Mondo Sonoro febrero 2022

Nº 303 Febrero 2022 www.mondosonoro.com

LA MODA, DAVE GAHAN, BIELA, TOUNDRA, MUCHACHITO, NACHO VEGAS, FERRAN PALAU, FKA TWIGS, LEÓN BENAVENTE

Carolina Durante Resistiendo

Escucha aquí el podcast con Carolina Durante

CONCIERTOS MARZO

Lori Meyers 22/03/2022

The Hives 23/03/2022

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba 29/03/2022

!!! (Chk Chk Chk) 30/03/2022

Entradas a la venta en teatroeslava.com

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5/Mondo freako

La M.O.D.A. Desde el corazón

El septeto reaparece a lo grande con “Nuevo Cancionero Burgalés” (PRMVR, 21), un disco en el que recuperan textos de su tierra poniendo de acuerdo electricidad y sentimientos universales. En cierto sentido, dicen, es como si fuera su debut.

“

NUEVO CANCIONERO BURGALÉS” es uno de esos trabajos valientes que tienden puentes entre mundos que raramente se encuentran: el de la tradición oral de la canción popular (en este caso, de la provincia de Burgos) y el del rock alternativo sin aditivos. Los burgaleses lo hacen con esa humildad que les ha llevado a ser tan queridos en toda la geografía española: ya han confirmado seis conciertos consecutivos en La Riviera de Madrid en febrero, gesta al alcance de pocos. También estarán en el Mad Cool y el FIB. Lo asombroso es que en una década de frenética actividad La M.O.D.A. han conseguido este nivel de popularidad desde la autogestión y planteamientos que a priori parecen a contracorriente. Poniendo el énfasis en las emociones, y sin miedo a arriesgarse. No es casualidad que insistan

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en su necesidad de “no sentirse impostores” en una era en la que vender la moto se ha convertido en un arte tan frecuente como perfeccionado. Nos encontramos con Alvar, Caleb, David, Jaco, Jorge, José y Nacho en un bar del barrio de La Latina.

Irradian entusiasmo, camaradería y esa humildad apasionada que permea en sus composiciones, mientras esperan con ansiedad que la versión en vinilo del disco les llegue. Prefieren que lo que dicen cada uno sea la voz del grupo.

—Habría que empezar por preguntaros de dónde viene el interés por estos textos.

Leí que la clave fue que os encontrasteis con dos libros recopilatorios: uno de Federico Olmeda y otro de Antonio José.

Eso es. Nosotros, cuando empezamos el grupo hace diez años, teníamos el foco puesto en Irlanda, Inglaterra y América. En lo anglosajón. La música que escuchábamos estaba en ese idioma y cantábamos en

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febrero 2022 #5

MONDO FREAKO

CRITICANDO Nuevo Cancionero Burgalés PRMVR

3 inglés. Desde entonces, en estos años hemos sido haciendo nuestro caminito para ir mirando cada vez más cerca. Yo creo que cada uno va intentando buscar su verdad. Y nuestra verdad está en nuestra tierra. El río que vemos pasar delante de casa no es el Misisipi, es el Arlanzón. Ya con la canción “Campo amarillo” se reflejó un poco esa nueva inquietud que nos estaba surgiendo, y hemos seguido investigando y curioseando en Internet. En una de esas búsquedas en las que no sabes muy bien qué estás buscando, nos encontramos con el PDF del “Cancionero de Federico Olmeda”. En él descubrimos que estaban recopiladas 308 canciones populares de la provincia de Burgos. Ese cancionero burgalés es increíble desde el principio, la introducción y las acotaciones, por la vigencia que tiene todo.

Muchos de los versos nos emocionaron y tocaron. Nos parecía increíble que más de cien años después tuviesen esa vigencia.

Hay muchas letras de las que decíamos: “Ojalá hubiera escrito esto”.

—¿Son poemas o letras de canciones con música?

Son canciones populares burgalesas.

Tenían música, claro. El “Cancionero de Olmeda” nos llevó a conocer el de Antonio José, y en ambos vienen con sus partituras. #6 febrero 2022

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Pero nosotros no hemos dedicado nuestra vida al estudio de la música tradicional y no queremos ser unos impostores. Hemos cogido esos textos –no tal cual estaban, porque las canciones son muy breves: la mayoría tienen cuatro versos, ocho– y hemos hecho nuestro trabajo de artesanos de agacharnos en la tierra e ir rebuscando lo que queríamos encontrar. Hay canciones que están creadas combinando versos de ambos cancioneros. Con la excepción de “Mes de mayo”, que está tal cual en el “Cancionero de Antonio José”.

—¿Cuál es la antigüedad de estas canciones? ¿Se sabe? Los textos populares que recoge el “Romancero” se remontan a la Edad Media. Supongo que estos son más recientes.

El libro de Olmeda salió en 1902, imagínate.

No sabemos realmente cuántas generaciones llevaban cantándose. Podemos remontarnos al siglo XIX aproximadamente.

Y el de Antonio José, que es treinta años posterior, algo parecido. Pero no sabemos decirte a ciencia cierta. Ellos no pusieron en qué año se habían creado. Al ser música popular, es muy, muy difícil dar con la primera persona que lo cantó o lo compuso.

Nos pareció muy flipante cómo los sentimientos y las emociones son atemporales.

FOLK ROCK / Uno de los regalos más pre-

ciosos para un artista es la capacidad para comunicar. A través de sus intensos conciertos y sus ya numerosas grabaciones, los burgaleses han conectado de forma natural con un público que ha entendido ese sustrato de honradez (es decir, de verdad) ausente en una parte no despreciable de la música popular contemporánea. En su nuevo disco abrazan la tradición lírica popular castellana con una selección de canciones populares de su tierra a las que han puesto música nueva, recombinando versos con gusto y respeto. Lo clásico suele ser lo más moderno. Textos preciosos, de esa hondura expresada con palabras sencillas que tenemos, por ejemplo, en el Romancero, algunas de cuyas joyas han sido adaptadas musicalmente no pocas veces. Visten los textos con ropajes musicales exquisitos o vigorosos y melodías vocales certeras: modernidad y tradición se ponen así de acuerdo, sin que nada suene forzado o, lo que sería peor, impostado. De lo más cercano a lo universal. Un triunfo. —JC PEÑA

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“ —¿Cómo enfocasteis la música de las canciones? ¿En función del ritmo o la cadencia de cada letra?

Por primera vez hemos trabajado con las letras antes. Ya teníamos los ocho textos, y eso siempre lo hacemos al revés. Lo hicimos ensayando y con la ayuda de Gorka Urbizu (Berri Txarrak) como guía. Él nos ayudó en la búsqueda del sonido que queríamos para que las canciones quedaran lo más redondas posible. Le hemos dado muchas vueltas. Han sido como cuatro o cinco meses trabajando los textos, y luego cuatro o cinco con Gorka, encerrados en el local, ensayando dos o tres días a la semana y dándole vueltas. Cuando llegamos a él, ya teníamos las maquetas de todas las canciones: las melodías de voz y las guitarras. Aunque luego los temas han mejorado y crecido mucho con Gorka.

—Es un disco muy naturalista. Se ve que sois muy conscientes de ello en una época en la que se suele apostar por lo contrario. Este enfoque te obliga a tocar mejor.

Lo buscábamos, sí. Con este sonido hay que cuidar muchas cosas. Nosotros no somos grandes instrumentistas, salvo Nacho [alboroto de risas]. Pero es algo que teníamos claro. No es un disco que hayamos… por ejemplo, en “Ninguna ola” (PRMVR, 20) estábamos todos juntos en la sala mirándonos a cada golpe, pum. No, en éste hemos hecho lo que necesitaba cada canción. ¿Una intro hay que tocarla todos a la vez? La tocamos. Hemos sido prácticos, pero teniendo muy en mente que queríamos que mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“El río que vemos pasar delante de casa no es el Misisipi, es el Arlanzón” sonase natural, crudo. Con rabia, pero sin esa sobreproducción de “lo va a reventar”. Al final, ha sido un término medio. Ha molado, porque Gorka ha aportado ese equilibrio, y Jordi ha hecho un trabajo increíble. Ha trabajado en un montón de discos. Sólo con que pongas el nombre en Discogs vas a flipar.

—En todo este tiempo habéis sido muy productivos publicando álbumes, singles y EP’s. ¿Tenéis la necesidad de estar constantemente componiendo y grabando?

Es una necesidad que hay que intentar controlar [risas]. Cualquier día nos vamos a ir al garete, porque hay que saber parar un poco. Te quedas exhausto, ha sido agotador. Han sido diez años en los que yo creo que todos los días hemos hecho algo del grupo. Pero todos, hasta el día 31 de diciembre. Es lo que tiene autogestionarse: al final, tú eres el dueño de todo y estás pendiente de cada cosa.

—¿Y no corres el riesgo cuando giras mucho de quemar el grupo?

Claro, por eso te digo. Es una necesidad con la que hay que tener cuidado.

—Me estoy acordando precisamente del documental de MacGowan y The Pogues. El grupo se fue al garete después de la gira en la que el manager les puso trescientos sesenta conciertos en un año, o algo así. Una locura.

Igual que no tenemos discográfica, intentamos que no nos dirijan excesivamente desde otras instancias.

Ni manager ni nada. Somos nosotros siete. Luis es como uno más del grupo, pero al final nosotros decidimos. Muchas veces es masoquismo, pero es que nos gusta tocar, y surgen ideas, y encuentras el cancionero y una cosa te lleva a la otra.... y llega Gorka y de repente te ves hoy aquí hablando contigo y con dos años de gira por delante. ¡Guay! [risas].

—Precisamente os iba a preguntar por el directo: en esos últimos dos años tan difíciles, ¿habéis podido tocar a pesar de todo?

Sí, hemos tocado muchísimo. Hemos sido unos afortunados. Desde marzo de 2021 hemos tocado cincuenta o sesenta bolos. Mientras hacíamos este disco nos hemos hecho sesenta bolillos. Y muchos eran de doble pase. Lunes, martes y miércoles en el local haciendo el disco, jueves, viernes y sábado tocando. Grabamos el disco en agosto, en diez días que nos quedaban de la gira. En vez de irnos de vacaciones. Pero joder, ahora estamos en buena forma, nos sentimos con ganas y ya está: éste va a ser el último disco de La M.O.D.A. [risas].

—Es impresionante. Si no me equivoco, en Madrid vais a hacer cinco Rivieras seguidas…

Seis.

—No sé si es “récord mundial” de la sala…

Seguro que no. Que El Barrio ha tocado cincuenta días seguidos [risas]. —JC PEÑA

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GIRA l Gijón 30 enero. Teatro de la Laboral l León 04 febrero. Palacio de Congresos l Valladolid 05 y 06 febrero.

Blanca Lava l Barcelona 11 y 12 Febrero.

Razzmatazz l Madrid 17, 18, 19, 24, 25 y 26 febrero. La Riviera l Burgos 14, 15 y 16 abril.

Andén 56 l Villarrobledo 28-30 abril. Viña Rock l Granada 06-07 mayo. En Órbita l Bilbao 12 y 13 mayo. Santana 27 l Cascante 14 mayo.

Estaciones Sonoras l Sevilla 20-21 mayo.

Interestelar l Valencia 03 junio.

Festival de les Arts l Madrid 10 julio. Mad Cool l Benicàssim 14-17 julio. FIB l Castro-Urdiales 15-16 julio.

Festival Sónica l Mallorca 22 julio.

Mallorca Live Summer l Aranda de Duero 10-14 agosto. Sonorama

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febrero 2022 #7

MONDO FREAKO

Dave Gahan & Soulsavers El síndrome del impostor Dave Gahan siempre se ha sentido un impostor. Cantando canciones que, por lo general, no eran suyas. Casi siempre eran de Martin Gore o versiones de otros. Por eso le ha puesto de nombre “Imposter” (Sony, 21) a su nuevo álbum, el tercero que factura con Soulsavers, grabado en el estudio de Rick Rubin, el Shangri-La de Malibú.

“

IMPOSTER” INCLUYE un puñado de clásicos entre los que bulle con fuerza ese (algo) torturado sentimiento del viejo blues y también (en parte) del viejo soul, aunque también haya folk: esas historias de redención que tan bien le sientan desde que “Songs Of Faith & Devotion” (Mute, 93) confirmasen que la música oscura del alma es su mejor traje de madurez.

Mark Lanegan, Martin Carr o PJ Harvey, pero también Neil Young o Bob Dylan, sirven para reafirmar su señorial ductilidad como intérprete, aunque esta clase de trabajos siempre ponga en solfa el estado creativo de quienes lo abordan: asoma la razonable sombra del socorrido pasatiempo hasta que las musas lleguen. Si es que lo hacen.

En cualquier caso, Gahan –a punto de cumplir los sesenta– se apropia de todas estas canciones con oficio y profundidad indudables. Es su veta más crooner. Nos atienden desde Londres Gahan y Rich Machin, mitad de Soulsavers junto a Ian Glover.

—¿Cuál fue la razón para elegir estas canciones? ¿Afinidad personal? ¿Simplemente pasión por ellas?

(Dave Gahan) Al principio se trataba de bucear en todo este listado de músicos, escritores, intérpretes, que de algún modo me han dejado huella. Creo que cuando habíamos elegido ya unas veinte, fue el punto de partida para que Rich (Machin) y yo empezáramos a seleccionar, dando con el tono en el que podía cantarlas, con la atmósfera, el feeling, el tempo. Eso fue mucho antes de ir al estudio Shangri-La a grabar, hace aho#8 febrero 2022

ra dos años. Y una vez nos metimos allí y empezamos a grabar, a la semana, ya tenía muy claro cuáles iban a ser. Fue todo muy fluido. Y la secuencia cobró forma una vez tuvimos cinco o seis canciones.

—A la hora de hacer versiones, puede darse el dilema de ser muy reverente o, por el contrario, desfigurar mucho el original y ser más osado o experimental. ¿Ocurrió?

(Rich Machin) No es nada experimental. Intentamos ser respetuosos con ellas. Siempre intentas darle tu propio color, pero al mismo tiempo quieres ser respetuoso con ellas y no hacer nada extravagante, nada que se desvíe de la que fue su intención original. Las canciones se prestaban a eso porque fue parte del proceso, era lo que nos pedían ellas de forma natural. Puede que “The Desperate Kingdom Of Love” (PJ Harvey) sea muy diferente a la original, pero surgió así de un modo natural, como una canción con un sonido más duro, más pesado.

(Dave Gahan) Esa fue la primera canción que hicimos. Y desde entonces supimos a dónde queríamos ir. Literalmente, el mismo día en que nos juntamos todos en el estudio. Y una vez la clavamos, más aún desde que empezamos a grabarlas con la banda, dimos con el sentimiento que requería. Siempre hay un elemento de performance, de interpretación, en cada canción, pero con esta en concreto, con toda la banda sobre el escenario tocando junta, mirándonos a los ojos e interactuando, no sentíamos como si lleváramos mucho tiempo haciendo esto juntos. No es la primera canción en aparecer en el disco, pero sí la que marcó el orden de las demás”.

—¿Hay alguna canción, David, con la que te sintieras más identificado que con otras, por su letra?

(Dave Gahan) Pues eso cambia para mí, ¿sabes? Y me doy cuenta cuando las ensayo con la banda, ahora que estamos preparando algunos conciertos. Lo que sí te puedo decir es que cada vez pienso menos en las canciones originales. Me cuesta menos desligarme de ellas. Eso sí, aunque mi percepción de ellas cambia con el tiempo, hay algunas que amo de verdad porque me sugieren muchas cosas sobre cómo

soy en realidad, como cantante y como persona. Cuando canto “Not Dark Yet” (Bob Dylan), por ejemplo, fluye una emoción muy grande y genuina a través de su letra: hay sarcasmo, hay rabia, hay sabiduría…

Todas esas cosas que solo entiende alguien que lleva mucho tiempo metido en esto. Y además está viva. Hay mucha vida en esa canción, desde el principio hasta el final.

Verso a verso. Es una persona contándonos qué es de su vida y en qué punto está. Y que tiene aún mucho por delante por vivir. Y luego me veo cantando algo como “Smile” (escrita por Charles Chaplin y popularizada por Nat King Cole), que es tan íntima y delicada que no necesitas demasiado para interpretarla… Siempre hay algo en ellas que te descubre cosas nuevas sobre ti mismo y sobre cómo te sientes respecto a la vida y a la gente que te rodea. Estos dos ejemplos que te he puesto son opuestos, pero tienen

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LA MÍA

Hemos vuelto

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pleno sentido cuando los comparas.

—Supongo que tienes que vivir mucho para sentir que las cantas por derecho propio, con conocimiento de causa.

(Rich Machin) Tiene que vivirlas para saber lo que significan. Cuando escucho a Dave cantarlas, oigo a alguien que sabe lo que está diciendo. No es simplemente alguien cantando las canciones de otros. Y dar con esa convicción no es fácil con el material de otra gente.

Incluso para mí, que ayudé a elegir esas canciones y a ponerles un orden, las escucho ahora cantadas por Dave y me suenan como si fueran enteramente suyas.

He hecho muchas versiones en el pasado y esto es algo muy difícil de encontrar.

—Me gustaría saber si Dave piensa que sus cualidades como vocalista han sido frecuentemente soslayadas por otros aspectos de su carrera.

(Dave Gahan) Sí, totalmente [risas]. Pero también te digo que, conforme pasan los años, es algo que cada vez me importa menos. Lo que me importa es cuánto pongo de mí en cada proyecto. Dar y tomar. Al máximo. Con este disco me he sentido así. Y como ya hace tiempo que me olvidé de esa vieja idea de intentar agradar a los demás, solo disfruto. Con Rich y el resto de la banda no hubo ninguna sensación por mi parte de sentirme juzgado ni de que necesitara demostrar ni alardear de nada. Lo único que tenía que hacer era cantar. Y a veces lo puedo hacer muy bien.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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“Hace tiempo que no me preocupa agradar a los demás” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

L QUE TENÉIS en vuestras manos es en realidad el primer ejemplar de la revista tras el parón al que nos obligó la pandemia. Es cierto que el mes pasado publicamos número, pero no dejaba de ser un especial con las listas de lo mejor de 2021. Sin embargo, este ejemplar sí podemos decir que es el de la revista tal y como era antes, aunque con novedades.

En primer lugar, el formato, más manejable y fácil de transportar. Máxime cuando estamos realizando una decidida apuesta por hacer del nuestro un proyecto cada día más sostenible, y la distribución en grandes ciudades como Madrid y Barcelona se está realizando con bicicleta eléctrica.

En segundo lugar, tenemos que lamentar que la crisis del sector ha provocado la desaparición de tres de nuestras ediciones locales. Un sacrificio que hemos tenido que realizar para reforzar nuestra presencia en grandes ciudades como Bilbao, Valencia, Barcelona, Madrid, Sevilla o Granada, donde sí se dan las condiciones para poder rentabilizar un proyecto que se financia exclusivamente con la publicidad. Sirvan estas líneas para expresar en nombre de Mondo Sonoro nuestro más sincero agradecimiento a los responsables de esas ediciones, es decir, a Nonito Pereira (Galicia), Ernesto Castañeda (Cantabria), Sergio Falces y David Chapín (Aragón). Muchas gracias amigos por todo vuestro esfuerzo, dedicación y fe en el proyecto durante todos estos bonitos años. Pero ¡ojo!, porque la desaparición de estas ediciones de la revista no significa que los lectores de esas zonas vayan a quedarse huérfanos de ella. El reciente acuerdo que hemos alcanzado con FNAC España, garantiza que Mondo Sonoro tendrá presencia en todas sus tiendas y, además, estamos trabajando para alcanzar acuerdos de distribución con otros puntos de esas mismas zonas y lograr que la revista siga llegando a todos los rincones.

Por último queremos agradecer también a todos los que nos han apoyado durante estos complicados meses y muy especialmente a todos los socios y socias de nuestro Club Mondo. Por nuestra parte tan solo podemos comprometernos a mejorar día tras día las prestaciones del Club, ampliando tanto el número como la calidad de nuestros sorteos y servicios, además de garantizar el envío mensual de la revista a vuestros hogares.

