Mondo Sonoro septiembre 2021-1

Nº 298 Septiembre-1 2021 www.mondosonoro.com

RODRIGO AMARANTE, POLO & PAN, JUNGLE, JOAN COLOMO, ROJUU, MARK RONSON, CLAPTONE, NATALIA LAFOURCADE, BILLIE EILISH

The Vaccines funcionan

Escenarios

Chus Navajo y su Banda 04 de septiembre Vesta

Amparo

The Dirty Cats

#VuelvealasSalas Más información en mahou.es/vibra

10 de septiembre Gruta 77

23 de septiembre Siroco

Chano Domínguez y Mariola Membrives

30º Aniversario Nevermind

11 y 12 de septiembre Clamores

24 de septiembre El Sótano

Bruno Bonacorso

Sofía Comas

12 de septiembre La Fídula Canalla

24 de septiembre El Sol

MAMVTH

Trío Bravo

16 de septiembre Rockville

24 de septiembre Tempo Club

Pol 3.14

Peatón Crusoe

16 de septiembre Revival Café

25 de septiembre Barracudas Rock Bar

Hnos Munoz

Rocío Morera

18 de septiembre Café La Palma

26 de septiembre Fulanita en Vivo Mahou recomienda el consumo responsable 5,5º

5/Mondo freako

Considerar a Rodrigo Amarante el hombre tras la famosa canción de “Narcos” sería un grandioso error.

Porque es un artista de un talento indomable, cuya valía se demuestra disco a disco.

Y “Drama” (Polyvinyl, 21), su nuevo larga duración, no iba a ser una excepción.

S

ENSIBILIDAD punzante, desenvuelta ausencia de prejuicios estilísticos y un talento prolífico y tan generoso que rara vez vierte su genio en producciones a su nombre. Son algunos de los rasgos de Rodrigo Amarante (Rio de Janeiro, 1976), el fabuloso compositor brasileño cuyo nombre es más probable encontrárselo en los créditos de canciones de Gal Costa, Norah Jones o Gilberto Gil, o fraguando algunos de los discos de la Orquestra Imperial, Los Hermanos o el proyecto Little Joy, junto a Fab Moretti (The Strokes).

Ahora está de vuelta con un disco propio, “Drama”, la ansiada continuación de aquel magistral “Cavalo” (Mais Um Discos/Music As Usual, 14). Un trabajo producido por él mismo y mezclado de nuevo por Noah Georgeson (Devendra Banhart, Natalia Lafourcade, Andy Shauf, Bert Jansch) y grabado con su equipo de confianza (“Lucky” Paul Taylor a la batería, Todd Dahlhoff al bajo y Andrés Rentería a las congas), que ratifica la clase de quien una vez alguien (bueno, en realidad fue allmusic.com) definió felizmente como un cruce entre Caetano Veloso, Paolo Conte y Andrew Bird. El músico brasileño nos atiende telemáticamente desde su casa (y estudio) en Los Ángeles.

—Has estado liado en muchos proyectos, pero sorprende que hayan pasado siete años entre tu primer disco y este.

Al final de la gira de “Cavalo” escribí “Tuyo”, la canción de “Narcos”, la serie de Netflix, y eso me generó nuevas giras.

Mucha gente me pedía que no parase de dar actuaciones, y a raíz de la canción mucha gente descubrió el álbum.

Así que fueron otros dos años de gira.

Después publiqué un libro en Brasil, y la banda sonora para una película, “En-

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Rodrigo Amarante Solo música

tebbe” (José Padilha, 18), que grabé en Inglaterra con una orquesta. Si es mucho tiempo entre un disco y otro, es algo que solo tiene que ver con proyecciones comerciales. Me lo han preguntado mucho, y yo les contestaba: “¿Y por qué no pueden pasar siete años? ¿Quién tiene prisas?” [risas]. Solo es mucho tiempo si lo comparas con otros, si piensas de forma comercial. Quizás soy lento. O escribo cincuenta canciones que luego descarto porque creo que no son buenas, hasta que me quedo con las once que al final se quedan en el disco.

—Es curioso cómo cambia a veces la percepción del público sobre el trabajo de un músico a consecuencia de una sola canción, como fue “Tuyo”. Como un golpe de suerte puntual e inesperado, pese a que tengas un montón de canciones, en solitario o en otros proyectos, ya publicadas.

El destino es siempre caprichoso, pero la forma en la que lo perciba el público ya no tiene nada que ver con mi trabajo, en realidad. Es algo externo. Y funciona siempre así. Todo éxito puntual es siempre una parte de tu trabajo. Y es bonito también. Sería ingenuo pretender que todo el mundo entienda la

é “El arte no tiene por qua ser un enigma con un sola respuesta”

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septiembre 2021 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA El hombre que siempre estuvo allí

N der que “Sería ingenuo pretenda la todo el mundo entien era” totalidad de una carr

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totalidad de una carrera. Eso no me importa.

Cuando tenía veintidós años me preguntaban lo mismo, y cinco años después lo mismo, pero sería muy vulgar por mi parte pensar que me supone un problema gozar de un éxito puntual. Incluso si hay mucha gente que acaba pensando durante el resto de mi vida que solo soy el tipo de la canción de “Narcos”, no me importa. Me hace muy feliz si es así, lo veo con mucho cariño. El público tiene que ser imprevisible siempre.

—Este “Drama” detenta el mismo eclecticismo que “Cavalo”. Entiendo que no te preocupa en absoluto qué etiqueta se le pueda adjudicar.

No, porque no pienso desde una perspectiva comercial, ni con los estilos ni con las lenguas.

Son cosas del mercado. Pero no es mi terreno.

Mi campo es el arte, la música, y escribir lo que siento. Si una canción es más o menos brasileña, si es una balsa o un rock, me parece bien siempre que sea una herramienta útil para mí.

El riesgo es parte fundamental de nuestro trabajo. Si no lo hay, ¿qué haces?

—Ya que mencionas tu condición de brasileño como factor distintivo, ¿crees que es algo que permea en todas y cada una de tus canciones, independientemente de que se puedan inscribir en ritmos de bossa o cualquier género de allí, como si fuera una cadencia, una sensibilidad particular que impregna todo lo que haces?

Claro, es normal que se note. Soy muy brasileño. Toda esta fantasía de las voces originales, de ser un genio, creo que es algo ilusorio, como si pudiera haber una expresión pura del alma y todo eso. Y creo que no es así. Nuestras voces son ecos de tantas voces… las voces de quienes nos enseñaron a hablar, las de nuestros padres y madres, las de la gente que estaba en nuestro entorno cuando empezamos a pensar, y las palabras son los instrumentos del pensamiento.

Cuando somos niños, pensamos con las palabras de los otros. Nuestras voces son ecos de otras voces, y mi voz tiene un eco de todo lo que

#6 septiembre 2021

tiene Brasil en términos musicales y culturales.

No es que tenga ganas de ser auténticamente brasileño de una forma forzada, pero al mismo tiempo tampoco me motiva intentar no serlo, cantando en inglés, por ejemplo. Brasil tiene una gran riqueza musical. La gente conoce la samba o la bossa nova, pero hay tanto, tanta mezcla de ritmos africanos y nativos… Siempre me encantó, yo crecí en una escuela de samba, con percusionistas que traían estos códigos rítmicos, de quienes yo aprendí muchísimo. Afrocaribeño, latinoamericano… Hay una canción en este disco, “Sky Beneath”, que es una canción folk americana, en cuanto a su formato, sus acordes, y es en inglés, pero el arreglo, sin forzarlo, se me ocurrió como un ritmo sincopado, que fue su origen, sin armonía, de forma que tiene que ver con los ritmos afrobrasileños.

No es que se me ocurriera de una forma racional, es algo más emocional.

—La primera canción del disco, “Drama”, suena a viejo musical de Broadway, con unas risas enlatadas sobre la música. Como sentando el tono del álbum. ¿Qué buscabas con ese contraste entre la melancolía de la música –y del título– y la algarabía de las risas?

Bueno, lo que busco puede no coincidir con lo que se encuentra el oyente. Y si así fuera, si fueran lo mismo, sería un mal trabajo. Yo dejé un espacio, que es como un espejo imprevisible. No sé lo que vas a sentir tú o el resto de la gente. Hay un contraste, sí. La música y la risa no tienen una conexión directa o racional. La risa y la música son superposiciones de un recuerdo, de la memoria de esta persona. El arte no tiene por qué ser un enigma con una sola respuesta. Es un juego. El arte tiene que tener un espacio en el que se pueda reflejar cualquier cosa. La risa bien puede ser un regalo o bien algo terrible, cuando se ríen de ti y no contigo. Vale la pena que sea el oyente quien ocupe ese espacio. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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unca conocí demasiado a Xavier Mercadé, uno de los referentes de la fotografía de directo en nuestro país y posiblemente el más obcecado documentalista que jamás haya existido desde mucho antes de los malditos teléfonos móviles y las cámaras digitales.

Aunque no conocerle era algo imposible si uno tenía alguna relación, por mínima que fuese, con el mundo de la música en directo en este país. No recuerdo cuál debió ser el primer concierto en el que coincidimos, pero tengo muy claro que fue hace muchísimos años. De edades parecidas, ambos nos hemos pasado la vida de actuación en actuación, de concierto en concierto, aunque él me superase ampliamente –muy ampliamente de hecho– en cuanto a cantidad. Así que era de esperar que un día nos presentásemos por primera vez. Desde ese lejano día fuimos charlando de vez en cuando, saludándonos siempre, pero sin intimar demasiado. No me pregunten el motivo, porque tampoco lo sé, y nada tiene que ver que militásemos –por llamarlo de algún modo– en diferentes medios especializados. Imagino que nos tomábamos el uno al otro como esas personas que siempre están ahí, que van coincidiendo mil veces en mil saraos. Eso y que a ambos nunca nos han faltado interlocutores en las salas de conciertos, de la más pequeña a la más grande. Pero vayamos a lo que quiero decirles. La cuestión es que he ido siguiendo la evolución de su estado de salud por informaciones de terceros, tanto en aquellos primeros días complicados como en la euforia posterior y, desgraciadamente, también en estos últimos días en los que la enfermedad se había tomado su revancha. Y me ha sabido, se lo digo con total franqueza, muy mal.

No importa que el triste desenlace estuviese ya escrito en algún libro del destino de Xavi, porque cuando todo esto empezó allá por los ochenta nos creíamos invencibles y casi eternos. Pero en eso, como en muchas otras cosas, nos equivocábamos.

Y si me ha sabido tan mal su fallecimiento es porque, para mí y para muchísima otra gente, Xavier Mercadé siempre fue el paradigma de la pasión por la música. Un tipo capaz de ir de una sala a otra y luego a otra más en una misma noche para documentar las actuaciones que se celebraban en cada una de ellas, y hacerlo siempre con ganas y excitación. En ocasiones llegué a tomarle por loco, pero no era necesaria más que una breve charla con él para acabar entendiendo y compartiendo su motivación.

No me habrán leído ninguna columna dedicada a ningún profesional del sector, pero esta vez ha sido inevitable. Inevitable por lo que les decía de que Mercadé representaba como nadie la auténtica pasión por la música e inevitable, sobre todo, porque era una de esas personas amigables de las que nada malo podrán contarles. —JOAN S. LUNA

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MONDO FREAKO La carrera de Rojuu se ha caracterizado desde el principio por dos factores: la precocidad y la capacidad para enganchar a su público.

Ahora echa un repaso a su trayectoria en “Grandes Hits (antes de los 18)” (Sonido Muchacho, 21) a lo largo de una docena de piezas.

I

NCLUSO ANTES de dedicarse a hacer música, el barcelonés Rojuu ya se dedicaba a la música. Comenzó con poco más de doce años un canal de YouTube en el que hablaba de las canciones que le gustaban, Roctopus. Cosechó mucho éxito, muchas visualizaciones para un chaval que apenas ha entrado en la adolescencia y, sobre todo, un grupo de seguidores fidelísimo, que interactuaban con él y reaccionaban a sus videos y a sus recomendaciones con ánimo y devoción.

Por eso, cuando decidió empezar a lanzar sus propios temas, Rojuu ya era una promesa del panorama musical nacional. Ahora, con dieciocho años recién cumplidos, ya cuenta con media docena de proyectos entre mixtapes y álbumes, una gran cantidad de singles, una fanbase aún más solida y amplia de la que tenía en YouTube y colaboraciones que envidiaría cualquier artista de su edad que resida en nuestro país, entre las que destaca (¿¡cómo no!?) FishNarc, productor del famosísimo y tristemente fallecido Lil Peep, ídolo de una generación entera que ha aunado el trap con lo emo.

“Fish Narc básicamente me escribió un día y me dijo: ‘Oye, me gusta tu música. Vamos a hacer algo’. Y yo lo conocía, evidentemente, de todo su trabajo en Gothboiclique, y dije: ‘Pues perfecto’. Y me mandó cinco beats o seis, y ahí grabé el tema que luego sería ‘ikari’, te estoy hablando de octubre 2019. Ese tema salió en marzo 2020.

Tardó bastante en salir, pero salió y fue un trabajo muy cómodo. Luego he seguido trabajando con él en ‚Muy lind4’. Lo mismo. Me volvió a pasar unos beats y los grabé y eso fueron los temas que salieron. Grabé tres temas y salieron dos, los otros están como guardados. Tengo bastantes temas con Fish Narc que no han salido y algún día saldrán”.

Sin embargo, no es emotrap lo que hace Rojuu. Al contrario. Su música se caracteriza por utilizar una paleta de colores y texturas amplísima, que puede adoptar los tonos oscuros característicos del género pero también otros muchos más brillantes y luminosos. “Se me cataloga mucho como emotrap, pero yo de emotrap tengo el ‘emo’, solo si te pones a pensarlo dos

veces, de emocionar y ya está. El emotrap se relaciona sobre todo con temas de guitarra y tal y temas con un sampleo de guitarra tengo tres o así, pero sí que es verdad que intento como dar pinceladas de que sigo teniendo ese ‚yo interior’ que puedo hacer eso, pero yo al completo hago otras cosas.

Lo que yo hago es como, no sé, ver el arco iris en la tele y con la luz cerrada.

Temas como ‘Memorias de plástico’ o ‘Umi’, tienen un sonido como muy indie, clarito, mezclado con japonés, y es algo que hemos hecho, que no tiene nombre. Nosotros lo hemos llamado de por si shadow pop porque nos molaba, porque es como indie pop pero es como oscuro realmente. Si te lo pones a analizar es oscuro a nivel de letra y entonces lo llamamos shadow pop porque estamos locos y hemos dicho: ‘pues pongo un género y me lo invento, aunque quizás exista en Rumanía, pero nosotros lo cantamos”.

Alguien podría preguntarse por qué, ¿qué tiene este chico que otros no tengan? Cuando hablas con Rojuu estas dudas se despejan al momento.

Su amplísimo conocimiento musical, que recoge incluso a los artistas independientes estadounidenses menos conocidos como Lucki y la forma en la que habla de ellos, con convicción y pasión, ya le sitúan por encima de muchos artistas consagrados de nuestro país en cuanto a influencias.

En realidad, su forma de hablar tiene algo de niño prodigio, aparentemente despistado pero atentísimo a lo que pasa dentro y fuera de él. Por eso, en realidad, no sorprende que sea capaz de hacer reflexiones interesantísimas sobre trabajos vanguardistas como “Whole Lotta Red” de Playboi Carti que le he leído a pocos críticos musicales del país.

Sin embargo, Rojuu no es solo un músico. Es una representación perfecta de parte de nuestra juventud.

Una que se sostiene sobre tres pilares: música, estética y virtualidad. Estética que va de la moda al anime (su obra tiene una marcada influencia japonesa), música que ya hemos visto que va del shadow pop al emotrap, y una virtualidad que a él le es inherente como a toda su generación, pero pocos de su edad la han usado y entendido igual que él. “A mí me flipa el mundo virtual porque es muy nuevo. O sea, la gente se lo esperaba pero no en la forma en que lo tenemos hoy en día. Quiero decir, todo lo que es virtual ha cambiado el mundo en general.. Y yo la verdad es que soy bastante fan de todo lo virtual.

