Nº 165 MONDO SONORO SEPTIEMBRE 2009 by MONDO SONORO

PREMIO

Septiembre de 2009 nº 165

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

ARCTIC MONKEYS

PASOS DE GIGANTE ZODIACS

SIMPLE Y DIRECTO SIDONIE

PURO AMOR

N A I R O D

S O S Í A R PA S E L A I C I F I T R A

Y ADEMÁS ESTE MES... MUSE • OSCAR MULERO • JAPANDROIDS • YOUNG FRESH FELLOWS • MOBY • COHETE • ENTER SHIKARI • GASLIGHT ANTHEM • AUTOKRATZ YO LA TENGO • THE DØ • LIGA QUINTANA • VINODELFIN • ABRAHAM BOBA • SCOTT MATTHEW • TRIGGER • ATERCIOPELADOS • FESTIVALES DEL VERANO

Dorian Foto Albert Jodar

Más info en: www.mondosonoro.com

MondoSonoro · Septiembre 2009 /5/

sumario

staff

Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinador contenidos web Xavi Sánchez Pons Diseño web Roberto Lorente (roberto@mondosonoro.com)

Arctic Monkeys Pasos de gigante

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres ◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) David Morell (david@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación David Morgado (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 ◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479 ◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 ◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Publicidad Gemma Pinilla Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551 ◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379 ◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Luis Fernández M. Tlf./Fax 915 400 055 Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

NOTICIAS

entrevistas

escaparate

7. Óscar Mulero Veinte años a ritmo techno 7. UFI La UFI entrega los premios de su primera edición

20. Zodiacs Puro nervio 23. Sidonie ¡Os queremos! 24. Arctic Monkeys Pasos de gigante 26. Dorian Paraísos artificiales

38-39. Scott Matthew, The Dø, Trigger, Tonino Carotone, Vinodelfín...

Conciertos

49. Cine Bruce Weber 50-51. Mondo Recomienda 53. Conexiones

mondofreako 11. Japandroids 12. Moby 13. Muse 14. Cohete 16. Enter Shikari 17. Yo La Tengo 18. Gaslight Anthem 19. Autokratz

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Don Disturbios que se vanagloria de sus amiguetes”

Edita Sister Sonic, S.L. Aptdo. 21.022, 08080 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

vinilos 41. The Duke & The KIng Disco del mes

mondomedia

29. FIB 31. Bilbao BBK Live 32. Sonorama 34. Sonisphere / Monegros 37. Zaragoza Ciudad / Contempopranea

mondoweb 54. Correo

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5 5

packs de Bip

Bip Records formados por

los recopilatorios “Mi Generación 80” y “Bip Bip Hurrah! 6”

/6/ Septiembre 2009 · MondoSonoro

TAN lejos... ◗ JULIAN CASABLANCAS, cantante de The Strokes, tiene listo un disco en solitario que podría salir el próximo otoño. El álbum se titula “Phrazes For The Young” y será editado en Cult Records, sello de propiedad de Casablancas.

Óscar Mulero Foto Archivo

NOTICIAS

◗ Karen O, cantante de Yeah Yeah Yeahs, es la encargada de poner música a las imágenes de la esperada nueva película de Spike Jonze, “Where The Wild Things Are”. La cantante norteamericana aparece acreditada en la banda sonora como Karen O And The Kids, y ha contado con la ayuda de miembros de Deerhunter, Queens Of The Stone Age o The Raconteurs, entre otros. Niños del Brasil Foto Archivo

◗ BOB DYLAN no para. Y después de editar hace unos pocos meses su nuevo trabajo de estudio, “Together Through Life”, ya prepara un disco de canciones navideñas que saldrá en diciembre. De momento ya ha grabado cuatro canciones en un estudio de Santa Monica, en California, propiedad de Jackson Browne. ◗ KISS se encuentran ultimando los detalles de lo que será su primer álbum de estudio en once años. El disco, que está siendo producido por Paul Stanley, vocalista y guitarrista del grupo, aún no tiene título y tiene prevista su edición para este otoño. Al mismo tiempo, editarán un recopilatorio con algunas versiones nuevas de sus clásicos. ◗ DANIEL JOHNSTON vuelve a la actualidad con un nuevo disco y una gira que le traerá por Europa en otoño. Su nuevo trabajo se titula “Is and Always Was” y ha sido producido con la ayuda de Jason Falkner (Jellyfish) y Joey Waronker (R.E.M., Johnny Cash). ◗ Este otoño Sub Pop reeditará “Bleach” de NIRVANA para celebrar el veinte aniversario de su salida. La nueva edición del disco de la legendaria banda de Seattle volverá a la vida remasterizada, incluyendo un CD extra en directo inédito y un libreto de dieciséis páginas con fotos y demás memorabilia.

Wolfmother Foto Archivo

◗ Tras tres años de silencio y algunos cambios y problemas con su formación, los australianos WOLFMOTHER ya tienen listo por fin su segundo disco, un trabajo titulado “Cosmic Egg” que será editado el 12 de octubre. Antes, el 5 del mismo mes, se editará un single de adelanto, “New Moon Rising”. ◗ El dúo de folk pop noruego KINGS OF CONVENIENCE vuelve a la vida tras cinco años de silencio. Erlend Øye y Eirik Glambek Bøe regresan con “Declaration Of Dependence”, un álbum que contiene trece nuevas canciones. El disco se edita el 20 de octubre. ◗ GEOFF BARROW, uno de los pilares de Portishead, empieza una nueva aventura con BEAK, un proyecto paralelo donde comparte esfuerzos con dos músicos más de Bristol: Billy Fuller y Matt Williams. La banda publicará su primer disco, de título homónimo, el 19 de octubre bajo la marca de Invada, sello creado para la ocasión por el trío británico.

Óscar Mulero, veinte años a ritmo de techno Óscar Mulero cumple veinte años a los platos. Lo celebrará el próximo 26 de septiembre en Fabrik con una sesión de seis horas en las que condensará las grandes influencias que han marcado su carrera. ¡Let the Dj speak!

scar Mulero (Madrid, 1970) es uno de los nombres emblema del techno español. Pero antes de que la cultura electrónica emergiese en nuestro país y desplegase sus tentáculos Mulero se curtió en géneros pretéritos como el rock gótico y el after punk. “Comencé pinchando en bares de Madrid. Ponía Joy Division, The Cure, Bauhaus, Sisters Of Mercy… Todavía hoy escucho y colecciono álbumes de la época”. En su casa mamaba música, su padre era batería de un grupo de rock y durante un tiempo también ejerció como pinchadiscos. Óscar comenzó por hobby, hasta que aterrizó en New World. Fue su primera residencia, su escuela, y el lugar en el que se introdujo en la EBM y la electrónica. “Por entonces en Madrid se vivía un ambiente fresco e ingenuo. Todo estaba poco profesionalizado, tanto a nivel de público como de Dj’s. Había una energía especial”. Algo que ya no se podrá repetir, igual que los viajes que hacía periódicamente al Reino Unido para conseguir material. “En Madrid había pocas tiendas y cada dos meses o cuando ahorraba algo de dinero me iba a Londres a comprar discos”. En 1994 fundó The Omen, club emblemático de la capital, en el que se encargó de la dirección de la sala junto a cuatro socios más y donde se entregó por completo al techno y la electrónica abrazando los sonidos de sellos como UR, Soma, Tresor, Fax Records o Warp. “Hacíamos las cosas a nuestra manera. A pesar de ser jóvenes e inexpertos, creo que gestionamos bien el club y comenzamos a traer a artistas extranjeros. En los años 94 y 95 eso era algo novedoso”. Paralelamente, en Barcelona,

el Sónar comenzaba a cimentar las bases de la escena. “Actué en la edición del 96, se hacía en Montjuïc y era algo muy reducido y familiar. Para mí y para muchos fue algo que nos marcó. Allí vi por primera vez a Autechre, Orbital, Slam o los artistas de Ninja Tune de entonces… Fue una aportación muy importante”. Desde entonces la vida de Mulero ha transcurrido en cientos de cabinas de docenas de países, aeropuertos y… en el estudio. En su currículum figura la factura de “About Discipline And Education” (So Dens, 1998), uno de los primeros CD-mixes realizados en España; la participación en más de veinte maxis produciendo hits como el clásico “Anaconda” para Theory, el sello de Ben Sims; la creación de su propio label, Warm Up; y dos excelentes trabajos bajo el alias Troulley Route, proyecto con el que Mulero despliega “su lado más Detroitniano”. Pero aunque parezca increíble el primer álbum de estudio de Óscar Mulero verá la luz el próximo 2010. “El disco lo editaré en mi sello y contendrá material pinchable pero también para la escucha ya que habrá medios tiempos y tracks más enfocados a la IDM. Serán alrededor de doce temas y saldrá en vinilo, compacto y digital”. El próximo día 26 es poco probable que suenen estas bandas en su sesión, pero sí caerán otras gemas. “Será un sesión progresiva, con material más lento e hipnótico al principio y luego iré subiendo las revoluciones para pinchar clásicos del acid house, clásicos del techno de Detroit, y techno actual”. ■ Javier López

◗ La cantante noruega ANNIE publicará por fin su esperado segundo disco tras cinco años en los que ha entregado algunos singles a cuentagotas. El nuevo disco se titula “Don’t Stop” y será editado por Smalltown Supersound Records el 19 de octubre. n

Niños del Brasil, descarga gratuita

Más información en: www.mondosonoro.com

En trece años sólo han sacado recopilaciones y su último disco de estudio había sido “El imperio de los sentidos” en 1996. Ahora resurgen con “Géminis”, once temas que hacen honor a sus propios orígenes, cuando eran parte del mito del rock oscuro aragonés junto a Héroes del Silencio y Las Novias. El nuevo disco salió a la venta en CD con portada de papel vegetal y en formato USB con fotos, videoclips y material extra además de en vinilo blanco de edición limitada y numerada. Ahora se puede descargar gratis un maxi con tres remixes del tema “Las calles de Teruel” (en versionesaragon.blogspot.com). Santi Rex, Nacho Serrano y Antonio Estación cuentan que “el disco está compuesto en una época muy triste de nuestras vidas y lo terminamos como homenaje, porque estuvimos a punto de dejarlo a medias”. La época triste la vivieron por la muerte de familiares y amigos, como Sergio Algora y José Manuel Díez ‘Matanegros’, a quién va dedicado el tema “Vale más morir que perder” de su grupo Tres Años de Pena. Géminis es un álbum oscuro, lleno de canciones tristes que suenan bien, como “Ni por viejo ni por diablo”, “Eres alma”, “Estrella Fugaz”, la tierna y poética “X”, la lastimosa “Delirios” o “Nunca se convence del todo a nadie de nada”, compuesta por Enrique Bunbury, quien se la regaló al grupo del que formó parte hace más de veinte años. ■ Rodrigo Conde

Los Flechazos FotoArchivo

“Mi generación”, aquellos maravillosos años Publicado originalmente a mitad de los noventa por el desaparecido sello barcelonés Al.leluia Records, “Mi generación” supuso todo un descubrimiento para todos aquellos jóvenes que jamás habían tenido información sobre la escena de revival mod española de los ochenta. Ahora, gracias a Bip Bip Records, el álbum se reedita permitiendo que recuperemos a algunos de los nombres básicos de aquella época al tiempo que sirve para tomar conciencia de que hubo grandes artistas de los que, hoy día, apenas oímos hablar. Entre ellos podemos encontrarnos con Los Elegantes, Telegrama, Kamenbert, Los Scooters o formaciones cuyos miembros siguen de algún modo en activo como Los Sencillos (Miqui Puig), Los Flechazos (Cooper), Sex Museum, Los Negativos, Los Canguros (Cola Jet Set) o Brighton 64 (Chest, Top Models...). Una ocasión excelente para mirar al pasado sin ira. ■

Gothic Dolls

Glitter klinik Fotos Alfredo Arias

Luis Mayorala, Don Disturbios y Dani López (MondoSonoro)

Ernesto Sevilla, Joaquín Reyes y Julian López (Muchachada Nui)

MondoSonoro · Septiembre 2009 /7/

El pasado 4 de julio, en una ceremonia ante profesionales y medios en Madrid, la UFI entregó veintiséis galardones a distintas categorías musicales. Entre todas ellas, MondoSonoro se llevó la correspondiente a Mejor Medio de Comunicación. Pero eso no es todo.

recorrido tras su primera edición. En cuanto a los premiados, cabe decir que el hecho de que los grupos ganadores fueran elegidos por el público a través de Internet, evitó en cierta medida la sorpresa y como era de esperar se premió a los que se han convertido de forma fulgurante en el grupo indie más relevante y con mayor poder de convocatoria de la escena. Vetusta Morla fueron los grandes triunfadores llevándose hasta un total de cuatro importantes galardones como mejor artista, mejor disco, mejor álbum de rock y mejor canción. Premios que los madrileños no pudieron recoger en persona, por encontrarse en México extendiendo su música y proyección al otro lado del charco. Otros premios de interés fueron los de mejor artista revelación que recayó en el grupo Nudozurdo; mejor álbum de pop que fue a parar a manos de los andaluces Elastic Band; mejor álbum de vanguardia para Glitter Klinik; mejor álbum de músicas del mundo que se llevó Mastretta o el mejor disco de músicas

urbanas que, ante la sorpresa de más de uno de los presentes, se llevaron los catalanes La Kinky Beat. La gala no se olvidó tampoco de premiar a otros profesionales como el galardón al mejor productor que recayó en un exultante Paco Loco que no dudo en mostrarnos sus famosas posaderas o el galardón a la mejor sala de conciertos que recayó en la madrileña El Sol y que, sin duda, representa un bonito colofón a un año muy especial que ha coincidido con su treinta aniversario. La UFI tampoco se olvidó de premiar a otros estilos más minoritarios como el jazz, la clásica o el flamenco, premio este que fue a parar a manos de una simpática Maui y los Sirenidos cuya actuación estuvo entre lo mejor de la noche junto a la de Los Punsetes. Cabe destacar por último que la UFI también galardonó al mejor grupo internacional, trofeo que recayó en Vampire Weekend. Por último nos gustaría finalizar este artículo agradeciendo a los miembros del jurado el haber galardonado a nuestra revista con el premio al mejor medio de comunicación, reconociendo la labor que desde nuestras páginas y desde la web intentamos realizar lo mejor posible para fomentar y difundir la música de una escena que crece en importancia y repercusión año tras año. Gracias y mucha suerte para futuras ediciones.■

Young Fresh Fellows, vuelve la diversión

Young Fresh Fellows Foto Archivo

TAN cerca... ◗ Los zaragozanos TACHENKO se encuentran ahora mismo grabando el que será su cuarto largo. Para ello han decidido quedarse en casa, en el nuevo estudio de grabación que han puesto en marcha Edu Baos, bajista de la banda, y Cristian Barros (Picore). Cuentan con la colaboración en los teclados de Borja Lasala (Big City, Huracán Ramírez) y el disco será masterizado en Los Angeles. ◗ BERRI TXARRAK editan el 14 de este mes su esperado nuevo disco, un trabajo titulado “Payola” que ha sido grabado en los legendarios estudios Electrical Audio bajo la supervisión de Steve Albini (Pixies, Mogwai). “Payola” abre una nueva etapa del grupo vasco, ya que será el primer disco bajo el auspicio de Roadrunner. ◗ Un nuevo proyecto nace dentro de las entrañas del indie nacional. Se trata de TORTEL, grupo capitaneado por Joaquín Pascual (Surfin’ Bichos, Mercromina, Travolta) y Jorge Pérez (Ciudadano), que en breve publicarán su primer disco, titulado “Lugar Nuevo”, en Los Enanos Gigantes. ◗ SKIZOO han anunciado en un comunicado, que se puede leer en www.skizoo. es, el cese de actividades como grupo hasta nuevo aviso. La banda de metal madrileña llevaba cinco años en activo y era uno de los combos más sólidos del rock duro hecho en nuestro país.

La UFI entrega los premios de su primera edición

l pasado 4 de julio tuvo lugar en Madrid la primera entrega de los premios UFI auspiciados por la Unión Fonográfica Independiente –asociación integrada por cincuenta y cuatro sellos discográficos- que pretende convertirse en una gran acontecimiento dentro de la escena, premiando y reconociendo la labor de los profesionales de distintas disciplinas, todas ellas relacionadas con la música “indie”. Por eso se repartieron un total de veintiséis galardones en una gala dirigida y presentada por el cómico más alternativo de la actualidad, un ocurrente Joaquín Reyes que no pudo evitar lanzar sus divertidas y cínicas puyas a una escena que, en ocasiones, peca de cierta auto-complacencia. Sin embargo, hay que defender a toda costa una gala de estas características, en la que se realiza un esfuerzo mayúsculo, con muy poco presupuesto, encaminado a dotar de cierto interés y prestigio a unos premios que nacen con fuerza y a los que auguramos un gran

NOTICIAS

En activo desde 1981, Young Fresh Fellows son toda una institución en Seattle, lugar de donde no surgen precisamente los grupos más optimistas. Pero lo suyo no es estar de bajón, y su elegante mezcla de power pop vitalista y guiños garageros les ha llevado a ser uno de los secretos mejor guardados en el mundillo underground en las últimas décadas. Ahora, tras un parón de ocho años, regresan con “I Don’t Think This Is…” (R&R Inc/Munster, 09), que en su edición española cuenta con tres canciones exclusivas adicionales. Scott McCaughey, líder de The Minus 5 y miembro regular en las grabaciones y giras de REM, considera no obstante a Young Fresh Fellows su “grupo principal, aunque sea muy difícil llevar una actividad constante de giras y grabaciones”. Con la ayuda de Peter Buck (REM) a las guitarras y producido por Robyn Hitchcock (“es todo un halago para nosotros. Le apetecía grabarnos un disco, aunque él no se considere a sí mismo un productor”), los estadounidenses han facturado otro bombazo de joyas atemporales. “Estas canciones suenan a Young Fresh Fellows, y lo que más me gusta es que podrían estar en cualquier disco del grupo”. En octubre, Young Fresh Fellows actuarán en Bilbao (día 16), Vitoria (17), Gijón (18), Valencia (22), Murcia (23) y Madrid (24). ■ Jorge Ramos

◗ DE VITO tienen ya preparadas las canciones que compondrán su próximo EP, que volverá a salir en vinilo de la mano del sello King Of Patio Records a final de año. Para este trabajo contarán a los mandos con Alex Ferrer (The Requesters, Sidechains), responsable, en parte, del sonido del nuevo trabajo de Dorian. ◗ El 9 de septiembre se edita el nuevo disco de NUM9, proyecto del ex Migala Coque Yturriaga, un disco de música de baile de autor que presenta un dueto con la cantautora norteamericana Dawn Landes. El mismo 9 de septiembre estarán presentando el disco en el Neu! Club de Madrid.

Joe Crepúsculo Foto Inma Varandela

◗ “Chill Out”, el nuevo disco de JOE CREPÚSCULO, será editado el próximo mes de octubre por Discoteca Océano. La producción del tercer álbum del músico barcelonés ha corrido a cargo del propio Crepúsculo y de Sergio Pérez García (Thelemáticos). ◗ Tras su exitosa paso por el festival británico Indietracks, COLA JET SET y Elefant editarán en los próximos meses un single en inglés donde regrabarán dos de sus canciones, “El sueño de mi vida” y “En esta pista ya no se puede bailar”. ◗ El 28 de septiembre debutarán en sociedad MAMUT, la nueva apuesta de Subterfuge. Los madrileños se presentan con su primer larga duración “Amanece en Pekín”, un disco producido por Fino Oyonarte (Clovis), que estarán presentado el 24 de este mes en la sala el Sol de Madrid. En el trabajo colaboran, entre otros, Erik Jiménez ( Lagartija Nick, Los Planetas) y Joaquín Pascual (Tortel) ◗ El 12 de septiembre el campo de fútbol de Navalmoral de la Mata (Cáceres) acogerá la quinta edición del NAVALPOP, un festival que este año cuenta con las actuaciones de Sr. Chinarro, Tachenko, Francisco Nixon, Layabouts y PAL, entre otros. n

festivales 2009 ❱〉 Suculentas novedades

❱〉 Daisy Market, escaparate

en el BAM

para la moda

Si hace unas semanas se anunciaban algunos nombres apetecibles que formarían parte del BAM (Barcelona Acció Musical), la organización ha añadido algunas sorpresas más. A The Hives, Manel o Billie The Vision & The Dancers se suman ahora los de The Duke And The King, Dirty Projectors, Shantel, Berri Txarrak, The Go! Team, Catpeople, Pájaro Sunrise, El Petit de Cal Eril o Inspira. Todos ellos animarán la ciudad en diversos escenarios los días 23, 24, 25 y 26 de septiembre. El festival continúa combinando nombres estatales con artistas internacionales. Habrá algunas novedades más, así que te recomendamos mantenerte alerta y visitar www.myspace.com/festivalbam

The Hives

Mala Rodríguez

❱〉 El Cruïlla vuelve a Barcelona Después de obtener una excelente acogida el pasado año y de dejar atrás su edición de este año en Mataró, llega el festival CruïllaBCN. El evento se llevará a cabo el próximo día 5 de septiembre en el Parc del Fòrum. Un día completo a lo largo del que disfrutarás de los conciertos de La Troba Kung-Fú, La Pegatina, Gentleman & The Far East Band, Elbicho, La Mala Rodríguez & Refree (acompañados por la Original Jazz Orquesta del Taller de Músics), Dub Inc y la Always Drinking Marching Band. www. cruilladecultures.com

Durante los próximos días 25, 26 y 27 de septiembre, el espacio de EXPOCoruña acogerá una iniciativa que responde al nombre de Daisy Market. Se trata de un showroom o escaparate en el que descubrir las últimas tendencias de moda urbana y será lugar de cita entre marcas, diseñadores, tiendas, etcétera. Además de una apetitosa selección de grupos musicales como The Rakes, The Wave Pictures, La Bien Querida, Joe Crepúsculo, Extraperlo, Lidia Damunt, Vacabou, 6PM o Cora Nova. www.daisymarket.es.

The Rakes

❱〉 Festival Independiente

❱〉 Andalucía va a por todas

de Zaragoza

en Monkey Week

Durante los días 9 y 10 de octubre, el espacio Multiusos del Auditorio de Zaragoza volverá a ser el escenario elegido para acoger una cita ya clásica en plenas Fiestas del Pilar. La primera de las veladas contará con la presencia de los escoceses Mogwai. Además Los Planetas llegarán para presentar el disco-libro “Principios básicos de astronomía”, mientras que completarán el cartel del viernes Love Of Lesbian, The Sunday Drivers, Dj Homeboy y los zaragozanos Visión Túnel. Rufus Wainwright será el cabeza de cartel del sábado, que acaba de completarse con Mark Eitzel, Franz Nicolay, Russian Red, Catpeople, Bigott y las sesiones de Miqui Puig, Tachenko, Cis, Chelis o Hang The Dj. www.fizfestival.com

Rufus Wainwright

Rapsusklei

❱〉 Barcelona es hip hop

en el Hipnotik El Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona y el Mercat De Les Flors, escenario de actuaciones y festivales de recuerdo imborrable en el pasado, vuelven a ser protagonistas de un evento de excepción con la celebración del Hipnotik 09, una de las grandes citas para los amantes del rap en castellano y la cultura hip hop en general. Con una ambiciosa programación que se alargará tres días (11, 12 y 13 de septiembre) por estos dos escenarios van a pasar CPV –su vuelta a los escenarios es tal vez la mayor atracción del festival-, Tote King junto a Shotta, Nach, Chojin, Rapsusklei o Falsalarma. www.hipnotikfestival.com

Siguiendo el modelo de festivales extranjeros como SXSW o Eurosonic, nace en El Puerto de Santa María (Cádiz) una iniciativa que se ha dado en llamar Monkey Week. La propuesta se llevará a cabo del 9 al 12 de octubre en distintos escenarios situados en las calles de la ciudad y en infinidad de salas. Esta cita anual que busca ser punto de encuentro entre artistas, público, sellos, promotoras, medios y técnicos del sector musical. Habrá debates, mesas redondas y actuaciones de artistas como Wire, Josh Rouse, Howe Gelb, Heavy Trash, The Mary Onettes, Manos de Topo, Los Coronas, Cápsula, Muni & Remate, Tokyo Sex Destruction y un largo etcétera. Más información en www. monkeyweek.org.

The Mary Onettes

❱〉 South Pop se expande

❱〉 El Mercat de Música Viva de

a Isla Cristina

Vic, superando los veinte años

Tras la celebración en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla de la cuarta edición del festival South Pop, el evento se desdobla en un nuevo evento que esta vez tendrá lugar en la localidad de Isla Cristina (Huelva), a quince kilómetros de la frontera portuguesa, los días 19 y 20 de este mes de septiembre. El cartel lo conforman Micah P. Hinson, La Bien Querida, We Are Standard, Klaus & Kinski, Piano Magic, Anni B. Sweet, Los Punsetes, Those Dancing Days, Cats On Fire y David Thomas Broughton... www.myspace.com/southpopislacristina.

Micah P. Hinson

The Pepper Pots

❱〉 Altaveu, sin etiquetas Son ya veintiún años los que lleva el Altaveu de Sant Boi de Llobregat apostando por los artistas más interesantes de nuestro territorio. Este año, durante los días 10, 11 y 12 de septiembre, la localidad barcelonesa acogerá una larga lista de conciertos bajo la premisa “Sense Etiquetes” (Sin Etiquetas). Entre los grupos participantes están Love Of Lesbian, The New Raemon, The Pepper Pots, Mazoni, Gertrudis, El Petit de Cal Eril, Espaldamaceta y muchos otros. Dentro del concurso de nuevos valores Altaveu Frontera, estarán presentes entre otros Ix! o Just4Fun, con los conciertos especiales de The Unfinished Sympathy, La Bien Querida y Las Migas. www.festivalaltaveu.cat o www.myspace.com/festivalaltaveu

Desde el 16 al 20 de septiembre, la localidad catalana de Vic vuelve a animarse con el Mercat de Música Viva, que en esta ocasión celebra su edición número veintiuno. El Mercat es un lugar de reunión para profesionales (artistas, promotores, medios...), además de un escaparate para músicas de distinta orientación. Esta vez habrá tres destacadas producciones propias, aunque como de costumbre debemos destacar la selección general de artistas. Entre los confirmados estarán Zulu 9.30, Fundación Tony Manero, Dr. Calypso, La Kinky Beat, Jabier Muguruza, The Pepper Pots, Helena, Mazoni, y una tarde de Minimúsica con El Petit de Cal Eril, Stay, Don Simón & Telefunken, Sedaiós, Za y Fred i Son. www.mmvv.net

La Kinky Beat

Catpeople

❱〉 Ebrovisión, más apuesta

nacional El Ebrovisión 2009 tendrá lugar los días 17, 18 y 19 de este mes de septiembre en la localidad burgalesa de Miranda de Ebro. El festival se ha convertido en otro “quién es quién” de la música independiente española en el que no faltan los artistas más relevantes del momento. Pasarán entre otros Vetusta Morla, Sidonie, Delorean, Love Of Lesbian, Cycle, Catpeople, Cooper, Niños Mutantes, Templeton, The Right Ons... www.ebrovision.com

Dj Floro xxxxxxxxxx Foto Archivo

❱〉 Orense se anima

con el Reperkusión Siete ediciones carga ya a las espaldas el Reperkusión, un modesto festival que se lleva a cabo el 18, 19 y 20 de septiembre en la localidad orensana de Allariz y que hace las veces de un magnífico escaparate para la mayor parte de las bandas gallegas en las que la fusión entre el funk, el rock y lo folklórico es su principal razón de ser. Con algún fichaje de más allá de las fronteras gallegas (Dj Floro, Beatmac, Confussión y Circo Psikario desde Madrid), el grueso del cartel lo conforman Afrofunk Group, Cé Orquestra Pantasma, Arremecaghonas Producions, Roi Borrallas, Títeres Alakrán, Malandraxe... www.reperkusion.com

Berri Txarrak

❱〉 Aupa Lumbreiras! Nada mejor para despedir el mes de septiembre –teniendo en cuenta que te gusten las guitarras, claro está- que pasarte por el festival Aupa Lumbreiras!, que se lleva a cabo durante los días 25 y 26 de septiembre en la localidad de Tobarra (Albacete). A lo largo de esos dos días podrás disfrutar de los conciertos de grupos nacionales e internacionales. No hace falta más que echarle un repaso al cartel para descubrir nombres tan populares como los de Def Con Dos, Narco, Porretas, El Último Ke Zierre, Berri Txarrak, Betagarri, Boikot, SA, Los Suaves, Parabellum, Habeas Corpus o Reincidentes, junto clásicos del punk británico como The Damned o alemán como Die Toten Hosen. www. aupalumbreiras.com

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MondoSonoro · Septiembre 2009 /11/

MONDOFREAKO

Japandroids Foto Archivo

Japandroids

música básica Si alguien pensaba que el indie rock había perdido la frescura y la energía de los mejores noventa, con Japandroids queda claro que se equivoca. “Post-Nothing” es un tratado crudo y directo que nos recuerda porqué demonios nos gustaron tanto algunos grupos.

a escena independiente necesita grupos frescos. Japandroids, es decir Brian King (guitarra y voz) y David Prowse (batería, voz y nuestro interlocutor en esta entrevista), lo son. Su desenfadada forma de entender el indie rock, crudo, rápido y eficaz –como siempre debería ser- no sorprende, pero sí hace disfrutar de lo lindo, como si fuesen un cruce entre Superchunk, The Thermals, los primeros Archers Of Loaf, Titus Andronicus y Black Sabbath. Procedentes de Vancouver, estos dos jóvenes canadienses no parecen preocuparse en mucho más que hacer lo que les gusta. Euforia, excitación y energía. “Diría que lo que estamos intentando hacer es tocar lo más duro posible y con todo el sentimiento que podamos. Queremos hacer algo realmente genuino, que surja del corazón. Es la música que nos gusta escuchar a ambos y, por tanto, es lógico que sea también lo que toquemos”. Lo que les gusta, y como les gusta. Factura lo-fi para unas canciones que nunca necesitan más. “Es la más divertida manera que sabemos de grabar. Lo hicimos en The Hive, que es uno de los principales estudios de Vancouver y donde han grabado Black Mountain y la mayor parte de los grupos de la zona. Lo que ocurre es que, al final, hicimos un disco

ASI COMO SUENA

‘lo-fi’ porque es como nos gusta que suene. Nos preocupó mucho más captar la energía de cada interpretación que hacer que cada nota sonase a la perfección. Nuestro disco vendría a ser una buena grabación de un concierto en directo, o por lo menos eso es lo que hemos pretendido conseguir”. Aho-

“Lo que estamos intentando hacer es tocar lo más duro posible y con todo el sentimiento que podamos” ra bien, después de dos Ep’s y un primer larga duración de lo más rasposo, falta ver si tras la repercusión obtenida Japandroids cambiarán su perspectiva sobre grabar y acaben dando forma a álbumes llenos de violines y teclados. Dios mío, no, eso no debe ocurrir. “Nos encanta como suena ‘Post-Nothing’ y teníamos muy claro que lo queríamos así, pero es complicado saber cómo sonará el próximo disco. Hemos estado escribiendo nuevas canciones, lo que no significa que ya estén acabadas. Eso sí, sabemos que no queremos que se nos etiquete como ‘otra banda lo-fi’. Tengo la esperanza de que la gente no espere que grabemos el mismo disco cada uno o dos

Ikerne Bultaco

(Bultacos/Fangoria) Compartir esfuerzos entre dos formaciones tan dispares como Bultacos y Fangoria no debe ser fácil. Lo que ocurre es que Ikerne Bultaco está curtida en mil batallas y tanto ella como su equipo saben en qué terreno moverse para dar lo mejor en todo momento.

Ikerne Bultaco Foto Archivo

años. Además, nosotros mismos no tenemos ningún interés es hacer lo mismo una y otra vez. Nos aburriríamos mucho”. Lo que sí parecen tener claro es que Japandroids va a continuar siendo un dúo durante el máximo tiempo posible. “Ambos nos sentimos muy cómodos siendo un dúo. Hace mucho tiempo pensamos en fichar a otro miembro para que fuera el cantante solista, pero jamás hemos pensado en añadir más instrumentos. Ser dos nos da mucha flexibilidad para sonar tan fuerte y tan caótico como nos parezca”. Aunque han apuntado en varias ocasiones ser fans de Guns N’Roses (“bueno, Brian lo es,

◗ Material de directo: Guitarra Gibson Les Paul Deluxe año 76; pedal afinador Fender; footswitch Fender; cabezal Marshall JCM900, edición limitada sin reverb, y una pantalla Marshall 1960 B recta, que voy turnando con una Hiwatt 4x12.

pero no del material nuevo”), cuando listamos referencias su nombre no suele aparecer y sí los de The Thermals, No Age o ese referente que siempre serán los Superchunk de los primeros tiempos. “Se nos ha comparado ya con Superchunk en alguna ocasión, pero no les he escuchado. Lo que ocurre es que siempre ha habido bandas anteriores que hayan sido influidas por los mismos artistas. Por ejemplo, aunque no hayamos escuchado a Superchunk o The Thermals, me da la sensación de que nos gustan la misma música y los mismos grupos”. De todos modos, ese sonido revolotea sobre el sesenta por ciento del material de Japandroids, mientras que el restante

◗¿Qué importancia tiene para ti experimentar con instrumentos nuevos? Relativa al poder adquisitivo de cada momento. Por eso llevo tocando con el mismo amplificador desde que me lo compré cuando tenía dieciséis años. Tengo varias guitarras, pero siempre uso la Les Paul. Quizá compre un Ibanez tubescreamer para saturar un poco la señal de mi amplificador. toda una novedad para Bultacos, que no somos de mucho pedal… ◗¿Tienes todo el equipo necesario para conseguir que tus ideas suenen en estudio como quieres? El sonido que busco en el estudio todavía no sé cuál es con exactitud, pero sé cómo no quiero sonar y para no sonar así tengo un equipo garantizado. ◗¿Qué diferencias existen entre

es mucho más pesado, heavy y crudo. “Es cierto que la segunda mitad del disco engloba los temas más ruidosos, pero al mismo tiempo los más lentos y más tranquilos como ‘I Quit Girls’ o ‘Sovereignty’, que podría ser lo más cercano a una canción pop que hayamos escrito. Intentamos equilibrar las cosas y si incluíamos una composición lenta, también tenía que ser ruidosa. Intentamos mezclar distintas caras, lo que convierte todo esto en algo más divertido. Hacer algo de pop y a continuación una jam lenta y pesada... Es una forma de explorar las distintas caras que podemos tener siendo solamente un guitarra y un batería”. Los chicos tampoco se plantearon nunca buscar un sello discográfico y tenían suficiente con autoeditarse. Así vieron la luz sus primeras canciones y así llegó a la calle inicialmente “Post-Nothing”, por lo menos hasta que Unifamiliar Records les echó una mano en Canadá y posteriormente el boca-oreja provocó que una discográfica tan respetable como Polyvinyl les acogiese en su parrilla de grupos. “Contactaron con nosotros cuando empezaba a haber movimiento a nuestro alrededor. Escucharon el disco, les encantó y no tardaron nada en llamarnos. Son gente auténtica, honesta, que cree en nuestra música y confía en nosotros desde el punto de vista creativo, lo cual es una situación ideal. La verdad es que hemos tenido mucha suerte”. ■ Joan S. Luna “Post-Nothing” está publicado por Polyvinyl/Independent Trade Union.

tu equipo de directo y el que usas normalmente en estudio? Grabo con el mismo equipo que uso en directo. Aunque me gusta grabar algunos arreglos con un cabezal Fender Prosonic. Además los buenos amigos me han prestado guitarras (SG, Flying V) o alguna cabeza para hacer variaciones en los sonidos entre canciones.

