MondoSonoro septiembre 2017 by MONDO SONORO

Nº 253 Septiembre 2017 www.mondosonoro.com

ARCADE FIRE, THE KILLERS, THE WAR ON DRUGS, CIGARETTES AFTER SEX, COYU, JET SOULWAX, D∆WN, PROPHETS OF RAGE, ORTHODOX, DEAD CROSS, SAMUEL O’KANE, INTERPOL

Queens of the Stone Age Dios salve a las reinas

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5/Mondo freako

Tras dos discos dobles, Arcade Fire bajan a la tierra y entregan su disco más mundano. Con Everything Now (Sony/Universal, 17) los canadienses se dan y nos dan un respiro. Y, por el camino, entregan su álbum más accesible y pop; un trabajo que se puede bailar y tararear a la primera, pero que también disecciona el mundo de mentirijilla en el que vivimos actualmente.

Arcade Fire Los seis magníficos mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: ARCHIVO

o sé qué decirte (risas). Más que eso, lo que no queríamos era repetir la experiencia de un disco doble, que es una cosa muy intensa. Hemos intentado hacer algo más ligero”. Así de sincero se muestra Tim Kingsbury (bajista y otras funciones en Arcade Fire), cuando se le pregunta por si este Everything Now es una especie de retorno a los orígenes del grupo; un intento de recuperar su cara más directa y menos dispersa. El canadiense responde vía telefónica desde Montreal, y se muestra cercano y permeable a todas las cuestiones. No fue así la última vez que pude charlar con él con motivo de la salida de Neon Bible (Merge, 07), donde estuvo a la defensiva. Sobre todo cuando apunté la conexión Bruce Springsteen de aquel disco (“más que a Bruce Springsteen, sonamos a Bon Jovi”, comentaba con guasa pero enfadado). Parece, eso sí, que ahora ha aprendido a ponerse el traje de profesional en las entrevistas, y la cosa fluye con naturalidad. Y hasta sonríe cuando le menciono el espíritu ABBA de la canción que da nombre a su nuevo trabajo. “Es un cumplido que nos comparen con ABBA, y nos gusta que la gente encuentre ese parecido”. Bien, Tim, así sí. Dejando atrás rencillas del pasado y entrando en materia, este Everything Now, como bien apuntaba Don Disturbios en su crítica publicada en estas páginas, sorprende por su ligereza. Ahora bien, parece que ese aire casual es fruto de muchas horas de trabajo. “Cada nuevo disco es un reto en sí mismo, pero este ha sido especial. Es la primera vez que hemos grabado lejos de nuestra casa. Al terminar las sesiones cada día, no podíamos ir a nuestro hogar a descansar. Hemos viajado mucho a Nueva Orleans, y allí realizamos diversas sesiones de grabación. Esas sesiones fueron diferentes y más intensas de lo habitual: te diría que las más intensas de nuestra carrera y también en las que más

septiembre 2017 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA La verdad no está ahí fuera

concentrados hemos estado”. Y añade: “También hemos utilizado nuevos instrumentos y tecnología, sobre todo sintetizadores y baterías electrónicas. Nos hemos atrevido a aplicar técnicas con las que no estábamos familiarizados y encontrar así el lenguaje y sonido del disco”. No deja de ser curioso que su obra más accesible sea la que también parece ser, a primera vista, más intuitiva y juguetona. “Puede que sí lo sea”, apunta Kingsbury. “Este disco es el menos caótico de nuestra carrera. Todo está más ordenado, los arreglos y demás. Es más simple, nuestro álbum más pop. Quizás sea por esa intensidad y el trabajo que hemos puesto en cada canción. Además de grabar, hemos dedicado mucho tiempo al montaje de las canciones, para darles así el acabado adecuado. En Everything Now hemos contado con varios productores y hemos escuchado sus consejos y opiniones. De hecho, la naturaleza original de los temas cambió un montón debido a ese proceso. Las hemos ido moldeando”. ¡Y vaya nómina de productores! Encabezada por Thomas Bangalter (Daft Punk), Geoff Barrow (Portishead) Markus Dravs (Florence + The Machine, Coldplay) y Steve Mackey (Pulp). “Steve Mackey estuvo todo el tiempo. El resto nos ayudaron en muchas fases de la grabación, como Thomas Bangalter y Geoff Barrow. La manera que tenemos de trabajar con ellos es simple: los tratamos como si fueran nuevos miembros de la banda”. Prosigue, “con Thomas fue un lujo, habla mucho y nos ayudó a entender el contexto de las canciones, a verlas con perspectiva, y a identificarlas antes de llegar al final de las mismas. Esto último a veces es muy complicado y él nos aportó la luz”. Un detalle relacionado con este dream team: el riff rockero de Chemistry tiene un culpable claro. “Sí, desde luego es muy I Love Rock ‘N’ Roll (risas). Originalmente, ese riff de guitarra en realidad eran unas notas de sintetizadores y unas baterías electrónicas. Thomas Bangalter de Daft Punk nos sugirió incluir un riff como el de I Love Rock ‘N’ Roll de Joan Jett. Lo probamos, nos gustó y lo dejamos”. Volvamos un instante atrás. ¿Cuál es el secreto para seguir sonando frescos a pesar de todo ese concienzudo trabajo de composición y producción? “Creo que eso lo hemos conseguido porque el disco está grabado en directo, tocando todos juntos en el estudio. Casi siempre hemos hecho eso en nuestros álbumes. El pegamento, el tempo y el latido de cada canción proceden de esa energía de tocar en directo en una habitación. Es más, te diría que la mejor versión de Arcade Fire siempre es la del directo; sea en un estudio, en un gran recinto o en una sala pequeña”. Kingsbury, que cuando se le nombra la inspiración disco y relajada de Everything Now señala como influencia directa el disco más bailable y abierto de miras de The Clash, Sandinista! (Columbia/Epic, 80), no se moja mucho a la hora de hablar sobre los ejes temáticos presentes en el nuevo álbum de Arcade Fire. Conceptos simples pero efectivos: la no-vida emocional, el efecto zombificante de Internet y las redes sociales, y la incomunicación que reinan en la sociedad del siglo veintiuno. “Sí, son temas que Win (Butler, cabeza pensante del grupo) explora en este disco. Dicho esto, Everything Now no es un trabajo conceptual. Todos nuestros álbumes suelen girar alrededor de varios leitmotivs temáticos. Y aquí seguimos ese libro de estilo”. —xavi sánchez pons

CRITICANDO Everything Now Columbia/Sony Pop-Rock 7/10

Los riegos de la ligereza

ras el empacho que supuso su anterior trabajo, el doble y algo indigesto Reflektor, yo soy de los que agradecen que Arcade Fire hayan sacado un disco mucho más ligero y con un puñado de canciones que atesoran evidentes puntos de anclaje melódico con el oyente. Everything Now es uno de esos discos que pueden ser degustados de principio a fin sin tener la necesidad de ir saltando canciones que resultan una auténtica tortura y rompen el ritmo del álbum. Sin embargo, nunca llueve a gusto de todos y el debate que planea sobre Everything Now es dirimir si se han pasado de frenada y, de tan ligero que resulta, corre el riesgo de caer en lo insustancial. Y me temo que algo de eso también hay. Everything Now no será el disco más recordado de Arcade Fire, de eso no cabe duda. Pero sí será visto con los años como el álbum más optimista y menos pagado de sí mismo de la banda. Un disco en el que los canadienses muestran sin ambages ni trucos sus múltiples caras, y además logran aportar un par o tres de temas muy efectivos al repertorio de sus directos. Canciones como ese pizpireto single de abertura, con esos coros gospel de respuesta y ese crescendo final tan marca de la casa, aunque en realidad acabe resultando demasiado facilón para una banda de su categoría. Por suerte, el álbum también nos reserva agradables sorpresas como ese tremendo tema que es Put Your Money On Me, que nos recuerda por qué Arcade Fire están en boca de todo el mundo y han logrado alcanzar el estatus de gran banda del nuevo milenio. Al quinto trabajo de los canadienses se le adivinan de lejos las costuras de la intencionalidad y acaba por resultar un paréntesis creativo con el que coger aire y pensar hacia dónde cabe dirigir los próximos pasos. Y es que a nadie se le escapa que lo más difícil es saber qué caminos tomar con tu música para mantenerte en la cúspide de la relevancia. —don disturbios

l próximo 25 de septiembre finalizará la estupenda exposición que se está realizando en el Museo del Diseño de Barcelona sobre la vida, carrera e influencia de todo un icono del pop como David Bowie. Y al margen de que la visita es obligada para cualquier fan que se precie del artista, no cabe duda de que, tal y como está presentada, también puede gustar y mucho a los que no tengan a David Bowie entre sus artistas más seguidos y reconocidos. No olvidemos tampoco que no fue precisamente un artista muy dado a alcanzar las cimas otorgadas por las ventas. Sin embargo, es posible que David Bowie sea uno de los artistas sobre los que más se haya escrito, y numerosas son las biografías de todo tipo que corren sobre él. No es de extrañar. Pocos artistas han tenido una vida tan jugosa para indagar, airear y conectar con otros grandes músicos que se cruzaron en su vida y sobre los que ejerció una fascinación e influencia mutua. La lista sería interminable e iría de Marc Bolan a Iggy Pop pasando por Jagger o Lou Reed. Merecedores todos ellos por sí solos de una expo similar a la de nuestro protagonista. Pero debajo de la piel, o más bien de la coraza del artista, está el ser humano, y es precisamente esa verdad pura la más difícil de captar. Una que lo ha intentado recientemente ha sido la periodista LesleyAnn Jones en su biografía titulada de forma algo simplista Hero: David Bowie y, pese a que el libro tiene alguna ligera pincelada que intenta mostrar el lado más humano de Bowie, fracasa estrepitosamente a la hora de mostrar su faceta más íntima, sobre la que solo planea sin llegar nunca a profundizar. Eso sin obviar que la autora tiene cierta tendencia a colocarse ella misma en el centro de una trama que no le pertenece. Sin embargo, lo que ha generado más controversia alrededor del libro es que Lesley-Ann Jones (pese al apellido no tiene ningún lazo familiar con Bowie) afirma en sus páginas que la famosa doble pigmentación de los ojos del artista no estaría causada por una pelea infantil, sino que en realidad la causa sería una sífilis congénita que le habría trasmitido su madre por haber ejercido la prostitución. Una tesis que ha provocado reacciones airadas en el entorno familiar del músico , pero que a mi me parece un ejemplo palpable de la gran cantidad de mitología, fantasía y mentiras por comprobar que giran alrededor de la vida de unos artistas que en cierta medida condenamos a no ser como nosotros, a no tener necesidades mundanas, corrientes y aburridas. Todo debe ser exageradamente magnificado en el circo del rock’n’roll, aunque luego cueste mucho separar el grano de la paja. Juguemos pues en este engañoso mundo de los espejos curvos, pero conscientes del gran lado de ficción que lo alimenta. No será veraz, pero resultará mucho más entretenido.—don disturbios

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#6 septiembre 2017

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FOTO: rob walbers

Soulwax

La frescura de la primera toma “El público sigue esperando que vuelvas a hacer aquello que te dio el éxito”

Ni una ni dos, sino tres son las baterías que marcan el compás de From Deewee ([PIAS], 17), el nuevo álbum de los belgas trece años después de su aclamado Any Minute Now, un trabajo básico en la vuelta del pop rock a las pistas de baile.

From Deewee

[PIAS], 2017 Dance Rock 7/10

stando de lo más ocupados en su faceta de Dj’s y remezcladores como 2manydjs, o desarrollando proyectos como aquel Despacio junto a James Murphy que pudo disfrutarse en nuestro país en el marco del Sónar en 2014, pocos daban un céntimo porque los hermanos Stephen y David Dewaele volviesen a explotar la marca Soulwax. Pero finalmente, trece años después de su último álbum de estudio, Any Minute Now (aunque no hay que olvidar la banda sonora de la película Belgica que editaron el año pasado), los belgas han roto su silencio con un nuevo trabajo en el que el concepto lo es todo. Puede que From Deewee no sea un álbum sobrado de singles instantáneos, pero el hecho de que lo grabaran en una sola toma desde su estudio casero en Gante y que contaran con tres baterías para amplificar su sonido hacen de él uno de los experimentos más ambiciosos en los que se han embarcado hasta la fecha. “Nos lo hemos tomado con tanta calma porque la verdad es que no estamos interesados en las dinámicas de las discográficas ni en sentirnos atados a nada ni nadie. No hemos parado quietos durante todos estos años, eso es cierto, pero el pasado año estando en Coachella fue cuando nos corrió por la cabeza la idea de un nuevo largo”, comenta Stephen. “Todo fue muy natural. Tras construir nuestro propio estudio casero móvil todo fue mucho más fácil, ya que al ahorrarnos el alquiler de un

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estudio de grabación externo no sólo abaratamos gastos, sino que contábamos con total libertad para hacer lo que quisiéramos. La idea de grabar estas canciones en una sola toma vino porque si no nos marcamos limitaciones nos relajamos demasiado. Obviamente, fue una decisión arriesgada porque el no recurrir a tomas extras tanto puede salir bien como mal. Sin embargo, esta es una de esas ideas locas que, por muy inusual que parezca, nos apetecía muchísimo llevar a cabo”, prosigue. “Lo más complejo fueron los ensayos con la banda y encontrar el sonido adecuado de las baterías. Durante un mes nos encerramos en el estudio preparándolo todo para que, una vez empezáramos a grabar, todo saliera según lo previsto. Ni siquiera nuestro sello sabía qué nos traíamos entre manos”, dice Stephen antes de abordar el porqué de esas tres baterías que, en momentos como The Singer Has Become A Deejay, suenan hasta a batucada. “Nuestra música de siempre ha tenido un fuerte groove, pero ahí fuera hay muchísimos otros artistas electrónicos cuyas bases y percusiones suenan falsas detrás de un ordenador. Por eso, precisamente, queríamos que lo nuestro fuera cien por cien en vivo y con una estética sonora muy clara. Podríamos habernos valido tan sólo de una batería, sí, pero teniendo tres sonando a la vez se crea una experiencia única que cobra aún más sentido cuando estamos encima del escenario”, explica.

“La cuestión es no repetirse. Muchos se nos siguen acercando diciéndonos que nuestros antiguos mashups les encantaban, y nos gusta que nos digan eso. Pero en realidad esto es como cuando Radiohead estuvieron años sin tocar Creep en vivo. El público sigue esperando que vuelvas a hacer aquello que te dio el éxito, aunque si no pruebas cosas nuevas te acabas acomodando. Y eso, sin duda, es algo que hay que evitar”, confiesa dejando claro, ya de paso, que no hay ningún plan preestablecido para los próximos meses. “Ni yo mismo sé qué vamos a hacer próximamente. Mejor que así sea. Una vez acabe este tour tendremos que sentarnos para ver cuál será el siguiente paso”. Teniendo presente que su agenda está igual de llena de fechas como Dj’s que de directos bajo la etiqueta Soulwax, ¿qué es lo que más disfrutan es estos momentos? Stephen lo tiene muy claro: “No es que a mí y mi hermano nos guste más una cosa que la otra, sino la posibilidad de poder hacer ambas. Si una de las dos cosas se acabara repentinamente sí que tendríamos un problema. Nos gustan los retos y la idea de poder escoger qué nos apetece dependiendo del momento. Ser Dj es genial, del mismo modo que poder tocar tu música con una banda, así que mientras podamos seguir como hasta ahora combinando las dos facetas nos damos por satisfechos”. —sergio del amo

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septiembre 2017 #7

“

Ben Bridwell Band Of Horses

u debut en solitario se llama Good News For Bad Boys. ¿Cuáles son las buenas noticias y quiénes son esos tipos malos a las que van dedicadas? Las buenas noticias son este momento que estamos viviendo en la música urbana. El relevo generacional con este cambio de tendencia, los fichajes de artistas emergentes en multinacionales, el conseguir tus objetivos y dejar de sólo soñarlos. Good News... es un poco toda esa idea materializada en un disco. ¿Los chicos malos? ¿No está claro? Los milenials parece que somos esa generación de mala gente, de personas sin propósitos e inconformistas, de egocéntricos que sólo miran por su ombligo… o eso es lo que la prensa quiere vender al mundo. Yo creo que esta generación no es egocéntrica, sino que se ha cansado de trabajar como cabrones para que se lucren otros. Yo no creo que esta generación no tenga un propósito, al contrario, esta generación simplemente ha dejado de soñar con que te toque la lotería para no hacer nada con tu vida, y ha decidido echarle huevos y ser emprendedora, tener un sueño y perseguirlo, tener una idea y

sumar por ella. Pero, claro, para los demás siempre seremos los “chicos malos”. En este disco encontramos poco rap y mucho R&B y cortes más electrónicos y traperos. Háblanos del sonido del álbum. ¿Cómo querías que sonase, qué tenías en la cabeza cuando empezaste a grabarlo? Es lógico que haya poco de rap, por no decir nada. Yo siempre he hecho R&B y así lo he defendido. En este disco he buscado experimentar las fusiones del propio R&B con todas las tendencias que yo escucho en mi día a día, el trap, el EDM, el reggaetón, el dancehall… básicamente porque la música hace tiempo que ha dejado de ser “etiquetada” para mi generación, porque somos una generación más multicultural que nuestras predecesoras y es absurdo el discurso de “a qué suena”. El helado sabe mejor cuando te preguntas simplemente si te gusta o no, y no de qué está hecho. Muchos te definen como “el futuro del R&B en España”. Un estilo que, sin embargo, es uno de menos practicados y utilizados dentro de la música negra en nuestro país. ¿Qué significa para ti el R&B? Para mí el R&B significa todo. Es la semilla de mi música y la cultura musical con la que me han criado en casa. Yo hago R&B porque soy R&B, escucho R&B y pienso R&B. Respecto a lo que comentas sobre ser un género “poco utilizado”, yo creo que el R&B se practica más en España de lo que todo el mundo cree. Ahora que estamos saliendo del “boom” más grande del trap, muchos de los artistas que practicaban este género, se están lanzando ahora a cantar y mezclar su música con el R&B. Y eso también es una consecuencia de lo que está pasando ahí fuera. Los artistas americanos llevan haciendo eso desde hace un par de años ya, cuando aquí aún estábamos debatiendo que si el rap, que si el trap… —alfonso gil royo

”

Band Of Horses vuelven a España para presentar Why Are You Ok (Intescope/Music As Usual, 16). Para celebrarlo, le preguntamos a su líder, Ben Bridwell, sobre los discos que han marcado su vida. Podrás verles en Barcelona (Apolo, 8 septiembre) y Madrid (Dcode Festival, 9 septiembre). Dead Kennedys

Fresh Fruit For Rotting Vegetables (1980)

Las grandes canciones del disco son California Über Alles y Holiday In Cambodia, pero hay mucho más. Kill The Poor es perfecta como inicio del disco y Let’s Lynch The Landlord define perfectamente muchas cosas que viví. Pavement

Crooked Rain, Crooked Rain (1994)

Este álbum cambió mi vida de la curiosidad a la pasión. He escuchado estas canciones en todas las etapas de mi vida desde que el disco se publicó y continúo encontrando inspiración en ellas. Big K.R.I.T.

Cadillactica (2014)

He vuelto a interesarme por el rap desde que Young Krizzle presentó este disco al mundo. Me hace recordar lo que me gusta del hip hop y de las buenas rimas. Este álbum fue mi puerta de entrada a un montón de raperos contemporáneos y a un montón de nuevos sonidos frescos.

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Gillian Welch

Time (The Revelator) (2001) FOTO: ARCHIVO

El nombre de Samuel O’Kane es conocido y reconocido por haber colaborado con algunos de los artistas más importantes de la escena rap española. Sin embargo, detrás hay un sonido propio y una personalidad con las cosas muy claras. El tarraconense presenta en septiembre su primer disco Good News For Bad Boys (99uno/ Universal, 17), dejando claro que los prejuicios y las etiquetas no van a ponerle límites.

FOTO: MARIANO REGIDOR

Samuel O’Kane “Esta generación no es egocéntrica”

Recuerdo todavía cuando lo tomé prestado de la biblioteca pública de la zona en la que yo vivía en Seattle. Con solamente dos guitarras y dos voces, Gillian y David Rawlings consiguen un montón de impacto emocional en quien les escucha. Hickey

Various States Of Disrepair. Complete Works 1994-1997 (2002)

No es punk pop, pero sí es punk rock con un gran sentido de la melodía. Además combina una gran carga de humor combinada con desesperación. Songs Ohia

The Magnolia Electric Co. (2003)

Una maldita obra maestra. Mi padre me lo descubrió y siempre se lo agradeceré. La producción de Steve Albini te abre en canal y las desgarradoras letras de Jason Molina te desgarran. MS #8 septiembre 2017

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Expogrow, la Feria del Cannabis

DOUGHTER FOTO: ARCHIVO

Expogrow llega ya a su sexta edición como cita indiscutible que gira alrededor del mundo del cannabis, la cultura cannábica y los profesionales del sector. Las fechas ya confirmadas para este evento –que se celebra en el Parque de Exposiciones Ficoba de Irún- son los tres días que van del 15 al 17 de septiembre. Al margen de las numerosas actividades, charlas, debates, etcétera, las actuaciones musicales tienen un peso importante el Expogrow, así que se han ido confirmando los principales artistas que participarán. Los primeros nombres que se han dado a conocer han sido Asian Dub Foundation, London Afrobeat Collective, Dirty South Crew y Saritah. www.expogrow.net.

Gata Cattana, espíritu libre Ana Isabel García, más conocida como Gata Cattana, falleció el pasado 2 de marzo a la edad de veintiséis años de edad. Estaba preparando el que era uno de los discos más esperados del rap en castellano de los últimos años y quedaban apenas unos días para que lo presentara en las Fiestas Demoscópicas de MondoSonoro en Madrid. Pero Taste The Floor, el equipo con el que llevaba tiempo trabajando, hará posible que podamos disfrutar de Banzai. Trece canciones fantásticas en las que se une rap, poesía, feminismo, alma flamenca y crítica social. Puedes hacerte con el disco en www.tumerchan.com.

Una nueva edición del Monkey Week Daughter, última novedad del Dcode Hace ya meses que se anunciaron los grupos que iban a protagonizar esta edición del madrileño Dcode, pero todavía quedaba alguna sorpresa de última hora. Y una de ellas responde al nombre de Daughter. El trío se suma a la parrilla de actuaciones que se sucederán el 9 de septiembre en los escenarios montados en la zona de piscinas de la Universidad Complutense de Madrid. También actuarán Franz Ferdinand –quienes presentarán nueva formación- Interpol, Band Of Horses, Charli XCX, Liam Gallagher, Iván Ferreiro, Maga, Miss Caffeina, Carlos Sadness o Exquirla. www.dcodefest.com

Hace unas semanas se anunciaban las fechas para la edición de este año del festival Monkey Week, un escaparate y centro de debate en torno a la escena musical actual. Y ahora se suman muchos más nombres a la lista de primeros confirmados. Inicialmente se anunció que Swans, Princess Nokia y Rocío Márquez iban a ser principales cabezas del evento, que se llevará a cabo los días 12, 13 y 14 de octubre en Sevilla, pero hay mucho más y muy suculento en el cartel. En esta edición podremos ver a artistas como Bala, Balcanes, Brigitte Laverne, Bronquio, Cabezafuego, Cala Vento, Fasenuova, Furia Trinidad, Iseo & Dodosound, Kaixo, Kelly Kapowsky, La Plata, Los Voluble, Medalla, Mohama Saz, One Path, Quentin Gas & Los Zíngaros, RRUCCULLA... www.monkeyweek.org

BAM, Reykjavík se viene a Barcelona

Últimas novedades del BIME Live

Como de costumbre, el barcelonés BAM (Barcelona Acció Musical), que se celebra en Barcelona durante las Festes de la Mercè, invita a una ciudad a compartir a sus artistas con las gentes de la ciudad y con todos aquellos que quieran asistir a los conciertos gratuitos. Este año la ciudad que unirá lazos musicales y culturales con la Ciudad Condal será ni más ni menos que Reykjavík. Eso significa que desde el 22 al 25 de septiembre, diversos espacios de la ciudad ofrecerán actuaciones de una larga lista de nombres islandeses Samaris, Reykjavíkurdaetur, Emmsjé Gauti, Kiasmos, Ólöf Arnalds, Glowie y Grísalappalísa o Gudrún Ólafsdóttir.

Bill Callahan (Smog) es una de las novedades del BIME Live. Junto a él estarán Ride, que ya han publicado un nuevo disco, y BNQT, el grupo capitaneado por Eric Pulido de Midlake. También se ha presentado la programación completa de Gaua, el espacio electrónico del festival, con gente como Jackmaster, Mano Le Tough, Joy Orbison, Leon Vynehall, Willow y El_Txef_A. Estos nombres se suman a los anunciados previamente como The Prodigy, Einstürzende Neubauten, Exquirla, Vitalic o Kiasmos. El BIME Live vuelve a celebrarse en el BEC de Barakaldo los días 27 y 28 de octubre. www.bime.net

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Los. CONCIERTOS. de mi Vida. Penny Necklace

Se inicia de nuevo la temporada SON Estrella Galicia que, entre otros artistas, este mes de septiembre contará con la presencia de Penny Necklace, que presentará su nuevo trabajo, La luz, el próximo 28 de septiembre en la sala El Sol de Madrid. El primer concierto al que asististe como público Fue el de Spice Girls, y supuso un antes y un después para una niña nacida antes de los noventa. Los pasos de inicio de Verde son por su Wannabe. El mejor concierto que he visto como espectadora No sé decir el mejor, así que voy a contar en los que he llorado, que debe ser indicativo de que algo estaba bien: en la despedida de The Sunday Drivers en el FIB 2010; la presentación de Nueve de Rufus T. Firefly en la sala Caracol de Madrid en 2015 con orgullo en los ojos; Florence + The Machine en Vistalegre, también en Madrid, en 2016, y la primera y única vez que he visto a Radiohead en directo en el pasado Primavera Sound de Barcelona. Creep es lo que tiene.

