MondoSonoro enero 2019 by MONDO SONORO

Nº 268 Enero 2019 www.mondosonoro.com

2018

Lo Mejor Del Año

Rosalía disco del año nacional

IZAL PRESENTA

GIRA AUTOTERAPIA 06.02 09.02 23.02 07.03 09.03 10.03 16.03 30.03 05.04 06.04 12.04 13.04

Buenos Aires The Roxy La Viola Bar Córdoba (ARG) Cosquín Rock A Coruña Coliseum Dublín The Button Factory Londres The Grand AGOTADO Londres The Grand Zurich Mascotte Pamplona Navarra Arena Madrid WiZink Center AGOTADO Madrid WiZink Center Barcelona Poble Espanyol AGOTADO Valencia Plaza de toros

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Cosquín Rock (Sansan Festival) Benicassim 18-20.04 Palacio de Deportes Granada 27.04 La Fica Murcia 02.05 Teatre de Lloseta Mallorca 25.05 Auditorio Rocío Jurado Sevilla 15.06 Palacio de Deportes Logroño 22.06 Feria de Valladolid Valladolid 29.06 Nos Alive Lisboa 12.07 Planeta Sound Festival Ponferrada (León) 19-21.07 Gijón Life Gijón 27.07 Concert Music Festival Chiclana (Cádiz) 02.08 Marenostrum Music Castle Park Fuengirola (Málaga) 03.08 Cosquín Rock Guadalajara (MX) Próximamente

5/Mondo freako “Me gustaría ser pintor, siempre he disfrutado mucho pintando paisajes”

Nunca se cansará de luchar por sus ideas, pero el granaíno ha querido ir más allá en su debut en solitario con Rojo y Negro (ALBZ Records, 18), un disco en el que expone su mente y su corazón a partes iguales.

FOTO: DAVITH MADRID

Prok Garra y corazón

uele decirse que la unión hace la fuerza, pero Ayax y Prok han demostrado que por separado son igual de aguerridos que en conjunto. Y que lo conseguido hasta ahora no ha sido casualidad. Seis meses después que su hermano, Prok debuta en solitario con un álbum en el que quiere mostrarnos una versión suya inédita hasta ahora. «Siempre se decía que Ayax era la parte más sensible y yo la más combativa, pero eso no era del todo cierto. En realidad sí tenía letras de ese estilo, más profundas, pero nunca las grababa por miedo o vergüenza. No quería desnudarme tanto. Pero por fin en este disco he conseguido abrirme más y darle un toque más íntimo». Basta con oír canciones como Cayena o Esto es rojo y negro para comprobar que, efectivamente, estamos ante el trabajo más introspectivo del granadino. Era su debut en solitario, la primera vez que salía solo al ruedo, y su oportunidad para mostrarse ante el gran público tal y como es. “Por eso el disco empieza con una presentación: ‘yo soy Adri, del barrio Nazarí a la orilla el Darro’, y luego viene todo un ensayo sobre mí y mis pensamientos a lo largo de catorce temas, que acaba con una canción sobre mi familia”. Rojo y Negro es un álbum en el que habla de sus sentimientos y reflexiones sin abandonar nunca su lucha, buscando el equilibrio en esa complicada dualidad “y de ahí viene el nombre del disco. El rojo es lo pasional, lo político, la parte enamoradiza, luchadora y antifascista. Y el negro la parte más oscura, la poesía maldita del siglo XIX que nos encanta, los terrenos más tenebrosos de mi mente. Por eso en este disco hay canciones con esas dos ideas, una más reivindicativa y otra más profunda”. La garra y el corazón de Prok, de Adrián. Porque, por si alguien lo dudaba, Prok no está por la labor de dejar de lado su carácter combativo. “Hay raperos que hacen en sus letras exaltación del dinero y el capitalismo, que su mensaje se centra en fardar de esas cosas. Pero ese no es nuestro estilo. Nuestro rap se centra en la lucha y en mostrarnos tal y como vivimos. A mí el dinero no me ha cambiado la vida, sigo comprándome mis vinilos, estoy aprendiendo a cocinar decentemente y si algún día puedo me pillaré un terreno para plantar tomates. Mi rap es mi instrumento para luchar y expresarme”, expone el cantante, quien además no puede mantenerse impasible cuando ve lo que acontece ante sus ojos. “Que un partido como Vox haya obtenido tantos votos en Andalucía, mi tierra, me produce una mezcla de miedo y pena. Es el comienzo del fin. Andalucía ha sido uno de los lugares que más ha resistido siempre al fascis-

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enero 2019 #5

MONDO FREAKO 25 años de información musical independiente

mo y ver como caen en esta trampa da mucha lástima. Pero es un reflejo del nivel cultural de nuestro país, con la gente votando a partidos que nos roban y a los que nos quieren quitar derechos. En momentos de desesperación la gente se va a lo más conservador para proteger lo suyo ignorando todo lo demás, y eso es muy peligroso. Pero hoy en día la sobreinformación ha mermado los cerebros de la sociedad en vez de estar mejor informados y formados. Cada vez es más sencillo engañar a la gente, nadie contrasta ni piensa las consecuencias ni trata de ir más allá de lo que nos cuentan. Dan ganas de llorar”. Su música es su arma, su vía de escape. Y el vehículo musical que ha elegido siempre Prok ha sido el rap clásico, el género hacia el que siente más arraigo. “A mí siempre me ha gustado el rap muy purista. Y que además esté cuidado, que transcienda. El boom bap me permite llegar a más profundidad que otros sonidos como el trap por ejemplo. Hay cosas de trap que me gustan, pero a mí no me inspira. Quizá si hiciese canciones con un contenido más superficial, menos transcendente, podría hacerlo con otros estilos. Porque cada base te pide una cosa y yo como cantante tengo que saber dársela, y el rap clásico es lo que más me permite desarrollarme, y todo lo demás no me interesa”. Y es que una de sus virtudes es cuidar hasta el más mínimo detalle, sin dejar cabos sueltos. “Me gusta ser perfeccionista, porque en realidad soy un rayao. Con la canción Roxanne, por ejemplo, quería demostrar que dentro del rap puede haber muchos estilos y meto en un mismo tema cuatro o cinco registros diferentes, cambiando tanto el estilo como la voz, con la misma instrumental. Quise demostrar que lo que hace que una canción suene de una manera u otra eres tú, con tu estilo y con tu voz”. Dicho y hecho. Y Rojo y Negro supone el segun#6 enero 2019

FOTO: DAVITH MADRID

do paso del plan trazado por estos hermanos gemelos para conquistar el mundo del hip hop. ¿El siguiente será un disco en conjunto con Ayax? “Sí, pero eso será dentro de un tiempo. Ahora vamos a disfrutar cada uno de nuestro disco y, en un futuro no muy lejano, sacaremos uno juntos para terminar de reventarla”. —alfonso gil royo

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EL APUNTE

Más allá del rap Corría el año 2015 cuando Ayax y Prok publicaron su primer videoclip, La flauta de Hamelín. Tres años y muchas canciones después, pueden decir que han logrado superar el objetivo con creces, en parte gracias a sus intensos directos. Pero el cantante sabe que todo lo que sube, baja. “A veces me lo planteo, sí. ¿Qué será de mí si un día todo esto se acaba? Y entonces pienso que me gustaría dedicarme a algo relacionado con el arte. Me gustaría ser pintor, siempre he disfrutado mucho pintando paisajes. Y si no el cine, ya sea en la dirección o como actor. Todos mis videoclips los he dirigido yo y cuanta más experiencia tengo más me flipa. Y mi último sueño sería escribir un libro, seguramente una novela. Sí, todo eso haré si un día el rap se cansa de mí, porque yo de la música nunca me cansaré”. —a.g.r.

ste va a ser un año muy especial para los que confeccionamos esta revista. En octubre cumpliremos la friolera de veinticinco años desde que el primer ejemplar vio la luz con una foto del concierto de Red Hot Chili Peppers en la Monumental de Madrid en portada. De hecho fue a finales de agosto de 1994 cuando nos habíamos desplazado desde Barcelona para cubrir aquel bolo, y recuerdo con gran placer que aquella mítica noche culminó en la desaparecida sala Revolver, con nada menos que dos frenéticos pases de Mano Negra presentando Casa Babylon en los que casi me rompo las costillas al tirarme en plancha desde el escenario. Una fiesta muy loca que finalizó, ya de madrugada con unas cabezaditas en el metro, a la espera de poder contactar desde una cabina telefónica con la amiga de una amiga que nos había prestado su casa. Cualquier ahorro era muy bienvenido en aquella época, y más si tenemos en cuenta que en unas semanas había que pagar a la rotativa nuestra primera tirada. Y aquí estamos, cinco lustros después, con la ilusión intacta y la certeza de que hoy en día aquello sería prácticamente imposible. Lo cierto es que anécdotas como esta surgen a docenas a la que te pones a rememorar, con cierta nostalgia, lo que han significado estos años de trayectoria al frente de la revista. Este proyecto tuvo su origen a finales de los ochenta en nuestros años universitarios cuando, impulsado por mi afán por descubrir nuevas bandas y la necesidad de conocer a otros aficionados con los que intercambiar discos y cintas de cassette, me dio por empapelar las facultades con carteles que invitaban a llamarme a mi casa para hacer algo en la universidad a favor de lo que yo consideraba “buena música”. De aquella iniciativa surgió un fanzine llamado BUM que, en realidad, fue el verdadero germen que nos llevó más tarde a montar MondoSonoro ya como revista de actualidad y distribución gratuita, que hablara sobre música alternativa pese a que ya se empezaba a utilizar el término indie. Mucho ha llovido desde entonces y mucho más tiene que llover aunque, de entrada, lo que nos apetece es informaros que vamos a estar celebrándolo con una serie de actos a lo largo de todo este 2019 que empieza. Una serie de acciones que tendrán su pistoletazo de salida del 23 al 27 de enero en la Feria Internacional de Turismo (FITUR) que cada año tiene lugar en IFEMA Feria de Madrid. Allí MondoSonoro ha preparado una programación en su stand que incluye entrevistas a músicos y a agentes del sector del turismo que tengan alguna relación con el mundo de los festivales, así como actuaciones acústicas y contenidos generados para nuestro propio canal MondoTV. Así que si quieres felicitarnos en persona por nuestro aniversario, déjate caer por la feria y no dudes en saludarnos. —sergi ‘don disturbios’ marqués

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Madrid 23 - 27 enero fituronline.com

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18/12/18

17:37

Hazte Lapón Multiplicación laponiana

Los.CONCIERTOS. de mi Vida.

Recapitulando a través de la multiplicación laponiana, así es como Tú siempre ganas (El Genio Equivocado, 18) cierra una gran ronda pop en la que erudición y misterio siempre han sido sinónimo de diversión. Al igual que las aventuras quijotescas de los Fleetwood Mac de Tusk (79) con respecto a Rumours (77) o de los The Clash de Sandinista (80) con respecto a London Calling (79), Tú siempre ganas tiene un paralelismo similar respecto a No son tu marido (15). “Efectivamente, es un disco del estilo del Sandinista o el Tusk. He tratado de ir más allá del anterior. Tanto Sandinista como Tusk no se pueden entender sin sus discos precedentes, como London Calling. No es que sea un

Tú siempre ganas El Genio Equivocado POP 7/10

FOTO: JULIA LOMO

azte Lapón nos dejan un legado de excelente pop de diván. Lolo Lapón, cincuenta por ciento del proyecto, nos da las claves. Invitación de lujo a un cancionero en el que Franco Battiato y Vainica Doble se cruzan en una viñeta imposible de Charles Burns. Según Lolo Lapón: “Yo siempre intento que todas mis canciones tengan un cierto misterio. También me gusta que algunas sean muy claras y que se sepa claramente de lo que hablan. Pero las de misterio apelan al oyente a que lo resuelva, aunque son misterios relativamente fáciles, tampoco se trata de ser exégetas del autor. No soy un autor de letras surrealistas. No digo que renuncie a cierto surrealismo, que lo hay, pero no es lo que más me interesa. Me interesa que las canciones se puedan descifrar. Soy muy nabokoviano en ese sentido”. A través de veintidós canciones, Tú siempre ganas apuesta por la transgresión de hilvanar un álbum doble de pop erudito en el que “lo arriesgado de la propuesta es que el oyente no sepa lo que va a escuchar después, que no lo sepa con solo una o dos canciones. Es algo que era muy frecuente antes. Lo ves muy bien en ciertos discos de los noventa, cada canción es distinta, pero es algo que se ha ido perdiendo. Los discos ya no suelen ser tan eclécticos a nivel sonoro. Lo arriesgado aquí era pretender que la gente se escuchara las veintidós canciones. Por eso toda la manera de lanzarlo en digital y en físico pretende que la gente se vincule directamente con cada canción, o que alguien pueda decir ‘pues de las veintidós, las que más me gustan son estas doce o trece’. Pero para eso te lo tienes que escuchar entero”.

Alondra Bentley

Alondra Bentley ha publicado otro disco precioso, Solar System (Mount Ventoux, 18), que ahora comparte con el público en cada uno de sus conciertos. Este mes actúa dentro del ciclo SON Estrella Galicia: 26 enero (Palacio de la Prensa, Madrid).

cambio de tercio; es ir más allá. Podría haber habido otra opción, una más sintética. Pero hemos preferido optar por la multiplicación: ‘esto pero más’. Como el juego de mesa incluido en la edición en vinilo, donde podía ser gracioso que cada canción se relacionara con algún personaje del juego, que tuviera cierta relación con la canción. O que la tenía ya, como la que estaba dedicada a los Nabokov, o que la podía tener si se le daba una vuelta. También que Saray y yo saliéramos como dos personajes era algo muy acorde con la temática del disco. Así que era una buena idea que el disco, además, estuviera dentro del juego. Es una manera de ampliar el imaginario. Se puede jugar y es divertido”. —marcos gendre

El primer concierto al que acudí como público… El primero que recuerdo fue un concierto de reunión del grupo que tenía mi padre en su juventud. Se llamaban Los Jorister’s y él era el cantante. Me quedé muy impresionada de verle cantando y bailando sobre un escenario. El mejor concierto que he visto en mi vida… No sé cuál es el mejor que he visto. Te puedo decir mi top... Leonard Cohen, Kate Tempest, Roger Waters, Kraftwerk y Nick Cave.

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El peor concierto al que he asistido nunca… El concierto de Love en el FIB del 2004. Fue muy triste, Arthur Lee salió tambaleándose al escenario para apenas lograr cantar y mantener el equilibrio durante algunos temas, al parecer había recibido la noticia de que su amigo, el músico Rick James, había sido encontrado muerto y así lo compartió con el público con una nota. Se lo tuvieron que llevar del escenario y la banda terminó el concierto sin él. El último concierto al que he ido… Low y Elle Belga en la sala But de Madrid, dentro del ciclo American Autumn.—MS

Los sonidos de enero que no olvidarás: Agenda SON Estrella Galicia

“Siempre intento que todas mis canciones rio” tengan un cierto miste mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: DANI CANTÓ

5 enero Ángel Stanich (acústico) Super 8, Ferrol 18 enero Arizona Baby Hangar, Córdoba

26 enero Alondra Bentley Palacio de la Prensa, Sala 0, Madrid

27 enero Preoccupations + Kings Of The Beach Radar Estudios, Vigo

27 enero Micah P. Hinson Loco Club, Valencia

31 enero Micah P. Hinson+Santi Araujo La Iguana Club, Vigo

enero 2019 #9

FOTO: IRENE BERNAD

MONDO FREAKO

Hamlet Segunda vida Berlín (Maldito Records, 18) es el esperado nuevo álbum de estudio de Hamlet. En él, el quinteto madrileño se enfrenta al reto de superar su anterior trabajo, La ira.

n “Cada vez se nos está plejos” quitando más los com

H EN LA MALETA

amlet vuelven con once trallazos de metal en los que la distorsión y la voz gutural dejan breves espacios a la electrónica, la melodía y hasta la voz femenina. Para hablar de todo ello, charlamos con el guitarrista Luis

Wise Men Project El dúo valenciano Wise Men Project lleva un par de años publicando material propio y contando con remezclas de gente como Averno, Ley Dj o Mr. K!. Este mes les entrevistamos para nuestra sección más pistera.

#10 enero 2019

ué recuerdos tenéis de la primera sesión? (Roberto) La primera sesión de Wise Men Project fue en un pequeño club en Valencia, era un concurso freestyle, llevábamos batas de laboratorio y gafas de protección, además, ¡ganamos! —¿Qué disco nunca falla en una sesión vuestra? (Paco) Aparte de todos nuestros temas originales y remixes, va un poco por temporadas. Hay veces que de repente nos da por usar como recurso continuamente un tema, que hacía un tiempo teníamos abandonado y luego vuelve a caer en desuso. Pero, por mi parte, quizás, uno de los más recurrentes ha sido NY Excuse de Soulwax. (Roberto) Ya que Paco se ha mojado, uno de los temas que casi nunca falla es La Rock de Vitalic. —Por contra, ¿cuál de vuestros discos favoritos nunca ha sonado en una sesión vuestra? ¿Por qué? (Paco) El remix de Jon Hopkins del tema Magnets de Disclosure. Y mira que lo he intentado encajar alguna vez, pero es muy complicado, sobre todo porque es muy lento de tempo y bastante denso. (Roberto) Pues no hace mucho me hice con un tema de Moderat, Milk, y tampoco he sido capaz de enchufarlo en sesión, es otro rollo distinto a lo que estamos haciendo en directo. —¿Vinilo, CD o Mp3? (Paco) Crecimos pinchando en vinilo,

Tárraga y Molly, su carismático vocalista. La capital alemana ha sido la elegida para titular su nuevo álbum. Tárraga explica que “Berlín es una ciudad machacada y renacida. Es el concepto que queríamos darle al dis-

por lo tanto, vinyl lovers. (Roberto) Vinilo mejor que CD, pero el USB te da la vida. —¿Cuál ha sido la mejor sesión que habéis protagonizado hasta la fecha? ¿Por qué? (Paco) Creo que Roberto coincidirá conmigo, y si no me equivoco, nuestro set de este verano en el FIB. Fue una locura, ver a tanta gente entregada y la respuesta del público, tanto durante el set, como al acabar. Inolvidable. (Roberto) Totalmente, por cómo estaba el escenario, lleno a rebosar, porque el público lo bailó todo, y porque encima, esto es real, los Justice estuvieron viendo una parte de nuestro set. —¿Y la peor? (Paco) Recuerdo durante los inicios, una sesión que nos llamó un promotor uno o dos días antes del set y nos incluyó porque se le había caído alguien de su cartel. Llegamos y era una noche de festivo, rara, la sala estaba prácticamente vacía. Solo vinieron unos amigos nuestros... (Roberto) No recuerdo a qué fiesta hace referencia, pero creo que peor fue la sesión en el festival erótico de Valencia… Imaginad el percal. —¿Cuáles son vuestros Dj’s actuales favoritos? (Paco) Justice, Vitalic y Chemical Brothers, creo que formarían mi podium de artistas. (Roberto) El mío lo forman Justice, 2manydjs y Digitalism.—MS

co y no nos gusta lo obvio, aunque a veces nos pasamos de no obvios”. Han pasado más de tres años desde su anterior trabajo, con lo que les ha dado tiempo “a cansarnos de lo que hemos hecho e intentar buscar otro tipo de cosas. La ira (Maldito Records, 15) nos funcionó bastante bien, nos reencontramos con cosas a nivel de directo, con gente… Nos gustó el camino que cogió, pero somos de no repetirnos demasiado. Puedes mantener cosas, pero no queríamos un La ira 2”, advierte. Distorsión, guturalidad, electrónica, melodía… El cantante, Molly, comenta que “muchas veces surgen las ideas cuando estás empezando a componer. A Luis le apetecía toda la historia de meter máquinas, frecuencias, y ha sido una idea espectacular. Ha enriquecido el disco de una manera brutal. Las canciones también dan juego a ello”. También aparece la voz de Laura Rubio en el tema Héroe. Tárraga admite que “nos dices hace tres años que Hamlet va a tener una voz femenina y te decimos ‘venga hombre’. Quieres ser como muy ‘pureta’, pero cada vez se nos están quitando más los complejos. Nos da igual meter cualquier cosa mientras suene a nosotros”. La grabación vuelve a correr a cargo de Carlos Santos en los Sadman Studios de Madrid, el artwork lo firma de nuevo Víctor García-Tapia de Darkhorse Estudio, y el videoclip de No sé decir adiós lo dirige otra vez Ibon Antuñano. Por lo que respecta

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TAN. CERCA RRDespués de confirmar a Two Door Cinema Club, Noel Gallagher’s High Flying Birds, Teenage Fanclub y Vetusta Morla, el festival Warm Up Estrella Levante, que se celebra los días 3 y 4 de mayo de 2019 en Murcia, anuncia ahora a Roosevelt, Second o Carolina Durante. www. warmupfestival.es

a la gente con la que trabajan, Luis lo tiene claro: “Hemos conseguido un grupo de gente a la que enseguida le decimos algo y pillan la idea, por muy abstracta que sea. Nos mola mucho cómo mantienen unas señas de identidad en los últimos discos”. Han sacado una tirada del disco en vinilo, y el guitarrista se enorgullece al afirmar que “ha quedado chulísimo. La portada queda mucho mejor. Hemos metido dentro una foto a página que si quieres la puedes poner de póster. Son cosas que no puedes hacer con un CD”. La gira de La ira se extendió durante más de tres años y más de cien conciertos. Molly señala que hay que tener expectativas de igualar esa cifra. “Hay que tenerlas, sin duda. Lo bueno es que, después de cada gira, siempre nos quedan cosas por hacer”. Por ejemplo una posible reedición de Revolución 12.111 (Zero Records, 02), tal y como admite Luis: “Estamos un poco en ver en qué formato y cuándo y cómo lo podríamos hacer, pero sí, queremos recuperar muchas cosas del catálogo. Escuchamos un par de pruebas y ¡hostias!”. —jesús cañadas

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en concierto l Madrid 28 de diciembre. Teatro Cofidis l Córdoba 11 de enero. Sala Hangar l Barcelona 2 de febrero. Razzmatazz 2

RRHasta ahora, el Mallorca Live, que se celebrará los días 10 y 11 de mayo en Calvià (Mallorca), había confirmado a nombres como Two Door Cinema Club, La M.O.D.A., Vetusta Morla, Viva Suecia o La Pegatina. La sorpresa es que ahora confirma a Jamiroquai. www. mallorcalivefestival.com RRAún quedan nombres por anunciar, pero ya está listo el reparto por días de la tercera edición del Download Festival Madrid (28 al 30 de junio). Actúan grupos como Scorpions, Sabaton, Turnstile, Slipknot, Amon Amarth, Stone Temple Pilots, Tool o Sum 41. www.downloadfestival.es RRNew Order encabezan el cartel de Low Festival 2019, que se celebrará los días 26 a 28 julio en Benidorm. Los británicos se sumarán a los tres nombres ya confirmados previamente: Foals, Bastille y Vetusta Morla. www. lowfestival.es RRBob Moses, Rhye, Nicola Cruz y KiNK encabezan la primera tanda de confirmaciones del festival Paraíso, que celebrará su segunda edición los días 14 y 15 de junio en el Campus de la UCM de Madrid. RREl VIDA es otro de los festivales que va soltando nombres poco a poco. Los más recientes son Madness, Sharon Van Etten, Él Mató a un Policía Motorizado, Joan Colomo y Carla. Será del 4 al 6 de julio en Vilanova i la Geltrú.

