MondoSonoro febrero 2019 by MONDO SONORO

Nยบ 269 Febrero 2019 www.mondosonoro.com

crystal fighters, lรกgrimas de sangre, NICOLA CRUZ, SIDONIE, TRIBADE, URFABRIQUE, SECOND, SHARON VAN ETTEN BRING ME THE HORIZON, PREFAB SPROUT, DREAM THEATER, LISABร , DEERHUNTER, HARD GZ, SHOTTA, ECHO & THE BUNNYMEN

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CMY

21/1/19

17:20

cia "Hemos vuelto a la esen a del primer disco, con un ás energía más cruda, m bailable" El pasado noviembre, Crystal Fighters publicaron nuevo material, el correspondiente al EP Hypnotic Sun (CF/Warner, 18), que sirve de adelanto de su próximo álbum. Ahora toca el momento de presentarlo en directo ante el público español.

la hora pactada suena el teléfono, pero Sebastian Pringle ‘Bast’, no responde. Un segundo intento, tampoco. En mi cabeza aparecen todo tipo de situaciones que podrían estar reteniéndole: quizá se haya dormido después de una noche de jarana, o esté liberando ratas de laboratorio junto a activistas de P.E.T.A. o esté pintando un cuadro poseído por un frenesí artístico y haya olvidado mirar el móvil. Un día más tarde -y al segundo intento-, conseguimos hablar con él, llegaba tarde porque una reunión en su sello discográfico se había alargado. Vaya, mucho menos dramático de lo que esperábamos. Sin embargo, todas esas situaciones son en cierta manera, escenarios plausi-

bles de lo que debe ser un día a día en la vida de Crystal Fighters a día de hoy. Un grupo que, lejos de avergonzarse de haber sido etiquetado como “grupo de festival”, se ha adueñado de esa narrativa para moverse cómodo entre las arenas movedizas del indie más mainstream. Su reciente EP, Hypnotic Sun, cuenta con la colaboración de Bomba Estéreo en el tema Goin’ Harder, también una versión de Feed Me del single All My Love y varios elementos que resumen su trayectoria. “Sí. Imagino que en este EP hemos vuelto a la esencia del primer disco, con una energía más cruda, más bailable”, asegura Bast. Entonces, el que será vuestro cuarto trabajo ¿estaría más cerca de Star Of Love (10) que de Everything Is My Family (16)? “La idea es incorporar más colaboraciones

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5/Mondo freako

Crystal Fighters Un lugar en el sol

como la de Bomba Estéreo, además de hacer que suenen más voces femeninas, como en el primer disco. Para nosotros, el elemento rave también es muy importante, ya que nos encanta tocar en los grandes festivales delante de un montón de gente, porque nos permite ofrecer al público una experiencia. Pero irá en esa línea, sobre reconectar y sobre todo sobre cómo encontrar el equilibrio entre la vida que llevábamos antes, mucho más natural, y conciliarla con la tecnología y el momento que estamos viviendo ahora”, explica el cantante. Será un cuarto esfuerzo que además publicarán bajo su nuevo sello, Warner Music, lo que supone un cambio de dinámicas. “¡Uf, sí! Al principio pensamos en todo lo que suponía, porque no quieres que tus

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MONDO FREAKO

LA MÍA Mirando atrás con ira

fans piensen que te has vendido, ni tampoco queríamos hacer cosas en las que no creíamos”, confiesa Bast. Una década después de su formación, Crystal Fighters parecen dispuestos a encontrar el equilibrio en todo lo que hacen; ya sea firmar con una multinacional y seguir invirtiendo cierta parte de sus beneficios en programas sociales, o ser una banda conocida por su vibe festiva mientras proclaman -dentro y fuera de los escenariosmensajes que muchos considerarían abrazaárboles. “Al principio no pensaba en nada de todo esto, no tenía ni idea, solo estábamos haciendo música porque nos encantaba la música del País Vasco, los ritmos hispánicos. Pero ahora estamos creciendo y mucho, y está definiéndose quién somos y cómo trabajamos. La banda se ha convertido casi en una medicina para nosotros. También hemos pasado momentos durísimos, como la muerte de Andrea. Y luego está lo de aprender a sobrellevar tu carrera con tus amigos, hacer ciertas cosas y mantener tus principios… Cada día hay lecciones que aprender y estamos agradecidos de poder estar aquí. De alguna manera no éramos conscientes, pero el nombre incluso de la banda, Crystal Fighters, tiene esa idea de naturaleza, de cristales curativos. Cuando lo pensamos, solo nos parecía un nombre guay sacado del diario del abuelo de Laura, pero es increíble la manera en la que todo cobra sentido”.

—marta terrasa

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en concierto l A Coruña 7 marzo. Pelícano l Zaragoza 12 marzo. Sala Multiusos l Barcelona 13 marzo. Hivernacle Poble Espanyol l Madrid 15 marzo. Wizink Center l Murcia 16 marzo. Auditorio Parque Fofó

#6 febrero 2019

EL APUNTE

Big In Spain Mucho ha llovido desde aquel Día de la Música en 2011 en el que Crystal Fighters actuaban frente a un público que acababa de descubrir rompepistas como I Love London o Xtatic Truth. De ahí, la lista de festivales no ha hecho más que crecer y la base de fans del grupo londinense se ha elevado al cuadrado, mientras estos, a su vez, son cada vez más jóvenes. ¿Por qué triunfan Crystal Fighters tantísimo en nuestro país? “Imagino que es porque estamos tan influenciados por la cultura española e hispánica en general, los ritmos, la actitud de la gente y todo eso. Pasamos mucho tiempo en España, tenemos buenos amigos ahí, y nos encanta cómo os relacionáis con el mundo, vuestra lengua, y otros factores que definen la cultura. Cada cultura es de una manera concreta, los británicos son de una manera y se comportan como tal. Y a nosotros nos habéis inspirado con vuestra manera de ver el mundo y eso ha resonado en nuestra música, que a su vez os toca de cerca a vosotros. Así que es como una especie de relación simbiótica. Estamos muy agradecidos por el apoyo que tenemos en España y en los países de habla hispánica y tenemos muchísimas ganas de volver pronto”. En cuanto a lo de la edad, la última vez que hablamos con Bast, nos confesaba que no entendía muy bien cómo había pasado. “Es verdad que llegamos a gente mucho más joven. Igual es por como nos ven o por nuestro directo, o simplemente es un fenómeno paranormal”. O quizá es porque hay una nueva generación de fans para los que las barreras entre lo indie y lo comercial no existen y solamente quieren bailar. —m.t.

e entre quienes lean esta columna habrá quienes hayan leído o visto representado ese clásico del teatro moderno británico llamado Look Back In Anger. El protagonista de la obra de John Osborne, un joven llamado Jimmy Porter, se enfrenta a la vida con rabia constante, traicionando y decepcionando, haciendo pagar a otros sus cuentas pendientes internas. Es un trompetista mediocre cuyas palabras están siempre impregnadas de una maldad que no deja crecer el verdadero amor a su alrededor. Porter siente que no está en el lugar en el que debería estar y de ahí surge un desprecio constante a su pareja, culpándola quizás de haber tenido las mismas oportunidades que ella en la vida. A Jimmy quizás le hubiera gustado reescribir el guión de su vida, pero es demasiado tarde ya para hacerlo. El caso es que, de un tiempo a esta parte, una parte del periodismo musical y cultural de este país parece obsesionado por mirar atrás con una ira que parece contraerles el estómago y el gesto, una ira que, habiendo vivido lo mismo que ellos, me parece de lo más absurda y malintencionada. Y es que un servidor cree haber aprendido mucho de todo lo escuchado, de todo lo vivido, de los aciertos y de los patinazos. Todo ha sumado y me ha permitido establecer mis propios razonamientos, en resumen a ser yo mismo pasito a pasito. Habré escuchado muchos discos que no han aguantado bien el paso del tiempo, pero tampoco era yo entonces quien soy en el momento de escribir estas líneas. Valoro los discos que me hicieron disfrutar y sobre todo he aprendido a relativizar lo que supusieron, a entender que el contexto ha cambiado y que no todas las obras artísticas mantienen su misma validez a lo largo del tiempo. Soy el primero a la hora de reírme de mi mismo, pero para ello no veo necesario reírme de los discos que me gustaron muchos años atrás. Porque era a mí a quien le gustaban. Nadie me obligó a ello. Eso tampoco significa que vaya a reverenciarlos sobremanera porque supusieran la banda sonora de mis años de juventud. Sencillamente he aprendido a poner cada cosa en su lugar. Quizás sea un iluso o un estúpido, pero lo que no soy es uno de esos tipos que pretendían sentar cátedra muchos años atrás hasta extremos ridículos y que, ahora, décadas más tarde, pretende hacer lo mismo que hacían entonces, solo que ridiculizando a diestro y siniestro. No son uno, son unos cuantos, y quizás por ello se creen más fuertes que el recuerdo que algunos tenemos de lo vivido y sentido. Quieren subrayar que son los únicos que ven al rey desnudo, cuando en realidad solo reclaman atención en este duro mundo en el que nos está tocando vivir. ¿Sabes cuál es mi mayor error? Darles, en ocasiones, mayor importancia de la que en realidad tienen. Así que punto y final. —joan s. luna

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Acid Lemon (productor) y Neidos (voz) nos han abierto las puertas del local de Lágrimas de Sangre en el barrio barcelonés de Nou Barris para explicarnos cómo han plasmado la evolución de su carrera en Vértigo (Vértigo Record, 19), un firme paso adelante en su trayectoria.

pesar de ser poco convencionales y de querer evitar caer en tópicos, tanto Acid Lemon como Neidos coinciden en que este nuevo disco de Lágrimas de Sangre es el resultado de un proceso más íntimo comparado con los anteriores. “Antes reflexionábamos sobre conceptos que no tenían por qué ver con nosotros, pero ahora estamos delante de reflexiones propias sobre temas que también son nuestros”. Neidos recalca que, con el título del disco, también quieren dar fuerza a esta idea de crecer a través de lo vivido. “Hablamos de la impresión y del vértigo que nos ha provocado crecer y llegar hasta aquí”. Pero, como no es fácil consensuar todas estas reflexiones y menos aún cantando sobre reivindicaciones de lo cotidiano, ambos bromean diciendo que hacen rap asambleario, puesto que lo debaten todo, ya que “la parte difícil es que las canciones y sus temas nos tienen que representar a los cinco”, afirma el productor. A la dificultad de consensuar sobre temas comprometidos se le junta que gran cantidad del público de LDS son jóvenes que pueden estar en edades frágiles en cuanto a la creación de su propia identidad. Por este motivo, la responsabilidad que recae sobre los miembros del grupo puede ser mayor de lo que quisieran, algo que Neidos no puede evitar tener en mente a la hora de crear. “Siento mucha responsabilidad. Si no piensas bien qué decir y cómo hacerlo, a lo mejor incitas a un odio o problemática que en realidad no buscas ni compartes”. Siendo conscientes de eso, se muestran críticos sobre el concepto fan, a lo que Acid Lemon argumenta: “El sentido crítico de la gente que nos escucha es mucho más importante que nuestro mensaje”. Su compañero concluye: “Yo me siento más lleno si sé que la gente escucha mi mensaje porque pienso que he trascendido. Que jóvenes nos escuchen y creen su identidad a partir de ello es una consecuencia, no un objetivo. Nosotros no hacemos música para educar”. Además, creen que se ha generado alrededor de LDS un aura

Lágrimas de Sangre Creación desde el vértigo

EL APUNTE

Frente a la verdad Durante la última gira se acusó de violación a uno de sus miembros. Ahora, hablan abiertamente sobre este suceso y de lo cerca que estuvieron, como consecuencia, de dejarlo. “¿Si hubo peligro de que dejáramos la música? Cien por cien. Tengo muy claro que si hubiera sido real no hubiéramos hecho más música. ¿Con qué moral te subes a un escenario con una acusación real de violación? Todos teníamos muy claro que no hubiéramos seguido. En su momento nos plantamos porque queríamos asegurarnos a través de todos los medios de que ninguno de nosotros estuviera mintiendo. Finalmente, cuando vimos que la acusación era falsa y que no se sostenía por ningún lado, decidimos seguir adelante. Empezamos la creación de Vértigo y seguro que ha cogido tintes de eso, pero decidimos ir hacia adelante sin dudar”.—a.c.p.

de buen rollo que, en realidad, es solamente una pequeña pincelada de lo que hacen. Por ello, ahora pretenden dar un golpe sobre la mesa y exponer la otra realidad. “Nosotros venimos a hacer rap y a denunciar lo que consideramos que es denunciable”. Por otro lado, la escena del rap y de la música reivindicativa en Catalunya viven un momento de fervor,

situación que consideran ilusionante para ellos y para grupos con los que han crecido y compartido mucho, como es el caso de EAM, colaboradores en este nuevo disco. Pero no solamente encontramos colaboraciones de rap. “La colaboración de Kutxi Romero (Marea) es un honor, muchos lo seguíamos de adolescentes y contactamos desde el desconocimiento, al igual que con Miguel Noguera, y accedieron. El resto (Autèntic Home Llúdriga, Adala, Vito y Valtònyc) son compañeros con los que sabemos que podemos contar siempre que hacemos cosas”. En menos de cinco años, Lágrimas de Sangre han publicado tres discos y han girado por infinidad de ciudades, además de participar en eventos reivindicativos con ese espíritu de protesta que defienden desde que empezaron. Han crecido, se han profesionalizado y viven de la música, pero también han tenido que afrontar situaciones delicadas. Vértigo plasma la digestión de muchas de esas vivencias por parte de lo que es, al fin y al cabo, un grupo de jóvenes profesionalizados pero comprometidos con su música y sus ideas. En pocas semanas empiezan la gira y se ilusionan al preguntarles si son conscientes de lo que se les viene encima. Neidos es claro en ese sentido: “Imagina la ilusión… El día de la primera reunión de vuelta, ¡todos estábamos aquí antes de la hora que habíamos quedado!”. —andrea coll pons

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"Venimos a hacer rap y a denunciar lo que consideramos que es denunciable”

FOTO: MARC ESTIVILL

en concierto l Barcelona 23 marzo. Sant Jordi Club l Madrid 12 y 13 abril. Sala But mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

febrero 2019 #7

FOTO: ARCHIVO

WALA. WALA.

“¿Si estoy cabreado? No creo que lo esté, pero debo estarlo. No voy por la calle cabreado con ciertos temas, o no cargo con ello. Pero me gusta la música que me despierta, que tiene ese tipo de tensión. Es lo que me atrae” Liam Howlett de The Prodigy, en NME

“Hemos aprendido muchas cosas relacionadas con la industria estos años para que nadie nos tome el pelo, para no firmar contratos indeseables, para no meternos en líos. Vivimos en un mundo de hombres que son lobos para los hombres” Marc Gili de Dorian, Enderrock

más “Nunca me he sentido ” incómodo con el mundo

“Nunca he sido una alcohólica. Sencillamente estaba tratando de matarme a mí misma” Cat Power, en Q

“No me gusta que me llamen superviviente. Supervivientes fueron quienes fueron enviados a Auschwitz y sobrevivieron. Cualquier cosa a la que yo haya sobrevivido es una minucia comparado con eso” Marianne Faithfull, en Uncut

“Antes de tener ninguna banda me colé en unos camerinos diciendo que era amigo de Iggy Pop y quería saludarlo. como llevaba unas pintas tan rompedoras pensaron que debía ser alguien famoso” Peter Murphy, en Ruta66

#8 febrero 2019

Deerhunter Pesimismo ilustrado Los de Atlanta lo han vuelto a hacer: Why Hasn’t Everything Already Disappeared? (4AD/Popstock!, 19) es otro disco fascinante de un grupo único que parece no tener límites en su manera única de entender el pop.

radford Cox, excéntrico y cultivado líder del grupo, califica su octavo disco como “increíblemente desolado. Básicamente, no hay ningún optimismo al que agarrarse. Me siento así por todo. Soy muy existencial”. El contraste entre melodías luminosas y su esquinada visión de la humanidad se acentúa con sintetizadores analógicos, misteriosas marimbas, clavicordios y la casi total ausencia de guitarras. Por teléfono, Bradford se muestra tan cercano como contradictorio. “Me veo más como un cineasta o un novelista. Ser sólo un músico de rock me parece algo anticuado, de mal gusto. Prefiero encarar cada nuevo disco como lo haría un director de cine, y ver qué pasa cuando las cámaras empiezan a rodar”. Es un álbum “ante todo sobre el presente, porque nunca me he sentido más incómodo con el mundo tal y como es en este momento. Me aproximé a este problema desde varios ángulos. En lugar de quejarme, intentar comprender”. ¿Están las redes sociales en el meollo de este malestar? “Creo que son muy narcisistas, que promueven el egoísmo y las ambiciones. No me interesan mucho. Puedo disfrutar de sus posibilidades, pero no creo que se concreten demasiado. Lo que veo es mucha promoción. Lo único que me interesa son los vídeos de perros y animales”. La esquiva oscuridad del título “se define a sí misma. Es difícil explicar si tiene un significado más amplio. Creo que es el oyente quien tiene que encontrarlo. Si tienes algo enigmático, lo peor que puedes hacer es explicarlo”, argumenta.

Hablando del ambiente malsano que se vive en su país y su impacto en los creadores, Cox no está seguro de “cómo influye el tema político, pero no creo que ahora mismo los artistas estén en un buen lugar”. Sí opina que el disco como obra de arte total (y personal) que ellos cultivan, corre peligro. “No quiero sonar fanfarrón, pero no entiendo por qué cada vez más artistas tienden a encargarle el diseño a equipos ajenos. Para mí, una obra de arte pertenece a un autor. Ni siquiera me gusta la idea de Warhol. Si grabas un álbum y luego dejas que otros hagan los vídeos o la parte gráfica, te estás rindiendo”. El vocalista aprecia estar en un sello como 4AD en un momento tan volátil para las bandas. “Es una discográfica de artistas y nos apoyan mucho. A menudo me intereso yo más en cómo van las ventas que ellos. No quiero ni imaginar lo difícil que tiene que ser empezar ahora”. En una entrevista reciente, afirmaba que la accesibilidad total a la música la ha devaluado por completo. “Pero lo opuesto a eso -matiza- sería que la música fuera accesible sólo a gente privilegiada. Tengo un sentimiento que contradice mi primera declaración. Que nos puedan escuchar en España, Islandia o Taiwan, significa tanto para mí que en cierto modo no se devalúa. Por otro lado, que mucha música se produzca en busca de un impacto inmediato y sin ninguna consideración a largo plazo… eso sí que es barato”. —jc peña

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FOTO: berdea

Lisabö Sin premisas "Hacemos las cosas cuando podemos y cuando queremos" El sexteto de IrunHondarribia vuelve por sorpresa con Eta edertasunaren lorratzetan biluztu ginen (Bidehuts, 19), un disco que muestra con un equilibrio inaudito lo mejor de sus características: lisergia e intensidad.

Eta edertasunaren lorratzetan biluztu ginen Bidehuts, 2019 Post Hardcore 9/10

ué ingenuos fuimos. Pensamos que la percepción de inacción suponía inactividad y dimos por hecho, sin más, que Lisabö no estaban en la brecha. Y de repente, ¡boom!. Anuncian su vuelta con Eta edertasunaren lorratzetan biluztu ginen, siete temas que muestran el ejemplar más equilibrado dentro de su discografía. No cabe ni la más mínima duda de que siguen siendo una de las bandas post-hardcore de referencia y este nuevo trabajo puede incluso mejorar al excelso Ezarian, cuando se cumplen casi veinte años de aquel primer trabajo. Aunque tampoco debería sorprender a nadie, porque ya sabemos que Lisabö funcionan de otra manera. “Nuestros tempos, por voluntad a veces y por circunstancias otras, son los que terminan siendo. Tenemos la suerte de no tener que rendir cuentas a nadie, ni a una discográfica ni al propio mercado. Hacemos las cosas cuando podemos y cuando queremos”, destaca Osinaga. De todas formas, se muestran encantados con la acogida por parte del público. “Más allá de la propia la necesidad de crear algo no esperamos o buscamos nada con ello, y cierto es que de este modo todo lo que se pueda recoger aparece como un regalo que apreciamos enorme y sinceramente”. Merece la pena subrayar el trabajo de Martxel Mariskal, componente fijo que explora la faceta lírica del grupo. El título del disco (“Y nos desnudamos tras el rostro de la belleza”) resume perfectamente el concepto de belleza que quieren transmitir. “Los paisajes que Martxel propone en este disco, sin ser diferentes a otros de discos anterio-

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res, suponen imágenes y universos más intensos y profundos en muchas de las ocasiones. Se habla de la belleza como motor de búsqueda en la vida, efectivamente. Sin máscaras. En el camino, en el dolor, la luz, el miedo, la verdad, la vida, la muerte, las personas, el amor, la herida, el origen… Nos acostumbramos hace ya mucho a conjugar la música que salía del local con los textos de Martxel, y hoy por hoy sería imposible imaginarlo de otro modo. No existe esa posibilidad”. Y, ¿cómo se enfrenta Lisabö al reto compositivo que supone un nuevo disco y con bajas en la formación? “No hay una premisa fijada, más allá de algo que siempre nos ha guiado y que no es otra cosa que solo nos puede valer algo

que nos mueva, esa es la búsqueda. No tiene pérdida: o te mueve o no te mueve. No hay misterios. A partir de ahí empiezan a surgir estructuras, engranajes, y ejercicios narrativos hasta completar las canciones y el disco al completo, incluyendo todo, continente y contenido”. Todo bajo el paraguas de Bidehuts, sello que alberga a Joseba Irazoki, Anari, Audience... y que ellos ven más como “un grupo de trabajo amateur”, aunque todos sabemos sobramente que publican sus trabajos con una seriedad y profesionalidad que ya quisieran muchos. —xabier doncel

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el apunte

Lisabö, largo recorrido Dejarse caer en la discografía de Lisabö conlleva un plus de alto riesgo emocional. En Ezarian (00), su primer álbum oficial, los vascos ya avanzaban una caligrafía en la que las crecidas eléctricas se cocinaban en la misma olla que las de grupos como Come, Shellac y Codeine. Dicho caldo de cultivo fue ampliado entre las cuatro esquinas del infravalorado Izkiriaturik Aurkitu Ditudan Gurak (05), en el que glosa un crisol de invitados como el tremendo Michel Cloup,

quien fuera miembro de Diabologum y que, por aquellos días, formaba parte de Expérience. Solo dos años después, el campo de batalla se centró a la materia incandescente post-hardcore. Intensidad al límite, plasmada en Ezlekuak (07), la primera de sus obras cumbre y en la que emerge el sustrato volcánico de sus directos. Cuando parecía que la apuesta no admitía cartas más altas, llegó Animalia Lotsatuen Putzua (11), media docena de cortes atronadores que únicamente han podido ser igualados por ellos mismos, con Eta Edertasunaren Lorratzetan Biluztu Ginen (18), un nuevo ejercicio de visceralidad poética sin parangón.

—marcos gendre

febrero 2019 #9

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MONDO FREAKO

Nicola Cruz El baile de la libertad Después de conquistarnos con su combinación de electrónica contemporánea y tradición andina, Nicola Cruz vuelve con Siku (ZZK Records, 19), el que será su disco de confirmación. Y este año además podremos verle de nuevo en diversos festivales.

"Lo que me suele atraeribir de los artistas es perc hay que en la composición honestidad"

EN LA MALETA

ientras medio mundo pensaba que el dubstep y/o la EDM marcarían la evolución de la música electrónica, un veinteañero ecuatoriano decidía que en la música de antes

Miqui Brightside A medio camino entre el r&b, los future beats y la experimentación, Miqui Brightside tan pronto puede telonear a Daedalus o trabajar con Damed Squad como remezclar a Delaporte. Este mes presenta Live Show en Madrid (6 febrero, Sala El Sol).

