí pueden viajar. Nos apetecía rodar la película en inglés porque imaginábamos que el espacio más creíble donde dos extranjeros se encontrasen fuera en inglés. Queríamos hacer una película europea, eso sí.

—La película se ha estrenado en Filmin a causa de la pandemia. Ya no hay marcha atrás en el panorama de la distribución postpandemia, ¿no?

Estábamos en una sistemática de exhibición en cines de caída libre porque año a año perdemos público. La pandemia ha hecho crecer muchísimo la idea de que el cine que se ve en casa puede ser tan bueno como el que se ve en sala porque, además, puede ser de estreno. Y se suma el hecho de que no hay películas para el cine. Todo eso lo que ha hecho es acelerar el proceso de abandono de la sala. ¿Es un hecho reversible? Creo que no. ¿Van a cerrarse los cines de todo el mundo? No. Se va a limitar mucho algo que ya se empezaba a prever, el tipo de producto. Se verán en salas superespectáculos pero ¿qué

va a pasar con el cine independiente?

Ese es el gran qué de todo este asunto.

Vamos a ver dónde deja ese acelerón del proceso a toda una cinematografía americana independiente y a todas las demás cinematografías que ya, per se, son independientes.

—¿Qué me puedes decir de tu proyecto “Love Is A Gun”, sobre Bonnie & Clyde?

Pues, precisamente, es una película de cine independiente, con un presupuesto medio. Veremos qué pasa, a ver si llega a rodarse. Tengo serias dudas, la verdad. Hay guion, Chloe Grace Moretz está adjunta a él como Bonnie y hay la voluntad de que en cuanto... Ten en cuenta que en Estados Unidos cerraron en marzo y no han vuelto a las oficinas.

Como aquí, pero llevado al extremo porque en la costa californiana se tomó muy en serio. Estaba previsto rodar este año, pero es una gran incógnita.

En cuanto al actor, en medio de toda esta situación, se cayó la opción de Jack O’Connell y ahora la productora va en busca de un nuevo Clyde. El guion está muy centrado en los eventos reales de la pareja, algunos de ellos bastante desconocidos y en la temática de superestrellas que fueron en su momento. Las primeras estrellas mediáticas impulsadas por los periódicos del momento, algo que ahora es el pan nuestro de cada día.

—J. PICATOSTE VERDEJO

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CINE Y SERIES Noticias del gran mundo

Fragmentos de una mujer

Paul Greengrass

Kórnel Mundruczó Netflix

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LA BUENA NOTICIA para quienes salieran espantados tras los primeros veinte minutos de “Pieces Of A Woman” es que pueden seguir viéndola, porque después la película es otra. La mala noticia es también esa: que después la película es otra. El inicio del nuevo largometraje de Kornél Mundruczo es un plano secuencia de un parto (por si había algo que pudiese ser más estresante), y como proeza técnica es estupenda, pero no soy de los que se quedan maravillados con la palabra “plano secuencia” hasta el punto de encumbrar una cinta solo por eso, así que “Fragmentos de una mujer” podría quedarse ahí si no tuviese nada más que contar. Pero no es el caso.

Lo que viene tras ese “prólogo” es la materialización de su título: no es que Martha esté triste, es que está rota. No sabe cómo actuar, no sabe qué quiere hacer, y sobre todo no sabe si tiene algún sentido seguir, actuando como autómata y asistiendo imperturbable a la destrucción de todo lo que está a su

alrededor, incluyendo su matrimonio y la relación con su madre (fantástica como siempre Ellen Burstyn) y su hermana. ¿Se podría contar todo esto mejor? Sí, y está claro que no es el punto fuerte de la película, especialmente lo que tiene que ver con el personaje de Shia LaBeouf, casi una parodia del propio actor, y que estamos deseando que desaparezca de la trama casi desde que empieza la película. Hay una responsable principal de que la película mantenga el interés después de esos primeros veinte minutos: Vanessa Kirby, sonando en todas las quinielas para los Oscar. La actriz, a la que muchos conoceréis por su rol en “The Crown”, tiene desde luego aquí, si no “el papel de su vida”, sí el papel con capacidad para llevarla a primera línea. Si esa primera parte es tremendamente difícil por el exceso, el resto lo es por la contención, y Kirby domina ambas. No es que la película gane con su interpretación, es que Vanessa Kirby ES “Fragmentos de una mujer”. —PABLO TOCINO

