MondoSonoro noviembre 2021-1

Nº 300 Noviembre-1 2021 www.mondosonoro.com

KARAVANA, NICKI NICOLE, CAPSULA, ORTIGA, MASTODON, NIÑA POLACA, LANA DEL REY, THE PARROTS, DUM DUM PACHECO

Rufus T. Firefly Torre de marfil

La comunidad de música independiente

Hugo Arán

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Liz Forte

TOP RECOMENDACIONES INDEPENDIENTES DE NOVIEMBRE BY ACQUSTIC

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Dave América @dave.america

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Truzman @truzmanshow

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RADIOHEAD

KID A MNESIA CINCO DE NOVIEMBRE

CINCO DE NOVIEMBRE

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LOS ESTANQUES ANNI B SWEET / CARLANGAS / DANI LLAMAS LUIS REGIDOR / MARIA RODÉS MIGUELITO GARCÍA (DMBK) RAÚL RODRÍGUEZ / REBE

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FOTO: SARA ALMGREN

5/Mondo freako Karavana es una joven formación compuesta por tres sevillanos, Fabían, Emilio y Gonzalo, y un gallego/ madrileño, Jaime. Definen su música como piezas llenas de “guitarras sucias y letras cursis” que se encuentran dentro de un marco de poprock. Hablamos con ellos ante el inminente lanzamiento de “Muertos en la disco” (Vanana Records, 21), su álbum debut.

Y

A PODEMOS disfrutar de “Muertos en la disco” vuestro primer disco. Un trabajo del que nos empezasteis a enseñar en abril de este año y que se ha descubierto este mismo mes de octubre. ¿Cómo ha sido el proceso de creación y composición del álbum?

Pues la verdad es que tenemos la suerte de conocernos de toda la vida, de tener el mismo concepto musical y de saber poner el bien común por encima de cualquier ego personal. Al final somos un grupo de cuatro amigos que resulta que les gusta la música, pero no es que nos hayamos juntado con ese fin... Así que ha sido todo muy fácil y emocionante.

—Todo el imaginario del álbum está centrado en una fiesta como podemos ver desde las portadas de los singles, hasta algún videoclip y algunos títulos como “Resaca pop” o “Fiesta”. ¿Por qué “Muertos en la disco”? ¿Qué era aquello que queríais contar con el disco?

Realmente no es que esté centrado en una fiesta, de hecho “Muertos en la disco” (aunque el título lo sugiera) no habla de una fiesta. Es más bien una crítica a la superioridad moral que tiene la gente, a la intolerancia que hay en cualquier aspecto de la vida, porque ahora parece que ya no se puede dar una opinión sin que te llamen lo que sea.

Básicamente hemos llegado a un punto en el que o piensas como yo o eres el enemigo... Y eso en el mundo de la música es incluso peor. Hay una cantidad de prejuicios y una superioridad moral

Karavana Liando el taco

“Hemos llegado a un sas punto en el que o pien igo” como yo o eres el enem que no entendemos. Hemos llegado a escuchar a supuestos “indies” actuales criticando a otros “indies” claramente consolidados, con una carrera que ya quisiéramos todos diciendo que lo que hacen es una mierda y sinceramente creemos que lo que debemos es aprender porque no somos nadie para sentirnos superiores a lo que hace cualquier otro, y menos cuando ese otro ha conseguido todo lo que estás buscando. Volviendo a la pregunta, que nos hemos ido un poco por las ramas, al final lo que buscamos es contar historias mundanas y que puede vivir cualquiera, de una manera directa y clara porque ni somos poetas ni pretendemos serlo. También

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creemos que tenemos un disco que incita a la gente a salir, a olvidarse de las mierdas que tenemos todos encima y que básicamente pretende que el que lo escuche salte, baile y se lo pase genial.

—En este trabajo nos encontramos con nueve canciones que, según vosotros, están repletas de “guitarras sucias y letras cursis”, pero ¿hubo alguna que os costó más sacar adelante o que casi se queda fuera del disco?

Siempre hay canciones que convencen más que otras y hemos dejado bastantes canciones fuera, no por pensar que no eran lo bastante buenas sino más bien por intentar tener un disco lo más redondo posible. En cuanto a letras, es

lo que más nos cuesta siempre pero no sabríamos decir si ha habido alguna que nos haya costado especialmente o que hayamos querido dejar fuera, desde el principio cuando vimos las canciones que teníamos lo tuvimos bastante claro.

—Si tuvierais que enseñarle a alguien uno de los temas de vuestro nuevo disco que definiera a la perfección vuestro estilo, tanto en el ámbito musical como en el de la letra, ¿cuál sería?

Pues del disco probablemente la canción de la que estemos más orgullosos es “Qué putada”. Se sale un poco del rollo del resto del disco, pero fue la última que hicimos e intentamos dar un pasito hacia delante en cuanto a sonido.

3

noviembre 2021 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA Grandes esperanzas

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Por eso es de la que más orgullosos estamos.

Si nos referimos a la canción que mejor defina nuestro estilo hoy por hoy tenemos que elegir “Madrid”.

—Nos gusta mucho vuestro estilo pícaro que dejáis caer tanto en las canciones como en las redes sociales. Desde el ya mítico “saltaré por tu ventana si pones a C. Tangana” hasta ese reciente tweet sobre Arde Bogotá. ¿Creéis que el hecho de que una parte de la audiencia se tome esto como ofensas os puede privar de seguir haciendo este tipo de sátiras? ¿Sabes lo que pasa? Que nos gusta mucho la guasa y la gente tiene la piel de cristal entonces todo es muy divertido. Nosotros no nos vamos a privar de nada. Tenemos veinticuatro años, no tenemos ni idea de la vida. Igual dentro de cuarenta decimos “joder, qué tontos éramos”...

Pero sí, somos tontos y nos gusta pasárnoslo bien. Estamos seguros de que si la gente no saltase a la mínima y no se ofendiese tanto no lo haríamos porque no sería divertido. La realidad es que tenemos una relación de puta madre con Arde Bogotá́, son unos tíos de puta madre y ojalá coincidir con ellos en miles de festivales. Todo lo que pasó, que fueron literalmente tres tweets, estuvo acordado porque nos pareció́ gracioso a las dos bandas. Pero viendo la que se lió en un día y medio tuvimos que parar para que la gente no nos quemase vivos.

—Aunque vuestro primer álbum se estrena ahora, vosotros lleváis publicando música desde 2018. ¿Cómo nace Karavana?

Pues la verdad es que Karavana nace como un hobbie, como la unión de tres amigos que lo llevan siendo desde que tienen tres años y que han crecido juntos escuchando música y teniendo experiencias juntos como estar en el coro del colegio de viaje, por ejemplo. De hecho, grabamos “Me matabas” por grabarla, pero no fue hasta que conocimos a Jaime (o Javis como le llamamos nosotros) cuando nos dio por subirla a Spotify. La verdad que nos fue bastante #6 noviembre 2021

que “Vamos a hacer todo lo para esté en nuestras manos conseguir triunfar” mejor de lo que nos esperábamos, llegando a entrar en “Top virales España” y fue ahí cuando pensamos que podía ser que lo que hacíamos gustara a la gente, así que tomamos la decisión de seguir componiendo, pero sin tener tampoco la convicción de que podíamos llegar a algo.

No fue hasta 2020, justo antes de la pandemia, cuando vimos que teníamos potencial para de verdad dedicarnos a esto, a raíz de una reunión que tuvimos con Universal. Las cosas no fructificaron, pero estábamos convencidos de que teníamos temazos, con lo que nos lanzamos a grabar la famosa “Strokes”, además de “Pienso” y “No pegamos nada”. Las lanzamos en pandemia y cuando nos contactó Vanana Records casi nos da un ataque. Era lo que sonábamos todos y justo el sello con el que más ilusión nos hacía firmar así que nada, no sabemos muy bien cómo hemos llegado hasta aquí, pero sí sabemos que vamos a hacer todo lo que esté en nuestras manos para conseguir triunfar.

—Vuestras canciones son de un estilo que parece que cada vez está volviendo más, ese pop-rock que te hace querer saltar desde el primer instante de la pieza. ¿Qué grupos o bandas os han inspirado para vuestro sonido? ¿Creéis que este estilo va a volver a reinar como hizo hace ya unos años?

Siempre hemos dicho que ante todo somos fans. Podríamos estar diciendo grupos que nos han inspirado y no acabaríamos nunca... Pero por quedarnos con algunos obviamente The Strokes, Vampire Weekend, Wallows, evidentemente The Beatles (que es la música con la que hemos crecido). Y a nivel nacional pues Lori Meyers y Novedades Carminha. No sabemos si nuestro estilo volverá a reinar, pero desde luego vamos a intentar llegar a todo el mundo posible y ojalá que reine. ¿Por qué no?

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

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ecién llegado del BIME, la feria de la industria musical que se realiza todos los otoños en Bilbao, todavía tengo esa sensación de euforia generalizada palpitando en mi cerebro. Muchos han sido los contactos establecidos; los reencuentros esperados y, sobre todo, la alegría desatada entre los asistentes por poderse abrazar y brindar por un 2022 que todos esperamos como agua de mayo. Sin embargo, un par de cuestiones han planeado sobre el sector en forma de grandes aves poco halagüeñas portadoras de malos presagios. Por un lado la incertidumbre de si la gran oferta de conciertos que se va a producir en los próximos meses, con tanta gira postergada y otras nuevas que se han ido sumando, va a tener respuesta suficiente por una demanda bastante esquilmada por la pandemia. Y máxime cuando los precios de las entradas están alcanzando, en algunos casos, un nivel prohibitivo inalcanzable para muchos bolsillos, en especial el de los más jóvenes. En el caso de mi ciudad, Barcelona, a esa preocupación hay que sumar también el de la incertidumbre ante el ritmo en la recuperación turística, básica para completar los aforos de muchos de los conciertos de los artistas internacionales.

A esa inquietud relativa a la demanda, los diferentes agentes de la industria explicaban en el BIME otro problema relacionado con la gran cantidad de profesionales que han abandonado el sector para ganarse la vida en otras actividades económicas. Un trasvase que puede afectar a la hora de encontrar a gente cualificada para garantizar con garantías las giras de los artistas. Técnicos de sonido, luces, backliners, conductores de furgoneta, montadores, catering, runners o empresas de alquiler de escenarios han desaparecido de la escena y se ha reconvertido, obligados a bajar la persiana por la ausencia de curro. Es verdad que eso abre posibilidades de trabajo a otras personas, pero falta saber si van a estar lo suficientemente preparadas para ejercerlo con garantías y de qué forma puede afectar a lo que se nos viene encima.

En cualquier caso, y preocupaciones al margen, no cabe más que felicitar al equipo de Last Tour International por el excelente trabajo desarrollado durante el BIME, que ha llevado a la feria a batir un nuevo récord de asistencia y que, además, ha ganado en muchos aspectos con su nueva ubicación en el Palacio Euskalduna de la propia Bilbao, en lugar del más mastodóntico y periférico BEC! de Barakaldo. Un recinto mucho más acogedor que propiciaba el encuentro y en el que solo hemos echado a faltar un escenario en el que se presentaran propuestas musicales emergentes en forma de showcase durante el día, que se sumaran a los conciertos que se celebraban durante la noche en diferentes salas de la ciudad. Ahora el testigo lo ha recogido Bogotá que en mayo celebrará su BIME Colombia.

—SERGI ‘ DON DISTURBIOS’ MARQUÉS

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ENTREVISTA

Jefaza Nicki Nicole

Hace apenas un par de años nadie sabía quién era Nicki Nicole. La rosarina ha pasado del anonimato a acumular millones de reproducciones y a ser una de las voces argentinas más famosas alrededor del territorio hispanohablante. Entre sus últimos lanzamientos nos encontramos con “Me has dejao”, junto a Delaossa, o el reciente “Toa la vida”, junto a Mora.

C

—TEXTO Karen Montero

ON UN SOLO TEMA, “Wapo Traketero”, consiguió la fama en su país en lo que tarda a caer un rayo. Con una fuerza extraordinaria en sus rimas y su música, Nicki Nicole canta una mezcla de pop, R&B y trap. En este último género, con la hermandad entre músicos como bandera en la escena argentina, ha hecho colaboraciones tan importantes que la catapultaron todavía más lejos con Bizarrap, Cazzu o Duki. Aprovechamos su visita a España para entrevistarla.

—¿Es la primera vez que vienes a España? ¿Cómo sientes el recibimiento de tus fans a este lado del mar?

Es la segunda: la primera fue en 2019. Pero sinceramente, siempre se siente como la primera vez porque siento que no venía hacía mil años. Ahora la gente me conoce mucho más en España. Lo estoy disfrutando al cien por cien. Me encanta estar acá, no veo la hora de volver y de poder tocar más. Pasar de grandes conciertos a que no pueda hacer nada es super triste. Estuve el otro día en el concierto de Nathy Peluso en el Botánico, la gente estaba sentada, y fue increíble.

Pero se extraña que la gente esté ahí.

—¿Viniste a España para grabar algún tema?

Obvio, estoy en esa totalmente, pero todavía no puedo decir nada. Es parte del disco. Sí que puedo decir que la grabación del videoclip con Delaossa acá en Madrid fue épica.

—Ahora te puedes centrar en la grabación de tu nuevo disco, ¿cómo está yendo?

Sí, estoy en el proceso hace tiempo. Estoy muy contenta por todas las canciones que están saliendo. Este proyecto me da un poco de ansiedad porque nunca termina y nunca puedo mostrarle a la gente lo que hice en este tiempo. Pero si todo sale bien, va a salir en octubre de este año y si puedo voy a hacer algunos shows acá en España después de publicar el disco antes que termine el año. #8 noviembre 2021

—¿Te imaginabas que pasaría todo esto desde “Wapo Traketero”, tu

primera canción? Es de 2019 y causaste un furor sin precedentes.

Fue algo explosivo. No fue progresivo, sino que a la semana se hizo conocida. Fue una bomba. Tuvo tanto cosas positivas como negativas.

Hubo mucha gente que criticaba que solo tuviera un tema, y eso empezó a darme presión y me hizo dejar de pensar muchas veces en lo que a mí me haría feliz y más en lo que la gente quería. Muchas veces cometí el error de actuar a costa de las críticas o pensar que ellos tenían la razón, y eso es algo que ya aprendí.

—Desde ese momento, has tenido oportunidad no solo de sacar un disco sino también colaborar con multitud de artistas internacionales. ¿Crees que has conseguido el estilo que querías o continúas en pleno aprendizaje?

Creo que el aprendizaje nunca termina. A veces digo que ya conocí todo, y viene otro artista o gente que está arraigada al arte a mostrarme cosas que nunca vi. Siento que nunca voy a dejar de aprender, pero ya sé qué me representa y ya sé mi identidad. Ya lo tengo claro.

—Existe una hermandad en el trap argentino formidable y muy envidiable desde aquí. ¿Crees que esto ha sido fundamental para tu carrera y la de tus compañeros?

Sí. Me pasó que cuando arranqué pensaba que simplemente iba a empezar con mi música. Pero no, empezó a venir todo el aval de artistas y me empezaron a decir de conocerme. Eso se empieza a contagiar, es real. Hay una unión y una hermandad que se nota tanto desde fuera como desde dentro. Es super importante también para nosotros, porque si te das cuenta somos pibes de veinte o veintiún años que necesitamos ese compañerismo. Es increíble encontrar a gente que está viviendo lo mismo que nosotros y que sea repiola. Es lo más lindo de la música: los amigos que te quedan.

—Es muy notable el ejemplo de tu sesión con Bizarrap, que gracias a esa canción fue cuando realmente despegó su proyecto. Os vais ayudando los unos con los otros. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Sí, además la amistad que me quedó con él. Hicimos una Bizarrap Session y ahora somos mejores amigos, literalmente. Con él, es más que música: ya nos imaginamos el día en que cada uno tenga su familia y contarles a nuestros hijos que él era Bizarrap de verdad, pero que se tapaba la cara.

—Precisamente el movimiento del trap en Argentina está dominado por pibes, pero sin embargo también despuntan figuras como tú o como Cazzu, con quien colaboraste en la canción “Cómo dímelo”. ¿Crees que hay el espacio suficiente en el trap argentino para todo el mundo o queda mucho por hacer?

Obvio, hay muchos más hombres. Pero hay espacio para todos. Tanto hombres como mujeres somos iguales en todo. Pero sí que se le da más valor al hombre que a la mujer en cualquier tipo de concepto, no solo artístico, sino en todo en la vida. Siento que la mujer tiene el espacio que se merece poco a poco, cuando antes no era así. Antes había un montón de cantantes y luego solo elegían a una chica.

—¿Cómo ha sido la colaboración con Lunay? Más allá de la parte musical, también estáis colaborando juntos en Pull&Bear.

Es una persona increíble y yo tenía muchas ganas de hacer algo con él hace mucho tiempo pero nunca me lo había cruzado. Ahora ya no me pasa tanto, pero antes me costaba mucho hablarle a un artista por las redes sociales, así que quería esperar a cruzármelo en algún lado. Nos conocimos en el proyecto de Pull&Bear y hablamos un montón. Pero no es que empezamos a hablar de música, sino que me contó que vivía en Puerto Rico. Me sirvió un montón conocerlo a él fuera del personaje. Aproveché y le dije que tenía un tema que quería mostrarle porque de verdad sentía que sin él no iba a sacar el tema.

Entonces me dijo que fuésemos al estudio y se lo mostrara, y si salía todo bien lo grabábamos. Le encantó la canción y se subió al momento. Encima la rompió. Él es una persona muy educada y eso habla muy bien de él. Fue todo una locura.

—¿Y con Trueno? Más allá de que sea tu pareja, ¿cómo es colabomondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

“Desvalorizo bastante la fama, a veces pienso que no la merezco”

rar artísticamente con él?

En realidad, cuando yo colaboré con él en “Mamichula”, nosotros todavía no éramos pareja. Fue muy normal, él súper educado, súper tranquilo, ayudándome en lo que a mí no me salía. Él tenía como un aura súper rapera y yo no sabía cómo entrar al tema. Así terminó saliendo “Mamichula”. Después de eso se fue generando lo que es hoy en día nuestra relación. Tenemos muchos temas juntos. Él es muy compañero.

Siempre que estamos en el estudio funcionamos porque los dos somos demasiado fanes de la música. El que se junta con nosotros luego se quiere ir a la hora.

—¿Cómo lleváis la fama juntos y los tiempos para trabajar de cada uno?

Lo llevamos bastante tranquilo. Él es bastante cerrado en cuanto a su vida privada, y yo igual. En las redes sociales hablo sobre mi música.

En Twitch con Ibai hablé sobre mi relación porque sé que era obvio.

Nosotros llevamos el anillo hace un montón de meses, pero no es un anillo de casamiento, es de compromiso. Ibai se puso a gritar que nos íbamos a casar y toda la gente lo sacó de contexto. Pero sinceramente somos muy compañeros. Sabe llevar el reconocimiento que tiene, sabe que merece todo eso y más, y eso está buenísimo. Yo desvalorizo bastante la fama, me tiro hacía abajo. No sé disfrutar lo que me pasa, pienso que no la merezco a veces y él me ha ayudado mucho con eso.

Nos entendemos bastante porque tenemos la misma vida: es muy importante estar con alguien que esté en la misma sintonía, sino creo que nunca va a funcionar. —K.M.

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noviembre 2021 #9

ENTREVISTA

“ "Cada canción aparece de algún lugar distinto de nuestros cerebros"

#10 noviembre 2021

C

CAO Y ROC AND RO

OMO SI DE SABIOS alquimistas se tratase, este terceto trabaja su original manejo de férreos postulados, surgidos –y fusionados– desde el garage, el glam, la psicodelia o el punk, a modo de elixires siempre sujetos a ser retocados convenientemente en cada una de sus nuevas entregas. Actitud que les ha llevado a ser de forma más que sobrada uno de los eslabones imprescindibles para comprender el rock más insinuante y contundente facturado por estos lares en los últimos años.

Su más reciente publicación no elude la sombra dejada por la pandemia pero la afronta con un inquebrantable e incontrolable espíritu “rockandrollero” con el que dibujar un mapa donde realidad y sueño se confunden entre sus trazos. Aspectos que Martín y Coni, quienes lideran el combo bajo el inestimable acompañamiento de Alvaro Olaetxea, aclaran y explican a lo largo de nuestra charla con ellos.

