Mondo Sonoro octubre 2022

5/Mondo freako

“Nypmh” (Virgin, 22), el nuevo trabajo de Shygirl, llega en el mejor momento para esta estrella del pop entre lo accesible y lo experimental. Ha crecido mucho y seguirá haciéndolo ante nuestros ojos.

EL DESARROLLO CREATIVO de Shygirl en apenas dos años desde que “ALIAS” (20), el epé que cambió todo, viera la luz, deja a cualquiera bo quiabierto. La estrella no sólo ha conseguido instalarse en el mercado como una de las figuras pop más potentes e interesantes de los últimos tiempos en el Reino Unido. Si no que, además, ha reunido a una comunidad de fans completamente devotos de cada pieza creativa que saca a la luz. “Este viaje lo inicié centrándome únicamente en que tenía que expresar mis sentimientos a través de la música y nece sitaba la fórmula perfecta para hacerlo. No era realmente consciente de toda la batalla que estaba viviendo con mi identidad. La verdad es que disfruto de cómo soy, tengo algunos días de bajón, pero en general me gusta quién soy en este mundo y reflejar todo esto en mi música tiene un impacto que desconocía. Me he dado cuenta de que en los conciertos hay gente muy diversa en cuando a procedencia, edad… Hay gente muy joven, como de dieciséis años. Y claro, parándome a pensar me doy cuenta de que cuando yo tenía dieciséis no tenía un entor no como ese en el que expresarme tal como era y, en realidad, todavía estaba tratando de averiguar lo que quería. Me siento muy orgullosa de ver a la gente unida por la música”. Todo esto no es más que el resul tado de un enorme trabajo a través de la música para que esta sea una parte más de su cuerpo, de su alma. La enorme fuerza que desprende Shygirl en cada entrega nos ha hecho mejores. Hemos bailado, sudado, gritado con cada canción. Y, lo más impor tante, jamás nos ha juzgado, todo lo contra rio, nos ha invitado a ser nosotros mismos, respetarnos y querernos. Es, lo que viene siendo una líder de diez. “Cuando se trata de la comunidad queer, ya sabes, creces pensando que la forma en la que pensabas y te enfrentabas al mundo no era la nor mal. Porque lo que nos decían que era ‘nor mal’ no era ser queer. Así que el hecho de que los jóvenes puedan acceder más rápido

Shygirl

Metamorfosis

3a este tipo de espacios en los que sentirse ellos mismos es algo estupendo. Ahora que han vuelto los directos lo estoy viviendo de verdad y es muy gratificante poder ayudar a través de tu arte. Ver a todos dejarse lle var y fundirse con la música es una imagen muy poderosa”.

CON “NYPHM”, la estrella se presenta con una nueva era en la que deja todo el fuego atrás para abrazar su parte más íntima y vulnerable. “Diría que ‘ALIAS’ fue como un entrenamiento para mí, para exprimir todo lo que tenía en mi mente a nivel sonoro. Pero claro, si miro ahora hacia atrás siento que tengo mucho que crecer, nuevas ideas. Soy muy perfeccionista a la hora de crear y dura conmigo misma. Estaba muy orgu llosa de ese proyecto, pero ahora creo que podría haberlo hecho mejor. Claramente es como una sensación agridulce”.

“NYPHM” ES UN DISCO de experimen tación, de autoconocimiento, de verdad y paz. Y, para saber un poco más de esta nueva aventura mística y soft, en la que le han salido unas nuevas alas para volar, quedamos con Shygirl en el mítico Hard

Rock Café de Madrid. Una cita que no hace más que reforzar el enorme carisma, inteligencia, bondad y humildad que está haciendo a Blane Muise convertirse en una estrella inmensa. “Creo que es importan te que, cuando muestras toda tu fuerza, reflejes que has tenido que superar cierta vulnerabilidad para alcanzarla. Cuando alguien usa su fuerza a ciegas, sin cono cimiento de la sensibilidad que rodea el mundo, creo que no transmite verdad, más bien muestra ignorancia. Así que, por mi lado, creo que la gente puede apreciar todo ese poder que me mantiene en pie y mi fuerza vital porque soy vulnerable, me permito ser vulnerable. Estoy como todo el rato exprimiendo al máximo cualquier pequeña emoción que me atraviesa para convertirla de esta forma en canción. Por otro lado, cada vez que he ido al estudio para grabar este álbum quería estar al cien por cien. Quería cantar porque creo que también hay parte de vulnerabilidad que se refleja cuando cantas una canción. O, por ejemplo, cuando buscas la precisión abso luta en un rap no es solo para que la gente te escuche sino para lanzarte mensajes a ti misma. Para escucharte a ti misma, expli

carte situaciones que te han hecho sentir mal y decirte que viene un futuro mejor”. Eso subraya que “Nymph” nace con la in tención de remarcar la parte más personal de Shygirl, abrir nuevas puertas a sus fans que antes no había mostrado, jugar con la música y seguir creciendo. “La canción ‘Firefly’ habla de reconocer que cuando pasas por algo que te marca no debes huir de ello. Que todo lo que obtienes de esa experiencia, de progresar, del crecimiento que te producen estas situaciones te hacen sentirte mejor. Así que mi punto de vista es que, por ejemplo, ya que estoy viviendo un amor no correspondido pues, al menos, aprendo más sobre mí misma. La verdad es que ahora estoy disfrutando mucho de la persona en la que me he convertido y creo que este álbum refleja gran parte de mi presente. No solo muestra mis relaciones amorosas, sino también muestra cómo estoy llevando mi carrera, cómo estoy con migo misma y cómo lo manifiesto con los demás. Este disco deja ver muy bien cómo pienso y siento. Es mi forma de ofrecer una gran parte de mí al público”.

ES INCREÍBLE ESCUCHAR a Shygirl ha

blar de autoconocimiento y crecimiento personal. Por esta razón, la artista sirve de inspiración para una gran masa que ve en su arte un refugio. Una forma de ayuda para ser libres y encontrar su verdadera identidad. “Todos tenemos esos días en los que te sientes deprimida, la persona más fea del mundo y en otros en los que te ves genial. Pero está bien permitirse tener estos cambios y aprender con ellos. No hay que forzar la felicidad, si estás mal lo que tienes que hacer es manifestarlo, hablarlo con la gente y contigo mismo. Creo que el mayor error que puedes cometer es inten tar alejarte de esa tristeza y no afrontarla. Yo he aprendido a tratarme a mí misma como trato a los demás y trato a los demás con mucho respeto. Espero no decepcionar a nadie con este disco, porque la verdad es que surge de haber podido experimentar con cada persona que ha pasado por él. Y esto solo ocurre cuando realmente tienes espacio para ser un artista y no solo eres una máquina para producir música”.

LA MÍA

Más allá de la canción protesta

NUNCA PONDRÉ en duda que las canciones tienen poder suficiente para cambiar vidas, para abrirnos los ojos y darnos una nueva refe rencia que nos ayude a tomar otros caminos. Desde un punto de vista emocional creo que he pasado por ese trance en diversas ocasiones. Letras de canciones que me ayu daban a entender que las cosas pueden ser de otra forma o que no somos los únicos que nos hemos sentido en un pozo enfangado del que estábamos convencidos que jamás podríamos salir. Pero sí he dudado, y mucho, del poder de las canciones para cambiar el mundo, especialmente un mundo tan glo balizado como este en el que nos ha tocado vivir. Creo que algunas pueden hacerlo, o eso me gusta pensar, pero que al mismo tiempo hay miles y millones que no son más que rui do de fondo con ínfulas de lanzar mensajes certeros contra el sistema. Es evidente que también depende del país y la sociedad en la que vivamos. No es lo mismo lanzar pro clamas contra el sistema en un país sumido en una dictadura política que lanzarlas en una sociedad democrática en las que pode mos estar jodidos, pero no tanto como en buena parte del resto del globo terráqueo. Es decir, que hacer canciones que se contenten con acudir a los mismos tópicos de siempre no creo que tenga mucho de combativo. Que si los políticos corruptos, que si la policía violenta, que si el sistema nos aprieta... Es obvio, lo sabemos, lo tenemos claro. ¿En serio alguien cree que lucha contra el poder cantando una canción que habla sobre la corrupción política así en general y tirando de tópicos? Pero hay países en los que las cosas están mucho más jodidas y ahí sí, ahí sí creo que pueden escribirse canciones que realmente supongan una patada al sistema en toda regla. ¿Que cambien las cosas? Com plicado, pero que abran muchos ojos quizás sí. Un ejemplo que todos conocemos es lo que ocurrió con el famoso “This Is America” de Childish Gambino, sobre todo por un videoclip que acudía a episodios realmente complicados del racismo en Estados Unidos y que generó que infinidad de versiones de países distintos criticasen –algunos con más humor, otros con menos– a sus respecti vos gobiernos. Pero un ejemplo de lo que es enfrentarse al poder a caraperro es lo que ha hecho Bad Bunny con “El apagón-Aquí vive gente–Un verano sin ti”, en el que el puertorriqueño descubre a través de un documental inserido en Youtube, con sus nombres y apellidos, a empresas y políticos que están haciéndose de oro a costa de su pueblo. Bunny ha sido un tipo con suerte, con muchísima suerte, pero los millones no le han llevado a darle la espalda al mundo y vivir en su castillo de cristal.

JOAN S LUNA

“Cuando se trata de la comunidad queer, creces pensando que la forma en la que pensabas y te enfrentabas al mundo no era la normal” “

ENCONTRAR UN HUECO para hablar es un rompeca bezas. Es síntoma de éxito. Pero al mismo tiempo desprende angustia. Toca tomar un nuevo impulso. “Poder currar de lo que quiero, con esta infraestructura, un público tan entregado y emitiendo siempre amor, es muy guay”, resta gravedad Rigoberta Bandini desde el otro lado de la pantalla de Zoom. La catalana pone la guinda a su meteórica carrera con “La emperatriz”, disco que incluye sus imprescindibles y cuatro últi mos temas antes de una pausa indefinida de vocación creativa.

¿Pensabas que esto podría escalar tanto?

Mi ambición era llegar a mucha gente. Pero para entregar todo aquello que te nía: una necesidad grande de compartir. Pero es cierto que cuando se materializa no deja de asombrar. Con el tiempo, qui zá todo pierde un poco el romanticismo respecto a cuando componía en 2019. Era otro tipo de juego.

¿En qué ha cambiado?

Ahora estoy en una dinámica de poco espacio para la exploración. Estoy en un momento de materializar todo lo que había soñado, construir y currar en esta bonita casa. Por eso tengo ganas de cuan do acabe la gira, volver a encontrar un es pacio de juego, de riesgo, de exploración.

Hay una búsqueda de verdades y sím bolos… Hasta que llega un momento que se quema la mecha. Si no sabes pa rar, ¿es fácil que caigas en fórmulas?

Es el ciclo natural de las cosas. Quiero decir, yo al menos lo siento natural. Sien to que ahora estoy en un momento muy guay, porque es como la celebración de todo lo que ha pasado. Ahora estoy pre parando la gira de otoño, una celebración con el público de un disco que cierra una primera etapa. Con las canciones inéditas que acaban de salir, empasto el discurso que siento que se ha ido construyendo sobre todo con la gente. Tengo muchas ganas. Son la traca final.

Realmente es el parón de cualquier artista que ha tenido la suerte de haber se podido ganar ese tiempo, ¿no?

Soy una afortunada por poder tomar me ese tiempo indefinido, ese espacio de creación que nunca en la vida había tenido así. Esta pausa siempre la he transmitido como la de cualquier artista: una pausa para componer. No es pausa, quiero decir, lo es para la gente, porque seguramente no estaré en todos los festi vales [ríe]. La idea es que sea un tiempo real de creación.

¿Y por qué tanto revuelo? Se ha creado una burbuja muy rara de re tirada del escenario: familiares míos me preguntaban si estaba bien. Ya lo aclaré en La Resistencia. No deja de ser el fin de una etapa. Cuando terminamos la gira, si después acabamos yendo a Latinoaméri ca igual, necesito un horizonte plano.

El disco viene a decir: bueno, esto es lo que hemos hecho. Una especie de dietario. Un álbum de fotos. Totalmente. Es un álbum muy poco co mún, porque es como en retrospectiva, coger la mayoría de canciones que siento que forman parte de este álbum en esta primera etapa y juntarlas con otras, para

Margen de error

Rigoberta Bandini

Rigoberta

Hace tres años estalló un fenómeno. Después de un centenar de conciertos y catorce singles, Rigoberta Bandini ha decidido dar frenazo a este primer arreón pop. No sin antes hacer gira de despedida (Wizink y Sant Jordi) y publicar “La emperatriz” (Live In Dallas, 22), cuatro temas inéditos, pero mayoría de celebración.

TEXTO Yeray S. Iborra FOTO Pol Rebaque

enmarcar y entender que a partir de ahí comienza otra. A partir de ahora no ten go ni idea de qué voy a hacer, la verdad. Pero sí sé que durante todo este tiempo siempre he dicho que fluía. Ahora ha sido necesario ordenar. Con perspectiva lo he entendido. Aunque la gente conozca la mayoría de canciones y aunque no sea un álbum al uso, quiero que exista.

¿Qué cosas crees que le faltaban al álbum?

La canción “La emperatriz”, la que da nombre al disco, porque es como la que de algún modo está mirando hacia atrás. Una voz del presente que habla a todas las voces del disco. Una paranoia. Y des pués también necesitaba en ese disco momentos de intimidad, porque al final muchos de los singles son muy extroverti dos. Te hacen bailar. Y necesitaba alguna canción algo más pequeña, más íntima, más atmosférica. De esas también hay un par. Por ejemplo “Canciones de amor” habla mucho de la época en que empecé componiendo sin que mi hijo existiera y… apareció mi gran amor. Él fue como una droga y sólo podía componer canciones

de amor a él. Para mí es un disco que explica un viaje que no sólo es la pande mia como para todo el mundo, sino que es también tener un hijo y un proyecto naciente. Todo, explotando en mi cara.

¿Habías pensado otras formas de ter minar esta primera parte del proyecto que no fuera un disco? Lo tuve claro, pero no hace mucho, ¿eh? Quizás antes de la primavera. De repente, me iluminé y dije ver que quería enmar car lo que habíamos hecho.

“Canciones de amor” tiene una inter pretación evidente, la oda a tu peque. Pero de fondo se escucha un potente mensaje: “Si esto acaba, no pasa nada”. Que naciera mi hijo cuando nació el pro yecto… [Piensa] Me hizo un gran favor. Llevas años esperando el éxito profesio nal, llegas a un público con las manos abiertas para recibir lo que has creado y nace tu hijo, el mayor espectáculo de amor. Le estoy muy agradecida a ese contrapunto. Aunque sea una locura, una cosa y la otra se contrarrestan. Por supuesto, mi hijo me importa mucho más que mi disco. Ayuda a relativizar, a ver que esto ha tenido sentido. No quiero que acabe, pero como en una relación sana de amor, si termina, habrá estado bien.

¿Qué crees que vas a necesitar en el parón, que ahora mismo tienes lejos, para volver a estar cerca de ese yo? Margen de error. Como artista, muestras los dibujos terminados, pero no los es bozos y las mierdas. Allí está la semilla de todo. La exploración. Yo necesito esto, libretas y libretas que quizás nadie llegue a ver pero que a mí me lleven a otros puertos. Y para eso necesito tiempo. Que mi contexto laboral sea la exploración.

Y.S.I.

“A partir de ahora no tengo ni idea de qué voy a hacer, la verdad”

NATOS Y WAOR

La libertad se gana

“NOS SENTIMOS comple tamente libres al hacer nuestra música porque a lo único que hacemos caso es a lo que realmente nos apetece hacer. Y a la vista está, ya que es un disco muy variado. No nos hemos casado con ningún sonido”. No le falta ra zón a Waor, ya que este “Luna Llena” es, sin duda, el disco más heterogéneo de la carrera de Natos y Waor. Y es, también, el mas experimental y atrevido que ha pu blicado el dúo madrileño. En parte porque han dejado de lado su versión más rapera para jugar con nuevos ritmos y melodías.

“Al margen de un par de temas con toques rockeros hemos hecho por primera vez un drumless, hay un tema cercano al R&B, hemos rapeado sobre una instrumental con una percusión cercana al reggaetón,…”. Unos cambios que ya empezaban a intuirse en el anterior disco de Hijos de La Ruina y que, como nos confirma el propio grupo, se deben también al método de creación.

“El cambio fundamental es en la manera de trabajar, que es algo que ya empezamos a hacer con ‘HDLR 3’ (21), y es que hemos estado presentes y colaborando en todo el proceso creativo de la música también, no solo de la letra. Cuando ha estado Pablo Gareta, nuestro productor, y Jack, nuestro guitarrista, trabajando en una instrumen tal nosotros siempre hemos estado dando nuestras ideas y opinión y guiando un poco la nave. Nos encerramos en un estudio y además nos hemos ido tres o cuatro veces a una casa rural, pasando tres días de encie rro para trabajar. Y para divertirnos tam bién, todo sea dicho [risas]. Pensamos en que nos apetece hacer, un ritmo, un BPM, ideas de qué nos gustaría transmitir... y en casi todos los temas tiene una presencia importante la guitarra. Jack empezaba a improvisar y nos íbamos quedando y dan do forma a lo que nos gustaba. Y a partir de ahí si salía algo convincente empezába mos a escribir”. Así, introducen ritmos de afrobeat en su música, se dejan llevar por la melancolía de baladas-rap y exploran

nuevos géneros en canciones como “Vale tudo”, “Dame calor” y “Noches sin dormir”. Mientras que otros cortes como “Rumba”, “Los 90”, “Rebeldes sin causa” y “Cura de humildad” nos recuerdan que su esencia es y siempre será siempre el hip hop. “No tie ne que ver con no repetirnos, sino más bien con ser honestos con nosotros mismos, y es que lo que más nos entretiene y menos nos aburre es variar y probar cosas nuevas. Eso lo alternamos con rap clásico del de toda la vida del que hemos hecho siempre porque nosotros somos raperos y nos gusta ese sonido, aunque tampoco todo el rato”. Y es que es evidente que cada vez se sienten más libres para dar vida a su música. Quizá por eso en la portada del disco se vean, sobre un fondo de una luna, dos pájaros volando.

NO ENCONTRAMOs tanto cam bio, sin embargo, en el mensaje y las letras de este “Luna Lle na”. No hay duda de que Natos y Waor son dos de los mejores letristas de rap de este país. Sus versos nos narran la historia de dos chavales de barrio con sus aventuras, sus aciertos y sus errores. Pero también nos hablan del paso de la edad, los cambios, el amor propio y las contradiccio nes que confunden a cualquier ser huma no. Una retórica trabajada y profunda a la vez que variada. “Creo que hay varios polos opuestos en las canciones de ‘Luna Llena’. Algunas letras muy vacilonas, otras muy sentidas y viscerales. Pero es que así somos. No todos los días son iguales y a lo mejor un día estás más sensible o vulnerable y otro te sientes el puto amo. Por eso cada canción refleja muchos estados anímicos y así va el viaje desde la primera canción a

Sin duda la libertad es uno de los argumentos más sólidos sobre los que se ha cimentado la carrera de Natos y Waor. Con la autogestión total como método de trabajo, ahora se lanzan con un disco, “Luna Llena” (Autoeditado, 22), en el que se atreven con nuevos sonidos y componentes.

TEXTO Alfonso Gil Royo

3la última. Empieza muy cañero que parece que vamos a morder, con ‘Rumba’, y el siguiente es mucho más sobrio y tranquilo. El tercero vuelve a ser más fiestero y así cada uno es distinto al anterior”.

