Nº 173 MONDO SONORO MAYO 2010 by MONDO SONORO

Mayo de 2010 nº 173

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

EL SECRETO DE MI EXITO THE DRUMS

MUCHACHITO BOMBO INFIERNO

GRUPO SALVAJE MALA RODRÍGUEZ

GENIO Y FIGURA LORI MEYERS

REINVENCIÓN Y ADEMÁS ESTE MES... NADA SURF • PENNYWISE • STONE TEMPLE PILOTS • TED LEO • JÓNSI • NAPOLEÓN SOLO • LCD SOUNDSYSTEM • HIGH ON FIRE • WE HAVE BAND RADIO DEPT. • AMPARO SÁNCHEZ • COCOROSIE • LA BRIGADA • VINILA VON BISMARK & THE LUCKY DADOS • MONTEVIDEO • THE BLACK KEYS The Drums Foto Erik Weiss

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sumario

29 Muchachito Bombo Infierno

Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinadora web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com)

Saber más que tocar

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com ◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) David Morell (david@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación Xavier Puigbó (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 ◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479 ◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 ◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Luis Fernández M. Tlf./Fax 915 400 055 Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marta Terrasa, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

NOTICIAS

entrevistas

vinilos

6. Nada Surf se atreven con un disco de versiones 7. Pennywise el retorno 8. Festivales 2010

25. Lori Meyers Hagan sitio 27. Mala Rodríguez Desnudez 29. Muchachito Bombo Infierno Saber más que tocar 30. The Drums El renacimiento de lo cool

43. LCD Soundsystem Disco del mes

mondofreako 11. Jónsi 12. Ted Leo 13. Klaus & Kinski 14. Napoleón Solo 16. Amparo Sánchez 17. High On Fire 18. We Have Band 19. The Radio Dept 20. Stone Temple Pilots 21. Cocorosie

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Itzbi Solís porque le compra bocatas a los pobres”

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

33-36. Plastidepop, Sonic Youth, Violadores del Verso, South-pop...

escaparate 38-40. La Brigada, Vinila Von Bismark & The Lucky Dados, Montevideo...

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55. Lengua Armada

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57. Cine: Shinya Tsukamoto 58-59. Mondo Recomienda 61. Conexiones

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MONTEVIDEO

formados por su nuevo disco y un EP de remixes

Muchachito Foto Archivo

◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

TAN lejos... ◗ Kevin Shields, líder de My Bloody Valentine, unirá esfuerzos con ROKY ERICKSON para grabar una versión de “Roller Coaster”, una de las canciones más celebradas de 13th Floor Elevators. La versión, grabada bajo el nombre de Roky Erickson & The Black Angels, formará parte de “The Psychedelic Sounds Of The Sonic Catedral”, un disco homenaje a Erickson.

Nada Surf Foto Archivo

NOTICIAS /6/ Mayo 2010 · MondoSonoro

◗ SUPERGRASS se despiden de la música tras diecisiete años en el negocio. El motivo alegado es, una vez más, “diferencias musicales que nos obligan a continuar por separado”. Como despedida, la banda inglesa ofrecerá cuatro últimos conciertos en junio, en Manchester, Glasgow, Londres y París. ◗ Tres años es lo que han tardado SCISSOR SISTERS en sacar a la luz un nuevo álbum. “Night Work” es la tercera entrega del grupo británico, y la han grabado en estudios de Nueva York, Londres y Bahamas. El disco sale el 28 de junio y ya se puede escuchar en Internet el primer single, “Invisible Light”, y ha sido producido por Stuart Price (Madonna, Zoot Woman, Les Rhytmes Digitales). ◗ DEVO han abierto un apartado en su página web que bajo el nombre de Devo Song Study ofrece la posibilidad a todos sus fans de escuchar fragmentos de dieciséis canciones nuevas. De esas dieciséis, todo el mundo que entre en http://songstudy.clubdevo. com/ deberá elegir doce, que será el número de cortes que tendrá el esperado nuevo disco de los de Ohio.

Nada Surf se atreven con un disco de versiones Convertidos en uno de esos grupos respetados por el público álbum tras álbum, los chicos de Nada Surf también se declaran fans de otros artistas. De ahí que hayan grabado “If I Had A Hi-Fi” (Warner, 10), un disco de versiones que presentan en directo en nuestro país.

Kele Okereke Foto Archivo

◗ KELE OKEREKE se lanza en solitario con “The Boxer”, título de su debut, que contiene diez cortes que combinan la electrónica y el pop. Okereke acaba de confirmar su presencia en los festivales de Reading/Leeds e Ibiza Rocks, entre varios más. El disco se publicará el 21 de junio y podrás escuchar el primer single, “Tenderoni”, una semana antes. ◗ MALCOLM MCLAREN murió el pasado 8 de abril en un hospital de Suiza a causa de un cáncer de pleura que le fue diagnosticado el pasado año y del que estaba siendo tratado en ese mismo hospital. Tenía sesenta y cuatro años. McLaren será recordado por ser uno de los nombres claves para entender el punk británico de los setenta, tiempo en el que ejerció de manager de Sex Pistols, Adam & The Ants y The New York Dolls. ◗ LADYTRON y LE TIGRE (grupo que parece haber vuelto a la vida tras dejarlo una temporada) han participado en el nuevo disco de Christina Aguilera, titulado “Bionic” y que saldrá a la venta el 8 de junio. En la página web de Le Tigre el grupo asegura haber escrito y producido dos de las nuevas canciones de Aguilera. ◗ El nuevo trabajo de THE MAGIC NUMBERS se titula “The Runaway”, y ha contado con la ayuda destacada del legendario arreglista Robert Kirby (Nick Drake, Elvis Costello), que murió poco después de participar en el disco. La fecha de salida de “The Runaway” es el 7 de junio. ■

on una selección que incluye desde clásicos como “Question” (The Moody Blues), hasta canciones contemporáneas como “Bright Side” (The Soft Pack), Nada Surf han grabado un disco de versiones que saldrá a la venta bajo el título de “If I Had A Hi-Fi”. Otros nombres a los que rinden tributo en el álbum son Bill Fox, The Go-Betweens, Depeche Mode o Spoon, aunque quizás lo más llamativo sea la inclusión de “Evolución”, pieza que Mercromina firmaron en “Canciones de andar por casa”. “Me gusta la idea de que alguien en Japón o en Alemania

de repente se pregunte quién son Mercromina y se ponga a buscarlos y a escuchar su música”, explica al otro lado del teléfono el español Daniel Lorca, bajista y miembro fundador de Nada Surf junto a Matthew Caws. “No queríamos hacer un disco de versiones facilón, así que metimos canciones de grupos de todo tipo. Algunas yo no las había escuchado, ni siquiera ‘Personal Jesus’, así que si suenan a algo es a Nada Surf”. En la grabación del disco también han participado Martin Wenk (Calexico), Phil Peterson (Kay Kay And The Weathered Under-

ground), Joe McGinty (Losers Lounge, The Psychedelic Furs) y Holly Miranda. En todo caso, el trío ya había coqueteado con las versiones en su discos y en sus directos (“una vez en un concierto tocamos ocho o nueve versiones de Ramones con Joey Ramone cantando y sin haber ensayado”, recuerda Lorca), pero es ahora cuando se han animado a dar el paso definitivo. Antes de que el álbum llegue a las tiendas, el grupo lo venderá en sus directos. La buena noticia para los seguidores de Nada Surf en España es que próximamente estarán tocando en escenarios de nuestro país. Antes del verano, durante el que harán varias fechas de festivales. ■ Jorge Ramos Nada Surf estarán el 29 de abril en Madrid, el 30 en Villagarcía de Arosa y el 1 de mayo en el Estrella Levante SOS de Murcia

II Premios de la Música Independiente UFI

Jordi B-Core Foto Archivo

Veinte velas para B-Core Ya son veinte los años que el sello B-Core lleva dedicado a la edición de música, con una filosofía “de tendero de barrio” -como se describe a si mismo Jordi Llansamà, capo de la discográfica-. La idea ha sido siempre apostar por el trato personal, la coherencia y el talento. Y desde luego, no les ha ido nada mal. Por su sello han pasado todo tipo de bandas y estilos musicales, desde el hardcore punk de sus inicios hasta las propuestas actuales. Desde el primer lanzamiento en 1990 del debut de Corn Flakes, con “No Problem”, rozan casi doscientas referencias editadas, algunas de ellas clásicas de la música independiente de nuestro país. Este año quieren soplar veinte velas junto a todos sus amigos, colaboradores, músicos e incluso detractores. Para celebrarlo han preparado tres noches seguidas, los días 6, 7 y 8 de mayo, en La [2] de Apolo en Barcelona, en las que actuarán Zeidun, Nisei, Vistalegre, Madee, Shanty Rd, Capsula, Tokyo Sex Destruction, The Unfinished Sympathy, Betunizer, Maple, Nueva Vulcano y una banda sorpresa que se reunirá especialmene para la ocasión. n

Se ha abierto el plazo de presentación de trabajos candidatos a los II Premios de la Música Independiente, organizados por la UFI (Unión Fonográfica Independiente) y con una larguísima lista de galardones para diversas actividades relacionadas con el mundo de la música. Hay dos vías de participación, una a través del sello discográfico con el que trabajas y otra de forma directa, en el caso de los artistas autoeditados. El plazo concluirá el próximo 15 de mayo y las bases están disponibles en la web del evento. El pasado año, uno de los ganadores fue el grupo andaluz Elastic Band, que en esta edición entregará el premio a grupo revelación. La siguiente etapa será la votación por parte de profesionales de la música, y más tarde en la fase final los ganadores serán elegidos por votación popular. www.premiosdelamusicaindependiente.com n

Elastic Band en los premios UFI 2009 Foto Dani López

Pennywise Foto Archivo

MondoSonoro · Mayo 2010 /7/ NOTICIAS

TAN cerca... ◗ El festival Caixa Sabadell Etnival celebra la sexta edición, que tendrá lugar los días 17, 18 y 19 de junio en Girona (Cataluña), reuniendo un total de catorce actuaciones en el Parc de les Ribes del Ter. Los artistas participantes serán Diego ‘El Cigala’, Che Sudaka, Ozomatli, Color Humano o Bomba Estereo. Más información en: www.caixasabadelletnival.com ◗ El pasado martes 13 de abril falleció Juan Pulido, batería de LA BANDA TRAPERA DEL RÍO, una de las míticas bandas del punk rock estatal que hace poco menos de un año volvió a reunirse gracias a las ganas de dos de sus miembros fundadores, Morfi Grei y el propio Juan Pulido. Tres fueron los shows en los que aparecieron el pasado 2009.

Sexy Sadie Foto Archivo

Sexy Sadie, juntos por una noche

◗ El festival asturiano DERRAME ROCK completa la totalidad de su cartel para la próxima edición del evento, previsto para los días 24, 25 y 26 de junio en Pravia. Cabe destacar, entre las incorporaciones a última hora, la actuación de los veteranos Obús y Rosendo, que estarán acompañados por The Bon Scott Band, A Palo Seko, Benito Kamelas, Desakato, LosDelGás y Paperbacks.

Sexy Sadie copa el cartel de la fiesta organizada por la delegación territorial de MondoSonoro Baleares. En 2006 los mallorquines pusieron punto final al sueño que les mantuvo despiertos durante catorce años. Dejaban atrás un rastro de vitalismo pop en los mejores festivales de España, incluso un directo en la mítica sala CBGB’s de Nueva York. En un juego de reflejos opuestos, su madurez musical significó su despedida, y su separación un nuevo amanecer para el reencuentro nostálgico. Una llamada del productor musical Pablo Ochando puso en marcha el engranaje para una última reunificación de la banda. El exclusivo regreso de Sexy Sadie, limitado a un aforo de quinientas personas, se oficiará el próximo 14 de mayo en Cultura Club (Palma de Mallorca), una sala atenta a la actualidad. Una oportunidad única para rememorar sus grandes canciones o para que las nuevas generaciones descubran a un referente del indie pop. n

◗ MENDETZ acaban de anunciar su fichaje por Music Bus/Warner. Los catalanes pasan así a formar parte de un sello que cuenta con otros artistas como Love Of Lesbian o Delafé y Las Flores Azules. Este cambio supondrá la reedición de su reciente disco, “Souvenir”, que, en principio, contará con el extra de la versión de Gala, “Freed From Desire”.

El retorno de Pennywise Dos décadas de trayectoria y el cambio de su emblemático vocalista no han podido con Pennywise. Estos clásicos del hardcore melódico vuelven a la carga en una gira que les acercará hasta Barcelona, el próximo 6 de mayo, junto a Strike Anywhere y A Wilhelm Scream.

Vampire Weekend Foto Archivo

Se descubre el cartel del británico Glastonbury Año tras año, el que continúa siendo uno de los mayores festivales de Europa, nos sorprende con una amplísima selección de artistas que pocos son capaces de igualar. Este año, que sirve de celebración de su edición número cuarenta, no podía ser menos y durante los días 25, 26 y 27 de junio, los diversos escenarios de la Worthy Farm, en Pilton, acogerán centenares de actuaciones protagonizadas por nombres de lo más diverso. Entre los cabezas de cartel de los diversos escenarios encontraremos a U2, Muse, Snoop Doog, Stevie Wonder, Vampire Weekend, The Flaming Lips, Orbital o The XX, pero ahí no acaba la cosa. Entre el resto, LCD Soundsystem, The Drums, These New Puritans, Hot Chip, Pet Shop Boys, Dizzie Rascal, Coheed And Cambria, The National, Phoenix, Foals, Delphic, Wild Beasts, MGMT o incluso Slash. Más información sobre entradas, distribución por días, etcétera en: www.glastonburyfestivals.co.uk ■

espués de más de veinte años juntos, la noticia se hacía finalmente oficial: Pennywise y Jim Lindberg seguirían caminos separados. Fletcher, guitarra de los californianos, nos lo cuenta. “Hace tiempo que no teníamos los mismos intereses y era un poco frustrante no poder ir a tocar a según qué lugares por la distancia. Jim no quería alejarse demasiado de su hogar y familia, pero nosotros sí nos sentimos en la obligación y con las ganas de ir a tocar para nuestros fans en cualquier lugar. Para mí éste es el mejor trabajo del mundo. Por otro lado, nunca pensamos en parar la banda, es algo básico en la filosofía de Pennywise. Se trata de levantarse y luchar contra las adversidades, sean cuales sean”. El lugar prominente, el del vocalista, lo ocupará ahora Zoli Téglás, experimentado frontman de Ignite y amigo de la banda que nos ocupa. “Surgió un poco como una broma. Zoli me dijo si quería-

mos hacer un tour con Ignite y le contesté de broma ‘sí, pero contigo como cantante’. Lo bueno de Zoli es que está loco y tú se lo puedes decir, puedes discutir hasta casi llegar a las manos y después parar y reírte sin que pase nada. Hemos recuperado la ilusión y la comodidad”. Lo que sí parece probado es la buena reacción de los que ya han visto a la banda con el bueno de Téglás vociferando las combativas soflamas de los de Hermosa Beach. “Algunas de las personas que nos han visto con Zoli nos han dicho que alguno de esos conciertos han sido los mejores que nos han visto en los últimos años”. Otra buena noticia es que les tendremos por aquí (Barcelona, sala Apolo, 6 de mayo) tras una larga sequía. “Hace mucho tiempo que no vamos a España, en parte por lo que te comentaba de las distancias, y estamos deseando volver. Sabemos que es un público apasionado siempre”. ■ Ignacio Pato L.

Airbag Foto Archivo

◗ AIRBAG, que en estos momentos se encuentran trabajando en su próximo disco de estudio, acaban de anunciar la salida de un álbum de rarezas titulado “Versiones y rarezas para Norbert y Cali” que sirve para celebrar su décimo aniversario. El disco, que se edita a principios de mayo, incluye versiones, canciones inéditas, versiones alternativas de temas propios, etcétera… ◗ Festival de Músicas del mundo ESPERANZAH! ya tiene fechas y cartel. El festival se celebrará los 25, 26 y 27 de junio y contará con la presencia de Amparo Sánchez, Ojos de Brujo, La Kinky Beat, Canteca de Macao, Pedro Guerra, Les Poutrelles Fever, Sam Tshabalala y Quantic Orchestra Barbaro, entre otros. ◗ La segunda edición del festival gratuito de música independiente INC’AMON de Ciutat d’Inca (Mallorca) ya tiene fecha y cartel. Se celebrará el 24 de julio y el cartel es el siguiente: The Go! Team, El Columpio Asesino, Satellites, Radiofonics, y los Djs, J. Ferrà, Peri, Toni Pla y Amable. ◗ El Festival RETROPOP de Mallorca, evento dedicado a rescatar para el gran público viejas glorias del pop-rock en castellano presenta un cartel de lujo para su próxima edición, que se celebrará el 17 de julio en el velódromo Palma Arena de Palma de Mallorca. El cartel es el siguiente: La Guardia, La Frontera, Los Rebeldes, Tam Tam Go, Tennesee, Los Refrescos, Amistades Peligrosas… ■

festivales 2010 ❱〉 Cultura Urbana Pese a que el mundo del hip hop está de luto por el fallecimiento de Guru (Gangstarr), ningún aficionado debería dejar pasar la oportunidad de asistir a la nueva edición del festival Cultura Urbana, a celebrar el próximo 15 de mayo en Arena Madrid. Y es que el cartel está plagado de nombres españoles y extranjeros de lo más suculento. Desde auténticos clásicos como Raekwon o Afrika Bambaataa, para continuar por Foreign Beggars, Dj Krush o una larga lista de nombres estatales como SFDK, Rapsusklei, Juan Solo o Mala Rodríguez. www.culturaurbana.es

Afrika Bambaataa

❱〉 Extratonauta

Bad Religion

❱〉 Azkena Rock El festival Azkena Rock de este año promete y es que, a un ya nutrido cartel, se le suman ahora las incorporaciones de Bob Dylan, Bad Religion y The Hold Steady. Por otra parte, Drive-By Truckers han tenido que anular su asistencia debido a una cancelación de la totalidad de su gira europea. A estas nuevas confirmaciones se les suman las actuaciones de los grupos de Gernika y Vitoria, Audience y Bronze respectivamente. Sin embargo, según la organización, todavía quedan actuaciones para confirmar. Se celebrará en del 24 al 26 de junio. www.azkenarockfestival.com

❱〉 Fib Heineken Hasta completar el cartel definitivo del festival veraniego FIB Heineken son varias las noticias con nuevos nombres y confirmaciones para la cita de Benicàssim. Así que toca hacerse eco de las nuevas incorporaciones para el FIB 2010, entre las que destacan Julian Casablancas, líder de The Strokes, Goldfrapp, que también presentarán álbum nuevo y Dj Shadow, uno de los artífices que contribuyó a redefinir el hip hop instrumental. A ellos se les suman también nombres como los de Fionn Regan y JJ. La aportación nacional de esta remesa de confirmaciones viene dada por The Sunday Drivers y Alondra Bentley. Y en la sección electrónica destacamos a Boys Noize, Lindstrøm & Christabelle, Daedelus y Phil Kieran, entre otros muchos más. www.fiberfib.com

Goldfrapp

El festival Extratonauta cumple cinco años ya y con motivo de tal ocasión se mudan a un recinto más grande para que sean todavía más los asistentes que puedan disfrutar de las mejores propuestas del indie nacional, que son legión en su cartel de una única jornada. La cita se llevará a cabo el próximo 15 de mayo en el Coliseo Ciudad de Atarfe (Granada) y el cartel contará con Los Planetas, Love Of Lesbian, Sidonie, Dorian, La Bien Querida, We Are Standard, Zahara, Supersubmarina y Ana Lógica. Las entradas ya están a la venta a un precio de 25€ anticipada. www.extratonauta.com

Dorian

❱〉 Cruïlla de Barcelona Se han dado a conocer algunos de los nombres que formarán parte de esta nueva edición del festival Cruïlla de Barcelona (16 y 17 de julio). Podemos empezar por Ben Harper, para continuar con Macaco, Alpha Blondie, Kase’O junto a The Jazz Magnetism, el siempre peculiar Albert Pla, D’Callaos, Love Of Lesbian... Estas son sólo algunas de las confirmaciones del próximo cartel, que será anunciado el 17 de mayo en su totalidad. Las entradas ya se pueden adquirir en la web del festival. www.cruillabarcelona.com.

❱〉 Tremendo Pop

Jane’s Addiction

❱〉 Rock In Rio El festival de música Rock In Rio-Madrid 2010 completa su cartel con la inclusión de Jane’s Addiction, una de las bandas claves en la escena de los noventa. El festival tendrá lugar los días 4, 5, 6, 11 y 14 de junio en Arganda del Rey, en la Ciudad del Rock, que cuenta con varios escenarios y otras zonas en las que se celebran actividades varias. Las entradas ya están a la venta para poder ver a grupos tan dispares como Metallica, Cypress Hill, Rage Against The Machine, los citados Jane’s Addiction, junto a otros tales como Rihanna, Miley Cirus, Shakira o Calle 13. www. rockinriomadrid.es

Ya falta menos para disfrutar del festival Tremendo Pop que tiene lugar los días 6, 7 y 8 de mayo en el Monzón (Huesca). Este año, como suele ser habitual, la programación es variada e incluye a grupos tan dispares como Arizona Baby, con su rock estilo tejano, New Young Pony Club o Delorean, junto a apuestas más pop como Dorian y Love Of Lesbian. Además, destacar las actuaciones de los suecos Friska Viljor, los británicos The Whip, o el Dj Jeff Automatic. Además, actuarán también los ganadores del concurso maquetero organizado por el festival. Para darle mayor repercusión al Tremendo Pop se han llevado a cabo diversas fiestas de presentación en las principales ciudades españolas. Las entradas diarias y los abonos ya están a la venta. www.tremendopopfestival.com

Delorean foto Albert Jodar

❱〉 San Miguel Primavera Sound

❱〉 Estrella Damm Faraday 2010

Ya está aquí, ya lo tenemos, se trata del cartel completo del San Miguel Primavera Sound 2010. Sería imposible citar todos los artistas que conforman la parrilla de esta nueva edición que se celebrará del 27 al 29 de mayo en el Parc del Fòrum de Barcelona. El evento cuenta de nuevo con algunos de los grupos más emblemáticos de los últimas décadas como Pixies, Wilco, Pavement o Pet Shop Boys, junto a grupos noveles que sonaron con fuerza el pasado año, como The XX o Yeasayer y otros tantos que darán mucho que hablar, como Dum Dum Girls o Surfer Blood, por citar sólo algunos de una larga lista. Las entradas diarias y los abonos ya están disponibles. www.primaverasound.com

La organización del Faraday acaba de hacer pública la lista de los artistas que estarán en la próxima edición de este festival que se celebra a unos pocos metros de las aguas del Mediterráneo. Durante los días 2, 3, 4 y 5 de julio, por la población de Vilanova I la Geltrú (Barcelona) pasarán nombres como los de Jeff Tweedy (Wilco), The Wedding Present, Los Punsetes, Maika Makovski, Bigott, Abraham Boba, Linda Mirada, Errors o Mujeres, entre otros. Por otro lado, habrá una actuación especial de Clem Snide, interpretando el disco “Zuma” de Neil Young. Las entradas para el festival ya están a la venta. Más información en www.faraday.tv/.

Pixies

Albert Pla

Salif Keita

❱〉 Territorios Sevilla Sevilla se prepara para acoger una nueva edición del Territorios, la que será la décimo tercera de este Festival Internacional de Música de los Pueblos. Con un nombre tan sugerente, el escenario no podría ser otro que el Monasterio de la Cartuja, que desde hace seis años se ha convertido en el punto de encuentro entre bandas estatales, artistas internacionales y propuestas variadas. Territorios tendrá lugar los días 3, 5 y 5 de junio y cuenta con las actuaciones del conocido saxofonista Mulatu Astatke, Morodo, Los Planetas, Salif Keita, Pony Bravo, Maika Makovski, Chacho Brodas y SFDK, entre muchos más. Las entradas se pueden adquirir a partir de 15€ por noche a través de la página web. www.territoriossevilla.com

Jeff Tweedy

Los PlanetasFoto Archivo xxxxxxxxxx

❱〉 Sonorama Ribera 2010 Ya no hay excusas para aburrirse en pleno mes de agosto. A todos aquellos que penséis que la acción se concentra exclusivamente en la costa, llega una nueva edición del Sonorama Ribera 2010, que se celebrará los días 12, 13 y 14 de agosto en Aranda de Duero (Burgos), para demostrar que hay vida más allá del chiringuito playero y música, muy buena música. Algunos de los artistas que actuarán en la vigésimo tercera edición son Brett Anderson, Los Planetas, Loquillo, Los Punsetes, Love Of Lesbian, Sidonie, Delorean, Arizona Baby, L.A, Nudozurdo, The Right Ons, Tachenko, Niño y Pistola, Standstill, The New Raemon y Layabouts. www.sonorama-aranda.com

Placebo

❱〉 Benidorm Low Cost Festival No se nos ocurre nada mejor que acercarse hasta el Parque de l’Aiguera de Benidorm, en Alicante, durante los días 23 y 24 de julio, para disfrutar de una selección de artistas de la órbita indie de lo más suculento. Y es que, en la segunda edición de este evento, podrá verse sobre un escenario a grupos como The Raveonettes, Placebo, These New Puritans, Los Planetas, Editors, Love Of Lesbian, Adam Green, Hola A Todo El Mundo, 1990’s, Niños Mutantes, Napoleón Solo, Superbubmarina, Memory Tapes y muchos otros. El precio de entrada diaria es de 30 € y 45 € por el abono para ambos días. Más información en www.lowcostfestival.es

MondoSonoro · Mayo 2010 /11/

MONDOFREAKO

Jónsi Foto Lilja Birgisdottir

Jónsi

Sonrisas y ceniza No hace falta que insistamos en la valía de la trayectoria de Sigur Rós. El tiempo y unos pocos discos lo han dejado claro. Ahora bien, también es de recibo apuntar que no esperábamos que su líder, Jónsi Birgisson, fuese a sorprendernos con un disco tan completo y apasionado como “Go”.

Es el optimismo un consuelo para aquellos que viven en mundos alejados de la realidad? ¿Es una actitud vital que marca la vida de algunas personas? ¿Es, y eso creo, una etapa que toma papel protagonista en momentos determinados de las vidas de todos nosotros? Cada uno tendrá su respuesta. Algunos sencillamente la describirán dejándose llevar por el flujo del día a día, otros la transmitirán con palabras y algunos, aquellos que han nacido con ese don tan especial de componer canciones que emocionan a terceras personas, las convertirán en temas tan preciosos como los que Jónsi Birgisson, el apocado, modesto y correctísimo vocalista de Sigur Rós, ha incluido en su primer disco en solitario. No hace demasiado del disco de Riceboy Sleeps, y me alegro de que así sea, porque así hemos podido sentir muy de cerca el contraste entre las distintas caras de un artista que necesita crear para sentirse vivo. “Inicialmente quería hacer un disco más tranquilo de lo que ha acabado siendo. Supongo que lo que ha ocurrido

es que refleja caras distintas de mi personalidad, las luces y las sombras. Y eso, claro, se transmite en las canciones. Algunas son más felices y otras son más melancólicas”. Cierto, y es que así se distribuyen los cortes de “Go”, en una balanza bastante equilibrada entre piezas calmadas y lánguidas (“Tornado”, “Sinking Friendships”, “Around Us”) y eufóricas (“Go Do”, “Boy Lilikoi”, “Animal Arithmetic”), todas ellas preciosas. “No sé si usaría la palabra eufóricas, pero la verdad es que lo he pasado muy bien trabajando en las percusiones del disco, en los ritmos. Y sé que algunas canciones no serían lo mismo sin esos beats, sin esos tambores. Son las canciones más alocadas del disco, pero el contraste con las más tranquilas y reposadas es lo que les da sentido. ‘Go’ trata sobre lo que sentimos como personas. ‘Tornado’, por ejemplo, habla de esos temores internos que, a veces, repercuten en cómo somos y en cómo nos comportamos, incluso en cómo nos

relacionamos con otras personas. De eso va la canción, de algo que surge del interior de uno mismo y que alcanza el tamaño que nosotros le permitamos”. No cuesta demasiado subrayar que “Go” es un disco personal, una obra que refleja lo que se esconde en el corazón de un creador, un trabajo sincero y un diálogo de tú a tú con el oyente. Birgisson se siente así, aquí y ahora, y así nos lo cuenta. “Bien, la música siempre depende del estado de ánimo de las personas, de la etapa en la que están

a FM Belfast, a sumar a los ya conocidos múm, Amina, Seabear, etcétera)- se han convertido en los mejores embajadores. “Oh, nunca me he planteado eso y la verdad es que tampoco lo he pretendido jamás, pero si gracias a mi música gente como tú se ha interesado por otros artistas islandeses, por mi país o por mi cultura, siempre me parecerá bien”. De lo que no me cabe duda es de que Jónsi Birgisson debe ser una excelente persona. Quienes han colaborado con él le elogian constantemente, desde

"La música siempre depende del estado de ánimo de las personas, de la etapa en la que están viviendo" viviendo. Y eso es así porque la música es algo que surge de muy adentro, del espíritu y de los sentimientos. Quizás a algunos artistas pueda incomodarles que la gente descubra su personalidad detrás de las canciones, pero para mí todo va ligado”. Y para que todo resulte aún más sencillo y compresible, el inglés toma más protagonismo que nunca antes en la carrera del islandés. De todos modos, más allá de la lengua utilizada, nadie va a dudar que Sigur Rós –como Björk en su momento, o el grueso de artistas que nos están llegando desde la isla en la actualidad (desde Jakobinarina

The Album Leaf a The Hafler Trio. Un carácter afable y bondadoso no convierte a un artista en una estrella, ni le da valor añadido a sus canciones, pero sí ayuda a entender lo que transmiten unas canciones que, en este caso, están llenas de vida, y reflejan, como el propio Birgisson nos comentaba al principio, sus luces y sus sombras. Y eso, amigos lectores, en los tiempos que corren y ante mis ojos, siempre suma. ■ Joan S. Luna “Go” está publicado por Emi. Jónsi estará actuando en el próximo Sónar Festival.

(MONDOFREAKO /12/ Mayo 2010 · MondoSonoro)

Ted Leo Foto Shawn Brackbill

Ted Leo

El espíritu de la colmena En “The Brutalist Bricks”, Ted Leo ha vuelto con sus Pharmacists casi tres años después de su último disco firmado así. Catorce canciones con base en el punk-rock que traen como novedad un cambio de sello e incluyen un bonus en la edición española pero, y esto es más importante, siguen sin cambiar lo que nos gusta de Ted: su magnetismo y honestidad.

“

Los ladrillos brutalistas”, así ha decidido Ted ponerle al disco. “El título del disco, que es una línea de la canción ‘Where Is My Brain’, es un cuestionamiento de cómo a veces tenemos ideas que parecen buenas, pero que en la práctica no lo son tanto. Es como teoría y praxis separadas. Y el brutalismo del que habla es la escuela de arquitectura del Brutalismo, muy presente en ciudades tan diferentes como Boston o Brasilia”. Al bueno de Ted y los suyos, y a su disco calentito, le pilló de lleno el reajuste de actividades de la histórica casa Touch And Go, nave nodriza de su anterior “Living With The Living”. “Cuando Touch And Go tuvo que reestructurar su actividad nosotros ya teníamos preparado nuestro nuevo disco para sacarlo con ellos. Llevo ya unos cuantos años en esto y tengo amigos que tienen sellos y por tanto sabía que el disco no peligraba, pero me sentí triste por lo de Touch And Go, aunque principalmente pensaba

ASI COMO SUENA

en mí (risas)”. A pesar de que el underground, el rock, la música y la vida en general está llena de tipos plomizos y desagradables, Ted Leo es todo lo contrario, el vecino de asiento de avión que saca un libro antes del despegue y es capaz de interrumpir su lectura por una buena conversación y unos zumos. “Creo que mi música puede estar influenciada por mis gustos literarios. Quizá sobre todo por el realismo y el naturalismo de autores como Dickens o Zola. Para los hispanoparlantes puede que sorprenda pero me gusta desde hace mucho tiempo Roberto Bolaño, especialmente por novelas como ‘2066’, que me parece una obra maestra moderna por su visión global. Volviendo a la música, y a pesar de que hago canciones en el idioma del punkrock, intento no olvidar que formo parte de algo más global como es precisamente eso, la música”. El disco que nos ocupa tiene rabia y también elegancia, dos de las etiquetas que mejor le sientan a las canciones del norteameri-

Mario Cobo (The Nu-Niles) Mario Cobo es conocido fundamentalmente por ser el guitarra y vocalista de The Nu Niles, pero son muchas las formaciones de rockabilly, rock’n’roll, jump blues o swing que han contado con sus servicios. Veamos cómo consigue su peculiar y arrollador sonido de guitarra.

Mario Cobo Foto Archivo

◗ Material de directo: Amplificadores: un Fender Deluxe de 1954 que ruge como un león y es genial, un Bassman Re'59 de los noventa modificado por Amptek y otro que suelo sacar de vez en cuando de

cano, uno de los mejores equilibristas actuales de la gozosa línea que separa a The Clash de The Jam. De hecho, uno de los mejores temas del álbum suena bastante parecido a los de Woking. “La canción ‘Woke Up Near Chelsea’ surge con un sueño que tuve. Estaba tocando un enorme piano sobre el escenario y me despertaba en ese barrio londinense. No suele ocurrir que sueñe con música y por tanto esa vez sí escribí la canción sobre eso. Más en profundidad, es sobre la capacidad y tendencia que tenemos de culpar de nues-

tío en Alemania a decirte (Ted imita el acento alemán) ‘sí, tu primer disco era bueno pero el último no lo es tanto’ a la cara, pero tampoco nosotros como banda encontramos demasiadas diferencias de uno a otro lado porque no tenemos una gran repercusión que haga que a nuestros conciertos venga gente que realmente no desea estar allí. Somos muy afortunados de formar parte de una red mundial aún tan underground que se pueda sentir lo mismo toques dónde toques”. ¿Y qué hay de las abejas? Están

"Somos muy afortunados de formar parte de una red mundial aún tan underground" tros problemas a cualquier ente, persona o circunstancia ajena cuando lo cierto es que estamos aquí, ahora y podemos hacer algo para solucionarlos”. Pasaron por nuestro país hace no demasiado, y volverán no muy tarde, ya que el movimiento es marca de la casa. “Me encanta España, tenemos muchos amigos allí. La última vez que fuimos tocamos en Madrid, donde nunca lo habíamos hecho y fue muy divertido. A veces desde fuera del continente se cuenta que el público europeo es muy directo al tratar contigo, se hacen bromas sobre que puede venirte un

casa, construido en una caja de altavoz Ampro, que eran unos altavoces para cine según creo de los años cuarenta y que ya lo encontré montado.

presentes en el disco, en la portada, en uno de los temas… Ted se ríe e intenta explicarlo. “Las abejas significan algo, no sé muy bien cómo definirlo pero tiene que ver con el título del disco, la manera en cómo habitamos un mundo rodeados de arquitecturas a veces gigantescas o de dimensiones desproporcionadas, mientras nosotros, más pequeños que esas construcciones, llevamos algo natural y universal dentro”. ■ Ignacio Pato L. “The Brutalist Bricks” está publicado por Matador/La Castanya.

Puedo empezar con lo que no ha cambiado que ha sido el Bassman (aunque le he ido haciendo modificaciones) y mi Gretsch 6120. Todo lo demás se ha ido añadiendo.

◗ ¿Que diferencias existen entre tu equipo de directo y el que usas normalmente en estudio? Por ejemplo con The Nu Niles siempre llevo más o menos el mismo equipo. Antes llevaba un tanque de reverb, un echo de cinta y demás aparatos vintage, pero sufren mucho en la carretera y los he sustituidos por pedales que se acercan bastante al original.

◗ ¿Compras material de segunda mano? ¿Qué te parece el mercado? Cuando estás metido en el mundo de la música siempre acabas teniendo oportunidades de comprar instrumentos por mucho menos de lo que están en el mercado. Evidentemente si no tienes prisa el mercado de segunda mano es muy importante.

◗ Desde que empezaste como músico, ¿qué ha cambiado en tu equipo?

◗ ¿Usas material vintage? ¿Cuándo y dónde lo adquiriste? Tengo una Telecaster del 66, una Har-

mony Stratotone de principios de los sesenta, una Kay Thin Twin, conocida como modelo Jimmy Reed, de los cincuenta, también una guitarra acústica Hoyer de los cincuenta a la que he añadido una pastilla De Armond FHC-C que suena genial y un Lap Streel Framus de los setenta. Aparte de los instrumentos tengo un echo de cinta Watkins Copycat IC300 de finales de los setenta y un tanque de reverb Premier 90 de principio de los sesenta. ◗ Nos gustaría saber qué tres discos usarías como referencia por su sonido. “London Calling” de The Clash, “Blue Jean Bop” de Gene Vincent y “Big Beef Bonanza” de Devil Dogs. ■

(MondoSonoro · Mayo 2010 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

Klaus & Kinski

Que me quede como estoy “A Joan Luna, de Mondosonoro, le solía llevar ‘trompetas de la muerte’ como soborno, para que me sacara bien en la revista” Oscar D’Aniello de Delafé y las Flores Azules, en Zona de Obras.

“¿El enemigo de la música? Internet. Internet. Tu madre e Internet” Jack White en NME

“¿Page y Plant? Pospondría mi propio funeral con la intención de volver a trabajar otra vez con esos tíos” Steve Albini, en Mojo.

