Revista MOR 11

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7

5 objetos rediseñados 5 New versions

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La pluma de Dante Dante’s pen

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Zombies

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El eterno regreso The eternal return

54

La historia sin fin The never ending story

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Gente 2.0 People 2.0

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La ciudad de la gente People’s city

80

Viaje a la edad media A journey to the middle ages

2 MOR

92

Juventus stadium

110

100

Evoluci贸n e innovaci贸n Evolution and innovation

Sergio

124

Alfred Fellinger

142

Eduardo Stupia

154

Miami

166

Desde el aire From the air

179

Beach drinks

186 Remakes MOR 3

Gustavo Abbate participates in this issue of MOR magazine with the Campari images, in our drinks section. He has an advanced technical degree in photography, specialized on illumination and photojournalism. He’s been working for Argentine graphic media for more than twenty years. His photos have been published by the Rosario/12 and La Capital newspapers in Rosario. He made several fashion productions for Perfil publishing house. He also worked for companies like General Motors, Budweiser, Heineken or Arnet, among others.

LEONARDO ANTONIADIS

ANDRÉS ABRAMOWSKI

GUSTAVO ABBATE Gustavo Abbate participa en esta edición de MOR con las imágenes del Campari, en nuestra sección de tragos. Gustavo es técnico superior en fotografía, especializado en iluminación y fotoperiodismo. Desde hace más de veinte años trabaja para medios gráficos en Argentina. Sus fotos fueron publicadas en los diarios Rosario/12 y La Capital, de Rosario. Realizó numerosas producciones de moda para la Editorial Perfil.

También trabajó en la imagen de empresas como General Motors, Budweiser, Heineken o Arnet, entre otras.

Andrés es el responsable de la nota central que relata la historia de Pininfarina, con un reportaje a su presidente, Paolo Pininfarina. También puso en palabras su investigación sobre los sonidos de James Bond. Andrés, nació en Rosario en 1971, es Licenciado en Comunicación Social por la Universidad Nacional de Rosario, trabaja como periodista en el diario La Capital, y colabora en la revista El Eslabón, de la ciudad de Rosario. . Como músico, canta y toca guitarra y mandolina en la banda “El regreso del Coelacanto”, con la que editó cuatro discos y participó en el Cd Bandas en puerto, de la Editorial Municipal de Rosario.

Andrés is responsible for the main article that tells the story about Pininfarina and the interview to its CEO, Paolo Pininfarina. He has also written about his research on James Bond’s soundtracks. Born in Rosario in 1971, Andrés has a Bachelor of Arts degree in Communicational Sciences obtained at Rosario National University, works as a journalist for La Capital newspaper, and collaborates with El Eslabón magazine, both from Rosario. As a musician, he sings, plays guitar and mandolin in the band “EL regreso del Coelacanto”, with whom he released four albums and participated on the Bandas en Puerto CD, edited by the Rosario Town Hall Publishing House.

Nació en Rosario, Argentina. Estudió Antropología en la Universidad de Buenos Aires, ciudad en donde se introduce en la fotografía. Sus primeras experiencias en fotografía de prensa se encuentran en los periódicos locales y revistas servicio como Paz y Justicia, dirigido por el Premio Nobel de la Paz, Adolfo Pérez Esquivel. A partir de 1991, ya en Francia, trabajó como escritor freelance para periódicos y revistas: Evento jueves, La Humanidad, Liberation, Le Monde (Francia); El Mundo (España); La Nación (Argentina); Svenska Dagbladet (Suecia). Es autor de documentales (foto y video) sobre rumanos y gitanos franceses y habitantes de barrios marginales en América del Sur desde 1980.

Es además profesor de fotografía documental en Spéos Instituto fotográfica en París desde 2002.

Born in Rosario, Argentina. Studied Anthropology at the University of Buenos Aires, city where his was first introduced to photography. His first experiences en photo journalism were made in local newspapers and services magazines like Paz y Justicia, directed by the Peace Nobel price winner Adolfo Pérez Esquivel. Since 1991, in France, he worked as a freelance writer for newspapers and magazines: Evento jueves, La Humanidad, Liberation, Le Monde (France); El Mundo (Spain); La Nación (Argentina); Svenska Dagbladet (Sweden). He has been making documentaries (photo and video) on Romanians and French gypsies and on inhabitants of marginal neighbourhoods in Latin America since 1980.

He is also a documental photography Professor at the Spéos Photographical Institute in Paris since 2002.

COLABOR JUAN PABLO LUPPI

Nuestro comentarista de Internet y tecnologías de la comunicación nació en San Nicolás, provincia de Buenos Aires, en 1971. Es Licenciado en Biología de Facultad de Buenos Aires, editor por oficio y escritor en sus ratos libres (que son los menos del año). Usuario fanático de Internet, le interesan sobre todo los temas en los que las redes intersectan con el mundo de la cultura y la modifican.

Our Internet and Communicational Technology commentator was born in San Nicolás, Buenos Aires province, in 1971. He has a Bachelor of Arts degree in Biology from the Buenos Aires University and works as an editor and writer in his free time (which is scarce). A big Internet fan, he is mostly interested in subjects that combine the nets with the world of the culture, modifying it.

Mariana nos presenta su experiencia de vivir Miami como unos de los destinos que pudo descubrir a lo largo de su carrera de agente de viajes y como turista. Nació en Rosario en 1977, es Técnica Superior en Turismo y desde los 18 años trabajó en importantes empresas y representaciones turísticas de la ciudad de Rosario. Participó de salidas acompañadas, en las que los consejos y asesoramiento marcan la diferencia.

Mariana presents her experience of living Miami as one of the destinies she could discover in her career as travel agent as well as a tourist. Born in Rosario in1977, she got her degree as a Superior Technician in Tourism and since she was 18 years old she worked in important tourist companies and delegations in Rosario. She worked in groups journeys, where her advice and counselling made a difference.

MARIANA MARTINEZ

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FERNANDO ROSSIA Ilustrador y artista plástico, Fernando es el autor de la ilustración de nuestra sección de literatura.

Nació Rosario, en 1972. Entre sus experiencias con el arte visual, dirigió un cortometraje de dibujos animados y títeres, pintó para escenografías de TV y fue cronista gráfico. A partir del año 2004 asistió al seminario de análisis de obras del pintor Carlos Gorriarena. Como pintor expuso en galerías y salones en Argentina, España, Francia y Estados Unidos. Es co-autor junto al guionista Luciano Saracino de la serie animada "Las aventuras de Ciro Todorov" producida por FOCUS Producciones. Lleva publicados más de 13 títulos como ilustrador y autor de libros infantiles.

Pablo is a writer and a cultural journalist, besides being a big movie buff.

He was born in Paysandú, Uruguay, in 1963, but he has been living in Argentina since he is eleven years old. He received his training in San Nicolás, Buenos Aires and Rosario, where he studied Literature. He published poetry and narrative books, not to mention the short stories and chronicles he published in several anthologies. He is one of the International Poetry Festival of Rosario curators. He is an editor in the 32 pies magazine and in the digital newspaper Cruz del Sur. He coordinated the Creative Writing program in the psychiatric colony of Oliveros between 1998 and 2002. He also writes in his blog: pifiada.blogspot.com.

MARIO VERBENA

PABLO MAKOVSKY Pablo es escritor y periodista cultural, además de un apasionado del cine.

Nació en Paysandú, Uruguay, en 1963, pero desde los 11 años vive en Argentina. Se formó en San Nicolás, Buenos Aires y Rosario, donde estudió Letras. Publicó libros de poesía y narrativa, además de cuentos, crónicas y entrevistas en diversas antologías. Es uno de los curadores del Festival Internacional de Poesía de Rosario. Es redactor de la revista 32 pies y del diario digital Cruz del Sur. Coordinó el taller de Escritura para pacientes de la Colonia Psiquiátrica de Oliveros entre 1998 y 2002.

Tiene un blog: pifiada.blogspot.com.

Illustrator and artist, Fernando is the author of the illustrations in our Literature section. He was born in Rosario, in 1972. Among his experiences in the visual art field, he directed a short length film made with cartoons and puppets and painted scenographies for the TV and worked as a graphic reporter. From 2004 he attended the work analysis seminar with the painter Carlos Gorriarena. As a painter he had exhibitions in show rooms in Argentina, Spain, France and the United States. He had co-written, along with the script writer Luciano Saracino, the animated series “Las aventuras de Ciro Todorov” (The adventures of Ciro Todorov) produced by FOCUS Productions. He has published more than 13 children books as a writer and illustrator.

Mario es barman profesional egresado del Instituto de Coctelería, de Rosario, Argentina, desde hace más de 15 años. Es uno los más distinguidos bartenders de Rosario, con un amplio recorrido por las mejores barras de bares, restaurantes y hoteles de la ciudad. Actualmente dicta cursos en la carrera de somellier de la Escuela de Cocina Gato Dumas y realiza un micro de coctelería en el programa “Magazine al mediodía” en canal 4 de Cablehogar. Es barman de Rolling Road, donde despliega su arte en exquisitos tragos.

Mario is a professional barman who got his degree in Cocktails at the Cocktails Institute in Rosario, Argentina, 15 years ago. He is one of the most distinguished bartenders in town with a wide experience in the best bars, restaurants and hotels in Rosario. He is now dictating sommelier courses at the Gato Dumas Cooking School and conducts a short emission program at “Magazine al mediodía” in a local cable station. He is a bartender at Rolling Road, where he deploys his art in exquisite drinks.

RADORES Nació en Buenos Aires en 1971, desde los 18 años se dedica a la fotografía. Es Reportero Gráfico Especial en el staff permanente de Editorial Atlántida, Argentina.

En el año 1999 recibió el Premio PLEYADE a la mejor foto periodística del año otorgado por la Asociación de Editores de Revistas, retratando a Diego Maradona en la más absoluta intimidad. Publicó sus fotografías en libros de edición nacional e internacional.

Born in Buenos Aires in 1971, he has been working as a photographer since he was 18. He is currently a graphic reporter in the permanent staff of the Atlántida Publishing House, in Argentina. In 1999 he received the PLEYADE award (awarded by the Association of Magazine Editors) for the best journalistic photo for his intimate picture of Diego Maradona.

He published his photography books in both national and international editions.

MAXIMILIANO VERNAZZA

HORACIO ZABALJÁUREGUI Horacio Zabaljáuregui nació en 1955, en América, Provincia de Buenos Aires. Estudió Letras en la Universidad de Buenos Aires.

Se desempeña como editor en el Fondo de Cultura Económica y ha publicado cinco libros de poemas. Ha colaborado en revistas locales y del exterior. Fue docente de la carrera de Técnico en edición entre 1992 y 1998.

Horacio Zabaljáuregui was born in America, Buenos Aires province, in 1955. He studied Literature at the University of Buenos Aires. He works as an editor for the Fondo de Cultura Económica publishing house and has published five poetry books. He collaborated with national and international magazines. He was a teacher in the Editing career between 1992 and 1998.

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Editorial

Diciembre de 2013 Director General Arq. Damián Calabrese Director Editorial Juan Balaguer Dirección de Arte Germán Arese Juan Balaguer Coordinación General Claudia Cermeño Coordinación Fotográfica Germán Arese Traducción castellano-inglés Sebastián Bier Colaboran en este número Gustavo Abbate, Andrés Abramowski, Leonardo Antoniadis, El Tomi, Juan Pablo Luppi, Pablo Makovsky, Mariana Martinez, Fernando Rossia, Mario Verbena, Maximiliano Vernazza y Horacio Zabaljáuregui.

La alta velocidad a la que circula la información en el mundo contemporáneo parece haber agotado las ideas. El consumo de datos es cada vez más voraz y desenfrenado. La urgencia por generar contenidos de manera constante no permite tiempos de maduración ni de ocio, el abono que hace germinar la creatividad. Tal vez por eso, como nunca antes había sucedido, hoy se reeditan viejas ideas permanentemente. Segundas partes –terceras, cuartas, quintas y así hacia el infinito–, remakes, precuelas, secuelas, reversiones, regresos, tributos y covers inundan las salas de cine, los anaqueles de librerías, la oferta musical, el diseño, la arquitectura, el mundo. Pareciera ser que ya todo fue inventado y sólo nos queda resignarnos a repetir hasta el infinito, o emparchar lo que ya tenemos. Medio vaso vacío.

