MondoSonoro enero 2018 by MONDO SONORO

Lo Mejor Del Año Nacional

2017

FOTO: XAVI TORRENT

Nº 257 Enero 2018 www.mondosonoro.com

FRANZ FERDINAND, BENJAMIN CLEMENTINE, KHALID, EROL ALKAN, ROSALÍA, THIS DRAMA, NÚRIA GRAHAM, JOE LA REINA MARIA ARNAL Y MARCEL BAGÉS, ED IS DEAD, JULIO DE LA ROSA, MATTHEW MCDAID, LAS MEJORES PELÍCULAS, CÓMICS Y LIBROS

5/Mondo freako

Las últimas 48 horas de Ed Is Dead E

FOTO: ARCHIVO

El productor madrileño Ed Is Dead resume en #YL48H (Idioteque Records, 17) aquellas cosas que haría en sus últimos dos días de vida, una premisa repleta de imágenes sonoras que seduce desde el concepto y conquista con su forma.

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du Ostos lleva muchos años creando música, pinchándola e interpretándola. Empezó como batería metal y ha evolucionado a la búsqueda de dejar fluir todo lo que tiene dentro. #YL48H (Idioteque Records, 17) es la demostración de lo inquieta y ecléctica que puede llegar a ser su música. Un álbum que abarca géneros como el future garage, la IDM y el score de bandas sonoras y que supone un acentuado punto y aparte en su discografía, marcando un nuevo giro en su discurso creativo. “Toda mi vida he tenido la sensación de no saber lo suficiente, de necesitar aprender más armonía, de sonar más a quien soy, etcétera. Esta es la primera vez que me olvido de todo eso. Ha sido como una especie de liberación. Siempre me he preocupado más de la forma que del contenido y ahora lo que quería era contar una historia concreta: qué harías si supieras que te quedan solamente cuarenta y ocho horas de vida. Así que pregunté a gente de mi entorno y a partir de sus respuestas fui dando forma a cada uno de los temas, lo que condicionó la forma en la que trabajé cada una de las canciones”. La libertad compositiva y desparpajo que envuelven esta nueva etapa del madrileño no impide que su sólida labor productiva y su meticulosidad de arreglista experimentado asomen en cada una de las esquinas de este álbum. “Hace un par de años mi amigo Loop Stepwalker [alter ego de Jordi Calviño, uno de los grandes productores de drum’n’bass y dubstep de nuestro país] me dijo que, aunque lo último que había oído de mí le gustaba, no le parecía que sonara tan bien como antes. Puede que antes estuviera más enfocado en los compresores, los limitadores, etcétera, pero la verdad es que lo que me dijo me tocó un poco los huevos (risas). Así que cuando estaba componiendo el disco me propuse demostrarme a mí mismo que podía seguir produciendo de esa forma ‘quirúrjica’, teniendo en cuenta cada uno de los sonidos para que no compitan en frecuencias. En fin, volverme un poco loquito”.

enero 2018 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA Agradezco...

E CRITICANDO #YL48H Idioteque Records Electrónica 8/10

Con su segundo disco, Ostos consigue emanciparse de tendencias, cánones y lugares comunes con fórmulas que reúnen sus diferentes experiencias en la música. “Me interesan las creaciones con un discurso detrás y que dicen algo del artista. Quería que este trabajo hablara de mí como músico. Vengo de tocar metal, hardcore y rock y quería que esa parte de mí estuviera presente aquí, de ahí que haya incluido pistas de instrumentación real con guitarra, baterías o bajos. ¿Que no encaja en el future garage? Me da igual. Me he liberado de mucho prejuicio que he ido acumulando con el tiempo”. Si bien queda la impronta de su pasado como Dj en este trabajo, Ostos dirige esta vez la mirada hacia la escena underground británica que ha protagonizado gran parte de los 2000. “Entiendo que en Have A Fight se me pueda comparar de repente con FKA Twigs, pero supongo que se debe al timbre de voz de Laia Vehí. O que incluso el arpegio del Prophet de la canción pueda recordar a Stranger Things (¡aunque la compuse antes de la serie!). Pero no es algo que haya buscado. Supongo que mis referencias van muy ligadas al mundo Warp, y de artistas como Plaid, Aphex Twin o Squarepusher”. Además de Laia Vehí, también encontramos featurings de Odille Lima, Lucía Scansetti, Mani Obeya y Alice Wonder. “Cuando curro con alguien me gusta elegir a gente con la que comparto cierta sensibilidad y una manera similar de entender la música. Creo que es un estigma de la electrónica actual eso de que parece que solo puede haber una sola persona implicada en el proceso creativo. Un cerebro solamente llega dónde llega. Por supuesto, a veces unas colaboraciones se tornan más complicadas que otras. Por ejemplo, con Laia fue toda una lucha porque cada uno teníamos una idea muy clara de lo que queríamos, pero son estas cosas las que al final hacen que te abras hacia otros caminos, a aprender a ceder y entender otros puntos de vista. De hecho, al final te das cuenta que puede que la otra persona sea la que tenga razón y no tú como pensabas (risas)”. Su propensión a las colaboraciones le llevaron recientemente a participar en el proyecto [MJU:ZIK], una dupla experimental formada por el propio Ostos y la pianista nominada a los Grammy Ariadna Castellanos, en la que ambos fusionaban universos aparentemente opuestos y cuya alquimia sonora llevaron a los escenarios del Flamenco On Fire. “Era un proyecto que trataba de fusionar electrónica con flamenco y jazz. Está entre mis objetivos colaborar más en el futuro con artistas de estas vertientes. Al final es gente que te aporta muchísimo a nivel musical. Cualquier opción armónica que a mí se me ocurriera, Ariadna ya la había visto diez años antes. Es una bestia. Juntarte con gente que sabe tanto es lo que más te puede hacer crecer”. —dani mesa

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#6 enero 2018

En el foco El hiperactivo Edu Ostos, conocido por muchos gracias a su faceta de dj y por sus trabajos para gente tan variopinta como Void Camp, Dj Nano o –ojo– Marta Sánchez, lanza su segundo disco bajo su alter ego Ed is Dead. El álbum, bautizado como #YL48H y publicado a través de su propio sello Idioteque Records, pretende ser una suerte de to do list con todo aquello que su creador haría si supiera que solo le quedan 48 horas de vida. De primeras, la premisa seduce. Cualquiera con unas mínimas nociones de producción se percataría de que detrás de #YL48H hay una intención clara y un propósito que se hace notar a lo largo de sus diez cortes. Ostos juega a la experimentación, a la improvisación (falsa o no) y a no atender a otros mecanismos que a sus impulsos primarios y a los referentes que le han acompañado en los últimos años. Si bien hay momentos del disco en los que el productor madrileño tira hacia un discurso que comulga con la electrónica de festival –ritmos 4/4, voces, bombos lacerantes y estructuras progresivas–, como ocurre en las canciones Drive Fast o Make Someone Happy, la dinámica general es otra bien distinta, con importantes guiños a la IDM de principios de los 2000 a la que Ostos incluye sutiles elementos orgánicos (guitarras, baterías y voces) y percusiones afro, en las que incluso se llegan a hallar algunas trazas de los últimos trabajos de FKA Twigs; referencia que se hace notable en la desgarradora Have a Fight, una de las piezas angulares del disco. Pero la amalgama de influencias no acaba aquí. Es casi imposible no pensar en las características escalas de notas de Plaid cuando oímos Jump Out of an Aeroplane o Kidnap a Politicien, como lo es no acordarse del future garage de Sidechains y voces reverberadas que nos ha dejado el Reino Unido en los últimos años al darle al play Rob a Bank. En definitiva, sea o no este el disco que eligieras escuchar en tus últimas horas de vida, es el disco que necesitaba Ed Is Dead para situarse en el foco de la electrónica patria venidera. —daniel mesa

ntre muchas otras cosas infinitamente más importantes para la especie human, el año 2017 se despidió en MondoSonoro con listas, muchas y variadas, de discos de géneros diversos, cómics, libros y películas. Y abrimos este nuevo 2018 en el que tenemos depositadas algunas esperanzas –no muchas, tampoco se crean, que una cosa es ser optimistas y otra ilusos– con... más listas de discos, cómics, libros y películas. Lo seguimos haciendo desde hace más de dos décadas, pase lo que pase, caiga quien caiga, porque es algo que nos gusta hacer y algo que, consideramos, continúa interesando a mucha gente que nos sigue. No nos importa que haya también quien las desacredite, que las ponga en duda, que incluso ejerza de perdonavidas poniendo en duda el método que seguimos para darles forma, los conocimientos de quienes las hacemos o incluso los supuestamente oscuros intereses que se esconden tras algo que no es más que la voz de todas y todos los que hacemos este revista (y su correspondiente web) un mes sí y otro también desde hace mucho tiempo. Y no vayan a pensar que no nos importa porque seamos unas víctimas más de esa prepotencia que suele campar a las anchas en nuestro país. Dios nos libre. Sencillamente no nos importa porque lo que hacemos desde nuestras páginas no es ni más ni menos que opinar. Nunca hemos pretendido sentar cátedra, nunca nos ha gustado erigirnos en salvadores de causas perdidas o en enemigos implacables de aquello que no nos gusta. Cuando me preguntan, yo suelo decir que eso ha sido siempre así porque así somos todos y cada uno de los que escribimos o trabajamos en MondoSonoro. Tenemos nuestras particularidades, es evidente, pero cada uno de los engranajes de esta publicación – desde sus distribuidores hasta la firma más reconocida- entendemos lo que significa opinar en un medio de un modo similar, con más modestia de la que muchos de ustedes nos presuponen. Quizás por ello, cada nuevo periodista que se nos acerca, cada persona que ayuda a sacar esta revista adelante y me gustaría pensar que incluso cada lector que se reconoce lector nuestro, pasa a formar parte inmediatamente de una gran familia, una gran familia en la que la discrepancia no supone agresividad, ni la opinión prepotencia. ¿Y a qué viene todo este cuento, se preguntarán ustedes? Pues a que eso es algo que tenemos que agradecerle a mucha gente. Y este mes sobre todo a todos aquellos colaboradores y colaboradoras que se han roto los cuernos primero para listar sus discos, sus cómics, sus libros o sus películas favoritas, y luego para enviarnos sus textos y resúmenes a la velocidad del rayo para que no tuviésemos que tomarnos las uvas entre jpg’s, pdf’s y word’s. Gracias por formar parte de esto. Y por supuesto, gracias a ti, quién sea que estés leyendo estas líneas ahora mismo. —joan s. luna

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Benjamin Clementine Un alien en este mundo

enjamin Clementine (Londres, 1988) recibe esta llamada desde algún hotel bien de París. Su gira está a punto de dar comienzo, y con ella las habitaciones sin personalidad y los viajes eternos. “Algo que viven todos los músicos”, dirán. Tal vez. Pero no todos se enervan con ello. “Es mucho trabajo todo esto, trabajo duro... Pero es excitante”, se limita a destacar. Clementine parece, por su tono, ese tipo de gente que frunce el ceño y engurruña la nariz ante los absurdos del trabajo: esperas, choques de mano, desplazamientos. Estirando del hilo, podríamos pensar que Clementine ha olvidado sus años en las calles de París, y lo lejos que andaba el Olimpo cuando su Wembley era un sencillo vagón de metro. Nada de eso, el joven ha construído su disco más social, más nosotros, pese al poco ahínco que pone en explicarlo ante la prensa. Para eso ya está... ¿la música? “¿Crisis de qué?”. Vale. Definitivamente mi inglés no facilita las cosas. “¿Crisis? Crisis... ¿De qué?”. Hasta tres veces más. Crisis del mediterráneo. ¿Por qué este disco habla de algo que, en principio, le queda tan lejos, a él y a su vida de artista? “Cómo funciona el mundo es algo que me interpela, a mí y a la gente que está a mi alrededor”, remata Clementine, más relajado al entender la pregunta. “No es hacer política, sino que te afecte lo de tu alrededor. Nos empujan a tener miedo, y como artista es lo último que tienes que tener. La música no es vanidad sino de hablar de los tiempos que vives”. I Tell I Fly habla de muchas cosas, claro. Pero trasciende en una: la injusticia. Todo nace meses atrás, cuando antes de viajar a Estados Unidos, Clementine prestó atención a su pasaporte: “An alien of extraordinary abilities”, dictaba –accidentalmente– el documento. A lo que el músico llegó a una conclusión: todos somos extraterrestres. Grosso modo somos seres extraños que se comportan como seres extraños ante muchas cosas: las crisis migratorias o las fronteras. E incluso somos capaces de joder la etapa más bonita de la vida: la infancia. Precisamente Clementine cuenta que llegó a la sensibilidad por el otro a través de la infancia. Así lo explica Phantome Of Aleppoville, que habla de Alepo –capital de Siria– como podría hacerlo de cualquier sitio donde no se respete el derecho de los niños a ser niños. “¿Mi

FOTO: MICKY CLEMENT

El músico londinense vuelve con un disco marciano, I Tell A Fly (Behind/EMI, 17). Pop y vanguardia, todo de muy larga digestión. Un álbum donde el joven se siente extraterrestre –dice que todos lo somos– por cuestiones desgraciadamente cotidianas, como las fronteras.

“Nos empujan a tener miedo, y como artista es lo último que tienes que tener” infancia? Es una larga historia, que no te puedo contar. Simplemente diré que mi childhood fue una adulthood. Tuve que luchar y cuidar de mí mismo porque nadie iba a hacerlo por mí… Hay que luchar por los niños, por darles la oportunidad de elegir”, zanja el músico. De pronto, de la nada, como si se hubiese tomado una bañera de cafeína, Clementine despierta: tras veinte minutos de conversación es él quien pregunta. “Por cierto, ¿me llamas desde Catalunya? Estoy absolutamente con vosotros. No sé qué votaste… ¿Qué votaste? Si votaste para marcharos, pues ya está, está bien. Lo de Catalunya es lo mismo que lo de los niños. La situación es la siguiente: gente que no quiere dar derechos a otra gente. Eso es básicamente de lo que va todo”. Benjamin Clementine es el tipo de artista que se moja. De eso no hay duda. Es algo que también impregna lo musical. Así se escucha también en I Tell I Fly, cuya grabación fue un rompecabezas que dio muchos tumbos. “Me llevó cerca de año y medio. Después de

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escribir algunas canciones y componer en New York finalmente fui a Inglaterra, allí grabé dos semanas en un estudio, pero no era lo que quería. Me llevé las canciones de nuevo a casa, volví a trabajar en ellas y volví a otro estudio”. En el mítico Studio 13 de Londres, y durante casi dos meses, se hizo la magia: el pop dejó de ser pop. El músico británico ha girado de nuevo la manivela, y ha complicado la fórmula con más vanguardia: spoken word, pianos psicodélicos y arreglos cortesianos. Un trago denso, pero, una vez digerido, provechoso. “Estoy pidiendo a mi público algo de trabajo”. Ríe. Por primera vez en la charla. “Les va a costar entender algo más de qué va, pero en este segundo álbum quería arrojar mi música al espacio, y que cada uno la ubique donde quiera. Que cada uno haga su trabajo”. La voz perezosa de Clementine denota que estoy traspasando el umbral de la comodidad. La idea vuelve a sobrevolar: él eligió la música, pero no todo lo que la acompaña. Y eso le ha llevado a una carrera brillante, y a no pocas polémicas. La última, en relación a los Mercury Prize, galardón que

premia a los mejores desconocidos del año en Inglaterra y que él mismo recibió por At Least For Now (2014). Clementine afeó la entrega de una de las estatuíllas a Ed Sheeran. “Los medios siempre hacen dramas de todo. Hace dos años conocí a Sheeran y no hubo problema entre nosotros. Los Mercury Prize son unos premios que se dan a artistas que deberían ser valientes, son los equivalentes al Man Book Prize”, apunta Clementine, que antes de despedirse apostilla. “Hay nominaciones que no tienen sentido, que son como dar fast food en un restaurante de élite”. —yeray s. iborra

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EN CONCIERTO l Barcelona 21 marzo. Razzmatazz 1 l Madrid 23 marzo. Palacio de Vistalegre

enero 2018 #7

Khalid Las mieles del mainstream

Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

Khalid es uno de los nuevos talentos del mainstream r&b estadounidense. Su disco American Teen (RCA/Sony, 17) ha obtenido una excelente respuesta entre público y crítica, lo que le ha llevado a colaborar con gente como Calvin Harris o a telonear la gira europea de Lorde. —Antes de esta gira con Lorde has

reflexiono sobre ello y pienso: “He trabajado muchísimo para sólo durar un rato, he trabajado demasiado duro para ser sólo un one hit wonder”, ¿sabes? Y espero que más canciones mías tengan éxito. La verdad es que creo que Young Dumb & Broke será mucho más importante que Location. Estoy muy nervioso por ver qué pasa. American Teen RCA/Sony R&B 7/10

Manu (Rusos Blancos)

El año pasado publicaron Museo del romanticismo (I* M Records, 16), un paso más en una carrera que mira siempre adelante. Ahora podrás verles en directo dentro del ciclo SON Estrella Galicia en el Teatro Lara de Madrid (25 enero).

—Imagino que el apoyo de la gente que

tienes alrededor ha sido muy importante durante todo este proceso de ascenso a la fama, ¿no? Sí, ¡claro! Mi madre es mi mayor fan y mis amigos me siguen muy de cerca. De hecho, me he traído a un par de ellos aquí, a España. ¡Y son de América! Ellos también se lo están pasando muy bien. —¿Crees que has cambiado desde que subiste tus primeros temas en Soundcloud? Mi vida ha cambiado mucho. Quizá no es tanto el cómo ha cambiado mi vida o quién soy, pero me siento mucho más positivo, mucho más feliz. Y mis amigos están contentos también, porque ven que estoy persiguiendo mi sueño y que estoy teniendo éxito. Todo va a seguir cambiando. Ir consiguiendo todos estos fans es abrumador, pero creo que lo estoy llevando súper bien. A decir verdad, quiero un montón a mis fans.

El primer concierto al que fui: El primer concierto al que fui en mi vida fue uno de 7 Notas 7 Colores en La Riviera. Debió de ser alrededor del año 99, porque estaba aterrado de que no me dejaran pasar por ser menor de dieciséis. Apenas recuerdo el concierto en sí, pero sí todo lo que lo rodeó, como un encuentro con Kamikaze de El Club de los Poetas Violentos al que saludé como si me hubiera encontrado a Prince. Lo viví como un rito iniciático. El peor concierto al que he asistido: No tengo buen recuerdo del último concierto que Morrissey dio en Madrid: pagué una pasta por las entradas, fue bastante corto y se centró mucho en el que era su último disco, World Peace... que no es muy bueno. No puedo decir que fuera un mal concierto. Hubo momentos fantásticos, pero quizás mis expectativas eran demasiado altas.

—maría espejel

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sido telonero de otra gente como Travis Scott. Sin embargo, antes de todo ello ya tuviste tu primera gira completamente solo. Eres muy joven, ¿habías actuado en directo antes de tu American Teen Tour? Antes de empezar a girar con mi nombre, como Khalid, lo más grande que había hecho hasta entonces había sido un musical en el instituto. Y no fue gran cosa. Por eso, cuando tuve que prepararme para las fechas americanas de la gira de presentación de American Teen, estaba muy nervioso. Estaba en plan: “Esto es una locura, no sé si podré hacerlo”. Por suerte, tanto mi familia como mis amigos estuvieron ahí, apoyándome en todo momento. Así que ensayé, ensayé y ensayé. Y creo que mejoré un poco (risas). —Todos estos conciertos vinieron después de la publicación de tu primer álbum, American Teen. En gran parte, el disco ha sido posible gracias al éxito de uno de tus temas, Location. Esa canción se hizo muy famosa gracias a aparecer en el Snapchat de Kylie Jenner (la pequeña del clan de las Kardashian). ¿Cómo te sientes al ver que Location se convirtió en algo viral tan rápidamente? Me siento muy bien, especialmente si tenemos en cuenta que fue mi primer single. Fue platino en América, cosa que es increíble. El hecho de que, incluso ahora, la gente de alrededor del mundo haya escuchado la canción y les haya gustado… Es una locura y sólo hace que quiera seguir haciendo música que sea disfrutable y que pueda gustar a la gente. Estoy muy emocionado por el éxito de Location, la verdad. —¿No te da miedo ser sólo una sensación viral? Desde luego que me asusta. A veces

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El mejor concierto al que he ido: Sufjan Stevens en Madrid en la gira de Carrie & Lowell. Fue muy bonito, muy emocionante, una experiencia que va más allá de un simple concierto, con elementos escénicos muy sencillos pero acompañan muy bien a las canciones. El disco en sí es precioso, pero además es increíble la forma en la que lo reinventa en directo. El último concierto al que he ido: Hace una semana estuve viendo Destroyer. Tiene una banda increíble, tocan súper bien todos, pero él me resultó bastante antipático, llevando al extremo el cliché de artista sufriente. Salir a escena con pose de me da pereza estar aquí, bebiendo cerveza desganado y sin dirigirte al público en todo el concierto... Las canciones y el sonido son espectaculares, pero no cuesta nada ser amable. MS

Los directos de SON Estrella Galicia 12 enero Clap Your Hands Say Yeah Sala Capitol Santiago de Compostela

1 febrero Tulsa+Alberto Montero & Tórtel Sala But Madrid

25 enero Melange (Presentación nuevo disco) Joy Eslava / Madrid Rusos Blancos Teatro Lara / Madrid

2 febrero José Ignacio Lapido Loco Club Valencia

3 febrero José Ignacio Lapido Joy Eslava Madrid 8 febrero Josele Santiago presenta “Transilvania” Joy Eslava Madrid

enero 2018 #9

FOTO: HELENA GOCH

MONDO FREAKO

Julio de la Rosa Hay que celebrarlo

EN LA MALETA

Julio de la Rosa es uno de nuestros músicos más interesantes e inquietos, también uno de los más desconocidos, pero eso es algo que, me temo, no va a corregir Hoy se celebra todo (Ernie, 17) pese a ser un trabajo que cierra de forma brillante su trilogía dedicada a la argamasa universal por excelencia: el amor.

Erol Alkan

Erol Alkan es uno de esos Dj’s a los que la gente suele apreciar por sus sesiones divertidas y efectivas. Ahora publica un doble recopilatorio con sus remezclas y reworks más interesantes. Se trata de Reworks Volume 1 ([PIAS], 17).