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RREl SanSan Festival sigue soltando nombres para su sexta edición, que tendrá lugar los días 18,19 y 20 de abril en Benicàssim. Love Of Lesbian se unen a Izal, C. Tangana o La Pegatina. RREl Dreambeach Villaricos sigue dando forma al abanico sonoro que mostrará en su próxima edición (7 al 11 de agosto). La última tanda ha tenido como protagonistas a Steve Aoki, Brennan Heart, Congo Natty, Stephan Bodzin, Fisher y SaSaSas. —MS

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enero 2019 #11

Mumford & Sons Viva la vida

Se han convertido en uno de los grupos de folk pop más populares de la actualidad. Ahora publican nuevo trabajo, Delta (Universal, 18), un trabajo que entra tan fácilmente como los anteriores y en el que han experimentado sin abandonar su estilo habitual. Lo presentarán en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 27 de abril. —texto Marta Terrasa

uenas tardes, ¿cómo estás? Espero que no haya más preguntas, porque esto es todo lo que sé decir en castellano”, confiesa Winston Marshall, guitarrista de Mumford & Sons. Todavía quedan muchas preguntas, sobre todo teniendo en cuenta que los británicos son uno de los grupos más controvertidos de los últimos años. Cada single, disco o actuación levanta apasionados debates y los titulares de las revistas son, cuando menos, jugosos. Tras un hiato, seguido por la publicación de Wilder Mind (Island Records, 15), llega su cuarto trabajo de estudio, Delta, que ha contado con Paul Epworth (The Horrors, Florence + The Machine, U2) a los mandos de la producción. Catorce canciones en las que, según la banda, han experimentado más, tanto a nivel de grabación como de interpretación, incluso han intercambiado instrumentos entre ellos, dejando por fin que Winston cambie el banjo por la batería. “¡Estoy tan contento! Por el tipo de disco que es, había mucho movimiento y rotación de instrumentos. En Picture You toqué yo la batería y cuando lo estábamos editando no dije nada por miedo a que se dieran cuenta y la quitaran. Pero es lo mejor que le ha pasado a la banda”, afirma el guitarrista entre risas. Lo mismo pasó en Slip Away, donde Marcus Mumford tocó el harpa y pese a que inicialmente fue un “no rotundo”, al final apareció en la versión final. “En el estudio éramos libres, sin normas y ya antes de grabar queríamos usar todo tipo de instrumentos; recuperando algunos también de nuestros inicios. Pero el reto estaba en hacerlos sonar totalmente diferentes”. Pero entonces, ¿por qué se considera a la banda como un grupo que va “sobre seguro”? “En esta vida tengo muchísimas otras preocupaciones que pensar en cómo la gente nos etiqueta. Llámanos lo que quieras, porque eso significa que

#12 enero 2019

a la gente le importas. De hecho, de una manera un tanto extraña, es casi como un halago”, dice el guitarrista. Quizá buena parte de sus críticas estén enraizadas en el éxito masivo de su debut, en su reivindicación sonora y metafísica de la América folk profunda -pese a ser de Londres- o en precisamente todo lo contrario, en cuanto dejaron atrás el banjo y los graneros para abrazar el rock de estadio de Wilder Mind. “Creo que Inglaterra es cínica, pero sobre todo una parte de la prensa musical y ciertos sectores de la población”, asegura Marshall. Cuando es preguntado sobre ciertos temas o el siempre omnipresente banjo y declaraciones pasadas suyas como “fuck the banjo”, el guitarrista prefiere no adentrarse en arenas movidas. “Tú eres la periodista. Nosotros hacemos lo que hacemos, así que quizá tengas una respuesta más válida que la mía”. Pero volvamos al disco. Delta es menos orgánico, aunque ahí están temas como Guiding Light y Wild Heart; y en general tira de bases más cercanas al R&B (Woman, Picture You) que al folk. Un cuarto esfuerzo en el que abundan los medios tiempos y las baladas como If I Say o Forever, y repiten la fórmula de crescendos vitalistas que se apoyan demasiado en el efecto gospel y en la voz de Marcus Mumford, como 42 o Beloved, que podría estar firmada por U2. “Sí, somos muy fans de los crescendos”, reafirma Marshall. Quizá el concepto que se esconde tras Delta sea el de hacerse mayor, pese a ser un cliché. Escuchadas con atención, las letras orbitan entre cartas de despedida, cierto resentimiento, amor, dependencia y todo con un punto de melodrama cinematográfico. “Me encanta escuchar eso”, contesta el guitarrista y añade: “Lo mejor de las letras es la capacidad que cada uno tiene de interpretarlas”. Aunque los rumores sugerían que el disco recogía momentos claves en sus vidas, como la arriesmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EL APUNTE

“ “Queremos ser una banda duradera y tomamos decisiones para lograrlo”

gada operación cerebral del bajista Ted Dwane, el nacimiento del segundo bebé del líder del grupo o la boda del propio Marshall. “Si hay un concepto, sería el de escribir de manera autobiográfica. Somos más mayores, tenemos más responsabilidades que nunca. Cuando empezamos éramos unos críos y aún nos lo seguimos pasando en grande, pero ahora contamos con más gente en nuestras vidas y eso se traduce en bodas, nacimientos, divorcios… Algunas cosas cuesta más decirlas en la vida real, así que escribes sobre ellas, porque te importan más”, asegura Marshall. En el momento de escribir esta entrevista, Mumford & Sons acaban de cancelar cuatro fechas de su mastodóntica gira debido a “problemas técnicos”, ya que se trata del tour “más ambicioso y requiere de tiempo para poder llevar a cabo la exigente producción”. Una decisión que tiene sentido si tenemos en cuenta la dedicación de los londinenses a la hora de girar. Es precisamente su tour strategy donde yace parte de su éxito. Su opción siempre ha sido patearse ciudades y países de manera incansable, aumentando con cada actuación una legión de fans leales. Tras el éxito de Sigh No More (Island Records, 09) y alcanzado cierto estatus, Mumford & Sons podrían haber sido más selectivos con sus fechas, pero siguieron picando piedra en todos esos rincones en los que otras bandas no pondrían un pie. “Cuando vamos a un lugar nuevo, nos hacemos la promesa de mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: ARCHIVO

El porqué de su éxito Durante la primera década de los años 2000, fuimos testigos de un revival de la música folk en todas sus variantes. Fueron los años del debut de Iron & Wine, Noah And The Whale, Fleet Foxes, Bon Iver, Jose Gonzalez, Other Lives, Edward Shape & The Magnetic Zeros o Laura Marling, entre muchísimos otros. Precisamente el batería de Marling, Marcus Mumford, decidió montar su propia banda en 2007. Tres años más tarde publicaría su debut con Mumford & Sons, Sigh No More, que irrumpió con la fuerza de una tormenta de verano. Fue uno de los cinco discos más vendidos de 2011, desbancando a grandes nombres por el camino y consiguiendo en muy poco tiempo romper la pared mainstream; algo que otros grupos de mayor recorrido hasta la fecha jamás habían conseguido. La siempre cínica prensa inglesa etiquetó a Mumford & Sons como la banda menos cool de Inglaterra y precisamente ahí residía parte de su encanto. La hasta entonces supremacía del revival post-punk y de la new rave empezaba a temblar frente una oleada de músicas sensibles, de aires retro. Marcus y compañía parecían granjeros irlandeses camuflados en una novela de Dickens. Sigh No More sonaba mejor que bien y todos coreamos himnos como The Cave, Winter Winds y Little Lion Man, con una jarra de cerveza (metafórica o no) en la mano. Música seria para jóvenes adultos que escuchaban la radio pública NPR y que recuperaron la ilusión que sintieron con los primeros discos de Coldplay. Una nueva esperanza que continuó con su segundo disco Babel, abrazados ya al folk-pop grandilocuente. El resto de la historia, ya la conocemos. —m.t.

volver y así mantener esa relación con la gente. Hemos estado en sitios en los cuales la mayoría de los grupos no tocan. El año pasado fuimos a Sudáfrica, así que en la gira de Delta tenemos que hacer sitio para añadir fechas ahí, lo que hace que las giras se vuelvan más y más grandes”, relata el músico. Los días de salas pequeñas hace tiempo que quedaron atrás y fueron reemplazadas por estadios y pantallas gigantes; una evolución que se hace palpable en su discografía también. “Cuando dimos el salto de salas a estadios fue una gran batalla, porque no queríamos perder esa intimidad que se genera con los fans. Pero por suerte tenemos un equipo fantástico que ha conseguido recrear esa sensación”, confiesa Marshall. En 2010, Marcus Mumford se fumaba un cigarrillo a las puertas del local de San Francisco en el que tocaban esa noche y en un momento de epifanía tuvo claro que podrían hacer eso –vivir de la música– el resto de sus vidas, algo excitante y aterrador. Una década después de su debut, aquí siguen. “Nos sentimos con más fuerza que nunca y emocionados con el tour que nos espera estos próximos dos años. No somos de pensar mucho en el futuro y puede que oigas cierta nostalgia en el disco. Aunque si tenemos que mirar hacia delante siempre lo hacemos movidos por la misma idea: queremos ser una banda duradera y tomamos decisiones para lograrlo”, sentencia. —m.t.

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enero 2019 #13

The Wizards Tirando alto Cinco años dan para mucho. Que se lo pregunten a la banda bilbaína The Wizards. De grabar una demo con cuatro prometedoras canciones a grabar con Dean Rispler (The Dictators), fichar por el sello alemán High Roller (Manilla Road, Destruction, Ashbury) y firmar el mejor disco metálico del año para esta publicación, el alabado Rise Of The Serpent.

mientras “No descartamos nadaue una nos guste y nos provoq buena erección”

#14 enero 2019

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esde la anterior entrevista habéis sentido una evolución de algún tipo en la banda o creéis que más o menos sois los mismos musicalmente? Si no recuerdo mal, nuestra última entrevista fue en 2017, con el anterior disco recién sacado. La verdad es que, desde entonces, hemos vivido un año y medio muy intenso. Por un lado, la salida de Full Moon In Scorpio en mayo de 2017 y su excelente acogida tanto por medios como por el público a nivel estatal y europeo nos colocó en el radar de mucha gente. Por otro lado, redoblamos nuestra actividad en directo pateándonos todo el estado y tocando también por primera vez en Portugal y en Alemania. Fruto de todo este trabajo nos hemos curtido bastante y conseguimos la atención de medios internacionales y de High Roller Records. Nosotros seguimos siendo los mismos componentes desde el principio, aunque hemos crecido como músicos y tenemos las cosas más claras que nunca. Vamos a muerte con esto. A nivel estilístico puede decirse que hemos evolucionado y refinado nuestro sonido. —¿Estáis ante una situación única en vuestra carrera musical? Con el anterior álbum dimos un gran paso adelante, eso es innegable, a to-

dos los niveles. Musicalmente (el más importante), exposición mediática, actividad en directo, etcétera. El nuevo álbum se edita en Europa, Estados Unidos y Japón, con lo que la apuesta sube, y mucho. En Latinoamérica acabamos de firmar la distribución digital con otra compañía y ya tenemos sobre la mesa ofertas para editarlo en formato físico allí. El nivel de exigencia y de compromiso también, y la banda está más engrasada que nunca para afrontar esta nueva etapa, siempre currando a tope y mirando hacia delante. —El último disco arranca muy en la onda de NWOBHM. Más épica que nunca ¿Es intencionado este acercamiento? Si hay algo en este álbum es épica (risas). Lo cierto es que la evolución ha sido muy natural, nunca nos planteamos las canciones o los discos con un estilo o enfoque determinado. Cogemos lo mejor que tenemos en cada momento, lo metemos en la batidora Wizard y voilá! George Dee (guitarra solista) y yo (Phil The Pain) nos juntamos con todas las canciones o ideas para canciones así como letras y líneas vocales que teníamos cada uno y las sometimos a un primer ‘refinado’, dándoles una forma más concreta e incluso añadiendo nuevas ideas en común. Después se sometieron a la interpretación y estilo del resto de miembros del grupo (Dave O. Spare a la batería, Baraka Boy al bajo y Sir Ian Mason a las voces) y ahí tomaron la forma definitiva los ocho temas que forman el disco. Ahí fue cuando nos dimos cuenta de que nos había salido un disco más puramente heavy metal que el anterior. Pero no fue nada premeditado, dejamos fluir nuestra música y no descartamos nada mientras nos guste y nos provoque una buena erección. Así es el rock’n’roll para The Wizards.—pedro blackearth

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to de “Estamos en un momende en agudización muy grann de cuanto a la persecució artistas”

Ezetaerre Defiende tu cultura E

Miguel (Garchu), Juan (Pirola) y Pedro (Petrowski) vienen pisando fuerte desde Galicia para reflejar la realidad social a través del rap. Ellos son Ezetaerre, fieles a su identidad y a lo que hacen. Ahora publican el álbum Pólvora e Tormenta (Kasba, 18), el pistoletazo de salida de una nueva etapa.

n sus canciones, Ezetaerre no hablan de coches caros, ni mucho menos de lo que hicieron cuando salieron de fiesta el pasado fin de semana. El trío trata temáticas sociales, políticas e históricas, y Pólvora e Tormenta no iba a decepcionar en ese sentido. Para Ezetaerre, la música como expresión cultural no deja de ser política -muy explícita en su caso-, y una herramienta clave para generar conciencia social. “Es importantísimo, y más ahora que estamos en un momento de agudización muy grande en cuanto a la persecución de artistas”, comentan con cierta decepción. La aventura comenzó en 2015 en la Facultad de Comunicación Audiovisual de A Coruña con una canción satírica contra la fusión de facultades. El nacimiento de Ezetaerre, un nombre con el que no estaban muy seguros en un principio, fue fruto de aplicar los conocimientos audiovisuales y de diseño gráfico al movimiento estudiantil y, más adelante, desarrollar las capacidades que les permitieron iniciarse en esto de la música. Para ellos, crecer den-

tro de Galicia supone hacerse un hueco donde afortunadamente grupos como Dios Ke Te Crew y Rebeliom do Inframundo ya habían abierto camino. A pesar de que ahora haya discos y bolos de por medio, nada ha cambiado. “Es como cuando nos la jugamos y nos exponemos yendo a un piquete o a una manifestación en la que hay policía. Entendemos que esto tiene sus riesgos”. Son jóvenes, y como el resto del mundo tienen contradicciones. Sin embargo, hay algo con lo que no van a dar su brazo a torcer, y es que en el momento en el que alguien les prohiba decir o hacer, empezarán a replantearse si verdaderamente son fieles a la naturaleza del proyecto. También han dejado claro que si tuvieran que hacer música exclusivamente en castellano no la harían, ya que el hecho de que la cultura y lengua gallega se desarrollen en todos los niveles se ha transformado en una necesidad. Para darle forma al disco han contado, eso sí, con invitados como Dj Plan B, Zoo, Salma o La Pegatina, que aportan diversidad y se suman a sus reivindicaciones.

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Afirman con un poco de vértigo que en esta nueva etapa tienen que trabajar duro, sobre todo a nivel escénico. Tocar en escenarios de Berlín o Londres ya sería un sueño hecho realidad, pero por el momento se quedarán en territorio nacional, trabajando y colaborando próximamente con grupos de Cataluña. —patricia capel

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en concierto l Durango 23 febrero, Minutu Rock l Bilbo 28 febrero, Kafe Antzokia l Gasteiz 1 marzo, Jimmy Jazz l Donosti 2 marzo, Doka Antzokia l Lugo 15 marzo, Clavi l Ourense 16 marzo, Auriemse l Ferrol 22 marzo, CS Artabria l A Coruña 29 marzo, Mardigrass l Boiro 30 marzo, Pousada das Animas l Burgos 5 abril, TBA l Madrid 6 abril, Moon

enero 2019 #15

Parcels Unos chicos agradables FOTO: ARCHIVO

Puede que Parcels hayan cambiado la arena blanca y las aguas cristalinas de Byron Bay (Australia) por el cemento armado y el frío de Berlín. Pero Parcels (Because/ Music As Usual, 18) se nutre de playas soleadas, discotecas setenteras, terciopelo, pantalones de campana y un aire marcadamente cool. Tras el bombazo que supuso su single Overnight junto a Daft Punk, los australianos consolidan su propuesta de electro-pop y disco-funk.

veces esperamos respuestas épicas y epifanías que expliquen por qué ciertas propuestas de indudable calidad no terminan de arrancar, mientras otras se convierten en el hype del momento. Pero a veces dichas respuestas no son las que esperábamos. Parcels no es el único grupo -ni siquiera el primeroen el que tocaban estos cinco amigos, pero por alguna razón decidieron cruzarse el mundo para intentar triunfar. “La diferencia esta vez es que queríamos hacer música electrónica. Además, era el último año de instituto y toda la gente hablaba de lo que haría, de dónde iría; que si Melbourne, Sydney… pero la idea nos parecía aburrida. Así que mudarnos a Berlín fue una decisión conjunta y fruto del momento en el que estábamos”, explica Noah Hill, bajista de Parcels. “Berlín está llena de australianos”, añade Hill. “Es curioso, terminas gravitando hacia el lugar en el que están tus amigos. Aunque también tenemos amigos alemanes”. Si dejar atrás olas perfectas, canguros y cierto estilo de vida despreocupado ha resultado algo traumático, desde luego, la música no se ha resentido. “El choque cultural no fue demasiado grande porque estaba con mis mejores amigos, aunque es cierto que era la primera vez que salíamos de Australia”, recuerda el músico. Hay infinidad de ejemplos de que este parece ser un momento dulce para un revisión del sonido electro-pop, el funk y el disco. “Daft Punk con Random Access Memories dieron el primer paso y luego todos los demás les seguimos. Ellos han conseguido poner este sonido de moda. Además, seguramente la gente sienta cierta nostalgia por este tipo de música ahora mismo”, asegura Hill. El dúo francés es responsable en parte de la fama de Parcels, a quienes vieron hace unos años atrás en un lo#16 enero 2019

CRITICANDO “Queremos conseguir , cierta atemporalidad que sea la música la ” que capture el tiempo cal. Puede que ahora los australianos le quiten algo de hierro al asunto, pero esa visita dio lugar a la colaboración del single Overnight, que supuso un antes y un después en su carrera. Solo un puñado de afortunados como The Weeknd o Kanye West -y ahora Parcels- han colaborado o sido producidos por Daft Punk. Las doce canciones de Parcels fluyen entre el disco-pop, la electrónica y el funk. “No hay una idea detrás del disco, porque escuchamos todo tipo de música y todo nos inspira, desde Daft Punk a Leonard Cohen, así que el álbum trata de hacerle justicia a todo eso”, explica el bajista. Aunque retiene un punto nostálgico por momentos, visible en canciones como Yourfault. “Queremos conseguir cierta atemporalidad, que sea la música la que capture el tiempo”, afirma el músico, dejando claro que “el objetivo del disco era el de mostrar que no somos una banda que quería montar una banda porque sí y todo ese habitual cuento pop”, sentencia.