El medio vaso lleno dice que nunca antes el hombre había tenido en su paleta tantos colores para pintar su obra. Infinidad de información e impresionantes avances tecnológicos están al alcance de la mano, y todas las buenas ideas precedentes pueden ser hoy mejoradas. Abrevar en el pasado para crear el futuro no es una mala estrategia para avanzar.

Toda esta revista está dedicada a ese vaso que se vacía y llena de acuerdo a la mirada y a los diferentes modos de relacionar futuro y pasado.

Un número que merece una alfombra roja: Dante Del Vecchio, Sergio Pininfarina, Charly García, Eduardo Stupía, Alfred Fellinger, son sólo algunos de los nombres que desfilan en las páginas que siguen. Quienes hacemos esta revista y esta empresa también buscamos en nuestro pasado las claves para construir nuestro futuro, un pasado que repetía la pregunta por aquello que vendría más adelante: “¿qué querés ser cuando seas grande?”.

Cualquiera de estos nombres, por distintas razones, hubiera sido una respuesta acertada.

Impresión: Gráfica Triñanes Redacción y administración: José Hernández 1638, Rosario.

RNPI en trámite Se prohíbe la reproducción total o parcial del material publicado en esta revista sin autorización. Todos los derechos reservados. El contenido de los avisos publicitarios y de las notas no expresan necesariamente las opiniones del editor. está prohibida la repoducción total o parcial de material publicado en la revista sin la autorización escrita del director.

Ideas run out apparently because of the high speed at which information moves around in the contemporary world. Data consumption is more and more voracious and unbridled every day.

The urgency to permanently generate contents does not allow maturing an idea or leisure time, the soil from which creativity grows. That may be the reason why, like never before, old ideas are constantly being brought back to life nowadays. Second, third, fourth and ad eternum parts, remakes, prequels, sequels, new versions, comebacks, tributes and covers overwhelm movie theatres, book shelves, music business, design, architecture, the entire world. It seems that everything is already invented and all we have left is to get used to the idea of infinite repetition, or mend what we already have. The glass half empty.

Seeing the glass half full would be to realize that never before the man had so many things available to endorse his creativity with. Infinite pieces of information and amazing technological advances are at the reach of hand, and an idea that was good in the past can be enhanced in the present. Going back to the past to create the future is not a bad strategy to start moving forward.

This magazine is dedicated to that glass that maybe half empty or half full depending on the perspective and the different ways of linking the past and the future.

This a red carpet issue: Dante Del Vecchio, Sergio Pininfarina, Charly García, Eduardo Stupía, and Alfred Fellinger are just a few of the names that parade through the following pages. Those who make this magazine and this company also searched in our past for the keys to build our future, a past that repeated the question of what would come next: “What do you want to do when you grow up?” Any of the fore mentioned names, for any reason, would have been a right answer.

Juan Balaguer

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remake Sillón bkf bkf chair

METEGOL TABLE FOOTBALL

GRAMOFONO GRAMOPHONE

VESPA 50

renault alpine

5 OBJETOS REDISEÑADOS 5 new versions of different objects Esta vez elegimos para nuestra reseña cinco objetos que reversionan éxitos del pasado. Para romper ese mito que sostiene que segundas partes siempre son peores, contraatacamos con otro: una imagen vale más que mil palabras. Creatividad y tecnología puestas al servicio de viejas ideas, en cinco remakes que no tienen desperdicio.

This time we chose five objects that brought new versions of old successes to review. To end up with the myth that states that the second parts are always worse, we give you yet another set phrase: An image worth a thousand words. Creativity and technology to service five new versions of old ideas; is a can't miss.

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1 Sillón BKF BKF CHAIR Una pieza clásica del diseño 100% argentino. Nombrado así en honor a sus tres creadores, los arquitectos Antonio Bonet, Juan Kurchan y Jorge Ferrari-Hardoy, el sillón también fue conocido mundialmente como “butterfly” (mariposa en inglés). Su liviana estructura original de hierro y cuero fue reversionada por Juan Blas Doberti y Carlos María Rimoldi, también argentinos, en una pieza de hormigón premoldeado. El modelo orginal, del año 1938, llegó a formar parte e la colección del MoMa (Museo de Arte Moderno de Nueva York). Su remake, del año 2001, le sigue los pasos y es pieza de colección del MAMBA (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires).especialmente.

A classic piece of 100% Argentinean design. Named after its creators, the Argentine architects Antonio Bonet, Juan Kurchan and Jorge Ferrari-Hardoy, the chair was globally known as the “butterfly”. Its original light iron and leather structure has a new version designed by Juan Blas Doberti and Carlos María Rimoldi, also Argentines, in a previously moulded piece of concrete. The original 1938 model was part of MoMa collection. Its 2001 remake follows its footstep and is part of the MAMBA’s collection.

www.bkf2000.com

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2 Metegol Table football En tiempos previos a la play station, los niños se divertían horas jugando al metegol. Hoy, lejos de convertirse en una nostálgica antigüedad, el metegol regresa de la mano de la empresa italiana Teckell convertido en un excéntrico objeto de lujo.

Diseñado con líneas contemporáneas y una etérea materialidad transparente, el metegol Teckell incorpora en sus diferentes versiones detalles en madera, metal cromado o, en una edición limitada de 50 ejemplares, accesorios en oro de 24 kilates.

In times prior to the play station, kids used to have fun playing table football for hours. Today, far from becoming an antique nostalgia, the table football comes back converted into an eccentric luxury item made by the Italian company Teckell.

Designed with contemporary lines and ethereal transparent materials, Teckell’s table football incorporates in its different versions details in wood, chromium plated or, the limited 50 units’ edition, with accessories in 24 karats gold.

www.teckell.com

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3 Gramófono Gramophone Para aquellos amantes del diseño vintage, la empresa japonesa Pleiades presentó este impresionante juguete de audio. El gramófono de nuestros bisabuelos regresa en su versión siglo XXI. Se trata de una base para iPhone capaz de reproducir audio en alta calidad, gracias al diseño de su trompeta en forma de “S”. La pureza de sus formas no se contamina ni siquiera con cables, con sólo colocar el iPhone en su base, todo está listo para disfrutar del mejor sonido.

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For those vintage design lovers, the Japanese company Pleiades presented this amazing audio toy. Our grandparent’s gramophone came back in its XXI century version. It’s really an iPhone base capable of reproducing high quality audio thanks to the trumpet design shaped as an “S”. The purity of its shapes is not contaminated by wires; just placing the iPhone on its base makes everything ready to enjoy the best sound available.

4 Vespa 50 Y en cuarto lugar, un clásico que no podía estar ausente de nuestra lista. No se trata de ningún descubrimiento, Vespa siempre supo mantener su popularidad y reversionarse hasta el infinito con el correr de las décadas. El “motorino” italiano que se convirtiera en símbolo de libertad de toda una generación se las arregló siempre para mantener su aura y generar una cultura propia. En 2013 la Vespa 50 cumplió 50 años y volvió actualizada en un modelo sumamente respetuoso de su versión original.

Una verdadera leyenda.

In the fourth position, a classic that couldn't have been left out of our list. It’s no news, but Vespa always managed to maintains its popularity and make new versions of its models in time. The Italian “motorino” that was a symbol of freedom for an entire generation always managed to maintain its aura and generate a culture of its own. In 2013 the 50 Vespa turned 50 and came back updated in a model extremely respectful of the original version. A real legend.

www.vespa.com/en/magazine/icon11

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5 Renault Alpine Si bien es un modelo de 2012, no podemos dejar de incluir en esta lista de remakes al Renault Alpine A110-50 concept. Otra edición homenaje a un modelo cincuentenario, la revolucionaria Berlinetta Alpine. Tal vez sea por la velocidad con que corren los tiempos hoy que el diseño automotor de vez en cuando se toma un tiempo y mira hacia atrás para ver el futuro. En palabras de Laurens van den Acker, Director de Diseño Industrial de Renault: "trabajar en un concept-car Alpine ha sido para todos los miembros del equipo un sueño hecho realidad. Hemos querido situar al coche en la modernidad, pero con un guiño al pasado".

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Although this is a 2012 model, we cannot exclude the Renault Alpine A110-50 concept car from the remakes list. Another tribute to a model with 50 years of existence, the revolutionary Alpine Berlinetta. Maybe is because of the speed at which times run by that in the automotive design world, every now and then, they take a time to look back at the rear view mirror and see the future.

In the words of Laurens van den Acker, Industrial Design Director at Renault: “Working in an Alpine concept car has been a dream come true for all the team members. We wanted to place the car in the contemporary days, but with a blink to the past”.

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PERSONAJEMOR PININFARINA

La

de

pluma

Dante

HISTORIA E IDEAS DE DANTE DEL VECCHIO, FUNDADOR DE VISCONTI, LA MARCA ITALIANA DE PLUMAS DE LUJO

DANTE’S PEN.

THE HISTORY AND THE IDEAS OF DANTE

DEL VECCHIO, FOUNDER OF VISCONTI, THE ITALIAN BRAND OF LUXURY FOUNTAIN PENS.

A finales de los años 80 Dante Del Vecchio tenía poco más de

30 años y llevaba unos diez al frente de un negocio de venta de lapiceras y artículos para escribir. Al parecer, los artículos que tenía para ofrecer a sus clientes –conseguidos de catálogos redundantes con modelos generalmente negros o con el capuchón dorado– no lo entusiasmaban demasiado. “Entendí que las plumas en el mercado eran sólo instrumentos para escritura y que, por lo tanto, asumían como única tarea el escribir. Mientras tanto, yo miraba fascinado las antiguas lapiceras de celuloide hechas a mano en miles de bellísimos colores. Y me pregunté por qué no existirían más”.

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Por ANDRÉS ABRAMOWSKI

In the late 1980’s, Dante Del Vecchio was in his thirties and

have been in charge of a pens and writing supplies business for ten years. Apparently, he wasn’t very interested in the goods he had to offer –gotten from redundant catalogues and generally black or with a golden cap. “I understood that pens available were merely writing tools and, therefore, the only thing they did was writing. Meanwhile, I stared in fascination the old celluloid handcrafted fountain pens filled with thousand beautiful colours.

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Esa inquietud lo movilizó a buscar y encontrar a quienes producían aquellos materiales que desde hacía décadas ya no se utilizaban para la creación de plumas. Investigó entre antiguos artesanos para descubrir cómo se hacían y comenzó a pasar cada vez más horas en el taller hasta que se sintió preparado y produjo su primera colección de plumas con la idea de aportarle sus ideas de lujo y coleccionismo a ese rubro comercial que encontraba estancado y aburrido.

Así, en 1988, y tomando el apellido de una antigua familia noble italiana del siglo 13, Dante Del Vecchio fundó Visconti: una fábrica de plumas artesanales que, buscando el punto de equilibrio entre la tradición y la innovación, apunta a comunicar más allá de la palabra escrita. Y luego de un cuarto de siglo puede decirse que su inquietud encontró una buena recepción: desde entonces vendió más de un millón de unidades y actualmente fabrica unas 80 mil plumas al año, mientras piensa en trasladar esas mismas ideas y nociones a la producción de otros objetos especiales como los relojes.

And I wondered why there weren’t available anymore.”

That concern made him search and find the people that produced the materials used to create fountain pens decades ago. He searched among old craftsmen to find out how those pens were made and started to spend more time in his workshop until he felt he was ready. He produced his first pen collection with the idea of bringing luxury and uniqueness to a trade that was stagnant and boring.

In that way, in 1988, and using an ancient nobility family name from the 13th century, Dante Del Vecchio founded Visconti: a handicraft fountain pen factory that, looking for a balance between tradition and innovation, aims to communicate beyond the written word. And after twenty five years it could be said that his concern found a great response: Since then he sold over a million units and is now producing 80 thousand fountain pens a year, and he is thinking of taking those same ideas to produce other special objects like watches.

INDUSTRIALES Y ARTISTAS

INDUSTRIALISTS AND ARTISTS

Dante Del Vecchio nació el 15 de abril de 1956 en una localidad a dos horas de auto de Florencia, Italia. En esa ciudad se radicó antes de los 20 años, cuando decidió ingresar a la universidad para formarse en ciencia política.

Su familia tenía cierta historia en conjugar el arte con los negocios. “Vengo de una familia de industriales con fuertes inclinaciones artísticas. Mi abuelo Dante era un artista del hierro forjado, de esa época en la que el herrero era un artista. Incluso ha recibido premios y reconocimientos en París en 1928 y en Roma en 1935.

Mi padre era industrial del aluminio: puertas, ventanas y muebles”, cuenta en una entrevista con MOR respecto de los antecedentes que, allá por 1977, lo pondrían al frente de un negocio familiar de venta de artículos para escritura.