Gracias a vuestras suscripciones un proyecto como el nuestro se hace más viable y sostenible. Ahora solo os queda disfrutar de nuestra revista que, como podréis comprobar, se ha vuelto mucho más interactiva y que, gracias a los diferentes códigos QR que encontraréis en sus páginas, sirve también como portal para entrelazar el contenido con otros de carácter digital que confeccionamos en nuestras diferentes plataformas y formatos. —SERGI ‘ DON DISTURBIOS’ MARQUÉS

febrero 2022 #9

MONDO FREAKO

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nos “Todos son temas que n ía dr po e encantan y qu ser single”

Biela Pop del fuertecito “Un día más” (Limbo Starr, 21) es la puesta de largo del grupo que nos conquistó con su primer Ep, “Otoño”, en 2020, con su espectacular versión de “El encuentro” y con su paso por nuestra Fiesta Demoscópica.

Charlamos con ellos sobre su momento actual.

H

ACE UN AÑO, Biela lanzaron su primer EP, “Otoño”, para debutar en larga duración apenas unos meses después con “Un día más”. Parece que, para estos tres madrileños, crear canciones sea muy fácil. (Alberto) “Esos tres primeros temas surgieron en septiembre de 2019. Aunque empezaron a salir más en octubre-noviembre, porque hicimos bastante descarte y nos quedamos con esas tres. Y luego, lo que es ‘Un día más’ se empieza a gestar durante la pandemia, mientras estábamos en casa. Me acuerdo que escribí algunos de

#10 febrero 2022

los primeros temas y ya cuando pudimos juntarnos montamos un poco lo que teníamos y a partir de ahí y hasta que entramos al estudio seguimos trabajando y haciendo temas. No fue un proceso corto, fue desde marzo hasta diciembre”.

Aunque lo que más sorprende es que, habiendo lanzado cinco canciones entre 2020 y principios de 2021, ninguna de ellas aparezca en el álbum. (Alberto) “En ningún momento se plantearon como temas del disco. De hecho, entramos a estudio porque Rococó nos propuso hacer un tema juntos e íbamos a ir al estudio para hacer solo ese single y al final salió la idea de la cover de ‘El encuentro’ [Alizzz & Amaia].

Aprovechamos esos dos días de estudio para grabarla y la decidimos tirar como single suelto”. (Alex) “La idea era no meterlos. La versión salió porque teníamos que alquilar el estudio y aprovechamos que ya estaba microfoneado todo para hacer dos temas. El productor nos incitó también a ello y la semana de antes montamos esa versión. Y joder, ¡la verdad es que ha funcionado!”.

En “Un día más” nos encontramos nueve

”

piezas que juguetean con el pop, el rock y el emo, así que resulta complicado quedarse con una única etiqueta. (Alberto) “Resulta un poco difícil decir qué hacemos, depende de la persona que pregunte… Yo siempre digo que hacemos pop bastante guitarrero y que huye del mainstream que se puede oír en la radio. Tenemos la estructura del pop clásico, pero con un sonido directo y crudo”. (Alex) “Nunca lo hemos tenido claro porque bebemos de muchas influencias, así que decimos que hacemos pop del fuertecito”.

Y no nos olvidemos de la variedad de temas que Biela tocan en sus letras, desde los típicos de amor y desamor, hasta el paso del tiempo, la estabilidad emocional e incluso el TFG [Trabajo Final de Grado] . (Alberto) “Las letras las escribo yo y siempre digo que son cosas que me pasan a mí, que no me invento nada. A veces exagero algo un poco para que quede mejor [ríe], pero me salen muy directas y sinceras. Son experiencias mías y tampoco quiero hacer un disco entero de desamor, porque te estaría mintiendo ya que no soy así. Compongo mejor en los momentos de bajón, como se refleja en el disco, de echar de menos a la gente, del agobio del TFG, de volver después de la pandemia con mis amigos…

Las letras son sinceras y directas. No puedo decirte nada más” [ríe]. (Alex) “ Cuando quisimos buscar el nombre del disco, nos dimos cuenta de que las letras eran vivencias personales de un cambio de etapa y eso lo enganchamos con ‘Un día más’ porque lo representa muy bien”.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

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RONDA RÁPIDA Un artista nacional: Sen Senra Uno internacional: Bring Me The Horizon Un disco: “Álbum uno” (19) de Juancho Marqués Una canción para llorar: “Con las ganas” de Zahara Una canción para bailar: “Solo quiero bailar” de Zenttric Colaboración soñada: Alizzz o Tyler, The Creator Vuestra mejor canción: “Un día más” Un lugar para escuchar vuestra música: En el metro Describir Biela en una palabra: Honestidad

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febrero 2022 #11

Después de haber vivido sus momentos más inciertos, Toundra pasan página con su nuevo álbum, “Hex” (Inside Out Music, 21). El nuevo material es una vuelta de tuerca a su sonido capaz de evocar la alienación que provoca vivir en una sociedad individualista, materialista, egoísta e intolerante.

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POCOS DÍAS para arrancar también su gira de promoción, hablamos con Esteban Girón (guitarra) para conocer con más detalle los entresijos que hay detrás del que, posiblemente, sea uno de los discos más ambiciosos del cuarteto madrileño.

—A finales de febrero del 2020 publicabais “Das Cabinet Des Dr. Caligari”. Se podría decir que la crisis de la pandemia no pudo llegar en peor momento…

Bueno, es que nos pilló de lleno: estábamos justo a punto de empezar una nueva gira y, además, con muchas ganas.

Después nos confinan; al principio pensábamos que sería un parón de quince días; después, un mes… Vino el desconcierto y, a pesar que teníamos un disco nuevo, de alguna manera nosotros ya estábamos pensando en canciones nuevas.

—¿Cómo vivisteis ese momento en el que, por fuerza mayor, debéis detener vuestra actividad como banda Fue un momento difícil: yo, que estaba de freelance, me quedé sin trabajo. Mis compañeros, en ese aspecto, no tuvieron demasiados problemas. De todas formas, ya sabíamos que algo iba a cambiar en Toundra. En diciembre de 2019 decidí volver a mi tierra, Asturias. Resulta que me enamoré y me vine a Oviedo. Por eso, decidí reunir a la banda para comunicarles que, ante todo, quería seguir con ellos, pero que tendría que cambiar algo en nuestro plan de trabajo. El hecho de plantear la posibilidad de trabajar también a distancia poco antes de la crisis sanitaria fue algo muy oportuno, como una gran casualidad.

—Con todo ello, ¿consideras que sirvió para daros un pequeño respiro?

Hombre, fue una putada porque acabábamos de sacar “Das Cabinet Des Dr. Caligari”, pero la pandemia nos vino bien para aflojar un poco el pie del acelerador. ¡Llevábamos como siete discos en trece años! Eso nos ha permitido componer nuevo material con un poco más de perspectiva, paciencia y, sobre todo, de una manera diferente. #12 febrero 2022

Toundra El infierno del odio

o “Afrontamos cada disc que como si fuera el último vamos a grabar” —¿De qué forma redefinísteis vuestro

método de trabajo?

Macón y yo nos montamos unos home studios para grabar las ideas que nos fueran pasando por la cabeza. No teníamos muy clara la dirección, pero nos empezamos a pasar riffs de forma obsesiva. Teníamos como muchos retales, muchos fragmentos dispersos en los que había de todo y con los que no sabíamos muy bien qué hacer…

En junio del 2020 nos volvimos a reunir en Madrid y empezamos a trabajar para darle una forma un poco más concreta.

—¿Temíais que trabajando a distancia vuesto sonido perdiera homogeneidad?

La verdad es que no, pero creo que nuestro nuevo disco es fruto de la sintonía de los tiempos en los que ha sido escrito. Mis compañeros y yo lo hemos compuesto en momentos diferentes de nuestras vidas.

Te pondré un ejemplo: la época del confinamiento fue un momento jodido, en el que era muy fácil sentir rabia, tristeza, impotencia… Yo en cambio me sentía feliz, enamorado; no me apetecía estar enfadado, porque es como me he sentido durante buena parte de mi vida. A la hora de grabar replanteamos la estructura y trabajamos para hacer el mejor disco que fuéramos capaces de hacer. Afrontamos

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MONDO FREAKO

WALA. WALA. “Hex” como cualquiera de nuestros otros discos: como si fuera el último que vamos a grabar.

—¿Qué crees que caracterizaba a vuestras nuevas ideas?

Yo creo que la búsqueda de algo nuevo. Llevamos un montón de tiempo juntos y necesitamos nuevos retos; queríamos ver hasta dónde podíamos llevar nuestro sonido para no aburrirnos nosotros, ni tampoco a nuestro público. Recuerdo que el año pasado me obsesioné un montón con el “Tommy” (1969) de The Who, y también con la música clásica. Me puse a estudiar historia de la música e investigar sobre la vida de esos compositores clásicos. Se me fue la olla con su vida, su obra, esos puzles sonoros…

—¿Hubo alguno que te marcara, en especial?

Me interesaron mucho aquellos compositores que trataban de transmitir un mensaje concreto en sus piezas; es decir, los que buscaban algo más allá de la simple belleza. Por ejemplo, me impactó mucho descubrir a Dmitri Shostakóvich y todo lo que representó su Séptima Sinfonía, su estreno en lo que hoy es San Peterburgo, rodeada por los nazis… Me interesa mucho esta perspectiva de la música clásica y supongo que el post-rock comparte esa misma intención de querer transmitir algo al oyente sin utilizar una sola palabra.

—Diría que en “El odio”, con sus tres partes, es un buen ejemplo de ello…

Sí, evidentemente es una canción con mensaje, con mucha carga política. Por ejemplo, todo lo que hemos vivido en Madrid a lo largo de estos últimos años tienen un reflejo en esta canción. Y, a ver, no comparto para nada esa “madrileñofobia” que se ha colado en algunos medios de comunicación, pero creo que Madrid tiene un problema con su clase política. Lo veo y no puedo evitar pensar en lo profética que es la obra de Robert Wiene: es algo completamente avanzado a su tiempo. Jamás hubiéramos llegado a pensar que nos influenciaría tanto su mensaje… —TOMEU CANYELLES

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EN GIRA l Sevilla 11 de febrero. Sala X l Málaga 12 de febrero. La Trinchera l Granada 18 de febrero. Teatro Caja Granada l Córdoba 19 de febrero. Hangar l Zaragoza 29 de abril. Las Armas l Barcelona 30 de abril. Apolo l Murcia 13 de mayo. Sala Garage Beat Club l Pamplona 20 de mayo. Tótem l Orozko 21 de mayo. TBA l Zamora 17-18 de junio. ADN Festival l Viveiro 3 de julio. Resurrection Fest l Cangas Do Morrazo 22 de julio. Kanekas Metal Fest l Muros 23 de julio. Castelo Rock l Benidorm 31 de julio. Low Festival

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“Nunca me metí en la poesía de The Libertines –que siempre me parecieron demasiado floridas– y con The Strokes podría asumir que todo estaba situado en un bar de Nueva York” James Smith de Yard Act en NME

“Yo recuerdo en mi época joven que estaban los skins y los nazis, pero luego en un momento dado estaban escondidos, tenían miedo. Pero ahora han vuelto a salir a la calle, exigiendo cosas muy chungas”.

Macón de Toundra, en Rockzonemag.com

“Soy afable con todo el mundo... hasta que se convierten en unos gilipollas. Una vez se han convertido en unos cretinos, he acabado con ellos” Buzz Osborne de Melvins, en Punk News

“Cuando alguien me está hablando y asume que soy hetero, aparte de sorprenderme, porque es como ‘¡si soy súper visible!’, me quedo un poco congelado, sin saber qué responder” Olly Alexander de Years & Years, en Jenesaispop.com

“FUI A VER A A BRUCE SPRINGSTEEN. SABÍA DESDE HACE UNOS AÑOS QUE ERA FAN DE NUESTRO GRUPO...

Y ME DIO UN GRAN ABRAZO. JODER, PUEDES IMAGINARTE, FUE INCREÍBLE” Adam Granduciel de The War On Drugs, en Mojo

febrero 2022 #13

EN PORTADA

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ABLAMOS con Diego, Martín, Juan y Mario en la oficina de Mondo Sonoro Madrid para que nos cuenten cómo se enfrentan a esta nueva era y qué hay detrás de este esperado regreso. “Empezamos a ser bastante cactus la verdad. Me rehúso, resistiendo tío”, comenta Diego haciendo referencia a “La planta que muere en la esquina”, uno de los temas que les sirvió como de adelanto de esta nueva etapa.

Carolina Durante siempre han sabido construir himnos generacionales que reflejen el espíritu de la juventud a la que representan. Y, como a todos ellos, la pandemia les pegó bien fuerte en la boca.

2019 fue un año dorado para el grupo y terminaron viendo con sus propios ojos cómo ese crecimiento espectacular que vivían con su debut terminaba frenándose sin poder hacer nada para evitarlo. Solo hace falta escuchar ese “Moreno de contrabando” para volver a recordar lo que nos pesaba el tiempo y lo duro que se nos hacía estar completamente encerrados e intentando sobrevivir. “Pues lo último que quiero es que me digas que te recuerda a esa etapa [risas]. Pero, evidentemente, cuando escribí esa canción claro que quería hablar de lo que esperaba que fuese ese verano. No queríamos, en general, que en el disco pudiese haber el menor atisbo de pandemia. Pero la mayoría de canciones se han escrito durante la pandemia y la cuarentena. Yo creo, eso sí, que en veinte años cuando la gente vuelva a escucharla no va a encontrar nada pandémico en ella”.

Giras paralizadas, sillas que eran el auténtico demonio para los artistas y mucha impotencia. Vieron cómo su salto a México se frenaba en 2020, cómo perdían ese gran sueño de volar al otro lado, pero por suerte ahora vuelven a recuperarlo todo en abril de 2022 pese al miedo de que no llegue a hacerse realidad. “Bueno, espérate que ahora empiezan a cancelar conciertos [risas].

México se veía como el oasis, el país sin ley, y de repente esta semana me han dicho que están cancelando bolos y tal”.

Al margen de lanzar nuevo material, son un grupo que disfruta al cien por cien girando, es lo que les da verdaderamente vida, les llena, y por esa razón se volvieron tan tremendamente enemigos de las sillas como citábamos antes. Pensad en la

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#14 febrero 2022

LA mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Se ríen por no llorar viendo cómo está el mundo. Son el hombro en el que apoyarse de un presente completamente hundido por la falta de oportunidades creativas y las continuas limitaciones. Una sociedad muy cansada, por no poder vivir de verdad, que necesita volver a respirar y que alguien les de ese empujoncito de ánimo que les falta. Por eso, un álbum como “Cuatro chavales” (Sonido Muchacho, 22) de Carolina Durante nos viene de lujo para ponernos las pilas e inyectarnos un poco de buen rollo.

—TEXTO Álex Jerez —FOTO Sergio Albert

RESISTENCIA Carolina Durante

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febrero 2022 #15

EN PORTADA

LA GIRA l Granada 06-07 mayo. En Órbita l Madrid 19 mayo. Tomavistas l Málaga 20 mayo. Oh, See! l Palencia 10-12 junio.

Palencia Sonora l Bilbao 07-09 julio. Bilbao BBK l Gandía 14-17 julio. Pirat Rock l Benicàssim 14-17 julio. FIB l Castro Urdiales 29-31 julio.

Festival Sónica l Benidorm 29-31 julio.

Low Festival l Torremolinos 24-27 agosto.

Canela Party

#16 febrero 2022

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energía que acababa ahogada en los conciertos de Carolina Durante en los que la gente no se podía levantar a saltar. Pensad en cómo habría sido ese increíble tour de 2019 si no hubieran tenido sillas de por medio. Impensable e imposible. “Sí joder, tengo que decir además que el movimiento lo empezamos nosotros. Nosotros fuimos los primeros en tomar las armas, ir a la guerra, y luego ya otros grupos como Cariño pues vinieron detrás [risas]. Los primeros en pronunciarse públicamente en contra de las sillas creo que fuimos… De hecho fue Sr. Chinarro, mierda [risas]”, bromea Diego haciendo referencia a esa batalla de visibilidad twittera que se produjo para intentar salvar la vida de todos esos trabajadores que vivían de los directos. Igualmente, y al margen de destacar lo aleatorias que fueron muchas decisiones a la hora de acotar ciertas normas y medidas en determinados sectores. Explican que tristemente son conscientes de que a la gente le cuesta aún ir y disfrutar de un buen concierto.

“Se nota que en el público hay todavía recelo.

No hay ninguno para ir a una discoteca, pero sí para un concierto. Es complicado”, apunta Martín. “Yo creo que es porque salir de fiesta es menos premeditado. Te tomas dos cervezas en un bar y al final se te olvida todo. Y, sin embargo, el concierto es algo en frío, rara vez vas a un concierto de calentada. Además, están los de seguridad controlando. En el concierto de Sen Senra en el WiZink, por ejemplo, nos apunta-

“

ban uno por uno con linternas en plan súbete la mascarilla y no podías beber ni agua. Que, por otro lado, entiendo el control sobre la gente de alguna manera”, explica Diego.

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HORA REGRESAN con “Cuatro chavales” un disco despreocupado con el que no tienen ningún interés en soportar la presión que supone ese segundo disco de “consolidación” que todos están esperando. Sino más bien ser eso, cuatro chavales a los que les flipa lo que hacen y quieren gozar haciendo música a lo grande.

“Buff, es que lo que estamos es hasta los cojones.

Estamos hartos, lo que queremos es compartirlo.

Toda esa cosa como de intranquilidad, de presión, hace mucho tiempo que se fue. Esperamos que vaya lo mejor posible pero yo qué sé, con poderlo girar en condiciones normales y poder vivirlo como el primero… No sé, es que hace mucho tiempo que lo grabamos, yo lo he escuchado treinta y seis veces ya y más. Me ha dado tiempo a odiar y amar cada una de las canciones”, explica Diego al hablar de las ganas que tiene de soltar ya este álbum y que marque un antes y un después para la banda. Apunta que con este disco han logrado definir por fin su sonido al cien por cien y que posiblemente en el futuro apuesten por dar un nuevo giro a la identidad del grupo. “Es un disco continuista, pero sí que queríamos dar un salto de calidad que se notara. Queríamos quedarnos contentos con este sonido, con lo que veníamos

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“Nosotros somos más del normcore, de hacer contenido normal, que te de igual. Como soso, pero no rancio haciendo. Eso sí, esto marca el final de una etapa y con el tercero… Yo creo que a esta manera de sonar, a este sonido, estas canciones, les hemos dado mucha caña. Pero bueno, eso ya se verá”.

Grabaron “Cuatro chavales” con Bernardo Calvo y Carlos Hernández en la producción. El encargado de la mezcla fue Duncan Mills y el resultado es un álbum que refleja a la perfección lo claro que tienen lo que quieren hacer y cómo hacerlo. “También se nota que lo hemos compuesto en el local de ensayo. Realmente todo el disco ha estado tocado y compuesto en el local de ensayo menos ‘Famoso en Tres Calles’. Bernardo venía mucho al local y nos echaba una mano en producción artística, arreglos, o a nivel de estructura. Pero yo creo que algo esencial para este disco ha sido juntarnos los cuatro, ir al local y, como no había nada mejor que hacer, hacer las canciones allí”, comenta Martín quien asegura que lo que pretendían era alcanzar la fórmula perfecta que les llevara a trabajar con mayor seguridad y certeza en cada paso.

Que, por fin, han llegado a ese momento en el que pueden hacer conscientemente lo que quieran y eso es muy importante para ellos. “Al final, desde que salió el primer EP a mí me han parecido quince años, pero realmente no ha sido tanto. Y creo que tiene mucho que ver con cómo es nuestra generación. Con ese rollo de cambiar constantemente y de querer otra cosa todo el rato. Todo es muy efímero”, apunta Diego.

Al margen del remate final de este nuevo disco, el mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

De izquierda a derecha: 2021 supuso el salto al Diego Ibáñez, Juan mundo de la interpretaPedrayes, Mario del Valle ción de Diego en la serie y Martín Vallhonrat.

