Mondo Sonoro octubre 2021-1

Nº 299 Octubre-1 2021 www.mondosonoro.com

TY SEGALL, FITO & LOS FITIPALDIS, THE VELVET UNDERGROUND, NIRVANA, THE GOON SAX, CJ, QUIQUE GONZÁLEZ, FETÉN FETÉN, EMLAN

Low Gótico americano

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13-09-2021 14:34

Los sintetizadores se cuelan a mansalva en el nuevo trabajo del norteamericano Ty Segall. Pero que nadie se preocupe: “Harmonizer” (Drag City/Popstock!, 21) promete y da con creces lo que podemos esperar de uno de los músicos más prolíficos y brillantes de su generación: rock asilvestrado, psicodélico y atemporal con ese punto extravagante que lo hace tan especial.

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Y SEGALL NO se prodiga con las entrevistas, lo que ha contribuido a su imagen algo misteriosa.

Para la ocasión, el compositor y guitarrista de Los Angeles prefiere hablar por correo electrónico de los aspectos técnicos de la grabación de su nuevo disco, el decimocuarto si contamos directos, una cifra asombrosa si tenemos en cuenta que tiene treinta y cuatro años.

Incluso por escrito, sus respuestas están llenas del entusiasmo contagioso de quien disfruta como un niño pequeño del arte de grabar un disco en cinta, con técnicas de hace cincuenta años. Ty se involucra de lleno en la parte técnica, trabajando codo con codo con sus técnicos e ingenieros y coproduciendo sus

álbumes, con resultados de momento siempre demoledores. En este caso, junto a su amigo Cooper Crain (Bitchin Bajas, Cave).

—¿Cuánto disfrutas la parte técnica de grabar y qué es lo que buscas? El nuevo disco suena (otra vez) increíble.

Parece que tienes las cosas claras en cuanto a tu estética sonora. ¡Gracias! Para mí, grabar un álbum es la parte más divertida de todo el proceso.

Me parece que el estudio es el instrumento más importante que tiene un artista para dar forma a sus canciones en lo que quiere que sean… Me encanta todo lo que tiene que ver con grabar un disco.

—Pareces muy interesado en todo lo que se refiere a las técnicas de grabación en el estudio. ¿De dónde viene este interés? ¿Cuándo fuiste cons-

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FOTO: SARA ALMGREN

3/Mondo freako

Ty Segall El duende del fuzz

ciente de la parte técnica de hacer un disco?

Supongo que este interés se desarrolló simplemente por ser un fan de los discos. Cuando entré por primera vez en un estudio, me di cuenta rápidamente de que tenía una idea muy concreta de cómo quería que sonaran las cosas, así que más me valía averiguar cómo conseguirlo. Desde ese momento, creo que tenía diecisiete años, he querido aprender todo lo que he podido sobre técnicas de grabación.

—Antes de hacer “Harmonizer”, ¿querías explorar más sonidos electrónicos o sintéticos o fue algo que se desarrolló según lo grababas?

Era un objetivo desde la fase de composición. De hecho, compuse la mayor parte de las canciones con sintetizadores, así como con algunas guitarras.

Tener a Cooper ahí para ayudarme con la parte sintética del disco. Fue crucial.

Me enseñó muchísimo durante las sesiones, y tenía allí su equipo modular.

Nos divertimos muchísimo, y tengo que darle mucho crédito a Cooper por toda esa parte.

—Tu anterior disco “First Taste” no tenía una sola guitarra, aunque tocas-

“Es mucho más fácil n estropear una canció sobreproduciéndola que al revés”

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octubre 2021 #3

MONDO FREAKO

LA MÍA Ley de Vida

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te un montón de instrumentos. Leí en algún lado que en este nuevo disco has metido muchas guitarras directamente a la mesa, sin amplificador. En todo caso, en canciones como la propia “Harmonizer” las guitarras suenan muy especiales. Como guitarrista consumado, ¿pones mucho cuidado en la forma de grabarlas? ¡Muchas de las guitarras del disco se grabaron directamente! Pero hay algunos amplis por ahí.

Supongo que la idea con las guitarras, en este caso, era grabar cada parte de forma diferente o única. No creo que lo hiciéramos al final de forma literal, pero creo que nos acercamos mucho. La canción “Harmonizer” es, sin duda, una de las que grabamos con las guitarras “directas”.

—Parece que muchas de ellas van a través de pedales raros, especialmente de fuzz (saturación, o distorsión). Me pregunto qué pedales usas y qué criterio tienes para meterlos. ¿Es cuestión de personalidad del sonido?

Creo que es cuestión de cuál hará que la canción suene mejor. Tengo pedales que sólo he utilizado en una única canción. Creo que eso es genial.

—¿Enfocaste la grabación de una manera distinta a la de tus anteriores trabajos? ¿Cómo te beneficias de la experiencia acumulada?

Me gusta enfocar la grabación de cada disco que hago de forma distinta. Cooper Crain grabó “Harmonizer” y lo coprodujo conmigo, y trabajar con él ha sido una experiencia alucinante y completamente única. Cooper trató de grabar cada canción de forma diferente, lo cual me encantó. Por ejemplo, ahí entraba la idea de asegurarnos de no repetir nunca el mismo sonido de guitarra.

—¿Prefieres trabajar en tu propio estudio?

Debes tener muchísimo equipo…

De momento, ¡sí! Lo que me encanta de mi estudio es que tengo el mismo magnetófono #4 octubre 2021

mento “El estudio es el instruene un más importante que tia a sus artista para dar form canciones” de cinta que la mayoría de los estudios de la ciudad, así que si quiero grabar baterías en cualquier otro sitio, y terminar el disco en casa, ¡puedo hacerlo!

—Para capturar la energía, ¿prefieres grabar cada tema junto a los otros músicos?

Sin duda, depende de cada canción.

—Muchas de las canciones tienen un sonido más denso, quizá sea por el uso de los sintetizadores. Asumiendo que usaste muchos más que en otros discos, ¿te gustan los sintetizadores antiguos analógicos?

Me encantan. Pero en realidad me gusta cualquier cosa que suene bien, los nuevos sintetetizadores pueden ser también alucinantes.

Usamos muchos más teclados en este disco que en cualquiera de los otros.

—Has trabajado con Steve Albini y Greg Norman, dos de los técnicos más brillantes del mundo, responsables del sonido de grandísimos discos. El disco que grabaron en Los Angeles en vivo es de mis directos favoritos de siempre. ¿Qué es lo que admiras de su trabajo? ¡Gracias! Creo que te refieres a “Deforming Lobes”. Me encanta trabajar con Steve y Greg.

Tengo mucha suerte de haber pillado algunos de sus trucos a lo largo de los años. Admiro la dedicación que le ponen a su oficio, que es una forma de arte moribunda, en especial la grabación analógica. Les debo muchísimo.

—Para terminar: ¿Te parece que es imposible hacer un gran disco si no suena bien?

Creo que la música y la estética sonora de una grabación son subjetivas, así que por definición es una pregunta imposible de responder.

Lo que sí diré es que, en mi opinión personal, puedes estropear una canción sobreproduciéndola. Creo que es mucho más difícil arruinarla si la produces poco. —JC PEÑA

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ace unos meses nuestro colaborador Sergio Ariza repasaba, en un excelente artículo escrito con motivo del estreno en Apple Tv del documental “1971, The Year That Music Changed Everything”, hasta un total de 100 discos que se editaron con el inicio de la década de los setenta y que de una forma u otra dejaron una huella, ya fuera pequeña o grande, en el proceso de construcción de la música popular moderna. Pues bien resulta que, como dice de forma sabia el refrán, de aquellos polvos estos lodos y justo dos décadas después, las diferentes semillas germinaron en otra hornada de trabajos para la historia. 1991 era el año en el que se alumbraban discos tan rotundos como “Nevermind” de Nirvana, “Blood Sugar Sex Magik” de Red Hot Chili Peppers, “Ten” de Pearl Jam, “Black Album” de Metallica, “Badmotorfinger” de Soundgarden, “Trompe Le Monde” de Pixies, “Achtung Baby” de U2, “Gish”, el debut de The Smashing Pumpkins, “Out Of Time” de R.E.M. “Leisure” de Blur o los “Use Your Illusion” de Guns N’ Roses. Y seguro que si siguiera estirando del hilo de la historia me saldrían unos cuantos más, no tan obvios, pero no por ello menos interesantes de bandas como: Primus, Massive Attack, Primal Scream, The Cult, Dinosaur Jr, Voivod o Sepultura. La diferencia principal es que, mientras en 1971 los que confeccionamos esta revista estábamos en pleno duelo por el síndrome del chupete exiliado, dos décadas después el tsuami del rock alternativo nos pillaba en plan veinteañero volándonos por completo la cabeza. Fue un año de fanzines, intercambios de cintas de cassette y conciertos en salas ya desaparecidas. Un 1991 vibrante en el que no teníamos ninguna certeza de lo que estaba sucediendo, pero que resultó lo suficientemente inspirador para que tres años más tarde, ya en 1994, se iniciara la andadura de Mondo Sonoro, con una primera portada dedicada precisamente al concierto que ofrecieron Red Hot Chili Peppers en Las Ventas de Madrid. Mientras Kiedis y Flea habían ascendido en tres años a un estrellato que les permitía llenar grandes recintos, nosotros nos las habíamos ingeniado para plasmar todo ese bullicio que estaba sucediendo a nuestro alrededor en una revista. Desde entonces han pasado treinta años y muchas son las cosas que han cambiado en la industria. Pero lo más difícil, al menos para mí, ha sido mantener aquel ‹nirvanero› espíritu adolescente intacto. Evitar a toda costa la nostalgia para no caer en la soberbia de pensar que los chavales no van a tener jamás su 1991. Es falso. Lo han tenido y lo tendrán al igual que lo tuve yo. La única diferencia es que yo ya no estaré en primera línea para contarlo. A eso se le llama ley de vida y hay que acatarla. Porque por mucho que uno quiera estar al día de lo que se cuece en el mercado, la verdadera movida estuvo, está y estará en los barrios y sus tugurios infectos. Ahí es donde se cuece lo que de verdad importa. No hay que olvidarlo. —DON DISTURBIOS

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MONDO FREAKO

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J QUIERE LLEVAR su talento más allá de las redes sociales, tal como ha demostrado con su EP “Loyalty Over Royalty” y su nuevo single “Réplica” (feat. Alfa) que estrenó el pasado 17 de septiembre. Pero vayamos al principio de su historia. Todo comenzó a finales del siglo pasado (qué lejos suena…), más concretamente en 1997, cuando la vida de CJ comenzó en la gran ciudad de Nueva York, cuna del sonido y la cultura hip hop. Allí, en Staten Island, este joven de ascendencia puertorriqueña comenzó a sentir atracción por el mundo de la música: “Cuando era niño mi vida básicamente era en la escuela, pero pronto empecé a sentir interés por la música. Escribía canciones, empecé a grabarlas en el estudio, a hacer vídeos… El poco dinero que tenía lo invertía en mi mismo y en mi música” nos cuenta CJ, quien con apenas catorce años ya subía sus primeras canciones a Youtube y Soundcloud y empezó a introducirse en la cultura del hip hop, la música que ha predominado en su vida. “Mayormente crecí en lo musical a principios del 2000, escuchaba mucho a 50 Cent, Jay-Z, Nas, Lil Wayne. Hoy en día me encanta todo lo que hace Drake, y también escucho mucho a Future, Lil Durk, Lil Baby”, reconoce el cantante.

Hasta entonces la carrera musical de CJ crecía firme pero lenta, como la de casi todos los artistas de su edad.

Hasta que llegó el pasado verano de 2020. “Básicamente, estaba escuchando beats, estábamos en medio del COVID en una pandemia por lo que no podía ir al estudio, así que le pedí un favor a mi productor para ver si podía abrir el estudio para mí.

Había encontrado este beat en Youtube (‘Whoopty’) y me gustó tanto que pensé y sentí que necesitaba grabarlo.

La grabé y terminó explotando”. El resultado, un single que alcanza mil millones de reproducciones en Tik Tok, trescientos millones en YouTube y que ha proporcionado a CJ una imparable fama a nivel mundial. Una poderosa prueba de cómo las redes

sociales hoy en día pueden cambiar la carrera de un artista. Y eso que CJ no conocía TikTok. “No sabía realmente lo que era. Mi hermana pequeña me lo enseñó, vio como había un montón de niños allí haciendo música, bailando y haciendo retos y cosas así y ella estaba como ‘creo que deberías hacer un TikTok’. Tan pronto como lancé la canción la puse en TikTok para ver lo que pasaba y después de eso todo explotó: había un montón de niños donde hacían bailes de ella, retos… Y el resto es historia”.

Tras ello su canción fue remixeada por dos ilustres de la música urbana latina como Anuel AA y Ozuna (“un gran honor, no pude rechazarlo”), y ha colaborado con otras estrellas como Farruko, aunque su gran aporte musical ha sido su primer EP “Loyalty Over Royalty”. Es su “primer gran proyecto en la música” y ha recibido buenas críticas. Un trabajo en el que el rap, el drill y el R&B conectan con la música latina, ya que CJ nunca olvida sus orígenes puertorriqueños.

“Cuando era joven era un fan del hip hop. Pero mi madre siempre ponía reggaetón en casa. Soy un fan de Don Omar, Tego, y siempre tuve mi ojo en el mercado latino debido al hecho

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CJ Entre dos mundos

de que soy puertorriqueño. Quería hacer ambas cosas y lo conseguí y ahora tengo la oportunidad de hacer hip hop y música latina. Es el doble de trabajo pero vale la pena”. En su música encontramos ambas facetas; su versión neoyorquina (“una de las ciudades con más talento en cuanto a rap del mundo”), con su versión latina (“una escena que ha crecido mucho en todos sitios, incluido Estados Unidos, donde cada vez se oye más trap y hip hop latinoamericano”). Y es que la música urbana, al igual que la carrera de CJ, no deja de expandirse en todo América. Y el cantante neoyorquino podrá hacerlo pronto también en el continente europeo, ya que, aunque aún no tenga las fechas confirmadas, es probable que después de verano visite España acompañando a Farruko en su gira. Un lugar que nunca ha visitado, “aunque tengo muchas ganas.

Creo que es un buen momento para ir y poder ofrecer mi música al público español”, y que pronto acogerá a uno de los grandes fenómenos musicales del rap americano actual.

—ENRIQUE GIJÓN

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“Siempre tuve mi ojo en el mercado latino debido a que soy puertorriqueño”

FOTO: ARCHIVO

Todo artista tiene siempre un punto de inflexión en su carrera. Ese momento en el que pasa del ingrato anonimato al primer plano mediático gracias a una canción, un disco, una colaboración o una situación. CJ lo consiguió gracias a su canción “Whoopty” y al EP “Loyalty Over Royalty” (Warner, 21).

octubre 2021 #5

Música Fetén Fetén en vena

Hace más de diez años que Diego Galaz y Jorge Arribas crearon Fetén Fetén. Han publicado cuatro discos, pero uno de ellos les hizo traspasar fronteras. Hablamos de “Cantables” (Sony, 16), el trabajo en el que colaboran con doce grandes artistas que pusieron voz a su música. Cinco años después regresan con “Cantables II” (Madame Vodevil, 21) con otras dieciséis voces invitadas.

“Si acaba la música popular, estamos perdidos”

#6 octubre 2021

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an tenido que pasar cinco largos años para que volváis a incluir voces dentro de vuestro trabajo. ¿“Cantables II” es un álbum que ya teníais en mente de publicar cuando sacasteis la primera parte o el proyecto nació más tarde?

(Diego) No, no teníamos idea de repetir. Sí que es curioso que, en nuestro último disco instrumental, “Melodías del ultramar” (18), incluimos dos canciones cantadas con Carmen París y con Javier Ruibal y de alguna manera fue una forma de darnos cuenta de que nos seguía gustando la idea de dejarnos acompañar por gente que canta, por supuesto, mucho mejor que nosotros [risas]. Esto al final es un proyecto que no nace de una oficina, aunque detrás esté Madame Vodevil, pero no es algo que se firme en un papel, es algo que surge a raíz que vamos componiendo junto a Sebastián Schon y nos encontramos con un mínimo de canciones que, junto a la propuesta de Madame Vodevil, y viendo que logísticamente había posibilidades e ilusión por sacarlo, pues arrancamos el proyecto. Y, aunque no era muy claro que quisiéramos darle continuidad, cuando vimos que volvía a arrancar el motor nos ilusionamos y dijimos que sí.

—Tanto para “Cantables”, como para este nuevo “Cantables II”, creo que la pregunta es obvia: ¿Cómo hacéis las canciones?

(Jorge) Normalmente, Sebastián, Diego y yo partimos de una idea, de un tema, que puede ser desde una idea de estribillo hasta una melodía o unos acordes. Hay ve-

—TEXTO Alejandro Caballero Serrano ces que pensamos la canción para un determinado artista y hay veces que no, que cuando está hecha pensamos en qué artista nos gustaría que la interpretara, se la enviamos y cruzamos los dedos [risas]. Al enviarle la propuesta al artista, el tema ya está bastante construido.

(Diego) Aunque Kevin Johanssen y Luisa Sobral sí que aportaron letra y en el caso de La M.O.D.A. fue una composición conjunta.

—En este disco nos encontramos con voces tan ilustres como Bunbury, Kevin Johanssen o Luisa Sobral, por nombrar unos pocos. Cuando empezasteis, allá por el 2009, ¿pensasteis que en algún momento gente con un gran recorrido iba a poner voz a vuestras composiciones?

(Diego) No, no, ¡en ningún momento! Lo que está claro es que Jorge y yo antes de empezar en Fetén Fetén, ya llevábamos un gran bagaje de gira con artistas como Drexler o Celtas Cortos. Pero nunca lo pensamos, no solo por una razón logística, sino porque hasta no hace mucho no nos dimos cuenta de que nuestras canciones eran huérfanas de letras. Es decir, no somos un grupo de música instrumental en el que el virtuosismo impide que la melodía sea cantada o adaptada a una letra, realmente son canciones que se tararean y no tienen letra.

Es un poco la idea, salvando las distancias, de lo que hacían Louis Armstrong y así, gente que tenía melodías que se podían cantar, aunque no tuvieran letra. Y nos dimos cuenta gracias a Sebas que nos dijo: “oye a vuestras canciones se les pueden poner letra” y no solo nos dimos cuenta para hacer estos discos, si no, para sentirnos bien y tener esa capacidad e ilusión de componer cosas que se puedan cantar. Sacrificas virtuosísimo, por un lado, y por otro lado entras en un mundo que la gente que ama a las canciones con letra las puede incorporar en su día a día.

—Cómo ya es habitual en vuestra música os atrevéis a pasar por algunos de los géneros más tradicionales del mundo como la ranchera o el bolero, pero destaca “Sei Que Vai Passar” en el que interpretáis un fado junto a Luisa Sobral. ¿Ha sido la composición más difícil de hacer o ha habido alguna otra que se os haya complicado más? mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ENTREVISTA

(Diego) Bueno esa letra es de ella, aunque nosotros hicimos letra en español. Nosotros les decimos a los artistas que Fetén Fetén es su casa y que, si quieren cambiar el sofá o alicatar el baño, lo pueden hacer sin problema y eso es lo que hizo Luisa. Se sentía más cómoda componiendo ella y cómo no la íbamos a dejar.

Ha habido mucha fluidez en todos los temas, quizás el planteamiento que menos nos ha costado porque pensábamos que no iba a suceder es el de Bunbury, porque no creíamos que pasará. Luego ha habido temas que se nos han atravesado un poco, pero ha habido bastante fluidez, no ha habido un nivel de dificultad que, por cierto, sí que lo ha habido quizás en los arreglos. En este disco hemos hecho un salto cuantitativo y cualitativo a la hora de hacer los arreglos, y hay temas muy complejos como “Júrame” con El Kanka que hay percusiones latinas que no hemos tocado nunca y hemos grabado con unos excelentes músicos, entre ellos e el bajista de Fito Páez. Hay una complejidad que nos ha complicado un poco más todo, pero juega a favor de la calidad del disco.