También te digo que una cosa es ser fan y otra ser adicto. Soy adicto y fan”.

Rojuu es el ejemplo de una generación, una a la que hay que mirar obligadamente porque así lo pide el paso del tiempo. Una con una mentalidad, clara y que no va a devolver la mirada

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Rojuu Esto acaba de empezar

necesariamente a las generaciones anteriores sino que probablemente se mirará a sí y al futuro. “Puedo mejorar el futuro, que eso sí que puedo porque como humano tengo la capacidad de poder predecir lo que pasa o yo hacerlo bien para que el futuro sea mejor, pero a nivel pasado no puedo hacer nada”. El presente de Rojuu es su nuevo álbum recopilatorio cuyo título lo dice todo: “Grandes Hits (antes de los 18)”. Pero su futuro también es un cómic, un single, nuevos proyectos,…

Todo apunta a que esto solo acaba de empezar. —LUIS M. MAÍNEZ

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“Sembrar el caos absoluto es el único objetivo en ciernes”

septiembre 2021 #7

ENTREVISTA

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“Nos gusta hacer canciones que hagan a la gente feliz y es interesante moverse tanto en un público underground, como en uno más comercial”

#8 septiembre 2021

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TIEMPO Y MADURE

UZ, SOL, PLAYA, fiesta, desconexión… Se nos ocurren muchas palabras con las que relacionar a Polo & Pan y cómo consiguieron con “Caravelle” hacerse un hueco en el mercado. “Es cierto que ‘Caravelle’ era mucho más positivo, infantil y jugaba con la ingenuidad. Sin embargo, ‘Cyclorama’ es mucho más maduro y con mucha más riqueza”. El dúo francés regresa ahora con este nuevo álbum, la búsqueda de la consolidación definitiva y una apuesta mucho más nocturna. “Supongo que al final ha sido una evolución natural para nosotros. Seguimos apostando por canciones llenas de luz, pero también nos inspira la luna, la noche”. Hablamos con Polocorp (Paul) sobre el proceso de creación de este nuevo álbum y cómo les ha cambiado la vida desde el lanzamiento del primero. Las responsabilidades paternales impiden a Peter Pan (Alex) hacer acto de presencia en la entrevista. ¡Quién se lo iba a decir! “Yo creo que la pandemia nos ha colocado en un lugar muy diferente al que estábamos. Fue como una etapa de descanso tras un periodo de mucho trabajo. Alex acaba de ser padre, yo ya tengo cuarenta años y me di cuenta de que es un poco como si estuviéramos en la mitad de nuestras vidas. Así que era un buen momento para viajar en el tiempo y recordar nuestra infancia, algo que siempre nos ha inspirado. Pero, también analizar nuestro crecimiento, la transmisión de conocimientos…”, nos explica la mitad de Polo & Pan. Con el paso del tiempo, como uno de los temas centrales del proyecto, este nuevo disco lanza un mensaje a los oyentes para que valoren la vida y disfruten de cada segundo. Seguimos encontrando ese buen rollo que les caracteriza, pero también sacan su lado más espiritual para hablar de la muerte y alcanzan unos beats más cercanos al club que a las costas paradisíacas. “Es cierto que no seguimos un orden cronológico con los temas, es más bien un orden en torno a la musicalidad de cada una de las piezas. Pero lo que sí pensábamos que era interesante era añadir nuevos conceptos e ideas sobre esta base inicial.

Queríamos transmitir emociones que pudieran llegar a todo el mundo. Todos nacemos, todos nos encontraremos con la muerte en algún momento. Pero, lo más importante es entender el valor de vivir la vida, disfrutar de ella como un regalo. ‘Feel Good’ habla un poco de todo esto y nos recuerda que solo al acordarnos de que la muerte existe, apreciamos la vida como verdaderamente se merece”.

Una de las colaboraciones de lujo de este disco fue la de Vladimir Cosma, en “Billboquet”, el músico de ochenta años ha sido un auténtica fuente de conocimientos para el dúo. Trabajar con él, poder hacer un directo con él, les hizo replantearse el sentido del álbum y tener muy clara la dirección que querían conseguir. El origen de “Cyclorama” fue un tema centrado en el nacimiento del hijo de Alex. Y aunque es cierto que no han apostado por un orden cronológico a la hora de hablar de la evolución de la vida. Sí que han sido muy conscientes de que las piezas tenían que estar unidas por una cierta musicalidad que diera sentido al álbum. “Desde que salió ‘Caravelle’ no paramos de crear de forma independiente y decidimos hacer un álbum cuando habíamos reunido en una misma carpeta más de treinta canciones. De ahí seleccionamos el material con el que verdaderamente queríamos trabajar y comenzamos a moldearlo juntos. Además tenemos muchas más canciones en las que estamos trabajando y que estarán en nuestro próximo disco. Así que estamos muy felices con el lanzamiento de ‘Cyclorama’, pero también muy motivados con el que será su sucesor”.

Uno de los temas que han servido para promocionar esta nueva era del dúo ha sido “Ani Kuni” y desde que vio la luz no ha parado de traerles alegrías. “Ser un poco híbridos nos está separando de la escena de

Polo & Pan

Quizás “Caravelle” (17) nos descubrió la cara diurna de Polo & Pan, o quizás ya había algo de lo que nos encontramos en “Cyclorama” (Virgin/Music As Usual, 21), pero está claro que el dúo francés toma ahora una apuesta mucho más nocturna.

—TEXTO Álex Jerez —FOTOGRAFÍA Fiona Torre

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O Y EZ

DJ’s, pero a la vez estamos creciendo en el terreno pop. ‘Ani Kuni’ ha funcionado, por ejemplo, muy bien en las radios francesas y nunca antes nos habíamos visto en una situación parecida. No tenemos nada en contra de llegar al público más mainstream, siempre y cuando nuestras canciones salgan del lugar correcto. Nos gusta hacer canciones que hagan a la gente feliz y es interesante moverse tanto en un público underground, como en uno más comercial”, explica Paul. La canción está creada sobre la base de una nana con más de cuarenta años de antigüedad y sus beneficios fueron entregados a la National Indian Child Association. “Esta canción está inspirada en nuestra infancia y en el propio álbum representa ese momento en concreto. Se trata de una especie de nana que ha terminado dando el salto a la cultura pop. Pero claro, no sabíamos mucho más sobre ella al margen de que nos interesaba y nos gustaba cantarla.

Así que nos pusimos a investigar y nos dimos cuenta de que la cantan muchas tribus como los cherokee o los arapahoe. Hay muchas traducciones, y significados, pero ninguna tenía derechos de autor porque era una canción muy antigua. Así que decidimos recuperarla, es un tema que conecta directamente con la infancia y por lo tanto representa a los niños de todas esas comunidades. Nuestra intención era grabar con ellos la canción, pero por la pandemia terminamos haciéndolo con familiares y amigos. Y, lo que hicimos, es enviarles el dinero que se generó a través del tema para ayudarles. Queremos grabar con ellos cuando podamos y que se produzca una colaboración real. De hecho, ya estamos hablando con la organizamondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EL APUNTE

ción para intentar introducirnos en sus programas musicales”, explica Paul.

Otra de las grandes piezas a destacar dentro del álbum es “Attrape-rêve”, a pesar de formar parte del Ep que lanzaron el año pasado. “Decidimos meterla en el disco porque no tuvo mucha visibilidad en el Ep que lanzamos y en este disco sabemos que tendrá una vida mucho más larga”. Un tema que iba a estar focalizado en la bossa nova, pero que terminó con unos arreglos y una producción mucho más moderna. Y, junto a este, “Tunnel” se coloca como una de las grandes apuestas dentro del disco por la nueva aventura sonora que supone para el dúo y la inesperada colaboración con Channel Tres. “La colaboración nos llegó de dos chicos americanos que trabajaban en Apple Music y empezaron a contactar con artistas de Universal Music para potenciar sus proyectos. Ellos llegaron de Estados Unidos, nos pusieron sobre la mesa un montón de ideas y nos ayudaron a conocer un montón de bandas súper interesantes. Al escuchar a Channel Tres nos dimos cuenta de que no se trataba del típico producto pop americano, sino que tenía otro tipo de raíces. Así que decidimos trabajar con él sin apenas hablar y sin conocernos de nada.

Y, la verdad, es que fue algo muy interesante ya que hace diez años esto habría sido prácticamente imposible. Además, gracias a Internet pudimos tener una buena colaboración en el álbum a pesar de la pandemia”. —A.J.

R

La nueva normalidad EL NUEVO ÁLBUM de Polo & Pan está muy marcado por la nueva realidad que atravesamos por la pandemia, tanto en el proceso de creación como en la promoción posterior. El dúo es plenamente consciente de las ganas que tiene la gente de salir a bailar, desconectar, olvidarse del mundo y creen que eso les favorece y sitúa “Cyclorama” como el disco perfecto para un nuevo renacer. “El mundo está entusiasmado con su reapertura y con poder por fin socializar, bailar y celebrarlo.

Tras la buena acogida de los primeros singles, estamos muy emocionados con todo lo que nos está pasando. Yo soy muy optimista.

Piensa que en 1918 ya vivimos una enorme pandemia tras la Primera Guerra Mundial y, por aquel entonces, lo único que podían hacer al respecto era lavarse las manos porque no tenían otra cosa. Sin embargo, dos años después acabó. En nuestro caso, parece que estamos saliendo de todo esto gracias a las vacunas y yo soy bastante optimista. Evidentemente no tengo ningún tipo de información especial y todos somos muy vulnerables. Al final acabamos haciendo lo que las autoridades nos mandan para lograr salir del problema. Así que lo único que nos queda en realidad es tener paciencia y esperar que todo salga bien”.—A.J.

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septiembre 2021 #9

EL DISCO. RECUPERADO. Bernard Butler People Move On

Creation/Sony Music

LOS DISCOS DE MI VIDA Fangoria

Fangoria acaban de publicar nuevo EP. “Existencialismo Pop” (Dro/Warner, 21) Con el EP como excusa, quisimos invitarles a esta sección en la que nos descubren seis álbumes que han marcado su vida, entre los cuales han decidido incluir uno muy reciente.

David Bowie

Ramones

Michael Jackson

(Alaska) Crearse ese personaje de una estrella extraterrestre que viene del espacio, toda esa imagen... completamente abrumador. Tienes doce años y ves eso.. Tenemos que estar muy agradecidos de haber tenido doce años y haber visto eso.

(Alaska) Es un grupo que, después de esa adolescencia en la que lo que nos interesa sobre todo es el glam, nos dio una respuesta a lo que creímos que podíamos hacer como banda.

(Nacho) Tanto en la estética como en la música. Hablaban de “La matanza de Texas”... ¡De cosas que nosotros conocíamos!

(Alaska) ¡Y este sí que fue masivo!

(Nacho) Piensa en una persona de catorce años que vea ahora el videoclip de “Thriller”, se quedará flipando igualmente. Dirá “¡Esto qué es!”, y le encantará. Eso es maravilloso.

The Rise And Fall Of Ziggy Stardust (1972)

Rocket To Russia (1977)

Thriller (1982)

Sigue Sigue Sputnik

Kraftwerk

The Weeknd

(Nacho) Fueron masivos con una canción y nada más, pero para nosotros fueron absolutamente una influencia y, como ellos dicen, fueron la quinta generación del rock & roll.

(Alaska) ¿Reunión? Ya te decimos nosotros de buena fuente que no.

(Nacho) Les conocí en la radio en California en los años setenta, cuando no existía el tecno. Yo estaba escuchando “Hotel California” y tal, ¡y de repente suena esto! “Autobahn”.

(Alaska) A finales de los ochenta, en la música negra dicen que el tecno de Kraftwerk es una influencia. Ahí empieza el house.

(Alaska) A mí me resulta muy curioso que esto sea masivo.

Entiendo que esto me gusta a mí, pero que sea masivo, que “Save Your Tears” la pongan en la radio, o que a Billie Eilish la imiten en “Tu cara me suena”... Me parece maravilloso.—MS

Flaunt It (1986)

#10 septiembre 2021

Autobahn (1974)

BERNARD BUTLER hizo la espantada en Suede, justo tras la grabación del excepcional “Dog Man Star” (94) y después de haber compartido la autoría de los dos primeros discos de la banda con el vocalista Brett Anderson. Tal y como había sucedido anteriormente con otros ilustres guitarristas británicos con peso propio en la composición –caso de Johhny Marr en The Smiths o John Squire en The Stone Roses–, a Butler le costó asumir el papel de cantante principal y publicar bajo su propio nombre. Fue tres años después de formar tándem con el cantante de soul David McAlmont (en McAlmont & Butler) cuando decidiría volar definitivamente en solitario con la publicación de su ópera prima.

“People Move On” generó no poca expectación en Reino Unido, alcanzando incluso el número once en la lista de ventas de su país.

El artista situaba el foco sobre sí mismo con una referencia muy ambiciosa, tanto en composición –el músico daba rienda suelta y sin tapujos a su virtuosísimo como guitarrista– como en producción (también a su cargo), con una obra engalanada a conciencia, rematada con arreglos orquestales y, en definitiva, convencida de unas virtudes presentadas con orgullo. Un total de doce canciones y más una hora de duración, que reclamaba una digestión pausada y progresiva de ese compendio de indie-pop de tintes tan épicos y expresivos como con frecuencia seductores. No en vano, el lanzamiento se abría con un

medio tiempo de ocho minutos como “Woman I Know”, abriendo el camino para una “You Just Know” que bien podría haber sido utilizada como single. Sin embargo, fueron otros los sencillos extraídos del álbum: “Stay”, la animosa “Not Alone” y “A Change Of Heart”, cortes todos ellos bastante más directos que compañeros de promoción, y que fueron situados equitativamente entre sí para dar agilidad al conjunto.

Por su parte, “When You Grow” era otra de las gemas que escondía el título, mientras que la faceta más intimista del músico quedó reflejada en “You’ve Got What It Takes”, el bonito corte que bautizaba el elepé, la acústica “You Light The Fire” o “I’m Tired”. En el ecuador del elepé aparecían los casi nueve minutos de “Autograph”, en otra prueba de la confianza del autor en su propio producto. “People Move On” no era un álbum sencillo, pero lucía como paso valiente y categórico de Bernard Butler, con importante carga emocional y en plena celebración de la personalidad artística de ese músico tremendamente talentoso. Y aunque el paso del tiempo no haya sido del todo amable con la mencionada producción –esa que apunta a la elegancia pero por momentos supura algo de pomposidad–, el disco sigue siendo, veintitrés años después, un inspirado trazado gestado a partir de influencias clásicas como las de David Bowie, Neil Young, Roxy Music, The Smiths, Mazzy Star o Marc Bolan.

—RAÚL JULIÁN

After Hours (2020)

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ENTREVISTA

Mark La fórmula del éxito Ronson El currículum de Mark Ronson es amplio y diverso. Podríamos destacar una larga lista de logros, pero si ahora le entrevistamos es por la serie documental “Watch The Sound”, que acaba de estrenar en Apple TV+ y en la que nos encontraremos con invitados de verdadero lujo.

C

—TEXTO Álex Jerez

UANDO EN 2019 ME ENFRENTÉ a la crítica del “Late Night Feelings”, último disco hasta la fecha de Mark, quise iniciar el texto haciendo referencia a la increíble capacidad del artista para buscar en cada proyecto la fórmula del éxito. Cómo, citando textualmente, “Ronson sabe hacer magia, pulsar el botón adecuado para que todo encaje a la perfección”. Además, el músico atravesaba uno de los momentos más altos de su carrera, aquel incansable número uno con “Swallow” de Lady Gaga y Bradley Cooper que no había forma de bajar de la cumbre de Billboard.