#10 enero 2018

ué es el amor, más allá de la fuente de inspiración de miles de artistas a lo largo de siglos en los que se han vertido ríos de tinta y trazado millones de notas? Responder a esa misma pregunta es a lo que Julio de la Rosa lleva dedicados sus últimos tres discos en una especie de trilogía no impuesta que

s un placer escuchar tus remixes juntos en este doble disco, “Reworks Volume 1”. Hay varios que hemos podido bailar en los clubes a lo largo de estos años y algunos que no conocíamos. ¿Cuál es el más antiguo y qué diferencia hay en tu forma de trabajar en relación al último que has hecho? El más antiguo de la compilación es el que hice para Death From Above 1979. Diría que lo hice alrededor de 2004 y probablemente fuera el primero que hice. Era más bien un edit, con recortes y con la estructura cambiada para darle más importancia a algunas secciones y para que quedase claro que el rock puede funcionar perfectamente en un club de electrónica. No tengo ni idea de cuál podría ser mi aproximación si trabajase con esa canción ahora, pero espero que fuera la misma. ¿Qué es lo más importante para ti a la hora de aceptar hacer un remix o un rework de alguna canción? Depende, pero ayuda mucho si yo ya soy fan del artista en cuestión. Pero quizás el factor más consistente es si creo que puedo aportar algo enriquecedor y perdurable al tema original. ¿Tienes un cariño especial por algún tema en concreto? Me siento muy ligado a muchos de los que aparecen, pero quizás el que hice para Connan Mockasin es uno de los más importantes para mí porque

or “Creo que hablar de am e en estos tiempos qu ico” corren es un gesto polít alcanza su cénit con este nuevo Hoy se celebra todo. “Fuí consciente de ello a medida que avanzaba en el álbum y me daba cuenta de que me quedaban cosas por decir. La herida universal (Ernie, 10) fue una forma de tratar las diferentes formas de amar, en cambio en Pequeños transtornos sin importancia (Ernie, 13) se sufría cuando la búsqueda

la canción original es una pieza muy sensible y convertirla en una canción para la pista de baile era un gran reto. ¿Por qué empezaste a ser Dj y no cantante o guitarrista de un grupo de pop rock? ¡Fui todo eso antes de ser Dj! Pero descubrí que pinchar podía ser algo tan creativo como formar parte de una banda, así que no sentí ninguna tristeza cuando pasé de tocar la guitarra para conectar con una audiencia a pinchar discos de una forma creativa para conectar con la gente. ¿Tienes una idea de cuáles de estas remezclas han sonado más en tus sesiones? Las que más he pinchado han sido las de Justice, Connan Mockasin, Hot Chip, Metronomy, Tame Impala y Gonzales, pero te diría que todas han tenido un lugar en mis sesiones en algún momento. Siempre preguntamos si el Dj tiene algún disco favorito que jamás haya pinchado en una sesión... ¡No hay ninguno! Si me gusta un disco, alguna vez lo pincharé. ¿Podrías decirnos cuál es tu Dj favorito de todo el mundo? Ron Hardy. Me hubiera encantado verle pinchar en directo.

de ese amor se convierte en desesperación. Ahora que tengo una relación estable y me he ido a vivir al campo, me apetecía cerrar todo eso. También quería romper con la herencia del romanticismo del siglo XVIIII que tanto daño ha hecho y que piensa que solo nos inspira el sufrimiento y que es imposible crear desde la alegría o desde la estabilidad y eso también era un reto... En el fondo es un disco que celebra, pero que lo celebra todo: celebra la vida, pero también celebra la muerte, como bien tú sabes, y con él doy por cerrada una etapa en la que ya me he cansado de hablar de este tema, aunque ¡quién sabe! igual sigo hablando de ello, pero en cualquier caso desde otro lugar”. Y claro, digo yo que... tras más de treinta y tantas canciones dedicadas al tema más universal que existe alguna conclusión habrá alcanzado nuestro autor ¿no? “¡Qué cabrón! (risas). En el fondo creo que todos tenemos muchos pajaritos en la cabeza y que hemos de quitarnos muchos de esos pajaritos para poder volar... Y es que el amor es la última trinchera que le queda al ser humano. Es más, creo que hablar de amor en estos tiempos que corren es un gesto político. De hecho si hablara de política en mis discos me sentiría completamente redundante y prescindible, por eso creo que cualquiera con dos dedos de frente sabe cuál es mi postura política con solo escuchar dos frases de cualquiera de mis canciones. Nunca me ha gustado hablar de política y de temas sociales en mi música porque creo que el arte te da la posibilidad de hacer algo más elevado. Creo que hay que perseguir a los dioses a la

—joan s. luna

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hora de crear porque no sabemos nada de nada de por qué motivo estamos aquí y nada tiene sentido, así que por eso mismo hay que hacerse preguntas todo el rato”. Por lo que ha comentado nuestro protagonista hasta el momento ya podemos sacar unas cuantas conclusiones de su estado actual. Está claro que este disco cierra una etapa, que es un trabajo hecho desde el reposo, la estabilidad emocional y el aislamiento y, además, es un álbum que actúa como crisol del largo viaje musical emprendido por Julio de la Rosa en el que cabe incluir su ya dilatada experiencia como compositor de bandas sonoras. “De todo lo que hago se pasan ideas de un lado para otro y de hecho en este trabajo, como no iba a tocarlo en directo, me he permitido buscar texturas diferentes a las de otros discos. A mí la música de las películas, a pesar de que estoy sometido a una estructura narrativa que me viene dada, me libera una cantidad de fuerza creativa increíble y acabo utilizando un monton de intrumentos o armonías que serían muy difíciles de llevar al formato canción y eso mismo hace que me acabe resultando un poco aburrido hacer canciones que tengan que estar sometidas al esqueleto clásico de la estrofa-estribillo-puente. Es muy dificil escapar de todo eso por muchas vueltas que le des, pero ya que existe la posibilidad de divertirnos ¿por qué no hacerlo? Por eso cada canción de este disco tiene su estructura distinta... En fin, que he jugado a hacer arreglos que son imposibles de recrear en directo a no ser que los llevara sampleados”. No deja de resultar curioso que, justo cuando los ingresos de los músicos se basan principalmente en la venta de entradas, Julio de la Rosa haya decidido seguir trabajando en su guarida campestre acompañado por sus perros. “Hay muchos motivos para no salir de gira. Por un lado porque al menos este año me lo puedo permitir y por otro porque, como decía y explicaba muy bien Glenn Gould, el famoso pianista de la variaciones de Bach, no hay sitio en el que se ejercite menos la imaginación que tocando en directo y es verdad”. —don disturbios

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Matthew McDaid

Jóvenes ocultos

FOTO: ARCHIVO

TAN. CERCA. RREdu Imbernon ha firmado el remix oficial de Lips, uno de los singles del último disco de The xx. Esta es ya la tercera vez que lo hace, ya que había remezclado Crystalised (10) y Reunion (13) anteriormente. Y lo cierto es que dice mucho de ellos -y todo bueno- que sigan echando mano de quienes colaboraron con ellos desde el inicio ahora que viven un momento tan dulce a nivel de popularidad. RROrnamento y Delito protagonizan una de las sorpresas navideñas de este año publicando casi sin previo aviso su nuevo disco, El glamour de las provincias. La banda madrileña rompe así más de tres años de silencio discográfico, los que lo separan de aquel El espíritu objetivo (Limbo Starr, 14). Lo presentarán en directo el 8 de febrero en la sala madrileña Fun House. RRSticky M.A., compañero de C. Tangana en Agorazein, sigue sus pasos y debutará con Sony el año que viene. De momento ya ha lanzado un primer tema con producción de Royce Rolo, del colectivo gallego Banana Bahia Music, que refuerza su cara más pop. Se titula YanoaY y lo acompaña un videoclip que bebe tanto de las telenovelas costumbristas como de la estética del glitch y el VHS. RRLa Audiencia Nacional ha condenado a los doce raperos del colectivo La Insurgencia a dos años y un día de cárcel, 4.800 euros de multa y nueve meses de inhabilitación. No se ha rebajado ni un solo día la pena solicitada por el fiscal, lo que habría podido evitar su entrada en prisión. Estaban acusados de enaltecimiento al terrorismo y de asociación ilícita contra las instituciones del Estado por varios versos de sus canciones. RRDiciembre nos ha dejado varias giras anunciadas de las que se apuntan en rojo. Barcelona y Madrid tendrán visita de Tommy Cash en febrero, de Benjamin Clementine en marzo y de Protomartyr en abril. Angel Olsen, por su parte, vendrá sin banda por primera vez tras su paso por el Primavera Sound y tocará durante el mes de mayo en Barcelona, Madrid y Donostia. Revisad las fechas en nuestra web. RRLos infatigables Talco acaban de estrenar -en nuestra web, además- el primer single y videoclip de su nuevo disco, que verá la luz el 23 de febrero a través de su propio sello Punkchanka Records y de Long Beach Records. Y como no podía ser de otra manera volverán a presentarlo por toda Europa, España incluida. Las ciudades elegidas -por ahora- son Madrid, Barcelona, Vitoria-Gasteiz, A Coruña y Uviéu. —ms

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Off The Beaten Track (Great Canyon, 17) confirma a Matthew McDaid como un talento a tener muy en cuenta en el universo folk-rock hecho en nuestras latitudes. Háganse un favor y échenle una escucha, no les defraudará.

quienes nos dedicamos a esto de juntar letras en una revista especializada, nos gustaría pensar que nuestras palabras no pasan desapercibidas y se pierden en el enorme océano de las opiniones. Para evitar esa sensación de derrota, con demasiada frecuencia caemos en el error de la hipérbole desmesurada, sin darnos cuenta de que los lectores ya saben de largo que no todo es bueno, bonito y barato. Todo esto viene a cuento porque debo morderme la lengua, o en este caso los dedos, para evitar que mis opiniones sobre el talento de Matthew McDaid suenen tan exageradas como el típico anuncio de quitamanchas milagroso. Así que casi mejor invito a todo los que disfrutan de la música de Josh Ritter o Damien Rice, pero también de Bob Dylan & The Band o Van Morrison, a escuchar de forma atenta su primer largo titulado Off The Bitten Track. En el lado del haber encontrarán una voz portentosa con un carácter jovial pleno de fe en si mismo. En el lado del debe una dispersión estilística a la que todavía le falta encontrar la senda definitiva para que esa misma voz sea reconocida como propia. La historia de Matthew ya la hemos narrado con anterioridad en esta revista. De hecho podrán encontrarla en nuestra web a la que muestren algo de interés por este chico de origen irlandés que llegó a Cataluña con tan solo once años y que se hizo mayor tocando en la calle versiones de Ben Harper para los turistas. Más tarde vendría un Ep Crowded By Silence (Fourni, 15) que despertó el interés de unos pocos entre los que me encuentro y que derivaría en dos años de desarrollo personal que han cristalizado en este primer largo aúspiciado por Joana Serrat y David Giménez de Great Canyon Records. Un disco para el que ha contado con la inesperada ayuda de los talentosos teclados retro de ROMY, irlan-

desa afincada en Francia, miembro de la banda de Glen Hansard. “Soy muy groupie de Glen y conseguí subirme a tocar con él en su concierto de París. A Romy la sigo por instagram y directamente le propuse formar parte del disco y aceptó”. Todo en el universo de Matthew resulta o parece así de fácil y espontáneo.

—don disturbios

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CRITICANDO Off The Beaten Track Great Canyon Records Folk Rock 7/10

Matthew es un portento y lo demuestra en un álbum en el que juega a tocar un montón de palos, todos con la música de raíz en su punto de mira. Canciones que evocan al cancionero tradicional de su país de origen, a las tabernas marineras o simplemente al folk desnudo de voz y guitarra. Sin embargo, es cuando se sale del corsé de la tradición y coge derroteros más folk-rock orquestados cuando la cosa se pone seria. Sucede con Karma, pero sobre todo con la mejor del lote: la esplendorosa You The Jockey. I The Steed en el que incluso se adornan con un pasaje de aires psicodélicos que hará las delicias de cualquier aficionado.

—d.d.

enero 2018 #11

Las nuevas Fiestas Demoscópicas Desvelamos ya el secreto, aunque en realidad solamente a medias. Nuestras Fiestas Demoscópicas cambian algo de filosofía. En lugar de ofrecer pequeñas actuaciones a lo largo de la geografía nacional, este año hemos optado por una nueva fórmula que busca aunar esfuerzos y darle mayor repercusión a los artistas participantes. El próximo 15 de febrero reuniremos en Madrid (concretamente en la sala Joy Eslava) a tres bandas jóvenes que hemos seleccionado entre lo más florido de la escena emergente nacional. Os podemos avanzar que participarán –como artistas invitados- los autores del mejor disco nacional del año para MondoSonoro, tres grupos demoscópicos procedentes de distintas partes de España, y cerrando la noche una banda sorpresa estatal sobradamente conocida cuyo nombre no desvelaremos en ningún momento, pero os podemos asegurar que será una experiencia muy especial que no podéis dejar pasar.

Rosalía

Rosalía no deja de moverse. Acaba de publicar single digital -Aunque es de noche (Universal, 17)-, es la artista embajadora del proyecto Levi’s Music Project y su disco Los ángeles se sitúa entre lo mejor que nos ha dado este año que se despide.

FOTO: ARCHIVO

Prophets Of Rage, entre las novedades del Resurrection Después de la sorprendente confirmación de Kiss y Scorpions, que podía despistar a parte del público del festival, el Resurrection –que tendrá lugar del 12 al 14 de julio en Viveiro- lanza un nutrido grupo de novedades que añaden atractivo a su cartel. Para empezar, Prophets Of Rage, sobre todo teniendo en cuenta que despejaron toda duda acerca de su estado de forma en el pasado Download de Madrid. Por su parte, Ghost eran uno de los grupos más reclamados en el Facebook del festival y aquí les tenemos, mientras que a Megadeth les tocará resarcirse después de aquel fallido concierto del Resurrection 2014. Como siempre, eso sí, hay mucho que rascar más allá de los grandes nombres: Sick of It All, Paradise Lost, Eyehategod, Cuchillo de Fuego, Niña Coyote eta Chico Tornado, Agoraphobia o Barbarian Prophecies. www.resurrectionfest.es

#12 enero 2018

JOANA SERRAT FOTO: ELBA FERNÁNDEZ

Los Discos de mi Vida

MONDO FREAKO

Kendrick Lamar

To Pimp A Butterfly (2015)

Está claro que es un rapero, pero no es el típico rapero. Me gusta porque arriesga mucho, experimenta. Yo creo que hizo el disco que él quería hacer, y que pensó en la repercusión, por la manera en la que está construido, porque es complejo y rompe con los estereotipos.

Lole y Manuel Nuevo día (1976)

Es de lo mejor que ha habido en la música española en los últimos cuarenta años,. Me gusta por lo puro que es. La combinación de ellos es inmejorable. La voz de Lole y la guitarra de Manuel creaban un mundo propio. Nuevo día, Tu mirá o Todo es de color son una maravilla.

Bach

La Pasión según San Mateo (1736)

Que a día de hoy esta obra siga tan vigente, dice mucho a favor de cómo es de importante, de la trascendencia que ha tenido, por su riqueza y sobre todo porque está muy bien hecha. Bach es muy inspirador y esta obra la tengo siempre muy presente.

James Blake (2011)

Purpose (2015)

Justin Bieber

Enrique Morente

Para mí fue como una revolución, tanto por la propuesta como por el concepto. Era una nueva manera de ver la electrónica, sonaba todo muy orgánico, con mucha alma, y además es cálido. Descubrí que había nuevos caminos.

Me encanta Purpose, es un discazo. Cuando lo hizo sabía que era justo así cómo debía sonar un disco en ese momento, en el 2015. Además tenía grandes canciones, ideales para hacer clic todo el día. La producción es muy buena, una de las claves para que te enamores del álbum.

Aunque me guste mucho Omega, sobre todo por lo que representa y lo que significó, voy a elegir Despegando. Es el disco suyo que más me llega, el que más me emociona. El conjunto es redondo y Morente es muy grande. —ms

James Blake

Despegando (1977)

#espiritumondo La compilación Hace unos meses publicábamos, con la ayuda de La Cúpula Music y el apoyo de todos los sellos y artistas implicados, un recopilatorio digital que servía para resumir lo que había sido el anterior ejercicio en cuestiones musicales. Ahora volvemos a la carga con EspírituMondo 2017. Estas cosas quedan bonitas a modo de títular, pero son difíciles de definir. Aún más de condensar en veinte canciones. Pero lo hemos intentado partiendo de una intención clara, la de no caer en los nombres más recurrentes a la hora de radiografiar lo que ha dado de sí este 2017. Por eso la mayoría del recopilatorio lo forman bandas que aún tienen mucho recorrido por delante y que esperan a ser descubiertas por un público mucho más mayoritario, aunque no sean exactamente unas recién llegadas. Algunas han logrado hitos personales este año: es el caso de We Ride, que han lanzado su tercer y mejor disco con el mítico sello estadounidense de hardcore Victory Records, o de Bejo, que ha pasado del underground youtubero a ser fenómeno del año y llenar salas a ambos lados del charco. Otras se han librado de la etiqueta de promesa confirmándose como una realidad, como Joana Serrat, Sen Senra o The Zephyr Bones. No faltan nombres más veteranos justificados por razones de peso para estar aquí, como el regreso -no esperábamos que fuera tan bueno- de The Unfinished Sympathy o la renovación sonora de La Bien Querida, que se marca en 7 días juntos una cumbia dub, reinterpretando y colaborando con el mallorquín Joan Miquel Oliver. En fin, podríamos seguir un rato, pero solamente vamos a apuntar dos cosas más: un olé por Las Ruinas, que cumplen por octava vez consecutiva su promesa de sacar un disco al año sin bajar el nivel, y un recuerdo para Gata Cattana, que nos dejaba este año con un disco póstumo que, aunque pasen los meses, sigue doliendo. Y emocionando. El disco puede escucharse en plataformas digitales, o comprarse en descarga digital (todos los ingresos irán destinados a los artistas). —ms

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“

This Drama Lo bueno, si breve... Asdrúbal Marichal, nos cuenta los detalles de la grabación de su última referencia, Summer Failures (Venn Records/Fair Warning, 17), con Scott Middleton, el guitarrista de Cancer Bats, a los controles.

EN CONCIERTO l Barcelona 22 febrero. Rocksound l Madrid 23 febrero. Gruta 77 l Tenerife 24 febrero. Aguere Cultural

Tenemos muchas ganas. Además, PUP se han convertido en una de nuestras bandas favoritas de los últimos años. La energía que desprenden y su mezcla de estilos sin alejarse del punk y sin perder frescura es increíble. Realmente creo que es una de esas bandas que no van a dejar de darnos sorpresas y grandísimas canciones en los próximos años. La gira, más que por Cancer Bats fue por su tour manager, que también trabaja con PUP y que me puso en contacto con Stefan hace ya tiempo. Entre intercambio de música y más música, empezó a salir la idea de hacer algún show juntos. Creo que hace un año que empezamos a hablarlo, así que la espera ha valido la pena. —luis benavides

”

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FOTO: SERGIO VILLALBA

o bueno, si breve, dos veces bueno. Bajo esta premisa, los canarios This Drama apuestan por los epés, un formato que reivindican en esta entrevista. Y es que prefieren ahorrarnos los temas de relleno e invertir todas sus energías (y presupuesto) en hacer el mejor disco posible. Su cantante, —¿Por qué otro EP? Empiezo a pensar que os mola dejarnos con ganas de más… Siempre nos hemos considerado muy fans de los epés. Ayudan a sacar una instantánea fiable y sin relleno de la salud creativa de una banda, sobre todo en cuanto a la evolución de la misma. Los viejos estándares de la industria siguen ahí y parecen estigmatizar a los epés, sobre todo a nivel de prensa, que muchas veces parece seguir viendo con recelo este tipo de formatos. La realidad es que, para bien o para mal, la forma de escuchar música ha cambiado y los epés cada vez son más habituales y lógicos en este nuevo paradigma. —Supongo que también tiene algo que ver con el tiempo que habéis tenido para grabar con Scott Middleton. Exacto. Esa es otra de las grandes razones por la que seguimos trabajando en este formato. Desde Tarantula Mata que empezamos a viajar para poder trabajar con estudios y productores dife-

rentes que aportaran nuevos enfoques al sonido y a las canciones, nuestra prioridad ha cambiado a nivel de estudio. Antes los presupuestos eran únicamente para pagar el estudio y poco más. Ahora todo es más complejo y con cada disco nos gusta cumplir metas específicas, como trabajar con algún productor o estudio en especial. —En febrero haréis tres fechas con PUP, una banda de Toronto. ¿Scott o Cancer Bats tienen algo que ver en esto?

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enero 2018 #13

FOTO: ALBA YRUELA

WALA. WALA.