No soy coleccionista ni acumuladora de objetos vintage. La guitarra Les Paul Deluxe la compré por Internet (es del año 76), la pantalla Hiwatt se la compré a una amiga hace muchos años… Entiendo que son instrumentos y equipo que no se compran por ser vintage si no por su calidad. Tambien tengo una tabla de surf de los años setenta, pero no sé si eso cuenta.

◗ ¿Compras material de segunda mano? ¿Qué tal te parece el mercado? Las tiendas con artículos de segunda mano ofrecen bastantes garantías. He comprado cosas por Internet, en tiendas nuevas y de segunda mano. Ahora me parece que deberíamos practicar más el trueque.

◗ Nos gustaría saber qué tres discos usarías como referencia por su sonido. “Saturation” de Urge Overkill; “Live At Leeds” de The Who y “Out Of Their Skulls” de The Pirates.

◗ ¿Usas material vintage? ¿Cuándo y dónde lo adquiriste?

◗ Cita a tres productores con los que te gustaría trabajar o a los que admiras... Me gustaría volver a trabajar con Daniel Rey. ■

(MONDOFREAKO /12/ Septiembre 2009 · MondoSonoro)

Moby Foto Archivo

Moby

Hastío de fama Qué un artista tan popular como Moby se desligue de la rueda discográfica más agresiva significa mucho. Richard Melville Hall solamente quiere continuar disfrutando de la música, algo que parece buscar con “Wait For Me”, un disco en el que sus ambiciones se mantienen en estado de hibernación.

l sueño utópico de la mayoría de los mortales podría materializarse en tener un flamante loft en el Upper East Side, girar alrededor del mundo hospedado en hoteles de alto standing y codearse habitualmente con entes intocables y prácticamente heroicos del panorama musical. Pero a Moby parece que todo esto le trae sin cuidado, quizás porque desde hace unos años dispone de eso y más. Con motivo de la presentación de su última obra de onirismo casero ambient, “Wait For Me”, el neoyorquino, de vuelta de todo, únicamente quiere ganarse la vida haciendo música desde su habitación sin importarle lo más mínimo los ceros que acrecentarán su cuenta corriente. O al menos, esa es la imagen que nos quiere concienzudamente transmitir. “La fama realmente es algo muy extraño. He conocido a muchísimos ricos con unas vidas de lo más miserables”, comenta mientras le da un sorbo al té matutino de rigor horas antes de presentarse en el Palau de la Música barcelonés en la única parada por nuestras tierras de su actual tourneé.

▲Suben Delorean por la repercusión internacional que está teniendo últimamente. Además de excelentes críticas, aparecen en el nuevo recopilatorio de Modular.

“Lo único positivo que tiene ser un músico popular es el hecho de poder actuar ante miles de personas, conocer a mis héroes particulares como David Lynch o David Bowie y poder involucrarme en cuerpo y alma en diversas causas humanitarias. Muchos músicos ven este negocio como una forma perfecta para hacerse famosos y ganar grandes cantidades de dinero, pero a mí lo único que me importa en esta vida es hacer la música que me gusta, tenga o no éxito. Algunos pensarán que no tiene sentido lo que digo, dada la privilegiada situación que vivo, pero sigo siendo la misma persona de hace veinte años a pesar de todo”. Después de grabar y producir su última obra hogareña bajo la premisa del do it yourself y sin necesidad de recurrir a colaboradores de infarto para despertar el interés mediático, en esta ocasión Moby ha preferido llamar a un nutrido número de amistades anónimas para llevar a cabo su imaginario anti-mainstream. “Cuando trabajo junto a mis amigos no

▲Suben Arctic Monkeys por publicar su single “Crying Lightning” en edición limitada en vinilo a través de la cadena de tiendas Oxfam, con fines benéficos.

tengo necesidad de pensar en abogados, agentes ni nada por el estilo. Todo resulta mucho más familiar ya que hacemos música, comemos espaguetis juntos y el ambiente es mucho más tranquilo y gratificante”. Sin la imperiosa necesidad de agradar al respetable actualmente, aquellos tiempos en los que no tuvo reparo alguno en machacarnos neuronalmente con temas como “Thousand” perduran aún hoy en día en el subconsciente de

patriotas sufridores de la dichosa crisis económica: “Gracias a Obama la esperanza de la población no ha decaído de momento. Después de que George W. Bush representara todo lo negativo de nuestro país las cosas han cambiado. Hemos pasado de tener el peor presidente de la historia a disfrutar de un joven inteligente y pragmático que, por primera vez, me ha hecho sentirme orgulloso de ser americano”. Sien-

“He conocido a muchísimos ricos con unas vidas de lo más miserables” miles de amantes de los beats transgénicos, pero ¿Acaso el tiempo ha hecho que nuestro calvito perdiera la fe en el techno? “Cuando estoy lavando los platos o quiero irme a dormir obviamente no me pongo este tipo de música. El techno me sigue encantando, pero a las dos de la madrugada o en situaciones específicas como cuando uno conduce solitariamente por Alemania o tengo ganas de fiesta. La verdad es que actualmente tengo otras preferencias, pero no me he desvinculado del género como oyente”. Después de venderse como un hombre convencional es momento de preguntarle por sus com-

▲Sube la revista gratuita Nativa por publicar un número cincuenta en el que repasan los hechos musicales y culturales más destacables de esta década en Barcelona.

do un defensor a ultranza tanto de South Park como de los derechos animales, quería conocer de primera mano si sería capaz de manifestarse con piquete incorporado, como debe ser, ante una plaza de toros junto a sus amiguetes de PETA. “Me parece un arte cruel, pero nunca iría a otro país a recomendarle a la gente lo que tiene que hacer. Uno de los principales problemas de los estadounidenses durante la historia ha sido que han tenido la necesidad de decirle al mundo cómo debe comportarse”. ■ Sergio del Amo “Wait For Me” está publicado por Rom/Pias.

▲Suben los responsables del colectivo Fikasound. Tras traer artistas suecos a España, han decidido dar forma al Spanish Independent Festival en Goteborg.

SUBEN ▲

▼Baja la confianza de algunos en los grandes festivales nacionales. La organización de consumidores Facua ha denunciado por “cláusulas abusivas” a un total de ocho.

▲Sube el número de publicaciones publicadas en nuestro país dedicadas al mundo de la cultura hip hop. La recién llegada es Hip Hop Life.

▼ bajan

▼ Baja que uno de nuestros grupos aragoneses favoritos haya decidido tirar la toalla. Persona ofrecerán su último concierto el 18 de septiembre en Arrebato.

▼ Bajan los rockeros duros que habían dado la espalda a Arctic Monkeys considerándoles un hype y ahora les respetan por haber grabado junto a Josh Homme.

▼ Adictos a los escenarios, los chicos de Maxïmo Park se han visto obligados a cancelar todas las fechas que les quedaban de gira debido a problemas personales.

▼ Baja que, en los últimos meses, haya habido diversas muertes asociadas con el mundo del arte, de Michael Jackson a John Hughes pasando por Les Paul.

(MondoSonoro · Septiembre 2009 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“Me convenzo de que voy a morir unas tres veces por semana” La Roux, en NME

“Cuando dejé las drogas hace un tiempo, de golpe, también me libré de un gran número de capullos” Richard Hawley, en Uncut

“Nunca pensé que pudiera cantar. Me hubiera gustado tener un frontman y esconderme detrás de él” Alex Turner de Arctic Monkeys, en Mojo

Épica contemporánea “Michael Jackson estaba jodidamente loco, lo que es una buena cosa” Alex Kapranos de Franz Ferdinand, en NME

El rock de estadios está de enhorabuena. La banda de Matt Bellamy regresa igual de dramática y excesiva con “The Resistance”, un disco más accesible e igual de soberbio que los anteriores. Nunca más de lo mismo fue tan diferente.

S “Devo no éramos los nerds populares, éramos los nerds irritantes y listillos” Mark Mothersbaugh de Devo, en Dazed & Confused

“He llorado como nunca... cuando terminaba las canciones, me quedaba en casa cantándolas en plan terapia” Marc Ros de Sidonie, en Supernovapop

“Mis crooners favoritos son Scott Walker y Boyz II Men” Dent May en Jenesaispop

i no hubiera prejuicios, de qué íbamos a hablar en los bares. La pérdida de esas conversaciones tan vacías y tan llenas de opiniones infundadas convertirían el abandonar la tranquilidad de nuestros hogares en algo demasiado aburrido. Muse son un grupo sobre el que hay prejuicios suficientes: ¿excesivamente épicos? ¿cada vez más comerciales?… La respuesta es afirmativa en los dos casos, pero también es cierto que “The Resistance” es un álbum excelente. Más accesible que trabajos anteriores y con grandísimas canciones. El fantasma de los cambios importa poco a Dominic Howard (batería). “Ahora tenemos la libertad suficiente para poder buscar una dirección diferente en nuestras canciones, pero siempre va a haber alguien que nos critique por hacer algo distinto. Para el grupo es bueno que haya esas expectativas de cambio porque nos hace asumir riesgos. Por poner un ejemplo, nos gusta mucho trabajar con instrumentos a los que no estamos acostumbrados”. Asomarse a lo imprevisible ha sido una de las constantes en la carrera de los de Devon, que en esta ocasión han preferido preparar las canciones en su ciudad y trasladarse a rematarlas al estudio del cantante cerca del Lago de Como, al norte de Italia. (Matt Bellamy) “Hemos tenido muy buenas experiencias con los productores con los que hemos trabajado, pero habíamos alcanzado suficiente confianza al trabajar en nuestro propio estudio como para animarnos a producir nosotros mismos. Algo muy importante al tomar esta decisión es que el

final del disco no se hubiera podido hacer de otra manera, porque necesitábamos bastante flexibilidad y tiempo para experimentar”. Más de quince minutos de piano y orquesta en los que Bellamy ha trabajado durante años y a los que dedicó tres meses para ensamblar todas las piezas. “Era la primera vez que componía para orquesta, y ha sido un trabajo duro;

y el rock de estadios. (Bellamy) “A lo largo de todo el álbum hay una fuerte influencia de hechos políticos que están pasando en este momento, no sólo en el Reino Unido, sino a nivel global. Mi país está indignado con el comportamiento de los miembros del Parlamento, la política antiterrorista… El día a día se parece cada vez más a una lucha entre la gente normal, la policía y el gobierno. Hay una fuerte necesidad de cambio, que es de lo que hablan canciones como ‘Smooth’ y ‘Uprising’ (casi un himno futbolero criticando el sistema bancario británico) o el tema que elegimos como adelanto, ‘United States Of Eurasia’”. En palabras del bajista Chris Wolstenholme:

“Ahora tenemos la libertad suficiente para poder buscar una dirección diferente en nuestras canciones” una apuesta por mi mismo a la que el resto de la banda ha respondido de manera fantástica”. “Exogenesis Symphony” es un delirio excesivo en tres episodios, ambicioso y catártico; pero también un admirable ejercicio de estilo con una historia detrás. “Quería hacer algo parecido a una película de ciencia ficción. La primera parte habla de una civilización que habita un planeta cuya vida está llegando a su fin. En la segunda, una pareja escapa del planeta para sobrevivir, y en la tercera llegan a un nuevo planeta para empezar de nuevo, tratando de no cometer los mismos errores”. La sensación global de que en algún momento la gente se va a cansar de aguantar las tonterías de los gobernantes es el tema principal de un disco que no puede etiquetarse como conceptual y que deja claro que la voz del pueblo es igual de fuerte desde la reivindicación política que desde la épica grandilocuente de la distorsión

“Las personas ya no confían en las instituciones y la idea de ‘La Resistencia’ está en nuestras mentes porque realmente algo está pasando en este momento”. La sombra nada difuminada de 1984 de George Orwell planea sobre muchas de las letras que podremos empezar a investigar a partir del 14 de septiembre, cuando “The Resistance” salga a la venta. (Dominic Howard) “En el single puedes escuchar a niños jugando y palabras como ‘daño político’ o ‘fuego amigo’. Varias canciones sugieren una nueva vida y es algo que creo que tiene mucha fuerza. La verdad es que no hay más que pensar en las cámaras de circuito cerrado que tenemos en Londres, están por todos sitios”. ■ J. Batahola “The Resistance ” se publica el próximo 14 de NOVIEMBRE vía Dro.

Muse Foto Archivo

Muse

(MONDOFREAKO /14/ Septiembre 2009 · MondoSonoro)

DISCO

Queda fuera de toda duda que Second han dado un paso adelante gigantesco con “Fracciones de un segundo” (Warner, 09), publicado el pasado enero. Veamos cuáles son algunos de los discos que más les han marcado históricamente y si eso se refleja en su música. The Cure “Seventeen Seconds” (1980) Nando Aprendí a tocar el bajo sacando las canciones de este disco. Se quedaron en mi memoria para siempre. Cuando nos aburrimos en el ensayo, sale espontáneamente alguna canción de este disco, por ejemplo “A Forest”.

Preparados para despegar Han pasado casi tres años desde que se presentaran en las Fiestas Demoscópicas de esta publicación. Pero el caso es que el primer largo de Cohete ya está entre nosotros, situando de paso su pop cambiante en una rampa de lanzamiento que admite discusiones y que ofrece canciones que merecen la pena explorar con detenimiento.

odría parecer que el título de la última canción del debut de los madrileños Cohete, “A veces es mejor no pensarlo tanto”, tiene algo que ver con el largo camino que han transitado hasta alumbrar por la vía de la autoedición este primer disco, cuya grabación se ha prolongado desde julio de 2007 hasta abril de 2009, pasando, según comentan ellos mismos, por casas de campo, de madres, suegros, primos y amigos. (Enrique Godino, voz y guitarra) “Sí que nos hemos tomado nuestro tiempo, pero lo que no queríamos era entrar a un estudio y tener que hacer todo deprisa y corriendo. Eso ha sido bueno casi siempre, pero también es verdad que algunas canciones han ido cambiando mucho desde que empezamos hasta que llegamos al final del proceso, tanto que al final están casi irreconocibles”. (Ramiro Cortillas, bajo) “Bueno, lo que pasa es que, por diferentes circunstancias, y porque es muy difícil coincidir, hemos ido grabando de tarde en tarde, cuando podíamos”. (Urs Hampel, guitarra, voz) “Uno de los problemas es que no teníamos estudio fijo, aunque Quique fue montando uno ambulante con el que hemos trabajado muy bien, yendo de un lado a otro. Y luego es que a lo mejor nos cuesta tomar decisiones más de la cuenta. Hay cosas con las que nos hemos entretenido demasiado”. (Enrique) “No sé, también es que cuando te metes en un estudio y tienes dos semanas, pues lo haces todo sin pensarlo tanto, sobre todo por la pasta”. (Urs) “Somos muy exigentes, incluso un poco

pesados, a veces sí que damos muchas vueltas. Cada uno viene con sus ideas, y en general todas son válidas, pero no es tan fácil ponerse de acuerdo”. (Ramiro) “Para el próximo disco intentaremos ser más rápidos, porque al fin y al cabo ahora ya hemos pasado por ese proceso”. (Urs) “Otra cosa es que lo consigamos”. Hasta aquí la parte de la grabación, que se completa con unas mezclas

grupo”. (Rodrigo Cortillas, batería) “Bueno, tampoco hay que olvidar que la guitarra que usa Quique es la misma que utilizaron ellos en su época, eso seguro que marca”. Más allá de las comparaciones, la propuesta de Cohete (cuyos primeros pasos se remontan a Detergente, donde también estaba Jonston, ahora preparando el que será su segundo trabajo) deslumbra por un pop clarividente y detallista, surtido de arreglos (destacando una sección de vientos que ahora se las ven y se las desean para mantener en directo), con un importante papel de las armonías vocales y también con unas letras en las que no falta un costumbrista sentido del humor. Pero sobre todo es que cada canción parece encerrar tres o cuatro distintas, con requiebros que poco tienen que ver con las estructuras más clásicas y acomodadas. (Enrique) “No es que nos

“No es que nos guste complicar los temas porque sí, sino que sale así de forma natural” con las que no están del todo satisfechos, especialmente por el sonido de las voces en varios temas; en todo caso, un mal menor. (Enrique) “Hemos pagado la novatada, supongo. De estas cosas se aprende, claro, pero en general estamos contentos con el resultado”. En su música se puede seguir la huella de XTC, The Soft Boys, The Flaming Lips, Madness o The Beach Boys, que no son malas referencias para empezar, sin olvidar que la más cercana está en la propia casa de Enrique Godino, hermano de Manuel y Jaime, cincuenta por ciento de Patrullero Mancuso. (Enrique) “Es inevitable, porque su local de ensayo estaba justo debajo del salón y he crecido con sus canciones y con la música que ellos escuchaban, así que algo de eso queda, pero musicalmente no creo que sea tan evidente. Es decir, para mí sí es importante desde ese punto de vista, pero no creo que lo sea para el resto del

guste complicar los temas porque sí, sino que sale así de forma natural. No es algo forzado, pero evidentemente forma parte de nuestra forma de componer, está en la esencia de Cohete”. Un puzzle de mil piezas; un meccano a la espera de que lleguen sus entusiasmados propietarios; un hazlo tú mismo en el que todo encaja hasta terminar el ensamblaje y conseguir que “Matrimonio”, “La salud es lo primero” o “Mi corbata” sean hits imposibles de un pop que parece de juguete, pero que en realidad esconde múltiples recovecos en los que perderse. Han tardado en llegar, aunque quizá éste sea buen momento, coincidiendo con un relevo generacional (Los Punsetes, Joe Crepúsculo, Tarántula...) que con ellos encuentra un nuevo argumento para afianzarse. ■ Enrique Peñas “COHETE” está publicado por NUEVOS MEDIOS.

Cohete Foto Archivo

Cohete

Phoenix “It’s Never Been Like That” (2006) Nando Es el disco que estaba escuchando mientras nos encerramos para componer las canciones de “Fracciones de un segundo”. Eso influye. En aquellos momentos de aislamiento ayuda tener un disco de cabecera. Blur “Parklife” (1994) Nando Descubrí a este gran grupo por este disco y luego me hice fan suyo. Es un grupo que, al igual que Second, tiene diversos tipos de canciones bien conjugadas en sus trabajos. La línea de bajo de “Girls And Boys” es un referente para nosotros. The Doors “L.A. Woman” (1971) Nando El primer vinilo que compré. La ilusión que me hizo. Rayé la canción “Riders On The Storm” de tanto repetirla. U2 “The Joshua Tree” (1987) Jorge The Edge se convirtió en mi referencia por aquellos años. En las pruebas de sonido, cuando tengo que probar la voz, todavía lo hago con “With Or Without You”. E.L.O. “Discovery” (1979) Javi Una de las bandas sonoras de mi infancia. Cada vez que escuchaba la Electric Light Orchestra imaginaba miles de colores. Al ver los clips lo entendí todo. Jason Falkner “Can You Still Feel?” (1999) Javi Fue el disco de pop más denso y pretencioso que jamás había escuchado hasta entonces. Me acuerdo que supuso una especie de ruptura de prejuicios que hasta entonces pudiéramos tener The Divine Comedy “Regeneration” (2001) Frutos Desde mi punto de vista, uno de los discos más elegantes que existen. La voz profunda de Neil Hannon te hipnotiza. Soda Stereo “Signos” (1986) Frutos Estamos ahora mismo en Argentina, y se me ocurre recomendar a este gran grupo, ya que en España no son tan conocidos como en América. Este es uno de sus discos más curianos (The Cure), pero en castellano. A mí me parece genial. Hasta la estética tenía algo que ver. Danza Invisible “Directo” (1987) Frutos Recopilatorio en directo de los mejores temas de sus primeros trabajos. Lo recomiendo a la gente que no haya escuchado los inicios de Danza Invisible. Nosotros hacemos una versión de “Sin aliento” en nuestros conciertos. n

xx Foto xx

Second

(MONDOFREAKO /16/ Septiembre 2009 · MondoSonoro)

Enter Shikari Foto Archivo

Enter Shikari

El perro muerde las flores Vuelven los imberbes británicos que pusieron sobre la mesa una original manera de combinar el hardcore y la electrónica hace un par de años. Precisamente tras ese periodo de exposición a los focos de prensa y fans, Enter Shikari muerden ahora con saña juvenil los cimientos de esa maquinaria, que paradójicamente les mantiene en primera plana, en “Common Dreads”.

aya por delante que “Common Dreads” no supone ninguna decepción en el camino de la banda. En él, los de St. Albans han aprovechado la seguridad que les ha dado tanta palmadita en la espalda y han exprimido al máximo el potencial de lo que se ha dado en llamar algo tan simplista como nintendocore. “Hemos estado haciendo conciertos casi sin parar desde el disco anterior ‘Take To The Skies’. El éxito comercial no te cambia tanto a ti mismo como al hecho de poder permitirte trabajar con determinados productores o estudios”. Lo que sí llama la atención inevitablemente es la carga política y social de una banda que parece querer buscar su propia madurez a través de una reivindicación tan justa como necesaria: la reinstauración del concepto de comunidad por encima de individualismos onanistas. Una señera tradición británica en el mismo lado de la barricada que Billy Bragg, Chumbawamba o Asian Dub Foundation, por citar tres ejemplos

tan distantes entre sí. “Este disco no está tan influenciado por la política como pueda parecer a simple vista, sino por el hecho de cómo te afecta la economía en la vida corriente, a la gente normal, en períodos concretos como el que ahora vivimos. Nos parece algo importante sobre lo que, al menos, pensar y preocuparse. Creo que de un tiempo a esta parte hay más gente concienciada con lo que está pasando y por qué está pasando. Lo que sí es cierto es que para nosotros ha tenido mucho más peso leer libros como ‘1984’ o ‘Un mundo feliz’ que la influencia de otros discos o grupos. Hay mucho componente político en las letras pero no creo que hayamos hecho un disco que se pueda etiquetar de político”. Bien es cierto que a favor de Enter Shikari juega el hecho de provenir de esa incontrolable y voraz máquina que es la vieja Britannia, cuna de belleza y atrocidades casi al cincuenta por ciento. “No creemos que haya

una relación directa entre la conciencia y la manera de desarrollarse de un grupo, su actitud, y su origen, es decir, que la banda provenga de Europa o de Estados Unidos”. Resulta obvio que la entrega que nos ocupa es un bombón en directo, con temas como “Zzzonked” o “The Jester” que juegan a partes casi iguales con estándares clásicos de rock, metal y jazz con ese lado saltimbanqui característico de la banda. “El hecho de meter por ejemplo partes de jazz en una canción tiene que

el documentalista Adam Curtis y sus trabajos para la BBC. Cosas que pasan en un país que tiene como primer ministro a alguien tan parecido y tan lejano a la vez al python Terry Jones. “Pensamos que es mucho mejor construir y pensar en positivo porque existe fuerza en ello, pero lo cierto es que asistimos a un auge de movimientos de derecha y fascistas en todo el continente europeo. Acabamos de ver cómo el BNP ha sacado dos diputados en las elecciones europeas

“De un tiempo a esta parte hay más gente concienciada con lo que está pasando y por qué está pasando” ver con nuestro deseo de no repetirnos entre canción y canción, manteniendo una coherencia pero haciendo que cada tema suene a sí mismo. En ese en concreto, ‘The Jester’, tanto el comienzo como el desarrollo posterior lo convierten en uno de nuestros favoritos para tocar en directo. Es muy divertido”. Precisamente todavía hay mucho de lúdico y pueril ímpetu a la hora de afrontar temas que por momentos parecen quedar grandes a cuatro jóvenes que buscan soluciones a toda una complejísima maraña global como es el mundo actual. Se pone de manifiesto ante el desconocimiento de una leyenda viva del pensamiento social británico como es

en el Reino Unido, aunque tengo que decir que no conozco a nadie de mi entorno que sepa que les haya votado y aunque mi generación no tenga un referente claro en los partidos actuales”. En definitiva, un disco que puede definir a la perfección una época, que no marcarla: paranoia, trasgresión controlada, recuperación de espíritus olvidados, inmediatez, simplicidad, diversión, máquinas creativas y máquinas vigilantes: un grupo humano en estado puro. ■ Nacho P.L. “Common Dreads” está publicado por Warner y tocan en diciembre con The prodigy

(MondoSonoro · Septiembre 2009 /17/ MONDOFREAKO)

NO confidencial

Javier Almazán (COPILOTO) Es el hombre que se esconde tras Copiloto. Acaba de publicar “Un segundo luminoso” (Grabaciones en el Mar, 09) y, ya que sus canciones nos gustan, intentaremos conocerle un poquito mejor con nuestras más cariñosas preguntas. ¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito? “Aserejé”, pero bajo pseudónimo, para poder vivir de los royalties y supeditar toda mi vida a lo que me pida el cuerpo en cada momento. El reggaetón “El gato volador”, porque no acabo de pillarle el punto. ¿Qué sueles cantar en la ducha? “Mujer contra mujer”. Entregadísimo. ¿Realmente sabes usar tu nuevo ukelele o te lo has comprado porque están de moda? ¿Está de moda? Ah, entonces por eso. Fijo. Soy un fashion victim incluso sin darme cuenta. ¿Cuál ha sido el sitio más cutre en el que has tocado? Lo diría, en serio, pero es que me acaban de volver a contratar y éstos, además, pagan bien. Si tu segundo disco se llama “Un segundo luminoso”, ¿qué título de autobombo le pondrás al tercero? Un tercero brutal. ¿Cuál es el personaje más famoso que se encuentra entre tus seguidores? Me consta que Elvis Costello, pero no lo dice nunca. Por timidez, supongo... ¿Es verdad que si no fuera por Amaral no estarías dando ni un concierto? De hecho, si no fuera por Amaral, yo ni hubiera nacido. Esa es la única verdad. Lo demás son falacias infundadas. ¿Qué le dirías a uno de tus fans que tiene tus discos pirateados? No me llames cariño. Toma cinco euros y píllate el primero, que también está muy bien. ¿Esto que me estoy tomando lo pagas tú, vale? Llámame si eso. ¿Qué opina tu familia de tu música? Que el de la batería siempre toca muy fuerte. Y que menos mal que ahora se me entiende algo cuando canto. ¿Es cierto que las secretarias de las discográficas donde intentaste que te hicieran caso te conocen como el freak de los bocadillos? Si me hubieran dejado pasar habría renunciado a hacer picnics en las salas de espera. Era culpa suya. Dame una buena razón para no tirar tus discos a la basura. Hombre, por educación, que te los acabo de regalar. Espérate a que me vaya por lo menos. ¿Es cierto que, al igual que Bigott, para fichar con Grabaciones en el Mar hay que tener aspecto de indigente? Me lo estoy currando. Dame seis meses más. Pero, bueno, también pasó DA, que da gloria verlo. ¿Cuál es el más sucio y depravado de los músicos que te acompañan? Ya no me acompaña. Por sucio y por depravado. ¿Le romperías las piernas a algún crítico? No, hombre. Le diría: “Toma, un disco mío para que lo tires cuando me vaya”.■

Yo La Tengo

Recuerdos y mixtapes Los estadounidenses Yo La Tengo nos han acostumbrado a citarnos periódicamente en forma de disco, concierto, banda sonora o proyecto paralelo, como ese amigo al que no ves durante temporadas largas y con el que, cuando vuelves a toparte, todo sigue igual. En esta ocasión “Popular Songs”, su duodécima entrega, es la excusa perfecta para una charla poco “promocional”.

uriosas sensaciones ofrece mi primer encuentro con James McNew, desplazado a Madrid para presentar “Popular Songs” y poco interesado en perder el tiempo desmenuzando el porqué de la calma que preside estos once temas, en un giro cada vez más evidente hacia el soul-pop. “No hay instrucciones sobre el álbum porque nada es intencionado. Nos gusta darle la oportunidad a quien escuche nuestros discos para que utilice su imaginación, por eso ni siquiera incluimos las letras. En cualquier caso, analizar ‘Popular Songs’ forma parte de tu trabajo, no es cosa nuestra…”. Descarrilado el tren de la típica entrevista promocional, nos entregamos ambos a una charla mucho más lúdica, por momentos nostálgica, que arranca con la excusa de esa cinta de cassette totalmente descacharrada que preside la portada de su nuevo disco. “¿Nostalgia? No sé… Escucho tantas historias horribles sobre la industria musical que… Desde luego me gustaría que la gente siguiera comprando discos… Eso sería genial. Pero si pienso en algo que echo de menos supongo que son las mixtapes. ¿Si recuerdo alguna especialmente importante? Me vienen a la cabeza ahora mismo como veinte o así… Una vez hice una para un viaje nocturno entre Nueva York y Boston. Tocábamos la misma noche en las dos ciudades, que están como a cinco horas de distancia, y preparé una cinta de canciones directas, muy ruidosas, para el camino: The Wipers, Blue Oyster Cult,

Mission Of Burma, Weirdos, The Move… ¡aquello era un no parar! También recuerdo que cuando entré en Yo La Tengo. Georgia me grabó una con sus temas favoritos: ‘Dog Meat’ de The Flamin’ Groovies, que precisamente versioneamos en el disco de Condofucks. Fue alucinante porque yo no conocía esa faceta de los Groovies, sólo su rollo más ‘beatleliano’. También The Byrds, un outtake de ‘A Plea For Tenderness’ de The Modern Lovers, o ‘Pet Wedding’ de Monitor, una banda de San Francisco

compacto. Inicialmente era un cantante de soul bastante correcto, pero a principios de los setenta dio un giro radical a su carrera y publicó “Total Destruction To Your Mind”, un álbum de soul psicodélico espectacular”. Llegados a este punto no puedo evitar traer a la conversación uno de los episodios más vívidos que me acompañan en mi relación con Yo La Tengo desde hace años: un concierto en Oviedo en la primera mitad de los noventa en el que un Ira furioso por la nula monitorización agarró del cuello al técnico de sonido y lo arrastró hasta el escenario. ¿Lo recuerdas? “Eeeh, ¿cómo era el lugar? Sí, sí, ya recuerdo (risas). Bueno yo no diría que somos gente tan tranquila como piensas. En aquel momento viajábamos los tres solos, sin técnico propio y esas cosas pasaban. De todas formas creo que fue la mayor explosión que recuerdo de Ira sobre un escenario y ¡en cierto modo fue muy gracioso!”. Luego firmasteis un instrumental,

“Desde luego me gustaría que la gente siguiera comprando discos... Eso sería genial” muy oscura de finales de los setenta”. McNew va disparando referencias mientras se le iluminan los ojos y por un momento me hace sentir como uno de los personajes (secundarios, claro) de “Alta fidelidad”. “¿Si aún paso por las tiendas a comprar discos? ¡Claro! Mis favoritas son Other Music en Nueva York, Aquarius en San Francisco (muy pequeñita pero estupenda para avantgarde y experimental; tienen una selección estupenda y te aconsejan muy bien) y Dusty Groove en Chicago (especializada en soul y jazz y excelente para discos de coleccionista y reediciones de sonido latino, africano…). Lo último que compré allí fueron unos discos de Swamp Dog que acaban de reeditar en

“Last Train To Oviedo”… “Teníamos grandes recuerdos de aquel viaje a Oviedo. Y de alguna forma así ‘pagamos nuestra factura’ con lo que ocurrió allí”. ¿Aún piensas como decías hace años que tocar en Yo La Tengo es el mejor trabajo del mundo? “Totalmente. Cuando estás en una banda hay momentos en que se cruza la línea que divide fantasía y realidad. Como cuando grabamos con Ray Davies. Yo le miraba y pensaba ‘¡¿Qué coño hace Ray Davies sentado en mi silla?!’. Un momento así no se puede superar”. ■ Luis J. Menéndez “Popular Songs” está publicado por Matador/Popstock!