#10 febrero 2019

res productor antes que DJ o prefieres pinchar por el contacto con el público? Creo que soy más productor. Pero realmente no diría nunca que no a la parte de pinchar, simplemente el proceso de producir es algo mucho más dinámico y amplio y por el momento es lo que más estoy disfrutando. —¿Cuál ha sido tu mejor sesión hasta la fecha? ¿Recuerdas también cuál ha sido la peor y por qué motivo en concreto? Uf, buena pregunta. La mejor seguramente fue en el FIB 2016, fue uno de esos días en los que tienes la impresión de que puedes ponerte todo lo creativo que quieras porque no vas a fallar en nada. La peor creo que fue en París hará unos cinco años, sencillamente porque fue la única vez en la que tuve que pinchar seis horas seguidas y siendo sinceros, no estaba en absoluto mentalizado. —¿Para cuándo un live-show que recoja las canciones en las que has trabajado hasta la fecha? Pues justo para este 6 de febrero en la Sala Sol (Madrid). Llevo más de medio año trabajando en un show que une luces y música totalmente programados. Creo que era el momento de crecer y ésta era la mejor manera de hacerlo. —¿En qué medida valoras la técnica a la hora de pinchar? ¿Eres un DJ con técnica o crees que tu fuerte es la

de ayer encontraría el ritmo de pasado mañana. Nicola Cruz debutaba con Prender el alma (15), un álbum en el que exploraba en las raíces de la música andina, pero también en elementos ancestrales de las comunidades indí-

selección de temas? La valoro en gran medida a decir verdad. Sí que es cierto que hay mucho seleccionador musical que lo hace de maravilla pero creo que la técnica es eso que te diferencia de otros DJ’s. Personalmente creo que tengo una técnica bastante marcada y mi fuerte muchas veces son los loops y los efectos. Es en lo que más me apoyo además para mezclar estilos. —¿Cuál fue la primera sesión que viste que te voló la cabeza? ¿Qué DJ’s te han servido de inspiración? Uhm, seguramente la primera sesión que hicieron Point Point en el Social Club de París (que en paz descanse tan maravilloso local). Fue la primera vez que escuché esa mezcla de sintetizadores con instrumentos de viento y hip hop, todo increíblemente bailable, pero a 140bpm. Yo no entendía nada. Ellos sin duda me han servido de inspiración, pero gente como Mura Masa, San Holo o Flume son posiblemente quienes más me han inspirado. —¿Cuáles son tus DJ’s actuales favoritos y por qué motivos? En cuanto a DJ’s creo que puedo mencionar claramente a Nina Las Vegas, Cashmere Cat o Sam Gellaitry entre otros. Creo que la capacidad de hacer bailar con temas fuera de los canones es algo mucho más complicado de lo que parece, y éstos siempre parecen hacerlo siempre fácil.—MS

genas, combinándolo con electrónica contemporánea, haciendo de lo orgánico, electrónico, y viceversa, y articulando tanto uno de los discursos más sólidos como uno de los movimientos musicales más revolucionarios de los últimos años, siendo el mascarón de proa de un barco que ha recibido apelativos como los de “folktrónica” o “Andes step”, y que no es nada de eso ni todo lo contrario. “A través de propuestas como la mía se estableció un camino para mucha gente que quería canalizar esta idea. Y, a raíz de esto, se ha creado un movimiento que conlleva un montón de cosas buenas y malas”, dice, y desarrolla: “Lo que me suele atraer de los artistas es percibir que en la composición hay honestidad. No me encanta ver pequeños ‘nicolitas’, pero tampoco soy egoísta y digo: ‘no, tú no puedes hacer eso’. Cada uno tiene que hacer lo que le dé la gana, pero es muy importante que sepas de lo que vas a hablar. Empieza a ser muy fácil bajarse el canto de un chamán por parte de alguien que no sabe ni qué está bajándose y que desconoce el contexto; y eso no me parece ni creíble ni honesto. Para mí es muy importante que exista el viaje. No tienes por qué subirte al Monte Fuji para poder hablar al respecto, pero sí es importante conocer las cosas a tu manera”. Tras años de intensos viajes por todo el mundo y algunos EP’s y singles que sirvieron como elementos de transi-

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TAN. cerca RRLa octava edición del NOS

ción, el ecuatoriano regresa con Siku, un álbum que no solo no es un “capítulo dos” de lo iniciado en su debut, sino que en él asume riesgos: consigue texturas inéditas en la música electrónica, se rodea de un tonel de colaboradores y mira a otras tradiciones musicales, de territorios como África, Asia o Brasil. “Me he sentido muy inspirado por algunas regiones por las que pasé, y quería ampliar la visión, el panorama: ya no suena tan ligado a Sudamérica o Ecuador. Me considero un artista muy experimental, y no me preocupo en complacer a un cierto público; y creo que en Siku queda claro que yo sigo mi búsqueda sin cumplir con normas o paradigmas”, asegura. El título del álbum hace referencia a un instrumento de viento andino, pero que también tiene una bajada de línea ideológica. “El ‘siku’ es una tradición andina que significa ‘tocar en par’: habla de la conexión que hay en esa ‘sikuriada’, que es cuando varios músicos que tocan el siku. No me verás comentar cosas sobre política, pero me gusta que esté marcada la ideología: poder decir cómo se hacían las cosas antes, y cómo eran las cosas antes de que Occidente aplaste ideas como la de la disonancia en la música o el baile como una manera de expresar la libertad”. —alan queipo

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Primavera Sound, que se celebrará en Oporto del 6 al 8 de junio, ha anunciado que contará con un total de setenta artistas y que su cartel, como el del Primavera Sound barcelonés, será paritario. Entre los participantes encontrarás a James Blake, Modeselektor, Solange, Rosalía, J. Balvin, Interpol, Stereolab, Kate Tempest, Mura Masa, Modeselektor, Kali Uchis, Fucked Up y muchos más. RREl Doctor Music Festival, que

se celebrará del 11 al 14 de julio en Escalarre (Vall D’Àneu, Lleida), ha confirmado dos nuevos nombres que amplían su paleta electrónica. Se trata de dos dúos, los británicos e influyentes The Chemical Brothers y los franceses The Blaze. Ambos nombres se unen a los muchos anunciados previamente como The Strokes, Christine And The Queens, Rosalía, The Prodigy, King Crimson, Frank Zappa (holograma show) y muchos más. RREl ciclo de conciertos Gi-

rando por Salas ha presentado ya los conciertos de febrero. La novena edición del ciclo cuenta con un total de veintiséis artistas de estilos muy diversos (del jazz al rap o el rock). Desde el 1 de febrero hasta el 23 de febrero estarán girando Alice Wonder, Ladilla Rusa, Izah, Crudo Pimento, Aurora, Los Vinagres, Vinila Von Bismark, Los Estanques, que visitarán salas de Andalucía, Euskadi, Islas Canarias, Castilla y León, o Catalunya. Lo mejor es que visites www.girandoporsalas.com para confirmar salas, fechas y participantes en cada cita.

Blowfuse “Cada disco es una etapa nueva” Los catalanes Blowfuse firman con Daily Ritual (HFMN, 18) un disco rotundo en el que dan un salto cualitativo que les lleva mucho más allá del skate punk que les acompañó desde sus inicios.

levaban tiempo trabajando duro en la sombra –cuando no estaban de gira– para dar lo mejor de ellos mismos, poniendo al límite sus composiciones e instrumentos. El resultado es un disco que volará la cabeza a sus viejos seguidores pero que también debería conseguirles nuevos adeptos. Esta nueva entrega depara agradables sorpresas, como ya advirtieron los dos primeros adelantos. “Quisimos presentar esta nueva etapa con Bad Thoughts como primer sencillo porque es diferente, para romper un poco con lo de siempre y creo que conseguimos lo que nos propusimos: llamar la atención. Angry John ha gustado mucho, intentamos que tanto el tema como el videoclip fueran divertidos y dar a los fans lo que esperaban”, explica su batería, Ricard Bouffard. Con su nuevo disco da la impresión que han crecido a pasos agigantados desde su anterior trabajo. “Creo que más que mejorar, vamos redondeando nuestro estilo. Cada disco es una etapa nueva a nivel tanto musical como personal”, explica Ricard, quien explica que decidieron grabar bajo las órdenes del canadiense Arnold Lanni (Finger Eleven, Simple Plan) en los estudios Musiclan porque habían oído que también metía mano en la composición de los discos que produce. En otras palabras, Blowfuse buscaban un productor que se involucrara al máximo para sacar lo mejor de la banda. “Nos hemos centrado especialmente

en la melodía y la voz -continúa-, pero también hemos experimentado con nuestros instrumentos y jugueteado con diferentes estilos”. Aunque el título de un disco tan noventas pudiera hacer pensar en Ritual de lo Habitual (90), de Jane’s Addiction, los referentes de la banda siguen siendo Rock & Roll Nightmare (87) de RKL y About Time (95) de Pennywise. Tienen muchas más, y mucho menos evidentes: “Últimamente nos hacemos polvo con Dogman (94) de King’s X y Split Milk (93) de Jellyfish” Cuatro largos años han pasado entre Couch y esta bomba de relojería, pero este hiperactivo cuarteto no ha estado precisamente parado. A parte romperse los cuernos en la composición y grabación de Daily Ritual, los cuatro exGodftarts también han girado por Japón y han grabado varios videoclips. “Hemos estado un poco en la sombra, pero prometemos volver a los directos a lo grande”, advierte el batería. La banda ha crecido en los escenarios, por medio mundo, donde ya cantan sus viejos temas, siempre desde la autogestión (y la inestimable ayuda del equipo HFMN). “Es una sensación increíble ver cómo allí a donde vamos la gente disfruta con lo que hacemos, es una de las razones por las que seguimos tocando”. —luis benavides

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RREl WOS Festival x SON Estre-

en concierto l Madrid 14-15 de junio. Festival Paraíso l Bilbao 11-13 de julio. Bilbao BBK Live l Barcelona 18-20 de julio. Sónar

lla Galicia se ha llevado el premio a Mejor Festival Indoor en la décima edición de los European Festival Awards. El festival gallego es el único festival español premiado en el certamen este año. Los festivales Primavera Sound y Mad Cool ya lograron galardones en anteriores ediciones. RRLos días 15 y 16 de marzo se ce-

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lebra en Sarria (Lugo) el Esmorga Fest. Participarán artistas como Lagartija Nick, Toundra, Tuya, Carolina Durante, Sierra, Bestia Bebe, Za!, Apartamentos Acapulco, Perro, Voltaica, El Lado Oscuro de la Broca y muchos otros. —MS

febrero 2019 #11

Novedades Carm

Bai a urbana "Nos mola la músic o que se está haciend bre porque la vemos mcuoyjolinudas" y con propuestas

#12 febrero 2019

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minha Vivir ilando Si alguien nos hubiera dicho hace diez años, cuando el entonces trío gallego debutó con Te vas con cualquiera, que hoy estaríamos hablando de cumbia, dancehall, autotune, música urbana y Lalo Rodríguez más que de punk y garage, le hubiésemos tomado por loco. Pero la vida da muchas vueltas, y más si los protagonistas son tipos de culo inquieto. Ultraligero (Ernie, 19) es el nuevo meneo de Novedades Carminha: ¿Bailamos? —texto Enrique Peñas —fotografía Pablo Curto

en concierto l Barcelona 16 febrero. Festival Cara B l Bilbao 8 marzo. Kafe Antzokia l Santiago 9 marzo. Sala Capitol l Madrid 5 abril. La Riviera l Miranda de Ebro 5-7 septiembre. Ebrovisión

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egún terminamos esta entrevista, Carlos Pereiro ‘Carlangas’, Xavi G. Pereiro y Anxo Rodríguez (falta al encuentro Adrián Díaz ‘Jarri’) se van a buscar mobiliario para su nuevo local de ensayo al otro lado de la M-30, ahora que dejan de compartir espacio con otros grupos y tienen uno para ellos solos. Es un síntoma del salto hacia delante que han dado desde que hace tres años publicaran Campeones del mundo y también de las expectativas que tienen depositadas en este quinto álbum, Ultraligero. (Carlangas) “Tenemos que aprovechar el momento, porque la banda ha crecido mucho, estamos en los escenarios grandes de los festivales o tocando aquí para dos mil personas. Y sobre todo se trata de disfrutarlo con la peña. Si queremos jugar en primera división, vamos a hacerlo todos”. Ese planteamiento, renunciando al fondo de armario, es el que viene definiendo su actividad desde que hace año y medio publicaran el primer single, Te quiero igual, hasta que a finales de 2018 se descolgasen con Ya no te veo, a medias con Dellafuente, coronando un trabajo del que también hemos ido conociendo El vivo al baile, Verbena o la cumbia de A Santiago voy, canciones a las que ahora se suman Hay un sitio para ti, Obsesionada, Volverte a ver o Disimulando, con idéntica vocación de hit. (Carlangas) “Es una obra completa, pensada así desde el principio; otra cosa es que hayamos decidido lanzarla de otra manera. Primero, por buscar la frescura, la urgencia de grabar y que dentro de un mes lo pudieras estar escuchando. Esa espontaneidad es muy Novedades Carminha. Pero antes ya había un trabajo previo y la idea de hacer un disco con un concepto claro: repasar músicas de baile y músicas populares que nos molan, pero pasándolas por nuestro filtro”. Dancehall, reggae, dub, hip hop, pop urbano, funk, rumba o bolero se cuelan por Ultraligero, siempre con ese aire tan suyo, entre macarra y romanticón. Es lo que cantan en El vivo al baile: “Blandito por dentro y chulito por fuera”. (Carlangas) “Joder, eso es. Es que a mí me emocionan más las letras de Antonio Machín, Bambino o Camarón que las de The Rolling Stones; y a la vez eso está recubierto de una música pelada y que va a la encía. Es también una forma de escribir, fijándonos en cierto tipo de canción latina o incluso en obras como el Romancero gitano, que son muy sentidas, pero la vez muy salvajes. Queríamos buscar ese peligro”. Historias que van al grano, partiendo de escenas muy concretas, con guiños entre los propios temas e inesperados hallazgos como los de Obsesionada (“últimamente estás extraña/ya no me miras a lo ojos/solo te importa la unidad de España”). (Xavi) “Estábamos haciendo una canción que nos recordara a Golpes Bajos, y coincidió que el contexto político era ese”. (Carlangas) “Al final es que nos encontramos con mucha peña que serena dice que es de Ciudadanos, pero que con dos copas deja la moderación de lado y empieza a hablar de la unidad de España y de movidas que para nosotros son un engaño. Lo que queremos es que la gente se divierta, que folle y que baile, no pretendemos nada más. Partimos de la premisa de que el baile une más que cualquier himno”. Ese meneo, que ya estaba antes en Campeones del mundo (16), se acentúa ahora desde el minuto uno. (Carlangas) “Es una vuelta de tuerca. En el anterior álbum ya dimos un primer paso, un giro que la gente se tomó de puta madre, porque existía un riesgo; igual se fueron diez, pero entraron quinientos. Veníamos de hacer un rock’n’roll muy crudo, más garagero, del que en directo sigue habiendo pinceladas, pero queríamos abrir el grupo a otros sonidos. Y aquí ya nos explayamos del todo, fuimos sin miedo. No nos íbamos a conformar con agarrar lo que ya teníamos, porque nos hubiésemos aburrido pronto”. Permanece la idea de cambio, con un sonido cada vez más transversal que les lleva a citar nombres como

Mano Negra, Beck, Damon Albarn, Major Lazer o The Clash. (Carlangas) “Hay una idea en el pop que no me gusta, y es que parece que el público te compra tal como eras en el disco en el que te descubrieron, y a mí en cambio me gusta que los grupos puedan ser prescriptores. Es decir, que si yo hago un dancehall, a lo mejor el que lo escucha por primera vez encuentra una vía que hasta ahora no conocía, igual que a nosotros nos puede abrir un camino haber hecho una canción con Erik Urano”. (Xavi) “Hay gente que coge un estilo y lo exprime hasta el final, en cambio yo valoro más la capacidad de abarcar todo lo que se pueda, dejando de lado tus prejuicios de rockero juvenil”. (Anxo) “Es que al final un ritmo no implica mucho más que una procedencia geográfica, no tiene actitud de por sí. Puedes componer de muchas maneras. Y en nuestro caso la sensación es que no podemos arraigarnos con nada; según pasa el tiempo, más cosas nos pueden pertenecer”. Grabado en los estudios sevillanos de La Mina, con producción de Raúl Pérez (Pony Bravo, Niño de Elche) y la propia banda, el álbum se gestó antes, durante unos meses de convivencia en Tánger, derivando en un cosmopolitismo que se traduce en algo tan claro como hacer lo que les viene en gana, con la certeza de que el nombre de Novedades Carminha es el del relevo en la escena independiente en España, abarcando el trecho que va desde Los Planetas (aunque te gusten, “como a todos los puretas”) a C. Tangana. (Carlangas) “Nos mola la música urbana que se está haciendo, porque la vemos muy libre y con propuestas cojonudas, y hubo un comentario de una persona a la que admiro intelectualmente que me llegó mucho: cuando le pasé el disco, me dijo que ‘necesitaba un respirito de guitarras’. Y yo también lo necesito, la verdad”. —e.p.

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el apunte

Colaboraciones El discurso de Novedades Carminha se ha ido enriqueciendo también con la gente a la que han ido conociendo por el camino, explorando nuevos sonidos, como ocurre en Ya no te veo, el tema que firman con Dellafuente y que surgió de La Residencia del programa Hoy empieza todo (Radio 3). (Carlangas) “Nos lo propusieron, nos encerramos con El Chino y en cuatro días ya lo teníamos. Pusimos las pistolas sobre la mesa y todo fue muy natural”. Pop negro resultado de cruzar la verbena de los gallegos con el callejeo rumbero del granadino. Antes ya habían sorprendido al dar a conocer su versión del clásico A Santiago voy de Los Tamara: cumbia y autotune mano a mano con los coruñeses Esteban & Manuel. “Cuando los conocimos a nivel personal hubo una conexión de la hostia”, recuerda Carlangas, mientras que de Erik Urano, que aparece en Atlántico, señala que “es un referente del hip hop en España; es un orgullo que esté en el disco porque está haciendo cosas increíbles”. El capítulo de colaboraciones se cierra con el cameo ya conocido de la actriz y modelo Alba Galocha –la chica de la portada de “Jódete y baila (11), segundo álbum del grupo– en Te quiero igual, con un estribillo (“y aunque te gusten Los Planetas, como a todos los puretas, yo te quiero igual”) coreado sin descanso en sus conciertos. (Carlangas) “Alguna vez escuchamos eso de que era un beef, pero todo lo contrario” (Xavi) “A veces aún aparece alguien que pregunta: a mí me gustáis vosotros y Los Planetas, ¿qué coño hago?”. (Carlangas) “Pues nada, joder, tira pa’lante”. —e.p.

febrero 2019 #13

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Sidonie Décadas prodigiosas

Tras veinte años de carrera, Sidonie se toman un merecido descanso. Y lo hacen publicando una caja con todos sus CD’s, más la reedición en vinilo de toda su discografía. A ello hay que sumarle el recopilatorio Lo más maravilloso (Sony, 18), con sus veinte canciones más emblemáticas. Un momento perfecto para hacer balance junto a Marc Ros (voz y guitarra) de lo que ha representado este tiempo en esas carreteras infinitas.

el apunte

i echas la vista atrás, ¿en qué te reconoces como músico y en qué no lo haces para nada? Nunca me he visto a mí mismo como músico. Cuando tengo que rellenar algún formulario oficial, siempre vacilo a la hora de escribir mi profesión. Si pongo “músico”, me siento como un fraude porque nunca he sabido leer música. Si pongo “artista”, me acuerdo de mis visitas al bar de la facultad de Bellas Artes, y sentirme muy alejado de las vidas emocionantes y peligrosas de los que allí estudiaban. Me veo como alguien que intenta comunicarse haciendo cosas creativas. Y esta ha sido mi vida después de que mis padres me llevaran a un psicólogo, agotados por mi fracaso escolar, y este les dijera que el chaval necesitaba hacer algo creativo. En ese momento empecé a ver mi guitarra, no solo como un pasatiempo sino como mi isla salvadora. —¿Qué es lo que más ha cambiado de la denominada industria en estas dos décadas de carrera? Me gustaría ver hasta qué punto las músicas urbanas pueden empujar al riesgo a las nuevas bandas de pop. Ahora veo a bandas buenísimas, que nos dan cien vueltas tocando, pero que no me acaban de conmover. Echo de menos la decadencia, el drama, quizás porque se tiene mucho miedo al fracaso. Algo que se traduce en seguir un patrón prudente que te lleva dar entrevistas sin regalar ningún titular escandaloso; o a dar conciertos #14 febrero 2019

Tirón de orejas

"Echo de menos la .." decadencia, el drama. muy bien estructurados sin espacio a la improvisación; o de llevar la misma ropa cuando estás delante de diez mil personas que la que llevas cuando tienes que pasar la ITV... La industria era Lucifer antes de Internet, cuando nosotros empezamos, y lo sigue siendo ahora. Veo el mismo Mal, pero lo mejor de todo es que lo peor está por llegar. Tengo buenos asientos para ver la gran explosión final. —Si uno escucha la evolución de vuestras canciones, diría que a lo largo del camino se te han quitado muchos complejos y corsés a la hora de escribir, que ahora te atreves a decir cosas de una forma mucho más libre. ¿Dirías que eso es así ? Tuve una amigable conversación con la hermana de Jota de Los Planetas. Estaba un poco molesta por el verso que escribí en Carreteras infinitas dedicado a su hermano. Le gustaba la canción pero me dijo que debería utilizar metáforas y no ser tan descarado. Quizás tenga razón y es posible que vuelva a la metáfora en el futuro.

Así me siento ahora y así me quiero expresar. Y también por las cosas que escucho o leo. —¿Lo dejáis durante una temporada para no agotar al público o porque el hecho de estar girando constantemente también os estaba pasando factura? El reto es saber si en nuestras primeras vacaciones en veinte años vamos a ser capaces de desconectar o no. Tu smartphone te recuerda cada día lo yonki que eres del “AHORA, AQUÍ, RÁPIDO y FÁCIL”. Personalmente necesito alejarme de tanta vacuidad, y aprovechar la ventaja de ser un baby boomer nacido antes de la era Internet para hacer cosas como ver un paisaje sin necesidad de compartirlo, escuchar un disco entero, leer un libro y no una pantalla, pasear, perderme, meditar… Vamos a ver si lo conseguimos. —don disturbios

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Marc Ros nos la tenía guardada. Estaba esperando el momento adecuado para recordarnos que, pese a ser el grupo español que más portadas ha acaparado en nuestra revista, en 2016 no les fuimos del todo fieles en ese apoyo que nunca ha sido incondicional. No puede serlo. “Me enfadé mucho cuando El peor grupo del mundo de Sidonie y El poeta Halley de Love Of Lesbian ni siquiera salieron en lo mejor del año de MondoSonoro de 2016. Ni LOL ni nosotros entendimos esta jugada. Podemos entender que lo que hacemos está tan alejado de lo que publica la revista que no queda más que aceptarlo, pero es que, ¡maldita sea! No es así. Vuestra política de ese año era la de desvincularos de dos de los discos más importantes de las carreras de dos de los grupos con más portadas en el Mondo. El poeta Halley es uno de los mejores discos de LOL y El peor grupo del mundo fue el disco del resurgir a nivel de público de Sidonie. Hubiera sido muy bonito remar juntos en esa época... y hubiera sido muy oportuno que la revista presumiera de dos bandas que han crecido entre vuestras páginas”. Lo malo es que no he tenido la oportunidad de contestarle de forma larga y sosegada. Tampoco lo voy a hacer ahora por cuestión de espacio, aunque el motivo sea muy simple. Las votaciones de la revista se hacen sumando los votos de casi un centenar de colaboradores y ese año sus discos no sumaban. —d.d.