“Trabajar para James Brown era como estar en el ejército, actuar de una forma determinada y vestir de uniforme. En cambio, a George Clinton le da igual como vistas o la pinta que tengas, mientras seas funk” Bootsy Collins, en Mojo

“El médico me dijo que no hiciera nada estresante durante unas semanas, solo vivir, dormir y cuidarme. La enfermedad me ha enseñado que tengo cuarenta y tres años, no veintitrés” Robbie Williams, en The Sun

“El punk fue hace cuarenta años. La gente sigue y sigue y sigue con ello, es como un viejo hablando una y otra vez de la guerra” Viv Albertine, en Q

“Estaba escuchando en gira a todas esas bandas –Minor Threat, Black Flag...- y nos empezó a gustar tocar más rápido y más pesado en directo, así que escribí un puñado de canciones más agresivas” Ellie Rowsell de Wolf Alice, en Mojo

“A nivel de producción ‘Despacito’ es muy buen tema. Tiene un arreglo un poquito hortera. si hubiera sido más elegante hubiera sido un hitazo... el partir el tempo en un tema híper mainstream es un truquito que flipas” C. Tangana, en jenesaispop.com

#14 enero 2018

Núria Graham Sonido propio

“Es un clásico que al tratarse de una mujer te llamen simplemente ‘cantante’ ”

A Núria Graham, unos pocos años le han servido para reeditar sus primeras demos, ofrecer conciertos internacionales, presentar su debut y ahora, este Does It Ring A Bell? (El Segell, 17) que la avala como una de las artistas más inquietas y personales de nuestro país.

o es la primera entrevista que da hoy, pero Núria Graham se lo toma con calma; acompañada por una copa de cerveza y una bolsa de patatas –“¡coge una si quieres!”- nos espera en el exterior de un céntrico bar del barrio de Sant Antoni. Se levanta para saludar, advierte sonriendo que habla mucho y se pone cómoda otra vez, sin que le importe demasiado el ruido a su alrededor. Es esta comodidad la que también la ha acompañado a lo largo de un corto pero prolífico camino que lleva recorriendo desde que entró en escena con dieciséis años. Sin prisas, sin complejos, simplemente disfrutando en cada momento de lo que hace. Su segundo álbum demuestra que el método le está funcionando muy bien. —Lo primero que llama la atención de Does It Ring A Bell? es que ya tiene ese sonido concreto y maduro que raras veces encuentras en un segundo álbum. ¿Qué ha significado para ti? Sobre todo quería encontrar un sonido, decidir cómo lo quería y llevarlo a cabo. Algo desnudo, sincero y no demasiado producido. Mi intención era concretar más lo que quería decir y conseguir un disco más homogéneo, de modo que todo tuviera sentido de arriba a abajo. Además es un álbum más personal, en el que he podido hablar sin tapujos de mis experiencias y los problemas que he tenido, hacer un poco de exorcismo personal. Esto hace que a nivel de letras tenga ese

punto oscuro, pero también le da un carácter más sólido. —Es un álbum en el que siempre mantienes un estilo personal e identificable, pero también trabajas con distintos géneros. Nunca me paro a pensar en el género que toco, de hecho no sé describir cuál es el mío. Por eso cuando me pongo a trabajar en un álbum no pienso si quiero algo más folk, rock, pop o lo que sea. Creo que es importante no darle demasiada importancia. —¿Te incomoda entonces que a veces te pongan etiquetas como “cantante folk”? La verdad es que no me importa demasiado. Claro que hay folk en mi música, pero también otras cosas. De hecho me sorprende más lo de “cantante” cuando además de cantar también tocas la guitarra, trabajas en el estudio y te encargas de mil cosas más. Es un clásico que al tratarse de una mujer te llamen simplemente “cantante” y casi usen tu sexo como un género musical. Es algo que tendríamos que ir superando. —Me llamó la atención un comentario de Cloud Fifteen que decía que recordabas a Lou Reed. Sí, al ser un tema donde la voz es más recitada y relajada, a mucha gente le ha recordado a Lou Reed. A mi madre le gusta mucho y yo también lo he escuchado bastante, sobre todo el disco que hizo con John Cale, Songs For Drella (Sire Records, 90). Pueden decir que a veces no toca muy bien o tiene algún punto hortera en la producción, pero tú lo ves en directo y el tío hace lo que tiene que hacer. Las imperfecciones lo convierten en un músico totalmente único, y lo mismo con Bob Dylan. Por eso los tengo entre mis referentes.

—martí joan batet

”

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Maria Arnal i Marcel Bagés La victoria del compromiso El dúo ha coronado multitud de picos con su debut, 45 cerebros y 1 corazón (Fina Estampa, 17). Y en las cimas ha embelesado a propios y extraños con su canción apegada a lo social y a su vez a la vanguardia. ¿Y el futuro? Si no quedan techos por asaltar, los inventarán: los exploradores natos no entienden de lindes terrenales.

aria aprende hoy a ponerse de pie. Sobre el escenario su camisa blanca dibuja un halo en dirección ascendente que ya no tendrá freno. El gesto lo repetirá por toda la península en hasta setenta ocasiones este año. Es 25 de abril, aniversario de la Revolución de los Claveles, y la sala aplaude dos alzamientos; el que recuerda la fecha que llevó a Portugal a la democracia y también el de los versos de 45 cerebros y 1 corazón, un disco revolucionario que se viste de largo en una sala llena de entusiastas y que brilla como recién barnizada. Dejando la silla atrás, secundada por Marcel a la guitarra y por David Soler (productor) a los cachivaches, Maria entierra en directo un nuevo pilar. La idea de un dúo estático. Los catalanes deciden, de nuevo, pervertir sus propias bases. Es una novedad a medias. El autoboicot empieza meses atrás, todavía en el estudio, y desemboca en el disco de gui-

tarra y voz más sideral que la escena ha conocido. Antes, dos epés (Remescles, acoples i melismes y Verbena) habían allanado el camino. Sólo hay un lugar en este, nuestro Estado de Derecho, donde saltarse las normas no supone un castigo severo: el espacio existe en el tratado de anarquía firmado por Maria Arnal (Badalona, 1987) y Marcel Bagés (Flix, 1980) desde el inicio de su proyecto homónimo. La culpa de la trepidante carrera de los jóvenes catalanes la tiene la propia Maria. Confiesa, risueña, que para ella “todo caduca rápido”. “De forma natural tengo siempre la intención de tirar adelante y seguir aprendiendo. Ahora ando con los armónicos tibetanos”, explica, mientras riega la conversación con un vino encomendado a celebrar el motivo de este encuentro. Marcel asiente (y bebe). Los dos basan su proyecto en –chascan al unísono– “la exploración”, y tal vez por ello han quemado tantas etapas como estaciones en los últimos

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FOTOS: XAVI TORRENT AYUDANTE: ANGHARAD SEGURA

2017: lo mejor

“Nosotros hacemos elar, canciones para interp bajo la idea de que lo social es lo íntimo y lo íntimo lo social”

meses. “¡Hace tres años ni siquiera cantaba!”, destaca Maria en el bar de la sala Beckett, que les ha prestado su hall, de rojo intenso, para las fotos que acompañan el texto y nuestra portada. Aunque se han profesionalizado gracias a su debut, ni uno ni otro reconocen cambios bruscos en su rutina desde 45 cerebros y 1 corazón. El zarandeo en sus vidas es anterior. “Con Verbena ya hicimos ochenta conciertos”, atiende Marcel. Pese a las horas en la carretera, Maria promete que lee más que nunca, y Marcel corresponde. Él trastea sin pausa el ordenador. Ambas actividades formarán parte, con toda seguridad, de un nuevo largo que nacerá con el final del verano. La tendencia natural de sus próximos pasos, como ambos reconocen, es dar sepultura definitiva al dúo de folclore que habían protagonizado en sus inicios, así como finiquitar la recuperación estricta de la memoria oral para sus textos. “Las últimas canciones del disco, Desmemoria y Tú que vienes a rondarme, ya dan pistas… La presencia electrónica es más clara. La idea es seguir explorando, salir del prejuicio de cuando se escucha un dueto que se explica desde una voz y una guitarra”, propone Maria. En la conversación se barajan nombres tan dispares como Arca, Niño de Elche, Jlin o Björk. ¿Puede esto llevarles a perder su carácter universal,

accesible? “No tiene por qué… Cuando Pep Gimeno Botifarra entona un cant de batre, este no es nada fácil pero es popular a la vez. Cada vez estoy más convencida de que el camino es investigar, crecer, desplazarse… Y eso no es incompatible con servir a un público. No nos acercamos a la música desde la pureza ni desde el esencialismo”, zanja Maria. En la misma charla sobrevuela la idea del compromiso político, ADN del proyecto que les ha llevado a ganar simpatías de espacios como el de los Comuns, que han adoptado sus temas como himnos. No les molesta, siempre y cuando el guiño no venga de formaciones a la derecha de sus ideas. Dígase el PP. “Entonces ya me encargaría yo mismo de…”, ríe Marcel. Más allá del chascarrillo, el compromiso vertebra – rezan– cada una de sus decisiones. “Nosotros hacemos canciones para interpelar, bajo la idea de que lo social es lo íntimo y lo íntimo lo social”, dice Maria, que alaba la importancia que dan en su pequeño equipo a los cuidados. Si bien su carrera apunta a cotas que no siempre se cruzarán con las plazas y las calles, ellos aseguran que siempre serán accesibles. “Este año hemos tocado en la Barts, Apolo... Y tres veces gratis en Barcelona, se nos puede y se nos podrá seguir viendo fácilmente”.

—yeray s. iborra

enero 2018 #17

lo mejor de 2017 2

Pablo Und Destruktion

Bejo

Sonido Muchacho

Autoeditado

ROCK / San Pablo exhortaba a los colosenses “vestirse de amor”. Ese traje es el que se pone el músico asturiano en su particular camino de perfección, en donde confluyen lo sagrado y lo pagano, como en el inicio de los tiempos, encontrando belleza incluso en los momentos dolorosos, con una interpretación en la que siempre aparece el peligro. —enrique peñas

RAP / Un largo que resume mucho de lo que el canario había compartido en streaming pero que suma otros tantos ejercicios de rima surrealista, juegos con el lenguaje y flow disparatado. Sus ritmos y rimas aguantan con más solvencia que las de la mayoría de sus compañeros de generación. —yeray s. iborra

Rufus T. Firefly

Joana Serrat

Lago Naranja

Great Canyon

POP ROCK / Las excelentes críticas que cosechan no acaban de trasladarlos al estatus que sin duda merecen. Su música continúa siendo la que mejor representa en nuestro país ese eslabón perdido entre el matemático y sintético sonido de grupos como Alt-J, con el más orgánico y progresivo de unos Porcupine Tree. —don disturbios

AMERICANA / Todos los medios utilizados para la grabación de este disco serían pura anécdota si Joana Serrat no desbordara talento y sensibilidad a raudales, si no tuviera “aquello” capaz de zarandearte el espíritu. Para ello se vale de lo que mejor sabe hacer: canciones esencialmente folk, pero sin caer en un purismo castrante. —maría fuster

FOTO: XAVI TORRENT

Predación

Juventud al poder 1 E

ste año se recordará inevitablemente por todo lo sucedido en Cataluña. Y aunque no hay una conexión directa entre el clima político y la elección de 45 cerebros y 1 corazón como disco del año, no deja de ser curioso y oportuno que el debut en formato largo del dúo barcelonés haya sido señalado de forma unánime por quienes formamos parte de esta revista. Lo tiene todo: poesía, compromiso, canciones como soles y la frescura de quien tiende puentes entre tradición y modernidad. No son los únicos debutantes en los puestos de honor de esta lista, lo que dice mucho de la madurez de los jóvenes músicos de nuestro país. Ahí están Bejo, Rosalía o un disco que duele: el trabajo póstumo de Gata Cattana que precisamente nos abandonó este mismo año. 2017 también nos sirve para confirmar a Pablo Und Destruktion, que con Predación ha firmado el que posiblemente haya sido su mejor álbum. O a Rufus T. Firefly (lo mismo podría decirse de Magnolia) y nombres como Biznaga, Joana Serrat o Cala Vento, que a pesar de su juventud no son precisamente unos recién llegados.

Maria Arnal & Marcel Bagés 45 cerebros y 1 corazón Fina Estampa POP / El debut de largo de los catalanes pilota el frenesí: más producción, más concepto, y el fondo impertérrito. Los temas entrenados en directo los dos últimos años conviven con naturalidad con ejercicios cercanos a Niño de Elche o Arca, y se mezclan además con canciones propias rotundas. —yeray s. iborra

Magnolia

Hipi hapa vacilanduki

Dripping Springs

La Maravillosa Orquesta del Alcohol

C. Tangana

The Unfinished Sympathy

Los Punsetes

Vetusta Morla

Mushroom Pillow

Pequeño Salto Mortal/Sony

POP / El grupo madrileño vuelve a situarse en ese punto en el que no se sabe si asistimos a la enésima broma de su colección o bien estamos ante la puesta en escena de una verdad incómoda; en realidad, lo sabemos de sobra, pero esa media sonrisa al escuchar algunas de sus letras nos viene de miedo para quitarnos un peso de encima. —enrique peñas

ROCK / El trabajo más completo y ambicioso que Vetusta Morla hayan realizado hasta el momento. Todo suena grande en este disco. La producción supone un salto de gigante respecto al resto de su discografía y en los escasos cuarenta minutos que dura queda condensado todo lo que la banda ha sido y todo lo que quiere ser. —ricky lavado

Salvavida (de las balas perdidas) PRMVR ROCK / Un álbum complejo en arreglos, trabajado y, sobre todo, experimental. Todo lo experimental que puede ser un disco de género como este. Porque lo de La M.O.D.A. sigue siendo punk-folk-pop pero, oigan, muy bien hecho. Con temas destinados a convertirse en himnos en sus conciertos. —eduardo izquierdo

#18 enero 2018

Ídolo

Sony Music Spain

It’s A Crush B-Core

RAP / Ídolo supone la culminación de una carrera de fondo que ha llevado a Antón Álvarez desde el underground del rap madrileño hasta las listas latinas de Spotify. El éxito de Mala mujer hacía presagiar un disco más accesible, pero C. Tangana nos ha sorprendido con un trabajo de rap contemporáneo oscuro y complejo.

ROCK / It’s A Crush hará las delicias de los seguidores más exigentes de esta banda barcelonesa surgida a finales de los noventa. Canciones irresistibles, redondas y adictivas, con esa equilibrada mezcla de garra y emotividad que siempre les ha caracterizado. Un álbum de indie rock digno de celebración. —luis benavides

—tomás crespo

¡Viva!

Mismo sitio, distinto lugar

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Gata Cattana

Exquirla

Rosalía

Biznaga

Cala Vento

Fundación Gata Cattana

Century Media/Superball

Universal

Slovenly

BCore

RAP / Hay que afrontar este álbum con alegría y con la excitación que provoca poder disfrutar del sobresaliente nivel que estaba alcanzando la cordobesa, con unas letras al alcance de muy pocos compositores tanto dentro como fuera del rap. El último legado de una artista que se fue cuando más la necesitábamos.

FLAMENCO / Un disco de flamenco decididamente trascendente para un mundo fugaz. Un baño placentero para una cantaora capaz de salir a flote ya sea cantando músicas urbanas o copla. Rosalía se postula como la cantaora contemporánea que mejor ha entendido los tiempos que corren.

—alfonso gil royo

FLAMENCO ROCK / Este nuevo proyecto fruto de la alianza entre Toundra y Niño de Elche construye su identidad sobre un discurso propio, ajeno a cualquier referencia preexistente, y ahí radica su mayor virtud. Valiente, profundo, fundamentado y honesto. Lo suficientemente sólido como para garantizar su propia perdurabilidad. —nacho serrano

—yeray s. iborra

PUNK / Un disco que es un estado de ánimo. Madrid sigue siendo su escenario, pero los cuerpos que antes se anestesiaban en la barra del bar se han convertido en zombies y se arrastran por una zona cero castiza. Se refleja también otra forma de vida no menos irreal y opresiva, la que se desarrolla vía Internet y las redes sociales. —luis j. menéndez

ROCK / Aleix y Joan cargan su segundo larga duración de una nostalgia que evita siempre la melancolía y que encaja como un guante en su pop de guitarras vitaminado y altamente capacitado para los estribillos. Nos hacen partícipes de historias en las que no hay pliegues ocultos. Así son y así suenan. —joan s. luna

Ed Is Dead

Futuro Terror

Sierra

Bala

Los Planetas

Idioteque Records

BCore

Sonido Muchacho

Matapadre

ELECTRÓNICA / El músico y productor Edu Ostos juega a la experimentación, a la improvisación y a no atender a otros mecanismos que a sus impulsos primarios y a los referentes que le han acompañado en los últimos años. Electrónica de festival, IDM, future garage... El disco que necesitaba para situarse en el foco. —daniel mesa

punk / Distinta cara, más oscura, pero a pesar de todo la misma moneda. Empezando por una producción, más enterrada y menos brillante, que resalta los temas con reminiscencias afterpunk. Mantienen cierto poso power popero y consiguen delinear estribillos que se pegan a la primera escucha. —darío coto

pop / El debut largo de Sierra es un trabajo que viene cargado de reproches (A ninguna parte) y rupturas en el horizonte (Hacerlo fuerte), pero también de ternura y contrastes, deslizándose igual sobre melodías brillantes que a lomos de otras de acento oscuro, para completar media hora de pop meridiano.

rock / Tras Bala se encuentran Violeta Mosquera y Anxela Baltar, autoras y ejecutantes de nueve nuevas canciones en las que sólo precisan de batería, guitarra y voz para generar una enfurecida tormenta de punk, metal y noise rock. Una arrolladora vorágine de ambientes sonoros claustrofóbicos.

—enrique peñas

—nonito pereira rey

pop / Un disco largo, irregular, preñado de referencias, con una vocación menos procelosa y más política que los dos títulos anteriores. Nunca antes la voz de J había sonado tan nítida en primer plano. Más allá de la remota filiación con el rock andaluz, Los Planetas incrustan en su discurso esencias atávicas sin resultar anacrónicos. —eduardo tébar

Anímic

La Bien Querida

ZOO

Hal Incandenza

Quentin Gas y Los Zíngaros

BCore

Elefant Records

Propaganda Pel Fet!

Lost Worlds

Caravana Candy Rockets

ELECTRÓNICA / La fragilidad ha sido de forma recurrente uno de los pilares en la música de Anímic. La electrónica oscura ya había aparecido antes de forma puntual, pero es que ahora lo domina todo, cediendo completamente el protagonismo vocal a Louise Sansom. Cortes en clave techno o dark-wave que golpean desde la frialdad. —enrique peñas

POP / Una mirada hacia delante que celebra en sí mismo la trayectoria del grupo, ya que a este Fuego lo avivan todos los ingredientes que han hecho de La Bien Querida lo que es: el punto castizo de Romancero, la fusión tropical de Fiesta, la electrónica de Ceremonia y la oscuridad de Premeditación, Nocturnidad y Alevosía. —cristina pancorbo

ROCK / No han perdido las ganas de utilizar su música como instrumentos de reivindicación. Once temas que, a pesar de ser difíciles de enmarcar dentro de unos patrones estilísticos concretos, consolidan al grupo en lo que definen como “música festiva donde trabajamos géneros afroamericanos con connotaciones electrónicas”. —andrea coll pons

ELECTRÓNICA / Henry Saiz está de vuelta con nuevo alias y su disco más lúdico y lúbrico hasta la fecha. Una inmersión en las cristalinas aguas ibicencas de la mano de una serie de amigos y amigas (Eloy, HNIN, Mammals y Linda Mirada) que ponen voz a las fantasías discotequeras del productor madrileño. —luis j. menéndez

ROCK / Rock flamenco empapado por la psicodelia que une a Triana con Tame Impala, catorce temas que absorben los instrumentos autóctonos encontrados en el camino para tejer, bajo una tormenta eléctrica de riff, quejios y teclado omnipresente, un universo propio en el que la voz de Quentin serpentea a sus anchas.

Banzai

#YL48H

Skin

Para quienes aún viven

Precipicio

Fuego

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Los Ángeles

A ninguna parte

Raval

Sentido del espectáculo

Lume

Calor

Fruto panorama

Zona temporalmente autónoma El Ejécito Rojo/El Volcán

—david pérez

enero 2018 #19

LOS MEJORES DISCOS NACIONALES DE 2017

Talaboman

Teething

Mujeres

Fermín Muguruza eta The Suicide of Western Culture

Berri Txarrak

The Night Land R&S Records

We Will Regret This Someday Selfmadegod Records

ELECTRÓNICA / Más de nuestro John Talabot que del sueco Axel Boman tiene este trabajo que firman conjuntamente como Talaboman, tras aquel celebrado Sideral EP (Hivern, 2014) que les puso en el punto de mira de toda la escena electrónica underground que se pirra por el house en sus vertientes más deeperas, futuristas y mestizas. —fernando fuentes

Un sentimiento importante

Infrasoinuak

Sonido Muchacho

B-Map 1917 + 100 El Segell

GRINDCORE / El primer largo de los madrileños llega para confirmar que los complejos y salirse del género es algo que no les importa lo más mínimo. Un hostión épico en toda la cara que satisfará a todos los que esperan encontrarse blasts arrolladores, guitarras y bajos infernales y a un vocalista con personalidad y muchísima mala baba. —sofía cuevas

GARAGE / El cuarteto barcelonés ha pasado a ser un trío. Pero esta será la única noticia triste que os encontraréis en este cuarto álbum de los catalanes. Mujeres celebran diez años con un álbum cantado íntegramente en español, un resumen de lo que nos han dado hasta la fecha con mucho espíritu joven, canalla y sudoroso. —ferran cano

ELECTRÓNICA / En este urgente cóctel sonoro, convulso y siempre explosivo, las distópicas bases industriales de los de Rubí -una de las realidades electrónicas más punks y atractivas de nuestra escena- sirven de rabioso colchón para el discurso rojo y rabioso de un Muguruza que aquí se muestra revitalizado. —fernando fuentes

ROCK / Punk, metal y pop siguen ahí, como hasta ahora, a partes iguales. Eso, y mucho más, claro. Los amantes de los Berri metaleros saldrán satisfechos, los amantes de los Berri punk también, pero, sin duda, los que saben apreciar las melodías de Gorka Urbizu son los que más van a disfrutar de Infrasoinuak. —xabi doncel

Altarage

Julio De La Rosa

Joe La Reina

The Zephyr Bones

Karen Koltrane

Season Of Mist

Ernie Records

Subterfuge Records

La Castanya

Foehn

METAL / Los vascos afianzan su personal relectura del death metal en un segundo largo que sondea nuevas dimensiones más allá de mentores como Portal o Abyssal. Un asfixiante y denso conglomerado de guitarras atonales, reverberaciones y heterodoxia rítmica que acaba engullendo al oyente en un agujero negro tan hostil como adictivo. —david sabaté

POP / Un disco más amable de lo habitual en cuanto a sensaciones que genera a su paso cierta calidez en lo que supone una agradable sensación. Y eso que, en cualquier caso, la honradez expresiva sigue presente en el nuevo decálogo, y la honestidad brutal del músico mantiene su aspereza e impacto con una narrativa más explícita. —raúl julián

POP / Siguen por su senda disconforme. No esperen ningún hit porque la banda originaria de Donostia, ahora afincada en Madrid, no se lo va a brindar, pero este nuevo trabajo acierta mostrando la clara apuesta del grupo por destapar lo más crudo de la realidad actual incluso cuando eso supone desnudarse a sí mismos. —alberto bonilla

POP / Esta ópera prima grabada en estudio propio nos sumerge en unas canciones de ese dream pop psicodélico que nos trae a la cabeza bandas como Tame Impala, The Drums o Baywaves, pero con un toque propio que ellos mismos han denominado beach wave. Ensoñadoras melodías que nos trasladan al verano. —guillermo chaparro terleira

ROCK / El proyecto de Ángel Valiente, que en directo cobra vida con la ayuda de Atención Tsunami, da un paso al frente. Las líneas maestras están bien definidas -krautrock y la herencia de Joaquín Pascual-, pero en el plano sonoro y compositivo más que un paso adelante el disco supone una expedición a los glaciares. —luis j. menéndez

Guadalupe Plata

Amateur

Neuman

Los Bengala

Big OK

Everlasting

Sony

Subterfuge

Wild Lion Records

rock / Con Guadalupe Plata no hay vuelta atrás. O mejor dicho, es lo único que hay. Porque Pedro de Dios, Carlos Jimena y Paco Martos permanecen fieles a su empeño involucionista, ofreciendo una nueva mezcla de ingredientes que abre otro sendero hacia el mismo destino, el primitivismo, la crudeza, la inocencia. —nacho serrano

POP / De las cenizas de La Buena Vida nace Amateur, un nuevo proyecto que actualiza el encanto del Donosti Sound y nos devuelve, con nostalgia y melancolía, a aquellos años. Debut! (Sony, 17) es su primer álbum, que se completa con los dos epés que ya conocemos (El golpe y Será verdad).

