MondoSonoro noviembre 2017 by MONDO SONORO

Nº 255 Noviembre 2017 www.mondosonoro.com

BECK, THE UNFINISHED SYMPATHY, DESTROYER, RICARDO LEZÓN, KAKKAMADDAFAKKA, RECYCLED J. BUNBURY, ARKANO, MICAH P. HINSON, ST. VINCENT, THE SMITHS, SEPULTURA, LÁGRIMAS DE SANGRE

Sin red Vetusta Morla

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24/10/17

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5/Mondo freako

El rubio geniecillo angelino que dinamitó las fronteras entre géneros en los noventa y se ganó al público con su desbordante talento está de vuelta con un disco de pop de hoy. En las antípodas del celebrado Morning Phase (14), Colors (Capitol/Universal, 17) suena a celebración vital, aunque con su inconfundible toque excéntrico o esquivo.

FOTO: ARCHIVO

Beck Segunda juventud mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

eck Hansen está en un buen momento. Se nota. No sólo por el tono de la conversación telefónica que mantenemos -largas respuestas en las que pone mucho énfasis en el trabajo que le ha llevado un nuevo disco de engañosa simplicidad-, sino sobre todo por las diez canciones nuevas que publica, de un hedonismo juvenil y arrollador casi sorprendente (incluso teniendo en cuenta el existencialismo humorístico presente en las letras de canciones como Dear Life). Y digo “casi” porque ya deberíamos estar acostumbrados a los incesantes vaivenes estilísticos de un músico que venía de las brumas melancólicas y tempos reposados del que, para muchos, es su cima discográfica. El single Wow apuntaba en una dirección mucho más dionisíaca. Y es que Hansen quiere seguir siendo relevante en estos tiempos de bulimia musical en los que ni aunque te llames Beck es fácil destacar entre la marea de novedades que se amontonan cada semana. Compuesto e interpretado con su amigo, músico y productor Greg Kurstin (Adele, Sia), Colors puede ser visto casi como la incursión en el mainstream del responsable de Odelay. Sin dejarse la identidad por el camino. —Lo primero que tengo que decir es que este nuevo disco es totalmente diferente de Morning Phase. Me pregunto si tu idea era esta, hacer un álbum que fuera lo más distinto posible. Es interesante porque, en realidad, empecé a trabajar en ambos discos al mismo tiempo. Probablemente podría haber hecho este incluso antes de que saliera Morning Phase. Algunas de las canciones de aquel álbum las compuse años antes, alrededor de 2011. ¿Me entiendes? Simplemente son (se lo piensa) mundos completamente distintos. Hice Morning Phase por mi cuenta, sin productor. Éste, en cambio, lo hice en colaboración con un viejo amigo, Greg Kurstin. Son mundos muy diferentes. Queríamos crear algo que fuera muy de un show en directo. No sé si has estado en alguno de mis conciertos (la respuesta es

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FOTO: ELLIOT LEE HAZEL

MONDO FREAKO

LA MÍA Lo nuevo

afirmativa), pero tratamos de ponerle mucha energía, hacerlo muy dinámico e involucrar al público, que participe. Realmente hemos intentado hacer un disco que tuviera estas cualidades. Como cuando vas a un concierto y quieres moverte o cantar… Fundamentalmente, viene de un sitio muy diferente a Morning Phase. No creo ni que ambos discos estén en el mismo planeta. —En realidad este disco suena muy de hoy, o incluso futurista. ¿Te fue complicado llegar a ese sonido? No, para mí es tan fácil como hacer que algo suene “viejo”. Puedo hacer que algo suene como si tuviera cuarenta años, y a continuación hacer algo que suene nuevo. Llevo haciendo esto desde hace mucho tiempo y Greg mezcla docenas de discos cada año, discos de gente completamente diferente... Ambos tenemos un vocabulario muy amplio en cuanto a estilos musicales y cosas que podemos hacer. En este caso, el truco estaba en movernos en tierra de nadie, porque podemos hacer un disco estilo The Beatles muy fácilmente. No me malinterpretes, nos encantan The Beatles, crecimos con ellos, pero no queríamos hacer algo que fuera simplemente nostálgico. La cuestión era: ¿cómo cogemos las influencias del pasado y hacemos algo de ahora? ¿Cómo, sin rechazar necesariamente el pasado, usamos cajas de ritmos y sintetizadores y hacemos algo que suene muy moderno? No hay nada malo en eso (en sonar al pasado), pero la idea era tomar cosas que nos gustaran, de The Clash a Steely Dan, The Beatles, Miles Davis, todos esos elementos tan diferentes, y hacer algo nuevo. —¿Cómo se hace eso manteniendo a la vez cierto espíritu atemporal? Eso es delicado, porque es muy fácil ser nostálgico y también totalmente moderno. Lo complicado es llegar a otro sitio. Pero, ya sabes, mis grupos favoritos lo hacen. The Beatles, The Rolling Stones… son grupos cuya música tiene cuarenta años pero sigue estando viva. He estado con U2 en las giras del treinta aniversario de The Joshua Tree y ¡muchos de sus discos suenan modernos! Los escuchas y parece que oyes un disco de un grupo de rock moderno. Sus discos no suenan viejos, no suenan en absoluto a algo que molaba en los ochenta. Cuando tocan Where The Streets Have No Name te vienen a la cabeza docenas de grupos actuales que podrían estar haciendo eso. Así que, ¿cómo haces algo atemporal pero a la vez muy de tu tiempo? Ojo, no digo que lo hagamos he#6 noviembre 2017

“Este disco viene como de otro planeta” cho, me refiero a que es lo que hemos intentado hacer. —Entiendo. El hecho de que sea un disco corto, con diez canciones y no muy largas, ¿tiene que ver con todo este planteamiento? Bueno, tengo más canciones que tiempo para sacarlas, ¿sabes? Pero en este caso se trataba de sacar cosas fuera y dejar lo mejor que tuviéramos. Simplificar y hacerlo lo más claro posible. Que alguien escuche diez canciones es mucho pedir hoy. A un montón de gente se le hace difícil hasta escuchar una entera. De modo que tienes que tratar cada canción como si fuera un álbum. Con la esperanza de que haya gente que la escuche completa. Cuando lo hacíamos, pensamos mucho en Thriller de Michael Jackson. En su momento era un disco completamente moderno, pero tenía un montón de jazz, por la influencia de Quincy Jones. En él tocan un montón de musicazos de lo mejorcito de los sesenta y setenta, y tiene muchísimas capas. Es un disco icónico, pero tiene sólo ocho o nueve canciones. No necesita más. —Antes decías que estamos en una era completamente diferente. Y me interesa saber exactamente a qué te referías, en cuanto a la inspiración. A muchas cosas, realmente. Desde un punto de vista sonoro, la música es muy diferente. Por ejemplo, el sonido de las baterías es como una moda. Puedes hacer que suene como en los sesenta, setenta, ochenta, noventa o dos mil. Puedes decir lo vieja que es una canción por el sonido de la batería. Es lo que hace a la canción más o menos vieja. La inspiración para este disco no fue necesariamente este momento o un artista en particular, sino el sentimiento que te producen ciertas canciones. Hay un feeling particular con algunas de ellas. De repente, la habitación se hace más luminosa. Algo eléctrico pasa en tu cerebro. Y me da igual si es The Police, The Rolling Stones, Nirvana o Taylor Swift. No importa, es el mismo sentimiento. Con algunas canciones dices: “Vale, está muy bien hecha, tiene buena melodía, pero no me hace sentir nada”. En cambio, oigo Strawberry Fields Forever o Smells Like Teen Spirit, Rock The Casbah, London Calling o When Doves Cry de Prince y digo: “Esto tiene algo”. Es como si algo atravesara la pared, como si una obra de arte atravesara el muro entre el artista y el oyente, sea lo que sea ese muro. —josé carlos peña

o “nuevo” ha sido siempre un valor muy apreciado en el terreno del pop. Repasando los momentos cruciales de la música popular en los últimos sesenta años, prácticamente todos se relacionan con fenómenos de ruptura e innovación en los que lo artístico y lo tecnológico van de la mano: el paso de lo acústico a lo electrificado, la grabación por pistas, el nacimiento del pop electrónico... Aunque en esa obsesión por lo novedoso también cabe la recuperación de sonidos pretéritos que revolucionaron el statu quo imperante. En una conversación reciente con Charles Hayward y Charles Bullen de los admirables This Heat ambos recordaban su excitación con el surgimiento del punk, que se transformó rápidamente en decepción cuando comprobaron que Pistols y Clash eran, básicamente, bandas de rock’n’roll. Sin embargo, como sucedió años después con el grunge, la batalla del marketing se ganó desde el primer día. En cualquier caso, en los departamentos de marketing de las compañías discográficas ha habido un antes y un después de la aparición de Internet en nuestras vidas. Internet, posiblemente la herramienta definitiva en la consolidación de la sociedad de consumo, ha cambiado la percepción de aquello que se considera “nuevo” en la música. Por un lado porque la WWW nos permite acudir de manera constante al pasado, esa “retromanía” que acuñó Simon Reynolds y que -en un sentido mucho más amplio de lo meramente musical- tiene un algo de desconfianza por lo que está por venir. Pero también porque, conectados como estamos por nuestros dispositivos electrónicos a una barra libre de lanzamientos constante, nuestra capacidad de sorpresa parece agotada. En este contexto se publica por sorpresa lo nuevo de C. Tangana, que es también su primer intento serio de convertirse en artista global. Es llamativo que la estrategia de Sony para publicitar Ídolo recuerde a tiempos pretéritos, cuando un lanzamiento discográfico aún manejaba presupuestos generosos. La espectacular lona en la Gran Vía madrileña y una lujosa presentación para medios en una galería pretenden dar fe del advenimiento del “nuevo pop”, etiqueta con la que se ha intentado hacer ver que el disco marca un punto de no retorno para la música española -curiosamente, y escudándose en las tendencias de consumo, Ídolo no cuenta con edición alguna en formato físico, lo que en realidad tiene más que ver con el engañoso anuncio del lanzamiento en mercados de todo el mundo-. Con tanto boato y declaración de intenciones llegamos a olvidarnos de lo que es o podría ser esta notable colección de canciones de uno de nuestros raperos más listos y carismáticos. Y precisamente eso, relegar la música para poner el acento en otras cuestiones, es el primer paso para que lo “nuevo” se convierta en un objeto incómodo que urge colocar en ese desván polvoriento que es el pasado. —luis j. menéndez

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FOTO: LO SIENTO

Siete años después de separarse, Èric Fuentes ha reactivado The Unfinished Sympathy, ahora acompañado de quien fuera el guitarrista del grupo en sus primeros años, Uri Casanovas, Joan Colomo al bajo y Víctor García a la batería. Juntos vuelven con It’s A Crush (B-Core, 17), once pildorazos de emocore efervescente y vitalista.

ormados a inicios del nuevo milenio, los barceloneses firmaron algunos de las referencias más representativas de nuestra escena post-hardcore, especialmente su trilogía inicial conformada por The Unfinished Sympathy (01), An Investment In Logistics (03) y Rock For Food (04). Una lista de imprescindibles a la que hay que sumar desde ya mismo este It’s a Crush, un disco que nos enfrenta de nuevo al potencial de una gran banda de rock que nunca ha fallado. —¿Por qué ahora? Cuando nos separamos en 2010 era un punto y final definitivo. En aquel momento ninguno de nosotros pensaba que pudiéramos volver en el futuro. Lo que pasó es que, por movidas internas nuestras, porque todo estaba muy reciente aún, no pudimos tocar en el concierto de celebración del veinte aniversario de B-Core. Estábamos en deuda con él. Cinco años después sí que nos pusimos de acuerdo para tocar en la fiesta del veinticinco aniversario. Eso fue la primavera de 2015 y desde entonces hasta ahora hemos ido tocando puntualmente. Primero fue en una movida que nos montaron nuestros colegas de Sant Feliu de Guíxols, luego peña de Madrid y, sobre todo, en Vic. Es brutal la demanda de Unfinished que hay en la zona de Osona. Poco a poco se me fue despertando el gusanillo creativo. —Hablabas de Vic, donde, en estos siete años que han pasado desde que os separasteis ha irrumpido una escena muy interesante de bandas claramente influenciadas por grupos como The Unfinished Sympathy. Parece que sí, que The Unfinished, y con nosotros muchos de nuestros compañeros de generación, hemos influenciado a muchas de estas bandas que están apareciendo. Desde Cala Vento hasta Mourn, De Souza, Power Burkas, L’Hereu Escampa, Please Wait, Mendra… Todos estos grupos no solo son colegas sino que se les nota que han escuchado a The Unfinished. Es un orgullo. Pero es normal, tenemos una edad. —No eres tan viejo... No, pero ahora nos toca tener otro rol, el de veteranos que pueden ayudar o ser una buena influencia. No queremos acaparar ni tomar un protagonismo excesivo con nuestro regreso. En el

“Ahora nos toca hacer el papel de tíos enrollados”

The Unfinished Sympathy Amor CRÍTICA It’s A Crush B-Core Rock 8/10

Teníamos motivos para creer en un sexto largo de The Unfinished Sympathy, pero no podíamos imaginar que volverían con un disco tan superlativo. Grabado por Santi García en Ultramarinos Costa Brava, hará las delicias de los seguidores más exigentes de esta banda barcelonesa surgida a finales de los noventa. Canciones irresistibles, redondas y adictivas, con esa equilibrada mezcla de garra y emotividad que siempre les ha caracterizado. —luis benavides

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mundo de la música, sobre todo en el rock, se tiene que cuidar a la gente joven porque son los que tienen el ímpetu para romper con todo y hacer cosas interesantes. Nuestro papel es hacer de tíos enrollados. —¿Es un regreso puntual? No. Pero a diferencia de hace unos años, ahora no intentaremos apuntarnos a todos los bombardeos, ni lo daremos todo para estar tocando constantemente en todos los lados. Nos vamos a limitar a hacer pocos conciertos pero muy bien seleccionados. —¿Por qué lo dejasteis si parecía que las cosas os iban bien? Los manuales de pedagogía infantil dicen que si estás haciendo una actividad que funciona, es el momento de cambiar, porque si esperas a que deje de interesarles será muy complicado que vuelvas a captar su atención. Las cosas se tienen que dejar cuando van bien. —Habéis vuelto con una formación...

A mí me gusta porque, como dicen los americanos, esta formación tiene lo mejor de los dos mundos, representa lo mejor de nuestras diferentes etapas. En The Unfinished Sympathy hay dos grandes épocas. Una primera es la de los tres primeros discos. La segunda, la de los dos siguientes. Y en esta formación hay una representación de los primeros años con el guitarrista Uri Casanovas y conmigo, y una representación de la época más nueva con Joan Colomo, cuya entrada en el grupo en su momento fue una bocanada de aire fresco, al bajo, y Víctor García a la batería. —¿Las canciones de It’s A Crush las has escrito especialmente para el disco o son temas que has ido escribiendo a lo largo de estos años? En 2014 publiqué en solitario un disco triple, Barcelona (14), un proyecto con el que me vacié creativamente. Fue a partir de 2015, cuando empezamos a tocar de nuevo con Unfinished, que me empezaron a salir temas para el grupo. Aunque yo nunca me pongo a escribir canciones. —¿¡No!? ¿Y de dónde salen tus temas? Salen cuando estoy apoltronado en el sofá, cuando voy andando por la calle… Es en momentos así que me viene una melodía o unos versos o incluso un simple título y las grabo en mi móvil. Hay tres o cuatro géneros musicales de los que me considero un entusiasta. Por un lado está el post-hardcore y el emocore, géneros que relacionó con Unfinished. Luego está el thrash metal de finales de los ochenta. Nunca me ha gustado excesivamente el heavy metal tradicional pero me flipan bandas como Suicidal Tendencies o Nuclear Assault. En el otro extremo me interesa mucho el pop sintetizado británico de los ochenta: Prefab Sprout, Ultravox, New Order, Duran Duran… Y, evidentemente, también el punk rock de toda la vida. Y como no paro de escuchar música y tengo muchos intereses, un día me sale una idea que tira más para el emo, otro día otra más thrash, más popera… Mi creatividad es un reflejo de mi nutrición musical.

—oriol rodríguez

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EN CONCIERTO l Barcelona 3 de noviembre. La [2] l Madrid 25 de noviembre. El Sol l Bilbao 9 de enero. Kafe Antzokia l Valencia 26 de enero. Wah Wah l Murcia 27 de enero. 12&Medio

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FOTO: ARCHIVO

Che Sudaka repasan su carrera

Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

“Todo el mundo es bienvenido en la música” Che Sudaka nos acompañan desde hace ya quince años y aprovechan la ocasión para celebrarlo con Almas Rebeldes (Cavernícola, 17), un disco recopilatorio repleto de colaboraciones nuevas.

ablamos con los hermanos Leo (guitarra) y Kachafaz (voz) para que nos cuenten la experiencia de grabar su décimo trabajo de estudio y el quinceavo aniversario, que no es poco. Y encima con invitados como Dr Ring Ding, Manu Chao, Amparo Sánchez, Yacine Belahcene y muchos otros. —Tenéis a vuestras espaldas ya nueve álbumes ¿Qué os ha llevado a tomar la decisión de hacer un recopilatorio? El aniversario de los quince años ha sido la excusa perfecta para mirar hacia atrás y ver todo el trabajo que hemos hecho y el largo camino que hemos recorrido. Ahora estamos trabajando con nuestro propio estudio, Cavernícola Records, así que por fin tenemos la comodidad de poder grabar a nuestros ritmos. A partir del trabajo, empezaron a salir ideas nuevas y de ahí el disco de Almas Rebeldes. —Y por otro lado, ¿en qué os habéis basado para seleccionar las canciones de Almas Rebeldes? La selección se hace sola. Las canciones se cantan y cuando las compartes con la gente te das cuenta de cuáles merecen ser grabadas de nuevo. Este disco cuenta con unas colaboraciones que, para nosotros, son absolutamente épicas. Son todo temas que merecen estar en el disco porque son los que nos han acompañado en nuestros directos durante quince años. Además el mensaje, por fortuna o por desgracia, sigue vigente y eso nos hace darnos cuenta que las cosas o las cambiamos nosotros mismos, o no las cambiará nadie. —¿Cómo ha sido la sensación de volver a grabar estas canciones? ¿Sentís que han mejorado? El hecho de poder grabar en estudio propio nos ha brindado la oportunidad de grabar canciones antiguas que sabemos que hoy en día podemos hacer mejor. Son todo temas que llevamos tocando en directo desde hace muchísimos años, creemos que grabarlas de nuevo y con colaboraciones nue-

vas de artistas de todo el mundo, ha sido la mejor manera de hacerles justicia. Seguramente el que nos escuche por primera vez escuchará lo mejor de Che Sudaka. —Si no recuerdo mal, uno de los motivos por los que vinísteis a Barcelona era para conocer a Manu Chao. ¿Cómo ha sido finalmente poder hacer la colaboración con él con La risa bonita?

CONCIERTOS l Reus 18 nov.iembre. Lo Submarino l Sant Feliu De Llobregat 24 nov.iembre. Sala Iberia l’Espectacle l Granada 25 nov.iembre. Mestizao Festival

Es la primera colaboración con Manu Chao y como todo lo que hace ¡es pura magia! Estamos muy contentos de haber grabado una canción con él después de tantos años de amistad ¡Para nosotros es un sueño hecho realidad! La decisión de grabar La risa bonita fue bastante aleatoria, llamamos a nuestro amigo y le dijimos: “Vamos a grabar La risa, Manu. La canción te está esperando, ¿te apuntas?”. —De “sin papeles” a ciudadanos del mundo pero, seamos sinceros ¿Echáis de menos vuestra tierra? La gente que tenemos allí la echamos mucho de menos, pero al venir aquí el mundo se nos ha hecho más grande y nuestra familia ha crecido. Si no nos hubiéramos movido nunca no estaríamos donde estamos hoy ¡El mundo es nuestra casa y eso nos hace sentir muy cómodos!

—nina luz bastiaans

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Dorian Wood

Hace apenas unos meses le tuvimos en España presentando Xalá (Atonal Industries, 17), pero este mes vuelve para ampliar su radio de acción a Madrid y Ourense El primer concierto al que fui Fue en Costa Rica, el Concierto Para Los Derechos Humanos, en el año 1988. Yo tenía trece años. Mi mamá nos llevó. Se presentaban Youssou N’Dour, Peter Gabriel, Sting y Bruce Springsteen. Olí la marihuana por primera vez y no sabía qué era. Todos en el Estadio Nacional se mojaban por Springsteen y Sting, pero a mí me mojó Peter Gabriel. Un artista súper fino. El mejor concierto que he visto Portishead en el Santa Monica Civic, el mismo año que el concierto de Air. No hay nada que supere la inmensa perfección de esa noche. El sonido era perfecto, y sentía que Beth Gibbons me cantaba a mí directamente. La instrumentación era pura matemática, pero con feeling. Nina Simone tendría que volver de las cenizas con espadas y elefantes para superar ese concierto de Portishead.