Yo La Tengo Foto Steve Gullick

Javier Almazán Foto Archivo

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The Gaslight Anthem Foto Lisa Johnson

(MONDOFREAKO /18/ Septiembre 2009 · MondoSonoro)

The Gaslight Anthem

clase trabajadora Acaban de visitar nuestro país dentro del Bilbao BBK Live para presentar su último disco, el flamante “The ‘59 Sound”, un álbum que coloca a los de New Jersey en el primer plano de un cierto sonido norteamericano de Costa Este. Discípulos de Springsteen en clave punk, The Gaslight Anthem andan por buen camino.

ara empezar, el volumen de trabajo se ha repartido mejor que en su anterior lanzamiento, “Sink Or Swim”, grabado durante apenas dos semanas. Las sesiones para su última novedad se han alargado casi el triple de tiempo, lo que parece dar al conjunto de temas un toque de cohesión y homogeneidad apreciable. “Quizá sea eso, pero no es sólo ese aspecto lo que ha cambiado. Hay muchas cosas que han ocurrido entre ambos discos. La principal diferencia es que todo ha sido diferente: guitarras, amplificadores, pedales, casi todo lo que utilizamos ha cambiado. Hemos crecido bastante como grupo y con el tiempo también aprendes a usar mejor el tiempo”. The Gaslight Anthem son un curioso caso de grupo con una media de edad bastante joven que reverencia a clásicos con un respeto y conocimiento musical que parece caer en desuso a medida que los hypes televisivos, marcas de ropa y bebidas se adueñan progresivamente de lo que un día se conoció como música, arte que abraza más la matemática

compositiva que el marketing. ¿Se encuentra la idolatría musical en crisis? Alex Rosamilia, guitarra de la banda, nos lo confirma en cierta manera. “Me gustaría pensar que las referencias a Seeger, Petty o Dylan son debidas a que sólo nos gusta la buena música y el hecho de que no hay mucha buena últimamente. También la literatura es una manera de contar cosas y como tal es una influencia (nota: “Grandes esperanzas” de Charles Dickens está muy presente en el disco). Demasiadas bandas se fijan mucho en cosas que no sea la propia canción”. Es una golosa tentación la de pensar en grupos como el que nos ocupa como icebergs en un panorama que quizá no les entienda demasiado. Viajeros en el tiempo que han equivocado el cálculo del momento en que habrían nacido y vivido como ganadores en lugar de como luchadores. Eso es parte de su encanto, obviamente, aunque ellos se muestran realistas y pragmáticos, si es que ambos términos no son sinónimos la mayoría de las veces. “Estaría muy bien haber nacido hace décadas y haber

podido abrir algún concierto para Elvis Presley pero también lo es poder hacerlo para Social Distortion o Bruce Springsteen”. Uno podría caer en la apreciación fácil (otra más) de que la simplicidad reina en el universo de los de New Jersey y, por ende, en el resultado de sus composiciones, tan embebidas de esa sólida tradición de rock autoestopista más norteamericana que las propias hamburguesas. “Gran parte de nuestro material se puede considerar como intrincado, que no sólo tiene que ver

está”. La molestia de Fallon es comprensible, ya que el coraje que destila la música de este “The ‘59 Sound” no tiene nada que ver con la apatía y la desidia. Es más, ellos citan al barco de Robert Smith pero lo cierto es que uno no puede olvidar a The Smiths cuando en vez de flores se calzaban camisas de cuadros. Imaginarse a Morrissey como el protagonista de la película “Gigante” es fácil en un álbum que, por cierto, ya tiene un año de antigüedad en Estados Unidos y que ha sido agasajado por la prensa especializada. De mo-

“Sólo nos gusta la buena música... y no hay mucha buena últimamente” en la cantidad de notas que puedes meter en una composición de tiempo extraño, también se trata de ser capaces de subir y bajar y de alguna manera meterse en la cabeza de alguien”. Brian Fallon, vocalista de The Gaslight Anthem, no se muestra demasiado cómodo con la etiqueta emo que puede caer (solo tangencialmente y para exponer una de las lindes de la banda, claro está) indirectamente sobre los suyos. “El emo nunca fue parte de nuestro mundo. Ni siquiera es un género en si mismo en América, es algo en lo que nunca me metí. Nosotros estamos influenciados por el punk y el hardcore, el rock and roll y grupos británicos como The Cure y ya

mento no se consideran subestimados y creen que es mejor la calidad que la cantidad, al tiempo que no está en sus prioridades el salto a las majors. “No consideraríamos tomar el camino de las multinacionales si no existiese una hipotética necesidad”. Lo cierto es que sus directos no son cualquier cosa: se puede disfrutar, amén de los temas de un disco que raya el notable, de una magnífica versión de “State Of Love And Trust” y en una de sus últimas fechas se subió al escenario de Hyde Park con ellos el mismísimo Boss. Por algo será. ■ Nacho P.L. “The ‘59 Sound” está publicado por Side One Dummy

(MondoSonoro · Septiembre 2009 /19/ MONDOFREAKO)

EN LA

MALETA

Boys Noize Foto Archivo

BOYS NOIZE Aunque su nombre real es Alexander Ridha, todos conocemos al Dj y músico alemán como Boys Noize. Popular en nuestro país también por sus sesiones y remezclas, nunca es tarde para descubrir cómo empezó con todo esto. ◗ ¿Recuerdas por qué motivos empezaste a pinchar? Empecé a hacer de Dj cuando tenía catorce años con hip hop old school y house. Mis primeras influencias como Dj eran sellos como Dancemania, Force Inc, Moodyman, Disko B...

◗ ¿Podrías citarnos algunos temas que te gusten pero que no encajen en los sets? Bueno, hay montones de canciones que me gustan que jamás he pinchado. Normalmente los más electrónicos o los discos más densos que compro. Una vez al año hay una sesión de ocho horas en la que puedo poner todo ese material. ◗ ¿En qué medida afecta la reacción del público a la línea de tu sesión? Lo mejor de ser Dj es ver la reacción de la gente, sobre todo cuando van enloqueciendo poco a poco... ◗ ¿Te han robado alguna vez los discos o la maleta en la que los llevas? Desgraciadamente sí. Me robaron los discos una vez y varias mis compactos. Cuando me robaron dos cajas de discos estuve a punto de romper a llorar porque había discos muy antiguos que jamás he podido volver a comprar en vinilo. ◗ ¿Qué opinas sobre la importancia que se le otorga a los Dj’s? ¿Crees que su papel es muy importante para la música? Bueno, sí y no. Algunos Dj’s son auténticas superestrellas, pero utilizan música de otra gente y la mayor parte de ellos no pueden hacerla. En los setenta y los ochenta, los Dj’s no eran tan importantes para la gente a la hora de decidir a qué sala ir, pero eran fundamentales para crear nuevos hypes. En todo caso, a día de hoy, el Dj es la primera persona que pincha una pieza dance o de club que puede llegar a ser famosa dos años después. ◗ ¿Cuáles son para ti los mejores Dj’s de la actualidad? Gran parte de los Dj’s pinchan hits exclusivamente para contentar a la gente y para mí eso no es un buen Dj. Un Dj necesita tener su propia seña de identidad y tener las pelotas suficientes para pinchar material nuevo y desconocido. Para mí, debe hacer bailar a la gente no porque ponga los mayores hits, sino porque su sesión sea interesante. Un Dj necesita tener un feeling especial y amar lo que hace. ■

autoKratz autoKratz Foto Archivo

◗ ¿Qué discos sueles pinchar en todas tus sesiones? Nunca suelen faltar algunos clásicos, pero cambian dependiendo del momento. Posiblemente las canciones que más veces he puesto son “Trax On The Rocks, Pt. 1” de Thomas Bangalter y “Spastic” de Plasticman.

Animales Cojan a Daft Punk, Primal Scream, The Smiths y New Order. Macháquenlos y esparzan las piezas en un secuenciador. Trabaje la mezcla durante un año y obtendrá “Animal”, el primer álbum de estudio del dúo autoKratz, un tratado de electro-pop que apela tanto a la urgencia del rock como a la génesis melódica del synth pop.

na noche en un club de Londres, un tipo pasado de vueltas llamado Russell Crank derramó por accidente su bebida sobre los pies de otro chaval. Cuando vio sus Nike empapadas en ron con cola, el joven, llamado David Cox, fue a recriminar su acto al azorado muchacho cuando de repente vio que éste lucía una camiseta de Devo. Su actitud cambió. Comenzaron a hablar sobre música y vieron que sus gustos eran extrañamente idénticos. Así nació una amistad y un proyecto musical, autoKratz. Hay tres cosas que deben saber de este dúo que comenzó a hacerse un hueco en los hype charts el pasado año con su mini-álbum “Down & Out In Paris & London” (y sobre todo con su single “Stay The Same”). La primera es que cuando vieron en directo a Daft Punk, sus vidas cambiaron. (Crank) “Fue en 1997 en el Festival de Glastonbury. Al verlos entendí la música electrónica y vi sus posibilidades. Me abrieron los ojos”. La segunda es que son fans del mítico Hacienda y del sonido Manchester. (Crank) “Los dos creemos que ese período musical fue muy excitante. Sin embargo, me frustra que Manchester no haya superado esa etapa y a menudo se pierda en su propia nostalgia. La escena podría moverse y generar una nueva era de buenos artistas”. Y la tercera es que son grandes admiradores de Primal Scream, tanto que en sus directos versionan “Swastika Eyes”. (Cox) “Ha sido una banda que siempre nos ha encantado. Discos como ‘XTRMNTR’ y ‘Evil Heat’ son referentes

para nosotros”. Sumen el amor del dúo hacia bandas como The Smiths, Kraftwerk y New Order y tendrán todas las pistas sobre cómo suenan los once cortes que componen “Animal”. (Cox) “No nos gusta definirnos como una banda de electrónica porque utilizamos guitarras e intentamos sonar

un año en el estudio preparando “Animal”. (Cox) “Más de lo que pensábamos, pero queríamos sacar algo que fuera perfecto…”. Ha valido la pena esperar, ya que los once temas presumen de una producción excelente y muchos de ellos son bombas para las pistas de baile: el mencionado “Stay The Same”, el puñetazo acid “Past Your Heart”, la galáctica “What You Want, What You Got? o “Gone Gone Gone”, el único corte instrumental del conjunto y que puede presumir de ser el pepino más grande de toda la huerta. Pero lo mejor es que, gracias a su deje retro y su inclinación synth pop, autoKratz suenan muy personales, aunque se les pueda situar cerca

“Al ver a Daft Punk entendí la música electrónica y vi sus posibilidades. Me abrieron los ojos” rock’n’roll”. Casi todo en autoKratz parece hacerse a la vieja usanza. Sus temas nacen a partir de la experimentación en el local de ensayo y basado en un sonido que combina el ‘four to the floor’ con los elementos clásicos del pop. Conjugan el uso de sintes analógicos como el MS10 o el SH01 con software (en directo son de la siempre factible escuela de Mac y Ableton Live, y todas las pistas las tocan o las lanzan en vivo). Hasta la promoción del proyecto la hicieron como antaño, sin Myspaces de por medio. (Crank) “Cuando comenzamos a producir como autoKratz, pasamos un mes entero encerrados en un estudio al este de Londres. Durante ese tiempo montamos algunas house parties y comenzamos a promocionar nuestra música. Enviamos una demo por correo a Gildas de Kitsuné, y le escribimos diciendo que creíamos que encajábamos a la perfección en su sello. Funcionó, como en los viejos tiempos…”. Se han encerrado

de Digitalism por el nervio punk de algunos de sus temas. (Cox) “Para nosotros es importante sonar frescos. No nos cerramos a nada, si un sonido nos gusta y transmite lo que necesita la canción, lo metemos. No se trata de maquillar los temas para encajarlos en un género o movimiento concreto”. Estos chicos parecen honestos, es por eso que han titulado “Animal” a su criatura. (Crank) “El disco está basado en canciones que hablan de nuestras vidas y de nuestros instintos más básicos. Las letras son profundas y tiene varios niveles, podemos sonar agresivos en algunas pistas y luego hacer temas más planeadores”. Después de haber teloneado a Underworld durante su gira de 2008 en los próximos meses les toca presentar sus canciones por Europa, Japón y Australia. ■ Javier López “Animal” está editado Kitsuné/Nuevos Medios

(MondoSonoro · Septiembre 2009 /20/ MONDOFREAKO)

vertientes: una es muy garagera, muy burra, con mucha energía. Luego tenemos otro lado más melódico, más power-pop, que también es bastante directo y enérgico. En general lo nuestro es dar mucho rollo y potencia pero siempre con melodía, a veces más y a veces menos… pero no sé, que cada uno ponga la etiqueta que quiera”. Lo que nunca les falta es intensidad, potencia y actitud. A base de tocar y tocar y de machacarse en el local, Ignacio, Miguel (bajo) y Gurru (batería que ha vuelto a la formación sustituyendo a Lázaro) en directo suenan compactos y sólidos, siendo quizá el terreno donde hayan ganado más fans. “Nuestro sonido en directo es fruto de meter horas, de ensayar. Existe mucha conexión, sobre todo conexión de estilo. Todos escuchamos la misma música, venimos del mismo ambiente, las influencias son las mismas y nos conocemos desde hace muchos años. Hemos ido aprendiendo de otras bandas y de otra peña. Lo que es evidente es que, desde que vivimos en Madrid, hemos girado más que nunca porque estamos más centrados en tocar y eso nos ha dado muchas tablas. El haber hecho una gira kilométrica hace dos años –con Fito y Fitipaldis durante más de noventa noches- fue importantísimo para nuestro nivel actual. Cómo no, cuánto más tocas mejor lo haces”.

Desabrochando a

Zodiacs Foto Alfredo Arias

Zodiacs

Puro nervio Demos la vuelta a la tortilla y pongamos sobre la mesa de análisis “3, 2, 1...”, el cuarto trabajo de estudio de Zodiacs. En un primer acercamiento se nos antoja enérgico y con arrojo, una compilación de doce temas que ha nacido para y por el rock’n’roll. Con algo más de conocimiento vamos viéndole muchas más caras a la criatura: rasgos de power-pop del bueno, de garage y alguna gotita de psicodelia.

entro de su concreción y su efectividad, son muchas las caras musicales de Zodiacs como bien deja ver “3, 2, 1...”. Para profundizar en la materia contamos con la ayuda de un experto: Ignacio Garbayo, vocalista y guitarra del trío de Guetxo. Resulta cada vez más difícil encontrarte frente a frente con músicos tan ilusionados con lo que hacen y que al hablar de su última creación lo hagan con un brillo especial en los ojos. “El balance de estos diez años es muy positivo. Sin darnos cuenta hemos llegado hasta aquí. A la hora de hacer la biografía te pones a escribir y dices ‘ostia, el cuarto disco’, y bueno, es un auténtico placer. Desde que empezamos tocando en Bilbao, en Getxo, hemos ido sacando un disco tras otro sin presión, sin prisas pero sin pausa, siempre con mucho amor y con mucha pasión por lo que hacemos, y hemos estado cada vez más contentos”. Las canciones de Zodiacs despiden buen rollo, supuran adrenalina de la buena por los cuatro costados, de esa que te impide estar en ‘modo reposo’. Eso se contagia en las doce pistas de “3, 2, 1…” (la reedición del mismo contiene un tema extra, “Con poco me lo monto”). Ignacio sigue sonriendo y contándonos que “este es el

disco del que más satisfechos estamos a todos los niveles: en cuanto a composición, letras, sonido, en la forma en que lo hemos ensayado, grabado y entrado en el estudio para producirlo. Incluso ahora, en el momento de la promo, estamos muy contentos porque lo estamos haciendo de forma muy relajada. Con este disco hemos conocido a Bolo, que se ha convertido en un pilar fundamental de la banda y que se encarga de los temas de promoción y management. La compañía, a pesar de que las ventas no son para tirar cohetes, está contenta con nuestro trabajo, nos dice que el grupo les encanta. Están apoyándonos y estamos orgullosos

tiene un estribillo de lo más resultón y un riff muy potente, con guitarras muy bien tratadas y un fuzz por debajo; “Sin mirar atrás” es un corte muy setentero y pegadizo; “Rocky Erickson” es un medio tiempo convertido en homenaje al líder de 13th Floor Elevators, aunque en la onda de los Supergrass más psicodélicos; el clasicismo que imprime el Hammond dulzón a “No vuelvas más por aquí” le da un empuje muy chulo al tema, llevándonos a pensar en la posibilidad de verles en directo convertidos en cuarteto, con los teclados también sobre las tablas. “’Vuelven los buenos tiempos’ también tiene Hammond, aunque es más sutil y no tiene un arreglo tan resultón. Hemos pensado integrar los teclados dentro del grupo pero a pesar de que hemos hecho conciertos con Álex como apoyo de guitarra en El Sol de Madrid y en Bilbao preferimos ser un power-trio potente y sonar sólidos así. Nunca digas de este agua no beberé, pero de momento funcionamos bien. A lo mejor llega el momento en que introducimos un cuarto elemento, o un quinto incluso, pero por ahora creemos que las canciones funcionan muy

tro de los puntos ganadores con los que cuenta Zodiacs es el de tener al frente una voz que comunica con cada palabra, tanto por el contenido de las letras como por el continente, con el deje canalla y vacilón repleto de gancho de Ignacio. Sus textos encajan como un guante en las canciones y empastan perfectamente con las melodías. “El rock’n’roll no es para poetas. Es un género que tiene que ser muy inmediato, muy popular y muy directo. Me encanta el rock americano, más aún el británico, que es muy sonoro y las letras suenan muy bien. En nuestras canciones prefiero contar algo que suene bien a algo enrevesado que suene mal o forzado. Álex me ha ayudado mucho en este tema para que no cambiara las acentuaciones de las palabras, que es una falta que me horripila. En ese sentido este disco suena muy bien, con mucho ritmo”. Pero si queremos ‘echarle’ la culpa a alguien sobre por qué su nuevo disco suena así, no sólo hay que mirar a Álex Olmedo -nuevo productor de la banda-. También hay que echar la vista mucho más atrás y fijarse en muchos otros grupos y otros tantos discos que han influido en su sonido como The Jam, The Who, The Rolling Stones, The Byrds o Tequila, aunque también hay otros responsables, quizá más escondidos. “El ‘Look Sharp’ de Joe Jackson es un disco redondo para un power-trio perfecto. Es un tío que hizo muy buenos discos en el 77 y que sigue en activo, pero que a partir del 79-80 empezó a hacer un rollo más fusión con el jazz, algo que me interesa menos, pero sus primeros trabajo son power-pop súper guapo: sencillo, directo y acojonante. ‘Get The Knack’, de The Knack es uno de los discos que más escucho últimamente. También han influido en nuestro sonido los discos de The Cars, el primer disco de Miracle Workers, el disco homónimo de Supergrass… Uf, hay tantos”. ■ María Baigorri ➲ Zodiacs visten Jeans Levi’s® 501® y tops de Levi’s® Red Tab”

“El rock’n’roll no es para poetas. Es un género que tiene que ser muy inmediato, muy popular y muy directo” por ello. Parece un tópico pero estamos muy felices”. Para poder sentirte así de contento debes tener motivos de peso bajo el brazo: El primero: las canciones. “Fuego en el aire” abre el disco con rabia soltando caña a destajo; “En Saturno”

bien en directo de esta manera”. A la hora de hablar de géneros parece que la banda no se quiere encasillar y, como la gran mayoría, huye de tópicos y etiquetas. “Cualquiera que haya visto un concierto de Zodiacs verá que tenemos dos

“3, 2, 1... ” está publicado por Dro

(MondoSonoro · Septiembre 2009 /23/ ENTREVISTA)

Sidonie Foto Archivo

Sidonie

¡Os queremos! Me dicen Sidonie que lo único que pretenden es conseguir una colección de canciones que puedas silvar en la ducha. Y yo aporto la obsesiva adicción de mis dos “peques” con el disco como prueba de que lo han conseguido. A esto le llaman “pop” y dejadme que yo añada “de autor”. “El incendio” es un gran disco.

ierra los ojos y olvida por un momento tus gustos musicales. Ves más allá y desprendete de tu bagaje personal con todas sus filias y sus fobias. Supera, incluso, la barrera que hay entre el mainstream y lo alternativo... ¿Qué le pides a un artista con cada nueva obra? Que se supere. Que ofrezca algo nuevo sin perder su esencia. ¿No? Yo sí. Y escucha: Puede que no hayas conectado nunca con Sidone pero, si te fias de mí, déjame que te cuente que con “El incendio” lo han logrado con creces. Se han superado de nuevo porque son reales. Y tú, depende de quién seas y cómo me leas, me dirás que una cosa es hacer las cosas con pasión y otra la calidad de la obra. Perfecto, estamos de acuerdo. Y, por mucho que escriba, ya no puedo hacer nada más, porque, a partir de aquí, dependo de las ganas que tengas de darle una oportunidad o no a esta banda, como a cualquier otra. Yo al fin y al cabo hago lo mismo. Pero Sidonie me gustan porque son un grupo que logran ser lo que pretenden. Un trío que, unido, son una fuerza de la naturaleza. Pura pasión y calor. La misma que desprende los surcos en vinilo de “El incendio”. “Arden, arden los mares y los desiertos / arde la culpa de nuestro deseo / y las palabras que llevan veneno” (El incendio) Las palabras que llevan veneno, las malintencionadas... Todos sabemos los incendios verbales que se pueden generar cuando dos personas defienden con pasión, una idea, un gusto... diferente. Pero también sabemos el calor que desprende la, por otra parte famosa, llama del amor. Esa pulsión eterna y vital que ha provocado que The New Raemon, Manel y Sidonie firmen tres discazos y que, un servidor, lleve con su pareja la friolera de veintidós años. Eso, sin duda, debe ser poderoso. Tanto que Sidonie le han dedicado un disco al completo, aunque al principio las dudas por culpa del pudor... (Marc) “Al principio no tenía ni idea de que el álbum giraría entorno al amor, qué va. Al principio intenté hacer un disco

de personajes como había hecho en ‘Costa Azul’, pero más por pura inercia. Aunque al final se impuso cómo estaba yo con mi pareja en aquel momento, ex-pareja ahora, y eso influyó en las canciones”. Palabras que llevan veneno. Escribes las canciones enamorado y antes de grabarlas se rompe la relación... (Marc) “Sí, pero si te fijas el disco pasa por todas las etapas de un enamoramiento. Hay momentos de amor, pero también de celos, de ruptura, de decir adiós... Vaya, que pasa por todo y, si te digo la verdad, he de reconocer que al principio me daba una vergüenza que te cagas escribir sobre todo esto. No puedes evitar el pensar cómo lo va a recibir la gente. Te imaginas un quinto disco en el que dices todos esos ‘te quiero’ sin tapujos y vaya, que al principio me costaba horrores. Fue gracias a la reacción tan positiva que tuvieron Axel y Jesús que me decidí a hacerlo sin miedo”. “Es el día de la cita, / te he traído margaritas / del jardín de mi casero. / ¡Te quiero!” (En mi garganta) Es el día de la cita y, aunque no llevo margaritas, llevo la enhorabuena sincera y me importa. Nuestra amistad se remonta a unos cuantos años atrás (demasiados para contarlos) y siempre es agradable poder decirle a un amigo que lo que ha hecho te ha gustado de veras. Si no fuera así, tampoco estaría escribiendo esto. “El incendio” me ha gustado porque realmente han conseguido poner en un primer plano la melodía y su harmonía, concentrándose en obtener una canción tan pegadiza como poderosa. Es un disco variado y que suena real, sin los artificios y colorantes del pasado. (Marc) “La honestidad que hay en este disco me atrevería a decir que es incluso salvaje. Piensa que cuando hicimos el cambio del inglés al castellano íbamos un poco confundidos y yo personalmente tenía mis dudas por lo que abusé del lenguaje metafórico.

En ‘Costa Azul’ ya empecé a limpiar y acabé proyectándome o hablando en boca de otros personajes como ‘Dandy del extrarradio’, ‘Sylvia’ o ‘Los olvidados’ y, en cambio, en este último disco ya me he lanzado sin ningún complejo a no esconder ningún sentimiento, sobre todo ante Jess o Axel y eso ha afectado no sólo a la letra sino también a la música. Por eso hemos grabado en directo con los instrumentos básicos, bajo, guitarra voz, batería y algo de teclado...”. Y ¿Los arreglos?... (Axel) “Este disco tiene el arreglo que precisa la canción, pero sin el cual ésta ya se entiende. Es verdad que antes nos

Sólo hay que prestar atención a “Por ti”, “A la vera del mar”, “Viva el loco que inventó el amor”o “La sombra” para darse cuenta de ello... (Marc) “Bastante más mediterráneo que ‘Costa Azul” desde luego (risas)”. (Axel) “En este disco teníamos otras prioridades y éstas han surgido por todo lo que hemos vivido durante la gira de ‘Costa Azul’. Hemos estado tanto tiempo tocando, nos lo hemos pasado tan y tan bien como quinteto que lo que pensábamos a la hora de grabar era plasmar aquello. Por eso esta vez hemos querido grabar en directo y que se notara lo bien que nos lo pasábamos tocando. De ahí ese concepto de la juerga

“Estamos hasta los huevos de toda esa escena indie que te critican por el simple hecho de querer crecer” gustaba arreglar las canciones por el simple hecho de adornarlas, en cambio, ahora, si hemos hecho un arreglo, ha sido con la intención de conseguir que el tema crezca, se haga más grande. Un ejemplo puede ser la trompeta de ‘A la vera del mar’”. “Por el camino / a la vera del mar / te voy a llevar” (A la vera del mar) “A la vera del mar” es junto “La sombra”, “El incendio” y “Mi garganta” el póker de ases del disco al que hay que sumar esa frágil y tierna balada que es “Por ti” para hacer el repóker. De “A la vera” me gusta el toque fronterizo y la trompeta que le da ese aire a los Love de “Forever Changes”... (Marc) “Sí, sí, estás en lo cierto. No tenemos ningún reparo en reconocerlo. De hecho nunca hemos tenido reparo a la hora de citar nuestras influencias y esta canción en concreto se encuentra entre una de nuestras favoritas”. (Axel) “Cierto. Este tema estaría en cualquier top ten que pudiéramos hacer Marc, Jess o yo”. Nunca han escondido ni las influencias ni la música que les empujó a dedicarse a esto: De The Beatles (el disco ha sido mezclado en los estudios Abbey Road) a The Kinks, pasando por Lovin’ Spoonful o The Jayhawks. Estas dos últimas son las bandas que más escucharon durante el proceso de grabación del disco. Y pese a las referencias de corte anglosajón les ha salido el disco más mediterráneo o latino de su carrera.

que hay en el disco”. Aunque siempre hay el eterno riesgo/dilema de haber caído en el terreno de “la comercialidad”. Esa bestia parda que persigue al indie sin pretensiones. (Marc) “Claro que entendería que se pensara en esos términos, pero no me preocupa porque he dejado de pensar que ese sea un objetivo negativo”. (Axel) “A mi tampoco me preocupa, pero es que el grupo nunca ha pensado en esos términos. Nosotros llevamos años revindicando nuestra necesidad de componer canciones pop infalibles y eso es lo que buscamos. Ojo, que no estoy diciendo que lo consigamos, pero sí que lo intentamos porque es lo que nos gusta. Pero también te tengo que decir que yo personalmente empiezo a estar un poco hasta los huevos con este tema, porque cuando sacamos ‘Shell Kids’ nuestro objetivo ya era el mismo que ahora: conseguir llegar a cuanta más gente mejor. En la actualidad hacemos mejores canciones para lograr eso y no creo que sea criticable... Por otro lado, nunca nos hemos sentido un grupo indie, en el mismo sentido en el que nunca nos hemos considerado un grupo comercial... pero estamos hasta los huevos de toda esa escena indie que te critican por el simple hecho de querer crecer”. ■ Don Disturbios “El incendio” está publicado por Sony BMG

(ENTREVISTA /24/ Septiembre 2009 · MondoSonoro)

Arctic Monkeys

Pasos de gigante A pesar de su título, “Humbug” es cualquier cosa menos una farsa. Alex Turner y compañía se gradúan con un inesperado giro hacia la densidad, llenando de profundidad y robustez unas canciones llenas de magia negra. Junto a Josh Homme de Queens Of The Stone Age encontraron una nueva dirección. Después de este tercer álbum no hay vuelta atrás. Arctic Monkeys han crecido.

a entrevista con el grupo es el pub The Fellow, justo en la salida de la estación de Kings Cross y una de las evidencias de hasta qué punto ha cambiado el barrio en la última década. Alex Turner y Matt Helders están en la pequeña terraza en el segundo piso del local. Hace un día espléndido. Tienen dos pintas vacías ante sí y Turner juega con las trizas de un paquete de tabaco. “¿Has escuchado el disco?”. Sí. “¿Cuántas canciones has escuchado?”. Diez. Helders y Turner levantan los brazos para celebrarlo. “¡Sí!”. Al parecer soy de los primeros en escuchar el disco entero, del que hasta hace poco sólo había un par de copias con ocho canciones. “¿Qué te ha parecido?”. Ambos sienten una genuina curiosidad, conscientes de que su nuevo trabajo no es un disco cualquiera. “Humbug” es un paso importante en la carrera de Arctic Monkeys. Si la misión de

“Favourite Worst Nightmare” (Domino, 07) era demostrar que los de Sheffield eran algo más que el clásico hype británico, que eran capaces de sobrevivir a uno de los debuts más inspirados y cautivadores de la década -y el mercado británico está tan acostumbrado a los debuts cautivadores como a los segundos largos prematuramente marchitos-, su tercer largo viene a demostrar que la suya puede ser una carrera de fondo, y que a diferencia de otros compañeros de generación lo suyo no es mera fórmula. El grupo se ha salido del guión con una decisión sorprendente: Josh Homme, líder de Queens Of The Stone Age, ha producido parte de su disco y ha oficiado de inspirador del robusto sonido de este tercer largo, aislando a unos Arctic Monkeys indecisos en el Desierto de Mojave. “Sabíamos que teníamos que dar un paso, aunque no en qué dirección”, explica Helders, que

se desentiende pronto de la conversación y se pasa los siguientes veinte minutos jugando con su iPhone. “Después de ‘Favourite Worst Nightmare’ estuvimos un tiempo parados”, explica Turner, “y cuanto más tiempo pasaba más crecía la expectación por saber qué tipo de disco sería el siguiente”.

esde que el fenómeno Arctic Monkeys explotara en 2006, el grupo pasó por una larga temporada de actividad frenética. Un Ep, infinidad de caras B y un segundo álbum en apenas un año, conciertos, promoción, la salida del bajista Andy Nicholson y la entrada de Nick O Malley... Viéndolo desde la distancia uno podría pensar que estaban destinados a consumirse con

disco de Arctic Monkeys y habían llegado a un punto muerto. Fue entonces cuando Laurence Bell, capo de Domino Records, les sugirió que se pusieran en contacto con Josh Homme. El ex-Kyuss ya se había acercado al grupo en un concierto en Bélgica. “Habíamos comentado la posibilidad de hacer algo juntos, pero simplemente nos olvidamos de ello”. La clásica conversación de backstage, palmaditas en la espalda y adulación mutua. Pero con el grupo encontrándose en un callejón sin salida la opción Josh Homme tomó la suficiente fuerza como para materializarse. “Fue en el Rancho de la Luna donde empezó a emerger el sonido del álbum. Seguimos grabando en Los Angeles y luego de nuevo con Jamie Ford en Nueva York, pero para entonces ya sabíamos

“Sabíamos que teníamos que dar un paso, aunque no en qué dirección” demasiada rapidez, a agotarse. “Empezamos a grabar algunas demos en Londres con James Ford”, explica Turner. Ford había estado detrás de su anteriores trabajo y también del sonido de The Last Shadow Puppets. Podría haber sido simplemente un nuevo

hacia dónde íbamos. Quisimos retener el ambiente de trabajo y la atmósfera”, subraya Turner. “Aunque no escribimos nada directamente en el estudio las canciones tomaron definitivamente otra dirección”, añade Matt Helders.

Arctic Monkeys Fotos Guy Aroch

(MondoSonoro · Septiembre 2009 /25/ ENTREVISTA)

Ideas claras

omme no sólo impuso sus clásicas condiciones espartanas al grupo -encerrados en medio de ninguna parte, estando siempre presentes todos aunque no tuvieran que grabar nada en un espacio reducido-, también influyó a los ingleses con sus gustos musicales.”Nos hemos metido de lleno en Black Sabbath, Jimi Hendrix, Rocky Erickson, Creedence Clearwater Revival... También he estado escuchando mucho a Nick Cave, que a nivel lírico ha sido una influencia importante”. Lo curioso es que con toda esa peregrinación de estudio en estudio y pasando por las manos de dos productores “Humbug” sea un disco tan homogéneo, recio y lúcido, el tipo de álbum que traza un nuevo futuro para sus autores, que no necesariamente pasa por repetir la jugada. Tan claro tienen que su tercer álbum funciona como un todo que se muestran algo reticentes a explicar qué canciones han sido producidas por Ford y cuáles por Homme. “El sonido es más oscuro y tenso, pero no ha sido nada consciente. Nos hemos quedado con los mejores diez temas de los veinticinco que grabamos. A veces intento escribir unas cuantas canciones que giran alrededor del mismo personaje o la misma situación, pero al final acabo dispersándome...”, explica Turner con aire nebuloso.