“Cardo” de Ana Rujas, Claudia Costafreda y Los Javis. Una iniciativa completamente nueva para el vocalista con la que asegura haberse sentido bastante indefenso. “Hombre, a mí lo que me flipa es la música. Y la verdad que mientras rodaba yo no me sentía tan cómodo como en un escenario. No lo llegué como a disfrutar, aunque ahora lo veo y digo ‘Joder, qué guay. Volvería a hacerlo, me encantaría repetir”, explica Diego mirando a sus compañeros. “Es como el alpinismo, lo pasas todo mal para subir la montaña, pero luego cuando estás en casa otra vez dices qué de puta madre, lo volvería hacer [risas]”, le responde Martín mientras comenta que acudieron a la premiere y que fue muy divertido ver lo bien que lo hacía. Pero eso sí, que cuando les propusieron participar como sus “colegas” en la grabación no quisieron. “Se negaron, no querían hacer de mis colegas, no querían fingir”, bromea Diego.

TRAS ESTOS DOS AÑOS DE AGONÍA, ahora buscan pasárselo bien, regresan con muchas ganas de hacer ruido, letras satíricas, crítica social… Y un ejemplo de ello es esa redonda “Urbanitas” que, con total seguridad, protagonizará uno de los grandes momentos de los próximos conciertos. Un tema con una historia detrás que deja a la vida rural en no muy buen lugar. “Esa canción salió pensando

3 febrero 2022 #17

EN PORTADA

EL APUNTE

¿Por qué nos gusta tanto Carolina Durante?

Son esos amigos con los que te irías de birras, tienen talento y son de verdad. Desde que salieron a la luz, hemos conectado con Carolina Durante de una forma increíble y hemos querido salir fuera y preguntar a alguna gente qué piensa sobre ellos. Aquí algunas de las repuestas.

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en una asignatura que tenía en el INEF que se llamaba ‘Actividades en el medio natural’. Había una práctica que consistía en irse cinco días a la cuenca del Tajo.

Nos soltaban allí con un mapa, sin cobertura ni hostias, y cada día nos decían que nos esperaban en un punto determinado. El caso es que eran como siete u ocho horas andando todos los putos días, con el sol pegándote, ampollas en los pies y cagando en un hoyo”, cuenta Diego entre risas. “Y luego también que Mario se compró una Volkswagen [risas]. Hippy, puto hippy, pies negros. Una vez nos preguntaron que de dónde venía nuestro odio a los hippies, porque en varias entrevistas sin ser conscientes les damos caña”, suelta Martín para rematar. “Oye, a tope con los hippies, yo tendría que ser más hippy, me vendría muy bien. Tengo que calmarme”, le contesta Diego.

Siguen manteniendo con vida esa vena punk ochentera que les dio a conocer hace unos años y la usan como nunca. Han logrado terminar de definirse como banda y van a poner las salas en pie a base de guitarras y baterías impecables. Mucho rock para limpiar todas esas secuelas que nos han dejado el cerebro frito tras la pandemia. “Todo esto ha sido la gota, bueno más que la gota ha sido el chorro que colma el vaso”, comenta Diego sobre el agotamiento de la juventud actual. “Yo diría más bien el océano que se comió el vaso [risas]”, apunta Martín. De hecho, explican que cuando salía alguna canción de una temática parecida a “No tan jóvenes”, o canciones con más hastío vital #18 febrero 2022

de lo normal, las dejaban fuera. “Hemos intentado apartar como todos esos sentimientos. Luego lo que me pasa es que voy hablando de lo que creo que va el disco y acabo diciéndome pues no, no iba de esto.

A veces me doy cuenta de que algunas canciones sí tienen de eso que decía que no tenían. Soy muy de fijarme en lo bueno [risas]”.

CLARAMENTE Carolina Durante se han lanzado al campo de batalla, a jugar su propio partido de fútbol como sólo ellos saben hacer. Un partido por amor a Messi, como le declaran en “10”, aunque Juan insista en que ese tema no habla de la estrella. “Que no habla de fútbol, ni de amor, ni de Messi; habla de la guerra. Yo por lo menos lo entiendo así. Si te fijas puede parecer que habla de la guerra. Habla de un capitán al que le disparan por traidor y todo el mundo va a la guerra por él. Es un punto de vista”. Les gusta ser ese tipo de tíos normales que han sabido conectar con un público muy diferente sin tener que forzar nada. “Nosotros somos más del normcore, de hacer contenido normal, que te de igual. Como soso, pero no rancio. Normal en el sentido como un yogur sin azúcar, como las galletas María”. Y la verdad, qué gusto da tenerles de vuelta a lo grande, siendo los de siempre y llenándonos de nuevos temazos para el año de conciertos que nos merecemos. 2022 vamos a por ti, no nos decepciones. —ÁLEX JEREZ

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Triángulo de Amor Bizarro “Son gente normal, en el sentido de que no se hacen fotos de promo con Lamborghinis. Su música es más agresiva y orgánica que la música enlatada propia de la época y a la gente aún les siguen gustando las guitarras. Además, conectan con la Generación Z y late millenial porque se ven reflejados en sus letras”.

Ana Rujas (actriz en “Cardo”) “Diego es sensible, no lo sabe del todo, y eso es mágico. Me atrapó de él que fuera incapaz de actuar si no se lo creía, si no estaba convencido de lo que hacía. A mí eso es lo que me interesa buscar en los actores”. Ángel Carmona (locutor en Radio 3) “Desde Madrid es fácil entender lo que ha pasado con ellos. Han enlazado muy buenos temas y han encabezado el retorno a las guitarras en la capital. Han conseguido gustar a los pijos y a la vez a un mundo alternativo joven como consiguieron Los Nikis o Hombres G en su época”.

Virginia Díaz (presentadora y locutora en Radio 3) “Carolina Durante tienen mucha frescura, pocos pelos en la lengua y cero prejuicios. Desempolvaron un sonido que han sabido renovar con contundencia y grandes canciones, puesta en escena al margen, que es absolutamente arrolladora”. —MS

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febrero 2022 #19

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MONDO FREAKO

Tarta Relena Folk tronadet Tarta Relena exploran las posibilidades del canto a capela mediante sonidos y leyendas adoptados de varias culturas mediterráneas. Ejemplo de ello es “Fiat Lux” (La Castanya/Indian Runners, 21).

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RAS LOS EP “Ora pro nobis” (Indian Runners, 19) e “Intercede pro nobis” (Indian Runners, 20), este pasado otoño publicaron su primer largo “Fiat Lux” con el que afianzan un proyecto único en el panorama musical actual, cimentado sobre el canto a capela. (Marta) “Las dos somos cantantes y queríamos hacer esto. Habíamos cantado en coros y nos parecía que la voz tenía suficiente poder como para no necesitar instrumentación, y porque fuimos viendo que el efecto que hacían nuestras dos voces

go “Nos encanta coger al un que nos gusta y crearle nuevo escenario”

juntas tenía bastante interés de textura y nos pareció divertido explorarlo”. (Helena) “Queríamos que el protagonismo fuera la combinación de estas dos voces sin nada más y se pudiera oír el efecto de esta combinación en pleno estado”. A lo expuesto hasta la fecha, hay que sumarle la mayor presencia de elementos electrónicos en “Fiat Lux”. (Marta) “Ha sido un poco natural. Ya desde el principio los pocos elementos que fuimos poniendo eran o beats o algún sinte muy concreto donde se notara mucho que era otra cosa a parte de nuestras voces. Esta vez quisimos trabajar con Òscar Garrobé y Juan Luis Batalla y ellos han potenciado lo que saben y nosotras hemos potenciado las voces, pero también queríamos dejar este espacio para correr, para ellos como productores”. Lo que no hay, por lo que ellas comentan, es una intención real de traer sonidos y géneros antiguos o tradicionales hasta nuestros días. (Marta) “Creo que no

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FOTO: DUNA VALLÈS I CLÀUDIA TORRENTS

hay una militancia muy consciente, pero evidentemente seguro que hay una intención de traer músicas que nos emocionan y nos gustan mucho, que quizás las hemos escuchado grabadas como antiguas y el sonido no es muy limpio, o que quizás tienen unos sonidos que de entrada no te llaman mucho la atención, y sí que nos encanta llevarlos a nuestro rollito...”. Quizás también deberíamos citar la religión y la historia entre sus fuentes de inspiración.

(Marta) “Claro, es muy fácil coger material que ya tiene una carga simbólica y un significado, al que tú solo puedes sumarle capas, pero que ya tiene mucho peso semántico que mola aprovechar y que es muy gustoso entrar allí y seguir”.

—CLÁUDIA PÉREZ

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febrero 2022 #21

10/02 Elvira Sastre 11/02 Los Secretos 13/02 y 15/02 Arnau Griso 17/02 Quique González 19/02 Lori Meyers 24/02 y 25/02 Rodrigo Cuevas 10/03 Carmen Boza 11/03 Mazoni 12/03 Ojete Calor 12/03 Pedro Guerra 18/03 Miguel Campello 24/03 Marlena 01/04 Rufus Wainwright 02/04 Judit Neddermann 07/04 Ciudad Jara 29/04 Xoel López 18/05 Raúle 01/07 Lila Downs y muchos más!

Entradas a la venta en www.guitarbcn.com

LOS DISCOS. DE MI VIDA.

MUCHACHITO FOTO: GUSTAFF CHOOS

Muchachito

Muchachito afronta un 2022 más que movido. El catalán lanzará no uno, sino dos álbumes este año.

Haciendo tiempo para volverle a ver sobre el escenario, hemos aprovechado la ocasión para preguntarle por sus seis discos favoritos.

Veneno Veneno (1977) Ese disco fue una revolución para muchas cabezas y una simbiosis nueva y distinta del rock con nuestro folclore.

Las letras de ese disco no te dejan indiferente. Desde personajes bíblicos a maleantes dan vueltas en un mundo surrealista de lo más cercano, de la dulzura a la locura. La reunión de Kiko Veneno con Rafael y Raimundo Amador creo que nunca se podrá superar.

Enormes los tres... Y compañía.

Jonathan Richman It’s Time For (1986) Es de los discos que más ha influenciado en mi vida. Empecé a bailarlo en casa de pequeño y a los trece años estaba asistiendo a sus conciertos flipando con sus shows en solitario.

Cualquiera que escuche la canción “It’s You” se dará cuenta del parecido en las cadencias del ritmo con los ritmos del Bombo Infierno.

Incluso le debo al Tito Jonathan que mi nombre esté compuesto por nombres y apellidos.

Igual que Jonathan Richman And The Modern Lovers (podían ser músicos distintos en distintos discos). ¡Gracias Jonathan por tu arte!

Stray Cats Stray Cats (1981) El disco lleva por título el nombre de la banda. Siempre he sido muy fan suyo y cuando vienen nunca trabajo para ir a verles. “Ubangi Stomp” es una mezcla de ritmos italianos con rock’n’roll que recuerda a un ska. Esta repleto de temazos con un sonido oscuro y encantador. Se recomienda escuchar “Wild Saxaphone” a todo volumen.

Javier Ruibal Pensión Triana (1994) No se puede tener más arte que este capo, con tanta poesía, musicalidad y elegancia. Sus canciones te traspasarán la piel y te calarán los huesos; las historias de este disco contadas plano a plano con su principio, nudo y desenlace emocionan y corroboran por qué motivos Javier es maestro de maestros. A nuestro JJ Cale de aquí nunca le falta el sentido del humor y nos honra a los demás con su compañerismo. Te quiero jefazo, mucho.

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Peret Peret, rey de la rumba (2000) Esta fue la vuelta al ruedo del gran Peret, contando con colaboraciones del momento, como los fenomenales Estopa y Dusminguet. Muy destacable el drum’n’bass cantado en euskera con el gran Fermin Muguruza o la descarga de Manuel Malou, quien para mí es uno de los individuos que más sabe de rumba catalana. No pudo ser Peter Gabriel, pero estando en su casa le preparó una infusión al mestre. Era buen chico, decía. Se te echa de menos, rey.

VV. AA. Al aire de Jerez (2006) Una joya para conocer este increíble pueblo y dar un paseo de San Miguel a Santiago de la mano de Los Moneo, Los De la Morena y Los Zambo. Alegría, emoción, muchísimo pellizco y compás...

Jerez. —MS

febrero 2022 #23

MONDO FREAKO

Los valencianos publican “Venga” (Flexidiscos/Peroquébien/ Osadía, 21), su nuevo y más definitorio álbum, un trabajo con el que vuelven tres años despues de “Regalo doble” (18).

“

VENGA” SE PODRÍA TRADUCIR como ese impulso que precede a un salto al vacío. Esa propulsión interna que, desde las entrañas, te empuja al movimiento cuando todo lo que te rodea es estático. No sorprende, por tanto, que bajo este vocablo se presente lo nuevo de Cuello quienes publican, tres años después de “Regalo Doble”, su nuevo y quinto disco. Oscar Mezquita (batería) cuenta al respecto: “Si escuchas el disco, al principio de la ultima canción se escucha a Santi García [Ultra-

TAN. LEJOS. Ya tenemos disponible el nuevo álbum de la donostiarra Elena Setién, “Unfamiliar Minds” (Thrill Jockey, 22), que da buena cuenta de lo que ha podido ser la situación pandémica mundial, con sus sombras pero sin olvidar la luz que nos permite seguir. A veces es inevitable volver a empezar.

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ETIÉN EMPEZÓ A ESCRIBIR “Unfamiliar Minds” antes de la pandemia, aunque luego decidió empezar desde cero ante la nueva realidad. ¿Debemos entender entonces que es un trabajo inspirado en la situación global?

“El principio de la pandemia fue, para mí como artista, una especie de apisona-

#24 febrero 2022

Cuello Propulsión incesante marinos Costa Brava] diciendo esa palabra mágica y eso es lo que queríamos, transmitir fuerza, energía, ganas y todo esto en un momento de estar muy cansados de todo lo que pasa a nuestro alrededor”.

Coeditado por Flexidiscos, Peroquébien y Osadía Ediciones, “Venga” es como arrancar para saltar directamente a quinta.

“Hemos estado demasiado tiempo encerrados, sin conciertos casi, sin rozarnos los unos con los otros, con restricciones, con miedo, con incertidumbre y queremos que se acabe esto. ¡Mierda ya! Podría también ser: ‘¡Vamos! ¡Hostias ya!’”.

Todo ello bajo la pulsión de la vida, reabriendo y redescubriendo sendas ya tomadas. “Quizás en nuestro caso no es un cambio radical, pero cuando empezamos a componer las canciones de este disco sí sentimos que seguíamos el camino pero hacia algo más directo, más

iado “Hemos estado demas tiempo encerrados... ‘¡Vamos! ¡hostias ya!’”

RR La banda alemana de rock Rammstein prepara una versión del clásico de Héroes del Silencio “Entre dos tierras”, según confirmaban los miembros del grupo zaragozano al periódico Heraldo de Aragón. Inicialmente, la versión formará parte del nuevo disco de Rammstein a publicar en primavera.

RR El cantante, compositor y productor británico Fred Again..

–autor de uno (o mejor de dos) de los grandes discos del pasado año ha compartido su nuevo sen-

dora que me dejó totalmente plana y no me inspiró, pero cuando ya por fin pude volver a crear, a intentar retomar lo que tenía entre manos antes de la pandemia, no pude evitar empezar de cero muchas cosas porque me había cambiado. Emocionalmente esta situación me había cambiado y fue como un resultado. Más que inspirarme, la pandemia lo que hizo fue hacerme crear de otra manera. De todo esto salieron las canciones que están en el disco”. Canciones como –sobre todo– “Situation” transmiten muy bien ese momento de incertidumbre de comienzos de marzo del 2020. Ahí está la frase “la situación está mal, ya han pasado más de veinticuatro horas”, hablando sobre la tristeza que acarrea el separarnos de los nuestros. “En la pandemia no podíamos vernos con amigos ni familiares y... fue

cillo “Lights Out”. El tema es una colaboración con Romy, cantante y guitarrista de The xx, y la artista electrónica HAAi, además de estar coescrito con Oliver Sim y Jamie XX. RR The Jesus And Mary Chain fichan con el sello Fuzz Club para reeditar su álbum “Damage And Joy” (17) –que incluirá tres temas extra– y el directo “Live At Barrowland” (22)en doble vinilo remasterizado. Más adelante se seguirá reeditando su discografía, pero lo más impor-

muy duro, mucho tiempo. Pero yo qué sé, cuando una pareja ha tenido una crisis, se separa y ya han pasado más de veinticuatro horas y no has vuelto todavía. Es un poco ya como... ‘Uff, ha pasado un poco el límite crítico de veinticuatro horas que ya puede definir que esto se acabe para siempre, que ya no te voy a volver a ver”.

Mientras la pandemia nos ha traído menos libertad en algunos aspectos también nos ha permitido un mayor autoconocimiento, un autodescubrimiento con la posibilidad de visualizarse a uno mismo de una forma más clara, o al menos con menos interferencias. Sobre eso parece tratar el tema que da título al disco, “Unfamiliar Minds”. “Hay zonas de tu mente a las que nunca llegas, y cuando pasa algo así tan apabullante, y que te ha hecho un parón tan fuerte, de pronto aparecen zonas que

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FOTO: LIBERTO PEIRÓ

sencillo. Sonando igual pero quitándonos algunas cosas de encima. Después de cuatro discos quizás estábamos en el momento de preguntarnos qué íbamos a hacer ahora y si éramos capaces de hacer algo que nos ilusionase ya que sin ningún tipo de pudor asumimos que estábamos haciendo lo que hacemos desde el principio. Cosa que, por otra parte, han hecho montones de bandas a lo largo de la historia desde el principio hasta el final pero… ¿Y? ¿Cuál es el problema? ¿Acaso es necesario cambiar?

Nosotros sí que sentimos que ha habido un algo, no sé si la palabra es cambio, habrá quien ni lo note, pero al final ¿qué hay mas importante en una banda que la propia banda?”. Ese algo recoge precisamente el sonido más puro de Cuello donde, además, la mano de Santi García ha tenido mucho que ver. “Con Santi hemos conseguido el sonido que más se acerca a lo que hacemos cuando tocamos en directo. El proceso ha sido probablemente de los mas fáciles de todos, creo que no habíamos llevado las canciones tan preparadas jamás a un estudio y eso ha influido muchísimo”. Y he ahí el secreto porque sin duda, lo que este álbum demanda es mucho sudor sobre y bajo el

tante es que podremos escuchar nuevas canciones del grupo de los hermanos Reid en unos meses, tal y como han confirmado los propios músicos.

RR Este pasado mes de enero ha sido muy triste por lo que a fallecimientos de músicos se refiere. Por un lado ha fallecido la reverenciada artista brasileña Elza Soares a los noventa y un años de edad, cuya carrera se inició en los años sesenta y se ha mantenido hasta la actualidad.

CRITICANDO Venga

Flexidiscos/ Peroquebién/Osadía Ediciones

7 PUNK / Disco tras disco (y van cinco) volve-

mos a hacernos la misma pregunta: ¿Serán capaces Jose Guerrero y los suyos de superarse o, al menos, de mantener el tipo? Ya saben la respuesta. No deja de asombrar la capacidad que poseen para seguir siendo fieles a un estilo, ya inconfundible, sin aburrir al respetable. Si en su anterior criatura, Cuello se dejaron asesorar por Paco Loco, ahora han buscado la complicidad de Santi García. Tal vez resida, ahí, el secreto. En encontrar curtidos consejeros que te ayuden a seguir facturando bofetadas de placer que mezclan, tan brillantemente, el pop más hiriente con el punk más emocionante. Ni una pega. —CÉSAR CAMPOY

RR Otra cantante que nos ha dejado ha sido Rachel Nagy, la potente y enérgica vocalista de la banda de rock The Detroit Cobras. Una muy mala noticia para un grupo querido por la escena de nuestro país y cuya labor recuperando clásicos del soul en formato rock ha sido realmente meritoria.

RR Por último también tenemos que lamentar la muerte del carismático cantante y actor Meat Loaf, autor de uno de los discos más vendidos de la historia del rock, “Bat Out Of Hell” (1977), y

escenario. “Cuando tu forma de tocar y la música que haces es, digamos, todo el rato a tope, cuando lo que te gusta es tocar lo más fuerte posible suele pasar que lo que quieres es reflejar eso en el disco.

Cuando haces algo más complejo, más delicado o más complicado sonoramente muchas veces intentas construir algo distinto a lo que haces en directo, pero desde luego en Cuello no es el caso. La experiencia que te proporciona un directo, la contundencia, la energía, la potencia, el volumen, jamás puede ser la misma que escuchar una grabación, pero ojalá pudiese acercarse y en este caso nos hemos acercado mas que nunca”. ¿El resultado?