—Algo que nos ha sorprendido es la duración y la forma de promocionar el álbum. Durante varios meses habéis publicado diez avances e incluso así teníais seis ases más debajo de la manga, cuando hoy en día los discos son cada vez más cortos. ¿Por qué habéis decidido hacerlo así?

(Jorge) El hecho de que nos llegará esta pandemia y que estuviéramos todos encerrados nos hizo ir sacando singles para mostrárselos al público. Y la pandemia también ralentizo el proceso de creación ya que teníamos más tiempo para componer porque no estábamos en la carretera y llegó un momento en que nos dimos cuenta de que ya llevábamos dieciséis y teníamos que parar. Y creo que eso nos hizo poner el fuego al uno y hacerlo todo más tranquilo y tener más tiempo para hacer la parte creativa, compositiva y productiva y esto ha hecho que decidiéramos ir sacando singles, algo que no hemos hecho hasta este nuevo disco.

—Lleváis más de diez años como Fetén Fetén y este es el quinto disco que publicáis. ¿Os imaginabais una carrera musical así?

(Diego) Sí que creíamos en ello porque dejamos todo.

Sabíamos que íbamos a estar ahí porque nos íbamos a dejar la vida en ello y nosotros, aunque seamos de provincia, tenemos un punto espiritual y sabemos que cuando crees en algo y pones toda tu energía acaba sucediendo. También sabemos el potencial que tiene la música popular, llegarán todos los géneros posibles pero lo popular va a estar ahí. Y si de repente ahora Natalia Lafourcade o Silvana Estrada están petándolo es por su acercamiento a lo popular. Aquí todavía hay complejo, pero, por ejemplo, Vetusta Morla está invitando a grupos de música popular a tocar con ellos.

Hace dos semanas nos invitaron a tocar su canción “Finisterre” y nos demuestran su amor por la música popular. Eso denota de larga vida al grupo, aunque parezca que de esto no vamos a vivir. Y luego las experiencias que vamos cruzando, Jorge ha podido tocar con otros grupos, yo he producido a La M.O.D.A… Fetén consta de muchos engranajes que se ven en nuestros conciertos, pero en el día a día pasan muchas cosas. Nosotros aprendemos de todos los artistas y de los músicos que trabajan con ellos, que no son tan conocidos, pero hacen que nosotros toquemos mejor.

—A.C.S.

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octubre 2021 #7

EL DISCO. RECUPERADO. Plasmatics Coup d’Etat Capitol, 1982

LOS DISCOS DE MI VIDA Mike Bordin (Faith No More)

El prestigioso batería de Faith No More, ex Ozzy Osborne, colaborador de Korn, Primus y Angelo Moore hace un recorrido musical y sentimental por la música de su niñez y adolescencia y revela las coordenadas que lo llevaron a su original sonido.

Prokofiev

The Beatles

The Rolling Stones

Es el primer disco que recuerdo. Todos esos enormes sonidos sinfónicos: golpes y platillos, todo acompañado de un narrador que cuenta la historia. Era un disco de mi padre, siempre había música clásica en casa. Yo tendría unos cuatro o cinco años.

Fue mi primer disco de rock/pop, aunque también era de mi padre. Sonidos psicodélicos junto con el recitado del texto del Libro Tibetano de los Muertos. Muy bestia. Cuando puse este disco en la lista me sentí un poco estúpido, porque, es un disco muy adulto para la edad que yo tenía en ese momento.

Uno de los primeros discos que compré con mi propio dinero.

Otra vez, material muy bestia para un niño de nueve años.

Ya estaba obsesionado con la cultura rock, estaba muy al día de lo que pasaba... Es uno de los mejores de la historia.

Black Sabbath

Sex Pistols

Motörhead

Cuando Hendrix me llevó a Sabbath todo cambió: esa ya era mi música. Punto. Es tan simple como eso. El sentimiento, el poder, los bajos, el sonido de Ozzy, todo. Mis padres no estaban listos para escuchar esto, lo cual me puso muy feliz.

Otra compra de mi adolescencia, en la que estaba listo para lo próximo.

Evolución, revolución: cada chaval podía formar su propia banda. Pinchó el globo del sobrecargado y excesivamente solemne rock y metal de la época.

También influyó que les fuese a ver al Winterland. ¡Me cambió la vida!

Me enganché a Motörhead con “Overkill”, pero “Ace Of Spades” es la máxima vanguardia y roza la perfección. Cuando escuché “Overkill”, dinamitó mogollón de la música que había escuchado antes en mi vida.

“Peter & The Wolf” (1936)

“Sabbath Bloody Sabbath” (1973)

#8 octubre 2021

“Revolver” (1966)

“Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols” (1977)

“Exile On Main St.” (1972)

EN 1978 NUEVA YORK era un lugar sucio y peligroso. En la Gomorra marginal de Lou Reed, New York Dolls, Ramones y “Taxi Driver”, Wendy O. Williams, bala perdida, actriz porno y stripper en tugurios de mala muerte, se compincha con su pareja, el artista y francotirador del porno Rod Swenson para montar un grupo con abierta vocación provocadora. Desde su debut en el CBGB, sus conciertos se convierten en shows imprevisibles en los que destruyen televisores a golpe de mazo, torturan guitarras con una motosierra, hacen explotar Cadillacs (!) y Wendy da rienda suelta a su exhibicionismo. Hay arrestos y vetos. En Inglaterra no les quieren ni ver.

Les mueve la vertiente nihilista, teatral y excesiva del punk; sin embargo, no se puede vivir sólo del escándalo, y en su segundo disco empiezan a coquetear con sonidos rockeros. Grupos como Motörhead (con quienes colaborarían en la fallida versión de “Stand By Your Man” y a quienes versionan en este álbum) desdibujan las fronteras entre la agresividad sucia y amateur del punk y la solvencia instrumental del rock duro.

“Coup d´Etat”, tercer álbum (y único con el batería T.C. Tolliver), fue grabado en Colonia (Alemania) con el productor de Scorpions, Dieter Derks. El sello Capitol, con el que habían firmado poco antes, quería dar el pelotazo y no escatimó: las maquetas grabadas en Electric Lady se desecharon en busca de un sonido más afilado. Se asumen las pautas metaleras desde el título desafiante (“Golpe de Estado”), tipografía de cómic adulto e imagen

apocalíptica digna de “Rescate en Nueva York”.

La explosiva “Put Your Love In Me” –híbrido bastardo entre AC/ DC y Motörhead– define el tono: un festín incontinente de riffs pétreos, punteos incendiarios –cortesía del guitarrista y miembro fundador Richie Stotts– y ritmos de hard rock, con la voz cazallera de Wendy, rara avis en un mundillo dominado por la testosterona. La desfachatez sin complejos se despliega en cortes como “Rock N Roll” o “Mistress Of Taboo”. Hay guiños a la oscuridad esotérica de Black Sabbath (“Lightning Breaks”, “Country Fairs”), una versión de Motörhead (“No Class”), alguna concesión al pop sofisticado (los estribillos de “Path Of Glory”), sintetizadores a lo John Carpenter y, por encima de todo, insolencia punk. Guns N’ Roses admitirán su influencia decisiva.

Aunque las críticas fueron en general positivas, ni a su sello ni a la cada vez más influyente MTV le hizo pizca de gracia que Wendy, con cresta y atuendo ligerísimo a lo “Mad Max 2”, se estrellara contra un muro de televisores y dinamitara un autobús escolar en el delirante vídeo del poderoso single “The Damned”; los tiempos habían virado hacia un conservadurismo pacato, y Capitol, que no quería líos, les dio la patada. Fue el principio del fin.

Tras un par de discos en solitario y un cuarto álbum masacrado por la crítica, Williams dejaría la música.

En 1998, en medio de una depresión, se pegaría un tiro: triste final para una de las frontwomen más asilvestradas y singulares que ha dado el rock. —JC PEÑA

“Ace of Spades” (1980)

—ADRIANO MAZZEO

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Marisa Monte Puertas abiertas

Tras más de diez años sin publicar material propio, Marisa Monte lanza “Portas” (Sony, 21), un disco fabuloso en el que la cantante brasileña comparte un mensaje de empatía y esperanza a través de géneros musicales de lo más diverso.

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ARISA MONTE es una gran estrella y no solamente por su trayectoria con Tribalistas, su aventura más conocida. En la actualidad es la artista brasileña más internacional, ha vendido más de quince millones de discos, tiene abiertas las puertas del mercado americano e incluso el gobierno de su país le concedió un galardón al Mérito Cultural. No es el único premio con el que cuenta, pero sí uno de los que más le enorgullecen. A eso podríamos sumarle que haya colaborado con músicos como David Bryne, Jorge Drexler o Julieta Venegas.

Con “Portas” nos traslada un mensaje de empatía, esperanza y optimismo a través de unas canciones que se mueven entre diversos géneros, desde la bossa nova al pop, pasando por el jazz o el r&b. Para redondear la jugada, cuenta con colaboradores habituales como Arto Lindsay y Chico Brown. Conversa conmigo vía telemática –la misma forma en la que, en su momento, conectó a gente de Nueva York, Lisboa o Madrid–, irradiando esa vitalidad tan necesaria y tan envidiable que siempre la ha caracterizado.

—Yo siempre digo que antes que periodista musical, soy un amante de la música. ¿Y para ser músico?

Para ser músico también debes amar y escuchar música, sin duda. Yo creo que nunca debes dejar de amar la música, desde cualquier punto de vista o posición, pero si pierdes eso dejas de ser músico. Antes de ser famoso con esto o ganar dinero, tienes que tener pasión por lo que haces. Y no solamente en esta área nuestra. Si me doy una vuelta por Río de Janeiro me fijo en la gente que ejerce sus oficios, ya sea un pescador, alguien que pinta paredes o un carpintero. Para mí todos son artistas, si lo hacen con verdadera pasión. Y eso, lo creas o no, es inspirador. La música es otra manera más de expresarse, de sentir, y no precisamente porque tengas intención de publicar un disco o hacer una carrera. Incluso si quieres firmar un contrato, te tienen que mover ciertas cosas, el arte siempre llama al arte. Yo eso es algo que no olvido. Después está el amor, compartir cosas, la comunidad, la atracción por la naturaleza, eso es bo#10 octubre 2021

nito e inspirador. Para mí esa es la clave de la relación entre el arte y los artistas.

Yo empecé muy joven, con diecinueve años, y nunca quise sobresaturarme, he preservado todo lo que he podido la frescura en mi discurso musical. Que sí, hay que trabajar mucho, pero disfrutando. Si no, no sirve de nada. Y ser consciente de los límites, no llegar siempre al máximo para no explotar. Ya sabes, el tan anhelado equilibrio.

—Así es. Sigues amando la música

mientras aún tienes ganas de descubrir cosas, y no tiene que ser actualidad, puede ser de los sesenta, de los ochenta o de estilos que no tienes tan controlados.

El universo de la música es muy amplio.

Por ejemplo, ahora estoy descubriendo cantantes de Irán, ¡pero es que los hay por todas partes, es alucinante! Soy muy curiosa. A veces me introduzco en la música africana, pero al mismo tiempo estoy atenta también al mainstream.

—Hablando un poco del disco, te quería felicitar por “Portas”. Me ha encantado. Con cada nueva escucha descubro algún detalle. Es un disco muy atractivo para el oyente, lleno de alicientes. Es muy variado en cuanto a estilos, pero al mismo tiempo está todo muy cohesionado.

Es difícil hablar de esto desde mi perspectiva, ya que el arco cultural es muy grande. Es un disco con mucha información y, en gran parte, esta viene del exterior. La cojo de todos lados, de la pintura, de la gastronomía, todo tiene cabida.

—Pretendías hacer algo con mucha riqueza y con una gran apertura de miras.

Cierto. Obviamente, la protagonista es mi voz, a partir de la que brota mi personalidad como artista, y algo en lo que tú antes ponías el acento, los detalles.

Ojalá dentro de diez años los sigas descubriendo…

—Estoy seguro de que sí.

Es que para mí lo interesante es que la gente lo quiera oír una vez más, y otra vez más… Y así hasta al final. Ese es un triunfo para mí. He trabajado con un

grupo de músicos y arreglistas maravillosos, también los compositores y socios que han intervenido han aportado su parte. “Portas” es obra de todos.

Es muy colectivo, hemos pasado horas de nuestra vida trabajando en esto. Yo siempre mantengo que, para hacer algo así, tienes que estar dispuesto a compartir.

—Lo que decías antes, la colectividad, ¿no?

Exacto. A ver, si eres un cantautor con tu guitarra, quizás no haga falta. Pero si vas más allá de eso, sí que es necesario. Y aún así, aunque toques solo, lo haces ante una audiencia, con lo que también hay un punto de colectividad en eso. La conexión con el grupo, así entiendo yo todo esto. Fíjate, con la pandemia estábamos imposibilitados, encontrabas el afecto de otra manera, y aún así conseguías esa conexión.

Cada uno estaba en su estudio y encontramos ese dinamismo para trabajar juntos. Es mágico, una bendición.

De otro modo, queríamos hacer algo vintage, todos tocando al mismo tiempo, como se hacía antes. Queríamos crear juntos, estando cada uno en su casa, es más triste, y más aún en esa circunstancia. Al cabo de seis meses conseguimos reunirnos, y fue un momento de gran alegría en el que vimos de nuevo la luz. En la atmósfera del disco, en el espíritu del mismo, se nota el hambre de hacer música juntos de nuevo. Está impregnado en cada surco, en cada nota. —TONI CASTARNADO

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“He preservado todo lo que he podido la frescura en mi discurso musical”

FOTO: LEO AVERSA

MONDO FREAKO

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Daniel Hare

Escenarios

02 de octubre La Fídula Canalla

Red House Revival 09 de octubre Galileo Galilei

17 de octubre Hangar 48

Lockdown Quintet

Mariano Díaz Piano Keys

09 de octubre Tempo Club

17 de octubre Café Central

Dave Smalley & His Bandoleros

Melissa Aldana 18 y 19 de octubre Clamores

11 de octubre Wurlitzer Ballroom

Casanova, Sanpa, Monge & Friends

The Bad Corral 15 de octubre Sala BarCo

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Roots Jam

24 de octubre Hangar 48

Alison Darwin

Jack Jamison & Jorge Mora

16 de octubre El Perro Madrid

26 de octubre Rockville

Algara + Las Morsas

Claim

16 de octubre Wurlitzer Ballroom

30 de octubre Morocco

Mahou recomienda el consumo responsable 5,5º

SEPTIEMBR E MÚSICA / 24

R IGOBERTA BANDINI OCTUBR E MÚSICA / 8

LEIFUR JAMES MÚSICA / 2 2

LAUR A LAMONTAGNE & PICOAMPER IO MÚSICA / 29

EMEL MATHLOUTHI

Machete En Boca Sin prisioneros

Desde Valencia, son unas de las voces más irreverentes e insurgentes del rap nacional.

Machete en Boca (ya sin La Charly) regresaron hace unos meses con “Fyah” (Boa Música, 21), un disco cargado de protesta, chulería y reivindicaciones. Dieciséis canciones en las que La Prima, Sam y Falso Ídolo fusionan diferentes estilos y rapean su pelos en la lengua. Ya no hay quien apague su llama.

F

YAH” HACE REFERENCIA al fuego, ese elemento que representa la vida. ¿Qué significa para vosotras este “Fyah”?¿Por qué lo habéis elegido como título?

Pues porque como concepto es lo que más nos representa, el fuego quema, puede ser peligroso pero también alumbra y convierte todo en cenizas. Es el elemento que más caracteriza nuestro carácter y esencia. “Y es que al fuego nada lo puede quemar” —El disco empieza con un “Esto me posee” al más puro rap hardcore clásico, pero pronto se mete en otros terrenos como el reggae, dancehall e incluso salsa y dubstep. ¿Era premeditado hacer un disco tan variado o fue torciéndose hacia ahí?

Según el dj/productor sí. Dice que nos ha metido más beats movidos para los directos así que al final en la elección de beats y se corrobora con el resultado de que él (Falso Ídolo) tenía un poco tramado. Al ser artistas que venimos de estilos musicales diferentes, en todos los discos que hemos sacado se nota la riqueza y variedad musical de los géneros que tocamos y este al ser un disco de dieciséis temas hemos querido tocar todos los palos posibles.

—Hay canciones destacadas en el disco como “Sé feliz”, en la que el grupo se quita el machete para crear una canción desenfadada y alegre, sin tanta crítica como el resto del disco. ¿Es necesario darle de vez en cuando un soplo de aire como este o cómo surgió la canción?

Esa canción surgió sin más porque nosotras también nos gusta pasarlo bien y estar de tranquis. La música es una herramienta de protesta pero no por ello todas nuestras canciones están dirigidas a esa dinámica. Y es que hay que transmitir también buen rollo y positivismo sobre todo en los tiempos que vivimos actualmente.

—Una de las colaboraciones del disco #12 octubre 2021

es con Tribade, otro de los grupos catalogados como rap femenino o rap feminista. ¿Acaso existe un rap masculino o machista? ¿No debería ser el rap en sí antimachista por naturaleza?

Vamos a ver, dejemos de etiquetar el arte según el género. Está claro que según tus ideas vas a compartir un mensaje. Ni a Tribade, ni a nosotras, ni a ninguna artista mujer les gusta que le etiqueten como rap femenino, es rap y punto, no existe un rock femenino, ni reggaeton femenino. Cada estilo musical consta de unas características y no por el hecho de que quien lo interprete sea una mujer hay que añadirle la etiqueta de femenino. No existe un rap masculino ni rap machista, lo que existen son canciones concretas con mensajes machistas y, obviamente, no compartimos esas ideas que transmiten. El rap es una forma de expresarse y si hay personas machistas que hacen rap pues es normal que en sus canciones se refleje ese mensaje. Aunque el rap vaya en contra de todo eso, actualmente estamos viendo mucho rap facha también o raperos que apoyan a Vox, algo que a priori no debería ni existir en una cultura como es la del hip hop.

Pero es que hay gente muy ignorante en el mundo y el rap ahora es un género musical muy mainstream y cualquiera dice que hace rap.

—La crítica política y social está también presente casi en cada canción. ¿Otra etiqueta, la de rap político, os genera también más inconvenientes que alegrías?

Por favorrrrrrr, más etiquetas no.¡Para Machete cualquier encasillamiento es un inconveniente! Hacemos la música que nos pide el cuerpo, y si algún tema tiene un mensaje más social que no político pues ahí queda, pero no nos gusta que se nos encasille en ningún termino.

Existirán grupos que estén cómodos con esa etiqueta de rap político, pero a nosotras nos gusta que se nos defina como rap, dancehall, trap o el género musical que interpretemos en una canción en concreto.

—Hablemos de rap, ¿cómo veis la situación actual de esta música? ¿Qué os gusta y qué no?

Nos gusta que haya cada vez más grupos, más arte porque así se enriquece el movimiento, lo que no los gusta es que se pierda la esencia verdadera de la movida. Como ya hemos dicho antes, el rap ahora ha crecido mucho y creemos

que como en todo movimiento cuando algo crece tanto se aleja un poco de sus raíces. Algo positivo también de este aumento de grupos es que ya no existe un rap tan purista y tan cerrado, nosotras somos un claro ejemplo de que nos catalogamos como rap pero lo mezclamos con otros estilos y ya no se juzga al artista con lupa tanto como antes.

—El disco se vio afectado por la pandemia, ya que os hizo retrasar su salida. ¿Cómo habéis vivido vosotras esta situación?

Te influye en la forma de ver y organizar cualquier cosa que sea compartida, por todas estas prohibiciones, pero de ninguna manera nos ha parado la marcha.

Es más, hemos podido trabajar más a fondo en ello y darle el final que buscábamos. La pandemia nos sirvió para darle otra vuelta de tuerca al disco y perfeccionarlo, añadir algún tema y que todo quedase mas redondo y trabajado.

