MondoSonoro diciembre 2018 by MONDO SONORO

Nº 267 Diciembre 2018 www.mondosonoro.com

2018

THE GOOD THE BAD AND THE QUEEN, HELENA HAUFF, JULIA HOLTER, CHRISTINE, JOHN GRANT, KURT VILE, thou FUCKED UP, CAVE, KOKOSHKA, AFROJUICE 195, DESERT, LA M.O.D.A., LAS MEJORES PELÍCULAS, CÓMICS Y LIBROS

Lo Mejor Del Año Idles mejor disco del año internacional

FOTO: PENNIE SMITH

5/Mondo freako “El disco trata de celebrar la diversidad cultural de nuestro país”

The Good, The Bad And The Queen La deriva de la vieja Albión

Once años han pasado desde que el supergrupo londinense integrado por Damon Albarn (Blur, Gorillaz), Paul Simonon (The Clash, Havana 3 AM), Tony Allen (Fela Kuti & Africa 70) y Simon Tong (The Verve), entregase aquel álbum homónimo que emergió como una de las más fascinantes aventuras paralelas comandadas por el frontman de Blur. Ahora vuelven con Merrie Land (Warner, 18), un disco que habla sobre el ahora.

n 2018, el contexto es muy diferente al que se vivía en tiempos del debut de The Good, The Bad And The Queen, y si aquel era un álbum esencialmente londinense, este fascinante Merrie Land amplía el foco para proyectar una mirada agridulce a la Inglaterra del Brexit, mediante un sonido tan brumoso como seductor, en el que las sombras del vodevil, del music hall, del pop esquivo y ciertos elementos teatrales se dan de nuevo la mano, bajo producción del histórico Tony Visconti (David Bowie). Paul Simonon nos atiende al teléfono desde Londres para charlar sobre el disco y algunas otras cosas más. De hecho, la elección de Visconti fue suya. “Cuando empecé a escuchar las nuevas canciones de Damon, me recor-

daron mucho, por su forma de cantar, a Anthony Newley. Él fue una de las grandes influencias de David Bowie en los inicios de su carrera, así que tanto por la conexión obvia de Visconti con él como por esa idea sobre Newley que yo tenía en mente, me parecía una gran combinación. Son todos de Londres, como Damon, y tienen un background similar y una forma parecida de expresar las cosas”, afirma. La aportación del legendario productor ha sido determinante, porque “si no hubiera aparecido, nos hubiéramos tirado diez años más perfilando ideas y sin concretarlas en un disco”, y porque les hizo “sentarnos, hablar, meternos en un estudio de grabación y salir de él con un disco, y fue quien hizo la criba para seleccionar de entre todas las canciones que teníamos ya escritas”.

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El proceso creativo entre Albarn, Allen, Simonon y Tong, en cualquier caso, ha sido igual de fluido, algo que no deja de llamar la atención si nos atenemos a que son músicos con bagajes musicales divergentes, incluso generacionalmente distanciados, y que tan solo se reúnen de forma muy intermitente. Simonon lo achaca a que los cuatro son “imaginativos y creativos”, y a que todos tienen “una mente abierta”, hasta el punto de que lo único que pretenden es “hacer un gran álbum juntos, que no sea una simple continuación de nuestras carreras por separado, y sin que importe ya ni la edad, tan solo el interés en ser creativos: no hay barreras entre nosotros”. A diferencia de su ya lejano predecesor, este Merrie Land no es un álbum capitalino, sino ampliamente británico. De esa Gran Bretaña rural que apostó por alejarse de Europa hace dos años, y que en cierto modo da la espalda a su presente mestizo. Simonon reconoce que hicieron las primeras demos en Londres, pero pronto se dieron cuenta de que necesitaban ampliar el foco. “Comparada con Blackpool, Birmingham o muchas otras ciudades

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MONDO FREAKO

LA MÍA La última interviú CRITICANDO

inglesas, Londres es una ciudad muy rica, a pesar que haya gente pobre en sus calles. Fuera de ella, las cosas son más duras. En Blackpool también hay ricos y pobres, obviamente, pero en general no reciben la suficiente inversión económica por parte del gobierno. Todo está un poco desgastado, viejo. Londres es como vivir en una burbuja. Así que se podría decir que el disco trata de celebrar la diversidad cultural de nuestro país, y cómo de especial y mágica puede ser esa combinación de gentes llegadas de cualquier lugar del mundo cuando crecen aquí”. Blackpool ha sido, en definitiva, la particular ciudad fantasma –tal y como la entendían The Specials en su Ghost Town– de The Good, The Bad And The Queen, una ciudad perfecta para describir el brumoso estado de ánimo del país entero. “Es una ciudad junto al mar, con playa y cientos de turistas que acuden a pasar el día durante el verano, pero en invierno se queda vacía, y es realmente oscura. Casi como una ciudad fantasma. Incluso hay veces, en verano, en que prácticamente no hay sol, solo lluvia. Todo eso te cambia la perspectiva”. Una constante de las letras de Damon Albarn para The Good, The Bad And The Queen es la utilización de la historia inglesa para proyectar su sombra sobre el presente. Aquello de aprender del pasado para tratar de no repetir sus mismos errores. Curiosamente, Paul Simonon encuentra una analogía familiar para explicarse. “Cuando yo era un chaval, si me metía en problemas, mi padre me daba una buena tunda. Quizá era así por la experiencia que él mismo tuvo de joven, una vida bastante dura. Yo a mis hijos no les pegué, claro, y tampoco fui excesivamente duro con ellos, porque di con una forma alternativa de reprenderles. Es algo que he aprendido del pasado, y no quiero repetir lo que experimenté con mi padre”, y redondea el argumento extrapolándolo a la complicada situación que vive el país tras el referéndum del Brexit. “Toda esta gente siente una nostalgia sentimental de un pasado que están idealizando. Pero mis padres me contaban que los años cincuenta fueron horribles. Aún arrastrábamos el peso de una segunda guerra mundial, y la gente se alimentaba con cartillas de racionamiento. No había ninguna de las facilidades de las que disfrutamos hoy en día. Era hostil y deprimente. Aunque mucha gente tenga aún esa visión romántica de que todo era maravilloso. No era así”. Pese a todo, Simonon está de acuerdo con el firmante de esta entrevista en que Merrie Land no es un disco precisamente pesimista, más bien sombrío pero con cierta esperanza en su tramo final. Un trabajo que trata de reflejar un presente en el que no todo está perdido. “Precisamente en nuestro pasado hay cosas buenas y malas, y mucha gente puede estar descontenta con cómo es Inglaterra a día de hoy por miedo a los inmigrantes, pero en lugar de eso deberían celebrar esa combinación de culturas, así es como yo lo siento”. —carlos pérez de ziriza

Merrie Land Warner Music Pop 8/10

Melancolía inglesa MErrie Land es uno de esos discos incuestionablemente contemporáneos que parte de bases clásicas para lograr su vigencia. Tras una breve introducción de diez segundos, el álbum se abre con la fantástica pieza que le da título y que, de paso, motiva que la ilusión se dispare definitivamente. Otros cortes intachables mantienen el estatus, caso de Nineteen Seventeen, Lady Boston, la delicadeza extrema de Ribbons, The Truce Of Twilight, la juguetona Drifters And Trawlers o The Poison Tree ejerciendo como precioso final. Destacadas que se hacen acompañar de composiciones siempre cumplidoras, aunque menos inspiradas como Gun To The Head, The Great Fire (y sus ecos a Bowie) o The Last Man To Leave. En cualquier caso, todas ellas apuestan por esa melancolía que llega acompañando a la neblina inglesa, pero que también insinúa un halo de esperanza. Si otrora fue Danger Mouse el encargado tras los mandos, ahora la responsabilidad recae sobre el mítico Tony Visconti quien, junto al propio grupo, ha optado por una producción respetuosa, creíble y, por lo tanto, favorecedora con la intención de los autores. La esencia continúa intacta en una entrega que no hace sino reivindicarse exponencialmente a cada nueva escucha. Todo (y todos) suman a la hora de completar un elepé que, gracias a sus encantos irresistibles y unas evidentes virtudes, termina por situarse al mismo nivel que su antecesor. —raúl julián

reinta años después de aquellas primeras producciones publicadas cuando todavía no superaba la mayoría de edad, Richard D. James -o lo que es lo mismo, Aphex Twin- sigue siendo una figura a la que, sin resultar exagerado, podría calificarse de legendaria. Cuentan los que visitaron las zonas nobles del BIME Live que a su paso por el Festival y con la excepción del rato que estuvo sobre el escenario, Aphex resultó poco menos que una sombra invisible a ojos de todo el mundo. Por eso y porque casi se cuentan con los dedos de una mano las entrevistas que ha concedido desde su retorno en 2014 tras un silencio discográfico de trece años, resulta especialmente llamativa la charla que acaba de tener para el medio británico Crack Magazine en la que habla de diferentes cuestiones como su faceta de coleccionista de discos, la gestión de su obra con el paso del tiempo o la familia como motor de inspiración y banco sonoro. Y la charla resulta aún más relevante si tenemos en cuenta que a lo largo de la misma, amenaza con que esa sea su última interviú en mucho tiempo... Sus respuestas no hacen más que ahondar un poco más en ese mito del geniecillo con comportamiento de sociópata que, personalmente, se me antoja más que necesario en estos tiempos de exhibicionismo generalizado. La idea de un tipo viviendo tranquilamente con su mujer e hijos en un pueblecito escocés y haciendo música en la soledad de su habitación mientras fans de todo el mundo esperan con ansia su nuevo lanzamiento, es en realidad una de las imágenes más alejadas del establishment que uno pueda imaginarse en 2018. Sólo hay que comparar su actitud a la contra con la de alguna de las actuales estrellas del urban, un día lanzando peroratas revolucionarias y al siguiente ejerciendo de figurines de marcas ultrapijas en portada de una de las revistas de tendencias del grupo editorial más poderoso del país. Ante las preguntas del entrevistador, James muestra una imagen inédita y propia del anti divo. Su filosofía vital de alguna forma da respuesta a movimientos tan desconcertantes como el momento en que decidió subir a soundcloud más de un centenar de temas inéditos que representaban el resultado de años de trabajo. “Supongo que con cosas como esa no tienes que pensar demasiado, solo hacerlo. Que al mismo tiempo es lo que ocurre con muchas de las cosas de la vida. Le damos vueltas a cuestiones que simplemente hay que echar para adelante, y eso nos conduce a multitud de problemas. Lo único que necesitas es hacerlo. Es como cuando una chica o un chico te gustaba y pensabas durante demasiado tiempo si ibas a hacer algo al respecto o no. Si lo piensas lo más probable es que el cerebro termine por convencerte de que no lo hagas”. A su manera, el espíritu del punk sigue vivo en tipos como él. —luis j. menéndez

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#6 diciembre 2018

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Tras cuatro años de silencio, la banda canadiense se descuelga con Dose Your Dreams (Merge/ Popstock!, 18) abrumador doble y tour de force de influencias, con invitados de lujo como J Mascis.

banderados del hardcore enérgico y vitalista desde 2001, aunque su primer disco data de 2006, a los de Toronto el género se les ha ido quedando más y más pequeño, y lo certifican con un derroche de inventiva que el mismísimo Owen Pallett, amigo y colaborador del grupo, ha definido como su particular Screamadelica: un imponente cóctel de géneros y sonidos catalizado, naturalmente, por el espíritu punk de “haz lo que te dé la gana”. Puede que el lacónico guitarrista y cerebro de la banda Mike Haliechuk –también conocido como 10,000 Marbles- no lleve ese nivel de elocuencia a sus respuestas, pero para eso tenemos su álbum, primera referencia que sacan para Merge. “Todos escuchamos un montón de música de diferentes estilos. Se puede decir que es casi natural que hayamos llegado a tener un disco así, porque refleja hacia dónde nos dirigimos cada uno. Siempre habíamos querido hacer algo nuevo. No ha sido tanto una reacción a algo en concreto. Ya lo habíamos intentado, pero creo que nunca habíamos sacado un disco como éste. Eso es lo que lo hace interesante. Está bien que, después de tanto tiempo en un grupo, experimentes un poco y seas capaz de hacer cosas nuevas”, me explica por teléfono. Para grabarlo, optaron por visitas esporádicas al estudio durante un largo periodo de dos años y sin nada cerrado de antemano. “Lo hicimos como si fuera una escultura. Teníamos una enorme pieza de granito y le íbamos dando forma hasta que el álbum salía y se revelaba. Pero no fue duro, fue muy divertido y gratificante, porque no sabíamos qué íbamos a hacer. Ir al estudio es muchas veces como hacer los deberes. Puede ser un proceso poco divertido, así que está muy bien poder soltarte y componer el tipo de canción que te dé la gana”. Respecto al título, “la idea era coger la metáfora de la droga y darle la vuelta. En realidad, este disco no va de drogarse, sino de coger los sueños y esperanzas que tienes en tu vida, meterlos en tu cuerpo y hacerlos realidad. Es un disco sobre la esperanza. Lo que te hace levantarte todos los días”. ¿Y el asfixiante y polarizado clima político? Haliechuk se muestra categórico: “Nun-

FOTO: JOHN LONDONO

Fucked Up Renacer

“La música es algo más divertido que tostarle tus ideas” la oreja a la gente con

EL APUNTE

Las voces invitadas Alice Hansen Cincuenta por ciento del dúo de dream pop canadiense You’ll Never Get To Heaven. Su disco más reciente es Images (2017). Aparece como voz principal en How To Die Happy, una suerte de dream pop de querencia shoegaze. Jennifer Castle Amiga de la banda desde hace años, Castle es una cantautora de tonos melancólicos, entre el folk y el pop. Se encarga de las voces de Came Down Wrong junto al mismísimo J. Mascis. Además de con Fucked Up, ha colaborado con Owen Pallett o The Constantines. J. Mascis Poco podemos apuntar a estas alturas sobre el cerebro de Dinosaur Jr y uno de los guitarristas más apreciados del indie rock estadounidense. El hardcore siempre ha formado también parte de su universo desde los tiempos de Deep Wound. Ryan Tong Mechanical Bull es uno de los temas más electrónicos y crudos de Dose Your Dreams. Para redondearlo invitan a Ryan Tong, miembro de S.H.I.T., trío de punk cafre a 250 bpm’s de Toronto, para que se encargue de las partes más calmadas del tema. Miya Folick Hace menos de un mes que esta californiana ha publicado Premonitions de la mano de Interscope, un tratado de pop (electrónico) actual al servicio de su voz. Su dulzura contrasta con los alaridos de Pink Eyes en Joy Stops Time. —joan s. luna

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ca hacemos cosas abiertamente políticas. La música es algo más divertido que tostarle la oreja a la gente con tus ideas, no sé si me entiendes. Todos tratamos de vivir nuestras vidas de alguna manera. Hay causas por las que movilizarse, es obvio, pero un álbum, que es algo que va a estar en la vida de alguien durante mucho tiempo, tiene que ser más que proclamar eslóganes”. Haliachuk encaja bien, en cambio, que se haya comparado su doble con la era del hedonismo creativo de Madchester, especialmente la obra maestra de Primal Scream Screamadelica. “Creo que se pueden hacer ciertas comparaciones en cuanto al sonido. Yo estaba escuchando mucho Primal Scream y Happy Mondays, me gustan mucho. Pero no decidimos hacer una gran declaración de intenciones como banda, nos limitamos a hacer el disco que queríamos hacer, con un sonido interesante y que molara. Que sonara grande”. El guitarrista no cree que en la escena hardcore o punk se tienda al conservadurismo; o, que si se hace, tiene su sentido. “Fucked Up nació como un grupo que rendía tributo a un solo estilo, y hay algo precioso en eso. Quiero decir: piensa en un chef que tiene una pequeña cocina y durante toda su vida

sólo ha hecho el mismo plato. Hay algo muy bonito en ese modo de aproximarse al arte. Hay grupos que son complicados y suenan diferentes y hacen discos enormes, mientras que otras bandas tienen un sonido muy simple y elegante. Creo que ambos enfoques tienen su valor”. En el caso de su banda, “somos un grupo contundente y lo vamos a seguir siendo. Siempre va a haber material heavy que conecte las canciones. Concebimos este disco casi como si fuera una recopilación o un menú de casi veinte platos. Todo suena ligeramente diferente, pero a la vez tienes la sensación de que todos los instrumentos están en las mismas manos”. Refiriéndose a las abundantes colaboraciones (especialmente vocales), Mike sostiene que “en un disco tan largo, no hay que meter guitarras y voces chillonas todo el rato. Queríamos ir cambiando cosas, y meter a varios amigos. Me gusta utilizar las voces como cualquier otro instrumento, y el juego que se da entre diferentes vocalistas hace que tengas un sonido y de repente puedas cambiarlo en el estribillo. Tuvimos muchos cantantes, pero creo que tenía todo el sentido”. —jc peña

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mondo_diciembre_v1.pdf

21/11/18

13:21

CMY

DICIEMBRE 2018 ARAGÓN, CATALUÑA, COM. VALENCIANA Y MURCIA ARAGÓN

COM. VALENCIANA

CATALUÑA

MURCIA

LA BÓVEDA, ZARAGOZA 14/12/2018 ANITA PARKER SIDECAR, BARCELONA 15/12/2018 PET FENNEC

WAH WAH, VALENCIA 07/12/2018 MOTORZOMBIS LA YESERÍA, MURCIA 08/12/2018 MOTORZOMBIS

CASTILLA LEÓN CASTILLA LEÓN

GRAN CAFÉ, LEÓN 14/12/2018 RUFUS T. FIREFLY

JAZZ CAVA, VIC (BARCELONA) 16/12/2018 RED ROMBO

PORTACAELI, VALLADOLID 21/12/2018 HEXACORDE UNIVERSONORO, PALENCIA 07/12/2018 THE BRONSON

ANDALUCÍA Y CANARIAS ASTURIAS, CANTABRIA, GALICIA Y NAVARRA ASTURIAS

LA LATA DE ZINC, OVIEDO 12/12/2018 EL PETIT DEL CAL ERIL

CANTABRIA

CAFÉ DE LAS ARTES, SANTANDER 14/12/2018 MUSKULO

GALICIA

CLAVICÉMBALO, LUGO 21/12/2018 RODRIGO CUEVAS

NAVARRA

INFORMAL, TAFALLA 07/12/2018 MUSKULO Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

ANDALUCÍA

AMBIGÚ AXERQUIA, CÓRDOBA 01/12/2018 MONDO DIÁVOLO MILWAUKEE, PTO. SANTA MARÍA - CÁDIZ 01/12/2018 THE BRONSON LA COCHERA CABARET, MÁLAGA 15/12/2018 THE BRONSON

CANARIAS

LONE STAR, STA. CRUZ (TENERIFE) 13/12/2018 THE BLACK BARBIES CAFÉ QUILOMBO, OROTOVA (TENERIFE) 01/12/2018 EL PETIT DEL CAL ERIL 14/12/2018 THE BLACK BARBIES

Thou Metal esotérico Ya lo decíamos en nuestra reseña, 2018 es el año de Thou. Tres epés, cada uno con un estilo, y un álbum, Magus (Sacred Bones/Popstock!, 18), que los sitúa como una de las bandas más interesantes dentro del panorama metálico. Su frontman Bryan Funck nos cuenta y profundiza en el significado de Magus y en la complejidad que lo rodea.

y Brother Caliban, de vuestra nueva obra Magus, suena a black metal, sin embargo creo que todo el disco en sí tiene una atmósfera muy cercana a este género ¿fue algo buscado? Nuestro concepto original para Magus –remontándonos a 2009 o 2010- fue hacer un álbum de “black metal”. Creo que para nosotros eso es un sentimiento o un tipo de ambiente más que un sonido concreto. Aunque nos desviamos un poco del camino, creo que Magus tiene algunos trazos de esa idea, sobre todo en la temática: el individualismo y el sentimiento de desaliento y, a veces, de amenaza. Y es que la palabra “amenaza” es la primera que me viene a la cabeza cada vez que Andy o yo hablamos del álbum. —¿Cómo conecta entonces Magus con Summit (10) o Heathen (14), siendo la última parte de la trilogía? Con Summit, quería hablar sobre las personas que se encuentran fuera de los confines de la sociedad (anarquistas, delincuentes y otros elementos marginales) y que trabajan por un futuro utópico. Heathen y Magus tienen la intención de explorar los dos lados de lo que conformaría un individuo equilibrado para cumplir los requisitos de ese futuro. Heathen representaría la adoración de la naturaleza, la fijación en el mundo sensual, y el despojarse de las ataduras del futuro y el pasado, invirtiendo plenamente en el presente. Magus trata sobre un riguroso inventario mental, las abstracciones del pensamiento y la filosofía, la ascensión de la individualidad, lo esotérico y la magia. Esencialmente, Magus y Heathen están destinados a ser argumentos contradictorios, y Summit es el reconocimiento del equilibrio entre esas dos filosofías. —Hace unas semanas, el festival

Roadburn anunció que seríais su “Artist In Residence”, tocando cuatro sets distintos (uno colaborativo, uno de versiones, uno acústico, y uno centrado en Magus), pero lo más curioso es que no se sabrá cuál de ellos es hasta que os subáis al escenario. Me parece una idea brillante y sobre todo estimulante, supongo que tanto para vosotros como para el público ¿no? Estoy muy emocionado con que tengamos esta oportunidad. Walter, que dirige Roadburn, ha sido fan de Thou

Magus

Sacred Bones/ Popstock!

desde hace tiempo, y le apreciamos mucho al igual que a todo el equipo del Roadburn. Hablando en términos prácticos, esto nos da un gran margen de tiempo para trabajar en todo este material para llevarlo al directo, y tener así más posibilidades de diversión en concierto, más allá de los típicos sets de festival. —Y por último, ¿podremos veros por España en algún momento? Con un poco de suerte podremos dedicarle un tiempo y encontrar a alguien que nos cubra los gastos. La mayoría de nosotros vivimos al límite de la pobreza, así que es algo que siempre tenemos que tener muy en cuenta cuando nos embarcamos en un tour. ¡Ayudadnos, millonarios del punk rock! —gonzalo rodríguez

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Los.CONCIERTOS. de mi Vida.

Basanta

Inspirados en el ocultismo y la obra de Aleister Crowley, los cinco miembros de Basanta expanden su filosofía vital en las canciones de Colorama (C4, 18), producido por Paco Loco. Estarán el 29 de diciembre en la Sala Másterclub de Vigo. El mejor concierto que he visto en mi vida... (Sol) Finn Botswana en solitario, después de separarse de Dr. Dream And The Red Light en Royal Albert Hall (2006). (Azufre) Dr. Dream And The Red Light en CBGB (2006). Sublime (Tierra) Wilco en Vigo (2011). (Sal) The Blows, sala Capitol, Santiago de Compostela (2010). (La Santa) Trivium (2017). Espectacular. El peor concierto al que he asistido... (Sol) Dr. Dream And The Red Light en solitario, después de separarse de Finn Botswana. CBGB, (2006). (Azufre) Finn Botswana, Royal Albert Hall (2006). Horrible. (Tierra) No me dejan decirlo. (Sal) The Blows en Vigo Transforma (2011). (La Santa) Lapsus Mentis...