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En tiempos de música urbana, Holy Bouncer han sido capaces de asentarse en la actualidad gracias a su rock psicodélico perfectamente confeccionado. Charlamos con la banda a propósito de su nuevo álbum, Holy Bouncer (HB/Mehari Ediciones, 19).

oly Bouncer es un grupo formado por amigos que empezó su andadura en el instituto y que, a base de independiencia, esfuerzo y constancia, se consolida como una de las propuestas de rock alternativo más prometedoras de Cataluña. Más que rockeros, se sienten aventureros musicales, capaces de pasar de un género a otro. “Para nosotros, esto es una aventura constante en la que vamos explorando sonidos y superando etapas juntos”. De eso se trata, de etapas. Si en 2016 lanzaron su primer álbum Hippie Girl Lover, rock psidélico claramente influenciado por la música de los sesenta y los setenta, a finales de 2018 era momento para cambiar de rumbo y mostrar una cara muy distinta en Holy Bouncer. “Es un disco más actual. Hemos incorporado más sintetizadores y teclados para encontrar un sonido más moderno, un álbum más directo que se puede consumir canción por canción, que es lo que vende al final”. En estas nuevas canciones, el grupo anda a la búsqueda de una personalidad propia, el ansiado “sonido único” que surge a partir de una mezcla de influencias mayor y más rica. “Antes estaba muy claro de dónde bebíamos, somos conscientes de ello. La primera vez que te dicen que te pareces a The Rolling Stones hace mucha ilusión, pero, como músico, cuando van treinta veces, ya no mola tanto, aunque te lo digan con la mejor intención del mundo. Ya no quieres sonar como nadie, queremos sonar como nosotros mismos”. —ignasi estivill

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#16 febrero 2019

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Holy Bouncer Psicodelia

Shotta Secretos confesables Inmerso en un proceso que hace que su mensaje sea cada vez más sincero y crudo, Shotta presenta Salvaje (Boa, 18). Acompañándolo de un libro autobiográfico en el que confiesa algunos de sus secretos más personales.

abre las puertas de su vida y su persona. En él nos habla de asuntos que han afectado a su trayectoria, como su relación con su hermano ToteKing, sus discrepancias con Zatu, su adicción al alcohol o la reciente muerte de su padre. Temas y vivencias que comparte sin arrugarse, porque “me siento cómodo sacando la verdad y el dolor cuando necesito que salgan. Ya no me planteo nada a la hora de crear, me dejo llevar. Y en el libro he querido hacer lo mismo”. Porque si de algo puede presumir Shotta hoy en día es de sinceridad, criticando con la misma claridad el machismo, el mensaje del trap o una industria musical en la que ya ha perdido totalmente la confianza. “En el trap hay talentazos, el problema es el mensaje destructivo que transmiten algunos. Pero en general yo echo en falta la pasión por la música que había antes. Lo que hay ahora es música prefabricada. Peña cantando diciendo siempre lo mismo: ‘eres mía, tu novio no lo sabe. Tu piel en mi cama…’ Y eso tiene trillones de visitas. Y todo es y suena igual”, asegura el cantante, quien además confiesa que “ya no creo que grabe más discos, a partir de ahora regalaré por las redes las música que vaya creando. A no ser que venga un sello y me ofrezca un pastizal, pero siempre y cuando pueda hacerlo manteniéndome independiente. Porque a mí nadie me dice cómo o de qué tengo que escribir”.

econocer los errores, aprender de ellos, es imprescindible para evolucionar. Como artista y como persona. Hace años que Shotta tomó nota de ello y ha pasado de ser el “niño rebelde del rap” a un artista capaz de emocionarnos y tocarnos la fibra. Salvaje es un nuevo paso en esta evolución, un disco que le llega “en un momento bastante duro. He tocado fondo y renacido al mismo tiempo en muchos aspectos. Sin duda es el momento más salvaje de mi vida”. Pero este desarrollo artístico de Shotta no sólo se refleja en sus letras. Su música y, especialmente, su elección de las instrumentales (muchas de ellas compuestas por Baghira) también ha cumplido un papel importante en su crecimiento, construyendo en esta ocasión un disco con un hilo musical fijo y estable al que ha intentado no imponerle barreras. Valga como muestra el elenco de colaboraciones (Morodo, Tote, Foyone, Dollar, Waor o Iván Cano) que presenta. Diferentes estilos y —alfonso gil royo generaciones bajo una idea común. “He tenido épor cas de escuchar de todo, desde trap, reggaetón, rock, flamenco... Pero, a la hora de crear, lo que me gusta Más en www.mondosonoro.com es escribir sobre este tipo de beats de rap. Es con lo que me he criado”, reconoce. El resultado, uno de los mejores trabajos de su carrera. Aunque, en esta ocasión, Shotta no ha querido limitarse a ofrecernos su músil Sevilla 23 febrero. Sala Custom ca. El sevillano incluye junto al l Barcelona 8 marzo. La Nau disco un libro autobiográfico; l Valencia 9 marzo. La 3 Club un catálogo de experiencias l Madrid 29 marzo. Sala Nazca y confesiones con las que nos

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T u s

c o n c i e r t o s

A G E N D A

W E B

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ROBYN FOTO: archivo

MONDO FREAKO

Los Discos de mi Vida

Mad Cool, tercera tanda de confirmaciones

Asdrúbal Marichal (This Drama)

El último trabajo de los canarios This Drama, Summer Failures (Venn Records/Fair Warning, 17), tuvo a Scott Middleton, el guitarrista de Cancer Bats, a los controles. Su vocalista, Asdrúbal Marichal, nos descubra sus seis discos básicos.

NEW ORDER FOTO: ARCHIVO

El festival portugués Nos Alive –a celebrar los días 11 a 13 de julio en la costa de Oeiras, Lisboa– coge cada vez más forma. Los últimos dos nombres confirmados han sido los de los estadounidenses Vampire Weekend y los británicos The Chemical Brothers, que harán bailar al público con sus personales propuestas. Además de ellos, pasarán por el evento Thom Yorke, Jorja Smith y Sharon Van Etten, anunciados recientemente y que se suman a otros previamente publicados como The Cure, Bon Iver, Tash Sultana y The Smashing Pumpkins. —MS www.nosalive.com

Youth Brigade To Sell The Truth (1996)

The Bronx The Bronx (2003)

Bad Religion Suffer (1988)

Siendo una de las bandas seminales del punk de Los Ángeles y una pieza clave para comprender la evolución del sonido de la Costa Oeste, quizás sea la gran infravalorada de su generación. Punk y melodía en un álbum sin fisuras.

El primer disco de The Bronx podría ser la fiel secuela auditiva del punk que arrancaba a finales de los setenta en Los Ángeles, una instantánea clave de que dicho género, a comienzos del siglo XXI, era algo más que bandas sobreproducidas jugando en el patio de recreo del mainstream.

Para bien o para mal, lo cambió absolutamente todo. La música se volvió amenaza, convirtiendo cada canción en un himno generacional particular que acabaría marcando a fuego una cultura y ética de vida que me sigue acompañando hoy.

Download Festival Madrid

Nuevas confirmaciones Low Festival El Low Festival 2019 saca once nuevas confirmaciones lideradas por The Vaccines, Viva Suecia y Mucho. El festival se celebrará los días 26, 27 y 28 de julio en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm. Otros artistas que se unen a la parrilla de actuaciones son el artista electrónico Rex The Dog, The New Raemon, Airbag, The Limboos, Camellos, La Zowi y Dj’s como Flash Show y Vera Green. Todos estos nombres se añaden a un cartel conformado por New Order, Foals, Bastille, Vetusta Morla y Cut Copy entre otros. —MS www.lowfestival.es #18 febrero 2019

El madrileño Mad Cool sigue sumando nombres a su cartel en esta tercera tanda de confirmaciones. Encontramos incorporaciones como las de The Chemical Brothers, Iggy Pop, Robyn, Disclosure, Years&Years o Vince Staples, entre otros. La última lista de confirmados incluye un total de veintitrés artistas que se suman a los ya conocidos, como Bon Iver, The National, The Cure o The 1975. Además de los citados unas líneas más arriba, habrá oportunidad de ver a Eric Prydz, Sharon Van Etten, Miles Kane, H.E.R., George Fitzgerald, Charlotte de Witte, TOkiMONSTA, Haai, Jasss, Nau, Le Butcherettes, Mitú, Delaporte o DobleCapa. Recuerda que el festival tendrá lugar en Valdebebas los días 11, 12 y 13 de julio. —MS www.madcoolfestival.es

VINCE STAPLES FOTO: archivo

Primeros nombres del Nos Alive

Guns N’ Roses Use Your Illusion II (1991)

Fugazi Repeater (1990)

Xmilk Function (1996)

Veinticuatro horas al día en modo bucle. Dormía con la portada del disco mientras convertía el air guitar en deporte extremo. Uno de esos discos de los que te comprabas dos copias porque sabías que una se acabaría rallando.

Algún osado aún intentaba hace unos años iluminarme con el hecho de que Repeater no se podía considerar un disco de punk. Pobre iluso. Más punk que cualquier punk, este disco llevó el DIY y la libertad creativa a un nuevo nivel. “No te debemos nada! No tienes control!”.

A los de Sabadell les sobró su álbum debut para subirse al podio (junto a Subterranean Kids y 24 Ideas) de las formaciones que marcaron un antes y un después en el modo de entender el hardcore en nuestro país. —MS

Aún quedan nombres por anunciar de cara a las próximas semanas, pero ya está listo el reparto por días de la tercera edición del Download Festival Madrid, que se celebrará del 28 al 30 de junio en La Caja Mágica. El día 28 participarán los alemanes Scorpions, Sabaton, Taking Back Sunday, Brutus y Turnstile. El sábado estará liderado por Slipknot, que actuarán junto a Amon Amarth, Stone Temple Pilots y Kontrust. Por lo que respecta a la jornada de cierre, la lista estará encabezada por Tool, que vuelven a Madrid tras trece años. Les acompañarán Sum 41, Architects, The Interrupters, State Champs, As It Is, Boston Manor y Fever 333. Recuerda que las entradas y abonos ya están a la venta. —MS www.downloadfestival.es

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mo un “Nuestro estudio es co ado para escenario: está prepare y potente...” oírnos en limpio, grav

Dream Theater Más allá del tiempo Lucen canas e incluso tienen su propia descendencia en la música (el hijo de James Labrie con el grupo Falset), pero siguen siendo el estandarte del metal progresivo mundial con un ritmo de trabajo insuperable. Distance Over Time (InsideOut/Sony, 19) es su décimocuarto trabajo.

fácil, afable y relajante para la creación”. El disco tiene un comienzo muy agresivo de heavy metal al estilo de Metallica, con Unthetered Angel o Paralized, que arrancan como lo hacían The Enemy Inside en el álbum homónimo de 2013 u On The Back Of Angels en Black Clouds & Silver Linings, de 2009. “Entre escribir canciones y llevarlas al directo debe haber una relación directa. Nuestro estudio es como un escenario: está preparado para oírnos en limpio, grave y potente... Los riffs más agresivos recobran el protagonismo que merecen”. También hay lugar para las secciones melódicas, los arreglos de cuerdas y pasajes más emocionales a través de las manos del brujo de los teclados Jordan Rudess. “Es importante que haya un balance de estilos. Eso es lo que nos lleva a tener emociones trascendentes. Hay muchos elementos que ya nos definen, y esos riffs agresivos deben dejar paso a estados más profundos que conectan con otras raíces, como las del rock progresivo clásico, y nos permiten añadir dramatismo a las canciones, que al final deben contarnos historias y mostrar las diversas caras de la banda”. John Myung, el bajista más reservado de la historia, vuelve a escribir como ya hizo en el pasado con Trial Of Tears o Lifting Shadows, la que luego fue elegida para titular la biografía oficial del grupo. Ahora firma Fall Into The Light y S2N. “Es un hombre muy particular que no para de crear y de pronto nos sorprende con material de este tipo. Pero luego difícilmente le sacas información sobre el origen de sus letras…”. —rubén g. herrera

onada fue la visita de James Labrie y John Petrucci, el pasado mes de diciembre por España. Su firma con el sello europeo Inside Out Music nos permitirá, al parecer, verles más frecuentemente. “Nos encanta España. La gente aquí es sencillamente genial. Todo el mundo canta muy alto y todo el tiempo. Ahora se nos han abierto puertas para poder venir más a menudo”. Distance Over Time es un álbum increíble, que llega después del trabajo más ambicioso que la banda ha concebido: The Astonishing (2016), por la historia tan compleja que desarrolla, su altísimo minutaje, una gira mundial por países nunca visitados (Malasia, Filipinas…) con una live-experience única. Pero este disco es completamente distinto, y se ha grabado en dieciocho días. “The Astonishing fue un proyecto monumental en todos los sentidos que nos llevó tres años de trabajo. Ahora no pretendemos ir en esa línea. Este disco es muy diferente. Ha sido escrito grupalmente y todas las canciones tienen su toque personal. Hay mucho de banda tocando conjuntamente. r Hemos trabajado a la vieja usanza, sin extras o colaboraciones especiales”. Por ello, han vuelto a su cuartel y Más en www.mondosonoro.com zona de “retiro espiritual” en Monticello, su propiedad secreta en Catskills. “Es un paraje con lagos, montañas, osos y todo eso. Muy cerca también de Woodstock. Dedicamos casi todo el tiempo a trabajar intensamente, pero también nos permitil Barcelona mos muchos tiempos muertos. Me encan4-7 de julio. Rock Fest taría repetir este método en el futuro. Es

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febrero 2019 #19

Los barceloneses publicaron su primer EP, Deliable Ink, en 2016. Ahora publican en formato largo Pictures And Shapes Of Our Mistakes. House-synth-pop minimalista para noches de verano eternas.

ienso en ese “ur”/“primitivo” de vuestro nombre y en cómo vuestra música es, supongo, conscientemente minimalista. Con pocos medios y sonidos componéis un esqueleto de tema muy intenso. No era la intención principal, pero estamos de acuerdo en que hemos conseguido eso. Con este álbum hemos querido usar principalmente los instrumentos de hardware que poseemos, todos analógicos y bastante crudos con algunos efectos (reverb, chorus) y poco más. De esta manera hemos conseguido un estilo y sonido mucho más concreto que en nuestro primer EP. Los instrumentos y sonidos que utilizas definen claramente tu música. Usando solo ciertos aparatos consigues tener un sonido mucho más propio e identitario. Esto también era una cuestión que nos preocupaba ya que queríamos que el álbum sonara coherente, como un todo. —¿Por qué ha tardado tanto Pictures And Shapes Of Our Mistakes? La verdad es que la conceptualización y materialización de un álbum toma tiempo. Por una parte creemos que es cierto que para publicar un álbum debut hay que tenerlo claro ya que de una forma u otra te acaba condicionando “para siempre”. —Parece un trabajo de eterno verano, destila un aire positivo aunque tenéis alguna letra que no es felicidad absoluta, como Walls We Build o ese final con Oblit. ¿Buscáis esa dualidad aposta? Siempre hemos querido transmitir algo más. No nos basta con hacer canciones que solo inciten a bailar, queremos más. La felicidad está bien y hemos buscado transmitirla también, pero muchas veces los sentimientos categorizados como negativos son mucho más potentes, seguro que Wagner estaría de acuerdo. —manu gonzález

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#20 febrero 2019

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Urfabrique Verano sin final

cer “Venderse para mí es har algo que no te gusta po dinero o posición”

Hard GZ Las dos caras de la verdad Hard GZ vs Lil GZ. Rap vs Trap. Así se presenta el cantante gallego en su nuevo disco Versus (La Utopía del Norte, 18), donde sus dos alteregos luchan por hacerse con el control de su música.

momentos lo mando todo a la mierda y solamente sueño con crear un imperio económico, follar todo lo que pueda, fiesta dura y hacer música flipándome que es lo que más me sube la moral”. Pero las líricas de Versus demuestran que, pese al hastío, sus ganas de provocar y combatir se mantienen casi intactas. Aunque el gallego también sabe que se ha jugado un all in. Ya que un cambio estilístico así, hacia un género tan controvertido como el trap, puede tener consecuencias. “Si pierdo seguidores es lo que hay, no quiero quedarme eternamente en los veinte años. Quiero estar siempre en constante búsqueda y en constante evolución. Soy libre de hacer lo que quiera”. Es la lucha de Hard GZ en búsqueda de su libertad artística. También es consciente de que las cifras no deben ser lo que marque la carrera y la inspiración de un músico. “Se nos olvida que el dinero es un trozo de papel, ya convertido en dígito, al que se le da un valor. Pero, en el desierto, con una botella de agua aguantas más tiempo vivo que con mil euros. Venderse para mí es hacer algo que no te gusta por dinero o posición. Si te gusta, fórrate y disfrútalo, pero si no tienes pasión… esa gente se muere por dentro”. La pasión, esa razón por la que Hard ha creado su propia compañía para gestionar su música. “Lo malo de la industria es el dinero. Las grandes compañías invierten en artistas que lo petan dos días, los bañan en oro, los dejan tirados y cogen a otro al día siguiente. La gracia está en no perder la independencia. Con mi sello, La Utopía del norte, me siento el virus de la industria musical”.

l pasado abril, Hard GZ nos sorprendió presentándonos a Lil GZ, pseudónimo con el que aparcaba su vertiente más purista para introducirse en un estilo más contemporáneo, concretamente el trap. Desde entonces ha ido alternando estas dos personalidades, llegando a su cima en su nuevo álbum Versus, donde ambas conviven. Pero, ¿quién es Hard y quién Lil? ¿En qué se diferencian? El gallego lo explica así: “Hard es ese niño que cree que nada está perdido, que cree que podemos vivir en comunidad ilusionado por los movimientos sociales, preocupado por el cambio climático y por las injusticias, mucho más extrovertido y generoso. Y Lil es el resultado de tiempo sintiéndome atrapado en lo que se supone que debe hacer Hard GZ. Es una forma mucho más experimental. La verdad es que a veces no sé quién es quién. A Lil lo veo como la caída de los valores más puros de Hard. Pero al final son extensiones de mi personalidad. Las veo como personajes y a la vez como que yo mismo soy los dos”. Y es por l Santiago 1 febrero. Sala Capitol eso que en este disco comparten l L’Hospitalet 8 febrero. Salamandra protagonismo, con dos sonidos l Mataró 9 febrero. Sala Clap diferentes pero manteniendo l Mallorca 15 febrero. Sala Es Gremi un mismo mensaje, aunque en l Girona 22 febrero. Sala Mirona ocasiones dude del sentido de l Manresa 23 febrero. Sala Stroika su lucha. “Ya fuera de los perl Zarazoga 22 marzo. La Casa del Loco sonajes, sí que llevo un tiempo resignado con la sociedad, como l Bilbao 30 marzo. Sala Stage Live cansado y decepcionado. Por

en concierto

—alfonso gil royo

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xcelente ocasión, pues, para charlar –durante veinte improrrogables minutos– con uno de los más grandes compositores pop aún vivos. Aunque su actual estampa de ermitaño (cabello y barba kilométricos; además la efermedad auditiva de Ménière, que sufre desde 2006 y que le impide prestarse a la vida en carretera de la mayoría de músicos) agrande la sensación de que el actual Paddy McAloon poco tiene que ver con el de los años ochenta y noventa, su voz sigue siendo exactamente la misma, tanto en los surcos de sus grabaciones como también a través de la línea telefónica. Sigue sonando joven, apasionada, plena de anhelo. Y con ganas de rescatar su propio legado. “La tirada inicial de I Trawl The Megahertz no fue muy amplia, su precio estaba subiendo en Internet y se estaba revalorizando por su escasez, así que he decidido reeditarlo como Prefab Sprout para que llegue a más gente, tal y como fue concebido en un principio”, cuenta. Aquel fue el producto de “horas escuchando programas a los que no hubiera prestado atención en condiciones normales: también audiolibros, poesías o novelas”. Todo ese material le permitió “crear el equivalente moderno a un disco de blues, con la gente hablando de sus preocupaciones sobre fondo musical y trascendiendo la forma de trabajar de un songwriter al uso”. También le influyó la música clásica, más bien “la moderna, la de principio del siglo XX o a finales del XIX, como Ravel, Debussy, Stravinski o composi-

el apunte

Un paseo por las nubes Tras dos singles previos, Paddy McAloon y los suyos debutaron con un Swoon (84) repleto de sugerentes ideas, pendientes de cristalización definitiva, entre aires de bossa, esbozos funk y apuntes pop deshilachados, en sintonía con Aztec Camera o Everything But The Girl. La gloria llegaría con Steve McQueen (85), un prodigio absoluto, obra maestra de pop inmaculado y atemporal, producida por Thomas Dolby: once fogonazos pop en estado puro, de belleza prístina y deslumbrante. Su álbum perdido, grabado el mismo año pero inédito hasta 1989, fue el valioso Protest Songs (89), desvelado un año después del comercial y pulido From Langley Park To Memphis (88), también con varios cortes memorables. Luego llegaría su gran obra

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“Tengo un montón de ede álbumes sin editar. Pu ” que treinta o cuarenta conceptual, su Capilla Sixtina, el doble Jordan: The Comeback (90), otro disco magistral en cuatro bloques temáticos: el amor, Elvis, Dios y la muerte. Andromeda Heights (97) solventó una larga ausencia con sutileza y detallistas arreglos de cuerda y viento al servicio de ensoñadoras tramas melódicas: el primero de sus trabajos autárquicos, ya tramados en su propio estudio doméstico. Su único disco decepcionante fue el posterior The Gunman And Other Stories (01), lastrado por la naturaleza muy diversa de un material compuesto para otros, ya fueran Jimmy Nail o Cher. Cuando parecía que su discografía no tendría continuación, llegaron el sobresaliente Let’s Change The World With Music (09), su particular Smile, rescatando temas de 1992 y 1993, y el notable Crimson/Red (13), ya con material del nuevo siglo. Tras la reedición del singular I Trawl The Megahertz (19), llegará –presumiblemente– este otoño Femmes Mythologiques (19), en el que McAloon trabaja desde 2013. —c.p.z.