La gente se asusta cuando decimos que hemos sacado un disco de dieciséis canciones [risas]. Y es que eso ya casi nadie lo hace con el ritmo fast food que llevan ahora los artistas sacando música —Otro de los cambios ha sido la salida de La Charly del grupo, aunque aparece en este disco en forma de feat. ¿Su salida es algo definitivo queda una puerta abierta a su regreso?

Su salida del grupo es definitiva, pero creemos que puede ser que algún día podamos volver a compartir escenario cantando los temas viejos.

—ALFONSO GIL ROYO

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el “Dejemos de etiquetar arte según el género, no existe el rap femenino”

FOTO: ARCHIVO

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Hemos vuelto

Valencia

#VuelvealasSalas

Abre este código en tu dispositivo y descubre toda la programación San Miguel On Air a partir del 5 de octubre. #SanMiguelOnAir Cervezas San Miguel recomienda el consumo responsable 6,2º

GALICIA

ATURUXO, BUEU (PONTEVEDRA) 17/10/2021 DOIS,POIS 12/12/2021 SPIN OFFS CLAVICÉMBALO, LUGO 02/10/2021 OGUN AFROBEAT 15/10/2021 DOIS,POIS 06/11/2021 DAVID PASTOR 14/11/2021 MAGALI SARÉ 10/12/2021 XABI ABURRUZAGA GARUFA, A CORUÑA 22/10/2021 OLATZ SALVADOR JAGERLOUNGE, LUGO 13/11/2021 CHLOÉ BIRD 02/10/2021 LOS MEJILLONES TIGRES

LA FÁBRICA DE CHOCOLATE, VIGO 23/10/2021 OLATZ SALVADOR 12/11/2021 CHLOÉ BIRD 27/11/2021 ZETAK MARDI GRAS, A CORUÑA 13/11/2021 MARÍA DE JUAN TEATRO PRINCIPAL/FEST. MUSGO, OURENSE 06/11/2021 FERRAN PALAU

BIME CITY, BILBAO 27/10/2021 FERRAN PALAU 27/10/2021 RUISEÑORA DABADABA, SAN SEBASTIÁN 15/10/2021 LOS MEJILLONES TIGRES 06/11/2021 RUISEÑORA 12/11/2021 VÍCTOR COYOTE LE COUP, VITORIA 23/10/2021 MARÍA DE JUAN

EUSKADI

CC. EL POZO 23/10/2021 ORTIGA CC. LÁZARO CARRETER 16/10/2021 ISMA ROMERO CC. SAN JUAN BAUTISTA 13/11/2021 DAVID PASTOR CC. CASA DE VACAS MAGALI SARÉ 27/11/2021 CC. NAVE DE TERNERAS OGUN AFROBEAT 11/12/2021

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

CLAMORES 01/10/2021 Fecha p/c.

AIALA SHEILA BLANCO

CULTURA INQUIETA, GETAFE TIBURONA 07/10/2021

ANDALUCÍA

FANATIC, SEVILLA 22/10/2021 OGUN AFROBEAT ALHAMBRA MONKEY WEEK, SEVILLA 19/11/2021 FERRAN PALAU 19/11/2021 RUISEÑORA 20/11/2021 ORTIGA 20/11/2021 TIBURONA PALO PALO, MARINALEDA (SEVILLA) 20/11/2021 SPIN OFFS

CASTILLA LA MANCHA

CÍRCULO DE ARTE, TOLEDO 26/11/2021 MAGALI SARÉ PLAZA MAYOR, CIUDAD REAL 17/10/2021 OGUN AFROBEAT PÍCARO, TOLEDO Fecha p/c. SHEILA BLANCO

CASTILLA LEÓN

ANDEN 56 (ANTIGUA HANGAR), BURGOS 12/11/2021 LIHER ASKLEPIOS, VALLADOLID 12/11/2021 XABI ABURRUZAGA AVALON CAFÉ, ZAMORA 26/11/2021 CHLOÉ BIRD

SALA X, SEVILLA 25/11/2021 ISMA ROMERO

ARAGÓN

LA BÓVEDA DEL ALBERGUE, ZARAGOZA 02/10/2021 AIALA 20/11/2021 DAVID PASTOR ROCK & BLUES, ZARAGOZA 18/11/2021 OGUN AFROBEAT

ASTURIAS

LA SALVAJE, OVIEDO 03/12/2021 ORTIGA

BALEARES

ES GREMI, MALLORCA 09/10/2021 LOS MEJILLONES TIGRES

PORTA CAELI, VALLADOLID 14/11/2021 LIHER POTEMKIM, SALAMANCA 29/10/2021 OLATZ SALVADOR 13/11/2021 LIHER TEATRO SAN FRANCISCO, LEÓN 21/11/2021 BESELCH RODRÍGUEZ

MARÍA DE JUAN

ESPACIO RONDA XABI 19/11/2021 ABURRUZAGA MOBY DICK OLATZ SALVADOR 19/11/2021 SIROCO 04/11/2021

RUISEÑORA

TEMPO CLUB CHLOÉ BIRD 28/10/2021

SALA LÓPEZ, ZARAGOZA 11/11/2021 ZETAK

CAFÉ AVALON GREEN, SORIA 05/11/2021 DAVID PASTOR 18/11/2021 BESELCH RODRÍGUEZ

EL SOL 12/11/2021

WURLITZER SPIN OFFS 21/10/2021

CATALUÑA

BARTS CLUB, BARCELONA 05/11/2021 ISMA ROMERO CAFÉ DEL TEATRE, LLEIDA 03/10/2021 AIALA 19/12/2021 XABI ABURRUZAGA CAMPARI MILANO, BARCELONA 12/11/2021 DAVID PASTOR SIDECAR, BARCELONA 23/10/2021 VÍCTOR COYOTE 12/11/2021 RUISEÑORA

COM. VALENCIANA

16 TONELADAS, VALENCIA 03/12/2021 TIBURONA

BLACK NOTE, VALENCIA 31/10/2021 OGUN AFROBEAT CTO. EXCURSIONISTA, VALENCIA 15/10/2021 VÍCTOR COYOTE FIRA TROVAM, CASTELLÓN 04/11/2021 FERRAN PALAU LA CASA DE LA MAR, VALENCIA 22/10/2021 MARÍA DE JUAN SALA EL LOCO, VALENCIA 05/11/2021 ORTIGA SALA SALÁ, VALENCIA 15/10/2021 ISMA ROMERO 12/11/2021 ZETAK

The Goon Sax Sonidos del pasado

MONDO FREAKO

rse “Es divertido sumergi en sonidos del pasado para extraer nuevos significados”

Tras las buenas sensaciones dejadas con sus discos previos, James Harrison, Riley Jones y Louis Forster publican su tercer disco como The Goon Sax. Los australianos confirman estatus con “Mirror II” (Matador/Popstock!, 21), en el que vuelven a probar las bien asimiladas influencias de múltiples grupos alternativos de los ochenta.

Contactamos con el hijo de Robert Foster para conocer detalles sobre el lanzamiento.

FOTO: ELLIOTT LAUREN

C

UÁLES DIRÍAS que son las principales diferencias entre este disco y los anteriores?

Yo no puedo evitar verlos como fundamentalmente diferentes en todos los sentidos. Pero probablemente eso no le pase a nadie más que los escuche, porque nosotros somos los creadores de esos discos desde dentro. Sin embargo, es imposible comprenderte a ti mismo de esa manera. Cuando eres una banda, el “formato álbum” define el ciclo de vida de un cierto conjunto de ideas, principios y estados de ánimo que nos esforzamos por crear. Creo que mientras hacíamos este álbum experimentamos con diferentes versiones de esas cosas, antes de grabarlas.

—“Mirror II” (21) incluye diez canciones de lo más prácticas y resultonas que rememoran con acierto el valioso legado de todos esos grupos pretéritos ¿Qué tipo de disco queríais hacer?

Algo cambiante y vivo, un espacio tangible donde la verdad y la realidad son flexibles, honrando el poder sobrenatural de la subjetividad. Es divertido sumergirse en elementos y sonidos del pasado para extraer de ellos nuevos significados o burlarse de algo. Creo que es una forma de hacer que la música sea divertida con las letras, ¡pero sin excederse, claro!

—¿Cómo decidís quién cantará cada una de las canciones?

La persona que escribe la canción es la que generalmente decide quién la cantará. Por norma general cantamos las voces principales en nuestras propias canciones, pero eso también cambia y con frecuencia cantamos algo en las canciones de los demás o incluso, en ocasiones, cantamos las canciones de los demás por completo.

—El disco ha sido producido por vosotros mismos junto a John Parish ¿Cómo ha influido Parish en el sonido final del disco? ¡De forma inconmensurable! Es muy bueno capturando sonidos y energía.

Nos animó a ceñirnos a lo que habíamos propuesto para las canciones, pero

también animó a muchas sobregrabaciones espontáneas, ideas tontas que teníamos espontáneamente. ¡También nos ayudó a encontrar muchos de los tonos de sintetizador que buscábamos!

—¿Ser hijo de Robert Foster ha supuesto (para ti) una ventaja o inconveniente a la hora de ser músico y estar en un grupo?

Ojalá ninguna de los dos, pero supongo que de alguna manera es probable que sean ambas [risas]. No es una ventaja que quiera aprovechar o que nosotros, como banda, usemos para meter la cabeza. Pero al mismo tiempo no puedo negar que, especialmente al principio, ciertos medios de comunicación nos dieron cobertura por eso. Es una desventaja en el sentido de que para algunas personas mayores será algo que proyectarán inherentemente en lo que hacemos, por lo que no existe en un espacio abierto verdaderamente neutral. Pero todo el mundo puede ver cualquier cosa a través de la óptica que elija. Y nuestro álbum trata mucho sobre la validez de

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la experiencia subjetiva, lo que en este caso también sería cierto.

—¿Qué hay en The Goon Sax de The Go-Betweens?

En realidad, no es algo que sienta muy cercano al proceso creativo de nuestra banda. Crecí con mis padres, su influencia sobre mí como persona es obviamente enorme e imposible de exponer por completo. James [Harrison] tiene varios músicos profesionales en su familia y creció rodeado de mucha música. Mis padres tocaban en bandas, mi tío era saxofonista de free jazz y mi abuela tocaba la cítara en una banda de folk. ¡Los padres de Riley [Jones] la llevaron a ver a Kylie Minogue cuando era pequeña! Todo lo que te rodea está presente en ti mismo, pero eso es más difícil de rastrear que la música de la que actualmente estamos obteniendo ideas.

—Para este disco habéis fichado por Matador. Además de ser un sello mítico, creo que es muy acorde a vuestro sonido ¿Cómo surgió la posibilidad de firmar con ellos?

Algunas personas del sello vinieron a nuestro show en Nueva York en Alphaville en 2018 y un rato después comenzamos a hablar. Nos vieron tocar de nuevo en Londres a principios de 2020, justo después de que terminamos de grabar el disco, así que al día siguiente fuimos a la oficina y les pusimos algunas mezclas.

—En cualquier caso, bien podría ser la recompensa a las cosas bien en hechas en “Up To Anything” (16) y “We’re Not Talking” (18) ¿Cómo percibes ahora cada uno de esos discos, con la perspectiva que da el paso del tiempo?

Creo que en “Up To Anything”, tal vez nos quedamos más cerca de lograr lo que queríamos; es, para bien o para mal, un disco más consistente. En “We’re Not Talking” algunas de las canciones resultaron diferentes a lo que pretendíamos, pero al mismo tiempo creo que probablemente sea un mejor disco [risas]. —RAÚL JULIÁN

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octubre 2021 #15

ENTREVISTA

“I’ll Be Your Mirror. A Tribute To The Velvet Underground And Nico” (Verve/Music As Usual, 21) es el esperado homenaje de prestigio al legendario primer disco de The Velvet Underground, puesto en marcha por el fallecido Hal Willner. Sobre ello charlamos con Jamie Krents, director de Verve Records y quien tomó las riendas del disco.

—TEXTO JC Peña

E

L LEGADO DE LA BANDA NEOYORQUINA es inagotable. No es casual que este otoño coincidan el esperado documental de Todd Haynes con este exquisito tributo, el primero que recrea el mítico debut de la banda. No existe ningún disco más icónico que “The Velvet Underground & Nico” (Verve, 67). Fue la primera apuesta del sello de jazz Verve por el rock, en un intento por diversificarse que, aunque comercialmente no saldría como se esperaba, tendría incalculables efectos artísticos. Hal Willner, amigo íntimo de Lou Reed y especialista en la confección de recopilatorios de calidad, se echó a sus espaldas la idea de recrearlo con artistas incondicionales. Pero desgraciadamente Willner fue víctima del Covid en la primera ola de 2020, aunque el sello Verve ha concluido un álbum que exhibe coherencia y gusto. Una galería de artistas de distintas generaciones recrean el álbum con mimo reverencial y pasión: Michael Stipe, Matt Berninger, Thurston Moore y Bobby Gillespie, St. Vincent, Fontaines DC, Kurt Vile, Iggy Pop y Matt Sweeney, Sharon Van Etten y Angel Olsen, Courtney Barnett, King Princess… No se puede fingir el entusiasmo con el que Jamie Krents habla de la celebración de un disco que convirtió el rock en vanguardia artística “adulta” y turbia, abriendo innumerables caminos. Mantenemos una agradable conversación con el responsable de Verve en relación a este lanzamiento tan especial.

—¿Cómo de complicado ha sido concluir este proyecto? Fue el último proyecto de Hal Willner, que no ha podido verlo terminado.

Sí, tristemente… No diría que fue difícil, pero llevó mucho tiempo, fue lento. La idea surgió en 2017. Queríamos hacer algo para celebrar el grupo. Habíamos empezado a trabajar con algunos de mis colegas del grupo Universal en el documental que se estrena ahora. Yo llevo Verve Records y Verve, con la casa original de The Velvet Underground pensamos en cómo podíamos hacer un homenaje que fuera respetuoso, pero también interesante. Personalmente, no soy muy fan de los discos de tributo, creo que normalmente son inconsistentes y a veces un poco aburridos, pero también siempre pensé que si alguien los hacía bien era Hal Willner. Y por supuesto, Hal era además el mejor amigo de Lou Reed. Había trabajado con él y también con Laurie Anderson en su archivo. Todo parecía encajar. Era la oportunidad de trabajar con Hal, que era un héroe para mí y mi equipo.

—¿Y cuál fue el enfoque?

Decidimos que en lugar de hacer un tributo general a sus grandes éxitos o algo así, cogeríamos el primer disco canción por canción. Queríamos que estuviera un poco más enfocado, porque a lo largo de sus cuatro discos de estudio tienes distintos miembros y compositores: Nico está ahí y luego no, John Cale se va, entra Doug Yule… Nos gustaba mucho la idea de reconocer el álbum que lo empezó todo. A mí me encantan todos sus discos, pero éste es excepcionalmente importante. Trabajamos con Hal en una lista de artistas. Él llamó a algunos: por ejemplo a Michael Stipe era muy amigo. Le apetecía mucho que Michael cantara “Sunday Morning”. Algunas de las sugerencias las hicimos nosotros, pero Hal fue como nuestro “rabino”. Él podía decir “sí” o “no”. Y luego el proyecto se alargó porque queríamos hacerlo coincidir con la película, que saliera más o menos al mismo tiempo. Por desgracia, Hal pilló el Covid antes, así que hay uno o quizá dos cortes que nosotros acabamos después de que muriera, pero siempre con su aprobación: Fontaines D.C. y King Princess. Le encantaba la idea de que participara King Princess, pero no pudo oír la canción. Creo que todo lo demás lo había oído. Estuvo muy encima de muchas cosas: “quiero que cante Michael Stipe y que toque la guitarra Bill Frisell”... Fue muy

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#16 octubre 2021

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The Velvet erground Jamie Krents

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octubre 2021 #17

ENTREVISTA “Tiene su gracia que el disco neoyorquino por excelencia lo hiciera un grupo con un galés y una alemana”

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“Al final de su vida Lou Reed no estaba interesado en este tipo de tributos”

#18 noviembre octubre 2021 2020

divertido. Más que difícil, lo que pasó es que lo que nos iba a llevar un año acabó llevando cuatro. El negocio de la música.

—Me figuro que tiene que ser toda una responsabilidad rehacer un disco tan icónico. No se me ocurre uno que sea más legendario e influyente para bandas y artistas.

Ni a mí… Pues sí. Todavía siento mucha presión, y sé que hay gente a la que no le va a gustar. Nunca vas a mejorar el original, olvídate. Hay un par de personas que me han preguntado si a Lou Reed le habría gustado esto. Pues no lo sé. Creo que probablemente al final de su vida no estuviera interesado en cosas así. Lo que es verdad es que John Cale nos ha dado el visto bueno, pero sin tocar. No creo que el espíritu de The Velvet Underground estuviera muy interesado en tributos.

Ellos estaban muy centrados en lo nuevo, en evolucionar y crear cosas nuevas. Pero sí tengo presión, porque esta música es como “sagrada”, como has dicho. No quieres ser la persona que haga un tributo malo de The Velvet Underground. Pero creo que hemos sido muy cuidadosos con los artistas invitados.

—¿Y qué destacarías de los elegidos?

Queríamos que el disco fuera interesante, no un puñado de bandas de garage que lo hicieran sonar como un grupo de bodas tocando a The Velvet Undeground. Que fuera una mezcla… Respetuoso y reverencial, pero también me gusta mucho la gente que ha aportado algo nuevo, distinto, a la canción.

Algunos han sido más aventureros y otros creo que se han pegado mucho al original, pero con integridad. Es lo que me gusta: cada tema tiene un nivel diferente de experimentación.

Creo que en general la mayor parte de la gente va a entender que lo hemos hecho con mucho respeto. Porque tienes razón: ahí está la cita famosa atribuida a Brian Eno, que no sé si es real: “Todo el que compró este disco montó un grupo”. A veces da esa impresión. Yo mismo tocaba en bandas y siempre fueron una de las mayores influencias en todas las en que he tocado. Les robamos con mucha generosidad [risas].

—El resultado me ha parecido, desde luego, especial. Ese cariño y respeto del que hablas aflora realmente… ¿Crees que es uno de los mejores tributos de este tipo que se han hecho?

No lo sé, no creo que yo pueda decir eso. Hal hizo muchos álbumes tributo importantes: el de Thelonious Monk, el de Charles Mingus o el de T. Rex que salió el año pasado, pero creo que éste es mi preferido. Lo digo con un sesgo total [risas]. Puede ser que sea el que estoy disfrutando más. Todo ha sido como un sueño hecho realidad. De hecho, descubrí a Thelonious a través del tributo de Hal Willner. Salió cuando era joven y estudiaba música y para mí fue la puerta hacia Monk. Ojalá que éste sea la puerta a The Velvet Underground para alguien al que le encantan Kurt Vile, Courtney Barnett o King Princess, pero que no le ha dedicado tiempo al catálogo de The Velvet Underground. No sé si es de los mejores tributos, sé que estoy muy orgulloso de él. Creo que hemos hecho muy buen trabajo y que los fans de verdad lo van a reconocer.

Espero algo de críticas, porque hay gente a la que estos discos no les gustan, pero esto muy satisfecho con él.

—Una duda que tengo: ¿Es este el primer tributo específico a este disco?

Yo diría que sí. Ha habido algunos generales del grupo, pero sobre todo se han hecho versiones independientes de canciones. Es el primer tributo de un gran sello a The Velvet Undeground. Y es también el primero de su discográfica original.

Hay que entender que en 1967 Verve era todavía un sello de

jazz y entonces llegó un productor y A&R genial, Tom Wilson, que les fichó a ellos y a Frank Zappa And The Mothers Of Invention. Tom Wilson es un tipo completamente infravalorado. Produjo discos de Bob Dylan, fichó a Simon & Garfunkel para Columbia, Sun Ra… Fichó a muchísimos artistas increíbles, pero no se le da el crédito que merece. No está en el Rock And Roll Hall Of Fame. Tom Wilson reinventó Verve en 1967 y este álbum fue como la piedra fundacional. Fue un mensaje.

