Mondo Sonoro julio 2021-2

Nº 297 Julio-2 2021 www.mondosonoro.com

MODEST MOUSE, SÔBER, DRY CLEANING, GASPARD AUGÉ, KIKO VENENO, SILVANA ESTRADA, ERIK JIMÉNEZ, TYLER THE CREATOR

Bobby Gillespie y Jehnny Beth

Amor y Desamor

3/Mondo freako

“The Golden Casket” (Epic, 21) es el séptimo álbum de la banda liderada por el volcánico y excéntrico Isaac Brock. Hora de conectar de nuevo con el de Issaquah, Washington, uno de los compositores más singulares de su generación.

A

UNQUE ESTEMOS ante su disco más optimista, está claro que el caos tiene mucho que decir en mi relación con uno de los grupos más personales que ha dado la escena norteamericana en el último cuarto de siglo. No se entiende si no que seis años después de la técnicamente accidentada conversación que mantuve con Brock a propósito de su anterior disco “Stranger To Ourselves”, Zoom y el ordenador me la jueguen y tenga que volver al teléfono. Ayuda que el cantante y vocalista muestre una versión menos torrencial que la de entonces.

Modest Mouse firmaron en 2007 uno

Modest Mouse Entre el polvo y las estrellas

de los discos de indie pop de guitarras más pletóricos de lo que va de siglo (sin quitar méritos a Brock, Johnny Marr tuvo algo que decir al respecto), pero en su tercer disco en catorce años se atreven con percusiones exóticas, sonidos naturales, electrónica, estribillos de pop desatado y más espacio entre instrumentos. La paternidad del cantante y guitarrista ha marcado el tono positivo de un álbum que, sin llegar a los niveles de excelencia pretéritos, no se deja por el camino su talento excéntrico.

—He leído que no afrontaste este álbum con una dirección clara, pero que inicialmente no querías tocar la guitarra y ese fue el punto de partida. ¿Cómo ha influido esta decisión en el resultado final?

Bueno, en realidad esa idea me duró como tres días, pero después cambié de opinión, no sé si me entiendes.

Durante unos días pensé que no iba a haber guitarras y fue divertido, pero fue así durante pocos días. No es que estuviera totalmente comprometido con la idea. En un momento dado, empecé a tocar. Durante momentos específicos puedo obsesionarme con ruidos y sonidos, pero después tengo

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que ver cómo quiero cambiar en relación a esos ruidos. Lo que sí es verdad es que en este disco hay un montón de sonidos que molan mucho que no se habrían metido si me hubiera limitado a coger la guitarra.

—¿Te refieres a las percusiones tan curiosas que hay?

Sí, tendrías que ser más específico, porque hay cosas muy variadas. Por ejemplo en “Wooden Soldiers” metimos botellas, pero hay otras cosas más allá de la percusión: gotas de agua, saquitos de arena en una canción que se llama “Leave The Light On”… Un montón de cosas.

—En este sentido, tengo entendido que para ti es crucial la idea de no repetir el mismo álbum una y otra vez. ¿Qué importancia tiene esto?

Es una de las razones por las que dudaba de meter tantas guitarras: tenía miedo de que mis manos cayeran en los mismos patrones, ya sabes. El peligro es que te sientas cómodo en un sitio y te quedes ahí. De manera que en cada disco te aseguras de que no suceda esto, que por accidente suene demasiado similar.

—Otra vez utilizas una paradoja en el

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“La luminosidad de este disco es muy intencionada”

julio 2021 #3

MONDO FREAKO

LA MÍA Los festivales (seguros) son para el verano

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de mis “Por orgulloso que estéa ellos” discos, nunca vuelvo

título: “The Golden Casket” (“el ataúd dorado”). Suena contradictorio, hay dos ideas ahí que están enfrentadas. Y luego está esa portada como amablemente psicodélica. ¿Qué me puedes contar? ¿Del título? Sin tener la intención de reírme de ello, la idea es que que no debes forrar tu ataúd con demasiada muerte… Asegúrate de pasarlo bien en la vida.

—En las letras exploras temas como esta especie de distopía tecnológica que vivimos; me refiero a “Transmitting Receiving”.

Sí, pero no es sólo la tecnología. La tecnología es como rara: es una cosa muy amplia. En esa letra quizá –bueno, no quizá, lo sé–, hablo más de las frecuencias de todo y cómo nos comunicamos, ya sea el agua, un mamífero, un árbol...

La canción habla de esas frecuencias y cómo nos comunicamos de un modo profundo. En estos días he estado leyendo mucho sobre unos documentos desclasificados de la CIA sobre el proyecto Gateway de la visión remota. Es una versión más de cómo funcionan las frecuencias en el universo, y cosas así. No se trata de una canción punk de “a tomar por culo los móviles” o algo así [Risas].

—La cosa es que, aunque vuestras canciones siempre me han sonado eufóricas, este disco es especialmente luminoso. ¿Fue algo deliberado?

Sí, hay mucha intención en manifestar esa luminosidad. Lo que quería era tratar de meter toda la que pudiera, sin que llegara a ser una mierda.

—Hay canciones en las que hay un contraste grande entre experimentación y enfoque pop directo: por ejemplo, en “The Sun Hasn’t Left” hay unas estrofas muy atípicas con marimbas que desembocan en estribillos muy pop. ¿Eras consciente de esta combinación, o querías explotarla?

Sinceramente, ahí tuvimos la típica situación de dos partes en la que Dave Sardy, uno de los productores, acabó llevándome a su terreno.

Trabajas codo con codo con él, pero al final

#4 julio 2021

acabas jodiendo un poco su perspectiva. Los estribillos eran más mi visión de la canción, pero él suele grabar pop, así que le agradezco que me preparara para hacer un estribillo más pop llevándome más al huerto, y evitando que me metiera en terrenos demasiado raros.

—Sois una banda muy cambiante, de hecho has hablado en alguna entrevista de “las puertas giratorias”, de músicos que van y vienen. ¿Cómo ha cambiado el proceso compositivo desde que empezasteis?

Cambia con cada disco. Antes de empezar este, con “Strangers To Ourselves”, estábamos muertos… Llegó a haber demasiada gente en la misma habitación, en cuanto a la composición: estaba abarrotada. Llegó un momento en que yo quería que hubiera menos personas, llamar a los músicos cuando les necesitara o seguirles la pista donde quiera que estuvieran, no sé si me explico. Esa es la dinámica ahora mismo: en el disco tenemos la misma cantidad o incluso más músicos que antes, pero esta vez no todos estaban trabajando a la vez en el mismo sitio ni componiendo juntos. De este modo, escogemos lo que vamos a usar en cada canción.

—Se cumplen nada menos que veinticinco años desde vuestro primer disco, “There Is A Long Drive For Someone With Nothing To Think About”. ¿Qué es lo que te hace sentir más orgulloso de todo este camino?

Bueno, para serte sincero, por muy orgulloso que esté de los discos, nunca vuelvo a ellos. No puedo hacerlo porque aunque hay canciones que me gustan, siempre hay alguna que me parece que se podría trabajar más, o en la que se podría meter más energía.

—Empezáis ahora una gira importante por Estados Unidos. ¿Esta vez vais a venir a tocar a España en algún momento?

Espero que esta vez suceda, probablemente el próximo año. Está en nuestros planes. —JC PEÑA

R

IVIMOS TIEMPOS en los que ya no sabe uno a qué atenerse. Mientras los medios de comunicación siguen con ese bombardeo diario de malas noticias relacionadas con la pandemia, le da a uno la impresión de que, ese exceso a paletadas mal administradas de información catastrofista, se ha vuelto estéril. A una parte de la población se le ha hecho un callo y ya nada parece perturbarle.

Conozco a gente que no pone la tele porque no quiere saber nada más de tasas de contagios y demás indicadores. Simplemente están, estamos, hartos. Si la vacunación funciona, vamos a por ello y a fondo. Porque de lo que hay ganas es de pasar página y disfrutar de nuevo. Una buena muestra de ello han sido los dos fines de semana que he tenido el placer de vivir, bailar y gozar como antes. Y eso que yo era uno de esos viejos amargados que no se cortaban a la hora de afirmar que prefería un concierto en sala, a vivirlo en un festival. ¡Qué idiota!.

Lo que he tenido el gusto ¡qué gusto! de experimentar a lo largo de dos fines de semana casi acaba conmigo y con mi hígado, pero ¡qué demonios! La sarna con gusto no pica. ¡Joder! Si hasta alcancé con mis cincuenta y tres tacos a cerrar la última jornada del VIDA Festival de Vilanova bailando a Dj Maadraassoo hasta que el cuerpo dijo basta.

Hacía tiempo que no cerraba nada, más allá de la puerta de mi casa. Y qué queréis que os diga. Sería un mentiroso y un hipócrita si escribiera en esta columna que me he portado bien y no me he quitado la mascarilla en ningún momento. Sería un mentiroso y un hipócrita si dijera que no he abrazado y besado a los que hacía tiempo no veía en mi misma tesitura. Y sería un mentiroso y un hipócrita si afirmara que me he escandalizado por según qué conductas de los demás.

Porque siempre son los demás ¿verdad?. Y es que hay un discurso monolítico apabullante, tan extendido, que nos ha obligado a muchos a ser precisamente eso: mentirosos e hipócritas. Todo lo hacemos bien; todo lo nuestro es correcto mientras que lo que hacen los otros es deleznable y abyecto. Pues fuera máscaras. He bailado, me he emborrachado, he gritado, abrazado, besado y me he quitado la mascarilla. Y ahora vuelvo a la burbuja de mi casa y me quedaré en ella hasta que, como los vampiros, alguien tenga los santos bemoles de oponerse a esta corriente de demagogos bien pensantes y le dé por organizar un festival de nuevo. Con test de antígenos, claro. Así que un aplauso sonoro, bien sonoro, a los responsables del VIDA, el Canet y el Cruïlla por su valentía. ¿Podría haberse hecho mejor en según que casos?

Seguro. Pero a mí solo me interesa ahora el hecho de que se ha hecho. Así que olé y olé por la gente valiente que le ha dado color a un verano que algunos se empeñan en pintar de gris de nuevo. Así que a vacunarse y fiesta. —DON DISTURBIOS

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ENTREVISTA

N

O EXISTEN LÍMITES creativos en el universo sonoro de Gaspard Augé. Como el propio artista explica, odia que el público intente siempre buscarle un único significado al arte y no deje volar su imaginación. Por esa razón “Escapades” es un proyecto que intenta estimular al oyente y hacerle soñar a través de sus historias. Un álbum instrumental mucho más luminoso de lo que nos suele presentar con Justice, personal, épico y de gran carga cinematográfica.

Hablamos con Gaspard a través de videollamada para que nos cuente un poco más sobre el nacimiento de este nuevo personaje que atraviesa desiertos a caballo, está listo para lidiar grandes batallas y goza ante todo de una privilegiada libertad. Un álbum que vuela sin miedo entre Cerrone y David Lynch. Un salto con clase muy inteligente que seguro le traerá grandes alegrías.

—“Escapades” es un disco que representa una huida, un portazo al caos del presente en busca de nuevos caminos. ¿Cuál era la idea central de tu primer proyecto en solitario?

Sí, es un buen disco para huir de toda la situación actual y más cuando no podemos viajar como lo hacíamos antes. Este disco te invita a viajar a través de tu mente y eso es lo que yo busco cuando escucho música. Por esa razón no quise ponerle letras, porque creo que así he conseguido hacerlo mucho más universal. Dependiendo de ti mismo, de la historia de tu vida, de tu situación actual o de tu background musical, lo vivirás de una forma o de otra. Creo que hacer un disco instrumental te permite mayor libertad y ser menos restrictivo que los formatos de música pop.

—¿Tenías claro cómo querías que sonara? Es un disco lleno de una musicalidad muy especial y un sonido muy épico. Se podría decir incluso que es mucho más luminoso que todo lo que has hecho hasta ahora junto a Justice.

Evidentemente se pueden encontrar ciertas similitudes con Justice, porque hasta ahora no había hecho nada fuera de ese proyecto. Pero este disco es mucho más personal y emana ingenuidad e inocencia. Quizá se podría comparar con cuando eres niño y aún no sabes muy bien distinguir qué música estás escuchando. Solo sabes decir si te gusta o no. Existe esa especie de utopía en este disco y por eso decidí sumergirme entre los sesenta y los setenta, porque fueron épocas muy ricas en musicalidad. Quería alcanzar ese tono. Para mí las bandas de esa época desprendían gran humanidad e inocencia. Y bueno, evidentemente, no es un álbum infantil ya que también tiene su punto triste, punk, melancólico… Pero, quería que fuera un disco muy sincero y que se alejara del cinismo.

—Viendo en redes la acogida de los primeros singles de presentación del álbum descubrí que te comparaban con Cerrone, y eso son palabras mayores. ¿Qué te parece?

Bueno, a ver, Cerrone tiene una imagen disco un poco cursi, pero también ha hecho bandas sonoras increíbles como la de “Brigade Mondaine: La Secte De Marrakech” que es súper experimental. Sigues teniendo un bajo disco, pero lo hace evolucionar a través de una estructura muy libre. En “Escapades” tú puedes encontrar todos esos elementos disco, pero a la vez evité toda la parte vocal, jugué a meter teclados de una forma más experimental e intenté que fueran lo más envolventes posibles. Quería que el factor sorpresa estuviera muy vivo. Evidentemente, se pueden encontrar referencias a Cerrone, Moroder o Morricone, pero, si tuviera que definir la esencia de este disco, supongo que te diría que es un álbum muy europeo. Hay una forma de componer muy específica de aquí y todas las referencias de este disco vienen de sonidos locales. Si comparas la música disco europea con la americana te das cuenta de lo importante que ha sido la primera. Pero, como siempre, estamos acostumbrados a copiar todo lo que viene de Estados Unidos y seguir modas.

Es importante que busquemos en lo que verdaderamente somos, en nuestro sonido y no intentemos siempre ser algo nuevo.

—“Escapades” es un álbum muy emocional, delicado y con una fisicidad muy fuerte. Las melodías son muy fáciles de recordar, conectas con ellas y hasta las podríamos cantar. ¿Buscabas crear un disco comercial?

Bueno, si hubiera querido hacer un disco verdaderamente comercial habría focalizado más en crear temas para que fueran singles, en un formato más pop que sonara en las radios. Pero lo que sí que me alegra es que hayas percibido que las melodías son fáciles de retener y que obviamente no he intentado crear un disco abstracto. No es free jazz, es un disco lleno de melodías que la gente ha acogido de una forma estupenda y me parece además que es muy directo a la hora de transmitir emociones. Quería que fuera un disco muy abierto, que la gente sintiera que está escuchando una gran historia. Por eso con los videoclips he intentado colocar el álbum en un escenario y provocar que la gente imagine qué ha ocurrido antes y qué puede ocurrir después de #6 julio 2021

U NUEV HÉRO Gaspard Augé

Cincuenta por ciento de Justice, Gaspard Augé lleva tiempo descubriéndonos otras caras de su talento.