HAY ESPACIO para todo tipo de historias y mensajes en este “Luna Llena”, incluyendo, como no podía ser de otra forma, mensajes más comprometidos o combativos, no tan personales. “Creo que nosotros, sin hacer un rap especialmente político, de darle sermones a la gente, obviamente tenemos un trasfondo de ba rrio, de gente que se ha criado en barrio obrero, que es donde seguimos viviendo, y de sentimiento de arraigo a los barrios y las relaciones que se establece entre las personas. No sabríamos decirte si existe un despertar del mensaje político en el rap es pañol. Nosotros no es lo que más buscamos aunque obviamente sería magnifico, pero no intentamos adoctrinar a nadie, sólo contar lo que vivimos y lo que tenemos a nuestro alrededor”. Y a su alrededor lo que han vivido es, formando parte fundamental de ella, una escena de rap que nació de las calles y fue creciendo con una personalidad propia e intransferible. Madrid fue cuna de una nueva generación en el rap, una época que Natos y Waor homenajean en la can ción “Los 90” y de la que guardan un bonito recuerdo. “Recordamos con mucho amor ese tiempo en el que sólo rapeábamos por rapear, sin ninguna pretensión, porque nosotros no teníamos el sueño de ser can tantes y triunfar en la música. Lo único que queríamos era cantar y ser felices con ello, y rapear me hacía y me hace muy feliz. Lo seguimos haciendo con ese mismo sentimiento pero es verdad que las cosas han cambiado y por suerte podemos vivir de lo que más nos gusta hacer. En cuanto a la escena madrileña, o al menos la gente que nos juntábamos, Suite Soprano, Chacal Clik, 935, Gadafi Clik… Tenía toda la magia de la adolescencia y unos chavales que que rían comerse el mundo”. Muchos de esos artistas (como Costa, Hijos Bastardos o De nom) solían aparecer en anteriores discos de Natos y Waor, y sin embargo en este sólo encontramos las colaboraciones de Recy cled J, otro clásico de la escena madrileña, y Kutxi Romero, cantante de Marea. ¿A qué se debe este cambio en la política de cola boraciones? “Porque este es quizá un disco más personal que los anteriores. Por eso hemos querido contar solo con Recycled, porque es nuestro hermano y va a estar en todos nuestros discos siempre, es como la tercera pata del banco, y con Kutxi porque nos hacía especial ilusión, es un sueño

poder hacer esta canción”. Muchos com pañeros dejaron el rap (dejando tras de sí canciones grabadas que son ya historia del género) y otros lograron vivir también de la música. Aunque si preguntamos a Natos y Waor sobre grupos de hoy que deberíamos escuchar, nos recomendarían “oír a Ale jandro DS, Nadie13 y Serra, que son amigos nuestros muy cercanos, muy talentosos y que tienen menos reconocimiento del que deberían tener”.

MUCHO HA LLOVIDO, diez años para ser exactos, des de que el grupo publicase “Catarsis” (12), su primer disco. Una carrera que, recordemos, el dúo repasa en su documental “Underground Kings”. Y que parece llega a lo más alto con este su cuarto disco como dupla. “Llega en el mejor momento tanto en el aspecto personal como en el profesional, le hemos dedicado mucho mimo al disco. Después de haber hecho el ‘Hijos de la Ruina Volu men 3’ (21) con Recycled teníamos muchas ganas de ponernos con un proyecto nuevo, y después de esta gira con HDLR, que ha sido un exitazo rotundo, teníamos ganas de volver a también a recuperar nuestro proyecto de Natos y Waor”. Y es indudable que los números avalan al grupo, que ha ido ascendiendo logrando metas que otros sólo sueñan. Pero, ¿son conscientes de que puede ser que algún día algo falle, qué en algún momento, como le ha pasado a tantos artistas, su carrera sufra un bache? Su respuesta es contundente. “Tenemos la suerte que hasta el día de hoy nuestra carrera ha sido sólo ascendente y hemos ido gradualmente y poco a poco pero siempre subiendo escalones en cada tra bajo que hemos sacado. Creemos que este disco es otro escalón más, de hecho en los pocos días que lleva fuera ha tenido muy buena respuesta, y creemos y confiamos

que la gira irá por el mismo camino. Pero por supuesto que existe la posibilidad, de hecho en algún momento llegará cien por cien, porque es imposible ir sólo para arri ba durante una carrera y más si es larga. Y si eso ocurre, que un disco funciona peor que los anteriores, tendremos que intentar gestionarlo con honestidad y no tomár noslo como una derrota definitiva porque no es así, ya que tenemos una carrera muy afortunada con momentos inolvidables que sólo podemos considerar como una victoria”. Sin duda hasta ahora pueden contar sus batallas por victorias. Han esta do en los mayores festivales, han recorrido Latinoamérica, arrasan en plataformas y redes y la mayoría de sus canciones cuen tan sus visitas por millones. Cada vez que estrenan un nuevo tema la escena poco el foco sobre ellos. Y la salida de “Luna Lle na” no ha sido una excepción. “A veces es inevitable algo de presión porque al final es una responsabilidad que haya tantos oídos prestándonos atención y esperando a ver cuál es nuestro siguiente movimiento, pero procuramos trabajar ajenos a esa presión porque creemos que es lo más honesto que podemos hacer y como mejores resultados se obtienen“.

“Nosotros, sin hacer un rap especialmente político, de darle sermones a la gente, tenemos un trasfondo de barrio”

SU ASCENSO, además, se ha ido fra guando en paralelo al crecimiento de la llamada música urbana en España. Hace pocos años la mayo ría de medios de comunicación ignoraban totalmente al rap y hoy es seguramente el género más potente y demandado en lo me diático. Y es gracias al buen trabajo durante años de grupos como Natos y Waor, pero también gracias a la explosión de hits tras pasa-fronteras como el de Bizarrap y Que vedo, la canción más escuchada del mundo hoy en día, aunque eso levante ampollas entre los detractores del hip hop. “Creo que por desgracia en España somos bastante envidiosos y cualquier cosa que triunfe se la rechaza, por una parte del público que se cree más especial por no subirse al carro. A mí esa canción de Bizarrap y Quevedo me parece un temazo y me lo he bailado este verano doscientas veces, y me alegro mucho por el éxito de ambos. Y soy capaz de verlo con esa perspectiva porque nos ha pasado también. Cuando teníamos muy pocas visi tas no teníamos casi comentarios negativos, pero en el momento en el que llega el éxito aparecen los que descargan su frustración contigo. Por lo que es mejor tener haters porque eso quiere decir que las cosas están

yendo bien”. Porque criticar es gratuito. Y más aún en la época de las redes sociales. “Pero cada generación tiene lo suyo, seguro que la de mis padres con mis abuelos tenían cosas que les costaba entender y les gene raba problemas. A nosotros nos ha tocado la de las redes sociales, aunque más a los que son más jóvenes que nosotros, y todos pasamos más tiempo del que deberíamos con las redes, nosotros los primeros”. Son circunstancias con las que todo artista debe convivir hoy en día. Pero Natos y Waor se han ganado el respeto de su público y de la escena, sino no se explica cómo han podido agotar las entradas del Wizink y del Palau Sant Jordi antes incluso de haber publicado el disco. Un nuevo hito en la carrera de un grupo al que le quedan pocas metas por cumplir. “No somos mucho de ponernos objetivos, somos más de trabajar y que las cosas lleguen, obsesionarte con los objetivos solo puede hacer que te frustres en caso de que no los consigas. Lo que estamos pensan do ahora es en comenzar la gira, en que lle guen esos conciertos del Wizink, San Jordi y otros para ponerlos patas arriba”. A.L.R.

Más en www.mondosonoro.com

l Valencia 07 octubre. Festival Festador

l Alicante 08 octubre. Festival Rocanrola

l Zaragoza 10 octubre. Espacio Zity

l Madrid 18 febrero 2023. Wizink Center

l Barcelona 17 marzo 2023. Palau Sant Jordi

l Navarra 01 abril 2023. Iruña Rock

l Madrid 14 octubre 2023. Wizink Center

De izquierda a derecha Fernando Hisado (Waor, Madrid, 1988) y Gonzalo Cidre (Natos, Buenos Aires, 1991).

R

The Gulps En la corte del Rey Arturo

Afincados en Londres y protegidos de Alan McGee, fundador de Creation, The Gulps están dándolo todo para ganarse una posición en la escena con singles como “King Of the Disco” o “Stuck In The City”.

EL COMIENZO DE LA TRAVESÍA de The Gulps es en realidad bien conocida, con dos amigos de toda la vida –el vocalista Javier Sola y el guitarrista Juan Carlos Ruiz– mudán dose a Londres para perseguir su sueño de montar una banda de rock. “Venimos de Calahorra en La Rioja, y ya desde pe queñitos tocábamos en bandas. Pero so ñábamos con venir a Londres y tener una banda de las que nos gustaban. El primer año estuve fregando platos y no conocía a nadie, así que me metí en una escuela de música: no aprendí nada, pero conocí al resto del grupo ¡Objetivo cumplido!”. El grupo puede presumir de tener contactos de lujo, caso de Alan McGee –que lleva a la banda–, el productor YOUTH, o Booby Gillespie, cantante de Primal Scream. “Francesco (Buffone, el otro guitarrista del grupo) trabaja en Borough Market y allí conoció a McGee. Lo paró, consiguió su teléfono y le enviamos las canciones. Nos

respondió diciendo que le gustaban. Y lue go Francesco se encontró a Bobby y le dijo que estábamos hablando con McGee y Bo bby le preguntó a McGee ‘Oye, estos The Gulps y tal…’ y McGee ya estaba flipando un poco [risas]. Al final vino a un concier to, pero fue una mierda y al día siguiente McGee llamó para decir que no estaba interesado. Francesco no paró de perse guirle y nos machacamos a escribir temas nuevos y a ensayar como cabrones. Al final hicimos un Live Streaming con ‘Stuck In The City’, que él vio en su casa y dijo ‘Vale, me mola’. Y desde entonces a tope”. De hecho, el escocés estuvo en Madrid y Granada pinchando tras los conciertos de sus nuevos pupilos. “Los consejos los da contándote sus hazañas y las cosas que él ha vivido. Y si lo escuchas bien, luego eso lo puedes aplicar tu banda”. El caso es que el propio McGee califica a Javier como un frontman increíble, unos elogios nada desdeñables teniendo en cuenta que hablamos de un tipo que ha trabajado con el propio Bobby Gillespie, Liam Gallagher, Pete Doherty, Kevin Shields o Jim Reid. “¡A mí me encanta! [risas]. Cuando tomamos la decisión de venir a Londres ya teníamos claro que veníamos para conseguirlo. Y además fantaseábamos con la idea de que Alan McGee iba a ser nuestro manager. Es algo que mentalmente se ha ido prepa rando, cocinando y proyectando durante

mucho tiempo. Ahora estamos asimilando que está pasando”.

DE MOMENTO SOLO SE CONOCEN algu nos singles del grupo, que en breve deberá pensar en el álbum completo, si bien los miembros de The Gulps muestran una absoluta confianza en su propio potencial. “Para triunfar en el rock tienes que creer que lo puedes conseguir. Si sientes que el rock & roll está en ti de verdad y que for mas parte de ello, entonces solo hace falta que el mundo se entere porque tú ya lo sa bes. El objetivo cuando se creó la banda (y McGee también lo dice) era ser una banda de estadio. Creo que o llegamos al estadio o no llegaremos muy lejos, no creo que vaya a ser algo intermedio. Y vamos a por ello con más trabajo cada día: no vamos a parar hasta que se consiga”.

FOTO: ARCHIVO

RAÚL JULIÁN

“O llegamos a ser una banda de estadio o no llegaremos muy lejos”

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SUENA

INFINITAMENTE más senci llo de lo que es. Convertir Bilbao en capital mundial de la industria musical durante varias jornadas es una tarea compleja y que requiere mu cho esfuerzo y trabajo, pero ha dado sus frutos y recompensas desde el minuto cero. Así, BIME lleva años siendo una cita ineludible en la agenda profesional, cul tural y económica internacional en sus dos grandes áreas: BIME PRO y BIME LIVE Este año se espera reunir a alrededor de 4.500 profesionales llegados de más de cincuenta países y a más de sesenta artis tas de más de diez nacionalidades.

BIME PRO

CITA IMPRESCINDIBLE dirigida al público profesional, BIME PRO se desarrollará a lo largo de las jornadas de los días 26, 27 y 28 de octubre en el Palacio Euskalduna. Allí la actividad no cesará ni un instante, a través de las ponencias, las masterclas ses, los talleres y el networking que es tablecerán lazos entre los profesionales que se espera que acudan, procedentes de diversos países y representando a más de 1.500 empresas. Se fortalecerá la relación entre Europa y América, con la participa ción de nutridas delegaciones de países como Brasil, Colombia, Chile, Argentina, Venezuela, México, República Dominicana, Portugal, Francia, Alemania, Finlandia, Paises Bajos o Austria, entre otros.

COMO DE COSTUMBRE, la lista de ponentes participantes en BIME PRO quita el hipo. A lo largo de las tres jornadas podremos aprender de grandes profesionales del calibre de Afo Verde (presidente y CEO de Sony Music Latin-Iberia, quien trabaja con

Bad Bunny, Rosalía o Camilo); la artista Neneh Cherry; Christine White (programa dora del Jazz & Heritage Festival de New Orleans); Jeff Rona (compositor de bandas sonoras para directores como Ridley Scott o Steven Spielberg); el reconocido produc tor Rafa Sardina (colaborador de artistas como Lady Gaga, Beyoncé o Michael Jac kson); ese peso pesado de la escena rap mundial que es James Cruz; Adam Smalley (supervisor musical de películas como “Gladiator” o “Misión Imposible”) o Ana Bustamante (directora general de Medite rráneo, grupo de productoras de Mediaset España), entre muchos otros.

BIME LIVE

BIME LIVE CELEBRARÁ ESTE AÑO su décimo aniversario a lo largo de cuatro jornadas –las que van del 26 al 29 de octubre–, aun que con sorpresas y con un nuevo formato que inundará la ciudad del mejor talento emergente musical. De este modo, la progra mación musical del BIME no funciona como un gran festival aparte, sino que se sumer ge en Bilbao manteniendo la filosofía de lo que antes era BIME City. Con este cambio, las principales salas de la ciudad y diversos emplazamientos únicos al aire libre aco gerán actuaciones con acceso libre con las que el público descubrirá a los talentos del futuro y a algunas de las propuestas más inquietas y vanguardistas de la actualidad, procedentes de más de diez países.

Y LO CIERTO ES QUE, al margen de los ar tistas internacionales, la selección anda sobrada de nombres imprescindibles para entender lo que está ocurriendo en nuestro país en el ámbito musical, desde una perspectiva muy amplia que va del

Actuación en el BIME PRO 2021

BIME PRO 2021 en el Palacio Euskalduna

CHAQUETA DE CHÁNDAL

CARLOTA FLÂNEUR

SHEGO

MUERDO FREAKO

BIME

El epicentro de la industria musical en Bilbao

Bilbao se convertirá por décimo año consecutivo en el centro neurálgico de la industria, la innovación y los negocios musicales a escala mundial durante cuatro jornadas plagadas de propuestas para profesionales y también para el público corriente. Será del 26 al 29 de octubre.

pop independiente a los sonidos urbanos, pasando por el flamenco, el hyperpop, el hardcore, la electrónica o los sonidos de raíz más diversos. Por eso, desde Mon doSonoro no podemos dejar de recomendar que no os perdáis los shows de, entre otros, artistas y grupos como 31FAM, Judeline, Queralt Lahoz, Carlota Flâneur, Carrera, Shego, Magia Bruta, Chaqueta de Chándal, Idoia, Idoipe, Karmento, La Élite, Merina Gris, Muerdo, Rakky Ripper, Rosario La Tremendita, Rosin de Palo, Sandra Monfort, Staytons, Samuraï o Ghouljaboy. Te emplazamos a que visites la web del BIME o que sigas nuestro medio para tener más información sobre todos estos artistas y muchos otros de los restantes partici pantes. MS

Otras actividades

ADEMÁS DE LA PROGRAMACIÓN de las dos principa les áreas, esta edición de BIME se completará otras actividades muy destacadas. BIME será sede de los encuentros de la European Music Export Exchange; de la celebración del décimo aniversario de la aso ciación europea de salas de conciertos Live DMA; el Film Music Lab, en el que compositores y directores de cine trabajarán de la mano para crear bandas so noras para diferentes producciones y cuyo resulta do podremos escuchar en vivo; el programa Campus para jóvenes; la Start Up! Competition en colabora ción con el Gobierno Vasco; el programa Conexiones i, iniciado en BIME Bogotá en colaboración con el Ministerio de Cultura de España; el Music Equality Forum en favor de una industria más igualitaria e inclusiva; el #SELChallenge, concurso para produc tores musicales que trabajarán con sonidos de la tierra en colaboración con Sound Earth Legacy; la primera edición de los Premios BIME EQUITY de la mano de Amazon Music y que se emplazará el 27 de octubre en La Ribera, y una vez más la ceremonia de entrega de los Premios Fest, que se celebrará el 26 de octubre en Azkuna Zentroa. MS

Actuación en el BIME LIVE 2021

La cara oculta de Steve Aoki

Steve Aoki acaba de publicar “HiROQUEST: Genesis” (DJ Kid Millionaire/Music As Usual, 22), un disco de veintitantas canciones en las que combina su habitual sonido edm, su afición por el punk pop y algo de latineo para todos los públicos. Pero Aoki no siempre fue el tipo que pincha y lanza tartas en todos los festivales, y hoy vamos a hablar sobre ello.

TEXTO Joan S. Luna

STEVE AOKI ACABA de publi car “HiROQUEST: Genesis”, un disco que incluye veintiu na canciones con todos los géneros que funcionan en la electrónica mainstream amal gamados en una conjunto que funciona a ratos sí y a ratos no. Es lo lógico en una obra de estas características. Un álbum largo, con una larga lista de voces invitadas, algunas conocidas, otras por descubrir. “Para mí no es sencillo hacer un disco, porque me meto en proyectos complicados [risas]”. Creado durante la cuarentena, “Hi ROQUEST” sigue directrices ya conocidas en el trabajo de Aoki: combinar géneros, muchos invitados y un buen puñado de singles para pinchar. “El sonido de Steve Aoki de estos diez años puede definirse como global, y es algo que me encanta. Para mí la música es algo que fluye, no algo que puedas encajonar. Puedo estar hacien do electrónica, pero soy un pájaro libre”. Así, podemos pasar de temas con guitarras

como “KULT” –con Jasiah–, piezas emo pop como “Just Us Two” –con Taking Back Sunday–, country edm como “Move On”, reggaeton como “Ultimate” –con Snow Tha Product– y hardstyle festivalero como “The Whistle” –con Timmy Trumpet–. “En mi mundo musical, este álbum es más dis ruptivo, porque mis discos habían tenido un componente más pop o con nombres realmente fuertes. En cambio, este es un disco más alternativo, con nombres más jóvenes, pero al mismo tiempo el espíritu global de Steve Aoki está ahí”. Al margen de los millones de escuchas que acabará acumulando, “HiROQUEST” contó con una edición limitada que incluía unas cartas coleccionables creadas especialmente para la ocasión. “En este lanzamiento hay una parte que no es música. Está conectado a un mundo animado de personajes, una historia, un universo completo. Lo hemos creado con una imaginación desbordada que ha dado setenta personajes distintos. Tenías que comprar el CD para obtener tu

personaje. Tenías que comprarlo en junio, en un período de cinco horas. Después ya no habría más cartas. ¡Vendimos casi trein ta mil CD’s!”.