FOTO: archivo

Prefab Sprout Del dial a la mitología

Paddy MacAloon vuelve a ser noticia, y por partida doble. Se reedita I Trawl The Megahertz (Sony, 19), el álbum compuesto a su nombre que vio originalmente la luz en 2003 a través de Liberty (subsello de EMI), pero ya a nombre de su proyecto de toda la vida, Prefab Sprout. Y en segundo lugar, por su anunciada vuelta con canciones nuevas, el primer álbum de Prefab Sprout en los últimos seis años, de título provisional Femmes Mythologiques, a editar en el último trimestre de 2019.

tores posteriores como Stockhausen y Pierre Boulez”. Hace unas semanas desveló una canción nueva, Cleopatra, adelanto de un álbum a editar en septiembre de este año, Femmes Mythologiques, cuyo trabajo, en marcha desde 2013, se vio interrumpido por una extraña (al menos a priori) colaboración con Spike Lee. “Lo hubiera terminado ya si no hubiera conocido a Spike. Él estaba preparando una película musical junto a su hermano Cinqué Lee, que es un gran fan de Prefab Sprout. Se llama Chasing An Invisible Starlight, y quería mi permiso para utilizar parte del catálogo de Prefab Sprout como banda sonora, pero no estoy seguro de si la harán, supongo que sí”, afirma. Cuando le consultamos si no le apena tener a sus fans suspirando por un disco nuevo desde hace años cuando tenemos conocimiento de que tiene canciones para grabar cinco o seis, nos cuenta que el material acumulado es mucho mayor. “La cosa es mucho peor: tengo un montón de álbumes sin editar. Puede que treinta o cuarenta. Simplemente no los he grabado. Los he escrito, y tengo cientos y cientos de canciones. Y no dejo de trabajar en ellos. Intento trasladarlos al estudio de grabación, pero ese es precisamente el punto más lento del proceso”, esgrime. Y dice que es “porque sería muy caro plasmarlos de un modo convencional, con grandes músicos y tomándote tu tiempo. Es muy costoso. No quiero que la gente se piense que son trabajos que me invento: son todos reales”. Ojalá encuentre tiempo. Aunque es consciente de ir disponiendo, cada vez, de menos. —carlos pérez de ziriza

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febrero 2019 #21

MONDO FREAKO

Bring Me The Horizon, durante su concierto en el Razzmatazz de Barcelona en abril de 2016.

an pasado trece años desde que Bring Me The Horizon lanzaron su primer álbum, Count Your Blessings (06), y desde entonces los británicos han ido engrosando disco a disco su base de fans y detractores, en una carrera no exenta de polémicas, pero también aciertos. Aquel debut les situó en el punto de mira de la escena británica, y aunque su siguiente álbum, Suicide Season (08) se escapaba del deathcore más marcado del primer disco, no sería hasta 2010, con el lanzamiento de There Is A Hell… cuando la banda conseguiría encontrar su sitio. Letras más personales y las primeras intenciones de introducir elementos electrónicos y pop, una fórmula que culminaron en Sempiternal (13), su disco más equilibrado hasta la fecha. En todo caso, That’s The Spirit (16) supuso un punto de inflexión y también su mayor éxito comercial hasta la fecha, introduciendo elementos más melódicos y abandonando definitivamente sus raíces metalcore. Al fin y al cabo, 2006 queda ya muy lejos. Aunque el camino ya lo empezaron con That’s The Spirit (16), en Amo la banda ha contado con una libertad

#22 febrero 2019

“

“Habrá 'backlash' por parte de la comunidad rock, que no es tan abierta como podría ser, pero creo que en el fondo a la gente le gusta cambiar” creativa total, como nos cuenta su cantante Oli Sykes vía telefónica a primera hora de la mañana. “Con Amo estábamos en una buena posición para tomar más riesgos y crear algo totalmente diferente a lo que habíamos hecho hasta ahora. En That’s The Spirit ya habíamos introducido parte de estos cambios, yo cantando, la electrónica... todas estas ideas llevaban tiempo en nuestra cabeza, aunque también nos asustaba un poco: ¿Si cambiábamos todo esto de golpe, seguiríamos teniendo fans, seguiríamos siendo Bring Me The Horizon? That’s The Spirit nos sirvió para introducir todas esas novedades y ver que podíamos seguir manteniendo esta parte más rock sin perder nuestro sonido, crear algo que suene

heavy pero a la vez siga sonando fresco”. Los chicos de la banda no mentían cuando anticiparon hace unos meses que este iba a ser su álbum más extraño. Amo introduce pasajes más ambientales, encuentra el contrapunto a las letras más oscuras en melodías llenas de color, bailables, pasando por un montón de influencias. Tantas que es difícil predecir la reacción de los fans y crítica. “Tomará un tiempo, pero es algo que nos pasa a todo. A veces escuchas algo a lo que no estás acostumbrado y es precisamente esa música con la que acabas conectando a nivel emocional. Todos nuestros discos suenan diferentes, cuando salió That’s The Spirit todo el mundo creía que Sempiternal era mejor y con Amo puede pasar lo mismo. Es necesario que pase un tiempo para que la gente se acostumbre a un nuevo sonido. Amo es algo complejo por lo diferente que es como disco y por lo diferente que es cada canción en sí misma. Habrá backlash por parte de la comunidad rock, que no es tan abierta como podría ser, pero creo que en el fondo a la gente le gusta cambiar”. Uno de los temas que más soprende de Amo es precisamente ese tanteo al rap, ¿se está convirtiendo en un género con más fuerza que el rock? Para Sykes no es cuestión de estilos. “Siempre hay algo especial en todos los géneros; rock, pop... miramos a todas partes . El rap tiene ese flow, el balance y el carisma, es muy fácil meterse dentro por el groove y el tempo que hace que te arranques a bailar. El pop nos ha dado la capacidad de introducir letras y temas más oscuros y que con melodías sencillas el mensaje se meta en tu cabeza, pero ves que la parte más rockera sigue estando ahí. Amo es todo esto”. Parte de esta experimentación y libertad creativa es consecuencia de una autoproducción cuidada al milímetro, como ya pasara en su anterior That’s The Spirit. “El álbum suena exactamente como queríamos que sonara. No es que hayamos producido nuestro disco porque nos creemos los mejores del mundo, pero trabajamos duro para que el sonido final acabe siendo tal y como

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BRING La metamorfosis ME THE HORIZON

En apenas dos años, Bring Me The Horizon ha protagonizado una sorprendente metamorfosis que les ha alejado del metalcore de sus primeros trabajos. En Amo (Sony Music, 19), su nuevo disco, los británicos suben la apuesta para acabar de descolocarnos: electrónica, algo de rap y pop sin complejos. Así suena Bring Me The Horizon en 2019. —texto Montse Galeano —fotografía Fernando Ramírez

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EL APUNTE

El largo camino…

nos lo imaginamos en nuestra mente. Son nuestras canciones y hay una parte de control-freak en todo esto, al final con el tiempo te vuelves más perfeccionista. Amo ha sido todo un reto para nosotros, sobre todo por el hecho de combinar esas partes de sintetizadores con las guitarras y conseguir que suene de manera orgánica, sin que tengas la sensación de que la electrónica va por una parte y el rock por otra. Estamos muy orgullosos del resultado final, la verdad”. Para darle forma al conjunto, también han contado con colaboraciones especiales como las de Grimes en Nihilist Blues (uno de los temas con más personalidad del álbum), Dani Filth de los black metaleros Cradle Of Filth en Wonderful Life o incluso de Rahzel de The Roots en Heavy Metal. Aunque charlar sobre estos invitados será un tema que nos quedará pendiente para la próxima vez que podamos entrevistarles, quien sabe si cara a cara en alguna sala o festival de nuestro país. “Tenemos muchos planes de festivales este verano y me sorprendería mucho que España no estuviera en ellos”. —m.g.

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Cuando una banda de rock es amada y odiada a partes iguales suele ser porque tiene mucho éxito. Esto se ajustaría a los británicos Bring Me The Horizon, aunque en su caso los detractores cada vez son menos. Al quinteto más popular de Sheffield le llovieron palos con su segundo trabajo, Suicide Season, por aparcar el metalcore extremo de su debut. Su legión de seguidores se renovó y amplificó, sobre todo con el siguiente, Sempiternal, un disco publicado por Epitaph hace ya seis años. Con su secuela, That’s The Spirit, auspiciado por una multinacional en el 2015, asaltaron las primeras posiciones de las listas de medio mundo con una perfeccionada y ultramelódica mezcla de pop, electrónica y metal alternativo, deudora de los Linkin Park de Meteora (03), una comparación entonces inevitable y ahora ya obsoleta. La banda liderada por el tatuadísimo Oliver Sykes juega sus propias reglas y el resultado es una propuesta muy personal forjada disco a disco. “¿Quieres empezar una nueva secta conmigo?”. Con esta frase extraída de Mantra, el primer adelanto de Amo, Bring Me The Horizon han lanzado la campaña de presentación de un sexto trabajo muy variado –los otros dos sencillos, la pausada Mother Tongue y la nu metalera Wonderful Life, toman otros caminos-– que les continuará poniendo en boca de todos los aficionados. —luis benavides

febrero 2019 #23

FEBRERO Y MARZO 2019 CASTILLA LA MANCHA Y MADRID CASTILLA LA MANCHA

CLAMORES 29/03/2019 SARA PI

THE ROSE YUNCLER, YUNCLER (TOLEDO) 9/03/2019 GATOPERRO

FENDER CLUB 22/03/2019 ELKANO BROWNING CREAM COSTELLO 14/02/2019 JUMP TO THE MOON

PÍCARO, TOLEDO 29/03/2019 EVA RYJLEN

CLANDESTINO, ALBACETE 21/02/2019 MAUI

MADRID EL SOL 8/02/2019

FUN HOUSE 22/02/2019 GATOPERRO

EVA RYJLEN

FUN CLUB, SEVILLA 23/02/2019 JUMP TO THE MOON 02/03/2019 JUANITA BANANA

CANARIAS

CORREILLO DE LA PALMA, TENERIFE 30/03/2019 LA FURIA

GALICIA

EL NÁUTICO, PONTEVEDRA 23/03/2019 THE CRAB APPLES

ASTURIAS

LA SALVAJE, OVIEDO 22/03/2019 EVA RYJLEN

EUSKADI

ANDALUCÍA, CANARIAS, EXTREMADURA Y MURCIA ANDALUCÍA

GALICIA, ASTURIAS, EUSKADI, CASTILLA LEÓN Y LA RIOJA

IMPACTO, PLASENCIA (CÁCERES) 14/03/2019 JOAQUÍN PARDINILLA

MURCIA

LA YESERÍA, MURCIA 28/02/2019 EVA RYJLEN 29/03/2019 EKIZA

EXTREMADURA

TEATRO MALTRAVIESO, CÁCERES 22/02/2019 EVA RYJLEN

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

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STAGE LIVE, BILBAO 21/03/2019 LA FURIA DABADABA, SAN SEBASTIÁN 9/02/2019 HERMANOS CUBERO

DOKA, SAN SEBASTIÁN 15/03/2019 THE CRAB APPLES COTTON CLUB, BILBAO 22/03/2019 THE CRAB APPLES

CASTILLA LEÓN

CAFÉ T. AVALON GREEN, SORIA 21/03/2019 ELKANO BROWNING CREAM CAFÉ ALQUITARA, BÉJAR (SALAMANCA) 15/03/2019 JOAQUÍN PARDINILLA

BEAT CLUB, SEGOVIA 09/02/2019 JUANITA BANANA EL GRAN CAFÉ, LEÓN 14/03/2019 THE CRAB APPLES CAFÉ AVALON, ZAMORA 14/03/2019 MAUI

LA RIOJA

BIRIBAY, LOGROÑO 10/02/2019 JOAQUÍN PARDINILLA

ARAGÓN, CATALUÑA Y COMUNIDAD VALENCIANA ARAGÓN

LA BÓVEDA DEL ALBERGUE, ZARAGOZA 15/02/2019 EVA RYJLEN 16/03/2019 EKIZA 23/03/2019 ELKANO BROWNING CREAM 30/03/2019 SARA PI LA LEY SECA, ZARAGOZA 22/02/2019 THE CRAB APPLES

LÓPEZ, ZARAGOZA 22/03/2019 LA FURIA CTO. CÍVICO DELICIAS, ZARAGOZA 23/02/2019 DIEGO AMADOR

CATALUÑA

JAZZ CAVA, VIC (BARCELONA) 30/03/2019 THE CRAB APPLES 31/03/2019 EKIZA CONTINENTAL, BARCELONA 16/03/2019 JUMP TO THE MOON

STROIKA, MANRESA (BARCELONA) 23/03/2019 LA FURIA CAFÉ DEL TEATRE, LLEIDA 24/03/2019 ELKANO BROWING CREAM

COMUNIDAD VALENCIANA OCTUBRE, VALENCIA 01/03/2019 EVA RYJLEN 30/03/2019 EKIZA

16 TONELADAS, VALENCIA 21/02/2019 LA FURIA 28/03/2019 JUMP TO THE MOON

21/1/19 12:46

Sharon Van Etten Vuelta de tuerca S

iguiendo la senda de otros músicos que se abonaban al cultivo del folk rock o la música de raiz norteamericana, Sharon Van Etten ha facturado un sensacional quinto álbum en el que exhibe su faceta más sintética. Aunque en su caso lo ha hecho trocando hedonismo por oscuridad. Nos hubiera encantado ver la cara de su productor, el solicitado John Congleton (St Vincent, David Byrne o Angel Olsen), cuando esta le confesó que quería hacer un disco en el que la sombra de Suicide, Portishead o el Nick Cave de Skeleton Tree (16) quedase bien marcada. El estimulante resultado se llama Remind Me Tomorrow, y es la excusa perfecta para charlar por teléfono con la encantadora compositora de Nueva Jersey, quien no ha estado precisamente inactiva en los últimos años. “En 2015 me dí un respiro, dejé de actuar en directo porque estaba exhausta. Me reenganché a mi carrera de psicología y luego actué en la serie de televisión The OA, para Netflix, así como luego compuse parte de la banda sonora de la película Strange Weather (Katherine Dieckman, 17)”, nos cuenta acerca del caldo de cultivo de un disco que le ha permitido “conectar profundamente con las canciones a un nivel distinto a como lo había hecho hasta ahora”. La opción como productor la tuvo clara, ya que John Congleton “entendía el poder sonoro de mis composiciones”. También modificó su método de traba-

jo. “Era la primera vez que estaba dispuesta a renunciar al control sobre mis maquetas, no sentí la necesidad de producirlo y eso dejaría que mis influencias fueran más evidentes”. Al propio Congleton le pareció “muy excitante” esa combinación de sonidos. “El mundo no necesitaba otro álbum de country”, nos comenta, sino “algo que represente el mundo actual y cómo es mi vida ahora, en el que incluso en un momento feliz como pueda ser este para mí, hay demasiada intensidad, complejidad y emociones”. Entre las numerosas colaboraciones, las de Zachary Dawes (The Last Shadow Puppets), Joey Waronker (REM, Atoms For Peace), Brian Reitzell (ex Redd Kross), Luke Reynolds (Guster) o Stella Mozgawa (Warpaint), casi todas escogidas por John Congleton, si hay una que destaca es la de Jamie Stewart (Xiu Xiu), que fue “quien creó la atmósfera para que yo las cantase así, encapsulando muy bien la locura y el caos que intentaba comunicar”. La primacía de los sintetizadores en detrimento de las guitarras se notará en unos directos en los que habrá “bajo, batería, cantante de apoyo que también toca teclados y alguien que se encargue del sintetizador y de algunas cosas más”, y en los que ella solo cantará. Su experiencia paralela como actriz ha sido clave para “reforzar mi propio personaje” y “sacar una parte de mí que no mostraba, conduciendo mis emociones e incluso convirtiéndome en otra persona”. Prometió acercarse a España, y las dos fechas ya previstas –Vida y Mad Cool– en julio meceren ser subrayadas en un rojo tan intenso como el que ahora resalta sus labios. —carlos pérez de ziriza

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io “He reforzado mi prop una parte personaje y he sacdo de mí que no mostraba”

FOTO: RYAN PFLUGER

La tenemos de nuevo por aquí. Y en plena forma, visto el resultado que escuchamos en Remind Me Tomorrow (Jagjaguwar/Popstock!, 19), un quinto trabajo en el que desarrolla su cara más sintética.

febrero 2019 #25

MONDO FREAKO

Llevan tiempo pisando con una firmeza inusual. Este trío barcelonés de mujeres es pura energía, de ahí que vengan dispuestas a poner patas arriba el panorama del hip hop nacional con Las desheredadas (Propaganda Pel Fet!, 19), su primer disco de estudio.

FOTO: MARTA MAS

Tribade Afilando las tijeras

RRFoals vuelven con un nuevo álbum

RREl rapero francés MHD, pionero

dividido en dos partes y ambientado en una “pesadilla distópica y millennial”. Ya se puede escuchar el primer single de Part I, la mitad prevista para esta primavera, que presentarán en el Cruïlla y el Low Festival.

del afrotrap y toda una estrella tanto en Francia como en África Occidental, ha sido detenido y acusado de homicidio intencionado a raíz de unos hechos ocurridos el pasado verano en París. Un joven de veintitrés años fue apaleado y apuñalado por una docena de personas, dentro de una posible pelea entre bandas del distrito 10 y el distrito 19, de donde procede MHD, y la policía asegura haber identificado su coche en la escena del crimen. Su abogado ha aclarado que nunca ha estado implicado en conflictos de bandas, que su presencia allí no está probada y que ya en su momento

foals FOTO: archivo

RRHa muerto Teresa Ryan, conocida

artísticamente como Lorna Doom y bajista de los estadounidenses Germs. La banda angelina, a pesar de existir tan solo entre 1976 y 1980 (si exceptuamos la reunión en directo de hace unos años), tuvo una influencia capital en la historia del punk rock norteamericano.

Vidres A La Sang Sangre, sudor y… más sangre

FOTO: archivo

El revuelo que ha despertado el retorno de Vidres a la Sang con su Set de sang (Discos Macarras/Blood Fire Death, 18) está más que justificado. El cuarto trabajo de la banda de Terrassa no sólo rompe un silencio de casi ocho años, sino que conduce al cuarteto–de nuevo– a la vanguardia del metal extremo peninsular. Hablamos con Eloi Boucherie (voz y guitarra).

#26 febrero 2019

ormados en 2002, Vidres a la Sang llegaron, vieron y vencieron con la publicación de tres álbumes –Vidres a la Sang (04), Endins (06) y Som (09)– que los convirtieron en una de las mejores bandas de la escena extrema catalana. En el 2010 harían pública su

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assiva Lulla, Sombra Alor y Bittah, acompañadas de BigMark a los platos y Josh a la producción, son Tribade, uno de los proyectos de hip hop liderados por mujeres más sólidos del panorama. Con singles de temática feminista (o metafeminista) como La Purga, Mujeres o Gaupasa, muchos ya las etiquetaron como hip hop feminista, aunque ellas tienen muy claro quién son y cómo definir su propuesta. “No nos queremos limitar a esta etiqueta porque somos más que eso. Musicalmente hacemos rap y música urbana y, paralelamente, en nuestras vidas diarias estamos vinculadas al feminismo”. Sus letras hablan de feminismo, sí, pero también de poliamor, de lucha anticapitalista o de denuncia social “Hablamos de lo que nos atraviesa, de nuestros intereses. Entendemos la música como herramienta de denuncia y la utilizamos como altavoz. Eso sí, fácil de entender, asequible y sin convertirse en un

nido, que hablan de cosas que interesan”. Para ello se valen de un rap que se fusiona con elementos de diferentes géneros como reggaetón, rap, r’n’b, afrotrap, dembow, dancehall, etcétera. Esa inquietud que las lleva a echar mano de tanta diversidad es resultado del hecho que “cada una tiene su personalidad y aporta su manera de hacer al conjunto. Pero, a la vez, se nota que forma parte de un todo unificado con una sola personalidad sonora que “Josh siempre ha tenido muy clara. Desde Gaupasa sabía que íbamos a tirar por esa línea sonora, que se basa en unas sonoridades como arábicas desde las que han surgido el resto de sonidos”. El resultado es este Desheredadas, un disco que dinamita cerebros y caderas a partes iguales.

a "Entendemos la músic de como herramienta os denuncia y la utilizam como altavoz" panfleto”. Ahora publican su primer disco, Desheredadas, cuyo título dedican a “todas las mujeres que en algún momento de la vida no encajaban. En realidad, todas somos desheredadas por el simple hecho de ser mujeres”. Con unas letras muy trabajadas, uno tiene la sensación de encontrarse delante de muchas capas de significado que se van descifrando, o no, dependiendo del background del oyente. “Es que no deja de ser rap. Puede que la gente ahora no esté acostumbrada a que haya tanta información en una canción. Nos hemos habituado a escuchar rap que no dice nada o que repite el mismo concepto hasta la saciedad. Nosotras hacemos letras con conte-

—maria fuster

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de dos grupos fundamentales para entender el panorama alternativo de los noventa en Estados Unidos: Jawbox, mítico grupo de post-hardcore de

separación, abriendo un período de silencio en el que hemos visto a sus diferentes componentes en proyectos como Foscor, Semphamphorash, Maleït o los estudios e grabación The Farm Of Sounds. “La pérdida de motivación en el pasado fue la causa de la disolución indefinida del grupo, así como la resurrección del mismo ha obedecido a la ilusión y las ganas de ofrecer cosas nuevas en el marco de lo que representa la banda”, explica Eloi Boucherie, que se reencuentra junto a Albert Martí (guitarra) y Marcos García (bajo). Completa la formación el batería Jordi Tarré, nuevo miembro del line-up de Vidres a la Sang. “A Jordi lo conocí en mi estudio grabándole para un proyecto de música de Albert, y viéndole en acción con Foscor. Me sorprendió la madurez, técnica y gusto que tiene para tocar su instrumento y no dudé en proponerle de formar parte de Vidres una vez supimos que Carles, batería original, no se uniría a la resurrección del grupo”.

“Vivimos en una época de crispación, tensión y neurosis muy importantes” Set de sang no sólo reúne algunas de las mejores canciones que haya grabado el cuarteto catalán sino que también es la obra en la que mejor suenan. “Esa era precisamente la intención: sonar muy potentes, y al mismo tiempo, veraces, palpables sin más aditivos de los necesarios en el sonido. Estábamos seguros de que habíamos hecho nuestro mejor trabajo”. Según explica Boucherie, las altas expectativas en relación a su retorno han añadido “cierta presión y nervios para que el nuevo trabaja encajara en lo que la gente esperaba de nosotros. Ahora ya estamos más tranquilos y muy orgullosos de lo conseguido y la respuesta recibida”. La gestación del disco ha sido

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referencial del movimiento riot grrrl liderada por Kathleen Hanna. Toca poner velas para que caiga alguna fecha a este lado del charco.—MS

jawbox FOTO: archivo

RRAriana Grande ha vuelto a rom-

ariana grande FOTO: archivo

l Girona 9 marzo. Black Music Festival l Bilbao 21 marzo. Stage Live l Zaragoza 22 marzo. Sala López l Manresa 23 marzo. Stroika l Mataró 29 marzo. Sala Clap l Lisazo 30 marzo. Gazte Eguna l Valencia 11 abril. Wah Wah l L’Hospitalet 12 abril. Salamandra l Valls 13 abril. Sala Redstar l Madrid 25 mayo. Sala Mon Live

RREnero ha sigo testigo de la reunión Washington D.C., y Bikini Kill, banda

denunció que su coche podía haber sido utilizado por los agresores en cuestión.

per récords con 7 Rings, un single redondo, más cercano al rap que al pop y cargado de referencias que van de Sonrisas y lágrimas a Notorious B.I.G. Algunos, sin embargo, se han sentido más plagiados que homenajeados: es el caso de Princess Nokia, Soulja Boy y 2 Chainz, que han criticado -–por separado, claro– a la cantante de copiar elementos de sus letras, su fraseo o su estética.

de GIRA

paralela a un conjunto de hechos sociopolíticos en Catalunya que, a su manera, han tenido un reflejo en el disco. “Y no sólo en Catalunya, sino también en España, Europa y el resto del mundo. Estamos demasiado ensimismados en nuestra realidad cercana. Vivimos en una época de crispación, tensión y neurosis muy importantes, clara por todas partes, no sólo a nivel político, sino también sociológico. Vidres a la Sang reflexiona y hace autocrítica y lo único que propone es pensar con más perspectiva, aceptando nuestros fracasos para reconstruirnos más en base a los gestos que las palabras. Invitamos a la responsabilidad individual que tenemos cada ser humano, simplemente de ser mejores personas, nada más”. —david sabaté

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febrero 2019 #27

UMMO Bilbao (2 febrero, Satélite T) Vigo (15 febrero, La Fábrica de Chocolate) Barcelona (22 febrero, Ceferino)

Ummo afirman venir de otro planeta, aunque tienen su cuartel general en Madrid. Ahora presentan su sexto EP Brujería (Autoproducido, 18), moviéndose entre el horror core y el rap core.

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#28 febrero 2019

FOTO: ROSIE WAYNE

AgeNda. Febrero.

arra la leyenda que el 28 de marzo de 1950 unos seres alienígenas procedentes del planeta Ummo aterrizaron en Francia, estableciendo contacto con algunos españoles e introduciéndose secretamente en nuestra sociedad. Así es como Sagan, defensor del pensamiento escéptico científico, Mr. MiLL, promotor de la búsqueda de inteligencia extraterrestre, y WOA, impulsor del envío de mensajes a bordo de sondas espaciales, decidieron crear la banda y comenzar a grabar canciones bajo la influencia del sonido rap-metal y el horror-core. Aunque ellos han elegido otro vocablo para definir su música. “Nos gusta sci-fi rap, porque es un término inven-

Pussy Riot “La comunidad es más fuerte que cualquier gobierno” Bilbao (Kafe Antzokia, 6 febrero) Madrid (Sala Mon, 7 febrero) Valencia (La Rambleta, 8 febrero) Barcelona (Apolo, 9 febrero)

María Alyokhina, una de las caras más reconocibles del colectivo Pussy Riot, llega a España para presentar su espectáculo teatro punk en cuatro ciudades de nuestra geografía.

l pasado año María Alyokhina publicó Riot Days, un libro en el que recogía todas sus vivencias desde que allá por 2012 irrumpió junto a sus compañeras en la Catedral de Moscú al grito de “¡Virgen María, Madre de Dios, echa a Putin!”. Estas acciones fueron duramente censuradas por el gobierno ruso, quien acusó a las mujeres de vandalismo y las encarceló. “Este es mi primer libro. Es algo que he soñado con hacer desde niña, pero no es una memoria… ¡Es un manifiesto! El libro fue escrito no solo para contar la historia y ya, sino que la idea es poder mostrar a todas las personas que lo lean que todos tenemos una opción frente a la vida, y no debemos esperar a que venga alguien a cambiar lo que nosotros queremos cambiar”. La activista rusa ha querido ahora dar un nuevo enfoque a su libro y ha dirigido una suerte de representación teatral punk en la que, mediante diferentes recursos multimedia y haciendo uso del “spoken world”, refleja en el escenario todo aquello sobre lo que Pussy Riot siempre ha puesto énfasis: los derechos humanos (o mejor dicho, la falta de), la censura, el feminismo y

el activismo como forma de luchar contra los gobiernos opresores y coartadores de libertades. “Tenemos una voz, una opción y queremos inspirar a la gente. Queremos que los que están en silencio, no tengan miedo de hablar. Y realmente creemos que lo que lograremos, porque la comunidad es más fuerte que cualquier gobierno”. A principios de febrero –y tras pasar por lugares tan diversos como Chicago, Ciudad de México, Liverpool, San Francisco, Berlín o Helsinki–, Alyokhina ofrecerá su explosión de anarquía punk rock en Bilbao, Madrid, Valencia y Barcelona. El espectáculo lo protagonizan dos mujeres y dos hombres: la propia Maria y Kyril Masheka, su compañera principal en Burning Doors (un espectáculo ruso sobre la resistencia de los artistas contra un Estado que les reprime), y Nastya y Max del dúo de música AWOTT (Asian Women On The Telephone). La censura es un gran pilar en el discurso de María, hablando incluso del caso de Valtonyc. “Puedo decirle que sea fuerte, y que no se rinda. Si te reprimen y te censuran, eso significa que te tienen miedo”. Además, añade “¡La solidaridad artística es lo más fuerte que existe ahora en el mundo! Elimina las fronteras entre nosotros para defendernos de los problemas. Para superar el nacionalismo, el sexismo, el racismo, el miedo y la indiferencia debemos estar juntos”.