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El último concierto al que he ido... (Sol) Threatin en Le Klub, París, hace un par de días. Están de gira europea ahora mismo, no os lo perdáis. (Azufre) Finn Botswana feat. Dr. Dream pero sin The Red Light. Se volvieron a reunir para un acústico íntimo en un mirador y fue un lujo. (Tierra) Voltaica en la Fábrica de chocolate, Vigo. (Sal) Rotten Christ en Hard Club, Oporto. (La Santa) Arson Tides, en Ourense (2018). —MS

Los sonidos de diciembre que no olvidarás: Agenda SON Estrella Galicia 1 diciembre Medicine Boy #OnTheRadar, Radar Estudios, Vigo Depedro Es Gremi, Mallorca

“La mayoría de nosotros vivimos al límite de la pobreza”

El primer concierto al que acudiste como público… (Sol) Darkthrone en Oslo (1997). (Azufre) Bernart de Ventador (2002). (Tierra) Amy Don’t Hate Me (2007). (Sal) The Blows, en Mondo Club (2009). (La Santa) Mika (2010).

14 diciembre Salto Café y Pop, Torgal Morgan Capitol, Santiago Electra Radar Estudios, Vigo

15 diciembre The Oscillation #OnTheRadar, Radar Estudios, Vigo El Petit de Cal Eril Le Club, Coruña Electra Playa Club, Coruña 20 diciembre Pardo Torgal, Ourense 21 diciembre Dorian Escenario Santander

27 diciembre Mordem Torgal, Ourense 29 diciembre Ángel Stanich Escenario Santander, Santander Basanta Master Club, Vigo 5 enero Ángel Stanich (acústico) Super8, Ferrol

diciembre 2018 #9

FOTO: SEAN BRACKBILL

MONDO FREAKO

John Grant Un tipo honesto

EN LA MALETA

Ya sea en cuestiones de drogas, alcohol o sexo imprudente, John Grant es un artista radicalmente honesto que lleva años mostrándonos –con altas dosis de sarcasmo– los demonios que le acosan en su fuero más interno. Love Is Magic (Bella Union/[Pias], 18), es su nuevo trabajo.

Kostrok

Tras una carrera con impacto incluso internacional gracias a su hit Right Now, Kostrok –es decir, Adrián Lurbe- se reinventa en Samana, un epé en el que explora más que nunca la cara más disco y bailable de su música.

#10 diciembre 2018

ay mucho sentido del humor en las letras de Love Is Magic? Sí, claro. En realidad creo que siempre ha habido mucho sentido del humor en todo lo que hago. El humor es muy importante para mí.

uándo decidiste cambiar de sonido y cuál fue el momento clave? Obviamente Berlín me ha influenciado mucho. No fue una decisión, si no algo natural, al final se trata de la capital mundial del clubbing y es inevitable. Y como momento clave… ¡la primavera! La ciudad explotó y mi creatividad con ella. —¿Qué diferencias fundamentales hay entre tus sesiones actuales y las que ofrecías unos tres o cuatro años atrás? Por un lado el estilo de música de baile (excepto alguna joya atemporal) y, por otro, soy más espontáneo. La experiencia me ha enseñado a contar una historia con el público y desarrollarla con ellos. —¿Te sientes más un productor que un Dj? Depende del momento. Si estoy en el estudio mucho tiempo desconecto de mi parte Dj, sin embargo reconecto fácilmente cuando me pongo a escuchar cosas nuevas y organizar sesiones. —¿Qué es lo que más te ha costado aprender a la hora de pinchar?¿Y a producir? Lo primero, sigo aprendiendo en ambas, nunca se deja de aprender. Y lo que más me ha costado ha sido la paciencia. No dejarse llevar por las prisas, relajarse y disfrutar de ello es algo que a día de hoy me sigo repitiendo.

. “Me encanta el humoror negro. Especialmente el hum a parte Siempre ha formado unidad” enorme de mi personal Personalmente lo utilizo mucho en mi vida diaria, para lidiar con los problemas… En cierto modo es una mecanismo de defensa. Pero en realidad es una parte de mí que me gusta mucho. Me encanta el humor. Especialmente el humor negro. Siempre ha formado

—¿Cuáles son los mayores errores que

has cometido a lo largo de tu carrera como Dj? Son incontables y creo que todos importantes. Esto es una carrera de fondo que implica equivocarse y aprender. Una mala mezcla, una mala ecualización, un mal setlist, no tener capacidad de improvisación, no observar a otros Dj’s, no controlar tu rider, no actualizar tu música… Los he cometido todos y recomiendo cometerlos para aprender de ellos. Como dice mi abuela “todo tiene solución, menos la muerte”. —Samana y tus otros temas nuevos marcan una especie de nuevo inicio para Kostrok. ¿Cuáles son tus influencias ahora? En parte hay muchas influencias similares que beben de todo el french touch (Sebastian Tellier, Cassius, Daft Punk…), pero ahora mismo estoy muy enganchado al sampling de disco setentas, funk, pop ochentas o cualquier cosa que, en mi cabeza, funcione dentro de mi coctelera musical. —¿Qué Dj’s son un referente para ti? De la “vieja” escuela: Armand Van Helden, Romanthony, Laurent Garnier… De la nueva hay gente como Adriyano, Ari Bald o mis amigos Carlo y Black Loops que son un referente actual. De todos aprendo alguna cosa, ya sea en sesión o en producción. —MS

una parte enorme de mi personalidad. —En la canción que da título al disco hablas con sarcasmo de diferentes situaciones en las que las consecuencias de una relación amorosa pueden conllevar trastornos psicológicos… La canción habla de cómo mucha gente se pasa la vida entera tratando de encontrar la forma de relacionarse de forma íntima con otras personas. Algo que en realidad es muy complicado, incluso cuando las cosas van bien. No me refiero sólo a relaciones tóxicas o especialmente dolorosas. Si piensas en la mejor relación posible… también tiene muchas complicaciones. Un matrimonio feliz, por ejemplo, de esos que llevan cincuenta años juntos… al final lo que les espera es la muerte. Todos tenemos que lidiar con nuestra propia mortalidad y la de nuestros seres queridos. Inevitablemente uno de los dos va a tener que ver morir al otro. Y eso es muy jodido. Por no hablar ya de situaciones realmente difíciles, personas que se engañan o son infieles las unas con las otras… —Si no me equivoco, la canción Smug Cunt habla sobre el Presidente Trump. Desde hace años vives en Reykjavik. ¿Cómo ves desde allí la situación actual en Estados Unidos? Pues es bastante aterradora, la verdad. Y muy triste. Pero también creo que es una situación perfectamente entendible. La sociedad americana lleva treinta años creciendo a base del capitalismo más extremo. Y la

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RRYung Beef y Goa han publicado el primer single de su mixtape conjunta, Traumatismo Craneoencefáliko. Se titula Red Hot Chili Peppers y lleva producción del dominicano Marvin Cruz y el estadounidense Pi’erre Bourne, que ha trabajado con Playboi Carti, Travis Scott, Lil Yachty o Kanye West. RRHan pasado diez años desde la muerte de Sergio Algora, y hoy hay un motivo más para recordarlo. Discos Madmua publica un diez pulgadas con diez canciones inéditas de Cangrejus, grupo paralelo a El Niño Gusano, titulado La elegancia entra en casa. Imprescindible para cualquier fan de las letras de Algora.

situación actual es una consecuencia directa de ello. La ideología predominante es básicamente “coge todo lo que puedas y si tienes que destruir a alguien por el camino hazlo, porque si no lo harán ellos”. —En 2012, durante un concierto con Hercules & Love Affair, contaste públicamente que eres VIH positivo, algo que considero realmente valiente. ¿Por qué decidiste hacerlo en ese momento? Bueno, subí con ellos a cantar I Try To Talk To You y decidí que era un buen momento para explicar de qué trataba la canción. No es algo de lo que tener miedo. Tampoco algo de lo que sentirse avergonzado, así que ¿por qué no contárselo a la gente y hablar abiertamente sobre ello? Puede parecer algo sensacionalista, pero no lo es en absoluto. Existen millones de personas en el mundo con esa enfermedad. En África miles de niños nacen con el virus. De verdad que no deberíamos sentir vergüenza al hablar de ello. Especialmente en occidente. Los niños africanos que nacen con el SIDA no lo eligen. ¿Pero yo? Es algo que podría haber evitado y sin embargo no lo hice. Hay que hablar abiertamente de los problemas sin victimizarse, asumiendo nuestra propia responsabilidad en ellos. —tomás crespo

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RRHoly Bouncer, lejos de tomar un descanso tras las giras maratonianas que les han tenido ocupados los últimos dos años, tienen entre manos un nuevo álbum. Cuando leas esto ya habrá visto la luz y ya habrán vuelto a coger la furgoneta para presentarlo. Pasarán por Francia, Holanda, Bélgica, Italia, Reino Unido y finalmente -a partir de febrero- España. RRNoviembre ha sido mes de confirmaciones para varios de los macrofestivales del 2019, pero también para algunos de tamaño medio. Entre ellos el Low (26, 27 y 28 de julio en Benidorm), que ha anunciado a Vetusta Morla y Bastille, y el WARM UP (3 y 4 de mayo en Murcia), que ha confirmado a Roosevelt, Second, Carolina Durante, Delaporte y Pedrina, sumándose a un cartel que contaba ya con Two Door Cinema Club, Teenage Club y Vetusta Morla. RRLa asociación Periodistas Asociados de Música (PAM) ha anunciado los primeros detalles de la cuarta edición del Premio Ruido, que se otorgará al mejor disco español del año. La gala de entrega tendrá lugar el 30 de enero en el Teatro Barceló de Madrid, y cuando este número esté publicado ya se habrán dado a conocer los finalistas. Además, este año no solo habrá actuaciones en la gala: el Premio Ruido ha unido fuerzas con Stubhub para impulsar la iniciativa Sesiones Ruido, una serie de seis conciertos de pequeño formato repartidos por toda la península en los que actuarán los ganadores o finalistas de las distintas ediciones del Premio Ruido. —MS

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Desert La órbita azul Hace un lustro que Cristina Checa y Eloy Caballé dieron vida a Desert. En todo este tiempo, han ido evolucionando hacia un sonido más orgánico y sensible. Electrónica emocional abierta a hallazgos como Sense (La Castanya, 18), para el que han modelado cinco cepos atrapa corazones.

ara descubrir el fascinante mundo de este dúo barcelonés, nada mejor que nos cuenten ellos mismos cómo han sido estos últimos cuatro años, desde la publicación de su anterior EP, Envalira, “A pesar de las grandes pausas, siempre estamos haciendo cosas”, explica Cristina, quien fuera miembro de Granit. “Ahora sacamos este EP, pero ya tenemos grabado un disco que es una colaboración con otro artista. Es algo distinto. Yo no canto. Además, estamos haciendo un largo de Desert. Aunque hayamos estado dos años o así sin publicar nada, siempre estamos en movimiento”. Su crecimiento se ha hecho notar en unas canciones más atmosféricas y minimalistas. “Ha sido una lucha mía con Eloy, que soy la minimalista del grupo y él es el rococó (risas). Para mí a eso aún le sobra la mitad, pero nos entendemos muy bien (risas)”. Sense remite a la sensación de estar conectado a todo y nada al mismo tiempo. “Y también se puede relacionar con la parte física de estar solo rodeado de gente. Si esto lo aplicas a Internet, estás conectado a un mundo donde hay una dualidad: a veces te sientes solo, pero también súper conectado”, comenta Eloy, que inició su carrera musical años atrás con Los Selenitas. “Para nosotros el último artista es quien escucha el disco. Y se monta el puzzle con todo eso”, remacha Cristina. Sense recuerda a los EP’s de Disco Inferno, que, para ser degustados hasta el más mínimo detalle, tenían que ser en formato pequeño. Según

Eloy: “Nuestras canciones van evolucionando hasta que nos paramos. Al final, nos sale un pequeño Frankenstein. Algunas van rápido, pero otras van más lento. Tampoco nos ponemos unas normas. Ponemos reglas del juego y vamos jugando con ellas. Igual un día hacemos un EP folk. En realidad,

Sense

La Castanya

venimos un poco de la parte más clásica. También tocamos batería y guitarra. De hecho, alguna vez ya lo hemos hablado, hacer cosas de psicodelia, pop”.“Lo importante es crear un sonido específico, más que hacer tecno, hacer tal”, prosigue Cristina. “Sí fantaseamos mucho con la idea de hacer epés temáticos, de muchos géneros, pero al final no los hacemos porque prima la autoexpresión”. —marcos gendre

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en concierto l Madrid 13 de diciembre. Siroco l Barcelona 15 de diciembre. Sala Laut

o artista "Para nosotros el últimsco" es quien escucha el di

FOTO: MAR ORDOÑEZ

TAN. CERCA

diciembre 2018 #11

FOTO: SEAN BRACKBILL

Charlamos con Kurt Vile para que nos cuente los pormenores de la grabación del notable Bottle It In (Matador/Popstock!, 18), el séptimo álbum de su prolífica carrera. Nos quedamos con la impresión, eso sí, de que el intercambio apenas fue un engorroso peaje promocional para él, uno de esos trámites ante los que no queda otro remedio que asumir que lo mejor para entenderle es, sin duda, escuchar sus discos.

Kurt Vile Mantras en una botella

“Cada vez me siento más cómodo en el escenario”

EL APUNTE

uede que el haber grabado Bottle It In a lo largo de dos años de incesantes giras y con tres productores distintos (Rob Schnapff, Peter Katis y Shawn Everett) sea la causa para que se advierta mayor eclecticismo que en trabajos anteriores, pero esta reflexión del firmante se da de bruces con la prosaica realidad. “No lo sé. Es posible. Estoy acostumbrado a trabajar con gente distinta. Vivo en Philadelphia, y aquí es fácil trabajar también con mucha gente, pero me gusta contar con otros músicos cuando llego a Los Angeles. Tienes amigos allí, o en la misma Costa Este, o en Connecticut, y lo aprovechas... Estoy acostumbrado a ir de aquí para allá, pero no creo que sea una técnica nueva que haya probado para este disco, porque en los anteriores ya acostumbraba a trabajar así”. Vale, la primera en la frente. ¿Nos ponemos al menos de acuerdo en que el trabajo a salto de mata, viajando de un lugar a otro, es para Kurt Vile un método más efectivo que el de sentarse de forma metódica como un oficinista de la canción que se planta de nueve a cinco ante un papel en blanco? Tampoco del todo. “Me veo obligado a viajar y es algo que me gusta. Incluso aunque te pueda dar #12 diciembre 2018

Magnetismo intergeneracional

Pese a que son muchas las pistas vintage en su música y estética, Kurt Vile no se considera a sí mismo un músico atemporal. Conseguir que se autocalifique, o que encaje su propia música en el contexto actual, es algo estéril, por mucho que la portada del álbum, con esa marca redonda en la cubierta como si fuera un viejo vinilo, ya nos depare algunas pistas de por qué su música gusta por igual a treintañeros que se criaron escuchando a J Mascis como a cincuentones que tuvieron su epifanía con Neil Young. “Hago música para mí mismo y para la gente que la entiende, y si otra gente consume música condicionada por la tecnología, por el streaming y esas cosas, a mí no me concierne”, confiesa con displicencia. Se la trae al pairo, vaya. Nos responde con un rotundo “no” cuando le preguntamos si se siente al margen de coordenadas temporales, pero al menos conseguimos arrancarle un pequeño gesto de aprobación cuando le decimos que su música fluye como las de los clásicos que no dependen de modas: “… eso me gusta”, reconoce tras pensarse la respuesta con misma parsimonia con la que aborda sus magnéticas composiciones. C.P.Z.

pereza, sentirte transportado a otro sitio es estimulante. Pero también me gusta cuando llegas a casa y no haces absolutamente nada. Tengo suerte de gozar de ambos aspectos en mi vida, es bueno viajar pero también saber que siempre hay un sitio al que volver al final”. ¿Y hay algo de cierto en que canciones como Hysteria provienen de un miedo cerval a volar? “No lo sé. Me sorprende menos últimamente. Antes solía beber alcohol para sobrellevarlo, sobre todo cuando había turbulencias. He pasado por diferentes fases de pánico, la verdad. Ahora no estoy mal del todo”. Ante tanta indefinición, mejor no preguntarle si su trabajo junto a Courtney Barnett, Lotta Sea Lice (17), supuso alguna influencia a la hora de grabar este nuevo álbum. El disco es pródigo en colaboraciones puntuales: las de Kim Gordon (Sonic Youth), Mary Lattimore, Cass McCombs, Stella Mozgawa (Warpaint), Holly Laessig y Jess Wolfe (Lucius). Su génesis, en casi todos los casos, surge por pura Amistad. “Kim (Gordon) y yo somos amigos desde 2009, a través de J Mascis (Dinosaur Jr). A ella le gustó mucho mi álbum Childish Prodigy (09). Coincidió con el último año en el que Sonic Youth aún hacían conciertos. Tocamos algunas

veces juntos, fue muy guay”, nos cuenta. Un vínculo de afinidad personal que se extiende al resto de la nómina. “Todos son buenos amigos, y les admiro. Con Cass (McCombs) fue la primera vez. Mary Lattimore es amiga mía de Philadelphia y como se mudó a Los Angeles me fue fácil contar con ella, de hecho está de gira con nosotros ahora mismo”. Bottle It In goza de un inédito instante de fulgor pop, una versión del Rolling With The Flow (1977) de Charlie Rich, que Vile reconoce como “extraña” en el contexto de su música, ya que es “un poco country, un farol que me marqué, hay incluso algo humorístico sobre versionarla, porque suena a ese tipo de canción que escucharías en la consulta del dentista”, ríe. En cualquier caso, una vía de oxígeno para el temario de un artista que teloneó hace poco a Neil Young ante audiencias de 80.000 personas, algo “emocionante”, pero que le puso “muy nervioso”, y que le hace ir sintiéndose “cada vez más cómodo en el escenario” a un músico ya de por sí ensimismado y poco proclive al vértigo de las multitudes.

—carlos pérez de ziriza

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FOTO: FABIAN HAMMER

un “Tras estar dos años en abajando laboratorio químico tr uello no me di cuenta de que aqte” era lo mío precisamen

Helena Hauff Esquivando las modas E

Helena Hauff no es una artista electrónica como las demás. Suena más sucia, más contundente y más personal que la mayoría. Más pistas en su segundo largo, Qualm (Ninja Tune/[PIAS], 18).

n el último lustro la alemana Helena Hauff se ha alzado como una rara avis de la electrónica. En su primer larga duración, Discreet Desires (Ninja Tune/[PIAS], 15), ya lo dejó entrever, pero la premisa no hace más que confirmarse con su actual Qualm, un trabajo en el que el techno y el electro huyen de cualquier atisbo de cliché. Menos es más, que dirían algunos. “Siempre he estado en la línea del minimalismo y de recuperar sonidos del pasado sin caer en la nostalgia. Me gusta simplificar mi música porque lo considero mucho mejor. No es minimal techno lo que hago, para nada, sino que simplifico las cosas en vez de hacerlas rebuscadas”, afirma desde el otro lado del teléfono. ¿Lo suyo es más retro o futurista? “Pues sinceramente diría que ambas cosas de alguna manera. Mis canciones pueden remitir a veces al sonido de principios de los noventa. Pero, por otra parte, al hablar del espacio, el tiempo y la ciencia se podrían catalogar del mismo modo como futuristas. En la cabeza tenía una idea muy clara de cómo quería

sonar en esta ocasión. Es un disco muy cinético que, de ser una película, podría ser una de ciencia ficción oscura, una que muestre la destrucción del mundo. Estos temas pueden resultar algo lo-fi para algunos, depende de quién lo escuche, pero si no te quedas en la superficie puedes apreciar que el sonido es mucho más complejo de lo que aparenta y desprende muchísima fuerza. Hay muchas frecuencias y distorsiones de principio a fin a lo largo de estas doce canciones”, añade. Con lo ocupada que anda pinchando en medio mundo, nuestra protagonista ha aprovechado las horas muertas en los aeropuertos y los hoteles para tejer estos nuevos temas “porque a duras penas puedo estar muchos días seguidos en casa”. Pero a todo esto, a sabiendas de que aún se echan en falta muchas más mujeres en las cabinas, ¿qué recomendación haría a una principianta que quiere abrirse camino en este siempre competitivo mundo? “Tras estar dos años en un laboratorio químico trabajando me di cuenta de que aquello no era lo mío precisamente. Sin

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duda, a alguien que empieza le diría exactamente lo mismo que me dijeron a mí: si es realmente lo que quieres, ves a por ello. Practicar en casa lo máximo posible es fundamental para ganar en técnica y seguridad. Y, asimismo, aconsejaría que vayas al mayor número de clubes posibles para empaparte del trabajo de otros Dj’s y sociabilizar con todas las personas que puedas porque trabajar en casa todo el día puede resultar muy aburrido. Da exactamente igual cuál sea tu estilo. Sé honesta con lo que haces, ve por libre haciendo lo que te apetece y desarrolla tu sonido propio. Nunca debes seguir las modas, sino tu instinto”. Se puede decir más alto, pero no más claro. —sergio del amo

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Qualm

Ninja Tune/[PIAS] Electrónica 8/10

diciembre 2018 #15

FOTO: ARCHIVO

Dead Can Dance La resurrección del baile

Difícil es encontrar una banda de este siglo tan orientada a la espiritualidad e idiosincrasia como Dead Can Dance. Eso demuestran, de nuevo y tras seis años de silencio, Lisa Gerrard y Brendan Perry en su Dionysus ([PIAS], 18).

rabajando en proyectos paralelos en solitario desde entonces, el dúo brinda otro de sus discos entre lo antiguo, lo tradicional, lo humano y lo divino, dividido esta vez en dos actos, con siete episodios, en un formato musical similar al de un oratorio de comienzos del siglo XVI. “Que hayamos tardado seis años en publicar un nuevo álbum se debe sobre todo a que vivimos en países diferentes”, asegura Brendan Perry. Respondiendo –o no- a la nostalgia de su última gira juntos, su nuevo álbum vuelve a basarse en tradiciones musicales y abraza la nostalgia cultural con la antigüedad clásica griega como principal horizonte de referencia. Pero publicar un disco como este a distancia no ha sido tarea fácil. “Es prácticamente imposible poder trabajar a distancia aun con Internet y todas las ventajas que ofrece. No es comparable con poder hacer música en la misma habitación”, explica Perry. Dyonisius es una representación impresionista del culto al Dios griego -de nombre homónimo- mediante diferentes rituales con especial esencia balcánica. Un disco influenciado por las visitas de Perry a varios festivales que tienen su origen en las prácticas religiosas paganas. “La mayoría de festivales han sido impuestos por un contexto cristiano pero son antiguos festivales paganos. La gente se viste en modo incógnito, con máscaras, igual que en el culto a Dionisio. Todo envuelve y se equipara a la tragedia griega”, apunta Perry. #16 diciembre 2018