UNA VEZ PRESENTADO EL DISCO, in tento sumergirme en la otra cara de Steve Aoki, aquella que suma dos líneas en su biografía, pero a la que quiero sacarle algo más de jugo. Antes de ser DJ’s de electró nica comercial, Steve Aoki era un joven punk y hardcore que montaba conciertos, berreaba y tocaba a toda velocidad. “Los primeros conciertos los monté cuando iba al instituto. Tenía dieciséis años y le pedía a mis amigos si me dejaban montar algún concierto en los patios traseros de sus casas. Literalmente, se lo pedía y los montaba allí. Venían unas diez personas, con suerte unas quince [risas]. Todo eran amigos [más risas]. Pensé que yo también podía hacerlo. Empecé a tocar la guitarra, luego el bajo, luego me puse a cantar”. Poco después puso en marcha bandas como los caóticos This Machine Kills, The Fire Next Time o Esperanza, mucho más cercanos al hardcore ochentas. Un par de años más tarde, descubrió la electrónica y ahí empe zó el cambio. La escena punk quizás dejase de respetarle (“Y lo puedo entender, porque tiene que ver con crear comunidad, y eso es importante. Al principio me criticaban muchísimo, pero ahora creo que ya no tanto. Y lo que haya no deja de ser ruido de fondo”), pero Aoki conservó buenos amigos entre aquellos a los que había organizado conciertos o con los que había compartido cartel. No hay más que escuchar su recien te single con Taking Back Sunday o atender a la lista de participantes en “Golden Days”, el tema de “Neon Future III” en el que can

ta Jim Adkins (Jimmy Eat World). “Oh, sí, sí, sí [se excita]. La historia de esa canción en concreto es muy interesante. Yo estaba en el estudio con John Feldmann [cantante de Goldfinger], Calum Hood [5 Seconds Of Summer], Mark Hoppus y Travis Barker [Blink-182]. Yo hice algo con el bajo, Calum se puso a cantar, John cogió la guitarra y empezó a tocar, Mark se puso a escribir una letra y Travis se encargo de la batería. Era... [empieza a tararear la canción]. Si escuchas la letra es muy markhoppusiana, pero pensamos que hacía falta alguien para cantarla. Y pensé en Jim Adkins. Yo cono cía mucho a Jimmy Eat World. Les había montado un concierto en mi comedor, en The Pickle Patch, al que vinieron siete per sonas. Éramos todos más punks entonces. Así que conozco a Jim desde 1997 más o menos. Aquel día le llamé y le dije “Jim, tengo un tema para ti”. Y él dijo “Finalmen te, veinte años después vamos a hacer una canción juntos [risas]”.

EN LOS INICIOS DEL SELLO discográfi co del que es dueño, Dim Mak, publicó a bandas que los aficionados a las guitarras hemos disfrutado como Planes Mistaken For Stars o Pretty Girls Make Graves. Pero, a la hora de hablar del pasado, si algo sor prende son los seis grados de separación entre uno de los DJ’s más ricos del mundo y la banda de rock Tokyo Sex Destruction, de quienes Aoki publicó en Estados Unidos “Le Red Soul Comunnitte” –licenciado por B-Core Disc–. “El tema es que Tokyo Sex Destruction tenían el mismo rollo que Re fused, y yo era amigo de Dennis, le conozco muy bien. Y además hacían rock’n’roll. En ese momento yo había sacado a The Kills, The Von Bondies, David Viner, Soledad Bro thers... Todos son blues rock’n’roll y Tokyo Sex Destruction también. Me recordaban a MC5. Además, yo era amigo de Michael Davis de MC5 y de su mujer, Angela Davis, en aquellos días éramos muy cercanos, y fiché a un grupo del que Michael era mána ger. Se llamaban... espera... Dollhouse, eran suecos. Fui a verles en concierto y Michael me dijo ‘tío, estos son los nuevos MC5. Sue nan como nosotros’. Tíos con pelo largo, un rollo parecido, mucha energía. Me gus taban esas bandas, les sacaba discos en mi sello, y Tokyo Sex Destruction encajaban ahí. Les escuché y sencillamente pensé que quería publicarles en mi sello. Nunca les he visto en directo, pero aquel disco me encanta”. J.S.L.

Más

“Al principio en la escena punk me criticaban muchísimo, pero ahora creo que no tanto”

.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Sonaba en el coche cuando era niña. Yo tenía unos ocho años, y en mi casa mi madre y mi padre siempre compraban muchos discos, y cantábamos en el coche y bailábamos en casa. Me aprendí este disco entero desde mi asiento de detrás del conductor, mirando por la ventana. Me fascinó lo visuales que eran las letras, los sonidos extraños pero al mismo tiempo naturales.

Entrando en la adolescencia llegó este disco a nuestro coche. Era la primera vez que es cuchaba a Julieta Venegas, con aquel limón en la portada, y su voz, y su forma de cantar, y su forma de contar. Hasta ese momento mi cabeza iba construyendo más las maneras de contar y mostrar las cosas, y ya a los trece empecé a poner atención en cómo cantar. Este disco lo he cantado mucho, mucho. Iba corrigiéndome, repitiendo, mejorando.

EN GIRA

l Málaga 06 octubre. Paris 15

l Sevilla 07 octubre.Sala Custom

l Ibiza 08 octubre. Sonorama

l Villaba 11 octubre.Totem

l A Coruña 14 octubre. Pantalán

l Vigo 15 octubre. Molotov

l Zaragoza 20 octubre. Sala López

l Burgos 21 octubre.La Rua

l Oviedo 10 noviembre. Sala Gong

l Ponferrada 11 noviembre. Sala La Vaca

l Zamora 12 noviembre. Selvatika

l Córdoba 17 noviembre. Long Rock

l Jaén 18 noviembre. Sala La Mecánica

l Granada 19 noviembre. Industrial Copera

l Badajoz 25 noviembre. Tetaro Cultura Off

l Cáceres 26 noviembre. Boogaloo Café

l Valencia 08 diciembre. 16 Toneladas

l Barcelona 09 diciembre. Sala Bóveda

l Vitoria-Gasteiz 07 enero. Principal Antzokia

Mi madre me trajo este disco porque se lo recomendó un amigo. Le dijo que era una artista que teníamos que escuchar en casa. Ya tendría yo diecisiete años, porque me acuerdo que no mucho des pués me saqué el carnet de conducir, y lo escuchaba en el coche sola, y cantaba. La sensibilidad, la dulzura, la ternura, la voz, la miel, la elegancia, la sutileza, su juventud en la portada. Quizás mi pri mer referente realista.

Siempre he disfrutado mucho del arte de mis contemporáneas. Yo he crecido a la vez que Taylor Swift, o Miley Cyrus, o Selena Gómez. Crecía mirándolas, y ellas siendo miradas. El primer disco que tuve suyo fue “Fearless”. Yo tenía quince años, quise aprender a tocar la guitarra por ella. Para poder tener mis cancio nes completas, porque yo ya tenía mis can ciones pero solo con voz. “Evermore” conectó mucho con la Izaro de veintisiete años. Podría pasarme horas escuchando a Taylor Swift.

Mi madre compró este disco recopilato rio de The Corrs, que era doble porque también traía el DVD. Creo que es el primer disco físico que me marcó por su diseño. Era suave, brillante, la foto de portada, la luz, el color, la electricidad. No conocía a la banda, y fue raro porque cuando entré en su mundo musical ellas ya lo habían dejado. Se convirtió para mí como un fósil súper valioso.

Hay muchos discos clave para mí en mi vida, pero nunca había comprendido del todo eso de “ese disco me salvó la vida”, hasta que llegó “Motomami” en un mo mento oscuro para mí. Llevaba tiempo sintiéndome como invisible, pero sentí que este disco me vio, y fue tal el ali vio… Lo que dice, desde dónde lo dice, cómo lo dice, la producción, la fortaleza, la voz, la foto, el talento, la valentía, la inteligencia, la elegancia... MS

Pedro Guerra Ofrenda (2001)

Rosalía Motomami (2022)

Taylor Swift Fearless (2008) Evermore (2020)

Norah Jones Feels Like Home (2004)

Julieta Venegas Limón y Sal (2006)

The Corrs Dreams. The Ultimate Corrs Collection (2006)

Izaro

Izaro sigue adelante con su gira “Limones de oro”, que la ha llevado a un sold out de 6.000 personas en San Sebastián y por diversas partes del mundo. Ahora anuncia un total de veinte nuevos conciertos en nuestro país, momento que aprovechamos para preguntarle por sus discos favoritos.

En los meditabundos e insatisfechos anhelos de una joven llamada Beatrice Kristi Laus brotan las raíces de un colorido universo particular y unipersonal que se destila en su reciente álbum “Beatopia” (Dirty Hit/Music As Usual, 22) como beabadoobee.

TEXTO Fran González FOTO Erika Kamano

EN EL MUNDO de beabadoo bee hay batracios que tocan la guitarra, el sabor de las setas te levanta del suelo y te traslada a realidades despreocupadas y sin baru llo, y uno piensa en que está en un paraiso idealizado. Así es como esta artista londi nense de origen filipino se imaginaba en su día “Beatopia”. “Todo empezó cuando tenía como siete años. Pasé por cosas por las que una niña de siete años no debería haber pasado. La construcción de ese mundo paralelo no fue un acto consciente como tal, simplemente fue un acto que necesité hacer con el fin de sobrevivir y de ver la vida de un forma diferente”. Un rincón íntimo de su imaginación que hizo en su día las veces de refugio contra el ruido externo y que ha terminado convirtiéndose en el concepto sobre el que ha pivotado su segundo largo con el que definitivamente ha confirmado su abrumador éxito mundial.

EN EL AÑO en el que su impronta artística le ha llevado a pisar las tablas de los festiva les más importantes del planeta, beabadoo bee se revela como una artista transparente y hecha a sí misma, ofreciéndonos ahora un punto de vista diferente con respecto al que veíamos en sus anteriores propuestas.

“’Beatopia’ es ante todo un trabajo en el que hemos querido hacer lo que nos ha dado la gana, sentirnos totalmente libres para experimentar, crear, innovar y no tener que seguir ningún tipo de reglas”. Algo que se puede apreciar admirando cómo la artista ha maridado con excelente gusto su sonido actual con ritmos más arraigados como la bossa nova o la música tradicional filipina. A pesar de tratarse de un proyecto tan ínti mo, “Beatopia” es también el resultado de un trabajo insólitamente colaborativo en el que una larga lista de nombres de gran cala do (desde PinkPantherness, hasta Jack Ste adman de Bombay Bicycle Club o el propio Matty Healy de The 1975) han querido par ticipar: “Nunca antes me había planteado el hacer un álbum tan colaborativo, sobre todo porque cuando empecé en esto era muy re ticente a que nadie metiera sus dedos en mi

trabajo. Pero digamos que para este nuevo disco me las he apañado para trabajar con gente muy agradable y profesional y eso hizo que sorpresivamente todo fuera mucho más fácil”, apunta Bea. “Matty [Healy], por ejemplo, es como el típico hermano mayor que es molesto y te hace rabiar, pero te da consejos que te arreglan la vida”.

A FINALES DEL PRESENTE verano, Bea ten drá el enorme placer de llevar su “Beatopia Tour” por algunas ciudades del continente asiático por primera vez en su vida, algo que le llena de júbilo e incredulidad: “Estoy enormemente feliz por poder tocar allí por

CRITICANDO

POP / Una inmersión en un idealizado pasado adolescente repleto de memorias absurdamente románticas y mariposas en el estómago que revolotean sin rumbo específico y sin pensar demasiado en el mañana. Te queden más lejos o más cerca aquellos años, “Beatopia” logra colocarnos con éxito en esa sintonía pubescente de altibajos anímicos en los que todo tu mun do gira en torno a una persona y el poder de iluminar o ennegrecer tus días reside en su mano. No lo negaremos, es una pre misa un tanto básica para un cancionero; pero no rompamos la magia. A través de sus catorce pistas, consigue narrar y hacer nuestros los diferentes estados emocio nales de un joven enamorado, sacándole el máximo rendimiento a ese universo acústico y meloso a partir de las diversas y dulces aristas de su sonido.

beabadoobee

Amor

“Cuando necesité que alguien me recordase la valía de mis raíces, nunca tuve ningún referente a mano”

Beatopia Dirty Hit / Music As Usual

beabadoobee

Amor de juventud

primera vez en mi vida. Es loquísimo poder tocar en mi verdadera ciudad natal”. A pesar, eso sí, de que la sobrecarga de traba jo esté comenzando a pesarle: “No lo voy a negar, estar de gira deja mi salud mental por los suelos. Demostrar agradecimiento a las personas que me rodean o que vienen a vernos tocar me ayuda a seguir adelante, pero los artistas deberíamos poder decidir cuándo poder tomarnos un descanso. Son muchos conciertos a nuestras espaldas y si no miramos por nuestra salud a tiempo, los daños pueden ser irreversibles”.

LA PROGRESIÓN DE BEA, junto a la de otras artistas asiáticas que triunfan en Occidente, nos lleva irremediablemente a conversar sobre los progresos que la sociedad ha alcanzado con respecto a la normalización y la integración: “En los últimos años se pueden percibir ciertas mejoras con respecto a la diversidad en la música. La gente ha empezado a normali zar situaciones que nunca debieron dejar de ser normales o a empezar a apreciar rasgos distintivos de otras culturas. Por supuesto, aún sigue quedando mucho trabajo por hacer, no solo en la sociedad británica, sino en general, pero es genial ver que cada vez hay más artistas feme ninas asiáticas en el foco mediático”. Algo que seguidamente lleva a la artista a mencionar lo mucho que ha cambiado la industria musical desde que ella era pe queña hasta ahora: “Nunca tuve referentes con los que pudiera sentirme identificada realmente, hasta que años más tarde aparecieron artistas como Karen O, por ejemplo. Pero cuando tenía quince años, y probablemente cuando más necesitaba que anímicamente alguien me recordase la valía de mis raíces y mi esencia, nunca tuve ningún referente del que echar mano. Creo que ahora, gracias al fenómeno del K-POP, por ejemplo, y a la gran cantidad de artistas asiáticos que han aparecido en el pop de los últimos años, las nuevas gene raciones tienen esa parte cubierta”. Desde la humildad y un tímido sonrojo que se puede discernir incluso a través de la pantalla de Zoom, la artista también tiene palabras sobre su papel en esta ecuación:

“No es algo que busque de forma premedi tada o a propósito, pero si mi música ayu da a tender puentes entre generaciones y a ocupar esa cuota de diversidad racial que no estaba cubierta hace años, por mí encantada”.

F.G.

SIN LUGAR A DUDA, The 1975 se han convertido en una de las bandas más importantes e in fluyentes de los últimos diez años. Tras la salida de su anterior largo, “Notes On A Condi tional Form”, Matty anunciaba a voces que el fin del grupo podría estar cerca. Y bueno, aunque no hayan cumplido con tal premonición, en parte sí que tenía razón. Ese disco supuso la clausura de una era, de una forma de vivir la música, y de muchas otras cosas. Un carpetazo a la locura y el periodo artístico de adolescencia del líder de un grupo que ahora busca conectar con el mundo real alcanzando su madu rez creativa siendo lo más fiel y sincero posible. “La diferencia es que con ‘Notes On A Conditional Form’ era como ir al cine IMAX y ver ‘Transformers’ donde en cualquier momento puedes ir al baño. Sin embargo, ‘Being Funny In A Foreign Language’ es como ir el teatro con unas doscientas personas. Estás sentado y es tan íntimo que piensas todo el rato: ‘¿Puedo ir al baño ahora mismo o me espero para no interrumpir al artista?’. Ese es el nivel de intimidad que queríamos conseguir. Este disco es una especie de vernos hacer lo que hacemos en lugar de ser interpretado. En él no estoy realmente actuando mucho, por eso intentamos evitar todas las fotos pro mocionales en las que salíamos mirando a cámara. Esta vez queríamos mirarnos a nosotros mismos, reírnos, que todo fuera más real”.

HABLAMOS CON MATTY por Zoom desde Londres en una semana llena de turbulencias por todo el proceso que acom paña el funeral de Isabel II. “Voy a preparar una taza de té mientras comenzamos a hablar”. Educado, comprometido y lleno de ilusión la estrella se desplaza por su hogar de piedra y paredes blancas con el móvil en la mano como si hablara con un viejo conocido o familiar. “Oye, ¿está mi video encendido? Ya estoy por aquí”. Para acabar sentado en la cama de su cuarto vestido también completamente de blanco y gene rar un ambiente cálido y cercano. “Después de sacar nuestro último álbum miramos hacia atrás para pensar en todo lo que habíamos realizado y nos dimos cuenta de que lo que habíamos estado haciendo era intentar crecer como banda y llegar lo más lejos posible. Sin embargo, mi teoría es que las bandas murieron con Arctic Monkeys. Bueno, a ver, es cierto que podemos hablar también de Tame Impala, pero lo que quie

ro decir es que no había muchas bandas grandes con líderes guitarreros dispuestas a cambiar el mundo. Tuvimos a The Li bertines, a Arctic Monkeys, y luego ya la música negra tomó el relevo de la mano de artistas solistas femeninas y masculinos. Así que volviendo a tu pregunta inicial, creo que este año nos hemos dado cuenta de que hemos estado dentro en una banda durante veinte años. Lo que claramente nos convierte en una de las formaciones más longevas del mundo. Así que estába mos en plan ‘Bueno ¿entonces qué somos ahora?’. Ni siquiera se puede decir a través de estos cuatro álbumes, porque en reali dad vivimos en constante cambio. Pero, sí que hay como un núcleo duro, hay un co razón, algo en The 1975 que la gente ama”. La gente ama la fuerza con la que Matty se sube al escenario para enamorar a todo el público desde el minuto cero, la capacidad de la banda de captar lo que siente toda una generación de una forma tan precisa, la defensa de lo imperfecto y toda la ico nicidad que rodea el proyecto. Pero, como dice Matty, más allá de todo esto lo que el público ama de verdad es la colección de canciones que han logrado construir en to dos estos años. “Una vez que pudimos des pojarnos de todo nuestro ego, y dejamos apartado el imaginario que ha construido el grupo, la verdad es que nos quedan las canciones y melodías. Eso es lo que la gente realmente quiere. Por esta razón, Adele es la mayor estrella del mundo, porque te regala una gran historia con una gran melodía y va directa a generar emociones. Así que nos dijimos: ‘Vamos a centrarnos en eso’. En lugar de veintidós pistas, de ir a todas partes, vamos a sacar once canciones y a entrar en una habitación para no salir de ella hasta que todo esté terminado. Y con esto me refiero a no permitirnos ir de repente a alquilar un ordenador o comprar un nuevo sintetizador. La idea era usar to dos los instrumentos que teníamos en esa sala y grabarlo en cuatro semanas. Quería mos marcar la diferencia a la hora de tra bajar en este álbum ya que ahora cualquier chaval de diecisiete años puede pillarse un portátil y hacer música. Pero, lo que sí que no puede es colarse en una habitación con una banda con la que lleva veinte años y saber lo que se siente al escribir canciones con ellos”.

ES CURIOSO CÓMO “Being Funny

In A Foreign Language” defien de la idea de un nuevo renacer, pero a la vez conecta con las raíces de The 1975. Este álbum supone dar un salto de gigante para la identidad del grupo y asumir nuevas responsabilidades.

Treinta y tantos

Coronado como un auténtico rey medieval, y apoyado por un séquito de emociones, veíamos a Matty Healy liderar las primeras imágenes que nos mostraban de “Being Funny In A Foreign Language” (Dirty Hit/ MAU, 22). En ellas, había desprendido por completo su obsesión por el mundo digital y parecía presentar un nuevo renacer decorado con arte y literatura.