—ernesto bruno

tado por nosotros mismos. Lo creamos para presentarnos artísticamente a este nuevo mundo, ya que es importante para el ser humano catalogar, ordenar y clasificar”. Especialmente en lo relacionado con la música. Y bajo ese concepto estos ummitas presentan el que ya es su sexto trabajo, Brujería, un Ep de cinco canciones que cumple con los requisitos musicales del grupo y en el que además colaboran César Strawberry y Carmona. “Es nuestro sexto trabajo y el nivel alcanzado en la composición y la producción es devastador. Un puto hit tras otro”. Más claro imposible. Y lo cierto es que el sonido de Ummo puede presumir de potencia y energía, saturando bajos con un rap tenebroso y oscuro como pocos. Y no es para menos, ya que formaron parte del proyecto Planeta Def junto a XpresidentX y Def Con Dos, y todo se pega.

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

—alfonso gil

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“Nuestras canciones no son himnos” San Sebastián (12 febrero, Teatro Victoria) Barcelona (14 febrero, Razz 1; Room Festival) Madrid (15 febrero, La Riviera; Room Festival) A Coruña (16 febrero, Sala Pelícano)

Madrid (26 enero, Circo Price) Zaragoza (1 febrero, Las Armas) Valencia (2 febrero, Sala Moon) Barcelona (8 febrero, La [2] de Apolo) Córdoba (22 febrero, Sala Hangar) Sevilla (23 febrero, Sala X) Benicàssim (18-20 abril, San San Festival) Murcia (3-4 mayo, Warm Up Estrella Levante) La Roda (14-16 junio, Festival de Los Sentidos) Barbastro (28-29 junio, Polifonic Sound Festival) Almería (16-18 agosto, Cooltural Festival) Granada (20-21 septiembre, Granada Sound Festival)

Tras una parada técnica, un receso en una carrera sin descanso, Second se han dado tiempo para ellos. Anillos y raíces (EO! Música, 19) es el resultado de haber cortado el tronco por lo sano para poner en valor esos ciclos de crecimiento por los que ha pasado la banda murciana.

FOTO: ARCHIVO

Hablamos con Ian McCulloch, el líder indiscutible –con permiso del guitarrista Wil Sergeant– de Echo & The Bunnymen sobre The Stars, The Oceans & The Moon (BMG, 18). Un disco en el que la banda de Liverpool actualiza algunas de sus canciones más conocidas, con una importante dosis de piano y arreglos de cuerda.

e gustaría comenzar preguntándote el porqué de este “nuevo” álbum… Para empezar, ¿lo consideras un “nuevo

álbum”? Sí, es un nuevo álbum… creo (risas). Vaya, buena pregunta. Pues no sabría qué decirte… para eso estáis vosotros, los periodistas. Para ponerle nombre a las cosas. Es una pregunta interesante. Yo creo que podemos llamarlo “nuevo álbum”. No es una recopilación, es material nuevo. —¿Por qué has decidido grabar nuevas versiones de algunas de vuestras canciones más conocidas? Bueno…. siempre que escucho nuestras canciones antiguas… me gustan, ¿eh? me gustan. Me gusta el sonido que tienen, pero no soporto mi voz... Ahora me parece que mi voz suena más sabia. —Desde luego. De hecho creo que esa es la principal diferencia entre las versiones originales y las nuevas. La mayoría apenas han cambiado, excepto The Killing Moon… La verdad es que no me lo he planteado demasiado. No es que hayamos grabado estas canciones porque no nos gusten las

originales. No es que sienta que les faltara algo, ni que no fueran lo suficientemente buenas. Sencillamente quería volver a acercarme a estas canciones, encontrar su esencia. Hacerlas sonar más maduras, más sabias. Quería escucharlas de forma distinta y, sobre todo, cantarlas de una manera diferente. —¿Crees que estas nuevas versiones pueden hacer que otros públicos se interesen por Echo & The Bunnymen? ¡Sí! Yo creo que sí. Al menos así lo espero. Las canciones ahora resultan más intimas, más maduras. Creo que puede haber un público, incluso un público más joven, que se acerque a ellas ahora. Obviamente no me refiero a un éxito masivo. Nuestras canciones no son himnos… son canciones existenciales que hablan de dolor, angustia… —Ahora que hablas de la gente joven… hay toda una generación que conoce a Echo & The Bunnymen básicamente porque The Killing Moon sonaba en la película Donnie Darko (01)… ¿Crees que el contexto en el que se escuche una canción puede determinar tu relación con ella? Yo creo que sí. Y además me parece fantástico. Me encanta que las canciones funciones por si mismas... Además siempre que he visto como alguien ha utilizado una canción de Echo & The Bunnymen en el cine o en televisión me ha gustado. Ya sea en Donnie Darko o en Stranger Things o en cualquier otra serie, siempre las han tratado con muchísimo respeto. Las han incluido en segmentos en los que tienen todo el sentido. Además creo que la música de Echo & The Bunnymen es muy atmosférica y cinematográfica. —tomás crespo

n la última entrevista hablamos de esa alternancia en Second entre discos luminosos y discos más lúgubres. En Anillos y raíces tocaba luminosidad. Pues no. “A lo mejor ya se ha roto esa dinámica. Este disco tiene bastante introspección aunque últimamente nos gusta usar el concepto ‘oscuro bailable’”. Un concepto que recuerda a esos inicios de Second, a esa raíz del árbol a la que hace referencia conceptual el título de este octavo disco. Un disco gestado tras una parada, la primera después de doce años de trabajos y giras sin interrupción. “Estábamos un poco hastiados de ese bucle y necesitábamos parar y poner todo en perspectiva. Valorar lo que habíamos conseguido y sobre todo saber dónde estábamos. Hemos conseguido rehacernos y tener esa fuerza y motivación de los inicios”. Para ello, la banda ha optado por dos meses de retiro en una casa en cuya parte de arriba Sean Frutos daba pa-

seos nocturnos al encuentro de la inspiración. “Siempre me cuesta más decidir qué temática abordar en cada canción, luego es más fácil. Suelo, a través de personajes, contar historias cotidianas que le pueden pasar a cualquiera”. Actores como el que, en Teatro Infinito, siente la necesidad de romper la cuarta pared con su pareja en el reparto. O esa sesión de terapia de Contra viento y pronóstico. Porque este disco tiene mucho de desahogo, de soltar toda la mierda que uno lleva dentro. Anillos y raíces es un álbum en el que la figura de Sean es alargada en cuerpo y alma. “Siempre me ha costado enfrentarme al micro de estudio con decisión. No he llevado bien enfrentarme a esa soledad que supone la grabación. Creo que me expreso mejor en directo y esto ha sido un trabajo que he ido haciendo y que voy superando”. A esto ha ayudado una labor de síntesis en la producción que ya me avanzaban los hermanos Guirao este verano cuando estaban en plena faena con Raúl de Lara, quien vuelve a coger los mandos de una nave que conoce muy bien. “Hemos intentado hacer un disco muy orgánico. Y para ello hemos eliminado muchas capas de pistas que tenían las canciones para darle protagonismo al arreglo concreto que pedía el tema en ese momento”. Sin embargo también podemos hablar en Anillos y raíces como un disco con canciones de mucho desarrollo con estructuras algunas inéditas para lo que nos tienen acostumbrados Second como es el caso de Quien pensaba en eso o En otra dimensión.

—arturo garcía

FOTO: ARCHIVO

Echo & The Bunnymen

SECOND

febrero 2019 #29

Arco

Rendez Vous

Barcelona (15 febrero, Razzmatazz) Madrid (16 febrero, Sound Stage)

FOTO: DECO

Barcelona (9 febrero, Sala Apolo) Murcia (15 febrero, Sala Rem) Valencia (16 febrero, Loco Club) Madrid (23 febrero, Cool Stage) A Coruña (15 marzo, Playa Club) Vigo (16 marzo, Sala Rouge)

Desde la modestia y tras El Puchero del Hortelano, Antonio Arco ha hecho crecer su proyecto poco a poco y agotando entradas sin hacer demasiado ruido. Ahora encara la segunda parte de la gira de presentación de su segundo larga duración, Abril (Warner, 18).

ué canciones de Uno (16) encajan mejor con el repertorio de Abril, de cara a redondear un concierto equilibrado? Un día perfecto, Castillo de naipes, Lo difícil, La vida entera, Una canción… son fijas en nuestros conciertos. Creo que las canciones de ambos álbumes encajan bien y cada una aporta algo distinto y especial al show. —¿Qué aprendiste en los años de El Puchero que, para lo bueno y para lo malo, te haya servido de referencia en esta nueva etapa? Aprendí que la paciencia es un grado y que si haces tu trabajo lo mejor que sepas, con ilusión y sin prisas, al final siempre llegan los resultados; aprendí que hay variables que no puedes controlar y que delegar en los demás es necesario, y aprendí a intentar rodearme siempre de personas que vivan tu música con tanta pasión como tú, personas que compartan tu ilusión… —Hace poco le preguntaba a otro artista que los músicos tenéis que tirar adelante los conciertos estéis de buen o mal humor, hayáis vivido experiencias duras recientemente o lo que sea. ¿Para ti, salir al escenario es un acto purificador o es más revitalizador? En plena gira de Uno perdí a mis dos padres y a mi hermana en un periodo de apenas tres meses, decidí no parar de cantar y

#30 febrero 2019

creo que seguir de lleno con los conciertos cargando esa mochila me ayudó a superarlo, o mas bien a aplazar esa tarea que tenía que pasar antes o después... lo que sé es que al subir cada noche al escenario sentía como ese dolor se transformaba en fuerza, en alegría… y durante esos momentos todo estaba bien ahí arriba. Cuando frené la gira para navidades me tocó asimilar esas perdidas sin la música y realmente fue duro, pero poder seguir cantando en esos meses anteriores me dio el tiempo y el margen necesario para que todo estuviese menos reciente y pudiese afrontarlo con perspectiva. —Tienes un clip como Todo y hay un vídeo colgado en Internet de un concierto tuyo en el que un chico pedía matrimonio a su novia sobre el escenario. ¿Uno se hace músico por vocación de trovador, porque le atrae un instrumento, por…? Por necesidad creativa, por sentir desde pequeño que crear era la tarea más bonita que podía ocupar mi tiempo… En mi infancia hice y escribí mucho teatro. Escribía libros que mi madre encuadernaba con su maquina de coser, hacia canciones que grababa con mi radio cassette mono… Todo lo que tenga que ver con la creatividad siempre ha sido muy atractivo para mí y así lo sigue siendo. —Tras estos próximos seis conciertos, ¿qué viene a continuación en la vida de Antonio Arco? Estaremos girando por aquí y parece ser que por algunos países latinoamericanos hasta que llegue el otoño. Entonces espero entrar a grabar mi próximo álbum de canciones, de hecho estoy ya seleccionando junto a Tato las canciones que más nos van gustando de todo lo que estoy creando estas semanas. —joan s. luna

endez-Vous es un grupo parisino formado en 2012, pero desgraciadamente poco conocido aún por estas latitudes. “A menudo nuestra música se describe como post-punk, pero es una mezcla de diferentes estilos de música. A veces tiene la energía de la música punk, pero también puede ser muy melódica o más electrónica... Intentamos hacer algo sin limitaciones y al mismo tiempo pegadizo”. Tras varios EP’s previos, el grupo lanzaba hace solo unos meses Superior State, su debut en formato largo. “No contábamos con fecha límite para el lanzamiento, pero después de varios meses de trabajo duro teníamos unas sesenta canciones y escogimos nuestras diez preferidas. Trabajamos en una antigua iglesia de Leeds con Dimitri Dedonder (uno de nuestros ingenieros de sonido en directo) y Matt Peel”. El resultado es un compendio convincente de postpunk, aunque con matices. “Hicimos muchas canciones y tocamos diferentes estilos, porque queríamos incluir muchas influencias diferentes en este disco, como electro-

FOTO: PIERRE-ANGE CARLOTTI

“Perdí a mis padres y a mi hermana en un periodo de apenas tres meses,”

Los parisinos Rendez Vous son uno de los grupos de post-punk más vibrantes del momento. Ahora vienen a España para presentar su disco Superior State (Artefact & Crybaby, 19).

nic body music, industrial, shoegaze, dark folk... El desafío era ponerlo todo junto manteniendo una fuerte identidad”. En efecto, sus temas son rabiosos, pero también dotados con un componente melódico que los torna pegadizos. “Cuando escuchamos música nos gustan particularmente las canciones con una producción extraña o extrema, pero que aún así tengan gancho y coros pegajosos. Nosotros mismos intentamos lograr eso cuando hacemos música. Además, todos esos años que pasamos haciendo giras cambiaron un poco la forma en la que hacemos nuestra música”. Al hablar de influencias latentes en el disco, los entrevistados apuntan algunos nombres concretos. “Depende de las canciones: Order Of Bael, por ejemplo, está inspirada por Death In June y The The, pero una canción como Exuviae está más influenciada por algunas pistas de black metal. The Prodigy también fue una gran influencia en la canción Superior State”. El combo francés estará actuando los días 15 y 16 en la Sala Razzmatazz de Barcelona y en el Sound Stage de Madrid respectivamente. “Cuando tocamos, nuestro objetivo es lograr que el público se involucre físicamente en las canciones con nosotros. Queremos que nuestros conciertos sean un lugar donde vienes de fiesta… cómo un outlet. Esperamos un montón de pogos”. —raúl julián

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THE TALLEST MAN ON EARTH

20 fEbRERO

bARCELONA SALA bARTS 25 fEbRERO

MADRID TEATRO NUEVO APOLO

www.houstonpartymusic.com

33/Mondo VINILOS

Sharon Van Etten

Ladytron

Ladytron Ladytron Music/ Popstock!

Remind Me Tomorrow Secretly Canadian/ Popstock!

La elegancia de James Blake James Blake

Assume Form Polydor Records

8 pop / Nadie lo duda. Podría haber triunfa-

do en el tenis, el fútbol o el atletismo. Se decantó por lo último, y sobresalió en sus actuaciones. Hasta que se hartó. Cuando se pasó al balón, hizo pruebas en un par de equipos, pero acabó arrinconado en la liga australiana. La historia es la de Usain Bolt pero, lo crean o no, tiene mucho que ver con la de James Blake. Ambos andan en los primeros compases de la treintena y son genios en lo suyo (siendo lo suyo muchas cosas). La vuelta del británico en 2019 con Assume Form, cuarto disco de estudio, se parece a las andaduras del jamaicano en el Central Coast Mariners; lejos queda ese sueño del cambio por todo lo alto, de debutar directamente con el Borussia Dortmund. Aunque el atrevimiento de no seguir haciendo rodar la manivela en el sentido bien, el predecible, merece un reconocimiento. El londinense se lo pasó todo de joven: dubstep, soul, contemporáneo. Pero su incursión en un pop algo más de vanguardia, urbano y abierto de miras, camino parecido al que han adoptado otras de las voces más respetadas de este siglo, su amigo Bon Iver, por ejemplo, se ha quedado algo por debajo de su caché. En una liga exótica. James Blake ha escuchado los vientos de la modernidad

y ha descompuesto su ego en Assume Form. Lejos de una obra redonda como Overgrown (13), el británico ha jugado al paseo revuelto pero con poco peso más allá de aquello que él realmente ya sabía hacer: emocionar vocalmente y con bases que no son más que un tintineo, acompañadas de una sutil melodía a piano. Espacio y silencio. El nuevo largo de Blake contiene más recorridos, más emociones: se ha reconocido, se ha aceptado, ya no sólo está roto. Hay un vistoso choque con la imagen del londinense de hielo, incluso en la portada. Cierto es que logra embelesar con el tema que abre el disco, homónimo; o que fulmina al oyente en el cierre, con la preciosa Lullably For My Insomniac, donde cimienta una de sus particulares iglesias sonoras; y que sorprende al final con la risueña I’ll Come Too o la optimista, vestido inusual, Power On; pero se pierde en aguas demasiado inconcretas con el cotizado Travis Scott (Mile High) e incluso con Rosalía (Barefoot In The Park), con quien se aventura con el castellano, apuesta autolesiva, y con quien comparte la idea, con matices, de hacer un disco dedicado al amor. No sólo a la parte quebradiza de éste. También, ojo, a la ilusión. James Blake está destinado a brillar en lo que quiera. Vuelva o no a su particular atletismo. Las condiciones le son prácticamente innatas y las ganas de probarse, existen. La paleta de colores se ha abierto sin remedio: ya no es sólo un chico modélico, ahora hace lo que le da realmente la gana. Encandile o no con ello. —yeray s. iborra

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rock / Ella dice que el mun-

do no necesita otro disco country rock. Y tampoco –añado yo– otro de synth pop complaciente y vacuo. Por suerte, su quinto largo no tiene nada de eso. Es un trabajo proteico y autoexigente, que se inclina por el lado oscuro de la vida con espíritu turbador, honrando sus nutrientes confesos: Sí, Suicide, Portishead o el Nick Cave de Skeleton Tree (16), pero también las sombras de Anna Calvi o la última Beth Orton, y con dos cooperadores tan necesarios como el productor John Congleton y un Jamie Stewart (Xiu Xiu) que sobresale entre su nómina de colaboradores. Sintetizadores más ásperos que lisonjeros sustentan las subyugantes I Told You Everything, Memorial Day o Jupiter 4, mientras Comeback Kid o You Shadow expiden (por contra) más luz. Una espléndida mudanza de piel. —carlos pérez de ziriza

de siete años de silencio, Ladytron regresan con el que es su sexto disco. Los británicos han encontrado el momento idóneo para retomar la actividad, ya que su pop abiertamente electrónico se encuentra de rabiosa actualidad. La propuesta del cuarteto no difiere demasiado de la ofertada a lo largo de toda su carrera, pero aprovecha la corriente de una tendencia sonora en vigor. Para ello el combo de Liverpool introduce algo de colorido, y donde antes lucían grises de poso post-punk ahora aparecen tintes inéditos que propulsan las canciones hacia un pop accesible. La jugada sale bien y el grupo es capaz de entregar mayoría de piezas funcionales y atractivas, que cobran fuerza adicional en la sugestiva interpretación de sus protagonistas. —raúl julián

Lambchop

Deerhunter

This (Is What I Wanted To Tell You) City Slang/ Music As Usual

alt-country / Tras la

desbordante reinvención sónica en Flotus (16), Kurt Wagner sigue su brillante estela con el álbum número trece de Lambchop, This (Is What I Wanted To Tell You). Ocho piezas que rezuman belleza, honestidad y verdad a borbotones, en las que Wagner perfecciona y sube la apuesta, fusionando pasado, presente y futuro con la exactitud y naturalidad de un genio alquimista. Laten cristalinas y se mezclan haciéndose carne sus raíces alt-country, empapadas de soul, swing y elegante sensualidad jazzística, con una electrónica minimalista que crece a fuego lento, como una envolvente enredadera mística de sintetizadores (gentileza de Matt McCaughan). Mientras, la morfínica y redentora voz de Kurt Wagner, un instrumento más, se filtra y zigzaguea hasta cegarnos.

—david pérez

pop electrónico / Después

Why Hasn’t Everything Already Disappeared? 4AD/Popstock!

pop / Podría argumentarse

que el grupo de Bradford Cox es el penúltimo de una estirpe, pero estaríamos exagerando. Y aún así, algo de eso hay: un grupo anacrónico, de una era desaparecida, que vuelve con el que es, probablemente, su disco más depurado. En su octavo largo, tres largos años después del magnífico Fading Frontier, prescinden casi al completo de las guitarras. Las sustituyen por sintetizadores, intrincadas capas de marimbas, clavicordios, vientos. Este enfoque produce un sonido frío pero paradójicamente cálido, futurista pero también deudor de los clásicos, audaz y a la vez accesible, con guiños cultos, maravillas melódicas como Futurism, Plains o What Happens To People?, cumbres de su producción más pop, o experimentos atmosféricos como Détournement o Greenpoint Gothic. —jc peña febrero 2019 #33

MONDOVINILOS

Bob Mould Sunshine Rock Merge/ Popstock!

De Staat: golosinas holandesas

ROCK / Bob Mould es un tipo de fiar desde que liderase a los seminales Hüsker Dü, con la posterior incursión noventera de Sugar, o a lo largo de una generosa trayectoria en solitario. La decimotercera entrega del neoyorquino supone otra descarga de tensión, en base a ese ramalazo eléctrico inconfundible. Sólidos muros sonoros que sólo la voz del autor consigue atravesar, gracias a una potencia juvenil llamativa para alguien que se acerca a los sesenta. La obra se reparte entre temas que otorgan relativa prioridad a la melodía, y momentos más explícitos con ramalazos grunge y punk. En uno u otro caso, el asunto convence por la propia honestidad de las canciones, pero también porque la presencia del músico comienza a dibujarse como definitivamente titánica y casi mítica. Es la estela de un autor incombustible, cuya influencia resulta cada vez más evidente y en diferentes estratos generacionales. Y todo, gracias a que su propuesta nunca pasa de moda. —raúl julián

De Staat

Bubble Gum Caroline/ Music As Usual

8 rock / La banda holandesa De Staat publica

su quinto álbum Bubble Gum, un título que hace justicia a lo que nos encontraremos a lo largo de los once temas que lo componen. Una golosina que tenemos que masticar sin tragar para evitar que se nos pegue a las tripas, mientras salivamos por lo altamente adictiva que puede resultar en algunos de sus cortes. Cuatro singles han sido los primeros en estrenarse para ir abriendo el apetito. Kitty Kitty fue el primero en llegar a nuestras orejas, un martillo percutor inspirado en la llegada de Trump y acompañado de un videoclip espectacular en el que Torre Florim y los suyos demuestran por qué después de más de diez años de trayectoria, cuestionarse su calidad es una absoluta pérdida de tiempo. I’m Out Of Your Mind es directamente un puñetazo al estómago en el que las cualidades vocales de Florim nos recuerdan al John Lydon más macarra.