POP rock / Mucha carretera tiene ya Paco Román en sus piernas, muchas paradas en su carrera, muchos crashpads en el camino, así que ya iba siendo hora de quedarse en casa. Y así ha sido. Gestado en el home studio –nunca mejor dichoque tiene el murciano en la vega de Granada, ha resultado ser su mejor cinta. —arturo garcía

rock / Después de un debut impactante, Los Bengala siguen una línea continuista en su segundo disco. El dúo prueba una extraordinaria rentabilidad al exprimir sus escasos recursos (guitarra, batería y voces) hasta sonar arrasador. Los zaragozanos regresan, más primitivos y explícitos pero igual de adictivos.

Endinghent

Guadalupe Plata

#20 enero 2018

Hoy se celebra todo

Debut!

—jon pagola

Esas nuevas modas

Crashpad

Secret Places

Año selvático

—raúl julián

Only In Dreams

Álbum

Big OK Gandula/Chesapik/ A Tant Rêver du Roi rock / Big OK es el insospechado punto de confluencia entre el cantautor Paul Fuster, la violinista Sara Fontán (Manos de Topo) y el percusionista Edi Pou (la mitad de Za!). Una hirviente marmita posthardcore cuya ebullición depara saldos imprevisibles. Asoman nombres como Shellac, Swans o Black Sabbath. —carlos pérez de ziriza

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RESUMEN 2017 POR ESTILOS

Altarage Endinghent Season Of Mist

Muert Ye Caniarae Abenzam Hammerheart Records

Ósserp Al meu pas s’alça la mort Blood Fire Death & varios sellos

Foscor Les Irreals Visions Season Of Mist

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Hipi Hapa

5 Hela Death May Die Discos Macarras & varios sellos 6

Pylar A ella te conduce la Sagrada Espyral Humo

The Wizards Full Moon In Scorpio Fighter Records

8 Santo Rostro The Healer Nooirax & varios sellos 9 Moonloop Devocean Listenable Records

10 Marthyrium Beyond The Thresholds Blackseed Productions

ALTARAGE FOTO: ARCHIVO

uizás nos ha quedado un top más duro de lo habitual, pero es justo reconocer que las bandas de extremo de nuestro país destacan cada vez más y abren la puerta a un público internacional creciente. A Altarage los descubrimos tarde, pero su segundo disco nos ha noqueado: denso, intrincado y visceral a partes iguales. Los canarios Muert han sido la gran sorpresa de este año con un tercer disco de black metal crudo y sin concesiones, mientras que Ósserp completan un tridente de brutalidad y calidad sin apenas precedentes. Les sigue Foscor, cuyo Les Irreals Visions confirma el acierto de su personal giro emprendido hace tres años; el doom metal de los alicantinos Hela y, como no, los druidas sevillanos Pylar, quienes prosiguen con su cruzada de drone y psicodelia; los bilbaínos The Wizards y su heavy metal clásico y electrizante; Moonloop y su detallista metal progresivo; el black death de los gallegos Marthyrium;. Más allá de las primeras posiciones (de las que han sido abducidos Teething, presentes en lista general al compartir público con la escena hardcore ), destacan también nombres como Evadne, Akerbeltz, Hyban Draco, Morbid Flesh, Aposento, Tottengött, Looking For An Answer, Proscrito, Krossfyre, Osezno, Soziedad Alkoholika u Orthodox y su vuelta de tuerca experimental en Supreme. —david sabaté y eduard tuset

Top10

KENDRICK LAMAR FOTO: ARCHIVO

Crudo y duro

RAP

METAL

o hay dudas, este ha sido el año del bejismo. El canario llegó con ese aire fresco y desenfadado que tanto necesitaba el hip hop nacional y se lleva la medalla de oro. Porque Hipi Hapa Vacilanduki es un disco innovador, divertido y provocador, con unos ritmos que se te pegan a los huesos y te alegran el día. A su lado encontramos Banzai, un álbum diferente, lleno de poesía y alma, de los que te enriquecen la mente y el corazón. Y detrás del maravilloso disco póstumo de Gata Cattana completa el podio el ya consolidado Foyone, con un trabajo en el que ha fusionado a la perfección lo clásico con lo moderno. Tres discos que representan el momento actual del rap español: rebosante de variedad, con sonidos para todos los gustos y colores. Por ello completan la lista artistas que apuestan por lo añejo como Orellana & Jayder, N-Wise (MDE Click) o el ya clásico Sho-Hai. Acompañados de las tendencias trap de Pedro, $kyhook y su laboratorio, y de excelentes letristas como Nethone y Juancho Marqués. Y por ello cierra la lista Nathy Peluso, un nuevo ejemplo de que el Hipi Hapa cada vez está más abierto. Porque en la variedad está el gusto. —alfonso gil royo

Top10 1 Bejo Hipi Hapa Vacilanduki Autoeditado 2 Gata Cattana Banzai Autoeditado 3

Foyone Rico sin denuncia DNC Records

4 Juancho Marqués, Blue Sundays Autoeditado 5 Nethone Causas perdidas Ziontifik 6 Pedro LaDroga y $kyhook Via Digital Autoeditado 7 Alex Orellana & Jayder School Of Hardnocks Elhombreviento 8 N-Wise Allah Casino Chips Autoeditado 9

Sho Hai La última función Rap Solo/BOA

10 Nathy Peluso Esmeralda Autoeditado

enero 2018 #21

RESUMEN NACIONAL 2017 POR E HARDCORE-PUNK

Top10 1

Teething We Will Regret This Someday Dead Heroes/Selfmadegod/

Berri Txarrak Infrasoinuak Only In Dreams

Khmer Larga Sombra In My Heart Empire

quejas, claro, como de costumbre, pero lo que no podemos negar es la evidencia y que los discos de nuestra lista funcionan, y funcionan muy bien. Y se nos quedan fuera una larga lista de referencias, desde el homónimo de Cuneo hasta Accidents de Saïm, pasando por álbumes de gente tan interesante como Hyena y Föbia o por los epés de Paüra, De La Cuna A La Tumba, Trono de Sangre, Llacuna o Udol, por poner solamente algunos ejemplos más. —joan s. luna

ELECTRÓNICA

uentan en la lista de metal que les hemos birlado a nuestro número uno. Quizás sea cierto, pero ocurre que los madrileños Teething se han movido siempre en aguas extremas, entre el grind, el hardcore, el powerviolence y ya iba siendo hora de que publicasen un álbum entendido como tal, recuperando incluso para él su “éxito” White Cross Inversion. Este año gana el extremo. Ahora bien, una vez más los géneros de combinan para pasar del hardcore rockero al screamo, del metalcore al hardcore melódico. Quizás por ello nuestro número dos lo ocupen Berri Txarrak, una formación que pasa de las guitarras rápidas a melodías dignas de Weezer sin apenas pestañear. Diversidad, vaya. Habrá

4 Ànteros Cuerpos celestes Aloud/Pundonor/Radix

10 Violets Maybe This H Records

#22 enero 2018

ED IS DEAD FOTO: ARCHIVO

8 Anchord As A Real Return Saltamarges Boneflower Empty Rooms, Full Bodies Walking Is Still Honest

n vistazo al top electrónico de este 2017 confirma una tendencia que ya se apreciaba en temporadas anteriores. A saber: la mayor parte de artistas nacionales relevantes en este área trabajan de cara al mercado internacional. Especialmente sintomático es el caso de mujeres como JASS (alias de Silvia Jiménez Álvarez) o las asturianas LCC, que se han convertido en verdaderos referentes fuera de España y hasta han movido su residencia a Berlín y Londres respectivamente, pinchando y actuando en algunas de las discotecas más relevantes de esas ciudades. El mismo comentario podría hacerse de Henry Saiz (este año con álbum bajo nuevo alias, Hal Incandenza), Talaboman (nuestro John Talabot junto al productor sueco Axel Boman), Clip! o incluso otros que se han quedado fuera de la lista como Piek, Odd People o 30drop. Otro elemento peculiar de esta serie de nombres es la heterogeneidad de las propuestas. En nuestro listado encontramos desde techno a house ibicenco pasando por géneros como ambient, IDM, hip hop instrumental, vapour wave, industrial o bandas sonoras imaginarias. Un ejemplar ejercicio de eclecticismo que aún sería mayor si tuviéramos en cuenta otros trabajos relevantes en formato largo como los de Oikos, Spektral, Erissoma & Lucas Bolaño, Don Fluor, Soul Murderer, Alek Stark... —luis j. menéndez

Top10 1

Ed Is Dead #YL48H Idioteque Records

Hal Incandenza Calor Lost Work Record

3 Talaboman The Night Land R&S) 4 Raúl Santos Ex 7RECXRDS Clip! Magnetic Reconnection Seeking The Velvet

6 JASSS Weightless Ideal

The Wax Don’t Belong Long Live/RSD

7 Mendra Tacho Saltamarges

Mirando fuera 5

5 We Ride Empowering Life Victory 6

teething FOTO: ARCHIVO

Pertenecemos

Nightcrawler Beware Of The Humans Electronic Purification Records

Flxght Summit Walk Solid Tapes

9 Orbe Uniformity Hivern 10 LCC Bastet Mego

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ESTILOS AMERICANA-FOLK

1. “Gran Fuerza” Astrud / “The Ionic Spell” Standstill 2. “Erm” Balago

Eraul Iraultza Deierri Records

Matthew McDaid Off The Beaten Track Great Canyon

The Kleejoss Band Inception Sweet Caroline

1. “Little Heart...” The Sunday Drivers

Ghots Number & His Tipsy Gypsies From Down To Dust Ghost Number/Gran Sol

3. “Música Para Enfermos” Tote King

1. “Memories collector” Standstill 2. “Barí” Ojos De Brujo 3. “La paz está...” El Hombre Burbuja 1. “An Investment...” The Unfinished Sympathy 2. “Shell Kids” Sidonie

1. “Vivalaguerra” Standstill 2. “Into The Plateau” Delorean 3. “De mi sangre...” El Columpio Asesino

no son compatibles? Porque Txarango han encontrado el equilibrio. El mismo que ha conseguido Vicente Amigo en esa vuelta a sus raíces. Y si resulta difícil hacerse un hueco con nuevas propuestas, este año una banda que lo ha conseguido es La Sra. Tomasa, con sus ritmos latinos. Poco que decir de Eskorzo, pura veteranía. Palabras mayores también al hablar de Amparanoia, mucho que aprender y disfrutar con ella. Y para acabar tres nombres distintos, pero con las músicas jamaicanas en común: Alex Bass, Iseo & Dodosound y Koers. Disfruten con todos. —miguel amorós

2 Rocío Márquez Firmamento Universal 3 Txarango El Cor de la Terra Discmedi 4 Vicente Amigo Memoria de los sentidos Sony 5

Eskorzo Alerta caníbal Rootsound Music

RAÚL RODRÍGUEZ FOTO: ARCHIVO

3. “La luz de la mañana” Facto Delafé... 1. “Cronolánea” Lori Meyers 2. “La Gallina” El Columpio Asesino 3. “Un día en el mundo” Vetusta Morla 1. “Romancero” La Bien Querida 2. “La dimension...” The New Raemon 3. “La ciudad subterránea” Dorian 1. “Pop negro” El Gunicho 2. “Subiza” Delorean 3. “Adelante Bonaparte” Standstill 1. “Diamantes” El Columpio Asesino 2. “10 milles per veure...” Manel 3. “The Orinal Soundtrack” Bigott 1. “De palmas y cacería” Pony Bravo

6 La Sra. Tomasa Nuestra clave AudioMaze

2. “León Benavente” León Benavente

7 Amparanoia El coro de mi gente Warner

1. “Resituación” Nacho Vegas

8 Alex Bass & The Same Song Band Bassically New Beats/Kasba 9

Iseo & Dodosound Roots In The Air Mundo Zurdo

10 Koers Unbroken Halley Records mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

2. “Triángulo de amor bizarro” T.A.B.

3. “Victoria mística” T.A.B.

2. “Centro Dramático Nacional” Biznaga 3. “Sangrín” Pablo Und Destruktion 1. “IV” Toundra 2. “Voces del extremo” Niño de Elche 3. “Premeditación...” La Bien Querida

2000 2006

10 The Brass Buttons Seven Seasons Rock Indiana

3. “El fuego amigo” Sr.Chinarro

2007

2. “Hostal Pimodán” Lori Meyers

2008

1. “Todo el mundo...” Sólo Los Solo

2009

The Unfinished Sympathy

2010

2. “Rock For Food”

2005

3. “Álbum” La Buena Vida

9 Xavier Calvet Firebird B-Core

1 Raúl Rodríguez La raíz eléctrica Fol

2004

Dead Bronco Bedridden & Hellbound Autoeditado/Gran Sol

2003

3. “Hallelujah” La Buena Vida

Top10

2001

3. “Arde” Migala

2002

2. “Lujo ibérico” Mala Rodríguez

1. “Cuentos chinos...” Love Of Lesbian

Tradición e innovación R

Los Planetas

2011

JOANA SERRAT FOTO: ELBA FERNÁNDEZ

3 Charlie & The Colours Melaka Autoeditado

1. “Unidad de desplazamiento”

2012

2 The Soul Jacket Untitled /Volume III Autoeditado

WORLD MUSIC

esulta fascinante ponerse de acuerdo en está lista que tiene agujeros por todos lados –algunos de los discos representativos de la temporada se quedan exclusivamente en la lista general- y se cuelan estilos de lo más diverso. Eso sí, calidad ante todo. Calidad y pasión por la música como la que ha vuelto a derrochar Raúl Rodríguez reinventando la tradición. Pasión también y mucha valentía la de Rocío Márquez en su firmamento repleto de innovación y sin una sola guitarra flamenca. ¿Y quién dijo que juventud, inteligencia, posicionamiento y diversión

Joana Serrat Dripping Springs Great Canyon

2013

3. “Mi fracaso personal” Astrud

2014

Top10

2. “I’m The Fuel” Fromheadtotoe

2015

i uno le pega un buen repaso a los diferentes grupos y artistas que conforman esta lista, se dará cuenta de su excelente nivel general. Ahora solo resta que los programadores de nuestros festivales se lancen, sin miedo ni prejuicios, a dar más oportunidades a todos estos nombres que parten de las sonoridades yanquis para imprimirle su sello más personal. De hecho no hay más que ver la repercusión que la magnífica propuesta de nuestra ganadora

1. “Tejido de felicidad” Chucho

Joana Serrat ha tenido en los círculos más especializados de la americana internacional para darse cuenta de que tampoco estamos tan lejos de lo que se hace más allá de nuestras fronteras. Además, cantar en inglés puede no ser un problema, sobre todo si los protagonistas han venido para afincarse en estas latitudes sureñas (como en los casos del irlandés Matthew Mcdaid o el británico Charlie Atkey líder de Charlie & The Colours, una banda que nos ha sorprendido muy gratamente). Y como siempre, para refrendar el excelente estado de forma del que hablábamos al principio, cabe destacar a otros grupos que han quedado fuera de la lista como The Milkyway Express, Los Deltonos, Rubia, The Crazy Wheels Band, Uncle Sal, Copernicus Dreams, Bantastic Fan, Downtown Losers, Audience, Coke Belda, Cisco Fran… —don disturbios

1. ”Salve discordia” Triángulo De Amor Bizarro 2. “Movimientos” Juventud Juché 3. “Me mata si...” Quique González

2016

Personal

Fueron MEJORES

enero 2018 #23

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FOTO: HARA AMORÓS

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Steven Wilson Hasta el hueso Treinta años de trayectoria musical son suficientes para hastiar a un músico hasta el punto de comportarse de forma complaciente con su público, cual mercenario vencido por el desaliento. Pocos son los que cuentan con la virtuosa capacidad de reinvención del británico Steven Wilson. Y To The Bone (Caroline/Music As Usual, 17) es un ejemplo más.

ecuerdo que en la última entrevista que concediste a MondoSonoro te preguntamos acerca de qué expectativas tenías con respecto a este nuevo álbum, y también acerca de tus temores ante la posibilidad de un fiasco comercial tras el apabullante éxito de Hand. Cannot. Erase... ¿Qué te dije entonces? —Que tenías mucho miedo. De acuerdo (risas). —Debo reconocer que me impactó, puesto que siempre pareces muy seguro de ti mismo. Y en realidad, si nos basamos en lo que estamos viendo en las últimas semanas, deberías tener sobradas razones para seguir sintiéndote así: durante los primeros días To The Bone logró convertirse en número uno de ventas en Reino Unido. ¿Qué sensaciones tienes después de todo? No recuerdo exactamente el contexto de aquella pregunta, pero una de las formas que encuentro de enfrentarme a esta cuestión en particular es hacer algo totalmente distinto. Y creo que en este nuevo trabajo se distingue claramente que no he intentado siquiera hacer una continuación de Hand. Cannot. Erase. Y siempre he creído que en cierto modo eso es lo que un artista debería hacer: tener una constante sensación de evolución y cambio, explorando siempre nuevos estilos musicales, y de alguna forma desafiar las expectativas de sus fans, no darles más de lo mismo. Es como “vale, sé que te gustaría un disco así, pero aquí tienes algo totalmente diferente y, aunque sigue conservando parte de mi personalidad musical, es totalmente diferente. Y puede ser que te guste o puede que

no lo soportes. Y en cuanto a Hand. Cannot. Erase., por lo que es, no puedo superar ese disco, así que ni tan siquiera pienso intentar superarlo. ¿Para qué intentarlo? Así que bueno, esto es lo que he hecho con To The Bone y me siento muy orgulloso del resultado. Lo interesante es que, como artista, cada vez que haces algo distinto, pierdes a una parte de tus antiguos fans, pero ganas a otro tipo de seguidores. Es como una sensación de regeneración: hay gente que detesta la dirección en la que

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estoy yendo, pero por otro lado está esa gente a la que nunca le ha gustado mi música y de repente empieza a gustarles esa dirección. Me lo tomo de una forma muy positiva después de todo. —Me parece muy interesante que hayas escogido esa parte tan específica de la estética pop como es el new wave, tipo XTC –con los que ya colaboraste remasterizando sus trabajos–, Tears For Fears o Talk Talk. ¿Qué ideas en concreto te atraen de esta perspectiva de la música pop? En realidad es muy simple. La razón por la que es un referente tan fuerte para mí es porque se trata de la música que escuchaba de adolescente, la que me rodeaba en los ochenta. Lo que me encanta de esos artistas –y de hecho podría seguir mencionando a grupos además de los que has nombrado, como Kate Bush o Depeche Mode– es que son muy accesibles, pero al mismo tiempo muy ambiciosos, y ambas cosas se encuentran equilibradas. Y cuando los escuchas no tienes la sensación de que se hubiese compuesto de forma más estúpida para ser más accesible. Y es algo que echo de menos. Cuando escucho el pop contemporáneo, el de hoy en día, me da la sensación de que es extremadamente banal y conservador. Lo encantador de las anteriores generaciones pop es que todavía existía esa increíble sensación de ambición, sofisticación e intelectualidad, y aún así era música fácilmente disfrutable. Para mí es el epítome de la era dorada del pop. —Creo que este disco supura valentía, y Permanating es la prueba definitiva de ello. Debo decir que me parece hasta extraño el modo que tienes de articular todos esos elementos, como esa letra tan optimista que se entremezcla con las coreografías tipo Bollywood en el vídeo y una música con claros préstamos de

ABBA. ¿Cómo surgió la idea de escribir este tema? Bueno, siempre me ha entusiasmado el pop puro. Cuando me preguntan por mis raíces suelo decir que crecí en una casa en la que mi padre escuchaba Dark Side Of The Moon y mi madre escuchaba a ABBA y los Bee Gees y Donna Summer. Es algo que siempre ha formado parte de mi ADN musical. Pero por alguna razón –y no sé explicarte exactamente el porqué– esa parte de mi personalidad musical nunca antes había aflorado. Para mí era mucho más lógico gravitar hacia las claves que tiene el rock más conceptual como Dark Side Of The Moon más que el pop puro de ABBA, pero es algo que siempre había formado parte de mí. Es una música que adoro y esta es la primera vez que he permitido que esa parte de mi personalidad saliese por sí misma. No sé por qué ahora, no sé explicártelo. Creo que lo único que puede justificarlo es la decisión previa de pensar: ‘vale, quiero hacer algo más enfocado hacia la idea de canción’. Quizá era el momento más adecuado para hacer algo más alegre. —fernando acero

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LA GIRA l Madrid 1 febrero. Wizink Center l Barcelona 3 febrero. Auditori del Forum

“Lo que me encanta de los artistas de la uy new wave es que son mmo accesibles, pero al misos” tiempo muy ambicios

enero 2018 #27

FOTO: ADRIÁN CORES

MONDO FREAKO

Joe La Reina Autocrítica contemporánea Joe La Reina, la banda donostiarra afincada en Madrid, presenta Esas nuevas modas (Subterfuge, 2017), un trabajo arriesgado y contemporáneo en la que los creadores del aplaudido Bailamos por miedo suben la apuesta y continúan por esa senda tan singular que les ha llevado a ser inclasificables e imprevisibles.

RR Parece que Jack White ha encon-

TAN. LEJOS.

trado tiempo, por fin, para dar forma a un nuevo disco en solitario. Eso apunta la publicación de Servings And Portions From My Boarding House Reach, un collage audiovisual de cuatro minutos con fragmentos de música inédita e imágenes del supuesto proceso de grabación. Sería la continuación de Lazaretto, publicado en junio de 2014. RR Se ha puesto en marcha una cam-

paña de crowdfunding para ayudar a Genesis P-Orridge (Throbbing Gristle, Psychic TV) a pagar el tratamiento para la leucemia que le diagnostica-

FOTO: MARTA VILARDELL

Alex Bass Jamaica-Barcelona

ron en octubre. Douglas Rushkoff, escritor y amigo de P-Orridge, explicaba que estaba en quiebra, con varios meses de retraso en el pago del alquiler, y que gracias a esto podría alquilar cosas como un oxígeno portátil para poder salir. RR El sonido PC Music sigue sin mos-

trar síntomas de agotamiento. Hannah Diamond y Charli XCX acaban de lanzar, respectivamente, un EP y una mixtape con producciones de A.G. Hook y SOPHIE, y sigue pareciendo una ventana abierta al pop del futuro. En el caso de la mixtape de Charli XCX, además, hay colaboraciones de Carly Rae Jepsen, MØ, Tove Lo, ALMA, Mykki Blanco, CupcakKe…

Hasta hace poco era una de las mayores promesas de la escena reggae barcelonesa, pero tras escuchar Bassically (New Beats/Kasba Music, 17) podemos confirmar que ya es uno de los mayores talentos musicales de la Ciudad Condal.