“Jim Morrison fue una , figura muy dionisiaca muy bien leída por la ” sociedad del momento

el apunte

Una banda legendaria, con motivo Hace más de treinta y cinco años que Lisa Gerrard y Brendan Perry empezaron a trabajar juntos bajo el nombre de Dead Can Dance. Una eternidad, ciertamente. Y aunque su aventura concluyó a finales de los noventa, siempre es un placer que Perry y Gerrard vuelvan a trabajar juntos de vez en cuando. Es cierto que, esta vez, la aportación de la australiana tiene mucho menos peso, pero tanto

da. Dead Can Dance son, y continuarán siendo, uno de los grandes referentes de todos los tiempos de la música oscura, de la neo-clásica y del pop abierto a los cinco continentes. Exploradores natos y de una cultura musical abrumadora, Perry y Gerrard nacieron con el punk, abrazaron el rock gótico desde una perspectiva inusual y muy personal, arañaron la música medieval, se acercaron a las culturas paganas más ancestrales y recónditas desde el respeto y las ansias de conocimiento, se sumergieron en el siglo XVI catalán e incluso han musicado a poetas como Baudelaire o Góngora. Por el camino, además, nos han descubierto infinidad de sonoridades, folclores e instrumentos de los que jamás habíamos escuchado hablar con anterioridad. Lo dicho, una leyenda. —joan s. luna

Aunque tanto su anterior Anastasis como este Dionysus se vean influenciados por una narrativa similar, no se debe mirar como su continuación. Dionysus es lo más cercano a un disco conceptual que han compuesto hasta la fecha y su contexto recuerda a los oratorios de siglos pasados, usando de modelo, The Rite Of Spring de Igor Stravinsky -también dividido en actos-. “He intentado que cada episodio sirva de introducción a lo que va a ocurrir después. Al trabajar en ellos de forma individual me he cerciorado de que cada episodio hablara por sí solo, pero que, a su vez, sirviera como puente para transmitir la energía del siguiente”, explica el británico. Y es que la figura de Dionisio ha permanecido como inspiración para artistas, filósofos y escritores de la época contemporánea. Es el caso de Oliver Stone que plantea en su película sobre The Doors a Jim Morrison como una especie de encarnación de Dionisio en la cultura popular de la época. Lo curioso es que mucho del entramado sonoro del dúo podría asemejarse perfectamente al de The Doors en la actualidad, comparativa a la que Brendan parece estar acostumbrado: Me han dicho alguna vez que mi registro de voz, a veces, se parece a Jim Morrison, y no negaría que este haya sido una influencia inmensa en mi música. Adoro el sonido de The Doors y Jim Morrison fue muy especial para mí. Fue una figura muy dionisiaca, muy bien leída por la sociedad del momento”. Gracias a la falta de voces y el juego con los coros, instrumentos tradicionales de diferentes regiones o su uso del sampling (recordemos que fueron ellos los que cedieron las vocales a The Future Sound Of London para su Papua New Guinea), este álbum lleva implícito un característico aroma balcánico que no ha pasado por alto un sello como [PIAS], que vuelve a apostar por ellos, tras haber sido uno de sus buques insignia durante estos últimos años. “PIAS todavía tiene a su gente original moviendo el sello y aunque se hayan convertido en un gran sello, siguen teniendo esa ética indie de vieja escuela”, recuerda Perry. Ahora falta volver a verles sobre un escenario, cosa que se cumplirá el año que viene gracias a su doble concierto en Barcelona. “Tenemos pensado reinterpretar tres canciones de cada álbum y varias piezas a estrenar, diseñadas para la ocasión. Será una retrospectiva de material antiguo de los ochenta y los noventa”, concluye Perry. —diego fernández

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DOMINO 2018 ALWAYS ASCENDING ALEXIS TAYLOR ANIMAL COLLECTIVE ANNA CALVI ARCTIC MONKEYS BILL RYDER-JONES BLOOD ORANGE BOB MOSES CAT POWER DIRTY PROJECTORS FLASHER FRANZ FERDINAND GEORGE FITZGERALD

HOW TO DRESS WELL JON HOPKINS JULIA HOLTER MELODYâ&#x20AC;&#x2122;S ECHO CHAMBER PORCHES PRAM STEPHEN MALKMUS & THE JICKS SUPERORGANISM TIRZAH VILLAGERS WILD BEASTS WILL OLDHAM

lo mejor de 2018 2

Nils Frahm

J Balvin

Erased Tapes/Gran Sol

Universal

ELECTRÓNICA / Frahm puede convertir un gran órgano de tubos en una caja de ritmos, una caja de ritmos en flautas, un piano en su voz o acercarse a la concepción de techno de Francesco Tristano con dos de los mejores temas de electrónica que escucharas en este 2018: la emocionante Sunson y el cosmic analógico de All Melody. —manu gonzález

REGGAETON / No hay disco mejor para explicar el 2018. Balvin entra en el mainstream global y lo hace bajo sus propias normas, haciendo evolucionar el reggaetón romántico que le ha caracterizado siempre, purgándolo de machismo y dando más peso a estilos hermanos como el dembow, el moombahton, el dancehall y los afrobeats. —darío garcía coto

Jon Hopkins

MGMT

Domino/Music As Usual

Columbia

ELECTRÓNICA / Jon Hopkins nos trae una nueva criatura llena de armonías cristalinas, progresiones maravillosas y un extraño gusto a banda sonora y épica espacial. No encontrarás sorpresas o reinvenciones artísticas, solo Hopkins en estado puro, haciendo lo que mejor sabe hacer sin artificios pero con más experiencia. —esther al-athamna

POP / Una década después de convertirse en una de las formaciones de pop y rock independiente más queridas del planeta y tras una temporada retirados, regresan a sus tiempos universitarios para recuperar la joie de vivre. Little Dark Age es el mejor disco de pop raro que vas a escuchar este año, y también el trabajo más redondo de MGMT. —xavi sánchez pons

All Melody

Año de resistencia 1 S

iendo sinceros, una vez redondeada la lista de nuestros cuarenta discos favoritos del año, nos hemos quedado con la sensación de que no ha sido una de las mejores cosechas de los últimos años. Ha habido discos fantásticos, faltaría más, pero pocos han generado un consenso global para ser número uno incontestable. Quizás por ello, una banda transversal como Idles se ha llevado el máximo galardón a partir de los votos de más de sesenta redactores de esta publicación. No nos preocupa si su carrera será más o menos larga, si su propuesta irá muy allá, sino que hemos optado por algo tan hedonista como el disfrutar del aquí y el ahora. Lo contrario representa Nils Frahm, quien ha bordado un disco imaginativo y mágico con el que da un importante paso adelante en cuestiones de popularidad y relevancia. ¿Y qué decir de J. Balvin? Posiblemente el artista de urban y reggaetón más inteligente de la actualidad, que ha conseguido dignificar como nunca una rítmica y una tradición que ha expandido sus fronteras merecidamente. —joan s. luna

Idles

Joy As An Act Of Resistance Partisan/[PIAS] ROCK / Cuando muchos claman por aquello de que el rock ya no le interesa a nadie, van el vocalista Joe Talbot y sus compadres y se marcan un segundo disco que es pura energía, desmadre y mensaje. Un tremendo “iros todos a tomar por culo” nada gratuito de unos tipos críticos con la mierda de mundo en el que nos toca vivir. —joan s. luna

Singularity

Vibras

Little Dark Age

U.S. Girls

Car Seat Headrest

Low

The Blaze

Tirzah

4AD

Matador/Popstock!

Sub Pop/Popstock!

Animal63/Believe

Domino/Music As Usual

POP / Megan Remy cuenta por primera vez con una banda de apoyo, el colectivo The Cosmic Range, y más de una decena de invitados. Con ellos da forma a once piezas con ecos del funk y el soul setentero, filtrado por esa suerte de bruma, entre la nostalgia y la desmemoria, que U.S. Girls ha imprimido siempre a sus producciones. —luis j. menéndez

INDIE ROCK / Twin Fantasy es, ante todo, un testimonio de la habilidad de Toledo como letrista y compositor, capaz de convertir la revisión de un disco que grabó en su portátil con diecinueve años en un triunfo. Un golpe sobre la mesa que reafirma el potencial innegable de una banda llamada a ser una de las grandes de su generación. —laura estudillo

ROCK / Profundizando en la senda emprendida con Ones And Sixes (15), Low han despachado el trabajo más osado e impenetrable de sus veinticinco años de carrera. Once canciones repletas de cavidades rocosas que abren nuevos horizontes y desafían al oyente, tanto al recién llegado como al fan de largo recorrido del grupo. —carlos pérez de ziriza

ELECTRÓNICA / Los franceses Guillaume Alric y su primo Jonathan Alric parecen componer mirando hacia dentro, creando preciosas joyas de electrónica con espíritu de pop minimalista. Les caracteriza la elegancia con la que discurren sus piezas y la exquisitez con la que van sumando elementos para levantarlas. —joan s. luna

POP / Devotion es un trabajo de pop-soul electrónico repleto de imperfecciones, de sonidos minimalistas, de canciones que se asemejan a una cabaña en ruinas a punto de fundirse en medio de una ventisca. Pero acierta al hacer que la ronca y delicada voz de Tirzah se escuche con toda claridad, sin caer en los errores del lo-fi. —manu gonzález

In A Poem Unlimited

Twin Fantasy

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Double Negative

Dancehall

Devotion

diciembre 2018 #19

LOS MEJORES DISCOS INTERNA

Kali Uchis

Shame

Courtney Barnett

SOPHIE

Janelle Monáe

Virgin/Universal

Dead Oceans/Popstock!

Rough Trade/Popstock!

MSMSMSM/[PIAS]

Atlantic

R&B / “But why would I be Kim? I could be Kanye”, canta a los cuatro minutos de empezar el disco. Kali Uchis explota por fin y despliega todo su universo estético y musical en un disco brillante que mira al futuro con los pies en el pasado. Pocos álbumes de quince temas mantienen tan bien el nivel durante todo el minutaje. —dario garcía coto

POST-PUNK / La primera cosa buena que decir de Songs Of Praise: el disco y el directo maridan bastante bien. Una de las cosas más difíciles de los grupos de música “de acción” es enfrentarse a un disco y hacer que este sea competente con el directo y que sea escuchable en casa; y creo que Songs Of Praise aprueba ambas premisas. —daniel treviño

ROCK / En lo musical su propuesta agreste, juguetona y espontánea, con referencias clásicas y del mejor indie, sigue ahí, aunque con un toque añadido de sofisticación. Pero es en lo lírico donde hay un verdadero paso al frente para Barnett, que tiene la valentía de ser más confesional, introspectiva y directa que en su debut. —josé carlos peña

ELECTRÓNICA / La pequeña gran revolución de SOPHIE llega con un debut que transmite a nivel musical una enorme honestidad creativa, unas inmensas ganas de reivindicar el pop y poner patas arriba la percepción de este genero, y su uso, en la industria actual. No reniega del mainstream, más bien lo que quiere es enriquecerlo. —álex jerez

POP / Dirty Computer habla de la libertad. La libertad de poder elegir a quien amar, de poder crecer en tu país sin que te ahogue la política, de alzar la voz y gritar sin miedo todo lo que se te pase por la cabeza. Y lo hace a través de temas pop adictivos, redondos y unidos entre sí, pero a su vez repletos de matices.

Kurt Vile

Rolling Blackouts Coastal Fever

Fatoumata Diawara

Cardi B

Beach House

Wagram/Popstock!

Atlantic

Bella Union/[PIAS]

Isolation

Bottle It In

Songs Of Praise

Tell Me How You Really Feel

Fenfo

Oil Of Every Pearl’s Un-Insides

Invasion Of Privacy

Dirty Computer

—álex jerez

Matador/Popstock!

Hope Downs Sub Pop/Popstock!

ROCK / Bottle It In, registrado a lo largo de los dos últimos años en diferentes estudios y con diferentes productores, es su entrega más ecléctica hasta la fecha. No tanto porque su receta haya cambiado, sino por su capacidad para darle a cada canción un registro único, como si fueran pequeños universos particulares. —carlos pérez de ziriza

POP / Los de Melbourne han llegado para quedarse. Sus letras oscuras se mueven ágilmente en unas canciones urgentes que contrastan bien con el sonido cálido de unas guitarras que podrían sentirse cómodas en los discos más representativos del rock alternativo de los ochenta. Su jangle pop suena a clásico, pero también a juventud. —laura estudillo

AFROPOP / Con dos discos ha pasado de ser una voz emergente a la nueva estrella de la música africana. Matthieu Chedid produce este magnífico Fenfo, con once canciones melódicas, suaves y ricas en cuerdas: kora, kameln’goni, guitarra eléctrica, chelo y, por encima de todo, una voz dulce y expresiva con mucho que decir. —miguel amorós

RAP / Puede que no sea el álbum debut perfecto para una figura de su tamaño, pero a Cardi B le gustan las imperfecciones. Está construida a base de saber potenciar todo aquello que incomoda al público más clasista. Y gracias a ello ha lanzado al mercado uno de los discos más pegajosos, divertidos y desenfadados de 2018. —álex jerez

POP / Escapar de la repetición de esquemas, o directamente del autoplagio, debe ser uno de los grandes propósitos que han guiado al dúo de Baltimore Beach House a la hora de encarar su séptimo largo. Y es que si algo consigue 7, es refrendar la vigencia de la marca Beach House sin repetirse como el ajo.

Father John Misty

Serpentwithfeet

Helena Hauff

Jack White

Let’s Eat Grandma

Bella Union/[PIAS]

Jagjaguwar/Popstock!

Ninja Tune/[PIAS]

XL Recordings/Popstock!

Transgressive/[PIAS]

ROCK / Tras el ambicioso e indigesto Pure Comedy (17), Tillman se encierra durante dos meses en un hotel de Nueva York, se mira al espejo y hurga en sus entrañas. El resultado es God’s Favorite Customer, un disco en el que se filtra vulnerabilidad y verdad por cada surco recuperando la frescura de sus primeros pasos. —david pérez

POP / La música de Josiah Wise tiene alma (queer) de gospel, r’n’b y soul, pero formas marcadamente experimentales. Fruto de esa combinación surge una propuesta arriesgada y más compleja de lo que se le supone, que acaba haciendo mella en el oyente gracias a un registro vocal mágico y una sinceridad desarmante. —joan s. luna

ELECTRÓNICA / En este segundo álbum de estudio, la DJ y productora alemana se desmarca completamente de la hipsteriana vertiente technoide que asola el clubbing desde hace ya demasiado tiempo. Ha hecho el disco que le ha salido de la mismísima entrepierna y a los capos del mítico sello Ninja Tune les ha parecido estupendo. —fernando fuentes

ROCK / Una de las peores cosas que le puede suceder a un artista que ha logrado mucha relevancia es provocar indiferencia. Otra, caer en la autocomplacencia. Ninguna de estas dos premisas se puede aplicar al nuevo trabajo de Jack White, que amplía la paleta de influencias para darle la enésima vuelta al calcetín de la tradición. —don disturbios

POP / ¿Qué hay detrás de I’m All Ears? La confirmación de una banda que ya ha demostrado una solidez impresionante tanto en su sonido electrónico como en sus letras y en su concepción de la música. Una juventud que no es un handicap, al contrario, demuestra ganas voraces de crear música mediante la psicodelia, synth y voces. —karen montero

God’s Favorite Customer

#20 diciembre 2018

Soil

Qualm

Boarding House Reach

—carlos pérez de ziriza

I’m All Ears

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ACIONALES DE 2018

Tropical Fuck Storm

Kacey Musgraves

Yves Tumor

Christine & The Queens

Zeal & Ardor

Universal

Warp/Music As Usual

Because/Music As Usual

MKVA

ROCK / La continuación natural de The Drones formada por Gareth Liddiard y Fiona Kitschin junto a componentes de High Tension y Harmony combina el rock tormentoso que siempre ha caracterizado a los australianos con una inédita vena melódica, en la línea del indie-rock destartalado y emotivo de bandas como Built To Spill. —luis j. menéndez

POP / En estos momentos en los que a artistas como Minogue, Gaga o Cyrus les ha dado por rendir pleitesía al country sin que nadie se lo pidiera, con Kacey Musgraves ha ocurrido diametralmente lo opuesto. La tejana ha aunado sus raíces musicales tradicionales con el pop sin fisuras, y el resultado no puede ser más sobresaliente. —sergio del amo

ELECTRÓNICA / Como otras estrellas refulgentes en el panorama de la nueva electrónica –Arca, Sophie…– la música de Yves Tumor busca su inspiración en la sexualidad y en los recovecos más turbios del alma. Las canciones de Sean L. Bowie esconden un latido melódico abrasado por oleadas de feedback, ritmos criminales y electrónica futurista. —l.j.m.

POP / Héloïse Letissier explora la sexualidad y los cánones de la feminidad con su nuevo alter ego, pero sigue manteniendo la esencia que nos lleva de vez en cuando a la nouvelle chanson y la hace crecer sin miedo entrelazando a la perfección sus raíces de pop ochentero con el rnb más brillante de los noventa.

metal / Música oscura para tiempos oscuros. Esa es la máxima que parece desprenderse de la música del proyecto vanguardista Zeal & Ardor. El músico suizo Manuel Gagneux trasciende de nuevo los límites del extremo, a medio camino entre un black metal de impecable factura y la música espiritual negra.

—álex jerez

—fernando acero

Hot Snakes

Kids See Ghosts

The Internet

Cat Power

Phosphorescent

Sub Pop/Popstock!

GOOD Music

Columbia

Domino/Music As Usual

Dead Oceans/Popstock!

ROCK / Aunque a estas alturas a uno le reconforta encontrarse con el ADN de sus tres primeros discos, es de agradecer que la banda siga haciendo temblar sus propios cimientos. Este disco no es simplemente una excusa para salir de gira, sino que lleva su propia fórmula a otro nivel en velocidad, rabia y contundencia.

R&B / La banda californiana dejó el listón bien alto con Ego Death (15), pero lo ha vuelto a conseguir. Tres años que han servido para que cada uno de los integrantes se embarcara en proyectos individuales para volver con un trabajo grupal con visiones más heterogéneas que nunca.

—manel m. hontoria

RAP / Tras la decepción de ye, Kids See Ghosts se ha erigido como la joya del año más prolífico de Kanye West. Los fantasmas -metafóricos y literales- marcan tanto el contenido lírico como las producciones, eclécticas y psicodélicas, dando forma a un disco redondo y único en su especie que saca lo mejor de Kid Cudi. —darío garcía coto

—marina badenes

FOLK ROCK / Tras seis años de silencio, Cat Power regresa con un álbum en el que conecta con las raíces del blues y del folk tal y como hizo, por ejemplo, en You Are Free (03). Wanderer nos devuelve a su versión más orgánica, sensible y combativa gracias al protagonismo que adquiere su voz a través de las historias que cuenta. —maría ballesteros

pop rock / Si la vida puede ser eterna en cinco minutos, en media década los cambios afloran a cada paso. Cinco años después su anterior y espléndido Muchacho (13), la voz de Matthew Houck se ha liberado de toda envoltura y se despliega en un séptimo largo que rezuma madurez, confianza y sensibilidad por cada surco. —david pérez

The Interrupters

Spiritualized

Arctic Monkeys

Kamasi Washington

Robyn

Epitaph/[PIAS]

Bella Union/[PIAS]

Tranquility Base Hotel & Casino Domino/Music As Usual

Young Turks/Popstock!

Konichiwa/Island

SKA PUNK / Los protegidos de Tim Armstrong son una auténtica máquina de facturar hits de ska punk efectivos y adictivos. Es pinchar cualquiera de sus temas y verse obligado a comportarse como un energúmeno, a bailar agitando los brazos como un primate y a dejarse las cuerdas vocales gritando sus estribillos cerveceros. —joan s. luna

ROCK /Más sereno que contenido, más sabio que escéptico, Jason Pierce se ha esmerado en despachar otra (¿su última?) obra magna. Y lo ha logrado. Un trabajo que, recurriendo a su vis más esencialista y desnuda, compite con lo mejor de un argumentario ya de por sí formidable, macerado a lo largo de más de un cuarto de siglo. —carlos pérez de ziriza

ROCK /Es el disco de Arctic Monkeys menos Arctic Monkeys: un disco en solitario de Alex Turner (por primera vez todo los temas son exclusivamente suyos) firmado de forma colectiva, en el que se ha enfundado el traje de crooner moderno y perfila once cortes de texturas lounge y space pop, soul, jazz y canción de autor. —oriol rodríguez

JAZZ / Kamasi Washington, uno de los principales responsables de la renovación del jazz contemporáneo, explora en este doble álbum la dualidad entre lo terrenal y lo espiritual para tratar de delimitar su yo. Heaven And Earth es el disco más ambicioso de Washington hasta la fecha y también el más vital. —aleix mateu

POP / Robyn ha logrado canalizar todas sus frustraciones e inseguridades como artista, sus cuestionamientos sobre si está eligiendo el camino correcto. Y, como resultado, nos encontramos con un engranaje de temas de espíritu tremendamente triste que a su vez logran hacerte sentir bien y limpiarte por dentro. —álex jerez

A Laughing Death In Meatspace Joyful Noise

Jericho Sirens

Fight The Good Fight

Golden Hour

Kids See Ghosts

And Nothing Hurt

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Safe In The Hands Of Love

Hive Mind

Chris

Wanderer

Heaven And Earth

Stranger Fruit

C’est La Vie

Honey

diciembre 2018 #21

RESUMEN INTERNACIONAL 2018 RAP

METAL

Alma de metal

—david sabaté y eduard tuset

Top10

1 Zeal & Ardor Stranger Fruit MKVA 2 YOB Our Raw Heart Relapse Records 3

Thou Magus Sacred Bones/Popstock!

Tribulation Down Below Century Media

Kids see ghosts FOTO: ARCHIVO

o hemos tenido más difícil que otros años para decidir este top. Y eso es buena señal. Este año será recordado por la gran cantidad y la buena acogida que han obtenido los discos de doom y black metal... será que el futuro pinta bastante negro. Zeal & Ardor son muy difíciles de clasificar, y en ello reside en parte su atractivo: blues negro mezclado con black metal que conecta con un público muy amplio y heterogéneo. Si hablamos de doom, Thou y su quinto disco nos han dejado sin aliento con su doom enfermizo salpicado de drone y ruido; mientras que YOB, tras casi dos décadas de trayectoria, han dado también el salto a un público más extenso con un Our Raw Heart soberbio. Y podríamos seguir con Tribulation, Hooded Menace, Craft, Behemoth, Watain –quienes, para nuestra alegría, han vuelto a sus orígenes–, Visigoth, Voivod, High On Fire y Sleep –todos deberían estar en lo alto, pero hemos preferido destacar otras propuestas–, Anna Von Hausswolff –que a pesar de no encajar en la etiqueta metal, ha sintonizado con parte de la escena– Sumac, Mysthic Sunship, Ghost y Primordial; los clásicos Judas Priest y Saxon; el death metal de Cancer, Deicide, Memoriam y Necrophobic; y el black de One Tail One Head, Immortal, Master’s Hammer, Deafheaven, Funeral Mist y Aura Noir.