Parmesano

The Twilight Sad

EP’S 2011-2018 Repetidor

rock experimental /

Parmesano ya habían demostrado hace siete años que eran una de las apuestas más originales de España. Como una versión arty de Minutemen, su EP de este año también recoge cortes chiripitifláuticos como Casa encantada o Tete Cohete. Demostraciones de cómo retorcer riffs, cambios a contrapié y todo lo que conlleve evadir la rutina del diálogo con el oyente. Insuflados por un crisol de voces pitufiles de tribalismo afro, tanto Juan José Gómez como Jordi Tost están más preocupados de desplegar sus cuerdas vocales como pistas instrumentales que como una forma de cantar. Como el eslabón perdido entre una versión post-punk de Captain Beefheart y unos Margarita en delirio constante. Locuras para chiflados que aún creemos en la posibilidad de poder sorprendernos con artefactos curtidos y labrados desde la máxima exaltación de lo que, hoy en día, debería ser considerado como post-punk. —marcos gendre #34 febrero 2019

Después llegaría Mona Lisa, un tributo a Atlas de Battles, basta con ver ambos videoclips y hacer un mashup mental con ambos temas, las similitudes podrían parecer excesivas si no sintiésemos al mismo tiempo que Mona Lisa sería el hijo perfecto entre Queens Of The Stone Age y los mencionados Battles. Pero la fiesta no acaba aquí, el cuarto single en asomar la patita es Phoenix, una obra maestra, una preciosidad de medio tiempo interrumpido por una serie de estertores que dotan

ROCK / ¿Hasta qué punto necesitamos nuevos bríos post-punk cuando el trecho del revival del revival es tan largo? La respuesta ha de ser afirmativa si atendemos a la rotundidad con que los escoceses han gestado su quinto álbum, el más intenso y urgente de su carrera. Una rotunda colección de canciones puzantes, con su pizca de claustrofobia y cierta pátina cinemática, tan directas que ya ni nos acordamos de cuando se debatían entre la herencia folk de sus albores y el manto electrónico con el que Andrew Weatherall empezó a cubrirles. Andy McFarlane y James Alexander Graham empiezan a justificar lo que Robert Smith lleva años diciendo: en un mundo más justo, serían mucho más grandes. El asalto sónico de Shooting Denis Hopper Shooting, los teclados que hacen de The Arbor algo conmovedor, la épica sin ambages pero digerible de Auge Maschine y la inmediatez de Videograms acumulan puntos para sitúar este disco como su cima. —carlos pérez de ziriza

—esther al-athamna

Miguel Grimaldo & Niño

It Won/t Be Like This All The Time Rock Action/ [PIAS]

al corte de una fuerza y un contraste absolutamente irresistibles. Pikachu es una de las concesiones más claras al baile que se intercalan magistralmente con cortes más densos como Me Time. Mención especial para Tie Me Down, un melódico dueto junto a la cantante Luwten, con arreglos a lo Animal Collective. Bubble Gum es un disco ideal para los amantes del rock poco convencional, deudores de la electrónica de riffs y mentes compulsivas.

Leche negra Autoeditado

Síntesis Autoeditado

rap / En Síntesis nos encontramos con seis pistas de rap crudo, sin ornamentos ni sutilezas, sucio y callejero. No me malinterpreten: esto va más allá del boom bap, no se trata simplemente de un ejercicio de estilo. Niño se sirve de la simpleza e inmediatez del rap de raíces noventeras (de Dead Prez al Hecho, es simple (97) de 7 Notas 7 Colores), actualizando el sonido clásico de esos referentes con una producción minimalista, densa y oscura a base de electrónica sutil e inquietante sobre bases pesadas y monolíticas. Y en medio de toda esa oscuridad, la lírica funesta de Miguel Grimaldo. No se cuela ni un sólo rayo de luz a lo largo de Síntesis. Grimaldo desgrana con su característico flow arrastrado un imaginario de desolación y alienación urbana, de análisis crudo de la realidad en el que hay poca cabida para la esperanza. Historias de precariedad y resistencia en barrios cada vez más deshumanizados. Realismo sucio con conciencia de clase. —ricky lavado

John Mellencamp

Fraskito

flamenco fusión / Cantaor,

guitarrista flamenco, arreglista, productor y compositor. Francisco Rodríguez Fernández ‘Fraskito’ ha escrito canciones para Remedios Amaya, Guadiana, Parrita o La Negra, pero Leche negra es su tercer disco como solista, y posiblemente el más valiente y personal. En Camino de agua (08) exploró las sonoridades de su guitarra de siete cuerdas tan atípica en el flamenco, y en Tierra y sangre (10) rindió homenaje a Miguel Hernández. Su nuevo trabajo le sirve para explotar su particular universo personal, donde el flamenco se fusiona sin complejos y sin rechinar con multitud de sonoridades que pueden ir del jazz al pop o del rock al hip hop. Apoyo perfecto para cantar unos textos poéticos, sesudos, reivindicativos y trabajados que, además de volver a fijarse en Hernández, buscan sus fuentes en versos de Donato Ndongo o Paul Celan, los textos del sociólogo Zygmunt Baumann o el cincuenta aniversario del mayo del 68. —jesús casañas

Other People’s Stuff Review Republic

ROCK / Del nuevo álbum

de John Mellencamp se pueden realizar dos afirmaciones sin riesgo a que nadie te lleve demasiado la contraria. La primera de ellas es que, pese a ser un álbum de versiones, el veterano cantautor de Indiana sabe llevárselas a su terreno, confiriéndoles un lustre nuevo de autenticidad. La segunda es que, a sus sesenta y siete años, su voz es mucho más rugosa y ha ganado en profundidad, dando pasos tan interesantes como los que puedan estar dando veteranos como John Hiatt, Ry Cooder o Lucinda Williams. Pese a ello, ya sabemos lo que pasa con los discos de versiones: son un buen divertimento y si, como es el caso, la elección es acertada, pueden hacernos pasar un buen rato. Temas ya revisitados antes con mucho genio incluso como In My Time Of Dying (Led Zeppelin), I Don’t Known Why I Love You (Stevie Wonder) Eyes On The Prize (Bruce Springsteen) o Wreck Of The Old 97 (Johnny Cash). —don disturbios

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Javier Álvarez

ROCK / Tras su estreno en

las salas de cine el pasado octubre, Bienvenidos al temporal llega en formato doméstico como doble CD y DVD. Se trata del primer trabajo en directo de Robe al margen de Extremoduro. Recoge de grabaciones de la gira homónima que realizó por todo la península a lo largo de 2017, presentación de su segundo disco de estudio. En concreto se han extraído las grabaciones de tres actuaciones (Mérida, Barcelona y Madrid). El setlist recorre por completo los dos álbumes de Robe, Lo que aletea en nuestras cabezas (15) y Destrozares (16), con la misma banda que entró al estudio, dotando a sus ejecuciones de un sonido bastante similar al que ya habíamos oído antes y con mínimas concesiones al repertorio de Extremoduro. El material ideal para escuchar mientras atendemos expectantes a sus nuevos movimientos de Roberto Iniesta (sea como Robe o como Extremoduro) y para recordar su primera gira en solitario. —jesús casañas

Sick Of It All

Wake The Sleeping Dragon! Century Media

10 Music Bus

pop de autor / Javier

Álvarez vivió su infierno personal con las drogas. Su vía crucis nos privó de vivir la esperada evolución de un sastre de la liturgia pop que, después de casi una década sin noticias suyas, ha tenido tiempo de fraguar un retorno esplendoroso, donde canciones autobiográficas como En la cuarta nos abren de forma elocuente las páginas de su diario personal. Donde otros caerían en el primer plano de la palabra, olvidando el duende instrumental, Javier ha tejido una suerte de coreografía pop-folk donde, más que recordar al rezumar hogareño de sus primeros álbumes, lo muestra pleno de curiosidad a la hora de abordar el lenguaje rap en Tuno o esa pequeña matrioska pop que es Mi querida señorita. El resto del repertorio también navega sobre aguas de boyante inquietud artística. Canciones donde la sencillez aflora desde la persistencia de encontrar ese giro melódico o detalle que otorga autonomía a la canción.

—marcos gendre

hardcore / Cuando Sick

Of It All debutaron en 1987 estaban cabreados con el mundo. Treinta y un años después siguen bien vivos, con un enfado de grandes proporciones y su mejor sonido hasta la fecha. Con Scratch The Surface (94) el grupo encontró su propio estilo y su mítico dragón, recurrente en la mayoría de sus portadas, es en Wake The Sleeping Dragon! donde el reptil volador aparece más explícito que nunca enroscado sobre el Empire State de Nueva York. Todo cuadra en un disco de hardcore puro donde las reflexiones de sus versos no permiten mirar hacia otro lado. Lanzan verdades cantadas a gran velocidad que pondrán las salas de conciertos patas arriba: Horseshoe y su magnífico riff inicial, Deep State, sostenido por un bajo omnipotente, o el guiño genial a Dropkick Murphys en Bull’s Anthem. Sick Of It All arrasan dentro de una burbuja atemporal que ellos mismos han fabricado. ¿Seremos capaces de seguirles el ritmo? —toni feliu

DD LJM

1 James Blake Assume Form

9 9 7 8 8,25

2 Novedades Carminha Ultraligero 3 Sleaford Mods Eton Alive

7 8 8 8 7,75

4 Nicola Cruz Siku

7 7 7 7 7

5 De Staat Bubble Gum

8 6 6 7 6,75

6 Sharon Van Etten 7 7 7 6 6,75 Remind Me Tomorrow 7 Mucho Hay alguien en casa

7 6 6 7 6,5

8 Ex:Re Ex:Re

6 8 6 6 6,5

9 Beirut Gallipoli

6 7 6 7 6,5

10 Cupido Préstame un sentimiento

5 7 6 6 6

Urfabrique

Pictures And Shapes Of Our Mistakes Autoproducido

Nicola Cruz Siku ZZK Records

8 electrónica / Hay algo de médium en la mú-

en Siku, un ejercicio que, lejos de ser andinodependiente, mira de frente a otras músicas de genética ritual: sonoridades orientales, africanas, cariocas; sensación de creación en una comunidad participativa (o ‘sikuriada’), como demuestra la nómina de artistas que lo acompañan (entre otros, Minük, Esteban Valdivia, Castello Branco o músicos de Altiplano); pero también la presentación de hits con voz (Hacia delante) o sin ella (Siete o Arka);

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Med

8 8 8 8 8

Nicola Cruz: ritmos que hacen latir la tierra

sica del ecuatoriano: esa capacidad de estar en el centro de un ritual ancestral de alguna comunidad indígena precolombina, pero también en un futuro muy lejano, sabiendo cuáles son esos ritmos que llevan haciendo latir a la tierra desde hace siglos, y que por mucho que las músicas cambien, la manera de caminar no. Ya lo demostró con Prender el alma (15), un debut que erigió un movimiento global (el de la mezcla de ritmos folclóricos y música electrónica), y del que no cesan de presentarse proyectos-satélite que toman a Nicola Cruz como sumo pontífice de una religión, la del global bass, la folktrónica, la fusión electrónica, el Andes step aplicado a cada territorio, o como quiera denominarse esta mezcla de renovación folclórico-ancestral por la vía de la música electrónica de vanguardia, que ha cambiado para siempre la manera de entender no solo nuestras raíces, sino la música de club. Ahora, quitándose sambenitos y jugando a la imprevisibilidad y la impredecibilidad, el productor sudamericano da un paso más

dc JSL

máquinas exprimidas hasta sonar a madera; el desarrollo de un neotribalismo nunca antes explorado por nadie (Señor de las piedras, Obsidiana o El diablo me va a llevar, cerca del malambo argentino, son los mejores ejemplos de ello); convierten a Siku en un manual tan kamikaze y necesario, como en una obra maestra musical y la tesina de un etnomusicólogo que se inventa nuevos límites para volver a superarlos. —alan queipo

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

Bienvenidos al temporal El Dromedario

top 10.

Robe

pop electrónico / Existen

pocos grupos de música electrónica de baile en nuestro país que intenten aunar en su estilo cierto aire vanguardista y conceptual haciendo un estilo musical que, a priori, podría ser categorizado de ligero o poco profundo. Los barceloneses Javi Morales y Pau Mendieta lo han conseguido. Si en su primer EP de 2016, Deliable Ink, trataban sobre la memoria y cómo puede llegar a ser esquiva y reinterpretable, aquí el grueso de temas trata sobre mundos distópicos inspirados en las teorías de sociólogos como Bauman, pensadores como De Botton o series como Black Mirror (11). Aunque muchos de los ritmos de Urfabrique sean principalmente destinados a la pista (Body Communication, Cheese Or Kids o la muy New Order Miss Future), también hay momentos más reflexivos como Walls We Build –publicada como single por Kitsuné–, Desert u Oblit. —manu gonzález febrero 2019 #35

MONDOVINILOS

Berlinist

La ignorada fábrica de himnos de Las Ruinas

Gris (Original Game Soundtrack) Berlinist/Nomada Studio

NEO CLÁSICA / The Winter Hexagon, primer largo de los catalanes Berlinist, fue rotundo. Tanto que cualquiera podría pensar que una novedad, por pequeña que fuese, tras tres largos años de silencio, haría perder el culo a la crítica. Incluso una banda sonora, ¡incluso la de un videojuego! La realidad, Gris (Original Game Soundtrack) es tan bella de principio a fin –nada menos que veintisiete cortes que, por lo general, se pueden disfrutar de forma autónoma– que sirve como segunda referencia de la banda. No es un placebo para soportar la ausencia, es un señor disco de minimal, de ambient paisajístico, de virtuosismo a piano y vientos, que evoca a ciencia ficción galáctica (o a futuro distópico), como el que plantea el propio juego de plataformas ‘indie’ firmado por la compañía Nomada Studio, con el magnífico trabajo de arte de Conrad Roset y con una excelente recepción por parte de los ‘gamers’. 83/100 puntos, según el agregador Metacritic.

Las Ruinas Alucinaje El Genio Equivocado

8 rock / Al llegar a su última etapa, el no-

veno álbum de Las Ruinas alude a una pregunta implícita, ¿por qué Los Punsetes sí y ellos no? ¿Cuáles son las razones para que una fábrica de himnos como ellos nunca haya conseguido traspasar la línea que separa la Champions del indie nacional de las camadas pretendientes a ascender? Quizá algún día todas estas preguntas tengan respuesta lógica. Ese será el momento en el que se convertirán en objeto de reevaluación y excusa del “yo estuve aquí”: cuando nos demos cuenta de su ausencia. Ya se sabe, para valorar algo, primero hay que echarlo de menos… Y es que, a la espera de un próximo disco en directo, Las Ruinas nos dicen adiós. En su caso, de la única manera que lo saben hacer: bajo un crisol de matices estilísticos condensados bajo la etiqueta heavy pop, del que ellos mismos vuelven a burlarse

The Sey Sisters

Monte Terror

ROCK / Llega el momento

en el que sabes que ese verano será el último; vivirás más pero ya todo habrá cambiado. Para siempre. Eso lo saben en Monte Terror, pues se encuentran justo en ese punto, exprimiendo las últimas gotas de juventud, con la publicación de este álbum de debut tras sus dos EP’s anteriores. Esa herencia previa, de marcado corte shoegaze/indie rock, aún está presente y se percibe en los cortes más radiantes del álbum: en la preciosa Triple Salchow, Espalda azul del exterminio o Teoría de las catástrofes se encuentran los sonidos más reconocibles del grupo. Medios tiempos, distorsiones, desarrollos largos, crescendos o atmósferas llenas de reverb. Pero vemos señales que indican nuevos caminos: Poder blando y Oude Kwaremont tiran hacia el (doom/black/post) metal, sobre todo atendiendo al tratamiento de la batería (Russian Circles, Conan, Deafheaven, Burzum…). Y Cerro de los muertos hacia la experimentación más extrema. —víctor martínez #36 febrero 2019

GOSPEL / The Sey Sisters

es un sorprendente trío de voces negras y éste es su segundo disco. Once canciones que abogan por la paz, los derechos humanos y denuncian el racismo. Musicalmente beben del gospel y del soul de espíritu africano, pero de una forma íntima. Cantan mayormente en inglés y sus voces son las autenticas protagonistas, con el único y delicado acompañamiento a los teclados de Albert Bartolomé. Estas tres hermanas de padres ghaneses, que han nacido y crecido en Cataluña, tienen un proyecto paralelo en la onda funk & soul con la banda Funkystep, pero esta es su valiente propuesta personal. Ellas mismas arreglan temas tradicionales como la emotiva Follow The Drinking Gourd o la espiritual Swing Low. Pero también tienen composiciones propias como Believe o Until You Stand Up donde brillan sus melódicas y poderosas combinaciones vocales. Y hasta se llevan a su terreno el What’s Going On de Marvin Gaye. —miguel amorós

cien fibra. Un regalo de despedida que quizá no nos merezcamos, pero que ellos se han resuelto a ofrecernos y, de paso, dejar constancia de un hecho inapelable: la grandeza de una formación que será de referencia obligatoria cuando se nos dé por recordar cuáles son los secretos mejor guardados del pop estatal de la década que nos dice adiós.

—marcos gendre

Masked Intruder

Rise Satélite K

El último verano de nuestra juventud Grabaciones A Montones

por medio de un nuevo atentado contra la horizontalidad. Del pálpito Black Sabbath en Coloso al recuerdo a The Go-Betweens en Piedras preciosas, el trío barcelonés ha forjado un ramillete de hits underground en los que las sonrisas torcidas son fruto de depresión generacional y los baños de ducha fría, la solución para curar resacas de borrachera tragicómica. Todo cien por

punk pop / Intruder Blue,

Intruder Green, Intruder Yellow e Intruder Red han vuelto a las andadas con un elocuente III, un tercer largo auspiciado por Pure Noise, sello con el que se estrenaron con un EP previo titulado Love And Other Crimes (16). En su deliciosa nueva entrega el power pop sigue ganando terreno al punk pop más ‘ramoniano’. Seguramente tienen algo que decir los productores. Y es que en esta ocasión han contado con la ayuda de dos músicos sin antecedentes conocidos pero sospechosos habituales de la escena melódica como Roger Lima, bajista de Less Than Jake, y Mike Kennerty, guitarrista de The All-American Rejects. Todos son culpables del espectacular resultado, una mezcla de punk pop rápido en la onda de Chixdiggit! y Teenage Bottlerocket (No Case, B&E), el buen rollo del rock’n’roll de los cincuenta (los coros con brillantina de Please Come Back To Me y Mine All Mine) y las melodías vocales del disco verde de Weezer. Punk rock de guante blanco. —luis benavides

Author & Punisher

Dan Mangan More Or Less City Slang

III Pure Noise Records

—yeray s. iborra

POP DE AUTOR /Dan Mangan

es un veterano cantautor canadiense que logró cierta popularidad hace cuatro años cuando se juntó con el colectivo de músicos experimentales Blacksmith y editó uno de esos discos que permanece en el recuerdo. De hecho, todavía recurro a Club Meds (15) cuando quiero darme el placer de escuchar un disco de principio a fin con canciones cautivadoras y épicas como Mouthpiece. Desde entonces, Dan Mangan se lo ha tomado con mucha calma. Tanta que por lo visto se ha dedicado a formar una familia, dotar de mucha estabilidad a su vida y convertirse en un músico mucho más reflexivo y, por qué no decirlo, serio. Un cambio de actitud vital que ha quedado reflejado en More Or Less, su nuevo trabajo. Su tono es apocado, tranquilo y firme, pero carece del nervio suficiente para dejar huella. Y es una lástima porque atesora bonitas canciones como la delicada Peaks & Valleys o la trotona Troubled Mind. —don disturbios

Beastland Relapse Records

METAL / No es fácil a día de hoy encontrar músicos con la capacidad de entender la categoría “post” más allá de la pura nomenclatura – y pose – hipster, pero sin duda alguna el proyecto unipersonal que encabeza Tristan Shone, Author & Punisher, sería uno de esos pocos casos. Diluyendo los límites entre la música metal, drone, industrial y electrónica, Beastland, octava incursión del polifacético artista americano y primera de la mano de Relapse Records, supone una plena afirmación en la contemporaneidad de la música extrema. La patente superación del melodicismo vacío juega a favor de un bestialismo sintético repleto de distorsiones ariscas y rítmicas obstinadas que a duras penas dan tregua en sus menos de cuarenta minutos de duración. Piezas como Nihil Strength, Ode To Bedlam o la homónima Beastland son un buen resumen de qué significa experimentar en clave de ira nihilista en esta década poniente.

—fernando acero

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Daniel Romano

Versus La Utopía del Norte

Finally Free New West Records

ROCK / Sufre Daniel Roma-

no esa incontinencia creativa que asola a muchos genios. Nueve discos desde 2010, y tres en 2018. Nos quejaríamos de que son demasiados, si no fuera porque el canadiense mantiene siempre un buen nivel. Sin duda, de los tres lanzados el año pasado, este es el mejor de todos. Y eso que el tipo nos ha engañado, asegurándonos previamente que iba a dar una nueva vuelta de tuerca a su carrera. Una ruptura radical respecto a Modern Pressure (17) que no acabo de ver por ningún lado. Nueve canciones confesionales que van del slow country con pedal steel que nos recuerda a sus épocas pretéritas, al blues o al rock psicodélico, con la sombra de Dylan todavía presente. Probablemente está chalado pero, ¿Cómo no estarlo para meter en un disco un tema como Celestial Manis? ¿Cómo puede salir de tu mente algo como Empty Husk? Insisto en la calificación de genio.

—eduardo izquierdo

Rap / Gustos musicales aparte, hay que reconocer la valentía en lo hecho por Hard GZ. Quién, tras muchos años ciñéndose al rap más clásico y académico, decidió darle un giro total a su música. Y lo hizo, además, hacia el género que es considerado actualmente el mayor enemigo musical del rap: el trap. Pero el mérito real de Hard está en demostrarnos que puede crearse un trap con un mensaje comprometido, que no hable de drogas, putas y sexo, y que suene bien. Y así lo demuestra en canciones como Atrapado aquí o Weah donde Lil GZ (su alter ego trapero) toma el mando del sonido respetando la credibilidad de su lírica. Pero no todo son sonidos electrónicos y oscuros en Versus, ya que canciones como Estorbando, Escuela (con Tote King) y Rolas (con Fernando Costa) demuestran que el rap de bombo y caja sigue siendo su mano diestra. Todo un ejercicio de provocación y versatilidad musical del que sale bien parado. Y que seguro no acaba aquí. —alfonso gil royo

Steve Mason

Pig Destroyer

About The Light Domino/Music As Usual

pop / Que The Beta Band fue uno de los grupos más imaginativos surgidos en el pop británico de finales de los noventa es evidente, y su líder Steve Mason ha sabido apañárselas para mantener viva esa chispa específica a lo largo de su carrera en solitario. Es el mismo toque que convierte su orfebrería en una catarata sonora, tan elegante como colorida. El escocés presenta un quinto álbum con su reconocible impronta, pero también dotado con una irónica capacidad lírica. Cada una de las piezas de About The Light tiene un sentido orientado por el autor, impecablemente argumentadas en lo que se refiere a la instrumentación –generosa pero en todo momento distinguida y alejada del exceso–, amparando así una ejecución vocal sólida, magnética y llena de matices. Mason siempre ha sido un autor ambicioso, inquieto y ampliamente perspicaz, habilidades que desbordan en una obra luminosa en sus formas, efectiva en consecuencias e inteligente en el mensaje. —raúl julián

MONDOVINILOS

Hard GZ

Head Cage Relapse

metal extremo / Tras

Phantom Limb (07), nada volvería a ser lo mismo: llegaron dos singles, dos EP’s y un último álbum –Book Burner (12)- que nunca llegaron a colmar del todo las expectativas de sus seguidores. Con su nuevo álbum, Pig Destroyer abren todavía más la brecha que los separa de dos clásicos recientes del grindcore –Prowler In The Yard (01) y Terrifyer (04)- al apostar nuevos sonidos. La pérdida de fuelle, patente en canciones cargadas de groove metálico como Army Of Cops, House Of Snakes, Concrete Beast o Circle River contrasta con la solvencia que demuestran en su hábitat natural: temas cortos y despiadados como Dark Train, Terminal Itch o Mt. Skull. La producción –especialmente por lo que respecta a baterías- merma el potencial altamente incisivo de su nuevo repertorio. Es difícil prever si se trata de un álbum de transición o, sencillamente, un claro intento por desmarcarse de los cánones del género.

—tomeu canyelles

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La buena escuela de Sleaford Mods Sleaford Mods

Eton Alive Extreme Eating/Popstock!