Ahora eso se materializa en su primer disco en solitario, un “Escapades” (Because/ Music As Usual, 21) en el que resulta sencillo sumergirse.

—TEXTO Álex Jerez —FOTOGRAFÍA Jasper J. Spanning

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UN VO OE

lo que yo les muestro. Y con las canciones es un poco parecido, quiero estimular la imaginación y que disfruten al máximo con lo que están consumiendo.

—Has construido un imaginario tan bueno que hasta podría tener su propio videojuego al estilo “Castlevania” con ese personaje luchando en el castillo. ¿De dónde sale toda la idea de la parte visual?

[Risas] La mayoría de todo lo que rodea la parte visual del disco surgió de los sueños. De esos recuerdos que se te quedan en la cabeza cuando te levantas y de repente dices: “esto tiene todo el sentido y además encaja con tal canción”. Además, cuando trabajé con Filip Nilsson fue muy fácil comunicarnos porque compartíamos el mismo sentido por lo absurdo, lo surrealista, lo poético. Y fue muy divertido encontrar ese arquetipo de masculinidad, pero no desde un punto de vista de ridiculizarlo. Aquí nadie gana nada.

—Hablando de ganar, “Force Majeure” es perfecta mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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“Salirse de lo establecido siempre es un gran desafío, pero también fue liberador”

como canción para una gran batalla y además se ha convertido en la banda sonora de la BBC’s UEFA Euro 2020.

Sí y tiene todo el sentido. Al final esta canción provoca un poco esa sensación de que eres invencible ante cualquier cosa. Da igual que estés trabajando, que estés paseando por la calle o practicando running…

Esta canción siempre tiene ese poder. Me gusta hacer música que te haga salirte de lo habitual, que te haga sentirte fuerte, que te llene de energía y ayude. Especialmente con todo lo que estamos pasando en los últimos años.

—¿Tienes algún miedo a empezar de cero y ser juzgado como solista?

Supongo que salirse de lo establecido siempre es un gran desafío, pero también fue liberador. Es un reto mirarte a ti mismo y decirte que ahora te toca ser el frontman del proyecto, no en el sentido de estar en el

centro de un escenario, sino más bien en el de meterte en la piel de un nuevo personaje. Ahora me ves en toda la parte visual como en los videoclips, porque al final, como decía Filip, esa es la mejor forma de poder liderar esta nueva etapa y que la gente asuma el personaje.

—Comentaste que no tienes intención de girar con este disco, pero puede que sí con Justice en el próximo año. ¿Eso quiere decir que tendremos también nuevo álbum?

Sí, no sé si lo tendremos listo para el próximo año, o para el siguiente, pero tenemos mucho trabajado.

Incluso avanzamos mientras yo estaba realizando este disco. Se podría decir que estamos en la mitad del proceso y que si todo va bien podría ver la luz en un año. —A.J.

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julio 2021 #7

EL DISCO. RECUPERADO. Ned’s Atomic Dustbin God Fodder Sony, 1991

LOS DISCOS DE MI VIDA Tom Gauld

El año pasado, el dibujante de cómics escocés Tom Gauld publicaba “El departamento de teorías alucinantes” (Salamandra, 20) en castellano, un título que se sumaba a su divertida y ácida obra. Sabiendo que es un gran aficionado a la música, descubrimos algunos de sus discos favoritos.

Tom Waits

Silver Jews

Glenn Gould/Bach

Toda la música de Tom Waits me lleva a mis primeros años en la escuela de arte. “Rain Dogs” fue el primer disco de Tom Waits que escuché y era exactamente el tipo de música inusual y juguetona que yo quería escuchar en ese momento.

Este disco se publicó exactamente el año en el que empecé a trabajar como dibujante e ilustrador. Lo estuve escuchando muchísimo mientras trabajaba tarde por las noches en un sucio estudio que compartía con amigos. Para mí, las letras de David Berman eran la perfecta combinación de tristeza, seriedad y humor.

Pienso mejor por la mañana, antes de que las interrupciones del día empiecen a sucederse. Descubrí que este disco era ideal como banda sonora durante esos momentos. La música, tan precisa, bonita y levemente hipnótica, ayuda a mi cerebro.

They Might Be Giants

Peter Blegvad

Ivor Cutler

He estado escuchando a They Might Be Giants desde que tenía trece años de edad. Siempre han sido la música perfecta para mí como nerd lector de cómics teenager. Y les sigo escuchando como nerd lector de cómics adulto.

Conocía y amaba los cómics y el arte visual de Peter Blegvad durante años antes de que descubriera que también era músico. Compré este disco en una tienda de cómics sin tener ni idea de cómo podría llegar a sonar.

Al contrario de lo que suele ocurrir con mis compras por impulso, esta vez fue una buena elección.

Descubrí el trabajo de Ivor Cutler cuando estaba en la Escuela de Arte y desde entonces he disfrutado con su excéntrico trabajo. Este álbum es como un cuaderno de notas rebosante de ideas fascinantemente extrañas. —MS

Rain Dogs (1985)

Here Comes Science (2009)

#8 julio 2021

Bright Flight (2001)

Choices Under Pressure (2000)

The Goldberg Variations (1956)

EN EL MUNDO DE LA MÚSICA y conforme pasan los años más complicado resulta que quienes no vivieron un momento concreto de la historia entiendan qué ocurrió y cómo ocurrió.

Los años pasan mientras discos, bandas e incluso movimientos enteros quedan sepultados bajo las crueles lápidas del olvido y del desinterés provocado por la dictadura de la actualidad. Y ahí seguirán a la espera de que, quizás algún día, alguien reivindique su legado. Cada día suena más complicado, pero ahí están discos como “God Fodder”, el que fuera el larga duración de debut de los británicos Ned’s Atomic Dustbin, para ser descubiertos de nuevo. Esta es la historia de un grupo de teenagers melenudos del Reino Unido que pudieron –y de hecho lo hicieron– plantarle cara al grunge al tiempo que reinaron fugazmente entre el boom del sonido Madchester y el advenimiento del britpop. No estaban solos. En 1991 coincidieron en la calle “Schubert Dip” de E.M.F., “30 Something” de Carter USM, “Doubt” de Jesus Jones y, claro, “God Fodder”.

Todos ellos eran discos que, a su manera, combinaban las guitarras con el ritmo, de modos distintos, algunos más electrónicos, otros más rabiosos.

Fueron los tiempos del grebo, un género o movimiento fugaz liderado por bandas con actitud rock (pelo largo, camisetas todavía más largas, bermudas, logotipos de colores chillones y reconocibles de inmediato, con Pop Will Eat Ifself como resumen de todo ello), pero que combinaban sonoridades que iban de la psicodelia al shoegaze, manteniendo siempre una vocación muy bailable y rítmica.

Carter lo conseguían con cajas de ritmo disparadas a toda velocidad, Ned’s Atomic Dustbin a través de un trabajo a dos bajos (Alex Griffin y Matt Cheslin) que les permitía dibujar melodías fantásticas, mientras las guitarras sucias iban y venían echando mano de tanta distorsión como les apeteciese.

Procedentes de Stourbridge, en West Midlans, algunos de los miembros de Ned’s Atomic Dustbin apenas eran mayores de edad –como buena parte de su público– cuando “God Fodder” vio la luz, pero eso no significaba para nada que la banda estuviera por madurar. Así lo demostraron calzando casi media docena de hits en su debut en larga duración, con “Kill Your Television”, “Grey Cell Green”, “Throwing Things” y “Happy” a la cabeza. Su sonido era único y muy personal, muy de su tiempo, y sobre todo inimitable. Pop punk pogueable, melódico e hipervitaminado. Giraron por todo el mundo (incluidos los Estados Unidos del grunge), ganaron premios, coparon horas de MTV, publicaron un par de discos más (“Are You Normal?” y “Brainbloodvolume”) antes de separarse en 1995. Los Neds han vuelto a reunirse en diversas ocasiones para girar por el Reino Unido, aunque el resto del mundo parece haberse olvidado de ellos.

Tanto da, porque mientras discos como “God Fodder” sigan vivos en mi memoria imagino que siempre habrá alguien que podrá descubrirles por primera vez y dejarse llevar por esos dos bajos endiablados, esas guitarras punk y esas melodías pop que tan bien encajaban. —JOAN S. LUNA

Velvet Donkey (1975)

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Kiko Veneno

Duele la tristeza De título poderoso, “Hambre” (Elemúsica/Warner, 21) es un disco mucho más extraño, minimalista y áspero que su antecesor “Sombrero roto” (19).

Y resulta curioso, pues sus canciones, excepto dos, se fraguan en la misma época.

Charlamos con Kiko Veneno para saber más de esta nueva etapa en la que se haya inmerso.

—TEXTO Don Disturbios —FOTO Alicia Albiñana

#10 julio 2021

K

iko Veneno lleva una larga mañana en la pequeña oficina de su agencia de comunicación situada en el barrio de Gracia de Barcelona. Cuando llego está atendiendo a un compañero de la prensa generalista y en treinta minutos tiene que salir pitando para una radio.

No me va a quedar mucho tiempo para descubrir las claves de este “Hambre”. Por lo pronto me consta que las canciones del álbum fueron compuestas en la misma época que las que integraron su exitoso “Sombreo roto”. Todas menos dos: “Hambre” y “Madera”. Sin embargo, y pese a jugar también con el revestimiento electrónico de lo temas, estamos ante un disco menos variado y amable. Más apesadumbrado, minimalista y triste. “Hambre” se adapta mejor a la época que vivimos. ¿Era esa la intención?

Veamos qué nos cuenta su autor al respecto.

Aunque con Kiko nunca se sabe.

—Este disco, con respecto a “Sombrero roto”, me ha parecido más triste y en parte sorprende porque la mayoría de temas son descartes de ese mismo disco.

Pues mira, ahora que me lo estás preguntando tú me estoy dando cuenta de que, quizás, las

canciones más graves son las que más cuesta dárselas a la gente. La alegría es más fácil de dar. Una canción que es buena musicalmente como “Hambre”, pero que es grave, pues como que te pone en otra situación. Porque no vas a poder contar con esa alegría más inmediata, sino que tienes que inventar un camino y abrir un hueco para que la gente conecte, un concepto, y es más difícil. Quizás sea eso por lo que mi tendencia natural me llevó a dejarlas ahí, que reposaran, hasta que les he encontrado la medida. Y por eso las canciones más alegres estaban en otro lado.

Tiene sentido.

—Claro. Y es curioso porque, viniendo de la época de la que venimos, sí que parece un disco resultado de esa misma época.

Puede ser, puede ser. A veces hay muchas cosas que ni siquiera las veo, ni las pretendo, ni nada. Y muchas cosas son consecuencia de la época en la que estamos viviendo, y uno no se da ni cuenta de cómo se contaminan las cosas con lo que está pasando. Así que puede ser, puede ser. Yo creo en eso.

—Recuerdo que la otra vez que te entrevisté me comentaste que, pese al revestimiento más electrónico del disco, todas las cancio-

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ENTREVISTA

“

—Porque durante los meses

más duros de la pandemia, ¿cómo lo has pasado?

Bien, bien. Al margen de que falleció mi madre, que fue lo más duro, pero bueno... Afortunadamente me compré una casa con jardín y no la he pasado en un pisito sin luz y sin poderme mover. Además vivo en un pueblecito al lado de Sevilla y yo me salía a pasear al campo todos los días, hasta que me paró la Guardia Civil, que me pilló ya una segunda vez y me dijeron: “¿Otra vez?”. “¡Hombre! Si yo estoy aquí solo en el campo ¿a quién voy a contagiar?”. “¡Sí, hombre! ¡Si todo el mundo hiciera lo que hace usted!”. “Es verdad, tienen ustedes razón”. Me convenció la Guardia Civil, que la Guardia Civil también puede tener razón [risas].

—¿Te conocían? ¡Claro que me conocen! Son de allí del pueblo que es pequeñito, al lado de Sevilla y tiene campo. Y yo tengo un jardín en mi casa con mi huerta y vivo con mi mujer a la que quiero, así que estuvimos bien, con la nevera llena. Porque una de las cosas de las que te das cuenta en esa situación es de la cantidad de cosas que tenemos en las casas.

—No deja de ser curioso que hayas titulado a tu disco “Hambre” como contraposición a esa opulencia en la que vivimos y en la que a veces nos rodeamos de cosas que no necesitamos ¿no?

Es el mundo de consumo en el que vivimos que, si fuera un mundo que le da de comer a todo el mundo, pues estaría bien.

Pero si encima es un mundo que nos esclaviza y le da de comer a muy poca gente y obliga a malvivir a muchísima otra, pues entonces ya no está tan bien. No me importaría ser consumista si viera que todo lo que se está fabricando hace que vivamos de puta madre, pero no. Ese no es el caso. El caso es que el consumo es la cara agradable, la tentación, la golosina para permitir que haya gente ahí viviendo y trabajando en condiciones inhumanas, sin derechos y sin esperanzas.

—Para finalizar, porque se nos acaba el tiempo, te quería preguntar por las últimas colaboraciones que estás realizando con gente joven como Vera Fauna...

Vera Fauna es un grupo de Sevilla que el cantante, Kike, es sobrino de mi bajista y a través de él me llamaron, me cayeron bien y a cantar. Es una canción muy melódica, es muy popera.

Ha quedado muy bien.

—¿Cuando uno trabaja con gente joven vampiriza en cierto sentido el espíritu de esa juventud?

Pues mira, cuando era joven a mí me gustaba trabajar con gente mayor, porque veía que ahí había sabiduría y conocimiento y ahora al revés. Me gusta trabajar con gente más joven para sentir esos diálogos intergeneracionales que son muy ricos.

Además la sociedad ya está de por si muy fragmentada, muy dividida y eso es nefasto.

—Pero entre los músicos existe un lenguaje común, una especie de fraternidad...

Puede ser, aunque a mí me gustaría que hubiera más de la que hay, pero sí. Hablamos todos un lenguaje tan etéreo y tan inmaterial que nos sentimos un poco parte de esa familia. —D.D.

“La sociedad está muy dividida, y eso es nefasto”

nes de “Sombrero roto” podían tocarse a la guitarra. Sin embargo, con este, no estoy tan seguro de que sea así.

Bueno. Podemos intentarlo. [Se levanta y saca la guitarra española de su estuche]. A ver, “Hambre” la toqué el otro día en el programa del Francino [se refiere a “La ventana” de Cadena Ser]. Y “Madera” también la podemos hacer.

—¿”Luna nueva” por ejemplo?

“Luna nueva” ahora mismo. [Entona y empieza a cantar] “Luna nueva, luna nueva, llena de buenas cosas pa ti...”... A ver dime más canciones...

