Mondo Sonoro julio 2021-1 by MONDO SONORO

Nº 297 Julio-1 2021 www.mondosonoro.com

GARBAGE, DORIAN, JAMES, FRED AGAIN.., MOBY, BOBBY GILLESPIE Y JEHNNY BETH, MARC COROMINAS

Joana Serrat Corazón

La comunidad de música independiente

ERRE

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Liz Forte @liziforte

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TOP RECOMENDACIONES INDEPENDIENTES DE JULIO BY ACQUSTIC

Plan Marmota @planmarmota

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Ricci Nostra @ricci_nostra

Julen García @julengarcci

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V2 julio_||ªºTeatro Apolo

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#UNFESTIVAL QUEENAMORA S17 julio_Castillo de Miranda

MUJERES · GRISES

V3 septiembre_Multifuncional de Bayas

SIDONIE · TINA PÁMPANO S4 septiembre_Multifuncional de Bayas

LA M.O.D.A. · LA TRINIDAD D5 septiembre_Multifuncional de Bayas

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2021

VETUSTA MORLA HINDS·RIGOBERTA BANDINI·JOE CREPÚSCULO THE NEW RAEMON & PAULA BONET ·GUILLE MILKYWAY DJ SET

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POL BATLLE & RITA PAYÉS· RENALDO & CLARA·BIZNAGA·MOURN·VERA FAUNA HICKEYS·PAULA VALLS·CANDELEROS·SÚPER GEGANT·PAU ROCA·DANIEL WATTS

NATHY PELUSO STAY HOMAS·MARIA ARNAL I MARCEL BAGÉS·FERRAN PALAU PAU VALLVÉ·LADILLA RUSA·MAZONI RUSOWSKY + MORI·MERITXELL NEDDERMANN·BRONQUIO·TVERSKY·BAYWAVES SAM BERRIDGE·HIJOS DEL TRUENO·MYŌBOKU·JORDI SERRADELL MIQUI PUIG DJ·SAU POLER

LOVE OF LESBIAN SEN SENRA·CLARA PEYA·MARIA JOSÉ LLERGO·MUJERES NÚRIA GRAHAM·EL PETIT DE CAL ERIL·ENRIC MONTEFUSCO CAMELLOS·BOYE·ZULU ZULU·MELENAS·TARTA RELENA·CHAQUETA DE CHÁNDAL LA TRINIDAD·MARETA BUFONA·MAADRASSOO·JMII VILANOVA I LA GELTRÚ Patrocinadors oficials:

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7/Mondo freako

El mundo nos necesita y Garbage han vuelto para recordárnoslo. “No Gods No Masters” (BMG, 21) es un disco que busca concienciarnos a todos sobre la importancia de luchar por nuestros derechos, de no dejarnos pisar. Es un grito de esperanza para las nuevas generaciones, para que se levanten y defiendan su futuro. Una de las mejores obras de la banda, que además llega en el momento perfecto.

ADIE MEJOR que Shirley Manson, vocalista y generalmente representante de la banda con la prensa, para contarnos los motivos por los que “No Gods No Masters” es un disco tan necesario. “Está creado bajo una especie de perspectiva humanista, desde mi posición como mujer en el mundo. No creo que haya

un mensaje concreto que defina este álbum. Pero, si tuviera que quedarme con un concepto sería el de ‘indignados’. Hay mucha indignación plasmada en este disco, veo muchas cosas en el mundo que me asustan y me hacen estar en alerta. Situaciones que me molestan y que hacen que me preocupe seriamente por el futuro”, nos cuenta Shirley Manson al explicar esta nueva batalla creativa y la importancia de abrir los ojos. Una conversación que saca a la luz la humanidad de esta icónica estrella y que nos lleva a admirar aún más su autenticidad. Cómo usa la música como un arma a favor del cambio. “El sistema no está a nuestro favor y por eso es tan importante que las mujeres y las personas no binarias sigan presionando y se rebelen contra todas esas extrañas y estereotipadas reglas tradicionales que nos imponen. Creo que las nuevas generaciones de mujeres jóvenes tienen nuevos valores y me emociona verlas empezar a lidiar con este complejo mundo que se les presenta. Parece que están mejor equipadas para luchar contra todo y eso me encanta, me emociona. Pero las estadísticas sobre violencia de género siguen estando ahí y son un

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Garbage Salvemos el mundo

absoluto desastre”. Y, por supuesto, su humildad y calidez a la hora de atender a los medios. “Siendo un grupo liderado por una mujer de mediana edad las oportunidades en el mercado son muy reducidas. No es fácil para nosotros sobrevivir en la industria actual, así que sólo pienso en la suerte que tenemos de poder ser creativos y hacer discos. Que gente como tú esté dispuesta a dedicarnos su tiempo y ayudarnos a intentar llegar al máximo público posible. Eso es algo de lo que estamos tremendamente agradecidos y nos sentimos unos privilegiados”. “No Gods No Masters” es el séptimo disco de la banda y pretende visibilizar todas las injusticias que han acaparado los titulares de todo el mundo en los últimos años. Aunque parezca simplemente un álbum de pandemia, va mucho más allá. El disco se terminó a finales de 2018 y, casi como una premonición, es un perfecto resumen del agotamiento del sistema capitalista actual. “Las estadísticas que salieron alrededor del movimiento #MeToo, por ejemplo, me hicieron abrir los ojos y me asustaron. Pero también me parecía increíble la violencia generada

“Este álbum sigue máss la línea de las cancione de protesta de los años sesenta”

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MONDO FREAKO

LA MÍA El tiempo de otros

hacia la comunidad afroestadounidense y hacia los pueblos indígenas. Y, por supuesto, me preocupan los problemas medioambientales y la falta de nuevas ideas por parte de los políticos para poner solución a todo esto. Están pasando muchas cosas en el mundo y algunas de ellas están en este disco, sin duda. No es simplemente un disco pop lleno de canciones pop sin más. Este álbum sigue más la línea de las canciones de protesta de los años sesenta”. Entre los temas más brillantes del proyecto está “Waiting For Good”, canción que además nos confiesa Shirley que es súper importante para ella. Una pieza que detonó a raíz del asesinato de Trayvon Martin por un supremacista blanco por caminar solo a casa por la noche con una sudadera negra y una bolsa de Skittles y cómo, a pesar de que le arrebataran la vida a este este joven, George Zimmerman se libró de la sentencia por asesinato. “Me quedé muy impactada con todo esto y empecé a prestar cada vez más atención a todo lo que la policía le hacía a la comunidad afroestadounidense y los pueblos indígenas. Me di cuenta de que ocurría casi a diario, que siempre alguna pobre persona inocente era asesinada sin razón aparente. Solo por estar en el lugar equivocado, en el momento equivocado o por mirar a los policías de reojo. Cuando estábamos trabajando en la composición de este disco y teníamos esta canción terminada. Fui sola con mi marido, que es nuestro ingeniero, y la grabamos los dos solos, porque el resto de la banda no podía viajar por la pandemia. Fue la primera vez que grabé una voz sin la banda, se me hizo muy raro la verdad. Y sí, lloré cuando canté y sólo la grabé dos veces cuando normalmente hago muchas más tomas de una voz”. “No Gods No Masters” es un álbum complejo, aunque a primera vista puede parecer muy Garbage. Se trata del disco más popero de la banda en años y, a su vez, el más cuidado a nivel narrativo. Han sabido recopilar a la perfección todas esas ideas que no paran de devorarles día tras día. El resultado, uno de

#8 julio 2021

ión “Hay mucha indignac o” sc plasmada en este di los proyectos que más hemos disfrutado del grupo y un empujón necesario para que no nos quedemos dormidos y empiece la acción. “Me alegro mucho de que hayas usado la palabra ‘complejo’ para definir el álbum porque creo recordar que así lo describí el día que se lo pusimos a nuestro mánager. No es un disco fácil”. Además, es un trabajo repleto de esperanza por el cambio y de que no podemos vivir únicamente del pesimismo que desprende el mundo en la actualidad. “Yo creo plenamente en el cambio, aún estoy llena de esperanza. Creo en la evolución y en el poder que tenemos los seres humanos para conseguir vencer en esta lucha. A veces lo más fácil es pensar que el mundo está hecho únicamente de personas oscuras, de maldad, problemas y dificultades. Pero, en realidad creo que la mayoría de seres humanos son buenas personas y quieren hacer cosas buenas por los demás. Yo prefiero aferrarme a esto, es lo que me provoca tener esperanza en un futuro mejor”. Shirley Manson ha realizado las entrevistas promocionales desde casa, con un set muy creativo para conectar a través de Zoom. Además, para cada entrevista la estrella se colocaba una camiseta con algún mensaje. Desde la defensa de Idles como grupo, hasta la suya propia de “Fucker” diseñada por la brillante Javi aka Mi Amor, artista chilena encargada de la parte visual del álbum. “Trabajar con ella a la dirección fue un placer. No existía ningún tipo de ego, se implicaba al 100%. Fue un honor tenerla para dar vida a nuestras canciones. No hay suficientes piropos para su trabajo”. Ahora, solo hace falta que todo se ponga en orden para disfrutar de Garbage y de este nuevo disco en directo. La gira europea promete llegar para el año que viene. Mientras tanto, memoricemos bien las letras de las canciones, que nos vienen de lujo. “The men who rule the world have made a fucking mess…”. —ÁLEX JEREZ

ulio Ruiz se jubila. Su radiofónico “Disco Grande” se despide tras cincuenta años de carrera, muchas canciones, muchas entrevistas y mucha vida entregada al micrófono. Hay quien lo ve una injusticia –“Le retiran”, gritan en redes sociales– y hay quien entiende que nada es para siempre y que el tiempo pasa para todo el mundo. Puedo entender ambas visiones, claro, lo mismo que habrá quien esté ya harto de verme una y otra vez escribiendo desde hace más de veintiséis años en esta cabecera, pero eso no quita que las despedidas siempre sean tristes. Sobre todo en un caso como el de Julio Ruiz, un periodista radiofónico, sí, pero por encima de todo un fanático de la música que hizo de su pasión, profesión. Lo han constatado sus oyentes a lo largo de décadas y los centenares de formaciones y solistas que han pasado y sonado en su programa. A él no le importaría seguir adelante a sus sesenta y ocho años de edad, porque lo dicho, para él la radio y la música son una pasión. Pero es posible que haya llegado el tiempo de otros. Y eso es lo triste, que cada vez más dé la impresión de que somos incapaces de permitir que las generaciones convivan, que unas opiniones valgan para unos y otras para otros. Todavía hay quien cree que todo tiene que ver con tapones generacionales, pero permítanme que les diga que eso sencillamente es una forma de enmascarar que vivimos en un país en el que el pastel es tan y tan pequeño que no hay espacio para todos. Nadie va a soltar una memez parecida en Estados Unidos, un país gigantesco en el que las opciones son ilimitadas y los profesionales en edad de jubilación conviven con las nuevas empresas relacionadas con el mundo de la música en las que los jóvenes son el motor. En lugar de quejarnos de que vivimos en un territorio en el que no hay oportunidades, optamos por enfrentarnos unos a otros. Nos comportamos como esas aves carroñeras que se pelean por los últimos pedazos de carne de una pieza con la que otros se han montado un buen festín. Y así nos luce el pelo. Mientras algunos se enriquecen de forma espectacular cambiando las reglas del juego a su antojo, los millennials echan mierda sobre las generaciones anteriores sin darse cuenta de que los centenials ya están empezando a tratarles a ellos de un modo similar. Pero así somos. Todavía recuerdo cuando ciertos artistas trap españoles echaban mierda día sí y día también sobre los raperos que hubo antes que ellos en este país, hasta que se dieron cuenta de que todos pataleamos por no hundirnos en el mismo fango. Julio Ruiz ha sido muy importante para la música independiente de este país y antes de que le falten al respeto piensen que ojalá ustedes lleguen a su edad y haya tanta gente que les agradezca lo que hicieron por los demás. —JOAN S. LUNA

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PUBLIRREPORTAJE

Festivales: paisajes y propuestas musicales para todo tipo de gustos Qué complicado resulta explicar con palabras todas las emociones que vivimos en torno a un festival de música…

unque a priori podamos pensar que la catarata de sentimientos se activa al cruzar la entrada o cuando suenan las primeras notas del primer concierto, si observamos la experiencia en su conjunto veremos que arranca en el instante mismo en el que decidimos participar en uno. Elegimos cuidadosamente el evento; concretamos quiénes se suman; adquirimos las entradas; exploramos las bandas que no nos suenan del cartel; compartimos nuestros hallazgos; realizamos el viaje, recibimos las pulseras y… Ahí comienza la segunda parte de la vivencia. Más intensa y emocionante que la primera, pero igual de clave. En Cervezas Alhambra somos conscientes de la importancia de disfrutar de cada detalle y queremos ayudarte a seleccionar tu evento perfecto. Por ello, te presentamos todos los festivales que patrocinamos y que, estamos seguros, van a conquistarte. Repásalos con nosotros y encuentra tu experiencia ideal. Desde primeros de junio y hasta el 16 de julio, la cita ineludible con la música de calidad está en Cataluña. El Festival Jardins Pedralbes nos presenta un proyecto fruto de la pasión por la música y por Barcelona. Un evento que, en su séptima edición,

conserva intacto su espíritu original. El festival Noches del Botánico arrancó el 11 de junio y, hasta el 31 de julio, llenará de música los jardines de la Universidad Complutense de Madrid con una enorme selección de artistas nacionales e internacionales de primer nivel. Una propuesta súper atractiva en un auténtico oasis urbano. El 25 y 26 de junio viajamos al corazón de León para inaugurar el Observatorio Festival en su versión XS y ser testigos de un encuentro inusual entre la naturaleza y los sonidos independientes. Un fin de semana rebosante de música, cultura y belleza, en el que no tuvieron cabida las prisas. Del 16 al 18 de julio, el Festival Ribeira Sacra cobrará vida en los cañones del río Sil, un entorno privilegiado, candidato a patrimonio de la humanidad, ideal para disfrutar de la música y la gastronomía en equilibrio absoluto con el medio ambiente. Desde principios de julio hasta mediados de septiembre, la Finca El Portón de Alhaurín de la Torre acogerá el ciclo Alhautor, una decena de conciertos caracterizados por el eclecticismo y la excelencia. Música, entorno mágico y buena compañía. En agosto, viajaremos a Galicia para disfrutar del Festival Solpor Monteferro,

un evento verde, gastronómico y musical en un entorno único: la cumbre de Monteferro, con vistas al Atlántico. También en agosto, del 19 al 22, recorreremos las ocho localidades de Rioja Alavesa que acogerán los escenarios de Esférica, un evento entre viñedos que aunará música, arte, territorio y gastronomía. Del 13 al 17 de septiembre, celebraremos uno de esos eventos maravillosos en los que el auténtico flamenco impregnará las calles de nuestra querida Granada. MILNOFF regresará con una amplia programación que recorrerá la capital Nazarí. A renglón seguido, la ciudad cambiará de escenario para recibir el Granada Sound, bastión del indie, los días 17 y 18 de septiembre. En octubre, apostaremos por el Alhambra Jazz Vic Festival, que en su edición número 22 se volcará con el jazz contemporáneo, abriendo una puerta a las últimas tendencias y al riesgo creativo. Ese mismo mes, el Festival Internacional de Jazz de Málaga nos animará a tomar parte en su nueva edición de conciertos de otoño dentro del Teatro Cervantes, una programación que se completará con actuaciones paralelas en varios puntos de la ciudad. La ocasión ideal para vivir la libertad que nos brinda el jazz.