El líder de Arctic Monkeys es una suerte de anti-estrella. Podría salir a la calle y lo confundirías con un oficinista cualquiera de los que circulan en metro por Londres a esta hora de la tarde, un joven aprendiz de lo que sea. “The Last Shadow Puppets ha jugado su papel, aunque sólo sea por haberme permitido grabar otras canciones, practicar más, no sólo escribiendo canciones, sino cantando de una forma diferente. Creo que

riencia que han supuesto nuestros dos primeros discos y no pienso que haya una ruptura con el pasado. Sí, hemos dado un paso adelante, pero ha sido algo natural”. “En directo, la canciones antiguas han adquirido una nueva energía”, comenta Helders. Aunque el grupo haya estado parado este pasado verano a la espera de la salida del disco, ya han tenido la oportunidad de estrenar buena parte del nuevo material en

“Nos hemos metido de lleno en Black Sabbath, Jimi Hendrix, Rocky Erickson, Creedence Clearwater Revival..” es algo que se nota en este disco. Somos más viejos”. Esa experiencia resulta en un disco musculoso pero sutil, con algunos de los mejores temas de la banda. Piezas como “The Jeweller’s Hands”, “Cornerstone” o “Fire And The Thud”, sinuosas, intensas, alambicadas y con un desempeño como letrista por parte de Turner que le confirma como un espécimen único, son las que sitúan “Humbug” en un lugar privilegiado. ”La identidad del grupo se ha hecho más fuerte con cada disco, pero sí, creo que ‘Humbug’ supone un gran paso para nosotros. En cualquier caso, no estaríamos aquí sin la expe-

directo. “El repertorio se ha beneficiado por completo”. “Humbug” supone eso y más: Arctic Monkeys han conseguido dirigir su carrera hacia terreno abierto. A partir de aquí, cualquier cosa es posible, y con talento como el de Turner y compañía cualquiera se atreve a pronosticar cuál puede ser el techo de los de Sheffield, uno de esos excéntricos grupos pop que no hacen singles, sino canciones que, sin embargo, funcionan como singles. Y siguen sumando. ■ Joan Cabot “Humbug” está publicado por por Domino/Pias.

on el enigma y paradigma del nuevo mercado discográfico. El anti-ejemplo a seguir. Condensan en su media de edad de veintitrés años una madurez y una capacidad de sorpresa dignas de generaciones muy anteriores. Con sólo tres discos (al que puede sumarse, sin dificultad, el debut de The Last Shadow Puppets, proyecto paralelo de Alex Turner), han redefinido el manido tópico de “no-pensamos-en-las-reaccionesante-nuestras-canciones.-Tan-solo-queremos-evolucionar-como-artistas” de vulgar mentira promocional a estandarte principal de su propuesta. A diferencia de grupos como Coldplay o The Killers por citar dos ejemplos de éxito, Arctic Monkeys no escriben sus canciones como himnos concebidos para gustar a todo el mundo. Los monos van por libre. Bruscos cambios de imagen, colaboraciones imprudentes, sucias mutaciones sonoras; siempre opuestos a lo que se espera de ellos, demostrando que tener personalidad y no fracasar en el intento es posible. Si su primer disco les había rodeado de un hype tan incómodo como peligroso –NME lo catalogó como cuarto mejor disco británico de la historia antes incluso de editarse- y les etiquetó como ejemplo de banda surgida a rebufo de las nuevas técnicas de marketing nacidas gracias a Internet, los de Sheffield decidieron dar un brusco giro a su camino predestinado y publicaron “Favourite Worst Nightmare” tan sólo un año después siguiendo todas las tradiciones de la industria: evitando filtraciones previas, single de adelanto, etcétera. Ahora, vuelven a burlarse de los estándares y comercializan su tercer álbum en medio de agosto, ajustando tiempos sólo para que sus fans puedan disponer de él de cara a sus conciertos –como cabezas de cartel- en el Festival de Reading/Leeds o publicando su próximo single en exclusiva para las tiendas Oxfam. Más allá de la propuesta renovada, exquisita y de largo recorrido de los de Alex Turner, queda claro con “Humbug” que Arctic Monkeys siguen estando unos cuantos pasos por delante del resto de bandas de su generación. n Robert Aniento

Dorian Foto Albert Jodar

El futuro ya es de alguien

(MondoSonoro · Septiembre 2009 /27/ ENTREVISTA)

Dorian El cuarteto catalán publica a mitad de mes el que será su tercer largo en cinco años. “La ciudad subterránea” es, sin duda, su mejor trabajo. Para este disco ha habido que descender hasta algunos de los infiernos señalados en sus canciones, pero el resultado ha conseguido elevar a Dorian a ese cielo al que sólo unos grupos consiguen llegar. “La ciudad subterránea” deja el listón del pop electrónico y con guitarras cantado en castellano muy, pero que muy alto.

arc, Belly, Jordi y Bart son más que un grupo de pop. Dorian son uno de esos grupos por los que me encanta ser “molestado” a todo volumen mientras bailo, viajo, trabajo, me intoxico, hago el amor o lloro. Gracias a este nuevo disco, el cual he tenido la suerte de empezar a disfrutar hace meses, además de en todas las anteriores situaciones, lo he usado en una nueva, relativizar lo llaman. Escuchar canciones como “Verte amanecer” en medio de la olla a presión en la que se ha convertido mi cabeza en un año lleno de excesos, cambios, decepciones, despedidas y, joder, bastantes alegrías también, me ha ahorrado mucha pasta y ha ayudado a darme cuenta de que lo que de verdad importa duerme a mi lado. Saber que quien me cuenta esa historia se ha acercado al fondo y no se ha quedado en el camino de subida antes de vomitarnos a todos semejante verdad, me llena de satisfacción. “De repente te despiertas un día

nada bonito. “La gira de ‘El futuro no es de nadie’ se alargó hasta tal punto que se solapó con el proceso de composición y producción de ‘La ciudad subterránea’. Hay que tener en cuenta que fueron ciento treinta y ocho conciertos y, en mi caso, más de setenta sesiones pinchando. Entre eso y las sesiones de grabación y producción del disco, que duraban diez horas diarias y se alargaron meses y meses, acabamos destrozados, especialmente yo, que tuve que retirarme porque estaba empezando a perder el control de mi vida y eso acojona mucho”. A este tipo de infiernos me refería antes, a esos que Marc describe en algunas de sus canciones y que ahora nos cuenta. “Me aconsejaron que volviera a Madrid, a mi casa, que volviera a hacer una vida normal y me olvidara de todo durante una temporada porque estaba realmente al límite, así que eso es lo que hice. Eso sucedió en diciembre

“Tuve que retirarme porque estaba empezando a perder el control de mi vida y eso acojona mucho” por la mañana y te das cuenta de que no tienes energía y lo empiezas a ver todo negro. Sientes que desfalleces en los conciertos independientemente de haber dormido o no la noche anterior. Es culpa de un cansancio crónico. Nos gusta tanto la música que pensábamos que no necesitábamos unas vacaciones, y cuando nos dimos cuenta del error, en mi caso ya era demasiado tarde. Fue entonces cuando me dijeron que, para la propia supervivencia del grupo y del álbum, me olvidara durante dos meses de ambas cosas”.

e emociona porque sé de lo que son capaces, que hacen lo que les sale del alma, que son grandes trabajadores y creadores, que comparten miedo o felicidad con su público, la enorme pandilla de extraños que somos. Si aparte de todo, se presentan con un disco lleno de hits, de estribillos imposibles de obviar, de bases y melodías capaces de llenarte de energía y de unas letras directas al cerebro previo, paso por el estómago, Dorian me han hecho un regalazo. Miento. Nos han hecho un regalazo. Ustedes tendrán que esperar hasta el catorce de este mes para desenvolverlo, pero entre Marc, su Myspace y quien firma vamos a tratar de que la espera se haga menos dura. El barcelonés barrio de Gràcia se engalana para sus fiestas mientras espero a Marc. Jordi, batería del grupo, cuida de nuestros gaznates, instalados al fondo del local. Joan S. Luna, mi guía espiritual y redactor jefe de esta casa se une a la conversación. “Más que una entrevista ha sido una charla entre los tres, ¿no?”, comenta Marc cuando apago al fin la grabadora. Una charla de dos horas imposible de reproducir. Pero no ha sido la entrevista lo único extenso a la hora de hablar de Dorian. La grabación de “La ciudad subterránea” ha sido un proceso largo, con muchos conciertos de por medio y, en algunos momentos,

de 2008. Estuve dos meses en Madrid metido en esa especie de exilio forzado, componiendo con Belly y escribiendo letras. Ella y el resto del grupo me ayudaron mucho a remontar y cuando volví a Barcelona en febrero de 2009 fue algo realmente mágico. ¡En un mes y medio teníamos acabado el disco y sonaba como una apisonadora!”.

e esta remontada surgieron las letras de “Tormenta de arena”, “Verte amanecer” y “Estudios de mercado”. Escuchándolas ahora que lo sé, crecen y crecen. A esta apisonadora sonora que ya apuntaba maneras con temas como “Cualquier otra parte” o “Te echamos de menos” y a la que acaban de subirse “Verte amanecer”, “Paraísos artificiales” o “La mañana herida” han contribuido dos grandes maestros. No puedo ocultar mi sorpresa al saber que Dive Dibosso es quien se encarga de lo orgánico

y que unas bases muy gruesas sustentaran todo el edificio de bajos, guitarras, arreglos electrónicos y voces que forman parte del sonido del grupo. Para conseguirlo pasamos meses investigando en el estudio y ese proceso fue muy duro pero ha valido la pena. Con ‘La ciudad subterránea’ hemos desarrollado un sonido muy personal que ya es la marca de la casa de Dorian”. Aunque Dorian tienen otra marca de la casa, sus letras. “A día de hoy yo no puedo cantar un verso si no creo a muerte en él”. Para algunos serán letras facilonas. Señores, ¿Saben lo que les cuentan algunos de sus queridos artistas extranjeros? Para otros, unas letras sencillas y descriptivas. Sinceras y cómodas a la hora de salir de casa vestido con ellas. Unas letras que, al igual que Los Planetas, a quienes guiñan un ojo en “La tormenta de arena” (“…para viajar a otros planetas por corrientes circulares te di una cápsula especial…”) buscan la identificación con ellos de un público ávido de realidades cotidianas nada alegres en muchos casos. “Las letras de este disco son oscuras porque, en mi caso, lo de escribir canciones surge de una necesidad, de una carencia. Cuando estoy bien no escribo canciones, no tengo esa necesidad, y eso ha sido así desde que tenía quince años. Todas las letras del disco cuentan historias reales y muchas hablan de personajes que no encajan o no quieren adaptarse a las reglas que marca la sociedad. También hay letras autobiográficas, como las de ‘Paraísos artificiales’ o ‘La tormenta de arena’, que hablan de lo que jode perder el control de tu vida y de cómo cuesta en general recuperarlo del todo”. Estás sentado enfrente, tomando una cerveza conmigo, hablando con la discográfica y contándome emocionado lo que supone el nuevo trabajo de Dorian y lo que ha sido ese viaje subterráneo que has vivido. Lo has recuperado todo y has ganado algo más. Y si hablamos de recuperar, nos encontramos con “Solar”, cuya primera versión nos llegó a la redacción, vía Bip Bip Records allá por el 2003. “’Solar’ formaba parte de nuestro primer disco, ‘10.000 metrópolis’. Es una de nuestras canciones preferidas, pero de alguna manera en su momento quedó eclipsada por ‘Te echamos de menos’ (Marc no puede evitar emocionarse bastante cuando recuerda que la pérdida de un amigo precipitó esta canción), que fue el single más conocido de ese disco, así que decidimos recuperarla para saber cómo habrían compuesto los Dorian de hoy esa misma canción. Queríamos poner ‘Solar’ en el sitio que se merece”.

“Queríamos que los sintetizadores sonaran con la rugosidad y la potencia de las guitarras eléctricas” del sonido. Lo de Álex lo tenía más claro desde el momento en el que escuché la contundencia de un disco como pocos han conseguido sonar por estos pagos. “Como ya hicimos con ‘El futuro no es de nadie’ no queríamos grabar el disco con productores de pop o rock porque lo que nos gusta es que gente de otros campos de un enfoque distinto a nuestra música. Por eso contamos con Álex Ferrer (alias Sidechains) de The Requesters, que es una de las grandes promesas de la electrónica europea ahora mismo (impresionante el Ep que acaban de publicar) y Dive Dibosso, que es el productor de 7 Notas 7 Colores y viene del hip hop. Queríamos que los sintetizadores sonaran con la rugosidad y la potencia de las guitarras eléctricas,

l resultado es un hit rompepistas, como casi todo el disco, en el más estricto sentido de la palabra. A la hora de hablar de pistas, Marc tiene mucho que contar, ya que su faceta como Dorian Dj ocupa buena parte de su tiempo, y con excelentes resultados. De hecho, conoce todo lo que hace falta conocer en el momento de buscar parones, subidones y estribillos infalibles para sus canciones llevadas al directo. Marc tuvo que mirarse en algún sitio antes de emprender este camino paralelo al de frontman de Dorian, un camino que, disfrutando de sus sesiones, se veía venir. “Para mí, esa faceta es tan importante como la de músico, aunque nada llena tanto como tocar en directo. Los Dj’s que más me influyeron a la hora de empezar a pinchar fueron

Momentos clave en Dorian

Las canciones Yo creo que “Solar”, “Te echamos de menos” y “Cualquier otra parte”, básicamente porque son tres temas que han ayudado a que la gente entienda nuestra música.

El concierto Te diría que fue uno en el Razzmatazz de Barcelona, hacia finales de 2006. Fue la primera vez que tuvimos a una audiencia entera cantando los temas del grupo y la primera vez que vimos que nuestra música tenía potencial para emocionar a la gente. Otro concierto clave fue nuestro primer Benicàssim. Actuamos en el Escenario Verde en 2005.

El disco que cambió las cosas El primer álbum de electrónica que escuchamos fue “Dubnobasswithmyheadman” de Underworld, y mi primer maxi de techno, “Are We Here” de Orbital.

El DJ El primer Dj que pinchó a Dorian fue, sin lugar a dudas, Dj Amable.

La remezcla La primera remezcla conocida que se hizo de un tema de Dorian fue el remix de “Te echamos de menos” de Undo. También destacaría el remix superpotente que David Kano de Cycle hizo de “Cualquier otra parte”. Amable y Stuart Sideral,

Price (Jacques Lucont) de Les Rythmes Digitales. Por eso mi estilo es una mezcla de pop, rock y electrónica”. Cuando al final le pregunto a Marc en qué punto se encuentra Dorian como banda, logra sacarme una gran sonrisa. “Mira, hemos pasado por auténticas calamidades, y hemos grabado juntos tres discos y dado muchos conciertos. En estos momentos la unión del grupo es tan bestia que no se puede destruir. Sería complicado. Cuando consigues mantener viva la llama que te empujó a compartir un local de ensayo, a pasar por los peores momentos, es muy difícil que cuando las cosas empiezan a ir bien, eso se destruya. A veces pasa, pero no va a ser nuestro caso, eso ya te lo digo”. ■ Rafa Angulo “La ciudad subterránea” se publica el próximo 14 de septiembre vía Pias. Consulta www. myspace.com/dorian_pop para informarte sobre los conciertos del grupo.

Oasis Foto Jose Navarro

TV On The Radio Foto Kaiko

Fangoria Foto Kaiko

Glasvegas Foto Kaiko

(MondoSonoro · Septiembre 2009 /29/ CONCIERTOS)

FIB Heineken música, sino el fuerte viento que obligó a suspender las actuaciones de la noche. Nada hacía presagiar que la tarde soleada que recibió a Nudozurdo iba a trastocarse pocas horas después en furioso vendaval. La banda madrileña en clara trayectoria ascendente interpretó sus canciones a temprana hora. De manera impecable y contundente sonaron temas como “El hijo de Dios” y “Ha sido divertido” ya conocidos por el público. Con el sol ya cayendo, el Escenario Fiberfib.com recibió a Nacho Vegas en una corta y sobria actuación con los temas de su último trabajo, “El manifiesto desastre”, y otros clásicos de su repertorio como “Perdimos el control”. La apertura del Verde corrió a cargo de Cooper, quien utilizó su veteranía en beneficio propio sin amedrentarse, y con los temas de su “Aeropuerto” convenció a los presentes. Otro de los conciertos esperados fue el de los míticos Magazine, que se vio truncado al poco de comenzar por las condiciones adversas del viento. En lo poco que vimos, los de Howard Devoto no han perdido fuerza a pesar de la edad y dejaron buenas sensaciones. A pesar de haberse visto privado de algunos minutos de actuación a causa del viento que empezaba a hacer estragos, Paul Weller mostró su mejor versión, dando un concierto más eléctrico que en su última visita (donde recurrió más al piano) destacando temas como “The Eton Rifles” (The Jam) y “Shout To The Top” (The Style Council) y con la garantía de tener como guitarrista a Steve Cradock. Tras el cierre de los demás escenarios, el público se concentró en el principal, mientras por megafonía anunciaban la actuación de Tom Tom Club, para desilusión de los británicos que esperaban a Kings Of Leon. La banda de Chris Frantz y Tina Weymouth hicieron un concierto bailable repleto de percusiones, donde finalizaron con “Genius Of Love”, interrumpidos de nuevo por el viento. La organización, el domingo, agradecería el esfuerzo de los neoyorquinos. Tras su actuación se cancelaron todas las actividades del festival por esa noche y se desalojó el recinto.

nes. Poco después, en el Fibclub, Dan Treacy se encargó de destrozar una tras otra las canciones de Television Personalities, uno de los grupos más esperados y, a la postre una de las decepciones del festival. Los barceloneses The Unfinished Sympathy demostraron que son una banda con carisma y calidad suficiente para justificar su paso por Benicàssim. Sorprendente su versión de “All That She Wants” de Ace Of Base. Repescados de la debacle del viernes Maxïmo Park aparecían en escena a las nueve y media de la noche con un Paul Smith hiperactivo y motivadísimo. Los de Newcastle arrasaron literalmente el Escenario Verde con temas como “Graffiti” o “Apply Some Pressure” cerrando con la no muy habitual “Acrobat” y dejando el camino preparado para que Franz Ferdinand aplicaran la fórmula magistral que tan bien dominan: melodías irresistibles, guitarras potentes, buen gusto en sus composiciones y un look intachable. Acabaron con diez minutos de electrónica que, quién sabe, quizás sean presagio del futuro. Contar con los escoceses en el cartel es apostar a caballo ganador. Mientras tanto en el resto de escenarios se libraba una bonita batalla entre el rock patrio y el anglosajón. Por un lado Elbow con su rock atmosférico de indudable calidad y unos sorprendidos The Wave Pictures (“Creíamos que estábamos en un festival español”), dieron un grandísimo concierto, con las enérgicas canciones de David Tattersall quienes con muy poco lograron un resultado excelente, versión de “Wild Thing” incluida. A pocos metros, la ternura de Russian Red, esperadísimo y brillantísimo su concierto, y el rock castizo de Josele Santiago, una de las sorpresas de la noche, perfectamente flanqueado por David Krahe (también en Los Coronas) y una exhibición de técnica y buen gusto. 2 Many DJ’s ponían el broche condensando en sus platos infinidad de temas mediante sampleos inverosímiles, desde Michael Jackson a Nirvana pasando por MGMT o Chimo Bayo ante un público entregado. En el escenario Fiberfib, Delorean demostraron que son uno de los mejores grupos nacionales en su estilo, al nivel de cualquier banda foránea, más decantados al dance rock en sus últimas entregas, con “Deli” como celebrado hit final.

Sábado 18 Y después del vendaval del viernes, Ratolines fueron los encargados de abrir la jornada del sábado. Demostraron por qué son los ganadores del Proyecto Demo de este año ofreciendo quizás un directo más pop que en otras ocasio-

Domingo 19 CatPeople justificaron sobradamente en el Escenario Verde su afamado directo y ese sonido tan ‘Interpol’ que tan bien ejecutan, mientras Calexico se dedicaban a lo que mejor saben hacer: rock fronterizo con clase y con multitud

Lugar Recinto Conciertos de Benicàssim (Castellón) Fecha 16, 17, 18 y 19/07/09 Estilo Varios Público Sold Out Promotor Maraworld Jueves 16 Con un lleno antológico el FIB celebró sus quince años de existencia con un cartel para masas que escondía pequeñas joyas. Como es tradicional, Aldo Linares comenzó esta nueva edición, y en esta ocasión homenajeó a Cocó Cielo con “Niño Unicornio” de Silvania, mientras el pop resultón de los irlandeses The Coronas inauguraba el Escenario Fiberfib al aire libre (todo un acierto la nueva disposición). Los grupos británicos coparon el Escenario Verde, abriendo The Bishops y su rock con toques beat que precedieron a unos olvidables The View con su urgencia juvenil cuya mejor representación fue “Superstar Tradesman”, aunque el público británico enloqueciera con ellos. La Bien Querida se presentó ante una audiencia básicamente nacional, comenzando con “Ya no”, pero el escaso volumen de su voz y, en ocasiones, de la banda deslucieron su actuación. El rock-garage-surf instrumental de Los Coronas abarrotó el FibClub y sorprendieron al público foráneo que allí se encontraba, convirtiéndose en una de las mejores actuaciones de un grupo nacional en esta edición. El concierto de Oasis se vio interrumpido por la invasión de fibers a una torre de sonido. Prácticamente con el mismo repertorio de la gira, “Wonderwall” (con escapada del hermano no se sabe dónde), “Supersonic” y “I Am The Walrus” para finalizar. No faltó casi ningún hit. Mientras los Gallagher representaban su función, los neoyorquinos The Walkmen ofrecieron una brillante actuación ante unos pocos escogidos que disfrutaron de las intensas atmósferas creadas a base de teclado y guitarras, además de la inconmensurable voz de Hamilton Leithauser. El post-punk de Gang Of Four sobrevive a base de éxitos como “To Hell With Poverty” y tanto Andy Gill como Jon King mantienen el tipo. Glasvegas no lograron convencer con ese pop emocional quedándose a medio gas. Aunque comenzaron con “Geraldine”, el tramo central resultó soporífero para remontar casi al final con “Daddy’s Gone”. Menos mal que estaban allí We Are Standard para remediarlo y salieron a por todas (como dijeron ellos mismos “Vamos a dejarnos de tonterías”) haciendo bailar al público hasta la extenuación. Viernes 17 El principal protagonista de la jornada no fue la

de influencias asimiladas. No faltó su conocida revisión del “Alone Again Or” de Love y cerraron el concierto con “Güero Canelo”. Mientras tanto, el irlandés David Kitt, ataviado con su guitarra y un teclado, convencía sólo a ratos en el Fibclub con su peculiar forma de concebir el folk. Giant Sand eran otra de las bandas esperadas. Con Howe Gelb al frente, la veterana banda cumplió con nota su cita en Benicàssim, si bien este tipo de festivales quizás no sean “su sitio”. La escasa audiencia lo demuestra. El baile de horarios y la poca información facilitada por la organización provocó más de una protesta entre un publico desconcertado. TV On The Radio fueron unos de los damnificados, pasando a un horario que poco les benefició, lo mismo que Friendly Fires, si bien estos sí consiguieron abarrotar el escenario Fiberfib, ofrecieron un concierto algo desigual. Mención aparte merece el mini concierto de Los Planetas. Apenas cuarenta y cinco minutos que sirvieron para poner a los granadinos en su sitio, y ese sitio no es otro que el de uno de los triunfadores del festival. “Un buen día” o “Santos que yo te pinte” fueron coreadas por cientos de fans, españoles, por supuesto. Sin embargo, la propuesta de The Psychedelic Furs ante un público escaso no acabó de funcionar bien debido a los problemas en la voz de Richard Butler. Y llegó la hora del concierto del día. The Killers, con un Brandon Flowers pletórico, dieron algo así como “el concierto perfecto”. Todo sonó exactamente igual que en sus discos, sin fisuras, con un gran sonido y una puesta en escena espectacular. ¿Demasiado perfecto quizás? Cuestión de gustos. Coincidiendo con The Killers, Pete Doherty volvía a Benicassim, esta vez en solitario para presentar “Grace/ Wastelands”, su primer disco con la intención de hacer olvidar su merecida fama de enfant terrible del rock. Lo consiguió a pesar de llevar algunas copas de más, con un concierto muy respetable. Rinôçerôse, con una puesta en escena espectacular y dosificando perfectamente guitarras y electrónica (espectacular “Bitch”) fueron la guinda perfecta para una edición del FIB Heineken caracterizada por batir casi todos los registros anteriores pero que ha descuidado la calidad en la información (horarios, paneles informativos, desaparición del periódico Fiber, aspectos importantes en este tipo de festivales). Por otra parte, musicalmente hablando, esta edición ha servido para reivindicar la calidad de los grupos nacionales, algo que quedó patente en un buen número de conciertos. ■ Alberto Lapaz, Carlos Ciurana

Bilbao BBK Live 2009 Lugar Kobetamendi (Bilbao) Fecha 9/10/11-07-09 Estilo pop, rock y electrónica Público 50.000 personas total aprox. Promotor Last Tour International Los tres días de cielos despejados en Kobetamendi congregaron a un público con ganas de exprimir el verano, esta vez sin afluencias masivas como las que se produjeron años anteriores con The Police, Metallica o Red Hot Chili Peppers. Los brochazos electrónicos de esta edición combinados con pesos pesados como Depeche Mode o Jane’s Addiction presagiaban un jolgorio que, por primera vez, ha contado con una destacada participación foránea, ya que era destacable el número de extranjeros que pululaban por el recinto, aupados por el cartel más british en la historia del Bilbao BBK Live y el reclamo de bonos a bajo precio que tan bien ha funcionado en el Reino Unido. De la mano de Depeche Mode, Motor seguidos de los jóvenes guipuzcoanos Lain daban el pistoletazo de salida mientras las taquillas y colas abarrotadas acaparaban toda la atención, algo de lo que también se resintieron The Gaslight Anthem, quienes aun así ofrecieron un digno concierto. Coreados hasta la extenuación, Vetusta Morla fueron los primeros en levantar algo de polvo al contar con un considerable número de acólitos, nada difícil de prever a estas alturas. A Katie White y Jules de Martino con su acentazo de Manchester y sus gafas de raver respectivamente, les bastó poco más para llenar los dos solitos el escenario. Aunque en determinado momento se les fuera la mano con un medley un tanto verbenero, The Ting Tings,

con simpatía y desparpajo a raudales, pusieron de manifiesto que, sin descubrir nada, bordan lo que hacen. Editors no gozan de singles lo suficientemente atractivos para ser coreados por multitudes, de ahí que, aunque ofrecieran un concierto correcto, no hay quien les quite la cruz de Interpol azucarados. El que será recordado como el concierto donde Dave Gahan se lesionó la pierna comenzó tirando de “Sounds Of The Universe” (“In Chains”, “Wrong”). A partir de ahí Depeche Mode hilvanaron un set list formidable -de ahí las escasas variaciones que ha sufrido en el tour- con Martin Gore coronado a través de “Home” y todo ello sin menospreciar su último trabajo, aspectos a tener en cuenta en una banda del bagaje de Depeche Mode. Basement Jaxx cerraron la jornada poniendo el segundo escenario patas arriba. La fiesta potaje de los ingleses armó los andamios y la pasarela entera hacia la carpa. Los difícilmente clasificables El Columpio Asesino cumplieron con soltura, una vez más. Justo después ocuparían su lugar en el escenario Supergrass dándolo todo, a pesar del ilícito horario al que tuvo que hacer frente una banda de su categoría. Tan geniales estuvieron los de Oxford que ni tan siquiera tuvieron que recurrir a su mítico cancionero completo para demostrar de lo que son capaces. Lo de Babyshambles fue de risa. Una guitarra indomable, los tiempos muertos entre canciones y las chiquille-

Placebo

Kaiser Chiefs

Baby Shambles

Jane’s Addiction

Depeche Mode Fotos Ionpositivo

(MondoSonoro · Septiembre 2009 /31/ CONCIERTOS)

rías de Pete Doherty dieron forma a una actuación más parecido a un ensayo con los amigos un viernes tarde que a otra cosa, aunque incluso así hubo momentos loables en “Beg, Steal Or Borrow” o ”Delivery”. La ejecución impoluta de Dave Matthews Band fue correspondida con notables aplausos por el cada vez mayor número de seguidores que la superbanda se están forjando poco a poco en España. Por desgracia no tardaron mucho en desinflarse y acabaron por caer en el aburrimiento más absoluto. Contra todo pronóstico, Chris Cornell supuso uno de los platos fuertes del festival. A la segunda canción, Chris chapó la discoteca y demostró estar en plenas facultades vocales al interpretar al dedillo “Outshined”, “Spoonman”, “Let Me Drown” y tantas otras canciones pertenecientes a su etapa al frente de Soundgarden y Audioslave. Lástima que no le dedicara ni un triste guiño a “Euphoria Morning”, una de las joyas de su discografía. Kaiser Chiefs se dieron un merecido baño de masas y es que supieron alborotar como pocos, animales de directo pusieron en el asador toda la carne que parece faltar en sus trabajos. La crudeza escénica de Jane’s Addiction –ni siquiera un pie de micro sobre el escenario- no puso trabas a un directo apabullante. Farrell aullándole a la luna, Perkins, Navarro, Avery y las canciones de siempre. Enormes. Tras tamaña experiencia, Echo & The Bunnymen no supieron recoger el testigo con destreza, oportunidad que aprovechó más de uno para ahuecar el ala. Sin embargo, aquellos que decidieron plantarse, pudieron asistir a momentos meritorios cuando repasaron sus

clásicos o decidieron reinterpretar a The Doors y Lou Reed. El sábado, It Hugs Back se encargarían de suplir sin mucho fuelle a Expatriate, pero antes había que comprobar para bien qué tal se las gastan Ama Say después de doce años en silencio. La actuación de Cycle resultó demasiado breve y no terminaron de cuajar. Los inmaculados The Phenomenal Handclap Band, presentaron con garbo su cruce entre Do Me Bad Things y Jefferson Airplane. Jon Spencer y Bart Davenport, que han prestado apoyo en su debut no podían estar equivocados. Baddies, aún sin disco en el mercado y presentes este verano en ilustres festivales europeos fueron otra de las gratas sorpresas. El entusiasmo contagioso de su rock espasmódico les augura un futuro prometedor. Asian Dub Foundation hicieron lo propio. Aunque su discurso esté bastante trillado, son apuesta segura allá donde vayan. A Primal Scream les costó arrancar, pero los pepinazos de “XTRMNTR” y un entregado Bobby Gillespie consiguieron animar incluso a los impacientes fans de Placebo. Si líneas más arriba felicitábamos a Gore, Fletcher y Gahan por la coherente estructura de su repertorio, Brian Molko y companía se obcecaron con el decepcionante “Battle For The Sun” y para cuando el trío –cada gira con más músicos de acompañamiento- quiso remontar el vuelo ya era demasiado tarde. Fischerspooner colocaron la guinda del pastel. La frescura y contundencia de su directo dejó bien claro que son toda una delicia para el entretenimiento. ■ Alfredo Lago

Tokyo Sex Destruction Fotos Imano Villolta

James Foto Imanol Villolta

( CONCIERTOS /32/ Septiembre 2009 · MondoSonoro)

Sonorama 2009 Lugar Aranda de Duero (Burgos) Fecha 13, 14 y 15-08-09 Estilo pop, rock y indie Público 27.000 personas Promotor Asociación Cultural Art de Troya El Sonorama cumple doce años y se consolida como uno de los festivales punteros en la escena nacional. Javier Ajenjo, su director, comenta que han tocado techo y quieren mantener el festival tal y cómo está. La asociación cultural Art de Troya, sin ánimo de lucro pero sí con ánimo de promocionar una identidad y de dar a conocer las nuevas tendencias musicales, empezó esta andadura en 1998. El resultado de la última edición fueron cuarenta y nueve grupos y veintisiete mil personas invadiendo las calles de Aranda de Duero para disfrutar de una entrañable mezcla “gastromusical” que comenzaba el jueves con una jornada de conciertos gratuitos a cargo de Manos de Topo, Christina Rosenvinge, Le Punk, Depedro y Kiko Veneno. A destacar la actuación de este último, un auténtico poeta del flamenco que, a pesar de los años sigue codeándose con lo más novedoso y no por ello lo menos divertido, y la actuación protagonizada por Christina Rosenvinge mostrando la madurez de su pop más epidérmico. Por otra parte, Jairo Zavala al frente de Depedro, desplegó un personal sonido, envuelto de todo tipo de melodías con claras influencias latinas. La afluencia de público aumentó considerablemente con la llegada de un fin de semana cargado de conciertos entre los que sobresalieron los coqueteos con el folk de Anni B Sweet, la fuerza de The Unfinished Simpathy bajo un sol de justicia y, por supuesto, las canciones incluidas en “El manifiesto desastre”, último disco del cantautor con aspecto rockero, Nacho Vegas. La escocesa Amy McDonald, en su única actuación en España, se presentó con una sonrisa de oreja a oreja para versionear a The Killers y

tocar su tema estrella “This Is The Life” dando paso a Vetusta Morla, protagonistas sin duda del festival después de triunfar el año pasado, y tras doce meses de éxitos, siguen acaparando seguidores. Lleno absoluto. En la zona de Dj’s, Chimo Bayo sorprendió con su poder de convocatoria al ritmo de “Esta sí, esta no”. La resaca de dos días de música era notable pero el ambiente en Aranda era fabuloso, el tiempo inmejorable y un gran número de bandas quedaban por actuar. A mediodía del sábado Alondra Bentley, Josh Rouse y Arizona Baby hacían de este pueblo una verdadera fiesta. Por la tarde, pasamos del pop de Second al rock psicodélico de Tokyo Sex Destruction. La banda catalana supo hacerse con el público atrayendo con sus matices garajeros a más de uno. Ojo con la Mala, supone la unión de La Mala Rodríguez, artista consagrada en la escena nacional del hip hop, con el compositor Refree, ambos amparados por el sonido rotundo de la Original Jazz Orquesta. Una mezcla explosiva. La actuación de James en el Sonorama se convirtió en un paso increíble para la organización, costará superarlo. El vocalista Tim Booth contaba que, tras el reencuentro con la banda, está en su mejor momento, y confesaba que esa misma noche presentarían un tema nuevo, “Not So Strong”. Mientras algunos se preguntaban por qué no funciona tanto su música en España como en otros países. The Sunday Drivers, cómo no, consiguieron que se corearan sus temas más conocidos: “On My Mind” y “Do It”. Si con ellos se cantó, con We Are Standard y Infadels se bailó a ritmo de dance rock hasta el cierre del festival. ■ Imanol Villota

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Machine Head Fotos Fernando Ramírez

( CONCIERTOS /34/ Septiembre 2009 · MondoSonoro)

Sonisphere Lugar Parc del Fòrum (Barcelona) Fecha 11/07/09 Estilo metal Público 41.000 personas Promotor Last Tour International

Lugar Fraga (Huesca) Fecha 18/07/09 Estilo electrónica y otros Público 40.000 personas aprox. Promotor Enter Group/Florida El desierto de los Monegros albergó el pasado 18 de julio a más de cuarenta mil personas en la decimoquinta edición del Monegros Desert Festival, desde hace años una de las fiestas veraniegas más importantes de la península. Miles de incondicionales de la electrónica, tanto españoles como extranjeros, estaban esperando a que abrieran las puertas del festival a primerísima hora de la tarde. Uno de los primeros platos fue Fran The Breakstorm, que empezó con dubstep machacón para enlazarlo más tarde con hitazos de drum’n’bass. Más tarde Cristian Varela, el estandarte del techno español, caldeó el ambiente con una buena sesión, tanto en cantidad como en calidad. Un poco antes de lo previsto, Carl Cox -uno de los grandes reclamos del festival- tomaba el relevo con más toneladas de techno a sus espaldas. El de Oldham hizo lo que mejor sabe hacer: una perfecta simbiosis entre música y público aun a sabiendas de lo que va a pasar a continuación. Lo de Pendulum, más que un set pareció un concierto con los greatests hits de los Aussies, donde todo el público coreó al unísono temas tan resobados como el más que cansino “Tarantula”. Por su parte, los brasileños Pet Duo pusieron a su público a botar desde el primer minuto. Orbital ofrecieron un directo más bailable que en el Sónar aunque el guión fue prácticamente el mismo. Tras los ingleses, le tocó el turno a Sven Väth, que brindó una buena sesión de minimal llenita de glitches y clicks. El kaiser decidió acabar su set con un “Thriller” de Michael Jackson de principio a fin, que hizo saltar hasta al apuntador. Justo después apareció Richie Hawtin con un tema introductorio de Alva Noto para seguir con su minimal de loops infinitos. Ya no es santo de devoción de este cronista, aunque estuvo mejor que en otras ocasiones. Los que sí que están en plena forma son Crookers.