TEXTO Álex Jerez Samuel Bradley

3Pero, también aúna y sintetiza a nivel so noro la esencia de la banda en solamente once canciones. “Es un nuevo comienzo sí, pero también es como volver al principio de todo. Esto pasa mucho con los fans y a mí me parece muy divertido. Nos piden todo el rato que volvamos a nuestro sonido original, a como sonaba nuestro primer álbum y nuestro segundo álbum. Pero ya te digo que si lo hubiéramos hecho ya, nos habrían dicho que qué pereza o que nues tras canciones suenan todas igual. Así que creo que con este disco la gente va a saciar esa necesidad porque hemos creado como una especie de imitación de nosotros mis mos. Es como si fuéramos a una fiesta de Halloween disfrazados de The 1975, ¿qué aspecto tendríamos? ¿Cómo sonaríamos? Pues a ese tipo de imitación me refiero”.

PASADA LA TREINTENA, Matty ha querido arriesgar y abrirse al mundo de una forma en la que antes jamás lo había hecho. Para él, siempre ha sido fácil hablar de sus conflictos emocionales, adicciones, frustraciones y llenarlo todo de dolor o pesimismo. Por eso, esta nueva era supone un volantazo mucho más radical. “Hasta ahora, toda mi carrera ocurrió en mi vein tena y vivía contaminado por ese nihilismo propio de ‘El club de la lucha’, en el que crees que eres bastante sexy, genial, evitas ser sincero, te gusta ser irónico o cabrón en lugar de ser agradable. Cuando empiezas a crecer, te das cuenta de que todo ese nihi lismo está bien para los veinte, pero la vida te va a mostrar una versión del amor mu cho menos sexy llena de responsabilidad y tal vez unidad familiar. Ya sabes, todas estas ideas que no se celebran en el mundo postmoderno. Así que fue un poco más ra dical para mí hacer ese giro, ya que lo fácil habría sido seguir hablando en plan: ‘Oh estoy enfermo, soy adicto a las drogas y me meo en los pantalones’. Lo fácil era pintar una mala imagen de mí mismo, porque soy mi mayor crítico y me gusta serlo. Así que lo que era complicado para mí de verdad, era buscar conceptos en plan ‘Dime que me quieres, eso es todo lo que necesito oír’. Desde este punto de vista me arriesgo a ser sensible, blando, ingenuo y eso suele asustar a los hombres heteros. Así que creo que he sido muy radical emocionalmente hablando y he intentado hacer las menos bromas posibles sobre eso”. Aunque en realidad entre tanta vulnerabilidad, este último álbum sí que refleja un punto satíri co y cargado de humor que nos encanta. Es como si Matty usara esa vía de expresión para entregarnos su corazón sin tener que temblar al hacerlo.

EVIDENTEMENTE, toda esta nueva filosofía de The 1975 viene acompañado de rendirse al arte con total seguridad, y en profun didad, dejando de lado cualquier tipo de obsesión por los charts. Esto les sitúa en una relación muy diferente con el público más joven que les convirtió en estrellas glo bales. “La verdad es que no pienso en ello porque si lo hiciera empezaría a pensar en TikTok, a hacer las cosas más cortas y a decirme, por ejemplo, que como una perso na joven no va a conocer probablemente a Lou Reed pues no debería hablar de él. En vez de eso, lo que sí que pienso es en que mi edad [treinta y tres años] es la mejor de to das, ¿sabes? He crecido amando la cultura y siendo un apasionado de ella rodeado de gente que hacía verdadero arte. Ahora, sin embargo, en los últimos diez años, quince años, todo cambió a un consumo mucho más juvenil con figuras como Justin Bieber o Ariana Grande. ¿Sabes lo que quiero decir?”. Y Matty, además, está feliz de poder mostrar una cara de su propio ser mucho más segura de sí misma y alejada del perfil de estrella emo que a veces le colgaban con veinte años. “Honestamente, no sé lo sexy que puedes ser a los veintidós, veintitres o veinticuatro años. Pero, este disco, que saco pasada la treintena, es mucho más sexy que un montón de cosas que se están lanzando ahora mismo. Y con ser sexy me refiero también a tener confianza en ti mismo, tomar las decisiones correctas. Creo que este disco trata un poco de eso. Aunque, la verdad, aún no lo he conseguido averiguar del todo. En todos nuestros discos intento averiguar quién soy, qué es lo que dice ese disco sobre mí. En los dos últimos álbumes no paro de hacerme preguntas en plan: ‘¿Está bien que no haya descubierto esto? ¿Estoy entendiendo algo mal?’. Y creo que con este disco asumo que lo que pasa sim plemente es que la vida es complicada”.

“Mi teoría es que las bandas murieron con Arctic Monkeys... Luego ya la música negra tomó el relevo de la mano de artistas solistas femeninas y masculinos”

ES EL PRIMER DISCO de la banda que absorbe de nuevas refe rencias, que mantienen la línea sonora de la banda, pero a su vez marcan la diferencia. “Creo que en el disco hay muchos momentos memorables. Gran parte de nuestra música está fuertemente inspirada por la música negra de los años setenta ochenta. Sin embargo, este disco no está tan inspirado en la música negra y sigue siendo un disco muy rítmico. La razón de que sea tan rítmico es que George y yo somos bateristas. Tuve que aprender a tocar la guitarra y todas estas cosas que hago aho ra... Siendo los dos principales compositores bateristas, la forma en que nos comunica mos es básicamente haciendo él el ritmo físico, yo el ritmo vocal y luego resolvemos todo lo demás. Obviamente, el ritmo es el origen de la música negra, así que está de forma inherente, pero en este disco, debido a que gran parte de él está compuesto a través de mi guitarra, decidimos inclinarlos hacia un lado más indie folk, UK garage… Es complicado decirte un nombre que haya inspirado este disco, pero si tuviera que decirte alguien creo que sería Paul Simon”.

PARA REDONDEAR la jugada, unen al equipo de producción al gran Jack Antonoff, que ha hecho un trabajo brillante, pese a las constantes polémicas de similitudes sonoras en los últimos lanzamientos en los que ha participado. “Nos ayudó a darnos cuenta de que podemos hacer cosas muy complicadas de una forma rapidísima. Es un TOC que comparto con George. Jack se convirtió en uno de nuestros mejores amigos y se hacen pocos amigos de verdad a nuestra edad. Nos respetábamos mucho el uno al otro. Además, Jack suele escribir también en los discos que produce pero con el nuestro ya teníamos un noventa y cinco por ciento hecho, así que fue diferente. Nos ayudó a ver que era fácil hacer realidad nuestras ideas y que sólo necesitábamos no complicar las cosas. Porque nosotros somos los reyes de hacer todo muy difícil y él es el rey de lo simple. Además, nosotros somos británicos y somos pesimistas. Necesitába mos ese optimismo americano para darnos un impulso”. Un salto para hacernos soñar, abrirnos los ojos, y despegarnos de las pantallas aunque sea por unos minutos. Un giro histórico en una banda que abandona cansada su adicción por el mundo digital, ese que les elevó a lo más alto, para recu perar las conexiones humanas que habían perdido por el camino. A.J.

EL RECUPERADO.

A MENUDO, cuando se trata de reme morar los inmortales e ineludibles aportes que Daniel Dumile nos brin dó en vida poco o nada nos cuesta acordarnos de sus eternos e impere cederos “Operation: Doomsday” (99) y “MM... FOOD” (04), o incluso de esa firma a pachas con Madlib que fue el imprescindible “Madvillainy” (2004). Sin embargo, lo que pocos recuerdan es que además de esa suerte de socie dad que el enmascarado Dumile y el mencionado productor californiano montaron, MF DOOM también alineó su infinito talento con el de por aque llas un emergente y casi anónimo Brian Joseph Burton, quien comen zaba a ser conocido en los estudios como Danger Mouse.

A pesar de que aún no conoceríamos ni la mitad de hitos que Burton logra ría en los años venideros, este ratón de estudio venía ya de dejar su semi lla en nada menos que “Demon Days” (05) de Gorillaz, hecho que sin duda fue determinante para que DOOM decidiera convertirlo en su personal escudero y ser así conocidos conjunta y temporalmente como DANGERDOOM. Un proyecto desenfadado y canalla que basaría su particular discurso en echar barras encima de beats y sam pleos tomados de la irreverente pro gramación animada de Adult Swim, perteneciente en aquel momento al canal Cartoon Network. Hecho que sin duda dotaría de ligereza y sencillez a las dieciséis pistas que componen su primer y único disco conjunto, el denostado e infravalorado “The Mou se And The Mask”

Para entender que en pleno 2022, y diecisiete años más tarde, Dan

ger Mouse haya decidido volver a sumergirse en la producción de un álbum de hip-hop (como es el cele brado “Cheat Codes”, firmado junto a Black Thought) es imprescindible conocer el papel que éste jugó en esta singular andanza, donde muy probablemente no demos con el DOOM más profundo, pero sí con un juego versátil y dinámico de ritmos diver tidos que son verdaderamente para enloquecer. Hablamos, eso sí, de un álbum ubicado en un contexto pop y referencial muy concreto que fuera de las fronteras de la animación esta dounidense de la época cueste quizás ubicarle un sentido (como sucede con “Basket Case”, o en esa pista homóni ma enteramente dedicada al satírico show “Aqua Teen Hunger Force”). No obstante, DOOM y Mouse hacen lo po sible para que el álbum sea accesible, invitando a otros pesos pesados de la escena de la época como el renombra do Ghostface Killah para ese entrete nido careo enmascarado que es “The Mask”, o el carismático CeeLo Green para esa extraordinaria “Benzi Box”.

Más allá de comprender o no los múltiples guiños lanzados a esa sub-cultura pop televisiva de la Amé rica de los primeros dosmiles, la ab surda naturalidad de DOOM volcada en este “The Mouse And The Mask” sirve como prueba tangible de que el rap también puede huir de esos tópi cos ególatras convencionales y ser algo simplemente somero y chistoso que abogue por no tomarse demasia do en serio a sí mismo. Algo que rara vez volveríamos a ver en el discurso de la música urbana.

FRAN GONZÁLEZ

TAN. CERCA.

RREn octubre se celebra el Noites Do Porto de A Coruña, concretamente del 20 al 23 de octubre. Entre los artistas participantes están Morgan, M. Ward, Fernandocosta, Jorge Drexler, James Rhodes, The Gulps, Alan McGee, Triago Iorc y Gloosito, que pasarán por el histórico Muelle de Batería.

RRDos de los raperos más importantes de nuestro país de dos generaciones distintas, Kase.O y Foyone, y un productor de lujo, Sceno, se unen en el single del primero, “Salud y libertad”. La canción es una “oda a la vida, la familia y la amistad y un mantra para que nunca más la humanidad se vea privada de salud y libertad”. Formará parte del tercer volumen de los “Divertimentos” de Kase.O.

RREl ciclo de conciertos Mallorca Live Nights arrancó el pasado mes y continuará con las actuaciones de Delaporte (21 octubre), Depedro (22 octubre), Quique González (26 noviembre), Baiuca (17 diciembre), Rufus T. Firefly (7 enero), Alice Wonder (28 enero) y Morgan (25 de febrero). En cuanto al reciente fichaje, Juancho Marqués, actuará el 3 de diciembre. Las entradas para todos los conciertos están ya a la venta en www.mallorcalivemusic.com.

RRCarolina Durante unen fuerzas con Orslok para presentar su nuevo single, “Casa Kira”. Los madrileños se unen a Orslok para llevar su punk pop veloz y eficaz a otros mundos, aportando su voz y su espíritu más electrónico. Los próximos conciertos de Carolina Durante les llevarán a Málaga (7 octubre, La Trinchera), Córdoba (8 octubre, Impala), Bilbao (20 octubre, Kafé Antzokia) y Vitoria (21 octubre, Jimmy Jazz), aunque hay fechas confirmadas hasta febrero de 2023. En Madrid actuarán de nuevo el 27 de enero, en el WiZink Center.

RREl próximo 21 de octubre verá la luz “Honestidad brutal extra brut” de Andrés Calamaro, que se extenderá hasta los seis discos, incluyendo “Versión original” y tres discos más bajo el título de “In & Alt”, que compilarán material no publicado anteriormente, grabaciones alternativas o inéditas y colaboraciones.

MS

Dangerdoom

The Mouse And The Mask (Lex Records, 2005)

Tamino Identidad propia

El músico belga de raíces egipcias Tamino apuesta en “Sahar” (Communion/Virgin, 22) por una versión más intimista y (aún) más personal de sí mismo, haciendo gala de una madurez creativa que le da un plus de personalidad y contrasta con sus veinticinco años de edad.

EL SEGUNDO LARGA DURACIÓN de Tamino se impone como un trabajo preciosista y cargado de misterio, que despachará sin mira mientos cualquier suspicacia acerca de la valía del autor. Un disco de fuerte calado emocional que sugiere diferentes fuentes de inspiración. “Lo hermoso de componer es que realmente no sabes de dónde vie nen las canciones. A menudo tiendo a pen

sar que una canción trata acerca de una situación en concreto para, más tarde y mientras interpreto la canción en muchos conciertos, descubrir que cada una de esas veces suena un poco diferente y me mues tra nuevas perspectivas. Por lo general, me doy cuenta de que en realidad no tengo control total sobre las canciones que estoy escribiendo. Vienen como vienen y no sirve de mucho resistirse a la llegada de una canción, una vez que ésta se está auto presentando”. En cualquier caso, “Sahar” es una obra que destila sentimientos con intensidad mayúscula, algo que podría sugerir los tintes autobiográficos por par te del autor. “Una vez que comienzo a es cribir una canción no sé dónde terminará. A veces puedo estar escribiendo y pienso que estoy creando una historia que no tiene conexiones conmigo, para más tarde descubrir que la canción está muy rela cionada con lo que estoy experimentando en ese momento. Supongo que se podría

decir que, en cierto modo, todas mis can ciones son autobiográficas, ya que todas salen de mi interior. Y al mismo tiempo se podría afirmar que ninguna de ellas lo es, ya que serán interpretadas de muchas maneras por muchas personas diferentes que, con suerte, conectarán las canciones con sus propias experiencias”.

EXISTEN SENSIBLES DIFERENCIAS en tre la presente entrega –más intimista y personal– y el que fuese debut de Tamino, aquél “Amir” (18) de hace cuatro años que lo situó inmediatamente en el mapa. “Creo que ‘Sahar’ es un álbum muy reflexivo. La sensación principal que tengo con el disco es la de estar reflexionando sobre lo que ha sucedido después de una tormenta y acerca de cómo seguir adelante. Se asienta en un estado intermedio del ser. El título significa ‘justo antes del amanecer’ y, al igual que ese momento en el que realmen te no es de noche ni de día, siento que el

TAN. LEJOS.

Seis años: una eternidad en los tiempos que corren. Es el tiempo transcurrido entre “99¢” (16), el tercer álbum de Santi White, y “Spirituals” (Little Jerk/Popstock!, 22). Bastante ha tenido con criar a sus tres hijos.

“Spirituals” es un álbum que surge de la necesidad de la estadounidense de reconectar con su yo más crea tivo, sobre el telón de fondo de los confinamientos, los incendios en Nortea mérica (su propia casa ardió) y los distur

RR Kirk Hammett de Metallica lleva su afición por el cine de monstruos de la Universal un paso más allá escribiendo una historia de terror y dotándola de banda sonora exclusiva. La his toria lleva por título “I Have To Get Rid Of This Guitar I Found” y de momento ha compartido un primer capítulo llamado “Cross road Magic Blues”.

RR El guitarrista David Andersson, que formaba parte de Soi lwork y también de The Night Flight Orchestra, ha fallecido a

la edad de cuarenta y siete años. Las causas de su muerte guar dan relación con los excesos con el alcohol combinados con una enfermedad mental que llevaba tiempo sufriendo.

RR “Alpha Zulu” será el nuevo álbum de Phoenix, del que ya han compartido como adelanto “Tonight”, una canción con Ezra Koenig de Vampire Weekend. El disco se publicará el 4 de no viembre.

RR También el 4 de noviembre

bios raciales del infausto 2020. En realidad, el tiempo transcurrido desde su último largo ha pasado para ella como un soplo. “En 2016 saqué mi último disco y me fui de gira; en 2017 me mudé a Los Ángeles; en 2018 tuve a mis gemelos; en 2019 publiqué una mixtape con canciones nuevas y giré por el décimo aniversario de ‘Santogold’ (08), mi primer álbum; en 2019 sufrí un incendio en casa y fue también el año en que empecé a escribir canciones para este disco, y en 2020 llegó la pandemia y los disturbios raciales. En realidad, no he pa rado”, afirma. En lo musical, se trata de un trabajo tan diverso como sus precedentes, rebosante de pop electrónico oscuro, hip

hop, dancehall y algo de rock con espíritu punk, coproducido junto a Rostam Bat manglij (Vampire Weekend), Boys Noize, Dre Skull o SBTRKT, que nos sirve también para una conversación en la que aflora su militante e irrenunciable conciencia racial, la misma que le lleva a quejarse del enca sillamiento al que aún se ven sometidos la mayoría de músicos negros, para quienes no parece haber nicho de mercado que vaya más allá del hip hop, el trap, el soul o el r’n’b. El disco, que debe su título a “los espirituales, las canciones tradicionales que se les permitía cantar a los esclavos negros para experimentar algo de liber tad”, exhibe la misma variedad de registros y conciencia racial

“No me importa con quién me comparen. Me importa cómo mi trabajo afecta a las personas”

álbum vive en un reino intermedio”.

LAS COMPARACIONES con Jeff Buckley han sido habituales a la hora de referirse al músico, aunque existen otros nombres que también pueden sacarse a colación tras la escucha de “Sahar”, caso de Da mien Rice, Father John Misty, Thom Yorke o José González. “En realidad no me im porta con quién o con qué me comparen. Me importa cómo mi trabajo afecta a las personas”. Todo parece indicar que “Sa har” podría ser el disco de la confirmación definitiva a nivel global de Tamir, aunque el entrevistado matiza el asunto. “No me gusta evaluar el arte de esa manera. Por supuesto que soy ambicioso y tengo algu nos sueños que deseo ver cumplidos, pero en general ya estoy viviendo el más grande de mis sueños”. RAÚL JULIÁN

verá la luz “B-Sides, Demos And Rarities”, una completísima caja recopilatoria de rarezas de PJ Harvey. Incluirá un total de cincuenta y nueve canciones en seis vinilos o tres discos com pactos. Como avance ha publica do un EP que puedes escuchar en plataformas.

RR Björk ha estrenado un segun do tema del que será su próximo álbum, “Fossora”. Tras “Atopos” hemos podido escuchar “Ovule”, una canción en la que la voz de la islandesa se pasea sobre una base que va de lo industrial a lo tribal.