BASADA EN LA NOVELA “News Of The World” de Paulette Jiles, dirigida por Paul Greengrass (“El ultimátum de Bourne”, “Capitán Phillips”) y protagonizada por el gran Tom Hanks y la joven actriz alemana Helena Zengel (“System Crasher”), “Noticias del gran mundo” es un wéstern entrañable, intimista y que cuida cada uno de sus detalles en busca de adentrarnos en 1870 con su espectacular dirección fotográfica (Dariusz Wolski), con planos aéreos que realzan la majestuosidad del viejo Oeste y su inmensa extensión.

El filme nos cuenta la historia de un veterano de la Guerra de Secesión, el capitán Kidd (Hanks), que se dedicaba a leer por los pueblos las noticias en una época en la que leer era algo diferencial.

Lo hacía por un módico precio de diez centavos. Pero su misión es devolver a su familia a una chica huérfana, Johanna Leonberger (Helena Zengel), criada por la tribu kiowa en sus costumbres después de que estos atacasen a su familia biológica. A partir de este punto

Dating Amber

Tigre blanco

David Freyne

Ramin Bahrani Netflix

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CON UN AURA que recuerda a las oscarizadas “Parásitos” y “Slumdog Millionaire”, el pasado viernes llegaba a Netflix “Tigre Blanco”, la nueva producción de Ramin Bahrani, responsable de obras como “Un café en cualquier esquina” (05) o “99 Homes” (14), así uno de los realizadores que, en su momento, participaron en el proyecto Valtari Mystery Film Experiment de Sigur Rós. Si bien el director no pasaba por su mejor etapa tras el fracaso de la última adaptación del clásico de Ray Bradbury “Fahrenheit 451” para HBO, donde la crítica lo hundió por completo, ha sabido redimirse y entregarnos un producto cuya mejor baza es el entretenimiento puro y duro.

“Tigre blanco” nos cuenta la historia de Balram Halwai (Adarsh Gourav), y su ascenso hasta conseguir convertirse en chofer del millonario de Ashok (Raj Yadav) y de su pareja Pinky (Priyanka Chopra). Y lo hace con un tono cargado de ironía y humor negro que le viene perfectamente a la cinta.

A pesar de los potentes papeles

secundarios, Gourav se carga con todo el peso del filme a la espalda, realizando un debut como protagonista francamente impecable a la par que único.

Como decíamos al principio, la película es puro entretenimiento, algo que consigue gracias a un ritmo vertiginoso que conlleva que se nos pasen volando sus dos horas de duración. Así, “Tigre blanco” se convierte en una de esas joyas ocultas que la plataforma de streaming nos brinda de vez en cuando. Y todo ello gracias a su capacidad para hacernos pasar un buen rato al tiempo que nos lleva a reflexionar sobre algunos temas que requieren debate como la esclavitud, el machismo y la gran diferencia que existe entre las diferentes clases sociales (tanto en lo económico como en términos de libertad), en este caso en la India, y que por desgracia siguen muy vigentes a día de hoy.

—ALEJANDRO TEIGA FLORES

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de partida, nos encontraremos con una película de ritmo lento –especialmente para los menos pacientes– en la que se nos van relatando las pequeñas aventuras vividas por los protagonistas, pero sobre todo las historias que el veterano va contando en los diferentes pueblos por los que pasa y que son lo que más atrapa del filme. Todas ellas añaden atractivo y nos sitúan de manera muy fiel en la América de finales del siglo XIX y su contexto histórico.