El peor concierto al que has asistido nunca Los malos conciertos más bien los borro de mi memoria, pero sí recuerdo una vez que vi a Lisandro Aristimuño en Casa América [MAD] y no estuvo muy fino. Le he visto en varias ocasiones en directo, me encanta su música y me parece un músico súper talentoso, pero ese día vino torcido y hasta él mismo pidió disculpas por no haber dado su mejor show El último concierto al que he ido El último bolo en el que he estado fue en un teatro de la Sociedad Chilena de Derecho de Autor en Santiago de Chile donde compartí escenario con la banda chilena Amöniaco que me sorprendió con un sonidazo potente y oscuro. MS

Los directos de SON Estrella Galicia WOS Festival. Santiago de Compostela Za! & Diola, Bflecha, Kaixo, Schwarz / 6, 7, 8, 9 y 10 septiembre

Café Pop Torgal, Orense (American Autumn) Molly Burch / 22 septiembre

Café Berlím, Madrid (American Autumn) Molly Burch / 21 septiembre

CAV, Coimbra (American Autumn) Molly Burch / 23 septiembre

El Sol, Madrid (981 Heritage) Esplendor Geométrico / 23 septiembre El Sol, Madrid Penny Necklace / 28 septiembre

septiembre 2017 #9

MONDO FREAKO

randon Flowers nos recibe en su camerino antes de devorar el escenario principal del festival BBK Live ante cuarenta mil almas. Más maduro, perfectamente peinado, con ajustados pitillos, con una americana de solapas brillantes y con una inmensa sonrisa. “Estoy feliz con el resultado de este álbum que suena más a nuestro desierto, el de Nevada”. Y es que, con algunos temas del disco, resulta sencillo recorrer imaginariamente las rectas infinitas que llevan a la ciudad del juego, Las Vegas. “Amo ese desierto y amo Las Vegas. Conforme he ido haciéndome mayor he tenido más conciencia de cuánto significa para mí el lugar al que pertenezco, el desierto de Nevada. Ahora que tengo treinta y seis años es mucho más una parte de mí y yo una parte de él. Hemos tratado de que se escuche y se sienta eso en las canciones, en el sonido, en las fotografías del álbum”.

Uno de los papeles fundamentales del resultado final de “Wonderful Wonderful” lo juegan los sintetizadores. “Me encantan los sintetizadores y en nuestro caso hemos contado con un gran productor que ha hecho que todo empaste de maravilla. Es importante que nos superemos y miremos hacia delante en busca del sonido que queremos y Jacknife ha sido buenísimo justo en eso. Su participación en el disco ha sido decisiva para #10 septiembre 2017

Ronnie Vannucci Jr., Brandon Flowers y Mark August Stoermer en el desierto de Nevada.

conseguir lo que queríamos”. Lo ha sido, porque el sonido del álbum es diferente del de los anteriores trabajos del grupo. “Hay buenas guitarras, un sonido más denso y más pesado. Es difícil decirlo, pero creo que hemos logrado uno de nuestros mejores trabajos. El primero fue bueno, el segundo también lo fue, el tercero no tanto y el cuarto mucho mejor que el anterior y este creo que es... bueno”. A la hora de hablar de las letras de las canciones, el vocalista y teclista apunta que estamos ante las más personales y desnudas que haya escrito nunca. Algunas están marcadas por experiencias propias y otras son un viaje a los ochenta. “Yo nací en 1981 y los primeros ocho años de mi vida escuchaba música de esa época. Tuvo una inevitable influencia y un fuerte impacto en lo que soy y en mi formación musical. No es algo que haya intentado hacer o que haya hecho de forma consciente, pero es definitivamente una parte de mí. Y no es todo tan ochentero, ¿no?... (risas)”. Flowers ha declarado que “The Man”, el primer adelanto de este trabajo, es una forma de hacer las paces con los comienzos del grupo y difiere mucho del personaje que el vocalista creó de sí mismo en aquellos tiempos y que él mismo ha definido como “lleno de arrogancia e inseguridades”. “The Man” habla de alguien

Reto de de N

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Después de abrir boca meses atrás con el single The Man, un brillante adelanto, ya podemos escuchar el quinto álbum de la banda que va a dejar de ser “la más británica de Estados Unidos”. The Killers vuelven tras un silencio de cinco años tras Battle Born (12) y lo hacen con un álbum titulado Wonderful Wonderful, grabado junto al productor Jacknife Lee entre Las Vegas y Los Ángeles.

orno al esierto Nevada —texto Emilia Arias

he Killers

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FOTO: carles r.

EN DIRETO

A partir del lanzamiento de Wonderful Wonderful, The Killers volverán a la carretera para presentar su nuevo material al público, pero atención porque la banda que veremos sobre el escenario no serán los The Killers a los que estábamos acostumbrados. Mientras el bajista Mark Stoermer dejó los directos el pasado año, el guitarrista Dave Keuning ha anunciado que no girará con Brandon Flowers y Ron Vannucci Jr. en este tour, aunque continúe formando parte del grupo. Sus sustitutos serán Jake Blanton y Ted Sablay. Blanton ya había sido sustituto de Stoermer puntualmente, además de bajista de estudio y directo de Brandon Flowers en solitario y de Beck. Por su parte, Sablay lleva años tocando con The Killers además de acompañar a Vannucci en su proyecto Big Talk. MS

que cree que es indestructible. “Este hombre y el de aquel momento no son el mismo. Gran parte de este álbum supone hacer las paces con eso. Lo he estado aclarando durante mucho tiempo. No creo que aquel chico sea una representación honesta de quién soy yo a día de hoy. Aquel personaje nació de la inseguridad y solamente inflaba mi pecho para decir cosas, así que saqué un montón de negatividad. Básicamente me arrepiento de ciertas actitudes de juventud y seguro que muchas personas se sienten identificadas con eso”. Y es que el grupo que arrasó con “Hot Fuss” aquel verano de 2004, ha crecido a lo largo de casi quince años, durante los que Brandon Flowers incluso se aventuró a publicar un disco en solitario. “La banda ha evolucionado, llevamos más años juntos y hemos madurado. Y creo que eso se nota en las nuevas canciones. Ahora tengo treinta y seis años y tres hijos. Me encanta y estoy feliz. Creo que este disco me representa de alguna manera”. Ahora bien, a estas alturas, The Killers no esperan para “Wonderful Wonderful” el abrazo de la crítica, que nunca ha sido muy amiga de la banda. Prefieren que sus millones de variopintos seguidores sigan coreando sus canciones. “Tenemos muchos seguidores y muy distintos entre sí, somos muy afortunados. A veces las bandas con muchos seguidores no tiene suerte con los críticos. Tenemos respeto por las opiniones, pero nosotros no hacemos música para la crítica, hacemos música para nosotros y no nos importa demasiado lo que digan”.

la hora de hablar de sus influencias de cara a este álbum, que parece mirar menos al Reino Unido, el de Nevada es muy cuidadoso. “Se decía que éramos la banda más británica de Estados Unidos. Puede que sea verdad, pero también están Dandy Warhols y otros grupos que suenan más británicos aún que nosotros. Aunque es posible que este sea nuestro disco más americano, sobre todo las canciones ‘Run For Cover’ y ‘Tyson vs Douglas’. Creo que hay una impronta más americana en estos temas”. Quizás tenga más que decir cuando generalizamos y hablamos sobre el rock y el indie, y su futuro. “Creo que hay muchas bandas haciendo buenas canciones y por tanto sigue el juego. Cuando nosotros salimos, aparecieron o ya tocaban bandas como The Libertines, Kaiser Chiefs, Kings Of Lion, The Strokes, The White Stripes o Yeah Yeah Yeahs. Continúa habiendo bandas haciendo grandes temas, así que creo que es un buen momento para la música. Lo que sí te diré es que, actualmente, mi artista favorito es el australiano Alex Cameron”. Aunque se le reconozca por ser el frontman de una banda que llena estadios, en cuanto a lo personal Brandon Flowers es un hombre calmado y religioso, mornón para ser más concretos. “Es perfectamente posible ser familiar, tener fe y ser músico. Hay mucha más gente en el mundo del rock que es religiosa de lo que la gente piensa. Elvis Presley era muy religioso y también lo era Johnny Cash, que era un hombre cristiano y muy creyente. Claro que es posible. El mundo está perdiendo la fe, pero yo soy creyente y no puedo negarlo”.

—e. a.

septiembre 2017 #11

FOTO: HOLLY WHITAKER

WALA. WALA.

“Nunca existió la idea de cantar en este galimatías de lenguaje para dotar al disco de ningún significado especial. Fue una forma de evitar escribir letras y tener que darles sentido” Jónsi de Sigur Rós, a propósito de “( )”, en Uncut

“La energía ni se crea ni se destruye, así que suelo pensar que cuando te mueres, te mueres, pero entonces me digo que no, que no tendré esa suerte, con lo que seguramente tendré un jodido y loco viaje místico como energía” Shaun Ryder, en Mojo

“Sé que suena estúpido, pero no leo libros a no ser que sean de Harry Potter. Soy una persona inculta. Me gusta la comida rápida, veo telebasura y no leo a Keats” Ed Sheeran, en Q

“El concepto de música pop es amplio, para mí el industrial es pop. No todo el mundo escucha Esplendor Geométrico, pero forma parte de la cultura popular” Rafa Maíllo de Triángulo de Amor Bizarro, en Jenesaispop

“En un momento dado me quedé un poco como si me hubieran arrojado en mitad del desierto y no tuviera ni una garrafa de agua ni un cactus para hacer un agujero y sacar de ahí algo de jugo” Lichis, en Jot Down

#12 septiembre 2017

Maico, turistas emocionales

“Nos gusta definir el disco como un viaje que hace el oyente”

Los mallorquines Maico llevan casi tres años de actividad. Desde que iniciaron su nueva aventura no han dejado de crecer paso a paso. Ahora publican Emotional Tourist (Musiteca, 17), un disco que les dará proyección, al tiempo que uno de sus temas forma parte de una campaña publicitaria.

tro nuevo soplo de aire fresco llegado desde las Islas Baleares. Maico, creados a finales del 2014, evolucionaron desde un sonido “tranquilo y acústico” a nuevos registros con la ayuda del productor Antoni Noguera (Los Valendas), un habitual de la escena de las islas. “Normalmente las bandas hacen adaptaciones acústicas de sus canciones y nosotros lo hicimos justo al revés, y la verdad nos apetecía mucho crear nuestro propio concepto de grupo (...) En el estudio, con Antoni, empezamos a gestar lo que después sería el Maico actual. Fue literalmente un trabajo de laboratorio: mucho ensayo y error, pura alquimia musical; un proceso que duró más de un año y del que salió finalmente Closer, nuestro primer epé”. Pese a tratarse de un quinteto, es cierto que destaca por delante de sus miembros el joven Miguel Barceló, cuyo apelativo infantil terminó por inspirar el nombre de la banda. En todo caso, el grupo está encantado con el proceso que les ha llevado hasta su debut, Emotional Tourist, un trabajo cuyo eclecticismo queda justificado desde el mismísimo título. “Está claro que nosotros hacemos música pop rock, pero también hay temas en los que encontrarás pinceladas de funk, otros de soul incluso algunos arreglos de música electrónica. Precisamente por eso nos gusta definir el disco como un viaje que hace el oyente en el cual cada parada/ canción le va a hacer experimentar sensaciones y emociones muy diferentes”. Habla Nito “Estamos contentísimos de cómo va nuestra carrera hasta

ahora. En apenas nueve meses hemos conseguido discográfica, nuestro primer disco ha visto la luz, la crítica por parte de la prensa no podría haber sido mejor y recientemente ha ocurrido lo del BBVA, que sin duda será un gran impulso para nosotros. La verdad es que no podría irnos mejor”. Nito, el guitarrista de la banda, se refiere a que la canción How We Dream, incluida en esta reedición, es el tema central de la nueva campaña publicitaria del banco que acaba de citar. “Creo que es una canción que aporta mucha frescura y buena energía a nuestro repertorio. Tenemos otras canciones en el disco que evocan sensaciones parecidas en el oyente, como Rainbow o Hey Hey, pero hay que decir que las canciones de este corte siempre son bien recibidas. Es más que probable que se convierta en uno de nuestros hits ya que para mucha gente será la canción con la que conocerán a Maico”. How We Dream ha sido producida por Ed Is Dead y Manuel Colmenero. “Exacto. La producción del tema ha sido obra de Manuel Colmenero, y la verdad ha sido un auténtico placer haber trabajado con él. Es un verdadero maestro tanto artística como técnicamente, sin olvidar que domina a la perfección otra faceta básica a la hora de meterte en el estudio que es la gestión humana. Para darle un toque más actual contamos con la inestimable ayuda de Ed Is Dead, que nos enamoró a todos al instante con sus pinceladas de electrónica. La verdad es que el binomio Colmenero-Ed ha funcionado y ojalá podamos volver a trabajar con ellos en un futuro no muy lejano”. Ahora ha llegado el momento de enfrentarse al mundo y de presentar las canciones del disco. En los últimos meses se han paseado por Valencia, Madrid, Barcelona y Bilbao en solitario o compartiendo cartel con artistas como Lucia Scansetti o Joan As Police Woman, pero habrá nuevas fechas en breve. —marcos arenas

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mayo 2017 #13

Quinta edición del Granada Sound Han pasado cinco años desde que el Granada Sound inició su andadura y se mantiene en plena forma. Eso evidencia un cartel que desplegará todo su potencial a lo largo de los días 22 y 23 de septiembre en la ciudad andaluza y que carga las tintas sobre todo en los artistas nacionales. De este modo, los principales cabezas de cartel son los locales Los Planetas y Lori Meyers, seguidos por Iván Ferreiro y los nórdicos Kakkmaddafakka, habituales de nuestros escenarios. Entre los restantes participantes podrás encontrarte con La Habitación Roja, Sidonie, Dorian, Polock, Delafé, L.A., Sexy Zebras, Viva Suecia, Grises, Pianet, The Milkyway Express, El Imperio del Perro, WAS, Dinero, Lost Tapes y muchos otros, además de Dj’s como Los Castizos, Virginia Díaz, Don Gonzalo o Elyella. Más información, horarios, ubicación, etcétera en:

Donostia Kutxa Kultur Festibala

Ben Brooks

Ben Brooks es uno de los escritores jóvenes más exitosos de los últimos años. Títulos como Crezco, Lolito o Hurra le han convertido en un autor admirado y mediático que vuelve a Barcelona de vez en cuando para recordar los años en los que estuvo viviendo aquí. Aprovechamos una de sus visitas para descubrir algunas cosas sobre sus gustos musicales.

www.donostiakutxakulturfestibala.com

Un disco que descubrí por mis padres

El primer álbum que escuché completo

El disco que me cambió la vida

The Levellers

Sun Kil Moon Benji (2014)

Good Charlotte

Levelling The Land (1991)

Este mes de septiembre se celebra la edición número diecisiete del FIZ, es decir, del Festival Independiente de Zaragoza, concretamente el 30 de septiembre en la Sala Multiusos del Auditorio de la ciudad aragonesa. Los principales cabezas de cartel serán, en el apartado internacional, los británicos Morcheeba. Por lo que respecta al apartado nacional, hay bastantes más nombres que ya cuentan con un amplio y nutrido número de seguidores. Estamos hablando de los aragoneses Amaral y Kiev Cuando Nieva, los gallegos Triángulo de Amor Bizarro y los catalanes Sidonie, La Casa Azul y Yall, uno de los nombres electrónicos más populares internacionalmente de nuestra escena. También forman parte del cartel WeAreNotDj’s, Chelis, Pepón Selectah y Dj Nashh. www.fizfestival.com

#14 septiembre 2017

El Kutxa Kultur Festibala está a la vuelta de la esquina. A lo largo de los días 15 y 16 de septiembre, viernes y sábado, pasarán por Donostia (concretamente por el Hipódromo Donostiarra) un buen puñado de artistas de distintas procedencias y estilos, muchos de ellos –como de costumbrede gran renombre internacional. El viernes 15 podremos ver a grupos como The Hives, Love Of Lesbian, François & Atlas Mountain, Amateur, Depedro, Jeremy Jay o Tversky. El sábado, los protagonistas serán The Jesus And Mary Chain, The Drums, The Divine Comedy, Hercules And Love Affair, Kokoshca, Kaixo o Kelly Kapowsky. El festival inaugura un espacio para las sesiones electrónicas que lleva por nombre Paddock. Por allí pasarán Floating Points, el madrileño Pional, los británicos Erol Alkan y Sam Shepherd, el colectivo londinense Horse Meat Disco, la francesa Morgan Hammer y la japonesa Powder.

Son una banda inglesa de punk-folk anarquista. Escuché este álbum cuando tenía doce o trece años. Aun no me había acabado de definir ni había empezado a escribir.

Lo escuché en cuanto salió. De hecho fue en una de mis visitas a Barcelona. Recuerdo ponerme los auriculares y la capucha de la sudadera, comenzar a pasear y empezar a llorar.

LOS PUNSETES FOTO: RICARDO RONCERO

LA CASA AZUL FOTO: ARCHIVO

www.granadasound.com

Festival Independiente de Zaragoza (FIZ)

THE DRUMS FOTO: MONI HAWORTH

Los Discos de mi Vida

MONDO FREAKO

The Young And The Hopeless (2002)

Era un niño e intentaba imitar el look y los movimientos de Joel Madden. Aun era muy inocente y desconocía la mierda por la que pasaría durante mi adolescencia.

Gigante, el festival de Guadalajara El último disco que me ha encantado

Un disco que te gustaría regalar

El álbum que más te pones para escribir

English Tapas (2017)

12 Crass Songs (2007)

Jeffrey Lewis

Dan Romer & Benh Zeitlin

El título y la crítica que esconde detrás me parece brillante. Creo que este álbum es el que les ha hecho llegar más lejos y mola mucho.

Te he dicho este en concreto, pero la verdad es que cualquiera de sus discos sería un buen regalo. Sus letras son bastante tristes, pero en general sus composiciones son muy buenas. Es un artista que he escuchado mucho.

Normalmente suelo escribir en silencio, pero si me pongo música me mola que sea instrumental... Esta banda sonora me parece una joya y la he escuchado infinidades de veces.

Sleaford Mods

Bestias del Sur Salvaje (B.S.O.) (2012)

Aunque quizás no sea necesario recordártelas a estas alturas, te diremos que las fechas de la edición de este año del Festival Gigante son los días 1 y 2 de septiembre, y que obviamente se celebra en Guadalajara (Estadio Fuente de la Niña). Aunque lo último que se ha dado a conocer han sido los Ochoymedio Dj’s y los grupos Estrogenuinas y Beluga, ganadores del concurso Talento Gigante. Love Of Lesbian, Fuel Fandango, Niños Mutantes, Depedro o Los Coronas actuarán el viernes 1, mientras que Nada Surf, Iván Ferreiro, The Gift, Coque Malla, León Benavente, Lichis o Los Punsetes, entre muchos otros, serán los que animarán la jornada del sábado 2. www.festivalgigante.com

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Dead Cross los malos con los D malos Es cierto que el concepto de supergrupo suele usarse bastante a la ligera, pero a la hora de hablar de Dead Cross no hay otra palabra que resuma mejor su espíritu. Dead Cross (Ipecac/Popstock!, 17) es la demostración más contundente y sin rodeos.

ave Lombardo (Slayer, Fantomas, Suicidal Tendencies) y Mike Patton (Faith No More, Fantomas, Mr. Bungle) son los Vincent Vega & Jules Winnfield del avant-metal, pero es que sus acompañantes en Dead Cross no se quedan muy atrás. Porque el cuarteto lo completan nada menos que Justin Pearson (The Locust, Swing Kids, Retox y capo de Three One G) y su compañero en Retox, el también ingeniero de sonido Michael Crain. Por eso no sorprende que Dead Cross, su debut discográfico sea una patada en el estómago no apta para gente remilgada. Para descubrir más al respecto, hablamos con Dave Lombardo. ¿Cómo surgió la idea de fundar Dead Cross? Tenía alquilado un estudio durante dos semanas, incluyendo el trabajo de Ross Robinson como productor, pero esa banda decidió que no quería trabajar con él, así que me dejaron con ese tiempo de estudio pagado. Le comenté a Ross que mis ex compañeros no querían entrar al estudio, y él dijo: “no hay ningún problema, hombre. Está todo bien”. Yo me sentí muy mal, soy una persona a la que le gusta cumplir sus compromisos, pero Ross me preguntó si me apetecía ayudarle en un proyecto en el que estaba metido. Obviamente dije que sí. Apenas pasé la puerta allí estaban Justin Pearson de The Locust y Michael Crain de Retox. ¡The Locust y Retox son dos de mis bandas de hardcore favoritas! Allí mismo Ross nos comenzó a grabar y a producir. Empezamos ensayos e hicimos shows, incluso anunciamos un disco, pero el cantante original, Gabe Serbian, dijo que no podía continuar porque quería estar en casa con su bebé. Así que allí comenzamos a pensar en un nuevo vocalista. Tuvimos algunos nombres en mente. Un día mi asistente me dijo: “tienes que contactar con Mike Patton”. Y yo contesté: “Nah, Patton no va a querer hacer esto. Está girando con Faith No More y

no querrá formar parte de una banda de hardcore”. ¡Pero entonces fue Mike quien me contactó! Quería proponerme lanzar el disco de Dead Cross por su sello, Ipecac. Se lo agradecí, pero le aclaré que no sabíamos en qué terminaría el disco. Y bueno, en el ir y venir de mensajes le conté que Gabe había dejado la banda, que qué pensaba de esto, si le apetecía reemplazarlo. Al principio no se lo tomó

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en serio, pero luego dijo que por supuesto que le interesaba. Y aquí estamos, con este disco con el que todo el mundo está entusiasmado. Parece que tú y Mike tenéis personalidades musicales complementarias. ¿En qué ha cambiado tu perfil artístico tras compartir bandas con él? Lo que dices es muy interesante. Sí, tenemos personalidades artísticas complementarias y no solamente respecto a la variedad musical de la que ambos disfrutamos, sino que en el escenario creamos juntos una intensidad muy particular. Entiendo el lenguaje de su voz en vivo, de cómo se expresa vocalmente. Incluso cuando está improvisando sé hacia dónde va a dirigirse. Yo le hablo con mis baterías y él me habla con sus ruidos vocales. Además, Mike ama mi forma de tocar en este disco y es fan de Justin y de Michael, así que todo encaja. El disco es brutal, pero también muy escuchable. Es como si de algún modo tuviera cierta sensibilidad. ¡Sí! Absolutamente. Opino lo mismo que tú. Hay muchos discos de hardcore por ahí muy intensos, pero hay algo especial en este. Cuando lo escuchas completo no parece que sean diez canciones. Fluye fácilmente y no requiere esfuerzo para escucharlo. Es muy bueno. ¿Cuánto crees que influenció en el sonido de la banda la llegada de Mike? Cuando él puso las voces ¡todo cambió! Hizo un trabajo muy distinto al que venía haciendo Gabe. La clave es la melodía. La melodía guía a la música. Si la melodía no te engancha, la música se vuelve aburrida. Patton le dio mucha profundidad a nuestras canciones. Puedes cantar las canciones, aún sin saber las letras. Cantar felizmente un disco hardcore definitivamente es algo que no pasa (risas). Además Mike se divirtió mucho con este proyecto y eso que no estuvo con noso-

tros en el estudio. Le enviamos la música y grabó todas sus partes en la privacidad de su casa. Nadie estuvo alrededor, no hubo músicos, no hubo productor... Le dimos la música y le dijimos que hiciera lo que quisiera. Parece que es cómodo para Mike. Grabó también así las voces de Sol Invictus, el último disco de Faith No More. Se siente cómodo. Allí se puede sentar y escuchar la música con atención, entender bien lo que las canciones necesitan. Algo que amo de su forma de cantar es que nunca canta de más. Muchos vocalistas dicen demasiado, mientras que Mike siempre deja espacio para la sección rítmica y pone sus partes en el lugar necesario. Estás en Suicidal Tendencies, en Misfits y en Dead Cross al mismo tiempo. ¿Estás buscando algún tipo de record? ¡No! Como sabes, el año tiene trescientos sesenta y cinco días. Hay veinticuatro horas por día. Trabajo ocho, duermo otras ocho y me quedan ocho más para mí. Tienes que administrar tu tiempo con responsabilidad para sacarle el mayor provecho. ¡Incluso siento que no soy lo productivo que podría ser! Tras estos años fuera de Slayer, ¿cómo te sientes respecto a tus ex compañeros? Ellos siguen girando con el mismo show año tras año mientras que tú elegiste un camino más cercano a vivir nuevas experiencias. Realmente no siento nada. No pienso en ellos. Es parte de mi historia, es parte de mi vida, pero estoy en otras cosas que son muy satisfactorias para mí. No tengo una opinión sobre lo que hacen, son sólo una banda más en el mundo. —adriano mazzeo

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“Cantar felizmente un disco hardcore definitivamente es algo que no pasa” septiembre 2017 #15

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Coyu y Suara, el hombre y el sello

EN LA MALETA

Desde que, en 2008, el sello barcelonés Suara viera la luz poco a poco se ha ido consolidando como una de las discográficas de mayor éxito de público y ventas de la escena de baile internacional.