Parcels

Kitsuné/ Music As Usual POP 8/10

Hype o no El fenómeno Parcels se consolida de forma definitiva en su LP debut, tirando de su característica propuesta de electropop donde los ritmos funk no escasean para confirmar como el último gran hype europeo era correcto. Tras todo el revuelo y ascenso meteórico obtenido a raíz de su colaboración con Daft Punk en su single Overnight, la banda australiana afincada en Berlín ha demostrado cómo son capaces de lograr un trabajo coherente de principio a fin, tomando géneros bailables de revoluciones moderadas. De este modo el carácter ochentero que rodea el trabajo en temas como Tape resulta contextualizado, intentando que el influjo de la música disco se disuelva de una forma risueña entre unas guitarras que miran directamente a las canciones pop más pegajosas propias de artistas tan populares en estos últimos años como Neon Indian o Toro y Moi. —noé r. rivas

Parcels se mueven cómodos en su nuevo status. “Puede que todo haya pasado muy rápido, pero a nosotros no nos lo parece, porque llevamos tocando desde los trece años. Así que cada éxito, cada nueva gira, lo sentimos como algo natural. Y la idea de que, después de esto, todo se termine, no nos asusta tanto como alguien que ha subido como la espuma. Pase lo que pase nosotros continuaremos haciendo lo que hacemos. Hay días en los que te despiertas diciendo: ‘arg, vaya locura’ y otros en los que dices ‘estoy tan cansado que únicamente quiero ver a mi novia y no tener esta vida de hoteles’, pero eh, era nuestro sueño”, concluye Noah. Un sueño bailable, aterciopelado y kitsh, con gusto por la electrónica más funk y disco forjada en dos polos opuestos del mundo. —marta terrasa

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lo mejor de 2018 2

La Plata

La Estrella de David

Desorden

Como una ola P

uede sonar injusto resumirlo así, sobre todo viendo la larga lista de discos nacionales que valen la pena, pero es evidente que 2018 ha sido el año de Rosalía. Si Los ángeles fue sexto mejor disco nacional para esta publicación en 2017, El mal querer se erige en este ejercicio en número uno por una avalancha de votos que ha sepultado cualquier competencia posible. Un fenómeno, sin duda, pero también un gran disco. La lista de grabaciones destacables de 2018 es amplia y, como de costumbre, muy variada. De ahí que no nos haya temblado para nada el pulso a la hora de emplazar entre nuestros diez discos favoritos propuestas como las de los jóvenes La Plata, La Estrella de David –David Rodríguez ha dado un salto generacional, contagiando a nuevo público–, Los Hermanos Cubero –con uno de los discos más emotivos de los últimos años–, Nacho Vegas, Ayax –sin Prok–, Toundra, Erik Urano, los mucho más rockeros Crim o Belako. Bien, pues a ellos súmenles los treinta restantes, tan diversos estilísticamente como nos suele gustar. —joan s. luna

1 Rosalia

El mal querer Sony POP / El mal querer combina canciones instantáneas con pasajes de flamenco más experimental, bastardo y de digestión lenta. El resultado es una mezcla de futuro: palos alucinados, más arriesgados, comidos de samplers, electrónica downtempo... En esencia, pop sin prejuicios. Al final, el oyente se quedará con lo que más le guste. —yeray s. iborra

Sonido Muchacho

Consagración Terranova/ Jauh USB?/Sonido Muchacho

POP / Pese a su juventud, uno tiene la sensación de que Desorden se ha hecho esperar. El primer álbum de La Plata recoge en media hora un momento vital en el que hay desencanto, abandono y vacío, pero también la determinación -y a su vez la incertidumbre- de quien lo tiene todo por hacer. —enrique peñas

POP / La tercera entrega de David Rodríguez como La Estrella, destaca de primeras por un sonido más pulido y electrónico. Pero más allá del lujoso envoltorio, al que se suman diversos colaboradores (Ana Fernández, Muchachito…), no puede quedar otra cosa que esa mirada lúcida y cáustica del mundo. ¿Consagración? Desde luego. A su manera. —jc peña

Los Hermanos Cubero

Nacho Vegas

El Segell

Marxophone

FOLK / ¿Puede el dolor convertirse en belleza? La respuesta es sencilla para cualquier amante de la música, porque ejemplos en forma de canciones nos sobran. Y eso es lo que han hecho Los Hermanos Cubero a partir de la muerte de la mujer de Enrique con un disco soberbio desde la primera hasta la última de sus melodías. —eduardo izquierdo

POP / Si algo define a Violética es la decidida falta de compartimentos estanco, tanto en el contenido como en lo formal, creando un discurso transversal que reúne tradición, activismo, rock y vanguardia social. Una crecida que no se queda en un hecho aislado, sino que acaba desbordándose entre la ternura, el compromiso y la lucha. —enrique peñas

Quique dibuja la tristeza

Violética

Ayax

Toundra

Erik Urano Balaclava

Crim Pare nostre que esteu a l’infern

Belako

Albayzín Records

Inside Out Music

Flat Bits/Gamberros Pro

Tesla/HFMN/Contra/Pirates3/B-Core

Render Me Numb, Trivial Violence Belako Records/El Segell

RAP / Ayax golpea con un disco que refleja la cara y la cruz de la vida: la alegría y la tristeza, el amor y el odio, rap para hacernos mover el cuello y para ponernos la piel de gallina. Un excelente estreno sin su hermano, pero fiel al sonido, naturaleza y filosofía con la que superan barreras inalcanzables para otros grupos del rap nacional. —alfonso gil

ROCK / Toundra se han encumbrado por meritos propios como abanderados del post-rock instrumental, no sólo a nivel nacional, sino europeo. Su nueva obra Vortex llega como celebración del trayecto recorrido y agradecimiento a todos los que les han acompañado, en algún momento, durante su particular cruce del desierto. —david pérez

RAP-GRIME / Balaclava suena a grime y a hip hop oscuro. Suena a barrios que cambian a una velocidad pasmosa y a la pérdida de identidad que esa velocidad provoca. Suena a electrónica y a desolación; a oscuridad, vértigo y frío. Suena, en definitiva, a Erik Urano, una maravillosa anomalía dentro del universo musical patrio. —ricky lavado

HARDCORE-PUNK /No sé si le habrán vendido su alma a ese dios que está en el infierno y al que acuden en diversos pasajes del disco, pero lo que está claro es que tras escuchar del tirón estas canciones a uno se le dispara la fe en que el punk rock todavía puede mover montañas, patear culos y remover conciencias. —j.s.l.

ROCK / El cuarteto de Mungia resume en catorce temas la madurez pop bien entendida y se permite experimentar con otros ritmos, grabar temas con el móvil, añadir nuevas instrumentaciones, revisitar viejas canciones… y todo ello combinando la lisergia rock, el punk y la electrónica con la coherencia a la que nos tenían acostumbrados. —xabier doncel

Cara y Cruz

Vortex

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enero 2019 #19

LOS MEJORES DISCOS NACIONA

Yung Beef

Perro

Quentin Gas & Los Zíngaros Sinfoníauniver-

Ioan Gamboa

Niño de Elche

La Vendición Records

Miel de Moscas

sal Cap. 02 Everlasting

TRAP / ADROMICFMS 4 es largo e irregular, como la propia base del género. Nadie le pide formas bonitas ni homogéneas a los gargajos. Tardamos en entenderlo con el punk, el acid o el hardcore, pero un esputo sirve para lo que sirve: para sacar demonios como el rayo. Y Fernando Gálvez es de los que mejor entiende su función. —yeray s. iborra

ROCK / Han llegado a la madurez creativa con estas diez canciones y da la impresión de que, por fin, ha llegado el momento de Perro, una banda a la que le sobra carisma e imaginación. Aquí no hay líderes, de hecho todos sus miembros lo son. Además, van cumpliendo todos sus objetivos sin perder la guasa en ningún momento. —víctor martínez

Madberlin

Antología del cante flamenco heterodoxo Sony

POP / Quintín Vargas parece vivir en un eterno viaje en sus tres primeros discos, y en esta sinfonía su destino apunta a las estrellas. Un camino arduo en el que los sintetizadores, junto a la electrónica, alternan con raíces tan puras como el flamenco o una psicodelia tan inclasificable como ya reconocible y personal. —rojas arquelladas

ELECTRÓNICA / Tras aquel extraordinario y sorprendente Vibrations (14) que le puso en lo más alto del mapa de la electrónica nacional –aunque parida desde Berlín-, el productor madrileño regresa al formato largo. Sí, la música de Ioan Gamboa es, por si misma, un universo paralelo que merece mucho la pena descubrir y bailar. —fernando fuentes

FLAMENCO EXPERIMENTAL / Si la ortodoxia del género ha considerado a Paco Contreras como un anatema, ahora junto a Pedro G Romero y Raül Fernández Refree, se ha reunido más de un siglo de grabaciones para tratar de demostrar a través de sus reinterpretaciones y adaptaciones, que cuanto más atrás miras, más heterodoxo es el flamenco. —jorge obón

Nat Simons

Mourn

Zahara

Kokoshca

The New Raemon

El Dromedario

Captured Tracks

G.O.Z.Z. Records

Sonido Muchacho

Una canción de cuna entre tempestades BMG

AMERICANA / Estamos ante una de las grandes realidades de la música de raíces norteamericanas de este país. Alguien que juega en la misma liga que Joana Serrat y Marta Delmont, aunque la madrileña apueste más por la canción de impacto más directo que las citadas. La producción corre a cargo de Gary Louris (The Jayhawks). —eduardo izquierdo

ROCK / El tercer largo de Mourn supone un acto de reafirmación personal y creativo, tras los problemas que atravesaron con su ex discográfica, pero también una vigorosa reiteración de su credo: ese indie rock fornido, de filiación noventera, crudo y vehemente, que se niega a ver estampado en su lomo una fecha de consumo preferente. —c.p.z.

POP / La poesía de la cotidianidad y las historias casi casi universales, marca de la casa de la ubetense, siguen estando presentes en un disco en el que el pop más puro al que nos tenía acostumbrados da paso a un sonido más complejo, producto de la madurez de la artista y de la mano amiga del productor Matthew Twaites. —laura cánovas

ROCK / Si con el lanzamiento de Algo real (16) ya se hablaba de madurez en Kokoshca, El Mal es la consolidación de esa idea. Su nuevo disco supone un paso adelante desde la solidez y la ambición, con una inquietud sonora que se traduce a lo largo del álbum en una genial mezcla de géneros que va más allá del rock y la psicodelia. —guillermo chaparro

POP / The New Raemon entra en la segunda década de su carrera en solitario demostrando, una vez más, que sabe como nadie convertir la tristeza en belleza. En Una canción de cuna entre tempestades revisita el pasado y esconde letras que dan a pensar que para el músico ha habido un punto y aparte después de ser padre por tercera vez.—karen montero

Morgan

Los Nastys

Dorian

Hinds

Putochinomaricón

Intro Música Records

Lucky Number/Music As Usual

POP / Uno de sus discos más homogéneos y un trabajo que demuestra la capacidad que tienen para construir perlitas pop que lo son por sí mismas, más allá del evidente envoltorio electrónico que identifica a la banda. Es, además, el disco más serio, reflexivo e intenso de su carrera y en el que más reparten el peso compositivo. —don disturbios

POP / ¿Han crecido desde Leave Me Alone? La respuesta es claramente sí. Aquí están las tres mejores canciones que han grabado hasta ahora, The Club, Tester y Linda, tres cancionazas como la copa de un pino hábilmente trabajadas en desarrollos que no llegan a dejar que la frescura se quede en el local de ensayo.

ADROMICFMS 4

Lights

Air

Trópico Lumpen

Sorpresa familia

North Records

Música para el amor y la guerra El Volcán Música

ROCK / Air, el segundo larga duración de Morgan, es un recorrido a través de estilos que nacen del rock americano pero nos llevan por el folk, el soul, el R&B o el funk con paradas anecdóticas en la música disco. Es un disco vivo, orgánico, formado desde la experimentación y las ganas de jugar con las canciones en el estudio. —maría martín-consuegra

ROCK / Aquí uno de esos discos jugosos, diferentes, a exprimir tanto por fans incondicionales como por detractores y con sorpresa asegurada para ambos frentes. El viento sopla a favor de Los Nastys, que desbarran como siempre pero ahora con mayor credibilidad, alternando provocación y ganas de guerra con sensibilidad y pasión. —bruno corrales

#20 enero 2019

Astronauta

Justicia Universal

Multiverse

El Mal

I Don’t Run

—nacho serrano

Corazón de cerdo con gingseng al vapor Elefant POP ELECTRÓNICO / De algún modo, Chenta Tsai es el Astrud/ Hidrogenesse de la nueva generación. Un cruce maestro entre La Casa Azul, Danny L Harle y Hatsune Miku que se mueve entre el sarcasmo y el surrealismo reflejando quienes somos y, sobre todo, quienes queremos hacer creer a los demás que somos. —joan s. luna

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ALES DE 2018

Bad Gyal

Rufus T. Firefly

C. Tangana

Lisabö Eta edertasuna-

Wild Animals

Pure Records/Canada

LagoNaranja

Sony Music

ren lorratzetan biluztu ginen Bidehuts

POP / Bad Gyal da un paso de gigante: sonido de vanguardia, productores de bandera. Y un trasfondo de curro intenso. La catalana ha aprendido a ceder y a esperar, palabras de otra generación. El resultado: una mixtape –la segunda en tres años– disfrutable aquí y en Reykjavik. —yeray s. iborra

ROCK PSICODÉLICO / La flor de loto es un símbolo de pureza, y se puede decir que Rufus T. Firefly son de lo más puro que puebla nuestra música. Loto da cuenta de la efervescencia creativa de una banda que, estando de gira, dio de forma natural con una segunda parte al trabajo iniciado un año atrás, que marca el cierre de una etapa. —beatriz h. viloria

URBAN / Quizá el hilo conductor de este trabajo sea el desarrollo conceptual más interesante del año en lo que a la escena se refiere. Una consecuencia de lo que el madrileño nos planteaba en Ídolo (17) además de la muestra lírica y sonora de su lado más arty. En definitiva, la confirmación de sus orígenes y la actualización de estos. —manuel jubera

POST-HARDCORE / Lisergia e intensidad: las dos caras de Lisabö en su justa medida, que combinan a la perfección con las letras de un Martxel Mariskal en estado de gracia. Eta edertasunaren... muestra el capítulo más equilibrado en la discografía de Lisabö. Un tsunami de emociones donde, evidentemente, adquieren otro nivel. —xabier doncel

PUNK / El power trío vuelve a parir un disco redondo para los amantes del punk rock y el hardcore melódico y muestra de nuevo su gran capacidad para firmar temas pegadizos y a la vez removedores de conciencias, que pasan de las vivencias personales y las anécdotas de la carretera al veganismo o el enganche a los smartphones. —sofía cuevas

Rrucculla

Axolotes Mexicanos Salu2

Costa

Fino Oyonarte

Aliment

SHo͝oSH BIIPBIIP

Elefant

Grimey Music

Buenaventura

La Castanya

ELECTRÓNICA / La influencia de SOPHIE se deja notar como nunca en SHo͝oSH, el disco más redondo y brillante que ha firmado Izaskun hasta ahora. Sigue habiendo caos y sigue habiendo ecos de Arca, Aphex Twin, el free jazz o la escudería Brainfeeder, pero consigue hacer encajar toda esa sobredosis de estímulos y que parezca fácil. —darío garcía coto

POP / Un disco superproducido y puramente digital, con la tecnología al servicio de la creación: baterías perfectamente programadas, espídicas e inhumanas, a un tempo superior al del punk rock ramoniano, constituyen los cimientos de canciones que oscilan entre el nihilismo derrotista al estilo Punsetes y el desamor. —ángela álvarez

RAP / Musicalmente, el rap de Costa es un mazazo sonoro capaz de hacer sufrir al mejor de nuestros altavoces. Canciones como Lunático, Torre de Babel o Periquito dan fe de ello, de que el sonido de Costa mantiene e incluso mejora la potencia y el salvajismo de sus anteriores trabajos. —alfonso gil royo

POP / Frente al pasado conocido, este primer disco en solitario de Fino encaja más junto al sonido orquestado de La Buena Vida, el sosiego de AMA o los juegos de Vainica Doble. Arreglos de cuerda y armonías vocales asumen un papel determinante en unas canciones que se mueven con serenidad envolviendo letras de corte confesional. —enrique peñas

ROCK / Tres años después de su anterior trabajo, el trío gerundense Aliment reaparece con BROTHER, el mejor de sus tres discos, álbum en el que han virado hacia el post-punk más virulento y anguloso. Más oscuro y visceral, menos garaje y más post-punk. Ellos simplemente se consideran una banda de punk rock con matices. —oriol rodríguez

ToteKing

Za!

Natos y Waor

Baiuca

Süma

Sony

Gandula

Autoeditado

Raso

Mont Ventoux

POP / Tote es, seguramente, el rapero español que mejor ha sabido envejecer. En su noveno disco, Lebron, se respiran los noventa y el 2018 al mismo tiempo, es clásico y vanguardista a la vez, y aunque no encontremos esos clasicazos de otros discos no hay en este álbum una sola canción que no merezca la pena escuchar. —alfonso gil royo

ROCK EXPERIMENTAL / Armados con polirritmias, matemáticas y un auténtico caleidoscopio sonoro tan excitante como sorprendente, la enésima reencarnación de los catalanes se aleja aún más de los lenguajes musicales convencionales y puede recordar a los Trans Am más espesos o a unos Battles puestos de speed. —ricky lavado

RAP / Tras siete discos (sumando maquetas y material de Hijos de la Ruina) había que pedirles que le diesen una vuelta de tuerca a su rap y evitasen repetir la fórmula, y en Cicatrices lo han hecho. Es el mejor álbum y el más variado estilísticamente hablando de su carrera y el último paso de una evolución equilibrada e imparable. —alfonso gil royo

FOLK / Cuenta Alejandro Guillán que abandonar su Galicia natal y afincarse en Madrid despertó en él una sensación de morriña que de alguna manera necesitaba expresar. De ahí nace Solpor, nueve cortes en los que Guillán se atreve con esa aparente bizarrada que es juntar el folk gallego y la electrónica. Raíz y vanguardia. —guillermo chaparro

KRAUT-POP / La pérdida es el tema central sobre el que se articula el precioso segundo disco de esta banda plurinacional radicada en Barcelona y formada por un alemán, una escocesa, una finlandesa y un catalán, con el ex Manta Ray Frank Rudow al frente. Temas como Happiness, Words Unspoken o Pass remiten al mejor Brian Eno. —luis j. menéndez

Worldwide Angel

Lebron

Loto

Pachinko Flex

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Avida Dollars

Maldito

Cicatrices

Sueños y tormentas

Solpor

The Hoax

La Agonia/Pifia/B-Core

BROTHER

Noble Nature

enero 2019 #21

RESUMEN NACIONAL 2018 POR E RAP

METAL

Cada día un día más Top10

The Wizards Rise Of The Serpent High Roller Records

Vidres a la Sang Set de Sang Hecatombe Records/Discos Macarras

Balmog Vacvvm BlackSeed Productions

Cabestro ¿Crónica de sucesos? Abstract Emotions / Discos Macarras

Progresando adecuadamente

5 Hamlet Berlín Maldito 6

Grajo Slowgod II Underground Legends Records

Ataraxy Where All Hope Fades Dark Descent Records/Me Saco Un Ojo

Hitten Twist Of Fate High Roller Records

9 Traidor Holocausto cotidiano Discos Macarras

THE WIZARDS FOTO: ARCHIVO

10 VOR Depravador Odio Sonoro

#22 enero 2019

uién le iba a decir a estos dos gemelos granaínos hace cuatro años, cuando grabaron su primer videoclip, que iban a ser capaces de liderar el rap español en su debut discográfico. No muchos apostaban por ellos entonces, pero el disco de Ayax ha supuesto una grata sorpresa en la escena gracias a una fórmula que se mantiene fiel al rap más clásico, contentando a los más jóvenes y a los más viejunos. Es hip hop de toda la vida. Una propuesta diferente a la de Erik Urano y su rap vanguardista y futurista, que bebe del grime y la electrónica para demostrarnos que, ahora sí, nuestro hip hop ha sido capaz de apadrinar nuevos cánones. Como el trap de Young Beef, cada vez más respetado, y Costa, quien ha publicado junto a Ikki el mejor disco de su carrera. Aunque si hablamos de trayectorias extensas debemos quitarnos la gorra ante Tote King y SFDK, dos veteranos que ejemplifican que saber renovarse es imprescindible en la música. Y cierra nuestra lista Sticky MA, el rap frescuni de Bejo y, cómo no, Natos y Waor en el año de su gran consagración en la escena musical. Todos ellos, junto a otros emergentes como Fernando Costa y Hard Gz, demuestran que en el rap español se está asentando algo que ya demandábamos el año pasado: para crecer debe vivir de la diversidad. —alfonso gil royo

Top10 1

Ayax Cara y cruz ALBZ Records

Erik Urano Balaclava Flat Bits/Gamberros Pro

Yung Beef Adromicfms 4 La Vendición

Costa Maldito Grimey Music

ToteKing Lebron Sony Music

Natos y Waor Cicatrices Autoeditado

SFDK Redención BOA

Prok Rojo y negro ALBZ Records

Bejo Parafernalio Autoeditado

10 Sticky MA Las pegajosas aventuras de… Agorazein

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AYAX FOTO: ARCHIVO

o de The Wizards es algo de otra galaxia: tras un Full Moon In Scorpio que supuso su salto definitivo al tablero del metal estatal (y de más allá), los bilbaínos dan un paso de gigante con un Rise Of The Serpent en el que abrazan definitivamente el heavy metal de raíz ochentera –de Dio a Manowar– para edificar uno de los mejores discos del género surgidos por aquí en los últimos años. Orgullosos estamos, tras ocho años de inactividad, del regreso de los catalanes Vidres a la Sang, una de las propuestas extremas más serias del underground estatal. Set de Sang es un retorno por todo lo alto, una nueva sacudida de death metal brutal y majestuoso con la extraña cualidad de hacernos vibrar como pocas bandas consiguen. Tras ese dúo de piezas maestras que bien podrían protagonizar un empate técnico, encontramos otras no menos interesantes como la de los gallegos Balmog y su black/death metal que ya fue número dos de esta misma lista en el 2015; el grindcore devastador de Cabestro, con miembros y exmiembros de Vortice, Foscor y Moksha; el increíble último disco de Hamlet, más crudos y oscuros que nunca; el death metal sin aditivos de Ataraxy, el heavy metal clásico de Hitten; o el stoner doom espacial de Grajo y sus fluctuantes voces femeninas. Cerramos la lista con una doble ración de sludge metal: el de los valencianos Traidor y el del trío VOR, liderado por el ex batería de Moho. Lo mejor de todo es que podríamos ampliar la lista, empezando por Crisix y Angelus Apatrida, dos bandas que nunca fallan. —david sabaté y eduard tuset

ESTILOS HARDCORE-PUNK

Top10 1 Crim Pare Nostre que Esteu a l’Infern Tesla/ HFMN/Contra/Pirates3/B-Core 2

Wild Animals The Hoax La Agonia/Pifia/B-Core

Sudestada Yo soy el mar The Braves/Odio Sonoro

más nombres que nos lo han hecho pasar en grande esta temporada a base de hardcore, punk, punk pop, metalcore, post-hardcore, old school, skate punk… ya saben, un mundo de etiquetas. Así que no nos olvidamos del retorno de Sugus, de Rata Negra, Coherence, Típex, Antídoto, Worth It, Balloon Flights, LouisxArmstrong, Panellet, Desakato, Cigüeña, Trees Will Tell, Sierra Nevada, Fuerzas Libres del Interior y muchos más que no puedo citar por motivos de espacio. El año que viene, más. —joan s. luna