E “Hoy en día, en Jamaica se escucha más dancehall que reggae” #28 enero 2018

mpecemos en orden cronológico, por el nacimiento de la banda. En 2015 comienzas a trabajar con los miembros de la A4 Reggae Orchestra, dando luego origen a The Same Song Band. Vuestra carta de presentación fue el EP Thanks For Life. Háblanos un poco de este trabajo, qué música lo componía y qué supuso para vosotros. Fue nuestro primer paso. Decidimos grabar cuatro temas en los que se viera que disfrutábamos de la música reggae a la par que mostrábamos a la gente que

RR La Radio Los Santos del GTA San An-

dreas fue la puerta de entrada, para muchos, al gangsta rap. La del GTA V ayudó a conocer a A$AP Rocky, Kendrick Lamar o YG en nuestro país. Y ahora es el turno de Frank Ocean: el estadounidense ha creado una emisora propia para la nueva actualización del juego, con -aparte de temas suyos, claro- música que va de Marvin Gaye a Burial pasando por Migos, Future o JME. RR Ha salido la lista de nominados al BBC Music Sound Of 2018, un galardón muy útil para apuntar nombres a tener en cuenta el año que viene. Para que os hagáis una idea, Adele, Franz Ferdinand, Stormzy, Frank Ocean o Michael

también entendemos sobre esta cultura. Los riddims o instrumentales del EP surgen de una mezcla de otros riddims clásicos jamaicanos, como podría ser Real Rock o My Conversation, y nuestra intención principal era y es recuperar esa esencia que se percibe con los ritmos más de la época, ya que el groove y el mensaje es bastante diferente al que escuchamos hoy en día. Creo que supuso un cambio radical en nuestra vida musical ya que año y poco después ya tenemos un disco largo entre las manos. —Tras este trabajo te fuiste de viaje a Jamaica, la cuna de la música reggae, suponemos que en busca de aprendizaje musical. ¿Qué tal ha sido tu experiencia allí?¿Encontraste lo que buscabas? Tener la oportunidad de cruzar el charco y sumergirme de lleno en la cultura jamaicana ha sido una de las mejores experiencias que, sin duda alguna, he vivido. Tuve la posibilidad de ver en directo a muchos de los artistas que llevo escuchando toda mi vida e incluso he

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ablamos con Lucas Malcorra, la voz de este nuevo álbum de diez canciones que nos habla de la posverdad, la espiral del silencio y lo políticamente correcto desde una perspectiva autocrítica. “Queríamos hacer referencia un poco a lo rápido que nos tenemos que adaptar a todo: a las nuevas ideas, a las nuevas tendencias, a las nuevas modas… Diría que al principio parecía un disco inconexo pero al juntar las canciones en un todo creo que ha quedado un disco que se sitúa en el centro, no de lo político, sino de lo social. En un momento en el que todos miran hacia posiciones enfrentadas creo que este álbum logra mostrar nuestro espíritu de adaptación al entorno, de no casarnos con nada”. Tres años han pasado desde su debut, y ahora que parece que las bandas viven con la presión de generar material constantemente, Joe La Reina se ha tomado su tiempo. “Llevamos un año y medio componiendo, ideando y grabando las canciones de este nuevo

“El rap y la música urbana en nuestro , país son una realidada os por qué no íbam ” experimentar con ello disco. Algunas ya las habíamos ido estrenando gradualmente y teníamos casi la mitad. Creo que es algo que se nota también al escucharlo, quizás algunas suenan a los Joe La Reina del primer disco pero en otras hemos experimentado más”. En todo caso, se trata de un trabajo para el que han contado con el apoyo de Brian Hunt (Half Foot Outside, Templeton, Tuya). “Brian nos lo ha puesto todo fácil. Nosotros mismos nos hemos autoproducido, pero él, además de entenderlos musicalmente, también nos entiende muy bien en lo personal. En total han sido veinte días en su estudio, pero hemos ido y viniendo en los últimos meses”.

urbana en España, inevitablemente nos ha salpicado, pero no es una crítica a esa nueva moda, es entender que no es algo ajeno, que también tenemos que conocerlo. Y además de conocerlo, ¿por qué no vamos a poder experimentar con ello? ¿Solo pueden hacer trap o rap aquellos que procedan de un mundo más underground? Nosotros creemos que no”. —alberto bonilla

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LA GIRA l Donostia 6 enero. Dabadaba l Madrid 11 enero. El Sol l Pamplona 12 enero. Sala Txintxarri l Zamora 27 enero. La Cueva del Jazz

El disco póstumo de Sharon Jones

Kiwanuka ganaron o fueron nominados cuando aún estaban dándose a conocer. Esta vez compiten ALMA, Khalid, Superorganism, IAMDDB, Billie Eilish, Rex Orange County o Jade Bird.

Hace unos meses, Sharon Jones nos dejó a causa de una enfermedad. Pero su espíritu se mantiene vivo gracias a un legado que se completa ahora con Soul Of A Woman (Daptone Records, 17), el disco póstumo de Sharon Jones & The Dap-Kings.

RR Ya está en la calle el primer single del nuevo disco de Javiera Mena, que verá la luz el año que viene y será su primer lanzamiento con una multi. El tema, Dentro de ti, cuenta además con un videoclip de Sepe, colaborador habitual de la chilena, que se sirve de una plataforma giratoria para firmar uno de sus mejores vídeos hasta la fecha. Javiera Mena está entre las primeras confirmaciones del festival Tomavistas.

podido compartir momentos con alguno de ellos. Poder caminar por las calles de Kingston y conocer la realidad de la isla más de cerca me ha hecho comprender lo importante que es la música en su vida diaria, motivo que me ha ayudado a encontrar esa energía con la que cargar las pilas al máximo. Así que sí, podríamos decir que encontré la razón por la que me dedico a esto. —Jamaica es un lugar en constante evolución musical y cultural. Sus tradiciones se modifican aunque respetando siempre sus raíces y origen. ¿Qué te encontraste al llegar allí? Las primeras impresiones fueron de gran contraste. Pasamos los primeros días entre Ocho Ríos y Port Antonio, situados en la zona norte de la isla donde ellos le llaman el “country”, la zona más rural y más calmada. El contraste entre Ocho Ríos y meterse de lleno en la capital Kingston es brutal. Pasas de la calma absoluta a un inmenso bullicio de coches y música a todo volumen sonando por todas partes. En cuanto a la música, el

Ya en su primera escucha Esas nuevas modas parece seguir por esa senda escurridiza de su debut, pero conforme adquiere rodaje todo se vuelve más universal. “Es algo que sobre todo se refleja en la segunda tanda de canciones, con las que tuve una crisis tremenda a la hora de hacer las letras. En ese momento nada fluía. Tenía muchas ideas en la cabeza desde hace mucho tiempo que quería transmitir y al final las he ido sacando como he podido. Este disco me ha servido personalmente en lo lírico para abrirme a otras melodías e incluso creo que el próximo trabajo podría ser todo rap, que no digo que lo vaya a ser, pero me he quitado muchas barreras a la hora de cantar. He querido huir conscientemente del estilo de cantautor que quizás era una de nuestras señas en el pasado”. Este lenguaje contemporáneo es algo que Joe La Reina también han entendido en el apartado melódico, adaptándose a los tiempos y a las nuevas tendencias de la música actual. “Si nos centramos en el trap y en la música

S dancehall es lo que más se escucha en la isla hoy en día. Todas las emisoras de radio lo promueven y suena en todas las fiestas. Claro que hay mucho reggae, hablamos de Jamaica, pero hoy en día quizás el dancehall tenga un peso más importante en la vida de los jamaicanos. —A tu vuelta presentas el esperado Bassically, un exquisito compendio de doce canciones que giran en torno al rocksteady y el lovers rock. ¿Qué otra manera se te ocurre para describir este disco? Creo que hablo en nombre de toda la banda cuando digo que Bassically es el reflejo de la forma en la que Alex Bass & The Same Song Band entienden el reggae. Como bien dices, el disco gira alrededor del rocksteady ya que es uno de los estilos con los que la banda y un servidor disfrutamos más tocando. —alfonso gil royo

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oul Of A Woman” es el disco póstumo de Sharon Jones junto a sus fieles The Dap-Kings. Ojalá continuase entre nosotros, pero al no ser posible nos vamos a contentar con disfrutar de estas emocionantes canciones que se grabaron durante los dos últimos años de vida de Jones. En cuanto Sharon se veía con fuerzas, se acercaba a los estudios Daptone House Of Soul de Brooklyn para registrar todo lo que le fuera posible. El resultado iba conformándose en las canciones que luego han dado forma a este álbum magnífico, entre ellas el single Call On God, un tema que Jones escribió a finales de los setenta para los E.L. Fields Gospel Wonders, el coro de gospel del que formó parte durante toda su vida. Para descubrir más al respecto del disco charlamos telefóni-

camente con Bosco Mann, bajista de The Dap-Kings, un músico que vivió muchos momentos, malos y buenos, junto a la carismática y siempre vital artista. “Era difícil encontrar el momento adecuado, pero en cuanto podía, íbamos y lo hacíamos. Era un sitio cómodo para ella, se sentía bien en ese espacio haciendo lo que más le gustaba que era cantar, estaba rodeada de sus amigos en la banda, éramos su familia”. Bosco Mann, también productor del disco, no deja de elogiar a la fallecida cantante, con quien labró una profunda amistad. “Tengo una sensación extraña, sobre todo de tristeza. Perdí a una amiga, aunque estoy muy orgulloso de que hayamos podido acabar este álbum y hacerlo al máximo nivel. Su voz suena francamente esplendorosa”. —toni castarnado

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enero 2018 #29

Franz El subidón Ferdinand Con Always Ascending (Domino/Music As Usual, 18) los de Glasgow se han propuesto volver a la casilla de inicio, tras la salida amistosa del guitarrista Nick McCarthy. Al mal tiempo, buena cara. Más sintetizadores, mismo espíritu juguetón, crudeza y hedonismo inteligente. De momento, están confirmados para actuar en la próxima edición del Vida Festival (28 junio a 1 de julio). Always Ascending se publica en todo el mundo el próximo 9 de febrero.

“Hemos hecho lo correcto volviendo a Glasgow en lugar de pillar a gente de Nueva York o Texas. ¡La banda es de Glasgow!”

#30 enero 2018

ensaje a los agoreros: el vocalista y guitarra Alex Kapranos y el bajista Bob Hardy se muestran encantados con esta nueva etapa. Incluyendo gira mundial en 2018. La incorporación de Julian Corrie y Dino Bardot, ambos procedentes de la vibrante escena escocesa, parecen haber renovado ilusiones. Acaban de meterse una paella y parecen algo cansados en el reservado del hotel madrileño en el que nos vemos, aunque se enfrentan a la entrevista con entusiasmo creciente. Siempre hacia arriba, y con el toque sarcástico de la casa. El bajista entiende que empiece trazando cierto paralelismo con Tonight (Domino/Music As Usual, 09), porque “en aquel disco también había más canciones basadas en sintetizadores y sonidos inusuales. Pero creo que en este las composiciones son más sólidas”. “Y la ejecución -se apresura a añadir Alex. Aquel lo hicimos al final de la década y había pistas de lo que iba a suceder en el futuro. Tiene momentos geniales, mientras que en Always Ascending el genio es consistente”, bromea. ¿Y ese título con regusto enigmático y místico? “La intro de la canción se basa en una serie de acordes que daban la impresión de estar constantemente yendo hacia arriba, sin resolverse. Como título del disco va más allá: hace referencia a cómo nos sentimos nosotros respecto al futuro”, explica Hardy. “También creo que puede referirse a cómo te sientes al escucharlo -matiza Kapranos-. Porque es un disco animado, como los que me gustaba escuchar de crío”. Esta vez los escoceses se han enfrascado en su propio mundo a partir de referencias “psicodélicas”. No tanto en lo musical, como en lo filosófico. “No sé si es la palabra adecuada -me corrige Alex-, pero es verdad que tuve una conversación con Sam (Potter, de Late Of The Pier y ahora conocido como LA Priest, que se involucró en la etapa preliminar del disco) sobre cuando eres joven

—texto Juan Carlos Peña

e ingenuo e imaginas lo que debe ser una experiencia psicodélica, tomar alguna droga que te expanda la mente. Y luego te das cuenta de que ninguna puede igualar lo que imaginaste (risas), pero lo que pasa cuando tomas, por ejemplo, MDMA, es que la droga libera reacciones químicas que ya están en tu sistema, y eso es precisamente lo que hace la música. Te hipnotiza y, por supuesto, libera la misma serotonina”. El productor francés Philippe Zdar (Cassius) se ha encargado de llevar a buen puerto esta audaz visión juvenil. “No por la gente con la que ha trabajado, sino por su sonido -argumenta el vocalista-. Ha hecho discos de artistas muy diferentes: Cat Power, Phoenix, Beastie Boys… Si te fijas, es gente que hace música de géneros totalmente diversos, pero todos tienen en común una humanidad muy rica”. “Sólo con escuchar los discos recientes que ha hecho, ya destaca -añade el bajista-. Por eso fue nuestra primera elección”. Les pregunto si les resultó raro verse en el estudio sin Nick. Ambos lo niegan con vehemencia. “Sabíamos que se iba a ir desde hace mucho tiempo, y que iba a ser más feliz porque quería estar con su familia. No ha sido tan extraño en absoluto”, insiste Kapranos. Bob coincide: “Ya sabíamos lo que pensaba en la última gira. Se comprometió a hacerla con la mejor actitud, como lo último que haría. No nos pilló por sorpresa. todo ha sido muy normal”. Tanto como la entrada de Julian Corrie, reputado músico de la escena de Glasgow. “Es un músico alucinante, un tío muy majo y fácil -explica Alex- A Dino (ex 1990’s) lo llevamos en los conciertos, y es una estrella del rock total. Mola mucho. Hemos hecho lo correcto volviendo a Glasgow en lugar de pillar a gente de Nueva York o Texas. ¡La banda es de Glasgow!”. Hardy añade que “personas muy diferentes nos recomendaron a Julian. Stuart Braithwaite de Mogwai, Paul Savage de The Delgados… yo no le conocía personalmente, pero sí su proyecto Miaoux Miaoux, de Chemikal Underground. Nos quedamos intrigados y me puse a oír su música atentamente. Me gustó mucho. Tiene un sentido melódico fuerte, muy clásico, y también mucha habilidad con la electrónica, pero sin perder el toque humano. Cuando contactamos con él se entusiasmó desde el primer momento”. “Glasgow es una ciudad increíblemente musical -sentencia Kapranos-. Cuando estábamos de gira la última vez, vimos Some Kind Of Monster, el documental de Metallica. Hay una escena en la que están probando a bajistas. Se presentan los más famosos que hay y todos tienen que tocar sus canciones antiguas. Cuando lo acabamos de ver, pensamos: ‘¡Nosotros mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: DAVID EDWARDS

jamás hemos hecho algo así!’ (risas)”. El frontman de la banda asegura que ahora se sienten “mucho, mucho más fuertes como grupo. Bob comentaba hace poco que hemos intentado hacer nuestro segundo primer álbum. Me pareció muy divertido y es totalmente cierto”. “Creo -reflexiona el bajista- que habría sido un disco muy distinto si no lo hubiéramos hecho en directo. Habría sido difícil que sonara fresco, pero cuando te ves forzado a vivir una situación como esta, con nuevos miembros, es relativamente simple”. En este sentido, FFS (Domino/ Music As Usual, 15), el disco que grabaron con Sparks, ha sido un estímulo si no estilístico, sí en términos de diversión. “Todo lo que oyes en el disco -asegura Kapranos, que se deshace en elogios hacia los estudios RAK de Londres, donde han vuelto- es la banda tocando. Hablamos de hacer una especie de “naturalismo futurista”, un disco que sonara a 2018, pero con la misma crudeza con la que grababa Howlin’ Wolf en 1953. Tonight se hizo en el estudio. En este llevamos todo muy ensayado para grabar en pocas tomas. Se trata de capturar la misma crudeza de la banda, pero con enfoques muy distintos. La diferencia es que Tonight fue un infierno y este ha sido puro goce. Siempre -sentencia- hemos sido un grupo de directo”. Temas como el que da el título al álbum o Huck And Jim retoman el espíritu de pop inventivo que les caracteriza desde su debut discográfico de 2004. Con una carga de profundidad política más sutil que la que pusieron en Demagogue, la canción anti-Trump de 2016. Huck And Jim es de las favoritas de Kapranos. “Es una canción rara. Musicalmente, se mueve en tres mundos diferentes, pasa de los tritonos del death metal a una especie de hip hop y acaba siendo rock tipo, no sé, Archers Of Loaf. Buscaba una figura icónica de la cultura americana, y pensé en Huckleberry Finn. La novela no es sólo sobre él, sino sobre él y su amigo Jim. Es una historia de aventuras desde un punto de vista de la ingenuidad infantil, con ese idealismo americano de la búsqueda del propio camino, pero si lo ves desde una perspectiva adulta y entiendes cómo es el mundo ahora y cómo era entonces, son dos personajes increíblemente poderosos, porque Huck es un chaval de catorce años que huye de su padre alcohólico que le pega y Jim es el esclavo negro que huye de una dueña presuntamente benévola, que le manda literalmente bajar y subir el Misisipi para ganar algo de dinero. A partir de ahí podemos entender qué es lo que está tan jodido en cualquier sociedad post-colonial. Hay mucho que aprender de Mark Twain”. Acabo mencionando la interminable gira que tienen delante. ¿Intimidados? En absoluto. Para Bob, lo mejor de girar y tocar en todo el mundo es “la conexión que vives con gente de sitios tan lejanos y diferentes como Japón o España”. Alex es menos filosófico, y suelta una puyita para quien la pille. “Da miedo si no te gusta salir de gira. Por desgracia, a mí me encanta. Lo mejor de girar es el bolo en sí. Piensa en lo mejor que has tenido en tu vida: cuando montaste en bicicleta de niño o te lanzaste en paracaídas, o quizá el día en que te enamoraste de tu novia o te tiraste de un trampolín. O cuando usaste narcóticos por primera vez: pues no es tan bueno como tocar. Por eso -termina entre risas de pilluelo- giramos”. ¿Y sabéis qué? Que tiene toda la razón. —j.c.p. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

enero 2018 #31

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33/Mondo VINILOS U2

Taylor Swift

Songs Of Experience Universal Music

POP / U2 se han convertido en un grupo irritantemente predecible e inofensivo, tendencia que alcanza de pleno a su decimocuarto disco de estudio. La formación disfruta de tal acomodación que ya son incapaces de escudriñar enfoques mínimamente arriesgados. Las nuevas canciones resultan, en su mayoría, cortes de pop con tendencia a la épica más ortopédica, y de una inocuidad tan evidente que resulta dolorosa. A parte de algún destello entre multitud de mediocridad previsible y monótona, las otrora guitarras vanguardistas de The Edge suenan ahora alineadas, mientras que Bono ha sacrificado su voz insinuante hasta caer en la autocaricatura. Si en algún momento Coldplay quisieron ser U2, ahora son los irlandeses los que parecen interesados en seguir la peor estela de Chris Martin y compañía. —raúl julián 4

La resistencia de Fermin Muguruza y TSOWC Fermín Muguruza eta The Suicide of Western Culture B-Map 1917 + 100 El Segell

ELECTRÓNICA / Sí, a nuestra circunspecta, insípida e inofensiva escena musical -a la que, por lo general, parece bufársela la realidad social y política en la que solo sobrevivimosle hacía falta algo así como respirar. Llevados por la pasión confesa de Juanjo Fernández Rivero y Miquel Martínez por los míticos Kortatu y su incombustible líder, el no menos legendario Fermín Muguruza, surge este inesperado y conceptual álbum que es el producto de la sinergia de la electrónica apocalíptica, apabullante y apasionada (detenta la ansiada y peligrosa “triple A”) pergeñada por los nietos de los que lo perdieron todo en el 39 y la voz –e incendiarias letras- de uno de los tipos más combativos y talentoso que nos hemos echado a la oreja desde hace más de tres décadas. El caso es que este disco, grabado en Barcelona, con magnífica producción de Alex Ferrer (Sidechains), recoge diez trallazos que, bajo el nombre de ciudades significativas y señaladas que comienzan por la letra B, mapean el latir, sudar y sufrir de dichos núcleos urbanos y proyectan sobre ellos la alargada sombra del centenario de la Revolución Rusa, casi nada. En este urgente cóctel sonoro,

convulso y siempre explosivo, las distópicas bases industriales de los de Rubí -esas mismas que los han ubicado entre las realidades electrónicas más punks y atractivas de nuestra escena- sirven de rabioso colchón para el discurso rojo y rabioso de un Muguruza que aquí se muestra revitalizado, más fuerte y hasta mejor preparado para la lucha que nunca. El resultado es pura batalla, descarnada, internacional y reivindicativa. Cantado en su totalidad en euskera (y una pieza en catalán) y sobre un ritmo maquinal, oscuro y crudo que invita a salir a las calles, para reclamar otra realidad y al precio que sea. Aunque uno se pregunta si no habría tenido mayor impacto en castellano. Los diez temas que contiene este tratado sonoro revolucionario, desafiante de principio a fin, deben ser escuchados (atención a la riqueza de contenidos y mensajes de su constantes sampleos, incorporando a una tribu cantando, una radio hablando de la muerte de Bobby Sands o la voz de Ulrike Meinhof, que ponen los pelos como escarpias) y entendidos como un todo. Pero obligados a destacar algunos, nos quedaremos con el doliente rugido breakbetero de Barcelona/Sant Andreu, el primer tema de Muguruza escrito en catalán en estos treinta años de carrera, con la motorikzada y coreable Berlín/Ulrike Meinhof -que abre el disco y recuerda a los mejores Big Audio Dynamite en inédito b2b con Alec Empire- y, por supuesto, con Bilbao/ Manifestazioa. Un disco importante, de gran calibre. —fernando fuentes

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Reputation Big Machine Records

POP / “There will be no futher explanation. There will just be reputation”. Clara y directa cierra Taylor Swift la carta de presentación en la que explica el sentido de esta nueva era musical. La estrella americana regresa con su álbum más agresivo, refrescando su sonido y ampliando su rango creativo. En estos últimos años le han rodeado acusaciones de odio, celos, venganza o manipulación. Temas que acabaron con la reputación bondadosa de Taylor de producto indefenso y la colocaron en el punto de mira. Con este nuevo disco expulsa todos sus demonios, mantiene sus cuidadas melodías, pero decide restarle importancia a las mismas para centrarse en el ritmo construyendo temas cargados de sintetizadores, bases hip hop y un giro vocal dirigido al r’n’b. 7

—ález jerez

Mujeres

Starsailor

Un sentimiento importante Sonido Muchacho

GARAGE / Cuarto disco de uno de los nombres indispensables del garage nacional, y por fin íntegramente cantado en español. Están de décimo aniversario y para celebrarlo nos brindan este resumen de todo lo que han sido a lo largo de estos años. A lo largo de su trayectoria, se ha comparado su sonido al de grupos como The Oh Sees, The Velvet Underground, Los Saicos, The Ramones, Black Lips, Jacuzzi Boys, etcétera, pero su gran mérito fue hacerlo aquí cuando aún nadie lo hacía. Con un espíritu totalmente joven, retocado y camuflado bajo la pantalla de los sesenta, recuperaron la esencia del DIY, del guitarreo canalla y del pogo lleno de sudor. Mostraron que este sonido que nos parecía tan foráneo también se podía crear a la perfección aquí, influyendo a una gran cantidad de grupos posteriores. —ferran cano 8

All This Life Cooking Vinyl/ Popstock!