—En estos tiempos recientes hemos vivido en verdaderas “ciudades fantasmas” por el caso de la pandemia, ¿cuánto hay de ello en este “Phantasmaville”?

(Martín) En realidad, el espíritu de este nuevo disco es post pandemia. Nuestro anterior disco, “Bestiarium”, tenía una carga premonitoria bastante pesada y oscura. Para “Phantasmaville” queríamos echar un poco de luz en esta nueva etapa y transmitir energía con canciones potentes, basándonos en la idea de libertad, que es como nosotros entendemos el rock & roll.

—Frente a la realidad que nos ha dejado dicha pandemia, llena de incertidumbre y desánimo, ¿esa luz y energía que pretende transmitir el álbum, responde a una actitud evasiva o a una manera de afrontar el día a día?

(Coni) Durante la pandemia hubo una experiencia, además de muchos cambios físicos, sobre cómo sentimos el tiempo. Parece un detalle menor, pero no lo es tanto: para nosotros todo empieza con el “¡1, 2, 3, 4!”. Hubo cambios en la duración, en la repetición de los días, en la idea del futuro... Todos esos cambios trazaron un universo en silencio. Un caos mental, así que todo ese caos lo usamos a favor nuestro para armar el disco, sin prejuicios. En el día a día, en cada ensayo convivimos con los sonidos, con las distorsiones y con la electricidad. Ese es nuestro universo: caos, desorden, distorsión, rock’n’roll.

—Vuestros discos siempre suelen girar en torno a un hilo conceptual más o menos distinguible, ¿en general, y en el caso particular de éste, primero llega la idea sobre la que edificar y componer un álbum o son procesos que avanzan en paralelo?

(Martín) Lo conceptual y los sonidos fueron evolucionando y tomando forma al mismo tiempo que componíamos y generábamos ese nuevo universo que es cada disco. Antes de redondear la idea de “Phantasmaville”, las canciones y hasta el título del disco, fueron mutando y pasando por diversas fases. Saltamos de la idea del Amazonas en venta hasta los viajes en el tiempo.

Y los sonidos pasaron de ser pesados a abarcar un rango más amplio, un viaje, una navegación por el Pacífico desde la Patagonia hacia México, con cálculos de Pitágoras, surf, desfases en el tiempo, potencia e inmediatez.

—Siendo una banda que ha alcanzado un estilo realmente característico, al mismo tiempo cada nuevo disco tiene una identidad bastante significativa. En este caso ha sido dar rienda suelta al concepto de rock and roll, pero sobre todo centrándoos en el aspecto del “roll”, es decir, imprimir variedad y dinamismo...

(Coni) ¡Muchas gracias! Intentamos por un lado no repetirnos, lo cual es posible e imposible al mismo tiempo. Como decía Martín, mientras vamos componiendo y grabando se van formando las ideas. Luego viene una parte de trabajo en el estudio que es empujar los límites. Ahí nos divertimos mucho y aparece el “roll”.

—El disco tiene un lado sombrío por sus letras, pero el sonido y la actitud es intrépida, dinámica. Eso también lo buscamos con los distintos sonidos de guitarra en cada canción, por eso hay parte de combinaciones de fuzz, sonidos cósmicos, garageros y, por momentos, algunas distorsiones marcianas. Esa identidad de la que dotáis a cada álbum es por lo

Capsula

Haciendo gala de una ya más que distintiva personalidad, el trío vasco de ascendencia argentina conserva intacta su capacidad para dotar a cada nuevo álbum de su propio idiosincrasia.

“Phantasmaville” (Silver Recordings, 2021), en ese sentido, alterna el sombrío rastro dejado por la crisis sanitaria global con luminosas y dinámicas andanadas sonoras.

—TEXTO Kepa Arbizu

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OS CK OLL

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3 noviembre 2021 #11

“

“El disco tiene un lado sombrío por sus letras, pero el sonido y la actitud es intrépida, dinámica”

3

tanto un proceso vivo, en continua construcción..

(Coni) Va surgiendo de las canciones, de los sonidos, de sílabas primitivas, viñetas de historietas, sueños…

(Martín) Cada canción aparece de algún lugar distinto de nuestros cerebros. Nos dejamos llevar por las formas más primitivas. Y el conjunto de canciones nos termina llevando a un lugar distinto del que habíamos partido.

—“Phantasmaville” en ese sentido parece haber fluido de manera especialmente libre, con cambios de ambientes y ritmos, sin un patrón fijo…

(Coni) Sí. El disco tiene algo de viaje, pasa por distintos lugares. El orden de las canciones también forma parte de ese viaje.

—Entre esa variedad por la que apuesta el disco hay elementos que destacan, por ejemplo dos temas como “All My Friends” y “El camino de la Plata”, cada uno a su manera, que se dejan llevar por ritmos relacionados con el sonido surf o twang...

(Martín) Esas dos canciones tuvieron su germen en la última gira que hicimos por Japón. Allí descubrimos al genio de la guitarra surf Takeshi Terauchi, que nos volvió locos. Aparte de la gran influencia de Link Wray y Dick Dale, nadie manejaba el tremolo de la guitarra Mosrite como él. Para esa misma época, nuestro amigo Shogo nos metió en el universo de Los Mirlos y el sonido tropical peruano de los setenta. Y la combinación de ambas cosas pasó a tener una nueva dimensión en nuestro imaginario.

—También es reseñable la aparición del saxofón en “The Mobius Strip” , un elemento que le imprime mas energía al tema, ¿cómo surge ese añadido, es algo que siempre tuvisteis en mente? #12 noviembre 2021

el rock’n’roll, fue la primera que se plantó en no ir a la (Coni) Escuchábamos la canción y pensamos que guerra. Anteriormente, las personas nacíamos, trabaun saxofón quedaría brutal, enérgico, libre. Así que jábamos como esclavos y se cambiaba la herramienta llamamos al saxofonista José Luis Arriola y surgió la de trabajo por un arma para ir a la guerra. La primera magia. “The Mobius Strip” es el sonido de un tren en el y segunda guerra mundial son parte de nuestra histoespacio. ria cercana. Y es curioso cómo vamos accediendo. En —La parte más onírica y de ensoñación parece quelos sesenta la generación que tenía que ir a la guerra dar plasmada en temas como “I Don’t Mind” o “Into se plantó y cambió mi destino. Me interesa y amo a esa The Sun”, donde la psicodelia es tratada de una mallama del rock’n’roll. nera muy clásica, al estilo californiano de los setenta, ¿buscabais el encaje musical más idóneo para ese —Para una banda casi en continua gira como es tipo de textos? vuestro caso, y acostumbrada por lo tanto a tener (Martín) Es muy acertado que lo menciones, ya que que componer y pensar sus discos prácticamente ambas canciones salieron al mismo tiempo y fueron en la carretera, el hecho de tener que haber parado las últimas en sumarse al disco. Aunque muy distintas obligatoriamente por la crisis sanitaria que vivientre sí, es verdad que tienen ese espíritu costa oeste mos, al margen del problema económico y laboral en las guitarras de doce cuerdas y las armonías de que supone, ¿sentís que ha alterado en algo vuestro las voces. Las compusimos en la fase final del disco y proceso creativo para este disco o no ha supuesto en creíamos que podían funcionar muy bien como hilo ese aspecto un cambio significativo? conductor. Como una especie de vórtice en el espacio(Coni) Así es. Capsula somos un grupo de carretera y tiempo. Como si para pasar de Berlín y Nueva York a muchas veces las ideas de las canciones surgen desde Tokyo y Perú hubiera que hacer una escala obligada en la visión a través desde la ventana de la furgoneta, con San Francisco primero. el sonido del motor constante y nosotros mismos sentados como si fuésemos —Por su parte “(Don’t Be Afraid espectadores en el cine And Play ) Rock And Roll” parece o en un teatro. Esta vez, un alegato puro y duro sobre la desde la ventana estaba vigencia del rock and roll como todo quieto y en silencio. guerra que merece ser combatil Zaragoza 26 noviembre. C.C. Delicias La furgoneta era un edida... l Valls 27 noviembre. La Nau ficio que no se movía. Y (Coni) Es un tema que me interesa l Torredembarra 28 noviembre. La Traviesa la pantalla del móvil, con mucho, ver cómo las generaciol Barcelona 2 diciembre. La Nau sus noticias y números, nes se repiten o se rebelan. La l Valencia 3 diciembre. 16 Toneladas día a día, era la voz autogeneración boomer, que es el rerizada en ese silencio de ferente de la música que amamos

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ENTREVISTA

la ciudad. Fue un momento “Blade Runner” donde los fantasmas de los que hablamos son más bien fantasmas del futuro, hologramas que podrían surgir desde aparatos electrónicos. Invadió lo irreal, entonces nos imaginamos al músico y cantante argentino Moris observando esa situación y escribiendo una canción, un rock and roll malevo. A partir de ahí notamos cierta posibilidad de ubicarnos en cualquier parte del tiempo, ya que hubo una momentánea confusión con la duración de los días y las noches, no sé si a vosotros os pasó lo mismo… Esa confusión la tomamos como una experiencia nueva, una apertura a algo, con lo cual en ese sentido es posible disfrutar el viaje en el tiempo.

—Lleváis varios de vuestros trabajos produciéndolos vosotros mismos, en el caso de Martín, ¿el hecho de hacer esa labor para otros grupos o artistas, influye a la hora de sumar aprendizajes para luego volcarlos en vuestros discos o son tareas diferentes?

(Martín) El estar trabajando con distintos músicos en el estudio es un aprendizaje continuo. Todos tenemos cosas que decir y transmitir con la música que creamos. Mi función en el estudio es intentar canalizar esas expresiones y convertirlas en sonidos. Intentar capturar los distintos puntos de vista, emociones y pensamientos que tiene cada músico. Ese proceso es una ida y vuelta constante. Todos vamos aprendiendo de las experiencias de los otros, y de esa manera terminamos formando nuestro sello personal, que no es más que la suma de aventuras que compartimos con otros.—K.A.

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CRITICANDO Phantasmaville

Silver Recordings ROCK 8/10

El factor fantasmagórico o espectral siempre ha atravesado, de una manera u otra y presentado bajo la forma que la ocasión lo requiriese, la espina dorsal estilísitica de Capsula. Por eso no es de extrañar que estos tiempos actuales de indefinición, desoladores y despojados de alma hayan sido un caladero idóneo del que obtener sensaciones para su nuevo disco, “Phantasmaville”. Rehuyendo por completo de cualquier acercamiento superficial o predecible a la situación global con la que hemos sido golpeados, el trío vasco-argentino, completado en su binomio creacional (Coni y Martín) por primera vez en disco con la batería de Álvaro Olaetxea, una vez más hace demostración de su capacidad para trasladar la realidad que nos rodea hacia su propio y excitante escenario, uno que difícilmente tiene oposición entre las diferentes propuestas que ocupan el mapa roquero en nuestras fronteras.

Arropados una vez más entorno a su propio estudio de grabación, Silver Recordings, ahora también nombre de su sello, la actual configuración del grupo reafirma y ensalza unas facultades que les pueden llevar a convertirse en arrolladoras maquinarias de despedir energía o destilar la suficiente delicadeza como para mostrarse insinuantes. Es el resultado de agitar un manojo de ingredientes, a estas alturas absolutamente reconocibles y dignos de admirar, entre los que aparecen referencias al glam, el garage o el post punk, que derivan en un trabajo con la suficiente entidad propia como para integrarse con naturalidad en la idiosincrasia de la banda y a la vez no descuidar expandirse hacia nuevos recovecos llamados a ser descubiertos.

Si siempre resulta recomendable en un disco de rock comenzar enseñando las fauces, “Phantasmville” cumple con arrebatadora exactitud esa norma. La triada que sirve de apertura al trabajo, se desenvuelve con reseñable impetuosidad. Algunos seguirán empeñados en decir que estamos hablando “solo” de rock and roll, pero en realidad discos como “Phantasmaville” son el reflejo de que el caos y los ritmos desenfrenados nacidos de la electricidad pueden ser a la vez el veraz diagnóstico de un tiempo convulso y uno de los pocos asideros desde los que poder hacerle frente al mismo. —K.A.

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noviembre 2021 #13

EL DISCO. RECUPERADO. Neurotic Outsiders Neurotic Outsiders

LOS DISCOS DE MI VIDA

Maverick Records, 1996

Axelle Lenoir

“El espíritu del bosque” (Ediciones La Cúpula, 21) es la mejor presentación posible de la dibujante y guionista canadiense Axelle Lenoir, pero para conocerla un poco mejor le hemos preguntado cuáles son sus seis discos favoritos del momento. Y ha sido toda una sorpresa.

King Woman

Martin Rude & Jakob Skøtt Duo “The Dichotomy

Blackwater Holylight “Veils Of

King Woman es mi más reciente y querido descubrimiento hasta el punto que me he preguntado cómo he podido vivir tanto tiempo sin conocerla. Un álbum atmosférico e hipnotizante con la voz tan particular de Kris Esfandiari. ¡Un must!

Para mí, Martin Rude & Jakob Skøtt Duo suenan como un grupo de jazz que hubiera hecho demasiado camping en el desierto. No creo que esa sea su visión de su propia música, pero ¿qué esperáis? La parte psicodélica de su música me lleva al desierto, como un gran cliché, pero es que ¡Yo no soy crítico musical!

Cuando escucho a estas chicas, tengo la impresión de estar con una bruja centenaria que vive recluída en las entrañas de un bosque boreal. Su música, a la vez dulce, pesada o inquietante, suena un poco como abuchear a una banda de folk.

“Celestial Blues” (2021)

Green Druid

“At The Maw Of Ruin” (2020)

Amo tanto a Green Druid que muchas veces evito escucharles de cualquier manera. No quiero desperdiciar su música teniéndoles como música de fondo. ¡Sacrilegio! Cada escucha es preciosa e importante. Stoner, doom, psicodelia...

#14 noviembre 2021

Of Control” (2020)

Winter” (2019)

King Gizzard & The Wizard Lizard Cualquiera de

Converge & Chelsea Wolfe “Bloodmoon : 1”

¿Recordáis aquellas películas en las que un padre cambiaba de cuerpo con su hijo? Bien, pues estoy segura de que eso es lo que les ocurrió a estos tipos. Todos parecen niños de nueve años con sobredosis de azúcar, atrapados en cuerpos de adultos a los que les han dejado instrumentos musicales al azar.

Lo sé, el álbum aún no ha salido y no he tenido la oportunidad de escucharlo.

Pero al elegirlo para esta lista corta, me permite agregar a dos de mis artistas favoritos que han decidido hacer una colaboración juntos.

sus ocho millones de discos

EN 1995, TRAS EL MASTODÓNTICO tour de “Use Your Illusion” y la publicación del disco de versiones “The Spaghetti Incident?” (1993), Guns N’ Roses estaban en un momento de caída libre hacia la decadencia. Básicamente porque ya no había quien aguantase a Axl Rose. El guitarrista rítmico Izzy Stradlin había abandonado el barco en 1991, y su sustituto, Gilby Clarke, había hecho lo propio tres años después. Slash, Duff McKagan y Matt Sorum (sustituto del baterista original, Steven Adler) estaban a punto también de abandonar la nave, y mientras su permanencia pendía de un hilo desahogaban sus inquietudes tocando en jam sessions, publicando discos en solitario y montando grupos paralelos. El guitarrista de la eterna chistera había creado Slash’s Snakepit, en cuyo disco debut (“It’s Five O’ Clock Somewhere”, 1995), participaban también Clarke y Sorum. Duff había lanzado su primer disco en solitario (“Believe In Me”, 1993, también con la colaboración de Slash y Sorum), y frecuentaba junto a Matt The Viper Room, el famoso local nocturno de Sunset Strip. En las jams de aquellas noches crearían la banda Neurotic Outsiders, que en un primer momento cerró sus filas junto al cantante Billy Idol y su guitarra de confianza, Steve Stevens. No obstante, serían rápidamente sustituidos por Steve Jones (el mítico guitarrista de Sex Pistols) y John Taylor (bajista de Duran Duran).

Aquel legendario súper grupo lanzaría en 1996 su único disco, una ópera prima homónima publicada

por Maverick Records. La cresta verde del niño de la portada lo dejaba bien claro: aquello era punk rock sin mayores artificios. Jones asumía la voz principal en la mayoría de los temas, cortes redondos de quintas distorsionadas y melodías pegadizas como “Nasty Ho” (que enganchaba al disco nada más empezar), “Angelina” (una de las más recordadas) o “Jerk” (que se lanzó con su correspondiente videoclip). McKagan – que aprovechaba además para tocar la guitarra, dejando las cuatro cuerdas a Taylor– relevaba a Jones para cantar con su timbre característico en cortes tan coreables como “Janie Jones”, “Good News” o “Revolution”.

También había momentos para cortes sucios como “Always Wrong” o acústicos como “Better Way”.

El disco tuvo su correspondiente gira de presentación, que les llevó por Estados Unidos y Europa. En Japón publicarían en 1997 el EP de cinco temas “Angelina”, cuya canción venía acompañada de una versión acústica de “Jerk”, otra versión del tema de Duran Duran “Planet Earth” y los inéditos “Spanish Ballrom” y “Seattle Head”. El grupo se disolvió aquel año, aunque volverían a juntarse de forma puntual para dar tres conciertos en 1999 y uno solo en 2006. No pasan los años para la docena de temas frescos y sencillos que integraron aquel único álbum, desapercibido para el gran público y pieza de coleccionismo para cualquier seguidor completista de las bandas matrices de sus cuatro miembros.

—JESÚS CASAÑAS

(2021)

—MS

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Ortiga Hacer lo que te da la gana

MONDO FREAKO Cuando uno piensa en Ortiga lo primero que se viene a la cabeza son canciones. Las podemos escuchar en “Sabes el camino que elegí” (Ernie, 21), aunque resulta imposible escucharlas sin sentir ganas irrefrenables de levantarse y ver la vida con otros ojos.

P

ARECE UNA OBVIEDAD pero, en momentos como este, en los que los músicos luchan incansablemente para ser algo más que músicos, que todo lo que apetezca saber al preparar una entrevista sean curiosidades musicales, es una sorpresa refrescante. Ortiga es sinónimo de música fresca y, además, ese extra que otros artistas buscan fuera de los escenarios de los estudios de grabación, él lo ha conseguido trabajando en que su música evolucione y crezca de su mano: las canciones de Ortiga representan fielmente la sencillez atlántica que transmite el Ortiga persona al hablar con él, también el talento y la frescura de quien no quiere ataduras ni echarse a sus espaldas nada que no sea el aplauso del público.

Sorprende especialmente la visión de Ortiga como artista y sobre sus propias canciones. Muchas veces encontramos a músicos o cantantes que encuentran la brillantez y el éxito a través de una suerte de autoencumbramiento creativo, dándole un valor a su obra primero para que después se lo demos los demás. Crítica y público sugestionados por la propia fe del creador. Ortiga, sin embargo, cree que “La misión de la música es ser un extra, y si este tema no funciona o este álbum no funciona ya haré otro. Al final yo llevo unas ralladas así muy grandes, y me digo a mí mismo ‘no te ralles que solo son canciones. Si haces algo mal, lo peor que puede pasar es que no le gusten a alguien’. No soy médico ni nada parecido, así que me parece un privilegio tener tan poca responsabilidad”.

Esa falta de responsabilidad en el mejor de los sentidos, se entiende escuchando sus canciones. Por un

lado se puede observar una falta de responsabilidad natural e intrínseca.

“Como gallego vivo en una sencillez vital y fuera de todo tipo de estrés y me gusta que quede patente en las canciones. Intento quitarle hierro a las cosas, la vida es una fiesta y poco más importa”.

Por otro lado, es parte de una libertad consciente y buscada. Ortiga ha participado en proyectos grupales como Esteban y Manuel; ahora niega la mayor y busca la libertad creativa que solo otorga la soledad. “Lo mejor es que soy totalmente libre para hacer lo que quiera. No dependo de nadie para hacer ni bases ni letras, aunque siempre te apoyas en alguien o pides opinión a algún amigo. Yo soy libre y, si quiero, un día hago un tema de house o de cualquier estilo y lo dejo enterrado.