El peor concierto al que he asistido Un concierto de Air en Los Angeles, cuando había recién salido Moon Safari. Sumamente aburrido. Pura agonía. Vestidos de blanco, bajo una luz rosa que no cambiaba. El disco me encanta, pero el directo fue tan monótono que mi amigo y yo nos movimos a primera fila para gritarles tonterías. Air eran impenetrables. Beck estuvo en el público y él sí nos hizo mala cara. Ojo que mi amigo y yo teníamos veintitrés años y seguro que andábamos hasta el culo. El último concierto al que he ido Róisín Murphy en el Music Box de Los Ángeles hace un par de meses. Fue un regalo de cumpleaños de parte de un amigo y la verdad es que fue un concierto muy bueno. No soy muy fan de su música pero no se puede negar que es una gran artista y se la respeta enormemente. MS

Los directos de SON Estrella Galicia Sala Taboo Madrid 981 Heritage (Shabazz Palaces) / 1 noviembre 981 Heritage (Dorian Wood) / 2 noviembre Sala El Sol Madrid Tops / 1 noviembre Cabezafuego / 18 noviembre Fun House Madrid Anímic / 4 noviembre Fabra i Coats Barcelona MIRA Digital Arts Festival / 9, 10 y 11 noviembre

Playa Club Coruña Nikki Hill / 13 noviembre Ángel Stanich / 25 noviembre

Café&Pop Torgal, Ourense American Autumn (Los Hijos de la Montaña) / 29 noviembre

Mardi Gras- A Coruña Chuck Prophet & The Mission Express / 14 noviembre

Teatro Lara Madrid Maria Arnal i Marcel Bagés / 8 noviembre Nunatak / 16 noviembre American Autumn – Sun Kil Moon- / 23 noviembre Ricardo Lezón / 30 noviembre

Sala La Riviera Madrid Novedades Carminha / 18 noviembre Escenario Santander Freedonia / 18 de noviembre Teatro Barceló Madrid 981 Heritage (Julia Holter) / 27 noviembre

Auditorio Municipal Ourense American Autumn (Dorian Wood) / 5 noviembre

noviembre 2017 #9

Sepultura Reeditados Acaban de publicarse nuevas ediciones de Chaos A.D. (1993) y Roots (1996), dos de los discos metal más importantes de los noventa, ambos firmados por Sepultura. Y es que los brasileños fueron uno de los grupos más excitantes de la década, haciendo de la ortodoxia metal un camino de exploración todavía no igualado.

ace ahora veinticuatro años, cuatro depredadores cariocas se postularon en la misión de perfilar una versión autóctona de la ortodoxia thrash metal. El Brasil de las revueltas, la selva amazónica y los indios Kaiowas fueron la cara anti-carnavalesca que ellos mostraron al mundo. Un sonido sin oropeles ni máscaras que, a día de hoy, sigue resonando con impetuosa fuerza de resistencia ante el sinsentido de un mundo que, definitivamente, no ha aprendido nada de la historia. Entre el rugido primigenio de la rabia, y desde una trinchera de intensidad cromática, Chaos A.D. vio la luz en 1993. De su sustrato universal se alimentaron hasta las facciones indies, en lo que se puede denominar como un disco que descubrió los placeres del metal hacia audiencias imposibles hasta aquel entonces. De su palpitar hardcore y tendencia aperturista, heredada de Celtic Frost, Roots llegó incluso más lejos, enfatizando una in-

seguía con nosotros, pero Andy pasó a ser el encargado de las mezclas. Siempre estamos buscando algo nuevo. Y para Chaos A.D. queríamos hacer un cambio total, una renovación absoluta de todo, el estilo, el sonido. De modo que encon-

tramos todo lo que estábamos buscando en la figura de Andy Wallace. Un productor que provenía de la vieja escuela y era muy profesional. Al mismo tiempo, Andy es un tipo que te empuja a hacer cosas nuevas, como la versión que hicimos de New Model Army. La decisión de trabajar con él fue lo mejor que pudimos hacer. Fue muy excitante. Aquella fue una temporada fabulosa y la experiencia, maravillosa. Luego seguimos trabajando con él en las mezclas de Roots y, por mi parte, en mi primer álbum con Soulfly. —Uno de las razones por las cuales el tiempo no ha pasado por Chaos A.D. es la perspectiva atemporal con la que se integran sus diferentes estilos. Del death metal al groove metal, pero también las percusiones de la samba y el folk tribal, ¿teníais una idea preconcebida de cómo debía sonar el disco antes de entrar en los estudios? Siempre tratábamos de hacer cosas diferentes en cada álbum que grabábamos. Gran parte de nuestra experiencia anterior vivida en la grabación de Arise había sido un enorme éxito para nosotros. Al igual que en aquel disco, queríamos ir más lejos todavía, avistar nuevos elementos para nuestro sonido. Y en aquellos años de principios de los noventa se estaban haciendo grandes cosas dentro

SEPULTURA Roots

Roadrunner Records, 96 Metal 9/10

SEPULTURA Chaos A.D.

Roadrunner Records, 93 Metal 9/10

discutible denominación de origen. Pero sin su antecesor jamás hubieran pisado terreno desconocido. Sobre todo ello y mucho más, Max Cavalera nos hace un hueco para recordarnos por qué sus recientes reediciones-radiografía no sólo son necesarias, sino también el símbolo de una manera de entender la creación musical en la jugosa escena metal de la primera mitad de los 90. —En Chaos A.D., Scott Burns, vuestro productor en Beneath The Remains y Arise, fue sustituido por Andy Wallace. ¿A qué fue debido este cambio? Sí, Beneath The Remains lo grabamos con Scott Burns, y ya para Arise, Scott #10 noviembre 2017

del metal. De aquella, escuchábamos a grupos como Ministry [de hecho, llegaron a pensar en Al Jourgensen como productor de Chaos A.D.], Biohazard y Fear Factory, cuyo primer disco también fue vital para encontrar nuestro sonido en Roots. Toda esa música nos influyó en la manera que nos reinventamos para Chaos A.D.. —Dentro de vuestras renovadas aspiraciones con Chaos A.D. hay una nueva canalización de la intensidad de vuestro sonido. De riffs más ralentizados, pero incluso más poderosos. Efectivamente, una de las cosas que más nos interesaba a la hora de hacer este disco era reducir la velocidad. Nos fijamos mucho en la forma que Black Sabbath ralentizaban los riffs, y generar agresividad de esa forma. Ahí radicaba una de nuestras obsesiones: hacer grooves más lentos, pero sin perder empuje ni fuerza en nuestro sonido. Fue algo que nos tomamos como un ejercicio, y creo que los resultados son generosos. Canciones como Territory fueron el resultado de todo lo que practicamos para la ocasión. Por extensión, Refuse/ Resist o Propaganda, a día de hoy, siguen estando entre lo más poderoso que hemos grabado nunca. —Chaos A.D. desprende un profundo discurso anti-colonialista. La imaginería fantasiosa que preñaba vuestros discos anteriores muta en una vertiente muy combativa. Hasta aquel entonces, no habíamos tenido un interés muy especial en abordar esta clase de temas. Hasta Chaos A.D. todo se basaba en divertirse. Sin embargo, para este disco nos vimos revitalizados por el arrojo combativo de grupos

“¿Por qué una banda metal no podría cantar sobre temas politicos?

como Black Flag, Bad Brains y, cómo no, Jello Biafra. En aquel momento, estábamos escuchando esta clase de grupos con un perfil más político. ¿Por qué una banda metal no podría cantar sobre esta clase de temas? Nosotros queríamos hacerlo, y así lo llevamos a cabo a la hora de componer los textos de las canciones. Cortes como Refuse/Resist tratan toda la mierda que nos rodea. También lo era Territory y Slave New World. Estábamos también muy concienciados en sacar adelante un manifiesto sobre las masacres sufridas en Brasil. Como Kaiowas, que aunque se trate de un tema instrumental, es un homenaje a los indios Kaiowas. También hay canciones contra la censura como Propaganda e incluso cortes como We Are Not As Other. Todo Chaos A.D. fue un ejercicio basado en cómo escribir bajo patrones metal, pero de una forma diferente a la habitual. Y demostrar que algo así era posible.

—marcos gendre

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Recycled J

“El rap es el pop de nuestra generación” Por fin tenemos Oro Rosa, el primer largo de Recycled J, en nuestras manos y tal como prometía no deja indiferente a nadie. El madrileño deja atrás la época de los epés, las maquetas y los singles para presentarnos su gran obra.

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FOTO: FOLLYIVAN

ro Rosa es Recycled J en su máxima expresión. A lo largo de su minutaje Iván Blanco da rienda suelta a su singular voz y adereza el conjunto con una pizca de pop. —Tras haber formado parte de Prefijo 91, de Hijos de la Ruina, haber publicado varios epés y maquetas, por fin presentas tu primer gran disco en solitario. ¿Qué va a diferenciar a este disco de todo lo que has hecho hasta ahora? Básicamente es un trabajo más maduro. Desde bien pequeño he procurado cuidar lo que hago siguiendo una línea muy personal, pero gracias a este disco he aprendido a ser paciente y estricto en ese sentido. Además es mi primer disco con edición física, gira, colección cápsula de merchandising, etcétera. —Este disco supone tu gran paso al frente. ¿Cómo esperas que afecte a tu carrera? ¿En qué punto sientes que estás? Creo que estoy en mi mejor momento. Esto es exponencial, si curras duro con unos objetivos marcados las cosas llegan antes o después. Espero una buena respuesta del público, pero seguro que habrá de todo. Hay gente que lleva esperando meses al lanzamiento y no dejará indiferente a nadie. —Es imposible no preguntarte por el nombre del álbum. Suponemos que Oro Rosa

proviene del concepto de amor que está tan presente en el disco... Soy un romántico. Mis canciones suelen hablar de amor y mi visión introspectiva acerca de él. Decidimos jugar con los términos “oro” (simbolismo del poder, grandeza) y “rosa” (mundo de los sentimientos, intimidad, infancia), que sin ser opuestos contrastan guay. —Háblanos de la producción. ¿Quién ha participado y en qué te has basado para seleccionar beats, el sonido, etcétera? Realmente estoy mucho más enfocado a lo de fuera que a lo que se hace en este país y eso se nota en el sonido que hemos buscado. Digamos que el disco ha tenido unas cuantas vueltas de tuerca. Al principio me junté con unas quince demos de productores como WhiteNoise, Jack Red y los chicos de Livinlargeunvenus (entre otros) y estuve trabajando medio año en esos beats. Cuando la cosa estaba cuajada pasó por manos de los chicos de CLUB33 que le dieron un lavado de cara al disco y nos quedamos con unas seis demos (risas). Después ya fue cuestión de ver que le faltaba al disco y currar en ello a fuego durante meses. El fruto de todo esto fue Oro Rosa, un viaje. —En una ocasión describiste tu música como “pop urbano”. ¿Puedes ampliar el concepto? Creo que el hip-hop, el rap, el trap o como se quiera llamar es el pop de nuestra generación. Colegas llenando las salas más guapas, viajando a Sudamérica, saliendo en prensa de actualidad. No sé, no me gusta etiquetar, pero si alguien lo tiene que hacer, que sea yo. —alfonso gil royo

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noviembre 2017 #13

Ricardo Lezón En su propio camino Ricardo Lezón inicia una nueva etapa con Esperanza (Subterfuge, 17), una obra en solitario que aparece durante el limbo de McEnroe. Lo estará presentando el 30 de noviembre en Madrid, el 1 de diciembre en Valencia, el 2 en Barcelona... y la lista de ciudades sigue creciendo.

TAN. LEJOS.

n este disco, la fina línea que separa la banda del personaje no es tanta: en estas nueve canciones se nota la incorporación de agentes externos a McEnroe y su aportación al imaginario de Ricardo. La forma y el fondo de dan la mano para escribir por enésima vez una canción de amor y seguir buscando los significados semánticos que la razón no puede explicar. Años en definitiva currando en busca de la palabra dentro de una economía de medios ahora añadida a arreglos de viento y otras hierbas que han generado lo mejor que ha hecho hasta la fecha. —La primera cuestión se antoja obligada. ¿Por qué ahora sin McEnroe? ¿Es esto el inicio de una carrera en solitario? ¿Dónde está el resto de la banda? McEnroe entró, y sigue, en una especie de letargo. Hubo cambios vitales importantes; paternidades, cambios laborales, incluso Pablo (bajista) se ha ido a vivir a México. También los ha habido musicales, mas sutiles, pero im-

RR En los últimos días han salido a la luz casos de abusos sexuales tanto en el mundo del cine como en el de la musica, que implican a Nelly, The Gaslamp Killer o al ex-Real Estate Matt Mondanile. A ellos se suma el testimonio de Björk, que hizo un post en una red social explicando su experiencia de abuso por parte de “un director danés”, una categoría que por descarte sitúa en el foco de la acusación a Lars Von Trier, con el que trabajó en la película de 2000 Bailar en la oscuridad.

Arkano “Quiero cambiar el mundo”

Estamos ante el MC de los récords. Ganó la Batalla Nacional de los Gallos con quince años, con veintiuno logró el título Mundial y estuvo más de veinticuatro horas seguidas improvisando (quitándole el Récord Guinness al estadounidense Murs). Ahora presenta Bioluminiscencia (Rosevil, 17). #14 noviembre 2017

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MONDO FREAKO

RR¡Viva Puerto Rico! es un disco benéfico para recaudar fondos para los afectados por el huracán María y que ha puesto en marcha la cantante puertorriqueña Taina Asili. Participa gente como Downtown Boys, Hurray For The Riff Raff, Ana Tijoux, Lila Downs, Immortal Technique, Talib Kweli y Chancha Via Circuito, entre otros. RR El pasado 21 de octubre fallecía Mar-

tin Eric Ain tras sufrir un ataque al corazón. El músico formó parte de Hellhammer bajo el nombre de Sleyed Necros y posteriormente fue miembro en diversas etapas de Celtic Frost, además de ser uno de sus fundadores.

hora, seguramente en tu momento de mayor madurez y repercusión, con veintitrés años, presentas este Bioluminiscencia. ¿Cómo se plantea para ti? ¿Podemos decir que estamos ante la gran obra de Arkano? Sin duda Bioluminiscencia marca un punto de inflexión en mi carrera, considero que he evolucionado en gran medida a nivel personal y artístico desde mis últimos trabajos y eso es algo que se refleja en este disco. Si es o no mi gran obra es algo que sólo nos puede decir el tiempo. —Echando una vista general al álbum vemos que es un trabajo rebosante de positivismo y mensajes esperanzadores. ¿El sentir del disco podría ser, como rezas en una canción, La vida es bella? Sí, pero sin caer en un optimismo vacío. He querido hacer de este un disco muy humano y es por ello que el resultado global da una perspectiva positiva, pero muy realista de nuestra condición. Al

RR La banda de El Paso At The Drive-In presentará nuevas canciones con un EP llamado Diamanté. Será para el Black Friday del Record Store Day, que se celebra meses antes de la cita discográfica, concretamente será el próximo 24 de noviembre. Publica Rise Records, exclusivamente en vinilo.

igual que hay canciones como La vida es bella, puedes chocarte con temas cargados de denuncia social como Eva o letras en las que reflejo mi caos más íntimo como La caída. —Una de los aspectos en los que más insistes es en reconocer las debilidades, en conocerse a sí mismo. ¿Crees que nos falta un poco de autocrítica? ¿En la vida en general y en el rap en particular? Más que autocrítica (porque muchas veces tendemos a ser muy duros con nosotros mismos) nos falta ser críticos con todas nuestras creencias, desde la moral establecida en nuestra sociedad hasta la veracidad de la información que recibimos de los medios de comunicación, pasando por las cosas que yo mismo le cuento a mis seguidores. —Mucho (demasiado) se ha hablado ya en torno a la homosexualidad en tu mensaje, pero has grabado una canción llamada Único en la que hablas abiertamente del tema. ¿Crees que es un tema tabú en el rap? ¿Por

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portantes, después de Rugen las flores. Todos compartimos la sensación de que habíamos llegado a un lugar en el que no habíamos estado, una especie de calle sin salida, un cul de sac. Ahora tenemos la ilusión, que va creciendo poco a poco, de buscar otra ruta. Solo tenemos que esperar el momento, nunca nos ha gustado forzar y tampoco lo haremos ahora. A mí esto me pilló en un momento en el que por ilusión, ganas y necesidad decidí intentar vivir de la música sabiendo que es prácticamente imposible. Hice una gira acústica en solitario, grabe el disco con The New Raemon acompañado únicamente de Edu (Guzmán, batería) y finalmente hablando con Subterfuge decidimos ir a por el disco. No sé si es el inicio de una carrera en solitario, sé que voy a seguir haciendo canciones, que estoy seguro de que ese disco de McEnroe llegará y poco más. No me gusta hacer planes porque después soy yo quien me los suelo saltar. —En Chet Baker hay unos riffs de viento que rompen con la dinámica

de toda tu trayectoria, que se sustentaba, en resumen, en los cuatro acordes en sordina. Desde el primer momento quise que Txomin Guzmán (Fakeband) me acompañara en este disco, es mi amigo y le admiro mucho como musico. Tenía la idea de separarme lo posible del sonido McEnroe, de ver otras maneras. Me apoyé en él y en Edu. Entre los tres fuimos dándole otro aire a unas canciones que inevitablemente sonaban en un principio a McEnroe. —En Arena y Romero cantas con tu hija adolescente. Ella ha crecido mientras tú componías canciones. ¿Cómo ve a su padre? ¿Qué consideración crees que tiene de ti ahora que se ha acercado a tu mundo interior? Jimena acaba de cumplir quince años, estas preguntas ya las debería contestar ella, quizás sea yo quien deba hacérselas (risas). Más en serio, cantar con mi hija es un orgullo y un placer. Me gusta su voz, me gusta cómo canta y encima es mi hija. Ella y yo nos pare-

RR La banda congoleña Konono nº1 anunciaba ayer el fallecimiento de su actual líder, Augustin Mawangu Mingiedi, a los cincuenta y seis años de edad. La noticia de su muerte llega después de meses de enfermedad y tras dos años dirigiendo al grupo, ya que dicha posición la había ocupado su padre, Mingiedi Mawangu, desde la fundación de la banda en 1966 hasta su fallecimiento en 2015.

LA GIRA l Madrid 30 de noviembre. Teatro Lara l Valencia 1 de diciembre. l Barcelona 2 de diciembre. Sidecar

cemos mucho, no solo físicamente, y nos entendemos muy bien, ella es consciente de eso y por eso me entiende bien. Nunca he escrito desde la tristeza, componer y escribir canciones siempre ha sido para mí algo luminoso y esperanzador y a pesar de que guste mucho escribir sobre McEnroe en clave de tristeza y desesperación me he encontrado a muchísimas personas que me han contado que lo que perciben no es eso sino algo mucho más cercano a lo que siento yo. Jimena es una de esas personas.

—Es interesante el prisma de una

chica de esa edad. ¿Entiende las canciones de amor y desamor o lo ve como algo lejano y marciano? Jimena no escucha la misma música que yo. Ella es una chica de quince años a quien le gustan cantantes de ahora, no sé sus nombres, y ritmos que desconozco. Esas canciones que escucha ella también hablan de amores y desamores, me suele torturar con ellas cuando vamos en el coche y veo que hablan de lo mismo, con más ritmo eso sí, pero hablan de amor y de desamor. La música que escucho yo y la que hago no es su hábitat natural pero cuando viene y canta es porque le gusta y la entiende. Es un proceso de poco a poco, sé que dentro de poco escuchará conmigo a Nina Simone, ahora toca Taylor Swift. —álvaro fierro

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Laprisamata en la lupa de Weezer Cada día el prestigio de nuestros artistas gráficos está más considerado en el exterior. El último en incorporarse a esta lista ha sido Luis Toledo de Laprisamata, que acaba de encargarse del diseño gráfico de los tres vídeos de adelanto del nuevo disco de los californianos Weezer.