ELECTRÓNICA

a igual si el hardcore y el punk están poco o muy presentes en los medios o en la actualidad musical más admirada, lo realmente importante es que la máquina continúa en marcha y dotándonos de discos para el recuerdo. Sin ir más lejos, este año ha visto nacer dos obras que formarán parte ya de nuestro imaginario durante muchos años, los nuevos trabajos de Crim y Wild Animals, desde Tarragona y Madrid respectivamente. Como de costumbre, nos hemos tenido que quedar con una decena de títulos, todos ellos con motivos suficientes para ser escuchados repetidamente. Los firman desde los madrileños Sudestada y Nitropollo, hasta los catalanes Bellako, The Capaces o Ultra, pasando por los murcianos Neboas o los andaluces La URSS. Aunque hay muchísimos

4 Bellako Demonios Autoeditado 5

Viejos conocidos U

n repaso a los largos publicados a lo largo de 2018 supone un reencuentro con viejos conocidos de la escena electrónica, algunos auténticos referentes internacionales en su género como es el caso del incombustible Óscar Mulero, BSN Posse o Henry Saiz (ahora en formato trío y más cercano al sonido disco que nunca). El número uno de la lista es para otro artista que, aún sin el recorrido de aquellos, también ha hecho carrera lejos de nuestro país, concretamente en Berlín. Con Multiverse, publicado prácticamente en la bisagra entre el pasado 2017 y el presente 2018, Gamboa consigue cuadrar el círculo y encajar en un contexto de clubbing ácido once temas (álbum doble) de electrónica evocadora y espacial que supera su ya de por sí su notable debut Vibrations (14). En un territorio bastante cercano podemos situar lo nuevo de los madrileños Jus Kno’. Pero en la lista también nos encontramos con ejercicios singulares de electrónica analógica dignos de figurar en el catálogo de Ghost Box (Labyritmos de Diego García) y soberbios discos de IDM y ambient (Daniel Van Lion, Balago o Pepo Galán, acercándose éste último al neoclasicismo). Junto a estos diez discos destacar también que este ha sido un año rico en LPs, con trabajos notables como los de Territoire, Pure, Clara Brea, Telmo Trenor, Okkre (ex LCC), Eddy Romero, We Are Not Brothers, Guiro Meets Russia y tantos otros. —luis j. menéndez

Ultra Alta montaña La vida es un mus

10 Nitropollo What’s The Point Autoeditado

Henry Saiz & Band Human Natura Sonoris

3 Óscar Mulero Perfect Peace Semantica 4 Diego García Labyritmos Sonido Muchacho

7 Skygaze Freedom Autoeditado

Ioan Gamboa FOTO: BÁRBARA CAMEÁN

1 Ioan Gamboa Multiverse Madberlin

6 Daniel Van Lion Tropismes Menta

The Capaces Rawness Filferro/ El Beasto/Guerrilla Vinyl

8 Neboas Nieblas Autoeditado

Top10

5 Balago El demà Foehn

Habitar la mar La deriva The Braves Records

6 La Urss Nuevo testamento Humo 7

CRIM FOTO: ERIC ALTIMIS

Himnos contra el tiempo

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8 Jus Kno’ Redemption Autoeditado 9 BSN Posse Take Me To The South IJ012 10 Pepo Galán Strange Parentheses Archives

enero 2019 #23

RESUMEN 2018 POR ESTILOS AMERICANA-FOLK

2. “Lujo ibérico” Mala Rodríguez

DEAD BRONCO FOTO: GOMEZ SELVA

7 Izaki Gardeak Dena Oskol Erraia

1. “Little Heart...” The Sunday Drivers 2. “Rock For Food” The Unfinished Sympathy

2. “Hostal Pimodán” Lori Meyers 3. “El fuego amigo” Sr.Chinarro

9 Arizona Baby Sonora Subterfuge

2. “Into The Plateau” Delorean

10 Paul Zinnard & The Tropic Songs For A Better Past Two Man Records

1. “Cuentos chinos...” Love Of Lesbian

1. “Vivalaguerra” Standstill 3. “De mi sangre...” El Columpio Asesino

2. “Triángulo de amor bizarro” T.A.B. 3. “La luz de la mañana” Facto Delafé...

2. “La Gallina” El Columpio Asesino

3. “Un día en el mundo” Vetusta Morla 1. “Romancero” La Bien Querida 2. “La dimension...” The New Raemon

La Pegatina Ahora o nunca Warner Music

Rocío Márquez Diálogos de viejos y nuevos sones Gran Sol

El Canijo de Jerez Manual de jaleo El Volcán

3. “La ciudad subterránea” Dorian

4 Javier Ruibal Paraísos mejores Karonte

LA PEGATINA FOTO: IBAI

5 Coetus De banda a banda Satélite K

1. “Pop negro” El Gunicho 2. “Subiza” Delorean 3. “Adelante Bonaparte” Standstill 1. “Diamantes” El Columpio Asesino 2. “10 milles per veure...” Manel 3. “The Orinal Soundtrack” Bigott 1. “De palmas y cacería” Pony Bravo 2. “León Benavente” León Benavente 3. “Victoria mística” T.A.B. 1. “Resituación” Nacho Vegas

6 El Naan La danza de las semillas Autoeditado

2. “Centro Dramático Nacional” Biznaga

7 Colectivo Panamera Colectivo Panamera Panatropica

1. “IV” Toundra

8 Rosario La Tremendita Delirium Tremens Universal Music 9 Mercedes Peón Deixaas Altafonte 10 Maruja Limón Más de ti Kasba

2003 2004

3. “Música Para Enfermos” Tote King 1. “Todo el mundo...” Sólo Los Solo

Top10

2005

3. “Álbum” La Buena Vida

1. “Cronolánea” Lori Meyers

Algo está pasando

#24 enero 2019

2. “Shell Kids” Sidonie

8 The Soul Jacket Plastic Jail Autoeditado

WORLD MUSIC

irtud o defecto juntar mestizaje, músicas tradicionales o flamenco (heterodoxo), por nombrar tres géneros? No se preocupen, como cada año la mezcla de estilos es considerable, pero todo es disfrutable y en múltiples aspectos. Empezando por La Pegatina, maestros en esas combinaciones y más si en la producción está el experto Rafa Arcaute. Y continuando con más mezclas, en este caso de música antigua y flamenco: ahí Rocío Márquez derrocha naturalidad, valentía y pasión. En otra acepción de naturalidad, tenemos la rumba callejera y flamenca de El Canijo, que lleva la alegría en su música. Palabras mayores para la más que notable nueva obra del poeta y músico gaditano Javier Ruibal. Otras obras enormes basadas en la riqueza del patrimonio musical folklórico de la península son las de Coetus y de El Naan, un disfrute ambas. Lo mismo que el debut del Colectivo Panamera. Y siguiendo esa corriente contemporánea del flamenco libre, Rosario La Tremendita. Libre y aventurera también la propuesta de Mercedes Peón. Y atención al estreno de Maruja Limón, fiesta y compromiso femenino. Hay mucho entre lo que elegir. —miguel amorós

The Unfinished Sympathy

3. “Sangrín” Pablo Und Destruktion

2. “Voces del extremo” Niño de Elche 3. “Premeditación...” La Bien Querida 1. ”Salve discordia” T.A.B. 2. “Movimientos” Juventud Juché 3. “Me mata si...” Quique González

2006

6 Fernando Rubio Cheap Chinese Guitar Perdición

1. “An Investment...”

2007

Marem Ladson Marem Landson Mont Ventoux

3. “La paz está...” El Hombre Burbuja

2008

2. “Barí” Ojos De Brujo

2009

4 Th’ Booty Hunters Speaking Of The Devil Stash Records

1. “Memories collector” Standstill

2010

Marta Delmont Landlords Great Canyon Records

3. “Hallelujah” La Buena Vida

2011

2. “Erm” Balago

2012

Pájaro Gran Poder Happy Place Records

2013

/ “The Ionic Spell” Standstill

2014

cuadros con la madurez que están alcanzando bandas ya veteranas como Dead Bronco que, una vez más, lo han bordado con su bluegrass acelerado y tosco o con un Pájaro que sigue agrandando su leyenda. También las voces femeninas han dejado huella y nos ha sorprendido la solidez de Marta Delmont, pese a ser su segundo álbum, y el paso firme de una debutante como Marem Landson. Tras ellas, grandes propuestas de género diverso y otras que han sido tenidas en cuenta pese a quedar fuera de la lista como las de James Room & Weir Antiqua, Travellin’ Brothers, Aitor Ochoa & Mad Mule, The Northaguirres, Laredo, Edu Errea… y un largo etcétera. —don disturbios

1. “Gran Fuerza” Astrud

2015

1 Dead Bronco Driven By Frustation Autoeditado

2002

3. “Arde” Migala

2016

no de los mayores retos a los que se debe enfrentar una banda que se mueva dentro del amplio paraguas de las músicas de raíz norteamericana, es que su propuesta no suene a copia descafeinada de nada ni de nadie. Por eso nos da una alegría inmensa ver el disco de Los Hermanos Cubero tan alto en nuestro Top Nacional, pese a que las circunstancian que lo rodean sean tan tristes. También es un placer ver los nombres de Nat Simons o Morgan y, de hecho, su inclusión en esa lista de carácter más general, los ha excluido de salir en esta otra más especializada y evitar la reiteración. Aquí, sin embargo, nos hemos quedado a

Top10

Los Planetas

1. “45 cerebros y 1 corazón” Maria Arnal & Marcel Bagés 2. “Predación” Pablo Und Destruktion 3. “Hipi hapa vacilanduki” Bejo

2017

En otras tierras

1. “Unidad de desplazamiento”

2001

Fueron MEJORES

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Jean-Michel Jarre Rabia contra la máquina Guiños al italodisco, a la new age y a la Radiophonic Workshop conviven en Equinoxe Infinity (Columbia/Sony, 18), el decimonoveno álbum de estudio de Jean-Michel Jarre. Un disco que carga a modo de manifiesto neoludita contra la supremacía tecnológica y sus posibles consecuencias.

TAN. LEJOS.

n los años setenta, el matemático y ecoterrorista Theodore Kaczynski, más conocido como Unabomber, ya alertó a la sociedad de la amenaza que suponía seguir avanzando en la tecnología para una sociedad poco preparada. Aunque a primera vista pueda sorprender, la incertidumbre ante un futuro dominado por máquinas conforma la columna vertebral del nuevo trabajo del productor galo Jean-Michel Jarre. “La idea de este álbum surge a partir de la portada de mi disco Equinoxe (1978) creada por Michel Granger, intrigado por esas criaturas que nos observan. Me pregunté, ¿qué representan cuarenta años después? Veo cierto paralelismo entre estos seres acechantes y nuestra relación con la tecnología. Durante el tiempo que pasamos pegados a nuestros móviles, los dispositivos no están espiando, estudiando y gestionando nuestra vida privada, ofreciéndonos productos que comprar, sitios a los que ir, etcétera. La evolución de la inteligencia artificial hará que un día sean ellos los que estén

RR La localidad francesa de Clermont-Ferrand acogerá del 28 de junio al 1 de julio el Europavox, festival de referencia en el viejo continente en lo que a talentos emergentes se refiere. El cartel sigue la línea de años anteriores, con mucha presencia de rap, de música francófona y nombres anglosajones de mayor tamaño: Franz Ferdinand, Morcheeba, MHD, Roméo Elvis, Jeanne Added y Eddy de Pretto están entre los más destacados. RR Pete Shelley, guitarra y cantante de Buzzcocks, ha muerto a la edad de sesenta y

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

tres años. Con él se va una parte importante de la historia del punk rock, escena de la que formó parte desde que Buzzcocks iniciaron su trayectoria en 1976, abriendo para Sex Pistols, en su ciudad natal, Manchester. Buzzcocks han sido y son uno de los grupos de referencia de la cara más pop del punk rock gracias a toneladas de hits que continuaban interpretando sobre los escenarios. RR Hace unos días conocíamos la noticia del fallecimiento de Angelo “Sigaro” Conti, vocalista y guitarrista de los italianos

#26 enero 2019

RR La BBC ha dado a conocer su lista de nominados al BBC Sound Of 2019, compuesta por diez nombres que no debemos perder de vista el año que viene. La lista la encabeza Rosalía, la primera española nominada en la historia del

“Mi barrera con el gran público es mi voz, soy consciente de ello”

FOTO: PABLO ZAPATA

Joe Crepúsculo Diez años de hits Joe Crepúsculo celebra los diez años de la salida de su primera referencia oficial con un recopilatorio atípico. 10 (Ópalo Negro/El Volcán, 18) es un disco doble que combina sus temas más populares con otros de culto, una selección cuidada y personal que deja claro el poder y la valía de un cancionero único e intransferible.

Banda Bassotti. Era uno de los miembros originales de la banda, fundada en 1981 por varios trabajadores de la construcción en la periferia de Roma, y suya, en parte, fue la culpa de que se convirtieran en una de las bandas de referencia del ska-punk europeo.

on diez años y diez discos, una cifra tan exacta y bonita, que era el momento justo de hacerlo. Es guay tener una carta de presentación como 10: esto es lo que hago y si quieres conocer mi música esta es”, comenta Joël Iriarte en una conversación que tiene lugar en una terraza del Born de Barcelona. El ejercicio de echar la vista atrás para dar forma a 10 le ha servido a Iriarte para descubrir una cosa: “el discurso de mis ocho discos es muy férreo. Me he dado cuenta al volverlos a escuchar. De Gabriela a Pisciburguer hay un hilo”. El músico catalán, que durante la entrevista confiesa que Toda esta energía –incluida originalmente en Chill Out-, es la canción más bonita que ha hecho, hace un balance positivo de estos últimos diez años de carrera. “Me han permitido viajar muchísimo, conocer a un montón de gente, vivir de la música y tener un público fiel. Todo eso con un proyecto extraño que se sale de lo normal”. Y siguiendo con los balances, ¿se atreve el de Sant

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galardón, y va del rap y el grime de Octavian, Flohio y slowthai hasta el indie con proyección festivalera de Sea Girls, pasando por el r&b de Ella Mai y Mahalia, el pop de Grace Carter y King Princess y el folk pop del cantante irlandés Dermot Kennedy. RR El rapero estadounidense Ty Dolla $ing, que ha firmado un 2018 para enmarcar gracias a un sinfín de colaboraciones con Kanye West, Vince Staples, Beyonce, Jay-Z, Drake o Nicki Minaj, se enfrenta a una condena por posesión de drogas que puede llegar a los quince años de cárcel. Fue arrestado en septiembre en Atlanta, donde la legislación de narcóticos es especialmente dura.—MS

Joan Despí a repasar brevemente su carrera disco a disco? “Sí. Escuela de zebras es un álbum que está hecho con un órgano de iglesia de madera, todos los sonidos, bajos y demás los saqué de ahí. De Supercrepus remarcaría el sitio donde lo hice, en la calle Hospital número 36 de Barcelona y en un cuarto pequeñito pero con mucha luz. La imagen que tengo de Chill Out es la de estar con Sergio (Pérez de Svper) mezclándolo en su piso del barrio gótico de Barcelona cerca del Sidecar. Con Nuevo ritmo me viene a la cabeza la gente que participó ahí: Jordi Irizar, Jens Neumaier o El Guincho y conseguir algo muy orgánico. El caldero es un disco que vuelve un poco a mis principios, pero sin hacerlo de verdad. Es un álbum impregnado de oscuridad, porque lo hice en mi piso de la calle Manso de Barcelona, un principal en el que había un cuarto con poca luz natural que me obligaba a encender la luz artificial por la mañana. Baile de magos me trae a la cabeza Mallorca y estar paseando por Palma mientras

pensaba en como limar las canciones. Tiene esa cosa balear, con esa luz tan distinta. Nuevos misterios está grabado en Madrid después de haberme mudado ahí y empezar de cero. Es un disco que tiene mucho del cielo de Madrid, ese cielo azul y potente que es una de las cosas más bonitas de la ciudad. Es demasiado reciente para decir algo sobre Disco Duro, pero es un álbum en el que hay desgarro y que puede doler. Es como unas pinzas que te agarran y te sacan la piel. Y se habla mucho de animales. Quiero hablar del ser humano y la mejor manera de hacerlo es definirlos a través de animales”. —xavi sánchez pons

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como todo, cuando hablamos de futuro, a veces no nos queda otra que bajar la guardia y sacar provecho de la situación actual. “La tecnología nos ha brindado a los músicos un sinfín de posibilidades. Lo ideal es saber llegar a un buen equilibro entre lo analógico y lo digital. Al menos es lo que yo intento”. Asegura que uno de sus “juguetes” favoritos sigue siendo el sintetizador granular G1, del que se sirvió en If The Wind Could Speak. No es la primera vez que el único hombre en tocar una ópera en las pirámides de Egipto hace alusión a esta temática. “Desde Oxygene (1976) he intentado trazar una especie de puente entre la naturaleza y la tecnología. Solo conseguiremos sobrevivir si logramos dar con la fórmula de hacer convivir ambas de un modo inteligente. Actualmente, ya no es una idea sino una realidad que nos acecha”. —dani mesa

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Mow Mujer La madrileña ha publicado Woman (Subterfuge, 18), primer álbum tras el éxito viral en el que se ha convertido su canción Grasiah. Charlamos con esta artista sobre liderazgo y determinación.

l respeto lo valoro muchísimo. Los músicos con los que estoy ahora me dicen ‘sabemos que Mow eres tú’. Es una diferencia total con respecto a lo que pasaba antes, que era todo lo contrario. Yo no me había dado cuenta hasta que lo he cambiado. Estaba horrorizada pensando que no iba a encontrar a nadie. Y a la semana ya tenía banda”. Lo cuenta Mow, el personaje bajo el que opera Gabriela Casero: una veinteañera que reconoce que gracias al nuevo grupo que le acompaña en directo, hacer música se ha convertido en algo más fácil de lo que lo estaba siendo en los últimos tiempos. Casero empezó en la música para seducir al tipo de su instituto que le gustaba. Tras fracasar en el plan de conquista, lo que permaneció fue la música: una personalísima visión pop en la que lo etéreo y lo melancólico se han juntado para ser la pareja perfecta en su primer álbum, Woman, que presentará el próximo 19 de febrero de 2019 en Siroco (Madrid). Llegar hasta aquí le ha costado varios singles –entre los que se encuentran el viral Grasiah– y tener que poner los puntos sobre las íes. “Yo tocaba con Solo Astra. Hubo un poco de lío sobre quién era Mow: si era yo, si éramos todos… Aunque eran mi banda de directo ellos participaban en las grabaciones y entre todos sacábamos las cosas. Por más que yo lo decía en las entrevistas, ellos no estaban de acuerdo con eso. Vinimos a hablarlo a la

FOTO: ARCHIVO

“Durante el tiempo que pasamos pegados a nuestros móviles, los dispositivos no están espiando, estudiando y gestionando nuestra vida privada”

al mando”, cuenta Jarre. Tras ocho años de silencio, Jarre volvió a los focos de la escena internacional en 2015 con su trabajo Electronica 1: The Time Machine, el primero de dos discos de colaboraciones con artistas de cuatro generaciones diferentes (desde Tangerine Dream a Gesaffelstein, pasando por Fuck Buttons, Moby, Air, Gary Numan, Hans Zimmer, M83, Armin van Buuren o John Carpenter). “Antes de ese disco había pasado por unos años muy oscuros en los que me sentía incapaz de avanzar en la parte creativa. Aquel álbum de colaboraciones fue como una terapia para mí, algo así como un viaje iniciático. Los músicos con los que trabajé me devolvieron las ganas de seguir con mi vida como músico”. Pasar “más tiempo rodeado entre máquinas en el estudio que de seres humanos” le ha llevado a divagar muchas veces sobre si un día estas “serán capaces de expresar emociones como la nostalgia”, una idea que queda plasmada en el corte Robots Don’t Cry. Pero

discográfica. A ellos, a la vez, les surgió tocar con Cupido, el proyecto de Pimp Flaco. Me da rabia porque lo que hicieron, literalmente, es marcharse de Mow para ir a tocar con Cupido”, comenta la madrileña. A pesar de hablar claro, no entra en detalles. Pero aclara la situación ante la pregunta de si a la banda Solo Astra le costaba respetar y acatar las órdenes de una mujer. “No les gustaba que les tuviera que mandar... Era un rollo total”. Gracias a esta ruptura musical, Mow decidió avanzar en su música y comenzar a tocar lo que antes manejaban otros. “Estoy esperando un teclado y una máquina para lanzar samplers. Ya me he hartado de estar explicándole a los demás cómo quiero que suenen las cosas”. —maría ballesteros

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enero 2019 #27

UNDERWORLD FOTO: archivo

MONDO FREAKO

Aliment La pérdida Nos dieron una santa hostia con su álbum de debut, Holy Slap (12) y se confirmaron con Silverback (15). Tres años después de su anterior trabajo, el trío gerundense Aliment reaparece con BROTHER (La Castanya, 18), el mejor de sus tres discos, y en el que han virado hacia el post-punk más virulento y anguloso.