Es guay porque para hacer las cosas que quiero hacer tengo que hacer mil antes que no me gustan. Puedo hacer lo que me de la gana siempre, incluidos los bolos, que tienen más gracia así: hoy en Madrid toco solo con el teclado, mañana en Bilbao con una guitarra y pasado en Santiago sin instrumentos.

Para mí es más divertido hacer estas cosas y espero que para la gente también”.

Y dentro de este ejercicio de libertad y de creación nace "Sabes el camino que elegí", el nuevo álbum de Ortiga, su segunda referencia en solitario.

Un trabajo donde la evolución queda patente para el oyente, pero también para el propio Ortiga. “El primer disco fue un conjunto de canciones y ya. En este noto que todas tiene una dirección y que todas quieren reflejar una misma idea”. Esta idea es una afirmación hacia sí mismo y hacia el mundo. El trabajo toma su nombre de un premonitorio grafiti del centro de Ourense que Ortiga ha hecho suyo para marcar su propio rumbo dentro del panorama musical. “Al final lo que he intentado hacer es contar mis movidas y ser realista con las cosas que me pasan. A veces salen bizarradas y tal, pero como decía antes, esto solo es música. Si sale mal y a la gente no le gusta, pues ya sacaré el tercer disco”. —LUIS M. MAÍNEZ

na “Si este tema no funciona o este álbum no funcio ya haré otro”

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FOTO: ARCHIVO

l Valencia 5 noviembre. El Loco l Toledo 6 noviembre. Círculo de Arte l Sevilla 10 noviembre. Monkey Week l A Coruña 26 noviembre. Porto Maresía l Valladolid 2 diciembre. Cientocero l Oviedo 3 diciembre. La Salvaje l Madrid 4 diciembre. El Sótano l Pontevedra 17 diciembre. Karma noviembre 2021 #17

ENTREVISTA

Cuatro años y medio después de “Emperor Of Sand”, los de Atlanta regresan con el ambicioso doble “Hushed And Grim” (Reprise/Warner, 21), compendio de su panorámica visión del rock y más.

—TEXTO JC Peña

Q

UINCE CANCIONES, más de ochenta minutos de música. Las circunstancias y la rara naturaleza de Mastodon –cuatro músicos apasionados que aportan por igual– ha dado como resultado un disco de creatividad torrencial en el que coexisten todas las caras del grupo y se incorpora su lado más sereno. Troy Sanders, bajista y cantante, tiene fama de ser un encanto, pero la realidad supera mis expectativas: el músico no puede estar más orgulloso de un trabajo que enfocaron como gran memorial de su manager Nick John, fallecido hace tres años. Hay tristeza, rabia y oscuridad, sí, pero también esperanza.

—Este álbum es todo un viaje: tiene muchísimas ideas, canciones largas muy progresivas, momentos muy enérgicos y otros pausados…¿Teníais la intención de hacer un doble cuando empezasteis a trabajar en él?

No, para nada. Siempre hemos bromeado sobre la idea del álbum doble. Puede ser un éxito, pero muchas veces puede ser... no un fiasco, pero sí que es posible caer víctima de la “maldición del doble”. Para nosotros nunca había sido una idea a tener en cuenta, porque antes de hacer este disco jamás habíamos tenido tanto material con el que trabajar para ni siquiera pensar en la posibilidad. Si hubiéramos hecho un doble en el pasado, nos habría llevado un año entero -algo que nunca tuvimos hasta el año pasado. Así que no, no lo pretendíamos en absoluto. Pero hay dos razones por las que se dio: la primera, que los cuatro contribuimos con muchísimas ideas. Siempre hemos contribuido todos, pero esta vez lo hicimos colectivamente más que nunca. Y en segundo lugar, tuvimos un año entero para trabajar en él. Pasamos todo el año 2020 siendo muy productivos, no nos tomamos seis meses libres o el año entero. No funcionamos así, afortunadamente siempre estamos yendo hacia adelante y somos muy productivos. Todo el mundo contribuyó con toneladas de ideas y tuvimos todo el año para trabajarlo.

—Entiendo.

Al final, nos encontramos con todo este material que nos gustaba mucho… Llegamos a tener cerca de treinta canciones en maquetas. Tres veces más de lo que jamás hemos tenido para un disco. Cada día cogíamos una idea y la trabajábamos para mejorarla y al día siguiente, lo mismo. Así una y otra vez cada día. Nos quedamos con quince ideas de canciones, y dijimos: “un momento, esto se nos está yendo de las manos. ¿Qué estamos haciendo? Tenemos demasiadas maquetas para un solo disco y ni siquiera hemos tocado las otras quince ideas”. Pues vamos a coger estas quince y encontrar un disco. Pero claro, luego llegó la discusión de qué seis o siete canciones dejar fuera, y ninguno podíamos. Pasas tanto tiempo con cada canción que empiezas una relación y te empiezas a enamorar de ella… Ninguno queríamos cortar nada. Entonces la idea de “¿por qué hacer un doble?” se convirtió en “¿por qué no hacer un doble?” Ahí es cuando nos dimos cuenta de que este cúmulo de trabajo era vasto, pero que era un grupo de canciones cohesionado, y no algo abrumador para el oyente. Porque no es que hubiera un muro de guitarras gigante todo el rato. No había una sobrecarga de heavy. Nunca habíamos tenido ese tipo de dinámica en un disco, con algunas canciones lentas, otras rápidas, algunas heavies, otras extrañas… ¿Por qué no hacer un disco doble? Así que empezamos a gravitar hacia la idea: ahora es el momento perfecto de hacer lo inesperado, y si alguien tiene que hacer un disco doble, ¿por qué no Mastodon?

—Entiendo, entonces, que fue una decisión totalmente deliberada lo de hacer que cada canción fuera un mundo, dentro de un orden. El ejemplo perfecto está en la transición de “Skeleton Of Splendor”, “Teardrinker” y el single “Pushing The Tides”, que son completamente distintas.

Pues eso se dio de forma muy natural. Una de las cosas que más me gustan de este disco es que nunca habíamos tenido esa variedad. Siempre habíamos tenido cierta variedad en nuestros álbumes, pero en éste hay más que nunca. Las canciones difieren mucho, y creo que es por las dos razones que te mencionaba antes: Todo el mundo puso sus ideas encima de la mesa, y eso

Lu

M

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#18 noviembre 2021

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uz al final del túnel

Mastodon

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noviembre 2021 #19

ENTREVISTA “Siempre me ha parecido que somos un grupo de rock, pero estamos bien con otras etiquetas”

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“Reconocemos que es muy raro que sigamos juntos los cuatro”

#20 noviembre 2021

ayudó a que fuéramos una banda de sonido multidimensional. Porque no tenemos un compositor principal, o un letrista principal. Cuanto más colaborativo sea nuestro esfuerzo creativo, más único va a sonar el disco. Cuando empezamos a meternos en las maquetas y a componer la canciones, nos dimos cuenta de que tenían un sonido más distintivo que nunca antes. No fue algo intencionado, sino la circunstancia de tener múltiples compositores, lo cual creo que es bueno.

—También me pregunto cómo os afectó la situación pandémica, si es que lo hizo de algún modo.

Lo hizo, sí. Sabemos que ha sido un año malísimo para mucha gente que ha perdido el trabajo o ha sufrido el virus en sus propias carnes o en familiares. No fue un buen año. Pero afortunadamente, para Mastodon, para el grupo, fue un año estupendo, porque nunca habíamos tenido un año entero para trabajar en un disco. Nos aprovechamos de la situación.

Ninguno aguantamos sentados en casa más de dos meses, siempre estamos ansiosos por meternos en el local y trabajar en algo. Siempre. Por suerte, nos entusiasma crear música y queremos seguir moviéndonos adelante constantemente.

La pandemia fue una bendición disfrazada, que nos permitió centrarnos en un álbum durante un año.

—¿Por qué decidisteis trabajar con David Bottrill? Entiendo que es la primera vez, y es un productor que ha pusto su experiencia al servicio de gente muy diversa: de Peter Gabriel a King Crimson y Muse.

Cuando empezamos a hablar de con quién queríamos trabajar… Siempre es cómodo volver a hacerlo con alguien con quien ya lo has hecho, porque tienes una relación, como Nick Raskulinecz o Brendan O’Brien. Así que el dilema era si debíamos ir a lo cómodo con alguien a quien respetamos y con quien hubiéramos trabajado en el pasado, o bien probábamos a alguno de los muchos productores con talento que hay ahí fuera. Lo que nos atrajo de David, antes incluso de hablar con él o conocerle, es su discografía: todos los artistas con las que ha trabajado tienen una dinámica propia que brilla en los discos. King Crimson, Peter Gabriel, Placebo, Smashing Pumpkins, Metric… Todos tienen dinámicas maravillosas en su rock and roll. Le mandamos unas cuantas maquetas y luego hablamos con él por teléfono. Básicamente nos dijo que le encantaba gran parte del material y ya tenía páginas de notas: “Canción 2: La intro está muy bien, hay que hacerla más de dos vueltas”. “Canción 3: El final es muy largo, hay que cortarlo a la mitad”. Tenía ya estas ideas, y se mostró muy entusiasta sobre el material. Eso ayuda mucho, porque quieres a alguien que se meta a fondo. Además, aunque es canadiense y vive en Toronto, estaba dispuesto a venirse a Atlanta y trabajar con nosotros en nuestro estudio, que hemos creado recientemente y se llama West End Sound. Queríamos grabar en casa, y él no tenía problema en venir a Atlanta a trabajar con nosotros.

Era una combinación perfecta.

—Vuestro disco anterior trataba temas dolorosos y personales, enfermedades y muertes cercanas; el nuevo está marcado por el fallecimiento de vuestro manager (al que incluso dedicaron una estupenda versión de “Stairway To Heaven”, de Led Zeppelin). ¿Qué importancia tuvo en vuestra trayectoria?

Nick John fue un amigo muy querido, nuestro mayor fan y nuestro manager durante quince años. Falleció hace tres años justo este mes, en septiembre de 2018. Tuvo un impacto monumental sobre nosotros como individuos y como grupo.

No era posible que compusiéramos un disco sobre otra cosa.

La idea, o lo que esperábamos, es que este disco fuera un bonito memorial musical para él. Según escribíamos tantísimas letras para un disco tan largo, nos dimos cuenta de que nos ayudó bastante. Hacia el final, nos dimos cuenta de lo importante que fue para nosotros: nos cogió como una banda diminuta y nos llevó a ser esta enorme… entidad. No podemos agradecérselo lo suficiente, así que queríamos ensamblar algo que ojalá perviva para siempre en su honor. Ojalá sea un “gracias” para él, porque era el mejor. Nunca he oído a nadie decir una sola palabra negativa sobre él, jamás.

Era un ser humano maravilloso que se ha ido demasiado joven, demasiado pronto.

—En todo caso, aunque tiene un tono mayormente oscuro, el álbum acaba con una canción que melódicamente no lo es, “Gigantium”.

Sí, eso está hecho a posta. Este disco tiene muchas capas de oscuridad y tristeza, pero si oyes el disco de principio a fin, en cuanto a la música y las letras, termina con un tono más esperanzador y animado. Esa actitud de que, al final de todo, vamos a estar bien. No es nuestra intención entristecer a otra gente, o que nos compadezcan. Todo aquello por lo que hemos pasado se puede extraporlar a toda la gente en todo el mundo. No somos más importantes ni mejores que nadie. Somos sólo cuatro tíos intentando componer música desde el corazón, con mucha honestidad y autenticidad. Eso es todo. Sí, aunque hay tristeza, al final, cuando lo oigo, me eleva. Con suerte conmoverá a la gente en el buen sentido, y te dejará con un sentimiento de esperanza. Todo, en nombre del rock and roll, supongo.

—Con grupos como el vuestro siempre hablamos de guitarras o baterías, pero creo que vuestro trabajo con las voces en este disco es a tener muy en cuenta. ¿Cómo trabajáis las voces y las melodías vocales?

Gracias. Siempre hemos querido ir creciendo como compositores y como grupo, pero antes de nada tocamos nuestros instrumentos. Así que tres o cuatro discos atrás, nos dimos cuenta de que debíamos poner más energía y atención en nuestro rendimiento vocal. Con cada uno de los álbumes dedicamos más energía a tratar de encontrar los mejores patrones vocales, las mejores melodías y letras que podemos sacar para que encaje en la emoción del tema. Debido a que tuvimos el año entero para trabajar en esto, mi batería Brann (Dailor) y yo pasamos incluso más tiempo que antes lanzándonos ideas vocales el uno al otro, y hallando la mejor voz para cada parte: probando muchas ideas de patrones vocales, porque teníamos mucho tiempo para trabajar cada canción.

Queríamos que en términos vocales fuera nuestro mejor disco. Estábamos muy contentos con el anterior, que salió hace cuatro años y medio, y estamos muy orgullosos de haber subido el nivel más peldaños. Siempre tratamos de crecer y hacer cosas más grandes y mejores.

—Por cierto, ¿cómo surgió la posibilidad de que Kim Thayil, de Soundgarden, tocara? ¿Le conocíais?

Es una de las grandes inspiraciones de nuestro grupo en todos estos años. Y él es muy fan de la banda. Un tío muy mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

amigable. Siempre que tocamos en Seattle, Washington, viene a nuestros conciertos. Es el tío más amable, humilde y dulce que te puedas encontrar. Estábamos trabajando en una canción que se llama “Had It All” y Bill (Kelliher), el guitarrista, dijo que que podía oír a al guien como Kim tocando un solo. Nos pusimos en contacto con él, sólo para ver si estaría interesado en colaborar con nosotros, y estuvo encantado. La canción trata de la pérdida, y obviamente Kim conecta con ello, porque su grupo perdió a su cantante hace pocos años. Sabía lo que estábamos sintiendo. Estuvo encantado, y cuando nos mandó el solo –porque lo grabó en Seattle–, era tremendo y nos hizo felices.

Mola cómo las circunstancias de la vida te pueden llevar a colaborar con tus héroes. El solo es muy bestia, me encanta.

—Con este trabajo tan ambicioso se hace aún más difícil la tarea de poneros etiquetas. ¿Estás cómo si nos limitamos a decir que sois “una banda de rock”?

Es mi favorita. Siempre me ha parecido que somos un grupo de rock, pero empezamos como una banda muy heavy y agresiva. Según hemos evolucionado -tenemos canciones lentas, raras, oscuras, heavies- creo que todo está bajo el arco del rock and roll. Pero bueno, estamos bien con cualquier cosa, entendemos que las etiquetas genéricas tienen su lugar. Cuando pones tu disco en una tienda, ¿hay que ponerlo en la sección de rock o en la de heavy metal? Nos parece bien todo, pero siempre he considerado que somos más un grupo de rock que de heavy metal. Pero estoy bien con ambos términos.

—Es extraordinario el hecho de que los cuatro sigáis juntos más de veinte años después de empezar en esto, y con semejante productividad. No es lo más común. Supongo que debéis ser muy colegas para que siga funcionando.

Sí, reconocemos que es muy raro. Según pasa el tiempo, dos personas mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

pueden, con suerte, crecer juntas, pero también es perfectamente natural que se alejen. Le pasa a cualquier relación, es bastante normal, y no puede forzarse. Nosotros tenemos mucha suerte de seguir unidos y querer seguir creando la música que hemos estado haciendo, viajando por todo el mundo a tocar para gente que la disfruta. Cuando eso pasa, es mágico. Por fortuna, los cuatro seguimos compartiendo la misma pasión que cuando empezamos hace veintiún años. Pero reconocemos que es raro y lo apreciamos muchísimo.

—La prueba de vuestra productividad también está en este disco doble. Pero de lo que habéis logrado en estos años, ¿de qué estás más orgulloso?

Es una buena pregunta. Hay un par de cosas. Tener esta longevidad de veintiún años es algo de lo que estar orgullosos, y que compartimos. Pero también del hecho de que… a cualquier grupo siempre le encanta su nuevo disco, porque te has metido a fondo en él, es nuevo, y está fresco. Y por fortuna, nosotros nos seguimos sintiendo así. Hemos metido mucho trabajo y energía en este álbum, y me hace muy feliz saber que no llegamos a cierto nivel y decimos: “Está bien así”. Nos curramos mucho conseguir que nuestro nuevo disco sea distinto al anterior, y que sea tan bueno como podamos hacerlo. Lo más importante de todo es que a los cuatro, después de componer una canción o grabamos un disco, por encima de chocarnos las manos o abrazarnos, nos tiene que encantar. Eso es brutalmente importante, y así nos sentimos ahora mismo. Estamos orgullosísimos de seguir sintiendo esta pasión por sacar música sólida e interesante. —J.C.P.

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noviembre 2021 #21

ENTREVISTA

“ “Hemos hecho un poco lo que nos ha salido de los cojones a nosotros”

#22 noviembre 2021

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MÁS Y MEJOR

NAS SEMANAS ANTES de la publicación del disco hablamos con Surma, Beto, Kobbe y Sandra sobre lo que les ha conducido hasta aquí y el camino que aún les queda por recorrer. Más que un trámite de promoción se convirtió en el testimonio de una charla entre colegas tras un ensayo que se alargó más de la cuenta.

—Empezando por el principio: ¿Cómo nace Niña Polaca?

(Surma) Beto vivía justo debajo de la casa en la que estoy ahora y nos escuchábamos cantar por la ventana. Y nada, me vendió por cuarenta pavos un lote de cosas para el piso, porque él vendía cosas por Wallapop, y ese fue nuestro primer contacto humano.

Luego, a raíz de eso, nos hicimos coleguitas. Él tenía una banda y yo tenía otra, él producía y grababa y en cierto momento pues nos hicimos más coleguitas e hicimos una banda. Y luego pues metió a Kobbe, que era su bro desde los doce años o desde que nacisteis…

(Beto) Nos conocíamos desde los dieciséis.

(Kobbe) Por ahí, sí.

(Surma) Bueno, desde hace mucho. Entonces Kobbe se metió a la batería, grabamos el primer EP, luego se metió otra chica y luego vino Sandra.

(Sandra) La otra chica se fue. Les dejó por borrachos [ríen].

(Beto) Pero no borrachos en plan adicción, si no en plan de un día pasarnos.

(Kobbe) Aunque también. La adicción es real [ríen].

(Beto) Adicción a hacer música, temazos. Hits. [ríen].

—¿De dónde viene el nombre?

(Surma) A ver, yo soy medio polaco, mi padre es polaco, lo que pasa es que lleva viviendo en España mucho tiempo. Mi familia tiene una casita en un lago y tal, y después de grabar el primer EP cogimos el coche y nos fuimos a Polonia y de vuelta. Acabamos en un festival hippie, durmiendo en maizales, robando comida, pues cosas así que se hacen… y nada, cuando llegamos a Polonia a Beto le gustaron las polacas y como estábamos todo el rato buscando nombre, salió “Niña Polaca” y fue como “¡Dios! ¡Qué nombre más guay!”.

(Beto) Fue el primer nombre con el que los tres dijimos “Venga, vale”, con el que había un consenso.

(Surma) Porque estábamos todo el rato diciéndonos que era una mierda el nombre que decía el otro.

(Kobbe) Ni siquiera coincidíamos de dónde estábamos de camino a Polonia. Uno decía que era Alemania, otro decía que era Bélgica, otro decía que no sé qué… pero eso fue lo primero en lo que coincidimos, en el nombre.

—¿Cómo vais de nervios con el disco recién estrenado?

(Sandra) Es que después de “Nora” yo creo que está puesto el listón alto. Para mí es una de las mejores canciones que tiene el disco, la más bonita. Bueno…

(Beto) Yo creo que nos hemos reservado tremendos temazos, eh.

(Sandra) ¡Sí! Yo creo que va a tener muy buena acogida porque sigue un poco la línea de lo que estaba en los discos anteriores pero grabado bien. Entonces, ya solo con eso… Si te gustaban las canciones de antes yo creo que es lo mismo, pero bien grabado y un poquito más adulto. No sé cómo denominarlo.

(Kobbe) Mola, lo de adulto.

(Sandra) Como con más arreglos.

—¿Así que es lo que ya conocíamos, pero con más madurez?

(Beto) Bueno, con más experiencia.