RR Aunque supuestamente “Die Antwoord Is Dead” iba a ser su última canción, el dúo sudafri cano Die Antwoord ha lanzado otro tema que lleva por título “Age Of Illusion” y lo acompañan con un vídeo realizado con Inte ligencia Artificial. MS OCKENFELS

RR Parece ser que tras la aven tura en solitario de su vocalista Hayley Williams, Paramore publicarán otra vez material juntos. De momento han estrena do el single “This Is Why”.

que sus predecesores: pop, hip hop, dub, dancehall, rock. Algo que ratifica la condi ción de rara avis de una artista negra que no quiere ceñirse a ciertos cánones racia les. “Creo que la gente escucha música de diferentes géneros con más frecuencia, pero también que siguen existiendo barre ras reales para para cualquier artista ne gro a la hora de mezclar estilos diferentes”, lamenta. Esgrime que “históricamente no se les ha permitido a los negros existir fuera de las casillas del r’n’b y el hip hop”, una queja que enlaza con su canción “No thing”, que trata sobre la invisibilidad que ella misma ha sentido, y que ejemplifica con el presunto plagio que sufrió a manos de Taylor Swift: “Ella hizo una canción, ‘London Boy’ (19), que estaba claramen te influenciada por una mía, ‘Disparate

Youth’ (12), de hecho es prácticamente la misma, y cuando lo comenté con amigos músicos, todos me decían que no iban a decir nada porque les suponía un conflicto de intereses: es un privilegio de los blancos y es triste que aún ocurra. ¡A mí me afectó tremendamente lo que hizo Taylor Swift! Es como si yo no importara ni tuviera tam poco derecho a quejarme. ¿Sabes cuántas veces he leído ese mensaje en mi vida, esa voz interior que te dice ‘tú no importas, tú no importas’?”.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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Entrevista

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R

A pesar de que Tanxugueiras saltaran a la fama gracias a su participación en el Benidorm Fest, lo cierto es que estas tres gallegas llevan ya años publicando música. Hablamos con Aida, Olaia y Sabela sobre su evolución y su tan esperado tercer disco, “Diluvio” (Calaverita, 22).

PRIMERO ECHAMOS LA VISTA atrás para conocer mejor a estas tres artistas y el nacimiento de la banda. (Sabela) “Tanxugueiras so mos tres mujeres que decidimos hacer un grupo para cantar en las foliadas”. Poco a poco fueron pasando por distintos escena rios y la gente les pedía un disco y así fue como crearon “Tanxugueiras” (18) con la ayuda de Pedro Pascual y otros tantos músicos. La idea de grabar un segundo trabajo nació mientras presentaban su debut y con este álbum ya se atrevieron a hacerlo tan solo a percusiones y voz. Así surgió “Contrapunto” (19) con el que giraron hasta que llegó la pandemia. Ahí entraron en un periodo de reflexión para idear lo que sería “Diluvio”, sin contar con ese salto a la notoriedad que les daría el Benidorm Fest. Ellas resumen su carrera con una única y sólida sentencia. (Sabela) “No le tenemos miedo al fracaso. Somos unas inconscientes y vamos para adelante con lo que sea”. Ese período de analizar dónde estaban y hacia dónde se dirigían lleva a que las diferencias entre “Diluvio” y sus dos anteriores discos sean tan laten tes, empezando por una más que evidente

RONDA RÁPIDA

madurez de la propuesta. (Aida) “Antes de que saliera ‘Midas’ ya sabíamos el concep to del álbum. Hubo pecados que fueron más complicados de tratar que otros, por eso también nos llevó dos años hacerlo”. Porque “Diluvio” es un viaje a través de los distintos pecados que todos comete mos y a los que ellas les dan una vuelta de tuerca. (Sabela) “A todas nos pareció una gran idea darles ese giro. Decir ‘¿Por qué es un pecado capital?’. Reformular todo lo que sabemos de aquellos que nos han educado en la religión. Fue un aprendizaje muy grande para nosotros, porque fue desaprender lo que sabíamos”. FREAKO

Tanxugueiras

El diluvio

CON TANTO SENTIMIENTO de por medio, la música no podía ser menos. A pesar de que la mayoría de los temas tienen una po tente base musical, en medio encontramos la pura “Sorora”, una pieza de lo más tradi cional que choca con el resto. (Olaia) “No sotras eternamente seremos pandereteiras puras, pero actualmente la música que nos apetece hacer y la que escuchamos es de otro estilo”. A partir de esa pista tan pura, la recta final del trabajo se cimenta sobre canciones muy imponentes, entre las que se encuentra la mítica “Terra”. (Aida) “Que ríamos que tuviera diferentes sensaciones y que, a medida que fueras terminando el

FOTO: NEELAM KHAN VELA

“La gente está abierta a escuchar música en gallego u otro idioma siempre que les llegue”

Tanxugueiras diluvio gallego

disco, fuera a más”. (Olaia) “No nos metimos en un estudio diez días a ver qué salía. Cada canción tuvo su tiempo, grabábamos cuando sentíamos que tenía que ser así”.

OTRA DE LAS GRANDES NOVEDADES de “Diluvio” es que, por primera vez en uno de sus discos, invitan a alguien a cantar junto a ellas. Se trata del rapero Rayden, quien las acompaña en “Averno”. (Aída) “No hicimos un tema con la idea de colaborar con él, pero creamos ‘Averno’ y pensamos que él podría encajar muy bien. Como somos colegas, se lo dijimos y aceptó. Fue todo muy natural”. Y no nos olvidemos de que Tanxugueiras continúan luchando por difun dir la música en gallego, haciendo el disco íntegra mente en esa lengua, sin cambiar sus principios. La sorpresa es el gran tirón que han conseguido dentro del territorio nacional, pero ellas tienen claro que el idioma no supone ningún problema en ese sentido. (Sabela) “Notamos que cada vez hay más ganas de entender lo que cantamos y expresamos. Creemos que la gente está súper abierta a escuchar música en gallego o en otro idioma siempre que les llegue. De hecho, nos llegan muchos mensajes de ‘seguid así’ o ‘estoy aprendiendo gallego gracias a vosotras’ y eso nos gusta mucho”.

AHORA MISMO, Tanxugueiras están recorriendo todo el país, presentando sus nuevas canciones en una gira que ya ha arrancado. (Aida) “Llevábamos todos estos meses diciendo que lo que pasó en el Benidorm Fest no fue real, que la realidad se vería en esta gira. Estábamos intrigadas por ver cómo reaccionaría la gente, porque somos conscientes de que muchos vienen porque somos las tres gallegas que salieron en televisión. Pero nos hemos llevado una grata sorpresa porque son muy respetuosos y se nota que escuchan con atención, que lo disfrutan y lo bailan. Para nosotras está siendo genial”. Y por si acaso todavía tuvieras dudas sobre si asistir o no a alguno de sus conciertos, ellas nos cuentan que es lo que podemos encontrarnos, dejándonos con la miel en los labios. (Olaia) “Hay mucha fuerza, mucho empoderamiento. Es un viaje de emociones, ya que cantamos todos los temas del disco, que son muy po lémicos”. (Sabela) “Y aunque no entiendan el gallego, la música va guiando todo el proceso y cualquiera se puede enterar de lo que va, pero… ¡dejaos llevar por la magia!”.

TOP VÍDEOS.

Q

Bad Bunny El ApagónAquí Vive Gente

El grito de guerra se multiplica. “Puerto Rico estoy cabrón” claro, meridiano y bien alto. Así se expresa Bad Bunny en este vídeo de denuncia que saca las vergüenzas de su país, la desigualdades, los abusos de poder, la liberalización salvaje del mercado…

1

2

Enorme trallazo el que se sacan de la chistera Ca rolina Durante con la colaboración del YouTuber y cantante Orslok que le da al tema ese toque urban-pop que encaja como un guante.

QLabrinth Kill For Your Love

Tremendo tema acompañado por un no menos magnífico clip, con estética de video-juego, en el que asistimos a una extraña persecución en coche con un Labrinth herido y una poderosa compañera.

3

Q

Las cámaras ocultas, el no saber que estás par ticipando, el engaño y la sorpresa, son recursos que acostumbran a dar buenos resultados por la re acción espontánea de las víctimas. Justo en eso han confiado los responsables del vídeo de John Legend.

4

Lo más llamativo es que el video ha sido creado a través de inteligencia artificial por Sagans, de estética totalmente anime y en el que podemos ver incluso facciones de personajes de Studio Ghibli y algunas series mutando en diversas criaturas. MS

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QCarolina Durante Casa Kira (Ft. Orslok)

John Legend All She Wanna Do (feat. Saweetie)

QDie Antwoord Age Of Illusion

Menta son uno de los nuevos fichajes de la cada vez más imprescindible escudería Sonido Muchacho, que ha sido el sello encargado de publicar “Un momento extraño” (22), el que es el inquieto estreno en formato largo del grupo afincado en Madrid.

TENIENDO EN CUENTA que Menta es una banda novel, conviene comen zar la entrevista situando al lector acerca de los orí genes e intenciones del propio grupo. “Menta surge en 2019 sin muchas esperanzas de hacer nada serio en la música. Al principio íbamos a en sayar a Vallecas y grabábamos cosas con el móvil que molaban bastante. Supongo que eso nos animó a tomárnoslo un poco más en serio. Ese verano conseguimos grabar una maqueta súper cutre por tres cientos euros que sonaba fatal. Fueron nuestros primeros tres temas: ‘Me alegro de verte’, otra canción que nunca salió y

‘Ojalá te mueras’. Después apareció Soni do Muchacho con un contrato y dos años después estábamos grabando nuestro pri mer disco”. La aventura, de momento, ha desembocado en un primer disco de título “Un momento extraño” (a la venta a partir del 7 de octubre). “El nombre le viene que ni pintado al disco. Aunque las canciones las teníamos muy avanzadas desde hacía tiempo. Creo que la experiencia de gra bar en La Mina fue decisiva para que los temas salieran adelante”. Un trabajo que incluye buenas dosis de angustia, incluso de tristeza y una desilusión convertida en canciones. “Nos motivan sobre todo viven cias propias. Este álbum se ha compuesto en un momento difícil y de cambios para todos y ha ido saliendo de una manera muy natural, de ahí que varias canciones puedan transmitir rabia o pena”. Un buen ejemplo de la tesitura en cuestión sería el tema desesperanzado que abre el disco, “Fatal, gracias”. “Es una canción que lleva mucho tiempo compuesta y que resume bastante bien la época difícil de la que ha blábamos antes. Nos pareció muy potente y distinta al resto de las que hemos sacado anteriormente, así que pensamos que sería una buena apuesta para sorprender a la gente que escuche el disco”.

Haciendo escena

EL SEXTETO MENTA SE ENMARCA den tro de la última hornada de bandas del indie-pop nacional, que incluye nombres tan interesantes como los de Monteperdido, La Plata, Mediapunta, She go, Confeti de Odio, Cariño o Ginebras, por citar solamente algunos. Son formaciones que han cogido el testigo (aún caliente) de Carolina Durante, y conforman parte de esa nueva escena patria que viene empujando con fuerza. “Diríamos que esa escena existe, y suponemos que el nexo puede ser el per tenecer a una generación marcada por la in certidumbre y a la vez las ganas de aprender y hacer cosas, sea cual sea el nexo de lo que se está creando. O, mejor dicho, que ya está creado y es algo increíble. Tenemos la suer te de que en España hay una gran escena emergente de grupos y sellos discográficos. Y Sonido Muchacho apostó por nosotros gra cias a que Diego Ibáñez (Carolina Durante) escuchó la primera demo que grabamos y se la enseñó a Luis sin decirnos nada ¡y desde entonces aquí estamos!”. R J

LA PROPUESTA DEL COMBO incluye letras costumbristas, y quién sabe si tam bién autobiográficas. “Digamos que es un ochenta y cinco por ciento autobiográfico y un quince por ciento inventado; aunque la parte autobiográfica es una mezcla bastante interesante de cosas que nos han pasado o que hemos sentido los cinco. No sé si nuestra generación está tan desespe ranzada como desmotivada, o tan desmo tivada como desesperanzada, pero desde luego que todos los nacidos a mediados de los noventa compartimos ciertos rasgos y nos ha tocado vivir épocas extrañas y jodidas. Aunque siempre se haya intentado vender que somos una generación que lo ha tenido todo hecho”. Quizá por eso mismo cabría entender la obra como una especie de antídoto o anestesia, como en ese ‘Ibuprofeno’ que se incluye en la sexta canción del álbum. “Si a alguien le sirve de antídoto para cualquier cosa estaría genial. No solemos pensar en eso a la hora de componer, pero en este disco hablamos de muchas cosas que nos han pasado de alguna u otra manera a todos. Y está claro que mucha gente se puede ver identificada con eso”. Por su parte, el disco se cierra con “Un llanto”, tema de dream-pop que remite a Slowdive. “Fue uno de los últimos temas

que compusimos antes de irnos a grabar a Sevilla y queríamos que fuese algo muy calmado y con mucha atmósfera. Después de escucharla varias veces junto al resto de temas, tenía todo el sentido del mundo que el disco se cerrara con una canción así”.

SIEMPRE QUE UNA NUEVA FORMACIÓN se estrena en formato largo, cabe hablar de expectativas, objetivos e incluso del vértigo que puede implicar ese importante paso al frente. “¡Ojalá que este disco nos permita grabar muchos más! Poder tocar en mil sitios y seguir currando con peña guay. No sé si vértigo o respeto, pero desde luego sacar un LP es una movida bastante seria. Es como la prueba de fuego de un grupo”. Lo cierto es que, siendo Menta una banda tan joven, sorprende encontrar algunas influencias tan noventas en su música. Aunque, por supuesto, cada uno de sus seis miembros apuntaría en una dirección diferente. “Tenemos referentes muy distin tos cada uno, desde The Strokes hasta Mo rente, aunque hay grupos que nos molan mucho a todos como El Mató A Un Policía Motorizado”. RAÚL JULIÁN

Más en www.mondosonoro.com

Kasabian Versión 2.0

“The Alchemist’s Euphoria” (Sony Music, 22) es el primer disco de Kasabian después de la forzosa expulsión del vocalista Tom Meighan. Ahora es Sergio Pizzorno –principal compositor del grupo– quien se sitúa tras el micro, lo que unido a ciertas novedades en su sonido, bien podría señalar a una nueva etapa para los británicos.

SERGIO PIZZORNO responde durante veinte minutos a las preguntas de esta entrevista, amparado en un ritmo pausado y destilando esa seguridad del que confía en el trabajo bien hecho. En apariencia casi parece que el terremoto que sacudió Kasabian hace unos años nunca hubiese

dejado al propio Pizzorno –compositor principal del proyecto– al frente del micro. Las circunstancias parecen, por tanto, suficientes para considerar que “The Alchemist’s Euphoria” marcará el comienzo de una nueva época para el combo de Leicester, algo que de algún modo también sugiere la escucha del elepé. “Es una buena forma de decirlo. El álbum versa sobre el hecho de elegir. Elegir en un cruce de caminos; elegir si permanecer en casa a salvo o salir fuera a la aventura. Creo que es el álbum más cohesionado que hemos hecho. También viaja mucho, presenta un mundo propio. Eso es lo genial de este álbum y también lo que lo hace diferente”. Aunque no sea algo del todo inédito, lo cierto es que la entrega cuenta también con una con sistente y determinante presencia de la electrónica, seguramente más que en cualquier disco previo de Kasabian. “Es por cómo veo el mundo ahora

EL APUNTE

Favoritos

Tras

casi dos décadas en el nego cio, hay curiosidad acerca de qué canción y qué disco serían los más representativos de Kasabian para su principal artífice. “Si me preguntas justo después de publicar un disco siem pre tendría que decir que el nuevo álbum, porque es a donde nos ha llevado este viaje. En cuanto a la canción... la opción más obvia sería ‘Fire’. En el nuevo álbum hay una canción titulada ‘ROCKET FUEL’ que es puro R&B, pero que luego deriva a algo más a lo Travis Scott y casi tiene un sabor beat. Creo que ‘Fire’ es representativa de cómo hacíamos las cosas antes, mientras que ‘ROCKET FUEL’ lo es acerca de cómo las hacemos ahora. He desarrollado un estilo que creo que son las propias canciones de Kasabian en sí mismas. Me siento orgullo so de eso, de que la gente sepa distinguir cómo suena una canción de Kasabian. Pero también me encanta retorcer mi propia manera de escribir para lograr algo nue

sentimiento industrial, electrónico y distópico. Así que era una buena manera de hacerte sentir todo eso. Además, la alquimia va de símbolos y eso es lo que queríamos crear: nuestros propios símbolos, nuestro propio alfabeto, nuestro propio lenguaje que lo man tuviera todo unido”.

EN CUALQUIER CASO, “The Alchemist’s Eupho ria” se manifiesta como un trabajo implicante para el oyente. “Es muy intenso. El álbum va de grandes decisiones, de supervivencia, de pena, de dolor... son todas grandes emociones. Creo que es un álbum muy profundo”. Lo que no parece haber cambiado tanto es la forma de componer de Pizzorno, que resulta muy sincero al respecto. “Ha sido el mismo infierno tor tuoso de siempre [risas]. De ahí viene la palabra ‘eufo ria’ del título, porque esa es la sensación adecuada, la que te lleva a seguir creando. Es cuando logras sacar unos veinte minutos de cada mes en los que obtienes ese inmenso alivio y también esta sensación de hacer algo nuevo y que crees que va a funcionar”.

ES INEVITABLE NO PREGUNTAR al músico acerca de la exclusión de Tom Meighan, esa que le ha colocado directamente delante del micrófono principal. Una posición a la que, por otro lado, parece ir acostum brándose. “Por supuesto, fue descorazonador. Hemos decidido guardar esa historia dentro de la banda por respeto a todas las partes implicadas. Todos quería mos continuar, así que era lo mejor que podía hacer: yo escribía las canciones, así que tenía sentido que intentara ver cómo podía hacer ese papel. Siento que estoy aprendiendo cada día y con cada concierto. Cuando te llega un reto como este, tienes que asu mirlo. Y si vas a comprometerte con algo tan grande, tienes que dar todo lo que tienes”.

HASTA LOS GRANDES NOMBRES, esos que copan los primeros puestos de las listas británicas cada vez que entregan disco, tienen sus referentes cuando compo nen un nuevo trabajo. “Me fijé sobre todo en la forma en la que Kendrick Lamar produjo ‘DAMN.’ (07). También en Tyler, The Creator y en de The XX”.

HACE UNAS SEMANAS que Kasabian abrieron los conciertos masivos de Liam Gallagher en Knebworth, aunque en realidad siempre mantuvieron lazos estre chos con Oasis, para muchos la última gran banda de rock & roll de Reino Unido. “Sí, creo que desde Oasis hemos estado Kasabian y Arctic Monkeys. Nunca hemos sido algo tan grande como ellos, pero hemos hecho cosas muy buenas. Tuvieron influencia en mu chos artistas importantes y eso es un legado increíble porque, ¿cuánta gente comenzó tocando y queriendo llegar a ser como ellos?”. RAÚLJULIÁN

WALA. WALA.

“Lo más revolucionario que podíamos hacer ahora mismo es un disco de pop” Cedric Bixler-Zavala de The Mars Volta en The Guardian “ES POSIBLE HACER COSAS MUY INTELIGENTES, PERO ENTONCES PIERDES A LA MAYORÍA DE LA AUDIENCIA” Gavin Harrison de Porcupine Tree en Ruta 66

“La música tiene un poder curativo y lo he experimentado yo mismo mientras trabajaba con chamanes sudamericanos. Usan canciones sagradas para sanar, pero creo que esa es una ciencia” Tim Booth de James en Muzikalia

“Las artistas que más me han inspi rado son Kim Gordon, Santigold, Lana del Rey y Karen O” Mø en Consequence Of Sound

“Lo más importante del country es que es tás hablando sobre la au téntica realidad, sobre lo que te está pasando, y eso es algo que he estado intentando, ser auténtica”

Rina Sawayama en Pitchfork

MONDO FREAKO

OFF! Free punk

Ocho años separan el tercer disco de la (súper) banda del icono punk, miembro de Circle Jerks y ex Black Flag Keith Morris y el guitarrista Dimitri Coats del intrincado y turbio “Free LSD” (Fat Possum/ Popstock!, 22). A la mala leche y el frenesí habituales se añaden matices progresivos y jazzísticos. Y ovnis.