Primavera Sound

THE STROKES FOTO: ARCHIVO

El barcelonés Primavera Sound (30 de mayo al 1 de junio) ha dado a conocer el cartel de su próxima edición, que se caracteriza por apostar más que nunca por nuevas sonoridades y por el gran número de mujeres que participarán (hasta el 51 % de los nombres). Así, podremos disfrutar con propuestas tan diversas como las de Future, J. Balvin, Rosalia, Erykah Badu, Janelle Monae, Solange, Modeselektor, Kali Uchis, Robyn, Pusha T, Nina Kraviz, Kate Tempest, Cardi B, Christine & The Queens, etcétera. Pero el público más indie también se verá representado gracias a nombres como los de Mac DeMarco, Built To Spill, Interpol, Primal Scream, Guided By Voices, Stephen Malkmus, Big Red Machine, Deerhunter o Jarvis Cocker.—MS www.primaverasound.com

Bilbao BBK Live El Bilbao BBK Live ha dado a conocer buena parte del cartel de su próxima edición. De momento más presencia del rap contemporáneo (Vince Staples, Brockhampton o Princess Nokia), distintos palos de electrónica (The Blaze, Nils Frahm, Nicola Cruz, Hot Chip, Omar Souleyman, Yaeji o Kero Kero Bonito) y varios grandes nombres del indie anglosajón. Entre estos últimos están The Strokes, que han anunciado su gira de regreso. Destacan también Suede, Thom Yorke, The Voidz (habrá doblete de Casablancas), Idles, Sleaford Mods, Shame, Slaves y en el plano nacional Vetusta Morla, Cala Vento, Pony Bravo o Rosalía, que de momento solo presentará El mal querer en festivales. Apunten fechas: 11, 12 y 13 de julio. —MS www.bilbaobbklive.es #28 enero 2019

claro que queríamos que las canciones fluyeran sin limitaciones”. Lo que es evidente es que BROTHER suena más oscuro y visceral que sus dos anteriores discos. Menos garaje y más post-punk. Ellos, sin embargo, se consideran simplemente una banda de punk rock con matices. “Cada disco que hemos hecho apunta más hacia un lado u otro y siempre hemos ido tocando varios palos”, indica Eduard. “Sí que es verdad que durante la creación de este disco nos hemos empapado bastante de post-punk, pero no nos consideramos una banda del género, así, de repente. Ni mucho menos. De hecho, los tres, antes de montar Aliment, teníamos una banda de hardcore screamo que en cierto modo es posible que también haya rebrotado en este disco”. BROTHER, así, en mayúsculas, como les gusta escribirlo a ellos, puede recordaros a Metz o Idles, bandas, sin embargo, que aseguran que no figuran entre sus favoritas. “Durante la creación del disco hemos estado escuchando mucho a bandas de sellos como Static Shock y Katorga Works, mucha electrónica, reggae... Siempre hemos sido muy eclécticos con los gustos musicales. Ahora mismo un disco que nos ha vuelto muy locos es Leisure de Marbled Eye”.

Doctor Music Festival Por fin se ha dado a conocer un buen puñado de nombres que formarán parte del cartel de la Reincarnation Edition del festival catalán Doctor Music Festival (11 a 14 de julio en Escalarre, Lleida). Siguiendo su filosofía original, el festival combina todo tipo de géneros, desde el pop hasta el metal pasando por la electrónica o el progresivo. Entre los nombres difundidos están The Smashing Pumpkins, The Strokes, Rosalía, The Prodigy, Richie Hawtin, Greta Van Fleet, Parov Stelar, Viva Suecia, The Good The Bad And The Queen, Els Catarres, Sopa de Cabra o artistas de metal como Sabaton, Opeth, Tesseract, entre muchos otros. Destacan también The Bizarre World Of Frank Zappa (show en holograma, por primera vez en España) y los tres conciertos consecutivos que ofrecerán Underworld y King Crimsom. Para informarte sobre abonos, entradas, camping, etcétera. —MS www.doctormusicfestival.com

berri txarrak FOTO: archivo

reguntar por el título de un disco siempre tiene ese algo como de idiota, como de periodista desinformado que no tiene nada más interesante por lo que preguntar. En el caso de BROTHER, el tercer disco de Aliment, nos puede descubrir gran parte de la esencia de la obra. “En uno de los puntos donde más nos atascamos fue precisamente el de escoger el título”, confiesa Eduard Bujalance, guitarrista y cantante de este trío de Girona que completan el batería Pol Huedo y el bajista Ignasi Reixach. “Teníamos claro que no queríamos que fuera el título de una canción del disco. Sin embargo, teníamos varias opciones y no nos decidíamos”. Tal y como nos explica, todo se precipitó cuando recibieron la desgraciada noticia de la muerte de un muy buen amigo suyo. “Habíamos perdido dos amigos muy próximos en tan solo seis meses. Eso nos invadió de rabia y de amor. Aquellos días estuvimos todos los amigos juntos viviendo momentos muy intensos. Creímos que BROTHER, como concepto, englobaba bastante bien aquella mezcla de sentimientos: rabia, amor, consternación, fraternidad... Después de unos días de reposo, vimos claro que este título encajaba tanto con lo que habíamos vivido como con lo que desprendían los temas del disco”. “Esta vez, las canciones las hemos compuesto en el local, a partir de riffs más o menos improvisados de bajo y guitarra. Teníamos

—oriol rodríguez

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nciones “Queríamos que las ca es” fluyeran sin limitacion

Sonorama Ribera Aranda de Duero, en Burgos, volverá a ser la capital del indie, el pop y el rock nacionales durante cinco días del próximo mes de agosto (del 7 al 11 para ser exactos). Hasta el momento se han confirmado una buena colección de nombres. Podremos ver en concierto a Berri Txarrak –en su gira de despedida–, Love Of Lesbian, Miss Caffeina, Morgan, Shinova, Toteking –con banda sorpresa–, Carlos Sadness, Grises, Zahara, Varry Brava, Kitai, Rulo y la Contrabanda, Tarque y muchos más. Recuerda que las entradas y los abonos ya están a la venta. A propósito, el festival está nominado a cinco premios Iberian Music Awards.—MS www.sonorama-aranda.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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Estrella de Levante recomienda el consumo responsable.

Pavvla Barcelona (31 enero, El Molino; Festival Millenni) Madrid (14 febrero, Sala 0; SON EG)

Paula Jornet, más conocida como Pavvla, tiene nuevo disco. None Of The Above (Luup, 18) supone un paso muy firme en su ascenso y, aunque suene a tópico, en la madurez de su sonido.

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#30 enero 2019

FOTO: ARCHIVO

AgeNda. Enero.

avvla sonríe mientras piensa la respuesta a una de nuestras preguntas. Los últimos rayos de sol del verano se cuelan entre los edificios con una ligereza fantasmal, como alguna de las canciones que componen None Of The Above, el disco de confirmación de la artista catalana. Un trabajo distinto a su debut, Creatures (Luup, 16), mucho más ingenuo y nostálgico, y que aparece unos pocos meses después de que nos descubriera algunas demos desnudas en Homemade Stuff (18). “Este nuevo disco lo hemos producido entre tres: Aleix Iglesias, que es el productor, Pau el teclista y yo. Es el resultado de haber escuchado muchísimas cosas

Zahara “‘Astronauta’ es un disco que habla sobre el cambio vital” Madrid (18 enero, La Riviera) Zaragoza (25 enero, Las Armas) Barcelona (26 enero, XX Festival Mil·lenni) Granada (1 febrero, Industrial Copera) Málaga (2 febrero, La Trinchera) Donostia (9 febrero, Bataplan)

Zahara acaba de publicar Astronauta (G.O.Z.Z., 18), un disco en el que explora un universo temático y de sonido un tanto distinto al que habíamos conocido hasta ahora.

oco antes de la firma de discos en Barcelona, Zahara cuenta que ha estado componiendo las canciones de Astronauta desde que empezó la gira de Santa (G.O.Z.Z., 15) hasta una semana antes de dar a luz. “Había una intención de continuar con lo que había, porque para mí Santa fue muy determinante en cuanto a encontrar un sonido con el que sentirme a gusto. La libertad discográfica que tuve con Santa me permitió más y me pareció natural continuar por ahí. Y luego, yo sigo siendo una persona muy parecida, tres años más tarde, nueva música, distintas influencias, pero al final como que está todo en el mismo lugar, en el mismo bloque”. La maternidad también ha marcado este disco: la temática del astronauta y del universo deriva directamente de su embarazo. “Cuando le comuniqué a mi pandilla que estaba embarazada, una de mis mejores amigas le llamó ‘astronauta’ y ahí empecé a crear la canción que se llamaría igual y que fue una de las primeras ideas del disco. Cuando ya nació mi hijo, durante los primeros meses, ese momento de

transición cuando empiezas a asimilar que eres madre y lo que supone ese cambio de vida, me imaginé a mí misma como un astronauta que deja la vida como la conoce y va en busca de planetas”. Aun así, “no es un disco solo para padres y madres”, aclara. “Es un disco que habla sobre el cambio vital. En mi caso, la maternidad, pero no solo de eso”. La cara intergaláctica del disco no se transmite solamente en las letras, sino que se ha plasmado con mucho arte en el diseño del disco. “Contar con Emilio Lorente fue fundamental. Hemos pasado muchos meses de charlas, pensado cómo se llamaría el astronauta, cómo serían los planetas, el look… Yo no quería que fuera un contenido estético solamente. Con lo que Emilio me ha forzado a ser mucho más imaginativa, a desarrollar muchas más cosas de las que tenía en un principio”. Grabar el disco en Inglaterra, explica, también fue toda una aventura. “Era mucho riesgo, irme yo sola y jugármelo todo a una carta. Pero lo hice porque, primero, tenía ganas de experimentarlo, y segundo, las charlas previas con Matthew Twaites me dejaron bastante tranquila sobre cómo quería dirigir todo este proyecto. La verdad es que, una vez allí, fue maravilloso poder grabar en un estudio residencia. Daba cierta tranquilidad”.

—laura cánovas

FOTO: NOEMÍ ELÍAS

MONDO FREAKO

y de querer una sonoridad más dura”, contesta la artista. None Of The Above contiene ecos de Lorde, pero también de Drake y beats inspirados en Kanye West, mientras se despide de la ensoñación acústica de Daughter. En este nuevo trabajo, no únicamente han variado las influencias musicales, sino también las experiencias vitales que han inspirado y dado forma al contenido. “Me he hecho un poquito más mayor -cuenta entre risas Pavvla-, no mayor del todo pero sí un poco más”. None Of The Above no se concibe solo como un álbum, sino más como un espectáculo. “La primera gira nos cogió por sorpresa... Pero ahora tenemos un equipo maravilloso y quiero teatralizar los directos, ya que es la otra gran pasión de mi vida”.

—marta terrasa

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Madrid (2 febrero, La Riviera) Bilbao (16 febrero, Santana 27) Elche (5-6 abril, Elche Music Festival) Benicàssim (18-20 abril, San San Festival) Barcelona (26 abril, Festival Mil·lenni)

“He sobrevivido a este disco” FOTO: ARCHIVO

Madrid (25 enero, Inverfest, Circo Price), Valencia (1 febrero, Repvblicca), Barcelona (2 febrero, Festival Mil·lenni; Razzmatazz), Granada (15 febrero, Industrial Copera), Málaga (16 febrero, La Trinchera), Zaragoza (22 febrero, Las Armas), Bilbao (23 febrero, Stage Live)

A pesar de contar con una década de trayectoria, el fenómeno Shinova debe su irrupción a los recientes Ana y el artista temerario (15) y, en especial, a ese Volver (16) que les ha tenido durante dos años girando sin parar. La hora de la verdad llega ahora con Cartas de navegación (Warner Music, 18).

El cantante y rapero madrileño Rayden presenta Sinónimo (Warner Music, 2019), el segundo capítulo de su trilogía, con el que continúa la búsqueda de su equilibrio musical y personal.

uizás este disco sea el más ambicioso porque me he encargado de la música y de la letra al completo, cosa que no me había atrevido hasta ahora por no verme preparado”. Un auténtico reto para Rayden, ya que “desde las primeras maquetas nunca había vuelto a recaer sobre mí el peso total de la producción”. El de Alcalá presenta Sinónimo, la segunda parte de su trilogía, un álbum en el que ha puesto una especial dedicación. “Es el primero en el que ha sufrido mi salud mental y física. Me ha destrozado por dentro generándome ataques de ansiedad y despertando mi cefalea crónica. Puedo decir que he sobrevivido a este disco”. Mucho esfuerzo invertido en un trabajo que supone un paso más en el camino que le está llevando a buscar su propia identidad, aunque eso suponga alejarse de los sonidos más puristas del rap y acercarse a otros estilos como el rock o el pop. ¿Dónde o en qué acabará esta transformación de Rayden? “Cada tema que hago es un mundo, por lo que no te puedo decir hacia dónde está evolucionando mi música, porque no pierdo el tiempo en intentar acotarla. Cuando alguien escucha una canción mía a los pocos segundos dice: ‘Esto es Rayden, ¿no?’. Y me quedo con eso, con tener un sonido característico sea más popular o no”.

Para esta labor de encontrar su sitio en la música, Rayden ha contado con otros productores como Pablo Pulido, Sergio Salvi (Delaporte), Amaro Ferreiro, Devakuo o Víctor Cabezuelo (Rufus T Firefly) y ha podido “grabar por primera vez en estudio con los músicos de mi banda”. Pero no acaba ahí el elenco de ilustres colaboradores de Sinónimo, ya que otros nombres como Bely Basarte, Iván Ferreiro, Andrés Suarez, Rufus T Firefly y Pablo López también han tenido protagonismo en esta aventura. Entre todos han ayudado a que Rayden haya publicado “su mejor obra hasta la fecha”, y sin colaborar apenas con músicos de la escena del hip hop. “Lo que sí que me excita es saber que ciertos “compañeros” de profesión me ponen a parir de backstage para dentro y luego son los mismos que si entran en un festival multiestilo es porque en la edición anterior fuimos nosotros y reventamos el escenario (risas). Me gusta hacer de puente aunque me pisen por ello”. Un paso más en la carrera evolutiva de un artista cuya meta es seguir avanzado. “Lo que me preocuparía es no evolucionar ni crecer musicalmente por miedo a perder público”. Y sobre todo sin descuidar el mensaje. “La peor censura que puede haber es la propia autocensura. Me entristece ver como grandes músicos y cantantes reconocidos se muestran insensibles a lo que ocurre, como si fuesen ajenos a la realidad de este país. Si te das cuenta siempre van a por raperos con poca repercusión y… no sé, en Habla bajito he dicho con elegancia que el único Borbón bueno es el asesinado y a mí nadie me ha dicho ni acusado de nada, por lo que preocupado estoy poco, la verdad”. —alfonso gil royo

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s su trabajo más ambicioso hasta la fecha y con el que pretenden asentar una propuesta que ya ha agotado las principales salas y ha copado los escenarios de casi todos los festivales. Hablamos con Gabriel de la Rosa, vocalista y letrista de la banda, acerca de las expectativas generadas por un álbum que marcará el futuro de este quinteto vizcaíno. —¿Cómo ha sido grabar Cartas de navegación sin parar de girar? Este disco ha sido muy especial, cañero y sobre todo medicinal. La principal virtud y el principal escollo ha sido estar girando. Muchas veces las letras no llegan cuando uno quiere y hay que trabajar por si la musa aparece. Ha habido momentos más espesos, pero también hemos tenido la suerte de trabajar mucho en la carretera. En los ensayos y durante la gira nos estaban saliendo cosas muy chulas, y hemos aprovechado esos espacios libres para seguir creando música. —Da la sensación que Shinova tiene ya un sello y un sonido propio muy característico…

Queremos pensar que tenemos una personalidad propia, sí. Cartas de navegación es una representación o retrato perfecto de lo que es la banda en este momento. Creo que en eso sí lo hemos conseguido, pero no le damos muchas vueltas. Llevamos mucho tiempo tocando juntos, sabemos qué canciones nos llegan al pecho, y salen de forma natural. Esto es como un futbolista que tiene su estilo y su manera de jugar, y ya lo hace así siempre. —Hablando del directo, ¿por qué habéis pospuesto tanto el inicio de la gira? Queríamos que el disco respirara, que la gente escuchara el disco y cogiera aire. Cuando sacas un álbum empiezas a tocar y a variar el repertorio según lo que la gente te pide. Que la gira se inicie en febrero nos ha dado la oportunidad de ir modulando el repertorio gracias a lo que nos va diciendo el público en los acústicos que hemos hecho ya. Hay canciones que piensas claramente que van a funcionar solo para el disco y el público te sorprende coreándolas en directo. Estamos armando un setlist siendo conscientes de lo que quiere nuestro público. No tenemos ninguna prisa porque, realmente, no vamos a parar de tocar. —Después de reventar la Joy Eslava, los festivales...queda Latinoamérica. ¿Con este disco creéis que se puede cumplir el sueño? Creemos que sí. Tenemos ganas y muchos compañeros que nos cuentan cómo se está moviendo la escena allí. Es algo apasionante que queremos vivir. Con este disco es muy probable que vayamos para Latinoamérica. Ojalá sea así. —alberto bonilla

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Rayden

Shinova

enero 2019 #31

33/Mondo VINILOS

Sex Museum

Nach

Almanauta Universal

Musseexum El Segell del Primavera

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The 1975: pop millennial The 1975

A Brief Inquiry Into Online Relationships Universal

7 POP / Si estamos de acuerdo en que Joy Di-

vision en 2018 son apenas una excusa para vender camisetas en Zara, no debería extrañar que Give Yourself A Try se apropie, en resultón remedo sintético, del riff de guitarra de Disorder. Matt Healy es la misma pop star cándida y honesta que cuenta a Paul Buchanan y Peter Hook entre sus fieles seguidores. En cualquier caso, en su credo el déficit de atención sigue siendo la norma: si lo que pretendían es reflejar la confusión de esta era hiperconectada (agárrense fuerte: hay quien dice que es el OK Computer de la generación millennial), el objetivo está medianamente cumplido. Father John Misty y Alex Turner también trataron de encapsular esas contradicciones en su producción reciente, pero su adscripción a la liturgia rock quizá les reste credibilidad ante los nativos digitales. Healy y el batería George Daniel (con quien produce estas quince canciones) son hijos, al fin y al cabo, de un tiempo en el que Napster y MySpace ya eran antiguallas. The 1975 reflejan un presente fragmentado, que pasa del bubblegum pop de aire tropical (TOOTIMETOOTIMETOOTIME) al jazz vintage (Mine), en trayecto interferido por glitches y clicks and cuts que recuerdan

a The Postal Service o Fennesz (How To Draw/ Petrichor), guiños al sonido Stock, Aitken & Waterman (It’s Not Living (If It’s Not With You)), delicias jazz pop como Sincerity Is Scary y hasta una pista que resume con la voz de Siri (sí, la que todos tenemos en el móvil) la escalofriante soledad de ese náufrago cibernético en el que todos corremos el riesgo de convertirnos algún día (The Man Who Married A Robot/Love Theme). ¿Lo mejor? Sin duda, la fantástica Love It If We Made It, cruce entre Tears For Fears y Bruno Mars con letra en sintonía con nuestro zeitgeist (“la modernidad nos ha fallado”). Otra cosa es avistar si eso basta para que su parroquia les siga adorando sin reservas. O vislumbrar si los guiños adultos que jalonan su caudal expresivo llegan a calar entre un público talludito, porque Inside Your Mind, I Couldn’t Be More In Love y I Always Wanna Die (Sometimes) tienden al pastelón, y su nivel de azúcar sobrepasa su confesa querencia por Peter Gabriel y otros adalides de la FM ochentera para lindar con el AOR. Y dado que la media de sus tres desiguales discos orbita en torno a una hora larga, quizá sería mejor hacer la vista un poco gorda, frotarse las manos ante un próximo recopilatorio, customizarse una buena playlist o aguardar con razonable ansiedad sus vitamínicos conciertos. The 1975 mejoran promedio de aciertos frente a deslices, pero siguen pasando de la excitación al desconcierto en cuestión de segundos. Parte de su encanto, al fin y al cabo. —carlos pérez de ziriza

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ROCK / Sex Museum es uno

RAP / Entorno a tres ideas

de esos grupos que, en el panorama rockero patrio, si no existieran habría que inventarlos. Con sus idas y venidas, las tiranteces entre sus miembros, y una discografía honesta y compacta, muestran todos los elementos que definen lo que es una banda de rock. Algo que reafirman disco a disco y, por ende, en este Musseexum. Un álbum en el que Fernando Pardo ha dejado el protagonismo compositivo básicamente en manos de Marta Ruiz, lo que se manifiesta en canciones menos directas y más experimentales que, sin embargo, encajan a la perfección en el universo Sex Museum. Además, es innegable que ese rifirrafe ya histórico entre Ruiz y Pardo, ha mantenido al grupo en alerta y una vez más nos deja buenos momentos.

gira el nuevo disco del incansable Nach: los vicios y virtudes de su profesión (con canciones como Todo o nada), el cambio innegable que necesita el mundo (Un momento clave en el planeta) y su propia persona y autoaceptación (presente en todas las canciones del álbum). Un esqueleto sólido sobre el que se sostiene uno de los mejores trabajos que ha publicado el alicantino en los últimos años. Y lo hace escapando del abuso del piano y recuperando el boom-clap noventero sobre el que tan bien se maneja, como podemos ver en dos grandes colaboraciones: con Residente, convincente y salvaje en Rap bruto, y con Kase-O que, reconozcámoslo, nos deja un sabor de boca algo agridulce. Verle salir de su zona de confort, hace que Almanauta suponga un paso adelante. —alfonso gil royo

Ed Harcourt

Tom Morello

—eduardo izquierdo

Beyond The End Point Of Departure

INSTRUMENTAL / Ed Har-

court siempre ha dado muestras incorruptas de especial sensibilidad y buen gusto. El británico regresa ahora con un disco enteramente instrumental, en el que recrea pasajes hermosos y de corte tradicional con la principal ayuda del piano. Una docena de piezas de efectivo aspecto cinematográfico, tanto en su clasicismo propiamente musical como en las consecuencias de las composiciones. Beyond The End es una obra de claro aspecto nostálgico que puntualmente añade pinceladas inquietantes, pero siempre empeñada en permitir la entrada de un halo de luz esperanzador. Violines, violas y otros distinguidos instrumentos acompañan al propio piano, como actores secundarios pero necesarios a la hora de tejer la telaraña sonora ideada por el londinense en su octavo álbum. —raúl julián

The Atlas Underground BMG

ROCK / Sorprenderse, es-

candalizarse o rasgarse las vestiduras con el nuevo disco de Tom Morello es tener poca memoria o ser un necio. En la banda sonora de Spawn (97), en la que se mezclaba el rock más duro con la música electrónica, Tom Morello ya facturó un temazo junto a The Prodigy, One Man Army. Dos largas décadas después, retoma aquella senda y llena de riffs de guitarra una colección de cortes de EDM con una lista de colaboradores que tira de espaldas. Hay momentos gloriosos y singles revienta pistas como la adictiva Every Step That I Take junto a Portugal The Man y Whethan; la fascinante Find Another Way, con Marcus Mumford aportando carisma o la terrorista How Long, en la que le acompañan Steve Aoki y Tim McIlrath (Rise Against).