Dyro

A sus veinticuatro años de edad, Jordy Van Egmond –más conocido como Dyro- es uno de los Dj’s holandeses de nueva generación más activos, lo que le ha llevado a estar en la posición veintisiete del famoso raking internacional de DjMag.

#16 septiembre 2017

l catalán Iván Ramos, es decir el Dj y productor Coyu, se ha recorrido las cabinas de medio mundo y ha creado una marca de iconografía felina que ha desembocado en una tienda en el Born y una Suara Foundation que rescata gatos abandonados de la calle. Pero no contento con ello Coyu ahora se enfrenta a uno de sus

Qué discos jamás faltan en tus sesiones? Y al contrario, ¿alguno de tus discos favoritos que jamás pinches? Probablemente te diré que Knife Party y Jack Ü. He pinchado temas suyos muchas veces. En cuanto a lo que no, te diría que quizás algunos de mis guilty pleasures podrían ser algunas canciones de old school hip hop que no están nunca en mis sesiones porque, aunque me encargo de hacer mis propios edits, debo decirte que mi sonido se ha convertido cada vez más en algo más oscuro y experimental. ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras pincha? Creo que es de mala educación cuando un Dj no lee la pista y no lleva al público al siguiente nivel, cuando ves que la gente quiere abandonar la pista de baile. No se trata de que, como eres Dj, pongas solamente la música que quieras, sino también que des y tomes un poco de la audiencia. Bastante suerte tenemos con que se nos pague por hacer lo que nos gusta y poder girar por el mundo, así que nunca te creas demasiado importante o demasiado cool para olvidar eso. ¿Ha habido algún momento especial en tu carrera? Actuar en el escenario grande del Ultra Miami este año fue una locura. Quería desarrollar y cambiar mi sonido y creo que esa actuación fue un punto de inflexión.

en el “Estoy en un momento riesgos que quiero tomar másedarme a nivel musical, no qu en la zona de confort” mayores retos. Con el reciente fichaje de artistas como Prins Thomas, Gerd Janson, Massimiliano Pagliara o Rebolledo, Suara quiere apostar por una música de corte más underground. Desde 2008, cuando editaste tu primer EP, no has parado quieto. Por lo pronto ahora tu sello quiere dar un cambio artístico. ¿De qué tipo?

Vinilo, CD o mp3?... MP3. Hace todo más fácil si viajas mucho. ¿Cuál es el mejor remix que has hecho? Diría que mi edit de “Spacetunnel” de Prism X Funkz que se editamos en WOLV. Es uno de mis favoritos hasta ahora. Me gusta dedicarle tiempo a los artistas que fichamos para el sello y ayudarles en sus producciones, guiarles en la mejor dirección posible o solamente compartir ideas con ellos. ¿Por qué crees que Holanda es un país especial para los artistas electrónicos? Porque la música electrónica es una gran parte de nuestra cultura y forma parte de nuestras vidas. Puedes poner la televisión o la radio y te aseguro que, por lo menos, un cincuenta por ciento de las canciones que escuches serán dance o música electrónica. Nos familiarizamos con la electrónica desde pequeñitos, como mínimo bastante más que muchos otros países o culturas. ¿Podrías decirme cuales son tus Dj’s favoritos? Me gusta mucho todo lo que hacen Noisia, Goja, Skrillex y Daft Punk. ¿Bebes durante tus sesiones de Dj? ¿Estás harto de trabajar siempre de noche? Bueno, es la forma en la que funciona esto. Es cansado, pero es la vida si te dedicas a esto... MS

Más que un cambio yo lo llamo transición. Simplemente estoy en un momento en el que musicalmente necesito editar otras cosas, música que podría definirse de alguna manera más underground aunque esa no sea literalmente la palabra. En definitiva, música en la que yo me sienta más realizado. Por tus palabras podría llegar a entenderse que la música que has editado hasta ahora a lo largo de todos estos años no te hacía el peso. No, no es eso. Siempre he hecho lo que he querido en cada momento. Aunque sí que es cierto que hasta ahora tenía bastante presente lo que es la parte más de negocio porque, al fin y al cabo, vivo de la música y hace mucho tiempo que dejó de ser mi hobby para convertirse en mi profesión. Sobre todo ahora que somos el sello que más vende a través de Beatport de los que no somos EDM. Llevamos años estando muy arriba y siempre hemos sido bastante eclécticos porque hemos lanzado tech house, house y techno que sabemos que tiene sus seguidores. Actualmente a nivel producción, disc jockey y como sello quiero ofrecer música a la que me sienta más apegado. A pesar de ser un momento muy difícil con muchos proyectos que económicamente son costosos, como por ejemplo tener una tienda en el centro del Born de Barcelona, quiero correr este riesgo. En verano de 2014, la última vez que hablé contigo, decías que estabas trabajando en tu primer álbum. ¿En qué ha quedado eso? Está ahí aún. Es un proyecto que he ido retrasando mucho tiempo porque, aunque tenga un equipo detrás, realmente

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Jet reeditados El pasado mes de julio se reeditaron Get Born (2003) y Shine On (2006), los dos álbumes que convirtieron a los australianos Jet en una de las bandas de rock de su tiempo. Aprovechando la ocasión, conversamos vía telefónica con Nic Cester para informarnos sobre estos lanzamientos en doble CD y sobre su momento actual como músico.

hago muchas cosas y no puedo llegar a todo. Lo he ido retrasando, pero este es el año en el que me lo he tomado más en serio. Un fin de semana al mes me lo he dejado sin bolos para poder trabajar en serio en el estudio. La idea es que el álbum salga en 2018. El primer single sí saldrá este año, eso seguro. ¿Qué puedes avanzarnos del disco? No quiero hablar mucho de ello hasta que esté totalmente terminado. Lo que sí me gustaría es que el segundo single fuera un tema que estoy haciendo con Moby. Será una canción menos de baile, pero para mí es algo muy especial que alguien como él tenga interés en hacer algo conmigo. Es uno de mis artistas favoritos de siempre. ¿Esta transición sonora en el sello irá enfocada a música que no es de club? No, porque aunque mi disco no será tan para bailar es la música que siempre disfruto. Yo siempre digo que soy Dj y luego viene el resto: el sello, mi música, la marca de ropa... Siendo disc jockey lo que más me gusta es hacer bailar a la gente, y eso lo quiero hacer toda mi vida. No obstante, sí que es verdad que estoy en un momento en el que quiero tomar más riesgos a nivel musical, no quedarme en la zona de confort. El remix que hemos sacado de Rebolledo a Fairmont es una puta bomba. Todo son artistazos que aquí tenemos presentes por el Nitsa, pero te vas a otros lugares de España y ese tipo de nombres son menos populares porque no van al Row o al Fabric de Madrid. Eso es lo que quiero ahora potenciar con Suara. Sé que tenemos el estigma de que algunos nos ven como un sello top-seller, de fiestas sin más y sin tanta sustancia, pero poquito a poco vamos cambiando esa percepción de ciertos artistas y cierta parte de la escena. —sergio del amo

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i confeccionásemos una lista con las canciones que más hemos bailado en los últimos diez años sin duda aparecería Are You Gonna Be My Girl? de los austalianos Jet. Pincharla en cualquier local o circunstancia siempre ha sido una garantía de que el público iba a enloquecer y lo mismo ocurría en sus conciertos. Pero, pasado un tiempo, da la sensación de que lo de Jet fue un chispazo veloz, un sueño que apenas duró seis años (los que van de Get Born a Shaka Rock, su disco de 2009) y que luego se paró en seco. Su historia, desgraciadamente, acabó mal, víctima de conflictos internos y mucho desconcierto, del éxito mal gestionado y de la imposibilidad de mantenerse a la altura de su single de mayor éxito. Antes de hablar de las reediciones de los discos de Jet, me gustaría saber en qué proyecto musical estás metido ahora. Estoy preparando el lanzamiento de mi primer disco en solitario que saldrá a finales de año. Hace unos meses hicimos los primeros conciertos, además con Jet acompañamos a Bruce Springsteen en su gira australiana y hemos aprovechado para tocar en algún festival. Ah, también hemos grabado un tema con The Bloody Beetroots que se llama My Name Is Thunder. Ahora reeditáis los discos de Jet y habéis protagonizado algunos conciertos. ¿Qué has sentido con esta reunión? Bueno, cuando lo dejamos nos llevábamos muy mal entre nosotros y fue muy duro. Ahora hemos crecido y madurado, mi hermano ha tenido un niño y otros miembros de la banda se han casado, así que estamos más sensibles. Las cosas ocurren, para bien o para mal, pero todo fue demasiado rápido durante aquellos años y no supimos gestionarlo. La verdad es que fue un desastre. Puedo imaginar que fue muy complicado asumir tanto éxito, verte de un día para otro en la cima del mundo. El éxito que tuvimos fue enorme, no nos lo creíamos. Al mismo tiempo mi padre murió y mi hermano y yo no lo supimos gestionar, aunque el entorno tampoco ayudó. Teníamos dieciocho o diecinueve años, éramos unos inmaduros. Dependíamos los unos de los otros, nunca fuimos personas independientes. A pesar de que teníamos todo lo que deseábamos, en el fondo no éramos libres. Ni felices. Entonces llegó un momento en el que no había más remedio que dejarlo. Sin duda era necesario centrarse y volver a tener una vida normal. Viajé, me puse a estudiar idiomas, viví una temporada en Berlín y después acabé en Italia, y aquí he construido otra vez mi vida. —toni castarnado

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septiembre 2017 #17

ORTHODOX Y LOSCOMICS

Orthodox Libertad suprema

Marco Serrato, líder de Orthodox, es un gran aficionado a los cómics. Aquí nos muestra sus favoritos.

rsión, “Cuando hago una ve ión intento hacer una canc r así diferente. Tiene que se hizo porque la persona quea” la original está muert

Supreme (Utech Records, 17) es más que el nuevo trabajo de Orthodox, es la cara más experimental de los sevillanos junto al saxofonista griego Aquiles Polychronidis.

e gusta mucho hablar con Marco Serrato sobre música. Aunque realmente lo que me gusta es escucharlo. No somos amigos y, más allá de cruzar algún saludo o comentario en redes sociales, apenas nos conocemos de intercambiar mails como método de entrevista. Supreme, el último trabajo de Orthodox, ha hecho que una hora de teléfono nos acerque más pero, sobre todo que me aclare, en la medida de lo posible, el trabajo discográfico más complejo al que me he acercado nunca. Y es que Supreme, obra de los sevillanos junto al saxofonista griego, afincado en Málaga, Aquiles Polychronidis,

TAN. CERCA. #18 septiembre 2017

Flash Gordon FOTO: ARCHIVO

Alex Raymond

presenta una única pieza que supera la media hora de ejercicio inquietante a la par que difícil de describir. “Si en Axis intentamos mostrar todas las caras de Orthodox en diferentes temas, ahora hemos querido llevarlas a una sola idea que abarque desde Gran poder hasta la actualidad. Ha sido todo un proceso de destilación”. Supreme se grabó en una mañana en Málaga, el mismo día que presentaron el anteriormente citado Axis, pero sin dejar su argumento en manos de la improvisación. “Llegamos una mañana los tres al estudio y grabamos dos tomas, quedándonos esta. Planteamos un esquema previo, desde ahí ya no se puede hablar de improvisación total debido a que si Borja (batería) se salía de un ritmo o Aquiles cambiaba de escalas arbitrariamente, por ponerte dos ejemplos, la cosa no funcionaría”. Con las escuchas –en mi caso voy por la octava– la idea de improvisación se pierde y todo comienza a encajar dentro del caos que presenta al neófito

en estos terrenos. Estamos ante lo complejo y lo primitivo en terrenos donde la técnica cuidada no presenta ningún problema a una militante visceralidad. “Hay algo de violencia e intuición, si es lo que quieres decir. La idea es que eso se transmita más en el contenido que en la forma. Hoy en día ya nos hemos acostumbrado a las producciones limpias en bandas de estilos como el black metal o el death metal. A mí, personalmente, no me interesa. Eso me suena a plástico. Nuestra idea es conseguir que cuando alguien escuche el disco, tenga o no conocimiento sobre este tipo de música, piense que está ante algo duro y cañero”. —rojas arquelladas

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estrenado un tema, La inmensidad, y se habrán anunciado las primeras fechas de la gira de presentación. RR A principios de octubre verá la luz El año de la victoria, el nuevo trabajo de Tigres Leones a publicar por Sonido Muchacho. El álbum incluirá un total de doce temas con títulos como Miliciano, El mejor amigo del hombre, Milos Forman o Los demonios. La producción ha corrido a cargo de David Rodríguez (Beef, La Bien Querida) y Sergio Pérez (Svper) .

Tuve mucha suerte, porque aparte de los Don Miki, Superhumor y las horribles ediciones que hacía Bruguera de Spiderman, mi acercamiento a los tebeos fue a través de reediciones de clásicos; Príncipe Valiente, Popeye, Super Agente X-9… y siguen siendo mis favoritos. Uno de mis héroes fue siempre Alex Raymond, su manera de dibujar me volvía loco, y el universo de todas sus primeras aventuras me resultaba adictivo.

Krazy Kat

George Herriman

Otra obra maestra. Por encima de su humor surrealista y loco, lo que más me gusta es su estética y ese mundo onírico del desierto de Coconino, un buen refugio contra la mediocridad de la realidad. Las macetas que colocaba aquí y allí son una de las cosas que me animaron a adentrarme en el mundo de la cerámica.

RR El 8 de septiembre se publicará Over The Wall, el nuevo Ep del cuarteto barcelonés Mourn, de la mano de Captured Tracks. Ahora bien, esta vez se trata de un disco fundamentalmente de versiones. Al margen

del tema inédito Angines, Mourn presentan cuatro covers de The Sound (The Fire), Echo & The Bunnymen (Over The Wall), Hüsker Dü (Whatever) y The Replacements (Color Me Impressed).

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Mr. Natural Robert Crumb

Spirit

Will Eisner

El cómic perfecto, por encima incluso de sus novelas gráficas y otros trabajos más “maduros”. Resume todo lo que para mí debe tener un cómic: un dibujo impresionante, una narración impecable, humor, un poco de mala leche, mensaje (si lo buscas) y ese aroma de artesanía y oficio, como quitándole un poco de peso a todo el asunto. Lo tiene todo.

Creo que Mr. Natural, si exceptuamos algunos de sus momentos autobiográficos, sería lo más representativo de la obra de Crumb. Además es quizá el único personaje que le ha obligado a desarrollar algo más parecido a una historia alguna vez. Para algunos es el mejor dibujante del mundo, y yo no soy nadie para discutirlo.

La broma asesina Astérix

Goscinny/Uderzo

Otro ejemplo de cómic redondo. Recuerdo que, de niño, los Reyes Magos nos trajeron la colección completa (lo que había hasta aquella fecha). Me quedé loco, esos dibujos, esas historias… lo sigo leyendo de mayor y cada vez me parece mejor. Si existiera el cielo debería ser la aldea de Astérix.

Alan Moore/Brian Bolland

El dibujo de Brian Bolland es impresionante, pero yo nunca había sentido en un tebeo la dimensión psicológica que incorporaba Alan Moore, por no hablar de cómo jugaba con las viñetas. Cuando en siglos venideros se estudie literatura del siglo XX y XXI tendrán que hablar de Alan Moore.

Paracuellos

Carlos Giménez

Una de las grandes obras maestras del cómic mundial. En España tenemos autores y dibujantes de primera categoría, y Giménez es uno de ellos. Siendo pequeño, en un suplemento sobre historia del cómic que sacaba El País, leí una de las historias en la que un niño se cortaba un dedo para ser un santo, y me quedé hecho polvo. Es un dibujante y un narrador impecable.

Torpedo 1939 Abulí/Bernet

Tanto en cine como en literatura, el género “noir” es quizá mi favorito, y el cómic no es una excepción. Me encantan todos los grandes nombres desde Dick Tracy a Alack Sinner, y Torpedo me parece imprescindible. Uno de los tebeos con los que más me he reído. Del dibujo de Bernet no sé ni qué decir, debería tener una sala en El Prado o el MNAC.

RR Otro grupo que publica disco el 6 de octubre es Mi Capitán, proyecto que gira alrededor de Gonçal Planas y en el que encontramos a miembros de Love Of Lesbian, Egon Soda, Nudozurdo y otros. Su título es Un tiro por la salud del imperio, incluye un total de diez canciones y lo publicará Warner. RR Ricardo Lezón, líder de McEnroe, no tiene suficiente con su carrera junto al grupo o sus aventuras con Viento Smith o compartiendo protagonismo con The New Raemon. De ahí que el próximo 6 de octubre publique su primer disco en solitario, Esperanza.

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Usagi Yojimbo Stan Sakai

De los Don Miki y Krazy Kat heredé el amor por los animales antropomorfos. Me encantan cosas como Cerebus, Bone o la estupenda saga de Atlas y Axis del mallorquín Pau. Usagi Yojimbo es uno de los mejores cómics que se siguen editando. Es aparentemente sencillo por lo bien que fluye todo. La narración es magistral y es el tipo de dibujo que me gusta; con movimiento, sin líneas rectas.

NonNonBa

Shigeru Mizuki

Un clásico japonés, y diría que su obra maestra. He acabado un poco harto del “dramatismo pseudoprofundo para adolescentes de cuarenta años” que hay en autores como Clowes o Chris Ware. Creo que esta obra es un buen ejemplo de cómo tratar temas dramáticos sin sensiblería, pero sin dejar de ser temendamente humano. —m.s.

El rey del mambo El pasado 27 de agosto el vídeo de “HUMBLE.” de Kendrick Lamar se convertía en el gran vencedor en la gala de entrega de los premios MTV Video Music Awards (VMAs) consiguiendo, además de cinco categorías, el premio gordo como mejor clip de la temporada.

a cadena MTV y el rap han protagonizado un idilio digno de ser estudiado. Casi desde los tiempos en los que el clip de Walk This Way de Run DMC (junto a Aerosmith, 1986) ayudó a pegar el espaldarazo definitivo a un estilo que salía del gueto para entrar en el dormitorio de los blancos en forma de póster. Desde entonces muchos y muy variados han sido los raperos que han popularizado sus carreras gracias al medio audiovisual y es bastante lógico que el gran artista actual del estilo se haya caracterizado por filmar unos clips que pocas veces dejan indiferente a nadie y están contribuyendo a prestigiar de nuevo el formato. Vídeos que en la mayoría de casos vienen firmados por The Little Homies, que no son otros que el propio Lamar y su amigo, desde los tiempos en los que ambos cursaban secundaria, Dave Free, responsable también de lograr que la música de Lamar llegara al capo de Top Dawg Entertainment y propulsar su carrera. Ambos, bajo el alias de The Little Homies, han desarrollado un estilo propio que ha sabido combinar imágenes de gran poder visual con otras de gran simbolismo, a las que añaden gotas de cierta ironía y en ocasiones un mundo onírico que recuerda al estilo de su admirado David Lynch. Además el propio Lamar se ha revelado como un actor más que capacitado ate la cámara. Solo hay que echarle un vistazo a su ida de chaveta en el vídeo de God Is Gangsta para darse cuenta de

YOUTUBEANDO

Q Kendrick Lamar HUMBLE Los clips de Lamar combinan imágenes espectaculares con otras cargadas de simbolismo como esta recreación de La Última Cena de Leonardo da Vinci.

ello. Pues bien, todos esos ingredientes los encontramos en el vídeo premiado por la cadena MTV como mejor del año. HUMBLE. está co-dirigido por la pareja fantástica The Little Homies más el prestigioso realizador de clips Dave Meyers, responsable del trabajo visual de artistas mainstream que van de Katy Perry a Britney Spears o incluso Shakira. Una alianza que se ha repetido recientemente en el clip de LOYALTY.—don disturbios septiembre 2017 #19

EN PORTADA

queen of th stoneag

lego al ático del lujoso hotel London Editions, junto al límite este de la City. En la mesa, dos revistas con portada dedicada a Post-Pop Depression y un paquete de Camel (no podía ser otro). En la terraza, vestido de cuero negro de pies a cabeza, el gigantón Josh Homme apura un cigarrillo apoyado en una barandilla que ofrece vistas espectaculares de la ciudad. No seré yo quien rompa su momento de relax. A juzgar por el trajín de periodistas que hay abajo en el hall, debe estar teniendo un día intenso. El líder de QOTSA gira la cabeza y mira de reojo, da una última y profundísima calada mientras estira sus ciento noventa y tres centímetros, se da la vuelta y exhala una enorme nube de humo que lo envuelve mientras entra en la habitación. Buen truco. Termina su puesta en escena de ilusionista con mirada y saludo solemne, pero al sentarnos en los sofás suena ese ruidito que hace el cuero al arrugarse. Sonríe. “¡Yo no he sido! (risas). ¿Comenzamos?”. Viendo que está de buen humor, arrancamos con una cuestión que creemos ha podido tocarle las narices. Lo de “es el disco más bailable de Queens”. “Es un comentario algo fuera de lugar, porque todos los discos de Queens tienen cosas muy bailables, tío. La gente ya está comentando cosas como ‘tío, Villains es demasiado diferente’… Y aunque se estén equivocando en algunas cosas… Pues mira, colega, esto es parte de lo que somos, o lo tomas o lo dejas (risas)”.

sa percepción pública de lo que nos trae Villains sin duda ha venido marcada por el single de adelanto, The Way You Used To Do. “Es la primera canción que hice para el disco”, dice Homme. “Yo no grabo demos, no creo en el uso de demos. Pero esta la grabé en el estudio de mi casa, y salió prácticamente la versión final. Me gustó tanto el resultado que intenté no escucharla demasiadas veces ni pensar demasiado en ella, para no acabar cansado de ella o, peor aún, odiándola, así que un buen día me decidí a ponérsela a los chicos en el backstage de un concierto”. ¿Y qué ocurrió? Pues sorpresa general. “La reacción inmediata de cada uno de ellos fue ‘¿esto qué es?’. Estaban sorprendidos, pero luego todos me dijeron: ‘¡Me encanta!’. No sabían decirme a qué les recordaba, pero ya se lo dije yo: ‘Llevo una buena temporada escuchando a Dean Martin y Cab Calloway, y creo que tiene ese espíritu’. Todos soltaron: ‘¡claro!, ¡qué bueno!’. Tiene ese rollo ta-tarara, ta-ta-rararara, ta-tarara, ta-ta-rararara, que es rock’n’roll pero desde un ángulo diferente. La segunda canción que compuse fue Villains, y, claro, los chicos me dijeron que había un abismo entre las dos (risas)”.

o debería sorprendernos que Homme quiera sorprendernos. Desde el debut de QOTSA no ha habido dos discos que se parezcan mucho entre sí, lo cual significa todo un logro en una banda que si se ha caracterizado por algo, es por tener un sonido propio. “Creo que como artista, lo mínimo que puedo y que debo hacer es tomar el riesgo y dejar atrás lo que está atrás”, reflexiona. “Queens hemos logrado perfilar un sonido propio, que es una de las cosas más difíciles y a la vez importantes en un grupo de rock que pretenda trascender. Pero si no tienes cuidado, ese sonido propio te acaba devorando o te convierte en una caricatura de ti mismo, porque el sonido también va asociado a una estética. La idea de evolución tiene que imponerse a los diferentes ejemplos de evolución que hayas ofrecido hasta el momento. Ese es el lema, la idea por encima del ejemplo de la idea”. Tras dar un trago a una copa de a saber qué brebaje matutino, Homme se detiene un momento y mientras mira al techo de la habitación, con las manos entrecruzadas en el cogote, parece viajar mentalmente a través de todos sus discos a la velocidad de la luz. “En un disco número siete creo que hay que tener eso muy claro, y, cuando lo tienes, sientes como si estuvieras desnudo y pudieras ponerte cualquier cosa. Esa sensación de libertad es la que me #20 septiembre 2017

Las reinas del baile

No cabe duda de que Queens Of The Stone Age son una de las bandas fundamentales del rock de los últimos veinte años. Ahora vuelven con Villains (Matador/Popstock!, 17), un disco producido por Mark Ronson y en el que combinan distintas caras de su personalidad.

