Mondo Sonoro febrero 2021-1 by MONDO SONORO

Nº 292 Febrero/1 2021 www.mondosonoro.com

SLEAFORD MODS, ÁNTEROS, AIALA, WORKING MEN’S CLUB, XOEL LÓPEZ, ANGELUS APATRIDA, SELECTA, LYONA

Foo Fighters Sanación

7/Mondo freako

Sleaford Mods La sórdida Albión G

No se puede acusar al corrosivo tándem formado por Jason Williamson y Andrew Fearn de indolencia: pocos meses después de publicar el amplio recopilatorio “All That Glue” (con el que volvieron a Rough Trade), ya tienen nuevo álbum, “Spare Ribs” (Rough Trade/Popstock!, 21).

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RABADO PARCIALMENTE durante el confinamiento, “Spare Ribs” es otra andanada de puñetazos descarnados contra la sordidez en que se ha convertido la vida en Reino Unido, al menos para la clase trabajadora, con el agravante de la pandemia y su nefasta gestión. Pero también hay pistas gozosamente bailables, el humor negro marca de la casa, madurez existencial y un puñado de colaboraciones que elevan la apuesta. No está nada mal, teniendo en cuenta la hiperactividad del dúo. Hablo con un jovial y encantador Jason, esta vez por Zoom. Sus únicos planes de directo son el próximo (y remoto) Mad Cool de 2021. —Tengo que empezar preguntándote cómo lleváis la situación causada por la pandemia y cómo os está afectando en cuanto a la imposibilidad de tocar. No podemos tocar y eso es un problema: no ganamos dinero. Es la frustración, el aburrimiento. Son los problemas que esto ha causado en el día a día de la vida normal. Tenemos una base estable de fans, por ahora estamos bien económicamente, pero a finales de año podría ser un problema. Creo que es un momento que nos está poniendo a prueba, pero es así para todo el mundo, ¿no? —¿En qué medida se ha visto influido el disco en su tono por la pandemia y las decisiones catastróficas que se han ido tomando por gobiernos como el británico? En cuanto al diseño, utilizamos los colores que el Gobierno ha estado usando en sus informes diarios. Pensamos que usar ese amarillo brillante sería una buena idea para el arte. El nombre viene de esa idea de que todos somos potencialmente daños colaterales para el gran cuerpo económico, del mismo modo que el cuerpo humano puede sobrevivir sin alguna de sus costillas. De igual manera, el capitalismo puede sobrevivir sin toda la gente que contribuye a su funcionamiento: siempre habrá más personas que sirvan a este modelo capitalista. La idea detrás del título del álbum me vino cuando vimos tantísimas muertes innecesarias en este país en la primera ola del Coronavirus, causadas por la incompetencia del Gobierno y del hecho de que, ya sabes, parecen estar más colocados en el modelo económico que pendientes de las personas. —Una de las cosas que más me gusta de vosotros es esa ambición de seguir sacando canciones y discos constantemente. ¿De dónde os viene ese impulso? Simplemente del hecho de que sigo disfrutando de la música que hace Andrew. Siempre me plantea

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MONDO FREAKO

un reto, siempre es interesante, nunca te recuerda a algo temporalmente específico, es única. Y eso realmente me atrapa, porque me encanta hacer material diferente y fresco. Podríamos quedarnos algo estancados, porque mi voz es esencialmente la que es y el paisaje cultural no se mueve, pero la música de Andrew siempre suena muy fresca. Eso me inspira a sacar buen material. —Diría que es la primera vez que hay otras voces en vuestras canciones... Sí, es la primera vez que hemos hecho colaboraciones. Hablamos de cómo íbamos a darle un empujón a la producción, y se nos ocurrió que las colaboraciones serían un aspecto potencialmente a tener en cuenta para avanzar. Hablamos de quién sería adecuado para ello, y somos muy fans de Billy Nomates: es una cantante prometedora aquí en Reino Unido, y lo mismo Amy Taylor, que canta con The Sniffers en Australia. Preguntamos a las dos si estarían interesadas y lo estaban. Yo estaba un poco preocupado de si funcionaría o no, pero creo que ha salido muy bien. —Me gustaría hablar precisamente del single “Mork n Mindy” y de cómo has recuperado recuerdos de tu infancia. Hay dos canciones en las que hablo de mi niñez: me salieron porque durante el confinamiento en verano hice demasiado ejercicio, no tenemos gimnasio, y antes de darme cuenta me había lesionado. Y la lesión me recordó a una operación que tuve de niño. Nací con un tipo muy raro de espina bífida. Los médicos me operaron cuando tenía trece años, salió bien, y pude hacer vida normal. Pero de vez en cuando vuelve en cuanto a sensibilidad en la espalda. Si le pongo demasiada presión, vuelve. Me emociona mucho pensar en el trauma que viví con la operación y todo aquello de niño, fue muy doloroso. Y sí, esos recuerdos acabaron en esas letras. Especialmente en canciones como “Mork n Mindy” y “Fish Cake”. —En esas canciones hablas de cosas muy específicas de aquellos años, los olores y las pequeñas miserias. Cuando miras a tu alrededor, ¿cómo ves que ha cambiado tu país? No ha evolucionado en realidad, ha ido hacia atrás, a peor. La mentalidad neoliberal que metió Margaret Thatcher sigue ahí, está aquí en todo su esplendor. Es una pequeña isla horrible. Me da vergüenza ser inglés. —¿A estas alturas os planteáis el proceso de hacer canciones de la misma forma que al principio? Lo digo porque seguís sonando igual de directos y reales.

#4 febrero 2021

“Todos somos s potencialmente daño an colaterales para el gr o” cuerpo económic Sí, en gran medida se trata de que Andrew me enseña nueva música y partimos de ahí. Luego hay diferentes formas de continuar el viaje. O bien nos vemos cara a cara en el estudio, o bien escribo en casa y le muestro a él mi idea. Esta vez escribimos juntos como siete canciones en el estudio cara a cara, y cuatro las hice en casa. —¿Desecháis mucho material o algunas ideas porque veis que no funcionan? Sí, en este caso teníamos veintiocho canciones y sólo hicimos doce o trece. Muchas de ellas acaban fuera porque no son suficientemente buenas. Simplemente no funcionan tanto para formar parte del disco: sabes cuándo algo funciona, cuando tiene cierto carácter. Y muchas no funcionaban. —¿Y cómo os las arregláis para cambiar un poco pero seguir siendo vosotros mismos? No lo sé, simplemente seguimos en ello. Sacamos un disco cada dos años desde 2013. Pueden pasar muchas cosas en ese período, y pasan. Creo que cuando empezamos eso de la “austeridad” acababa de tomar el país, y es la mayor opresión a la que te puedes enfrentar: la austeridad afecta a un montón de personas. Es como si viviéramos en una casa abandonada en medio de la nada, los eventos que la rodean se van sucediendo, y es en ese contexto en el que nosotros hemos prosperado. Parece que sigue igual: siempre va a haber algo de lo que hablar. Las cosas están cambiando tan rápidamente en este país y en todo el mundo que siempre hay algo de lo que hablar. Y no creo que necesariamente tenga que hablar de todo esto, pero me gusta mucho. Me atrae esa mentalidad. —J.C. PEÑA

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LA MÍA La juventud (ya no) baila

A DEBACLE CONTINÚA. Tanto da que no haya contagios acreditados o que empresas y negocios relacionados con la cultura y la música se estén yendo a pique irremediablemente. Tanto da porque se trata de, en teoría, un mundo que no suma valor añadido, un sector que provoca más que nada molestias a los políticos. Por lo que parece nuestros políticos jamás fueron a salas de conciertos, discotecas, festivales, etcétera, cuando eran jóvenes. Eso no parece ir con ellos. Mientras los miles y miles de familias que viven de ello no parecen preocuparle demasiado a nadie. No se habla de ayudas directas, no se habla de salvar a un sector que, como la hostelería en general, aporta muchos beneficios a un país que nunca ha sabido, o no ha querido, apostar por la industria. Pero tranquilos, no voy a hablarles de eso una vez más. Imagino que quienes leen un medio como Mondo Sonoro son conscientes de cómo están las cosas y lo complicado que parece el futuro más próximo. Mientras, en las noticias de los medios generalistas solamente hay espacio para raves ilegales, para fiestas en las que los jóvenes no llevaban mascarilla. Y eso es algo que continuará, nadie va a poder evitarlo con multas y amarillismo mediático. Porque, por muy crudas que estén las cosas con la pandemia, la gente joven acabará sintiendo que el mundo les está robando sus mejores años. No estoy defendiendo conductas incívicas, claro está, pero sí que defiendo que los gobiernos dejen de culpabilizar a la gente, que trabajen para que los test de antígenos rápidos para los eventos sociales o culturales abran las posibilidades para todos, no solamente de sobrevivir económicamente, sino de disfrutar de una juventud que nunca va a repetirse. Pero no, parece que suena mejor anunciar a bombo y platillo unas medidas de ayuda que, en la mayor parte de los casos, resultan insuficientes, y darle vueltas y vueltas a las restricciones a la espera de que, mientras, los números y los contagios vayan disminuyendo. Más que nada porque no parece que las vacunas vayan a salvarnos del descalabro por lo menos en unos cuantos meses y mucho menos que la gente vaya a dejar de contagiarse. Y desgraciadamente, a morir. Y se lo digo sin ningún tipo de frivolidad por mi parte. Es evidente que la papeleta de nuestros gobernantes es complicada, muy complicada, y resulta muy sencillo opinar desde una silla mientras escribo estas pocas líneas, pero también lo es que la cultura siempre ha sido una víctima fácil. Mientras otros sectores lo hacían, los artistas, los promotores, las salas, etcétera, jamás se han organizado como grupos de presión, dándole la espalda a la posible fuerza que tendrían como sector a la hora de conseguir que se les tomase en serio, que se atendiese a sus necesidades. Por no hablar de la juventud. —JOAN S. LUNA

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Nostalgia del directo Ánteros

MONDO FREAKO

UESTRO SEGUNDO disco no tiene fisuras. ¿Puede ser realmente el primero entendido de una manera conceptual? En el anterior, “Cuerpos celestes”, incluimos temas de nuestro primer ep, algunos temas instrumentales y una canción como “Polaris” en la que ya se podía vislumbrar lo que iba a venir. “… Y en la paz la oscuridad” es, desde luego una obra compacta, nacida de la página en blanco en base a mucho trabajo individual porque nuestras vidas no nos permiten coincidir tanto como nos gustaría para ir al local de ensayo. No es conceptual, ni cíclico, pero sí tiene esa unidad a la que haces referencia. —Muchas son las etiquetas a las que se os asocian ¿En cuál os sentís más cómodos? Las etiquetas son socorridas, sobre todo para la prensa. Las influencias de cada uno de nosotros son dispares y creo que todas se suman en una mezcla equilibrada aunque lo del post-hardcore puede ser lo más socorrido. Nos han llamado a tocar de festivales de diferentes estilos, en carteles donde al principio creíamos que no encajábamos. En estos días tenemos ganas ya de volver a sentir el contacto con el público y la vibración del volumen excesivo sea donde sea. —La esperanza es la “democratización del grito” en los últimos años. ¿No creéis que bandas afines a la vuestra tienen más espacio en medios y eventos dónde antes ni asomaban? En mi caso –esta entrevista se desarrolla con Mau– yo he normalizado este estilo de cinco años para acá. A mí me extrañaban los “gritos” de Viva Belgrado ya que yo venía del grunge. Sin embargo esto sigue siendo algo minoritario aunque cada vez haya más bandas que sirvan de modelos y tengan algo de visibilidad. Esto es una forma de expresión fuera de unas nuevas tendencias que flaco favor hacen al arte de cantar. —La oscuridad reina en nuestros días, y no solo por la pandemia. ¿El disco está muy marcado por ella?

CRITICANDO … Y en paz la oscuridad

Aloud Music POST-METAL 8/10

PAZ Y VIOLENCIA. Luz y oscuridad. Preciosismo y brutalidad. Son las dos caras de Ànteros, una banda de contrastes que ya no necesita presentaciones en el panorama underground estatal tras la publicación de varios trabajos e incontables conciertos a sus espaldas desde su presentación en el 2006. Ese equilibrismo solo al alcance de un supergrupo como Ànteros marca el inicio del presente “… Y en paz la oscuridad”, un elepé con ocho cortes auspiciado por la familia de Aloud Music. La instrumental ‘Legado’, con una deliciosa reverberación y una onírica flauta gentileza de Martha Wood (Your Grace), da paso a la imponente ‘Espectros’,una descarga de oscura y amarga energía con gritos de desesperación que contiene en su interior un pasaje ‘pinkfloydiano’ con una voz melódica que ofrece una pizca de esperanza. “Ya es primavera”, repiten. De fuegos purificadores y nuevos comienzos va la siguiente, ‘Cenizas’,cinco minutos de menos a más en el que las dos

voces de la banda, antagónicas sobre el papel, se dan la réplica y nos regalan uno de los momentos más potentes del disco. Con permiso de ‘Solo mar, solo tierra’, claro, un corte que puede parecer de primeras una tema marca de la casa, uno más. En realidad, este cuarto corte deriva en una suerte de revisión del clásico ‘Africa’ R de Toto digna de los And So I Watch You From Afar de ‘All hail bright futures’(13) en el que cuentan con las percusiones de Eloi Martínez (Viven, Playback Maracas). El tormento de ‘Sombras’, algo más de seis minutos de sonidos guturales, distorsión y acoples, contrasta con la precisión casi matemática de ‘Escorpión’,una sensual declaración de intenciones: “Tantas ganas de darte placer. Te tumbes, te relajes y me dejes hacer”. Grabado a caballo entre Cal Pau y Sadman Studio, entre Catalunya y Galicia, “…Y en paz la oscuridad” acaba como empezó. Un tema instrumental, ‘… El pasaje’, y una flauta encargada de conducirnos a un abismo titulado ‘Ultravioleta’, el tema que parece inspirar la portada del disco y del que extraen el título. ¿Soy yo o en la parte final meten un solo digno de Slash? Huele a broma interna. En cualquier caso, para quitarse el sombrero. Sin duda, su trabajo más completo hasta la fecha.