L qué no ha habido hasta la fecha un rapero reconocido que haya reconocido su homosexualidad? Lamentablemente el rap representa una libertad paradójica. Ha estado tradicionalmente ligado a las luchas sociales y al progreso pero rodeado de un aura de machismo y homofobia que, a mi parecer, lo ha alejado bastante de sus fines iniciales. Si hasta ahora no ha habido ningún rapero perteneciente al colectivo LGTBI que haya podido vivirlo con naturalidad y reflejarlo en su arte ha sido por puro instinto de supervivencia, pero es hora de cambiar las cosas. —Otra canción cargada de emotividad en el disco es Eva, en la que desgranas el problema del machismo en la sociedad. ¿Te resulta complicado aceptar que siga existiendo esta realidad en pleno siglo XXI? Me resulta muy triste ver que existe desigualdad entre hombres y mujeres pero más triste me resulta todavía ver a hombres y mujeres negando esa realidad tan evidente. Ojalá algún día temas como

Eva dejen de ser necesarios. —Hablando de las batallas, sólo una pregunta. De estos ocho años improvisando en escenarios y enfrentándote a adversarios, ¿Cuál ha sido para ti el momento más importante, cuál recordarás para siempre? La final de la Final Internacional de la Red Bull Batalla de los Gallos de 2015, en Santiago de Chile, fue para mí el momento más crucial en mi carrera como freestyler, fue muy emocionante. —alfonso gil

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BioluminiscenciaRosevil Rap 7/10

uis Toledo no es ni mucho menos un recién llegado a esto del diseño gráfico. Sus collages, en los que combina un montón de elementos que acaban conformando un todo, han sido utilizados por artistas de nuestro territorio como Eskorzo, La Pegatina o Canteca de Macao, pero es ahora cuando ha logrado que se fijen en él más allá de nuestras fronteras. (Luis Toledo) “Siempre me ha gustado mucho Weezer y fue un subidón cuando me contactaron de Atlantic Records. Habían visto muchos trabajos míos en la red y me propusieron ilustrar los adelantos que iban a sacar antes del disco, lo necesitaban en un tiempo record y ha sido un desafío desarrollar cada uno en los tiempos establecidos”. Un reto enorme si tenemos en cuenta que nada de los múltiples detalles que aparecen en sus cuadros está elegido al azar, lo cual implica que tenga que profundizar y documentarse antes de empezar una obra. “Me enviaron las letras de las canciones, algunas palabras clave y hablamos un poco del estilo que podría encajar mejor y el significado de cada tema. A partir de ahí fue estudiar cada verso, cada concepto y cada metáfo-

ra para desarrollar varios bocetos hasta dar con la idea de cada canción. Tenían que ser imágenes muy potentes que reflejasen todas las ideas que querían transmitir. Así que mezclar lo irracional y lo onírico en un collage surrealista encajaba perfecto, lo complicado era encontrar cómo hacer una composición en la que encajasen tantos elementos de una forma natural”. El resultado ha sido una especie de puzzle en movimiento inédito en la obra del autor. “En algunos videoclips habían utilizado obras mías, pero en este trabajo era distinto porque había que contar toda la canción mediante imágenes. A la hora de crear la obra tenía que tener en cuenta los posibles movimientos que el animador podría hacer, entonces en tu cabeza tienes que hacer una especie de puzzle pensando los posible movimientos, y eso hace que la complejidad en el desarrollo se multiplique respecto a una imagen estática. Al final el resultado de los vídeos ha sido un poco apresurado y no han quedado como a mí me gustaría, pero con tiempos muy reducidos es bastante complicado el nivel de detalle que quiero dar a todos mis trabajos”. —don disturbios noviembre 2017 #15

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WALA. WALA.

“Bobby (Gillespie) me dijo: ‘¿Sabes qué es lo mejor de la cocaina? El trayecto hasta el lavabo’. Eso se puede aplicar a muchas cosas. Las expectativas son más excitantes que la experiencia en si” Andrew Weatherall, en Uncut

“Me cuesta entender a la peña que no cree en nada... Yo hablo todo el rato con Dios... Pienso que no es casualidad el mundo en que vivimos. Lo que es naturaleza y creación está hecho con mucho amor: la fruta, los animales sabrosos, gambas, peces...” Kase.O, en El Mundo

“Si vas a ir a uno de nuestros conciertos es mejor que te pongas los zapatos de bailar”

“Me gasté doscientos mil dólares en coches de alquiler. Incluso alquilaba un jet privado para ir a Las Vegas. Era un momento en el que el dinero en la música parecía inacabable” Tricky, en Mojo

“Había dos tipos pinchando reggae y yo les llevé un pendrive y les dije que me gustaría bailar esas canciones. Y los puristas me dijeron: ‘¿Qué mierdas dices, tú no bailas dancehall auténtico” Bad Gyal, en Pitchfork.com

“¿Más música española que podría reconocer? A Mecano o a Hombres G... Podría haber hecho versiones de Sabina, a mí me gusta, pero sé que la gente se habría reído de mí” Dan Bejar, Destroyer, en Jenesaispop.com

#16 noviembre 2017

kakkmaddafakka Amigos de sus amigos Gira tras gira, Kakkmaddafakka se han ganado el cariño del público a base de darlo todo sobre los escenarios. Ahora los noruegos regresan con Hus (The Nordic Mellow, 17), un disco sensiblemente más maduro

n este nuevo disco percibo una importante madurez en el sonido del grupo, al menos durante su mayor parte… ¿Son ahora Kakkmaddafakka un grupo más maduro? Sí, se podría decir así. Es una forma divertida, (y muy equivocada...) de verlo (risas). Cuando lanzamos el primer álbum, asumir la experiencia colectiva que significaba escribir canciones, tocar música y estar en una banda nos llevó a cada uno de los miembros del grupo aproximadamente un año. Ahora hace cerca de catorce años que empezamos, y somos seis personas con catorce años de experiencia... ¡Lo que hace un total de ochenta y cuatro años de experiencia! ¡Aproximadamente lo que viene siendo la vida entera de una persona sana! (risas) Es extraño cuando se piensa en ello de esa manera, pero probablemente explica la cuestión de la madurez. ¡En cualquier caso ahora todo es mejor para todos! —Lo digo, entre otras cosas, porque entre las canciones de Hus hay mayoría de medios tiempos y cortes algo introspectivos ¿Qué ha motivado que las nuevas canciones sean así? ¿De dónde ha venido la inspiración? Uno de los motivadores del disco lo encontramos en el lugar y en la casa en la que grabamos y escribimos todo. Me refiero a la ‘casa’ que da título al álbum, ya que ‘Hus’ significa casa (o casas) en noruego. Esta vez queríamos hacer las cosas un poco diferentes. Así que conocimos a ese viejo “profesor” y violonchelista que vive en esta vieja casa,

casi de cuento de hadas, en la ladera de Bergen. Él nos invitó allí y básicamente nos gustó tanto que nos quedamos en aquel lugar durante todo un año, escribiendo, haciendo y grabando todo el álbum. —Aunque hay algunas excepciones, casi cuesta encontrar canciones tan verticales como las que incluían anteriores trabajos. Por eso destaca tanto el single All I Want To Hear, con esos ritmos exóticos ¿No os parece que esta canción es un poco la excepción dentro de la línea general del disco?

en concierto l Madrid 14 noviembre, Sala But l Sevilla 15 noviembre, Sala Fanatic l Málaga 16 noviembre, Sala Trinchera l Valencia 17 noviembre, Sala Jerusalem l Zaragoza 18 noviembre, Sala López l Barcelona 20 noviembre, Sala Apolo

Es claramente una de las canciones que más destaca. Fue escrita y pensada para ser una especie de canción “retro” de Kakkmaddafakka. Tiene una melodía libre y buena como las de las canciones más viejas. Como escribimos tanta música diferente y nos gusta experimentar, tenemos algunos fans incondicionales que quieren más de esto, y otros que quieren más de aquello… ¡Esta era para la audiencia retro! —raúl julián

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octubre 2017 #17

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Dan Bejar caballero andante

EN LA MALETA

El canadiense Dan Bejar acaba de publicar nuevo disco de Destroyer, ken (Merge Records/Popstock!, 17) y lo presenta este mes con varios conciertos en nuestro país.

DJ Floro

Ya tenemos entre manos Republicafrobeat Vol. 4: Mujeres (Kasba Music, 17), el cuarto volumen de una serie con la que descubrir a artistas interesantes del mundo del afrobeat. En esta ocasión las protagonistas son mujeres. Nos cuenta más al respecto el Dj y uno de los responsables del proyecto Dj Floro. #18 noviembre 2017

eses antes de visitarnos nuevamente, Bejar protagoniza un viaje fugaz desde Vancouver para hablarnos en persona de su regreso y de cómo se ha inspirado en el sonido británico de finales de los ochenta para componer este álbum. Eso sí, con algo de jet lag. “No he dormido mucho, aunque creo

Ahora le dedicas un disco entero a las mujeres, muy lúcidas a la hora de luchar por sus derechos. ¿Qué peso le has dado al mensaje reivindicativo y qué peso a su música? Creo que en este volumen van ligados los dos conceptos, en alguno de los anteriores había grupos con letras menos trascendentes. Muchas de las participantes son mujeres africanas que residen en el continente o están en la diáspora, y viven una situación todavía más difícil que los hombres, que en muchos casos son los causantes de sus problemas. ¿Cuántas canciones de las que aparecen en el disco encajan en una sesión de Dj Floro? Creo que todas, depende del momento. Por ejemplo la canción de Juno & Darrell, formaría parte del inicio o finalización de la sesión por el tempo que tiene. Muchas veces también la observación de las reacciones de la gente me lleva a planteármela de otra forma, además siempre he tratado tanto en mis compilaciones, como en mi trabajo en Radio 3, incluir temas bailables en los que solamente falta cuadrar los beats y el tono. Pero también me gusta dejarme llevar. Siempre has apostado por las músicas del mundo en un sentido amplísimo y no como etiqueta musical. ¿De qué países has aprendido más musicalmente hablando?

“Es una locura que siga stroyer haciendo discos con De y yéndome de gira” que es mejor estar exhausto cuando hago entrevistas. Así son mucho más sinceras”, avisa. Pero Bejar, que lleva en la piel de Destroyer ya más de veinte años, disfruta tanto ahondando en las canciones que por momentos eleva la conversación a la charla que se puede tener en la sala de un museo cuando se observan piezas de arte. Se agrade-

De muchos, que van de diferentes países y sonidos de África, a Jamaica, pasando por Brasil, Estados Unidos o Cuba, por citar los más importantes para mí. En la órbita en la que te mueves, ¿cuáles son tus grandes referentes a la hora de hablar de Dj’s tanto nacionales como internacionales? De los de aquí, hay unos cuantos, Sr. Lobezno, DavidDj, Banana Boogaloo, Watch Tv y de los de fuera Mad Mats, Nickodemus, Quantic, Rich Medina o Andy Smith. ¿Recuerdas cuál es el primer disco de afrobeat que entró en tu casa y el primero que entró en tus sesiones? Curiosamente el primero que entró en mi casa fue el disco Fela Ransome Kuti & The Africa 70 With Ginger Baker Live!, pero en ese momento más por Ginger Baker que por Fela, ya que lo que escuchaba era rock. Años más tarde durante mis años en la desaparecida Sala Suristán, fueron también Roforofo y Zombie del músico nigeriano y una canción de Snowboy, Jazzakuti. ¿Te molesta que siempre se asocie el concepto de Dj a la música electrónica? No me molesta, además en los últimos tiempos hay Dj’s que están fuera de ese término. Y también se utiliza la palabra Dj muchas veces para designar a los que igual simplemente somos selectores. MS

ce el retorno de uno de los proyectos musicales más interesantes y sólidos del indie al otro lado del charco. Y el trato, encantador: “Puedes hacerme las preguntas en español, pero si no te importa te contesto en inglés, porque si no parecen respuestas de un niño de cuatro años”. La forma en la que Bejar ha grabado sus discos a lo largo de los años ha influido de forma definitiva en su impacto. Ahora cuenta que ken no ha sido grabado como un disco con banda, aunque todos sus miembros aparezcan en ken. “En mi cabeza quería hacer un disco en solitario. Me he tomado un descanso de unos diez años con la guitarra y quería probar, tocar todo lo que pudiera. Pensaba que podía sacar algunos acordes básicos con el sintetizador, pero no salían muchas cosas. Al final fui demasiado cobarde y tiré de mi amigo Josh Wells, que tocó la batería en Poison Season y que también toca en Black Mountain. Es muy bueno grabando discos y comenzó a ayudarme con la grabación, escuchando mis demos, así que se convirtió en el productor del disco. Ha acabado tocando probablemente el sesenta por ciento de toda la música que se puede escuchar en el disco, pero también hemos contado con el guitarrista, Nick toca en cinco o seis canciones; Dave también, la trompeta en dos o tres y el saxofón en otras tantas… La diferencia es que están concentrados en momentos concretos, no es el sonido de todo el mundo tocando a la vez en una habitación, que es lo que normalmente hacíamos”. A la primera escucha queda claro que es un disco influenciado por el sonido de finales de los ochenta en Gran

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en concierto l San Sebastián 23 de noviembre. Teatro Victoria Eugenia l Madrid 25 de noviembre. Teatro Barceló l Valencia 26 de noviembre. Ram Club de La Rambleta l Barcelona 27 de noviembre. Bikini

Bretaña pero, puestos a hablar de influencias políticas, ¿No te son más familiares los últimos años de la era Reagan de tu adolescencia, aunque sea por proximidad geográfica? “No sé por qué, pero siento que estéticamente no tengo ninguna conexión con Estados Unidos, especialmente en la época de los ochenta. No sé cuál es la razón, pero es probable que se deba a que era un adolescente pretencioso por aquel entonces. Cuando pienso en la música que nació en aquellos años, durante el mandato de Reagan, pienso en el hardcore… Para mí van de la mano, como una reacción a aquella época. Sin embargo, esa melancolía gris, en su versión poética y romántica, de clase obrera, la siento como algo muy del Reino Unido. Cuando empecé a estar interesado en la música, que fue cuando yo tenía catorce o quince años… era a finales de los ochenta, pero nunca me había tomado muy en serio la música que escuchaba por aquel entonces. Por ejemplo, me encantan The Cure, y durante veinte años de mi vida les he percibido como un grupo que hablaba sobre la angustia adolescente. Hasta que en estos últimos cinco años les he estado escuchando por primera vez en profundidad, fijándome en los sonidos, en los efectos de la guitarra, el sonido de la batería… Todo eso es lo que he terminado utilizado para el álbum”. —cristina pancorbo

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RRLa programación de exhibiciones y showcases del 948 Merkatua, que reúne arte navarro, tendrá lugar en diferentes espacios públicos y privados de Pamplona (Zentral, Geltokia y escuelas de música) durante los días 15 y 16 de noviembre. Participan artistas como Danserie Ensemble, LA Chula Potra, Attikus Finch, Hello Cello, Amor de Tokyo, Fermin Göo, Zorongo, The Disappointments o Brigada Improductiva. RRLa banda californiana Redd Kross, uno de esos grupos que generan verdadero culto entre sus seguidores, aterrizará en diciembre en nuestro país para ofrecer cinco conciertos en cinco ciudades distintas. Podremos verles en Valencia (5 diciembre, Loco Club), Alicante (6 diciembre, Stereo), Madrid (7 diciembre, The Secret Social Club), Vitoria (8 diciembre,, Helldorado) y León (9 diciembre, Purple Weekend). RREl rapero canario Bejo actuará en diferentes países de Sudamérica a finales de noviembre. Estará presentando Hipi Hapa Vacilanduki en Perú (Lima, 23 noviembre, Bizarro), Argentina (Buenos Aires, 25 noviembre, Palermo Club) y Chile (Santiago de Chile, 26 noviembre, Festival Frontera). RRJose Capel, miembro fundador y vocalista de Color Humano, falleció el pasado 19 de octubre. Color Humano fue uno de los grupos pioneros del sonido Barcelona y del mestizaje catalán gracias a discos como Moskowa Libre (Tralla, 95) y Hambre de vida (Tralla, 97). En solitario, como José El Kapel, publicó el disco Otro mundo es posible (08).

Sierra Hágase la luz La sorprendente facilidad para las melodías que Hugo Sierra siempre ha desplegado allá por donde ha pasado (primero en Margarita, más tarde en los efímeros Prisma en Llamas) se manifiesta de nuevo en su proyecto más personal, con el que ahora debuta en largo con A ninguna parte (Sonido Muchacho, 17).

a continuación del fantástico EP Tiene mucha fuerza se ha hecho esperar tres años, tiempo en el que el grupo se ha consolidado con la presencia de Clara Collantes (El Día Después), Arturo Hernández (Juventud Juché) y Antonio Castro (Charades), aunque Hugo Sierra es su protagonista principal a la hora de definir un pop que a veces puede parecer oscuro, pero paradójicamente siempre se muestra luminoso. “Sigue siendo un proyecto muy personal, y de hecho me gusta la idea de tener el control creativo de las canciones; es algo que ellos además respetan perfectamente. Pero a la vez ya funcionamos como un ente. Nos llevamos todos muy bien, cada uno aporta mucho y están muy comprometidos. Me siento muy a gusto y también muy afortunado de haberles encontrado”. Esa estabilidad se ha visto subrayada por la buena acogida de aquellas primeras canciones, con pequeños himnos como “La chica del cohete” que desde el principio entraron por la vía rápida, convirtiéndose en un exigente punto de partida a la hora de definir A ninguna parte. “Sí he sentido cierta responsabilidad. En algún momento me he metido mucha presión a mí mismo, pero luego, una vez que te pones a trabajar, tienes que olvidarte de eso, o al menos intentarlo, para hacer las cosas lo mejor posible y de una manera súper sincera”. En estas canciones hay momentos de resentimiento, pero sobre todo, como ocurre en No eres increíble o Amiga extraña, una audaz manera de encontrar luz dentro de la negación, de manejar la melancolía sin recrearse en ella y también de buscar un sonido contemporáneo sin renunciar a la influencia de Julian Cope, The Cure o Pegamoides. “Mi manera de cantar y de componer puede recordar a los ochenta, pero

quería estar aquí y ahora. No quiero proyectar una nostalgia, sino que estoy en el mundo, que no estoy escuchando a Nacha Pop todos los días. Me siento con la misma ilusión de siempre y con esa inocencia de querer hacer canciones guays, pasármelo bien y que la música siga aportando algo a mi vida que no me aportan otros momentos cotidianos”. Se traza así un hilo invisible que viene desde los imprescindibles Margarita -entonces a medio camino entre el A ninguna parte

Sonido Muchacho Rock 8/10

hardcore punk, las melodías dementes y la tropicalia-, hasta desembocar en este disco que acaba marcado por una cierta sensación de desapego (A ninguna parte, No quiero ser un hombre). “En el momento en que en la sociedad no eres como el resto, tienes una especie de estigma. Este año lo hemos visto en un montón de cosas, como en el autobús hablando de las personas transgénero. Quería explicar cómo me siento yo a menudo, porque desde pequeño me ha costado mucho identificarme con el hombre. Pero al final no lo puedo evitar: me levanto, tengo que afeitarme y hago pis de pie”. —enrique peñas

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FOTO: YAGO CASTROMIL

TAN. CERCA.

RRNacen dos nuevos sellos interesantes en nuestro país. Uno de ellos es el asturiano Framily, que se estrena con dos proyectos: Cicada y Galgo, formados por músicos de Pablo Und Destruktion y cuyos discos han sido mezclados por Oscar Mulero. El otro es Adarce Records, un sello barcelonés especializado en recuperar obras maestras perdidas de los años setenta y centrado en recuperar sonidos funk, rumberos, etcétera. —MS

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noviembre 2017 #19

Vetusta Morla Lo que les V hace grandes

Suenan vientos de cambio en el universo Vetusta Morla. Las diez canciones que dan forma a Mismo sitio, distinto lugar (Pequeño Salto Mortal/ Sony Music, 17) suponen un salto de gigante en la discografía de los madrileños y una apuesta decidida por el riesgo. Grabado en los míticos estudios Hansa de Berlín, mezclado por el no menos mítico Dave Fridmann en Tarbox Road Studios, masterizado por Greg Darling en Sterling Sound (Nueva York) y producido por Campi Campón, nos encontramos ante el proyecto más ambicioso y completo entregado por la banda hasta la fecha. El salto mortal esta vez es enorme, y sin red.