—texto Nacho Serrano —fotografía Andreas Neumann

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septiembre 2017 #21

EN PORTADA

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“Queens hemos logrado perfilar un sonido propio, que es una de las cosas más difíciles y a la vez importantes en un grupo de rock que pretenda trascender. Pero si no tienes cuidado, ese sonido propio te acaba devorando o te convierte en una caricatura de ti mismo”

#22 septiembre 2017

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gusta. Es como coger todo tu armario ropero y tirarlo al fuego, una catarsis que te obliga a avanzar”. aciendo gala de esa actitud, ya pueden imaginarse qué opina sobre las miradas nostálgicas en el arte. “Hay tanto por hacer que las considero una pérdida de tiempo. La nostalgia absorbe el poco tiempo que nos queda, así que ¡quédate aquí y ahora, tío! Además, como músicos, estamos aquí para sorprender, para hacer lo que nadie esperaría que hiciéramos”. Por eso, esta vez se ha aliado con un productor totalmente inesperado, Mark Ronson, el mismo que ayudó a catapultar a Amy Winehouse, Adele o Bruno Mars. “Todo empezó porque mi hijo de cinco años estuvo meses y meses sin parar de escuchar Uptown Funk de Bruno Mars, lo hacía todo el tiempo. Así que terminé fijándome en muchas cosas de la canción, que es muy buena en realidad, y vi varios puntos de conexión con Queens Of The Stone Age, como ese sonido de batería apretado, vacío, seco y duro. Después, cuando conocí a Mark, me invitó a escuchar varios temas de Lady Gaga en los que estaba trabajando. Después de verle trabajar durante veinte minutos, percibí su honestidad como productor. Pero cuando le dije a la gente que Mark produciría nuestro siguiente disco, todos me decían: ‘¿Mark Ronson? ¿Por qué? Josh, tío, esa sí que no la veía venir’ (risas)”. Sin embargo, a Ronson no le costó demasiado terminar formando parte de la pandilla. “Así es como le dije que quería que se sintiera, que si quería proponer algo lo hiciera sin complejos, y la verdad es que se lo tomó muy en serio porque siempre estaba ‘tíos, podéis probar esto, podéis probar aquello’,

como un chaval de quince años en el local. Nos lo pasamos genial sorprendiéndonos unos a otros proponiendo ideas. Fue maravilloso ver las caras de excitación en el estudio. Normalmente no trabajamos con nadie en el estudio ajeno a QOTSA (todos sus discos han sido coproducidos por Homme y estrechos colaboradores del grupo), pero esta vez fue divertido y emocionante hacerlo porque estábamos quemando puentes con el pasado. Era como echarles fuego y verlos arder, ¿sabes?”

a trabajando en Villains, Homme descubrió en Ronson a un productor que “explica las cosas de una manera sencilla y clara, y siempre mantiene la energía adecuada en el estudio. Además es un grandísimo fan de la música”, que entre otros muchos discos adora Rated R de QOTSA. “Sí, me preguntó cosas sobre aquella grabación”, confiesa Homme. “Pero por ejemplo, yo, que soy muy fan de Iggy Pop, también le pregunté cosas sobre sus discos cuando produje Post-Pop Depression, pero sin ponerme por debajo de él. No hay que besarle el culo a nadie, ¿sabes? Por mucho que te guste un artista, eso no significa que tengas que tomar una postura de sumisión al conocerle. La honestidad y la emoción de Mark me resultaron creíbles, sinceras, y además hablando sobre Rated R me demostró que todo lo escucha con mucha atención, es muy cuidadoso para no perder detalles. Por ejemplo, en la canción Head Like a Haunted House puedes escuchar muchísimos detalles en forma de silbidos, grititos, distorsiones, detalles pequeños pero importantes, que demuestran que Mark sufre la misma enfermedad que yo (risas). Se parece a mí en cuanto a llevar los experimondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

CRITICANDO Villains Matador/ Popstock! Rock 7/10

Salto evolutivo

A mentos hasta el límite, en plan ‘¡eh, tío, sigamos haciendo esto hasta que parezca que va a explotar!’”.

n la entrevista está prohibido hablar sobre el atentado sufrido por Eagles Of Death Metal en la sala Bataclán de París, pero la sombra del terrorismo parece asomar cuando Homme explica el significado del título Villains. “El peor villano es el que hace que algo que debería ser celebrado se convierta en algo que dé miedo”. Sin embargo, charlando sobre la portada del disco descubrimos que se está refiriendo al villano interior. “En Queens Of The Stone Age todo se decide por consenso. Por ejemplo, en The Evil Has Landed quitamos una parte porque a los demás no les encajaba, por mucho que a mí sí. Me dieron buenas razones para hacerlo, razones convincentes. Pero otras veces se hace lo que yo digo (risas), y con la portada fue una de esas veces. Yo quería sacar al Diablo, y el resto del grupo no estaba de acuerdo. Pero sus razones no me convencieron, de hecho sus razones para quitarlo eran mis razones para mantenerlo. Decían que era demasiado típico, pero el disco se llama Villains, y el Diablo es el villano original. Delante del Diablo quería sacar mi imagen para contrarrestar el mensaje de aquellos que dicen que cuando alguien hace algo malo, es porque el diablo ha querido que así ocurriera. Es la puta peor excusa del mundo. ¡No fui yo, fue el Diablo! No, tío, fuiste tú. El peor Diablo, el peor villano es el que te hace engañarte a ti mismo con ese tipo de gilipolleces”. Con el disco ya publicado, sólo queda comprobar si será capaz de superar o al menos igualar el exitazo de … Like Clockwork, que logró convertirse en el primer número

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uno de QOTSA en las listas estadounidenses. Homme se descojona cuando le preguntamos si le decepcionaría no conseguirlo. “¡No, hombre! Las cosas que no puedo controlar las dejo aparte. Estaría genial, pero no puedo ni quiero tener nada que ver en eso, no forma parte de mi arte. Estoy orgulloso del disco, lo amo, ha mostrado una parte de lo que pueden hacer Queens Of The Stone Age, y puedo dormir bien por las noches con mi mujer”. Así que mientras Villains escala puestos en Billboard, él se dedicará a disfrutar de la gira que ya los ha llevado a docenas de ciudades estadounidenses, y cuyas fechas europeas no incluyen a España, por ahora. “Espero ir a vuestro país, por supuesto. Hay ciudades españolas que me vuelven loco. Como Gerona. Recuerdo comprar varios cedés de artistas de la ciudad pensando que reflejarían el rollo medieval en su música, y me llevé buenas sorpresas (risas). Si será nuestra gira más larga o no, no me importa en absoluto. Sólo quiero embarcarme en una gira que me haga sentir emociones, retos, sin pensar en nada más. Si piensas en el dinero que puedes ganar forzando la máquina para llegar a más sitios… te estás equivocando. No hay nada bueno en ese pensamiento. Solo iremos hasta donde consideremos necesario”. —n. s.

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Joshua Homme no le hace ninguna falta que le digan cómo tiene que hacer las cosas para conseguir lo que quiere. Si busca un sonido que sólo existe en su cabeza, lo encontrará antes o después. Por eso no hay que otorgarle al productor Mark Ronson demasiados méritos del giro estético de Villains. O echarle toda la culpa, si lo que has oído no te ha gustado o incluso te ha parecido impropio de Queens Of The Stone Age. Que más o menos es lo que les pasó a unos cuantos cuando se lanzó el primer single de adelanto The Way You Used To Be. Se vio demasiado rápido la mano de Ronson detrás de ese ritmo de alma jive, pero lo cierto es que la canción ya iba por ahí cuando llegó a sus manos y sólo tuvo que añadirle esas palmas que tanto recuerdan a sus trabajos con Bruno Mars. También recorren territorios poco explorados Un-reborn Again, Hideaway o Villains Of Circumstance, y todo en general parece sonar más detallista y comprimido que nunca. Así que Homme ha quemado puentes con el pasado sin miramientos, sí, pero no lo ha hecho en todo el disco ni mucho menos. De hecho deja asomar a los QOTSA más reconocibles en cortes como Fortress, una balada que podría haber encajado perfectamente en el reflexivo … Like Clockwork o incluso en Lullabyes To Paralyze, y hay otros temas que siguen “ejemplos de la idea” de evolución -como define el propio Homme-, ya mostrados anteriormente, como esa loquísima Head Like A Haunted House que suena como si Jon Spencer se hubiese colado en el robótico Era Vulgaris. El salto evolutivo está ahí, sin ser tan clamoroso ni rompedor, pero hay una clara potencia renovadora (además de auténticos temazos como Feed Don’t Fail Me y The Evil Has Landed) en este Villains (especialmente en los teclados, que dejan la sensación de ser más arriesgados e innovadores que las guitarras esta vez) que probablemente marque un antes y un después en las Reinas, una banda que apostamos dará un salto cualitativo en los recintos de su, esperamos, próxima visita a nuestro país. —n. s.

septiembre 2017 #23

#24 septiembre 2017

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Brian Eno

Viaje espacio temporal en diez estaciones

Aunque, en la actualidad, a Brian Eno se le suele apreciar por sus producciones musicales y por su cosecha impepinable de citas, no hace falta rascar demasiado para darse cuenta de que la verdadera fuerza motriz de su discurso reside en las distintas etapas de su propia obra. Aprovechando la reedición de los fantásticos Here Come The Warm Jets (1974), Taking Tiger Mountain (1974) y Before And After Science (1977), echamos un repaso a su imprescindible trayectoria.

My Life In The Bush Of Ghosts

(1981) La obsesión de Eno por el gamelán, el ritmo africano y la cultura oriental influyó sobremanera en David Byrne, junto al que dio forma a las tres obras capitales de Talking Heads. Eno y Byrne habían cuajado sus intereses comunes por el bien del grupo, pero antes de ponerse manos a la obra con Remain In Light, encontraron un espacio de tiempo para poder manifestar sus inquietudes sin los corsés de la canción pop. De nuevo, el choque cultural entre occidente y oriente es el motor que propulsa un profundo enfoque ambivalente

Ambient 4: On Land (1982) Cada una de las cuatro piezas que conforman las “ambient series” de Brian Eno es una muestra de las posibilidades del estatismo y la aplicación de las formas del haiku y el loop dentro de las grabaciones electrónicas. No obstante, en la cuarta parte fue cuando Eno alcanzó la máxima emotividad de su discurso. De ello tuvo, de nuevo, la culpa la aparición de Miles Davis en su vida; y más en concreto del corte He Loved Him Madly, que ensanchó la vías subjetivas de este género hasta el punto de ser básica para la constitución de esta obra pivotal.

The Ship (2016) Al igual que Bowie y Cale, Eno también sobrevivió en los noventa y la primera década del siglo XXI tirando de fondo de armario (dando de vez en cuando en el clavo, como en el fabuloso Neroli). Una vez asumido su nuevo rol dentro de la cadena alimenticia del pop, Eno ha renacido en esta década gracias a una serie de trabajos, a cada cual más jugoso. Uno de ellos, The Ship, prueba que no ha perdido el toque para crear atmósferas de poso atemporal.

—marcos gendre

The Pearl (1984)

Here Come The Warm Jets (1974)

La partida de Brian Eno de Roxy Music estaba cantada. Un talento como el suyo a la sombra permanente de Brian Ferry era un desperdicio innecesario. No hay más que dejarse abstraer por la decena de canciones que conforman esta obra, donde el chamán del sintetizador aerostático despliega un surtido de características en futuros trabajos suyos, tanto en sus discos como en sus producciones para David Bowie y Talking Heads.

Taking Tiger Mountain (By Strategy) (1974)

Eno estaba sembrado. El mismo año que se sacaba de la manga la primera de las piedras rosetas de su discografía, le daba continuación con otro disco trufado de un nuevo catálogo de acompañantes, sencillamente, despampanante (Robert Wyatt, Phil Manzanera de nuevo). Según Eno, el título “provenía de la dicotomía entre lo arcaico y lo progresivo”. Pero su verdadera esencia proviene de su panorámica eminentemente arty y de la metodología utilizada en el estudio, basada en Las Estrategias Oblicuas, un juego de cartas repleto de aforismos, que utilizaron como guía.

Another Green World (1975)

Nueva muestra de su plenitud artística, para esta ocasión Eno integra la patente glam rock/proto-post-punk con su vertiente ambient, enfatizada ese mismo año con el sobresaliente Discreet Music, en un híbrido que podría colar de cómo habría sonado un disco de Klaus Schulze de haberse dado un garbeo a principios de los setenta por el Londres de Ziggy Stardust y Marc Bolan.

Before And After Science (1977)

Con esta obra, subrayaba la relevancia de su propio legado a la hora de adivinar la insurgencia post-punk, así como ya había dejado claro tres años antes del comienzo de la trilogía berlinesa de Bowie por medio de sus dos primeros largos en solitario. Berlín también era la ciudad de Cluster, dúo con el que Eno estaba predestinado a trabajar, pero sobre todo junto a Conny Plank, el productor que, entre otras cosas, había inventado el motorik, junto a Michael Rother, que ponía ruedas al krautrock. Así fue como entre HansJoachim Roedelius, Dieter Moebius, Brian Eno y Conny Plank se dio el entorno idóneo para cimentar una pieza pionera del etnoambient, apoyada con invitados del calibre de Asmus Tietchens y Holger Czukay.

Fourth World, Vol. 1: Possible Musics (1980)

Al igual que la alianza entre Brian Eno y Cluster fue un hecho que respondía a una lógica mayor, lo mismo se puede decir de su trabajo en comandita con el pionero del fourth world, Jon Hassell. De nuevo, se hace patente en la obra de Eno la conexión con el Miles Davis oceánico, aunque en esta ocasión es cimentada a partir de su concepción raga del jazz rock que dirime las constantes de Big Fun. De hecho, esta media docena de piezas crecen dando respuesta ambient a dicho trabajo del Proteo del jazz.

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La red de colaboraciones de Eno prosigue su curso con Harold Budd, otro tótem de la música ambient. En el meridiano entre un recogimiento atmosférico total y la expresión new age, The Pearl avanza sobre un desfile inmemorial de teclas congeladas en el tiempo, sin asideros a los que agarrarse durante sus cuarenta minutos de caída libre.

Wrong Way Up (1990) Siempre ensombrecido por Songs For Drella, en aquel mismo año John Cale encontró en su homólogo inglés, Brian Eno, la excusa ideal para hacer un nuevo intento de condensar todos sus años de experimentación bajo ropajes de contornos más pop. La división de labores únicamente es distinguible en el aspecto vocal, y no tanto... Entre ambos confluye una realidad imperante: su visión heterodoxa de los patrones pop. El porqué de lo totalmente inadvertido que pasó este disco quizás tenga que ver con tan chusca portada, cuyo diseño de Arcade ochentero parece ser el resultado de haber perdido una apuesta.

septiembre 2017 #25

FOTO: ARCHIVO

entarse a charlar con Chuck D impresiona: supone tener delante de uno a una figura clave en la historia del hip hop desde aquel lejano 1987 en el que Public Enemy dieron arranque a una de las carreras más influyentes del género con su debut Yo! Bum Rush The Show, y supone la posibilidad de conversar con una de las mentes más lucidas que ha ofrecido la música norteamericana en los últimos treinta años. Se conjugan en él la constancia y la coherencia necesarias para mantener un inequívoco mensaje político articulado a través de la música durante más de tres décadas, y a pesar de su sonrisa bonachona y de decidir empezar la entrevista comentando entre carcajadas una serie de memes graciosos de perritos vemos que esa actitud crítica y contestataria sigue intacta en Prophets Of Rage, la nueva aventura político-musical en la que se ha embarcado junto a un plantel de auténtico lujo: Tom Morello, Tim Commerford y Brad Wilk (Rage Against The Machine), Dj Lord (Public Enemy) y B-Real (Cypress Hill). Al preguntarle sobre las motivaciones detrás de este nuevo proyecto (“el circo en el que parece que se está convirtiendo mi país”, en sus propias palabras), Chuck D incide en el carácter marcadamente político de la banda y en la intención de protesta y reacción frente a la escalada de conflictividad social vivida en Estados Unidos desde la elección de Donald Trump. “La idea de montar la banda salió de Tom, y lo dijo de una forma muy clara: ‘Tenemos que hacer algo, tenemos que intentar cambiar las cosas. El mundo no se va a arreglar por sí mismo y nosotros tenemos que hacer algo más que tuitear lo jodido que está todo’. Nos dimos cuenta de que el mensaje de Rage Against The Machine, Public Enemy y Cypress Hill todavía era relevante, ahora incluso más que antes, y Tom nos dijo que deberíamos considerarnos un comando revolucionario de músicos. Nos dijimos que, a partir de ese momento, teníamos una misión: intentar hacer música que diera respuestas a todo lo que estaba pasando a nuestro alrededor,

no podíamos observar toda esa locura y no hacer nada al respecto. Y la locura no está solamente en Estados Unidos. Mira en Europa lo que os está pasando con la nueva derecha, mira el Brexit, es todo una locura, mira lo que está provocando la religión en todo el mundo... desgraciadamente es fácil escoger temas sobre los que cantar para ser un grupo serio y decir cosas importantes. Es triste pero es un signo de los tiempos que estamos viviendo”. El resultado de tanta rabia es un cañonazo de rap metal en forma de doce canciones que verá la luz en septiembre dando forma a su debut homónimo: un auténtico tratado de consignas revolucionarias y activismo político -con diseño del mismísimo Shepard Fairey (Obey)que, sin moverse ni un ápice del sonido característico tanto de Rage Against The Machine como de Public Enemy, suena fresco, coherente y sorprendentemente actual, como queda claro en los

Prophets Of Rage Música y revolución

“El mensaje de Rage Against The Machine, s Public Enemy y Cypres e” Hill todavía es relevant Nuetros lectores ya lo saben. Prophets Of Rage es uno de los supergrupos más combativos de los últimos años. Nos visitaron recientemente para actuar en el madrileño Download, momento que aprovechamos para conversar con Chuck D sobre Prophets Of Rage (Caroline/Music As Usual, 17), que se publica el 15 de septiembre.

el otro tom morello

unque todos los miembros de Prophets Of Rage cuentan con un pasado a tener muy en cuenta, esta vez vamos a repasar la trayectoria del motor del proyecto, Tom Morello. Considerado uno de los guitarristas más personales de la historia del rock alternativo, Tom Morello también tiene una trayectoria relativamente desconocida al margen de Rage Against The Machine, Audioslave y Prophets Of Rage. Además de ser licenciado en Ciencias Políticas con la máxima nota por la Universidad de Harvard, Morello ha formado parte de algunas bandas que está bien recordar.

#26 septiembre 2017

The Electric Sheep

Lock Up

The Nightwatchman

La primera banda conocida de Tom Morello, en la que compartía escenario con nada menos que Adam Jones, bajista que acabaría convirtiéndose con el tiempo en el guitarra de Tool. No llegaron a grabar disco.

Tom Morello entró en Lock Up, una banda de funk metal (más funk que metal) en la que habían militado músicos como D.H. Peligro (Dead Kennedys), poco antes de que grabasen su disco Something Bitchin’ This Way Comes.

Inspirado por el cantautor y activista socialista Billy Bragg, Tom Morello puso en marcha esta aventura folk con la que ha llegado a publicar cuatro álbumes entre 2007 y 2011. Cuando actúa con banda le acompaña la Freedom Fighter Orchestra.

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— ricky lavado

RR Han pasado ya más de dos años desde que el grupo burgalés La M.O.D.A. diera el pelotazo definitivo con La primavera del invierno (Mús Records/Gran Sol, 15), un disco redondo con un cambio de fórmula -y más personalidad- que multiplicó el público fiel que ya había empezado a amasar en sus trabajos anteriores. Bien, pues ya hay continuación. El nuevo trabajo de la banda llevará por título Salvavida (de las balas perdidas) y verá la luz el 29 de septiembre, aunque en el momento en el que leas estas líneas ya se habrá estrenado un tema, La inmensidad, y se habrán anunciado las primeras fechas de la gira de presentación. RR El 8 de septiembre se publicará Over The Wall, el nuevo Ep del cuarteto barcelonés Mourn, de la mano de Captured Tracks. Ahora bien, esta vez se trata de un disco fundamentalmente de versiones. Al margen del tema inédito Angines, Mourn presentan cuatro covers de The Sound (The Fire), Echo & The Bunnymen (Over The Wall), Hüsker Dü (Whatever) y The Replacements (Color Me Impressed). RR A principios de octubre verá la luz El año de la victoria, el nuevo trabajo de Tigres Leones a publicar por Sonido Muchacho. El álbum incluirá un total de doce temas con títulos como Miliciano, El mejor amigo del hombre, Milos Forman o Los demonios. La producción ha corrido a cargo de David Rodríguez (Beef, La Bien Querida) y Sergio Pérez (Svper) y la portada la firma Querido Antonio.

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Street Sweeper Social Club De la amistad nacida entre Boots Riley de The Coup y Morello nació este supergrupo de rap rock del que también formaron parte Dan Biggs y Eric Gardner y que ha ido apareciendo en escena de vez en cuando. MS

D∆WN Autogestión

RR Ricardo Lezón, líder de McEnroe, no tiene suficiente con su carrera junto al grupo o sus aventuras con Viento Smith o compartiendo protagonismo con The New Raemon. De ahí que el próximo 6 de octubre publique su primer disco en solitario, Esperanza, que publicará Subterfuge y que ha contado con la producción de Raúl Pérez en los estudios La Mina (Sevilla) RR Otro grupo que publica disco el 6 de octubre es Mi Capitán, proyecto que gira alrededor de Gonçal Planas y en el que encontramos a miembros de Love Of Lesbian, Egon Soda, Nudozurdo y otros. Su título es Un tiro por la salud del imperio, incluye un total de diez canciones y lo publicará Warner. MS

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De ser miembro de una inofensiva girl band a trazar una carrera en solitario de r&b y pop vanguardista. La estadounidense D∆WN sabe lo que quiere. Lo demuestran discos como el reciente Redemption (Our Dawn Enternainment, 16), que presentó en el pasado Sónar. FOTO: ARCHIVO

diversos avances del disco que nos han ido regalando a lo largo del año. Unfuck The World, Radical Eyes o Living On The 110 sirven de muestra y garantía de que ningún fan de las históricas bandas de las que surge Prophets Of Rage se sentirá decepcionado. En esta ocasión, el tratamiento de súperbanda no eclipsa en absoluto la calidad de la música resultante. “Bueno, ya sabes, sobre el papel todo tenía muy buena pinta, pero no necesariamente tenía que funcionar, así que al entrar en el estudio la intención primera era la de escucharnos unos a otros y ver si realmente la cosa tenía sentido. Cada uno debía sentirse cómodo y poner ideas sobre la mesa, y creo que lo conseguimos. Cada uno aportó cosas y todos terminamos sintiéndonos en conexión”... Al mencionar la vigencia del mensaje de Public Enemy y Rage Against The Machine hoy en día parece inevitable relacionar a Prophets Of Rage con la aparición en Estados Unidos en los últimos años de una serie de movimientos sociales que en 2017 remiten al espíritu de la contracultura y el activismo político de los años sesenta, como es el caso de las protestas indígenas en Little Rock, el movimiento Black Lives Matter o el retorno del feminismo militante. “Cincuenta años es mucho tiempo en el mundo de la música, pero muy poco tiempo en la vida ‘real’, en el mundo. Van llegando nuevas generaciones y a lo mejor las generaciones anteriores están al tanto de los problemas y tuvieron grandes ideas en su momento, pero si las ideas no se implementan, mueren. Las ideas mueren, tío. Llega gente joven y hay gente mayor que desaparece, y así es como funciona el mundo. Si las ideas de los que se van no se llevan a la práctica, esas ideas estarán muertas para los que llegan. Las ideas deben actualizarse y hay que luchar para que sigan siendo útiles, y la música puede hacer eso”.

TAN. CERCA.

anta, actúa, dibuja… Dawn Richards (también conocida artísticamente como D∆WN) es uno de esos torbellinos renacentistas que no pueden parar quieto. La estadounidense se dio a conocer allá por 2004 en un talent show en el que Puff Daddy buscaba a la girl band definitiva. Tras su paso por Danity Kane y Diddy-Dirty Money todo apuntaba a que Richards iba a convertirse en otra joven más que iba a engrosar la infinita lista de chicas monas inofensivas del pop, pero tan pronto decidió desquitarse de las obligaciones contractuales que le dieron notoriedad en Estados Unidos surgió la sorpresa. Sin ningún sello que la protegiese, y enarbolando la bandera del hazlo tú mismo, la joven no se lo pensó dos veces a la hora de debutar con una trilogía de álbumes que la acercaron al r&b marciano de FKA Twigs y al pop vanguardista de Björk, una de sus musas. “Cuando al editar Goldenheart en 2013 dije a mis amigos que en realidad me traía entre manos el lanzamiento de dos discos más, Blackheart (2015) y Redemption (2016), todos se rieron de mí y me tacharon de ser demasiado ambiciosa. En las primeras reseñas de The Guardian o Pitchfork me tacharon de ser una artista de pop chicloso apto para todos los oyentes, pero para nada soy eso o una Mary J. Blige más. Desde un principio, sin duda, he sabido lo que quiero y tengo las ideas muy claras”, nos cuenta minutos antes de debutar en España en el marco del Sónar. A pesar de que su padre fue miembro de la banda de funk Chocolate Milk y su madre profesora de baile, Richards por un momento quiso ser bióloga marina.