—No sé, por ejemplo... ¿”Dónde van”?

Esa no. Esa es complicada. [Aún así lo intenta y la entona]. Es la más rara. Venga. Dime otra.

[Da la impresión de que Kiko Veneno se ha tomado mi pregunta como un reto y ya me estoy arrepintiendo de haberla realizado. El tiempo transcurre y temo que la entrevista se va a reducir a nuestro juego. Aunque, por otro lado, no tiene uno todos los días la posibilidad de disfrutar del maestro en la distancia corta, cantándote en privado, así que ¿por qué no entrar en el juego?].

—¿“Mujer volcán”? ¡Esa sí, hombre! [La entona de nuevo y la toca].

A ver ¿qué más podría tocar con la guitarra? [Se

toma una pausa y empieza a tocar “Hambre”].

“Estoy fatal de la voz, la letra se me ha olvidao... menos mal que traigo yo lo zapatitos nuevos, nuevos sin estrenar y esos son los que me han salvao”. Esta también, pero es difícil ¡Eh! —¿Y cómo las vas a llevar al directo? ¡Hombre! Con una banda que estoy haciendo en la que lo más importante van a ser las máquinas.

El batería y el bajo van a ir jugando con las máquinas. Van a ir, de alguna forma, dominando y humanizando las máquinas, pero al mismo tiempo van a dejarse robotizar por ellas también.

—¿Dirías que estás en uno de los mejores momentos de tu carrera a nivel creativo?

Yo más o menos me veo siempre igual. Pero en esa época, antes de “Sombrero roto”, en la que estuve trabajando unos cinco años, dos años para hacer las canciones y otros tres para hacer las maquetas y grabar el disco, total cinco años, pues ahí hice veintidós canciones que están en estos dos discos. Pero por ejemplo “Hambre” y “Madera” se me han ocurrido ahora durante la pandemia. Y eso es algo que no me esperaba y eso ¿a qué viene? Yo me pregunto ¿a qué viene? Es una apuesta como por sacar la rabia y la raíz del viejo flamenco, pero con sonoridad contemporánea.

Eso es nuevo de ahora.

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julio 2021 #11

MONDO FREAKO

Ladilla Rusa VS. Aníbal Gómez

Seguimos con nuestra serie de entrevistas cruzadas de artistas que forman parte de los mejores saraos musicales de este verano 2021. En este caso son Ladilla Rusa y Aníbal Gómez DJ (Ruido Paraíso, Ojete Calor) los que se entrevistan mutuamente con motivo de su esperada presencia en el festival XTRAFRESH 2021 que, esta ocasión, se celebrará el próximo sábado, 7 de agosto, en el Campo de Fútbol de La Roda (Albacete).

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ENTREVISTA. CRUZADA. Ladilla Rusa entrevistan a Aníbal Gómez

Q

ué pedirías en tu camerino para parecer un artista excéntrico, interesante e insoportable?

Pediría que se repitiera un mismo patrón de menor a mayor tamaño en todo lo que allí estuviera. Por ejemplo, una botella de agua de 100 ml, otra de 150 ml, otra de 300 ml, otra de 500 ml, otra de un litro. Así con todo. Con los alimentos, con la fruta, cinco peras de cinco medidas distintas. Y también con las personas que tuviesen que entrar al camerino. Prohibida la gente que mida igual. Cinco personas de menos más. Patrón “Hermanos Dalton”, por favor. Danny DeVito y Pau Gasol y otras tres medidas intermedias.

Si te llamasen para actuar en la SuperBowl, ¿a qué artistas sorpresa invitarías al escenario?

A todas las boy bands venidas a menos encabezadas por East 17. Y en medio, una tarta gigante con forma de brazo de gitano de la que aparece Sonia Monroy interpretando su prueba de

casting “Liar Or Crazy” en directo.

Si en un concierto te sorprende una urgentísima necesidad fisiológica (si te cagas viva), ¿cuál sería tu protocolo de actuación?

Lo mejor es cagarte encima. Cagar es como las emociones, hay que liberarlas. Si tienes ganas de reír, ríes. Si tu cuerpo te pide sacar la leña al patio con urgencia, la sacas. Por eso hay que llevar siempre junto al pen drive un bote de Nenuco.

Nos escriben para cantar en bodas de gente muy fan, súper fan, la más fan… ¿Cómo tendría que ser una boda para que accedieras a cantar en ella?

Una boda de narcotraficantes es lo suyo porque se cobra mejor. Y todo se resuelve rápido. Si pinchas algo que no les convence directamente te matan. Al menos no te dan la brasa pidiéndote temas.

Un DJ no es nada sin esa persona desconocida y borracha que le dice qué es lo que tiene que pinchar. ¿Con qué canción te desharías de ese tipo de espécimen?

Hace falta algo más. Un bate de béisbol, por ejemplo. Un bate y “Orinoco Flow” de Enya es todo lo que se necesita.

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Aníbal Gómez DJ entrevista a Ladilla Rusa

Q

ué es lo más extraño que habéis besado en un backstage?

Nos alegra mucho que nos hagas esta pregunta. La verdad es que besamos un huevo. O sea, no que besemos un huevo en plan que besamos mucho, que seamos besuconas, sino que besamos un huevo, huevo. Un cataplín, un testículo, un cojón. Proteína de origen animal para recuperar energía después de un recital. No apta para veganos, pero sí para Ladilla. ¿Habéis intercambiado teléfono con algún fan fingiendo que os gustaba su trabajo cuando en realidad lo que queríais era retozar en la cama?

Tras los conciertos nos convertimos en las hermanas de Marge de Los Simpson, en Patty y Selma. Nos dedicamos a beber y fumar y a estar juntas y decir tonterías y nos olvidamos de ligar.

Pero no dudes de que en cualquier momento pidamos teléfonos para retozar y besar huevo y besar ubre si hiciese falta.

La gente que se coge un buen pedo y os pide vídeos con dedicatoria para una amiga que es fan son los mejores, molan un montón y no son nada pesados. ¿Qué bonitas palabras les diríais?

Les diríamos simplemente que, si nos van a hablar a cinco centímetros de la cara, que por favor no nos escupan. ¿Qué canción de vuestro repertorio os da más pereza tocar en directo?

Le hemos cogido bastante manía a “Atrás” y de hecho la hemos dejado de tocar hace muy poco en directo. Las noticias sobre El Cigala, sus desafortunadas palabras, y que estábamos hasta el papo de cantarla nos han hecho tomar la decisión: “Atrás ‘Atrás’”.

Cuando llegáis al bolo, ¿es Tania la que está más pendiente de las pulseras VIP para los colegas o es Víctor?

Somos de estar tan pendientes de las pulseras VIP que estamos pensando en ir un paso más allá y hacer unos “no me olvides” VIP, así de plata, con cadeneta y nuestro logo grabado. No, en serio: si no te damos pulsera es que no queremos que entres, no insistas.

—MS

julio 2021 #13

ENTREVISTA

Silvana E Cariño, paciencia y tradición

Tras años de espera la mexicana Silvana Estrada está a punto de publicar su álbum debut, “Marchita” (Glassnote, 21). La joven artista ha estado trabajando durante mucho tiempo en el que es uno de los discos más esperados de la música mexicana de este 2021. Antes de publicarlo se sumerge por una gira en la que recorrerá toda la geografía de nuestro país. Hablamos con ella antes de este inminente tour y de la publicación de su primer larga duración en solitario.

“Gran parte del misterio de “Marchita” no es más que caos”

#14 julio 2021

D

ESPUÉS DE UN LARGO tiempo teniéndolo entre las manos, por fin vas a publicar “Marchita”, tu primer disco en solitario. ¿Cómo se ha ido gestando el proceso de creación del álbum?

Ha sido un proceso súper largo, casi dolorosamente largo [Ríe]. Son canciones que compuse hace varios años y que se fueron sumando con el paso del tiempo. Todas pertenecen a una misma vena introspectiva, de intentar entender el duelo amoroso; la verdad es que sin querer formé un disco conceptual. Hubo un par de intentos antes de llegar a “Marchita” pero no me gustaban y cambié mi propia idea que tenía sobre el álbum porque yo empecé a escribir estas canciones cuando estudiaba jazz y mi idea primera era muy diferente a la de ahora. Ahora me siento muy minimalista con mis producciones y llegar a esto fue llegar a “Marchita” que es la representación exacta de mí misma en este momento. Cada disco es una foto del momento y esta es una etapa que siento que está concluyendo, que en cuanto salga se acabará porque en estos años yo he hecho ya dos discos más a los que también quiero darles salida. Ha sido un parto muy largo y

—TEXTO Alejandro Caballero Serrano

necesito sacarlo para que sea del mundo y deje de ser mío, porque me da hasta pesadillas, pero a la vez lo amo, creo que es lo más bonito que he hecho en mi vida.

—¿Ha sido muy diferente crear este proyecto en comparación a lo sagrado, tu disco con Charlie Hunter o el EP de “Primeras canciones”?

Abismalmente diferente, el proceso de cada uno de esos discos no tiene nada que ver. “Lo sagrado” es un disco muy masculino y jazzístico, producido por Charlie Hunter que no habla español y no entendía las letras y no le daba la misma importancia que yo, porque yo las amo, y por eso emprendí ese nuevo camino de donde surgió “Primeras canciones”. Pero en este EP me sentía también alejada, me fui de un extremo al otro, era todo sobre la canción, pop con sintetizadores y bombos muy presentes y tampoco me sentía tan a gusto ahí. Entonces encontré un centro donde la canción importa, la letra va primero y el universo que le rodea también importa, y no es un universo que busca gustar, si no que la completa, que narra mi propia historia, ya que yo crecí en el campo y mis padres hacían instrumentos de madera y es un disco solo con instrumentos de madera (menos la trompeta, el saxofón y el clarinete) y se grabó en una casa de madera dentro de un bosque… Encontré mi sitio y me evadí de todos lados y por fin llegué a “Marchita” y engloba mucho de lo que creo que soy, por eso creo que es un gran primer disco.

—¿Cómo describirías este disco para toda esa gente que no te conoce? mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Estrada Yo diría que es un viaje, es un universo donde dentro de mis historias particulares de sanación encuentras la universalidad del sentimiento. Espero que la gente que lo escuche se conozca mejor y se pueda sentir a través del disco, creo que es un álbum para escuchar de inicio a fin y ver que es lo que te ha causado durante el trayecto y que te preguntes: “¿Por qué me ha sucedido esto a mí escuchando este disco?” Creo que esa es mi gran meta con el disco.

—Lanzas este disco bajo el sello de Glassnote que tiene en su nómina a grandes artistas como Phoenix o Mumford&Sons. ¿Cómo se fraguó tu fichaje por este sello? ¡Fue muy loco! Mi mánager iba camino a Japón y le habló Daniel Glass y le dijo que querían firmarme.

Cuando a mí me lo contó dije: “¡Pero esa gente no habla ni español! ¿Qué quieren hacer conmigo?”.

Y encima esto fue a principios de 2019 y yo tuve mucho trabajo ese año y no pudimos sentarnos con ellos hasta febrero de 2020. En esa reunión les pregunté qué era lo que querían de mí, porque entiendo que lo latino está de moda, pero más el rollo de trap y reggaetón y no el mío. Pero dijeron: “aquí sentimos la música y la tuya nos conmueve más allá del idioma y si nos pasa eso tenemos la certeza de que vamos a poder trabajar contigo por todo el mundo”.

Me pareció tan bonito pensar así de la música que ahora estamos trabajando juntos y me tiene muy contenta ser la primera artista latina de Glassnote.

—Además de lanzar tu disco, te embarcas en una gira por nuestro país con unas cuantas citas por toda la geografía española. Aunque no es la primera vez que estás en España, ¿cómo te sientes frente al público de aquí? ¡Feliz! Me tiene muy emocionada, porque yo conecto con el público español de una manera muy especial.

Desde que toqué aquí por primera vez fue un amor a primer concierto muy brutal, vivo enamorada de España y me gusta pensar que España, poco a poco, se va a ir enamorando más de mí. Tengo varios espectáculos aquí, y dos de ellos ya están agotados, y sobre todo tengo el Palacio Real en Madrid, que es un auténtico sueño, y también el Festival de los Jardines de Pedralbes en Barcelona que es precioso…

No me lo puedo creer, llevo un año sin tocar y es la gira de mis sueños.—A.C.S.

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3

julio 2021 #15

MONDO FREAKO

“New Long Leg” (4AD/Popstock!, 21) es el (esperado) debut de Dry Cleaning, un álbum en el que los londinenses revitalizan el post-punk en diez temas que cuentan con la intensa interpretación vocal de Florence Shaw. El cuarteto muestra una convicción poco habitual en unos debutantes, algo que también se desprende de las respuestas ofrecidas por la cantante y el bajista Lewis Maynard en la presente entrevista.

L

LEVAMOS MÁS DE UN AÑO inmersos en un entorno complejo, asfixiante e incierto que, de hecho, parece conectar directamente con vuestra música. ¿Está el sonido del álbum influenciado por estas circunstancias externas o las canciones estaban compuestas antes de que comenzara la pandemia?

(Florence Shaw) Grabamos las demos de todas las canciones antes del primer confinamiento en el Reino Unido. Así que en realidad las canciones de “New Long Leg” cogieron forma antes de todo esto. Las nuevas canciones que hemos venido escribiendo durante los últimos seis meses, durante la pandemia, son mucho más alegres.

—¿De dónde vino la inspiración que derivó en las canciones de “New Long Leg”?

(Florence Shaw) Es difícil encontrar lugares de ensayo fiables en Londres, por lo que tuvimos que saltar mucho de un sitio a otro mientras escribíamos las canciones de “New Long Leg”. Echando la vista atrás, es fácil ver cómo esos diferentes espacios nos influyeron: “Her Hippo” y “Every Day Carry Carry” se escribieron en una habitación enorme y, siendo honestos, suenan un poco demasiado grandilocuentes. Sin embargo, “Strong Feelings” fue escrita en un cuarto oscuro e íntimo lleno de material amarillo. La forma en que escribimos es muy colaborativa y la atmósfera del lugar tiene un gran impacto en el sonido.

—¿Cómo se consigue actualizar las principales cualidades del post-punk? ¿Cuál fue la premisa principal a la hora de componer las canciones incluidas en este álbum?

(Lewis Maynard) Cuando estábamos escribiendo estas canciones no teníamos ningún plan. Como decía Florence anteriormente, nuestro entorno nos influye mucho. El local en el que estamos marca una gran diferencia; pero también in#16 julio 2021

Dry Cleaning Post post-punk “Mola que en la actualidad se esté haciendo más música de guitarras”

fluye si hemos estado en la carretera, la música que hemos estado escuchando en la camioneta, los eventos, las listas de reproducción que creamos entre nosotros... De algún modo, todo eso se puede escuchar en el disco.