POP ROCK / La vida es injusta, terriblemente injusta. De esa verdad absoluta me doy cuenta cada vez que veo a Coldplay y a Muse llenar estadios. Bandas influenciadas por Oasis, por Suede o por Pulp debía de haber una en cada pub, pero de entre toda la morralla que surgió en esa segunda generación había cosas de valor. Pocos cantantes tienen la magia y la intensidad de James. Pocas bandas construyen una carrera sin pasos en falsos como Starsailor, incluso llegaron a tener un éxito eterno, Four To The Floor, pero algo se torció en el camino. Walsh intentó probar en solitario sin fortuna y en 2014 vuelven Starsailor. Este es un disco repleto de melodías adictivas, crescendos brutales y canciones que te llegan al alma. Solo por escuchar Break The Cycle vale la pena vivir. Su disco más redondo. —marcos molinero 7

enero 2018 #33

MONDOVINILOS

The Birkins Aquí hay dragones El Genio Equivocado

Sabe más el diablo... Noel Gallagher’s High Flying Birds Who Built The Moon Sour Mash/ [PIAS]

va siendo perro viejo en el negocio de la música, además de bastante más inteligente de lo que a veces su enorme bocaza podría sugerir. De este modo, el británico retoma algunas exitosas jugadas ejecutadas a lo largo de su propia trayectoria para, aprovechando un momento especialmente inspirado, firmar (sin asumir demasiados riesgos) el que sin duda es su mejor trabajo liderando a High Flying Birds. Una apuesta en la que tanto el rock psicodélico como los pespuntes electrónicos suponen inequívoca declaración de intenciones acerca del aspecto global del álbum. El disco incluye joyas irresistibles y con tintes de clá7

Petit Biscuit

Four Tet

Presence Petit Biscuit/ Believe

ELECTRÓNICA / El francés Mehdi Benjelloun –Petit Biscuit– sigue en sus trece, devorando cada registro de precocidad en la música electrónica. Siendo menor de edad lanzó un misil tierra aire por nombre Sunset Lover, y ya con dieciocho recién cumplidos se aventura con un primer disco que, por estúpido que parezca, le catapulta a la madurez. Benjelloun juega como un niño pero produce como un veterano: Presence toca todos los palos de la electrónica de baile más sintética y destilada, y lo hace con cuajo. El músico francés empieza el disco con la inquietud revisionista ochentas de S U R V I V E, prosigue con la magia de un Drake harto de diazepam y se sumerge en lo que queda de álbum en las cálidas aguas del tropical house. Y donde no llegan los bits generados en su habitación, lo hacen las colaboraciones: SONIA, Lido o Panama. Como bien refleja la portada del largo, el joven ha escuchado con decoro los ecos de su cabeza, y siempre suenan perdurables. —yeray s. iborra

#34 enero 2018

ELECTRÓNICA / El nuevo trabajo de Kieran Hebden bajo su alias Four Tet funciona como guía de estilo para entender la prolífica trayectoria del inglés a lo largo de dos décadas ya de carrera. New Energy ofrece una paleta de colores y texturas tan elegante como adictiva: desde el acercamiento al hip hop downbeat de LA Trance o la pulsión house de Planet o Lush (uno de los mejores momentos del disco) hasta el intimismo downtempo de Two Thousand And Seventeen o You Are Loved, en New Energy están presentes tanto el carácter introspectivo de la electrónica preciosista de sonoridades indie de los inicios de la carrera de Four Tet (el referencial Rounds de 2003, por ejemplo) como su progresiva evolución hacia las pistas de baile y la cultura de club, y lo que podría haber supuesto un ejercicio de estancamiento o repetición resulta ser uno de los mejores y más completos discos que haya entregado Hebden en años.

—ricky lavado

—raúl julián

Hela

New Energy Text Records

ROCK / Noel Gallagher

sico inmediato como Holy Mountain, It’s A Beautiful World y She Taught Me How To Fly, además de canciones de rock ‘n’ roll clásico bien adornado con tonalidades épicas como The Man Who Built The Moon o Keep On Reaching. Por su parte, la sugerente Be Careful What You Wish For reduce la velocidad, imponiéndose como el habitual medio tiempo que tan bien se le da al mancuniano. El autor se homenajea a sí mismo en la presente obra, y lo hace por todo lo alto: con una colección de canciones valiosas y tan convincentes como inmediatas. Hace tiempo que desparecieron los argumentos para no incluir a Noel Gallagher entre los grandes compositores generacionales del país, pero el músico vuelve a desafiar orgulloso a detractores con la presente referencia, rallando a gran nivel y dejando para la posteridad al menos tres temas monumentales.

METAL / Jamás esperé –lo

digo honestamente- que Hela pudieran superar los resultados de un álbum debut tan bien acabado como Broken Cross (13). Durante este tiempo, la banda de Elche ha experimentado una evolución interna –siendo la incorporación de la vocalista Mireia Porto, de Rosy Finch, el cambio más notable– que le ha permitido trabajar con esmero los seis leviatanes sónicos que conforman Death May Die. Hablamos de un doom metal permeable tanto al stoner como a ciertas influencias de los noventa, elementos que rompen ciertos clichés y enriquece notablemente su propuesta. El resultado final son canciones tan increíblemente bien planteadas como Touched By Evil, Repulsion o Mother Of Monsters, posiblemente el mejor tema de un disco oscuro, hipnótico, sin apenas altibajos. Aún dudando cuál de sus dos trabajos me gusta más, el retorno de Hela devuelve a la palestra a una de las bandas con mayor (y más que merecida) proyección del doom estatal. —tomeu canyelles

POP / Que The Birkins son

un grupo talentoso y con buen gusto era algo que ya se sabía desde hace tiempo, en base a una colección de discos siempre acertados. Ahora, tras la degustación del presente Aquí hay dragones, sabemos que los canarios también son una banda valiente. En primer lugar porque, en el que es su cuarto álbum en seis años, han decidido cambiar el inglés por el castellano (manteniendo el francés como idioma complementario). A continuación porque la novedad también viene acompañada de un sonido sensiblemente oscurecido y musculoso con respecto a anteriores entregas, además de un mensaje bastante más contestatario. Un total de diez canciones que, en definitiva, ofrecen una nueva versión del combo. Y es que, aunque el cuarteto mantiene el cuidado de sus canciones (y su habitual elegancia) y sigue apostando por cierto clasicismo atemporal a la hora de apuntalar el aspecto del elepé, presenta ahora dosis inéditas de agresividad. —raúl julián Yung Lean

Steven Munar & The Miracle Band

Death May Die Discos Macarras

Stranger YEAR0001/ Popstock!

Violet Koski La Cúpula/ Miracle

POP / Es lo que tienen los

artesanos: rara vez deslumbran a la primera con sonoros fogonazos, ni suelen abultar las listas de lo mejor del ejercicio, pero su discografía nos acuna en momentos de incertidumbre. La carrera que, con mimo y cierto sigilo, ha pulido Munar en los últimos años se antoja refugio fiable y valor seguro en tiempos de indefinición. El anglomallorquín se desvía ahora por carreteras secundarias que dicen de él mucho más que el habitual manojo de referentes que le solemos asignar (Beatles, Bowie, Robyn Hitchcock). A saber: los desarrollos cercanos al rock progresivo de Fuck Your Vanity, los espasmos – entre Talking Heads y el Caribe – de Lonely Hearts, Where Do They Go?, el estribillo soleado, embravecido por trompetas, de In The Meantime o el funk de Hey, Hey, Hey (Re Do It Again). Y eso por solo mentar sus pasajes más singulares, porque ni uno de sus catorce cortes baja del notable. Su disco más diverso y heterogéneo. Y seguramente el mejor. —carlos pérez de ziriza

TRAP / Yung Lean, a pesar de su enorme fan base, se ha mantenido siempre outsider, publicando también bajo el nombre de Jonathan Leandoer, su nombre de pila. Ahí ha ido testeando ideas que derivan en Stranger, su disco más personal. A diferencia de su anterior y oscuro Warlord, la música de sus habituales Gud, Yung Sherman y White Armor suena aquí mucho más imaginativa y creativa, igual que sus líricas. Manteniendo esas entonaciones rozando lo naïf, el artista experimenta mucho más con los registros y las melodías, creando estribillos maravillosos como en Red Bottom Sky. Pero el sueco tampoco se ha alejado de sus contradicciones. Sigue hablando de analgésicos, de un mundo romántico lleno de oscuridad, violencia y horror que nos remite al universo de Carcosa y a El rey Amarillo de R.W. Chambers. Ha conseguido refinar su fórmula y desvincularse de lo que creó de niño para continuar construyéndose como artista. —aleix mateu

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Briana Marela

New Shapes Of Life Tapete

Call It Love Jagjagwuar/ Popstock!

POP ROCK / Fieles a su cita

anual, Las Ruinas continúan imparables en su objetivo de hacer diez discos en diez años, afrontando el tramo final con otra buena colección de canciones encargadas de dar vida a este Latidos cósmicos. Su fórmula para bascular con gran acierto entre el punk y el pop se ha vuelto reconocible con el paso del tiempo. Una balanza perfectamente equilibrada en su más inmediato predecesor, 100% Maximum Heavy Pop (16), pero que esta vez el trío barcelonés deshace sacando a relucir todo su arsenal pop. Latidos cósmicos es un disco que sigue explorando los senderos de su habitual imaginería costumbrista, aunque otro de los cambios más patentes en comparación a otras entregas radica en el tono, menos derrotista que de costumbre. La idea de cambio como algo positivo se vuelve un tema presente a lo largo de todo el álbum como demuestran canciones como Cambiar, Cerca del sol o Final Feliz. —manuel novo

Martin Carr

POP ELECTRÓNICO / Aunque

al fichar por Jagjagwuar Briana Marela normalizara un poco su estilo inicial, que mezclaba pedacitos de folk de dormitorio con la experimentación y la electrónica, su segundo disco bajo el sello demuestra una vez más el enorme potencial de una artista que se expande por nuevos territorios sin olvidar lo aprendido por el camino. En Call It Love, Marela confirma el synth pop etéreo como un vehículo eficaz para hacer su estilo más asequible y bailable, pero con jugadas de lo más arriesgadas. Melodías cristalinas, atmósferas envolventes y una voz cuyas posibilidades ha llevado al límite a base de capas, efectos y loops. El toque azucarado, visible sobre todo en unas letras un tanto infantilizadas, puede resultar cargante llegados al tramo final del álbum, pero el juego constante con lo inesperado no deja espacio para el aburrimiento. Hay épica e intimidad, luz y oscuridad. Marela juega con sus propias reglas.

—martí juan batet

POP / Hace ya tres años que quien fuese guitarrista y compositor de The Boo Radleys debutó definitivamente en solitario, con un disco de pop tan atractivo y bien hecho como fue The Breaks, demostrando que también podía manejar con buen gusto el papel de vocalista principal. Ahora Martin Carr firma una continuación lógica, en el que las líneas melódicas vuelven a resultar principales protagonistas después de lucir con vida propia. A lo largo de ocho cortes (el álbum es cortito y al pie), el británico bebe tanto de la década de los ochenta como de la de los noventa y sus canciones pueden remitir con igual convencimiento a Aztec Camera o los propios The Boo Radleys. Son todas ellas composiciones de corte clásico, completadas con adornos que incluyen sintetizadores de aspecto vintage y conviven con el argumento claramente pop de la entrega. Se convierten así en piezas que suenan familiares al instante y atemporales. —raúl julián

DD LJM DC JSL Med

1 Fermin Muguruza 8 6 8 8 7,5 eta TSOWC B-Map 1917 + 100 2 Nerd No One Ever Really Dies

7 8 8 7 7,5

7 6 7 7 3 Benjamin Clementine 8 I Tell a Fly 4 Yung Lean Stranger

7 7 7 7 7

5 Ànteros Cuerpos celestes

6 7 7 7 6,75

6 Charli XCX Pop 2

7 6 7 7 6,75

7 This Drama 8 5 6 7 6,5 Summer Failures 8 Eminem Revival

6 5 4 6 5,25

9 U2 5 4 5 5 4,75 Songs Of Experience

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

Latidos cósmicos El Genio Equivocado

top 10.

Las Ruinas

6 2 5 6 4,75

10 Starsailor All This Life

Las utopías de la islandesa

The Sound Of Arrows

Stay Free Big Life Management

Björk

Utopia One Little Indian/ Popstock! POP ELECTRÓNICO / Con la incertidumbre acerca de si el segundo disco del dúo sueco vería la luz algún día, se puede afirmar que la espera de seis años ha merecido la pena. Lo que nos encontramos en su nueva referencia son unas canciones que continúan desprendiendo un halo de tristeza para dar rienda suelta a un apartado de gran confianza personal. Por ello, Stay Free, el tema que da título al trabajo, supone la perfecta apología a tomar el pulso a las ganas de vivir. Bajo esta temática que subyace durante todo el trabajo, son capaces de desarrollar al mismo tiempo las confesiones amorosas tan bien encerradas en su aclamado debut Voyage, manteniéndose constantes en sus influencias de electro pop bien apaciguadas en muchos casos bajo el filtro de los trabajos más ambientales de Moby. Ahí observamos la madurez que han alcanzado, con una producción que huye de la espectacularidad en las percusiones. —noé r. rivas

8 POP / Para todos los que pensaron antes de Vulnicura (15) que Björk ya había dejado de ser un referente dentro de la ¿evolución? del pop en el siglo XXI, la publicación de Utopia ha supuesto la formalización absoluta de un genio que, a pesar de su falta de puntería en sus experimentos posteriores a Vespertine (01), siempre ha contado con un bien tan preciado en estos días: el gen de la incomodidad contra los consensos establecidos en el gran supermercado pop. Mientras el revivalismo prosigue su trayectoria en bucle hacia lugares comunes cada vez más amplios, la islandesa no tiene más que seguir retorciendo y sembrando de nuevas estancias su monumental castillo, cimentado de estalactitas y géiseres helados. La configuración tremendamente geográfica de su música sigue siendo un bien necesario dentro de la globalización musical imperante. Una fuerza de resistencia para la que ha vuelto a contar con Arca, ya presente en su anterior álbum, que ha aumentado su grado de participa-

ción por medio de un surtido de samples y efectos de estruendosa fisicidad. Así ocurre desde la fascinante Arisen My Senses, una clase de tema en extinción que induce a la pregunta: ¿quién si no ella sería capaz de hacer que Ben Frost sonara pop? Los paralelismos con el productor y músico aussie reflejan la relevancia de un Arca más selvático que nunca al que Björk equilibra desde canales melódicos únicamente posibles a través de su voz, arreglos alienígenas como

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en The Gate o su sorprendente uso de la flauta. Podemos contemplar Utopia como una deformación de Vespertine, para la que las pistas instrumentales y vocales parecen fluir fuera de timing. Una obra ambiciosa, una nueva piedra maestra dentro de una trayectoria que, reconozcámoslo ya, no ha tenido rival, ni ha hecho tanto por encontrar vetas dentro de las estructuras formales del pop, a lo largo de este último cuarto de siglo.

—marcos gendre

enero 2018 #35

Kiki Morente

Mareta Bufona

Albayzín Universal

FLAMENCO / No había otra opción que titular Albayzín al primer álbum de Kiki Morente (Granada, 1990), el benjamín del clan de los Morentes. Y es que Albayzín va más allá del barrio que les vio nacer. Con la producción de su hermana Estrella y El Camborio, inevitablemente nos trae recuerdos de la primera etapa de su antecesor. Abre y cierra el disco con la guitarra de su coetáneo y su actual tocaor Juan Habichuela Nieto, con unas granaínas de Cepero al estilo del Flecha de Cádiz y por taranto. Porque los Morentes y Los Habichuelas siempre se han estimado y estimulado mutuamente. Siguen unos Tangos, propios del Albayzín, que nos recuerda al disco Sacromonte del propio Enrique Morente. Juan Carlos Romero, el maestro Pepe Habichuela, Diego del Morao, Rafael Riqueni... Kiki ha sabido rodearse de lo más granado del panorama guitarrístico flamenco en este deslumbrante disco, sin concesiones, ni confusiones, un disco ortodoxo para una mente heterodoxa. —curro velázquez

POP / El debut de Mareta Bufona es una especie de terapia musical para los que, a pesar de estar perdiendo la juventud, intentan mirar el futuro con humor y esperanza. Deudores evidentes de ese rock alternativo made in USA que cautivó durante los noventa, la banda de Vilanova i la Geltrú ha firmado una ópera prima que, por encima de todo, suena fresca y sincera. Esto se debe en buena parte a sus acertadas letras, capaces de encontrar esa poética desenfadada en la cotidianidad a la que nos tiene acostumbrados la escena indie catalana más reciente. Por suerte, la música no se queda atrás y las guitarras aguantan el tipo a base de ramalazos y punteos melancólicos a lo Dinosaur Jr o Teenage Fanclub. Incluso cuando rebajan el power pop y apuestan por un sonido más de Costa Oeste, Mareta Bufona suenan de lo más solventes. Un sólido puñado de temas que no sabes que necesitas hasta que lo oyes. —martí juan batet

ción de remezclas, versiones house para doce pulgadas y unreleased seleccionado por el DJ francés de origen turco Dimitri Yerasimos fue publicado en 2015 como un producto exclusivo para el mercado japonés. La recopilación llegó a tener tanta fama en el mercado de segunda mano que sus copias en CD llegaron a costar 100 libras. Y no es para menos, en Salsoul Mastermix podemos encontrar hits de viejos conocidos como Inner Life, Loleatta Holloway o Aurra junto a otros ilustres desconocidos del extenso catálogo de Salsoul remezclados por clásicos del house como Frankie Knuckles, Larry Levan, François Kevorkian o Shep Pettibone. Si ese no es motivo suficiente para su adquisición, un gran trabajo arqueológico para amantes de la música de baile norteamericana, el disco incluye un segundo disco con diez remezclas de Dimitri From Paris con temas tan reconocidos como Salsoul Rainbow de The Salsoul Orchestra o Love Sensation de Loleatta Holloway. —manu gonzález #36 enero 2018

Medalla

Emblema y poder El Segell

Livity Versatile

ELECTRÓNICA / Cosmic Neman (Herman Düne) y Etienne Jaumet (The Married Monk) vuelven al motorik más intenso con su nuevo trabajo. Tras varios discos donde desarrollaban su amor por la psicodelia electrónica, las bandas sonoras de John Carpenter, el jazz experimental y el kraut más rítmico, Zombie Zombie ha encontrado un sonido característico que pueden llamar suyo. Como Stereolab, recogiendo sonidos ajenos y vintage pero sonando casi siempre rabiosamente modernos. Neman y Jaumet comienza su nuevo trabajo con el mejor tema posible, Livity, una orgía kraut tribal que te enchufa directo al disco. En medio, temas más cercanos a su adorado Carpenter (Ils existent), algún toque de dub (Heavy Medidation), jazz latino (Looose) y momentos cósmicos que harán las delicias de los fans de Neu! (Acera). El disco acaba con una pequeña sinfonía analógica burbujeante con batería free-jazz que explora ese concepto de improvisación tan personal de Zombie Zombie. —manu gonzález

POP / Pablo Maronda y

Marc Greenwood están de vuelta con un cuarto álbum que reafirma su pericia para el pop de altos vuelos, preciosista y dotado de un fulgor melódico que tiene poco parangón en nuestra escena. Melodías incandescentes y textos inteligentemente afilados. Es cierto que aquí destensan cableado eléctrico en beneficio de teclados y que el contexto sociopolítico ya no transpira como antaño, pero ninguna de sus propiedades lumínicas se ha perdido por el camino. Con el soporte habitual de Alfonso Luna a la batería y Paco Beneyto al bajo, sumado a la colaboración de Manu Ferrón y de Marina Gómez (Klaus & Kinski) en un par de temas, este álbum brinda un argumentario sin fisuras, realzado por otro par de gemas pop: Diez siglos bastó con Bizancio, con su estribillo tallado al molde de los clásicos instantáneos, o el contagioso tema titular, arrebato rítmico con proyección a la pista de baile. Una nueva delicia que sumar a un catálogo impecable. —carlos pérez de ziriza

Zombie Zombie

Dimitri From Paris Presents Salsoul Mastermix Salsoul/Music As Usual DISCO REMIXES / Esta selec-

Patrones de fuerza Autoeditado

Vine al camp Bones Festes

VV. AA.

Maronda

ROCK / Kraut, psicodelia,

heavy o alguna que otra categorización ingeniosa, pero lo que es indudable es que Emblema y poder es toda una declaración de intenciones. Medalla suenan fuerte y tienen las navajas afiladas. El bagaje que estos cuatro chicos tienen a sus espaldas (The Saurs, The Zephyr Bones, Rapaza…) genera un mestizaje de estilos que otorga personalidad propia a la banda. Ya con el tema que abre el largo, Máquina de Plata, arrancan con un rock denso, con cuerpo, constantemente cabalgando. Exceptuando algún que otro parón en temas más relajados como Deporte en vano , el ritmo no decae. Destacables también los coros que remarcan aun más los poderosos estribillos, haciendo que suenen como pequeños gritos de guerra (Caballero triste), o los riffs más metaleros en la instrumental Furor. Cierra el disco Emblema, la más lisérgica quizá, con esa introducción a capela y la progresiva construcción con pistas más evocadoras. Medalla llegan para quedarse. —ferran cano