Mucha más rabia y precisión, si cabe. “Hablo por mí cuando digo que creo que aquí hay tres factores que hacen que eso sea así: por un lado, la decisión consciente de ir más al grano, que estas canciones las hemos tocado y tocado hasta el infinito y Santi García, que nos ha entendido y ha conseguido reflejarlo”. —ANAÏS LÓPEZ

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cuya carrera se inició en los setenta para extenderse hasta finales de la década pasada, cuando empezaron sus problemas de salud.

RRBono, vocalista de la banda irlandesa U2 y quien más declaraciones suele hacer relacionadas con la formación, ha admitido en un podcast que sigue sin gustarle el nombre de la banda y que apaga la radio cuando suena alguna de sus canciones porque no puede escuchar su voz. —MS

FOTO: PABLO AXPE

no sabías que estaban ahí. Y es una sensación personal, pero casi a nivel colectivo también. Me acuerdo el ver la ciudad vacía, ir a comprar, hacer cola para entrar a un supermercado, ver a la gente y pensar lo que estaban pensando, las miradas, todo era tan diferente… Lo conocido se volvió desconocido”. —JON BILBAO

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Elena Setién Volver a empezar mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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EN GIRA l Bilbao 24 de febrero. Sala por confirmar l Donosti 31 de marzo.

Sala Club Victoria Eugenia l Madrid 4 de abril. Festival de Arte Sacro

febrero 2022 #25

#26 febrero 2022

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TAN. CERCA.

EL DISCO. RECUPERADO. The Long Blondes Someone To Drive You Home Rough Trade 2006 SI BIEN YA HABÍAN dejado muestras de su potencial en base a algunos singles previos, lo cierto es que The Long Blondes irrumpieron en escena con un debut poco menos que arrasador. En “Someone To Drive You Home”, el combo de Sheffield evitaba ofrecer un lote especialmente novedoso, pero a cambio presumía con orgullo de un indie-rock creíble, pragmático y de pasmosa solidez.

Doce temas que no eran sino el resultado de jugar con las influencias entreveradas de Blondie, Siouxsie And The Banshees, Pulp (no en vano el disco fue producido por Steve Mackey), The Runaways, Veruca Salt, Wire, Elastica o Sleater-Kinney y la esencia del movimiento riot grrrl.

Una serie de inspiradores nombres que canalizaron en forma de composiciones de gran verticalidad y que, en la práctica, conformaban un estreno ciertamente goloso.

Sobre todo porque (casi) todas las piezas seleccionadas mantenían un nivel notable que equilibraba el propio concepto de álbum, como resultado de la química surgida entre el talento del guitarrista Dorian Cox –compositor principal de la obra en cuestión– y la magnética vocalista Kate Jackson. El lanzamiento se abría con el trío de ases inicial formado por “Lust In The Movies”, “Once And Never Again” y “Only Lovers Left Alive”, en lo que se imponía como secuencia que disparaba todas las alarmas. Un acierto que a continuación se repetiría en otras canciones que incidían en las especificidades

del grupo sin ningún tipo de rubor, caso de “Separated By Motorways” o los singles “Giddy Stratospheres” y “Weekend Without Makeup”. El quinteto consiguió que su ópera prima sonase fresca en base a influencias evidentes y clásicas –aunque provenientes de diferentes décadas–, gracias al mismísimo acierto que hacía brillar sus canciones. “Someone To Drive You Home” fue un disco desafiante y de pulso nervioso, copado por temas pegadizos que destilaban punteos marcados, pose punk y referencias cinematográficas.

The Long Blondes destacaron dentro de aquella nueva hornada de bandas que incluía nombres como los de 1990’s, The Pipettes, The Young Knives, Art Brut o The View, y que dieron forma a buena parte de la escena británica de aquella segunda mitad de la década. Uno de esos grupos que tenían todo de cara para triunfar, pero que dejó un segundo elepé algo más discreto –“Couples” (Rough Trade, 08)– y decidió disolverse después de que Cox sufriese un derrame cerebral de importantes secuelas.

Unas opciones que, en su caso, pasaron por ese “Someone To Drive You Home” que ahora cumple quince años y resulta reeditado incluyendo un segundo compacto que agrupa las caras B de la época en un total de once cortes adicionales. La excusa perfecta para recuperar un trabajo que, década y media después de su lanzamiento, continúa resonando igual de solvente y agradecido que antaño. —RAÚL JULIÁN

RRMediante un breve vídeo, Natos y Waor han anunciado que ya están trabajando en un nuevo álbum después de publicar el tercer volumen de Hijos de la Ruina junto a Recycled J. El dúo madrileño ha aprovechado para anunciar los dos principales shows de presentación del disco: Madrid (WiZink Center, 18 febrero de 2023) y Barcelona (Palau Sant Jordi, 17 marzo de 2023).

RRLa banda alicantina de rock Smoking Souls publicará su quinto larga duración este mes de febrero. “La Cura” incluye la colaboración de infinidad de músicos y productores como David Ruiz (La M.O.D.A.) o Juan Blas (Nothink, Minor Empires), entre muchos otros.

RREnrique Bunbury celebrará su 35 aniversario de carrera musical en el festival Mallorca Live Summer. El aragonés tocará en verano en Calvià, el 30 de julio.

Lo hará junto con otros nombres destacados del panorama español como Coque Malla (24 julio), La M.O.D.A. (22 julio) o Mägo de Oz (11 agosto), que se han unido a otros ya anunciados como Leiva (25 agosto) o Dani Martín (12 agosto).

RREl SanSan Festival –que se llevará a cabo en Benicàssim durante los días 14 a 16 de abril de 2022– ha anunciado muchas novedades para su cartel. Entre los nombres que se han sumado están los de Tanxugueiras, Kase.O con Jazz Magnetism, 2Many DJ’s, Califato ¾, Emlam, Fresquito y Mango, Karavana, La Casa Azul, Shinova y Shego, entre otros.

RRJägermusic, el proyecto

MUSICAL de Jägermeister, ha dado a conocer su roster de talento emergente para esta nueva temporada. Tras una primera selección con Trashi, Samuraï y Alavedra, ahora se han difundido los nombres de Shego, Mainline Magic Orchestra, La Élite, Carrera, Ghouljaboy, YOUCANTHIDE y Rocío Saiz.

RRC. Tangana modifica algunas fechas de su gira “Sin Cantar Ni Afinar”. Al margen de su participación en infinidad de festivales, desde Río Babel hasta Mallorca Live, pasando por Sónar, el madrileño actuará en Málaga (19 febrero), A Coruña (26 febrero), Madrid (5 marzo), Bilbao (9 abril), Barcelona (23 abril) y Zaragoza (29 abril). —MS

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febrero 2022 #27

ENTREVISTA

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“Pensamos que la ternura es algo como cursi o buenista y en realidad tiene más fuerza de la que creemos”

#28 febrero 2022

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N “MUNDOS INMÓVILES DERRUMBÁNDOSE”, Nacho Vegas viene cargado de novedades y con las mismas ganas de siempre de dejar huella en todos los que se atreven a recorrer su música. Es el suyo un álbum que entrelaza una belleza poética envidiable con una carga social y política muy marcada.

Nos reunimos con el artista en una pequeña cafetería de Madrid para hablar de cómo la inspiración volvió a presentarse frente a su puerta tras una fría etapa de bloqueo provocada por una sociedad destruida. Hablamos de Leonard Cohen, Janis Joplin, Pablo Hasél, Rocío Monasterio, Bresson o Raymond Carver, entre otros.

Repasamos un duro presente, proyectamos un oscuro futuro y damos las gracias a la música. Que al final, es la única que siempre está ahí cuidándonos y no nos abandona.

—Con este disco hay como un gran inte-

rés en remarcar que es el inicio de una nueva etapa para ti en todos los aspectos. ¿Cómo lo vives tú?

La verdad que hablar de etapas y de ciclos es una cosa un poco arbitraria. Es algo que hacemos nosotros para ordenar nuestras vidas. Pero bueno, sí que se produjeron una serie de cambios sustanciales en la banda, empecé a trabajar con otra oficina... Para mí cada disco siempre supone iniciar una etapa, lo que sí que es cierto es que en este he interpretado las canciones con gente diferente a la que había estado trabajando en los últimos años. Se han incorporado Hans Laguna, Cristian Pallejà y Ferrán Resines; lo que hace que sea todo muy bonito. Además, estoy con la gente de Last Tour, aunque bueno algunos de ellos son amigos míos desde hace mucho tiempo. De Bea, por ejemplo, que es la jefa del sello soy amigo desde hace treinta años.

—Hay un gran peso de figuras catalanas en el equipo artístico del álbum. ¿Cómo surgen esas nuevas incorporaciones?

Todo empezó porque durante una gira por

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Nacho Vegas La gerra de los mundos

Profundamente personal y a la vez la voz de todos. Nacho Vegas siempre ha sido ese gran genio capaz de aunar en sus canciones la lucha por una sociedad mejor y, a su vez, atrapar sus propias vivencias como nadie.

Es íntimo, se retrata sin filtros y te hace sentir que te entrega su alma entre sus letras.

Ahora regresa con un nuevo álbum, “Mundos inmóviles derrumbándose” (Oso Polita, 22).

—TEXTO Álex Jerez —FOTOGRAFÍA Asis Ayerbe

Latinoamérica, en un formato reducido acústico, conté con Hans al que había conocido en un concierto mío en Barcelona. Escuché también sus discos y para este álbum se me ocurrió en seguida llamarlo. A partir de ahí, fue él el que me propuso trabajar con Ferrán y con Cristian. Y bueno, me parecía bien hacer un núcleo ahí catalán. De hecho, entre el sector asturiano, el sector euskaldún y el sector catalán no tuvimos que pisar España para grabar.

—“La flor de la manzana”, que ha sido el primer adelanto del álbum, habla de la huelga de trabajadores del puerto marítimo de Xixón que no se reflejó en los medios. Tras la pandemia, si te pones a explorar un poco sobre noticias de explotación laboral, fraudes, ha sido impresionante el impacto generado. Y, evidentemente, muchísimo más en inmigrantes.

Recuerdo recientemente un vídeo en Twitter que se viralizó de un jornalero inmigrante que se acercaba a su jefe a pedirle el sueldo base que le pertenecía y defender sus derechos. Como respuesta

recibió un trato inhumano de agresión y ataque continuo. Subió a redes el vídeo a pesar del riesgo que supone, pero es curioso cómo igual que se viralizó no se pusieron soluciones para frenarlo y dejó de despertar interés muy rápido.

Sí, bueno cuando nos confinaron una de las cosas que pensamos es que la hostia social iba a ser muy grande. Y claro, lo está siendo y nos estamos dando cuenta ahora.

Yo recuerdo que lo que cuenta la canción “La flor de la manzana” no es que no se reflejara tanto en los medios, ya que en los medios más libres de Asturias sí que se habló. Pero claro, los que no le hicieron ni puto caso fueron los que tenían que hacérselo. Básicamente, hablo del Gobierno central ya que parte de la empresa depende de Fomento. Y es que, como hablabas del vídeo del trabajador inmigrante, hay muchas cosas que se hacen virales, crees que pueden servir para algo, pero luego te das cuenta de que las redes sociales no hacen que trascienda y se queda todo ahí. En Twitter yo solía ser más activo, pero ahora ya

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lo soy menos por cómo está ahora esta red social. De hecho, el otro día entré y dije voy a poner algo del disco, que hace mucho que no pongo nada y tal. Acabé metido en un hilo, en una noticia, por culpa de un tweet de Rocío Monasterio, salí de allí asqueado y al final no puse nada. Se trataba de una noticia de El Mundo sobre un inmigrante con un trastorno mental diagnosticado que salió a la calle con un cuchillo, entró al centro mental en el que le atendían y amenazó a los trabajadores. Los trabajadores cerraron la puerta, llamaron a la policía, llegó la policía, sacaron la pistola y lo mataron… Y el otro con un cuchillo. No sé, como mínimo es algo para decir hostia da mucho que pensar. ¿Si no hubiera sido negro le habrían disparado? ¿Era realmente lo único que se podía hacer? Y entonces, Rocío Monasterio hizo un tweet como diciendo “orgullosos de nuestra policía”… Yo creo que además de ser una fascista esta tía es muy lista y sabía que iba a tener un montón de gente diciendo “esta tía, qué psicópata”, y un montón de respuestas. Así que, las

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febrero 2022 #29

ENTREVISTA

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redes al final solo sirven para eso. Luego estuve pensando en el tema, seguí un poco la noticia y busqué reacciones a todo esto.

Coño con que veas cualquier serie policiaca americana sabes que sacar un arma y disparar es una cosa que tiene que estar súper justificada. Pero claro, como era un inmigrante, como estaba “loco”, como tal… Es una cosa que le sirve muy bien a la ultraderecha y el fascismo para decir “olé la policía, nos ha quitado un negro de encima y lo hacen usando armas que es lo que queremos nosotros”. Tenían todo el pack.

Ellos usan muy bien las redes sociales y me jode un poco que las redes ya no sean tanto una herramienta de denuncia.

—Hay un momento en el que dices “y aunque ya no gire el mundo entorno a ti, yo casi siempre estaré ahí”. Ese “casi” es que hay algo mayor que frenarte.

Sí, recordaba ahora mismo ese final de la canción de Leonard Cohen que le dedica a Janis Joplin, la de “Chelsea Hotel”. Cuando acaba diciendo “te recuerdo muy bien en el Chelsea Hotel, pero ya está, no pienso en ti tan a menudo”. Cuando la escribí me vino a la mente eso.

—Hay una referencia también a la Cañada Real en esa con frase directa que dice “ver los cuerpos que se tocan por pura necesidad y las sombras que se amparan en la Cañada Real”. ¿Cómo ves el trato actual a toda esa gente y las decisiones políticas que despiertan?

Una de las cosas más increíbles que está ocurriendo con mayor fuerza, o al menos yo lo percibo así, es normalizar situaciones que son auténticamente aberrantes. A la gente se le olvida todo. A la gente se le olvida que unos chavales de Alsasua están en la cárcel, que está Pablo Hasél... Se normaliza que hay gente que está presa por sus ideas, se aplaude ese tipo de cosas. Se normaliza la represión, la cara más represiva del Estado y del paradigma neoliberal que yo creo que es la que tiene un poco su reflejo en lo que pasa en la Cañada Real. Simplemente por una cuestión de intereses económicos espurios dejas a familias durante dos inviernos sin luz. Con estas cosas te das cuenta también de quién tiene verdaderamente el poder de facto, que se eligen por una democracia parlamentaria que no tiene tanto poder como lo tiene los mercados. Como lo tienen las empresas, el sector privado, como lo tienen las energéticas que son las que deciden al final sobre nuestras vidas.

—Volviendo al salto musical que genera este álbum, hay un peso de inserción de sonidos de cuerdas espectaculares en el disco y también se habla de una apuesta más latina en algunas canciones. ¿Qué #30 febrero 2022

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“Me cansé un poco ya de que se hable tanto de ‘no hagas canciones políticas, métete drogas y haz canciones de tus mierdas’”

querías lograr verdaderamente a nivel de sonido con este proyecto?

En lugar de planear la grabación como había hecho con los leones, esta vez Hans me sugirió trabajar de otra manera con maquetas que yo iba haciendo en casa. Se las pasaba a ellos y allí en Caballo Grande, en Cataluña, pues hacían unas ideas de preproducción. Hablábamos de discos, de referencias, de cosas que teníamos en común… Así conocí a Mancha ‘E Platano, el grupo de mujeres que colabora en “La flor de la manzana”. No las conocía, fue gracias a Cristian, y me pareció maravilloso mezclar esos dos mundos en el disco. Son cosas que fueron surgiendo al tratar de vestir cada canción, de hacerle a cada una un traje a su medida.

Además, creo que es un disco en el que hay una parte muy intimista que ya en las maquetas me pedía la presencia de cuerdas, algo que he solido evitar últimamente. Al final es una cosa muy golosa meterlas para la canción de autor y un arreglo bonito puede ser desastroso para una canción.

Como decía Bresson en el cine “un plano bonito puede estropearte una película entera”, o algo así. Pues, un arreglo bonito puede estropearte una canción y hay que hacerlo solamente cuando sea necesario.

—Todo ese lado del que me hablabas más íntimo, bello, poético… Se manifiesta con todo su esplendor en “El don de la ternura” que nos lleva a Raymond Carver.

Soy muy fan de la poesía de Carver y me acuerdo de que, cuando me regalaron su primer poemario, tendría yo dieciocho o diecinueve años. A partir de ahí, le pedía a una amiga que estaba en Philadelphia que me trajera libros de Carver que aquí no estaban traducidos y yo con un inglés paupérrimo, y el diccionario en la mano, iba traduciendo los poemas de Carver. Hice una mezcla de la traducción argentina, la traducción española y mi propia traducción para incluirla en el disco en físico.

Es algo que me interesa mucho, igual que antes hablabas del verso este de “gente que se toca por necesidad y las sombras que se amparan en la Cañada Real”. Muchas veces infravaloramos y pensamos que la ternura mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

es algo como cursi o simplemente buenista y en realidad tiene más fuerza de la que creemos. Por otro lado, la importancia de esa necesidad de amparo y cómo siendo seres independientes nos necesitamos los unos a los otros... Esos dos conceptos, la ternura y el amparo son dos conceptos que me interesan mucho. De hecho, cuando sacamos “Oro, salitre y carbón” (20) mi idea era hacer dos bloques, uno que fuera “el don de la ternura” y el otro “la necesidad de amparo”. Pero, al final, me pareció mejor hacer un orden cronológico y “el don de la ternura” acabó siendo parte de una canción y de una nueva etapa.

—Impresionante la fuerza de “Big Crunch” y la rabia que acumula. Un tema claramente político, de crítica y con una enumeración constante que hará temblar a muchos.

Sí, ese es el tercer avance que salió antes del lanzamiento del disco y lo presentamos en Navidad como una especia de “villancico anticapitalista”. Y sí, hay una enumeración caótica que la fui cambiando conforme la iba escribiendo porque el estribillo era lo único que tenía más claro. Es una canción diferente al resto del álbum, pero bueno marca ese contraste de tener un punto más luminoso y explícitamente político. Otras canciones tienen una dimensión social más implícita. Pero, en esta me cansé un poco ya de que se hable tanto de “no hagas canciones políticas, métete drogas y haz canciones de tus mierdas”. Luego vas a Latinoamérica y ves que tienen mucho más naturalizado que en la música se pueda hablar de política y que también forma parte de la vida. Así que me apeteció reivindicar la canción panfleto. —ÁLEX JEREZ

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EN CONCIERTO l A Coruña 11 febrero. Teatro Colón l Vigo 12 febrero. Auditorio Mar de Vigo l Valencia 17 febrero. La Rambleta l Murcia 18 febrero. Teatro Romea l Terrassa 19 febrero. Auditorio Municipal l Málaga 24 febrero. Cine Albéniz l Xixón 04 marzo. Teatro Jovellanos l Valladolid 05 marzo. Teatro Carrión l L’Hospitalet 09 abril. Teatre Joventut l Vitoria-Gasteiz 27 mayo. Sala Jimmy Jazz l Zaragoza 28 mayo. Sala Oasis l Bilbao 07 julio. BBK Live

febrero 2022 #31

MONDO FREAKO

Ferran Palau Coherenc De mi conversación con Ferran Palau resalto su coherencia integral que, además de ser una condición vital, es también un método creativo. Todo en él, desde lo más interno que me permite conocer, hasta lo más externo que muestra y observo, es un vals de sincronías, de mecánica precisa, de encuentros necesarios. Y “Joia” (Hidden Track, 21) es un ejemplo más.

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FOTO: SILVIA POCH

“Creo que el presente esturo femenino, aunque el fu es no binario”

#32 febrero 2022

E DÓNDE SALEN las canciones de “Joia”?

Tirando del hilo yo creo que estas canciones salen del momento en que edité “Cel Clar” y “Mitjanit”, el doble single que grabé durante la cuarentena.

Disfruté mucho del proceso de creación.