AUNQUE LA BASE RÍTMICA sea nueva y las inquietudes musica les se amplíen, el espíritu incen diario e iconoclasta sigue intacto. “Free LSD” pone música a un proyecto insólito que incluye una comedia salvaje de ciencia ficción con el mismo título. De todo ello, así como de la necesidad de evitar las camisas de fuerza genéricas demasiadas veces adscritas al punk, ha

blamos con un cordial Dimitri, que nos recibe vía Zoom descamisado y dándolo todo. OFF! presentan su álbum en Bilbao, Barcelona y Madrid este mes de octubre. En primicia mundial, buena muestra del tirón que tienen en España.

LA PRIMERA PREGUNTA ES OBVIA. Aparte de la pandemia, ¿por qué han pasado ocho años? “Keith y yo estuvimos al margen del grupo durante un tiempo y luego yo viví un divorcio terrible, con niños de por medio. Así que hubo temas personales, pero es que, además, la sec ción rítmica empezó a estar muy liada con sus otros grupos. Eso se convirtió en un problema cuando quisimos retomar OFF! La versión vieja de la banda se fue al garete y tuvimos que montar una nueva formación, lo cual nos llevó un tiempo”, explica. Pero hay más. “El álbum es parte de un proyecto mayor que incluye una película que acabamos de rodar y esta mos montando. Se estrenará a principios del año próximo. ‘Free LSD’ es una idea

enorme. Concebimos el disco como su banda sonora, y queríamos hacer ambas cosas a la vez. Estas cosas cuestan. Es di fícil hacer una película. Es de verdad, no un grupo de amigos con una cámara Ca non. Tuvimos que conseguir una cantidad significativa de dinero, reunir un equipo y planificar mucho. Pero lo hicimos”.

RECORDEMOS QUE EL GUITARRISTA estudió teatro en la prestigiosa escuela Juillard de Nueva York, antes de montar su grupo de rock Burning Brides a finales de los noventa. Le fue bastante bien. Sin embargo, “ahora me encuentro en una etapa en la que quiero combinar todo lo que he hecho. Y eso es lo que el filme representa para mí personalmente. Creo que para el grupo es como una extensión de los vídeos que hemos hecho en estos años. Son cada vez más grandes, locos y extremos, y realmente no nos quedaba más que hacer una película. Estamos in creíblemente flipados de que la gente vea y oiga aquello en lo que hemos trabajado en estos años”.

VOLVIENDO A LA MÚSICA, “Keith y yo tomamos la decisión consciente de dar un giro creativo. Yo empecé a experi mentando con la afinación de la guitarra. Keith quería darle una vuelta a las letras, y le sugerí que metiera algunas de las cosas de las que habla en su podcast

BlowManShow, que explora la posibilidad de la existencia de los extraterrestres y algunas teorías de la conspiración. Simplemente como ejercicio creativo para salir de lo habitual. Que Keith se crea o no todo eso es irrelevante: se trataba más de escribir letras desde una óptica distinta. Yo me metí mucho en el noise. Me empezaron a inspirar grupos como Hunting Lodge o Bastard Noise, y volví a la música industrial, Throbbing Gristle, descubrí a SPK… Empecé a reunir efectos raros y acabé componiendo algunos de los extraños inter ludios que hay en el disco, que para mí le dan un tono cinemático y juegan su papel en el tono de la película”. Y continúa: “Son el pegamento que une las canciones y le crean al oyente esa experiencia sin pausa. Y luego fuimos un paso más allá. Autry viene de Trail Of Dead, y no le es extraño experi mentar con afinaciones y cosas así. Justin [Brown] viene del mundo del jazz. Toca con Thundercat, ha girado con Herbie Hancock. Lo que yo hago se basa mucho en la improvisación: no puedo prede cir a dónde voy a llegar. A veces la cosa tiene vida propia. Así que pensamos que molaría darle un enfoque de free jazz al noise. Pasamos un día en el estudio haciéndolo. Nos trajimos a John Wahl de Claw Hammer a tocar el saxo, y fue una experien cia increíble. Todo eso acabaron siendo los inter ludios, pero son sólo miniaturas de las improvisa ciones que hicimos. Esperamos sacar las versiones completas el año próximo, quizá acompañando los cortes que no terminaron entrando”.

especialmente en la composición. Pero al mismo tiempo, no te puedes tomar a ti mismo muy en serio. Tienes que encontrar un equilibrio. Es im portante recordar que hay que divertirse. Porque a fin de cuentas esto es entretenimiento, no estamos aquí para hacer grandes declaraciones políticas. Mi curro es sacar lo que Keith tiene de legendario y amplificarlo. Él es más político, pero yo le animo a que diga las cosas del modo más críptico posible, porque saques tu inspiración de lo que cuenten en las noticias o del Área 51 y las conspiraciones con ovnis, los temas son los mismos. Se trata de que nos digan la verdad. De que paren de mentirnos y levanten el telón. Merecemos saber. Somos noso tros contra ellos”.

FOTO: JEFF FORNEY R

EL GUITARRISTA TIENE CLARO de dónde viene el humor corrosivo que cultivan, elemento esencial de su estilo. “Es algo que está imbuido en lo que hacemos. Empezando por tener a Raymond Petti bon como nuestro artista. Su trabajo es oscuro y cínico y tiene un sentido del humor particular que a nosotros nos llega. Siempre nos hemos tomado muy en serio lo que hacemos. Curramos mucho,

COATS ASEGURA SENTIR A ESTAS ALTURAS lo mismo que cuando con trece años un amigo le tocó un riff de Led Zeppelin y alucinó. “Nunca he perdido eso. Tocar una guitarra eléctrica en un ampli alto y distorsionado te despierta, te da ener gía. Y siempre he querido probar cosas más allá de las afinaciones habituales. Le dije a Keith: ‘Mira, los tres primeros discos están muy bien, hicimos cosas, dimos en el clavo, pero no quiero hacer otro que suene igual. Keith, cuando voy a tu casa no me pones un solo disco de punk rock, sino cosas raras de música progresiva’”. Ese espíritu inquieto atra viesa su nuevo trabajo. “Nunca he sido parte de una escena, jamás he ido de uniforme. Lo que mola de la gente del punk que forma parte del mundo de Keith, como sucede con otras leyendas, es que les caí bien y me hicieron sentir a gusto. Vieron que le había ayudado a hacer algo que molaba y les gusté por eso. OFF! surgió como una especie de acciden te. Yo desde luego no planeé montar un grupo con Keith”. JC PEÑA en www.mondosonoro.com Bilbao octubre. Kafe Antzokia Barcelona octubre. Sala Upload Madrid octubre. Arganzuela creando futuro

“Es importante recordar que hay que divertirse, esto es entretenimiento”

41/Mondo VINILOS

POP / Tras la disolución de Keane y después de superar sus adiccio nes, el vocalista Tom Chaplin se enfras có en lo que hasta ahora ha sido una carrera en solitario tirando a discreta. El tercer disco del británico no esconde sus cartas, apostando por ese tipo de canción amable, algo nostálgica y de trazo muy clásico que tan pronto remite a Michael Buble y Elton John como a Tom Odell y Ron Sexsmith. Aunque “Mi dpoint” tiene el empuje suficiente para reclamar bastante más atención que los previos “The Wave” (16) y “Twelve Tales Of Christmas” (17), mientras hace peligrosos equilibrios entre pop bien construido (con la presencia incluso de alguna gema) y un exceso de azúcar ciertamente empalagoso. Un elepé pla gado de cortes extremadamente melódi cos, en ocasiones de belleza incuestio nable y favorecedora madurez, y otras veces adornados con una artificiosa producción que no le hace ningún favor al conjunto. RAÚL JULIÁN

The Mars Volta The Mars Volta Clouds Hill

9

ROCK / El modo de trascender de algunos artistas es curioso y fascinante. Quien siga los pasos de Cedric Bixler-Zavala y de Omar Rodríguez López desde los días de At The Drive–In conoce una historia plagada de picos creativos auto boicoteados y etapas de brillo interestelar incomprendido por el gran público. Este par de artistas se dio el gusto de dar vida a varios proyectos consis tentes pero ninguno como The Mars Volta, la banda que revolucionó el rock progresivo y el hardcore en el mismo instante, haciendo lo imposible: darle un buen sentido a la palabra melodrama.

“The Mars Volta” es la sorpresiva vuelta a las primeras planas del panorama musical. Aquí los muchachos del pelo rizado dan otra muestra de solidez espiritual y libertad

conceptual y nos ofrecen este listado de can ciones intimistas, delicadas, tramposamente minimalistas –y cortas, ninguna va más allá de los cinco minutos– si tomamos como referencia los anteriores puntos en su disco grafía. Piezas centradas en la melódica voz de Bixler-Zavala, pensadas como un todo en el que lo barroco sucede pero con la sutileza y la idoneidad que da la experiencia. Expe riencia volcada también en una lírica más profunda, con menos del vuelo delirante de antaño, menos palabras inventadas y menos conceptos enigmáticos.

A lo largo de estas catorce canciones, Rodrí guez López y Bixler-Zavala –genialmente acom pañados por Willy Rodríguez Quiñones a la batería, Marcel Rodríguez López a los teclados y Eva Gardner al bajo– dan una clase magistral de cómo reconvertirse sin dejar de respetar lo más importante de su legado. Porque cuidadi to: la música de “The Mars Volta” no es menos compleja que la que la banda hacía antes, simplemente está vestida por emociones te rrenales que simplifican su mensaje. Y así, con ese pequeño gran detalle, entregan el disco más elegante, sofisticado y bello que jamás han hecho juntos. ADRIANO MAZZEO

HARD ROCK / Más allá de que sea un disco con una producción de alto presupuesto y de que la infinita lista de músicos invitados sea de pri mera clase, “Patient Number 9” tiene una vitalidad y una vigencia que no puedo relacionar con algunas imágenes recientes de Ozzy en las que se le veía sensiblemente desmejorado. Por un lado esta sensación me da genuina alegría, por otro intento entender de dónde saca la fuerza este tipo para seguir siendo el mítico Príncipe de las Tinieblas. Las canciones tienen lo que todos los fans de Ozzy quieren que tengan: gancho, poder, melodía, brillo y esas melodías, ese tono de voz casi infantil pero rebus cado, marca personal de Ozzy. La conjun ción de astros más relevante del disco es la que sucede entre el protagonista y Tony Iommi en “Degradation Rules” y en la potente “No Escape From Now”. Am bos temas canalizan la vibra de Black Sabbath con éxito y eso de por sí es un motivo de emoción.

ADRIANO MAZZEO

Ozzy Osbourne Patient Number 9 Epic

Tom Chaplin Midpoint BMG

Las dos caras de Hot Chip

7

POP ELECTRÓNICO / La primera vez que escu ches lo nuevo de Hot Chip quizá creas que no hay ningún rompepistas a la altura de “Over And Over” o “Boy From School”, pero no te engañes. El octavo disco de Alexis Taylor y compañía es dramático, ecléctico y honesto; con esa capacidad tan suya para fusionar lo mejor del pop y del dance y hacerlo ex plorando letras oscuras y autobiográficas. “Freakout/Release” es un disco a tumba abierta, en el que aparecen preguntas que nunca has querido responderte, acomodadas sobre bases house, como en “Time” o “Miss The Bliss”. La canción que abre el disco, “Down”, samplea a los setenteros Universal Togetherness Band para cargar unos bajos funk sensuales y cautivadores, que dan paso a “Eleanor”, la canción más bailable y

el hit más inmediato al más puro estilo Hot Chip. La canción que da título al disco es un guiño a LFO y a su “Freak”, imitando la intro robótica para lanzarnos de lleno a una cri sis existencial de complejas capas sónicas. Una experiencia claustrofóbica sobre qué representa la música para los británicos. Y no es la única. La pegadiza y commovedora “Broken”, la vitalista “Out Of My Depth” y el medio tiempo “Hard To Be Funky” ahondan en esas dolencias adultas: divorcios, decepcio nes, enfermedades, etcétera. Es un no, pero sí. Saber que lo que antes eran bailes despreocu pados en la pista de baile, ahora tienen una cara más oscura. Pero quizá precisamente por ello, disfrutas más esas subidas trepidantes, consciente de los descensos melancólicos (“The Evil That Men Do”, “Guilty”). Esta es la primera vez que Hot Chip componen un dis co de manera conjunta en su nuevo estudio londinense y el resultado es quizá menos curativo y más de aceptación, de apreciar los rayos de luz que se cuelan entre las grietas. Así, en un mismo trabajo conviven la angus tia de “Freakout/Release” con su otra mitad, la esperanza colorista de “Not Alone”.

MARTA TERRASA

La URSS “+”

Humo

PUNK / La cruz marca el cami no. Si en su día nos guiaba hacia la salvación espiritual hoy lo hace hacía la euforia y la opu lencia. La URSS reflexiona sobre el capitalismo como fe en su quinto largo. El nuevo disco nos presenta en portada el símbolo de la cruz, en apático gris hormigón, apelan do a lo que encontraremos dentro: tiempos de hedonismo depresivo, crisis de fe y un presente continuo del que es difícil escapar. Los doce temas siguen el camino marcado por los últimos diez años de la banda: guitarras oscuras, líneas de bajo pugilísticas y una percu sión militar. Los temas se suceden entre canticos a la euforia vacía y los caminos con final pero sin fin alguno. Se siente la rabia contra la realidad dominante que mata cualquier atisbo de esperanza. La sensación que nos queda tras la escucha del disco de La URSS es la de habitar las ruinas de algo que ya no es, de una promesa muerta, de un futuro que no ha llegado.

IÑIGO BASAGUREN DUARTE

PUNK / The Chats son la pe núltima sensación austra liana: un trío de macarrillas que apuesta por lo de toda la vida con toda la gracia que puede tener a estas alturas. Beben de los in mortales Ramones, Buzzcocks, AC/ DC, el pub rock y bandas locales como Cosmic Psychos. Sus letras hablan de ponerse ciego en todos los pubs de Brisbane, escapar de la cárcel, la mafia local del surf o los revisores. Este segundo álbum consta de trece cortes directos en los que manda la velocidad des carada, y que reflejan fielmente lo que ofrece el engrasadísimo trío en directo. Imposible empezar mejor que encadenando la pode rosa 6L GTR”, “Boggo Breakout”, “Struck By Lightning” y la espí dica “Southport Superman”. La banda no afloja, impartiendo un curso acelerado de punk rock sin complejos con cortes como “Panic Attack”. Incluso bajando el tempo (“The Price Of Smokes”) o adoptan do aires sesenteros (“Getting Bet ter”) no pierden fuelle. JC PEÑA

Hot Chip Freakout/Release Domino Records

The Chats Get Fucked Bargain Bin Records

METAL / Sigue habiendo vida para Five Finger Death Punch tras la marcha de Jason Hook –sustituido por Andy James–. En “Afterlife”, su noveno trabajo de estudio, vuelven a trabajar con Kevin Churko, su productor de confianza, y juntos apuestan por un disco de los de la vieja escuela: doce temas re partidos en tres cuartos de hora. A través de ellos vamos descu briendo todos los matices que son capaces de ofrecer a día de hoy la banda estadounidense: desde el metal industrial de pistas como “Welcome To The Circus” o “Roll Dem Bones” a temas de riffs gor dos como “Gold Gutter”, pasando por cortes más melódicos como “Pick Up With You”, la experimen tación de “Judment Day” y medios tiempos acústicos como “Times Like These”, “Thanks For Asking” o “The End”. De las voces guturales a los estribillos pegadizos, de la máquina al guitarreo, de la tran quilidad al doble bombo.

JESÚS CASAÑAS

ELECTRÓNICA/ Lo que podía haber sido una enorme fiesta en el paraíso, termina con virtiéndose en una siesta eterna tirados en una hamaca de un viejo hotel de lujo con poco que hacer. Calvin Harris regresa con la extensión sonora de su “Vol. 1” de 2017 pero, en esta ocasión, con una carencia de hits importante. Esta nueva entrega te introduce en un bucle tedioso y aburrido que genera bostezos más que ganas de fiesta. La obsesión por el nu-dis co que se desarrolló dentro del productor, alejándole de la elec trónica más convencional, se está haciendo eterna y toda esa inspi ración proveniente del groove de Nile Rodgers, que siempre intenta capturar, acaba asfixiada por completo en esta reaparición tras cinco años. Lo único que podemos salvar es una producción impe cable frente a una materia prima terrible. Y, por supuesto, el reinado de Shenseea en “Obsessed” gra cias a tener todo el carisma que no tiene el proyecto. ÁLEX JEREZ

Megan Thee Stallion TRAUMAZINE

A 1501 Certified/ 300 Entertainment

POP PUNK / Si la música de Pale Waves se cruza en tu vida ahora mismo sin ningún tipo de contexto, puedes pensar que se trata del típico grupo joven que se suma a la ola del revival pop punk. Pero los datos hablan por sí solos: la banda británica lleva desde 2018 pegando guitarrazos. Presentan ahora un nuevo disco llamado “Unwanted” con el que asientan aún más su sonido, orgullosos de él y sin esconder sus referencias. Zakk Cervini, productor habitual de Blink-182, produce el álbum. Poco más hay que decir. La banda de Manchester liderada por Heather Baron-Gracie dedica este tercer álbum a los “in adaptados y a sus fans LGTBIQ+” con composiciones cargadas de emociones más oscuras que, en palabras de ellos, se recogen en torno a un sonido procedente de la mezcla entre Sum-41 y Veruca Salt. Es decir, guitarras y ritmos del pop punk de los dos mil con la actitud de una banda de rock de los noventa. ÁLVARO TEJADA

RAP / Tras la pérdida de su madre en 2019, Megan confe só sentirse sola en este complejo viaje de la vida, insegura y des protegida (“Anxiety”). No siempre somos tan fuertes como parece mos. La vida te puede devorar si no sabes controlarla y es muy impor tante sentarse a tener una conver sación con uno mismo, de vez en cuando, que te regule la autoesti ma y te ayude a comprender todo mucho mejor. Eso claramente es lo que ha hecho Megan Thee Stallion con su segundo Lp, expulsar y de cirse a la cara todo lo que pasa por su cerebro en el presente. Más allá de toda esta literatura, “Trauma zine” se coloca como un fantástico trabajo de producción. Un disco de bases sencillas, con beats adic tivos y directos, como esa fuerza que encadena en “Budget” con la colaboración de Latto. Un bucle de poder cargado de delicias novente ras que nadie hace como ella (“Plan B”) y mucho sexo (“Consistency” junto a Jhené Aiko) para dejar claro quien manda (“Her”). ÁLEX JEREZ

NACIONAL INTERNACIONAL

1 The Mars Volta The Mars

2 Sampa The Great As Above So Below

3 The Afghan Whigs Do You Burn?

top4 Nowa Twins Supernova

5 Oliver Sim Hideous Bastard

6 Death Cab For Cutie Asphalt Meadows

7 Marcus King Young Blood

8 Megan Thee Stallion Traumazine

9 Hot Chip Freakout /Release

10 Steve Lacy Gemini Rights

ROCK / Hace años que se puede afirmar que el quinteto de Baltimore ha aban donado el screamo por completo rindiéndose a lo melódico y transitando cada vez más de cerca el indie y un post-punk que recuerda por momentos a algo así como The Smiths ha ciendo emo contemporáneo. Lo que empezó como un proyecto de post-hardcore intenso al estilo de Touché Amoré o La Dispute ha evolucionado hasta canalizar la fiereza en atmósferas sosega das y melódicas, como ya se vio previamente en “Keep You” (14) y “Wait For Love” (18). En “Drift” la banda continúa su acercamiento hacia lo cristalino consiguiendo contentar, pero dejando entrever que su futuro podría acabar llevándolos a la monotonía. Can ciones como “Genevieve”, “The Days”, “Buckley” o “Hate Chase” dejan un buen sabor de boca, pero hay momentos en los que se echa de menos un extra de garra.