5 Watain Trident Wolf Eclipse Century Media 6

Craft White Noise And Black Metal Season Of Mist

Behemoth I Loved You At Your Darkest Metal Blade

8 9

Hooded Menace Ossuarium Silhouettes Unhallowed Season Of Mist

Ni tan mal... L

Visigoth Conqueror’s Oath Metal Blade

zeal & ardor FOTO: ARCHIVO

10 Voivod The Wake Century Media

#22 diciembre 2018

levábamos trayectoria ascendente en los últimos años, pero 2018 no ha sido testigo de obras maestras, clásicos instantáneos y demás cosas de estas que solemos decir los críticos. Tampoco es que haya sido un descalabro: varios grandes nombres ocupan la lista con discos que, sin ser sus mejores trabajos, han dado momentos brillantes, y el underground pega fuerte con gente como Jedi Mind Tricks y JPEGMAFIA. Pero si algo celebraría de este año es el futuro inmediato que dibujan álbumes y mixtapes como las de Brockhampton, Denzel Curry, Playboi Carti, Saba, Joey Purp, SOB x RBE, Octavian, J.I.D, Ocean Wisdom, Mick Jenkins o Gunna. Un futuro que además incluye muchas mujeres: Stefflon Don, Noname, Rico Nasty, Tierra Whack, 070 Shake y cupcakKe han estado entre lo más destacado y Cardi B -si no la veis en esta lista es porque está en la general- se ha dedicado a romper récords con un disco empoderador, puro loud and proud. En lo que respecta al grime, los pioneros del género han sacado pecho -D Double E, Ghetts o Frisco- y relevos como Flohio, Izzie Gibbs o slowthai apuntan alto. Y ojo a lo que se cuece en Italia con discos como los de Sfera Ebbasta y Capo Plaza… —darío garcía coto

Top10 1

Kids See Ghosts Kids See Ghosts Def Jam/Universal

Vince Staples FM! Def Jam/Universal

Pusha T Daytona Def Jam/Universal

Brockhampton Iridescence Question Everything/RCA

A$AP Rocky Testing Polo Grounds/RCA

Jpegmafia Veteran EQT Recordings

Jedi Mind Tricks The Bridge And The Abyss Enemy Soil

8 VV. AA. Black Panther Aftermath/Interscope 9

Travis Scott Astroworld Cactus Jack/Epic

10 Kanye West Ye Def Jam/Universal

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8 POR ESTILOS HARDCORE-PUNK

Top10 1 Turnstile Time & Space Roadrunner Records 2

lista (American Nightmare, Basement, Cancer Bats, Direct Hit!, etcétera) o en la larga lista de artistas que bien podrían haber aparecido aquí, desde Thrice a Alkaline Trio, pasando por Cursive, It It Anita, Satanic Surfers, Baptists, Rolo Tomassi, Rise Of The Northstar, Tragedy, Attan, Terror, Zeke o incluso esos clásicos que son Suicidal Tendencies. Eso sí, quedan fuera de lista Hot Snakes y la banda de ska-core The Interrupters porque su onda expansiva ha alcanzado en 2018 a otros públicos ajenos a la escena, colándose finalmente en nuestra lista general. —joan s. luna

ELECTRÓNICA

penas les han hecho falta unos pocos años para abrirse paso en la escena hardcore internacional. Los estadounidenses Turnstile publicaron hace unos meses Time & Space, su segundo larga duración y el que les ha aupado al primer puesto de nuestra lista de discos destacados de la temporada. Una trayectoria relativamente parecida han tenido –léase singles y epés de por medio- los franceses Birds In Row y su hardcore de voz y expresividad desgarradas. Su We Already Lost The World ocupa el segundo lugar de nuestro top, aunque bien podría intercambiarse con el primero. Por lo demás, un año sobrado en referencias disfrutables en terrenos hardcore punk de lo más diverso. Lo pueden apreciar en nuestra

Birds In Row We Already Lost The World Deathwish

3 American Nightmare American Nightmare Rise Records Basement Beside Myself Fueled By Ramen/Warner

Cancer Bats The Spark That Moves Bat Skull Records

Direct Hit! Crown Of Nothing Fat Wreck

Jesus Piece Only Self Southern Lord

8 Pianos Become The Teeth Wait For Love Epitaph/[PIAS] 9

Regulate In the Promise Of Another Tomorrow Edgewood Records

10 Sick Of It All Wake The Sleeping Dragon Century Media

Emociones sintéticas L

os conciertos recientes de Nils Frahm y Jon Hopkins en espacios como La Riviera o L’Auditori dan una idea bastante aproximada de la relevancia adquirida sin necesitar para ello de ningún tipo de concesión artística. El suyo es el triunfo de la autenticidad y la demostración práctica también de que un músico no tiene por qué ceder a las presiones del mercado para desarrollar una carrera de éxito. El alemán y el británico han firmado, sin ningún lugar a dudas, los minutos más emocionantes y hermosos de este 2018. La música no estrictamente “de club” domina una lista en la que también nos encontramos con la emotividad de Rival Consoles -reivindicando a Bergman desde su nuevo disco-, la búsqueda de la trascendencia más allá de la pista de baile por parte de Daniel Avery, el sonido post-industrial del Factory Floor Gabe Gurnsey, la banda sonora compuesta por Leon Vynehall para sus ancestros o el kosmische-meets-barroco de Oneohtrix Point Never. Incluso músicos a priori más apegados a las pistas de baile -y más concretamente a la escena berlinesa- como Helena Hauff o DJ Koze han planteado discos de corte experimental alejados de las exigencias dance. Tanto estos trabajos como otros que aparecen en la lista general y que podríamos encajar en territorios híbridos (Sophie, Yves Tumor) suponen la verdadera vanguardia de la música popular en 2018. —luis j. menéndez

Top10 1

Nils Frahm All Melody Erased Tapes/Gran Sol

Jon Hopkins Singularity Domino/Music As Usual

Helena Hauff Qualm Ninja Tune/[PIAS]

Rival Consoles Persona Erased Tapes/Gran Sol

5 Dj Koze Knock Knock Pampa 6 Daniel Avery Song For Alpha Phantasy/[PIAS] 7

NILS FRAHM FOTO: MICHAL O’NEAL

TURNSTILE FOTO: JIMMY FONTAINE

Despertando al dragón

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Leon Vynehall Nothing Is Still Ninja Tune/[PIAS]

8 Gabe Gurnsey Physical Phantasy/[PIAS] 9

Oneohtrix Point Never Age Of Warp/Music As Usual

10 Ross From Friends Family Portrait Brainfeeder/[PIAS]

diciembre 2018 #23

RESUMEN 2018 POR ESTILOS AMERICANA-FOLK

2 Brandi Carlile By The Way, I Forgive You Warner

1. “Transatlanticism” 2. “De-Loused In...” The Mars Volta

Ry Cooder The Prodigal Son Perro Verde/Concord

3. “LCD Soundsystem” LCD Soundsystem 1. “Return To...” TV On The Radio 2. “Post-War” M. Ward 3. “Whatever People...” Arctic Monkeys

9 Luke Winslow King Blue Mesa Bloodshot 10 John Prine Tree Of Forgiveness Oh Boy

1. “Neon Bible” Arcade Fire 2. “Kala” M.I.A. 3. “Myths Of The Near...” Klaxons 1. “Med Sud I Eyrum Vid...” Sigur Rós 2. “Third” Portishead 3. “Dear Siencie” TV On The Radio 1. “Merriweather...” Animal Collective 2. “Wolfgang Amadeus...” Phoenix 3. “The Pains...” The Pains Of Being

Top10

FATOUMATA DIAWARA FOTO: AIDA MULUNEH

#24 diciembre 2018

3. “This Is Happening”

Marfil Dobet Gnahore, otra mujer africana empoderada y de vigorosa voz. Y de Brasil, Bixiga 70 y sus inapelables mezclas de afrobeat, ethio jazz y ritmos autóctonos. The Turbans tienen raíces en Irán, Turquía, Bulgaria, Grecia, España y Marruecos y su fusión musical es exuberante. Con Seun Kuti el afrobeat sigue siendo la mejor arma musical. Chancha Via Circuito trae sonidos latinoamericanos de vanguardia con un dulce caminar. Ammar 808 sabe bien como unir beats de electrónica a temas tradicionales del Maghreb. Y si quieren más, prueben con Baloji, 47 Soul, Onda Vaga, BCUC, Dur Dur Band o Novalima. Abran una puerta y no podrán parar. — miguel amorós

Monsieur Doumani Angathin Autoeditado/Proper Records

Gaye Su Akyol Istikrarli Hayal Hakikattir Glitterbeat Records

Catrin Finch & Seckou Keita Soar Bendigedig Records

Dobet Gnahore Miziki Media Nocte

LCD Soundsystem 1. “Let England Shake” PJ Harvey 2. “Bon Iver” Bon Iver 3. “Father, Son, Holy Ghost” Girls 1. “An Awesome Wave” Alt-J 2. “The Seer” Swans 3. “Kill For Love” Chromatics 1. “Overgrown” James Blake 2. “A.M.” Arctic Monkeys 3. “Yeezus” Kanye West 1. “Lost in the Dream” The War On Drugs 2. “Singles” Future Islands

6 Bixiga 70 Quebra Cabeça Deckdisc 7

The Turbans The Turbans Six Degrees

Seun Kuti Black Times Strut Records

Chancha Via Circuito Bienaventuranza Wonderwheel Recordings

3. “Everyday Robots” Damon Albarn

2011

1 Fatoumata Diawara Fenfo Shanachie/Popstock!

2010

2. “The Drums” The Drums

2012

e nuevo una lista de maravillas que no se pueden perder si quieren abrir nuevas puertas musicales. Para empezar Fatoumata Diawara, cantante, compositora, actriz y activista en un deslumbrante equilibrio entre tradición y modernidad. Además con su emotiva voz denuncia con certeza las injusticias. Siguiendo con el trío chipriota de Monsieur Doumani que toma influencias griegas, turcas y balcánicas para hacer delicias acústicas. Justo de Turquía es Gaye Su Akyol una extravagante heroína para estos tiempos, de presencia magnética y música sugerente. Catrin Finch & Seckou Keita unen de nuevo arpa y kora para conectar Gales y Senegal, delicatessen. De Costa de

1. “Teen Dream” Beach House

2013

Sin fronteras

2005

Devin Dawson Dark Horse Warner Music

2. “You Could Have...” Franz Ferdinand

2006

1. “Funeral” Arcade Fire

2007

Brent Cowles How To Be Okay Alone Dine Alone

3. “Louden Up Now” !!! (Chk Chk Chk)

2008

2. “A Ghost Is Born” Wilco

2009

5 I’m With Her See You Around Rounder

1. “Franz Ferdinand” Franz Ferdinand

2004

3. “Elephant” The White Stripes

4 Sarah Shook & The Disarmers Years Bloodshot

WORLD MUSIC

2002

3. “Finally We Are No One” múm

Death Cab For Cutie

3 H.C. McEntire Lioheart Merge/Popstock!

COURTNEY MARIE ANDREWS FOTO: ARCHIVO

2. “Yoshimi Battles...” Flaming Lips

2014

i uno le echa un detenido vistazo a la lista que hemos confeccionado dedicada a los sonidos de raíz yanqui, se dará cuenta de unos cuantos detalles nada baladíes. En primer lugar le sorprenderá la ausencia entre los elegidos de una habitual como Kacey Musgraves, pero el hecho de que su excelente disco sea sorprendentemente más pop que country y que se encuentre entre los cuarenta de la lista general ha descartado del todo su inclusión. También notará que las mujeres han ocupado las cinco primeras posiciones, en un año clave a la hora de exigir su derecho a ser consideradas en igualdad de condiciones que los hombres. Pues bien, al menos en lo que a la americana music se refiere, ellas llevan décadas pisando igual o más fuerte que los artistas masculinos. Por otro lado hay que destacar que por primera vez todos los músicos del top son estadounidenses y que, cómo es habitual, la lista combina discos de debut o primerizos como el de H.C. McEntire con veteranos de la talla de Ry Cooder o John Prine. Por último no dejen de escuchar la delicia que Courtney Marie Andrews se ha sacado de la chistera y decirles que otros como: American Aquarium, Traveller, John Hiatt, Austin Lucas, Richard Thompson, Mary Gauthier, Adam Hood, Old Crow Medicine Show, The Milk Carton Kids, Brent Cobb, Brothers Osborne… etcétera, también estuvieron a punto de asaltar los cielos. —don disturbios

1. “Yankee Hotel Foxtrot” Wilco

2003

Courtney Marie Andrews May Your Kindness Remain Loose

1. “Carrie & Lowell” Sufjan Stevens 2. “To Pimp A Butterfly” Kendrick Lamar

2015

3. “Amnesiac” Radiohead

3. “Every Open Eye” Chvrches 1. “Skeleton Tree” Nick Cave & The Bad Seeds

10 Ammar 808 Maghreb United Glitterbeat

2. “★“ David Bowie

2016

2. “Rock Action” Mogwai

3. “Let Them Eat Chaos” Kate Tempest 1. “DAMN.” Kendrick Lamar 2. “Sleep Well Beast” The National 3. “Arca” Arca

2017

American woman…

Top10

1. “Bleed American” Jimmy Eat World

2001

Fueron MEJORES

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Los Discos de mi Vida

c. tangana FOTO: archivo

robert smith (the cure) FOTO: archivo

MONDO FREAKO

SanSan

El Mad Cool vuelve a apostar por la misma estrategia del año pasado: ir soltando nombres a cuentagotas para mantener la expectación y acaparar titulares casi cada día. A lo largo de noviembre han caído confirmaciones como las de The National, The 1975, Vetusta Morla, Tash Sultana o Bon Iver, lo que abre las puertas a que veamos también algo de Big Red Machine (su proyecto conjunto con Aaron Dessner de The National) en el festival madrileño. También han sido muy celebrados los anuncios de Vampire Weekend, que publican disco en 2019 después de seis años de silencio discográfico (los mismos que llevan sin tocar en España), y cómo no The Cure, el gran reclamo por ahora. El festival tendrá lugar del 11 al 13 de julio en IFEMA de Madrid, y aún no ha puesta a la venta los abonos para este año.—MS www.madcoolfestival.es

David Ruiz (La M.O.D.A.)

beach house FOTO: ARCHIVO

David Ruiz continúa firme al timón de La Maravillosa Orquesta del Alcohol (La M.O.D.A.), con quienes no deja de llenar salas. Ahora han publicado 7:47 (Ni un minuto más), producido por Steve Albini y que nos sirve de excusa para preguntarle por algunos de sus discos favoritos.

Un disco que descubrí por mis padres...

El disco que me cambió la vida...

El primer disco que escuché completo...

Nuevenoventaicinco

VV.AA.

Kiko Veneno

BSO 1999-2000 (2000)

Punk-o-rama 3 (1998)

En todos los viajes en coche que hacíamos, lo ponían mil veces. Yo tendría seis o siete años y con varias canciones me entraba una melancolía que ni siquiera sabía lo que era.

Han sido muchos, pero Nuevenoventaicinco fue clave para entender que se podía escribir en castellano desde otra perspectiva. Su disco BSO 1999-2000 (2000) me parece una joya y, junto a Standstill, de lo mejor que se ha hecho en este país.

Una recopilación de Epitaph, Punk-orama 3 (1998). Tendría doce años más o menos. Lo escuchaba durante horas, menos algún tema que tenía que saltar porque me daba dolor de cabeza (risas).

Échate un cantecito (1992)

Tomavistas El festival Tomavistas sopla cinco velas en 2019, y parece que apuntan alto de cara a su fiesta de cumpleaños. De momento ya tienen concierto exclusivo en España de Beach House, a Cigarettes After Sex, uno de los grandes hypes de la temporada pasada; y a Friendly Fires, que volverán para presentar su primer disco en ocho años. Eso en el plano internacional: en el nacional están Triángulo de Amor Bizarro, Hinds, Niña Coyote eta Chico Tornado, los reclamadísimos Carolina Durante y la gran revelación del tontipop de los últimos años, Cariño. El festival madrileño repite en el parque Enrique Tierno Galván los días 24 y 25 de mayo, tras reunir en su pasada edición a 13.000 personas.—MS www.tomavistasfestival.com #26 diciembre 2018

El último disco que me ha encantado...

El álbum que más te pones para componer...

Un disco que te gusta regalar...

Ian Felice

Violadores del Verso

John Mayer

Pues te diré In The Kingdom Of Dreams (2017) de Ian Felice. Producido por su hermano Simone, me parece un disco muy logrado en sonido y canciones, perfecto para viajar.

Para escribir letras me motiva escuchar rap: Dheformer Galinier, Erik Urano, Chinatown, Hermanos Herméticos y canciones antiguas de Kase O. Musicalmente, me inspira escuchar a Elliott Smith por encima del resto.

Continuum (2006) de John Mayer. Sólo por las baterías de Steve Jordan merece la pena, la verdad. —MS

In The Kingdom Of Dreams (2017)

Genios (1999)

Continuum (2006)

No todo es verano en el calendario de festivales. El SanSan es uno de los que apuesta por adelantarse y ubicarse en la primavera, y concretamente celebrará su próxima edición los días 18, 19 y 20 de abril en Benicàssim. Hace unos días ha liberado una lista de nombres formada por Xoel López, Triángulo de Amor Bizarro, Varry Brava, Los Punsetes, Carolina Durante, The Parrots, Ramon Mirabet, La Sonrisa De Julia y Bocho, que se suman a los ya confirmados a C. Tangana, Izal, La Casa Azul, La Pegatina, Los Auténticos Decadentes, La Plata, Nerabe, Fuel Fandango, Rozalén, Morgan, EUT, Zea Mays, The Crab Apples y Las Chillers. Vamos, que ya está buena parte del cartel -aún quedan sorpresas, ojo- sobre la mesa. —MS www.sansanfestival.com

garbage FOTO: archivo

Mad Cool

Cruïlla Parecía que la autoconfirmación de Garbage iba a empañar el primer anuncio del Cruïlla, pero han sabido sobreponerse dando la sorpresa: Kylie Minogue, un nombre nada habitual en el circuito estatal de festivales, será uno de los cabezas de cartel de la edición de 2019, que tendrá lugar del 4 al 6 de julio en el Fòrum de Barcelona. Y de momento parece que apuestan por distribuir la programación en jornadas temáticas. Dos de los grupos de rap que más gente arrastran por estos lares, Natos y Waor y Ayax y Prok, lideran el jueves junto al catalán Lildami. Garbage, Foals, Bastille y Vetusta Morla son los confirmados para el viernes, mientras que Kylie Minogue es, por ahora, la estrella del sábado. Ya hay disponibles abonos de tres días por 105 euros y de dos días por 95 euros (más gastos en ambos casos). —MS www.cruillabarcelona.com

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l éxito es siempre un parámetro subjetivo. Especialmente para artistas tan iconoclastas como Julia Holter, que se balancean en la estrecha línea que separa el pop alternativo de la música puramente experimental. Lo que es seguro es que se trata de una de las voces más unánimemente respetadas de su generación. Tras dos álbumes profundamente abstractos Ekstasis (RVNG, 12) y Loud City Song (Domino/Music As Usual 13), sorprendió a propios y extraños con el soberbio Have You In My Wilderness (Domino/Music As Usual, 15), definitivamente más accesible y cálido que sus predecesores. Pero Holter es un ave inquieta y vuelve a reinventarse con Aviary, probablemente el trabajo más complejo de su carrera. “Este álbum me ha hecho aprender mucho de mí misma. No cambiaría nada de mis anteriores trabajos, pero no volvería a repetir los mismos esquemas. Para mí es importante hacer en cada momento lo que realmente siento. En Have You In My Wilderness me interesaba trabajar con estructuras de canción más tradicionales, estribillo-estrofa-estribillo, pero con Aviary mis sensaciones son distintas. Ya no estoy en ese momento”. Se trata de una obra extraña, repleta de referencias esotéricas, literarias e históricas ya desde su título -literalmente “pajarera”, en castellano- inspirado en una historia de la poeta libanesa-estadounidense Etel Ada. “La historia original trata sobre una poeta iraquí que intenta recuperar su vida después de la guerra… pero creo que su relato puede servir para definir otras situaciones. La idea fundamental es cómo conseguir salir de una situación horrible a través de la belleza”. En cierto modo, todo el álbum parece una meditación sobre el caos del mundo actual. “Lees las noticias y todo resulta abrumador, inquietante, confuso, aterrador: el calentamiento global, el deshielo de los polos... parece que vivimos tiempos realmente apocalípticos. Aunque esto no es nada nuevo. De hecho es algo cíclico que se lleva repitiendo a lo largo de los siglos. Últimamente me ha dado por leer muchos textos del siglo XIII y en esa época también estaban convencidos de que el Apocalipsis estaba a la vuelta de la esquina”. El interés de Holter por el pasado no es nuevo -sus dos progenitores son historiadores-, pero por primera

CRÍTICA Aviary

Domino/Music As Usual Pop 8/10

Holter se adentra aquí en una búsqueda que acaba convirtiéndose en un auténtico atlas de las emociones (soledad, deseo, frustración, resentimiento, locura…), a través de un ambicioso doble álbum que primero parece levantar un castillo interior, tan inexpugnable como a priori resulta la propia artista, para mostrarse a continuación como una versión más luminosa -aunque igualmente misteriosa- de sí misma. Más que nunca, sus canciones se han construido sin prisas, recorriendo jardines de senderos infinitos.

—enrique peñas

vez su atracción por el medievo resulta evidente; tanto a nivel lírico (en Chaitues canta en occitano, Coligiere es un termino medieval, en Voce Simul habla del siglo XIV…) como musical (hay elementos sonoros que recuerdan a cantos litúrgicos, polifonías manieristas). “Siempre me ha interesado mirar al pasado, porque nos permite entender muchas cosas de nuestro presente. Existen muchos paralelismos entre aquella época

Julia Holter Regreso al pasado

y esta. Entonces eran las cruzadas y las guerras religiosas, algo que no se aleja demasiado de lo que estamos viviendo a día de hoy. Era una época perturbadora y confusa, como ahora. También hay un elemento poético obvio en el medievo”. De hecho, las referencias literarias -de aquella y cualquier otra época- se suceden a lo largo del disco; hay fragmentos de La Divina Comedia de Dante (I Shall Love 2), poemas de Safo de Mitlene (I Would Rather See) e incluso referencias al romanticismo ruso de Aleksandr Pushkin... “Sí, la verdad es que soy un poco pedante (risas). Hay un montón de referencias vagas a diferentes autores, pero tampoco quiero dar la sensación de que mi música es académica porque no lo es. Sencillamente son lecturas que han formado parte de mi proceso creativo para este disco porque las estaba leyendo en ese momento”. Un proceso creativo cada vez más personal, mucho más cercano a la mentalidad punk que a cualquier formalismo. En esta ocasión comenzó a grabar en casa unas demos usando solo su voz y un sintetizador para poder guiar a los músicos en el estudio, pero finalmente acabó incluyendo esas pistas en el disco. “Me gustaba cómo habían quedado. Tienen un elemento más naif, algo que contrasta enormemente con la cantidad de capas de distorsión y ruidos que fui añadien-

do en el estudio. No quería que sonara demasiado producido. Me interesaba utilizar esos sonidos raros, de baja frecuencia, como de cacofonía. Mi forma de trabajo es muy poco ortodoxa. Me gusta jugar, experimentar, encontrar accidentes… así es como soy. Soy muy desordenada en todos los aspectos de mi vida. A veces soy como un niño. No soy ningún genio”. —tomás crespo

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a “Soy muy desordenad os ct pe en todos los as y de mi vida. A veces soy como un niño. No so ningún genio”

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FOTO: ARCHIVO

Con su cuarto disco Aviary (Domino/Music As Usual, 18), la compositora de Los Angeles nos propone un brutal viaje a un mundo apocalíptico que tiene mucho que ver con el nuestro, pero también con el Inferno de Dante o el que vivieron los cruzados en las guerras santas del medievo.

diciembre 2018 #27

Kokoshca Contra el Mal Los de Pamplona lanzan su álbum más versátil bajo el enigmático y conciso título de El Mal (Sonido Muchacho, 18). Álex, Amaia e Iñaki nos dan detalles en Malasaña. Se les ve encantados con un trabajo en el que a su indie garage (o viceversa) añaden matices incluso folclóricos.