No había arreglos de ningún tipo y dirigí todo mi esfuerzo a las letras y las melodías, sin pensar en cuestiones estéticas. A raíz de esta reflexión empezaron a salir las canciones de “Joia”, que fueron apareciendo de forma bastante espontánea a lo largo del 2021. No tenía la sensación de estar escribiendo mi siguiente disco, simplemente eran temas que me gustaban. A medida que iban saliendo yo iba quedando con mi primo para grabarlas y dejarlas apuntadas para lo que pudiera surgir. Tenía la idea loca de hacer una película con canciones.

Las fui acumulando, llegó el verano y me di cuenta que hacer la peli sería un proceso muy lento y las canciones me quemaban en las manos. Querían que salieran, porque era justo en aquel momento que me representaban. Entonces fue cuando Louise se acabó inventando el concepto de “Joia”.

Ella creía que aquello no tenia sentido sino lo editábamos antes de final de año. Parecía un locurote, probablemente a nivel comercial era incongruente, pero ya nos daba igual. Y decidimos hacerlo.

—¿Qué tipo de película tenías en mente?

A mí no se me hubiera ocurrido esto sino hubiera conocido al colectivo Òrbita, Carles Pons y compañía, que es una peña muy talentosa, pero a la vez muy pragmática.

Cuando le expliqué a Carles mi proyecto y me contestó que se podía hacer, viniendo de él pensé que aquello era viable. Y lo es.

Lo que pasa que no se puede hacer en seis meses. La idea era que todas las personas se interpretaran a sí mismas. Era un contexto muy realista mezclado con algo de @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

cia vital ciencia ficción que aún no estaba del todo definido. Toda la acción del presente pasaba en una casa y los exteriores que salían solo eran recuerdos del pasado o visiones del futuro.

—El videoclip que has sacado va un poco en esta onda y en los créditos os referís a película y no a videoclip.

Exacto, porque para nosotros esto es una película, y el videoclip es como una especie de teaser de esta peli.

—Algo que me sorprendió en el vídeo es ese caudal de energía femenina que desprende.

Totalmente de acuerdo y es el mismo poder femenino que también puedes encontrar en las canciones. Al final mi realidad es esta. Estoy rodeado de poder femenino y al plantear cómo hacerlo sale de forma natural. Formo parte de un sello en el que un ochenta por ciento es femenino y me encanta. Creo que el presente es femenino, aunque el futuro es no binario. Y así lo refleja este proyecto.

—Cambiando de tema. Me interesa saber si tú eres consciente de tu propia gramática compositiva y cómo te relacionas con ella. Si a veces quieres huir o permanecer o te cabreas con ella. ¿Cómo llevas tu relación con tu personalidad creadora?

La verdad es que me siento totalmente cómodo con ella, porque ha sido un trabajo de muchos años encontrar mi propio lenguaje. Y es una cosa que valoro muchísimo, es como un tesoro preciado que tengo. Es algo que he ido escuchando, cuidando y esculpiendo y he llegado a un punto que siento que es muy propio y no impostado. Es algo real y sincero. Ha sido un proceso de ir quitando capas hasta llegar a un núcleo de algo que me resulta muy personal. Y te diría que “Joia”, de todo lo que he hecho hasta ahora, es lo más puro en este sentido. Es el disco que me hubiera gustado hacer hace quince años, pero no me salía. Durante estos años he ido aprendiendo cosas. He ido conociendo a gente muy talentosa que me ha influenciado, hasta alcanzar este punto en que hago lo mismo que hacía hace quince años, pero esta vez es tal y como yo quiero que sea. —ANDREU CUNILL CLARES

TOP VÍDEOS. Q

Alt-J

Hard Drive Gold

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Inquietante clip el que nos presentan Alt-J para este magnifico single titulado “Hard Drive Gold”.

Una saltadora de pértiga decide rendirle todo un homenaje a su madre fallecida y realizar juntas el que será su último salto.

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Stromae L’enfer

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A cada nuevo adelanto que Stromae presenta en forma de video de su próximo disco titulado “Multitude”, el belga nos deja sin aliento. Esta vez lo logra de forma muy minimalista, resaltando el poder de una letra que habla de nuestras obsesiones.

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Muse

Won’t Stand Down

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Espectacular clip el que lanzan Muse para certificar su regreso. Uno de esos vídeos de gran presupuesto que recuerda la épica de este formato en los noventa, sobre todo entre los grupos de sonidos más duros.

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Lee aquí la entrevista completa >>

Las Ninyas Del Corro

Tomoe Gozen

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CRITICANDO Joia

Hidden Track Records

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POP / Este Palau de “Joia” tiene un carácter cálido y próximo. Su música suena a abrazo maternal y apetece escucharlo en cualquier momento del día. Las acústicas crepitan como una brasa en el exterior ahumando el atardecer. Y aunque parezcan canciones sencillas, casi solo voz y acústica y algunos pequeños arreglos, puedo reconocer que hay un gran trabajo en encontrar ese sonido perfecto. “Joia” parece ser música hecha con la médula. Palau, sigue exprimiendo su propia gramática compositiva, pero lo hace desde un lugar más próximo. —ANDREU CUNILL CLARES

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Un clip 100% jipjopero en el que no falta un enorme despliegue de vestuario y localizaciones que engrandecen la carrera de estas dos Mc’s que, además, saben seducir a la cámara.

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Black Country, New Road Concorde

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Los londinenses tienen ganas de seguir dando mucho que hablar, con temas tan certeros como este. Una canción que viene acompañado por uno de esos vídeos que de tan frikis te dejan poco que añadir.

febrero 2022 #33

MONDO FREAKO

Vulk Axioma abierto y universal Negarse a sí mismos para ser más fuertes y rotundos que nunca. Para estar aquí y ahora.

Sin correcciones, sin titubeos, con urgencia. El nuevo disco de Vulk, “Vulk ez da” (Montgrí, 22) “no es tanto una reinvención como un chequeo de la situación actual” como grupo, responde en esta entrevista Julen Alberdi, guitarrista de la banda vizcaína.

G

RABADO EN DIRECTO y analógico con Íñigo Irazoki en Atala Estudioa (Bera, Navarra), su nuevo trabajo es un buen compendio de todos los “cambios, contratiempos y procesos” que han experimentado durante casi cuatro años de relativo silencio. Con un mayor énfasis en lo visual y escrito íntegramente en euskera, en este nuevo disco “todo tiene un punto de partida común, más macizo, y eso se percibe en los formatos que tanteamos”, observa Alberdi.

—¿Por qué arrancáis el disco con el sonido de un motor?

Han pasado casi cuatro años sin publicar nada y nos gustaba la idea de empezar #34 febrero 2022

así: Brumm del motor, riff de Andoni y Julen en bucle, se suman Alberto y Jangitz, y ya estamos todos: empieza la canción. No es tanto una metáfora como el aporte puramente sónico y sensorial que provoca. Si fuésemos supersticiosos, pensaríamos que si el coche se estampase meses después, es una premonición de algo malo, pero eh, no lo somos.

—“Vulk ez da” (“Vulk no es”, en euskera). ¿Qué o quién no sois Vulk?

Eso no importa. La frase es un punto de partida para hacer, para ser. En estos últimos años hemos vivido muchos cambios, contratiempos y procesos que nos han hecho no reconocernos a nosotros mismos; pero no como algo dramático, sino como una revelación. El mensaje suena categórico, pero no puede ser más relativo y abierto. Un grupo de música, que también lo es de amigos, no es un ente autónomo e inquebrantable. Nos estamos planteando qué es tener un grupo de música, todo lo que implica cuidarlo, llevarlo adelante y darle sentido.

—¿Qué representa la portada tallada en madera?

La talla es de José Félix Larrañaga, el padre de Jangitz. Era la forma más clara de reflejar un título que suena a axioma, y que merecía una atención frontal.

Queríamos que fuese algo más que una tipografía. Una frase llevada a forma física, corpórea, tiene un sentido escultórico que, paradójicamente, dignifica el mensaje, pero a la vez se lo lleva a un terreno en el que queda desprovisto de significado.

Pasa a ser un juego de formas, luces y direcciones.

—La estética y lo visual siempre ha sido muy importante en vuestro trabajo, pero en “Vulk ez da” adquiere un mayor peso. ¿Qué os ha llevado a tomar esta decisión?

Puede que ahora sea más evidente porque hablamos en términos más absolutos que nunca, y eso afecta también a la imagen que acompaña la música; sea un vídeo, una foto, una ilustración o una talla de madera. Se magnifica y se percibe con mayor potencia. En este disco, todo tiene un punto de partida común, más macizo, y eso se percibe en los formatos que tanteamos.

—¿Qué transmitís con lo visual que no alcanza con vuestra música?

No intentamos que la parte visual supla ninguna carencia. Cada medio enriquece al otro en matices. Siempre hemos sido muy cautos con los videoclips, porque la narrativa de este formato te puede jugar una mala pasada y alterar la sensación de las cancio-

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MONDO FREAKO

nes. Con este disco decidimos que los vídeos fuesen sencillamente nosotros tocando en directo. También implica una narrativa, pero es más fácil ligarla a todo lo que evocan estas canciones.

—Habéis grabado en vivo y en analógico. ¿Es un disco cien por cien “orgánico”, visceral…?

Grabar en directo es estar los cuatro en una misma habitación, tocando a la vez y registrándolo físicamente en una cinta, que no da mucho margen a correcciones. Tiene que ser aquí y ahora. Y la presión que supone grabar así te hace interpretar las canciones sin poder pararte a dudar. Estas canciones se compusieron en el local de ensayo, tocando juntos, así que no tenía sentido fragmentarlas por capas. En nuestra cabeza no eran partes de un todo, sino un todo en sí mismo. Tampoco es una decisión irrevocable, somos conscientes de las ventajas de trabajar en digital. Por ejemplo, mezclando “Militantzia Sutsua” sacamos un sampler de la cinta sonando en reverse, lo pasamos al ordenador, y de ahí surgió otro tema, “Agurra”.

—¿Hay algún tema de este disco que tenga un especial significado para vosotros?

Si hay que destacar alguno, tiene que ser “Vulk ez

EN LA MALETA

FOTO: AITOR MENDILIBAR

“El arte necesita de cierta inocencia para adentrarse en él”

L’Entourloop

Auténticos veteranos del mundo de los beatmakers y mentores del hip hop-ragga poliédrico, los franceses L’Entourloop aceptan lo del rumbo libre como animal de compañía,

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da”. Más allá de toda la carga discursiva, es una canción que empezó a componer Chavi, el anterior batería, después de dejar el grupo. Es un regalo precioso que nos dio, porque está muy impregnada de su forma de ser y de crear. Siempre que la tocamos nos viene él a la cabeza, el cabrón dejó su fuerza marcada a fuego.

—¿Qué aporta cantar en euskera a la banda? ¿En qué cambia Vulk respecto a vuestros trabajos anteriores?

Todas las letras de este disco son en euskera, cuando en los anteriores solo eran canciones sueltas o fragmentos concretos. Como decía sobre la grabación, esta vez no ha habido lugar para cambios o correcciones, tanto para la parte instrumental como para la voz. Por eso Andoni ha escrito en su idioma del día a día, le sale más directo. Su forma de cantar es más expresiva y elocuente que en discos anteriores. Aunque no entiendas el contenido de las letras, el mensaje te llega más claro. Es más universal que nunca. —AMAIA SANTANA

Montgrí, 22

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UÁNDO EMPEZASTEIS a sentir verdaderas cosquillas sobre el noble arte de pinchar, que no solo es eso, sino también realizar otro tipo de malabares a los platos?

Comenzamos a interesarnos por todo este mundo cuando el primer movimiento de los Sound System. Nos influyó en todos los sentidos. Tanto en su vertiente más norteamericana con un DJ como Kool Herc, como por el lado más jamaicano… Un buen maestro a seguir fue Clement Seymour “Coxsone” quien ponía temas antes de ser publicados para así comprobar la reacción de la gente. Luego aparecieron otros maestros como Shadow o MixMasterMike, él realmente nos impresionó: sus habilidades a la hora de scratchear, como se manejaba a los platos o en el muestreo y en la creación de ritmos ¡nos dejó pasmados! También franceses como DeeNasty o más recientemente DJ O’Legg, quien es de nuestra región.

—¿Qué discos nunca fallan o fallaron en vuestras sesiones?

Nos esforzamos, como cualquier otro, para asegurarnos de que las pistas que seleccionamos no decepcionen al público, por lo que nos resulta harto difícil decidir por unas más que por otras. Si nos mojamos, debemos reconocer que “Dreader Than Dread”, con Skarra Mucci, se ha convertido en algo vital. A día de hoy la que más nos representa y todo el mundo espera escuchar. Otros discos fetiche son “Lobster Shwarama” con Troy Berkley, “Le

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Vulk ez da

Bonheur” con Panda Dub o por supuesto “Tour de Force”, que se ha convertido en una antología por todos los MC que participan ahí. Todas funcionan muy bien cada vez que nos metemos en faena.

—¿Cuántos discos soléis comprar a lo largo de un mes?

Es bastante variable y depende de los miembros del colectivo, cada uno hace la digestión a su ritmo. Hay quien está más pirrado con el rocksteady de finales de los sesenta o principios de los setenta. Otros exploran más dentro de los ambiente latinos… Sea como sea todos somos amantes de la música —¿Cómo ha sido vuestro proceso de evolución?

Evolucionamos como todos los DJ pasando de un vinilo a otro hasta descubrir los mecanismos de control usando vinilos codificados. Esto nos abrió las puertas y mostró la posibilidad de poder reproducir grabaciones de canciones ya editadas en el estudio, con multitud de muestras, y luego ir encadenándolo todo sin la necesidad de ir cambiando los discos. La evolución es, especialmente en este sentido, un verdadero pasote. Nos aporta infinidad de posibilidades y hace más realidad si cabe el arte de pinchar. —MS

R Lee aquí la entrevista completa >>

febrero 2022 #35

ENTREVISTA

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OS ENCONTRAMOS en las oficinas de Warner Music en Madrid justo antes de su mudanza. Todo cambia –inevitable pensar en ello cuando uno pisa hoy una gran discográfica–, quién sabe si hemos entrado en otra era, pero entre los músicos de León Benavente se mantiene intacta una camaradería genuina y una voluntad férrea de vivir en el presente que, contra todo pronóstico, les ha llevado a conquistar a un público heterogéneo y fiel entre mundos que raramente se encuentran: el rock alternativo y una popularidad casi mainstream.

—En las notas que acompañan “ERA” afirmáis que con canciones como “Mítico” os sorprendisteis a vosotros mismos. ¿Buscabais eso, de alguna manera, con todo el álbum?

(Abraham) Lo buscamos en cada disco. Es la única premisa de la que solemos partir.

Es muy difícil, siendo las mismas cuatro personas, que hagas un cambio absoluto y radical, pero siempre nos planteamos hacer cosas que no hemos hecho, o, al menos, que lo que estemos haciendo nos sorprenda. Y no repetir fórmulas. Son planteamientos que solemos tener antes de empezar cada disco. “Mítico” es una de las canciones que quisimos llevar al extremo.

En otras también queda bastante claro.

—De hecho, incluso cambiasteis de roles en cuanto a los instrumentos. Me ha parecido a mí, o ¿en el disco hay muy pocas guitarras?

(Luis) Es cierto. Somos un grupo de cierta edad, y eso nos permite hacer este tipo de cambios a la hora de tocar instrumentos.

Las guitarras que hay no parecen guitarras.

Era lo que nos interesaba, que no fueran al uso. Que a lo mejor parezcan sintetizadores.

(Abraham) Pero hay muy pocas. De hecho, él, que normalmente es el guitarrista, ha tocado el bajo en prácticamente todas las canciones, que también es lo que creo que nos ha llevado a otros terrenos, y fue otra de las premisas que tuvimos al empezar este disco: cambiar un poco los roles. Habíamos hecho tres canciones en las que Edu había dicho que no iba a tocar el bajo, y en el fondo su sonido había acabado siendo una característica de León Benavente. En el momento en que lo eliminas y pasas a otra cosa, te pone en otro lugar a la hora de hacer canciones.

—¿De dónde viene ese impulso de hacer cosas diferentes? Porque hay muchos grupos que están muy cómodos en un determinado terreno.

(Abraham) Porque si no, nos aburrimos.

(Edu) Es necesidad.

(Luis) La pregunta es: ¿Se divierten haciéndolo? #36 febrero 2022

—Mirad a AC/DC…

(Luis) Bueno, ¡estamos hablando de una multinacional! Nosotros lo que intentamos es preservar esa ilusión, esa cosa divertida de cuando ibas al local al principio hace muchísimo tiempo, cuando teníamos quince o dieciséis años. Tratar de preservarlo de alguna forma creo que es bastante saludable.

(Abraham) También es un cliché cuando los grupos empiezan a tener discos, y lo habrás escuchado en ciento un mil entrevistas, y dicen: “no, con éste nos hemos arriesgado: hemos metido más sintetizadores”. Es un cambio que se ha convertido en un cliché, porque las herramientas están ahí y todo el mundo las puede usar. Nosotros lo intentamos hacer como premisa de inicio. Puede que luego lo consigamos más o menos.

—Esa combinación de rock y electrónica no es fácil de llevar a buen puerto. ¿Partíais de alguna referencia?

(Edu) Tendríamos que remontarnos a cuando nacimos [risas]. Creo que ninguno de los cuatro hemos tenido en nuestra vida grupos que hayan hecho clichés musicales.

Siempre hemos intentado tener grupos que hayan buscado su propia identidad.

El universo confluyó para que tuviéramos este grupo con el bagaje de los cuatro.

Si hablamos de referencias, ya no serían musicales, sino vitales. Debería ser condición indispensable de toda la gente que se dedica al arte intentar arriesgarse… Toda la gente debería tener ese “sufrimiento”.

Porque estás saliendo de tu sitio. Y se sufre.

(Abraham) Como siempre hay que ponerle etiquetas a los grupos para clasificarlos, nosotros siempre hemos dicho que somos una banda de rock. En el fondo es lo que somos, sobre todo encima de un escenario. Ahí es bastante evidente. Pero ya en el disco anterior fue cuando más empezamos a hacer esa mezcla de grupo de rock que utiliza electrónica. Sofisticando el rock, de alguna manera. Creo que ahí empezamos ese camino, y que en éste lo hemos llevado un poco más al extremo. Lo cual no quiere decir que sea un disco más electrónico, ni mucho menos. No deja de ser un disco de una banda de rock, pero utilizando máquinas y elementos de la electrónica.

—El nombre del disco es una palabra ambigua, polisémica. Me ha parecido que hay muchas referencias al tiempo. Hay una canción que se llama “Viejos rockeros viejos” que tiene esa frase estupenda de “Hay que saber irse de una fiesta antes de que se vayan los demás”. ¿Qué me podéis contar del título del álbum en relación a lo que dicen las letras?

(Abraham) A nosotros nunca nos ha gustado hacer discos conceptuales, pero partir de un concepto que lo unifique y te vaya llevando por todas las ramas que pueda tener esa palabra, es una forma de trabajar.

Para escribir me sirve. Creo que la mayoría

LEÓN Nueva era

El cuarto álbum de la banda de Abraham Boba, Eduardo Baos, Luis Rodríguez y César Verdú se titula “ERA” (Warner, 22). Palabra enigmática con varias acepciones que condensa su carácter inquieto, y remite entre otras cosas a la disrupción provocada por la pandemia.

—TEXTO JC Peña —FOTOS Cecilia Aha

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N BENAVENTE “

“Montamos esta banda sin ninguna pretensión de llegar donde estamos”

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febrero 2022 #37

ENTREVISTA

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de la gente cuando vea el título va a ver bastantes referencias a que estamos en un nuevo paradigma. Una nueva era. Realmente, lo que se va a tener más en cuenta es que esto es la post-pandemia, y está la era de antes y la era de ahora. Obviamente, hay referencias a ese tiempo, porque los cuatro lo hemos vivido y creo que pasará un tiempo hasta que sepamos hasta dónde ha llegado o hasta dónde nos ha calado esta historia, pero el título tiene más que ver con el otro significado de la palabra: con lo que ya no es. Hay muchas referencias, sí, al pasado y a puntos de inflexión. Cosas que se terminan, que cambian, que vienen siendo de una manera, terminan y empiezan de nuevo. Eso es un terreno muy amplio, que da para hablar de muchas temáticas. Y creo que las diez canciones de alguna manera están relacionadas con este término.