Aunque comercialmente no fue enorme, en los cincuenta y tantos años que han seguido se ha convertido en uno de los discos más influyentes. Y sí, sin duda es el primer tributo al disco entero.

—Yo recuerdo versiones sueltas, por ejemplo la que hicieron R.E.M. de “Femme Fatale”…

Sí, ¡Big Star también la hicieron! Ha habido cosas. Cowboy Junkies hicieron “Sweet Jane”. Janes Addiction “Rock And Roll”, pero lo que yo recuerdo son versiones sueltas aquí y allá. Ésta es la primera vez que se hace con un disco entero.

Nadie más lo ha hecho. Y no se ha hecho nunca con “Loaded” ni con “White Light White Heat”. Quizá algún día. Vamos a esperar a ver si éste gusta.

—También me pregunto si los artistas tuvieron libertad total y completa para hacer lo que quisieran con cada canción. Como has dicho antes, hay enfoques muy fieles y otros experimentales. Por ejemplo, “All Tomorrow’s Parties” de St. Vincent y Thomas Bartlett.

Sí, tuvieron libertad. Lo único: sé que Hal estuvo en el estudio con Michael Stipe cuando hacía “Sunday Morning”, no sé, quizá estaban colaborando. Pero la libertad fue total. Ni siquiera les pasamos notas sobre las mezclas y el máster. Nos dieron sus mezclas propias. No nos metimos en el estudio a llevarles de la mano o decirles: “No hagas esto o aquello”. En absoluto.

Creo que habría sido un error hacer un disco de tributo de The Velvet Underground diciéndoles lo que hacer desde el sello. Habría contradicho el espíritu del grupo.

—Por supuesto.

Lo único que fue complicado fue decidir qué canción hacía cada uno. Porque claro, había varios que querían “European Son” e Iggy ya la había pillado... Fue un poco darwinista en cuanto a quién decía “sí” antes. Lo que hemos intentado hacer también es no mantener el género del cantante de cada canción: “Sunday Morning” la canta una mujer, Nico, y en el disco la canta un hombre, Michael. Pero sí, han tenido el cien por cien de libertad.

—Doy por descontado que todos los artistas involucrados son fans totales del disco y del grupo. Sabía que es el caso con Thurston Moore, Bobby Gillespie o Michael Stipe; en cambio, no tenía ni idea de que Kurt Vile lo era tanto.

Sí, de hecho Kurt acaba de firmar por Verve, lo cual es algo muy emocionante para mí. Soy fan desde hace tiempo. Hace unos cuatro años John Cale dio una serie de conciertos como tributo a The Velvet Underground en una sala de Brooklyn, BAM (Brooklyn Academy Of Music). Llevaba de artistas invitados a Sharon Van Etten, MGMT y Kurt. Kurt es un fan enorme de The Velvet Underground, igual que su manager.

Cuando le vi cantar con John Cale me di cuenta de que tenía que estar en el disco. Es uno de esos tíos que lo sabe todo de ellos: qué tipo de guitarra Fender usaron en no sé dónde, el equipo… Lo sabe todo. Yo creo que no hay nadie que no sea muy, muy fan. Incluso King Princess se lo tomó como que tenía que hacerlo sí o sí. Es una influencia muy grande, aunque la mayoría piensa en ella en términos del mundo pop porque mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

tiene billones de descargas. Pero le encantan, su padre lleva un estudio en Nueva York. Pero sí: Kurt sabe más de The Velvet Underground que nadie en Verve, te lo aseguro. Incluyéndome a mí.

—La pregunta del millón: ¿Por qué pasan los años y “The Velvet Underground & Nico” sigue sonando tan fresco y vigente?

Creo que, igual que sucede con muchos discos que han pasado la prueba del tiempo, no seguía ninguna tendencia. Nada de lo que hicieron tenía que ver con una ambición comercial o hacer caja. Eran parte de la escena artística, y creo que ese disco es el sonido de Nueva York en 1967 y en el 68. El sonido de las fiestas de Warhol… Yo no estuve ahí, pero ahora vivo en Nueva York. Y Nueva York no es la misma ciudad.

Si vas a la calle Houston (en el East Village) hay uno de esos supermercados orgánicos carísimos Wholemondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

foods, un The Gap y todo eso. Era el sonido de New York City y no creo que haya ningún otro disco de ese periodo que lo capture igual. Hay discos que capturan el sonido de California: The Beach Boys, The Mamas & The Papas, Joni Mitchell, el sonido Laurel Canyon. Pero, ¿cuál dirías que es el disco neoyorquino por excelencia? Para mí, es éste. Lo cual tiene su gracia, porque en el grupo había un tío de Gales y una alemana. Pero creo que por eso ha envejecido bien. No es música hippie, tampoco es punk rock ni rock clásico. Está en su propia categoría, como mucha de la música que ha dado la ciudad: Television, Ramones, Blondie, Talking Heads… ¿Qué son? ¿New wave? No mucho, son Nueva York. —J.C.P.

De izquierda a derecha y de arriba a a abajo: Angel & Sharon (Foto de Dana Trippe), Courtney Barnett (Fotos de Mia Mala McDonald), Matt Berninger (Fotos de Chantal Anderson), Fontaines D.C. (Fotos de Lillie Eiger), Kurt Vile (Fotos de Perry Shall) y Michael Stipe (Fotos de David Belisle)

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noviembre octubre2020 2021 #19

MONDO FREAKO

Bajo el pseudónimo de Emlan nos encontramos con Arnau Moreno, un joven productor, músico y cantante catalán. Tras muchos años de formación y un despegue brutal en 2020 gracias a sus canciones virales en TikTok, ve la luz su primer álbum de estudio, “Nuestro plan” (Calaverita Records, 21).

C

UÁL ES “NUESTRO PLAN”?¿Cómo nace el concepto del disco?

Le pusimos este nombre porque cada uno tiene el suyo, no es algo que me identifique a mí, ni a ti, ni a nadie. Es un concepto global que cada uno tiene, en cada vida hay un plan diferente. Además la canción que abre el disco, «No era nuestro plan» con Arnau Griso, habla un poco de que teníamos un plan y al final no sale, vamos a por otro y aprovechemos las incongruencias del camino. Es un disco que cuenta un mensaje global y nuestro plan es: ningún plan. Lo que venga de la vida nos lo comemos y ya está, aprovechar lo malo para hacer cosas buenas.

—Algo que sorprende al escuchar el álbum es la frescura que aportas al pop-rock. Pero, a pesar de esto, hay mucha variedad sonora, ya que nos podemos encontrar temas más rockeros como “En un abrazo”, otros más cercanos al ska como “Mood descaro”, o algunos pop como “Superpoderes” o “Que los balcones hablasen”. ¿Qué sonido buscabas crear con este trabajo?

Yo siempre he bebido mucho Green Day, blink-182, Machine Gun Kelly... y a nivel nacional he sido de El Canto del Loco, Despistaos... toda esta peña, a mí me flipaba eso. Hubo una parte en mi adolescencia que dejé de escuchar eso y escuche pop más convencional y antes de hacer el disco me desvíe un poco de mi estilo, pero al querer hacerlo dije “vuelvo a lo mío, a lo que me gusta y voy a hacer pop-rock”. Hay cosas diferentes porque yo he pasado por etapas muy diferentes, cuando te pones a crear y producir coges una cosa de cada sitio y juntarlo todo ha sido el objetivo. Creo que la coherencia del disco a nivel sonoro son las guitarras eléctricas, todo lo demás es pura fiesta que sale de mi cabeza.

—A pesar de publicar tu primer disco ahora lo cierto es que tienes una amplia carrera detrás de los focos. ¿Qué te aportó toda esa experiencia a tu música actual? Porque, a parte de productor, también hemos visto que

#20 octubre 2021

Emlan Locura y ambición

“Iba hacía una dirección que, después de TikTok, cambió totalmente”

has estado trabajando con La Pegatina como backliner y demás...

Yo creo que ver cosas que, si no has hecho antes, no las ves. Ver a todo el equipo técnico y toda la gente que trabaja para un directo, aunque no esté en él, me ha hecho ser, en mi propio proyecto, más humano. Hay artistas que separan a los técnicos de los artistas y en mi caso no, vamos a ir todos en furgoneta, también por temas de pasta. Pero es una

experiencia que no te aporta ninguna otra cosa. Hice de backliner con La Pegatina, aunque no lo soy, pero si no hubiera estado con ellos no hubiera estado en ciertos escenarios enormes que igual luego no piso en mi vida, o sí; o conocer a personas que me han ayudado a hacer este disco. Toda una serie de relaciones personales que, si no lo hubiera vivido, no las tendría.

—¿En qué momento nace Emlan?

Emlan nace a finales de 2019, que yo termino como backliner en La Pegatina y decido que quiero hacer mis propias cosas. En ese momento estaba componiendo canciones para el disco de Miki Núñez junto a Adrià Salas y allí dije “hostias, es que las canciones que estoy haciendo me molan para mí. Podría sacar alguna”. Al final no fue ninguna de esas, hice otras y le dije a Miki si se quería sumar y escogimos una y de ahí sacamos “Tira de la manta”. Emlan nace de la inquietud de querer hacer lo mío y lanzar mis propios mensajes.

—Y después de todo eso, llegó el estallido de TikTok. ¿Cómo viviste tú la cuarentena y ese boom en la red social de moda?

Llegó la cuarentena y yo acababa de dejar La Pegatina y empezábamos con el estudio, yo ya tenía varios singles grabados y nos mata todo. Y después en casa vi que todo el mundo utilizaba TikTok y me bajé la aplicación y me planteé subir una canción cada día. Y no sé como explicarlo, pero en una semana tenía nueve o diez mil seguidores, que para mí era una locura, y a raíz de hacer canciones me he juntado con casi un millón seguidores. Eran canciones del día a día, oportunistas, que pasan de moda porque ahora no tienen ningún sentido escucharlas, pero en el momento fue up tras up.

—Antes de “Nuestro plan” publicaste otras ocho canciones en plataformas digitales, incluso este mismo año lanzas un EP y un single que no están incluidos en tu nuevo trabajo. ¿Qué pasó para que decidieras que estas ocho canciones no iban a ir dentro del álbum?

Pues antes de la cuarentena, Emlan iba hacía una dirección que después de todo lo de TikTok cambió totalmente.

También fue porque yo tuve un breakdown bastante grande antes de las navidades pasadas porque no sabía si lo que estaba haciendo en las redes sociales era porque a la gente le molaba o porque a mí me gustaba lo que hacía; y no, fue por la interacción que sentía de la gente, de los likes y los comentarios. Entonces hice un parón, porque no quería hacer esto toda mi vida, y de ahí salió el disco. Publiqué el EP de “Para ti” (La Cúpula, 21) hecho con canciones surgidas en TikTok fue poner el punto final a esta etapa, que no quiere decir que vaya a dejar de subir contenido, pero no de la misma forma. Y la siguiente pista, “A romper el universo”, rompe la barrera entre esos dos puntos.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

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#22 octubre 2021

D LO HO

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LOW DESDE ONDO Alan Sparhawk y Mimi Parker no aflojan. “Hey What” (Sub Pop Records/Popstock!, 21), su decimotercer álbum en veintisiete años, ahonda en la senda emprendida con el magistral “Double Negative” (Sub Pop Records/Popstock!, 18). Y es un placer charlar con ellos de nuevo.

—TEXTO Carlos Pérez de Ziriza —FOTOS Nathan Keay

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E

N “HEY WHAT” VUELVE a producirles BJ Burton.

De hecho, es la primera vez en toda su carrera que un mismo profesional les produce tres álbumes consecutivos, señal de que han dado con la horma de su zapato hasta redondear una suerte de trilogía no planificada. También es el primero en los últimos trece años sin la participación del bajista Steve Garrington, quien ha abandonado el proyecto. Ambos nos lo cuentan desde su casa de Duluth (Minnesota), en una charla telemática.

—En tres días estrenáis el disco en directo, en el Lake Film Festival de Minnesota. Justo el día en que se pone a la venta. Supongo que tendréis ganas.

(Alan) Sí, es ilusionante, hemos estado ensayando y mucha gente se pregunta cómo va a sonar esto en directo [risas]. Estamos averiguándolo nosotros mismos. Antes de entrar en el estudio sí que lo teníamos claro, pero ahora será diferente, al menos para la gente que nos vio en directo en los dos últimos años. Sigue siendo el formato de batería, bajo, guitarra y voces, pero hacemos versiones distintas de aquellas canciones. A veces suenan parecidas, y otras veces muy diferentes. No sé.

Creo que sería aburrido intentar replicar el disco tal cual suena. Y eso requeriría además mucha gente sobre el escenario preocupándose de darle a las teclas correctas.

—No tenéis a Steve Garrington al bajo, quien llevaba con vosotros desde 2008.

(Alan) Probablemente tengamos otro bajista.

Steve lo dejó cuando empezábamos a grabar este disco, creo que no quería ir más de gira: yo entiendo que es duro y que es una experiencia diferente para cada persona. Él quería hacer otras cosas, y el ir de tour se lo hacía difícil. Ya sabes.

—En vuestro caso, la dinámica de editar un disco e inmediatamente emprender una gira la tenéis plenamente interiorizada, es vuestra vida.

(Mimi) Así es como funciona este negocio, el girar es la única forma de hacer dinero.

(Alan) Sí, con los discos ya no se gana. Pero así es como empezamos. A veces te supone una presión, sobre todo cuando llevas tiempo sin tocar en directo.

—Este es el tercer disco consecutivo que grabáis con BJ Burton. Nunca habíais grabado tres álbumes con el mismo productor.

(Alan) Nos encanta su forma de trabajar, es emocionante cuando tenemos ya alguna canción compuesta y la trabajamos con él, sabemos que va a ser divertido y que él nos va a sorprender. Que nos va a llevar más allá de nuestras expectativas. Siente una libertad extra en el momento en que trabajamos con él.

Creo que con otros músicos siente más presión sobre cómo deben ser las cosas, si han de ser de una manera o de otra, y con nosotros es todo más abierto, y eso le permite ser más creativo y experimental. Formamos un buen equipo ahora mismo. Sabemos que podemos confiar en que, a la hora de que con cualquier idea loca o extraña que tengamos, él va a encontrar una manera de darle forma.

(Mimi) Y él se da cuenta de que, si aparece con alguna sonoridad loca, probablemente seremos receptivos. Es un toma y daca.

—Habéis trabajado con BJ Burton, Jeff Tweedy, Dave Fridmann, Steve Albini, Steve Fisk o Kramer. ¿Cuál de todos los productores os marcó más, u os dejó una huella mayor?

(Alan) Todos son buenísimos, hemos tenido mucha suerte. Cada uno de ellos era perfecto para el momento en el que estábamos.

Posiblemente el trabajo con Steve Albini fuera el más sorprendente, porque chocaba que una banda tan tranquila y minimalista como éramos al principio se aliara con alguien que había trabajado con todos los grupos punk, Big Black y todo ese material tan ruidoso. Parecía una contradicción. Bromeamos sobre ello al principio, pero una vez se hizo realidad, fue un tipo muy agradable y mucho más abierto, cálido e interactivo creativamente de lo que habíamos imaginado.

(Mimi) La clave fue su habilidad para capturar el sonido en directo. La forma en que coloca los micrófonos.

(Alan) Nos guió sin imponerse. Era lo que necesitábamos en aquel momento.

—La portada del disco, de nuevo con diseño del británico Peter Liversidge, evoca unas interferencias. Me gustaría saber si es como una metáfora de las interferencias que condicionan nuestra percepción de la realidad hoy en día, ya sea en forma de redes sociales, fake news, etcétera… que creo que es algo que también iba en la línea de vuestro anterior disco.

(Alan) Sin duda. Ese es el concepto. Las líneas simbolizan la uniformidad digital en la que vivimos, pero luego cada una de ellas tiene irregularidades, te das cuenta al mirarlas de cerca de que están dibujadas a mano.

La portada es como un papel de periódico en el que si alguien tuviera que colocar letras o fotografías, tendría que hacer un sombreado sobre esas líneas. Algo viejo. La repetición de las líneas sugiere el futuro digital. Pero cada línea tiene imperfecciones y eso te permite ver que hay más cosas ocurriendo bajo la superficie. Creo que ves lo mismo que nosotros.

—Podría decirse que, aunque nunca habéis sido un grupo que trate explícitamente sobre el contexto social, vuestra música se ha hecho más rugosa, afilada y amenazante al mismo tiempo que la realidad también lo ha hecho, ¿no?

(Alan) Sí, todo el ruido y los tira y afloja que se están dando en nuestros últimos discos son algo que debemos admitir que está influido por los tiempos que vivimos: el gobierno tan difícil que hemos tenido en Estados Unidos, la pandemia (que está en todas partes, por supuesto)… Son cosas que llevan al ser humano al límite, y me alegro de tener la música como algo a través de lo cual canalizar todo eso.

—Por cierto, Alan, hace unos años contabas, para este mismo medio, que tu experiencia cuando viajaste a Kenia en 2006 te había hecho no tener ganas de ver más informativos en televisión. ¿Sigue siendo

3

octubre 2021 #23

“ “Seguimos haciendo himnos y canciones de Pink Floyd”

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así, después de todo lo que hemos vivido en los últimos dos años?

(Alan) Va por temporadas. Volví de África con la perspectiva cambiada de las cosas. Pero, desafortunadamente, la mentalidad occidental sigue estando ahí… No te puedes librar de ella. Durante los últimos años estoy tratando de encontrar un equilibrio.

—¿De dónde sacáis la energía y el temperamento para hacer que cada disco sea distinto al anterior, tras más de dos décadas de carrera?

(Mimi) Creo que tiene que ver con el hecho de que nunca hemos tenido un gran éxito, nunca hemos tenido un hit, ni algo que la gente pueda identificar como una canción típica de Low. (Alan) Nunca hemos sido grandes, ni ha habido una percepción de que Low es de esta manera o de la otra, y eso nos ha dado libertad para hacer lo que queríamos. Hemos experimentado, hemos llevado nuestra música un paso adelante de forma que ni siquiera los fans supieran cuál iba a ser nuestro siguiente paso.

(Mimi) Incluso desde el principio, siempre hemos intentado hacer algo diferente. Nunca tuvimos a nadie que nos dijera lo que debíamos hacer, ni siquiera cuando grabábamos con Kramer, al principio. Lo hemos dado por hecho. Sí que hubo gente de discográficas que nos recomendaba o nos sugería algunas cosas en algunos momentos, pero pensábamos “¿de qué están hablando?”. ¡Es nuestro disco! Así que fue natural para nosotros seguir cambiando y no repitiendo lo mismo. ¿Qué sentido #24 octubre 2021

tiene? Hacer siempre lo mismo no tiene sentido.

—Pero supongo que alguna vez os habréis encon-

trado con algún fan que se sintiera decepcionado por vuestra evolución, o que no la encajara bien.

(Alan) Seguro. Pero los típicos fans de Low son muy tranquilos [risas].

(Mimi) Siempre hay gente a la que puede no gustarle este giro. He leído a gente a quien no le han gustado los dos primeros videoclips que hemos extraído de este disco.

(Alan) Siempre habrá seguidores que preferirán que sonemos más melosos o más tranquilos, pero está bien, es comprensible…

(Mimi) Siempre pueden rescatar nuestros discos antiguos [risas].

(Alan) Moverse hacia adelante es lo que nos mantiene vivos.

—Una cosa que sí está clara en todos y cada uno de vuestros discos, y también en los conciertos, es la espiritualidad que transmiten, esa hondura emocional que posiblemente tenga que ver con vuestro concepto de la religión. ¿Es así?