(Kobbe) Yo diría que es la evolución lógica. No hay nada que se salga demasiado.

(Surma) Yo creo que a nivel compositivo tiene más madurez. Hemos aprendido a tocar mejor.

(Beto) Hemos experimentado un poco, también.

(Surma) Sí, pero a la hora de hacerlas, a nivel de es-

Niña Polaca

“Asumiré la muerte de Mufasa” (Subterfuge Records, 2021) es el título del último disco de los madrileños Niña Polaca, estrenado el pasado 24 de septiembre. Tras presentar algunos sencillos como “Joaquin Phoenix”, que cuenta con más de 90.000 reproducciones en Spotify, o “Magaluf”, junto a sus amigas Ginebras, el grupo da un paso más allá con este álbum, aunque mantiene intacta su esencia.

—TEXTO Clàudia Pérez

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R

tructura y eso, hemos trabajado más a nivel compositivo, porque antes lo que hacíamos era un poco más lo que nos salía de los huevos y había ahí más paridas enormes y ahora hemos centrado un poco la cabeza.

(Beto) Están intentando hacernos un poco más pop.

—¿Y eso os parece bien a vosotros?

(Beto) Sí. Si suena bien, pues ya está.

(Surma) Pero yo creo que pop el disco no es.

(Sandra) Yo creo que tampoco es pop. Realmente hemos hecho un poco lo que nos ha salido de los cojones a nosotros. Siempre Dani, que es el productor, dice “Bueno, pues ¿por qué no cambiamos esta nota de aquí?” y Beto dice “No”, pues no se hace.

Pero proponer, propone. La que más se sale del rollo “Niña Polaca” que hemos escuchado hasta ahora es “Magaluf”, que ya está fuera, que es un poco más diferente.

(Kobbe) O “Pdr Snchz”, que es muy punki.

—Las letras son algo vital en vuestro proyecto. ¿Por qué?

(Beto) Es que Surma ha leído mucho.

(Sandra) Sí, y eso se nota mogollón. Las letras de Niña Polaca las coges y las lees directamente, más que escucharlas, y de repente dices “¡Hostia!”.

(Beto) Son letras con mucha profundidad, muy bonitas, que muchas veces ensayando no las entendemos y luego cuando ya se graban es como “¡Hostia! Qué cosa dice aquí que me toca la patata”.

(Surma) A mí me gusta escribir desde toda la vida y ya cuando hicimos el grupo pues evidentemente tiene una repercusión, pero en realidad escribo de lo que me pasa por la cabeza y escribo todos los días cosas. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Pero a mí lo que me gusta es escribir, realmente es lo que más me gusta, entonces va indisolublemente unido una cosa con la otra, ahora que está el grupo, antes no. Y a Beto también le gusta escribir.

(Kobbe) A ver, yo creo que a todos. Somos un grupo de compositores y escritores natos.

(Sandra) A mí escribir no me gusta, cariños.

(Surma) ¿No te gusta escribir?

(Sandra) A mí, ¿escribir letras? Te canto una receta, si quieres, eso sí, pero… tú has leído, pero yo lo máximo que me he leído en la vida ha sido “La Biblia de Masterchef”, o sea, no me puedes comparar esto con un libro de Shakespeare.

(Surma) Por eso tú vendes más que yo [ríen].

—“Magaluf” con Ginebras lo ha petado. ¿Qué os parecen las colaboraciones? ¿Tenéis alguna colaboración soñada?

(Kobbe) Con Rigoberta Baldini.

(Sandra) ¿Cómo? ¿Baldini?

(Kobbe) Es que me mola llamarla así.

(Beto) Con Leiva.

(Sandra) O Pereza.

(Surma) A mí me molaría mucho con Aiko el grupo.

(Kobbe) Con Futuro Terror molaría.

(Beto) O con Carolina Durante.

(Surma) Pero tampoco somos muy fans de las colaboraciones, a veces no aporta nada. Yo que sé, la de Ginebras, que la hicimos medio juntos, sobre todo la segunda parte, sí que tiene sentido. Pero meter así por así a alguien, para luego… No sé, no acabo yo de entender el sentido.

—¿Quiénes son vuestros referentes a nivel nacio-

nal e internacional?

(Beto) Creo que cada uno tiene los suyos.

(Surma) Cada uno escuchamos música de su padre y de su madre y yo creo que eso a la hora de componer juntos o cuando alguno lleva una canción y la hacemos mola bastante porque al final como cada uno escuchamos cosas tan completamente distintas, salen cosas chulas y a mí eso me gusta muchísimo.

(Beto) A mí me gustan mucho Television.

(Surma) Yo también he bebido mucho de ahí, pero también de The Libertines, por ejemplo.

(Sandra) A mí me inspiran Niña Polaca y Ginebras. Es lo único que escucho. No me dejáis tiempo.

(Kobbe) ¡Y Beethoven! [ríen].

—En los directos los artistas siempre dicen que sienten igualmente el calor de la gente. ¿Realmente es así?

(Beto) Claramente no.

(Kobbe) ¿Quién ha dicho eso? Que le matamos [ríen].

(Surma) Además, que nuestros bolos eran de hacer pogos. La gente salía sudada que te cagas…

(Beto) Antes el sudor llegaba a los primeros, y molaba. Incluso hay grupos que escupían y era como válido. Pero hoy en día eso es como una bomba atómica vírica [ríen].

(Sandra) Y cuando no haya Covid, ¡tampoco escupas, Beto!

(Beto) Yo no lo voy a hacer, pero hay artistas que lo hacían.—C.P.

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noviembre 2021 #23

EN PORTADA

#24 noviembre 2021

R T. F ACEPTA mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

RUFUS FIRFLY ACIÓN Por fortuna, en otro plano de la realidad musical, existen grupos como Rufus T Firefly. Bandas que no siguen el sendero marcado y se inventan los suyos propios.

“El largo mañana” (Lago Naranja, 21) ha sido música en directo antes que disco, pero por fin lo tendremos entre nosotros a finales de este mes de noviembre.

—TEXTO Don Disturbios —FOTOS Iris Banegas

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E

L LARGO MAÑANA” es el octavo trabajo de la banda de Aranjuez y ha tardado tres años en fraguarse. Lejos de ser el cambio radical que Víctor Cabezuelo había prometido en unas cuantas entrevistas, mantiene las coordenadas de sonido trazadas por la banda en discos como “Magnolia” (17) o “Loto” (18), pero si prestas atención descubrirás detalles y texturas inéditos gracias a la incorporación de nuevos integrantes al proyecto. Además el planteamiento ha querido ser más homogéneo y sofisticado, cogiendo discos como “What’s Going On” de Marvin Gaye como referencia. Pero dejemos que sea el propio Víctor Cabezuelo quien nos explique de primera mano y con detalle todo lo que esconde su nuevo trabajo y hagamos también balance de una carrera que ha alcanzado los quince años de actividad.

—Este año habéis cumplido quince años de carrera. ¿Cómo ves ahora aquellos primeros pasos como Rufus T. Firefly?

Directamente creo que éramos otra banda.

De hecho, creo que hemos pasado por ser muchas bandas diferentes a lo largo de estos quince años. Es verdad que tenemos una esencia común y algo que, de alguna manera, lo une todo. Pero podríamos habernos cambiado el nombre y tampoco hubiera pasado nada, porque realmente siento que hemos estado en sitios muy diferentes. Aunque eso también es una de las cosas más bonitas de esta banda, ¿no? Que sabemos cómo adaptarnos todo el rato a las nuevas situaciones y sabemos cómo crear nuevas historias casi desde cero. Eso me gusta mucho. Y si pienso en aquellos primeros pasos, pues la verdad es que lo recuerdo con muchísimo cariño. Estábamos aprendiendo a tocar: éramos cuatro amigos que nos juntábamos y nos metíamos en un local de Aranjuez a “hacer ruido”, y todo empezó de una manera muy romántica, con muchos sueños en la cabeza, pero realmente sin saber muy bien qué había que hacer... También era una época en la que costaba mucho hacerse notar. Era la época del Myspace y había mucha comunicación entre las bandas, pero parecía que había muchas dificultades para un grupo de pueblo como nosotros. De hecho, hacíamos igual cuatro o cinco conciertos al año en aquella época, porque no podíamos hacer más. Pero bueno, poco a poco vas conociendo a gente… De repente, conocimos a Manuel Cabezalí [ndr: productor de la banda desde 2011 y líder del grupo Havalina] y eso cambió absolutamente nuestra manera de ver la música y nos quitó muchos pájaros de la cabeza.

—¿Recuerdas ese momento?¿Cómo fue el encuentro con Manuel Cabezalí?

Me acuerdo que fui a un concierto de Havalina en una sala muy pequeñita de Madrid y me flipó. Yo era súper fan y después del concierto le fui a saludar, le dije que le admiraba mogollón y él me trató un poco como al típico fan, en plan: “acabo de tocar, dame cinco minutillos…” [risas]. Más adelante le escribí, le conté todo esto y le dije que nos gustaría mucho hacer un EP con él. Y a partir de ahí, empeza-

mos a trabajar juntos.

—Has comentado que os podríais haber cambiado el nombre. ¿En qué momento sucedió eso exactamente?

Creo que el punto de inflexión fue justo después de “Nueve” (14), que es el momento en el que Sara [Oliveira, bajista] y Alberto [Rey, teclados] dejan la banda y es que también eran miembros fundadores de Rufus. Ahí creo que, de alguna manera, el proyecto inicial, tan ensoñador y tan romántico que teníamos, acabó ahí. Pero a la vez sentíamos que todavía queríamos decir cosas y nos sentíamos muy vivos musicalmente. Es verdad que el proyecto estaba roto pero, bueno, ahí estábamos Julia [Matín Maestro, batería], Charlie [Carlos Campos, guitarra] y yo con muchas ganas de querer seguir haciendo cosas. Entonces llamamos a amigos que nos echaran una mano para sacar ese disco adelante. Pero yo ya sentía que éramos otro grupo. Creo que lo bonito de la música es que las personas que entran influyen muchísimo en todo lo que pasa. Para bien y para mal. Y en este último disco “El largo mañana” ha vuelto a pasar: ha habido otro punto de inflexión, en el que han entrado Juan Feo [miembro también de Club del Río, percusión] y Marta [Brandariz, coros y teclados, miembro de The Low Flying Panic Attack], y han cambiado por completo el sonido de la banda. Y además les hemos obligado mucho a que lo cambiaran. Les hemos dado muchísima responsabilidad en ese sentido porque ellos querían ser muy respetuosos todo el rato. Pero al final ha sido: “tocas las congas, pues todas las canciones van a llevar congas. Marta, tienes una voz increíble, pues vas a cantar todo el rato conmigo”. Y ha sido una forma muy guay de que ellos también se sintieran muy partícipes del este disco. Para mí era súper importante que sintiéramos que estábamos haciendo un disco entre las seis personas. Y lo hemos hecho.

—Hablando del pasado, he visto que vuestro primer disco, el que grabasteis en inglés, no está en Spotify. ¿Es porque lo veis poco representativo y renegáis de él?

La verdad es que hace como diez años que no escucho ese disco. Y no es que reniegue de él, es que en aquella época estábamos aprendiendo y, aunque fue muy bonito hacerlo, ahora lo veo como algo muy íntimo.

Me parecería muy raro poner ese disco ahí porque es como, no sé, como subir fotos de cuando eres bebé…

—Cuando os llegó el éxito con “Magnolia”, recuerdo que los primeros en sorprenderse fuisteis vosotros. No sé si ahora, con la perspectiva de los años, puedes entender por qué se generó esa repercusión o si sigues sin entenderlo.

Es que cada vez que sucede no lo entiendo. No sé por qué motivos algunos discos transcienden y otros no. No lo sé. Además , es muy curioso porque “Magnolia” es un disco muy luminoso, pero en aquella época había un ambiente súper derrotista dentro del grupo. Recuerdo que estábamos como un poco de vuelta del todo. Llevábamos diez años y nuestro sueño común se había roto y de repente teníamos unas canciones

3

noviembre 2021 #25

EN PORTADA

3 que queríamos sacar. De hecho, creo que por eso seguimos con el nombre, porque lo veíamos como una despedida. Ya estábamos pensando en qué hacer con nuestras vidas y “Magnolia” era como el regalo bonito de despedida que queríamos dejar… Y entonces todo se disparó y se nos fue de las manos. La gente nos empezó a llamar para tocar y los conciertos se llenaban… Todo lo que no nos había pasado antes, nos pasó de golpe con este disco y, de repente, podíamos vivir de hacer música, que era algo que nunca nos había pasado. Eso también nos empujó a tomárnoslo mucho más en serio. Siempre nos lo habíamos tomado muy en serio, pero es verdad que, a partir de ese momento, todas las carencias que teníamos como músicos, quisimos trabajarlas muchísimo más. Y creo que todas esas cosas que nos pasaron con “Magnolia” han dado como resultado el disco que hemos hecho ahora. Pero tiene mucho que ver con esto: con trabajar carencias que teníamos para intentar ser mejores.

—Y con la pandemia ¿ha peligrado en algún momento vuestro proyecto?

No, qué va. De hecho, el proyecto y el grupo han sido una salvación absoluta, a nivel personal y a nivel mental. El tener algo en lo que enfocar nuestra energía nos ha salvado claramente. De hecho al principio yo pasé por momentos personales súper chungos, problemas de ansiedad y de salud. Realmente creo que lo que me ha levantado es la posibilidad que teníamos de grabar este disco, y de intentar sacar algo bonito y luminoso de toda la mierda que hemos vivido todos.

—¿Y por qué si el disco se grabó en octubre del año pasado, no sale hasta este noviembre? ¿Por qué habéis tardado tanto?

Hemos tardado tanto por muchas cosas. Primero porque hemos trabajado en las mezclas con Kennie Takahashi [Broken Bells, The Black Keys y un larguísimo etcétera], que es un tío muy guay pero muy ocupado. Y si normalmente un disco tardamos en mezclarlo #26 noviembre 2021

un mes, con él hemos tardado cuatro o cinco... Digamos que llegamos a un pacto económico súper guay, pero con la condición de que no hubiera la presión del tiempo y de que él pudiera ir haciéndolo cuando tuviera un hueco. Pero para mí ha sido increíble porque he visto cómo las canciones han ido evolucionando y han ido creciendo, según nos iba pasando las mezclas. Luego ha habido otro problema muy grande porque, tras la pandemia, todo el mundo se ha puesto a fabricar discos y las fábricas de vinilos tenían una espera de seis meses. Y para nosotros era muy importante que lo primero que sacáramos fuera el formato físico. Era algo que teníamos súper claro desde el primer momento. Así que hemos tenido que esperar; hemos ido sacando singles y hemos hecho una cosa que siempre habíamos querido hacer: tocar un disco nuevo en directo antes de que nadie lo hubiera escuchado.

—Y el público ¿cómo lo ha acogido? Porque, claro, ir a ver un directo sin haber escuchado previamente las canciones, siempre se hace un poco duro, ¿no?¿Cómo ha sido la experiencia?

Pues ha sido y está siendo súper bonita. Es verdad que, por ejemplo, ha sido duro en algún festival al que va gente que te sigue, pero también gente que no te sigue. Público menos fiel que solo ha escuchado las seis primeras canciones en Spotify y son justo las que quiere escuchar. Entonces, esa gente sí se ha enfadado [risas].

En plan: “vengo de Vitoria a escuchar ‘Río Wolf’ y no la tocáis”...

No, no la hemos tocado, pero sí hemos hecho otras diez canciones que son increíbles… [risas]. Vaya que, en general, creo que el noventa y nueve por ciento de la gente ha entendido que esto nosotros lo vemos como un acto de amor a nuestros seguidores.

—He leído que por primera vez habéis notado cierta presión a la hora de hacer este disco, por la repercusión que tuvisteis tanto con “Magnolia” como con “Loto” ¿Es cierto?

Sí, a mí al principio me afectó mucho a la hora de componer...

Después de “Magnolia” y “Loto” mucha gente se agarró a nosotros mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

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“Al final, todos somos como pequeños seres perdidos dentro de un mundo lleno de seres perdidos”

como a una especie de “medio” esperanza y eso generó mucha presión, sobre todo para mí. De hecho, pasé por una etapa en la que quería hacer algo súper rompedor; hacer una locura que no tuviera absolutamente nada que ver con lo que habíamos hecho y empecé un poco por ese camino. Pero un día, quizás por el tema de la pandemia, algo me hizo cambiar de opinión. Fue un instante en que veía ese cambio radical como algo muy egoísta. No sé el porqué, pero me pareció que estaba haciendo un disco para mi satisfacción propia. Y, aunque me parece algo muy bonito, no creo que haya que publicar un disco hecho solo para mí. Ese me lo gozo, me lo guardo en mi habitación y me lo pongo todos los días porque es increíble, pero para mí. Fue un momento en que vi que la música no va de eso. Creo que la música va de comunicarse, de expresar sentimientos para que la gente los reciba y te los devuelva. Tocamos para las personas y no para nuestro ego. Por eso me pareció que nada de lo que había hecho tenía sentido, y no era lo que quería hacer en ese momento...

—Es curioso porque yo era de los que encaraba la escucha de vuestro disco bajo la premisa de que iba a ser un cambio radical, y la primera impresión fue justamente: “pues no lo veo por ningún lado”. Es verdad que luego a base de escuchas empecé a apreciar ciertos matices. Y, claro, cuando leí en una entrevista que “What’s Going On” de Marvin Gaye había sido una especie de faro de referencia, entonces sí me encajaron todas las piezas. Ahí ya empecé a escuchar los trasteos funkies del bajo de “Polvo de diamantes” o de “El hombre mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

de otro tiempo” y esos teclados de “Lafayette”… Ya vi dónde se había producido el cambio y que era un disco más sofisticado y elegante. No sé si crees que eso mismo le puede pasar a más gente: el no ver ese cambio de primeras y que necesite una explicación.

Pues mira es algo que hemos comentado con algunos amigos a los que les hemos puesto el disco. Ellos nos decían: “Es muy Rufus el disco”. Y nosotros: “Pero fíjate cómo estamos tocando, lo hacemos de una manera opuesta a cómo tocábamos”. Antes nosotros le dábamos mucho a la tralla, a la intensidad, a pisar muchos pedales, a que Julia le diera muy duro a la batería. Esa era nuestra manera de crecer.

Y en este disco estamos tocando todo el rato súper flojito, basándonos un poco en aquellos discos de los setenta. Es una manera muy diferente de tocar. Por eso todos hemos tenido que aprender a tocar de esa manera más suave. Yo también he tenido que aprender a cantar de una manera un poco más soft, y a tocar los teclados de otra manera; Julia está tocando de una manera como muchísimo más sensible, dentro de su groove, que creo que ha mejorado. Ahora en el local podemos ensayar sin quedarnos sordos [risas]... Es verdad que cuando escuchas el resultado final, sabes que somos Rufus claramente, pero a nivel interno es justo lo opuesto.

—¿El título del disco “El largo mañana” a qué hace referencia? ¿A la muerte? ¿A la pandemia?

Digamos que dentro del disco hay muchísimas temáticas, pero el título del disco hace referencia a la aceptación. Como te comentaba al principio de la entrevista, cuando empezamos a tocar y éramos más jóvenes, todos teníamos una visión de la vida muy idealizada de lo que seríamos cuando tuviéramos treinta y cinco años o cuando fuéramos creciendo. Y luego llegas a esa edad y te das cuenta de que nada ha sido cómo pensabas, de que estás muy lejos de ser lo que esperabas ser. Entonces, en ese momento, puedes hacer dos cosas: seguir persiguiendo sueños absurdos a los que nunca vas a llegar o puedes decir: “¡Ostras! No soy John Lennon, pero soy Víctor Cabezuelo y tengo una gente increíble a mi lado con la que puedo hacer canciones, tengo una pareja a mi lado que me apoya en todo y con la que estoy súper feliz”. Y aquí empieza un nuevo camino en el que de repente soy yo; estoy aquí y no soy a nivel internacional tan grande como me hubiera encantado ser cuando tenía quince años, pero soy muy feliz con lo que tengo. Así que digamos que “El largo mañana” hace referencia a eso. A un nuevo comienzo en el que las cosas se ven de otra manera y, sobre todo, va de la aceptación de lo que eres para poder empezar a caminar.