Y en noviembre, ¿qué mejor plan que visitar Valencia con motivo del Festival Deleste? Hablamos de una experiencia diferente, un evento gourmet con un cuidadísimo cartel. Una de las citas musicales más singulares de la capital por su carácter íntimo y acogedor, alejado de los eventos multitudinarios. Pero no nos detenemos aquí. En Cervezas Alhambra nos comprometemos con la cultura más inquieta y, por ello, queremos invitarte a descubrir la edición 2022 del Oh, See! Málaga, un festival de tendencias que dará voz a las bandas nacionales fiel a su compromiso por visibilizar la actualidad musical, y que en 2021 se ha celebrado bajo la denominación La Terraza de Oh, See!. Los organizadores aseguran que ofrecerán un cartel “de ensueño” y ya fantaseamos con ello... El festival En Órbita, por su parte, ha cedido este año el testigo a las Noches Espaciales de Granada, un evento que nos ofreció, del 3 al 6 de junio, cinco jornadas espectaculares de música en vivo desde el Palacio de Quinta Alegre y el Palacio de los Córdova. El año que viene, además de volver a deleitarnos con la programación de Noches Espaciales, también disfrutaremos del En Órbita en toda su plenitud. Muchas opciones, lugares y escenarios. Eventos pasados, presentes y futuros. Cada uno con una gran historia dentro de sí que sólo tú puedes decidirte a experimentar. Momentos muy especiales para ser vividos con los cinco sentidos y en primera persona. Y, si quieres, en primera fila. ¿Nos acompañas? n

Hace unas semanas, la banda barcelonesa Dorian compartía en streaming el documental “Justicia Universal en directo”, un resumen de los conciertos de presentación del disco que le da título en todo el mundo. Aprovechamos la ocasión para charlar sobre ello con Mar Gili, su vocalista. —TEXTO Alicia Salvatella —FOTO Adrian Morote

N QUÉ MOMENTO decidís que hay que hacer un documental sobre la gira de “Justicia Universal”? ¿Cuándo surge la idea y por qué? ¿Qué queríais transmitir? Cuando íbamos a empezar la gira de “Justicia universal” nos dimos cuenta de que la banda había crecido mucho en España, y que lo estaba haciendo en otros países de América. Teníamos por delante la mejor gira de toda la carrera del grupo, y sentíamos la necesidad de registrar ese momento dulce de la banda. Por otra parte, nos apetecía que el público conociese un poco más de cerca la forma de ser y de viajar de la banda. En este documental el espectador conocerá algunos aspectos de nuestra filosofía de vida. —¿Empezasteis visionando material o teníais ya momentos claros para incluir en el documental? Sí. Queríamos incluir partes de las presentaciones en Barcelona, Madrid, Ciudad de México, y también momentos de nuestros viajes por Estados Unidos y países de Latinoamérica. No obstante, a medida que la gira iba avanzando y nos sentíamos cada vez mejor sobre el escenario empezamos a añadir imágenes de otras noches que han sido mágicas, como nuestras últimas presentaciones en Lima (Perú), Arenal Sound (Burriana) o Low Fest (Benidorm). Este documental tiene muchísimas horas de trabajo detrás. Piensa que cada canción en directo está realizada y montada a partir de tres o cuatro localizaciones distintas. Eso convierte el visionado en algo tremendamente dinámico, pero ¡al mismo tiempo es un currazo! —Viendo el documental, te das cuenta que hay muchas ganas de que un concierto como estos vuelva a ser posible. Después de una interrupción por la pandemia, ya habéis hecho algunas actuaciones, pero ¿qué es lo que más echáis de menos de un concierto como los que vemos en el largometraje? La libertad. En los conciertos en pandemia el público no es libre de levantarse, mientras que nuestra música es una invitación a la libertad en todos los aspectos. Sin embargo, tengo que decir que tanto público como banda lo estamos pasando muy, pero que muy bien en los conciertos de este año. Se nota que la gente tiene muchísimas ganas de música en directo. —Una vez veis estas actuaciones filmadas y montadas, lo mismo que vuestras apariciones, ¿el resultado es muy distinto de lo que #10 julio 2021

Dorian

había quedado grabado en vuestra cabeza al vivir esos momentos? Es tal como lo imaginábamos, o mejor. Estamos muy satisfechos con el resultado de este documental. —Pasasteis por España, Estados Unidos, México, Colombia, Perú, Ecuador, Argentina y Chile. ¿Qué supuso la gira de “Justicia Universal” para Dorian como banda? Supuso el inicio de una consolidación de nuestra propuesta musical en ciertos países de América, y un empezar a abrir puertas en muchos otros, incluido Estados Unidos. En España, la recepción de “Justicia universal” fue espectacular desde la misma semana de publicación del álbum. —Entiendo, pero al mismo tiempo la gira fue el resultado de todos los años previos de trabajo, y todo ello desde la independencia. ¿Cómo habéis conseguido haceros un hueco al otro lado del Atlántico? Somos muy conscientes de que pocas bandas españolas hacen este tipo de giras, pero si te respondiera que fue un sueño hecho realidad te mentiría, porque se supone que un sueño hecho real es algo que te llega casi por sorpresa, mientras que nosotros nos lo hemos ido currando año tras

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MONDO FREAKO

“Si me comparas con opop cualquier tema de subn soy Darth Vader”

Vivir en la carretera

año con los pies muy en el suelo. Los resultados nos han ido llegando poco a poco, y así, juntando piezas, visitando ciudades una y otra vez, hemos podido armar el puzzle que te permite hacer giras serias por el extranjero. —¿Qué os ha aportado girar por América, tanto musical como personalmente? En lo profesional mucho callo. En algunos países ya tocamos en salas grandes y en festivales, pero en otros estamos empezando. Esto te mantiene con ilusión y también con los pies en el suelo, ya que una semana estás tocando ante miles de personas tal vez tenemos que hacerlo, como cuando empezábamos, en salas pequeñas. En lo personal, el tesoro sentimental que estos viajes conforman no tiene precio. América es ya nuestra segunda casa, y sus paisajes, sus culturas y sus realidades llevan tiempo formando parte de algunas de nuestras canciones. —Al principio de “Justicia Universal en directo” Belly comenta que en vuestros conciertos generáis una energía y una empatía especiales con el público. De hecho esto traspasa la pantalla. Viendo el documental se percibe perfectamente. ¿Por qué creéis que conseguís conectar con la gente de esta forma?¿Cuál diríais que es la clave? mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Sin duda la empatía hacía nuestro público y el respeto que le tenemos. Cada noche tratamos de hacer que cada persona que viene a un concierto nuestro se sienta especial. Tratamos de borrar la distancia entre banda y público, entre el escenario y el resto de la sala o del festival, y eso solo se consigue con entrega, empatía y humildad. —¿Y cuál diríais que es la canción que más conecta con el público y que más disfrutáis en este sentido? “Los amigos que perdí”, Cualquier otra parte”, La tormenta de arena”, “El temblor” o “Vicios y defectos” estarían entre ellas. —¿Encaráis de manera diferente los conciertos en algunas ciudades concretas? Sí, en México gusta mucho nuestro álbum “La ciudad subterránea”, así que extraemos más temas de ese disco. En Perú les va mucho la onda oscura, así que ahí seleccionamos más temas oscuros del repertorio de la banda. —Otra cosa que decís es que el primer concierto en un lugar es muy importante ya que es ahí donde lográis crear un vínculo que mantenga unidos a la banda y ese nuevo público durante muchos años. ¿Cómo describiríais este vínculo? Es un vínculo emocional. A lo largo del tiempo la gente va creciendo contigo, incluso los seguidores más jóvenes, y eso marca mucho. Digamos que viajamos todos juntos, banda y público, a bordo de la misma nave, por el túnel de la “existencia”. —¿Qué concierto de esta gira recordáis especialmente? Alguna sensación, algún momento que hayáis vivido... Las presentaciones en Razzmatazz, Barcelona, fueron inolvidables. Lo mismo te digo de las de Madrid, Vitoria, Valencia, Málaga o Santander, todas ellas impresionantes. Nuestra primera presentación en Tijuana, México, o la del DF, que también aparece en el documental. La última en Lima o nuestros primeros contactos recurrentes con el público de Estados Unidos. De todas estas guardamos preciosos recuerdos. —¿Cómo os preparáis justo antes de subir al escenario? ¿Tenéis algún ritual, alguna manía o algo que necesitéis hacer? Cuarenta minutos antes la banda se encierra en el camerino para repasar el repertorio y calentar voces, y justo antes de subir al escenario nos abrazamos todos y Belly se tira un eructo. Cuanto más fuerte sea ese eructo generalmente, mejor va el concierto. Es pura superstición pero, ¡lo pensamos en serio! Yo me encierro en algún lado para pensar qué quiero decirle al público esa noche. Procuro no repetirme, tratar de hacer que cada noche mis palabras sean distintas, en la medida de lo posible. —También transmitís que todos los conciertos son importantes. Como dices, no concebís la idea de salir a tocar como si fuera un mero acto rutinario. ¿Si alguna vez ha sido así, qué habéis hecho para hacer desaparecer esa sensación? Irnos motivando conforme iba avanzando el concierto. Al final, la música siempre te acaba atrapando, aunque alguna noche haya costado un poco más. Vuelvo a insistir en que somos muy conscientes del privilegio que supone ganarse la vida con la música y que haya un público al otro lado dispuesto a escucharte. Nos gusta hacer las cosas bien y que nuestros conciertos sean especiales, así que cuando eso se nos olvida enseguida lo volvemos a recordar. —Y ahora seguís trabajando en el nuevo disco, del que ya escuchamos “Dual”. ¿Para cuándo más material? ¡Nuevos temas en otoño y disco nuevo a principio de 2022! —A.S.

R Más en www.mondosonoro.com julio 2021 #11

UNA BANDA “ DE CURRANTES ENTREVISTA

“Como somos viejos y feos no tenemos la misma atención mediática, pero vendemos entradas más rápido que nunca”

#12 julio 2021

L PRÓXIMO AÑO James cumplen cuarenta años de carrera. Desde su reaparición en 2008, han publicado seis álbumes, y no parece que vayan a aflojar el ritmo cuando las entradas para la inminente gira británica se venden más rápido que nunca, y parecen disfrutar genuinamente con sus nuevas canciones. Un jovial y de maneras exquisitas Tim Booth, frontman de una especie singular que se va extinguiendo, nos da las claves de la pervivencia de una banda que mantiene una conexión especial con sus fans desde una honestidad y una ética de trabajo muy de la lluviosa ciudad postindustrial del norte de Inglaterra. Una ironía fina y amable, pero con un punto de dureza norteña permea en algunos de sus comentarios. Booth vive desde hace años en California, a tiro de piedra del reputado productor irlandés Garret “Jacknife” Lee (The Killers, U2, Snowpatrol, R.E.M.). Aunque de eso no tenía ni idea antes de hacer este álbum. —Como disco completado durante la pandemia y por diferentes razones, este nuevo álbum tiene pinta de ser especial. Por supuesto, también por la producción de Jacknife Lee. Bueno, nos habíamos tomado un año sabático, el primero desde que volvimos en 2008. Pero habíamos compuesto un montón de improvisaciones, como cien. Todas las canciones de James siempre salen de las improvisaciones que hacemos tres o cuatro de nosotros, así que tuvimos que estar juntos. Y luego, cuando estábamos convirtiendo las improvisaciones en maquetas y yo escribía letras, llegó el Covid. Pensé que podría viajar a Inglaterra a trabajar de nuevo con Charlie Andrew, que hizo nuestro disco anterior y nos encanta. Ése era el plan, pero no pude viajar por los confinamientos. Fue un momento de pánico porque los productores son muy importantes. Entonces me dieron una lista corta de productores y Jacknife Lee estaba en ella. Él vive a tres kilómetros de mí y estaba también confinado, tampoco quería ir a un estudio. Así que me cogí el coche para ir ver a mi vecino y resultó que el vecino era guay. La reunión fue genial, me pidió que le pasara una de las maquetas a ver qué podía hacer con ella. Dos días después me pasó treinta segundos con la introducción de “All The Colours Of You” y rompí a reír porque su enfoque me parecía muy divertido y fascinante. En tres días tenía la versión completa y todo el grupo nos quedamos alucinados: estábamos flipando. Nos encanta cuando alguien la lía en el buen sentido y nos ayuda a no sonar a James. —Entiendo que gran parte del disco se hizo a distancia y que no llegasteis a entrar todos en un estudio. Claro, habíamos hecho las improvisaciones y las maquetas antes. Y yo había escrito como el setenta por ciento de las letras antes de contactar con Jacknife. A partir de ahí fue a distancia, sí. Lo que hacíamos era llamar a nuestro trompetista en Inglaterra diciéndole que necesitábamos una trompeta en un estribillo, o un cello en una estrofa. Y los diferentes multi instrumentistas de James se pusieron a trabajar, mandándonos “su corazón” a través de la red. —¿Conocías el trabajo de Jacknife o eras fan de lo que hace? Las canciones en las que trabaja suenan con una claridad especial, y una rara combinación: son modernas pero también atemporales. ¡Sí! En realidad no estaba al tanto de su trabajo. Y miro algunos de los nombres de la lista de artistas con los que ha trabajado y… Dios. He olvidado su nombre, pero es como ¿realmente ha trabajado con ésta? [risas]. Pero es lo que es. Los productores son putas, están acostumbrados a trabajar con cualquiera.

James

La banda de Manchester se muestra incombustible con su decimosexto disco, “All The Colours Of You” (Nothing But Love/Music As Usual, 21), que se beneficia de unas constantes vitales superiores a las esperables a estas alturas. —TEXTO JC Peña

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A E S

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julio 2021 #13

“ “El consenso sobre la realidad se ha desintegrado: la gente vive en burbujas de creencias”

En realidad no conocía su trabajo, fue más bien que él se ofreció a trabajar en una de las maquetas y nos pareció brillante al momento. Y luego le pasamos otra y el resultado era maravilloso. A partir de ahí se hizo evidente que era la persona adecuada. Mi experiencia con el Covid es que están pasando cosas horribles, pero también algunas alucinantes simultáneamente. Y esta fue una de las piezas de magia que nos cayó del cielo: hemos hecho uno de nuestros mejores discos en unas circunstancias extrañas. Y fue puro gozo. Los dos alucinamos compartiendo la música y programas de televisión que nos inspiran. Nos hicimos colegas contándonos batallitas. Llegaba un momento en que decíamos: “Vale, ahora vamos a currar un poco”. Y eso era a diario. —Has hablado de la importancia de los productores, en vuestro caso hubo un antes y un después de trabajar con Brian Eno y todos los discos que hicisteis con él en los noventa. ¿Por qué le dais esta importancia a esta figura? Hicimos cinco discos con Brian Eno y nos ha ayudado en un par de canciones de los últimos dos. Si tenemos un problema con alguna canción le pregunto a Brian [risas]. Mantenemos una muy buena relación. Él, Jacknife y Charlie Andrew son probablemente los únicos productores a los que permitimos meterse en lo que hacemos. Jacknife se ganó nuestro respeto rápidamente de igual manera que hizo Brian en su momento, y el enfoque es: “Vale, haz lo que quieras, vamos a jugar”. Se metió en nuestras improvisaciones. Le di algunas instrucciones básicas, como que queríamos ser más #14 julio 2021

rítmicos que en los últimos años, porque me encanta bailar y me gusta el ritmo. Le dijimos que queríamos mantener la dirección rítmica que hemos llevado en los últimos tres o cuatro discos, y el protagonismo de los teclados, probablemente más que de las guitarras. Y también le sugería si podía tener en cuenta cierta psicodelia contemporánea, porque estoy muy interesado en cómo las drogas psicodélicas legales van a ser una realidad. La Unión Europea acaba de dar el visto bueno a las pruebas americanas para usar MDMA y psilocibina para usos terapéuticos. Como medicamentos van a ser muy importantes para la gente que sufre depresión y después del Covid nos vamos a tener que enfrentar a una enorme cantidad de enfermedades mentales, aunque no las llamaría tanto enfermedades mentales, sino pre-depresiones. Puedo hablar de ello porque he estado trabajando con terapeutas y este tipo de fármacos psicodélicos. Así que le pedí que hubiera ciertas insinuaciones psicodélicas en el álbum, y las apañó para hacerlo en canciones como “ZERO” o quizá “Magic Bus”. En esas canciones se pueden oír esas influencias. —Cuando has hecho quince discos tienes la ventaja de conocer muy bien tus virtudes y los trucos de grabar y sacar partido a tus canciones, pero ¿cuál es el secreto para seguir sonando fresco? Bueno, creo que la metodología de James es muy diferente a la de otras bandas: cuatro de nosotros nos metemos en una sala e improvisamos. Y lo mismo hacemos ciento veinte improvisaciones en tres semanas, cinco horas al día. Y lo grabamos todo. Luego

nos ponemos a buscar qué cosas pueden llegar a ser canciones. Esta improvisación significa que ninguno controla el proceso compositivo. No hay un cantantecompositor o dos personas que se ocupen de ello, son cuatro personas en una sala y algo creativo que se da entre ellas. No lo controlamos, y por eso es bonito. Creo que eso nos mantiene frescos. Me parece que los “compositores cantantes” se quedan sin cosas sobre las que cantar o maneras de cantar sobre ellas después de unos pocos álbumes, a no ser que seas Nick Cave. Es nuestro proceso lo que nos mantiene frescos. Y luego solemos buscar productores que la lían. —Lo que decías antes. Nos gusta no sonar a James, eso es lo que nos pone después de cuarenta años. Nos gusta contar con gente que nos empuje a lugares incómodos. Es mi actitud vital en general: gravitamos hacia el caos [risas]. Ahora tenemos a nueve personas en el grupo, lo cual es una locura. Tenemos a dos mujeres estupendas, y es un caos en el buen sentido. Son brillantes y no pudimos decir “no”. James es como una aventura, y siempre lo ha sido. Jamás hemos dejado entrar al estudio a ejecutivos de las discográficas. Hacemos nuestra música y la entregamos. La única influencia de las compañías ha sido a la hora de decirnos a veces qué iba a ser single y qué no, porque no estamos pendientes de la radio. Somos nuestra propia pequeña burbuja artística y ha tenido mucho éxito para nosotros durante mucho tiempo. Aunque no parecemos tan famosos, en Reino Unido vendemos las entradas más rápido que cuando éramos “famosos”, por decirlo así. Como somos viejos mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ENTREVISTA