“Internet ha acabado con el mito de la estrella del rock” Tom Meighan de Kasabian, en Mojo

“Si el sexo no es sucio, peligroso y pecaminoso, no le veo el sentido” Black Francis, en Uncut.

“David Bowie es un buen profesor de ski. Tiene el don de la paciencia” Iggy Pop, en Q

Klaus & Kinski Foto Blanca Galindo

“Hay un montón de cosas que hacemos mal como banda. Soy demasiado viejo. La mayoría de las veces ni siquiera canto” James Murphy de LCD Soundsystem, de NME

Tras la excelente acogida de su debut, Klaus & Kinski repiten en “Tierra, trágalos” esa fórmula ecléctica de escribir canciones con ingredientes propios y ajenos. La partitura de Alex Martínez absorbe como una esponja tags de la música popular al tiempo que los encaja en un collage finamente confeccionado.

l dúo de Murcia aborda este segundo largo desde un prisma muy parecido al de su anterior trabajo. Si algo está bien ¿por qué cambiar las cosas de orden? Es más, para Alex y Marina la aceptación de su propuesta no hace sino darles más confianza para seguir cortando el patrón de estas nuevas canciones con la misma tijera. “Conservamos la libertad de recrearnos en el género que nos apetezca en ese momento, aunque también podamos reincidir en registros con los que nos sentimos cómodos e identificados. Pensamos que al ser un segundo disco y la gente sabe de qué vamos ya no les tiene por qué sorprender que, a veces, nos vayamos por los cerros de Úbeda”. Salvo las cuerdas y la orquestación del disco, que siempre ocupan bastante espacio en los créditos, el resto del trabajo vuelve a recaer sobre los hombros de Alex. Una producción primorosa aunque con una firma muy definida. “El trabajo se ha planteado con la misma filosofía con que nació este proyecto, es una producción mía. No sé si eso será bueno o malo, pero supongo que es la esencia de esto”. Las canciones de “Tierra, trágalos” deambulan por ese espacio de luces y sombras que describe la voz particular de Marina y que igual te hace bailar que te detiene a reflexionar. Klaus & Kinski subrayan un sonido personal en el que ya son familiares las guitarras con efectos (“Luego vendrán los madremías”), los sintetizadores ochenteros (“Brilla como una estrella”, “Eres un sinvergüenza”), el country prestado (“Mama no quiero ir al colegio”), pero también

introducen elementos inéditos. “Habrá algunas canciones que continuarán líneas ya exploradas, pero, como no es un concurso de descubrimientos sino un divertimento formal, supongo que a veces mostraremos nuestras querencias. En este, como cosa nueva, hay algo de swing, copla, funk, por decir algo que parezca que suene novedoso porque en realidad todo es música popular, que es lo que en realidad significa música pop”. Otra vocación que ya introdujeron en el anterior trabajo es la de reivindicar la

este disco es amplísimo y por supuesto abundan los guiños a estilos made in USA, además de su ya conocida debilidad por los sonidos country rock, aparece el swing e incluso la música disco ortodoxa con falsetes a lo Bee Gees o Mika. Una selección que se agradece en una escena, la pop, acostumbrada a etiquetas inmóviles. “No es nada tan extraño. Ya hay muchos discos lineales y cohesionados formalmente, lo cual está bien, pero también hay discos ‘dispersos’ que nos entusiasman. Siempre ponemos el ejemplo de The Beatles, grupo bastante ecléctico. Y precisamente por eso, porque son los Beatles. Si los dinosaurios del pop-rock se permitían ir de flor en flor, quizá algo legitimada esté la variedad”. Una colección de texturas que, pese a su exigencia instrumental, al final suena como un sólo registro, un hilo conductor único tanto en estudio como en

"Lo que mal llamamos ‘folk’ remite a una música popular anglosajona, tan localizable y concreta como la jota" palabra folk como género universal y no propio de la cultura norteamericana, al igual que hicieron con el bolero en “Mengele y el amor” ahora se acercan a la copla y el pasodoble en “El rey del mambo y la reina de Saba”. “Lo que mal llamamos ‘folk’ remite a una música popular anglosajona, tan localizable y concreta como la jota aragonesa. Cosas de la colonización cultural. De hecho podríamos considerar a todo el pop como folclore, es la música popular de nuestro tiempo, los tiempos de los medios de comunicación de masas. Así que no vemos por qué hay que usar sólo referentes anglosajones. De hecho demasiado esclavos de la influencia anglosajona somos, y nosotros los primerísimos”. Es cierto, el imaginario musical de

directo, que es otro cantar. “Hemos fichado a una violinista y habrá mucho sampling de sonidos que serán tocados con teclados midi a través de software. Pero lo que realmente importa se puede hacer silbando”. Y es que la química de Klaus & Kinski es mucho más sencilla de lo que parece. Después de todo lo dicho, después de veintiocho canciones y dos discos, están en disposición de ironizar sobre ellos mismos. “¿A qué sonaría una canción nuestra…? A ‘wachu wachu’ con voz flojita de chica. Es lo que pensaría mi padre si no supiera que somos nosotros”. ■ Arturo García “Tierra Trágalos” está publicado por Jabalina.

(MONDOFREAKO /14/ Mayo 2010 · MondoSonoro)

Napoleón Solo Foto Archivo

Napoleón Solo

El joven emperador El proyecto del taciturno Alonso Díaz se estrena con un debut que es más que un debut. Una colección de pop-rock y psicodelia chispeante macerada durante más de un lustro. “Napoleón Solo en la ópera” sorprende y estimula por su crisol de ideas y recursos. Aire fresco en el panorama indie nacional.

atizamos: esta ópera no tiene nada que ver con la de su colega J, que casi podría ser su padre. Tampoco con la de aquel disco bizarro de Queen, uno de los favoritos de Alonso. La teatral estampa del álbum está inspirada en una obra de Verdi. El líder de Napoleón Solo pasó gran parte de su adolescencia encerrado en su dormitorio, en un huero pueblecito de Jaén. Escuchaba música –sí, también clásica–, tocaba y componía. Sin parar. Por rutina y por vicio. Hoy se defiende a la perfección con la guitarra, el bajo, los teclados, la batería, el clarinete, la tuba y el saxofón. Resumiendo: es un músico total. Cuando decidió armar el embrión de esta historia, El Mito de Sísifo, contaba con decenas de composiciones. Y ganó premios. Galardones que le colocaron en el mapa. Colaboró con Álvaro Tarik, su ídolo. Cambió el nombre del grupo por el de un tema de At The Drive-In. Éric Jiménez le echó el guante, hasta el punto de ser el batería titular de la formación. Sus maquetas fliparon a Javier Liñán, que no dudó en ficharlos para El Volcán después de ver cómo se las gastaron Napoléon Solo en

un concierto-examen en la sala Planta Baja de Granada. Alonso acaba de cumplir veinticuatro años. Apenas ha dormido tras una tarde en el tren y la rueda de entrevistas en Madrid. Se le observa tranquilo, con su proverbial gesto perdido en una terraza del centro de la capital de la Alhambra, a pesar de la responsabilidad y la expectación que despierta el estreno. “Nos sentimos afortunados de recibir el apoyo de músicos como J o Antonio Arias. Éric se ha convertido en nuestro batería por decisión propia. Le gustaba lo que hacíamos desde las primeras demos. Es una suerte para nosotros porque lleva muchísimos años en esto”. ¡Y tanto! Alonso no había nacido cuando el percusionista de Lagartija Nick y Los Planetas machacaba las baquetas en KGB. “Nos ha enseñado mucho, tanto a nivel musical como en la manera de trabajar y relacionarnos con la discográfica”. Poco, más bien nada, deja de enganchar en “Napoleón Sólo en la ópera”. Giros inesperados, brotes de imaginación y genialidades revestidas de ingenuidad. Suponemos que Alonso sufrió con

la criba, porque ha escogido entre medio centenar de canciones. Y damos fe de que se quedan fuera auténticas joyas. “Si algún día padecemos de sequía creativa, las rescataremos”, bromea el trasunto andaluz de Andrew Stockdale (Wolfmother). “Decidimos el repertorio entre todos. A mí, personalmente, casi que me daba igual. Había cuatro títulos seguros: ‘Hola, qué tal’, ‘Al final’, ‘Todo está cerca’ y ‘Siempre me lo recordarás’. ‘Tiene que acabar’ era un buen single. Nos han dado plena libertad en ese aspecto”. ¿Y qué tal la producción con otro

que escuchamos. Por eso nos censuramos a nosotros mismos. Intentamos encontrar nuestro lenguaje”. No obstante, el disco apasionará, seguro, a los amantes de burbujeos eléctricos y las melodías polícromas. “Cuando Jaime y yo probábamos sonidos con las guitarras, nos beneficiamos de abundantes recursos de la psicodelia. El estudio estaba lleno de chismes. Reinventábamos las ideas iniciales. La psicodelia es necesaria para crear la atmósfera de la canción”. Por otro lado, Alonso se desboca sin pudor en falsetes, agudos,

"Nos sentimos afortunados de recibir el apoyo de músicos como Éric, J o Antonio Arias" histórico como Fino Oyonarte? “Tiene muchos conocimientos. Vino a vernos actuar en Granada para saber lo que debía sacar de nosotros. Ha logrado registrar la chispa y la frescura de la banda. No se asustaba por nada, a pesar del bombardeo de pistas de nuestras maquetas. Es una persona muy activa y siempre daba pie a meter cosas”. “Napoleón Solo en la ópera” chocará a los que pretendan rastrear influencias evidentes. “Trabajamos a la manera inversa. Si alguien hace algo que recuerda a una canción, eso se elimina. No queremos imitar la música

rapeos y otros paroxismos vocales. ¿Un ejemplo? “Lolaila Carmona”, comparada, muy a su pesar, con el mismísimo Mika. “El mío no es un falsete como el de Mika o Freddie Mercury. Es un falsete mal hecho. Canto así porque lo que digo es absurdo. Hay mucha ironía”. ¿Y las letras? “Si tiro por un rumbo, prefiero llegar hasta el fondo. Cuento que quiero morirme o que quiero vivir más feliz que nadie”. ■ Eduardo Tébar “Napoleón Solo en la ópera” está publicado por El Volcán.

(MONDOFREAKO /16/ Mayo 2010 · MondoSonoro)

Amparo Sánchez Foto Archivo

Amparo Sánchez

De ida y vuelta Hacía tiempo que Amparo Sánchez buscaba un espacio más recogido en su música y, por qué no, en su vida. Amparanoia ha dado paso a un periodo reflexivo y purificador. Con “Tucson-Habana” la andaluza traza un círculo en el mapa de sus sonidos más íntimos en compañía de Joey Burns & John Convertino de Calexico.

omo quien se acerca a la luz del fuego para quedarse un rato absorta, sola con sus cosas y ante la tesitura de arrojar alguna carta amarga, parece afrontar Amparo Sánchez su nueva andadura. “Tucson Habana” empezó a fraguarse cuando Amparanoia todavía estaba en activo y seguramente cuando Amparo Sánchez empezó a notar el cansancio de un proyecto, grandioso, que le había dado todo pero que también le había absorbido hasta el último aliento. “Las canciones nacen en 2007, un año que decido no hacer gira con Amparanoia, y tomármelo sabático e irme a Granada, con mi familia. Allí, junto a Jordi Mestre y Carlos Díaz (Eskorzo) grabamos una maqueta y empezamos a plasmar con dos guitarras y voz la idea de este nuevo proyecto”. Aunque Amparo ya llevaba tiempo barruntando este concepto musical más íntimo y personal todo vino también por azar, y el germen de “TucsonHabana”, como no podía ser de otra manera, también obedece a los lances del destino. “Fue

un concierto en Canadá en el que coincidíamos con Calexico y en el que la mitad de la banda no pudo llegar y tuvimos que dar un concierto acústico que gustó mucho al público y a Joey y John especialmente, hasta el punto que después en el hotel les enseño las canciones que tenía hechas y ellos me proponen grabarlas juntos”. Todas las piezas parecían encajar, por un lado Amparo encontraba los artífices perfectos para dar forma a unas canciones que se adaptaban como un guante al timbre y la sonoridad que los de Arizona imprimen, por otro se hacía realidad una colaboración que estaba “cantada” desde hacía tiempo. Y es que la admiración que siempre se han profesado ambas partes ha sido recíproca. La primera cita era en Tucson, en los estudios Wave Lab, rodeados de cacharros analógicos, reverbs de cinta, guitarras de madera añeja y la magia necesaria para impregnar a esas canciones seminales, la sutilidad que Amparo buscaba en la producción de Calexico. “Tienen el don de adornar de una

forma elegante y a la vez sofisticada todo lo que tocan. Aun así tuvieron mucho respeto por lo que había ya grabado en las maquetas y se acoplaron, aportaron el broche final de la sonoridad”. Y es que pese a la desnudez de los temas, canciones como “Hoja en blanco” o “Corazón de la realidad” suenan enormes y orquestales. Amparo encontró allí esa nostalgia del desierto tejano donde se mezclan las músicas de frontera, la ranchera mexicana, el bolero y el blues. Estos temas ocupan la mitad del disco. Para

del caribe para estremecer el corazón y después venirse arriba con temas como “Apagón en la Habana”. “Hay gente que después de los conciertos se me acerca y me dice que es triste pero bonito. Son canciones con un ambiente triste pero hay algo de esperanza”. La mujer guerrera también llora y lo hace en forma de perlas que suenan como si te rozaran tímidamente. Y es que además de estos momentos Polaroid vividos entre Tucson y La Habana, el álbum está profundamente marcado por la época en la que su

"Calexico tienen el don de adornar de una forma elegante y a la vez sofisticada todo lo que tocan" la otra mitad se vuelven a encontrar, pero esta vez en La Habana, a propuesta de Amparo. Otra meca soñada por los tres protagonistas de esta especie de road álbum. “Siempre habíamos coincidido en nuestra devoción por el disco de Buena Vista Social Club así que les propuse ir a los estudios Egrem. Esta vez era yo la que les invitaba a descubrir una ciudad, La Habana, que ya conocía muy bien”. En Cuba además se encuentra con Omara Portuondo quien participa en “La Parrandita de las Santas”, “Si alguien me lo hubiera dicho hace unos años no lo hubiera creído”, confiesa. El son cubano, la brisa cálida

autora lo parió en el papel, sobre todo las canciones grabadas en Tucson. “Las letras son distintas en cada canción pero tienen como hilo conductor el tiempo en que fueron escritas. Yo atravesaba un momento personal duro y quizás mi tabla de salvación fue escribir estas canciones. Ahora, cuando las canto en directo, me llena de orgullo. Me emociono muchas veces, porque son mis cosas, lo que a mí me ha pasado”. ■ Arturo García “Tucson-Habana” está publicado por Pias

(MondoSonoro · Mayo 2010 /17/ MONDOFREAKO)

Antonio Galvañ (Parade) Después de una larga trayectoria con altibajos de popularidad, que no de calidad, Antonio Galvañ ha vuelto a la actualidad con dos lanzamientos que se sitúan entre lo mejor de su carrera. Descubramos cuáles han sido las influencias que le han convertido en lo que es a día de hoy.

Antonio Galvañ (Parade) Foto Archivo

DISCO

Young Marble Giants “Colossal Youth” (1980) Lo descubrí a finales de los ochenta, después de unos años haciendo música pop-rock con mi grupo de entonces, y me dejo anonadado. Tanto magnetismo con una instrumentación minimalista. Yo quería hacer algo así.

Meteoro “Chitty Chitty Big Bang” (1994) Un disco que por desgracia es un gran desconocido, para mí tan importante como “Un soplo en el corazón” para otros. Con muy pocos medios se puede expresar muy eficazmente todo un pensamiento musical completo. Vainica Doble “Heliotropo” (1973) Algunos dicen que no está al nivel de su debut, pero a mí me parece más entrañable. Seguramente porque lo compré primero. No hay que subestimar el primer disco que te apasiona de un grupo. Gino Paoli “Gli Anni sessanta” (1998) Me ha marcado totalmente su forma de cantar, las canciones inmensas que hay en sus discos, y la forma en que están arregladas. Muchas veces, el arreglo emociona tanto o más que la letra. Jimmy Webb “El mirage” (1977) Jimmy Webb en toda su plenitud compositora y vocal, producido y arreglado por Sir George Martin. Todo un monumento a la canción americana de autor. Orange Juice “You Can’t Hide Your Love Forever” (1982) Lo recuerdo meses y meses dando vueltas en el tocadiscos, familiarizándome con la voz extraña de Edwyn Collins, con esas guitarras y ese sonido tan amateur. Un disco que escuchado con diecisiete años te propina un golpe mortal. Elvis Costello And The Attractions “Imperial Bedroom” (1982) Yo no sabía entonces nada del Elvis Costello new wave. Fue el primer disco de él que compré y me sorprendió la exuberancia de los arreglos. Es un disco variadísimo con enormes canciones. Prefab Sprout “Jordan: The Comeback” (1990) He sido siempre un apasionado seguidor de Paddy McAloon, incluso cuando los que hoy le tratan de Maestro le tachaban de comercial y vendido. Para mí este es su álbum más completo, el más homogéneo en cuanto a brillantez de las canciones y la producción. Chabuca Granda “Criollisima” (1999) Una recopilación que me introdujo en el cancionero de esta gran dama de la música latinoamericana. Me parece un ejemplo perfecto de cómo se puede estilizar el folklore sin traicionar la esencia popular. ■

High On Fire

Más allá del trueno Se ha dicho de ellos que son los nuevos Black Sabbath o Motörhead, que son “una de las mejores bandas que veréis jamás en directo”; y Metallica les ha elegido como teloneros para su inminente gira europea. Algo tendrá este trío apisonadora para estar en boca de todo el mundo. Su último disco, “Snakes For The Divine”, nos brinda sus argumentos

pesar de la extrema crudeza de su propuesta, High On Fire se han convertido en uno de los nombres metálicos que más repercusión ha adquirido recientemente dentro y fuera del género. Surgidos en 1998 de las cenizas de Sleep, la banda capitaneada por el incombustible Matt Pike ha ido construyendo, disco tras disco, un nombre imprescindible para entender el metal actual. Tras un notorio debut, “The Art Of Self Defense”, las cosas empezaron a tomar verdadero impulso con “Surrounded By Thieves”, con cuya gira nos visitaron acompañados por unos primerizos Mastodon; pero fue sobre todo a raíz de la repercusión de “Blessed Black Wings” y “Death Is This Communion” –mejor disco de metal de 2007 según MondoSonoro-, que la formación logró alcanzar por méritos propios su actual estatus de banda reverenciada más allá de los confines del género. El grupo regresa ahora con “Snakes For The Divine”, quinto álbum de estudio que abre su paleta de registros para abrazar pasajes cercanos a los autores de “Leviathan” (el tramo central de “Frost Hammer”), armonías de guitarra á là Maiden, estribillos más melódicos de lo habitual y alguna que otra pieza casi ambiental como “Bastard Samurai”. “Iron Maiden y Judas Priest están entre mis influencias de siempre, como Jimi Hendrix, Exodus o Black Flag, pero fue todo muy espontáneo. Cada uno vino con sus ideas, las trabajamos y vimos que las armonías encajaban”, explica Matt Pike con una voz cada vez más rota. La última vez que le entrevisté el cantante sudaba griposo en el backstage de BeCool. Hoy tiene la garganta

aun más jodida y escupe breves frases cacofónicas. “Hemos intentado potenciar algunos elementos vocales para que fuera más sencillo retener las melodías, que no te olvidaras de ellas al minuto de terminar la canción”. Son necesarias pocas escuchas para darse cuenta que lo han conseguido. “Este es un disco muy equilibrado, con partes más diferenciadas pero que siguen cuadrando. La producción también ha jugado un papel importante”. Hablando de créditos, Jack Endino ha sido relevado por Greg Fidelman, ingeniero de confianza de Rick Rubin y respon-

Alchemist y una larga lista de artistas de hip hop y r&b. Resulta complicado imaginar a artistas en la estela de Beyoncé sacando portadas cercanas a la imaginería de “Conan” y “Excalibur”, o cantando acerca de reptiles alados surgidos del averno. “En mis letras suelo hablar de historias y seres mitológicos, de civilizaciones que existieron hace siete mil años, de pasajes bíblicos, de los primeros humanos sobre la faz de la tierra… ese tipo de cosas”. Todo ello proferido por una voz ya inconfundible, mezcla de Lemmy Kilmister y Mille Petrozza. “Supongo que es lógico, Kreator y Motörhead están entre mis bandas favoritas”. De todo ello surge un cóctel de destrucción masiva armado por Pike, el batería Des Kensel y el ex bajista de Zeke, Jeff Matz, sin aparentes reglas ni preproducciones excesivas. “Hacemos planes, ¡pero el resultado no suele parecerse demasiado! (risas). Nos gusta improvisar, aunque me resulta un poco complicado explicar el proceso”.

"Hemos crecido en el underground y nos enorgullecemos de cada jodido riff que hemos grabado" sable del sonido de las últimas entregas de Metallica y Slayer. “Greg es muy meticuloso y ha hecho crecer, literalmente, nuestras canciones”. El resultado es un sonido eminentemente orgánico, criticado por algunos, no sin razón, por pulir demasiado ciertas asperezas. Al otro lado de la balanza hallamos un disco más rico y variado, y con un sonido aún cien por cien High On Fire que abre nuevas y estimulantes posibilidades. “La actitud es ‘joder, vamos a tocar esta mierda! Somos capaces de hacerlo!’”. Fruto de esa ambición debemos ubicar el salto del grupo desde el sello Relapse a Century Media en Europa, y a E1 Music en Estados Unidos, donde comparten protagonismo con Hatebreed, Satyricon e In Flames, aunque también con Sinéad O’Connor,

Tampoco sabe exactamente cómo encajar los elogios. “Ahora nos damos cuenta de cuánto hemos aprendido. Pero hemos crecido en el underground y nos enorgullecemos de cada jodido riff que hemos grabado. Creo que nuestros discos son cada vez mejores. En el momento en que no lo sienta, las cosas empezarán a ser más jodidas”. ¿Y qué hay de Sleep, su anterior y vanagloriada banda? “Haremos alguna fecha en septiembre” –en el festival All Tomorrow’s Parties de Nueva York-, “pero mi principal preocupación ahora mismo es High On Fire”. ■ David Sabaté “Snakes For The Divine” está publicado por Century Media.

High On Fire Foto Archivo

Aventuras de Kirlian “Aventuras de Kirlian” (1989) Para mí, eran la respuesta española a Young Marble Giants. Una verdadera revelación, pues andaba por entonces dándole vueltas a cómo hacer algo así cantando en castellano. Un camino a seguir.

(MONDOFREAKO /18/ Mayo 2010 · MondoSonoro)

We Have Band Foto Archivo

We Have Band

Un secreto a voces Thomas, Dede y Darren abandonaron la oficina en la que trabajaban y dieron rienda suelta a su creatividad llevando los mandos de una banda indietrónica que, como demuestra “WHB”, no pretende vivir únicamente de himnos destinados a la pista de baile.

rabajaban en una oficina y ensayaban sus prematuras composiciones sin decirle nada a sus allegados. Meses más tarde, la blogosfera y la imaginería del stop-motion de “You Came Out” hizo el resto. El grupo está compuesto por el matrimonio formado por Thomas y Dede junto a Darren Bancroft, quien nos despeja todas las dudas acerca de esta banda londinense que no pretende emular las andanzas de ninguno de sus artistas fetiches. O, al menos, eso dicen. “Las comparaciones siempre son graciosas. Honestamente, no prestamos mucha atención a lo que se diga de nosotros. Nuestra prioridad es crear música y, después, los que quieran que hagan comparaciones. Oímos desde Liquid Liquid hasta Björk, pasando por todo lo que edita DFA. Pero aunque nos fascine su trabajo no nos hemos sentido influenciados directamente por ninguno de ellos. No tenemos ningún líder ni nadie que ejerza de letrista exclusivamente, lo hacemos los tres del mismo modo, así que el resultado es una mezcla de lo

que nos agrada. Al no seguir un camino concreto en las canciones nos hemos sentido libres de hacer todo aquello que nos apetecía”, comenta Bancroft (batería y percusionista). Pero volviendo a los inicios, ¿cómo surgió la idea de crear We Have Band? “Los tres trabajábamos juntos. Dede y Thomas se casaron hace cuatro años y, desde entonces, hemos sido grandes amigos. Al principio de todo quedábamos en su casa para tocar. Cenábamos algo, nos tomábamos unas copitas y componíamos temas sin que absolutamente nadie lo supiera. Era como una especie de secreto. Esta tónica la seguimos durante ocho meses hasta que decidimos hacer los primeros directos”. De todos modos, hubo un golpe maestro para que todo se convirtiese en la realidad que We Have Band es hoy día. “Thomas y yo habíamos probado hacer algo juntos a diferencia de Dede, quien no había pisado un escenario en su vida. Al inicio de todo, Thomas no encontraba la inspiración y Dede le propuso echarle un cable para

retomar las buenas vibraciones necesarias para componer algunos temas. Una vez ella comentó que podríamos trabajar todos juntos nació We Have Band”. Aunque todo el trabajo sucio lo ejecutaron desde casa de la pareja, lo cual “fue perfecto para trabajar sin presión”, la banda contó para su debut con la producción de Gareth Jones (Depeche Mode, Interpol). “Durante cuatro semanas estuvimos en el estudio con Gareth, que se dedicó a mezclar el disco. Fue el candidato perfecto por su larga

társelo a las discográficas. Al sello Naïve le encantó el resultado cuando lo oyó, así que decidimos fichar por ellos. Eso sí, estar en una independiente es genial”. Si dejamos de lado singles como “You Came Out” o “Divisive”, el rock bailable y efectivo de We Have Band transpira un aire mucho más introspectivo y oscuro (para muestra “Centrefolds & Empty Screens”) de lo que algunos presagiaban. “Todas las canciones fueron escritas durante el mismo periodo, pero lógicamente nos hemos decantado para

"El contraste entre luminosidad y oscuridad es uno de los elementos que más nos ha interesado explorar" trayectoria y entendió a la perfección que no podíamos ofrecerle mucho dinero ni pretendíamos que cambiara drásticamente nuestro sonido respecto lo que buscábamos. Además, Gareth es quien mezcló lo último de Grizzly Bear, y nos encantó cómo lo hizo”. Al predicar que sois unas almas libres, es de suponer que fichar por Naïve o aparecer en el séptimo volumen de la serie de recopilatorios “Kitsuné Maison” puede haberles influido de alguna manera. “No en exceso. Autofinanciamos la grabación y el álbum antes de presen-

escoger como singles aquellos temas cuya respuesta en las radios podría ser más efectiva. El contraste entre luminosidad y oscuridad es uno de los elementos que más nos ha interesado explorar, así que espero que el público entienda el álbum como un todo propio y consistente”, finiquita Bancroft. ■ Sergio del Amo “WHB” está publicado por Naïve. We Have Band estarán actuando en Madrid (12 mayo) y Barcelona (13 mayo).

(MondoSonoro · Mayo 2010 /19/ MONDOFREAKO)

confidencial NO

Belén L-kan (Bla) proyectos, Belén L-kan anda también al frente de Bla, que acaban de publicar “La mejor enfermedad” (Elefant, 10), lo cual no significa que no vaya a tener tiempo para contestar a nuestras preguntas más odiosas. ¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito? Esta pregunta es muy dificil... Hay muchas... “Azurro” de Paolo Conte la que sí, o muchas de Ramones, y la que no, hay tantas... No sé… Cualquier canción buenrollera con la palabra "earth". ¿Qué piensa tu familia de tu música? A mi madre en concreto le encanta cualquier cosa que haga, en especial si sale en algún medio. Si un día saliera en el telediario por atracar un banco también estaría contenta. ¿Cuál es el último libro que has leído, la última película que has visto y el último disco que has comprado? Estoy leyendo “Ruido de fondo” de Don De Lillo, La película, “Un hombre soltero”, y el disco “Contra” de Vampire Weekend por iTunes. Y el próximo, cuando salga el Ep de Regiones Devastadas me lo voy a comprar. Después de quince años haciendo el cafre sobre un escenario aparecéis disfrazados de amish en la portada del disco de Bla. ¿Me puedes explicar por qué? ¡Quince años no! Diez. Ya sabes, en su madurez muchos artistas abrazan una religión, Leonard Cohen el budismo, Cat Stevens se hizo musulmán, Madonna la cábala y a nosotros nos ha dado por los amish que son los que tienen más estilo vistiendo. Es viernes noche en Madrid y tengo que decidirme por irme de discoteca al Ochoymedio, el Nasti y el Low? ¿a cuál tengo que ir? ¡Por Dios, ve al Nasti o al Low! En el Ocho seleccionamos a nuestro público, ¿qué te crees? ¿Luis y tú sois mejores como grupo o ejerciendo de promotores musicales en el Ochoymedio y el Elástico? Luis y yo somos buenos en todo lo que hacemos. Juntos y por separado. Sólo tengo dinero para comprarme un disco y tengo como opciones el de Bla y uno de Lkan. Dime cuál me tengo que comprar. Cómprate el de Bla, que es el último. Además los de L-kan están casi todos descatalogados y te va a salir más caro. ¿Cuál es el personaje más famoso que se cuenta entre tus seguidores? Pues yo creo que Lucía Etxebarria y Manuel Delgado, un antropólogo, que suele hablar en “La ventana” de Gemma Nierga. ¿Es verdad que después de la experiencia en el concierto Demoscópico de MondoSonoro de hace unos meses no vais a hacer un concierto acústico en vuestra vida? Je je, qué graciosillo, hombre... Al revés, nos hemos planteado no llevar bases nunca más.... O llevarlas en tres formatos. ¿Qué le dirías a uno de esos fans tuyos que tiene tus discos pirateados? Pues que a los grupos nos hace bastante ilusión saber que la gente se compra el disco, que si no es mucha molestia y no le viene muy mal, que se lo compre. ■

The Radio Dept

Estática hipnótica Tras pasar casi dos años esperando su momento, por fin se publica “Clinging To A Scheme”, trabajo definitivo del grupo sueco The Radio Dept, que les devuelve a la vanguardia de buscadores del tesoro pop.

l rey Luis XVI desciende de su carroza y fríamente abraza por primera vez a su futura esposa María Antonieta, antes de clavar la mirada en el suelo. De repente, puntuando la emotividad del momento, comienza a sonar “I Don’t Like It Like This” de The Radio Dept: se trata de la escena de la película de Sofia Coppola que sirvió de tarjeta de presentación ante el mundo del trío sueco. Cuatro años después, Martin Larsson (bajo) intenta justificar por qué su tercer largo ha tardado tanto en publicarse, pese a llevar grabado desde hace tiempo. “No creo que estuviésemos listos para publicar el álbum en 2008. Nos paramos a pensar qué buscábamos y decidimos seguir experimentando. Y ya tenemos nuevo material, trabajamos continuamente”. En el año en que grupos como Beach House o Lali Puna, cada uno en sus propias coordenadas, nos han devuelto a los paisajes cautivadores de la melodía ensimismada, no hay panorama mejor para la aparición de este “Clinging To A Scheme”. Un disco que pasa el pop por un filtro casi tropical en la irresistible “Heaven’s On Fire”, lo cruza con R&B última generación en “David”, le da un toque jamaicano en “Never Follow Suit” y crea un par de piezas a la altura de los Peter Hook y Bernard Sumner de los buenos tiempos (“This Time Around” y “The Video Dept.”), para cerrar el álbum con la mejor canción que pudieran componer Yo La Tengo, “You Stopped Making Sense”. Una pléyade de influencias de las que el grupo se muestra orgulloso. “Amamos la música. Y probablemente sólo un estúpido egocéntrico pensaría que puede hacerla sin estar influido por nada más”. No

hay prejuicios: la propia cara B de su nuevo single es una versión de la canción de Sade “All About Our Love”, más cercana a su universo de lo que cabría pensar. Si hay un hilo conductor que conecte su nuevo trabajo es, ante todo, una calidez que se echaba a faltar en su obra previa, y que contradice la imagen de conjunto de estudio que ellos mismos han contribuido a crear. En un momento en que las producciones actuales congelan el sonido, The Radio Dept. consiguen que hasta una caja de ritmos suene cercana, para entregar un puñado de las canciones más sensuales de lo que llevamos de año. “Esa ha sido nuestra ambición principal. Conseguir una continua

primer disco y quizá lo mejor que hayan publicado jamás, y “Freddie And The Trojan Horse”, el paso previo a este nuevo álbum. “Si por mí fuese sólo publicaríamos EP’s. Es mi formato preferido. Hoy en día es imposible, pero quién sabe qué nos deparará el futuro de la industria. En un EP sólo tienes cinco canciones, sí, pero puedes experimentar con ellas todo lo que quieras. Diez canciones son demasiadas”. La banda nunca ha renunciado a un compromiso político más cercano, como explica Martin, al de la ética individual que al del activismo puro y duro. De hecho, “Heaven’s On Fire” se abre con la voz de Thurston Moore clamando contra los peligros del capitalismo para la cultura juvenil, sacado de la película “The Year Punk Broke”, aquel documento de la gira conjunta de Sonic Youth y Nirvana en 1991. “Estamos de acuerdo con la frase, pero al mismo tiempo hay algo de coña en

"Tratamos de huir conscientemente de las comparaciones con JAMC y la clasificación como grupo shoegazer" calidez en el sonido, que suene humano aunque haya un montón de capas de distintos instrumentos”. Curiosamente, cada vez queda menos de las guitarras saturadas que marcaron su debut “Lesser Matters” en el año 2003. “Se puede decir que tratamos de huir conscientemente de las comparaciones con The Jesus And Mary Chain y la clasificación como grupo shoegazer. A la gente le gusta establecer esa clase de comparaciones y queríamos desmarcarnos de ello. Es como empezar de nuevo con este disco”. Desde entonces, los suecos han publicado un larga duración, “Pet Grief”, inferior a lo que cabía esperar, e infinidad de EPs, entre los que destacan “Pulling Our Weight”, prolongación perfecta de su

ello, por esa seriedad de Thurston al pronunciarlo. Pero en el fondo estamos con él”. Una última anécdota: tanto Martin como el cantante y guitarrista de la banda, Johan Duncanson, compaginan su banda con su trabajo en un hospital psiquiátrico. ¿Alguna enseñanza vital que haya extraído de ello? “Ninguna realmente, no ha sido algo que haya cambiado mi vida radicalmente. Aunque bueno, quizá me haya enseñado a no confiar demasiado en la gente”. Y tras una breve pausa, Martin lanza una seca, sarcástica carcajada. ■ Héctor G. Barnes

“Clinging To A Scheme” está publicado por Labrador/Popstock!

The Radio Dept Foto Archivo

Belén L-kan (Bla) Foto Archivo

◗ De ◗ vida ajetreada a causa de mil

Stone Temple Pilots Foto Chapman Baehler

(MONDOFREAKO /20/ Mayo 2010 · MondoSonoro)

Stone Temple Pilots

nuevos tiempos De algún modo, Stone Temple Pilots siempre han nadado contracorriente. Acusados primero de ser una burda copia de Pearl Jam o Alice In Chains, los de San Diego tuvieron que ganarse el respeto del público a pulso. Un respeto que “Stone Temple Pilots” logra mantener intacto.

es costó muchos esfuerzos que se les considerase una banda con identidad propia. No fue sencillo al principio, pese a que las ventas les acompañaron, pero aquí están. “Core” fue su disco más grunge, en “Purple” firmaron sus melodías más contagiosas y sus hits más directos. A partir de ahí, se acercaron al hard rock, al pop, al glam o incluso a la psicodelia. Y parece que, también en “Stone Temple Pilots”, con el single “Between The Lines” al frente, hay una intención clara de sorprendernos con una visión distinta de su estilo. “Cada disco tiene trazadas unas líneas. Artísticamente tenemos una reputación, un estílo, pero procuramos no repetirnos, ser ingeniosos, que cada vez que entregas material nuevo sientas que la mierda que estás dando a la gente les guste”. Le cito un lista de inluencias, desde el pop de los setenta hasta la etapa glam de David Bowie, que salen a la luz en “Cinnamon” o “Bagman”, como ya lo hicieron antes en discos como “Tiny Music… Songs From The Vatican Gift Shop” y “Shangri-LA DEE DA”. “Entiendo que veas esas influencias, ya que son evidentes, pero

lógicamente yo voy a hacer otro análisis. Este es nuestro disco más country, debido a canciones como ‘Huckleberry Crumble’ o ‘First Kiss On Mars’, pero no country en el sentido más tradicional del término”. Y ahora Stone Temple Pilots se enfrentan al mundo sin necesidad de contar con el cotizado Brendan O’Brien, quien les ha acompañado en la inmensa mayoría de sus trabajos previos. “El disco lo hemos producido entre mi hermano y yo, y en general ha sido todo muy diferente, ya que lo grabamos en un puñado de semanas intercaladas entre una gira de ocho meses”. La escena internacional ha cambiado y muchos continúan considerando a Stone Temple Pilots representantes de la escena alternativa de los noventa. Podría dar la impresión de que no fuesen a encajar en los tiempos que corren, pero nada más lejos de la realidad. En Estados Unidos hay expectación, han sido portada de Billboard y se les considera ya un clásico del rock estadounidense. Y el conflicto con su discográfica no ha hecho sino añadir morbo al asunto. “El negocio de la música está podrido. Esto es una catástrofe, así

que pasará lo que tenga que pasar. Nuestra tranquilidad es que ahora las giras funcionan muy bien, se venden un montón de tickets, es ahí donde hay negocio. La gente está desubicada, desaparecen sellos cada día, ya nadie confía en nada. La situación es muy distinta ahora que en los noventa, un período hermoso, con mucha energía, con bandas que brotaban a diario. Ahora todo es gratis para todo el mundo, y así es muy complicado dictaminar qué escenas dominan, qué grupos se están comiendo el

Ahora mismo está en la cocina, y es a él a quien estás escuchando gritar, aunque le vigilo por si hace alguna gamberrada (risas)”. Stone Temple Pilots están de vuelta. Y aunque han estado durante un lustro en el dique seco (desde el recopilatorio “Thank You”), ellos no han dejado nunca de tocar y siempre han tenido tiempo para otras aventuras: en solitario y con Velvet Revolver (Weiland) o Talk Show y Army Of Anyone (junto a Richard Patrick, ex Filter, los hermanos DeLeo). “Para mí, ‘Title Of Record’ de Filter es uno de los mejores discos que he escucha-

"Ahora todo es gratis para todo el mundo, y así es muy complicado dictaminar qué escenas dominan" mundo. Nosotros vendimos diez millones de discos, eso ahora sería estúpido, no podemos aspirar a cosechar esas cifras de nuevo. Nos tenemos que adaptar”. Las cosas no son fáciles, pero nadie dijo que siempre lo fueran. Sin ir más lejos, el conflicto contínuo entre el guitarrista Dean DeLeo (nuestro interlocutor) y Scott Weiland originó en el pasado muchos roces en el seno de la banda que, de momento, parecen controlados. “Scott fue un chico malo anoche, pero hoy parece que está feliz. Como todos los demás, está satisfecho de que Stone Temple Pilots estén de nuevo en órbita.

do en mi vida. Grabar con él, experimentar juntos, fue algo absolutamente maravilloso. Comercialmente no funcionó, aunque tampoco era ese el objetivo. Tener la oportunidad de colaborar con otros músicos es lo que realmente nos motivaba del proyecto. Aunque no te voy a engañar si te digo que me hubiese gustado vender más discos y tener más repercusión”. ■ Toni Castarnado “Stone Temple Pilots” se publica el próximo 25 de mayo vía Atlantic/Warner.