Gracias a su progenitor hizo sus pinitos en el coro cuando vivían en Nueva Orleans antes de la tragedia del Katrina, aunque todo cambió cuando se subió por primera vez sola a un escenario a los dieciséis años. “Siempre he sido una persona muy tímida, como mi padre, pero bajo los focos me transformo en todo lo contrario. Cuando me di cuenta de ello siendo adolescente tuve una especie de revelación y vislumbré que, más allá de la biología, lo mío verdaderamente era cantar”, confiesa sobre el germen de su creatividad. “Formando parte de aquellas girl bands viví en mis carnes lo bueno y lo malo del negocio musical. Jamás podré decir que me arrepiento de ello porque Puff Daddy fue como un padre para mí y aprendí muchísimas cosas durante aquellos años. No obstante, una vez quise montármelo en solitario, ningún sello apostó por mí. Tomé el riesgo de ir por libre a pesar de las consecuencias que eso siempre conlleva... Me encantaría ser como Björk o Grace Jones, dos mujeres que han desquebrajado infinidad de cadenas y que son una inspiración para artistas que no se conforman con lo preestablecido”. —sergio del amo

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septiembre 2017 #27

MONDO FREAKO

Cigarette Íntimo y personal

Tras una serie de singles que generaron mucho interés en las redes, Greg Gonzalez edita al fin su primer disco. Cigarettes After Sex (Partisan/[PIAS], 17), es una pieza de dream pop de cámara que hace gala de una honestidad y sinceridad brutales. Pornografía sentimental sí, pero bella y con encanto. Un contraste que enriquece y mucho la propuesta de Gonzalez.

—texto Xavi Sánchez Pons —fotografía Ebru Yildiz

onzalez me recibe en un hotel del Paralelo de Barcelona justo el día después de su concierto en Sala Apolo dentro del Primavera Sound. Le cuento que un montón de gente se quedó fuera. Y es que el hype que rodea actualmente a Cigarettes After Sex es bastante bruto. ¿Le asusta? “La verdad es que no. Hace poco hemos realizado algunos conciertos en recintos grandes y nos hemos sentido bien. Hace un par de meses tocamos en Bangkok ante 3.000 personas, y en Londres también. Hay que dejarse llevar y disfrutar de la experiencia de tocar con tanto público”. Y añade: “estamos encantados con esa atención porque eso significa tener la oportunidad de viajar por todo el mundo y conocer a gente interesante. Es un sueño hecho realidad”. Gonzalez saborea el momento presente. Pero no ha sido fácil llegar hasta aquí. Su primer single data de 2012, y su debut en largo ha llegado cinco años después. A este plumilla le da que el capo de Cigarettes After Sex es un perfeccionista. “Sí, soy perfeccionista y me gusta hacer las cosas bien. Pero también hubo otras razones. Me mudé de El Paso a Nueva York, tuve que reunir a una nueva banda, editamos el single Affection (Autoeditado, 2015) y se creó mucho hype. Y esto último retrasó el álbum un poco más porque no sabíamos si al final firmaríamos por un sello. Ahora bien, la razón principal fue la de sacar el mejor disco posible”. Una de las cosas que más destacan de este Cigarettes After Sex es el acabado de las canciones. Dream-pop de laboratorio bien elaborado y cuidadísimo. El propio Gonzalez se ha encargado de producirlo. ¿Algún genio tras los mandos que le haya influenciado? “Sí, hay un montón. Pero me ha influenciado especialmente Bob Johnston. Su firma está en los mejores discos de Leonard Cohen y Bob Dylan. De él cogí la idea de grabar en el estudio con la

#28 septiembre 2017

“A veces me siento un poco desnudo, pero si me siento expuesto, significa que estoy en el camino correcto”

banda en directo. No quería sonar a lo grande como Phil Spector y George Martin, sino conseguir una buena vibración”. Otra seña de identidad del disco es la similitud existente entre los patrones de las canciones. Esa idea en el pop de repetir la misma estructura para conseguir la canción perfecta. “Algunos de mis artistas favoritos, por ejemplo Erik Satie y Cocteau Twins, tienen un sonido reconocible y van hasta el fondo de su identidad. Por eso cuando alguien intenta copiarlos, siempre se queda en la superficie. Me siento muy cercano a ellos en esa fuerza y en esa idea de explorar hasta las últimas consecuencias el sonido de tu grupo. Sobre las estructuras parecidas en el pop, soy un gran creyente en el concepto de la forma. Me gustan mucho los primeros discos de The Beatles, donde todas las canciones tienen unos elementos similares. Trato de aplicar eso también a Cigarettes After Sex para conseguir algo de esa inmediatez pop”. Dejando de lado la producción y el envoltorio de las canciones, el verdadero hecho diferencial del grupo son las historias autobiográficas que ilustran las bellas atmosferas y melodías. Una especie de diario íntimo sonoro sin censura. La canción que abre el disco, K. , es un ejemplo perfecto de por dónde van los tiros. Una crónica en primera persona sobre una ex-novia de Gonzalez. “Me gusta escribir sobre cosas reales que me han pasado”, comenta Gonzalez. Y añade: “las mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: FIRMA FOTÓGRAFO

es After Sex canciones más grandes que hemos hecho tienen ese punto autobiográfico, casi de memorias. El ejemplo que pones de K., te diría que cada línea es una historia verdadera. Vamos, que no me he tomado ni una sola licencia poética. Y la mayoría de canciones van por ahí, gente real en situaciones reales”. Siempre he pensado que airear tu vida íntima tiene que dar algo de apuro. Es como salir desnudo a la calle. ¿Estoy en lo cierto? “A veces, como dices, me siento un poco desnudo, pero a la vez eso es una buena señal. Si me siento expuesto o extraño, significa que estoy en el camino correcto. Volviendo a la canción, cuando la acabamos de grabar y la estábamos mezclando, tuve un sentimiento raro y bizarro; la verdad es que me sentí mal. Fue algo negativo pero al mismo tiempo me indicaba que la canción no era plana”. Eso sí, dentro de esa pornografía sentimental con encanto, hay una canción que se lleva la palma, Young & Dumb. Un tema subido de tono pero de intenciones cómicas, en la que se puede escuchar la siguiente frase: “Well I know full well that you are, the patron saint of sucking cock” (Bueno, sé de sobras cómo eres, la santa patrona de chupar la polla). “Para mí es algo muy conversacional”, afirma Gonzalez, “es la manera en la que estaría bromeando con una novia, l Madrid con ese humor vulgar. Se 27 de noviembre 2017. El Sol trata de ser honesto con l Zaragoza las cosas. Igual alguien se 28 de noviembre 2017. Las Armas puede ofender al no entenl Barcelona derlo, pero el humor y lo 29 de noviembre 2017. Apolo blasfemo también pueden

LA GIRA

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ser utilizados en la música pop. Fíjate en el cine, en películas como Uno de los nuestros y Pulp Fiction, la blasfemia está ahí y es crucial para entender la historia. Aplica eso a una canción, es honestidad pura, y es algo que no se ve mucho en la música”.

hora que ha salido el tema del cine, vale la pena señalar que la música de Cigarettes After Sex tiene una cualidad cinemática muy marcada. ¿He acertado? “Sí, es algo que tengo muy arraigado. Crecí viendo películas. La música me interesa mucho pero el cine está justo debajo, a muy poca distancia. Es algo que me obsesiona, e intento canalizar ese interés por el cine en mi carrera como músico. Por ejemplo, si veo una escena que amo de Un verano con Mónica de Ingmar Bergman, quiero que esa buena vibración que me produce se pueda traducir en alguna de mis canciones. Me pasa cada vez que veo una secuencia en una película que me gusta: ¿cómo puedo traducirla en mi música?”. ¿Y cómo lo haces? “Lo que hago normalmente es ponerme una y otra vez la película y las escenas en concreto que me gustan sin el sonido pero con los subtítulos. Y empiezo a escribir y a fijarme en que ritmo tiene el filme. A veces puedo verla cuatro o cinco veces seguidas y estarme horas. He escrito canciones mientras veía La aventura de Antonioni, La noche del cazador de Charles Laughton, Belle de Jour de Buñuel o La bella y la bestia de Cocteau”. —x.s.p.

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septiembre 2017 #29

AgeNda. SEPTIEMBRE.

MONDO FREAKO

Supersuckers Vitoria (15 septiembre, Helldorado) Hondarribia (16 septiembre, Psilocybener) Gijón (17 septiembre, Subterránea) A Coruña (18 septiembre, Mardigras) Vigo (19 septiembre, La Fábrica de Chocolate) Madrid (20 septiembre, Gruta 77) Estepona (21 septiembre, Louie Louie) Alicante (22 septiembre, Stereo Club) Valencia (23 septiembre, Loco Club) Barcelona (24 septiembre, Rocksound)

Eddie Spaghetti continúa en la carretera al frente de Supersuckers, acompañado por Marty Chandler y Chango Von Streicher. Juntos recuperan clásicos de Supersuckers y material nuevo como el incluído en discos como Get The Hell (14) o el country Holdin’ The Bag (15).

The Real McKenzies Tarragona (16 septiembre, Sala Zero) Zaragoza (17 septiembre, Sala López) Oviedo (18 septiembre, Lata de Zinc) A Coruña (19 septiembre, Playa Club) Valladolid (20 septiembre, Porta Caeli) Madrid (21 septiembre, Gruta 77) Vitoria (22 septiembre, Jimmy Jazz) Valencia (23 septiembre, Quimera Fest) Lleida (24 septiembre, Café del Teatre) Sant Feliu de Guíxols (25 septiembre, Casa Irla; acústico)

El que continúa siendo uno de los grupos más festivos y queridos del celtic punk actual, los canadienses-escoceses The Real McKenzies vuelven a España para protagonizar una larga gira que les paseará por el norte y centro de la península. Continúan presentando su disco de hace dos años, Rats In The Burlap.

Paul Weller Barcelona (14 septiembre, Sala Razzmatazz) Madrid (15 septiembre, La Riviera)

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#30 septiembre 2017

Todos sabemos que Paul Weller nunca falla, y eso se va a repetir en los conciertos de presentación de A Kind Revolution en nuestro país. La gira de este pedazo de historia viva del mod pop internacional pasará, eso sí, solamente por dos ciudades, Madrid y Barcelona.

ÉL MATÓ A UN POLICÍA MOTORIZADO Valencia (31 agosto, Veles & Vents) Barcelona (1 y 2 septiembre, Sidecar).

Viejos conocidos de nuestro país, los argentinos Él Mató A Un Policía Motorizado vuelven con La síntesis O’Konor (Limbo Starr, 17), un disco en el que abren su espectro musical a nuevas estructuras y sonidos. Ahora mismo lo están presentando en nuestro país. RR Santiago Barrionuevo es la cabeza más visible de la banda platense Él Mató A Un Policía Motorizado, punta de lanza del rock independiente argentino, con la que acaba de entregar La síntesis O’Konor, un disco que abre su propuesta a nuevas estructuras y sonoridades sin dejar de mantenerse fieles a su esencia. Además, Santiago también tiene preparada su primera referencia oficial en solitario, así que hablamos con él sobre todo esto y más cosas. ¿Cómo están yendo las presentaciones del nuevo disco? ¿Habéis encontrado la fórmula para equilibrar los clásicos de siempre con los temas nuevos en el repertorio, tanto en cantidad como en sonido? Está saliendo todo muy bien. Estamos muy contentos con lo que está pasando. Apenas pasaron tres semanas desde el lanzamiento y la respuesta es increíble. El mismo día que salió La síntesis O’Konor hicimos la primera de las cuatro presentaciones del disco en Niceto Club en Buenos Aires, y todo el mundo cantaba y celebraba las canciones como si hubieran pasado meses. Fue muy intenso y hermoso. Se agotaron las entradas de las cuatro noches, y de ahí nos fuimos a Costa Rica. Tocamos en la Plaza Central frente a miles de personas y fue increíble como cantaban las canciones nuevas tan lejos de casa, con la misma intensidad. Ahora en México pasa lo mismo. Perdón si me extendí en la respuesta, pero

la verdad que me entusiasma todo lo que está pasando. Estamos encontrando el equilibrio en la lista de temas, además sumamos a un percusionista para que le dé el color necesario a las canciones nuevas. Esperamos que todo siga así hasta el final. En La síntesis O’́Konor las guitarras pierden protagonismo respecto a anteriores trabajos. ¿Fue una idea premeditada desde el inicio o surgió a medida que se iban construyendo las canciones? Las dos cosas. Teníamos presente la idea del cambio, pero todo se fue dando de una manera muy fluída, sin forzar nada. Las canciones pedían más espacio para otras líneas instrumentales que, en otros momentos, no habían tenido ese protagonismo, y el resultado nos gustó. Sintetizadores, percusiones, bajos... El proceso de composición fue largo, pero sobre todo fue placentero y muy divertido. Parece que alrededor vuestro y de Discos Laptra principalmente, han aparecido en Argentina e incluso en otros países latinoamericanos como Perú (con Faro Discos) o Chile (con Piloto) muchos grupos que, en cierto modo, comparten vuestro sonido. ¿Dirías que, en la actualidad, existe una escena independiente más o menos consolidada en Argentina? La calidad de las bandas nuevas de Argentina es increíble. Estamos viviendo un gran momento cultural en el país y en toda Latinoamérica. Claro que faltan más salas, más festivales, más canales de difusión, y que mientras este movimiento cultural crece, muchos medios se vuelven mas conservadores, lo cual es una verdadera lástima, pero de lo que pasaba cuando arrancamos en 2003 a la realidad actual... hay mucho que celebrar: las ideas, la energía, los nuevos sellos con sus respectivos festivales, ciclos, eventos, nuevos medios alternativos y un gran movimiento de un nuevo público que sigue todo esto. Es algo buenísimo y aunque siempre aspiramos a más, a que todo crezca, es un gran momento que tenemos que celebrar. —manuel novo

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Tijuana Bibles

Interpol

Donostia (Kutxa Kultur Festival, 15 septiembre), Oviedo (San Mateo-Plaza de Feijoo, 16 septiembre), Madrid (19 septiembre, Costello) Valencia (20 septiembre, El Loco Club).

“Es un subidón de energía tocar de nuevo Turn on the Bright Lights” Barcelona (Razzmatazz, 8 septiembre) Madrid (Dcode Festival, 9 septiembre)

Directos, nihilistas y viscerales son algunos de los adjetivos que se suelen usar a la hora de hablar de Tijuana Blues, uno de los pocos grupos con potencia que se han atrevido a salir de Escocia en estos últimos años. Lo demuestran discos como los epés River Wild o Ghost Dance Movement.

Interpol siguen adelante. De hecho, ya están trabajando en su nuevo larga duración que aparecerá el próximo año, pero aprovechan el tiempo para protagonizar una gira que rinde tributo a su primer trabajo Turn On The Bright Lights (02), publicado hace quince años.

i algo caracterizó a la década de los 2000 fue la proliferación de álbumes de debut que pusieron el listón demasiado alto a sus propios artífices. El ya lejano pistoletazo de salida a la carrera de Interpol, aquel Turn On The Bright Lights (02) que exhumaba con sorprendente pericia las exequias de Joy Division y algunos otros próceres del post-punk más fibroso, fue uno de ellos. Aprovechando el largo hiato entre su último largo, El Pintor (14), y la edición de un próximo trabajo que verá la luz en 2018, la banda neoyorquina, que ahora solo integran (de forma estable) Paul Banks, Daniel Kessler y Sam Fogarino, lleva ya unos meses embarcada en la recuperación de aquel rutilante trabajo. Ese es el motivo por el cual su guitarrista y miembro fundador, Daniel Kessler, nos atiende al teléfono desde Viena, justo al día siguiente de actuar en la capital austriaca como parte de la manga centroeuropea del rescate nostálgico -las cosas como son- de aquel fascinante debut. Nunca superado por ellos mismos, huelga recalcar. Por muchos balones fuera que, en su pleno derecho, nos remita nuestro interlocutor.

Estáis recuperando en vivo vuestro álbum de debut, Turn On The Bright Lights (02), y no sé si con el tiempo, dado que sigue siendo recordado como vuestro mejor trabajo, representa una bendición -por el jugo que aún le podéis sacar- o una maldición –por aquello de que posiblemente nunca lo hayáis superado-. No creo que sea ni una cosa ni la otra. Todo esto va ligado al propio rock and roll. La primera vez que buscas algo y lo encuentras tan pronto, siempre es especial. También lo es para quien nunca nos hubiera escuchado hasta entonces, porque no deja de ser una introducción a nuestro sonido, pero no es algo que veamos como una carga. Si hay mucha gente que lo ve así, hay que aceptarlo. Es algo que ocurre con todos los debuts, siempre marcan mucho por ser lo primero que alguien escucha sobre cualquier banda. Creo que nuestro último álbum, El Pintor (14) es igual de bueno que Turn On The Bright Lights (02). Todos forman parte de nuestra historia, y estamos orgullosos de ella. ¿Cómo os sentís tocando esas canciones más de quince años después de haber sido compuestas, sobre todo teniendo en cuenta que la banda ha atravesado varios cambios en su formación, como fue la baja de vuestro bajista Carlos Dengler en 2010? Son canciones que nunca habíamos tocado en el mismo orden que tenían en el disco, así que en cierta forma te sientes como si empezaras de nuevo. Estamos embarcados ahora en la grabación de un nuevo trabajo, y hacía tiempo que no las tocábamos. Es excitante tocarlo así, es un subidón de energía que nos viene muy bien. —carlos pérez de ziriza

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unque procedan de las afueras de Glasgow, Tijuana Blues huelen a bourbon barato y gasolinera. Pero todavía falta que se les descubra en países como España. Por ello nos sentamos a charlar con Tony Costello, cantante de la banda, y con su hermano Daniel, guitarra del grupo. A principios de este año, el grupo se encerró en un remoto estudio en las Highlands de Escocia. De ahí han salido nuevas canciones, como su musculoso single “Pariah”. (Tony) “Queríamos sonar agresivos y sólidos. La verdad es que lo que hemos buscado era dejar nuestro sonido lo máximo de desnudo posible, que sonase a cuatro chicos dándolo todo desde el corazón en una pequeña habitación”. Según ellos, no hubo mejor manera de estrenar su nuevo material que apostar por tocar dos noches consecutivas en la mítica sala King Tuts de Glasgow, un lugar pequeño y con el público muy cerca del escenario. (Tony) “Necesitas cojones para hacer esto

en Glasgow. Anunciar dos fechas cuando se suele anunciar solo una. Pero nos ponernos siempre al límite. Aunque suene a cliché, nosotros queremos tocar para el mayor número de gente posible. Si alguien nos ofrece un estadio como Wembley mañana, lo haríamos sin dudarlo. Pero si nos ofrecen tocar en el salón de una casa, también queremos hacerlo”. Podría sonar estúpido en boca de otros, pero no en su caso. Sirva una anécdota como ejemplo. (Daniel) “Una vez nos escribió un chico joven que no podía ir a un festival en el que tocábamos porque tenía solamente quince años o algo así. Nos envió un correo electrónico en plan ‘es mi cumpleaños y soy fan vuestro, ¿podríais enviarme alguna cosa? Lo que hicimos fue ponernos en contacto con su madre y nos presentamos delante de su casa el día de su cumpleaños para tocar allí. Tendrías que haber visto su cara cuando nos abrió la puerta. Tocamos cuatro o cinco temas en acústico. Fue muy divertido ver a sus amigos mirarnos con caras de ‘whoah, mira, una estrella de rock’ (risas). Ah, eso sí, su madre nos preparó una buena comilona”. En septiembre llegan a España, así que habrá que verles en directo para disfrutarles en condiciones. (Daniel) “No somos el tipo de grupo sobre el que la gente piensa ‘están bien’. Atraemos a las dos caras de la moneda: gente a la que realmente les encantamos y gente que nos odia. Y no lo queremos de otra forma, porque siempre preferiré a alguien que nos odie a alguien que se muestre indifente. Por lo menos sabemos que les afectamos”. (Tony) “Queremos hacer temblar a la gente en los conciertos. Y si no te gusta, pues jódete”. Mas claro no podía ser. —craig williams

septiembre 2017 #31

#32 septiembre 2017

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33/Mondo VINILOS

Jeff Tweedy

Public Enemy

Together At Last Anti/[PIAS]

The War On Drugs no defrauda The War On Drugs A Deeper Understanding Atlantic/Warner

POP / A Deeper Understanding se presenta en

sociedad sin una coartada que justifique su existencia tal y como ocurrió con su antecesor, colección de canciones cocinadas a fuego lento mientras la depresión consumía a su autor. Granduciel plasma noctámbulas escenas robadas de sus sueños y sueña con aquello que puedo ser y no fue en una clave romántica de la que carecía el álbum precedente, más crudo, más descarnado. Pero más allá de los matices y del tono de sus letras, hay que decir que A Deeper Understanding es el primero de los cuatro discos de The War On Drugs que no supone un descomunal salto adelante para el grupo. Al contrario, parece que Granduciel -que una vez más produce y toca de todo- ha encontrado definitivamente el sonido que buscaba y el salto al mainstream apenas se hace notar. Si acaso en un sonido de caja de batería excesivamente alto, con un no sé qué sintético, que arrima canciones como Up All Night, Holding On, Nothing To Find o In Chains al característico sonido ochentero del Born In The USA y Tunnel Of Love de Springsteen. En el cara a cara con Lost In The Dream también

llama la atención la ausencia casi total del saxo que tuvo cierta cuota de protagonismo entonces, y la supresión absoluta de los cortes más experimentales que servían de transición y aportaban misterio y dinámica a una colección de canciones especialmente intensa. A Deeper Understanding es por ello un disco no tan dispuesto a las aventuras y más apegado al clasicismo, a ese rock americano con el que relacionamos a la banda. Lo que no quiere decir, ni mucho menos, que Granduciel renuncie a sus ya característicos giros y progresiones melódicas que llevan las canciones hasta los seis, siete y hasta once minutos y que tienen sus cotas de máxima emoción en piezas tan notables, que rayan el sobresaliente, como la ya citada Holding On, el tema de cierre You Don’t Have To Go y la canción-río Thinking Of A Place, posiblemente el momento más alto de todo el disco tanto desde el punto de vista lírico como instrumental. De alguna forma sobrevuela todo este comentario la idea de que A Deeper Understanding habría sido un grandísimo disco de no haber existido su predecesor, y efectivamente algo de eso hay. Pero a la hora de ver el vaso medio lleno o medio vacío, eso es tanto como decir que quienes se enamoraron de la propuesta de The War On Drugs con Lost In The Dream o incluso su antecesor Slave Ambient encontrarán en A Deeper Understanding razones más que de sobra para que el romance continúe.

—luis j. menéndez

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AMERICANA / La propia por-

tada, con Jeff Tweedy retratado entre penumbras, nos remite con precisión al contenido que esconde: canciones ya existentes en la carrera del autor interpretadas ahora de manera acústica y desnuda, término éste que remite más certeramente a su tono que a la propia falta de acompañamiento. Inicio de lo que parece será una saga en este formato, el líder de Wilco no solamente rebusca en la memoria de dicha banda sino en otros de sus proyectos, en este ocasión en referencia a los primigenios Golden Smog o los ocasionales Loose Fur. El resultado, aunque inevitablemente tendente a lo homogéneo, nos muestra un carácter rasgado y taciturno que destaca por su enjundia en Via Chicago, Muzzle Of Bees o I Am Trying To Break Your Heart. ¿Prescindible? Podría ser. ¿Interesante? Seguro. —kepa arbizu

Nothing Is Quick In The Desert 916% Entertainment

Public Enemy me trae a la memoria Colors, aquella película de 1988 que Dennis Hopper parió y a la que dieron brillo un siempre excelente Robert Duvall y un por entonces novato Sean Penn. En su primer día juntos, el veterano policía, le contaba un chiste con un gran mensaje para la vida al novato. Una enseñanza sobre cómo las prisas no llevan a ningún sitio. Pues esa es la gran enseñanza del decimocuarto disco de Chuck D y Flavour Flav. Nothing Is Quick In The Desert es un disco que mira al pasado musicalmente, con muchas guitarras y con una banda que condensa todo su mensaje en cuarenta minutos. El resultado es un disco que empieza bien, pero que va perdiendo algo de fuelle conforme avanza. En todo caso, los hypes van y vienen, pero Public Enemy son ya eternos. —marcos molinero

Ariel Pink

Calvin Harris

Dedicated To Bobby Jameson Mexican Summer

POP / Ariel Pink rinde homenaje a un artista maldito de los sesenta con el que dice sentirse muy identificado. El tipo murió hace un par de años, desatando el proceso creativo de un Pink que parece abrir el disco con la misma ascensión de Jameson a los cielos, a través de un tema de onda kraut titulado Time To Meet Your God. No, no empieza fácil y accesible su nuevo disco, pero este Kevin Ayers moderno cada vez entrega más píldoras de pop redondo y oxigenado en sus obras, como Feels Like Heaven, las preciosísimas Another Weekend y Do Yourself A Favor, la electrizante Bubblegum Dreams o esa Dedicated To Bobby Jameson que acaba apuntando a Light My Fire (The Doors). Más oleaje ofrece en el resto del repertorio, donde la heterodoxia más loca manda con puño de hierro. —nacho serrano

RAP / El nuevo trabajo de

Funk Wav Bounces Vol. 1 Columbia

ELECTRÓNICA / La nueva dirección en la producción del escocés Calvin Harris ha dado como gran fruto este entretenido Funk Wav Bounces Vol. 1, un disco de esencia agradable, popera, veraniega y sosegada. Si bien escuchando tres de los cuatro singles guardan grandes parecidos entre sí (Slide, Heatstroke y Feels), existía el riesgo de encontrarse frente a un álbum monótono. Por suerte no ha sido así. Cada tema aporta algo y oxigena el conjunto, desde el retro Cash Out hasta ese moombah comercial que es Skrt On Me, pasando por la sexy Hard To Love, la misteriosa Holiday o ese Faking It que crece con los cambios de ritmo. Un trabajo con colaboraciones de lujo, desde Ariana Grande a Frank Ocean, pasando por Future, Migos, Travis Scott, Lil Yachty, John Legend o Katy Perry. —héctor morcillo

septiembre 2017 #33

MONDOVINILOS

Micah P Hinson

The Holy Strangers Fulltime Hobby

Neuman en plena forma Neuman

Crashpad Subterfuge

8 POP-rock / Mucha carretera tiene ya

Paco Román en sus piernas, muchas paradas en su carrera, muchos Crashpads en el camino, así que ya iba siendo hora de quedarse en casa. Y así ha sido. El cuarto disco de Neuman se ha gestado en el home studio que tiene el murciano en la vega de Granada. Estaba claro que iba a ser un disco libre, cargado de inocencia seminal, también arriesgado pese a asegurar los muebles con tres singles marca de la casa. El primer adelanto fue Boystar, un recuerdo de infancia, el último tema que llegó al estudio y sin embargo el que mejor se ha deslizado por los cabezales de Studer. All That Matters es la segunda entrega, puro Neuman, donde está todo lo necesario, todo lo que le importa a Paco Román para hacer una canción. Y luego ese

Nosaj Thing

The Amazons

Parallels Mute/Control

ELECTRÓNICA / En Parallels, Nosaj Thing sigue transitando una tierra de nadie donde la electrónica ambiental y minimalista se ve enriquecida por múltiples influencias que convierten el cuarto disco del productor angelino en un estimulante y rico mosaico sonoro: del hip hop más oscuro y ambiental en la onda de Dj Krush al dubstep minimalista de Burial. Nosaj Thing maneja con el mismo acierto la frialdad electrónica instrumental de producción cristalina IDM, elementos orgánicos en forma de inspiradísimas colaboraciones vocales (a destacar las de Kazu Makino, de Blonde Redhead, en la delicada y preciosa How We Do y la de Zuri Marley en Way We Were, en la que Nosaj Thing coquetea incluso con el R&B) y pasajes ambientales a base de pianos y grabaciones caseras en una suma de texturas y ambientes que le proporcionan al disco una luminosidad tan extraña como excitante y adictiva.