EL APUNTE

El principio de todo esto

y feos no tenemos la misma atención mediática [risas] que las bandas jóvenes de moda. Lo aceptamos sin más y seguimos con lo que hacemos: música alucinante que sabemos que al final conectará con la gente, porque tenemos fe en el proceso. La buena música siempre llega. —Me gustaría que me hablaras de un par de canciones del disco: “Magic Bus” con ese estribillo tan vuestro y la última, “XYST”, con esa guitarra loca y frenética, es un cierre estupendo. Me parece divertidísimo que la gente escoja canciones tan diferentes… Me resulta muy placentero porque dice que hemos hecho un buen disco. Esas dos son probablemente las últimas que yo habría escogido, y me encanta que lo hayas hecho. —¡Gracias! “Magic Bus” tenía una voz completamente diferente a lo que oyes ahora. [Tararea una melodía]. Esa parte del final se usaba como estribillo en la primera maqueta. Mark (Hunter), nuestro teclista, lo hizo. Pero nos parecía que era un poco demasiado comercial y obvia, así que la metimos al final, y una octava de Mark se convirtió en el estribillo [canturrea un poco]. La canción tuvo varias versiones antes de llegar a la definitiva, y luego Jacknife se puso con ella hasta dejarla así de divertida. En cuanto a la letra, creo que la tenía tal cual en la primera jam. De nuevo, la psicodelia: el autobús psicodélico de los sesenta. Ken Kesey y Jack Kerouac a bordo. Cuando la escribí no podía decir si estaba escribiendo sobre una secta a la que deberías temer, o un lugar estupendo al que subir: en plan “ven mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

y únete a nosotros en el autobús de James”. Me interesaba la idea de las sectas, por el tema de la pandemia, y también por los algoritmos y las redes sociales: el consenso sobre la realidad se ha desintegrado. Lo que está pasando es que la gente se ha separado en grupos que parecen sectas. Algunos de ellos son obvios, como QAnon. Donald Trump es un líder de una secta: podría disparar a alguien en Times Square, que sus seguidores continuarían siguiéndole, y esa es una buena definición de secta. ¿Podría tu líder irse de rositas si cometiera un asesinato? Las cosas se han separado entre burbujas de creencias. Esa canción está influida por ese pensamiento, pero la dejé abierta. En general, quiero subir a ese bus mágico, pero hay un momento en que dices: “No sé yo…” [risas]. —Y luego te preguntaba por “XYST”. Está muy influida por el problema de los sin techo. Estados Unidos es un país riquísimo que tiene un problema muy grande de gente sin hogar. Durante la pandemia, cuando ibas a la ciudad, que no era muy a menudo, te encontrabas con una situación desesperada, porque esta gente no tenía nadie a la que pedir dinero o comida. Se volvían locos y no había ninguna red social para acogerlos. Escribí esa canción partiendo de ese punto de vista. Pero al final puedes oír esas dos canciones sin saber nada de lo que me inspiró. La gente puede sacar cosas completamente diferentes.

—J.C.P.

Empezasteis en Manchester tocando en el mítico Haçienda, en un momento cultural único para la música. ¿Qué recuerdos tienes de todo aquello? Fue pura casualidad. No tenía ni idea de que podía cantar y tampoco escribir letras. Lo único que sabía era que podía bailar. Me encanta bailar e iba a clubes cada noche para bailar, sin beber alcohol. Bailaba como un loco, tanto que a veces me miraban. A los ingleses no les gustaba bailar, esto era antes de la música house y todo eso. Entonces, un chaval de dieciséis años me vio y me preguntó si quería bailar en su grupo. Y así empezó todo, con algo tan ridículo e inocuo. Acabé ese fin de semana teloneando a Orange Juice con una pandereta y bailando muerto de miedo, porque estaba en frente de un público. Estoy obviamente contentísimo de haber aprovechado la oportunidad. Manchester era un lugar bastante desolado en aquellos días, y creo que fue por eso por lo que salieron tantas bandas buenas: llovía continuamente, el tiempo era una mierda, era violento, había mucha pobreza. En los primeros siete años no teníamos ni una libra. Y eso nos llevó a hacer música, porque no teníamos otra cosa que hacer. También en la escena de Manchester nos apoyábamos mucho entre nosotros. New Order nos llevaron de gira, y luego The Smiths. Nosotros, a Inspiral Carpets y Happy Mondays. Ahora también llevamos a grupos de Manchester en nuestras giras. Hay una tradición bonita de bandas ayudándose entre sí, de competencia saludable, que hace que Manchester sea un lugar bastante especial. —J.C.P.

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julio 2021 #15

Altarage Sucumbir al caos

MONDO FREAKO Altarage se han convertido en tan solo cinco años, en la vanguardia del metal extremo estatal, la punta de lanza desde la que unas figuras encapuchadas se han hecho un nombre a base de melodías disonantes, oscuridad infinita y atmosferas de pesadilla. Han publicado “Succumb” (Season Of Mist, 21), ampliando todavía más su radio de acción. Una nueva oportunidad para que adentrarnos en las sombras.

—¿Cómo vivisteis la experiencia de tocar para publico sentado, en el último Zarata Fest del año pasado? Fue extraño pero positivo. El público prestó atención y en las partes más tranquilas respetó los silencios. —¿Cómo fue girar hace un par de años con una de las bandas referentes del metal extremo actual, como son Imperial Triumphant? Tocamos en sitios en los que no lo habíamos hecho y gran parte de la gente que asistió a los conciertos fue a vernos expresamente, algo de agradecer ya que en el pasado hemos estado delante de audiencias que no entendían lo que estaba aconteciendo delante de sus narices, por mucho que fuese público “extremo”. —Siendo el disco como lo es, un auténtico bloque, os habrá resultado complicado escoger una canción para grabar el videoclip. ¿Por qué os decantasteis por “Magno Evento”? “Magno Evento” es un tema poderoso, destructivo y conciso que representa sólo una parte de “Succumb”, pero a su vez no enseña demasiado de lo que hay en el resto de cortes. El hecho de tener que lanzar un single o un videoclip no me gusta en absoluto ya que no comparto la idea de desvelar nada respecto al álbum hasta la fecha de salida. Males necesarios de esta industria decadente. —Aparte de sembrar el caos absoluto, ¿tenéis algún otro objetivo a largo plazo con Altarage? Sembrar el caos absoluto es el único objetivo en ciernes. —UNAI ENDEMAÑO

“Sembrar el caos absoluto es el único objetivo en ciernes”

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FOTO: ARCHIVO

OMO OS HA AFECTADO desde el punto de vista emocional, el presente escenario distópico que llevamos viviendo desde hace más de un año? ¿Ha podido llegar a aportar aun más oscuridad al nuevo trabajo? Respecto a la actividad en directo se tuvieron que cancelar varias apariciones en festivales. Más allá de ello, no ha llegado a afectar en nada ya que el plan para la grabación del disco no se vio alterado. —Desde que editasteis “Nihil”, vuestra repercusión internacional no ha hecho más que subir como la espuma ¿Os esperabais el impacto que estáis logrando en le panorama extremo mundial? Somos conscientes de que el nombre suena más que antes pero no estoy seguro de esa repercusión que mencionas. Desde el principio no se ha esperado

absolutamente nada ya que la única intención era grabar un disco, haciéndolo desde cero, sin promoción alguna ni respaldo de nombres de ningún tipo para que el foco estuviese sólo en la música. A día de hoy las expectativas siguen siendo las mismas. —En este último “Succumb”, cada vez vais dejando más espacio al drone y al doom. ¿Es algo premeditado, o no teníais plan alguno cuando os pusisteis a componer? Las canciones se escriben sin premeditación. Me dejo llevar y después compruebo si hay coherencia. Esta vez el resultado ha sido lo que se puede escuchar en el álbum; la próxima vez será distinto, como ocurre siempre, aunque la mano ejecutora y la línea a seguir sea la misma. —¿Cuál es el concepto que reside tras la portada del disco?¿Ha sido intencionado que sea en color? La ilustración está ligada a las letras, como es habitual, que en su mayor parte hablan sobre la sensación claustrofóbica que supone vivir en el pasado; es una embestida de realidad brutal y decaimiento a través del tiempo, con todo lo que conlleva. Una práctica insalubre en la que, en los meses previos a escribir y dotar de significado al disco, me vi inmerso. La inclusión de color ha sido intencionada, sí, pero no tiene ningún significado especial. —A pesar de que hacer planes ahora mismo de cara al directo, sea prácticamente imposible, ¿Tenéis alguna fecha reservada para presentar “Succumb” en concierto? No hay nada confirmado. Y, dada la situación, no hay prisa.

#16 julio 2021

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EN PORTADA

Joa Se So ma

#18 julio 2021

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En “Hardcore From The Heart” Great Canyon/Loose, 21), Joana Serrat vuelve con energías renovadas, capaz de enfrentarse a cualquier cosa. Ilusionada y esperanzada, la cantante catalana da un nuevo paso al frente con un trabajo sobrado en calidad y buenas canciones. —TEXTO Toni Castarnado

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UANDO CREES que todo está perdido, algo o alguien te alumbra. Durante el primer confinamiento Joana Serrat se temió lo peor. Quizás debía prepararse para un salto al vacío y abandonar sus tareas artísticas. No fue un caso único. Seguro que fueron muchos quienes sintieron algo parecido, porque no hay nada más cruel que la incertidumbre. Pero, una vez superados los miedos, esta valiente corredora de fondo aumento sus energías para enfrentarse al futuro que estaba por llegar y defender al máximo las canciones que escribió meses antes de que la pandemia hiciese parar a prácticamente el mundo entero. Seguramente, los largos paseos por el Parc Natural del Castell de Montesquiu la oxigenaron. Desde lo más alto del castillo, y mientras tomaba aire, calculaba el tamaño de la tierra y veía cuán pequeños somos con respecto a otros planetas. De repente, Joana se vio capaz de todo, podía vencer a cualquier gigante. —Para empezar, quería preguntarte por tus primeras sensaciones tras la publicación del disco. La respuesta de la prensa ha sido brutal, unánime en el elogio. ¿Supongo que es una bonita recompensa al trabajo? Alguien me comentaba, hace unos días, si no era paradójico que un disco que viene de los infiernos conllevara tantas alegrías. Aunque parezca extraño, y aunque el proceso haya sido convulso, nunca perdí la visión artística del disco ni de mis canciones. Precisamente porque sentía que era un trabajo tan delicado (por toda su carga emocional) tenía que ser muy ambiciosa. En el estudio tuve claro que era un disco que podía funcionar muy bien en cualquier país, y así lo sentían también tanto Ted Young como Joey McClellan. Es muy reconfortante leer todas las buenas noticias que llegan con “Hardcore From The Heart” y me enorgullece mucho, tanto de mi misma como del trabajo hecho en equipo. —Tras un año y medio con la música en directo casi en stand-by, tengo la sensación de que no tanto los músicos, pero sí la industria, le ha dado otra vez más importancia a los discos. ¿Qué opinas al respecto? Creo que estamos viendo los primeros efectos de un agotamiento digital. Es muy temprano aún para calibrar cuántos de nosotros estamos cada vez más desconectados de la realidad virtual paralela que individualmente hemos contribuido a crear, pero creo que irá en aumento en los años venideros. Por un lado, veo que la vorágine de los lanzamientos impera aún bajo las leyes dictatoriales del mundo digital, pero, por otro, estoy viendo que hay iniciativas con el espíritu de recuperación de las revistas clásicas en papel para establecer otra vez la obra artística como epicentro. Aunque la virtualidad irá creciendo y el mundo digital no está siendo efímero, veo la necesidad creciente de crear y establecer oasis de realidad del plano material. —¿Hasta qué punto influyó todo lo que hemos vivido estos largos meses en lo que ha acabado siendo el disco?¿Cómo fue el proceso? Es un disco de la era AC (Antes del Coronavirus). Lo grabé en marzo de 2019 en Denton (Texas). Las canciones las escribí entre 2017 (justo después de llegar de la grabación de mi cuarto álbum, “Dripping Springs”) y 2019, por lo que no hay rastro alguno de lo vivido durante la pandemia. Es importante recalcar esto. El

proceso de composición lo viví como un proceso catártico aunque no sanador. Me refugié en mis canciones como necesidad de abocar una experiencia vital. Es el gesto más primitivo, compones porque por dentro estás rota. —Ted Young como productor, Denton como punto de encuentro para grabar, músicos contrastados y algunos de ellos de fuera. ¿Cómo de importantes son todos estos factores para el resultado final del disco? Además, me consta que eres muy meticulosa a la hora de trabajar, siempre buscando el detalle. Decidí trabajar con Ted Young porque sentí que las canciones estaban muy unidas a él. Supe que sabría de dónde venían todas ellas. Conocí a Ted junto a Josh Flieschmann, Aaron McClellan, Eric Swanson, Israel Nash y Joey McClellan, en la grabación de “Dripping Springs” y puedo decir que es la experiencia más maravillosa que he vivido jamás. Él era el ingeniero y mezclador y –aunque no conste en el disco– también productor junto con Israel Nash, de este cuarto trabajo. Fue instintivo y sabía que él me llevaría a dónde necesitaba. Por un lado, no quería hacer otro disco con la sonoridad de “Dripping Springs”. Esta etapa estaba hecha y su testimonio vivencial estaba maravillosamente recogido en este disco. Tenía que alejarme de todo aquello porque el recuerdo de aquellos días tan felices me estaba matando. Necesitaba alejarme para poder avanzar, ya no sólo artísticamente sino también personalmente. La otra figura clave es Joey McClellan. Joey es un guitarrista excepcional y, cuando tocamos juntos, la magia tiene lugar. Las canciones se elevan a otra dimensión. Entiende perfectamente qué es lo que estoy comunicando, el lugar en el que me encuentro y dónde las canciones necesitan llegar. Por este motivo decidimos irnos a Denton al estudio que, junto McKenzie Smith (batería de St. Vincent, First Aid Kit y Sharon Van Etten, entre otros…), tienen en esa pequeña ciudad de Texas. Los detalles son importantes, son la esencia de quiénes somos, revelan y desvelan nuestras profundidades. Vienen de nuestros surcos más íntimos. —En este disco son fundamentales la ambientación y los paisajes que dibujas con tu música. ¿Por qué crees que has llegado esta vez a esa sonido más etéreo en comparación con otros discos tuyos? Si bien, creo que al final es una evolución lógica hasta llegar a ese sonido. Creo que el ambiente y lo etéreo han formado parte siempre de mis discos. Siento que es marca de la casa. Pienso que hay un aprendizaje (de esto también va este oficio) en una mejora en la ejecución de plasmar la idea y transformarla en el plano material, en la canción. Cuando empezamos a hablar con Ted Young de la sonoridad del disco, me pidió que le pasara lo que estaba escuchando en ese momento. Había Lynch, Chromatics, Lana del Rey, Julia Jacklin, Sarah Klang, “Reputation” de Taylor Swift… Mucho ambiente. Y al final, lo vestimos muchísimo más de lo que inicialmente pensamos que sería. Pero cuando trabajas con un equipo de grandes comunicadores como Mckenzie Smith, Jesse Chandler, Aaron McClellan y Joey McClellan, uno tiene que abrazar la naturalidad en qué se presentan las canciones y adentrarte en esa aventura musical. De lo contrario, sería imprudente. —Me da que las palabras en este disco son más gruesas, tienen un valor añadido, un julio 2021 #19