Los italianos nos demostraron una vez más que no tienen escrúpulos a la hora de seleccionar sus tracks. Pincharon lo que quisieron cuando quisieron. Otro gran triunfador de la noche fue Vitalic. Pese a la corta duración de su actuación el francés vino dispuesto a hacer un directazo con su particular electro. La mezcla entre el sonido y unos visuales sencillos (pero de infarto) en tonos azules, hizo que Pascal Arbez pusiera el desierto del revés. Gracias al retraso en el escenario San Miguel Xperience de Tego Calderón al principio de la noche, pudimos ver el final de la sesión de Ricardo Villalobos, que estuvo en su línea. En la recta final, el chileno abandonó los platos para ponerse a ondear la bandera de su país durante un rato. Tiga, que cambió de registro para esta ocasión, tomó las riendas del cotarro con un techno-house que no acabó de convencer. Por su parte Dave Clarke no arriesgó demasiado y desplegó un set simplemente correcto. Casi a la par, O.B.I ponía una versión tras otra bajo el manto devastador del schranz. Ya de día, salió a escena Ben Sims. Para sorpresa de todos comenzó poniendo un “Billie Jean” de escándalo que solo sirvió de excusa para el remolino de techno subido de bpm’s que venía detrás. Ya con las neuronas achicharradas por el sol mañanero, el londinense cedió el mando a Sino, que desplegó un live con más techno, algo más tranquilo, aunque no por ello menos efectivo. Por lo que se pudo apreciar, Technasia está encantado con la compañía de Marc Dosem y viceversa. En la recta final, Ken Ishii desplegó un techno muy fino con pinceladas de techno de Detroit y Valentino Kanzyani jugó en la línea pero sirviendo ritmos más duros. El encargado de cerrar fue Dj Murphy. El escenario grande volvió a llenarse de un público que a esas horas ya sólo buscaba el subidón fácil y las típicas bocinas techno-house. Jonathan Mateos

Carl Cox Foto Victoria X2

Monegros Desert Festival

apabullante descarga en el reciente KobetaSonik. Empezaron de forma espectacular con “Imperium” y “Ten Ton Hammer”, pero su energía se fue diluyendo hasta terminar con una desdibujada “Davidian”. Slipknot salieron a arrasar con todo. Puede que el directo de los de Iowa haya perdido peligro y espontaneidad, pero sigue siendo matador. Supongo que quienes les acusan de comerciales y blandos desayunan cereales cada día escuchando Morbid Angel y Cannibal Corpse. Y pasada la medianoche llegó el momento de Metallica, los reyes destronados del heavy metal que, visto lo visto, pueden volver a lucir su corona con total orgullo. Veníamos avisados ya con su inesperado retorno al buen camino mediante “Death Magnetic”, eslabón perdido entre sus obras “…And Justice For All” y “Black Album”. De hecho, lo defendieron con éxito con cuatro temas: “Broken, Beat & Scarred”, “All Nightmare Long”, la épica “The Day That Never Comes” y una desbocada “My Apocalypse”. Aunque llegaron precedidas de un inicio de locura con “Fight Fire With Fire”, “Creeping Death” y “No Remorse”, triunvirato que por sí solo define todo el thrash metal. Gritos, euforia, cuernos al aire. Les siguieron canciones más rock como “Of Wolf And Man”, “Sad But True” o la balada “Nothing Else Matters”. Ni rastro de su etapa “Load”/”Reload”/”St. Anger” más allá de un fragmento de “Wasting My Hate” al final del show. Éste culminó de forma adrenalítica con “Master Of Puppets”, “Blackened” y, ya en los bises, con su versión de “Stone Cold Crazy” de Queen, “Phantom Lord” y “Seek And Destroy”, ambas tan enérgicas como en el 83. James Hetfield –¿el mejor frontman del género?- dedicó esta última a todos los presentes por hacer posible semejante celebración del heavy metal. David Sabaté

Sven Vath Foto Victoria X2

Metallica Fotos Fernando Ramírez

Éxito rotundo del primer festival de metal que ha recalado en Barcelona desde los dos lejanos Monsters Of Rock o el Clash Of The Titans de principios de los noventa. La jornada empezó a las tres y media de la tarde con la actuación de los barceloneses The Eyes, que presentaban “Insignis”, cuya calidad obligó a algún que otro despistado a cuestionarse si realmente no se trataba de una banda sueca o norteamericana. Tomaron el relevo los franceses Gojira, con su inclasificable propuesta en algún punto entre Death y Meshuggah. Soziedad Alkohólika estrenaron el escenario grande con su noqueante hardcore metal urbano. Presentaban su excelente “Mala sangre”, aunque también rescataron temas de su ya dilatada trayectoria. La actuación de Mastodon era una de las más esperadas. Y no defraudaron. Los de Atlanta arrancaron con la cósmica “Oblivion”,les siguieron la alocada “Bladecatcher” y unas tremebundas “Blood And Thunder” y “March Of The Fire Ants”. Un diez para una de las bandas más completas e innovadoras que ha dado el metal en la última década. Desde Virginia, Lamb Of God, herederos de la actitud y la mala uva de los Pantera más agresivos, hicieron gala de su ‘puro metal americano’, como rezaba el telón de fondo. Mark Morton demostró ser una imparable máquina de riffs. Contras: la ausencia de hits y una cierta linealidad. Down, liderados por el icónico Phil Anselmo, triunfaron con su brumoso doom metal cargado de riffs sabbathianos y melodías sureñas. Sonaron grandiosas y clásicas “Lifer”, “Stone The Crow”, “Swan Song” y una final “Bury Me In Smoke” convertida en impagable jam session, con Morton de Lamb Of God y tres cuartas partes de Mastodon encima del escenario. Memorable. Machine Head estuvieron correctos aunque lejos de su

Hablando En Plata Foto Diego Cunquero

( CONCIERTOS /36/ Septiembre 2009 · MondoSonoro)

Zaragoza Ciudad Lugar Las Playas (Zaragoza) Fecha 3 y 4/07/09 Estilo rap Público 3.000 personas por día Promotor Rap Solo/STOP Producciones

Lugar Alburquerque (Badajoz) Fecha 23, 24 y 25/07/09 Estilo pop Público 5.000 personas Promotor Contempopránea Otra edición más, y ya van catorce, en la que la esencia del pop volvió a darse cita en la ilustre ladera del Castillo de Luna en, definitivamente, el destino indie patrio por excelencia congregando al público más fiel que obligó a la organización a colgar el cartel de no hay tickets por tercera vez en su historia. Culpa de ello fue el meritorio homenaje al reputado sello Elefant, precursor en nuestro país de la auténtica independencia musical. La jornada inaugural se inició con la ya clásica y armoniosa fiesta de bienvenida, este año dentro del cartel oficial dada la expectación de los asistentes. Desfilaron Tennis, Lentejas Los Viernes, Guatafan y The Yellow Melodies, con el inefable Rafa Skam a la cabeza. Ya el viernes los pacenses The Wish abrieron la jornada seguidos de los catalanes Cola Jet Set que regresaban al Contempopránea con “Guitarras y tambores” como piedra angular del repertorio. Uno de los platos fuertes de la jornada fue La Bien Querida, con el victorioso “Romancero” interpretado de principio a fin para el deleite de sus fans que vitoreaban prácticamente todas las canciones. Catpeople repetían en el festival después de su participación en 2007. Presentaron un nuevo repertorio que dejó claro que son una de nuestras bandas estatales más internacionales. Lori Meyers, pese a participar por tercera vez consecutiva en el certamen extremeño, continúan siendo una de las grandes bandas que no dejan indiferente a nadie. El de Vetusta Morla fue el concierto de la noche que nos recordó los grandes momentos vividos en la historia del festival (Los Planetas, Sexy Sadie o Australian Blonde). En cualquier caso, división de opiniones por parte de los asistentes, ya que todo gran grupo genera detractores y seguidores. Cooper, congregó al público más fiel que

vitoreaba sin descanso corte tras corte de su agridulce “Aeropuerto”. Cerraron la noche La Buena Vida, otro de los grupos talismán del festival, confirmaron que siguen en buena salud y que la ausencia de Irantzu Valencia no ha repercutido de forma negativa en sus directos. El cuarteto tarraconense Febrero abrió la programación del sábado como ganadores del concurso de maquetas que organiza cada año el propio festival. Siguieron Les Tres Bien Ensemble con la ayuda de Felipe (Fresones Rebeldes, Cola Jet Set). Pese a no haber conseguido la repercusión merecida hasta los últimos años, los pamplonicas Half Foot Outside están pasando por el mejor momento posible. Así, hicieron las delicias de un público entregado que empezaba a llenar los pocos huecos libres de la Ladera del Castillo. Lourdes Hernández, Russian Red, supo acompañarse de la mejor banda posible para conseguir ganarse el silencio y respeto general con una voz que erizaba el vello. David Gedge de The Wedding Present, se mostró muy animado y conversador con el público que apenas seguía uno de los mejores conciertos del festival, con los más maduros en las primeras filas. Sidonie despertaron el interés generalizado y es que, tras su fallida actuación del año anterior en la que apenas ejecutaron tres canciones debido a problemas de sonido, pudieron resarcirse y ofrecer el show más extenso del festival. We Are Standard y su dance rock de querencia post-punk consiguieron crear una atmósfera al estilo de las raves del Manchester de principios de los ochenta. Cerraron Love Of Lesbian, que eran sin duda la asignatura pendiente de los promotores, ya que tras más de diez años de trayectoria era la primera vez que los catalanes actuaban en Alburquerque. Javier Solís

Cooper Foto Daniel Illana

Extremadura Contempopránea Cruzcampo

cosa. Una auténtica pena. La tarde del sábado comenzó al ritmo del rap hardcore de Insulino Dependiente. Tras él, gustaron, y mucho, los madrileños Hermanos Herméticos y los locales Tr3s Monos, amén de los renacidos Grosso Modo. Ya de noche y en Las Playas, Elphomega, primer plato fuerte del escenario principal, sorprendió gratamente con un rap serio y bien armado. Un aperitivo más que interesante con el que pasaba el testigo a sus amigos y paisanos de Hablando en Plata Squad, con una puesta en escena espectacular, digna de un grupo norteamericano. Nos presentaron su último y reciente trabajo “Libertad y hambre”. Siguiendo con la tónica de los grupos andaluces, Zatu y Acción Sanchez, SFDK, repasaron los temas mas conocidos de su gran repertorio, comenzando con “Desde los chiqueros” y recordando su mejor época. Rapsusklei cogió el testigo con un popurrí de sus mejores temas. El maño acabó en el agua montando un auténtico show, aunque echamos de menos temas nuevos en su repertorio. Tras él, miedo en el cuerpo. Todos sabemos de la capacidad de Dj Premier como artista, pero tras el batacazo que nos dimos con el paupérrimo show de The Game apenas un día antes, nos intrigaba ver qué derroteros iban a tomar el co-fundador de Gangstarr y sus amigos. Tras media hora insulsa donde Premier se limitaba a despachar temas, la cosa se puso seria. Blaq Poet apareció en el escenario, le siguió el invitado sorpresa de la noche, Afu-ra, viejo conocido de la parroquia del festival y, por último, Big Shug, que fue, de lejos, lo mejor de la noche. Su voz, sus certeras rimas y la impronta de Premier nos mandaron a casa pasadas las cuatro y media de la mañana con ganas de más Zaragoza Ciudad. José Manuel Cisneros

Love Of Lesbian y Sidonie Foto Daniel Illana

SFDK Foto Diego Cunquero

El Zaragoza Ciudad recobraba en esta nueva edición su tradicional empaque con grandes nombres nacionales e internacionales, después de que el año pasado entre la celebración de la Expo y la coincidencia de la fecha elegida con la final de la Eurocopa perdiese parte del prestigio labrado durante sus ediciones anteriores. Con un sol de justicia comenzó la programación del escenario Underground, que dejó las notas más positivas con Tinta China y los siempre solventes Huellas de Barro. La noche se prometía de lo más interesante con casi todos los grupos de la Ciudad de Viento. Al poco de llegar a las Playas del Ebro, Oscar a Secas ya estaba sobre el escenario presentando los temas de su ultimo disco, “La saeta se detiene”. El MC zaragozano se vio perjudicado a mitad de concierto por una nube que descargó toda su ira en forma de agua, con lo que festival quedó suspendido hasta que se pudo secar todo el material del escenario. Pasada ya la tormenta, Swan Fyahbwoy retomó el pulso de la noche con reggae canalla y dancehall bailongo y muy divertido. El MC zaragozano Sélas le siguió con ese flow tan personal y que le ha llevado a ser uno de los grandes vocalistas de la zona, repasando los temas de “El soñador elegido”, presentando de forma espectacular a quien casi todo el mundo quería ver: Violadores del Verso. Un gran show en clave de rap con un Kase.O sublime y donde no faltó su particular homenaje a Michael Jackson. Tras ellos y ya bien entrada la madrugada, el público esperaba ansioso a The Game. Toda una decepción, ya que el gansta de la Costa Oeste fue lo peor de la velada. Acompañado por toda su crew, el norteamericano se dedicó a venir a España de vacaciones protagonizando un show lastimoso que pareció más un karaoke que otra

The DØ Foto Archivo

escaparate

The Dø Vienen de: Finlandia/Francia Publican: “A Mouthful” (Get Down!/Naïve, 09) En la onda de: Björk, Blonde Redhead, Pj Harvey

Liga Quintana Foto Archivo

Abraham Boba hace canciones bonitas y, con ellas, discos bonitos como lo fue su álbum de debut y lo es ahora “La educación”. Y digo bonito, un adjetivo denostado pero ciertamente fiel a la verdad, que no es poco, a juzgar por algunas de las etiquetas con las que se le ha asociado hasta el momento (swing, jazz, crooner, canción mediterránea...) y su opinión sobre las mismas. “Los géneros están dinamitados y eso es estupendo, pero no se pueden utilizar definiciones tan a la ligera. A lo mejor es que yo me dedico demasiado a analizar la música que escucho, pero me parece que hay que tener un poco de cuidado. Tanto mi primer disco como el segundo son canciones pop, canciones populares”. Canciones que ahora agrupa bajo el nombre de “La educación”, un concepto complejo por el que transita a lo largo de todo el álbum y que observa con especial agudeza en la pieza que da título al mismo. “La canción resume en cierto modo muchos de los temas que aparecen en el disco y tiene que ver con un momento en el que tuve que tomar decisiones importantes en mi vida. No es nada nuevo, pero cuando lo comentaba con la gente me interesaba conocer su punto de vista, en las opiniones y decisiones de cada uno tenía mucho peso la educación, cómo han vivido de niños y cómo se han desarrollado de jóvenes”. Abraham Boba canta a los grandes temas universales, pero siempre a través de un universo lírico propio, con el que logra descubrirnos nuevos matices y perspectivas en cada uno de ellos. “A mí me siguen gustando las canciones que hablan de los temas de siempre porque lo interesante es el punto de vista que aporta cada uno”. ■ Cristina V. Miranda

Liga Quintana Vienen de: Francia Publican: “Fiasco total” (La Divina/Casa Tarricone, 09) En la onda de: Placebo, X-Wife, La Kinky Beat

Abraham Boba Foto Archivo

Abraham Boba Viene de: Vigo/Madrid Publica: “La educación” (Limbo Starr, 09) En la onda de: Julio de la Rosa, Nacho Vegas, Bunbury

plicado para mí definir el disco. Me siento cómoda con la etiqueta de indie, pero también con la de pop. Hemos querido dar el protagonismo principal a las melodías, pero sin olvidar los arreglos, inventar texturas de diferentes colores, si entiendes lo que pretendo decir. De manera que las canciones sean distintas cada vez que las escuchas”. El disco, en realidad, ya tiene más de un año. Primero editado en Francia, no ha llegado hasta hace poco a nuestro mercado, al menos de forma oficial. “Es un disco simple, pero complejo, que necesita su tiempo para crecer entre quien lo escucha”. Es habitual leer entre los medios franceses, los primeros que se han hecho eco del potencial del dúo, conexiones con el pop independiente de Blonde Redhead, los paisajes musicales de Björk y la

¿Un grupo francés que hace rock electrónico y canta en español? Sí, es posible. Son cuatro jóvenes de Grenoble que no siguen la moda del pop británico y no temen ser una rareza en el mercado independiente. Recorren toda España de gira en gira trayendo con su disco “Fiasco total” un rock sincero lleno de energía y algo de locura. El cantante Piero Quintana pasó gran parte de su infancia en España y así explica su rebeldía de no cantar en su idioma. “He vivido en Andalucía en la década de los setenta. Mi padre tenía muchos contactos con artistas españoles...”. Piero aporta una voz oscura, sensual pero masculina (que recuerda a Bunbury) y escribe las letras, sumamente emocionales. El guitarrista David se encarga de los ruidos enloquecidos y sucios de los temas, fruto de sus influencias grunge y británicas. Los italianos Simon y Benjamín Tarricone, bajo y batería, ponen la electricidad a tope y generan una descarga tribal, casi hipnótica. En esa mezcla se gesta el sonido de la Liga. Ante la pregunta de qué país prefieren para tocar, ellos confiesan que “a todos nos gusta mucho actuar en España porque el público es muy receptivo a lo que hacemos y somos un poco más libres psicológicamente. Así logramos ir cada vez más lejos en los directos, buscando algo cada vez más fuerte”. Cuando uno ve a Liga Quintana tocando es difícil no dejarse contagiar por la fuerza que desprenden en el escenario. Se ve la ilusión y la emoción, pero sobre todo el talento y la entrega. “¡Hacemos todo! Montar giras, discos, promo, visuales... Estamos totalmente comprometidos con el proyecto y no tenemos plan B. No planeamos nada, no sabemos lo que va a ocurrir”. n Rodrigo Conde

similitud entre la voz de Olivia y la de Nina Persson de Cardigans. “Me quedo con Björk, que siempre ha ejercido sobre mí una enorme influencia. A The Cardigans los escuchaba de pequeña, pero ya no. Y más que por Cocorosie, me decantaría por discos como ‘The Information’ de Beck, o los trabajos de PJ Harvey con John Parish”. Olivia, a la que vimos junto con Levy presentar “A Mouthful” el pasado julio en Madrid y Barcelona, no descarta rescatar sus raíces jazzísticas para su próximo proyecto. “Es parte de mi formación musical y no lo he pretendido ocultar con The Dø, pero simplemente no encajaba en el sonido del disco. Me encantaría hacer un álbum de jazz pronto, quizás sólo a piano y voz. Es uno de mis proyectos preferidos”. ■ Robert Aniento

Del mismo caldo de cultivo –ciudad, colaboradores, influencias- que ha permitido en los últimos años el desarrollo exitoso de bandas como Sidonie o Love Of Lesbian, llega la propuesta de Vinodelfin, un quinteto afincado en Barcelona y que parte de las influencias del pop británico y la escena rock argentina para dar origen a un pop inteligente y poliédrico. Tras la edición hace dos años de su estreno, “Perfecto en la locura” y su reciente ruptura con Warner (“No hemos notado predisposición a empujar el proyecto y hemos decidido romper el contrato”), la banda publica con editArte su segundo larga duración, “Seres únicos”, un trabajo con especial cuidado por los arreglos y los matices. “Cuando grabas un disco es como si mandaras una cápsula al futuro, llena de personajes; la grabación es el momento en el que enseñas a convivir a esos personajes; de esa educación depende el futuro del disco”. El hecho diferencial que más llama la atención de Vinodelfin es el curioso equilibrio que mantiene su oferta entre los universos mainstream e independiente del pop español. “Nosotros pensamos que el mundo independiente emergió para salvarnos de la dictadura de las radiofórmulas, pero con el tiempo parece no haber escapado de la tentación de convertirse en otra dictadura. En el corazón de los artistas en general, esa frontera no existe”. Otro rasgo que destaca a Vinodelfin de otras propuestas parecidas es su imagen, un look de “dandies de nuevo siglo” muy alejado de los estereotipos habituales. “En realidad es una especie de metáfora de uso interno. En ‘Seres únicos’ hemos tratado de inspirarnos en la generación del 27”. ■ Robert Aniento

Vinodelfin Viene de: Barcelona Publica: “Seres únicos” (editArte, 09) En la onda de: Snow Patrol, Soda Stereo, Coldplay

Vinodelfin Foto Archivo

os ingredientes que dan origen a este dúo invitan al optimismo. Olivia B. Merihlati, una joven finlandesa con orígenes artísticos en el mundo del jazz, se une al francés Dan Levy, un excelente multiinstrumentista y compositor de bandas sonoras, para formar una de las propuestas más frescas e interesantes que han surgido este último año de la década en Europa. “A Mouthful” es su disco de presentación, y en él nos encontramos un bello ejercicio de pop, repleto de matices y con una compleja instrumentación que decora la inquietante pero magnética voz de Olivia. “On My Shoulders” es el pegadizo single que sobresale y que ya habrás escuchado en multitud de contextos, pero el resto de temas que completan el álbum no desmerecen el impacto de su canción bandera. Nos da su opinión la misma Olivia. “Es com-

Trigger Foto Archivo

Trigger Vienen de: León Publican: “Black Panther” (Algoenblanco, 09) En la onda de: Primal Scream, Letarghy, Nine Inch Nails

Tonino Carotone

Scott Matthew Viene de: Australia/Estados Unidos Publica: “There Is An Ocean That Divides...” (Glitterhouse/Nuevos Medios, 09) En la onda de: David Bowie, The Swell Season, Antony

cott Matthew es ese chico tímido que hace tiempo descubrimos gracias a la película “Shortbus” y más tarde nos sorprendía con un álbum de pop íntimo y delicado que hacía aumentar las expectativas en su propuesta y esperar con un ilusión una nueva manifestación de su talento; la que ahora llega con “There Is An Ocean That Divides And With My Longing I Can Charge It With A Voltage Thats So Violent To Cross It Could Mean Death”. En su segundo trabajo, Matthew mantiene el pulso melodramático, la voz desgarradora y las composiciones nostálgicas, provocando de nuevo comparaciones con ciertos artistas como Antony And The Johnsons. “Yo creo que sonamos muy diferentes. Quizás el parecido es que hacemos baladas y, ya sabes, luego está todo el tema de la sexualidad, con el que la gente trata de identificarnos poniéndonos a los gays en el mismo sitio y cerrándonos con llave. En todo caso, no me ofenden las comparaciones, son encantadoras”. Aunque no le importen, lo cierto es que ni las merece ni las necesita,

Matthew cuenta con su propio imaginario musical y en su último trabajo lo alimenta, además, con composiciones como “Ornament” o “Thistle”, que transmiten cierta luminosidad que no encontrábamos hasta ahora. “En realidad las letras no son muy optimistas, pero es cierto que cuando lo compuse me encontraba bastante feliz y eso pudo haber tenido cierta influencia. A lo largo de los últimos dos años me he venido sintiendo más seguro de mí mismo y eso se nota en el álbum”. Un álbum reflejo del universo personalísimo de este autor, desde la propia portada “una silueta de mí mismo un poco caótica y orgánica que pretende mostrar lo que hay potencialmente en mi interior”, hasta el nombre del mismo, “El título del álbum contiene una gran carga simbólica y metafórica pero también es literal, porque así es la nostalgia de estar desconectado de cierta gente que vive situaciones que no puedo compartir”. Emoción a flor de piel. ■ Cristina V. Miranda

Viene de: Pamplona Publica: “Ciao Mortali!” (El Volcán Música, 09) En la onda de: Renato Carosone, Adriano Celentano, Manu Chao Vuelve Tonino Carotone. O quizá nunca se fue. Realmente sí que se estableció en Italia para preparar casi durante un año “Ciao Mortali!”. Es su tercer disco en casi diez años, pero en ese tiempo Toñin nunca ha dejado de vivir musicalmente esa vida intensa. Y recordamos que antes de todo eso tuvo sus divertimentos con los alocados Tijuana In Blue o proclamó su “Insumisión” con Kojon Prieto y los Huajalotes. Más tarde una canción le cambió la vida. “Me cago en el amor” tuvo tal repercusión que se vio “obligado” a darle forma a un álbum completo. “Mi primer disco, ‘Mondo Difficile’, lo hice casi a la fuerza por el éxito del single en Italia. Me ayudó Mastretta y todo fue un poco deprisa. Después llegó ‘Senza Ritorno’ que estuvo mal aprovechado discográficamente, pero fue muy positivo y variado”. Ahora este “Ciao Mortali!” nos trae a un Toñin muy mediterráneo con su personal forma de cantar y de contar sus canciones y que ha grabado con su nueva banda italiana. “Para bien o para mal en este nuevo trabajo todas las canciones son mías. Creo que se constata que no voy detrás de nadie. Si en algo me fijo es en la canción de autor que se hacia antes y utilizó cualquier estilo musical sin complejos ni prejuicios”. Por eso encontrarnos un tango crudo (“De vueltas por Buenos Aires”), una rumba catalana golfa a la antigua usanza (“La parienta”) o un homenaje al James Brown que todos llevamos dentro (“Al Viento”). Para ello no ha dejado de llamar a sus buenos amigos: Manu Chao, en “Pornofutbol”, pero también Eugene de Gogol Bordello en “Atapuerca”, o una de las mejores bandas alternativas de Italia, Bandabardo, en “Primaverando”. No te extrañe encontrarte a este “Maestro de la Hora Brava” (título de su libro autobiográfico, editado por ahora exclusivamente en Italia) tocando en Grecia, Chile, Argentina o Italia. Allí es grande. ■ Miguel Amorós

Scott Matthew Foto Archivo

Los colombianos Andrea Echeverri y Héctor Buitrago funcionan como pareja musical desde hace más de quince años. Su fórmula de rock de guitarras, elementos electrónicos y ritmos autóctonos, elevada al infinito por la personalísima voz de Andrea, les aupó a principios de los noventa como uno de los más importantes grupos modernos del rock alternativo latino que consiguió cruzar el Atlántico, y es hoy una de las pocas que se resiste a caer en el cliché de la batidora de ritmos y sobreproducción. Con “Río”, Aterciopelados vuelven a dar importancia a las guitarras y continúan plasmando una actitud comprometida y un optimismo vital que, en tiempos como los que corren, ha llegado a ser tildado de “provocador”. ¿Tan potente es la agenda de las corporaciones y los medios que hoy en día llama la atención ser optimista? ¿Estamos obligados a sentirnos asustados? “Está claro que al sistema le interesa que no tengamos iniciativa, y con miedo siempre seremos más manejables. Nos gustaría que la gente volviese a organizarse, que existieran alternativas reales. También sería importante que empezásemos a dar valor de nuevo a las cosas que no cuestan dinero, que son un montón”, explica Andrea. El motivo central del nuevo disco de Aterciopelados es el río como imagen de la presencia y la interacción de los hombres con la Tierra. A pesar de que las civilizaciones florecieron en torno a ellos, tristes son casos como el del río Bogotá, que al cruzar por la capital colombiana presenta uno de los niveles de contaminación más elevados del mundo. “Desde fuera puede parecer que Colombia es un país que está avanzando mucho, pero nosotros vemos todos los problemas que sigue habiendo allí y no podemos dejar de mostrarlos. Por ejemplo, Colombia continúa siendo el segundo país del mundo con mayor número de desplazados”, comenta Héctor, que espera que Aterciopelados no pierda nunca el espíritu de aquel primigenio “Bolero Falaz”. “Cuando recordamos aquellos días, vemos muchas ganas y mucha inocencia, pero también vemos actitud y originalidad, que supongo que en gran parte es lo que nos ha hecho poder continuar hasta hoy”. ■ Jorge Ramos

Aterciopelados Vienen de: Colombia Publican: “Río” (Nacional/El Volcán, 09) En la onda de: Café Tacuva, Julieta Venegas

Aterciopelados Foto Archivo

Tonino Carotone Foto Archivo

Tras un Ep y un e-record editados hace unos años con cierto éxito de crítica y público y patearse con sus canciones algunos de los mejores festivales de la geografía española, los leoneses Trigger regresan a la actualidad con “Black Panther”, su primer disco. Rock electrónico sin trampa ni cartón. No son ni mucho menos unos recién llegados. Llevan más de un lustro en esto y ya saben cómo va esto del mundillo musical. Trigger son uno de esos grupos tan sinceros con su público como con ellos mismos. En sus inicios, consiguieron un cierto éxito con su Ep “Hypnotizer” (autoeditado, 05), que les llevó a tocar en festivales tan importantes como Primavera Sound, Otros Mundos Pop o F.E.A. Un año después y tras una extensa gira por salas de toda España, publicaron un e-record con ocho canciones, “Put Your Mind In Motion”. Ahora y tras un tiempo de silencio regresan con “Black Panther”, que ya desde su propio título incita a la revolución verdadera. “Plantea un estado de alerta ante una sociedad narcotizada por una televisión y oferta musical comercial sin contenido; el disco pide algo así como una actitud de rebeldía. Incomodar al sistema para que no tenga las cosas tan fáciles. Los ‘líderes del mundo’ aparecen en función de un estudio de mercado y nos ponen al que ‘necesitamos’ en cada momento para sentirnos seguros y tranquilos mientras otros manejan los hilos”. Roberto Paramio y Roberto Castán son el alma de Trigger. A ellos hemos de añadir al vocalista argentino Rodrigo Fernández, una incorporación que ha aportado muchas cosas a la banda. “Rodrigo tiene una voz muy personal y sobre todo actitud. Ha encajado de maravilla y ahora ya es también parte creadora del grupo”. Con esta formación actual han firmado las canciones de este primer largo, un álbum oscuro donde predomina el electro rock con guiños new wave pero que también cuenta con algunos temas con madera de hit bailable como “Dancing Girl Operator”. ■ José Manuel Cisneros

MondoSonoro · Septiembre /41/

vinilos

en la realeza del folk FOSCOR

INCUBUS

Temple Of Darkness

Sony BMG

“Groans To The Guilty” METAL

“Monuments & Melodies” 1111

Si siguen mínimamente el underground metálico de este país, es más que probable que tengan algún disco o que hayan visto en directo a los catalanes Foscor. Deberían. A quienes no tengan aún el placer, decirles que la banda, creada en Barcelona a finales de los noventa, se mueve en las oscuras y espesas aguas del black metal nórdico, bebiendo de formaciones como Emperor, Immortal, Shining o los primeros Satyricon, aunque también del doom metal brumoso de Katatonia o Bethlehem. Su recién editado “Groans To The Guilty”, tercer álbum de su carrera, es el mejor ejemplo de ese cruce de sonidos bastardos que el cuarteto sabe impregnar de la crudeza, la densidad y la emotividad latentes en todo buen trabajo del género. De sonoridad envolvente y perturbadora, sus nuevas canciones logran un mayor impacto indagando en estructuras más sencillas y contundentes que las de su anterior “The Smile Of The Sad Ones”. Un acertado paso adelante en el que confluyen mejor que nunca los riffs y las notas disarmónicas de Falke y Wilhkiem, la alternancia de voces limpias y guturales –de nuevo, en inglés y catalán- de un inspirado Fiar, y la infalible maquinaria rítmica de Nechrist. Con “Groans To The Guilty”, Foscor acaban de firmar el que debería ser su disco de confirmación europea, un imponente opus a la agresión marcado por una afinada e insólita sensibilidad estética. David Sabaté

ROCK

1114

Incubus se hizo un espacio propio entre los grandes nombres del metal alternativo de los noventa, conjugando con especial pericia esa mezcla de géneros tan habitual en la época. Sin llegar al estatus de bandas como Limp Bizkit, Korn o Linkin Park, el combo californiano consiguió rodearse de una ingente masa de fieles fans que supieron apreciar lo sutil de su mixtura, el largo recorrido de sus discos y los infecciosos himnos que forman parte del minutaje de sus trabajos. Tres años después de su última propuesta en estudio, “Light Grenades”, nos llega la primera compilación del quinteto, una ingente labor de recuperación de dos discos y una clave de acceso que se inicia con la sorpresa de dejar fuera de la copia física cualquier rastro de sus dos primeros trabajos, “Fungus Amongus” y “S.C.I.E.N.C.E.”. El primer disco, “Monuments”, prefiere centrarse en la producción de la época dorada, con especial foco en lo que fue su obra de mayor éxito, “Morning View”, y en el último “Light Grenades”. “Melodies” se destina a caras B de singles, temas inéditos y versiones (atención al “Let’s Go Crazy” de Prince) grabados por Incubus a lo largo de sus dieciocho años de vida. Pero lo que destaca realmente “Monuments & Melodies” del resto de compilaciones similares es “The Vault”, un inabarcable archivo de más de ciento veinte temas inéditos, quinientas fotos y casi doscientos vídeos a los que se tiene acceso con la clave incluida en el packaging del doble compacto. Robert Aniento

The Duke & The King Foto Archivo

THE DUKE AND THE KING “Nothing Gold Can Stay” Loose Music/Houston Party

FOLK

THE EYES

MARILYN MANSON

Kaiowas Records/Divucsa

Interscope/Universal

“Insignis” METAL

“The High End Of Low”

1111

Que The Eyes posee uno de los directos más competentes del metal facturado dentro de nuestras fronteras escapa a cualquier tipo de duda. Pudimos comprobarlo en el reciente festival Sonisphere, donde se defendieron sin problemas en el mismo escenario que Gojira, Mastodon o Down. Sin embargo, y a pesar de los aciertos de su álbum de debut, la banda barcelonesa necesitaba un disco a la altura de su reputación en vivo. Pues bien, ya lo tenemos aquí. “Insignis” mejora y amplía los aciertos de “Pursuing The Misfortune” (A date with Elvis, 05) tras cinco largos años de espera, diversos cambios de formación y un interesante siete pulgadas de versiones de Metallica y Black Sabbath. Estilísticamente y a grandes rasgos, los nuevos temas se mantienen dentro de las mismas coordenadas: el death melódico, ciertos apuntes de metalcore y el thrash metal, influencia, aquí, algo más evidente (“Above The Real Pain” cruza a The Haunted, In Flames y Testament con notables resultados). Sin embargo, si algo destaca en “Insignis” son las estructuras, mucho más trabajadas, y el sonido, sencillamente brutal. Las guitarras de Edgar y Wero cortan más que nunca; las sustentan una sección rítmica demoledora; y el nuevo vocalista, Jordi, con su combinación de registro gutural y rasgado, parece haber nacido para cantar en la banda. Ahora ya lo tienen todo para despuntar. Sólo queda esperar que el público de, por ejemplo, Barcelona, Estocolmo o Londres también sepa verlo. David Sabaté

ROCK

Para aquellos que crecimos coincidiendo con la época dorada de Manson, fascinados a la vez que temerosos de su conjunción única de imagen macabra, actitud amenazante y la autoría de discos definidores de una década y a la vez atemporales -“Portrait Of An American Family”, “Antichrist Superstar”-, nos resulta especialmente doloroso asistir a una decadencia tan descalabrada como la que está sufriendo Brian Warner en los últimos años. Habrá quien defienda que “Mechanical Animals” es una obra a redescubrir, injustamente tratada en su momento, y pocos olvidarán la función de (ex)portavoz generacional de Manson, pero sólo los incondicionales menos críticos podrán negar la caída libre a la que se ha lanzado el autor de temas como “Tourniquet” o “Cake And Sodomy”. Si en directo ya casi nadie se resiste a ver la desidia y desinterés que han definido sus últimas giras, las obras de estudio muestran esa absoluta falta de inspiración de forma aún más acusada. “The High End Of Low” llega tras los anodinos legados de “Eat Me, Drink Me”, “The Golden Age Of Grotesque” o “Holy Wood”. La luz de esperanza esta vez era el regreso a la banda del añorado bajista Twiggy Ramírez, pero ni con esas. Parapetado tras sus desgastados clichés, los dieciséis títulos que dan forma al trabajo de Manson se vuelven a trabar en su incapacidad por encontrar nuevas muescas de originalidad en su ya agotada propuesta. Pobre incluso para su limitado estándar actual, tan solo los correctos “Leave A Scar” y “Running To The Edge Of The World” se salvan del aburrimiento total. Robert Aniento

11111

Hay discos que se cuelan en tu vida y se convierten en la banda sonora de una época muy especial. Discos a los que les coges cariño y que de inmediato forman parte de tu bagaje personal. Canciones que deseas compartir con el resto de los mortales, aunque temas que es posible que los demás no las acojan con tu mismo entusiasmo. Pasó con el debut en solitario de Bon Iver la temporada pasada y espero de todo corazón que vuelva a suceder ahora con el álbum que Simone Felice, acompañado por su buen amigo Robert Chicken Burke, nos ha regalado a todos. A Simone lo conocemos por golpear los parches y componer junto a sus hermanos en The Felice Brothers, una de esas bandas de americana que poco a poco se van acercando al estatus de grupos como My Morning Jacket, Bright Eyes o incluso Wilco,

máxime cuando tienen un excelente y recien horneado álbum en su haber. Pues bien, resulta que Simone Felice sufrió la pérdida del bebé que estaban esperando y para no volverse loco, decidió dejar a sus hermanos y usar la composición de estos diez temas como una forma de terapia que le ayudara a superar el dolor. El resultado es una colección de delicadas canciones, cantadas de forma dulce y tenue para llegar a lo más hondo y acompañadas de una nimia instrumentación de guitarra acústica, bajo y batería que bien pueden recordarte a CS&N (“If You Ever Get Famous”), R.E.M. (“Summer Morning Rain”) al gran Gene Clark (“Union Street”) o incluso al Ben Harper más intimista (“I’ve Been Bad”). Y todo ello sabiamente dotado de un ambiente de melancolía y dosificada tristeza que hace que enseguida te des cuenta de que te hayas ante algo muy especial. Un disco hecho desde el corazón que encierra entre sus surcos cierta añoranza por la dorada época de la niñez en la que todo resultaba mucho más sencillo. Imprescindible, sin ningún lugar a dudas. Don Disturbios

en la onda

JONI MITCHELL FOLK

THE FELICE BROTHERS

GENE CLARK

AMERICANA

FOLK-ROCK

Yonder Is The Clock (Team Love, 2009)

Blue (Reprise, 1971)

11111

“Joni Mitchel y su álbum ‘Blue’ ha sido uno de mis favoritos desde que era un niño en los setentas y mi madre la escuchaba en la dura época en que mi padre nos abandonó. Joni, The Beatles, Donovan, Marvin Gaye”. El propio Simone me da las coordenadas de su música en una entrevista que publicaremos el mes que viene en estas mismas páginas.