—LUIS BENAVIDES

La parte instrumental es anterior a todo esto, pero las letras se ven afectadas por lo que ha ocurrido. Hay mucha oscuridad, mucho tocar fondo. Son letras que se compusieron en plena pandemia, en época de ruptura con sus rutinas, algunos con sus parejas e incluso las ciudades donde habíamos vivido los últimos años. Pero es que también es un disco grabado entre Galicia y Barcelona, por Carlos Santos, en su mayoría, y Jorge Mur, marcado por el ritmo de las fases de uno y otro lugar, de la posibilidad de viajar de cada uno de nosotros… Quizás la paradoja sea que en época de confinamiento, “… Y en la paz la oscuridad” haya estado marcado por idas y vueltas.—ROJAS ARQUELLADAS

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FOTO: ARCHIVO

Muchos trabajos se retrasaron durante 2020, muchos de ellos no saldrán hasta 2021 y, tristemente, casi ninguno podrá presentarse en un directo como casi todos lo entendemos. Y es que “…Y en la paz la oscuridad” (Aloud Music, 20) merece sudor, volumen atronador y salas en las que el contacto humano sea un vehículo para transmitir todas las emociones que nos proponen.

febrero 2021 #5

RHYE HOME CD | 2LP | 2LP LTD

STEVEN WILSON THE FUTURE BITES

CD | K7 | BLU-RAY | LP | LP LTD

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Jara Aiala (Barcelona, 1996) no puede remediarlo: la escritura de canciones va dentro de ella como si fuera un sentido más, y no puede parar de escribir. Incluso cuando terminó “Nothing Less Than Art” (Kasba, 19), su debut, seguía ideando temas para el que sería su segundo disco: “2021. An Earth Oddity” (Kasba, 21).

N ESTE NUEVO TRABAJO, la artista catalana sigue su estela de base afroamericana, pero con una fuerza renovada y una sonoridad espectacularmente madurada que la puede posicionar como la nueva referencia del género en Barcelona. Y no solo lo hace con maestría, sino que juega con la electrónica, el hip-hop y el trap –colaboración con el trapero catalán Spxxn P mediante–, consiguiendo un resultado brillante. Tras la marcha de su guitarrista con quien empezó el proyecto, Isaïes Albert, y un confinamiento de por medio, Aiala ha tenido todavía más tiempo para elegir las canciones de su segundo proyecto, que grabó junto a Chalart58, uno de los productores de reggae más importantes del panorama nacional. Una unión realmente compenetrada y equilibrada que ha hecho posible que surja un disco tan ecléctico. —El confinamiento fue un gran momento de inspiración para ti. Comentabas en el estudio que habías estado leyendo mucho y que te había influenciado para componer el disco. ¿Qué estuviste leyendo? He estado leyendo de todo, como muchas biografías de artistas que admiro. Mi padre me regaló un libro precioso de Prince. Además he estado leyendo sobre cosas que quizás no tienen tanto que ver con la música pero que me hacen escribir luego, como sobre plantas. Vivo en Vallvidrera, en la montaña, y tengo un pequeño jardín en el que cultivo mis propias plantas. También tomo muchas infusiones para el cuello y las vías respiratorias. Súmale algunos libros de las charlas de Osho y de más gente de este estilo. Muy variado (risas). “Face To Face (Silence)” habla de esto, de tiempo para estar en silencio y contigo mismo, leyendo, pensando. —Se nota un cambio de sonido respecto a tu debut: sigues con la base afroamericana, con la electrónica y el hiphop pero con una maduración sonora increíble. ¿Cómo te fueron surgiendo estos nuevos sonidos? Es diferente la sonoridad del anterior disco y del nuevo, pero creo que no son cosas tan diferentes. En el primer disco también había un tema más electrónico y otro más blues. La idea general es un

Aiala Odisea terrenal

“Aprendí antes a cantar que a hablar”

poco la misma. Durante mi día a día escucho todo tipo de música. Me levanto y, depende de cómo tenga el día, me pongo jazz, trap o reggae. Me gusta que mi trabajo tenga este valor: que cada uno elija en qué momento del día quiere escucharlo. —¿Cuáles son tus orígenes con la música? Creo que aprendí antes a cantar que a hablar. La música es una manera de comunicar que, a parte de las letras, tiene el lenguaje musical que es mucho más intenso porque es emocional, y a cada uno le llega de una manera diferente. Cuando era pequeña, tenía el CD de la banda sonora de “El rey león” y uno de Bob Marley And The Wailers rallados. Solo tenía cuatro años y no tenía ni idea, pero a mí eso me llamaba. También me gustan mucho las divas vocales, como Roberta Flack, Aretha Franklin, Lady Gaga o Beyoncé. El espectáculo también me apasiona: hice ballet desde los tres años y he hecho danza de hip-hop y jazz, además de un cursillo de teatro. —¿Y cómo surgió el momento en que te dedicaste a ello de manera profesional? Cuando estudiaba música en la Jam Session, yo estaba en el único combo de jazz de la escuela, y lo formábamos con

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Macià, mi actual batería, y con Isaïes, que es con quien empezamos el proyecto el año pasado. Ahí le propuse a Isa de hacer una banda de versiones. En el momento de hacer un proyecto con mi nombre, quería meter la música electrónica, el hip-hop y el trap porque son una parte fundamental de mi vida. —No has abandonado las versiones, sino que eliges “Maldito dinero” de las Draps Bruts para versionarla en formato electrónico. Quería hacer un homenaje a las Draps Bruts porque creo que es una de las mejores bandas que hay de finales de los ochenta. Son como mis tías porque son colegas de mis padres de toda la vida. Mi idea fue traerlas al siglo XXI. “Maldito dinero” da igual quién la escuche: solo por la intención de la letra y por cómo lo cantan ellas, te engancha. El tema pedía que la versión fuera de ese rollo. Fue fácil porque cogimos el mismo riff y lo tocamos un poco pero no ha cambiado mucho el tema, sino la sonoridad. —El nombre del disco, “2021: An Earth Oddity”, es un claro homenaje a Bowie y Kubrick. Una de mis películas preferidas de cuando tenía once años era “2001: Odisea en el espacio”, que nadie entendía, ¡y yo tampoco! Pero cuando no entiendo

las cosas me gusta porque quiero entenderlas. Por otra parte, Bowie es uno de mis referentes más grandes a nivel estético y sonoro. Tenía ganas de hacer algo bonito con todo junto y que tuviera sentido. Bowie, en “Space Oddity”, se refiere a una rareza espacial, a algo fuera de este mundo. Cuando me ve la gente piensa que solo hago trap, porque soy joven y por mi estética. Me hacen sentirme rara, y es un sentimiento que me gusta. Kubrick también intenta explicar estas cosas en sus filmes. Como el disco es un poco ambiguo, creí que tenía sentido cerrar el círculo con este concepto. Como el tema de “White Wine (Raro)” con Spxxn P. —¿Cómo fue la colaboración con él? Todavía no consigo escribir en catalán, ¡algún día lo conseguiré! Ya que no puedo, dije: ¿por qué no llamo a Spxxn P, que canta en catalán y hace unas letras brutales? Es un maestro, su interpretación es siempre muy pulida. Cuando llegó al estudio, ¡solo tuvo que hacer una toma! El tema, antes de que él entrase, tenía una sonoridad muy clásica y le faltaba romper un poco lo clásico, aunque la base fuese electrónica. —KAREN MONTERO

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FOTO: STÉPHANE CARTEAUX

MONDO FREAKO

febrero 2021 #7

Bailando la disto Working Menâ&#x20AC;&#x2122;s Club

#8 febrero 2021

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opía Como ya escribimos en esta misma cabecera, el debut homónimo de los británicos, “Working Men’s Club” (Heavenly Records/[PIAS], 20), les coloca ya en la liga exclusiva de las bandas jóvenes más interesantes de aquellos lares. —TEXTO JC Peña

ENTREVISTA

SOMBRA QUE Sydney Minsky-Sargeant, motor creativo de este brillante compendio de post-punk con aristas, electrónica bailable, kraut psicodélico y synth-pop, apenas rebase la mayoría de edad. Por si fuera poco, el grupo mutó de formación y estilo antes de grabar en Sheffield con el prestigioso técnico y productor Ross Orton (The Fall, Arctic Monkeys). Con su primer álbum se han ganado el respeto de heterodoxos curtidos como Fat White Family. En Resident Music (según su paisano de Brighton Nick Cave, “la puta mejor tienda de discos de Reino Unido”) es álbum del año y en la lista de Mondo Sonoro ocupa el puesto 21. Ha costado, pero conseguimos recibir las respuestas de Sydney por correo electrónico. —Las críticas de vuestro disco están siendo inmejorables. De hecho, aparece en muchas listas de lo mejor del año. ¿Cómo os sentís? Sí, está siendo una locura, sinceramente. Teniendo en cuenta la pandemia y todas las cosas más importantes que están sucediendo en el mundo, no tenía claro cómo se iba a recibir y no esperaba nada. La respuesta ha sido asombrosa, abrumadora. Ha llevado un montón de trabajo y dedicación de mucha gente. Nuestro management y nuestro sello han sido increíbles, hay demasiada gente a la que dar las gracias, pero no olvidamos su contribución. Estamos eternamente agradecidos a todo el mundo por su amor y apoyo. —Lo mejor que se me ocurre decir de él es que parece que habéis absorbido un montón de grandes influencias, pero que no sonáis a nada específico. Cuando empezasteis el grupo, ¿era ésta la principal intención? Ah, muchas gracias, es algo bonito oír eso. Creo que cuando empezamos el grupo no teníamos más objetivo que meternos en un local y tocar horas, ya fuera a las ocho de la mañana o a las diez de la noche, cuando pudiéramos ensayar. Según pasó el tiempo, la música maduró y creo que cuando llegó el momento de hacer el disco, había afinado mi manera de componer, de tal modo que podíamos hacerlo todo de la manera más exhaustiva. Cuando estoy componiendo una canción no tengo un motivo más allá de escribir de lo que sé y acompañarlo con música que suma o interpreta esas emociones. No hay fórmula para componer, pero eso es lo que pareció pasar durante este proceso. Me sentía atrapado, desesperado y confuso, y hacer el disco fue mi modo de sacar algo de sentido a lo que estaba pasando en mi cabeza, de la mejor manera que pude. —El álbum me ha parecido muy maduro y consciente de la historia de la música pop. Me parece alucinante, dada tu edad. ¿Vienes de una familia muy musical? Muchas gracias, no crecí en una familia musical, pero mis padres son artistas, así que quizá eso lo explique… ¿Quién sabe? Seguro que ha ayudado, imagino. Han apoyado mucho mi creatividad, por lo que he tenido mucha suerte. —¿Cuál ha sido el peso del productor Ross Orton? ¿Por qué decidisteis trabajar con él, y cómo de fácil o de difícil fue grabarlo en Sheffield, que, por cierto, es una ciudad muy musical? La segunda vez que quedé con Jeff Barrett de Heavenly él estaba convencido de que deberíamos trabajar con Ross en el single. Ross vive en el norte (en Sheffield), tiene un historial alucinante y se limita a hacer lo que le viene bien a la música. En cuanto grabamos “Teeth”, yo tuve claro que deberíamos hacer el disco entero con él. Sus habilidades

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ENTREVISTA

CRITICANDO Working Men’s Club

Heavenly Records/ Pias POST-PUNK 8/10

EMPECÉMONOS A QUEDAR con la copla. La saturación de cierto tipo de sonidos está provocando ya un efecto rebote. Así que, como apunta el dicho aquel, cuando alguien señale la luna con el dedo para venderles que solamente hay un ahora, empiecen a pensar en de quién es ese dedo. En las islas británicas parecen especialmente rebotados, de ahí que buena parte de los artistas jóvenes que crecen como brotes verdes en estos momentos tan grises y complicados miren hacia el pasado con un respeto que parecía haberse perdido de forma incomprensible en los últimos tiempos. De la absurdidad del matar al padre porque sí hemos pasado a aprovechar la sustancia de los discos de papá y mamá y aprender de ellos lo mucho que podemos aprender. Y así es como Sydney Minsky-Sargeant se plantó sobre un escenario al frente de sus Working Men’s Club –el nombre es toda una declaración de principios, busquen por ahí a qué se refiere– para devolverle a la gente de su ciudad, Sheffield, el orgullo de ser la cuna de cierto tipo de sonoridades. Porque Minsky-Sargeant y su banda echan la vista al Sheffield de la segunda mitad de los setenta y los primeros ochenta para exprimir la electrónica y el post-punk para recoger la cosecha de lo que se sembraron en aquella ciudad Cabaret Voltaire, The Human League o incluso los primeros Pulp. A partir de esa base, acuden a todos aquellos sonidos rítmicos y bailables y al mismo tiempo ligeramente incómodos que se han ido esparciendo a lo largo de los años por aquí y allá, desde The Fall a New Order/Joy Division, desde Section 25 o los primeros Happy Mondays a LCD Soundsystem, pasando por el revival punk funk o por algunos momentos de Suicide, y así podríamos continuar añadiendo nombres y nombres. Eso ir y venir de referencias sería malo en el caso de que a Working Men’s Club le faltasen buenas canciones o músculo, pero es que eso no ocurre. ¿Les falta un punto de personalidad? Tranquilos, que si la cosa no se tuerce eso ya llegará. Que a veces tener temazos es más importante. —JOAN S. LUNA