—Diría que este es un álbum tremendamente adictivo a pesar de (o gracias a…) su oscuridad manifiesta ¿Qué tipo de sensación queréis despertar en el público con vuestra música? ¿Tiene la música un efecto sanador?

(Lewis Maynard) Yo no lo veo como un disco oscuro. Veo mucho humor y positividad a lo largo de todo el disco.

Hay una honestidad en la forma en que grabamos y escribimos las canciones que espero que se vea proyectada en la música. Somos cuatro amigos que disfrutan de pasar tiempo juntos y crear música juntos.

—En “New Long Leg” usáis mucho el recurso del spoken word ¿Qué crees que aporta ese efecto a la hora de

mejorar una canción?

(Lewis Maynard) Hablando desde la perspectiva de la composición, eso nos permite a todos desempeñar diferentes roles en cada pista. A veces la voz de Florence es más rítmica, lo que deja espacio para que Tom, Nick o yo creemos una melodía donde normalmente no sería posible. Ayuda al proceso creativo y te permite más opciones.

—Joy Division, Blondie, Siouxsie, Television... son solo algunos de los nombres básicos que vienen a la cabeza al escuchar el debut de Dry Cleaning ¿Cuáles son vuestras referencias inexcusables?

(Lewis Maynard) Television es, definitivamente, una gran influencia para nosotros. Estamos en constante evolución y vamos añadiendo más influencias al bote cada día, pero cuando comenzamos escuchábamos muchas bandas de Athens, Georgia. Como B-52’s, R.E.M. o Pylon por nombrar algunos.

—En cualquier caso, hay bastantes bandas que, de uno u otro modo, ofertan un sonido no demasiado alejado del vuestro. Es el caso de Fontaines D.C., Shame, Savages, Squid, The Murder Capital, Rats On Rafts, Black Country, New Road, Porridge Radio… ¿Qué opinas de esta “nueva escena”?

(Lewis Maynard) Realmente no diríamos que somos parte de esa escena... O de cualquier escena. Hemos conocido a algunas de esas bandas en festivales, justo antes de la pandemia, y son grandes bandas y grandes personas. Mola que en la actualidad se esté haciendo más música de guitarras, eso nos ayuda, pero diría que no tenemos mucho en común con la mayoría de esos grupos.

—“New Long Leg” era un álbum muy esperado, sobre todo en Inglaterra. ¿Habéis sentido algún tipo de presión? Ya sabéis que la prensa inglesa está siempre buscando eso que llaman “The Next Big Thing”... ¿Qué expectativas tenéis con el disco?

(Lewis Maynard) Cuando comenzamos a hacer música juntos no teníamos planes reales para publicarla. Escribíamos para nosotros mismos y solo grabábamos para documentar lo que habíamos creado. “New Long Leg” no fue diferente. Definitivamente tienes más oportunidades cuando tienes el respaldo de un sello, pero nuestro modo de escribir no cambió por eso.

—Al final fue el mítico sello 4AD quien os fichó...

(Florence Shaw) Para nosotros es como un hogar en el que nos encontramos felices. —RAÚL JULIÁN

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Lix Molina

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Carla Lourdes @carlalourdes

Nevo Angel @nevo.angel

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2021

EN PORTADA

G

“ “Hay gente que madura más que otra, y los que se quedan atrás se vuelven resentidos”

#18 julio 2021

ILLESPIE Y BETH SE ALIARON con tres de los integrantes de Primal Scream (Andrew Innes, Martin Duffy y Darrin Mooney), así como al cómplice musical de la francesa (Johnny Hostile) para llevar a buen puerto un trabajo por momentos desolado en el que brillan las interpretaciones vocales de los protagonistas y una instrumentación elegante de otra época.

El ropaje musical (soul, country, rock…) eleva a un Bobby Gillespie que necesitaba salir de su zona de confort, mientras que le da a Beth la posibilidad de lucirse con su prodigioso registro en un lenguaje mucho más clásico de aquél al que nos tiene acostumbrados en solitario o con Savages. Y aunque podría interpretarse como una concesión que un disco tan triste termine demasiado bien para cómo se ha desarrollado, “Utopian Ashes” vuelve a mostrar que el material más valioso sale muchas veces de las colisiones inesperadas. El escocés y la francesa están de un humor radiante. Cuando nos queremos dar cuenta, se ha terminado el tiempo; una mención a Lou Reed da pie a una disquisición cuasi antropológica, pero hay tiempo de sobra para diseccionar su trabajo.

—Sé que os conocéis desde hace tiempo y que ya habíais colaborado, pero ¿cuál ha sido la motivación para hacer un disco así?

(Jehnny) ¡Las voces! La amistad, y también un vínculo natural que estaba ahí. Queríamos pasar tiempo juntos. Habíamos cantado en un escenario un par de veces. Andrew Innes, Bobby y Johnny Hostile me preguntaron si quería hacer algunas sesiones con ellos, todos juntos, y por supuesto parecía una idea estupenda. Era también una gran oportunidad de hacer algo distinto, de aprender y experimentar. Luego, lo primero de todo, nos sorprendió el modo en que cantábamos juntos. Eso fue la fuerza motriz, lo que definió la estética del disco: el hecho de que pudiéramos hacer armonías, que fuera tan fácil y placentero. Hubo mucha alegría, la alegría de cantar juntos, lo cual, para mí, fue alucinante, porque en Savages la estética es muy diferente. Esto era muy distinto y disfruté mucho del reto precisamente por esa razón. Pero también ha sido la amistad, el respeto mutuo, lo que nos hizo trabajar.

—Me parece que suena a la vez crudo y sofisticado, está repleto de dinámica e instrumentos (incluso un harpa). Me imagino que para vosotros y los músicos la grabación tuvo que ser una maravilla, pese a que muchas de las canciones tienen letras que duelen.

(Bobby) Oh, sí, nos lo pasamos genial grabándolo. ¿Tu qué piensas, Jehnny?

(Jehnny) Sí, creo que ha sido una de las mejores experiencias que jamás he tenido en un estudio.

(Bobby) También para mí.

(Jehnny) Todo el mundo sabía lo que estaba haciendo, y cada uno se encontraba en su mejor momento. No hubo ninguna confusión, sino una línea muy clara de cómo producir este disco y hacerlo realidad. Creo que en parte fue porque Bobby tenía una visión que se respetó mucho. Creo que para hacer buenos discos necesitas una visión singular, y cuando lo haces con un grupo, es importante que haya una dirección. Me dio la impresión de que Bobby tenía la necesidad, en se momento, de hacer un disco como éste. Y eso es todo lo que necesitas en el arte, es algo que respeto más que nada: ese deseo de crear algo. Cuando hay alguien que tiene esa inspiración, el grupo la respeta y la hace suya. Así es como haces arte bueno, creo.

Y también nos divertimos mucho [risas]. Nos lo pasamos muy bien.

—Dejadme que os pregunte un poco sobre el concepto. ¿Vuestra idea era crear una pareja de personajes y hacerles reales dentro de las canciones? Hay amargura y tristeza y decepción, pero al final asoma un poco de esperanza. ¿Qué queríais que sintiera el oyente?

(Jehhny) En realidad no lo hablamos. De lo que estábamos seguros es de que, aunque el tema de las canciones era un poco duro, en cuanto a qué puede pensar quien escuche canciones donde se dice “ya no te quiero más” y cosas que son muy difíciles de oír [risas], la música sí que iba a tratar, en cierto modo, de encontrar cierta luz al

EL FIN

3

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NAL DEL ROMANCE Bobby Gillespie y Jehnny Beth

“Utopian Ashes” (Sony Music, 21) reúne al escocés y la francesa en un álbum de volunntad atemporal que sigue la tradición de duetos que exploran el doloroso y casi inevitable naufragio de la pareja. Por duro que sea, el desamor nos sigue dando grandes canciones.

—TEXTO JC PEÑA —TEXTO Sam Christmas

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julio 2021 #19

EN PORTADA

3

otro extremo del túnel. Quizá por eso tienes esa sensación hacia el final: no te sientes oprimido por todas estas situaciones problemáticas.

El disco no está machacando… Quizá la filosofía, para mí, es que en cualquier tipo de relación hay un cierto nivel de mentiras necesarias que hay que preservar para seguir adelante con tu vida, pero siempre llega un momento en que la verdad tiene que aflorar. Tienes que decir las cosas como son, aunque se corra el riesgo de romperlo todo, para salvar una relación. Eso tiene sentido. De igual manera que te arriesgas cuando te comprometes en una relación, te tienes que poner a ti mismo en riesgo si la quieres salvar. No puedes limitarte a estar ahí y pensar que todo saldrá bien.

(Bobby) Tienes que seguir trabajando en ello. No puedes volverte complaciente, porque todo cambia y fluye. La gente se pregunta por qué no puede haber un romance real y pasión llegado un cierto tiempo, como cuando eres joven, pero como dice “You Don’t Know What Love Is”, una vez que el amor se ha ido, te conviertes en otra persona. Eso no es necesariamente algo malo, lo que significa es que has crecido. Han pasado veinte años y ya no eres una chica joven, sino una mujer, y las necesidades de una mujer son distintas a las de una joven. Puede que sea una mujer con niños, y que vea a su marido o a su novio de un modo diferente. Quizá la mujer ha crecido y ha madurado más, mientras que él no lo ha hecho tanto. Así que la mujer está resentida porque tiene la impresión de que él da por sentada su relación. Es como cualquier cosa en la vida, por ejemplo estar en un grupo: hay gente que se curra más que el resto la tarea de hacer canciones o lo que sea. Los otros se lo toman como: “Hey, estamos en un grupo de éxito, genial”. Se hacen complacientes. Es la arrogancia.

Y eso pasa en los matrimonios: hay gente que madura más que otra, y los que se quedan atrás se vuelven resentidos. Pero la persona que madura también puede amargarse porque piensa que quien queda atrás no ha hecho lo necesario para que funcionara: de algún modo, no ha cumplido su papel. Todo esto crea dinámicas desequilibradas.

Supongo que el mensaje del disco es que te tienes que currar tu relación. Es una lucha constante, un viaje. Y en un viaje te tienes que mover. Si paras, el viaje se termina. Hay que seguir empujando.

—Hay una larga tradición de grandes discos y canciones tristes, con trasfondo de desamor. Estoy pensando, por ejemplo, en “Berlin” de Lou Reed o, si hablamos de canciones, “Love Will Tear Us Apart” de Joy Division, por poner un par de ejemplos

#20 julio 2021

sobradamente conocidos. ¿Sois fans de este tipo de álbumes o canciones?

(Bobby) Pues mira, recuerdo que cuando empecé Primal Scream en 1983 o 1984 compré “Berlin”. Era muy distinto a The Velvet Underground, que me encantaban, y no fui capaz de entenderlo a la primera. Aunque tenía veintidós o veintitrés años, era un postadolescente, y no creo que estuviera emocionalmente preparado para comprender un disco adulto. Lo que me impresionó de ese disco fue la canción “Caroline Says II”, en la que Lou Reed canta: “Caroline Says/as she gets up the floor/you can hit me all you want/but I don´t want you anymore” (Caroline dice/según se levanta del suelo/puedes pegarme todo lo que quieras/pero ya no te quiero”). Eso me conmocionó, pero de un modo muy positivo. Me di cuenta de que se puede hacer una canción pop de otro modo. Es una imagen muy potente. Con este disco junto a Jehnny he sido capaz de escribir cosas muy dolorosas que suceden entre dos adultos, y ponerlo todo ahí.

(Jehnny) Creo que hay mucha miseria alrededor del amor. Mucha falta de entendimiento en relación a qué es el amor, a qué se supone que es en tu vida. No hay modo de prepararse para ello, no hay ninguna escuela al respecto.

(Bobby) Supongo que en Oriente tienen el Kamasutra y estas cosas, pero en Occidente, como dice Jehnny, no hay ningún tipo de preparación. Imagino que en el pasado, en la tradición patriarcal, el trato era que el hombre traía a casa el dinero, el poder y el prestigio, y la mujer tenía que sentirse afortunada de tener esa protección, pero parte del acuerdo también era que el hombre poseía a la mujer. Como vemos, esto está cambiando, y a los hombres no les gusta. Todavía quieren poseer a la mujer, y es un gran problema. Es como el tango…

(Jehnny) En última instancia, el feminismo o el movimiento #MeToo no tratan de que las mujeres resuelvan el problema, sino de involucrar a los hombres, porque tienen mucho de que liberarse, en especial en las relaciones heterosexuales.

(Bobby) Estoy de acuerdo, pero creo que el modo en que se cría a los chicos… En mi generación, hablo de finales de los cincuenta, el sexo era algo que “se hacía” a las mujeres. El lenguaje de los chicos era brutal. Había mucha insensibilidad, nada de ternura ni de amor. La manera en la que los padres hablaban a sus esposas, las madres, que eran como sirvientas del padre… Los chicos crecían creyendo que todo esto es normal, que estos comportamientos son normales. Y mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

“Hay mucha miseria alrededor del amor”

tiene que cambiar. Para muchos hombres la idea de que las mujeres son lesbianas o transexuales es una amenaza, piensan que les están quitando derechos. Es jodido.

(Jehnny) El patriarcado es muy difícil para los chicos jóvenes. Antes de los cuatro años expresan emociones, empatía, afecciones… Y luego, desde los cuatro, empiezan a ser más violentos y a montarse pandillas contras las chicas en plan de “somos los malos”. Y deben identificarse con este rollo porque es lo que se les dice. Rechazan cualquier rasgo que les parezca femenino y sacrifican el amor. La esperanza es que se reencuentren con ello, pero hay mucho trabajo que hacer.

Bueno, hemos cambiado de tema pero… [Risas].

—Sí, dejadme volver al disco para preguntaros cómo planteasteis el tema de las voces, porque es cierto que funcionan perfectamente juntas. Antes Jehnny dijo que salió muy fácil. ¿Diríais que fue natural o tuvisteis que trabajarlo?

(Jehhny) No, y eso es lo que me encanta [risas]. En Francia nos educan para que creamos que el trabajo duro lo es todo, que hay que sufrir y que si no trabajas lo suficiente significa que tu arte no es bueno. Pero creo que hay momentos y lugares en los que al arte tiene que fluir sin esfuerzo, y que lo tienes que disfrutar. Esto es tan importante como el trabajo duro. Y al menos con este disco no sacrificamos la alegría.

(Bobby) Lo que dices es muy cierto. Especialmente en las primeras sesiones, cuando grabábamos los temas que serían las canciones en el estudio. Es verdad que yo trabajé mucho en las letras, y pensando en los arreglos y la instrumentación. Eso fue laborioso. Algunas de las letras me llevaron meses. No acababa de cerrar un verso, meses y meses así. Y un día (chasquea los dedos). Pero tienes que estar en ello: era consciente de que tenía que acabar esa canción. Algunas canciones como “You Don’t Know What Love Is” las hice del tirón.