(MondoSonoro · Mayo 2010 /23/ MONDOFREAKO)

Cocorosie Foto Matt Greene

Cocorosie

Las chicas con las chicas Su fama de raritas no es casual. Desde que se dieran a conocer con aquel inclasificable “La Maison de Mon Rêve”, las hermanas Cassidy han recorrido diversas vías de experimentación, aunando en cada trabajo riesgo, originalidad, pasión y esa personalidad suya tan característica. “Grey Oceans”, su última apuesta, no iba a ser una excepción.

ntes incluso de encender la grabadora una ya puede intuir que entrevistar a Cocorosie va a ser, cuanto menos, diferente. Miran directa y profundamente a los ojos pero hablan poco y despacio, alargando los silencios hasta convertirlos en desconcertantes pausas dramáticas. Lo primero que llama la atención de ellas es encontrarlas caracterizadas al igual que en la portada de su último trabajo. Sierra, en concreto, luce cejas verdes, barba azul, gorro de elfo y motivos medievales; como medieval es, en cierta manera, el espíritu que envuelve su último trabajo y cuarto larga duración de su carrera. “El álbum tiene una esencia medieval que se transmite no sólo con las canciones, sino también a través de nuestras ropas, hechas a mano, o de los cristales (declaración que Sierra apoya señalando el que lleva suspendido sobre la frente, en forma de lágrima). Todos esos elementos han jugado un papel fundamental en el

▲Continúa subiendo BECK por su serie “Record Club”. Después de atreverse con The Velvet Underground, Leonard Cohen y Skip Spence con la ayuda de un montón de amigos, esta vez se enfrenta al “Kick” de INXS.

ambiente de la grabación”. Pero quizás el factor más determinante en esa recreación de una sensibilidad propia de otra época haya sido el origen de “Undertaker”, canción incluida en el disco que proviene de una vieja grabación de su madre encontrada en un garaje. “Apenas entendíamos lo que decía, pero el sentimiento que transmitía nos llegó muy dentro, como si nos hablase directamente a nosotras, descubriéndonos un nuevo mundo desconocido”. Ese descubrimiento no surgió hasta mitad de grabación del álbum, pero influyó profundamente en el resultado del mismo. “Cuando comenzamos a grabar la idea era hacer algo bailable y muy directo pero, poco a poco, todo comenzó a volverse más oscuro y melancólico”. Cualidades que ellas identifican con elementos como el humo o el fuego y que se repiten a lo largo del álbum. “El humo funciona como una metáfora del espíritu, de aquello

▲Suben los metaleros madrileños HAMLET, uno de nuestros grupos más emblemáticos del género, por protagonizar una gira europea junto a Sepultura.

que no es material. Nos interesaba mucho trabajar sobre el concepto del crepúsculo, de ese espacio que hay entre las cosas, pero no solo entre el día y la noche sino más bien entre la vida y la muerte”. Musicalmente, esto se traduce en canciones fuertemente marcadas por el protagonismo del piano, así como del hombre detrás de este instrumento, Gael Rakotondrabe, pianista de Isla Reunión y nuevo miembro de la banda cuya importancia es este disco se

trabajo”. ¿Y ahora qué? “Ahora volvemos a ser vagabundas, todas nuestras cosas están en maletas y nos espera una larga gira mundial”. Desde el lanzamiento de su primer disco, Cocorosie han conseguido convertirse en una suerte de anti-popstars con capacidad para atraer a una gran masa de público en casi cada ciudad del mundo. Una fama a la que, sin duda, han ayudado sus colaboraciones con amigos como Antony And The Johnsons (quien les teloneó

"El álbum tiene una esencia medieval que se transmite no sólo con las canciones" esfuerzan por resaltar ambas hermanas. “Ha sido una inspiración fundamental, casi mágica, para nosotras”. Pero el de Gael no es el único nombre que adquiere especial relevancia en este disco, Nicolas Kalwill (reputado ingeniero de sonido afincado en Buenos Aires) fue el responsable de frenar a las incansables nómadas y conseguir que grabasen gran parte del álbum en el estudio Panda. “Es un lugar lleno de aparatos vintage muy difíciles de encontrar hoy en día y nos ofrecía justo lo que necesitábamos para el sonido que queríamos conseguir con este

▲Sube EL ESTAFADOR, la página de tiras cómicas en la que participan buena parte de los dibujantes más irónicos e interesantes de nuestro país. www.elestafador.com

en su primera gira española) o Devendra Banhart. Pero no parece que este particular éxito les haya hecho incrementar la confianza en sí mismas, más que nada porque nunca les ha faltado. “Siempre hemos hemos estado muy seguras de nosotras y de lo que hacemos, quizás porque nunca hemos esperado nada del resto del mundo. Nosotras soñamos para nosotras mismas”. ■ Cristina V. Miranda

▲Suben los premios POP-EYE y no solamente por habernos premiado como mejor publicación musical, sino por su esfuerzo en reconocer el trabajo de artistas y profesionales.

SUBEN ▲

tBaja Adam Young, más conocido como OWL CITY, por haber vendido por 430 dólares a su mascota (un hámster) en la sección de merchandising de su web oficial.

“Grey Oceans” está publicado por Pias.

▲Sube la revista musical y cultural ZONA DE OBRAS que celebra este mes sus primeros quince años de trayectoria, apostando “por la cultura y de manera independiente y alternativa”.

▼ bajan tBaja MondoSonoro por haber publicado una portada errónea de “Congratulations” de MGMT. El tema tiene aún más delito, porque se trata de una obra especial firmada por el pintor surrealista pop Anthony Ausgang.

tBajan las SUSPENSIONES de conciertos a causa de la maldita nube volcánica. Se han ido al garete las actuaciones de Client, Airbourne, Fanfarlo, Suite Festival...

tBaja la campaña de publicidad del nuevo disco de ERYKAH BADU por cargar las tintas en un “escándalo” que le ha reportado una pequeña multa.

tBaja QUICO ALSEDO, redactor de la web de El Mundo, por querer convertirse en un enfant terrible de la crítica musical obviando cualquier tipo de rigor.

MondoSonoro · Mayo 2010 /25/

ENTREVISTA

Lori Meyers Foto Archivo

Lori Meyers

Hagan sitio Tras el laureado “Cronolánea” (Universal, 08), lejos de encajonar sus canciones en una fórmula hermética de éxito, los granadinos se remangan y asumen el riesgo de introducir en su partitura novedades en letra y música. “Cuando el destino nos alcance” es una inversión de futuro para una banda consciente de su mayoría de edad.

esde que empezaron a filtrarse los primeros temas del cuarto disco de Lori Meyers, incluso antes de haberse escuchado una sola nota del mismo, la militancia indie se había enfrascado ya en profundos debates sobre la idoneidad de los cambios introducidos por los granadinos en sus canciones. Se ha hablado por ejemplo, de un disco con mucha presencia electrónica, más bailable y menos supeditado al troquel estrofa-estribillo. Si a esto añadimos unos textos menos recurrentes y más personales, con todo lo que ello conlleva, y la elección de un productor, Sebastián Krys, acaparador de premios Grammy (Shakira, Rabanes, Volovan…), no cabe duda que el nuevo disco es un salto mortal sin red. Por eso lo primero que toca preguntarles es quién les manda meterse

cubriendo nuevas posibilidades en nuestra música”. Para afrontar ese viaje iniciático al futuro han contado con un productor experimentado y lógicamente más conocido por sus trabajos en el mainstream latino que por sus otras producciones más independientes –echen un ojo por ejemplo Jacob Jeefries Band-. “Él mismo (Sebastián Krys) nos dijo que su nombre en los créditos podía afectar a la opinión que pudiera hacerse la gente sobre el disco, aunque creo que no es más que desconocimiento y prejuicios, algo que afortunadamente nosotros mismos nos vamos quitando de la cabeza a medida que trabajamos con gente cada vez más profesional”. Y así es, el disco está cuajado de guiños al revival, de sintetizadores ochenteros, de

“He leído por ahí que hemos hecho como Dover, y nada más lejos” en este jardín después de firmar su obra maestra y de estar cómodamente instalados en el Olimpo del indie nacional. “Teníamos dos opciones: hacer un disco correcto y hermético a imagen y semejanza de lo que nos ha funcionado hasta el momento y así asegurarnos un éxito relativo, o intentar avanzar artísticamente como proyecto musical y dar un paso más, llámalo riesgo, pero firmar canciones que en el futuro por lo menos nos den la satisfacción de haber abierto un horizonte propio y personal”. Claramente en “Cuando el destino nos alcance”, el mismo título del disco contiene un mensaje velado en este sentido, han optado por la segunda opción. “Cronolánea” fue su primer trabajo en una ”major” y pese al éxito era un disco en el que el cuarteto, ahora sexteto, nadó y guardó la ropa. “Se nos quedaron muchas cosas en el tintero porque anduvimos expectantes al ser la primera vez que trabajamos para una multi. Ahora tocaba dar una vuelta de tuerca a las canciones, probar cacharros nuevos y sobre todo disfrutar des-

texturas nuevas, de recursos de esos que aparecen como prohibidos en el libro de estilo indie. Por ejemplo esos violines a lo “Vacaciones en el mar” de “Explícame”, un gusto que se han dado en todo el disco. “Con algún que otro arreglo nos ha dado la risa tonta mientras lo grabábamos porque nos molaba y a la vez sabíamos que iba a levantar suspicacias”. Este jugueteo con los samplers, algunos lo han llevado hasta el extremo de hablar de un disco escorado al electro pop sobre todo conforme vio la luz “Mi realidad” su primer single. “He leído por ahí que hemos hecho como Dover, y nada más lejos. ‘Mi realidad’ por ejemplo es una canción con batería y ritmos rock aunque tiene texturas electrónicas que se mezclan con la música de forma muy sutil. La verdad es que no se puede decir que hayamos hecho un disco electrónico ni mucho menos”. Aun así el que esperaba el disco de Lori Meyers más movidito no va desencaminado, siempre depende de cómo se mire claro. “Es más bailable sí, pero es que yo (Noni) bailo Phil Spector y Band Of Horses”.

Otra cosa es que la mayoría de las canciones tienen su origen en el teclado como instrumento de composición, así que el germen de muchos temas son patrones en lugar de estructuras hechas con una guitarra acústica. “Esta manera de componer es más complicada pero te ofrece nuevos recursos, nuevos diálogos entre los instrumentos, capas, silencios… y por lo tanto, que las nuevas canciones no recuerden a otras, que es lo que pasa si sigues siempre el mismo método compositivo”. Y ya que estamos en el terreno del lápiz y el papel vamos a ahondar en otro de los giros destacables que este disco puede suponer en la carrera de Lori Meyers: el peliagudo asunto de las letras. Para empezar los firmantes ya son tres, a Noni y Alejandro (nuestros

temas como “Nuevos tiempos” y más obtusos en los citados cortes sobre temas mundanos. En este repaso sobre lo más novedoso de “Cuando el destino nos alcance” hay que hacer mención al aspecto orgánico de la banda. Es justo hacer referencia a las incorporaciones que Lori Meyers ha tenido en los dos últimos años y que le han permitido afrontar un disco complejo en cuanto a su ejecución, tanto en el estudio como en el directo. “En la última gira de ‘Cronolánea’ éramos ya seis en el escenario y desde entonces nos dimos cuenta de las posibilidades que tenía el grupo de cara al nuevo disco”. Si queremos resumir todo lo dicho, nos hubiera bastado, aunque suene tópico, con analizar el nombre del disco, “Cuando el destino nos

“No podemos hacer ‘Cronolanea’ y acto seguido sonar a Animal Collective, hay que ir paso a paso” interlocutores en esta entrevista) se les une, con éxito por cierto, Alfredo, que con “Ventura” debuta con la pluma. La otra novedad afecta directamente al guión, ya no se trata de horóscopos aplicables a cualquier mortal sino que se atreven a avalar con sus canciones, posicionamientos personales sobre temas abruptos para el pop, propios de músicas más contestatarias, como el poder de la televisión (“Religión”) o el consumismo (“Enhorabuena, eres el que tiene más”) y que requieren mayor destreza en el arte de juntar palabras. “Creo que ya tenemos una edad y somos un grupo que hemos seguido un camino y ahora nuestras canciones nos pedían abordar otros temas y humildemente sabemos que en algunas canciones lo hemos conseguido y en otras a lo mejor la hemos cagado, pero de eso se trata, de aprender de nuestros propios errores y avanzar”.

sta apuesta a corazón abierto es valiente, sobre todo para un grupo que siempre ha perseguido la musicalidad de sus canciones sin buscar mayor calado en los textos. “No aspiramos a que todo el mundo se identifique con nuestras letras porque son más un acercamiento a la persona que las ha escrito. Soy yo y nadie más, igual te es interesante lo que pienso o igual no”. El veredicto es desigual según las canciones, más agudos se muestran con la ironía, si efectivamente la hay en

alcance”, traducción del título de la película de Richard Fleischer “Soylent Green” (1973), cinta de ciencia ficción basada en la novela de Harry Harrison “Hagan sitio, hagan sitio” y basada en una sociedad utópica desde un punto de vista apocalíptico y es que algo verían Noni, Alejandro, Alfredo y compañía en su futuro para emprender estos cambios. El disco de Lori Meyers se asemeja a esa estética de las películas futuristas del siglo pasado que aunaban clasicismo elegante, los granadinos siguen deslumbrando con estribillos brillantes y bien construidos, y esa especie de orfebrería cibernética de look retro de la que también hacen gala con el sonido cincuentas de “Corazón elocuente” o “Rumba en Atmósfera Cero” (otro western del espacio). La película de Fleischer causó un gran impacto en la cultura popular, Lori Meyers se han mostrado más cautos a la hora de remover los cimientos de su música. “Este disco supone un cambio pero natural, no podemos hacer ‘Cronolánea’ y acto seguido sonar a Animal Collective, hay que ir paso a paso, aunque si es cierto que hemos dejado la puerta abierta”. Y como el mismo Sebastián Krys les dijo “los discos no se terminan, se abandonan”, así que ¡hagan sitio! ■ Arturo García “Cuando el destino nos alcance” está publicado por Universal. lori meyers forman parte de las Jack Sessions. el 6 de mayo en madrid, el 13 en barcelona, el 20 en valencia y el 21 en granada.

(MondoSonoro · Mayo 2010 /27/ ENTREVISTA)

“

Malamarismo” destacó por su novedosa fusión de estilos y el salto cualitativo de la artista gaditana en su forma de cantar y expresarse. Ese disco dejó claras dos cosas: que La Mala es una de las artistas españolas con mayor potencial internacional y que su discurso es demasiado personal como para seguir encasillándolo en el a menudo encorsetado hip hop patrio. La Mala sigue a lo suyo en “Dirty Bailarina”, construyendo canciones de estribillos coreables, ofreciendo sus característicos fraseos rítmicos, sacando partido a su exótica dicción… Pero hay

plataforma, una tabla para que surfees…’. Y eso es lo que también han hecho siempre Griffi y Tcee. Tengo una gran confianza en ellos, porque sé que aman lo que hago. Cuando cojo uno de sus beats me siento cómoda haciéndolos míos”. Llama la atención la disparidad de temas. Cortes con su reconocible estilo como “En la línea” o “Galaxias cercanas”, pícaros experimentos electrónicos como “Interferencias” o “Flores vitaminas” y pelotazos radiables como “Prima”, “Yo no mato el tiempo” o “Por eso mato”. Pero también encontramos

“Con el paso del tiempo me he dado cuenta de que lo mejor es ser una misma” una novedad, la búsqueda continua del soul y un envoltorio sonoro digno de las mejores producciones estadounidenses. “Dirty Bailarina” coquetea con el soul, el boogie, el r&b bailable, la electrónica y se puede considerar el trabajo más pop de La Mala. Focus ha sido clave en el desarrollo del trabajo. El productor estadounidense, hijo de Bernard Edwars (co-fundador de Chic), ha trabajado con Beyoncé, Busta Rhymes, Jennifer Lopez y Christina Aguilera (el primer single, “No pida perdón”, apunta sin prejuicios a estas coordenadas). Pero la parroquia rapera valorará más a Focus por ser el productor de Dr. Dre o Eminem entre otros. “Este hombre es maravilloso, me ha hecho muchísima música, bases con el sonido que está pegando en Estados Unidos: r&b, hip hop-dub, bases de batalla, raps más clásicos… Se ha quedado mucha música fuera y de hecho tengo dos tracks que no han entrado en el álbum y se publicarán en una edición posterior”. Aunque el peso productivo ha recaído en Focus, María también ha contado con sus otros hombres de confianza: Griffi (que espolvorea su future boogie en algunos pasajes del trabajo) y Sr. Tcee (que trabaja con ella desde los tiempos de “Toma la traca”, allá por el 1999). “Todos ellos me aportan mucho, me escuchan, me dan mi tiempo... Focus tiene una filosofía que me encanta. Él me decía: ‘voy a hacer para ti una

cortes más ambientales y crípticos. Es el caso de “Ama” o “Nene”, una canción, ésta última, en la que María usa su voz como instrumento. Es una de sus preferidas. “Esa canción la probé en otra instrumental, con otro ritmo, pero no funcionaba. Yo quería grabarla a toda costa porque es una de las más personales, pero no terminaba de fluir… Un día llegué antes al estudio y me encontré con Johnny, el asistente de Focus, y le dije que me pusiera la pista. De repente el tema salió solo. Grabé la canción y fue como un viaje… En la canción todo va deprisa, pero dentro de mi burbuja todo sucede a cámara lenta. Es una pista que ha quedado muy bien con los adlibs y los colchones”. La tónica del álbum lo marcan temas como “Prima”, que huele a futuro clásico. Representa bien el sabor del disco, un tema positivo, soleado, bailable, femenino... Es una de las dos canciones del disco en la que María cuenta con una colaboración. “Invité a cantar a una de mis raperas favoritas, Mefe. Es guineana pero vive en Madrid desde hace años. Me acompañó en una gira en 2003 y desde entonces somos hermanas. Todo lo que hace es exquisito, elegante y de corazón. Tenía el coro de la canción cada día en mi cabeza y me pareció muy lindo compartirlo con ella. Quería demostrar el amor y el compañerismo entre las mujeres,

ya que no me gusta el rollo de la rivalidad entre chicas del hip hop, no hemos de olvidar que todas somos hermanas. De hecho, uno de mis objetivos con este disco era demostrar que la mujer que yo represento, ama a las mujeres”.

interior consigue hacer grandes canciones. Eso puede percibirlo tanto la persona que lo hace como el que lo recibe. Todo tiene que ver con la entrega… lo que un artista da es consecuencia de lo que recibe. Es muy bonito e importante para mí que la gente me diga que lo que hago les emociona. Eso para mí es mi pan”. Esta nueva Mala Rodríguez, más espiritual, más zen, ha seguido experimentando con su mayor valor. Su voz. “Lo único que he hecho es sentirme. Ponerme delante del micrófono, sentirme y dejar fluir lo que tenía dentro. Muchas de las melodías de este disco las tenía en la cabeza desde hace tiempo y no he parado de cantarlas durante todo el año. Con el tiempo las he hecho mías. En la grabación sólo tuve que soltarlas… Tiempo atrás tomé clases de canto con una amiga, Patricia. De lo que más me enseñó fue sobre budismo. Aprendí que la voz ha de salir de tu cuerpo, porque es lo natural. Hay que tener conciencia de tu propia voz para cantar y transmitir… Con esa premisa he grabado este disco”. En cuanto el disco salga a la calle comenzará su gira. Todavía no se conocen fechas ni ciudades, al cierre de esta edición sólo se sabe que actuará el 15 de mayo en Cultura Urbana. “Estoy ensayando el directo y la puesta en escena. Iré acompañada de músicos en directo, no habrá música grabada. Faltan fechas por confirmar y no puedo adelantar

La Mala se le ve serena, calmada, feliz. Habla con pasión sobre este trabajo y parece que se encuentra en un gran momento personal y lo ha reflejado en un disco repleto de buenas vibraciones. “Con el paso de los días me he dado cuenta que lo mejor es ser tú misma. Ahora mismo me siento así, feliz, y lo he reflejado en este disco… ¿Por qué llorar o estar triste? Cuando todo está mal, lo que hay que hacer es levantar la mirada y decir: ‘todo va a ir bien’. Hemos de darnos una oportunidad a nosotros mismos en esta vida. No quiero decir que no miremos las cosas feas que están pasando (“Por eso mato” puede considerarse el tema de denuncia de “Diry Bailarina”), pero creo que es bonito vivir la vida con optimismo”. Mención aparte merece el tema que cierra el disco, “Patito feo”, en la que canta Estrella Morente. Objetivamente, una pista brutal. “Sabía que ‘Patito Feo’ tenía que ser el final del disco, porque tiene un cambio que te lleva arriba cuando entra el bajo (tararea…). ‘Fuá’, es muy grande. Enseguida me imaginé a Estrella en esta

“Cuando uno se desnuda y deja ver lo que hay en su interior consigue hacer grandes canciones” canción y me empecé a flipar yo sola. Hacía tiempo que quería trabajar con ella y ésta era la ocasión. Me encanta lo que ha aportado a la canción, esa fuerza, esa luz femenina, esa sensibilidad. Cuando grabamos fue eléctrico. Todo el mundo acabó llorando en la cabina”. Uno ha de ser de piedra para no emocionarse con este tema, pero también hay otros que logran erizar el vello y eso es algo que no era tan común en sus anteriores trabajos. “Cuando uno se desnuda y deja ver lo que hay en su

todavía nada, pero puedo decirte que actuaré por todo el mundo”. Por si fuera poco María tiene más proyectos en la recámara. Ya colaboró en “El truco de El Manco” junto a El Langui, pero el siguiente paso será protagonizar un filme. “Será una co-producción entre España y Estados Unidos pero todavía tardará en ver la luz. Es un proyecto que me motiva mucho porque me encanta la interpretación. Me gusta meterme en la piel de otra persona, jugar a ser otra…”. ■ Javier López

Mala Rodríguez

Mala Rodríguez se desnuda emocionalmente en “Dirty Bailarina”, su cuarto disco de estudio, su trabajo más personal, epidérmico y optimista. Como ya hiciera con “Malamarismo” apunta a las grandes audiencias sin perder la integridad. De nuevo la palabra hip hop se queda corta para definir sus doce nuevas canciones. El álbum lo ha grabado en Atlanta con Focus a los mandos (Dr. Dre, Eminem, Beyoncé...) y se publica el 18 de mayo.

“Dirty Bailarina” se publica el próximo 18 de mayo. Mala Rodríguez estará actuando en el festival Cultura Urbana.

Mala Rodríguez Foto Archivo

Desnudez

(MondoSonoro · Mayo 2010 /29/ ENTREVISTA)

Muchachito Bombo Infierno

A Muchachito el reconocimiento le llegó con casi quince años de retraso, pero como nunca es tarde si la dicha es buena, en tan sólo seis años ha pasado a codearse con Peret, tocar en el G-5 con Kiko Veneno y poner su tercer disco, “Idas y vueltas, en el paupérrimo mercado discográfico con un par. La Cueva Jairo nos recibe a la entrada de su cuartel general. Un espacio “polival(i)ente” que acoge oficina, parking, local de ensayo, plató para sus clips y estudio en el que han grabado su tercer largo. Como buen anfitrión, nos muestra cada uno de los espacios y rincones de “La Cueva”, mientras lo sazona todo con sus desternillantes ocurrencias. Un tour del que podrás ser testigo a través de nuestra página web, en un video que estamos preparando para ilustrar la visita. Tras la filmación y las risas, nos encerraremos para escuchar las canciones que formarán parte de “Idas y vueltas”. Un disco que, en cierta medida, vuelve al espíritu del primero, cuando las cosas apenas se planeaban porque ocurrían por sí solas. De hecho Jairo me cuenta que su idea inicial era recuperar la mortífera combinación de rumba y swing, pero... “cuando ya estaba metido en él, me di cuenta de que lo que más importaba era el momento. Y el momento puede ser de muchas maneras y no tiene por qué estar ligado a un estilo o a una sola forma”. Esa ausencia de ataduras o compromisos, ha dado como resultado la colección de canciones más variadas realizadas hasta la fecha por el Bombo Infierno. Trece canciones fieles a su estilo pero que llegan en un momento en el que… “nos ha pillado con cierta madurez. No es total porque hay que luchar por ser niños toda la vida. No infantiles, pero sí niños para no perder jamás la ilusión, las ganas de jugar y romper la rutina, porque de lo contrario todo se enfría”.

Idas y venidas Tras la atenta escucha del álbum, toca ir a co-

mer todos juntos a un restaurante habitual muy próximo al local. Durante los cafés ha llegado la hora de poner en marcha la grabadora para que el padre de la criatura, me desvele más claves de las nuevas canciones. Para abrir boca hacemos balance de su carrera. De como el primer disco significó condensar las casi dos décadas “de picar puertas y tener una carpeta enorme repleta de temas donde elegir”. El segundo sin embargo, fue el álbum en el que le tocó sufrir. Esa misma carpeta que antes estaba repleta,

“La música es estudiar cómo cojones hago yo música” ahora lo estaba, pero de telarañas y encima planeaba sobre la grabación la fatídica operación de sus cuerdas vocales. “Ha sido mi peor momento de todo; de stress, de nervios y de mucho miedo porque el segundo disco fue componer una canción por la noche y de empalmada irme al estudio para dársela a la banda sin haberla madurado, sin haber pensado ‘esto ¿es realmente bueno?’. No sé, yo no me considero un genio y creo que todos los grandes maestros de la música, lo han logrado a través de un trabajo muy gordo. Uno no se tira un cuesco y ha hecho una canción. Por eso el segundo disco tiene canciones que con el tiempo me he arrepentido de haberlas puesto y he sido sincero siempre. Incluso he agradecido públicamente que la gente lo acogiera con cariño, casi, casi como el primero”. Y por fin llegamos a una nueva etapa en la que el músico de Santa Coloma ha querido mostrarse mucho más explícito en sus letras. Menos metafórico. Arremetiendo

que me motivó a hacer la canción con ese espíritu de alegría que al fin y al cabo es lo que define al G-5... Está muy bien porque cada uno dirige su barquito, pero cuando estamos juntos, ahí no dirige nadie”.

La sombra de la duda Pero no todo resultó tan fácil y espontáneo como grabar con los compadres del G-5. En todo proceso creativo llega un momento en el que te abraza con fuerza la duda. Un achuchón del que necesitas ayuda externa para salir. “Tú ya no eres buen juez de una historia cuando llevas tanto tiempo metido en ella. Ha sido durante este mes que lo hemos estado moviendo y se lo hemos puesto a los amigos, y cuando todo el mundo te dice: ‘¡Está fresquito!’. Pues justo eso, es lo que más me importa. Más que suene bien o que las canciones representen un estilo marcado. Es como un Tetris. El Bombo Infierno siempre me lo he tomado como

un Tetris. Tú no puedes superar a la vida y saber lo que va a pasar, tú lo único que puedes hacer es verlas caer y dices: ‘esta la meto p’aquí, esta la meto p’allá’ y esto es al menos lo que a nosotros nos ha funcionado. Porque es una familia muy grande y este año no se ha querido desestimar a nadie. Incluso el que ha decidido irse, lo ha hecho totalmente libre y con cantidad de buena onda. Ahora sí, que el que se quiera quedar pues… yo en esta historia no soy dueño de nadie. Yo soy el burro delante para que no se espante, pero es un equipo fantástico de gente que hay en el Bombo Infierno y que permite que se puedan hacer los video clips y cosas que son creativas”. La locuacidad de Jairo me rebasa. Cuesta meter la cuchara y su pasión le sale a borbotones por la boca. Él es el que tira del carro, pero… ¿cómo sobrelleva la presión de que todo el entramado Bombo Infierno bascule a su alrededor? “A veces me canso de hacer de papi, pero por otro lado puedo hacer un video clip y que la gente me felicite. Eso en sí ya es una recompensa, porque no me está felicitando a mí, está felicitando a todo un equipo que hay ahí y todo eso compensa con creces cualquier responsabilidad. Otros momentos son los momentos de nervios que se pasan porque cada vez en la música las bandas numerosas van a tener menos espacio. Soy un tío optimista, pero sobre la música y la política no te puedo hablar de optimismo. Lo que veo es que es muy difícil subsistir y que uno se tiene que montar su ecosistema y ese es un consejo que le he dado yo a los chicos más jóvenes. Hay que saber más que tocar. Lo que te quiero decir es que la música no es estudiar música. La música es estudiar cómo cojones hago yo música, eso es hacer música y después entrega”. De eso anda servido. ■ Don Disturbios “Idas y vueltas” está publicado por El Orfanato Eléctrico.Muchachito estará tocando el 7 de mayo en Lleida, el 8 en Tarragona y el 14 en Madrid

Muchachito Bombo Infierno Foto Archivo

Saber más que tocar

contra la hipocresía, los chorizos de altos vuelos o una ciudad como la nuestra que promete más de lo que puedes obtener a cambio. Claro que también hay lugar para historias entrañables y tristes como “Caraguapa”, sobre una yonqui italiana que Jairo conoció cuando vivía cerca de la Plaza Real de Barcelona y que se desvaneció en su adicción hasta desaparece. “Pero no quería hacer una canción moralista, porque odio las cosas moralistas. Quería cantar ese problema como si fuera una canción de amor”. También hay lugar en el disco para el G-5, esa superbanda integrada por el maestro Kiko Veneno, Tomasito y Los Delinqüentes de los que, por fortuna para todos, vamos a oír hablar de nuevo en el futuro. La canción que incluyen en el disco es “La pandilla voladora”. “En realidad hemos grabado tres temas, pero en el disco sólo hemos incluido éste, que surgió contándole yo al Canijo la historia de los piratas que no se rindieron jamás y que incluso formaron una república. Él me dijo ‘Quillo, ¡esos somos nosotros!’. Fue ese comentario el

The Drums Foto Erik Weiss

(ENTREVISTA /30/ Mayo 2010 · MondoSonoro)

The Drums

El renacimiento

de lo cool ¿Qué tiene una banda que pone de acuerdo a Morrissey y Boy George, que comparte management con Coldplay e Interpol y, sin embargo, aún no cuenta con sello en su propio país, que toca en tiendas de discos de Manhattan y firma sold outs en Inglaterra con un disco aún por caer? En esencia canciones como soles. Doce concretamente. Las que componen su disco de debut: “The Drums”.

n un rincón del website de The Drums aparece la siguiente cita. “Sólo escribimos sobre dos sensaciones: una es la del primer día de verano, cuando tú y todos tus amigos estáis al borde de un acantilado mirando la puesta de sol y superando de una vez sueños y esperanzas. La otra es cuando caminas bajo la lluvia y te das cuenta de que vas a estar solo para siempre”. Jonathan Pierce tiene tan sólo veintiséis años pero al otro lado de la línea aparenta ser mayor. Habla pausado, con voz grave, de las experiencias de su corta pero intensa vida. Como su relación con Jacob Graham, bajista de The Drums y amigo de la infancia. “Jacob es un chico misterioso. Todo lo que hace, todos sus intereses son poco convencionales. Desde niños intercambiamos música y fotografías que nos emocionan, y de hecho ahí está

el origen de The Drums: un día yo le envié una imagen muy poderosa de un niño que sostenía una antorcha olímpica. Tras años de hablar sobre ello, esa imagen constituía la firma de lo que los dos queríamos hacer: escribir canciones pop y formar una banda. Así que un día decidí abandonar Williamsburg y marcharme a Florida, donde Jacob estaba viviendo. Pensé que salir de Nueva York era la mejor forma de crear algo fresco y excitante. Y ahí estábamos los dos, en un pequeño apartamento, sin amigos, coche ni dinero. Sólo una guitarra, un micro, un pequeño teclado y algo de equipo para grabar. Un tiempo después volvimos a Williamsburg y Adam y Connor se unieron a The Drums, pero la base de lo que somos, el Ep ‘Summertime’ y este primer disco, sigue siendo ese equipo doméstico

y el espíritu de aquellos días”. Su primera canción y también el tema elegido para abrir su homónimo debut, “Best Friend”, incidía en la extraña relación de la pareja. “Eras mi mejor amigo pero te has muerto/Todos los días espero por ti”. “Es una de las pocas canciones que no he escrito solo, Jacob me ayudó. Nos dio por pensar en las reminiscencias infantiles de nuestra relación y decidimos fantasear con su muerte, escribir una canción defini-

forma distinta a la gente. Hay una banda californiana de los noventa que me encanta, Joy Electric -publican en el sello cristiano de synth pop Tooth & Nail- y hace la música más triste que he escuchado nunca, sin embargo, todo el mundo me decía que sonaban a bubblegum. Para mí las canciones vienen de dentro y tienen un contenido mucho más profundo de lo que aparentan. Por ejemplo ‘Book Of Stories’, que trata sobre

“Todo el mundo repite que lo importante es sólo la música, pero para The Drums construir una imagen es esencial” tivamente extraña, de apariencia feliz pero con un trasfondo casi siniestro”. Lo que a la postre se ha terminado por convertir en uno de los sellos de identidad de este disco: doce temas de pop radiante, saltarín por momentos, henchidas de rabia y frustración adolescente. “Pienso en bandas que me han gustado toda la vida como The Field Mice, The Smiths o The Wake y nueve veces de cada diez escribían letras muy tristes, aunque la melodía no necesariamente lo era. De todas formas es sorprendente cómo la música afecta de

ser joven y sentirte rechazado, sobre crecer en un pueblo con la eterna esperanza de que al hacerte mayor las cosas vas a verlas claras al fin. Pero terminas haciéndote adulto y te das cuenta de que estás aún más confundido y tienes más problemas que antes”.

ay en la metodología de The Drums -al igual que en su música, con referencias obvias al pop de los cincuenta y la nueva ola británica- una nostalgia poco o nada disimu-

(MondoSonoro · Mayo 2010 /31/ ENTREVISTA)

De paseo con The Drums Le pedimos a Jonathan que nos diga dónde podremos encontrarle si vamos de paseo a Williamsburg, el barrio de moda en Brooklyn y por extensión en Nueva York. “No salgo mucho…”, advierte entre risas. “Mi tienda de discos favorita es Ear Wax (218 Bedford Avenue) donde puedes comprar un montón de siete pulgadas de bandas de Brooklyn y bastantes rarezas. Y si lo que quiero es comprar algo de ropa suelo hacerlo en 10ft Single (285 N. 6th St). Siempre que he ido tienen cosas muy chulas, ropa así como de yonki muy barata. Después me iría a comer al Veracruz (195 Bedford Ave). No me gustan los típicos locales de Williamsburg a los que acuden las estrellas del cine, prefiero los locales más cutres donde estar tranquilamente con mis colegas, como este mejicano. Para ir de concierto mi sala favorita es Bruar Falls (245 Grand Street) donde tocan todas las bandas de Brooklyn que me gustan: The Pains Of Being Pure At Heart, The Hairs, Knight School…” ■