—Me llama la atención la cantidad de referencias que hay en las letras. ¿Cuál es la intención que hay detrás de tantos guiños? ¿Bebéis de todas las fuentes posibles, literarias, cinematográficas, etcétera?

(Abraham) Sí. Es como… No sé, yo llevo escribiendo así tanto tiempo que lo veo como una herramienta en sí. Y además, cuando lo escucho en canciones de otras personas me parece de las cosas más bonitas: como ir abriendo caminos e ideas con ideas y referentes que vienen de otro lugar, y que si los pones en un contexto nuevo se convierten en otra cosa. Si las complementas con otras referencias, por ejemplo, en el primer single “Líbrame del mal”, hay mezcla de todo: una canción de Bob Dylan, un libro de María Salgado, frases de “Blade Runner”…, todo ese collage de referencias le da un sentido. Cuando estás escuchando una letra, obviamente es bonito encontrarle un sentido en sí a la canción, pero ese tipo de anclas son ganchos que tienen las letras para que te agarres a ellas, y que hace que sea mucho más ameno oírlas. Además de toda la carga que tiene elegir unas referencias y no otras, como homenaje, o lo que sea.

—Me ha parecido muy curioso lo que comentáis de la colaboración con Triángulo de Amor Bizarro en “Te comes mi corazón”: les disteis unas indicaciones y se las pasaron por el forro…

(Luis) Por “o forriño” [risas generales].

(César) Es cierto que se las pasaron por el forro, pero las que nos enviaron también las adaptamos a lo nuestro. O sea, que también lo hicimos nosotros en cierto modo.

Hicimos una edición. Fue como un toma y daca, y todos quedamos contentos.

(Abraham) A Triángulo siempre les hemos admirado, no sólo musicalmente, sino por su discurso. A lo largo de los años han demostrado ser de los grupos que lo tienen más claro. El último disco nos #38 febrero 2022

gustó mucho, De izquierda a derecha: y habíamos César Verdú, Luis hablado de Rodríguez, Abtham Boba llamarles para y Eduardo Baos. que hiciesen algo en alguna canción de este disco. Hasta que estuvo ésta realmente no lo decidimos. Cuando se la enviamos, la canción tenía ya bastante información, porque es la más densa. Y aún así, se la enviamos con algunas indicaciones. Les dijimos: “Meted lo que queráis, porque aunque veáis todos estos instrumentos nuestros, a lo mejor luego los quitamos”. Nada, hicieron lo que les dio la gana.

—El álbum termina con “La cámara de ecos”, que es una canción con elementos autobiográficos claros.

(Abraham) Yo soy el primero que cuando tuve terminada la letra y la escuchamos por primera vez, os dije: “Si la veis muy en el límite, decídmelo”. Porque esto es un grupo y aunque yo escriba las letras, los cuatro vamos a estar en el escenario defendiendo lo mismo. Como algo lo hagas demasiado íntimo, eso puede hacer que nadie participe. Esto no es el proyecto para eso. Pero es verdad que con un disco que refleje de alguna manera todo este tiempo que hemos vivido, es lógico que pase eso. Yo pasé mucho tiempo solo pensando y haciendo un ejercicio interior. Imagino que a todos nos ha pasado, y cada uno lo expresará de una manera. Hay muchas partes de la canción con las que creo que los cuatro nos podemos identificar, aunque sí vaya a concretos.

—Y muchas veces, lo concreto es lo más universal.

(Abraham) Totalmente. Es muy fácil escribir desde un punto de vista más colectivo cuando realmente estás sintiendo esa colectividad. Lo que teníamos y tenemos los cuatro. En todo ese proceso, esto tenía que aparecer en algún momento.

(Luis) En cualquier caso, a pesar de ser una canción muy en primera persona, yo sigo metiéndome en ella.

(César) Identificándote.

(Edu) Al final, tu colega te está contando sus movidas [risas]. Cosas que no sabes. Y está guay.

—En breve cumplís diez años como banda. Habéis sido bastante productivos en este tiempo: cuatro discos, dos EP’s... ¿Qué balance hacéis?

(César) Bastante positivo, la verdad. Montamos esta banda sin ninguna pretensión de llegar donde estamos, pero sucedió muy rápido. Desde el primer disco. También nos llegó con cierta edad, cuando dices: “Hostia, es muy difícil que pase ahora”. Nos estábamos acercando a los cuarenta y recuerdo a los cuatro subiéndonos en la furgoneta, cargándola, haciendo lo que todos los grupos han hecho toda la vida.

EN GIRA l Jaén Viernes 4 febrero.

Nuevo Teatro Infanta Leonor l Madrid Sábado 5 febrero.

Teatro Circo Price (Inverfest) l Málaga Viernes 11 febrero. París l Cádiz Sábado 12 febrero.

Momart Theatre l Pamplona Jueves 17 febrero.

Tótem l Valladolid Viernes 18 febrero.

Laboratorio de las Artes LAVA l Santiago de Compostela Sábado 26 febrero. Sala Capitol l Valencia Viernes 4 marzo.

Palau de les Arts Reina Sofia l Tarragona Sábado 5 marzo.

Tarraco Arena l Badajoz Viernes 11 marzo.

Palacio de Congresos Manuel Rojas l Cáceres Sábado 12 marzo.

Palacio de Congresos l Burgos Viernes 18 marzo.

Sala Andén 56 l Santander Sábado 19 marzo.

Sala por confirmar l Salamanca Viernes 25 marzo.

Palacio de Congresos de Salamanca l Vigo Sábado 26 marzo.

Teatro Afundación Vigo l Bilbao Viernes 1 abril.

Santana 27 l Girona Viernes 8 abril.

La Mirona. Festival Strenes l Barcelona Sábado 9 abril. Barts l Córdoba Viernes 22 abril.

Sala Impala l Granada Sábado 23 abril.

Industrial Copera l Sevilla Jueves 28 abril.

TPC. Cartuja Center Cite

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(Luis) Y que nosotros llevábamos veinte años haciendo…

—Bueno, eso os honra.

(César) Sí, siempre hemos estado ahí.

(Luis) Hay algo muy guay en el grupo: que es muy ilusionante, nos motiva mucho. A pesar de que nos haya llegado a esta edad.

Mi sensación es de estar todo el rato al principio, a nivel de no confiarse. De sufrir.

Y eso a la larga creo que hace que el grupo tenga una propuesta fresca.

(César) De hecho, todo esto nos ha posicionado un poco en una casilla de salida otra vez. Íbamos muy bien, todo in crescendo, y de repente se ha cortado todo y ahora estamos con la misma sensación.

(Luis) Pero eso es una condición común a todo el mundo.

(César). Sí, pero nos ha hecho volver a unas casillas… Habíamos avanzado mucho, y de repente nos vemos otra vez ahí.

—De todas formas, ¿por qué creéis que habéis conectado tan bien con un público tan heterogéneo?

(Luis) Si lo supiésemos, seríamos ricos [risas]. Por los textos de Boba. Pero es un

proyecto de cuatro, y Abraham escribe con cierto cuidado. Somos los cuatro.

(Abraham) No lo sé. Los conciertos.

(Edu) Para mí, ahí está un poco la clave. En el directo que tenemos. Pero sobre todo, en el mensaje del grupo. Para que un grupo realmente cale, yo entiendo que es necesario que el mensaje sea potente.

(Abraham) Al final, todo eso está guay, pero esto es una carambola. Si no nos juntamos las cuatro personas que somos, esto no sería lo que es, básicamente. Supongo que es esa conjunción de personalidades que se complementan perfectamente y que, con un poco de suerte, hacen que tu mensaje y tu propuesta vayan más allá. Y sobre todo, que comuniquen. Creo que lo que más ha pasado con León Benavente es eso: que tanto los conciertos, como las canciones en sí, los textos y toda la estructura musical de las canciones, lo que hacen es comunicar.

Supongo que eso es lo que hace que la gente se enganche a este grupo. —JC PEÑA

R Más en www.mondosonoro.com

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DISCOGRAFÍA

León Benavente

2

Marxophone, 2013 9/10

Warner/Marxophone, 2016 8/10

Vamos a volvernos locos

ERA

Warner, 2019 8/10

Warner, 2021 8/10

febrero 2022 #39

#40 febrero 2022

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41/Mondo VINILOS

David Bowie

Toy ISO/Parlophone

ROCK / Tras pasarse gran parte de los años noventa volviendo a reinventarse, Bowie recuperó en el año 2000 su pasado más perdido, principalmente lo anterior a “Space Oddity”, regrabando varias de sus primeras canciones, tanto de su primera etapa mod, como de sus coqueteos con el “music hall” y el pop barroco de Scott Walker en Deram. “Toy” es un trabajo notable en el que se le ve mirar atrás sin ira y pasárselo en grande revisitando su catálogo más desconocido. En “Can’t Help Thinking About Me” cantaba “I wish I was a child again” y eso es precisamente lo que tenemos aquí, una obra ni rompedora, ni original, pero que se nota que es pura diversión, además de una reivindicación sobre unas canciones que el artista invita a ver a través de otra luz. Y es que si en “Conversation Piece”, cantaba “I’m invisible and dumb and no-one will recall me”, el tiempo le ha demostrado equivocado, porque su huella nunca se olvidará. —SERGIO ARIZA

8

FKA Twigs deja lo oscuro atrás FKA Twigs

CAPRISONGS Young/Atlantic

8 POP / Estamos acostumbrados a ver a FKA twigs entregarse en sacrificio. Retorcerse de dolor a través de su música, destripar su alma para arrojarla en forma de canciones. Ahogarse en relaciones demoníacas, autoflagelarse, soltar para luego poder huir. Se acabó, tras unos oscuros años personales, y un confinamiento que la llevó al límite creativo, la artista decidió usar su arte para encontrar la luz. Para alcanzar el fin del mal, superar el pasado, disfrutar de los suyos y sacar la fuerza necesaria con la que ganar confianza en ella misma. En definitiva, para ser feliz.

“CAPRISONGS” expone a una FKA twigs con ganas de bailar y sacudir restos pandémicos.

Ha sobrevivido a explorar el dolor de una forma en la que pocos lo han hecho y ahora toca pasar página. El espíritu de mixtape, de laboratorio, está más vivo que nunca. Por allí pasan figuras increíbles para enriquecer un proyecto tan autónomo como compacto. El

Guincho es el gran unificador de ideas y la cabeza pensante junto a FKA twigs de esta pieza creativa. Pero, merece la pena pararse en cada detalle para certificar las buenas decisiones de la artista con este lanzamiento. Como, por ejemplo, la aparición de Fakeguido (“Mercadona” o “Aprendiendo El Sexo” de Bad Gyal) en la producción de “papi bones” junto a Shygirl o la colaboración de Pa Salieu en “honda”.

Lo mejor de “CAPRISONGS” es que ha permitido a FKA twigs jugar como nunca y olvidar la presión del lanzamiento de un nuevo largo.

Este proyecto expone a una estrella libre, poderosa, fuerte y humana. Aúna de una forma tremendamente inteligente a qué suena Reino Unido en este 2022. Mantiene esos viajes electrónicos íntimos junto a Koreless, explora un pop mucho más dulce y comercial; e intenta introducir su mundo en esos subgéneros africanos (Alté nigeriano) que están poniendo patas arriba el drill británico. FKA twigs nos ha salvado del aburrimiento y de un inicio de año musical que por lo pronto desprendía un poco de pereza y falta de interés. ¡Vamos a celebrarlo! —ALEX JEREZ

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The Wombats

Fix Yourself, Not The World AWAL/Popstock!

ROCK / El quinto trabajo del trío de Liverpool es el diario sónico de veinte años de carrera, en el que ahora se conjugan desde el R&B, pasando por el indie más guitarrero o la electrónica más comercial. Las barreras de lo mainstream y lo indie se estrechan y las líneas rojas desaparecen. Solo quedan canciones que nos remiten a la pista de baile con himnos de pop contagiosos como “Flip Me Upside Down” o “If You Ever Leave, I’m Coming With You”. “Method To The Madness” rompe la tendencia; una balada que colapsa en un final rabioso y frenético. Lo mismo pasa con “Ready For The High”, juguetona y llena de contrastes, como unos Jungle armados con guitarras pesadas o “Work Is Easy”, que podrían haber escrito Garbage en los noventa. The Wombats hablan de salud mental y de la angustia vital, haciéndolo como mejor saben: envolviéndolo todo con aparente facilidad con capas de sintetizadores y melodías vitalistas. —MARTA TERRASA

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febrero 2022 #41

MONDOVINILOS

Vuelven los paisajes sonoros de Toundra Toundra

Hex Inside Out

8 ROCK/ Con una trayectoria de quince años

a las espaldas, el grupo con sede actual entre Madrid y Asturias vuelve al ruedo con “Hex”, álbum de cuarenta y cinco minutos de duración a digerir en dos partes. Por un lado, las tres partes de “El Odio”, acompañadas por el corto de Jorge Carbajales; por el otro, “Ruinas”, “La larga marcha”, “Watt” y “FIN”.

Ya la portada del álbum –obra del fotoperiodista y Premio Pulitzer Manu Brabo– nos genera una potente impresión mediante una instantánea de una central térmica asturiana que nos puede llevar a recapacitar sobre lo que el ser humano le ha ido comiendo a la naturaleza con el único fin de que la rueda del capitalismo y el consumo no paren de girar. En lo musical, las tres entregas de “El Odio”, entrelazadas para que se disfruten como un todo, se muestran melancólicas con transiciones tranquilas que estallan en

POP / Si hace unos meses fue

Ricky Gil, con la compañía de Biscuit el que publicaba el destacable “Infinites Rutes Invisibles” (21), ahora su hermano hace lo propio con un disco complicado, especialmente para todos aquellos que busquen aquí una continuidad del sonido de su banda.

Porque igual que Ricky, Albert Gil se desmarca profundamente de él.

Traduciendo del latín como título la expresión “Sobras incompletas”, el álbum es un compendio de canciones antiguas junto a otras compuestas durante el confinamiento que Albert entendió que no tenían cabida en sus otros proyectos. Cierto es que temas como “Mal Educat” se acercan al power pop de los Brighton, tanto como que también hay una huida de ese sonido en temas como “Aquel deseo que un día formulé”. Heterogéneo como pocos, el disco va dando tumbos entre diferentes estilos, sin quedarse con ninguno en concreto. Esa diversidad podría ser su bandera. —EDUARDO IZQUIERDO #42 febrero 2022

ELECTRÓNICA / El golpe electro de Linalab se pule en “Desire Paths” a base de guitarras y baterías. El disco supone un acto de organización del universo sonoro de la artista en busca de melodías más amigables y viajes hipnóticos que continúan, eso sí, reflejando su identidad. Lina se vuelve más minimalista y sensible en los beats y se abre a potenciar sonidos mucho más orgánicos que empujan los temas hacia un estilo más rock, épico, menos sucio y más pacífico. Un claro inicio en la búsqueda de nuevas rutas que construyan lo que puede llegar a ser como creadora y las ganas que tiene de dejar fuera todo tipo de prejuicios. Grabado y mezclado en Jerez de la Frontera junto a Rafa Camisón, quien se encargó además de la percusión.

Supone una exploración llena de nuevas atmósferas y texturas. Un viaje por una naturaleza inexistente y un salto al oscuro vacío (“Pulsar”) en busca de su propio centro de gravedad. —ÁLEX JEREZ

6

The Jesus Bolt

Felina El Dromedario

Desire Paths Synth Vicious

Plena Fragmentorum Cofini Chesapik

como ejemplo el desenlace de “El Odio”, en el que parecen dejar abierta una puerta a la luz tras la soledad y la incertidumbre. El cuarteto cierra “Hex” con “FIN”, el tema más experimental y en el que los sintetizadores y la programación de Javier Cosmea, las partes de piano y el hipnótico riff acústico aportan diversidad, cerrando un trabajo que cumple a todos sus niveles y del que destaca una producción exquisita. —JAIME TOMÉ

Nat Simons

Linalab

Albert Gil aka Rudemod

7

riffs metaleros y que el grupo va salpicando con acústicas, las percusiones de Marc Clos, el saxo de Adrián Bauzó e incluso algunos sintetizadores. Toundra juegan con su baraja de cartas habitual, canalizando todo su potencial una vez más para conseguir que el oyente entre de lleno en sus atmósferas, compuestas en una época crucial para nuestra sociedad, y dejando hueco para momentos luminosos que desvelan una palpable esperanza. Sirva

7

POP ROCK / El tercer disco

de Nat Simons supone un cambio casi radical respecto a los dos anteriores álbumes de la artista, no solo por el hecho de que ahora elige el castellano para expresarse, sino también por la transformación en cuanto a estilo y sonido que ahora presenta. La cantante española publica “Felina”, un álbum con pocos contrastes que intenta poner voz femenina a un género normalmente llevado a los escenarios por hombres en nuestro país. Todas las canciones parecen nacer de un instinto, de algo casi animal, como se pone de manifiesto en “Ley animal”. “Piel”, “rabia” o “refugio” son palabras que aparecen en sus nuevas letras y que nos remiten a lo más intrínseco de la artista. Se trata de un trabajo muy lineal que elogia la importancia que tiene la música en su vida y como herramienta para gestionar las dificultades que supone relacionarse con los demás y con ella misma. —CLÀUDIA PÉREZ

The Kid Got Electric Autoeditado

7

POP / De las catacumbas

más hondas del rock independiente británico emerge este artefacto que no debería pasar desapercibido, gestado por dos veteranos de la escena de Bristol que tocaron su guitarra en los fantásticos The Blue Aeroplanes durante dos etapas distintas de la banda capitaneada por Gerad Langley. Hazel Winter y Gerard Starkie son pareja, y ponen en liza en este primer álbum como The Jesus Bolt una suerte de blues-folkrock imaginativo y muy bien letrado, evocador y turgente. Rotundo.

Repleto de aristas. Con momentos vivificantes, especialmente aquellos en los que Winter toma el mando (en muchos otros alternan), se pone en modo spoken word y doma rodajas tan fibrosas como “Flaming Car” y “The Builder”, o tan magnéticamente obsesivas como “Bright Burning”, que tiene un texto que atrapa. Mucha miga en estos cuarenta y cuatro minutos que no deberían pasar desapercibidos.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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MONDOVINILOS

Elvis Costello

The Boy Named If EMI

POP / Si no fuera porque Elvis Costello es de los que no paran hubiéramos calificado el desastre que se le ocurrió hacer con “This Year’s Model” hace solo unos meses. Pero el gafotas es de los que no paran, y eso permite ver aquello como un simple resbalón. Y es que cuando lo hace es capaz de seguir emocionando.

Aquí, de manera irregular, vuelve a lograrlo. Digo esto porque a este trigésimo segundo álbum de uno de los grandes del power pop, aunque trascendiera el género hace muchos años, le falta cierta coherencia estilística. El tema además se ha vestido de disco conceptual. Pero más allá de detalles, el disco funciona bastante bien en casi todo su minutaje con piezas del calado de “Paint The Red Rose Blue”, “Mistook For A Friend” o la juguetona “Penelope Halfpenny”. No es el mejor Elvis Costello de su carrera, pero sí es el mejor Elvis Costello que podemos encontrar en este momento de su carrera. —EDUARDO IZQUIERDO

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Thalia Zedek Band Perfect Vision Thrill Jockey

7

The Weeknd desaprovechado The Weeknd

ROCK / A sus sesenta y un

tacos, la vieja guerrera se niega a claudicar, y ha regresado con un octavo álbum con el que entrega diez nuevas gemas sin pulir de rock doliente atemporal.

Convertida en una voz clásica desde hace ya mucho tiempo, la artista entrega las canciones sin filtro que haría una Patti Smith de vuelta de todo. La sombra de la de Chicago –cuyos primeros discos le cambiaron la vida a la joven Thalia– sigue presente en un trabajo que no se desvía un milímetro de su universo estético y lírico: canciones hondas de envoltorio clásico, sin un gramo de falsedad. Hay valses rotos (“Smoked”) y rock descarnado sombrío (“Binoculars”). Los riffs de guitarra pueden ser oníricos (“Overblown”) o desafiantes (“Queasy”). El estribillo del single “Revelation Time” pone algo de esperanza, pero las majestuosas “Remain” o “The Plan” recuperan ese poso de serena melancolía. —JC PEÑA

Dawn FM Republic/Universal

6 POP / The Weeknd tiene una brillante capaci-

dad para construir hits limpios, accesibles, inofensivos y de fácil consumo. Pero, también vive en su propio bucle de sonidos ochenteros en el que se ahoga y del que no quiere salir. Con “Dawn FM” vuelve a repetir su fórmula con total precisión, esa que ya se sabe de memoria.