“ “Creo que estamos viendo los primeros efectos de un agotamiento digital... veo la necesidad creciente de crear y establecer oasis de realidad del plano material”

plus de compromiso, verdad y emotividad. ¿Has puesto más énfasis si cabe en las letras? No me siento cómoda otorgando a este disco “más verdad” que a los demás porque automáticamente significaría que los otros son menos verdaderos y auténticos, y para nada es así. Las canciones siempre nacen del mismo lugar; llego a ellas a través de la emoción. Por lo que mis discos no son ensayos estilísticos de teoría musical. Quizás resultan más gruesas porque he sabido comunicar un sentimiento muy personal e íntimo de una forma que resulta más inclusiva para el oyente. Es un tanto paradójico porque por un lado tenía claro que no quería verme condicionada ni hacer autocensura a la hora de escribir los versos y, por otro, sabía que iban a ser muy autobiográficos, y resulta que esto ha conectado más con una colectividad. —Me suena que ha habido una lectura en concreto que te ha influido positivamente para el desarrollo del disco. ¿Qué nos puedes contar? Me ha ayudado a dar título al disco. En pleno proceso de composición, estaba releyendo a Paul B. Preciado, Despentes y apareció una cita de Annie Sprinkle de su ensayo “Hardcore From The Heart”. Resultó que tanto la cita como el título del disco me interpelaron. Sentí una corazonada, una punzada en el pecho y supe que había encontrado el título de mi trabajo. Así que me hice con una copia del libro. La cita decía así: “la pornografía es como un espejo en el que podemos mirarnos. A veces, lo que vemos no es muy bonito, y nos puede incomodar mucho. Pero qué maravillosa ocasión para conocerse, acercarse a la verdad y aprender”. Sentí que describía al detalle lo que yo estaba experimentando en el terreno emocional. Me #20 julio 2021

incomodaba muchísimo la tormenta emocional que la experiencia de “Dripping Springs” me había traído. Y de hecho, las canciones que estaba escribiendo iban en esa dirección. Es decir, nunca me oculté de mí misma o intenté edulcorar ningún verso. Soy una persona muy honesta conmigo misma, así que la sinceridad no es un problema para mí. Pero fue ilustrativo y reconfortante leer dicha cita y poder encontrar un título que reflejara ese viaje personal tan intenso y particular. —Ha dado la casualidad que a la hora de hablar de tu voz en este disco, ha salido en más de una ocasión el nombre de Hope Sandoval. ¿Te identificas o es solo cosa de la invención de algunos críticos? [risas] Que me comparen con Mazzy Star es un elogio y un cumplido inmensos, pero he de confesar que, pese a conocer alguna de sus mejores y más populares canciones, nunca han sido un referente para mí. A mí siempre me cuesta reconocerme en los demás o ver similitudes, influencias de otros en mí, especialmente en el terreno vocal. Creo que hay una barrera en mí que impide que pueda verme de igual a igual con estos artistas. —Aparte de tu propia carrera, te has involucrado en la producción de algunos artistas de vuestro sello. ¿Cómo te sientes al hacerlo? Como una intrusa, una asesora o no sé, dime tú. Me siento muy agradecida por el hecho de que haya artistas que confíen en mí para trabajar con sus obras. Es material sensible y agradezco que me den esta oportunidad. Es siempre muy enriquecedor y siempre sacas conclusiones y lecciones. Es muy interesante poder trabajar en el estudio y hacerlo con la distancia que a menudo no tienes con tus propias canciones. De-

seo que sigan llegándome muchas más oportunidades de producir porque soy muy feliz en el estudio. —Ya puestos, y pensando en el futuro, ¿con quién te gustaría colaborar o trabajar próximamente? Hay distintos productores con los que me encantaría trabajar y distintos proyectos que querría poder desarrollar. Si pongo la vista en mi siguiente trabajo, creo que Jim James es un productor que podría hacernos llegar mucho más allá de lo que lo hemos hecho con “Hardcore From The Heart”. Sería ideal trabajar con el mismo equipo, otra vez, e incorporar a Jim James en este puzle arrollador. Pero, sólo el tiempo y las circunstancias dirán si será él o no, y si sigo pensando lo mismo que te acabo de decir cuando entre a grabar. —Por cierto, tras el primer parón con la pandemia, el verano pasado se hicieron algunos conciertos. ¿Cómo fue la sensación de subirse de nuevo a un escenario? Supongo que emocionante, pero al mismo tiempo algo muy raro. Mi primer concierto fue en Mallorca, con la banda, y la sensación fue muy extraña. No tanto por las mascarillas ni por la distancia de seguridad. En mi caso creo que era un estado mental y emocional que me tuvo bloqueada durante unos meses. Durante las primeras semanas de confinamiento, cuando se implantaron las leyes más restrictivas, estuve pensando de qué forma iba a cambiar mi mundo profesional, cómo nos íbamos a recuperar y qué supondrían para mí carrera todos estos cambios. Desconecté de mi carrera, me despedí de ella. Fue triste pero reconfortante a la vez, porque por primera vez en mi vida sentí orgullo de mí misma, de mi trayectoria, de lo vivido, recorrido y experimentado desde mis inicios profesionales en mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EN PORTADA DISCOGRAFÍA

The Relief Sessions (Autoeditado, 12) Ciertamente no es el primero, ya que Serrat publicó antes dos discos con las siglas J.S.T., pero sí el que la pone en el mapa con el nombre con el que todos la conocemos. Un claro tratado de folk yanqui con Bill Callahan, John Prine, Bob Dylan o o su tocaya Joanna Newsom como referencias evidentes. Gracias a él Nashville Noisetrade la elige artista de la semana, mostrando ya su proyección internacional.

Dear Great Canyon (El Segell del Primavera, 14) Producido por Howard Bileman, productor del “Funeral” de Arcade Fire en los estudios de Paco Loco, y editado por una discográfica de renombre, es su primer golpe encima de la mesa. Empiezan a aparecer esas melodías aterciopeladas y la obsesión por crear atmósferas que complementen las canciones. Talento sin medida.

Cross The Verge (El Segell del Primavera/Loose Music, 16)

2012. Con los conciertos, con esa sensación intermitente (ahora tocas, ahora no, ahora se pospone), era muy complicado poder restablecer ese lazo y ese compromiso. Creo que de alguna forma, era un acto instintivo de protección. Yo amo mi oficio, me define, vivo a través de él y da sentido a la persona que soy. Me ha ayudado a posicionarme en este mundo, he encontrado mi sitio. Si tenía que volver a conectarme conmigo misma y con la profesión, tenía que saber que había una continuidad, de lo contrario la situación era cruel. —Al hilo de esto, siempre digo que tu banda de directo está por encima de la media, es sólida y a la vez brillante. Hay algo que me encanta de vosotros, cada uno tiene su propia personalidad y al mismo tiempo todo encaja en el engranaje del grupo. Muchas gracias. Estoy muy contenta de la banda que formamos. Llevamos unos años tocando juntos y creo que esa complicidad se ve cuando estamos en el escenario. Ya nos conocemos un poco. Vidal fue el último en incorporarse, cuando publiqué “Dripping Springs” en 2017. El resto ya venía tocando conmigo desde “Dear Great Canyon”. Me gusta que cada uno tenga su estilo y su personalidad, esto es enriquecedor y define mi forma de pensar y de trabajar. Creo que lo más interesante es cómo cada uno llega desde su posición al objetivo común que es cada canción. El recorrido que hacemos individualmente, es lo que da forma a nuestro directo. Estoy muy agradecida que quieran compartir conmigo y ser parte de mi desarrollo profesional y artístico. —T.C.

El sello londinense Loose Music se fija en ella. Repite con Bilerman y se marca un trabajo grande en el que el espíritu de Lambchop, Friend Of Dean Martínez o su compañero de sello Israel Nash está muy presente. Canciones soberbias y otro paso adelante.

Dripping Springs (Great Canyon Records/Loose Music, 17) Nuevo acierto. Esta vez se marcha a Texas para grabar con el citado Israel Nash como productor, que impregna, si cabe aún más, las canciones de Serrat de desierto. Joana sigue creciendo y su folk marca de la casa, añade leves encuentros con la psicodelia, el rock sinfónico y, sobre todo, el sonido americana. Toda una realidad palpable.

Hardcore From The Heart (Great Canyon Records/Loose Music, 21) Las atmósferas siguen imponiéndose. Con letras basadas en el libro de la sexóloga Annie Sprinkles del mismo título, Serrat se abre en canal, en una especie de disco conceptual que supone el paso lógico en una carrera que crece por segundos. Destacada en revistas internacionales como Uncut, la de Vic supera cualquier expectativa previa con cada uno de sus álbumes. —EDUARDO IZQUIERDO

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julio 2021 #21

23/Mondo VINILOS

SleaterKinney

Billy F. Gibbons

Path Of Wellness Mom + Pop

La desolación y la sabiduría de Bobby Gillespie y Jehnny Beth Bobby Gillespie y Jehnny Beth Utopian Ashes Sony Music

SOUL / Conviene no enterrar prematuramen-

te a gente como Bobby Gillespie: el exbatería de los primeros The Jesus And Mary Chain pasó a ser frontman de un monstruo del rock visceral con el que lanzó al menos tres discos inolvidables. Y es verdad que hace tiempo que Primal Scream están en piloto automático, pero este álbum descarnado y maduro en el buen sentido puede funcionar como sacudida. Que un vocalista tan limitado como el de Glasgow se mida en las distancias cortas con un prodigio de expresividad vocal como la de Jehnny Beth, quien se deselvuelve tan bien en solitario como con Savages, tiene su mérito. Más aún cuando Bobby, que sabe a dónde puede llegar, no sale malparado del reto. Los que no entendieron el viraje de Primal Scream desde el rompedor y semi electrónico “Screamadelica” al desfase sureño de “Give Out But Don’t Give Up” enarcarán de nuevo la ceja: Gillespie (y los músicos de Primal Scream casi al completo) tiran de fuentes clásicas para reverdecer la tradición de duetos del country y el soul. Pero el material manda, y por primera vez en años

Gillespie y sus aplicados secuaces (músicos de primera) tienen entre manos canciones que les motivan; ayuda la presencia catártica de Jehnny Beth, cuya incursión en aguas mucho más clásicas de aquellas en las que acostumbra a navegar le saca un lado que no conocíamos. El desamor conyugal y sus desastres colaterales (según Gillespie, autor de las letras, se trata de personajes construidos para la ocasión, más que de incómodas confesiones autobiográficas) es el combustible del que se nutre un álbum que definen como “adulto”, y en el que las voces del escocés y la francesa se complementan a la perfección. Difícil ponerle peros a canciones redondas como “Chase It Down”, con sus latigazos de soul disco, el vals triste coheniano de “English Town”, la descarnada “You Don’t Know What Love Is” con sus cuerdas, el country triste de “You Can Trust Me Know” o la crepuscular y emocionante “Remember We Were Lovers”. Ni siquiera molestan los aires obviamente stonianos de “Your Heart Will Always Be Broken”, o que en la sesentera “Stones Of Silence” a Bobby se le escape un atisbo de la melodía de “Dancing Barefoot” de Patti Smith; por poner un pero, la rendija de luz melódica que se infiltra en “Living A Lie” (“We lie just to stay alive”) y “Sunk In Reverie” parece forzada para un álbum cuya desolación destila la sabiduría de quienes han vivido lo suyo. —JC PEÑA

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ROCK / Había mucha curio-

sidad de ver cómo Corin Tucker y Carrie Brownstein iban a responder discográficamente a la pérdida de Janet Weiss dentro de su ecuación instrumental. Pues bien, no ha sido tan catastrófico como muchos auguraban, aunque desde luego su vacío pesa como un esqueleto arrancado de cuajo de su anatomía original. Cada vez más minimalistas en su concepción, desde el mismo arranque del álbum se palpan los efectos de la pérdida de Weiss a la batería. La guitarra suena más rítmica que nunca y la batería ha perdido punch, en pos de una sonoridad más metronómica, menos invasiva. El medio tiempo rock se impone. Así sucede en “High On The Grass” o “Complex Female Characters”, cortes templados a fuego lento, notables pero faltos de la energía y dinamismo de antaño.

—MARCOS GENDRE

Hardware Concord / Universal

les diga? Cuando acabo la primera escucha del nuevo disco de una de las tres patas de ZZ Top tenga la sensación de que, por fin, ha logrado hacer un álbum en solitario a la altura de su leyenda. Por primera vez, además, creo que será un trabajo suyo que volveré a escuchar. Un disco en el que ha tenido una gran influencia Matt Sorum, batería de Guns n’ Roses quien, además de tocar, produce el trabajo junto a Mike Fiorentino y el propio Gibbons. Een muchos de sus rocosos temas se respira el desierto de Arizona, la frontera de Nuevo Mexico, el blues de Texas o la arena roja de Oklahoma. Un paseo por todo el suroeste de los Estados Unidos. Con colaboraciones de Larkin Poe y un sonido a medio camino entre el blues rock, el hard rock y el country más crudo que se nos hace muy familiar. Ya era hora Billy. —EDUARDO IZQUIERDO

Danny Elfman

Frank T

Arroz Zona Bruta

Big Mess Anti/[PIAS]

ROCK / Estamos para apli-

car el famoso refrán: no hay mal que por bien no venga. La presidencia de Trump y el Covid le dieron a la humanidad el primer disco solista de Danny Elfman en treinta y siete años. El ex cantante de la infravalorada banda new wave Oingo Boingo, practica aquí un método de creación similar al que llevó a aquel grupo de culto a ser tan particular. Oingo Boingo no eran una banda de ska, no eran una banda de pop ni de new wave, pero usaban los preceptos estéticos de estos movimientos para ofrecer su deformada –y única– manera de hacer música. Pasa algo similar con “Big Mess” en el que los sonidos reinantes traen la impronta de distintos estilos –industrial, hard rock, gótico, clásica...– que logran dar un vuelo especial a cada una de las composiciones que completan el disco. —ADRIANO MAZZEO

ROCK / ¿Qué quieren que

RAP / Frank T sorprende con

un nuevo disco después de casi un lustro de silencio. “Arroz” es una nueva referencia del que es uno de los padres del rap en nuestro país. A pesar de estar rozando los cincuenta años, vuelve con un trabajo que le diferencia y mucho de sus compañeros de generación, más abierto a nuevos sonidos y autoconsciente. Mientras que el sonido sigue siendo el del hip-hop clásico noventero, el discurso y las letras de Frank T se mantienen frescas y actuales: entra en política sin ser un pesado, protagoniza egotrips sin ser repetitivo y hasta se descuelga con un tema de rap sensual y casi erótico. A esto se une que es un trabajo casi artesanal, en el que Frank T produce la gran mayoría de los temas que él mismo canta. Frank T tiene un presente interesante en la música, no solo un pasado. —LUIS M. MAÍNEZ julio 2021 #23

MONDOVINILOS

El Buen Hijo

¡PAN PAN PAN! Sonido Muchacho

La variedad y el gusto de Queralt Lahoz

Queralt Lahoz Pureza Say It Loud

8 POP / Cuando lo peor que se puede decir de

un álbum es que es excesivamente corto, alguien ha hecho bien su trabajo aunque sea breve. “Pureza” incide, al igual que “1917”, en esos aires sureños de tinte post-moderno, sustentados con una personalidad arrolladora y un carácter que la ha empujado siempre frente a la adversidad con paso firme. Pero si algo demuestra Queralt es su versatilidad y la capacidad para tocar diferentes palos. Eso y su espíritu perfeccionista. Queralt Lahoz demuestra en “Pureza” creer con determinación que en la variedad está el gusto. Por eso bucea en diversas aguas estilísticas y sale airosa de todas ellas. Si ya en “Línea 18” nos había hecho viajar a Cuba, ahora nos hace regresar a ritmo de son, con ese precioso homenaje que rinde a su abuela que es “De la cueva a los olivos”. Y me gustaría detenerme en “El tiroteo”, para mí el mejor tema del álbum junto al ya conocido y más urbano

Doble Pletina

Mahmood

BANDA SONORA / Seguro que en estos tiempos de incertidumbres y turbulencias has tenido algún que otro momento de explosión, de gritarle al mundo que ya no puedes más. Pero claro, todo lo que sube baja y tras las lágrimas siempre llega el renacer. “Stop”, el primer EP de Doble Pletina con Austrohúngaro, representa un poco este viaje emocional con una colección de cuatro canciones que sirven de banda sonora para la película del mismo nombre, protagonizada por los miembros de la banda y bajo la dirección de Stanley Sunday. Temas repletos de nuevo de historias tristes, bonitas y con un sonido de pop clásico que tan bien representa a la banda. Elegantes sintetizadores que generan atmósferas oníricas arropando juegos de voces delicados, letras complejas, melodramas y crisis existenciales. Bajo la producción de Hidrogenesse, este EP comienza su viaje con el habitual pesimismo del grupo y lo finaliza con un nuevo hilo de luz menos habitual e interesante.