(Alan) Bueno, mientras crecíamos yo daba por hecho que era la misma experiencia para todo el mundo, pero supongo que si creces yendo a la iglesia con tus padres, experimentas esta sensación de que cualquier debilidad es menor de lo que piensas, de que todo el mundo está cantando las mismas canciones y de repente todo el mundo se calla por completo. Con todo lo frustrante que puede ser cuando eres un crío, te marca e informa quién vas a ser el resto de tu vida. Ese momento semanal en el que estás con

la familia y todo el mundo está en silencio, con solo una persona hablando y todo el público escuchándole con atención y respeto. Ese momento de quietud te hace echar la vista atrás y desear que ojalá hubiera más gente que medite… Eso no es algo que por sí solo te haga ser una persona distinta al resto, pero sí que influye. Igual que la primera música que escuchas. En mi caso, fueron himnos. Y puedes apreciar incluso en este disco que la estructura de algunos temas es igual, como si fueran himnos. No es algo intencionado, simplemente surge. Ahí te das cuenta de que sigues haciendo himnos y canciones de Pink Floyd [risas]. Mis dos primeras influencias musicales. Y no es que yo sea así. De hecho, soy una persona que habla muy alto, alguien frenético y fuera de control, siempre con ideas bullendo en mi cabeza como si fuera una caldera hirviendo, pero por suerte Mimi es mucho más dulce [risas].

(Mimi) Yo soy tranquila, sí [risas].

(Alan) Ella siempre intenta saber qué es lo que pasa en mi cabeza para amoldarlo a su vibración particular, sí. Y de alguna manera, funciona.

—Creo que transmitís esa espiritualidad al público. Se me ocurren pocos grupos que consigan silenciar con tan poco volumen a una explanada en la que hay decenas de miles de personas, en cualquier festival. Lo encajan como una ceremonia, y eso no tiene nada que ver con el hecho de que sean o no sean personas religiosas o espirituales.

(Alan) Sí, espero que siga siendo así. Valoro muchos esos momentos. Me los tomo muy en serio. Encontrarte con ese respeto y reconocimiento es como mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EN PORTADA

un sentimiento de hermandad. Algo que me parece muy intenso siempre que tocamos en directo. Si nos pusiéramos muy exquisitos, en plan de decirle a la gente que estuviera callada, no sería igual… Siempre intentamos respetar a la gente que va a venir a vernos, y valoramos mucho el hecho de que signifique algo para ellos. Siempre hay que mantener un balance, ajustarte a lo que necesitas tú y lo que puede necesitar el público. No nos podemos poner a sermonearles, tienes que darte cuenta de dónde estás tocando.

—Os quiero preguntar por los videoclips que habéis publicado hasta ahora. El de “Disappearing”, por ejemplo, que protagoniza Dorian Wood. ¿Cómo le conocisteis?

(Alan) Conocí a Dorian en Twitter, en realidad. Creo que hice un comentario un poco prejuicioso en términos de género, sobre alguien que no lo tenía, y Dorian apareció y me corrigió [risas]. Es algo en lo que pienso mucho, porque es importante ahora mismo ser correcto cuando te expresas, simplemente porque puedes herir a alguien. Recuerdo perfectamente ese sentimiento tan primario de cuando alguien te está corrigiendo, y te sientes mal por ofender a alguien o no ser considerado. No es tu intención. Se lo agradecí, e intenté ser más consciente de ello. Ojo, somos considerados, gente muy liberal, pero a veces es complicado cambiar tu lenguaje y tu perspectiva.

Pero es muy importante. Ahora que puedo pararme a pensar un segundo antes de decir algo sobre el género de alguien, en lugar de pensar en esa persona como un chico o una chica, pienso más en cómo es. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Me he dado cuenta de que eso marca una gran diferencia. En general nos gusta categorizar a la gente por la forma en la que visten, por su raza y por su género. No es algo malintencionado, simplemente nuestra cabeza funciona así. ¿Quién es ese? ¿Cómo es? Es natural. Pero algunas de nuestras asunciones nos impiden conocer bien a la persona. Me alegro de que Dorian me corrigiera. Me di cuenta de que era músico, indagué y flipé: muy intenso, operístico pero también moderno, electrónico, apasionado…

Sus videos son alucinantes. Sabía que él haría algo fantástico. Desde la primera idea al final. Y el resultado fue sorprendente.

—Esa idea sobre los estereotipos de género que casi todos arrastramos conecta con el videoclip de “More, dirigido por Julie Casper Roth, que también trata sobre eso, ¿no?

(Alan) Fue una idea de Julie, y es correcto, tiene que ver con derribar los estereotipos de género, especialmente cuando la gente es muy joven. Es un video muy abstracto, con elementos a los que se les quitan partes. Cuando conocemos a alguien no nos damos cuenta de que las personas están compuestas de muchos componentes distintos, es todo más complejo de lo que parece a primera vista. Simplificamos en exceso a la gente a causa del género. El video es muy abstracto, lo sabemos, pero nos alegramos de que la idea se haya evidenciado.

—Alan, ¿tienes en perspectiva resucitar a Retribution Gospel Choir?

(Alan) Todos los miembros del grupo están liados con otros proyectos, el batería vive en California

ahora y Steve tampoco está ahora en Low. No sé. Era una buena banda, la echo de menos porque hubo momentos de gira a los que es imposible poner palabras, momentos muy trascendentes que he tenido la suerte de vivir con ellos. Y creo que muchos de esos conciertos fueron en España. Por alguna razón, nuestras giras europeas siempre acababan en España, que era donde empezábamos a ser más espontáneos y profundos. Y algunos de los mejores momentos fueron ante treinta o cuarenta personas en salas españolas.

—Yo os vi en Castellón, y seríamos ese número de gente, unas cuarenta personas. ¿Creéis que vuestra música se entiende o se acoge mejor en Europa que en vuestro país?

(Alan) Si nos comparamos con otras bandas norteamericanas, nos va mejor en Europa. Creo que siempre, desde un principio, sobre todo en el Reino Unido, la gente ha conectado muy bien con nosotros. La escena musical aquí en Estados Unidos. durante los noventa era un poco engreída, en plan “¿quién va a hacer un millón de dólares ahora?”, más orientada al negocio puro y duro y a querer ser cool, y siempre estuvimos fuera de ese rollo. Quizá por eso encajamos mejor en Europa. Nos ha ido bien. Cuando empezamos, era como un sueño loco eso de poder viajar allí, y ahora nos parece de lo más normal, después de tantas giras y de haber trabado tantas amistades. —C.P.Z.

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octubre 2021 #25

ACTIVA EL DISPOSITIU

XXVI INTERNATIONAL EXPERIMENTAL MUSIC MEETING

GRÀCIA-BARCELONA 1/30 d’octubre 2021 BLACK FLOWER - LAIA VALLÉS i AMIDEA CLOTET DR. TRUNA i MIREIA TEJERO - NÚRIA ANDORRÀ “ESMOLETS”: ELI GRAS, LULA THOMAS i MARINA H. ASCIUTTI DANIELE LEDDA - LAIA CARBONELL i ROSER GABRIEL BSO LIVE “NEIGHBOURHOOD OF INFINITY”: MELISA BERTOSSI, CRISTIAN SUBIRÀ i POPE - LUBIANKA ÀGAPE: LAURA LLANELI, MARIA SEVILLA i ONA LIARTE GRANULAR BASTARDS - WHITE NERVE CONNECTION DUO INHUMANKIND - COURE Principals patrocinadors

27/Mondo VINILOS

Audience

Bob Dylan

Tolesdurak BideHuts

8

El tributo a The Velvet Underground VV.AA

I’ll Be Your Mirror: A Tribute to The Velvet Underground & Nico Verve/Music As Usual

8

ROCK / Si Lou Reed, John Cale, Maureen Tuc-

ker, Sterling Morrison y Nico hubieran cobrado en razón de la incalculable influencia de su debut y por la legión de artistas que han versionado alguna de sus canciones (de Big Star a Nick Cave, The Primitives, Beck o R.E.M), se habrían forrado. Desde luego, no era esa su filosofía, sino más bien la contraria, y no cabe duda de que ahí está parte de su magia y eterno poder de atracción entre varias generaciones de bandas y artistas de todo pelaje.

Siendo vanguardia se hicieron unos clásicos, y de paso insuflaron densidad artística adulta en un campo hasta entonces acotado a la ligereza juvenil.

El caso es que Verve Records, el sello de jazz que les fichó esperando un rendimiento comercial en el pujante mercado del rock que no obtuvo en 1967, ha querido aprovechar el tirón del esperado documental de Todd Haynes con un elenco de lujo que interpreta de arriba a abajo uno de esos discos intocables que ponen de acuerdo a casi todo el mundo.

Partiendo del axioma de que el original es intocable, el conjunto desprende una sensación de cariño apasionado, quizá lo máximo a lo que puede aspirar un proyecto de estas características. No en vano, el experto en

recopilaciones de lujo y amigo íntimo de Lou Reed Hal Willner estuvo supervisando todo al milímetro, hasta que el virus se lo llevó por delante en la primera oleada de 2020.

Y cierto que habrá discrepancias, pero la solidez del conjunto, el sonido exquisito y la fluidez nos dice que estamos ante algo especial que trasciende el homenaje rutinario. Es un respeto que trata de interiorizar la audacia del original. No está mal, para empezar, volver a oír la voz del semi retirado Michael Stipe interpretando la preciosa “Sunday Morning”. El estilo vocal lisérgico de Matt Berninger le viene muy bien a “I’m Waiting For The Man”. A Sharon Van Etten y Angel Olsen no les cuesta seducir con su “Femme Fatale”, y Andrew Bird & Lucius elevan la apuesta al salir airosos de su versión acústica de la turbia e hipnótica “Venus In Furs”. Kurt Vile y su banda The Violators se ponen reverentes y apasionados en “Run Run Run”. En este contexto, la consumada deconstrucción que St. Vincent y Thomas Bertlett perpetran de la majestuosa “All Tomorrow Parties” no desentona demasiado.

Thurston Moore y Bobby Gillespie se desatan con “Heroin”, mientras la joven King Princess hace una encantadora lectura vintage de “There She Goes Again” y Courtney Barnett desnuda la tierna “I’ll Be Your Mirror”.

Fontaines D.C. derrochan personalidad con “The Black Angel’s Death Song”, e Iggy Pop y Matt Sweeney ponen el broche ideal, “European Son”: sabiduría acumulada y nervio eléctrico con los que volvemos a rendirnos a un disco para la eternidad. —JC PEÑA

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FOLK ROCK / Disco doble en

Springtime In New York: The Bootleg Series, Vol. 16/1980-1985 CBS

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ROCK / Empecé a comprar

el que Audience se recapitula a sí mismo, o al menos su camino más reciente. Sin renunciar a nuevas ideas, a perfilar próximos horizontes. “Tolesdurak” quizá adquiera intención de obra compuesta (a lo “White Album”) ya desde este título que podría traducirse como “Pliegues”, declaración de un instinto vocacional de querer condensar sus varias naturalezas. Concebido y grabado antes y después del confinamiento, y todos juntos en la misma sala con la producción del gran Kaki Arkarazo, armoniza las distintas aristas de la banda de Gernika; de hecho empieza bastante crudo y acelerado para poco a poco decantarse por esos templados medios tiempos de indudable raíz de folk rock americano.

“The Bootleg Series” de Bob Dylan en 1991, con los volúmenes 1-3 que aparecían juntos en un triple CD. Quién me iba a decir entonces que treinta años después estaría reseñando el volumen 16. “Springtime In New York” recoge el período que va de 1980 a 1985, años convulsos para el de Duluth. La de los discos “Shot Of Love” (81), “Infidels” (83) y “Empire Burlesque” (85). A medio camino entre la época cristiana y los peligrosos años ochenta que para Dylan pasaron con más pena que gloria, sin llegar a nada excesivamente grave. Lo bueno de esta nueva recopilación de descartes y tomas alternativas es que superan en ocasiones a las publicadas en su momento como parte de los álbumes.

—JAVIER CORRAL

—EDUARDO IZQUIERDO

Lindsey Buckingham

Recycled J

Sad Summer Zero Negativo

Lindsey Buckingham Rhino/Warner

7

POP ROCK / Es difícil com-

padecerse de Lindsey Buckingham, a pesar de que recientemente ha sido despedido de Fleetwood Mac, ha sufrido un ataque al corazón, ha sido operado de las cuerdas vocales, ha pasado (como el resto de la humanidad) por la crisis del Coronavirus y se ha divorciado.

Aun así sigue siendo él, para lo bueno y para lo malo, alguien con fama de insufrible pero también el increíble músico y compositor al que para tener que sustituir tienes que llamar a dos talentazos como Neil Finn y Mike Campbell. Su nuevo disco en solitario es, posiblemente, el disco más Fleetwood Mac de su carrera, con Buckingham haciéndose cargo de todo. Puede que la gran damnificada del divorcio musical sea su antigua banda.

—SERGIO ARIZA

7

POP / “Como aquella foto

nuestra en el fondo del cajón, devorándonos la boca en un fotomatón, otra día con los platinos sin colgar en el salón, otra vez que me despido: ¿cuelgas tú o cuelgo yo?” Combinando así de bien el carisma y el dolor, Recycled J sentó cátedra a principios de 2021 tras un 2020 en el que el triple salto mortal hacia delante no le salió bien del todo. Lo que tiene su entrada en “Nosotros”, que gloso al inicio de esta nota, aparece también en “Sad Summer”, este EP sorpresa que nos coge cambiando el ritmo al final del periodo estival. Uno de sus mejores trabajos hasta la fecha y, desde luego, continúa encarrillando el que posiblemente sea el mejor año de su carrera. “40 noches”, “Triste” o “Banksy” son tres temas que funcionan como diario de una reconstrucción musical. —LUIS M. MAÍNEZ octubre 2021 #27

MONDOVINILOS

Emlan

Nuestro plan Calaverita Records

Una banda sonora de Vetusta Morla

7

Vetusta Morla

La Hija (Banda Sonora Original) Pequeño Salto Mortal/Sony

6 BANDA SONORA / Manuel Martín Cuenca estaba preparando su nueva película, “La hija”, y se puso a pensar en la banda sonora. Su idea era buscar algo distinto a la típica orquesta sinfónica. De repente se acordó de que ya había trabajado con Guille Galván en el documental “Últimos testigos” de 2009 y decidió proponérselo a Vetusta Morla, siendo un gran fan de la banda de Tres Cantos. Director y banda se reunieron y Martín Cuenca les puso como ejemplo el trabajo de Hildur Gudnadóttir para la banda sonora de la serie de HBO “Chernobyl”. En ese encargo la violonchelista noruega utilizaba mobiliario de la propia Central Nuclear, como puertas etcétera para incluirlas en su música.

En esta banda sonora los madrileños han optado por algo parecido y, tras visitar el lugar del rodaje, en Sierra Mágina, decidieron que motores de coche, el tintineo de

llaves, el rumor del agua, cubiertos y “hasta la nevera de la película, que tenía un sonido muy particular”, pasaban a formar parte de su particular partitura.

La banda sonora se compone de trece piezas instrumentales ambientales y una canción propiamente dicha, “Reina de las Trincheras”, una especie de nana que tiene algo tradicional y, a la vez, moderno, lo que les emparenta con Vainica Doble, con una melodía marca de la casa, de esas que parece que ha estado

ahí siempre, perfecta para la emotiva voz de Pucho. Parece que los próximos Goya ya tienen clara favorita en la categoría de Mejor Canción. Del resto de piezas es difícil sacar una conclusión sin ver las imágenes de la propia película, y es que estas piezas están pensadas para acompañar a ciertas imágenes y, aunque hay bastantes cosas atractivas en ella, no creo que funcionen por su cuenta, ni sirvan para saciar a los seguidores de la banda como un nuevo disco. —SERGIO ARIZA

POP ROCK / “Nuestro plan”,

el disco debut de Emlan, contiene diez canciones y está cargado de tonos de frescura y buen rollo. Podemos encontrarnos con estructuras más cercanas al pop convencional como “Que los balcones hablasen”, “Superpoderes” o “En un abrazo”, que a su vez son las que más hablan sobre una ruptura. También se lanza hacía una parte más rockera con “Reina del insti” y “Autocine”, su fantástica colaboración con Vicco.

Pero no todo es pop-rock, también toca el ska con “Mood descaro” o “El final” y se atreve a rapear en “Puro improviso”. Un álbum unido gracias a sus letras entusiastas y a la musicalidad persistente de las guitarras eléctricas. Incluye dos colaboraciones más: “No era nuestro plan” con los alegres Arnau Griso y “Déjalos en shock” con la arrolladora voz de Paul Alone.

Un álbum debut fresco y eficaz que nos demuestra que se pueden tocar diversos géneros sin perder una idea original y que derrocha energía.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO Carlos Gasca

Durand Jones & The Indications

Canciones El Genio Equivocado

POP / Este disco apuntala la apertura de registros de una especie de trilogía no planificada con la vertiente más mediterránea de tan guadianesca carrera (tres álbumes y un EP en veinte años), ahora como Carlos Gasca, con sello más autoral. De nuevo participa de David Rodríguez (Beef, La Estrella de David, Telefilme) en un par de canciones pero, sobre todo, se nota la mano de un Javier Carrasco (Betacam) que supervisa algunos de sus momentos más brillantes, como esa “La noche de San Juan” con aroma a salitre y habanera, la neworderiana “Favorita”, que es una irreprochable diana melódica, o la serena elegancia de “La Deidad”, un precioso broche. Depuración de estilo en este disco, deseo de delegar en la sencillez en sus textos y un balance logrado entre bombeo sintético y tacto acústico, más palpable que en cualquier trabajo anterior: esas son sus claves. ¿Ha valido la pena esta espera de ocho años? Por supuesto que sí.

7

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA #28 octubre 2021

SOUL / Durand Jones & The Indications se confirman, con su tercer disco, como uno de los nombres potentes y definitivamente a tener en cuenta dentro de la nueva escena soul. El combo aprovecha para dar un paso al frente, virando con frecuencia hacia ese tipo de funky vertical que apunta sin disimulo a la pista de baile. Al mismo tiempo, el grupo prueba su solvencia para resonar tan clásico como actualizado, dependiendo del carácter con que quieran impregnar a cada composición en cuestión. Es la principal virtud de “Private Space”, inspirado conjunto de diez cortes que luce igualdad de aciertos en ambas preferencias. Sucede con sus piezas más pretendidamente retro y convincentes a la ahora de recrear esos ambientes pretéritos, pero también cuando suenan contemporáneas y renovadas. Un álbum que supone la confirmación categórica acerca de la fiabilidad del sexteto, con mayoría de dianas dotadas con ese sentimiento y encanto imprescindibles en el género. —RAÚL JULIÁN

7

Seek Shelter Mexican Summer/Popstock!

Supernova Spyro Music

Private Space Dead Oceans/ Popstock!,

FLAMENCO ROCK / Cristian de Moret se estrena en solitario con un viaje interestelar más allá de las galaxias flamencas y jazzísticas, electrificando la tradición en este big bang sónico que rezuma autenticidad y pellizco por cada surco. Canciones en las que fusiona con sello propio el arte flamenco y el rock, pasando por el blues, el funk, el reggae y la electrónica.

Todo con un quejío tan natural y libre que parece llegar de otro tiempo. De los tangos de aires califales en “El pañuelo”, al serpenteante teclado de “Dos pájaros”, con su mixtura de sonidos electrónicos y progresivos.

Cierto aroma a un Chet Faker que termina por romperse la camisa. En la tripulación de esta nave encontramos a invitados de lujo como: Manuel Imán, en el abrazo de lo jondo y el rock del tema titular, al maestro Jorge Pardo en una de las joyas de la corona, “Soleá groove”, y al dúo Antílopez, que dejan su huella en el funky flamenco “Yerbagüena”. —DAVID PÉREZ

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Robert Finley

Iceage

Cristian de Moret

7

ROCK / La camaleónica

banda danesa se ha reencarnado en el delta del Misisipi gracias a la aportación de Pete Kember, alias Sonic Boom y ex Spacemen 3, en labores de producción. La elegancia instintiva y el misterio son dos de los atributos más preciados de un grupo que siempre ha parecido absorber influencias de postín con una facilidad y habilidad sorprendentes para esquivar el pastiche.