Puede que “Noticias del gran mundo” no resulta una película para todos los públicos, especialmente por ese ritmo del que hablábamos, pero es evidente que merece la pena darle una oportunidad. Y uno de los motivos principales es que nos encontramos ante uno de los mejores papeles interpretados por Tom Hanks a lo largo de su amplia carrera cinematográfica. Eso y el ser testigos de una de las parejas protagonistas más entrañables y extrañas al mismo tiempo que hayamos visto en la pantalla durante los últimos años. —ALEJANDRO TEIGA ROBLES

LA ESENCIA DEL REALISMO social de Ken Loach y la puesta en escena propia del feel-good movie forman en “Dating Amber”, lo nuevo del cineasta irlandés David Freyne, la pareja perfecta, al igual que ya lo habían hecho antes a ritmo de walkman en series como “Sex Education”(18). Esta popular fórmula de la romcom contemporánea se pone aquí sobre la mesa justamente para construir una que lo parece pero no lo es, algo así como una romcom de Schrödinger.

Es digno de admirar el esfuerzo que la cinta realiza por hacer un retrato sociológico de una sociedad británica postTatcher en proceso de transición donde los medios de comunicación hablan de represión y la música, de libertad. Freyne reivindica el a veces criticado por simplista y nostálgico britpop como el motor de una futura generación irlandesa mucho más tolerante. Para el cineasta, escuchar a Bikini Kill es el equivalente melómano de leer a Simone de Beauvoir.

Aunque, irónicamente, aquello que se le puede echar en cara a la cinta tiene mucho que ver con aquello que algunos

le echaron en cara al movimiento que enfrentó a Blur y Oasis. Si Luke Haines, ex-líder de The Auteurs, culpaba al movimiento de “matar la excentricidad” que el pop británico había presentado como representante de una vanguardia artística inexistente en el territorio, “Dating Amber”parece caer en ese mismo error.

Se echa en falta un puñetazo encima de la mesa, por mucho que el mensaje no se pueda explicar mejor.

Freyne describe la pista de baile como el espacio idóneo para reivindicarse a uno mismo, como ese lugar donde todo el mundo se siente solo de forma colectiva.

Esa soledad compartida que en los años cuarenta encontrábamos en una cafetería estadounidense de grandes ventanales de la mano de Hopper se esconde en pleno 1995 entre esas secuencias de agresivas luces estroboscópicas que teñían los clubes británicos. Es allí donde cualquiera puede dejar de actuar, sabiendo que el público que le rodea esta demasiado ocupado actuando para sí mismo (o simplemente disfrutando del “Common People” de Pulp). —DANIEL GRANDE febrero 2021 #31

CÓMICS

LIBROS

Edita Sister Sonic, S.L.

Los sureños no llevan paraguas Eduardo Izquierdo y Eloy Pérez Muddy Waters Books

8 No esperen encontrar aquí una sesuda y farragosa tesis doctoral sobre las particularidades de los Estados denominados del Sur. Todo lo contrario, prepárense para echarse unas risas mientras se ilustran sobre este apasionante temario, gracias al tono sarcástico e irreverente empleado por los dos autores de la obra, Eduardo Izquierdo y Eloy Pérez.

Así, a cuatro manos y sin perder el sentido del humor incluso cuando el tema se pone delicado, es como estos agudos observadores y experimentados cronistas nos van diseccionando el legado de las tierras confederadas. Y no porque las hayan visitado, como nos advierten desde el principio del libro, sino porque su perspectiva externa acaba resultando más apropiada para nosotros que la de un sureño de pura cepa, para intentar hacer más entendible su verdad. —XAVIER LLOP No tengas miedo a tener la razón Vincenzo Angileri Temas de Hoy/Acid House

8 Algo había en este “No tengas miedo a tener la razón” que me chirriaba antes de iniciar su lectura. Quizás fuera ese subtítulo (“Una guía sobre éxito y desobediencia”) o quizás que la lista de personajes fuera tan variada, tan diversa en disciplinas y perfiles.