Lo mismo pasó con “Chase It Down”, parecía que se escribía sola. La última, “Sunk In Reverie”, también me vino así, como “Living A Lie”.

Pero otras como “Remember We Were Lovers”, “You Can Trust Me Know” o “English Town” me llevaron mucho más tiempo.

—¿Tuvisteis alguna inspiración concreta en cuanto a duetos o discos de este tipo, en cuanto a dónde queríais llegar? El enfoque, en cuanto al sonido, es muy clásico.

(Bobby) No hemos tratado de emular a ningún artista. Por supuesto que al escuchar el disco puedes pillar ciertas influencias, pero en mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

cuanto a los textos mi principal influencia son las letras directas, desnudas y duras del country norteamericano. Esa es la tradición de la que quería partir. Admiro mucho ese estilo de componer. En la biografía que hemos pasado a los periodistas se mencionan discos de Kris Kristofferson, Gram Parsons, Rita Coolidge, Emmylou Harris, George Jones y Tammy Winette. Pero era sólo para situar el álbum de cara a los periodistas. Cuando lo grabamos y mezclamos me di cuenta de que entraba más dentro de una tradición de duetos de cantante masculino y cantante femenina. Era una continuación de esa tradición, pero no creo que cuando entráramos en el estudio fuéramos conscientes de ello. Porque las canciones estaban en nuestra cabeza desde hace un año. Lo que grabamos en ese verano del 18 sonaba muy distinto a las maquetas, porque teníamos a músicos tocando y añadiendo su personalidad. Se hizo mágico cuando todos tocamos juntos. Creo que evolucionó de un modo muy natural: no hubo un plan premeditado para sonar a Gram Parsons o George Jones. Son artistas que nos gustan mucho y acabaron influyendo de alguna manera a las canciones.

(Jehnny) Yo no conocía a muchos de ellos. Sí que es verdad que hubo un periodo de mi vida en que escuché mucho a Johnny Cash y June Carter, pero ya no; habían pasado a formar parte de mi memoria, y a veces el recuerdo de algo es mejor que volver a oírlo, porque es lo que te ha quedado dentro: no importa que sea una idea equivocada mientras te inspire. En Francia crecí con una gran tradición de duetos y tenemos muchísimos en nuestro repertorio. Hay cosas que se quedan en tu ADN, no se trata de recrear.

—Lo más importante al final son vuestras interpretaciones, porque hay un componente dramático que tiene que funcionar.

(Jehnny) Tienes que conseguir que lo que cantas sea creíble. Que cuando lo oigas digas: “Sí, suena de verdad”. Eso es lo que importa.

(Bobby) Me gustaría añadir que gran parte del mérito tiene que ir a los músicos. Tocaron con una sensibilidad real. Hay mucho peso en cómo tocan. Si “Remember We Were Lovers” suena con ese peso es por ellos. Y esa pesadez es muy complicada de conseguir. Así que demos un aplauso a los chicos. Entendieron a la perfección el material y no todo el mundo puede hacer algo así. —J.C.P.

R Más en www.mondosonoro.com

julio 2021 #21

23/Mondo VINILOS

Doja Cat

Niño de Elche

Planet Her Kemosabe/ RCA

6

Tyler, The Creator en lo más alto Tyler, The Creator

Call Me If You Get Lost Columbia

8

RAP / La carrera de Tyler, The Creator ha cam-

biado tanto como la percepción que se tiene de su persona, estamos hablando de alguien que comenzó como enfant terrible del rap, siendo criticado por sus letras homofóbicas y misóginas, y que en 2017 confesaba que llevaba “besando chicos blancos desde 2004”.

Lo que siempre estuvo claro era el enorme talento del tipo que había liderado aquel movimiento de hip hop alternativo llamado Odd Future, y del que salieron luminarias como Frank Ocean o Earl Sweatshirt.

Era evidente que “Flower Boy” supuso un punto y aparte en su carrera, costaba reconocer al abrasivo rapero de “Yonkers” en sus exquisitos arreglos. Todo eso se confirmó con el excelente “IGOR”, publicado dos años después, en 2019, donde se convertía más en un cantante que en un rapero. Aquí, en “Call Me If You Get Lost”, Tyler recuerda a todo el mundo porque llamó la atención por primera vez, porque es un excelente rapero.

Con este disco Tyler, The Creator vuelve a alcanzar la excelencia como productor, poniéndose al nivel de los The Neptunes de Pharrell Williams (que también colabora en el disco) o de Kanye West, sus principales influencias, esto es de los más grandes de todos los

tiempos. Pero aquí vuelve a descubrir al gran rapero que hay en él, algo que tenía bastante abandonado. Aquí se combinan las florituras de “Flower Boy”, el lujoso neo-soul de “Igor” y el abrasivo rapero de “Goblin”, siendo el disco que, posiblemente, se convierta en el favorito de los seguidores más fieles del antiguo miembro de Odd Future, aunque habrá que ver si los que se sumaron al carro en “Flower Boy” y “IGOR” prefieren esta nueva versión o no. Sea lo que sea, lo evidente es que Tyler, The Creator ha vuelto a demostrar que es una de las fuerzas creativas más importantes del hip hop actual, un verdadero verso libre que hace (muy bien) lo que le da la gana.

Si en “IGOR” no había otra voz que la suya, “Call Me If You Get Lost” está lleno de colaboraciones y apariciones estrella, pero nadie hace sombra a un Tyler que ha hecho el disco más personal de su carrera. Eso se nota también en la inclusión de DJ Drama, el hombre detrás de sus queridas mixtapes “Gangsta Drill”, pero también en unas letras totalmente personales a pesar de venir con un nuevo alter ego detrás, Tyler Baudelaire.

Lujosas flautas y cuidados vientos se mezclan con el rap más agresivo, Tyler, The Creator une finalmente en una sola persona al incendiario rapero de “Goblin” con el lujoso productor de “Earfquake”, no es de extrañar que los dos últimos saludos del disco sean para su antiguo alter ego de Wolf y para Gangsta Grillz, su pasado finalmente integrado con su magnífico presente para un tipo que vuelve a demostrar que tiene un futuro brillante.

—SERGIO ARIZA

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POP / No seré yo quien le

niegue el talento a Doja Cat, cuando alguien puede rapear como Nicki Minaj y cantar como SZA es que ese alguien lo tiene, pero “Planet Her”, sin ser un mal disco, ha sido una pequeña decepción, y es que, si a ese potencial, le añadimos que “Kiss Me More” es una de las canciones más irresistibles de lo que va de año, creo que es normal que este disco se quede por debajo de lo esperado. Porque, a pesar de contar con un gran tema y tres o cuatro buenas canciones más, como la sensual “Been Like This”, Doja Cat todavía no ha encontrado un sonido propio que la distinga del pelotón de aspirantes a la primera línea, ni ha conseguido librarse de las canciones de relleno. Hasta en algunos de sus momentos más inspirados, como en “Get Into It (Yuh)”, es demasiado evidente su deuda con Nicki Minaj. —SERGIO ARIZA

Memorial del cante en mis bodas de plata con el flamenco Sony FLAMENCO / Como celebración del Record Store Day y de los veinticinco años de unión de Niño de Elche y el flamenco, nos llega este vinilo de diez pulgadas grabado en una sesión de directo con el primer guitarrista que acompañó a Francisco Contreras Molina en un escenario, Paco Javier Jimeno. Arrancan por Alegrías de Cádiz, con Niño de Elche arrojando luz a borbotones por su garganta, y continúa haciendo las paces con aquel niño que quería ser cantaor con posesión por soleares, cincelando con su garganta cada estrofa por bulerías, en fandangos que huelen a tierra mojada y flores del campo, o con una Soleá Apolá que mece y para las manecillas del reloj.

Diez posesiones en las que el proclamado exflamenco abraza el cante a corazón abierto.

9

—DAVID PÉREZ

Cold Cave

The Go! Team

Fate In Seven Lessons Heartworm Press

7

POST-PUNK / Diez años le

ha llevado a Wesley Eisold completar su tercer trabajo, un EP con el que condensa y revitaliza su querida estética siniestra.

En su particular tributo al amor muestra tanta solvencia para recrearse en la oscuridad y su reverso, como deudas contraídas con sus héroes. Inevitable no pensar en Sisters Of Mercy (y en The Mission) o en Depeche Mode al enfrentarse a la caja de ritmos, el bajo robusto y la melodía vocal atormentada de “Prayer From Nowhere”. “Night Light” cambia de tercio hacia un pop electrónico luminoso deudor de los New Order.

“Happy Birthday Dark Star” funciona como brillante síntesis de todo lo que interesa a Cold Cave: un caramelo envenenado para todos los fieles acólitos de esta estética en su versión canónica, en la que Eisold se encuentra como pez en el agua. —JC PEÑA

Get Up Sequences Part One Memphis Industries/Music As Usual

7

POP / Con una fórmula

que sigue extrayendo oro de algo tan antiguo como es la técnica del sampler, o los beats del hip hop de la vieja escuela, los de Brighton siguen siendo los frescos del barrio. Basta escuchar la inicial “Let The Seasons Work”, con sus trompetas exultantes, su alboroto cut’n’paste y su melodía ensoñadora, para imaginar lo que sería un imposible cruce entre Pale Fountains, The Avalanches y My Bloody Valentine, si es que algo así es posible. Es (aún) puro Prozac sonoro para tiempos grises. Un chute de vitalidad al que no conviene hacer ascos. Lo milagroso es que no hayan perdido la frescura por el camino, quizá también por su habilidad para renovar su nómina de colaboradores en este sexto álbum. Bendita ligereza que debería recetarse por prescripción médica.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA julio 2021 #23

MONDOVINILOS

Kings Of Convenience

Peace Or Love EMI

Un nuevo paso al frente para Joana Serrat Joana Serrat

Hardcore From The Heart Great Canyon Records/Loose

8 AMERICANA / “Hardcore From The Heart” es un disco que, ante la influencia y consecuencias de una pandemia, coloca a Joana Serrat (como a casi todos) ante el espejo. ¿Qué hacemos ahora con nuestras vidas? ¿Seguimos como si no hubiese pasado nada o bien resolvemos las cuentas pendientes?

En esta colección, grabada en Texas bajo el paraguas del productor Ted Young, la melancolía (“Summer Never Ends” la representa muy bien) y la reflexión profunda están más presentes que nunca. Las palabras son más gruesas, las frases más dolorosas y el conjunto respira verdad, honestidad. Y aunque no lo parezca, también hay un halo de esperanza. A este álbum, como a ningún otro en su carrera, hay que darle tiempo, espacio y más de una oportunidad. Sería un error quedarse con la primera impresión, al margen de que sea buena, mala o regular.

Porque “Hardcore From The Heart” es un

Sault

Emilia y Pablo

Nine Forever Living Originals

8

SOUL / Vuelven Sault con

un nuevo disco bajo el brazo, “Nine”, que solo estará noventa y nueve días en streaming, con la posibilidad de descargarlo gratis desde su página web y para comprar en vinilo. El colectivo londinense, liderado por el productor y compositor Inflo, sigue sorprendiendo, ya sea con una nueva forma de hacer llegar su música al oyente, o, de nuevo, con su productividad, entregando el quinto disco de su carrera desde sus comienzos en 2019. “Nine” es un disco que tiene más que ver con los dos primeros, los que aparecieron en 2019, “5” y “7”, que con los dos últimos, los que aparecieron el años pasado durante el confinamiento, “Untittled (Black Is)” y “Untittled (Rise)”. Eso sí, también hay una línea narrativa clara en este disco que se centra en la vida en los barrios en los que vive la mayoría de la población negra de Londres. Aunque aquí no hay ninguna canción a la altura de “Wildfires” o “Free”, el nivel general vuelve a ser muy alto.

—SERGIO ARIZA #24 julio 2021

disco con paisajes diversos, que capa a capa va dibujando complicidades. Como hacían My Morning Jacket en “Z”, Jason Molina en cualquiera de sus proyectos o incluso esa Hope Sandoval que nos hace levitar.

Ciertamente, “Hardcore From The Heart” es un disco más pop y que, al mismo tiempo, atiende a su cara más experimental. Serrat ha salido voluntariamente de su zona de confort (si es que esta existía). No obstante, hay canciones reconocibles a la primera, caso de la

CANCIÓN / Hay músicas que funcionan como la piel del melocotón. El terciopelo que recubre la fruta y que eriza la piel, e incluso provoca alergia, protege el interior. La sabrosa carne. “Territorio de delirio” responde al mismo principio: la parquedad del vestido de los temas, áspera a menudo, refuerza la belleza del contenido. El álbum debut del dúo chileno afincado en Madrid, Emilia y Pablo, es un anclaje a la tierra. Una raíz de tanta profundidad que llega a despistar en los días sintéticos que corren.

Pero hay que dar oportunidad a la combinación de los dos artistas.

Excusas sobran: la penetrante “La negra atilia-Rito”, la mestiza “Flores muertas-Exasperación”, que comparten con Niño de Elche, o la que abre el disco, presentación homónima y de fuerza andina, “Territorio de delirio-Zona cero”. Los a capella se suceden... sin llegar al ejercicio de estilo. Un disco de envoltorios cuidados. Joropo, bolero o chacarera. Suave. Fino.

Todo a favor para que traspasen las ideas. —YERAY S. IBORRA

7

deliciosa “Demons” y un tema como “Pictures” que apunta a futuro clásico en su repertorio.

En “Easy”, la pieza de más de seis minutos que abre el disco, Joana arrastra la voz y se lamenta mientras susurra: “¿Cuándo me perdí en el camino?”. Pero no se engañen, a pesar de todo, hay más sonrisas que lágrimas, esta vez representadas en la épica “You’re With My Everywhere I Go”. Finalmente, “Wild Beast” pone la rúbrica brillante a un disco tan vital como necesario. —TONI CASTARNADO

TRAP / “Culture III” es la vuelta de Migos y una muestra de mejoría tras el batacazo que supuso “Culture II”, un álbum que no supo convertirse en la secuela espiritual de “Culture”, el disco que en 2017 encumbró a Migos como uno de los proyectos más importantes del universo trap. Un universo trap que ha perdido gran parte de la fuerza que tenía en 2019 (qué decir de 2017) pero al que Migos siguen rindiendo pleitesía. Buena noticia para los fans del género pero mala para Migos, que, por este camino, no volverán a ser tan relevantes como fueron antes. Jamás. “Culture III” tiene, sin embargo, varios atractivos. A saber: la vuelta del trap clásico a un disco relevante en la escena, las colaboraciones con los fallecidos Juice WRLD y Pop Smoke (Future sigue vivo y está genial en “Picasso”, como siempre), y una primera mitad de álbum en la que Migos funciona a la perfección.