No hay ninguna intención de indagar en nuevos caminos sonoros, tampoco de recuperar sus raíces creativas y mucho menos de entregar el título de súper ventas. Porque, unido a todo esto, la estrella ha demostrado que necesita con todas sus fuerzas alimentar su ego a base de aplausos como si fuera aquel “Sin Cara” de “El viaje De Chihiro” al que todo el mundo trataba como un Dios dentro del balneario. Le cuesta aceptar las críticas y se ha convertido en un ser tremendamente ambicioso. Aún así, la incorporación de Daniel Lopatin, Oneohtrix Point Never, en la producción nos ayuda a poder comernos la misma tarta de siempre con

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más gusto. Le da un respiro y mayor coherencia al pobre trabajo electrónico de entregas previas y consigue disfrazar, y maquillar, piezas sonoras algo más interesantes a las que lanzó en “After Hours” (20).

Abel Tesfaye sabe construir temas con un poder asombroso cuando quiere. Y un ejemplo de ello es ese “Sacrifice” que le encumbra en el primer bloque de canciones del largo de la mano de Swedish House Mafia y Max Martin.

Un buen electro-pop con golpes funk que será lo más recordado de esta era junto con un acertado “Take My Breath” que amplía en duración.

Por lo demás, también hemos podido disfrutar de ese dulce slow jam que es “Out Of Time” o incluso se podría decir que enganchado un poco al adictivo pulso seco que tiene “Best Friends”.

Lástima que la literatura de todos estos temas sea tan tremendamente pobre. Y es que, nos da mucha rabia las oportunidades perdidas que vemos en “Dawn FM”. Cómo, por ejemplo, desplaza a Tyler The Creator en “Here We Go… Again” o lo poquísimo que brilla a su vez el trabajo de Bruce Johnston (The Beach Boys) en la canción. —ALEX JEREZ

febrero 2022 #43

MONDOVINILOS

Hard Feelings

Hard Feelings Domino

ELECTRÓNICA / Joe Goddard y Amy Douglas se embarcan en un enorme viaje de imperfección y locura levantando Hard Feelings.

El nuevo proyecto del dúo es una auténtica fantasía disco que derrocha verdad, sudor, dramatismo y decadencia a partes iguales. Un golpe en la cara para los falsos modernos y un recordatorio de que ellos siempre estuvieron antes. Una nueva oportunidad para demostrar que el fervor reciente por resucitar el sagrado espíritu de los ochenta merece la pena y que no todo son bases repetitivas, pop chicloso y melodías pobres.

“Hard Feelings” está lleno de riffs estupendos, mucho poder, beats certeros y una voz que desprende sexo todo el rato. Amy viaja por todo el álbum para liberar su alma en cada línea y brillar como una auténtica estrella pop. Una continua búsqueda nostálgica del paraíso, un insistente impulso de dejar atrás las tinieblas sin miedo a usar sus drogas de referencia para conseguirlo. —ÁLEX JEREZ

7

Gunna

DS4EVER Young Stoner Life/300 Entertainment

El mundo según Nacho Vegas Nacho Vegas

Mundos inmóviles derrumbándose Oso Polita

8 CANCIÓN / Diez pequeños faros que hacen girar

su foco de luz y, mostrando ese laberinto de mareas opresivas y “el rumor de la locura”, encuentran entre los parpadeantes resplandores de su girar, ese “don de la ternura” que reanima, poco a poco, el alma helada y dolorida bajo un inesperado y salvador sol de invierno. Así, al son de “El don de la ternura” y ardiendo en el fuego fatuo de “El mundo en torno a ti”, bailan estos planetas que se desmoronan y dan a luz otros nuevos. Temas donde el amor y la crueldad se rozan y penden de un hilo y, sin regocijarse en la disforia, sino mirándola a los ojos, bailan un vals calmado en ese horizonte donde se ahoga el día y amanece otra oportunidad.

Comienza el viaje y “cae a plomo un nuevo amanecer” bajo la épica solemnidad de los coros y el chello de Mursego en “Belart”, con percusiones que truenan en la niebla y aplastamiento que nos envuelve tras la pérdida de un ser querido y la dificultad del simple

#44 febrero 2022

sobrevivir con ese inabarcable e incomprensible vacío. Misma culminación del dolor recorremos, pero con unas melodías más dulces y reconfortantes, con hermosos arreglos de cuerdas incluidos, en la desnudez verdadera de “Ramón In”, dándonos la clave sonora y sanadora de este sobresaliente “redespegue” del asturiano junto a sus nuevos Bad Seeds (Hans Laguna, Ferrán Resines, Cristian Pallejà, Joseba Irazoki y Manu Molina). Así, como reza la festiva canción/panfleto-bomba “Big Crunch”, con la participación del Coru Antifascista Al Altu La Lleva, el tema más intrínsecamente político (junto al adelanto “La flor de la manzana”) del lote: “Siempre hay luz ante tanta oscuridad”.

Quizás la música no tenga ese poder transformador que muchas veces le otorgamos, pero sí puede acompañarnos en procesos vitales y sociales e insuflarles ese empuje y brisa que nos ayuda, cuando más cuesta reencontrarse con la ilusión, a proseguir el camino hacia un nuevo destino. “Mundos inmóviles derrumbándose” es una muesca imborrable más del songwriter a batir en el inconsciente sentimental colectivo. —DAVID PÉREZ

TRAP / Sigo sin entender la recepción que ha tenido el último disco de Gunna entre la crítica especializada norteamericana. Como ya pasó con los trabajos de Kanye West, Drake o Young Thug, “DS4EVER”, el que para mí es el álbum más completo de Gunna hasta la fecha, vuelve a quedarse alejado de las valoraciones más altas. Parece que la crítica musical de tendencias ha dejado de interesarse por las novedades de los popes de la escena hip hop post-trap y que ya nada llega al nivel. Quizá Gunna debería reivindicar algo en sus canciones y videoclips para lograr el reconocimiento de los Pitchfork de turno.

No lo hace, así que solo se dedica a hacer buenos temas. El inicio del álbum, con “private island”, “pushing P”, “poochie gown” y “mop”, es uno de los mejores inicios en la escena, y el álbum aguanta el tirón apostando por melodías pop y R&B que pocos raperos se podrían permitir sin sonar demasiado cheesy. —LUIS M. MAÍNEZ

7

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Burial

Delaporte

Antidawn EP Hyperdub

Abril Mad Moon Music/Gran Sol

POP ELECTRÓNICO / Para

las bandas, los epés suelen ser una herramienta para mostrar a su público el proceso de cambio que están viviendo y que, normalmente, termina culminando en su nuevo disco.

“Abril”, el último lanzamiento de Delaporte cumple esa función a la perfección. Formado por cuatro canciones –una de las cuales, “Droga dura”, ya habían estrenado en julio– y tres remixes ha sido producido por los propios Sandra y Sergio, que han contado con Santiago Quizhpe en la masterización. Los temas, y sobre todo los remixes, nos acercan a la versión más club del proyecto, manifestando su clara intención de volver de nuevo al estilo que les caracterizó en sus inicios. En cuanto a lo temático, el dúo se mantiene lanzando mensajes directos sobre relaciones complicadas, necesidades físicas como el sexo o el baile, la autoestima y la esencia de ser una misma. —CLÀUDIA PÉREZ

8

nuevo lanzamiento de Burial sea celebrado como el advenimiento de un dios es algo que se entiende a la perfección por artefactos como este, que definen la grandeza de un tipo tocado con la varita mágica de los iluminados. Y es que “Antidawn EP” es un trabajo que (una vez más) lo asienta como oráculo de toda una generación de productores electrónicos que no pueden seguir sus pasos. Resulta imposible con artefactos como este, donde parece haber recogido la metodología de su single “State Forest” para estirarla en cuarenta y tres minutos, separados en cinco partes, en los cuales demuestra una capacidad única para llevar al límite las posibilidades expresivas de la crackología. Esta bruma ambient, cocinada bajo los parámetros augurados por Pole y Portishead en sus primeros trabajos, es la que el hombre sin rostro despliega bajo una condición absolutamente atemporal. —MARCOS GENDRE

Brightside Decca/ Universal

FOLK / Entiendo perfectamente a todos los que al oír este nuevo trabajo de The Lumineers hayan tenido una sensación de hastío, de aburrimiento, de visitar terrenos demasiado conocidos ya. No voy a intentar convencerles de lo contrario. Tienen razón. Pero ¿y qué? ¿Es eso un problema? No para mí. Yo quiero que The Lumineers suenen así, lánguidos y a la vez joviales, ligeramente aterciopelados y levemente rítmicos. Así que no pudo hacerme más feliz el enterarme de que este nuevo trabajo iba a ser producido por el mismísimo Simone Felice. Siendo así era imposible que no saliera lo que ha salido. “Brightside” es un álbum corto, en el que los momentos tranquilos son más tranquilos que nunca y los acelerados –pocos– también lo son más. Un álbum enlazado, en el que nunca sabes cuando acaba una canción y empieza otra porque su ritmo es trotón, pausado y continuo, pero que transmite una sensación de paz. —EDUARDO IZQUIERDO

POP ELECTRÓNICO / Tú No Existes presentan su segundo trabajo, “Futuro perfecto futuro”. Diez piezas que suponen su consagración como una de las propuestas más particulares dentro del panorama nacional.

En este disco nos llevan a un nuevo universo, ese que plasman en “Longitud de Onda (Vaivén)”, plagado de electrónica y pop, cercano a la religión y al espacio.

Se alinean perfectamente con los las distintas esencias de la electrónica, dándole al tema el toque justo que necesitan, como en “13 Dispositivos”, en la que apenas se percibe o en “Corrientes de pensamiento”, donde se acercan al pop más convencional. Incluyen solo dos colaboraciones, pero ambas (Tórtel y Broem) le otorgan un punto más de calidad a esas piezas. En definitiva, es un álbum fácil de escuchar y sorprendente de oír que nos lleva a reflexionar sobre la sociedad y el futuro que nos depara.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

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INTERNACIONAL

1 Biela Un día más

1 Yard Act The Overload

2 Chaqueta De Chándal 2 Silvana Estrada Futuro, tú antes molabas Marchita 3 León Benavente ERA

3 Fka Twigs Caprisongs

4 Nacho Vegas Mundos Inmóviles Derrumbándose

4 Bonobo Fragments 5 Orlando Weeks Hop Up

5 Ferran Palau Joia 6 Toundra Hex

6 Elvis Costello & The Imposters The Boy Named If

7 La M.O.D.A. Nuevo Cancionero Burgalés

7 Aeon Station Observatory

9 The Wombats Fix Yourself, Not The World

10 Riverboy El Olimpo

10 Cat Power Covers

Chaqueta de Chándal

Live At Montreaux Jazz Festival Southern Lord

8

8 Burial Antidawn EP

9 Exnovios Un nuevo día

Anna Von Hausswolff

Futuro perfecto futuro Calaverita Records

7

NACIONAL

8 Victimas Club El castigo es colectivo

Tú No Existes

The Lumineers

7

ELECTRÓNICA / Que cada

top 10 .

7

POP GÓTICO / La ascendente

carrera de la sueca Anna Von Hausswolff hizo check a lo grande con su participación en el prestigioso Montreaux Jazz Festival de 2018, actuación inmortalizada con esta edición. En estas seis canciones se da una muestra de lo que supone la experiencia de presenciar su directo, profundo, conmovedor momento que ofrece múltiples lecturas y sensaciones hondas. El repertorio se ocupa de visitar sus discos “The Miraculous” (15) y “Dead Magic” (18), no hay rastros del consagratorio “Singing From The Grave” (10) y eso está muy bien. La cohesión que logra entre las canciones de ambos álbumes –oscuras, cantadas con el alma, dibujantes de ambientes opresivos, que hacen arte del desequilibrio– es óptima y esa impronta de sentimiento desgarrado, pasión incomprendida y desvelo sentimental se refleja en grande gracias a una actuación precisa y un audio perfecto para la ocasión. —ADRIANO MAZZEO

Futuro, tú antes molabas Bankrobber

8

POP ROCK / El trío catalán

pone banda sonora a ese apocalipsis con tonos grises que se repinta delante de nuestras pupilas. Los sintetizadores de Guillem suenan oxidados, de cierta calidad estroboscópica y una caudalosa polifonía de iras, ironías y humor negro. Las guitarras de Natalia apuestan por más distorsión y esta vez se emparejan con resonancias más grunge, creando junto a Guillem, una marea de sonido flecha, que puede asemejarse al cargador de una Uzi apuntando a una diana diseñada por Noam Chomsky. Alfonso coreografía una descarga rítmica que doma y somete con temple las estiradas sónicas de sus compañeros. Este disco es molesto y seguramente herirá muchas sensibilidades. Es música hecha con el corazón y los ovarios. Una propuesta artística que refleja con sonido y palabras una realidad que nos oprime y nos ningunea. Ya lo dicen ellos: Futuro, tú antes molabas.

—ANDREU CUNILL CLARES febrero 2022 #45

MONDOVINILOS

La M.O.D.A. se inspiran en la tradición La M.O.D.A.

Nuevo Cancionero Burgalés PRMVR

9 FOLK ROCK / Uno de los regalos más precio-

sos para un artista es la capacidad para comunicar. A través de sus intensos conciertos y sus ya numerosas grabaciones, los burgaleses han conectado de forma natural con un público que ha entendido ese sustrato de honradez (es decir, de verdad) ausente en una parte no despreciable de la música popular contemporánea. Ellos han seguido a lo suyo, quizá redoblando su lado más contundente o inquieto y rebajando los matices folk irlandeses, pero lejos de enajenar a sus seguidores, han ganado más apoyo. Y todo, desde la autogestión: el más difícil todavía. En su nuevo disco –ocho cortes, generalmente breves, en los que ni falta ni sobra nada– abrazan la tradición lírica popular castellana con una selección de canciones populares de su tierra a las que han puesto música nueva, recombi-

Álvaro Díaz

Geese

Felicilandia Universal

URBANO / Álvaro Díaz vuelve a ser el cantante de los reggaetoneros inocentes que miran al amor como solo se puede mirar antes de que a uno le hayan roto dos veces el corazón. “Felicilandia” (20) abandona la ciudad de los niños tristes de “Díaz Antes” pero no cambia el tono, ni para bien ni para mal. Sigue siendo uno de los nombres más brillantes del urbano alternativo latinoamericano pero tampoco consigue firmar una obra maestra de disco, como si ha hecho su amigo C. Tangana. Álvaro Díaz cuenta con el apoyo de nada menos que Rauw Alejandro o Feid y nos regala temazos. Rescata a Randy del cajón y vuelve a unirse con Jesse Baez, con lo que “Felicilandia” es un disco interesante, que se asoma al balcón del exceso sin precipitarse por el mismo en lo que a todas luces es un buen ejercicio musical y lírico. Álvaro Díaz tiene talento de sobra pero le falta (o eso parece) la ambición que sí tienen otros artistas por distinguirse. —LUIS M. MAÍNEZ

7

#46 febrero 2022

nando versos con gusto y respeto. Lo clásico suele ser lo más moderno. Textos preciosos, de esa hondura expresada con palabras.

Visten los textos con ropajes musicales exquisitos o vigorosos y melodías vocales certeras: modernidad y tradición se ponen así de acuerdo, sin que nada suene forzado o, lo que sería peor, impostado. Y aunque la idea de volver a grabar con el gurú del sonido realista Steve Albini (con quien gra-

Marc Seguí

Projector Partisan Records/[Pias]

POST PUNK / Lo que empezó como un proyecto entre amigos del instituto en Brooklyn ha tomado vuelo con un debut notable. El quinteto viene con la lección muy aprendida y se hace fuerte en un trabajo complejo en el que mandan las guitarras intrincadas e influencias dispares (post-punk, psicodelia, math-rock, pop de vanguardia, con la rica tradición neoyorquina como faro), otra prueba de cómo el acceso inmediato a toda la música hace que los grupos jóvenes carezcan de prejuicios. Las disonancias guitarrísticas de “Rain Dance” conviven con gancho melódico. En la casi progresiva “Low Era” hacen como si Deerhunter hicieran música de baile. Con “Fantasies/Survival” se ponen por momentos un traje demasiado parecido al de The Strokes. Con “First World Warrior” bajan radicalmente de revoluciones y se aproximan a atmósferas post rockeras. Más que penalizarles, esa capacidad camaleónica se muestra su mejor baza. —JC PEÑA

7

baron un EP) se desechara a última hora para meter más pistas y enriquecer las canciones, “Nuevo Cancionero Burgalés” destila esa inmediatez cruda y atemporal que ellos persiguen, y que es garantía de pervivencia en el tiempo. La producción de Gorka Urbizu (Berri Txarrak) y las mezclas de Jordi Mora (Bunbury) están a la altura. De lo más cercano a lo universal. Un triunfo.—JC PEÑA

Judeline

Pinta y colorea Warner Music Spain

conocer gracias a su hit “Tiroteo” y ahora presenta su primer álbum, “Pinta y colorea”.

Podríamos dividirlo en tres partes: la primera incluye sus temas más tristes, en los que nos habla de la ruptura que va a marcar el concepto del álbum.

Empieza desgarrándose en “No te lloro más”, para irse animando en “solo en casa :(”, pasarse al rock en “Despertar”, al rap en “No te entiendo” y cerrar en “Pijama”, junto a Xavibo. La segunda parte se compone de cuatro temas de estructuras de pop frescas, como “360” o “Loop” que se te quedan grabadas en la primera escucha y hacen que te metas de lleno en su imaginario.

Y la parte final nos lleva a la aceptación de esa ruptura, junto a Pimp Flaco en “Cosas raras” y con Xavibo en “cara :)” para acabar rogándole que vuelva en el melancólico cierre, “Poquito/ Trocito”.

URBAN / Judeline (realmente llamada Lara) se crió en los alrededores del Cabo de Trafalgar, en Los Caños de Meca (Cádiz), un lugar que la ha marcado de por vida y que hoy, con la mirada puesta desde Madrid, resucita con perspectiva y serenidad. Moviéndose entre géneros, las cinco canciones de “de la luz , su debut discográfico, nos llevan desde el amanecer hasta la madrugada para relatarnos una historia (o varias, en un mismo día) sobre oscuridad, amor y sueños. “Quien quiera visitar Los Caños de Meca, que se escuche el EP”, contaba la propia Judeline en una entrevista para Radio 3. “de la luz”, efectivamente, es un retrato sonoro de una “niña del sur” que por las noches se dormía con la suave y fiel compañía de la luz de un faro. Una imagen que se puede dibujar en la mente con tan solo escuchar canciones como “marisucia · noche”.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

—ÁLVARO TEJADA

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POP / Marc Seguí se dio a

de la luz Sonido Muchacho

8

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febrero 2022 #47

NUEVO DISCO

¡MÁS FECHAS POR ANUNCIAR! www.somosmarujalimon.com

#48 febrero 2022

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CINE

FOTO: LANDER LARRAÑAGA

49/Mondo Media

David Casademunt Miedo a lo desconocido

en mi “El cine de terror está ulas infancia, en las pelíc que y que mi padre me poníanciliar luego me impedían cosueño” el

Lograr que el día después de su estreno tu obra prima –“El páramo”– se convierta en la segunda película más vista dentro de una plataforma como Netflix es una proeza al alcance de muy pocos. David Casademunt (Barcelona, 1984) es un cineasta de los que exudan pasión por el séptimo arte en todos y cada uno de los detalles de su producción.