—texto Ricky Lavado —fotografía Jerónimo Álvarez mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

oy a empezar siendo un poco obvio, ¿De qué sitios y lugares estamos hablando? (Guillermo) El título viene de la canción que cierra el disco y tiene que ver con un proceso que hemos vivido tanto a nivel individual como de banda. Con La deriva cerramos una etapa y teníamos la necesidad de volver otra vez a ese origen en el que empiezas a proyectar cómo quieres ser. Nos dimos cuenta de que cuando vuelves a casa después de mucho tiempo descubres que la casa ha cambiado, el origen es el mismo pero tú eres distinto porque el tiempo hace que las cosas cambien: el sitio es un espacio invariable, pero el lugar depende de quién eres tú en cada momento. Llevando esto a un punto más musical diría que los sitios son las canciones y los lugares son las personas ocupando y metiéndose dentro de esas canciones y haciéndolas suyas. —Sobrevuela por todo el disco el tema de la relación entre vosotros y “los demás”, hay una interpelación constante a vuestra audiencia, de forma inclusiva pero también a través del conflicto. Os veo con ganas de abrazar a mucha gente y a la vez con ganas de mandar a la

noviembre 2017 #21

EN PORTADA

“Lo que siempre ha existido es la intuición y la confianza en lo que estamos haciendo porque es algo honesto y lo estamos haciendo porque es lo que nos tocaba hacer”

#22 noviembre 2017

mierda también a un montón de gente. (Guillermo) El disco tiene muchas capas y hay un punto de reflexionar sobre la libertad para hacer lo que necesitas hacer sin pensar en las consecuencias prácticas o cuantitativas. Hay mucho de lo que apuntas, hay mucho careo en este disco, mucho combate, pero todo está contado desde dentro. (Pucho) Es casi una confrontación con uno mismo. Guerra civil, por ejemplo, podría apelar a la confrontación con el otro, pero al final es más un duelo contra el espejo. El planteamiento de la búsqueda de la identidad está pululando por todo el disco, es la confrontación para llegar a otros destinos. (Guillermo) Para encontrar tu identidad tienes que luchar también contra tí mismo. Te ves en el espejo y ves un poco por dónde quieres ir y tienes que reírte también de ti mismo e introducir la ironía y la sátira en el disco, y la agresividad en muchos momentos también: creo que es un disco muy directo en la forma de decir las cosas. Igual que La deriva era un disco con todas las antenas puestas a lo que pasaba fuera, este es todo lo contrario, mira hacia dentro, aunque las canciones después también hablen de todo lo que está pasando alrededor. (Pucho) Ves que al final las canciones son un reflejo también de lo que ocurre fuera. En un colectivo como el nuestro estamos todos metidos en el mismo sarao y al final toda esta inestabilidad y transformación es común: en ese sentido cada uno hace suyo lo que se dice en el disco. —Aunque eso plantea conflictos también, entre lo que uno quiere expresar y lo que los demás deciden entender o interpretar: en Te lo digo a tí decís que “todo lo que digo se convierte en boomerang”... (Guillermo) Sí, esa frase es muy actual, ¿no? (risas). Pensando un poco en lo que dices creo que es un disco en el que tiene mucho que ver la comunicación, es algo que está presente en todas las canciones: la crisis de la comunicación. Esa transformación que todos necesitamos parte de la comunicación, y si no existe todo deriva en una neurosis. A veces piensas que tienes clarísimo lo que eres y lo que estás haciendo, pero

cuando le pones palabras y lo intentas llevar a otro lado debes entender al otro también. Luego abres un periódico y resulta que también estás hablando de lo que lees ahí, así que de repente lo que hablaba de algo interno pasa a ser aplicable a lo que todos estamos viviendo fuera también. —Las expectativas respecto al nuevo disco que llegan desde fuera y las que os marcáis internamente en la banda no tienen por qué coincidir. ¿Ese conflicto también está representado en estas canciones? (Pucho) Cuando haces un disco fantaseas con cómo va a ser la recepción de ese disco, y más cuando hay esa intencionalidad tan clara de romper con lo que veníamos haciendo en la etapa anterior, pero no es algo que influya en tu manera de hacer las cosas. Si fuera así acabarías por esposarte a ti mismo... (Guillermo) Hay muchas capas diferentes de expectativas: las artísticas, las musicales, las empresariales... En este disco hemos puesto mucho relieve en lo musical. Hay un recorrido por lugares que para nosotros han sido importantes en esta reconstrucción que estamos diciendo y en nuestra educación musical. Es un poco como seguir las pistas para buscar un lugar nuevo en el que primero has de saber quién eres y de dónde vienes, y cuáles son tus raíces: las raíces en el local de ensayo, en quienes somos y en volver a trabajar como trabajábamos hace quince años, pero también en la gente que te ha emocionado para hacer lo que haces. Ahí ha habido un trabajo musical muy bonito y evidentemente hay unas expectativas musicales altas. Luego hay otro tipo de expectativas que tienen que ver con cosas como cobrar todos los meses y llegar bien a fin de mes, expectativas empresariales si quieres llamarlas así. Lo que siempre ha existido es la intuición y la confianza en lo que estamos haciendo porque es algo honesto y lo estamos haciendo porque es lo que nos tocaba hacer, al margen de expectativas. Más allá de eso tampoco pensamos mucho nunca en lo que hay detrás de un disco. Con cada disco hay gente que se sube y gente que se baja, y eso está bien. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

—Habladme un poco de los estudios Hansa y de la experiencia grabando en Berlín. (Guillermo) Hansa era una antigua sala de baile reconvertida en estudio de grabación. A raíz de que Bowie fuera allí a trabajar en su trilogía de Berlín el estudio cogió una fama muy potente. Después pasaron por allí Depeche Mode, Nick Cave, se grabó allí también Achtung Baby de U2... Cuando nos planteamos hacer este disco teníamos la sensación, desde un punto de vista melómano y romántico, de que algo que tenía que ver con nuestro pasado musical se estaba deshaciendo: murió Leonard Cohen, murió Bowie... Lo veíamos como la desaparición de una parte importante de nuestra cultura musical, y había un punto muy bonito al decir “justo ahora que estamos hablando de encontrar una manera distinta de hacer las cosas, de volver a reformular la identidad de la banda, podemos intentar seguir un poco los pasos de todos estos lugares que nos han marcado”. (Guillermo) Desde un punto de vista quizás ingenuo sabíamos que había que ir allí, que de alguna forma allí íbamos a encontrar algo que cerrara el disco, sumado a esa parte mitómana de decir “esto lo tocó Bowie” o “aquí está la firma de Brian Eno”, que, joder, pues es algo muy bonito... Tampoco vas a grabar tantos discos en tu vida como para no darle el valor de disfrutar ahora que te lo puedes permitir y sentir que estás cumpliendo un sueño, un sueño de niño: decir “yo estuve allí”. —De ahí os vais a trabajar con Dave Fridmann en Tarbox Road Studios... Explicadme cómo fue eso... (Guillermo) Cuando decidimos hacer el disco con Campi también decidimos mezclarlo con alguien de fuera. Nos pareció interesante estar abiertos a que hubiera gente de fuera que pudiera participar ya que queríamos aportar cosas nuevas y cambiar el sonido, y Dave Fridmann era, dentro de la gente que ha hecho discos que forman parte de nuestra biblioteca de cabecera, uno de los primeros en la lista. Sorprendentemente todo fue muy fluido desde el primer momento. Una de las cosas que más nos gustó de su propuesta fue que quería participar del mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“Con cada disco hay gente que se sube y gente que se baja, y eso está bien”

proceso desde el principio. Hubo mucho trabajo desde el local, íbamos enviándole demos durante la preproducción del disco y él se involucró mucho, de hecho nos dijo que no quería trabajar a distancia, dijo “si vamos a hacer esto os venís aquí y trabajamos todos juntos”. (Pucho) Tiene su estudio y su casa en un antiguo granero amish que compró hace veinte años, con una segunda planta que amplió y remodeló para ser vivienda, en el norte del estado de Nueva York, a una hora de las cataratas del Niágara. (Guillermo) Una de las cosas que le dijimos desde el primer momento era que no queríamos hacer un disco pensando en cómo se iba a tocar luego en directo, porque al final te acabas limitando y autocensurando cuando haces algo condicionado por cómo lo vas a reproducir en directo y para nosotros era importante dar ese paso y pensar en el disco, ver hacia dónde nos llevaban las canciones. —¿Por qué escogisteis a Campi Campón para la producción? (Pucho) Veníamos de una etapa muy larga en la que habían muchas cosas preestablecidas, y queríamos jugar a romper con todo eso, que es de lo que habla también un poco el disco, y el papel de Campi tanto a nivel humano como a nivel profesional ha sido muy importante para lograrlo. (David) Nos ha forzado a salir de nuestra zona de confort y a explorar nuevos sitios, a quitarnos el miedo y a ir más allá con todas las ideas que íbamos teniendo: intercambiarnos los papeles, utilizar instrumentos que nunca habíamos utilizado, no tener por qué tocar todos todo el tiempo... —r.l. noviembre 2017 #23

17 ANIVERSARIO RAZZMATAZZ

Del 21 de octubre al 16 de diciembre

BELAKO KALEO MICAH P. HINSON MIRANDA! MOUNT KIMBIE OMAR SOULEYMAN PUSSY RIOT DJ SET (NADYA) SAINT ETIENNE SATELLITE STORIES SURFIN’ BICHOS tocando “Hermanos Carnales” TIGA TROMBONE SHORTY

30DROP ABU SOU ALGAR & SOY UNA PRINGADA AMABLE BALDO CARLOS BAYONA DJ DANI PATCH DJ LUI DJ2D2 DJOHNSTON DOWNITES FLACA GATO GON INDIESPOT JON & MONIQUE LA BRITNEY CALVA LATZARO LKGT LOWLIGHT MAADRAASSOO MR K & LEY DJ OTRS PAU ROCA PEROTUTEHASVISTO PURITO Y SU COMBO SANATRUJA SHAWN REYNALDO SIRIA DJ TONER UNDO WILL BLAKE YLIA YYMHDJS

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ABDULLA RASHIM live ALLAN RAYMAN ANDHIM ARNAUD REBOTINI live ASQUITH AVALON EMERSON BABA STILTZ BUFIMAN CALL SUPER CORA NOVOA DASHA RUSH DAVID CARRETTA DEENA ABDELWAHED DENIS SULTA DJ BORING DJ HELL DJ ROSA PISTOLA DJ SEINFELD ENDLEC ESTRONS FORT ROMEAU FUNCTION live GERD JANSON HARRI & DOMENIC HEADLESS HORSEMAN live JACQUES GREENE live A/V KEN ISHII KORNÉL KOVÁCS LAIBACH LOW ROAR MIKE DEHNERT MON LAFERTE NADIA ROSE NICK HÖPPNER NINOS DU BRASIL live NTHNG OCTO OCTA live OTHERKIN PHILOU LOUZOLO SASCHA FUNKE SHED live SHIFTED SLAM SPRING KING TALISTO THE DARKNESS + BLACKFOOT GYPSIES TOKIMONSTA TOUCH SENSITIVE UNIIQU3 VENGA MONJAS VESSELS VLADIMIR IVKOVIC VOLCOV VOLVOX WAZE & ODYSSEY FRACTAL FANTASY: SINJIN HAWKE & ZORA JONES INTIMATE JOURNEYS: SADAR BAHAR JOURNEYS: JEREMY UNDERGROUND + PALMS TRAX SOULECTION: J.ROBB + STARRO + EVIL NEEDLE + HANNAH FAITH

Más de treinta años de The Queen Is Dead

En el verano de 1986 cristalizó definitivamente el mito de The Smiths. El 16 de junio se publicó en Gran Bretaña (en EEUU lo haría una semana más tarde) un disco inmortal, The Queen Is Dead, un trabajo que se saludó ya entonces como fuera de serie y que el tiempo no ha hecho más que engrandecer: el NME lo calificó “el mejor disco de todos los tiempos” en 2013. ¿Exageración chovinista? El año pasado se cumplían treinta años de su publicación y Morrissey se quejaba amargamente de la ausencia de edición conmemorativa. Este año ha llegado la merecida reedición.

ue las virtudes de esta obra no han dejado de ser enumeradas durante los últimos treinta años es tan cierto como necesario en estos tiempos tan necesitados de taras de fabricación, donde comienza a acuciar la evasión del post como forma institucionalizada del inacabable revival actual. Desde que en 1986 The Queen Is Dead cobrase vida, esta bella criatura anómala siempre acaba derivando en el desfile más hiperbólico de epítetos. No es para menos. Y menos antes geisers dramáticos como I Know It’s Over o lamentos tan desesperados como Had No One Ever. Pero The Queen Is Dead también fue la evidencia de que todo lo que había surgido en la Manchester post-Joy Division

nunca tendría que ver con The Smiths. Este álbum verbalizó la existencia de tres Manchester diferentes: el de New Order y Factory, el de la hipérbole realista de The Fall y el Manchester tony richardsiano de The Smiths, el cual había profundizado en sus raíces debido a la mala experiencia londinense sufrida durante su grabación de The Queen Is Dead . The Queen Is Dead generó una profunda empatía en (casi) todos los que se dejaron seducir por su hálito dionisíaco: la búsqueda obsesiva de un disco que reprodujera un efecto similar. Cómo no, pese a dignos ecos, dicha sensación era irreproducible. Ni siquiera por todo lo que hicieron posteriormente Morrissey y Johnny Marr. Treinta y un años después de su publicación, la única solución posible era escuchar este disco bajo formas nuevas. Triste pero tremendamente indicativo de la relevancia de una obra que no ha dejado de crecer con los años. Y sí, también porque la devaluación en el pop post-britpop nos fue

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llevando a un camino de retorno a las puertas de esta decena de canciones inmortales, aquí remasterizadas, pero, sobre todo, recuperadas en versiones hasta ahora no conocidas; al menos, oficialmente. Salvo la ausencia de Vicar In A Tutu, en la mayoría de los casos, el resto de cortes son recuperados bajo su forma en demo, sin overdubs. En su reducción al hueso, el corte que más sorprende es Had No One Ever, desprovista de la carga dramática de la original en pos de una variación sophisti-pop, pertinentemente mozzerizada. Frankly Mr. Shankly es otro de los temas cuya desornamentación provoca un encuentro renovado, redundando en una enfatización de su base mínima reggae. El resto de casos certifican una realidad: antes de que Johnny Marr y Stephen Street le hicieran el tuneado a los cortes, la simiente provista para la ocasión ya atisbaba el profundo deje pasional de unas canciones gestadas para ejercer de faro guía para las hordas indie-pop y de trazo más experimental. Obviando rescates tan sobados como Asleep o Money Changes Everything, para ponerle el lazo final al artefacto, la recuperación de un directo en 1986 de su tan accidentada como profética gira norteamericana radiografía el proceso antinatural de verse convertidos en estrellas del gran circo rock. De haberse pasado cuatro años deshilachando uno por uno sus estereotipos, ahora se encontraban en una situación antagónica, pero sin saber cómo sobrellevarlo en ningún momento. Durante aquellos conciertos, Marr se sumerge en un abuso continuado de alcohol y

drogas. Según las palabras de Mike Joyce, en aquella gira: “Nos esforzábamos tanto todas las noches. No era como, ‘oh, ¿dónde estamos ahora?’. Era más el rollo de que ‘cada concierto es el más importante que vamos a tocar’. Esa es una gran forma de ver las cosas, pero sin duda es algo que quema después de hacerlo durante treinta noches seguidas”. Y así es como se siente en esta grabación, hasta ahora, inédita. El tour de The Queen Is Dead recaló en Estados Unidos de julio a septiembre de 1986. Morrissey y Marr vivían a base de una dieta de chips, chocolate y Coca-cola. En su primer concierto en Nueva York, Morrissey está desnortado. La intensidad de la luz de su hotel le ha cegado. En pleno concierto, se cae al público. Nadie le ayuda a levantarse. Toda esta sensación de lucha continua entre ellos mismos se palpa en la grabación en directo aquí incluida, donde también queda de manifiesto que la misma grandeza de su repertorio era más que suficiente para remarcar una verdad universal: ser la banda pop más influyente de estos últimos treinta y cinco años, además de los firmantes de The Queen Is Dead, un planeta en sí mismo que sigue rotando tan lozano como el primer día. Y cuya reverberación visual captó tan fabulosamente Derek Jarman en su mini-film conformado por The Queen Is Dead, There Is A Light That Never Goes Out y Panic. Dicho hito visual, de paralelismos valderomarianos, se encuentra en una de las tres diferentes ediciones publicadas para tan pertinente resurrección. Esperemos que la primera de una de las cuantas que aún nos deben.

—marcos gendre

THE SMITHS The Queen Is Dead Warner Pop 10/10

noviembre 2017 #25

NOVIEMBRE 2017 ANDALUCÍA, CASTILLA LA MANCHA, CANARIAS Y MADRID ANDALUCÍA

FUN CLUB, SEVILLA 17/11/2017 CLUB DEL RÍO LA CALLE , SEVILLA 24/11/2017 LAS RATAS PARÍS 15, MALAGA 25/11/2017 LAS RATAS EL TREN, GRANADA 11/11/2017 SONIDO VEGETAL

CASTILLA LA MANCHA LOS CLÁSICOS, TOLEDO 10/11/2017 CARROÑA

PÍCARO, TOLEDO 24/11/2017 LAS ODIO

CANARIAS

LONE STAR, STA. CRUZ TENERIFE 17/11/2017 BALA

MADRID

GRUTA 77, MADRID 11/11/2017 LAS RATAS SALA SOL, MADRID 16/11/2017 LAS ODIO

C.C. LAS ARMAS, ZARAGOZA 16/11/2017 LUMA

CAFÉ QUILOMBO, LA OROTOVA (TENERIFE) 18/11/2017 BALA C.C. AGUERE, TENERIFE 10/11/2017 ISEO & DODOSOUND

C.C. DELICIAS, ZARAGOZA 24/11/2017 NAKANY KANTÉ

CASTILLA LEÓN

BEAT CLUB, SEGOVIA 11/11/2017 CARROÑA 10/11/2017 LAS RATAS LA RÚA, BURGOS 11/11/2017 CLUB DEL RÍO LA CUEVA DEL JAZZ, ZAMORA 10/11/2017 CLUB DEL RÍO

GALICIA

EUSKADI

CASA DA CRECHAS, A CORUÑA 09/11/2017 EL NAÁN

DOKA ANTZOKIA, SAN SEBASTIÁN 03/11/2017 SONIDO VEGETAL 12/11/2017 EL NAÁN

LA IGUANA, VIGO (PONTEVEDRA) 11/11/2017 CALA VENTO

ARAGÓN Y CASTILLA LEÓN ARAGÓN

GALICIA, ASTURIAS, EUSKADI Y NAVARRA

EL HANGAR, BURGOS 04/11/2017 SONIDO VEGETAL GRAN CAFÉ LEÓN, LEÓN 03/11/2017 ZEA MAYS

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

CLAVICÉMBALO, LUGO 10/11/2017 EL NAÁN

ASTURIAS

ACAPULCO, GIJÓN 10/11/2017 CALA VENTO

LA CÚPULA (TEATRO CAMPOS ELÍSEOS), BILBAO 11/11/2017 EL NAÁN

NAVARRA

EL INFORMAL, TAFALLA 17/11/2017 CARROÑA KAFE ZENTRAL, PAMPLONA 25/11/2017 NAKANY KANTÉ

Santander, concretamente el Palacio de Deportes de la localidad, acogerá durante los próximos 10 y 11 de noviembre el Movember Food & Rock, un evento que combinará gastronomía (a partir de diversos food trucks con infinidad de propuestas culinarias) y música. El cartel es eminentemente rockero, con Rosendo y los suecos Europe como principales cabezas. Aunque hay más. El viernes 10 acompañarán al madrileño Loquillo y Ramoncín, mientras que el sábado completarán el line up The Primitives y Avalanch. Los encargados de abrir cada jornada serán las bandas de tributo Achtung Babies (homenaje a U2) y Deaf Leopard (homenaje a Def Leppard), además de las sesiones del radiofónico El Pirata.

THE BABOOM SHOW FOTO: archivo

Santander Movember Food & Rock, música y comida

Los Discos de mi Vida Un nueva edición del Gasteiz-Calling

Alfonso Casas

Dibujante e ilustrador, también es un gran aficionado a la música. Aprovechando el lanzamiento de su nueva novela gráfica, El final de todos los veranos (Lunwerg, 17), le hemos preguntado por sus discos favoritos.

www.movemberfoodrock.com

El disco que más escuchabas de pequeño The Corrs

Talk On Corners (1997)

Marilyn Manson, una tras otra El nuevo disco de Marilyn Manson, Heaven Upside Down, llega en un momento convulso alrededor del artista estadounidense. En las últimas semanas, Manson ha protagonizado discusiones en redes sociales con Justin Bieber, a quien posteriormente ha pedido disculpas, y también tuvo que ser hospitalizado porque, en un concierto en Nueva York a finales de septiembre, se le cayó un decorado encima. A todo ello se suman dos noticias complicadas que giran alrededor de músicos que han compartido escenario con Manson. Por un lado, Jessicka Addams, ex-novia de Twiggy Ramirez y vocalista de Jack Off Jill, le ha acusado de maltrato e incluso de violación. Ramirez continúa siendo en la actualidad miembro de Marilyn Manson. Por si no hubiera suficiente, este pasado mes de octubre falleció Daisy Berkowitz, guitarrista de los dos primeros discos del grupo, víctima de un cáncer de colon. Posteriormente formó parte de Jack Off Jill, Godhead y, en solitario, Three Ton Gate.

Seguramente con esto se explican muchas cosas. Y te digo una cosa: el placer culpable no existe, es placer a secas. De matemáticas no me preguntes, pero las letras de ese disco las recuerdo enteritas.

El disco que dejste de escuchar

El disco que te cambió la vida

Maga

Los Piratas

Me cuesta mucho escucharlo porque me recuerda demasiado al inicio de los dos mil, cuando creía que un montón de cosas iban a durar para siempre, como Myspace o la relación que tenía. Las dos cosas acabaron igual, un día dejamos de tener interés porque apareció un sustituto mejor.