Si bien hasta entonces no le interesaban particularmente las lapiceras, sí le llamaban la atención ciertos objetos más allá del uso que la vida cotidiana les asignara. Así, recuerda sin dudar cuáles fueron su primera pluma estilográfica, “una Pelikan”, su primer reloj, “un Zenith”, la primera bicicleta, “una Atala” y su primera moto, “una Garelli amarilla que le robaba a mi hermana”.

“La pasión por las plumas apareció a los 18 años, en mi negocio. Durante más de diez años vendí las principales marcas de plumas como Parker, Watermann y Mont Blanc. Hasta que llegó un momento en que dejaron de gustarme esos modelos a los que, me parecía, les faltaba creatividad”, relata sobre el momento que lo impulsó a buscar otra cosa.

De esa búsqueda surgió Visconti, una empresa que comparte con su esposa, una pintora y arquitecta que se encarga de la imagen y el trato con la prensa además de trabajar junto a él en el diseño de muchas plumas.

Dante Del Vecchio was born on April 15th 1956 in a town two hours away from Florence, Italy. Before turning twenty, he moved to Florence and decided to start college in the Political Sciences faculty.

His family had a history of combining art with business. “I come from an industrial family with strong artistic inclinations.

My grandfather Dante was a forged iron artist, in a time when foundry workers were considered artists. He even received awards and recognitions, like the ones he received in 1928 in Paris and in 1935 in Rome. Mi father was an aluminium industrialist: doors, windows and furniture.” In an interview with MOR magazine, he talks about how his background put him in charge of the writing goods family business in 1977.

Even though until then he wasn’t particularly interested in pens, certain objects called his attention regardless the use of every day life. That is how he remembers without a shadow of a doubt his first fountain pen, “a Pelikan”, his first watch, “a Zenith”, his first bike, “an Atala” and his first motorbike, “a yellow Garelli I used to steal from my sister”.

“The passion for fountain pens appeared when I was 18, in my shop. For ten years or more I’ve sold the main brands in the pen industry: Parker, Watermann and Mont Blanc. But there was a time when those models, that, in my opinion, lacked creativity, weren’t of my fancy anymore”, says about the moment that drove him to look for something else.

Out of that search, Visconti was born. A company he shares with his wife, painter and architect in charge of handling the press and the image of the company, besides working side by side with him on the design of many pens.

LA MAYOR CREACIÓN

THE BIGGEST CREATION

Del Vecchio lleva más de veinte modelos de plumas patentados y ha diseñado el 70 por ciento de las Visconti, ya sea en su forma como en su mecánica. “Cuando mi hermana se casó, vendí el negocio de venta de lapiceras y fundé Visconti, que es mi mayor invento. La fábrica comenzó 25 años atrás desde la nada. La cre-

Del Vecchio has patented more than 20 different models of pens and he designed the shape or the mechanics of 70 per cent of the Visconti pens. “When my sister got married, I sold the pen shop and founded Visconti, my most important creation. The factory started from scratch twenty five years ago. I had to start every-

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ación fue desde la fábrica hasta el know how, ya que en Florencia la última fábrica de plumas había cerrado en los años 60”.

En un principio, la producción apuntó a recuperar materiales con los que se fabricaban las plumas de la época de sus abuelos. En 1989 lanzó su primera colección en celuloide de seis colores marmolados.

Ese año descubrió que un artesano en Japón continuaba produciendo en laca un modelo que databa de 1920 y eso abrió la puerta para la primera edición limitada de Visconti: la pluma Urushi.

“Luego de 40 años de olvido volví a traer el celuloide al mundo de la escritura. Al año siguiente creamos una tendencia mundial con las plumas en edición limitada de colección”, señala Del Vecchio sobre esos primeros años.

La buena recepción de las plumas en celuloide impulsaron a Visconti a dar otro paso: además de enfocarse en los materiales, en 1991 la firma comenzó a diseñar sus propias plumas. La Ragtime fue el primer intento de una pluma clásica e innovadora. Pero más

thing new, from the factory to the know how, since the last fountain pen factory in Florence closed in the 1960's.

At the beginning, the production aimed to recover the materials with which the pens were made in the days of yore. In 1989 he released his first collection of celluloid pens in six marbled colours. That year he found out that a craftsman in Japan was still producing a lacquer model that dated from 1920, and that opened the door for the first Visconti’s limited edition: the Urushi pen.

“I brought the celluloid back into the writing world after 40 years of oblivion. The following year we created a world tendency with collectable limited edition fountain pens”, says Del Vecchio remembering those founding days.

The good acceptance of celluloid fountain pens drove Visconti to take the next step: Apart from focusing on the materials, the company began to design its own fountain pens in 1991. The Ragtime model was the first attempt to make a classical yet inno-

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Plumas: En página 21, Taj Mahal, la pluma hecha para el Sultán de Brunei; en esta página, Ragtime y Alhambra.

Amigos: Dante del Vecchio con Nick Nolte y Hugh Hefner.

Pens: On page 21, Taj Mahal, specially made for the Sultán of Brunei; on this page, Ragtime and Alhambra.

Friends: Dante del Vecchio with Nick Nolte and Hugh Hefner.

allá de las formas y la estética, el diseño de las Visconti también apuntó a mejorar el funcionamiento de las piezas. En esos años desarrollaron el sistema de carga a depresión y a partir de ahí la firma patentó sistemas para solucionar la pérdida de tinta en los aviones, las trabas de las tapas y los tinteros de viaje.

A mediados de los 90, mientras la empresa se afianzaba en el mercado recuperando viejos materiales, otras marcas siguieron los pasos de Visconti y comenzaron a abrevar en el celuloide. Para Del Vecchio fue el momento de buscar alternativas en otros compuestos como la ebanita, la baquelita, el marfil y la resina para modelos básicos.

Para entonces iban tomando forma algunos modelos que ubicaban a las Visconti con un pie en el mundo de la escritura y otro en el de la joyería: “Alhambra”, decorada en oro o plata; “Taj Mahal”, la primera pluma con filigrana de joyas con diamantes realizada para el Sultán de Brunei y una pequeña pluma bautizada “Leopardi” que tenía el poema “El infinito” enteramente grabado en la cubierta.

—¿Cuál es el punto de equilibrio entre la tradición y la innovación? —pregunta Mor. —Aquel en el que se innova sin olvidar las propias raíces.

vative fountain pen. But beyond shapes and aesthetics, the Visconti design also aimed to improve the parts’ functionality. Over those years they designed a system of ink loading under low pressure conditions. Since then, the company patented different systems to provide a solution for the ink loss in planes, the locks in the caps and the travelling ink pot.

In the mid nineties, while the company was becoming established in the market by recovering old materials, other brands followed Visconti’s steps and started to use celluloid. Del Vecchio thought it was time to start looking for alternatives in other materials such as the ebonite, bakelite, ivory and resin for the basic models.

By that time, some models were taking its definite form and placed Visconti with one foot on the writing world and the other on the jewellery world: “Alhambra”, decorated with silver and gold; Taj Mahal, the first fountain pen with a filigree made out of jewels with diamonds specially made for the Sultan of Brunei and a small fountain pen baptized “Leopardi” with the poet’s “The infinite” poem entirely engraved on the cover.

—Which is the equilibrium between tradition and innovation?

—asks Mor.

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EN TODO EL MUNDO

Para Del Vecchio, la sola pronunciación del nombre Visconti despierta “un sentimiento de lujo y nobleza”. Pero no es menos importante, afirma, que la marca que eligió “no tiene problemas de pronunciación en ningún idioma: en todo el mundo Visconti suena igual”.

“Años atrás, durante una entrevista en Singapur un periodista me preguntó si estaba allí para vender mis plumas. ¡No –respondí– estoy aquí para comunicar mis emociones!”, grafica sobre su labor en la empresa, que va desde el proyecto y el diseño hasta el marketing. Un hombre de negocios que se referencia en el arte, tal como ocurría en su ciudad cinco siglos atrás.

—¿Sus funciones en la empresa pasan por la diseño y la creación o los negocios?

—De la parte creativa prefiero mil veces la etapa del proyecto.

Sin embargo, todavía encuentro placer por la venta y también me gusta comunicar mi empresa.

—¿Qué relación tienen el arte y los negocios en el mundo de hoy?

—En un cierto nivel están conectados. Por otra parte, el arte siempre fue también negocio. El Renacimiento no hubiera existi-

—The one in which you innovate without forgetting one’s roots.

WORLDWIDE

Simply pronouncing the Visconti name awakes “a feeling of luxury and nobility”, says Del Vecchio. The fact that the brand’s name is pronounced the same way in every language (Visconti sounds the same worldwide) is equally important.

“A few years ago, during an interview in Singapore, a journalist asked me if I went there to sell my pens. No! –I answered- I am here to communicate my emotions!” says when talking about his work in the company, where he works on the projects, on the design and even in its marketing. A businessman who has his reference in the arts, as it would happen five hundred years ago in Florence.

—Your work within the company is more related to the design and creation than to business?

—From the creative part, I strongly prefer the project phase.

Nevertheless, I still find pleasure in selling and I also enjoy communicating my company.

—What’s the relation between art and business in today’s world?

—They are connected at some level. On the other hand, art has

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do sin los reyes que patrocinaban a los artistas. Acabamos de lanzar una pluma en homenaje a Salvador Dalí, un ejemplo de cómo arte y negocio pueden estar conectados. Él, además de ser un gran artista, fue un enorme hombre de negocios.

Para Del Vecchio, arte y negocios eran hace 500 años parte de un lenguaje común en la ciudad de Visconti. “Florencia es parte de nuestro ADN”, dice para afirmar que sus plumas dieron un paso más allá del “Made in Italy” y son presentadas como “Made in Florence”.

Florencia aparece en el diseño de algunas plumas inspiradas en trabajos de Leonardo Da Vinci como el Hombre de Vitrubio o el concepto de Divina Proporción que motivó a Del Vecchio a pergeñar una pluma de alta gama.

“Desde el primer día, las Visconti son hechas en Florencia en una villa del siglo XIV en la que arte, lujo y tecnología se funden en un solo producto”, sostiene Del Vecchio, y considera que su producción conjuga lo artesanal con lo industrial. “Producimos y vendemos más de 80.000 plumas al año y todavía muchas son fabricadas completamente a mano. Ninguna empresa puede ofrecer instrumentos de escritura en un rango que va de 100 a 100.000 euros”.

always been a business. The Renaissance wouldn’t have existed without kings sponsoring the artists. We have just released a fountain pen in honour of Salvador Dalí, an example of how can art and business can be connected. Dalí, apart from being a great artist, was a great businessman.

According to Del Vecchio, arts and businesses were part of a common language in Visconti’s city five hundred years ago. “Florence is part of our DNA”, says when he asserts that his pens went beyond the “Made in Italy” signature and are presented as "Made in Florence".

Florence is present in the design of some fountain pens inspired in the works of Leonardo Da Vinci, like the Vitruvian Man or the Divine Proportion, which led Del Vecchio to make an upmarket fountain pen.

“Since day one, the Viscontis are made in Florence, in a 14th Century villa in which art, luxury and technology are combined in one product”, says Del Vecchio, and considers that his productions combine craftsmanship and industrial making. “We produce and sell more than 80,000 fountain pens a year and many of them are completely hand made. No other company is able to offer writing instruments in a range that goes from 100 to 100,000 Euros.”

NUEVOS RUMBOS

NEW DESTINATIONS

Entre el arte y los negocios, el modelo de producción de Visconti se fue redefiniendo con el nuevo siglo. Si bien las plumas de colección y edición limitada resultaban un gran negocio, no era suficiente para cubrir los costos del crecimiento de la empresa.

Tampoco podía solventar la generación de una marca por fuera de los círculos de coleccionistas. Hacia 2001 el timón buscó incorpo-

With the arrival of the new century, Visconti’s production model was redefined between art and business. Although the collectable and limited edition fountain pens were highly profitable, it was-

FLORENCIA, LA TRADICIÓN Y LA INNOVACIÓN

FLORENCE, TRADITION AND INNOVATION

Enamorado de Florencia, Dante Del Vecchio sostiene que los italianos no valoran lo suficiente el “maravilloso país” en el que viven. “Florencia es una isla artística estimada sólo en parte. Los italianos no somos buenos para valorar lo que la historia y la naturaleza nos han dado. ¡Digamos que deberíamos hacer un buen curso de marketing!”, considera. Por eso no le extraña que Florencia maraville tanto a extranjeros como a uno de sus escritores favoritos. “La contribución de Florencia a la cultura se resume muy bien en el libro de Dan Brown, Infierno. Imaginemos el efecto que puede provocar en un extranjero un lugar tan extraordinario que nos maravilla a nosotros mismos, los florentinos”.