Leyenda: 1.Ear Wax / 2.10ft Single / 3.Veracruz / 4.Bruar Falls 2

lada. Por ejemplo, a la hora de elegir cómo presentar sus canciones. “Publicar los dos singles previos -“Let’s Go Surfing” y “I Felt Stupid”- fue super emocionante. Para mí un single significa que una canción es lo suficientemente especial como para separarla del resto y prensarla en un vinilo, con su propio diseño. Hay algo muy romántico en ello”. Luego vino ese “Summertime! Ep” que definitivamente nos puso sobre aviso de que la cosa iba en serio y les colocó en la portada del NME. El semanario británico desde entonces ha mostrado su amor incondicional por los de Brooklyn llevándoselos de tour junto a The Maccabees, un tour en el que no cesaron de ocurrir cosas sorprendentes. “Por ejemplo tener a Morrissey en la parte trasera del escenario durante todo el concierto, una experiencia surrealista. Me hizo recordar cuando era un niño y bailaba frente al espejo las canciones de The Smiths, como un protagonista cualquiera de una película de John Hughes. Si no hubiera sido por ellos no me habría enamorado de la música de la forma en que lo hice. O conocer a Edwyn Collins, que para mí es un héroe. Orange Juice es mi banda favorita de siempre, así que imagínate cómo me sentí cuando me invitó a grabar con él una semana más

tarde un tema para su siguiente disco…”. Como un niño con zapatos nuevos, Jonathan -hasta la fecha productor en solitario de todas las canciones de The Drums- se mantiene fiel a una estricta ética indie. “Jacob y yo tuvimos un proyecto anterior, Elkland. Hacíamos tecno pop y llegamos a fichar por Columbia donde publicamos un single de cierto éxito, ‘Apart’. Y no fue nada divertido. Yo era muy joven e inocente y las canciones terminaron sonando a algo que no tenía nada que ver con las maquetas. Me juré que nunca volvería a componer música y de hecho tardé dos años en volver a escribir. Por eso cuando desde el sello -Moshi Moshi/Island en Reino Unido. El grupo sorprendentemente aún no tiene discográfica en Estados Unidos- nos ofrecieron ir a grandes estudios a grabar e incluso hacerlo con algunos de nuestros héroes a la producción, nos negamos. Lo más fácil sería empezar a decir que sí a esas cosas, pero para nosotros no tiene ningún sentido. Cuando salió el Ep a la calle estábamos muy emocionados, así que ¿para qué cambiar algo que funciona? Utilizar sólo una guitarra, un teclado y un micrófono de treinta y cinco dólares es lo que nos ha llevado a ser lo que somos”.

hasta por un momento, el único en toda la conversación, me parece notarle ligeramente molesto cuando le pregunto si sabe algo de un posible anuncio para TV de una multinacional francesa de automóviles con “Let’s Go Surfing’” por sintonía. “No. Son cosas de la editorial y lo cierto es que no me han dicho nada todavía…”. ¿Y qué hay de la moda? Con una imagen tan rotunda como la vuestra ¿alguna firma de ropa se ha interesado en vestiros?

que lo importante es sólo la música, pero para The Drums construir una imagen es esencial. El presente de la música parece un concurso para ver quién es el más raro, quién marca tendencia. Nosotros queremos ir a la contra, cuatro chicos que hacen canciones de pop y ya está. No somos nada punteros. Llevamos ropa normal, ropa que seguramente nuestros abuelos se habrían puesto y escribimos canciones

“Cuando era un niño bailaba frente al espejo las canciones de The Smiths” “Estamos teniendo ofertas de marcas todo el tiempo, pero a la única que le hemos dicho que sí es a Levi’s porque ¡son tan americanos! Es que llevaríamos sus vaqueros igualmente porque nos encantan. Pero el mundo de la moda no nos interesa. Lo que nos interesa es la clásica idea de la banda tipo The Beatles, Zombies, Ramones o incluso The Strokes, que entendieron el concepto de ‘showmenship’. Y creo que en la música pop actual eso se ha perdido. Últimamente todo el mundo repite eso de

simples. Y es muy extraño cuando viene alguien y nos dice ‘tíos, sois lo más cool del momento’. Es justo al contrario. La nuestra es una idea vieja y quizás por ello destacamos, porque todo el mundo intenta ser la próxima banda cool y a nosotros eso nos importa una mierda”. ■ Luis J. Menéndez “THE DRUMS” ESTÁ PUBLICADO POR MOSHI MOSHI / ISLAND. THE DRUMS ESTARÁN EN EL SAN MIGUEL PRIMAVERA SOUND

CONCIERTOS

De Vito

Charades

Nudozurdo Fotos Gustaff Choos

Devito

MondoSonoro · Mayo 2010 /33/

Plastidepop 2010 (1114) Lugar Las Playas (Zaragoza) Fecha 09 y 10/04/10 Estilo pop y rock Público 3/4 de entrada Promotor Plastidepop

Violadores Del Verso Fotos Hara Amorós

La séptima edición del festival zaragozano Plastidepop sorprendió con el cartel más agresivo de su historia, y aunque no faltó representación del pop santo y seña del evento, fue la abundancia de rock la que se impuso como clara vencedora. Charades cumplieron en su función de inaugurar el escenario y, a pesar de cierta monotonía, la agradable mezcla de dulzura y consistencia transmitida por su cantante ayudó a solventar el envite. Tras ellos, los incorruptibles Nudozurdo arrasaron con una barbaridad de concierto que sorprendió incluso sabiendo de antemano de lo que son capaces. La mirada perdida en el horizonte de su vocalista Leopoldo Mateos, unas letras apocalípticas y una interpretación inapelable, convirtió el concierto en un bendito infierno, otorgándoles el galardón de claros triunfadores. Triángulo de Amor Bizarro cerraban la noche del viernes y, alentados por la demostración de poder dejada por sus antecesores, subieron (aún más) el volumen y saltearon temas de su inminente “Año Santo” con destacados de su disco homónimo gustosamente recibidos por el público. Las actuaciones del sábado comenzaron con Guatafán, enésimo

dúo de chico y chica obsesionado por el edulcorado chiclepop, en una propuesta insulsa que gustó a los aficionados al género y aburrió al resto. Los conciertos de verdad comenzaron con los espléndidos Mujeres, que no escatimaron en la chulería y descaro necesarios para interpretar esa mezcla de blues, rock, garaje y soul incluido en su debut para el sello Sones. Una actuación sudorosa que terminó enloquecida con el “Run Run Run” de The Velvet Underground. La vasca La Bien Querida era a priori el plato fuerte del festival, levantando expectación con su primera visita a la ciudad. Sin embargo, un sonido mediocre y su personal propuesta lírica ubicada en pleno epicentro de la noche, terminaron por templar en exceso los ánimos a pesar de puntuales momentos álgidos. Los locales De Vito retomaron el pulso de la fiesta como acostumbran, tirando de descontrolada rave con electro-punk, petardeo a raudales e invasión de escenario incluida, echando así el cierre a la presente edición. Animosos pinchadiscos y buen ambiente, completaron un festival convertido ya en entrañable dentro de la programación aragonesa. Raúl Julián

Violadores Del Verso (1114) Sala Sant Jordi Club (Bcn) Fecha 16-IV-10 Estilo rap Público sold out Promotor Rap Solo La sala está llena, ha llegado la hora y comienza a subir la temperatura. La gran pantalla que preside el escenario pregunta con sorna “¿Ya?”. Los gritos son ensordecedores, entonces sale Xhellaz y comienza a presentarnos a su manera y uno por uno a los cuatro héroes de Zaragoza, la prehistoria de los Violadores del Verso, la época de las maquetas en cintas de casette, la época en que se fue fraguando la apisonadora que estaba a punto de arrollarnos. “Baja el volumen si esta mierda no es real, hijo de puta” y ya están ahí arriba: la apisonadora con toda su fuerza, con todo su esplendor. La misma apisonadora que hace unos años arrasó los barrios de nuestras ciudades desterrando la música máquina, la que hizo que ahora temblasen los tabiques de los polígonos y los altavoces de los coches ‘tuneaos’ con los ritmos gordos de R de Rumba y las voces de Lírico, Hate y Kase O. Y el directo es la certificación, la celebración de todo ello. “El rey de la cantinas”, “Filosofía y letras”, “Ballantains”, “Cantando”, momentos cumbre uno detrás de otro. No hacen falta los tópicos del género animando al personal: “las manos en el aire” y todo lo demás… Las manos tocan el techo desde el primer momento y la gente rapea a pleno pulmón como si esos versos fueran suyos. Aquí baila y salta hasta el más duro del barrio y la modernilla y el pijo y la heavy y el despistado. “Vivir para contarlo” y acaba la celebración. Dos horas en las que no caben todos los himnos pero que dan para que las sonrisas vayan de oreja a oreja. “Definitivamente... indiscutiblemente... universalmente... suena bien...”. Nacho Carrión

Exsonvaldes

Los Punsetes

Hidden Cameras Fotos Ana Sánchez

( CONCIERTOS /34/ Mayo 2010 · MondoSonoro)

South Pop (1111) Sala Teatro Alameda (Sevilla) Fecha 27-03-10 Estilo pop de calidad Público lleno Promotor Green Ufos

Sonic Youth Fotos Fernando Ramírez

La ciudad de Sevilla acogió un año más una nueva edición del festival South Pop, y ya van seis años de exitosa (e incansable) reivindicación de más música independiente para la capital andaluza. Del 25 al 28 de marzo se subieron a los escenarios de la sala Malandar primero y del Teatro Alameda después, grupos de lo más variado: Antonna, Charades, François & The Atlas, Klaus & Kinski, Sr. Chinarro, Lacrosse o Stereo Total. La segunda jornada fuerte del festival llegó también muy variada. Cerca de las ocho de la tarde inauguraban el sábado de conciertos Nitoniko, una extraña (pero no por lo original) propuesta que bebe del estilo de Astrud con la pose y voz potente de un concursante de programa musical de la tele; pop y electrónica simplona que buscan la diversión con letras sencillas y estribillos fáciles de recordar y tararear. Curioso. Exsonvaldes fueron uno de los descubrimientos más agradables del

festival. Era su primera visita a España (el día anterior tocaron en Madrid) y poco sabíamos de ellos, pero lo que nos mostraron dejó buen sabor de boca: algo de folk, pop, guitarras acústicas y coros que encajaban a la perfección en melodías bonitas y pegadizas. Además, son capaces de hacer temas a capella al borde del escenario, con una guitarra, sin enchufes y sin desentonar ni un cuarto de tono. Supieron conectar con la gente con temas propios como “I Know” o “Lali” y con una gran versión del “Take On Me” de A-Ha. Los Punsetes hicieron bailar mucho, como siempre, y activaron los primeros coros más o menos masivos del público, coros que se iniciaban por voluntad propia porque ya sabemos que la frontwoman de la banda no se caracteriza precisamente por ser una gran animadora. “Tus amigos” o “Maricas” fueron lo más destacado de los madrileños. El mejor grupo del festival con diferencia

Sonic Youth

fue The Hidden Cameras, por dedicación, por capacidad de disfrute por metro cuadrado y por espectáculo. Seguro que no se dejaron ni un ápice de energía para después: el personajecantante Joel Gibb dio brincos por el escenario sin que eso afectara su voz, los músicos cambiaron de instrumentos sin perderse en los pasos de sus mini-coreografías y su música brilló durante todo su show, especialmente en temas como “In The NA”, “Walk On” o “Awoo”. Los dos franceses con pintas de “frikis” de Zombie-Zombie cerraron la noche con una sala medio vacía y no porque sonaran mal o fueran especialmente aburridos. Quizás hubiese hecho falta algo menos experimental para culminar un festival que tiene en su nombre la palabra “pop”. Después de todo esto, y por si alguno se quedó con ganas de más, el South Pop cerró su sexta edición el domingo con Southern Arts Society. Ana S. Resalt

(11114)

Sala Razzmatazz (Bcn) Fecha 18-04-10 Estilo rock experimental Público 2.500 personas Promotor Live Nation Expectación en el aire. Nerviosismo. Ambiente de gran cita. Y no había para menos. Una de las mejores bandas que ha dado jamás el rock alternativo –para muchos, la banda definitiva- pisaba un club de Barcelona por primera vez en catorce años. Muchos de los asistentes tan sólo habían presenciado su directo en el Primavera Sound –por el que han pasado hasta cuatro veces- o en el Sónar. Pero verles en un recinto cerrado y a escasos metros de distancia es otra cosa. El cuarteto salió a escena entre vítores y cálidos aplausos; un recibimiento que justificaron durante la hora y media siguiente con una descarga de pulso firme, trazo casi perfecto y sonido tan nítido como descomunal. Todo encajó en su sitio, con la formación original de los de Nueva York a pleno rendimiento: Steve Shelley contundente y sin titubeos a las baquetas; Thurston Moore y Lee Ranaldo impecables soltando guitarrazos –los diez minutos de ruido y acoples rozando el drone en el tramo final rayaron el delirio colectivo-; y, entre ambos, una Kim Gordon magnética y desafiante, fría y rabiosa, que arrancó no pocos piropos entre el público masculino (y femenino). Lo más curioso de la noche fue el repertorio. Y es que ahora que la banda parece haber recuperado el brío y la inspiración perdidas a principios de los 2000, con un “The Eternal” exultante, Sonic Youth se centraron por completo en sus clásicos, entre los que destacaron, por citar algunos, “Bull In The Heather” o un “Shadow Of A Doubt” estremecedor. Nada que reprochar. Sonic Youth mantienen intacta el aura y la energía de esa gran banda que siempre han sido. David Sabaté

Yacht Foto ItziarBarreiro

( CONCIERTOS /36/ Mayo 2010 · MondoSonoro)

Love Of Lesbian (11111) Sala La Riviera (Bcn) Fecha 17-IV-10 Estilo orgía de guitarras Público lleno de músicos Promotor Music Bus Love Of Lesbian reunieron en la madrileña sala La Riviera a alrededor de mil personas en una lluviosa mañana de sábado y a la semana siguiente su último disco, “1.999” (Music Bus/Warner, 09) volvía a entrar en el puesto número noventa en la lista de ventas de álbumes de Promusicae. La idea era reunir a 1.999 guitarristas que acompañaran al grupo en cinco temas que habían podido ir ensayando a lo largo de dos meses a través de unos tutoriales a los que los participantes podían acceder después de registrarse en el proyecto. Como casi siempre, el Ayuntamiento puso todas las pegas necesarias para casi acabar con la paciencia de los involucrados. Desde la organización, Carme Tasias (Music Bus) nos comentaba a la salida del concierto: “En principio esto tenía que ser un acto al aire libre porque queríamos hacerlo en un parque y hemos tenido bastantes problemas para conseguir los permisos. Luego el tiempo nos ha dado la razón. Como ha llovido mejor que haya sido en el interior”. No sólo había guitarras; algunos violines y hasta un cello. Con mucha, muchísima humildad, Santi Balmes (voz y guitarra) y Julián Saldarriaga (guitarra acústica, secuenciadotes y coros) recordaban los acordes y la estructura de las canciones. En un foso, separados del público y con espacio suficiente para tocar a sus anchas, trescientos fans cumplían su sueño de tocar junto a los catalanes, con bastante más nivel de lo que podríamos haber pensado a primera vista. Detrás, alrededor de setecientas personas cantando. En algunos momentos, la cosa resultaba bastante emotiva. Santi Balmes, visiblemente emocionado al terminar la actuación, no terminaba de creérselo. “Ha habido un tema en el que he dejado de cantar porque realmente no podía, me había atragantado y estaba con todas las glándulas lacrimógenas a punto de estallar”. En algunos temas subieron gente al escenario y terminaron con todas las guitarras en alto. Una iniciativa encomiable, y un concierto espectacular. J. Batahola

Yacht (1111) Sala La [2] (Bcn) Fecha 8-IV-10 Estilo pop electrónico Público 400 personas aprox. Promotor Proud Actions

Kitty, Daisy & Lewis (1114) Sala Apolo (Barcelona) Fecha 29-03-10 Público sold out Estilo rock’n’roll Promotor I’m An Artist/Ruta 66 Antes de entrar en materia sobre lo que dio de si la noche, primero habría que apuntar la increíble progresión de popularidad que ha tenido, en poco más de año y medio, este singular grupo británico. Un éxito sorprendente, más si nos fijamos en su propuesta, que es la de dar nueva vida y frescura a algunos de los estilos musicales más añejos (que no rancios, ojo) como son el rock’n’roll primigenio, el swing o el blues, géneros a priori solo disfrutados por una minoría sectaria. Y es que tanto en el multitudinario concierto del pasado Primavera Sound como en el de Apolo (con todo el papel vendido), se vieron muy pocos tupés y sí muchos indies cool hunters con ganas de bailar al son de los hits del trío. En fin, dejando a un lado el peregrino debate sobre la popularidad de Kitty, Daisy & Lewis, la cita en la sala Apolo tuvo dos partes bien claras. Un primer tramo dominado por Daisy y Lewis en el que la cosa no acabó de arrancar (a los hermanos mayores aun les faltan tablas y carisma para llevar el peso del concierto). Y una segunda parte, capitaneada por una Kitty Durham inspiradísima (la pequeña de la familia y clon teenager de Amy Winehouse), que animó y mucho la noche gracias a su descaro, su pericia técnica con todos los instrumentos (en especial con la armónica, toda una bestia parda) y a la ayuda del risueño Eddie “Tam Tam” Thornton, legendario trompetista jamaicano que apareció hacia la mitad de la noche para atacar el lado más caribeño del trío (una faceta que puede tomar especial relevancia en su nuevo disco). El tramo final del concierto, excelente, hizo que fuera difícil parar de menear las caderas, y demostró que cuando mejor lucen Kitty, Daisy & Lewis es cuando se relejan, se olvidan de los corsés estilísticos, y se lanzan a improvisar con frescura y desparpajo. Y es que cuando el trío británico aprenda a soltarse al cien por cien encima de un escenario, aun nos lo harán pasar mejor. Xavi S. Pons

Kitty, Daisy & Lewis Fotos Dani Cantó

Love Of Lesbian Foto Nacho Ballesteros

Es asistir a un concierto de Yacht y entender inmediatamente por qué James Murphy les considera uno de los nombres con más futuro de DFA. Y es que tanta es la frescura, el desparpajo y la capacidad de Jonah Bechtolt de empatizar con el público desde el escenario que reir y bailar con ellos se convierte en una obligación de lo más natural. Esta vez Bechtolt y Claire L. Evans se presentaban acompañados por The Straight Gaze, un trío formado por músicos estadounidenses con sendas aventuras en solitario de lo más apetecible: Boddy Birdman ejerció antes de telonero, dejando buen sabor de boca con su crossover imposible entre bombos bailables y canciones dignas de un crooner de Las Vegas o Jeffrey Jerusalem, firme candidato a formar parte pronto de la factoría de Murphy y Goldsworthy. Pero volvamos a Yacht. Fue excitante ver a Bechtolt convertido en un animal escénico, enfundado en un traje de blanco nuclear y moviéndose espasmódicamente como ese Ian Svenonious que actuaba a la misma hora en un lugar distinto de la ciudad. Evans, por su parte, se mostraba férrea en su posición, marcando su territorio. Juntos nos lo hicieron pasar en grande. Bromearon con sinceridad, sudaron, intentaron convertirnos a su causa espiritual de new age psicotrónico y rompieron alguna lanza en favor de su humanismo gay, pero sobre todo hicieron sonar con energía y vitalidad un repertorio (obviaré títulos, porque poca paja han firmado hasta el día de hoy) que, completado con una versión de X, merece mayor atención y repercusión desde ya. Joan S. Luna

Sala Insular de Teatro Sala El Embarcadero Teatro Moderno Sala Babylon Sala Clan La Fábrica de Chocolate Sala Irish Rover Sala Booga Sala Malandar Sala El Loco El Templo del Perro Sala La Mercantil Sala Galileo Galilei Sala Apolo 2

Las Palmas Barbate Chiclana Cuenca Xinzo De Limia (Ourense) Vigo Salamanca Club Granada Sevilla Valencia Fortuna (Murcia) Badajoz Madrid Barcelona

Promoción y comunicación por Lengua Armada www.lenguaarmada.com // info@lenguaarmada.com Teléfonos: 630.432.167 // 914.620.817 Management y contratación por Bola 9 www.bolanueve.com // bolanueve@bolanueve.com Teléfonos: 654.909.558 // 914.771.080

Miércoles 10 de marzo Viernes 26 de marzo Sábado 27 de marzo Jueves 8 de abril Viernes 16 de abril Sábado 17 de abril Jueves 22 de abril Jueves 29 de abril Viernes 30 de abril Jueves 6 de mayo Viernes 7 de mayo Jueves 20 de mayo Viernes 28 de mayo Miércoles 2 de junio

escaparate

Vienen de: Vilanova i la Geltrú (Barcelona) Publican: “Les paraules justes” (Outstanding Records, 10] En la onda de: The Kinks, Wilco, Mishima

Trestrece Foto Archivo

Trestrece Vienen de: Mallorca/Madrid Publican: “Una señal” (Pupilo Records, 10) En la onda de: Sôber, Foo Fighters, Feeder

Novedades Carminha Foto Archivo

Vienen de: Santiago de Compostela Publican: “Te vas con cualquiera” (Rumble Records/Lixo Urbano, 10) En la onda de: Juanita y Los Feos, Clorox Girls, Buzzcocks

tera hablando de los referentes de La Brigada, pero esta vez, la americana contemporánea ha tenido gran parte de culpa. “Bandas como Clem Snide, Calexico o Wilco nos han influenciado en la manera de afrontar los directos, pero cuando hablamos de música, siempre acabamos haciéndolo de clásicos”. Las letras tienen un trasfondo de desencanto digno de la familia Panero y están escritas en la lengua de J.V. Foix. “Cantamos en catalán por honestidad y porque es nuestra lengua materna. Históricamente, las buenas canciones son las que han sido escritas en lengua materna”. ■ Blai Marsé

Con las limitaciones que supone tocar en una isla, tan lejos y a la vez tan cerca de la península, Trestrece representa la constancia y el trabajo duro de Javier Ruiz para sacar adelante un proyecto en el que lleva confiando desde hace cinco años y que, poco a poco, ya va obteniendo sus frutos. “El disco contiene una gran disparidad de estilos entre las canciones. Todo nos ha derivado hacia el rock más moderno, como Muse o Foo Fighters. Lo hemos grabado en muy poquito tiempo, con un presupuesto reducido y para las mezclas decidimos mandarlo a Ian Love (Rival Schools). En definitiva, es una carta de presentación para todo el mundo que nos sirve para posicionarnos y darnos a conocer. Ahora mismo no queremos nada más. De hecho en muchos sitios se puede descargar el disco gratuitamente”. “Una señal” muestra signos de inequívoca personalidad, con facilidad para tocar la fibra y empatizar con el oyente. “La intención de las letras es hablar de experiencias personales, y uso las canciones como terapia. Contar vivencias que te hayan marcado para bien o para mal”. Volviendo al handicap de la distancia, Madrid se convierte en la “central” de la fábrica de Trestrece, una decisión casi obligada para estar más cerca de las oportunidades y empaparse de mayor variedad musical. “Organizar giras desde Mallorca es una ruina. Lo único que puedes hacer es adaptarte a lo que tienes y sacarle partido. Si no tienes apoyo de gente detrás de ti, es del todo inviable. De ahí el cambio hacia Madrid, donde monté la banda desde cero”. n Marcos Martín Lora

La ambición ha sido una de las constantes de Gentle Music Men, que debutaron un par de años atrás con un disco homónimo –reeditado un año después en Pias– que bebía del pop elegante (violines incluidos). En “Cuentos modernos”, lejos de repetir ni forma ni fondo, Dani Poveda ha conseguido que música y letras opten por un camino luminoso, por momentos abarrocado. “Este disco tenía que haber salido casi medio año antes, pero en marzo escribí mi primera canción en castellano. Ahí empezó un proceso de reescritura y composición de nuevos temas que me ha tenido ocupado a tiempo completo durante estos últimos nueve meses”, nos comenta Poveda, que para este disco ha querido distanciarse del sonido ligeramente lo-fi de su predecesor. El estudio de grabación se ha convertido una vez más en el campo de batalla por el que ha merodeado durante todo este tiempo. “La inspiración sigue funcionando: cada día que toco la guitarra saco una canción nueva… La producción es otra cosa. A veces tienes que tomarte valerianas o lo que haga falta”. Escogieron diez canciones para el disco. “Queríamos que en este disco cada canción fuera suficientemente potente para ser un single”, asegura Poveda. “Uno de mis problemas es la búsqueda incesante de la perfección. Con cada canción tengo la voluntad y la esperanza de superarme. Encontrar la melodía perfecta es el sueño de cualquier compositor de música pop”. n Jordi Nopca

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Son jóvenes, pero fuman tabaco negro y follan sin condón; tocan punk rock, pero les gusta más Alaska y Los Pegamoides que Kortatu; son gallegos, pero estudian en Madrid. Así de encantadoramente contradictorios saltan a la palestra Novedades Carminha, nombre tomado de una tienda de lencería en la que, seguro, encontraron el material del que están hechos los sueños (húmedos), para presentar la reedición en compacto de su primer larga duración “Te vas con cualquiera”, publicado originalmente en vinilo el pasado año por el sello y tienda de discos madrileña Bowery Records. “Los vinilos están prácticamente agotados pero acaba de salir una versión cedé súper chula con los sellos Rumble Records y Lixo Urbano. ¿Qué más queréis, joder? En cuanto al contenido estamos muy contentos. Muy al contrario que los grupos indies, decidimos darle la espalda al barroco y apostar por ritmos juveniles, bailones y frescos”. Aparte de la reedición de este trabajo, doce canciones cultural y políticamente incorrectas con las que han conseguido llamar la atención, también hablan de “lo sano que es irse con cualquiera, de no usar condón, de fumar negro, de robar, de lavarse a diario y sobre todo de ser sensible, que viene a ser el leit motiv del disco”. El grupo continúa avanzando con nuevos proyectos para este nuevo año. “Seguimos tocando a toda hostia, haciendo punk y power pop clasicote, que no pureta, y acabamos de editar un single compartido con un grupo de Londres con Bowery Records. Por lo demás seguiremos escuchando música, comiendo, conduciendo borrachos, estando activos mentalmente, y sobre todo respirando. ¡Salúdennos siempre!”. n Nonito Pereira Rey

Novedades Carminha

coproducido entre el grupo y J.M.Celorio, batería de los también de Vilanova Tokyo Sex Destruction. “El título es muy adecuado para un segundo disco. Todo lo que hagas y los acordes que toques tienen que estar medidos porque todo el mundo lo estará mirando con lupa”. Como los álbumes clásicos, el disco se divide en dos caras diferenciadas pero ciertamente unidas. “No se trata de un disco conceptual, pero hemos dado un color homogéneo a todas las canciones, como si fueran cuadros pintados en la misma época con la misma paleta y las mismas texturas. Queríamos hacer un disco clásico”. Se podría llenar la revista en-

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Gentle Music Men Vienen de: Vilanova i la Geltrú (Barcelona) Publican: “Cuentos modernos” (Pias, 10) En la onda de: Neil Young, The Divine Comedy, My Life Story

Gentle Music Men Foto Archivo

adie nace de la nada, todo el mundo tiene sus influencias. Algunos, de tanto fijarse en sus referentes, sólo consiguen ser un eco de una voz que habló años atrás, mientras que otros se empeñan tanto en hacer algo nuevo que nadie les comprende. La Brigada han encontrado el difícil punto medio. Pere Agramunt, líder, cantante y compositor de la mayoría de canciones (también director artístico del Festival Faraday) se inició musicalmente cantando en inglés, pero transformó su grupo (The Light Brigade) en La Brigada hace tres años. Después de “L’obligació de ser algú” (Outstanding Records, 08) llega “Les paraules justes”, un álbum

La Brigada Foto Marc Bordons

La Brigada

The Black Box Revelation Foto Archivo

MondoSonoro · Mayo 2010 /39/ escaparate

The Black Box Revelation Vienen de: Bélgica Publican: “Silver Threats” (T For Tunes/Pias, 10) En la onda de: The Raveonettes, Japandroids, Jaakko & Jay

Rock City Morgue

Vinila Von Bismark & The Lucky Dados Vienen de: Madrid Publican: “The Secret Carnival” (Subterfuge, 2010) En la onda de: Kitty Daisy & Lewis, The Horror Pops, Baby Horror

iniquitada su relación con Krakovia la sensual Vinila Von Bismark se ha volcado de lleno en su nuevo proyecto junto a los madrileños The Lucky Dados. “Sobre la continuación de Krakovia no puedo decirte nada, sólo puedo añadir que si Krakovia sigue, será sin Vinila”, indica la glamorosa cantante y pin-up granadina. La banda de rockabilly castiza descubrió a Vinila a través de una fotografía. “Carlos López, contrabajista de Lucky Dados, ya había trabajado con ella. Se pasó por un concierto nuestro y cuando acabamos nos contó su proyecto”, señala el trío. “Nos pareció muy interesante hacer algo juntos, pues se saldría un poco de la línea que llevamos, y seguro enriquecería la banda”. “Evil Circus” tiene visos de tonada circense. “Runaway” suena a ska, “Where’s My Sugar” huele a swing por los cuatro costados. Y además a lo largo de los trece cortes planean las esencias del genuino y primigenio rock & roll. ¿Ha sido premeditada tanta aleación de estilos? “Ha surgido de una forma natural. Nuestras

Vienen de: Nueva Orleans Publican: “The Boy Who Cried Werewolf” (Castle Gray Skull Records, 10) En la onda de: The Cramps, Misfits, The Stooges. Ahora que todo el mundo parece absorto con el cine de Rob Zombie, su irreconciliable compañera en White Zombie, la siempre atenta y simpática Sean Yseult, sigue a lo suyo con Rock City Morgue, la banda con la que todavía sigue dando que hablar a base de rock abrasivo a lo The Cramps, referencias a la serie B, al cine de terror en blanco y negro y a los monstruos. “El sonido del disco es mucho mejor que antes. Tiene que ver con el estudio, Piety Street, uno de los más míticos de Nueva Orleans, en el que grabaron músicos como Fats Domino. Esta vez hemos convivido en el estudio, con J. Yuenger, que fue guitarrista de White Zombie, como productor. Es un apasionado de la música y lo mismo trabaja con nosotros que con un artista country”. Aunque vive en la capital de Louisiana, Sean Yseult está desarrollando en Nueva York un libro sobre sus once años con White Zombie. “Será un libro de grande en el que habrá desde fotos a anécdotas variadas con mucha de la gente que nos encontramos durante el camino. Una especie de diario personal del grupo que permitirá ver la evolución de tocar en el CBGB a hacerlo en estadios con Metallica. Aunque no todo el mundo ha aprobado el proyecto. De hecho con Rob Zombie no he hablado, no lo hago desde que dejamos el grupo. Y no, no he visto sus películas. Aún no he tenido tiempo”. Sean Yseult está arraigada a la ciudad del jazz, el vudú y los cementerios, un sitio que parece recuperar la vida. “Hay mucha gente que empieza a moverse, con nuevos proyectos, ya sean bandas, bares, iniciativas de orden artístico y cultural, y si bien esto todavía no es Nueva York o San Francisco, todo vuelve poco a poco a la normalidad, gracias también a que aquí hay mucha historia”. Rock City Morgue estarán actuando este mes de mayo en España. n Toni Castarnado

influencias musicales son muy diversas pero sí teníamos claro, por concepto, que el disco no tendría un estilo uniforme”. Toda esta combinación de géneros le viene como anillo al dedo al título elegido. “Es una carnaval de sonidos. Nos sugiere diversión, pecado, alcohol, y mucho, mucho rock’n’roll”. En el disco han contado con la participación de amigos como Richi Ruiz, Raúl Gil, Luis Zenner y Ronny Vasques. “Todos ellos tienen proyectos personales, los metales en concreto tienen un espectáculo de swing increíble llamada Swing Devils”. Grabado en los madrileños estudios Reno, el álbum ha sido masterizado en Londres por el productor Graeme Durham, el padre del trío vintage Kitty Daisy & Lewis. “Además de encontrarnos un ambiente muy familiar y muy profesional a la vez, tienen una mesa de mezclas analógica Wunderbar original de los años setenta, de las que sólo hay seis en el mundo, y una de ellas la tienen The Strokes”. n Miguel Ángel Sánchez Gárate

Vinila Von Bismark & The Lucky Dados Foto Archivo

Como contrapunto a su anterior y aun reciente disco “Play It Again!”, The Cherry Boppers dejan sus temas en manos ajenas, que deconstruyen su cancionero adaptándolo a las pistas de baile en “Remix It Again!”. Más sudoroso si cabe, banda sonora ideal para rodar una película blaxplotation, los bilbaínos apuestan por un reiterado esquema del ritmo- funk, dub, psicodelia- para así alcanzar esa catarsis purificadora que sólo el baile- o el desenfreno- permite: “Lo hemos hecho así porque nos atrae mucho ver nuestros temas originales desde una perspectiva diferente. Algunos temas llevamos tocándolos durante mucho tiempo, y nos gusta ver lo que pueden dar de sí bajo las manos de un buen remezclador”. Por lo que parece, están realmente encantados con el resultado. “Nos han gustado todas y cada una de las remezclas que nos han propuesto R de Rumba, Makala, Lack Of Afro, AGFA, Roberto Sánchez, Watch TV, DJ Floro & Ale Acosta y Fundación Tony Manero. Ya de por sí, éramos y somos fans de muchos de ellos desde antes de formar la banda, y nos hacía especial ilusión poder contar con todos en este nuevo proyecto, innovador para nosotros y totalmente autoproducido”. Ninguna remezcla se parece a la anterior y mucho menos a las originales de “Play It Again!”. “Este es el efecto que buscábamos, ya que The Cherry Boppers se basa en eso, en la miscelánea que tenemos cada uno en nuestra cabeza, y los remixes han salido tan dispares como buscábamos. AGFA ha tirado hacia la electrónica, DJ Floro y Ale Acosta hacia el Afrobeat, Roberto Sánchez hacia el reggae dub, R de Rumba hacia el hip hop…”. ■ Álvaro Fierro

The Cherry Boppers Vienen de: Bilbao Publican: “Remix It Again!” (Keep On Boppin’ Records, 10) En la línea de: Corduroy, James Taylor Quartet, James Brown

The Cherry Boppers Foto Archivo

Rock City Morgue Foto Archivo

A los trece años ya tenían claro qué sonido querían desarrollar, algo que naciera en el rock’n’roll y el garage con destino en el blues. Son sólo dos pero parecen cuatrocientos. Jan Paternoster (vaya nombre), el guitarrista, es capaz de tocar a la vez la rítmica y la solista con una soltura endiablada. Su voz suena a veces un poco a Jim White, y su guitarra a todos los Stones a una, pero es un alumno concienzudo capaz de hacer creer que efectivamente estamos ante una pareja que sólo tiene ganas de parecerse a si misma. Han teloneado a media Europa dejando a la otra media con la mosca detrás de la oreja. Su terreno natural no es el estudio, pero “Silver Threats”, su segundo álbum, aunque no es el colmo de la originalidad, es una ocasión estupenda para empezar a tener cuidado con The Black Box Revelation. (Paternoster) “Todo el mundo nos aconseja que metamos más gente en la banda, pero para nosotros es importante la aventura y la experiencia de hacer música los dos solos y afrontar el reto de llenar el escenario sólo con una guitarra y una batería”. Ya no es un formato original, pero The Black Box Revelation son los más frescos del barrio. “Nunca trato de hacer música de otros, después de tocar una intro ajena, ya me he aburrido de composiciones ajenas, así que mi estilo no viene de nadie más. Aprendí a tocar la guitarra con un profesor zurdo que tenía las cuerdas al revés y que me enseñó a poner los dedos de una manera muy extraña, de modo que no podía parar de ensayar para saber cómo tenía que hacerlo yo. Luego me junté con Chris (Dries Van Dijk, batería) y un cuarteto que no tenía nunca en cuenta nuestra manera de enfocar la potencia en la música”. ■ Jorge Obón

Montevideo Foto Archivo

escaparate /40/ Mayo 2010 · MondoSonoro

Montevideo Vienen de: Andalucía Publica: “Vértigo y euforia” (El Genio Equivocado, 2010) En la onda: Klaus & Kinski, Nacha Pop, Apenino

Montevideo forman parte de las Jack Sessions. forman parte de las Jack Sessions. el 6 de mayo en madrid, el 13 en barcelona, el 20 en valenciay el 21 en granada

Mañana Foto Archivo

Mañana Vienen de: Sevilla Publican: “A ver quien llega antes al fin” (Aullidos, 10) En la onda de: Lori Meyers, Tulsa, Maga

Boo Dooh Foto Archivo

Vienen de: Barcelona Publican: “Magia” (Supakanja Crew, 10) Suenan a: La Vieja Escuela, Stones Throw, León Dramaz

a versionar a The Clash en “Perdidos en el súper” (que pudo hallarse en el recopilatorio “Sevilla Calling”, ideado por el músico hispalense José Casas), el grupo se muestra optimista ante la repercusión de su nueva identidad sonora. “Ahora nos encontramos más a gusto que nunca y estamos seguros de que la gente lo va a notar. Todo cambio suele provocar reacciones. Entenderíamos que haya gente que se quiera bajar de este nuevo tren que hemos cogido, aunque preferiríamos que siguieran a bordo. El viaje merece la pena”. ■ Sergio del Amo