—marcos molinero

enero 2019 #33

MONDOVINILOS

The Prodigy No Tourists Take Me The Hospital/BMG

Hamlet al cien por cien 7

Hamlet

Berlín Maldito Records

9 METAL / Más de tres años después de La

ira llega al fin Berlín, el esperado nuevo disco de estudio de Hamlet. El éxito de su anterior trabajo les tuvo envueltos en una gira que se extendió en más de cien fechas. No obstante, Luis Tárraga y Molly (los únicos miembros originales de la banda desde su gestación, allá por 1987) encontraron un hueco en sus agendas para empezar a dar forma a sus nuevas composiciones en 2017 y, tras ensayarlas y arreglarlas con el resto del grupo, regresar a los Sadman Studios de Madrid para grabar de nuevo junto a Carlos Santos al año siguiente. Para la mezcla y la masterización buscarían a Will Putney, con nombres como Thy Art Is Murder, Body Count o Northlane en su currículum. El resultado son estos once trallazos que explotarán en tu cabeza de principio a fin. La crudeza, la rabia, la distorsión y las voces aberrantes siguen dominando a la

bestia, tal y como se intuía ya en los adelantos Eclipse y Persiste, insiste, repite (encargada de abrir). No sé decir adiós, que traería el primer videoclip, dejaba entrar la parte más relajada en los ritmos, melancólica en las letras y melódica en la voz. Algo que terminan de explotar en Héroe, con hueco para el canal limpio y hasta para, por primera vez en su discografía, una voz femenina, que corre a cargo de la impecable garganta de Laura Rubio, cantante de los extintos Garage Jack. La otra gran novedad

The Field

Mass Gothic

Infinite Moment Kompakt

ELECTRÓNICA / Que un álbum compuesto por seis cortes, de más de diez minutos cada uno, se titule Inifinite Moment, resulta toda una declaración de intenciones. Es el caso del último trabajo del sueco, que brinda un alegato al midtempo progresivo con la pista de larga duración entre ceja y ceja. Una especie de shoegaze modular más ambiental que lo que venía publicando hasta la fecha. Abre el disco Made Of Steel, Made Of Stone, horneado a bajos bpm y que actúa como piedra angular en la que se basa el resto de la estructura del álbum. Porque como éste, el trabajo se aleja de la pista para centrarse en emotivos loops de largo recorrido que se componen y descomponen para resurgir más tarde en diferente fondo y forma. Su rítmica destaca en Hear Your Voice, con épicos pads y base sincopada, igual que las transiciones -pasando de un techno ambiental al breakbeatde Divide Now, o el guiño al acid de antaño en Who Goes There.

—diego fernández #34 enero 2019

POP / Noel Heroux finiquitó

su aventura bajo el nombre de Hooray For Earth en 2014. Dos años después debutó en solitario como Mass Gothic, y ahora publica un nuevo disco con esa encarnación cantado y compuesto a medias con su mujer, Jessica Zambri. En I’ve Tortured You Long Enough el ahora dúo se descubre como una especie de Pimpinela (todas las letras hablan sobre su relación de pareja) en clave indie enamorado de los sintetizadores y del rock de estadios de los ochenta. Esa mezcolanza, que ya estaba presente en los tiempos de Hooray For Earth, vuelve a brillar con fuerza aquí, devolviendo a Heroux a los logros del celebrado True Loves (11). Para que nos hagamos una idea: el nuevo disco de Mass Gothic propone una colisión posible entre los The Jesus And Mary Chain de Automatic y grupos como The Alan Parsons Project, Simple Minds o Alphaville. La canción que abre el álbum, la fantástica Dark Window, es un ejemplo perfecto de ese cóctel.

—xavi sánchez pons

—jesús casañas

Javier Sólo

I’ve Tortured You Long Enough Sub Pop/ Popstock!

viene también de la mano de un colaborador: Pao Durán, encargado de las modulaciones, sintetizadores analógicos y, en general, la electrónica que de forma más sutil o más presente escuchamos a lo largo del álbum. Pinceladas para un disco que, no obstante, no pierde un ápice de identidad. Que nadie se asuste, un sonido orgánico y “masivo” (en sus propias palabras) que evoluciona sin dejar de ser Hamlet al cien por cien.

ROCK DE AUTOR / Javier Sólo

ya había tenido varias experiencias en el mundo discográfico. Junto a Sus Malas Costumbres registró Amores en la cola del paro, y con Imprudentes hizo lo propio en Parece mentira. En 2017 decidió aventurarse en solitario para, no obstante, regrabar una selección de temas de ambos discos acompañado de una cantidad ingente de colaboraciones. Hasta cuarenta y tres artistas han puesto su granito de arena: Lichis, Litus, Miki Santamaría, Miki Florensa, Joel Rovira, Daniel Higiénico, David Muñoz Gnaposs, Daniel Felices, Jurandir Santana... El resultado son una decena de canciones de rock de autor con todo tipo de guiños a otros estilos (reggae, pop, rock urbano…) y ramalazos desde Burning hasta Los Secretos pasando por La Cabra Mecánica. Ahora toca presentarlo en directo, para lo que ha reunido a la Banda del Vecino, formada por músicos de la escena de Ponent como Irene Garcés, Edu Corral, Carlos Cerezo y Josep Pagés, presentes en el disco.

—jesús casañas

puñetazo en la boca del estómago es lo que nos traen Liam Howlett y sus The Prodigy. En Need Some1, Howlett demuestra que es posible sonar actual y nostálgico al mismo tiempo; en Light Up The Sky lo tiene todo bajo control, manejando todos los hilos; en We Life Forever siembra el caos y musicaliza la rabia de los viejóvenes; en Timebomb Zone sodomiza la música del grupo a su antojo; en Boom Boom Tap usa los mismos trucos de siempre para dejarnos una vez más con la boca abierta; se ríe de la gentrificación lunar y trata la dominación del dinero por encima de los ciudadanos en nuestro planeta en No Tourists; comprende por igual al hooligan del proletariado y al intelectual acomodado en Resonate; y nos da himnos a quienes bebemos más de la cuenta en Give Me A Signal. Pero además, elige a los mejores colaboradores para que todo suene como siempre. No hay más que escuchar la participación de Ho99o9 en Fight Fire With Fire. —marcos molinero Bill RyderJones

Rocío Márquez & Fahmi Alqhai

Mejor sólo y bien acompañado Temps Record

Yawn Domino/ Music As Usual

Diálogos de viejos y nuevos sones Gran Sol

FLAMENCO / El flamenco, está concebido como un arte vivo y en constante evolución, ecléctico y versátil. Una evidencia de ello es Diálogos de viejos y nuevos sones, el trabajo que nos acaba de ofrecer la cantaora onubense Rocío Márquez, los violinistas de gamba sirio Fahmi y Rami Alqai y la percusión de Agustín Diassera, en el que todos tienen el mismo peso y compromiso. Una propuesta que nos venía como primera incursión en la penúltima edición de la Bienal de Flamenco en forma de directo. Un hito que ha quedado para los anales de la historia del flamenco. Gracias al impacto que surgió de dicho recital, se ha podido convertir en trabajo discográfico. Aportando nuevos ingredientes, conceptos y músicos. Desde letras del poeta Manuel García, a los Angelitos negros del mexicano Álvarez Maciste; del también violinista, compositor y cantante de entre el Renacimiento y Barroco Claudio Monteverdi, a poemas de Santa Teresa de Ávila.

—curro velázquez-gaztelu

ELECTRÓNICA ROCK / Otro

pop / Bill Ryder-Jones

tiene un estilo tan interiorizado que se ha convertido en inconfundible, gracias en parte a esa interpretación vocal a medio camino entre el susurro y la insinuación arrastrada. Unas peculiaridades a las que añadir la manera en que trabaja la guitarra, alejada del virtuosismo explícito pero sin duda particular. Todo esto también sucede en el cuarto álbum del ex The Coral, compendio de indie-folk con jugosa carencia por el dream-pop y el shoegaze. El británico realza esa coalición formada por voz y guitarra, además de unas distorsiones colocadas con sentido. Alejado de cualquier ostentosidad y tras renegar del consumo rápido, Yawn es un trabajo para degustar calmadamente, apostando por uno de estos días en los que la niebla o la lluvia asoman al otro lado de la ventana. La banda sonora adecuada para una grisácea jornada invernal, ya que su contenido es capaz de hacer de la nostalgia una virtud cálida y acogedora. —raúl julián

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Richard Ashcroft

Cante el cos elèctric RiuSec

Natural Rebel BMG

ROCK / Treinta años de ca-

rrera han tenido que pasar para que Jon Spencer se decidiera a sacar un disco firmado con su propio nombre (más allá de que este no difiera mucho del de su banda). Eso sí, lo hace con la misma intención y los mismos parámetros que sus discos grupales, por lo que Spencer Sings The Hits! no desentona dentro de su ya extensa discografía. Spencer sigue empeñado en romper clichés, en reírse de poses y actitudes impostadas para, desde la visceralidad punk y la raíz del blues obtener un sonido heredero de Hasil Adkins, RL. Burnside o Screamin’ Jay Hawkins. Cargado de fuzz y teclados viscerales, el músico parece tener claro que este no es momento ya de experimentos, y que ese sonido que se ha convertido en marca de la casa debe ser el eje alrededor del que gire el disco, por mucho debut en solitario del que estemos hablando. Crash Can, I Got The Hits, Beetle Boots… Son solo pruebas de lo que digo. Nada más. —eduardo izquierdo

Gener

POP / La madurez es ese

estado de creación musical en el que se intenta sacar a relucir la mejor versión de uno mismo. También es el momento en el que suelen convertir la refrescante rabia juvenil en un punto de vista con la misma cantidad de elegancia que de ira. Algo así le ha sucedido a Richard Ashcroft con su sexto disco: Natural Rebel. Desde aquella A Song For The Lovers –incluída en su primer disco Alone With Everybody (00)– hasta All My Dreams –tema que abre su nuevo álbum– Ashcroft ha sido muchas cosas hasta llegar a lo que es hoy: todo un clásico. Alcanzar ese estatus es convertirse en una figura cuyas composiciones son o un soberano aburrimiento o tan excelentes que dan rabia. De Natural Rebel destacan, por su componente sexy, Born To Be Strangers o Money Money. Si todavía no lo sabes, Richard Ashcroft pertenece a esa camada de músicos ingleses que, a medida que cumplen años, más que como un buen vino, son como un traje de Paul Smith: nunca defraudan. —maría ballesteros

POP / Con el abismo bajo

sus pies, Carles Chiner decidió jugárselo todo a cara o cruz. Así construyó, prácticamente en solitario, aquel El temps del llop (14). Al final salió cara y, como buen tahúr que sabe aprovecharse cuando la suerte le ronda, se marcó un todo o nada buscando la connivencia de Enric Alepuz, César Castillo, Pasqual Rodrigo y Vicent Todolí. Fue la mejor decisión que pudo tomar. Acababa de armar una de las formaciones más cohesionadas de la escena valenciana. De hecho, conscientes de su celebrado directo, Chiner y los suyos decidieron cincelar su segunda criatura, Oh, germanes! (16), prácticamente en vivo. Ahora Gener vuelve a las andadas con la lección más que aprendida. En Cante el cos elèctric, las referencias literarias siguen vigentes, de la misma forma que el espíritu conceptual. Todo ello remozado por elementos marca de la casa, como los épicos arreglos, los coros atrayentes o la facilidad de Chiner para modular su inconfundible registro vocal. —césar campoy

DD LJM JSL

1 Lisabö 8 8 8 8 8 Eta edertasunaren lorratzetan biluztu ginen 2 Hamlet Berlín

8 7 8 8 7,75

3 Aliment BROTHER

8 7 8 7 7,5

4 Nicola Cruz Siku

7 7 8 7 7,25

5 Guadalupe Plata 7 7 7 7 7 Guadalupe Plata 6 The 1975 6 7 8 7 7 A Brief Inquiry Into Online Relationships 7 Prok Rojo y negro

7 7 7 7 7

8 Mow Woman

6 7 7 7 6,75

9 Gener 8 5 8 6 6,75 Cante el cos elèctric 10 Holy Bouncer Holy Bouncer

6 6 7 6 6,25

Se agranda la leyenda de Lisabö

Pësh

Too Many Universes But Mine Petits Miracles

Lisabö

Eta edertasunaren lorratzetan biluztu ginen Bidehuts

9 POST-HARDCORE / Como si no hubieran pasado siete años desde el anterior disco (Animalia lotsatuen putzua). Como si no hubiera habido cambios en la formación que habrían hecho temblar los cimientos de cualquier otra banda. Como si nada hubiera pasado y con el factor sorpresa a favor (“Hola, ¿os acordáis de nosotros? Pues nada, que tenemos disco nuevo y sale mañana, en el décimo aniversario de la muerte de Mikel Laboa” y coincidiendo con la Feria del Libro y el Disco Vasco de Durango). Siete canciones compuestas en la más absoluta discreción, que no hacen más que agrandar la leyenda de la banda de Irún, con Karlos Osinaga y Jabi Manterola al frente. Lisergia e intensidad: las dos caras de Lisabö en su justa medida, que combinan a la perfección con las letras de un Martxel Mariskal en estado de gracia (qué lujo poder tener un miembro fijo que se dedique en cuerpo y alma al aspecto lírico del grupo). En la grabación también han participado la chelista Maite Arroitajauregi (Mursego) y Aida Torres, batería en

los inicios de la banda, que no participará en los directos. Eta edertasunaren lorratzetan biluztu ginen muestra el capítulo más equilibrado en la discografía de Lisabö. La cabalgada headbanging de Oroimena galdu aurretik idatzi gabeko gutuna (“Carta no escrita antes de perder la memoria”), la complejidad de texturas en Olio tantak ezpainetan (“Gotas de aceite en los labios”), el prólogo lisérgico Errautsaren bezpera (La víspera de la ceniza”) y su continuación lógica a modo

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Med

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

Spencer Sings The Hits! Matador Records

top 10.

Jon Spencer

de contrapeso, Nomaden zirkulu tematia (“El terco círculo de los nómadas”), para terminar con “Denboratik kanpo bizi garenok” (“Los que vivimos fuera del tiempo”) y la frase que da nombre al disco, Eta edertasunaren lorratzetan biluztu ginen (“Y nos desnudamos tras el rostro de la belleza”). Deseando disfrutar en directo (previsiblemente en formato sexteto) de este tsunami sónico, en el que emociones y las pulsiones eléctricas adquieren otro nivel. —xabier doncel

POP ROCK / Sorprendente

evolución la del Proyecto encabezado por Santi Carcasona que debo confesar me mantiene descolocado tras varias escuchas. Y eso no acabo de saber si es bueno o malo. Compuesto entre Islandia, Finlandia y Barcelona, la apuesta por el indie, incluso bailable, es mucho más clara que en su primer disco, un Where The Sidewalks Ends, donde la mirada se fijaba más en la música de raíces. Pësh abre aquí horizontes, sin duda en un intento legítimo de alcanzar a más público, pero que algunos no nos acaba de llegar. Quiza es cuestión de unas cuantas escuchas más del disco, porque ahí sigue estando su espléndida voz y una magnífica capacidad para engarzar letras que pretenden universalizar sentimientos muy internos. Seguiremos intentándolo, porque se lo ha ganado a pulso, y por la valentía de enfocar cada uno de sus pasos como un avance.

—eduardo izquierdo

enero 2019 #35

MONDOVINILOS

The Lemonheads

The Wax

A Place To Bury Our Sins Away Long Live Records/ Brunzit

Varshons II Fire

ROCK / Que el primer disco

en diez años de The Lemonheads sea un álbum de versiones lo dice todo. Que el último también lo fuera es directamente definitivo. El grupo tiene poco que aportar a la música actual y, quizá por ello, Evan Dando y sus compinches se han lanzado simplemente a pasar el rato. Lo hacen con hasta trece versiones de diferentes nombres que, como siempre sucede en estos casos, contienen de todo. Buenos momentos se combinan con otros directamente sonrojantes en temas de John Prine (Speed Of The Sound Of Loneliness), Eagles (Take It Easy), Nick Cave & The Bad Seeds (Straight To You), Lucinda Williams (Abandoned) o The Jayhawks (Settled Down Like Rain). Que algunas les sienten mejor y otras peor a su propuesta parece importarles poco. De hecho, incluso la producción parece haberse contagiado de ese ambiente de improvisación sobrevenida o de naturalidad forzada, aspecto que hace que el disco sea, a ratos, difícil de escuchar. —eduardo izquierdo

nes The Wax consiguieron con Don’t Belong llamar la atención de la prensa especializada y colarse en algunos de sus festivales favoritos. Mucho han cambiado las cosas en muy poco tiempo. Con el abandono amistoso de dos miembros y la mayor implicación en la composición de los temas de su frontman, que ahora se cuelga la guitarra eléctrica, los de Navarcles están irreconocibles en la primera parte de A Place To Bury Our Sins Away con No Dawn, Wasted y el medio tiempo Insomnia. La banda podría haber intentado repetir la misma fórmula, pero han preferido enterrar -aunque solo en parte- el post-hardcore con aires ‘deftonianos’ de sus inicios y dejarse llevar. Y la verdad es que el rock alternativo de los noventa, de Nirvana a Failure, les sienta genial. Los que busquen la cera de sus primeros trabajos la encontrarán en Bestia ferida (su primer tema en catalán), The Year Of The Snake y Disintegration. —luis benavides

Cangrejus

Holy Bouncer

Holy Bouncer Autoeditado/Gran Sol

ROCK / Holy Bouncer abren su nuevo tra-

bajo homónimo con Mamihlapinatapai, la palabra más concisa del mundo, que describe “una mirada entre dos personas, cada una de las cuales espera que la otra comience una acción que ambos desean pero que ninguno se anima a iniciar”. Similar a cuando dos miradas reconocen esa canción especial en una abarrotada sala. Cualquier de sus nuevas once canciones tienen el potencial para provocar esta sensación, todas dentro de un álbum más conciso y pausado, donde exploran sonidos más modernos pero sin perder su esencia de rock psicodélico. Su primer larga duración, Hippie Girl Lover (16) tenía influencias más claras de la música de los sesenta y setenta, al tiempo que sonaba más sucio y anárquico. Dos años después, Holy Bouncer no tiene quizás ese temazo que lo petará en las listas,

#36 enero 2019

pero tampoco tiene ninguna canción que desentone. Once temas que funcionan de forma independiente, un álbum que se acerca más a la forma en la que consumimos la música actualmente, por canciones y no en su conjunto. Volviendo al giro estilístico, los barceloneses han apostado por sonidos más actuales, dándole más protagonismo a los sintetizadores y a los teclados. De hecho, llegan a utilizar bases R&B al estilo de los Arctic Monkeys de AM (13). Dudo que les veamos con traje sobre los escenarios, pero la verdad es que su estilo hippie se difumina con este nuevo material. Se ha perdido también la energía de sus primeros temas –menos ruido y mejor sonido–, subrayando una evolución lógica en su carrera. Así nos encontramos desde canciones más funk como Love & Hate hasta otras para flotar como Wednesday Sunset, incluso con solo de saxo en el emotivo final del disco, 9th Gate. Sí, saxo en Holy Bouncer. Ni tan The Rolling Stones, ni tan Tame Impala. Ya no resulta tan sencillo decir a qué grupo te recuerdan, y eso es sinónimo de que empiezan a dar con su camino propio. La consolidación de estos jóvenes barceloneses. —ignasi estivill

Agost

La elegancia entra en su casa Madmua Records

Holy Bouncer en busca del sonido propio 7

POP / La tercera referencia

del sello Madmua corresponde al disco perdido y nunca editado (hasta ahora) de Cangrejus, grabado a mediados de los noventa en torno a un proyecto de Sergio Algora paralelo a El Niño Gusano. Las grabaciones provienen de la maqueta que el grupo registró en un ocho pistas, y es un documento de indudable valor que muestra diez temas tomados por el particular imaginario del zaragozano. El contenido apunta al pop enrevesado con letras alucinadas, apuntilladas por una de las mentes mas inquietas que haya dado la narrativa estatal. Pequeñas historias surrealistas de corta duración, musicadas por otros ilustres de la escena maña que fueron capaces de amparar las desbordantes ideas del letrista. Se desentierran así joyas escondidas como Erizos, Canción de chica con corona o Suzuqui y Cuin, en el anárquico resultado de un encuentro cuya espontaneidad no hace sino remarcar esas valiosas peculiaridades de sus autores. —raúl julián

ROCK / En 2017, los catala-

Dim Out Hidden Track

POP / “Quiero tocar el

tiempo / y organizar lo inmaterial” declaran Agost en su debut, moviéndose cómodamente entre sintetizadores modulados, guitarras distorsionadas, bases sólidas y voces etéreas que crean micromundos distintos en cada canción. Pasados los tres primeros cortes, con una luminosidad cercana a M83, el disco da un vuelco con el ambient cuidadisimo de Happy Fish, y un segundo giro hacia la oscuridad en Aquiescence, con arpegios acelerados sobre un potente bombo que ofrecen un downtempo ejemplar. “No controlamos el instinto / No podemos prometer el tiempo” son algunos de los versos que susurran y evocan el rechazo al control por encima de la creatividad. Dim Out plantea un viaje interior unidireccional que va desde las luces hacia las tinieblas, y con la oportunidad de vivir una catarsis final de la mano de Inure y sus cánticos tribales que honran a los Animal Collective más psicodélicos. Imprescindible para aventureros sin prejuicios. —toni feliu

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Mow

Woman Subterfuge

POP / Reciente fichaje

de Subterfuge, Gabriela Cañas se ha convertido en una de las voces más interesantes del panorama nacional. En su obra conviven la sensibilidad y la fragilidad con la fortaleza y la determinación: una combinación insólita capaz de confundir a los simples y de enganchar a los empáticos. En ella también reside ese halo de misterio que recuerda, inevitablemente, a la Najwa Nimri de la década de los noventa; esa que rodaba películas con Julio Medem y grababa discos con Carlos Jean. El primer largo de la madrileña, Woman (producido por Brian Hunt), contó con Solo Astra como banda de estudio. Destaca el hit Grasiah, aunque los diez temas del disco son absolutamente etéreos. La producción, cuidada y tremendamente bien estructurada, le otorga la ligereza suficiente para contrarrestar la profundidad y la intimidad de las historias que narra. —maría ballesteros

El pop para la bajona de Cariño Cariño

Movidas Elefant

9 POP / En este 2018 en el que la distancia entre

el anonimato y la celebridad parece recorrerse a la velocidad de la luz, Cariño tienen todas las papeletas para cerrar el año como la sensación postrera de la temporada. El trío madrileño se ha convertido, de la noche a la mañana, en el grupo favorito de críticos y fans del underground gracias a un excelente single de presentación -–Pop para la bajona– y a su versión de Llorando en la limo de C. Tangana. Un entusiasmo que podría resultar excesivo sino fuera porque su primer miniálbum Movidas es realmente sensacional. En apenas ocho canciones y veintitrés minutos, Paola Rivero (guitarra), Alicia Ros (bajo, voz) y María Talaverano (teclados, voz) demuestran una extraordinaria capacidad para crear himnos instantáneos que crecen a cada escucha. Melodías pegajosas, infecciosos sintetizadores ochentenos, guitarras de baja fidelidad….