TAN. LEJOS. Afrojuice 195 Los príncipes de Bel-Air Han pasado dos años desde que Afrojuice se hicieron famosos entonando Benzema, Benzema como poseídos. Los de Fuenlabrada aportaban su grano de arena al afro-trap, un género que todavía nadie hacía por aquí. Poco a poco, el tiempo les ha dado la razón. Se han hecho un hueco en la peleada escena urbana y lo defienden con Los famosos (Juicy Records, 18). #28 diciembre 2018

l guionista Alan Moore afirmó que un segundo de 2015 contenía más información que toda la historia de la humanidad anterior. Asumiendo este dato abrumador, Iñaki sugiere que los que se acerquen a El Mal lo degusten de principio a fin. Un reto en estos tiempos de extrema abundancia sonora y volatilidad, pero para eso se trata del trabajo en el que han puesto más empeño. “La diferencia principal con el anterior, Algo real, es que aquel lo hicimos con mucha urgencia. Este no. Ha habido mucho más trabajo de preproducción y ha llevado mucho más tiempo. Es una diferencia sustancial. Creo que es un disco que hay que escuchar más de una vez. Hay mucha gente a la que al principio no le gusta, y luego, sí. ¿Sabes qué pasa? Que nosotros seguimos con este concepto viejuno de reivindicar los discos. Mira Nacho Vegas, que ha hecho un doble de noventa minutos”. En efecto, los contrastes y matices se acentúan en un trabajo con participación destacada de Luis F. Bayo, del dúo riojano de culto

RR Lo de Billie Eilish ha sido lógico para algunos e inexplicable para otros. Las entradas para su debut en España, que tendrá lugar el 9 de marzo en La [2] de Apolo de Barcelona, han volado en cuestión de minutos (segundos según a quién se pregunte). Con tan solo dieciséis años, un EP y un puñado de singles se ha convertido en uno de los nombres con más proyección del pop estadounidense, y todo apunta a que va a despegar del todo el año que viene. Ya podéis empezar a poner velas a vuestra virgen favorita para que muevan el concierto a una sala más grande.

CRÍTICA El mal

Sonido Muchacho Rock 8/10

Un paso adelante desde la solidez y la ambición. Una inquietud sonora que se traduce a lo largo del álbum en una genial mezcla de géneros que van desde el rock, o la psicodelia hasta una especie de folklore espacial. Pero también es en las letras donde encontramos otras de las virtudes de este trabajo. Desde esa atmósfera oscura que rodea todo el álbum, Kokoshca tiran de las vivencias del día a día para plasmar la incertidumbre y el pesimismo (en el amor, en lo social, en lo político,…) con el que convive su generación. —guillermo chaparro terleira

RR Superchunk han lanzado por sorpresa un single, Our Work Is Done/Total Eclipse, cuyos beneficios irán destinados íntegramente a la ONG 350. org, que lucha contra el cambio climático. La cara A es un tema con Damian Abraham de Fucked Up y la B una versión de Klaus Nomi. RR Jorge Drexler ha sido el gran triunfador de los Grammys Latinos, mientras que el favorito por número de nominaciones, J Balvin, ha recogido tan solo una estatuilla. Rosalía se ha llevado dos por Malamente, y

“Estamos muy atentos al panorama nacional” y lo apoyamos todo

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

otros cuatro músicos españoles -Arcángel, Bunbury, Manolo García y Carlos Sadnesshan tenido también premio. RR “Este es el álbum que soñaba hacer en el instituto”. Palabras de Anderson .Paak, que ha lanzado por fin la continuación de su aclamado Malibu (Steel Wool Records, 16). Se llama Oxnard, es uno de los lanzamientos más destacados de noviembre y apunta a ser, igual que lo fue su predecesor, uno de los grandes discos de música negra de este año.

eclarados por sí mismos los padres del afro-trap nacional, los tres hermanos (Veronique, Mike, TJ) y los dos amigos (Taylor y Delacalle) tienen muy claro que “ante todo y en primer lugar, Afrojuice es una familia, que canta, pero una familia”. No es casualidad que fuera su hermana quien “les quitó los miedos e indujo a meternos en la música, porque la verdad, éramos muy callejeros. Ella fue la primera en darse cuenta de que podíamos vender nuestras canciones y además expresar un mensaje acerca de todo lo que teníamos en nuestro interior”. Con la misma seguridad que hablan del núcleo que forman, expresan el significado de su nombre “Afro viene de nuestras raíces africanas y Juice por la película de 2Pac. En esa película 2Pac era el molón del barrio. Y por eso nos llamamos Afrojuice. Los africanos molones, los molones de España, los Will Smith de España, los príncipes de Bel-Air”. Para ellos, el deporte y la

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“Seguimos con este concepto viejuno de ” reivindicar los discos

RR The KLF han vuelto a hacer una de esas cosas que solo pueden hacer ellos. Su nueva idea es construir una pirámide con las cenizas de, exactamente, 34,592 muertos. Y tú puedes ser uno de ellos. Eso sí, como reza el eslogan -Buy Now, Die Later- no hace falta que te mueras ahora mismo: solo hay que pagar 99 libras para recibir la urna, cuando llegue la hora tu familia mandará 23 gramos de cenizas en ella, y voilà. La construcción empieza este 23 de noviembre en Toxteth, Liverpool, y a partir de ahí todos los años, en esa misma fecha, se volverán a añadir ladrillos.

calle son los elementos fundamentales para que la fórmula del afro-trap funcione. “Lo hemos visto en nuestra infancia e imagino que tú también: los chavales cogen un balón y conocen a sus colegas jugando al fútbol. Lo que hemos tratado de hacer nosotros, ha sido coger esto que te estoy contando y mezclarlo con temáticas de drogas, peleas, centros de menores, etcétera… temas que también hemos vivido. Eso es el afro-trap, la mezcla de esas dos cosas. Te permite cantar y soltar el mismo mensaje del trap mientras bailas”. Sin embargo, en la escena urbana, no termina de producirse una eclosión del género y mucho menos de dibujarse un destino. “En España no hay cultura musical. En América y en Francia los esclavos cantaban porque no les quedaba otra… eso ya es cultura musical. Aquí no y por eso cuesta más coger esos ritmos y fluir sobre esas bases, por eso no hay mucha gente que se atreva. Pero hay chavales que lo han intentado y que lo han hecho

bien. Mira, hay uno de Almería que nos gusta mucho y con el que vamos a colaborar dentro de poco que se llama Rvfv. Es blanco y le mete… por eso decimos siempre que da igual del color que seas y la raza que seas, si le metes… le metes. Y como él hay más chavales. Nosotros estamos muy atentos al panorama nacional y lo apoyamos todo. Tenemos que hacer nuestro pequeño Puerto Rico, nuestra propia industria”. Para ello, los autores de La Mixtape se han rodeado de colaboradores acordes a su pensamiento, desde una Ms Nina haciendo reggaeton clásico, a un Kaydy Cain haciendo “afro-twerk, un estilo de música que hemos inventado nosotros”, pasando por Khaled, Denyerkin y el Yung Beef más alegre de los últimos años. —manuel jubera

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Espanto, y que ha grabado y co-producido Kaki Arkarazo (Manta Ray, Chucho). “En cierta manera, es nuestro disco más ambicioso, sí. Aunque todos lo son, en realidad. Nosotros somos un poco como el Loco del Tarot. Círculo cuadrado es una canción de nuestro primer disco, muy lo-fi, grabada en casa, cutre y tal. Te prometo que en su momento pensé en que la produjera Phil Spector. Me pareció una genialidad la ocurrencia de que como está en la cárcel, igual no tenía nada mejor que hacer. A ese punto de ambición inocente o naïf llegamos”, confiesa Iñaki. Para este disco, el nombre de Brian Eno se puso encima de la mesa, añaden entre risas, una influencia que Arkarazo percibió en los sintetizadores de las maquetas. “Era la primera vez que podíamos ir a un estudio potente, y barajamos distintas opciones. Hablamos con Biznaga, que habían grabado allí y la localización de Garate nos venía de pelotas. Fue muy, muy guay”, explica Álex. Están encantados con el resultado. (Amaia) “A mí me gusta todo cómo suena. Las voces suenan muy cla-

ras y es algo que no está de moda, sobre todo entre los grupos indies”. Salto adelante con el sonido, sí, pero también con las canciones. (Amaia) “Siempre hemos hecho lo que hemos querido. En este caso, hemos tenido más tiempo y más medios, lo que nos ha permitido hacer más cosas”. Para Iñaki, “hay una mayor exigencia en las estructuras, en las armonías. Queríamos ir un poco más allá de lo que estás acostumbrado a hacer. Tampoco somos Bach, pero hay una mayor intención por intentar avanzar como músicos o artistas”. Más novedades: “Ha habido una intención sutil de buscar ciertas raíces españolas. Sutilmente. Es algo que venimos pensando. Está de puta madre tener influencias anglosajonas, pero ya existen. ¿Por qué no buscar algo en tu cultura?”. —j.c. peña

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MC50 supervivientes Wayne Kramer, el mítico guitarrista y fundador de MC5, nos acaba de visitar para actuar en Barcelona, Murcia y Madrid. Lo ha hecho al frente de MC50, una superbanda formada por Kim Thayil (Soundgarden), Brendan Canty (Fugazi, Bob Mould), Marcus Durant (Zen Guerrilla) y Billy Gould (Faith No More). Aprovechamos para charlar un rato con él.

stáis inmersos en esta gran gira desde hace meses. ¿Cómo está yendo? Está siendo fantástica. Una experiencia extraordinaria. Realmente maravillosa. —Se acaban de cumplir cincuenta años de la grabación de Kick Out The Jams. ¿Sientes nostalgia cuando miras a aquellos días salvajes? La verdad es que no, porque sufro de retro-fobia cuando miro atrás (risas). No, aprecio lo que pasó y no le cierro la puerta a aquello, pero dedico todos mis esfuerzos al momento en el que estoy. Al día en que estoy. Hoy. —¿Es surrealista tocar cada noche con músicos para los que este disco tiene un estatus casi mítico? No utilizaría la palabra “surrealista” exactamente, pero es interesante. Lo más importante para mí, es que todo el mundo ponga el cien por cien cada noche. Que cada uno toque e interprete bien para que suene como debe sonar. Eso hace que todo mejore. —¿Qué dirías que es lo más importante para hacerle justicia a esas canciones cada noche que salís al escenario? Bueno, habría que decir mucho al respecto. Conocer el material y tocarlo de manera óptima; y también ser fieles a su mensaje. Nuestro trabajo es entretener a las personas, pero también provocarles e inspirarles para que actúen en sus

propias vidas. —Empezaste a tocar en tiempos muy turbulentos con una de las bandas de rock más salvajes que ha habido. ¿Cómo de diferente es tocar hoy en relación a aquellos días? Radicalmente distinto. Hoy todos los músicos comparten mucha camaradería y respeto mutuo. No hay drogas o alcohol. La gente se puede tomar una cerveza, pero nada que ver con lo que hacíamos entonces. Han mejorado desde los alojamientos hasta las salas. Ahora viajamos en un autobús de lujo y pasamos la noche en un hotel agradable. En general, todo el mundo te trata mucho mejor ahora (risas). —jc peña

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diciembre 2018 #29

MONDO FREAKO

MOHAMA SAZ Oviedo (22 diciembre, Festival Humo; La Lata de Zinc)

Los gestores de la ‘pasión turca’ siguen a un ritmo frenético desde el experimental debut More Iran (Nooirax, 15), al que siguió: Negro es el poder (Humo, 17). Pero solo sembraban el terreno para lo que estaba por venir. Ya está aquí Viva el rey (Humo, 18).

AgeNda. diciembre.

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#30 diciembre 2018

gual les da jazz que rock, soul que folk, así como el lugar de proveniencia. Afirman que su universo está en expansión, como el Cosmos. “Expandirse es nuestra razón de ser. Nuestro atrevimiento a la hora de investigar nuevos sonidos y ritmos. Esto es lo que nos lleva a otros lugares”. El origen de Mohama Saz fue el descubrimiento de Javier Alonso del baglama-saz un instrumento de cuerda procedente de la península de Anatolia (actual Turquía), y que dio nombre, con giro paródico, a la banda. “En un viaje a Estambul investigué el instrumento. Encargué uno a un lutier de allí para tocarlo como una guitarra, a pesar de sus

Zeal & Ardor “Sabemos cómo dar un show más salvaje sin valernos de recursos visuales” Madrid (18 diciembre, Copérnico), Barcelona (19 diciembre, La [2] de Apolo)

Música oscura para tiempos oscuros. Esa es la máxima que parece desprenderse de la música de Manuel Gagneux, líder del proyecto vanguardista Zeal & Ardor. El músico suizo trasciende de nuevo los límites del metal extremo en este extraordinario segundo álbum, Stranger Fruit (MKVA, 18).

l título de Strange Fruit evoca la sórdida tonada de Billie Holiday, himno del martirio afroamericano a manos de supremacistas blancos como el Ku Klux Klan. A estas alturas, no deja de resultar chocante la toma de dichas imágenes. ¿Ha empeorado la situación en este último siglo? “Intenté no ser demasiado negativo. Viendo cómo está el clima político, especialmente en Estados Unidos, sí que tengo la sensación de estar regresando a un escenario similar. Es grotesco ver esa obsesión por cuestiones como las fronteras. Todos tenemos la potestad de juzgar lo que está sucediendo allí. Cuando giramos por América [sin embargo] no tuvimos la sensación de que todo fuese una cuestión de ‘blanco o negro’. Todos saben que lo relativo a la política es una auténtica mierda y que legislativamente están desamparados. Sencillamente es que la gente le da la espalda”, comenta Gagneux. La amargura y contundencia de su discurso entronca plenamente con su peculiar sonido, a medio camino entre un black metal de impecable factura y la música espiritual negra, algo que le ha permitido llegar a un públi-

co mucho más amplio que el de una escena tan viciada como es la extrema. “Nos alegra que nuestro público sea abierto y diverso. Creo que la gente quiere empezar a estar de acuerdo en algo. Llevamos muchos años soportando cosas que sólo generan división”. Sus nuevas composiciones, inspiradas esta vez en el registro de Tom Waits – “cuando le escuchas te bastan diez segundos para transportarte”–, toman como elemento central la ambivalencia vocal de su líder, ora gutural, ora góspel. “Este sigue siendo un proyecto experimental en el que intento combinar esas dos facetas de forma elegante. Para mí el reto era que no sonase demasiado segmentado, que una parte fuese puramente soul o góspel y luego metal, sino que ambas se combinasen orgánicamente. El resultado es esta especie de pop soul”, explica entre risas. “Veremos a qué nos lleva el siguiente paso. No me lo he planteado todavía”. De una apuesta tan arriesgada cabría tener dudas; ¿qué podemos esperar pues de su final de gira en España? “Intensidad. En el escenario somos muchas personas con mucha energía, y ahora que tenemos más rodaje sabemos cómo dar un show más salvaje sin valernos de recursos visuales. Es un espectáculo sin concesiones. Incluiremos además un par de temas que no aparecen en Stranger Fruit. No será mucho más de hora y media, pero no creo que quede nadie vivo después de esto”, concluye con una gran carcajada. —fernando acero

diferencias. Aún me queda mucho camino por delante…”. Ahora conforman un quinteto con Rubén Mingo (Sou Edipo, Automâtica...), contando por fin con percusionista propio. Las influencias no podían ser más ricas. Arturo Pueyo rememora en 5 Cats Swinging a Louis Armstrong, Wynton Marsalis, Django Reinhardt. O en Sur Quintet a Weather Report, Peru Jazz o Miles Davis. Javier Alonso tiene un currículum impresionante, con Novak, RIP KC, y hasta ha acompañado puntualmente al legendario Richard Hell en alguna actuación en España. “Sí, Arturo viene del jazz y el resto venimos más del rock, pero siempre hemos tenido inquietudes jazzísticas John Coltrane, Sun Ra, Tinariwen, Erkin Koray, Moondog, Triana… son vicios compartidos”. —rubén g. herrera

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Mafalda

ARIZONA BABY

“El mito de que hay pocas mujeres se tiene que acabar ya” Granada (1 diciembre, Sala El Tren), Zaragoza (14 diciembre, Sala López), Murcia (15 diciembre, Garaje Beat Club) Valencia (30 diciembre, Festivern, Tavernes de la Valldigna)

León (Gran Café, 20 y 21 diciembre) Valladolid (Lava, 28 diciembre) San Sebastián (Dabadaba, 29 diciembre) A Coruña (Playa Club, 4 enero) Pontevedra (Karma, 5 enero) Córdoba (Hangar, 18 enero) Sevilla (Sala X, 19 enero) Albacete (Clandestino, 25 enero) Toledo (Círculo del Arte, 26 enero)

Recapitulando buena parte de los instintos que han acaparado en su carrera, los vallisoletanos continúan moldeando en Sonora (Subterfuge, 18) una identificable voz surtida de clasicismo, pero también de toda una ristra de diversos referentes.

La banda combativa y feminista de Valencia y alrededores acaba de publicar su cuarto disco de estudio, Palabras forman caos, un alegato a favor de la mujer actual y una obra que les ha hecho subir mucho en la escena nacional del momento.

acar un disco sin dejar de girar no es fácil, pero, tras escucharlo, podemos decir que Mafalda lo han logrado con muy buen criterio y resultado. Siempre en pie de guerra. “Quizás llegue el momento en el que no tengamos nada más que contar y que el proyecto muera. Todas sabremos ver si ese momento llega y cerraremos ciclo orgullosas del camino”. De un camino a favor de la visibilidad e igualdad de la mujer. Durante la gira hicieron un documental (Las que faltaban), en el que se da voz a las mujeres del sector de la música para que expliquen sus vivencias y sus experiencias. “En un primer momento, se barajó la posibilidad de incluir opiniones masculinas. Después de darle un par de vueltas, se llegó a la conclusión de que los hombres ya tienen espacios suficientes para manifestarlas: todos los espacios del mundo son mixtos, así que generar uno no-mixto para hablar sobre estos temas que, al final, nos atraviesan a las mujeres, nos pareció más interesante y revelador”. Además sacaron un video (Las que faltaron) a modo de aperitivo y single del disco para visibilizar a las mujeres que han hecho historia en diferentes campos y no han sido reconocidas, con la colaboración de la rapera feminista y anarquista guatemalteca Rebeca Lane, “Seguimos el arte de Rebeca desde hace tiempo y pensa-

mos que el nuevo disco y esta canción era el escenario perfecto para ella. Accedió y confió en nosotras tras escuchar la letra y estamos muy contentas con el resultado”. Otra colaboración es la de la cantante Monty Peiró en Todos los golpes. “Monty fue una situación parecida y aparte es una amiga muy cercana a la banda con un talento que te peina para atrás”. En su anterior disco, les costaba encontrar referentes femeninos en la música política nacional. “Tenemos muchos y no necesariamente con discurso político. Cuando buscamos referentes con un discurso potente nos cuesta más y en ocasiones miramos hacia nuestras hermanas en Latinoamérica para encontrarlo. Pero el mito de que hay pocas mujeres se tiene que acabar ya. Hay algunas menos, ya sabemos muy bien las razones, pero a veces solamente se trata de mirar un poquito más allá de lo que la sociedad o el sistema pone a tu alcance”. En este disco han vuelto a trabajar todas juntas para la realización y composición, “Hemos vuelto a trabajar juntas, la diferencia es que esta vez todas hemos trabajado para la canción y hemos dejado en gran parte el ego del creador a un lado. De esta manera hemos escuchado más a nuestro productor Ángel Vela y el resultado se puede observar en el disco”. Acostumbradas a realizar canciones que son un conglomerado de estilos, de algunas se podrían sacar varias. “Surge de manera natural cuando juntamos ideas que en un primer momento podrían parecer opuestas pero que juntas cuentan una historia distinta y emocionante. Nos gusta encontrar sonidos nuevos y no repetir patrones ya creados”. —a. méndez

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avier Vielba, el hombre de los mil proyectos, nos desvela el truco de unas canciones que transitan por diversos niveles en su forma y fondo... —Han pasado cuatro años desde vuestro anterior trabajo. Arizona Baby es una banda que no tiene prisa a la hora de publicar. ¿Es una cuestión de imposibilidad por cuestiones de agenda o una manera de trabajar que habéis adoptado? Al final es un poco todo, es cierto que entre disco y disco han pasado cuatro años, pero entre medias hemos estado liados con Nueva dimensión vital y Más allá de Corizonas, y sus respectivas giras, yo con Fantasmagoría de El Meister, produciendo Antigua y barbuda de Ángel Stanich... Por una parte hay varios proyectos en marcha y eso ocupa tu tiempo, pero por otro es algo a lo que estamos acostumbrados. Siempre hemos tenido varios frentes abiertos y terminas acomodando tu forma de trabajar

a ese cauce del río, a acoplar los planes para que cuadren. Vas organizándote por ciclos y cuando ves que hay canciones empiezas a preparar todo... —A lo largo del álbum se percibe una mayor presencia de sonidos negros, ya sea con influencia del blues, como End Of The World o FTW, o por medio de fuertes bases rítmicas casi funk, como Devilish Minds o Make Believe. ¿Ha existido esa intención de darles más presencia a ese tipo de ritmos? No ha sido algo premeditado pero tienes razón. Desde el principio el blues ha estado ahí, pero siempre ha tenido ese filtro blanco, ese que viene de Canned Heat o de ingleses como John Mayall, Peter Green, Eric Clapton o los Stones de los primeros tiempos. En este caso se nota más negroide, ha aflorado algo que siempre ha existido, casi de manera inconsciente. Ese poso que tiene el soul, el rhythm and blues, el eterno blanco y negro del rock and roll. Nos encantan artistas también del country-soul, Tony Joe White, o Jimmy Reed que a veces tiene ese puntito funk... Es algo que nos ha fascinado siempre, al igual que nos inspiran mucho esos power trios de rock, la Hendrix Experience, Grand Funk Railroad, que también bebían mucho de esas raíces. Pero además crecimos en los noventa, con la explosión del grunge, algo de lo que hay mucho en este disco y que me gustaría resaltarlo, de cuando gozábamos delante de la pantalla viendo videoclips, quedando con amigos para comer pizza, fumar los primeros canutos... —kepa arbizu

diciembre 2018 #31

33/Mondo VINILOS

Unknown Mortal Orchestra

Basement Beside Myself Fueled By Ramen

IC-01 Hanoi Jagjaguwar/ Popstock!

ROCK / Con Ruban Nielson al mando, Unknown Mortal Orchestra nos regalan su segundo disco en lo que llevamos de 2018. En abril tuvimos el híbrido Sex & Food y ahora IC-01 Hanoi. Los estadounidenses firman su primer trabajo instrumental, grabado casi paralelamente a Sex & Food, dando lugar a siete temas de electric jazz y psicodelia que cuentan con algunas influencias de Miles Davis o de la música vietnamita gracias a la participación de Minh Nguyen con su flauta y su percusión. Arranca motores con Hanoi 1, un frenético rock jazz que vuela enseguida y que da paso a Hanoi 2, que opta por un tono psicodélico y donde Ruban se luce con la guitarra. Lo más interesante llega con Hanoi 6, una profunda balada que cuenta con un sentido solo de saxofón de Chris Nielson, padre de Ruban.