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Quizás ya nadie se acuerde de ello, pero Boo Dooh publicaron su primer material cuando el rap nacional todavía iba en pañales, en 1994. Después de aquello Eddy Drammeh entró a formar parte de 7 Notas 7 Colores, para luego volver a sus inicios, formar el sello/ estudio Supakanja Crew con sus viejos compañeros de armas, 33 y DJ Deme, y publicar un disco debut más de quince años después. “Cuando publicamos la maqueta ni siquiera había ningún sello dedicado al hip hop”, recuerda Eddy. “Después de la separación de 7 Notas 7 Colores fundamos el sello, que ahora mismo sólo tiene dos referencias, y a partir de allí intentamos fichar a gente que nos parecía interesante. Y ahí seguimos, con la manta liada a la cabeza”. Ya incluyeron un tema suyo en el recopilatorio que inauguró el catálogo de Supakanja. El resto se ha ido cociendo a medida que iban recopilando colaboraciones instrumentales de la altura de Dive Dibosso, The Isolitics e incluso el productor yanqui Oh No, que junto a Roc C y Wildchild dan un distintivo toque Stones Throw al retorno de Boo Dooh. “Es el hip hop más fresco que se está haciendo y también nos ha influido su manera de llevar el sello”, comenta. “La idea de Supakanja es coger la frescura de los grupos que hay aquí en Barcelona. No sólo en la capital, si no también en la periferia”. En cuanto a ellos, están terminando de perfilar la gira de presentación. “Las cosas han ido saliendo y hemos tenido la oportunidad de hacer el disco que queríamos”, continua. “Nos ha llevado varios años, pero lo hemos conseguido. Ha sido un trabajo a fuego lento, pero no hemos perdido de vista en ningún momento qué tipo de álbum queríamos, a qué queríamos sonar”. ■ Joan Cabot

Boo Dooh

y ocurrió lo mismo. Seguía faltando algo, y no era otra cosa que un batería”. Los guitarristas Arturo Ucha y Alexis Campos, del mismo modo que el percusionista Miguel Marín, han supuesto la mejor solución para el propósito de Montevideo. Acaso, llegados a este punto, ¿han perdido la fe en los sonidos estrictamente electrónicos en pro de las guitarras? “Eran nuestras necesidades. Nos lo pedían el oído y las circunstancias. Suponía algo fundamental conseguir un sonido en el que confluyera la personalidad de cada uno. La batería y el bajo se llevan a la perfección, y las guitarras y los efectos hacen lo propio con el sintetizador. Si a esto le sumamos las trompetas y los fliscornios que aderezan algunas de las nuevas canciones, provocan que nos arrimemos aun más al calor de lo acústico, eléctrico y orgánico”. Atreviéndose

Cuando descubres que Cristóbal Colom sólo tiene veintitrés años da como cosa. Y eso es porque se trata de la cabeza pensante detrás de Mañana, banda de Sevilla que mira a la americana de frente y cuyo primer disco te sacude el corazón al tiempo que lo alivia y reconforta. “Aunque suene un poco prepotente creo que lo que hacemos nosotros en castellano probablemente no haya nadie haciéndolo ahora mismo; a lo mejor sí que hay gente que hace algo parecido en inglés, este rollo como de rock folk pop americano, o lo que sea”. Lo que sea es una sorpresa de las buenas, aunque una sorpresa relativa, porque “A ver quien llega antes al fin” llega después de dos maquetas premonitorias que sirvieron a Cristóbal para unir fuerzas a la hora de seguir adelante con el proyecto y llegar a la formación fija que son ahora. En “Algunas causas perdidas” (2007) y “El fuego en casa” (2008) ya estaban presentes, de alguna forma, todos los elementos que ahora destacan en el álbum, por ejemplo, la importancia de unas letras que olvidan los estribillos en favor de la narración y que ahora parecen adquirir un matiz más personal. “En el disco hay mucho de mí pero casi todo está exagerado, desvirtuado o modificado. Quizás hay un tema que sí es más literal pero no lo desvelo, que luego se ofenden las terceras personas. De todas formas no hay muchas canciones de amor, quizás dos o tres. Yo creo que si de algo habla el disco es de aceptar las cosas, superarlas y cambiar, pero no tiene porque ser sólo aplicable a las relaciones personales”. ■ Cristina V. Miranda

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Colgada al teléfono en algún lugar a camino entre el hotel y otra de sus entrevistas, Mónica Rodríguez, cincuenta por ciento de Zigmat, reflexiona sobre el sentido de la vida en un mundo tan mecanizado. Pero vayamos por partes. Zigmat es el proyecto de la ya citada Rodríguez y Stephen Yonkin, cuando ambos coincidieron en Nueva York tras haber estudiado en el Conservatorio de Boston. Empezaron a trabajar juntos en 2006 y a finales del año pasado vio la luz su primer trabajo, “Sounds Of Machine”. Un disco que trata, retomando el hilo de reflexión de Rodríguez, sobre “la humanidad comparándola con las máquinas y cómo a pesar de que tenemos una composición genética muy predecible, un software que roza lo mecánico, sigue habiendo algo muy humano en cada uno de nosotros cuando somos capaces de crear”, asegura la cantante. “En un momento en que la ciencia avanza tanto que puedes casi determinar cómo serán tus hijos, te preguntas cuál es el propósito de tu vida. Y el mío es el de crear música”, afirma rotunda Rodríguez. “Sounds Of Machine” es un disco acorde con la amalgama de sentimientos y reflexiones del grupo; un trabajo donde el rock se fusiona con la electrónica, las letras reflejan la dicotomía entre el mundo mecánico y el humano e incluso cantan en inglés y castellano –Rodríguez es puertorriqueña-. Las comparaciones con Massive Attack, Hooverphonic o Goldfrapp no les incomodan, aunque reconocen que tienen un sonido algo propio. “La mayoría de estos grupos son europeos y Zigmat cuenta una historia diferente, con un sonido muy de Brooklyn”. ■ Marta Terrasa

Zigmat Vienen de: Nueva York Publican: “Sounds Of Machine” (Actúa Música, 09) En la onda de: Goldfrapp, Cocorosie, Hooverphonic

Zigmat Foto Archivo

esde que la banda prescindió de los servicios del sello Jabalina, Montevideo nos ha ofrecido uno de los giros sonoros más sorprendentes de la temporada. Damiana Dubatti y Manu Villalba pasan a ser cinco en “Vértigo y euforia”, desquitándose de la etiqueta electropop que habían predicado en sus inicios. Necesitaban un cambio, sobre todo en los directos, de modo que Montevideo se ha agarrado a las guitarras más que nunca para iniciar una novedosa etapa. El propio Manu Villalba (voz y sintetizadores) es el encargado de darnos los detalles de su actual situación. “Hemos pasado a ser cinco sin darnos apenas cuenta evolucionando, siempre, según las necesidades del directo. Lo intentamos con un guitarrista, sin embargo, no conseguíamos materializar lo que teníamos en mente. Después incluimos una segunda guitarra

MondoSonoro · Mayo 2010 /43/

BALKAN BEAT BOX

“Blue Eyed Black Boy” Crammed Discs/Nuevos Medios

WORLD MUSIC

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Su anterior disco, “Nu Med”, abreviación de ‘nuevo Mediterráneo’, les sirvió para aunar elementos de las músicas judías, árabes, sirias, europeas, norteafricanas o americanas, sin ningún prejuicio. Eso sí, con el poderío de la música gitana y balcánica, y de sus metales tradicionales como nexo de unión. En su tercer álbum de estudio, ahondan en esa idea y entregan catorce vigorosas y tonificantes canciones muy pensadas para su directo que, por cierto, es impresionante. Son un colectivo, pero los cofundadores Ori Kaplan y Tamir Muskat, clarinete y batería, son los que componen junto con el vocalista-activista Tomer Yosef. Son coetáneos y amigos de Gogol Bordello y juntos, hace años, agitaron la escena neoyorquina. Ori giró con ellos y Tamir les produjo algún disco, pero mientras Gogol explotan la parte gypsy-punk-ucraniana, ellos amplían más su visión y añaden elementos de hip hop, reggae, samplers y programaciones. “Marcha de la vida”, “Balcumbia” o “Dancing With The Moon” exploran las raíces latino americanas, “Buhala” las gnawa-marroquíes, “Kabulectro” o “Smatron” las balcánicas. Todas brillantes y dinámicas. Miguel Amorós

BIG CITY

“Celebrate It All” I+D Records

ROCK

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A uno no puede sino dibujársele en el rostro una sonrisa de proporciones épicas después de escuchar “Celebrate It All”, último capítulo de momento en la historia de una banda que está escribiendo su nombre con letras de oro en el panorama musical de este país, una sonrisa que crece y crece con cada escucha y que tiene matices de redención con la corrompida escena indie por ver cómo por fin triunfa un banda que ha sabido esperar y ha trabajado duro para que llegase su momento. Y vaya si ha llegado. Nueve canciones que sintetizan mejor que nunca las cuidadosamente elegidas influencias de la banda (sesentas, country, folk, psicodelia…) y las pasan por un filtro pop que convierte automáticamente casi todos los temas del álbum en hits por derecho propio. Por destacar alguno: “The Smiths”, indie-pop fresco lleno de sentimiento y melodía que debería abrirles definitivamente las puertas del gran público, “Split End” le puede aguantar el pulso a los mejores Wilco, con eso está todo dicho... Un disco superlativo de una banda excepcional. Dani Arnal

BONNIE ‘PRINCE’ BILLY & THE CAIRO GANG

“The Wonder Show Of The World” Domino Records/Pias

AMERICANA

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Hubo un tiempo en que un grupo podía sacar dos discos al año (los Stones llegaron a publicar diez títulos durante sus tres primeros años de carrera). Hoy, en cambio, es extraño encontrar tal proliferación discográfica, aunque siempre hay excepciones. Una de ellas, gloriosa excepción, la protagoniza Will Oldham, que acaba

de planchar su sexto disco en dos años (tres de originales, dos directos y uno de autoversiones). Y lo cierto es que hay que brindar por ello porque, lejos de comprometer la calidad de sus grabaciones, Oldham ha acabado por no dar puntada sin hilo. “The Wonder Show Of The World” va ligero de instrumentos, con las guitarras de Emmett Kelly como timón (no necesariamente acústicas, como en la balada cósmica “Teach Me To Bear You”), y se recrea en ese folk lento y un tanto oscuro que envuelve (“Merciless And Great”), que deslumbra a poco que deja entrar la luz (“That’s What Our Love Is”) y que en cuanto puede viaja armónicamente a los sesenta (“Someone Coming Through”). Se recrea sin caer en la autocomplacencia y otros pecados pretéritos. Gracias a ello, vuela muy alto. Jorge Ramos

vinilos

james murphy mantiene el tipo

BRETT ANDERSON “Slow Attack” EAR/Edel

POP

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No debió resultar sencillo para Brett Anderson comprender y aceptar el marcado giro que, respecto a la obra de Suede, demandaba su inspiración. Parece sin embargo que el británico ha focalizado definitivamente el objetivo, y en “Slow Attack” continúa la misma senda emprendida tras la disolución de la afamada banda londinense. Su tercer disco en poco más de tres años llega de nuevo (y no por casualidad) en periodo otoñal, mostrando a un Anderson intimista, desnudando orgulloso su alma a lo largo de once nuevas canciones preferentemente minimalistas, austeras e incluso frías de no ser por la calidez vocal impregnada por el protagonista. El piano sigue siendo el principal aliado del artista a lo largo de piezas inspiradas (“Hymn”, “Pretty Windows”, “The Swans”) que comparten espacio con inofensivas composiciones (“Scarecrows And Lilacs”, “Leave Me Sleeping”). La concesión de un par de cortes que dejan entrever la vertiente más recogida de Suede (“The Haunted”, “Julian’s Eyes”) completan un trabajo irregular y algo autocomplaciente, pero cuya acogedora elegancia recompensará al oyente paciente. Raúl Julián

CARONTTE

“As Grey As They Said” Five Years

POST-METAL

1114

Su primer Ep ya demostró con creces que son un valor por el que apostar dentro de ese género intermedio entre post-rock y post-metal, gracias a un puñado de interesantes temas adentrados en referencias clásicas con nada que envidiar a los últimos grupos exitosos de este estilo, curiosamente en boga a tenor de los llenazos que algunos han conseguido en nuestros escenarios. Un precedente que sólo cabía esperar que repitieran en su primer disco oficial, formado por siete temas de largos desarrollos en los que, esta vez, se aferran un poco más a la agresividad metálica que al post-rock de manual. La confirmación de que no se andan con remilgos a la hora de poner toda la carne en el asador, aunque tampoco se corten un pelo a la hora de vadear por los caminos tortuosos de lo melódico, con argumentos de tez delicada y ritmo perezoso. Probablemente la producción y ciertas imperfecciones echen algo de lastre a lo notable de su debut, pero está claro que, para todos aquellos que gusten de la música atmosférica y llena de intensidades cambiantes, esta es una gran banda a descubrir. Francesc Feliu

LCD Soundsystem Foto Ruvan Wijesooriya

LCD SOUNDSYSTEM “This Is Happening” DFA/EMI

POP

1111

Tres discos ya y tengo la impresión de que cada día admiro más a James Murphy. De mayor quiero ser como él, quiero ser un tipo que jamás se toma más en serio de lo que debe y que mantiene intacta su capacidad de ironizar frente a la vida y el mundo que le rodea y encima dotar de algo personal e intransferible a cada una de sus frases, a cada uno de sus movimientos. Y no solamente eso, sino que todo ello lo vehicula en grandes y fantásticas canciones que han cambiado la perspectiva de entender el pop actual de muchos. ¿Cómo puede funcionar mal un disco que empieza con los ocho vibrantes minutos de “Dance Yrself Clean”, un corte con todo el ritmo, la suciedad y el calado de algunos de sus hits previos?

Murphy puede, a estas alturas, jugar con estribillos birlados a The Velvet Underground o David Bowie (“Drunk Girls”) y convenientemente metamorfoseados, puede tomar prestadas ideas que en su momento pertenecieron a The Fall, Gary Numan o John Foxx (“Pow Pow”, “I Can Change”), puede resultar autoreferencial y salir más que victorioso del reto (“One Touch”), sonar comercial sin perder la compostura (“All I Want”, “Home”) o incluso firmar un tema pop de nueve minutos sin sonar reiterativo (“You Wanted A Hit”). Si hubiese desterrado “Somebody’s Calling Me” a la obviable banda sonora de “Greenberg”, su tercer disco sería intachable, pero tanto da, porque James Murphy es un clásico moderno y no porque recupere un sonido antiguo para darle lustre y cepillarle las polillas, sino porque compone canciones de las de toda la vida, emocionantes y atemporales, desde una perspectiva y un sonido actuales, eficaces y nuevamente brillantes. Joan S. Luna

en la onda

P.I.L.

David Bowie POP

VV. AA.

“Metal Box” (1979)

“Lodger” (1979)

1111

David Bowie estuvo en Berlín y trabajo con Brian Eno. Allí experimentaron, buscaron nuevos caminos para su música al tiempo que los encontraron para muchos otros. Y eso es lo que lleva haciendo James Murphy a lo largo de estos años. A propósito, el estribillo de “Drunk Girls” es un cruce mutante entre el de “Boys Keep Swinging” y el de “White Heat/White Light” de The Velvet Underground.

ROCK

“Greenberg” (2010)

11114

No será ni la primera ni la última vez que se cita a John Lydon y sus Public Image Limited (o puestos a The Fall) como influencia fundamental de parte del trabajo de Murphy. Su rítmica bailable, el poder musculado de sus bajos y su capacidad de combinar géneros tienen mucho en común. Escuchen “Albatross”, “Swan Lake” o “Memories” si lo dudan y aprendan.

BANDA SONORA

114

Noah Baumbach (“Una historia de Brooklyn”) le encargó a Murphy la banda sonora de su nueva película. El resultado, una pieza secundaria de LCD Soundsystem y prácticamente una docena de composiciones en las que Murphy se distancia del sonido de su grupo al mismo tiempo que de la magia y el ritmo que le ha caracterizado hasta el momento. ■ JSL

(vinilos /44/ Mayo 2010 · MondoSonoro)

la excesiva joanna newson DANKO JONES

“Below The Belt” Bad Taste Records

ROCK

1114

Danko Jones no tiene pelos en la lengua, por más larga que la tenga -no llega al tamaño de Gene Simmons de Kiss pero se le acerca-, tal y como nos ha demostrado en todas y cada una de sus numerosas visitas a nuestro país. Pasa de modas, de imperativos, de normas. Y si en “Never too loud” optó por cambiar un poco la táctica, sonando menos directo y ruidoso, con algún tema acústico, murallas stoner a ratos para compensar y el tema más largo de su carrera (“Forest For The Trees”), ahora da un ligero paso atrás, volviendo a la raíz, aunque siempre con matices y sugerencias. Ya no es la bestia parda de sus inicios por mucho que lo intente en cortes como “Magic Snake” o la metalera “Had Enough”, con esos riffs tan característicos que son marca de la casa. El carismático cantante se ha moderado, ha preferido bajar el nivel de revoluciones, aunque le encanta seguir jugando con las melodías, mientras tributa a sus ídolos (“Tonight Is Fine” suena a AC/DC por los cuatro costados). Además, su voz suena distinta, más melosa, menos visceral, Toni Castarnado Joanna Newsom Foto Archivo

JOANNA NEWSOM “Have One On Me” Drag City/Popstock!

EXPERIMENTAL

1114

Poco más lejos de mi intención que convertirme en el niño que voceó que el Emperador caminaba desnudo. La crítica mundial aplaude unánime el titánico esfuerzo de Joanna Newsom, casi cuatro años de trabajo resueltos en un triple disco, dos horas de catarata musical interpretada en su mayor parte con la ayuda única de arpa y piano, poniendo distancia con el ornamento rococó que revistió a “Ys”. Y es comprensible -el aplauso, digopor cuanto a “Have One On Me” no hay quien le meta mano desde un punto de vista técnico, de ejecución y

hasta, si me apuran, en su exitosa reafirmación de una voz personal e inconfundible. Otra cosa es que, de corazón, pueda recomendar un trabajo que se conduce por la senda del exceso, al que le sobra al menos la mitad del minutaje y que a mitad de recorrido se convierte en un desquiciante ejercicio prog-folk de gota china: cuánto nos gusta la desproporción a los críticos pero qué mal supera ésta el paso del tiempo... Estoy de acuerdo en que la tercera referencia de la Newsom, vitoreada desde ya como hija putativa de Kate Bush, supone toda una aventura sonora, lo que no veo claro es si servidor y conmigo la práctica totalidad de los mortales estamos dispuestos a correrla de su mano. Por bastante menos a las Cocorosie les echamos los perros y Josephine Foster sigue castigada en su habitación…Luis J. Menéndez

CLEM SNIDE

THE CLOSERS

COHEED AND CAMBRIA

Houston Party

King Of Patio

Roadrunner/Divucsa

“The Meat Of Life” ROCK

“Year Of The Black Rainbow”

“Gliese 581” 111

A la banda de Eef Barzelay (guitarra, cantante y compositor) siempre la hemos tenido en gran estima y consideración, sobre todo cuando nada más inaugurar el nuevo milenio se desmarcaba con una serie de trabajos que dejaban un magnífico sabor de boca entre crítica y aficionado. Pues bien, esa misma estima puede conllevar el peligro del elogio injustificado, provocado casi por la inercia. Pero no es menos cierto que también puede generar que el grado de exigencia se eleve. Y es justamente eso lo que me ha sucedido: que este “The Meat Of Life” me deja una tíbia sensación de sí, pero no del todo. Quizás el problema resida en el inicio prometedor del disco, con un tema dinámico y de estribillo poderoso como “Wallmart Parking Lot”. Una sensación de robustez que perdura durante al menos tres temas más (la canción que confecciona el extraño título del álbum, tiene un ambiente sinuoso y pasional que logra cautivar tu atención), pero que desgraciadamente no tiene continuidad en la segunda parte del álbum en la que la atención del oyente se diluye, tras encadenar una serie de canciones tan correctas como inocuas y sobre todo poco trascendentes. Don Disturbios

ROCK

111

Supongo que será muy difícil apartarles de la imagen de NIN nada más pongan la oreja delante de las canciones de estos zaragozanos, pero el caso es que su capacidad para sintetizar rock con electrónica –intuyéndose rasgos que implican un amplio abanico de influencias que van desde Garbage hasta Depeche Mode o The Prodigy-, es impecable. Cierto es que su deuda con la década de los noventa es clarísima, o que todas esas melodías tan bien conseguidas y tan típicas de la época, así como el puñado de arreglos anclados a lo que antaño fue el rock industrial, suponen algo más que una apropiación más que lograda de tics y elementos indispensables para entender lo que Reznor y los suyos fueron capaces de crear, pero aun así, pese a todas esas similitudes posibles, sus canciones, más que retrotraernos hacia esa época, son capaces de brillar por sí solas. Porque si una cualidad destaca por encima de todas en la música de este trío es la inmejorable calidad de su trabajo. Un primer disco largo, después de sus primeros pasos en el Ep “The End”, sustentado por diez temas destinados a agitarles. Francesc Feliu

PROGRESIVO

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El frío tras las primeras escuchas de un disco puede decir mucho o ser una gran pista falsa. En el caso del quinto disco de Coheed And Cambria se trata claramente de lo segundo: después de una sensación de saberme el final de la película me descubro viéndola una y otra vez, aunque en efecto ya me sepa el final. Claudio y los suyos parecen haberse tomado muy en serio la precuela que este disco supone para su particular intrahistoria y se han sacado de la manga temas que no son sólo una suma de capas de sonido, sino que cada parte suma un todo cohesionado al máximo. “Year Of The Black Rainbow” nos regala además la primera grabación con los neoyorquinos de Chris Pennie (ex DEP), un pulpo con baquetas, un single con mayúsculas como “Here We Are, Juggernaut”, joyas de pop estratosférico como “World Of Lines” o medios tiempos como la (por qué no usar la palabra) bonita “Pearl Of The Stars”. Para colmo, el sonido conseguido junto al habitual de NIN Atticus Ross y Joe Barresi (The Melvins, Isis) es perfecto y la mal concebida épica que algunos les achacan no aparece por aquí. Notable, notable. Ignacio Pato L.

DEFTONES

“Diamond Eyes” Reprise

ROCK

1114

Deftones son un puto clásico. Y como tal, es de libro que en cada disco redirijan sus pasos hacia los terrenos por los que son reconocidos. Eso es ni más ni menos lo que sucede en este “Diamond Eyes”, séptima entrega de los de Sacramento, en la que vuelven orgullosos a poner en la palestra su libro de estilo, dando buena cuenta de su poderío y buen hacer en estos menesteres. Más allá de eso, otro tema sería encontrar los distintos matices que puedan acompañar a esta nueva edición, como por ejemplo cierta suavización de todo el conjunto –en la línea de su anterior “Saturday Night Wrist”-, alguna reiteración de ideas innecesaria –“You’ve Seen The Butcher” o “Prince” poseen riffs y elementos ya utilizados en discos anteriores-, aunque sin perder ni un ápice de potencia en determinados bombazos. A las pruebas me remito. Temazos como “Royal” o “This Place Is Death” lo atestiguan, devolviendo a la banda a un primer plano necesario para el rock, provocando que nuestra adrenalina vuelva a subir de niveles después de haber quedado más que adormecida tras tanto rock bailable. Francesc Feliu

DE VITO

“Berlusconi EP” King Of Patio

ROCK

1114

Los zaragozanos De Vito publican nueva referencia, un año después de su debut “Arty Party” (King Of Patio/Naked Man, 09). Apostando de nuevo por el formato EP, el trío encabezado por Fuxedo destierra las guitarras a un segundo plano, focalizando el objetivo final en pleno epicentro de la pista de baile. La contundente producción de Alex Ferrer (The Requesters, Sidechains) ayuda a domar el crecido despliegue de máquinas y sintetizadores, ganando el sonido de la banda en consistencia y profesionalidad. El petardeo a lo Mc-

Namara que se dejaban intuir en su ópera prima es ahora exorcizado sin complejos a lo largo de los cuatro nuevos cortes, completados con una remezcla (aun más) acelerada del “Clap Your Hands And Say Co!” a cargo de Sidechains. Veinte minutos de rave sin tregua, donde el hedonismo y los loops imposibles latentes en el libro de estilo del grupo alcanzan nuevas cotas. De Vito se colocan junto a We Are Standard, Mendetz o Delorean en la nómina patria de artistas quema suelas que disfrutan enchufando sintético pop-rock, siempre con la electrónica como coartada principal. Y champán para todos. Raúl Julián

EMIT BLOCH

“Dictaphones vol.1” One Little Indians/Popstock!

COUNTRY

1111

La primera referencia sobre este músico enigmático no puede ser más golosa: judío criado en la mormona Utah que se traslada a California. Súmenle a eso los elogios por parte de Beth Orton y Alan McGee (“mientras el mundo se rinde a la tecnología, él es la fantástica banda sonora hacía la locura”), la puntación máxima en una de las revistas más prestigiosas del Reino Unido, y la idea generalizada de que ha nacido alguien que dará que hablar largo y tendido. Sonido lo-fi, casero, algo así como si escuchases unas demos o una cinta de cassette antigua que empieza a fallar por el desgaste, un disco hecho sin medios, con una guitarra en sus manos que rasga con la violencia de un punk-rocker y una armónica que aparece y desaparece dejando su huella en piezas necesitadas de su energía. Folk en estado embrionario, las peripecias propias del bluegrass, más el sonido de un blues desgarrado tocado a orillas del Mississippi. Como juntar en el porche de una casa abandonada en medio de la nada, a tipos como Hank Williams, Bob Dylan y Woody Guthrie para grabar unas sesiones espontáneas e inesperadas. “Dictaphones” es un álbum que podría encajar como complemento a la antología del folk americano de Harry Smith o en los amplios archivos de Alan Lomas. Una hazaña con el estilo de William Elliott Whitmore o Scott H. Biram. Toni Castarnado

LA FAMILIA RÚSTIKA “Sin rumba fija” Kasba Music

MESTIZO

1111

Como se dice en estos casos: ha tardado ¡pero ha merecido la pena! Y ya se sabe: “a las penas, puñalás”. Aquí tenéis doce hirientes “puñalás” musicales de los rumberos más latinos de la Ciudad Condal. A cuál mejor. Nos referimos tanto a las canciones (que ellos llaman rumbas adulteras porque las “pervierten” con todo tipo de ritmos) como a los músicos. Al frente de ellos el cantaor y “contaor” Dani Txarnegö, un activista que se come la vida a bocaos musicales y que gracias a su constancia y pasión ha convencido a Joan Abellá, Xavier Monreal, Miguel “Pintxo”, JP Balcázar, Pep Santiago y Santi Manresa para que pongan los instrumentos al servicio de sus historias. Y no sólo a ellos, también a un sin número de invitados (imposible nombrarlos a todos). En temas como el impecable “Memorias” con Josele (Caníbala) y “Payo Yeyé” (El Tío Carlos) o en el brillante “La mitad de nada”, recogen y actualizan la esencia de maestros como Gato Pérez o Rubén Blades, que si los oyeran se sentirían orgullosos de ellos. Además sus directos son ya patrimonio de la fiesta de la Barcelona de verdad. Sin rumba fija, pero con un objetivo claro, vivir la música. Miguel Amorós

(MondoSonoro · Mayo 2010 /45/ vinilos)

eli ‘paperboy’ reed: soul para hoy

top10 internacional MARANGES

“El baile de los cangrejos” Manlay/Hello Cultura

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THE DRUMS

“The Drums” Moshi Moshi/Nuevos Medios

LCD SOUNDSYSTEM

“LCD Soundsystem” (Avance) EMI

SHE & HIM

“Volume Two” Domino/Pias

HIGH ON FIRE

“Snakes For The Divine” Media Century

DUM DUM GIRLS

“I Will Be” Sub Pop/Popstock!

FOALS

“Total Life Forever” Warner

WE HAVE BAND “WHB” Naïve

THE NEW PORNOGRAPHERS

“Together” Matador/Popstock!

MGMT

“Congratulations” Sony BMG

NEW YOUNG PONY CLUB “The Optimist” Pias

111

Hubo un tiempo en que la música pop se puso como condición epatar, no dejar indiferente, ser cualquier cosa menos indulgente con los oyentes, remover algo ahí dentro. No soy de los que piensa que todo tiempo pasado fue mejor, pero sí admito que nos hemos acomodado, que no estamos tan acostumbrados como antes a que nos pongan en una situación comprometida, en la que debamos definirnos a favor o en contra. Y eso es porque los artistas temen el rechazo tanto como el anonimato. Pero también hay excepciones. Jordi Maranges no es Genesis P-Orridge, por supuesto, pero su discurso es de los que se pasean por esa brecha entre los que piensan que es ridículo y los que se sienten cautivados. Sus textos son ambiguos, grandilocuentes, casi tanto como su música, en la que el vodevil de Kurt Weill baña los pies en el Mediterráneo, si no en riberas más lejanas, y a ratos se toma una absenta en algún café decadente. De París, por supuesto, pero también de Barcelona, sobre todo de Barcelona. El ex cantante de El Diablo en el Ojo se ha deshecho de la intermediación que hasta ahora ejercían sus personajes, aunque lo suyo sigue siendo a ratos más cercano al teatro que a la chanson. Maranges interpreta, en todos los sentidos de la palabra, y en el camino te obliga a decidir si “El chico que quería ser sirena” o “La revenja d’una estrella“ son demasiado para ti, por ridículas e histriónicas, o si lo que se impone es la mirada heróica y romántica. Joan Cabot

top10 nacional THELEMÁTICOS “Thelemáticos”

Eli “Paperboy” Reed Foto Perou

ELI “PAPERBOY” REED “Come And Get It” Capitol/EMI

SOUL

1111

Feliz como una perdiz estoy al poder escribir unas líneas sobre el tercer disco de Eli “Paperboy” Reed. Lo estoy porque me llena de gozo que su soul de culto y de alma tabernaria haya salido por fin a la superficie gracias a unos conciertos incendiarios en medio mundo. De hecho, su fulgurante ascensión a lo más alto se acelerará con “Come And Get It”, un disco (el primero para una multinacional) que, si bien no traiciona sus raíces souleras, sí aparca en gran medida su filiación al explosivo sonido heredado de Stax Records para apostar por unas

canciones más pop y luminosas que abrazan sin reparos la herencia Motown clásica (la de The Four Tops, The Temptations o The Jackson 5). “Young Girl” y “Name Calling”, las dos canciones que abren el nuevo trabajo del carismático soulman de Massachussets, ya dejan bien claro el giro hacia el sonido más epidérmico del sello creado por Berry Gordy, a la vez que confirma que, lejos de domesticarse, Eli “Paperboy” Reed es capaz de dotar a su nueva encarnación soul-pop de tanta o más energía de la que desprendía su celebrado segundo álbum. Eso sí, si alguien, a pesar de todo lo que les cuento, cree aún que se ha apijado, sólo tiene que acudir al corte que cierra el disco, “Explosion”, una auténtica bomba de relojería que tapará las bocas de sus seguidores más integristas. Xavi Sánchez Pons

Discoteca Océano

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

LA TROBA KUNG-FÚ “A la panxa del bou” Popstock!

MALA RODRIGUEZ “Dirty Bailarina” Universal

MUCHACHITO

“Idas y vueltas” El Horfanato Eléctrico

LORI MEYERS

“Cuando el destino nos alcance” Universal

NAPOLEÓN SOLO

“Napoleón Solo en la ópera” El Volcán Música

MISHIMA

“Ordre i Aventura” Sones

ZULÚ 9.30

“Remixes” Kasba Music

MONTEVIDEO

“Vértigo y euforia” El Genio Equivocado

ASTRADYNE

“Origen” Producciones Demodé

LÜGER

“Lüger” Giradiscos

1114

Demasiado ocupado ha estado Sergio Pérez últimamente como para poderse concentrar de lleno en su proyecto thelemático. Estábamos esperando una continuación de su anterior EP de hace tres años y aunque ha costado, aquí lo tenemos, construyendo su propio universo. Y con el disco echando chispas en el reproductor, no cabe más que decir que la espera ya ni se tiene en cuenta y que ha merecido la pena. Estar al lado del omnipresente Joe Crepúsculo absorbe minutos, igual que su de cada vez más intensa dedicación a producir también a otros elementos del pop. Ahora le devuelve el favor otro de esos talentos después de que por sus manos pasase “Alegranza”, una de las más sonadas celebraciones pop de la pasada década. Aquí Pablo Diaz-Reixa (El Guincho y Coconot) le da a las baquetas. Sin embargo su actual formación es otra. Quedándose solo en la trinchera, decidió reclutar a las ex Sibyl Vane, Rocío y Luciana, a quien ya solicitó antes de liquidar Anticonceptivas. Su debut largo dura poco más de veinticuatro minutos y contiene catorce flamantes canciones; directas y de una crudeza afectuosa. Desterrando lo feúcho, aquí prevalecen las melodías bonitas. Pura teología pop sin complejos. Pequeñas joyas caseras que irradian un brillo críptico. Guitarras que remiten a las de hace cinco y seis décadas, hasta coros surferos y un misticismo lírico que incluso se atreve a desafiar a Ramón Llull en la impetuosa “Oro fino”, digna sucesora de su pretérito himno “La casita”. Parafraseándole, en su “Mundo raro” sólo existe él, aunque nos lleve a los tiempos pletóricos de universos únicos como los de Patrullero Mancuso, El Desván del Macho o Derribos Arias. Y esto es algo que nos encanta y que se agradece. Celestí Oliver

ALBERTUCHO

ANNE ARBOR

El Volcán Música

Siesta

“Palabras del capitán cobarde” ROCK

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Este “Palabras…” es el cuarto y flamante trabajo de Albertucho aunque, si tuviéramos que atender a lo escrito en su hoja de promo, podríamos llegar a pensar que el cantautor sevillano no estaba satisfecho del todo con lo realizado hasta la fecha y tampoco es eso. No es que reniegue de su pasado, sino más bien que está convencido de que este es el mejor disco, el definitivo para dar un impulso a su carrera y en eso estamos de acuerdo. Sobre todo en lo que concierne a un inicio de disco intenso, vivaz y sólido en el que cabe destacar un más que acertado trabajo en los arreglos de las canciones que embellecen esa poesía de lo cotidiano propia de artistas como Albert Pla pese a no contar con la brillantez, mala baba, ironía descarnada y clarividencia del catalán. Lo suyo se asemeja más a una versión masculina de Bebe al igual que Melendi se acerca a Estopa o Poncho K a Robe Iniesta. Un artista con ese deje andaluz en su poesía honesta y cotidiana y que ha sabido encontrar en la producción de Juan de Dios Martín (Deluxe, Le Punk), un aliado perfecto para dotar a su música de una robustez y un lujo de detalles muy interesante. Habrá que seguirle la pista. Don Disturbios

“La habitación de música” POP

1114

Bajo la premisa del pop secretamente aristocrático, Peter Anne y Nathalie Arbor afirman en el libreto de “La habitación de música” que registraron el álbum en un castillo de la Costa Azul portuguesa. Aunque si tiramos de bibliografía histórica podremos comprobar que dicha afirmación no deja de ser una simpática falacia. La autoría del largo brilla por su ausencia, pero no hay que ser un lumbreras para darse cuenta de que el dúo formado por Pedro Vigil (Edwin Moses) y Natalia Quintana (Nosoträsh) son quienes se esconden realmente detrás de estas piezas de elegancia pop, en grandes ocasiones, orquestada (“Canción de Clarissa”). Rememorándonos a La Buena Vida o Niza, no tienen problema alguno en tirar del vocoder (en “9000”) o la bossanova (“Un Apple Fizz en México”) en unos medios tiempos ideados para hacer de las suyas en esas tardes de domingo introspectivas que, de vez en cuando, son mano de santo. Aun con esas, “Luna” o el bonus track junto a Las Escarlatinas, “La premiada” (producida por Guille Milkyway), hacen de este álbum un apetitoso caramelo de pop nostálgico con tintes cinematográficos. Sergio del Amo

THE APPLES IN STEREO

“Travellers In Space And Time” “#1 Hits Explosion” Yep Roc

POP

1111

Es de bien nacido ser agradecido y se me hace difícil contener los lagrimones de alegría ante un doble lanzamiento de The Apples In Stereo. Por un lado, un disco que recoge sus canciones más celebradas “#1 Hits Explosion”, del que sólo puedo decir que es obligado para todos aquellos que aún no conozcan a la banda de Robert Schneider, y por otro, su último álbum de estudio, “Travellers In Space And Time”. La séptima entrega de los norteamericanos no defrauda, dejando claro que son una de las bandas más en forma del indie pop más veterano. Y es que casi veinte años después de su formación, lejos de perder fuelle, los de Denver (que aún conservan el logo de Elephant 6 en sus discos, al loro) han encontrado en su sorprendente e inspiradísimo giro a las maneras de Jeff Lynne y su ELO una refrescante y admirable nueva vida. Una vitalidad que en “Travellers...” brilla con especial fuerza. Dos cortes ejemplifican a la perfección esa segunda juventud que viven Robert Schneider y cía.; “Dance Floor” y “Nobody But You”, dos canciones que igualan e incluso mejoran el legado de Lynne. Xavi Sánchez Pons

(vinilos /46/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

bigott: el secreto de aragón

BIGOTT

“This Is The Begining Of A Beautifil Friendship” Grabaciones en el Mar

POP

11114

¡Ya está bien! Se agotaron los adjetivos elogiosos y las manidas comparaciones con referencias clásicas. Es el momento de descubrir a Bigott por lo que es capaz de aportar por él mismo. Tan sólo hay que escuchar su cuarta referencia para darse cuenta que la

Bigott Foto Archivo

suya es una carrera sólida que se afianza con cada trabajo. En este, además, estamos ante su mejor colección de canciones o al menos las que logran con mayor facilidad captar la atención y el silbido del oyente. La más pop vaya, pero siempre con ese sonido entre minimalista y áspero en el que resalta su voz por encima de todas las cosas. Abre el disco con una espléndida y sobrecogedora “Dead Mum Walking” con el contrapunto clásico de los coros femeninos y el ritmo trotón de batería, maracas y palmas que logran un tono de western crepuscular. Se pone dinámico y vigoroso en “Sparkle Motion”, le entra la vena crooner en “Horses Back” y nos deja boquiabiertos del todo con ese clásico que es “The Jingle” con un estribillo arrebatador que se te engancha como sólo las grandes canciones pueden hacerlo. El secreto mejor guardado de Aragón, debería dejar de una vez por todas de serlo. Don Disturbios

FM BELFAST

FUN LOVIN’ CRIMINALS

GOLDFRAPP

GORDON GANO & THE RYANS

HATEBREED

World Champion Records

Kilohertz Ltd.