7 rap punk / Jason Williamson y Andrew

Fearn no eran unos críos cuando sumaron fuerzas renovando la gran tradición británica costumbrista. Su fórmula de trepidantes bases minimalistas, una especie de hip-hop de espíritu punk con letras tan ingeniosas como descarnadas, funcionaba como un reloj. Además, se les agradecía no estar domesticados por el hipsterismo dominante. Pese a sus aciertos, English Tapas (17) sonaba a final del camino. Parecía difícil seguir estirando la fórmula magistral, y más teniendo en cuenta su productividad: cinco discos y cuatro EP’s en un lustro triunfal. Aunque el EP lanzado el pasado verano desmentía su agotamiento, en este nuevo Eton Alive, que lanzan a través de su nuevo sello, se esfuerzan por introducir matices. Todo sigue en su sitio, pero Into The Payzone incluye sofisticaciones otrora impensables, como coros y algún

tecladito, sin que se desvirtúe el espíritu espartano. Kebab Spider explota una acidez en la que son maestros, pero introduciendo una pulsión electro bailable. Lo más novedoso del disco es que Williamson se atreve a salir de su zona de confort vocal en varios momentos: más inspirado en Firewall que en When You Come Up To Me. No obstante, siguen estando más cómodos en los momentos espídicos (Top It Up, Substraction o el punk-funk de Discourse). Williamson no afloja en sus textos de un sarcasmo existencial y amargo, y dispara a diestro y siniestro: hipsters, Channel 4 y la izquierda snob, políticos, capitalismo deshumanizador… Todo pasado por la alienación cotidiana del tipo de la calle. No es casual la referencia a Eton, escuela de la clase dominante, que dio también para una inolvidable canción de The Jam: “Aquí estamos de nuevo en medio de otro plan elitista digerido lentamente, mientras esperamos volver a convertirnos en heces otra vez”, explica con crudeza. El callejón sin salida en que está su país, atrapado entre un Brexit impracticable y una gloria imaginaria que nunca volverá, es el combustible de otro disco tan disfrutable como necesario. —j.c. peña

febrero 2019 #37

MONDOVINILOS

Balthazar

Helado Negro

Fever Play It Again Sam

pop / La formación belga ha decidido emprender un nuevo rumbo en su cuarto larga duración para potenciar su parte más rítmica. Logrando despojarse del carácter crooner y dejando de lado los arreglos barrocos a los que nos tienen acostumbrados, en esta nueva referencia siguen sonando de lo más elegantes a costa de someter sus temas a una catarata de influencias muy bien cohesionadas. Desde líneas de bajo heredadas del r&b más llevado al downtempo hasta momentos de total libertad asociada al free jazz, todo ello para conducirnos a algunos de los estribillos más pop que han facturado hasta el momento como bien ocurre en I’m Never Gonna Let You Down Again. A pesar de encontrarnos ante un trabajo claramente rupturista, los nexos de unión respecto a sus predecesores no logran difuminarse por completo, ya que en los momentos más ambientales, aquellos que le otorgan un cierto aire inquietante, tiran de su característica sobriedad para reducir las revoluciones. —noé r. rivas

This Is How You Smile RVNG Intl

pop / Robert Carlos Lange se desmarca del latin power que esgrimía en Private Energy (16) y se adentra en el evanescente mundo de los recuerdos de infancia y juventud. Ha pasado del cimbreo electrónico de intensidad variable a una suerte de downtempo que en ocasiones le emparenta al folk sereno de pespuntes electrónicos del último Devendra Banhart. Eso se trasluce en Imagining What To Do, Sabana de luz o Todo lo que me falta. No vayan por eso a creerse que el músico de Miami, de raíces ecuatorianas y afincado en Nueva York, ha desterrado su conciencia racial y de clase en este sexto álbum: el título es un préstamo de Girl, relato corto de Jamaica Kincaid sobre cómo sobrevivir siendo inmigrante y de color en la Norteamérica contemporánea. Pero todo suena más sutil, más etéreo y epidérmico. Más sobrio e impregnado de tonalidades jazz y funk, aunque sin estridencias. Es una preciosidad de disco, desde luego, al que tan solo cable afearle cierta linealidad.

—carlos pérez de ziriza

Night Beats

Willard Grant Conspiracy

Myth Of A Man Heavenly Recordings

Recycled J abandona del todo el rap Recycled J City Pop Autoeditado

7 r&b-pop / El regreso de la voz más melódica y potente de la música urbana española ya es una realidad. Tras el éxito de Oro Rosa (17), Recycled J confirma su total reciclaje hacia el r&b y el pop con su segundo disco en solitario. El madrileño deja apartado el rap de sus inicios para que su música viva de neo-pop, soul o electrónica, y ya desde Intro deja a la vista las pautas sonoras que van a conducir este disco. Unas directrices que quedan confirmadas en Bambino, primera canción y uno de los singles que sirvieron de presentación de este trabajo, donde Recycled hace gala de ese r&b moderno que cada vez domina más con bases bailables y estribillos pegadizos marca de la casa. Una fórmula que se repite innegociablemente a lo largo del álbum, aunque gracias al trabajo de Selecta, productor

#38 febrero 2019

único del disco, la monotonía es esquivada gracias a notables cambios de ritmos y la introducción de algún que otro elemento externo (como melodías salseras en el corte 12, guitarras puntuales y un pequeño homenaje a El príncipe de Bel-Air). Aunque, y dicho sea de paso, no hubiese estado de más introducir alguna colaboración vocal. Pero Jota quería que este fuese “su” disco, creado a su imagen y semejanza, y que se reflejasen en él sus inquietudes musicales actuales. De ahí que la mayor influencia de este álbum provenga del pop español y la música japonesa de los setenta y ochenta, donde comenzó el auge de elementos como el vocoder o los sintetizadores, tal como explica el propio artista. Además, Recycled J ha ampliado el elenco lírico de su música, profundizando en sus experiencias, pensamientos y opiniones más allá del amor como en su anterior disco. Y es que la propuesta de Recycled y Selecta es fruto de la evolución natural de un cantante que necesita explotar su voz más allá de los límites que le imponía el rap.

—alfonso gil royo

rock / Para su cuarto trabajo al frente de Night Beats, Danny Lee Backwell se ha trasladado hasta Nashville para ponerse en manos de Dan Auerbach y, rodeado de una nutrida selección de veteranos músicos de sesión, dar forma a un disco en el que todo funciona, pero casi nada emociona. En su nuevo disco ha bajado revoluciones, ha suavizado sus composiciones y en el camino ha perdido frescura en pos de un sonido tan amable que termina por resultar inofensivo y hasta aburrido por momentos. Un conjunto de canciones que, pese a su irregularidad, cuenta con aciertos, como la delicadeza de sonoridades acústicas de Footprints o Her Cold Cold Heart, con sus aires a The Last Shadow Puppets. En la vertiente eléctrica destacan Eyes On Me, con su rock garajero sucio y resultón, y ese hit a medio camino entre The Black Keys y Rocket From The Crypt que es One Thing, seguramente la mejor canción de un disco que, pese a su corrección, deja bastante que desear.

—ricky lavado

Untethered Loose Music

americana / Acostumbra-

dos a los óbitos de llanto multitudinario, el fallecimiento de Robert Fisher, factótum de Willard Grant Conspiracy, supuso un imperceptible eco mediático. Resultado de aquel luctuoso hecho quedaron en el aire una serie de canciones recuperadas ahora por la mediación del multiinstrumentista de la banda David Michael Curry, a su vez protagonista en el perfilado definitivo de estas. Nunca esquivo a la reflexión sobre la muerte, tal aptitud adquiere aquí una dimensión sobrecogedora, acentuada por una siempre imponente voz y el penetrante y épico sonido de raíces. El rabioso inicio con Hideous Beast señala excepcionalidad frente a unas piezas dominadas por la guitarra acústica y unas conmovedoras cuerdas, vehículo por el que fluyen un sosegado recitado (26 Turns), la árida I Could Not o el verbo afligido de Share The Load. Trail’s End recupera el rugido eléctrico para coronar este emocionante y por momentos espectral último suspiro. —kepa arbizu

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Power Burkas

Mai nego l’oci Famèlic/B-Core Disc

punk / Se presentaron con

un par de EP’s que dejaban intuir que tras aquellas explosiones de irreverencia juvenil había un grupo al que había que seguirle la pista de cerca. Expectativas que el cuarteto de Vic reafirmó en 2016 con su debut de largo, un disco con un nombre tan extraordinario como Llarga vida al tarannà. Mejor aún, el contenido del primer álbum de los Burkas era incluso mejor que el continente. Tres años después reaparecen con Mai nego l’oci, disco con el que estos granujas han superado lo ofrecido en su anterior referencia con temas con alma de anti-himnos generacionales como Retina vigatana, Moribunda au terrestre... Relevo natural de los irreemplazables Surfing Sirles, lo de Power Burkas es la perfecta conjunción entre el punk poliédrico, el garaje destartalado y el indie rock majareta. Un telón de fondo sonoro ideal para unas letras cargadas de imágenes que son el reverso corrosivo del costumbrismo amable. —oriol rodríguez

Novedades Carminha: el vivo al baile Novedades Carminha Ultraligero Ernie Records

9 pop / Hace año y medio que los gallegos Novedades Carminha lanzaron Te quiero igual, convertida en una de las canciones de aquel verano de 2017. Luego llegarían Verbena, El vivo al baile, A Santiago voy (con Esteban & Manuel como compañeros de viaje para actualizar el clasicazo de Los Tamara) y, en la recta final de 2018, Ya no te veo, mano a mano con Dellafuente. Un pelotazo entre la charanga y el trap rumbero que ponía el listón en lo más alto de cara al estreno de Ultraligero. Alguien dijo que dudar es de sabios: conocida casi la mitad del disco, ¿el resto estaría a la altura? Visto lo visto, igual la duda es cosa de pusilánimes. Para quien aún se lo estuviera pensando, nada mejor que abrir con la contagiosa Hay un sitio para ti, subrayando el concepto de música de baile pasada por la coctelera de Carlangas, Jarri, Xavi G. Pereiro y el definitivamen-

Rustin Man

Retirada! Son El Segell

rock / Albert y Cuervo coincidieron tocando en Nordkapp para poco después poner en marcha este proyecto en el que volcar una gama de influencias donde confluían nombres como Mogwai, Japandroids, Yo La Tengo, Nueva Vulcano, El Petit de Cal Eril... Toda esa colección de referencias quedaría plasmada en Inevitable (14), un buen disco pero algo disperso. Luego vendría Victoria i Derrota (16), suma de dos EP’s conceptuales, primer muestrario de lo que podían ser capaces de hacer. Tres años más tarde, Retirada! publican Son, un álbum que definitivamente perfila y define su personalidad sonora y amplifica sus virtudes. Próximos a Pedro The Lion, el tándem ha entregado once cortes donde se dan al post-rock de formas cristalinas y el shoegazing de carácter y onírico, todo ello declinado a través del slowcore y el emo más nostálgico y evocador. Cría cuervos y te harán temas tan jodidamente sobrecogedores como 92, Castors, Astillas o Respira. —oriol rodríguez

Monarchy

Drift Code Domino/Music As Usual

rock jazz / Paul Webb regresa con su alias Rustin Man tras doce años de silencio, tiempo que ha dedicado a la composición de este trabajo en el que presenta nueve temas, en esta ocasión sin la (deliciosa) voz de Beth Gibbons (Portishead), ocupándose así él de las tareas vocales, aparte de las de tocar casi todos los instrumentos salvo la batería, tarea de la que se ocupa con tino el gran Lee Harris, su ex compañero de Talk Talk. Postrock, jazz, rock y hasta música de vodevil conviven en armonía en el disco, arrancando con un delicioso Vanishing Heart que ya va dejando entrever lo que se avecina, con esa voz lánguida pero con sentimiento de Webb. Judgement Train comienza con una guitarra haciendo el efecto twang que deja un poso vetusto y con mucha clase, como dejan entrever el resto de los temas de este disco delicado y bello que atrapa, aunque no llegue a ser la obra maestra que era Out of Season (02). —raúl linares

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te incorporado Anxo (antes en personalísimos proyectos como Nistra). No solo eso, sino que los capítulos que antes se mostraban de forma aislada, ahora encajan en un conjunto consagrado al ritmo. Cumbia, dancehall, dub, hip hop, pop vacilón… Todo suma en este trabajo tan acaramelado como peligroso, dentro de esa dualidad que cultivan desde sus inicios. La diferencia es que, ahora que la emblemática tienda de lencería que dio nombre al grupo ha echado el cierre, ya van a calzón quitado,

Mucho

Mid:Night Warner Music

pop electrónico / El re-

greso del dúo Monarchy, cuatro años después del disfrutable Abnocto, destaca por su brevedad y el halo positivista que impera en sus letras de principio a fin, lo cual se agradece. Aunque eso sí, teniendo en cuenta de lo que han sido capaces en entregas anteriores, Mid:Night no cuenta con ningún tipo de sorpresa mínimamente llamativa. Hablando en plata: es un álbum que pasará sin pena ni gloria y que difícilmente va a ayudar a Andrew Armstrong y a Ra Black a aumentar su número de fans. Por mucho que el disco arranque con la correcta Back To The Start y mejore en su segundo tema, esa Deep Cut con ramalazo funk en la que demuestran que, cuando quieren, son capaces de firmar estribillos igual de efectivos que instantáneos, lo poco que destaca en el resto de minutos es la producción sexy de Deadset Lust (con gemidos incluidos) y un Hula Hoop 8000 que bien podrían firmar Scissor Sisters. —sergio del amo

llevando dos pasos más allá las intenciones que habían mostrado en Campeones del mundo (16). “Siempre decimos que no y al final acabamos follando”, dicen en Disimulando, para más tarde recuperar esa misma estructura en Atlántico (“siempre decimos que es la última vez y al final acabamos votando”), tejiendo redes y volviendo sin miedo sobre sí mismos, con la determinación de que la vida es baile y de que no han llegado hasta aquí para guardarse nada. —enrique peñas

Algernon Cadwallader

¿Hay alguien en casa? Kartoffel Kollektiv

pop / “Las cosas necesitan tiempo”, canta Martí Perarnau IV en El enemigo ahora vive en todos nosotros. La rapidez con la que todo sucede y que nos impide pensar le ha inspirado, aunque es la soledad en un mundo supuestamente muy conectado el eje central del primer disco de Mucho como proyecto personal de Martí. Se ha tomado su tiempo para madurar ideas, desarrollarlas y darle forma con gusto a esa pasión que ya asomaba en Pidiendo en las Puertas del Infierno (16): los sintetizadores, los Casiotones y demás artefactos reclaman el terreno, convirtiéndole en un DJ que se marca una sesión de hipnóticas y mordaces raves (Putochinomaricón), bailables retratos dolorosamente fieles del panorama actual (Ahí te quedas, Perarnau) y cortes autobiográficos pero cercanos (Nunca pegarías a un hombre con gafas) que hay que bailar del tirón. Rendirse no era una opción, y Martí ha florecido, abriendo una nueva e interesante etapa.

—beatriz h. viloria

Algernon Cadwallader Lauren Records/Asian Man Records

emocore / Lo sencillo sería decir que Algernon Cadwallader fue la banda del guitarrista Joe Reinhart, un tipo que ha ganado máxima notoriedad en los últimos años como productor de Joyce Manor o Modern Baseball, pero ya les digo, eso sería lo sencillo. Lo complicado es convencerles de que, pese a ser una banda de culto, Algernon Cadwallader fueron uno de los nombres imprescindibles del emo moderno. Su carrera apenas duró siete años, pero dejaron para el recuerdo dos álbumes y varios singles que mantienen el pulso pese al paso del tiempo. Ahora, se reedita su discografía y se le añade esta compilación de su primera demo, el EP Fun y algunas rarezas (entre ellas una vibrante versión del No Action de Elvis Costello). Algernon Cadwallader vendrían a ser los Cap N’ Jazz de Philadelphia, capaces sonar perfectos y al mismo tiempo amateurs, de redondear melodías perfectas cantadas por Peter Helmis con esa crispación que tanto nos gustó y nos sigue gustando a algunos. —joan s. luna

febrero 2019 #39

MONDOVINILOS

Panda Bear

Buoys Domino/Music As Usual

Tribade, puñetazo sobre la mesa

pop experimental / No deja de ser curioso que apenas unos meses después de que Animal Collective publicasen Tangerine Reef (18), su primer álbum sin el concurso de Panda Bear (nada grave, simplemente cuestiones de agenda), el quinto de éste en solitario comparta la elección del medio acuático como eje primario. Con la voz en primerísimo plano, mucho autotune y una aparente economía de recursos, Noah Lennox va construyendo una filigrana de tono deliberadamente homogéneo, con el riesgo de desconectar antes de encontrar los matices que devuelven las sucesivas escuchas de estas canciones en las que vuelve a trabajar con Rusty Santos, aunque el resultado nada tiene que ver con el pop multicolor de Person Pitch (07), si acaso, el viaje se acerca más al psicodélico acercamiento al folk de la banda madre en Sung Tongs (04), aunque aquí dando una vuelta de tuerca a las músicas urbanas y, muy especialmente, a los ritmos jamaicanos. —enrique peñas

Tribade

Las desheredadas Propaganda Pel Fet!

8 rap / Tribade son un puñetazo sobre la

mesa. Sombra Alor, Masiva Lula y Bittah, acompañadas de BigMark a los platos y Josh en los beats, demuestran que la etiqueta de rap femenino/feminista se les queda corta. Es un zas en toda la boca a aquellos que insisten en encasillar el rap hecho por mujeres en una subcategoría. Esta postura neandenthal solo se puede argumentar desde el miedo: miedo a que este trío de energía pura se coloque en los primeros puestos y arrebate la hegemonía imperante en este campo de nabos que es, en general, el panorama del hip hop nacional. Las desheredadas, que apela a todas aquellas que en algún momento han sentido que no encajaban en un sistema hecho por y para los hombres (es decir, todas las mujeres), habla de feminismo, evidentemente, pero también de muchos otros temas como el poliamor, la conciencia de

Finlay Shakespeare

Ex:Re

Ex:Re 4AD/Popstock!

neo folk / En un tiempo, probablemente, miraremos lo mejor de 2018 y pensaremos que se nos fue la mano con el autotune. La calidad vocal se ha tornado –casi– anecdótica. Por ello, dos de los discos más sensibles publicados el pasado año se sirven de ese instrumento sin aliño. Ambos son debuts en solitario de vocalistas de bandas en ascenso. Adrianne Lenker (Big Thief) y su abysskiss y Elena Tonra (Daughter), que articulaba nuevo proyecto, Ex:Re, para presentar debut homónimo. Tonra rechaza en él artificios innecesarios. Trabaja con material suficientemente sensible: las idas y venidas tras una dolorosa ruptura. Su voz, un susurro gélido, y la atmósfera del largo, mano a mano con el productor Fabian Prynn, tocan techo en la electrónica Romance, primer adelanto, o en Liar, trip hop de penumbra. El resto, no conmueven al mismo nivel. Pero en el duelo hay días de todo. Y para Tonra, los más inspiradores son aquellos en los que el pecho duele a rabiar.

—yeray s. iborra

#40 febrero 2019

clase o la lucha contra el capital. El single La Purga, y su temática metafeminista, hizo que algunos pensaran que el disco podía ser demasiado autorreferencial. El resultado final demuestra que nada más lejos de la realidad. El álbum es una arma de denuncia social que sacude consciencias. Sus canciones tienen capas y capas de significados, donde el oyente alcanzara el primero, el

Yamila

idm-pop / Se hace un poco extraño escuchar un disco como este en Mego, un sello acostumbrado a publicar música electrónica experimental como la de Prurient o Merzbow, porque lo que nos encontramos aquí es, por resumirlo, un largo de electrónica con toque pop, en el que este artista de Bristol se dedica a tocar varios palos, desde el IDM al electro, pero todo con ese componente accesible a todos los públicos y con una alta calidad tanto en la producción como en la masterización, a cargo del mítico Russell Haswell. A lo largo de nueve temas se dedica a destilar una electrónica de postín con todo un arsenal de sonidos analógicos, que remiten a veces a los mejores tiempos de Aphex Twin mezclado con las melodías pegadizas de Ladytron (Amsterdam y Pontyclun), mientras que en otras ocasiones (Dublin) tienen un toque más experimental sin dejar de lado el componente melódico. Una de las revelaciones de la temporada. —raúl linares

pop experimental / Hay discos que no lo son. No pueden serlo, de hecho. O, al menos, sería injusto valorarlos solo de esa manera. Eso es lo que sucede con Iras Fajra, una suerte de poema visual cuyo destino parece más cerca de la performance en un museo de arte contemporáneo, o en algún circuito de música de cámara del futuro, que de la estantería de la Fnac. El debut oficial de esta española, que vive a caballo entre Bélgica, Holanda y España, consigue exprimir la sonoridad de su violonchelo (instrumento central en su proyecto) hasta parecer que las máquinas suenan a madera, y viceversa. Un cancionero etéreo, quizá demasiado denso y tenso, a medias entre la música neoclásica y la vanguardia electrónica más ambient, que cuenta con colaboraciones como las de Clark y Niño de Elche, y que gana cuando se acerca a las cavilaciones futuristas de la música clásica y pierde enteros cuando se presenta como una Björk mutante. —alan queipo

The Flesh Eaters

The Delines

Iras Fajra Forbidden Colors

Domestic Economy Editions Mego

segundo o el tercer nivel de dependiendo de lo que controle del tema. Musicalmente se sirven del rap fusión que incorpora elementos de diferentes géneros de músicas urbanas como el reggaetón, el trap, el r’n’b, el dembow, el rap más clásico o el afrotrap a los que incorporan melodías de deje árabe que aportan personalidad y cohesión al disco. —maria fuster

The Imperial El Cortez

AMERICANA / Cuando Willy Vlautin anunció el descanso indefinido de su banda madre, Richmond Fontaine, no fueron pocos los que se echaron las manos a la cabeza. Pero olvidaron a The Delines, un grupo que nace para aquellas canciones que el compositor ve en una voz femenina, muy alejada a la suya. Y así nos llega este segundo disco de la banda integrada básicamente por Vlautin y Amy Boone, con unas canciones que reinciden en lo apuntado en su debut y en las que se apuesta por la languidez bien entendida. Porque eso es lo que se percibe en estas diez canciones. Melodías arrastradas y voces sedosas que sirven de perfecto hogar a los siempre magníficos textos de Willy. Alguien que engrandece la figura del cantautor y que, con esta obra, no apta para todos los paladares, muestra las esencias del country soul más tranquilo. Uno, abonado últimamente a trabajos más animados, no puede dejar de reconocer que cuando algo es grande, es grande. —eduardo izquierdo

I Used To Be Pretty Yep Rock Records

PUNK / The Flesh Eaters

es una de esas bandas que, por muy azarosas que sean las circunstancias, consigue levantarse como un ave fénix para ofrecernos nuevos discos tan enérgicos y salvajes como los que inauguraron su carrera. I Used To Be Pretty encierra doce cortes de sabor post-punk en los que se cultiva locura envenenada al más puro estilo de Inca Babies o The Birthday Party, el proyecto que encumbró a la fama a ese crooner conocido como Nick Cave. La alternancia de temas candentes de ascendencia netamente punk con otros más comedidos y calmados en los que predomina el sonido del saxo apoyado sobre ritmos de guitarras raspantes hace de este doble vinilo un trabajo muy apetecible. La banda no pierde la oportunidad de rendir culto a lo que puede ser considerado uno de los mayores representantes del punk norteamericano, The Gun Club, versionando el siempre genial She’s Like Heroin To Me. —fernando o. paíno

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Dream Theater

Shotta

Salvaje Boa

rap / Hace tiempo que

Shotta dejó de ser el hermano menor de Tote King para convertirse en un cantante con una identidad y un sonido propio, alejado incluso del de su hermano. Así lo muestra en su sexto álbum, donde de nuevo el sevillano recurre a los sonidos del rap boom bap para desahogar la rabia y el desparpajo que siempre le han caracterizado. Trece cortes con colaboraciones de nivel y una cuidada línea sonora a cargo de productores como Baghira, Dj Rune, Xinkoa, Niggaswing, Mantra o Layerbeats, incluyendo además un libro autográfico en el que nos narra interesantes y desconocidos capítulos de su vida privada. Demostrándonos que aunque esté atravesando una etapa difícil en su vida (lo deja ver en Sonrisas y lágrimas y Fuck cáncer), artísticamente está en un momento dulce, con una sensibilidad y una madurez que cada vez refleja más y mejor en sus canciones. Regalándonos un disco con pocas fisuras y muchos momentos de calidad y lucidez. —alfonso gil royo

Oques Grasses

Distance Over Time InsideOut Music

metal progresivo / El décimo cuarto trabajo de los neoyorquinos es el más colectivo y equilibrado de la etapa con Mike Mangini a la batería. Nueve cortes y un bonus track, sin exceder ninguna los nueve minutos, pero con una variedad interna en cada pieza que las hace únicas, solventes, emotivas y a veces perturbadoras; como el frenetismo y la ruptura de brechas tonales y rítmicas de Pale Blue Dot que cierra el disco. No hay un segundo de tregua, pero tampoco excesos de virtuosismo, dentro del metal progresivo, claro. Los arranques más propios de Metallica siguen vigentes en Unthetered Angel o Paralyzed, sin restar el aspecto sinfónico de The Astonishing (16), el majestuoso trabajo que precede a esta nueva premisa matemáticopoética, donde en cambio, todo ha sido acotado al milímetro, desde los riffs más arcaicos de Room 137 hasta baladas como Out Of Reach, o incluso guiños al pasado. La impresión final tiene tanto de sofisticación como de complacencia.—rubén g. herrera

Beirut

Fans del sol Halley Records

Pop / Los osonenses Oques Grasses avanzan en el ecléctico camino del mestizaje musical disco a disco para conseguir más solidez y complejidad sonora. Lo que al principio era todo una mezcla entre pop y folklore con una base de reggae, poco a poco ha ido dejando espacio a elementos más actuales como la electrónica (Torno a ser jo), ritmos latinos (Cançó de l’aire) o el trap (colaboración de Lildami en Més Likes). Lo que no ha cambiado nada es el espíritu hippy rural que les caracteriza, que vehicula muy bien las doce canciones que conforman Fans del sol y que trata temáticas profundas como la adicción a las redes sociales, crisis vitales o la aceptación personal, con levedad, quitando hierro al asunto, y con mucho positivismo. En definitiva, se trata de un álbum muy bien conseguido con el que la banda ha trabajado duro para mantener su esencia y coherencia, y a la vez ha aportado elementos nuevos para refrescar su sonido y progresar. —laura cánovas

Swervedriver

Gallipoli 4AD/Popstock!