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MONDOVINILOS

Xarim Aresté

Polinèsies BankRobber

FOLK / En algún punto,

más cerca de los setenta que de los dos mil, se paró el tiempo para Xarim Aresté. Siguió la misma lógica su experiencia geográfica: más americana que europea. Su música quedó maravillosamente anclada en el otro lado del Atlántico durante sus primeros años de trayectoria. Hasta ahora. Polinèsies mueve la aguja de su reloj alguna década –atrás y adelante– y su compás se desplaza libremente sobre el mapa. A su rock, blues y folk característicos, hay que sumar melodías mediterráneas –Ona Laietana– y algo de pop. Todo más directo y abierto. Trabajo para la canción, mucho más trabajo para el cantautor. El resultado, humanista de fondo y con aspiraciones colectivas. Las cuatro primeras pueden abrazarse (La flor o Un llamp i un tro, cercanas y aterciopeladas); las seis siguientes son para vaciarse... Aquellos bailes contenidos, que a base de saltitos que crecen y crecen. Y luego: cantar a pulmón Mil antenes. —yeray s. iborra

Las nanas retorcidas de Joe Crepúsculo Joe Crepúsculo Las Nanas El Volcán

POP ALUCINADO / Cada vez que me levanto por la mañana, rezo y doy gracias a un Dios pagano por la existencia de Joe Crepúsculo. El de Sant Joan Despí no solo tiene una de las discografías y una de las baterías de hits más alucinantes del pop en castellano –sus conciertos son ya celebraciones dionisíacas-, sino que el tío también es prolífico cual Billy Childish del pop con maquinitas. Y eso es algo a celebrar, porque el Crepus siempre acierta. Hace poco menos de un año se descolgó con Disco duro, uno de sus mejores álbumes, y ahora entrega una colección de nanas que, sin verlo venir, recupera al Joël Iriarte de Escuela de zebras y Supercrepus, dos obras magnas en las que el catalán se presentaba en sociedad como un diamante en bruto. En Las nanas Crepúsculo retuerce, como no podía ser de otro modo, eso de las canciones de cuna para

Cabezafuego

Bootsy Collins

Somos droga Color Hits

ROCK / Me imagino a Íñigo

Garcés, Cabezafuego, el Woody Allen de la música, leyendo esta reseña mientras el cinismo le crece por dentro y de paso, mejora su cardado. ¿Qué pensará cuando se intenta etiquetar en novecientos cincuenta caracteres sus nueve metacanciones autobiográficas y bipolares, envueltas en un disco-tebeo introducido por Los Hermanos Cubero, dramatizado por un hípster barcelonés en conflicto con su vecina latina, y por el que transcurren, entre otros, el ex lehendakari Ibarretxe o el Psycho Killer de Talking Heads en otra nota? ¿Y a la hora de llamarle solista, justo en el momento de caminar y reventar solo, se reúne de más gente que nunca, incluso cuando estaba en Bizardunak? Hay tanto y bueno en este disco cuya variedad estética es imposible de sintetizar, aunque suene a excusa de crítico perezoso (que no niego que sea). Pienso en él, en Kokoshca o en El Columpio Asesino, y me pregunto: ¿qué demonios se meten, digo comen, los navarros? —álvaro fierro

FUNK / A sus sesenta y seis años Bootsy es toda una leyenda viva, no una leyenda de cartón piedra, sino una de las de verdad. Un músico revolucionario, un visionario y sobre todo de una importancia capital para el mundo de la música. Todo bajista debería reverenciar al viejo Bootsy, un tipo que ya tuvo el mérito de destacar en la banda de los sesenta de James Brown. Si a eso le sumamos que formase parte de Parliament y Funkadelic, ya tenemos su altar listo. Pero Bootsy Collins es un trabajador estajanovista. Creador de la técnica slap en el bajo, es una especie de Jimi Hendrix de las cuatro cuerdas. Ahora ha decidido darse un homenaje reuniendo a sus amigos (Buckethead, Big Daddy Kane, Chuck D, Doug E. Fresh, etcétera) en un disco soberbio que suena a manual del funk. Quince canciones que recorren el mundo de la música negra de los últimos cuarenta años, divertidas, enérgicas y de calidad.

—marcos molinero

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POP / Shamir Bailey quería

alejarse de esa esencia clubbing que le hizo popular, ya no se siente identificado con la música de baile, busca un giro más introspectivo, minimalista. Y de aquí surge su último lanzamiento, Revelations. Ya había tanteado el terreno en abril de este mismo año con Hope (Autoeditado, 17). Pero, ahora le tocaba cargar con toda la responsabilidad de su carrera frente a un nuevo sello y apostar todas sus fichas a una música más outsider, experimental y personal. Los momentos más destacados llegan con esa sátira pegadiza sobre los millennials que es 90’s Kids. Cuando recupera su lado más popero como en Blooming o critica los prejuicios y la masculinidad en Straight Boys. La pena es que entre tantas ideas Shamir haya acabado perdiéndose, el peso del proyecto se le haya hecho demasiado grande y Revelations acabe siendo un disco repleto de carencias que paraliza por completo su crecimiento en la industria actual. —álex jerez

Julio Bustamante

Phantom Brickworks Warp/Music As Usual

Revelations Father/ Daughter Records

hospital con enfermos bajo de la cama, la psicodelia con ecos de spaghetti western de El monstruo de la cueva, la inmediatez pop de la lisérgica Soñando o ese réquiem venido del más allá que es No temas la oscuridad (al H.P. Lovecraft niño le hubiera encantado), son bonitas sí, pero también inquietantes. —xavi sánchez pons

Bibio

Shamir

World Wide Funk Mascot

niños, y entrega doce miniaturas (el disco dura dieciséis minutos) donde la inocencia y lo tenebroso van de la mano. El traje que se pone aquí Crepus es el que se hubiera puesto Will More si le hubieran pedido una banda sonora para una producción imaginaria y oscura de Walt Disney. Y es que canciones como Pesadilla y su historia sobre un

ELECTRÓNICA / El británico Stephen Wilkinson lanza su quinto trabajo para Warp, octavo en total de una carrera sólida e inquieta, apenas un año y medio después de A Mineral Love. No hay ni rastro de pop; es un doble rendido a un minimalismo atemporal evocador de sonidos que parecen sacados de épocas perdidas. Aunque el compositor afirma no creer en fantasmas, buena parte de los más de setenta minutos de fascinante música de este álbum tiene un aire espectral, conjura de espíritus amables pulsando notas obsesivas y proyectando recuerdos. En sus propias palabras, “un portal a otros lugares y tiempos”. 9:13 ya se interna sin complejos en la melancólica evocación, con su tema obsesivo. El frágil piano de Phantom Brickworks (que tiene tres partes), con su larga coda, las brumas vocales de Pantglass o los sintetizadores de Capel Celyn dejan claro que estamos ante algo muy personal. Música trascendente que no cae en la pedantería.

—josé carlos peña

La misión del copiloto El Volcán Música

POP / La misión del copiloto fue hacer una canción por mes y, pese a que el disco contiene doce cortes, solo diez de esa misión han acabado en el que es ya el decimotercer trabajo discográfico de Julio Bustamante en solitario. Incapaz de asirse a un solo palo (ni falta que le hace), saltando con naturalidad del castellano al valenciano y contando con colaboradores de lujo (María Rodés y Clara Viñals le acompañan a las voces en un par de temas y Nacho Vegas aparece en Iratxi), el pop costumbrista con sabor a Mediterráneo y calma serena de Bustamante impregna la melancolía de canciones como El cel de les cançons, pero salpica también a otras más lúdicas (Ectoplasma, La misión del copiloto) o a la que es la joya del disco: Més enllà de les paraules. Nuestro venerable mago, en su segunda (o tercera o cuarta) juventud, junto a Lavanda, los cuatro músicos que le acompañan en directo, lo ha vuelto a hacer. —javier pérez

enero 2018 #37

MONDOVINILOS

Altarage

Endinghent Season Of Mist

La plenitud de Eskorzo Eskorzo

Alerta caníbal Rootsound Music

8 MESTIZAJE / Tras más de dos décadas de ca-

rrera, Eskorzo han alcanzado la plenitud. La banda granadina de rock mestizo supera en Alerta caníbal los logros de cimas anteriores, como el psicodélico Paraísos artificiales en 2009 o El camino de fuego en 2014 (disco, este último, en el que abrieron la veda de la cumbia de la mano del titán mexicano Celso Piña), sin olvidar su atrevida incursión en el afrobeat. El septeto liderado por Tony Moreno es purista a la hora de buscar la raíz, pero no para utilizarla. Así que el abanico se antoja amplio. El combo se sumerge aquí de lleno en sonoridades latinas y en esa dualidad encantadora: letras tristes en música vitalista. Un danzón eléctrico, aupado por unos metales bárbaros que juegan en la delantera. El arranque con Cumbia caníbal pone las intenciones sobre el tapete, dos palabras que definen el álbum. Lo del canibalismo deviene en mensaje apocalíp-

tico: las relaciones humanas resultan antropófagas. Escuchen Herida abierta o cicatriz, una rumba en la que la voz de Tony suena íntima y emocionante; la juguetona Llena hiena, otra pieza canalla sobre el asunto de los depredadores, que engarza tanto con el Tequila de The Champs como con la ruta fronteriza de Juan Perro; los coros contagiosos de Zona caliente, incitación imperativa a la fiesta bajo tormenta caribeña de ritmos, o

Fetus

Nils Frahm

L’epicentre del fangar Bankrobber

ROCK / Las etiquetas pue-

den ser traicioneras. Adrià Cortadellas, harto de esta calificación de indie que determinaba el camino de Sanjays, lo sabe muy bien. Su nuevo proyecto Fetus podría haber sido un arrebato contra estas convenciones, aunque en realidad es todo lo que cabría esperar de un álbum de, en este caso, punk-rock. Porque no nos engañemos: a estas alturas nadie va a revolucionar el género, pero Cortadellas es el primero en entenderlo. Por eso ha echado mano de canciones simples, divertidas y sin pretensiones, resultando en un álbum que abraza el espíritu despreocupado del punk-rock. Lo que ves es lo que hay. Con un sonido que recuerda a Els Pets más cachondos y Els Surfing Sirles, sumado a unas letras costumbristas e irónicas, L’epicentre de fangar es un disco macarra con toques pop, una estrategia que deja algunos temas un poco descafeinados pero favorece a otros. Para pasar un buen rato.

—martí juan batet #38 enero 2018

NEOCLÁSICA / Tras editar

tres trabajos largos en 2016, uno pensaría que el compositor Nils Frahm descansaría durante el pasado 2017. Nada más alejado de la realidad. Durante dos años, ha estado construyendo su nuevo estudio en Berlín, pilar en el que se ha compuesto este nuevo trabajo de Frahm, convirtiéndose en el disco más plural y variado de este autor alemán. También el más electrónico, en el que saca mayor partido a su Moog. Frahm puede convertir un gran órgano de tubos en una caja de ritmos, una caja de ritmos en flautas (A Place), un piano en su voz (la preciosa My Friend The Forest), o acercarse a la concepción de techno de Francesco Tristano con dos de los mejores temas de electrónica que escucharás en este 2018: la emocionante Sunson (tan cercana al espíritu vitalista de temas como Strings Of Life de Rhythim Is Rhythim) y el cósmic analógico de All Melody.

—manu gonzález

el vallenato de Los besos que me dabas, la cara más salsera del grupo. También se cuelan invitados de altura, como subrayan la vivina intervención de Amparo Sánchez en La tumba, single que recoge la ritualidad fúnebre del suelo azteca y la cubamanía de guitarristas como Ry Cooder o Marc Ribot, o el sabor rumbero que Canijo de Jerez aporta a Despiadado corazón, que evoca a unos Veneno coloristas. —arturo garcía

Curtis Harding

All Melody Erased Tapes/ Gran Sol

METAL EXTREMO / Existen muchas maneras de explorar nuevos sonidos, pero pocas de alcanzar nuevos mundos. Una es la que proponen los vascos Altarage en esta huída interestelar incómoda, críptica y no apta para todos los oídos, pero arrolladora y estimulante cuando uno logra superar la descompresión e ingravidez iniciales. Concebido como un abigarrado amasijo de capas superpuestas de sonido, distorsión y estructuras aparentemente caóticas, Endinghent avanza pesado pero dinámico, aparatoso pero firme, amenazante y cautivador. Una inexplicable ecuación que parece responder a fórmulas y mecanismos metafísicos fuera del alcance humano. Adentrarse en sus coordenadas sonoras, implica verse arrastrado por una fuerza gravitatoria desconocida y por imágenes propias del horror cósmico. Un segundo largo que afianza la personal relectura del death metal por parte del cuarteto, al tiempo que sondea otras dimensiones más allá de mentores como Portal o Abyssal. —david sabaté

Moses Sumney

Face Your Fear Anti/[PIAS]

SOUL / Si te comparan con

Curtis Mayfield es que algo va bien. La consecuencia es que te desmarcas ligeramente desde el principio de otros músicos que también utilizan referencias clásicas. A Curtis Harding le sucede lo mismo que a su héroe, tras este aluvión de músicos que experimentan con el soul, el problema está en que hay muchos clones que llegan a copiarse unos de otros, y hallar ese rasgo más distintivo es algo que no pueden asumir todos. Con su debut en 2014, después de estar a las órdenes de Cee Lo Green y montar un grupo con Cole Alexander de The Black Lips, Harding se desnudaba (literalmente en la portada) mostrando al mundo sus cualidades y sus emociones. Ahora tocaba dar otro paso, abandonar el culto para arrimarse al estrellato. Y la estrategia ha sido contar con Danger Mouse como co-productor. El resultado es un disco con un sonido más moderno, átomos de psicodelia y cierto atrevimiento. Y lo más importante, es un cantante más expresivo. —toni castarnado

QTY

QTY Dirty Hit/Music As Usual

Aromanticism Jagjaguwar/ Popstock!

SOUL / Hay obras que aparecen como una suerte de eclipse, una luz que nos empuja a dar un triple salto mortal a cambio de una caída hacia arriba… Tras su prometedor EP Lamentations (Vinyl Me, Please, 16), eso nos ofrece Moses Sumney en su intimista y sobrecogedor debut Aromanticism y eso hacemos. Cogemos carrerilla y nos lanzamos a un cielo huérfano de estrellas en el que brillan y nadan cuerpos desnudos en un océano de compartida soledad. Once pistas de evocadora sensibilidad que filtran la ausencia del amor romántico, creando un paisaje sónico ensoñador donde perderse y encontrarse una y otra vez. Art-soul fantasmagórico, folk electrónico y tropicalismo con alma de jazz, donde reina la magnética voz de Sumney, una instrumentación preciosista y producción cuidada al extremo. La palpitante imposibilidad de amar que te hará sentir el escalofrío del primer amor.

—david pérez

ROCK / Después de llamar

la atención con varios singles previos, QTY debutan con un álbum vertical que pretende (y consigue) conquistar inmediatamente al oyente. El dúo formado por Dan Lardner y Alex Niemetz llega desde la inagotable escena de Nueva York, con unas canciones deudoras de bandas como The Modern Lovers, Television o los escoceses The Vaselines, y presentan un debut homónimo que viene producido por el ex Suede Bernard Butler. Diez canciones en las que los juegos de voces entre ambos protagonistas resultan elemento indispensable, después de que una complicidad manifiesta aumente potencialmente su atractivo. Una mezcla equilibrada y atractiva de pop y rock, todo cubierto con cierta textura clásica y que alberga elegancia pero también un ramalazo macarra que motiva el contraste y suma en positivo. QTY es un álbum muy bien arreglado, y de generosas posibilidades gracias a ese tipo de composiciones que nunca pasan de moda. —raúl julián

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Hurts

Gregg Allman

Desire Sony Music

POP / Hace siete años, cuan-

do editaron aquel Happiness que les convirtió de la noche a la mañana en unas estrellas, el dúo de Manchester apuntaba a convertirse en un híbrido entre Pet Shop Boys y Depeche Mode que equilibraba su venazo más baladista y romanticón con alguna que otra píldora bailable de herencia ochentera. Con Exile, en 2013, las dosis de grandes canciones empezaron a menguar, pero la cosa ya se fue de madre en Surrender, donde su personalidad se esfumó. Teniendo presente que su popularidad ha menguado escandalosamente, Desire puede sonar algo desesperado al añadir elementos tropicalistas más vistos que el tebeo y sustentarse en temas que cualquier artista pop de moda podría firmar. Sí, ya no saben por dónde tirar y se lanzan al eclecticismo con la esperanza de rascar un hit, pero aun con esas hay algún número notable y demuestran que siguen teniendo algo del duende de antaño a la hora de desarrollar medios tiempos. —sergio del amo

Southern Blood Rounder/Universal

La selección

SOUTHERN ROCK / Si se piensa sobre ello, es tan sobrecogedor como hermoso. Un artista, un músico, dejando como testamento un puñado de canciones, lo que mejor se le da, que sirva de despedida y de último legado de su vida y obra. Tras el complejo pero magnífico Blackstar de David Bowie y el crepuscular y lírico You Want It Darker de Leonard Cohen, Gregg Allman recogió el testigo. Allman sabía que estaba agotando sus últimas horas en este mundo cuando se unió en el estudio a Don Was. Una canción propia, la inicial My Only True Friend, autobiográfica y hondamente confesional, y un puñado de versiones que documentan sus apegos vitales. Desde la imponente Once I Was de Tim Buckley hasta el guiño al rock sureño clásico de Willin’ de Little Feat pasando por un solemne acercamiento al Going Going Gone de Dylan o la autoexplicativa I Love The Life I Live de Willie Dixon. Pero si hay una que destaca es Song For Adam de Jackson Browne, que aparece como invitado. —robert aniento

Audience

Shed Seven

Isla Bidehuts

Instant Pleasures Infectious/ [PIAS]

Ànteros y la astronomía Ànteros

POP / Shed Seven fueron

pieza bien valorada dentro de la segunda línea del britpop, y firmaron un par discos importantes para entender la tendencia de mediados de los noventa en Inglaterra: Indie-pop de guitarras (e influencias clásicas) que ahora recuperan sin complicaciones añadidas. El quinteto incide en las líneas de su sonido en doce nuevos temas que, al menos en su primera mitad, mantienen el tipo. Lo logran con canciones que funcionan para los nostálgicos, sobre todo con el agresivo trío inicial formado por Room In My House, Nothing To Live Down y el single It’s Not Easy. A partir de ahí la inercia va apoderándose progresivamente del transcurrir y las propias canciones arrastran tras de sí a un oyente que tendrá complicado mantener la atención hasta el final. El presente retorno queda lejos de imponerse como uno de esos que merezca la pena celebrar efusivamente, y solo deja algunos cortes apreciables para los más fanáticos del género.

—raúl julián

POP / Quien creyera haber

desentrañado por completo el concepto que esconde el nuevo trabajo de Audience únicamente con lo extraído de su primer adelanto, el abiertamente caribeño en cuanto a ritmo, El tres, el quinto y el tumbao, estaba en un error. Que el viaje emprendido por los de Gernika dirección La Habana haya dejado su poso -al margen del obvio por la participación de músicos oriundos- en las nuevas composiciones no excluye que éstas se encuadren con total sentido en la trayectoria de la banda. Algo evidenciable por la persistencia de muchos de los elementos ya exhibidos en su discografía: la admiración por el rhythm and blues elegante de Randy Newman (Nork jakin zein den zein), el rotundo ambiente pantanoso (Egun da Bayamon) e incluso arrebatos de post-rock (Prest nago). El reto en estas ocasiones consiste en lograr decorar la propia personalidad con lo aprendido fuera, algo exquisitamente conseguido aquí por el quinteto vasco. —kepa arbizu

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Cuerpos celestes Aloud/Pundonor/Radix

8 ROCK / Apenas un año después del EP Lunas,

Ànteros expanden su universo conceptual y musical con Cuerpos celestes. Aquí recuperan esas cinco primeras composiciones, grabadas nuevamente con las ideas algo más asentadas, al tiempo que añaden otras cuatro piezas con ambientación astrológica como Vega, la estrella más importante en el cielo después del sol, o Hydra, considerada la más grande de las constelaciones modernas. Muchos teníamos curiosidad por saber cómo sonarían los nuevos Ànteros tras la marcha amistosa de Cándido Gálvez, centrado en Viva Belgrado, y la incorporación de Rubén Martínez, cantante y guitarrista de la formación catalana de stoner rock Viven. El quinteto sigue navegando en aguas posthardcore y post-metal como bien demuestra el presente Cuerpos celestes. Los primeros temas de la banda y los nuevos aparecen mezclados en perfecta armonía. Los nueve orbitan en la misma dirección y conforman un todo poderoso, apabullante y rico en matices al mismo tiempo. Para eso ha sido

necesario, como ya avanzaba, regrabar Nereid, Elara, Rhea, Cressida e incluso la instrumental Luna a caballo entre The Room (Barcelona) y Sandman Studio (Madrid). En el primero, el también miembro fundador de los post-rockeros Syberia Oscar Caselles grabó sus baterías; mientras en el estudio madrileño Victor García-Tapia (ex Toundra, ex Minor Empires) y demás miembros del grupo dieron forma al resto del disco, incluyendo la mezcla, con la ayuda del productor Carlos Santos. En líneas generales, las piezas del quinteto han cogido peso, han ganado en contundencia. Endika Pikabea ha dado un paso al frente. Ahora no solo aporta oscuridad y violencia con sus guitarras, sino que también se postula como un gran screamer. Mención especial merece también Rubén Martínez, quien además de añadir punteos con su flamante Firebird a la muralla de sonido se estrena en la banda con unas voces melódicas en Polaris, la única pieza nueva con letra.

—luis benavides

enero 2018 #39

LAS MEJORES PELÍCULAS nacionales

Variedad y riesgo 1 V

ariedad y riesgo. Variedad en las historias que nos ha contado y riesgo en el contenido y la forma de algunas de ellas. Carla Simón y su Verano 1993 es un buen ejemplo; una película exigente e intimista, cercana al cine de autor. Otro que se ha arriesgado es Álex de la Iglesia, que con El bar y Perfectos desconocidos ha demostrado que su capacidad como cuentacuentos macabro y salvaje sigue intacta. Lo mismo podemos decir de Nacho Vigalondo, que en Colossal se nos ha ido a las Américas para entregar un relato sci-fi de superación y subtexto feminista negro como el azabache. 2017 también ha visto obras imperfectas pero llenas de buenas ideas que se han atrevido a transitar caminos que andaban olvidados por aquí; la provocación de Demonios tus ojos, Pieles y Fe de etarras, la noficción familiar de Muchos hijos, un mono y un castillo, o los falsos documentales La película de nuestra vida, Selfie y Algo muy gordo. —xavi sánchez pons

Verano 1993 Carla Simón Gran sorpresa de la temporada ya desde principio de año con su exitosa irrupción en el Festival de Berlín. Relato autobiográfico de su directora debutante, la película retrata con sensibilidad la experiencia dramática de la orfandad. Título destinado a situarse entre lo más granado del cine español sobre la infancia.