—Si pudiéramos hablar de un Renacimiento en estos días, ¿por dónde pasaría? ¿Qué debería ser rescatado hoy de lo tradicional?

—Es un tema complejo que no puede resumirse en unas pocas líneas.

Pienso en Japón, un país con una gran tradición pero decididamente proyectado hacia el futuro. Debemos hacer coexistir la tradición y la innovación. La cuadratura del círculo. Del pasado debemos recordar, por ejemplo, cómo fue posible la unión entre mecenas y artistas. El mecenazgo debería ser hoy incentivado por ley para sostener la cultura y el enorme negocio que ésta puede generar, tal como sucedió en el 1500.

In love with Florence, Dante Del Vecchio says that Italians don’t appreciate enough the “wonderful country” they live in. “Florence is an artistic island that is only partially respected. We Italians are not very good in appreciating what the history and the nature has given us. “We need a marketing course!, he says. That is why he doesn’t think it is strange that both foreigners and one of his favourite writers are astonished by Florence. “Florence's contribution to culture is well resumed in Dan Brown's Inferno. If we Florentines are astonished by this city, one can only imagine the effect that such an extraordinary place arises on a foreigner."

—If talking about a contemporary Renaissance, where could that happen? What part of the tradition should be rescued?

—That’s a complex subject that cannot be summarized in just a few lines. I am thinking about Japan, a country with a great tradition but decisively projected towards the future. We must make tradition and innovation coexist. Squaring the circle. From the past, for instance, we must remember how it was possible the union between artists and patrons. The patronage should nowadays be encouraged by law in order to maintain the culture and the huge business that it may generate, like it happened in the 1500s.

A la derecha: las plumas Visconti se fabrican en una Villa del Siglo XIV.

Right: Visconti pens are manufactured in a 14th Century Villa.

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A la derecha: Dante Del Vecchio con Alberto de Mónaco.

Right: Dante Del Vecchio and Albert of Monaco.

SOBRE LAS PLUMAS Creada en 2006, la Divina Proporzione fue inspirada en el libro El Código Da Vinci. La pluma fue presentada en el Festival de Cine de Cannes de 2006. “La Divina Proporción para Leonardo Da Vinci era un código de belleza con el que fue diseñado todo el Renacimiento”, explica Del Vecchio.

Para Dante Del Vecchio el elemento indispensable de toda pluma es la elegancia, a la que define como una compleja combinación de factores, como proporción, color, forma, manejabilidad y peso. “Una buena pluma debe tener todas esas características y si algún detalle falla, hemos fallado”.

Visconti produce dos líneas de plumas: Las “Regular” y las “Edición Limitada”. Para las primeras, Del Vecchio busca un nombre fácil de pronunciar en todas las lenguas, porque “deben comunicar el mensaje de la colección y debe ser conocido por el público masivo”.

Pero cuando se trata de una Edición Limitada “es suficiente que el nombre represente la emoción que queremos comunicar”, dice. “De hecho, una Visconti “Edición Limitada” es ante todo eso: una emoción.”

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—¿Por qué es una emoción?

—Porque debe suscitar un sentimiento, porque es ante todo un medio de comunicación. Visconti se inspira en la cultura, el esoterismo, las religiones, en cualquier tema que pueda convertirse en una pluma. Por ejemplo, la pluma de Venezia no debe tener una góndola como clip en el capuchón, eso es un souvenir. Mirando la lapicera uno debe sentirse en Venecia. Esto es una emoción y si usted ve una pluma nuestra y siente una emoción significa que hicimos un buen trabajo.

Si bien tiene muchas plumas que no son Visconti y dice adorar, entre las vintage menciona como favoritas las Conklin estadounidenses, también dice que “¡Mi pluma favorita es la próxima! Mi interés por crear no tiene fin. Entre las Visconti tengo un afecto especial por la Divina Proporzione, la Homo Sapiens y la Pininfarina, que ha demandado mucho de mi talento creativo y proyectual”.

De izquierda a derecha: Divina Proporzione, Pininfarina y Dalí.

ON FOUNTAIN PENS Created on 2006, the “Divina Proporzione” was inspired by the book Da Vinci’s Code. The pen was presented at the 2006 Cannes Film Festival. “For Leonardo Da Vinci the Divine Proportion was a beauty code with which the entire Renaissance was designed” explains Del Vecchio.

Elegance is the essential feature of any fountain pen, according to Del Vecchio, and he defines it as a complex combination of factors like proportion, colour, shape, handiness and weight. “A good fountain pen should have all those characteristics and if there is anything missing, we failed.”

Visconti produces two lines of fountain pens: The "Regulars" and the "Limited Edition". For the regulars, Del Vecchio looks for a name that would be easy to pronounce in every language, because “they must communicate the collection’s message and it must be recognized by a massive audience”.

But, when talking about a Limited Edition pen, “if the name represents the emotion we want to communicate is enough”, he adds. “In fact, a “Limited Edition” Visconti is, mostly, an emotion.”

—Why it is an emotion?

—Because it must arise a sentiment, as it is mainly a mean of communication.

Visconti gets its inspiration in culture, esotericism, religions or any subject that may become a pen. For instance, the Venezia pen should not have a gondola like a clip on the cap, that is just a souvenir. By looking at the pen one must feel like being in Venice. That is an emotion, and if you look at one of our pens and feel an emotion, we’ve done a good job.

Although he owns and adores many fountain pens not made by Visconti, his favourite among the vintage pens are the American Conklin. He also says: “My favourite fountain pen is the pen to come! I have an endless interest for creating.

Among the Visconti pens I have a special appreciation for the Divina Proporzione, the Homo Sapiens and the Pininfarina, which demanded much of my creative and projecting talent.”

Opposite page, from left to right: Divina Proporzione, Pininfarina and Dalí.

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rar un rumbo en el cual la pluma no fuera sólo un artículo de lujo exclusivo sino también un accesorio del hombre moderno.

—¿Cuál es la razón de ser de la pluma en la era digital?

—En 1800 los caballos eran un medio de transporte. Hoy son un bien de lujo. La pluma tiene un altísimo valor simbólico, muy superior al utilitario. Hoy escribir a mano no es esencial, tampoco una necesidad, pero aunque mi celular me dice la hora y tengo un reloj en el tablero de mi Porsche, aún uso un reloj de pulsera como la mayoría de las personas. Poseer una pluma satisface el lado hedonístico, es una pura gratificación personal. ¡No olvidemos que aquello que no se hace por necesidad, se hace por placer!

En los últimos años Visconti fue diversificando su oferta, por ende su público y sus ideas. En 2010 presentó “Homo Sapiens”, la primera lapicera producida con lava del volcán Etna. También colaboró con Pininfarina para concretar la Carbongrafite en 2012.

Y por estos días, mientras se apresta a celebrar sus 25 años, la empresa estudia –sin dejar de lado el mundo de las plumas– emplear los criterios estéticos, industriales y comerciales que ha ido desarrollando desde sus orígenes para incursionar en la producción de otros accesorios como los relojes y artículos de cuero.

Las nuevas búsquedas apuntan a objetos innovadores y comuni-

Relojes: Visconti aplica las mismas ideas en un nuevo formato.

Watches: Visconti and the same ideas in new accesories.

n’t enough to cover the costs of the company’s growth. The creation of a new brand outside the collector’s world wasn’t a possibility either. In 2001 the head of the company decided to incorporate a new venture in which the fountain pen would not only be a luxury and exclusive item, but also an accessory for the contemporary man.

—What is the purpose of a fountain pen in the digital era?

—In the 1800s horses were a mean of transportation. Today, they are a luxury item. The fountain pen has an immense symbolic value, much higher than its usage value. Hand writing nowadays is not essential, nor is a necessity, but despite my cell phone can tell me what time is it and I have a watch on my Porsche’s dashboard; I still wear a wrist watch like most people do. Having a fountain pen satisfies the hedonistic side, is purely a personal gratification. We mustn’t forget that those things that are not necessity driven are pleasure driven!

During the last years Visconti diversified its offer; consequently, its public and its ideas were diversified also. In 2010 the “Homo Sapiens” was released, the first fountain pen produced with Etna’s volcano lava. He also worked with Pininfarina to make the Carbongrafite in 2012.

These days, while getting ready to celebrate its 25th anniversary, the company is thinking of using the same aesthetical, industrial and commercial criteria they have been developing since its beginnings to start making new accessories, such as watches and

En competición: “Siempre fui deportista. Para mí el deporte, el ejercicio físico, es un gran momento de relajación. Y el deporte competitivo es altamente educativo, porque es un simulacro de la vida”, dice Dante, cultor del tenis, el ciclismo, el esquí y el snowboard. Actualmente participa en la Copa de Italia de Motociclismo, en la categoría Superbike.

In competition: “I’ve always been a sportsman. For me, the sports, the physical exercise, is a great relaxation moment. Besides, the competitive sports are highly educational because they replicate life itself” says Dante, a tennis player, a cyclist, a skier and a snowboarder. He is now competing in the Italian Motorbike Cup, in the Superbike category.

cativos inspirados en las ideas tradicionales “Made in Florence”.

“En 2012 comenzamos la producción de relojes recuperando el conocimiento dejado en Florencia por Panerai”, comenta respecto de su trabajo con la compañía de relojes fundada en Florencia en 1860. “La producción de relojes está recién iniciada y ya tenemos un programa de piezas completamente innovadoras y exclusivas.

Queremos posicionarnos como marca global de un estilo de vida”, resume sobre los nuevos rumbos que va encontrando la empresa.

—¿Visconti, tal como evolucionó, era el proyecto que tenía en su mente o las cosas se fueron dando?

—Diría que no imaginaba que 25 años después habría hecho plumas para Pininfarina o para famosas marcas de relojería como Ulisse Nardin. Pero también diría que Visconti evolucionó exactamente hacia el lugar adonde yo la he llevado, y el paso a la relojería es una confirmación ulterior.

Una inquietud que se convierte en búsqueda. Una búsqueda que abre las puertas de otros caminos. Así va Dante Del Vecchio, aportando al mundo su mirada y convirtiéndola en objetos que representan su visión, su versión sobre las cosas. Sus ideas, sus deseos, su manera de transitar por la vida.

Una historia con un final abierto, en el que seguramente ya debe estar pensando.

—La realidad es un pájaro que no tiene memoria, debes imaginar hacia dónde irá.

leather items without giving up on fountain pens. The new ventures aim to produce innovative and communicative objects inspired in the “Made in Florence” traditional ideas.

“In 2012 we started with the production of watches recovering the expertise left in Florence by Panerai”, says about his work with the watches company founded in Florence in 1860. “The watches production is recent and we already have a program to produce completely innovative and exclusive parts. We want to position our company as a lifestyle worldwide brand”, says Dante when talking about the new ventures his company is facing.

Was Visconti the project you had in mind when you started or things happened along the way?

—I would have to say that I didn't imagine that 25 years later I'd be making fountain pens for Pininfarina or for famous watchmaker brands like Ulisse Nardin. But I would also say that Visconti evolved exactly to where I took it, and crossing to the watch making industry is an ulterior confirmation.

An interest that becomes a quest. A quest that opens the door for new ventures. That is the way Dante Del Vecchio goes, providing the world with his ideas and turning objects into a way of seeing things, making a version of his own. His ideas, his wishes, his way of going through life.

A story with an open ending, something he must surely be thinking about.

—Reality is a bird that has no memory; one must imagine where it goes.

VISCONTI EN ARGENTINA TM NEGOCIOS (Mario Madrea) Adolfo Alsina 943 3er piso Of 304, 1088 Ciudad Autónoma de Buenos Aires Teléfono +54 1141153288 Celular +54911 4411 8225

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CINEMOR

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Los muertos vivos, que vuelven una y otra vez a las pantallas, son el monstruo de la época.

Su figura –sostienen estas líneas– es política: en un mundo de exclusiones y replanteo del paradigma policial, un zombie es la metáfora del paria, la amenaza de ese resto que la política ya no puede procesar.

The living dead, coming back again and again to the silver screen, are the contemporary monsters. Its figure, according to the following article, is political: In a world of exclusions and reconsideration of the police paradigm, a zombie is a metaphor for the outcast, the threat from those remains that politics cannot process.