—Pues vamos entonces al tema del contenido y de las letras disco. ¿Dirías que también ha habido un cambio en este largo mañana?

Para mí hay un cambio muy significativo. Veníamos de “Magnolia” y “Loto”, que son unos discos que tienen unas referencias muy claras hacia la naturaleza, y un poco hacia esa forma mística de ver la vida. Sin embargo, en este disco en realidad estoy hablando todo el rato de sentimientos humanos muy comunes. Hablo de la sensación de pérdida cuando se muere alguien querido; de encontrar a alguien con el que sentirte feliz; de hacer música con amigos o de aportar algo al mundo de manera colectiva. Hablo de, por ejemplo, por qué a mi edad no tengo un hijo o una hija y si me gustaría o no…

—Pero no lo haces de una forma obvia, sino más bien de una forma difícil de interpretar.

Sí, digamos que es difícil de interpretar, pero pasa un poco lo mismo que con lo que decías antes de la música, ¿no? Que, de repente, si te hablo concretamente de qué va cada canción, vas a decir “¡Ostras!

Es verdad”.

—¡Claro! Porque cuando por ejemplo has dicho lo de “por qué no tengo a estas alturas un hijo” pues me has dejado descolocado. Supongo que ahora, si voy con esa intencionalidad a buscar dónde estás hablando de eso, lo encontraré ¿no?

Si escuchas “Torre de marfil” te vas a dar cuenta de eso y de muchas otras cosas.

—Hablando de “Torre de marfil”, me da la impresión de que ese tema es la canción puente o el eslabón entre “Magnolia”, “Loto” y este nuevo disco. ¿Es así o para nada?

Sí, también lo vemos así. Por eso la sacamos la primera, porque nos parecía que poco a poco iban entrando todos elementos que luego iban a estar en el resto del álbum. Era como una pequeña presentación. Un... “mira, venimos de aquí y te vamos a enseñar muy poco a poco en lo que hemos estado trabajando”.

—Luego hay un tema que a mí me tiene especialmente cautivado, que es “Selene”. No sé muy bien de qué va, pero hay una frase que creo que os define que es: “Tengo la extraña sensación de no pertenecer a nada”...

No sé si nos define como banda, pero a mí claramente me define como persona [risas]. Al final, todos somos como pequeños seres perdidos dentro de un mundo lleno de seres perdidos. Intentamos aferrarnos a cosas que nos hagan sentirnos menos solos todo el rato, pero la verdad es que estamos muy solos. Y, no sé, intentaba hablar un poco en esa canción de lo que te comentaba antes: de la aceptación y de lo que siento hacia el mundo, y, en este caso, hacia las noches en las que no puedo dormir y me quedo pensando en muchas cosas mirando a la luna.—D.D.

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noviembre 2021 #27

Hemos vuelto

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29/Mondo VINILOS

Ministry

Coldplay

Moral Hygiene Nuclear Blast

METAL INDUSTRIAL / Infatigable Al Jourgensen, que en este 2021 cumple (a pesar de sus parones) la friolera de cuarenta años al frente de Ministry. Tres años después del “AmeriKKKant”, y con la pandemia de por medio, “Moral Hygiene” supone el decimoquinto álbum de estudio de la banda. Los meses de confinamiento sirvieron a Al para reflexionar sobre todo lo que está pasando y regresar más combativo que nunca. El álbum está plagado de crítica social y colaboradores desde el inicio con “Alert Level”, de la mano del rapero y DJ Arabian Prince. La cosa se va a hacia el punk rock en “Saboutage Is Sex”, junto a Jello Biafra, y en su adaptación del “Search And Destroy” de Iggy & The Stooges. Un trabajo que mantiene en todo momento su espíritu metal y pesado. Máquinas, consignas y rock&roll. —JESÚS CASAÑAS

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Lana Del Rey: de la sorpresa al confort Lana Del Rey

Blue Banisters Polydor/Universal

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POP / Pocos artistas de los que ahora mismo reinan en las listas de éxitos podrán decir dentro de diez años que su primera canción sigue siendo relevante. Este mes se cumplía una década desde el lanzamiento de “Video Games” de Lana Del Rey, una canción que ha marcado a la artista desde ese instante y que ha significado un antes y un después en la música de entonces (y, por ende, en la que escuchamos hoy en día). Esa balada inocente a base de piano, cuerdas y voz creó escuela dentro del pop más indie o alternativo, siendo imitada cientos de veces después no solo en la melodía sino también en la estética que proyectaba su letra y su vídeo. Lana Del Rey se alzaba como la reina sad de Tumblr en 2011, una etiqueta que le abrió muchas puertas, pero también una losa con la que aún carga a sus espaldas.

Sin embargo, ella sigue su propio camino, ajena a todo lo demás. Prueba de ello es “Blue Banisters”, su segundo disco en un año. Quince canciones y una hora de duración, puro classic Lana, baladas a piano y voz, sin mucho más arreglo. Es decir, continúa siendo material de fan. Y digo esto porque, además del alto número de canciones, el sonido de este trabajo no sorprenderá al que se acaba de subir al carro. Lana se ha convertido en esa artista

cuyas canciones ya no van a generar sorpresa, sino confort. Y eso me parece la clave del éxito a largo plazo: encontrar ese hueco en la vida de las personas que te haga formar parte de su banda sonora. Pero lo que perjudica a este álbum en comparación con sus dos predecesores –muy buen considerados por la crítica– no es su simpleza en términos de producción, sino más bien el conjunto de temas en él.

Por un lado, encontramos canciones que sabemos que fueron compuestas para este trabajo porque integran la actualidad del mundo de una manera exquisita: Lana menciona la cuarentena, las llamadas por Zoom (“Black Bathing Suit”) o las criptomonedas (“Sweet Carolina”), así como el movimiento Black Lives Matter (“Text Book”). Por otro, ha decidido reciclar temas de hace años que se encontraban en el fondo de algún cajón y que, bien por haber sido ya filtrados o bien por sonar algo lejanos, parecen más un pegote que una decisión que favorezca la cohesión narrativa (“Cherry Blossom”, “Living Legend”, “Thunder”). Sin embargo, a pesar de que fuera pensada para “Chemtrails Over The Country Cub”, “Dealer” junto a Miles Kane es sin duda una joya de este disco.

Me estaba gustando que Lana comenzase a profundizar más en temáticas de actualidad social, política o cultural en sus canciones. Y en “Blue Banisters” encontramos pinceladas de realidad en 2021, pero también algo de relleno innecesario que confunde al oyente con el leitmotiv del trabajo en sí. No es su obra más perfilada, pero siempre será un placer sentarse a escuchar lo que hace. Aunque pasen diez años más. —ÁLVARO TEJADA

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Music Of The Spheres Parlophone/ Atlantic

POP / Aunque “Everyday Life” (2019) no estaba mal, “Music Of The Spheres” parece una gran tomadura de pelo. Curiosamente, los dos adelantos, “Higher Power” y “My Universe” (con los coreanos BTS), son las únicas dos canciones que no generan una irreparable vergüenza ajena.

Los sintetizadores ochenteros y los coros épicos de todo a cien de “Humankind” rechinan. La sacarina del baladón que expide “Let Somebody Go”, junto a Selena Gómez, correría el riesgo de ser la pesadilla del diabético menos hipocondríaco. Las guitarras neoglam de “People Of The Pride” suenan a parodia de Muse. “Human Heart” es una pretenciosa cursilada accapella. Y el largo extravío pastiche-balada-neoprogresivo de “Coloratura” invita a pulsar stop antes de llegar al límite de estos cuarenta y dos minutos. Carlos Pérez de Ziriza

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Roger Taylor

Sharif

Outsider EMI

De inmensidades Guspira Records

ROCK / De aquellos confinamientos, estos discos. El encierro obligatorio de 2020 llegó a todos los países y estratos sociales, y nos sigue trayendo discos que puede que no se hubiesen materializado de otra forma. Con la gira de Queen + Adam Lambert aparcada hasta 2022, Roger Taylor encontró el momento de rescatar su faceta de factótum musical y, tal y como había hecho en su primer disco en solitario (“Fun In Space”, 1981), componer, producir, cantar e interpretar todas las canciones de este “Outsider”. Una docena de temas que suponen todo un viaje sónico que despega y aterriza con el space rock de “Tides” y “Journey’s End”, respectivamente. Reflexiones sobre la vida, la muerte y la fragilidad de nuestra existencia. “Otoño es una muy buena palabra para describirlo”, afirma el propio músico.

RAP / Sharif presenta quince temas en los que lleva el rap hasta sus límites. Entrar en el universo de este disco será difícil para los más puretas del rap, sobre todo por el tono flamenco de “Angelitos negros” o “Ni amor, ni tabaco, ni duelo”, donde Sharif casa a la perfección junto a Nano y Juanito Makandé. También se atreve a frasear encima de bases más poperas como “¿Quién va a salvarnos de nosotros?” o “En el fondo del vaso”. Porque estamos ante un homenaje a su segundo hogar, Latinoamérica, tal y como se muestra en los interludios y en temas como “Sed de fuego”, “Tequila y Limón” o “Canto para mi pueblo”. Aunque no se olvida de su esencia y la plasma en piezas como “En carne viva”, “Migas de pan” o “Talismán”. Una auténtica obra de arte que rompe las barreras del rap.

—JESÚS CASAÑAS

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

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noviembre 2021 #29

MONDOVINILOS

Illuminati Hotties

Let Me Do One More Snack Shack/ Hopeless

El río imparable de Morgan

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Morgan

The River And The Stone North Records

8 FOLK ROCK / Con una brillante producción que unifica e inyecta el plus justo de modernidad a sus raíces intactas, comienzan a girar los surcos de “The River And The Stone”, a ritmo de folk contenido en “Hopeless Prayer”, expandiendo una intimidad luminosa, entre coros y teclados, que nos cala y atrapa poco a poco. Estamos ya en sus redes y de “River”, con ecos instrumentales a la altura de grabaciones de artistas como Kiwanuka, Brittany Howard o Jon Batiste, surge como ese río imparable que no entiende de barreras que puedan contenerlo. La voz de Nina toma el mando y los instrumentos se funden en una orgía musical colectiva, con los teclados entrelazándose, con regusto a Mississippi y bajo un vaivén de palmas y coros que le inyectan un extra de misticismo gospel. Los cielos anaranjados de atardeceres perdidos, siguen surgiendo en el crescendo continuo de “WDYTYA?”, con una guitarra que ríe y llora

Morreo

Koreless

Fiesta nacional Futuras Licenciadas

POP / A Germán y Joseca habría que presentarles como en aquellas galas de TVE bajo la voz de Joaquín Prat y la mirada de Laura Valenzuela. Y, la verdad, hasta se les podría permitir actuar en playback mientras salieran al escenario vistiendo una enorme sonrisa.

“Fiesta nacional”, el disco debut de Morreo, es una actualización del pop psicodélico español de los setenta y un cancionero de amor/desamor sin excesos. Una verbena en la que se celebra la nostalgia de tiempos mejores, la sencillez, la rutina y los clásicos de nuestro país. En resumen, una “modernez” en mayúsculas que incluye todas las connotaciones que ya de por sí arrastra un termino que suena a puro pasado. Bajo la producción de Raúl Pérez (Pony Bravo) han logrado generar una identidad bastante bien definida con un sonido y una estética cuidada con la que se les ve cómodos y seguros de sí mismos. Un disco con alma propia y unos cuantos hits pegadizos que no te quitas de la cabeza. —ÁLEX JEREZ

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#30 noviembre 2021

de felicidad, con sabor a americana.

Si en la luminosa “On And On (Wake Me Up)” encontramos la cara más pop, en la siguiente “Paranoid Fall” nos zarandean y arrastran al ojo del huracán. Sin lugar a dudas el tema más afilado y rockero del álbum, con una base rítmica que te golpea el pecho y un enjambre de riffs que dejan quemaduras. Con “A Kind Of Love” llega una de esas baladas marca de la casa, y en “Un recuerdo y su rey”, con Nina levitando y abriendo los mares oscuros una vez más, alcan-

ELECTRÓNICA / El debut de Lewis Roberts es una absoluta experiencia sensorial donde la tecnología se convierte en pura naturaleza y los beats se desarrollan como auténticas ramas de los árboles. Un disco íntimo que huye del space y los sonidos más club de lanzamientos previos para colocar los pies en la tierra y generar un enfrentamiento entre realidad y ficción. “Agor” es un proyecto que baila entre la humanización y la absoluta claustrofobia que generan unos ritmos tan hipnóticos y pacíficos como angustiosos. Una gran apuesta que ha tardado seis años en ver la luz y que demuestra que Koreless no es únicamente el productor de electrónica perfecto para las estrellas. Repleto de detalles, ha realizado un inteligente movimiento hacia la búsqueda del prestigio. Ha manoseado cada beat hasta alcanzar lo que buscaba en una carta de presentación que incluye a FKA twigs, con la que trabajó en “Magdalene”, bajo la dirección del videoclip de “White Picket Fence”. —ÁLEX JEREZ

—DAVID PÉREZ

Afluents Petits Miracles

Public Service Broadcasting

Cómo decirte, mi amor Mushroom Pillow

POP / Pantaleó regresan con un trabajo en el que toman un camino más melancólico. Para poder meternos en su universo, abren con una instrumental que nos traslada a un lugar de paz en el que nos va introduciendo a ese primer contacto entre el humano y la naturaleza, el leitmotiv de todo el álbum. Inician este camino desde la inocencia de la niñez en “Soldats o guerrers”. Tocan el góspel con “El meu poder”, uno de los hits, que refuerza la idea de que todos somos uno. “L’edat del temps” es una pieza de pop lento que acaba con un mensaje desesperanzador sobre nuestro futuro: “un univers de plàstic”.

Y llegamos a “Romanticidi”, una balada en la que Anaïs Vila empasta a la perfección. “Entrebardisses” es el súmmum del disco, una pieza desnuda que transmite calma. En las tres siguientes, “Pi”, “Diëresi” y “L’harmònic”, la base gana mucho más peso. Y terminan con “Confins” junto a Henrio, una reflexión desnuda levantada sobre sus voces.

POP / “Cómo decirte, mi amor” es una historia de amor separada en distintas fases con la que cualquier persona se puede sentir representada. Es un trabajo fresco que mezcla ese sonido actual con ese pop convencional al que estamos ya tan acostumbrados. En definitiva, un buen disco debut que marca las bases del futuro de Jimena Amarillo, una artista que dará que hablar en los próximos meses. Diez canciones que versan sobre el amor en todas sus facetas. Desde los primeros momentos como “Cafeliko” o “Jugando a los Sims” hasta el punto de desinhibirse tras una ruptura como en “Tu manera de mirar”. Hay dos piezas que destacan encima del resto por la preciosidad de su base musical, estas son “Resaca Sentimental” y “Cuando ya no me quieras”, que contienen los arreglos de cuerda de Chris Carmichael. Y la segunda mitad del disco es una oda a ese sonido de la nueva ola de pop español que coincide con los momentos más pasionales de esta historia.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

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Hotties es la criatura de Sarah Tudzin que en este “Let Me Do One More” se encarga de componer, cantar, producir y tocar casi todos los instrumentos.

Es su tercer disco y el primero que aparece en el sello especial, creado por ella, Snack Shack Tracks de Hopeless Records. Tras terminar peleada con su anterior sello, Tiny Engines, Tudzin les entregó una ‘mixtape’ que se titulaba “FREE I.H” y venía con el siguiente subtitulo, “This Is Not the One You’ve Been Waiting For”.

Es evidente que este disco que ahora aparece sí es el que esperaban todos sus seguidores, con esa mezcla de estribillos punk pop efervescentes y canciones más introspectivas y oscuras que ella misma ha bautizado como “tender punk”. Con este “Let Me Do One More” Tudzin ya no necesita pedirle otra toma más a nadie más que a ella misma y parece tener bien claro lo que quiere decir y cómo debe sonar, como bien demuestra este notable disco. —SERGIO ARIZA

Jimena Amarillo

Pantaleó

Agor Young

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zamos, a ritmo de nana, otra de las cimas de “The River And The Stone”. Los destellos pop reaparecen por momentos en la juguetona e hipnótica “Late”, seguida de “Alone”, la joya de la corona, donde rezuman una majestuosidad al alcance de muy pocas bandas. Empezamos a fuego lento y nos despedimos igual, pero esta vez con una balada corta que no llega a los dos minutos, en la que Nina susurra y araña por dentro, “Silence Sparks”.

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PUNK POP / Illuminati

Bright Magic [PIAS]

ELECTRÓNICA / Ocho años después de irrumpir en escena con su debut, Public Service Broadcasting siguen ofuscados en su propio empeño, experimentando entre diferentes mareas sonoras y concretando los resultados de dicha odisea en forma de álbum. Una serie que ahora alcanza la que es ya cuarta entrega de los británicos, en la que mantienen intacto ese tipo de inquietud santo y seña de la casa.

El trío vuelve a utilizar krautrock, post-rock, industrial y electrónica como base desde la que partir hacia otros espacios y tonalidades entremezcladas. “Bright Magic” comienza y termina como potencial banda sonora de una película de ciencia ficción, con sendos cortes cinematográficos que en medio acogen también ramalazos ochenteros o de dream-pop. El magnético atractivo del combo sigue localizándose en torno a la propia anomalía creativa del proyecto, apurando unas especificidades que, en esta ocasión, lucen a Neu! y Can en plena solapa de los londinenses. —RAÚL JULIÁN

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Tom Morello

ROCK / Desconcertante disco de Tom Morello. Tras repasar los doce cortes que componen “The Atlas Underground Fire” casi lo único que aflora son preguntas. ¿Dónde está situado Morello? O mejor dicho ¿Dónde quiere estar situado Morello? En “The Atlas Underground Fire” es complicado encontrar sus principales virtudes.

Eso no significa que sea un disco totalmente carente de méritos, el simple hecho de intentar reinventarse es uno, pero los resultados de la intención son en general inconsistentes. Lo mejor, “Let’s Get The Party Started”, junto a Bring Me The Horizon, el buen resumen de reggae y hard rock junto a Damian Marley en “The Achilles List” y “Save Our Souls”, con Dennis Lyxzén de Refused, la mejor canción del disco, más que nada por la impecable interpretación del sueco. Pero la inspiración se difumina en las colaboraciones con Chris Stapleton o Mike Posner, mostrando resultados en el limbo de lo neutral las de Eddie Vedder y Bruce Springsteen revisionando a AC/DC, Protohype o la del activista grandson. —ADRIANO MAZZEO

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Cada vez cadáver Warner Music Spain

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ROCK / Da igual los años

que pasen entre disco y disco, que escucharemos aquello que hagan Fito y Fitipaldis. Tras siete años regresan con “Cada vez cadáver”, demostrando que son capaces de crear nuevas canciones a pesar de llevar más de treinta años llenando nuestra biblioteca musical. Diez canciones en las que innovan en las letras, pero poco en lo musical. Aunque encontramos alguna rareza como “Cada vez cadáver”, de casi seis minutos, o “Quiero gritar”, una auténtica pieza de jazz firmada por toda la banda, lo cierto es que su sonido no puede ser más leal a su esencia, esa que ha conseguido clavar Carlos Raya en la producción. Pero, como decíamos, el gran cambio que se percibe en este trabajo se encuentra en las letras. Piezas como “Fantasmas”, “A quemarropa” o “Cielo hermético” nos muestran a un Fito más maduro que se centra más en las inquietudes de la vida que en historias de amor. Se trata de un buen regreso que seguro que gana mucho más en directo.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO Hayden Thorpe

Young Thug Punk Atlantic/ Warner

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RAP / Sin ser el mejor trabajo

de Young Thug, “Punk” puede ser el más maduro. El sonido que descubrió en “JEFFERY” y empezó a explorar en “Beautiful Thugger Girls”, ha alcanzando cotas de calidad impresionantes.

“Punk” es lo contrario del punk, a pesar de que Young Thug jugara con la idea en su Tiny Desk y en varias apariciones en los últimos tiempos. Lo contracultural ahora es volver a lo original, a un sonido pop-country-típicamente estadounidense cuando todo el mundo quiere jugar a lo contrario.

