MondoSonoro octubre 2017 by MONDO SONORO

Lorde La vida adulta

Nยบ 254 Octubre 2017 www.mondosonoro.com

LA M.O.D.A., THE NATIONAL, LUNA, JOANA SERRAT, BEJO, WOLF ALICE, FOSCOR, SWANS FOO FIGHTERS, THE DRUMS, TIGRES LEONES, XAVI SARRIร , IBEYI, LA BIEN QUERIDA, ALEX CAMERON

ALHAMBRA D E S PAC I O SU E N A M E J O R

ESTRELLA MORENTE LOS PLANETAS LORI MEYERS LAGARTIJA NICK NEUMAN JOSÉ IGNACIO LAPIDO EXQUIRLA NIÑO DE ELCHE SOLEÁ MORENTE ... GRANADA · VALENCIA · MÁLAGA · MADRID · CÓRDOBA VIGO · MURCIA · SEVILLA · BILBAO · GIJÓN · BARCELONA

www.cervezasalhambra.es

CARAVAN SUR FESTIVAL 5-7.10 Sevilla WEGOW DAY BARCELONA 18.11 Barcelona

FESTIVAL VILLAMANUELA 6-7.10 Madrid

MEID IN ESPEIN 6-7.10 Granada

MEMORIES FESTIVAL 4.11 Valencia

HORTERALIA 25.11 Cáceres

TOMAVISTAS 25-26.5 Madrid

PURPLE WEEKEND 6-9.12 León

GIRAS Y CICLOS SARATOGA · BOMBAI · FUEL FANDANGO · MICHAEL SCHENKER · LA M.O.D.A. (LA MARAVILLOSA ORQUESTA DEL ALCOHOL) CICLO ESCENARIO ESLAVA · JACOBO SERRA · RIOT PROPAGANDA · LA ESTANQUERA · JENNY & THE MEXICATS · PUPIL-ES RUFUS T. FIREFLY · PABLO MORENO · JORGE MARAZU · AMÓS LORA · LUIS BREA Y EL MIEDO · SPITFIRES · MIRANDA! · L.A. EMBUSTEROS · WHISKY CARAVAN · MADTOWN DAYS · NANCYS RUBIAS · BALCONY TV SESSIONS · FULL · RAYDEN · SMILE POLOCK · CICLO TEATRO BARCELÓ · PEDRO PASTOR · IGUANA DEATH CULT · AMATRIA · HÉCTOR PÉREZ · SOFÍA ELLAR

CONCIERTOS DIRTY FENCES 11.10 Madrid

COQUE MALLA 15.10 Badalona

LOS GARAGE 20.10 Madrid

NIÑOS MUTANTES 21.10 Valencia

MAMITA PAPAYA 27.10 Madrid

LAS CHILLERS + L KAN 27.10 Madrid

TOPS 1.11 Madrid

SHABAZZ PALACES 1.11 Madrid

THE UNDERGROUND YOUTH

PUBLIC SERVICE BROADCASTING

4.11 Madrid

5.11 Madrid

HINDS 10.11 Madrid

SFDK 10.11 Madrid

ELYELLA DJS + VIVA SUECIA 11.11 Alicante

EFECTO PASILLO 11.11 Valencia

DISCHARGE 12.11 Madrid

DEATH BEFORE DISHONOR 13.11 Madrid

THE PICTUREBOOKS 17.11 Madrid

EFECTO PASILLO 18.11 Sevilla

MORODO & OKUMÉ LIONS 22.12 Valladolid

LA SONRISA DE JULIA 17.2 Madrid

CLAP YOUR HANDS AND SAY YEAH

6.10 Madrid MINAMI DEUTSCH 20.10 Madrid VIVA SUECIA + TEXXCOCO 26.10 Madrid TENPEL 31.10 Madrid FATHER MURPHY 4.11 Madrid

BAD GYAL 17.11 Sevilla ANTONIO OROZCO 25.11 Girona

¡Vive la mejor música en directo! Descárgate la app

SECOND + KUVE 19.10 Madrid SLEEPMAKESWAVES 25.10 Madrid KOREY DANE 30.10 Madrid LOS TOREROS MUERTOS 2.11 Madrid MISS CAFFEINA 9.11 Madrid KASE.O 11.11 Valencia FAI BABA + NEU MATTER 15.11 Madrid CAPITÁN COBARDE 24.11 Valladolid ATACADOS 20.4 Madrid

FOTO: Įlex Rademakers

5/Mondo freako

La M.O.D.A. Héroes del sábado

Lo habían mantenido en secreto, aunque viendo sus antecedentes podíamos sospechar que algo pasaba. Demasiado tiempo había pasado desde La primavera del invierno, disco en directo al margen, y la sensación de que La M.O.D.A. (La Maravillosa Orquesta del Alcohol) andaban tramando algo sobrevolaba en el ambiente. No íbamos desencaminados. Se estaba gestando Salvavida (de las balas perdidas) (PRMVR, 17).

a lo tenemos aquí. Once nuevas canciones del grupo reunidas bajo el nombre de Salvavida (de las balas perdidas), un disco para el que han trabajado muy duro. “Estamos muy contentos, muy ilusionados con el resultado. Hemos estado casi un año currando en la sombra, sin poder contárselo a nadie, y la cosa ya nos quemaba”, nos asegura David Ruiz, voz principal del proyecto. “Hemos estado contentos de todo lo que hemos hecho antes, pero este quizá ha sido más compartido. Ya sabes que cuando empiezas tienes una idea en la cabeza, pero en el fondo no sabes cómo acabará todo. En este caso era difícil imaginar que acabaríamos tan satisfechos”. Y era difícil, quizá, porque el grupo se enfrentaba al

disco con la sensación de etapa cerrada tras la publicación de su primer disco en directo, Todavía no ha salido la luna (16). “El directo fue un broche de la anterior etapa. No creo que tenga mucho que ver con este disco. Era un punto y aparte de esa fase, y punto de partida para algo nuevo”. Aunque empezar algo nuevo, tener esa sensación, no implica necesariamente romper con todo lo que has hecho antes. En La M.O.D.A. tienen claro que, si algo funciona ¿para qué tocarlo? Por eso encontramos nombres que nos son familiares entre los créditos de este tercer disco en estudio. “Santi García es alguien con quien es muy fácil trabajar. Tiene mucho talento y una capacidad innata para entender a grupos de carácter bastante dispar. Nos comunicamos de tú a tú

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y nos entendemos. Pisa el mismo suelo que nosotros y eso es muy importante. Llevamos dos discos trabajado juntos y eso se nota. Ya no es una cuestión de colocar los micros o utilizar el equipo de una determinada manera, sino la capacidad para acabar de dibujar canciones en el estudio. Hemos hecho equipo con él y Diego Galaz que, igual que en el pasado disco, ha hecho de arreglista. Ellos aportaban una visión ajena a la banda, algo muy importante, que al mezclarlo con nuestra forma de pensar quedaba mucho más rico”. No querían, eso sí, recorrer caminos ya transitados. La seguridad que otorga un proyecto firme, asentado, les permitía arriesgar. Sin volverse locos, pero dando

LA GIRA l Burgos 03 de noviembre. El Hangar 04 de noviembre. Fórum Evolución l Vigo 10 de noviembre. Sala Masterclub l Santiago 11 de noviembre. Capitol l Valladolid 17 de noviembre. LAVA - Sala Blanca l León 18 de noviembre. Espacio Vías l Madrid 24, 25 y 30 de noviembre. La Riviera l Valencia 1 de diciembre. Sala Moon l Barcelona 2 de diciembre. Sala Apolo l Bilbao 8 y 9 de diciembre. Kafe Antzokia l Zaragoza 15 de diciembre. Teatro de las Esquinas l Salamanca 16 de diciembre. C.A.E.M.

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FOTO: Įlex Rademakers

MONDO FREAKO

¿Y el disco? ¿Qué lo hace diferente al resto de su producción? Quizá la existencia de una línea argumental. ¿Han hecho La M.O.D.A. un disco conceptual? “No sé si hay un concepto unificador, pero igual se acerca. Hay dos tipos de letras, unas canciones que son más individuales, más introspectivas, y otras que tienen algo más colectivo, más de hablar de la relación de uno mismo con el mundo. Aunque en el fondo es cierto que lo que estás haciendo es hablar de personas y, sobre todo, de ti mismo”. Insistimos. Le damos vueltas al tema. Todos los discos hablan sobre las personas, claro, pero este parece hablar en concreto sobre uno mismo, logrando que nos situemos como protagonistas de sus propias historias. “Quizá sí que sea un disco conceptual sobre el ser humano. No nos vamos hacia historias alienadas a las personas, sino que intentamos adentrarnos en el tema de los sentimientos. Con emociones positivas y emociones negativas. Es evidente que todas las letras hablan de seres humanos porque no somos extraterrestres, pero es cierto que hemos intentado irnos al sentido más filosófico de ser personas”. Y el título no es ajeno a ello. “El título tiene mucho que ver con lo que digo. El concepto de ‘salvavida’ hace referencia a la música como esa ma#6 octubre 2017

¿Música alternativa?

un paso más en su carrera. “Es un álbum con más detalles que nunca y no te diré que al haber tantas mentes pensantes ha sido sencillo, pero sí ha sido fluído. Claro que tienes tus momentos de crisis, pero los hemos superado bastante bien. Está claro que el grupo tiene su identidad, pero con esta manera de trabajar se abrían nuevas ventanas que nos interesaba estudiar para no repetir lo hecho en discos anteriores”. Por eso han dejado que nuevas influencias tomaran las riendas de sus canciones. Sin anclajes. Ampliando la lista de músicos de cabecera. Mirando no solo al otro lado del charco, sino también bien cerca. “Hemos dejado que aparecieran nuevas influencias, como la música balcánica, la chanson francesa, etcétera. Sigue estando la referencia de músicas norteamericanas o británicas, pero no nos hemos cerrado a nada, como prueba por ejemplo que por primera vez hayamos incluido un clarinete en un disco. Hay marimbas, vibráfono… Santi nos ha empujado mucho hacia cosas nuevas, experimentar con nuestras canciones. Sobre todo, hemos hablado mucho, y la comunicación ha sido esencial para que todo llegara a buen puerto. En el equilibrio ha estado el secreto”. Por ello no dudan en considerar que han conseguido acercarse a sus raíces. No a aquellas que les son lejanas, y a las que no renuncian, sino a las que se asientan en la tierra que pisan cada día. “Nos hemos atrevido a dejarnos influir por cosas más cercanas y no solo por lo americano. En este disco nos atrevemos a investigar en nuestro folk y en el folklore europeo. Antes era un proceso algo contradictorio en el que nos íbamos lejos a buscar inspiración para encontrar las respuestas cerca. Tenemos una música castellana muy rica, con estructuras y formas sorprendentes que cuando las toca un tío de Texas nos parece una maravilla, pero no sabemos darnos cuenta que estaban ahí al lado. Parece que si las toca un tío de Zamora no es tan glamuroso, pero creo que eso está cambiando un poco”. Una sensación que también tienen cuando se habla de productores. “El tema de los productores es parecido. Parece que si te dicen un nombre de un americano no es lo mismo que si te dicen el nombre de Santi, pero la cosa está virando”.

LA MÍA

“En este disco nos atrevemos a investigar en nuestro folk y en el folklore europeo” nera de luchar contra esos miedos que habitualmente llamamos internos, pero también externos que son los que surgen y lo que ves en lo que te rodea. El concepto de las balas perdidas es un poco lo que Galeano llamaba ‘los nadie’ y que al final somos un poco todos. La gente de la calle, la gente popular, la llamada ‘gente normal’, gente que a veces no ha tenido ni una segunda oportunidad. Sobre esa gente hablan las letras”. Ese “salvavida” que incluso ha perdido la ese, buscando hacerlo más personal, más íntimo. “Hemos quitado la ese de ‘salvavidas’ para darle ese sentido más individualizado. Así la palabra vida adquiere más importancia, además. Hemos querido jugar con el lenguaje porque conceptualmente nos gustaba más, porque la persona que lo lee puede hacerlo más cercano”. —eduardo izquierdo

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Nombres propios

ecía Bob Marley que “mi vida solo tiene sentido si puedo ayudar a los demás, si mi vida es para mí y mi confort, entonces no la quiero. Mi vida es para la gente, esa es mi filosofía”. Y esa frase parece adornar por completo el nuevo disco de La M.O.D.A.. Alejarse de la comodidad, mostrando lo más interno de uno mismo para ayudar a los demás. Haciendo fácil que nos identifiquemos con unas letras “en las que he trabajado más que nunca. No me había enfrentado a tantos bocetos y tal volumen de frases escritas en ninguna canción antes. Miraba mis libretas y tenía un montón de cosas escritas para cada canción. No es que antes fueran menos importantes, pero esta vez he incidido mucho en ellas”. Pero antes de salvarnos, ellos también han sido salvados. Y David Ruiz nos confiesa por quién. Salvados por el minimalismo del piano de Yann Tiersen, por las letras y la manera de enfocar una canción de Silvio Rodríguez, por el eclecticismo punk de The Clash, por el post-punk y el rock sin complejos de Noir Désir, y por la genialidad inabarcable de Bob Dylan. Nombres que han sido básicos para que Salvavida (de las balas perdidas) sea exactamente como es. —eduardo izquierdo

uizás ya haya hablado de ello en anteriores ocasiones y por diversos motivos, pero resulta complicado olvidarse de algunos de esos temas que nos vienen a la cabeza periódicamente y sobre los que nunca escribimos demasiado en serio. Uno de ellos es la ruptura de las barreras entre la música supuestamente alternativa y el mainstream, y no estoy hablando tanto de sellos discográficos, de presupuestos, etcétera, sino de formas y de estética. No es que me parezca más interesante que otros asuntos, la verdad, pero hoy no me apetece hablar de nada más profundo y controvertido. Años atrás, por lo menos hasta el big bang alternativo, estaba muy claro qué artistas podían encajar en una multinacional con sus propuestas y cuáles deberían buscarse la vida por su lado. Incluso ocurrió durante los primeros dos mil, pero las cosas han cambiado muchísimo desde que los estudios caseros permiten grabar en condiciones o desde que las distancias entre el pop, el rap, la música urbana y otros géneros se han difuminado a la velocidad del rayo. No hace falta más que echarle un vistazo a la nueva generación del rap, del r’n’b, de parte de la electrónica o del pop nacional do it yourself para entender a lo que me refiero. Muchas propuestas jóvenes y que han nacido al margen de la industria, según sus propias reglas y recursos, podrían encajar sin dificultad desde sus inicios en multinacionales y muchas podrían incluso llegar a otros públicos menos especializados si hubiera medios mayores para darles un empujón (de hecho, muchos nombres ya están dando el salto). Podría citar decenas de nombres, algunos ya populares, otros no tanto, y podría ampliar mi teoría a la escena internacional sin problemas. La cuestión es que, en el fondo me alegro, porque eso no hace más que subrayar que hemos aparcado algunos prejuicios que antes pesaban demasiado a la hora de enfrentarnos a la música que nos rodea. Había artistas que no nos podían gustar, había cosas que solamente nos podían gustar si se aceptaban como guilty pleasure, había discos que nos tenían que gustar como fuera para afianzar nuestras actitudes. Pero que nadie se lleve a engaño, no estoy diciendo que los prejuicios que cualquiera de nosotros, críticos o aficionados, tenemos frente a las distintas músicas y artistas hayan desaparecido. Para nada. Porque desgraciadamente los prejuicios son algo de lo que los seres humanos nunca jamás podremos desprendernos. Habrán cambiado de tercio o de argumentos, pero están ahí y, visto lo visto, incluso diría que son más violentos y rabiosos que nunca. —joan s. luna

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The National Retorno al hogar

ryan Devendorf es un tipo amable y simpático. El responsable de las baterías de The National me responde al teléfono desde el otro lado del Atlántico después de varios intentos y lo primero que escucho es: “Perdona tío, estaba ensayando y me he despistado, siento mucho haberte hecho esperar”. Después de presentarle mis disculpas por interrumpir su ensayo (“Qué va, al contrario. No te preocupes, hace una mañana preciosa y me va a sentar bien salir y estar un rato disfrutando del sol”) empiezo nuestra charla felicitándole por ese flamante y enorme nuevo disco que andan presentando, Sleep Well Beast, séptimo acierto en la carrera de una banda que no hace más que afianzar su peso e importancia con cada nuevo trabajo. “Estamos muy emocionados con este disco, y te agradezco lo que dices. De momento estamos recibiendo críticas muy buenas y nos morimos de ganas de salir a la carretera y presentarlo en directo”. La expectación era grande respecto al disco, cuatro años separan este Sleep Well Beast de su predecesor Trouble Will Find Me, y esta espera ha podido dar la falsa imagen de inactividad por parte de Devendorf y sus compañeros de banda. “Para nada, precisamente todo lo contrario: no hemos parado quietos ni un sólo momento durante estos años. Todos hemos estado tocando y colaborando en mil historias y proyectos diferentes como Pfarmers, El Vy, LNZNDRF... También hemos estado ocupados reinterpretando las canciones de Grateful Dead, y recientemente he encontrado unas grabaciones antiguas de The National que habíamos olvidado, son de hace quince años y de alguna forma las publicaremos en un futuro próximo, ahora estamos masterizando todo ese material y ya veremos qué forma le damos. No hemos estado parados, no...”. Con toda esa actividad entre discos parece que The National sea el “hogar” al que regresáis cada cierto tiempo para volcar todas las influencias recogidas y todo lo aprendido durante este tiempo. Da la impresión de que esta vez habéis vuelto con las mochilas llenas de nuevas ideas y con más ganas que nunca de darle una vuelta de tuerca al sonido de la banda. “Sí, es exactamente así. Hay un equilibrio complicado entre las ganas de evolucionar continuamente como músicos y el sonido definido que hemos

“Vemos a The National como un proceso continuo en el que siempre estamos investigando nuevas texturas” ido creando durante todos estos años. Piensa que entre unas cosas y otras algunos de nosotros llevamos ya casi treinta años tocando juntos, bajo un nombre u otro, y eso tiene mucho peso. Vemos a The National como un proceso continuo en el que siempre estamos investigando nuevas texturas, una evolución natural en la que vamos sumando todo lo que aprendemos. Hemos buscado eso con el disco nuevo, la forma de no repetirnos y ampliar la paleta de sonidos y de influencias, ya sea mediante los arreglos de cuerdas que grabamos en París o con un mayor uso de la electrónica. En esto de la electrónica tienen bastante que ver Mouse on Mars, que además de ser una banda enorme son buenos amigos. Siempre aprendes cosas con ellos”. Esta idea de “retorno al hogar” tiene un peso especial en este disco gracias al estudio en el que ha sido grabado, Long Pond, propiedad de la banda y elemento más que icónico en este álbum. “Sí, tío, disco y estudio van íntimamente ligados. De hecho Long Pond es algo más que un

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FOTO: ARCHIVO

The National siguen adelante y creciendo con calma. De ahí los cuatro años que han pasado entre su disco anterior y Sleep Well Beast (4AD/Popstock!, 17), su nuevo larga duración. Para hablar al respecto nos ponemos en contacto con su batería, Bryan Devendorf.

lo que nos contaron RR“Creo que la tristeza en el arte nos ayuda a humanizarnos y descargar la presión que arrastramos día a día. Sin embargo, siempre he sido un tipo bastante feliz, aunque nuestras canciones parezcan escritas por alguien que vive una vida miserable. Para mí es importante escribir sobre la ansiedad, el miedo… ese tipo de cosas contra las que luchas cada día. Ser el mejor amigo, el mejor marido o el mejor padre es duro y cuesta trabajo, y nuestros discos se centran en eso. En mi caso concreto tener una hija me ha cambiado y me ha hecho aún más feliz” Matt Berninger, en MondoSonoro 174; junio 2010 RR“Siempre ha habido altibajos en The National, pero la grabación de High Violet fue un tiempo complicado en muchos sentidos. Había energía muy negativa. Creo que después de grabarlo Matt no pensaba que hubiera más discos de The National. Y no fue hasta que terminamos la gira que volvimos a sentirnos sanos y unidos de nuevo. Habíamos estado tocando canciones de toda nuestra carrera y nos dimos cuenta de lo que habíamos conseguido” Aaron Dessner, en MondoSonoro 206; mayo 2013

estudio: es una mezcla entre un hogar, un estudio de grabación, un escondite y un cuartel general. Está a unas dos horas de Nueva York, en medio de la nada, tal cual suena. Los paisajes que rodean el estudio son preciosos, el clima de aislamiento de lo que era una granja ha sido perfecto para poder trabajar bien todo lo que queríamos hacer con este disco y creemos que ha funcionado”. Me pregunto de qué forma este entorno ha influido en el tono agridulce y reflexivo de las letras. “Definitivamente ha influido. Matt acostumbra a traer las letras prácticamente terminadas, pero esta vez nos hemos encontrado con que muchas veces ha sido la música y su energía lo que ha ido dando forma al tono de las letras... realmente ese es territorio de Matt, pero el tiempo pasado en Long Pond supuso para todos una oportunidad de reflexionar sobre las relaciones, el matrimonio, las cosas no habladas o simplemente el paso del tiempo, y toda esa atmósfera se ve reflejada en lo que Matt ha escrito”.—ricky lavado

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FOTO: LUZ GALLARDO

Luna recorren nuestro país

Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

“Me gusta cantar las letras de otros: de algún modo resulta más sencillo” Volvieron a los escenarios en 2015 y ahora también han pasado por el estudio para dar forma a un álbum de versiones, A Sentimental Education (Double Features, 17) y un Ep instrumental, A Place Of Greater Safety (Double Features, 17). Para presentarlos protagonizarán una larga gira por España.

an pasado trece años desde que se publicó Rendezvous (Jetset, 04), vuestro último disco de estudio hasta la fecha, y regresar con un disco de versiones y un EP de canciones instrumentales podría no ser lo más “habitual” ¿Por qué tomasteis esta decisión? (Dean Wareham) El año pasado sugerí que entrásemos unos días en el estudio para grabar unas cuantas versiones para ver cómo funcionaba el tema, y así salieron Fire In Cairo, One Together y Car Wash Hair. Fue divertido y fácil, así que repetimos haciendo otras canciones... hasta que de repente teníamos un álbum entero de versiones. Cuando terminamos, nuestro guitarrista Sean Eden dijo que deberíamos escribir algo de música original, así que añadimos unos días más en el estudio y grabamos seis instrumentales de Luna, que es el EP. Pero ambos vienen incluidos en el pack del CD. —En realidad la publicación de A Sentimental Education tampoco debería sorprender tanto, ya que a lo largo de vuestra carrera siempre habéis hecho versiones -recopiladas posteriormente en Lunafield (Rhino, 16)- ¿Cuál es el principal placer que conseguís reinterpretando canciones ajenas? Grabamos una versión porque amamos la propia canción, o bien por el respeto que sentimos por el artista, o quizá a veces te encuentras con una canción que casi nadie conoce (como Let Me Dream If I Want de Mink DeVille) y es divertido introducirla de nuevo al mundo. Y me gusta cantar las letras de otros: de algún modo resulta más sencillo, porque no estoy allí parado preguntándome sobre las palabras que he escrito o sobre si son suficientemente buenas. Me limito a cantar lo que está en la página. —The Cure, Willie Alexander, Yes, Mink Deville, Fleetwood Mac... En A Sentimen-

tal Education hay versiones de artistas muy diversos ¿Qué criterios habéis seguido para seleccionar los temas que finalmente habéis incluido en el disco? También imagino que hubo otras candidatas que finalmente quedaron fuera… Bueno, creo que la mayoría de las veces

LA GIRA l San Sebastián 3 octubre, Kursaal l Santander 5 octubre, Escenario Santander l Ferrol 6 octubre, Sons Do Jofre Ferrol l O’Grove 7 octubre, Festa Do Marisco l Madrid 9 octubre, Joy Eslava, Son Estrella Galicia l Zaragoza 10 octubre, Las Armas l Barcelona 11 octubre, Bikini l Valencia 12 octubre, Ram Club de La Rambleta l Bilbao 13 octubre, Kafe Antzokia l Gijón 14 octubre, Teatro Laboral l Palma de Mallorca 15 octubre, Teatre Municipal Xesc Forteza

no hacemos canciones realmente famosas (excepto aquella vez que hicimos Sweet Child O Mine -de Guns n’ Roses-). En este disco hemos versionado algunos grandes nombres como David Bowie, pero de nuevo queríamos encontrar una canción que tal vez fuese desconocida para mucha gente... así que en lugar de hacer Heroes o Fashion hicimos Letter To Hermione, que es del primer álbum de David Bowie. Canciones rechazadas hubo algunas, y algunas de ellas las publicaremos pronto en singles de siete pulgadas como California Blue de Roy Orbison o Rock Yr Baby de George McCrae.