Visionando “Watch The Sound”, la fantástica serie documental que el músico encabeza para Apple TV+, comprobé que el propio artista explica en uno de los episodios lo fácil que es para cualquier buen productor construir una canción técnicamente perfecta, colocar las piezas en el lugar al que pertenecen, sacarles brillo y empaquetarlas con un bonito lazo. Pero que lo más difícil de todo es encontrar la clave para que esas canciones sean únicas, para que destaquen sobre las demás y suenen de una forma que el oyente no olvide. Lo más difícil es, por lo tanto, alcanzar esa magia de la que estamos hablando. “Es decir, es todo muy subjetivo, porque todo el mundo pensaría en esa magia a la que hacemos referencia de una forma única. Ya sabes, podrías meterme a mí y a otros cuatro productores en una habitación, darnos la misma canción y todos produciríamos el tema de manera distinta porque escuchamos cosas diferentes. No sé, creo que no se trata de alimentar tu ego como productor, de cómo puedo poner todo lo que sé en una canción, sino de cómo puedo hacer que esa canción tenga un sonido que te haga soñar, algo que te envuelva completamente, conseguir que el tema suene lo mejor posible”, explica Mark en la roundtable de presentación de la serie.

Siempre he sentido una gran admiración hacia Ronson, supongo

#12 septiembre 2021

que cuando alguien se convierte en el productor de uno de los discos de tu vida no puedes verle con otros ojos. Lo que consiguió con “Back To Black” es ya historia de la música. Esa capacidad de sentir que Amy se ha metido dentro de su propio cuerpo para regalarte sus sentimientos de la manera más pura posible. Esa sensación de intimidad que Ronson supo potenciar a la perfección y que también forma parte de uno de los grandes episodios del proyecto donde podemos ver a Winehouse en el estudio junto a un joven Mark fascinado con su potencial. Y bueno, no olvidemos mencionar esa gran anécdota en la que el propio músico explica que, la primera vez que conoció a Amy, ella se lo había imaginado como un señor con una gran barba y no paraba de preguntar dónde estaba el verdadero Mark Ronson.

“Ella fue la primera. El trabajo que hicimos con ese disco me puso definitivamente en el mapa. Obviamente no teníamos ni idea cuando lo estábamos haciendo de que se convertiría en algo tan grande. Más bien estábamos en el estudio creando música en plan ‘oye me gusta esto ¿Te gusta esto? Esto es emocionante, toca esto así… ¿Qué crees debemos hacer con esta canción?’. Y la verdad es que tuvimos una conexión muy personal. Es una de las personas con más talento con las que he trabajado. Su voz, las canciones, la emoción que puso en cada una de ellas. Ella es… Sí, ella es una de las grandes”. Y es que Mark Ronson se ha convertido en uno de los productores más brillantes a la hora de atrapar grandes voces femeninas y otorgarles lo que se merecen. Su última apuesta ha sido King Princess quien forma parte de la propia discográfica de Ronson, Zelig Records, y que es una de las figuras protagonistas de “Watch The Sound” pese a su corto recorrido en la industria. Su segundo disco verá la luz próximamente y de él ya conocemos el tema “House Burn Down” con Ronson como co-productor. Ella se presenta como ejemplo de lo que será el futuro de la música y cómo las nuevas generaciones llegan dispuestas a auto-producir sus propios trabajos, a manosear todas esas técnimondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

cas que repasa en la serie documental, a ser imparables. Y es que, “Watch The Sound” no es solo una serie que habla del pasado, también del presente y del futuro. Y, por supuesto, tampoco es una serie destinada a un público muy nicho, todos pueden disfrutar y aprender con ella. “Si le pones a alguien una canción de Mariah Carey, o Celine Dion, y luego se la pones sin reverberación. Incluso alguien que no conozca el uso del reverb dirá: ‘Espera, ¿por qué suena tan diferente ahora?’. Y lo mismo pasa con todos esos sonidos que nos vienen a la cabeza cuando pensamos en la voz de Amy Winehouse en ‘Back To Black’. La razón por la que hay tanta emoción en ese tema es porque el reverb potencia todo ese drama, lo eleva y hace que suene como si estuviera cantando ella sola en una habitación enorme y abriendo su alma. Es algo con lo que todos pueden conectar, todo el mundo ha entrado en una cueva o ha ido a un lugar con eco y ha gritado. Esta serie pretende hacer ver que, aunque todas estas cosas pueden parecer complicadas, en realidad todo es mucho más sencillo”.

Desde sus inicios, hemos viajado con Mark Ronson por aquel “Here Comes The Fuzz”, y aquellos beats inspirados en el hip-hop de los ochenta, hasta liderar el presente y la perfección del pop más actual. Le hemos visto crecer como artista y, como explica en el propio documental, pasar por todo tipo de fases. Cómo se obsesionó con los metales hasta lograr el sonido funk perfecto y más adelante convertir todo lo aprendido en la pieza mainstream del momento. Emocionarse por los teclados, recuperar los sintetizadores, bañarse en la música disco… Y en todo este estupendo recorrido, lo que es innegable es cómo Ronson ha sabido escuchar a los demás, aprender de los grandes y entusiasmarse con cada detalle que le hacia ser mejor músico.

“Obviamente toda la serie está creada a través de mi propia experiencia. Si nos centramos en el episodio de la distorsión, por ejemplo, una de las primeras cosas que escuché en mi vida fue ‘Cult Of Personality’ de Living Colour, así que decidimos hablar con Vernon Reid. Por otro mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

“No se trata de alimentar tu ego, sino de hacer que suene lo mejorposible”

lado, la participación de Thurston Moore viene de que, cuando de niño escuchaba la música de Sonic Youth, la vivía como algo aterrador, muy ruidosa y agresiva. Sin embargo, me parece tremendamente influyente e importante. Por último, la aparición de Denzel Curry me parecía interesante ya que es el reflejo de la nueva ola de raperos que usan la distorsión para mostrar su angustia”.

Y si seguimos hablando de influencias en la vida de Mark Ronson, no podemos evitar mencionar la relación con su padrastro, Mick Jones de Foreigner, y cómo ha sido una absoluta fuente de inspiración en su carrera. “Cuando empezaba a hacer beats como productor de hip hop me encantaba meter todos los viejos breaks de Foreigner e hice cosas que nunca llegaron a salir. Pero sí, hicimos una canción juntos. Es una gran influencia para mí y siempre me gusta ir a su casa cuando estoy trabajando en una nueva pieza de música y tocarla para él. Ya sabes, me encanta”.

La verdad, es un gusto ver la brillante carrera que Mark Ronson se ha construido como figura dentro de la industria actual. Cómo es imposible encasillarle en una única faceta y cómo ha demostrado que con pasión puedes llegar a dónde quieras. Lo último que sabemos de sus próximos proyectos es que ha entrado al estudio junto a Lizzo y que pronto verá la luz el tema que tiene con SZA y Kevin Parker (Tame Impala). Mientras tanto, aprendamos a meternos un poquito más en la mente del gran productor que es viendo “Watch The Sound” y comprendiendo mucho mejor su universo particular.—A.J.

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septiembre 2021 #13

MONDO FREAKO

Claptone

Estamos acostumbrados a ver a Claptone vestido con clase y luciendo un pico de oro cubriéndole el rostro. Pero tras esa imagen se esconde también el músico que ha grabado discos llenos de colaboraciones como “Charmer” (15) y “Fantast” (18). Su último single hasta la fecha es “Wake Up”, con la voz invitado de James Vincent McMorrow, adelanto del que será su nuevo larga duración en noviembre.

EN LA.MALETA.

C

LAPTONE es el responsable de temas como “Heartbeat” o “No Eyes”, una exitosa colaboración con JAW. Ambos temas de su primer álbum “Charmer” (15), que le valieron gran parte de su fama. A este le siguen “The Masquerade Mixes” (17) y “Fantast” (18). En 2021, el artista enmascarado se las ha apañado para colaborar con Two Another en “Golden”, APRE en “My Night” y James Vincent McMorrow en su single más fresco: “Wake Up”. Y las que quedan por venir, puesto que publicará su nuevo larga duración, titulado “Closer”, el próximo 12 de noviembre, un disco que describe como mucho más enfocado a su lado más humano. Y no nos olvidemos de su ojo para los remixes, una habilidad que le ha permitido reinventar canciones de gente como Gregory Porter, Mark Ronson o Dua Lipa, entre otros.

—¿Te preparas de alguna manera para los espectáculos? ¿Cómo sabes cuál es la canción adecuada para cada momento a la hora de pinchar? ¿Cuáles son las señales que tienes en cuenta?

Pinchar es representar tu estilo musical, tus preferencias y tus producciones, pero además es un intercambio con el público. Es una comunicación no verbal. Los streams no pueden ofrecer eso. Por eso los eventos en directo son tan importantes. Como DJ tengo un ojo puesto en la gente y escucho la música

#14 septiembre 2021

que pongo con los oídos del público.

Quiero que se lo pasen bien, así que estudio a la gente y ajusto mi set según la reacción del público hasta cierto punto, por supuesto sin comprometer mi estilo general como DJ. —¿Adaptas las actuaciones debido a la pandemia? ¿Qué crees que es diferente? ¿Notas una energía o un comportamiento diferente en el público?

La pandemia no interfiere realmente en mis elecciones musicales. Por supuesto, con ciertas limitaciones y restricciones, el ambiente no será el mismo que en un festival normal, pero haré todo lo posible para que la gente se olvide de eso y se deje llevar durante algunas horas.

—Estás a punto de lanzar un nuevo álbum llamado “Closer”, que saldrá el 12 de noviembre. ¿Por qué es diferente a los anteriores?

Estoy muy ilusionado con mi próximo álbum, ya que contiene muchas canciones estupendas y supone un gran paso adelante en mi desarrollo musical personal. Es diferente sobre todo porque es más personal y está más cerca de la interacción humana de lo que nunca he estado. Mientras que “Charmer” fue una introducción a Claptone, a cómo me percibo a mí mismo y “Fantast” fue una excursión al reino de la naturaleza para encontrar más de mí mismo, “Closer” es una aventura hacia los sentimientos humanos tratando de entender

más mi lado humano y por supuesto estar más cerca de vosotros, mis fans.

Y no, no he inventado nuevos géneros, sino que prescindo de ellos. Me encanta la música.

—Te has asociado con artistas increíbles, pero ¿cuál es tu colaboración soñada? ¿Y el remix que te mueres por hacer?

He tenido muchos sueños hechos realidad e incluso he colaborado con Seal en mi próximo álbum. Pero, por supuesto, hay muchos más vocalistas con los que me gustaría trabajar, quienes exactamente será un secreto hasta que ocurra... Así que estad atentos. Me encanta hacer remezclas para grandes canciones, increíbles melodías de club y leyendas musicales por igual, así que nunca faltan oportunidades. Pero tienes razón, habiendo hecho ya remezclas para Dua Lipa, Depeche Mode, Bastille, Pet Shop Boys, Mark Ronson, Ava Max, Gorillaz, Gregory Porter, New Order, Aurora y muchos más, siempre me lo pienso dos veces antes de aceptar otra oferta de remix.

—¿En qué te inspiras a la hora de crear nueva música?

La mayor parte de mi inspiración proviene de trabajar con vocalistas con carácter. Hay una larga lista de personas a las que admiro y poder trabajar con alguien especial es muy inspirador. También diría que me inspira la música en sí. Me

encanta todo tipo de música y escucho producciones que van de la música clásica hasta el Rock del siglo pasado. El pop, la música disco, el house, el hip hop y el indie rock, hasta por lo que está pasando ahora. Probablemente sólo me gusta una de cada diez canciones de la radio, pero esa canción vale la pena y puede ser una inspiración.

—¿La pandemia se ha convertido en algo positivo o negativo en tu proceso creativo?

Seguro que me ayudó a terminar mi álbum a tiempo y a hacer más música, así como a concentrarme en mis producciones. Pero al mismo tiempo soy un DJ y me encanta estar con el público, comunicarme con la gente a través de la música. Echaba mucho de menos eso. Estoy muy contento de que Estados Unidos se haya abierto desde hace unos meses y de que Reino Unido esté a punto de hacer lo mismo. Sin embargo, es trágico que Europa no pueda quitarse esto de encima. Lo que más me duele es Ibiza, donde he organizado con mucho éxito mi “The Masquerade” en Pacha cada semana. Pero no nos demos por vencidos todavía, quizás las cosas se abran antes de lo que pensamos y nos veamos en la isla blanca muy pronto.

—GINA AGUSTINA VILALTA

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Fábrica de baile The Vaccines

#16 septiembre 2021

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EN PORTADA

E

Tras “Combat Sports” (18), The Vaccines trabajaron en un nuevo álbum que tenían listo en diciembre de 2019, pero que la pandemia dejó paralizado. O quizás no tanto. En todo caso, ya lo tenemos aquí. Además, “Back In Love City” (AWAL/Popstock!, 21) se sitúa desde ya entre los mejores trabajos del grupo británico.

—TEXTO Gina Agustina

STABA TERMINADO, pero lo terminamos de nuevo”, me comenta Justin Young, cantante y guitarrista de la banda londinense, a través de la pantalla de Zoom. “Back In Love City” se grabó en los Sonic Ranch Studios, en la sexta ciudad más grande de Texas, El Paso. El lugar debió ser inspirador, porque además de grabar el álbum allí bajo la producción de Daniel Ledinsky (Tove Lo, Carly Rae Jepsen) y la mezcla de Andrew Maury (Lizzo, Post Malone), la ciudad acabó dando nombre a la canción más calmada del disco.

—Pero a lo que íbamos, The Vaccines dedicaron el tiempo extra que originó la pandemia –y con ella la imposibilidad de girar por el mundo– a perfeccionar el álbum.

Grabaron un tema nuevo desde cuatro países distintos y trabajaron mano a mano con el productor y amigo Fryars hasta acabar de dar forma definitiva a su quinto hijo.

—La verdad es que The Vaccines entraron en España por la puerta grande. A la repercusión entre el público más inquieto de su fresquísimo debut “What Do You Expect From The Vaccines?” (11) le siguió la de “Come Of Age” (12) y el arrollador éxito de “If You Wanna”, una de las canciones de este segundo trabajo, formando parte de la banda sonora de un anuncio televisivo en 2014. Pero el grupo siguió madurando sin abandonar las temazos. Ahí están para demostrarlo “Handsome” o “Dream Lovers” de “English Graffiti” (15) o su reciente compilación “The Hits”, publicada este mismo 2021 junto a las demos de “What Do You Expect From The Vaccines?”.

—Y así llegamos hasta “Back In Love City”, que se publica oficialmente el 10 de septiembre, aunque The Vaccines hayan ido estrenando canciones como “Headphones Baby” o “El Paso”. El álbum nos muestra a la banda en un excelente estado de forma al tiempo que pone banda sonora a la ciudad del amor con el sonido más pulido al que hayan acudido hasta el momento, pero con la misma energía y efervescencia de siempre. Justin Young nos lo cuenta.

—¿Cómo es vuestra “love city”?

No estoy seguro, todavía estamos en desacuerdo. En mi cabeza es mitad distópica y mitad utópica. Una especie de Tokio conoce a Las Vegas. Como Sin City o Treasure Island, no lo sé [risas].

—“Back In Love City” es ligeramente diferente a los álbumes anteriores. Por ejemplo, “Paranormal Romance” tiene un aire western y “El Paso” es una canción más relajada que vuestro ritmo habitual. ¿Fue intencionado?

Supongo que uno siempre busca nuevas formas de interesarse, pero también de mantenerse igual. Nadie quiere hacer el mismo disco dos veces, así que buscas sonidos diferentes. Intentábamos averiguar lo que siempre ha sido nuestro núcleo, lo que es más The Vaccines. Pero también cómo podíamos presentar algo de forma nueva, interesante y creativa. Esa especie de sonido western y cinematográfico que se escucha en “Paranormal Romance” siempre ha estado ahí, pero varía. Nunca lo habíamos llevado tan lejos como en este disco, así que supongo que la respuesta es que sí.

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septiembre 2021 #17

“ “La música debería consistir en conectar”

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—¿Hay alguna conexión entre todas las canciones

de “Back In Love City”?

Se suele buscar un tema o un sonido para unirlo todo y que no parezca demasiado forzado y siempre llega.