Pop / Es este otro extraor-

dinario cuaderno de viajes hecho partitura, en un acopio de algunas de las mejores músicas del mundo posibles. Sin desestimar sus señas de identidad, pero recobrando la vieja excitación por el hallazgo que prendía en sus primeros discos, Zach Condon se dejó hechizar por Berlín y el errorismo de su escuela: esas notas algo desafinadas, esos zumbidos electrónicos tan familiares a su amigo Jan St. Werner (Mouse On Mars). Escuchen el instrumental On Mainau Island o la mesmerizante Landslide, con su viejo farfisa y su recién adquirido Korg, y entenderán de qué hablamos. Berlín fue la última y más fructífera parada de un álbum cocido a fuego lento también en Nueva York y Apulia (Italia), que luce un temario beneficiado por el hastío de Condon ante el viciado clima político de su país y su marcha a la vieja Europa –esta vez sin poso balcánico– y crece a cada escucha. No pierden el hechizo y siguen siendo necesarios. Quién lo iba a decir. —carlos pérez de ziriza

Future Ruins Dangerbird/ [PIAS]

indie rock / Swervedriver se aseguraron un minúsculo lugar en la historia de los noventa, gracias al contenido de un par de discos que aparecen en todos los manuales de shoegaze. El sexto álbum de los londinenses es un compendio de indiepop/rock de guitarras y pedales, que mantiene en las peculiaridades de la mencionada década su principal razón de ser. Un trabajo que incluye dosis destacadas de shoegaze, pero también de dream-pop, slowcore o power-pop distorsionado al estilo de Teenage Fanclub. En Future Ruins, Adam Franklin y compañía no presentan nada nuevo bajo el sol y, al contario, apuestan indisimuladamente por recuperar sonidos pretéritos con los que reverdecer laureles. La madurez creativa del combo está dejando un reguero de coherencia y buen gusto que no debería ser menospreciado ni, desde luego, ignorado. Sobre todo por ese gancho nostálgico tan atractivo que demuestran manejar con pleno conocimiento de causa. —raúl julián

El pacto con el diablo de Guadalupe Plata

Piroshka

Brickbat Bella Union/ [Pias]

Guadalupe Plata

Guadalupe Plata Everlasting Records

8 blues rock / La Chiquitilla de Gavellar, patrona de Úbeda, vuelve a echar una mano a nuestros amigos de Guadalupe Plata espantando a unos demonios que querían robarles los instrumentos. La banda recrea en la portada de su nuevo disco tal escena a modo de exvoto, fascinante muestra de la cultura popular mexicana, poniendo así una piedra más en la historia de una formación tan diferente a todo lo demás que no podemos evitar pensar cuánto les echaremos de menos si algún día deciden colgar, en su caso, el barreño. Pero no es el momento, por suerte, y actualmente giran por toda la península presentando un quinto disco (nuevamente homónimo) que registraban en el hogar estudio La Mina, donde con más tiempo de lo que es habitual daban rienda suelta a algunas nuevas inquietudes. Aunque nada cambia esencialmente en su blues rock sombrío e hipnótico, engendrando hits como los boogies Duermo con serpientes o Maricarmen con los mínimos elementos disponibles en su cruzada por la involución, sí se dan el gusto de añadir elementos

de percusión de la España profunda como la botella de anís, adaptando a su naturaleza el espíritu del Gris-Gris (68) de Dr. John. Las versiones vuelven además a ser la excusa ideal para probar cosas nuevas, llevándose a su terreno el I Hear Voices de Screamin’ Jay Hawkins, en el que Pedro de Dios se sale de su habitual registro vocal como ya hacía cantando a Violeta Parra en anteriores entregas; o adaptando música y letra de El afuerino de, precisamente, Ángel Parra, con la colabora-

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ción de Sebas Orellana de La Big Rabia. Retratos inquietantes del mundo rural, pasajes sugestivos con aires de serie B. Guadalupe Plata siguen construyendo un apasionante imaginario que trasciende a lo estrictamente musical, entre el comic de estética alucinada y el cine de terror. Conectando cada vez más con el público, que agradece la honestidad y ese surrealista sentido del humor, y siendo siempre conscientes de la realidad desde su querida Úbeda. —bruno corrales

indie pop / Piroshka es la

atractiva reunión de Miki Berenyi (Lush), Justin Welch (Elastica), KJ “Moose” McKillop (Moose) y Mick Conroy (Modern English). Y a pesar de las coincidencias musicales y vitales entre dichas bandas, quizá era difícil prever el resultado de semejante cóctel sonoro. En efecto, en Brickbat no nos encontramos con el indie-pop guitarrero, melódico y nervioso que caracterizaba a las composiciones de Lush. En general, los temas son más reposados y atmosféricos, llenos de matices. Las guitarras siguen ahí, por supuesto, pero se han visto enriquecidas por un collage sonoro formado por retales de diferentes estilos. El debe del álbum es que apenas se concreta en melodías y estribillos memorables, si exceptuamos What’s Next? y Run For Your Life, la canción que más recuerda a las antiguas bandas de los miembros del grupo.

—miguel díaz herrero

febrero 2019 #41

42/Mondo Media CÓMICS El vagabundo del manga

7 En esta segunda parte de sus Cuadernos japoneses, el italiano Igort continúa narrando sus interesantes experiencias en Japón al tiempo que, paso a paso, vemos como adapta su estilo a la imaginería del país del sol naciente. A lo largo de casi doscientas páginas, combina diario, ilustraciones e historieta al mismo tiempo que pasado, futuro, tradición y modernidad. —joan s. luna

La historia de los Beatles Angus Allan, Arthur Ranson Norma Editorial

8 Si alguien quiere tener de manera fiable toda la historia de The Beatles en forma de novela gráfica, destacando solo sus momentos más importantes, esta es su oportunidad. Publicada originalmente en la revista de culto Look-In, el volumen incluye no solo un guión perfectamente pensado y ajustado a lo necesario, sino también un buen trabajo en el dibujo que, desde el blanco y negro, se adapta a su papel de documento histórico. —eduardo izquierdo #42 febrero 2019

“En Los Ángeles se frabrican sueños y pesadillas por igual”

cine

Igort Salamandra

David Robert Mitchell

Arregla este puzzle Tras It Follows (14), pesadilla sexual que le convirtió en una figura emergente del cine de autor, David Robert Mitchell confirma con Under The Silver Lake (18) que es un tipo de lo más singular.

asó por el Festival de Cannes y no dejó a nadie indiferente: ¿Qué demonios es Under The Silver Lake? ¿Una obra maestra postmodernista? ¿Una inmensa tomadura de pelo? Con el (débil) sostén de un film noir, la historia de un joven (Andrew Garfeld) que cree poder solucionar un misterioso caso de desaparición y muerte, David Robert Mitchell mezcla mil referencias cinéfilas y de la cultura pop en una película desconcertante y apasionante. —Under The Silver Lake es tu primera película ambientada en Los Ángeles. ¿Hasta qué punto la ciudad es un personaje más del filme? Nació así: mi chica y yo mirando a las colinas y pensando en qué ocurriría en esas casas de los millonarios, detrás de esos muros. Los Ángeles es una ciudad muy especial,

en la que se fabrican sueños y pesadillas por igual. —Ese, obviamente, es el punto de partida de una influencia mayúscula en el filme como es David Lynch. Diría que otra fundamental es también James Ellroy, por la obsesión del hombre común por descubrir al asesino… Son solo dos, claro. La película está llena de ellas. Podría citarte decenas de películas, desde Chinatown (74) de Roman Polanski a El beso mortal (55) de Robert Aldrich… El cine negro de los años cuarenta fue especialmente influyente. —También hay guiños a tus anteriores películas, como la presencia del agua… Es que me encanta la imagen del agua en la pantalla. Y, sobre todo, el sonido que produce y el efecto que causa en el espectador. —En la película, la música, y en especial la de Nirvana (y la guitarra Fender Mustang de Kurt Cobain) es muy importante. ¿A qué se debe? Toda la película en sí es una reflexión sobre la autenticidad, sobre qué es verdad y qué es mentira y hasta qué punto lo que consumimos en sincero. En este sentido hay que entender el papel del personaje del

hombre que ha escrito todas las canciones que han sido un éxito en los últimos tiempos. Fue una de las primeras imágenes que tuve claras de la película. —Es una escena clave en el sentido que marca el tono conspiranoico. ¿Crees que los tiempos son propicios para explicaciones inverosímiles de la realidad? No estoy seguro, pero sí que pienso que hoy en día hay más conspiranoicos que en el pasado. Queremos encontrar explicación a todo y vemos una explicación oculta en todo aquello que miramos. Se basa en la creencia absurda de que actuar así es una manera fácil de destacar en la vida. Tal vez no haya respuestas o no estén donde las buscamos. —El filme es un tejido de pistas y referencias… ¿Crees que es necesario verlo más de una vez para captarlas todas? Desde luego, si solo la ves una vez te vas a perder muchas cosas… —En ese sentido, es un poco contradictoria: el tratamiento del sonido exige verla en cine, pero la narrativa pide darle al “rewind” en el Blu-ray de casa… La película está hecha para ser consumida en salas. Pero en el año que estamos, no soy yo el más indicado para hablar sobre cómo debe ser vista. Cada uno lo hace cuando y como puede. —rubén romero

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Eunice K. Waymon Libros del Kultrum

8 En ocasiones, uno echa en falta biografías musicales modestas y, sobre todo, que nos descubran realmente a la persona que hay tras las palabras impresas y los motivos que la llevaron a ser quien fue. En ese sentido, Víctima de mi hechizo cumple sobradamente. Al margen de la música, Nina Simone –oficialmente Eunice– no cierra las puertas a la denuncia, las lágrimas e incluso la rabia frente a la vida que le tocó vivir. —ernesto bruno Johnny Cash

Robert Hilburn Es Pop

10 Aun que Johnny Cash escribió dos autobiografías en vida, me atrevo a decir que, para conocer al personaje, nada mejor que la visión que de él ofreció Robert Hilburn en 2013 y que ahora se traduce al castellano. Hilburn mira al personaje desde la distancia que le permite no ser un amigo habitual de Cash, al menos no hasta sus últimos años. Así mantiene una objetividad que se agradece. Magistral. —eduardo izquierdo Los asquerosos Santiago Lorenzo Blackie Books

7 Tras un trío de obras maestras de culto, Santiago Lorenzo entrega su obra más accesible. Eso sí, los niveles de misantropía y de vitriolo siguen altos en esta nueva tragicomedia cañí sobre un don nadie que se hará ermitaño por necesidad y que, con el paso del tiempo, se dará cuenta de que ha nacido para ello. Mucha mítica íntima y, a su manera, actualiza el creepy crawling de la familia Manson. —xavi sánchez pons

El salto a la novela

La Bestia Colmena (Hurtado y Ortega, 18) es un grimorio altamente inflamable y también la primera novela de Pablo Und Destruktion. Una suerte de libro de caballerías de lo que queda del siglo XXI; no apta para los tibios de espíritu y muy recomendable para todo aquel que ose elevarse sobre su miserable condición.

demás de un grimorio incendiario y premonitorio, La Bestia Colmena tiene mucho de autobiografía autoritaria y/o de memorias prematuras… Más que de mi vida, hablo de mis delirios. Entre ellos, el de grandeza, que me ha llevado a introducir varias de mis memorias y a cobijarlas dentro de la narrativa de la novela. Casi todo es verdad, sólo está ordenado de otra manera… Y mira tú, con cambiar cuatro cositas de sitio vences al maligno. —¿Qué efecto buscas con esta novela? ¿Causar incomodidad al lector? ¿Una llamada a filas? Me gustaría que cada persona que la lea se convirtiera en un ser nuevo, tremendamente seductor, carismático, con superpoderes y que, pese a ello, siga siendo buena gente. —No hay un solo colectivo con el que no te pongas algo “faltosu”, incluyendo a los veterinarios o “carniceros venidos arriba”. ¿Has recibido ya alguna reacción airada de los followers de La Bestia Colmena? No, porque es imposible no amar a todos los personajes que aparecen en la novela -incluido a Mayonésimo Redondo-, pese a ser outsiders antisistema y neocristianos. —El lidercillo es el enemigo número uno del pueblo gregario, un feroz antidemócrata y un romántico empedernido. ¿Es el Quijote de la era millennial? De la siguiente, creo que es más generación Z que millennial. Generación Z, la última. Se acaban las letras del abecedario. A esa gente es a la que quiero llegar. Ellos tendrán que vencer en la batalla definitiva. —En la novela reivindicas los valores cristianos y las virtudes teologales. Puro underground. ¡Me va a decir a mí un cura lo que es Diosle! Especialmente si ese cura no es cristiano y trabaja en el Ministerio de Propaganda o en algún programa televisivo matinal. Nada de eso. Diosle y yo,

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mayoría absoluta. —Si San Pablo inventó el underground y la música urbana es “la banda sonora del Apocalipsis”, ¿son los traperos la orquesta del Titanic? Son buena gente, pero criminales de guerra. —“Sufrir, delirar o morir forma parte de ese proceso de espabilar llamado evolución”. Vaya, precisamente todo lo que rehúye la generación Z... Yo creo que a los de la Z les vuelven a gustar estas cosas. Por eso están tan empeñados en follar a pelo y volver a meter caballo. El ser humano necesita tener problemas que resolver. Grandes o pequeños. —La promoción de esta novela comprende una gira músico-literaria con Blixa Bargeld. De ahí sale otro libro y/o artefacto explosivo, mínimo. De momento compartimos editorial y ya está. Si la Santina quiere, compartiremos algo más. Y si no, no. —Pablo Under Construction asume a una tierna edad uno de sus prin-

cipales cometidos: “Centrarse en el sentido de la vida”. ¿Es compatible semejante empresa con la agitada vida de trovador? Cura, científico, bandido o trovador. Esas son las profesiones ideales para ese menester. —También estás rodando una película junto a Miguel Ángel Blanca. ¿Cuál es la sinopsis? Parecida a la del libro. Se aparece al Santina y hay que acatar sus órdenes. —amaia santana

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La Bestia Colmena

Pablo Und Destruktion Hurtado y Ortega FOTO: RAQUEL CALVO

Víctima de mi hechizo

LIBROS

Pablo Und Destruktion

LIBROS

s son “Los trapero , pero buena genteles de crimina guerra”

febrero 2019 #43

Gira Mahou 2019 <> Miss Caffeina Miss Caffeina serán los protagonistas de la Gira Mahou 2019, que dará comienzo el próximo 28 de marzo en Bilbao y se alargará hasta agosto, con un fin de gira sorpresa todavía por confirmar, y sumando un total de quince ciudades. La banda madrileña presentará su nuevo disco, Oh Long Johnson, pendiente de estreno en los próximos meses. La Gira Mahou es un clásico de la marca que va evolucionando con la actualidad musical, habiendo contado en ediciones anteriores con: Los Secretos, Leiva, Loquillo, Iván Ferreiro o Sidecars. Las entradas para la gira de Miss Caffeina están disponibles en Wegow #VibraMahou.

Café Kino <> Aribau Multicines El próximo 17 de marzo se proyectará en la sala 5 de Aribau Multicines de Barcelona la película muda El acorazado Potemkin, con la banda sonora original interpretada en directo por Raisa y Xisco Rojo. El 8 de mayo, se hará lo propio en los Cines Capitol de Madrid, que acogerá la proyección de El gabinete del Doctor Caligari, esta vez con la música en directo de Toundra. Las entradas para ambos conciertos están ya a la venta.

Frev Clothing <> Fernando Costa

Desigual <> Sónar Barcelona 2019 Durante los días 18, 19 y 20 de julio en Barcelona, Desigual estará presente en el festival Sónar de Día como patrocinador oficial. A ambas marcas les une un fuerte vínculo: Barcelona, una ciudad en la que ambas han nacido y crecido y son revolucionarias en sus ámbitos. Con Sónar, Desigual puede desarrollar una relación fuera del simple patrocinio, creando propuestas experienciales, colaboraciones artísticas en el programa del festival y una acción especial que se desvelará muy pronto. La marca de streetwear desvelará en los próximos meses más detalles sobre esta colaboración. #44 febrero 2019

El rapero Fernando Costa es el protagonista de la colección Fall/Winter 2019 de Frev Clothing, que ha lanzado el abrigo Frev Corp Puffer Jacket y el bolso Frev Industries Shoulderbag, mostrando de esta manera la cara más urbana de la marca. Las prendas están disponibles en su tienda online.

Tomavistas <> Wondo Este año Tomavistas repite colaboración con Wondo, una aplicación de movilidad urbana que te informa de las mejores rutas para llegar a tu destino, no solo en transporte publico, sino también en taxi, bici, moto y carsharing. Además, Wondo cuenta con un servicio propio de bus y taxi compartido. Una alternativa económica y sostenible para llegar de la manera más cómoda posible a tu destino mientras haces amigos. Wondo estará presente en Tomavistas 2019 y en el concierto de Temples y Quentin Gas & Los Zíngaros el 14 de marzo en La Riviera de Madrid. Descárgate la app en www.wondo.es.

NUNATAK FOTO: JUAN PÉREZ FAJARDO

MISS CAFFEINA FOTO: GUILLE SOLA

TEMPLES FOTO: ARCHIVO

44/Mondo Conexiones

Madtown Days <> Jim Beam Hace seis años la marca de whisky Jim Beam quiso apostar por el directo y se propuso llenar diferentes salas de Madrid con la música de artistas emergentes y otros más conocidos. El pasado 25 de enero dio el pistoletazo de salida, la séptima edición de Madtown Days, que se alargará con nuevas fechas hasta mayo. Algunos de los artistas destacados son: Alice Wonder, que dará un concierto el 15 de febrero en Joy Eslava; Volver, el 3 de marzo en el Café Berlín; Gold Lake, el 16 en sala Copérnico; Siloé y Floridablanca, el 11 de abril en Joy Eslava; y Nunatak, el 27 en la sala But. El ciclo llegará a su fin el 30 de mayo con el concierto del grupo mexicano Zoé, dentro de su gira de conciertos por España de los que MondoSonoro es medio colaborador. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Hablan los artistas Llegamos al mes de febrero, una etapa ascendente con infinidad de lanzamientos. Así que vamos a repasar lo que han dejado para el recuerdo algunos febreros en MondoSonoro.

“La gente quiere creerse muchas cosas, sean ciertas o no. Hemos sido etiquetados de socialistas, de satanistas, de fascistas, de nazis” (Kerry King, de Slayer, en febrero de 2007)

RRLa verdad es que el número 27 de la revista, publicado en febrero de 1997, nos quedó a primera vista bastante hardcore. Dedicamos la portada a The Offspring –a quienes entrevistamos en Ámsterdam–, quienes compartían número con Corn Flakes, Social Distortion o Descendents, pero había mucho más. Charlamos con Eels, Korn, Pavement y el rapero Ice-T, entre otros.

RRNuestros lectores más jóvenes no habrán oído hablar de Klaxons, uno de esos grupos británicos que se convierten en la sensación del momento, pero a los que la industria acabó por destrozar. Ellos fueron la portada de nuestro número 137, enero de 2007, gracias a su fantástico largo de debut, Myths Of The Near Future, un disco que no admite muchas comparaciones. En el mismo número entrevistábamos a Kaiser Chiefs, que se han ido destrozando ellos mismos al margen de cómo les pueda tratar la industria. También charlamos con Jeremy Enigk, Ian Mackaye, Midlake, Slayer, Tarántula (la anterior banda de Joe Crepúsculo) y muchos otros.

“La escena indie da a entender que el buenrollismo es malo, y nosotros pensamos que no lo es” (Adrià, de La Pegatina, en febrero de 2013)

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

RRHan pasado trece años, pero qué duda cabe de que acertamos al dedicarle la portada a un grupo joven que iba a convertirse en uno de los grandes del rock de los años siguientes. Joan S. Luna entrevistó al grupo unas semanas antes de que publicasen su arrollador Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not. Fue en nuestro número 126, correspondiente a febrero de 2006. Y estamos hablando de Arctic Monkeys, claro está.

RRCuriosa mezcla de artistas nacionales de la que hicimos en nuestra portada de febrero de 2013, número 203, protagonizada por La Pegatina. Bajo sus pies aparecían destacados el dúo electrónico catalán The Suicide Of Western Culture y el rapero C. Tangana, para celebrar que ya en 2012, su LOVE’S fue elegido por nuestra revista mejor disco de rap del año. Todavía faltaba para que el madrileño le diese un golpe de timón a su carrera y se convirtiera en uno de los artistas más populares de la escena urbana.

“Hasta el Rockdelux, que empezó diciendo que éramos más de lo mismo, luego se ha hecho converso” (Los Punsetes, en febrero de 2010)

Óscar Broc, a propósito de Richard D. James Album de Aphex Twin, febrero de 1997.

#46 febrero 2019

“Todavía me sorprendo de que un carácter tan voluble como el de Chan Marshall haya desarrollado una carrera tan sólida, en constante crecimiento” Luis J. Menéndez a propósito de The Greatest de Cat Power, febrero de 2006.

Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra

Hablan los críticos

“Richard D. James se ha convertido en una referencia ineludible, uno de los pilares del ahora tan en boga techno inteligente”

Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com)

“James Murphy es un caballo ganador, sin duda, y uno de los nombres imprescindibles de lo que llevamos de siglo”

“El tiempo dirá si, como parece, estamos ante el debut del aspirante a ser uno de los artistas más importantes de la década”

Joan S. Luna, a propósito de Sound Of Silver de LCD Soundsystem, febrero de 2007.

Joan Cabot, a propósito de Good Kid, M.A.A.D. City de Kendrick Lamar, febrero de 2013.

Fotografía: Gustaff Choos, Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

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23/01/2019

13:07

2019 JULIO/UZTAILA/JULY 11 • 12 • 13

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