—ricky lavado

#34 septiembre 2017

Lapalux

ROCK / El rock de guitarras

lleva años caminando por el desierto en las Islas Británicas, años de una travesía en la que apenas se avista algún pequeñísimo oasis a la vista, (permitidme el juego de palabras). Tal ha sido la sequía que se ha llevado por delante incluso a las tablas de Moisés (NME), sin rastro del brit pop y con la música indie más centrada en la electrónica que en los riffs de guitarra. Pocos resisten, pero la esperanza viene de Reading. Porque The Amazons basan sus canciones en... ¡riffs de guitarra! Eso, en una banda inglesa actual, supone casi ser punks. La fórmula es simple: un buen riff, una melodía pegadiza y pelotas. Música para cuando tienes quince años y solo quieres emborracharte. El disco es un pepinazo, no es de extrañar que toda la isla ande loca con ellos, que la prensa les ponga en todas las listas, porque himnos como Stay With Me, In My Mind o Holy Roller son cortes que te hacen burbujear la sangre.

—marcos molinero

ELECTRÓNICA / Con su tercer largo, Lapalux destroza todo lo construido hasta ahora, evitando, eso sí, alejarse demasiado de su identidad. A raíz de la creación de la banda sonora para una propuesta artística en el cementerio de East London. Stuart Howard decidió alargar su ya obsesivo interés por el mundo de los sueños y llevar su música hasta el reino de los muertos. Grabado en hardware y con el uso de instrumentos reales en su totalidad que buscaban un resultado más analógico. Deja el uso de voces (Gabi, JFDR) en un segundo plano y huye de lo comercial. El británico presenta una propuesta donde el caos, el desorden, la decadencia y el ruido son los verdaderos protagonistas. Su reputación como perfeccionista estalla y da paso a un álbum tan confuso como atractivo. Una visión de la muerte tensa, dura, pero lo suficientemente cálida como para contentar tanto a su público habitual como a los curiosos que se acerquen a él a raíz de este nuevo recorrido. —álex jerez

Songhoy Blues

Integrity

Ruinism Brainfeeder

The Amazons Fiction/Music As Usual

paseo por el jardín, ese brindis a la buena onda, que es Dizzy. Una vez enfrentado a esos avances, ya estás atrapado en el fantástico recorrido emocional que sugiere Crashpad. Stones es la obertura, suena como se aleja la tormenta de If, porque el disco está lleno de sonidos incidentales, como esos pajarillos que se cuelan en el micro de la acústica en Crashpad. Y podemos seguir con Deleted Files, una decisión difícil, doce minutos exorcizantes, una carrera liberadora, borrón y cuenta nueva. La habitual bruma guitarrera de Neuman deja paso a desarrollos más festivos, que invitan a la fanfarria, a la algarabía (Gibberish). En esa vuelta a casa, a los orígenes, a la infancia, no podía faltar hablar con la madre. En Quiet Paco se dirije a ella y lo hace incluso en lengua materna, en un único texto en castellano. End marca el epílogo, con un grand piano que da el último suspiro a un disco que, uniendo una serie de fotogramas en Super 8, ha resultado ser la mejor cinta firmada por Neuman hasta la fecha. —arturo garcía

FOLK / Hay discos que son para el verano y otros, como este The Holy Strangers, son otoño puro. La ensoñadora obertura The Temptation abre el telón de esta ópera folk moderna, que cuenta a lo largo de sus hipnóticas catorce pistas, la historia de una familia en tiempos de guerra, reflejando las etapas de la vida, desde el nacimiento del amor, al matrimonio y los niños, pasando por la traición, el asesinato y el suicidio. Micah P Hinson ha fraguado un álbum a fuego lento en Denison (Texas), que huele a lluvia y leña, rezumando autenticidad por cada surco. Y si la elegante guitarra y la envolvente sesión de cuerdas nos atrapan, la voz de P Hinson (con el espíritu de Johnny Cash cabalgando a su lado), vuelve a salir del centro de la tierra para hacer temblar los cimientos de la música americana, ya sea en un seductor country como Lover’s Lane, en la nana que le compuso a su hijo Oh, Spaceman, o en la rural y espacial The Lady From Abilene. —david pérez

Howling, For The Nightmare Shall Consume Relapse METALCORE / El irregular Suicide Black Snake (2013) ya empezaba a quedar muy atrás y Howling… supone un aviso en toda regla con el que Integrity quieren dejar claro que su endiablada amalgama de metal y hardcore-punk sigue siendo única, como lo ha sido desde que debutasen en 1991 con Those Who Fear Tomorrow. En cierto modo, este décimo trabajo de estudio marca un hito en su carrera al ser el primero que editan con Relapse y, también, con el guitarrista Domenic Romeo, cuya destreza a las seis cuerdas enriquece notablemente el acabado de piezas tan consistentes como Fallen To Destroy/Blood Sermon, la densa Unholy Salvation… o Die With Your Boots On, el tema más heavy-metal de todo el álbum. Más de tres cuartos de hora dominados por la variedad: más que jugar en su contra, les ha permitido construir una obra entretenida y con todos los elementos que busca cualquier oyente de Integrity: intensidad, rabia y oscuridad. —tomeu canyelles

Résistance Transgressive/[PIAS]

ROCK / Tres años después

de Music In Exile, este joven cuarteto de Malí regresa con su segundo trabajo. Gracias a ser acogidos por el African Express (de Damon Albarn), protagonizaron un documental y giraron por medio mundo, algo que han aprovechado para crecer como grupo. De ahí que en Résistance se refuerce mucho más lo que vio en ellos Marc Antoine Moreau (African Express): “son una banda africana, pero por encima de eso, son una autentica banda de rock”. La producción de Neil Comber (MIA, Crystal Fighters, Franz Ferdinand) les ha dado más fuerza a sus canciones y más riqueza a los arreglos, eso sin perder su ADN africano. Ahí están Vote con tremendo riff a lo Zeppelin; Bamako, de aires afrobeat y vientos enormes; o Sahara a lo Tinariwen y con la voz invitada de Iggy Pop. Y no nos olvidemos de las irresistiblemente rítmicas Badji y Dabari, la relajada Hometown o Mali Nord, para la que cuentan con ese valor en alza dentro del grime que es Elf Kid. —miguel amorós

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Protomartyr

ROCK EXPERIMENTAL / En la

octava etapa de ese fascinante viaje en el que han convertido su discografía, Liars mantienen las directrices básicas de su discurso: atmósferas obsesivas, ambientes fantasmales y crudeza en la producción, pero esta vez dejan entrever su vertiente más “pop” (todo lo pop que Liars pueden sonar, claro está) en una colección de temas donde resultan más reconocibles que nunca las estructuras de canción en detrimento de la experimentación ruidista. En este disco hay guitarras acústicas y melodías puramente sesenteras, que sitúan a Liars en un terreno inclasificable y personal que suena a psicodelia industrial, si es que eso tiene sentido. Los aportes electrónicos esta vez se alejan del carácter ambiental que caracterizó WIXIW y del acercamiento a la música de baile que supuso Mess para jugar un papel secundario en forma de paisajes industriales saturados que funcionan de contrapunto perfecto para unas melodías intimistas. —ricky lavado

Gepe

Ciencia exacta Quemasucabeza

Relatives In Descent Domino

ROCK / El cuarto trabajo de Protomartyr en siete años es el presente Relatives In Descent, con un un sonido bastante más limpio y compacto de lo que tenían acostumbrado a sus seguidores. El redoble omnipresente de A Private Understanding, cinco minutos sui géneris con una progresión ascendente que estalla y se acelera sorpresivamente, destapa este nuevo largo con doce cortes tan misteriosos, nebulosos e inquietantes como Here Is The Thing, The Chuckler y mi favorita, Windsor Hum, un corte inspirado por un extraño y (dicen) paranormal zumbido que parece tener su origen en una isla al sur de su Detroit natal. Precisamente el temor a los desconocido, la búsqueda de la verdad y el espíritu crítico conforman el mensaje de Relatives In Descent. Esta banda al alza también clava piezas directas como Caitriona, despachada en dos minutos de puro indie rock, y Don’t Go To Anacita, con ecos a The Clash. Sin duda, un disco muy completo y razonablemente ambicioso. —luis benavides

POP / La exuberancia y

la euforia que marcaron hace dos años Estilo libre, el anterior trabajo de Gepe, quedan un poco de lado en Ciencia exacta, sexta entrega en la ecléctica y brillante carrera del músico chileno, siendo éste un trabajo de un carácter marcadamente más intimista, aún manteniendo el tono vitalista y luminoso que siempre ha caracterizado su música. Da la sensación de que Ciencia exacta es un disco construido mirando hacia adentro, investigando en las raíces folklóricas que siempre han estado presentes en la música de Gepe para dar forma a una colección de canciones de esqueleto puramente introspectivo, vestidas para la ocasión con una serie de arreglos de vientos, percusión y cuerdas que le dan al disco una frescura maravillosa. Un disco completo, maduro y muy disfrutable que afianza una vez más a Gepe como una de las voces más interesantes que han surgido desde el otro lado del océano en los últimos años. Que dure.

DD LJM DC JSL Med

1 LCD Soundsystem 9 9 9 9 9 American Dream 2 Bejo Hipi Hapa Vacilanduki

8 8 9 8 8,25

3 The War On Drugs 7 8 8 7 7,5 A Deeper Understanding 4 Él Mató A un Policía 9 6 7 8 7,5 Motorizado La síntesis O’Konor 5 The Horrors V

7 7 8 8 7,5

6 Neuman Crashpad

8 8 6 7 7,25

7 Arcade Fire Everything Now

7 6 6 7 6,5

8 Prophets Of Rage 7 6 6 7 6,5 Prophets Of Rage 9 Grizzly Bear Painted Ruins

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

TFCF Mute/[PIAS]

top 10.

Liars

6 7 6 6 6,25

10 Foster The People 5 5 7 6 5,75 Sacred Hearts Club

—ricky lavado

Supergrupo de los noventa en el siglo XXI

Gente Joven Glub Glub Glub Acuarela

Prophets Of Rage

Prophets Of Rage Fantasy Records/Music As Usual

CROSSOVER / La premisa es simple: Tom Morello reune a la base rítmica de Rage Against The Machine para dar forma a una nueva aventura musical, completada por Chuck D y Dj Lord (Public Enemy) y B Real (Cypress Hill). Como suele pasar con este tipo de “súper bandas”, la expectación es enorme. El peso de las respectivas bandasmadre de cada uno de los implicados es lapidario, la sombra de lo que significaron en su momento es muy larga y la desconfianza respecto a la calidad e incluso al sentido de este tipo de reuniones de personalidades está más que justificada. Al invento se suman el productor Brendan O’Brien, el diseñador y artista Shepard Fairey (Obey) y el cineasta Michael Moore creando un imaginario revolucionario en forma de diseños de estética soviético-maoista por un lado y de videoclips de puro riot porn por el otro. Con todos estos elementos sobre la mesa y una inequívoca vocación de denuncia social y activismo político el resultado es una colección de doce temas que suenan exactamente a lo que se podría esperar: Prophets

Of Rage es Rage Against The Machine con las voces más reconocibles de Public Enemy y Cypress Hill. Ni más ni menos. Si se trata de un simple ejercicio de nostalgia es algo sobre lo que cada cual tendrá su opinión, pero lo que es innegable es que al escuchar Hail To The Chief, Strenght In Numbers o Unfuck The World nos encontramos con una banda que suena potente, bien engrasada y, sobre todo, coherente, en la que la versión más incendiaria de Rage Against The Machine encaja a la perfección

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con los característicos flows de Chuck D y B Real. No es fácil disociar el sonido de Morello y compañía de la voz de Zach de la Rocha, y en general Prophets Of Rage salen airosos en esa tarea: Who Owns Who o Fired A Shot son auténticos cañonazos de rap metal que harán las delicias de cualquier fan del género, y la cosa funciona incluso en los escasos momentos en los que se salen del guión, como en esa maravilla de aires funk que es Take Me Higher.

—ricky lavado

POP / Los leoneses Gente

Joven afrontan su tercer trabajo desenvolviéndose en los terrenos de la canción pop más analógica, consiguiendo una ambientación mística que se entrelaza con la forma ligera de perdurar el ruido de fondo que tan bien desarrollaron Migala. En un trabajo impregnado de relaciones de tinte amoroso venidas a menos junto a estampas que el paso del tiempo no ha logrado difuminar, la simbología relacionada con la naturaleza que rodea a los temas, resulta fundamental para alcanzar la serenidad precisa y aportar un cierto carácter popular a canciones como A flote. Con la capacidad para sumergir las voces entre los sintetizadores (en máximo esplendor en Pamplinas), podemos encontrar cómo el encanto propio de las composiciones lo-fi se cuela en la producción, aportando la máxima sensación de realismo. Un álbum de fotos con muchos detalles por descubrir. —noé r. rivas septiembre 2017 #35

MONDOVINILOS

Laibach

Also Sprach Zarathustra Mute/[PIAS]

El difícil segundo disco de Wolf Alice Wolf Alice

Visions Of A Life Dirty Hit/Music As Usual

8 POP / Ser jóvenes y triunfar a la velocidad

que marcan los tiempos actuales -es decir, lo que dura un trending topic o una historia de Instagram- implica colocarse bajo una gran lupa y someterse a un meticuloso análisis. Con nominaciones al Mercury y el Novello, una extensa gira y un exitoso debut titulado My Love Is Cool (Dirty Hit, 15), los británicos Wolf Alice ya pasaron por ese trámite. Después, les tocó volver a casa, digerir todo lo vivido y enfrentarse a un digno sucesor. Y, frente a toda expectativa (buena o mala), han hecho lo que les ha dado la gana. Para bien. Cuando el cuarteto regresó a las ondas con Yuk Foo, dos minutos y trece segundos de rabia acelerada y desatada donde Ellie Rowsell se desgañita, parecía que Wolf Alice habían optado por la vertiente más cruda de la paleta de sonidos expuesta en su debut. Sin embargo, luego se suavizaron a base de sintetizadores y con Ellie en su versión

Madeline Kenney

Diego Hdez

POP / Las comparaciones son odiosas, pero necesarias para dar a conocer propuestas ignotas. Así que allá vamos: imaginen un cruce entre la dulzura de Tanya Donelly (Belly), el mercurial sentido de la melodía de Kristin Hersh (Throwing Muses), la distinguida ingravidez de Victoria Legrand (Beach House) y el puntual rasguño eléctrico de la primera PJ Harvey. Supongan también que, lejos de cualquier sesgo anacrónico, la amalgama se revela atemporal. Y que las canciones se sostienen por sí solas, presas de un conjuro difícil de explicar con palabras, surcadas por una voz tan afianzada y segura que parece querer desmentir que estemos ante un debut. Todo eso lo logra esta neurocientífica de Seattle afincada en Oakland, cuyas canciones rozan el cielo con los dedos y hacen que su nombre despunte entre el más reciente pelotón de voces femeninas (Julie Byrne, Julia Jacklin) que toman el folk como punto de partida y no como fin en sí mismo. Una de las grandes sorpresas de la temporada. —carlos pérez de ziriza

#36 septiembre 2017

Y con cabeza, porque han sido ambiciosos pero certeros en la tarea de llevar más allá las ideas que se adivinaban en 2015. Quien esperase un disco mediocre para confirmar su condición de hype, no lo va a encontrar. Aunque poco importa lo que se pudiera esperar de ellos. De hecho da la impresión de que a Wolf Alice les importan una mierda nuestras expectativas. —beatriz h. viloria

Public Service Broadcasting

Viva el Mar Foehn

Night Night At The First Landing Company Records

más dulce dando voz a las confesiones cuasi adolescentes de Don’t Delete The Kisses. Y retomaron el pop pero con guiños funk en Beautifully Unconventional. Este trío de adelantos es una buena representación de la docena de temas que construyen Visions Of A Life a base de continuos saltos estilísticos –los tres títulos citados van seguidos, sin ir más lejos- pero siempre con el pop como base.

Glen Campbell

POP / Vale la pena seguirle

la pista a este tinerfeño, pues siempre da pistas acerca de la bendita heterogeneidad con la que desenvuelve su asentadísimo olfato para un pop de amplísimo espectro. De popular, vaya. El blues arrastrado de Under The Microscope, el folk polvoriento de Rainbows On My Carpet, el pop acústico de No Cowboy, el soul fracturado de So What, los ecos del mejor Ben Harper en Here She Comes o de la Jon Spencer Blues Explosion en Homework, el pop sintético y desvencijado de Responsability o esa maravilla instrumental de aliento levemente fronterizo que es el tema titular redondean un trabajo tan individualista (apenas asoman el saxo de Ricardo Marichal, la batería de Luis Suárez y la mandolina de Ruskin Herman) como versátil, que valdrá la pena ver defendido sobre los escenarios junto a la VivaBand, el cuarteto que forman Carlos Pérez, Román Brito, Ricardo Marichal y Yeray A. Herrera. Una pequeña gran delicia.

—carlos pérez de ziriza

POST-ROCK / Después del

derechazo que supuso Go y las locuciones de la NASA de su anterior álbum, el siguiente movimiento de los británicos no podía defraudar. Every Valley es un álbum conceptual y ambicioso que gira en torno a la caída de la industria del carbón en los ochenta en el sur de Gales. Un trabajo con un marcado carácter cinematográfico, grabado magistralmente con secciones de cuerda, sintetizadores y guitarras eléctricas, sin dejar de lado sus coqueteos con los samplers basados en propaganda política y programas de radio y televisión. Las narraciones resultan sublimes y las colaboraciones de Tracyanne Campbell, James Dean Bradfield y especialmente Haiku Salut, sirven para relatar una historia dramática y para aupar a la banda al siguiente nivel. Sin grandes singles ni guiños comerciales, Every Valley consigue expandir su pequeño universo con un postrock de salón elegante y preciso que afianza su propia marca.

—david bernardo

Alan Vega It Fader

Adiós Capitol

Every Valley [PIAS]

INDUSTRIAL / Nacidos en la Eslovenia comunista de los ochenta abanderando la rama musical del movimiento N.S.K., Laibach no han parado de llevar su música industrial a lugares insospechados: desde maquineras versiones de Life Is Life o The Final Countdown hasta dar polémicos conciertos en Corea del Norte. La última ha sido aceptar el encargo de poner banda sonora a la adaptación teatral de la obra de Nietzsche Así habló Zaratustra dirigida por Matjaž Berger. El resultado poco tiene que ver con una continuación del su anterior trabajo, Spectre; más bien es una minimalista y tenebrosa desviación –no apta para impacientesde su sonido industrial para abordar una obra tan compleja como la del filósofo alemán. Pero sin duda, el gran atractivo de este trabajo se encuentra en la presencia de la RTV Solvenia Symphony Orchestra, cuyas composiciones acompañadas por la preciosa voz de Mina Spiler sirven para deleitarnos con unos bellos instantes finales. —guillermo chaparro

COUNTRY / Hace unas se-

manas me encargaban en la redacción la crítica del último trabajo de Glen Campbell. Lo que un servidor no imaginaba es que iba a estar redactando este texto el día después de la muerte del de Arkansas. Esto convierte el disco en una despedida definitiva, cosa que hace más difícil tratarlo con objetividad. No es Adiós –grabado en su mayor parte en 2012- un disco sobresaliente, pero es buena muestra de lo que Campbell fue: un magnífico cantante y un excelso guitarrista. Para la ocasión, Glen no aporta ninguna composición y se limita a escoger canciones de algunos de sus compositores favoritos. Ahí están Bob Dylan, Willie Nelson, Roger Miller, Fred Neil o un Jimmy Webb que, como colaborador habitual de Campbell se lleva la palma con hasta cuatro composiciones, entre las que destaca el tema que titula el trabajo, grabado originalmente por Linda Ronstadt, convertido hoy en un magnífico epitafio.

—eduardo izquierdo

PUNK / El disco póstumo

de Alan Vega llega justo un año después de su fallecimiento, encontrándonos con las últimas canciones que el norteamericano compuso junto a su esposa Liz Lamere. Como bien nos mostró en algunas de sus referencias más recientes junto a artistas como Marc Hurtado o Alex Chilton, la recta final del músico se centró exclusivamente en conseguir unas canciones de marcado carácter de perdición, no solo por la fuerte carga otorgada a todo el aparataje industrial, sino las frases secas y concisas entorno a un colapso social. Centrando buena parte de sus esfuerzos compositivos entre los años 2010 y 2016, It se encuentra a la altura de la mayor parte de los trabajos en solitario del músico, sacando a la perfección el carácter metálico y agónico que tanto le ha acompañado en su carrera en solitario. Los ambientes robóticos y la voz bronca de Alan consiguen capturar un fiel sentimiento de desasosiego dando forma a un final a la altura de su carrera. —noé r. rivas

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Filthy Friends

Tyler The Creator

Invitation Kill Rock Stars/ Popstock!

ROCK / No es Filthy Friends

uno de esos súper grupos destinados a sacar la pasta del fan de turno, ya que su origen se encuentra en la prolongada amistad entre dos de sus miembros, el ex R.E.M. Peter Buck y la SleaterKinney Corin Tucker. Además, el marcado carácter político de ambos acabó sirviendo como nexo de unión para un proyecto que completan Kurt Bloch y el siempre infalible Scott McCaughey (The Minus 5, Young Fresh Fellows) y Bill Rieflin (R.E.M., Ministry, King Crimson o Swans) Empiezaron como grupo de versiones de David Bowie en 2012, pero ahora deciden sacarse de la manga un disco con temas propios. Y vaya disco. Invitation crece por el marcado carácter de las guitarras de Buck y la fiereza punk-pop de Tucker, líderes evidentes del proyecto, pero conjugados a la perfección por el buen hacer del resto de músicos. Además, las letras no tienen desperdicio. Se posicionan en contra de Trump y a favor de las políticas defensoras del medio ambiente.