Una vez que tuvimos el concepto de “Back In Love City”, que obtuvimos la paleta de sonidos western, todo pareció más fácil y vino sin esfuerzo. No fuimos preceptivos en lo que queríamos que fuera nuestra “Love City”. Así que, realmente, no es un disco de un solo concepto, son más bien diferentes conceptos los que están vagamente unidos por “Love City”, si es que eso tiene sentido [risas].

—Entiendo, pero ahora me gustaría que me dijeses cuál es tu canción favorita del disco.

Estoy muy orgulloso de todas ellas. Sé que eso es escaquearse, lo admito. Pero es que cambia según el día y hay momentos en cada canción que me encantan. A veces incluso olvido que ciertas canciones existen y luego las recuerdo y pienso: “Oh, me encanta”.

—¿Pero habrá algún motivo para que, habiendo trece canciones, hayáis elegido “Headphones Baby” o “Back In Love City” como primeros adelantos?

Si te soy sincero, es una de las pocas cosas a las que no damos mucha importancia. Los singles suelen decidirlos los mánagers y el sello. Pero creo que, una vez escuchas el álbum entero con atención, lanzar esas canciones cobra más sentido. No estoy seguro de si yo hubiese elegido esas, pero tampoco sabría decirte cuáles hubiera elegido en su lugar. No grabamos solamente una canción, sin que grabamos trece porque

#18 septiembre 2021

queríamos que la gente las escuchase todas.

—En “Headphones Baby” cantas “quiero vivir

dentro de tus auriculares”. Si pudieses escuchar a través de los auriculares de cualquier persona del mundo, ¿los de quién elegirías?

Pues la respuesta más honesta es que los de cualquiera que no sea yo. No sé si es la respuesta que estabas esperando, pero la idea de vivir en la cabeza de cualquier otra persona que no sea la tuya sería una fiesta, y una evasión.

—Teníais “Back To Love City” casi terminado en diciembre de 2019. Pero llegó la pandemia y todo el mundo se vio obligado a parar. ¿Este tiempo extra influyó de alguna manera en el álbum?

Sí, quitamos una canción del disco y metimos en su lugar “Paranormal Romance”. Escribí esta canción para el siguiente álbum, pero sentimos que realmente pertenecía a “Back To Love City”. La grabamos a distancia desde cuatro países diferentes.

También contratamos a nuestro amigo Fryars para producir de forma adicional aproximadamente la mitad del disco, así que estaba terminado, pero lo terminamos de nuevo. Ahora es un disco que suena diferente, sin duda.

—Volviendo al disco, ¿te sientes orgulloso de haber mejorado en este álbum?

Creo que he mejorado en las letras y, de hecho, creo que nos hemos vuelto más colaborativos como banda. En el disco se puede oír que no hay barreras y que todo el mundo se divierte libremente, se expresa y crea. Creo que todos hemos mejorado en

nuestros instrumentos y los trabajos de producción también han mejorado. Por eso seguimos siendo una banda, porque sentimos que estamos mejorando todo el tiempo.

—Podría decirse que, en el último año, la forma en la que la gente consume música ha cambiado mucho, especialmente con Tik Tok e incluso con los conciertos en streaming...

Bien, la industria musical está evolucionando constantemente como el mundo que la rodea. A menudo para bien, o a menudo para mal, la resistencia al cambio no favorece la situación. Así que tienes que decidir si eres una persona que va en el asiento de atrás o si vas al volante.

—¿Te sientes cómodo con la proximidad a los fans?

Me encanta la forma en la que la gente puede conectar de una manera en que no se podía antes. Cuando era pequeño, mis grupos favoritos como mucho tenían una dirección en la parte posterior del CD. Podías escribir una carta, pero nunca sabías si iban a verla y mucho menos leerla y responderte. Mientras que ahora la gente puede dejar un comentario en cualquier post y tener una comunicación directa con los demás. Es increíble y fortalece el vínculo entre el artista y el oyente. Pero supongo que eso viene con algunos costes ocultos y a veces hay una presión en ambos lados para dar un poco más de lo que quizás sería necesario.

—Entonces, en tu caso concreto, ¿esa comunicación la haces porque quieres o porque te lo aconsejan?

Es un poco de las dos cosas. Se nos aconseja que mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EN PORTADA DISCOGRAFÍA

What Did You Expect From The Vaccines (2011) En el universo de The Vaccines uno encuentra nexos de unión entre Ramones, The Jesus And Mary Chain, The Smiths, The Clash y Phil Spector con Glasvegas o The Drums, añadiendo algo de orgullo de gente corriente y cierta actitud punk. El resultado son un puñado de canciones que se escuchan con pasmosa facilidad y que se corean sin que uno se dé cuenta de estar haciéndolo, gracias a unos estribillos frescos y sin pretensiones ocultas.—JOAN S. LUNA

Come Of Age (2012) The Vaccines es una banda de singles, un grupo capaz de firmar varios hits por disco. No son los salvadores del rock, no son el grupo que cambiará las reglas de la industria o que dará un golpe de timón a las modas, pero sí son un grupo de pop que hace bien su trabajo, sin pretender ser nada que no sean, con honestidad y sin el forzado orgullo que propagaron algunas bandas inglesas años atrás. —JOAN S. LUNA

English Graffiti (2015)

lo hagamos, pero no lo haríamos si realmente ni quisiésemos. A mí no se me daba muy bien antes de la pandemia, pero lo agradecí mucho durante la cuarentena, porque todo el mundo crecía en esa conexión. Realmente siento que nos acercó a nuestro núcleo familiar. Tocamos en un concierto la semana pasada y de repente reconocí como a cincuenta personas en el público porque me había comunicado con ellas en el último año a través de Tik Tok, Twitter o Instagram. Creo que eso es algo increíble. La música debería consistir en conectar.

—Hacía casi dos años que no pisabais un escenario cuando actuasteis en el Latitud Fest. ¿Cómo fue volver a las andadas?

Fue especial y emotivo. Me hizo mucha ilusión. Todo el mundo había esperado mucho tiempo y creo que nos sentimos muy afortunados de estar allí con los demás. Parecía una celebración. Había un ambiente especial, sin duda.

—Hacer una gira por todo el mundo es casi imposible. ¿Cuándo os veremos fuera del Reino Unido?

Hay muchas cosas planeadas. Y estamos hablando todas las semanas sobre cuándo vamos a poder hacer cosas y dónde vamos a poder ir, así que espero de verdad volver a España y a Europa. Esta es nuestra vida, nuestro trabajo y nuestra pasión.

—G.A.

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The Vaccines confirman (parcialmente) estatus como una de las formaciones más fiables del indie-pop británico con su tercer largo. Presenta un mayor protagonismo de teclados y otros detalles tecnológicos. Un disco diseñado para conquistar estadios, algo lastrado por los recargos innecesarios. —RAÚL JULIÁN

Combat Sports (2018) Un disco gomoso como el mejor chicle, tan instantáneamente digerible como el mejor de los complejos vitamínicos, fulminante como un misil tomahawk. Puede que dentro de unos meses no lo tengamos bien presente en nuestro devocionario particular, pero qué más da. Ni falta que le hace. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Back In Love City (2021) Los de Justin Young no parecen uno de esos grupos que va evaporándose poco a poco, bajando peldaños hasta que nos olvidamos de ellos.

The Vaccines es una de esas bandas nacidas sin pretensiones de trascendencia, pero que ha conseguido mantenerse ahí a base de canciones. Y es posible que, en “Back In Love City” haya varias que merezcan situarse entre su repertorio más querido. Sin abandonar aquella efervescencia juvenil que antaño les caracterizó, ahora son capaces de sonar maduros sin que ello desmerezca su fórmula, y divertidos y frescos sin que ello desmerezca su madurez. —JOAN S. LUNA

septiembre 2021 #19

Joan Un tipo tranquilo Colomo

ENTREVISTA

A pesar de esa primera pregunta que estas a punto de leer, diría que Joan es un tipo muy elocuente, de un salvajismo creativo que desborda y se derrama por los flancos. Pura entropía artística que se define a cada silaba, que se autoprocesa a cada nota y se reutiliza en un todo caótico pero firme. Un talento inconmensurable que se lo guarda, un poco por miedo a cumplir esa autoprofecia de dejarnos a todos con cara de bobo. Lo demuestra una vez más con “Disc Trist” (B-Core, 21), su nuevo trabajo.

“A los humanos nos mueven las mismas pulsiones desde hace milenios”

#20 septiembre 2021

S

I TUVIERAS QUE HACERTE una pregunta a ti mismo, ¿por cuál empezarías?

Lo que me pasa con las entrevistas es que, si me leo, me odio mucho.

Entonces me preguntaría por qué eres tan idiota. Me salen ideas que no son bien bien las que tengo en el cerebro. Eso nos pasa a los que tenemos algún problema para conectar neuronas. Así que seria algo así: “¿tú eres así de tonto normalmente o solo lo eres en las entrevistas?”.

—Si te hubieran dicho cuando empezabas, que a los cuarenta harías un disco como “Disc Trist”, ¿te lo hubieras creído?

No. Nunca hubiera pensado que haría un tema medio latin o una canción como “Màgic”, que es folk pastel edulcorado. Con trece años hice mi primer grupo y era hardcore punk ibérico extremo, y toda la vida he estado con grupos que se gritaba en lugar de cantar.

Con Zeidun empezamos a introducir algo de melodía.

Entonces te vas haciendo mayor y vas ampliando tus horizontes musicales. Y claro, he ido quitándome prejuicios y a cada año que pasa nunca hubiera dicho que grabaría algo como lo que he ido haciendo.

—Me reconozco mucho en tus palabras y de paso contesto a tu primera pregunta: no eres idiota. Es curioso cómo el tiempo nos da la oportunidad de irnos abriendo, sacando rigideces y quitándonos

—TEXTO Andreu Cunill Clares —FOTO Rubén Cruz prejuicios. Entonces todo se flexibiliza más.

El problema (o no) es cuando solo tienes unos referentes y te gusta un género concreto y no te sales de él. Esto les pasa a muchísimos grupos que se ciñen a un genero o cambian para dedicarse a otro en exclusiva. Yo, con Zeidun y La Célula Durmiente, empecé a mezclar referentes y a cogerle el gusto al eclecticismo.

—Sienta bien ¿no?

Claro que sí. Y hacer algo que no es tu terreno, porque sino te pasas la vida haciendo lo mismo. Le coges el gustillo a salir de tu zona de confort. Aunque yo tengo la sensación de que llevo muchos años estancado. Sobre todo a nivel conceptual. Y esa sensación de escribir siempre la misma canción. Pero bueno, también es parte del proceso y me motiva intentar evolucionar.

—Es esa frase, ya arquetípica, que reza que, en el fondo, te pasas toda la vida escribiendo la misma canción.

Sí, sí… Incluso a nivel musical. Es que ya está todo hecho y tampoco hay tantas notas musicales. Y a nivel conceptual a los humanos nos mueven las mismas pulsiones desde hace milenios.

—En el conjunto de tu discografía veo “Disc Trist” como un disco inevitable. La tristeza, aunque característica tuya, esta vez ha cogido el mando de forma radical.

Hay un proceso inevitable de hacerse mayor. Lo que le pasa a la mayoría de gente es que se va haciendo conservador. Los que no optamos por esa vía, nos cuesta encontrar una posibilidad de cambio en la sociedad o una posible revolución. Los que hemos tenido un espíritu revolucionario, llega un momento, también provocado por la edad y la situación del momento, en el que cuesta encontrar motivos para la esperanza. Yo hace veinte años iba a repartir flyers al McDonald’s contra el consumo de carne para intentar acabar con la tortura mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

animal. Creía que las cosas podían cambiar. Hoy en día, cuando oigo que quieren reducir las emisiones un cuarenta por ciento, lo veo como ciencia ficción y, sobre todo, una gran mentira. Porque nadie moverá el culo para intentar nada. Y mucho menos las grandes empresas, que no cambiarán ninguna cosa que les impida generar el máximo beneficio.

—Creo que se tiene que ser valiente para validar la tristeza como emoción. O el miedo como es el caso de tu “Cançó de la por”. Porque vivimos en un mundo en el que parece que solo importe lo más frívolo y superficial y en el que mostrar las emociones sea un pecado o incluso algo contagioso. ¿Qué emociones, a parte de la tristeza y el miedo, son importantes para ti?

Lo que más me ha costado y que me ha supuesto quitarme un montón de vergüenza de encima, es hablar de la otra gran movida del hombre, que es el amor y la amistad. Cuando hice la canción de “Los amigos” tuve que trabajar mucho, porque soy muy vergonzoso y una de las cosas que más me cuesta exteriorizar es el decirle a alguien que le quiero o que le necesito.

—¿Y qué hay de otras emociones?

A veces tengo la sensación de ser un robot y un androide y algunas cosas humanas me cuestan mucho.

Hay muchos tabús en la sociedad y uno de ellos que nos cuesta hablar son las enfermedades mentales que tenemos todos.

—Al disco también le he encontrado una gran cualidad pedagógica que, sin ser nada pedante, anima al oyente a reflexionar y a pensar.

Primero de todo no acabo de tener muy claro cuál es mi discurso, pero sí que es verdad que yo soy hijo de maestros, nieto de maestros, hermano de maestros y seguro que hay algo que viene de serie. Estuve un par de años en la universidad estudiando filosofía y, aunque no salí del bar, las pocas cosas que aprendí y me leí, me hicieron ver la vida de una forma diferente y me enseñaron a intentar reflexionar acerca de las cosas.

—En “Cançó animada” dices que aprovechas la ocasión para decir que está todo a punto de acabar. Hay un toque apocalíptico, pero también hay algo de casero. ¿A qué te refieres con esto?

Es esa sensación del capitalismo tardío. Hemos vivido bastantes décadas de fiestón, entre los avances tecnológicos y una época en la que la clase media parecía que se comía el mundo. Una sensación de que todo era jauja. Y parece que esto llega al final, el final del sistema capitalista y se avecina como un cambio de ciclo terrible. Creo que la salida será muy difícil. Y esta es la idea del fin de fiesta de la que hablo. Es algo que durará. Creo que la agonía será larga. —A.C.C.

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septiembre 2021 #21

Hay algo que da más miedo que las vacunas

15 — 18 setembre 2021 DIMECRES 15

Coloma Bertran × Elkin Robinson × Esther El Petit De Cal Eril × Jansky × Lauren Nine × Lumi The Excitements × Sílvia Comes Theo Pascal-Quamundos2 feat Carmen Souza ONLINE

DIJOUS 16

Alanaire × Anna Ferrer × Astola Y Ratón × La Basu Ladaniva × Maria Pelaé × Marta Knight Roger Mas × Xan Campos

© PEDRO BALLESTEROS

Daniel Lumbreras × La Ludwig Band The Penguins Reggae Per Xics × Violeta Tello Grau Joana Serrat & The Great Canyoners

No tenerlas Envía VACUNAR al 28033

DIVENDRES 17

Albert Lax × Balkan Paradise Orchestra × Dois,Pois Cesk Freixas × Emlan × Enric Montefusco Flashy Ice Cream × Germà Aire × Intana Iván Sánjuan Cuarteto × Rodrigo Laviña Y Su Combo Laura Lamontagne & Picoamperio × Oques Grasses Taller de Músics Ensemble & Chano Domínguez Tltxt × Tribade × Zb·Yu·Ra

Con tu SMS, vacunarás a 3 niños contra el sarampión*

O haz un BIZUM al 38021

DISSABTE 18

Addaura Teatre Visual, Surrealismus Band i Músics de Blaumut × Ana Tijoux × Caïm Riba Birds On A Wire × Cala Vento × Five Chickpeas La Otra × Las Ninyas Del Corro × Manuel García Magalí Sare & Manel Fortià × Pale Moon Power Burkas × Suu × Zoo

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Donación íntegra del coste del mensaje, 1,20 €, a favor de Médicos Sin Fronteras.

Información legal y protección de datos: www.msf.es/tus-datos-personales.

23/Mondo VINILOS

Tom Morello & The Bloody Beetroots

Deafheaven Infinite Granite Sargent House

The Catastrophists EP Comandante LLC

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El esperado segundo álbum de Billie Eilish Billie Eilish

Happier Than Ever Interscope/Universal

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POP / Nada empezó con la portada de Vogue.