Mohama Saz

Taking Back Sunday

ROCK / Taking Back Sunday

explotaron a principios de los dos mil con su disco debut, Tell All Your Friends, y encabezaron la penúltima ola emo, la más accesible y cuestionada. A diferencia de los proclamados popes del subgénero, Adam Lazzara y compañía arrasaban entre los más jóvenes, no solo entre los más nerds de la clase, e incluso acabaron asomando la cabeza en el circuito mainstream. Ni más ni menos que sus coetáneos My Chemical Romance, Fall Out Boy y los archienemigos Brand New. El éxito de las melodías pop con poso hardcore y letras para adolescentes del quinteto de Long Island fue inversamente proporcional a los recelos que también despertaban. No dejaban indiferente, pero aquí siguen. El ahora cuarteto -tras la marcha del guitarrista Eddie Reyes- saca pecho a pesar de la fría acogida recibida por sus dos últimos largos y celebra sus muy meritorios veinte años con un recopilatorio que recoge sus canciones más populares y dos tema inéditos. —luis benavides

Art Brut

Viva el Rey Discos Humeantes

Twenty Craft Recordings

ROCK / Con predominancia

de sonoridades turcas (anatolian rock), Mohama Saz mutan del jazz al rock, de la jam al ambient con agilidad, dadas sus amplias trayectorias individuales. El baglama-saz de Javier Alonso brilla por sí mismo, acompañado por otros timbres que nada añoran la potencial ausencia de la guitarra: como el clarinete y el saxo de Arturo Pueyo, o el bouzuki de Sergio Ceballos. Concibe estructuras sencillas en las que luego van incluyendo motivos cada vez más complejos, creando ambientes que, a falta de un lenguaje mejor, tipificamos con vaguedad de “psicodélicos”. Esplendor de cristal esconde una inextricable crítica contra las oligarquías. Un sentido tragicómico impera en las melodías y lírica, como en Semana Santa, que empieza lúgubre pero se deconstruye en el lamento errático del clarinete. Nunca disuelven del todo la tensión armónica, creando un ambiente de deliciosa incertidumbre. —rubén g. herrera

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una idiosincrasia musical que les vincula necesariamente con el twee pop o el C86. Pero a nivel lírico su propuesta entronca con una tradición nacional que se remonta a Vainica Doble y que pasa por Alaska y Los Pegamoides, el Donosti Sound, el sello Spicnic e incluso Los Punsetes. Ya sea en las mayores cursilerías (Canción de pop de amor) o en las mayores vacuidades (la deliciosa Souvenirs), Cariño hacen gala de una lírica espontánea e ingeniosa como pocas. Bajo su aparente ingenuidad se esconden brillantes destellos de cinismo y sátiras

Pepo Galán

Wham! Bang! Pow! Let’s Rock Out! Alcopop!

ROCK / Art Brut llevan

años haciendo el mismo disco, pero resulta que la jugada continúa saliéndoles bien a la hora de firmar temas difícilmente cuestionables. El combo con base en Londres mantiene intacta su especial habilidad a la hora de reinterpretar new wave y punk para, tras añadirles pose y pasarlo por su tamiz pop, prensar un conjunto de ritmo extremadamente ágil. Sucede además que el grupo llevaba más de siete años sin publicar material nuevo, por lo que este regreso resulta un placer alejado de cualquier reflexión. El quinteto sabe cómo asimilar una serie de influencias clásicas que incluyen a The Fall, Elvis Costello, Wire, PIL o Gang Of Four, y convertirlas en canciones para celebrar puño en alto y con una pinta de cerveza en la otra mano. Un hito que sucede con prácticamente todas y cada una de las doce piezas que conforman la presente referencia, probando (de nuevo) la efectividad y solvencia de la formación dentro de su campo de acción. —raúl julián

mordaces. La estupenda Bisexual, el tema más redondo del disco, cuestiona con sorna los clichés de la heteronormatividad mientras que la incisiva Mierda seca contiene posiblemente algunos de los improperios más geniales de la historia del pop en castellano. Pequeñas dosis de mala leche que hacen de esta colección de píldoras algo más que un mero pastiche edulcorado. Un discazo de tontipop entusiasta y juguetón, tan deliberadamente naif como profundamente adictivo. —tomás crespo

Blood Quartet

Strange Parentheses Archive

ELECTRÓNICA / Este productor malagueño, partiendo del experimentalismo ambiental, presenta diez temas nuevos en el sello valenciano Archive, de Agus Mena. Aquí campa un ambient escapista e intenso que, a veces se deja mecer, por un pop tristón que emerge a modo de destellos, sobre todo en los cortes en los que hay presencia vocal. Pero también hay lugar para otro tipo de sensaciones menos cómodas y domésticas; caso de la intrincada, etérea y gélida Dead Fish On The Shore; la quietud intimista de Strange Parentheses; la calma tempestiva y paisajista de la glitcheante High Seas Tempest y la profundidad -casi depresiva y doliente- de Barco Amor (Naufragio). Strange Parentheses es un notable compendio hecho a base de matices, capas de sonidos y texturas que son producto de un refinamiento conceptual y, sobre todo, de una búsqueda de la belleza a través de la huida introspectiva. Y todo ello pergeñado con un dominio de lo orgánico y digital más que patente. —fernando fuentes

Until My Darkness Goes Feeding Tube/ Gandula

ROCK / Hace tres años que

la alianza entre el enfant terrible de la no wave Chris Cunningham y la banda catalana Murnau B. dio como resultado Dark Energy y, en 2016, Deep Red. Ahora rebajan el marco de la subjetividad atmosférica con engarces rítmicos y eléctricos más recios y explosivos; claramente deudores de la escuela Sonic Youth, tal que en la más que reveladora Fire Folk. Esta transformación no quiere decir que hayan obviado uno de sus poderes más patentes. Ahí reluce el haiku atormentado, misterioso y oriental a lo Yoko Ono de Velvet Love, una de las once inflexiones telepáticas enhebradas por este cuarteto de saboteadores de las formas consensuadas en materia rock. Aunque, en su caso, habría que hablar directamente de anti-rock, postura que rubrican en ejercicios de intensidad impredecible como NYC Limits, ejemplo de cómo maridar el espíritu de la trompeta setentera de Miles Davis dentro de un marco de pura lisergia free noise. —marcos gendre enero 2019 #37

MONDOVINILOS

Captains

Pure Pleasure Set Theory Records

ROCK / Solo la arrolladora personalidad de Fee Reega sería suficiente para acercarse a Captains. Pero hay más. La banda, a caballo desde 2015 entre Madrid y Gijón, crece imparable como un proyecto bicéfalo con David Baldo aportando a la causa todo su conocimiento como guitarrista y ante todo su visión como productor. Apenas un año después de su celebrado debut llega una continuación en la que el punk le gana la partida a la experimentación, dejándose llevar por la experiencia visceral de sus propios directos. El disco, que empieza como un tiro desparramando con Naked o Broken Body, baja las revoluciones sin la necesidad de tomar una dirección clara, recuperando el espíritu de su primer álbum (Kill The Rose) y poniéndose crepusculares con cierto aroma country (Plane, Train, You).

Greta Van Fleet, el legado LedZep Greta Van Fleet Anthem Of The Peaceful Army Universal

7 ROCK / Comparar a una banda joven que, tras

algunos singles de éxito, acaba de sacar su primer larga duración con unos titánicos y legendarios Led Zeppelin genera rechazo y expectación a partes iguales. Para bien o para mal, es difícil que Greta Van Fleet se despeguen de esa etiqueta después del lanzamiento de Anthem Of The Peaceful Army. Y es que su nuevo trabajo funciona como un homenaje al rock de los setenta y consigue su objetivo: reivindicar las raíces del género, pero con la frescura y fuerza de una banda que empieza a despegar. La nostalgia juega a favor de los de Michigan en un contexto en el que el hard rock ha perdido terreno, usando las comparaciones a su favor para convertirse en una nota

18 MAYO 19 MAYO 23 MAYO 24 MAYO 25 MAY0 06 JUNIO 21JUNIO 06 JULIO 07 JULIO 09-12 AGO 11 AGO 19 AGO 18 OCT

INTERESTELAR FESTIVAL BULL MUSIC FESTIVAL SOL SIDECAR SIDECAR AUDITORIO ALAMEDA DÍA DE LA MÚSICA FNAC LIVE WEEKEND BEACH FESTIVAL RÍO BABEL FESTIVAL SONORAMA RIBERA BERROCAL LIVE THE ROOF HUERCAL-OVERA

MAS INFO EN AARCO.ES

#38 enero 2019

disonante. Sin complejos, la voz de Josh Kiska se convierte en un eco de un joven Robert Plant, mientras su hermano Jake Kiska hace a las veces de Jimmy Page. Nos arrastran hacia atmósferas psicodélicas y grandilocuentes con Watching Over y se vuelven abrasivos en Mountain Of The Sun. Sus estructuras son pesadas y su nivel técnico está a la altura, aunque en ocasiones apuesten por el rock sin más, como en el caso de la redonda Lover Leaver. Ampliando su paleta, añaden a la fórmula el necesario toque blues que llega de la mano de la mística Brave New World, un ejercicio de estilo que muestra el potencial de la banda. Reflejarse de forma tan clara en los grandes referentes tiene su peligro, un peligro que les acecha de cerca durante la práctica totalidad del disco. Aún así, es evidente que Anthem Of The Peaceful Army es una buena y necesaria puesta de largo, pero en años venideros Greta Van Fleet deberán dar un paso más allá de la admiración para llegar a ser capaces de escribir su propia historia. —montse galeano

SEVILLA GRANADA MADRID BARCELONA BARCELONA JAÉN SEVILLA TORRE DEL MAR MADRID ARANDA DEL DUERO HUELVA BARCELONA ALMERÍA M ANAGEMENT:

20 OCT 02 NOV 10 NOV 17 NOV 23 NOV 24 NOV 30 NOV N 09 FEB 19 15 FEB 19 16 FEB 19 23 FEB 19 15 MAR 19 16 MAR 19

COCHERA CABARET SALA EL HANGAR SALA LA CALLE SALA ALIATAR SALA AZKENA LA MUELA PORTA CAELI SALA APOLO SALA REM LOCO CLUB COOL STAGE PLAYA CLUB ROUGE DISEÑO: PRISAMATA

—bruno corrales

Lildami

Flors mentre visqui Halley Records

POP / Ya nadie pone en

duda la existencia de un nuevo mainstream. De padres raperos pero de hijos bastardos. Más o menos electrónico, caribeño o popero. A un lado y a otro del Atlántico. En inglés, castellano… Y ahora también en catalán. Lildami se postula en su nuevo largo como rey sin competidores de ese sonido urbano y global en la lengua de los Manel (a los que homenajea con un sampler en La dels Manel). Flors mentre visqui está

pensado como lo haría C. Tangana: para todos. Pero en vez de a la madrileña, a la catalana. En lugar de Operación Triunfo, cabe en TV3 (algo que ningún trapero ha conseguido hasta ahora); no está Becky G pero participan fieras nacionales de primer orden, dígase Oques Grasses o Marc Gili de Dorian (a otro nivel está Tu ets el sol). Rimas accesibles y músicas bien variadas –sonidos árabes, rap noventero o emo trap– gracias al trabajo con Sr. Chen. Si no torea en todas las plazas no será porque el largo no lo permita.

—yeray s. iborra

Alondra Bentley

Solar System Mount Ventoux

POP / Somos una mota de

polvo flotando en un bosque oscuro, es el punto de partida creativo de Solar System, reduciendo al absurdo los problemas diarios, y concienciándose de que los objetos a los que nos aferramos no importan o empobrecen el planeta. Pero Alondra no se ha vuelto hippie, está aprendiendo qué es lo importante de la vida, y lo hace con pop sintético y psicodelia, directamente o con un poco de cinismo. Es un interesante salto adelante. Hay belleza sonora, pero ya no es lo más importante, con las variaciones de ánimo de cualquier ser humano y el conocimiento del pop clásico, le hará una canción al materialismo o a la resaca de una discusión, y cada una de ellas será un viaje diferente. Este disco no es para escuchar texturas, el fondo ha superado a la forma, que además es suficientemente poliédrica como para provocar sed de más. Alondra sabe evolucionar, y va a demostrarnos con una sonrisa lo banales que podemos llegar a ser. ¡Sorpresa! —jorge obón

MÁLAGA CÓRDOBA SEVILLA GRANADA BILBAO ZARAGOZA VALLADOLID BARCELONA MURCIA VALENCIA MADRID A CORUÑA VIGO

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Jeff Tweedy

AMERICANA / Tenga o no

incidencia directa en la nueva colección de composiciones del alma máter de Wilco, resulta aconsejable para comprender su naturaleza no desligarla de su contexto reciente. Precedida por un disco en el que revisitaba parte de su cancionero de manera totalmente desnuda y por la reciente aparición de su libro de memorias, ambos artefactos esparcen su sombra en este nuevo trabajo. Así lo testifica su carácter confesional -prolongado hasta la reflexión global- o una representación musical sobria y artesanal. Estructuras que amparan con emotiva naturalidad lo mismo episodios calmados, como la belleza quebrada de Bombs Above, el paso dilatado que marca How Hard It Is For A Desert To Die o la tensión aportada por The Red Brick, que apariciones rockeras de condición campestre (Don’t Forget, I Know What It’s Like). Todas ellas formuladas bajo el delicioso mismo idioma, uno amable, pese a las fracturas relatadas, y de acogedora empatía. —kepa arbizu

The Unseen In Between Matador/ Popstock!

ROCK / El segundo disco

para Matador del guitarrista y compositor de Philadelphia le mete de lleno en la gran liga de la nueva ola de artistas que reinventan el rock a partir de las esencias clásicas. El de Pennsylvania apuesta por depurar sus canciones hacia la sencillez y el énfasis en la interpretación vocal. No quiere decir esto que sea un disco absolutamente espartano: sutiles y bonitos arreglos de cuerdas enriquecen las canciones. Apoyado por Tony Garnier, bajista y colaborador habitual de Dylan y su productor habitual y amigo James Elkington, las composiciones crecen desde los arpegios acústicos, en una hipnótica tierra de nadie entre el pop de vanguardia, el folk de la escuela británica, la psicodelia delicada y esos sutiles aires jazzeros que siempre ha cultivado. La muerte de su padre marca un trabajo sereno en el que se oyen ecos de The GoBetweens, favoritos en su panteón particular, o figuras icónicas del folk alternativo como el británico Michael Chapman. —jc peña

Mark Lanegan & Duke Garwood

Toro y Moi

Outer Peace Carpark

With Animals Heavenly Recordings

ROCK / No es la primera vez

que Mark Lanegan y Luke Garwood cruzan sus caminos. La nueva colaboración entre uno de los grandes supervivientes del grunge y el multiinstrumentista británico se presenta bajo el título de With Animals en forma de doce canciones que, como era de esperar, llevan la sobriedad y la oscuridad por bandera. Un título, por cierto, que no es baladí, porque Garwood explica que grabaron el álbum rodeados de animales. De hecho, fue Duke el que se puso manos a la obra en solitario en el comedor de Lanegan, mientras cuidaba a las mascotas de este, para que luego el cantante se uniera en una segunda etapa de la preparación del trabajo. Así que no sería injusto pensar que este es un disco de Garwood cantado por Lanegan. Muchas guitarras y algo de electrónica pueblan canciones como My Shadow Life, Scarlett y Ghost Stories, espectrales muestras de una reunión de talentos que siempre da resultados, cuanto menos, notables. —eduardo izquierdo

MONDOVINILOS

Steve Gunn

Warm Words Ampesand/BMG

POP / El sexto álbum de

Chaz Bear como Toro y Moi saca al creador de su ratonera para llevarle a la pista de baile. Mezcla de sátira y realidad, Outer Peace es su álbum más pop hasta la fecha, más up-tempo, analógico y accesible. Desde la primera escucha te deja clara la intención de Bear de construir una pieza liberadora, y con espíritu crítico, que haga referencia a la sociedad actual. Outer Peace es el reflejo de esas noches en las que tras un día de mierda te plantas, te entregas a la pista de baile en busca de la salvación y dejas la mente en blanco durante unas horas. Dominado por el funky y el dance a partes iguales, este nuevo proyecto está inspirado en los grandes tiempos de Daft Punk y el poder de LCD Soundsystem sobre su trayectoria (James Murphy Is Spinning At My House). Lo más inteligente que ha hecho Bear con Outer Peace ha sido vendernos un lavado de cara más comercial para luego regalarnos un disco cuidado e interesante.

—álex jerez

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Aderson .Paak mantiene el tipo Anderson .Paak Oxnard Aftermath

7 SOUL / Anderson .Paak ha querido bajar a la

tierra tras su éxito en la playa de Malibu (16). Y no cualquier tierra, su tierra, su playa, Oxnard, su ciudad natal, el origen de todo. En 2016, después de Venice (15) publicó el excelente Malibu con lo mínimo, y de golpe y porrazo, el californiano explotó a sus treinta años. Paak asaltó la música negra a lo grande y de forma muy versátil, con una serie de temas de soul, R&B, funk y hip-hop en un mismo álbum. Después de dos años de vertiginoso éxito, haber tocado en los mejores escenarios del planeta y una nominación a los Grammy, publica Oxnard, que se revela como un esfuerzo para mantener sus principios y acercarse un poco más al hiphop. Consciente de la repercusión obtenida, en 2018, Paak ya habla y trabaja como un gran artista. Sus confiados textos van acom-

pañados por rimas de hip-hop de lo más ortodoxo. Para llevarlo a cabo, se ha rodeado de los mejores; Kendrick Lamar, J.Cole, Pusha T, Snoop Dogg... Todo bajo la producción y también colaboración del gran Dr. Dre. Casi nada. En Oxnard, el californiano mantiene la versatilidad que comentábamos al principio y, aunque cada tema es una sorpresa, predomina el rap. Sin perder nunca el flow y su elegancia característica, es capaz de acelerarse sin ponerse agresivo ni pasarse de frenada. Domina todos los tiempos, rap agradable para los más escépticos, y sonidos retro para los más nostálgicos. ¿Cuál es el pero, entonces? Su irregularidad. El disco va de más a menos, con canciones que destacan mucho y otras que no pasarán a la historia, con lo que al final se puede hacer un poco largo y monótono. A la hora de dar forma a este álbum, Paak ha sentido la presión que no tuvo para Malibu, y aunque haya puesto todo su empeño, la verdad es que no se trata de otro álbum redondo. Un interesante e inusual trabajo para los tiempos que vivimos, pero incapaz de satisfacer el hype creado por el talentoso artista. —ignasi estivill

enero 2019 #39

LAS MEJORES PELÍCULAS nacionales

A vueltas con la realidad 2

018 ha sido la culminación y quién sabe si el final de ese cine de autor que se llamó “el otro cine español”, con Isaki Lacuesta y Elías León Siminiani como máximos exponentes. Un cine con una evidente atracción por la estética realista (cuando no hiperrealista). En lo que respecta al cine comercial, Mediaset y Atresmedia prosiguen en su política de comedias sainetescas y adaptaciones (desde Superlópez a El mejor verano de mi vida), pero la entrada de Netflix en el mercado audiovisual ha apoyado la entrada de filmes de corte más intimista como La enfermedad del domingo y, sobre todo, de documentales como Camarón: flamenco y revolución o Desenterrando Sad Hill. Tan peculiar como sus protagonistas ha sido el fenómeno Campeones, de un director tan imprevisible como Fesser. Sorprende la práctica ausencia de los clásicos de la Era Miró, de los que solo aguanta (y por apoyo de los jóvenes) José Luis Cuerda. Con todo, lo más extraordinario de 2018 ha sido que las mujeres han demostrado tener poder: Celia Rico, Elena Trapé, Isabel Peña, Isa Ocampo, Arantxa Echevarría, Esther García… —rubén romero santos

1 Entre dos aguas Isaki Lacuesta Doce años después de La leyenda del tiempo todo lo que podía ir a peor, ha ido a peor. Lacuesta cierra un ciclo, y quién sabe si una época, con una película que es un elogio de la diversidad: dirigida por un catalán, interpretada por andaluces y triunfante en Donosti. Un monumento contra la aporafobia, el rechazo al pobre/humilde, pandemia de nuestro tiempo. —rubén romero santos

Apuntes para una película de atracos León Siminiani

Carmen y Lola

A Simiani le fascina Rififí, de Dassin, pero su película le ha quedado mucho más Rufufú de Monicelli: un gran comedia sobre el cine de atracos y la diferencia de clase en el que el botín se lo lleva Flako, el cómico enmascarado. Tras Mapa, Siminani vuelve a demostrar que nadie ha sido capaz de plasmar en imágenes mejor que él la llamada “autoficción”. —r.r.s.