EMI

Yep Roc Records

Roadrunner/Divucsa

“Classic Fantastic”

“How To Make Friends” ELECTRÓNICA

1114

Es justo lo que es justo, y eso con FM Belfast es reconocer que su música acaba enganchando y haciendo pensar en la noche y olvidar los apretones del día a día. FM Belfast parece ser una oda al color y al relativismo desde una electrónica que puede pecar de todo menos de pretenciosa y seria. Y no, no es que “How To Make Friends” sea un caramelo para algún ejecutivo de marketing con hijos modernos, ese es precisamente su valor, el poder versionar a Technotronic (“Pump Up The Jam”) y tres pistas más allá a Rage Against The Machine (“Killing In The Name” en versión electro, no podía ser otra que una de las canciones más mangoneadas de la Historia de la Música) sin sonar forzados, sin borrarnos la sonrisa de la cara por impostados. Los pies, por su parte, no han parado mientras suena el disco, como la sonrisa. Tampoco es menester buscar más de lo que dan la impresión de pretender estos islandeses: un buen rato haciendo música con lo que comenzó siendo un proyecto de estudio y se ha hecho grande por méritos propios. Lo dicho, pónganselos un rato, hombre. Ignacio Pato L.

FUNK

“Head First” 111

Parece que, tras unos años siendo cool, a los neoyorquinos se les ha pasado el arroz. Y aunque “Classic Fantastic” es un intento bien intencionado pero también desesperado por estar todavía en la onda, da la sensación que esta resurrección llega tarde. Sus anteriores resbalones, sobre todo “Living In The City”, han calado demasiado en la memoria de sus seguidores. Una vez escuchado este nuevo trabajo, tras problemas legales con su sello y management, podríamos pensar que van a redimirse de sus propios errores. De hecho, diría que si “Classic Fantastic” hubiese aparecido justo después de “Come Find Yourself” y del implacable “100% Colombian”, hubiese sido recibido con los brazos abiertos. Aquí no falta ninguno de los elementos que les convirtieron un día en los reyes del nuevo sonido negro. Una buena ración de funk, hip-hop, soul suave y elegante, referencias a la Blaxplotation e incluso guiños a la música latina. El corte que da título al disco podría ser el nuevo clásico que les sacase del hoyo, mientras que entre los mejores temas se encuentran “She Sings At The Sun” o su colaboración con Root Manuva en “Sep On Yellin’”. Toni Castarnado

¿Te suenan?

POP

“Under The Sun” 1114

Probablemente “Head First” no contiene las mejores composiciones, ni las mejores letras, ni la emotividad implícita que ha caracterizado a Alison Goldfrapp y Will Gregory durante su ecléctica carrera, pero el quinto álbum de estudio de los británicos debe tomarse como un homenaje a los héroes malditos del synth pop y la radiofórmula ochentera. Reivindicando a la Olivia Newton John de “Xanadu” (en “Rocket”, aun empleando las bases del “Jump” de Van Halen), a la propia Laura Branigan en ese canto vitalista llamado “I Wanna Life” e, incluso, a los últimos ABBA en la pieza que da título al disco, el dúo vuelve a inmortalizar una amplia sonrisa en aquellos fans que nunca acabaron de entender el porqué de ese giro pseudofolkie que hicieron gala en “Seventh Tree”. Goldfrapp retoma la pista de baile bajo la sombra de Giorgio Moroder (y autoreferenciándose, incluso, en ese spin off de “Satin Chic” que representa “Shiny And Warm”), con momentos de insultante brillantez (¿alguien dijo “Believer”?) y algún que otro leve batacazo sensorial (“Hunt” nunca podrá emular la efectividad de “Black Cherry” o “Time Out From The World”). Sergio del Amo

2007

ROCK

111

El paso del tiempo hace mella incluso en un músico incombustible, por mucho que algún dinosaurio quiera negar la evidencia. La gran mayoría, Gordon Gano incluido, busca nuevos caminos para seguir su carrera. Así, mientras soluciona litigios con sus compañeros de Violent Femmes, su segundo disco en solitario confirma que el cuarentón ya se encuentra en plena exploración, que no crisis. Atrás, y con sensatez, deja aquellas cápsulas de testosterona unplugged y punk rock universitario que tanta fama y diversión le proporcionaron. “Under The Sun” es un disco de rock adulto, en el sentido más aburrido, pero también más profesional. Su inconfundible voz quiere regresar hacia los gamberros ochenta -como en “Way That I Creep”, en la que sus acompañantes tocan el piano con actitud garajera. Por suerte, no abusa. Ni tampoco de los toques funky, a lo “Shaft”, en “Wave And Water”. Y si quiere recrearse en una de sus estupendas letras –como en “Oholah Oholibah”-, la banda adopta tonos country-folk de refuerzo. En “Still Suddenly Here” se puede comprobar la reconversión de Gordon hacia una música más trabajada aunque igual de rotunda. Luis Argeo

2008

“Hatebreed” HARDCORE

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Si estás leyendo esta primera línea ya quiere decir algo. Es muy probable que seas fan de Hatebreed o al menos un interesado en el mundillo del hardcore, ya que muchos lectores se habrá conformado con saber que “esta gente siguen vivos y sacando discos”. Discos iguales pensarán estos últimos, y sí, razón puede que no les falte, pero los de Connecticut hace ya tiempo que demuestran que lo suyo es una sola escuela y manera de hacer las cosas y no se esfuerzan por esconder nada. Una manera que si sigues leyendo esta reseña respetas y te gusta y no necesitas más. Los fans confesos de la banda sabemos que las experimentaciones musicales hemos de buscarlas en otro lado, que aquí lo que queremos son martillazos como “In Ashes They Sall Reap”, velocidad supersónica como la de “Hands Of A Dying Man” o himnos que corear como el de “Every Lasting Scar”, todo con un sonido fantástico. Eso que buscas como fan de este mito jarcoreta está en “Hatebreed”, eso ni lo dudes, pero afinando aún hay más: el amago de Jamey Jasta de “cantar” en alguna ocasión y una instrumental como oasis de tranquilidad. Ignacio Pato L.

2009

(MondoSonoro · Mayo 2009 /47/ vinilos)

tab siguen creciendo TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO “Año Santo”

Mushroom Pillow

ROCK

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Se hacía esperar el segundo trabajo de los gallegos, un disco que sabíamos iba a estar muy en el punto de mira debido a su espectacular álbum de debut y a la repercusión obtenida en prácticamente todo el territorio estatal. Sin alcanzar la media hora de música, “Año Santo”, grabado con Paco Loco, ofrece pildorazos salvajes como “La malicia de las especies protegidas” o “El radar al servicio de los magos”. Directos al cerebro, a esa parte del mismo que hace que uno empiece a convulsionar. ¡Bien! El espíritu punk, las guitarras hirientes y la mala leche no se han quedado de vacaciones en Puerto de Santa María, aunque también es cierto que nos encontramos con cortes más pop. Y ojo, eso no tiene por

que significar nada malo. Para muestra “Amigos del género humano”, tratado de punk pop donde los haya con excelentes resultados. De todos modos, Triángulo de Amor Bizarro han ganado con la incorporación de otra guitarra, bendito ruido. También celebro la mayor participación de Isa en las voces y el hecho de que sea ella quien abra “Año Santo”. Y bueno, lo que no me parece tan bien es que en tres años no hayan llegado a la media hora de desenfreno sonoro. Rafa Angulo

Triángulo de Amor Bizarro Foto Juan Cea

HAZY MALAZE

HD SUBSTANCE

JAAKKO JAY

JENNI MULDAUR

JESSE MALIN

Fargo/Naïve

Monofunk

Fullsteam/Cuervo Music

Continental Blue Heaven/Karonte

Side One Dummy Records

“Connections” ROCK

“Hardware” 111

Hazy Malaze era el entretenimiento en clave rock de Neal Casal. Un pasatiempo con el que dar rienda suelta a su pasión por las bandas clásicas de rock’n’roll de los setenta, de The Rolling Stones a The Faces, y otras tantas referencias del soul y la música negra en general, de Motown a Sly And The Family Stone. Sus dos primeros discos salieron bastante seguidos, y tras cinco años en el limbo, Neal Casal recupera su juguete favorito. En “Connections” no hay nada que no hayamos oído antes, nada que no nos suene a viejo conocido, pero también nada que no nos resulte agradable al oído. Gracias a esos antecedentes, sumado a la categoría como músicos de Neal Casal y sus tres compañeros de grupo, “Connections” es un disco con diez canciones y algo más de media hora de duración que pasa en un suspiro. Con más presencia de teclados, un aire más negroide y canciones irresistibles con el porte y la directa puesta en “Get Free”, la stoniana “On The Tarmac” con esa armónica tan característica, la acústica en plan blues en “Connections” o un trallazo como “Josephine”, una canción chulesca y divertida. Toni Castarnado

ELECTRÓNICA

“War Is Noise” 1111

“Hardware” es el nuevo disco del Dj y productor madrileño Luis Rozalén, más conocido como HD Substance. Viejo guerrero de la escena electrónica de la capital, este fanático del techno Detroit y el Atleti firma con este largo, además, la primera referencia de un nuevo sello que promete emociones fuertes: Monofunk. Poco más de una hora ocupan los doce cortes que componen este reencuentro de Rozalén con el techno de toda la vida, pero a la vez con un sonido que tiene tanto de clásico como de vanguardista, hecho que podemos comprobar echando una escucha a “Dacid” o “Beta Zero”, ambos compendios de influencias que podríamos contar por decenas, desde la IDM al techno con denominación de origen berlinesa o americana pasando por los sonidos progresivos que han salido de los añejos aparatos que HD ha utilizado en la grabación de este trabajo, la mayoría secuenciadores y cajas de ritmos con más de veinte años de antigüedad. Es ese un factor analógico que nos hace seguir creyendo en el techno artesanal y que pasa olímpicamente de lo digital. El género está más vivo que nunca y este disco bien lo demuestra. José Manuel Cisneros

¡Enno2te010

quedes fuera!

ROCK

“Dearest Darlin” 1114

Jaako & Jay son un joven dúo que viene de la gélida Finlandia y practican un folk-punk de estar por casa altamente incendiario, uno a la guitarra acústica y otro a las percusiones, consistentes estas en un plato chatarrero, una caja y un pequeño bombo. Canciones urgentes, inmediatas y directas, deudoras del mejor garage de los noventa y con el aire auténtico del primer punk de los setenta. Con un background consistente en el “Punk In Drublic” de NOFX como Biblia, la pesca, la cerveza y los paseos con los amigos, estos nórdicos consiguen lo que muchos grupos de su generación son incapaces de lograr a pesar de dedicarse con ahínco a devorar influencias y escupirlas sin gracia después: personalidad. Música divertida y enérgica a partes iguales, capaz de sacarte una sonrisa en un día triste (“Walls & Bars”, “Walking Smiling”), de darte ganas de cambiar el mundo una mañana que te levantas con la vena revolucionaria hinchada (“Money Fest”, “Battle”) o de hacer que te acuerdes de tu última novia con alegría esperando encontrar pronto a la siguiente (“No Need To Think”, “Keep In Touch”). Un gran disco de un grupo nuevo, original e interesante. Dani Arnal

SOUL

“Love It To Life” 111

Aunque tenga cara de niña, y parezca otra más de las que ahora se quieren aprovechar del filón del nuevo soul, Jenni Muldaur lleva treinta y cinco años cantando. Empezó a hacer coros al mismo tiempo que le salieron los dientes, cantando a lo largo de los años para Todd Rundgren, Steely Dan, Eric Clapton o John Cale, publicando un disco homónimo en 1992 y codeándose, en el último lustro, con Marianne Faithfull, Rufus Wainwright, Linda Thompson y su hijo Teddy, mientras giraba con Lou Reed o con Ronnie Spector. Un currículum que tira de espaldas refrendado con esta absoluta delicia que es “Dearest Darlin”. Con una voz que raspa, con garra, que suena tan poderosa como la de las cantantes de rock’n’roll de los años cincuenta, combinada con el savoir faire de una Aretha Franklin. Muldaur interpreta doce piezas, todas ellas versiones menos una (desgraciadamente la más floja del lote), si bien son poco conocidas, perlas oscuras entre las que encontramos “Lost Someone” de James Brown, una tradicional de los archivos de Alan Lomax, “Hopali”, “I’ve Got A Feelin’” o la deliciosa “Just Ain’t No Love”. Toni Castarnado

POP

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Jesse Malin se encuentra en un punto de su carrera en el que es plenamente consciente de dónde está. Sabe que ya no sacará ese disco que le permita ser descubierto por un mayor número de seguidores, pero teniendo en cuenta que tampoco va a publicar material que no llegue a los mínimos exigidos a alguien de su categoría, no va a perder a los fieles que siguen cada una de sus entregas. Si las cosas fuesen a cambiar para el neoyorquino, “Love It To Life” sería el disco que podría obrar el milagro, ya sea por su frescura, por esos estribillos irresistibles que solamente él sabe facturar, por su timbre tan particular y adictivo, o por canciones como “Burning The Bowery” o “All The Way From Moscow”. Tras navegar durante un tiempo por el rock americano más clásico, Jesse Malin ha recuperado en parte el espíritu de D-Generation. O sea, más punk, retazos del glam, una actitud desafiante, el buen gusto por las melodías y los coros bien ejecutados. Hasta tiene tiempo para experimentar con nuevas vías en la psicodelia (“Low Life In A High Rise”) o ritmos contagiosos con la pista de baile en mente (“Disco Ghetto”). Toni Castarnado

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(vinilos /48/ Mayo 2010 · MondoSonoro)

pavement: grandes momentos THE KISSAWAY TRAIL

“Sleep Mountain”

Bella Union/Nuevos Medios

POP

Pavement Foto Archivo

PAVEMENT

“Quarantine The Past” Domino/Pias

POP

11114

Su pasado fue grande. Matizo: estuvo hecho de grandes momentos. Menos no se podía esperar de unos juguetones de lo más traviesos. Es por eso que once años después de su adiós su repertorio aún reluce y explosiona en nuestros sentidos. Y aun más si, aprovechando una reunión que se suma a la de muchos de sus colegas, se sacan de la manga una retrospectiva y de entrada nos ponen la miel en los labios con un inicio de quilates como “Gold Soundz”, la canción más emocional de un segundo disco, “Crooked Rain, Crooked Rain” (1994), en el que a pasos agigantados la madurez sacaba cabeza al amateurismo impulsivo y alocado de “Slanted And Enchanted” (1992). En conjunto, fueron sus dos cumbres creativas. Y así ellos lo atestiguan, siendo éstos los que

más peso tienen en una historia resumida en veintitrés derroches de vida. Y de sus cinco álbumes también atestiguan que el último “Terror Twilight” (1999) puede que para ellos también sea considerado su obra menor, incluso por detrás del a medio gas “Brighten The Corners” (1997), porque sólo incluyen “Spit On A Stranger”. El resto, grandes himnos efusivos del pop independiente de los noventa como la detonante “In The Mouth A Desert”, las delirantes “Unfair” y “Embassy Row”, las coreables “Trigger Cut” y “Cut Your Hair”, las deliciosas “Range Life” y “Here” o la emocionante y perfecta “Shady Lane”. Lo demás, revívelo por tu cuenta que aquí te lo sirven en bandeja de plata incluso recuperando Ep’s como “Perfect Sound Forever” (1991) con su rabioso “Debris Slide” o su “Box Elder” como único testimonio de “Slay Tracks (1933-1969)”, el inicio de una eterna juventud allá por el año 89. Podría ser más completo y a gusto de cada uno pero aquí hay infecciosas locuras por las que muchos aún seguimos siendo unos tremendos niños. Celestí Oliver

FIERA

GONJASUFI

HER ONLY PRESENCE

El Rancho

Warp/Pias

Promise! Promise!/Aloud

“Déjese llevar” POST-PUNK

“A Brand New Start”

“A Sufi And A Killer” 1111

Hace tiempo que sabíamos que algo gordo y fino se movía en el sur, en unas coordenadas geográficas que a menudo hacían llorar y al mismo tiempo lloraban de autocompasión. Fiera quiere acabar con esas lágrimas a puñetazos en la cara y patadas en el estómago, renovando a Pere Ubu con sobredosis de zumo de limón, hipnotizando al más escéptico a golpe de percusiones de paellera y ruidos de aspiradora y riéndose en la cara de ese eterno adolescente indie que se la sigue cogiendo con papel de fumar a los treinta. “Objeto punzante”, “Drogas”, “Pisapapeles”, “Agerul”, “Agente comercial”, “Euro”… es complicado resaltar en estas líneas lo concreto sin caer en una simplificación del concepto. El inteligente lector y oyente ya sabrá a estas alturas que estamos hablando del “otro” proyecto de Pablo, Daniel, Darío y Javier, el Mr. Hyde de Pony Bravo, que tiene mucha más carne con tomate que cualquier otro “proyecto paralelo” que me venga ahora a la cabeza, aunque quizá ésta esté cada vez más destruida y fanáticamente entregada a las ideas y el mundo de estos malditos genios. Ignacio Pato L.

ELECTRÓNICA

11114

“Los Angeles” de Flying Lotus, como un reverso Costa Oeste del sello de Sheffield, fue una de las grandes nuevas de Warp en el último lustro: si la influencia del hip hop siempre se había filtrado por las rendijas de la IDM warpiana, el colectivo californiano emprendía exactamente el camino contrario. En aquel disco destacaba poderosamente la voz sinuosa y ajada de Gonjasufi, un freak digno de aparecer en “El hormiguero”, con una imagen a caballo de George Clinton y un líder talibán cualquiera, que se nos planta en escena como abanderado de una causa místico-religiosa. Cualquiera lo diría tras escuchar un disco de debut de efectos cannábicos: narcotiza y provoca la risa boba. Y es que en su soleada reactivación del espíritu trip-hop Gonjasufi se gasta una retranca admirable, lo que queda muy lejos de señalar “A Sufi And A Killer” como una broma. Con un espíritu gamberro que, sin duda, ha mamado del punk y técnica turntablista, nuestro hombre se monta una fiesta en toda regla por la que pone a desfilar al Tricky de los buenos tiempos, el rock ácido y hasta a Las Grecas. Dónde queda el templo que yo apunto a la secta... Luis J. Menéndez

FOLK

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Por la manera de Juan Palomo, por ella parece haber optado Luis Cifré a la hora de dar rienda suelta a su creatividad musical. Con un sonido casero que no amateur, unas bases rítmicas simples que no simplistas y sobre todo con una pertinencia que debería ser la base primordial de cualquier proyecto en solitario (cansados como estamos a veces de asistir a colecciones de descartes acústicos de los grupos nodriza de cada autor), Cifré se autoproduce y edita “A Brand New Start”, tercera referencia de Her Only Presence. Esas bases simples en conjunto de acción con acústicas, armónicas, teclados y sintetizadores otorgan unas texturas sobre las que se desenvuelven con naturalidad medios tiempos como “Interlude” (con la inestimable colaboración de Laura de Maple y Lek Mun) o “Untitled”, a la que le sienta bien el amago ruidista, posible o no posible futura pista de por dónde irán los tiros de Cifré. Sin embargo, es en la revisión de “Grey” donde brilla todo el sencillo esplendor de esta decena de canciones creadas seguramente con mucho mimo. Ignacio Pato L.

114

Por muy tentador que sea, emular a Arcade Fire es un salto mortal sin red que seguro evitan la mayoría de músicos con dos dedos de frente. Más que nada porque puedes caer en la ridiculez y convertirte en una mera parodia sin que sea tu intención. Y es que los de Montreal al margen de tener una entidad propia monumental son también una fuente de inspiración reciente que hace sacar los colores y hace más que evidente que no necesitamos de sucedáneos al estar ellos en su esplendor. Y The Kissaway Trail, en su intento, dan esa sensación, como de mal sucedáneo. Pueden sonar bien, eso sí, pero no aportan nada que no tengamos ya. Además, diría, incluso están desfasados, llegando tarde a misa en un momento en el que los autores de “Funeral” ya no son el pan de cada día. Por supuesto, no son ni tan expansivos ni tan sobrecogedores, algo que tampoco tiene que ser motivo para echarles en cara. Sino más bien el hecho de no tener ni un mínimo de personalidad. Celestí Oliver

VV. AA.

“The Minimal Wave Tapes”/ “Cold Wave . Minimal Electronics” Nuevos Medios

ELECTRÓNICA

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Siguiendo los pasos del espectacular trabajo de arqueología punk que se hace desde Hyped2death, comienzan a surgir recopilatorios de synth-pop ochentero que recuperan a bandas ignotas, bandas que apenas llegaron a publicar cortas tiradas de singles autoproducidos o casetes domésticas. No son los primeros en llegar -se me ocurre el no demasiado lejano “B.I.P.P.P.”, centrado en la escena francesa- pero cuentan con el valor añadido de coincidir en el tiempo con una extraordinaria selección de bandas en la nostálgica reivindicación de un sonido más presente que nunca con nuevos iconos como Cold Cave o el colectivo Italians Do It Better. El primer volumen de “The Minimal Wave Tapes”, ahonda en la labor investigadora de la web www.minimal-wave.org y nos propone catorce temas de otros tantos grupos entre los que destacan nuestros Esplendor Geométrico. Similares intenciones y aún más certero con una selección de diecisiete temas esplendorosos es “Cold Wave . Minimal Electronics”. Luis J. Menéndez

THE DEPRECIATION GUILD “Spirit Youth”

Kanine Records/Houston Party

POP

1114

Más que a My Bloody Valentine –que también-, sus espirales de guitarras sacan a relucir a los Cocteau Twins de discos como “Heaven Or Las Vegas” por su reverberación y sus ecos o a los primeros Lush, Ride o Slowdive cuando la distorsión se enfurece creando marañas sónicas. Ahora ya como trío, en su revalida los The Pains Of Being Pure At Heart, Kurt y Cristoph, enaltecen aquellos tiempos heroicos de amor por el shoegaze y el dream pop, filtrado, eso sí, por el digitalismo del siglo XXI. Si bien han dejado en un segundo plano los sonidos ca-

seros y primitivos de videoconsola de 8 bits de su debut “In Her Gentle Jaws” (2007) en pro de unas guitarras que te engullen en espiral, como decía antes. “Spirit Youth” es mucho más jovial, más hormonal, con menos presencia de electrónica y con más sangre en las venas aunque por la producción haya pasado un erudito del pop de botoncitos como es Joshua Eustis de Telefon Tel Aviv. Puede que parte de culpa la tenga el grupo madre de estos dos neoyorquinos. Un sintetizador muy a lo MGMT teje la inicial “My Chariot”. Sigue con “Crucify You”, un efusivo pop que emana guitarrazos torrenciales y después se suceden singles perfectos como “Dream About Me”, “November” o “Through The Snow”. Perfecto flashback. Celestí Oliver

HAPPY BIRTHDAY “Happy Birthday” Sub Pop/Popstock!

ROCK

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Cuando coges una buena ola, puedes lucir tus habilidades porque el mar te lo permite. Eso sí, hay que tener esas habilidades. A esta nueva banda se le presenta una marea buena. Acaban de fichar por Sub Pop tras apenas media docena de conciertos ofrecidos en su pueblo. Pueden seguir la estela de bandas como los flamantes Girls y su pop-rock alegre y colocado sin perder el tubo que los últimos grupos “made in Brooklyn”. Ellos también son de la Costa Este, y están involucrados en múltiples proyectos artísticos, no sólo musicales. Su líder, Kyle Thomas (alias King Tuff), ya le ha dado al hard rock, el garaje y el acid folk con varias formaciones. Ruth Garbus es la hermana de Merrill (Tune Yards), y todo un torrente de creatividad. Ambos, junto a Chris Weisman, firman once temas, se intercambian instrumentos y elaboran el diseño interior de un álbum que empieza pop, para ir añadiendo pedales, sonidos más años noventa (“Cracked” es el cutback musical que haría un grunge con equilibrio), algo del power pop de Weezer y sintetizadores nueva oleros para acabar tamizándolo con aires psico-pop y juegos de voces masculino-femenina que cubren esa voz nasal de Thomas, fácil de reconocer. Luis Argeo

JOHN GRANT

“Queen Of Denmark” Bella Union/Nuevos Medios

POP

11114

Conocimos a John Grant como vocalista de ese grupo magnético y de difícil etiquetado que fue The Czars. Tras la disolución, Grant se mudó de ciudad y acompañó a ratos a The Flaming Lips y Midlake, quienes hace dos años le ofrecieron ser banda en su primer disco en solitario. El resultado es “Queen Of Denmark”, un trabajo bellísimo, por momentos carpetovetónico, realizado sin ningún miedo a sonar bien y cantado como lo cantaría un ángel drogado. Grant posee una voz tan pura que emite señales equívocas, tal como hacía la voz de Gram Parsons (“Sigourney Weaver”, ¿tira hacia el “Tuesday’s Gone” de Lynyrd Skynyrd o hacia el “Let It Flow” de Clapton?). De ensoñadora melancolía, potenciada por el sello pastoral de la instrumentación de Midlake (es comenzar “TC And Honeybear” y la taquicardia amenaza con desatarse), el disco sale al recreo varias veces (“Chicken Bones”, “Jesus Hates Faggots”) pero acaba por apostar por lo que apuesta de primeras, por volarnos los sesos a base de canciones demoledoras (“It’s Easier”, “Queen Of Denmark”), de ésas que sólo puedes escuchar dos o tres cada día. Clásico. Jorge Ramos

(MondoSonoro · Mayo 2010 /49/ vinilos)

THE JIM JONES REVUE

“Here To Save Your Soul” Punk Rock Blues/Popstock!

ROCK

1114

Resulta imposible escribir sobre The Jim Jones Revue sin caer en tópicos, pero es lo que hay. La banda del ex Thee Hypnotics Jim Jones no busca hacerse un lugar en la actualidad a base de originalidad, sino rindiendo tributo a la base del rock’n’roll más epidérmico, bruto, primitivo y salvaje. Porque así vuelven a sonar en “Here To Save Your Soul”, recopilación de los escasos singles del combo (de hecho, “Rock’n’Roll Psychosis” y “Princess And The Frog” ya aparecieron en su álbum homónimo) y dos temas nuevos en los que nos arrastran de nuevo a una orgía de whisky sin hielo, electricidad, guitarras y pianos dirigida por Jerry Lee Lewis y Little Richard (versionan su “Good Golly Miss Molly”), como si a estos les produjese Mick Collins y les respaldasen The Devil Dogs. Lo dicho, tópicos, pero que funcionan con la fuerza y la mala baba suficiente para aterrorizar a Kitty, Daisy And Lewis y sus papás durante una noche entera. Joan S. Luna

MISHIMA

“Ordre i Aventura” Sones

POP

1111

Aunque ya no había discusión posible sobre que David Carabén es un compositor en mayúsculas capaz de una lírica musical y textual impecable, sí se dudaba de que pudiese igualar la cumbre creativa que supuso “Set tota la vida” (Sinnamon, 07), un cancionero que nos dejó con sed de más con títulos pretéritos ya para toda la vida como “Qui n’ha begut”, “La tarda esclata” o “Neix el món dintre l’ull”. Entonces Mishima reconfirmaban el primer paso firme en catalán que ya dieron con canciones como “Miquel a l’accés 14” que tan bien ha homenajeado Miqui Puig recientemente. Respecto a “Ordre i Aventura”, ya disipamos dudas con el destello espiritual de “Guspira, estel o carícia”, adelanto en forma de sintonía del programa “Ànima”. Pues bien, la inicial “Tot torna a començar” nos sitúa de nuevo ante su monumental capacidad artesana. Un bombo-caja con cierto regusto a Phil Spector que tan sólo es la primera de las gemas de un nuevo repertorio de orfebrería pop pluscuamperfecto. Sin embargo aún falta por llegar la mejor, “Deixa’m Creure”: la perfección lírica en todos los sentidos. Estamos, sin duda, ante su disco más grandilocuente, con arreglos preciosistas y en el que las pequeñeces cotidianas que relata Carabén alcanzan un lenguaje universal. Celestí Oliver

LENTEJAS LOS VIERNES “Duelos y quebrantos” Starsky Records

POP

111

Mientras Rafaella Carrá decía “para hacer bien el amor hay que venir al sur”, nosotros diríamos, “para hacer buena música hay que venir al sur”. Allí ha sido dónde se han forjado grupos destacados del panorama independiente actual. Lentejas los viernes vienen siguiendo el ejemplo de Lori Meyers, Maga, Los Planetas, The Baltic Sea o Sr. Chinarro, todos del sur, claro. Tanto el

curioso nombre de la banda, Lentejas los viernes (pese a que al principio fuera en versión inglesa, Lentils On Fridays), como el título del álbum, “Duelos y quebrantos” rinden homenaje a Don Quijote de la Mancha. Estos sevillanos, con una década de experiencia a sus espaldas en el mundo de la música, presentan una docena de temas muy cuidados con letras de la vida cotidiana y repletas de frases hechas (“Cantoná” o “Lo que tú digas”), además de referencias históricas (a la Segunda Guerra Mundial en “Meditamenudencias”) y a personajes de la gran pantalla (Errol Flynn en “Callada, mucho mejor”). Cuando se les descubra por todo el Estado, tomaremos lentejas todos los días de la semana. Guillermo Esteban

del garage a los grandes escenarios

LIGHTSPEED CHAMPION

“Life Is Sweet! Nice To Meet You!” Domino/Pias

POP

114

Devonte Haynes, el hombre tras el proyecto Lightspeed Champion, entrega con este su segundo largo un ambicioso proyecto de pop orquestal que va desde la orquestación teatral hasta el power-pop, pasando por la música clásica, el folk o el indie-rock. El trabajo en estudio de Ben Allen, afamado productor que ha trabajado con gente tan dispar como Animal Collective o Gnarls Barkley, unido a la glamourosa figura de Haynes y su atractiva capacidad vocal, ha dado como resultado un disco lleno de matices, un pastiche a ratos brillante a ratos empalagoso que quizá peque de querer abarcar demasiado. Aprendiz de todo y maestro de nada. El single de presentación del álbum, “Marlene”, es un digno intento de adaptar el glam-boogie de T.Rex al siglo XXI; en “Madame Van Damme” (el que será el siguiente sencillo) suena al pop de guitarras más convencional y accesible, con estilo, eso sí: una melodía bonita y un estribillo pegadizo. Es en canciones como “I Don’t Want To Wake Up Alone” o “Sweetheart”, en las que se acerca más al clasicismo rollo Elvis Perkins (salvando mucho las distancias) y en las que la voz de Haynes y la producción de Allen brillan con más claridad. Un trabajo resultón y profesional que adolece de falta de frescura. Dani Arnal

The Black Keys Foto Archivo

THE BLACK KEYS “Brothers”

V2/Nuevos Medios

ROCK

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Dice Patrick Carney (batería y cincuenta por ciento de The Black Keys) que este es el álbum que él y Dan Auerbach siempre habían querido grabar, pero que todavía no habían crecido lo suficiente como músicos para hacerlo. Habrá que creerle, aunque más que crecer a mi me da en la nariz que se trata de una cuestión de puro y duro atrevimiento. Ese lanzarse y quitarse los corsés para dotar a tu musculoso rock basado en el blues y el garage más rudimentario, de grandes dosis de soul music, groove y pequeños detalles de producción que vayan más allá de los salvajes riff de guitarras de uno y el aporreo machacón del otro. De acuerdo, ya lo intentaron con su anterior disco “Attack & Release”, producido

por un Danger Mouse que les proporcionaría nuevas miras, pero lo que entonces se mostraba como una nada desdeñable apertura hacia nuevas texturas, se ha revelado ahora como un ejercicio de ventilación salvaje de su blues que, de crudo y rancio, ha pasado a rematadamente cool sin perder por ello un gramo de genuinidad, si es que ese concepto puede aplicarse a la música para que esta evolucione. El caso es que The Black Keys deslumbran con un discazo en el que hay cabida para todo. Para recuperar el espíritu de maestros como Screamin’ Jay Hawkins, Howlin’ Wolf o Lightnin’ Hopkins, sin olvidar la revisión que de ese legado han hecho coetáneos como la Blues Explosion de Jon Spencer o Gnarls Barkley (a los que rememoran en “Tighten Up”, el único trallazo producido por Danger Mouse) y todo ello sin despreciar la cara soul de grandes nombres del género como Isaac Hayes, Marvin Gaye o James Brown. Don Disturbios

ZULÚ 9.30

M.A.N.D.Y

MARIA RODÉS

MIAU MIAU

Kasba Music

Renaissance

B-Core

Autoeditado

“Remixes”

WORLD MUSIC

“Renaissance “The Mix Collection” 1114

Mientras trabajan en el que será su tercer disco, se edita este “Remixes” que ha puesto en manos de una docena de Dj’s y productores europeos algunas de las mejores canciones de este combo barcelonés. Si no les conocen, advertirles que son una de las bandas más activas de la ciudad y de las más solicitadas en festivales europeos. Su afro-latin-reggae conecta con el público de manera directa en sus dinámicos e intensos directos. Ahora, con este disco, prometen conseguir lo mismo en todo tipo de clubes. Es lo que tiene ofrecer tu obra a “personajes” como Mad Professor, que añade un rastro dubhumeante en el emblemático “Huellas”. O el marroquí-holandés Kareem Raihani que rehace en términos dance el mismo tema. Igualmente interesante el “desvío” hacia los latin-beats del trotamundos Russ Jones en “Al son del caminante”. O los aires gypsies que le dan en sus remixes Dj Gaetano Fabri o Dj Click. Y también destacar los coloristas trabajos de DJ Floro & Ale Acosta, los “brujos” Max Fx & Dj Panko, el italiano Rude Hi Fi o el trío Toti & Andyloop & Maxey. Miguel Amorós

ELECTRÓNICA

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A sabiendas de su capacidad lúdico-festiva, los mandamases del sello Renaissance han depositado su confianza en el dúo berlinés M.A.N.D.Y para que sean ellos quienes firmen el próximo volumen de su saga “The Mix Collection”. Los teutones responden de sobras a la confianza depositada por los británicos con un doble compacto en el que reina el eclecticismo para bien en casi todo momento. Así, en el primero aparecen en el mismo saco nombres tan dispares como Shed, Bodycode, Chica And The Folder, Sebastian Tellier o Bomb The Bass, pero todos muy bien apañados entre sí, con mezclas sencillas pero eficaces. En el segundo, la cosa cambia y se pone un poco más pistera (pero sin pasarse) de la mano de Chromeo, Peter Kruder, Ben Watt o Kenny Larkin, llamándonos poderosamente la atención la inclusión en la compilación de gente como Gang Gang Dance, Zombie Disco Squad o Felix Da Housecat. Una divertida selección de la que ya podían dar fe los cachondos de M.A.N.D.Y. en sus habituales bolos discotequeros, bastante más aburridos tras los platos de lo que esta sesión nos muestra. José Manuel Cisneros

“Sístole-díastole”

“Una forma de hablar” FOLK

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Maria Rodés ya dejó claro en su debut –como Oníric- que su propuesta no se ceñía a un género concreto y que lo de cantautora folk le quedaba corto. Con este segundo trabajo, no sólo se reafirma firmando con su propio nombre sino que mejora todo lo bueno que tenía “Sin técnica” (Cydonia, 2009). En “Una forma de hablar”, Maria Rodés sigue con la fórmula de cambiar de vestido en cada corte, pero ahora es Ricky Falkner el modisto encargado de vestirla y lo cierto es que las prendas que el productor le ha confeccionado le sientan de maravilla. Sea folk, jazz o pop, lo que destaca por encima de todo en estos once cortes es la dulce y segura voz de Maria, que con los arreglos justos consigue crear canciones con un fuerte sabor añejo y una atmósfera que remite a bosques y parajes de cuento. “Mis canciones son fugaces” dice en “Escondite” y lo cierto es que sí, los temas de este disco se pasan en un suspiro (la mayoría duran menos de tres minutos) y te dejan con ganas de más, sobre todo ese hit que da nombre al disco (donde recuerda un poco a Christina Rosenvinge), la preciosa “Lo que hay que oír” o la más jazzística “Rima con canción”. Marc Luelmo

ROCK

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Al ritmo sincopado de las guitarras de Miau Miau les sienta muy bien el nombre de su nuevo disco, “Sístole-díastole”. Se refiere a la contracción y relajación del corazón, tanto en el sentido musical por sus ritmos rompepistas como por los cambios emocionales que suscitan sus letras. Miau Miau suenan un poco a Mendetz o We Are Standard, un pelín desacelerados y cantando en castellano con una voz muy parecida a la de Way (Jordi) de Ultraplayback. Lejos quedan los diez años (1995-2005) que pasaron haciendo hardcore melódico bajo el nombre de Without. En “Sístole-diástole” –ocho canciones editadas ahora, grabadas desde 2008- encontramos un rock bailable con la guitarra mandando por encima de sintetizadores y samplers, un bajo bailongo bastante funky apoyado por un recurrente juego de percusiones (congas, por ejemplo). Ritmos y estribillos claros, sencillos, bailables. Letras, en cambio, cantadas con rabia y transmitiendo la confusión propia del joven del siglo XXI, entre las que brilla “Red de redes”, con un estribillo irresistible. Miau Miau tienen gancho, pero les falta un salto de calidad para subir a la primera del indie estatal. Germán Aranda