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en la producción y su actitud hacia la música me inspiraron personalmente. Como resultado de grabar “Teeth” con él, pasé a componer la mayor parte del disco. El proceso fue sencillo porque estábamos en el mismo barco, no mareamos la perdiz. Nos limitamos a grabar la música y si alguna cosa no encajaba, hacíamos algo más. En general fue extremadamente gozoso y fácil porque todo estaba ahí, nos limitamos a ponernos a ello y sacamos el disco cuando estuvo listo. No hubo distracciones. —Empezasteis a hacer música de guitarras y luego girasteis más hacia la electrónica o el pop más rítmico (“John Cooper Clarke”), pasando a cajas de ritmos. ¿Hubo alguna razón? Parece inusual que esto pasara antes incluso de sacar el primer disco. Supongo que la gente no se da cuenta de que yo tenía dieciséis años, Jake diecisiete y Giulia veintitrés, cuando formamos el grupo (ndr: ambos ya no están en la formación). Tus gustos cambian rápidamente. Con el streaming puedes meterte en música que nunca has oído y enamorarte de todo tipo de cosas muy rápido. Empecé a escuchar más electrónica underground y música africana, y me inspiró. Creo que nuestra música se convirtió en otra cosa. Especialmente después de “Teeth”, se hizo más abrasiva. Componer con cajas de ritmos y sintetizadores me abrió infinitas posibilidades: podía sincronizar cosas y componer bajos y guitarras. Hacer material así me flipó y el disco acabó siendo así, supongo. No quería estar en otro grupo más de guitarras, la cuestión era ser creativo y acabar con algo distinto. Se puede debatir si con este disco lo hemos hecho, pero sin duda lo hemos intentado. Sorprender y confundir a la gente me estimula y espero no dejar de hacerlo. —¿Hasta qué punto ha beneficiado al disco el cambio de formación? No quiero hablar de eso. —Combináis sonidos áridos con melodías más accesibles (por ejemplo, de sintetizadores). Estoy pensando en una canción como “A.A.A.A.”. También creo que sonáis modernos, aunque con raíces en ciertas cosas del pasado. ¿Os sale naturalmente o hay una intencionalidad? Tratamos de hacer algo propio. La gente puede hacer sus conexiones de acuerdo a cómo les haga sentir y sobre qué les haga pensar, y eso es exactamente lo que debe hacer la música. Al final, la única persona que puede saber de dónde viene la canción es la persona que la compuso, pero creo que eso es personal y que no debería desvelarse al oyente. Las palabras hablan por sí mismas y la música acompaña los pensamientos y emociones que están detrás. A veces es mejor hacer el ruido que quieres con un sinte, otras con una guitarra. No hay nada correcto o incorrecto en ello, y al final lo que mejor le vaya a la canción y al sentimiento que hay detrás es el instrumento que deberías usar (si lo tienes). En las principales sesiones de grabación las canciones estaban más o menos ahí. Ross dijo que deberíamos centrarnos en los sonidos. Eso es lo que hicimos y por eso el disco tiene esa presentación sonora. En “A.A.A.A” Ross utilizó un sintetizador para crear todos los sonidos de batería, porque es lo que mejor le venía. Cada tema tiene su sonido individual porque era la

Rob Graham, Liam Ogburn, Sydney Minsky-Sargeant y Mairead O'Connor.

forma de expresión más honesta. —¿Os encontráis cómodos al veros asociados a una banda post-punk tan única como The Fall, o es sólo una etiqueta? Yo también puedo oír cosas progresivas, y no es raro porque a Mark E Smith le gustaba mucho Can. Entiendo por qué los periodistas comparan nuevos artistas con otras bandas y usan referencias, crea un sentimiento de comodidad y familiaridad para los que no han oído tu música antes. Sin embargo, nunca encasillaría nuestra música o haría generalizaciones con ningún nombre. Sólo tratamos de hacer nuestra movida, como hacían The Fall. A todo el mundo le inspira algo, pero nosotros hacemos música original, o al menos lo intentamos. Si quisiéramos sonar como The Fall seríamos un grupo de versiones, así de simple. Al final depende del oyente hacer sus propias conexiones. Si quieren compararnos con otros grupos, está bien: cada uno tiene su gusto y todo el mundo oye música de modo diferente. —El disco comienza con una canción larga, atmosférica y muy rítmica: “Valleys”. Leí que decías que es una canción sobre estar aislado en un lugar alejado de todo.

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En mi opinión mucha música rock o pop es mucho menos identificable. No hay nada con gancho y las letras son muchas veces demasiado cautelosas. La música debería decir algo, especialmente en estos tiempos distópicos que vivimos. Puede usarse como vía de escape a nuestros dolores y penas, pero debería confrontar los temas del mundo (como siempre ha hecho). Es una de las formas de arte más poderosas y creo que la gente tiene que recordar poner en valor su voz y utilizarla. Lo más importante de todo es que la música una a las personas. En un tiempo en el que todo el mundo se siente tan sumamente despegado del otro, es importante que usemos y creemos música para alinear estos pensamientos y sentimientos que tanta gente tiene ahora mismo. —Para terminar: ¿cómo estáis viviendo la situación de la pandemia ahora que no podéis presentar el disco en directo? ¿Podéis hacer algún plan? Es duro para todo el mundo, así que voy al día. Supongo que 2021 va a ser un año de ver qué pasa. La situación con el Covid es realmente mala aquí en Reino Unido en este momento, de manera que deberíamos centrarnos en tratar de mejorarla. Cuanto antes trabajemos juntos en ello, antes podremos girar. Mientras seguiremos haciendo música y sacando nuevo material este año, sólo está por decidir cuándo. —J.C.P

“La música debería decir algo, especialmente en estos tiempos distópicos”

“

Es una canción sobre lo que sé y cómo me siento. En el momento de componerla me sentía confinado, y elegí escribir sobre ello. El lugar donde vivo es precioso pero está aislado, es oscuro, soso y deprimente. “Valleys” es producto de esas emociones. —Y termina con una canción de doce minutos (“Angel”), lo cual muestra mucha confianza por vuestra parte. Supongo que queríamos terminar con una canción grande. Se demelenó más cuanto más nos metíamos en ella. Podría haber acabado siendo tediosa, pero creo que nos las arreglamos para grabarla de la mejor manera, teniendo en cuenta sus doce minutos. Queríamos mantener los elementos electrónicos, y cambiamos lo que era originalmente una canción de guitarras incorporando sintetizadores, samplers y vocoders, además de cientos de guitarras y batería en directo. —Me ha llamado la atención esa portada tan simple y abstracta. ¿Cuál era la idea? Steve Hockett, un diseñador gráfico y artista alucinante de Manchester, diseñó el logo. Al principio íbamos a usar unos pequeños logos que hizo para un póster, pero pensé que era una decisión obvia utilizar el logo como arte del disco. Es simple y audaz, me gustaba la idea de que lo ves y quizá pienses qué es, que lo cojas y le eches un vistazo. Hay una W-M y una C si lo ves de cerca. —Siendo tan jóvenes, me interesa tu perspectiva de cómo crees que la gente se relaciona hoy con los grupos. ¿Crees que es esencialmente como en otros tiempos?

R Más en www.mondosonoro.com

febrero 2021 #11

EL DISCO. RECUPERADO. Ray Barretto Acid Fania 1968

LOS DISCOS DE MI VIDA Sara Mesa

Sara Mesa es una de las mejores escritoras de nuestro país. Lo ha demostrado con libros como “Cicatriz”, “Un incendio invisible”, “Cara de pan” o la más reciente “Un amor”. Y, además, tiene un excelente gusto musical, como bien demuestra la selección de sus seis discos favoritos.

VV. AA.“Take Me To The Ri-

Townes Van Zandt

The Zombies

Este recopilatorio es una verdadera joya. Organizado en tres discos compactos narra la historia del soul sureño a través de setenta y cinco temas interpretados por numerosos artistas, algunos tan populares como Otis Redding y Aretha Franklin.

En su tercer álbum de 1969, el texano Townes Van Zandt llegó a la cima musical de su estilo hondo, melancólico y delicado. Su intensa vida llena de altibajos aparece reflejada en las bellísimas letras de sus canciones, que te contagian los estados de ánimo en las que fueron compuestas e interpretadas.

Me parece un disco brillante, incontestable, en muchos sentidos, porque en él se alcanza la sublimación del pop no solo a través de la melodía, sino también de la producción. Hoy día está considerado uno de los grandes álbumes de la historia.

Richard & Linda Thompson “I Want To

Carole King

Nick Lowe

No digo nada original si confieso que este es un disco que he escuchado ocho mil veces y que me ha acompañado en muchos momentos de mi vida, sin cansarme nunca… El talento de King es el de una reina. Es la autora de unos de los cancioneros más increíbles del siglo XX.

Este músico todoterreno, que empezó su carrera en la era psicodélica y continuó en los setenta siendo uno de los principales productores del punk y la nueva ola en Inglaterra, reapareció en pleno XXI con álbumes tan exquisitos como este.—MS

ver. A Southern Soul Story (1961-1977)” (2008)

See The Bright Lights Tonight” (1974)

Reconozco que no tengo ni idea de cómo se llevaban estos dos en su matrimonio, pero como dúo musical su unión es perfecta: la voz angelical y casi fantasmal de Linda se fusiona increíblemente bien con la guitarra de Richard.

#12 febrero 2021

“Townes Van Zandt” (1970)

“Tapestry” (1971)

“Odessey And Oracle” (1968)

PARA 1968 RAY BARRETTO era un veterano que había tocado con gigantes como Charlie Parker o Dizzy Gillespie, participado en discos de Kenny Burrell o Wes Montgomery, sustituido a Mongo Santamaría en la orquesta de Tito Puente, formado su propia orquesta, tenido un éxito enorme con “El Watusi” y sacado doce discos a su nombre. Acababa de firmar para Fania, un sello que había nacido un par de años antes en el Spanish Harlem, un barrio en el que la mayoría era como él, nuyoricans, nacidos allí pero descendientes de puertorriqueños. Sus influencias latinas se mezclaban con la música de sus vecinos en Harlem, el jazz era parte de la ecuación pero el soul de Motown y Stax también entró con fuerza, surgiendo el bugalú, una música que mezclaba R&B y música latina. Con “Acid” logró el disco más perfecto de bugalú de la historia pero también adelantó los nuevos caminos salseros de la próxima década con canciones tan espectaculares como “El nuevo Barretto”, donde el son montuno se fusiona con el funk, resultando en una canción irresistible. Como dice en su letra se trata de “la Nueva Ola” de la música latina, con un gran Adalberto Santiago a la voz, y Benny Moré dando su aprobación desde su tumba. Después llegaba “Mercy, Mercy, Mercy”, una canción construida sobre una línea de bajo que parecía tocada por James Jamerson. No lo estaba porque era Bobby “Big Daddy” Rodríguez, un enorme bajista que vuelve a destacar en la canción titular, un instrumental, con sabor jazz y un gran solo de trompeta, en

el que Barretto demuestra por qué le llamaban “Manos Duras”. La primera cara se cerraba con una imparable invitación al baile y la canción en la que mejor se han dado la mano el soul y la música latina, se trata de “A Deeper Shade Of Soul”, con el piando de Luis Cruz y la voz de Pete Bonet. Con guiño al “Knock On Wood” y un final espectacular con Bonet desmelenándose entre los vientos. La segunda cara se abría con “Soul Drummers”, otra bomba imparable de latin soul con un tremendo solo de percusión seguido de un gran momento para los trompetistas. Nuevamente Bonet se deja la garganta con sentimiento, esta vez más cercano a Wilson Pickett que a Ismael Rivera. “Sola te dejaré”, con Santiago de nuevo en la voz principal, es otra maravilla de un disco sin una canción que baje del notable y nos enseña el camino que tomará la música latina después de la fiebre del boogaloo, adelantando el sonido más salsero. En “Teacher Of Love” vuelve a sobresalir ‘Big Daddy’, suena a Motown, si la Motown hubiera tenido un percusionista tan excelso como Barretto. El disco se cierra con los ocho gloriosos minutos de “Espíritu libre”, suenan como si John Coltrane improvisara con Chano Pozo. “Acid” es la mejor introducción al género para los que, como yo, vienen del rock y el soul, abriendo las puertas a infinidad de tesoros de una música injustamente tratada. Pero no se crean que es solo eso, esta es una obra maestra por sí misma, capaz de mirar a la cara a cualquier disco de la época.—SERGIO ARIZA

“The Convincer” (2001)

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EN PORTADA

L “ “Es crucial que hagamos todo lo que podamos para asegurarnos de que las salas sobreviven para poder inspirar a la próxima generación de músicos”

#14 febrero 2021

A BANDA QUE INICIÓ Dave Grohl como un proyecto personal, con canciones que había comenzado a montar en su cabeza incluso cuando todavía tocaba la batería Nirvana, cumple veinticinco años en un contexto pandémico, un presente distópico con confinamientos domiciliarios y cerrojazos a sectores como el de la cultura, uno de los más damnificados por esta crisis primero sanitaria, luego económica y ahora parece que también política. De no ser por el maldito virus el décimo disco de la banda ya habría visto la luz en el 2020. “Acabamos este trabajo hace mucho tiempo. Empezamos hace un año y lo acabamos en febrero. Estábamos realmente muy contentos porque teníamos por delante dos años de gira, en la carretera, con una fecha de salida de disco. Y de repente todo se paró”. Este parón en seco, obligado por las circunstancias, en absoluto afectó al contenido del disco. No habría sido la primera vez que el inquieto Grohl enviase un disco a la basura y grabase todo otra vez. Pasó con “One By One” (02), por ejemplo, que habría sido muy diferente si no fuera porque a Grohl no le convencía. En esta ocasión, no fue así. “No cambiamos nada, simplemente esperamos. Teníamos la grabación, la mezcla, el mastering y el videoclip para ‘Shame Shame’ cuando todo paró. En ese momento miré atrás y no quería cambiar nada”. Son tiempos raros para promocionar un disco de rock, y sobre todo terroríficos para la industria musical. Con todo, tras unos meses de desconcierto decidieron arrancar los motores y sacar su décimo trabajo. “Evidentemente, lo más importante para nosotros era que todos estábamos bien, con salud. Nos quedamos en casa a esperar. Y esperamos un mes, y otro mes… Y hablábamos entre nosotros sobre cuál era el mejor momento para sacar el disco, y sabíamos que los directos no volverían a la normalidad en breve”. “Hicimos esta música porque queremos compartirla con la gente, y no sé mucho sobre la industria musical pero sé que está sufriendo en muchos sentidos como las salas de conciertos, los pequeños clubes, los ‘roadies’ y los promotores”. En este punto, merece la pena recordar su actuación en riguroso directo el pasado mes de octubre desde la mítica sala The Troubadour de Los Angeles. El acústico, a beneficio de las salas de conciertos afectadas por la pandemia como parte del Save Our Stages Fest, perseguía precisamente la supervivencia de estos benditos escenarios. “Es crucial que hagamos todo lo que podamos para asegurarnos de que las salas sobreviven para poder inspirar a la próxima generación de músicos para que pueda seguir y hacer cosas hermosas con su vida como hacer música”, dijo el líder de Foo Fighters en una de sus intervenciones entre canción y canción.