Por PABLO MAKOVSKY

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os zombies, los muertos vivos, siempre están de vuelta. Su duermevela de ni vivos ni muertos los impulsa a segundas partes cuya única hazaña es volver sobre sus pasos. Los zombies son también la peste del cine actual, hecho de los restos vivientes de su vida pasada, vestido aún con los harapos que le quedaron de sus años de esplendor, cuando su estar vivo era parte de un intercambio social, cultural; parte de un conocimiento que se intercambiaba en el rito de la sala a oscuras y el bullicio del bar. Muerto ese cine, el cine-zombie se reproduce como una infección, con la voracidad de las franquicias: segundas, terceras y cuartas partes que son el rostro deformado del monstruo masivo.

No es una casualidad que, según el Diccionario Etimológico online –en inglés: etymonline.com–, se atribuya el origen del término “zombie” a dos lenguas “marginales” a la cultura del hombre blanco protes-

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ombies, the living dead, are always coming back.

Their slumber is neither from the alive nor the dead and drives them towards sequels which have one and only deed; to walk on its own footprints. Zombies are part of today’s cinema plague, a cinema made with the remains of its previous life, dressed with the rags that were left from their golden years, when being alive was part of the social and cultural exchange; part of a knowledge that was shared in the rite of the dark room and in the noise of the bar. With the death of that kind of cinema, the zombie-movies are reproduced like an infection, with the voracity of the franchises: Second, third and fourth parts that are the distorted face of the massive monster.

It’s not a coincidence that, according to etymoline.com dictionary, the origin of the word is attributed to two “marginal” languages according to the WASP culture: the African words “zumbi”, fetish in

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tante: las palabras africanas “zumbi”, fetiche en kikongo, y la kimbundu “nzambi”: “dios”, un diosserpiente. El concepto de “cuerpo reanimado” proviene del culto vudú, se data a principios del siglo XX y nace, según nuestra fuente, de una mutación de la palabra española “sombra” entre los criollos de Lousiana: la sombra, el fantasma de un vivo.

Los zombies proliferan: la historieta y la serie de televisión The Walking Dead, a la saga de la genial creación de George Romero La noche de los muertos vivientes, de 1968, que tiene sus epígonos hasta hoy, lo mismo que la remake de Soy leyenda (2007) o el monumental bodrio World War Z, cuyo crimen mayor es haber secuestrado a la actriz Mireille Enos para transformarla en una señora que espera a Brad Pitt; para no mencionar toda una nueva veta “histórica”, esas películas en las que los próceres de Estados Unidos como Abraham Lincoln o George Washington decapitan zombies mientras encolumnan sus filas hacia la libertad y la república.

Kikongo, and the Kimbundu word for God, “nzambi”, a snake-god. The “reanimated body” concept comes from the Voodoo cult and it is dated at the beginning of the 20th Century. According to the source, it comes from a mutation of the Spanish word “sombra” (shadow) used among the Louisiana creoles: the ghost of a living person.

The zombies are all over the place: the comic book and the TV show The Walking Dead, the great saga created by George Romero The night of the living dead (1968), with epigones that continue until today, I am a legend (2007) or the great fiasco World War Z, which it’s major sin is having abducted the actress Mireille Enos to transform her into a lady waiting for Brad Pitt, not to mention a whole historical saga of films in which great men from the United States like Abraham Lincoln or George Washington behead zombies while they fight for freedom and for the Republic.

URBAN LEGENDS

LEYENDAS URBANAS

Soy leyenda (1954), la novela de Richard Matheson en la que se basó la versión cinematográfica protagonizada por Will Smith (2007) y de la que Romero tomó la idea del zombie, cruza de forma casi inédita dos monstruos modernos de los que deriva gran parte de la narrativa fantástica y de ciencia ficción del siglo XX y, por lo que se ve, del XXI. Drácula, el ser lejanamente basado en el medieval príncipe Vlad, creado por un Bram Stoker atormentado por la sífilis en 1897; y la criatura del barón Víctor von Frankenstein de la novela de Mary Shelley de 1818. Uno, el ser oscuro, rezago de cultos y tradiciones ancestrales que irrumpe en un mundo que ya no tiene lugar para él, el de la razón; el otro, una criatura artificial, fruto de una aberración científica, un híbrido cuya metáfora, según ensayistas ilustres, era la Revolución Francesa acaecida veinte años antes de su nacimiento literario.

Tanto en la novela como en el film Soy leyenda (2007) se mezclan vampiros, zombies, manipulaciones genéticas y un último humano que resiste en un rincón de la desolada Nueva York, y en los que pueden leerse las características de una monstruosidad que cuenta mucho sobre esta época.

El difunto J.G. Ballard escribía en el Daily Telegraph: “¿El futuro tiene aún futuro?”. Con la pregunta abonaba su idea de que la ciencia ficción ya no se ocuparía de los viajes espaciales y la gran conquista estelar como del espacio “interior”. “Los mayores adelantos del futuro inmediato no tendrán lugar en la Luna ni en Marte, sino en la Tierra, y es el espacio interior, no el exterior, el que ha de explorarse. El único planeta verdaderamente extraño es la Tierra”, había escrito Ballard en 1962.

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I am a legend (1954), the novel by Richard Matheson in which the cinematographic version starring Will Smith (2007) was based in and from which Romero took the idea for the zombie, generates a new breed descendant from two modern monsters and generates most part of the fantastic and science fiction stories of the 20th Century, and, one may assume, the 21st.

Dracula, being remotely based on the medieval Prince Vlad created by a Bram Stoker when tormented by syphilis in 1897; and the creature shaped by the Baron Victor von Frankenstein in Mary Shelly’s novel, written in 1818. One, the dark being, the remaindered goods left from ancient cults and traditions that breaks into the world of reason, a world that has no place for him anymore. The other, an artificial creature, product of an obscene science, a hybrid which represents, according to notorious essayists, the French Revolution that took place twenty years earlier.

Genetic mutations, vampires and zombies are all mixed together along with the last human alive, who resists in a desolated New York and portrays the main features of a monstrosity that has a lot to say about our contemporary days.

The late J.G. Ballard wrote on The Daily Telegraph: "Does the future have a future?" With that question he endorsed his idea that the science fiction would no longer have a topic on space travels and the great stellar conquest and it would focus on the “inner” space instead. “The great advances in the near future will not take place on the Moon or on Mars, but on Earth, and is that inner space, not the outer space, that needs to be explored. The only truly strange planet is planet Earth”, wrote Ballard in 1962.

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MONSTRUOSO

MONSTROUS

Salvo algunas pocas escaramuzas que no incidieron ni en el concepto del cine ni en el de la ciencia ficción, los relatos más destacados del género que llegaron al celuloide durante los 90 y lo que va del nuevo siglo reemplazaron las conquistas guerreras en planetas lejanos por especulaciones en torno al estado policíaco y la indagación en el microespacio de las partículas de ADN. Reemplazaron el monstruo (único en su especie, aislable y ajeno a lo humano) por la más siniestra pintura de “lo monstruoso”, de límites imprecisos y próximos. Porque en lo monstruoso eso “otro” que antes era propiedad exclusiva del monstruo ahora se vuelve familiar: un monstruo que nos devuelve la mirada.

Cada época engendra su monstruo. Durante los 50 la forma dominante del monstruo fue el invasor extraterrestre (el macrocefálico e hiperracional tripulante del platillo volador o el insecto mutante), cuya amenaza era menos una violencia personal que una “insidiosa y diabólicamente fría ruina de la normalidad humana” (cita de Frank McConnell en El cine y la imaginación romántica). Hay que preguntar entonces por qué los monstruos de los últimos años son los muertos vivos: Exterminio, de 2005; El amanecer de los muertos, de 2004; la saga Resident Evil, 2002-2012; la versión irónica y televisiva de Joe Dante de los soldados zombies en Homecoming, de 2005; Zombieland, 2009; World War Z, 2013; REC, 2007; y sus epígonos –la cuarta se estrenará en 2014–; The Walking Dead, la serie que produce Frank Darabont y estrenó en octubre su cuarta temporada, la irónica miniserie inglesa Dead Set (Charlie Brooker, 2008) o la francesa Les Revenants, 2012.

Except for some skirmishes that had no effect in the concept of cinema or science fiction, the most celebrated stories of the genre that made it to the silver screen during the nineties and the present replaced the war conquers in far away planets for speculations on the police state and the inquiry for the DNA particle’s micro space. They replaced the monster (one of a kind, separable, and a foreigner on human domains) with the most sinister painting of the “monstrous”, that has vague and nearby boundaries. With the monstrous that “otherness”, whose sole proprietor was the monster, now becomes familiar: a monster that looks back at us.

Every age breeds its own monster. In the fifties the main figure of the monster was the invading alien (the big headed and hyper rational crew member of the flying source or the mutant insect), whose thread was more an “insidious and diabolically cold ruin of the human every day life” (says Frank McConnell in Cinema and the romantic imagination) than a personal violence. The question that arises is why the living dead are nowadays’ monsters: 28 day later (2002); Dawn of the dead (2004); the Resident evil saga (20022012); the ironic and TV version of Joe Dante's zombie soldiers of Homecoming (2005); Zombieland (2009); World War Z (2013); REC (2007) and its epigones –the fourth season is to be premiered on 2014-; The Walking Dead, the TV series produced by Frank Darabont which launched its fourth season; the ironic English miniseries The Dead Set (Charlie Broker, 2008) or the French Les revenants (2012).

Zombies en guerra: aquí debajo, World War Z (2013), el bodrio protagonizado por Brad Pitt; a la derecha, The Walking Dead, la serie que va por su cuarta temporada.

Zombies war: below, World War Z (2013), the fiasco with Brad Pitt; right, The Walking Dead, the TV serier wich launched its four season.

SOMBRAS NADA MÁS

NOTHING MORE THAN A SHADOW

El terror en el cine abunda en momentos históricos de crisis, desorientación y temor: las primeras versiones fílmicas de Frankenstein son de la Gran Depresión del 30, Yo caminé con un zombie o La mujer pantera (las dos de Jacques Tournier de mediados de los 40, cuando los zombies aún eran sonámbulos narcotizados con vudú) son de los tiempos de la Segunda Guerra; El monstruo está vivo, El exorcista, son del período Vietnam. La primera guerra del Golfo, la segunda, la guerra privada Bush-Bin Laden señalan un proceso de expansión y dominio neoliberal que genera exclusiones, nuevos campos de concentración (de refugiados, inmigrantes y caídos del sistema), pauperización de las grandes mayorías, la creación de espacios cerrados y seguros (como el shopping en el que transcurre Amanecer de los muertos, de Romero –1978– y Zack Snyder –2004–), concentración de recursos y bienes en una minoría, reestructuración de las normas de convivencia social y redistribución del espacio público. Todo este asunto lleva a repensar cómo se ejerce el control y la represión de los cuerpos. En un mundo que genera permanentes estados de excepción, el zombie es una categoría política.

During times of crisis, disorientation and fear, the horror movies are plentiful: the first film version of Frankenstein were premiered during the Great Depression in the thirties, I walked with a zombie or Cat people (both directed by Jaques Tournier in the mid forties, when zombies were still sleepwalkers drugged with voodoo) are from the World War Two period, and It’s alive, The Exorcist are from the Vietnam period. The first Gulf War, the second being a private war between Bush and Bin Laden, pointed out a process of expansion and control of the neoliberalism which generates exclusions, new concentration camps (refugees, immigrants, and system dropouts), impoverishment of the masses, the creation of obscure and secluded places (like the mall in which Dawn of the dead, shot in 1974 by George Romero and in 2004 by Zack Snyder, is set) the concentration of resources and goods in a minority, the restructuring of civil coexistence and the redistribution of the public space. All this may lead us to rethink the way the control and the repression of the bodies are exercised. In a world that is constantly generating states of exception, the zombie is a political category.

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En otras palabras, con el abandono de la filosofía y el pensamiento en manos de la ciencia, la biopolítica y el mercado global, el hombre se vuelve extraño para el hombre. El zombie, ni muerto ni vivo, es un monstruo doméstico: múltiple, no individualizado, repite con torpeza movimientos y acciones que pertenecieron al repertorio humano; dotado de un sólo órgano atrofiado, el cerebro; se reproduce como enfermedad y se manifiesta como resto, con sus colgajos de ropa calzada en el ocaso de sus días como hombre.