11114

Simone Felice aún participó junto a sus hermanos en la grabación del último y su mejor disco hasta la fecha. Y los patrones son tan comunes que incluso comparten la influencia de Mark Twain a la hora de elegir, Simone, el nombre de su banda y los hermanos al completo el nombre de su disco. Lamentablemente tardaremos en verlos juntos de nuevo.

White Light (A&M, 1971)

11111

La historia cuenta que dejó The Byrds porque el miedo a volar le impedía hacerse cargo de sus obligaciones contractuales. Pero no es menos cierto que en ese corral había demasiados gallos y Gene estaba demostrando ser el mejor de ellos a la hora de componer preciosas tonadas. Su música y figura, pese al prestigio, no ha tenido el reconocimiento que sin duda merece. D.D.

(vinilos /42/ Septiembre · MondoSonoro)

la efectividad de calvin harris MADNESS

“The Liberty Of Norton Folgate” Lucky Seven/Naïve

POP

Calvin Harris Foto Archivo

CALVIN HARRIS

Ready For The Weekend Fly Eye/Sony BMG

ELECTRÓNICA

1114

Le caigan los palos que le caigan, todo parece indicar que Calvin Harris está destinado a convertirse en uno de los personajes indispensables de la electrónica pop internacional: dos singles número uno consecutivos en el Reino Unido (“Dance Wiv Me” –junto a Dizzie Rascal- y “I’m Not Alone”), su álbum directo al primer puesto, composiciones para Kylie Minogue y la acomodada Madonna rendida a sus pies. Y es que, pese a unos textos de una frivolidad abrumadora (no quiero ni pensar qué opinaría yo mismo si esas frases las firmase un artista español), el escocés tiene una sorprendente capacidad para sacarse de la manga canciones más que efectivas de pop electrónico y house saltarín. Eso es algo que consigue saqueando los logros de décadas

anteriores, filtrados desde su particular ojo de mosca. Si “I Created Disco” sonaba más ochentas, “Ready For The Weekend” tiene mucho más de aquella old skool que removió las pistas de baile en los noventa, de los Faithless más efectivos, del house de voces femeninas (el tema que da título al disco podría pertenecer al Moby de “Everything Is Wrong”) y sobre todo de ese concepto de hit bailable que parece haber caído en desuso y que ya pocos respetan. Aunque no se lleven a engaño por algunos de los verbos usados en este texto hasta el momento. Es cierto que “Ready For The Weekend” es un disco desequilibrado y algo largo (sobra relleno), pero, pese a todas las comparaciones y lastres, demuestra de nuevo que Calvin Harris tiene algo difícil de encontrar en estos días: personalidad y cabeza suficiente para componer algunos temas de indiscutible efectividad. De momento sigamos confiando en él y esperemos a que tenga suficientes canciones redondas para completar un greatest hits sin restos de serie. A este ritmo, en dos discos más lo consigue. Joan S. Luna

DISCOVERY

THE LOW ANTHEM

LEIRE

XL/Popstock!

Bella Union/Nuevos Medios

Hit Kune Do/Pias

“LP” POP

“Oh My God Charlie Darwin” 111

Cuando Vampire Weekend despuntaron y Ra Ra Riot llegaron poco después con sus canciones hubo quien les acusó de imitar a los de Ezra Koenig. Los que lo hicieron cometían un error, sobre todo porque los músicos de ambas formaciones llevan prácticamente la segunda mitad de esta década coincidiendo en los escenarios y en sus aficiones. De hecho, Discovery es el resultado del tiempo común compartido entre Rostam Batmanglij (Vampire Weekend) y Wesley Miles (Ra Ra Riot) desde 2005 hasta este mismo año. Juntos (cuentan, además, con la ayuda del propio Koenig y de Angel Deradoorian de Dirty Projectors) suenan distinto a sus grupos principales, más electrónicos y bastante menos inspirados, aunque se les ve alegres y sin presiones (sólo así podrían haber grabado algo como “Can You Discover?” o esa especie de r’n’b que es “I Wanna Be Your Boyfriend”). No sorprenden nunca, pero tampoco aburren demasiado y hasta tienen alguna canción graciosa y pegadiza. Ah, y el haber incluido una versión del “I Want You Back” de The Jackson 5 les convierte en casi unos visionarios. Joan S. Luna

FOLK

1111

Como The Felice y The Avett Brothers, The Low Anthem parecen pertenecer a una generación de músicos inmersos en el folk pero liberados de deudas con la tradición. En su acercamiento no hay reivindicación alguna más allá de hacer folk con el empuje del primer momento, las miradas limpias, el corazón abierto. Tal es la pasión con la que Ben Knox Miller embiste en “The Horizon Is A Beltway”, la primera estridencia tomwaitsiana, cuya influencia admiten al girar la esquina revisando “Home I’ll Never Be”. Antes de todo eso, la ensoñadora voz de Josie Adams nos ha recibido en un mar inmenso, un contraste absoluto, muestra de que el trío que completa Jeff Prystowsky surca el pasado de la música americana sin rémoras, a ratos recordándonos la versión más campestre y campechana de Akron/Family, evocando en otros una colección de dioses clásicos, Tom Petty incluido. Y por mucho que estén allí, lo que salta a la vista no son tanto las costuras como esa falta de prejuicios, esa libertad con la que abordan las escarpadas colinas que separan algo tan delicado como “(Don’t) Tremble” del stomper dylaniano “Champion Angel”. Joan Cabot

“Canciones siderales” POP

1114

Leire es el nombre del último proyecto del DJ y músico Aleix Vergés “Sideral”, que murió en mayo de 2006 después de haber estado trabajando dos años en las once canciones del disco, y habiendo tenido tiempo de grabar su voz y las guitarras en Canet de Mar. Viendo que el proyecto no podía quedar en saco roto, un puñado de amigos de Vergés continuaron su trabajo hasta dar forma definitiva a este “Canciones siderales”, disco que emociona desde las primeras notas de “Las canciones tienen nombre (nadie es mejor que nadie)”, donde su voz grave repasa algunas de sus canciones favoritas después de declarar su amor por la música con líneas como “es un pequeño esfuerzo que merece la pena/de amor o dolor surreal esplendor”. “Canciones siderales” cuenta con la participación de Xavi y Roger Strubell, Iñigo Telletxea, Fernando Vacas, Albert Margelí, Juan Belmonte, J, Floren, Isa Vidal, Fernanda Carmona, Xavier Barranquero y Suze. Todos juntos consiguen vestir adecuadamente las composiciones inspiradas y con un punto nostálgico de Aleix Vergés. Jordi Nopca

1114

Los británicos Madness, estandartes del revival ska de finales de los setenta, regresan con su primer disco de estudio en diez años. Y lo hacen, para nuestra sorpresa, con un trabajo inesperadamente equilibrado. “The Liberty Of Norton Folgate” parece querer borrar de un plumazo las eternas y justificadas sospechas sobre los discos de regreso, la etapa de anuncios de electrodomésticos y los comentarios jocosos sobre la banda por parte de cierto público del penúltimo Sónar. El caso es que los autores de “Our House” o “Night Boat To Cairo” se descuelgan con un trabajo fresco, divertido y contagioso con apenas material de relleno. Catorce temas en los que vuelven a entrelazar como pocos las variables pop, ska y soul con un poso urbano y costumbrista (“We Are London” o el tema título, consagrado al homónimo y bullicioso barrio londinense). El resultado suena clásico y actual a la vez, festivo y canalla pero con un punto erudito. Entiéndanme, aquí priman el espíritu lúdico y la juerga, pero como es habitual en ellos, impregnados de una irresistible distinción british. “The Liberty Of Norton Folgate” nos obliga a acogerles de nuevo en nuestras fiestas. David Sabaté

ZAHARA

“La fabulosa historia de la chica que perdió el avión” Universal

POP

111

Con paciencia y sin necesidad de apresurarse innecesariamente la barcelonesa de adopción Zahara, gracias a sus costumbristas letras y una delicadeza que no nos debe extrañar que levante suspiros a su paso, nos presenta su debut discográfico condenado a convertirse en carne del mainstream (lo cual, a priori, no debería suponer ningún hándicap) después de haberse paseado durante los pasados años por buena parte de nuestra geografía. Producido por Carlos Jean y Ricky Faulkner (Standstill, The New Raemon), la fórmula de esta muchacha no marca ningún hito innovador que digamos, pero su valía recae en el hecho de enaltecer lo común y cotidiano a la categoría de pop mayúsculo. El disco puede resultarle a algunos, cuanto menos, lineal, pero temas como su dúo con Santi Balmes de Love Of Lesbian en “Domingo astromántico”, el presente himno de la vuelta ciclista “Merezco”, la impecable “Funeral” o ese toque de queda tildado de “La canción más fea del mundo”, hacen de Zahara una interesante propuesta de cantautora patria con las ideas más que claras. Sergio del Amo

EILEN JEWELL “Sea Of Tears”

Signature Records/Karonte

FOLK

1111

Con Gillian Welch en paradero desconocido y Jolie Holland saboreando las mieles del triunfo con “The Living And The Dead”, empezábamos a echar en falta otro vértice para colmar nuestras necesidades. Y Eilen Jewell ha resultado ser la candidata perfecta para recoger el testigo y ocupar ese puesto. Con dos trabajos ya a las espaldas (a des-

tacar sobre todo el majestuoso “Letters From Sinners & Strangers”), todo apunta a que “Sea Of Tears” será el disco de su consagración. Con el folk en primer plano y enriqueciendo sus preciosas canciones con jazz, blues o country, alegrará las existencias de quienes disfrutan con el fraseo y el timbre de Lucinda Williams (“Fading Memory” es un ejemplo claro). “Rain Roll In” es la pieza en la que la cantante de Massachussetts demuestra que ahora consigue registros a los que no nos tenía acostumbrados. Y no podemos pasar por alto temas tan arrebatadores como el que da nombre al trabajo o “Nowhere In No Time”. El espíritu de Nueva Orleans revolotea con clase sobre algunas de sus composiciones, así como refleja la arenosa realidad de la música nacida en el desierto de Arizona. También queda lugar para reinterpretaciones como “Shakin’ All Over” o temas de Loretta Lynn y Them. Toni Castarnado

DAN BLACK “Un”

Universal

POP

111

No sé ustedes, pero yo soy de los que se alegra de que la electrónica esté calando entre las nuevas estrellas del pop anglosajón (o mejor dicho, entre las estrellas futuribles), desde La Roux hasta Frankmusik, Dan Sparro, Miike Snow y similares. Un nuevo pop orientado al mainstream está naciendo o como mínimo empezando a desarrollarse. Aunque lo primero que surge al enfrentarse a Dan Black es desconfianza (les recuerdo que fue líder de The Servant, formación de rock alternativo francamente anodina). Por suerte, sus dos pasos inmediatamente posteriores prometían más: el single “Alone”, aún su mejor composición, y su popular relectura de Notorious B.I.G. (no la busquen en este largo). Ahora, con “Un” entre las manos, las ilusiones que esperábamos de este híbrido entre Stuart Price y Justin Timberlake se quedan a medio camino ya que su cancionero sufre un efecto montaña rusa que nos lleva de las piezas pop más efectivas (la ya citada “Alone”) a las más aburridas (“Cocoon”, “Cigarette Pack”). “Un” no es lo que podría –o debería- haber sido. Aun así, va siendo hora de que exista un relevo generacional en el pop más comercial, con lo que vayanle abriendo la puerta al amigo. Joan S. Luna

THE HAPPINESS PROJECT

“The Incredible Human Cannonball” Odio Sonoro/Astoria

POST-ROCK

1114

Comienza a ir bien en serio lo de los valencianos The Happiness Project con este consistente segundo disco, inspirado en la figura suicida de un hombre-bala de apariencia curiosamente más infante de lo usual. La alusión no es gratuita, todos sabemos bien que algo hay de esto en este mundillo. Riesgo, experimentación y pasión, lo saben bien Balty, Adrián y José, que han modelado cinco temas que han sabido arañar las virtudes del debut y expandido estas a ambos lados en la instrumentación, el de la oscuridad y el de la luz, que son verdaderamente la madre del cordero de temas como “Johnny Polo”, “Rabbits Crossing Paths” y sobre todo “Pluja Means Rain”, ante la que creo no exagerar si digo que es el mejor momento de THP hasta la fecha, con un uso del valenciano que dota al texto de esa mística mediterránea que tan bien han sabido encontrar algunas bandas levantinas. A partir de ahora, eso sí, entran (o deberían hacerlo, aun cuando quede por limar el asunto de los lugares comunes del género) en una división superior y más fuertemente restringida que también exigirá mayores esfuerzos en el futuro. Nacho P. L.

(MondoSonoro · Septiembre /43/ vinilos)

el culo inquieto de brian hunt

top10 internacional MOS DEF

“The Ecstatic” Downtown/Nuevos Medios

RAP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

1111

Tras firmar dos de los trabajos más descomunales del rap de finales de los noventa, Dante Smith decidió orientar su carrera hacia la interpretación, dejando la música en un segundo plano, quizás consciente de que THE DUKE & THE KING uno no puede armar algo como “Black On “Nothing Gold Can Stay” Both Sides” (Rawkus, 99) cada fin de semaHouston Party na. Tanto “The New Danger” (Geffen, 04) como “True Magic” (Geffen, 06) estaban ARCTIC MONKEYS “Humbug” muy por debajo del nivel de uno de los MC s Domino/Pias con más estilo de su generación, alguien que revolucionó literalmente el hip hop de finales SIMIAN MOBILE DISCO de milenio. Tres años después de su último “Temporary Pleasures” V2/Nuevos Medios disco, el mayor acierto de Mos Def ha sido abordar su quinto álbum desde una persTHE WAVE PICTURES pectiva mucho más básica. En gran medida, “If You Leave It Alone” “The Ecstatic” se desarrolla con la urgenMoshi Moshi/Nuevos Medios cia y pureza de una mixtape, enlazando BILL CALLAHAN beats del mismo productor, algunos de ellos “Sometimes I Wish We Were An procedentes de álbumes instrumentales ya Eagle” Drag City/Popstock! editados, como los firmados por los hermanos Oh No y Madlib, con el MC neoyorquino CALVIN HARRIS “Ready For The Weekend” rapeando en un estilo que remite a sus freesSony BMG tyles: ligero, hepidérmico, magnético. Eso no implica la renuncia a las grandes canciones, THE BIG PINK de hecho hace años que no le escuchába“A Brief History Of Love” mos algo como “Roses”, su genial dúo con 4AD/Popstock! Georgia Anne Muldrow, ”Auditorium”, junto KINGS OF CONVENIENCE a un gran Slick Rick, o “History” con su ex “Declaration Of Dependence” compañero Talib Kweli y base de J. Dilla, pero (avance) EMI le confiere al disco una atmósfera distendida MOS DEF y contagiosa. Se diría que está grabado en “The Ecstatic” una tarde, con la calma y confianza de un Downtown principiante que no tenga un legado gigante que defender a sus espaldas. Y aunque como JJ álbum “The Ecstatic” sea un logro humilde “Nº 2” comparado a “Black Star” (Rawkus, 1998) Sincerely Yours no deja de ser el mejor disco de Mos Def en una década, mucho decir hablando de uno de los talentos más sobresalientes del rap. Joan Cabot

top10 nacional

Brian Hunt Foto Archivo

BRIAN HUNT

I Lost My Glasses Limbo Starr

POP

1114

Tras mostrar diversas facetas tales como productor de Annie B Sweet, guitarrista de Half Foot Outside y Templeton, y parte fundamental en la gestación del exitoso elepé de Russian Red, el debut en solitario de Brian Hunt ha levantado justificada expectación. Al principal amparo de una guitarra acústica acompañada de la batería de Edu Hugarte (compañero en HFO y también en Muy Fellini), el resultado recorre con soltura variados pasajes. Desde power pop comedido a encantadores ambientes caseros (“Happy House Of Death”) pasando por desnudez acústica (“Kids

Pray For Cats”), pinceladas folk (“Glasses & Sweaters”) e incluso rock & roll clásico (“Number 1”). El guiño en forma de título del álbum da una clara pista acerca de quién era el dueño de las gafas que decía amar Lourdes Fernández en el nombre de su propio disco. Ahora la chica rusa devuelve el favor aportando su distinguida voz en varios cortes, como “Half A Packet Of Blablabla” y la pegadiza “Led By Moses”. Además despuntan el orgullo british de “Log Girl”, “El martes tengo barba” a lo Bart Davenport o una “Sapphires In The Mud” que remite a los mejores Sexy Sadie. Hasta el ensoñador final lennoniano de “Sometimes I Dance With You”, el músico cántabro pasea despreocupado a lo largo de una ópera prima que engancha por su aparente sencillez, abarcando sin embargo un considerable y variopinto abanico de influencias. Raúl Julián

JACK PEÑATE

“Everything Is New” XL/Popstock!

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

DORIAN

“La ciudad subterránea” Pias

BERRI TXARRAK

“Payola” Roadrunner/Divucsa

JOE CREPÚSCULO “Chill Out” Discoteca Océano

SIDONIE

“El incendio” Sony

THE REQUESTERS “EP” Moda Music

COHETE

“Cohete” Autoedición

ZODIACS

“3, 2, 1...” Warner

SERGIO ALGORA

“Algora campeón” Grabaciones en el Mar

BRIAN HUNT

“I Lost My Glasses” Limbo Starr

BIG CITY

“Celebrate It All” Naked Man Recordings

11114

Quien escuchase hace un par de años “Matinee” puede que ahora, en “Everything Is New”, apenas reconozca a su protagonista, aunque hay que empezar diciendo que el cambio ha sido para bien. Más que eso: Jack Peñate ha pasado de hacer un álbum normalito a montar todo un festival de aciertos en treinta y cinco minutos y nueve canciones. No busquen relleno porque no lo hay. El retrato de corte decimonónico de la portada podría llevar a engaño, pero el título no: todo es nuevo, y es verdad. Hace unos meses ya dio alguna pista con un rutilante primer single, “Tonight’s Today”, que anticipaba las claves de este trabajo: un toque de tropicalismo, algo de afro-pop (de manera más circunstancial que en el caso de Vampire Weekend), atmósferas tan refrescantes como las de The Avalanches hace una década (“Everything Is New”, aquí en otro contexto) y una exultante vitalidad que explota especialmente en los acertados coros que salpican estos temas. Produce Paul Epworth (The Rakes, Bloc Party o Mäximo Park, entre otros muchos) y se cuenta que en las primeras sesiones Peñate se dejó aconsejar por Norman Cook (Fatboy Slim). Sea como fuera, la jugada le ha salido redonda: encadena hit tras hit (sólo “Every Glance” y “Body Down” se permiten un mínimo respiro), con una euforia creciente y preparándose para invadir inevitablemente toda discoteca indie que se precie (“Be The One”, “Pull My Heart Away”), igual de válido para las puestas de sol que para los amaneceres veraniegos en la mejor compañía posible. Enrique Peñas

CHAIN AND THE GANG

MAXIMILIAN HECKER

“Down With Liberty... Up With Chains!”

“One Day”

Louisville/Roadrunner

POP

111

La delicadeza que pone el alemán Maximilian Hecker en cada una de las piezas que compone va conformando poco a poco una discografía (sexto álbum de estudio ya a pesar de sus poco más de treinta años) con pocas aristas ni sorpresas, sopesada y casi tan etérea como su propia música. Un universo que más que beber de otros se embelesa consigo mismo y que convierte su mayor virtud en su peor carga, y, claro está, viceversa. Porque a herr Hecker le ocurre que elige seguir una senda tan concreta –la del hablador en voz alta, amplificador de pensamientos íntimos, de esos que sólo se pueden escribir en una habitación a solas- que sabe bien por dónde pisa, mantiene todo controlado hasta que es precisamente ese férreo y escogido miniaturismo más que manierismo el que es a la vez guardián y prisionero del encanto que pueden desprender una decena de canciones que, si bien lo poseen (a destacar “Miss Underwater” y “All These Cradles’ Blankets Will Never Veil My Whole Substance”), no consiguen levantar ese vuelo que parece añorar eternamente el melancólico Hecker. Nacho P. L.

K Records/Popstock!

ROCK

114

De un tiempo a esta parte no está siendo tarea fácil admirar a Ian Svenonius (ya saben, The Nation Of Ulysses, The Make Up, Weird War...) más allá de su mensaje. Quienes disfrutamos con sus recientes conciertos en nuestro país como cincuenta por ciento de The Publicist esperábamos el debut de Chain And The Gang con ganas, con muchas ganas. De ahí que, ante “Down With Liberty...”, uno se sienta algo decepcionado, aunque subraye por si mismo que Svenonius no debe rendir cuentas a nadie y que aún mantiene la magia en algunas canciones (“Reparations”, “What Is A Dolar” o “Chain Gang Theme”). Si algo queda claro es que el carismático músico estadounidense va por su propio camino, sin preocuparse lo más mínimo por si sus canciones suenan accesibles o densas, lisérgicas o asfixiantes, si uno puede entrar en su disco o quedarse al margen. Eso sí, quienes sí han entrado son las decenas de músicos que le acompañan, desde Calvin Johnson que le produce hasta Arrington de Dionyso (Old Time Relijun), o cantautores como Brian Weber o Karl Blau. Joan S. Luna

HORTHY “#3”

Autoeditado

ELECTRÓNICA

1114

Los pamploneses Horthy vuelven a las andadas con su tercer álbum (sin contabilizar su sentido homenaje a Kraftwerk) después de la incorporación a la banda de Mónica Arca como vocalista y Eguzki Abad a las programaciones (con especial atención al Pure Data) con un álbum que les despunta en el mercado gracias a un sonido más orgánico y trabajado que sus predecesoras obras. Manteniendo ese aura electrónico edulcorado con guitarras que provoca la perfecta simbiosis entre los sonidos ochenteros y la vanguardia synth-pop (“Tus ojos” recuerda inevitablemente a los New Order prácticamente esclavos del mainstream), los diez cortes que componen “#3” (donde la lengua de Cervantes cobra todo su protagonismo, a excepción de la versión de sus idolatrados robots de Dusseldorf, “Pocket Calculator”), hacen de la tarareable “Peter Pan”, la electro “Puedo sin ti” o ese punto de partida (que resume a la perfección los ingredientes de su receta) de “No puede ser”, un más que correcto ejercicio de pop electrónico capaz de llegar a sorprendernos a pesar de la manida fórmula que explotan del revival a base de hombreras sintetizadas. Sergio del Amo

(vinilos /44/ Septiembre · MondoSonoro)

el placer temporal de simian mobile disco DREAM THEATER

“Black Clouds & Silver Linings” Roadrunner/Divucsa

PROGRESIVO

Simian Mobile Disco Foto Archivo

SIMIAN MOBILE DISCO Temporary Pleasure Wichita/Nuevos Medios

ELECTRÓNICA

1111

Hacer un disco mejor que “Attack Decay Sustain Release” era difícil. Por eso SMD han tomado (inteligente y acertadamente) un camino que nadie esperaba en su segundo álbum. “Temporary Pleasure” no es un disco concebido estrictamente para la pista de baile, pero eso no significa que hayan perdido cualidades. Así lo atestiguan “10.000 Horses Can’t Be Wrong” y “Synthtesise”, las dos gemas del largo y dos grandes armas para cualquier Dj. Sublimes ambas. “Ambulance” no se queda atrás y pone la cuota justa de esa acidez nerviosa que chorreaba en su primer álbum. El resto del disco lo forman siete cortes vocales protagonizados por invitados de excepción. En estos descubrimos la faceta más pop del dúo, e incluso se introducen en nuevas sonoridades. Por ejemplo, en “Bad Blood”, con Alexis Ta-

ylor, se arriman a ese sonido pujante en Angola llamado KuHouse; mientras que en “Turn Up The Dial” se les va la pinza y remachan junto a Young Fathers una incursión dubstep que supone el tema más chirriante del conjunto. Gruff Rhys canta en “Cream Dream”, que si hubiera tenido guitarras hubiera pasado por un corte de SFA. Beth Ditto se sale en el elegante midtempo de regusto ochentero “Cruel Intentions” y Jamie Lidell se reencuentra con su lado macarra y pone su falsete al servicio de esa pieza de arpegio disco y sinte brilloso que es “Off The Map”. Sin olvidar la pegadiza “Audacity Of Huge” con Chris Keating, un single muy radiable por el que matarían desde Tiga hasta Justin Timberlake. Cierran con el dream-pop sintético de “Pinball”, hecho a medida para que las entrañables chicas de Telepathe desplieguen su abanico de gorgoritos espaciales. “Temporary Pleasure” ofrece una escucha más amable que su predecesor, han bajado las revoluciones sin perder intensidad y el disco no naufraga en ningún momento. No era un espejismo, los James son muy grandes. Javier López

LAND OF TALK

LINDA MIRADA

NO APTO

One Little Indian/Popstock!

La Cooperativa/Nuevos Medios

Esese Records/Avispa

POP

METAL

“Some Are Lakes” ROCK

“China es otra cultura” 1111

He aquí la prueba fehaciente de que el indie rock aún puede ser excitante, inquietante, adictivo. La prueba de que aún hay discos de esos que le hacen a uno sentirse como en una montaña rusa de sensaciones aparentemente contradictorias, de una intensidad tan variable que se traduce en subidotes y bajones, pero siempre lejos de la apatía. Land Of Talk, trío de Montreal aquí producido por Justin Vernon (Bon Iver) firman una versión corregida y aumentada de su debut (“Applause Cheer Boo Hiss”, 2006). Y lo hacen remitiéndose a una fórmula que, con la preciosa voz de Liz Powell mediante, es capaz de aunar ternura y vigor, vehemencia y fragilidad como pocos han logrado en los últimos tiempos. “Some Are Lakes” es una palpitante rodaja de rock independiente americano con respeto por los cánones, a veces embravecido y a veces doliente, con momentos sedantes y otros febriles. Y con la santísima espontaneidad que parece alumbrar a toda nueva sensación canadiense que se precie. Si ustedes son de los que creen que Helium, Drugstore o June escribieron la letra pequeña del indie rock de los noventa, este es sin duda su disco. Carlos Pérez de Ziriza

“La gran manzana” 1114

Afortunadamente todavía hay discos que se graban por el simple placer de hacerlo; cada uno se gasta sus ahorros como quiere. Linda Mirada tenía claro que quería editar como fuera las canciones que había ido componiendo a lo largo de los años, aunque fuera por su cuenta. De una sencilla maqueta, y con la ayuda de Bart Davenport en los estudios Ruminator de San Francisco y todas las colaboraciones que pudo conseguir, nació un álbum que en principio parece inocente pero que luego no lo es tanto y cuya mejor arma son las letras. Y no, no es electro, aunque los sintetizadores, los bajos juguetones y las melodías pegadizas sean lo primero que percibes. Con la alegría del synth-pop de los ochenta y la espontaneidad del indie de los primeros noventa, “China es otra cultura” es un trabajo tan delicioso como sólo pueden serlo las cosas sencillas hechas desde el corazón. Los pequeños detalles son la guinda en las canciones más tranquilas como “Solo”, “José” o “Me quedo en casa”, junto a otras más pop como “Tokio”, “Nadie camina en L.A.”, la estupenda “San Valentín” o la entrañable “Mañana me pongo otro vestido”. J. Batahola

111

Tercer trabajo de esta formación de Tarragona que lleva ya unos cuantos años luchando para despuntar en la viciada escena rock estatal. La suya es una propuesta de hard rock de guitarras metalizadas en la estela de Skizoo, Sôber e incluso de los primeros Héroes de Silencio, sobre todo debido al característico registro vocal de su cantante Erik López. En su ya larga experiencia, el cuarteto ha dejado un buen sabor de boca teloneando a grupos reconocidos como Saratoga, Marea, Rosendo o Mägo de Oz, aunque lo suyo poco tiene que ver con el heavy clásico y sí con el rock fresco, melódico y contundente de las primeras formaciones citadas. Sin embargo, no se limitan a copiar esas referencias. Atrás quedan los tiempos de “Mi propio infierno” (Zero Records, 05), donde asomaban las influencias del nu-metal y de los Metallica de los últimos noventa. Aquí predominan los medios tiempos –cercanos, en piezas como “Despertar”, a Corrosion Of Conformity-, pero, sobre todo, se aprecia el esfuerzo por avanzar hacia un estilo más personal, algo que, escuchando temas como “Sobrevivir” o “Harto de aguantar”, podemos afirmar que están empezando a conseguir. David Sabaté

1114

Fieles a su cita bianual, los de Boston editan ya su décimo trabajo en estudio. A estas alturas poca relevancia hay que buscarle a las obras de los abanderados del metal progresivo, más allá de seguir al pie de la letra su discurso y disfrutar de lo que nos ofrecen desde hace ya tiempo: puro entretenimiento sonoro. Sin diferir demasiado de lo que supusieron “Octavarium” o “Systematic Chaos”, “Black Clouds & Silver Lining” es otro parque de atracciones abundante en pirotecnia instrumental, colorido, magnificencia y carácter. Como punto a favor, suenan más a Dream Theater, dejando de lado los refritos de otras bandas, que habitaban en sus obras previas. O sea, que por una vez han intentado mirar en su interior más que en la influencia externa, aunque claro, el factor más recriminable está en las pocas novedades que aporta. Con todo, la regularidad reina en la obra, quedando “A Nightmare To Remember” y “The Count Of Tuscany” como clásicos de futuro en un álbum que, a buen seguro, disfrutarán sus innumerables fans. Ferran Lizana

CRYSTAL ANTLERS “Tentacles” Touch And Go

ROCK

1111

Con una premonitoria y caótica pieza instrumental da comienzo uno de los debuts más impactantes del año. Y así, como si de unos The Mars Volta que se hubiesen pasado con la rosca de la psicodelia o de unos The Doors más salvajes se tratase, los seis de California se lanzan al vacío sin paracaídas desde los primeros compases de este adictivo “Tentacles”. Si la inicial “Painless Sleep” desarma con un sintetizador más que abrasivo, la banda que ha fichado por uno de los sellos con más carisma de la ciudad de Chicago y que ahora ve temblar sus cimientos por esta crisis que todo lo abarca, continúa metiendo caña con “Dust”. Esos dos minutos están protagonizados, como casi todo el álbum, por la chirriante voz del bajista Jonny Bell y el histriónico y omnipresente teclado de Victor Rodríguez. Pero lo mejor del álbum está por llegar con la caótica “Time Erased”, la más melódica “Andrew” (single del disco), “Memorized” y “Glacier”. Apenas dan respiro al oyente los de Long Beach a lo largo de los treinta minutos que ocupan estos trece cortes, aunque con “Until The Sun Dies” levantan el pie del acelerador. María Baigorri

ALIS

“Cuando el sol nos dé calambre” Hook

POP

111

Para cualquier artista que se precie, la barrera del tercer álbum supone un reto de altos vuelos. En el caso de Pachi Alis (conocido simplemente bajo el nombre de Alis) “Cuando el sol nos dé calambre” supone un homenaje a la vertiente onírica del séptimo arte como en el caso del divo de culto “Errol Flynn” (sin necesidad de recurrir al anecdotario escrotal de sus fiestas privadas) o su efectiva carta de presentación, “Cine mudo”. Dividido en dos partes,

una de carácter eléctrica y otra acústica (a pesar de que sonoramente la única diferencia recae en la mera guitarra electrizada de las primeras cinco composiciones), y aunque no es capaz de superar la estela que supuso su debut encima de los escenarios, temas como “Entren, pasen y beban”, su particular homenaje a Lennon y compañía en “Liverpool” o “Collage” (donde podemos encontrar la colaboración de Juan Aguirre, de Amaral) hacen de este álbum de pretensiones populistas una más que digna carta de presentación, para todos aquellos que desconocían su existencia, a partir de un buen puñado de himnos pop que deberían convertirlo (con el tiempo) en merecida carnaza del mainstream. Sergio del Amo

ABE DUQUE

“Don’t Be So Mean” Process Recordings

ELECTRÓNICA

1 111

Abe Duque vuelve más ácido que nunca, lo cual se agradece. Después de haberse subido al carro del sampler presidencial en “Tonight Is Your Answer” (aunque para la versión definitiva del álbum ha prescindido por completo de Obama), en “Don’t Be So Nean” el Dj afincado en Nueva York rinde su sentido homenaje a la vieja escuela del techno punzante carne de after y al house belicoso (solamente hace falta echarle un vistazo a su portada) sin perder un ápice de su maestría frente el 303. Contando con la colaboración en los vocales de Virginia Nacimento en esa píldora tech-house detroniana “Following My Heart” y su fiel escudero Blake Baxter (culpable de aquel hit “What happened?) en la psicotrópica “Wake Up” y “Let’s Take It Back”, el Duque (bromas estrógenas aparte) sigue demostrándonos en ese trallazo que supone “Getting There” o “Trash Acid House” (se puede decir más alto pero no más claro) su valía como estandarte de la electrónica marciana manteniendo intacta su enaltecida figura aunque, asimismo, es capaz de firmar cortes alejados de las pistas de baile como demuestra en ese tema con reminiscencias ambient “Forever Untitled” o “OFMA”. Sergio del Amo

STUART MURDOCH “God Help The Girl” Rough Trade/Popstock!