—ÁLEX JEREZ #24 julio 2021

POP / Mahmood ha con-

seguido crear una expectación más que admirable con motivo de su segundo disco, “Ghettolimpo”. “Gioventù Bruciata” fue un debut bastante digno, pero demasiado ligado a su paso por Eurovisión, por lo que no dejaba entrever del todo su madurez artística. Ahora, dos largos años después, Mahmood nos muestra todo lo que ha aprendido a lo largo de la época más importante de su vida. Y se nota no solo en su música, por supuesto, sino también en un discurso social mucho mejor hilvanado. Mahmood construye su propio “Ghettolimpo” junto a artistas como Woodkid, Elisa, DRD, Sfera Ebbasta o Feid. La estética, tanto de la portada como de los vídeos, es de diez. En general, se trata de un disco muy contemporáneo con sonido y letras completamente actuales, lo que puede hacer que no perdure en el tiempo como su obra maestra. Sin embargo, es un reflejo muy fiel y acertado del mundo que ve un chico de veintiocho años en pleno 2021. —ÁLVARO TEJADA

de Barcelona. Porque “Pureza” es hijo del mestizaje urbano de la ciudad, y puede que esta sea la principal diferencia que atesora Queralt con respecto a esa cantante catalana de fama mundial en la que todo el mundo está ahora pensando. El mismo mestizaje libre y loco que desplegaron hace más de una década grupos tan dispares como Ojos de Brujo o La Kinky Beat, pero también 08001, Amparanoia o Trimelón de Naranjus. Libertad creativa sin ataduras ni reglas. —DON DISTURBIOS

Daggers Dine Alone

ROCK / Dice el ex At The

Drive-In Jim Ward que siempre utilizó la música como un antídoto para la ansiedad y la frustración. Durante 2020 armó una cofradía online junto a dos grandes amigos: Ben Kenney (bajista de Incubus, ex The Roots) y Tucker Rule (batería de Thursday), quienes le ayudaron a dar forma a este redondo “Daggers”. Realmente, aunque se presente como un lanzamiento solista del cantante y guitarrista, la presencia de la base rítmica es central. En general las canciones tienen la impronta de Ward –ya evidenciada en Sparta, pero también en At The Drive-In–, pero también contienen un tratamiento de calidad; hay un cuidado admirable en los arreglos y el mismo toque de los instrumentos denota gran experiencia. En lo sonoro hay un poco de todo, desde el inicio alt country de “Day By Day” al arrebato punk rock a la Misfits de “I Got A Secret”, pasando por una “Paper Fish”, que tiene una progresión de acordes similar a “Zephyr Song” de Red Hot Chili Peppers. —ADRIANO MAZZEO

inofensivo cantado en castellano (aquello que en los noventa se dio en denominar “tontipop”) parecen estar actualmente en desuso. Los madrileños El Buen Hijo reverdecen esos laureles en su debut en formato largo, con composiciones desprejuiciadas y coloridas que rinden indisimulado tributo a Los Fresones Rebeldes, Vainica Doble, TCR, Meteosat o incluso Tachenko. Un alegato pasional en pos del poder sanador de ese tipo de pop más naif, construido en cualquier caso sobre una sólida base instrumental y que, junto con lo pegadizo de los estribillos, realza el poder intrínseco de cada pieza. Las historias costumbristas copan el protagonismo narrativo de las elegidas, mientras Marco Frías y Alicia Ros alternan voces en el siempre efectivo juego de chico/chica tras el micro. Once canciones vitaminadas, familiares desde la segunda escucha, y tintadas con llamativas tonalidades con la intención de dibujar una sonrisa en la cara del oyente. —RAÚL JULIÁN Reigning Sound

The Kleejoss Band

Jim Ward

Ghettolimpo Universal Music

Stop Austrohúngaro

“Dame doblones”. “El tiroteo” es una bulería dura como el acero en el que el gran Jorge Pardo (Camarón de la Isla, Paco de Lucia, Chano Domínguez…) deja huella con su flauta travesera. “Pureza” es un disco que va a contribuir a que la carrera de Queralt Lahoz siga progresando en el futuro. De eso estoy seguro. Y aunque es posible que alguien eche en falta un poco más de electrónica en el disco, no es menos cierto que es un álbum que difícilmente se podría hacer perpetrado fuera del área metropolitana

A Little More Time With Reigning Sound Big Gamble Music

Maleza Milana Música

ROCK / Tras editar cuatro

elepés y un EP y granjearse una base de público fiel girando sin descanso por toda la geografía nacional los de Zaragoza han tomado una importante decisión para este nuevo álbum: Abandonar el inglés para abrazar el castellano a la hora de cantar. Un cambio notable, no hay duda alguna, ya que altera el método de escritura de las letras y la composición musical así como la incógnita ante la posible recepción de sus seguidores. La primera escucha es toda una sorpresa, Luis Kleiser varía en parte el tono vocal lo que afecta al sonido general del combo. Pero conforme le vas dando pasadas el espíritu sigue ahí, igual que esa manera de entender el rock que concentra las influencias clásicas con otras más cercanas en el tiempo lo que junto a una notable labor en la producción, donde destaca el robusto muro de guitarras, da como resultado un trabajo que presenta a los maños como una banda en plena forma.

—MANEL CELEIRO

POP / Los grupos de pop

ROCK N' ROLL / La cacha-

rreria se despereza otra vez. Turbina de motores que mantienen viva la tradición de Memphis como la babilonia del rock y el roll. Greg Cartwright, está en sagrada misión y con Reigning Sound da rienda suelta a sus canciones de arista más pop, impregnadas de esa melancolía hechizada, que tanto se alinea con las mutaciones brill building como con los riff de proto blues rancio o el folk más hirsuto. Su retorno a Memphis con el line up clásico significa reencontrarse con ese sonido pandillero, crudo, sucio y melancolico, que vibra con sus composiciones de manera más auténtica que su reciente etapa neoyorquina con los Jay Vons. Nada como volver a la bitácora original, y religar esa cuajada imperfecta, libidinosa y marcial. Esa que, con tres acordes de una guitarra achicharrada, una sección rítmica estentórea, un Hammond justiciero, y esa voz resquebrajada, hace que sigas creyendo en el rock, en el roll y en todo lo que hay en medio. —ANDREU CUNILL CLARES

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Modest Mouse

The Golden Casket Epic/Sony Music

POP / El vehículo expresivo

de Isaac Brock alcanza su séptimo capítulo largo dejándose por el camino vigor eléctrico y visceralidad; lo compensa la luz melódica que irradian las canciones, producto de la paternidad de un Brock familiar que trasciende sus demonios y se confía a su lado más pop y apaciguado. Sin alcanzar las cotas de sus últimos discos, su tercer trabajo en catorce años destila sus virtudes, aunque una escucha precipitada no le favorece. No es tanto que Brock y compañía, siguiendo la estela de tantos otros, hayan apostado por un sonido con menos guitarras; es, básicamente, que abundan los medios tiempos un punto alargados que requieren de una mayor complicidad del oyente. "We Are Between" es un single poderoso y certero. Las discretas “Never Fuck A Spider On The Fly” y “Leave A Light On” rebajan el nivel, aunque “Japanese Trees” retoma el pulso rítmico, y el arpegio de “Back To The Middle” cierra con buen sabor de boca un álbum con más alicientes de los que parece. —JC PEÑA

MONDOVINILOS

La Habitación Roja Años Luz Intromúsica

POP / El nuevo álbum de los

valencianos es una especie de botiquín perfecto para sanar muchas de las grietas que nos está dejando todo este arduo temporal. Una pequeña terapia contra las secuelas post pandémicas para curar como solo ellos saben: de una forma honesta, libre y realista. Es un disco perfecto como resumen de esa angustia y ansiedad que todos hemos atravesado en algún momento estos últimos años viendo cómo muchos sueños e ideales futuros se iban volando en nuestra cara. Y cómo se alzaba una enorme montaña de dificultades frente a nuestros ojos (que queda perfectamente plasmada en la portada del álbum) que estamos aprendiendo a escalar obligados para al menos recuperar lo que en algún momento fuimos. Mezclado por Luís Martínez en Little Canyon Studios y producido por Paco Loco. Vuelven a apostar por el pop melódico y melancólico. Aún así, sí existe un mayor trabajo electrónico y uso de sintetizadores que entrelazan con sus habituales guitarras. —ÁLEX JEREZ Los Pilotos

Paul Weller

Alianza Atlántica Casa Maracas

Fat Pop, Vol. 01 Polydor

Maika Makovski: arrebatadora de entregar el inspirado “On Sunset” (20), Paul Weller confirma su buen momento de forma gracias a esta nueva entrega concebida durante el confinamiento. Si bien se sitúa un peldaño por debajo de su predecesor, la referencia vuelve a incluir un buen puñado de inspiradísimas canciones. “Fat Pop, Vol. 01” es, además, la enésima prueba de la versatilidad creativa del de Surrey, así como del perenne interés por multitud de géneros (ska, soul, reggae, indie, groove, sonidos sixties o britpop) y posterior pericia a la hora de llevarlos a su terreno y convertirlos en repertorio propio. Cubierto con una especial carencia por el soul, el álbum remite con intermitencia a la época de Weller en The Style Council, y tampoco escatima arreglos clásicos para engalanar estas nuevas composiciones. Una docena de piezas que reafirman esa imponente presencia creativa de Paul Weller, patente desde sus precoces comienzos en The Jam.

POP ELECTRÓNICO / Despertándonos aún de la pesadilla de distanciamiento forzoso, aislamiento y oxidación del compartir de los sentidos, Los Pilotos reaparecen y cambian el sol por una luminosa y cegadora bola de espejos en “Alianza Atlántica”, su adictivo tercer largo. Once liberadoras canciones para que las pieles vuelvan a rozarse en la pista de baile de cualquier rincón del planeta, intercambiando sudores y fluidos olvidados entre surcos de fusión y electrónica rompe caderas con raíz popular. Haciendo honor a su nombre, Los Pilotos crean un puente aéreo de ida y vuelta que une culturas de este lado y del otro del charco, haciendo equipo con lo más granado del tecno-disco-pop latinoamericano, con extra de aromas y folclores de países hermanos bajo la lengua. De Granada a Perú y República Dominicana, pasando por México, Argentina o Colombia. Siempre con la nave capitaneada por Florent y Banin, esparciendo su atmosférica e hipnótica psicodelia en el aire.

—RAÚL JULIÁN

—DAVID PÉREZ

POP / Apenas un año después

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Maika Makovski MKMK BMG

9 ROCK / Dar lo opinión de un disco una vez

has podido entrevistar a la artista, tiene unas certeras ventajas. La unilateralidad que se inflama, como una vena de hormigón, en unas primeras escuchas, rebaja la tensión al compartir tus impresiones con el creador. Algunos de tus sesgos y apriorismos se ratifican y otros se ven recanalizados. Escuchar el disco desde una prospectiva conjunta, más unida, abre una nueva visión mucho más orbital y menos egocéntrica. Más conectada con ese espíritu comunal que demanda y expresa “MKMK”. En ese nuevo camino, he visto claro que Maika, con su nuevo disco, quiere celebrar la vida tal como es. Algunas veces más arrugada y pérfida y otras extrañamente lacia y bella, pero siempre espontánea y llena de aprendizajes. Como ella mismo explica, ha sido un disco que, a diferencia de otros, ha querido experimentar el soltar, el dejar que las emociones vibren solas, sin estar contenidas ni domesticadas, aullando en

su propio vapor cósmico. Empezar el disco con una oda al amor incondicional como es “Love You Til I Die”, es una clara declaración de principios y un acto de valentía. Un determinado movimiento hacia la unión y no hacia la separación. Un manifiesto de fecundidad artística. Un llamar a la convergencia, indómita de salvaje fertilidad. Ese amor que Maika celebra es precisamente un juego de tirar y aceptar las consecuencias. De asumir los éxitos y los baches en igual condición. Mostrándose verdadera, sin esperar nada a cambio. Esa Maika más confesional, encarna una versión menos contenida y más libre. Para ello suelta el bicho de una música arrebatada, que busca la belleza desde la autenticidad y confía en una banda de amigos que se unen de manera incondicional a su modo de entender la música. Un arremolinado derribo de posibilidades de guitarras feroces y estocadas, donde la flecha se convierte en pluma y los gritos en aullidos. Sus ritmos entrecortados y sus incandescencias de blues contagian. Y como dice ella la canción es como una especie de oración para que el propósito permanezca. Y el propósito es solícito. Celebremos nuestro monstruo. Juntos. Al menos hasta el próximo embiste.