To put it in other words, with the abandonment of philosophy and thought on behalf of science, biopolitics and the global market, the man becomes a stranger to the man. The zombie, nor dead or living, is a domestic monster: multiple, unindividualized, clumsily repeating the moves and actions that once belonged to the human repertoire, gifted with only one atrophied organ, the brain; it reproduces like a decease and manifests itself like a leftover, with the remains of the clothes he was wearing on the dawn of his days as a man.

VOLVER A CASA COMING BACK HOME

En octubre de 2005 la cadena de televisión Showtime estrenó la primera temporada de Masters of Horror, serie de 13 capítulos de una hora, independientes entre sí, para los que el productor Mick Garris convocó a varios de los hombres más prominentes del género, entre ellos Joe Dante, quien rodó Homecoming (Regreso a casa). El episodio transcurre durante una elección presidencial en Estados Unidos que el espectador sigue a través de dos asesores políticos especializados en medios masivos. En una audición de tevé, una madre que tiene a su hijo en la guerra de Irak pide ante las cámaras que su vástago y todos los jóvenes que están muriendo lejos de casa regresen, como sea, que regresen.

Y, como en el clásico cuento “La pata de mono”, su deseo se cumple: los soldados comienzan a volver a la patria, después de muertos; un vasto ejército de zombies deambula por las calles del país decididos esta vez no a devorar los sesos de sus compatriotas, sino a depositar su voto en las urnas para impedir que el presidente que los mandó a la muerte vuelva a ganar las elecciones.

“Esta es una película de terror porque la mayoría de sus personajes son republicanos”, declaró Joe Dante

Marines zombies: Homecoming, el capítulo unitario de la serie Masters of horror dirigido por Joe Dante. El ejército de zombies vuelve a casa a tomarse revancha. BIzarro y genial.

Marines zombies: Homecoming, the episode of Masters of horror directed by Joe Dante. The zombies army returns home for revenge.

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In October 2005, the Showtime TV network premiered the first season of Masters of Horror, 13 one hour episodes independent from each other, for which the producer Mick Garris gathered the most prominent names of the genre. Among them, Joe Dante shot Homecoming. The episode is set during a presidential election in the U.S. and the spectator follows the pool through the eyes of two political advisors specialized in mass media. During a TV audition, a mother whose son is at Iraq makes a petition in front of the cameras: That her son, and every young men dying overseas, returns home, whatever it takes. And, like in the classic story “The Monkey’s Claw”, her wish comes true: The soldiers start coming back home, but after they died; a huge army of zombies walks around the streets with their minds set not in devouring their fellow countrymen's brain, but in casting their votes to prevent that the president that sentenced them to death from winning the elections one more time.

“This is a horror film because most of its characters are Republicans”, said Joe Dante when the Turin Cinema Festival awarded his episode with a prize on November 2005.

Opposite to other zombie and living dead movies, Homecoming does not aim to surprise, but to describe the routine, as Zombieland (2009) would later do. Dead people walking down the humid streets of a renamed country reverberating in their clumsy and defenceless walk the image of the others, of the outcasts: Latinos, African Americans, and Arabs.

Dante, who wrote the story with Batman’s script writer Sam Hamm, said to The Village Voice that there was no delicacy whatsoever

cuando el Festival de Cine de Turín premió su episodio en noviembre de 2005.

A diferencia de otras películas de zombies y muertos vivos, Homecoming no apuesta a la sorpresa, sino a la rutina, como lo haría luego Zombieland (2009): los muertos se pasean por las calles mojadas de un país rebautizado y en su andar desgarbado, desamparado, reverbera la imagen de los parias, los otros: negros, latinos, árabes.

El mismo Dante, que escribió la historia con el guionista de Batman, Sam Hamm, declaró al periódico Village Voice que no se anduvo con sutilezas: “Alguien tenía que empezar a hacer esta clase de películas, esta clase de proclamas. Porque todo el mundo se pone miedoso: que es poco comercial, que la gente se pone molesta. ¡Por Dios, dejen que se ponga molesta! ¿Por qué no está más molesta la gente?”.

Homecoming es también una forma de pensar la relación entre la televisión y el cine, la forma en que la ficción y esa percepción de lo real que impone la tevé podrían generar un mundo capaz de ser contado, interpretado a partir de un misterio. Para que haya un futuro con el que narrar la propia historia. Lo dice, a su modo, Dante en una entrevista con la revista Cinemascope: “Cuando yo era chico el futuro era Los supersónicos. Íbamos a tener autos voladores, veredas con cintas transportadoras y robots. Ahora el futuro son cosas cada vez más chiquitas, que están muy bien, tenemos grabadoras pequeñas y los televidentes pueden descargarse Amas de casa desesperadas en sus Ipods. Pero no es exactamente lo que se buscaba. Se suponía que viajaríamos a la luna, pero ahora sólo miramos por el ojo de la cerradura”.

when writing the film: "Someone had to start making this kind of movies, these proclamations. Because everybody gets fearful: that film is not going to make a profit, that film will make people get annoyed. Well, let the people get annoyed for Christ sake! Why aren’t people more annoyed anyway?”

Homecoming is at the same time a way of thinking the relation between movies and TV and the way in which fiction and that perception of reality imposed by the TV might generate a world capable of being told and interpreted from a mystery. So as there is a future with which our story can be narrated. In an interview with the Cinemascope magazine, Dante explains it in his own words: “When I was young The Jetsons were the future. We were going to have flying cars, sidewalks with conveyor belts and robots. Nowadays, the future is smaller stuff, which is all right, we have small tape recorders and the TV audience can download Desperate housewives in their I-pods. But that wasn’t exactly what we were after. We were supposed to travel to the moon, but now we just look through the keyhole.”

PERSONAJEMOR DANTEDELVECCHIO

kubrick y los jedi A Dante Del Vecchio le gusta el cine en el cine, donde la tecnología 3D le ofrece “una posibilidad aún no replicable en casa”. Y a la hora de sentarse frente al televisor sólo sintoniza deportes y noticias. “No miro TV y no tengo idea de quiénes son las estrellas de TV, me aburren incluso las italianas. En la TV italiana hay programas de muy baja calidad, una banalidad continua”, sentencia, y agrega que sí se interesa por canales de cable temáticos como el History Channel o el National Geographic.

“Me gustan las películas con buena trama y buen guión, además de la calidad visual, porque el cine es un arte. Me gusta el cine comprometido y de denuncia, tanto como el de suspenso o aventuras.

—¿Cuál es su película favorita?

—Podría mirar desde Kubrick o Cameron, Fellini o el neorrealismo italiano, hasta “La guerra de las galaxias”, que adoro, o 007. ¡Me reconozco de religión Jedi!

kubrick and the jedi Dante Del Vecchio likes watching movies at the theatre, where the 3D technology allows him “an experience that is impossible at home”. When watching TV he only tunes the news and sports channels. “I don’t watch TV and I have no idea who the TV stars are, I’m bored even with the Italian TV stars. There are lousy programs showing on the Italian TV, a continuous banality”, he says, and adds that he is interested in thematic cable channels like the History Channel or the National Geographic.

“I like movies with a fine plot and a good script, besides the visual quality, because cinema is an art. I like the political committed as well as the suspense or adventure cinema.

—What is your favourite movie?

—I could watch from Kubrick or Cameron, Fellini or the Italian Neorealism, to “Star Wars”, which I love, or 007. I believe in the Jedi code!”

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RECOMENDADOSCINE PININFARINA

Miniserie

Serie

Las damas del lago

The fall

Creada por Jane Campion

Creada por Jakob Verbruggen

Ladies from the lake

The fall

Created by Jane Campion

Created by Jakob Verbruggen

La directora de cine neozelandesa Jane Campion (Un ángel en mi mesa, 1990; La lección de piano, 1994) volvió a hacer cine pero en la BBC2 británica con una miniserie de 7 episodios, Top of the Lake, producida y distribuida por el canal Sundance, productoras de australianas y locaciones en Neo Zelanda, que puede verse como una larga película y cuenta con dos actrices excepcionales, Holly Hunter y Elisabeth Moss (la Peggy Olsen de Mad Men). La trama incluye un lugar llamado Paradise, al borde de un lago en el sur neozelandés del que los maoríes dicen que su lecho es el corazón de un demonio, al que llega un grupo de mujeres que buscan curarse de su adicción a los hombres. Viven en unos containers como si fueran una versión minimalista del monoblock. Y los containers señalan también esa condición de mercancía abandonada que pesa sobre el grupo femenino. La excusa para construir este relato es la desaparición de una niña de 12 años que horas antes de ser vista por última vez intentó ahogarse en las aguas del lago y a quien las autoridades descubren un embarazo de cinco meses.

En esa sociedad los hombres van armados y el patriarca es Matt Mitcham –Peter Mullan, inmejorable en su rol de rufián perverso e impotente. Todos se apuntan entre sí, pero como con el pene de Mitcham, es un apuntar “juguetón”, porque la violencia es obvia, porque las mujeres no hablan y quienes estuvieron en posición de hablar prefirieron recluirse. Netflix la anunció entre sus paquetes.

The New Zealander director Jane Campion (An Angel at my Table, 1990; The Piano, 1994) went back to making movies but at the British BBC2 with a 7 episode mini series, Top of the Lake; produced and distributed by the Sundance channel, with Australian producers and New Zealand locations, that can be seen as a full length motion picture and has two exceptional actresses in its cast: Holly Hunter and Elisabeth Moss (Mad Men’s Peggy Olsen). The plot includes a place called Paradise, located at the shore of a lake in south New Zealand (the Maoris think that its bottom is the heart of a daemon) where a group of ladies trying to heal from their addiction for men arrive. They live in containers that look like a minimalist version of projects. The containers also point out that abandoned merchandise condition that weighs over the feminine group. The excuse to build this story is the disappearance of a twelve year old girl who, hours before being seen for the last time, tried to drawn herself in the lake and who has a five months pregnancy, according to the authorities' findings. In that society men are always armed and the patriarch is Matt Mitcham – Peter Mullan, great in his role as a perverse and impotent bad guy. Everybody points their guns at each other, but as it happens with Mitcham’s penis, this pointing is just for fun only, because the violence is obvious, because women don’t talk and those who were in a position to speak preferred to seclude themselves. Netflix announced it among its packages.

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Gillian Anderson vuelve a protagonizar una serie de tevé pero ya no como la angelical Dana Scully de Los expedientes secretos X, sino como una fálica detective inglesa que debe resolver un caso de asesinatos en serie en la convulsionada Irlanda del Norte. The Fall –cinco episodios en la BBC2 que tendrán una segunda temporada en 2014– la inspectora Stella Gibson llega a Belfast a supervisar la investigación de una mujer asesinada y descubre a un asesino serial. Así, las absurdas pretensiones de corrección de la policía británica son mostradas en paralelo con la actividad del asesino, quien trabaja de día como psicólogo, cuida de su familia y por la noche sale a cazar a sus víctimas. La serie procede con el método del detective Columbo: importa más cómo se construye el relato, que el “quién lo hizo”. En una escena Gibson saca conclusiones acerca de la pose en la que son encontradas las víctima y dice: “Está creando su propia pornografía”. Como espectadores vimos ya los cuadernos que guarda el asesino, sus fotos. Una “pornografía” es también una maquinaria efectiva que hace caer esa cortina de lo sensual para dejar al desnudo el cuerpo en tanto cadáver. Pornografía como necrofilia, erotismo como naturaleza muerta. También la prometió Netflix en Argentina.

Gillian Anderson is back to being the main character on a TV series, but she no longer plays the role of Dana Scully, from The X Files, but interprets a phallic English detective that has to solve a serial murder case in the problematic Northern Ireland. In The Fall –five episodes at BBC2 that will have a second season in 2014- the Inspector Stella Gibson arrives to Belfast to supervise an investigation of a murdered woman and discovers a serial killer. In that fashion, the English police pretensions of political correctness are shown together with the murderer activities: working as a shrink, taking care of his family and hunting victims at night. The series follows an old Columbo method: the way the story is built is more important than finding out “who did it”. On a scene Gibson extracts conclusions from the way the victims are found and states: “He is making his own porn”. As spectators we’ve already seen what the murderer keeps on his books, we’ve seen his pictures. A “pornography” is also an effective machinery that brings down the curtains of sensuality to leave the body, the corpse in this case, unveiled. Pornography like necrophilia, eroticism as still life. Netflix promised to premier it in Argentina too.