Sorprenderse por el cambio estético que Billie Eilish ha expuesto en las últimas semanas, es como petrificarse porque el sol vuelva a salir una mañana más. Es comerse el sapo del marketing editorial. La capacidad de sorpresa, la sinceridad y la valentía, la americana la tiene desde que se dio a conocer. Aquel print fue solo una constatación. “When We All Fall Asleep, Where Do We Go?” (19) ya era un disco que hablaba básicamente de pesadillas y miedos.

Y miedo e inseguridad son llave y cerradura.

No tienen sentido el uno sin el otro. El segundo disco de Billie Eilish, “Happier Than Ever”, sigue transitando la honestidad brutal. El finísimo hilo entre el bloqueo, la autoexploración, la aceptación y el cambio. Lo que hace la ganadora de cuatro Grammy a los diecinueve años es ultra contemporáneo. Algo a halagar a la generación zeta: la gran diva de esta década no tiene bozal y sí mucho altavoz (redes).

Ahora para más públicos incluso, de ahí la importancia de la expansión de su mensaje: lidia con una tirante relación –confesó en The Guardian– con su cuerpo, lastrada por el patriarcado, y por la crueldad en Internet. Lo refleja en sus canales, en sus declaraciones, y claro, en

su música, donde salta el solipsismo. Se alzó y dejó atrás modelos industriales terribles como los que padecieron –confesiones recientes– Britney Spears o Christina Aguilera.

La americana siempre se ha mostrado en su versión completa. No hay cambio, hay evolución: lo extraño hubiese sido que siguiera desayunando arañas. ¿Seguirán los jóvenes acompañándola en su transformación? El tiempo dirá. Por ahora, la diferencia de reproducciones entre sus temas más canónicos (“Therefore I Am”) y los que menos, es grande. Pero “Happier Than Ever” quiere algo más que alimentar al bicho.

“My Future”, de los primeros singles, y que sí está por encima de los doscientos millones de reproducciones, es el puente ideal entre el segundo disco y los futuros –en plural– de la americana: ¿Una Eilish más cercana al soul de Amy Winehouse?

El segundo tema del álbum sí hace uso de un medio glitch, el sonido incómodo que la aupó hace un par de años y que despistó a todos los nacidos antes del año 2000. Ese nuevo pop. Emo. Electrónico. Raro. Una extrañeza en el auricular que descansa hasta “Oxytocin”, tan del agrado de Finneas, aliado único en su música. El disco tiene algunos valles, pero no pierde identidad: la forma de proyectar, ese diafragma cerrado, alicaído, tiene mucha culpa de ello. La segunda parte de la hora de grabación redunde en algunas informaciones: la idea se entendería con menos barras. De “Lost Cause” en adelante hay mucho autoregalo. Pero quién puede impedírselo a toda una artista de portada.

—YERAY S. IBORRA

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ROCK / Era obvio. Esta ines-

perada colaboración iba a tener momentos de punch explosivo y energía desbordante, combustible de oídos acostumbrados a las producciones más bestias de la actualidad –hablando en términos de impacto sonoro–. Pero esta no es la única característica de este EP combativo y ruidoso: aquí aparecen varias señas personales tanto del creativo guitarrista de Rage Against The Machine como de Sir Bob Rifo, responsable de The Bloody Beetroots. ¿Es esta una buena noticia? Bueno, según cuánto te molen los cánticos de estadio y esa extraña manera de coquetear con lo kitsch (y rozar lo hortera) de Rifo o las aventuras de cantautor acústico de Tom Morello. “The Catastrophists EP” tiene de todo, desde momentos de fuerza sobrehumana y grandilocuencia conmovedora a arreglos e ideas sonrojantes. —ADRIANO MAZZEO

ROCK / Deafheaven se tiran a la piscina con los ojos cerrados y sin saber la profundidad del agua. En 2021 Deafheaven vuelven con “Infinite Granite” y de un plumazo quitan (casi todo) el black metal de su fórmula y se quedan con el shoegaze. Pero el oficio compositivo funciona y este trabajo, formado por nueve canciones que promedian los cinco minutos, es de una destacable coherencia. El hilo que conduce su fría e intimista energía es el de la emoción y la belleza de los acordes menores. Las climáticas guitarras se hermanan con sintetizadores sugerentes, la batería cumple una función casi melódica, completamente al servicio de la canción y las voces, que sueltan unos pocos y efectivos growls en toda la placa, crecen exponencialmente tema a tema mostrando versatilidad y sentimiento genuino. —ADRIANO MAZZEO

8

Mayhem

Rauw Alejandro

Atavistic Black Disorder/ Kommando Century Media

BLACK METAL / Como todo el mundo, Mayhem se vieron obligados a parar en seco su actividad a causa de la maldita pandemia. A ellos les pilló en medio de la gira de su excelente “Daemon”. Aprovechando el momento dulce compositivo, Mayhem grabaron unos cuantos temas que no llegaron a colar en su anterior obra, pero que hábilmente han aprovechado para sacar en este EP. Tres pelotazos de auténtico black metal noruego en la cara A y cuatro versiones punk en la B. “Voces Ab Alta” abre el disco en la más pura tradición Mayhem, con su habitual ambiente malsano.

Los otros dos cortes propios, que ya habían visto la luz como bonus tracks de su anterior álbum, se nos antojan algo menos punzantes. En las versiones rinden homenaje a Discharge, Dead Kennedys, Rudimentary Peni y Ramones.

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—UNAI ENDEMAÑO

Vice Versa Sony Music Latin

REGGAETON / Rauw Alejandro sorprende al mundo con el mejor disco de reggaeton de los últimos años.

Sin renunciar a la diversión, la sensualidad y al baile, Rauw Alejandro ha conseguido aportar al género el cambio de sonido que otros como Bad Bunny no llegaron a concretar con éxito.

El disco es una verdadera gozada. Uno cree estar escuchando reggaeton pero aún así sabe que está ante algo nuevo. No es solo el éxito de mezclar el perreo con el nuevo pop electrónico, es algo más. Una actitud y una determinación a convertirse en heredero de los grandes y volver a poner a la gente a bailar y a cantar. Rauw Alejandro, sin duda, lo ha conseguido. “Vice Versa” es un disco tan bueno que puede que dentro de años se vea como el cambio de trono en el mundo del reggaeton.

8

—LUIS M. MAÍNEZ

septiembre 2021 #23

MONDOVINILOS

Vince Staples Vince Staples Blacksmith Recordings/ Motown

Rodrigo Amarante presenta un disco mayúsculo Rodrigo Amarante Drama Polyvinyl

9 POP / Más preocupado por su arte que por su parte, tan solo pendiente de las musas y no de los dividendos del mercadeo de tendencias, el músico brasileño se toma con mucha calma su trayecto en solitario: este “Drama” llega ocho años después del excepcional “Cavalo” (Som Livre, 13), pero bienvenida sea la espera cuando sirve para madurar un trabajo que reescribe sobre aquellos logros de forma sobresaliente. La música de quien fuera miembro de Los Hermanos, la Orquestra Imperial, la banda de Devendra Banhart o Little Joy (junto a Fab Moretti, de The Strokes), gestada desde su atalaya en Los Ángeles, evoca otra era y otro lugar. Transmite la magia escurridiza de esos sonidos que no encajan en cuadrículas espaciales ni temporales. Una bellísima melancolía que emana de su condición de consumado artesano de la canción e incluso maestro de la propia vida. Aunque, ojo, porque “Drama”

Tom Odell

Stone Giants

Monsters Sony

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POP / Cuando eres músi-

co, una buena forma de afrontar emociones fuertes es componer un nuevo disco, y eso es lo que ha hecho el británico Tom Odell en su cuarto larga duración. Después de haber sufrido varios problemas de ansiedad, el cantante ha querido expresar sus preocupaciones a través de estos dieciséis temas, cosa que le ha ayudado a sobreponerse y dar un paso adelante. En este álbum experimenta una versatilidad que se mueve desde el sonido más característico del británico con su piano como “Streets Of Heaven” o “Lose You Again” a otro más tecnológico y actual como “Country Star”. Sin embargo, hasta el popular single “Numb” incluye ritmos más novedosos de lo habitual.

Tenemos a un Odell que juega más sumergiéndose en ritmos electropop con los que no había experimentado anteriormente. Odell ha conseguido redondear un álbum que abre las puertas a nuevas oportunidades para que el artista refleje sus cambios personales.

—VÍCTOR TORTOSA #24 septiembre 2021

no es un drama. Es un dramón. No en el sentido tremendista, sino en el de obra mayúscula. Por acotarse entre un inicio (los aires de desconcertante y espectral banda sonora perdida en el arcón de los tiempos del tema titular) y un final (la impresionante letanía al piano que es “The End”) formidables, y por todo lo que esconde entre ambos: ya sea el tropicalismo sui generis de “Maré” o “Tara”, el plácido arrullo folk de “Tango”, la cadencia de bossa nova de “Tara”, el sosiego de soul ascético en “Tao”, la

EXPERIMENTAL / El multifacético Amon Tobin reaparece bajo el alias de Stone Giants. Mediante su sello, Nomark Label, publica esta seguidilla de composiciones incidentales que bien representan al nombre del proyecto: piezas que imponen como un gigante de piedra, con parsimonia eterna y presencia subyugante. Estas historias de amor, etéreas, indefinidas, se entregan en formato de combinación entre maquinaria musical y voz humana. Los sonidos orgánicos representan capas del mismo modo que lo hacen los sintéticos, dando forma a un disco que ofrece placer desde lo intimista y contemplativo.

Tobin considera al disco como una oda a la entrega por amor: siempre es preferible quedar en evidencia a no abrirse a un sentimiento. Ese motus lo deja parado frente a un gran caudal de libertad que administra magistralmente en estos cortes, que también funcionan como otra pieza del rompecabezas que es Nomark. —ADRIANO MAZZEO

7

POP / Hasta cuatro años

hemos tenido que esperar por el debut de esta prometedora formación madrileña. Ahora que “You Know Nothing About War” ya está entre nosotros, lo primero que cabe destacar es lo expuesto ya desde la primera muesca aquí prendida, por medio de “Bridges”: su modélica integración entre pulsión trip-hop y texturas orgánicas de poso synthwave. Bajo este modelo de conducta, crece la voz torrencial pero sedosa de Marta Brandariz, también revestida por técnicas de producción trap, como puede ser en algún momento muy puntual de “Demons Grow”.

Los extremos instrumentales cosidos por Javier Martín también incluyen colchones de morfología ambient y todo un maletín de soluciones tecno, en clave gótica. Así, estas nueve canciones avanzan seguras de sí mismas por medio de un trayecto donde también resulta básico enunciar el flow R&B siglo XXI impuesto por Marta, inconfundible en “Still Don’t Know My Name”, la pieza más rutilante del lote. —MARCOS GENDRE

Lingua Ignota

Pandemønium Broken Clover Records

You Know Nothing About War Faneca Music

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POST-HARDCORE / Cuatro

años les ha llevado a Borja Martín Andino y Óscar Moreno (más conocido como Ojo) llevar a buen puerto su primer álbum, tras un split y un EP autoeditados. Grabado entre 2019 y 2020 en el estudio de Ojo El Purgatorio de Madrid, masterizado en Atomic Garden por Jack Shirley (Deafheaven) y publicado por el sello de San Francisco Broken Clover, el álbum ha salido editado en doble vinilo a 45 rpm, lo cual da bastantes pistas acerca del interés del dúo por hacerlo sonar lo mejor posible. El sello norteamericano, que ha publicado también material de Agrio, nos da pistas acerca de lo que nos vamos a encontrar en una obra tan singular como ambiciosa. El dúo tiene como referentes la estética desnuda, visceral y recia del post hardcore norteamericano más agreste, y el sonido sin artificios de la escuela Albini. Los bucles obsesivos y la tensa intensidad eléctrica de Swans o de Sunn O))).

Un álbum tan misterioso como lleno de aristas, oscuro en lo musical, pero también en lo lírico. —JC PEÑA

RAP / “I just wanna sleep

sound, don’t wanna dream ‘bout the shit I done did”, lanza Vince en “Take Me Home” uno de los temas centrales de su nuevo álbum homónimo. El rapero nos tiene acostumbrados a abrirse por completo en cada trabajo que nos regala. Pero, jamás desde una perspectiva tan formal y cruda como lo ha hecho esta vez a través de su nuevo proyecto. “Vince Staples” es el reflejo de todos los agujeros de bala que ha ido acumulando con el paso del tiempo.

Heridas, inseguridades, miedos, certezas y paranoias que han construido su personalidad a día de hoy. Una lectura sobre la búsqueda de la aceptación popular, sobre la importancia de la lealtad hacia los tuyos, la fama y lo que cuesta la libertad (“Man, free all the homies, y’all know what it is”). Si “FM!” era el disco perfecto para colar a Vince en cualquier fiesta, esta nueva entrega está destinada abanderar un sonido más clásico, a la intimidad y a conocerle a través de sus cicatrices. —ÁLEX JEREZ

+øc

The Low Flying Panic Attack

West Coast Love Stories Nomark Label

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saudade infinita de “I Can’t Wait” o el troquelado herrumbroso con molde norteamericano pero con giro afrobrasileño de “Sky Beneath”.

Pero, por encima de consideraciones estilísticas, impera su sello. El amarantismo. Puro y duro. La vaporosa pátina que hermana un cancionero que parece que provenga de otra dimensión y que debería seducir a los ciento veinte millones de personas que alguna vez escucharon en Spotify “Tuyo”, su canción para la serie “Narcos”. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

8

Sinner Get Ready Sargent House

8

ROCK / En esto de reseñar

música hay distintos canales de complejidad. Hablar de una obra como “Sinner Get Ready” de Lingua Ignota es como intentar explicar un fenómeno natural. Hay que ser muy cuidadoso cuando se comenta un trabajo en el que el artista busca desesperadamente su exorcismo.

Aquí Kristin Hayter desarrolla su propia liturgia con los elementos musicales que se le conocen y con los que no. Su condición de víctima de violencia doméstica tiñe todo el encare de su música y cada intención, ya sea con estética de rezo o con un growl de death metal por todo lo alto, intenta quitar frustración y seguir el ejemplo del tipo de gente que le emociona y que ella misma es: quienes no se dan por vencidos y aún navegando en las penumbras, siguen intentando salir a flote. Así es. Los supervivientes son los dueños de estos himnos. En esta ocasión su escuela musical clásica predomina sobre los arrebatos de géneros más modernos. —ADRIANO MAZZEO

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The Flaming Lips

Sob Rock Columbia

The Soft Bulletin Companion Warner Bros

POP / “The Soft Bulletin Companion” incluye trece rarezas de la ya mítica troupe liderada por Wayne Coyne., en una colección datada en la segunda mitad de los noventa y en torno a “Zaireeka” (97) y el clásico “The Soft Bulletin” (99). El lanzamiento encierra así –en un cajón de sastre apropiado para la alocada filosofía lucida siempre por The Flaming Lips–, tomas alternativas, remezclas y caras B que, dada la mencionada naturaleza del grupo en cuestión, funciona en su anárquico devenir y alberga no pocas joyas de consecuencias alucinadas. Con un contenido concretado en esa psicodelia alucinógena de efectos balsámicos que tan bien maneja el grupo de Oklahoma, la referencia cabe entenderse como probatura, capricho o borrador de lujo, pero en conjunto deriva en curiosidad no exenta de interés. Aunque en realidad y con poco disimulo, este producto está pensado, sobre todo, para ese tipo de fan completista y voluntarioso en extremo que resulta insaciable. —RAÚL JULIÁN

7

4

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Sparks

Annette Sony Music

The Long Goodbye. Live At Madison Square Garden Warner ROCK / Hasta ahora, por lo

que respecta a discos en directo, los lcdheads nos habíamos tenido que contentar con “London Sessions” (11) y “Electric Lady Sessions” (19), grabaciones que nos permitían acercarnos algo a lo que la banda de James Murphy ofrecía sobre el escenario, pero que al mismo tiempo se quedaban muy lejos de lo que estábamos acostumbrados a vivir en sus noches gloriosas.