—ANDREU CUNILL CLARES

julio 2021 #27

Fred Aga Capítulo uno ENTREVISTA

Tan claro como que la pandemia iba a cambiar nuestras vidas, también lo era que habría discos que la usarían como excusa artística. Más difícil de prever era tanta premura: “Actual Life (April 14 - December 17 2020)” (Warner, 21), debut de Fred Again.., es electrónica costumbrista. Garage house sanador a partir de notas de voz. —TEXTO Yeray S. Iborra

“La pandemia fue el catalizador para que las cosas jodidas de nuestras vidas fueran un poco peores”

#28 julio 2021

E RASCA LA CABEZA mientras la tuerce hacia un lado. Mira la mesa, la limpia con decoro, dando toquecitos con el dorso de la mano. Repite el gesto. Sonríe, también de lado. Muchas veces. Vuelve a rascarse la cabeza. Fred Gibson es un tipo tímido. Siquiera la pantalla, una videoconferencia, le procura distancia suficiente para protegerse. Es como si tuviese miedo de, en algún momento, cruzar la mirada con su interlocutor, por lo que agacha la vista a menudo. Una y otra vez. Y lo hace sin dejar de ser amable. Es de esas personas tremendamente amables. Desde su rincón. Esa ternura, fragilidad, sensibilidad, gratitud y entrega están aferradas a las entrañas de “Actual Life (April 14 - December 17 2020)”, uno de los discos que perdurará como uno de los grandes relatores de qué fue aquello del confinamiento y por qué estadios nos hizo pasar a todos. El álbum, construido a partir de notas de voz encontradas en su teléfono y sobre una base garage house, que domina de igual modo el pie que la cabeza, le ha valido un reconocimiento casi inmediato, pese a tratarse de un debut. No se puede decir bien, bien, que el éxito le haya venido de nuevo

a Gibson. Sí, la fama. Antes de la publicación, el británico ya había producido y colaborado con artistas como Ed Sheeran, Stormzy o FKA Twigs. Y Brian Eno –con el que adelanta en esta entrevista ha trabajado recientemente– había sido estos años uno de sus máximos valedores. Pero le faltaba qué contar y cómo contarlo para tener voz propia. Dio con la tecla en un momento de máxima angustia personal. Como casi siempre pasa. Ahora, pese a que augura nuevas colaboraciones, la primera ese misterioso nuevo proyecto junto al mismísimo Eno, dice que toca centrarse en construir nuevos dietarios como “Actual Life (April 14 - December 17 2020)”. Fred Again.. es un alias sanador para un tipo nervioso que, para evitar silencios incómodos, pregunta él primero. Como si le faltara callo ante el berenjenal mediático que él mismo ha propiciado con su destacada presentación artística en solitario. “¿Dónde estás?”, interroga. “Estoy en Barcelona, Fred”. “¡Precioso! ¿No? Nunca fui, pero siempre quise. Espero que el año que viene...”, asiente. Y limpia la mesa con el dorso de la mano. ¿Crees que podrás venir a España tan pronto? Tal vez el año que viene, ¿no? Creo que este año… Este año no. Pero creo que el que viene... Tengo muchas ganas de ir a Barcelona, así que si no, el próximo, pero sí. No hay duda. No hay duda. Quiero venir [ndr: su sombre se ha confirmado entre las actuaciones del Primavera Sound 2022]. —La gente te recibirá con los brazos abiertos: menuda acogida mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ain..

la del disco para tratarse de un debut. Lo aprecio muchísimo, de veras que sí. Es muy agradable. Estoy como: “¡Gracias, a todos, de verdad!”. Me siento muy, muy agradecido por todo lo que me está pasando. Realmente lo valoro. Normalmente no lo hago, normalmente no me afectan mucho las respuestas de la gente hacia mis músicas. Por lo general, lo hago y ya está, ahí lo dejo. Pero esta vez ha sido diferente: por alguna razón, esta vez ha sido muy diferente. Y no lo esperaba. Lo terminé y seguí adelante con lo mío. Pero en cuanto salió… —¿Te llegó rápido el buen feedback? Fue como: “¡Oh, mierda!”. Realmente me ha hecho volver a las sensaciones del disco muchas veces. Me ha conmovido mucho la respuesta. Recibí cientos de mensajes, sigue pasando que recibo todos los días mensajes de personas, cosas muy personales e íntimas sobre lo que cuenta el disco. Y me hace sentir inspirado y feliz de que esté pasando algo así gracias a mi música. —No es un álbum únicamente de electrónica de club. Se puede bailar, pero también se puede disfrutar en soledad. ¿Lo hace eso más universal? Te agradezco la observación. Totalmente. De verdad te agradezco el matiz, de verdad que sí; puede que tengas razón. En todo caso, para mí, el hecho que emocione me obliga a seguir con ello: este es el capítulo uno del diario. Quiero seguir desarrollando la fórmula mañana mismo: es una motivación grande. —¿Cómo es para alguien que ha estado, no sé, en las sombras de la industria, ayudando a otros grandes artistas, acaparar repentinamente tanta atención de los medios de comunicación? Un poco extraño. Me sentí, de nuevo, pensando: “Oh, mierda”. Quiero decir, para mí, en cierto sentido fue como volver a lo que estaba haciendo años atrás. Porque en realidad de los dieciséis a los veinticuatro años estuve liado con muchos proyectos propios. Y luego pasé un par de años produciendo para otras personas, así que definitivamente tuve la sensación de que cuando comencé a hacer mis propias cosas de nuevo… ¡Todo fue bien! Sentía un leve síndrome del impostor, ¿sabes a qué me refiero? De como… Bien, ¿y yo qué tengo que contar realmente? Así que me tomó un tiempo; esa es otra de las razones por las que me siento tan conmovido al leer las respuestas de la gente. Porque me reafirma, me hace pensar: “Estoy bien, tengo algo que contar”. Y así es como me siento. De nuevo: agradecido. [Se sonríe] —Es muy interesante hablar de ese síndrome. ¿En qué momento tuviste claro que debías tirar adelante con las ideas que estaban naciendo en el estudio? No lo vi claro. Nació solo. Sucedió. Fue bastante tortuoso por momentos. La escritura del disco fue, en general, como decirlo... Tuve algunos buenos momentos y algunos no tanto. La realización del disco fue en general una basura. Estaba en una casa, pero rodeado

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julio 2021 #29

ENTREVISTA

“Quiero hacer dos discos al año [ríe y se rasca la cabeza]: uno en verano y otro en invierno, durante al menos tres años”

de muchas cosas complejas en mi vida. Y entonces sucedió, sin ni siquiera esperarlo. Simplemente hice algunas cosas, cambié otras, y vino. Y fue como: “Ok, está hecho. Y saldrá en un mes. A ver”. Y luego fue cuando salió y… Algo ha sucedido. [Ríe, nervioso] Lo volví a escuchar el otro día, no lo había hecho hasta entonces. Me gustó. Cuando compuse el disco, no tenía distancia: no sabía lo que significaba. No sabía qué era. No sabía cómo me sentía al respecto. Pero ahora me siento mejor. —¿Fue tan rápido como trabajar las ideas, publicarlas y luego obtener un álbum con dos fechas? ¿Así, sin más? Sí. Quiero decir, trabajé cada hora de todos los días durante, básicamente, doce meses. Así que no fue rápido, pero definitivamente se fue aclarando el enfoque. No sabía con absoluta claridad lo que estaba haciendo. No sabía cuándo iba a terminar, pero de todos modos fue apareciendo. Así que sí, fue así. —¿Has pensado que hace que llegue tanto a la gente? ¿Tal vez esos momentos con mensajes de voces anónimas en loop? Sí. —¿Son los mensajes? ¿Los tuviste claros desde el principio? ¿Cuáles eran poderosos para la producción? Simplemente sucedió, insisto. Estuve tratando de pensar en formas similares de solidificar el conjunto, pero al final solamente dependió de lo que encontraba al desplazarme por mi teléfono. Lo cogía y lo que me resonaba dentro, entraba. Encontré varias piezas, varios audios, que sentí que eran los más honestos. —¿Ese es el punto, la honestidad? Porque Carlos, de Atlanta, un obrero cuya voz aparece en “Carlos (Make It Thru)”, parece ahora un nuevo amigo para todos. ¡Sí! Y me encanta tener esos mensajes en el disco. Me encantan esos mensajes que se repiten en los discos. Tienes como esos narradores, lo ves, van apareciendo a lo largo del disco. Particularmente no hay nadie a quien ame más en el ambiente del disco que a Carlos, porque significa lo que quiero hacer: glorificar y mostrar la belleza en estos momentos mundanos que parecen fugaces y sin consecuencias, pero que realmente son absolutamente magnificentes. —Los mensajes que se repiten funcionan como mantras. Algunos de los que se repiten aportan cierta luz al álbum... Sí. —¿Tienes algún tipo de relación con la meditación, el yoga o algo así? ¿Haces alguna práctica de ese tipo? Interesante... Inconscientemente, creo que es por eso que me encanta hacer esto; por esos mantras, que me dan tranquilidad. Pero la música sería mi versión de eso. Ahí encuentro la paz: escuchar esas voces que constantemente regresan... Es asombroso lo poderoso que es ese “make it thru”. Si hubiera hecho un millón de bases con esa frase encima... Literalmente puedo hacer cientos de bases con esa frase encima. Y podrían ser bases trágicas, pero quiero que la gente que termine de escuchar mi música se sienta infinitamente esperanzada. —¿Y ese modo de usar las frases, es algo que has descubierto con este disco, o en tus producciones anteriores ya lo habías trabajado? Creo que con este disco. Seguro. Sí. —¿Y podría ser algo que repitas en los “nuevos capítulos” que citas? Totalmente. No voy a cambiar. Quiero hacer esto desde hace mucho tiempo. Siento que únicamente comencé… Creo que voy a estar haciendo esto para siempre. [Se sonríe] Es mi yo, absolutamente. Sí, haré esto los próximos años. —¿Cómo lograste atravesar la pandemia en, ya sabes, suficiente bienestar mental como para seguir con la música? Fue un desastre absoluto, pero en realidad no por la pandemia, sino

#30 noviembre 2020

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porque muchas otras cosas... Obviamente la pandemia fue el catalizador para que las cosas jodidas de nuestras vidas fueran un poco peores. Es curioso ver, insisto, lo esperanzador que creo que mucha gente ve el disco, lo cual es hermoso para mí, porque no fue hecho desde un lugar esperanzador. Eso me encanta. Para mí, no suena así nada de “Actual Life (April 14 - December 17 2020)”. Bueno, tal vez a veces, pero da igual. Me gusta, me encanta, que sea así para otras personas. —¿Y cómo ves la cosa ahora, la industria musical, las posibilidades del disco? Ahora me siento, como digo, no sé, emocionado de simplemente hacer, hacer, hacer, hacer. Ir, ir, ir. ¡A por ello! Quiero hacer montones de bases; yo hago mucha música. Así que ahora siento que he llegado a un punto en el que realmente puedo empezar a empezar, ¿me entiendes? Como si pudiera mostrar mucho de lo que he estado trabajando porque me tomó tiempo encontrar la claridad emocional de lo que quería expresar. Y obviamente eso haré en los próximos años. Siento que entiendo lo suficiente como para comenzar a decir todo de la forma en la que lo quiero decir. Eso es muy positivo.. Ahora sí, me siento seguro. —Hay algo interesante: viendo tus videos y escuchando el disco, hay algo en ti que parece muy tímido, pero estás muy conectado con tus fans en Instagram. Con tus sesiones y demás. ¿Estás, o algo parecido, creando comunidad? Sí, no sé. Se lo agradezco mucho a la gente. Sinceramente esos encuentros son sentimientos muy inspiradores. Creo que esa sensación de ser parte de un diálogo con la gente es imprescindible. Para mí, eso inspira la mejor de las músicas, porque sientes que no es una conversación unidireccional, sientes que estás en un diálogo. Entonces, cuanto más vives en ese diálogo, cuanto más se convierte en algo que puedes sentir, mejor música haces. Insisto, me siento muy agradecido por eso. —Tu directo con el Támesis de fondo fue un éxito. Hiciste un auténtico live en YouTube, con mezclas inesperadas, por ejemplo Moderat en el tramo final. ¿Es lo que podemos esperar en tus directos o estás pensando en otras cosas para mostrar “Actual Life (April 14 - December 17 2020)” al público? Así es como toco en vivo. Totalmente. Me gusta; estoy ansioso por encontrar formas de hacerlo de modo que cuando toque en vivo, sea como realmente me gusta: en vivo, en vivo, y no únicamente presionar “reproducir”. Habrá momentos en los que pincharé o haré sesiones. Eso también me encanta. Pero creo que si estás tocando en vivo, estás tocando en vivo [insiste en la palabra, y se toma unos segundos]... Por eso estoy tan ansioso, porque estoy perfeccionando tanto como puedo el directo. Hasta el punto en que se sienta realmente real. ¿Me explico? —¿Significa eso que estás tan centrado en tu proyecto que se acabaron las colaboraciones, las producciones para otros? Mi plan es hacer muchas cosas. Quiero decir, yo pienso un poco en todo lo que quiero seguir haciendo y... Quiero hacer dos discos al año [ríe y se rasca la cabeza]: uno en verano y otro en invierno, durante al menos tres años. Porque eso me parece la esencia del diario que estoy construyendo. Y luego, colaboraré mucho. —¿Te alcanzará el tiempo? Hice un álbum hace unas semanas con Brian Eno que será, no sé, un álbum colaborativo para él. Algo así. Y para mí, seguiré haciendo cosas. Pase lo que pase, sigo muy abierto a colaborar. Pero la cuestión fundamental es que realmente quiero solidificar este momento de mi vida. —Y.S.I.

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noviembre julio2020 2021 #31

EL “ ARTISTA CALVO ENTREVISTA

“Creo que la mayoría de los seres humanos tenemos alguna clase de remordimiento sobre nuestro pasado. La mayoría de nosotros pensamos que podríamos haber elegido mejor”

#32 julio 2021

U PUBLICACIÓN COINCIDE en el tiempo con la salida de “Moby Doc” (Rob Bralver, 21), un documental que cuenta su vida de un modo muy original, rehuyendo los tópicos del género, que no tiene ni un minuto de desperdicio, y apuntala un periodo autobiográfico, el último lustro, durante el cual también ha publicado un par de libros de memorias. El músico neoyorquino nos atiende telemáticamente desde su casa en California, y se muestra tan inteligente, humilde y perspicaz como de costumbre. Es uno de esos entrevistados con quienes a uno no le importaría quemar un par de horas. —¿Pretendías con este disco volver a tus orígenes antes de la electrónica? ¿Darles a tus viejas canciones un significado nuevo? Fue una combinación de dos cosas. Por una parte, me gusta mucho la idea de trabajar en modos que no he probado antes. La mayor parte de la música que he hecho en mi vida ha sido compuesta en mi pequeño estudio de grabación, solo por mí. Solo una persona, casi siempre de noche, trabajando en la música. Y hacer un disco con orquesta, por definición, requiere mucha otra gente. La orquesta, un coro de góspel, instrumentistas, un director, ingenieros de sonido… Era muy interesante trabajar de un modo en el que no lo había hecho hasta ahora. Pero la razón más importante fue que, usando estas canciones, intenté crear algo que tuviera una profundidad emocional. Generar emoción con música hecha solo con instrumentos acústicos. Sin electrónica. Lo que es un desafío, porque siempre me ha gustado la gente que tiene la habilidad para utilizar un cuarteto de cuerda, o la música clásica o los instrumentos acústicos para crear o canalizar la emoción a través de su trabajo. —¿Cómo surge el contacto con Deutsche Grammophon? ¿Tenías claro que era el sello indicado? Sí, hace unos cuatro años ofrecí un concierto en Los Ángeles, en el Walt Disney Concert Hall, con Gustavo Dudamel y la Filarmónica de Los Ángeles, básicamente una noche de versiones orquestales de mis canciones, con un coro de góspel y diferentes cantantes. Después del concierto, Hannah Rossman, de Deutsche Grammophon, se acercó al backstage y me preguntó si estaría interesado en plasmarlo en un álbum. Le dije que sí, al instante. Obviamente, es la discográfica más vieja y respetada del mundo. No me podía creer que me permitieran grabar un disco orquestal con su logo en portada. —Cuéntame sobre las colaboraciones en el disco. Están Gregory Porter, Mindy Jones, Mark Lanegan, Kris Kristofferson… ¿Tenías claro quiénes iban a participar en cada canción en cuanto las reimaginaste? ¿O fue un proceso posterior? Depende de los casos. Ya había grabado “The Lonely Night” con Mark Lanegan hace unos diez años, salió en el disco “Innocents” (Mute, 13), fue una de las últimas del disco y no estoy seguro de si mucha gente la escuchó, pero es una de mis canciones favoritas. Y simplemente tuve esta visión de Kris Kistofferson cantándola con Mark (Lanegan). Eso lo tuve claro desde un principio. Con “Natural Blues”, por ejemplo, fue distinto, ya que empecé grabando la parte instrumental y fue luego cuando pensé en quien la podría cantar, y Gregory Porter fue una de mis primeras elecciones. Él, muy amablemente, dijo que sí. Y eso

MOBY

Moby sigue editando nuevos discos, pero también mirando hacia atrás. Su nuevo álbum se llama “Reprise” (Deutsche Grammophon/ Universal, 2021), y es una reinterpretación en clave orquestal de algunas de las mejores canciones de toda su carrera, su ingreso de hecho en el prestigioso sello de música clásica Deutsche Grammophon, con colaboraciones de Gregory Porter, Mark Lanegan o Kris Kristofferson. —TEXTO Carlos Pérez de Ziriza