—raúl julián

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Dean Wareham (Luna)

Dentro de la amplia gira española de Luna, uno de sus conciertos (Madrid, 9 octubre, Joy Eslava) formará parte del ciclo American Autumn de SON Estrella Galicia. El primer concierto al que fui Leo Sayer, en directo en el Central Park de Nueva York, en agosto de 1977. Tenía catorce años y mi familia se acababa de mudar a la ciudad procedente de Sidney, en Australia. Eran mierda setentera, pero el concierto era gratuito y maldije a mis padres por llevarme allí. Tuvo que pasar otro año entero para que descubriera que había otras cosas interesantes en Nueva York, cosas como Speedies, Ramones o Blondie. El mejor concierto que he visto The Feelies y The Trypes en Danceteria, Nueva York, agosto de 1984. Recuerdo esa noche perfectamente. Tenía veinte años y era la primera vez que iba a la legendaria sala. Estaba muy excitado por el hecho de que iba a ver a mi banda favorita. The Feelies continúan siendo una banda con un directo fenomenal.

El peor concierto al que he asistido ¿También Leo Sayer? La verdad es que no puedo recordarlo. Vi uno que fue realmente desastroso de Cat Power en Porto, en Portugal, en 2004. Iba borracha y básicamente lo que hizo fue cortar casi todos los temas mientras la gente la abucheaba. Al final, la organización decidió abrir las luces y ella dejó el escenario levantándole el dedo a la gente. Fue malo, pero al mismo tiempo entretenido. El último concierto al que he ido Vi a Iggy Pop en el Teragram Ballroom hace unos meses, con Josh Homme y Matt Sweeney en la banda. No le había visto desde los ochenta, en el Ritz de Nueva York. La gran diferencia es que ahora Iggy lleva calzoncillos. Al margen de eso, este concierto fue fantástico y la demostración de lo increíble cantante que es Iggy. Su voz continúa siendo muy poderosa y sus fraseo muy inteligente. MS

Los directos de SON Estrella Galicia Sala El Sol, Madrid Cala Vento / 05 octubre Sala Fun House, Madrid Malandrómeda / 07 octubre Sharman Den / 21 octubre Sanagustin, Azpeitia Pablo Und Destruktion / 13 octubre Sala Hangar, Córdoba The Pains Of Being Pure At Heart / 16 octubre Guadalupe Plata / 27 octubre

Lemon Rock, Granada The Pains Of Being Pure At Heart / 18 octubre José Ignacio Lapido / 19 octubre Teatro Lara, Madrid Ian Hunter & The Rant Band / 19 octubre Sala Garufa, A Coruña Guadalupe Plata / 19 octubre Sala But, Madrid The Parrots / 19 octubre

Super 8, Ferrol Guadalupe Plata / 20 octubre La Iguana, Vigo Guadalupe Plata / 21 octubre Escenario Santander The Pains Of Being Pure At Heart / 21 octubre Sala Capitol, Santiago de Compostela !!! (CHK CHK CHK) / 27 octubre Novedades Carminha / 28 octubre

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FOTO: joan alsina

MONDO FREAKO

Joana Serrat De Osona a Texas

EN LA MALETA

Joana Serrat vuelve con Dripping Springs (Great Canyon Records, 17), un disco que brilla desde la distancia, atesorando talento y buenas canciones. Le ha dado forma en Texas y junto a excelentes amistades.

Chris Geddes

(Belle & Sebastian) Cuando leemos el nombre de Belle & Sebastian Dj’s significa que tras los platos vamos a encontrarnos a Chris Geddes, teclista del grupo escocés, a Richard Colburn, su batería, o a ambos.

#10 octubre 2017

ripping Springs, el nuevo disco de Joana Serrat, se ha grabado en Texas con Israel Nash como productor en Plum Creek Sound, el rancho-estudio propiedad del de Missouri. A él se sumó también el ingeniero de sonido Ted Young, ganador de un Grammy por su trabajo junto a The Rolling Stones, y músicos habituales

ué discos nunca faltan en tu sesión? Suelo mezclar muchos géneros, así que es complicado pensar en un disco que pinche siempre. En mis fiestas de siete pulgadas, Singles Nights, en Glasgow suelen caer casi siempre Blind de Hercules And Love Affair y Everywhere de Fleetwood Mac, pero nunca las pondría en las fiestas de psicodelia o de northern soul. De todos modos, te diría que las dos canciones que más he pinchado en toda mi vida serían I Want You Back de The Jackson 5 y Is It All Over My Face de Loose Joints. ¿Te preocupa más la técnica o la selección? Lo más importante es la selección, pero una buena mezcla puede hacer que dos cosas que aparentemente no encajen puedan crear algo que impacte mucho más que una de las partes por separado. ¿Bailas mucho mientras pinchas? Siempre me muevo y soy capaz de salir a la pista a bailar alguna canción, pero no soy de ese tipo de personas que quiere reclamar la atención mientras estoy pinchando. Prefiero que la gente se fije en lo que pongo y no en mí. Me gustaría saber cuál es el peor sitio en el que has pinchado nunca... Richard y yo hicimos una sesión after show en Oakland, organizada por Jolyne, con quien ahora está casado. El local era directamente un sótano y tuvo que

sa “En este oficio conoce gunas muchas personas, y alella de ellas dejan una hu importante” de Midlake, BNQT o John Grant. Juntos dan forma a un disco magnífico, aunque será mejor que la propia Joana nos cuente cómo hemos llegado hasta aquí. ¿Qué te llevó a viajar hasta Texas para grabar el disco? Decidí irme a Dripping Springs (Texas) para trabajar con Israel Nash y su equipo: Ted Young (ingeniero de sonido y

construir una escalera expresamente para que la gente pudiera bajar. Pero pese a todo fue una gran fiesta. También pinchaban varios miembros de !!! y la verdad es que pusieron muy buena música. ¿Singles, álbumes, compacts, mp3...? Me gusta mucho más pinchar singles, pero por comodidad pincho digital cuando tengo que viajar. Honestamente, creo que al público le da ya bastante lo mismo. Toda la gente que dice que el vinilo suena mejor es porque nunca han tenido que enfrentarse a platos de sala en los que nada funciona bien o agujas que saltan cuando la gente baila. Los Dj’s suelen trabajar de noche. ¿Te cuesta mantener el ritmo? Oh, bueno, he tenido mañanas duras, definitivamente, pero soy algo así como un búho nocturno, así que me encaja. ¿Crees que un buen Dj tiene tanto valor como un buen músico de pop? Bueno, sin músicos no habría nada que los Dj’s pudieran pinchar, así que la música es más importante. Lo que los Dj’s han hecho muy bien es dirigir la atención de la gente hacia algo o recontextualizar las cosas, por ejemplo hay esa escena de northern soul que pincha discos fabulosos de los sesenta que no fueron hits en su momento, o esos Dj’s del Bronx de los setenta que influyeron en que ciertas partes de los discos de funk acabasen siendo la base para crear el hip hop. MS

mezclador), Joey McClellan (guitarras eléctricas), Eric Swanson (pedal steel, teclados), Aaron McClellan (bajo, teclados) y Josh Fleischmann (batería, percusión) porque admiro a Israel como compositor y su banda me parece de lujo. He escuchado infinitas veces Rain Plans y Silver Season. Me parecen dos discarrales. Me sentí identificada con los paisajes que dibujan sus canciones porque es algo que yo también hago con las mías. Miré muchísimos vídeos suyos tocando en directo y no podía pensar en otra cosa que no fuera grabar con ellos. Así que un día cogí el teléfono y llamé a Israel a su rancho-estudio. Me presenté, me dijo que me conocía ya que somos label mates (ambos formamos parte del roster de artistas de Loose Music) y que cogiera un avión y me fuera para allá a vivir mi sueño. Así empezó todo. ¿Qué ha aportado Israel Nash a tu sonido? Creo que Israel me ha dado alas para volar libremente hacia donde yo quería. Me ha dado seguridad. Ha sido muy reconfortante trabajar con él. En todo momento fue muy respetuoso con mi trabajo, mis ideas y el sonido que quería plasmar en el disco. A lo largo de los días de grabación he recibido muchos halagos tanto por su parte como del resto del equipo, y eso es algo que aprecio y valoro mucho. Me dio confianza en lo que hago. De hecho, Israel me confesó que me veía una igual, como él, por mi manera de entender las canciones, de trabajarlas y de intentar plasmar en melodías y dinámicas aquello que en nuestra cabeza se muestra en colores. Defino mis canciones como fotografías de paisajes (o pinturas) y a partir de esa concepción confi-

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guro el sonido para construir la canción en su totalidad. Israel trabaja igual. Además, los dos utilizamos la naturaleza como elemento clave en nuestra lírica. Ambos tenemos un espíritu libre (él es un hippie declarado) y eso nos acercó y unió mucho. Es un disco que no me parece fácil, en el sentido de que no es de esos que te noquea en una primera escucha. Hay muchas cadencias, texturas, atmósferas ¿es algo buscado? Todo lo que encuentras en el disco es el resultado de trabajar un sonido y unas canciones y del resultado de la química que surgió entre los músicos y Ted. Tenía claro que quería evitar un disco pop y, de hecho, esta fue la única condición que puse el primer día de grabación. La idea era la de no tener ninguna atadura y la de dejarnos fluir en las sesiones y, como suele suceder, fue la manera de obtener el mejor resultado posible. Hay muchos elementos naturales en tus letras: lluvia, montañas, viento, ríos, sol, niebla… Casi parece un trabajo conceptual ¿cómo lo ves? Siempre han existido estos elementos en mis canciones, forma parte de mi estilo de escritura. Vivo en un entorno bastante rural, siempre he estado ligada a la naturaleza por distintas razones. Para mí, el disco conceptual de mi discografía es Cross The Verge (El Segell del Primavera, 16), sin duda. En Dripping Springs me siento segura, ya he encontrado mi sitio, ¿sabes? En Cross The Verge todo estaba al aire, mi mochila pesaba mucho y arrastraba un gran peso. En Dripping Springs ya no arrastro nada, y ya puedo escribir desde el otro lado de la orilla porque crucé el umbral. Las nieblas se han ido para dejar paso a un paisaje en calma, de atardeceres intensos. Desde Dripping Springs puedo señalar con tranquilidad lo que no me gusta (Shadows Of Time), repasar algunos episodios incómodos de mi biografía sin flagelarme más por ello (Unnamed), aprender a dejar ir (Keep On Fallin’),… De hecho, me he dado cuenta de que este es mi talón de Aquiles. Es decir, en este oficio conoces a muchas personas, y algunas de ellas dejan una huella importante. A mí me gustaría poder compartir más mi vida con esas personas, pero las distancias y las rutinas de cada uno lo hacen casi imposible. —eduardo izquierdo

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Amateur Revancha pop FOTO: MARTA ENNES

TAN. CERCA. RRLlega la tercera edición del San Miguel Music Explorers On Tour, un ciclo que recoge actuaciones de bandas a lo largo y ancho de la geografía estatal (más de treinta artistas en veinte ciudades). Tras la presentación en Madrid, se dará el pistoletazo de salida el 11 de octubre en Mallorca con No Children y Joe Orson. A partir de ahí y hasta el 28 de diciembre podremos ver en concierto a artistas como Delafé, Joe La Reina, Rayden, El Imperio del Perro, WAS, Delorean, La Habitación Roja, Rufus T. Firefly, León Benavente, Sidonie o Los Punesetes. Para concretar fechas, visita su web (www.sanmiguel.es) o sigue el evento en redes sociales. RRFormentera acogerá la primera edición de la experiencia Posidonia By Sinsal con el respaldo de SON Estrella Galicia. Durante los días 6, 7 y 8 de octubre podremos vivir una larga lista de actuaciones sorpresa en la isla balear de Formentera, además de disfrutar de gastronomía y actividades. No se desvelarán los artistas participantes hasta el mismo evento, pero por su hermano gallego han pasado nombres como los de Alt-J o Dan Deacon. RRA lo largo de los días 13, 14 y 15 de octubre, Madrid –concretamente el Palacio de Cristal- acoge la feria Spannabis, la “más grande del mundo” dedicada a la cultura del cáñamo. Allí encontrarás expositores, charlas profesionales y actuaciones diversas de artistas como Emeterians, Mad Division, Little Pepe, Dub Engine, Don Fe, Nyahbinghi Dub o Sr. Marküssen. Más detalles en www.spannabis.com. RRAbierta hasta el 6 de octubre la votación popular de la segunda edición del International Music Video Awards Soundie, concurso de clips con una larga lista de premios en diversas categorías. La celebración de los premios propiamente dicha tendrá lugar los días 20 y 21 de octubre en el Arts Santa Mònica de Barcelona y habrá diferentes actividades alrededor de los mismos: cursos para profesionales del sector audiovisual y musical, networking, showcases, sesiones de Dj, proyecciones de las piezas finalistas, etcétera. Puedes votar en www.soundie.es, además de informarte y ver un resumen de la pasada edición. RREste mes de octubre se celebra una nueva edición del Primavera Club, concretamente los días 20 y 22 de octubre en diversas salas de Barcelona y Madrid. En el cartel podrás encontrarte con grupos como Medalla, Superorganism, Vulk, Yellow Days, Ganges, Cocaine Piss, DBFC y un largo etcétera. www.primaveraclub.com. —ms

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De las cenizas de La Buena Vida nace Amateur, un nuevo proyecto que actualiza el encanto del Donosti Sound y nos devuelve, con nostalgia y melancolía, a aquellos años. Debut! (Sony, 18) es su primer larga duración, que se completa con los dos Ep’s que ya conocemos, El golpe y Será verdad.

ientras los turistas libran una cruenta batalla en las barras de la Parte Vieja de San Sebastián, convertido en un Waterloo con palillos y pintxos, nos sentamos plácidamente en la terraza del bar Tanger. Hablo con Mikel Aguirre y Cheli Lanzagorta de la ciudad y de su incierta deriva: no hay nada más donostiarra que hablar de Donostia. Falta Iñaki de Lucas. Los tres formaron parte de La Buena Vida y se han embarcado en un nuevo proyecto musical llamado Amateur. Debut! es su primer largo, una mirada nostálgica a los viejos tiempos y un sentido tributo al bajista Pedro San Martín, que perdió la vida en un accidente de tráfico el 15 de mayo de 2011. El 15-M, sí. “Fue muy raro. Nuestras cabezas no estaban aquel día para valorar nada de lo que estaba sucediendo en las calles. Fue un shock. Un shock total”, recuerda Mikel. A Pedro, en la canción Ha nacido una estrella de Debut!, se le define como “un satélite del rock”. ”Es que iba en dirección a un satélite del rock. Tenía ese filón. Era, en cierto modo, el más punk de todos nosotros. Pedro era muy amigo de Los Planetas, de ahí lo del satélite. Le habían ofrecido grabar algunas canciones como bajista en Granada, pero al final no salió”. Es curioso y también injusto, pero uno de los grupos bandera del pop estatal nunca se pudo profesionalizar. “Pedro solía decir que si estuviésemos en Inglaterra, La Buena Vida viviría de la música”, explica Mikel. “Es algo que Jota me lo ha dicho muchas veces: ‘Qué injusto ha sido este país con vosotros. Con lo que habéis hecho, deberíais ganaros la vida con esto’”. Lo cierto es que solamente a partir del tirón del single Qué nos va a pasar empezó a revalorizarse a La Buena Vida. Pero al poco, Sinammon, su sello de aquellos días, hizo aguas. Y eran seis amigos. Sin manager. Sin mentalidad empresarial. “Como nos pasa ahora con Amateur, La Buena Vida era un hobby, una

liberación. La repercusión que ha tenido el grupo vino después. Debut! me ha servido para hacer una especie de catarsis interna y asimilar así la desaparición del grupo. Hacer canciones y masticarlas ha sido una manera de tragar todo esto. Hay un montón de guiños y referencias, incluso letras que literalmente hablan de La Buena Vida. El disco habla mucho de Pedro, pero también de lo que supuso para nosotros La Buena Vida”.

en concierto l San Sebastián 28 de diciembre. Teatro Victoria Eugenia l Murcia 19 de enero. Teatro Cirxo Murcia

Sin embargo, Amateur no es La Buena Vida. Es un proyecto nuevo, distinto, donde se comparten algunos planteamientos y otros no. “Antes, por ejemplo, las canciones se hacían pensando en Irantzu. Tampoco están las ideas de Javi, ni las ideas de Pedro… Lógicamente, hay cierto parecido. ¡Cómo no lo va a haber! Yo componía muchas canciones y era el cincuenta por ciento de la voz”. “Algo que distingue Amateur de los discos de La Buena Vida es que hemos tenido un montón de colaboraciones”, tercia Cheli. ¿Y ahora qué? ¿Qué esperáis de Amateur? “Queremos que sea el principio de una buena racha, como diría Rafael Berrio”, responde Cheli. “Nos queremos tomar un poco la revancha, porque en su momento no pudimos darle continuidad al grupo”, completa Mikel. —jon pagola

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octubre 2017 #11

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as cosas son diferentes. Regresas a casa y quieres ver Eastenders o algo así. Lo que antes te aburría tanto y era el incentivo para salir de casa ahora te resulta cómodo cuando vuelves”, explica el batería Joel Amey. “Ha cambiado todo, para la música también. No somos los mismos músicos y creo que el disco lo refleja”. No hay duda de que la vida ya no sigue igual para los veinteañeros Wolf Alice, pero su acelerado ascenso no les ha cambiado para mal. El cuarteto londinense, capitaneado por Ellie Rowsell y completado por Joff Oddie (guitarra y voz) y Theo Ellis (bajo), estuvo en la capital para dar detalles sobre Visions Of A Life, su segundo álbum. Amey y Oddie fueron los encargados de ponernos al día de sus andanzas de cara al esperado sucesor de My Love Is Cool (Dirty Hit/Music As Usual, 15), un meteórico debut que obtuvo nominaciones al Mercury y al Novello. “Tuvimos unas dos semanas desde que acabamos la gira hasta que empezamos a trabajar otra vez. Somos unos adictos al trabajo, no podemos evitarlo”, confiesa el guitarrista, que señala el buen ambiente que se respiró más adelante con el productor, Justin Meldal-Johnsen (Paramore, Tegan And Sara, Beck, Nine Inch Nails), en una grabación que duró tres meses. “Para el primero tuvimos mucho tiempo para componer y poco para grabar, y esta vez ha sido al revés; se ha dado un equilibrio”. Y aunque es normal sentir un poco de presión después de un primer disco tan exitoso, no parece que las expectativas les quiten el sueño. “Nos metimos en esto para hacer la música que queríamos hacer, o la tomas o la dejas. A nosotros nos gusta; si no le gusta a nadie más será una faena enorme, pero al menos habremos hecho lo que queríamos”, asegura Oddie, a lo que Amey añade: “Si sacas un disco que realmente no te gusta pero al resto del mundo sí, y tienes que pasarte dos años de gira con él, eso es mucho peor”. Durante la extensa gira de My Love Is Cool nacieron el ochenta por ciento de los nuevos temas, unas entradas de diario que tuvieron que intelectualizar y convertir en canciones. “Fue guay echar la vista atrás a esos pensamientos, cada uno conectaba con un momento o un evento de los últimos dos años. Fue interesante poder revisar esas ideas en retrospectiva”, explica Oddie. Y, entre ellas, sobresale la mala baba del primer aperitivo, Yuk Foo, que habla de estar harto y aburrido de

contrastes que disfrutan. “¿Quién quiere escuchar un disco entero de Yuk Foo’s? La gente ya no consume la música así, y quizás hemos creado una lista de reproducción”, reflexiona Oddie. La guinda la ponen los casi ocho minutos del tema titular, uno de los momentos más interesantes y creativos. “Estuvo bien trabajar una canción que cambia de estado de ánimo, no tienes muchas oportunidades para hacerlo. Fue un desafío”. Al grabar en Los Ángeles y dar unos conciertos de calentamiento por Norteamérica, da la impresión de que querían huir de su revuelto hogar. Para un grupo que ya se había pronunciado socialmente –Ellie y Theo crearon el movimiento Bands For Refugees en 2016– que el anuncio de las últimas y polémicas elecciones británicas les pillara lejos les animó aún más a hacer campaña en las redes sociales para concienciar a fans y compatriotas de la

EN CONCIERTO l Madrid 4 enero. La Riviera l Barcelona 5 enero. Sala Apolo

lo que se espera de uno. “Es lo más agresivo que hemos mostrado de nosotros mismos”, comenta Amey. En el estudio no se han aburrido, desde luego. Son jóvenes, tienen talento y en Visions Of A Life se presentan ambiciosos. “Creo que estamos descubriendo cada vez más que nuestro sonido no es sólo una cosa”, señala el batería sobre un cancionero donde se pasa de la rabia de Yuk Foo al sabor funky de Beautifully Unconventional o la tranquilidad de After The Zero Hour, unos

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necesidad de registrarse para ir a votar. “A todos nos afecta la política y es importante que todo el mundo se involucre. Me parece una gilipollez cuando te dicen que no hables de política”, dice Oddie. “Que estemos en una banda no significa que lo único que podáis oír de nosotros sea nuestra música”, añade Amey Volviendo a su relación musical con ellos, Wolf Alice son muy conscientes de la legión de seguidores a la que deben su éxito. Por ello, fueron los fans los primeros en desvelar detalles sobre el álbum, gracias a unas postales que les envió el grupo. “Al anunciar un disco, puedes darle la exclusiva a una revista o hacer algo más creativo y personal. Se habían portado muy bien con nosotros y tenía más sentido”. —beatriz h. viloria

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e “Es lo más agresivo qu hemos mostrado de nosotros mismos”

CRÍTICA Visions Of A Life

Dirty Hit/Music As Usual Pop 8/10

Digna continuación Ser jóvenes y triunfar a la velocidad que marcan los tiempos actuales implica colocarse bajo una gran lupa y someterse a un meticuloso análisis. Con nominaciones al

Mercury y el Novello, una extensa gira y un exitoso debut titulado My Love Is Cool (Dirty Hit, 15), los británicos Wolf Alice ya pasaron por ese trámite. Después, les tocó volver a casa, digerir todo lo vivido y enfrentarse a un digno sucesor. Y, frente a toda expectativa (buena o mala), han hecho lo que les ha dado la gana. Para bien. Visions Of A Life se construye a base de continuos saltos estilísticos, pero siempre con el pop como base. Y con cabeza, porque han sido ambiciosos pero certeros en la tarea de llevar más allá las ideas que se adivinaban en 2015. Quien esperase un disco mediocre para confirmar su condición de hype, no lo va a encontrar. Aunque poco importa lo que se pudiera esperar de ellos. De hecho da la impresión de que a Wolf Alice les importan una mierda nuestras expectativas. —beatriz h. viloria

octubre 2017 #13

FOTO: ARCHIVO

Wolf Alice Una Vida Diferente

Con muchas horas de autobús encima y más tiempo para grabar, los británicos han dado forma al esperado Visions Of A Life (Dirty Hit/Music As Usual, 17). En este segundo disco, tratan diferentes vivencias y experiencias nacidas durante la gira de su debut, en un recorrido por su ampliado espectro sonoro.