“Seek Shelter” va sobrado de ambos ingredientes, y además cuenta con ese punto de madurez que dan los años. Pero sorprende sobre todo por sus pasajes más extrovertidos, sobre los que se cierne la sombra del rock vintage de The Rolling Stones, Spiritualized o Primal Scream (“Shelter Song”). Y aunque la estupenda y elástica “Vendetta” puede tirar demasiado a Madchester y “Dear Saint Cecilia” se queda un poco corta, en el contraste entre el alma torturada y la pulsión espiritual de raíces norteamericanas, les sale una interesante síntesis que llama al consuelo. —JC PEÑA

Sharecropper’s Son Universal

SOUL / Diez canciones autobiográficas empapadas de lucha, verdad, pasión y superación. Latido blues, rebosante espíritu gospel y soul sureño por cada poro de su piel. Cantos a la infancia perdida trabajando en cosechas de Louisiana junto a su familia, como reza en “Country Boy”, con su magnético y genuino falsete, o aullando en la titular “Sharecropper›s Son”. Versos de un “hijo de aparcero” cargados de sudor y una vida repleta de limitaciones a pleno sol. Del sanador himno espiritual de cierre, “All My Hope”, al soul más pasional que se desborda desde el hit inicial “Souled Out On You”, pasando por la resplandeciente “Starting To See” o la adictiva “Make Me Feel Alright”, con unos coros y swing stoniano que reventará más de un termómetro en directo. Todo con ADN The Black Keys, añejo y brillante en lo instrumental, con Dan Auerbach haciendo magia en la producción, pero dejando a Finley volar libre a sus anchas en uno de los mejores discos de raíces del año. —DAVID PÉREZ

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Chvrches

8

POP ELECTRÓNICO / Vivimos

en un mundo elitista repleto de imposiciones, una sociedad que nos ha obligado a normalizar el tener que sentirnos mal si no cumples con los estándares establecidos. “Screen Violence” habla un poco de todo esto. De esa terrible infravaloración hacia la mujer en una sociedad liderada por el patriarcado. De poder permitirte no ser perfecto, los miedos sociales… Pero, también habla de cerrar heridas, aprender a quererse uno mismo, decir “no” a todo lo que necesitemos. Lauren está tremendamente poderosa como líder de un proyecto que oscila entre narrativas de gothic-rock y crítica social.

Mantienen esa esencia de synthpop elegante con bases frenéticas, pero además añaden una oscuridad y un sonido new wave que no habían potenciado en previos lanzamientos. Entre lo mejor, “How Not To Drown” junto a Robert Smith y una impecable “Violent Delights” con un breakbeat que se retuerce a través de sueños perturbadores e imágenes desoladoras.

—ÁLEX JEREZ

MONDOVINILOS

Manic Street Preachers

Screen Violence Vertigo/Universal

The Ultra Vivid Lament Columbia

POP / El decimocuarto álbum de Manic Street Preachers en una obra tirando a previsible y a todas luces continuista con respecto a entregas recientes como “Rewind The Film” (13) o “Resistance Is Futile” (18). La referencia bien podría incluir algunos de los momentos más decidida y explícitamente pop firmados por el trío, o al menos esa es la sensación que parecen generar sus piezas más poderosas. Y es que, a pesar del empeño por no asumir riesgos adicionales y apostar por una producción pulida en exceso, los de Blackwood vuelven a probar tino para las melodías. “The Ultra Vivid Lament” confirma que los galeses sacrificaron hace tiempo cualquier atisbo de potencial factor sorpresa, lo que no implica necesariamente que este sea un mal disco dentro de esos parámetros de indie-pop trabajados a conciencia. Sobre todo porque alberga varios aciertos poco menos que incuestionables, de esos que levantan el asunto y justifican la publicación. —RAÚL JULIÁN

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Sleigh Bells

Jack In Water

Texis Mom + Pop

You Don’t Feel Like Home Nettwerk Records

Low siguen forjando su culto Low

POP / Detrás de Jack In Water se encuentra William Clapson, británico afincado en Mallorca que publica el que es su ambicioso debut en formato largo. Un disco de pop melódico que no escatima adornos con los que embellecer diez canciones deudoras de Elbow, Bon Iver, Ed Harcourt, Sufjan Stevens y, sobre todo, Coldplay. El elepé apuesta por nostalgia soleada, calidez y belleza emocional, concretando aciertos claros y otros temas que motivan sensaciones más templadas. Un álbum en el que todo parece estar escrupulosamente ordenado, con el de Essex dando buen trato a los elementos incluidos en la ecuación y atendiendo a los principios básicos que amparan esta variante del género, tan sentida como apta para todos los públicos. A pesar de que el asunto languidezca tras la sorpresa inicial, la referencia invita al optimismo con algunas gemas incuestionables, insinuando la capacidad creativa de un músico que en el futuro deberá cincelar su propia personalidad.

POP / “Texis”, el quinto disco del dúo de pop experimental Sleigh Bells, formado por el guitarrista Derek Miller y la cantante Alexis Krauss, es un disco con el que la banda se vuelve a encontrar a sí misma, volviendo a conjugar a la perfección sus dulces instintos pop con una producción mucho más pesada, entregando con ello su disco más notable desde su lejano debut en 2010 con “Treats”. Es un disco sencillo y divertido que se centra en sus mejores cualidades de siempre, estribillos pegadizos enfrentados a música mucho más potente, logrando el máximo impacto en sus transiciones entre estrofa y estribillo. En definitiva, un regreso notable aunque, evidentemente, no se puede decir que estén buscando nuevos sonidos por explorar sino que se atienen a lo que mejor hacen, como si en su caso aquella infame afirmación de Mike Love a Brian Wilson, “No jodas con la fórmula Brian”, cuando comenzó a pasar del surf para hacer música celestial, fuera totalmente aplicable...

—RAÚL JULIÁN

—SERGIO ARIZA

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Hey What Sub Pop/Popstock!

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9 ROCK / Tres años después de su última en-

trega, “Double Negative” (18), y convertidos desde hace mucho en incuestionable banda de culto, Low lanzan un nuevo trabajo, el decimotercero de su discografía, que supone una continuación lógica del mencionado antecesor, aunque esta vez en formato dúo tras la fuga del bajista Steve Garrington. “Hey What” es un disco tan claustrofóbico como por momentos etéreo, que puede adquirir tintes industriales o incluir trazos de shoegaze, krautrock o pasajes ambientales con idéntica naturalidad, a lo largo de un interrumpido desaliento que, narrado en primera persona, trasciende a los autores hasta alcanzar de pleno al oyente. Un proceso de diez pasos, cargado de miedos y angustia que, sin embargo y en asombroso contraste, filtra en paralelo amplias dosis de ese tipo de extraña belleza que el combo maneja en propiedad. Este es un álbum pensando en diferentes tonalidades de blanco y negro –la portada no es casualidad y resulta de una coherencia clarividente–, con multi-

tud de discordancias, pero en dónde las diferentes manifestaciones de la misma personalidad lucen con idéntica convicción y brutal intensidad. Una tesitura que, en la práctica, supone ese noqueo definitivo de un receptor atrapado entre el enigma y lo hipnótico.

En “Hey What” hay distorsión y ruido, pero también delicadeza y una calidez mística, casi religiosa, cuyo origen resulta complicado focalizar. Es así como ese trazo principal, que viene marcado por la rugosidad de las canciones, ampara al mismo tiempo los cantos balsámicos (más agónicos que en ocasiones anteriores, eso sí) de la propia Parker. Una secuencia que se abre con una llamada de atención tan poderosa como es “White Horses”, y que no pierde vigor en otras piezas como “I Can Wait”, “Disappearing” y “Don’t Walk Away”, el single “Days Like These”, la extensa “Hey” acercándose al dream-pop, “All Night”, o la directa “More”. Como cierre ejerce un tema tan apropiado como “The Price You Pay (It Must Be Wearing Off)”. Cincuenta minutos que bien podrían ser banda sonora de un mundo distópico y condenado, a través de un canto de sirena arrebatador y sincero que parece catalizar toda aquella amargura vivida los últimos meses. En Minnesota, o en cualquier otro lugar de este planeta llamado Tierra. —RAÚL JULIÁN

octubre 2021 #29

Un muerto muy vivo

Fito & Fitipaldis

#30 octubre 2021

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ENTREVISTA

L “Cada vez cadáver” llega siete años después de su anterior disco de estudio, “Huyendo conmigo de mí” (Warner, 14). Entremedias, el recopilatorio “Fitografía” (Warner, 17) y una pandemia mundial a la que puede echar la culpa de que todo se haya retrasado un año. Los otros seis los asume Cabrales como parte de su dificultad cada vez mayor a la hora de sentarse a escribir. Diez nuevos temas marca de la casa: el rock & roll asequible y elegantón de Fito, pulido por la producción casi obsesiva de Carlos Raya y los acertados arreglos del resto de Fitipaldis.

—TEXTO Jesús Casañas

A ENTREVISTA TIENE LUGAR en un céntrico hotel de Madrid, a principios de verano. Ambos estamos recién vacunados, con las secuelas de la reacción y con el optimismo habitual de la etapa estival, acrecentado por la luz que empieza a vislumbrase al final del túnel. El primer videoclip del nuevo trabajo tuvo que rodarlo sin su banda, pero para el segundo ya se ha roto la maldición: “El otro día hicimos el vídeo de ‘Cielo hermético’ y ya nos juntamos todos, porque estamos vacunados. Es que cambia la vida, aunque sigas haciéndote la PCR. Que estás un año en tu casa, sales y sales cagao”. Las circunstancias han marcado irremediablemente su séptimo álbum de estudio desde que debutase en solitario con “A puerta cerrada”, allá por 1998.

—Nunca has tenido prisa por sacar disco nuevo.

Prisa o talento, no lo sé [risas].

—“Cada vez cadáver” llega siete años después del último disco de estudio, “Huyendo conmigo de mí”, con una pandemia de por medio.

Un año de todos esos se le puede echar la culpa al virus, el resto no.

—No ha sido un parto más doloroso de lo habitual entonces.

No, no. No te voy a decir que, aunque me ocurre tan a menudo, estoy acostumbrado. Cuando grabo un disco siempre digo: “Buff, ¿cómo voy a escribir una canción, o diez, más en mi vida? ¡No puedo!”. Me ocurre siempre. Luego hablo con la gente y a todos les ocurre, ¡que parece que solo lo digo yo, me cago en diez! Algunos tienen mucha facilidad para las canciones. Yo no la tengo, pero no por eso deja de preocuparte. Que pasa mucho tiempo y no encuentras tu puto camino. No sé qué música, qué hacer, qué escribir que merezca la pena. Sigues haciéndolo, porque te gusta tocar, pero según lo haces lo tiras. Me lo he pasado bien, he estado tres horas aquí de puta madre, pero esto es una puta mierda. Ni siquiera lo grabas, simplemente estás jugando. Y cada vez parece que se alarga un poco más en el tiempo el proceso. Pero qué le vas a hacer, pues ya está.

—“No quiero pensar, no quiero sufrir la duda y el miedo que da tener que escribir”, cantas en “Fantasmas”. ¿Te cuesta más escribir las letras que la música?

Sí. Igual ahora tengo seis o siete proyectos, que cojo una guitarra y toco cosas, pero ni una frase. Siempre he pensado que tocar es muy divertido, yo toco todos los días. Me gustan las motos y todos los días monto, me gusta pescar y todos los días pesco. Pero, ¿me gusta escribir? No. Me gusta leer, pero escribir no. ¿Todos los días cojo un cuaderno y un bolígrafo? Casi nunca en mi vida. Qué pánico.

—Aunque sea mandar un mensaje de whatsapp, ya estás escribiendo…

Le tengo pánico. Hay mucha gente, como tú, que tiene facilidad. Conozco a gente que escribe todos los días un diario, y yo lo he hecho durante años pero porque me lo dijo un psicólogo, solo por eso, para acostumbrarme todos los días a estar con un bolígrafo.

—Produce de nuevo Carlos Raya, y firmáis todas las canciones los dos. ¿Cuál es el proceso, desde que tienes esa idea en la cabeza hasta que escuchamos la canción final?

Lo digo muchas veces: Tengo la sensación de que yo voy al estudio, digo “¡Me cago en dios!” y luego sale un discazo de la hostia porque lo ha hecho Carlos. Yo solo he ido allí.

A todos los de la banda les tengo en un pedestal, son muy buenos todos. El proceso suele ser que yo tengo ciertas

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octubre 2021 #31

ENTREVISTA

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canciones, una intro, una movida que tengo que hilar. No necesito tener diez o doce canciones estructuradas desde que empiezan hasta que acaban, simplemente voy teniendo una intro de algo, dos versos, un estribillo, y cuando estoy convencido de a dónde quiero ir, cuando lo veo en la cabeza, le digo a Carlos: “Ven, ¿por qué no me ayudas con esta historia?”. Siempre que viene veo la carretera más despejada. Aunque es verdad que jamás nadie me puede ayudar con los textos, si me ayudas con la música me estás ayudando con los textos también, me anima mucho. En este disco, además de quedar como siempre con Carlos, he quedado más con Javi solamente para ver saxos, más con Boli para ver bajos… Y cuando ya lo tenemos más o menos estructurado pues todos a la vez. Pero el que me monta las canciones es Carlos.

—“Quiero gritar” la firmáis toda la banda. ¿Nació de una improvisación?

Es difícil de medir, incluso aunque está estipulado a veces que el arreglo tal es de no sé quién… En “Quiero gritar” es... ¿qué más da si las melodías son mías? Los arreglos han funcionado porque ha habido una banda haciéndolo todo. Tengo que compartir la autoría, porque sin la banda ese tipo de canciones no pueden funcionar. Lo importante de “Quiero gritar” es el groove, cómo va la canción.

—“Cada vez cadáver” sale de una carta a Quique Suárez. ¿Cómo nació?

Llevaba muchos años de estos en que no había compuesto, estaba en plan “creo que no voy a componer nada más en mi vida, esto es una mierda”.

No es que pensara todos los días “me retiro”, pero había momentos que decía “qué mierda esto de tocar, toco en casa y ya está, con mis hijos y mis amigos”. Te da un bajón, como a cualquiera. Como si un tío tiene un pub y dice: “¿Qué hago yo en el pub? Estoy hasta la polla, lo voy a cerrar”. Pues lo mismo. De repente me llegó “Delantera mítica” de Quique y lo puse. Al escuchar ese disco me volvió todo con la ilusión de un chaval de diez años, de repente, y dije: “Qué maravilla. Pero cómo puedo dudar yo del rock, de las canciones, si es el mayor tesoro del mundo”. O sea, de repente me dieron unas ganas de “es verdad, hay que escribir canciones, es lo mejor del mundo”. Tan agradecido a Quique, que le escribí una carta (porque le conozco, si es un tío que no conozco me da vergüenza). “Cada vez cadáver” tiene partes de esa carta, hay estrofas.

Luego se lo conté: “¿Te acuerdas de la carta que te escribí? Pues con eso escribí mi primera canción después de seis años”. Es la primera que hice de todo el disco.

—Abre el disco y ha sido el primer single. ¿No ha echado para atrás que dure casi seis minutos?

No es el mejor single, pero es que lo he elegido yo [risas]. A la compañía casi siempre le echan para atrás mis singles. Con Warner está hablado: el primer single lo elijo yo. Luego el resto me da igual, yo sigo pensando en discos, no en canciones.

Me da igual la que elijan, me gustan tanto que las defiendo igual. Pero después de tanto tiempo sin #32 octubre 2021

sacar un disco yo quiero elegir la tarjeta de presentación. “Hola, vengo con esto”. Ya sé que no es la canción que más le va a gustar a la gente, ya sé que dura demasiado tiempo, pero es la que yo quiero enseñar, porque creo que es la canción más diferente dentro de que no hemos cambiado como una locura nada.

Estamos intentando tener un sonido propio, de Fitipaldis, pero es verdad que nunca habíamos hecho una canción como “Cada vez cadáver”. Nunca. Creo que no hay una canción en todo el repertorio que se le pueda asemejar.

—“A quemarropa” me parece una canción de amor de padre, ¿cierto?

Totalmente. Ahí está [se levanta sorprendido y me da la mano]. Mira que no lo digo, eso es. Me has dejado flipado. Llevo no sé cuántos años haciendo canciones y no había conseguido todavía hacerles una canción a mis hijos. Cuando nació mi primer hijo, el mayor, Guille, que tiene veintitrés años ahora, empecé a hacer una cosa y dije: “Uff, no estás preparado, no sabes hacerlo. Va a ser ñoño”. Ahora lo intenté hacer sin que se notase que es una canción para unos hijos, aunque tú lo has notado, pero ni siquiera digo nada en exceso. Pero bueno, está guay que lo sepas.

—Y cierra “Transporte”, la versión de Jorge Drexler.

Lo de las versiones es un mundo aparte, porque a mí me encanta hacerlas. A Drexler le tenía fichado desde hace tiempo, pero al final siempre venía otra canción que me colapsaba y la dejaba, como otro millón de versiones que me gustaría hacer. Siempre he tenido la sensación de que Drexler está por encima de todos nosotros, está a otro nivel musical. Es un físico-matemático-músico, es una locura, yo le tengo como uno de los grandes del mundo. Es muy difícil para mí tocar algo de Drexler y que no se destruya, porque está todo tan construido científicamente…

Pero justo “Transporte”, desde que la escuché por primera vez, siempre la había visualizado como una canción mexicana, y jugaba con ella en eso. Cuando nos pusimos con ella, les dije: “Os va a parecer una tontería, pero la haremos en plan tex mex o fronterizo”. Y creo que lo hicieron muy bien, Carlos con sus guitarras… Creo que mola mucho, tengo ganas de que la escuche Jorge Drexler, a ver si me retira el saludo.

—¿Qué va a venir después del disco? ¿Conciertos?

Ojalá. No tenemos una certeza como para anunciar gira. Todavía pensamos a largo plazo, estamos pensando en marzo. Para giras grandes, creo que todos en general estamos pensando que faltan unos meses. Es verdad que este verano ya se van a hacer cosas, pero las giras grandes, las que mueves cincuenta, sesenta, ochenta personas, queda un poco. ¿Cómo viajas? Ahora mismo es imposible. ¿Cuántas literas hacen falta ahora? ¿Cuántos autobuses? ¿Cuántas furgonetas? ¿Cuánta gente puede ir junta? ¿Cuántos hoteles tenemos que coger? ¿Cómo vamos a comer? Sería todo imposible. ¿Cuánta gente tienes que meter para que sea mínimamente rentable? No puedes hacer una gira grande. Las

“ “Tocar es muy divertido, pero escribir no”

giras grandes son mastodónticas, tienen esa cosa preciosa que yo siempre digo de que jugamos a los Stones, pero como todo mastodonte somos muy torpes de movilidad. Si quieres tocar en sitios pequeñitos, ahí sí que se puede hacer, pero las giras grandes queda un poco porque son muy torpes de movimiento. Necesitan tanta gente… No solo nosotros, de público, necesitan restaurantes, hoteles, viajes… ¿Cómo metes 20.000 personas de fuera en Bilbao? Cuando llenas aquí tres veces el WiZink Center no son todo madrileños, es que vienen de todos sitios… Para eso necesitamos que la gente viaje, que haya hoteles y restaurantes, que tengan ánimos y ganas de pasar el fin de semana fuera de casa, sin miedo, sin una mascarilla. Nos queda un poco pero bueno, todo pinta mejor que antes.

—Justo ahora [esta entrevista se hizo en junio] se cumplen treinta años del lanzamiento de “Voy a acabar borracho”, el primer disco de Platero y Tú. ¡Hostia! ¿Sí?

—¿Cómo recuerdas aquella grabación?

“Voy a acabar borracho” lo grabamos con Welcome Records, en Barcelona, el primer disco, el amarillo.