Este recopilatorio es la relación más larga que he tenido. Me enamoró, pasamos algunos baches a lo largo de los años, pero siempre está ahí. Fue el primer disco que expresaba en sus letras lo que yo en ese momento ni sabía que sentía.

Maga (2002)

El festival punk-hardcore vuelve los días 10 y 11 de noviembre al Iradier Arena de la capital alavesa en su tercera edición. El cartel sumó a finales de verano a cinco nuevas bandas: Thee RkaLiens (con miembros de RKL), Municipal Waste, Parabellum, The Brief y One Way System. Todos ellos se suman a un cartel que presenta un variado abanico de estilos que van del street punk al hardcore, del thrash metal al punk old school. Eso es lo que demuestra la participación de grupos como Booze & Glory, Madball, Perkele, Snuff, Buzzcocks, Sham 69, Sick Of It All, Youth Of Today, Satanic Surfers, Municipal Waste, Discharge o The Baboom Show. Más información y entradas en www.gasteizcalling.com

BOMBINO FOTO: archivo

MONDO FREAKO

Fin de la primera parte (1999)

WOMAD vuelve a Las Palmas Un disco que descubrí por mis padres

El disco que nadie imaginaría que te encanta...

El que sería la banda sonora de tu cómic

Nino Rota

Ludovico Einaudi In A Time Lapse (2013)

Silencio cómodo en un jardín descuidado (2006)

Recuerdo con especial cariño el tema de amor de El Padrino. Es mi “magdalena de Proust” sonora. Siempre que escucho esa canción me imagino a mi madre bailándola.

No sé si sorprenderá a alguien, pero suelo escuchar música clásica y bandas sonoras mientras trabajo porque a veces paso muchas horas seguidas en la mesa de dibujo y me ayuda a concentrarme.

Este es un cómic que habla de oportunidades perdidas, de dudas, de silencios y malentendidos. Las canciones de este disco podrían ser capítulos de esta historia.

BSO El Padrino (1972)

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Fon Román

Tras cinco largos años ausente de la capital de la isla de Gran Canaria, regresa de nuevo este festival tan querido por el público canario. El gran Parque de Santa Catalina (escenario Parque y escenario Edificio Miller) volverá a acoger durante tres días, del 10 al 12 de noviembre, este enorme evento cultural y gratuito. Entre los artistas internacionales podremos ver al jamaicano Horace Andy, a Brand New Heavies, N’Dea Davenport, Bombino, Hindi Zahra, Miroca Paris –percusionista de Cesária Évora y sobrino de Tito Paris-, Orkesta Mendoza, La Dame Blanche y Beating Heart. Por lo que respecta a la parte nacional, participan Niño de Elche, Tu Otra Bonita y los canarios 101 Brass Band, Papaya, Kuarembó y Profecía Crew. noviembre 2017 #27

Bunbury

Cue exp

Enrique Bunbury publica Expectativas (Ocesa/Warner, 17), un disco que su propia nota de prensa define como el más “carnívoro, feroz y diagnosticador” de su carrera. Y es que no hay duda de que el zaragozano intenta reinventarse con cada uno de sus nuevos trabajos. —texto Eduardo Izquierdo —foto Jose Girl

nrique Bunbury sigue empeñado en no tomar el camino fácil. Arriesgando. Sin demasiadas ganas de complacer por complacer. “Lo más importante con respecto a tus expectativas es no obsesionarte con lo que los demás piensan sobre lo que debes o no hacer. Lo que sí es significativo es mejorar con respecto a tus propias ambiciones y dar una mejor versión de ti mismo, según tus parámetros, independientemente de lo que los demás piensen. Es cierto que intento evolucionar y seguir mis impulsos e intereses y no pisar el mismo terreno demasiado”. Quizás por ello Expectativas sea un álbum en el que Bunbury se desmarca de su anterior disco en estudio, Palosanto, pero mantiene cierta continuidad con el directo El libro de las mutaciones. “Es un disco muy distinto a Palosanto, aunque tenga su conexión. Y, la manera en la que hemos trabajado la preproducción y los arreglos tienen su base en la metodología que utilizamos para El libro de las mutaciones. Son mis últimos tres discos y se puede decir que lógicamente están más emparentados que, por ejemplo, con mi etapa anterior, más centrada en las raíces de la música americana. Y más lejos de mis etapas latina y cabaret (con El huracán ambulante) o mis primeros tiempos con Héroes del Silencio. Nada sale de la nada, y lógicamente puedes encontrar pinceladas y detalles de otros discos que grabé en el pasado, pero coincido contigo en que lo más obvio es su parentesco con esos dos últimos” ¿Una nueva etapa que se abre? “La producción, el interés por la tecnología, los sintetizadores analógicos y digitales, las guitarras con efectos, y evitar los ticks rockistas son la base de esta última etapa que creo ha llegado a su mejor y más contundente expresión en Expectativas”. Casi sin pretenderlo, Bunbury, partiendo del ser humano y sus contradicciones se ha sacado de la manga un disco con connotaciones políticas, o como mínimo sociales, aunque él no esté del todo de acuerdo. “Lo último que diría es que es un disco político. Para nada. No solo no me interesa la política, sino que no la sigo. Dejé de leer la prensa, por desconfianza, y cuando me asomo algún día por error, corroboro el aburrimiento que me produce la dependencia de los medios de comunicación a facciones concretas de poder. Los tiempos que corren nos facilitan la posibilidad de vivir en nuestra #28 noviembre 2017

“ “No soy un sociólogo académico. Todo lo que sé, lo intuyo”

burbuja de interés. Personalizamos nuestras redes sociales, nuestros canales de televisión, la radio y la música que queremos escuchar y es difícil que lo que nos disgusta nos contamine. Los hay quienes consideran esto un desastre, que vivir en una burbuja es algo claramente negativo para nuestra formación. En mi opinión es todo lo contrario. Para las personas con criterio es una maravilla vivir sin saber de las fechorías de nuestros gobernantes y escuchando solo música que te emociona y desconociendo totalmente la que te parece una aberración”. ¿Ni siquiera un poco? “En cuanto a las canciones del disco, contienen frases que te ubican en el tiempo que vivimos, pero el trasfondo de la mayoría de las canciones del disco, tienen más que ver con el comportamiento humano y como nos relacionamos entre nosotros, que con la cotidiana ordinariez política. Tendemos a cuestionarnos poco, y a dar por válida la frase repetida mil veces. Y defendemos a capa y espada las fronteras geográficas de ideologías heredadas. Y no necesariamente me refiero a lo social o político”. Quizá por ello, la definición que más le gusta del resultado de este nuevo álbum sea la de distopía (NdA: sociedad ficticia indeseable en sí misma). “Es un acierto considerarlo una distopía. El disco refleja el tiempo en el que vivimos, como nos enfrentamos a distintos problemas y como nos relacionamos entre nosotros. Y a excepción del tramo final del disco en el mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO FREAKO

estión de pectativas

BUNBURY EN EL ESTUDIO Las consecuencias (2010)

Radical Sonora (1997)

7 Un auténtico puñetazo en la cara de todos los que esperaban una continuación a Héroes del Silencio. Producido por Phil Manzanera, muestra al Bunbury más experimental, con guiños incluso a la electrónica. Más comprendido ahora que entonces.

Su trabajo más intimista hasta el momento. Oscuro desde su portada, se trata de un disco confesional, casi discreto, que apuesta fuertemente por sonoridades acústicas. Incluye una versión del Frente a frente de Jeanette.

Licenciado Cantinas (2011)

Pequeño (1999) 9 Para muchos la auténtica obra magna de toda la producción en solitario del zaragozano. Mucha influencia del Mediterráneo y la ranchera, y canciones inolvidables como Infinito, El extranjero o De mayor.

8 Un disco dedicado íntegramente a sus influencias sudamericanas. Versiones de Agustín Lara, Lhasa de Sela, Atahualpa Yupanqui o los Hermanos Simón, entre otros, pasadas por el tamiz bunburyano con un espléndido resultado. Palosanto (2013)

Flamingos (2002) 9 El disco con más repercusión de su carrera como solista. Parece aunar las influencias de Pequeño y el rock clásico de toda la vida. Sácame de aquí o Sí, firmada a medias con Adriá Puntí, brillan con luz propia.

6 En otra vuelta de tuerca a su carrera, Bunbury se encarga de la producción. Conscientemente intenta alejarse de sonidos tradicionales y apuesta por técnicas más actuales. No acabó de ser del todo comprendido.

El viaje a ninguna parte (2004)

Las expectativas (2017)

8 Inconformista por naturaleza, Bunbury se atreve con un disco conceptual doble. Veinte canciones que recogen las peripecias de un largo viaje realizado por Centroamérica. Un álbum viajero, pero con buenas dosis de introspección.

que me escudo en el arte y el amor como tablas de salvación, el disco no es especialmente positivo. Aunque hay algo de humor e ironía, la visión global es densa y oscura”. Oscuro e ironía, palabras que vamos a encontrar en muchas de las críticas y los comentarios sobre el disco. “Quería que quedara claro que lo que afirmo en el disco son intuiciones. No soy un sociólogo académico. Todo lo que sé, lo intuyo. Pero esa intuición, para mí, es más poderosa que toda una vida en la Universidad. Utilicé el humor (negro, la mayoría de veces) y la ironía, en canciones del pasado, aunque no siempre se entendió así. Quizás con el tiempo, haya aprendido a utilizarlo de forma más adecuada o clara. Sea como sea creo que tienes razón y que en este disco es más evidente y aparece en pinceladas en varias canciones del disco. Creo que, por el tono del álbum, precisaba de algo de humor para equilibrar la balanza. Y siendo un disco oscuro, creo, que la sensación final que queda es sensata”.

8 La enésima reencarnación de Bunbury es un disco complejo. Once canciones que huyen de la rima fácil y apuestan por la ironía y la metáfora como medios de expresión. Otra apuesta por la búsqueda constante de nuevos horizontes.

—e.i.

Hellville Deluxe (2008) 7 Representa el nacimiento de la nueva banda de Bunbury, Los Santos Inocentes, tras la disolución de la anterior, El Huracán Ambulante. Un disco polémico, por las acusaciones de plagio, pero con canciones destinadas a perdurar en el tiempo.

RR Bunbury ha publicado también numerosos discos en directo y recopilatorios: Pequeño cabaret ambulante (2002), Freak Show (2005), Canciones 1996-2006 (recopilatorio, 2006), Los vídeos 1996-2007 (DVD, 2007), Gran Rex (2011), Madrid, área 51 (2014), MTV Unplugged (2015), Archivos Vol.1 y Vol.2 (recopilatorio, 2016).

Más en www.mondosonoro.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

noviembre 2017 #29

MONDO FREAKO

WE THE LION Barcelona (8 de noviembre, Sidecar) Madrid (9 de noviembre, Teatro Barceló) Granada (10 de noviembre, Planta Baja).

AgeNda. noviembre

La fortuna ha llamado a la puerta de We The Lion en forma de single de éxito, pero los peruanos están demostrando que Violet, su album de debut, es mucho más que un tema pegadizo que los ha emparentado con grupos como Mumford & Sons o The Lumineers.

r Más en www.mondosonoro.com #mondosonoro/agenda

#30 noviembre 2017

RR Cuando hablamos del álbum de debut de cualquier banda, uno imagina inmediatamente a unos veinteañeros con la ilusión depositada en lograr vivir de la música. No es este el caso en lo que a la edad se refiere, porque los componentes de We The Lion ya han sobrepasado la treintena, pero sí lo es en cuanto a una ilusión que mantienen intacta. A pesar de que Alonso Briceño (compositor y voz principal), Luis Buckley (bajo y voces) y Paul Schabuer (guitarra y voces) se conocen desde hace muchos años, y todos tenían la vida más o menos montada como arquitecto, economista o pequeño empresario, no fue hasta hace poco más de un año que debían tomar la decisión de dejarlo todo para vivir de la música. Esta importante elección venía motivada por el rotundo éxito del

Thundercat Madrid (23 noviembre, Teatro Barceló) Barcelona (24 noviembre, Apolo)

Stephen Bruner es el hombre tras Thundercat. Hace unos pocos meses publicó Drunk (Brainfeeder, 17), un tercer larga duración que presentó en el barcelonés Sónar y que se describe ya como su mejor trabajo hasta la fecha. RREn el momento de llevar a cabo nuestra conver-

sación, Stephen Bruner, más conocido como Thundercat, cuenta los días para su actuación en el Sónar barcelonés, ¿por la relevancia mundial del festival? Pues no, Thundercat está ansioso por visitar nuestro país pues aquí disfrutó de la mejor fiesta de su vida. “Acabé en calzoncillos por la calle y no sé ni cómo sucedió”. Nadie diría escuchando su música que es un party animal, aunque no hace falta más que echarle un repaso a su trayectoria para imaginar que lo fue –y bastante- en tiempos de Suicidal Tendencies e Infectious Grooves. Es un bajista fantástico, un músico maravilloso y tiene cuatro discos (tres álbumes y un Ep) que rozan la excelencia, en especial su último largo, Drunk. Hay veces que cuesta romper el hielo, que es difícil sacar al entrevistado del rollo promocional y del pregunta-respuesta, sin alma.

Quizás empecé demasiado fuerte, le pregunté sobre si era duro cantar en un escenario sobre la muerte en general y sobre la pérdida de su mejor amigo y músico de jazz, Austin Peralta, y respondió con cruda sinceridad. “Es duro plantarse en un escenario a veces. Lo que cuentas son historias, no puedes maquillarlo y en directo debes hacerlo funcionar. Es parte de la realidad, la muerte es parte de la vida”. Podría parecer que la complejidad de su propuesta no es fácilmente entendida por la crítica o el público en general, pero él como artista lo tiene claro. “Sí, me siento comprendido por ambos. Es difícil sentirse cómodo tanto si la crítica te ensalza como si es el público, pero yo me siento muy cómodo”. La música de Thundercat procede del jazz y del soul, aunque ha pasado por distintas etapas en su vida y viene de una familia de músicos profesionales. Quizás esas raíces hacen que su trabajo se entienda mejor en Europa que en Estados Unidos. “Creo que todo el mundo tiene problemas similares, inquietudes semejantes, aunque también creo que los jóvenes europeos siempre han estado más interesados en la música jazz y blues que aquí, que creen que la música pop mueve el mundo. Aunque si hablamos de músicos de rap y parte de su audiencia ellos sí aman el jazz. Gente como Kendrick Lamar o Lil› B”. —marcos molinero

The Rebels single Found Love -aupado por el anuncio de una conocida marca de telefonía- que les hacía muy populares a la par que trascendían más allá de las fronteras de Perú. (Luis Buckley) “Nos ha cambiado la vida, porque tuvimos que tomar la decisión de seguir apostando por el sueño y creo que felizmente tomamos la decisión correcta. La música siempre fue para nosotros un hobby, pero viendo el cariño con el que nos ha acogido la gente desde el día uno, creo que fue muy oportuno tomar este riesgo”. Una oportunidad que, al pillarles en un momento de sus vidas mucho más maduro, han sabido afrontar de otra forma. “Sin duda te hace estar más centrado. Hace apenas un año éramos nosotros tres y ahora somos como veinte personas y eso con veinte años hubiera sido muy diferente”. —don disturbios

Zaragoza (3 noviembre, DPH Rock) León (16 noviembre, Gran Café) A Coruña (17 noviembre, Babá Bar) Boiro (18 noviembre, A Pousada Dás Animas) Castellón (24 noviembre, Four Seasons) Reus (25 noviembre, Sala Japan) Madrid (2 diciembre, Moby Dick) Valencia (8 diciembre, Wah Wah) Murcia (9 diciembre, Revolver)

Desaparecidos del mapa por voluntad propia, The Rebels se ponen de nuevo en el punto de mira con su tercer disco de estudio, Mafia (Red Fox Music, 17). RR“Llevábamos mucha tralla

los años anteriores y decidimos pegar un parón y ponernos a componer. Hemos querido salirnos un poco de la onda tan comercial que llevábamos en cuanto a singles y hacer algo más maduro”. Con las cosas claras y el espíritu grunge por bandera, The

Rebels regresan con un disco que representa la consolidación de un proyecto al que quizá le llegaba el momento de evolucionar. “La intención era hacer un disco con canciones un poquito más raras. En la actualidad todo nos suena como rock empacado al vacío, un sonido muy copy-paste. En el rock alternativo se tiende a buscar volumen y una gran compresión en todo y para este disco decidimos hacerlo suelto y

real”. Sin ser un disco pretendidamente conceptual, pues como asegura el propio Alex cada tema es un mundo, el título del disco es una llamada de atención sobre lo que nos toca más de cerca. “Como seres humanos hemos llegado a un punto en el que de alguna manera consideramos normal aprovecharnos los unos de los otros, eso es lo que artísticamente queremos denunciar”. —bruno corrales

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Lágrimas de Sangre Sevilla (2 noviembre, La Calle ) Málaga (3 noviembre, París 15) Granada (4 noviembre, El Tren) Barcelona (18 y 22 noviembre, Apolo)

MICAH P. HINSON

Vitoria (1 noviembre, Jimmy Jazz) Barcelona (2 noviembre, Razz 2; Aniversario Razzmatazz) Mallorca (3 noviembre, TBA) Madrid (4 noviembre, Siroco) Santander (5 noviembre, Escenario Santander)

Tras tres años de silencio, Micah P. Hinson vuelve al ruedo con Holy Strangers (Fulltime Hobby, 17) Un álbum novelesco que retrata las idas y venidas de una familia en tiempos de guerra. Descrito como “una ópera folk moderna”, sonará en directo en noviembre en nuestro país.

El quinteto Lágrimas de Sangre llega al final de la gira de presentación de Viridarquia (New Beats, 17), momento que aprovechamos para preguntarles sobre su momento actual.

legáis al final de gira de Viridarquia. ¿Qué habéis aprendido esta vez de la carretera y de vuestro público? Hemos visto desde la perspectiva del músico lo que siempre habíamos visto como público. Desde siempre hemos acudido a festivales a ver a nuestros grupos favoritos, este año nosotros hemos estado en el escenario y nos han venido a ver a nosotros. Es emocionante. La parte negativa de esto es que quizás se pierde un poco la magia, porque detrás de un escenario hay mucho trabajo. Hay mucha gente con muy pocas horas de sueño y eso no se percibe desde la perspectiva del asistente. —Os quedan unas cinco o seis fechas dentro de esta gira. Estaréis en Andalucía antes de cerrar en Barcelona. ¿En qué regiones y provincias se os quiere más y en cuáles la gente se identifica más con vuestro mensaje? Pues en Catalunya y en Euskal Herria siempre nos hemos sentido de manera inmejorable, pero este año hemos visto cómo nos han recibido en Madrid, en Valencia o Zaragoza, y la verdad que no podríamos elegir solo una ciudad. Íbamos a ciegas por primera vez en muchos sitios y nos hemos encontrado con entradas agotadas y la gente cantando todas las canciones, no podemos pedir más. —En ocasiones da la impresión de que las

letras más combativas funcionan pero sobre todo entre la gente que ya conecta previamente con el mensaje que se muestra. ¿Creéis que vuestros textos le están abriendo los ojos a alguna gente o que sirven para reforzar la base de pensamiento de quienes ya tienen sus ideas claras? Se hace difícil analizarlo pero creemos que hay de todo, también nos encontramos gente que no compra nuestro discurso pero que le gusta nuestra música. Nosotros tratamos de hacer política de lo cotidiano en nuestras letras, a lo mejor con el tiempo les cala nuestro mensaje y abren los ojos, pero este paso lo tiene que dar cada uno en sus reflexiones individuales. —Está claro que vuestra combinación de rock, rap, reggae, pop, etcétera... funciona a la perfección. Antes se hablaba mucho de crossover, ahora no hay un concepto claro. ¿Cómo os véis a vosotros mismos? Siempre decimos que no nos pertoca a nosotros definirnos. El mundo está lleno de críticos y gente más lista que nosotros que sabe mucho de poner etiquetas, nosotros hacemos música brutal, a partir de ahí, que la clasifiquen como quieran. —La escena rap y la más combativa de la que formáis parte nunca se han unido del todo. ¿Cuál creéis que es el principal motivo? La escena combativa responde a una manera de pensar, que suele ser minoritaria en esta sociedad, entonces es normal que en cualquier género musical, las letras combativas sean minoría. A parte, en el rap siempre ha habido una especie de necesidad de ostentar actitudes y bienes materiales que nos hacen vomitar. —ernesto bruno

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ienes a presentarnos tu nuevo trabajo, Holy Strangers. Lo has descrito como una “ópera folk moderna”. Podemos segmentarlo por las palabras de la descripción. “Moderna” viene porque vivimos aquí y ahora, “ópera” porque siento que estoy narrando una gran historia con mucho drama y “folk” porque se centra en la gente común, no en reyes o reinas. En resumidas cuentas quería contar una historia de una familia en tiempos de guerra. Una familia mundana en cualquier guerra que pudiera pasar en cualquier momento. —¿Cuál es la tesis de este Holy Strangers? ¿Qué mensaje quisiste hacer llegar? Personalmente creo que esta historia es la moralidad que recuerda a la gente que tiene que tener cuidado con lo que creen. Tiene un toque espiritual, a ratos habla sobre dios y cosas así. Nada les va bien a los personajes de esta historia y sus creencias pueden volverse en su contra.