MONDO FREAKO

FOTO: ARCHIVO

Foscor De sueños y sombras Foscor encarnan como pocos el complejo equilibrio entre constancia, perfeccionismo y experimentación. Su nuevo disco, Les Irreals Visions (Season Of Mist, 17) podría suponer el paso definitivo que necesitan para conquistar su merecido espacio en la escena internacional. En octubre inician una extensa gira europea con fechas en nuestro país.

TAN. LEJOS.

RR Rosalía y Kase.O entre los nominados a los Grammy latinos. La primera encaja en la categoría Mejor Artista Revelación, el segundo a Mejor Álbum de Música Urbana. Por otro lado, hay muchos otros artistas que suelen aparecer en nuestra publicación y que forman parte de la lista de nominados, artistas como Residente, Natalia Lafourcade, Café Tacvba o Arianna Puello. La gala de entrega de los Grammys Latinos tendrá lugar el 16 noviembre en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas.

Xavi Sarrià Luz en la oscuridad

Conocido y respetado por formar parte de Obrint Pas, Xavi Sarrià publica ahora su primer disco en solitario, el variado y combativo Amb l’esperança entre les dents (Propaganda Pel Fet!, 17), un disco que mantiene el pulso al momento musical actual. #14 octubre 2017

RR Daniel Lopatin (Oneothrix Point Ne-

ver) e Ishmael Butler, mitad del dúo de hip hop experimental Shabazz Palaces, acaban de estrenar su primera colaboración firmada como 319. Y tampoco es precisamente de extrañar que hayan escogido un alias tan raro teniendo en cuenta las carreras de ambos. De momento desconocemos cuáles son sus planes para el futuro, ya que solo han lanzado un primer tema, The Rapture, estrenado a través de la serie Adult Swim Singles. RR Tras quince años de trayectoria y cin-

co álbumes publicados, Wild Beasts han anunciado su separación a través de un

esulta curioso que Xavi Sarrià y un servidor hayamos recorrido el mismo trayecto vital, pero en sentido inverso. Quien fuera cantante de Obrint Pas nació en Barcelona pero vive en Valencia desde hace muchos años, exactamente lo contrario que yo. Por eso siento que tenemos muchas cosas en común y que teníamos que hablarlas, pero sobre todo teníamos que hablar sobre Amb l’esperança entre les dents, el primer disco en solitario de Sarrià y, como todo su material, cantado en catalán. “La gente que haya seguido a Obrint Pas se encontrará con un disco que es una continuación de mis canciones. Una continuación, por tanto, del último trabajo, Coratge, pero sin la parte musical que aportaba el grupo y sobre todo Miquel Gironès. Aunque Gironès colabora en dos canciones y me ha ayudado mucho con el disco, algo por lo que le estoy muy agradecido. También hay canciones que exploran caminos que no había abierto todavía con Obrint Pas. He intentado aprovechar al máximo

comunicado vía Instagram.“Wild Beasts están llegando a su fin”, comienza el sentido y contundente comunicado. La banda inglesa, consciente de que han “creado algo bastante propio y construido un cuerpo de trabajo al que nos aferramos con sentimiento y honestidad”. Se despiden con el epé Punk Drunk And Trembling.

la experiencia de crear, de disfrutar, de aprender, de dejarme llevar y extraer lo mejor de mí mismo para las canciones. El oyente se encontrará fundamentalmente sentimientos, canciones con carga emotiva que hablan sobre nuestras esperanzas personales y colectivas”. En Amb l’esperança entre les dents pueden escucharse diversos géneros musicales, pero el conjunto suena muy coherente y cohesionado. ¿Cuál es el secreto? “Para mí es un disco muy conceptual en el que todas las canciones están ligadas por la idea de la luz en la oscuridad, luchar en tiempos difíciles y plantarle cara a la vida. Musicalmente siempre me ha entusiasmado tocar estilos diferentes porque me apasionan el hardcore, el ska, el rap, el punk y también sonoridades cercanas a la canción de autor. Todo esto está en el disco y, como digo, el nexo de unión en la emoción que se desplega por las canciones. Creo en el alma de las canciones, en eso que te emociona cuando las escuchas”. Y ya que estamos, me intereso por su punto de vista sobre la si-

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uáles son vuestras sensaciones respecto al nuevo disco y las reacciones que ha ido obteniendo? (Fiar, cantante y letrista) Este disco debía significar un paso adelante distinto a todos los anteriores. Llevamos quince años como banda y las expectativas con cada disco han sido muy elevadas, pero nunca hemos conseguido llegar a los objetivos marcados. Siempre hemos querido establecer nuestro nombre, sobre todo a nivel internacional. Esta vez los objetivos debían cumplirse desde el inicio: fichar por un sello que realmente nos permitiera crecer de una forma distinta y disponer de un material que identificara el nombre de Foscor con un lenguaje y una manera de hacer las cosas. Llevamos desde el anterior disco preparando el terreno y esta es la primera vez en la que, por fin, hemos tocado las teclas correctas. Nos lo hemos tomado como “es ahora o nunca”. No había más. Y aunque todavía queda mucho trabajo por delante, estamos empezando a recoger los frutos.

—Al margen de la evolución estilística, uno tiene la sensación de que con cada nuevo disco se produce un reinicio, un nuevo comienzo, en el que recogéis vuestra propia herencia pero todo empieza casi de cero... Ahora encaramos las cosas de una manera muy distinta. Con Those Horrors Wither abrimos ciertas líneas de actuación: apostamos por las voces limpias, por alejarnos sin ningún tipo de complejo del lenguaje black al uso. En este caso, la experiencia previa nos ha hecho ir mucho más al grano con cada una de las decisiones a tomar, tanto musicales como extramusicales. Lo hemos sintetizado todo. Y en el caso del catalán, mucha gente, de aquí y del extranjero, me ha comentado que soy mucho más creíble y expreso más cuando canto en mi lengua. Nos gusta hablar de nuestra música como un juego de emociones, y para ello es básico que la gente capte nuestro mensaje. —Visto con perspectiva, Those Horrors Wither parece un banco de pruebas para lo que ha llegado después…

RR Hans Zimmer, Radiohead y la BBC Concert Orchestra han creado una nueva versión de Bloom para la banda sonora de la laureadísima serie documental televisiva Blue Planet II. Se estrenó a través de la BBC y originalmente pertenece al álbum The King Of Limbs (11), de hecho, estaba basado en la primera parte de Blue Planet, según ha reconocido Thom Yorke.

LA GIRA l Santander 27 octubre. Rockbeer Thenew, Infest IV l Barcelona 28 de octubre. La Nau 4 de diciembre. Razzmatazz con Gold l Madrid 1 diciembre. Madrid is the Dark V

No éramos conscientes de ello en su momento. Musicalmente, con Les Irreals Visions hemos apostado por recuperar el lenguaje intenso que habíamos desarrollado en nuestros primeros discos. Vimos que la gente se identificaba con nosotros por la grandeza y la emotividad de nuestra música. Con el anterior disco, muchos comentarios subrayaban que había una distancia respecto al oyente, que les gustaban muchas cosas pero no acababan de entender el conjunto. Era demasiado complejo y frío. Nos preguntamos cómo recuperar la calidez y los elementos positivos de nuestros oríge-

nes, y eso nos ha conducido de nuevo a la intensidad, filtrada, por supuesto, a través de nuestro lenguaje actual. Queríamos enriquecer nuestro lenguaje a partir de distintos estilos y referencias externas al black metal. —También destaca el sonido y la atmósfera general del disco, etérea, onírica, espectral. ¿Teníais algún referente estético, musical o visual al respecto? A medida que desarrollé el aspecto lírico y tuvimos una imagen y una idea de portada para el disco, estos aspectos retroalimentaron y modificaron nuestro sonido. Javi Félez, de los Moontower Studios, también ha tenido mucho que ver en ello. En el pasado, por ejemplo, al margen de la ecualización o la afinación, nuestras guitarras siempre han estado en primer plano, y ahora está claramente en un segundo término. —david sabaté

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Kachafaz de Che Sudaka y sus influencias El próximo 10 de noviembre verá la luz Almas Rebeldes, el nuevo disco de Che Sudaka. Su vocalista, Kachafaz, nos descubre a algunos artistas que han supuesto una influencia para su música.

tuación musical en Valencia, una región con sus especificidades y una zona en la que, coincidimos, muchas cosas han cambiado a mejor. “Es increíble lo que se ha conseguido musicalmente en el País Valenciano. En los noventa la situación era bastante complicada, pero, incluso a pesar del boicot institucional y de los medios públicos, se reactivó una tela de araña cultural de resistencia que hizo posible que grupos como el nuestro se desarrollasen y crecieran. Con los años no solamente no han acabado con la música en nuestra lengua, sino que hoy vive un gran momento, con mucha calidad y mucha diversidad musical. Y sobre todo con mucho público joven. Es algo de lo que los valencianos tenemos que estar orgullosos, porque se ha conseguido desde abajo, sin apoyo institucional y superando todos los prejuicios y obstaculos sociolinguísticos que vivimos. Podríamos decir que hay un relevo en toda regla que incluye a una nueva hornada de formaciones muy potentes que han sido capaces de conectar con las nuevas

culturas juveniles. Y esa es la clave. Las nefastas políticas culturales que hemos sufrido han afectado a toda la escena musical en cualquier lengua”. —jordian fo

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LA GIRA l Barcelona 8 noviembre. Sala Apolo l Valecia 10 noviembre. Sala Repvblicca l Manresa 11 noviembre. Sala Stroika l Santiago de Compostela 17 noviembre. Sala Malatesta l Palma de Mallorca 18 noviembre. Sala Es Gremi l Madrid 25 noviembre. Sala MON Live

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Eddy Grant

Madness

Nacido en Barbados, inmigrante en Inglaterra en 1967 con su grupo The Equals, en el que era guitarrista y compositor. Fue de las primeras bandas en las que se mezclaron negros y blancos y se convirtieron en una gran influencia para grupos como The Clash. Su trayectoria como solista pasa del reggae al rock, del disco funk a la soca o el calypso, siempre con un mensaje contestatario y consciente.

Un grupo realmente original y de una calidad musical excelente. Además sus canciones tienen mucha gracia. Para mí son algo así como The Beatles del ska.

Rubén Blades Cantante pañameno y uno de los máximos exponentes de la salsa y la música latinoamericana. Las letras y el mensaje de Blades es increíble, una gran influencia para grupos de rock de los noventa como Los Fabulosos Cadillacs, Los Rabanes, etcétera.

Facundo Cabral Cantautor nacido en Argentina y un viajero incansable. Para nosotros es un artista muy importante, sobre todo por sus letras y por su forma de ver la vida.

Noel Petro ‘El Burro Mocho” Cantante y guitarrista colombiano del mundo de la música tropical. Innovador al romper el formato habitual de las grandes orquestas o de los conjuntos tradicionales, añadiéndole elementos de la música rock.

The English Beat Su cantante Ranking Roger fue de los primeros en incorporar el estilo del toasting a un grupo de ska pop new wave a finales de los setenta y primeros ochenta. Una influencia directa para grupos como The Police. Che Sudaka hemos editado para vosotros en Spotify la playlist “Radio Rebeldía” con artistas y canciones para armas rebeldes. —ms octubre 2017 #15

FOTO: DANIEL MERRYT

WALA. WALA.

“David Bowie era una persona increíblemente cercana y humana, realmente muy respetuoso y reflexivo. Nunca podía decepcionarte porque era muy bueno siendo un excelente ser humano” James Murphy, de LCD Soundsystem, en Uncut

“Somos muy diferentes y venimos de distintas experiencias personales, pero cuando nos enfrentamos a nuestra rabia, es algo muy colectivo que tiene que ver con la supremacía blanca y la toxicidad masculina” Victoria Ruiz, de Downtown Boys, en Interview Magazine

“Hemos visto Some Kind Of Monster unas cincuenta veces, y cada vez nos parece menos divertida. Piensas: ‘mierda, empiezo a reconocer ciertas cosas...” Jeremy Pritchard, de Everything Everything, en Q

“Nunca hubiera sido músico por mi mismo. Nunca he tenido la certeza de que lo que hago sea bueno” Ron Mael, de Sparks, en Mojo

“en este preciso momento nosotros somos una banda de rock’n’roll de estadios, así que para ver el futuro, ¡que vengan a vernos! En un show de los Stones se ve el futuro del rock’n’roll” Ron Wood, The Rolling Stones, en El Periódico

#16 octubre 2017

Tigres Leones A guitarrazos

“El disco es un intento absoluto de ser más poperos y hemos fracasado”

Provocadores, frescos e inquietos, así son Tigres Leones, que vuelven con un tercer disco, El año de la victoria (Sonido Muchacho, 17), para el que se planteaban unos objetivos que, al final, han decidido no cumplir.

igres Leones (Paco, Javi y Luismi) ya son unos habituales del underground indie-rock nacional, y su tercer largo, El año de la victoria viene para reafirmar su posición. “El disco es un intento absoluto de ser más poperos y hemos fracasado”, declara Luismi. “No diría nunca que es algo hardcoreta, simplemente es mucho más duro, más cañero. Intentamos meterle más arreglos y al final cuando estábamos en el estudio David nos decía: ‘¡aquí más caña!’”. David Rodríguez (Beef, La Estrella de David o La Bien Querida) ha puesto su granito de arena para ayudar a tejer el sonido del disco, aunque según Tigres Leones: “David más que un productor ha sido un asesor, me decía qué pastilla tocar en cada canción”. También ha sido fundamental la intervención de Sergio Svper, que en los Estudios Maik Maiers de Barcelona “ha colaborado en muchas cosas, no tanto artísticas, si no técnicas, que también terminan ayudando a construir el sonido”. Respeto a los arreglos de vientos que luce El miliciano, Tigres Leones probaron suerte en un estudio de flamenco ubicado en la Plaza Mayor, donde grabaron con un amigo los detalles que hacen tan característica a esa canción del disco. Hablamos sobre esos arreglos y los arreglos en general, esos que marcan la diferencia entre la experiencia disco y la experiencia directo. “Yo pienso que el disco y el directo son dos mensajes diferentes. Tú quieres contar unas emociones con un lenguaje en el directo y otro distinto en el

disco”, comenta Paco. “Otra cosa es que sea una cosa fundamental en la canción, en cuyo caso sí que lo entendería, pero nosotros intentamos que no sea así, aunque el arreglo no esté ahí, la canción sigue siendo igual”. Llegados a cierto punto, las comparaciones con La Catastrofia, ya solo por ser su anterior trabajo, son inevitables. Y además de que El año de la victoria es un disco más cañero, viene con muchas novedades. “Yo nunca había escrito canciones sobre relaciones sentimentales y en este disco me he abierto a ese tema, aunque las cante Javi”, comenta Luismi. Y añade: “Este dico es más rockero y folklórico: hay pinceladas. El miliciano tiene un rollo como si fuera una rumba. Y Milos Forman… un amigo me dijo: tienes que hacer una canción sobre Milos Forman. Y por eso la hice”. “A mí me encantan Parquet Courts”, declara Javi. “Y me gusta pensar que así sonarían Parquet Courts si hubieran nacido en España”. Respecto al artwork, que corre a cargo de Querido Antonio, fue un flechazo instantáneo. “Le dimos total libertad, nos enseñó el resultado y nos pareció absolutamente genial. Alberto se parece a lo que hacemos nosotros: es humor, pero también llamar la atención y es abierto: cada uno lo lee como quiera”. ¿Y el título del disco? ¿No suena muy épico? “Eso lo decidió Luis”, comentan. “Ya había un tema con ese nombre y fue él el que quiso titular así el disco”, y Javi añade: “A mí me parece un título muy bonito, siempre que no te lo tomes de una forma épica”. —daniel treviño

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octubre 2017 #17

Monkey Week, a por todas Hemos ya insistido en diversas ocasiones sobre todo lo que ibas a poder encontrarte en esta suculenta edición del andaluz Monkey Week, que se celebrará a lo largo de los días 12, 13 y 14 de octubre en Sevilla, aunque con actividades ya desde el lunes 9. Durante esos días podremos ver en concierto a artistas como Swans, Princess Nokia, Rocío Márquez, Bala, Brigitte Laverne, Cabezafuego, Cala Vento, Fasenuova, Kaixo, Kelly Kapowsky, La Plata, One Path, Quentin Gas & Los Zíngaros, RRUCCULLA, Tversky, Vulk, Yawners, etcétera. Todos ellos pasarán por el ciclo de showcases o de conciertos en salas como el Teatro Central o el Teatro Alameda. Ahora bien, lo que ya se ha dado a conocer es la composición de las jornadas profesionales, que recogen charlas y debates con participantes y ponentes tanto españoles como internacionales.

TIGA FOTO: archivo

Los Discos de mi Vida

MONDO FREAKO

Diecisiete años de Razzmatazz

Jonathan Pierce (The Drums)

Aprovechando su paso por nuestro país para presentar su nuevo disco, Abysmal Thoughts (Anti/[Pias], 17), hablamos con Jonathan Pierce para descubrir seis discos que han marcado su vida.

www.salarazzmatazz.com

El primer disco que escuchaste completo...

El disco que más escuchabas de pequeño

El disco que te cambió la vida

Britney Spears

Joy Electric

Femme Fatale (2011)

Björk

La verdad es que no sé qué estaba pensando cuando compré este disco de Britney justo el día en que se publicó. Conozco absolutamente todas las canciones. Tengo una pequeña casa en un lago cerca de Nueva York y este era el disco que quería escuchar siempre allí.

Estaba caminando por unos almacenes locales en 1997 cuando escuché esta música tan especial. Nunca volví a mirar atrás desde ese momento y este disco continúa siendo el que me hizo querer ser artista.

Melody (1994)

Este fue un extraño, pero influyente disco para mí. Era de un tipo llamado Ronnie Martin que puede escribir canciones de pop electrónico realmente extrañas sobre amor, tristeza, bosques, piruletas...

Homogenic (1997)

Royal Blood y The Prodigy, cabezas del BIME Live Recientemente se dio a conocer la distribución por días y algunas novedades del BIME Live, que se celebrará los días 27 y 28 de octubre en la ciudad vasca. Los cabezas de cartel son, como ya apuntamos en el titular Royal Blood –día 27- y The Prodigy –día 28-, pero hay mucho más. El viernes actuarán artistas como Metronomy, Ride, Bill Callahan, Einstürzende Neubauten, Rural Zombies o Pablo Und Destruktion. En cuanto al sábado, podremos ver a Vitalic, al supergrupo BNQT, a Exquirla, a Delorean reinventando el repertorio de Mikel Laboa o a Las Bistecs. La programación se completa también con las sesiones de gente como Jackmaster, Joy Orbison, Mano Le Tough, Leon Vynehal o El_Txef_A. www.bime.net.

#18 octubre 2017

alexis taylor FOTO: archivo

ROYAL BLOOD FOTO: ARCHIVO

www.monkeyweek.org.

Suman uno más, a punto de convertirse en mayores de edad definitivamente. Los responsables de la barcelonesa sala Razzmatazz vuelven a darlo todo para reunir en su programación especial de aniversario a una larga lista de nombres tanto nacionales como internacionales. Desde el 21 de octubre hasta el 16 de diciembre, podremos ver pasar por las distintas salas del Razz a grupos y artistas como Belako, Kaleo, Micah P. Hinson, Mount Kimbie, Omar Souleyman, Saint Etienne, Satellite Stories, Surfin Bichos, Tiga, Trombone Shorty, The Darkness, Vessels, Jacques Greene, Mon Laferte, Nadia Rose, RAC, Otherkin y un largo etcétera.

Ya ha comenzado el ciclo Momentos Alhambra El disco que nadie imaginaría que te encanta...

Un disco que descubrí por mis padres

Annie Lennox

Mercy (1994)

Medusa (1995)

¡Qué extraño disco en solitario! ¡Qué extraño y maravilloso esfuerzo en solitario! La canción Why lo tiene todo.

Andraé Crouch Mi padre realmente adoraba la música gospel negra. Lo escuchábamos juntos muchas veces. Adoro los coros de voces negras, siempre han conseguido sonar muchísimo mejor que cualquier otro tipo de coros.

Un disco importante que no te gusta demasiado... The Beatles

White Album (1968)

Porque la gente no deja de hablar de él. Estoy listo para hacer hueco a cosas nuevas. Más en www.mondosonoro.com

Momentos Alhambra es otro de los ciclos más atractivos de la temporada. En su programación –que se inició el pasado 28 de septiembre- cuenta con atractivos nombre nacionales e internacionales para paladares selectos que despliegan sus actuaciones hasta el próximo 30 de noviembre (el ciclo se cerrará el 30 de noviembre con Alexis Taylor de Hot Chip en la sala Intruso) en distintos recintos de la ciudad de Madrid. Podremos ver en directo a gente como Will Johnson (11 octubre, Costello), Austra (30 octubre, Galileo Galilei), Ibibio Sound Machine (11 octubre, Caracol), John Maus (3 noviembre, Café La Palma) o Micah P. Hinson (4 noviembre, Siroco). Consigue la entrada en www.cervezasalhambra.es.

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Ibeyi Baile después del duelo

Las hermanas Lisa-Kaindé y Naomi Diaz vuelven con Ash (XL/Popstock!, 17), un álbum mucho más uptempo que su debut y un trabajo que vuelve a posicionarlas como una de las bandas más interesantes nacidas en la vecina Francia.

—sergio del amo

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FOTO: AMBER MAHONEY

on apenas veintiún años las gemelas Lisa-Kaindé y Naomi Diaz saben muy bien lo que quieren. A este par de hermanas cubano-francesas todo les ha ido rodado. Apenas dos meses después de firmar su primer contrato discográfico con XL Recordings en 2013 ya estaban en el estudio grabando Oya, su primer EP. Pero su suerte cambió radicalmente en 2015 cuando se atrevieron a lanzar su primer álbum homónimo, ya que nuestro país vecino cayó rendido ante un proyecto musical personalísimo en el que el r&b, el soul, el jazz y la electrónica minimalista se fundía con sus raíces cubanas y el lenguaje yoruba africano. Su padre, Anga Diaz, fue miembro de la banda de jazz latino Irakere y de los icónicos Buena Vista Social Club, mientras que su madre, Maya Dagnino, era cantante. ¿Su destino de algún modo estaba predestinado? “Nuestro padre en vida siempre nos decía que quería que nos dedicáramos a algo que no fuera artístico, pero si viera todo lo que hemos conseguido en estos años estaría, sin duda, muy orgulloso de nosotras. Nuestra madre sí que nos apoyó desde el principio. De hecho, gracias a ella empecé a componer mis primeras canciones poco antes de que Naomi me dijera ‘hermanita, no te voy a dejar sola en esto’ y decidiera acompañarme en

esta aventura que tantas alegrías nos están dando a ambas”, comenta Lisa-Kaindé. Si bien su primer disco fue un álbum de duelo (en 2013 falleció su otra hermana), su nuevo trabajo, Ash, apunta hacia una dirección más esperanzadora tal como Naomi nos revela: “El título del disco significa ‘cenizas’, lo que en realidad somos ahora. A primeras puede interpretarse como algo triste, pero para nosotras es todo lo contrario porque, precisamente, de esas cenizas acaba naciendo algo nuevo. Hasta de lo doloroso nos gusta encontrar lo bello. Este es un trabajo mucho más uptempo e inmediato que el primero. Hay mucha influencia del hip hop y del pop, y las canciones han sido expresamente pensadas para poder presentarlas en vivo. ¡Ya tocaba algo de baile!”. Y lo mejor del asunto es que esta vez están muy bien acompañadas. Más allá de La Mala Rodríguez en Me voy (su primer tema en español hasta la fecha, “aunque no será el único de cara al futuro”), en Ash también encontramos colaboraciones con Chilly Gonzales, Kamasi Washington y Meshell Ndegeocello. “Todo ha sido muy natural y orgánico. Todos ellos son artistas que amamos y no nos podemos creer que hayan puesto su granito de arena en el álbum. No podemos estar más agradecidas”. Cuando se les pregunta a las hermanas por su cameo en el álbum visual Lemonade de Beyoncé se les ilumina la cara, aunque por contrato no pueden contar más de la cuenta. “Siento no poder explicar más detalles de lo que ocurrió, aunque lo que sí podemos decirte es que ella es una mujer extraordinaria y muy cercana en las distancias cortas”.