Así que nada que ver, en realidad, con este monumental “The Long Goodbye. Live At Madison Square Garden” (cinco vinilos o tres compactos), sin lugar a dudas uno de los mejores discos en directo publicados en los últimos años. ¿Y en qué me baso para afirmarlo, teniendo en cuenta que se trata del audio del concierto completo que dio pie al documental “Shut Up And Play The Hits”, editado con motivo de aquella separación que nos queda ya tan lejana? Pues sencillamente en que a lo largo de estas más de tres horas nos damos de bruces con una formación en estado de gracia, dándolo todo y dejándose llevar por la música. —JOAN S. LUNA

ROCK / Difícil nos lo pone

John Mayer en su octavo álbum. El problema no es que su aseadísima producción, responsabilidad de Don Was y pulcra hasta sobrepasar los lindes más elementales de la asepsia, sea de lo más convencional. Tampoco que sus referentes estéticos se anclen descaradamente al sonido de las FMs norteamericanas de mediados de los años ochenta. Ni que la proverbial materia blues, por mucho que fuera un blues liofilizado y de etiqueta, haya quedado diluida hasta su mínima expresión, tan solo advertida aquí en “Wild Blue”, apenas lo único reseñable de un álbum que se hace eterno.

Nada de eso tiene nada de negativo. En absoluto. El problema es que las canciones son anodinas, insulsas, terriblemente aburridas. A su lado, aquel “Continuum” (Columbia, 2006) que lo ensalzó a su particular cumbre es una obra maestra. Pero de largo. Media hora larga para invertir mejor en cualquier otro asunto.

LCD Soundsystem

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MONDOVINILOS

John Mayer

El disco reflexivo de The Killers B.S.O. / Absoluta locura la de Sparks desarrollando junto a Leos Carax un proyecto como “Annette”. A veces brillante, a veces tedioso y agotador.

Lo que en principio iba a ser un nuevo trabajo de los hermanos Mael, ha terminado siendo una película con Marion Cotillard y Adam Driver. La historia se nutre completamente de unos temas que bailan entre el melodrama, lo orquestal y el clásico tono glam y arty al que suelen recurrir los propios músicos. Un film tan libre como ahogado en el exceso de protagonismo del personaje de Adam Driver y su egocentrismo.

Y claro, algo parecido le pasa a la propia banda sonora. Menos mal, eso sí, que podemos disfrutar de Marion cuya voz cálida y poderosa tapa cientos de debilidades.

Posiblemente, el mejor momento, tanto de la banda sonora como de la película, llega con ese divertido inicio que es “So May We Start”.

El tema, por otro lado, con sonido más clásico a Sparks de todo el álbum, con su toque new wave y su piano infinito. —ÁLEX JEREZ

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The Killers

Pressure Machine Island/Universal

7 POP ROCK / Con el silencio llegó la con-

tención. Con el confinamiento, la introspección. Con los estadios vacíos y los festivales en barbecho, el repliegue en los recuerdos de una infancia que transcurrió lejos de Las Vegas, en un pequeño pueblo (Nephi, cinco mil habitantes en Utah) del medio oeste norteamericano. Quizá es lo mejor que podía pasarles a Brandon Flowers y compañía. Es casi imposible leer este disco sin saber lo que ha ocurrido en el último año y medio, sin pasar por alto que no nació para ser coreado por miles de almas con los brazos en alto. No es de extrañar que sus referentes literarios sean John Steinbeck y Sherwood Anderson. Podría ser su propio “Nebraska” (Bruce Springsteen, 82). De hecho, la inaugural “Western Hills” (que se arranca con solo piano y mandolina) suena a a U2, Springsteen y Ryan Adams, todo junto. Pero tiene su parte de espejismo. Aspira más bien a ser su “The Suburbs” (Arcade Fire, 2010) particular. Y tal y como lo han

resuelto, es su mejor disco desde “Hot Fuss” (2004), si bien el listón no era precisamente infranqueable. Ni de lejos.

El tono es reflexivo, a veces hasta costumbrista. Mayoritariamente acústico. Focalizado en esa Norteamérica rural repleta de perdedores vocacionales, frustraciones, alcohol y su pizca de violencia. Se suceden los monólogos y diálogos de esa gente común, a modo de interludio entre canciones.

Es la épica de siempre, pero más atenuada que nunca. Nada urbana y muy campestre.

Tan bien embridada que no atosiga, apenas empalaga. Hasta la colaboración de Phoebe Bridgers en “Runaway Horses” supura una discretísima naturalidad.

A Brandon Flowers le han sentado bien los cuarenta, y su proverbial derroche de grandilocuencia, tan de parque temático para el mínimo común denominador, aquí no suena (por fin) a cartón piedra. Por mucho que este álbum seguramente no vaya ni a entusiasmar a su base de fans ni tampoco a granjearles nuevos adeptos entre quienes siempre les mostraron aversión: tiene visos de quedarse en tierra de nadie. Algo así como su disco de culto, si es que eso es posible.

Pero, ¿lo dijimos ya? Esta es la mejor versión posible de The Killers a estas alturas de su película. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

septiembre 2021 #25

Compon Jungle en estéro ENTREVISTA

Si hay un grupo que define la escena electrónica británica actual (y, en especial, la londinense), ese es Jungle. El dúo formado por Tom McFarland y Josh LloydWatson se encuentra a punto de publicar su tercer álbum, “Loving In Stereo” (AWAL/Popstock!, 21), y de comenzar uno de los períodos más emocionantes de su carrera.

“ T “Cuando eres joven haces la música que crees que te har á famoso”

#26 septiembre 2021

RAS “JUNGLE” (14) y “For Ever” (18), Jungle encaran el lanzamiento de “Loving In Stereo”, su primer trabajo completo en casi tres años, que llegará a las tiendas de todo el mundo y plataformas digitales el 13 de agosto. Con un establecido arte minimalista en lo referido a las portadas de sus álbumes, McFarland y Lloyd-Watson hacen su exhibición artística en su música y sus vídeos musicales, los verdaderos pináculos de su trabajo. Una prueba de ello han sido los últimos singles del grupo, “Keep Moving” y “Talk About It”, que sirven como avance de lo que está por llegar: un excelente diseño de producción en sus videoclips (dirigidos por el propio Josh), equipos de coreógrafos profesionales y grupos de bailarines experimentados y una música que se mueve entre la electrónica y el neo-soul bailable. Así son Jungle, una mezcla de todo eso y de una filosofía musical que tiende puentes entre lo viejo y lo nuevo.

Me cito telemáticamente con Tom McFarland y converso con él sobre influencias, la escena musical londinense y la electrónica en estos tiempos de cambio. Desde un primer momento se puede percibir:

—TEXTO Hugo Sánchez Ruiz —FOTOGRAFÍA Anna Victoria Best No viene a vender su álbum, sino a hablar de música con la misma pasión que el chaval que comenzó su trayectoria en Shepherd’s Bush hace ya casi veinte años.

—Han pasado casi tres años desde vuestro segundo álbum, “For Ever”. Asumiendo que os gusta tomaros vuestro tiempo [cuatro años entre sus dos primeros álbumes], ¿cuál es vuestro proceso de selección de canciones que van a formar parte de vuestros nuevos proyectos?

No creo que haya una cronología específica. Mucho de nuestro 2019 fue el proceso de poner en común ideas, ver cuáles iban a funcionar juntas y hacer los últimos toques. Así fue como en diciembre de ese año entramos en The Church Studios, que es un lugar muy agradable del norte de Londres. Juntamos un coro de cantantes porque teníamos muchas ideas que sentíamos que necesitaban esa energía vocal. Queríamos transmitir la pasión, la intensidad. Creo que fuimos bastante valientes haciendo este álbum y reuniendo al coro o al conjunto de cuerdas para que interpretaran nuestras ideas. Así es como terminó siendo.

—He escuchado cómo en el pasado habéis hablado de la presión del artista cuando publica su segundo disco. ¿Cambia la situación con el tercero? ¿Os pone nerviosos cómo el público lo va a recibir?

Este lugar es algo así como lo opuesto al lugar en el que estábamos mental y emocionalmente cuando hicimos nuestro segundo disco, ya me entiendes. Este álbum es una verdadera representación de nosotros mismos y creo que eso viene de la confianza y la convicmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

niendo o

ción, del espíritu de creer en lo que haces. La gente tiene opiniones, está claro, pero cuando amas algo otras personas lo van a amar también. Eso es lo más importante, que te guste lo que hagas. En cuanto al sonido, hemos ido mucho más allá de lo que pensábamos que íbamos a llegar en términos de producción y estética.

—Recientemente habéis dicho en una entrevista que “Loving In Stereo” supone para vosotros llegar al sonido que imaginasteis para Jungle desde el principio. ¿A dónde se va desde aquí?

No lo sé, probablemente a algo completamente distinto. A lo mejor una nueva carrera. Igual me meto en el periodismo deportivo o acabo jugando al golf profesionalmente [bromea]. Tendremos que esperar a ver qué hacemos. Después de haber hecho este álbum quizás podemos llevar el sonido más allá o ir en la dirección opuesta y hacer algo muy raro y electrónico. Habrá que verlo.

—Hablemos del disco. El trabajo abre con “Dry Your Tears”, que, a pesar de su corta duración, es uno de los temas más atmosféricos del disco. ¿Fue concebida como una pieza introductoria?

Fue, de hecho, lo último que hicimos para el álbum.

Sabíamos que queríamos comenzar con “Keep Moving” y pensamos que sería increíble empezar con una introducción muy cinemática. Teníamos la idea para el plano que iba a abrir el vídeo de la canción, así que necesitábamos algo de música introductoria para él. Encontramos una melodía y unas cuerdas que habíamos grabado durante las sesiones y no utilizado y lo convertimos en esta increíble pieza que de forma hermosa desemboca en el inicio del disco.

—Es interesante que menciones la palabra “cinemático” porque para mí la producción de la canción tiene una dimensión atemporal. Podría haberse producido en cualquier era.

Sí, intentamos traer esa sensación de nostalgia en todo lo que hacemos pero siempre tenemos que hacerlo y verlo a través de una lente moderna. Al final estamos haciendo música moderna en tiempos modernos y con equipo moderno. Siempre hemos amado la forma en la que los artistas hacen ambigua esa línea de percepción entre lo que está hecho por un humano y lo que está hecho por máquinas.

—Tal como has dicho, la canción está directamente unida a “Keep Moving”, que ha sido uno de vuestros singles más exitosos. ¿Cómo de difícil es para vosotros hacer que las canciones fluyan y establecer un ritmo coherente y constante durante todo el álbum?

Creo que es bastante instintivo, pero obviamente lleva algo de tiempo. A veces tienes una idea sobre qué canción debería ir detrás de qué canción pero acabas terminando esa canción de una forma diferente o comenzando la otra de una manera distinta en la que no encajan. Josh y yo siempre estamos

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septiembre 2021 #27

EN PORTADA

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escuchando discos, ya sea el nuevo álbum de Eminem de principio a fin, “Dark Side Of The Moon”, de Pink Floyd, o “What’s Going On”, de Marvin Gaye… Esos trabajos tienen una narrativa muy fuerte que siempre nos ha inspirado y en la que siempre nos hemos sentido inmersos. Son años de estar escuchando álbumes que tienen esa sensación de cohesión y se acaba expresando en cómo hacemos nuestra música.

—Esa sensación de historia, ¿no?

Sí, definitivamente. Creo que no pensamos en ello necesariamente, que es algo algo así como una sensación, ¿sabes? Escuchas el final de una canción e instintivamente sabes qué canción quieres escuchar después.

—Escuchando “Loving In Stereo”, una de las preguntas que me vinieron a la mente fue: ¿Cuál es vuestra relación con el mundo de los samples y cómo la encajais en vuestra forma de componer?

Creo que el sampling es una parte masiva del ADN de la música moderna: desde el hip-hop a finales de los años setenta en América, cuando los músicos literalmente pegaban bucles en cinta, a ahora, cuando tienes miles de samples online y los sistemas para obtener derechos de sellos discográficos y autores son bastante simples. Me divierto con ellos, pienso que son geniales y creo que nosotros preferimos crear nuestros propios samples. Eso es lo que

#28 septiembre 2021

hacemos, realmente. Intentamos crear un sonido que luego podamos meter en un ordenador y hacerlo sonar como si procediera de un álbum antiguo.

—Siempre habéis intentado llevar vuestra música a la experiencia del directo con una banda completa. ¿Este nuevo álbum ha sido un desafío en ese aspecto? Decís que su música es el resultado de la espontaneidad del momento.

No sabría decirte. De alguna manera es más fácil porque hay muchas menos cosas ocurriendo, ¿sabes? Creo que hemos conseguido tener un impacto grande en algunos de los temas con menor instrumentación o menos partes. Hay un poco más de espacio en este álbum, pero sigue pisando fuerte. Es por eso que algunas de estas canciones se sienten más naturales en un escenario en directo. Hemos estado ensayando durante las últimas semanas con algunos de los nuevos miembros de la banda y pinta muy bien. La cuarta dimensión de Jungle es su audiencia y la experiencia del directo, de tener esas emociones compartidas. Estamos realmente esperando volver a hacerlo.

—Moviendo el foco a la estética de la “experiencia Jungle”, siempre habéis hablado de cómo el arte sencillo y similar de vuestros álbumes busca poner a la música por encima de todo.

Esto es interesante teniendo en cuenta que vuestros vídeos musicales son una gran parte de vuestro proyecto. ¿Es una gran mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ENTREVISTA

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“La cuarta dimensión de Jungle es su audiencia y la experiencia del directo”

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responsabilidad para vosotros producir piezas que estén a la altura de las canciones?

Supongo que sí. De hecho, hacer los vídeos es uno de los aspectos más divertidos y energizantes de estar en Jungle. Josh y yo siempre preferimos estar detrás de las cámaras, en la mesa de mezclas, en lugar de estar en el centro, y es por eso que los vídeos nos dan la oportunidad de disfrutar del proceso de producción. Se trata de trabajar con gente en la que crees. Tuvimos mucha suerte de trabajar con Cece Nama y Nathaniel Williams, que son los dos coreógrafos, y con el increíble equipo de bailarines que reunieron. Estos tipos están en lo más alto de su juego en la escena de la danza de Reino Unido. La actitud, la energía y la forma en la que reinterpretan nuestras historias en pantalla es muy notable. Siempre hemos querido tener esa continuidad durante nuestra carrera. Nunca haremos un vídeo en el que no haya baile, simplemente no nos parecería lo correcto.

—Este nuevo álbum toma prestado su nombre de una canción que Josh y tú escribisteis cuando teníais catorce años. Supongo que tendrá un valor sentimental para vosotros, pero ¿cuál es vuestra relación con el trabajo que habéis realizado en vuestro pasado lejano? ¿Podría ese tema estar en este nuevo disco?

No [risas]. No sé, cuando eres joven haces la música que crees que te hará famoso, ¿sabes a lo que me refiero? Eres ingenuo y en ese momento no has desarrollado tu propio sentido artístico. Tiendes a copiar a otras personas a las que admiras y te inspiran, y es por eso que sentimos que Jungle era lo correcto.

Era la primera vez en la que verdaderamente nos quitamos la sensación de que teníamos que hacer cierta música para entrar en determinado género o escena.

—¿Han cambiado en estos últimos veinte años esos nombres que os inspiran y a los que admiráis?

Sí y no. Pink Floyd, Marvin Gaye o The Beach Boys han estado en mi vida desde que tengo diez años, ¿sabes? Aquellos álbumes siempre estarán conmigo.

Es por eso que mis influencias no han cambiado tanto, pero es obvio que escuchas nuevas cosas y descubres mucha más música. Especialmente gracias a la forma en la que funciona Internet. Mi acceso a discos de todo el mundo es mucho mayor que el que tenía cuando era un niño. Supongo que tengo más influencias pero a la vez siguen siendo las mismas.

Simplemente se trata de cómo las reinterpretas a tu manera.

—¿Y de vuestra escena en la actualidad? ¿Qué artistas contemporáneos a vosotros me podrías decir que suenan a la “música del futuro”?