—Hablas también sobre temas clave como la muerte o la soledad pero también del amor. ¿Fue complicado explorar estos temas tan opuestos y convertirlos en canciones? El álbum fue muy difícil de escribir, el más difícil hasta la fecha. Intenté escapar de muchos fantasmas escribiendo esto. La historia de un matrimonio, el marido que se va a la guerra, la destrucción de la tierra, la muerte del niño… No fue difícil mezclar los temas que me planteas en la pregunta porque el amor y la desesperación muchas veces van de la mano, o la muerte y el apego. —¿Qué rol juegas tú en este álbum? En un momento dado, cuando estaba escribiendo las canciones fui donde mi mujer y le pregunté por qué estaba escribiendo estas cosas. Al final llegué a la conclusión de que todos los personajes tenían algo de mí, aunque contara una historia lejana a la mía. Podríamos decir que una gran parte autobiográfica se esconde en Holy Strangers. —¿Cómo te sientes cuando la gente escucha en directo las historias que has creado? Incluso si el público y tú habláis diferentes idiomas. Lo encuentro bastante raro, realmente, pero a la vez bonito. Quizá la gente no entiende cada palabra que digo, pero la música y la manera en la que la interpreto la sienten. Dicen que la música es el lenguaje universal y esto lo he comprobado en mis conciertos. Por ejemplo para este tour me gusta tocar el álbum de principio a fin porque así es como está concebido. Estoy seguro de que aunque no se entienda todo, se creará una sensación maravillosa.

—ane barcena

noviembre 2017 #31

33/Mondo VINILOS

Foo Fighters

Princess Nokia

Concrete And Gold Sony Music

ROCK / Ahora mismo, para Dave Grohl grabar un disco con Foo Fighters es un trámite. Una excusa para seguir alimentando su leyenda, para crear otros proyectos a partir del que se presume como principal. Si algo no le falta a Grohl es visión para el negocio, y en estos momentos, este era el disco que necesitaba. Tras Sonic Highways, un álbum en el que era más importante el concepto que el contenido, en esta ocasión era fundamental que hubiera un grueso de canciones con cuerpo, con un sentido. Si nos atenemos a que en sus tres primeros discos está el quid de la cuestión, la verdadera esencia de Foo Fighters, ahora basta con aguantar el chaparrón, no meter mucho la gamba, y sumar con cada disco tres o cuatro canciones que refresquen el repertorio. Y aquí las hay, como Run, Dirty Water o Sunday Rain. —toni castarnado 6

La seduccción masiva de St. Vincent St. Vincent

Masseduction Loma Vista/Music As Usual

POP / “I can’t turn off what turns me on” grita Annie Clark en el himno funky que da nombre al último álbum de St Vincent. Masseduction supone la evolución natural de la estrella. Su disco más personal hasta la fecha, un álbum pop centrado en resaltar el crecimiento y sus ganas de ascender hasta lo más alto sin olvidar su esencia. Recordemos que ya en su anterior trabajo (St. Vincent, 14) nos encontrábamos con temas como Psychopath con el pop como protagonista. Ahora, teniendo a Jack Antonoff (Taylor Swift, Lorde) como compañero de viaje se le podría tachar a Clark de intentar generar un disco con la única intención de captar a las masas para convertirse así en una reina del pop al uso. Sin embargo, este proyecto es mucho más que eso, y el hecho de conservar a su viejo amigo John Congleton en la producción de muchos de los temas lo demuestra (Fear The Future, Pills). Su estatus de cara a los medios, derivado de sus círculos sociales y sus relaciones sentimentales, ha colocado a Clark en el punto de mira de un público mucho más amplio que el existente en sus anteriores lanzamientos. Y, por esta

razón, en Masseduction nos encontramos por primera vez con un álbum de St. Vincent tratado como un gran producto y que cuenta con una enorme estrategia de marketing medida al milímetro detrás. Igualmente, esta posición social también le ha hecho darse cuenta de que, en realidad, emocionalmente no pertenece a ese entorno de lujo, plasticidad y falta de sensibilidad. Por eso, en Hang On Me hace una crítica directa a este mundillo y abre el disco rompiendo con todos esos valores establecidos con los que no se identifica. La obligación de casarse, tener hijos… Clark lo único que busca es ser feliz haga lo que haga y sin que le juzguen (“Cause you and me we’re not meant for this world”). Y es que si profundizamos en Masseduction nos encontramos con una artista humana a la que le aterroriza el futuro de su país (Fear The Future), que en parte se identifica con su público (“I am a lot like you. I am alone like you”, canta) y que recupera a sus tíos, el dúo de jazz Tuck & Patti, culpables de inculcarle de pequeña su pasión por la música, para que entre sintetizadores y distorsión formen parte de un par de temas (Los Ageless) y le devuelvan al mundo real. Una visión muy diferente a lo que representa todo el imaginario del álbum, esa sátira sobre el poder, la fama y el mundo del espectáculo con Willo Perron (Gaga, Kanye West, Rihanna) detrás como director creativo.

—alex jerez

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1992 Deluxe Rough Trade

RAP / Destiny Frasqueri ha conseguido con una sola mixtape -de producción regulera, pero cargada de hitshacerse necesaria en el rap actual. Esencia New York, hooks de peso, fraseos que miran tanto a la vieja escuela como a Migos y, sobre todo, un discurso inapelable. En 1992 se reivindica como superviviente, escupe (sobre) las miserias pasadas, empodera y se empodera. Una respuesta frontal y orgullosa a un sistema que se sostiene con la opresión de clase, raza y género -y ella ha sufrido las tres- como combustible. Un disco cargado de sororidad y chulería, tanta como para nombrarse G.O.A.T. Entrando en los ocho temas de esta nueva edición, lo cierto es que hacen que 1992 pase de ser una mixtape perfecta a un larga duración un poco irregular en su segunda parte. —dario garcía coto 8

Tigres Leones

Cut Copy

Haiku From Zero Astralwerks/ Universal

El año de la Victoria Sonido Muchacho

POP / El año de la Victoria es el contundente título del tercer disco de estudio de unos Tigres Leones que ya se han consolidado como una de las bandas identitarias del indierock underground actual en castellano. Repetir el bombazo que fue La Catastrofía no es tarea fácil, y en sus propias palabras: “hemos intentado hacer un disco de pop y hemos fracasado”. El resultado es su disco más cañero, que avalan temas como Golpe en la puerta, Los demonios o El mejor amigo del hombre. El miliciano tiene aires de rumba y con arreglos de vientos, se convierte en el tema más folclórico y castizo del disco. El año de la Victoria, que da título al disco, se empapa de ese humor sutil y del tinte dramático tan característico del imaginario de Tigres Leones. Y Milos Forman es, de los temas coreables, el más pegadizo. —daniel treviño 7

POP / Vayamos al grano, Haiku From Zero es uno de los mejores discos de pop que vas a escuchar este año. En solo cuarenta y un minutos -¡viva la economía narrativa en la música!-, Dan Whitford y cía. entregan una colección de hits que irradian una clase, en su acabado y ejecución, al alcance pocos. Y es que los de Melbourne son capaces de obrar el milagro de incluir guiños a sus héroes (Chic, New Order o Dead Or Alive, entre otros) sin perder personalidad por el camino; un poco lo que pasaba también en In Ghost Colours. Canciones cien por cien Cut Copy: las percusiones tropicales y el ritmo sostenido de Standing In The Middle Of The Field, el pop electrónico de Living Upside Down, el house peleón de Memories We Share, o el estribillo ganador de No Fixed Destination. Bienvenidos a casa de nuevo, chicos. —xavi sánchez pons 7

noviembre 2017 #33

MONDOVINILOS

Tori Amos Native invader Universal

Las dos caras de The Bloody Beetroots The Bloody Beetroots

The Great Electronic Swindle Last Gang/[PIAS]

7 ELECTRÓNICA ROCK / El italiano

Sir Bob Cornelius Rifo, espíritu y motor de The Bloody Beetroots, hace ya mucho que se mueve en un mundo en el que rock y electrónica se combinan tan habitualmente como rudeza y comercialidad. Para lo bueno, porque eso le permite recuperar a sus héroes del rock y crear junto a ellos canciones poderosas. Por eso esta vez graba junto Jet, el mismísimo Perry Farrell, Jay Buchanan (Rival Sons), Anders Fridén (In Flames), Jason Aalon Butler (Letlive), los británicos Gallows o el dúo gótico Prayers. Junto a ellos da forma a lo mejor

Destroyer

Galantis

ken Merge Records

POP / Con ken, Dan Bejar se aleja de cualquier referencia de Destroyer conocida hasta la fecha. De ello se han encargado un gusto estético por el minimalismo que se traduce en canciones más cortas, de estructura sencilla y con menos letras, pero más directas; y un concepto que da forma a todo: los últimos años de la era Thatcher. Con esta premisa, casi parece evidente que un tema que evoca al cielo gris británico ya desde el título, Sky’s Grey, dé comienzo al álbum. Lo hace con el mismo estilo con el que Chinatown abría Kaputt en 2011, mostrando todas las marcas de la casa Destroyer, pero llamando la atención sobre su introducción, un latido electrónico, urgente. De ese beat es responsable Josh Wells, batería de Destroyer y mano derecha de Bejar en este disco, al que facilitó una plantilla rítmica sobre la que poner en orden todas sus ideas, y que en ken actúa como denominador común.

—cristina pancorbo

#34 noviembre 2017

ELECTRÓNICA / El dúo sueco Galantis está de vuelta con su segundo álbum, The Aviary, un largo en el que Christian Karlsson y Linus Eklöw redefinen el house comercial con su toque más instrumental y pop tropical. Resulta difícil quedarse quieto frente a The Aviary. Ya desde su primer tema, True Feeling, pasando por Girls On Boys, con la melódica voz de ROZES, o Tell Me Love You Me, con la colaboración groovy del australiano Throttle. Hunter es otro tema interesante, arrancando con una producción suave y caribeña para enlazar en una transición con un toque más hip hop y enérgico. Los últimos tres temas del álbum, Love On Me, Pillow Fight y No Money son más reconocibles debido a su lanzamiento como single hace meses; una excelente manera de terminar un trabajo que gustará a los seguidores más fieles y a todo aquel que quiera pasar un rato de buena música; ya sea en casa o en una noche de fiesta o en un gran festival. —javier gago

—joan s. luna

Nightcrawler

The Aviary Big Beat/ Atlantic

de su nuevo larga duración. Como diecisiete temas dan para mucho, Sir Bob Cornelius también se permite grabar con Deap Vally ese drum’n’bass rock que es Drive, firmar instrumentales a la Justice (The Day Of The Locust), brutezas a lo South Central (Saint Bass City Rollers) y –y esa es la parte mala- incluir algunas piezas excesivamente almibaradas (Invisible o The Great Run con su habitual Great Svabo Bech), a un paso del AOR de manual (Nothing But Love) o del EDM menos apetecible (Enter The Void, con Eric Nally). De todo ello extraigo una conclusión, que Sir Bob suma con la intención de mantener a sus dos públicos, a aquellos que son capaces de romperse la crisma en los conciertos con banda y aquellos que solamente han aceptado sus canciones más accesibles.

ELECTRÓNICA / Hay vida más allá del synth wave, podría ser un buen titular para el segundo disco de estudio de Nightcrawler tras el estupendo Metropolis (publicado originalmente en 2014 y reeditado hace solo unos meses). El escurridizo músico con base en Lleida expande su concepto y sonido en Beware Of The Humans, el álbum más ambicioso de su carrera. Aquí se atreve con el rock (las guitarras afiladas y molonas de Hell On Earth) y con el pop electrónico a lo Italians Do It Better (ojo con la colaboración de la cantante francesa Celine en Beware Of The Humans). Ahora bien, el catalán no olvida de dónde viene, y aún reserva un sitio para el retro-wave en llamas. Canciones como Blood Rage, Nation Of Trash o la ya conocida Phantom Planet dejan claro que sigue siendo uno de los jefes mundiales en esto de los sintetizadores y las cajas de ritmos con sabor añejo. Su música merece salir fuera del nicho de los connoisseurs del género.

—xavi sánchez pons

POP / Tori Amos vuelve

con un disco de pop-rock convencional, aunque también es cierto que, en su caso, hablar de normalidad tampoco sea algo que se ajuste mucho a la realidad. Lo que sí es cierto es que después de grabar un disco de música clásica extraordinario, poner el acento en un musical (The Light Princess) y reeditar sus tres primeros trabajos, Amos retoma la actividad en el mismo lugar en el que lo había dejado años atrás. Hace exactamente tres, se inclinaba por el pop con Unrepentant Geraldines, una obra liviana y de transición, con sus buenos momentos a destacar, pero sin la profundidad a la que nos tenía acostumbrados. En cambio, en Native Invader vuelve a sacudir aquel viejo árbol que la cobijaba hace años para sacar notas de inspiración e ideas mágicas. No consigue dar con la frescura de antaño, pero ha ganado y mucho en sabiduría, incluso vueve a incluir temática política en sus canciones como ya hizo en Scarlett’s Walk.

—toni castarnado

Kaydy Cain

The Zephyr Bones

Beware Of The Humans Electronic Purifications Records

Calle Amor Autoeditado

Secret Place La Castanya

POP / Hace tres años, este cuarteto chileno-catalán asaltaba la escena con una maqueta (Wishes/Fishes) que les llevó a coronar la lista de lo mejor del año en la edición catalana de esta revista. Si a ello le sumas que la pasada temporada se colaron en el Top 50 internacional de canciones más reproducidas en Spotify con su single Black Lips, no es de extrañar que su debut en largo haya generado cierta expectación en el mundillo. Esta ópera prima publicada por La Castanya y grabada en estudio propio nos sumerge en unas canciones de ese dream pop psicodélico que nos trae a la cabeza bandas como Tame Impala, The Drums o Baywaves, pero con un toque propio que ellos mismos han denominado beach wave. En definitiva, Secret Place son treinta minutos de ensoñadoras melodías que nos trasladan al verano, desde la ilusión pero también desde la nostalgia de cuando llega a su fin.

—guillermo chaparro terleira

URBAN LATINO / ¿Podemos separar mensaje y música en las canciones? Por mensaje... ¿Nos referimos sólo a la letra? ¿Y la música, tiene mensaje? ¿Puede un tema horrorizar en la lírica y fascinar en lo musical? ¿Qué pasa cuando ese horror no es estético, sino ético? ¿Resta eso valor a lo puramente musical? ¿Existe lo puramente musical? No solventaremos estos debates en doce líneas, pero sirven para definir a primera escucha las virtudes y defectos de Calle Amor de Kaydy Cain. El ex Pxxr Gvng viste un maravilloso disco de género –bachata, reggaetón o dembow caminan sin exceso de arreglo electrónico gracias a Steve Lean o Hugo Douster– sin ningún discurso de género; el largo te pone a mover el culo pero te baja el frenesí con cada mazazo de amor romántico, mujeres objeto y cultura de la violencia. D. Gómez lo ha importado todo para su disco: puro ritmazo, puro patriarcado. Las VVITCH, Ivy Queen o Mueveloreina podrían enseñarle cómo hacerlo latino y feminista a la vez. —yeray s. iborra

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Mi Capitán

ROCK / Un tiro a la salud del imperio es la continuación natural de Drenad el Sena (2015). Y si aquel era un disco inmediato, emulgente desde la mezcla de talentos, consecuencia de las ganas de ver realizado el sueño de Gonçal Planas de ver convertidas sus canciones en un disco, este es consecuencia del asentamiento del grupo. De la adquisición de entidad como tal. Y lo hace de manera arriesgada, porque Planas, como único letrista, apuesta por canciones de contenido claramente político o social, llámenlo como quieran. Gente que transita En la avenida de la decepción y que se atreve a gritar que “no quiere vivir con miedo”. O dándole solución de largarse a aquellos a los que “simplemente nos llaman multitud” en Sal corriendo. Hay tiempo para otros temas, claro. Ahí están la psicotrópica 2000 apuestas o la cruda Y sin embargo, pero el ambiente amargo, crítico y confesional se pierde en pocas ocasiones, a pesar de no estar hablando de un disco triste. —eduardo izquierdo

Luciferian Towers Constellation/ Popstock!

POST-ROCK / En Lucife-

rian Towers vamos a encontrar una vertebración de cuatro piezas en las que este multitudinario combo de Montreal delinea horizontes melódicos cargados de sentimiento. Una vez más, se presenta exento de voz. En este políptico sonoro hallamos cortes tan impactantes como el que abre el disco, Undoing A Luciferian Towers, que consigue aportar un matiz onírico con el que nos recuerdan que todas las bandas tienen derecho a evolucionar, incluidos ellos. En los casi quince minutos de duración de Bosses Hang encontramos melodías amables y pausadas que van derivando sin dilación alguna hasta conformar una estructura sólida. Fam/Famine quizá sea el corte más abstracto de esta oferta, un título que juega con la experimentación de forma abierta sin perder de vista la cadencia. Anthem For No State cierra este álbum con unas melodías que recorren un largo camino que parte de la fragilidad y finaliza en la furia. —fernando o. paino

DD LJM DC JSL Med

1 Ed Is Dead #YL48H

8 8 8 8 8

2 C. Tangana Ídolo

7 7 8 8 7,5

3 Futuro Terror Masseduction Precipicio

8 7 8 7 7,5

4 The Unfinished Sympathy It’s A Crush

7 7 8 8 7,5

5 Sierra A ninguna parte

7 8 6 7 7

6 Propagandhi Victory Lap

7 6 7 7 6,75

7 Mujeres Un sentimiento importante

6 6 6 6 6

8 Beck Colors

7 5 6 6 6

9 Recycled J Oro Rosa

6 5 6 7 6

10 Torres Three Futures

5 6 6 7 4,25

Un paso adelante pata La M.O.D.A.

Los Coronas Señales de humo Legacy/ Tritone

La Maravillosa Orquesta del Alcohol Salvavida (de las balas perdidas) PRMVR

8 FOLK / Lejos de quedarse anclados en una fórmula que les garantiza el éxito que ya atesoran y que les ha llevado a ser una de las bandas más fiables para los promotores del estado, los burgaleses La M.O.D.A. han dado un paso más en su carrera de la mano de la producción de un Santi García que repite en esas tareas. Juntos, con la colaboración en los arreglos de Diego Galaz, han perpetrado un álbum complejo en arreglos, trabajado y, sobre todo, experimental. Entiéndanme, todo lo experimental que puede ser un disco de género como este. Porque lo de La M.O.D.A. sigue siendo punk-folk-pop pero, oigan, muy bien hecho. Con temas destinados a convertirse en himnos en sus conciertos como “La inmensidad”, “Mil demonios” o “Héroes de sábado”. Pero si en lo sonoro hay una ligera evolución, que acaba confirmando la aparición de instrumentos que nunca habían aparecido en sus trabajos anteriores, el salto cualitativo de las letras de David Ruiz es más que evidente. Trazando un álbum prácticamente conceptual sobre

la naturaleza del ser humano. Ahondando en sus sentimientos para hacer que acabemos formando parte de ellos. Psicoanalizándolos a base de acordes y melodías, o incluso de

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textos recitados. Porque se han atrevido hasta a algo tan poco comercial como eso, y lo han hecho bien una vez más. Lo que les decía, una garantía. —eduardo izquierdo

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

ELECTRÓNICA / Lindstrøm vuelve a demostrar en este cuarto álbum de estudio su solvencia a la hora de reinterpretar las claves del género disco y actualizarlo a tiempos en los que la barrera entre estilos se antoja cada vez más difuminada. Hay trazas en su nueva apuesta de su tradicional faceta clubbing, con temas como la sobresaliente Spire, Tensions o Shinin, que trascurren por los estéticos ríos del italodisco más reciente, pero también de nuevas huellas en el discurso del noruego, que desvisten su flanco más introspectivo y experimental, con canciones como la inquietante Bungl (Like A Ghost), pieza angular del disco firmada en colaboración Jenny Hval, el interludio Vesatil Dreams o la estupenda It’s Alright Between Us As It Is, que a base de superposiciones y varios arreglos de sonidos reversados sirve de prolegómeno a un trabajo en el que convergen referencias como Arthur Russell, Johan Agebjörn o Laurie Anderson. —daniel mesa

Godspeed You! Black Emperor

Un tiro a la salud del imperio DRO

It’s Alright Between Us As It Is Smalltown Supersound/ Music As Usual

top 10.