Pero esta vez me he dado con un canto en los dientes. Porque, a lo largo de estas páginas, uno se encuentra sobre todo con historias de gente que, en un momento determinado, ha decidido tomar su propio camino. Y esa gente no solamente son directores de campañas políticas, a fabricantes de equipamiento de montaña o a alcaldes sobradamente conocidos como Ada Colau o Leoluca Orlando, sino que también nos encontramos a gente muy cercana a nuestro universo musical como El Guincho, Bad Bunny, Rita Indiana, Sergio Caballero o Nadya Tolokónnikova (Pussy Riot). —JOAN S. LUNA #32 febrero 2021

Garoden

Jiro Taniguchi / Baku Yumenakura Ponent Mon

Queen Emeraldas Leiji Matsumoto Satori

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Fuera de su ámbito habitual, Taniguchi brilló sobradamente en este “Garoden”, guionizado por Baku Yumenakura. Y lo consiguió no tanto por la forma de manejar la tensión entre los dos personajes protagonistas, dos luchadores en etapas distintas de sus carreras, sino por lo bien que dibujó cada una de las escenas de combate entre ellos. Lo que empieza a través del desprecio a la lucha libre desde el karate, se acaba convirtiendo en un duelo entre dos hombres que buscan la libertad y la propia razón de su existencia a vencer siempre al contrincante.

La necesidad de doblegar al más fuerte habituales en los cómics de samurais se traslada aquí a los gimnasios y a los rings de lucha libre, dando forma a un cómic cargado de testosterona, sí, pero también que explora algunos de los rincones más intrincados de la virilidad. —ESTEBAN VIVES Dune.

Libro 1 VV.AA. Norma

8 Soy fan de “Dune” desde el momento en que la leí. Desde prácticamente la primera página de su primer volumen caí rendido a la magia del mundo que rodeaba a Paul Atreides y los suyos. Y, de golpe, cae en mis manos esta adaptación en forma de novela gráfica de la obra de Frank Herbert. Anunciada como “Volumen 1” por motivos evidentes para los que la lean y conozcan la saga, uno no puede sino disfrutar a lo largo de sus casi ciento setenta páginas. Además, los créditos son de aúpa. Brian Herbert, hijo del desaparecido Frank, y Kevin J. Anderson, uno de los grandes de la ciencia ficción actual se encargan de la adaptación a guion de cómic y, ¡oh sorpresa!, dos hispanos se encargan del dibujo, Raúl Allén y Patricia Martín, reforzados por las portadas de Bill Sienkiewicz. El resultado, es magnífico. —EDUARDO IZQUIERDO

“Queen Emeraldas” es un título indispensable para cualquier aficionado al cómic. Emeraldas es uno de los personaje clásicos de Matsumoto y lo es porque el creador del Capitán Harlock, y de todo un universo de space opera en realidad, fue capaz de darle una personalidad sólida, enigmática y magnética al mismo tiempo, apostando además por una protagonista femenina en unos tiempos en los que el viento no soplaba a favor. Navegante solitaria, Emeraldas comparte protagonismo con el joven Hiroshi Umino, un chico que decide lanzarse al espacio en una nave espacial que él mismo ha fabricado con piezas y restos.

Ambos vagan por el universo a la búsqueda de libertad. Por el camino, nos iremos topando con personajes de todo tipo, algunos bondadosos, otros despreciables. —JOAN S. LUNA Temporada de Rosas Chloé Wary Astiberri

7 “Temporada de Rosas” nos cuenta una historia que hemos leído ya con otros protagonistas, en otros entornos, pero diría que eso no le resta valor precisamente, sino que nos recuerda que muchos problemas y prejuicios se perpetúan en nuestra sociedad. La protagonista, Bárbara, y sus amigas, inspiradas directamente en la juventud de la propia Chloé Wary, deciden enfrentarse al equipo de chicos y ganarles. A partir de ahí empieza un conflicto que solamente ellas pueden superar. Y no se trata tanto de ponerse por encima de los chicos, sino que la principal responsable del club tome consciencia de su actitud. Wary dibuja todo ello con su estilo algo brutote, coloreado con rotuladores chillones, combinando momentos pausados con escenas de partidos o entrenos en las que nuestra vista se desliza sobre las páginas a toda velocidad. —JOAN S. LUNA

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