—j. picatoste verdejo

Colossal

Verónica

Nacho Vigalondo

Paco Plaza

La larga espera mereció la pena: tras la fallida Open Windows, Nacho Vigalondo entra con todos los honores en la industria audiovisual norteamericana. Y lo hace siguiendo su particular estilo: retorciendo un género trilladísimo hasta conseguir que hable de lo que verdad importa, esto es, del amor.

—rubén romero santos

Paco Plaza puede presumir ya de haber alumbrado en solitario un futuro clásico del cine de terror español. Su Verónica funciona a dos niveles; como cuento de horror old school y como alegoría de la pérdida de la inocencia de la joven adolescente protagonista. Ah, y también aúna guiños a sus héroes (Fulci, Winner o Ibáñez Serrador) y una conseguida vena autóctona. —xavi sánchez pons

Handia

Perfectos desconocidos

Jon Garaño y Aitor Arregi

Álex De La Iglesia

Tres años después de sorprender con la emotiva Loreak, Jon Garaño y Aitor Arregi han hecho en Handia una incursión en el cine histórico con un relato fraternal, de factura exquisita, que ahonda en uno de los temas habituales del cine vasco, el peso de la tradición y la familia en el destino de los individuos.

En un año en que ha estrenado otra notable comedia, El bar, más cercana a su mundo creativo, Alex de la Iglesia ha sabido liberarse en Perfectos desconocidos del aire teatral que respira el film italiano en que se basa, inédito comercialmente aquí. Buenas interpretaciones.

—j. picatoste verdejo

Selfie

Abracadabra Pablo Berger

Muchos hijos, un mono y un castillo

Algo muy gordo

Víctor García León

La película de nuestra vida

Este falso documental sobre la caída en desgracia de un niño bien hijo de un político encarcelado es una especie de versión punk de Los viajes de Sullivan de Preston Sturges dirigida por un trasunto de Larry Charles. Selfie no siempre acierta, pero su apuesta por el humor de la vergüenza ajena ofrece momentos memorables.

Probablemente desde Marco Ferreri nadie ha filmado tan bien a las clases populares españolas como Pablo Berger. A medio camino del cine de posesiones y la denuncia social, Abracadabra es un excelente y personalísimo filme que retoma la estética gore del autor de Mama (1988), Torremolinos 73 (2003) y Blancanieves (2012).

Carlo Padial

Gustavo Salmerón

—xavi sánchez pons

—rubén romero santos

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Catarsis familiar solo comparable con El desencanto de Jaime Chávarri, pocas películas van a describir tan bien cómo hemos pasado de los felices noventa al calamitoso momento actual como este documental de Gustavo Salmerón… ¿O sería mejor decir que este documental de su madre Julita y su costilla?

—rubén romero santos

Enrique Baró La confirmación de Carlo Padial como una de las figuras estatales del humor esquizofrénico y patético. A mitad de camino entre un making off desastroso y la parodia de una gran producción con efectos digitales y estrellas (un Berto Romero que juega a no hacer gracia), Algo muy gordo supone una feliz rara avis dentro del cine patrio. Huele a película maldita de culto. —xavi sánchez pons

Moviéndose en festivales desde el año anterior, la primera cinta larga de Enrique Baró ha ido creciendo poco a poco haciendo de sus limitaciones virtudes. La propia familia como materia prima y también como sustancia, las raíces, el equilibrio entre presente, pasado y futuro a través de tres generaciones. —joan s. luna

enero 2018 #41

LOS MEJORES libros musicales nacionales

Y subiendo... N

o vamos a sorprender a ninguno de nuestros lectores si decimos que, en los últimos años, la cantidad de libros con temática musical que se publican en España no deja de crecer. Pero quizás sorprenda algo más decir que cada día son más los que firman autores españoles. Este año nos deja un buen puñado de lanzamientos de lo más variopinto: ensayos, guías o incluso libros y novelas firmados por músicos como Nacho Vegas (Reanudación de las hostilidades), Ricardo Lezón (Los minúsculos latidos), Julio de la Rosa (Wendy y la bañera de los agujeros negros) o Santi Balmes (Canción de bruma), entre otros. Nosotros hemos seleccionado diez, pero podrían haber sido algunos más, sumando títulos como Sueños eléctricos (Eduardo Guillot), 30 canciones para el tiempo y la distancia (Arancha Moreno), Kate Bush. Los dominios de lo invisible (Juan J. Vicedo) o guías firmadas por gente de la casa como Indie y rock alternativo (Carlos Pérez de Ziriza) o Guía del country rock (Eduardo Izquierdo), por poner algunos ejemplos. —joan s. luna

Crónica jonda

En éxtasis

Silvia Cruz Lapeña

Joan M. Oleaque

Libros del K.O.

Barlin

En este libro hay intención de que veamos las cosas relacionadas con el flamenco de un modo distinto, de que entendamos toda la riqueza popular y musical que hay detrás de cada palabra, de cada gesto y de cada canción, que dejemos de fijarnos en las castañuelas y empecemos a poner la vista dónde realmente vale la pena mirar. —toni castarnado

Joan Manuel Oleaque fue el primer periodista que, allá por el año 2004, se atrevió a analizar el formidable fenómeno sociológico y cultural de la otrora denostada ruta del bakalao. Ahora se reedita -en castellanoEn éxtasis en el que el autor valenciano compone un certero estudio social, tóxico y musical de todo lo que sucedió. —fernando fuentes

Eric Jiménez

Atardecer en Waterloo

Plaza & Janés

Manuel Recio e Iñaki García

Party & Borroka. Jóvenes, música y conflictos en Euskal Herria

1 Cuatro millones de golpes

Sílex Ediciones El mítico Eric Jiménez (Los Planetas, Lagartija Nick) reivindica su parte más íntima emocional y sensible en este libro autobiográfico en el que deja claro que, por supuesto, es mucho más que las famosas y coreadas cuatro millones de rayas o el descacharrante “cóctel rollo indie”.

— fernando fuentes

Ion Andoni Del Amo Txalaparta Una vez leído, tengo claro que poco más me hace falta leer sobre The Kinks. Se me antoja la autobiografía definitiva de los británicos. Y se ha escrito en nuestro país. Por ello, incluye un último apartado con las peripecias y su relación con España. Un trabajo magnífico, llevado a cabo durante más de dos años. —eduardo izquierdo

Del Amo analiza lo acontecido en Euskal Herria tras los acelerados años ochenta. En base a otras publicaciones que hablan de actualidad, sociedad, nacionalismo, izquierda, etc., Del Amo bucea en el océano de la cultura y contracultura musical y el comportamiento social con el ánimo de generar debate. —unai alonso

Fiebre de vivir

Miles Davis. El big bang oceánico

Historia de la música disco

Mierda de música

Good Times

Jesús Ordovás

Luis Lapuente

VV. AA.

Julián García Hernández

Efe Eme

Marcos Gendre Lenoir Ediciones

Efe Eme

Blackie Books

Milenio

Bastante más que un montón de entrevistas y textos que aportan una visión única de cómo se forjó el rock español en los setenta. Y lo es porque, además, incluye el ensayo De qué va el rollo, publicado por Ordovás en 1977 a través de Ediciones de La Piqueta, hoy difícilmente encontrable. Eso convierte este volumen en una joya. —eduardo izquierdo

Subtitulado Los años eléctricos y su eco en la época contemporánea, estamos ante un libro que nos descubre infinidad de conexiones entre la influencia de uno de los trompetistas y compositores básicos de la historia del jazz (y de la música popular), reivindicando el inmenso peso de su trabajo en todo tipo de géneros y artistas. ernesto bruno

El referencial Luis Lapuente firma un libro que combina el repaso histórico del género, la selección de discos imprescindibles y el diccionario de nombres básicos. Ahora bien, es bastante más que una guía para no iniciados gracias a unos textos claros y excelentemente documentados.

Mierda de música nos hace reflexionar sobre lo insoportable que puede llegar uno a ser intentando imponer su indiscutible gusto sobre el de los demás. Todo ello sirve para tratar temas diversos que van más allá de simples gustos musicales. Un libro en el que aparecen firmas como Nacho Vegas, Servando Rocha o Marina Garcés. —ane barcena

Good Times es una de esas biografías que sorprende por divesos motivos. En primer lugar porque pocos aficionados a la música saben quién es Carlos Carreras-Moysi; en segundo porque no estamos hablando de un simple promotor de conciertos, sino uno de aquellos emprendedores que pusieron a España en el mapa en los ochenta. —enrique gijón

#42 enero 2018

—marcos arenas

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2017 LOS MEJORES CÓMICS nacionales

Nivel alto T

omen nuestra lista de diez títulos como referencia de imprescindibles, pero sepan que hay más, muchísimo más, que se nos queda fuera pese a su calidad e interés. Nos quedamos cortos, pero ya les decía lo mismo el mes pasado. Lo que sorprende es que la cosecha nacional tenga, una vez más, tanto y tan interesante. Así que vanagloriémonos de ello. Podríamos empezar con algunos autores imprescindibles año tras año que, por diversos motivos, al final se quedan fuera de la lista definitiva. David Rubín, junto a Matt Kindt, con Ether; nuestro admirado Paco Roca que deja dos obras más que atractivas a tener muy en cuenta (La encrucijada y Confesiones de un hombre en pijama); Nazario, con la compilación de Anarcoma de Nazario; Beá con la reedición de Siete vidas; Tyto Alba con el precioso Fellini en Roma, Daniel Torres con Roco Vargas. Jupiter, por citar algunos. Y podríamos continuar con otras obras que no debemos dejar de lado como Fragmentos seleccionados de Andrés Magán o El ruido secreto de Roberto Massó. —joan s. luna

Atraco a mano alzada

Febrero para galgos

Lundi/Javier Ara

Peter Jojaio

Drakul

Entrecómics

Animador, autor del fantástico cortometraje Dreaming A Whole Life y de diversos cómics digitales, Javier Ara se ha sacado de la manga una obra imaginativa que juega con la metaficción combinando el mundo del cómic con el thriller. El resultado atrapa desde el primer momento jugando con el lector. Una de las sorpresas de la temporada. —j.s.l.

Con ecos de Drnaso o del último Tomine, el albaceteño Peter Jojaio golpea nuestro cerebro bienpensante con un perturbador cómic no apto para gente feliz o amantes del escapismo ligero. Aquí brotan la violencia doméstica y la fantasía criminal mientras un escalofrío recorre cada viñeta. Poca broma. Magistral. Demoledor. Durísimo. —octavio botana

David Sánchez

Cosmonauta

Pinturas de guerra

Astiberri

Pep Brocal

Ángel de la Calle

Astiberri

Reino de Cordelia

Héctor es un astronauta solitario a quien acompaña NIC, su particular HAL 9000, con quien interactúa durante toda la obra. A través de una narrativa fluída y un dibujo muy personal, Pep Brocal nos va explicando el destino de este viaje por el espacio. Humor, nihilismo y filosofía existencial se dan cita en un título muy inquietante. —eduard tuset

El autor del reverenciado Modotti, firma una obra poblada de personajes diversos, momentos crudos y una planificación en la que todo encaja. Lo que empieza como el interés de un periodista por una actriz francesa acaba virando hacia una historia de represión, política latinoamericana y aquello que llaman las cloacas del sistema. —enrique gijón

1 Un millón de años

Un trabajo maduro, bizarro y simbólico en el que Sánchez se rige ya por sus propias normas. Obviamente, la obra no es apta para todos los públicos, pero quienes hayan aceptado firmar un contrato imaginario con el autor pueden estar contentos, porque Un millón de años posiblemente sea su creación más inquietante, y eso es mucho decir. —joan s. luna

Estamos todas bien

La deuda

Encuentros cercanos

Disparen al humorista

Nuevas estructuras

Ana Penyas

Martín Romero

Anabel Colazo

Dario Adanti

Begoña García-Alén

Salamandra Graphic

La Cúpula

Astiberri

Apa-Apa Cómics

Lo que nació como un homenaje de la autora a sus dos abuelas, acabó convirtiéndose -Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac-Salamandra Graphic mediante-, en un diálogo con su pasado. Como consecuencia de esa conversación tenemos una auténtica historia cotidiana de nuestro país y una reivindicación necesaria de toda una generación. —óscar gual

Los efectos de la crisis son todavía muy visibles y lo serán durante mucho tiempo: sueños frustrados, renuncias obligadas, y deudas de por vida. Siguiendo el vagabundeo por la ciudad de un par de perdedores, un humorista fracasado y un cobrador del frac novato, experimentaremos un retorno a los orígenes que derivará en una tarde de perros. —o.g.

Anabel Colazo da un paso adelante y lo hace con firmeza, por mucho que haya aspectos que, sin duda, pulirá en obras venideras. Si ya apuntaba maneras con El cristal imposible, aquí firma una obra divertida, simpática y con personajes bien definidos que gira alrededor de los contactos extraterrestres combinando humor y suspense. —e.g.

Adanti se ha posicionado como uno de los autores de 2017 con un trabajo en torno a límites y esencias de esto del hacernos partir la caja. La suya es una novela gráfica concienzuda que hibrida a Scott McCloud, el Gato Félix y Jim Woodring desde ese estilo único y reconocible que lleva practicando décadas. —octavio beares

Nuevas estructuras es la obra cumbre de una autora de discurso apasionante que, hasta la fecha, no ha hecho más que crecer. Abstracción y simbología cobran un nuevo sentido de narrativa libre y embriagadora plasticidad, una experiencia tan difícil de explicar con palabras como sublime cuando la disfrutamos con la vista. —alex serrano

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enero 2018 #43

44/Mondo Conexiones Jägermusic <> Jägermeister Galaxy Hunter

Levi’s® Music Project <> Santiago Cucci El pasado mes de noviembre se presentó en la escuela Jam Session Music School de Barcelona el proyecto Levi’s® Music Project en colaboración con Rosalía, que formará a diez alumnos escogidos por al Asociación Xamfrà del barrio del Raval: “Se trata de un proyecto filantrópico, que nace de la pasión común y los objetivos compartidos. Tres organizaciones completamente distintas han encontrado su nexo en Rosalía y en los jóvenes que participarán en este ciclo de educación musical con el único objetivo de impulsar su carrera”, dice Santiago Cucci, vicepresidente de Levi’s® en el sur de Europa, a propósito de este proyecto. Levi’s® Music Project se desarrollará durante nueve meses y acabará con un concierto final que tendrá lugar en mayo en la sala Apolo de Barcelona, y en el que los alumnos tendrán la oportunidad de poner en práctica todo lo aprendido junto a Rosalía: “Para mí lo importante es que ellos tengan inquietud por aprender e intentar transmitirles que la música en sí misma es muy maestra”, dice la artista al respecto. Las redes sociales jugarán un papel clave durante todo el proyecto, ya que mediante el uso del hashtag #SupportMusic servirán para darle visibilidad y viralizar el apoyo a estas comunidades. Toda la info en levi.com/supportmusic

J&B <> “Prueba el 2018 antes que nadie. ¿Te atreves?” “Yo ya lo sabía”. Esa necesidad por adelantarnos a las nuevas tendencias es lo que ha llevado a J&B a retar a los usuarios a probar el nuevo año antes que nadie, presentando a los artistas más transgresores en las distintas disciplinas que lo van a petar. Este 2018, J&B apuesta en materia de música por el trap, pero en un concepto más evolucionado. En cuanto a arte urbano, no tiene duda de que la tendencia Gif & Art va a dar mucho que hablar. Y en cuanto a bebidas, nos retan a probar la versatilidad del whisky… J&B nos deja con ganas de más, así que permaneced atentos a las novedades para probar el 2018 antes que nadie. #44 enero 2018

Jägermusic ha editado en vinilo la banda sonora del proyecto de arcade Jägermeister Galaxy Hunter, un guiño a la cultura pop y a los 80’s, que cuenta con un videojuego desarrollado para la ocasión donde el ciervo es el protagonista. La banda sonora ha sido producida por el artista de electrónica y synthwave Nightcrawler, y está disponible en formato físico, en una edición limitada de 500 copias: 250 en vinilo verde y 250 en naranja. Consigue tu vinilo en https:// nightcrawler.bandcamp.com/ album/j-germeister-galaxyhunter

Absolut <> Absolut Manifesto

Yamaha <> Genos El pasado mes de noviembre se presentó en Madrid el nuevo instrumento de Yamaha, el teclado Genos, que reúne sonidos, estilos y ritmos de cualquier género musical sin restricciones, con el objetivo de convertirse en referente de la creación e interpretación musical. En el evento estuvieron presentes el locutor de Radio3, Ramiroquai, Carlos Jean, Alexander Som y Bamboe, quienes pudieron poner a prueba este instrumento.

La música, el arte contemporáneo y la tecnología serán las protagonistas de las fiestas organizadas por Absolut: Free Love, True Equality y Responsible Future, que se celebrarán los días 25, 26 y 27 de enero respectivamente en Casa de Campo, Madrid. La propuesta quiere presentar la visión sobre estas temáticas de artistas de diferentes disciplinas a través de la creatividad. La programación musical estará a cargo de los colectivos madrileños: El cuerpo del disco, Valle Eléctrico y Post Club. www.absolutmanifesto.com

Burger Records <> Volcom La discográfica Burger Records y la marca de ropa Volcom, amigos desde hace años, han decidido que era el momento de colaborar juntos en una nueva colección: Burger Records X Volcom, que gira en torno a una vaca roja y azul brillante. Además de camisetas estampadas y sudaderas, también hay disponibles una chaqueta vaquera de los 70s, un pantalón y calcetines.

Beefeater <> Beefeater London Town Los días 29 de noviembre a 10 de diciembre Madrid acogió la primera edición de Beefeater London Town, una propuesta de ocio diferente que pretende acercar la escena del underground londinense a través de la cultura, los mercadillos vintage, la gastronomía y, sobre todo, la música. De la mano de su partner musical, el festival Bilbao BBK Live, diferentes grupos británicos y nacionales actuaron en estas fechas, entre ellos: Joe Goddard, Monarchy, Marika Hackman, Joe Crepúsculo, Fort Romeau, Ed Is Dead o Two Door Cinema Club dj set. Próximamente Beefeater London Town tomará las ciudades de Barcelona y Sevilla. beefeaterlondontown.com/event/ mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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CMY

21/12/17

18:46

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A Certain Ratio

Origen: Manchester (Reino Unido), 1977

acidos desde los estertores de la Manchester industrial, A Certain Ratio tomaron forma en 1977. Apartados consecuentemente de los meandros punk, así fue como Martin Moscrop, Jezz Kerr, Simon Topping y Peter Terrell se pasaron dos años definiendo su psicodelización post-punk de la materia funk hasta que los capos de Factory Records, Tony Wilson y Rob Gretton, les echaron el anzuelo en 1979. Mientras sus compañeros de sello Joy Division habían sacado su primer nombre, Warsaw, de una canción de Bowie, “A Certain Ratio” provenía de The True Wheel, un corte incluido en Taking Tiger Mountain By (By Strategy) (1974), el segundo disco de Brian Eno, la mano derecha del Bowie berlinés. Si los miembros de Joy Division provenían de los estertores sociales de Salford, los de A Certain Ratio pertenecían a Wythensawe, el estado con mayor número de viviendas de protección oficial de toda Europa. De dicho entorno procedían Kerr y Moscrop, la base del grupo a lo largo de los años. Su aguerrida imagen con deje casual era una consecuencia directa de sus orígenes pobres y su deprimente situación económica. “Fue una época especial, en la que un montón de gente estaba haciendo música que antes no se habría ni molestado en escuchar”, recuerda Kerr. “No había ningún tipo de reglas. Parece que ahora hay mucha más reglas: o eres una banda indie o tienes que ser de esta banda o esa otra. En aquel momento, lo que estaba ocurriendo era el punk. Pero a las personas que estaban haciendo música no les interesaban los tres acordes sucios del punk; querían hacer algo propio. Por eso fue un área tan fértil para la música, que sigue siendo interesante por la forma en cómo fue

#46 enero 2018

IMPRESCINDIBLE Sextet

creada: en verdad, sin saber lo que se estaba haciendo”. Partiendo del punk en su génesis estilística, A Certain Ratio siempre radicalizaron su versión europeísta del groove más funk. Algo así como si los Joy Division de sus primeros singles -Transmission (1979)- tocaran al son de The Pop Group en sus fases menos abruptas. A estos factores intrínsecos había que añadir un creciente interés por las formas de la world music y el Miles Davis oceánico de los setenta. La coctelera contaba con todos los ingredientes para acabar en un despropósito de ambiciones antitéticas o, por el contrario, en una excitante integración de músicas formuladas lejos de los típicos cotos privados de caza. En el caso de A Certain Ratio, la balanza cayó del lado más heterodoxo. “Nos gustaba The Velvet Underground, Brian Eno, James Brown, Kraftwerk, Parliament. Mételos en un cazo, ¿y qué consigues? ACR”, sentencia Moscrop. Tras unos primeros años prometedores, sus devaneos con el latin-jazz, el electro o el dance no siempre captaron el punto exacto de cocción. A pesar de su inspiración irregular, su influjo ha sido transcendental en revivalistas del post-punk bailable como Klaxons, por poner un ejemplo. Aunque siempre será más tonificante recordarlos a través de sus parecidos razonables con Stereolab cuando a estos se les daba por construir circuitos de ritmo repetitivos. Tampoco debemos olvidar lo alargado de su sombra en formaciones como Heaven 17, además de toda la vertiente pop-funk del new pop. Pero donde su calado fue más provechoso fue sin duda en Talking Heads.

Factory Records, 1982

Quizá Sextet sea una obra algo irregular, aunque eso es debido a su rebosante flujo de ideas a medio formar. En cierta manera, esta aprehensión instantánea de las nuevas vías de canalización ayudó a que se ramificasen de manera más inesperada, sencillamente inimaginable en muchos de los casos. De hecho, Sextet se graba en la memoria por sus arrugas personalizadas, además de pertenecer al altillo etiquetado como bendita anomalía. No en vano, abrió una brecha en el status quo mancuniano de aquellos años: la world music pudo haber sido el camino a labrar en los años post-Joy Division, pero ya sabemos que la historia rodó sobre el guión más predecible. En su momento, su brillo multicromático no consiguió encender más bombillas que las de sus propias quijoteras. ¿World music meets gótico industrial? Sextet era como un accidente que abría renovadas grutas selváticas de post-post-punk.

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