Lindstrøm

ROCK / El combo impul-

sado por la dupla Krahe/ Pardo lleva unos años instalado en un punto de madurez ideal al que se suman (ya sin vuelta atrás) altas dosis de osadía y curiosidad. Un escándalo para los puristas del género y la mejor de la señales cuando de aportar algo que valga la pena se trata. Los Coronas vuelven tras un tiempo de reposo poco habitual para entregar un disco doble que resume todos los frentes abiertos hasta el momento. Del obvio surf rock instrumental al aire cinematográfico fronterizo, el acercamiento desprejuiciado a los sonidos más castizos o diferentes incursiones en la música balcánica, latina (maravillosa apertura con Tono viejo junto a miembros de Orkesta Mendoza) ¡e incluso disco! Nada sobra, ni los relatos sonoros de ciencia ficción (Error 404). La banda cierra el círculo con su álbum más heterogéneo y desenfadado.

—bruno corrales

noviembre 2017 #35

MONDOVINILOS

Liam Gallagher

As You Were Warner

El segundo largo de Joe La Reina

Joe La Reina

Esas nuevas modas Subterfuge Records

8 pop / Algún que otro cambio reciente en su formación en ese periodo de tres años que van desde Bailamos por miedo a este Esas nuevas modas no ha impedido que Joe la Reina sigan por su senda disconforme. No esperen ningún hit porque la banda originaria de Donostia, ahora afincada en Madrid, no se lo va a brindar, pero este nuevo trabajo acierta mostrando la clara apuesta del grupo por destapar lo más crudo de la realidad actual incluso cuando eso supone desnudarse a sí mismos. Nadie me representa y Soy uno más revelan esa autocrítica y espíritu irónico de una sociedad poseída por el relato de lo políticamente correcto y la espiral del silencio. De igual forma Sitios bajos nos acercan a la realidad oscura de las redes sociales donde la mejor versión de uno mismo encaja a la perfección con lo socialmente aceptado. Hay posverdad en este álbum, pero tam-

bién existencialismo en canciones como Chico, con guiño a Battiato incluido, en la que el propio Lucas Malcorra se canta y se estruja desde sus adentros para hablar de las inseguridades de la juventud actual. Y asimismo, el continuo despojarse de todo ahonda más en frases como “Ya sé que en mi tierra no dan un duro por mí” de Nada me falta en la que la banda examina su con-

Marion Harper

Tiger Menja Zebra

Hydrangea Luup Records

pop electrónico / Lejos quedan los inicios folk y de corte más romántico de Marion Harper cuando uno se detiene a escuchar Hydrangea. Su segundo disco, más allá de si supone o no un punto de inflexión, sorprende por el hecho de confeccionar una electrónica suave y delicada, acorde con el timbre de voz de Mariona Harper, que resulta verdaderamente hipnótica y vibrante. Un sonido que contrasta con el de su debut Cotton Candy (15) por su paleta algo más oscura, la contundente presencia de sintetizadores y la mayor potencia de las canciones. Una maduración que ya se hizo presente en el primer adelanto, Ice Cream, y que se evidencia en los siete temas restantes del disco. Siguiendo el éxito de Pavvla o Museless, el sello Luup vuelve a dar un golpe sobre la mesa con una propuesta que aporta frescura a la escena musical local y que recuerda al pop bañado en electrónica del último disco de Lorde, al corte delicado de las armonías de Daughter, incluso a Halsey o Tove Lo. —raquel pagès

#36 noviembre 2017

Jamie 4 President

Anarquia i mal de cap Music Or Nothing/ Hidden Track Records

ROCK / Anarquia i mal de cap es el disco con el que Tiger Menja Zebra concluyen la trilogía, tal y como ellos la denominan, de la autodestrucción del ser humano. Todo empezó con Com començar una guerra (12). El álbum de debut de este proyecto con el que reaparecían los miembros de Camping, era una extaltación de la ira y la rabia, su particular declaración de guerra contra el mundo. En su siguiente entrega, Super Ego (14), se proclamaban vencedores de la contienda escupiendo todo su desprecio contra los vencidos. Último capítulo de esta tríada, Anarquia i mal de cap es la asolación de todo lo expuesto. A cara de perro. Con una formación remodelada, ahora conformada por dos bajos y dos baterías, Tiger Menja Zebra firman ocho temas a 140bpm y sin interrupción. Suenan más abrasivos y virulentos que nunca, llevando a su máxima expresión su personal acepción de los ritmos industriales, la electrónica y la experimentación abstracta.

—oriol rodríguez

ciencia ensalzando la importancia permanente de las amistades y la familia. Un trabajo que muestra la evolución de una banda escurridiza, inconformista y poco temerosa, y que se refleja en una Neón en la que vemos a los Joe del pasado mirando al futuro. —alberto bonilla

ROCK / Jamie R. Green está

de regreso con el segundo trabajo de su proyecto en solitario, rodeándose de una nueva formación donde figuran miembros de bandas como Please Wait o Bullitt. Un acompañamiento más que apropiado con el que dar vida a un rango de canciones que tiene una clara vocación de dejar atrás tiempos bastante agridulces, sin perder de vista la nostalgia más positiva. Es por ello por lo que las canciones de este trabajo se acercan temáticamente al debut de Wild Animals, la otra formación en la que Jamie ha participado activamente en estos últimos meses. Combinando estados de ánimo algo marchitos pero reconfortantes, junto con momentos en los que la euforia quiebra la monotonía, nos encontramos con contrastes de lo más interesantes. Pero el hilo conductor lo forma la parte del emo que puede tomar más vitalidad, generando unas canciones altamente melódicas que logran la intensidad emocional precisa. —noé r. rivas

de Liam Gallagher se imponía como prueba de fuego para saber si el talento del hermano pequeño alcanza más allá de sus meras cualidades interpretativas. As You Were se manifiesta como un sentido álbum de rock clásico, en el que el vocalista exprime influencias básicas (The Rolling Stones, The Kinks, Faces, The Who, T. Rex y, por supuesto, John Lennon y Beatles) para completar una docena de temas. Un revival durante el que el músico vuelve a cantar convencido y seguro de sí mismo, con una pegada que durante los últimos años parecía mermada. Las canciones soportan con solvencia el peso del mito y del apellido, y el disco incluye al menos media docena de piezas realmente acertadas dentro de sus parámetros, tanto a través de singles incuestionables como de medios tiempos emocionantes. Un álbum que convencerá (y por momentos hasta entusiasmará) a los fanáticos de Oasis, que incluso verán reverdecer sus propios laureles. —raúl julián

Ósserp

Sierra

Al meu pas s’alça la mort Hecatombe/ Blood Fire Death

The Heartbreak Campaign B-Core/La Agonia de Vivir

ROCK / El debut en solitario

metal extremo / Ojo, curva. La amalgama de subgéneros extremos que conjugan Ósserp en su nueva obra demuestra la tremenda solvencia con la que han tratado su segundo álbum, temida prueba de fuego para muchas bandas emergentes; más presión añadida, en su caso concreto, por haber debutado con Sang i sutge (15), trabajo que les catapultó como un nombre a tener en cuenta en el futuro. No han desaprovechado la oportunidad porque, sin desviarse demasiado de la propuesta que les ha ºdado a conocer han sabido firmar nueve canciones de una intensidad como pocas se han escuchado en la prolífica escena catalana. Además del sonido óptimo y una impecable presentación, Al meu pas s’alça la mort destaca por refrescar un sonido que, en muchas otras bandas, suena viciado y obsoleto. Ellos, aquí, han conseguido reunir los ingredientes que todo disco de metal extremo debería tener: no sonar, sino ser oscuro, denso y amenazante.

—tomeu canyelles

A ninguna parte Sonido Muchacho

pop / Tras haberse presentado hace tres años con Tiene mucha fuerza, el proyecto más personal de Hugo Sierra (Margarita, Prisma en Llamas) se estrena en largo con unas canciones que a priori pueden parecer menos claras que las de aquel primer EP, una ilusión que las sucesivas escuchas se encargan de ir desmintiendo, confirmando su capacidad de convertir en luz todo lo que toca. Así ocurre pronto con No eres increíble y Amiga extraña, manejando una expresividad de querencia ‘nuevaolera’ que también depara minutos de peligro, como ocurre en Perfectamente y más tarde en La noche criminal, uno de los momentos cumbre de un trabajo que viene cargado de reproches (A ninguna parte) y rupturas en el horizonte (Hacerlo fuerte), pero también de ternura y contrastes, deslizándose igual sobre melodías brillantes que a lomos de otras de acento oscuro, para completar media hora de pop meridiano.

—enrique peñas

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King Gizzard & The Lizard Wizard with Mild High Club

The Darkness

Sketches Of Brunswick East Heavenly/[PIAS]

ROCK / Cuando Miles Davis y Gil Evans unieron fuerza en Sketches Of Spain, probablemente buscaban algo más que la suma de las partes. Quizá no buscaban una suma sino un equilibrio, la compensación entre dos fuentes de energía. Sketches Of Brunswick East de King Gizzard y Mild HIgh Club sería una nueva aproximación a ese concepto: la banda australiana rebaja revoluciones para encontrarse con la fórmula sedosa y templada del grupo californiano, y este abandona la seguridad de su habitación para caminar por senderos campestres. Si el resultado tiene un mayor aroma Gizzard es porque ya han entregado álbumes sosegados como Quarters o Paper Mâché Dream Balloon, pero el sello personal de Alex Brettin (alma máter de Mild High Club) está muy presente en todo el disco, chapoteando con gracia entre las microtonalidades y desvaríos lisérgicos de sus socios.

—nacho serrano

hard ROCK / Dos años han pasado desde que los ingleses The Darkness publicasen su cuarto álbum, Last of Our Kind , tiempo que no ha sido suficiente para que The Darkness replanteasen su fórmula. Cuesta ser crítica con una banda que me ha gustado desde sus inicios, pero desgraciadamente no cabe otra opción frente a Pinewood Smile, un disco en el que hay más relleno que sustancia. Le falta unidad, un corazón conjunto. Da la impresión de que estemos ante un puñado de temas sueltos sin relación entre ellos. No hace falta más que escuchar Why Don’t The Beautiful Cry?, que rompe totalmente con la energía de las dos primeras canciones del disco. A pesar de todo, ahí están para destacar Bucaneers Of Hispaniola y Stampede Of Love. La primera recuerda al Immigrant Song de Led Zeppelin y es, sin duda, lo mejor del disco; la segunda, cuenta con sonidos más country, para cerrar este quinto álbum. —ana lópez

Jacobo Serra

Templeton

Una mar enorme Gramaciones Grabofónicas

pop / Javier “Betacam”

Carrasco había anunciado que el nuevo disco de Templeton se situaba musicalmente entre El murmullo (12) y Rosi (14). Sin embargo, los tempos y desarrollos de las canciones recuerdan más al último. Por el camino se ha quedado buena parte de la inmediatez pop de Los días o Miedo de verdad en condiciones. A cambio, el grupo gana en hondura y diversidad. Una heterogeneidad pop que se hace latente en Largo recorrido, que recuerda a los hits del italo disco ochentero, aunque los bonitos arreglos de cuerda marca de la casa vuelven a aparecer en Me has dejado de gustar. Y aunque algunas de las reflexiones existenciales de Conan chirrían, la melodía de Nube gris se revela como la más perfecta de todo el lote. En general, las composiciones del grupo se adaptan muy bien a la voz reposada de Santi Castillo y el disco, aunque transcurre en general por un tempo lento, tiene abundantes momentos de inspiración como para ser al menos notable. —miguel díaz

Pinewood Smile Cooking Vinyl

Fuego artificial Warner Music

pop / A veces es necesario

revolucionarse a uno mismo para revolucionar a los demás. Jacobo Serra se aburrió de ser “el beatle manchego” (normal, no tiene muy buena pinta ese sobrenombre), se alió con uno de los compositores de Vetusta Morla (Juanma Latorre) y comenzó a articular, el año pasado, lo que podemos escuchar a lo grande en Fuego artificial, su primer material íntegramente en castellano. Pero no es el idioma lo más significativo de este reinicio total del de Albacete: consigue construir un cancionero más cerca del sonido del Damon Albarn solista, alt-J, Radiohead o Broken Bells (como en Mientras estés ahí, En tu volcán o Fuego artificial), a la vez que se introduce en el indie mainstream de autor estatal (Deshielo, La brecha o El activista) y hasta se permite licencias para acercarse al reggae (Nada es perfecto) o al soul & roll (4 a.m.). El primer día del resto de la vida de Jacobo Serra se escribe con pólvora en un lienzo llamado canción.

—alan queipo

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El asalto al cielo de C. Tangana C. Tangana

Ídolo Sony Music Spain

RAP / “Todo lo que predije se ha hecho realidad” recita C. Tangana en Tiempo, primer corte de Ídolo. Una frase que podría ser el leitmotiv de todo el disco. Más que un punto de partida, Ídolo supone la culminación de una carrera de fondo que ha llevado a Antón Álvarez desde el underground del rap madrileño hasta las listas latinas de Spotify. El éxito de Mala mujer hacía presagiar un disco más accesible, pero C. Tangana nos ha sorprendido con un trabajo de rap contemporáneo oscuro y complejo. Cincelado por los ritmos de un auténtico alquimista como es Alizzz y colaboraciones puntuales de livinglargeinvenus, Horror Vacui, Danni Ble o El Guincho, la producción tiene una consistencia y uniformidad técnica que nada tiene que envidiar ya a sus referentes internacionales. Líricamente, además, maneja conceptos ciertamente

interesantes. El más blando del rollo se ha convertido al fin en el rey midas que tanto ansiaba, y sin embargo el tono sombrío, casi melancólico, se impone en temas como Intoxicao o Caballo ganador. C. Tangana siempre ha tenido la habilidad de convertir sus pensamientos y ansiedades en sesiones de terapia grupal. Cuando confesó sus temores (Sólo pienso con quién estarás) nos volvimos un poco más intrépidos. Y cuando convirtió sus males en himnos, todos nos vinimos arriba (Yo no quiero hacer lo correcto). Pero en Ídolo la catarsis colectiva desaparece casi por completo de la ecuación. Ahora quiere hablarnos de sí mismo y contarnos como se siente. Así que no. Pese a las cadencias latinas, C.Tangana no se ha convertido en J Balvin. Tampoco se trata de su álbum de confirmación, más bien estamos ante su Rubicón personal, el paso con el que pasa a jugar en una nueva liga sin traicionarse a sí mismo. Más que un vellocino de oro, Ídolo es un caballo de Troya con el que toda una escena se va a colar en la corriente principal de la música en nuestro país. Su particular “asalto al cielo” es ya un hecho consumado.

—tomás crespo

noviembre 2017 #39

MONDOVINILOS

Propagandhi Victory Lap Epitaph Records/[PIAS]

En el foco de la electrónica Ed Is Dead

#YL48H Idioteque Records

electrónica / Cualquiera con unas míni-

mas nociones de producción se percataría de que detrás del nuevo trabajo de Ed Is Dead, #YL48H, hay una intención clara y un propósito que se hace notar a lo largo de sus diez cortes. El músico y productor Edu Ostos juega a la experimentación, a la improvisación y a no atender a otros mecanismos que a sus impulsos primarios y a los referentes que le han acompañado en los últimos años. Si bien hay momentos del disco en los que el madrileño tira

#40 noviembre 2017

hacia un discurso que comulga con la electrónica de festival (Drive Fast o Make Someone Happy), la dinámica general es otra distinta, con guiños a la IDM a la que Ostos incluye sutiles elementos orgánicos y percusiones afro, en la que incluso se llegan a hallar algunas trazas de los últimos trabajos de FKA Twigs (sirva como ejemplo Have A Fight). Es imposible no pensar en las características escalas de notas de Plaid al oír Jump Out Of An Aeroplane o Kidnap A Politicien, como lo es no acordarse del future garage de Sidechains y voces reverberadas que nos ha dejado el Reino Unido en los últimos años al darle al play para que empiece a sonar Rob A Bank. Comparaciones aparte, #YL48H es ese disco que necesitaba la trayectoria de Ed is Dead para situarse en el foco de la electrónica patria venidera. —daniel mesa

HARDCORE / Tras cinco años

de espera, los canadienses vuelven con otro disco made in Propagandhi evidenciando que, en su género, son una de las bandas de referencia indiscutibles. Los doce temas nuevos se mueven con maestría entre registros con estructuras melódicas típicas de la escena skate-punk en la que se formaron hace más de veinte años (Cop Just Out Of Frame) intercaladas con otras más pesadas y complejas cercanas al thrash más técnico (Comply/Resist). El cuarteto no se corta un pelo a la hora de incluir estos ritmos tan distintos en una misma canción y evidencian que a técnica y solvencia a la hora de componer no les gana nadie. Tampoco decepcionan sus reivindicaciones políticas y sociales, y en este Victory Lap vuelven a abordar temáticas como el especismo, la brutalidad policial, el racismo o el mismo Trump, del que han incluído un sample en el último corte y donde Hannah reflexiona sobre qué mundo vamos a dejar a nuestros hijos. —sofía cuevas gonzález Torres

Three Futures 4AD/Popstock!

ROCK / Mackenzie Scott

regresa con el tercer largo de su alter ego Torres, más experimental y atmosférico, esquivo en la primera escucha y aparentemente menos contundente que Sprinter (15), pero más misterioso, hipnótico y auténtico. Three Futures posee un aura atrayente que crece cada vez que la aguja

vuelve a recorrer los surcos, arañándote la piel en un nuevo giro más profundo que el anterior sin que te des cuenta. Torres explora la sensualidad en sus múltiples formas y celebra el cuerpo y las pasiones, en el cripticismo de cada letra, valiéndose de una electrónica expresiva que bracea y ahonda en cada estado de ánimo. Rob Ellis (PJ Harvey) repite en la producción y abre esta vez una caja de Pandora de sintetizadores, baterías electrónicas y programaciones, creando una mayor textura y riqueza de capas. —david pérez Mount Kimbie

Love What Survives Warp/Music As Usual

ELECtrónica / El dúo aprovecha su tercera puesta de largo para deshacerse de la etiqueta post-dubstep. Los once cortes de su nuevo disco, menos electrónico que de costumbre, peregrinan entre viejas referencias ya conocidas, pero sus piezas no acaban de encajar en un puzzle demasiado ecléctico. Four Years And One Day funciona como preliminar de un conjunto que bebe en gran parte de la Neue Deutsche Welle, del krautrock y del ritmo motorik , patente en temas como SP12 Beat o Delta, que junto a la introspectiva Audition simbolizan a la perfección esta nueva dirección de la formación. La nota disonante y que imposibilita hablar aquí de un disco redondo llega con temas como T.A.M.E.D., el eslabón easy-listening de melodías claramente pop; las downtempo How We Got By y We Go Home Together –interpretadas por un acertadísimo James Blake– o Poison, un interludio de piano que a duras penas ensamblan en el repertorio y que junto al resto denota un exceso de buenas ideas mal dispuestas. —daniel mesa

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Ainara LeGardon

Melange

Viento Bravo Discos Tere/ Beyond, Beyond Is Beyond

S/T Autoeditado

rock / Con Ainara coincidí

dando unos cursos de formación. Yo impartía un módulo relativo a los impactos de la cultura y ella sobre propiedad intelectual. Y en la pomposa autodenominación que hacíamos cada uno de los profesores acerca de nuestro CV, ella simplemente se llamaba a sí misma artista, más allá de su expertise en gestión derechos de autor. Porque sólo desde esa posición, la de una artista, se puede llegar a buscar y a encontrar no tanto las canciones, sino el sonido. Esa necesidad de hacerse preguntas cristalizada en el riesgo de llegar más allá, de primar el proceso sobre el producto final, hacen de la cantante vasca una anomalía. En este último disco, acompañada de Xabier Erkizia en Bera de Bidasoa (se debería hacer un informe sobre esta localidad navarra y su escena), otro eterno buscador del sonido, su primer trabajo en castellano suma un entero a la experimentación y la aúpa al (pequeño) mundo de las/ nuestras, grandes, reiteramos, artistas. —álvaro fierro

La selección

rock / El grupo madrileño

no ha querido desaprovechar la ola que provocó, hace apenas un año, su debut en forma de disco doble, trabajando desde el primer minuto en su continuación, que llega ya con esta segunda entrega en la que se repiten las claves de aquella sorprendente carta de presentación, solo que ahora lo hacen por la vía de la concisión: nueve canciones y apenas cuarenta minutos en los que la mezcla de psicodelia añeja, rock lisérgico y músicas mediterráneas consolida un discurso propio que avanza con fluidez a la vez que invoca nombres como los de Can, Triana o Six Organs Of Admittance. Solo así pueden encajar los evocadores paisajes de Río revuelto con la épica progresiva de Ruinas, las melodías populares -importadas de Grecia- de Oxi, la llamada a lo salvaje que propone Cheroqui, el peligro de los días que vivimos en Armas preparadas o la juguetona bossa nova con la que Splendor Solis echa el cierre a un álbum que maneja la diversidad con absoluta coherencia. —enrique peñas Núria Graham

Vessels

The Great Distraction Different Recordings/ [PIAS]