La verdad que hace tanto… No tenemos muy buen recuerdo de esa historia. Firmamos con Welcome Records simplemente porque de las pocas ofertas mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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Pero bueno, hay millones de formas. Entonces, ¿qué pasó con el disco de “Voy a acabar borracho”? Pues que fuimos al estudio y grabamos de una forma. Y ahora nosotros pues grabamos esto de otra. Es verdad que yo tengo la suerte de tener a Carlos Raya al lado, que quizás no hay nadie más friki del sonido en el mundo que él, o por lo menos en España. Más la gente de Estudio Uno, que también son muy frikis, y eso es una maravilla, es una celebración de la grabación en directo de un disco. Hay mogollón de gente que sabe mucho, y yo no estoy entre ellos, de todo. De cómo colocar el micro en una mampara que fabrican ellos para esto, que si espérate que subo el micro del ride para no sé qué. A lo mejor podemos estar un día entero para que suene una caja. Luego ya una vez que funciona todo ya solo es tocar, y eso me encanta. Pero por ejemplo mi hijo, que tiene una banda de hardcore y una de trap, pues graban cada uno en su casa con el ordenador y es flipante, porque, ¿qué es mejor? ¿Dibujar con carboncillo o hacer una tela de la hostia con óleos?

Pues qué más da, las dos estarán bien. El mensaje es lo importante. No obstante, a todo el mundo le digo que hay muchas formas de grabar un buen disco y todas valen, pero el proceso de juntarse mucho un equipo para grabar un disco es bonito. A mi chaval le digo que lo tienen que hacer alguna vez. No es lo mismo grabarlo tú que compartirlo con treinta personas, es una experiencia diferente. —J.C.

“Yo voy al estudio , digo “¡Me cago en dios!” y luego sale un discazo de la hostia porque lo ha hecho Carlos Raya”

“

que teníamos era la única que nos hacía solo uno disco.

Nosotros, que éramos más rebeldes que la hostia, dijimos: “No queremos atarnos con nadie, así que con éste”. Pero la verdad es que fue un fracaso todo, nadie nos entendió.

El hombre este estaba en otro mundo, agradecido de que nos llamó, pero no teníamos nada que ver con eso. Fuimos a Barcelona y no tenía ni puta idea de lo que queríamos.

Fatal. Nos gustaba mucho más la maqueta que habíamos grabado en una tarde en Pamplona que el disco. Pero bueno, fue un descojono.

—¿Cómo ha evolucionado la grabación de un disco en estas tres décadas?

Todo ha cambiado mucho, pero yo cada vez me doy más cuenta con el paso del tiempo de que hay millones de formas de grabar un buen disco. Mucha gente defiende una forma de grabación. A Fitipaldis nos encanta ir a Estudio Uno porque, además de que Pablo y Luis son maravillosos, tienen un estudio gigantesco y podemos tocar todos a la vez, pero bien. Tienen los amplis afuera, no se contaminan las cosas, se lo curran de una forma… A nosotros nos gusta grabar todos a la vez todo. Pero eso no quiere decir que sea la única forma de grabar un disco. Otros prefieren grabar su pista de bajo, y luego le mandan la batería, y luego no sé qué, y a mí eso me parece que si el disco está bien pues está bien, pero me parece aburrido.

A mí me gusta juntarme y grabar un disco, y disfrutar y tocar. También tiene cosas malas, porque estás tocando una canción un día entera: hoy tocamos ésta. Tomas, tomas, tomas… Hasta que sale una que te gusta.

—Y con que la cague uno, hay que empezar otra vez. ¡Claro! Eso es. “Yo creo que no lo he hecho muy bien”…

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octubre 2021 #33

MONDO FREAKO

E

NTABLO COMUNICACIÓN TELEFÓNICA con Quique González para descubrir cuáles son las claves que le han llevado a realizar un disco tan reflexivo y reposado como este “Sur en el valle”. Su voz suena débil al otro lado de la línea. Se encuentra en su casa de Villacarriedo (Cantabria) en pleno proceso de duelo porque su etapa lejos de la civilización está llegando a su fin.

De forma algo lacónica me explica que la escolarización de su hija le obliga a acercarse más a la civilización. Eso sí, ya no se ve viviendo en una gran ciudad como esa Madrid canalla que inspiró sus primeros pasos. Son diecisiete años los que lleva viviendo aislado en un entorno idílico, cuya calma se ha ido filtrando en su música. Y, claro, este “Sur en el valle” no podía ser una excepción. Pero dejemos que sea él quién nos lo cuente —Me ha resultado curioso que en un momento en el que parece que estamos saliendo del túnel y empieza a haber cierta sensación de euforia, llegas tú y entregas un disco muy reposado, de esos que debe escucharse con calma y sin prisas. Es como ir contracorriente.

Bueno, las canciones están escritas en un momento en el que no había mucha euforia. Aunque la verdad es que tampoco la percibo mucho ahora. Percibo más miedo que euforia en la gente o por lo menos en mi entorno. Y luego, por otro lado, uno hace lo que le sale. Es cierto que el disco es bastante para dentro, reflexivo y que va lanzando preguntas al aire. Es más un disco de paisajes que de acción. Empiezo a ser consciente de lo que he hecho ahora, después de hacerlo. Y es verdad que la mayoría de las canciones están hechas en momentos introspectivos y eso condiciona el tono del disco.

—¿Dirías entonces que no renuncias a realizar canciones más roc#34 octubre 2021

“ “ Tengo una forma de escribir como muy impulsiva, más de vomitar”

keras en el futuro o estás alcanzando una etapa de madurez en la que el cuerpo te pide ese tono más reflexivo?

No lo sé. No sé si esta va a ser una línea a seguir en mis próximos discos. Siempre se dice que un disco es un álbum de fotos del tiempo en el que has estado escribiendo las canciones y, entonces, este disco ha salido así, pero no creo que condicione a los siguientes. Y tampoco se trata de más rockero o menos rockero, porque en realidad son las canciones las que condicionan los arreglos, la producción, el aire o el paisaje sonoro. Entonces, seguramente las canciones que vengan, al hacerlas en otras circunstancias, supongo que saldrán distintas. Pero también es cierto que me gustaría avanzar en ciertas cosas que hay en este disco como concepto, porque me siento a gusto haciéndolo así, mas relajado. Así que, bueno, vamos a ver hacia dónde nos lleva.

—Me ha dado la impresión que el concepto de “pérdida” sobrevuela a lo largo de varios cortes del disco y me gustaría saber si viene motivado por algún suceso en concreto que te haya pasado.

Creo que viene más condicionado por lo que te decía antes de que estoy pensando en irme de este sitio. Y eso es lo que creo que sobrevuela en el disco: la despedida. Suena un poco crepuscular por eso, más que por la pérdida de alguien en concreto. Es más un disco de lanzar preguntas que de recrearse en la pérdida. Me gustaría que pareciera eso.

—Que la gente captara eso.

Sí, creo que el paisaje es muchas veces el protagonista y es un disco más de escenas que de protagonistas. O sea, es un disco más reflexivo

Qu Goz

vall

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“Sur en el valle” (Cultura Rock, 21) es el disco número trece de Quique González y, más allá de cualquier estúpida superstición, podemos decir que es un álbum reposado, de los que requieren escuchas para ir paladeándolo poco a poco, recreándose en las potentes imágenes que consigue evocar.

—TEXTO Don Disturbios —FOTO Juan Pérez Fajardo

Adiós, le, adiós

uique zález

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y que va lanzando escenas del entorno en el que vivo que narrativo. No tiene tantas historias como otros discos.

—También me ha parecido que hay cierto factor de resistencia al cambio e igual es algo que viene motivado por esto que me cuentas de que te tienes que marchar de la casa en la que vives desde hace diecisiete años. Pero es que hay versos muy claros al respecto, como cuando en “Tornado “ dices: “Me gustaría estar como si no hubiera pasado nada”.

Bueno sí. Igual esa es la canción más condicionada por la situación que hemos vivido al poco de comenzar el confinamiento y todo esto. Pero sí. No es un disco de despedida, pero es un disco de empezar a despedirse —De asimilar.

Sí, bueno... Sí. La verdad es que me cuesta hablar de ello porque es la segunda entrevista que hago y todavía estoy empezando a entenderlo yo también, sacando mis propias conclusiones. Yo tengo una forma de escribir como muy impulsiva, más de vomitar que de tener una idea previa sobre lo que quiero escribir. Así que me voy dejando llevar y luego es como que voy encajando las piezas y entendiendo un poco mejor mis canciones y de dónde vienen.

—Supongo que el intercambio de impresiones sobre las canciones con tus músicos y tu entorno, con la gente en la que confías, te ayudará a establecer cuáles han sido esas preguntas que has ido lanzando, ¿no?

Sin duda. Es como que, a veces, el entorno, las opiniones y la lectura del disco de ciertas personas, me ayudan a mí a entenderlo e incluso a veces me hacen un poco como espejo. Los amigos, nuestras novias o la gente del trabajo nos ven de una manera que nosotros no somos capaces de percibir y creo que eso también sucede con los discos.

—Este es un disco que requiere de una escucha sosegada, que requiere asimilarse son calma. Por eso me parece también un disco muy orientado a tus fieles. No sé hasta qué punto el contar con esa gente que tú sabes que está ahí afuera y te sigue, te otorga cierta libertad creativa para hacer lo que te dé la gana.

Por supuesto que creo que tengo un tesoro al contar con ese grupo de gente muy fiel. No me condiciona y tampoco considero que lo haga para ellos. Pero lo que sí me interesa, aunque sea una idea un poco abstracta, es seguir manteniendo el diálogo con ellos a través de mis canciones. Y creo que es más sano, más realista y más razonable, el que a mí me importe más ese grupo de gente que el hecho de intentar llegar a un público que no me conoce y que no se ha acercado a mi música porque eso realmente no existe. O sea, me importa más lo que tengo que lo que puedo llegar a tener. Eso me obliga a intentar hacer las cosas con el máximo respeto y el máximo amor para que ellos no se sientan traicionados o decepcionados. Y aunque luego eso es algo que está fuera de tu control, uno intenta hacer las cosas bien pensando en toda esa gente.

—Al mismo tiempo que tienes esa familia que te sigue, también tienes un entorno de músicos muy sólido y muy bueno que, a la hora de escribir y luego grabar, deben dar una seguridad tremenda, ¿no?

Sí, yo necesito sentir algo parecido a la familia en mi relación con los músicos que tocan conmigo y con los técnicos y las personas que llevan el sello también. Necesito tener una cercanía que va más allá de lo personal. Por eso también intento ensayar y grabar siempre dentro de una convivencia, porque eso beneficia a la música y es música también en sí. Y claro, no puedo tocar con alguien que me caiga mal. Necesito que haya piel. Notar que estás con gente que te hace sentir como en casa. Por mi parte intento tratarles con el respeto y el cariño que se merecen, para que a su vez le pongan ese mismo cariño a las canciones y a su trabajo. Y la verdad es que me siento muy honrado de contar con su ayuda y su respeto. Les necesito para hacer mis canciones y mi música. Necesito a la gente que está a mi lado.

—¿No te ha dado la sensación alguna vez de ser una especie de animal en vías de extinción? Lo digo porque no parece que haya en nuestro país un relevo generacional con esa tradición más ‘dylaniana’.

No. Creo que hay gente que igual tienen veinte años menos que yo que están ahí y que además les va bien. No sé, ahora mismo pienso en Angel Stanich que me encanta o Fabián. Ambos me parecen dos talentazos y que, como casi todos los que hacemos canciones con una guitarra acústica, somos un poco hijos de Bob Dylan.

Es inevitable que hayamos escuchado sus discos y luego salga filtrado en nuestras canciones. Pero vamos, no. No me siento un animal en vías de extinción. A ver ya tengo cuarenta y ocho tacos y para un chaval de veinticinco que escucha reguetón le pareceré un dinosaurio, pero bueno...

—Pues yo echo en falta más gente joven como Joana Serrat...

Creo que hay más de lo que parece. No sé, pienso en Morgan o en La M.O.D.A. que están llenando pabellones con letras comprometidas y complejas... No es fácil encontrar muchos ejemplo, pero algunos hay... Y bueno, me encanta el disco de Joana Serrat por cierto. Me parece brutal. Así que sí hay gente haciendo cosas interesantes con las que yo conecto mucho. —D.D.

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37/Mondo Media Por fin llega a España “Come As You Are. La historia de Nirvana” (Contra, 21), el gran libro sobre Nirvana que firmó Michael Azerrad pocos meses antes de la muerte de Kurt Cobain. Con él charlamos largo y tendido sobre una banda que revolucionó el rock hace ya tres décadas.

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esulta chocante que con la amplísima bibliografía en castellano ya publicada sobre Nirvana y Kurt Cobain, a veces basada en detalles de lo más nimios, su santo Grial haya tardado casi tres décadas en ver la luz en nuestro idioma. El periodista norteamericano Michael Azerrad (Nueva York, 1961) contaba con una ventaja insuperable para el resto: el acceso a todos y cada uno de los miembros de la banda (y a todo su entorno familiar y empresarial) hasta septiembre de 1993, que es cuando se publicó por primera vez en inglés el libro que ahora la editorial Contra introduce en nuestro mercado, con otro impecable trabajo de traducción de Elvira Asensi. Se llama “Come As You Are. La historia de Nirvana” (Contra, 21), y es la excusa perfecta para charlar durante casi una hora por Zoom con el hombre que mejor supo plasmar la idiosincrasia de un grupo que fue para muchos la última gran revolución del rock. De hecho, luego firmaría el también esencial “Nuestro grupo podría ser tu vida (Our Band Could Be Your Life) Escenas del indie underground norteamericano 19811991”, original de 2001 y también editado aquí por Contra, ya en 2013. Tan solo la sirena de una ambulancia que pasa bajo su casa en Nueva York interfiere mínimamente en la conversación.

—¿Cómo lograste ese grado de intimidad con la banda y su entorno, y muy especialmente con Kurt Cobain? ¿Fue fácil?

Sí y no. Llevaba tiempo escribiendo en Rolling Stone sobre grupos indies y alternativos, ese era mi rollo, y conseguí que tuvieran presencia en el medio. Ocurrió con Fugazi, por ejemplo, de quienes escribí una crítica de un concierto que no se hubiera publicado si no es por mí. Kurt se dio cuenta, leía artículos míos. Me asignaron una historia de portada sobre Nirvana, que salió en el número de abril de 1992, creo que hablé con Kurt allá por febrero, y te aseguro que estaba muy nervioso cuando le conocí con motivo de aquella charla: apenas se conocía mucho sobre él, al margen de que destrozara guitarras y

Michael Azerrad La historia de Nirvana 3

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septiembre 2021 #37

MONDO MEDIA

3

gritase [risas]. Ya era un adicto a la heroína, y yo nunca había conocido a ninguno. Y era importante que fueran tema de portada en Rolling Stone. Fui hasta Los Ángeles, al apartamento de Courtney Love. Llamé a la puerta. Me recibió ella. Me ofreció un plato de uvas. Fue muy amable. Cuando llegué al dormitorio, ahí estaba Kurt, tumbado en la cama, con los pies fuera de las sábanas. No sabía lo que me esperaba, pero desde el momento en que me dijo “¡hola!”, me sentí cómodo. Como si ya le conociera. Tiempo después, le conté a Kurt lo nervioso que me había sentido aquel día, y me confesó que él también lo estaba [risas]. En el momento en que empezamos a hablar, me comentó que siempre había sido bajito para su edad, y eso era algo de lo que muchos compañeros del colegio se habían cachondeado. Yo le dije que medía 1,67, que tampoco es que sea mucho, más o menos como él, así que le dije “¡no sé de qué me estás hablando!”, y empezamos a reírnos. También me dijo, y era algo que nunca había contado a la prensa, que sus padres se habían divorciado cuando él tenía diez años, y eso le había hecho sentirse muy desgraciado. Y resulta que a mí también me había pasado lo mismo, así que conectamos muy bien desde el principio. Luego me habló de Led Zeppelin, Kiss, Black Sabbath y otros grupos que siempre le habían gustado. Por alguna razón, yo le comenté que era muy fan de “Alice’s Restaurant” (67), el disco de Arlo Guthrie, especialmente de “The Motorcycle Song”, y que era una canción que cantaba cuando era un crío, corriendo por los pasillos de mi casa, haciendo como si fuera una motocicleta, y resultó que él también lo había hecho cuando era pequeño [risas].

Fue curioso, conectamos. Aunque fuéramos dos personas muy distintas: a él le habían expulsado del colegio, su padre había trabajado en un aserradero… Yo había crecido en Nueva York, estudié en una buena universidad, en un entorno muy distinto. Esto es

#38 septiembre 2021

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“Nirvana eran gente ordinaria haciendo música extraordinaria”

muy importante: Kurt lograba que esa conexión con mucha gente se plasmara en su música. De todos modos, Kurt estaba al corriente de mi trabajo previo, y me dio libertad total y acceso a cualquier persona de su entorno cuando le comenté lo del libro.

—De todos modos, hay un pasaje del libro en el que asumes que vuestra relación, la de un periodista y un músico célebre, está destinada a chocar en algún momento. Y Cobain empezó a desconfiar mucho de la prensa por aquella época, en 1992, cuando él y Courtney empiezan a ser víctimas del sensacionalismo mediático.

Sí, en gran medida porque los servicios sociales les quitaron la custodia de su hija durante un tiempo, utilizando como argumento un artículo de Vanity Fair. Eso tuvo mucho que ver con su antipatía por la prensa. Había medios que exageraban las cosas, y eso le molestaba. Y creo que a él le avergonzaba ser famoso. Venía de una comunidad local en la que se suponía que nadie iba a hacerse rico ni famoso. Una escena unida por ese sentimiento de oscuridad mediática. Y cuando le llega el éxito, no sabe qué hacer con él.

—¿Crees que tu libro contribuyó a cargarse algunos estereotipos en torno a Kurt Cobain, como el del artista eternamente torturado –cuando en realidad era un tipo con buen carácter y mucho sentido del humor– o el de portavoz generacional, que era algo de lo que también renegó siempre?

Debería enfatizar que el libro es la historia de Nirvana, no solo la de Kurt, sino también la de Krist (Novoselic) y Dave (Grohl), también la de Chad (Channing), por no mencionar al resto de baterías,

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Michael Azerrad, autor de “Come As You Are. La historia de Nirvana”

y la idea era desmitificar toda esta fantasía del estrellato rock.

Eran gente normal. Gente ordinaria haciendo música extraordinaria. Eso era más interesante que construir un mito alrededor suyo.

Para otra gente era muy inspirador que ellos pudieran lograr lo que lograron. La idea de que cualquiera podía hacerlo.

—Siempre me ha parecido que gran parte del éxito de Nirvana se debió a eso, a que eran tipos normales con quienes cualquiera podía identificarse, algo similar a lo que ocurrió con Oasis un par de años después en el Reino Unido, quienes también eran de extracción humilde.

Ha habido muchos héroes de clase obrera en la historia de la música. Desde Elvis Presley, cuyo padre era camionero. Creo que lo era, no estoy seguro: a ver si alguien me corrige ahora y me deja en mal lugar [risas]. O The Beatles, que también eran de clase trabajadora. Oasis y Nirvana no fueron los primeros, en absoluto. Y está muy bien que así sea, que no sean solo las élites las que puedan.

—Leyendo el libro, tengo la impresión de que Nirvana no hicieron exactamente el disco que querían hasta “In Utero” (Geffen, 93). “Bleach” (Sub Pop, 89) era demasiado árido y grunge, sin rastro de esa intuición pop que ya desarrollaban, mientras que “Nevermind” (Geffen, 91) les parecía que sonaba demasiado pulido, sobre todo tras las mezclas de Andy Wallace. Es como si tuvieran claro que había que hacer ciertas concesiones hasta poder salirse con la suya, que fue ya cuando Steve Albini les produjo un disco tan espartano como el tercero.

Ocurre mucho con bandas que firman con una gran compañía.