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octubre 2017 #19

#20 octubre 2017

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La Bien Querida De luz y de color

“Mantenerse sin venderse y con dignidad ya me parece un logro en este mundillo”

FOTO: pablo zamora

n Fuego hay un poco de todo lo que conocíamos de cada disco, pero transgredido”. Así lo presenta Elefant Records, así lo han demostrado los sencillos de adelanto que han sonado este verano y así se siente desde la primera escucha. Pero Ana Fernández-Villaverde puntualiza: “En realidad, el único disco en el que se podría decir que el sonido está más unificado es Ceremonia (12), porque los demás son canciones que se han arreglado de una manera o de otra. Yo hago las canciones y David (Rodríguez) hace los arreglos. No hay más”. Su voluntad de quitarle hierro a cualquier reflexión mínimamente sesuda sobre el momento en el que llega este disco es tan directa como la claridad con la que hablan sus temas. Pero sí hay más. La constancia y la voluntad de reinventarse han jugado un papel clave en el éxito de un proyecto que, a la altura de su quinta referencia, les permite tanto mirar atrás como hacia delante. La pegadiza 7 días juntos, una incursión “dub” en el mundo de la cumbia, que cuenta con Joan Miquel Oliver como invitado (recuperando su canción Dins un avió de paper), fue la encargada de presentar al comienzo de este verano lo que se avecinaba: La Bien Querida en su máximo esplendor con colaboraciones de todo tipo. “Son todos amigos, así que todos aceptaron”, comenta Ana. Entre ellos están Manuel Cabezalí de Havalina, J de Los Planetas, o las palmas de Muchachito en Recompensarte, con la colaboración más vistosa del disco, para cerrar su ronda de presentación junto a Dinamita y El lado bueno. “David quería que Recompensarte la cantara Rosendo. Valoré su opinión pero me siento más identificada con lo que hace J, es más amigo mío y me hace más ilusión”, cuenta Ana, que menciona al granadino como uno de sus referentes. Respecto a estos, los hay que vuelven a sus canciones, como Battiato en Si me quieres a mí y New Order en El lado bueno. Pero no considera que tras los guiños a Romancero o Fiesta que hay en el disco haya un “fuera complejos”. “Es que en ningún momento los hemos tenido. Quizás yo más, creo que soy mucho más indie que David, que no tiene ningún complejo”, asegura. A pesar de todo, le ha costado sacar este disco adelante. Por un lado, llegaban de un lanzamiento tan original

Su quinto álbum, Fuego (Elefant, 17), le canta a las pasiones y pone en bandeja todas las virtudes que, disco a disco, han convertido al proyecto de Ana FernándezVillaverde en referente del indie nacional. Hablamos con ella para sumergirnos más en su universo y en su repertorio.

CRÍTICA Fuego

Elefant Records Pop 7/10

Dame candela El quinto álbum siempre supone una cifra especial en la discografía de cualquier artista. Algunos lo celebran haciendo de él algo especial y otros lo consideran un alto más en el camino que debe hablar por sí mismo. Entre estos últimos se podría situar a La Bien Querida, que no lo tenía fácil después de un proyecto como fue el de Premeditación, Nocturnidad y Alevosía (15), con aquel original lanzamiento en tres actos. Ana Fernández-Villaverde no es de forzar las cosas y reconoce que le ha costado terminarlo, pero, con el resultado, condensa su universo lírico y musical

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más que nunca. Una mirada hacia delante que celebra en sí mismo la trayectoria del grupo, ya que a este Fuego lo avivan todos los ingredientes que han hecho de La Bien Querida lo que es: el punto castizo de Romancero, representado en Recompensarte, una rumba cantada a medias con J (Los Planetas); la fusión tropical de Fiesta en 7 Días Juntos, una cumbia dub de lo más pegadiza; la electrónica de Ceremonia, que en Permanentemente evoca al electro-pop español de los noventa; y la oscuridad de Premeditación, Nocturnidad y Alevosía en canciones como Peor que las demás y Dinamita. Pequeñas joyas escondidas terminan de convertirlo en un tesoro. Entre ellas, el desenlace de 7 Días Juntos cantado por Joan Miquel Oliver, las palmas de Muchachito y las guitarras de Alejandro Martínez (Klaus & Kinski) en Recompensarte o la aparición de David Rodríguez en su versión de La Estrella de David en La pieza que me falta, de quien destaca una vez más su maestría en la producción del álbum. —cristina pancorbo

y complejo como Premeditación, Nocturnidad y Alevosía (Elefant, 15). Por el otro, continúan con su apuesta por un tema amplio pero no infinito como es el amor, eje además del proyecto. “Me ha costado una barbaridad hacer las canciones. El amor tiene muchas facetas e intento hablar siempre de cosas diferentes dentro de él”, asegura. “Cuando compongo me ayuda tener el objetivo de que se puedan cantar, tararear”. De ahí que confiese que su favorita de este disco sea Los jardines de marzo. “Ese tipo de canciones me gustan porque son atemporales. A las personas que nos dedicamos a algo creativo o artístico nos da muchísima satisfacción cuando finalizamos un proyecto, una canción, es muy terapéutico. Pero es un proceso que también nos hace sufrir”, continúa. Su empeño en sacar el lado positivo también está en este disco desde el mismo título, hablando de un deseo luminoso que reivindica la vida y el placer, aunque a veces se nota más en las letras que en el sonido, como puede ocurrir en Peor que las demás o La pieza que me falta (esta con David en la faceta de La Estrella de David), brillantes en su oscuridad. “Yo creo que la naturaleza de la mayoría de las personas es un poco negativa. Ver el vaso medio lleno es algo que se puede hacer para intentar ser más feliz”, explica. Con esta mentalidad se enfrenta este mes a la recepción de Fuego, que se publica el día 6. “Me gustaría que llegara a mucha gente y que gustara, pero como digo en la canción El lado bueno estoy preparada para lo peor. Siempre me preparo para lo peor aunque deseo lo mejor”, dice Ana, que renuncia a marcarse grandes metas de cara a esta etapa. “Tampoco somos nosotros muy ambiciosos. Mantenerse sin venderse y con dignidad ya me parece un logro en este mundillo”, concluye. —cristina pancorbo

r Más en www.mondosonoro.com

en concierto l Madrid 08 de octubre [Acústico]. FNAC Callao 15 diciembre. OchoyMedio Club [Sala But] l Barcelona 16 diciembre 2017. Apolo 2

octubre 2017 #21

EN PORTADA

Lord Adiós Adolescencia

No cabe duda de que la neozelandesa Lorde ha publicado con Melodrama (Universal, 17), uno de los discos imprescindibles de la temporada. Con motivo de su primera visita en concierto a nuestro país hemos charlado con ella sobre algunos de los secretos de sus últimas canciones, el impacto de su exitoso debut y cómo afronta la fama a las puertas de cumplir veintiún años.

“Estos años han sido una maravillosa locura y me da hasta algo de pavor echar la vista atrás porque han ocurrido muchísimas cosas que ni en mis mejores sueños hubiera llegado a imaginar”

#22 octubre 2017

on las nueve y media de la mañana en Nueva Zelanda y Ella Marija Lani Yelich-O›Connor, o lo que viene siendo Lorde, nos atiende por teléfono cuando aún tiene alguna que otra legaña asomando por los ojos. En estas semanas previas a que dé comienzo su Melodrama Tour, sabiamente, aprovecha el máximo de tiempo posible para descansar en casa entre ensayo y ensayo. “Ya sólo el hecho de pensar en cuántas maletas y cajas voy a llevar conmigo de gira me da vértigo”, comenta entre risas. Aunque su preocupación de banal tiene poca: de momento tiene conciertos programados hasta mediados de abril (con parada en Barcelona incluida el 9 de octubre –Sant Jordi Club-) y es más que consciente de que sus futuros días serán un ir y venir de aeropuertos y hoteles. “Siempre que puedo intento darme un paseo y ver, aunque sea de forma superficial, la ciudad que visito. Pero sí es verdad que al final acabo pasando más tiempo en las piscinas de los hoteles porque me ayudan a relajarme. Cuando estoy en Nueva Zelanda me siento muy tranquila al estar con los míos, aunque sé que es inevitable toparme con un montón de paparazzis cuando pongo un pie en el aeropuerto de Los Ángeles. Que me persigan no es lo que me hace más feliz de este mundo, obviamente, pero es algo que no puedes controlar y que tienes que asumir desde el primer momento en el que te consideran una artista de éxito”, confiesa. A punto de cumplir veintiún años, Lorde lo tiene todo de su parte. Cuando su debut, Pure Heroine, apareció en 2013 cuando apenas tenía dieciséis años, muchos la tildaron de ser una one hit wonder cualquiera. El rutilante éxito de Royals, sin duda, ensombreció en gran medida la recepción de un disco que atesoraba muchas otras canciones brillantes. No obstante, lo interesante del asunto es cómo cuatro años después las tornas han cambiado y la crítica especializada (aparte del público

—texto Sergio del Amo que desconocía su existencia hasta ahora) ha calificado su reciente Melodrama como uno de los discos necesarios de este 2017. Ella asiente la idea que le planteo. “Estoy totalmente de acuerdo. Royals no paró de sonar constantemente en las radios y quizás algunos, al acabar agotados de escucharla allá donde iban sin descanso, no pararon atención al resto de Pure Heroine. Ese fue el precio de presentarme ante el gran público, ya que tuve que demostrar a todos que era mucho más que un single de éxito. Pero como bien me has dicho eso ahora ha cambiado. Es estupendo ver cómo muchísima gente te descubre años después con otras canciones que para mí significan mucho. Aunque sea tarde, con eso es con lo que me quedo”. Si Pure Heroine era un canto a la adolescencia, Melodrama pone sobre la mesa otros temas como la soledad, los inevitables miedos que cualquiera siente cuando acecha la vida adulta o qué será de nosotros en el futuro en este mundo en el que hay que superar infinitas zancadillas; todo ello empleando el recurso de una hipotética fiesta en casa como hilo conductor para estos once nuevos temas. “Le estuve dando muchas vueltas a cómo podía aglutinar todo lo que en este disco quería expresar, pero cuando di con la idea de esa fiesta casera todo cobró sentido y las piezas del puzzle se juntaron de una forma muy natural”, afirma. “Hubo canciones como Perfect Places que fueron un auténtico quebradero de cabeza en el estudio porque no conseguíamos encontrar ni el beat perfecto ni los coros que mejor se le ajustaban. Estuvimos mucho tiempo trabajando en ello y regrabando todo tipo de coros hasta que dimos con la versión definitiva del disco. Probablemente, fue el tema más difícil de llevar a cabo”, añade antes de comentarle que The Louvre, con esa batería tan deudora de Phil Collins, pide a gritos ser single algún día. “También me encanta como a ti. Esa era la primera vez que trabajaba con Harley Edward (el productor australiano Flume, quien ya se había encargado de remezclar con anterioridad Tennis Court) y no descarto hacer más cosas con él en un futuro. Nos conocimos hará cosa de cinco años y, desde el principio, Harley quería que algún día nos encerráramos en el estudio. Ha costado, sí, pero el resultado ha valido mucho la pena”. Cuando hace meses llegaron las primeras noticias sobre los créditos de Melodrama una de las mayores sorpresas fue comprobar que Joel Little, el productor que construyó prácticamente en solitario el sonido de Pure Heroine, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: ARCHIVO

en esta ocasión sólo participaba de forma testimonial como co-productor en Green Light. El más que atareado Jack Antonoff (líder de Bleachers y guitarrista de Fun.) ha llevado la batuta esta vez. ¿Por algún motivo en especial? “Con Jack tuve sintonía desde el primer momento que le conocí, así que no me lo pensé dos veces cuando surgió la posibilidad de poder hacer algo codo con codo junto a él. A Joel le adoro. Desde que empecé en esto de la música siempre ha sido un gran amigo y consejero para mí. Cuando grabamos Pure Heroine lo hicimos sin ningún tipo de pretensión y ambos fuimos los primeros sorprendidos de cómo caló entre el público. No obstante, de cara a este último disco, desde el inicio tuve la idea de probar con otros productores que he ido conociendo a lo largo de estos años para ver qué pasaba. Cuando le expuse esto último a Joel lo entendió perfectamente. Salir de la zona de confort puede ser arriesgado, pero a veces es necesario porque sólo así te puedes poner a prueba experimentando con otros sonidos. Inevitablemente, la gente cambia con el paso de los años. Y la verdad es que no soy la misma ahora que cuando tenía dieciséis años. Es lógico que alguien como yo quiera demostrar esa evolución tanto personal como artística a través del sonido de las canciones”. Sorprende su templanza y cómo sigue manteniendo firmemente sus pies sobre la tierra a pesar del éxito internacional obtenido. Pero aún sorprende más que alguien tan tímida como ella deje atrás sus inseguridades cuando está sobre el escenario. “Me encanta actuar y el mayor reto para mí es poder entretener al público y hacerle olvidar, aunque sea momentáneamente, sus problemas diarios. Reconozco que soy una persona bastante tímida y reservada en mi día a día, pero cuando estás delante de miles de personas no debes demostrar eso porque la gente no es tonta y se percata enseguida”, cuenta. “Estos años han sido una maravillosa locura y me da hasta algo de pavor echar la vista atrás porque han ocurrido muchísimas cosas que ni en mis mejores sueños hubiera llegado a imaginar. Si pudiese viajar en el tiempo cuatro años atrás y poder hablar conmigo misma me diría ‘sigue adelante porque va a ser muy divertido’”. ¿Y cómo se ve a diez años vista? “La fama es algo que nunca me ha importado lo más mínimo por mucho que algunos sí lo piensen. Si de mí dependiera dentro de una década lo que más me gustaría hacer es seguir publicando discos de los que me sienta orgullosa y pasar más tiempo con mi perro. Con eso me conformo”. A la espera de poder verla en acción por primera vez en nuestro país, Lorde avanza que su Melodrama Tour será “un show con mucha furia en el que las canciones y los visuales darán la sensación de estar dentro de un sueño”. Aunque eso sí, según ella no nos va a deleitar con ninguna coreografía como la que se vio obligada a hacer en los últimos MTV Video Music Awards ya que “la idea inicial para la gala era interpretar en vivo Homemade Dynamite, pero al estar enferma y no poder cantar tuve que inventarme algo para no cancelar mi asistencia. Por mucho que lo tengas todo bajo control siempre puede surgir un imprevisto como ese. Pero eso sí: nada ni nadie, nunca, puede detener tu fiesta”. —S.D.A.

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octubre 2017 #23

OCTUBRE 2017 ANDALUCÍA, CASTILLA LA MANCHA, CANARIAS, EXTREMADURA Y MADRID ANDALUCÍA

FUN CLUB, SEVILLA 13/10/2017 CALA VENTO E ISEO & DODOSOUND (MONKEY WEEK) 14/10/2017 BALA Y LUMA (MONKEY WEEK)

CASTILLA LA MANCHA LOS CLÁSICOS, TOLEDO 28/10/2017 CLUB DEL RÍO

CANARIAS

CAFÉ QUILOMBO, LA OROTOVA (TENERIFE) 07/10/2017 LUMA 21/10/2017 CALA VENTO CAFÉ TEATRO RAYUELA, TENERIFE 06/10/2017 LUMA 20/10/2017 CALA VENTO

EXTREMADURA

EL CORRAL DE LAS CIGÜEÑAS, CÁCERES 15/10/2017 LOS 300

MADRID

TEMPO CLUB, MADRID 14/10/2017 LOS 300 CAFÉ LA PALMA, MADRID 19/10/2017 ISABEL VINARDELL & ISABELLE LAUDENBACH COSTELLO, MADRID 19/10/2017 LUMA 28/10/2017 ZEA MAYS

TABOO, MADRID 20/10/2017 SONIDO VEGETAL

ARAGÓN, BALEARES, CASTILLA LEÓN, CATALUÑA Y COMUNIDAD VALENCIANA ARAGÓN

CASTILLA LEÓN

CATALUÑA

BALEARES

LA CUEVA DEL JAZZ, ZAMORA 14/10/2017 MOONSHINERS

COM. VALENCIANA

LA LATA DE BOMBILLAS, ZARAGOZA 26/10/2017 CALA VENTO ES GREMI, PALMA MALLORCA 20/10/2017 ISEO & DODOSOUND

#24 octubre 2017

BEAT CLUB, SEGOVIA 06/10/2017 CLUB DEL RÍO

CAFÉ T. AVALON GREEN, SORIA 20/10/2017 LOS 300

ALMODOBAR BLACKSTAGE, BARCELONA 21/10/2017 LOS 300

GALICIA, ASTURIAS Y NAVARRA GALICIA

ASTURIAS

CLAVICÉMBALO, LUGO 13/10/2017 MOONSHINERS 27/10/2017 MIGUEL SALVADOR & JAVIER ALZOLA TRÍO

NAVARRA

ATURUXO, BUEU (PONTEVEDRA) 15/10/2017 MOONSHINERS

LA LATA DE ZINC, OVIEDO 20/10/2017 ZEA MAYS KAFE ZENTRAL, PAMPLONA 29/10/2017 MIGUEL SALVADOR & JAVIER ALZOLA TRÍO

CAFÉ AURIENSE, OURENSE 26/10/2017 MIGUEL SALVADOR & JAVIER ALZOLA TRÍO Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

ESPAI OCTUBRE, VALENCIA 20/10/2017 ISABEL VINARDELL & ISABELLE LAUDENBACH

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FOTO: CHRIS RHODES

David Sánchez y sus gustos músicales

“Nuestra música es un caballo de Troya”

Cantando a la crueldad humana y a los constantes desajustes de la sociedad actual, Alex Cameron regresa con un segundo trabajo, Forced Witness (Secretely Canadian/Popstock!, 17), que sorprende por el choque frontal entre el contenido y la forma. Pero Cameron opera junto al saxofonista Roy Molloy, este último el encargado de contestar a nuestra entrevista.

Jumping The Shark (Siberian Records, 14) vio la luz hace ya tres años. ¿Qué ha pasado a lo largo de este tiempo? Asumo que no habéis dedicado todo el tiempo a grabar este nuevo disco. Te sorprenderías al saber que Jumping The Shark no fue un éxito inmediato. Salió en 2014 y fue un absoluto fracaso a nivel económico y de crítica. Estuvimos unos tres años girando con el disco sin parar, presentándolo a la gente, creciendo en la industria… Pero cuando no estábamos de gira, seguíamos todos con nuestro trabajo de día para ganar dinero. Luego, firmamos con Secretely Canadian en 2016 y empezamos a girar todo el tiempo. Fue increíble. Alex se inspiró para el material del segundo disco en ese momento. —¿Y qué ha sido más importante en vuestra evolución: lo musical o lo personal? Se podría decir que nuestro mundo social se ha derrumbado por completo. No tener un hogar y tener únicamente las posesiones que llevamos encima todo el tiempo nos ha llevado a vivir en una extraña paranoia. Yo realmente me estreso cuando no puedo ver cerca mi maleta, mi saxofón o mi portátil. Y musicalmente considero que hemos evolucionado bastante y sonamos mejor. Bastante mejor. Ahora mismo estamos en la cima de la montaña. —Una cima que habéis escalado con la ayuda de Jonathan Rado (Foxygen), quien ha estado a cargo de la producción de este disco. ¿Cómo os conocisteis? ¿Cuál fue su rol exactamente? ¿Hay algo de Foxygen en este disco? Jonathan Rado y Alex se conocieron en París en 2014. Jonathan vio a Alex en un show (al que yo no pude asistir por temas financieros y legales) y Rado le dejó una nota en su mochila en la que ponía “vente de gira mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

conmigo”. Al momento, Alex y yo compramos un Cadillac en Los Ángeles y nos fuimos con ellos para tocar como sus teloneros durante un mes. Jonathan realmente se convirtió en nuestro ángel de la guarda desde ese momento. Nada de esto hubiera sido posible sin él. En términos de producción hay mucho de Alex, pero Jonathan es un crack a la guitarra y a los teclados y respetamos mucho sus opiniones. Cuando anda a la búsqueda de la canción perfecta es totalmente despiadado y es impresionante. —En este disco hay un fuerte contraste entre el sonido y las letras. ¿Fue algo decidido conscientemente o algo que salió de manera espontánea? Todo lo que hacemos lo hacemos de manera consciente. La gente escucha otros grupos por su espontaneidad o por lo que sea, pero no creo que la gente que nos escucha a nosotros venga por eso. Nuestra música es un caballo de Troya que tiene como objetivo calar el contenido de las letras en la mente de la gente. —Las letras del disco realmente sorprenden. ¿De quién hablan en realidad? Cuando Alex empezó a trabajar en este segundo disco, estaba trabajando en una oficina legal. Siempre nos reuníamos después del trabajo para tomar una cerveza y realmente siempre tenía un aspecto como desgarrado. El trabajo le estaba afectando seriamente a la salud, así que decidió dejarlo por motivos de estrés. Desde entonces, empezó a tener una actitud de observador y eso es algo que se refleja en el disco. Algunos temas hablan sobre él, pero otros se refieren a otras personas. —El universo sonoro de vuestras canciones es algo oscuro. ¿Sois gente pesimista? ¿Con qué frecuencia en una semana transmitimos felicidad y orgullo? Sentirse así solamente supone un diez por ciento de nuestras vidas, así que las canciones que hacemos se basan en esa realidad. De ahí viene esa oscuridad, pero eso no significa que los temas no tengan momentos de felicidad y de positividad. —raquel pagès

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Paso a paso, David Sánchez se ha consolidado como uno de los artistas más personales del cómic español. Su todavía reciente Un millón de años (Astiberri, 17) es, sin duda, uno de los trabajos del año, por ello aprovechamos para interesarnos por sus gustos musicales.

uál es el disco que más veces has escuchado…? Supongo que el primer disco de The Doors. Lo llevo oyendo desde 1991 y me sigue gustando muchísimo. En realidad te podría decir toda su discografía, pero supongo que el que más veces he oído es el primero. El disco que más escuchabas de pequeño y que ahora puede considerarse un guilty pleasure… Me gustaban muchísimo Genesis y Phil Collins. Conservo bastantes vinilos de Genesis. Recuerdo que Abacab de Genesis me parecía buenísimo, pero lo he vuelto a escuchar y he descubierto cómo ha cambiado mi criterio. Ahora bien, hay un disco que me encantaba de pequeño y al oírlo ahora me sigue pareciendo bueno pero por algún motivo me avergüenza un poco y es The Rythm Of The Saints de Paul Simon, tiene una canción que me parece buenísima: She Moves On, la estoy escuchando ahora mismo. ¡Me encanta! El primer disco que escuchaste completo… Pues tiene que ser Bad de Michael Jackson o Brothers In Arms de Dire Straits, uno de esos dos. Bad fue el primer disco que me compré, eso seguro, pero Brothers In Arms lo tenía grabado en cinta y no puedo recordar cuál tuve primero. Un disco importante de la historia del pop que no te gusta demasiado, y el motivo… Blonde On Blonde de Bob Dylan. No soy muy fan de Dylan, de hecho le tengo bastante manía, aparte de que no me parece uno de sus mejores discos (a mí los que me flipan son Desire y Pat Garrett And Billy The Kid) tiene una canción que no me gusta nada y también es muy típica: Just Like A Woman. Un disco que tus lectores jamás imaginarían que te encanta… The Sound Of Silence de Simon And Garfunkel es uno de mis discos favoritos, me encanta. Lo que ocurre es que una vez lo comenté en Facebook y hubo sorpresas, no sé por qué. —MS octubre 2017 #25

FIN DE GIRA NOCTURNAL

M A DR I D - W iZ in k C e n te r

SÁBADO 28OCT 2017 G R A B AC IÓN DIS CO E N D IR E CTO Organiza:

#26 octubre 2017

Puntos de Venta Oficiales:

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A.R. Kane 69 (88) El primer disco facturado por Rudy Tambala y Alex Ayuli está tan adelantado a su tiempo que su fecha de envasado es lo de menos; estamos ante la verdadera llave maestra de lo que debería entenderse como post-rock. Desde su mirada afrofuturista, el dúo británico se dedicó a hacer del estudio de grabación una fascinante invitación al error y al éxtasis del descubrimiento. El gran clásico perdido de los ochenta y el verdadero arranque a la generación perdida de los noventa.