RAP / Sampa Tembo hace honor a su sobrenombre y lanza un trabajo en el que lo or gánico y lo digital cumplen con sus misiones a la perfección: el disco tiene un fluído sanguíneo (evidenciado en coros, marimbas y arreglos con sonido a madera) que enamora y al mismo tiempo posee un pulso digital que te mantiene alerta. El peligro y la belleza en danza circular. La vista afilada y el corazón abier to. Zambia, Australia, Zambia de nuevo. Pintando un paisaje general del disco aparecen sin tetizadores y frecuencias graves que hacen pensar en una suerte de Massive Attack del año 2050, sonidos insistentes pero de espíritu permisivo, dejando que los elementos más enérgicos y luminosos sean también protago nistas. Este viaje de once paradas ofrece lo mejor de la propuesta de Sampa The Great: originalidad, credibilidad, sentimiento y ese tipo de ritmo que no se escucha, se siente.

ADRIANO MAZZEO

Pale Waves Unwanted Dirty Hit/ Music As Usual

Sampa The Great As Above, So Below Loma Vista

Pianos Become The Teeth Drift Epitaph/[PIAS]

Calvin Sony

The Afghan Whigs: rock y trascendencia

The Afghan Whigs How Do You Burn? BMG

ROCK / Si la cuestión no es si arder o no, sino cómo hacerlo, Greg Dulli y compañía lo tie nen perfectamente claro desde hace ya más de tres largas décadas: dándolo todo. Los artífices de una obra maestra del rock más intenso, crudo y confesional como “Gentle men” (93) (al menos, Dulli y el bajista John Curley, que son quienes quedan de aquella época) ya parecían mayores en 1993, de modo que los años no han podido más que bene ficiarles. Que el tristemente fallecido Mark Lanegan bautizara el álbum pone una nota emocionante a otro capítulo dorado de una trayectoria intachable. Y eso que la cuarta entrega de la banda en su segunda etapa no tenía fácil llegar a las cotas del sublime “In Spades” (17), imponente predecesor marcado por la inquietante sombra de la finitud.

Pero como pudimos comprobar con su reciente debut en solitario, el de Ohio vive un momento creativo dulce y aparentemente inagotable, que se traduce en un nuevo espléndido álbum de soul rock visceral que propone un puñado de canciones cargadas de profundidad, con trastes, vitalismo y sudorosa pasión. El ejem plo perfecto sería el single “The Getaway”, agridulce maravilla sustentada en un piano

atmosférico, con cuerdas y melodías entre la psicodelia y el soul que nos recuerda que a Dulli le gustan tanto Pink Floyd como James Brown. Sin salir de su territorio –ni maldita la falta que hace– The Afghan Whigs han alcanzado el magisterio en el arte de hacer discos de rock trascendente y atemporal que salen de las tripas y el corazón.

JC PEÑA

POST-ROCK / A estas alturas, ya con su séptimo disco de estudio, Exxasens se pueden considerar una institución en el post-rock estatal. “LE-VOYAGE” supone el reencuentro de la banda tras una gira de reunión frustra da-por-la-pandemia y esas ganas, ese ímpetu, son lo que tiñe de brillo a esta obra. No es un disco de post-rock al uso: cada canción ofrece una temática particular, pero en conjunto funcionan con total coherencia. En cuanto a las capacidades de los integrantes, la nota es óptima: nadie destaca sobre los demás y ninguno ahorra brillo interpretativo. El drama irregular y multi sentimental de “Decollage”, el magnífico nivel de tira y afloja de “Le Voyage (Part I)”, el logrado crescendo de “Black Hole” y la dulzura devenida en machaque de “L’Etoiles” son ejemplos de cómo “LE-VOYAGE” engalana una importante cuota de talento y magia, que destaca en la producción, ejecución y arreglo de las canciones. ADRIANO MAZZEO

RUMBA POP / Un disco de Paco Moreno al verano, no hace daño. Y “Rumba profunda” se lleva el título a reina de la verbena de este año y de los que vendrán. Ocho cortes, algo de distorsión, guitarras DIY y hasta una postfiesta de meditación. En el disco encontramos su tema de sentimiento profundamente pop, coreado ya en sus conciertos, “Mirada de pirada”, y con un perfil mucho más hipnótico, casi de en cantador de serpientes, “Cuando baja la marea”. También hay aque llo que podría ser considerado un instant classic: “Nada de prove cho”, que, como “De mi piel contra tu piel”, te arranca a tu tío-ron-co la-en-vaso-de-tubo y a ti, a bailar. Lo culmina todo con “Blucurasao”, un rompe plazas. Pero también hay tiempo para lo acústico y el descanso en “Hypnorrelajación” y “Respira”. Que o son la mejor bro ma en relación a los tweets de Ana Guerra o posiblemente los únicos temas de autoayuda que podamos tolerar.

EVA SEBASTIÁN

POP / El fenómeno Tamino se extendió con rapidez, después de que el belga de raíces egipcias debutase en formato lar go con “Amir” (18). En su esperada continuación, el músico apuesta por una versión más intimista y (aún) más personal de sí mismo, ha ciendo gala de una madurez crea tiva que contrasta con sus veinti cinco años de edad. “Sahar” es un álbum copado de sentimiento e intensidad dramática, impregnado en una elegancia inmaculada, casi religiosa y sanadora, que presenta a un artista talentoso y sensible, además de capaz de conectar direc tamente con el oyente. Cuenta con una magnífica producción que en galana el minimalismo natural del conjunto mientras respeta la esen cia de las canciones, apostillando así una humanidad que ayuda al calado. Un trabajo tan preciosista como cargado de misterio, que genera fuerte empatía emocional y despeja cualquier suspicacia en torno a su valía como creador.

MESTIZAJE / Después de tres años de su álbum debut, Fauna lanzan “L’última nit”. Ocho canciones que viran entre el cata lán y el castellano y que navegan en distintos ritmos, pasando de la rumba catalana hasta el ska, cimentando el que será el sonido más habitual de la banda. Y a esa amalgama de ritmos les han su mado pensamientos positivos, de ahí que encontremos canciones tan vitalistas como “Hambre” o “Tinguis fe”. Y, una de las pistas que más nos incitan a bailar es “Diga-li”, un brillante homenaje a la rumba catalana que es, desde ya, uno de los grandes temas del grupo. Aunque no olvidan todos los momentos duros e incluyen una pista lenta que resalta dentro de todo el trabajo, “Obre la porta”, con la que cualquiera nos podre mos sentir representados. Se trata de un álbum que debe consolidar el proyecto de Fauna y situarlo, aún más, dentro del panorama musical catalán.

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

Exxasens LE-VOYAGE Exxarecords/ Aloudmusic

Fauna L’ultima nit Coopula Editorial

Paco Moreno Rumba profunda Sursum Tapes

Tamino Sahar Communion Music/Virgin

El selfe emocional de Steve Lacy

Steve Lacy Gemini Rights Sony

POP / “Bad Habit” ha sido una de las cancio nes del verano de 2022, no lo digo yo, sino los millones de escuchas en plataformas. Pero hay mucho más. Al iniciarse el verano Steve Lacy lanzó el que sería su tercer ál bum, “Gemini Rights”. En un giro de volante a lo que ha sido su trayectoria hasta el mo mento, el también componente de The Inter net, deja de grabar en su casa para agarrar el estudio en favor de su talento mezclando el pop, el r&b, groove, algo de rap y, por qué no, teatralidad. El resultado son diez cancio nes que se extienden durante poco más de media hora al más puro exponente géminis, tanto en lo sonoro como en lo lírico. Lacy articula el discurso en la dualidad de los sentimientos de su más reciente ruptura. Esta vez sus letras están para contar su

historia. Una mezcla entre alivio, rencor, arre pentimiento, e infinitos bucles de nostalgia. Si dejamos atrás “Bad Habit”, la canción más pop del conjunto y en la que la voz de Lacy en falsete, combinada con teclados, se arrepiente de no haberse dado cuenta a tiempo de tantas cosa, nos encontramos con un interludio alta mente teatral de la mano de Matt Martians, lo que nos lleva a “Cody Freestyle”, una especie de rap onírico en el que sus guitarras dessa parecen. Pero si lo que buscamos es elegancia,

hay que llegar hasta “Sunshine”, en la que acompañado por Fousheé fusiona guitarras groovies con un ejercicio de repetición que nos sumerge en una espiral absolutamente hipnótica. Pero si hay algo que merece ser destacado de este trabajo es sin duda “Mer cury” una canción en la que pasa de todo. Lacy construye diferentes momentos en los que nos va dando aire y quitándonoslo, sin que la base frene en ningún momento.

EVA SEBASTIÁN

7

POST-ROCK / Desde Xàbia, en La Marina Alta (Alicante), Rubén Caballero sigue ejerciendo de one man band de Floating In Space, proyecto personal de postrock paisajístico y cinemático que alcanza su cuarto larga duración en el sello estadounidense. Sus canciones podrían funcionar como viñetas extraídas de una banda sonora imaginaria. Estructuras in crescendo que arañan esa épica contenida y amable que tan con sustancial es a marcas de distinto pelaje como Sigur Rós, Efterklang, Agnes Obel, Ólafur Arnalds o Novo Amor, partícipes todos de una sen sibilidad común. El piano pone en pie “Words Never Said”, “Parallel Paths” o “Hope In Motion”, y solo hay un corte con protagonismo de las voces: “Space And Time”, con Emily McNally, Devin Renee y el propio Rubén. Se nota que ha tra bajado en proyectos para marcas, porque si algo se le puede afear a un disco de tan esmerada factura es cierta reiteración en sus formas.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

POP ELECTRÓNICO / Tras la disolución de su banda (Little Cub), el británico DC Gore ha reunido para su debut un dis curso marcado por la desilusión de una generación frustrada (“Mi llenium People”), con el que ha decidido emprender su particular revolución a través del pop y el romanticismo dance (“California”, “Bodies”). Puede que sus cortes nos despisten gracias a sus exqui sitos ritmos que harán las deli cias de los más nostálgicos, pero la ácida y crítica mirada de Gore prevalece, proporcionándonos inflexiones que revelan una capa cidad única para poner de relieve la cara más sórdida y grotesca de sus conciudadanos (“Nietzsche On The Beach”), con letras a caba llo entre el humor y la hipérbole más barroca. Su casi indiferente voz, sumada a ese halo de syn thpop, provocan una disonancia con la que reflejan fielmente esa certeza de que, aunque todo se hunda, siempre nos quedará la pista de baile.

797

FRAN GONZÁLEZ

POP / “Dear Scott” es el dé cimo disco de la carrera de Michael Head, una cifra dolorosa mente corta para alguien que lide ró dos bandas como The Pale Foun tains y Shack. Lo que ha hecho este brillante artesano pop con “Dear Scott” es entregar un disco que mira cara a cara, y puede que por encima, a los mejores trabajos de su carrera, a cosas como ese “Waterpistol” (95) de Shack que adelantó el Britpop o a “The Magi cal World Of The Strands” (15) que habría hecho sentirse orgulloso al mismísimo Arthur Lee. Lo increíble es que lo ha hecho con sesenta y un años y sin ninguna presión so bre un éxito que ya no va a llegar nunca. Es evidente que no romperá récords de venta, ni su cara saldrá en la portada de las revistas de moda, pero cualquier amante del mejor pop atemporal, ese que va de The Byrds a The Coral, de Love a Belle & Sebastian o de Scott Walker a Pulp, se hará un favor si no se olvida de escuchar esta pequeña maravilla.

SERGIO ARIZA

POP / “Cena” es el nuevo EP de Roy Borland, en el que deja a un lado el sonido de su debut y regresa al registro de sus primeros singles. Para ver su evolución y versatilidad nos invita a un menú que necesita pocos ingredientes para conven cernos. Primero con “Sal”, un tema camaleónico que pasa del acústi co al lo-fi; tras ello nos presenta “Limón” junto a El Kanka, en una melodía más propia del malague ño; y así llegamos al “Tequila” y su primer roce con el género urbano. La cena culmina con un “Chin Chin” junto a Alex Granero, en la que es la pieza más pop, y termina con la emotiva y sincera “Miel”. Y, por si nos quedamos con hambre, nos regala los acústicos de “Sal” y “Miel”. Un trabajo en el que podemos comprobar cómo Roy es un buen intérprete, compositor y productor que tiene una de las características más importantes para un artista: la inquietud por probarse en otros registros.

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

Roy Borland Cena Sony Music Spain DC Gore All These Things Domino/ Music As Usual

Michael Head & The Red Elastic Band Dear Scott Modern Sky

Floating In Space Lift Off Deep Elm Records

POP ROCK / La artista esta dounidense Ezra Furman deja atrás su pasado de loba solitaria y decide abrazar la comunidad a la que pertenece con un sexto trabajo en solitario que cierra su personal trilogía transicional, llevando por delante un discurso empoderador que le permite ofrecer una voz segura y firme ante la opresión. Consagra da como una de las caras más des tacables del romanticismo punk de su generación y movida en una tonalidad más sobria y reflexiva que de costumbre, Furman echa mano de rasgos estéticos que nos recordarán a los primeros años de PJ Harvey o de Bruce Springsteen, moviéndonos además en un plano más alentador y reivindicativo que nunca: “None of us ashes, all of us flames, and I want us to read it aloud”. Estructuralmente, qui zás no se trate de su mejor trabajo, pero sí posee uno de los alegatos más dignos que encontraremos en un álbum durante el presente año.

FRAN GONZÁLEZ

POST-METAL / Del mismo modo que el mundo también debió reinventarse gracias a la pandemia, este trío de post-metal de Chicago decidió mirarse en un espejo curvo y así trocar de su clásica forma de escribir: pasaron de usar retazos de canciones e ideas que tomaban forma en la sala de ensayo a dar vida a compo siciones enteras antes de que los miembros de la banda se encuen tren en un espacio físico. El hecho de haber mantenido inmaculadas las intenciones primarias de los temas les dio un plus de solvencia a nivel de escritura. Si bien “Gno sis” no escapa de las coordenadas clásicas de género -los crescendos interminables, los riffs densos como cóctel de petróleo, el macha que thrasher en el momento justo, los arpeggios que avecinan la salida de un sol rojo sangre- es un disco redondo con un entramado arquitectónico logrado: el reper torio funciona, con sus picos y bajadas, con sus silencios y explo siones.

Oliver Sim y el valor de la diferencia

Oliver Sim Hideous Bastard Young/Popstock!

presa. En la producción aparece Jamie XX muy cuidadoso y quedándose tras los focos pese a compartir gustos (ochentas, clubbing, softpop, rnb contemporáneo) que se apropian de su sonido de vez en cuando.

POP /El gran reto de Oliver Sim para su debut en solitario ha sido alcanzar un sello de identidad propio que le diferenciara de todo lo que había construido en The XX. Y aunque “Hideous Bastard” no puede evitar nutrirse y vivir sobre los cimientos de todo lo que Sim ha absorbido estos años atrás con la banda, el carácter del disco es tremendamente único y personal. Sim presenta una identidad muy suya, lo ha manchado todo con su propia san gre dejando sus huellas a propósito, su punto sexy y su sentido del humor. Ha logrado lanzar un álbum que solo podía pertenecer a esa criatura única que es el propio Oliver y que ha salido del lago para atrapar a su

Como colaboración de lujo Jimmy Somer ville se muestra en “Hideous” para tratar la relación de Oliver con el VIH, su convivencia y aceptación. Además, en “GMT” atrapa el es píritu de The Beach Boys usando un sampler de “Smile” de Brian Wilson. Explora nuevos terrenos vocales, como ese gran cierre de “Fruit” en el que habla de aceptación y mas culinidad impuesta. Y hasta intenta mostrar un punto bluesero de los setenta en algunas piezas con ciertos vientos y teclados (“Con fident Man”). En resumen, “Hideous Bastard” es un disco debut para levantar su propia bandera con orgullo liderado por un imagi nario de ciencia ficción en el que no le ha importado ser el monstruo de la peli porque sabe muy bien que lo que le hace diferente es lo más valioso que tiene.

ÁLEX JEREZ

Russian Circles Gnosis Sargent House

Ezra Furman

All Of Us Flames Bella Union

48/Mondo Media

HAY QUIENES conside ran a Dora una intrusa en la música. Y, aunque puede entenderse ese prejuicio, no hay más que escuchar los temas que ha ido publicando desde 2019 (cuando tenía ¡quince años!) para ver una muestra de su enorme talento. Si además tienes la oportunidad de charlar con ella, como es el caso, te das cuenta de muchos detalles que emanan lo que Paco también piensa sobre ella: “Es una estrella. O un cachorro de estrella si lo queremos decir así, es alguien con muchísimo talento. Trabajar con ella es la razón de ser de la película, no es la pe lícula y luego buscar quién me viene bien. ¡Es que me he inventado una película para trabajar con ella!”. El sevillano extiende esto a muchos aspectos de “Rainbow”, un proyecto que para él ha sido un regalo: “Me he inventado una película para trabajar con Dora, pero también para poner a Mau ra y Machi juntas, me he inventado una película para meter un tema de Arca, para hacer una versión de Tangana, para jugar a Stockhausen con la música incidental, para poner la versión en español de ‘Call Me’ de Blondie... Quería no solo una historia, sino construir un universo, un universo que me permitiera colaborar con mucha gente a la que admiro”.

“SIEMPRE HE SIDO un poco intruso con la dirección” dice Paco, y es que, aunque aho

ra ya no sea así, hubo un momento en que a él también se le vio como tal: quienes solo le conocían de ‘Aída’ [a su vez infravalora da por la crítica pese a su éxito] miraban recelosos cómo osaba “el Luisma” dirigir una película. “La falta de academicismo, el no tener formación como realizador, me da también una valentía, una audacia... o una inconsciencia, no sé. Igual alguien más académico dice ‘esto no se hace así’, pero como yo no sé cómo se hace, pues lo hago a mi manera”, nos cuenta él. “Sí he notado que tras ‘Arde Madrid’ (18) estaban más las expectativas en la profesión de ver qué hacía, y luego me he visto en medio de una producción muy grande, con efectos digita les, etcétera, y he pensado ‘hostia, esto yo no lo sé hacer’. Pero he intentado divertirme, y es que no tengo conciencia de estar cons truyendo un estilo... Yo hago lo que me da la gana. No sé hacerlo bien, sé hacerlo a mi manera”. Y su manera desde luego conecta con el público: cuando le preguntamos si le sorprendió el éxito tuvo aquel monólogo de Belén Cuesta en ‘Kiki’ (16), se ríe y nos dice que “estaba escrito con toda la mala leche, en el sentido de que fuese un bombazo”

“RAINBOW”, que su director define entre dudas como drama fantástico (“es que tam poco es un drama... No da como vergüenza la solemnidad. En cuanto algo se carga de solemnidad necesito romperlo con un chiste”), plantea una revisión en términos actuales de “El Mago de Oz” (39) y lo hace

Paco León

& Dora El talento de los intrusos

“Talento” es una palabra que sale cuando entrevistamos por separado a Paco León y a Dora, protagonista de su nueva película, “Rainbow”. De manera directa, porque ambos alaban el talento del otro, y también indirecta, porque el talento de cada uno se siente cuando hablas con ellos. Por mucho Síndrome del Impostor que, por distintos motivos, puedan tener.

innovando con el sonido binaural y con un reparto que mezcla a titanes de la interpre tación como Carmen Maura, Carmen Ma chi (increíblemente su primera vez juntas) y Luis Bermejo con debutantes (“intrusos”) como Dora o Ayax: “Me gustan mucho los no-actores. Me fascina la gente interesan te en general. El cine permite que si hay alguien interesante de verdad, la cámara lo pille. Y meter a Luis Bermejo con Ayax y Dora está muy pensado, un superactor que no va a mirar por encima del hombro a uno nuevo, sino que se va a poner a jugar con ellos y les va a enseñar sin darse cuen ta. Además, al final Luis es más gamberro y punk que Ayax”.