Hay un grupo increíble de Los Ángeles llamado Gabriels que acaba de lanzar una canción que se llama “Love And Hate In A Different Time” y están

consiguiendo algo de atención. Son increíbles. Hay muchas cosas buenas saliendo de Londres ahora mismo. Hay una cantante llamada Lava La Rue que tiene un tema llamado “Magpie” y es genial. Es una de esas canciones que resuenan conmigo como londinense y que creo que captura la esencia de la ciudad. Me encantan las canciones que hacen eso, que atrapan un tiempo o un lugar. Esos son unos cuantos ejemplos.

—“Romeo” es vuestra primera canción que incluye una colaboración oficial con otro artista, el rapero Bas. Es una de las canciones de vuestra discografía con mayores reminiscencias hip-hop. ¿Cómo surgió aquello?

Bas es realmente un amigo al que conocimos en el backstage de un festival de Nueva York, en 2018.

Volvió, pasó el rato con nosotros y nos llevamos muy bien con él. Fue agradable conocer a un tipo guay que quería charlar sobre música y pasarlo bien.

Entonces estábamos terminando el álbum a finales de 2019 y nos escribió diciendo que estaba en la ciudad. Afortunadamente ese día nos encontrábamos en el estudio y le acogimos. Hicimos esa canción y fue muy rápido. Era como “hagamos algo que sea divertido y guay”. Supongo que eso refleja nuestra relación con él.

—Vuestro álbum “For Ever” y este nuevo “Loving In Stereo” cuentan con la fuerte presencia de Dean Josiah Cover en el campo de la composición y la producción. A pesar de que no forma parte de la banda, ¿cuál es su rol en Jungle y cómo funciona vuestro proceso con él?

Sí, él es alguien con quien colaboramos. Las canciones que terminaron en este álbum son las que amamos más de todas las ideas que hemos estado creando y acabando juntos durante los últimos dos o tres años. Así es como nuestro proceso funciona. Nunca pensamos quién hará qué. Tener esa fluidez en el proceso es muy importante para nosotros porque colaborar con nueva gente es educación. Aprendes nuevas cosas cuando trabajas con personas que no están en tu misma zona creativa.

—Sé que Josh y tú os conocéis desde niños y que debéis tener ya una química desarrollada a la hora de trabajar juntos. ¿Cómo enfrentáis colaboraciones externas con artistas con los que tenéis menos confianza?

Creo que simplemente es muy divertido. Y creo que Josh y yo estamos tan cómodos en nuestras propias pieles que esos momentos no son para nada intimidantes o preocupantes, sino emocionantes. Nunca sabes qué vas a crear con alguien y tomar algo de aire fresco con ideas frescas verdaderamente te mejora. Te convierte en una mejor persona y en un mejor compositor. —H.S.R.

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septiembre febrero 2021 #29

La pandemia de Coronavirus no ha detenido a Natalia Lafourcade en su proyecto Un canto por México ni lo que implicaba: la reconstrucción del Centro de Documentación del Son Jarocho, devastado tras los seísmos de 2017. Ahora presenta “Un canto por México II” (Sony, 21), que incluye colaboraciones con leyendas como Caetano Veloso o Rubén Blades.

—TEXTO Pablo Tocino

E

STE DISCO NO IBA A SER UN DISCO sino un concierto con causa, y al final dijimos que no lo íbamos a dejar solo en un concierto”. Esto comentaste en una entrevista promocionando el anterior volumen... pero al final ni siquiera ha sido solo un disco, sino dos. Y, por lo que dices, se te ve contenta con este álbum doble.

Muchísimo. Son dos volúmenes que fueron agarrando vida y que contienen mucha información, discos en los que hay música que le hace un homenaje a la vida pero también a la muerte. A la alegría pero también a la pena, al dolor. Es el canto de las mujeres, de la protesta, de lo místico, a nuestras leyendas y tradiciones... tiene tantos géneros mezclados y tantos mundos entrelezados... No sé, siento que son dos volúmenes muy densos, con mucha fuerza, muy de México. Un México de hoy encapsulado en estos dos volúmenes.

—Los beneficios vuelven a ser en gran parte para la reconstrucción del Centro de Documentación del Son Jarocho. He leído un poquito sobre el Centro, que no lo conocía, y veo que tiene una historia de casi veinte años de formación de músicos, de bailarines, de profesionales de la alfarería, de cocina y de saberes del pueblo de Veracruz.

Sí, es un espacio súper importante para la comunidad de allá. A nosotros nos tocó emprender esta aventura, esta misión de levantar de nuevo este espacio, que se vio dañado con los temblores de 2017. Es algo que nació de una tragedia, pero que hemos reconstruido desde el amor a la música y al trabajo de este lugar, y al hecho de ir vinculando mundos. El lugar está quedando precioso.

—¿Cómo se ha vivido allí (o cómo se está viviendo, porque no ha terminado) toda la crisis sanitaria, pero también económica y social, que ha traído la pandemia de Coronavirus?

Ha sido muy complicado. Por supuesto alteró los tiempos de construcción. Estamos yendo poquito a poco, pero ha sido increíble ver la fuerza de los trabajadores, cómo han querido continuar a pesar de todo. En México en general estamos yendo poco a poco, encontrando la manera.

—Me pareció muy interesante juntar a Rubén Blades y a Mare Advertencia Lirika en la misma canción, y el resultado tan bueno que tiene. Es juntar dos mundos, ¿no?

Sí, sí. Para mí era importante que en “Un canto por México” pudiésemos tener la presencia de grandes artistas consolidados, leyendas, que vinieran a darle fuerza y sustento a lo que estábamos haciendo, pero también era importante traer a artistas emergentes, que vienen ya ahí. Y quedó una pieza súper choncha. #30 septiembre 2021

Cancione con caus

—Con Drexler por ejemplo ya habías colaborado, pero hay artistas enormes como Caetano

Veloso o Rubén Blades con los que creo que es la primera vez que colaboras, ¿no?

Sí, y ha sido maravilloso. Ha sido disfrutar y agradecer, ha sido reposar y escucharlos. En otra realidad tal vez habría podido viajar a donde ellos estaban para grabar juntos, para cantar, para hacer visuales presenciales... Pero aquí nos tocó hacerlo en la distancia. Este tiempo ha traído el valorar las cosas, entonces yo agradecí que ellos estuvieran dónde estuvieran se dieran el tiempo y el espacio para hacerlo.

—La nota de prensa dice que “‘Un canto por México’” significa comunidad, unión de voluntades, trabajo en equipo”. ¿Estamos en un momento en que cuesta ver esto? Como que triunfa más el individualismo y el desprecio a la diferencia, en lugar de la unión. Lo pregunto también porque en canciones como en “Nada es verdad”, que recoges en este disco, hay un mensaje social muy potente.

Totalmente. Yo lo que rescato de los aspectos más poderosos de este proyecto es ver la fuerza de crear y de construir en comunidad. Hoy en día en el mundo que vivimos, lo que nos va a

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ENTREVISTA

es sa

Natalia Lafourcade ayudar a salir adelante es darnos cuenta de que existe una cantidad de universos que se contraponen, que existe tanta diversidad en el mundo, que cuando ves eso, lo reconoces y fomentas esa unión y unes fortalezas, surgen cosas maravillosas. A mí me tocó en este proyecto ser testigo de ello, por el hecho de tener tantos invitados pero también tantos géneros musicales, y que todo esto construye. Eso me hizo ver que, aunque uno va andando solito, lo que haces puede impactar en el mundo y en el espacio de otras personas.

—“Hasta la raíz” es una de las canciones más queridas por tus fans, y el año pasado cumplió su quinto aniversario. ¿Qué significa para ti cuando han pasado seis años de su publicación?

Siento mucha gratitud, como que “Hasta la raíz” se ha convertido en un tema que no puede faltar. Si hubiera una canción que constantemente va a volver a mi vida y me va a ayudar a andar y a aterrizar, sería “Hasta la raíz”. Tiene tanto significado, lo sigue teniendo, y yo sé que lo seguirá teniendo a lo largo de mi vida... Es una canción universal.

—Sacaste una versión de “Alfonsina y el mar” recientemente, pero no está en los volúmemondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

“Aunque uno va andando solito, lo que hace puede impactar en el mundo y en el espacio de otras personas”

nes. ¿Decidiste no incluirla, o es que nunca formó parte de este proyecto?

Desde siempre supe que no iba a estar. Llevaba mucho tiempo con “Un canto por México”, y sentía la necesidad de explorar otros mundos. Con “Alfonsina y el mar” quise regalarme, en ese mes de la mujer, poder sacar un tema que tiene que ver con la vida, con la muerte, con la feminidad, etcétera. Quería hacerle un homenaje a mi modo, y no formaba parte de estos volúmenes.

—Por lo que me cuentas, entiendo que no habrá un tercer volumen. El proyecto termina aquí, ¿no?

Así es. “Un canto por México” pretende ser esta estructura que apoye proyectos, entonces sí me gustaría hacerlos en el futuro e ir apoyando distintas causas, pero de momento tenemos que terminar el centro que estamos construyendo.

—Colaboras en este volumen con Mon Laferte, que justo publicó hace poco un disco en el que hacía también un homenaje a la música tradicional mexicana. Te quería preguntar si lo escuchaste y qué te pareció. ¿Qué te digo de Mon? Es una gran amiga, compañera, colega, la admiro, la quiero, la adoro... En este disco tenemos la dicha de tener dos canciones con ella. Mon es una de las mejores compositoras que tenemos en México hoy día, así que estoy muy feliz de tenerla aquí. Me gusta además que en el disco tengamos a una María Claver pero también a una Mon Laferte o una Silvana Estrada.—A.S.

R Más en www.mondosonoro.com septiembre 2021 #31

33/Mondo Media

LIBROS

Aunque parezca mentira se acaba de editar “la primera biografía en castellano de Frank Zappa”. “La música se resiste a morir: Frank Zappa. Biografía no autorizada” (Alianza Editorial, 21) acaba de publicarse y supone motivo más que suficiente para entrevistar a su autor, Manuel de la Fuente.

E

Manuel de la Fuente

Frank Zappa

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XISTÍAN LIBROS en castellano que se intentaban aproximar a ese genio llamado Frank Zappa, pero faltaba un libro que proyectara una imagen global de la dimensión de su figura y en el contexto en que lo hizo. Según su editorial estamos ante una “biografía artística, cultural y política de quien para muchos fue el mayor innovador de la música popular del siglo XX”. Y es que, en sus cerca de quinientas páginas, Manuel de la Fuente se sirve de la biografía de Zappa para narrar cuarenta años de la historia contemporánea, mirándola desde diferentes lugares, la política, la educación, la sociología o la psicología. Y cómo todo ello influyó en su obra.

El autor de “La música se resiste a morir” es Manuel de la Fuente Soler, profesor de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Valencia. Su investigación se centra en los efectos sociopolíticos de la cultura y ha publicado diversos textos sobre Frank Zappa, como “Frank Zappa en el infierno. El rock como movilización para la disidencia política” (06), y ha traducido las memorias del músico estadounidense (“La verdadera historia de Frank Zappa”, 14) y de su secretaria Pauline Butcher (“¡Alucina! Mi vida con Frank Zappa”, 16). Así que, quién mejor que él para hablarnos del libro y del personaje.

—¿Cuándo entra Zappa en tu vida?

Es difícil definir una fecha de cuándo empecé a escucharlo, pero sí de cuándo me entró el interés. Yo estaba estudiando Comunicación Audiovisual en Valencia y recuerdo una clase en el año 95 en que el profesor que daba análisis textual, nos ponía canciones de Frank Zappa para analizar ciertos aspectos de la sociedad. Eso me quedó grabado. A partir de ahí empecé a escuchar su música y aumentar mi admiración, no por una canción en concreto, sino más por el personaje y por lo que iba conociendo de él.

De lo que más me chocó fue su posicionamiento antiautoritarista o contra las drogas. Sobre todo esto último. Estaba a favor de la legalización, pero afirmaba que el consumo de drogas, no te libera, sino que te atonta, te alinea con el sistema. Eso me llamó tanto la atención que fui profundizando hasta el punto que fue el fundamento de mi tesis doctoral, que luego se convirtió en mi libro “Frank Zappa en el Infierno. El rock como movilización para la disidencia política”.

—A diferencia de ese libro, en este también está tratada la parte musical.

Aquel libro partió de una tesis dirigida a un público especializado de la universidad y quizás era algo áspero. Allí se hablaba de sociología de la música, y aunque para mí eso también es hablar de la música, estaba hecho desde el análisis textual de las letras. Evidentemente esta biografía no es un estudio musicológico de su obra. No era esa mi pretensión. No me ha interesado

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septiembre 2021 #33

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tanto hacer un estudio sobre los solos de guitarra, o qué técnica de guitarra utiliza, o qué pedales usaba, o cómo eran sus partituras. No es mi campo y ojala llegue alguien y lo haga. El mío va dirigido a un público más amplio. Es mi punto de vista sobre “la importancia del músico en su tiempo”. Es una biografía sobre su obra y vida privada. Aunque aquí la parte musical también está integrada. Se analizan los discos, se habla de los músicos y también de los estilos musicales.

—¿Qué vamos a encontrar sobre Zappa en este libro que no conozcamos?

Se cuentan bastantes cosas novedosas que antes no han sido contadas. Es el resultado de aproximadamente veinte años de investigación y de interés sobre el personaje. Tras mi tesis doctoral sobre el pensamiento político de Frank Zappa, y simplemente por afición, fui haciendo acopio de informaciones que me iba encontrando. En la universidad al ser profesores universitarios y por las condiciones de nuestro trabajo, tenemos acceso a una serie de fondos bibliográficos que permanecen solo para los investigadores. A partir de ahí elaboré una base de datos de unas 12.000 noticias de prensa con declaraciones de Zappa de diarios y revistas nacionales, pero también locales. Y asombrosamente encontré declaraciones que no habían sido publicadas antes. Él ha sido uno de los músicos más entrevistados de toda la historia. Tuvo una presencia constante en los medios de comunicación. Se presentó en el senado para discutir sobre la libertad creativa. Estuvo en debates televisivos para confrontar con los reaccionarios. Y lo utilizaba riéndose de todo ello en sus discos. Cuando vi que tenía toda esa información y no existía una biografía en castellano, me animé a hacerla y todo ello está reflejado en el libro que está repleto de humor y rigor, sin cargarlo de notas ni de erudición.

—¿Por qué ese subtitulo de “Biografía no autorizada”?

Siempre mantuve con Gail (la esposa de Zappa) muy buena relación y, tras su fallecimiento, lo mismo con su hijo Ahmet, que he entrevistado en varias ocasiones. A la hora de acercarme al #34 septiembre 2021

leyese “ Quería que el libro se viera tu como una novela que ativo” rr ritmo na libro, pensé que si quedaba claro que era una “biografía no autorizada”, eso me daría más libertad a mí y a la editorial, que por cierto me ha dado carta blanca total. De esta forma tendría más margen para ofrecer mi punto de vista, sin tener que recurrir a una supervisión posterior, lo cual hubiera retardado la edición. Y sin que ello supusiera una renuncia al acceso a las fuentes primarias. Por otro lado también quiere decir que la familia no tiene nada que ver con lo que se escribe en él. Ellos ya tienen el libro y no ha habido ningún problema.

—¿Está indicado tanto para el fan como para quien no lo conozca?.

Creo que sí y esa era mi obsesión. Quería que el libro se leyese como una novela que tuviera ritmo narrativo. Que interesase tanto a la gente que se acerca al personaje, como a la gente que quiere leer historia cultural del siglo XX. La pretensión es atraer al lector a un músico desconocido por el gran público, pero por otro lado satisfacer al fan más acérrimo, combinando el rigor en lo escrito y a la vez dándole un tratamiento divulgativo. He buscado un estilo ágil para que el lector se sumerja en el personaje. Y está explicado todo en contexto, porque Zappa lo requiere.

—Me parece muy interesante la lista de Spotify a la que se puede acceder desde el libro Es algo practico para la gente que es ajena a su universo musical. Así el lector puede escuchar las canciones de las cuales se habla en cada capítulo. Al final ha salido una lista de Spotify de más de siete horas.