(vinilos /50/ Mayo 2010 · MondoSonoro)

la frialdad intensa de foals ROSVITA

“Grandes Tormentos” Recordings From The Other Side

ROCK

Foals Foto Archivo

FOALS

“Total Life Forever” Warner

POP

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“Blue Blood”, primer corte de “Total Life Forever”, podría pasar como tema oculto de unos Fleet Foxes depurados de folk y pasados por filtro electrónico. Sirve además para confirmar lo que ya habían avisado con “Spanish Sahara”, cuyo video lleva semanas circulando por la red: la banda de Oxford se reinventa en su segundo trabajo y abandona el math rock que definieron en “Antidotes” para apostar por un art pop, igual de distante, pero más contagioso y magnético que su debut. Asimilaciones de trip-hop, de música ambient, de minimalismo, de la protoelectrónica de finales de los sesenta conforman un grueso de influencias que permite a la banda de Yannis Philippakis volverse a rebelar contra las expectativas que gravitaban a su alrededor y sorprendernos gratamente una vez más. Para ello se han

ido a grabar a Göteborg de la mano de Luke Smith (ex Clor); al contrario de lo que pasó con Dave Sitek en “Antidotes”, él sí parece haber acertado con las ideas que llevaba la banda para “Total Life Forever”. En sus momentos más animados recuerdan a los Bloc Party de “Silent Alarm”; los más lisérgicos nos transportan al cancionero de Mogwai; mientras que el espíritu general del disco transporta a un universo musical alejado del contexto actual, pero también de cualquier momento del pasado. La secuenciación de “Total Life Forever” parece también guardar un camino preparado de antemano. Mientras que la primera parte se compone de los temas más directos y sustanciales, la segunda, separada por el breve interludio “Fluque”, aparece más cercana a los postulados de “Antidotes” y se recrea más en los ambientes y en adornar y decorar la cáscara que envuelve el alma de las canciones. Con todo, Foals vuelven a demostrar dos años después que sus horizontes musicales trascienden los de la mayoría de sus bandas coetáneas en las islas. Robert Aniento

MIDNIGHT TRAVELLERS

NEON FLASH

RAÍCES Y PUNTAS

Wild Punk

Independent Trade Union

Komando Chiclana

“Ant Made” ROCK

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Reconforta contemplar cómo una banda a la que hemos visto nacer -cuando básicamente apuntaba buenas y prometedoras manerasha crecido y madurado hasta consolidarse como un referente del rock underground más sólido y contundente del país. A su manera, en sus inicios estos barceloneses se dejaban guiar tanto por el legado clásico de Led Zeppelin como por la herencia de grupos posteriores de la onda hard rock. Pero ése fue sólo el punto de partida de una evolución que, con este segundo largo, marca un punto de inflexión para deleitarnos con un sonido más compacto y grueso, en el que aparece filtrado un abanico de influencias que denotan un rico y ecléctico background. Así pues, riffs de guitarra que podrían infiltrarse en temas de Soundgarden, Stone Temple Pilots o Alice In Chains, se despojan aquí de la estética grunge para engalanarse con traje y corbata. Apuntes acústicos resucitan la atmósfera del tercero de Zeppelin, mientras la profundidad de los mejores Black Crowes se asoma y es siempre bien recibida. Además, cuando levantan algo el pie del acelerador se sacan de la manga algún estribillo irresistible. Xavier Llop

“Hidden Alarm” POP

“Que le importa a las estrellas” 114

Sin perderle la cara a una comercialidad nada disimulada, los valencianos (ahora afincados en Madrid) han dado por fin réplica en formato largo a todas las expectativas que venían generando desde que se alzaran con el premio que el desaparecido local Greenspace les otorgara en 2006. Ha pasado tiempo desde entonces, factor que no suele jugar precisamente a favor de quienes se mueven entre el synth pop de filiación ochentera con estilizadas versiones ya en los noventa y ese electro rock que tanto garrafón ha producido, prácticamente en serie, durante la última década en nuestro país. En un supuesto lance entre ambas pulsiones, es lícito afirmar que en este “Hidden Alarm” ganaría, por suerte, la primera de ellas. Y en ese sentido nada mejor que remitirse a sus dos primeros cartuchos, los más efectivos: esas “Free Translation” y “Women’s Junkie” que remiten, respectivamente a los New Order con el piloto automático activado y a los Primal Scream menos dañinos. El resto del álbum no se libra de cierto material de relleno, aunque sucesivas evaluaciones de su contenido minimizan esos deslices. Carlos Pérez de Ziriza

MESTIZO

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Tras dos maquetas y un Ep llega por fin el primer y recomendable disco de una de las bandas más interesantes del sur de la península, aunque ahora residen en Madrid. El factótum de la banda es Sharli García, chiclanero, sociólogo, economista, poeta y filósofo, todo junto y revuelto. Quizá por ello, también su música es una buena combinación de estilos musicales. Toman las “raíces” del flamenco, las unen a los ritmos afrocubanos, caribeños y brasileños y lo enriquecen con unas “puntas” rockeras. En total, una colorista mezcolanza (rumba guerrillera le llaman ellos), que quizá ya no sorprende porque otras bandas también lo hacen, pero que resulta muy atrayente y contagiosa. Aunque sin duda su originalidad radica en sus vitales y existencialistas letras que les hacen sobresalir del resto. Y todo en beneficio de la canción. Además Sharli tiene un deje personal en la voz, que resulta muy sugestivo. El disco cuenta con una portada y libreto con unas preciosas ilustraciones de la catalana Aurora Portillo, inspiradas en las que aparecen en el libro de “El principito”. Si necesitas oírlo primero, descárgalo en www.raicesypuntas. com. Miguel Amorós

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El nuevo disco del trío madrileño de calcetines rojos y cordones desatados reúne una serie de grabaciones realizadas espaciadamente entre 2006 y 2009 en el estudio que Javier Ortiz (Decapante) regenta en Rivas. El dato llama la atención, y lo hace para bien, ya que la cohesión del álbum no se ve comprometida en ningún momento y la media hora que va desde la simpática “Penique” hasta los últimos acordes de la narcotizante “Perromono” pasa como un rodillo en el que todo va de la mano. Todo es mejor en Rosvita, un grupo que marca su propio ritmo (tres discos en diez años, dos de ellos autoeditados) y sólo necesita parecerse a sí mismo: la estupenda voz de Manolo Campos, una instrumentación tan excesiva como oxigenante y unas letras que oscilan entre lo absurdo y lo genial (“En el curro el trabajo me amontona” o “Dios devora precoz, no lo olvides fugaz”). Diez canciones, cuatro de ellas instrumentales (ojo a la turmix psicodélica de “El Lavalava”), que deberían ayudar a aumentar la exposición de este grupo extraño y necesario. Jorge Ramos

R DE RUMBA Y XHELAZZ “De vuelta al estudio: Remixes y rarezas” Rap Solo

RAP

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Si ha habido un campo en el que el rap nacional ha evolucionado en la última década, hasta el punto que nuestros artistas pueden mirar a los ojos a cualquiera que ande ahí fuera, ese es la producción. El acceso a cacharros cada vez más sofisticados y a los añejos con los que antes sólo se podían tener inalcanzables sueños húmedos ha supuesto un auténtico cambio de paradigma, sin obviar la influencia que han ejercido beatmakers como Griffi, Cookin’ Soul o el mismo R de Rumba que a lo largo de su propio proceso de aprendizaje han ido situando el listón cada vez más alto. Por eso no es de extrañar que los que se dedican a hacer tracks sean cada vez más ambiciosos y reclamen para sí un pedacito del protagonismo y prestigio que suele recaer sobre los hombros de los MC. Se lo merecen. Digamos que si el hip hop nacional ha llegado hasta aquí ha sido gracias a su afán de superación, a su obstinada evolución. Por eso discos como “Barna Files” de Titó, “Strictly Jabugo” de Griffi y este “De vuelta al estudio” son importantes, además de por ir más allá del simple ejercicio de rescatar Descartes, por ser la prueba de que el noble arte de la mixtape va abriéndose mercado al fin en España. Joan Cabot

SA DINGDING “Harmony”

Wrasse Records/Harmonia Mundi

WORLD MUSIC

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No llegan muchas propuestas desde China, aunque Sa Dingding no es precisamente un producto étnico al uso. Su popularidad allí es grande, pero se nota que ella (y su discográfica) apuestan por hacerse con el resto del mundo. Para conseguirlo han optado por

escoger a un productor de calidad, Marius De Vries (U2, Madonna, Björk, etc.), y juntos se han inmerso en las raíces de la música tradicional China (sobre todo del sudoeste) para desarrollarla a través de la electrónica. Este es su segundo disco y si el primero resultó más etéreo y cercano a Enya, este es bastante más dinámico. Tiene una voz muy sugerente y canta sus imaginativos textos en mandarín, sánscrito, inglés, lengua Yi o en su propio idioma inventado. Las melodías básicas, pero preciosas, se sustentan en instrumentos autóctonos tales como el er hu (violín de dos cuerdas), la pipa (laúd), el wa (flauta) o el zheng (citara china). A eso le añaden un preciso manto de programaciones y una envolvente orquestación que occidentaliza su sonido. Como extra, una remezcla del famoso Paul Oakenfold. Miguel Amorós

SALIF KEITA

“La Différence” Universal

WORLD MUSIC

1111

Nuevo disco de la voz dorada de Malí y el tercero consecutivo en el cual se sumerge en los sonidos de raíz. Con una instrumentación completamente acústica, arropado mayormente por guitarras, n’gonis, kamel n’gonis, percusiones y unos coros femeninos preciosos melódicamente, Salif Keita muestra todavía su enorme y armónico poderío vocal. Además sorprende lanzando mensajes muy directos y claros socialmente. En la canción que da título al disco canta: “Soy negro, mi piel es blanca, y me gusta... soy blanco, mi sangre es negra, es la diferencia lo que es hermoso”. Un tema “dedicado a aquellos que tienen una diferencia: sordos, ciegos, cojos... o gays”. Nueve canciones de composición propia (que incluyen tres delicadas revisiones de sus emblemáticos “Folon”, “Papa” y “Seydu”) que revelan la belleza de la música mandinga, e incluso la relacionan con la árabe, patentes en unos preciosos arreglos de cuerda grabados en Beirut. Sus fieles guitarras Kante Manfila y Djelly Moussa Kouyaté, Keletegui Diabaté (una institución en el balafón), el prestigioso Bill Frisell, la cantante Julia Sarr o el trompeta Ibrahim Maalouf le acompañan en este luminoso disco. Miguel Amorós

SCOTT H. BIRAM

“Something’s Wrong/Lost Forever” Bloodshot Records

COUNTRY

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Scott H. Biram era hasta ahora un secreto muy bien guardado, un músico recluido en su Austin natal a quien conocían cuatro afortunados que sí habían escuchado en profundidad sus dos discos anteriores. Eso puede empezar a cambiar a partir de ahora gracias a “Something’s Wrong/Lost Forever” y a la gira que le acaba de traer nuestro país. Un hombre que se presenta él solo para darle forma a una fórmula que trincha country, punk y blues con energía devastador, que desenmascara parte de las carencias del ser humano con una cruda visión de la realidad. Biram es un personaje que sabe bien lo que dice, que habla desde la perspectiva de alguien a quien un camión atropelló y que por fortuna sigue aún con vida. Así que, para él, cada nuevo día es un regalo, tal y como nos explica en un disco que combina temas oscuros y estremecedores (“Hospital Escape”, “Judgement Day” o “Still Drunk, Still Crazy, Still Blue”), con otros más esperanzadores (“I Feel So Good, “The Wishing Well”). Si Bon Iver se quitase la coraza del indie, William Elliott Whitmore no fuese tan misterioso, Mike Ness un poco más simpático y Hank Williams III estuviese menos atareado, Scott H. Biram sería el resultado. Toni Castarnado

(MondoSonoro · Mayo 2010 /51/ vinilos)

SHEARWATER

“The Golden Archipielago” Matador/PopStock!

ROCK

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Nacida como proyecto alternativo de Will Sheff y Jonathan Meigburg de los magníficos Okkervil River, la banda tejana no terminó de darse a conocer, hasta la publicación del excelente “Rook”, tras cuatro discos de calma chicha en tono menor y arrebatos de épica mayor, con Sheff ya fuera y Meigburg completamente centrado en esta formación. Vuelven ahora con este, ojo, trabajo vagamente conceptual sobre la ecología y la vida en una isla (real o metafórica), probablemente producto de la trayectoria itinerante de Meigburg como zoólogo y antropólogo. Prolongación del ya mentado “Rook”, el disco cuenta entre sus mejores momentos aquellos en que Meigburg pone freno a su épica instrumental y vocal (cercana a un Vic Chesnutt o Thom Yorke), ofreciendo momentos de plácida belleza como en “Hidden Lakes” o “Missing Islands”, o recordando el dramatismo latino de Black Heart Procession. Misterioso, fascinante, a ratos engorrosamente ampuloso, pero finalmente únicos. Héctor G. Barnes

VV. AA.

“Can You Dig It? The Music And Politics Of Black Action Films 1968-75” Soul Jazz/K-Industria

BLAXPLOITATION

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A principios de los años setenta tuvo lugar uno de los movimientos culturales más importantes de la América Negra. Frente al cine blanco de Hollywood, que tardó en dar cabida a la premura social de los tiempos, el cine Blaxploitation se erigió como un fenómeno paralelo con sus propios héroes, actores y directores, su propio lenguaje cifrado y su propia versión, aunque hiperbólica, de la realidad social americana. La Blaxploitation se solapó en cierta medida con el movimiento por los derechos sociales y traspasó al celuloide algunos de los pedazos más poderosos de la música negra de los setenta, de James Brown a Isaac Hayes, pasando por Curtis Mayfield, Roy Ayers, Booker T. & The MG’s y Quincy Jones. Todos ellos aprovecharon su invitación al Olimpo del cine de Serie B, de tal forma que lo blaxploitation pasó de la pantalla a la calle en forma de música. Cortes como “Brothers Gonna Work It Out” de Willie Hutch, “Shaft” de Hayes o “Across 110th Street” de Bobby Womack son paso obligado en cualquier repaso de la música negra de los primeros setenta, cuando tras enterrar a sus héroes reales los negros americanos crearon sus propios héroes de ficción. Joan Cabot

MELISSA AUF DER MAUR “Out Of Our Minds” Roadrunner/Divucsa

ROCK

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Desaparecida en combate durante algo más de un lustro, la sensual Melissa Auf Der Maur ha utilizado ese período de aparente reflexión para idear un proyecto ambicioso, atrevido y distinto a lo que podíamos esperar de ella. Al margen de la vertiente estrictamente visual que va ligada al proyecto (ha filmado una suerte de cortometraje experimental), el centro de gravedad de “Out Of Our Minds” es

la música. El resultado es un disco de largo recorrido, algo más de una hora a través de la que Melissa pasea por diferentes estados, dejando que su imaginación y su mente nos revelen un mundo interior con el que parece sentirse en paz. Por tanto, podemos decir que se trata de una obra en parte conceptual, dividida en partes que, pese a ir unidas entre si, describen cosas distintas. Obsesionada con crear un clima que la transporte a lugares inexplorados, no ha dudado en pedir ayuda a Glenn Danzig en la pétrea “Father Of Grave” o dejarse asesorar por Chris Goss y un equipo de hasta cinco productores. James Iha, Alan Moulder o Josh Freese son algunos de los ilustres invitados, responsables en parte de la coherencia y buena traza de temas como “Meet Me On The Dark Side”, la poderosa y ambiental “Out Of Our Minds” o la atractiva “22 Below”. Toni Castarnado

La selección Jäger:

las chicas de negro

STEVEN MUNAR & THE MIRACLE BAND

“The Language Of The Birds” La Produktiva/Satélite K

POP

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Este es el disco definitivo de Steven Munar, lleno de confianza y plenitud. Plenitud vital que se traduce en plenitud compositiva en unas canciones que nunca antes habían abrazado tanta naturalidad y sencillez. Las mismas que las de un pájaro que se detiene en una rama y entre su silencio y el tuyo te canta al oído pequeñas historias de la vida. ¿Puede haber algo más bonito que un padre le cante a su hija algo así como “Si quieres mis discos te los daré todos, así cantaremos juntos”? “And If You Want My Records” posee este momento de vitalidad, como también hay muchos otros en “Travelling”, “God Has Helped (Hallelujah)” o “The Sun”. Un tratado familiar de radiantes canciones pop para mañanas de domingo que el ex The Tea Servants nos sirve tres años después de su debut en solitario. Madurado y degustado tranquilamente con el placer de la lentitud. Aquí hay más que influencias. Hay pequeños grandes placeres. Y es que muy atrás queda ya su paso por The Walk y ya van siete años del adiós de los Servants. Celestí Oliver

THE TERROR PIGEON DANCE REVOLT

“The Terror Pigeon Dance Revolt” Luaka Bop/Popstock!

POP

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El mundo está loco y David Byrne, curtido en millares de batallas, sabe que eso siempre será bueno. Quizás por ello se ha atrevido a fichar para su sello Luaka Bop a unos tipos tan aparentemente descerebrados como The Terror Pigeon Dance Revolt. Se trata de una formación más o menos capitaneada por Neil Fridd y compuesta por un número variable de estudiantes neoyorquinos que iría de tres a diez personas, que juran haber grabado su repertorio con instrumentos recogidos de las basuras y con Garage Band (el secuenciador incluido en los ordenadores Apple), que convierte sus directos en una suerte de karaoke para amigos (bailan, cantan y saltan, mientras la música suena en un iPop amplificado), que cuelgan decenas de muñecos de peluche de sus camisetas, que podríamos describir como un híbrido descarado entre I’m From Barcelona, Dan Deacon y Architecture In Helsinki. Ah, sí, y acaban de publicar su primer larga duración, que –en contra de lo que imaginarán a estas alturas- tiene canciones bastante chulas. Aunque tanto da, lo que realmente espero es poder brincar junto a ellos cantando eso de “We’re gonna make it through all the shit!”. Joan S. Luna

Dum Dum Girls Foto Archivo

DUM DUM GIRLS “I Will Be”

Sub Pop/Popstock!

POP

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Hace poco menos de un año que el revival del shoegazing y del C-86 empezó a andar, y la mayoría de grupos que, queriendo o sin querer, han sido metidos en este saco, están empezando a sacar la cabecita fuera del underground. Uno de los primeros en hacerlo son Dum Dum Girls, grupo milagro ideado por Dee Dee, una enigmática chica de California que hasta hace nada rehusaba mostrar su cara en las fotos, cogiendo el testigo de otras favoritas y esquivas reinas del undeground como Helen Love o Amy Linton. Dos nombres que tienen mucho en común con las Dum Dum Girls ya que comparten

espíritu, ese que toma forma en una sabia y sentida relectura del pop más necesario y militante, ese que nunca pasa de moda. Las californianas beben en su excelente debut de los grupos de chicas de los sesenta (los aires a las Shirelles resuenan en “Rest Of Our Lives”), de las bandas más celebradas del C-86 (la herencia de Talulah Gosh sobrevuela gran parte del disco, sobre todo en las saltarinas “Bhang Bhang, I’m A Burnout” y “Jail La La”), y de los The Jesus And Mary Chain más accesibles, bisoños y surferos (“It Only Takes One Night” o “Blank Girl”, esta última, un emocionante dueto con Brandon Welchez de Crocodiles). Xavi Sánchez Pons

(MondoSonoro · Mayo 2010 /53/ vinilos)

LOS SAICOS

“Demolición (The Complete Recordings)” Munster Records

GARAGE

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Si la memoria no me falla, la exitosa serie a cargo de Munster Records de reediciones de clásicos perdidos del garage latinoamericano de los sesenta se inició en el 2000 con dos diez pulgadas, hoy piezas de culto, dedicados a Los Locos del Ritmo y a Los Saicos. La primera referencia disponible en España del grupo peruano nos abrió los ojos de par en par a un buen número de aficionados al garage anglosajón, que casi nos caímos de la silla al escuchar salvajadas como “Demolición”, uno de los rompepistas más locos y salvajes del género. Pasados todos estos años, Los Saicos se han convertido en un secreto a voces, reivindicados tanto por los mejores grupos de garage norteamericanos de la actualidad, como por nuestros adorados Mujeres. Aprovechando el nuevo interés por los peruanos, Munster edita en compacto y en una fantástica caja de singles de vinilo, “Demolicion (The Complete Recordings)”, un recopilación de todas sus grabaciones, remasterizadas como merecían, que, además, incluye un libreto de lujo donde se repasa la historia del grupo de Lima. Xavi Sánchez Pons

TIMBALAND

“Shock Value II” Universal

HIP HOP

Pues sí, el bueno de Timbaland se ha atrevido con una segunda parte de “Shock Value”, y si lo dijéramos lo haríamos con retintín puesto que ya la primera parte fue insustancial. Por eso nos preguntamos ¿para qué volver a insistir con una misma idea que ya brilló más bien poco en su momento? De nuevo ha vuelto a tirar de amistades para confeccionar el disco y todos sabemos que cuando, en un mismo trabajo, intervienen muchos individuos de muy distinto pelaje (Justin Timberlake, Miley Cyrus, The Fray, D.O.E…) es muy poco probable que los resultados sean óptimos. Con la cesión total del protagonismo a las estrellas invitadas, Timbaland queda en un segundo plano en su propio disco. Así uno acaba teniendo la impresión de estar escuchando una recopilación de temas ajenos en los que ha colaborado el afamado productor. Podríamos salvar de la quema algunos de los cortes como “Morning After Dark” a medias con Nelly Furtado y SoShy o “Meet On The Middle” junto a Bran’Nu. Cada vez nos queda más claro que el área de acción de Timbaland se debería restringir a la producción por encargo. Lluís S. Ceprián

THE WELCOME DYNASTY “Underwater Meetings” Hoffmann Dasousa

ROCK

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Si “Underwater Meetings” fue elegida por esta revista como mejor demo de la Comunidad Valenciana el año pasado no es pura casualidad. La mayoría de grupos que han salido vencedores de las Demoscópicas son ahora formaciones consagradas (La Bien Querida, We Are Standard,

Mendetz o Catpeople y un largo etcétera). Ese fue uno de los varios reconocimientos que han recibido The Welcome Dynasty en su breve trayectoria de vida. Este cuarteto valenciano presenta un disco de seis temas, con un sonido que anima a cualquiera, caracterizado por melodías en las que la guitarra, la batería y la peculiar voz de Bruno Gargallo son las protagonistas. Un rock efervescente que en cuanto haya rodado por las salas de las ciudades españolas dará mucha guerra. Proponen estribillos pegadizos y fáciles de corear como por ejemplo “Christine”, “Wanda” o el tema introductorio “Markus (WC Meetings)” que nos hace recordar a The Hives en su hit “Tick Tick Boom”. Guillermo Esteban

segundas partes fueron buenas

WINDMILL

“Epcot Starfields” Melodic/Green Ufos

POP

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De repente, la voz de Daniel Johnston se filtra por los axones de las neuronas más espabiladas del oyente. ¿Quién canta? Suena muy dulce. Quebradizo. Es Matthew T. Dillon, alma y voz de Windmill, uno de los juguetes rotos salidos del Reino Unido en la última década. En “Airsuit” apenas pone su voz sobre el piano, luego una segunda voz, luego un chelo. Y esa simpleza ya sirve para despertar el lado más bello de toda persona que se anime a escuchar su tercer álbum. Su voz suave y enfermiza lo acerca a los compases del genio de las cassettes, o de otro artista frágil más experimental, Ray Raposa (Castanets). Otros llegarán más allá y lo emparentarán con Bowie. Y gracias a los retoques orquestales sintetizados y los coros, a Arcade Fire. Suma y sigue. Lo mejor de Windmill es que no cansa. Y que este puñado de canciones se pueden escuchar una y otra vez, como nanas para pillar el sueño (“Shuttle”), o banda sonora de un viaje sideral sin cuenta atrás ni Major Tom (“Ellen Save Our Energy”). Xilófonos, campanas y teclados adornan diez temas que parecerán tristes, agresivos, también ensoñadores. Dillon conoce todos los recovecos del ánimo, y en este tercer intento parece que sí, que ahora ha llegado a la médula espinal de eso que se llama música. Luis Argeo

THE NEW PORNOGRAPHERS “Together”

Matador/Popstock!

POP

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Recuerdo que cuando empecé a colaborar en Mondosonoro, le cogí manía pasajera a Toni Castarnado. Y no se la pillé porque fuera un mal tipo (los que le conocéis ya sabéis que es un encanto), sino porque se me adelantó con la crítica del primer disco de The New Pornographers. En ese momento me dio mucha rabia no poder ser yo el que dijera lo grande que era “Mass Romantic”. Suena tonto, pero fue así. Todo esto lo cuento porque es la mejor manera de hacer entender lo especial que es para mi esta banda canadiense, y de paso, porque a lo largo de los últimos diez años son tantas las cosas, todas buenas, que he escrito sobre ellos, que ya no se qué más decir. “Together” es la quinta maravilla, así de claro, del grupo capitaneado por Carl Newman, Dan Bejar y Neko Case. Vuelven a presentar canciones grandes como una casa de payés (“Crash Years”, “If You Can’t See Mirrors” y “Silver Jenny Dollar”, entre otras) y vuelven a demostrar que no hay nada más poderoso y mágico en el mundo que un grupo de amigos reuniéndose cada dos años para grabar discos que nos hagan más llevadero el día a día. Xavi Sánchez Pons

She & Him Foto Archivo

SHE & HIM

“Volume Two” Domino/Pias

POP

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Difícil lo tenían M. Ward y Zooey Deschanel para superar un disco como “Volume One”, un trabajo para el que el adjetivo delicioso se quedaba corto. Pero, ojo, con “Volume Two”, brillante y arrebatadora nueva entrega del dúo, se superan. El segundo esfuerzo de los norteamericanos encandila más por diversas razones. Primero, por apostar de forma inspiradísima por el pop de maneras clásicas más epidérmico, dejando casi olvidada su faceta country y folk. Segundo, por el

crecimiento que ha experimentado Zooey Deschanel como intérprete. La variedad de registros que exhibe en “Volume Two” es prodigiosa y va, de las maneras pizpiretas de Karen Carpenter en la coqueta “I’m Gonna Make It Better”, al refinamiento y la clase de la Dusty Springfield más rompecorazones en la conmovedora “Thieves”. Y tercero, por la increíble tarea como arreglista de M. Ward, verdadero mago de las seis cuerdas que, emulando al mejor Lindsey Buckingham, es capaz de reservar el mejor arreglo para los últimos compases de una canción (el final de “In The Sun” es todo un guiño al “Gypsy” de Fleetwood Mac), y convertir en oro la más simple canción pop (ojo con “Lingering Still”). Xavi Sánchez Pons

NEW YOUNG PONY CLUB

ELS PETS

LÜGER

Pias

Discmedi

Giradiscos

“The Optimist” POP

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Shakira, cuando se convirtió en una rubiales putera y postiza, perdió su encanto. Todo lo contrario de lo que le ha ocurrido a Tahita Bulmer, líder de New Young Pony Club, que en “The Optimist” ha querido alejarse junto a sus secuaces de aquel hype new ravero que supuso “Fantastic Playroom” hace tres años. Más maduros y haciendo hincapié en que lo suyo puede rozar cuotas de oscurantismo hedonista (he aquí esa joya llamada “We Want To”) a base de bajos neuronales deudores del post-punk, su segundo largo no recoge ningún trallazo mediático de la talla de “Ice Cream” o “The Bomb”, aunque no les hace ninguna falta. Desde ese punto de partida que supone “Lost A Girl” nos dejan más que claro que no pretenden caer en el olvido. Emulando a Pj Harvey en “Stone” o a la propia Siouxsie Sioux en el tema homónimo, los británicos han facturado un álbum que sería la ecuación perfecta si algún día The XX pretendieran que nos dislocáramos la cadera en la pista de baile. Si a esto le sumamos que la banda se ha autoproducido y financiado el largo, su fecha de caducidad se presenta más tardía de lo que muchos habíamos pronosticado. Sergio del Amo

“Fràgil” POP

“Lüger” 1114

Pocos grupos han llegado a los veinticinco años de carrera sin interrupciones, poquísimos lo han hecho con once discos de estudio a sus espaldas y ninguno lo ha conseguido manteniendo una trayectoria ascendente, cantando en catalán y con un nombre tan escatológico. Lo más sorprendente de todo es que el trío de Constantí (Tarragona) está más inspirado que nunca, justamente cuando la música cantada en catalán vive su mejor momento. El disco está compuesto por doce historias de intensa fragilidad amorosa, a excepción de la aflamencada “El poble del barret de fum” compuesta por Joan Reig. Lluís Gavaldà canta mejor que nunca en este disco, especialmente en la balada “Draps de cuina” (claramente inspirada en el “I ve Been Loving You Too Long” de Otis Redding), la fatalista “Un cop de cotxe” y sobre todo, en “Al seient del costat”, con referencia explícita a Jarvis Cocker. Quizás la culpa de todo, sea de Brad Jones (productor también de los tres discos anteriores), pero por vez primera en toda su carrera, el viejo sueño de Gavaldà se ha hecho realidad : su devoción por Elvis Costello ya se nota en sus canciones. Blai Marsé

ROCK

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La escena psicodélica nacional no ha vuelto a ser lo mismo desde que Schwarz anunciaron su marcha. Los murcianos dejaron un hueco que, por fortuna, ahora podrían llegar a ocupar Lüger, con un primer disco que también ha sido registrado en los estudios de Paco Loco y que transita por similares parajes de exotismo espacial. Son siete piezas en las que predomina lo instrumental, que muestran una tendencia casi constante a la ingravidez -esa larga intro que es “Spotted Introspective Female Firecracker”, purito Spectrum…- y a las que clavetea al suelo el motorik rítmico que Klaus Dinger patentara para sus Neu!, aquí todavía más pasado de BPM’s, nervioso, anfetamínico, lanzando al galope a una banda que pide guerra a golpe limpio de fuzz. Siete temas de evidente regusto nostálgico -no en vano Diego Veiga, principal culpable de la existencia de Lüger, cuenta con un amplio currículo revivalista a sus espaldas, paso por las filas de Deluxe y Jet Lag incluído- que, sin embargo, transitan por terrenos casi vírgenes por estos pagos. En lo que ya es un pequeño hito dentro de la minúscula historia del rock ácido nacional. Luis J. Menéndez

Noticias

Agenda

P RAP’SUSKLEI ha finalizado la grabación de “Pandemia”, que saldrá a la venta el próximo 14 de mayo. Con las colaboraciones de Fuck tha Posse, Alba, Aniki, Karty er Nene, Los Aldeanos, Hermano Ele, Juaninacka y Quiroga, el trabajo se ha grabado en La Mansión de Lex y ahora se encuentra en proceso de mezcla a cargo de Torrico.

P Sábado 1 Mayo, EA! Pub El Zorro P Sábado 1, MUÉVETE WEEKEND, Sala Oasis P jueves 6 TULSA, La Lata de Bombillas P Viernes 7, SKAFF-LINKS Arena Rock de Zaragoza P Domingo 9 ÁFRICA GALLEGO La Campana de los Perdidos P Lunes 10 Martes 11 AMERICAN BALLET II, Teatro Principal P Viernes 14, MCENROE, La Lata de Bombillas P jueves 20 SUBURBAN KIDS WITH BIBLICAL NAMES, La Lata de Bombillas P Viernes 21 SUPERSUBMARINA + MISTER HYDE La Casa del Loco P Sábado 22, JOHN MAYALL, Sala Multiusos P Viernes 28, CALAÑA + JERE, La Casa del Loco P Sábado 29 CHERRY BOOP & THE SOUND MAKERS Arena Rock P Viernes 28, sábado 29 y domingo 30, GLASS CITY, de Teatro do Noroeste, Teatro Principal

P Después de visitarnos en el año 2007 gracias al programa Noches con Sol, el veternao bluesman británico John Mayall pasará por Zaragoza en su gira española que le llevará entre otros lugares también a Palma de Mallorca, Bilbao o Barcelona. El concierto será el 22 de mayo en la Sala Multiusos del Auditorio P LIMNOPOLAR son los ganadores de la edición de este año del concurso MVT en Directo. Dotado con 5.000 € en metálico, 4.000 € en material musical, la grabación y edición de un disco en Laboratorio Audiovisual del Ayuntamiento de Zaragoza, y la contratación por parte el Ayuntamiento en una de sus programaciones. The Closeres y Señorita Pepis, fueron segundo y tercer clasificados respectivamente.

El Gran Puzzle Cozmico

II Muestra de Pop Rock y otros Rollos

espués de 26 años, allá por el 84, vuelve la Muestra de Pop Rock y otros Rollos a Zaragoza. Entre los días 6 y 15 de mayo, organizada por la Asociación Cultural Músicos de Aragón. y con la colaboración de diferentes salas de la ciudad como: Oasis, Juan Sebastián Bar, Fórum de FNAC,Ultimátum, Drinks and Pool, La Campana de los Perdidos, La Ley Seca, Teatro Arbolé, El Sol o El Pequeño Café del Rock La pro-

gramación abarca música, proyecciones, exposiciones, literatura, teatro entre otras actividades. El plato fuerte tendrá lugar el sábado 8 de febrero en la Sala Multiusos del Auditorio: desde las 11 de la mañana hasta las 3 de la madrugada 23 bandas aragonesas desfilaran por el escenario. Desde veteranos como Aborigenes del Cemento, a propuestas mucho más actuales como Dadá, Huellas de Barro, Blackmatadero, Sheriff, Rebel Spell, In-

sulina Morgan o El Gran Puzzle Cozmico entre otros. También actuaran los ganadores del concurso “La Muestra Virtual”. Al mismo tiempo, dentro de la sala se realizarán más actividades como exposiciones de fotografía, material de la I Muestra, Feria del coleccionismo musical y multitud de stands de asociaciones, radios libres y colectivos ciudadanos.Consulta el calendario completo de actividades y actuaciones en: www.músicosdearagon.com

De Gira

Ecozine

The Cove

el 14 al 23 de Mayo tendrá lugar la tercera edición del ECOZINE: Festival Internacional de Cine y Medio Ambiente Ciudad de Zaragoza. El festival pretende acercar historias que hablan de nuestra Tierra y de cómo el ser humano interactúa con ella, amándola, y en muchas ocasiones hiriéndola. Por una parte en el Centro de Historia se podrán ver los más de 100 trabajos presentados a concurso al Encuentro de Realizadores Audiovisuales. En la sección Première se proyectarán tres producciones no estrenadas comercialmente en España, entre ellas el documental ganador del Oscar 2010 “The Cove”

P BIGOTT Presentando su nuevo álbum THIS IS THE BEGINNING OF A BEAUTIFUL FRIENDSHIP

Teatro Pingaliraina

Contemporánea

ontinúa el festival ZARAGOZA CONTEMPORÁNEA en las salas Teatro de la Estación y Teatro Arbole. Teatro, música, danza, artes plásticas, literatura… conforman la propuesta escénica en ambas salas, espectáculos de variadas temáticas y estilos, desde la vanguardia escénica a la adaptación de los clásicos.

Muévete Weekend

Lori Meyers (Colectivo Anguila)

uinta edición del Muévete Weekend y este año disfrutaremos de un cartel de lujo para celebrar el décimo aniversario de La Lata de Bombillas. Entre el 30 de abril y el 1 de mayo, en la sala Oasis, Lori Meyers y Maga, presentarán respectivamente sus nuevos discos. Pete and The Pirates vienen D FRQ¿ UPDU ODV EXHQDV VHQVDFLR nes que nos dejó su álbum de debut. The Posies interpretarán enterito el “Catholic Education” de Teenage Fanclub. Tachenko

estrenará en Zaragoza “Os Reis Porque Sois Jóvenes” su nuevo disco que está cosechando unas críticas inmejorabels Tokyo Sex Destruction y Faith Keepers completan el cartel junto con los granadinos Elastic Band. Para ir abriendo boca podremos disfrutar de una jornada de bienvenida el jueves 29 en La Lata de Bombillas con los daneses Men Among Animals presentando su nuevo trabajo y la mezcla de chanson y electrónica de los navarros Souvenir.

15 Mayo MALLORCA Teatre Lloseta 21 Mayo EUROPAVOX FESTIVAL - Francia 27 Mayo PRIMAVERA SOUND P TACHENKO Presentando su nuevo álbum OS REÍS PORQUE SOIS JÓVENES 14 mayo Azkena Bilbao, 21 mayo Sala por confirmar Albacete 22 mayo El Loco Valencia 26 mayo MAEM Alcañiz,Teruel 27 mayo Sala Karma Pontevedra 28 mayo Le Club Coruña 29 mayo Sala Mondo Vigo 23 julio Festival Contempopránea Alburquerque, Badajoz 18 sept. La Llotja Elche, Alicante P VIOLADORES DEL VERSO 2 Mayo LONDON 02 Academy Isllington 8 Mayo EDINBURGH HMV Picture House

LAVENTANA

Baselab Foto Archivo

MondoSonoro · Mayo 2010 /55/

9ED9?;HJEI C7OE (&'& 97DJ78H?7" 97IJ?BB7 B;äD" ;KIA7:?" =7B?9?7" D7L7HH7

Lengua Armada

Diez años en lucha Cumplir diez años en el candelero no está al alcance de todos, pero Lengua Armada cubre con creces las expectativas. Y lo celebra con tres citas en los escenarios madrileños: 1, 5 y 6 de mayo en Gruta 77 y Sala Boite (con Martynez, Lex Makoto, Raíces y Puntas, LaImposible, Eu Libre, No Dogs...).