ESTO TAMBIÉN le permite ser muchos directores a la vez (“cada intérprete necesi ta un director diferente, y yo he intentado ser ese director que necesita cada uno”) y acabar metiendo a personajes inclasifi cables como Samantha Hudson o Naiara Música (“lo de Naiara lo mismo, yo pensaba ‘no puedo con ella, qué personaje’. Es gente que me fascina, y quería que estuviera”). Él mismo comenta que puede acabar siendo una buena radiografía de nuestro momen to cultural: “Cuando en diez años veamos a Miss Beige, Naiara, Samantha, Dora cuando empezaba... Recordaremos 2022, cuando todo el mundo estaba en Insta gram, y va a tener mucho sentido”. Paco no tiene intención de ampliar este universo en secuelas (“hay ideas nuevas y solo una vida, habrá que usarlas... Repetirme no me gusta, soy experto en matar los éxitos a veces”) pero sí de implicarse al máximo en la estrategia de márketing: “Para mí la campaña forma parte de la obra, hasta que

no llega al público no se produce el hecho artístico, y que llegue es responsabilidad también del creador. Además que me di vierto mucho: hemos hecho un perfume, una colaboración con Palomo Spain para el bolso que aparece, sacaremos un libro... y ojo porque en el Festival de San Sebastián vamos a vandalizar tres Audis y llegaremos a la alfombra roja con 3 Audis vandalizados de flúor”.

POR SU PARTE, Dora, con el instituto re cién terminado, está en shock con lo que va a suponer San Sebastián y la película en sí. Todavía no se cree haber grabado con Maura y Machi (“no creo que pueda nor malizarlo nunca”) y se emociona cuando recuerda el rodaje: “Confié en Paco a muer te y fue muy bonito. Al principio le dije de hacer alguna clase o algún training y me dijo que ni se me ocurriese, que si me metía a clase lo iba a arruinar todo [ríe]. Me quitó el guión a la semana dos de rodaje, quería mantener mi frescura”. Además de Paco, también ha tenido el apoyo de sus compis y de su familia, incluyendo más y nada me nos que a Bárbara Lennie, a quien a estas alturas ya podemos calificar como una de las mejores actrices de su generación: “Me dio muchos tips, no tanto sobre el perso naje sino para cuidarme en el rodaje, yo no tenía ni idea del agotamiento física, mental y emocional que suponen”. El resultado, eso sí, suele merecer la pena. Y, por la ma nera en que tanto Paco como ella hablan de la película, está claro que “Rainbow” es para ellos uno de esos casos.

R

PABLO TOCINO

Pinocho Robert Zemeckis

ME DA BASTANTE PENA que no me haya gustado este remake de Pi nocho, no tanto por el apego que le pueda tener a la película ori ginal como por el que le puedo tener a Zemeckis. Por eso mismo, por el respeto que le tengo al hombre que convirtió un DeLo rean en máquina del tiempo y le dió a la cabeza de Meryl Streep una vuelta de ciento ochenta grados, prefiero empezar por lo bueno que podríamos rescatar de esta traducción a live action El “Pinocho” de Zemeckis es, ante todo, fiel a los diseños originales de la versión de Sha rpsteen y Luske. A través de un excelente diseño de producción, el último remake de Disney se convierte en un carísimo ejerci cio de modelaje, en una maqueta digital a escala real de los esce narios animados en 1940 (¡hace ochenta años!). Puede ser inte

resante acercarse a la relectura de Zemeckis desde una mirada nostálgica, siempre y cuando estemos dispuestos a aceptar algunas licencias –algo pos modernas– que se ha tomado el director. Zemeckis prefiere que su “Pinocho” sea una comedia de aventuras en vez de un cuento de terror. Cualquier elemento de género de la versión animada se barre debajo de la alfombra, quizás creyendo (y con cierta razón) que la metamorfosis de un niño en burro –digna de body horror– podría ser demasiado si la trasladaramos a la acción real. Los acercamientos del cineasta a un uso del CGI más hiperbólico y carnavalesco en la escena del parque de atracciones funcio nan, pero no compensan un apar tado visual que durante el resto del metraje se sirve totalmente descafeinado. DANIEL GRANDES

ESTE VERANO NOS HEMOS TO PADO con todo tipo de reinas empoderadas en la ficción. Desde abogadas de piel verde hasta legítimas herederas a lomos de un dragón. Pero ninguna le llegará a la suela de la zapatilla (blanca, por supuesto) a Kleo Straub (Jella Haase), la nueva anti-heroína por excelencia de Netflix. La trama de esta “historia verdadera en la que nada de lo narrado sucedió de verdad” nos somete a unas idas y venidas trepidantes en las que la pasión, la patria, la traición y el techno se dan la mano frente a un telón de acero marcado por los años más cruentos de la Alemania post-comunista. Con actitud naíf, pero despiadada a rabiar, Kleo se ganará tanto vuestros corazones como vuestros respetos. No os dejéis engañar por la ternura de su semblante, ni por esos

refranes y cancioncillas demodé con las que edulcora su frialdad, pues tan pronto se las apaña para elaborar un veneno casero con la carne de un pez globo como fabri ca su propio explosivo con el que volar en mil pedazos a quien se la intente dar con queso. Violen cia gratuita y explícita a parte, Kleo nos recordará a una suerte de Beatrix Kiddo centro-europea a la que la vida le ha llevado a elaborar su propia lista negra de nombres a los que exigir justicia. Sin embargo, y para su desgracia, cada cadáver dejará a su paso más preguntas sin responder y más culpables sobre la mesa, provocando que la tensión y la acción no cesen. Si estas razones os han convencido para conocer a la joven del momento, tan solo os queda romper la cuarta pared a la unánime consigna de “Immer Bereit”. FRAN GONZÁLEZ

CUANDO LOS SENTIMIENTOS son veraces y honestos, cuando la vida resulta verosímil; cuando las alegrías y las penas se llevan con entereza, cuando se le da, en defi nitiva, la oportunidad al cine de narrar historias con peso, no hace falta mucho más para alcanzar la brillantez. “Ali y Ava” es cine para adultos, para ese público que no se traga la enésima comedia romántica con los mismos tres giros de guión de siempre pero que sigue creyendo en el amor: no solo el amor en pareja, sino a uno mismo, a la familia y a la comuni dad. Sin llegar a sorprender narra tivamente, golpea certeramente con fuerza gracias a una historia que no necesita de artificios. “Ali y Ava” reivindica la importancia del qué frente al cómo. Su retrato de la clase trabajadora (británica) y los prejuicios todavía existen tes a ambos lados de la trinchera

cultural, son todo un ejercicio de conciencia alejado del maniqueís mo habitual.

El retrato de ambos protagonis tas –gracias a un trabajo inter pretativo brutal de Adeel Akhtar (nominado al Bafta) y Claire Rus hbrook– es delicado sin llegar a rozar la cursilería. Ava, uno de los mejores personajes femeninos que he visto en los últimos tiempos, se erige como el verdadero sostén de la película: su dimensión narrati va es enorme. La única concesión esteticista de la cinta la brinda la música como espina dorsal. Para el espectador no musiquero, puede resultar excesiva; sin embargo, para el resto resulta la guinda para un pastel sobrio en todo lo demás. Infancia, pérdida, madurez, esperanza, “Ali y Ava” encierra lo verdadero de la vida en noventa minutos: lo terrible, sí, pero sobre todo lo bueno.

LUIS M. MAÍNEZ

NOS DESPEDIMOS de una de las mejores series del momento y es que lo que han hecho Vince Gilligan y Peter Gould con este spin-off de “Breaking Bad” es una maravilla. Quizás tuvimos una mala sensación al ver su primer anuncio, un sentimiento de que se querían aprovechar de nuestra nostalgia. Tras verla, podemos decir que no. Hay algo magnético en su tempo realista, algo bello en los planos perfilados después de la experiencia que habían obtenido los creadores con “Breaking Bad”, un mimo delicioso por las metáforas cocinadas a fuego lento y algunos de los personajes más redondos del medio televisi vo. Además, han jugado muy bien la única debilidad que podría mos haber encontrado en esta serie, el saber cómo acabarían la mayoría de los personajes, pues ya no era necesario ponerlos

en riesgo para que temiésemos por sus vidas; solo trabajarlos, construirlos, moldearlos: enamo rarnos. Todo esto para llegar a la perfección de la última tempo rada en la que el conflicto entre ser Saul Goodman o Jimmy McGill se ve definido gracias a una his toria de amor que trasciende lo televisivo y romántico, asciende a lo humano.

Spin-off suena a producto de segunda mano. Ya podemos decir que no, pues durante toda la serie me he hecho la gran pregunta:

«¿Es mejor que “Breaking Bad”?». Habrá sus detractores, pero opi no que sí. “Breaking Bad” era un ejercicio de creación de persona jes e intriga, “Better Call Saul” es lo mismo y, aunque tiene menor tensión, el subtexto y el estilo son la culminación de la obra de Vince Gilligan.

LUIS DE LA IGLESIA

Kleo Hanno Hackfort y Richard Kropf

Ali y Ava Clio Bernard

Better Call Saul (Última temporada) Vince Gilligan y Peter Gould

Una visión de conjunto sobre la carrera del Loco es la que nos ofrece Felipe Cabrerizo aquí. Una biografía ecuánime y justa que, además, de en la propia discogra fía, se apoya en declaraciones ajenas, entrevistas y materiales ya publicados y todo ello lo acaba ordenando con entrevis tas exclusivas mantenidas con Loquillo entre 2018 y 20221. Con ello consigue Cabrerizo dos objetivos: perfilar la construc ción del personaje a través de los años (que es siempre igual y, a la vez, siempre diferente) y contex tualizar la historia de los éxitos y fracasos del Loco. Menos estra tégico que intuitivo, el cantante del Clot es un ejemplo único en la música española de superviven cia, fe y esfuerzo. Y Cabrerizo le hace justicia, con incisiva ele gancia. JOSÉ DE MONTFORT

You Are Beautiful & You Are Alone La biografía de Nico Jennifer Otter Bickerdike Contra 9

Una drogadicta. Una devora hombres cuyo mayor mérito para protagonizar titulares fue haber se cepillado a Alain Delon, Bob Dylan, Brian Jones, Jim Morrison o Iggy Pop. Menudo historial. En el mejor de los casos, una figura de corativa en el legendario primer disco de The Velvet Underground. Estos fueron algunos de los es tigmas que siempre persiguieron a Christa Paffgen (1938-1988). O sea, Nico. El desdén, el encasilla miento obtuso y simplista o el rosario de topicazos alrededor de su estatura creativa siempre han casado francamente mal con su influencia sobre Morrissey, Hen ry Rollins, Bauhaus, Mark Lane gan, Siouxsie Sioux, Lydia Lunch, Linder Sterling, Lene Lovich, Anna Calvi o St. Vincent. Por eso es tan importante un libro como este. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

CÓMICS

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Quienes no vivieron el huracán que supuso el movimiento riot grrrl en su momento o quienes no le han prestado la atención suficiente necesitarán más deta lles que los que aporta de forma directa el título. Quizás Laura Sagaz no ha escrito el mejor libro sobre aquellos años y sobre lo mucho que aportaron al futuro del rock hecho por mujeres, ni siquiera el más completo –recor demos que se trata de un TFM que merecía ser publicado–, pero sí uno que funciona a la perfec ción como puerta de entrada a una forma de entender la música y sobre todo la vida que mantie ne toda su vigencia y sentido. Y por si no fuera suficiente, inclu ye entrevistas con iconos como Allison Wolfe (Bratmobile), Corin Tucker o nuestra Lidia Damunt.

Hace exactamente un año, un servidor reseñaba en este mis mo medio “Trans. Confesiones de una punk anarquista y vendida” de Laura Jane Grace. Bien, pues podríamos situar este libro de Jane County, icono trans-punk por excelencia, en el extremo opuesto pese a tratar temas parecidos. Mientras la cantante de Against Me! se des cubría asfixiada emocionalmen te durante su proceso, County se nos descubre como una lu chadora descarada y con mucho sentido del humor, una reina del underground, una estrella arra balera que se enfrentó a todos y a todo, que hizo piña con quie nes eran como ella y, sobre todo, a quien jamás consiguieron derrotar. Unas memorias diver tidas y al mismo tiempo muy reveladoras.

JOAN S. LUNA

Como colección de historias cor tas que es, “Flores rojas” es un mosaico de personajes realmente misterioso, en el que lo simbólico se entrelaza más que nunca con la tradición nipona y la forma de entender el mundo de un Japón de posguerra atrapado entre la necesidad de evolucionar y el magnetismo irracional del mun do rural, entre la modernidad y lo anquilosado de los roles sociales de cada uno de sus pro tagonistas. Y una vez más, Tsuge consigue que sintamos ternura por todos ellos, no importa si son unos buscavidas, unos vagabun dos desesperados, una pareja llena de dudas o un dibujante de manga. Porque les entendemos, les vemos lidiar torpemente con el mundo que hay ahí fuera y para el que nadie nos preparó.

JOAN S LUNA

Resumir “Llévame contigo” es sencillo e inmensamente compli cado al mismo tiempo. Sencillo porque podríamos decir que trata la crisis de la protagonista, Elise, felizmente casada, al conocer a otra mujer llamada Dagmar. Pero son tantas las alegrías, las dudas, las decepciones, la sensibilidad, la ternura y la soledad, que se describen en estas páginas y con tanta veracidad, que harían falta muchas noches en vela para poder entender todo lo que siente Elise. Esas noches que casi todos hemos experimentado alguna vez y que, como decía, resultaría inmensamente complicado resu mir en unas pocas palabras. Por suerte, existe gente como Anneli Furmark capaz de convertir todos esos sentimientos en novela grá fica. Y en una francamente bella y humana. JOAN S LUNA

El merecidamente reputado artis ta noruego Jason regresa con una obra en la que da una vuelva de tuerca a la alargada figura de Er nest Hemingway, entremezclando realidad y ficción en un cómic de extraordinaria profundidad. Ubi cando la acción en tres espacios diferentes (París, 1925; París, 1944; Cuba, finales de los cincuenta), nos presenta otros tantos momen tos en la vida del escritor, con su habitual trazo extremadamente simple que no hace sino ceder protagonismo y potenciar la propia historia. Un volumen que sorprende por su calado disfraza do de minimalismo. Ciento sesen ta páginas en las que menos es más, con el ahorro de viñetas, los medidos diálogos y los espacios en blanco derivando, desde una aparente discreción, en extrañas emociones. RAÚL JULIÁN

Ni es la primera ni será la última novela gráfica sobre la figura de Elvis. Aunque probablemente sea de las mejores. Y encima se publi có antes del pequeño boom que ha provocado la película de Baz Luhr mann. Aunque su gran valor está, sobre todo, en el dibujo y el guion. Puede sonar obvio, al tratarse de una novela gráfica, pero en reali dad no lo es. Del primero, además, cabe destacar el buen tratamiento del color, que favorece, y mucho, su lectura. Del segundo, subra yaremos especialmente la parte dedicada a la juventud de Elvis, a su vida en el barrio y a cómo salió de él para convertirse en uno de los grandes iconos del siglo XX. Al margen del interés por Elvis en concreto, si eres una persona mínimamente curiosa, aquí tienes un buen rato de entretenimiento.

EDUARDO IZQUIERDO

Loquillo, la biografía oficial Felipe Cabrerizo Ediciones B

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Flores rojas Yoshiharu Tsuge Gallo Nero 8

Llévame contigo Anneli Furmark Blackie Books

Chica=Tonta, Chica=Mala, Chica=Débil Laura Sagaz Orciny Press

Man Enough To Be A Woman Jane County Colectivo Bruxista 8

Siempre nos quedará Pamplona Jason Astiberri 9

Elvis Chris Miskiewicz/ Michael Shelfer Norma Editorial

PODCASTS

Estirando el chicle Carolina Iglesias y Victoria Martín

La última temporada de “Estiran do el chicle” ha sido la más larga y en la que más invitadas de renom bre ha habido, y también ha sido la temporada en la que Carolina Iglesias y Victoria Martín más han demostrado que son uno de los dúos cómicos con más química dentro del panorama español. Treinta y siete capítulos en los que han pasado todo tipo de invi tadas a las que las presentadoras han sabido adecuarse en cada programa de forma camaleónica. Políticas como Manuela Carmena, cantantes como Zahara o Tanxu gueiras, actrices como Lola Herre ra o Nadia de Santiago, influencers como Sara Sálamo, o la futbolista Virginia Torrecilla. “Estirando el chicle” ha rellenado un hueco necesario en España y esa es una de las grandes razones del (mere cido) éxito que están obteniendo.

PODCASTS

Joe Crepúsculo

Joe Crepúsculo sigue girando por España presentando las canciones del que es su último disco, “Trovador Tecno” (El Volcán, 22) –del que se publica ahora una edición deluxe–. Por ello hemos aprovechado para que nuestro jefe de redacción, Joan S. Luna, charlase con él sobre su carrera, sobre su forma de entender la música y sobre el momento en que se encuentra ahora mismo.

Cuándo se come aquí Jorge B. Ortiz, Tate Lacomba, Pierre Sgambato y María Mateos

“Cuándo se come aquí” es una ter tulia entre amigos –dos andaluces de nacimiento, Jorge B. Ortiz y Tate Lacomba, y un tercero de adopción, el francés Pierre Sgambato¬ que disfrutan charlando sobre cómics y punk. Comenzaron a grabar sus podcasts allá por 2019, en el mejor sitio posible, el Lemon Rock, uno de los bares más atípicos y reco mendables de Granada. El equipo se completó con “alguien que al fin sabía de verdad de tebeos”, Ma ría Mateos, responsable de Cómic Stores. Un par de años más tarde, se mudaron y pasaron a formar parte de la programación de Star Idea Radio. No obstante, fieles a su espíritu punk, continúan sin una duración determinada e intercam bian opiniones sobre películas de ciencia-ficción, series, cine de artes marciales, y cómics de todas las procedencias o géneros.

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La influencia de Radiohead

Es innegable ver la huella de “Ok Computer” y Radiohead en mucha de la música popular de finales de los 90 y comienzos del siglo XXI, donde fueron el equivalente a los Beatles entre su generación, influyendo a todas las bandas que se crearon a posteriori pero, y esto es más difícil, también a coetá neos y glorias pasadas.

El Compact Disc cumple los cua renta en precario, pero viviendo un sorprendente repunte. El auge del vinilo y la generalización del streaming aceleraron el declive del veterano disco compacto digital. Los dos años de pande mia le hicieron tocar fondo, pero en el 2021 sus ventas crecieron en Estados Unidos por prime ra vez en diecisiete años.

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Textos: Albert Carreras, Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Álvaro Tejada, Anaïs López, Andreu Cunill Clares, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Esther Rios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jose Carlos Peña, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Marcos Gendre, Mariona Longarón Ropero, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Víctor Naharro, Yeray S. Iborra

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros

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ALEJANDRO CABALLERO SERRANO