—Cuando te preguntan por dónde empezar musicalmente con Zappa, ¿qué disco recomiendas?

Siempre digo “Joe’s Garage” porque es un disco accesible a la par de interesante. Vivimos en un mundo de la rapidez y velocidad y ese título es fácil de recordar. Zappa es un artista que produce mucha curiosidad, pero tiene una obra tan vasta y variada que necesita sumergirse en ella.

Si no te gusta, no pasa nada, pero si te gusta lo vas a disfrutar mucho.

—¿Conoces la razón por qué en varios de sus discos aparecía solo su cara?

Para mí era una estrategia de marketing. Él sabia que su imagen era poderosa. Matt Groening (creador de los Simpson y fan declarado de Zappa) afirmaba que esa imagen de Zappa con bigote y perilla era uno de los grandes iconos culturales del siglo XX. Aunque Zappa, demostrando inteligencia, no lo hizo en todos sus discos, en algunas portadas ni aparecía.

—¿Confirmaste que la frase mítica de “hablar de música es como bailar sobre arquitectura” no es suya?

No es de él. Es una frase que dijo Elvis Costello en una entrevista y también se le atribuye a Thelonious Monk. Creo que la confusión viene por otra fase que sí que dijo: “los críticos de rock son gente que no sabe escribir, entrevistando a gente que no sabe hablar, para gente que no sabe leer”. Ahí lo que hizo fue ridiculizar a la prensa rock de su país de una época concreta. Zappa nunca diría esa frase, porque él mismo en sus memorias hablaba de música. El capítulo más largo de esas memorias se titula, “Todo sobre la música”. O por ejemplo cuando lo entrevista Guitar Player, él habla de música y explica su obra musicalmente. Por todo eso, esa frase no casa con él.

—¿Es posible imaginar qué pensaría Zappa de lo que está ocurriendo en el mundo actualmente?

Es complicado. Como alguien me dijo hace poco: “sé lo que opinaría Zappa, lo que me gustaría saber es cómo lo habría dicho”.

—¿Quieres animar a posibles compradores del libro?

Puedo garantizar que, si alguien siente curiosidad por la figura de Frank Zappa y resiste las reticencias iniciales que lo catalogan como músico difícil, e invierte curiosidad y esfuerzo en ello, no se arrepentirá y accederá a todo un mundo fascinante de nuevas músicas y de nuevas maneras de pensar. Zappa requiere atención, dedicación y horas de escucha, pero la recompensa es un placer inmenso.

—MIGUEL AMORÓS

La música se resiste a morir: Frank Zappa.

Biografía no autorizada Manuel de la Fuente Alianza Editorial

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CINE Y SERIES Annette

A Classic Horror Story

Leos Carax

Roberto De Feo y Paolo Strippoli

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A PESAR DE UNA ESTÉTICA y una estrategia promocionales que provocaban interés desde el primer momento, “A Classic Horror Story” –como el propio nombre indica– es una historia básica de terror, con lo que hasta ahí no nos mentían. El problema es que las expectativas no se cumplen. Aunque no decepciona del todo, “A Classic Horror Story” no es capaz de sorprender. Moviéndose temáticamente en un terreno a medio camino entre “La matanza de Texas”, “Midsommar”, “El apóstol” o “The Wicker Man” y con un cierto aroma a la lejana “Tésis” de Amenábar, sin olvidarse de los slashers clásicos, la nueva producción italiana de Netflix, dirigida por Roberto De Feo y Paolo Strippoli, intenta tocar demasiados palos dentro del cine de terror y abarcar mucho.

La película nos cuenta la historia de cinco personas que viajan en una autocaravana por la Italia profunda y rural, con fines totalmente diferentes, pero a las que –para su desgracia– el destino acaba reuniendo en un terrorífico poblado. A

partir de ahí, “A Classic Horror Story” logra crear una sensación incómoda en el espectador durante una gran parte del metraje gracias sobre todo a su ambientación. El problema es que ni llega a dar nunca miedo a la altura de muchas películas de terror moderno de presupuesto similar y que sus escenas grotescas y escatológicas –más allá de la del banquete– no resultan memorables.

A pesar de su excelente banda sonora, su lograda ambientación y su paleta de colores, “A Classic Horror Story” no funciona como debería porque ni sus protagonistas provocan empatía, ni su posible doble sentido atrapa y ni la mitología que nos comparten crea verdadero interés. Eso vendría a decir que estamos ante una película de terror digna para pasar una aburrida noche de verano, pero que naufraga a causa de una ambición desmedida que acaba perjudicándola más de lo imaginable. Quizás las altas expectativas que nos habíamos creado hayan acabado afectando bastante a la sensación final. —ALEJANDRO TEIGA ROBLES

“ANNETTE” ES EL ÚNICO de los seis largometrajes de Leos Carax en que el director francés no firma el guion, sino que la autoría pertenece a los hermanos Mael (o, lo que es lo mismo, el grupo Sparks), quienes han compuesto una cuarentena de canciones, que son el motor narrativo de este musical oscuro e irregular. Tal vez por ello hay en ese guion algo de obra primeriza que ni siquiera Carax ha sido capaz de controlar: una voluntad de querer explicar muchas cosas, de no ir directo al grano. Así, el personaje de Annette, la peculiar hija de los dos protagonistas, que da título a la obra, no nace hasta los primeros cuarenta y cinco minutos de un excesivo metraje cercano a las dos horas y media.

Lo paradójico es que el film no puede empezar de mejor manera: un plano secuencia de los actores y los compositores cantando la estimulante “So May We Start?”, incitando al arranque inmediato de la acción. Una excelente introducción que promete demasiado y demasiado pronto.

Viuda Negra

Maricón perdido

Cate Shortland

Alejandro Marín & Bob Pop

7

8

EL ELEGIDO PARA PONER en pie “Maricón Perdido” tenía una tarea que impondría a cualquiera. Pero Alejandro Marín ha salido más que airoso de la aventura de contar la vida de Bob Pop. Si éste es su debut, agarrémonos para lo que viene. En la serie se relatan aspectos tan duros de la vida de Bob Pop como su violación en El Retiro, el acoso escolar, la violencia física y el desprecio de su padre, la relación asfixiante con su madre (grandiosa Candela Peña), el rechazo (el asco, vamos a hablar claro) por su peso, la adicción a ese sexo anónimo y deshumanizado, los problemas de salud y las dificultades que se derivan de la esclerosis, etcétera. Y todo esto se cuenta con tal naturalidad que no huye de los momentos que puedan parecer humor negro o en los que el público pueda llevarse una mala imagen. A que esta decisión funcione tan bien ayuda su estupendo reparto, desde el dúo protagonista de Carlos González y Gabriel Sánchez, la mencionada Peña, los rayos de luz que suponen los personajes de Miguel Rellán y Ramón Pujol,

o dos episódicas robaescenas como Berta Cascante y Júlia Molins.

Empezando por su propio título, “Maricón perdido” coge el insulto, el desprecio y el odio con los que parte Bob Pop y –a riesgo de sonar naif– los transforma en luz, en esperanza y en amor. En el amor de ese abuelo por su incomprendido nieto, en el amor de cuidados y “querer bien” que representa Miguel frente a lo que parecía la única opción pero, sobre todo, en el amor a uno mismo. Y esto último no va de chorradas neoliberales, sino de autoestimas inexistentes y búsquedas de validación en todo menos en ti, de algo tan sencillo como esa escena de “reconciliación” de Bob consigo mismo. Con ese niño pequeño que, joder, ya podría haber salido menos rarito, menos repelente, menos asqueroso, menos ridículo, menos gordo, menos maricón. Ya podría no haberte estropeado la vida. Cuesta que frases como éstas se vayan de tu cabeza, y por eso es tan bella esa escena.

Y por eso es tan bella esta serie.

—PABLO TOCINO

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La difícil tarea de conjugar los mundos creativos de dos artistas reconocidos – Sparks y Carax– lleva al director a un contraproducente ejercicio de irónica autorreferencia. Así, quien se ha caracterizado por crear historias de amor extremas como “Los amantes de PontNeuf”, ofrece uno de sus romances más neutros, falsos y pesados (posiblemente a conciencia), solo salvado por la música de Sparks. Afortunadamente, la niña nace y la película cambia. Se vuelve oscura, extraña, viva. La gran diferencia la marca la naturaleza cinematográfica de la criatura. Si bien es tan humana como sus padres en la ficción, Carax y su equipo deciden no utilizar un bebé real, sino una marioneta para representar la excepcionalidad de la cría, poseedora de un don cuyo ruin padre, un poderoso Adam Driver, querrá explotar comercialmente. La deriva turbia le permite a Carax crear sus mejores momentos visuales. En definitiva, un cuento moral que solo alcanza la cima cuando se vuelve perverso. —J. PICATOSTE VERDEJO

MARVEL STUDIOS REGRESA a la gran pantalla con “Viuda Negra” para presentarnos la verdadera historia de Natasha Romanoff. Han tenido que pasar once años para que podemos conocer aquellas acciones que llevaron al personaje que interpreta Scarlett Johansson a ser una vengadora. Una gran forma de cerrar su arco argumental ya que la actriz no volverá a interpretarlo de nuevo después de la polémica desatada tras su denuncia a Disney hace apenas unas semanas.

“Viuda Negra” es un soplo de aire fresco para Marvel, ya que abandona las fantasías de dioses y poderes mágicos para presentarnos una película más típica de espías, un tono totalmente distinto de la franquicia que sienta las bases de esta nueva fase que sucede al gran evento de “Vengadores: Endgame”.

Está repleta de momentos familiares, cómicos y de acción que hacen que no se haga pesada a pesar de sus más de dos horas de duración.

Aunque hay dos cosas negativas. Por un lado, las escenas de acción que llegan a excederse de fantásticas y algo

largas dentro de la trama. Y, por otro lado, Marvel vuelve a pecar de presentarnos a los villanos de la película como intranscendentes, algo que defrauda sobre todo con el mítico personaje de Taskmaster.

Por el contrario, lo mejor que nos ofrece son los nuevos héroes. La más relevante es Yelena Bolova, interpretada por Florence Pugh, que es la hermana adoptiva (y el relevo generacional) de la Viuda Negra, un personaje divertido que busca defender sus ideales y su familia, ante todo, y que regresará en “Hawkeye”, la próxima serie de Disney+.

Aunque tampoco pasan desapercibidos Red Guardian (David Harbour), y Melina Vostokoff (Rachel Weisz), los padres adoptivos de Natasha y Yelena que se descubren como algo más que dos grandes espías. Es una despedida agridulce para el personaje de Scarlett Johansson que, a pesar de firmar un filme bueno, diferente y entretenido y asegurar el legado de Natasha Romanoff, nos deja algo fríos por la forma con la que ha acabado con Disney. —ALEJANDRO CABALLERO SERRANO septiembre 2021 #35

LIBROS

CÓMICS Edita Sister Sonic, S.L.

Papeles Subterráneos

César Prieto, Manuel Moreno y Abel Cuevas Libros Walden

9 La publicación de “Papeles Subterráneos” –subtitulado “Fanzines musicales en España desde la transición al siglo XXI”– era algo necesario, y todas las bibliotecas deberían adquirir una copia de este libro orquestado como ejercicio de nostalgia bien entendida. Un tomo que reivindica el legado de los fanzines nacionales de temática musical (y por extensión de toda aquella subcultura surgida en torno a ellos), ubicando el origen a finales de los setenta y desglosando su posterior (e imparable) evolución. Un producto que en décadas pretéritas, y sobre todo en la era pre-Internet, resultó poco menos que imprescindible fuente de información para aficionados, con el valor latente de esos textos oficiosos, de alma underground y cuya única motivación parecía latir en el entusiasmo del editor.

—RAÚL JULIÁN Érase una vez en Hollywood

Quentin Tarantino Reservoir Books

7 Para ser sinceros, las primeras páginas de la adaptación a novela de “Érase una vez en Hollywood” no resultan nada prometedoras.

Soberbio guionista y estupendo director, como escritor anda bastante corto de recursos; su prosa es ramplona y abusa inmisericordemente de adverbios y adjetivos. No obstante, poco a poco, y a medida que la trama de la novela corrige o modifica y, sobre todo, amplifica y explica ciertos aspectos de la película, esta va ganando en interés. Tarantino está lejísimos de ser un buen novelista, pero tiene una capacidad casi infinita para tejer diálogos molones y concebir escenas distintivas y poderosas. Tarantino nos resitúa, cambia el orden de los acontecimientos, además de incluir muchas “secuencias” nuevas, que engrandecen aquello que vimos en los cines.

—JOSÉ MARTÍNEZ ROS #36 septiembre 2021

La carretera de los huesos Douek, Cormack & Birch Editorial Hidra/ Medusa

8

No siento nada,

Liv Strömquist Reservoir Books

8

No resulta sencillo asimilar toda la intensidad (brutal y por momentos mutada en pura angustia) que alberga esta magnífica e impactante novela gráfica firmada por Rich Douek (guion), Alex Cormack (dibujo y color) y Justin Birch (rotulación). La referencia presenta la cruda historia de Román Morozov, que escapa del durísimo gulag siberiano de Kolyma regido por Stalin. Es el inicio de una trama espeluznante, además de un relato de supervivencia extrema a medio camino entre terror, fantasía, drama y aventura. Un desarrollo que, dada su impecable y profunda materialización, se presenta como una secuencia tan lúcida y rodada que parece puramente cinematográfica. El volumen impacta exponencialmente, gracias a unas viñetas copadas sin tapujos por un realismo de lo más intimidante. —RAÚL JULIÁN Contrapaso. Los Hijos de los Otros

Teresa Valero Norma Editorial

9 Encomiable esfuerzo y excelente resultado el obtenido por Teresa Valero en este cómic que mezcla el thriller policíaco con la crónica social. Para su estreno como autora completa –es decir, guionista y dibujante– la madrileña ha optado por el género negro ambientado en la España de los cincuenta, en pleno esplendor de la dictadura. La cosa adquiere más salsa cuando nos convertimos en acompañantes de dos periodistas dispuestos a descubrir un entramado que va del asesinato de mujeres al contrabando de niños, sin tener muy claro por dónde tirará la historia. Uno de los grandes puntos fuertes de “Contrapaso” es como se mezcla esa historia truculenta y con puntos de sadismo, con una realidad social que muestra una España sombría, deprimida y miedosa. —EDUARDO IZQUIERDO

“No siento nada” se erige como una radiografía de la inherencia del ser humano y su sentir, tan inexplicable y tan difícil de entender. Sería, por así decirlo, la fuente de información a través de la cual damos sentido a la experiencia amorosa o desamorosa, más bien, para luego al final mandarlo todo a freír espárragos porque, ¿qué es eso en realidad? ¿Y cómo pueden unas teorías pretender comprender la magia de las emociones? Ese es el mensaje que Liv Strömquist manda en su última obra; nos aboca a una serie de hipótesis formuladas por filósofos como Eva Illouz o Byung-Chul Han para luego dejar claro que nada es seguro ni empírico. Que las personas reaccionan y sienten diferente entre sí por algún motivo oculto, casi místico.

Y el resultado es, por qué no decirlo, exquisito.

—JUDIT MONFERRER BARRIONUEVO El olvido que seremos

Tyto Alba Salamandra Graphic

8 El dibujante catalán Tyto Alba capta toda la emoción y el mensaje del libro de Héctor Abad Faciolince que adapta en unas ciento cuarenta páginas, sin restarle intenciones y, sobre todo, manteniendo todo el sentido de la obra en sus distintos vértices. Alba echa mano de largas citas de la novela para que no se le escape nada, al tiempo que trabaja duro en las expresiones faciales de todos los personajes.

Y eso es francamente importante a la hora de adaptar un libro en el que los sentimientos impregnan cada una de sus páginas. Si lo primero quizás podría llevarnos de forma equivocada a restarle valor al trabajo de Alba, lo segundo nos convence de su maestría para adaptar en viñetas la que es una de las novelas colombianas más exitosas de los últimos tiempos.

—JOAN S. LUNA

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