Does It Ring A Bell? El Segell

El retorno de John Maus John Maus

ELECtrónica / El quinteto

de Leeds Vessels presenta su quinto largo metidos ya de lleno en la electrónica, estilo que abrazaron a partir de su cuarto disco Dilate (15), tras unos inicios en la senda del post-rock de manual. Una transición que puede sonar un poco extraña o forzada , pero una vez escuchado el disco de principio a fin se quita de la cabeza ese pensamiento, por la (alta) calidad de los temas que entregan, que sonarán bien tanto en directo como en un club. Algo tendrá que ver el sello dónde sacan el disco, Different Recordings, hogar de algunas de las lumbreras más reconocidas de la electrónica francesa, como Vitalic o Etienne De Crécy. De Vitalic cogen algunos trucos, aunque en quien más se fijan y llegan a mirar de tú a tú es a gente como Moderat o Trentemøller, de quienes toman la inspiración para sacar temazos como Mobilise o Deflect The Light. Por el camino dejan algún que otro hit bailable como Gløwer que también les acerca por momentos al Four Tet más cañero. —daniel mesa

pop / Después de su laurea-

do Bird Eyes (15), Núria Graham afrontaba una continuación que debía convencer a los más escépticos de que no es simplemente una joven folkie y demostrar la particularidad de su estilo. No os preocupéis: Does It Ring A Bell? no solamente cumple expectativas, sino que supone un plus de madurez y seguridad en la carrera de la vigitana. La textura añeja y clásica del álbum señala su rápido crecimiento como artista y, además, da ese punto de cohesión que algunos echábamos de menos en su anterior largo. Graham se mueve por caminos del pop suave, la psicodelia relajada y el omnipresente indie folk, pero sabe muy bien su camino y avanza sin desviarse demasiado. Es fácil enamorarse de temas con aires sunshine pop como Bird Hits Its Head Against The Wall, otros más animados como Lucifer Sam y ese Hide Your Emotions que canta sola con su guitarra. Al terminar, queda claro que Núria Graham ha superado la prueba de sobras. —martí juan batet

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Screen Memories Ribbon Music/ Music As Usual

8 POP/ Hubo un momento, coincidiendo con

la publicación de su primer disco para el subsello de Domino Records, Ribbon Music, que John Maus parecía destinado a comerse el mundo y jugar en grandes ligas. Eso fue hace seis años, un tiempo excesivo para un artista de sus características, que nos llevó incluso a pensar si no habría puesto punto y final a su fascinante pero un tanto extravagante carrera musical. Ahora lo que tenemos ante nosotros es su nueva colección de canciones, doce en total, que bajo el título de Screen Memories le sirven para retomar su carrera allá donde la abandonó hace más de un lustro, cuando decidió centrarse en su doctorado en Ciencias Políticas. The Combine, el tema con el que arranca este retorno, suena épico, exótico y futurista, como una recreación musical del momento en que Darth Vader al frente de las Tropas de Asalto echa pie a tierra en Tatooine, mientras que el título del disco y su portada potencian el efecto nostálgico que la

música de Maus siempre ha tenido sobre el oyente. Estos screen memories funcionan como aquel televisor devorador que en Poltergeist, la cinta de Tobe Hooper, engullía a quienes se sentaban embelesados frente a la pantalla. Así es la música de John Maus, que avanza a golpe de arrebatos psicóticos en paralelo a un irresistible componente hipnótico. Por mucho que durante las entrevistas promocionales Maus haya incidido en la importancia de que sus canciones por primera vez surjan de instrumentos electrónicos fabricados a su medida por él mismo, lo cierto es que no habrá excesivas novedades desde un punto de vista meramente musical para quien haya seguido sus pasos desde la publicación de Songs hace un década: fugas de aire barroco, música de videojuego, bandas sonoras para películas de serie Z, todo ello envuelto en un primitivo acabado techno-pop y coronado con el amenazante vozarrón de crooner de Maus.

—luis j. menéndez

noviembre 2017 #41

50/MondoQueercore, a d a n z o v a n u Media silenciosa cómics Black Hammer Jeff Lemire/ Dean Ormston/ Dave Stewart Astiberri

Sadboi Berliac Sapristi

7 Sadboi es una obra controvertida, incómoda y atractiva al mismo tiempo. En ella, el argentino Berliac -que acaba de publicar otro título en Fosfatina que no deberían dejar pasar- se mueve en un universo violento que navega entre tradición y modernidad, entre el gekiga más sucio de Yoshihiro Tatsumi y la caracterización de personajes marginales del Tekkonkinkreet de Taiyo Matsumoto. Decididamente provocativa, hay bastante que rascar y mucho sobre lo que pensar. —joan s. luna #42 noviembre 2017

cine

Puede parecer complicado, a veces, enfrentarse a un cómic calificado como “de superhéroes”, pero es que calificar este volumen del creador de la trilogía de Essex County de esa manera se hace osado. Porque aquí, tras un espléndido dibujo y un trabajo al color espléndido, hay mucho más. Un deslumbrante trabajo lleno de personalidad, y una nueva visión del mundo heroico cargada de prestancia que se lee con solvencia y placer. —eduardo izquierdo

“Lo que realmente me ca interesaba es la estétije” y el mensa La llama del queercore se mantiene viva décadas después de que naciese a mediados de los ochenta a través de fanzines que fueron el reflejo y la inspiración de una cultura que, desde el underground, iba creciendo día tras día. Ahora, el director Yony Leyser lo resume en el documental Queercore: How To Punk A Revolution, recientemente proyectado en el festival In-Edit y que puedes ver online.

ony Leyser se sumergió ya en el underground y en las formas alternativas cuando dirigió en 2010 el documental William S. Burroughs: A Man Within, pero esta vez su radio de acción va mucho más allá de una leyenda outsider, para intentar descubrir las claves y la evolución del queercore como género cultural y musical en Queercore: How To Punk A Revolution. “Quería hacer una película sobre rebeldes queer. En 2011 estuve de gira con un grupo de artistas queer llamado Sister Spit y eso me inspiró para hacerla, al tiempo que descubrí lo importante e influyente del movimiento y lo olvidado e indocumentado que estaba”, contesta

el director. “Y la respuesta ha sido increíble, quizás la mejor de cualquiera de mis películas. El mensaje es muy importante para la gente en el clima político actual. Aquí tenemos Black Lives Matter, Femen, Pussy Riot, Occupy Wall Street, la lucha contra el crecimiento del fascismo en todo el mundo, así que creo que por eso la película está obteniendo ese eco entre la gente. Se ha proyectado ya en diversos países a lo largo del mundo. De hecho, acabamos de ganar el Premio Felix a Mejor Documental en el Rio International Film Festival”. Queercore: How To Punk A Revolution podría dividirse en dos partes, una primera en la que descubrimos el nacimiento del espíritu y del imaginario del queercore (tiempos de fanzines, cine alternativo y performances artísticas queer) y una segunda en la que la música se hace mucho más protagonista, aunque centrándose principalmente en los noventa. “Sí, eso ocurre porque el zine fue lo primero que hubo y ellos fueron realmente el principio de todo un movimiento que luego se extendió a través de las bandas de música. Algunos de los grupos me encantan, pero lo que realmente me interesaba de todo lo que los rodea es la estética y el mensaje”. Eso permite que tanto protagonismo tengan en las declaraciones artistas como John Waters o Genesis P. Orridge (“John me ayudó a conseguir financiación para la película. Ambos son buenos amigos y John Waters ha ido mucho más allá

de ser un amigo mentor y un gran apoyo para mí y mis películas”) como miembros de grupos como Tribe 8, Gossip y Pansy Division e incluso Peaches. Ahora bien, uno echa en falta más música y, sobre todo, más artistas actuales que abran el abanico de opiniones. “Preferimos darle al documental un enfoque más histórico. Hay muchas bandas jóvenes de queercore que no aparecen, eso es cierto, pero tengo la esperanza de que, tras ver el documental, haya gente que se interese por el movimiento y las descubra. La música es siempre un medio muy poderoso para difundir un mensaje. Y si tuviera que destacar un caso reciente, te diré que adoro la visibilidad que Against Me! le están dando a lo trans y al queercore en general. ¡Les amo!”. —joan s. luna

r Más en www.mondosonoro.com

How To Punk A Revolution, Yoni Leyser 2017

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Nick Drake. Recuerdos de un instante Gabrielle Drake y Cally Collomon Malpaso

Se han publicado numerosos libros sobre la figura de Nick Drake: las biografías de Gorm Henrik Rasmussen o Trevor Dann, o el magnífico Blancas bicicletas, memorias de Joe Boyd que en buena medida se dedicaba a tratar el “expediente Drake”. Sin embargo estas casi quinientas páginas que firman Gabrielle Drake (hermana mayor del artista) y el músico y manager Cally Collomon condensan todos aquellos acercamientos. —L.J.M. Lonely Boy

Steve Jones Libros Cúpula/ Planeta

A estas alturas necesitamos que, además de aportar información, los libros musicales sean amenos e incluyan buenas dosis de anécdotas truculentas,. Y eso lo cumple de sobras este Lonely Boy. El guitarrista de Sex Pistols confiesa sus adicciones, pone fino a John Lydon (esperado), y nos pasea entre Pamela Des Barres, miembros de Mott The Hoople, Johnny Thunders o Chrissie Hynde, por citar a algunos. —eduardo izquierdo

Carlos Zanón La vida en un taxi

libros

El infalible Carlos Zanón, una de las figuras más interesantes de la novela nacional actual acaba de publicar Taxi (Salamandra, 17), un libro que tiene mucho que ver con su tradición familiar.

arlos Zanón lleva años publicando novelas interesantes, pero el mundo del taxi le toca de cerca. Zanón es hijo y nieto de taxistas. “Sabía de lo que hablaba, pero me gustaban las posibilidades que daba el taxi como un lugar que, al moverse, no está en ningún sitio y el aspecto metafísico del taxista, un tipo al que le es igual ir a un lado u a otro, que depende del azar, que aparentemente puede ir a donde quiera, pero no sale de su pecera. El aspecto de confesionario, de sitio en el que pasan y se explican historias constantemente”. Con ese elemento como protagonista ha creado una novela espléndida, costumbrista, pero también cargada de cierto halo de misterio. Eso ha llevado a muchos a pensar que esta era su primera incursión fuera de la novela negra, y él parece estar de acuerdo. “Creo que no es negra porque la violencia no es el lenguaje del personaje

buen “Es leal. Es débil. Es un s” tipo, cabrón como todo

o el instrumento con el que la acción se mueve. Alguna subtrama lo es, pero la novela en general, no”. No están exentas de música las novelas de este barcelonés nacido en 1966 que también se ha adentrado en el terreno de la poesía e incluso en la escritura de letras para canciones (temas de Loquillo o Brighton 64 dan fe de ello). Y Taxi no podía ser menos. Su personaje se llama Sandino, en honor al Sandinista de The Clash, y los capítulos se titulan como algunas de las canciones del grupo británico. Por ello preguntamos qué unía a su Sandino con Joe Strummer, pero Zanón piensa que “Sandino es Mastroianni en La Dolce Vita, un niño perdido en la feria, consentido y melancólico”. Un personaje total que se convierte en el absoluto centro de la novela. “Es un tipo vulnerable que no consigue fijarse en nada. Todo le es lo mismo. Es un existencialista nada nihilista. Él busca, va a todo y en la acumulación no encuentra lo que busca. Es leal. Es débil. Es un buen tipo, cabrón como todos”. Para redondear la narración, el escritor es capaz de sacarse de la manga una historia paralela, a partir de la abuela del protagonista, que acaba confluyendo en una única trama de manera sorprendente. “Sí, hay dos historias paralelas que hablan de

conflictos de clase, una es la de Sandino y otra es la de la abuela”. Como si fuera otra marca de fábrica, igual que la música, la Barcelona real está presente en la novela del ya responsable de resucitar al Pepe Carvalho de Manuel Vázquez Montalbán en su próximo trabajo. Por ello encontramos referencias a la CUP, el partido independentista anti capitalista, o al terrorismo islámico, y nos cruzamos también con personas conocidas de la escena musical de la ciudad como Tori Sparks o Dani Nel·lo y sus Mambo Jambo. “Tocas, grabas y editas. Es costumbrismo en cierto modo, explicar cómo vivimos, pero también aquí y ahora. Tori y Dani, son colegas, mola que salgan”. —eduardo izquierdo

r Más en www.mondosonoro.com

Taxi

Carlos Zanón Salamandra, 2017

Te están robando el alma

Ian Svenonius Blackie Books

7 Tras Estrategias sobrenaturales... (14), Blackie Books traduce el libro que Svenonius vino a presentar en directo hace un par de años, Censorship Now!, una nueva dosis de locura lúcida, de crítica socio-política de lo más lisérgica, de estupideces que acaban teniendo mucho sentido y de situaciones verídicas del mundo actual que, en realidad, son una gran tontería. Svenonius solamente hay uno. —joan s. luna mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

noviembre 2017 #43

44/Mondo Conexiones RECOR(D)TABLES <> BJÖRK, BOWIE Y ALASKA

KIA <> Just A Stonic Day El 4 de noviembre Lichis se pasará por las oficinas de MondoSonoro Madrid para tomarse un aperitivo y tocar unos temas en acústico delante de un público muy reducido que llegará montado en el Nuevo Kia Stonic. Los participantes han sido elegidos previo concurso en redes, en el que por parejas, publicaron su propuesta del plan más loco. El premio: una agenda llena de actividades que comienzan a las 7.00h de la mañana con una clase de Fitness, pasando por un desayuno, visita a un plató de televisión, sesión de compras, fiesta de Dj’s ¡y mucho más! Todo ello a bordo del Nuevo Kia Stonic en un plan a medida para los que no saben decir que no #JustAStonicDay

Recor(d)tables son una serie de cuadernos recortables con carácter didáctico que pretenden rendir homenaje a los grandes iconos musicales de las últimas décadas, tales como Björk, Bowie o Alaska. Estos cuadernos se componen de figuras recortables personalizadas que, a través de sus diferentes looks y outfits, pretenden hacer un recorrido por sus diferentes etapas musicales y estéticas para ayudar a entender su trascendencia y el carácter icónico de los mismos. Toda la info en www.recordtables.com

SAN MIGUEL <> MUSIC EXPLORERS ON TOUR

Ron Brugal Extra Viejo <> Amber Velvet Ron Brugal Extra Viejo presenta nuevo combinado para la próxima temporada, pensado para el plan afterwork. El cóctel ha sido ideado por el bartender Mario Villalón, actualmente una de las figuras más sobresalientes en este arte: “Es evocador. Está inspirado en dos recuerdos que siempre asocio a la Navidad: el roscón de reyes y el panetone”. Y es que Amber Velvet, que es el nombre de este nuevo combinado, está elaborado con miel de azafrán de La Mancha, Rosolio de rosas, espuma de crema y aroma de roscón de Reyes, y está disponible en la coctelería Angelita de Madrid.

Arranca la tercera edición de “San Miguel Music Explorers On Tour”, un ciclo de conciertos que llevará a más de treinta grupos por unas veinte ciudades españolas durante los meses de noviembre y diciembre. Entre los artistas del cartel, destacan nombres como Delafé, Smile, Viva Suecia, WAS, Delorean, Rufus T. Firefly, León Benavente o Sidonie. Todas las fechas en la web de San Miguel.

DOCTOR MUSIC FESTIVAL <> A GREENER FESTIVAL

Reebok Classic <> Gucci Mane Reebok Classic muestra la cara de su nueva campaña. Se trata del rapero Gucci Mane, que se une así a las filas de un colectivo de artistas y músicos formado por Future, Machine Gun Kelly, Rae Sremmung, Teyana Taylor y Jasmine Sanders, todos ellos un modelo de inspiración por su estilo y arte vanguardistas. La nueva campaña protagonizada por Mane rinde homenaje al nuevo modelo de la icónica zapatilla Reebok Workout Plus, la Workout Plus EG, que estará disponible en Reebok.es y en tiendas seleccionadas por 99,95€. #44 noviembre 2017

Doctor Music Festival ha anunciado su regreso para julio de 2019, bajo el nombre de Reincarnation Edition. Además, acaba de comunicar que será el primer festival español asociado a la organización internacional “A Greener Festival”, que tiene como fin que los organizadores de eventos culturales cuenten con los medios y la asesoría necesarios para que desarrollen sus actividades de manera sostenible.

Ballantine’s <> True Music Series Ballantine’s acaba de lanzar una innovadora plataforma para compartir y visualizar música: True Music Series. Este nuevo proyecto nace con el objetivo de apoyar a artistas emergentes para que hagan realidad sus ideas a través de una serie de colaboraciones musicales y remixes originales, streaming, vídeos musicales o películas behind-the-scenes. Además, este proyecto ya tiene su primera botella, True Music Limited Edition, creada junto a uno de los beatboxers más reconocidos, Reeps One. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com

Can

Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

Origen: Colonia (Alemania), 1968

ay grupos cuya carrera difícilmente puede resumirse a través de una simple colección de singles, y sin duda uno de ellos es Can, entregados con frecuencia a desarrollos tan turbulentos como mágicos, resultado de la suma de cuatro individualidades -más los sucesivos vocalistas, principalmente Malcom Mooney y Damo Suzuki- al servicio de la creación colectiva, para erigirse desde el mismo lanzamiento de Monster Movie (1969) en paradigma del krautrock. No solo eso: también la banda más avanzada de su tiempo. Y sin embargo, aquí está el recopilatorio Can-The Singles, que reúne veintitrés sencillos al tiempo que hace un recorrido (necesariamente incompleto) por su trayectoria. Lo explica a sus ochenta años Irmin Schmidt -teclados-, único superviviente de la histórica formación de la banda alemana (Holger Czukay -bajo- falleció el pasado mes de septiembre, Jaki Liebezeit -batería- lo hizo en enero y Michael Karoli -guitarra- en 2001). “Es algo que partió de la gente de Mute, y especialmente de mi hija y de mi mujer [ambas al frente de Spoon Records]. Yo me limité a decir que estaba bien, y al final ha acabado siendo una buena idea, porque se tiende a pensar que únicamente hicimos largas piezas de avant-garde, pero en realidad hay diferentes maneras de acercarse a Can. Está el jazz, la electrónica, la tradición de la música clásica europea, Karlheinz Stockhausen, la abstracción, la inspiración japonesa… Pero también hay algo que viene del pop, no relacionado con estructuras convencionales, ni tampoco en un sentido comercial, pero sí de una forma muy espontánea, de manera que a veces recogíamos todo eso en canciones de tres o cuatro minutos”. La historia de la música en el último medio siglo no sería la misma sin la magistral secuencia formada por Soundtracks (1970), el doble Tago Mago (1971), el más accesible Ege Bamyasi (1972) y Future Days (1973), dentro de unos años de frenética actividad en los que redefinieron los límites

#46 noviembre 2017

del rock desde la contracultura, construyendo una leyenda que también tuvo sus momentos de concisión, e incluso con algún tímido asalto a las listas de éxitos a través de temas como I Want More (su ‘hit’ más claro), Spoon, Moonshake o Vitamin C. Su producción en los setenta (a pesar de patinazos de última hora como Out Of Reach) horadó un género entero, con un eco que se multiplica desde entonces en centenares de bandas. Regresaron sin nostalgia una década después (Rite Time, 1989), para dedicarse luego a múltiples proyectos, aunque sin olvidar nunca la que ha sido su gran obra. —enrique peñas

IMPRESCINDIBLE

Can-The Singles (Mute/Pias, 17) Pasando por alto que es imposible llegar a la esencia de Can sin pasar antes por temas de generoso minutaje como Yoo Doo Right, Mother Sky, Bel Air o Halleluhwah (que en este recopilatorio aparece en un ‘radio edit’), The Singles se presenta como un trabajo para completistas -con rarezas como Turtles Have Short Legs-, pero también como una forma de aproximarse por la vía rápida a la música del grupo de Colonia a través de algunas de sus canciones más conocidas y a priori también más asequibles (aunque sea por duración).

Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639

Tago Mago

una aproximación

Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván MarcosTlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción Cantabria: Carlos Caneda Tlf. 669 06 82 72 (cantabria@mondosonoro. com) Publicidad Cantabria: Ernesto Castañeda 657 67 41 97 (publicantabria@mondosonoro.com)

(Spoon/Mute, 1971)

Incómodo por momentos, este doble álbum de libertad absolutamente desbocada -con la espasmódica interpretación vocal de Damo Suzuki- resulta definitivo para entender la audacia de Can en aquellos primeros setenta y su alcance posterior hasta llegar hasta hoy. Grabado en el castillo Nörvenich, aquí están la hipnótica balada Paperhouse, los ritmos de Jaki Liebezeit en Mushroom y el deslumbrante desarrollo avantfunk de Halleluhwah (¿alguien dijo drum’n’bass?), para dar paso luego a una segunda parte más abiertamente experimental, tan misteriosa (Aumg) como alucinada (Peking O), y siempre adelantándose a su época.

Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 981 160 102 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Edu Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Silvia R. May

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