Sin perder la frescura y la ironía que siempre le ha caracterizado (y encumbrado), con canciones como “Stupid/Asking”, en la que con una melodía y unas guitarras que podrías esperar de Taylor Swift, canta con humor y desgarro sobre una ruptura. Con naturalidad. Con rabia. No hace falta gritar para transmitir sentimientos auténticos y cuando criticamos ciertas propuestas pop (al menos yo) no es por el “género” musical. Rapero se es siempre, se cante como se cante.

—LUIS M. MAÍNEZ

MONDOVINILOS

Fito y Fitipaldis

The Atlas Underground Fire Comandante LLC

Moondust For My Diamond Domino/Music As Usual

POP / El poseedor de la peculiar voz (en falsete) de Wild Beasts entrega su segundo álbum en solitario, en una continuación más ambiciosa y asentada con la que el músico sigue llenando de trazos reconocibles su particular universo. Un disco que late a ritmo propio y constante, mientras utiliza la sutil estela de la electrónica como aliada. Doce piezas que hacen gala de una personalidad alejada de cualquier tipo de premura, con alma sincera y una inquebrantable capa de elegancia cubriendo todo el producto. Un bonito compendio de synth-pop, presentado con afecto y que apunta a la lógica del conjunto, sin grandes aspavientos y manteniéndose fiel a las frágiles preferencias del autor. El británico ha focalizado definitivamente su perfil creativo, manejando unas cualidades concretadas en profundidad, buen gusto y sensibilidad, efectos todos ellos que, en “Moondust For My Diamond”, consigue transmitir al oyente con tanta firmeza como amabilidad.

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Medalla suben al podio Medalla

Arista rota Limbo Starr

8 POP ROCK / Los de Barcelona afianzan su

trayectoria fichando para el sello Limbo Starr, con el que publican un tercer trabajo ambicioso en el que muestran su capacidad para atacar y combinar géneros distintos, del kraut-rock robusto a la psicodelia e incluso la bossa nova, todo bajo el paraguas de una personalidad cada día más propia. Elogiable su voluntad de huír de ese mimetismo que ha hecho sonar a numerosas bandas locales demasiado parecidas en estos últimos años.

Producido por Sergio Pérez con su sello expansivo, “Arista rota” (enigmático título que casa bien con la portada) arranca con “Verde esmeralda”, que hace de elegante introducción orquestada que da pie a la energía guitarrera de “Leviatán”. En este corte sueltan frases tan lúcidas como “De qué sirve la paz si no hay dinero”. Comen-

tarios sobre la precariedad del mundo moderno afloran en varios temas, así como referencias contestatarias y románticas, que casan con acierto en la majestuosa balada oscura “Rey emérito”, con cuyas guitarras dobladas y teclados cierran el álbum.

Entre medias domina la solidez de las canciones: la indignación airada rezuma en “Justicia poética”, pero me quedo con el ritmo frenético de “Velázquez”, donde se internan en robustos ambientes psicodélicos con una letra en la que el humor negro y la amargura se citan. En “Romance” se envuelven de un misterio que acaba siendo una sus armas principales, junto a una versatilidad que funciona casi siempre: en “Nuevos valores” buscan inspiración rockera en los Lagartija Nick de “Inercia”, pero en “Altares” se relajan a ritmo de bossa nova y en la espléndida “Flores” practican un sugerente pop oscuro. El resbalón rockero de “Gracias a Dios” se compensa con la luz melódica de “Lázaro” y la delicadeza con trazas orientales y final frenético de “Doce espadas”.

—JC PEÑA

—RAÚL JULIÁN

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noviembre 2021 #31

Que siga la fiesta The Parrots

#32 noviembre 2021

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ENTREVISTA

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La banda madrileña está de vuelta con su segundo álbum, “Dos” (Heavenly/PIAS, 21), un disco en el que llevan su propuesta a nuevos terrenos y demuestran que lo suyo no fue flor de un día.

—TEXTO JC Peña —FOTOS Davit Ruiz

UNQUE EL SUSTRATO GARAJERO sigue ahí, Diego García y Álex de Lucas se aventuran por territorios inesperados, del kraut a la electrónica –sintetizadores, saxos, cajas de ritmos–, sin que su olfato melódico y vocación festiva se resientan. Hablamos con ellos de un trabajo sofisticado grabado entre Londres y Madrid, que ha tenido que esperar más de lo normal por las circunstancias pandémicas, y que exhibe una ambición y una claridad de ideas infrecuente. El castellano se incorpora con fuerza en la mitad del álbum, lo cual les lleva a pensar en asaltar Iberoamérica. ¿Por qué no? Enrolar a la estrella global C. Tangana en el potente single “Maldito” es toda una declaración de intenciones.

—Leía esta semana vuestra anterior entrevista en MondoSonoro y era de 2016. Ha llovido desde entonces…

(Diego) ¡Ha llovido mucho! Hemos cambiado todos. El mundo y nosotros.

—Lo primero: me ha sorprendido que decidierais trabajar con Tom Furse, de The Horrors. Me pregunto si teniais alguna referencia de su trabajo como productor.

(Diego) Nosotros venimos un poco de esa época del indie de 2007, cuando petaron The Horrors, y siempre hemos sido súper fans, sobre todo del trabajo que hicieron en su segundo disco con los sintes: “Primary Colors”, de 2009, ahí nos quedamos flipando. De repente, todas las referencias que teníamos del pasado se estaban haciendo en ese momento. The Horrors, MGMT, ese tipo de grupos que lo petaron en ese momento, nos tenían encantados. Entonces, de repente estábamos tocando en Londres y hablando con nuestra discográfica de con quién nos gustaría trabajar para hacer el álbum. Queríamos hacer una cosa que tuviera más sintetizadores y nos parecía perfecto hacerlo con Tom. Le lanzamos la pregunta, quedamos a comer con él uno de esos días en Londres, y se animó al proyecto. Fue increíble, nosotros no podemos estar más contentos: hemos hecho el disco de la manera y con la gente con la que queríamos hacerlo. Estamos muy, muy contentos.

—Lo decía porque os asimilaba más a un rollo de garaje de guitarras, pero es un disco muy variado, con muchas influencias. ¿Lo planteasteis así desde el principio? (Álex) Lo que teníamos claro era que queríamos expandir un poco lo que venía siendo el sonido que habíamos tenido antes que, como has dicho, era más de garaje guitarrero.

Queríamos probar otro tipo de cosas: cajas de ritmos, sintes, texturas diferentes en cuanto al sonido. Por eso también elegimos a Tom. Porque justo toda esa parte la controla mucho. Y nos apetecía que todo tuviera como otro punto de vista diferente a la banda de garaje que éramos antes; que seguimos siendo, pero ahora con otro rollo.

—¿El hecho de convertiros en un dúo ha influido en la decisión de grabar con él o de hacer un cambio?

(Diego) Yo creo que más que eso es que teníamos ganas de trabajar con alguien externo que nos aportase un punto de vista nuevo y fresco. Alguien con quien nos sintiésemos identificados. Álex y yo trabajamos de manera muy cerrada entre los dos, y, de repente, el hecho de tener a una persona que nos dijera “Chavales, esto ya lo habéis hecho antes”, era bueno. Queríamos tener a una persona que nos ayudase a esforzarnos de verdad en salir de lo que era nuestra zona de confort. Era lo que queríamos y lo que teníamos claro. Creo que Thomas era la persona indicada para ello.

—Leí en la nota de prensa que os habéis sampleado, algo

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noviembre 2021 #33

ENTREVISTA

“ “Seguimos siendo una banda de garaje, pero ahora con otro rollo”

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que no es tan común en los grupos de rock. ¿Cómo fue esto?

(Diego) Siempre nos ha influenciado el hiphop, y nos encanta. Nos encanta también la música electrónica. Un gran referente para nosotros es LCD Soundsystem. Nos gusta mucho ese ánimo y energía que tienen sus canciones. Y creo que el kraut y este tipo de cosas siempre han jugado mucho con la repetición, con ese aspecto casi de mantra que tienen muchas de las partes de baterías, de guitarras. A la hora de componer desde casa y hacer las previas de demos, al ser dos, y no ser también batería, por necesidad hemos utilizado mucho las cajas de ritmos y nos hemos sampleado. Ha sido una mezcla de necesidad y a la vez de ver que nos funcionaba bastante en el aspecto de crear un ambiente que fuera casi de mantra en ciertas cosas.

—Ya que mencionas a LCD Soundystem: en “It’s Too Late To Go To Bed” la influencia de James Murphy está ahí. (Álex) Sí, claramente es un sample, y para una canción así más disco, este tipo de técnica le da mucha más consistencia al tema y lo hace mucho más bailable y divertido también.

—En cualquier caso, en el disco hay una vaiedad de registros importante, y el ejemplo perfecto es la transición de esta canción a “Nadie dijo que fuera fácil”, que tiene una melodía más oscura. Que las canciones estuvieran en mundos tan distintos, ¿lo planteasteis de antemano? (Álex) Bueno, no era algo que se hubiera hablado como tal. Allí en el estudio, según las ideas que llevábamos Diego y yo, hablábamos con Tom, cogíamos una pizarra y escribíamos cosas: la estructura, todo. Y cada día, según lo que fuera, la canción tomaba un camino diferente. Lo que queríamos es que ninguna canción se pareciera a otra. Tenían que ser como temas muy cinematográficos: siempre pensamos en imágenes para las canciones; que cada una sea una pequeña historia. Que tengan algo en común, pero que sean diferentes. Al final, yo creo que eso es bastante más divertido.

—Pues lo habéis clavado. El disco empieza con una especie de kraut y luego viene de todo: hay mucha riqueza musical. ¿Habéis tocado todo vosotros, a excepción de las colaboraciones? (Álex) Para grabar en Londres vino nuestro batería, Manu, un chaval muy jovencito que estudia en La Creativa. La verdad es que lo hace increíble, y se ha grabado todas las baterías y las percusiones. Los saxos los ha grabado un chico inglés, y luego lo demás nos lo #34 noviembre 2021

íbamos repartiendo un poco entre todos.

(Diego) Muchas guitarras se las hacía Álex [risas].

—En cuanto a las letras, he percibido bastante desamor, aunque el álbum no sea pesimista o de bajón. ¿Es un tema común a todos los temas?

(Diego) Líricamente, el disco tiene bastante continuidad entre canción y canción, y sí que es verdad que hemos intentado meterle una cosa de nostalgia... Somos muy nostálgicos, y lo hemos tenido muy presente. Y es verdad que gran parte de eso te lo da aprender de las relaciones amorosas. Mucho de lo que hemos sacado en este disco en cuanto a las letras tiene que ver tanto con experiencias de desamor directas con parejas, como con amistades rotas. A lo mejor, por el momento en que nos encontramos: hemos pasado un poco página de esa cosa de la juventud completamente naíf, y entonces es verdad que el álbum puede tener un tono un poquito más nostálgico y de recordar cosas que nos han hecho aprender mucho.

—Maduro, en el buen sentido.

(Diego) ¡Dentro de lo que cabe! [risas]. (Álex) Como se suele decir.

(Diego) Todo lo humanamente posible, teniendo en cuenta que nosotros dos estamos ahí.

—El hecho de que prácticamente la mitad del disco sea en castellano y la otra en inglés, ¿fue una decisión previa o surgió así? (Álex) Teníamos claro que queríamos hacer canciones en castellano. Lo que pasa es que no sabíamos en cuáles ni cómo. Surgía haciendo la canción. Alguna sí que iba un poquito preparada de antes, como “Fuego” o “Amigos”, pero otras salieron un poco ahí en el momento. Tarareábamos algo, nos gustaba más en castellano que en inglés, y entonces ya tirábamos con el castellano.

(Diego) Nunca fue una decisión consciente: no teníamos claro lo que queríamos hacer en español porque estábamos muy contentos con lo que habíamos hecho antes, y nos sentíamos de repente muy cómodos y con muchas ganas de hacer canciones en castellano; pero es verdad que íbamos canción a canción, a partir del sentimiento que nos transmitiese. Nunca se pensó: “Ésta tiene que ser en inglés y ésta tiene que ser en castellano”.

—Entiendo que Heavenly, vuestro sello, no puso ningún pero a este planteamiento con los dos idiomas. Lo digo porque es una discográfica que, lógicamente, tiene vocación internacional.

(Diego) La verdad es que nos hemos sentido bastante apoyados en cuanto a esto. Sobre mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“ “Con Pucho (C. Tangana) hubo una conexión muy natural”

todo creo que ellos entienden la importancia de que lo importante es que el tema sea bueno. Hay cosas que les hemos tenido que explicar, pero nos han apoyado mucho y se lo tenemos que agradecer un montón, sobre todo en esto, pero también en la decisión de, tal y como estaba la situación, no presionar para sacarlo en un momento malo.

—Además, una parte del disco la tuvisteis que grabar en Madrid.

(Diego) Exacto. (Álex) Sí, después del confinamiento.

—¿Y esto os planteó alguna dificultad? (Álex) Tom insistió en que regrabáramos una canción que no le había convencido mucho cómo había quedado en Londres. Entonces se nos planteó un tema complicado: en la batería tenían que ponerse los mismos micros a la misma altura, y toda esa parte técnica fue un poco caótica: mucho whatsapp, llamadas…y todo, para que estuviera lo más parecido posible a lo que habíamos hecho en Londres. Pero fue divertido, estuvo bien.

Terminarlo aquí en Madrid tuvo también su punto especial.

—El hecho de que hayáis colaborado con C. Tangana en “Maldito” es llamativo: ponéis de acuerdo con naturalidad a escenas que normalmente están aisladas casi en compartimentos estancos. ¿Cómo surgió esta posibilidad?

(Diego) Puede sonar un poco a cliché, pero fue una conexión muy natural. Creo que a lo mejor es porque somos de la misma generación, pero tanto Pucho como nosotros somos gente que mamamos de un montón de estilos, somos muy melómanos. Nos encanta la música, independientemente del estilo, y no nos vamos a cerrar nunca a nada de eso.

Nosotros veníamos demostrando eso, que se puede, desde que hicimos “Soy peor”. Que no era lo uno o o lo otro, que se pueden tender puentes entre distintas cosas. Y fue muchísimo más cómodo casi grabar y componer y todo con él, que lo que esperaría de un grupo de rock mucho más parecido a nosotros, la verdad.

—Tenéis una gira en Reino Unido planeada para principios del próximo año. ¿Cómo habéis llevado lo de no poder tocar en todo el tiempo de la pandemia? ¿Habéis podido hacerlo alguna vez? (Álex) En total hemos hecho cuatro conciertos. Nos habrán cancelado otros cuatro o cinco. Se hace duro, sobre todo porque… el otro día tocamos en Oviedo y de repente sentimos lo que era volver a tocar. Dices: “Mierda, echo de menos esto bastante”. Al final, somos una banda de rock y lo nuestro es el directo, tocar, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

y estamos un poco tristes por la situación. Ha sido complicado pero, bueno, en enero tenemos a la vista una gira de diez días seguidos por Reino Unido y ya nos cansaremos.

—¿Qué expectativas tenéis con ella? (Álex) Pues que va a hacer mucho frío, estoy seguro, porque es invierno. La verdad es que con ganas de estar ahí. Reino Unido es un país especial para tocar, por el público. A la gente le encanta la música. Nos apetece bastante volver a tocar en Londres, por ejemplo.

—Estados Unidos supongo que es mucho más complicado por las dimensiones del país. (Álex) Estuvimos en 2019, nos hicimos una gira de treinta y seis conciertos seguidos. Fue una paliza muy, muy loca, pero una aventura increíble. Ahora, de momento, tenemos puestas las miras en España y Latinoamérica. Nos encantaría dar el salto más en serio por México y poder visitar toda Sudamérica.

—En la entrevista de 2016 que mencionaba ya se hablaba de lo inusual que es ver a un grupo de aquí con esa proyección internacional. ¿Para vosotros es algo natural?

(Diego) Sí, haciendo música en inglés, desde el principio nos planteamos claramente salir.

Lo que siempre hemos querido es estar junto a un montón de artistas a los que admiramos. Las cosas que nos han movido a hacer música y a ir a conciertos han sido un poco un reflejo de lo que veíamos fuera. Y siempre hemos sido conscientes de que gracias a todo ahora es mucho más fácil viajar de lo que podía parecer antes. Y también, por suerte, en Estados Unidos se están abriendo mucho más a sonidos que no vienen de ellos mismos o de Inglaterra. Siempre nos ha parecido natural: si podemos tocar aquí, ¿por qué no vamos a poder tocar allá? ¿Qué tienen ellos que no tengamos nosotros? Siempre hemos tenido esa ambición, y por ahora se nos ha dado bien. Esperamos poder seguir viajando por todo el mundo tocando y disfrutando de sitios nuevos, que al final es un goce.

—¿Cómo de difícil o de sencillo va a ser llevar las canciones de este disco al directo? (Álex) En los cuatro bolos que hemos dado llevamos la misma formación: una persona al teclado y la guitarra, que en este caso ha sido Ade de Hinds; Fran de Los Nastys, en la otra guitarra; nuestro batería Manu, y ahora también un saxofonista que acompaña en varias canciones, no sólo las dos del disco.

Todo tiene un rollo bastante fiestero.

—J.C.P.

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noviembre 2021 #35

FOTO: FIRMA FOTÓGRAFO

MONDO FREAKO

Wes Anderson en la pasada edición del Festival de Cannes

Fotograma de “La crónica francesa (del Liberty, Kansas Evening Sun)”

C

OCKER SE IMPLICÓ TANTO en ponerse en la piel de Christophe, quien grabó “Aline” por primera vez en 1965, que acabó creando a un personaje imaginario llamado Tip-Top y grabando hasta doce canciones que verán la luz bajo el nombre de “Chansons d’Ennui Tip-Top”.

Además de “Aline”, están “Mon amie la rose”, que primero grabó Françoise Hardy; “Contact”, escrita por Serge Gainsbourg e interpretado originalmente por Brigitte Bardot; “Paroles, paroles”, que interpretaron Dalida y Alain Delon; “Les gens sont fous, les temps sont flous”, originalmente interpretada por Jacques Dutronc; y muchas otras.

El álbum, y el concepto de Tip-Top, es un tributo a la música y la cultura que veneran Anderson y Cocker, dos francófilos empedernidos. Reunidos para el estreno mundial de “La crónica francesa” en el Festival de Cine de Cannes, Anderson y Cocker reflexionan sobre su larga historia juntos, la filosofía de la música pop francesa y cómo la carátula de un álbum inspiró su propio álbum.

—¿Cuándo os conocisteis?

(Wes Anderson) Nos conocimos en una fiesta de mi película “Los Tenembaums.

Una familia de genios” que se celebró en Londres. Eso fue hace unos veinte años.

Después volvimos a encontrarnos en una fiesta de la película “María Antonieta” que fue en Versalles. En esa época ambos vivíamos en París. Nos conocimos allí, y poco después, cuando estaba trabajando en “Fantástico Sr. Fox”, le pregunté a Jarvis si quería interpretar a un personaje de la película que canta una canción. Y Jarvis le escribió una canción.

(Jarvis Cocker) Tú escribiste la letra.

(Anderson) La letra estaba en el guión, pero Jarvis le puso música, la interpretó #36 noviembre 2021

y encarnó al personaje. ¡Pero no con el banjo!

(Cocker) Lo sé. De hecho, compré un banjo pensando que tal vez podría aprender a tocarlo pero me resultó imposible. Y sigo sin conseguirlo. Las cuerdas empiezan a mitad del mástil así que me resulta muy difícil.

—Esa fiesta para “Los Tenembaums”, se celebró en un sitio muy raro en el Soho, ¿no?

Yo estaba pinchando en esa fiesta, en el último piso y en otras zonas, y me puse a investigar un poco. Había visto “Academia Rushmore” y compré la banda sonora.

Toqué un par de pistas para intentar crear el tipo de ambiente que le iba bien. Pero lo cierto es que la banda sonora de esa película me impresionó por la forma en que utilizas la música. También era muy buena porque era de Mark Mothersbaugh. Él estaba en Devo, que era uno de mis grupos favoritos cuando era joven. Creo recordar que incluiste una canción de Devo, «Gut Feeling» en una de tus películas...

(Anderson) Sí, en “The Life Aquatic”.

(Cocker) Cuando Pulp empezamos como banda, esa fue una de las primeras canciones que aprendimos a tocar.