FOTO: SUFFO MONCLOA

La imprevisibilidad de Robyn Robyn

Honey Konichiwa/Island

8 pop / Robyn dice que la música sirve para generar cambios en las personas, provocarles una necesaria catarsis interna que les lleve a tomar nuevos rumbos vitales. Y, por esta razón, Honey ha acabado entre nosotros. Este octavo álbum nos presenta a una artista vulnerable, sin miedo a romperse, y alejada de sus robóticos predecesores. La muerte de Christian Falk, productor y amigo, marcó un punto y aparte en su trayectoria. Terminó acudiendo a terapia tres veces a la semana y recurriendo a las drogas psicodélicas para encontrar su verdadero yo. Pero todo dio una enorme vuelta de hoja con la composición de Honey como canción. Primer tema que le devolvió la paz y seguridad como artista (“Won’t you get me right where the hurt is?”). Viajó a Ibiza, Nueva York y Los Ángeles; se apuntó a clases de samba porque el baile le hacía sentirse libre (de ahí probablemente el punch de Beach2k20) y terminó formándose en el ámbito de la producción para coger la totalidad de las riendas de su proyecto. Aun así, finalmente, Robyn no quiso introducirse en este complejo nuevo recorrido sola y decidió apoyarse en nuevos y viejos amigos. Joseph Mount, fundador de Metronomy, ha sido el encargado de la producción minima-

lista del disco. Al otro lado, Mr. Tophat, el llamado maestro del house sueco con el que sacó el pasado año un EP, ha sido el culpable del lado más house del proyecto (Baby Forgive Me). Y, como no podía ser de otra forma, vuelve a recurrir a Klas Åhlund para sentirse como en casa. Honey no es un álbum experimental, es un disco real, humano. Un proyecto de crecimiento que comienza con un gran hit como es Missing You, marcado por el clásico four-on-the-floor que nos enlaza con antiguas etapas de Robyn. Pero, que ves cómo poco a poco se termina haciendo más grande. Un complejo puzzle lleno de detalles como los bajos de Ever Again, ese sampler en Send To Robin Immediately del French Kiss de Lil Louis o los hipnóticos sintetizadores de Honey. Además nos regala grandes momentos como la provocadora oscuridad ochentera de Human Being junto a Zhala o el acercamiento a la samba-jazz en Beach2k20 con implementación de recursos metálicos y sonido de iMessage incluido. Robyn ha logrado así canalizar todas sus frustraciones e inseguridades como artista, sus cuestionamientos sobre si está eligiendo el camino correcto. Y, como resultado, nos encontramos con un engranaje de temas de espíritu tremendamente triste que a su vez logran hacerte sentir bien y limpiarte por dentro desde la primera escucha. Disfrutemos con paciencia de este nuevo caramelito ya que viendo la trayectoria previa de la estrella su siguiente paso en la industria es completamente impredecible. —álex jerez

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—marc oliveras deu

ingleses con Fueled By Ramen recoge el testigo donde lo dejaron con su anterior trabajo. El álbum amplia su sonido de rock alternativo melódico sin renunciar a su sello nostálgico y grunge-noventero. Siempre simples y efectivos en sus composiciones, los dos singles adelanto son excelentes muestras de lo que podemos esperar del conjunto: Disconnect y Be Here Now muestran su fuerza melódica al tiempo que conservan la sinceridad en las letras gracias al trabajo de Andrew Fisher, que sigue expresándose como un libro abierto, y tiene la capacidad de asumir la tristeza, normalizando que se puede estar jodido. Muchas melodías son pegadizas, pero mantienen la oscuridad de fondo que les caracteriza.

—sofía cuevas gonzález

Marianne Faithfull

Planningtorock

Negative Capability BMG

pop / Tras más de cincuenta

años de carrera y veinte discos a sus espaldas, el nuevo trabajo de Marianne Faithfull recoge el fiel reflejo del paso del tiempo, ese que deja trágicas muescas pero también enseñanzas que pueden resultar inconmensurables. Rodeada de talentos como los de Warren Ellis, Nick Cave, Mark Lanegan o Ed Harcourt, el álbum se define por una maravillosa capacidad instrumental suministrada como acompañamiento idóneo a la voz quebrada pero vital de la inglesa. Se manifestará heladora en Misunderstanding como otoñal en la revisitación de As Tears Go By. La tensión que alimenta They Come At Night confrontará con el romanticismo de No Moon In Paris y compaginará con la épica de una sobresaliente Loneliest Person. Un exuberante mapa musical surgido desde las arrugas del alma.

—kepa arbizu

ROCK / El debut de los

Powerhouse DFA/[PIAS]

ELETRÓNICA / Patriarchy Over And Out (12) fue un punto de inflexión en la música y la obra del/la artista genderqueer y non-binary Jam Rostrom. No era su primera pieza política, pero esta canción de house minimalista ha marcado el camino reivindicativo, libre, bailable y excitante de Rostrom en discos como All Love’s Legal (14) y este nuevo Powerhouse. A medias entre DFA y Human Level –su sello propio-, es más contestatario que nunca y mucho más minimalista que sus discos anteriores. Aunque sus primeros temas sean los ambientales R&B de Wounds o Transome, pronto aparece el house más soul y funk (Somethings More Painful Than Others). Cuando se pone en plan house minimalista es cuando el disco vuela alto con piezas como Jam Of Finland, Beulah Loves Dancing o, sobre todo, Non Binary Femme. —manu gonzález

diciembre 2018 #33

MONDOVINILOS

Vintage Trouble

Chapter II Ingrooves

Mumford & Sons buscan la autenticidad 5

Mumford & Sons Delta Universal

6 POP / Mumford & Sons es una de esas bandas

a las que tanto fans como haters examinan con lupa. Su cuarto trabajo, Delta, no hará más que agravar esa diferencia, aunque por el camino hayan intentado repescar a los fans de Sigh No More (08) casi una década después de publicarlo. A los británicos no se les perdonó demasiado que, tras el éxito de su debut y de Babel, decidieran abandonar el banjo y los graneros de Oklahoma -metafóricamente hablando-, por un sonido mucho más rock de estadio. Sus defensores dirán que no se les permitió experimentar, aunque esa evolución (Wilder Mind, 15) estuviera llena de recursos facilones y manidos. No era eso; sino más bien la decepción de haber encontrado a LA banda menos cool de Inglaterra, (que a su vez fue la que más discos había vendido en un puñado de años) y contemplar con pena una deriva progresiva al estilo Coldplay. Su cuarto esfuerzo,

Cloud Nothings

Tórtel

ROCK / El conjunto esta-

dounidense presenta Last Building Burning, un quinto álbum de estudio que continúa desde Life Without Sound del año pasado, pero dejando de lado el ligero conformismo que desprendía el largo de 2017 y con un sonido más maduro y clásico. En la producción el veterano Randall Dunn (Sunn O))), Boris) realiza un gran papel que realza el sonido que han logrado capturar Dylan Baldi y compañía, porque estamos ante el disco más contundente de su carrera gracias a la inspirada fusión de post-hardcore, punk y noise que han elaborado, mientras que al mismo tiempo presentan estribillos pegadizos donde la voz de Baldi brilla. El caso que Cloud Nothings presenta un trabajo un tanto decadente pero sentido (la desgarradora Leave Him Now), temas rompedores como The End Of The World y por supuesto Dissolution, donde el cuarteto demuestra ambición con una montaña rusa de once minutos.

—marc oliveras deu

#34 diciembre 2018

POP / La comodidad no es

una opción para Jorge Pérez, siempre llevando cada nueva entrega un poco más allá de lo que se intuía en la anterior. Cuesta reprimir los epítetos jubilosos cuando uno se enfrenta a un disco tan formidable, o reprimir la cara de póker ante tal secuencia de hallazgos. El valenciano ha encontrado la horma de su zapato en un equipo de cómplices estable: Alberto Rodilla (Al Pagoda), Abel Hernández, Joaquín Pascual y Jesús Maciá le ayudan a a dar forma a esta gozosa experiencia sensorial, entre el bendito delirio hipnagógico (Las tres tormentas), la forja de mantras en los que logra transmitir mucho con muy poco, recurriendo a una lírica tan simple como evocadora (Vamos búho) y la habilidad – no extraviada – para dibujar estribillos de ensueño sobre patrones con tanto vigor rítmico como el de Cerdo sorpresa, coronada por una de esas codas que Animal Collective ya ni recuerdan cómo resolver. Esto es superpop en estado puro. No lo duden. —carlos pérez de ziriza

mos años: formar una familia, la muerte, abuso de substancias, divorcios… 42, Guiding Light y Beloved, canciones que abren el disco, tiran de crescendos vitalistas fácilmente intercambiables. October Skies es como la versión limpia y reposada de aquel bonito Lover Of The Light, y bien podría ser el resumen del disco, con punteos de guitarra y percusiones que marcan el camino para que Marcus estire el cuello, mostrando algo de sangre, acompañado por coros celestiales. Casi, pero no. —marta terrasa

Rosali

Las tres tormentas Intromúsica

Last Building Burning Wichita/[PIAS]

Delta, recupera instrumentos de su primera época, pero de una manera menos evidente, gracias a la producción de Paul Epworth (Florence + The Machine, The Horrors). Catorce canciones en las que los británicos dicen haber experimentado más, tanto a nivel de creación como instrumentalización. Medios tiempos y baladas (Woman) más cercanas al pop-rock que al folk y que se apoyan en la voz de Marcus (The Wild) y unas letras que reflejan algunas de las situaciones vividas en los últi-

ROCK / En 2016 Rosali Middleman debutaba con Out Of Love, un disco eminentemente acústico con el que tímidamente parecía querer situarse en el camino en el que confluyen aquellos grupos a medio trecho entre el indie rock y el americana. Para la ocasión, en cambio, recluta una banda con miembros de The War On Drugs o Purling Hiss para dar más empaque a unas canciones que nunca parecen acabar de enganchar. El esfuerzo está ahí, los buenos momentos como If I Was Your Heart también, pero todo es demasiado irregular, y parece haberse puesto más interés en lograr unos ambientes que te hacen pensar en un Laurel Canyon del siglo XXI que no en componer buenas canciones. Alguna se me antojan simples retazos al servicio de la producción y eso hace que, a pesar de las buenas intenciones, el álbum cojee. Pensar lo que pudo haber sido es absurdo porque debemos analizar lo que tenemos entre manos. Y a mí, me ha parecido demasiado aburrido.

—eduardo izquierdo

me bajo del tren Vintage Trouble. Reconociendo que la banda tiene un frontman impecable, y probablemente todos los elementos para hacer algo grande, la ausencia de buenas canciones los convierte en algo inofensivo. Cierto es que en este lanzamiento, dividido internamente en dos partes, hay cosas salvables, pero ya son demasiados intentos para quedarse en la orilla. Do Me Right, de la considerada parte eléctrica, tiene una excitante línea de bajo y Can’t stop Rollin’ una interesante mirada pop, pero poco más. La cosa es sin duda más resultona cuando revisitan esas cinco primeras canciones de manera acústica, hecho que no sé si interpretar como originalidad o como incapacidad para dar más de sí. Así, la cosa que convierte un posible EP en un larga duración en toda regla, pero también pone de manifiesto que la composición no es una de sus grandes virtudes y eso, para cualquier banda, es un problema. Y grave.

—eduardo izquierdo

Connan Mockasin

La Inquisición

Trouble Anyway Scissor Tail

SOUL POP / Definitivamente

LVX Contra/HFMN

PUNK / De las cenizas de

Secret Army, Último Asalto o los skatalíticos Malarians nacía hará cuatro años La Inquisición. Tras dos epés publicados en 2015 y 2016 respectivamente, se lanzan al largo con LVX, nueve temas que suenan como una apisonadora cabreada. El cuarteto barcelonés defiende un punk de voz rota, ritmos contundentes y distorsión omnipresente que se acerca al Oi! sin renunciar a los coqueteos con el street punk y, sobre todo, al post punk (Falsos profetas, Todo pasa…). En el videoclip de El final ya dejaban patente su gusto por la oscuridad, el satanismo y los temas anticlericales en general, pero el asunto alcanza su culminación en Rosa de mort, con un estribillo tan pegadizo como coreable de amor y odio hacia su ciudad natal que de seguro es bien celebrado en sus directos. Se cierra el disco con Verte amanecer, donde se marcan su particular versión de Dorian llevándola a su terreno sin ponerse colorados.

—jesús casañas

Jassbusters Mexican Summer

POP / Connan Mockasin es

ese charco de barro para rebozar el melodrama, la obsesión y lo singular. Y es que la sensibilidad feísta que factura Mockasin es como un cristal de múltiples caras en el que a veces logramos ver a través de la lente y, otras, nos devuelve nuestro propio reflejo. El neozelandés ha sido capaz de crear un R&B surrealista que muestra a un galán tan destartalado como intenso que no se despega del flanger. En Jassbusters, el cuarto disco en su carrera, se habla de amor obsesivo y romántico; de arrepentimiento. Destacan canciones como Charlotte’s Thong (que abre el disco); Momo’s, una suerte de psicofonía pop escrita e interpretada al alimón con James Blake. También Last night: un tema que, casi, se diría todo un ejercicio de estilo homenaje a aquellas baladas tan grandilocuentes y tan pasionales de Prince. De lo que no hay duda es de lo que provoca Connan Mockasin: un lugar para la paz en un mundo perturbador. ¿No es genial?

—maría ballesteros

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Beak>

KRAUTROCK / El trío de mú-

sica cosmic/experimental Beak> presenta su cuarto disco de estudio en el que vuelven a darse un buen baño en el kraut y el cosmic de los años setenta, pero con una producción y giros hacia el post-rock que los hace algo más actuales. El grupo formado por Geoff Barrow (Portishead), Will Young y Billy Fuller da muestras de su pericia instrumental y su olfato por los desarrollos psicodélicos más certeros en temas como Allé Sauvage, el más largo del lote, donde acaban dando forma a un viaje en toda regla que pide a gritos ser escuchado en directo. El arranque con The Brazillian, donde tiran más de postrock vitaminado, no sirve mucho de guía, ya que tocan varios palos y texturas, como el kraut/rock Brean Down y RSI o el cachondo King Of The Castle, dando forma a un disco algo irregular que tiene ecos tanto de Fuck Buttons como de Neu! y peca un poco de tener pocos temas memorables, aunque cierren con ese maravilloso When We Fall. —raúl linares

For My Crimes Bella Union/ [PIAS]

FOLK / La voz vaporosa de Marissa Nadler se desnuda entre arpegios de guitarra en For My Crimes, delicatessen venenosa de escasos treinta y cuatro minutos. Folk preciosista y oscuro, que vuelve a resplandecer y hurgar en las heridas abiertas que dejan relaciones fallidas, rupturas, infidelidades y tensiones que terminan con astronautas vagando por espacios vacíos. Del desgarro inicial de la canción titular, con esa súplica por borrar lo malos recuerdos, justo cuando ya apenas nos queda tiempo para nada, con un “Please don’t remember me for my crimes” que deja marcas (Angel Olsen a los coros), a I Can’t Listen To Gene Clark Anymore, canciones que una vez unieron y hoy en día, si suenan, sangran los oídos y el pecho. El tridente estelar de voces invitadas lo completan Kristin Kontrol y Sharon Van Etten, y en Blue Vapor, entre cuerdas y vientos, Patty Schemel a la batería, acelerando la expansión de ese vapor azul, para el que parece no haber alivio ni cura. —david pérez

DD LJM

DC JSL

1 Dead Can Dance 7 8 8 8 7,75 Dionysus 2 Anderson .Paak Oxnard

8 7 8 7 7,5

3 The New Raemon 8 7 7 7 7,25 Una canción de cuna entre tempestades 4 The Good, The Bad And The Queen Merrie Land

8 8 6 7 7,25

5 Robyn Honey

7 8 7 7 7,25

6 Cariño Movidas

5 8 8 7 7

7 The Smashing Pumpkins 8 5 7 7 6,75 Shiny And Oh So Bright, Vol.1 8 Planningtorock 5 6 7 7 6,25 Powerhouse 9 Second Anillos y raíces

6 5 6 6 5,75

10 Muse 6 5 5 6 5,5 Simulation Theory

El algoritmo (épico) de Muse

Joyce Manor

Million Dollars To Kill Me Epitaph/ [PIAS]

Muse

Simulation Theory Warner

6 POP ROCK / Todos ansiamos que nuestras

bandas de referencia respeten sus raíces sin quedarse estancados. Tiro de la primera persona para reconocer que, a diferencia de otros grupos, con Muse no me rindo, a pesar de que casi me pierden en The 2nd Law (12) y de que me recuperaron –con reservas- en Drones (15). Dicho esto, con materia prima de sobra para alimentar sus paranoias conspiranoicas (aunque deberíamos de empezar a pensar en Matt Bellamy como un Nostradamus del rock al que hemos ignorado erróneamente), Dig Down y Something Human, unos adelantos más bien blandos, no fueron muy alentadores. The Dark Side tampoco será su letra más memorable, pero dio a entender que no van a desistir en su apuesta por la épica rock, con tintes cada vez más electrónicos claro, y que, en esta ocasión, se rinde a la fiebre ochentera. En lo estético, el cambio es evidente desde esa portada tan Blade Runner a la inspiración de sus últimos vídeos. En lo sonoro, el cambio de rumbo se constata en los falsetes de la funk Propaganda, en la que se quieren

acercar a Prince, y en la tentativa old-school de Break it to me, siendo ambas salidas más interesantes que la popera Get Up and Fight (¿soy la única que oye Two Times de Ann Lee?). Sin embargo, desde el mismo arranque resisten, si bien diluidas entre mucha programación, las guitarras y el virtuosismo a las teclas marca de la casa. Algorithm constata que a Muse se le sigue dando francamente bien abrir un álbum (y dar con las paranoias imperantes, como son los malditos algoritmos). Y también cerrarlo,

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Med

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

ROCK / Han pasado cinco años desde que vio la luz el último trabajo de los de Seattle. Tras su redención y vuelta a Sub Pop, Mark Arm, Steve Turner y Dan son otros, liberados de esa presión que da estar en un sello grande, su vuelta a casa les ha sentado de maravilla. Sacan discos sin pretensiones, sin presiones externas y suenan mejor que antes, aunque por sus textos están más enfadados que nunca. Casi podríamos afirmar que es el primer disco conceptual de su carrera, musicalmente es robusto y letrísticamente denuncian los males de la actualidad, haciendo hincapié en la religión y en las redes sociales. Mudhoney están más cerca del día de la marmota de lo que sus seguidores podemos aceptar y en cada disco siempre estiran la fórmula algo más de lo que sus detractores son capaces de admitir. No dejarán un bonito cadáver, pero sí una carrera musical sin mácula. Fueron un referente para muchos en sus inicios y actualmente son un ejemplo para todos. —marcos molinero

Marissa Nadler

>>> Invada

Digital Garbage Sub Pop/ Popstock!

top 10.

Mudhoney

gracias al contraste entre oscuros sintetizadores y la limpia melodía de piano en The Void, uno de los lazos más directos con la era Black Holes And Revelations (06) –más patente aún en Blockades, descendiente lejano de Knights Of Cydonia– y hasta Absolution (04). Y es que, a pesar de unas simulaciones nada desdeñables, Muse siguen alterando un apreciado algoritmo propio, puede que cada vez con menor tino, pero no necesariamente con un resultado totalmente erróneo. —beatriz h. viloria

EMO POP / En la línea de

Cody, pero más accesible si eso es posible, los californianos Joyce Manor publican su quinto largo, el tercero para el sello de Brett Gurewitz. Sorprende ver en los créditos a Kurt Ballou de Converge, responsable de algunos trabajos de bandas tan cañeras como Torche y Birds In Row. Million Dollars To Kill You está en las antípodas de esos trabajos, con un puñado de piezas suaves e incluso totalmente acústicas como I’m Not The One. Curiosamente, el trabajo de Ballou sobresale en las piezas que se escapan del guión esperado como Gone Tomorrow, de cuna post-rockera, y en la delicada Wildflowers. El proceso de maduración, entendida como la búsqueda de la canción más concisa posible, está siendo gradual. Así, los fanáticos de la banda disfrutarán un disco repleto de temas con su sello habitual y algún medio tiempo pegadizo como la sarcástica Big Lie.

—luis benavides

diciembre 2018 #35

MONDOVINILOS

St. Vincent

Second

Mass Education Caroline/ Music As Usual

POP / Annie Clark vuelve

a darle voz a la angustia galopante que se extiende por la feroz sociedad de consumo y mediática de nuestros días, esa que en el magnético Masseduction (17) erupcionó en mil texturas y colores, implosionando a lo largo de los surcos y creando un bello, experimental y neurótico tsunami pop-art que nos arrastraba de pista a pista. Clark, bajo ese mismo empoderamiento de dominatrix emocional que zigzagueó, desbordando sexualidad, en la ansiedad posmoderna, se enciende ahora el cigarrillo de después y apaga los neones, para darle una vida nueva a cada una de esas doce canciones. En MassEducation se desnuda de electrónica, efectos y arreglos, dejando que sus cuerdas vocales de soprano brillen hasta cegarnos, acompañada sólo del piano de Thomas Bartlett en cada composición. St. Vincent crea un complemento perfecto a partir de su obra más sobresaliente, rezumando elegancia y calma tras la tormenta sónica de cuero y látex. —david pérez

Anillos y raíces Hook

POP / Anillos y raíces es la octava referencia de un grupo que nos ha brindado al menos dos discos excelentes de pop-rock en castellano (Invisible y Fracciones de un segundo), el primero aún con temas en inglés, y otro notable (Demasiado soñadores). También es el primero tras la marcha del guitarrista Javi Vox, y quizá sea este uno de los factores que han empujado al grupo a hacer un ejercicio de introspección. Así, el vigoroso Mira a la gente parece un grito contra la alienación provocada por un mundo cada vez más individualista. Mientras, ¿Quién pensaba en eso? parece reflexionar sobre las expectativas y el paso del tiempo. Sin embargo, el disco carece de la inmediatez que caracteriza a las composiciones del grupo. Lo más parecido a un hit es el mencionado tema que abre el álbum y Alguien tiene que hacer algo. También engancha el riff de guitarra de En otra dimensión, y el riff de teclados de La suerte final, que sirve de epílogo a un disco correcto. —miguel díaz herrero

Zahara

Joseba Irazoki eta Lagunak

Astronauta G.O.Z.Z. Records

Zu al zara? Bidehuts

El disco de versiones de Segall Ty Segall

Fudge Sandwich In The Red

8 ROCK / Si te dicen que el tercer álbum de Ty Segall de este 2018 es un disco de versiones probablemente pensarás que ya has tenido suficiente de Segall por este año. Pero cuando lees que las canciones interpretadas por el californiano van desde John Lennon a War pasando por Gong, Neil Young o Funkadelic, ya empieza a llamar un poquito más la atención. ¿Que hace un rockero como Segall tocando canciones de idolos del funk, kraut o pop? Aquí está la gracia de Fudge Sandwich, que podia parecer poco interesante sobre el papel, pero su escucha demuestra que es algo más que un simple disco de versiones. Segall escoge una selección de once canciones díspares y hace algo más que reinterpretarlas con su estilo garajero y su sonido fuzz. Las lleva a un paradero desconocido, se las mete en el bolsillo, explora la psicodelia y la esencia rockera de cada una, pero también su lado más oscuro y grunge, y saca resultados

#36 diciembre 2018

inimaginables. Canciones que le van como anillo al dedo para plasmar los diferentes registros y estados de ánimo del artista, y dejar que su melódica voz se mezcle con sus habituales y ruidosas descargas de locura. Su maduración artística ya da grandes frutos, y en Fudge Sandwich lo corrobora. Segall mantiene su esencia. No hace nada nuevo, pero tampoco nada mal. Aunque no sean creaciones propias, este bien podría ser uno de sus álbumes más redondos. Cuarenta minutos marcados por su habitual estilo psicodélico, pero que toman caminos distintos en cada reinterpretación. Si ya conoces las canciones originales y las comparas con el disco de Segall, verás que el resultado es sorprendente. Es muy difícil adivinar de antemano de qué forma abordará cada pieza. Capaz de mostrar un desconocido y oscuro upside down de Low Rider de War o Isolation de John Lennon, o de hacer una bonita balada acústica del Pretty Miss Titty de Gong. Y aporta tal cantidad de energía y locura a The Loner de Neil Young o I’m A Man de Spencer Davis Group que se las hace completamente suyas. Un buen y sucio pulso a unas canciones que forman parte de la historia de la música rock y frente a las que Segall da sobradamente la talla.