Cancio 3 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

La música como cura, el rock como catalizador. “Medicine At Midnight” (Sony, 21), el décimo trabajo de Foo Fighters, llega cual antídoto en el mejor momento. O el peor, según se mire. Sin la posibilidad de girar por todo el mundo, sin poder dar conciertos, el nuevo largo del sexteto de Los Angeles persigue inyectar algo de diversión y esperanza en estos días grises e inciertos. De todo esto hablamos con Dave Grohl, que nos responde con una enorme sonrisa al otro lado de la pantalla, desde la comodidad de su estudio. —TEXTO Luis Benavides —FOTOGRAFÍA Danny Clinch

ones sanadoras Foo Fighters

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febrero 2021 #15

EN PORTADA

3 El que fuera batería de Nirvana e impulsor de tantos otros proyectos con buenos amigos como Probot o Them Crooked Vultures, por citar solo un par, entiende la música como algo que “proporciona gozo y felicidad”. Y de esta manera concibió la salida de “Medicine At Midnight”, con o sin conciertos de presentación. Al final, lo más importante son las canciones, y después viene todo lo demás. “No escribo solo para tocar en directo delante de mucha gente, sino para conectar con un oyente, emocionalmente. Me encanta que bailen durante horas en un estadio, pero también que estés bailando en tu cocina con una botella de vino. Esto tiene más sentido ahora, que no puedes salir fuera y es fácil sufrir ansiedad, depresión… La música tiene algo de sanador, te ofrece un escape, puede sanar tu alma. Y el disco va de eso un poco, de vivir la vida, disfrutar y sentirse esperanzado”. En cierto modo, este disco sigue la estela de su anterior trabajo, “Concrete And Gold” (17). No en vano, repiten productor, Greg Kurstin, artífice del nuevo y algo pomposo sonido de la banda. Siente especial devoción por su nuevo e inseparable amigo, y aprovecha cualquier entrevista para reivindicar su buen hacer. “Greg es uno de los mayores productores del mundo y una de las mejores y más brillantes mentes musicales que he conocido nunca. Es un pianista de jazz y multinstrumentista convertido en un productor de pop. Le vi en un restaurante y me presenté porque #16 febrero 2021

Pat Smear, Dave Grohl, Taylor Hawkins, Nate Mendel, Rami Jaffee y Chris Shiflett.

me gusta mucho su banda, The Bird And The Bee, sin saber que también era productor. Le dije que estaba preparando un disco, nos hicimos amigos y produjo nuestro anterior trabajo. Él hace que las canciones crezcan”. Con él, por cierto, Grohl, que no puedo estar quieto, grabó un puñado de versiones de grandes artistas judíos el pasado mes de diciembre recogidas bajo el nombre de Hannuka Sessions. De Beastie Boys a Bob Dylan pasando por Drake y Peaches. Si en ese primer trabajo con Kurstin los propios Foos dijeron que sonaba como Motörhead versionando el “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles, ahora Grohl ha dejado caer que este décimo trabajo es su particular “Let’s Dance”, posiblemente el disco más popular (por ventas) de su colega David Bowie. “Quería un disco que fuera una fiesta, no quería algo demasiado agresivo o demasiado acústico. Quería algo con ‘groove’ que te hiciera ponerte de pie y bailar”. Después de grabar en algunos de los mejores y más emblemáticos estudios con reputados productores e ingenieros de sonido, sin ir más lejos para la grabación del disco y documental “Sonic Highways”, Foo Fighters han optado por grabar literalmente en casa. “Lo grabamos en el estudio casero que tengo al final de la mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

EN PORTADA

“Quería un disco que fuera una fiesta, ni demasiado agresivo ni demasiado acústico. Algo con ‘groove’ que te hiciera ponerte de pie y bailar”

calle en la que vivo: con la sala de control en una habitación, las voces las grabamos en el lavabo y la batería de Taylor en las escaleras... La experiencia fue muy divertida, muy inspiradora”. Si la experiencia de la grabación suele influir en el sonido, en el resultado final, añade Grohl, este disco no puede ser una excepción.

Progreso provocador Los que disfrutaron el ambicioso “Concrete And Gold” deberían disfrutar este nuevo trabajo, con temas tan provocadores como el primer adelanto, “Shame Shame”, posiblemente lo último que esperábamos escuchar de una banda aguerrida como los Foos. Si buscaban llamar la atención, desconcertar, lo consiguieron. “Es verdad que no es el clásico sonido de la banda, pero piensa que llevamos veinticinco años, es nuestro décimo disco… Si hubiéramos sacado un tema que sonase como ‘My Hero’, ‘Monkewrench’, ‘The Pretender’ o ‘Everlong’ quizá sería lo que mucha gente esperaría, pero era impormondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

tante para nosotros sobrevivir como banda haciendo algo que no habíamos hecho antes. Es un poco la intención de todo el disco, y después de grabar varios temas que sonaban a Fo Fighters, que están muy bien, escuchamos cómo quedó ‘Shame Shame’ y vimos un progreso, y eso mola porque creo que indica que nunca sabes qué será lo próximo. Me gusta esta canción porque la gente no esperaba algo así”. Este adelanto vino acompañado de un impactante videoclip en blanco y negro no menos sorprendente en el que podemos ver al líder de la banda compartiendo planos con una imponente bailarina y cavando un hoyo con su guitarra Gibson. ¿Qué mensaje hay detrás? “Es muy loco porque está inspirado en un sueño que yo tenía muy a menudo cuando era un chaval, con unos catorce años. Estaba en lo más alto de una colina, había un ataúd en llamas, al lado de un árbol muerto… Abría el ataúd y me quemaba las manos; era una pesadilla. ¿Qué significaba? Vergüenza, culpa, resentimiento, ansiedad… No sé, tenía catorce años. Así que después de grabar la canción, recordé el sueño y hablé con Santiago González, un genio que nunca antes ha grabado un videoclip de rock pero se dedica profesionalmente a los retratos, al mundo de la moda, y el resultado es fantástico”. De la coprotagonista del videoclip, Grohl destaca que “tiene mucha fuerza visualmente, y también por su manera de moverse”. Al cierre de esta edición la formación solo han mostrado al mundo otras dos piezas incluidas en “Medicine At Midnight”: el medio tiempo melancólico “Waiting On A War”, una auténtica declaración de intenciones inspirada en esa sensación de que en cualquier momento puede estallar una guerra en este mundo desbocado, y “No Son Of Mine”, con un riff machacón y omnipresente que haría las delicias de su colega Lemmy Kilmister (que en paz descanse). Para un tipo tan autoexigente como Grohl, reconocido “hit maker”, el disco perfecto debe ser como un buen libro, como una película: debe explicar una historia. “Si haces un disco es importante que tenga un arco, un principio y un final; un buen disco no es una colección de canciones que puedes ordenar aleatoriamente. Debe tener momentos arriba, abajo, y una idea o emoción debe conducirte a la otra”. La canción perfecta no responde a ninguna fórmula matemática, asegura. Entonces, ¿cuándo está satisfecho completamente con una canción? “No sé lo que estoy haciendo realmente, no sé leer música, pero noto en el estómago ese sentimiento de que es correcto”. —L.B.

Evolución

e podría decir que hay muchos Foo Fighters en uno. Basta con repasar su discografía. Nunca inventaron nada pero marcaron el camino a muchas bandas. Su debut homónimo bebía del pop distorsionado de Pixies y Sugar, “The Colour And The Shape” engordó su propuesta con un sonido inmaculado largamente imitado, “There’s Nothing Left To Loose” refinó su apuesta con canciones algo más atemporales, el sonido por momentos rocoso de “One by One” fue el resultado de la experiencia de Grohl con Queens Of The Stone Age de Grohl… Y así hasta la actualidad, con discos dobles y en acústico. Si una banda ha sabido evolucionar sin acomodarse, ajena siempre a las modas, esa ha sido la banda de la doble F. “Si miro atrás, veo que todo ha ido muy rápido, es media vida, y cuando pienso en mis inicios en un sótano y lo que hacemos ahora parece un mundo, muy diferente. En realidad, aunque parece que el mundo ha cambiado, los Foos no tanto. Lo digo por mí, pero también por el resto de componentes de la banda. No tenemos por qué hacerlo pero lo hacemos porque nos queremos y nos gusta lo que hacemos. Si no fuera así no habríamos durado veinticinco años”. —L.B.

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febrero 2021 #17

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19/Mondo VINILOS 8

La medicina de Foo Fighters Foo Fighters

Medicine At Midnight RCA

ROCK /Más de un cuarto de siglo después

de su memorable aparición en escena, cada entrega de Foo Fighters sigue justificándose como una buena noticia capaz de paliar el abatimiento. Seguramente tenga que ver con la fiabilidad del grupo a la hora de publicar buenos discos protagonizados por un rock de estadio que (casi siempre) resulta verosímil, cuidándose así de perder una esencia que resulta necesaria cuando se trata de mantener incorruptible la credibilidad de este tipo de bandas. En cualquier caso, la alegría motivada por un nuevo álbum de los de Seattle se extiende hasta la presente entrega pensada inicialmente para 2020 y retrasada por la pandemia. Una obra que, por momentos, bien podría ser el acercamiento más indisimulado al pop firmado por el ex batería de Nirvana y sus secuaces, en un aspecto bien encarado que definitivamente puede afirmarse que sienta bien al combo. “Medicine At Midnight” es un disco que se degusta con apetencia y naturalidad, en una secuencia que no entrañará dificultades para cualquier seguidor del grupo, con cada una de sus nueve canciones aportando al merito conjunto. Una referencia que se abre sin disimulo con los

coros de la pegadiza “Making A Fire”, en una tendencia continuada con “Shame” y, sobre todo, una “Cloudspotter” que incluso recuerda a los galeses Stereophonics. Por su parte, “Waiting On A War” es el clásico medio tiempo del grupo que muta en su aceleradísimo desarrollo final, mientras que la accesible “Love Dies Young” sirve para echar el cierre. Antes, la contundente “No Son Of Mine” rinde tributo a Lemmy Kilmister y sus Motörhead, mientras que “Medicine At Midnight” hace lo propio con David Bowie y la delicada y bonita “Chasing Birds” apuntaría a John Lennon. “Medicine At Midnight” no es el mejor trabajo del sexteto, y en realidad queda lejos del listón marcado por “Wasting Light” (11) o aquel trío clásico de los noventa formado por “Foo Fighters” (95), “The Colour And The Shape” (97) y “There Is Nothing Left To Lose” (99). Pero a cambio demuestra que la fórmula continúa funcionando, tras incluir un puñado de buenas canciones que bien colocadas motivan la efectividad de la referencia. Grohl y compañía aprovechan el que ya es décimo álbum de estudio de Foo Fighters para darse el gustazo de rendir homenaje a héroes personales, realzando su rock para las masas pero sin denostar elementos que cincelaron su personalidad creativa. El resultado matiza su esencia y apuesta por completar un álbum funcional y de ágil desarrollo, evitando piezas complementarias que generen una densidad innecesaria. Quizás, por toda esa integridad, sigamos adorando a Dave Grohl dos décadas y media después. —RAÚL JULIÁN

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Madee

Mogwai

Eternity Mingled With The Sea BCore Disc

ROCK /Madee regresan ca-

torce años después de su anterior entrega, con un quinto disco que resuena atemporal y universal y cristaliza la colaboración con el poeta Mark Swanson. El norteamericano aporta las letras de los doce temas, apostillando la profundidad lírica (y crítica) de un álbum de aplastante solidez, tras beber de influencias clásicas de los ochenta y noventa como Hüsker Dü, Echo & The Bunnymen, The Cure, Sugar, Buffalo Tom e incluso U2. Una consistencia instrumental, ejecutiva y compositiva que resulta definitivamente guiada y marcada por la imponente interpretación vocal de Ramón Rodriguez –aka The New Raemon–, señalando las pautas en torno a las que la banda levanta ese sonido incuestionable de toda la referencia.

—RAÚL JULIÁN

As The Love Continues Rock Action/ [PIAS]

de la película, la fórmula Mogwai no va a desviarse de su reconocible marca de fábrica ni tampoco se va a limitar a calcar punto por punto todas y cada una de sus peculiaridades. Son lo que son. Los tomas o los dejas. Y su décimo álbum ya vuelve a brindar ese equilibrio entre la fidelidad a un sonido del que tienen la patente y esos ligerísimos nuevos retoques que tienen más que ver con la incorporación de instrumental inédito que con ninguna modificación a la hora de componer. Misma dinámica de trabajo, con la salvedad de que Dave Fridmann se ha visto obligado a supervisar desde la distancia. Los reyes del maelstrom sónico siguen luciendo galones a la hora de combinar sus clásicas escaladas de calma, furia y nuevamente calma. Mogwai siguen sonando solo a Mogwai. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Paul McCartney

Sleaford Mods

McCartney III Capitol/EMI

POP /El ex Beatle presenta, en su decimoctavo disco en solitario, una obra compuesta, grabada, tocada y producida en su totalidad por él mismo, prolongando así aquella serie que comenzó con “McCartney” (70) y tuvo continuación en “McCartney II” (80). “McCartney III” muestra a un músico veterano que disfruta de su absoluta atemporalidad, tras renovarse en su justa medida pero sin perder la perspectiva. Once nuevos temas que, a pesar de su clasicismo, encaran diferentes direcciones y evidencian que el músico permanece atento al entorno, en un álbum orquestado con seguridad, buen gusto y la ambición del que se sabe maestro ante las posibilidades que ofrece el proceso de grabación. Unas canciones que, renunciando a la trascendencia de antaño, lucen sin complicaciones añadidas. —RAÚL JULIÁN

POST-ROCK /A estas alturas

Spare Ribs Rough Trade/ Popstock!