Se sienten abrumadas cuando tienen una maquinaria tan grande detrás. Con un management que te presiona para que suenes bien en la radio. Kurt (Cobain) y Krist (Novoselic) solo eran dos tipos normales de Aberdeen, y Dave de Virginia, que en su vida habían mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

estado en un gran sello. Y creo que la presión les abrumó. Eran un poco ingenuos, pero también te digo que si eres músico, y yo lo sé porque toco la batería en varias bandas de las que no habrás oído hablar, es muy fácil dejarte seducir por la facilidades de un gran estudio, sobre todo si vienes de la precariedad del indie rock.

Suena todo muy cool, aunque no sea la forma en la que pretendías sonar. Te sientes atrapado por la magia del estudio. Y ya no te digo nada cuando reproduces las cintas en un buen equipo estéreo ante tus amigos. Creo que eso les pasó a Nirvana. Sonaban muy cool en el estudio, pero se dieron cuenta muy tarde de que ese no era exactamente el sonido que querían para ellos. Y para empeorarlo, resulta que fue increíblemente exitoso. Y tuvieron que convivir con ello. Cuando llegó “In Utero”, ya habían vendido millones de discos y tenían por fin el poder de hacerlo a su manera y tener a Steve Albini, que era alguien que había grabado algunos de sus discos favoritos. Geffen se quejó un poco, pero Nirvana se salieron con la suya. No era algo apetecible contradecirles en aquel momento, hubiera supuesto un perjuicio para la imagen de la discográfica.

—¿Crees que la de Nirvana fue su última revolución?

Nirvana fue la punta del iceberg de un movimiento que ya se gestaba, con Jane’s Addiction, Alice In Chains, Soundgarden, R.E.M. y muchos más, eran parte de un movimiento de aquella época.

Hubo algunas erupciones más pequeñas a posteriori, como la escena de Brooklyn en los primeros 2000, pero sin el impacto cultural del rock alternativo anterior. Ahí están los números. No fue algo tan importante para el radar cultural.

—Nirvana y Kurt Cobain, especialmente, siempre tuvo una relación ambivalente con los dos movimientos musicales que tenían más cerca, aparte del grunge: el pop naïf de Calvin Johnson y K Records y el riot grrrl. Les admiraba, pero al mismo tiempo septiembre 2021 #39

MONDO MEDIA

desdeñaba su dogmatismo, su estrechez de miras.

Sí, creo que tenía esa relación ambivalente con la escena de Olympia en general. Por un lado, era una escena muy importante para el desarrollo creativo de Kurt, porque le introdujo en el feminismo y en la lucha contra la homofobia, y en la escucha de bandas como Young Marble Giants o The Vaselines. Amplió sus horizontes de una manera profunda. Intelectual, musical y culturalmente. Revolucionó su visión artística. Por otro lado, él había crecido con Kiss, Queen, Cheap Trick o Black Sabbath, bandas que vivían alegremente su condición de estrellas del rock. Tenían éxito, estaban en multinacionales y no se arrepentían por ello. Kurt también tenía parte de esa cultura. Y tenía una visión artística muy clara, de hacer lo que le diera la gana sin que nadie le sermoneara.

Eso fue un gran conflicto en su cabeza. Eran dos visiones algo difíciles de conciliar.

—¿Has pensado alguna vez en cómo podría haber evolucionado su carrera? El libro menciona que era muy fan de Leadbelly, y puede que se hubiera aventurado como trovador folk, siguiendo los pasos que apuntaba su “Unplugged” de 1994, ¿no?

Soy muy reacio a especular con el curso que una carrera como la de Kurt podría haber tomado. Si pudiera acertar, yo mismo sería un artista de éxito [risas]. Creo que la experiencia del “Unplugged” fue un impacto importante para él, y si hubiera tenido #40 septiembre 2021

que predecir algo, hubiera sido que posiblemente hubiera seguido ese camino, sí.

—Deduzco de lo que escribes en el libro que crees que se hubiera suicidado igual, aunque no hubiera tenido éxito en la música. ¿Es así?

Hay que tener en cuenta que comenzó con la heroína mucho antes de ser famoso. No soy psiquiatra, pero creo que mostró suficientes signos de depresión clínica. Una de sus familiares, que era psiquiatra, llegó a decir que era maniaco depresivo y puede que hiperactivo. Todos son factores de riesgo. La heroína te quema los receptores de felicidad. Te predispone a la depresión, y creo que él ya estaba deprimido. Hablaba a menudo de lo alienado que se sentía respecto a la gente, ya desde una edad temprana.

Y tenía un historial de suicidios en su familia, lo que siempre es otro factor de riesgo. Es perfectamente posible que se hubiera quitado la vida incluso sin la fama que obtuvo. Todos los días se suicida gente anónima.

—Ni siquiera el hecho de ser padre, que es una de las cosas que más pueden hacer para que te aferres a la vida, le disuadió.

No, alguien que se mata a sí mismo está profundamente desesperado. Es algo extremo. Y si llegas a ese punto, hay fuerzas que te arrastran, y que son más fuertes que la paternidad. Y eso es lo que ocurrió, obviamente.

—Tu libro ha tardado décadas en traducirse al castellano y publicarse, pese a que la bibliografía sobre

Nirvana, también traducida al castellano, no ha parado de crecer.

Quería preguntarte si tienes alguna explicación.

No, eso habría que preguntárselo al mercado editorial español, yo me alegro de que por fin haya sido traducido y editado en vuestro país. Por cierto, debería añadir que estoy trabajando en una versión actualizada del libro, con comentarios adicionales y muchas cosas en las que no caí en el momento que lo escribí. Explicaciones sobre referencias que luego se tornaron increíblemente significativas con el paso del tiempo. Correcciones y comentarios sobre cómo escribí el libro y lo que estaba ocurriendo mientras hacía las entrevistas… Un montón de cosas. No tengo editorial aún, pero está hecho. Creo que es un material muy interesante. Y un extracto aparecerá en septiembre de 2022 en la web del New Yorker.

—Justo te iba a preguntar si no habías tenido la tentación de escribir alguna clase de epílogo desde la perspectiva actual, porque el que figura en el libro es de los noventa, poco después de la muerte de Kurt.

Sí, el libro en inglés constaba de 129.000 palabras y le he añadido con esto último otras 110.000. Ya ves que hay mucho que contar. Se sale del mapa. Cosas de Leif Garrett, de William Burroughs… Espero que pronto tenga editor. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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Come As You Are. La historia de Nirvana Michael Azerrad Contra

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CINE Y SERIES Maligno

Dune

James Wan

Denis Villeneuve

7

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LYNCH, QUE DIRIGIÓ hace casi cuarenta años la primera adaptación de la novela de Frank Herbert y en la que se confundían ridículos golpes de humor voluntario con otros no deseados. El nuevo “Dune”, el bueno, es una enmienda a la infantilización del fantástico y de los grandes espectáculos. Sobria, es tan rotunda que los escasos chistes de la película –Bardem y su saliva– pasan desapercibidos. Y también es cruel con otros cineastas surgidos fuera de Hollywood que no han sabido mantener su idosincrasia una vez han sido succionados por las majors. ¿Alguien podía pensar cuando Villeneuve irrumpió en la escena internacional con su cuarto largometraje, “Incendios”, adaptación del mundo tortuoso del dramaturgo libanés Wajdi Mouawad, que en menos en diez años se convertiría en un nombre clave de la ciencia ficción del siglo XXI? Villeneuve es un cineasta grave –difícil que le veamos haciendo una comedia– e imprime esa gravedad a sus personajes.

Ya lo hacía en “Sicario”, en “Prisioneros”, en “La llegada”. Películas distintas,

pero suyas. En “Dune” se toma su tiempo y la presentación es de una claridad de exposición admirable: lo hace parecer sencillo. Esa sencillez que te hace sentir mal por entenderlo a la primera. Tiene el talento de los clásicos. “Dune” es otro viaje del héroe de quien no quiere serlo –un buen Chalamet, intenso pero no cargante– y el reflejo de nuestro mundo en constante conflicto y con escasa voluntad de entendimiento, pese a que su diversidad étnica y lingüística así lo reclama. El aspecto comunicativo vuelve a ser de interés para el cineasta canadiense, tema al que consagró “La llegada”. En su “Dune” pone de manifiesto esa diversidad, e incorpora, en un detalle integrador propio de nuestros días, el lenguaje de signos. Pero la película no es perfecta: Zimmer empieza a dejar de hacer gracia. Su omnipresencia sonora, su permanente muro del sonido particular, oculta cualquier atisbo de sutileza acústica. Y hay un exceso de flash-forwards oníricos que embarran la narración en la segunda parte, cuando el qué importa más que el quién. —J. PICATOSTE VERDEJO

JAMES WAN COMPONE su último cuento de fantasmas desde la más absoluta autoconsciencia, diseñando un truco de magia en el que la mirada siempre es dirigida hacia el señuelo, hacia el simulacro que está a punto de desmontarse. Dirige “Maligno” como aquel que escribe una elegía, lamentando la muerte del ser querido, pero siempre desde la promesa de que cosas mejores están por venir. En un momento donde la sobriedad del elevated horror domina el panorama de la pesadilla cinematográfica y la espectacularidad del cine del jump scare parece estar en decadencia, Wan promete un futuro posible fuera de estas dos facciones enfrentadas.

Un futuro encarado desde la nostalgia y, sobre todo, la modestia. “Maligno” es una cinta que se transforma constantemente, que abraza la incoherencia a favor del divertimento de lo imprevisible. Este pastiche de géneros convierte cada secuencia en la pieza de un mosaico que sólo puede comprenderse mientras se observan los créditos. Desde la nueva carne de Cronenberg, que aporta una visceralidad que se contrapone a la contención estética de los

Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos

McCartney 3, 2, 1

Zachary Heinzerling

Destin Daniel Cretton

7

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A PUNTO DE CONVERTIRSE en octogenario, Paul McCartney se mantiene de rabiosa actualidad y su legado –ese que le sitúa como el músico vivo más trascendente junto a Bob Dylan– resulta reivindicado pasionalmente por nuevos artistas que reconocen abiertamente su influencia. Si el año pasado veía la luz su notable último disco, “McCartney III” (20), y hace solo unos meses hacía lo propio “McCartney III Imagined” (21) –en del que nombres de lo más vanguardistas rendían tributo al de Liverpool con remezclas, versiones y colaboraciones de los temas de su álbum más reciente–, ahora ve la luz la mini-serie “McCartney 3, 2, 1”, dirigida por Zachary Heinzerling. Un documento que junta a McCartney con el reputado productor Rick Rubin, al cálido amparo del estudio y a lo largo de tres horas troceadas en un total de seis capítulos. El resultado es una charla distendida y entrañable, que acomete un repaso por aquellas circunstancias, excepcionales o casuales pero siempre inspirativas, que crista-

lizaron en la inolvidable obra de The Beatles, en la de los magníficos Wings, o en esa extensa carrera en solitario del vocalista. No esperen encontrar multitud de secretos nunca antes revelados, ni tampoco análisis concienzudos al respecto de ese catálogo con la firma del británico. Porque esta no es sino la (valiosa) charla acontecida entre el ex Beatle y Rubin, de textura informal y durante el que, con frecuencia, ambos protagonistas parecen ajenos a las cámaras. “McCartney 3, 2, 1” no presenta un contenido demasiado novedoso para cualquier aficionado en firme, pero es un producto del todo satisfactorio, además de impecable en el plano técnico con esa elegantísima fotografía en un precioso blanco y negro. Un documento que, a pesar de lo sobado y consabido del contenido, continúa resultando excitante, en la enésima prueba de que las canciones tejidas por McCartney no se marchitan con el paso del tiempo y seguirán ejerciendo como influencia en generaciones venideras. —RAÚL JULIÁN

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

anteriores Wan, a la deslumbrante y estilizada violencia del giallo italiano, invocada no sólo desde la propia narrativa sino también desde el estridente y repetitivo uso de una banda sonora. Un poco de Mario Brava por aquí, otro poco de Mike Flanagan por allá, una pizca de Dominic Toretto sobre el conjunto y un poco de aroma de “Castle” como guinda del pastel.

El australiano reivindica todas las caras del terror audiovisual para demostrar que ninguna de ellas existiría si no fuera para servir al trauma cotidiano, aquel al que, paradójicamente, muchas veces cuesta atribuir un rostro. La violencia de género, la incomunicación y los secretos familiares, la enfermedad… James Wan vuelve a plantear sus mitologías desde la propia mirada psicoanalítica, desde el relato del terror reprimido, del alter ego siniestro y, sobre todo, de la subjetividad del delirio.

Siempre con la duda por delante, de si es el otro o soy yo o si el otro no es otro que yo mismo. Freudismo desde el túnel de la bruja, al más puro estilo “Daniel Isn’t Real” (19) de Adam Egypt Mortimer.

—DANIEL GRANDES

UN NUEVO HÉROE DE MARVEL llega al UCM, y a diferencia de “Snake Eyes. El origen”, “Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos” es una gran historia de orígenes, inferior para mi gusto a “Iron Man”, pero a la altura de grandes películas iniciales de Marvel como “Guardianes de la galaxia” o “Doctor Strange” y superior a cintas como “Thor” o “Ant-Man”. La película utiliza la formula Marvel, un tanto desgastada, y le da una vuelta de tuerca logrando que todos los apartados encajen y se encuentren equilibrados entre sí, cosa que no pasa con todos los productos de la empresa. La película está dirigida por Destin Daniel Cretton (“Las vidas de Grace”, “Cuestión de justicia”) y protagonizada por Simu Liu, Awkwafina como su Robin particular, Michelle Yeoh, Fala Chen, Benedict Wong y los legendarios Tony Leung Chiu-Wai y Ben Kingsley. Este último recupera su polémico personaje visto en “Iron Man 3”, resultando en el papel más entrañable y divertido de la película, su irónico chiste sobre el clásico “El planeta de

los simios” (1968), es muy bueno. En el film, Shang-Chi cree haber dejado atrás su pasado, sin embargo, todo cambiará cuando es atacado por sicarios de los Diez Anillos, organización en la que creció hasta su adolescencia. “ShangChi” es excesiva (metraje incluido) en los momentos en que la trama lo pide, pero sobre todo es la película del UCM más elegante y con las coreografías y escenas de lucha más técnicas y precisas hasta la fecha, aprovechando la mitología oriental y las artes marciales para dotar al producto de la templanza, misticidad y del poder visual propios de la cultura asiática. Como se suele decir las comparaciones son odiosas y Simu Liu puede que no sea el nuevo Iko Uwais o Tony Jaa, y ni mucho menos Donnie Yen, pero se reivindica como uno de los actores marciales a seguir de cerca. “Shang-Chi” construye, de una manera sólida, empoderada e inclusiva la base para el futuro de UCM y nos presenta a un carismático nuevo vengador.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES octubre 2021 #41

LIBROS

CÓMICS Edita Sister Sonic, S.L.

Tras los pasos de Indiana Jones

Y entonces nos perdimos Ryan Andrews Astronave

Salva Rubio Minotauro

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Es formidable cuando lo enciclopédico, aquello caracterizado por su objetividad, frialdad y en ocasiones antipático, consigue transmitir la carga lírica y emocional del más bonito y pomposo de los poemas románticos. No cabe ninguna duda de que Salva Rubio ha conseguido esto (y muchas otras cosas más) en “Tras los pasos de Indiana Jones”, una recopilación minuciosa de todos los senderos que alguna vez cruzó ese mito que nunca existió pero que, al mismo tiempo, ha acabado convirtiéndose en uno de los iconos más indiscutibles de la cultura popular. Esta cartografía del héroe cinematográfico (por mucho que el propio libro estaría en desacuerdo con esta etiqueta) no destaca solamente por precisa, sino sobre todo por lo bien que materializa esa faceta humana de la cinefilia.

“Y entonces nos perdimos” es una historia sencilla que acaba trascendiendo los límites de la imaginación para convertirse en fantasía. Todo parte de la idea de Ben y sus amigos, que deciden comprobar si es cierto que en la Fiesta del Equinoccio, los farolillos que se tiran al río acaban volando hacia la Vía Láctea. La idea es bien simple: seguir las lucecitas con sus bicicletas. El resultado de la misma les dejo que lo descubran. Como es habitual en él, Andrews brilla en el dibujo pero lo hace también en el guion.

Sabe a quién se dirige y prescinde de demasiado texto dejando en lo visual la fuerza de su obra. Y también en las ideas. Porque en el lector, sea de la edad que sea, calan valores tan remarcables como la amistad o el trabajo en equipo.

A mis hijos les ha encantado. Y lo bueno es que a mí también.

—DANIEL GRANDES

—EDUARDO IZQUIERDO Confesión

Rob Halford Es Pop Ediciones

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Rhapsody In Blue

Andrea Serio Sapristi Cómic

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Coincidiendo con sus setenta años, el vocalista de Judas Priest revive su pasado en un volumen autobiográfico en el que no necesita rendir cuentas con nadie más que consigo mismo. Halford explica su experiencia con un valor añadido: ganarse la vida en un circuito comercial en el que la hipermasculinidad entonces era (incluso hoy) un imperativo.

Haber ocultado su homosexualidad durante décadas llegaría a consumir por dentro a un músico que trataría de mitigar su dolor mediante los excesos. “Confesión” disecciona la trayectoria artística de Judas Priest y aporta valiosísima información en torno al proceso creativo de algunos álbumes que cambiaron el curso del rock.

Su relato rezuma anécdotas y permite certificar la difícil relación entre la pareja de guitarristas Glenn Tipton y K.K. Downing.

La última novela gráfica de Andrea Serio, la primera que llega en castellano, sigue la vida de Andrea Goldstein, un joven que ve su futuro despedazado por culpa de las leyes antisemitas de Mussolini y que debe exiliarse a Estados Unidos en busca de un nuevo hogar. Y a pesar de que encuentra la paz y de que se rehace a sí mismo, el eco de la guerra acaba llegando a América.

Es entonces cuando su integridad le lleva a alistarse, dejando a un lado todos los demás posibles futuros y luchando por este. En una estructura no lineal que entremezcla pasajes del ‘pasado’ y del ‘presente’, el ilustrador compone una gran narración basada en hechos reales. Una donde, además, hay cabida para hablar de temas como el racismo, la diáspora y la migración forzada y, sobre todo, el miedo y la esperanza.

—TOMEU CANYELLES

—JUDIT MONFERRER BARRIONUEVO

#42 octubre 2021

Los locos del gekiga Masahiko Matsumoto Satori

8 Publicado originalmente entre 1979 y 1984, aunque compilado décadas más tarde, “Los locos del gekiga” narra las vicisitudes, miserias, penurias económicas y la filosofía que compartieron a finales de los cincuenta los autores conocidos como grupo de Osaka, es decir Yoshihiro Tatsumi, Takao Saitô y el propio Matsumoto. Seguimos de cerca a los personajes desde su trato con varias editoriales hasta su necesidad vital de llevar su arte hacia nuevos mundos alejados de la narración secuencial más estándar de la época, creando con ello lo que conocemos como gekiga. Apostaron por lo dramático, por lo urbano, por historias de barrios bajos, de traición, de desencanto, de perdedores, de pura vida en malos tiempos. Matsumoto –fallecido en 2005– no ahorra detalles ni en los momentos más eufóricos, ni en los más vergonzantes —JOAN S. LUNA RIP

Gaet’s & Julien Monier Ponent Mon

7 El primer volumen de ¿seis? que compondrán esta serie apesta. El hedor sale de sus páginas y se va extendiendo por la estancia en la que lo estemos leyendo, impregnando primero nuestras manos y subiendo hasta metérsenos por la nariz y dejarnos al borde de la nausea. Eso no ocurre solo porque los protagonistas de esta historia se dediquen a buscar objetos de valor en escenarios del crimen, sino porque Gaëtan “Gaet’s” Petit y Julien Monier nos presentan a un grupo humano al que el mundo ha dado la espalda, tipos violentos y sin escrúpulos, desconfiados y racistas, el eslabón perdido entre el hombre y la cucaracha. Y en el centro de tanta basura un anillo robado que podría incluso hacerles perder su trabajo de mierda, punto de partida de una escalada de violencia que promete extenderse en cada uno de los siguientes números. —JOAN S. LUNA

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