Moonshake Eva Luna (92) Mientras Stereolab comenzaban su andadura basándose, principalmente en Can y Neu!, Moonshake fueron abriendo variables en el discurso post-rock a través de su obsesión arraigada en el Metal Box (1979) de Public Image Limited. El indie pop británico estaba buscando vías remozadas de expresión más abiertas y panorámicas, y ellos llegaron al punto de aunar los patrones rítmicos de Eric B. & Rakim, el fulgor shoegaze de My Bloody Valentine, el pálpito sexual de The Stooges y, cómo no, tanto el avant-funk de Can como el dub estrábico de P.I.L. Un tesoro a redescubrir.

Seefeel Quique (93) Este álbum se puede plantear como el cruce soñado entre las derivas ambient techno de Aphex Twin y las miasmas de electricidad sensual dinamitadas por My Bloody Valentine en Loveless (1991). No en vano, el latido multiplicado de esta obra invita a contemplarla como una derivación más espaciosa (y rítmica) del monolito en la trayectoria de Kevin Shields. Quique también fue el punto de contacto con el minimal naturalista gestado por las facciones más avispadas de Alemania, entre las que destacaban Oval y Gas. A día de hoy, sigue siendo un álbum que invita a la escucha en repeat.

Pram The Stars Are So Big, The Earth Is So Small... Stay As You Are (93) Pram siempre han sido una delicatesen para paladares ávidos de rebuscar entre el underground del underground. O lo que se entiende como una invitación a degustar sabores prohibidos para los convencionalismos consensuados. Y es que lo de esta formación era todo un festín privado donde krautrock, Ludus y neopsicodelia polirrítmica danzaban sobre el corazón de un sueño de Guy Maddin. Y todo ello concebido como si se tratara de unos Faust nacidos en plena campiña inglesa. Inaudito.

Post-rock en el Reino Unido Diez clásicos Más que un estilo de música, el postrock siempre ha sido un concepto basado en tocar música de timbres y texturas no-rock tanto con instrumentos como bajo patrones típicos de la ortodoxia rock más experimental. A dicha teoría llegó el periodista Simon Reynolds cuando tuvo que reseñar Hex, el enigmático debut de una banda conocida como Bark Psychosis. Aprovechando la ocasión de la, tan necesaria, reedición de esta obra, recordamos las diez piezas más relucientes de todo un universo al que hace unos años se le bautizó como la generación perdida; y que, a día de hoy, sigue siendo un misterio para muchos. Y siendo una invitación al descubrimiento, mejor dejar en el tintero a bandas sobradamente conocidas como Mogwai o Stereolab.

Bark Psychosis Hex (94) Bark Psychosis tardaron ocho años en publicar Hex, aunque tampoco hubiera sonado extraño si, en vez de en 1994, hubiera sido publicado treinta años más tarde. Y es que la única medida temporal aplicable a este trabajo es la que se refiere a haber sido un punto de inflexión básico en el reconocimiento de la ortodoxia post-rock; la misma que ya habían abrigado Talk Talk a través de Spirit Of Eden (88) y Laughing Stock (91), una continuación real a obras tan personales en su concepción monástica de la liturgia pop. Y Bark Psychosis no sólo lo lograron, sino que también tendieron un puente, brillantemente recogido hoy en día por These New Puritans. Inabarcable, y me quedo corto.

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Disco Inferno D.I. Go Pop (94) Y qué decir de este lujazo. ¿La banda más infravalorada de los noventa? Posiblemente, y más con pruebas como la aquí mentada. Porque este trabajo es como haber vertido en una coctelera a Young Gods, Joy Division y Bomb Squad, producidos por el chiflado de Martin Hannett. De tan alucinante mezcla surge una bomba de relojería de texturas y grooves panorámicos tan físicos que se imponen como una representación tridimensional del sonido. Cascadas en movimiento, rocas cayendo, toda clase de sonidos naturalistas desplegados en una gran gincana del sample y el MIDI, para los que Ian Crause y los suyos fueron tan relevantes como Kraftwerk para el sintetizador.

Scorn Evanescence (94) Grupos como Pram y Scorn dejan a las claras que algo tenía Birmingham para sembrar bandas tan alejadas de las sendas marcadas por las audiencias y radiofórmulas. En la expresión etérea del drone había un agujero negro donde perderse, y ahí es donde fueron derechitos Mick Harris y Nic Bullen, ambos ex Napalm Death. Sombras dub y tacto industrial representan la metodología aplicada a este surtido de canciones, definitivamente, glaciares.

Main Motion Pool (94) No resulta extraño encontrar el nombre de Robert Hampton entre los créditos principales de este triple disco de proyección sideral. Un salto al vació entre las interioridades del drone más allá de lo que le permitía el formato canción en Loop, la banda por la que siempre será recordado. Sin embargo, fue por medio de Main donde Hampton pudo llegar hasta los confines de la distorsión que retumbaba en su quijotera. El resultado es portentoso, un tour de force que puso el listón muy alto a futuros espeleólogos de la excursión drónica.

Flying Saucer Attack Further (95) Dentro de los innegables paralelismos que existen entre la generación perdida del post-rock británico y el krautrock alemán, si Main eran la versión british de Cluster y Moonshake lo eran de Can, entonces Flying Saucer Attack habían tomado el testigo de Popol Vuh. Basta con leer las declaraciones ofrecidas por el cerebro y alma de este proyecto, David Pearce, siempre mencionando a Dave Fricke y su concepción mántrica de armar melodías como principal sustento inspirador.

Laika Silver Apples Of The Moon (96) Surgidos de la escisión de Moonshake, el dúo conformado por Margaret Fiedler y John Fernett se reinventó como Laika, quizá el único grupo de entre toda esta generación con posibilidades reales de haberle disputado a Stereolab su puesto de honor. Mucho tuvo que ver Silver Apples Of The Moon (1996), un carnaval de sonidos siempre en constante metamorfosis. Del hip hop mutado en Coming Down Glass al pulso tribal que mueve Let Me Sleep, fue como si se hubieran abierto la tapa de la cabeza y extraído el cerebro para comenzar a jugar con sus zonas más escondidas.

—joan s. luna

octubre 2017 #27

Foo Fighters S i en 2014 charlamos con Dave Grohl a propósito de Sonic Highways, en esta ocasión nos reunimos, unas horas antes del concierto, con otros dos miembros de la banda, Nate Mendel y Chris Shiflett, en busca de las claves de su nuevo trabajo. El ahora sexteto con la incorporación oficial y definitiva del teclista Rami Jaffee (ex The Wallflowers, Soul Asylum, Coheed And Cambria) está alojado en un lujoso hotel del paseo de Gràcia, la Milla de Oro barcelonesa, y se ha repartido los diferentes medios interesados en su visita y su nuevo largo. La expectación es máxima. Como era de esperar, Shiflett y Mendel no saben nada de los diferentes concursos organizados durante los días previos para conseguir una entrada para el concierto. “No tenía ni idea, pero pienso mirar en las redes sociales esas fotos y vídeos de los que hablas”, asegura con una sonrisa el guitarrista. Ajenos a la locura que han desatado desde el anuncio de su no-tan-secreto concierto -la sala fue desvelada a los ganadores y demás invitados por correo electrónico durante esa misma tarde-, ambos se muestran extremadamente relajados. “¿De verdad llevamos desde el 2002 sin tocar aquí? Pues sí, demasiado tiempo”, responde Shiflett cuando le recuerdo que no han pisado la capital catalana desde la gira de presentación de One By One, su cuarto trabajo y curiosamente uno de los más flojos según dijo el propio Grohl unas horas más tarde en la sala Barts. Mejor no hablamos del concierto en Barcelona cancelado por los atentados de París en noviembre del 2015. Entiendo que estén hartos de justificarse. Ese ataque en la parisina Bataclan fue un mazazo puesto que tienen muchos amigos entre los miembros y el equipo de Eagles Of Death Metal. Hablamos entonces de Concrete And Gold, un título que juega explícitamente con los opuestos. Les explico la teoría de un amigo acerca del título: los miembros

DAVE GROHL Poco podemos apuntar a estas alturas sobre la carrera de Dave Grohl que no se haya dicho una y mil veces, desde sus inicios teenagers con Dain Bramage. Líder absoluto de Foo Fighters, batería de formaciones como Nirvana o Scream, motor de proyectos como Harlingtox A.D., Probot o Them Crooked Vultures, colaborador de Queens Of The Stone Age, Tenacious D (la banda del actor Jack Black), Killing Joke y un largo etcétera... Vamos, que es el que manda. #28 octubre 2017

NATE MENDEL El miembro más antiguo de Foo Fighters con permiso del propio Grohl cuenta con un pasado hardcore de verdadero lujo. Ha militado temporalmente en los brutos Christ On A Crutch, en Brotherhood o en la banda post-hardcore Juno, aunque se formó un nombre legendario gracias a sus años en Sunny Day Real Estate (y The Fire Theft). Debutó en solitario en 2015 con su proyecto Lieutenant.

de Foo Fighters vienen del underground, del cemento, y ahora venden discos de oro. Tras dos segundos de silencio que se me hicieron eternos, sueltan una sonora carcajada de complicidad. “¡Tu amigo lo ha clavado! ¡Lo ha clavado!”, suelta Mendel, entre risas. “Cuesta ver esa evolución de la banda desde dentro. Ha sido todo muy gradual, progresivo Nunca hemos vivido un gran pelotazo como banda y supongo que eso te ayuda a mantener los pies en el suelo”, añade Shiflett. Elucubraciones de sus seguidores al margen, la dicotomía del título tiene una explicación oficial. El propio Dave Grohl anticipó que sonaría como el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles versionado por Motörhead. “Entiendo lo que quería decir, pero tampoco es literal. Hablaba de mezclar lo ‘heavy’ y la belleza, y escogió esas bandas como podría haber dicho otras”, matiza Shiflett. “No es un disco conceptual. Dave simplemente quería hacer un disco con un sonido diferente y pensó en Greg Kurstin porque es un gran fan de su trabajo desde hace tiempo”, añade.

hora sabemos que Dave Grohl estaba obsesionado con The Bird And The Bee, el dúo de indie electrónico comandado por Inara George y Greg Kurstin. Eso era “lo más sofisticado que había escuchado nunca”, explica en un divertido vídeo de animación a modo de ‘making of’ de Concrete And Gold. La idea de trabajar con un productor como Kurstin, responsable del sonido de artistas de pop multiventas de la talla de Adele y Sia, obsesionaba al ex batería de Scream y Nirvana desde antes de grabar Sonic Highways en 2014. “Kurstin es un gran productor que viene de hacer cosas que no son precisamente rock. Esa aproximación diferente a Foo Fighters ha convertido Concrete And Gold en uno de los discos más orquestados de nuestra carrera. Las armonías vocales tienen mucha presencia, son un instrumento más”,

PAT SMEAR La cara más legendaria de Foo Fighters, Pat Smear formó parte de los referenciales Germs y posteriormente de Nirvana. Además, se le ha visto fugazmente acompañando a artistas como Belinda Carlisle (quien fuera batería de Germs y líder de The GoGo’s), 45 Grave (proyecto de Don Bolles, también en Germs) o Adolescents. Entró en los Foo Fighters de directo en 1994, se tomó una excedencia entre 1997 y 2005, y desde entonces es fijo en el grupo.

CHRIS SHIFLETT Otro miembro de la banda con pasado hardcore, llegando a telonear a Scream cuando Grohl formaba parte del grupo. Se le aprecia sobre todo por ser guitarrista de No Use For A Name, uno de los grupos más queridos del hardcore melódico. Otros proyectos en los que participa o ha participado son el supergrupo punk Me First And The Gimme Gimmes o Viva Dead, formaciones con miembros de bandas como NOFX, Lagwagon, Face To Face o The Vandals.

cuenta el bajista de Sunny Day Real Estate. “Después de hacer un disco y documental como Sonic Highways queríamos hacer lo opuesto, un disco con un productor más bien tradicional”, añade. Mendel y Shiflett son dos buenos ejemplos de grandes músicos a la sombra de un frontman carismático. Antes de alistarse en la armada Foo ya sabían lo que era compartir banda con dos líderes indiscutibles, absolutos genios, como Jeremy Enigk (Sunny Day Real Estate) y Tony Sly (No Use For A Name) respectivamente. En el caso de Foo Fighters va un poco más allá, pues Grohl lo hace todo, absolutamente todo. “Dave es el compositor de Foo Fighters. Él siempre trae los temas y le damos forma entre todos”, explica Mendel, quien el año pasado publicó el primer disco de Lieutenant, su estreno como frontman tras más de media vida centrado en las cuatro cuerdas. “Los proyectos paralelos los tenemos porque obviamente tenemos nuestras propias ideas y queremos sacarlas, pero no tiene nada que ver con la manera de trabajar en los Foo. Estos proyectos saldrían a la luz igualmente”, puntualiza su compañero, al que también hemos visto disfrutar e incluso llevar la voz cantante en proyectos como Jackson United y Chris Shiflett And The Dead Peasants. Aclarado este punto, ¿cómo llevan eso de convivir tanto tiempo con una persona tan enérgica e inquieta? “Dave es un tío muy prolífico, tiene muchas ideas. Lo mejor de todo es que siempre tiene claro cómo serán los vídeos, se encarga de las letras, de los conciertos… Esa visión 360º de la banda, del discurso artístico de Foo Fighters, es genial. Con él todo es muy fácil”, asegura el bajista, considerado el intelectual del grupo, el miembro con más antigüedad en el seno de la banda con permiso de Grohl, el único fundador. Cemento y oro. Riffs pesados y melodías vocales brillantes. Concrete And Gold es, sin duda, el disco de rock más ambicioso de la discografía de la banda de Grohl y compañía. Así que larga vida a la banda. —luis benavides

TAYLOR HAWKINS De Taylor Hawkins suele subrayarse que fue batería de gira de Alanis Morissette, aunque sin duda lo más destacable de su trayectoria es que haya ejercido temporalmente de batería de directo para Coheed And Cambria, de estudio para artistas como Eric Avery o para Jackson United, la banda de Chris. Otras aventuras de las que forma o ha formado parte son Taylor Hawkins And The Coattail Riders, la banda de versiones Chevy Metal o The Birds Of Satan.

RAMI JAFFEE Tras una década colaborando con Foo Fighters, Rami Jaffee ha empezado a considerarse miembro oficial del grupo a partir de Concrete And Gold. Le conocimos como teclista de The Wallflowers, pero de su carrera destaca sobre todo el eclecticismo que le ha llevado a grabar con gente tan diversa como Everclear, Garth Brooks o los españoles The Birkins, con los que acostumbra a colaborar. —J.S.L.

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Oro macizo Foo Fighters saldaron con creces una deuda casi histórica con la ciudad de Barcelona el pasado 16 de septiembre. Y lo hicieron con un concierto privado solo para fans en la coqueta Barts, una sala con aforo para unas 1.200 personas. Celebraban el lanzamiento de su noveno trabajo de estudio, Concrete And Gold (Sony Music, 17), publicado mundialmente un día antes, pero aquello fue algo más: una retrospectiva exhaustiva de sus veintidós años como banda.

el “Dave es or de t composi ters. Foo Figh e trae r Él siemp y le s los tema rma damos fo os” entre tod

—texto Luis Benavides —foto Brantley Gutierrez

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octubre 2017 #29

MONDO FREAKO

Gramatik Barcelona (31 octubre, Cruïlla de Tardor, L’Hivernacle del Poble Espanyol)

Tras el nombre de Gramatik se esconde Denis Jašarević, artista esloveno afincado en Nueva York y capaz de ofrecer nuevos matices al hip hop. El año pasado publicó Epigram. Ahora viene a presentarlo a España.

AgeNda. Octubre

RRGramatik es un artista de

rap diferente, tus orígenes europeos y tu amor por la música electronica te convierten en un innovador y un referente de la escena de New York aunque nacieras en Eslovenia. Todo comenzó con mi grupo de rap llamado 5. Element en Eslovenia, Allí hacia las bases para el grupo, pero pronto me di cuenta de que Eslovenia era un mercado demasiado pequeño para vivir de ello. Recopilé todos los beats de mi primer disco y lo envié a diferentes sellos y recibí respuesta de un pequeño sello discográfico de Estados Unidos. —Creo que Epigram es tu mejor disco hasta la fecha, un trabajo variado e interesante. Durante los últimos cinco años he tratado de no limitarme a un solo género por lo que todos mis discos son una mezcla de todos los diferentes géneros que me

ANATHEMA Marid (12 octubre, La Riviera) Barcelona (13 octubre, Apolo)

The Optimist (Kscope, 17) nació con la intención de dar pie a un tercer renacimiento de Anathema basado en el sincretismo de etapas pretéritas mediante una sofisticada visión de la oscuridad. Hablamos con Daniel Cavanagh al respecto. RRHay canciones en vuestro repertorio que pare-

cen recurrentes además de tener un significado muy especial para el público, como Untouchable, Closer o incluso A Natural Disaster. ¿Qué representan todos estos temas para ti? Bueno… En un concierto está esa parte en la que retas al público haciendo lo que te gusta, pero también hay una parte en la que quieres tocar los temas que vuelven loca a la gente. Creo que se trata de encontrar un equilibrio entre ambas cosas. Por ejemplo, Untouchable, Part 1 es muy popular. No podemos hacer un concierto sin esa canción, aunque a veces se nos hace un poco repetitivo tocarla, y llega un momento en el que se convierte en algo rutinario. Pero es algo que está bien en cualquier caso: lo que termina por marcar la diferencia es el público. Cada vez es un público

distinto, y la experiencia es distinta cada vez. —Entonces me imagino que estaréis deseando tocar vuestros nuevos temas. Sí, exacto. Tocaremos algunas de las más populares, como Springfield. Será emocionante ver qué pasa con ellas y cómo reacciona la gente, ver si lo aprecian. Porque la verdad es que a mí me gusta mucho este disco, pero ya no es algo que me siga perteneciendo. Ahora le pertenece al resto del mundo. Hubo una temporada en la que era mío, de febrero a abril, cuando nadie más tenía el disco y yo lo tenía en mi móvil. Lo disfruté mucho. Lo escuché como unas cien veces, pero ya no me pertenece. Lo que me interesa ahora es lo que piensan otras personas de él. No debería interesarme… Pero es mi forma de ser. —A pesar de que ahora el significado del disco dependa de la gente, me gustaría saber cuál fue el concepto original que alimentó The Optimist. Una de las primeras cosas en ocurrir fue su portada, el coche conduciendo en medio de la noche, que surgió en marzo de 2016, mucho antes de empezar a escribir el álbum en agosto de ese año. El tema The Optimist surgió a partir de esta imagen, y a partir de esta canción se desarrolló el resto del disco. La historia parte de la idea de escapar, de buscar una nueva forma de vivir, tratar de huir de tu pasado. —fernando acero

Clap Your Hands Say Yeah

r Más en www.mondosonoro.com #mondosonoro/agenda

#30 octubre 2017

gustan y trato que funcionen como un estilo propio. No quiero limitarme, la música es mi punto de partida donde expresar todas las cosas que encuentro fascinantes. —Eres un artista comprometido con los tiempos que corren y regalas tu música en Internet por razones de peso... No funciona para todos los artistas, pero para nosotros el concepto freemium funciona. Libero toda mi música a través de mi sello discográfico Lowtemp, lo que significa que poseo los derechos. No hay intermediarios, todo el dinero que hago a través de los servicios de transmisión me pertenece. Ofrecer nuestra música de manera gratuita funciona para nosotros y vamos a seguir haciéndolo. —marcos molinero

Barcelona (3 octubre, Apolo) Valencia (4 octubre, La Rambleta) Murcia(5 octubre, Teatro Circo) Madrid (6 octubre, Ochoymedio)

RRYa has visitado ciudades

como Madrid y Barcelona con anterioridad, pero ahora vuelves para presentar vuestro quinto álbum. ¿Qué significado tiene The Tourist en vuestra carrera como músicos? Tocamos en Madrid hace diez años pero sinceramente, no me acuerdo demasiado… Sin embargo tengo recuerdos más vivos de Barcelona porque he estado con más frecuencia. No obstante, cuando era más joven, rozando la adolescencia, tuve la suerte de viajar por estas ciudades, y por algún motivo lo tengo más presente que las giras posteriores. Recuerdo montar en motocicleta

cuando tenía dieciocho años por las calles de Madrid, fueron días felices. En cuanto al disco, no tengo ni idea de qué significa. Supongo que sencillamente que va después del cuarto y antes que el sexto (risas). —En esta ocasión tus letras son más oscuras de lo habitual... ¿Consideras tus trabajos puramente autobiográficos? Escribo exclusivamente para mí, pero por otro lado a través de

estas letras invito a los oyentes a entrar en este mundo que he creado. No escribo para otra gente porque sería muy confuso ya que cada individuo tiene su manera de pensar. Pero mis discos son totalmente autobiográficos. Hay canciones en las que hablo de otros personajes, pero en el fondo son mi persona. Es mi manera de ser sincero conmigo mismo, un espejo en el que poder mirarme. —ane barcena

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Swans

Futuro Terror

“Estamos ahora mismo en el punto más alto al que podríamos llegar” Bilbao (6 octubre, Kafé Antzokia) Santiago de Compostela (7 octubre, SAla Capitol) Madrid (11 octubre, Teatro Barceló; 981 Heritage Son Estrella Galicia) Sevilla (12 octubre, Monkey Week) Murcia (14 octubre, Garaje Beat Club) Barcelona (15 octubre, Sala Apolo)

Benidorm (13 octubre, Funtástic) Valencia (14 octubre, Festunizer) León (20 octubre, Babylon) Oviedo (21 octubre, Lata de Zinc) Bilbao (27 octubre, Shake) Pamplona (28 octubre, Txintxarri)

Los alicantinos Futuro Terror dan un nuevo paso adelante con Precipicio (B-Core, 17), un disco en el que se mueven entre la evolución y la confirmación de un talento que mejora a cada paso.