POST-PUNK /Los británicos se han hecho imprescindibles como conciencia de la maltrecha clase trabajadora británica. Su propuesta espartana y directa, bases minimalistas crudas sobre las que navegan las diatribas cada vez más amargas de Williamson, es un engranaje de precisión que han perfeccionado hasta sus últimas consecuencias, con un nivel de calidad siempre notable, pero al borde de un agotamiento que empezaba a intuirse. Tiempo, pues, de hacer balance volviendo a su casa Rough Trade, y de reunir fuerzas para un nuevo asalto en el que se permiten dejar entrar voces femeninas, estribillos, y hasta alguna guitarra. Brilla también por la inspiración las bases, que permiten a los de Nottingham ofrecernos algunos de sus mejores cortes hasta la fecha. —JC PEÑA

febrero 2021 #19

MONDOVINILOS

Chacho Brodas

Back To The Fucking Party Del Palo

Steve Earle homenajea a su hijo

Steve Earle

J.T. New West Records

8 AMERICANA / La cariñosa y descarnada despedida de un padre ausente que, masticando océanos de pena, celebra en cada vibrante reinterpretación la vida y obra de Justin Townes. Steve Earle que se sumerge en su tormenta interior y pública “J.T.” (así llamaban a Justin en familia), el día que su vástago fallecido hubiera cumplido treinta y nueve años, revisitando una decena de canciones de Justin Townes y cerrando con esas palabras finales que le dedica y firma, “Last Words”. Diez temas elige Steve de la amplia producción de su hijo para reinterpretarlos a su manera, desprendiendo amor y colorida energía country junto a The Dukes, banda habitual de Earle por la que pasó brevemente Justin antes de volar solo, alcanzando grandes cimas que lo convirtieron en uno de los jóvenes referentes con más personalidad del género. Earle comienza el valiente viaje con los brazos más vacíos que nunca en “I

Don’t Care”, tema rescatado de aquella carta de presentación desnuda de 2008, “Yuma”. Steve y The Dukes le impregnan un plus de matices instrumentales y, como dice la canción, aunque “no sepamos a dónde vamos, no nos importa”, porque Earle y la banda hacen que salga un sol de invierno que calienta y alumbra durante todo el trayecto. Así nos adentramos en el primer largo de Justin Townes, el vibrante “The Good Life” (08), disco del que Steve toma más canciones. Brillan por sí solas piezas maestras

de J.T. como “They Killed John Henry”, con un extra de bluegrass y montañas en vena para la ocasión, o “Harlem River Blues”, pasando por la deliciosa cadencia rockera de “María”, o reventando los termómetros con “Champagne Corolla”. Del sobresaliente último trabajo de J.T., “The Saint Of Lost Causes” (19), es el tema titular el que suena, con esa letra que retumba y duele en la boca de un padre que, desafiante, mira con rabia a los ojos al Santo de las Causas Perdidas y ojalá todo fuera un mal sueño… —DAVID PÉREZ

RAP / Griffi formará siempre

parte, muy merecidamente, del podio histórico de los grandes productores del rap nacional. Tras un período de menor actividad, regresa con el proyecto Chacho Brodas para volver a romper las reglas del juego. El catalán continúa en su afán de sorprendernos con nuevos sonidos, aunque esta vez con estilos menos habituales en su repertorio como el reggaetón o el aftobeat, demostrando que samplear y revestir otros sonidos sigue siendo su mayor virtud. Además, para añadirle mayor frescura, se rodea de cantantes con los que no había colaborado tanto como Duddi Wallace, Blade, Lauren Nine, Juanih South, Pepe:Vizio, Limabeats, CBZ o Mr Nik. Casi todos ellos pertenecientes a una nueva generación que, al igual que Chacho y Griffi, no tiene miedo a romper los cánones y reinventar la música. Sirvan cortes como “Jhonny Dramma” y su flamenco-trap como buen ejemplo de la facilidad que tiene Griffi para fusionar sin perder el respeto y el buen gusto.

—ALFONSO GIL ROYO Anabel Lee

Elvis Perkins

Anabel Lee Ártica

AMERICANA / Sigo a Elvis Perkins desde que apareció, y el hecho de que su nuevo disco esté producido por Sam Cohen, que ha trabajado con mi admirado Kevin Morby, hace que aún me interese más comprobar qué se ha sacado de la manga. Tras dos o tres escuchas empiezo a darme cuenta de que, a pesar de no ser para todas las escuchas, el disco atrapa. Su carácter misterioso, algo habitual en la producción de Perkins, se mantiene en sus nueve temas. También la búsqueda de la propia identidad que junto a elementos comunes a su discografía como una cuidada producción y cierto riesgo en las propuestas –miren si no el aire oriental y a la vez circense de “See Monkey” como ejemplo– hacen de él un trabajo reconocible y muy disfrutable. Además, en los tiempos que corren es difícil no identificarse con alguien que en el single de su álbum se plantea “yo sé quién eres, pero ¿quién soy yo?”.

SKA / El incansable Juantxo Skalari regresa a la actualidad discográfica con “Roots Market”, tercer disco de estudio junto a La Rude Band, su último proyecto tras décadas de militancia al frente de los míticos Skalariak y los efímeros The Kluba. El trabajo está integrado por siete nuevos temas marca de la casa: ska de la vieja escuela por la parte musical, y toda una declaración de intenciones por la parte lírica. Desde su apertura, la introducción “Sarrera IX”, hasta el cierre instrumental de devaneos electrónicos “Irteera (I found)”. Pasando por un baño de colaboraciones: la bailonga “Otra vez tú y yo” (con Tania Melo de Los De Abajo), la entrañable “Tres veces rebelde” (con la gente de Black Birds y Skabidean), y “Siglo XXI”, donde la voz rasgada de Karlitos ‘Animal’ (Non Servium) ayuda en el que supone el primer single, un repaso a la actualidad “ruda”: “No nos hables de pop, reggaeton o trap, porque vamos más allá de lo que es popular”.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

—EDUARDO IZQUIERDO

—JESÚS CASAÑAS

#20 febrero 2021

Think Of Spring Anti/[PIAS]

Momento de auténtica realidad Sonido Muchacho

Roots Market Panda Artist

PUNK-POP / La irrupción de Anabel Lee en el panorama nacional ha supuesto un soplo de aire fresco. Lejos de tonos urbanos u otros más convencionales, los de Terrassa apuestan por once canciones que están pensadas para disfrutarse en directo, saltando y “haciéndose sangre” según ellos. Bajo la producción de Carlos Hernández (Los Planetas, Sidonie), Borja, Pedri, Víctor y Jordi han creado un álbum debut muy completo. El sonido te transporta a bandas británicas de punk o de la new wave pero con un toque actual. El desamor es el gran protagonista del disco y lo podemos ver en canciones como “Deberías estar conmigo” o “Qué quieres de mí”. Pero también han dejado espacio para experimentar. “Plaza Mayor” tiene una letra más alegre y “Terrores Nocturnos” habla sobre la ansiedad, todas en clave de esta máxima que han creado ellos: “Ni indie, ni punk: Anabel Lee”. Pero la joya del álbum es “Quizás te espere (igual que ayer)”. Empiezan el año a lo grande.

M. Ward

Marcelo Criminal

Juantxo Skalari & La Rude Band

Creation Myths MIR/Petaluma Records

POP / Marcelo García irrum-

pió desde el escaparate oceánico de Internet como una suerte de Daniel Johnston local que se miraba en el espejo de artistas de culto como Primogénito López, Los Lagos de Hinault o Beat Happening. Como en una fábula de final feliz, el murciano llega ahora con su segundo largo, primero para el sello madrileño, de una luminosidad matizada, y mayor madurez, siempre dentro de los confines del pop minimalista de baja fidelidad. Y es que puede que el ordenador haya sustituido al cuatro pistas de cinta, pero las canciones mínimas de Marcelo entroncan con una tradición que se inicia hace décadas y que no ha dejado de ser revitalizada por aquellos que buscan hacer canciones a corazón abierto, sin el filtro de la producción, y que siguen encontrando un público cómplice y necesitado de pequeñas gemas que reconforten. Joyitas como “Quemando contenedores por dentro”, “Brain Training” o el corte que da título al disco, van sobradas de encanto. —JC PEÑA

POP / Le conozcas por ser la mitad de She & Him o por su trabajo en solitario, es innegable que Matthew Ward se ha hecho un hueco con su característica forma de entender el alt folk. En 2020 no solamente publicó “Migration Stories”, sino también este “Think Of Spring”, un disco en el que versiona “Lady In Satin”, el mítico último álbum de Billie Holiday. La excepción es “The End Of A Love Affair”, añadida al conjunto, pero el resto es ese canto de cisne de Billie al completo. M. Ward explica que se enamoró de la música de Billie Holiday al final de su adolescencia, y que “Lady In Satin” fue una pieza fundamental en ello. Y precisamente por entonces compró una Tascam Portastudio, que ahora ha desempolvado para grabar este disco de versiones, intentando darle un toque más clásico. El contrapunto para actualizarlo ha sido sustituir la orquesta que solía acompañar a Holiday con el uso de un solo instrumento: su guitarra.

— PABLO TOCINO

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Calexico

MESTIZAJE / Ya he dado mi

opinión sobre los discos navideños en más de una ocasión. En definitiva, para los norteamericanos son una manera más de entender la música y hay que aceptar que existen y seguirán existiendo, así que por qué no intentar sacar algo bueno (si es que lo tienen y siendo conscientes de su dificultad) de alguno de ellos. Calexico se subieron al carro el diciembre pasado, pero han querido vestir su aportación de cierto aroma cultureta asegurando que más que un disco navideño han grabado un álbum que intenta festejar y celebrar la multiculturalidad de las fiestas de su Tucson natal. Vale, muy bien. Compramos barco hasta que nos encontramos con piezas tituladas “Mi burrito sabanero”, el habitual “Christmas All Over Again” o la revisión del “Happy Xmas (War Is Over)” de John Lennon y Yoko Ono ¿Y en lo musical? Pues a Calexico en estado puro. Es decir, rancheras, algún fado, corridos y mucha fusión.

—EDUARDO IZQUIERDO

MONDOVINILOS

Cecilio G

Seasonal Shift City Slang

Scorpio Autoeditado

TRAP /Aunque los focos se centren por lo general más en su persona que en su música (¡qué error!) Cecilio G sigue estrenando música de forma casi obsesiva, dando golpes de volante y sorprendiendo a quienes le prestan atención a su carrera. Ahora le ha llegado el turno a “Scorpio”, su séptimo trabajo en un año y, de momento, el mejor. “Scorpio”, que se presenta como recopilatorio y no como álbum al uso es la secuela espiritual de “Milion Dolar Baby”. En “Scorpio”, Cecilio G lleva a sus espaldas la carga de cantar verdad. Cada uno de los temas de este trabajo son un alegato. A veces social y a veces tan personal que duele, este álbum además supone una nueva reinvención de su sonido. Producido por Tony Lenz, Cecilio firma varios temas sobre una base únicamente de piano, sin embargo, su afán por ofrecer buena música no se cierra a ningún estilo. Por eso nadie en España puede imitarle.

—LUÍS M. MAÍNEZ

Viagra Boys

Steven Munar

Welfare Jazz YEAR001/ Popstock!

The Fish And The Net Miracle Records

Rels B mantiene el pulso Rels B

POP / La madurez del

mallorquín afincado en Barcelona tiene poco que ver con el acomodamiento. Al revés. ¿El tópico de la segunda juventud? Tal vez. En cualquier caso, su sexto álbum es chute de energía en tiempos aciagos, sin por ello desechar textos que proponen un vitalismo nada pazguato, porque también se prestan a la disección ácida de la grisura que nos está tocando vivir. La preciosa portada de Óscar Sanmartín da la bienvenida a su colección de canciones más directas, producida a medias con Román Gil. La pegada instantánea de “Creation”, “Trust” (muy Talking Heads), “Tell Me Where I Belong” (con ese ritmo casi disco: es como su “Dame una pista” si fuera Tachenko, su “Grownups” si fuera Bart Davenport o su “How We Met, The Long Version” si fuera Jens Lekman) o la huracanada “Brasil” o la enorme “The Sun And The Moon” redondeando una delicia pop que solo se puede leer en caracteres mayúsculos. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

POST-PUNK / Hay quienes

7 sostienen que lo mejor que le pasó al punk es el postpunk.Y lo mejor que le pasó a este subgénero es que tiene la oportunidad de no caer en la obviedad; su nomenclatura es tan genérica que puede dar espacio a multiplicidad de gustos y estéticas. Entre otras cosas da el espacio para opinar que este “Welfare Jazz” de los holmienses Viagra Boys es un disco sólido o un magnánimo ejemplo del infame “más de lo mismo”. La connotación negativa se basa en que, aún con claros aciertos en cuanto a la forma de combinar elementos sonoros, “Welfare Jazz” no ofrece prácticamente nada que no hayamos escuchado antes. La producción del disco es muy buena, la estética llamativa, la dinámica de las canciones excelente, pero no hay novedades. Viagra Boys se plantan en el lado macarra de la vida, pero daría la sensación de que lo hacen desde un semblante demasiado premeditado.

La Isla LP Sony

8 URBAN / Rels B demuestra con cada uno de

sus nuevos trabajos que si hay un artista a día de hoy en España incapaz de firmar un mal tema, es él. “La Isla LP” no viene precedido por grandes campañas de comunicación ni por estrategias de marketing revolucionarias. Al contrario, el mallorquín suele preferir que su música hable por él. Su anterior álbum, “Happy Birthday Flakko” vio la luz de repente la noche de su veintiséis cumpleaños, en éste, apenas un par de publicaciones en redes sociales anunciando el trabajo y presentando el tracklist han sido suficientes para conseguir varios Números 1 y innumerables Top5 en España y Latinoamérica. Rels B hace lo que se viene llamando música comercial, pero no porque se pliegue a ningún canon previamente establecido, sino porque su música –así de simple– vende mucho y se escucha mucho. Y con razón, porque es muy buena. En “La Isla LP”, Rels B sigue apostando por su estilo característico muy cercano al R&B, pero en esta ocasión lo arrima mucho a los sonidos

latinos y a lo afro. Después de ser el único artista español al que le sienta bien el toque anglosajón, ahora toma la situación de Mallorca como paraíso y prisión, para dotar a todo este trabajo de una vocación tropical. “La Isla LP” es un álbum también más maduro (o quizá solo diferente) en lo lírico. Mientras que en otros trabajos, el mallorquín se inclinaba más hacia canciones que retrataban el filtreo y el amor de nuevo cuño, aquí es capaz de, con el mismo éxito, tener una mirada más larga y retratar situaciones más complicadas de manera variada. Dos ejemplos: Mientras que en “Lágrimas de cocodrilo” articula un hit a través de la imagen de las lágrimas fáciles de soltar y vacías de significado, en “La última canción”, en cambio, parece mostrarse más introspectivo y abierto a narrar historias en primera persona. Una introspección que también se ve en “Libre sin dinero” o “La prisión”. Sin embargo, claro, no es una introspección pesimista o triste: Rels B no cae en la trampa de la tendencia emotional tan habitual a día de hoy. Y yo, personalmente, se lo agradezco. Como también le agradezco la colaboración con Kaydy Cain, demostrando que las similitudes pesan más que las diferencias a la hora de estrechar lazos musicales entre artistas tan diferentes aparentemente en vocación. —LUIS M. MAÍNEZ

—ADRIANO MAZZEO

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febrero 2021 #21

ENTREVISTA

Xoel Como en botica López El nuevo trabajo de Xoel López, “Si mi rayo te alcanzara” (Sony, 20), es un disco de claros y oscuros, en el que podemos ver las diferentes caras que el artista puede ofrecer: desde la máxima creatividad, el baile y los sonidos latinoamericanos; hasta la desnudez y la intensidad de una canción en la que el piano y la voz son las únicas protagonistas.