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me llevó a conocer a Amythyst Kiah, con quien forma dueto en la canción. Hay una versión original de “Troubled So Hard”, creo que de los años treinta, que es su base, y que es un dueto entre un hombre y una mujer, así que era una forma de recrearla. —También hay una versión de “Heroes”, de David Bowie, con quien tuviste una buena amistad. ¿Era una forma de rendir tributo al único colaborador con el que era imposible contar? David Bowie era mi músico favorito de todos los tiempos. El primer trabajo que tuve fue en un campo de golf, cuando tenía trece años, y lo primero que hice con mi primer sueldo fue comprarme dos discos de Bowie. Años después, sobre 1999, se me acercó por la calle para saludarme, algo que me pareció increíble en aquel momento. No nos conocíamos en persona hasta entonces. Nos hicimos amigos, casi vecinos, vivíamos muy cerca el uno del otro. Nos fuimos de gira juntos, pasamos vacaciones juntos… Hubo un momento precioso, una mañana de sábado, en 2001, en que se pasó por mi piso, preparó un café, nos sentamos en el sofá y nos marcamos una versión acústica de “Heroes”. En mi opinión, es la canción más bonita jamás escrita, aparte de que Bowie, como te digo, es mi músico favorito de siempre. Y ahí estaba yo, con mi músico favorito, en el sofá, tocando esa canción que resulta que es de un músico que además es mi vecino. Algo increíble. La versión que figura en el disco, como dices, es un tributo. A él, a mi amistad con él. Pero también se supone que es como una representación de aquel momento en el que estuvimos sentados en mi sofá tocándola. —¿Y por qué no quisiste cantarla y delegaste para ello en Mindy Jones? Quería que fuera una versión que capturase la belleza vulnerable de esa canción. Y que se alejara mucho de la original. Porque la original es perfecta. La grabación de David Bowie con Tony Visconti y Brian Eno es perfecta. No la puedes mejorar, de ninguna de las maneras. Quería cambiarla casi por completo, de forma que no pareciera que estábamos intentando mejorarla, sino hacer algo distinto. Sin batería, sin guitarra eléctrica. Y el hecho de que la cante una mujer creo que hace que el foco se sitúe más en la intimidad de la canción. —Tuve la oportunidad de hablar contigo hace cinco años, cuando publicaste tu primer libro de memorias, “Porcelain” (Sexto Piso, 16), que cubría tu vida hasta 1999. Luego publicaste otro, “Then It Fell Apart” (19), que iba desde 1999 a 2009, y que, a diferencia del primero, no ha sido traducido al castellano. ¿Tienes intención de editar un tercero? Mmm… Es una pregunta interesante. El único problema es que ahora tengo cincuenta y cinco años, estoy sobrio y mi vida es muy, pero que muy aburrida. Me gusta la vida que llevo, es muy sencilla. No voy de gira, no bebo, no me drogo, no tengo citas de pareja con nadie, con lo que puede que no esté haciendo nada que valga la pena plasmar en otras memorias. Sería como una misma página que se repite trescientas veces. Levantarme, hacerme un smoothie, leer las noticias, hacer algo de música y practicar senderismo. Así es cualquier día de mi vida ahora, básicamente. Así que si escribiera un tercer libro, no creo que tuviera la misma estructura que los dos primeros. Aquellos dos lo cubrían todo. —De hecho, la salida de tu disco coincide con la

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ENTREVISTA

publicación del documental sobre tu vida, “Moby Doc” (21), dirigido por Rob Gordon Bralver, con la participación de David Lynch, entre otros. Al principio del metraje, insistes en la idea –ya expresada en tus libros– de que el dinero y la fama no dan la felicidad. Lo ejemplificas con artistas como Kurt Cobain, que se suicidó. En tu caso, tuviste una infancia dura, algo que te marcó para siempre. Pero, ¿cambiarías la fama y el dinero que has ganado por haber tenido una infancia y una juventud más acogedoras? Es una pregunta muy interesante. Creo que la mayoría de los seres humanos tenemos alguna clase de remordimiento sobre nuestro pasado. La mayoría de nosotros pensamos que podríamos haber elegido mejor, y evitado algunas cosas estúpidas que hemos hecho. Pero yo últimamente me he dado cuenta de que me siento realmente agradecido por la perspectiva que tengo ahora. ¿Sabes? Por la forma en la que veo el mundo. Eso es producto, completamente, de todas y cada una de las experiencias que he tenido. Así que cuando miro al pasado, incluso cuando pienso en las cosas más terribles –cuando toqué fondo como alcohólico y drogadicto, todos los grandes errores que he cometido–, no me arrepiento de nada porque justo en este momento me siento agradecido de verlo en perspectiva, y afortunado de la vida que tengo. No necesariamente en lo material, sino en el sentido de que mi forma de ver el mundo es el resultado de todas mis experiencias. Incluyendo, por supuesto, las más extrañas. —En realidad, mi pregunta es un poco tramposa, porque una cosa no podría haber existido sin la otra: sin todo lo que viviste siendo un niño, tu música tampoco hubiera tenido esa hondura

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emocional que, al fin y al cabo, fue lo que conectó con millones de personas en todo el mundo. Puede sonar simple, pero la condición humana es la condición humana para todo el mundo. Quiero decir que, algunas circunstancias pueden cambiar, podemos tener distinto género, diferente estatus económico, distintas tradiciones religiosas, diferentes tradiciones culturales, pero en última instancia, todos acabamos en el mismo lugar. Y no importa quién seamos, porque la condición humana comporta un grado de sufrimiento, un grado de enfermedad y un grado de pérdida de seres queridos. Y al final, la muerte. Y todas esas cosas crean confusión y sufrimiento. Pero siento que hay una manera en la que la música puede resonar globalmente, si refleja las experiencias de alguien en su condición humana. Porque todos tratamos de escapar de nuestra propia condición humana, pero nadie ha sido capaz de hacerlo. Intentamos escapar de ello a través de la fama, del dinero, de la degeneración, del nihilismo, del cinismo, de la religión o de la política, pero nada de todo eso va a hacer que dejemos de ser quienes somos. Seguiremos siendo humanos. —Uno de los personajes destacados en el documental es David Lynch. ¿Desde cuándo sois amigos? ¿Desde que decidiste incluir la sección de cuerda de “Twin Peaks” (90/91) en tu primer hit, “Go” (92)? No, le conocí sobre 2007. Por supuesto, su trabajo me encantaba desde la primera vez que vi “Cabeza borradora” (77). Siempre he pensado que es uno de los directores y creadores más inspiradores en los que uno puede pensar. Le conocí en Londres en 2007. Nos hicimos amigos, organizamos algunos eventos caritativos juntos, pasé unas Navidades en su casa… Descubrí que es una persona mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

“David Bowie

era mi músico favorito de todos los tiempos. ”

adorable. Toda la gente que le conoce bien te dirá lo mismo: aunque sus películas sean tan oscuras, él como persona es el tipo más alegre que te puedas encontrar. Siempre luminoso y jovial. Acabas por preguntarte cómo alguien tan alegre es capaz de irradiar tanta oscuridad en sus películas. —En el documental se resalta, como ya hacías en tu primer libro autobiográfico, que “Play” (99) fue el punto de inflexión en tu carrera, con doce millones de copias vendidas en todo el mundo, algo que no esperabas ni de lejos. Trataste de repetir la fórmula con “18” (02), pero se quedó en cuatro millones. Tres veces menos. Y luego cada disco ha ido vendiendo menos. Me queda la sensación de que tratas de decirnos que es imposible predecir el comportamiento del público, que nadie tiene la llave del éxito, que es algo caprichoso. Y a lo mejor, tampoco importa. Sí, diría que eso es algo que se ha comprobado muchas veces. Lo único que puedo decir es que, básicamente, he tenido éxito cuando no lo esperaba en absoluto. Nunca he sido capaz de escribir intencionadamente un single de éxito. Y cuando lo he intentado, me he dado cuenta de que no se me daba bien. Cuando he tenido éxito comercialmente, ha sido completamente por accidente. Parte de ello es porque, cuando estaba creciendo, los músicos y las bandas que me gustaban no eran comercialmente exitosas. A principios de los ochenta, mis grupos favoritos eran Joy Division, Minor Threat o Bad Brains. No son el tipo de bandas a las que imaginas vendiendo millones de discos. Tampoco pensé nunca que tendría un contrato discográfico. Ni que publicaría música que alguien querría comprar o escuchar. Uno de mis mayores errores fue intentar tener éxito en los 2000. Porque soy muy malo si lo intento. —¿Se podría decir que en los últimos quince años haces solo la clase de discos que te apetece, sin reparar en las expectativas del público? Sí. En cierto modo, me hace pensar en mi condición de calvo. Podría cabrearme el hecho de no tener pelo, y someterme a cirugía, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ponerme un implante. Pero hay algo liberador en ser calvo. Soy un tipo calvo de mediana edad. Y una vez lo aceptas, te sientes libre. Cuando en los 2000 acepté que no se me daba bien ser una estrella del pop, que no era bueno tratando de escribir canciones de éxito, también sentí esa libertad. Ahora valoro el hecho de poder hacer música sin preocuparme por si va a ser comercial o no. Es un lujo poder pensar así. Porque los compromisos que comportaría escribir hits serían terribles. No tengo nada en contra de la música pop de éxito de hoy en día, pero me siento feliz de no formar parte de ella. ¿Conoces el libro “Muerte en Venecia” (1912), de Thomas Mann? Uno de los temas de la novela es aquel hombre viejo que trata desesperadamente de ser joven y atractivo. Y es tanto trabajo que tiene que hacer, y le reporta tan poco, que no vale la pena. Pues esto es lo mismo. Si yo intentara ser una estrella pop del siglo XXI, haciendo discos con cantantes de diecinueve años, e intentando ser cool, sería muy triste. Y acarrearía demasiado esfuerzo para acabar en una posición tan triste. Hay que aceptar, y es mejor así, que soy un calvo de cincuenta y cinco años que hace música que seguramente ya no tenta éxito, pero que me permita centrarme en intentar hacer lo que me gusta. Lo que, de alguna manera, me lleva a completar el círculo yendo a mis primeros días como músico y a una cosa que me dijo David Lynch cuando le conocí en Londres, en una entrega de los premios BAFTA: que la creatividad es bella. Eso me afectó. Porque es una frase muy sencilla, pero me recordó que yo no me convertí en músico para averiguar como puedo tener éxito comercial, sino porque estoy completamente enamorado de la capacidad de la música para comunicar emoción. Me di cuenta de que mi trabajo no era pensar en mi lugar en el mercado, sino intentar crear algo bello, que pueda comunicar espiritualidad y emoción. Eso no significa que no lo intente, que me cierre a tener éxito. Solo que ese no es el objetivo. —C.P.Z.

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37/Mondo Media

VIDEOCLIP

Marc Corominas Oxigenarse

Marc Corominas es un realizador de larga experiencia y reconocimiento internacional en el mundo de la publicidad, con encargos para marcas tan importantes como Pepsi, Seat, Audi o Iberdrola. Sin embargo, sus dos incursiones en el mundo del videoclip han dejado tal huella que decidimos charlar con él para que nos diera su visión sobre una disciplina artística demasiado ninguneada.

uando “Univers” de Ferran Palau empezó en 2019 a cosechar premios como el Soundie al Mejor Videoclip del Año, el nombre de Marc Corominas empezó circular dentro del mundillo del vídeo musical. Era su primer trabajo dentro de la disciplina, y sorprendía la excelente factura y delicadeza con la que había encarado el proyecto. Investigando un poco, uno entendía con facilidad el porqué de la calidad de su trabajo. Corominas atesoraba una dilatada experiencia en el mundo de la publicidad y se notaba mucho el oficio. Hace unas semanas volvía a sorprendernos con otro clip de gran factura esta vez para “Los Irromplibles” de Love Of Lesbian. Por eso decidimos contactar con él. Para que nos diera su visión sobre una disciplina en la que se suele trabajar con pocos recursos y que no acaba de estar con-

siderada como merece. Vamos pues a revindicarla. —Tu trabajo como realizador se ha centrado sobre todo en el mundo de la publicidad y, en cambio, has hecho muy pocas incursiones en el mundo del videoclip. ¿Por qué? Por una cuestión de casuística. Yo empecé a dirigir tarde y, aunque llevo muchos años en el mundo de la publicidad, empecé desde muy abajo. Primero como runner, luego auxiliar, después ayudantía... Por eso empecé a dirigir ya con cierta edad. Y el mundo del vídeo musical era algo que me generaba gusanillo, pero nunca había tenido la oportunidad de trabajar en él. Es muy curioso como en nuestro mundo, publicidad, ficción y clip, a pesar de estar en mismo sector, a veces funcionan de una forma muy separada. Así que un día, como si fuera un verdadero teenager, envié un mensaje por Instagram a Ferran Palau y el muy cabrón no me

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hizo ni caso [risas]. No fue hasta al cabo de dos o tres meses que él ya vio mi trabajo en publicidad y quedamos para hacer un café. Así es como llegó mi primera experiencia en el mundo del videoclip. También es cierto que, al estar muy metido en el mundo de la publicidad, es un formato que te quita mucha energía y además los recursos en el mundo del videoclip nacional son los que son, y casi te tomas el trabajo como un proyecto personal que, en mi caso, me sirve para oxigenarme un montón y para reconciliarme con lo que más me gusta que es rodar. Me reconcilio con mi profesión y ¿qué cosa hay más bonita que hacerlo con la música? —Contactaste con Ferran Palau como fan. Totalmente. Fíjate que yo a Ferran ya lo seguía de los tiempos de Anímic porque siempre me ha gustado esa parte más oscura suya y sí, me dije: “voy a intentar entrar en este mundo y lo voy

a hacer con alguien que me guste”. Igual que cuando me llamaron para Love Of Lesbian, que forman parte de mi descubrimiento musical de cuando en los noventa pillaba Mondo Sonoro o el ABarna. Y bueno, ya que es un formato en el que me vuelco y me quita tanta energía, al menos que sea con un grupo que me guste y, aunque sea algo que solo pueda encarar una vez al año, me gustaría continuar haciéndolo más en el futuro porque me sienta bien, me mola y me oxigena un montón. —Por lo que dices, en el primer vídeo fuiste tú el que contactaste con Ferran, pero con el segundo ya te vinieron a buscar. Imagino que fue por el reconocimiento y lo bien rodado que estaba “Univers”. ¿Te contactaron directamente los propios miembros de Love Of Lesbian? Me contacta un colaborador suyo, Kenneth Santos, que fue quien me animó a que les enviara una propuesta y les