Serie

Film

Restless

El ejecutor

Dirigida por Gus Van Sant

Dirigida por Walter Hill

Restless

Bullet to the head

Directed by Gus Van Sant

Directed by Walter Hill

Actúan Michael Gambon y Charlotte Rampling, aunque tienen sus versiones jóvenes del año 1942, porque la miniserie Restless (“Sin descanso”: sólo dos episodios) transcurre a mediados de los 70 y fue escrita por William Boyd, experto en temas de espionaje, en base a su novela de 2006. Hay una trama obvia (una mujer le cuenta a su hija ya mayor, ya madre, que fue espía durante la Segunda Guerra y le hace saber que aquella trama se extiende hasta el presente, los 70) y una secreta: las emociones.

Pero Restless, que puede verse como un drama de espionaje, cabe también en una categoría acaso reciente que revisa el papel de Inglaterra durante la Segunda Guerra e invoca la leyenda de Kim Philby, el más imponente de los dobles agentes. Restless funda su intriga en ese momento en el que Philby como otros descubren que para salvar a Inglaterra había que unirse a los rojos, el momento en el que cierta visión del internacionalismo era la única respuesta al nacionalismo que enardecía a las masas europeas. Se emitió por la tevé británica en diciembre del año pasado pero puede descargarse de ThePirateBay.sx u otros sitios de descargas como Eztv.it o ArgenTeam.net.

Starring Michael Gambon and Charlotte Rampling, although they have their “young” versions in 1942, because Restless (two episodes) is set in the mid seventies and was written by William Boyd, an expert on espionage themes, based on his 2006 novel. There is an obvious plot (a woman who tells her oldest daughter, who is a mother herself, that she was a spy during World War Two and lets her know that that plot still goes on in the present, the seventies) and a secret plot: the emotions.

But Restless, that can be seen as an espionage drama, can fit into a recently made category that revisits the role of England in World War Two and invokes the legend of Kim Philby, the most impressive double agent. Restless builds its mystery upon the moment in which Philby discovers, along with other people, that to save England they had to join the red ones, the moment in which a certain vision of internationalism was the only possible answer against the nationalism that was filling with enthusiasm the European masses. It was broadcasted by British television on December last year but can be downloaded from ThePirateBay.sx or other downloads sites like Eztv.it or ArgenTeam.net.

El “código Hill” quedó resumido en la entrevista que el Village Voice le hizo al veterano director de cine Walter Hill cuando estrenó a fines de 2012 Bullet to the Head (El ejecutor, como se conoció acá); Hill dijo que los personajes de su film estaban inspirados en la República de Platón y citaba al sofista Trasímaco: “¿No es la justicia todo lo que conviene al más fuerte?”, con lo que concluía: “A veces uno debe abandonar sus principios y hacer lo correcto”. Actúa Sylvester Stallone –hay incluso un paneo sobre fotos policiales del protagonista que es un repaso de su filmografía– y la trama es la de siempre: un criminal se asocia a un policía joven para vengarse de criminales inescrupulosos que lo traicionaron. Pero acá no se trata tanto de tramas –son dos los argumentos posibles, decía un clásico escritor argentino, el hombre da con su destino o le erra–, de acción física –que hay mucha–, sino de la metafísica: en qué se han transformado los personajes cuando llegan al fin del periplo. En ese sentido El ejecutor, basado en una historieta policial –Hill filma los cuadros como viñetas, como lo hiciera en Calles de fuego o Johnny Handsome– y ambientada en la devastada Nueva Orleans, no sólo es un film de culto, es un film culto, clásico y magistral.

The “Hill Code” was resumed on the interview that The Village Voice made to the veteran filmmaker Walter Hill when, at the end of 2012, he premiered Bullet to the Head; Hill said that the characters of his film were inspired by Plato’s Republic and he quoted Thrasymachus the sophist: “Isn’t it justice whatever comes into the strongest interest?”, with which he concluded: “Sometimes one must abandon his own principles and do what’s right.” Starring Sylvester Stallone -there is even a panning over police pictures that is actually a run-through of his filmographythe plot is the usual: a criminal that partners with a young cop to take revenge on the unscrupulous criminals who betrayed him. But in this case the plots –there are only two possible plots, said a classic Argentinean writer, the man meets his destiny or fails to do so-, are not made for physical action (and there is plenty of that), but are made for metaphysics: what has become of the characters when they reach the end of the journey. In that sense, Bullet to the head, based on a police comic –Hill shoots the frames like vignettes, the same way he did on Streets of fire or Johnny Handsome- and set in the devastated New Orleans, is not just a cult movie, but is a cultured, classic and masterly film.

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MÚSICAMOR

El eterno

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regreso Charly García, el Ave Fénix de la música argentina.

La remake que se supera en cada nueva versión.

The eternal return Charly García, Argentinean’s music phoenix.

The sequel that exceeds itself in every new version.

Por ANDRÉS ABRAMOWSKI Ilustración de EL TOMI Fotografías de MAXIMILIANO VERNAZZA

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harly volvió varias veces y la última siempre es la mejor. El artista que sobrevive a sí mismo y se vuelve obra de arte. Fuera de tiempo, siempre renace; aún cuando parezca que sólo quedan migajas de su iluminada existencia, de pronto, un día, donde a simple vista no había nada, se puede encontrar algo nuevo, inédito, inesperado. O simplemente –que no es poco– una nueva versión de su universo.

En la historia reciente de la cultura del arte y el espectáculo, tan hecha de secuelas, reciclajes y segundas partes, el regreso de ciertos artistas suele estar asociado a un acontecimiento comercial que lo sustenta. Grandes giras de agrupaciones o solistas de trayectoria que luego de algún retiro –generalmente sin demasiados sobresaltos– vuelven a insertarse en un circuito de shows. Años atrás esos retornos –por entonces también llamados reuniones– incluían al disco como eje principal de un negocio que todavía era giratorio. ¿Pero de qué vuelven los artistas? ¿O cuándo se van? ¿Adónde? ¿Hay una existencia paralela de un artista que dependa de su exposición pública? ¿Hay un David Bowie que va a la panadería y otro que sale de giras? Y la obra, en ese lapso, ¿dónde está?

harly came back several times and the last time is always the best. The artist that outlives himself and becomes a work of art.

Timeless, he is always reborn; even though if it appears that there are only remains of his enlightened existence left, suddenly, one day, unnoticed, you may find something new, unheard, unexpected. Or simply a new version of his universe, which is not small potatoes.

In the recent history of art and show business culture, filled with sequels, recycled goods and second parts, some artists’ comebacks are usually associated with a commercial event. Great tours of well renowned bands or solo artists that after a brief retirement –usually unnoticed– come back to reinstate themselves in the concerts circuit. Years ago, those comebacks –also called reunions– included the long play as a main axis of a business that was spinning.

But, where do artists come back from? When do they leave?

Where do they leave to? Is there a parallel existence of an artist that depends on his public exposure? Is there a David Bowie that goes to the bakery and another that goes touring? And in the meantime, where does the music go to?

DEMOLIENDO HOTELES

BURNING DOWN THE HOUSE

Charly García volvió varias veces. En algunas con grupo nuevo, otras con apenas un disco. Cada tanto esa suerte de retorno era el bautismo para una nueva generación de seguidores. Cambió la piel varias veces, cambió de audiencias, de músicos, de socios y de

Charly García changed several times. Sometimes with a new band, sometimes with just a record. Every now and then, that sort of comeback was the baptism for a new generation of followers. He changed skins, changed audiences, musicians, partners

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managers. Siempre estuvo. Y sin embargo, cada tanto volvía.

Pero una vez –no hace mucho– pareció que no volvería jamás.

Por alguna razón su andamiaje cedió, la estructura no aguantó y la caída fue aparatosa. Fue la culminación, a mediados de la década pasada, de un proceso de enojo que a la distancia puede verse en perfecta coherencia con su producción artística de entonces.

Los años de Say No More.

Fue casi una década iniciada a mediados de los 90 en la cual sus discos mermaron y se hicieron más notorios sus escándalos y ciertas expresiones excesivas como tirarse desde un octavo piso a la piscina de un hotel. Una espiral que para 2008 lo dejaría internado y preso de un furioso cóctel que mezclaba drogas legales e ilegales con buenas intenciones e intereses dudosos, tamizado con humillantes fotos circulando por la web y permisos judiciales para festejar su cumpleaños con amigos.

Entonces aquel caótico “constant concept” que determinó discos como Say No More, El Aguante e Influencia se terminó diluyendo en la casa de campo de Palito Ortega, donde Charly se alojó luego de estar internado. Algunos vieron ese rescate como el final, sobre todo cuando reapareció súbitamente en un escenario frente a la basílica de Luján. Muy gordo y extraviado, su manifiesta imposibilidad para cantar ponía en duda cualquier argumento que avalara su exposición en público. “Deberías saber por qué”, la canción que surgió como novedad en ese lapso de desintoxicación a pura pastilla, tampoco arrojó esperanzas para

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and managers. He never left. Despite all that, every now and then, he comes back.

There was a time, not so long ago, when it seemed that he wouldn't come back anymore. For some reason his structure cracked up and the fall was dramatic. It was the culmination, in the middle of the last decade, of an anger process that, from the distance, can be seen as perfectly consistent with his artistic work back then. Those were the Say No More years.

The decade that started in the mid nineties, in which the records became scarce and the scandals and some excessive expressions, such as jumping from an eighth floor to a pool in a hotel, became more notorious. A downward spiral that would end up with him in the hospital, prisoner of a furious cocktail mixing both legal and illegal drugs with good intentions and dubious interests, sifted with humiliating pictures of him circling through the Web and a court permission to celebrate his birthday with friends.

It was then when that chaotic “constant concept” that forged records such as Say No More, El aguante and Influencia was diluted in a country house owned by Palito Ortega, where Charly took shelter after his hospitalization. Some people thought of that rescue operation as the end, especially when he suddenly made his reappearance in front of Lujan’s Basilica. Fat and mentally lost, his impossibility to

gran parte de sus seguidores, más allá de que jamás haya perdido su siempre renovable colchón de incondicionales.

Parecía entonces que habría que acostumbrarse a un mundo sin nueva música de García y que sólo quedaría su obra, que siempre se puede volver a descubrir.

Pero desde entonces volvió ya tres veces. Todavía tenía un par de cosas más que decir.

PRIMERA VUELTA

La primera de sus últimas vueltas fue el disco Kill Gil, un camino tan cuesta arriba como la etapa en la que fue concebido y realizado. La discográfica ni siquiera se entusiasmaba con editar una obra maldita de la que no se sabía siquiera quién había grabado. Pero Charly insistió y parió un disco “para escuchar y mirar”, una suerte de último estertor del enojado y excedido Say No More con el que en cierto modo había combatido su propia perfección pop de los 80.

sing questioned any endorsement to his public exposure.

“Deberías saber por qué” (You should know why), the song that came as a novelty during that pill after pill detox, gave no hope to most of his followers, despite never loosing his always renewable and ever faithful fans.

It looked like you had to get used to a world without García’s new music and that his previous work was the only thing left, a work that can always be rediscovered.

But, since then, he came back three more times. He still had some things left to say.

FIRST COMEBACK

His first comeback was the Kill Gil album, a record as tough as the time it was conceived and recorded in. The record company was not delighted having to release an accursed work from which they knew nothing about, not even who recorded it. But Charly

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otro regreso MAGIA Y MÚSICA Literalmente, Herbert Vianna volvió de la muerte. El 4 de febrero de 2001 piloteaba un avión ultraliviano que se cayó al mar. El cantante y guitarrista de la fenomenal banda brasileña Os Paralamas do Sucesso quedó sumergido unos minutos bajo el agua y su esposa Lucy Needhan murió en el accidente.

Luego de varios días en coma volvió a despertarse sin recordar nada de lo ocurrido. Ni siquiera que tenía tres hijos con Lucy. La pérdida de masa encefálica sólo le permitía balbucear en inglés, no recordaba su idioma.

Luego se sabría que la secuela no sólo le impediría caminar sino que también recordar algunas cuestiones de la vida cotidiana como, por ejemplo, lo que había desayunado. Por esa razón todos se sorprendieron cuando en su primer encuentro con sus compañeros de banda Herbert

descubrió que recordaba todas sus canciones. Y no sólo las propias.

A pesar del pronóstico de los médicos, Vianna pudo volver a tocar y cantar. En rigor, eso fue lo primero y lo único que pudo hacer durante los primeros tiempos de su rehabilitación. Su memoria parecía activarse sólo para recordar las letras y los temblores que padecía en sus manos desaparecían cuando empuñaba la guitarra.