El Farewell Tour con el que Michael Gira está finiquitando la actual etapa de sus Swans está a punto de pasar por España.

ijiste hace un tiempo que los conciertos de esta última gira te resultaban revitalizantes, pero al mismo tiempo te consumían una gran energía. ¿Es la dificultad para mantener ese nivel de intensidad una de las principales razones para detener el trayecto de Swans en este momento, al menos con la formación actual? Sí, es correcto, una vez llegas a un cierto punto de intensidad no tiene sentido seguir repitiéndolo. Estamos ahora mismo en el punto más alto al que podríamos llegar, y cualquier cosa que hiciéramos después de esta gira no sería más que un lento descenso. Como bien sabrás, continuaré con Swans, pero no con esta formación. —Esta es la alineación más consistente que has tenido nunca en Swans, no solo en el tiempo sino por la química que teníais, tanto en estudio como sobre el escenario. Supongo que les vas a echar de menos. Sin duda. Pero igual que echo de menos a mis hijos cuando estoy de gira. No tiene sentido continuar por el mismo camino. Y no tengo ni idea de qué es lo que va a venir después. Bueno, tengo algunas ideas, pero ninguna específicamente musical. Estoy deseando acabar estar gira y luego ya veremos, porque soy completamente inútil e inepto. Me voy a sentir como un chiquillo. —Bueno, eso también puede comportar el

desafío de volver a empezar de cero, que es algo que los músicos que solo saben vivir de su pasado no pueden hacer, ¿no? Es que para mi no hay elección. Eso es lo que tiene que ocurrir. Supongo que no quiero formar parte de una banda de rock (risas). No puedo seguir haciendo música que destruya la realidad, aunque sea por un minuto. No puedes seguir utilizando los mismos métodos continuamente sin caer en la desidia. —Se me ocurren pocas bandas más impermeables en la historia reciente del rock que vosotros. Da la sensación de que nada de lo que ocurre fuera –en términos musicales– os marque. Hay ciertos sonidos de nuestro anterior álbum que me hacían pensar en que podían suponer una forma de ir hacia adelante. Son ideas que tomo y luego las prolongo. Nuestra música es un proceso orgánico y largo. Puedes ver nuestros últimos tres álbumes como un solo trabajo, en realidad. Cada uno de ellos cría y alimenta al siguiente. —¿Incluye esta gira canciones que no han sido (ni quizá lo sean nunca) registradas en disco? Sí. Lo primero que hicimos al empezar el tour es una pieza de cincuenta minutos, que está cambiando continuamente, y que grabamos para un CD en vivo que se vende solo a través de la web de Young God, pero no saldrá en ningún disco oficial. Y hay otra pieza nueva que estamos también tocando en vivo. Estamos continuamente desechando material y haciendo cosas nuevas. Hay algunos fragmentos de algunas canciones que han surgido y se han añadido después, cuando esos temas ya estaban editados en disco.

ayo del año pasado: Futuro Terror presentan Su nombre real es otro (B-Core, 16), un segundo álbum en el que reafirman su reconocido y ácido debut con el punk como protagonista. Septiembre de 2017: para sorpresa de algunos, el trío aterriza con Precipicio, tercer disco del grupo y primero con el nuevo batería, Héctor Bardisa. (Héctor) “El hecho de entrar con el disco casi recién publicado supuso un período de adaptación en el que tuvimos que ensayar bastante para unirnos y dar forma al sonido tocando juntos. Eso, ligado a muchos conciertos, ha dado pie a construir algo sólido”. Precipicio es mucho más. Se trata de un proceso de distanciamiento de aquello que les identificaba, tal y como se aprecia en temas como Tumba de Cristal e incluso en su portada. (José) “El título tiene que ver con un estado vital concreto. La portada en cambio sí supuso una decisión de romper con el trabajo anterior”. Dejando a su vez, espacio para fluir (Héctor) “No se han forzado fórmulas. Hemos trabajado los

tres en la composición y este ha sido el resultado”. Sin embargo, esta posible ruptura se ve suavizada por sus ya características composiciones de melodías rápidas y estribillos pegadizos, contextualizados en narraciones críticas y existenciales. (José) “La idea de cambio surge por aburrimiento. Nosotros no vivimos de esto, así que somos libres para experimentar sin miedo a nada. Ha habido un intento de hacer algo distinto, pero el resultado es mucho más continuista de lo que hubiésemos querido, al menos yo”. Lejos de lo que pueda parecer, este último comentario no significa que no estén contentos con el disco. (José) “Para mí, este es nuestro mejor disco. Aunque haya salido parecido a los anteriores, creo que es el mejor que hemos hecho”. Quizás todo sea cuestión de percepciones y expectativas. (Néstor) “Yo no me esperaba nada concreto, así que he estado bastante abierto a ver qué salía. Igual para José es distinto, que suele hablar de cómo entiende las canciones en su cabeza, pero sinceramente, es el disco que más me gusta”. ¿Podría presuponerse en ese caso un posible cambio de rumbo de cara al futuro? (José) “Cabría porque a mí ya me aburre bastante el género que hacemos. Me apetece hacer un disco de hardcore-punk y también de pop blandito”. Pero eso es algo que, de momento, quedará en suspenso porque ahora solamente tienen un objetivo. (Néstor) “Sale el disco nuevo y hay que mostrar las canciones como son. Han salido en un local de ensayo y creo que como mejor suenan es en directo”.

—anaïs lópez

—carlos pérez de ziriza

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octubre 2017 #31

AF_MONDOSONORO_MEDIAPAG_OCT_234X144,5_TRZ.pdf

25/9/17

13:06

CMY

#32 octubre 2017

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33/Mondo VINILOS

Moby & The Void Pacific Choir

Brand New

Science Fiction Procrastinate! Music Traitors

More Fast Songs About The Apocalypse Little Idiot

ROCK /Moby puede hacer lo que le de la real gana musicalmente hablando. Se ha ganado ese derecho tras décadas de dar giros en su trayectoria. Así que ya no tiene que dar explicaciones y si lo que le apetece es volver a grabar un disco con nervio y eléctrico, pues lo hace y listos. More Fast Songs About The Apocalypse es el segundo disco que publica junto a The Void Pacific Choir, y de alguna manera me recuerda a cuando Frank Black iba cambiando de acompañantes y usando nombres distintos según la orientación de lo que grababa. En todo caso, More Fast Songs About The Apocalypse, lanzado por sorpresa y en descarga gratuita (con distribución física de la mano de Mute/[PIAS]), es una nueva apuesta por las guitarras, paseándose por géneros diversos. —toni castarnado 7

The National, el arte de mantenerse The National

Sleep Well Beast 4AD/Popstock!

POP /Lo difícil no es llegar, sino mantenerse. Plenamente consolidados como banda de guitarras adulta en el buen sentido, y con una excelente colección de discos hasta cierto punto intercambiables a sus espaldas, The National no lo tenían fácil. Ya en Trouble Will Find Me (13) se intuía cierto estancamiento en su estilo: austeridad atemporal con el toque distintivo de los patrones recios y ensimismados de Bryan Devendorf, las guitarras imaginativas de los gemelos Dessner y la voz profunda de Matt Berninger, frontman desaliñado e introspectivo más próximo a un profesor de Literatura que a una estrella del rock. No es casual que cuatro años separen este trabajo de su predecesor. Y tampoco lo es que en su séptimo disco se atrevan con una paleta de sonidos más profunda -sintetizadores, cajas de ritmos y cuerdas que se superponen en ricas texturas, abundantes músicos de sesión-. ¿Lo consiguen? Rotundamente, sí. Grabado y producido con la meticulosidad habitual por Aaron Dessner en su estudio, Sleep Well Beast es de esos discos que funciona como un todo. Abstenerse los que busquen satisfacciones inmediatas o trucos. No es que The National hubieran sido antes la alegría de la huerta, pero hemos tenido que

esperar meses a tener algo parecido a un single con pegada, Day I Die. Matt Berninger, que firma letras y melodías con su esposa Carin Besser, se enfrenta con madura serenidad y certeras pinceladas de suave sarcasmo y humor negro a los dilemas de la mediana edad y una crisis de pareja en toda regla. Berninger se ha convertido en letrista importante haciendo de la duda confesional su sello. En lo musical, la banda se deja ir tanto como puede dejarse ir The National, que sigue funcionando como un mecanismo de precisión: del solo sin complejos de la enigmática The System Only Dreams In Total Darkness, con esos timbales y el riff de guitarra desquiciado, a la suciedad eléctrica de Turtleneck – lo más cerca que han estado nunca del rock desatado-, o los sintetizadores misteriosos de la progresiva Walk It Back y Empire Line, con ese final de batería sincopada marca de la casa, en territorio de Radiohead. De la majestuosidad familiar de la inmensa Guilty Party -pieza central del disco- a la ligereza de Carin At The Liquor Store o Dark Side Of The Gym: No todo tiene que ser solemnidad. La esencia melancólica y elegante de la música de The National crece con hallazgos como el hipnótico final orquestado y con redobles frenéticos de I’ll Still Destroy You, donde se hacen más evidentes que nunca sus afinidades con los minimalistas; o en el cierre homónimo de título indescifrable, en el que Berninger se disfraza de Leonard Cohen de voz trémula sobre una especie de abstracta base sampleada de hip-hop. La bestia dormirá tranquila con un discazo bajo el brazo. —josé carlos peña

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ROCK /Cuando todos teníamos asumido que el exitoso Daisy era su último largo, los chicos de Brand New se sacan de la chistera un dramático pero esperanzador Science Fiction. Y es que este sorprendente quinto trabajo, en el que llevan prácticamente nueve años trabajando, nos devuelve al cuarteto en su mejor versión, como un auto-revival, con la síntesis de sus tres anteriores trabajos, con las dosis justas de emo, indie y noise. Aquí conviven gemas acústicas (Could Never Be Heaven, Desert) y cortes energéticos (Out Of Mana, 451). Con excepciones como la weezeriana Can’t Get It Out y el grunge pop de No Control, Jesse Lacey y compañía firman un disco pretendidamente profundo y misterioso, que atrapa desde la enfermiza Lit Me Up hasta el punteo crepuscular de Batter Up. 7

—luis benavides

Hercules & Love Affair

Iron & Wine Beast Epic Sub Pop/ Popstock!

Omnion BMG

ELECTRÓNICA / Andy Butler,

tras liberar al cerbero de su inframundo, reaparece hercúleo bajo la bola de espejos con Omnion. Once brillantes pesadillas rebosantes de vitalidad y complejidad, música como catarsis, superación y liberación del amor. Desde la intimista y ensoñadora Omnion inicial, con la vaporosa voz de Sharon Van Etten, suerte de ángel caído que extasía y pospone el baile, al “fuego camina conmigo” de Controller, incendiaria pieza a la que se abrazaría Dave Gahan hasta que solo quedaran cenizas, con Faris Badwan, líder de The Horrors (repite en Throught Your Atmosphere), como catalizador de la vibrante sexualidad que se desborda a lo largo de la obra. Serpenteante oscuridad que conecta y palpita con la misma fuerza en Rejoice.

—david pérez

FOLK /La época de Ghost On Ghost (13) en la que Sam Beam se lanzó alegremente a hacer canciones de folk-pop ampuloso, rodeándose para ello de músicos de sesión de primer nivel, parece que ha quedado atrás. Puede que incluso el propio Beam haya quedado algo hastiado de que tampoco pasase nada y que su estatus se mantuviera en el mismo lugar en el que lo dejó con su The Shepherd’s Dog (07). Por eso tocaba plegar velas y volver al sonido de raíz, desnudo y arenoso, protagonizado por su excelente tono vocal y una acústica que suena como los ángeles con algún pequeño y elegante toque de, pongamos, un violín, una pandereta o una juguetona línea de bajo. Comienza con un tono crepuscular que mantiene la atención del oyente durante un buen rato para irse desinflando poco a poco. —don disturbios 7

octubre 2017 #33

MONDOVINILOS

Kitty, Daisy And Lewis Superscope Sunday Best/ [PIAS]

El disco póstumo de Gata Cattana Gata Cattana Banzai Autoproducido

8 RAP / Qué difícil resulta hacer esta reseña apenas unos meses después de lo ocurrido, puedo asegurarlo. Y más todavía cuando uno descubre el excelente disco que tenía casi listo Ana Isabel García, más conocida como Gata Cattana, antes de dejarnos desgraciadamente por sorpresa el pasado mes de marzo en Madrid. Por eso hay que afrontar este álbum con alegría y con la excitación que provoca poder disfrutar del sobresaliente nivel que estaba alcanzando la cordobesa, con unas letras al alcance de muy pocos compositores nacionales

Randy Newman

Chelsea Wolfe

Dark Matter Nonesuch/ Warner

CANCIÓN / Randy Newman

es tan bueno que hasta cuando hace un disco menor, como este, es mejor que la mayoría. Solamente él es capaz de conjugar estilos, aparentemente opuestos, pareciendo en todo momento coherente. Nueve canciones espléndidas, de las que servidor solo prescindiría de ese Putin, dedicado a quien ustedes imaginan y que poco tiene de especial. El resto, canela en rama. En Brothers nos sitúa en 1961, en tiempos de Kennedy para acabar proclamando a Celia Cruz la “mejor cantante del mundo”. En On The Beach nos presenta a Willie, un tipo corriente que inició sus desventuras cuando dejó la playa, algo que nunca debió hacer. Y en Sonny Boy se mete de manera magistral en el pellejo de Sonny Boy Williamson, una de las leyendas del blues. Todo de manera natural. Jugueteando con el coffee jazz, el blues rock y el teatro musical. Sin ampulosidades. Eficiente y efectivo. Como siempre, vaya.

—eduardo izquierdo #34 octubre 2017

GOTHIC ROCK / Chelsea Wolfe trata de encontrar qué hay dentro de uno mismo y escapar de ello en su disco con más influencias del doom metal. Hiss Spun se sumerge por completo en la oscuridad y distorsión, siempre jugando con la dualidad de su voz etérea entre sonidos asfixiantes. Wolfe crea atmósferas laberínticas en las que resulta fácil perderse y en las que manda una dulzura macabra que se transmite a través de piezas como The Culling. Ello no la impide mostrar también su cara más contundente. Si en su anterior trabajo, Abyss, apuntaba ya un camino más experimental, en Hiss Spun da un paso más allá mezclando todas sus influencias, y es esa heterogeneidad la que marca el desarrollo de un trabajo que, al mismo tiempo, resulta ser el más cohesionado de su discografía. Porque es un disco en el que la oscuridad, la catarsis y la belleza se entrelazan con fuerza para crear una obra que vuelve a situar a Chelsea Wolfe en un lugar privilegiado en nuestros corazones. —montse galeano

tanto dentro como fuera del rap. Pero no solamente de poesía y metáforas vive la propuesta de Gata Cattana. Su estilo y su voz, suaves e hipnóticas, suponen un oasis en una escena cada vez más oscura. Muestra de ello son canciones como la cálida y magnética Limonero o El plan, con su toque jazzístico. Buena parte de la culpa la tiene D. Unison, su productor y una persona que, sin duda, supo entender a la perfección la esencia del rap de Ana. No ha debido ser fácil darle los toques finales a esta obra póstuma, pero gracias a él (y a todo el elenco de músicos y amigos que lo han hecho posible: desde Bejo a Scarface Johanson o Nico Miseria) hoy podemos disfrutar del último legado de Gata Cattana y del disco de una artista que se fue cuando más la necesitábamos. —alfonso gil royo

Myrkur

METAL / Amalie Bruun ha

vuelto y con ella ese halo de polémica que su proyecto Myrkur ha desatado desde que se presentase en sociedad. Si en el bando del sector extremo más integrista señalan a su música como blackgaze (a modo de incomprensible insulto) o black metal para hipsters, la escucha con pocos prejuicios desvela un cambio con respecto a sus recientes inicios. Una contraposición de sonidos donde el metal e incluso el doom chocan con elementos corales e inquietantes pasajes del folk primitivo. Un enfrentamiento entre guitarras atmosféricas e instrumentos ancestrales como arpas suecas o cuernos escandinavos para llamar al ganado. Una dualidad presente en anteriores trabajos, pero que aquí crece de manera exponencial. El bien contra el mal, los bellos sueños frente a las peores pesadillas que durante años confirma haber sufrido la creadora danesa.

—rojas arquelladas

Nadine Shah

Holiday Destination PIAS Iberia

Lotta Sea Lice Kobalt/ Popstock!

POP / Kurt Vile soñó que un

día grabaría una canción con Courtney Barnett. Y curiosamente al cabo de unos meses, estaban juntos en Melbourne invitado por ella registrando el tema que él había escrito por si podía cumplir con ese deseo. La canción en cuestión es Over Everything, seis minutos de intercambios en una pieza que empieza cristalina y acaba caótica. En cambio, Let It Go es suave, tiene un sonido lo-fi, mientras Out The Woodwork es desenfadada, con un tono más de americana, del blues que a él le entusiasma. En Continental Breakfast hablan sobre ellos, sobre cómo es la amistad a miles de kilómetros de distancia, y ya puestos, rescatan un tema antiguo de Vile que Barnett reinterpreta con otro enfoque. Courtney Barnett le hace un guiño a su novia Jen Cloher, se apropia de Fear Is Like A Forest, y ya que entran en el terreno de la versiones, Untogether de Belly a dos voces funciona como el final perfecto para Lotta Sea Lice.

—toni castarnado

SOUL / Cada vez queda me-

nos de aquel trío de hermanos que, en 2008, nos sorprendió con Smoking In Heaven, un álbum en el que nos asombrábamos de que tres adolescentes fueran capaces de rebuscar en la música de antes de la mitad del siglo anterior para crear una propuesta que se convertía en la gran esperanza blanca de los sonidos oldies. Aquello pasó, y disco a disco, los Durham han ido perdiendo frescura, hasta el punto de que en este Superscope son difícilmente reconocibles. Y es que, en el momento en que el trío ha decidido modernizarse e ilustrar su disco con una producción más actual, como es el caso, han acabado convirtiéndose en “uno más de la tropa”. Cualquier atisbo de aquello que los hacía especiales se ha perdido. Canciones como Just One Kiss, Down On My Knees o Whole Lot Of Love podrían haber funcionado con otros arreglos y otro tratamiento en estudio, pero aquí se quedan en simplemente resultonas. Yo me replantearía las cosas. —eduardo izquierdo

Courtney Barnett & Kurt Vile

Mareridt Relapse

Hiss Spun Sargent House

INDIE-ROCK / El tercer

trabajo de esta inglesa de treinta y un años tiene todos los ingredientes para establecer un antes y un después en su carrera. No en vano las críticas que ha recibido en su país han sido excelentes, logrando una repercusión que no había tenido con sus dos anteriores discos. La clave es que tanto ella, con su voz más que adecuada para el lamento trágico, y su productor Ben Hiller (Depeche Mode, Blur, Doves o Elbow) tenían más claro dónde estaba la diana. En los tiempos que corren realizar un álbum que gire alrededor de temas como la crisis de los refugiados o el resurgir de la ultraderecha parece casi obligado, lo malo es que el peso de la obviedad acaba hundiendo el resultado. Y es que la música de Nadine Shah tiene algo de impostado y mucho de laboratorio. No suena con la autenticidad de una Patti Smith, ni con la belleza poética de una PJ Harvey. Pese a todo, el disco aporta destellos de acierto y genera cierto desasosiego post-punk. —don disturbios

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Unsane

ROCK / Se tiende a ver

al creador de Wish Fullfilment, Eric’s Trip o Hey Joni como el vértice de Sonic Youth más proclive a cobijarse en la estructura clásica de canción, pero su cuarto álbum tras la disolución del cuarteto prueba que su ánimo exploratorio no tiene nada que envidiar al de Moore o Gordon. Repleto de desarrollos imprevisibles, de insospechados cambios de ritmo y multiplicidad de texturas, Ranaldo perfecciona una suerte de psych pop con vistas a un folk rock exuberante, ocasionalmente entrecortado por sutiles glitches electrónicos. En su factura tienen mucho que ver el afianzamiento de su alianza con Raül Fernández Refree, su entente con el escritor Jonathan Lethem y el contrapunto de la voz de Sharon Van Etten (presente en seis temas), coronando una nómina de colaboradores en la que Nels Cline (Wilco) y Kid Millions (Oneida) completan el sólido trabajo de The Dust, su banda desde hace unos años.

—carlos pérez de ziriza

ROCK / Sin menoscabar la

valía de buenos discos como Blood Run (05) o Wreck (12), los treinta y siete minutos de Sterilize nos devuelven la mejor versión de Unsane y la sensación de que a Chris Spencer, Dave Curran y Vincent Signorelli les quedan, todavía, muchas cosas por decir. Factor sorpresa, cero: pero, a cambio, los de Nueva York ofrecen lo que siempre se les ha dado mejor: una musculoso híbrido entre noise-rock y post-hardcore que, en estas nuevas diez canciones, consigue sonar tan endiabladamente perverso como en su debut Unsane (91), denso como en Scattered, Smothered & Covered (95) y, finalmente, tan pletórico como Occupational Hazard (98). Tanto a nivel compositivo como interpretativo, han conseguido facturar un álbum impecable en el que destacan la inicial Factory, Aberration, Distance o A Slow Reaction. La nueva etapa que abren Unsane con el sello norteamericano Southern Lord no podría haber comenzado de mejor manera. —tomeu canyelles

A Sentimental Education Double Features/Popstock!

POP / Trece años después

de su anterior entrega, Luna reaparecen con dos referencias alejadas del patrón habitual: un EP instrumental y un elepé de versiones que concentra el auténtico atractivo. El glosario elegido para la ocasión incluye nombres dispares en un abanico que abarca de David Bowie a The Cure, Willie Alexander, Mink DeVille o Mercury Rev. Las cualidades y personalidad del combo son tan fuertes que las diez piezas de la entrega terminan empapadas con la propia impronta de Luna, hasta tal punto que incluso llegan a asumirse como si fuesen composiciones del propio grupo. Una virtud que también funciona a la hora de cohesionar el resultado final, dando sentido al conjunto y aumentando la firmeza de una referencia que suena elegante, impoluta en sus elementos y sedosa. El placer que la banda parece obtener releyendo piezas ajenas resulta contagioso, y cualquier seguidor de los neoyorquinos disfrutará con estas “nuevas” canciones. —raúl julián

DD LJM DC JSL Med

1 Gata Cattana Banzai

8 9 9 9 8,25

2 The National Sleep Well Beast

9 8 7 8 8

3 St. Vincent Masseduction

8 8 8 8 8

4 Ibeyi Ash

7 8 8 7 7,5

5 John Maus Screen Memories

7 8 7 7 7,25

6 Ricardo Lezó Esperanza

7 7 6 7 6,75

7 Kurt Vile & Courtney Barnett 6 7 7 7 6,75 Lotta Sea Lice 8 Foo Fighters 8 6 6 6 6,25 Concrete And Gold 9 La Bien Querida Fuego

6 7 6 6 6,25

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

Luna

Sterilize Southern Lord

Electric Trim Mute/[PIAS]

top 10.