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diera mi interpretación de lo que significaba para mí la canción, y resulta que les gustó. Les encajó y tiramos hacia adelante Y la verdad es que en ambos casos, tanto con Ferran como con los lesbianos, ambos se han mostrado muy respetuosos con la idea y me han dado una libertad creativa absoluta desde el respeto, cosa que viniendo de dónde vengo se agradece mucho [risas]. —Entonces no te dan un abanico de canciones para escoger, sino que ya te dicen: queremos un vídeo para “Los irrompibles”. Sí, en este caso sí. Así como con Ferran Palau sí que hubo debate a la hora de escoger el tema, en este caso ya me dieron directamente “Los irrompibles”. Yo lo que intento siempre, y es lo que más me gusta, es darle una capa más a la canción desde mi punto de vista personal. Una capa que puede ser o más narrativa, clásica, o más conceptual. Y aunque siempre tengo en cuenta que, para mí, el formato del videoclip tiene que estar a expensas de la canción, intento aportarle un punto de vista más. Otra interpretación. Eso es algo que encuentro muy importante. Y, en este caso, con el tema de Love Of Lesbian, cuando escuché la canción, pues primero me guío mucho por las sensaciones, y luego me guío por descubrir qué se está contando. Y así como con Ferran todo es mucho más onírico y le puedes dar una interpretación con la que puedes jugar mucho, con Love Of Lesbian, que son mucho mas descriptivos en sus letras, sí que le di mi propio toque de interpretación y, aunque creo que la canción está muy clara, resulta curioso porque cuando les aporté mi enfoque no es que se sorprendieran, es que les gustó ver una lectura diferente a la que ellos habían considerado a #38 julio 2021

la hora de escribir el tema. Creo que la canción tiene muchos mensajes y yo intenté jugar con esa diversidad y con esa policía moral de la que hablan, ese no sentirte juzgado, ese hacer tu propio camino y no mirar atrás. Y todo eso simbolizado con esos cuatro elementos, esos cuatro monolitos que al final se juntan y son irrompibles... Y que, además, corresponden de forma clara con cada uno de los miembros de la banda. —Pues me acabas de dar claves que viendo el vídeo intuía, pero que ahora me han quedado mucho más claras. Es que, si te fijas, los clips de Love Of Lesbian suelen ser muy narrativos y en esta ocasión ellos tenían claro que querían optar por cierta conceptualización del tema. —¿Qué es lo que más cambia a la hora de pasar de trabajar para publicidad a realizar un videoclip? Obviamente los recursos. Pero, para mí, lo más importante y lo que más cambia es la libertad creativa. La sensación de haber parido tú la historia, y ser cómplice con la banda en todo momento. Eso es lo que más cambia y lo más bonito, y es lo que tienes que aprovechar para ir más allá como campo de experimentación y oxigenación puro y duro. —¿Qué te parece el nivel de los videoclips que se realizan en este país? A mí me parece que hay “nivelaco”, y que tenemos una cantera de directoras y directores brutal. Hoy, sin ir más lejos, he visto un video de Nono Ayuso para Califato ¾ que me ha flipado. Y “Perra” de Rigoberta Bandini, realizado por Irene Moray y Elena Martín, me parece un videoclip que aporta una capa brutal. Pablo Maestres con Ferran Palau... Y ya no te voy

obliga “La falta de recursos te eñito y a pensar en pequ o no ya sabes lo que puedes ibir” cr es

a nombrar a otros súper consagrados como Canada o Diana Kunst, que ya han dado un salto internacional muy potente. Creo que hay mucho talento y molaría que hubiera más recursos. —¿Crees que esa misma falta de recursos obliga a ser más imaginativo para compensar? Cuando te sientas en la mesa con el papel en blanco la falta de recursos te obliga a pensar en pequeñito y ya sabes lo que puedes o no escribir. Te ves muchas veces limitándote hasta que llegas a un acuerdo contigo mismo y que luego tienes que chequear con tu productora para no salirte del presupuesto. —¿Con qué artistas te gustaría trabajar en el futuro? Si algún día The Blaze, que se dirigen ellos mismos los videoclips, no les apetece hacerlo pues ahora mismo me haría la maleta [risas]. Y con 070 Shake igual. Si pasara sería maravilloso. En el caso concreto de The Blaze, ese contenido social que tienen en sus vídeos es algo que me encantaría incorporar a mi trabajo. —¿Por qué crees que el mundo del videoclip está tan olvidado en la industria cinematográfica y por ejemplo no existe la categoría al mejor clip en premios del sector como los Gaudí o los Goya? Pues es algo que siempre me he preguntado y la verdad es que no lo entiendo. No entiendo el motivo. Sí entiendo que la publicidad tenga sus propios premios al margen, pero que no exista la categoría al mejor videoclip en, por ejemplo, los Goya es algo que no comprendo. —DON DISTURBIOS

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CINE Y SERIES Inside

Este cuerpo me sienta de muerte

Bo Burnham

Christopher B. Landon

CHRISTOPHER LANDON sigue con su trabajo junto con Blumhouse, tras los éxitos de “Feliz día de tu muerte 1 y 2”, la productora y el director se vuelven a aliar para “Este cuerpo me sienta de muerte”, que finalmente se estrena en nuestro páis. La película utiliza un recurso muy recurrente en la comedia como es el intercambio de cuerpos, sin embargo, supone un aire fresco para la temática sumándole grandes dosis de terror y gore. Sirviendo como gran homenaje a los slashers juveniles de los ochenta, en el film se nos cuenta la historia de Millie (Kathryn Newton), una joven algo inadaptada que cuenta con un par de amigos y que mantiene una complicada relación con su madre, quien se niega –tras la muerte de su padre– a que su hija estudie en una universidad lejana. Una noche en la que se queda sola en la calle, Millie es perseguida por un asesino en serie (Vince Vaughn), que la ataca con un antiguo puñal de origen azteca, acti-

vando una maldición que intercambia sus cuerpos, dejando solo veinticuatro horas a Millie para recuperar su cuerpo. Si bien la parte más sentimental y juvenil ya la hemos visto en infinidad de películas y series de instituto, los personajes están muy bien dibujados, desde los secundarios hasta los dos principales. Tanto Newton como Vaughn ofrecen unos trabajos eficaces y convincentes, suponiendo todas las escenas sobreactuadas por Vaughn –en el papel de Millie– lo más divertido de la cinta. “Este cuerpo me sienta de muerte” no es ni mucho menos la película más ingeniosa del año, ni la más terrorífica, pero sí cumple su función como cinta entretenida y fresca, combinando géneros y con una parte cómica que se erige en lo mejor de la propuesta.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES

“BIENVENIDOS a lo que sea que es esto”, pronuncia con cierta desilusión el humoritsta Bo Burnham al inicio de su especial para Netflix, “Inside”, grabado por él mismo durante la restrictiva cuarentena que vivimos durante el inicio de la crisis del coronavirus. Tras una hora y media de metraje resulta, en efecto, francamente complicado etiquetar con un género, incluso con una disciplina, a esta vanguardista performance de stand-up comedy que abraza con todas sus fuerzas el existencialismo al darse cuenta de que poco sentido tiene el oficio del loco si no hay nadie a su alrededor que señale su demencia. La esquizofrenia generada por la claustrofobia dinamita el propio formato, convirtiendo la pieza en una impredecible sucesión de experimentos genéricos, de pequeños formatos que encuentran en su incoherencia coral el punto fuerte de “Inside”, como si la película se convirtiera en una versión bastarda e introspectiva de “Holy Motors”. Porque además de un monólogo converti-

Mare Of Easttown

Expediente Warren 3: Obligado por el demonio

Brad Inglesby

Michael Chaves

SI HAY TÍTULOS que destacan por encima del resto de productos dentro de la saga “Expediente Warren”, son “Expediente Warren: The Conjuring” y “Expediente Warren: El caso Einfild”, ambas dirigidas por James Wan. Si bien la segunda es una gran película de terror, “The Conjuring 1” se ha posicionado como una de las mejores películas de terror de los últimos años, junto con otras obras igual de angustiosas como “Déjame salir”, “Un lugar tranquilo”, “La visita”, “It Follows”, “Saint Maud”, “Sinister” o el cine de Ari Aster. Con el pequeño listado de películas citadas anteriormente, se demuestra el gran estado de forma del género en los últimos años, llegando este mismo mes a nuestros cines tanto “Expediente Warren 3: Obligado por el demonio” como la secuela de “Un lugar tranquilo”. Pero centrémonos en la primera, que es la que nos ocupa. “Expediente Warren 3”, dirigida por Michael Chaves (director de la última película de la saga, “La Llorona”, así como del famoso videoclip de Billie Eilish, “Bury A Friend”), es una obra muy

diferente en gran parte a sus predecesoras. De hecho podría definirse como una suerte de cruce entre la saga Warren y la ambientación de la primera temporada de “True Detective”. Inspirada en hechos reales, la película narra la historia de Arne Cheyne Johnson, un joven acusado de asesinato tras una posesión demoníaca. El chico contará con la ayuda de los Warren para corroborar ante los tribunales su historia. Lo más destacado de la película –además de los quince minutos iniciales, que cuentan con grandes reminiscencias a los inicios de la saga y a películas de terror clásico como “El exorcista” de William Friedkin– es la pareja formada por Ed (Patrick Wilson) y Lorraine Warren (Vera Fermiga). Los seguidores de la saga hemos ido creciendo, al igual que los actores protagonistas, con esta pareja durante años, por lo que no es exagerado decir que se roban la película en cada una de las escenas en las que aparecen, logrando conformar la que probablemente sea una de las parejas más memorables del cine de terror.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES

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do en odisea psicoanalítica, Bo Burnham coreografía el primer y esperemos que último musical pandémico, actuando como el perfecto cruce entre trovador contemporáneo y tik-toker cantautor. Desmitificando totalmente el género, el humorista convierte los números musicales en monólogos melómanos que critican entendiendo la hipocresía como un elemento endémico de la comedia. Pero esta autoflagelación resulta útil en el momento en el que convierte el especial en un caballo de Troya para Netflix, en un minimalista glitch en el frío sistema en el que parece haberse convertido el mastodóntico gigante del audiovisual. Un producto original de Netflix exponiendo a Netflix parece un milagro. Me siento tramposo al haber escrito estas líneas plagadas de neologismos, conceptos políticos y análisis cinematográfico cuando el principal objetivo de este especial (o lo que sea que es esto) es justamente alejarse de su etiqueta de contenido digital para abrazar su condición de testimonio. —DANI GRANDES

“MARE OF EASTTOWN” es una auténtica genialidad que hace palidecer al resto de la hipertrofiada oferta seriéfila. La serie del momento vuelve a ser obra de HBO, que se sigue distinguiendo más de veinte años después por una calidad mayúscula en la mayoría de sus propuestas. En este caso, nos encontramos en Easttown, una pequeña ciudad de Pensilvania, con una historia policiaca de corte clásico, sencilla e impresionante a la par. La serie está llena de matices y de capas, concebida como un engranaje perfecto a nivel narrativo pero sin renunciar a la simbología. “Mare Of Easttown” es también una serie (casi una novela) de silencios y ausencias. Esto tiene repercusión en la propia historia, marcada casi siempre por lo que se dejó de contar o por la gente que se fue; pero también narrativamente: descubrimos a posteriori lo que la trama nos ha ocultado conscientemente. En este sentido también estamos ante una narración excepcional; no encontramos ni sorpresas monolíticas esculpidas en incredulidad ni somos capaces de adivinar (aunque

todo esté ahí) qué pasará en el capítulo siguiente. Mare, interpretada por una descomunal Kate Winslet (de verdad, impresionante) sirve de nexo entre todos los habitantes de una ciudad en la que todo el mundo se conoce de vista pero donde habitan, como en toda comunidad, secretos que se esfuerzan por no salir a la luz. Y sobre lo que se cuenta y lo que se calla, la familia siempre tiene una presencia importante. “Mare Of Easttown” es una serie sobre familias. Y toda serie sobre familias tiene muchas formas de ser. “Mare Of Easttown” vuelve a la madre para explicarse a sí misma. Estamos ante los mejores personajes femeninos que han aparecido delante de nuestras pantallas en muchísimo tiempo. “Mare Of Easttown” es brillante y sobria, espectacular en su contención, limpia de artificios innecesarios. Una serie que ha encontrado en la figura de Kate Winslet la representación perfecta de lo que es, una de esas simbiosis intérprete-protagonista-historia que quedan ya para siempre en el imaginario colectivo. —LUIS M. MAÍNEZ julio 2021 #39

CÓMIC

LIBROS Edita Sister Sonic, S.L.

La flota fantasma

Donny Cates y Daniel Warren Johnson Norma Editorial

Da igual

Agota Kristof Alpha Decay

8 “Da igual” se compone de narraciones cortas, siempre con una vuelta de tuerca, un giro despiadado y turbio a la vuelta de la esquina que le concede un significado distinto a cada cuento. Algunos son más directos y sencillos, más realistas, y otros son como un caleidoscopio de ideas y sensaciones surrealistas, metáforas, casi como una pesadilla de David Lynch. Agota Kristof hace gala de una gran imaginación, no sólo por los extractos en sí, sino por la perversidad con la que teje las historias, el toque sádico que les otorga. Con una escritura clara, poética pero entendible cuando las narraciones son sencillas, y enigmática y enrevesada –a veces demasiado– cuando son oníricas, Kristof impregnó a estos cuentos de existencialismo, uno que cuestiona la esencia y la muerte, la soledad, el hastío y la vejez.

—ESTEBAN VIVES

—JUDIT MONFERRER BARRIONUEVO Mi hermano

Las 100 primeras películas de Nicolas Cage Paco Alcázar y Torïo García ¡Caramba!

Daniel Pennac Literatura Random House

Nos merecíamos un libro/cómic como este, perpetrado para honrar la figura de Nicolas Cage. Un actor de tal magnetismo que era evidente que el asunto contaba con carrete de sobra como para justificar un volumen completo. Desde los ochenta y hasta la actualidad Nicolas Cage ha mudado muchas pieles, pero la constante que ha acompañado siempre al californiano es su desmesurada excentricidad, en una chispa con la que no ha dudado en catalizar (en mayor o menor medida) todos y cada uno de sus personajes. El presente tomo repasa, una por una y sin dejarse nada en el tintero, las cien primeras películas en las que aparece el actor, dedicándole a cada una de ellas una doble página que incluye excelente ilustración del primer plano de Cage en el filme correspondiente y un personal texto informativo.

En esta breve obra el autor recuerda a Bernard, su hermano fallecido, y lo hace a través de la figura literaria de Bartleby, el célebre y enigmático personaje creado por Herman Melville. El resultado es un libro precioso, uno en el que el novelista se abre en canal y muestra, no sin temor, quién era él antes y quién es él ahora que Bernard no está. Pennac toca un tema triste como es la muerte y el duelo, pero no hace de ello algo dramático ni busca la lágrima fácil. Sólo plantea la situación como algo objetivo, del tipo “así son las cosas, el efecto lógico de la vida”. Con una escritura versátil, por un lado sencilla y por otro lado complicada cuando habla sobre temas más abstractos o profundos, Pennac compone un libro para que él pueda recordar y para que nosotros podamos reflexionar. Sobre la vida, el más allá, la soledad…

—RAÚL JULIÁN

—JUDIT MONFERRER BARRIONUEVO

#40 julio 2021

Eduardo Izquierdo Efe Eme

Cuando Donny Cates escribió a Daniel Warren Johnson para que se encargase del dibujo de “La flota fantasma” tuvo muy claro que ambos tendrían que dejarse llevar. Porque estamos ante una de esas obras en las que la complicidad entre artistas y también con el público es fundamental. Y es que abrir sus páginas supone sumergirse en una espiral de violencia desmesurada y giros de guion llevando el cómic del thriller crudo de venganza a un territorio sobrenatural en el que todo está permitido. Diríamos que al empezar la lectura uno se imagina a un Bruce Willis como protagonista de una posible adaptación a la gran pantalla y acaba teniendo claro que encajarían mucho mejor el Vin Diesel de “Pitch Black” o el Dwayne Johnson de “Doom”. Con eso –para lo bueno y lo malo– lo digo todo.

Héroes malditos

Eduardo Izquierdo entrega en este libro una brillante selección de entre ese largo listado copado por nombres malditos dentro de la música. Un interesantísimo (y adictivo) inventario en el que cada capítulo viene concretado con el nivel justo de detalle, lo que agiliza y a la vez intensifica la lectura. Treinta y tres protagonistas que, por conjunciones o desdichas varias, se quedaron a las puertas del triunfo y pasaron a las filas del olvido colectivo. Y eso, a pesar de resultar poseedores de un talento que aquí viene convenientemente razonado. El autor consigue un doble hito, desarrollando doscientas páginas tan entretenidas como didácticas que abarcan personajes que van desde los cincuenta hasta la actualidad, además de una variedad de géneros que incluye rock & roll clásico, blues, country, soul, rock, folk, pop, indie o grunge. —RAÚL JULIÁN Yo, adicto

Javier Giner Paidós

8 Basado en muchas de las notas que el autor fue compilando en cuadernos durante su periodo de autodestrucción, cuesta entender cómo en esas circunstancias era capaz de tener tantos puntos de lucidez y plasmar en un papel vivencias que ahora, en otra mente, estarían borrosas y sin identidad. Como en todo libro con tintes autobiográficos, hay un punto de partida que ayuda a desarrollar la trama. La suya es una noticia que lo remueve y conmueve, la muerte de un amigo que también andaba al filo de la navaja. El mérito de estas páginas es que no procura tejer una tesis emocional sobre el conflicto con las sustancias y consigo mismo, no hay moralina, ni un exceso de arrepentimiento y, como bien apunta el propio Giner, huye de la idea de convertirse en otro Paulo Coehlo de manual predeterminado. —TONI CASTARNADO

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