Nos encantó poder tocarla... Esos cinco acordes. Fue un paso muy grande en nuestra carrera musical. Me pareció que había un vínculo, que compartíamos cierta sensibilidad musical.

—Compartís la música y la pasión por la cultura francesa ya que ambos tenéis casa en París.

(Cocker) En efecto. “Aline”, una de las canciones que se

escucha en la película es una de las canciones francesas favoritas de Wes, pero yo no la había oído nunca antes de que él me la pusiera. Y siempre me ha gustado la música francesa; sobre todo Serge Gainsbourg y Jacques Dutronc. Así que nos inventamos una especie de spin-off para esta película una estrella del pop ficticia llamada Tip-Top, e hicimos un álbum de canciones imaginando su carrera. Me dio la oportunidad de tocar esas canciones francesas que llevo toda la vida escuchando. Y espero que mis versiones estén a la altura. Fue genial, sobre todo durante el confinamiento. Me mantuvo en activo.

(Anderson) Por su físico, Tip-Top, se parece a Dutronc. Estoy seguro de que le dije a Jarvis cómo escuché por primera vez la canción de “Aline”. Fui a una fiesta en el club Castel... Más o menos cuando nos conocimos. Está en París, en el Distrito 6. Estaba sentado al lado de un hombre pequeño de pelo blanco con barba y gafas de sol azules que no hablaba mucho inglés. Hablamos. El fue muy simpático y amable nos entendimos bien. Al final de la cena, alguien le dijo algo y él se acercó a un teclado tipo Yamaha que había en una esquina, y empezó a tocar esta canción con una voz fina y muy aguda. Después cuando entraba el coro, toda la sala estalló al unísono, “Et j’ai crié, crié ‘Aline!’ pour qu’elle revienne!“. Fue alucinante. Fue cuando comprendí que ese hombre era una superestrella. Luego supe que era Christophe, que había sido el primero en cantar esa canción. Después de eso, compré el disco de la canción y la utilicé en un anuncio para la televisión japonesa con Brad Pitt. Hicimos dos anuncios, uno que estaba bien, que era con “Aline”, y otro para tratar satisfacer todas sus necesidades. Pero el de “Aline” lo descartaron por completo, y no lo emitieron nunca en Japón. El otro, el que me escribieron, fue un anuncio que tuvo muy mala acogida. A pesar de que estaba protagonizado por Brad Pitt, casi nadie se dio cuenta de que Brad Pitt estaba en el anuncio. No sabían que era él así que fue un fracaso [risas].

(Cocker) Deberían haber optado por la versión de“Aline”, ¿no?

(Anderson) ¡Yo lo habría propuesto! Pero estuvo bien, porque conservé esa canción y ahora la he utilizado en “La crónica francesa (del Liberty, Kansas Evening Sun)”.

—¿Cuando empezaste a concebir la película, el personaje de TipTop se te ocurrió enseguida?

(Anderson) Bueno, me gustaría que Roman [Coppola] estuviera aquí, porque es una historia que escribí con Roman. Estábamos escribiendo una escena y surgió la idea. Empezamos a hablar sobre la cultura juvenil francesa de finales de los sesenta, y en algún momento de la conversación nos preguntamos qué música escucharían en un café. ¿Quién sería su ídolo? ¿Qué sonaría en la máquina de discos? Así que empezamos a darle vueltas y a inventarnos cosas... Y llegamos a un nombre francés como Tip-Top. Es una palabra inglesa, pero sólo en Francia llamarías «Tip-Top» a un ídolo de la música pop. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: FIRMA FOTÓGRAFO

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Wes Anderson y Jarvis Cocker Javis Cocker comparte su francofilia con Wes Anderson

Se estrena en nuestro país “La crónica francesa (del Liberty, Kansas Evening Sun)”, la nueva película de Wes Anderson. En su banda sonora nos encontramos con un clásico francés, “Aline”, interpretada en esta ocasión por el mismísimo Jarvis Cocker.

(Cocker) La canción suena en un momento tan particular. Hemos intentado escribir una pieza musical original, pero creo que no es lo bastante Tip-Toppy. Pero como ha dicho Wes, tenía que ser un momento que invitara a todos a unirse. “Et j’ai crié, crié ‘Aline!’”. Es como un grito de guerra. Es una canción extraña en el aspecto lírico.

Cuenta la historia de un chico que está en la playa con una chica y dibuja su cara en la arena. De repente hay una tormenta y desaparece; se ahoga o se la lleva el agua. Y él corre por la playa tratando de encontrarla. Al principio la canción solo era una pista de la película. Pero Wes me dijo: “¿No te apetece hacer esa canción?”.

(Anderson) Ya hacía el papel de Tip-Top en la película.

(Cocker) Tip-Top era todo un personaje.

(Anderson) Sí, porque habíamos pintado una foto de Jarvis para la carátula de su disco. Su álbum y su foto ya estaban en la pared del café.

(Cocker) Es una versión de mí mismo bastante antigua. Una representación gráfica.

Así que todo empezó con esa carátula de un álbum inexistente y ahora es la carátula del disco que hemos hecho. Es un poco como “Campo de sueños”, pero con la carátula del disco. Hicimos primero la carátula y luego la llenamos con un disco [risas].

—¿Cómo escogiste las canciones del álbum?

(Cocker) La verdad es que lo hice de forma bastante arbitraria. Solo con canciones que me gustan. Por ejemplo, hay una versión de una canción de Françoise Hardy llamada “Mon amie la rose”. Cuando todavía vivía en Sheffield encontré este disco en una tienda de segunda mano. Era de Françoise Hardy cantando en inglés. Siempre me ha gustado esa canción. Y este caso también es una historia bastante trágica. Cuenta la historia de una mujer que está en el jardín y habla con una rosa y la rosa le dice: “Soy la flor más hermosa del jardín, pero mañana estaré muerta”. Y es lo que sucede en realidad. Es algo que me gusta mucho de cierta música francesa, de la música pop. Tiene más profundidad y trata temas que la música pop anglosajona no abordaría jamás. Así que me encantó tener la oportunidad de probar y hacer estas canciones que llevo escuchando hace tanto tiempo. Decidimos no reinterpretarlas. No queríamos hacer una versión jazz de una canción, por poner un ejemplo. Intentamos tocarlas con la máxima fidelidad y respeto porque yo sabía que nunca sonarían exactamente igual porque las estábamos grabando cuarenta o cincuenta años después. Mi lengua materna no es el francés. Hay muchos factores que hacen que no sea lo mismo. Una vez leí en una revista aunque no recuerdo quién lo escribió. Decía: “Si quieres hacer algo original, intenta copiar algo con la máxima fidelidad posible”. Creo que eso es cierto, porque la diferencia entre el original y tu versión es lo que tú eres. Esa fue mi declaración de intenciones con este álbum.

(Anderson) Con “Aline”, en términos de registro y categoría vocales, Jarvis y Christophe están en los extremos opuestos del espectro.

(Cocker) Lamentablemente, ya no está entre nosotros, murió el año pasado. Pero su voz es muy aguda.

(Anderson) Es un tenor alto y tú serías, ¿qué, un barítono?

(Cocker) Sí, supongo que sí.—MS

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noviembre 2016 #15

39/Mondo Media

Jose Luis “Dum Dum” Pacheco tiene setenta y tres años y vive en el madrileño barrio de Hortaleza. Ha sido delincuente, legionario, pero sobre todo una leyenda del boxeo español. Décadas atrás escribió “Mear Sangre”, un gran documento sobre su trayectoria y sobre la España de un momento concreto, que ahora reedita Autsaider División Sesuda.

FOTO: CARLOS SPOTTORNO

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Dum Dum Pacheco La vida es muy larga mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

UEDAMOS con Dum Dum Pacheco en una cafetería cercana a su domicilio. Llega cojeando, ayudándose de un bastón. “Es por un accidente que tuve volviendo de Aguamarga, que había ido a darle una paliza a un tipo”, nos dice. Las cosas claras y el chocolate espeso. Directo y sin tapujos.

Dum Dum Pacheco ha tenido una vida de película.

Miembro de una banda de delincuentes juveniles a finales de los años sesenta, ingresa en la prisión de Carabanchel con dieciséis años. “Por suerte era muy fuerte”, dice. La acumulación de condenas se convertirá en una estancia de tres años en “Villa Candado”.

Pero todo eso lo cuenta con pelos y señales en “Mear sangre”, un libro escrito a cincel, caótico y sincero, desordenado, salvaje y brutal. Comenzó a escribirlo de su puño y letra durante los últimos meses de presidio, y tras proclamarse campeón de España de los súper welter seis años después –en octubre de 1975– da su libro por concluido, considerando su vida reorientada y su trágico destino, vencido. El resultado es una narración a borbotones, honesta y sin filtro, que combina inocencia y brutalidad. Una crudeza que puede llegar a generar rechazo, un libro con momentos que se te quedan en la cabeza por mucho tiempo. Charlamos con él sobre su libro, la violencia, el boxeo, la fama, el éxito y el fracaso, porque como él mismo dice: “La vida es muy larga”.

—En “Mear sangre” hablas de tu pasado como delincuente perteneciente a una banda juvenil a finales de los años sesenta. ¿Cómo ves a la juventud de ahora ?

Creo que era más violenta antes. Principalmente porque había muchas bandas. En todos lados, en San Blas, en Usera, Los Boys de Usera… Los Látigos… Los Botines… Estaba todo Madrid lleno de bandas. A nosotros, que éramos los más famosos, los Ojos negros, nos metían billetes de mil pesetas en los bolsillos en las discotecas, en los bares, en los puticlubs y en los cabarets para que controlásemos a la gente y no hubiese peleas.

—¿Había mucha rivalidad entre bandas?

Eso ya está enterrado. Y menos mal. Yo estoy cojo por culpa de una cosa de esas. Fuimos a darle una paliza a Almería a uno que le había hecho una faena a uno de nuestros troncos. Fuimos, le pegamos y al volver se nos cruzó un camión y tuve el accidente.

—Pasaste tres años en la cárcel. ¿Si hubieras nacido en una familia con dinero crees que tu destino habría sido otro?

Por la cárcel puede pasar cualquiera. Sin querer. O queriendo. O en defensa propia o por invenciones de cosas. Por la cárcel puede pasar cualquiera, eso es así.

—Estando en la cárcel, además de las palizas y lo

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noviembre 2021 #39

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duro de la experiencia, uno de los momentos más duros fue la muerte de tu hermano pequeño.

La muerte de mi hermano Juanjo me afectó mucho. A mí y a mi madre. Mi hermano murió de una enfermedad que le entró de repente. Le llevaron al hospital y murió. Pidió verme y me dieron un permiso de unas horas, pudimos despedirnos. Estaba tan sano… Pero le llevaron al hospital y murió.

—Otra experiencia terrible en la cárcel son los abusos sexuales.

Tenía dieciséis o diecisiete años cuando entré en la cárcel, pero era muy fuerte. Yo me libré a base de palos. Allí un chaval joven me contó: “Pacheco, estos me quieren violar” y me enfrenté a ellos. Todas esas cosas no me afectaron demasiado. Simplemente me hice a ello.

—Esas peleas te llevaron en muchas ocasiones a las celdas de aislamiento.

Leyendo el libro y sumando los periodos que se relatan en dichas celdas suman casi ocho meses.

Es una barbaridad. Nunca había echado esas cuentas.

—Empiezas a practicar boxeo a los quince años, poco antes de entrar en prisión...

Sí, lo veía en la televisión, cuando vivía en la calle de la Gaviota en Carabanchel.

Desde pequeño era muy pegón. Hay fotos mías con cuatro años en las que ya estoy en posición de guardia. Luego empecé a entrenar con Pampito Rodríguez en el Palacio de los Deportes y más tarde, cuando estaba en la Legión, me #40 noviembre 2021

FOTO: CARLOS SPOTTORNO

MONDO MEDIA

e tiré a las “Cuando fui famoso, m a. Artistas, más famosas que habí cantantes, actrices…” daban permisos para ir a combatir.

—Y una vez fuera de la cárcel, te centraste en el boxeo. Las mujeres también fueron otro de sus principales intereses.

Las mujeres eran muy fáciles para mí.

Al principio no tanto, es verdad, pero cuando fui famoso, me tiré a las más famosas que había. Artistas, cantantes, actrices… Eran muy buenas mujeres, muy respetuosas, me querían mucho.

Era nuestro momento: el de ellas y el mío. Eso sí, no te voy a decir nombres.

—Tienes fama de haber salido bastante por la noche. ¿Qué locales frecuentabas en aquellos días?

Los mejores. Iba mucho al Florida Park, a la Blondie, al Don Pepe de la calle Hermosilla… En Joy había unas luces de colores, que cuando entraba un famoso ponían su nombre. Llegaba yo y ponía “Llega Dum Dum Pacheco” y se montaba un revuelo…

—También trabajaste en discotecas...

Sí, de encargado de seguridad. En Benidorm llevaba varias: el CAP3000, el Papillón, que tenía una piscina, menudas fiestas en la piscina… Y luego en Madrid, donde estaba antes la Feria de Madrid, en la Casa de Campo, había unos locales de mucho nivel, ahí también trabajé.

—¿Qué música te gustaba?

Elvis Presley. “It’s Now Or Never” es mi canción favorita.

—Volviendo a “Mear Sangre”, en su día el libro estuvo a punto de llevarse a la gran pantalla. ¿No es así?

Sí, iba a hacerla Manolo Summers, pero hubo problemas. No nos dejaban filmar

en la cárcel, nos negaban el acceso, pero pasó algo más, no me acuerdo de qué…

Manolo falleció. Bueno, eso fue mucho más tarde.

—Tu carrera como boxeador se trunca por un accidente de tráfico cuando ibas a disputar el campeonato de Europa y tenías previsto combatir en Estaos Unidos. ¿Cómo viviste esa situación?

Muy mal. Muy desesperado. Luego, al cabo del tiempo, volví a boxear cojeando. Hice diez o doce peleas y gané casi todas, incluso cojeando, pero ya noté que no podía. Peleaba en el Campo del Gas, en el barrio en el que nací. Había tanta afición por verme, que la gente se subía a los árboles aprovechando que la valla del campo no era muy alta.

—¿Qué es lo mejor que te dio el boxeo?

Ser Dum Dum Pacheco. Dum Dum Pacheco vivirá siempre.

—Cuando empezaste a boxear, por lo que cuentas en el libro, en tus rivales visualizabas a los funcionarios que peor te habían tratado en la cárcel.

En su día pegaba yo con mucha rabia, pero luego también he usado el boxeo para ayudar a la gente. Una vez fui al banco y había una pareja de viejos sacando dinero. Al lado estaban hablando dos chicos y dos chicas. Cuando el matrimonio sacó 600 euros, los chicos les empujaron a los dos y los 600 euros salieron por los aires. Me acerqué y me lié a hostias. Tuve la suerte de que estaba la policía tomando café en un bar cercano y lo vieron todo. Las chicas empezaron a decir “¡este sinvergüenza

les ha querido matar!”. La policía les dijo que lo habían visto todo y les preguntó: “¿Pero no sabéis quién es este?

Es Dum Dum Pacheco, campeón de boxeo”. Los viejos estuvieron viniendo al bar durante mucho tiempo para darme las gracias.

—Al empezar a boxear tu vida mejoró notablemente…

Antes de boxear mis condiciones materiales no eran muy buenas porque estaba en la cárcel o en la legión. Luego, cuando me hice profesional, me gastaba el dinero en coches, en ropa, en joyas no. Pocas joyas he tenido. Luego metí la pata. Me iba a comprar un piso propio pero por una chica me vine de alquiler y ya no me lo compré.

—Al final de “Mear Sangre” hay una entrevista en la que cuentas cómo ha sido tu vida después de dejar el boxeo, tu paso por el cine, empleos en seguridad… ¿Cómo es ahora?

Muy mala. Económicamente, muy mala. La vida es muy larga.

—¿Estás contento de volver a ser noticia por la publicación de “Mear Sangre”?

Siempre está bien que se acuerden de uno.

—El otro día en la prensa alguien comentaba que “Mear Sangre” era un libro ficcionado.

A mí me van a contar mi vida. Que digan lo que quieran.

—EDUARDO BRAVO Y ATA LASSALLE

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CINE Y SERIES Halloween Kills

Fantasya Odyssey

David Gordon Green

Pedro Ladroga

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DE TODAS LAS SENSACIONES que provoca “Fantasya Odyssey” la que más permea pasadas las horas es que Pedro Ladroga ha querido dar un salto de ambición –al igual que otros artistas de su generación– y ha comenzado a pensar a lo grande, en proyectos donde su identidad creativa y artística esté igual de presente, pero que integren otras disciplinas.

En su caso, esta “Fantasya Odyssey” combina la inclasificable música que sale de Ladroga Lab con la animación y el diseño 3D. El viaje de Pedro Ladroga recorre un imaginario que ya ha mostrado de manera consciente y consistente a lo largo de su carrera; lo venenoso, lo kinki, los coches, lo digital, lo fantástico y lo lúdico, por intentar enumerarlas para ilustrar al lector neófito en el universo del sevillano. También por llevar un conteo de la riqueza del mismo. No es lo mismo hablar de las “tres efes” que intentar formar un universo mezclando unas referencias que no tienen nada que ver entre sí. El resultado es interesante.

“Fantasya Odyssey” realmente consigue

sumirte en un estado anímico y emocional particular. No sé si porque yo entré a los cines Palacio de la Prensa de Madrid con un ánimo receptivo, atento, con el corazón dispuesto a recibir una dosis de desamor venenoso de Ladroga, pero salí de allí impresionado. Las letras de Pedro Ladroga son tristes y certeras, no gastan energía en adornos y llegan directas a dónde deben. Las versiones en directo que preparó para este filme artístico-musical ayudan a ello. Si desde aquí puedo apuntar algo al respecto, claro.

La vocación de conectar con el público también está presente. Es evidente que la audiencia de Pedro Ladroga ha conseguido quedarse a vivir (aunque sea como segunda residencia) donde Pedro Ladroga dice. Así que este “Fantasya Odyssey” es un premio para ellos, entre el directo y el videojuego, concebido desde el principio como una forma de superar los exiguos directos virtuales de la afortunadamente cada vez más lejana cuarentena.

—LUÍS M. MAÍNEZ

LA CRÍTICA es algo subjetivo y muchas veces los diferentes medios especializados no se ponen de acuerdo con la valoración de una misma película. Y el de “Halloween Kills” es uno de esos casos. Dirigida por David Gordon Green y protagonizada por Jamie Lee Curtis, “Halloween Kills” actúa como continuación directa de la “Halloween” de 2018, que a su vez actuaba de secuela del film original de John Carpenter, pretendiendo retirar del canon al resto de cintas de Michael Myers.

Retraso tras retraso, por distintos motivos hemos tenido que esperar tres años para tener la posibilidad de ver esta secuela, y debo romper una lanza a su favor. Recuperando el estilo del slasher clásico, la película resulta una de las obras más destacables, dentro de la larga y tremendamente desequilibrada saga de la que debemos destacar “Halloween” (Carpenter, 1978), “Halloween, el origen” (Rob Zombie, 2007), “Halloween” (David Gordon Green, 2018) y esta sobre la que estamos hablando.

Todd Haynes

Daniel Day Longino

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la surrealista aparición en un episodio de David Duchovny interpretándose a sí mismo con mucha sorna, haciendo incluso referencia a la mítica salida de la piscina de Mulder en “Expediente X”.

Y es que “La directora” explora mucho más que la lucha de Ji-Yoon por hacerse valer como jefa frente a sus colegas masculinos, añadiendo enfoques tan interesantes como el choque cultural con su hija adoptiva y su abuelo, la complejidad del personaje de Holland Taylor que merece una serie para ella sola y, sobre todo, el análisis del ambiente universitario actual y de la “cultura woke” antes estadounidense, ahora extendida a gran parte del mundo occidental. Intenta hacerlo sin tomar partido, mostrando las debilidades de todos los bandos, desde la cerrazón de los mayores que se niegan a entender a sus estudiantes, la a priori apertura de Bill que esconde cierta presuntuosidad, y el punto simplista tras la reducción woke, con unos estudiantes bastante más manipulables de lo que imaginan mientras creen poseer la verdad absoluta. —PABLO TOCINO

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—ALEJANDRO TEIGA ROBLES

The Velvet Underground

La directora

SIN HACER MUCHO RUIDO, hay una serie que ha ido conquistando poco a poco a los clientes de Netflix. Se trata de “La directora” (“The Chair”), creada por Amanda Peet y Annie Julie Wyman, y ambientada en la ficticia universidad de Pembroke, que estaría en la misma Ivy League de Harvard, Yale o Princeton. Allí trabaja nuestra protagonista, Ji-Yoon Kim, a quien de golpe y porrazo convierten en Jefa del Departamento de Inglés, siendo la primera mujer en ocupar el cargo... y, por supuesto, la primera mujer no-blanca en hacerlo.