Lee Ranaldo

10 The Killers 4 4 4 5 4,25 Wonderful Wonderful

Grizzly Bear en forma

Laurel Halo Dust Hyperdub

Grizzly Bear

Painted Ruins RCA

POP / Ni tan asequible como Veckatimest

(09) ni tan marciano como su debut Horn Of Plenty (04), cuando Grizzly Bear todavía era el proyecto en solitario de Ed Droste. Lo que sí es seguro es que Painted Ruins se ha hecho esperar. Después de cinco años sin nuevo material, por fin los de Brooklyn se han decidido. Los motivos de su larga hibernación son personales y variados, y han afectado a todos los miembros de la banda: paternidad, matrimonio, divorcio y crisis personales. La vida, en definitiva. Tras tanto tiempo alguien podría pensar que una evolución hacia otros derroteros artísticos era más que probable. Pues no; el cuarteto parece no estar dispuesto a dar un paso más si esto significa alterar su ADN. Su personalidad artística y su discurso identitario son tan sólidos que es difícil ir más allá sin correr el riesgo de que algo se diluya. O puede que, simplemente, Grizzly Bear se sientan cómodos haciendo lo que hacen. En este disco, el quinto de estudio, siguen sonando exageradamente a ellos mismos (Loosing All Sense o Cut-Out llevan su copyright

ELECTRÓNICA / Atrás quedaron los oscuros paisajes por los que discurrían sus predecesores In Situ (15) y Chance Of Rain (13). Los ritmos pulsantes y gélidos se tornan esta vez más concretos, armados bajo un orden distinto. Al igual que en su debut Quarantine (12), la voz de Halo vuelve a ser un elemento recurrente, pero esta vez se integra en la melodía con la ayuda de reverbs y filtros –patente en temas como Jelly, Syzygy y Like An L–, con un resultado deudor en gran parte de la investigación vocal llevada a cabo por Arthur Russell a mediados de los ochenta. A pesar de la abstracción y la experimentación presentes en cada una de las piezas, se intuye el propósito de su autora de humanizar el conjunto, en el que la calidez y el brillo vienen dados por la inclusión de numerosos arreglos de percusión e instrumentos acústicos. Julia Holter se suma también al proyecto colaborando en Do U Ever Happen. —daniel mesa

marcado a fuego): los mismos artificios abrumadores, el mismo barroquismo formal, los mismos paisajes indescifrables, las mismas armonías vocales corales... En definitiva, los mismos trucos que nos llevaron a adorarles o aborrecerles. Eso sí, manteniendo una técnica impecable, propia de alguien que se toma muy seriamente su oficio, mimando la ejecución al detalle, con una excelencia poco común en el mundo del indie pop y sólo a la altura de los grandes. ¿Su mejor disco? Seguramente no (la

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sombra de Veckatimest sigue siendo muy larga), aunque el nivel es altísimo. Lo que sí es evidente es que siguen siendo unos genios en la construcción de canciones cebolla, con capas y capas de composición, perfectamente intrincadas y elaboradas que te descubren cosas nuevas en cada escucha. Orfebres sonoros de alto nivel, amantes de lo raruno, pero capaces de sacarse de la manga auténticos hits, como Mourning Sound y Cut-Out con sus voces perfectas. —maría fuster

octubre 2017 #35

MONDOVINILOS

Jake Bugg

Hearts That Strain Universal

El regreso de The Unfinished Sympathy The Unfinished Sympathy It’s A Crush B-Core

8 ROCK / Se despidieron en el 2010, pero posteriormente pisaron los escenarios en un buen puñado de ocasiones dejando la puerta de nuestra esperanza entornada. Teníamos motivos para creer en un sexto largo de The Unfinished Sympathy, pero no podíamos imaginar que volverían con un disco tan superlativo como It’s A Crush. Grabado por Santi García en Ultramarinos Costa Brava, hará las delicias de los seguidores más exigentes de esta banda barcelonesa surgida a finales de los noventa. Canciones irresistibles, redondas y adictivas, con esa equilibrada mezcla de garra y emotividad que siempre les ha caracterizado. Conectar con la inicial Goodbye Hello es muy fácil. Suena tremendamente familiar y atrapa en cuanto la inconfundible voz de Eric Fuentes dispara ese estribillo alargado y dulzón. La estrofa de Narcotic Fiancee nos devuelve a los Unfinished más noctámbulos y fiesteros,

Deerhoof

Cristobal And The Sea

Mountain Moves Joyful Noise

POP / Los de San Francisco,

que apenas han salido de los márgenes del underground en sus más de dos décadas de actividad, perfeccionan su propuesta en su decimocuarto disco. Esta vez se han propuesto hacer más accesible ese mundo particular en que confluyen el indie de los noventa con audaces experimentos sonoros, incorporando un puñado de ilustres colaboradoras: Laetitia Sadier (Stereolab), la nueva diva del pop Xenia Rubinos, la argentina Juana Molina y Jenn Wasner (Wye Oak), entre otras. En las quince canciones que componen este Mountain Moves, brillan las virtudes de la banda: exhuberancia rítmica e instrumental en la colisión de los géneros más diversos, incluyendo el jazz, el pop de los sesenta, la electrónica o el J-pop. Y todo ello con abundantes dosis de bizarrismo serie B, virtuosismo melódico y vocal, y ese mundo de pop marciano en el que casi todo funciona.

—josé carlos peña #36 octubre 2017

pero entonces la tensión guitarrera pone las cosas en su sitio. Con la épica romántica de Sentimental Shock, una pieza de pop guitarrero que incluye uno los cambios más dramáticos que les recuerdo, los catalanes completan un arranque inmejorable. La banda se relaja ligeramente en Sensual Tension y la ensoñadora Eyes Get Used To Darkness. Bajamos la guardia y sueltan una bestia

POP / La multicultural

banda afincada en Londres nos entrega un segundo trabajo inspirado en la fantasía de un mundo mejor, centrándose en el amor entre las personas y el medio ambiente. Partiendo de este trasfondo, podemos comprobar la atmósfera tan distendida en la que se mueve, realizando un buen ejercicio de exuberancia pop. Desde la capacidad para introducir bases funk de una forma casi inconsciente hasta el buen juego rítmico que siempre proporciona el influjo tropicalista. Esta completa integración de estilos acaba cayendo en el conformismo de una fórmula demasiado edulcorada por momentos. La máxima de a veces menos es más se acaba imponiendo en el tramo final del trabajo, donde los efectos logrados en pequeños interludios que apenas superan el minuto de duración crean una desconexión más que aportar sensación de experimentación. El carácter de innovación se refleja en la primera mitad del disco, con piezas con alma de single. —noé r. rivas

encabronada llamada Christen Me, con un riff musculoso cabalgando sobre un patrón de batería gigante. A partir de aquí el disco empuja con fuerza y en diferentes direcciones. A destacar, el estribillo ‘ramoniano’ de la gamberra The Welfare States, esa gema pop de muchos quilates llamada Loveshake y la expresiva base rítmica de la mágica A Joyful Dirge. —luis benavides

Metz

Ghostpoet

Strange Peace Sub Pop/ Popstock!

Exitoca City Slang/ Music As Usual

ROCK / Strange Peace no

es un mal disco, pero en él descubrimos a unos Metz cuyo sonido les ha llevado a un callejón sin salida. Aunque la rabia y furia made in Metz sigue latente en esta ya su tercera entrega de estudio avalada por Albini, falta la frescura de “Metz” (Sub Pop, 12) y “II” (Sub Pop, 15). Mess Of Wires es un primer tema a degüello: batería hiperactiva, guitarra y bajo afilados y atronadores. Lost In The Blank es otro de los temas en los que el sonido supura energía por todos sus poros, así como Drained Lake en el que Metz juegan a ir añadiendo capas de ruido hasta el límite. También encontramos temas que recuerdan a los viejos Metz (Common Trash, Escalator Teeth) y temás más lentos, pero buenos, como Sink, que rellenan el disco que llega al culmen con Dig A Hole, una canción que roza lo melódico. En resumen: Metz han perdido la capacidad de sorprender, pero conservan el trono del ruido.

—daniel treviño

POP / Cuando Jake Bugg irrumpió hace cinco años nos dejo a todos boquiabiertos. Su presentación era una colección de canciones notables que combinaba a la perfección el folk norteamericano y la ácida flema británica más deudora de la british invasion. De la mano de Rick Rubin coqueteó con más profundidad con las raíces norteamericanas en otro gran trabajo, pero con su tercer largo algo se torció. Jake se acercó a estilos muy alejados de sus coordenadas y fracasó estrepitosamente. Jugar a ser The Stone Roses era una jugada arriesgada. Siempre lo vi como la versión folk de The Streets, una versión dos punto cero de Badly Drawn Boy. Si con su primer disco estaba en la veintena de edad, musicalmente parece que con cada disco Jake suma una década a sus espaldas. Ahora se adentra en una especie de AOF (Adult Oriented Folk) que nos deja con más dudas. Ecos a Eagles, America o el Garfunkel más plasta, incluso por momentos suena a Donovan o el Mark Knopfler más yankee. —marcos molinero

Avey Tare

Dark Days + Canapes Play It Again Sam/[PIAS]

RAP / A través de este nue-

vo Dark Days + Canapes el londinense Ghostpoet -que consiguió un aplauso unánime con sus tres discos anteriores en los que sinergiaba de forma sensible, arty y concienciado el hip-pop con el soul y el spoken word- ahora se adentra en paisajes sonoros más trabajados en lo instrumental, en los que la emoción y la intensidad de su propuesta musical, y lírica se torna inquieta y, a veces, felizmente claustrofóbica. Como en anteriores entregas -sobre todo en el celebradísimo Shedding Skin de 2015- Obaro Ejimiwe vuelve a entregarnos un trabajo mutante, bello, intimísimo y parido en el mismo centro de la ciudad que emerge, a diario, en su privilegiada mente. Recoger el dramático pálpito de la urbe -y de la vida- y convertirlo en un canto de cisne es algo que continúa bordando este raro trovador moderno que tiene la capacidad de no decepcionar, al menos hasta el momento.

—fernando fuentes

Eucalyptus Domino/Music As Usual

FOLK EXPERIMENTAL /

Animal Collective están de vacaciones, y después de que Panda Bear diera el pistoletazo oficial de salida a las producciones apócrifas del grupo, aquí está su segundo capítulo. La idea es grabar composiciones íntimas con la ayuda de la inspiración de paisajes de tierra y mar, y hacerlas lo más humanas posible. Donde manda el ritmo en Animal Collective, aquí quiere mandar un ambiente melancólico. No hay batería. Mandan los ejercicios vocales y una colección de guitarras acústicas revoltosas e impredecibles como el batir del oleaje en la orilla. La voz pasa del vuelo melódico típico del Colectivo al quejío del folk más soterrado. Es una sucesión de ritmos rotos acústicos que aunque encierran momentos muy evocadores, terminan descolocando por su complejidad inabarcable y se pierde la inmediatez que pretende Avey Tare al no poder evitar demostrar que es parte de Animal Colective, aunque sea en acústico.

—jorge obón

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octubre 2017 #37

#38 octubre 2017

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Van Morrison

Wolves In The Throne

Roll With Punches Caroline Records

SOUL / No vamos a decir

que este disco es una obra maestra. Y es que estamos hablando, básicamente, de un conjunto de versiones. Que sí, que quien está detrás es Van Morrison, pero se me antoja que para que un trabajo de este calibre adquiera una alta valoración son necesarios una serie de parámetros. Entre ellos estarían, por supuesto, la interpretación de las canciones, pero también la originalidad en su selección, la aportación personal a las mismas y, ligado a esto, no repetir parámetros de sus versiones originales. Aspectos estos que no se dan en todos estos casos. Cierto es que ahí está gente como Jeff Beck, Chris Farlowe, Paul Jones o Georgie Fame, pero también que ya hemos oído demasiadas versiones de Bring It On Home To Me de Sam Cooke o Lonely Avenue de Ray Charles. El riesgo destaca por su ausencia aunque el León está magistral vocalmente. ¿Y de los cinco originales? Pues más de lo mismo. Aunque Transformation sea un temazo. —eduardo izquierdo

Room Thrice Woven Artemisia Records

METAL / Por razones obvias, el black metal siempre ha estado intrínsecamente asociado a Noruega, incluso a Europa en general. Sin embargo, en Estados Unidos hace muchos años que el género cuenta con notable presencia, menos conocida, ya sea de la mano de pioneros como Von o Profanatica hasta Xasthur o los más recientes Deafheaven, tan celebrados como cuestionados. Más unanimidad hallamos alrededor de Wolves In The Throne Room, uno de los mejores y más originales ejemplos del conocido como USBM (United States black metal). Tras su instrumental y sinfónico Celestite (14), en Thrice Woven parecen haber recuperado la fuerza e identidad alcanzadas en Celestial Lineage (11) y su bipolaridad estilística, descrita en alguna ocasión, con acierto, como una fusión entre los primeros Darkthrone y Godspeed You Black Emperor!. Los de Olympia vuelven a brillar aquí con majestuosidad, orgullo y presencia.

—david sabaté

Futuro Terror

Kamasi Washington

Precipicio B-Core

Harmony Of Difference Young Turks/ Popstock!

JAZZ / En 2015, con el mastodóntico The Epic trasformó el espíritu del jazz actual, conectado a partir de coros profundos de dimensión mística, paisajes cósmicos diseñados por un visionario llegando al patrón de un Sonny Rollins libre a quien en la época de Impulse! le daba igual ocho que ochenta. Ahora al creador angelino le toca medir un poco más y no pasarse de la raya. Un EP de media hora y seis canciones, y que menos una, no pasan de los cuatro minutos de duración, es una buena medida. Más concreto y aparentemente sereno, se aleja del riesgo apostando por algo de esencia conservadora. En Desire nos encontramos con esos fraseos rápidos marca de la casa; en Perspective se alinea con calidez latina de Gato Barbieri, y en general hay más piezas inmediatas. Sin embargo, en Truth sí se va hasta los catorce minutos, y ahí lo junta todo otro vez; jazz épico, coros souleros y la improvisación propia del hip-hop. —toni castarnado

Zola Jesus, el dolor y la muerte 8

PUNK / En lo nuevo de Futu-

ro Terror hay cambios, y se pueden adivinar en la portada. Distinta cara, más oscura, pero a pesar de todo la misma moneda. Empezando por una producción, más enterrada y menos brillante, que resalta los temas con reminiscencias afterpunk. Eso sí, no estamos ante un ejercicio denso de esos que citan cien nombres y acaban siendo una copia descafeinada y apolítica de The Fall: han arriesgado con algunos desarrollos, especialmente en la batería, pero mantienen cierto poso power popero y consiguen delinear estribillos que se pegan a la primera escucha. También cambian las letras: aún hay referencias sobrenaturales y cuarto milenianas, pero si antes estaban más cerca de la serie B juguetona ahora suenan un poco más introspectivas, amargas y oscuras, más Rata Negra que Carniceros del Norte, para entendernos. Letras, por cierto, más políticas y menos distópicas de lo que parece. Y no lo digo solamente por las referencias soviéticas. —darío coto

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Zola Jesus

Okovi Sacred Bones/Popstock!

8 POP / Sumergirse en el nuevo trabajo de Zola Jesus no es una experiencia placentera. El sexto álbum de Nika Roza Danilova (o Nicole Hummel) supone su regreso a Sacred Bones, el sello discográfico de Brooklyn que impulsó la carrera de la cantante y productora en sus primeros años y que ha lanzado todos sus álbumes, a excepción de Taiga (Mute, 14). Coincide también con la vuelta a su Wisconsin natal, donde se ha construido una casa en el bosque. “Take me home”, susurra en Doma, la canción que abre el disco. Pero no es un disco de bienvenida. Okovi es un álbum menos rítmico y más íntimo que su predecesor, cargado de enigmas oscuros y sentimientos de dolor, tristeza, miedo y, en menor medida, amor y consuelo. Su título hace referencia a una palabra que significa “grilletes” en la mayoría de los idiomas eslavos. Grilletes que representan un purgatorio personal entre la pul-

sión por vivir y el impulso hacia la muerte. Desde la publicación de Taiga, Danilova ha pasado por varias experiencias cercanas a la muerte. Un amigo íntimo fue diagnosticado con cáncer, otro intentó suicidarse (dos veces) y ella misma se sintió atraída por la gravedad de la depresión. La temática mortuoria impregna cada tema del disco. Okovi refleja estas historias en repeticiones tanto oblicuas como directas. Okovi es musicalmente el disco más heterogéneo de Zola Jesus. La cantante ha tejido un sinfín de recursos estilísticos (del ruido industrial a los pasajes ambientales) para hacerse al fin un traje a la medida de sus capacidades vocales. La recta final intercala ritmos ondulantes propios de la cold wave más siniestra (Wiseblood), pulsos mecánicos a lo Nine Inch Nails (Remains) y epifanías cercanas a la new age (en Half Life los gorgoritos mórbidos alcanzan cotas absolutamente febriles). Por todos sus oscuros significantes, por la densidad claustrofobia que alberga, Okovi es un disco difícil. Por más que Danilova encuentre alivio a sus conflictos internos en esta obra, la escucha continuada de Okovi provoca una ansiedad galopante en el oyente. Pero es un discazo. —tomás crespo

octubre 2017 #39

MONDOVINILOS

Angus & Julia Stone Snow [PIAS]

FOLK / No hay nada como encontrar tu sonido y estar a gusto con él. Y esto es lo que les ha sucedido al dúo australiano Angus & Julia Stone. Su cuarto trabajo, Snow, sigue las mismas líneas que han ido dibujando a lo largo de los años, aunque en esta ocasión lo han compuesto por primera vez de manera conjunta. Pero el caso es que las equis de la ecuación continúan siendo las mismas. Los hermanos siguen apostando por ese indie folk con ciertos toques pop que encandiló al público desde sus inicios. Un sonido cercano, de matices cálidos y de tempos relajados que destaca por sus melodías lánguidas y el constante juego entre el dulce y agudo timbre de Julia Stone y el roto y profundo de Angus. Y de todo ello son ejemplo tanto la más acústica Nothing Else como la dinámica Chateau. Lo que ocurre es que repetir la fórmula no siempre es buena idea. Escuchando Snow da la sensación de que está algo agotada. El disco resulta llano y monótono. —raquel pagès

Una segunda vida Death From Above

Outrage Is Now! Last Gang Records/[PIAS]

ROCK BAILABLE / Los muchachos de Death From Above 1979 cometieron el error (o la machada, si es que aún se puede decir) de dejarlo cuando estaban marcando tendencia, influyendo muchísimo a un montón de bandas… cuando estaban surfeando la cresta de la ola, vaya. Tras la separación, el bajista Jesse F. Keeler se lanzó al electro-house con tres discos bajo el alias de MSTRKRFT y publicó dos EPs con su nombre. Mientras, el baterista y cantante Sebastian Grainger lanzó seis epés en solitario nada menos y dos con The

Rhythm Method. Pero en 2013 se reencontraron con la sensación de tener trabajo por hacer, y volvieron al candelero con un disco (The Physical World, 2014) cuyo buen recibimiento ha derivado en este segundo capítulo de su nueva vida. Volviendo al legado que dejaron como Death From Above 1979, este nuevo álbum se abre con un tema llamado Nomad que firmarían Wolfmother de buenísima gana, pero ahí está la inconfundible huella de Keeler y Grainger para olvidarse de comparaciones absurdas y sumergirnos en un viaje de potencia deshidratada, compacta y bailable. Especialidad absoluta del productor (y pianista) elegido, el mismo Eric Valentine que manejó los mandos de la grabación de Songs For The Deaf de Queens Of The Stone Age. Con semejante triplete pensante, era realmente difícil que Outrage Is Now! saliese mal. — nacho serrano

Recycled J

Oro Rosa Autoproducido

R’N’B / Decía hace poco

Recycled J que lo suyo podría llamarse pop urbano. Y, ciertamente, el madrileño acierta, ya que es una buena manera de definir esa amalgama que hace de R&B, rap, pop (americanizado) y electrónica. Sonidos oscuros, sí; ecos y autotune, sí; pero trap, poco, así que no nos

confundamos. Porque Recycled tiene muy claro ya cuál es su sitio; ha madurado musical y líricamente, sabe gobernar su voz y sabe encontrar los beats con los que explotarla en el estudio. Ha sacado lo mejor de su repertorio y lo ha compactado en este Oro Rosa, la mejor manera de demostrar al gran público que va en serio. Y como guinda del pastel colaboraciones con Natos y Waor, Rels B, Maka y BNMP, una más que notable carta de presentación de este Hijo de la Ruina. —alfonso gil royo Odesza

A Moment Apart Counter/ [PIAS]

POP ELECTRÓNICO / En A Moment Apart, Odesza siguen transitando ese pop electrónico y luminoso de vocación mainstream que tan buenos resultados les ha reportado en sus anteriores trabajos. Haciendo especial hincapié en los medios tiempos pegadizos marcados por el uso de los sintetizadores y el tratamiento y manipulación de las partes vocales, ya sea vía sampler o mediante numerosas colaboraciones, Odesza saltan sin tapujos a lo largo de dieciséis temas del pop orquestado con aires soul de Across The Room a baladones románticos de influencia R&B como Just A Memory, de las sonoridades trap/dubstep de Boy a las influencias de Bon Iver y M83 en Corners Of The Earth, del exotismo cercano a la world music de Meridian al bailoteo más puramente radio-friendly de Higher Ground, y en general consiguen mantener una frescura entre esa multitud de sonoridades y texturas que hacen que en ningún momento el disco caiga en la repetición o resulte empalagoso. —ricky lavado

GIRA PRESENTACIÓ / GIRA DE PRESENTACIÓN / AURKEZPEN BIRA Entrades / Entradas / Sarrerak >

www.xavisarria.cat

8 nov. • BARCELONA Sala Apolo 10 nov. • VALÈNCIA Sala Repvblicca 11 nov. • MANRESA Sala Stroika 17 nov. • SANTIAGO de C. (GZ) Sala Malatesta 18 nov. • PALMA DE MALLORCA Sala Es Gremi

25 nov. • MADRID Sala MON Live 16 des. • ATARRABIA (EH) Hatortxu Rock 23 feb. • HAMBURG (DE) Sala Hafenklang 24 feb. • BERLÍN (DE) Sala The Clash

N O U D I S C J A D I S P O N I B L E / N U E VO D I S C O YA D I S P O N I B L E / D I S K A B E R R I A E S K U R AG A R R I #40 octubre 2017

www.ppf.cat

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Ben Frost

Chad VanGaalen

The Centre Cannot Hold Mute /[PIAS]

ELECTRÓNICA /Diez días en

un “estudio cavernoso” de Chicago junto a Steve Albini (Shellac) fueron suficientes para que Ben Frost concibiera dos horas de material que se han materializado en un EP y en este nuevo álbum. The Centre Cannot Hold comienza con Threshold Of Faith, donde el sonido de una inquietante respiración asistida se entremezcla con las atmósferas abrasivas y oscuras que caracterizan al australiano y que se expanden a lo largo del disco creando un ambiente abstracto, amenazador y apocalíptico. “Música que no está totalmente controlada y parece estar ansiosa”, matiza el propio Frost. Pero como ya sucedía en Aurora, las melodías luminosas vuelven a aparecer de forma abrupta entre tanto ruido y tenebrismo, como si quisiera demostrar que es posible encontrar belleza y emoción en la oscuridad. El tranquilizador sonido de las olas pone fin a cincuenta minutos donde una marea de caóticos y atormentados paisajes sonoros nos noquea sin tregua.

—guillermo chaparro terleira

Light Information Sub Pop/ Popstock!