“Abandonar la guitarra es un acto muy simbólico, es lo que me permite precisamente bailar”

#22 febrero 2021

BRAZÓ SU PROPIO NOMBRE, abandonó el de Deluxe y se pasó varios años navegando entre ambas costas del Atlántico. De ahí salieron sus tres primeros discos como Xoel López, una trilogía que nació involuntariamente pero que marcó el renacer de su carrera. Con “Si mi rayo te alcanzara”, el artista coruñés toma un nuevo camino trazado por la creatividad y la apertura. Abandona un poco la guitarra, deja de lado la producción y se centra en su voz y en las historias que quiere contar. Mondo Sonoro ha hablado con él sobre esta transición creativa (en la que no ha estado solo) y a partir de la cual ha nacido su último trabajo, el cuarto como Xoel López. —¿Cómo te sientes al empezar un nuevo ciclo, tras la trilogía involuntaria que conformaron tus primeros tres discos como Xoel López? Me siento un poco renovado, con esa libertad un poco de nueva etapa y de la sensación de estar haciendo algo que me refresca. Casi te diría con un desparpajo nuevo, una energía nueva que estoy aprovechando y que me viene un poco dada por mi propio contexto y lo que me pasó alrededor del disco. Me transformo en un disco con nuevas miras. A nivel emocional creo

—TEXTO María Ribas Collado —FOTOS Mónica Figueras que también va a otro sitio, a nivel musical también. Creo que es más atrevido, más descarado, incluso más bailable por momentos, también hay temas más profundos y más intensos. Llega a más, tiene más aristas, más dinámica y más contrastes, incluso. —Presenta como una cierta dualidad, pero aun así ciertos detalles de tus anteriores discos están presentes como tu amor por el otro lado del Atlántico. Entonces, ¿dónde crees que está la principal diferencia entre el antiguo Xoel y el nuevo? Yo creo que en ese sentimiento nuevo que tengo. Yo siento algo estos últimos dos años que para mí es nuevo a nivel vital: un atrevimiento, unas ganas, una libertad. Creo que se traduce en música mucho más expresiva, más colorida, más descarada incluso. Es verdad que hay cosas que tienen que ver con lo anterior, no es que sea una ruptura radical. Hay muchos elementos que yo creo que marcan la diferencia. Ya de base yo por ejemplo siempre he sido coproductor de mis discos, incluso productor único, y en este caso no quise participar en la producción y fue Carles Campi el que se dedicó de eso. A nivel de composición, no son todas canciones mías al cien por cien, algo que siempre fue así. Incorporé a David Quinzán, un amigo y compositor que aportó también su parte. Grabé dos o tres instrumentos en el disco, cosa que es rarísima, ya que yo solía grabar incluso todos los bajos, guitarras, teclados y demás, pero en este caso fue todo lo contrario, grabé muy poquito. Me centré mucho en la interpretación vocal y en la energía de dejar mi impronta. Enfocándome un poco más en algo más concreto, sobre todo la expresión vocal. Creo que es el disco en que menos instrumentos toqué y menos los toqué. Participa toda mi mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

banda, incorporo muchos elementos externos, otras voces. Es mi disco más coral, y yo creo que eso no está pasando especialmente ahora. A nivel de Latinoamérica, pues claro que sigue presente. Estuve viviendo cinco años y eso quieras o no es inevitable que aparezca en algún momento. —O sea, tu idea no es crear una nueva “trilogía”, o una saga, sino que tenga un inicio y un final, ¿no? Que forme un todo. Tú lo decías antes, involuntaria. Yo la primera trilogía me la encuentro un poco, porque es verdad que luego te das cuenta que forma parte de una época de mi vida que queda atrás. Esos viajes sobre todo a América, esos cinco años viviendo allí. Esa vuelta que fue “Sueños y pan” en 2017, como una especie de reposo, ahora se transforman en una nueva etapa que por ahora es muy juguetona, muy curiosa y muy ávida de nuevas experiencias y sentimientos de libertad y atrevimiento. Es verdad que no sé dónde me va a llevar. A lo mejor el próximo disco es un disco con la guitarra acústica y un piano, y totalmente de madera y tranquilo, o es una continuación de esto, o es algo instrumental. Siempre me ha gustado probar cosas y me parece que voy a seguir haciéndolo. —Se nota mucho que mezclas un montón de cosas. Por ejemplo, “El destello” tiene un sonido muy “celestial”, una subida, acaba siendo muy coral, pero también tiene un final súper caótico. ¿Es “El destello” una especie de resumen del sonido del disco? Ahí hay algo incluso premeditado. La canción original no, ya que la canción tiene piano y voz todo el principio, es una canción digamos que salió así. Y es verdad que tiene un tipo de acorde diferente que yo no solía usar, me parecía que también aportaba algo nuevo. Pero es verdad que toda la coda final de la canción, esa parte donde aparecen todos los personajes del disco, eso sí es algo que pensé. En un momento dado haciendo las maquetas y poniéndome a grabar el disco, yo pensé en arrancar el disco con esta. A Campi le pareció muy buena idea, y entonces ya teníamos en la cabeza que “El destello” iba a ser el arranque del disco. Una vez que teníamos esa idea clara, me parecía más interesante que se presentaran todos los personajes del disco al final de una coda. Toda esa parte que es grabada digamos después, es ese final donde aparecen los coros de las chicas, el bajo, la batería, funciona como una clase de intro. La primera frase del disco es “A lo lejos en algún rincón del mundo se cierra una puerta, poco a poco la memoria resuelve el dilema y se abre una ventana” de alguna manera es la idea de decir hay otro lugar en otro sitio, se resuelve el dilema y hay una nueva vía, una nueva propuesta, que es el disco. Y aparecen todos esos personajes, que luego ya se van desarrollando y van apareciendo en mayor o menor medida. Ahí están los tres coros, de Ede, de Alicia (Alice Wonder), está Charlie Bautista, etcétera, y me parece muy bonito… Hay incluso autotune, que te dice también que hay un poco la intención de estar en ciertas tendencias actuales. Es una especie de puesta

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febrero 2021 #23

en escena con la intención de mostrar toda la paleta de colores del disco. —También hablabas antes de “Tigre de Bengala”. El videoclip es bastante casero con todo lo que hemos tenido que vivir. ¿Era la idea inicial que tenías para el videoclip, que realmente tiene una letra muy visual? Nada, nada, era completamente opuesta la idea original. Realmente se vio totalmente frustrada por el confinamiento, aunque la canción estaba grabada de antes. La mezcla ya se hizo durante el confinamiento, la hizo el productor en su estudio y yo no pude estar. En cuanto al videoclip, mi intención era totalmente diferente. Mi idea era poner a todos los personajes, incluso a todos los colaboradores. Había venido Eme de la Flor, o por ejemplo los chicos del Club del Río, gente que colaboró en los coros, la propia Ede. Mi idea era llamar a toda esta gente, meter a gente de mi banda, hacer como una especie de fiesta, todo lo contrario, a lo que se podía hacer. Esa idea por supuesto se vio frustradísima y surgió un poco lo de hacer esta opción. Primero pensamos en la opción de hacer arte gráfico, todo el trabajo que hizo Pedro Perles. Pero es verdad que también queríamos dejar un poco constancia de la situación, del momento, y transmitir una idea de que a pesar de todo nosotros seguimos cantando y bailando. Por eso, junto a Maral Kekejian, la directora del vídeo, empezamos a hablar telemáticamente de lo que podíamos hacer. Yo empecé a vaciar la habitación de mi casa, puse unos cuadros, creé una especie de pequeño plató casero para grabar esa introducción. Y como de ahí, digamos, ya se desarrollaba todo el vídeo a nivel casi onírico e imaginario. También una especie de oda a la música en el sentido de que nos ayuda también a escapar de los lugares y de las situaciones. —El baile está super presente en el disco. No solo por “Tigre de Bengala”, también por “Dancehall”. ¿Tú te consideras una persona a la que le gusta bailar o esta ha sido tu manera de abrazar la danza? No, yo siempre he sido muy bailongo, desde siempre. Es verdad que tal vez en el escenario no se me vio, porque siempre he tenido una guitarra colgada. Yo creo que forma parte de esta nueva etapa, lo de desprenderme incluso de la propia guitarra. Tiene que ver con esa libertad, con esa sensación un poco de quitar lastre. Abandonar la guitarra es un acto muy simbólico, es lo que me permite precisamente bailar. Estoy un poco frustrado porque el formato que hicimos para estos meses de directo me obliga a tocar a mí la guitarra, somos otra vez poca gente, pero realmente mi idea era toda la contraria. Librarme de la guitarra, tocar la guitarra puntualmente en un treinta por ciento del concierto, y bailar, y estar a gusto. O no bailar, pero estar como liberado, tener las manos libres, el cuerpo expuesto totalmente… Me identifica más a día de hoy. —Es como una liberación creativa total. También hay mucho protagonismo de sintetizadores, del piano (como por ejemplo en “Vampiro Blanco”). Te iba a preguntar si echabas de menos el sonido más acústico, pero ya veo que esto también te gusta bastante. También es verdad que yo estoy últimamente tocando más el piano en casa que la guitarra, muchas canciones se compusieron con piano. Al tener varios pianistas en la banda (la propia Alice Wonder, que grabó “Joana”; Charlie Bautista, que también grabó “Joana” y otras canciones del disco; Ede también toca teclados), hace que cuando yo doy juego a los demás, los demás me responden con piano y con teclados, sobre todo. El que tocaba la guitarra era yo, por eso al yo abandonar mi instrumento aparecen los teclados. Es algo circunstancial y eso es bonito. Al quitar un elemento que es la guitarra, cobran protagonismo otros elementos. A lo mejor hubieran estado igual, pero en un segundo plano o hubieran pasado desapercibidos.

#24 febrero 2021

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ENTREVISTA

—Hablas de disco de coral, yo lo veo en sí como una gran colabora-

ción porque en la mayoría de canciones estas acompañado. ¿Cómo te vino a ti lo de estar acompañado? Incluso acabas el disco con una colaboración también, o sea que es bastante notorio. Sí, con Alice Wonder en “Pez Globo”. Tiene que ver mucho con una época mía mucho más aperturista, estuve abierto como muy esponja. Me voy empapando mucho también de mi entorno, después de tantos discos a veces son momentos también para renovarse. Yo me fui encontrando todo esto hice varios proyectos estos últimos dos años, como por ejemplo con Combo Viramundo, un grupo que hicimos de versiones, donde participó muchísima gente. Fue una especie de laboratorio musical donde tuve suerte de conocer a mucha gente y también propició un poco el tema de colaborar con otra gente. Está muy justificado por muchos lados. Me pasó con la gira “La Caravana Americana” en 2010, con “Atlántico” (12) … Tengo momentos más colaborativos y aquí se dio así. A lo mejor dentro de tres años es todo lo contrario y me hago un disco yo solo con el piano, pero soy muy reflejar lo que me pasa y esto es lo que me está pasando. —También es curioso que las tres colaboraciones sean mujeres, llama mucho la atención. Yo creo que es una realidad. Tú miras mi Spotify y yo creo que más de la mitad de mis canciones favoritas son cantadas por mujeres. Hay algo en el sentimiento, en la forma de expresión femenina; o la voz, incluso el timbre. Hay algo que me atrapa, que me atrae, que necesito y que busco. Creo que aporta más una voz femenina a una canción mía. Además, también hay algo femenino en mí; es decir, hay un imaginario o una forma de entender las cosas que me acercan mucho a lo que se entiende por femenino. Luego, yo tengo muchas amigas y en mi caso es algo muy natural. De hecho, ya antes había colaborado con Miren de Tulsa. En un mundo donde hay sobre todo voces masculinas y que siempre hay más músicos que chicas tocando, me gusta también mirar hacia ese lado. —Es una buena forma de reivindicar un poco y de mostrar tu realidad, si al fin y al cabo estás rodeado por mujeres. Sí, efectivamente en mi caso también es algo que se da y yo lo reflejo con la naturalidad con la que se da. Tampoco es que lo haya tenido que forzar, que también tendría todo el sentido del mundo, pero vamos que no es el caso. —He leído que hay doce canciones más que surgieron de la grabación de “Si mi rayo te alcanzara”. ¿Sabes ya qué sucederá con ellas, o tendremos que esperar a alguna edición especial que contenga rarezas y canciones inéditas de Xoel López? En realidad, fueron más incluso, yo creo que casi veinte te diría. Hay una concretamente que bueno, se la enseñé hace poco a Kin, a mi manager, y él me dijo que estaba cojonuda. La que descartamos, que se llama “Sombras chinas”, probablemente la grabamos en breve, aunque sea para tenerla y ver qué hacemos con ella. Y sino, también estoy escribiendo canciones nuevas. Entonces estoy pensando si ya coger alguna de esas que no entraron y rehacerlas, terminarlas en algunos casos, y ver si me quedo con algo de eso, con lo nuevo… Estos meses que vienen ahora sin conciertos por lo menos podré trabajar canciones para lo que sea. Es algo que también hago, aunque solo sea por el placer de hacerlo. —Hacer música siempre está bien, es un regalo para el público. Exactamente. De hecho, lo llevo haciendo toda mi vida y lo haría, aunque no fuese mi trabajo. —M.R.C.