Mejor pero lejos de su peak, vuelve Migos. De todos modos, una buena noticia. —LUIS M. MAÍNEZ

Ruina futuras Lovemonk

Kokoshca Sonido Muchacho

Culture III Quality Control/ Universal

7

Wild Honey

Kokoshca

Migos

Territorio de delirio Madame Vodevil

POP / Kings Of Convenience regresan con su cuarto álbum de estudio, tras doce largos años de silencio. Un reencuentro que recupera las bonanzas latentes en la música de Erik Glambek Bøe y Erlend Øye, y supone además una continuación lógica, sensata y apacible con respecto a esa estela dejada previamente por los noruegos. Su característica (y bien ponderada) simbiosis de pop y folk se entremezcla y confunde encantadoramente con el aroma a bossa nova, en once temas de propiedades sanadoras. Los escandinavos trabajan con mimo y excelente gusto esa melancolía tan acogedora y bonita marca de la casa, en una serie presentada en base a un ritmo calmado que potencia la lógica y el propio efecto balsámico del conjunto. “Peace Or Love” presenta escasas sorpresas artísticas y así, junto con el más que notable nivel compositivo, consigue alargar las vibraciones positivas desprendidas por cualquier disco de Kings Of Convenience. —RAÚL JULIÁN

8

POP / Tres años después de haber publicado “El Mal” (18), “Kokoshca” es una espléndida colección de diez canciones que más podría parecer un “grandes éxitos” que un álbum de material inédito. Por ello, resulta complicado destacar alguna pieza sobre el resto: La vitalista “Asia”, inspirada en la epopeya del montañero navarro Iñaki Ochoa de Olza en el Annapurna; “Regresando a la ciudad”, con su irresistible estribillo y esos coros, espléndidos a lo largo y ancho de todo el álbum; los ritmos más bailables y, por momentos, cercanos al funk de “Lo tiro” o “El rayo”... Curiosamente el primer single, “Himno de España”, posiblemente sea el tema menos accesible. Mención especial merece el último corte, “Aire”, sentida balada dedicada a su amigo, el músico ya fallecido Roberto C. Meyer, que Amaia canta con mucha emoción.

Rotundo, accesible, inspirado, redondo, vital, contagioso... Aquí lo tienen: el disco definitivo de Kokoshca. —JAVIER ESCORZO

8

8

POP / Guillermo Farré ha

construido su propio cohete a la luna con el que escapar de este presente tan gris a la velocidad de la luz. El nuevo álbum de Wild Honey es una bella, y oxigenante, colección de canciones que forman un precioso paisaje al que huir y acudir cuando necesitas inspirar con fuerza. Arreglos de cuerda espectaculares, teclados que se entrelazan a los sintes y se desarrollan bailando juntos con gran naturalidad. Unos metales preciosos que tienen su punto álgido en “En los márgenes de lo que llamabas realidad”. Y, por supuesto, el brillante trabajo de Ali Chant (Aldous Harding, Perfume Genius) a la hora de mezclar el proyecto desde Bristol. Unas entradas para un día de sol donde encontrar la calma y recuperar esos momentos del pasado que el tiempo nos arrebató, esa vida que tanto añoramos. Y como respuesta a este regalo, nos vemos obligados a proteger todo este gran repertorio, guardarlo y cuidar de él como si fuera nuestro.

—ÁLEX JEREZ

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Kiko Veneno

8

POP / En esta continuación

de su sobresaliente “Sombrero roto” (19), encontramos muchos tipos de Hambre: la de denunciar las injusticias y las mentiras, la de no mirar a otro lado, la voracidad revolucionaria que solo puede terminar en besos y la sed creativa e insaciable que sigue entrando como rayos en su cabeza.

Diez pistas cargadas de esa sanadora poética de lo cotidiano que le corre desde siempre por las venas, con un extra de reactualización sónica. De las auras sintetizadas de “Días raros” que nacieron del aislamiento forzado por la pandemia, con esa luz esperanzadora que se cuela en cada una de sus líneas, a la titular “Hambre”, con soniquete flamenco y electrónico que nos lleva a otra dimensión, sumando una letra más de la que se cuelan, sin que de tiempo a parpadear, en el inconsciente colectivo. “Estoy fatal de la voz”, como el último Dylan, la garganta de Kiko cruje como la leña en la candela y rezuma verdad en verso: “Yo quisiera que no hubiera más hambre en el mundo que la que tengo yo de ti”. —DAVID PÉREZ

Boy From Michigan Partisan/[PIAS]

POP / Ya se sabe que John Grant gusta de jugar al límite, con su tendencia a la grandiosidad y el exceso. Sin embargo, “Boy From Michigan” bien podría ser el trabajo más ambicioso el ex The Czars hasta la fecha, tras asumir niveles inéditos de excentricidad y riesgo. Un trabajo de piezas extensas que con frecuencia incluyen un tropel de sintetizadores y teclados, haciendo equilibrios sobre esa línea que separa el efecto de la mismísima saturación. Doce nuevas composiciones, influenciadas por Brian Eno, el David Bowie más dramático, el krautrock alemán, e incluso John Carpenter. Este es, durante algunos de sus pasajes, otro disco emocionante del autor, que mantiene esa sensibilidad innata concretada en canciones tejidas a partir de miedos y obsesiones.

Pero también es un producto que puede volverse aburrido, cargante y excelso, en un error de cálculo demasiado evidente y que disimula esas piezas emocionantes marca de la casa.

6

—RAÚL JULIÁN Depresión Sonora

King Gizzard & The Lizard Wizard

Historias tristes para dormir bien Sonido Muchacho

Butterfly 3000 KGLW/Music As Usual

7

PSICODELIA / Con un bagaje de

dieciocho discos de estudio desde 2012 en los que han hecho casi de todo desde el prisma de la psicodelia, y con el multi instrumentista Stu Mackenzie como aplicado líder, el segundo álbum de este 2021 fue grabado durante la pandemia con un uso extensivo de sintetizadores modulares y loops.

El derroche de ideas que les caracteriza sigue ahí, pero se han adaptado al confinamiento trabajando a distancia y sacando su lado más refinado, luminoso y sintético en cortes como “Catching Smoke”. Nada mejor que la euforia para contrarrestar las malas vibraciones, parecen decir. El sexteto, que en el funesto 2020 se dejó por el camino al batería y manager Eric Moore, no deja de lado las variaciones microtonales (“Shanghai”). Pero la idea es que el oyente se adentre en el álbum como en un todo, más que recrearse en los diez cortes que lo componen. Más cerca del pop electrónico poliédrico de unos Tame Impala o Animal Collective que de Hawkwind, siguen siendo perfectamente capaces de sorprender. —JC PEÑA

MONDOVINILOS

John Grant

Hambre Autoeditado

7

POST-PUNK / Marcos Crespo

es vallecano, tiene veintitrés años y hace post-punk. Sí, así como suena. Puede parecer una contradicción en sus tres términos: por procedencia, edad y género. Ni el distrito, ni la edad ni el estilo podrían parecer los idóneos para conjugarse de forma simultánea (los tres) y en primera persona del presente. Pero para él es algo natural, fluido, que aborda con desenvoltura. Y con canciones que –a la vista está: dos de ellas sobrepasan los dos millones de reproducciones en Spotify, y varias van en camino– conectan con muchísima gente. En realidad, no inventa el mecanismo de la rueda, pero la hace girar que da gusto. After punk fibroso, evocador, dinámico, vidrioso, de sintetizadores expansivos, punteos de guitarra hipnóticos, comezón existencial muy de última generación y bajo presupuesto, que transmiten todo aquello que se le puede pedir a la música popular hoy en día: honestidad, ausencia de dobleces, reflejo de la realidad y captura de algo parecido al zeitgeist.

Bejo y su retorno al principio Bejo

Tripi Hapa Autoeditado

7 RAP / Bejo es la gran caja de sorpresas del hip hop nacional. Igual te hace un reguetuning, que colabora con Bizarrap, con LaPili, que te hace volver a la época de los noventa con este trabajo en colaboración con Cookin’ Soul. Un objetivo que logra no sólo gracias al funk-rap de estos prestigiosos productores valencianos, sino también por las letras, con un Bejo más crítico y reivindicativo que nunca. Y, por supuesto, por las colaboraciones: Mucho Muchacho, Juan Solo y Quiroga. No hay más preguntas.

El canario ha elegido a tres de los pioneros de la escuela catalana y los ha unido a su causa, y el resultado es excelente. Porque puede que Bejo no sea el letrista más cuidadoso, ni el más versátil de los MC’s, pero es el número uno en cuanto a frescura y creatividad, eso nadie puede discutírselo hoy. Su música rebosa libertad y eso es un don envidiable. Este homenaje a la escena rap catalana (escúchese “Súbete a mi nave”) es su última creación. ¿Qué será

lo próximo que le dará por hacer a Bejo?

Por el momento, este “Tripi Hapa” es el cuarto álbum en cinco años del cantante canario, quien recordemos ya publicó el año pasado “Chachichacho”. Pero este disco es especial. El aporte de Cookin’ Soul hace que escuchemos a un Bejo más sobrio y serio, que por momentos nos recuerda a cómo sonaba en sus primeras maquetas. Los valencianos consiguen que nos encontremos frente a la versión más rapera del canario, y aunque sólo sea por eso ya merece la pena escuchar el disco con atención. Bueno por eso y por escuchar de nuevo a MuchoMu y Juan Solo, dos cantantes que en los últimos tiempos nos se estaban prodigando mucho en la música.

El primero da vida a vida a “Guaguagua”, un tema vacilón y con un sonido muy old school, mientras que Solo regresa en un ambiente más chill, pero evidenciando por qué motivos es considerado MC de culto en esto del rap nacional. Canarias y Cataluña son lo dos puntos más distantes de España geográficamente, pero musicalmente y artísticamente Bejo ha conseguido unirlos (haciendo escala en Valencia), dando vida al disco con un sonido más rap de cuantos ha publicado en los últimos tiempos.

—ALFONSO GIL ROYO

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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julio 2021 #25

El undécimo trabajo de Sôber llega cinco años después de su anterior disco de estudio, “Vulcano” (16). A pesar de que reinterpretaron su cuarto trabajo junto a una orquesta en “La sinfonía del Paradÿsso” (18), “E-L-E-G-Í-A” (El Dromedario Records, 21) supone la primera muestra de canciones nuevas en un lustro.

—TEXTO Jesús Casañas

E

-L-E-G-Í-A” INCLUYE UNA DECENA de temas que, aunque ya estaban compuestos antes de que llegase la pandemia, llegan inevitablemente marcados por la crisis sanitaria tanto en sus arreglos como en su presentación. Un lanzamiento por todo lo alto (segundo junto a El Dromedario Records) enfocado a cuidar al fan incondicional mientras la situación determina cómo, cuándo y dónde lo presentarán en directo. De todo ello nos habla Carlos Escobedo al otro lado del teléfono.

—Ante todo, ¿qué tal está Jorge? Leí que le habían hospitalizado, pero que le habían dado el alta ya… Él tiene lo de las piedras. Le dio un cólico y estuvo un par de días ingresado, también para que le hicieran todas las pruebas a la vez. Pero vamos, que ya está todo bien, estamos ensayando y todo perfecto.

—“E-L-E-G-Í-A” ya estaba compuesto cuando empezó la pandemia, pero comentáis que la crisis sanitaria ha oscurecido del resultado final.

Sí, tenía todos los temas compuestos y demás, pero es verdad que la pandemia le ha dado esa parte más oscura e intimista. Que el disco ya la tenía de por sí, pero la ha fomentado más en los arreglos, que todavía no estaban hechos, se hicieron después. Yo casi siempre me junto con Javier Blanco, que es quien hizo los arreglos, ese punto vocal de “Elegía” que recuerda al “Réquiem” de Mozart y a música más contemporánea. De repente todo ese tipo de cosas que surgían y se iban metiendo encima de esa batería, esas guitarras y esa voz, todo iba a la parte más melancólica de la banda. Incluso recuerdan a “Synthesis”, que es el disco más oscuro de nuestra carrera.

—Lo has producido tú mismo junto a Alberto Seara en Cube Studio. ¿Cuál es vuestro método de trabajo?

Yo hago toda la preproducción. Trabajo aquí en casa los temas a nivel de composición, voy al local de ensayo con mi equipo de grabación con mis compañeros y ahí empezamos a darle forma a lo que yo tengo, acabamos de complementarlas. Esta vez ha sido muy sencillo, porque la verdad es que los temas estaban muy claros y han estado muy poco tiempo en el local, eso ya les ha dado un punch. Lo que he procurado es que Alberto Seara no escuchara #26 julio 2021

SÔBER

nada de ese trabajo hasta que no llegase al estudio, porque puede contaminar alguno de los procesos. Alberto lo que aporta a nivel ingeniero de sonido es que da forma y redondea un poco la idea que yo tengo en la cabeza. Acabada la mezcla se lo pasamos a Dave Donelly, el masterizador, que trabaja desde Estados Unidos. Llevamos trabajando con él bastante tiempo y aporta también su granito de arena. Al final es como ir sumando todos los procesos desde la idea inicial, de ahí que en pre-venta queremos regalar las demos, para que la gente escuche desde la demo que yo tenía en mi casa en mi ordenador a cómo realmente queda en el disco, para que vean esa diferencia. Que la canción sigue siendo y sigue estando, pero va cogiendo su carácter y su rollo.

— “Mi heroína” es la canción elegida como primer single y como apertura del disco. ¿Una oda a la figura materna?

Así es, la figura de la fertilidad. La Venus de Willendorf es la imagen que se ha podido buscar.

Es un poco eso, un homenaje a las madres, a la fertilidad, a ese momento de refugio que todos hemos tenido que da ese punto tan emotivo que tiene la canción. Es una declaración de inten-

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MONDO FREAKO

Poesía del lamento

“A las multinacionales a día de hoy solo ” les interesa el reguetón

ciones. Queríamos sacarla la primera porque tiene un ritmo que refleja la potencia que Sôber suele tener en directo. Viendo que ya empezaba a haber directos, pues bien puede ser una buena canción para incorporar al set list y que pase a formar parte de los conciertos del grupo.

—Ha seguido “Verona”, una historia de amor, ya con un videoclip rodado en exteriores, en mitad de un bosque.

Está hecho en Rascafría. El director es Julio Pérez Pascual, gran amigo de hace ya bastante tiempo. Queríamos hacer un videoclip juntos porque, aunque es más joven, ha sido muy fan de la banda. Se dedica a esto, es director de cine y demás, así que cuando le propuse la idea la verdad que encajamos rápidamente, porque él ya sabía de dónde venía el grupo. Quería cuidar mucho la estética y darle ese toque cinematográfico de esa historia paralela que hay ahí junto a la banda, contando con imágenes todo lo que surge en la canción y en la letra. Una historia de amor prohibido, que nunca pudo llegar a concretarse, que sufren solo con mirarse… Una serie de emociones que complementan el vídeo y que le dan un mayor punch. Es una de las canciones que mejor acogida han tenido después de tanto tiempo sin sacar material nuevo. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Los fans de toda la vida han dicho: “Estos son mis Sôber”. Con un toque quizá más moderno, pero con la esencia del grupo.