—ignasi estivill

POP / Zahara ha consegui-

do hacer muy bien algo muy difícil: mantener su esencia pese a un claro cambio de sonido. La poesía de la cotidianidad y las historias casi casi universales, marca de la casa de la ubetense, siguen estando presentes en un disco en el que el pop más puro al que nos tenía acostumbrados ha dado paso a un sonido más complejo, producto de la madurez de la artista y de la mano amiga de Matthew Twaites, su nuevo productor. Astronauta es un viaje, una aventura por un universo gigante (del que podemos escuchar literalmente su sonido en algunas canciones) y de temática variada: de una pareja que ya no se reconoce, a la maternidad, pasando por David Duchovny. Destacan la belleza de las melodías, llenas de capas, riffs y detalles minúsculos que las hacen sólidas y envolventes, así como las acertadas colaboraciones de Santi Balmes (Love Of Lesbian) y Miguel Rivera (Maga) en Guerra y paz y Big Bang.

—laura cánovas

ROCK / Gregario de lujo en

proyectos variopintos (de Mikel Erentxun a Atom Rhumba), estamos ante un guitarrista hiperactivo e inquieto que no solo vuela libre. Con Joseba Irazoki eta Lagunak el músico de Bera marca los tiempos y se rodea de sus propios compañeros de viaje. Así es como la particular voz de Aida Torres, de Jupiter Jon, se cuela en tres temas cuando en un principio estaba previsto que solo cantase en Lucio Eta Durutti, una apertura espectacular. Zu al zara? es un musculoso compendio de rock alternativo donde los estilos se superponen como mágicas capas de cebolla. Irazoki ha incluido sintetizadores y teclados (Gezurrezko bizia) y la psicodelia ejerce de hilo conductor en un álbum espléndido que a primera vista puede parecer caótico. Hay desvaríos made in Irazoki pero esta vez su música no solo va dirigida a la intelligentsia, sino que abre el abanico sin renunciar a su vena experimental. Ojalá también cale hondo del Ebro para abajo. —jon pagola

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J Mascis

Elastic Days Sub Pop/ Popstock!

POP / Elastic Days reúne

doce joyas de pop con la electricidad en segundo plano y la belleza de las composiciones de J Mascis expuesta sin la muralla sónica habitual de Dinosaur Jr, en una colección de temas en los que las guitarras acústicas y la voz toman el protagonismo. Aunque la energía de canciones como Everything She Said o See You At The Movies (con colaboración de Pall Jenkins, de The Black Heart Procession) encajaría perfectamente en cualquier trabajo de Dinosaur Jr, es en los momentos más intimistas y menos luminosos del disco cuando Mascis muestra una profundidad emocional desgarradora. La característica belleza de su voz arrastrada en un eterno susurro suena más frágil y emocional que nunca en temas como Web So Dense, I Went Dust, Elastic Days o la preciosa Sky Is All We Had, algunas de las mejores canciones no ya de este disco, sino de la extensa discografía de un creador dotado de una sensibilidad tan brillante y personal como entrañable. Bendita madurez. —ricky lavado

El Sandinista de Fucked Up Fucked Up

Dose Your Dreams Merge/Popstock!

8 ROCK / Cuatro años después y tras cambiar

de sello, los de Toronto renacen con uno de esos álbumes que intimidan a priori: disco doble y un cóctel de influencias que hace palidecer al triple Sandinista de The Clash. Dicho esto, dos grandes peligros amenazan discos como este: el primero, como se dice de un modo escatológico, mearse fuera del tiesto. Y el segundo, que la mitad del material sea puro relleno. Nada de esto sucede en el disco de los canadienses, un prodigio de inventiva en principio incoherente, en el que pasan del hardcore al kraut, de la psicodelia al indie y de la electrónica oscura a Madchester con una soltura pasmosa, y, lo que es más importante, con personalidad y sin que se vean las costuras. Los alaridos de Damian Abraham se complementan perfectamente con un nutrido grupo de colaboradores que aportan nuevos matices. Calificado

Coherence

Igor

Misteria Humo

ELECTRÓNICA / Tras tres

años de silencio y una fantástica casete de presentación, Igor vuelve a la carga con ocho temas en los que logra evolucionar su gramática musical, consiguiendo un trabajo consistente, rítmico, rebosante de melodía y experimentación. Igor apuesta por paisajes instrumentales cercanos al techno de mitad de los ochenta en los que la sofisticación se mezcla con buenas dosis de oscuridad. Es como escuchar de nuevo esos primeros elepés de Depeche Mode que acabaron gustando a toda tu familia, pero sin la parte de David Gahan. Y es que canciones como El misterio del cuarto rojo o Las siete puertas dan fe de que ha sabido superarse a sí mismo tanto en técnica como en contenido. Un álbum repleto de claroscuros en el que el músico nos habla de si mismo sin necesidad de utilizar palabras. Misteria nos demuestra que refrescar estilos no es solamente algo factible, sino que además se puede llevar a cabo con clase y elegancia. —fernando paino

como su Screamadelica particular, en realidad Dose Your Dreams está más cerca de las óperas rock de The Who, con sus remansos de paz y explosiones eléctricas, que de la mutación electrónica de Primal Scream. De hecho, Fucked Up recurren vagamente a ese esquema genérico, con protagonista e historia. Lo importante es el festín de buenas canciones que se marcan. Puede que None of Your Business Man y Raise Your Voice Joyce no se aparten del canon del punk-rock, pero enganchan con sus hallazgos melódicos. A partir de ahí,

Garbayo

Estímuls nocius Hang The Dj!/ Hidden Track

POST-HARDCORE / Los cua-

tro jóvenes miembros de Coherence provienen de proyectos como Eagers y Chain Reaction, donde aprendieron el abecé del hardcore, y ahora han evolucionado y ampliado su propuesta. Producido por Eric Fuentes (The Unfinished Sympathy), Estímuls nocius encaja de maravilla en el revivalismo emo punk actual, el de Sport y The Hotelier, y comparte coordenadas (e idioma) con otras bandas catalanas como L’Hereu Escampa y Llacuna. Lejos de limitarse a los clichés de un solo género para encajar en una u otra escena, los cuatro miembros de la banda asimilan mil y una influencias, no estrictamente emo. La inicial Ciutat malalta, por ejemplo, es un cañonazo indie rock con ecos a los Radiohead más guitarreros y una letra muy crítica con la Barcelona turística. Consiguen a la primera un disco muy suyo, variado y por momentos inclasificable, con un sonido impecable y detalles impresionantes.

—luis benavides

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POP / El veterano Ignacio

Garbayo estrena con este nuevo trabajo singladura solista. El lanzamiento ha sido precedido por el single Nitroglicerina, con el que se desvelan las claves de su Sonido forestal. Flamígero e infeccioso power pop, de alto octanaje rítmico, con cuidadas armonías vocales y certera producción. Por momentos, y aupados por lo redondo de las melodías, se nos antojan como unos nueva oleros vigorizados de aquellos primeros ochenta (En la televisión) aunque su sonido por moderno sea más cercano a los gaditanos Dalton (Huye del monstruo). Epatan con el entrelazado de guitarras, base rítmica, voz y coros en perlas como Busca entre la basura, rockean crujientes en Muévete, se tornan confesionales en cortes como Soy un cerdo. Todo brillante por la muy cuidada producción llevada a cabo por Kaki Arkarazo en su caserío de Garate, un remedo del cobertizo entre la naturaleza de Sierra de Gredos donde fueron paridos los temas.

—jaime g. lópez

—jc peña

Diego García

Sonido forestal Oso Polita

el banquete está servido: energía bailable (Torch The Light); psicodelia mancuniana ácida (Talking Pictures); macarreo salvaje (House Of Keys, Accelerate); disco-soulpunk (Dose Your Dreams y sus majestuosas cuerdas); cuasi-shoegaze (The One I Want Will Come For Me) o techno oscuro (Mechanical Bull), para desembocar en el estribillo perfecto de Came Down Wrong, con apoyo de J Mascis y el irresistible ritmo kraut de Joy Stops Time. Los canadienses apuntan alto y llegan sobrados.

Marta Delmont

Labyritmos Sonido Muchacho

ELECTRÓNICA / Diego García

regresa después de seis años con un segundo trabajo que vuelve a reflejar una forma de ver la electrónica muy alejada de todo tipo de convencionalismos. Labyritmos supone un disco de lo más colorido y llamativo en toda su duración, debido a los díscolos sonidos que en ocasiones no nos queda muy claro si proceden de una máquina o proceden de sonidos ambientales. Así es como se va abriendo un camino donde no falta de nada, desde unos vientos puramente folclóricos hasta lo trepidante de las bandas sonoras de ciencia ficción con toques retrofuturistas, sin dejar pasar la ocasión de introducir algún ritmo calypso. Logrando la total expresividad y viveza de las melodías mostradas sin tener que mediar palabra, todo el disco parece tener un hilo conductor relacionado con exhibir una constante actividad de modulaciones sintéticas. Incluso en los momentos en los que la propuesta parece girar hacia un rincón más kraut como en Alcázares.

—noé r. rivas

Landlords Great Canyon

FOLK / Ganas le tenía yo al

segundo disco de Marta Delmont. Comprobar si era capaz de mantener las constantes vitales de su primer y espléndido disco no era tarea fácil. Silver Blaze era un discazo de country-folk a la altura de muy pocos y pocas, y ella parecía abocada a tener que sucumbir a la maldición del segundo disco. Pero ni por asomo, oigan. Ya me perdonará la de Alella, siempre humilde, pero me voy a atrever a compararla sin rubor con Lucinda Williams. Ahí queda eso. Pónganse como quieran, pero si oyendo Another Load no les viene a la cabeza la de Louisiana háganselo mirar. Exquisito en lo instrumental, el álbum es, de nuevo magnífico. Vaporoso. Sensual. Terso. Pero también rotundo desde su fragilidad. Marta Delmont ha parido un trabajo con el que se gana que dejemos de utilizar la referencia de “su jefa” Joana Serrat cada vez que hablemos de ella y le demos el lugar que se merece en la música patria. Cerca de las grandes, por cierto.

—eduardo izquierdo

diciembre 2018 #37

MONDOVINILOS

Albert Pla & Raul Refree Miedo enunplisplasmusica/ Altafonte

The New Raemon y la belleza The New Raemon Canción de cuna entre tempestades BMG

POP ROCK / The New Raemon encabeza la segunda década de su carrera demostrando, una vez más, que sabe como nadie convertir la tristeza en belleza. Lo consiguió de manera sobresaliente en álbumes como Tinieblas, por fin (12) o en proyectos como su libro Quema la memoria (17) con ilustraciones de Paula Bonet. Ahora vuelve a hacerlo con su nuevo disco Canción de cuna entre tempestades. En él, revisita el pasado y sienta su definido estilo musical con tonos melancólicos pero llenos de vida. Cíclope, la primera de once canciones es un claro ejem-

#38 diciembre 2018

plo de que Rodríguez es uno de los maestros del indie español en tornar aquello oscuro en puro arte. Es lo que esconde, entre sus versos, el nombre del disco, letras que dan a pensar que para el músico ha habido un punto y aparte después de ser padre por tercera vez. Un mirar atrás que va desde la infancia –como con Charlestón (Flores y Dolores)-, pasando por los años de primeros amores y desamores en Wittgenstein y también de momentos tristes de la vida como en Un posible final. En esta canción, The New Raemon fusiona su estilo indie de base con el flamenco de Rocío Márquez, un contraste realmente bello y con un registro totalmente diferente a lo que venía haciendo en el pasado. Es la que pone hilo al ecuador del disco, que si bien incluye tonos distintos a trabajos anteriores, no deja atrás la misma aura musical melancólica, triste y a la vez entrañable. —karen montero

CANCIÓN / El primer miedo

que me vino a la cabeza fue que el nuevo trabajo de Albert Pla y Raül Refree no tuviera sentido sin ir de la mano del espectáculo del que es Banda Sonora. Y digo esto porque Miedo es la obra teatral más lograda, completa, espectacular y sólida de las perpetradas por la bulliciosa mente de Albert Pla. Y para alguien que ha visto la obra, es casi imposible hacer el ejercicio de abstracción que requiere impedir que las impactantes imágenes de la misma no se materialicen con fuerza al escuchar las canciones. Pese a todo estamos ante un trabajo en el que Refree ha sabido recoger el testigo de un maestro como Pascal Comelade tirando además de su amplio bagaje musical. Por eso encontrarás ecos a Danny Elfman o al delicioso Dead Man’s Bones (09) de Ryan Gosling y Zach Shields.

—don disturbios

El Boleco

Joven Cante Jondo Vol6 La Droguería Music

FLAMENCO / La renovación

del flamenco es un hecho innegable al igual que la continua alianza del mismo con otros géneros. Sin embargo, los medios y las modas, parecen prestar poca atención a los próximos artistas que pueden ser punta de lanza en la regeneración de la ‘jondura’. Y es que la ortodoxia no es fácil al oído aunque siempre es asignatura troncal para poder intentar innovar o mantenerse en unas formas que sustentan la

raíz de una tradición que cada vez más interesa pero menos se conoce. Desde su natal La Puebla de Cazalla (Sevilla), este chaval de apenas diecisiete años sigue ganándose respeto de los “aficionaos” más añejos de la pureza con recitales por toda España. Y es que El Boleco parece tener un viejo en la garganta y un metrónomo en el corazón. Joven Cante Jondo Vol6 plasma esta ilusión de La Droguería Music por seguir descubriendo talento, de que el flamenco puede tener muchos caminos. —rojas arquelladas Richard Swift

The Hex Secretly Canadian/ Popstock!

ROCK / Con los discos póstumos siempre se corre el riesgo de realizar un análisis exagerado bajo la influencia de la lástima. La terrible injusticia y el enorme vacío que queda cuando la muerte se lleva a una persona joven, puede llevar a la crítica a dejarse llevar por la hipérbole y perder la sangre fría al valorar un trabajo. Richard Swift nos dejaba el pasado julio con cuarenta y un años por las complicaciones provocadas por su adicción al alohol. Y con él se iba un brillante músico y productor especializado en crear atmósferas etéreas y teñir de envolventes arreglos las obras de músicos y amigos como Damien Jurado, Kevin Morby, Foxygen o James Mercer de The Shins. Artistas con los que tenía una indudable afinidad y a los que ayudaba a sobre dimensionar sus composiciones, elevándolas. Es esa misma capacidad para llevar las canciones a otro plano, lo que más destaca de este excelente trabajo en solitario compuesto cuando ya estaba en muy mal estado. —don disturbios

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How To Dress Well

The Anteroom Domino/Music As Usual

POP EXPERIMENTAL /Tom

Krell confesó en una entrevista que su inmersión en el mundo del pop con Care iba ligada al intento de generar más dinero con su música y ayudar a su familia. Por tanto, este nuevo salto experimental con The Anteroom no tiene muy claro si le beneficiará o le llevará al caos más absoluto. Coproducido por Joel Ford (Oneohtrix Point Never), la voz de Krell sirve de guía a un pack de canciones condenadas a auto-lesionarse. Improvisación, grabación de sonidos caseros, unas primeras demos iniciales hechas únicamente con la boca. En este disco elabora paisajes sonoros que se identifican con un mundo explotado por el consumismo, la falta de principios y que va directo al vacío más absoluto (Vacant Boat). Recurre al sonido industrial y se mete en el trip-hop (Brutal). Nos da la sensación de que cuando Tom Krell hizo las maletas para mudarse a Los Ángeles llevaba en ellas muchos sueños que cumplir y que pocos se hicieron realidad.

—álex jerez

Songs Of Love And Horror Drag City/ Popstock!

Laibach

Happiness Quite Defiant Records

RAP / Awate ha confeccio-

nado un álbum que se escucha del tirón gracias a la fórmula del Chupa Chups (aplicada a lo musical). ¿Un caramelo con un palo? ¿Sencillo? Haberlo inventado tú. En Happiness nada es tan sencillo como parece, pero lo parece. Y eso es lo importante. En lo musical, una producción con grano, como antaño. Gusto por las melodías elegantes y eternas. Bases impecables de soul y jazz, rotas y entrecortadas. Con curvas. En lo lírico, compromiso político sin caer en el panfleto. En Happiness todo derrocha activismo. Awate llegó a Londres desde Eritrea, como refugiado, y desde el principio se involucró en movimientos de izquierda de la capital británica. Tuvo hasta cuatro detenciones por perfil étnico. ¿El resultado? Su propuesta es una mezcla genial entre Mos Def y The Roots. Awate no rapea unos ideales, Awate te cuenta su intrincada biografía. Y no le faltan tripas y humor para ello. Happiness, ¿sabes? —yeray s. iborra

FOLK / Trasteando como

Bonnie Prince Billy o simplemente como Will Oldham (en el pasado lo hizo como Palace o Palace Brothers), el de Louisville no siente últimamente necesidad alguna de ventilar material nuevo. Ya sea ornamentando viejas composiciones o dejándolas en paños menores, se puede permitir ahondar en la riqueza expresiva de su argumentario, porque siempre da con nuevos matices. Aquí lo hace guiñando el ojo (desde su título) al Songs Of Love And Hate (71) de Leonard Cohen, ya desde la declaración de intenciones que supone abrir con I See A Darkness, la canción que conmovió a Johnny Cash, hasta composiciones inagotables como Ohio Rivert Boat Song o New Partner, reducidas a su esencia, tan sólo guitarra acústica y voz para airear su arcano hechizo folk, junto a una relectura a cappella del Strange Affair (78) de Richard y Linda Thompson. Y el magnetismo persiste, aunque hace tiempo que eso dejó, en su caso, de ser noticia. —carlos pérez de ziriza

Awate

MONDOVINILOS

Will Oldham

The Sound Of Music Mute/Pias

POP / Hace tres años, la míti-

ca banda eslovena volvía a ponerse en el foco de la polémica al anunciar dos conciertos en Corea del Norte. Como gesto de complicidad con el público coreano, Laibach incluyeron en el set list temas del musical The Sound Of Music (Sonrisas y lágrimas), ya que la cinta de 1965 todavía hoy tiene mucha popularidad en el país asiático. Lo que podía haberse quedado en una mera anécdota dentro del bizarro historial de la banda, ha terminado por convertirse en un álbum que no es ni más ni menos que una reinterpretación de los temas del musical. Lo que más llama la atención es como a lo largo del disco podemos encontrar atisbos de unos Laibach más sensibles que de costumbre, acordes con la naturaleza dulce de la película. Por supuesto, todo ello compartiendo espacio con la siniestra oscuridad característica de la banda. Una simbiosis que encuentra en la inquietante versión de la popular canción Do-Re-Mi el mejor resultado.

—guillermo chaparro terleira

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Thom Yorke se introduce en las bandas sonoras Thom Yorke

Suspiria XL Recordings/Popstock!

7 BANDA SONORA / Hay dos maneras de en-

frentarse a la banda sonora que Thom Yorke (Radiohead) ha compuesto para el esperado remake de Suspiria, la legendaria película de terror de 1977 dirigida por Dario Argento que ahora ha re-imaginado Luca Guadagnino (Call Me By Your Name): como un nuevo disco en solitario e independiente de Yorke o como un disco al servicio de las imágenes que ilustra. Ahora bien, tras escucharla y ver la película (fue la inauguración del pasado Festival de Sitges) uno tiene la impresión que esa dicotomía viene ya dictada por el contenido de la banda sonora; más aún cuando gran parte de la música fue escrita por el capo de Radiohead antes de ver

el filme. Me explico: los temas donde hay partes vocales de Yorke (Suspirium, The Universe Is Indifferent) pertenecen claramente a su universo personal, mientras que los cortes instrumentales -que son mayoría en la banda sonora, ojo- funcionan como un complemento espléndido al controvertido remake de Guadagnino –que a este plumilla no acabó de convencer por su coartada excesivamente arty-. Ahora bien, esa doble naturaleza del soundtrack, algo que acaba jugando en contra de la película en mi humilde opinión, no es óbice para reconocer que la primera incursión de Yorke en la música de cine es notable. Temas instrumentales como Klemperer Walks, Sabbath Incantation, The Inevitable Pull, The Conjuring Of Anke, Volk (puro mal rollo) o A Choir Of One (una suite telúrica de catorce minutos hipnótica y terrorífica), dejan claro que el líder de Radiohead sabe crear atmósferas inquietantes de una belleza siniestra.

—xavi sánchez pons

diciembre 2018 #39

C H A P T E R

X I V :

T H E

S P I R I T S

A R E

H E R E

INER HEADL CEMENT ANNOUN ON 1/1/2019

FINAL SHOW IN SPAIN

MISERY INDEX

CANE HILL

POWER TRIP

ALIEN WEAPONRY

C R Y S TA L L A K E

LEO JIMENEZ

SERRABULHO

CELTIBEERIAN WORMED BROTHERS TILL WE DIE ALTARAGE STRIKEBACK TRALLERY M E L T D O W N V H Ä L D E M A R C H I L D R A I N TA L E S I E N M E G A R A

NASTY

BIRDS IN ROW

VENOM PRISON

HIGHER POWER

MUTE

MISCONDUCT

BRUTALITY WILL PREVAIL

MISIVA ERASOO THE BLACK PANTHYS PARTY MAINLINE M O R G E N A V I D A D O L L A R S L E S S F O R T U N AT E S O N G S J U S T

I N F O

E N T R A D A S

D I S P O N I B L E S

E N

r e su r r e c t ion f e st. e s

COBRA

THE OCEAN TROUBLED HORSE

ATAV I S M O

MISS LAVA

SYBERIA

CABOVERDE

T H E B L A C K W I Z A R D S W E T C A C T U S C R Ó Ó E L E C T R I C M O N O L I T H B O N E S O F M I N E RVA S A N T O R O S T R O C AT O R C E V O L TA I A M Ø U R Δ ¡y muchas más bandas por anunciar!