“

EL PÁRAMO” NO SOLO ES el primer largometraje de este director, formado e instruido en las entrañas de la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña y galardonado en numerosas ocasiones por sus trabajos previos en el campo del documental y el

cortometraje; sino que su propuesta se postula desde ya como una de las cintas más interesantes del imaginario fantástico nacional reciente. Aunque ver a la bestia pueda habernos erizado el vello de la nuca, es su propio artífice quien ya nos advierte de que no le convence del todo catalogar la película dentro de un único género: “Para mí ‘El páramo’es un híbrido entre varios géneros. De cara a la galería tenemos que catalogarlo como un film de terror, pero hay muchas lecturas dentro de la propia historia. Hay drama, hay thriller psicológico, hay tintes históricos, hay incluso trazas de una coming of age movie…”. Sin embargo, y a pesar de las múltiples lecturas que podamos sacarle a sus noventa minutos de duración, ni la metafísica ni el intelectualismo nos librarán de algún que otro episodio de sorpresivo espanto, tal y como versan las influencias del director. “A fin de cuentas,

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el cine de terror está ahí, en mi infancia, en las películas que mi padre me ponía y que luego me impedían conciliar el sueño, obligándome a acabar durmiendo con ellos. ‘El exorcista’ aún supone un trauma para mí, por ejemplo. Y a día de hoy, si veo tan solo un plano de esa película es muy probable que esa noche no duerma”.

Aún así, tanto el propio Casademunt como el espectador medio que llegue a “El páramo” en este recién estrenado 2022 será capaz de divisar terrores invisibles y angustias familiares que a día de hoy puedan ser perfectamente plausibles y reconocibles. La idea original sobre la que el largometraje se sustenta fue concebida en un ya lejano 2014, cuando hablar de pandemias mundiales, mascarillas y virus que mutan hubiera sido inverosímil y descabellado de todo punto. No obstante, y como si de una amarga paradoja se tratase, las bases de esa estructura que el cineasta

3

febrero 2022 #49

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catalán comenzó a cimentar en un verano de una ya remota antigua normalidad acaban viendo su forma final en un incierto presente donde relatar ciertos paralelismos parece un camino razonable.

“Comenzamos a rodar la película cuando estábamos en plena tercera ola, alrededor de marzo del pasado año. Fue bastante extraño vernos envueltos en esta casualidad casi mística, donde narrábamos un intenso relato sobre el aislamiento y la soledad mientras estábamos viviendo una realidad pareja.

Más allá de la tragedia en sí, pienso que tanto para mí, que diseñé los primeros storyboards del film durante el confinamiento, como para los actores y el resto del equipo, éste fue un contexto provechoso que sirvió para que todos nos creyéramos el mensaje y lo lográsemos transmitir de la mejor manera posible”.

Con todo, la realidad que el barcelonés nos presenta, con esa Lucía (Inma Cuesta) ejemplificando la pérdida progresiva del juicio, ese Salvador (Roberto Álamo) atormentado por un pasado muy presente, y un joven Diego (Asier Flores) obligado a atajar las riendas de un hogar que se desquebraja por instantes, es una historia que se fragua en la extenuante labor de combatir y lidiar nuestros propios monstruos más profundos. Algo en lo que a lo largo de los años el director parece haber desarrollado a través de esa amarga pedagogía que solo nuestras bestias particulares son capaces de otorgarnos. “Estoy inevitablemente representado en el salto madurativo que el personaje de Diego experimenta. Hay ciertos episodios personales en los que tuve que madurar de forma abrupta y coger el toro por los cuernos ante una situación traumática y sin más remedio. Cuando tenía quince años mi padre enfermó de cáncer. Tras degradarse mental y físicamente, y finalmente abandonarnos, comencé #50 febrero 2022

do a “Llevo media vida viendarle ‘la bestia’ e intentandopalda” la es a desarrollar ese paso de niño a adulto y mi necesidad particular por saber gestionar todo lo que estaba sucediendo a mi alrededor. Así que a título personal se podría decir que llevo media vida viendo a ‘la bestia’ e intentando darle la espalda. Y a fin de cuentas, ése es uno de los mensajes que ‘El páramo’busca transmitir: cómo el momento en el nos encontramos condiciona la manera en la que esa bestia personal logra manifestarse ante nosotros”.

“El páramo” comienza a moverse en el circuito cinematográfico en 2015, cuando de aquellas aún se llamaba “La bestia” y cuyo título se nos hace saber que simplemente ha sido cambiado por razones de “comodidad administrativa”. “El guión fue premiado por un taller de desarrollo creativo e invertimos lo ganado en poder rodar una escena que sirviera como carta de presentación de la idea formal.

Nos gustó cómo quedó y lo acabamos registrando como un cortometraje, que de hecho movimos por algunos festivales y nos permitió ganar una cierta visibilidad”. Como si de una estrategia de venta se tratase, el cortometraje de “La bestia” pasó de desfilar en festivales de cine a acabar conquistado nada más y nada menos que los intereses de uno de los gigantes de las plataformas de streaming por excelencia. “Soy consciente de la suerte que tengo de que tanto Netflix como Rodar y Rodar entendieran desde el principio que para que un proyecto como éste luciera apropiadamente, era necesario disponer de recursos sustanciales. No todos los directores noveles pueden presumir de que su primera película cuente con un despliegue de medios como ‘El páramo’ , y por ello me siento increíblemente afortunado”. —FRAN GONZÁLEZ APARICIO

El Páramo David Casdemunt

R Más en www.mondosonoro.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTOS: LANDER LARRAÑAGA

MONDO MEDIA

CINE Y SERIES El amor en su lugar

No mires arriba

Rodrigo Cortés

Adam McKay

8 EN UN LUGAR en el que un abrigo y un trozo de pan eran un lujo, Rodrigo Cortés emplaza su obra de mayor calidad hasta la fecha.

Una obra que demuestra que, en los momentos más oscuros, el arte debe existir y mantenerse como ese bien de primera necesidad que es en realidad. Con reminiscencias a películas fundamentales como “La lista de Schindler” (Steven Spielberg, 93) o “Ser o no ser” (Ernst Lubitsch, 42), entre otras, la cinta dirigida por Cortés está ambientadad en el gueto de Varsovia en 1940. Narra la historia de un grupo de actores judíos de teatro musical que interpretan la pieza que sirve para titular el filme y con la que buscan hacer reir a sus compatriotas en uno de los momentos y lugares más oscuros que hayan existido en la historia. Desde tres puntos de vista diferentes, el patio de butacas,

el escenario y bambalinas, se va cocinando una obra que expone de manera mordaz la importancia del teatro para sus espectadores, gentes que no tenían ninguna otra cosa a la que agarrarse en aquellos momentos. De ahí que la tensión se viva en cada una una de esas perspectivas a cada segundo, especialmente en las escenas en las que la policía nazi irrumpe en el teatro, mostrando cómo el control y la represión acaban por hacer dudar a las personas de si mismas y de quienes tienen cerca. Con un plano secuencia inicial brillante, “El amor en su lugar” es una de esas obras de las que los diálogos te retumban en la memoria durante los días siguientes a su visionado. Cortés existe más allá de “Buried” y es uno de los mejores cineastas de nuestro país.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES

7 “NO MIRES ARRIBA” llegó estas Navidades a Netflix para darnos la sátira social que necesitábamos en esas fiestas. Adam McKay, el genio que convierte temas complicados en comedias inteligentes, es el escritor y director.

Para darle forma y convertirla en un producto para grandes audiencias ha reunido a los titanes del cine Leonardo DiCaprio, Meryl Streep, Jennifer Lawrence y Jonah Hill, entre muchos otros, para hacer la que debería ser la película que nos reventase la mente. Y digo debería, porque eso es algo que solamente ha conseguido en parte. Tenemos un guion que derrocha ironía y buenas ideas, en el que el humor está servido con dosis de dramatismo, tenemos un ritmo trepidante en la primera mitad, pero también tenemos una película a la que le sobra, por lo menos, una hora de

La tragedia de Macbeth

metraje. Y es que, como espectadores, no solamente somos testigos de cómo a los protagonistas se les van las cosas de las manos, sino que también lo somos de cómo al bueno de McKay se le escapa lo mejor de la película por entre los dedos. A mitad del minutaje, los personajes dejan de importar y es el sensacionalismo el que les roba el protagonismo.

Alguien debería haber recordado que la contención es también una forma de narrar. En todo caso, si os apetece un poco de crítica social, bromas sobre políticos en situaciones de emergencia y acidez alrededor de mesías digitales como Zuckerberg, Bezos o Musk, esta es vuestra película. Si queréis algo igual de inteligente, pero bien medido, mejor empezad viendo otras películas de McKay como “Vice” (18) o “The Big Short” (15). —LUIS DE LA IGLESIA ANGLADA

Hierve Phillip Barantini

Joel Coen

7

7 LA PRIMERA PELÍCULA en solitario de Joel Coen permite elucubrar, más como juego que como investigación concluyente, sobre qué aportaba cada uno de los hermanos al tándem que había permanecido unido desde su primer largometraje, durante treintaicuatro años y dieciocho películas. Alguna vez había firmado Joel solo la dirección, pero se entendía como algo anecdótico, porque en esas ocasiones los guiones los seguían escribiendo juntos y Ethan aparecía acreditado como productor.

Hay algo que une este “Macbeth” con “No es país para viejos” (07) y “Valor de ley” (10): las tres son adaptaciones literarias y, como aquellas, se mantiene fiel al original. Tan fiel que se pierde uno de los rasgos distintivos del cine de los Coen, el humor extraño, incluso cruel con los personajes.

Y claro, el Shakespeare trágico no

es terreno para el humor. En una entrevista reciente Joel Coen decía que “Macbeth”, nacido como proyecto teatral junto a su mujer, Frances McDormand, no la podría haber hecho con Ethan porque este no estaba interesado. Ya adaptaron otro clásico de la literatura, “La Odisea” de Homero, en “Oh, Brother” (00), pero ahí retorcieron el texto como quisieron. ¿Es por tanto Joel Coen el más serio de los dos hermanos? Por otra parte, este “Macbeth” es el ejercicio de estilo más rotundo de toda la carrera de Joel y, en consecuencia, mayor que cualquiera de las cintas de Ethan. Combina una opción formal minimalista, propia del teatro alternativo, con la belleza de los recursos cinematográficos, en especial, la inconmensurable fotografía en blanco y negro de Bruno Delbonnel, un lujo para la vista. —J. PICATOSTE VERDEJO

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AUNQUE SEA SOBRESALIENTE el ejercicio visual de su director, Phillip Barantini, que se la juega con un plano secuencia de hora y media en mitad del calor y el frenesí de un restaurante de lujo en hora punta, en lo narrativo “Hierve” desfallece. Una vez rebajada la tensión, apagados los fuegos, la película no es capaz de mantener el nivel en las transiciones. Un problema que el director azuza, forzando la intensidad.

Ahí, el vicio del plano secuencia –espectacular estéticamente pero exigente en lo creativo– puede con él. Aun así, como se dice en la película: “en la crítica gastronómica se habla de lo que está en el plato, no que de lo que falta en él”.

Por eso hablaremos de que, más allá de cierta falta de fuelle en el plano secuencia, “Hierve” tiene la virtud de reflejar los caracteres y el destino de los miembros del

equipo del restaurante desde el propio interior del local. En el tótem que el trabajo supone en el sistema productivo en el que vivimos, las personas dejamos, progresivamente, de ser en el afuera.

En ese sentido se nota quién se juega el tipo en el restaurante y quién está allí de paso; quién, joven, todavía no ha decidido en qué va a hipotecar su vida y quién ya va metido hasta las trancas. En general. “Hierve” no solo refleja las relaciones laborales sino también las económicas. También habla de cómo funciona la fama y la presión. Mientras nuestro protagonista Stephen Graham entra en un túnel sin luces durante su jornada, asistimos a los estragos del mundo de la telerrealidad y de las redes sociales en la gastronomía. Sin discursos evidentes y aleccionadores, lo cual es de agradecer. —LUIS M. MAÍNEZ febrero 2022 #51

9

Mezclando el universo Marvel con el relato policiaco noir y con las historias “de crímenes” que tan bien funcionan en formato podcast en las grandes audiencias, “Wolverine” tiene todos los ingredientes para brillar. Así lo hace.

Mediante una narración cuidada, que trata al oyente como si fuera inteligente, que es de agradecer; la inclusión de una subtrama esotérica y rollo secta; un Lobezno esquivo y adulto; y una atmósfera bañada por la inmensidad de la noche. “La Larga Noche” (hay una temporada previa en inglés) viene narrada por un elenco de actores y actrices de primera, en un español latino neutro, capaces de transmitir que el frío rincón perdido de Alaska donde se desarrolla la historia se despliega, no delante de tus ojos, sino dentro de tus oídos, en casa o en mitad de la calle. —LUIS M. MAÍNEZ

La Cima

Diego Urdaneta

7

Un nuevo programa dirigido por el periodista venezolano Diego Urdaneta, muy respetado en el mundillo cultural de habla hispana en los Estados Unidos, en el que entrevista a grandes artistas de habla hispana para que narren su camino hasta, obviamente, la cima en la que se encuentran, por lo menos ahora. “La Cima” comienza con una entrevista a C. Tangana, un artista número uno en España, pero que para las audiencias masivas latinoamericanas está considerado como un artista experimental. Con todo, quizá uno de los tres artistas de la actualidad con un discurso más y mejor desarrollado, tanto en sus canciones como en sus entrevistas. En este caso podemos disfrutar de ambas en un formato intuitivo y muy recomendable, que estrena la plataforma de streaming por excelencia. —LUIS M. MAÍNEZ #52 febrero 2022

PODCASTS MS

Marvel’s Wolverine: La Larga Noche VV.AA.

FLASHES

PODCASTS

Travis Birds y Alice Wonder

Foyone

En este programa especial de nuestros videopodcasts “Flashes” Luis M. Maínez charla con Travis Birds y Alice Wonder, dos de las voces más atractivas de la nueva escena independiente nacional. Ambas han participado en Inverfest un ciclo de conciertos que se está desarrollando durante los meses de enero y febrero en diferentes salas de Madrid.

Foyone es, sin lugar a dudas, uno de los nombres más importantes del rap en España en la última década. Viniendo del verdadero underground, ha sabido labrarse una carrera llena de reconocimientos dentro de la escena.Foyone y Sceno presentan en nuestro programa Flashes su nuevo trabajo, “Dios bendiga este EP”.

Especial Xoel López

De tal palo, tal astilla

Xoel López es una de las voces más importantes de la escena independiente española de las últimas décadas. Esta charla con el gallego incluye algunas de las canciones más emblemáticas de su carrera, así como algunas de las referencias más importantes que le han marcado a la hora de componer su música.

El mundo de la música está lleno de casos de artistas que han seguido los pasos de sus progenitores. A algunos les ha ido bien y a otros no tanto. Algunos han superado el éxito de sus padres y otros directamente han fracasado en el intento. En este especial hablamos de padres, madres, hijas e hijos que han hecho historia.

Especial Zahara

Mejores libros musicales y cómics de 2021

Zahara charla en exclusiva con nuestro colaborador Alex Jerez en un programa especial en el que la artífice del Mejor Disco Nacional de 2021 para Mondo Sonoro, desgrana los momentos más icónicos del disco, así como sus artistas y canciones favoritas del año que acaba de terminar. Un podcast a la altura del esfuerzo creativo de “Puta”.

Nuestro colaborador José de Montfort y el jefe de redacción Joan S. Luna repasan algunos de sus títulos favoritos de nuestras listas de mejores libros musicales y cómics tanto nacionales como internacionales. Nos descubren títulos imprescindibles, recomendaciones y valoran la temporada.

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Entradas a la venta en sansanfestival.com

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febrero 2022 #53

CÓMICS

LIBROS Edita Sister Sonic, S.L.

Llamadme Amparo

Los viajes de Juan Sin Tierra

Niño de Elche Espasa

Javier de Isusi Astiberri

Chilly Gonzales Alpha Decay

8 Lujazo. Tomo integral, más un par de extras de una de esas obras que debe estar en la colección de cualquier aficionado a la novela gráfica de aquí, las aventuras de Vasco, un chaval portugués, que se propone buscar a Juan, un amigo desaparecido años atrás en Sudamérica. Eso le llevará a encontrarse con el zapatismo en México, con la contra nicaragüense, o a adentrarse en la selva peruana. Más de seiscientas páginas que son la suma de los cuatro volúmenes editados anteriormente más dos historias cortas y un texto interesantísimo de Claudio Maringelli, coautor junto al propio dibujante y guionista bilbaíno de esta obra del ensayo “Descolonizar la aventura. Un recorrido a través de los viajes de Juan Sin Tierra”.

—EDUARDO IZQUIERDO

7 Si en sus anteriores libros Niño de Elche se desnudaba para liberarse, se deconstruía para entender su evolución, se podría decir que aquí abre espacios para que entren los demás, para dialogar.

“Llamadme Amparo”, como no podría ser de otra forma, es un libro que se fundamenta en el sonido, en la fe constante y sincera del canto, de la voz, como elemento de comunicación. Y que se abre a dos elementos fundamentales; Niño de Elche lo expresa así: “Para no olvidar de dónde viene uno, los mejores guardianes de la memoria son los sentidos del gusto y del olfato”. Por ello, aquí la memoria está muy vinculada al sabor de la comida y al hedor de la carne, y sus corolarios: las comidas familiares, tradicionales, por un lado, y la muerte (la finitud, el olvido) por el otro. —JOSÉ DE MONTFORT Una libertad luminosa

La vuelta al campo

Jean-Yves Ferri/Manu Larcenet Norma Editorial

T.C. Boyle Impedimenta

8 Al iniciar la lectura, a uno le da la impresión de estar frente al reverso humorístico del imprescindible “Los combates cotidianos” de Manu Larcenet. Por lo menos hasta que recuerda que el guion es obra de Jean-Yves Ferri (el hombre tras el Astérix actual) y entiende que Ferri es quién se toma a pitorreo la vida del urbanita empedernido “Manu Larssinet” una vez se ha trasladado con su pareja a un entorno rural. A partir de ahí nos encontraremos con infinidad de momentos en los que el choque cultural entre la Francia rural y la urbanita nos provocarán risas cómplices y algo abochornadas, conscientes de que nosotros mismos hemos pasado por situaciones similares. Además, la obra está poblada de unos secundarios peculiares y muy divertidos. —JOAN S. LUNA #54 febrero 2022

Enya. Un tratado sobre los placeres no culpables

8 Los libros lisérgicos sobre los años sesenta podrían constituir de por sí un género literario. Los hay a decenas, desde ensayos a novelas, estudios y libros históricos.

Eso ha hecho que servidor, para qué negarlo, se aburriera hasta cierto punto de leer siempre lo mismo. Que si contracultura, que si LSD, que si el fin del verano del amor…Y, de pronto, llega T.C. Boyle y nos explica con su ágil prosa la historia del referencial Timothy Leary, empezando en la Basilea de los años cuarenta con Albert Hoffman y acabando en California con Leary y sus psiconautas. Espléndidamente novelado, bien podríamos hallarnos antes un libro de historia que, en todo caso, pasa a formar parte de mis favoritos del género. Si es que este existe entre espirales de cientos de colores.

—EDUARDO IZQUIERDO

7 Al canadiense afincado en Alemania Chilly Gonzales deberían conocerle desde hace años, sea por sus colaboraciones (desde Peaches a Daft Punk) o por sus discos. Protagonista de una carrera francamente ecléctica, esta es la primera vez que descubrimos su faceta como escritor. Y lo cierto es que sale muy bien parado, porque además de leerse en un suspiro este texto se nos revela sincero, didáctico y ameno. Cojan “Música de mierda” de Carl Wilson y quítenle la coartada hipster y las dobleces, y encontrarán algo parecido a este librillo.

Un volumen brevísimo indicado para aquellos que no se escandaliza al descubrir los gustos musicales de terceros y con la apertura de miras suficiente para aceptar que Enya es mejor que muchos de los artistas que escuchamos ahora. O algo así. —JOAN S. LUNA Nick Hornby

Alguien como tú Anagrama

8 Nick Hornby, escritor británico pop por excelencia de los noventa, regresa con un libro impregnado de su habitual estilo. Una novela ubicada en el Londres de la era pre-Brexit que presenta la historia de Lucy –profesora cuarentona y con dos hijos– y Joseph –veinteañero, carnicero, entrenador de fútbol y aspirante a DJ–, pareja interracial dividida entre pasiones incipientes y esos prejuicios (propios y extraños) que despierta su aventura, en el marco enrarecido de una Inglaterra divida.

Horby se aleja de cualquier tipo de sensiblería y también del drama explícito para, a cambio, dilucidar personalidades con inteligencia y ofrecer un relato creíble y animado. Lo hace sin esquivar ningún tema candente, pero apostando por naturalidad, ironía, ritmo y un exquisito humor. —RAÚL JULIÁN

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