Imprescindible

ano Ruiz puede soplar dichoso las velas de su tarta. “Lengua Armada me ha dado siempre más alegrías que mal sabores. Los discos son una alegría. He conocido mucha gente y mis tratos me hacen saber más acerca de las personas y sobre todo apreciar la energía y creatividad canalizada en la música”. Atrás quedan sus primeras referencias como “El sublevarte” del trío de hip-hop femenino BKC, o los petardazos hard-rock de Rip KC en “Obvious & Bleeding”, pero el entusiasmo no cesa. “He ido en ascenso, cada vez piso en más charcos”, sonríe el que fuera guitarrista de Habeas Corpus. Esas balsas de agua a las que se refiere

Nano podrían ser su apuesta por Eu Libre, un proyecto colindante con su militancia vegana y defensora de los derechos de los animales; la edición del primer trabajo en solitario del bajista de Rip KC: Paña Radio Station; o su incursión en territorio “bárbaro” con la edición de Bloodlights, la banda del ex Gluecifer Captain Poon. Reconoce que bogar en solitario puede resultar un handicap. “Es una putada, pero a mí me gusta trabajar solo, y siempre he pensado que sino puedes pagar bien a la gente mejor no tenerla. Aunque a veces echo en falta ayuda, la verdad es que mis amigos me ayudan cuando les necesito. Son la fuerza en la sombra”. La lucha por la superviven-

cia también ha diversificado su radio de acción. “Lengua Armada siempre ha tenido dos partes diferenciadas, una la de editor y motor de grupos que elijo para el sello, y otra diferente la de servicios que ofrezco como promoción especializada, management, fabricación de discos, distribución, reparto y distribución de carteles, asesoramiento gratuito para grupos…”. Nano certifica aun más su romance con la música a través de Deniro. “Es un grupo maravilloso en el que prima el gusto y el disfrute personal. Lo estamos cuidando con mimo. Hemos grabado doce canciones que ahora se están mezclando. Disfrutamos componiendo y no tenemos prisa. Estoy muy a gusto con estos tíos haciendo canciones. Más que en toda mi vida“. El futuro de la etiqueta augura optimismo. “Habrá buenos discos de rock y música electrónica tanto de artistas de aquí como de fuera”. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

Baselab

“Laboratorio Base” (2008) 1111 Nustep, rap, jungle, raga, drum’n’bass… Demasiadas etiquetas para colgarles. La coctelera de estos madrileños apunta al Londres multiracial de hace veinte años, el que escribieron a golpe de raves y barricadas sonoras rebeldes de la alcurnia de Fun-da-mental, The Prodigy o Asian Dub Foundation. Todo ello en castellano y con sonido actualizado.

Interesantes

Estirpe “Buenos Días Voluntad” (2009) 1111 Los cordobeses han sabido reinventarse con los años. Y como buen vino de barrica han incluido nuevos y jugosos granos que macerasen y diesen el punto exacto de distinción a su nueva añada. En esta bienvenida al nuevo día invitan a Muse, Depeche Mode y 30 Seconds To Mars a una taza de té en su radiante y cálido salón con vistas al mundo.

Maggot Brain “Land” (2009) 1114

Castilla león El Hangar, Burgos 22/05 AFRICA GALLEGO Joplin, Segovia 14/05 WÖYZA 21/05 DWOMO

Euskadi El Parral Taberna, Vitoria 04/05 MICROGUAGUA

Big Star, Pamplona 28/05 McENROE

7D:7BK9?7 O 9;KJ7 Andalucía Planta Baja, Granada 14/05 L.A. La Central Lechera, Cádiz 13/05 LA SELVA SUR

Ceuta La Sala Café Club, 07/05 TOM CARY

7H7=äD Aragón Edén, Huesca 07/05 MICROGUAGUA Teatro de la Estación, Zaragoza 20/05 ELKANO BROWING CREAM 27/05 IX!

La Campana de Los Perdidos, Zaragoza 13 Y 14/ 05 AFRICA GALLEGO La Lata de Bombillas, Zaragoza 14/05 McENROE

97IJ?BB7 B7 C7D9>7" ;NJH;C7:KH7 O C7:H?: Castilla la Mancha Garcilaso, Toledo 13/05 ELKANO BROWING CREAM 28/05 WÖYZA Extremadura Freedom Hall, Almendralejo (Badajoz) 29/05 WÖYZA 25/06 DWOMO

Madrid Clamores, Madrid 01/05 LA BRASSA BAND (FESTIMAD) Taboo, Madrid 06/05 LA SELVA SUR (FESTIMAD) El Rincon del Arte Nuevo, Madrid 15/05 AFRICA GALLEGO

Esta información puede sufrir alguna alteracióndebido a la antelación con que es elaborada.

Estos noruegos esconden un filón que responde por el nombre de Captain Poon, un personaje que cubrió su hoja de servicios en los punk-rockeros Gluecifer. El segundo disco de semejantes cruzados del cuero y la electricidad significa un punto de inflexión en Lengua Armada. El que supone su irrupción y tanteo en los caladeros internacionales.

Hace unos años estos guipuzcoanos les habrían tachado de J.A.S.P. Si, son jóvenes aunque sobradamente preparados. Y pueden hablarle de tú a tú a Omar Rodríguez y The Mars Volta sin ningún tipo de complejo. Sus estructuras agónicas, crispantes y enrevesadas se antojan como una de las nuevas joyas de la corona posthardcore nacionales. ■ M.A.S.G.

Galicia Pub D’Antón, A Coruña 29/05 TOM CARY

Navarra La locura de Angel, Tudela 21/05 LA KINKY BEAT 28/05 AFRICA GALLEGO

Urki, Galdakao (Bizkaia) 06/05 MICROGUAGUA

Tras su disco de versiones “Handmade Covers” (2005), en el que abordaban material ajeno de Funkadelic, The Police, Neil Young o Marshall Tucker Band, los cacereños rubrican su mejor marca hasta la fecha. Su corpulento rock con orlas setenteras luce aquí sus mejores galas. Les acompañan los estadounidenses Mother Superior en “Southbound”.

Cohen “Subconscious Mind” (2010) 1114

Plateruena K.A. Durango (Bizkaia) 28/05 IÑAKI PLAZA & ION GARMENDIA

Aturuxo, Bueu (Pontevedra) 02/05 AFRICA GALLEGO 30/05 TOM CARY

Bitácora, Valladolid 28/05 IX!

Bloodlights “Simple Pleasures” (2010) 1114 NOVEDADES

El Gora, Vitoria 05/05 MICROGUAGUA

Cantabria Heaven, Santander 22/05 ARMENIAN

Conselleria d’Educació i Cultura

“Tetsuo: The Bullet Man” Foto Archivo

MondoSonoro · Mayo 2010 /57/

MONDOMEDIA CINE

Shinya Tsukamoto en

5 películas... “Tetsuo: The Iron Man” (1989)

Shinya Tsukamoto

El hombre bala Shinya Tsukamoto, uno de los padres del cyberpunk y del cine japonés más extremo, entrega uno de sus filmes más accesibles con “Tetsuo: The Bullet Man”, tercera parte de la saga que le hizo grande en Occidente.

arece mentira, pero ya han pasado veintiún años desde que el nombre de Shinya Tsukamoto empezó a sonar entre los amantes del cine de género más extremo y underground gracias a “Tetsuo: The Iron Man”, una de la películas cumbre de aquello que se llamó cyberpunk, y una de las cintas que mejor ha sabido reflejar la paranoia y la atmósfera opresiva que se respiran en las grandes urbes superpobladas y ultra tecnológicas del planeta. La cinta que supuso la revelación internacional del director japonés era un rabioso y encabronado collage de imágenes en blanco y negro donde el videoarte más vanguardista, la herencia del David Lynch de “Cabeza borradora”, la estética de la “nueva carne” de David Cronenberg, y el cine de género más popular (los guiños al Kaiju-Eiga eran evidentes), se daban la mano de forma magistral. La segunda parte de la saga, “Tetsuo II: Body Hammer”, repetía todos los aciertos del original, y venía a ser un excelente y vibrante remake en color y más medios de la primera entrega. Ahora, diecisiete años después de su última aventura con Tetsuo, Tsukamoto regresa a la mitología que le dio la fama con el tercer capítulo, titulado “Tetsuo: The Bullet Man”. La película se presentó en el pasado Festival de Cine de Sitges, un estreno que contó con la presencia del cineasta nipón, un tipo menudo más que agradable y risueño, que, a primera vista, nunca dirías que es capaz de dirigir películas tan enfermas. “Hacia finales de 1992, después de rodar la segunda parte de

‘Tetsuo’, una productora norteamericana se interesó en una tercera, pero cuando hablaron conmigo yo no estaba mucho por la labor. Con el tiempo, y después de hacer unas cuantas películas, me empecé a plantear seriamente la posibilidad de un nuevo filme de la saga. De hecho, no fue hasta hace muy poco tiempo que me decidí a hacerla”. “Tetsuo: The Bullet Man” es, junto a “Hiruko The Goblin”, una de las películas más accesibles de la carrera

próximo para mí es preparar una película de animación”), el realizador japonés no descarta volver en un futuro al mundo de “Tetsuo”. “La verdad es que pensaba que lo había contado todo sobre la historia, pero haciendo la tercera parte me he dado cuenta de que aún me quedan cosas por decir”. Verdadero francotirador del cine japonés, Tsukamoto afirma que se siente “más cómodo rodando desde la independencia que con un gran presupuesto y productora detrás de mí”, el director de “A Snake Of June” es el padre político de dos de los directores nipones más inclasificables, libres y destacados de la actualidad, Takashi Miike (Tsukamoto tenía un papel memorable en “Ichi The Killer” y también aparecía en

“Con este filme he querido hacer una película accesible para todo el público” del japonés. Está situada en su habitual Tokio de pesadilla, pero el hecho de contar con distribución internacional y estar rodada en inglés, hace que funcione como un apañado y, hasta a ratos, entrañable (el ideario cyberpunk de los ochenta ya está más que superado) compendio de las claves de la saga. “Con este filme he querido hacer una película accesible para todo el público, con la intención que llegue al mayor número de espectadores posible. Por esa razón la historia es más simple y comprensible. Es más, si alguien no ha visto los dos ‘Tetsuo’ anteriores, lo mejor que puede hacer es empezar con la última”. Aún con retos que cumplir, el último, un filme en un formato que aún no ha tocado del todo (“lo

la segunda parte de “Dead Or Alive”) y Sion Sono. Dos cineastas que, como Tsukamoto, aún prefieren rodar en Japón y olvidarse de los cantos de sirena de Hollywood. “Es cierto que he recibido ofertas de los Estados Unidos, sobre todo después de dirigir ‘Tetsuo’, pero nunca me he decidido a aceptar y no sé si lo haré alguna vez. La principal razón de mis reservas es el idioma. He crecido con el cine americano y siempre había creído que rodar una película en inglés no me comportaría ningún problema. Eso sí, al sumergirme en la tercer parte de ‘Tetsuo’, he comprendido que rodar una película en un idioma que no es el tuyo no es una cosa nada fácil”. ■ Xavi Sánchez Pons

Verdadero clásico del cyberpunk cinematográfico, esta cinta de guerrilla filmada a velocidad de vértigo y en 16 mm es todo un trip cinético que contiene algunas de las imágenes más chocantes vistas nunca en una pantalla de cine. La brutal erección del pene metálico taladrador del protagonista ante los ojos de una incrédula prostituta es una de la cumbres del cine-shock.

“Hiruko The Goblin” (1990)

Tras su revelación con las dos primeras partes de “Tetsuo”, Tsukamoto intentó hacer un filme más accesible y comercial que era capaz de aunar el espíritu de la series B ochenteras americanas con la tradición japonesa de los monstruos yokai. El resultado es un delirante film fantástico repleto de imágenes y criaturas para el recuerdo.

“A Snake Of June” (2002)

Película que funciona casi como un cruce entre la cortante frialdad de “Safe” de Todd Haynes y el doloroso erotismo de “El imperio de los sentidos” de Nagisa Oshima, pasado, eso sí, por el tamiz del director de “Tetsuo”, “A Snake Of June” es una opresiva historia sobre el descenso a los infiernos de una bellísima y abnegada esposa (una sobresaliente Asuka Kurosawa).

“Vital” (2004)

Protagonizada por el camaleónico Tadanobu Asano, astro del cine nipón que entrega aquí uno de sus mejores papeles, “Vital” es una macabra historia de amor más allá de la muerte que encaja a la perfección dentro de la carrera de Tsukamoto. Un estudiante de medicina amnésico cree reconocer en un ejercicio de disección el cuerpo sin vida de su fallecida novia.

“Nightmare Detective” (2006)

Shinya Tsukamoto volvió al cine de terror más crudo con una película que guiñaba al ojo a los mundos de pesadilla de H.P. Lovecraft, en concreto a una de sus novelas más celebradas, “El caso de Charles Dexter Ward”. El resultado es un filme malsano y escalofriante que dio origen a una segunda parte, estrenada en 2008. ■ X.S.P.

mondorecomienda

LA ENTREVISTA Mapa Sonoro Foto Archivo

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

Cómics

Parker. El cazador

Migrador nocturno

Elegante y dinámica adaptación del clásico “The Hunter” de Richard Stark, alias de Donald E. Westlake. El estilo de Cooke (“Batman: Ego”, “DC: The New Frontier”) se ajusta perfectamente a la estética de los sesenta, y a lo que la historia requiere. Sin embargo no se limita a ilustrar los textos de la novela, sino que toma parte e impone su ritmo. Óscal Gual

Aunque el joven historietista argentino consigue dotar de volumen y de peso a este particular relato fantástico, oscuro y violento, lo cierto es que le cuesta llegar a su cénit. Por otro lado, insiste demasiado en dotar de poesía y de trascendencia a los diálogos, lo cual resta ritmo a la acción y a la lectura. Buenas intenciones que se quedan a medio camino. Óscal Gual

Darwyn Cooke Astiberri (111)

Salvador Sanz La Cúpula (114)

“Mapa Sonoro” La marea de San Pedro Tomeu Pinya Astiberri (114)

Merdichesky

Carlos Trillo y Horacio Altuna Planeta (111)

Tomeu Pinya consigue en éste, su segundo trabajo tras “Un pueblo blanco: El bar del barbudo”, recrear el ambiente opresivo de un pequeño pueblo pesquero aislado por una escarpada cordillera; el escenario ideal para desarrollar una trágica y clásica historia de amor. Típica obra de inicio. Óscal Gual

Han pasado casi treinta años desde la publicación de estas páginas en la revista argentina Superhumor, y siguen manteniendo su frescura. La Nueva York de inicios de los ochenta y su corrupto Departamento de Policía (el de “Serpico” o “Distrito Apache”) sirven a Trillo y Altuna para presentar a Merdichesky, un policía que no encaja en ningún sitio. Óscal Gual

Viaje

Mi año

Resulta complicado sumergirse en los mangas de Yuichi Yokoyama. Todo en su universo es extraño, desde la narración (si existe) hasta las perspectivas. Y precisamente por eso se le ama, porque no es un artista como los demás, su manga experimental y vanguardista es otra cosa. Esa es su grandeza, y a su vez su mayor inconveniente. Ernesto Bruno

Con una estructura de cuatro volúmenes, llega a nuestro país una nueva muestra del Jiro Taniguchi más europeizado con la ayuda a los textos del galo Morvan. La protagonista es Capucine, una niña con Síndrome de Down, que sirve a los autores para interrogarse sobre cuestiones como la responsabilidad paterna, los límites de una pareja y la deriva de la vida. L. J. M.

Yuichi Yokoyama Apa Apa Cómics (1111)

Jiro Taniguchi/Jean David Morvan Ponent Mon (11114)

televisión musical de calidad Todos nos quejamos de la falta de programas musicales destacables. Bien, pues con “Mapa Sonoro” la espera ha terminado. Y por si fuera poco al frente anda Roberto Herreros, veterano músico curtido en Garzón o Grande-Marlaska.

a música y la televisión no se suelen llevar bien en España. Los programas culturales apenas duran unas cuantas entregas y a veces la calidad de los mismos puede dejar que desear, así que cuando apareció “Mapa Sonoro” la alegría fue máxima. Tras mucho tiempo de espera, estábamos ante un ejemplo de gran calidad y excelente selección musical. “Nuestro objetivo es rastrear las propuestas más estimulantes del panorama musical actual a través de un viaje por la geografía española”. En palabras de Roberto Herreros, uno de los responsables del programa junto a Santi Baró. “El programa está centrado en el pop y en el rock independiente, pero no descuidamos otros estilos como el hip hop, la música electrónica, la canción de autor o el folk. También realizamos incursiones en el mainstream menos acomodado. No existe el menor ánimo esnob, lo importante es que cada pieza tenga un interés artístico o periodístico”. Todo con un tratamiento del

sonido ideal. “En el programa no sólo se escucha música, sino que también podemos escuchar el sonido de cada viaje y de cada ciudad que visitamos. Está claro que no hemos inventado nada nuevo, pero creemos que es algo que no se ha hecho mucho hasta el momento”. Ahora “Mapa Sonoro” aumenta la frecuencia de emisión y pasa a ser semanal dentro del canal Cultura.es en pleno prime time, una apuesta que el propio Roberto relaciona con “la función de una televisión pública es ofrecer un servicio público. Es necesario que haya más programas musicales de calidad en televisión. Una cosa nos ha llamado la atención desde que empezamos ‘Mapa Sonoro’ es la desidia de muchas discográficas cuando les pides ayuda. Afortunadamente, el programa está hecho por gente a la que le entusiasma la música, por lo que no nos quedamos precisamente sentados esperando a que nos propongan nada”. ■ Natxo Sobrado

MondoSonoro · Mayo 2010 /59/

LA ENTREVISTA

MONDORECOMIENDA LOS

libros

CLIPS DEL MES

◗ Foals “This Orient” (1114) Una canción que llena tanto por ella misma, que poco importa la sencillez y sobriedad del vídeo que la acompaña. Disfrutamos de la llegada de la primavera con las flores orientales que engalanan esta nueva entrega de Foals.

La nave de los muertos B. Traven Acantilado (11111)

Debería ser un libro de cabecera de adolescentes con inquietudes, deseosos de ideas contestatarias y reveladoras sobre el mundo y cómo está organizado. Vigente casi un siglo después de su redacción, esta aventura lúgubre y sucia, relatada brillantemente por una voz singular, es una visión pesimista, irónica y desmitificadora del ser humano. Un clásico a redescubrir. J. Picatoste Verdejo

◗ These New Puritans “Attack Music” (111) Sus últimos vídeos son muy similares en cuanto a planteamiento estético y temática, con el cuerpo en un papel protagonista sobre un sobrio fondo oscuro. Aun así, la sección de percusión, las espadas y los músculos nos mantienen enganchados.

El mapa de sal Una singular obra a medio camino entre la autobiografía y el ensayo, un intento atrevido y brillante de dar una explicación coherente a la caótica realidad actual del mundo occidental. El autor imagina el mundo como un mapa de sal (literalmente), y a partir de esa idea desarrolla su particular visión de la globalidad mundial. Sugerente y turbador, da qué pensar. Dani Arnal

El Chojin Foto Archivo

Iván de la Nuez Periférica (1111)

“Rap. 25 años de rimas”

la historia escrita del rap español

◗ Janelle Monae “Tightrope” (111) Bailar ha sido prohibido debido a los perversos efectos que tiene sobre la gente, sobre todo en este asilo mental. Pero no todos parecen dispuestos a acatar las normas: zapatos de charol, bailes en las mesas al más puro estilo Jailbreak y dosis de buenrollismo.

Hacer un recorrido por la historia de un género musical no es tarea fácil, más cuando eres el primero en hacerlo y no se cuenta con una bibliografía para consultar. Aquí, el desglose de datos, fechas y citas, son aportadas por sus dos protagonistas, quienes han vivido todo en primera persona desde los inicios. Lean “Rap. 25 años de rimas” y aprendan.

Biografía de Clint Eastwood

Patrick Mcgilligan Lumen 2010 (1111) Las biografías en negativo son ya un género en si mismo, y el libro de Mcgilligan sobre el director de “Sin perdón” se presenta como una de sus cumbres. El autor se encarga de poner en duda con documentación, tino y nervio, la versión oficial sobre la vida de Eastwood publicada hace unos años por Richard Schickel. Una nueva visión reveladora y polémica. Xavi Sánchez Pons

Up-Tight. La Historia de la Velvet Underground Victor Bockris Discos Crudos (11114)

Adictiva historia oral de la Velvet contada por el mismo grupo y por todos aquellos que estuvieron a su alrededor durante sus años de gloria. Rico en fotografías, este obligado libro esta lleno de párrafos a recordar; sirva como ejemplo uno en el que Lou Reed afirma que con “Sister Ray” su intención era hacer una canción de heavy metal (sic). X.S.P.

El Chojin no sólo le conocemos por ser un veterano de la escena y haber publicado una decena de elepés. No es un rapero de los que denominaríamos al uso. También es autor de dos obras de teatro, ha impartido talleres para jóvenes o pronunciado conferencias en universidades. Personaje comprometido activamente con las causas sociales, también escribe poesía y desde hace poco, le vemos en las noticias de La 2. Por su parte, Francisco Reyes es autor de la primera -y única hasta el momento- tesis doctoral de hip hop en España. Profesor de la Universidad Complutense, periodista y fotógrafo, ha escrito varios libros y ensayos relacionados con el graffiti y el hip hop, además de ser conferenciante habitual en jornadas culturales. Una vez hecha la carta de presentación de los autores, queda mostrado que ambos reúnen los conocimientos suficientes como para valorar su relato como vivo y auténtico, porque para ellos se trata de un estilo de vida. “Nosotros hemos vivido todo esto desde el día uno y lo hemos visto crecer. En los inicios no se parecía mucho a lo que hay ahora. Estábamos jugando, investigando, creando. Ahora la escena está asentada y está prácticamente todo inventado. No queremos jugar a ser nostálgicos. El haber estado antes no nos da ninguna medalla, simplemente es que somos más viejos, pero sólo en el DNI”. Como bien reconoce Francisco durante el encuentro: “el hip hop es ego, es narcisismo y sabemos que tenemos un público difícil, muy difícil”. Seguramente por ello, algunas reseñas, datos o espacio dedicado a tal o cual artista, podría disipar

algún tipo de controversia sobre su objetividad. El Chojin tiene claro que “la objetividad está en la parte de los datos y la subjetividad en la manera personal de haber vivido esos momentos que se relatan en el texto”. Los que también hemos vivido el nacimiento y la evolución del rap en España, sabemos de la escasez de sitios en los que explorar en busca de datos o imágenes. No existe un archivo histórico donde poder consultar, con lo que este trabajo nos parece más personal, labrado y creíble si cabe. “Los datos los teníamos en nuestra cabeza, sólo hemos tenido que hacer un ejercicio de memoria porque además no hay bibliografía sobre el tema, y aunque la hubiera, humildemente te podemos decir que no nos hacía falta”. En un cuarto de siglo ocurren demasiados sucesos importantes, incluso en la música rap, como para poder rescatar un momento concreto. Era una empresa complicada, pero necesitamos saber qué año les parece fundamental para el devenir de los acontecimientos. Chojin toma la alternativa. “Eso es muy difícil de decir. Francisco suele nombrar el 89 por el ‘Rap In Madrid’, pero quizá lo sea más 1994 por la salida del ‘Madrid Zona Bruta’ de CPV o el 99 con las primeras referencias de Ari, SFDK, Violadores o yo mismo. Fue el año de la nueva hornada que terminó por convertirse en los profesionales de hoy”. Editado por Viceversa, la pionera obra se extiende a lo largo de trescientas ochenta y cinco páginas con ilustraciones, diseccionadas en diversos bloques debidamente estructurados. ■ Alberto Comeche

◗ Hurts “Blood, Tears & Gold” (111) Una vez superado el comentario sobre la estética ochentera del vídeo cuyo eje principal es una anónima y sensual pierna a la que vemos acicalarse, lo que queda es una buena canción que auguramos pronto sonará todavía más.

◗ Niños Mutantes “Las noches de insomnio” (1111) Excelente vídeo que captura la esencia de los deseos, las frustraciones y los pensamientos que quedan arrinconados en nuestro subconsciente, de la mano de un joven protagonista que recuerda al enfant terrible de la última peli de Spike Jonze.

◗ La Brigada “El futur de l’art” (111) Sencillez y claridad, es la tónica que se repite tanto en la música de La Brigada como en sus videos. Espacios abiertos, campos de trigo, un lienzo en blanco. ¿Quién dijo que envejecer fuera el fin de algo? n

MondoSonoro · Mayo 2010 /61/

mondomedia

CONEXIONES

◗ LG activará el patrocinio al Rock In Rio 2010 desde todas sus divisiones de negocio: telefonía móvil, electrónica de consumo, electrodomésticos, aire acondicionado y soluciones de negocio. Cada vez que los consumidores compren productos de la marca, podrán conseguir entradas para el festival. Del mismo modo, la compra de entradas de Rock In Río estará premiada con descuentos para adquirir productos de LG. ◗ Vértice Cine y Quiksilver a través de la Quiksilver Foundation, desarrollarán conjuntamente acciones on line y off line para acercar la película “Océanos” al público afín de ambas marcas. “Océanos” se estrenó en cines el 23 de abril. ◗ Cutty Sark organiza la 3ª Edición de SLS en la que los británicos Asian Dub Foundation actuarán en directo y para la que han compuesto diez nuevas canciones, y en la que también participarán los grupos nacionales Ojos De Brujo y Baselab. SLS se convierte este año en una plataforma para las tendencias más actuales y la mezcla cultural en un show que llegará a Madrid y Barcelona en el mes de junio. ◗ Dentro de sus actividades infantiles, el Espai Cultural Caja Madrid presentó el pasado 10 de abril un taller de música electrónica para niños y niñas a partir de siete años. En esta actividad los pequeños de la casa descubrieron el beatboxing y la música electrónica, de forma original y divertida. Pau Guillamet, música y compositor, enseñó a crear sonidos con la voz y las manos para montar capas de sonidos con las que luego poder bailar, pensar y reír.

◗ Sebastian Denz es un fotógrafo alemán que en los últimos años ha venido desarrollando el proyecto Skateboarding.3d. Sebastian viajó por Europa durante tres años, acompañado por el equipo de Carhartt Skateboard y realizó una serie de fotografías en 3D con una cámara estereográfica. El resultado del viaje es un lujoso libro de fotografías de ciento veinte páginas, con tapa dura de tela y con el título grabado en relieve que ahora se exhibe en nuestro país. Concretamente en la Carhartt Store de Barcelona hasta el 5 de mayo y en la Carhartt Store de Madrid entre el 13 de mayo y el 9 de junio. Próximamente la exposición también viajará a Valencia y San Sebastián. ◗ El pasado sábado 27 de marzo se estrenaba en las radios españolas y se ponía a la venta digital la canción “Ay Haití!”, la primera iniciativa solidaria de artistas que cantan en español para ayudar a los damnificados por el terremoto que asoló Haití el pasado 12 de enero. Esta canción nace de la colaboración y el proyecto conjunto de Carlos Jean y Dnovae que han sido los encargados de producirla para Intermón Oxfam. En ella colaboran veinticinco artistas y otras personalidades que han querido sumarse a la iniciativa: Alejandro Sanz, Aleks Syntek, Anni B. Sweet, Bebe, Belinda, Carlos Jean, David Otero, Enrique Iglesias, Estopa, Hombres G, Daddy Jean, José Mercé, Juanes, Kun Agüero, La Mala Rodríguez, La Oreja de Van Gogh, Macaco, Marta Sánchez, Miguel Bosé, Najwa Nimri, Sandra Carrasco, Shakira, Wally López, Zahara y OBK. ◗ Los amantes de las zapatillas de todo el mundo saltaban de alegría cuando Foot Locker lanzó las exclusivas Converse de cuello guateado en junio de 2008. Casi dos años más tarde, Foot Locker se ha animado a rediseñar estos modelos mediante el lanzamiento de las nuevas All Star Padded Collar II, que están disponibles en exclusiva en todas las tiendas Foot Locker europeas desde el 11 de abril. Para celebrar este

nuevo lanzamiento, Foot Locker y Converse se han unido al dúo de Crookers, que acaban de publicar un disco plagado de colaboraciones estelares. El video les muestra en las últimas treinta y seis horas antes del lanzamiento de su primer álbum y acaba con una divertida fiesta en Milán. ◗ Por si los enemigos a los que deberás enfrentarte en el videojuego Monster Hunter Tri no son suficiente, Nintendo y Capcom se han propuesto retar aún más tus dotes de cazador y han anunciado la puesta en marcha de eventos y misiones online en la consola después del lanzamiento del juego el 23 de abril. Accesibles durante periodos limitados de entre uno y diez días, las misiones online prolongarán la experiencia de juego y ofrecerán monstruos y recompensas sólo disponibles durante los días en los que permanezcan abiertas. ◗ Como ya sabréis, la edición 2010 de la Red Bull Music Academy ya es historia. Sin embargo, y gracias a su acuerdo de colaboración con Scanner FM, la emisora digital emite cada jueves a las 17.00 horas “Feedback!”, un espacio “en el que tienen cabida sonidos actuales y del pasado, en sintonía con la filosofía de la Red Bull Music Academy”, según explica su presentador Carles Novellas. ◗ ¡Deja que el color invada tu look! En la nueva colección Colourful Lee Life que el rosa, el rojo o el azul eléctrico se apoderan de tus jeans con esta propuesta de Lee. El fit Knox para ellos y los fits Lynn Narrow y Scarlett para ellas. Una fresca versión denim recomendada para mujer y hombres “on the go”.

◗ eBay, la mayor web de compra y venta en el mundo, ha anunciado el reto que ha propuesto a Alaska: renovar su casa y su armario a través de www.eBay.es sin gastar ni un euro. Para ello, la cantante pone a la venta durante las próximas semanas artículos de decoración de su hogar, prendas de vestir y complementos utilizados durante algunos de sus conciertos, giras o eventos a los que ha asistido. Entre los artículos se encuentran lotes de camisetas exclusivas de Fangoria o Alaska y los Pegamoides; bolsos retro vintage; singles inéditos; memorabilia; libros; láminas de arte; los zapatos que usó en la promoción del CD “Dancing Queen”; la maleta que la ha acompañado en todas sus giras; varios vestidos y una cazadora de vinilo morada; e incluso la maleta disc-jockey con dos reproductores Pioneer que ha acompañado a Fangoria desde principios de los noventa. ◗ Desde el pasado mes de abril, yoox.com ha lanzado Clubland, un viaje virtual a través de las escenas de club más glamurosas de los setenta, ochenta y noventa, revisitando Studio 54 en Nueva York, Blitz en Londres y Plastic en Milán. Clubland presenta una selección de piezas one-off únicas inspiradas en la vida nocturna. “Rolling Stone” Italia, la revista de música, política y cultura popular, se asocia con yoox. com, ofreciendo contenidos exclusivos de clubbing y música dance, protagonistas del número de abril y mayo de la revista. ■

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/62/ Mayo 2010 · MondoSonoro

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Héroes por un día

Es la hora de comernos las pollas (Luis Menéndez 09-04-2010) El caso es que me dice Iñigo que el problema del Mondo es que somos incapaces de escapar del formato entrevista, entrevista, entrevista. Y yo le doy la razón reconociendo nuestra comodidad perpetuando una fórmula que funciona. Pero paso al ataque y le pregunto por la razón de ser de una revista, el EP3, que a día de hoy todavía no ha sido capaz de encontrar un sentido a lo que está haciendo. Él me asegura que lo encontraré si leo el número de mañana. Y yo lo pongo en duda… Pensaba que mi siguiente post tendría que ver con un recopilatorio que recupera el espíritu space-disco, la tercera entrega del irregular y por momentos brillante “Milky Disco”, en el que Ichisan y Soft Rocks recogen la antorcha de Lindstrom -el resto, cierto es, relleno-. Y también del nuevo álbum de remezclas de Sally Shapiro, y de cómo un desconocido Bottin se come con patatas a Junior Boys. Incluso de los doce minutos de videoclip con lo nuevo de Chemical Brothers, que confirman mi ADN gañán, gañán... ¡Qué le vamos a hacer si su elegante bakalao sigue emocionándome! Como Esplendor Geométrico, la demostración empírica de que otro mundo es posible y todavía una inspiración: la música puede ser transgresora, provocadora y sobre todo divertida. Aun hoy es verles sobre un escenario y despertarse las ganas de montar una revuelta callejera con cócteles molotov, de titular un post tal que así. Soez. El caso es que, al margen de todo esto y volviendo a la teoría periodística, defiendo Mondo como una opción apropiada

para presentar a un gran público la música de calidad, a la manera de un NME. Y en ese terreno ni siquiera el redactor jefe del EP3 me puede rebatir… Porque entre Standstill y la portada del EP3 de mañana (sea la que sea) no hay color, aunque nosotros apostemos por el sepia… Porque viva la guerra.

Soñé que soñaba El disco que acompaña el Mojo de abril está dedicado al dream-pop. Las excusas más claras al porqué de ese recopilatorio supongo que hay que ir a buscarlas en la buena acogida de Beach House y la reedición por parte de Domino de la discografía de Galaxie 500. También aparece por ahí algún otro nombre referencial del género como Cocteau Twins, pero el resto de referencias están tan pilladas por los pelos que si cualquier revista española con un mínimo prestigio quisiera colárnoslas como dream-pop tendría la mitad de los foros musicales de la red colapsados con mails de protesta: ¿Panda Bear? ¿Felt? ¿The Cinematic Orchestra? ¿Sigur Rós? Aparecen hasta Cluster & Eno. Me gustaría poder ver las caras de Moebius y Cía en el momento de leerlo… No sé qué es lo que pasa últimamente con el tema del dreampop, que parece una etiqueta a la que todo el mundo ansía aferrarse sin saber muy bien cómo hacerlo… Hace cosa de un mes llamó a la oficina una redactora de Informativos Cuatro comentándome que querían hacer una pieza sobre el tema y que necesitaba ayuda porque no lo controlaba demasiado. Concretamente necesitaba los nombres de una serie de grupos nacionales que sirvieran de excusa, de gancho, para la pieza. Después de devanarme los sesos un rato terminé confesándole que no le veía demasiado sentido al asunto. Es curioso, la etiqueta se vendía incluso por delante de los grupos que deberían sustentarla…

Desde las barricadas con un Martini seco

Kitty Daisy & Lewis no son para tanto (Don Disturbios 30-03-2010) La cita con la banda se inició en una fría firma de discos en la Fnac de Barcelona y acabó en el Apolo en el que fueron recibidos con el cartel de “no hay entradas” y una expectación francamente inusitada… o al menos esa es mi opinión. A Kitty Daisy & Lewis les ha tocado la lotería. O al menos les ha tocado convertirse en ese grupo que hay que ver. No se sabe muy bien por qué motivo, pero hay que ver. Y claro, cuando se producen fenómenos de estas características la discusión está servida. ¿Demasiado ruido para tan pocas nueces? Pues francamente sí. O al menos no fueron muchas las nueces que partieron en un concierto, el del Apolo, que los mostró faltos de carisma, sin capacidad para transmitir esa energía primigenia que tienen sus grabaciones y sin que la desbocada potencia de su rock’n’roll llegara a girar la sala como un calcetín. Son jóvenes, de eso no cabe duda, pero van muy bien arropados. En especial por su mamá que, al contrabajo, demuestra ser una auténtica jefaza tanto en maneras como en dotar de solidez a unas canciones que por momentos parecen naufragar en el resto de instrumentos -en especial la guitarra de Lewis- y a los que no les vino nada mal la ayuda de la legendaria trompeta de Eddie “Tan Tan” Thorton, aunque también es cierto que su actitud algo “hooligan” y manida a la hora de levantar a un publico algo aletargado no fueran demasiado afortunadas. Eso y que los ritmos rocksteady provocaran más de un sarpullido a los integristas de tupé que corrían por ahí. No demasiados. Lo que predominaba era un publico entre “indie” y “en-

EL 98% DE LOS LECTORES DE LA REVISTA NO SABEN QUE DE LOS DOS XAVIS QUE TENEMOS EN REDACCIÓN UNO TRABAJÓ EN SUPER-POP Y AL OTRO LE ENCANTARÍA

teradillo de salón” que en unos años pueden girarle la espalda al grupo. O al menos a mi no me cabe duda de que lo suyo resulta bastante coyuntural. Y eso puede ser bueno. Puede serlo porque al madurar sobre el escenario y dirigirse a un público más purista su propuesta escénica puede mejorar e ir más allá de un único tema. Ese ‘Going Up The Country’ que todo el mundo esperaba como agua de mayo y que, esta vez sí, levantó al personal y cambió el rumbo del concierto en su tramo final, dejando un buen recuerdo y borrando la tibieza de su primera mitad. Antes un servidor de ustedes junto con Xaxi Pons y Marta “sa becaria” Terrasa, se habían dejado caer por la Fnac de Barcelona con la intención de grabar la actuación acústica –reducida a tan sólo una canción- que tenían preparada en la sección de discos de esta megastore; hacerles las típicas preguntas precipitadas de rigor para la cámara y presenciar una algo desangelada firma de discos, en la que todo el mundo parecía comportarse como si la cosa no fuera con él. No parecen ser estos los salvadores del rock’n’roll. Y desde luego su propuesta evidentemente retro queda muy lejos en cuanto a calidad, energía y criterio a la de gigantes como Stray Cats, Jon Spencer o Black Keys. ■

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