La selección

POP / Chad VanGaalen es un artista que mola mucho, y conviene decirlo alto y claro porque esa es precisamente la definición que más le ajusta. Puede ser por su aura de hippie moderno, porque uno puede imaginárselo haciendo lo que le da la gana cuando compone, o por publicar al amparo de un sello con tanto peso propio como Sub Pop. En la empatía también influye el hecho de que el tipo combine géneros con una despreocupación contagiosa, pero sobre todo resultan determinantes esas buenas vibraciones que su música desprende con frecuencia casi ininterrumpida. El nuevo álbum del canadiense es otra muestra representativa de esas cualidades, si bien el músico incluye piezas bastante más ambiciosas con las que llamar la atención. Son el resultado de apostar por cierta grandilocuencia derivada del glam-rock, y combinarla con otras composiciones lisérgicas o de baja fidelidad que lo emparejan directamente con alquimistas como Ariel Pink o Mac DeMarco. —raúl julián

Ricardo Lezón

Matthew McDaid

Esperanza Subterfuge

Off The Beaten Track Great Canyon Records

Un universo propio Bejo

FOLK ROCK / Matthew

McDaid es un cantautor de origen irlandés criado en las calles de una pequeña población catalana muy turística, en la que es habitual verlo tocar en la calle a cambio de unas monedas. Una experiencia vital que ha forjado su forma de interpretar, a la vez que analizaba las reacciones de un efímero respetable al que enganchaba con una voz prodigiosa que es una de sus mejores armas, una voz adulta cargada de personalidad que no se corresponde con su rostro aniñado. Pero no se dejen engañar: Matthew es un portento y lo demuestra en un álbum en el que juega a tocar un montón de palos, todos con la música de raíz en su punto de mira. Sin embargo, cuando se sale del corsé de la tradición y coge derroteros más folk-rock orquestados, la cosa se pone seria. Sucede con Karma, pero sobre todo con la mejor del lote: You The Jockey. I The Steed en el que incluso se adornan con un pasaje de aires psicodélicos que hará las delicias de cualquier aficionado. —don disturbios

POP/ Las cartas sobre la mesa. En la época de Tú nunca morirás (09), la música del de Getxo me sirvió tanto para poner banda sonora a una separación como para un encuentro posterior, equilibrando los dos sentimientos antagónicos por definición; y desde entonces, la imposibilidad de mirarle objetivamente ha sido total. Hasta ahora, McEnroe ha sido la herramienta, una raqueta, por buscar la analogía evidente, con la que Ricardo Lezón ha resistido los embates vitales. Un aguante que ha sido posible gracias a un diccionario léxico extremadamente rico dentro de unos parámetros acotados pero sobre los que el pop ha escrito lo interminable. Doble set por tanto para la riqueza del verbo y del uso de la primera persona como red con la que parar las hostias del desamor y desencanto. En su primer disco en solitario, obvia decir, no hay apenas cambios respecto a su trayectoria anterior, pero aun con todo igual, todo es distinto.

Hipi hapa vacilanduki Autoeditado

8 RAP/ Hay bandas que se ven más que se

escuchan. Desde la edad dorada del videoclip, en los ochenta, dirán. Puede, pero en la última década, Youtube ha sido caldo de cultivo de una serie de grupos cuyo contenido audiovisual ha tenido tanto o más peso que el musical. Indisoluble. Como el café y el cigarro. En resumidas cuentas: mucha gente ha visto a los americanos OK Go, pero ¿cuántos les han escuchado sin verlos? De primeras, algo similar se podría pensar en el ámbito del hip hop sobre Bejo, cuyo universo artístico ha ido siempre de la mano de las ideas locas de Cachi Richi. Una canción, un vídeo: la fórmula del millón (de reproducciones, al menos) para este estudiante de audiovisuales de origen canario. Hasta ahora, que Bejito se ha sacado de la manga, de su esponjosa mata de pelo, Hipi hapa vacilanduki, un largo que resume mucho de lo que el canario había compartido en streaming pero que suma otros tantos ejercicios de rima surrealista, juegos con el lenguaje y flow disparatado. Un disco al

fin, tras FundaMental –letras más serias y convencionales fruto de su vida en Madrid– y Pírdula, de un par de años atrás. Toda una vida en la era de Internet. Y como ya pasaba en directo con el miembro de Locoplaya (su formación paralela, su crew, con la que recibió una nominación al Goya por Nuestra playa eres tú), sin las imágenes que acompañan usualmente sus canciones, sus ritmos y rimas aguantan de sobras el tirón. Y lo hacen con más solvencia que las de la mayoría de sus compañeros de generación. Bejo es un rapero de los noventa que se expresa como alguien de los dos mil. Pero sin apabullar con moduladores de voz. Sus dejes a Sólo los Solo, pero también a Mucho Muchacho, además de otros experimentos caribeños, funk o jazz, lo convierten en una especie única entre sus coetáneos. Con autoparodia, por lo de los dosmiles y la posmodernidad y tal, pero con el añadido que, si rascan, su música va muy enserio… Aunque se comercialice en un USB en forma de pene.

—yeray s. iborra

—álvaro fierro

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octubre 2017 #41

#42 octubre 2017

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50/Mondo PhilaLfyíanodtet r g io d a R Media una leyenda

del rock

LIBROS 2023

The Justified Ancients Of Mu Mu Malpaso

“Desde que nació, Phil Lynott, ya era un foco de atención”

Reflejar lo que esconden las trescientas páginas de 2023, firmadas por esos dos locos que son Bill Drummond y Jimmy Cauty (The KLF), es francamente una labor complicada. Distopía hilarante, autohomenaje veintitrés años después en veintitrés capítulos, choteo sobre el mundo actual, pirámide de referencias a la trilogía de Robert Shea y Robert Anton Wilson, relectura pop de las teorías del discordianismo... Una locura divertidísima para iniciados y un exceso para extraños y neófitos. —joan s. luna

En busca de aquel sonido Ennio Morricone Malpaso

En busca de aquel sonido arranca con una partida de ajedrez en la que Morricone introduce al neófito Alessandro De Rosa en el juego. Es una perfecta metáfora de lo que se va a desarrollar durante las más de quinientas páginas siguientes: un repaso minucioso de la apasionante vida del maestro con De Rosa tirando las preguntas y Morricone ofreciendo todo tipo de detalladas explicaciones sobre la partida que ha sido su propia vida. —luis j. menéndez

LIBROS

Greame Thomson es uno de los mayores expertos en llevar al papel la vida de estrellas de la música. Tras narrar las biografías de George Harrison, Kate Bush, Elvis Costello o Johnny Cash, lecturas más que recomendables, el crítico musical británico se ha interesado por Phil Lynott. El resultado es Cowboy Song (EsPop, 2017), relato definitivo de una de las figuras más entrañables y carismáticas en la historia del rock.

upongo que eres fan de Thin Lizzy. Totalmente, aunque como expongo en el libro, hay partes de su catálogo que no me gustan mucho, especialmente sus últimos discos, mucho más orientados hacia el metal. También hay elementos de su imagen contra los que lucho, sobre todo cuando se mostraban con actitud machista. Aun así, son una de las mejores bandas de rock de la historia. Su música es de un poder demoledor, pero al mismo tiempo siempre fueron muy versátiles. Y si nos centranos en Lynott, marcaba la diferencia con su voz, sus letras y su extrema sensibilidad melódica. Pero en el libro no me centro tanto en lo musical. Lo que realmente me interesaba era la vida de Lynott, sus mo-

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tivaciones, su trabajo, dentro y fuera de Thin Lizzy. Que nadie se espere una biografía de Thin Lizzy. —Phil fue una estrella desde el día en que nació. Era un niño y los otros críos del barrio hacían cola para tocarle el pelo. En la Irlanda de las décadas de los cincuenta y los sesenta casi no había personas de raza negra. En Dublín, una ciudad de más de medio millón de personas, sólo había cuatro niños negros. Desde que nació, Phil Lynott era un foco de atención. Paul Scully, compañero de colegio de Phil, explica una anécdota muy ilustrativa en el libro: “Recuerdo que Philip una tarde vino a casa y mi madre me preguntó susurrando si también bebía té. Ese muchacho larguirucho, delgado y de piel café, sin padre y de madre ausente, se convirtió en una celebridad simplemente por existir”. —Hay una escena en la película The Commitments en la que el protagonista dice que los irlandeses son los negros de Europa y los dublineses los negros de Irlanda. Dando por válida la frase, no hubo nadie más irlandés que Phil Lynnot. Su compleja identidad cultural es una de los aspectos más fascinantes de su biografía. En sus primeros años, pasando por diferentes ciudades de Inglaterra, la vida de Phil Lynott fue sumamente inestable y probablemente bastante perturbadora. No tenían estabilidad alguna. Cuando cumplió los siete, lo enviaron a vivir con sus abuelos, en el sur de Dublín. La familia Lynott estaba impregnada de irlandesidad, e Irlanda

se volvió enormemente importante para él como un medio para dar forma y propósito a su propia identidad. Su negrura sólo servía para acentuar su irlandesidad. Como se veía tan diferente, tenía que ser más irlandés que todos los demás para encajar. Se sentía intensamente atraído por la mitología irlandesa, un país que resistía heroico a siglos de injusticia. —¿Cuál es el recuerdo que perdura hoy en día de Phil Lynott en Irlanda? Su objetivo como compositor era crear nuevos mitos y leyendas irlandeses. Al final ha sido él quien se ha convertido en una figura mítica y legendaria. No todo el mundo tiene una estatua en el centro de Dublín. En Irlanda se le ama como un héroe defectuoso, una figura grandiosa que ayudó a poner la música irlandesa en el mapa. En el resto del mundo, los fans de Thin Lizzy le siguen adorando, entre ellos figuras de la dimensión de Dave Grohl, Metallica, Megadeth, The Hold Steady o Bruce Springsteen.—oriol rodríguez

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Cowboy Song

Greame Thomson EsPop, 2017

octubre 2017 #43

Oscuridades programadas

Sarah Glidden Salamandra

Dibujante y periodista, Sarah Glidden demuestra con Oscuridades programadas que todavía existe honestidad en el periodismo (un periodismo que, en la obra, vemos desarrollarse frente a nuestros ojos). Lástima que lo que nos queda tras leer estas crónicas sobre Turquía, Siria e Iraq, es la sensación de que entender el mundo que nos rodea es abrumador, y reflejarlo más complicado de lo que imaginamos. —joan s. luna

Espacios en blanco

Miguel Francisco Astiberri

Aunque a Miguel Francisco se le suele relacionar solamente con el diseño de personajes de Angry Birds, lleva años en el mundo del cómic. Y eso es algo que deja claro este Espacios en blanco, una obra que fluye muy bien, a modo de biografía familiar al margen de los tópicos y de homenaje a un padre que supo enfrentarse a la vida con entereza y el mejor corazón. —martí viladot

Heavy. Los chicos están mal

Miguel B. Nuñez Sapristi

Gina Wyndbrant Sin prejuicios

comics

Gina Wyndbrant coge el teléfono durante horas para conversar sobre su obra Que alguien se acueste conmigo, por favor (Reservoir Books, 17). Una serie de historias concebidas inicialmente en formato minicómic a través de las cuales, según sus propias palabras, la autora quería dejar de sentirse sola y cachonda. El resultado es una obra fascinante que ha encumbrado a una autora divertidísima y con una voz a ratos cruda, a ratos estrafalaria, siempre especial.

ivimos en un momento en el que es, aparentemente, más fácil que nunca acostarse con gente, gracias a aplicaciones como Tinder. ¿No resulta curiosa una obra titulada Que alguien se acueste conmigo, por favor? Bueno, es fácil acostarse con gente. Yo conozco a tíos offline y me acuesto con ellos, pero no es algo que me llene. Supongo que mis expectativas vitales están tan marcadas por la televisión y el cine que quiero sentirme como especial. Quiero ser una estrella y tener groupies, cosas así. También todo el tema online es complicado, porque tiene una base muy física y yo estoy gorda, lo cual está bien, pero al final los tipos que quieren follar conmigo son fetichistas raros y tristes. Sí, sientes una liberación con este tipo de sexo pero es algo triste y, desgraciadamente, yo necesito atención masculina como método de validación. —En realidad, ¿Hay tanto de ti misma en la protagonista de Que alguien se acueste conmigo, por favor?

“Si tenéis curiosidad o, por acostaros conmig r” contactadme, por favo

Creo que hay mucho de mí. Gina, la protagonista, se parece bastante a mí, pero me he inventado los escenarios que la rodean. Es como si me tratase a mí misma como un personaje e hiciese un ejercicio de ver cómo reaccionaría yo ante ciertas situaciones. Algunas cosas son básicamente maneras de poner sobre papel fantasías: nunca creo que esté en la misma habitación con Justin Bieber o rodeada de un harén de tíos buenos, pero sí me encantaría verlo (risas) y por eso lo dibujo. —¿Tu obsesión con Justin Bieber sigue ahí? Sí. Bueno, sigo siendo fan pero hace un par de años estaba completamente obsesionada. La primera vez que vi su biopic Never Say Never estuve viéndolo casi todos los días, porque me hacía muy feliz y me ponía muy cachonda. Lo que veo es que conocía la versión pública de Justin Bieber, no su verdadero yo, solo una versión sintética, porque es la que vende discos. Soy consciente de eso, pero estoy tan sola y soy tan patética que no podía salir de ello intelectualizando la situación. —En tu obra no eres especialmente compasiva con el personaje principal, Gina, ¿no te surgió ser un poquito más suave con ella? No, eso sería aburrido (risas). Como lectora, siempre me siento atraída por los cómics autobiográficos, pero muchos de ellos me parecen artificiales, sus personajes no tienen defectos, es todo demasiado bonito, y eso me molesta mucho. Si leo la autobiografía de alguien, quiero leer sus secretos y

errores, toda la parte más sucia. Si no es así, no me resulta interesante. —¿Qué piensa tu familia de tus cómics? Cómo encajaron que te diesen un premio por un cómic llamado Big Pussy (Gran coño)? Hay un poco de todo. Mi madre y su familia tienen un sentido del humor muy parecido al mío y me apoya un montón, es mi mayor fan. Le encantan mis tebeos y siempre está intentando convencer a la gente para que vaya a mis eventos. A mi padre y a su familia no les gusta nada lo que hago. Mi padre nunca ha leído mis cómics y nunca los va a leer, porque hablan de que su hija está cachonda (risas) y él es muy conservador. —¿Hay algo que te gustaría que la gente supiese sobre tu cómic? La gente piensa que bromeo, pero no. Este cómic es una auténtica llamada al sexo. Si tenéis curiosidad por acostaros conmigo, contactadme, por favor (risas). —alex serrano

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Que alguien se acueste conmigo, por favor Gina Wyndbrant Reservoir Books, 2017

Estamos ante la segunda obra de Miguel B. Nuñez sobre su adolescencia siendo un heavy en las calles de Madrid. Mismos personajes, situaciones similares: barrio, música, porros, tribus urbanas y primeros líos de faldas. Lo mejor, los bonus tracks, imprescindibles para darle un sentido más musical a esta fotografía de una época que ya parece olvidada por el paso del tiempo. —eduard tuset #44 octubre 2017

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17 ANIVERSARIO RAZZMATAZZ

Del 21 de octubre al 16 de diciembre

BELAKO KALEO MICAH P. HINSON MIRANDA! MOUNT KIMBIE OMAR SOULEYMAN PUSSY RIOT DJ SET (NADYA) SAINT ETIENNE SATELLITE STORIES SURFIN’ BICHOS tocando “Hermanos Carnales” TIGA TROMBONE SHORTY

30DROP ABU SOU ALGAR & PRINGADA AMABLE BALDO CARLOS BAYONA DJ DANI PATCH DJ LUI DJ2D2 DJOHNSTON DOWNITES FLACA GATO GON INDIESPOT JON & MONIQUE LA BRITNEY CALVA LATZARO LKGT LOWLIGHT MAADRAASSOO MR K & LEY DJ OTRS PAU ROCA PEROTUTEHASVISTO PURITO Y SU COMBO SANATRUJA SHAWN REYNALDO SIRIA DJ TONER UNDO WILL BLAKE YLIA YYMHDJS

T I C K E TS :

Estrella Damm recomienda el consumo responsable. 5,4º

ABDULLA RASHIM live ALLAN RAYMAN ANDHIM ARNAUD REBOTINI live ASQUITH AVALON EMERSON BABA STILZ BUFIMAN CALL SUPER CORA NOVOA DASHA RUSH DAVID CARRETTA DEENA ABDELWAHED DENIS SULTA DJ BORING DJ HELL DJ ROSA PISTOLA DJ SEINFELD ENDLEC ESTRONS FORT ROMEAU FUNCTION live GERD JANSON HARRI & DOMENIC HEADLESS HORSEMAN live JACQUES GREENE live A/V JUSTIN BERKOVI hybrid live KEN ISHII KORNÉL KOVÁCS LAIBACH LOW ROAR MIKE DEHNERT MON LAFARTE NADIA ROSE NICK HÖPPNER NINOS DU BRASIL live NTHNG OCTO OCTA live OTHERKIN PHILOU LOUZOLO RAC SASCHA FUNKE SHED live SHIFTED SLAM SOFT KILL SPRING KING TALISTO THE DARKNESS + BLACKFOOT GYPSIES TOKIMONSTA TOUCH SENSITIVE UNIIQU3 VENGA MONJAS VESSELS VLADIMIR IVKOVIC VOLCOV VOLVOX WAZE & ODYSSEY FRACTAL FANTASY: SINJIN HAWKE & ZORA JONES INTIMATE JOURNEYS: SADAR BAHAR JOURNEYS: JEREMY UNDERGROUND + PALMS TRAX SOULECTION: J.ROBB + STARRO + EVIL NEEDLE + HANNAH FAITH

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octubre 2017 #45

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: Cristina Benito cris@mondosonoro.com, T. 657 701 015 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com

Bark Psychosis

IMPRESCINDIBLE

Origen: Londres (UK), 1986

raham Sutton siempre se ha mostrado poco amigo de mirar al pasado. La carrera de Bark Psychosis es un ejemplo de ello y también su guadianesca trayectoria posterior bajo el alias de Boymerang, cuando recuperó el nombre del grupo para publicar Codename: Dustsucker en 2004 o su intermitente faceta de productor para bandas como These New Puritans. Por eso sorprende su vinculación con la reedición de Hex, el testamento musical de Bark Psychosis publicado originalmente en 1994 y disco que define toda una época, casi un estilo. “Supongo que acepté porque me dijeron que íbamos a hacerlo de la forma correcta. Hex originalmente tenía un problema: dura cincuenta y tres minutos, demasiado largo para un doce pulgadas. El límite debería estar en veintidós minutos cada cara para no comprometer la calidad, sin embargo se prensó en un solo disco. Hace unos años se hizo una reedición del disco con la que no estoy muy satisfecho (se refiere a la reedición del sello madrileño Munster-Vinilísssimo). Lo hicieron al margen de la compañía, simplemente cogieron el CD y cortaron una versión para vinilo sin preguntarme o pedir permiso de ningún tipo”. La reedición de Fire, en doble vinilo, ha sido remasterizada por el propio Hutton “para que suene lo mejor posible y hacerlo aceptable para mí. El mastering ha cambiado increíblemente en los últimos años”. Hex es uno de esos disco con aureola mítica que durante su largo proceso de grabación se llevó por delante muchas cosas: la relación de Sutton con su pareja de entonces, la amistad entre miembros del grupo y la precaria estabilidad económica de Sutton, que antepuso el disco a cualquier otra necesidad. “Es un álbum grabado con todos los medios que teníamos a nuestro alcance, toda la inteligen-

#46 octubre 2017

cia que pudimos ponerle. La grabación, que tuvo lugar en diferentes espacios y estudios, finalmente rondaría las 30.000 libras”. Bark Psychosis se desmembraría poco después de la publicación de ese primer disco, pero una formación de circunstancias todavía pudo afrontar algunos conciertos de presentación, incluso una actuación (de la que hay testimonio en Youtube) en Britronica, delirante festival organizado en Moscú con Seefeel, Autechre o Richard D. James. “Aquellos directos fueron unos de los pocos momentos de felicidad en una etapa muy oscura para mí”. —luis j. menéndez

el libro

Fearless Jeanette Leech (Jawbone, 17) Como tantas otras etiquetas, el post-rock ha sido con el tiempo despojado de su significado, reducido a un mero cliché que identificamos con bandas como Mogwai y su característica montaña rusa (tensión-distensión) guitarrera. En su mirada retrospectiva al género Leech bucea en sus orígenes británicos, con una detallada historia con escapadas a Louisville, Chicago y Montreal en busca de las bandas que plantearon una alternativa al rock después del rock partiendo de otras tradiciones musicales.

Hex (Circa, 94)

Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván MarcosTlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción Cantabria: Carlos Caneda Tlf. 669 06 82 72 (cantabria@mondosonoro. com) Publicidad Cantabria: Ernesto Castañeda 657 67 41 97 (publicantabria@mondosonoro.com) Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561

Desde su formación en 1986 Bark Psychosis no habían dejado de crecer. Poco quedaba en marzo de 1993, al comenzar a grabar el disco, de la banda decididamente noise de los inicios. Desde el sótano de la iglesia St John The Evangelist en el East London, su peculiar local de ensayo, Sutton, Ling, Simnett y el ex Disco Inferno Daniel Gish desarrollaron un nuevo tipo de intensidad que inspiró al crítico Simon Reynolds a bautizar su sonido como “post-rock”. En Hex por supuesto está presente la huella de Talk Talk y The Blue Nile, como también se aprecian horas escuchando discos de jazz, dub, minimalismo, ambient o progresivo que cristalizaron en un álbum nocturno, urbano y cinematográfico, angustioso por momentos y refulgente casi siempre. Una nueva sensibilidad en la Inglaterra postthatcheriana para la misma generación que ahuyentó sus fantasmas con el grunge.

Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 981 160 102 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Edu Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Silvia R. May

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Tú. Tu sonido. Tu cerveza. Ahora.

Swans, Ben Frost, Novedades Carminha... Agenda Conciertos

Sala El Sol, Madrid

Sala Garufa, A Coruña

Cala Vento / 05 de octubre

Guadalupe Plata / 19 de octubre

Sala Fun House, Madrid

Sala But, Madrid

Malandrómeda / 07 de octubre Sharman Den / 21 de octubre

The Parrots / 19 de octubre

Sanagustin, Azpeitia

Guadalupe Plata / 20 de octubre

Pablo Und Destruktion 13 de octubre

La Iguana, Vigo

Sala Hangar, Córdoba

Escenario Santander

The Pains Of Being Pure At Heart 16 de octubre Guadalupe Plata / 27 de octubre

Lemon Rock, Granada The Pains Of Being Pure At Heart 18 de octubre José Ignacio Lapido / 19 de octubre

Super 8, Ferrol

Guadalupe Plata / 21 de octubre

The Pains Of Being Pure At Heart 21 de octubre

Sala Capitol, Santiago de Compostela !!! (CHK CHK CHK) / 27 de octubre Novedades Carminha 28 de octubre

Teatro Lara, Madrid Giras, Festivales y Ciclos

Ian Hunter & The Rant Band 19 de octubre

American Autumn

981heritage

Swans 07 de octubre · Sala Capitol, Santiago

Ben Frost 08 de octubre · La Riviera, Madrid

Luna 09 de octubre · Joy Eslava, Madrid

Swans 11 de octubre · Teatro Barceló, Madrid

Will Johnson 12 de octubre · Café & Pop Torgal, Ourense

Monkey Week SON Estrella Galicia

The Pains Of Being Pure At Heart 15 de octubre · Joy Eslava, Madrid

Del 09 al 14 de octubre / Alameda de Hércules, Sevilla

Mark Eitzel 26 de octubre / Sala Taboo, Madrid 30 de octubre / Auditorio Municipal, Ourense

MIRA. Digital Arts Festival 09, 10 y 11 de noviembre / Fabra i Coats, Barcelona

España Abraza Brasil Forastero & Quartabê 18 de octubre / Sala El Sol, Madrid

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