POP

111

En algún momento de mi vida, Belle & Sebastian dejaron de ser ese refugio secreto. No fue tanto porque ellos cambiaran, que lo hicieron, sino más bien porque cambié yo y sus canciones dejaron de tener el efecto de unos años atrás. No sabría explicar el proceso ni sus motivos, pero mi relación con el grupo de Stuart Murdoch se ha mantenido desde entonces en un punto tibio. Me encantan Belle & Sebastian, el concepto de grupo y los buenos recuerdos, pero vivo esa emoción como algo desplazado del presente, y a pesar de ello no puedo reprocharle nada al bueno de Stuart, porque su música, en esencia, sigue siendo la misma. Ha conseguido mantener su espíritu intacto. La banda sonora del musical “God Help The Girl” me ha producido esa misma sensación. Si tuviera que adivinar el argumento por las canciones del álbum diría que es una comedia romántica moderna rodada en el cielo. Así de angelical es la voz de Catherine Ireton, que canta la mayoría de los temas, un par junto a Stuart y otro con Neil Hannon de The Divine Comedy. Murdoch había esperado esta oportunidad toda la vida: Doris Day y soul blanco, algo que le encantará a los fans del grupo y que dejará al resto del mundo sin comprender nada. Joan Cabot

(MondoSonoro · Septiembre /45/ vinilos)

LA ROUX

“La Roux” Polydor/Universal

POP

1114

La gente de Kitsuné será lo que ustedes quieran, pero de tontos ni un pelo. Gracias a sus compilaciones y doce pulgadas han sido muchos los nombres que nos lo han hecho pasar bien. La Roux es uno de ellos. Tampoco en Universal se chupan el dedo, de ahí que no hayan dejado escapar a Elly Jackson y a su mano derecha, el productor Ben Langmaid, tras escuchar “Quicksand”. Gracias a ello, “La Roux” se publica internacionalmente a bombo y platillo. Y yo tan contento. Me explico. Mientras el mundo del mainstream continúa nutriéndose de divas y estrellas con un éxito o dos por álbum, La Roux se descuelgan con un álbum de pop electrónico comercialmente eficaz y que debería abrir brecha en las listas internacionales. Va siendo hora de un cambio generacional, de dejar atrás los clips de krumping con chicas y chicos escasos de ropa, de olvidarnos de las mismas de siempre. Por todo ello, me alegro de que canciones como “In For The Kill” o “Bulletproof” estén funcionando, porque lo merecen. La Roux vendría a suponer lo que supusieron Yazoo en los ochenta, una forma de entender el pop comercial con cabeza y buenas canciones. Joan S. Luna

GREAT LAKE SWIMMERS “Lost Channels” Nettwerk

FOLK

1114

La estupenda voz de Tony Dekker lleva las riendas en todo momento, a veces arropada por sugerentes ráfagas acústicas (“Everything Is Moving So Fast”), a veces sumergida en preciosas eclosiones de mandolinas (“Pulling On A Line”) y a veces reduciendo la velocidad hasta correr a la par del Neil Young más desnudo (“Concrete Heart”). Si las obras se miden en base al resultado obtenido respecto a su intención, podemos estar hablando de un disco perfecto. El folk-pop de los canadienses es tan bueno como el de cualquiera de los nombres de referencia. Pero pasa que, aunque hemos quedado en que el buen músico no es el que debe sufrir para crear, la verdad es que a veces sí que se agradece notar que se ha dejado algo de salud en el empeño. Y Great Lake Swimmers son tan respetuosos con la poética y las estructuras clásicas de composición que, siendo elegantísimo en lo agridulce de su tono general, el resultado final adolece de peligrosidad, de un resorte algo torcido que logre evitar el síndrome de Stendhal, quizá precisamente para potenciar sus efectos y dejarnos cegados ante su contemplación. Jorge Ramos

JOHN FRUSCIANTE “The Empyrean”

Record Collection/Warner

ROCK

1114

El abanico de influencias que ha abrazado el guitarrista de Red Hot Chilli Peppers en los últimos años es inabarcable. Cuando le entrevistaba con ocasión del lanzamiento de “Stadium Arcadium”, además de su evidente –pero paradójicamente lúcido- deterioro mental, me sorprendía la cantidad de artistas que había mezclado en su paleta para

dar a forma al poliedro que proponía el disco en cuestión. Todo valía a la hora de invitarlo a participar en el universo sonoro que utiliza como caparazón contra la vida. “The Empyrean” vuelve a caracterizar a Frusciante como un Syd Barrett de principios de siglo, evidente en temas de influencia psicodélica como “Dark/Light” o “After The Ending” y en proclamas como las que realiza en “Enough Of Me”. El trabajo pretende valerse como obra conceptual que, según el autor, tiene su sentido en el subconsciente de una persona; la defensa de la imaginación como única realidad que vale la pena tomarse en serio. Tanto si nos embarcamos en su viaje como si valoramos el disco como colección de canciones, habrá recompensa. Cortes como la absorbente “Heaven”, la progresiva “Unreachable” o la pepperiana “Central” están entre lo mejor que ha compuesto. Robert Aniento

bill calahan en plena forma

TERRY CALLIER

“Hidden Conversations” Mr. Bongo

R&B

111

La historia de Terry Callier es de esas que reconfortan, la del talento reconocido, aunque sea con veinte años de retraso. Desde que Eddie Piller, responsable de Acid Jazz Records, lo rescatara del olvido con la reedición del single ”I Don’t Want To See Myself” , Callier ha recibido todo lo que se le negó durante la década de los setenta, algo que merecía como el que más. Desde finales de los noventa, Callier ha protagonizado un retorno pletórico, habitualmente asociándose con artistas contemporáneos y de hecho amoldándose a un sonido soul moderno que encajaba a la perfección con el pasado de un artista avanzado a su tiempo. En “Hidden Conversations” lo encontramos al lado de Robert Del Naja de Massive Attack, que co-escribe dos de estas canciones y sobre todo ofrece un contexto perfecto para oficializar, por si no lo teníamos claro ya, la condición de Callier como uno de los grandes inspiradores del trip hop británico. Y si muchas de estas canciones suenan algo desangeladas puestas al lado de las de “Alive” (Mr. Bongo, 01) y “Speak Your Peace” (Mr. Bongo, 02), no es menos cierto que su música sigue siendo lo más parecido a una experiencia mística que vivieremos los que no tenemos alma. Joan Cabot

JUAN RIVAS

Sometimes I Wish We Were An Eagle Drag City/Popstock!

POP

11114

Hace dos años, con “Woke On A Whaleheart” y de la mano de Neil Michael Hagerty, Bill Callahan pareció amagar en el primer disco firmado bajo su propio nombre con una carrera paralela a la de Smog, apostando por sonidos más rockistas que encajaban con el acomodo en Drag City. Tal vez por eso que “Sometimes I Wish We Were An Eagle” nos ha pillado con el pie cambiado y se convierte en una de las mayúsculas sorpresas de lo que llevamos de 2009, más aún si cabe

“Inspiration Information Vol. 3”

10Th Floor

BILL CALLAHAN

MULATU ASTATKE & THE HELIOCENTRICS

“Superdiscotropical” POP

Bill Callahan Foto Archivo

1114

La publicación de “Mundo Feliz” (Pop & Co, 07) permitió al vigués Juan Rivas evadirse por unos instantes de la electrónica poliédrica que ha caracterizado su trayectoria, al frente de Estereocéano o en sus anteriores aventuras en solitario, “Devenir del Paraíso” (Emi, 02) y “Un día es demasiado” (Emi, 04) “Superdiscotropical” enlaza con ese retrofuturismo de aires hedonistas y despreocupados muy presentes en toda su obra. Muestra a un artista ya consolidado en su propio universo de colores donde conviven de mutuo acuerdo Scissor Sisters, Golpes Bajos, Groove Armada, Esquivel y Sergio Mendes. Un álbum que destaca por el cuidado excelso que aplica a unos arreglos y a una producción rica en matices. Es de justicia reivindicar la obra del vigués, incomprensiblemente obviada por la industria y el público, aun a pesar de contener revitalizantes piezas en este fresco tratado electro-pop de corte caribeño. Véase: “Tengo una cosita”, “El ritmo de mi corazón”, “Por ahí viene el sol” o el infalible single “Superdiscotropical”. Las estrellas invitadas al electroguateque de lujo son Joao Parahyba (Trío Mocotó), Arturo Electrocugat o Jose Luis Pardo (Amigos Invisibles). Carlos D. Landeira

Strut

JAZZ

11114

Dios los creó y ellos se juntan. El grandísimo Mulatu Astatke, embajador de las raíces etíopes llevadas al jazz y al funk, y The Heliocentrics, uno de los combos más prometedores del jazz vanguardista guiado por Sun Ra, han plasmado en un rotundo disco de estudio la buena sinergia de su sólida fusión en los escenarios. Un reto que ha ido a caer en manos de Strut, que suma ya tres volúmenes en la serie “Inspiration Information”. Son catorce vibrantes cortes en que las líneas de cuerda, viento, teclado y percusión se deslizan libremente creando un híbrido aterciopelado entre el afro o ethio jazz, el funk, el groove, la psicodelia, los ritmos rotos y la experimentación. Sonido puro de los setenta, cierta inquietud free, ambientes salvajes y guitarras wahwah que, entrecruzados, revientan en ligeros pasajes selváticos o en opresivas y densas texturas. Un disco que puede acabar catapultando al gran Mulatu Astatke en el olimpo popular de los dioses, del que irrazonablemente el público le ha mantenido apartado hasta que el cineasta Jim Jarmush le dio popularidad cuando se fijó en su música para crear el guión de “Broken Flowers”. Celestí Oliver

viniendo de todo un veterano cuya capacidad de sorpresa parecía casi agotada. Y lo hace con un décimo tercer álbum que, lejos de suponer una ruptura con su obra anterior, vuelve a contar con los elementos por los que nos enamoramos de obras como “Wild Love”, “Red Apple Falls” o “Supper” -la que para mí era su última gran obra hasta la fecha-: un pop sereno y desprovisto de estridencias, como unos Beach Boys de dormitorio (impresionantes los arreglos de cuerda, deliciosos los slides y vientos que adornan algunos temas) y que se apoya en la sombría voz de barítono de Callahan para sembrar de demonios unas melodías en apariencia tan simples como celestiales. Luis J. Menéndez

GRAHAM COXON

Golden Silvers

Transgressive/Naïve

XL/Popstock!

“True Romance”

“The Spinning Top” ROCK

111

Quien para muchos fuera uno de los músicos favoritos del brit pop noventero va ya por su séptimo disco. Siempre agazapado a la guitarra tras la figura de Damon Albarn, Coxon fue quizá la pieza clave que hará que los discos de Blur se escuchen dentro de veinte años mientras los de Oasis mueren desgastados. Tras comenzar su andadura en solitario en 1998 y realizar hasta la fecha muy variadas incursiones estilísticas, se estrena ahora en Transgressive con “The Spinning Top”, una colección de canciones de corte acústico sin un ápice de efectismo. La naturalidad orgánica que sobrevuela el disco recuerda al reposado folk post-rehabilitación del “461 Ocean Boulevard” de Clapton (“This House”, “Feel Alright”) o a la versión más pastoral de Elvis Costello (“In The Morning”), pero no olvida la época en la que nace (“Dead Bees”) y hasta hace algún guiño al sonido Blur (“Humble Man”). Un trabajo adulto y sin un hit claro que quizá aburrirá a los no iniciados y puede que también a los iniciados que no cuenten con mucho tiempo para saborear un disco como se hacía antes. Importante no desechar tras la primera escucha. Jorge Ramos

Pop

114

Desde hace unos meses Golden Silvers han ido copando numerosos titulares de su Inglaterra natal sin saber uno muy bien el porqué, aunque pensándolo fríamente los hypes deben retroalimentarse en épocas de vacas flacas… Producido por Lexxx (Crystal Castles, Black Kids), Gwilyn Gold y sus dos secuaces acaban cayendo en ese craso error de querer abarcar en exceso sin contemplaciones un sinfín de influencias que los catapulta únicamente (de momento) a la mera explotación festivalera. A pesar de las buenas bazas que suponen “True Romance” o los coros naïf de “Magic Touch”, lo cierto es que lo esencialmente destacable de su debut resultan ser los medios tiempos con guiños al propio Bowie (y a Sir Elton John, si me apuran) de “Here Comes The King” y “Please Venus”. Los tintes funk de “Arrows Of Eros” o ese intento desesperado de asemejarse (vocalmente, aunque uno desconoce si se atiborran a tofu) a Chris Martin en el cierre que supone “Fade To Black” debería despertarles la vena reflexiva que llevan dentro y hacerles decidirse, de una vez, hacía dónde irán los tiros próximamente. Ya me lo decía mi santa madre, quien mucho abarca… Sergio del Amo

(vinilos /46/ Septiembre · MondoSonoro)

the sunday drivers, Menos es más ONIRIC

“Sin técnica” Cydonia

POP

The Sunday Drivers Foto David Blazquez

THE SUNDAY DRIVERS “The End Of Maiden Trip” Mushroom Pillow

POP

1111

Resulta un placer ver cómo los grupos que han alumbrado la escena indie durante la última década, siguen progresando y creciendo ante nuestros ojos. Músicos que han mejorado su pericia instrumental sin perder en ello parte de la espontaneidad que los hizo crecer gracias a certeras tonadas como la coreada hasta la saciedad “On My Mind” que les puso en boca de todos al igual que unos años atrás le había sucedido a Australian Blonde y su “Chup Chup”. Ahora, sin embargo, no se trata de destacar un tema por encima de otros, porque la clavan en todos en el que es su álbum más completo hasta la fecha. Y lo hacen gracias a comprender que, a veces,

sumar es restar y a la inversa. O lo que es lo mismo, que una canción puede sonar bien con lo mínimo y que los arreglos deben estar ahí en su justa medida. Y para ello no hace falta irse al extranjero a grabar. A veces es mucho mejor rodearte de los tuyos (produce José M. Rosillo quién los conoce a la perfección tras haber sonorizado sus directos a lo largo de su segundo lustro de historia) y buscar la emoción en lo más sencillo. No querer deslumbrar por saturación sino por un sonido que puede estar basado a partir de una chispeante linea de bajo (“Guerrilla”), de un juguetón ukelele “(Hola) To See The Animals” o cimentarse a partir de una preciosa tonada que va creciendo de la misma forma que lo harían sus amados Wilco (“So What”). Todo ello condimentado con la peculiar y definitoria voz de Jero Romero que canta como nunca. Lo dicho, un placer escucharles de nuevo. Don Disturbios

BAD WAY

THE KLUBA

BISCUIT

Autoeditado

Oihuka

Hang The Dj

“Dead Letters” ROCK

“The Kluba” 1114

Se han hecho de rogar. No se han tomado tanto tiempo como Axl Rose con “Chinese Democracy”, pero lo suyo han tardado. Aunque, visto con perspectiva, la espera ha valido la pena. Y son los miembros de Bad Way los primeros conscientes de que esa paciencia ha sido fundamental para que “Dead Letters” llegase a buen puerto. Si con la llegada inesperada de “From Zero To Hero” hace cuatro años ni ellos mismos sabían hacia dónde dirigirse, parece que a día de hoy tienen las ideas bastante más claras. Eso es algo que podemos notar desde los primeros compases del disco, con la indicativa “My Way” y con una producción muy bien encaminada por Gonzalo Parreño, pensada para sacar lo mejor posible del grupo. La voz protagonista de Marc Vanway y el completo trabajo de los coros son la principal arma de estos barceloneses que un día soñaron con pasearse por las calles de Sunset Bouvelard. Las suyas son unas canciones con vocación de hit que miran tanto al hard rock de los ochenta como al pop alternativo de guitarras duras y melodías perfectas de los últimos años. Creciendo. Toni Castarnado

ROCK

“Cinnamon Fadeout”

111

Presentación en sociedad del nuevo proyecto de Juantxo Skalari, The Kluba, nacido de su idea de formar un combo de rockabilly con relativos aires jamaicanos. A la estructura musical del rock (trío de contrabajo, guitarra y batería), Juantxo añade una sección de vientos con melodías jamaicanas y un violín para acabar de despistar al personal. A todo ello añadir el inconfundible sello de Juantxo, en su voz y en las letras. El resultado es un buen trabajo, que quizá no entra a la primera escucha, pero es de los que acaban atrapando cuando menos te lo esperas. El mejor resumen de lo que es The Kluba quizá lo encontramos en canciones como “Pudo hacerlo”, “Brindo”, “Llorona Nigth” y “Skabilly Train”, aunque también son muy recomendables “African Team” y “Kluba”. Sería injusto tanto para la banda como para el propio Juantxo que este disco se escuchase en comparación con el resto de sus obras con Skalariak. The Kluba tiene absolutamente vida propia, aunque pueda mantener algunos detalles del pasado, mero reflejo del amplio bagaje musical de su líder. Ivan Ferrer

ROCK

1114

Son uno de los secretos mejor guardados de nuestro panorama rockero. Y eso que llevan años esgrimiendo su devoción por el rock más imperecedero y directo, sobre todo el creado a partir de finales de los sesenta. Desde The Stooges a The Beatles, de Stones a Tom Petty, de MC5 a The Who, de Faces a Neil Young, por poner algunos ejemplos, parecen rendir visita de cortesía a lo largo de su música. Después de conservar el pleno equilibrio entre sus líneas más melódicas y la crudeza de sus guitarras, este cuarteto de Vilanova i la Geltrú (Barcelona) regresa ahora con su disco más maduro, acorde con lo que podríamos denominar, aunque ello comporte caer en el tópico, una evolución natural. Sus nuevos temas -entre ellos una versión de “More Or Less” de Screaming Trees- siguen sin andarse con rodeos y mantienen el espíritu clásico rockero de siempre, aunque pisando el acelerador menos a fondo y reduciendo un par de puntos el nivel de distorsión. Matices aparte, lo importante es que siguen siendo los rockeros de pro que ya sabíamos. Ahora sólo falta que los que les conocemos seamos más. Xavier Llop

1114

Oníric es el proyecto oficial de María Rodés, a quien podríamos definir informalmente como líder de la banda. María es quien compone, pero la acompañan cuatro músicos más: Oriol Grau, Tomás García, Nacho y Fanny. Aunque cabría hacer una mención especial para Andy Pool (Freud Quiere Bailar), quien pese a no estar ya en la banda fue quien animó a María a darle cara y ojos al material que llevaba tiempo componiendo en su habitación. Todo ese material es el que se recoge en “Sin técnica”: once canciones de poco más de tres minutos que construyen un disco corto pero intenso. Oniric concentran multitud de ideas convertidas en una música que crece a partir del concepto folk de autor (“Culpa” o “Atrapado” son claros ejemplos), pero que también incluye detalles de blues (“The Wild Girl”), pinceladas bossa nova (“Busy”, “Lies”) o incluso jazz (en el tema que da título al disco, María adapta el standard “Summertime”). En todo caso, quede claro que el título engaña, puesto que si de algo anda sobrado este trabajo es de técnica y calidad. Arnau Sabaté

THE MARS VOLTA “Octahedron” Universal

ROCK

111

El quinto disco del visionario dúo de El Paso llega apenas un año después de su demoledor “Bedlam In Goliath”. Todo un handicap si tenemos en cuenta que la cuarta obra de Omar Rodriguez-Lopez y Cedric Bixler es, probablemente, la mejor desde su revitalizante debut, “De-Loused In The Comatorium”. Quizás por ello se impone el cambio de tono: todo lo que en su anterior entrega era fuerza, urgencia, visceralidad y ritmo apabullantes se trasforma aquí, salvo contadas excepciones, en un marasmo de medios tiempos ambientales. Como si se tratara del reverso sereno y reflexivo –a ratos comatoso- de su antecesor, se regodea en ese limbo que ya visitaron en “Amputechture”, quizás su obra menos acertada, y que también ejercía, de algún modo, como terapia de desintoxicación tras los excesos lisérgicos de “Frances The Mute”. Buscándolos, encontramos también algunos de esos fragmentos de free jazz con duelo de piano y batería incluido (“Halo Of Nemnutals”); pero la contundente “Cotopaxi”, aparente descarte de “Bedlam In Goliath”, nos recuerda insistentemente que preferimos a otros The Mars Volta. David Sabaté

JOHN VANDERSLICE “Romanian Names” Dead Oceans/Popstock!

POP

1114

Publicado a la vez que el EP “Moon Colony Bloodbath”, firmado junto a su amigo John Darnielle y The Mountain Goats, a los que ha producido en varias ocasiones, “Romanian Times” muestra a Vanderslice alineado junto a esos grandes músicos/ productores que extraen lo mejor de sí en un estudio: Tim Gane, Jim O’Rourke, Sean O’Hagan incluso Bertrand Burgalat. Como ellos, Vanderslice da tanta importancia a la canción en sí como al decorado, con

una especial atención a la textura, hasta que una cosa y otra se confunden. Y como sucede con los antes citados, los dos últimos básicamente, sus discos tienen valor especialmente como desarrollo estético. La inicial “Tremble And Fear” y la ligera y sugerente “Romanian Names” muestran a un compositor con una sensibilidad propia y talento de sobra, poderoso en imágenes, pero todo ese talento no llega ni a la mitad del genio que encontramos en algunos de los detalles de ”C & O Canal” y “D.I.A.L.O”, una lección de mesura e imaginación a partes iguales a cargo de uno de los mejores productores del actual indie americano, ayudado en esta ocasión por Scott Solter. Joan Cabot

PAOLO NUTINI

“Sunny Side Up” Warner

POP

111

Lo mejor que se puede decir del segundo álbum del cantautor escocés es que consigue un terreno de creación propio, que parte del préstamo de géneros tan abonados como el pop, reggae o folk norteamericano para dar origen a un universo de sonidos particular y adictivo, cuyo hilo conductor es esa voz casi cazallosa que tanto se aleja de la imagen de barbilampiño del joven compositor. Si su primer disco ya le puso en pista a seguir hace tres años con singles como “Jenny Don’t Be Hasty” o “Last Request”, este nuevo trabajo confirma la propuesta original de Nutini y le transporta mucho más allá de su interesante pero poco más que amable estreno discográfico. Ya desde el inicial “10/10” vemos a un autor mucho más interesado en combinar su debilidad por las melodías pop con un sonido rico y colorido. No es casualidad que se encuentre entre el elenco de artistas invitados el legendario Rico Rodríguez, integrante de bandas como The Skatalites o The Specials. Desde ahí, el minutaje se va deslizando suavemente como una cálida tarde de verano. Suaves gotas de calypso, soul, jazz, pop, reggae se van yuxtaponiendo en un racimo de canciones sin grandes singles o temas que sobresalgan, pero que forman un conjunto capaz de dibujar en cualquier rostro una sonrisa tonta de felicidad. Robert Aniento

RANCID

“Let The Dominoes fall” Epitaph/Pias

PUNK

1111

Seis años. Tiempo suficiente para que hayan sucedido muchas cosas en el entorno de los californianos: los discos de Lars Frederiksen y Tim Armstrong al margen de la banda, la fuga del batería Brett Reed o ese pasatiempo que fueron Transplants. Todo ese ajetreo no ha impedido que “Let The Dominoes Fall” haya acabado siendo una continuación lógica y mejorada de “Indestructible” (03), un trabajo más variado que aquella punkarrada inhumana que fue “Rancid” (00). De sonido claro y producción inmaculada (Brett Gurewitz está de nuevo tras los controles), Rancid pretenden desplegar esa variedad estilística de la que han hecho gala durante años. Hay piezas con vocación de himno, como la inicial “East Bay Night”, el primer single, “Last One To Die” o la efectiva “Damnation”. Todas ellas están impregnadas por el espíritu de “...And Out Comes The Wolves”, dejando espacio para el ska, el dub, el rocksteady o el reggae. Como sus venerados The Clash, combinan todo con excelentes maneras y espontaneidad, así que tampoco faltan los temas marca de la casa como “Up No To Good” o “New Orleans”. Bienvenidos de nuevo. Toni Castarnado

(MondoSonoro · Septiembre /47/ vinilos)

SAINT ETIENNE

“London Conversations” Heavenly/Universal

POP

1111

Si no querías caldo, toma tres tazas. La redundancia -así como la rentabilidad- de los álbumes recopilatorios vuelve a quedar de manifiesto con este “London Conversations”, tercer anexo de un carrera que ya había sido glosada con detalle en “Too Young To Die” (96) y en “Smash The System. Singles And More” (01). Con la (crono)lógica salvedad de que este doble recoge también lo más florido de “Finisterre” (02) y “Tales From Turnpike House” (06). La selección aquí dispuesta (treinta y tres temas en dos discos) apuesta sobre seguro echando la vista atrás a todos sus inexcusables clásicos, desde su toma del “Only Love Can Break Your Heart” de Neil Young hasta el “I Was Born On Christmas Day” junto a Tim Burgess, pasando por “Join Our Club”, “Action”, “Hobart Paving” y tantas otras. La maniobra, escasamente atractiva para conversos aunque tentadora para los que les consideran un grupo de singles, se redondea con un par de guiños al presente: su único anzuelo novedoso a la espera de que rompan el periodo de stand by son “Burnt Out Car” y “This Is Tomorrow”, bajo el manto trendy de Xenomania y Richard X, respectivamente. Carlos Pérez de Ziriza

HOLLYWOOD UNDEAD “Swan Songs” A&M/Universal

ROCK

No es mucho lo que a priori llama la atención en este extraño pastiche, mezcla entre unos Linkin Park de juguete y unos Slipknot de supermercado. Edulcorando todos los subgéneros que han hecho del rock duro un estilo más que rentable entre las nuevas generaciones de teenagers norteamericanos, este sexteto de Los Ángeles abrazan lo mismo el screamo en “Sell Your Soul”, que el rock adolescente y con acné de “Young” o “The Diary” y sobre todo la ya algo trasnochada unión entre el hip hop y el rock, nu metal de nuevo cuño, protagonista en la mayoría de temas de “Swan Songs”. Todo convenientemente pasado por el tamiz de una producción para todos los públicos y un sonido pulido y orientado a la radio comercial. Nada de esto resultaría necesariamente punible, sino fuera porque el resultado final refleja con total transparencia esa fiereza de plástico, esa sensación de encontrarnos ante un objeto prefabricado y destinado a saciar apetitos culturales muy poco exigentes. En esa tesitura, podemos aceptar el juego y dejar cabida temporal en nuestro iPod alguno de los mejunjes con mejor sabor final, como el single “Undead”, la melosa “No Other Place” o esa broma con pretensión de himno llamada “Young”. Robert Aniento

MIKHAIL

“Morphica” Sub Rosa

ELECTRÓNICA

114

De Mikhail me llama la atención en primer término y por encima de todo su desprecio por la medida. Supongo que esa es una consecuencia directa que quien no se considera músico, sino artista global, como se empeña

en dejar claro en este, su segundo lanzamiento, una caja espectacular dentro de la cual vamos a encontrar, además del triple disco, poemas, textos y una colección de grabados y postales de gusto, en mi opinión, un tanto dudoso. En las notas interiores también hace referencia Mikhail al concepto que justifica este trabajo: a la manera de otras disciplinas artísticas, su idea a la hora de enfrentarse al disco era crear tres diferentes categorías musicales (electrónica, voces y cuerdas) y contar con una serie de colaboradores -de Dj Spooky a corales enteras como el Juice Ensemble- para que colaboraran y de alguna forma mediatizaran el proceso compositivo. El resultado, como no podía ser de otra forma, es muy irregular con algunos experimentos conseguidos, pero sin ofrecer en ningún momento una sensación de coherencia y algún que otro ramalazo que se acercan peligrosamente a la new age. Luis J. Menéndez

La selección Jäger:

gossip, sólo para hombres

THE SIGHT BELOW “Glider”

Ghostly International

AMBIENT

1111

“Glider”, como indica su título, planea por corrientes atmosféricas. Nueve pistas de paisajismo depurativo a vista de pájaro, libre y expansivo. Inmensos latifundios vírgenes, manantiales helados, glaciares derritiéndose o efluvios deslizándose como esos bucles y loops de guitarra reverberizadas. Una secuenciación fílmica evocadora y embriagadora, gélida pero muy cálida. Algunos caen en lo fácil y ya le han querido ver el referente shoegaze a lo My Bloody Valentine por el título. Otros le vemos la inspiración minimal del pionero Wolfgang Voight o de Tim Hecker y Fennesz. En ocasiones es extremadamente atmosférico y contemplativo. En otras, el misterio de unas texturas densas y brumosas se intensifica gracias a unos latidos sumergidos que parecen salir del fondo del agua. Belleza estática pero dinámica que purifica con ambientaciones en tonos blancos, negros, grises (como su artwork) e incluso azulados. Un trabajo que ha pasado por las manos de Stefan Betke (aka Pole) y que siendo un primer álbum encumbra a este incógnito productor de Seattle a lo más alto. Celestí Oliver

JJ CALE

“Roll On” Because/Warner

ROCK

111

Respetado veterano, valedor de una trayectoria casi impecable, JJ Cale es uno de esos creadores que ha visto más reconocida su obra por su influencia sobre otros -básicamente Eric Clapton y Dire Straits- que por sus propios logros. ¿Injusto? Es posible, pero quizá ese estatus de artista de culto entre famosos es el que le ha permitido envejecer plácidamente, publicando cuándo y cómo ha querido sin que, por otra parte, le haya subido el éxito a la cabeza. Después de su disco con Clapton -el simplemente correcto “The Road To Escondido”- Cale regresa con este interesante “Roll On” a esa soledad en la que parece sentirse tan cómodo. Mostrando su cara más jazzística en algunos temas, Cale ha enriquecido su habitualmente austero sonido, eso sí, sin abandonar el sello personal que siempre le ha caracterizado. Es decir, que siguen prevaleciendo los ritmos pausados, el ambiente rural americano, la voz casi susurrante y, al mismo tiempo, se ha conseguido evitar la sensación de deja vú. No es éste uno de los trabajos imprescindibles de JJ, pero sí constituye una más que digna continuación a su dilatada carrera. Y a estas alturas, no es poco precisamente. Xavier Llop

Gossip Foto Archivo

GOSSIP

“Music For Men” Sony BMG

POP

1111

Olvidemos la enorme exposición mediática de Beth Ditto tras el espaldarazo a su carrera que supuso “Standing In The Way Of Control”, el single y el álbum. Olvidémosla porque deberíamos estar orgullosos de que Gossip hayan conseguido estar dónde están manteniendo el atractivo. No solamente por haber protagonizado una insobornable carrera dentro del underground sino por acomodarse en algo parecido al mainstream alternativo con “Music For Men”, producido por Rick Rubin (Beastie Boys, Slayer, Johnny Cash...). Ha habido cambios relevantes, eso es evidente, pero la esencia se mantiene (en “Spare Me From The World” incluso vuelven a sus inicios más crudos y minimales, mientras que piezas como “8th Wonder” podrían encajar en “Standing In The Way Of Control”). Su soul punk suena

ahora más domesticado, mucho más domesticado, aunque encaja a la perfección con la electrónica y cierto espíritu r&b que ha entrado a codazos en el universo del grupo. Y, como de costumbre, Ditto borda su papel. “Music For Men” es un trabajo adictivo y bailable hasta lo extenuante en el que los hits se amontonan (“Pop Goes The World”, “Music For Men”, “Four Letter Word”, “Love Long Distance”, “Heavy Cross”), marcando una línea imaginaria y nada descabellada entre su viejo sonido, Glass Candy, los nuevos Yeah Yeah Yeahs y la cara más electrónica del pop comercial de Rihanna o Aaliyah (recuerden que llevan tiempo versionando en directo su “Are You That Somebody?”). Es de suponer que, pese a conservar su discurso y como ya le ocurrió a Kathleen Hanna con Le Tigre, sus seguidores más puristas les den la espalda. Bien, pues al diablo con ellos. Gossip se lo han ganado a pulso. Joan S. Luna

��

Chet Baker Foto Archivo

(MondoSonoro · Septiembre 2009 /49/

MONDO MEDIA)

CINE

Bruce Weber

una improvisación de cine Bruce Weber, siempre emparentado con la belleza por medio de la fotografía de moda, encontró la fórmula para realizar un estupendo retrato de las dos caras de Chet Baker, la bonita y la sórdida: blanco y negro saturado. Vuelve “Let’s Get Lost” (1989), una clásico del documental musical.