—El tercer y último single fue “Eclipse”, un medio tiempo acústico. ¿De qué habla?

“Eclipse” es la otra faceta de Sôber, que cuando se pone muy emotivo también me encuentro muy a gusto, componiendo este tipo de medio tiempos que son muy épicos, de rasgarte las vestiduras y mostrar lo que sientes. Como compositor estoy encantado, creo que es una de las mejores canciones que he hecho nunca. Pero también a nivel de cómo ha quedado en el disco. Esta mañana en el local de ensayo la hemos podido tocar, esa canción nos pone el corazón a todos. Tanto la letra como el vídeo han conectado también muy bien con el público, creo que llevaba ya 100.000 visitas cuando no había pasado ni una semana. Ha tenido una gran acogida. Hay que decir que canciones como “Naufrago” son las que más visitas tienen en YouTube, donde realmente tú no decides, ni la prensa ni nadie, ahí es el público el que decide ponerse una y otra vez las canciones que le gustan. “Naufrago” tiene casi tres millones de visitas, luego hay otras que tienen menos. En ese sentido creo que al público también le gusta disfrutar de ese tipo de canciones tan emotivas.

—Es el segundo disco que editáis con El Dromedario Records tras vuestra salida de Warner. ¿Qué tal ha sido el cambio de compañía?

Muy bien, nosotros estamos encantados. Personalmente me llevo fenomenal con toda la gente de El Dromedario, nos entendemos porque al final es una compañía de músicos para músicos. Lo tenemos todo hablado, lo llevan muy bien y nos entienden a la perfección. A mí me gusta meterme en el estudio y llevarles al final el producto. Ellos comprenden que esa es la parte que maneja el artista. Luego en el caso de Alén (Ayerdi) sabe cómo sacar los singles, cuál primero, cuál sí y cuál no… En el caso de “Verona” nos dijo: “Ésta tiene que ser la del videoclip, hacedme caso. Va a gustar a los fans antiguos y a los fans que se han ido sumando”. Y no se equivocó nada. Tiene una visión muy buena, hacemos un equipo de trabajo que funciona muy bien. Y nos alejamos un poco de las multinacionales, que a día de hoy solo les interesa el reguetón. La cercanía que tenemos nosotros con El Dromedario y la apuesta por su parte es brutal.

—Lo habéis presentado ya en Madrid, y luego vendrán el 24 de julio Vitoria y el 28 Murcia. ¿Cómo van a ser vuestros conciertos en esta “nueva normalidad”?

La gente estará sentada, pero nosotros no. Hemos elegido un repertorio muy intenso, porque nosotros vamos a estar como si fuese un festival a las diez de la noche. Canciones muy enérgicas, haciendo un repaso cómo no por toda la discografía del grupo, que ya va siendo muy larga, haciendo canciones de “Morfología”, “Synthesis”, “Paradÿsso”, “Reddo”… Un poco por todos los discos, para que haya para todas las generaciones que han estado con nosotros. Eligiendo las canciones más cañeras, para que la gente aunque no esté de pie sienta esa fuerza y pasemos una velada diferente a lo que estamos acostumbrados. Van saliendo más conciertos. Aparte de estos tenemos cerrado Alicante y Galicia y se van cerrando más cosas. Poco a poco va mejorando la situación.

—JESÚS CASAÑAS

R Más en www.mondosonoro.com julio 2021 #27

28/Mondo Media

Golpe a golp Erik Jiménez

Tras el exitazo editorial de ‘Cuatro millones de golpes’ que, recordemos, fue elegido Mejor Libro Musical de 2017 por MondoSonoro, Eric Jiménez –batería de Lagartija Nick y de Los Planetas– presenta este ‘Viaje al centro de mi cerebro’ (Penguin) en el que sigue ahondando en sus memorias -vía sabroso anecdotario- sacando para fuera santos, que se convierten en demonios, en una especie de exorcismo literario, honesto y leal de un hombre salado y dulce a la vez, alguien tan salvaje como tierno. El puto amo ha vuelto a hacerlo.

E

RIC, QUEDA MUY PUNK, casi sexpistolsiano, pero no me digas que es solo por pasta lo de publicar ahora este “Viaje al centro de mi cerebro” tras el exitazo de “Cuatro millones de golpes” que, recordemos, fue elegido mejor libro musical de 2017 por esta revista…

En absoluto, todos me conocéis y sabéis que siempre hablo con mucho optimismo y acidez. Si no se me ve la cara cuando estoy diciendo algo puede parecer algo completamente diferente. He hecho este libro porque me apetecía mucho.

—Todos los que lo han leído ya, hablan del lado tierno de Eric otrora conocido por lo indómito y salvaje de su forma de vivir, tocar la batería y, sobre todo, divertirse. ¿Para esto hemos quedado? ¿El que se sorprende es porque realmente no te conoce?

El que se sorprende es que no me conoce en absoluto. La gente que me rodea sabe que soy un tipo de lo más emotivo, aunque quizá no lo he mostrado de forma pública. Y también muy salvaje. Lo cortés no quita lo valiente. Soy salado y dulce a la vez.

—También parece que escribir dos libros así, en plan memorias, sirve para sacar para fuera santos que se convierten en demonios –y viceversa– que quizá necesitan que les dé un poco el aire para dejar de pesar como una losa sobre la conciencia de cualquiera. ¿También en tu caso?

Por supuesto que escribir dos libros de memorias me ha ayudado mucho. Cuando las leo me quedo impresionado. Más incluso de haberlo vivido. Me ayuda a soltar cosas que tengo dentro. Con la edad se olvidan las cosas y así quedan inmortalizadas. Cuando ya no tenga memoria podré darme una vuelta por mi vida leyendo estos #28 julio 2021

—TEXTO Fernando Fuentes —FOTOGRAFÍA Raquel López libros [risas].

—Leyendo las anécdotas del libro caigo en la cuenta de que yo mismo conozco tres o cuatro que superan –por animales, divertidas y marcianas– a la publicadas. ¿Te has autocensurado o ha sido cosa de la editorial?

Por supuesto que me he censurado, si no lo llego a hacer habría ido a la cárcel y muchos de vosotros conmigo. Prefiero velar por vuestra libertad y guardarme un poco para mí. Que me abra en canal no quiera decir que lo haga del todo. Siempre tienen que quedar algo dentro. Quizá las anécdotas más salvajes que cuento en el libro pueden ser como las de los pitufos al lado de las que me he guardado.

En cuanto a la editorial, al contrario, a ellos les habría gustado que no hubiera autocensurado nada. He sido yo quien lo he censurado.

Seguro que así se habrían vendido muchos más libros.

—De los adjetivos que he escuchado para calificar el libro me quedo, sobre todo, con honesto. ¿Es lo que eres, por encima de lo demás?

La honestidad es algo que siempre me ha acompañado, sobre todo en estos últimos años. Antes no lo era tanto. De todas maneras, mi primer libro se iba a llamar “La importancia de llamarse Ernesto y la gilipollez de llamarse Eric”. El nombre de Ernesto significa honesto, no sé si tendrá algo que ver. Quizá si no hubiera escrito estos libros no me habría dado cuenta de mi honestidad. Lo tenía y no lo sabía.

Así lo he sacado a la luz.

—Has sido extremadamente cuidadoso en no dar nombres de compañeros de aventuras tóxicas, sobre todo…. ¿Las drogas siguen siendo un tabú en España?

Yo hablo de mi experiencia, pero no me gusta meter a nadie. No tenmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: ARCHIVO

pe go porqué airear la vida de los demás. Yo creo que en este país cada vez hay menos tabú con las drogas. En España hay muchos tipos de drogadictos. Desde amos o amas de casa que toman ansiolíticos para superar sus depresiones y acompañan esas pastillas de un vaso de vino. Luego están las drogas legales que nos da el Estado, el alcohol y el tabaco. Dentro de poco probablemente nos venderán un gramo de cocaína, nos pondrán una foto de una nariz podrida, pero como estás pagando el impuesto, pilla el pollo, métetelo y no te va a pasar nada, al menos legalmente. Todos los excesos son malos. Cómete una tortilla española de quince huevos y verás cómo te pones…

—Hay alguien del que apenas hablas en el libro y es de Jota. En el primer libro decían que te había revisado los textos para darle el visto bueno. ¿No es cierto, verdad?

Bueno, no hablo de Jota, ni de Banin, ni de Julián. Si no lo hago es porque realmente no ha surgido. No me he frenado ningún momento en ello. Ni he pretendido hablar, ni no hacerlo. No me he puesto a pensar si han salido unos más que otros. He estado más pendiente del libro en general que de las veces que tiene que salir cada componente. En cuanto a lo de revisar los textos por parte de Jota, esto es rigurosamente falso al cien por cien. Ni en el primer libro ni en este.

Ni él me lo ha sugerido ni yo tampoco lo iba permitir. No he sido ofensivo con ninguno de mis compañeros. No, Jota jamás ha insinuado querer revisarlo. Te lo puedo asegurar.

—Hablas muy bien de tus compañeros de Lagartija Nick y de Los Planetas, sobre todo de Florent. ¿Sigue siendo la relación tan buena, como en esos primeros años que cuentas en a lo largo de varios capítulos del libro?

Yo hablo muy bien de todo el que se ha subido conmigo a un escemondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“ “Si no me autocensuro habría ido a la cárcel y muchos de vosotros conmigo”

nario. A partir de ese momento forma parte de algo muy íntimo, estamos en la misma lucha, en una comunicación artística musical. Jamás voy a hablar mal de alguien que ha compartido conmigo escenario. Florent y yo fuimos compañeros de habitación durante muchos años y tengo muchas anécdotas con él. Tengo una gran amistad con Lagartija, con Florent, con Los Planetas.

Antes salíamos y no entrábamos. Ahora tenemos una familia y lo vivimos de una manera diferente. Ahora tenemos una edad, un sistema de vida y un punto de vista diferente. Pero el cariño es el mismo, es más creo que ahora es más verdadero. El cariño que se fragua en el lado salvaje, en la noche, no es real, es ficticio. Cuando estás limpio de sustancias y quieres a alguien de día –lo tienes en tu pensamiento, en tu corazón– se trata de un sentimiento más real que el otro.

—Fíjate que conociendo de primera mano parte de tu historia, y tras leer el libro, creo que has ido con el freno echado en muchos aspectos. Eso me ha decepcionado un poco en esta entrega, porque creo que el personaje está muy por encima del propio texto… ¿Cuánto te has cortado, Eric? ¿O es que te estás dejando lo mejor –haberlo haylo y lo sabes– para una tercera parte?

Querido amigo, puede que te decepciones porque igual ibas con una idea preconcebida de lo que querías leer y por ello no se han cumplido tus expectativas. Es como cuando escuchas un disco que espe-

3 julio 2021 #29

MONDO MEDIA

3

rabas de una manera y te sorprende con otro rollo. Si yo lo contara todo, en vez de Rociito me podría llamar Eriquito y eso no va con mis parámetros. Ya que he decido contar, lo hago, pero me guardo mis cosas. Es tan malo no contar, como contarlo todo.

No sé si habrá tercera parte, ni idea. Eso dependerá de las ganas de contar que tenga. Si algún día quiero contarlo todo será en el lecho de muerte, dándole a un botón de play para que esos textos se cuelguen en las redes sin que yo ya pueda leerlo, ni sentirlo, ni nada. De todas maneras, creo que en mi caso no hay un personaje. Siempre he sido la misma persona, haya estado en el lado salvaje o no. He sido una especie de Dr. Jekyll y Mr. Hyde. He tenido tantas personalidades que quizá por eso realmente no la tengo. Como un Peter Sellers que se mete en mil papeles y los interpreta creyéndolos. Probablemente no tengo personalidad.

—En el libro hablas mucho de tus dos bandas, Lagartija Nick y Los Planetas. ¿A cuál de la dos has dado más y cuál de ellas te ha dado más a ti?

Yo a estas dos bandas les he dado mi vida durante más de veinte años. Cumpliendo en el escenario con ellos. Y las dos me han dado mucho, muchísimo. También me han dado muchos disgustos. Como cualquier familia.

Cuando uno lleva conviviendo tantos años con gente con personalidades fuertes lo normal es que haya choques. No éramos un grupo de scouts, súper happy, disfrutando de una felicidad falsa. En cada familia hay cosas oscuras y desagradables. Yo me quedo con las buenos.

Lo más práctico es eso. Es como una relación en pareja, o sabes perdonar una infidelidad o jamás podrás seguir con ello. #30 julio 2021

—¿Es “Omega” el disco en el que has partici-

pado del que te sientes más orgulloso? ¿Más incluso que de “Una semana en el motor de un autobús”?

“Omega” es un disco del que me siento orgulloso. De “Una semana…” me siento muy orgulloso. “Los cielos cabizbajos” es un disco del que me siento muy orgulloso. Me siento orgulloso de muchos discos. He tenido la suerte de que sean de bandas diferentes. No me podría quedar con uno o con otro. Cuando un disco te hace mella forma parte de la caja fuerte de tu corazón. Son mis tesoros. Cuando me levanto por la mañana, abro esa caja y los veo ahí y me hace ilusión.

—“Disco Grande” de Julio Ruiz se ha despedido recientemente. Durante dos décadas has sido elegido mejor batería de España por sus miles de fieles oyentes, entre los que me encuentro. ¿Es una de las cosas que más ilusión te hace? ¿El respetable, al menos en esta ocasión, tiene la razón?

Por supuesto que me ha hecho muchísima ilusión. Sobre todo por el cariño de la gente.

Creo que me lo dan porque soy bastante viejo y llevo ya mucho tiempo dando la paliza. Obviamente no tiene que ver con cómo toco la batería. En absoluto. En España hay muchos baterías mejores que yo. Creo que soy muy querido y es por eso.

—Por cierto, y como siempre te quitas méritos al respecto, ¿qué baterías nacionales tocan a la misma altura, o mejor que tú, en España? Yo no caigo…

Hay gente que toca muy bien la batería, pero son un puto coñazo [risas]. A mí me gustan las cosas que se disfrutan, no las que te vuelven esclavo. Yo, si hubiera decidido estudiar,

“Hay gente que toca muy bien la batería, pero son un puto coñazo”

habría hecho Medicina. Jamás me pondría a estudiar cinco horas batería, ni de inglés, ni de esperanto. Lo primero que intento, con los niños que vienen a aprender a tocar la batería conmigo, es que se diviertan, huyendo de esa esclavitud del aprendizaje que no aporta diversión.