“Me voy empapando mucho de mi entorno, Después de tantos discos, son momentos para renovarse” “Siempre me ha gustado probar cosas y me parece que voy a seguir haciéndolo”

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febrero 2021 #25

MONDO FREAKO

OR QUÉ, DESPUÉS de dos décadas en activo os habéis decidido por un álbum titulado de manera homónima? Este disco iba a ser un EP, debido a la cantidad de giras y falta de tiempo para hacer un trabajo más sólido. Y todo viene porque llevamos veinte años tocando y girando juntos, emborrachándonos y conviviendo, así que tenía un punto de celebración, sin más. Aunque ya ves tú… Qué año nos ha tocado, para celebrar nada. Cuando vino el Apocalipsis este, todo se fue a tomar por culo. Pero este trasfondo, digamos emocional, también le daba sentido a presentarlo así. —“Cada banda necesita un álbum homónimo”, decían los alemanes Sodom. Si bien, aquí se añade el añadido fonético (“/ˈan-je-lus - a-ˈpa-tri-da/”) en el título, como una reivindicación a que pronunciemos el nombre bien. ¿Tan frecuentemente ocurre? En realidad el problema es de los guiris, que les cuesta pronunciar “Apátrida”. No tanto por el “Angelus”. A veces nos mencionan en entrevistas, como hace poco a Mille Petrozza de Kreator y le preguntaron si conocía la escena metalera española. El hombre no era capaz de pronunciar “Apátrida”. Los anglosajones se traban tanto con eso, que parecen Antonio Ozores. Y al final la broma ha llegado lejos. Pero el trasfondo es ese punto de inflexión para la banda. —Hemos vivido, sobre todo, desde finales de verano, una etapa de desgaste importante en el sector de la cultura, los eventos, y especialmente, el sector de la música. La situación se hizo más conocida a raíz de la creación del colectivo Alerta Roja, las manifestaciones en España y países de toda Europa y América. ¿Cómo opinas que debería actuar la gente? ¿Ves esta etapa como más de #26 febrero 2021

“

moderación y reflexión, o crees que sería importante pensar en serias movilizaciones o en algún tipo de acción pública más crítica? Es que a mí me parece que eso sería lo normal: una reacción social más unida. Pero al final el buen rollo ese del “de esta saldremos más fuertes”, el aplauso en los balcones, y ese punto de “todos a una” duró dos semanas. Y parecía un sentir común por una causa importante, no como cuando juega la selección española o cosas así. Parecía que esto iba al margen de izquierdas o derechas y que se iba a apoyar sobre todo a los médicos. Y una puta mierda. Yo además esto lo viví o lo sentí muy de cerca. Mira, mi chica es enfermera y trabaja en UCI’s y se comió de lleno todo esto. Además estuve también implicado en Alerta Roja aquí en Albacete y agradezco que la pregunta sobre el COVID tenga este matiz. Era necesario prestar este apoyo a los trabajadores de la cultura porque lo están pasando muy mal. Técnicos de sonido, backliners, montadores… Ellos están incluso peor que los músicos y no se les menciona. Pero reconozco que me dan ganas de ponerme la manta a la cabeza y pegarle fuego a algunas cosas o lo que haga falta. Necesitamos que nos escuchen, y parece que nos están escuchando; recibimos noticias esperanzadores. Pero esto no va a ser algo puntual, con un paquete de medidas para que nos callemos. Siguen pasando los meses y la situación cabrea. Pero a ver, ir “por las malas”… ¿Qué es ir por las malas? Tampoco vas hacer nada. Pues como poco, reflejar ese malestar

“Me sorprende que este país siga funcionando”

An Ap

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La trayectoria de los thrashers albaceteños sigue su estela cuesta arriba. Su séptimo disco, “Angelus Apatrida” (Century Media, 21), engorda su sonido, posee un tono más grave, mantiene la velocidad y pule aún más la factura final en un trabajo impecable. Y vuelven con un cabreo y una llamada a la reacción más contundentes que nunca. Repasamos la situación de la banda con su cantante y guitarrista, Guillermo Izquierdo.

ngelus patrida

—TEXTO Rubén G. Herrera

Cabreo

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y cabreo social, ¿no? La situación es una puta mierda, la pandemia sigue ahí, pero hay que dar caña y pensar sobre el derecho a trabajar de la gente y exigir soluciones de los gobiernos. —No sé si las medidas del Gobierno, (y se critica que han sido moderadas y tremendamente lentas en sus procesos), os habrán ayudado a sobrellevar el 2020 en el que habéis tenido que cancelar infinidad de actuaciones. Gracias a esos apoyos hemos sobrevivido muchos meses. Y desde nuestro punto de vista, todo llegó a tiempo, hay que decirlo. Pero también vivimos en España; así que veo normal que algunas cosas no hayan ido bien. Te lo digo en serio: me sorprende que este país siga funcionando. Con las crisis que venimos arrastrando, y más cuando los pilares que sustentan la economía son el turismo, el ocio y el ladrillo. Pero a nosotros en particular, estas ayudas nos han salvado el culo. Como los créditos ICO y las prórrogas. Tanto a los músicos como por ejemplo, a nuestro tour manager, al estar también en régimen de artistas… Pero las ayudas no nos van a solucionar lo que estamos pidiendo ahora, que es que nos dejen trabajar. Está demostrado que en los conciertos las medidas son seguras y que ha habido cero contagios. Incluso con casos como la subnormalidad de lo de Taburete. Claro que entendemos la preocupación de Sanidad y todas las medidas, pero que no nos hagan sentir como monos en un zoo, o cohibidos, cuando luego entras en un avión y no cumplen distancias de seguridad, o siguen añadiendo costes extras por viajes en asientos conjuntos a gente que, si convive, es más seguro que viajen juntas. Ejemplos así, todos los vemos, todo el rato. —Parece un doble rasero en el que al final, salvan a los pilares de la economía y priorizan turismo antes que cultura. Cuando se sabe que de la cultura viven en datos oficiales 800.000 familias. Pero esto no es solo en España. Este parón general de la cultura es en todos los países. Y entiendo que no podemos criticar el capricho de no poder a un concierto cuando hay gente muriendo y gente que está realmente mal, o manteniendo trabajos de mierda en Glovo, Uber o yo que sé. Aunque sean igualmente dignos. Así que esta protesta tiene unos matices difíciles de medir. —Vamos al disco. Entre estos diez nuevos cortes, además de la caña sin tregua que dais, hay algunos detalles llamativos. Como tus letras y su combativo mensaje, aunque siempre abierto a la interpretación. Yo creo que siempre fue así en nuestro caso. Yo me encargo de las letras porque además tengo algunos factores que me ayudan a que sea así: empezando porque yo las tengo que ejecutar y alterar los registros vocales. Pero luego también, tengo la suerte de recibir el apoyo con el inglés gracias a un gran amigo, David Sánchez de Havok. Me ayuda con mis inseguridades, al no ser mi lengua materna, y me da una ayuda muy profesional. Mi idea es siempre abrir el sentido de las canciones para libre interpretación. —En esa libre interpretación de tus canciones, yo he querido pensar en que “Childhood’s End” era quizá una referencia a la novela de Arthur C. Clarke. Es un buen ejemplo, ya que lo pensé de primeras, sin embargo no tiene nada que ver. Lo tomé más, eso sí, por la canción de Iron Maiden. Me gustaba el concepto del “fin de la niñez” y esa forma metafórica del hecho de llegar a la adultez. La idea de esta canción me vino por un paciente al que atendió mi novia. Era relativamente joven y… bueno… fue duro. Básicamente, quería morirse. Esto tampoco estaba pensando en hablar específicamente del COVID; hay mucha gente que muere sola, en cualquier situación normal. Y hay situaciones muy tristes, y son esas sensaciones extremas de la vida las que nos hacen pensar que ya no somos unos críos que podamos arroparnos en nuestra madre. —“The Age Of Desinformation”: el título lo dice todo, ¿no? Casi me atrevería a proponerlo como el título del disco que finalmente no se escogió. Pues efectivamente, aunque no solemos jugar con títulos tan evidentes, estamos en un momento en que nos apetecía hacer algo así, y fue planteado también en ese sentido. —Sorprende que no hayáis repetido la fórmula de una canción a medio tiempo, o por qué no decirlo, balada, como fue “Farewell”, que además es uno de los cortes más escuchados en streaming de la banda. Hay que tener cuidado con eso e intentar repetir algo que has hecho sin forzar. Lo intentamos, aún así, pero no nos salió. Además es la primera vez que decidimos dejar temas fuera, como decía, y que siguen en un limbo. Y uno de ellos era una protobalada que tenía muy buen feeling aunque no terminó de fluir. No sé, tardamos seis discos en sacar una balada, así que sabemos que nadie nos lo va a reprochar. —R.G.H.

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febrero 2021 #27

ENTREVISTA

El nuevo Selecta pop

Entrevistamos a Selecta en las oficinas de Mondo Sonoro de Madrid con motivo del estreno de su primer álbum en solitario, “El niño” (Helsinkipro, 20). De la mano de Recycled J desde hace años, el abulense ha hecho grande al madrileño y viceversa, llegando a la cima de la música urbana española y facturando algunas de las mejores producciones de los últimos años en la escena. En este nuevo disco lo acompañan algunos de los artistas del momento como Don Patricio, Bejo, Duki o C.R.O.

—TEXTO Adrián Lerma

ACE UNOS DÍAS Pablo Gareta nos recordaba algo que otros han dicho antes, que la música urbana es el nuevo pop. ¿Lo ves así? Estoy de acuerdo con lo que dice mi tocayo Pablo. Es que la música urbana yo creo que puede englobar muchas cosas, pero sí, sin duda es el nuevo pop. Tú te metes en cualquier chart, ya sea de Spotify o a nivel mundial, incluso en Billboard, y los diez primeros son del género urbano el noventa por ciento de las veces. —Pero “El niño” no recoge ese estilo que conocemos como música urbana. Realmente es un estilo un poco diferente y peculiar que yo llevo defendiendo unos años y con este disco he intentado explayarme al completo. Cuando hice con Jorge (Recycled J) “City Pop” tenía algunas producciones con toques de electrónica, incluso algunos temas más atrevidos en ese aspecto. Luego cuando hicimos ya el EP de “Superpoderes” nos soltamos un poco más la melena y creo que esto ya ha sido un poco mi definición de momento como artista de la música que quiero hacer. —Además de Recycled J, en este disco hay colaboraciones de artistas de la talla de Bejo y Don Patricio, que son iconos aquí, hasta Duki, que es un icono a los dos lados del charco. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos? Pues la verdad es que ha sido un verdadero honor. Ya lo he dicho alguna vez, que si a mí hace dos años me hubieran dicho que este iba a ser el resultado de mi disco, respecto a los nombres y las colaboraciones, no me lo hubiera creído. Estoy muy agradecido. La verdad es #28 febrero 2021

que toda la gente se ha volcado, desde aquí los españoles, todos mis compañeros… Porque sí que es cierto que con Tomás (C.R.O) sí que tengo contacto. Cuando vino aquí a España estuvimos mucho tiempo juntos, con Neo (Neo Pistea) igual. Hemos coincido un par de veces. Pero por ejemplo con Duki, ahora vamos para Argentina y ya nos conoceremos, pero es una relación por Internet. Realmente han dado mucho su brazo, por así decirlo, mucho sin pedir absolutamente nada a cambio y yo estoy muy agradecido. Todo el mundo se ha portado muy bien conmigo. —A la hora de escribir, estás con artistas de este nivel pero no deja de ser tu disco. ¿Quién compone las letras? ¿Ellos solos o tú participas? Las letras son una propiedad totalmente de los autores o de los MC’s. Es algo en lo que puedo ayudar cuando trabajamos cosas en el estudio que a lo mejor el ochenta o noventa por ciento de las cosas las hemos hecho en común pero realmente son ellos los que escriben la letra. Si alguna vez me piden algún tipo de consejo o ayuda puedo intentar aportar algo, pero soy una persona a la que que le gusta hacer lo suyo y dejar que los otros hagan su parte, porque son buenos haciéndolo. —Dices que has invertido dos años en este disco y aun así no has dejado de sacar música con Recycled J. ¿No tienes crisis de creatividad? Sí, sí las tengo. Yo creo que sí, es obvio. Lo que pasa es que estoy acostumbrado, ¿sabes? Ahora ya este último mes debido al disco he frenado un poco mi compulsividad, por así decirlo. Pero tenía una obsesión con producir diariamente, hacer cosas nuevas y el ochenta por ciento de las veces no es tiempo perdido, pero al final de la tarde acabo borrando el proyecto. Entonces no es como crisis, pero sí mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

que es cierto que no siempre que me pongo delante del ordenador consigo hacer algo que al día siguiente me guste… Es más, cada vez sucede menos. Cada vez el nivel de autoexigencia es mayor por mi parte. Cuando has sacado un disco como el que has sacado, o cuando hicimos “Tu nombre”, las expectativas de superar esas cosas muchas veces son complicadas. Entonces hay que saber gestionarlo, saber que son muchas balas, por lo menos mi manera de hacerlo. Yo no soy un genio, es probar, probar, probar y de vez en cuando sale algo guay. —En enero de 2020 ya dabas muchas pistas sobre el disco y daba la impresión de que lo tenías prácticamente terminado, pero lo publicaste en noviembre. ¿Estaba planeado o lo has demorado por la pandemia? Realmente la idea principal era que hubiera salido antes del verano, porque el disco estaba prácticamente acabado pero, dado que se ha demorado, sí que hemos incorporado un par de nombres. Israel en un principio no iba a estar, pero como se alargó la cosa y tenemos una buena relación, coincidimos en el estudio, lo invité y la verdad es que fue una maravilla. Ya te digo, teníamos pensado sacarlo antes, en junio o así, para estar rodando en verano y teníamos algunos festivales ya cerrados. Pero claro, como se fue todo un poco al garete, quise esperar por si acaso se solucionaba la situación a final de verano, pero como se alargó y ya estaba acabado todo y era como “necesito ponerme, hacer esto y pasar página”. Estaba ya frustrado y cansado y dije “ya está, lo sacamos y si no se escucha ahora se escuchará en tres meses, pero ya se queda ahí en Internet”. —¿En qué punto de tu carrera crees que te encuentras? Es que realmente como que siempre me he sentido en un punto… Iba a decir de crecimiento o de estar aprendiendo cosas continuamente. Pero es que también es algo que he hablado muchas veces y es que mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

lo que realmente me apasiona de este mundo es que es infinito de cara a conocimientos y de cara a variedades o ramas que puedas tomar. Entonces yo sé que si el año pasado me hubieran dicho que iba a estar aquí no me lo hubiera creído de cara a lo que estaba haciendo. Hace más de dos años cuando pinchaba electrónica y apenas producía tampoco me imaginaba… ¿Sabes? Como es una vida tan cambiante, realmente no sé dónde voy a estar el próximo año. No sé si me habrá dado por tocar la flauta o si me habré hecho un grupo de indie, no lo sé. Eso me apasiona y a la vez creo que estoy en un punto continuo de descubrir cosas, aprender cosas y seguir creciendo. Mira, algo que me gustaría mucho sobre todo ahora que he hecho un disco como productor, yo solo, es expandirme. A lo mejor un poco de hacer un disco, no en común, pero juntándome con otros productores, hacer otro tipo de cosas, igual con cantantes, pero no llevar yo el mástil. Me ha gustado esto de hacerlo así pero también en otras experiencias, que he trabajado con otros productores o con gente que toca instrumentos y tener un poco la mentalidad de dirigir todo eso como productor y demás me gusta. Yo creo que es algo en lo que voy a ir experimentando este año. Hacer grupos de composición y cosas así. —A.L.