—eduardo izquierdo

Flower Boy Columbia Records

RAP / La locura de Tyler

The Creator es real, no es impostada, está como un cencerro, pero es un genio. Musicalmente Flower Boy es un trabajo brillante, con más pegada y más colorido que los anteriores. Un disco sin relleno, sin tanta locura, pero donde la anarquía sigue dominando. El cerebro de Odd Future nos trae su disco más completo, dejando en evidencia a muchos, sobre todo a viejos pesos pesados. Lo último de Jay Z palidece ante esta bomba de relojería, basta con escuchar Who Dat Boy para entender que en el universo de Tyler se puede pasar del gangsta rap al G-funk y del trap al r’n’b en un suspiro. Es el joker del hip hop, pero no un joker gracioso, no, es el de la trilogía de Nolan, del que te revienta la película con un carisma que ni el mayor superhéroe de todos los tiempos puede levantarle ni una sola escena, para desespero de los guionistas. Si el mundo es Gotham, Tyler lo hace saltar por los aires. —marcos molinero Samuel O’Kane

Miquel Serra

Good News For Bad Boys Universal Music

L’octau clima Foehn

El clasicismo de Joana Serrat Joana Serrat

Dripping Springs Great Canyon

AMERICANA / Cuesta mucho argumentar por

qué motivos te gusta un disco. A veces es solo una cuestión de piel: te eriza los pelos y punto. En otras palabras, un disco te llega cuando logra tocar algo dentro de ti, como una especie de resorte, que hace que toda una cadena de emociones se ponga en marcha. Eso se consigue o no, jamás se fuerza. Claro que se pueden hacer pasitos para conseguirlo, como ha hecho Joana Serrat al desplazarse hasta Texas para grabar con Israel Nash, productor del disco, y con un elenco excepcional de músicos americanos de valía demostrada. Aunque todos los medios y más serían pura anécdota si Joana Serrat no desbordara, en este disco, talento y sensibilidad a raudales, si no tuviera “aquello” capaz de zarandearte el espíritu.Para ello se vale de lo que mejor sabe hacer: canciones esencialmente folk, pero sin caer en un purismo

castrante. Si bien es cierto que este cuarto álbum es el más adscrito al sonido americana, también encontramos algunos temas menos ortodoxos donde se pueden entrever influencias de otros géneros. Es el caso de Western Cold Wind, en el que el rock sinfónico de atmósferas y nebulosas asoma una patita; o bien los sonidos de Stratocasters clásicas que evocan irremediablemente a Mark Knopfler y, por qué no, a un Brother In Arms de los Dire Straits más fascinados por la música profundamente yanki. El aroma sureño de algunas canciones transporta al oyente a un otoño de tonalidades cálidas construidas a partir de la voz de Joana, impecable, que arropa dando una sensación de profunda calma. Porque en este disco la prisa está desterrada, dilatando los temas con vueltas instrumentales, como lo hacían Red House Painters, llegando incluso a regalarnos codas que, en si mismas, son ya canciones. Y Joana Serrat e Israel Nash lo graban todo con un sonido de otra época, denso y con poco aire entre pistas, creando una sonoridad amortiguada, alejada de la precisión digital y acercándose a un clasicismo analógico que encaja a la perfección con el concepto artístico del disco.

—maría fuster

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POP / Hay que ver lo bien

que cuaja la psicodelia cuando anida en talentos singulares que dan con sus huesos en las Baleares. Como si quisieran dar cuerpo a la semilla plantada en su día por Kevin Ayers, Daevid Allen, Pep Laguarda o Pau Riba, no son pocos quienes edifican desde allí hermosos universos líricos y sonoros en torno a los estados alterados de la mente. El cuarto álbum de Serra depara una factura tan sólida y bien enhebrada como cualquiera de los anteriores, destilando unos vapores lisérgicos límpidos y claros, que lejos de embotar los sentidos o nublar la vista, acaba por estimularlos. Y lo hace manteniendo un equilibrio muy logrado entre la concreción pop de su primer tramo y la tenue experimentación del segundo, con una versatilidad que bascula entre canciones mayúsculas como Signes de preguntes o La paraula blanca y maravillas como Doble silenci o el tema titular, que podrían formar parte del score de una película imaginaria.

—carlos pérez de ziriza

R&B / Tras varios años colaborando con algunos de los mejores raperos de este país, Samuel O’Kane por fin está preparado para salir del cascarón. Sabe lo que quiere y cómo lo quiere, y con esta seguridad el tarraconense presenta su primer larga duración, una demostración de que el R&B tiene vida y espacio en la música española y que además puede entenderse con otros estilos como el rap, el trap o el reggaetón. Good News For Bad Boys es un disco adaptado a los nuevos tiempos, rico en variedad y guiado de forma sublime por la soberana voz de Samuel, capaz de sacar brillo y color a los ambientes oscuros que imperan en este trabajo. Aunque, avisamos, puede que se le haga cuesta arriba a los amantes de la música negra tradicional (por el uso de elementos electrónicos como el autotune). Pero quitémosnos los prejuicios, démosle al play y disfrutemos del presente (y el futuro) del R&B español.

—alfonso gil royo

septiembre 2017 #37

The Fall

Broken Social Scene

Hug Of Thunder Arts & Crafts/ Music As Usual

ROCK / Después de un hiato

de siete años en el que nos dejaron con Forgiveness Rock Record (10) los canadienses se vieron motivados a volver, según su líder Kevin Drew, a partir de los atentados de París en 2015. En lo que se refiere al sonido de la formación siempre ha sido una amalgama de todos los proyectos de los hasta diecinueve miembros que ha llegado tener BSS en estudio. ¿Cómo definirlos, si es eso posible? Pop barroco, indie, experimental... El caso es que Hug of Thunder sirve como pretexto para que un grupo de amigos vuelva a hacer música, y el resultado no es malo. El grupo de Toronto firma temas sólidos demostrando una cohesión que tal vez no tenía su anterior trabajo, y lo más importante: su música sigue sonando vibrante y fresca gracias a temas como Halfway Home, primer single del disco, la radiante Stay Happy o la enigmática Gonna Get Better. Lo que cualquier seguidor esperaría oír tras siete años.

—marc oliveras deu

The Clientele

Music For The Age Of Miracles Tapete/ Gran Sol

POP / Cumpliendo los vein-

7 te años de carrera y después de diez años sin publicar nuevo largo, The Clientele han disipado todas las dudas acerca de su actividad con un trabajo que les vuelve a colocar en la primera línea del pop lluvioso con mayor aroma a clásico. Los años parecen no notarse a la hora de seguir proyectando unas canciones que se recrean en los arreglos precisos de piano y coros cargados de gran expresividad, dejando fluir un mayor halo de esperanza del que nos tienen acostumbrados. No es que los británicos se hayan pasado a la cara más feliz e idealista del pop, más bien han conseguido que sus estribillos suenen un peldaño por encima del resto de la canción en cuanto a su optimismo. De este modo, temas como The Neighbour o Everyone You Meet destacan sobremanera en el momento en el que la voz de Alasdair MacLean pasa de la calidez a un tono mucho más vitalista, no dejando escapar el refuerzo que le proporcionan cuerdas y vientos. —noé r. rivas #38 septiembre 2017

Kronos Quartet

New Facts Emerge Cherry Red/ Popstock!

POST-PUNK / A dos años de Sub-Lingual Tablet, The Fall ponen un ladrillo más en su inabarcable discografía, llevando al extremo ese sonido deliberadamente más brillante y robusto que caracteriza sus últimos lanzamientos. El resto sigue intacto: Portada expresionista desafiantemente cutre, títulos que hacen bandera del surrealismo gamberro, ritmos pétreos como el hormigón armado, minimalismo cafre. Y como guinda, las desaliñadas, abstrusas y caóticas letanías del ya sesentón gruñón de Salford. No hay reglas en el rock obsesivo de Mark E. Smith, ni falta que hacen. Así, tenemos trallazos de furia como Fol de Rol o New Facts Emerge; festines de bajo ensimismado (Brillo de facto); miniaturas cabreadas con abrupto final psicodélico (Victoria Train Station Massacre); medios tiempos perversos (Couples Vs Jobless Mid 30’s); piezas de rockabilly absurdo (Second House Now) o incluso píldoras “pop” (Gibbus Gibson, Groundsboy). —josé carlos peña

Murciano Total

Folk Songs Nonesuch/ Warner

FOLK / El prestigioso sello Nonesuch celebró en 2014 su cincuenta aniversario con dos conciertos especiales. Para ellos el Kronos Quartet se unió a cuatro cantantes compañeros de sello y prepararon un repertorio de música tradicional, con arreglos contemporáneos, que titularon Folk Songs. Posteriormente grabaron algunos de esos temas que ahora aparecen aquí. El Kronos Quartet lleva más de cuarenta años experimentando con su música en miles de conciertos y más de sesenta grabaciones. En esta ocasión reinterpretan piezas de música folk, vistiendo de manera delicada cada canción, pero cediendo (en parte) el protagonismo a las personales voces (a dos por cabeza) de la conmovedora Rhiannon Giddens, ex Caroline Chocolate Drops; a Olivia Chaney, cantante folk inglesa de suave voz, al vibrante Sam Amidon cantante y compositor americano, casado con Beth Orton, y a la siempre melodiosa Natalie Merchant. Un disco exquisito.

—miguel amorós

Boris

Dear Sargent House

Cencia El Genio Equivocado

POP ELECTRÓNICO / Dejémoslo claro desde el principio: el manantial synthpop que descubrieron hace unos años Murciano Total sigue intacto. Aunque el grupo se esconda tras un envoltorio conceptual (sus últimas referencias reinterpretan en clave pop la copla murciana tradicional), el encanto y la inmediatez siguen ahí. Y es que, a pesar de las referencias cultas (de Alejandro Jodorowsky o al exegeta coplero Díaz Cassou) y a la cultura popular (ese cameo de Jiménez del Oso en Cencia 4 (La luna y yo) o la versión de Azul y Negro La torre de Madrid), José Lozano y Elena Molina siguen empeñados, felizmente, en reivindicar a New Order en clave cañí (ojo con Cencia 3: A pan y cebolla) y el libro de estilo de la primera época de Stephin Merritt. Como el líder de The Magnetic Fields, Murciano Total también son capaces de aunar sintetizadores góticos con melodías pop sanadoras (Cencia 1: Incertidumbre).

—xavi sánchez pons

ROCK / Cuesta pensar que,

después de tanto material editado (veinticuatro discos de estudio además de colaboraciones, directos, EP’s, etc.) Boris tengan algo más que decir o aportar. Pero lo tienen. Sin renunciar a ese sonido envolvente, denso y venenosamente narcótico, la nueva obra de Takeshi, Wata y Atsuo convence desde su primera escucha y obliga al oyente a obviar todo aquello que separa Dear de Heavy II (11), considerado por muchos como su último gran disco. Puede que lo mejor de su nueva referencia se concentre en su primer tramo: en D.O.W.N. o la estremecedora Deadsong se adivinan destellos de piezas monumentales como Pink (05) o Smile (08), por si no les bastaba bautizar una de sus nuevas canciones con el título de su debut: Absolutego. Siguen sonando solventes y adictivos, tanto en el terreno del drone-doom como en canciones más melódicas (Biotope o una Dystopia que casi roza el ambient). De lo mejor que hayan publicado en esta década.

—tomeu canyelles

La vida después de Vampire Weekend Rostam

Half-Light Nonesuch/Warner

7 POP / Primero como miembro y productor

en Vampire Weekend y luego en proyectos como Discovery (junto a Wes Miles de Ra Ra Riot) y producciones para Frank Ocean, Carly Rae Jepsen, Charli XCX o Haim, Batmanglij ha mostrado, a la vez, un estilo propio y versatilidad. Esa cualidad de ser capaz de ajustarse a diversos registros y no por ello perder personalidad, no solo le convierte en un artista cien por cien del siglo veintiuno, sino que también enriquece su paleta de colores en una carrera en solitario que se inicia ahora con este Half-Light. Un debut que es Batmanglij en estado puro: samples de miniatura, percusiones sintéticas, esos coros en arabesco, sonidos de oriente y belleza en las formas. Half-Light es pop de autor con Batmanglij reflexionado en voz alta sobre las dudas de ser hijo de inmigrantes en los Estados Unidos (la ensoñadora Gwan), hablando de su condición sexual con normalidad (el neo-bubblegum de Bike Dream), o plantando cara a la soledad (el pop deconstruido y espectral de EOS). El tono del álbum es casi de duermevela y

altamente emotivo, pero la lírica, las melodías, los arreglos y la voz Batmanglij son tan dulces y elegantes, que nunca cae en el tremendismo o en el sentimentalismo barato; esto es emoción sin artificios. Ah! Ojo con las dos colaboraciones especiales que presenta el disco: Kelly Zutrau en la parte final del tema que da nombre al álbum (con esos teclados a lo The Cars), y Angel Deradoorian

(antes en Dirty Projectors y ahora en solitario) en Hold You, una pieza de r&b mutante pero preciosa. Half-Light no es perfecto y tiene cosas a pulir (su último tramo se hace algo repetitivo), pero como brainstorming sensorial muestra a un Batmanglij en plena forma. Vamos, que estamos delante de una notable carta de presentación en solitario.

—xavi sánchez pons

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The Horrors

UNKLE

V Caroline/ Music As Usual

POP / Los británicos lan-

zan su quinto disco con las constantes vitales en buen estado, pese a no haberse comido el mundo que se les prometió hace ya una década. En realidad, Luminous (XL, 14) no estaba nada mal, aunque quizá le sobraban minutos y su viraje abiertamente electrónico y pop con un pie en 1981, no acabó de destacar como merecía entre la marea de novedades. Ahora extreman conscientemente sus polos, apoyándose en el productor de moda Paul Epworth (Coldplay, U2) y sin margen para el error. De la agresividad casi industrial de Machine a la ligereza sintética de Something To Remember Me By hay otro sugestivo y por momentos (esa portada no carente de humor) inquietante universo a explorar de texturas sonoras imaginativas construidas con viejos sintetizadores y módulos que casan muy bien con su carácter e instinto para escribir canciones a prueba de modas y, sí, postureos. Pese a las apariencias, The Horrors nunca han sido flor de un día. —jc peña

The Road: Part 1 Songs For The Def/Popstock!

ELECTRÓNICA / Psyence Fiction (98) fue una de esas obras magnas por las que no pasa el tiempo. Gracias al buen hacer de un DJ Shadow en estado de gracia y de una pléyade de invitados de quitar el hipo ese trabajo se convirtió en una obra atemporal, algo que no se puede decir del resto de discos de UNKLE, del que en la actualidad permanece tan solo como miembro fijo James Lavelle. Tras unos trabajos bastante descafeinados, nos encontramos con The Road: Part 1, un album que no recupera el brillo de su primer disco, pero que logra cosechar algunos momentos notables. Lo primero que notamos es la falta de estrellas, lo más parecido es el gran Mark Lanegan, que brilla con luz propia en Looking For The Rain. El resto de los acompañantes son menos conocidos y no logran dar siempre con la tecla, aunque se salvan Stole Enough con Mïnk como invitado, o Sick Lullaby con Keaton Henson. Mención especial a la bella Farewell con las voces de Lanegan y Eska. —raúl linares

Ian Felice

Mogwai

In The Kingdom Of Dreams Loose Records

Every Country’s Sun Rock Action/ [PIAS]

POST-ROCK / Noveno álbum, veinte años de trayectoria e importantes incursiones en el mundo de las bandas sonoras resumen la gloria del cuarteto escocés. Nada les ha detenido. Ni siquiera la marcha de su guitarrista principal, John Cummings, en 2015. Tampoco ha sido un freno la reciente actividad en paralelo de Stuart Braithwaite en Minor Victories, porque Mogwai son el gran exponente del “post-rock”, aunque algunos vean en la etiqueta algo ya envejecido y sin demasiado sentido. Porque al final, siempre cumplen. Desde el single, Coolverine, viajamos por ambientes sonoros de marcados cromatismos, como en la electrónica psych de 1000 Foot Face, que persigue una clara sinestesia plástica; Don’t Believe The Fife que hace estallar la melodía en formas de... ¿happy-noise? y a la que sigue en esa formalidad Battered At A Scramble. Lo mejor está al final, donde todo estalla con Old Poisons. Siguen haciendo de la experimentación sonora una virtud. —rubén g. herrera

AMERICANA / Acaba por resultar de lo más curioso que los mejores discos de los hermanos Felice se estén desarrollando últimamente fuera de la banda que les dio a conocer, es decir, The Felice Brothers. Si hace unos años el mayor de los vástagos, Simone Felice, abandonaba su rol de batería para entregarnos dos excelentes discos, esta vez le ha tocado el turno a Ian, que ha perpetrado el disco más emocionante, sincero y bello que he escuchado últimamente. Un álbum que vuelve a situar la música de los hermanos Felice en el casillero de salida, recordándonos que antes de que se lanzaran a experimentar con diferentes y ampulosas texturas en discos como Celebration Florida o Favorite Waitress, los Felice eran los mejores garantes para mantener viva la llama del verdadero sonido de América. Ecos al Neil Young acústico, a Bob Dylan, pero también a todos esos autores que, como Conor Oberst, quisieron y lograron dejar un pedazo de sus vidas plasmados en forma de disco. —don disturbios

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El disco comprometido de Lana del Rey Lana del Rey

Lust For Life Polydor/Universal

7 POP / Después de presentarnos a modo de

avance dos de sus mejores temas hasta la fecha, Love y esa Lust For Life en la que se deja acompañar por The Weeknd, podría pensarse que ya estaba todo el pescado vendido. Pero el nuevo álbum de Lana del Rey guarda muchas más joyitas. La primera parte podría considerarse una continuación de “Born To Die”, ya que se recrea nuevamente en los claroscuros de la fama y los amores tóxicos que una femme fatale como ella acumula como cromos. 13 Beaches, sin ir más lejos, tiene esos arreglos de cuerda melodramáticos que tan bien le sientan; mientras que de los dos temas en los que colabora A$AP Rocky Groupie Love acaba sobresaliendo respecto a “Summer Bummer” al tratarse de una canción mucho más redonda y mejor resuelta. Las sorpresas más llamativas se manifiestan tras esa Coachella–Woodstock In My Mind que no pasa de anécdota. Por primera vez

en su discografía, aunque sea de forma superficial, Lana se atreve a tratar temas socio-políticos. En varias ocasiones ha declarado estar del todo descontenta con la presidencia de Donald Trump, y esa victoria del republicano le ha servido de excusa a la para sacar su lado más patriótico y feminista (God Bless America–And All The Beautiful Women In It) y lanzar un mensaje de esperanza a sus compatriotas en la preciosa When The World Was At War We Kept Dancing. Aunque si dos temas destacan en esta segunda parte mucho más introspectiva son, precisamente, las dos piezas en las que se deja acompañar de Stevie Nicks (Beautiful People Beautiful Problems) y Sean Ono Lennon (Tomorrow Never Came). El tridente final compuesto por Heroin, Change y, sobre todo, Get Free, es el mejor secuenciado de toda su discografía y deja muy buen sabor de boca como desenlace. Pero eso no quita que habiendo reducido el tracklist del álbum hubiese ganado algún punto extra. En definitiva, y a pesar de no tratarse de su disco más icónico, Lust For Life consolida como nunca las señas de identidad de Lana y deja la puerta abierta a que, en futuras entregas, la artista se moje todavía más en asuntos no amorosos. —sergio del amo

septiembre 2017 #39

MONDOVINILOS

Jessica Moss

Pools Of Light Constellation/ Popstock!

EXPERIMENTAL / El vigor y la delicadeza de sus violines y chelos se ha paseado durante años por las grabaciones de Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra o Black Ox Orkestar, así como puntualmente en algunos de los trabajos de Carla Bozulich o Vic Chesnutt, aunque no ha sido hasta hoy cuando Jessica Moss se ha decidido por su primer disco en solitario. Pools Of Light es una obra que rinde pleitesía al minimalismo y cuya radicalidad sólo puede ser comparable a la calidez con la que hilvana todo el conjunto de cadencias ondulantes y conmovedoras que conforman sus cortes. Atmosférico y sensible, espiritual y étnico a partes iguales, Pools Of Light es probablemente uno de los lanzamientos recientes más interesantes de la factoría canadiense, sumida en los últimos tiempos en un intimismo experimental, multireferencial y policromático, que ha reconfigurado de manera mucho más ardua los parámetros definitorios de su catálogo.

El disco más pop de los argentinos Él mató a un policía motorizado La síntesis O’Konor Limbo Starr

POp-ROCK / Él Mató A Un Policía Motorizado llevan más de una década construyendo un discurso autónomo y sin fisuras dentro del rock independiente argentino. Ahora, tras haber pasado cinco años desde su último largo, La dinastía Scorpio, la banda platense sale de su zona de confort para entregar La síntesis O’Konor, un disco en el que el muro de guitarras marca de la casa se desvanece en favor de la minuciosidad y el trabajo en los detalles. Lo primero que llama la atención en

#40 septiembre 2017

comparación a sus anteriores trabajos es el protagonismo que esta vez asumen algunos elementos en su música. Podemos hablar tanto de las percusiones —Destrucción es buen ejemplo de ello— como, en especial, los teclados, tal y como ocurre en Fuego. Las canciones experimentan un salto compositivo que se hace latente con el empleo de estructuras más complejas, obligando a mutar el uso de distorsión por un tipo de arreglos más limpios y cuidados. El riesgo también se asume desde la parte vocal, con Santiago Barrionuevo exponiendo sin complejos las virtudes de su voz. Todos estos nuevos enfoques no impiden que, en conjunto, La síntesis O’Konor mantenga la esencia del quinteto argentino. Sin duda su entrega más pop y trabajada, un álbum que explora sin miedo nuevas fórmulas y sale victorioso de la búsqueda. —manuel novo

—francesc feliu

Obey The Brave

Mad Season Epitaph/[PIAS]

HARDCORE / La principal

diferencia entre el presente Mad Season de Obey The Brave y los dos trabajos previos de la banda canadiense radica en la voz de Alexi Erian, también conocido por su faceta screamer en la banda de deathcore Despised Icon. En este trabajo, su frontman canta más y grita menos.

Mad Season apunta alto, con partes pretendidamente épicas y fácilmente coreables. Un buen ejemplo es la efectiva Drama, con un parecido más que razonable con los últimos Parkway Drive, primeras espadas del género. En esta nueva y excitante línea sobresalen Feed The Fire y The Distance y sobre todo el estribillo punk rock de 97 Again, tres de sus piezas más accesibles. Aunque queda claro que el quinteto no intenta inventar nada, añaden toques muy personales. Un disco moderadamente ambicioso con resultados notables.

—luis benavides

Gogol Bordello

Seekers And Finders Cooking Vinyl/Popstock!

GYPSY PUNK / Eugene Hutz

y los suyos arrancan su nuevo disco con Did It All que, además de una confesión triunfal (“lo hemos hecho todo”) es toda una declaración de intenciones musical. Lo esperado. Marimbas, acordeón, guitarras acústicas y desenfreno. Los reyes del punk gitano están de vuelta con un disco que merece mucho la pena. Tras el citado inicio llega el single elegido con Walking On The Burning Coal, una excelente pieza, menos hippie-punk que la mayoría de sus temas, pero con unas excelentes trompetas cowboy. Incluso tontean con las baladas más clásicas en el tema que da título al disco al que, por cierto, aporta voces Regina Spektor. Pero es cuando aceleran cuando se nos hacen insuperables. Familia Bonefireball contiene un excelente trabajo de guitarra y Saboteur Blues con ese riff casi hardcore y el grupo a todo trapo funcionarán de maravilla en unos conciertos que, esperemos, no se olviden de nuestro país. —eduardo izquierdo

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Jay Z

Black Grape

4:44 Roc Nation/ Universal

RAP / Jay Z es el puto amo.

El puto amo de Tidal, de los Nets, de Roc Nation y del récord musical más sustancioso (es el artista en solitario con más discos numero uno del Billboard desde que se fundó en 1956, catorce nada menos). A estas alturas, Jay Z nos habla entre otras cosas de la infidelidad matrimonial, sobre su ego –que mata en la inicial Kill Jay Z- o sobre construir una sociedad dentro de otra (The History Of O.J.), y lo hace con una sincera mirada a sus días traficando en las calles de Brooklyn, poniendo de paso sobre el tapete los problemas del país más grande y poderoso del planeta. Podría decirse, por tanto, que estamos ante su disco más trabajado letrísticamente en más de una década y con algunos brillantes momentos musicales, pero desgraciadamente lejos del sonido contemporáneo de su predecesor. En tiempos de Lamar, Staples, Chance The Rapper o Tyler The Creator, Jay Z queda fuera de la pelea por la corona.

—marcos molinero

Pop Voodoo MCA/ Universal

La selección

ROCK / En 1995 Shaun Ryder

decidió fundar un nuevo grupo junto a Paul “Kermit” Leveridge y compañía, después de que Happy Mondays hubiesen dilapidado sus activos entre excesos de todo tipo. Veinte años después, los artífices recuperan el proyecto con un trabajo en firme y capaz de cumplir sobradamente, presentando un álbum que oferta justo lo que cabría esperar del regreso de estos gamberros incapaces de madurar: canciones atractivas y pegadizas que se suceden casi de manera ininterrumpida hasta el final. Y entonces surge el deseo de reiniciar el disco, para darle otra vuelta y recrearse despreocupadamente con los irresistibles estribillos que contiene. Los británicos logran el objetivo de amenizar la fiesta con soltura y sin bajones de intensidad. Y lo hacen entremezclando hip hop, electrónica, rock y jungle en pos de la verticalidad y eficiencia del conjunto, tiñendo la mezcla con un ramalazo funky contemporáneo que aporta el aspecto global.

—raúl julián

Offa Rex

Josele Santiago

The Queen Of Hearts Nonesuch/ Warner

Transilvania Altafonte

Un universo propio LCD Soundsystem

CANTAUTOR / Josele Santiago ha conseguido labrarse una notable carrera al margen de Los Enemigos gracias, por un lado, al acercamiento de su música más al perfil del cantautor, y por otro a rodearse de gente más joven que aportara un nuevo punto de vista a sus canciones y su sonoridad. Así, si en el pasado lo veíamos girar con Xarim Aresté, en este Transilvania recurre a la producción de Raúl Fernández “Refree”. Es este un trabajo de canciones, por encima de todo. Y no hay más que dejar sonar los primeros acordes y escuchar las primeras palabras de ese Un guardia civil que abre el álbum para que esa confortable sensación de vuelta a casa, en este caso la música de Santiago, se apodere de uno. Temazos hay a cascoporro: El bosque, que sirvió de adelanto al álbum; No se equivoca el mal; Como reír o Déjame sufrir merecen esa consideración, aunque son solo la punta de lanza de uno de esos trabajos a los que descubres algo nuevo con cada pasada por tu equipo de música.