LAS MEJORES PELÍCULAS internacionales

El mundo en fotogramas E

l 2018 cinematográfico se inició con Frances McDormand tirando cócteles molotov a una comisaría y con Daniel Day-Lewis comiendo a placer setas venenosas. La cosa empezó fuerte, pero el ritmo no bajó. Luego vino Willem Dafoe como amo de llaves protector de un Castillo Mágico, un coming of age en la Italia de los ochenta a ritmo de The Psychedelic Furs, un grupo de perros perdidos en una isla de un Japón distópico, una familia de esquizofrénicos que sufre una cadena perpetua de desgracias, unos bailarines que beben sangría con LSD y pierden el oremus, un Nicolas Cage enajenado llorando y vengando la muerte de Andrea Riseborough, Alfonso Cuarón recordando sus años mozos y una historia de amor y venganza con sabor italiano. 2018 también nos ha entregado, entre muchas otras que nos quedaremos sin citar, la orgiástica Vengadores: Infinity War, la estupenda Lo que esconde Silver Lake) y la conmovedora Lazzaro feliz. —xavi sánchez pons

1 Tres anuncios en las afueras Martin McDonagh El dramaturgo y cineasta Martin McDonagh consigue su mejor película en esta exploración sobre la justicia y la venganza en el sur de Estados Unidos. Tragicomedia más cruda que el cine de los hermanos Coen, McDonagh firma un brillante guión que es capaz de ir de lo cáustico a la ternura en apenas unos segundos. Interpretaciones sensacionales.

—j. picatoste verdejo

Clímax

The Florida Project

Gaspar Noé

Sean Baker

Excesiva, desasosegante, desagradable, Clímax es una patada en la barriga de una embarazada y en la retina de un espectador que ha sustituido la magia de la experiencia cinematográfica por el confortable cine de Netflix. Gaspar Noé demuestra con su rave lisérgica y espídica que nuestros cines todavía pueden ser un espacio para la provocación.

—rubén romero santos

Aunque el teórico paraíso está a cuatro pasos de distancia, la realidad de The Florida Project apunta en dirección contraria. Más aún cuando son niños los que tienen que encontrar esas diferencias entre lo prometido que es Disneyland, y lo viable que acaba siendo un motel de mala muerte. Un estudio sociológico particular y vehemente. —toni castarnado

Roma

Mandy

Alfonso Cuarón

Panos Cosmatos

Ideológicamente discutible, estéticamente sublime, ninguna otra película del siglo XXI tiene tantos planos espectaculares por minuto. Desde que vemos un avión reflejado en un zócalo, la cámara y el espectador flotan en unos escenarios sentimentales que sitúan a Cuarón en la liga de Fellini, de Bergman, de los más grandes maestros del blanco y negro. —rubén romero santos

Definida por su director como una ópera rock volcánica, Mandy parte de un hecho doloroso (la muerte de la madre de Cosmatos hace unos años) para crear una catarsis emocional cósmica de fuego, sangre y heavy metal. Una película bellísima, furiosa, lisérgica y profundamente romántica que prestigia el terror de serie B sin mirarlo por encima del hombro. —x.s.p.

Call Me By Your Name

Isla de perros

El hilo invisible

Dogman

Hereditary

Luca Guadagnino

Wes Anderson

Paul Thomas Anderson

Matteo Garrone

Ari Aster

Luca Guadagnino lo bordó al trasladar a la gran pantalla el romance entre un joven y el ayudante de su padre con suma sensualidad y captando toda la química de los protagonistas. Y su escena de créditos con Elio, el chico, frente al fuego mientras suena Sufjan Stevens, es una de las más emotivas de los últimos años.

En su segunda producción animada Wes Anderson hace gala de un dominio apabullante de los elementos cinematográficos. Protegido por una banda sonora primorosa que combina música de distintas fuentes con la composición original de Alexandre Desplat, el director traslada su visión sobre el ser humano a una fábula distópica canina, advertencia de nuestros días. —j.p.v.

Esta oda al amor tóxico que plantea un romance enfermizo entre un diseñador de moda sociópata y una inocente camarera que descubre el sadomasoquismo bien podría haber sido filmada por el William Wyler de El coleccionista o el Alfred Hitchcock más pervertido. Anderson crea aquí un contraste magistral: contenido turbio versus forma majestuosa. —xavi sánchez pons

Un estudio de carácter de explosión lenta, tensión constante y una tristeza que permanece tras los títulos de crédito. Dogman tiene algo de Pasolini y algo de Peckinpah, pero también personalidad propia y una belleza en las imágenes, tan sucias como poéticas, que hacen de ella la mejor obra de Garrone hasta la fecha.

El debut de Ari Aster se adentra en el subgénero de familias jodidas con una pesadilla retorcida y sádica de horror psicológico que toma la forma de una casa de muñecas dominada por la esquizofrenia y el satanismo. El tour de force interpretativo de Toni Collette (merece el Oscar a la Mejor Actriz) y su espeluznante y fantasmagórico clímax son ya historia del género. —x.s.p.

—joan s. luna

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—darío garcía coto

diciembre 2018 #41

LOS MEJORES libros musicales internacionales

Reacciones psicóticas y mierda de carburador

Mañanas negras como el carbón

Lester Bangs Libros del Kuldrum

Brett Anderson Contra

El mismísimo Greil Marcus selecciona casi seiscientas páginas de entre la producción de uno de los nombres más importantes de la crítica rock, contagiado por el nuevo periodismo y la necesidad de romper barreras. Leeremos de artistas como Lou Reed, Van Morrison, Kraftwerk o The Clash. El principio de una forma de ver el periodismo musical. —joan s. luna

Relato de iniciación a la vida, de descubrimiento continuo, de lazos más o menos duraderos en torno a la juventud y al amor. Un libro franco y veraz, del que no emana rencor. Sin ajustes de cuentas ni carnaza para los tabloides. Unas memorias elegantes, emotivas y –lo que es más importante– excepcionalmente escritas. —carlos pérez de ziriza

Lizzy Goodman

Petty. La biografía

La historia del heavy metal

Neo-Sounds/Neo-Person

Warren Zanes

Andrew O’Neill

Neo-Person

Blackie Books

Zanes escarba en la persona y utiliza la música como vehículo para llegar a conocerla mejor. Huyendo del panegírico, Tom Petty es retratado con sus contradicciones, con sus aciertos y con sus errores. Y eso, sabiendo que estamos ante una biografía autorizada, da más valor a un volumen tan bien escrito como es habitual en Zanes. —eduardo izquierdo

En este libro nacido del espectáculo de stand up comedy del propio autor, O’Neill bromea mucho –a veces con mucha gracia, otras con menos– al tiempo que repasa la historia del metal con conocimiento enciclopédico (del proto-metal al d-beat, pasando por la NWOBHM, el black o el grindcore). Lástima que raje tanto del hair metal y del sleazy. —j.s.l.

LIZZY GOODMAN FOTO: KATIA TEMKIN

Nueva York E

ntre los títulos imprescindibles en toda biblioteca de temática musical, nunca puede faltar Por favor mátame, la historial oral del punk neoyorquino. Veinte años después de su aparición, la periodista Lizzy Goodman ha publicado Nos vemos en el baño, algo así como la versión del siglo XXI de la obra de Legs McCain y Gillian McCain, historia oral de aquella escena que, con The Strokes, Interpol y LCD Soundsystem, volvió a hacer de la Gran Manzana el más excitante hervidero creativo del planeta. Para nosotros, este es el mejor libro musical publicado en nuestro país el 2018. Otra referencia imprescindible para todo melómano es Reacciones psicóticas y mierda de carburador, antología de los mejores artículos del icónico crítico Lester Bangs por fin publicado en nuestro país. Éste, junto a Mañanas negras como el carbón, el primer volumen de las memorias de Brett Anderson de Suede, copan una lista donde tampoco faltan títulos como Petty, la biografía autorizada, La historia del Heavy Metal, Freak Scene… —oriol rodríguez

1 Nos vemos en el baño

La periodista reconstruye en formato de historia oral los primeros años del nuevo milenio en la siempre efervescente ciudad de Nueva York. Cuando desde las humeantes alcantarillas de la Gran Manzana aparecieron The Strokes, Yeah Yeah Yeahs, Interpol, LCD Soundsystem, Vampire Weekend o TV On The Radio. —oriol rodríguez

Los fantasmas de mi vida

Freak Scene

Más brillante que el sol

Nacer, crecer. Metallica, morir

En carne viva

Mark Fisher

Richard King

Kodwo Eshun

Lamont U-God Hawkins

Caja Negra

Contra

Caja Negra

Paul Brannigan & Ian Winwood Malpaso

En este excelente estudio, el crítico y teórico Mark Fisher –quien se suicidó en 2017- nos habla de post-punk, de la lucidez de Joy Division y de su forma de ver una sociedad mellada por el tacherismo, de la efervescencia jungle y de Goldie, de la nostalgia de Burial y de la nueva forma de melancolía: la de James Blake, Kanye West o Drake. —aleix mateu

No hay respiro en la sucesión de escenas con las que King borda treinta años de música independiente. Un documental con cámara al hombro, donde se ratifica una realidad: siempre resulta más esclarecedor, e hilarante, el testimonio de las figuras del mundo musical que rodea a los grupos que el de sus integrantes. —marcos gendre

Estamos ante un ejercicio de ficción sónica en sí mismo, como dice el mismo Kodwo Eshun. El libro se presenta con la misma energía mesiánica con la que apareció Sun Ra desde otro planeta, y golpea la crítica musical y los estudios culturales contemporáneos como el artista vestido de faraón egipcio hizo con la cultura de su época. —a.m.

La ambivalente relación entre Lars y James es uno de los ejes de este libro, una constante tensión creativa que ha pasado por muchas fases. Los bregados periodistas musicales británicos Ian Winwood y Paul Brannigan combinan con ritmo e interés infinidad de datos y anécdotas contadas por sus testigos. —david sabaté

Esta autobiografía firmada por uno de los fundadores de Wu-Tang Clan, es una vista atrás a la trayectoria del colectivo y un crudo retrato de lo que suponía crecer en los ochenta en Staten Island. Pueden resultar insatisfactorias para el que desee profundizar en la trayectoria del Clan, pero son tan reales y dolorosas como un puñetazo en la cara. —l.j.m.

#42 diciembre 2018

Sexto Piso

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2018LOS MEJORES CÓMICS internacionales

Lo que más nos gusta S

e lo diré sin rodeos ni tapujos. Desde el mismo momento en que se anunció su publicación en español, ya teníamos claro que Lo que más me gusta son los monstruos iba a ser uno de los más firmes candidatos a mejor cómic internacional de este año. Y así lo ha sido. No ha habido expectativas rotas o decepción. Pero que sus logros no eclipsen a otras obras maestras como The Private Eye –con dibujante español-, La tierra de los hijos o la maxiserie Mr. Milagro. Lo que nos sabe peor es que, aunque nos encantan todos los títulos incluidos, se hayan quedado fuera obras tan atractivas como Martha y Alan, La Patrulla X Original, Pescadores de media noche, Una mujer de la era Shôwa, En la cocina con Kafka, El vagabundo del manga, La danza de los muertos, Esclavos del trabajo, Monstress, Hip Hop Family Tree, Atelier Of Witch Hat y tantos otros, sin contar reediciones. —joan s. luna

1 Lo que más me gusta son los monstruos Emil Ferris Reservoir Books Emil Ferris firma una historia compleja y que toma caminos diversos a través del diario de Karen Reyes, una niña-lobo de diez años extraña, inteligente y que se ve sumergida en una historia detectivesca salpicada por sus pasiones y aficiones. Personajes muy bien definidos y unas páginas siempre libres y francamente imaginativas. —joan s. luna

The Private Eye

La tierra de los hijos

Brian K. Vaughan/Marcos Martín Panel Syndicate/Gigamesh

Gipi

Ya sabíamos que el noir y la cienciaficción distópica casan bien y ahora sabemos que el cómic nacido en Internet también puede contar con excelentes ediciones en papel. Gigamesh publica en formato apaisado y con extras esta adictiva e imprescindible obra que firman el norteamericano Brian K. Vaughan y el español Marcos Martín. —martí viladot

El italiano Gipi vuelve a conquistarnos con una obra sobre los lazos familiares cuando ya no nos queda otra cosa en el mundo. Un cómic post-apocalíptico cuyo mensaje bien puede aplicarse perfectamente a la sociedad actual: Evitar la inmundicia de lo que nos rodea e intentar aferrarnos a los sueños. Triste, pero rotundo. —j.s.l.

Mr. Milagro

Andy. Una fábula real

Tom King y Mitch Gerards

Typex

ECC Ediciones

Reservoir Books

Mientras conduce al Hombre Murciélago hacía al altar, el guionista Tom King realiza su truco escapista mortal con una maxiserie de doce números a mayor gloria de las criaturas creadas por Jack Kirby en los setenta. Un cómic excelente con un dibujante en estado de gracia y una historia absorbente sobre guerras siderales y paternidad. —manu gonzález

¡Menudo regalo pop se ha sacado de la manga el señor Typex! Con casi dos kilos y una paginación espectacular trufada de colores que ni sabías que existían, estás ante una aproximación certera y contextualizada de la vida y obra del artista más grande del siglo XX: Andy Warhol. Diez capítulos que son oro, irreverencia y sensualidad. —octavio botana

Salamandra

Röhner

Catarsis

El principe y la modista

Berlín. Ciudad de luz

Un verano diabolik

Max Baitinger

Moto Hagio

Jen Wang

Jason Lutes

Fulgencio Pimentel

Tomodomo

Sapristi

Astiberri

Alexandre Clérisse/Thierry Smolderen Norma

Es dudoso que el humor figurase en un listado de principales exportaciones alemanas, y es por ello que este trabajo se antoja más paladeable. Con un dibujo en riguroso blanco y negro dotado de una ejecución y composición delirantemente bonitas, Baitinger convierte una anécdota doméstica en pura fantasía. —alex serrano

Sin duda una de las autoras indispensables del universo manga. Esta compilación de casi quinientas páginas resume buena parte de la carrera de la japonesa. Más de una docena de relatos que van del drama a la ciencia ficción y que se abren con el crudo, poético e imprescindible Mitad.

Jen Wang firma esta premiada obra para todos los públicos en la que los buenos sentimientos y la comprensión ayudan a Sebastian (el príncipe) y a Frances (la modista) a superar todas las barreras que se levantan frente a ellos en relación con la identidad, la clase social, los prejuicios y las dudas.

Jason Lutes pone punto y final a su ambiciosa radiografía de la sociedad berlinesa durante la República de Weimar y la consolidación del partido nazi. Ciudad de luz cierra las quinientas páginas dedicadas a una generación que vivió aquellos años convulsos en Berlín convirtiéndose en una obra tan necesaria como el Maus de Art Spiegelman. —M.G.

Estamos en 1967 durante las vacaciones de un adolescente rodeado de hombres que juegan al tenis y escuchan a Gainsbourg. De repente todo gira y la trama revierte en un auténtico polar pop, puro género negro con tratamiento cromático brillante. Respaldado por el Premio al Mejor Album de género negro en Angouleme y el Prix BD Fnac. —o.b.

—j.s.l.

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—j.s.l.

diciembre 2018 #43

44/Mondo Conexiones Tidal <> Wearables Samsung

La plataforma global de música y entretenimiento Tidal anunció el pasado mes de noviembre el lanzamiento de su aplicación para dispositivos wearable de Samsung. Los propietarios de smartwatch y pulseras de actividad de Samsung podrán disfrutar ahora de una experiencia musical de calidad. www.TIDAL.com/ SamsungWearables

OD Barcelona <> Burger Meets Gin Trust Urban <> Lara Wireless El nuevo altavoz inalámbrico de Trust Urban tiene forma de cubo y te permite personalizar el ambiente y sincronizar sus luces LED multicolor con el ritmo de la música. Puedes elegir entre el rojo, naranja, verde, cian, azul o rosa u optar por un ciclo lumínico. Cuenta también con un mando a distancia que te permite controlar la música y las luces. Gracias a su forma cuadrada, la luz se irradia en todas direcciones. Puedes conectar tu Smartphone o tableta a través de Bluetooth y reproducir tu música con un rango inalámbrico de 10 metros. Incorpora una batería recargable con una autonomía de 8 horas, un asa para poder transportarlo y cuenta con un certificado IPX4 que lo protege contra salpicaduras de líquidos.

Hotel Barceló Torre de Madrid <> Noches Gatas El ciclo de conciertos Noches Gatas arranca en noviembre ofreciendo conciertos en acústico que crearán una mayor cercanía entre artista y público. Este ciclo está organizado por el hotel Barceló Torre de Madrid y producido y coordinado por División Sonora. Su programación estará compuesta por artistas españoles consolidados y emergentes. Los primeros confirmados son La Bien Querida y Josele Santiago.

Converse <> Carhartt WIP One Star

Sony Music <> Sidonie El grupo Sidonie acaban de publicar un recopilatorio con los temas más representativos de su carrera. Bajo el nombre “Lo más maravilloso”, la banda incluye veinte canciones que se han convertido en himnos para sus fans como “Carreteras Infinitas”, “El Peor Grupo del Mundo”, “El Incendio” o “Siglo XX”, entre otras. Además, incluye una llamativa ilustración hecha por María Herreros como se muestra en la foto. #44 diciembre 2018

El hotel OD Barcelona programa cada jueves a las 19.30h las fiestas Burger Meets Gin, un afterwork con todo lo bueno que se te pueda ocurrir para después de una jornada de trabajo, al que en ocasiones se le suma música en directo. El pasado 15 de noviembre Jonny Kaplan y Rami Jaffee actuaron teloneados por Chris Stills. Durante el mes de diciembre habrá una programación con diferentes DJs y la exposición de Marc Pons hasta el día 6. www.od-hotels.com/es/eventos/od-barcelona_bmg

Converse y Carhartt WIP se han unido en una colaboración para la temporada otoño/invierno 2018. Han creado dos variaciones de uno de sus modelos más icónicos Chuck 70, una versión más moderna de Chuck Taylor All Star. Ambos están ya disponibles en las tiendas Carhartt WIP y en la web. www.carhartt-wip.com/es

G.H. Mumm <> MTV Music Week Bizkaia La marca de champagne G.H. Mumm participó como drink partner en uno de los eventos musicales de referencia a nivel internacional, los MTV EMA, que se celebraron por primera vez en Bilbao a principios de noviembre. La marca dio la oportunidad a través de sorteos en sus redes sociales de asistir a la zona más exclusiva de la MTV Music Week Bizkaia, semana previa a los EMA. Esos días acogieron eventos musicales y culturales gratuitos repartidos por Barakaldo, Durango, Getxo y Bilbao. Contó con más de 20 artistas nacionales como La Pegatina, La Mala Rodríguez, Wolf Alice o Los Planetas, entre otros. G.H.Mumm repartió 12 experiencias VIP que incluían un tour por el backstage, acceder a zona VIP y degustar un par de copas del champagne de la marca. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

IZAL. La Pegatina. C. Tangana. Fuel Fandango. La Casa Azul. Rozalén. Triángulo de Amor Bizarro. Xoel López. Miss Caffeina. Morgan. Second. Varry Brava. Los Punsetes. EUT. Shinova. Carolina Durante. Auténticos Decadentes.

Cala Vento. La Plata. The Parrots. Jacobo Serra.

La Sonrisa de Julia. Tu Otra Bonita. Ramon Mirabet. Los Vinagres. Las Chillers. The Crab Apples. Zea Mays. Badlands. Monterrosa. Nerabe. Bocho. Y muchas más... consigue tu entrada en

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Edita Sister Sonic, S.L.

RETROVISOR.

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Barry Adamson

arry Adamson lleva publicando discos en solitario desde 1988, pero también ha tocado y compuesto en Magazine (ayudando a crear la corriente más oscura e ilustrada del post-punk) y en los The Bad Seeds de Nick Cave hasta 1987. No se glosa su paso por Visage o Buzzcocks o su trabajo para David Lynch porque la retrospectiva se centra en las creaciones en solitario de su autor. Estilísticamente se le ha coronado erróneamente como padre del trip-hop de Bristol y el lounge, por su capacidad de anticipar la historia sonora británica de los noventa. Es una de las mentes más interesantes de la música contem-

EL APUNTE

poránea desde el punk pero, ¿por qué mira ahora hacia atrás con esta benevolencia? “Sobre todo es una celebración de mi cumpleaños. Hace poco cumplí sesenta años y es una buena causa”. Es un hito que enseñará a los no iniciados las colaboraciones de Jarvis Cocker o A Certain Ratio, y que allana el camino cada vez más pop, también cinematográfico, del futuro de Adamson. “Me veo como en un pasillo en el que una puerta se está cerrando mientras que la otra se está abriendo y no sé realmente lo que hay detrás”. Memento Mori es un corolario circular y no un epitafio. “Cuando Bowie hizo Where Are We Now? y vi el vídeo, pensé que había algo en su cara cuando canta la canción… y le puse una cruz a partir de ese momento. Luego leí esa gran cita que dice que “el arte alivia”, sobre todo a la gente que lo hace, y pensé que eso también es

(1977)

Barry Adamson Oedipus Shmoedipus (1996)

Barry Adamson enseña a reescuchar The Idiot desde el punto de vista de ser la posible acta fundacional del post-punk y la pieza que falta para entender a los crooners oscuros que habrían de venir a partir de entonces. Grabado por David Bowie antes de Low, pero publicado después para no pensar en cuál influenciaba a cuál, The Idiot es una crónica de la noche urbana cerebral y sinuosa como muchos de los relatos de Adamson.

#46 diciembre 2018

el arte para mí en este mundo de pérdida constante, sobre todo cuando puedes encontrarte en momentos como los que me he encontrado, por eso he ido edificando una barrera para poder levantarme sobre ella”. Sus canciones son aventuras nocturnas urbanas que siempre tienen un componente de búsqueda de redención y de liberación del dolor personal. Adamson confesaba a esta revista en 2002, que “Oedipus Schmoedipus es la defunción de mi padre, Soul Murder es la defunción de mi madre, y Moss Side Story es la defunción de mi hermano”. Pero aquí sigue en 2018. “Mis trabajos lidiaban con un potente sentimiento de pérdida inmediata, personal, y un poco de tristeza y dolor; pero también hay luces muy brillantes, gracias a las que hay grandes sombras con las que estoy sintiéndome cada vez más cómodo”. —jorge obón

LA SELECCIÓN Iggy Pop The Idiot

Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com

Origen: Manchester. Actividad: 1977-2018 El hombre que lo ha hecho todo repasa su carrera con una antología que lleva por título Memento Mori, que significa “recuerda que morirás”.

Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación

Álbum en el que se aúnan con elegancia las corrientes musicales propuestas con anterioridad por Adamson. Jarvis Cocker abre y Nick Cave cierra un disco por el que transitan personajes de cine negro empapados de referencias a Miles Davis, Milt Jackson y Thelonius Monk, pero también hay un recado para Massive Attack: si el trip-hop y el lounge hubieran estado en manos más encallecidas, los noventa hubieran sido otra cosa.

Barry Adamson As Above So Below (1998)

Así en el cielo como en la tierra, en la novela negra como en las barricadas. Adamson ya no está de luto, se empapa de ritmos urbanos y de consignas callejeras para abandonar la neurosis y el padecimiento, y combinar realidad y fantasía para no hacer tan dura la aceptación de los golpes de la vida. Explora el spoken blues en vez del rap, el góspel pagano en vez del r&b, y la torch song en vez del pop. —j.o.

Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Silvia R. May

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