Historia de amor racial y lésbica, Carmen y Lola es una película que rompe tabúes sobre tabúes. Por eso ha molestado tanto. Por eso nos gusta. Frente a los Gipsy Kings de la telerrealidad y su impostada excentricidad, sus protagonistas (Rosy Rodríguez y Zaira Morales) desprenden una frescura rara vez vista en el cine social español.

Viaje al cuarto de una madre Celia Rico

El Reino

Tras su premiado corto Luisa no está en casa, la sevillana Celica Rico Clavellino debuta en el largometraje con otros dos retratos íntimos femeninos, los de una madre y su hija. Delicada y certera, la cinta ofrece además excelentes interpretaciones, con especial mención a Anna Castillo, fuera de su registro habitual.

La consagración definitiva de Rodrigo Sorogoyen como cineasta llega con una película sobre la corrupción en España a la altura de los grandes thrillers políticos de Alberto Rodríguez o Enrique Urbizu. Con La red social de Fincher en el punto de mira, Sorogoyen consigue su obra más contenida y precisa. Excelente De la Torre.

—j. picatoste verdejo

Arantxa Echevarría

—r.r.s.

Rodrígo Sorogoyen

—j.p.v.

Quién te cantará

La enfermedad del domingo

I Hate New York

Yo la busco

Todos lo saben

Carlos Vermut

Ramón Salazar

Gustavo Sánchez

Sara Gutiérrez Galve

Asghar Farhadi

Vermut se confirma como uno de los perros verdes del cine español con una nueva película enigma que evoca los fantasmas emocionales y el terror psicológico de autor de Ingmar Bergman. En Quién te cantará hay espacio también para el costumbrismo marciano, el humor negro y el latido interior inquietante que, a veces, produce la existencia. —xavi sánchez pons

Tres nombres triunfan en La enfermedad del domingo. Duelo de actrices espléndido entre Bárbara Lennie y Susi Sánchez en este frío reencuentro de una madre y su hija. Y Ramón Salazar, que, con una dirección exquisita, elegante y poética, se reivindica como cineasta después de más de una década en segundo plano.

Gustavo Sánchez debuta con un documental salpicado de intenciones experimentales y rodado nada menos que a lo largo de diez años. A través de sus cuatro protagonistas (Chloe Dzubilo, Amanda Lepore, T De Long y Sophia Lamar), nos sumerge en las distintas caras de la transexualidad en una ciudad de las monstruosas dimensiones de Nueva York. —joan s. luna

El prometedor debut de la catalana Sara Gutiérrez Galve, una suerte de ¡Jo qué noche! barcelonesa, seduce por su frescura, la naturalidad de sus interpretaciones, el retrato despreocupado de una generación y el elenco de personajes secundarios en torno a su protagonistas, un muy notable Dani Casellas premiado en Málaga.

El último filme del iraní Farhadi constata, aún en territorio extranjero, lo que todos ya sabíamos. Por una parte, su maestría analizando personajes a través de tramas de thriller. Por otra, la grandeza interpretativa de Javier Bardem, capaz de incorporar nuevos matices a su repertorio después de treinta años de carrera.

—j.p.v.

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—j.p.v.

enero 2019 #41

LOS MEJORES libros musicales nacionales

o hay discusión posible. La segunda parte de Loops, firmado por Javier Blánquez, es una obra de referencia que nadie interesado por la música actual puede dejar pasar. A partir de ahí, hemos seleccionado títulos de lo más diverso, todos ellos con su peso y su interés, al margen de lo que conectemos o no con los artistas sobre los que giran. Lean y disfruten, pero sobre todo aprendan y descubran otros puntos de vista sobre la música de nuestro tiempo: desde el power pop a la música industrial, desde el pop de los sesenta al de los ochenta. Desgraciadamente, fuera quedan algunos títulos que tampoco podemos dejar de recomendar como Mánchester. El sonido de la ciudad (Marcos Gendre), Historia del rock andaluz (Ignacio Díaz Pérez), Elvis. El regreso (Eduardo Izquierdo) Alice Cooper. Bienvenidos a su pesadilla (Sergio Martos), ¿Quién cantará en tu entierro? (Juan Carlos León), Apolo. 75 años sin parar de bailar (Eva Espinet), Pianistas de blues (José María Domenech) o Carne de cañón (Enric Montefusco). —joan s. luna

Blues de la frontera

Endora

Pata Negra

Ricky Lavado

Efe Eme

Bandaàparte

Marcos Gendre le dedica un ensayo a uno de los cruces de caminos musicales más fructíferos entre dos maneras de entender la música: el flamenco y el blues de la mano de los hermanos Rafael y Raimundo Amador, Pata Negra. Un gran momento de la historia de la música española.

—curro velázquez-gaztelu

Sabíamos que Ricky Lavado es excelente batería y que se desenvuelve muy bien en nuestras páginas como crítico, pero ahora además nos descubre que tiene madera de escritor. Lo hace con estos veinte relatos plagados de secretos desvelados, de anécdotas, de golpes y de alegrías. —joan s. luna

Javier Blánquez

Camino Soria

3 minutos de magia

Reservoir Books

Edi Clavo

Carlos Pérez de Ziriza

Contra

Efe Eme

Tras Electricidad revisada (Milenio, 15), Edi Clavo vuelve a las librerías con Camino Soria. El que fuera batería de Gabinete Caligari relata el proceso de creación y gestación de un disco que se ha convertido en referencia imprescindible en la crónica del pop rock español.

—oriol rodríguez

Carlos Pérez de Ziriza se sumerge hasta las entrañas de un animal al que le tiene especial cariño: el power pop y la new wave. A partir de Big Star, queda establecida la marca de salida tras la que Carlos hilvana una telaraña que llega hasta nuestros días. Cientos de grupos y discos reevaluados con atinadas críticas. Imprescindible. —marcos gendre

JAVIER BLÁNQUEZ FOTO: ARCHIVO

Doce meses de magia

1 Loops 2

Javier Blánquez firma una extensa segunda parte de esta “Biblia de la música electrónica” que abarca lo sucedido y bailado en las lides de la música hecha con máquinas y aledaños, desde los albores del siglo XXI y hasta la actualidad. Nos ofrece su autorizadísima opinión, escrita con adictiva maestría sobre esto y mucho más. —fernando fuentes

Gene Clark. Vuela hacia el sol

Johnny Halliday. A toda tralla Felipe Cabrerizo

Escenas olvidadas. La historia oral de Golpes Bajos

Can, el milagro alemán

Álvaro Alonso

Jaime Gonzalo

Música industrial. La deshumanización del sonido

Lenoir

Expediciones Polares

Xavier Valiño Efe Eme

Libros Crudos

Fernando O. Paíno Milenio

Alonso no solamente entrevista a familiares y amigos de Clark, sino que realiza el trabajo de un auténtico arqueólogo, con un nivel de documentación que pocos pueden presentar. Un libro magnífico en tiempos en que las biografías musicales caen como churros. Engrandece la profesión de periodista musical.

Gracias a estas páginas, el lector descubrirá que Johnny supo darse cuenta antes que la mayoría de la habilidad guitarrística de un tal Jimi Hendrix, que una noche de parranda lo podía hacer tirar a la basura un cuadro del mismísimo Francis Bacon o que en su país era más conocido que The Beatles o The Rolling Stones. —eduardo izquierdo

Estamos ante un magnífico y muy necesario ejercicio de pura antropología musical desde una visión casi matemática, por certera y honesta, del periodismo musical. Xavier Valiño tira de extensa hemeroteca y grabadora para recoger fielmente cientos de testimonios directos de los cuatro protagonista. —fernando fuentes

Zafándose de la habitual estructura al uso, este volumen explora de manera paralela las vivencias de la banda germana, su producción discográfica y consecuentes giras con el impacto que toda esta actividad tuvo en nuestro país. Una obra de cabecera para entender a una de las bandas más influyentes del pasado siglo. —manuel borrero

La principal cuestión a resolver era establecer los límites de un género especialmente permeable como es el industrial. Lo resuelve con una amplia introducción protagonizada por Throbbing Gristle y la bandas del ya mítico England’s Hidden Reverse, y una recta final dedicada al noise, dark ambient y el sonido post-industrial. —ernesto bruno

—eduardo izquierdo #42 enero 2019

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2018LOS MEJORES CÓMICS nacionales

¡Universo!

Máculas

Albert Monteys

Jordi Pastor y Danide

Astiberri

Spaceman Project

Tras sorprendernos en su edición digital vía Panel Syndicate y estar nominado a los Eisner, ¡Universo! merecía ya su traslado al papel consolidando su posición en la actualidad. Ciencia ficción y humor se entremezclan, sumándose además como virtud el mejor dibujo que haya creado Monteys hasta la fecha. Diversión asegurada. —joan s. luna

Pastor y Danide nos dejan sin palabras tanto narrativamente como con los espectaculares dibujos. Máculas es un cómic que trata de las historia del superhéroe Dott Spot y de sus creadores cuya relación va unida viñeta tras viñeta y página tras página a un ritmo tan trepidante que te hacen sumergir en una espectacular aventura. —eduard tuset

Borja Gonzalez

El tesoro del cisne negro

Rey Carbón

Reservoir Books

Paco Roca y Guillermo Corral van Damme Astiberri

Max

Basado en un caso real en el que Corral jugó un papel importante, en El tesoro del cisne negro hay aventura, corrupción, conflictos diplomáticos y política internacional combinados en las dosis justas y adecuadas. Su mayor logro es, al margen de que se lea con fruición, que Paco Roca ha encontrado a un excelente compañero de viaje. —j.s.l.

Con dos personajes nacidos de la verborrea filosófica de Vapor (2012), Max construye una compleja epopeya muda que nace con el hilo de la historia, la línea de la viñeta o ese contorno que uno de los personajes descubre en la pared de una cueva y que dibuja intensamente. Un cómic absorbente, tan minimalista como complicado. —manu gonzález

Agujeros negros... Luces brillantes 1 E

s más que palmario que la factura nacional de este año ha sido asombrosa y nada hemos de envidiar a lo que se hace fuera de nuestras fronteras. Han triunfado pesos pesados con grandes obras (Paco Roca y Max publicando a final de año dos tebeos que serán longsellers), nombres semidesconocidos (Diego Corbalán, María Medem) y nuestros clásicos (Monteys, Danide-Pastor, Kim, Duran-Giner Bou-Ballester), que siguen acaparando las mesas de novedades con cómics imperecederos, demostrando una vez más la buena salud del noveno arte patrio. Mención especial al rara avis Borja González, que con The Black Holes, maravillosa ensoñación con dosis perfectas de punk y sci-fi ha logrado convencer al gran público. Ah, pero se quedaron fuera de nuestro top excelentes cómics de artistas como Lorenzo Montatore, Mamen Moreu, Alfonso Zapico, Daniel Torres, El Torres & Fran Galán o Altarriba & Keko, todos ellos imprescindibles en cualquier estantería que se precie. —octavio botana

The Black Holes

Si con La reina orquídea (16) se asentaban los cimientos de lo que intentaba construir al dibujante y guionista Borja González, en su imaginativo The Black Holes, el autor abraza abiertamente las formas y esencias de un proyecto creativo que tiene tanto de exploración de nuevos territorios como de autodescubrimiento. —alex serrano

La Cúpula

Cenit

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El método gemini

Nieve en los bolsillos

El día 3 Cristina Durán,

María Medem

Ana Galvañ

Magius

Kim

Apa Apa

Apa-Apa

Autsaider

Norma Editorial

Miguel A. Giner Bou y Laura Ballester Astiberri

María Medem se ha perdido en paisajes que podrían ser del fotógrafo Harry Gruyaert o del pintor De Chirico; ha soltado a Vladimir y Estragón de Samuel Beckett y ha volcado una paleta de colores ciertamente sugerentes que hacen pensar en el trabajo de Cynthia Alfonso. La posición del sol es importante y la coda de cada capítulo también. —o.b.

Pulse enter para continuar es la primera obra larga de una Ana Galvañ con muchas horas de vuelo en relatos cortos y diversas antologías. Una celebración del desasosiego y la alienación que no hace más que reforzar a la autora como una de las voces más interesantes del cómic de los últimos años.

Bienvenidos a la tortuosa vida de Mike Dioguardi, aprendiz de carnicero que entra en la mafia y consigue hacerse un lugar en el mundo de los negocios. Con un imaginario cinematográfico del que Magius (Diego Corbalán, Murcia, 1981) no puede ni quiere esconderse, este sangriento cómic te deja seco el cerebro página a página. —o.b.

No os fiéis de las películas de Alfredo Landa y su visión cateta del inmigrante español en la Alemania de los años sesenta. Aquí está Kim, un imprescindible de la historieta española, que retrata en clave personal lo que le ocurrió a él en ese viaje-escapada del franquismo a la Europa necesitada de mano de obra barata. —o.b.

A partir de testimonios directos y documentación, Cristina Durán, Miguel Angel Giner y la periodista Laura Ballester reconstruyen con precisión y cariño la lucha de los familiares y víctimas del accidente de metro en Valencia de 2006 en busca de justicia y responsabilidades entre los políticos y los directivos de Metro de Valencia. —a.s.

—alex serrano

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enero 2019 #43

44/Mondo Conexiones Jon & Joe <> Movistar+

El pasado 17 de diciembre se estrenó en #0 de Movistar+ el documental sobre black metal In the name of Satan, el primer capítulo de “Jon & Joe”, una producción de Movistar+ en colaboración con La Caña Brothers. En esta entrega – no hay confirmación de que tenga una continuidad- el musicólogo y jurado de OT Joe Pérez-Orive y el periodista Jon Sistiaga (Tabú”) viajan a Noruega para indagar en este subgénero del heavy metal, mezclando viajes con música, drama y también comedia.

Lenovo <> Lenovo Sounds Different

l próximo 17 de enero el WiZink Center de Madrid acogerá el festival solidario Lenovo Sounds Different, con un cartel compuesto por Love of Lesbian, La Habitación Roja, Elefantes, Neuman, Varry Brava, Maico, Siloé, Dorian DJ y Ochoymedio DJs. Los ingresos serán donados a diferentes proyectos benéficos creados por Fundela, Fundación Aladina, Fundación Bobath, Cris Contra el Cáncer y Menudos Corazones. Con motivo de este concierto, nos sentamos con Love of Lesbian para conocer más acerca de este proyecto. —¿Qué os motiva a participar en un concierto solidario como lo es “Lenovo Sounds Different”? Cada año intentamos estar en dos o tres eventos solidarios, casi por un tema de tranquilidad de conciencia y ver que estamos aportando con la música algo que es tangible, en este caso un ingreso para unas organizaciones que sabemos lo van a emplear en algo muy necesario. —¿Soléis recibir bastantes propuestas de este tipo? Cuando estamos de gira siempre intentamos participar en eventos solidarios. Aunque nos gustaría estar en todos, por desgracia tenemos que ser selectivos ya que vivimos del directo. Lenovo Sounds Different es una oportunidad para aprovechar la magnitud de la banda para vender más tickets y que todo ello tenga una finalidad social. —¿Qué pueden esperar vuestros seguidores del concierto en el WiZink Center? Justo acabamos de lanzar un tema nuevo para la banda sonora de Memorias de un hombre en pijama, una canción que a la gente le está gustando mucho y que no tenemos tantas oportunidades de tocar en directo. Por eso quizás el concierto de Lenovo sea un buen momento para hacerlo. —¿Algún grupo del cartel con el que os haga especial ilusión tocar? Por una cosa o por otra nos hace mucha ilusión compartir escenario con todos ellos. Con Elefantes compartimos local de ensayo y con La Habitación Roja hemos crecido juntos, al igual que con Dorian. Con la gente del Ochoymedio coincidimos bastante y hemos ido a pinchar algunas veces a su fiesta. Y con Varry Brava siempre recordamos un concierto en el que coincidimos hace muchísimos años, cuando aún no estaban llenando salas como ahora, y pensamos “Guau, ¿y estos chavales?”. Love of Lesbian se despiden con una última petición: “por favor, acercaros todos al concierto solidario Lenovo Sounds Different en el WiZink Center. Es por una buena causa”. www.lenovomusica.com #LenovoSolidario #44 enero 2019

Primavera Sound <> Pull & Bear Primavera Sound y Pull&Bear, la cadena de moda joven del Grupo Inditex, se unirán en 2019 en un proyecto global que promueve la sostenibilidad a través de la música y la moda. Es la primera vez que el festival barcelonés desarrollará una colección de ropa con el sello de su marca. A su vez, Primavera Sound actuará como una plataforma de contenidos audiovisuales para la marca de ropa, incluyendo la ambientación musical de sus tiendas.

Barceló Imagine <> “Room for a jam” Barceló Imagine le ha dado un giro al tradicional servicio de room service y ha creado el primer menú que en lugar de platos sirve instrumentos musicales. Con solo una llamada a recepción, el huésped que se aloje en este céntrico hotel madrileño podrá tener todo lo necesario para montar una íntima sesión de jamming dentro de su habitación.

Sonido Muchacho <> Un gran año 2019 es un año que viene cargado de nuevos lanzamientos del sello Sonido Muchacho. Anota estas fechas: el 1 de febrero verá la luz el inesperado regreso de unos míticos como Los Nikis con el EP Menos de lo mismo. El 15 de febrero, los que publican su nuevo disco con el sello madrileño son Airbag: se llamará Cementerio indie. En marzo conoceremos el sonido de Antifan, el grupo liderado por Jerva de AGZ. Y en abril, por fin, podremos escuchar al completo el primer álbum de Carolina Durante.

Sonorama Ribera <> Acción Contra el Hambre El gran cabeza de cartel de esta edición de Sonorama Ribera, que se celebrará los días 7 a 11 de agosto en Aranda de Duero, es accioncontraelhambre.org: “La asociación Art de Troya, organizadora del festival, destina todas las acciones de este año a favor de este proyecto. Así mismo durante el festival se celebrará un concierto histórico con los principales artistas de nuestro país y cuyo caché valorado adecuadamente irá destinado a este proyecto”. El festival ya ha confirmado a artistas como Carlos Sadness, Depedro, Love of Lesbian, Grises, Miss Caffeina, Muerdo o Shinova. Las entradas están a al venta en su web. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

CMY

Hablan los artistas “Yo no necesito que me sigan llamando rockera, aunque si quiero lo soy más que nadie”

Como de costumbre, los números de enero de cada año son los que sirven de repaso a la cosecha del año anterior. Vamos por tanto a echarle un vistazo a algunos ejemplares que nos han dejado detalles y datos para el recuerdo.

(Cristina Llanos, de Dover, enero de 2007)

RREn el número 70, correspondiente a

RREn enero de 2007 nos aventuramos a

enero de 2001 y concretamente en la lista de Mejores Discos del Año internacionales, colocamos en la primera posición a dos artistas, At The Drive-In y Sunny Day Real Estate por sus discos Relationship Of Command y The Rising Tide. Por detrás quedaban artistas como Primal Scream, Radiohead, Yo La Tengo o Queens Of The Stone Age. Se trataba de dos verdaderos clásicos de culto, sin duda, pero… ¿mantienen su valor a día de hoy para nuestros lectores? El debate está abierto.

lanzar un número –el 136– con doble portada con los artistas protagonistas del año, los galardonados con el Mejor Disco del Año según nuestra revista. Se trató de TV On The Radio por su Return To Cookie Mountain y Standstill por Vivalaguerra.

nista del número 191 en enero de 2012, gracias al que consideramos el Mejor Disco Internacional de 2011, Let England Shake. Una diosa a la que continuamos rindiendo pleitesía.

(Robert ‘3D’ Del Naja, de Massive Attack, en enero de 2010)

etapa intermedia de MondoSonoro era Confesiones, un apartado en el que un artista reivindicaba a uno de sus ídolos, especialmente un nombre que no encajase demasiado con la música del seleccionador. En enero de 2007, contamos con Eric Fuentes (The Unfinished Sympathy), que firmaba una verdadera loa a uno de los grandes nombres de lo que fueron los new romantics y todavía en activo, Duran Duran.

“Los italianos podemos llevar el sonido francés a las más altas cotas de marranería, acidez y pastillismo” (Sir Bob Cornelius Rifo, de The Bloody Beetroots, enero de 2010)

Borja Duñó, a propósito de Heartbreaker de Ryan Adams, enero 2001

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“Desde ya una obra básica” Joan S. Luna, a propósito de The Ionic Spell, el debut largo de Standstill cantado íntegramente en inglés, enero 2001

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“Con solamente dos discos, ha redefinido los límites del folk moderno. ¿Las claves para conseguirlo? Un gusto por el riesgo casi suicida y una candidez y sinceridad que la hacen irresistible” Xavi Sánchez Pons, a propósito de YS de Joanna Newsom, enero de 2007

#46 enero 2019

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Hablan los críticos

“El disco es pura magia, esa magia que solamente contados personajes como Ryan Adams saben obrar”

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Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

RRUna de nuestras secciones favoritas de la

RRPJ Harvey fue la gran protago-

“Ya hay demasiada música alegre y evasiva… Prefiero llegar al oyente, emocionarle y, por qué no, hacerle llorar”

Edita Sister Sonic, S.L.

“Un álbum tan exigente como plagado de recompensas, que desde ya se convierte en la primera obra maestra del dúo de Seattle”

Fotografía: Gustaff Choos, Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

f 185.383 seguidores t 94.900 seguidores g 232.445 seguidores 49.300 seguidores 72.138 seguidores x 8.242 seguidores

Luis J. Menéndez, a propósito de Monoliths & Dimensions de Sunn O))), enero de 2010

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