“

Sí, te hablo desde Nueva York. ¿Y tú, dónde estás, en Madrid?”. Bruce Weber (Greensburg, 1946) contesta al teléfono con la energía de quien empieza el día con buen pie. La mañana es calurosa en la Gran Manzana. “Sí, es muy calurosa en verano, pero igualmente me gusta mucho. Adoro esta ciudad”. Debe de resultar extraña una ronda de entrevistas con veinte años de retraso. En 1989, “Let’s Get Lost” fue nominada al Gran Premio del Jurado en Sundance, incluso optó a un Oscar y consiguió el Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Venecia. El pasado año, Cannes proyectó una copia remasterizada, precisamente la que se estrena este 18 de septiembre en cines de Madrid y Barcelona. “Conocí a Chet tras una actuación suya en un club de jazz del Village, hace muchísimos años. Le pregunté si podía hacerle unas fotos, y aceptó. Entonces volví al club al día siguiente, antes de la actuación. Así empecé a fotografiarle, y a conocerle. Y así fue como comenzó una estrechísima amistad entre nosotros”. Aquella sesión de fotos derivó en unos minutos de filmación. Chet Baker ya hacía tiempo que se había convertido en el vocalista de jazz y el

trompetista blanco de referencia. Su melancolía, su estilo suave y misterioso le catapultaron hacia el estrellato allá por los años cincuenta, cuando tocaba con Charlie Parker o Gerry Mulligan. Era guapo y tenía estilo. “Creo que la primera vez que sentí que Chet tenía tras de sí una historia interesante, fue cuando puse uno de sus discos por primera vez (risas). Yo era un adolescente cuando me compré su disco ‘Let’s Get Lost And Other Songs’. Enseguida pensé que tendría que pintarlo, fotografiarlo, hacer una película o escribir un libro sobre él”. Con sus aires rebeldes, con sus camisetas y su tupé, James Dean o Jack Kerouac eran meros

chica guapa que ves caminando por la calle, y por la que piensas: ‘Oh, qué guapa, quiero conocer a esa persona’. Y cuando te das cuenta, ha doblado la esquina y desaparecido. Así es como veo yo la figura de Chet. Estaba siempre escapando, era un artista del ‘escapismo’, pero creo que representa como nadie la belleza y el estilo del West Coast Jazz. Los tipos y músicos del oeste siempre han sido muy distintos de los de la Costa Este. Éstos eran un poco más hardcore, su música más dura, más callejera, urbana. Los músicos de la Costa Oeste eran más sosegados, de rollo playero, surfero…”. El cool jazz… “Exacto. Un jazz diurno, un jazz de estar tirados en la playa, relajados. Chet era un tipo que le encantaba estar al aire libre, hacer planes… A pesar de su inocencia, era un tipo complejo. Creció en Oklahoma, y aprendió a tocar música de una forma muy natural, escuchando el tocadiscos y la radio. Su padre tenía un gran aprecio por la músi-

“Chet Baker estaría un poco avergonzado de todo el éxito que su música tiene ahora” especialistas de la cultura americana al lado de Chet Baker. Él lo reunía todo, tal y como se aprecia en la película. “Bueno, Chet ha estado dentro y fuera de la cultura americana constantemente… Diría que... él fue como ese chico o

ca, y eso le ayudó mucho. Él le compró su primera trompeta. Y con él también recorrió el país de Oklahoma a Los Ángeles, un viaje muy práctico para captar un modelo de vida… Conduciendo por carreteras solitarias,

robando naranjas en las granjas, dejando el coche abierto, toda una experiencia vital”. Chet Baker nunca superó su adicción a las drogas. Murió en un hotel de Amsterdam, en 1988, sin visionar el documental. ¿Te lo puedes imaginar hoy, siendo un treintañero con su móvil, su Facebook? “La gente me plantea eso muchas veces (risas). Yo siempre pienso en mí y los de mi edad. Torpes con el ordenador, perdiendo los móviles, o rompiéndolos. A él le pasaría un poco igual. Seguiría ajeno a todo eso, centrado en su música, lejos del rollo digital. Él disfrutaría del calor de los músicos. Chet siempre disfrutó de esa relación íntima con la música, algo que está muy por encima de la tónica actual. Viviría de nuevo sin un hogar fijo, yendo de un sitio a otro, de motel en motel, puede que con Diane… Creo que se amarían todavía, a pesar de las broncas constantes que tenían. Y seguiría grabando discos extraordinarios, y estaría un poco avergonzado de todo el éxito que su música tiene ahora”. De éxitos y fracasos se han alimentado siempre las historias de la música y el cine. No hay fórmulas, sólo tesón. “En una película, muchas veces te ves inmerso en situaciones descontroladas y te ves obligado a improvisar y hacerlo lo mejor que puedes, como en el jazz. Esa es la manera de hacer películas que más me ha gustado siempre. También es la forma que tengo de hacer fotografías. Y todo ello me gusta asociarlo al espíritu de Chet”. ■ Luis Argeo

mondorecomienda DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

DVD MúSICA

LA ENTREVISTA ¡¡¡OTRAS NOTICIAS!!! El novio de Katie Matthews, John Reddear, que va al St. George's, la ha dejado. ¡La GRAN PUTADA (2)! Así que esta semana Katie lleva en sus manos grandes corazones negros. Se los dibuja con un lápiz puntiagudo durante la clase de mates. El de la izquierda es más bonito que el de la derecha. Problema similar al de la escayola y las fotos. Es un poco brutal mirar a la gente caminando alrededor con corazones rotos en las manos.

The Long Ryders

David Bowie

Lideraron lo que dio en llamarse N.R.A. Frente al petardeo y el pelo crepado, ellos esgrimían espléndidas Rickenbaker al estilo Byrds y toques punk. No triunfaron como merecían, pero al menos alegraron la vida a unos cuantos. En su reunión se les vio en forma, tan atemporales -o anacrónicos- como en los ochenta, tan buenos como siempre. Xavier Llop

Edición en DVD del famoso concierto dado por el gurú Bowie hace ahora 10 años para la cadena de televisión VH1 en el cual repasa varios de sus éxitos (“Life on Mars”, “China Girl”…) en un ambiente intimista, alternando monólogo y canción, repasando su vida y obra desde un tono actoral muy cercano y familiar. Interesante. Dani Arnal

State Of Our Reunion. Live 2004 Prima (1114)

(2) N de la T: En el original “Le big dump!” en el que la autora combina el uso del francés y el inglés.

Storytellers EMI (1114)

Mariko & Jillian Tamaki

Angustia adolescente Kiss

Calle 13

Tras un más que completo triple DVD, nos llega el segundo paquete que repasa el período 1978-1991 del grupo con más maquillaje del rock. Casi nada. Además de actuaciones y apariciones televisivas diversas, se incluye el filme a lo superhéroes que Kiss rodaron en 1978. En breve, el tercer volumen que abarca hasta 2000. Enrique Gijón

Aprovechando su popularidad internacional, Calle 13 ayudan con “Sin mapa” a que descubramos la verdadera cara de Latinoamérica a través de más de tres años de idas y venidas por países como Perú o Colombia. Hay denuncia, pero sobre todo mucho amor por la cultura en la que los puertorriqueños se han ido desenvolviendo desde chiquillos. E. G.

Kissology. Vol. 2 Eagle (1111)

Sin mapa Sony BMG (1111)

cómics

Abara

Coches abandonados

No cabe duda de que Tsutomu Nihei (“Blame”, “Biomega”) es uno de los mangakas más personales que ha dado la ciencia ficción en viñeta en los últimos años. Sus escenarios y sus trazos guardan una magia especial, algo que únicamente viene lastrado por unos guiones que suelen girar demasiado en torno a las mismas historias. Joan S. Luna

El reverso tenebroso del sueño americano ha sido objeto de numerosas obras artísticas que, de alguna forma, han terminado por completar el peculiar mapa psicológico de Estados Unidos. Dentro de esa tradición se sitúa Tim Lane con este álbum recopilatorio de historietas cortas, a partir de un oscuro grafismo cercano al de Charles Burns. L. J. M.

Emotional World Tour

Gaku

Tsutomu Nihei Panini Cómics (111)

Miguel Gallardo y Paco Roca Astiberri (111)

Dos de nuestros comiqueros más reconocidos recurren al clásico cuaderno de viajes para afrontar su primer proyecto en común. Juntos pero no revueltos -cada cual dibuja y guioniza sus páginas con independencia del otro- “Emotional World Tour” podría haberse quedado en mera anécdota, un riesgo que Gallardo y Roca esquivan gracias a su natural capacidad narrativa. L. J. M.

Tim Lane La Cúpula (1114)

Shinichi Ishizuka Planeta DeAgostini (112) Autor del guión y del dibujo, Shinichi Ishizuka nos presenta un manga centrado en un joven alpinista que dedica su vida al rescate de escaladores perdidos. El resultado es ágil, pero sin la profundidad emocional y narrativa de “La cumbre de los dioses” de Jiro Taniguchi. De hecho, “Gaku” es un manga disfrutable y ameno, pero que no va más allá. Joan S. Luna

La angustia adolescente ya tiene su comic book. Su título, “Skim” (La Cúpula). Porque aunque no te llames Skim, ni vistas de negro, ni prefieras ser bruja a estúpida adicta a los bailes de fin de curso, seguro que has pensado alguna vez que tener dieciséis años no mola tanto. Creen que Romeo y Julieta deberían habérselo tomado con más calma. “No, en serio, sigo sin entender por qué te hacen leer eso cuando tienes catorce años. ¡Es deprimente! ¡Y lo más infantil del mundo! ¿Qué clase de estúpido se suicida porque no puede estar con alguien en ese momento? ¿No podrían haber esperado un poco?”. Mariko Tamaki, escritora y profesora de instituto en Toronto, está indignada. Su prima Jillian, ilustradora del New Yorker afincada en Brooklyn, también. Y por supuesto, el personaje que salió de la mente de Mariko y los lápices de Jillian también. “Skim” es la primera puesta de largo en viñetas del tándem Tamaki (dos años vía correo electrónico, llamadas de teléfono y un par de comidas familiares, incluyendo por supuesto la de Acción de Gracias), la historia de una lolita adolescente para la que tener dieciséis años es lo peor que le ha pasado en la vida. “Sinceramente, siempre estoy un poco deprimida”, dice Skim, “pero es sólo porque tengo dieciséis años y todo el mundo es imbécil”. Imbécil como John Reddear, el capitán del equipo de voleibol del instituto, un tipo listo que acaba de suicidarse porque le gustaban los chicos. Imbéciles como las amigas de su novia, Katie, que

Monster Theater Booook

Dkillerpanda Planeta de Agostini (111) Se trata de una recopilación de lujo de todos los personajes creados por los barceloneses DKillerpanda, que pasaron de esas primerizas “Tradings Cards” a tener muñecos propios y, cómo no, un libro de ilustraciones con todos esos mitos terroríficos que nos han estado aterrorizando desde los años veinte: desde Frankenstein a Hannibal Lecter. Eduard Tuset

acaban de montar el club ‘¡Las chicas celebran la vida!’, lo más cursi que Skim (que, por cierto, se llama en realidad Kimberly, pero todos la llaman Skim porque es gorda) ha visto en su vida. Y, por qué no, imbéciles como su mejor (y única) amiga, Lisa, a la que le flipa todo lo que tenga que ver con bailes de fin de curso pero va de que no. El caso es que Skim quiere ser bruja y por eso viste de negro y lleva un papelito estúpido metido en el sujetador y se cuela en un ‘círculo’ mágico que en realidad es una reunión de alcóholicos anónimos. “Quería hacer una Lolita en versión gótica, pero desde una perspectiva adolescente”, confiesa Mariko, que ha dado la vuelta al mito Humbert Humbert. Aquí es la alumna la que se enamora perdidamente de la profesora y la profesora (la arrancacorazones señorita Archer) la que juega con sus sentimientos. “Queríamos dejar claro que la adolescencia no tiene nada que ver con ‘Gossip Girl’, no hay cuerpos perfectos ni fiestas sin hora de vuelta a casa, sino malestar y ese extraño dolor existencial. En ese sentido Skim podría haber sido un personaje de series como ‘Degrassi Junior High’, ‘Freaks & Geeks’ o las pelis de John Hughes”, apunta Jillian. ■ Laura Fernández

Fluffy

Nocturno

Con un estilo naïf que revela bien a las claras el bagaje de Simone Lia como ilustradora infantil, “Fluffy” es su peculiar aportación a la novela gráfica, una enternecedora y surreal historia en la que un hipocondríaco joven y su conejito Fluffy- un conejito hablador, que niega su condición animal y se reconoce como hijo de aquel- emprenden juntos un viaje a Sicilia. Luis J. Menéndez

Subtitulada “El que camina con los muertos”, “Nocturno” es una novela gráfica cuyo principal valor recae en el dibujo y en la paleta de colores mucho antes que en un argumento algo inocentón sobre grupos de rock y venganzas. Demasiados tópicos que eclipsan a un artista que brillaba más en “El cadáver y el sofá”. Joan S. Luna

Simone Lia Astiberri (1114)

Tony Sandoval La Cúpula (112)

(MondoSonoro · Septiembre 2009 /51/ MONDORECOMIENDA)

LA ENTREVISTA

LIBROS

LOS CLIPS DEL MES

◗ PRESIDENTE “El mundo es mejor” (111) Quizás aún no tengan la popularidad que les gustaría, pero lo que sí les sobra es sentido del humor. El grupo se saca de la manga un clip a lo “Muchachada Nui” en el que bromean a costa de populares videos de The Cure, The White Stripes, Amaral, Nirvana...

El Miedo

Gabriel Chevallier Acantilado (1111) El autor volcó en “El miedo”, original de 1930, su experiencia en la I Guerra Mundial y construyó una feroz y apasionada novela antibélica en la que pone de manifiesto no sólo la brutalidad del espectáculo guerrero sino también la ilógica de la lógica que sustenta las contiendas. Es precisamente el discurso contundente, transmitido en primera persona por el soldado protagonista, el gran aporte de esta obra tan excelentemente escrita como traducida. J. Picatoste Verdejo

◗ FRIENDLY FIRES “Kiss Of Life” (111) Aunque les haya salido un clip algo hortera, no cabe duda de que, con su apuesta por las percusiones tribales, se desmarcan definitivamente de cualquier comparación fácil con otros compañeros del dance rock.

Esta vez el fuego Michele Monina Periférica (1111)

Traductor de Chuck Palahniuk y colaborador en revistas como Rolling Stone o Rockstar, el italiano Michele Monina realiza una crónica novelada de la marcha hacia Roma organizada como reacción a la primera victoria electoral de Berlusconi en 1994. Un estudio del sentimiento de otredad de las generaciones atrapadas en la inacción tras la muerte de las ideologías. Jorge Ramos

Luís Bustos

la conquista del hielo El nuevo trabajo de Luis Bustos supone un importante salto hacia delante en su carrera como autor de cómic. “Endurance” (Planeta DeAgostini), adaptación de las aventuras de Sir Ernest Shackleton, supone su primera novela gráfica tras el humorístico “Zorgo”.

T Miles, la autobiografía Miles Davis/Quincy Troupe Alba (1111)

Escrito en un tono de desenfadada charla, Miles Davis hizo un repaso a una de esas vidas que valen por cien del resto de los mortales. Lectura básica para entender el genio de Miles y el devenir del jazz en los últimos cincuenta años, pero también para comprobar cómo se puede sobrevivir a los excesos del sexo, el alcohol y las drogas duras. Ameno aunque no te guste el jazz. Don Disturbios

ras una carrera profesional en la que ha combinado series como “Residuos” y “Rayos y centellas” de la mano del guionista David Muñoz, con incursiones en el cómic infantil y las tiras humorísticas, “Endurance” supone el particular golpe de timón de Luis Bustos, que se embarca en su primera aventura totalmente en solitario, enfrentándose a pinceles y guión. “Ha resultado todo un desafío porque nunca me había enfrentado a tal cantidad de páginas y mis guiones, generalmente de humor, no excedían las seis o siete páginas”. Dificultad añadida por el tema elegido para esta puesta de largo: la expedición transantártica comandada por Sir Ernest Shackleton que, en 1915, pretendía cruzar por primera vez el continente helado en trineo. “Hace algo más de un año se programó una exposición fotográfica en el museo marítimo de Barcelona dedicada a la expedición. Por aquel entonces no conocía la figura de Shackleton. Verla fue enamorarme de la historia y, cuando un par de meses después

me propusieron realizar algo para Planeta, les presenté esta historia de heroísmo, sufrimiento y resistencia del ser humano frente a los elementos. Mi trabajo se ha basado principalmente en el libro de Caroline Alexander ‘Atrapados en el hielo’, una narración estupenda y detallada de los acontecimientos. En mi caso, he tenido que filtrar bastantes datos que no tenían cabida en el desarrollo de la historia que me proponía. No pretendía que fuese un documental. Mi intención se guiaba más por un desarrollo emocional. Quería reflejar el aliento épico de la historia y estoy muy satisfecho del resultado”. Una metodología que parece ser continuará con sus próximos trabajos. “Estoy con una adaptación literaria... Le di muchas vueltas y me apetece trabajar sobre el texto de otra persona y ofrecer mi punto de vista. Es una opción un poco Kubrick, ya que toda su obra fueron adaptaciones de novelas”. ■ Luis J. Menéndez

Libros

◗ CALVIN HARRIS “Humanthesizer” (111) No se trata de un videoclip, pero todos los seguidores de Calvin Harris deberían echarle un visionado a esta curiosidad. ¿Será todo cierto? ¿Nos está tomando el pelo? Promete usar el Humanthesizer en la gira de presentación de “Ready For The Weekend”.

◗ THE RIGHT ONS “Thanks” (114) Grabado en directo en la sala madrileña Joy Eslava el pasado mes de abril, el clip promocional de “Thanks” busca más contagiarnos de la energía sobre los escenarios que ofrecer algo demasiado original, algo que conecta con la filosofía de la formación.

◗ THE PEPPER POTS “Time To Live” (111) El grupo catalán The Pepper Pots presenta un clip que despista al principio, rozando lo anodino, para dar un pequeño giro a mitad de minutaje y divertirnos al reproducir algunas portadas clásicas de soul con los miembros del grupo en movimiento.

Suena brillante, el libro Soul Man

José María Mijangos Lengua De Trapo (111) Narrada en clave de docu-ficción, “Soul Man” repasa la vida del músico Cleophus Taylor Porter, desde su juventud en Memphis hasta sus días de subidón y posterior decadencia en Madrid. Un estudio sobre la romántica esencia del perdedor crónico y un atractivo recorrido por el despertar de la cultura popular en nuestro país. Jorge Ramos

Nunca un videoclip había dando para tanto, aunque lo cierto es que leyendo “Suena brillante”, el libro, uno descubre que aquellas imágenes escondían mucho más de lo que cualquier aficionado a la música de Joe Crepúsculo haya podido llegar a imaginar. En este volumen de unas sesenta páginas en el que han participado desde el propio Crepúsculo hasta Luis Cerveró, director del vídeo, pasando por los diseñadores de Folch Studio, se nos descubre una segunda y muy amplia lectura de las imágenes que acompañaban a la canción incluida en “Escuela de zebras”, el primer disco de Crepúsculo. Se analizan punto por punto los referentes (búsquenlos en la alquimia y en la mitología antigua más oscura), descubriéndonos de paso una forma distinta de entender los textos del músico catalán. Si estás interesado en el libro (sólo hay a la venta 333 copias), visita la web www.pingpongshop.es o búscalo en librerías especializadas. n

◗ BASELAB “Dentro del caos” (111) En lo musical, Baselab se mueven entre el metal y el drum’n’bass, mientras que en su video se acercan a los vídeos metálicos de los noventa con conciencia social. Combinando imagen real y animación 3D, el resultado es mejor en lo segundo que en lo primero. n

MondoSonoro · Septiembre 2009 /53/ mondomedia

CONEXIONES ◗ A raíz del fallecimiento de Michael Jackson los servicios de Nokia orientados a la música han experimentado una avalancha de descargas con sus álbumes, liderando el ranking de descargas en todos los países y culturas. A nivel global en el servicio Nokia Comes With Music siete de cada diez canciones pertenecen al “rey del pop”. ◗ La última acción online de Ballantine’s, ha resultado un éxito en toda regla con ni más ni menos que 359.835 usuarios únicos y 500.000 visitas totales durante tres semanas. El Gran Temazo, nombre elegido para esta acción, consistía en seleccionar la canción que ha conseguido dejar huella en la vida de los jóvenes de nuestro país... Y el tema que ha sido seleccionado ha sido “Girls Just Want To Have Fun”, la mítica canción ochentera de Cindy Lauper, aunque en esta ocasión la versión ganadora ha sido la de Russian Red. Sony Ericsson Foto Archivo

◗ Vodafone España lanza el nuevo Sony Ericsson W350i El Niño Sweetwear que ofrece una combinación única entre las mejores características de un teléfono Walkman y un diseño de aires surferos. Se trata de una edición especial limitada que incluye diferentes imágenes que permiten personalizar el teléfono por dentro y por fuera. No es el único modelo de Ericsson íntimamente relacionado con el mundo del surf: el Sony Ericsson F305 Quiksilver, en exclusiva con Orange, se presenta con contenidos surferos que acercan la playa y las olas a los aficionados a este deporte, con dos carcasas exclusivas, dieciocho videos de surf y cuarenta y cinco imágenes que pueden ser usadas como salvapantallas. ◗ El pasado 1 de julio Eristoff invitó a Love Of Lesbian a abrir el cartel de su Eristoff Internative Festival, una serie de conciertos en directo, celebrados sólo las noches de luna llena, creados especialmente para Internet y difundidos sólo por este medio. Más información en www.eristoffinternativefestival. com.

Placebo Foto Archivo

◗ The Prodigy estrenaron mundialmente su nuevo vídeoclip, el frenético “Take Me To The Hospital” en VidZone y unos días después fueron Placebo los que hicieron otro tanto con “Ashtray Heart”. Para quienes todavía no lo sepan, VidZone es el revolucionario servicio online completamente gratuito para Playstation 3 que permite ver más de diez mil vídeos musicales en la televisión cuando tú quieras. Estos estrenos serán los primeros de muchos otros, ya que en las próximas semanas y meses se irán anunciando más novedades en PlayStation.es

◗ La supervivencia del decano entre nuestros festivales independientes, el Festival Internacional de Benicàssim, está asegurada tras la firma de una prórroga de tres años en el patrocinio por parte de Heineken. De esta forma, el verde sigue vinculado al FIB.

Coco y Lola Foto Archivo

◗ Coco y Lola son las dos nuevas protagonistas de la blogosfera, dos chicas que cuentan sus aventuras y desventuras y nos introducen en sus gustos musicales (Phoenix, Killers, Glasvegas,…) en http://cocoylola.com. También son la nueva herramienta promocional cara al lanzamiento del VW Polo el próximo mes de octubre. ◗ Sony España anuncia oficialmente la próxima salida de SingStar Mecano. Ésta es la primera vez que un grupo de música español protagoniza en exclusiva un videojuego. Anteriormente, sólo grandes bandas internacionales de la talla de ABBA o Queen contaban con este privilegio dentro la saga SingStar.

Vueling Foto Archivo

◗ MTV y Vueling han puesto en marcha un proyecto que combina los viajes en avión y música independiente hasta el punto de crear el avión Play Rock, decorado por Custo y con música de We Are Standard. Y mucha atención, porque si te cruzas en el aeropuerto con este aparato, consigues sacarle una foto y la envías a la discográfica ( info@mushroompillow.com) entrarás en el sorteo de un pack del grupo que incluye una camiseta de edición limitada, un disco, una entrada para verlos en directo y la posibilidad de conocerlos personalmente. ◗ El Humanthesizer es un sintetizador humano único en el que quince chicas pintadas con una tinta especial interpretan un tema tocándose con las manos y utilizando pads situados en el suelo. También es el nuevo invento con el que Calvin Harris llama la atención sobre su segundo largo que tiene en “Ready For The Weekend” su single de adelanto. ◗ La banda barcelonesa The City’s Last Noise ultima todos los detalles de su primer álbum, “Secret Of An Innocent”, que verá la luz en los próximos meses bajo el paraguas de Warner. La banda, además, ha firmado un acuerdo con Converse, que será la firma escogida para vestir al grupo durante los dos próximos años.

◗ El estilo motero es un tema clave en la colección otoño-invierno 2009/10 de Wrangler. El look es enérgico y adrenalínico, perfecto para un viaje de carretera en moto. El estilo tiene también una inspiración grunge, ya que algunos de los lavados de los jeans tienen acabados ensuciados. ◗ U18 (Under Eighteen, la iniciativa que prepara concierto a los que pueden acudir los aficionados a la música menores de dieciocho años) presenta por primera vez en España al grupo británico McFly, número uno de las listas de ventas británicas con su primer álbum “Room On The 3rd Floor”, convirtiéndose en la banda más joven en alcanzar esa posición. Los conciertos tendrán lugar el 12 de septiembre en el palacio de Vistalegre de Madrid y el 13 en la Sala Apolo de Barcelona. ◗ Ellen Allien no sólo es una de las más prestigiosas artistas electrónicas europeas, sino también una respetada diseñadora de moda con sus propias líneas. Puedes verlas en http://fashion. ellenallien.de. ◗ Afincadas en Barcelona desde hace un tiempo, las chicas de Chicks On Speed no sólo tienen fuerzas para publicar un doble larga duración, “Cutting The Edge” (COS Records, 09), sino que habitualmente diseñan ropa y participan en diversos proyectos artísticos. Su última aportación es el diseño de la nueva edición de botellas Monoblock de Estrella Damm, que se está comercializando desde mediados del pasado mes de julio. ■

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/54/ Septiembre 2009 · MondoSonoro

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POR TORQUE MONDITO

Cómo están ustedes? Nosotros, en general, mucho mejor después de un fantástico verano en el que nos hemos puesto bien tostaditos, vuelta y vuelta, en playas paradisíacas en las que afortunadamente no nos hemos encontrado con managers, promocioneros y artistas con aires de grandeza a nuestro alrededor. Esto es, chicos, os queremos, pero al menos una vez al año no nos queda más remedio que desconectar y perderos de vista. Supongo que a vosotros os pasará lo mismo con nosotros. Aunque siempre hay excepciones, claro. Por aquí tenemos a Joan S. Luna, objeto de todas las burlas en la vuelta al cole porque, como friki supremo que es, en el mes de julio se dio cuenta de que toda la pasta se la había gastado en comprar discos de importación, mangas y reproducciones carísimas de Mazinger Z y similares. Así es nuestro jefe de redacción, que a estas alturas del año más que moreno tropical se gasta un queme de proporciones considerables después de “disfrutar” de sus tres semanas de vacaciones yendo a conciertos en la Ciudad Condal, paseando por las tiendas de cómics y discutiendo si Gossip molan o definitivamente han perdido jerarquía en el escalafón de grupos cool de temporada. O lo que es lo mismo, Luna ha decidido disfrutar del veranito dándole continuidad a la polémica que se desató en nuestro foro justo antes de irnos de vacaciones a propósito de una crónica suya sobre los conciertos de U2 en Barcelona, en la que aseguraba que a día de hoy “pocos pueden hacerles sombra sobre un escenario”. Un indignado forero contrastaba el texto en cuestión con aquella otra de la que ya habíamos hablado por aquí en la que Don Disturbios concluía su comentario a propósito del concierto de Wilco con un rotundo: “insoportable para nadie que no conozca sus

canciones al dedillo y no sea un joven viejuno prematuro”. Half Nelson, antiguo colaborador de la casa, al que ahora podéis seguir desde las páginas de Go Mag, pone el dedo en la llaga cuando razona: “Creo que hay que partir de la base de que las crónicas están escritas por personas distintas con culos (digo, opiniones) distintas. Y en segundo lugar creo que es justo que se exija más a Wilco (o a Death Cab For Cutie) que a U2. Los americanos son dos grupos con solera, U2 sólo es un grupo que vende muchos discos... (en este comentario, absolutamente personal, pesa mucho el hecho de que nunca he podido con U2 y mucho menos con sus fans...)”. Otra forera, de nombre Rhonda, nos alerta sobre una de las cuestiones que revolotea como trasfondo del debate: si existe una clara separación entre lo “alternativo” y el “mainstream” y si esa separación coloca a según qué grupos en planos distintos por los cuales lo mainstream resulta por naturaleza de menor calidad que aquello dirigido a un público más selecto y (en teoría) exigente. “No estuve en ninguno de los dos conciertos con lo que no puedo contraargumentar, pero a estas alturas de la película, creo que la división entre ‘buenos’ y ‘malos’ o ‘alternativos’ y ‘mainstream’ está un poco de más; que los U2 estén más sobaos que los pasiegos no es óbice para que puedan hacer grandes conciertos; también es cierto que al alumno de Matrículas de Honor siempre se le va a exigir más que al de Notables, pero me parece exagerada tu pataleta!”. A lo que el forero aludido responde: “Lo de la división ‘indie‘/’mainstream’; pues puede ser que esté de más, pero para uno que toda su adolescencia y media edad (je,je) tuvo que sufrir, escuchando (gracias a Dios) Radio3 y leyendo la Rockdelux para enterarse de cosas que podía escuchar,

mientras padecía el insoportable coñazo de Los 40 y compañía y, sobre todo, las chanzas de ser un rarito gafapasta que escucha cosas ‘extrañas’, esa división es algo más que un cliché, es una actitud, como decía. Y con los años he descubierto que la actitud es de las pocas cosas que importan. Y para el Mondo también, ya que de otro modo retirarían de su título la entradilla (¿se dice así?) de ‘Revista de Música Independiente’. Lo dicho, para mí, gafapasta por convicción y elitista por pasión, estas cosas son muy importantes. Hasta el punto, incluso, de replantearme afectos!”. Es por comentarios de ese tipo que se entienden aquel “¡Hola, amigos del indi!” y el “¡Abrazo. tope de cordial y de indi, por supuesto!” de David Rodríguez en su polémica discusión con los encargados del Sonorama. Pero no nos dispersemos. Decíamos al comienzo que la culpa de toda esta discusión la tiene, como no podía ser de otra forma, nuestro Luna. Así que vamos a ver cómo, con el garbo de un hermano Gallagher, se enfrenta él a las críticas de su público. “Ostras, Flint, la verdad es que hay tantas cosas que decir al respecto que hasta me da pereza empezar con una discusión. Si no entiendes que puedan gustarme U2 en directo creo que ya no vale la pena dedicarle tiempo a ello. Y no pretendo menospreciarte ni nada por el estilo, pero, vamos, que cualquiera que vaya a ver al grupo o que este habituado a conciertos de estadios puede entenderlo sin problema. Otra historia muy larga sería la de continuar defendiendo a U2 pese a su estatus actual. No sé, me parece que ya se ha convertido en un estúpido tópico atacarles. Hay otros grupos que están pasando por momentos creativos más flojos que en el pasado y que se siguen respetando hagan lo que hagan. Y la verdad, es algo

que nunca he entendido... ¿Por qué, por poner un ejemplo, REM sí y U2 no?... ¿Has visto últimamente a ambos grupos en directo? ¿Has escuchado los discos de unos y de otros?...”. Balones fuera, Joan. Pretender la defensa de los irlandeses a partir de que otra banda igualmente dinosáurica pase por un momento aún más bajo (sea eso verdad o no) es una sucia triquiñuela digna de Marco Materazzi. A ver qué tal el segundo intento. “Una de las cosas que menos sólida encontré de los comentarios de Flint era aquello de que compraba discos raros de grupos raros o algo por el estilo... Para mí, lo importante no es comprar discos raros, lo importante es comprar discos que nos parezcan buenos... no me importa si es de La Roux o de The Locust o de From Monument To Masses. Puede haber bandas interesantes y con discos buenos en cualquier parte del espectro musical... aunque el concepto de ‘bueno’ pueda ser distinto para cada uno...”. Esa es la cuestión. Tantos años valorando y reseñando discos y a día de hoy aún no tenemos claro cuál es el baremo que separa lo que es “bueno” de lo que no. Y comprobarlo no hay más que asistir a las reuniones de redacción de la revista.■

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