—eduardo izquierdo

FOLK / Siguiendo esa ley no

escrita que hace que muchos músicos acaben abrevando cada vez con más ahínco en las aguas de la tradición que una vez les inspiró, Colin Meloy subraya la anglofilia que siempre le ha distinguido con una incursión en toda regla en las raíces del folk británico. La excepcional vocalista británica Olivia Chaney, adscrita a la escuela de Sandy Denny o Joni Mitchell, acompaña al The Decemberists en esta folklorista aventura a través de la respetuosa relectura de un puñado de piezas tradicionales que entroncan sin aspavientos ni salidas de tono con los dictados de Fairport Convention, Steeleye Span o Pentangle. El saldo, con producción de Tucker Martine, despide el irreprochable pero reverente aroma de las aventuras paralelas saldadas como ejercicios de estilo. Apenas un paréntesis en la carrera de los de Portland, que solo seducirá a los adeptos irrenunciables al folk de guitarra de palo de finales de los sesenta y primeros setenta.

American Dream Sony Music

9 POST-PUNK /Difícil papeleta la de James

Murphy de cara a la creación y posterior lanzamiento de American Dream. La separación del grupo, los conciertos finales, el documental, la caja de vinilos recogiendo su despedida a modo de testimonio para el futuro, el retorno apenas cinco años después, las nuevas giras, los festivales, el anuncio del nuevo trabajo... El riesgo de meter la pata tras una trilogía de matrícula estaba ahí, obviamente, pero el neoyorquino ha tenido cabeza suficiente para tomar el mejor de los caminos posibles y dotar a su nuevo disco una personalidad capaz de diferenciarlo de sus obras previas, todas ellas de indudable valía en una de las carreras más sólidas de los últimos años. Hubiera sido una estupidez encabronarse en crear diez nuevos hits, así que Murphy ha optado por dejar fluir su cara más postpunk, echando mano más intencionadamente que nunca de sus máximos referentes, al tiempo que modera su faceta más eufórica y excitada. ¿Y qué narices significa eso?

Pues que American Dream está salpicado de post-punk, de guitarras que raspan hueso como nunca, de sonidos electrónicos más retro y básicos que en cualquiera de sus pasos previos y de una oscuridad que parece irse evaporando conforme se suceden las escuchas, pero que casi siempre está ahí, densa, provocativa y orgullosa. American Dream huele puntualmente al New York primigenio de los ochenta, a los Talking Heads menos pop, a los Liquid Liquid menos contorsionistas (Other Voices), pero también cruza el Atlántico para beber los vientos por ese Bowie crepuscular cuya influencia siempre ha revoloteado alrededor del talento de Murphy, por los Joy Division más brumosos (sirva como ejemplo el marcial inicio de How Do You Sleep?) y una vez más por los Kraftwerk más lánguidos (esa final y siempre en crescendo Black Screen). Porque de ahí viene Murphy y jamás lo ha escondido. American Dream es lo más sincero que podía firmar James Murphy en 2017. —joan s. luna

—carlos pérez de ziriza

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septiembre 2017 #41

42/Mondo Media

Big “Creo que el legado de a nd Audio Dynamite, mi ba The junto a Mick Jones de por Clash, fue recogido Gorillaz”

cómics Black Hammer

Puede parecer complicado, a veces, enfrentarse a un cómic calificado como “de superhéroes”, pero es que calificar este volumen del creador de la trilogía de Essex County de esa manera se hace osado. Porque aquí, tras un espléndido dibujo, y una trabajo al color espléndido hay mucho más. Un deslumbrante trabajo lleno de personalidad, y una nueva visión del mundo heroico cargada de prestancia que se lee con solvencia y placer. —eduardo izquierdo

Roco Vargas. Júpiter Daniel Torres Norma Editorial

7 Roco Vargas yace en coma tras las heridas sufridas en su última aventura intergaláctica. Su mente proyecta imágenes oníricas que le conectan con un momento clave de su vida que revelará el destino del mundo. Clásico personaje creado en 1983 por el gran Daniel Torres, Roco representa una figura necesaria para la sci-fi patria y europea. Es un rescate, sí, pero es que nueve álbumes a este nivel merecen todos los rescates que hagan falta. —octavio botana #42 septiembre 2017

Don Letts Un testigo de lujo

CINE

Don Letts acaba de lanzar nuevo documental, Two Sevens Clash (Dread Meets Punk Rockers), con imágenes inéditas filmadas entre 1977 y 1978 en Londres y Kingston y refleja detalles valiosos de aquel primer encuentro entre rastas y punks. Podremos verla en el festival In-Edit 2017.

o cabe duda de que Don Letts ha sido testigo de lujo y parte de un momento fantástico de la historia del rock. Este hijo de jamaicanos nacido en Londres en 1956 es el responsable de que The Clash y John Lydon (PIL/Sex Pistols) se interesasen por el reggae y el dub, abriendo las miras del punk rock. De ahí que sea el mejor director posible para Two Sevens Clash (Dread Meets Punk Rockers). Letts trabajaba en Acme, una tienda de ropa en Kings Cross, donde introdujo a varios punks ilustres a los sonidos que disfrutaba en la intimidad de su casa familiar. Aquella unión luego tuvo su himno en Reg-

don letts FOTO: ARCHIVO

Jeff Lemire/ Dean Ormston/ Dave Stewart Astiberri

gae Punky Party de Bob Marley, a quien Letts conoció en Londres por aquel entonces. Cineasta desde su juventud, músico –tocó con Mick Jones de The Clash en Big Audio Dynamite- y DJ en la radio BBC6, Letts acaba de lanzar Two Sevens Clash (Dread Meets Punk Rockers), documental que refleja detalles valiosos aquel primer encuentro entre rastas y punks. Con su tono de voz pasional y seguro, coge el móvil desde su casa londinense para hablar de todo un poco con MondoSonoro. ¿De qué manera influenció la mezcla de punks y rastas en el Londres de finales de los setenta a las futuras generaciones de músicos y aficionados? Creo que abrió mentes a nuevas posibilidades. Antes de la Punky Reggae Party, la gente del rock sólo escuchaba rock y lo mismo los del reggae. Pero tras esta mixtura cultural, surgieron nuevas posibilidades para que la gente se mezclase. Cobró vida un nuevo híbrido. Por ejemplo, creo que el legado de Big Audio Dynamite, mi banda junto a Mick Jones de The Clash, fue recogido por Gorillaz. Ambos grupos usan al mundo como una suerte de paleta de sonidos. Es una manera más

abierta de pensar y de ser creativo. ¿Podrías contarno algo de aquel viaje que hiciste junto a John Lydon a Jamaica, cuando Sex Pistols se separaron? En el documental contabas que los músicos de Jamaica andaban todo el rato “tras los tíos adinerados del Reino Unido”. El punk rock era algo inexistente en Jamaica, no había tenido ningún impacto. Quizá habían leído un pequeño artículo en el periódico sobre un extraño nuevo fenómeno de música inglesa, pero no más que eso. Pese a todo, sabían que John era famoso en el Reino Unido, que había vendido muchísimos discos y que era un tipo duro. Y a los jamaicanos les encantan los tipos duros (risas), así que por ese lado se ganó un respeto considerable. Vino con nosotros Richard Branson, el magnate de la industria discográfica, que estaba buscando fichar artistas. Fue él quien pagó el viaje, claro. Al ser el hombre con el dinero, todo el mundo quería conocerle (risas). Creo que no mencionas a un grupo de reggae importante como es Steel Pulse e incluso hay sólo una pequeña mención a The Police, ¿tuvieron estas bandas alguna injerencia en la Punky Reggae Party? Amo a Steel Pulse y Handsworth Revolution es un disco increíble. Lo destacable de Steel Pulse es que, junto a Matumbi y Aswad, fueron las primeras bandas serias de reggae inglés que tuvieron credibilidad en todo el mundo. Mientras se inspiraban en Jamaica, hacían camino gestando su particular sonido, ese punto inglés que se nota en sus discos. Lo que Steel Pulse consiguieron con ello fue exposición mediática. Musicalmente no tomaron casi nada del sonido punk, pero relacionarse con los grupos punk les consiguió mucha atención mediática [...]. Y de alguna forma lo mismo ocurrió con The Police. La gente estaba más pendiente de los ritmos de las canciones que de las líneas de bajo. Ese fue uno de sus puntos fuertes, combinar los bajos pesados con las dulces líneas melódicas de voces y guitarras. Tomaron mucho del reggae y le sumaron sensibilidad pop. A su manera, expandieron la idea de una música de bajos prominentes. Y el bajo es el verdadero regalo de Jamaica al mundo. —adriano mazzeo

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Kate Tempest Sexto Piso

Iba siendo necesario que se tradujera uno de los títulos que mejor describe la trayectoria de la también músico Kate Tempest. Cuando la vida te da un martillo es la materia sobre la que se levanta el discurso generacional y de lucha de clases de la británica. Para ello, Tempest firma una obra coral protagonizada por jóvenes quebrados y supervivientes en un Londres que podría ser cualquier otra ciudad. —marcos arenas Manifiesto Redneck

Jim Goad Dirty Works

En más de una ocasión te habrás preguntado cómo narices se puede votar a un impresentable como Donald Trump y convertirlo en el presidente de tu país. Pero entender al electorado norteamericano se hace mucho más sencillo con Manifiesto Redneck, un libro escrito en 1997 que ahora recupera la siempre interesante editorial Dirty Works. En cambio es mucho más difícil entender a los rednecks o esa white trash (basura blanca). —eduardo izquierdo

Pretenciosidad. ¿Por qué es importante? Dan Fox Alpha Decay

8 Siempre hay que escuchar distintos puntos de vista, valorarlos y analizar sus argumentos. Por eso cualquier persona interesada en el mundo de la música, el cine o cualquier otro tipo de arte no debería dejar pasar este librito de poco más de ciento cincuenta páginas, pero plagado de razonamientos certeros que aportan una luz distinta al momento actual. —joan s. luna

John Seabrook Canciones Redondas

John Seabrook ha escrito un libro muy necesario. La fábrica de canciones (Reservoir Books, 17), una obra en la que investiga en la elaboración de los principales hits pop de las dos últimas décadas.

odo empezó aquella mañana en la que, yendo hacia al colegio en coche, su hijo le pidió que sintonizara una emisora del estilo de Los 40 Principales. Sorprendentemente, John Seabrook, periodista redactor del New Yorker, un tipo musicalmente educado con los clásicos del rock, se sintió atraído por los melodías que escupía el aparato. Fue entonces cuando empezó a preguntarse qué perversos alquimistas de la composición se escondían tras aquellas secuencias de versos y coros infalibles. De aquella necesidad por querer saber cómo nace un hit, surgió La fábrica de canciones, excelente ensayo que analiza la elaboración de los éxitos del pop durante los últimos veinte años. ¿Cómo describirías el tipo de producciones que dominan las escena musical hoy en día? Diría que en lugar de estar marcadas por una melodía central, al estilo, por ejemplo, de The Beatles; actualmente las producciones se erigen a partir de versos muy breves, un puzzle de hooks más que melodías. Creo que es algo que responde a los tiempos en los que vivimos. En una época repleta de estímulos los productores necesitan captar la atención de la gente en todo momento, para ello necesitan un constante torrente de hooks. Por eso decía anteriormente que los éxitos de hoy difícilmente transcenderán el paso del tiempo. Con ello no quiero decir que actualmente no haya canciones con buenas melodías. El productor Max Martin (autor de éxitos para Taylor Swift o Katy Perry entre otros) ha escrito grandes melodías, la de I Want It That Way de Backstreet Boys me parece brutal, pero la mayoría de productores y compositores centran su creatividad en los

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“Solo hace falta fijarse en los créditos de los discos de Beyoncé o Rihanna, es como un pequeño ejército de productores y compositores”

hooks. ¿De dónde surge tu interés por los productores, una figura de la que todos los amantes de la música hablamos pero de la que muy pocos sabríamos decir cuál es realmente su función? El libro nace de un artículo que escribí para el New Yorker sobre el tándem de productores noruegos Stargate. Aunque siempre he sido un gran amante de la música, como periodista no era mi especialidad, así que, como muchos otros, no tenía muy claro cuál era el rol de los productores. Hasta ahora, siempre había creído que en el proceso de composición el personaje central era el autor de la melodía, después el letrista y finalmente el productor. Y así era en el pasado. Actualmente el proceso es totalmente opuesto. Nunca antes los productores habían gozado de un estatus tan preponderante como el que disfrutan hoy en día. Totalmente. Creo que esto, que no es ni mejor ni peor, empezó con la irrupción del hip hop, donde el productor siempre ha tenido un papel protagonista. ¿Las

nuevas estrellas del rock? Gente como Stargate se han limitado a trabajar en su estudio sin buscar notoriedad. ¿Alguien sabe qué cara tienen Stargate? Pero las nuevas generaciones de productores, gente como DJ Snake o Martin Garrix, sí que persiguen ese halo de estrellas. Y todo empezó en Suecia con Denniz Pop y sus discípulos, destacando especialmente el nombre de Max Martin, en los estudios Cherion desde donde se facturaron éxitos para, entre muchos otros, Backstreet Boys, Britney Spears o N’Sync. Como casi todos los americanos, yo no tenía ni idea de que la mayoría de éxitos que han inundado nuestras listas durante las últimas décadas habían sido escritas por productores suecos. Para mí, su mayor aportación ha sido el sistema de trabajo. A inicios de los noventa, en los estudios Cherion de Estocolmo, se estableció un sistema de composición, con un montón de productores trabajando a la vez en diferentes canciones, que aún hoy perdura. Hasta entonces, en el pop las canciones tenían un autor, como mucho dos. A partir de la eclosión de Cherion, un tema puede llevar tranquilamente seis o siete firmas. Tan solo hace falta fijarse en los créditos de los discos de Beyoncé o Rihanna, es como un pequeño ejército de productores y compositores. —oriol rodríguez

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La fábrica de canciones John Seabrook Reservoir Books, 17

TAYLOR SWIFT FOTO: ARCHIVO

Cuando la vida te da un martillo

LIBROS

septiembre 2017 #43

44/Mondo Conexiones MADTOWN DAYS <> JIM BEAM

a banda “Queríamos una nuev diésemos emergente a la cual puortunidad, ayudar a tener una op” un sueño que cumplir

El ciclo de conciertos Madtown Days ha adelantado la celebración de su cuarta edición con el concierto de Bomba Estéreo el pasado 30 de agosto en Madrid. Recientemente, ha confirmado la actuación del colectivo francés Nouvelle Vague el 6 de noviembre en la sala But. El cartel se completa con los conciertos de Smile, Lucía Scansetti y Tom Forbes, Delaporte, Ukelele Clan Band y Bluestain y Lichis. www.madtowndays.es

How We Dream <> BBVA Actualmente, BBVA se encuentra en un proceso de transformación reflejado en su nuevo lema “Creando oportunidades”. Justo en este momento es cuando sucede el flechazo con Maico, un grupo joven elegido para dar voz a la nueva identidad sonora de BBVA, How we dream. A raíz de este proyecto, entrevistamos a Gonzalo González, Director de Marketing Global de BBVA…

or qué decidís apostar por una banda emergente en esta nueva campaña? Para el desarrollo de nuestra identidad sonora desarrollamos el ADN sonoro de BBVA, que responde a los valores que queremos que los consumidores escuchen. A partir de ahí unimos nuestra lema, “Creando Oportunidades” con dicho ADN sonoro. El resultado fue buscar una nueva banda emergente a la cual pudiésemos ayudar a tener una oportunidad, un sueño que cumplir. ¿Y por qué por Maico en concreto? Estuvimos durante mucho tiempo viendo diferentes opciones, estilos de música, grupos… Teníamos muy buenas opciones encima de la mesa pero en cuanto escuchamos la voz de Miguel, el cantante de Maico, el flechazo fue instantáneo. Teníamos bastante claro que queríamos trabajar con ellos. Después, al conocer en más detalle el estilo de música que ha-

#44 septiembre 2017

cían y su historia: son un grupo que han peleado para sacar su primer disco, que tienen ambición y muy claro hasta dónde quieren llegar, supimos que eran los más adecuados para interpretar la canción de BBVA y representaban claramente el significado de “Creando Oportunidades”. ¿De qué habla el tema How we dream y por qué os decantáis por él? How we dream habla de los sueños, de las oportunidades y de la importancia del trabajo en equipo. Tres elementos que forman parte del ADN de Maico. Para la banda supone una recompensa al esfuerzo, ese salto que les faltaba para que su música llegue a más gente. En palabras del propio grupo: “Esta oportunidad supone uno de esos momentos en la vida en los que te tienes que lanzar. Ninguno de nosotros tuvo ninguna duda de que había que ir a por ello”. Con esta campaña, BBVA muestra un clara intención de “crear oportunidades” para grupos que están empezando, ¿cuál es vuestra vinculación con los grupos emergentes y con la música en general? Históricamente BBVA siempre ha estado vinculado a la música. Del anterior lema de la marca (ADELANTE) todos conocemos el apoyo que el banco realizó en las primeras ediciones de Operación Triunfo en España. Más allá de España, en los diferentes países donde BBVA está presente la música siempre juega un papel importante en la vida de nuestros clientes. Hoy en día la banca quiere estar presente en esos momentos, por lo que siempre nos planteamos facilitar la vida a nuestros clientes.

SILVIA PÉREZ CRUZ <> “GIVE A HOME” Sofar Sounds Barcelona y Amnistía Internacional confirman la presencia de Silvia Pérez Cruz en el concierto “Give A Home” que tendrá lugar el 20 de septiembre en Barcelona. La artista compartirá escenario con Mishima y La Casa Azul. Barcelona se suma así a esta iniciativa mundial pionera en su género, cuya finalidad es recaudar fondos para la actual crisis de refugiados.

CARLOS JEAN Y ARKANO <> NBA 2K18 Carlos Jean y el rapero Arkano han creado un tema musical para la banda sonora de NBA 2K18. La canción, llamada “Última jugada”, se estrenó el pasado mes de agosto y supone tanto la primera colaboración entre ambos artistas como el primer tema creado en España para un videojuego de la saga NBA 2K. Estará disponible a partir del 15 de septiembre.

Son Estrella Galicia <> Posidonia By Sinsal Los días 6, 7 y 8 de octubre se celebra en Formentera la primera edición de la experiencia Posidonia by Sinsal, tres días para descubrir músicas, despertar los sentidos y ver la isla de un modo diferente, dentro de un proyecto ecológico y solidario que colabora con el proyecto “Save Posidonia Project”. Con el objetivo de crear una experiencia única para el público asistente, Posidonia aúna música, gastronomía y naturaleza en una de las islas más bellas del mundo. El cartel permanecerá secreto hasta llegar a la isla, pero seguro que serán formatos exclusivos, acústicos y eléctricos, ubicados en los lugares más hermosos de la isla. sonestrellagaliciaposidonia.com

Colección Vinilos Beatles <> Planeta DeAgostini Planeta DeAgostini lanzará el 8 de septiembre, en colaboración con Apple Corps Ltd. y Universal Music Group, una colección de veintitrés vinilos de Los Beatles: The Beatles Vinyl Collection. Los LP de esta colección son réplicas exactas de las ediciones originales y han sido prensados en vinilo de 180 gramos. Además, la remasterización ha tenido lugar en los estudios Abbey Road de Londres. Cada LP viene acompañado de material adicional sobre la banda. La colección ya puede reservarse desde la página web de Planeta DeAgostini. Además, si haces tu reserva antes del 22 de septiembre utilizando el código PROMOBEATLES, recibirás una libreta y un Power Bank con el logo oficial de la colección. Próximamente también estará disponible en los quioscos. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

AF_MONDOSONORO_MEDIAPAG_234X144,5_TRZ.pdf

30/8/17

12:59

CMY

MORCHEEBA SIDONIE LA CASA TRIÁNGULO AZUL DE AMOR BIZARRO XVII Festival de música independiente de Zaragoza

YALL

Sábado 30.09.2017

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KIEV CUANDO NIEVA

WeAre NotDJs

CHELIS DJ NASHH PepóN SelektaH escenario

Puntos de Venta: Cajeros iberCaja www.ibercaja.es www.ticketea.com

Sala Multiusos Zaragoza -

Apertura de puertas: 19:00h mayo 2017 #45

RETROVISOR.

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The Flamin’ Groovies

IMPRESCINDIBLE

Origen: San Francisco (USA)

n 1965 The Flamin’ Groovies aparecían en San Francisco en plena efervescencia del movimiento hippie. Ellos, en cambio, optaban en su música por un garage rock que debía mucho a los grupos de la British Invasion. Cuatro años después, en 1969, tras un EP editado de manera independiente, firman contrato con Epic y publican Supersnazz, con una formación integrada por Cyril Jordan, Roy Loney, George Alexander, Tim Lynch y Danny Mihm. A excelentes canciones firmadas por Jordan y Loney como A Part From That o Laurie Did It se suman fantásticas versiones de Little Richard, Huey “Piano” Smith o Eddie Cochran, en algo que será marca de fábrica en todos los discos del grupo. Rápidamente su fama aumentará, aunque el interés que despiertan sus actuaciones en directo no será refrendado con ventas discográficas. Eso provoca que la compañía les de la carta de libertad y que sus siguientes trabajos, Flamingo (1970), en el que incluso se atreven a acercarse al countryrock, y Teenage Head (1971), más garagero y producido por Richard Robinson, sean editados por la independiente Kama Sutra. A pesar de su calidad, abonados a la interpretación de himnos rock y r&b, la cosa no acaba de arrancar y los dos líderes del grupo se enfrentan sobre el camino a seguir, cosa que termina con Loney dejando la banda e iniciando una carrera en solitario para ser sustituido por Chris Wilson. Este admirador de Chuck Berry, Little Richard y The Beatles, encaja como un guante con la forma de pensar de Cyril Jordan y juntos darán formas al gran álbum de la banda, Shake Some Action, publicado en 1976 bajo la producción de Dave Edmunds y con un marcado acento pop. “Cyril venía con la música”, diría Wilson. “Luego juntos dábamos formas a las letras. No fue tan

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difícil porque trabajamos de una manera muy sencilla, intercambiando frases e ideas”. El álbum suena fresco y directo, y la influencia guitarrística de Roger McGuinn se hace palpable en sus catorce temas. Historias de amor y desamor, auténticas obras de arte melódicas que se complementan a la perfección con un excelente trabajo de guitarras poderosas son su carta de presentación, y caer rendido a su exuberancia musical parece obligado. La crítica se vuelca con un disco, por otro lado, magnífico, y el grupo repite con la producción de Edmunds en Now (1978), trabajo en el que además se estrena Mike Wilhelm como nuevo guitarrista en sustitución de James Farrell, que había entrado en el grupo al mismo tiempo que Chris Wilson. Aunque el nivel bajaría con Jumpin’ In The Night (1979) ya producido por el propio Jordan. El álbum es notable, pero quizá se encuentra lastrado por un exceso de versiones, entre las que destacan canciones de Bob Dylan, The Byrds o The Beatles. Los Groovies se desmantelan y hasta tres miembros (David Wright, Mike Wilhelm y, sobre todo, Chris Wilson) dejan el grupo al no estar de acuerdo con la línea revivalista tomada, quedándose solos Cyril y George Alexander. Juntos se desplazan a Australia donde editarán varios discos (One Night Stand, (1987), Step Up (1991) y Rock Juice (1993)) alejados de sus mejores obras. Tras dejar de girar en 1992, The Flamin’ Groovies se reunirán el 11 de septiembre de 2004 para actuar en el Azkena Rock Festival y en 2010 lo harán de nuevo para colaborar en el disco en solitario de Chris Wilson, Love Over Money. La cosa irá un poco más allá cuando Cyril Jordan, Chris Wilson y George Alexander se reúnan por primera vez desde 1981 para hacer unos cuantos shows como invitados de la gira australiana de Hoodoo Gurus.

Shake Some Action Sire, 1976

Evidentemente el escogido ha de ser Shake Some Action, publicado en 1976. Una obra maestra heredera del beat británico. Guitarras brillantes y armonías vocales impecables, se combinan en una batería impresionante de temas propios y excelentes versiones de The Beatles, The Lovin’ Spoonful o Chuck Berry. Si además tuviéramos que escoger una canción el álbum, podríamos elegir cualquiera, pero nos quedamos con I Can’t Hide, la canción que lo cierra. Firmada a medias por Jordan y Wilson muestra a la banda en todo su esplendor a partir de un sencillo texto sobre la felicidad.

ACTUALIDAD The Flamin’ Groovies, con su actual formación, siguen en la carretera y han sido confirmados como cabezas de cartel del próximo Altaveu Festival que se celebrará en Sant Boi (Barcelona) entre el 8 y el 10 de septiembre. —eduardo izquierdo

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