"Yo no soy un genio, es probar, probar, probar y de vez en cuando sale algo guay"

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3 febrero 2021 #29

30/Mondo Media

Con más de cien videoclips musicales en su haber, la realizadora e ilustradora catalana Lyona, se ha ganado un más que merecido prestigio dentro del mundillo. Su forma de trabajar, original y fresca, ha convencido a artistas de diferente pelaje y condición como: Carlos Sadness, Leiva, Amaral, Love Of Lesbian, Coque Malla, The New Raemon, The Crab Apples, Zahara o Els Pets. Aunque para trabajar con ella solo cabe una condición: que le guste tu canción.

Lyona Video killed The radio star #30 febrero 2021

UÁL ES EL PROCESO y los requisitos que sigues a la hora de aceptar un encargo? Por ejemplo, ¿te tiene que gustar el artista o la canción para decidirte a hacerlo o no es algo estrictamente necesario? Para mí es muy importante que la canción me diga algo. Recuerdo que una vez hice un videoclip para una canción que no me gustaba y lo pasé fatal. Es algo que me sucedió porque, al principio, el grupo me pasó un tema que me gustó y luego me la cambiaron. Al final se decidieron por otro single que no me gustaba nada. La verdad es que lo pasé fatal montando el clip e incluso recuerdo que tuve que trabajar con el sonido apagado (risas). Pero es que no podía. ¡Me tiraba para atrás todo el rato! Así que imagínate. —No vamos a decir el nombre… (risas) Noooo (risas). Aunque el grupo ya no existe prefiero no decirlo. Lo que sí es verdad es que lo pasé tan mal que desde ese momento me propuse que nunca más me iba a meter a hacer un videoclip de una canción que no me gustara, porque además yo los monto y eso significa estar toda una semana conviviendo con esa canción. —¿Cómo sueles trabajar? ¿Las ideas cobran vida por consenso o los grupos ya vienen con una idea fija predeterminada? Es muy diferente y varía en función del artista. Me he encontrado de todo: desde grupos que no querían saber nada y que les costaba mucho pensar en imágenes asociadas a su sonido, a artistas que lo tenían todo muy claro. Por ejemplo Carlos Sadness, él viene del mundo de la publicidad y entonces todo lo relativo a la imagen lo tiene muy claro. Por eso con él trabajamos mucho en equipo. Pero con Chica Sobresalto, que es el último vídeo que he hecho, la idea es totalmente suya. Ella escribió la canción durante el confinamiento y el clip habla de lo que sintió. —¿Serías capaz de definir tu estilo y decirme si crees que existe un sello Lyona? Lo digo porque yo, por ejemplo, sí que veo un punto en común en todos tus trabajos y es que sueles poner al artista en una situación digamos un poco de riesgo, ya sea buscando una situación cómica o bien sacándolos de su zona de confort. ¿Estarías de acuerdo? Sí totalmente. A mí me gusta mucho cuando alguien viene y me dice que no tiene ninguna gracia delante de la cámara. A eso siempre les contesto: ¡Cuidado! porque vamos a sacarte partido. Y sí, es verdad. Me gusta darles un cambio de imagen. Eso me pasó con Els Pets que me propusieron hacer un videoclip y a mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO MEDIA

e “El clip es el género qu e m más me gusta y al querme gustaría pode dedicar para siempre” Luis Gavaldà le quise dar un rollo Nick Cave (risas). No sé si lo conseguí, pero lo puse un poco en plan crooner vestido de piloto de avión y haciendo una coreografía en plan sexy-crooner y se lo pasó pipa. Le encantó hacerlo. Además creo que nos quedó un clip muy diferente al resto de toda la trayectoria de Els Pets. —Y te has encontrado alguna vez con alguien que te dijera: “No mira, yo es que esto no me veo haciéndolo” No, la verdad es que no. —¡Vaya! Debe ser que la gente ya acude a ti bastante predispuesta. La verdad es que sí. Y además siempre he sentido mucha libertad en plan: haz lo que quieras. Como ya conocen lo que hago, se fían y eso a mí me ha hecho sentir muy cómoda. Sí que hay grupos que de entrada te marcan la imagen que quieren dar y si quieren ir por un camino o quieren ir por otro, pero la verdad es que siempre ha sido algo como muy abierto todo. —Y ese que te marquen ya desde un principio por dónde quieren ir, ¿tiene que ver con el hecho de trabajar con artistas que vienen de una escena más indie o alternativa u otros que, como Coque Malla o Leiva, vienen de una escena más mainstream y son artistas más consagrados? Pues la verdad es que eso es algo que me ha sorprendido muchísimo porque precisamente los grupos o solistas digamos más mainstream son los que de repente más se han animado a hacer algo más loco. Por ejemplo, a Leiva le propuse ir a rodar a Berlín, porque quería rodar en el metro con músicos de calle y ¡claro! el metro de Barcelona no tiene

ningún glamour, y por eso les propuse: “¡Oye! ¿Por qué no nos vamos a Berlín?”. Y fuimos un grupito súper pequeño y a Leiva le moló tanto la idea que se apuntó a venir con nosotros. Y no solo eso también se puso a tocar en el metro como si fuera un músico más de calle. Así que sí, a veces te sorprenden porque piensas que igual van a tener una actitud más distante, y luego resulta que no. Me pasó también con Amaral a los que yo les tenía mucho respeto y luego resultaron ser súper humildes y muy próximos y eso es algo que sorprende mucho. —Supongo que al trabajar con esos artistas digamos más grandes la cuestión del presupuesto tiene que cambiar, ¿no? No te creas, el mundo del videoclip está muy mal y podemos ir del presupuesto de un grupo indie que igual solo tiene dos mil euros a un presupuesto de un grupo mainstream que igual son seis mil. Vale, es el triple, pero teniendo en cuenta lo que cuesta hacer un videoclip la verdad es que es muy poco. Solo el alquilar por ejemplo un plató, una cámara, pagar la comida a la gente, al equipo técnico… —¿Por qué crees que sucede esto? ¿Por qué crees que se impone el bueno, bonito y barato a la hora de grabar un clip? Pues mira, yo cuando empecé en este mundillo fue justo al principio de la crisis de la industria discográfica. Cuando se dejaron de vender discos y tal. Y en esa situación todo el mundo se amparaba en el que no tenían dinero, y te vendían el cuento. Lo malo es que ha pasado el tiempo y se han acostumbrado a eso. Y luego también es un formato muy atractivo para la gente que empieza en este mundillo y pasa un poco aquello de que, si no lo haces tú, lo hará otro. Tampoco hemos

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creado un asociación o una plataforma para establecer unos precios mínimos que se cumplan y nadie coja ningún encargo por menos. Pero eso no lo podemos hacer porque siempre habrá alguien que estará dispuesto a hacerlo gratis. De todas formas, no me puedo quejar porque yo lo he hecho y he trabajado gratis. Lo he hecho porque para mí era una oportunidad de hacer cosas y de experimentar. Pero vaya, que se ha creado ese bucle eterno de tenemos dos mil y si tú no lo haces lo hará otro. —Lo que sí parece una realidad es que el videoclip musical es un género minusvalorado que parece destinado tan solo a ser una rampa de lanzamiento, o mejor dicho, una forma de iniciarse en el mundillo del audiovisual pero con la intención luego de hacer cosas de más volada como una película o un documental. Sí, y además es muy curioso porque es un género muy distinto al resto. En realidad luego te vas a hacer un “largo” y nunca podrás hacer lo que has hecho en un videoclip. Porque el clip te da mucha libertad. Formalmente yo nunca he llegado a ver una película que pueda tener un nivel de experimentación tan elevado como puedas encontrar en un videoclip. Para mí, el clip es el género que más me gusta y al que me gustaría poderme dedicar para siempre, pero por desgracia no puedes vivir de ello. Al menos aquí en este país y sino haces clips para Rosalía. —DON DISTURBIOS

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febrero 2021 #31

CÓMICS

LIBROS

Edita Sister Sonic, S.L.

Difíciles de manejar (Hard To Handle)

David Bowie. Posthumanismo sónico

Steve Gorman con Steven Hyden Neo Sounds

—JUAN P. HOLGUERA

Ian Winwood Libros Cúpula

7 Menospreciado por lo que a respecta a textos publicados en castellano, el punk rock de los noventa le cambió la vida a legiones y legiones de teens que recogieron el testigo del género, sin que su forma de rebeldía alcanzase las cotas de crudeza de dos décadas atrás. En su lugar, así se aprendió mucho en cuestiones de do it yourself y de labrarse los caminos propios. Sobre todo eso habla este interesante volumen –al que no le hace nada de justicia su portada española– en el que el periodista británico Ian Winwood narra paso a paso la “explosión punk de los noventa” –aunque cabría añadir “estadounidense”, descubriéndonos los primeros pasos de bandas fundamentales como Bad Religion, NOFX, The Offspring, Green Day, Social Distortion, Operation Ivy y muchas más. —JOAN S. LUNA #32 febrero 2021

Serán bastantes quienes puedan pensar aquello de “otro libro sobre David Bowie”. En cierta manera tendrán razón, pero la verdad es que para hacerle (merecida) justicia a este breve ensayo alrededor del que fue uno de los más grandes nombres de la historia del rock, deberíamos mejor decir “un libro diferente sobre David Bowie”. Porque la visión del uruguayo Ramiro Sanchiz se acerca a la figura de Bowie desde ópticas muy distintas y de profundidades diversas. Tan pronto se centra en sus referentes literarios como destripa los secretos de algunas de sus canciones, el papel de cada uno de sus discos en su evolución, etcétera. A todo ello sumémosle un compendio (“Parásitos”) en el que desvela cada uno de los conceptos y referentes que de los que nos ha hablado en las páginas anteriores.

—ESTEBÁN VIVES Smash!

Sfar, Trondheim, Blain y otros Norma Editorial

Ramiro Sanchiz Holobionte Ediciones

8 Con la frescura de quien rememora sus mejores momentos, Steve Gorman retrocede hasta los días previos a su primer encuentro con Chris Robinson y llega hasta meses antes de la última reunión del grupo en 2019, tras ¡tres! separaciones oficiales. Treinta años de un fulgurante ascenso a la gloria y la posterior y paulatina caída de una banda en constante estado de insatisfacción. Gorman ofrece una completa y muy entretenida panorámica del devenir de The Black Crowes, una historia de rock and roll que no escapa a ningún clásico. Para el fan, resultará una inmejorable manera de conocer la carrera del grupo de la mano de uno de sus protagonistas. Para quienes no estén especialmente interesados en su música, resultará un estupendo manual de qué no hacer cuando se alcanza el éxito.

La Mazmorra (Integral 2)

Me debes dinero

Grey Trash/ Eduardo Nadín Arrebato Libros

8 El humor muchas veces acaba desprestigiado por los propios humoristas. Uno puede encadenar programa tras programa en televisión o en plataformas de streaming sin esbozar siquiera una sonrisa. Algo supuestamente divertido que no volveré a hacer. El humor de Eduardo Nadín (@ Grey_Trash en Instagram) funciona al contrario. Es prácticamente imposible encontrar alguno de sus edits con los que no te rías, y en este su primer libro el nivel sube todavía más. “Me debes dinero” demuestra que desde la sencillez y la selección de las palabras clave, se llega más lejos en esto. En segundo lugar porque, bebiendo mucho de la estética trash y del mundo del fanzine, Eduardo Nadín no renuncia al componente visual que le ha convertido en uno de los creadores digitales más incisivos de nuestro país. —LUIS M. MAÍNEZ

No se imaginan lo complicado que resulta describir en unas pocas líneas lo que representa “La Mazmorra” y todavía más resumir sus virtudes. Pero seamos directos. Cada integral de “La Mazmorra” engloba cuatrocientas páginas de una divertidísima fantasía heroica dividida por sagas, guionizada por Trondheim y Sfar nada menos, y dibujada por un all star que incluye en esta etapa a Blain o Blutch. En total serán seis tomos que, se lo garantizo, mantienen su frescura pese a que los años van pasando y que no solamente dibuja sonrisas, sino que nos lleva irremediablemente a tomarle cariño a cada uno de los personajes principales de la obra. Una divertidísima obra de culto del cómic franco-belga, llena de sangre, humor y aventuras.

—JOAN S. LUNA

No lo abras jamás Ken Niimura Astiberri

8 El español de ascendencia japonesa J. M. Ken Niimura vuelve a Astiberri convertido ya en un gran autor. Y no solamente por la repercusión de su obra “I Kill Giants”, que se llevó a la gran pantalla, ni siquiera por haber conseguido publicar en Japón o llevarse un Eisner por su “Umami”. “No lo abras jamás” toma su título de la primera de las historias que contiene –junto a “Nada” y “La promesa”– y la inspiración de todas ellas de leyendas tradicionales japonesas. Niimura echa mano de tres leyendas en las que, como bien apunta su editorial, lo prohibido y sus fronteras marcan una punto de partida. Niimura las adapta a su narrativa manteniendo todo el espíritu japonés, pero dotándolas de una conclusión distinta. El resultado son cuatrocientas páginas adictivas que se leen a gran velocidad. —JOAN S. LUNA

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