En la producción ejecutiva encontramos a Amanda Peet, pero también a David Benioff y D.B. Weiss (sí, los de “Juego de Tronos”) y, por supuesto, a Sandra Oh. De hecho, la serie es un absoluto vehículo de lucimiento para la estrella de “Anatomía de Grey”. Pero ojo, porque no es solo eso, aunque pueda parecerlo. El plantel de secundarios está muy bien cuidado, destacando sobre todos los demás (a veces incluso sobre Oh) la maravillosa Holland Taylor o los excelentes Bob Balaban, Jay Duplass, Nana Mensah... y

Como podremos imaginarnos a estas alturas, esta nueva cinta va de muertes, de muchas muertes, con Michael –esta vez bajo la máscara se esconde James Jude Courtney– volviendo al pueblo que le vio crecer y devolviendo el pánico y el terror a sus calles y a sus habitantes.

Pero en esta ocasión son los habitantes de la población quienes deciden ir a por él, lo cual evidentemente desemboca en la mayor matanza de Myers.

El pulso y la habilidad de Gordon Green para desenvolverse en las escenas de masas y en la forma de presentar los planos de los asesinatos de Myers denotan calidad, pero sobre todo dejan claro el amor del director por la saga (véanse también los dos exquisitos planos-secuencia de asesinatos en la película de 2018). Así que, resumiendo, “Halloween Kills” funciona muy bien como puente dentro de la nueva trilogía, dejando en reposo el encuentro entre Laurie y Michael para la futura “Halloween Ends” (22).

CON EL DOCUMENTAL “The Velvet Underground”, Todd Haynes completa una (de momento) trilogía, más oficiosa que oficial, sobre la música rock, después de “Velvet Goldmine”, ficción inspirada en figuras del glam rock, y “I’m Not There”, biopic experimental que fragmentaba la(s) vida(s) de Bob Dylan. A Haynes le interesa principalmente vincular la formación de The Velvet Underground a un momento y lugar histórico concretos de vital importancia: el Nueva York y la cultura underground de los años sesenta (y previos). De hecho, el grupo de Lou Reed y John Cale no hace acto de presencia como tal en la película hasta pasada la primera media hora. En ese sentido, “The Velvet Underground” es una privilegiada lección de historia oral que cuenta con la participación de las figuras más pertinentes: entre otros, John Cale y la baterista Maureen Tucker como miembros supervivientes de la formación, el compositor La Monte Young con quien se inició John Cale, el cineasta y activista cultural Jonas Mekas (fallecido en 2019 y a quien está

dedicada la cinta) a cuyas sesiones de cine iba Andy Warhol, y la estrella de la Factory warholiana Mary Woronov, además de declaraciones de archivo de los miembros ya desaparecidos, Lou Reed y el bajista Sterling Morrison. En este recorrido se habla de las interconexiones de ambiente cultural de aquel Nueva York, las influencias de la banda, el origen de la misma, la relación con Warhol y su Factory –con apartado especial para elogiar la figura de Nico–, la animadversión cultural hacia el flower power de la Costa Oeste y la desintegración paulatina de la banda por obra y gracia de Reed. Como se ha mencionado más arriba, tópicos como el sexo y las drogas, vinculados habitualmente al rock, aparecen en contadas ocasiones.

Sin embargo, la forma que elige Haynes para explicar tanto la banda como el momento cultural en el que se enmarca, dista una rutinaria clase escolar; de hecho al espectador no avezado le pueden despistar referencias que se dan por sabidas.

—J. PICATOSTE VERDEJO

noviembre 2021 #41

CINE Daniel Monzón ha vuelto a los cines españoles con “Las leyes de la frontera”. El director de dos taquillazos como “Celda 211” y “El niño” podría sumar otro éxito a su filmografía con esta entretenidísima cinta de acción que adapta el libro homónimo de Javier Cercas y que supone también un homenaje al cine quinqui de los setenta y ochenta. Para descubrir más al respecto, charlamos con todos los implicados en la película.

—

TEXTO Pablo Tocino

L #42 noviembre 2021

Los secretos de

“Las leyes de

AS LEYES DE LA FRONTERA” no solamente es la nueva película de Monzón con banda sonora de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, sino que también supone la presentación al gran público de Marcos Ruiz, porque aunque lleva desde muy pequeño dedicándose a este oficio, el actor es una cara relativamente nueva (me ha contado que ahora mismo no tiene ningún proyecto, pero estamos seguros de que le van a llover en breve). Sobre esta superproducción patria hablamos con él, con Monzón... y con los encargados de poner banda sonora a todo esto, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba.

Adaptar la novela de Javier Cercas era desde el principio una tarea muy compleja, pero Daniel Monzón no se achantó y se propuso “transmitir el sentimiento del libro pero desde un sitio muy diferente. Para empezar, nos limitamos al punto de vista de Nacho, y a la época de los setenta, con la excepción del prólogo y epílogo. Porque aunque en un principio pensé en una estructura tipo la de ‘Érase una vez en América’ de Sergio Leone, me di cuenta de que hacer dos películas de dos horas no iba a ser muy operativo de levantar. En cualquier caso, el ejercicio de síntesis al que te obliga hacer una película es muy interesante”.

La cosa es que a las dificultades propias de adaptar el libro se le añadió una dificultad que nos vino a todos en marzo de 2020: el COVID estalló en nuestro país poco antes de la fecha prevista para comenzar el rodaje, que se retrasó unos meses y, cuando finalmente se inició, lo hizo con estrictas medidas. “Teníamos muchas localizaciones, mucha figuración, muchas secuencias de acción, muchas situaciones en las que desde luego era difícil mantener distancia de seguridad”, me cuenta. “Hacer una película siempre es un ejercicio de funambulismo... pero, en este caso, era como hacer funambulismo mientras alguien te está lanzando piedras desde el suelo. Me aconsejaron que lo mejor iba a ser adaptar el guión a la nueva realidad, pero no le vi ningún sentido; o se hacía la película como se tenía que hacer, o era mejor no hacerla”.

Las complicaciones, como decimos, ya estaban en ese período de preproducción que se alargó obligatoriamente, pero el realizador quiso buscarle un lado positivo al asunto. “Pensé que teníamos un

tiempo extra para seguir preparando, y lo aproveché para que todos los actores jóvenes se sumergieran en esa época, les dije canciones, documentales, cómics, películas... Casi como deberes. ¡No solo cine quinqui! Te hablo también de ‘La Escopeta Nacional’ de Berlanga o ‘Asignatura Pendiente’ de Garci. Para que se empaparan de lo que significaba aquel momento. Les dije también que no se cortaran el pelo, que se lo dejaran largo esos meses”.

Marcos Ruiz, que da vida a Nacho, el protagonista, recuerda con ilusión ese proceso, y el “clic” que supuso la ropa de la época. “En la primera prueba de vestuario me vi con ese bañador cortito y fue como mágico, ¡ya me metí en esos años!, y he estado muy a gusto con la ropa de esa época, los pantalones de campana, las camisetas ajustadas, el tacto, los colores... La verdad es que en vestuario se han marcado un curro increíble”. Tanto él como sus compañeros hicieron caso a Monzón y sus “deberes” musicales. “Conocía algunas canciones de los setenta y ochenta, pero en inglés, la mayoría de las españolas no, y disfrutamos mucho de ponernos a Los Chicos y Las Grecas en los rodajes, además de por supuesto a Johnny Cash, Jimi Hendrix... y luego, claro, ¡descubrí a los Derby!”.

“Nos lo pasamos estupendamente. Todo el reparto formamos una piña, ten en cuenta que además nos unía el ser no ya actores jóvenes, sino directamente caras nuevas levantando una película tan importante”. ¿Mucha presión, entonces? “Pues fíjate, yo la presión la transformé en algo positivo, la transformé en adrenalina y en pasión, como mi propio personaje cuando cruza la frontera”. A la presión de protagonizar un blockbuster siendo desconocido para el gran público se le podría sumar, en su caso, el desnudo integral que tiene en la película, pero Marcos no lo recuerda como un especial obstáculo: “Ya salí desnudo con trece años en ‘Lobos de Arga’, y a esa edad es peor porque ni era tan niño como para que diese igual, ni era adulto como para tener las tablas de enfrentarme a ello”, me explica. “En este caso lo llevé mucho mejor, la presión la llevaba más pormondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO MEDIA "Es una supervitaminación del cine quinqui, un revival, una celebración, un homenaje con respeto"

e

e la frontera” que saliese bien la escena y no por estar desnudo. Además Daniel nos hizo estar muy cómodos a Begoña y a mí”. Sí fue todo un reto la psicología del personaje. “Nacho observa, observa y observa.

Observa mucho más que habla, y eso significa que tienes que transmitir mucho con las miradas, con los silencios y con pocas palabras”.

Con solo veintidós años, el joven había trabajado ya a las órdenes de Gracia Querejeta, Daniel Sánchez-Arévalo, Jota Linares, Tristán Ulloa, Oskar Santos o Aitor Gabilondo, pero este Nacho es su mayor oportunidad (y responsabilidad) hasta el momento, y noto el cariño que le ha cogido cada vez que me habla de su personaje. “Nacho está tan mal, casi en una situación de vida o muerte, que quizás era lo que necesitaba para salir y cruzar la frontera... Necesitaba un motivo. Y ahora empieza a conocerse a sí mismo como persona.

Es como estas situaciones muy negras a las que al final se les puede sacar un punto positivo”. La relación tan bonita que tiene con Zarco y Tere, los co-protagonistas, puede hacernos pensar en distintas interpretaciones... Yo os reconozco que durante buena parte del metraje creí que, de un momento a otro, Zarco se declararía a Nacho (no es spoiler, tranquilos). Y quise saber si eran cosas mías o tenía algo de sentido. “Pues me parece muy interesante tu interpretación porque, aunque yo no lo pensé exactamente así, sí es cierto que Zarco se ‘enamora’ en cierto sentido de Nacho”, me revela Monzón. “Desde la primera vez que le ve se da cuenta de que es un chico que tiene algo especial, le gusta ese chico y decide que le va a meter en la banda. Y fíjate, él que adora a Tere, cuando la ve divirtiéndose con Nacho por un lado tiene celos, pero a la vez le gusta que esté con Nacho, porque además a Zarco le gustaría que alguien sacase a Tere de ese mundo. Los tres forman un juego de tensiones y de emociones muy ambiguo, un triángulo muy sugerente, muy rico, y que no acaba cuando termina la película; cuando termina, empiezan las interpretaciones... Y cualquier interpretación es válida”. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

La pasión que el realizador mallorquín tiene por sus proyectos es palpable cada vez que nos desgrana aspectos de la película, desde su pre-producción, su rodaje o sus influencias hasta, por supuesto, su banda sonora. “Las películas de Eloy de la Iglesia eran como un puñetazo en el estomago. De la Loma era más moralista, Saura le dio un punto más esteticista, pero lo de Eloy era otra cosa. En el 2021, intentar hacer una película como las que hacía Eloy sería grotesco.

La única forma posible de hacerlo es desde el recuerdo, en este caso el recuerdo de su protagonista, que casi idealiza esa época, por eso la estilización que se hace. La película de arranque la rodamos en formato Scope, esto ya es una declaración de intenciones: es una supervitaminación de aquel género, un revival, una celebración, un homenaje con respeto. Y los Derby entran dentro de ese planteamiento, porque quería que la música nos llevase ahí, quería Las Grecas, quería Smash, etcétera, pero quería también una mirada contemporánea, canciones compuestas expresamente para la película”.

A Derby Motoreta’s Burrito Kachimba el estreno de la película les ha pillado poco después de que Tarantino haya conocido su música (“al día siguiente de lo de El Ojo Crítico ya estábamos hablando con el sello y pidiéndole que nuestro material llegase por el medio que fuese a quien selecciona la música en sus películas”), entre concierto y concierto de “Hilo Negro”, y a pocas semanas de entrar en el local de ensayo para preparar su tercer disco, del que avanzan que habrá “nuevos sonidos y experimentos pero manteniendo lo de siempre, queremos volcarlo todo en la olla y ver qué sale en ese puchero” y que contendrá “más voces aparte de la de Dandy” (no especifican si en forma de colaboraciones o si alguien se une al grupo). Pero también tienen hueco para la promoción de “Las leyes de la frontera”, y para contarme curiosidades que relacionan a la banda con la interpretación. Scott me cuenta, por ejemplo, que él ha hecho teatro en el pasado y que Dandy va a hacer en breve sus pinitos no ya en la banda sonora, sino al otro lado de la cámara, “en un rodaje underground donde sale en pelotas”.

También hay sitio en el tracklist de la banda sonora para artistas como Lin Cortés (“coincidimos con él en el preestreno y es más buena gente que Depedro, que es una cosa que decimos nosotros porque Depedro es la mejor persona del mundo”), pero son los Derby quienes se han encargado de componer la música de las escenas. “Daniel y su equipo se ponen en contacto con nosotros en plena pandemia, primero para hacer un tema, y luego ya para la banda sonora en sí.

Fue un partido de tenis de meses. Grabábamos en el estudio, le pasábamos las canciones, íbamos hablando por zoom, etcétera. Hemos trabajado codo a codo con él, porque evidentemente nosotros no podíamos estar haciendo lo que nos saliese del nabo sin pensar en la película, y creo que hemos empastado nuestras energías en un resultado muy bueno, ha sido muy bonito”.

Finalmente, un tema que sale a la palestra tanto en nuestra conversación con la banda como con director y protagonista es el discurso sobre la clase social que, entre persecución y persecución, se desliza en ‘Las leyes de la frontera’. “Fíjate en los actores de las películas de Eloy de la Iglesia; directamente ERAN esos quinquis, y actualmente la mayoría ha muerto. Eso es un poco reflejo del determinismo de las clases sociales, de la ‘frontera’ de la que hablamos en el título. Si la Transición fuese un LP, la cara A del de esa Transición era la que vivía gente como la familia de Nacho, pero la cara B la componían todos los quinquis, hijos de familias que habían emigrado a las grandes urbes y que se encontraban que no había espacio para ellos”. —P.T.

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noviembre 2021 #43

LIBROS

CÓMICS

Edita Sister Sonic, S.L.

Wagnerismo Alex Ross Seix Barral

10 Hablar de Alex Ross es hacerlo de uno de los ensayistas más impactantes de estos últimos años. Obras como “El ruido eterno” y “Escucha esto” rompían las pautas de acción ante la escucha musical, ampliando conceptos, quebrándolos o, directamente, rompiendo las fronteras entre música clásica y pop. Una de las figuras a las que Alex Ross dio más relevancia en estos libros fue a Richard Wagner, a quien ha dedicado una década de trabajo y retornar con otro volumen esencial de ensayo cultural que, como mínimo, es igual de ambicioso que los dos mencionados anteriormente. Sólo por este detalle cabe decir que estamos ante un trabajo fundamental que abarca el último siglo y medio cultural, político y filosófico a través de la obra y eco de Wagner, mediante una lectura que, por momentos, parece una novela.—MARCOS GENDRE ¡Grabando!

Mark Howard Libros Cúpula

8 Mark Howard, reputado técnico de sonido y productor, plasma buena parte de sus experiencias tras la mesa de sonido en este interesante y de sobra atractivo volumen. El autor expone una trayectoria que le ha llevado a trabajar con nombres claves como Bob Dylan, R.E.M., Iggy Pop, Neil Young, Red Hot Chili Peppers o Tom Waits. La referencia incluye un buen puñado de anécdotas en torno a los artistas en cuestión, sin que el asunto deba entenderse como mero compendio de chismes y cotilleos. Howard proporciona un texto adornado con curiosidades en torno a aquellas estrellas que le confiaron sus canciones, pero se mantiene respetuoso y evita airear información morbosa. “¡Grabando!” es, ante todo, su propia historia, la de un canadiense que desde temprana edad dedicó su vida a la grabación. —RAÚL JULIÁN #44 noviembre 2021

Buda

B.O. Como Dios

Osamu Tezuka Planeta Cómic

Ugo Bienvenu Ponent Mon

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Si todavía alguien se pregunta por qué se considera a Osamu Tezuka el Dios del Manga, “Buda” sería una de las mejores respuestas posibles. Creada a lo largo de once años (septiembre de 1972 a diciembre de 1983), estamos ante una de las series más emblemáticas del japonés. Alrededor de 3.000 páginas –cinco tomos en esta deluxe edition– a lo largo de las cuales, Tezuka nos narra –salpimentando la historia de humor, fantasía, libre interpretación de los hechos considerados “reales” y, no nos olvidemos, también la crudeza de los acontecimientos narrados– la vida del asceta Sidarta Gautama, desde su nacimiento hasta su muerte. Como es habitual en su obra, el autor toma lo histórico como pretexto para desplegar un amplísimo fresco de personajes.

Un manga imprescindible.

—JOAN S. LUNA Hambre

Knut Hamsun y Martin Ernsten Nórdica Cómic

7 “Hambre” está considerada la gran novela noruega, la más influyente, la más popular, la que más se avanzó a su tiempo. Tal es su importancia que se entiende que Martin Ernsten no haya publicado esta adaptación al cómic con un simple “basado en”, sino que mantiene el nombre de su escritor, el controvertido Knut Hamsun, en su autoría y pone su nombre al protagonista –bien conocido es que “Hambre” es marcadamente autobiográfica–.

Pero eso no le resta mérito a un Ernsten que nos describe la miserable vida de un hombre mezquino, víctima y al mismo tiempo responsable de sus miserias económicas y personales. En su adaptación, el dibujante no busca meternos en la cabeza de Knut, sino que prefiere ir narrándonos sus peripecias y desventuras relacionadas tanto con el dinero como con el amor. —ESTHER RIUS

En Angouleme Ugo Bienvenu recibió el Gran Premio de la Crítica por “Preferencias del sistema”, virtuosa y electrizante distopía intergaláctica (Ponent Mon, 2020) que cosechó numerosos lectores aquí y allá. Era cuestión de tiempo que acabase colaborando con este sello tan libre y liberador, dada su trayectoria y su querencia por lo curvoso. ¿Y de qué va este “B.O.”? ¿Quién es B.O.?

O sería más correcto preguntarse: ¿qué es B.O.? Pues para ir al grano, diremos que es el fucker más efectivo de la galaxia. Una máquina de follar con una apretadísima agenda y una abultadísima polla de silicio. B. O. es un escort de lujo que viaja por el firmamento reclamado por sus clientas necesitadas de polvazos épicos. B. O. no juzga, no se posiciona, no da consejos, no pide nada, solo folla, y lo hace mejor que tú y que yo.

—OCTAVIO BOTANA Moby Dick Bill Sienkiewicz Astiberri

7 En 1990, la editorial First Comics, una de las independientes más famosas de los ochenta, estrenó una colección de novelas gráficas de cuarenta páginas en buen papel que serían una versión de libros y cuentos clásicos adaptados al cómic (Edgar Allan Poe por Gahan Wilson, Lewis Carroll por Kyle Baker, etcétera). Entre ellos este “Moby Dick” por Bill Sienkiewicz, quien venía de revolucionar el dibujo en Marvel (“Los Nuevos Mutantes”, “Daredevil: amor y guerra” y “Elektra Asesina”), o con su propia serie para Epic “Stray Toasters”, cuando recibió el encargo de First. Sienkiewicz trató la narración como si fuera un libro ilustrado, con muy poca narrativa secuencial, más parecido a una colección de postales con ilustraciones deslumbrantes.

Es Sienkiewicz en estado puro, haciendo gala de su dominio de la ilustración. —MANU GONZÁLEZ

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