—Para terminar Eric, ¿con quién te irías de viaje al centro de tu vida, con el Eric personaje o el Eric persona?

No tengo que elegir, porque yo no tengo personaje. Yo he tenido un lado salvaje y otro no.

Prefiero mandar a tomar por culo al salvaje.

Dos salvajes no caben ya en mi vida. Me llevo al otro, al tranquilito. Yo cuando nací tuve rock & roll y por ello necesité buscar lo clásico. A la mayoría de la gente le pasó, al contrario. Se metieron en el rock para sentirse algo malillos, a mí me ha pasado al revés. A lo largo de tantos años vividos, te digo que he visto veganos que comen carne; mudos que saben hablar; ciegos que saben leer y sordos que escuchan música. Por eso prefiero dejar al mundo tal y cómo es. Si yo no me guardara nada, me llevarían a la horca por loco. He estado al borde de la locura, pero solo el que lo está sabe lo que es la cordura. Si después de tocar en tantas bandas, llevar un negocio de hostelería, dar clases de batería, escribir libros y ser un buen padre, seguís pensando que estoy loco, aquí tenéis la prueba de que nada es lo que parece. Generalmente la gente triunfa en lo que no tiene ni puta idea. Y ahora os dejo, que es la hora de la medicación.

—F.F.

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CINE Y SERIES Luca

Las cosas que decimos, las cosas que hacemos

Enrico Casarosa

Emmanuel Mouret

7

9

INVENTORA DEL CINE, revolucionaria en teorías sobre el séptimo arte y origen de una de las pocas veces en que la industria estadounidense ha mirado a Europa acomplejada y con envidia, no para fagocitar a los directores del viejo continente (algo que hace desde el cine mudo), sino para alterar su propio modo de producción (el Nuevo Hollywood), Francia está orgullosa de su brillante herencia cinematográfica y sus cineastas se resisten a abandonar el pasado, a dejar de fijarse en él como modelo. La Nouvelle Vague todavía está presente en Francia sesenta años. Su disparidad de estilos permite esa extensión en el tiempo y si, por ejemplo, el cine de Valérie Donzelli está empapado del de François Truffaut, el de Emmanuel Mouret, al menos en esta ocasión, lo está del de Eric Rohmer. Sin embargo, la reverencia hacia la propia historia corre el riesgo de estancar las obras resultantes.

En un primer momento, “Las cosas que decimos, las cosas que hacemos”, pese a su competencia y agilidad, da señales de este anclaje temporal: film de tramas

sentimentales de jóvenes heterosexuales, plagado de diálogos sobre las relaciones, el amor y la pasión, aderezados con referencias literarias, atmósfera intelectual y una importante presencia de la filosofía, en fondos paisajísticos bucólicos y con utilización exclusiva de música clásica.

El cine francés en su oasis suspendido en el tiempo. Sin embargo, Mouret, que ya había hecho diez años atrás una comedia coral de enredos sentimentales, la inocua “El arte de amar”, se apoya en un guion inteligente perfectamente construido de relatos entrecruzados para trascender las peripecias íntimas de las dos parejas protagonistas. Guion de hierro –una vergüenza que no ganara el César de la categoría-, tiene su punto álgido en un giro pasada la mitad del metraje por el que se rompen expectativas. De repente, aquello que hasta entonces era una agradable cinta que tenía lugar en la distancia, se aparece cercana y emocionante. A ello contribuyen también la elegante e intencionada dirección de Mouret y las interpretaciones del elenco actoral. —J. PICATOSTE VERDEJO

LUCA ES UN PEQUEÑO MONSTRUO marino que descubre con fascinación la vida encima de la superficie gracias a su nuevo amigo Alberto, con quien tendrán que esconder sus verdaderas identidades para sobrevivir entre los humanos. Con este dilema identitario pensé que me encontraría con una alegoría sobre la homosexualidad. Nada más lejos de la realidad. Es Disney, al fin y al cabo. De lo que sí trata “Luca” es de la lucha entre dos mundos: el acuático, habitado por los monstruos marinos, y el terrestre, donde estos son vistos como una amenaza que hay que eliminar.

Si digo que al final de la película ambos mundos se van a reconciliar no creo ni que se pueda considerar un spoiler, porque el argumento es así de previsible. Desde el momento en que aparece una figura maternal sobreprotectora que no deja que el protagonista salga al exterior, es fácil adivinar por dónde irá la trama. Sin embargo, la película no deja de ser entretenida gracias a una buena combinación de humor y ternura, culminada con un

Un lugar tranquilo 2

Mandíbulas

John Krasinski

Quentin Dupieux

8

7

QUENTIN DUPIEUX, el cineasta del sinsentido como Antonioni lo era de la incomunicación, ha limado su furia creativa desde que se iniciara con propuestas marcianas como “Rubber”, sobre un neumático asesino, o la libérrima hasta la extenuación “Wrong”, que llevaba al extremo sus convicciones sobre lo arbitrario del absurdo cotidiano. No es que ahora el cineasta y músico francés se haya convertido al neorrealismo, ni mucho menos, pero sabe concentrar sus esfuerzos en torno a una sola idea central.

En “Mandíbulas” ese núcleo argumental es el descubrimiento de una mosca gigante por parte de dos granujas de medio cerebro, quienes, como todo humano que se precie, tengan la capacidad intelectual que tengan, son incapaces de considerar el hallazgo sin pensar en el beneficio personal que les pueda reportar. La conclusión es sencilla para esas mentes pensantes del todo únicas: si la amaestran podrán encargarle que robe lo que quieran sin que ellos se manchen las manos. Un nivel insólito de explotación animal. Dupieux baña la imagen en un

agradables tonos pastel y sitúa la acción en días soleados y mayoritariamente en espacios abiertos. Todo lo contrario de lo que imponen los cánones de los géneros de terror o de ciencia ficción en los que, a priori, ese punto de partido encajaría.

Sin embargo, el film naturaliza el descubrimiento del invertebrado y apenas le da relevancia a lo que fuera de la ficción sería un acontecimiento extraordinario, lo que redunda en la visión del cineasta acerca del mundo como un lugar en el que todo es posible. Dupieux no tiene ningún interés en cuestionarse siquiera el origen o la procedencia del díptero monstruoso y no le da mayor importancia que a otras situaciones absurdas que suceden en el film. Premiada en el último festival de Sitges al Mejor Actor –la pareja Gregoire Ludig y David Marsais, populares en Francia como dúo cómico, los Palmashow–, “Mandíbulas” es un entretenimiento simpático, con momentos graciosos pero no hilarantes, una comedia sobre la amistad plagada de ideas interesantes que no acaban de ser desarrolladas. —J. PICATOSTE VERDEJO

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potente y lacrimógeno final al más puro estilo Pixar. Y si “Luca” consigue hacernos llorar aún sin un guion brillante ni original es porque el tema principal que se esconde bajo la superficie es lo que mejor funciona. Ese tema es el de la amistad. Más allá de monstruos marinos y pescadores, la historia llega al espectador porque muestra como un niño se agarra a sus amigos más cercanos y aprende de ellos para crecer hasta crear su propia personalidad.

Un bonito viaje que todos hemos vivido de una u otra forma y que nos recuerda la importancia de la verdadera amistad.

Así, los personajes más interesantes de la película terminan siendo los amigos que hace Luca, Alberto. También destaca la ambientación de esta pequeña población llamada Portorosso te hace sentir como un habitante más, siendo esta una de las principales virtudes de la película, así como la delicada banda sonora de Dan Romer.

Estas virtudes, sin embargo, no consiguen remediar los defectos de una obra que se encuentra lejos de las mejores películas de Pixar. —JAN ROMANÍ

TRAS INICIAR SU TRAYECTORIA como director con dos descafeinadas primeras películas, “Entrevistas breves con hombres repulsivos” (2009) y “Los Hollar” (2016), el actor y director John Krasinski dirigió algunos episodios de la serie “The Office”, en la que también le teníamos como actor. Pero no fue hasta que dirigió “Un lugar tranquilo” en 2018 que su talento como director salió a a luz. Ahora vuelve con la secuela de la película de terror que le catapultó como realizador.

Si en la primera película Krasinski utilizaba el silencio y la luz como recursos narrativos centrales de la historia, en esta segunda parte logra no ser repetitivo con estos elementos y convierte al montaje, con tres narraciones en paralelo, en el eje y columna vertebral de la cinta.

“Un lugar tranquilo 2” nos narra los hechos ocurridos justo al terminar la primera película, con el incendio de la casa donde la familia Abbott se refugiaba. En su camino en busca de un nuevo hogar, se toparán con un

viejo amigo, Emmett (Cillian Murphy), un hombre devastado y en continua lucha con los demonios internos que le atormentan tras los hechos ocurridos durante la invasión de las criaturas alienígenas.

La película cuenta con un frenético e impresionante prólogo, característico de las películas apocalípticas, en el que se nos narra la llegada inesperada de estas criaturas y cómo comenzó la debacle mundial. Krasinski nos da pequeñas pinceladas sobre la llegada de las criaturas, pero sin ahondar en el origen, manteniendo así la intriga sobre sus intenciones.

Como decíamos antes, la película es una continuación directa, en la que el personaje de Emily Blunt (Evelyn Abbott) pierde protagonismo, para que los jóvenes de la familia tomen las riendas de la película, con una sobresaliente Millicent Simmonds (Regan Abbott), acompañada de cerca por la garantía de calidad personificada en Cillian Murphy.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES julio 2021 #31

LIBROS

CÓMIC Edita Sister Sonic, S.L.

Depeche Mode by Anton Corbijn 81-18

Drácula

George Bess Norma

Anton Corbijn Taschen

Saqueo 10 Pocos grupos cuentan con un tropel de fans tan vocacionales como Depeche Mode, artífices de toda una religión en torno a su universo. Al poder de su música se une la siempre vanguardista y sugerente imagen de la banda (videoclips, portadas o giras), concretada con la firma del fotógrafo Anton Corbijn en una alianza creativa que persiste desde los ochenta. El presente volumen agrupa, con la calidad suprema de la marca Taschen, la trayectoria del grupo en orden cronológico y desde la inconfundible óptica del neerlandés. El resultado es un libro imperial, que generará el éxtasis de cualquier seguidor de los de Basildon con sus más de quinientas páginas cargadas de expresividad, pasión e intensidad, además de un sinfín de imágenes, icónicas o inéditas pero siempre valiosas. —RAÚL JULIÁN Los Young Jesse Fink Libros Cúpula

8 Esta no es la primera incursión de su autor en el universo AC/DC. Ya lo había hecho con “Bon: The Last Highway”, dedicado a la figura Bon Scott. Ahora se centra en la figura de los hermanos Young, Malcolm, Angus… y George. Sí, porque el Fink no se olvida del hermano menos conocido dotando también de la trascendencia que merece a su figura. La anunciada originalidad parece encontrarse en que, en lugar de tratarse de una biografía al uso, la historia de los Young y por tanto de AC/DC se nos presenta a través del análisis de once canciones de su carrera, alrededor de las cuales se va construyendo su trayectoria vital. También, y afortunadamente, este libro tiene más tono crítico que otros del mismo estilo, cosa que empieza por cuestionarse algunas de las certezas ya aceptadas sobre el génesis y la evolución del grupo.

—EDUARDO IZQUIERDO #32 julio 2021

Frederik Peeters Astiberri

7

8

En apenas unos días, Frederik Peeters va a estar en boca de todos una vez más. Será por la adaptación de “Castillo de arena” que el reputado M. Night Shyamalan estrena en imagen real para la gran pantalla. Cuando eso ocurra muchos se acercarán a los diversos trabajos de Peeters. En algunos casos acertarán, en el caso de “Saqueo” un servidor únicamente lo recomendaría a quienes hayan ya entrado en contacto con la obra del suizo en varias ocasiones. Porque estamos ante visualmente arrolladora, pero enigmática hasta lo indecible.

Cada una de las noventa y tantas páginas requiere dejarse llevar y ser interpretada a nuestra manera (solo hay ilustraciones a página completa). Peeters nos está contando muchas cosas, aunque será nuestra experiencia la que dote de mayor o menor sentido a lo que nos enfrenta el autor. —JOAN S. LUNA Medea a la deriva Fermín Solís Reservoir

8 Cuando a un cómic le quitas las distracciones tienes mucho que ganar, porque todo lo bueno es más evidente, pero también mucho que perder, porque si hay costuras, estas van a asomar de manera palpable. En un ejercicio al alcance de unos pocos, Fermín Solís sitúa a la Medea de la mitología clásica en un islote de hielo a la deriva. Con tan raquítica presentación y escenario, el dibujante se propone y consigue ir mucho más allá del ejercicio de estilo. “Medea a la deriva” es una obra bella a pesar de la sencillez de sus herramientas y también gracias a ellas. Un cómic que, lejos de resultar agreste, hace honor a sus referentes clásicos planteando dudas y reflexiones universales sobre el duelo, la venganza y cómo el ser humano busca explicaciones en lo sobrenatural cuando sucede algo que no entiende. —ALEX SERRANO

Hacía años que no veíamos publicado en España un nuevo trabajo del autor francés George Bess. Desde “Péma Ling”, aquí no hemos sabido nada de él hasta esta nueva revisión de la inmortal novela de Bram Stoker publicada en 1987. Desde que los derechos del Conde transilvano fueron libres, autores de todo el mundo se han acercado a los colmillos de Vlad Dracul. Bess es perro viejo y aunque podría haber obviado gran parte del texto confesional en primera persona de los diversos personajes del libro, decide agarrarse al pie de la letra al espíritu gótico de la novela con una serie de páginas dobles maravillosamente ilustradas tan cercanos al espíritu romántico de la época como al cómic más clásico. Lo más destacable del cómic es, seguramente, la cuidada edición de Norma.

—MANU GONZÁLEZ ¡Achís!

Naoki Urasawa Planeta Cómic

7 Naoki Urasawa es uno de los mangakas más importantes de la actualidad gracias a sus historias largas, aunque también ha ido tomándose respiros puntuales de la mano de creaciones breves que, de vez en cuando, acaban recopiladas. Sirva como ejemplo este título o aquel ya lejano “Historias cortas de Naoki Urasawa”. “¡Achís!” es un tomo más modesto que aquel. ¿Significa eso que es una obra menor? Pues de algún modo podría decirse que sí, por lo menos en la medida en la que un trabajo del japonés pueda considerarse “obra menor”. Este recopilatorio engloba ocho historias autoconclusivas publicadas originalmente en diversas cabeceras entre 1995 y 2016. Algunas son francamente divertidas –“Reino de kaijû” o “Solo Mission”– y otras nos descubren su cara más libre -“Los maduritos” o “Música nostra”-. —JOAN S. LUNA

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