Un año después, en una silla de ruedas de la que no pudo bajarse, Vianna volvió a un escenario a cantar durante un show de Fito Páez en Brasil. Y seis meses más tarde se publicó Longo Camino, un disco cuyos temas había compuesto antes del accidente. Un camino largo por el cual sigue transitando, a caballo de la música.

MAGIC AND MUSIC Herbert Vianna literally came back from death. On February 4th, 2001, he was flying an micro light aircraft that went down on the sea. The singer and guitar player of the great Brazilian band Os Paralamas do Sucesso was left under water for a few minutes and his wife, Lucy Needhan, died in the accident.

After a few days in a comma, he woke up without remembering what happened. He didn’t even remember the three sons he has with Lucy. The loss of brain matter would only allow him to mumble some words in English; he didn’t even remember his own language.

He would later realize that the consequences of the accident would not only prevent him from walking for the rest of his life, but wouldn‘t let him remember, for example, what he had for breakfast in the morning. That was the reason why everybody was so shocked when he made a reunion with his band mates and remembered every one of his songs. And not just his.

Despite the medical forecast, Vianna was able to play and sing again. During the first months of his recovery that was the first and only thing he could do. His memory seemed to be reactivated only to remember the lyrics and the tremors of his hands only stopped when he held a guitar.

A year later, on a wheelchair that he could not left behind, Vianna went back on stage during a Fito Páez show in Brazil. And six months later he released “Longo Camino”, a record with songs he composed before the accident. A long road he keeps travelling, mounted on the music.

Publicado en 2010 junto con un DVD que combina música con más de cien dibujos y pinturas de García, Kill Gil es una muestra de ese caótico proceso creativo que casi se le costó la vida. Una obra de arte que se manifiesta como un increíble testimonio musical en primera persona de los años en los que fue gestado.

“Ya que bancamos la lluvia, banquemos la espera”, le dijo elípticamente a su público en Chile una noche de esas en las que el cuerpo no terminaba de pisar bien sobre el escenario. Tal vez planeaba un nuevo retorno.

FELIZ CUMPLEAÑOS

Lo que siguió fue una recuperación del cuerpo que necesitaba el artista para seguir creando. Con 60 años cumplidos se abocó a festejar con una revisión de su propia obra. Poco amigo de mirar

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insisted and gave birth to a record made for “looking and listening”, some kind of death rattle of the angry and excessive Say No more album with which he kind of fought his own musical perfection of the eighties.

Released in 2010 along with a DVD that combines the music with more than a hundred of García’s drawings and paintings, Kill Gil is a sample of that chaotic creative process that nearly cost him his life. A work of art that manifests itself as an unbelievable musical testimony of the years that was conceived in.

“We endured the rain, we might as well put up with the wait", said to his audience in Chile, during one of those nights in which the body wouldn't let him perform on stage. Maybe he was thinking of a new comeback.

hacia atrás, se animó sin embargo a echarle un ojo a viejas canciones. Pero no en el sentido en el que la industria celebra las Pascuas con compilados de grandes éxitos regrabados en duetos con mejor tecnología sino para desarmarlas y vestirlas de nuevo, en busca de otros sonidos. Una actualización de su obra.

Para entonces se manifestaba como “limpio” y con “otros estímulos” para crear su música. Y sin renegar –para nada– de su etapa Say No More, se admitía dispuesto a transitar por otros caminos menos turbulentos.

En los tres conciertos 60 x 60 de finales de 2011 Charly presentó en un teatro tres listas de temas distintas con unas 60 canciones de épocas diferentes. Su nueva banda, The Prostitution, parecía una síntesis de los años de Say No More con Los Enfermeros más el agregado de un cuarteto de cuerdas. Para Charly la formación se asemejaba a una orquesta como nunca había tenido antes y la posibilidad de encontrar algo nuevo combinando viejas canciones con violines, bandoneones y guitarras eléctricas.

Con bajo perfil, sin generar escándalos que las convirtieran en noticias, Charly volvió a las giras mientras trabajaba sobre nuevas ideas musicales. Y cuando esos conciertos se editaron en tres discos a fines de 2012, García comenzó a insinuar que su próximo trabajo tal vez tendría que ver con la matemática y la infancia.

Ahí, llegó a decir, estaba todo.

HAPPY BIRTHDAY

What came next was a recovery that the body needed for the artist to keep creating. When turning 60, he devoted to celebrate by revisiting his old albums. Not very fond of looking back, he dared to take a look at old songs. But he didn’t do it in the same way the record companies celebrate Easter by releasing great hits rerecorded with duets and state of the art technology; he undressed the songs and went looking for new sounds to dress them back. An update of his work.

By then, he claimed to be “clean” and to use “new incentives” to create his music. Without renouncing, at all, from his Say No More years, he admitted to be willing to transit less troubled waters.

In the three 60x60 concerts performed at the end of 2011, Charly played three different set lists with 60 songs from different periods. His new band, The Prostitution, appeared to be a synthesis of the Say no more years blended with Los Enfermeros, plus a string quartet. To Charly, the band appeared to be the orchestra he never had before and the possibility to find something new combining old songs with violins, large accordions and electric guitars.

With a low profile, without generating scandals to be on the

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EL ARTIFICIO AL COLÓN

El desarrollo de esa experiencia lo llevó directamente al teatro Colón. Al parecer la primera idea fue hacer pasar su música por una orquesta sinfónica, pero luego cambió esa idea por un plan más cercano al Sargeant Pepper de Los Beatles y esos años británicos en los que se gestaron obras como Tommy o Quadrophenia, ambas óperas rock de The Who. La idea básica de “Líneas paralelas (artificio imposible)” fue ensamblar un sonido sin pasar por las terceras notas de los acordes, las que –según explicaba someramente entonces– constituyen “su alma” porque definen si son mayores y alegres o menores y tristes.

Cuando decidió prescindir de la orquesta sinfónica, García ensambló la banda de rock y el cuarteto de cuerdas que conforman The Prostitution con un cuarteto de cuerdas más y otros instrumentos. Y volvió por tercera vez con la misma idea de siempre: que otros puedan disfrutar de sus ideas musicales. Nunca quiso otra cosa.

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En ese plan, más allá de los negocios de rigor, “Líneas paralelas” no es –todavía– un disco pero sí viene acompañado por un libro que hizo las veces de programa de luxe para sus veladas del teatro Colón. En ese libro, además de presentar como lo venía haciendo últimamente su particular faceta de artista plástico, explicó –por si a alguno le interesara– las ideas musicales con las cuales pasa sus horas por estos días. Entre ellas, cómo navegar por “líneas paralelas cuyo destino es andar por siempre cerca pero no juntas”.

Charly volvió a volver. Cuando parecía que no tenía nada más para dar o decir, se levantó y dijo algo así como: “Ey, escuchen esto”. Un artista fundido con su obra, capaz de hundirse o de renacer con ella.

evening news, Charly went back to the tours while working on new ideas for his music. And when those concerts were edited in three records at the end of 2012, García began to imply that his next work was going to be related with math and infancy. There, he said, lies everything.

PERSONAJEMOR DANTEDELVECCHIO

THE ARTIFICE GOES TO THE COLÓN THEATRE

The development of that concept took him to the Colón theatre right away. Apparently, the first idea was to make his music be played by a symphonic orchestra, but then it changed to a plan closer to Beatles’ Sgt. Pepper and those British years in which The Who conceived rock operas like Tommy or Quadrophenia.

The idea behind the “Líneas paralelas (artificios imposibles)” album was to create a sound without using the third note of the chord, which –as he succinctly then explained– constitutes “the soul” of the chord as it defines if the chord is major, and therefore cheerful, or minor, and therefore sad.

When he decided to do without the symphonic orchestra, García assembled the rock band and the string quartet that conform The Prostitution to another string quartet plus two more instruments. And, for the third time, he came back to the same old idea: To make his musical ideas available for others to enjoy.

He never wanted anything else.

In that line of thought, beyond the due business, “Líneas paralelas” is not an album, yet, but it comes with a book that was presented as a luxury program for those evenings at the theatre. In that book, besides presenting his drawings and paintings, he explained, in case someone was interested, the musical ideas that go through his head these days. Among them, how to navigate though “parallel lines whose destiny is to always be close by, but never together”.

Charly came back one more time. When it seemed that there was nothing left to say, he raised, and said something like: “Hey, listen to this”. An artist molten to his work, capable of sinking or being reborn with it.

Morrison y Carmina Burana Del Vecchio escucha música, especialmente cuando viaja o practica deportes. En cuanto a sus gustos, parece tenerlos bien definidos y no son excluyentes.

—¿Qué tipo de música le gusta?

—Me gusta el rock, con una predilección por “The Doors”, la banda de mayor cultura de los años 60. “¡Queremos el mundo y lo queremos ahora!”.

Sin embargo, no descarta “un buen rato de música clásica del estilo Carmina Burana”, lo que le resulta “directamente embriagador, no sólo en lo musical sino también en cuanto su texto original escrito en latín alrededor del año 1000”.

Morrison AND Carmina Burana Del Vecchio listens to music, especially when he is travelling or practising sports. As for his likings, they appear to be well defined and not exclusive.

—What kind of music do you like?

—I like rock music, with a predilection for “The Doors”, the most cultivated band of the sixties. “We want the world and we want it now!”

Nevertheless, he doesn’t dismiss “a nice time listening to classical music in the Carmina Burana style” which he finds “absolutely stimulating, not just musically, but because of its lyrics too, that were written in Latin around the year 1000."

EL CHARLY QUE YO CONOZCO

THE CHARLY I KNOW

“A Charly lo empecé a descubrir allá por el año ’97 cuando me tocó hacerle una

“I started to discover Charly around the year 1997, when I was commissioned to

nota para la revista Gente, donde trabajo como reportero gráfico desde ese mismo

interview him for Gente magazine, where I work as a graphic reporter since that very

año. Y a partir de ese momento nació una relación de afecto entre ambos, casi sin

year. Almost without us noticing it, a real affectionate relationship begun between the

que nos diéramos cuenta. Se sabe que García es poco afecto a las fotos, sin

two of us since then. Everyone knows that García doesn’t like to be portrayed, despite

embargo, cuando me veía llegar, en cualquier circunstancia, sonreía y ordenaba: ‘El

that, whenever he saw me coming in, under any circumstance, he would smile and say:

sí, que pase’. Entonces, se armó un código especial entre los dos sin necesidad de

“Let him in”. A special code was written; we understood each other without having to

que nos pusiéramos de acuerdo. Siempre nos entendimos perfectamente, hasta el

state an agreement. We always saw each other eye to eye. We still do. “

día de hoy. “ Fragmento del texto escrito por Maximiliano Vernazza para su muestra de fotografías, que comenzó su itinerancia en 2011 y continúa girando.

Passage of the text written by Maximiliano Vernazza for his photo exhibition, which went on the road in 2011 and is still touring.

Some of the pictures belonging to that exhibition illustrate this article.

Algunas fotos de esa muestra ilustran esta nota.

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RECOMENDADOSMÚSICA

CHANCES

ABRAÇAÇO

Illya Kuryaki & The Valderramas

Caetano Veloso

Se puede seguir fielmente las letras o ignorarlas, así como puede enfocarse en las melodías y arreglos o bien dejarlos como música de fondo. Lo que resulta imposible si se comparte un espacio físico cualquiera con este disco es dejar de mover la patita. “Chances”, el disco que auspició el retorno del dúo Illya Kuryaki & The Valderramas, impone constante desde los parlantes su groove constante y se mete sutilmente en el cuerpo. Un recorrido sutil –no tan salvaje como la versión más joven del dúo que no se reunía desde hacía más de diez años– por una ruta que combina con gran calidad toda la música negra americana con el hip hop blanco y latino según la mirada de dos chicos que crecieron haciendo música en la Argentina. Pero además, el dúo que conforman Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur ofrece en “Chances” la madurez que el tiempo supo darles como artistas.

Un intenso abrazote musical ofrece Cateano Veloso con “Abraçaço”, su disco número 49, que cierra la trilogía iniciada en 2006 con “Cê” y continuada en 2009 con “Zii e Zie”. A los 70, el genial creador bahiano alumbró un increíble disco de transrock, tal como se define Banda C, el trío que lo acompañó en los tres trabajos producidos por el hijo de Veloso, Moreno, y el guitarrista Pedro Sa. “Abraçaço” se caracteriza por sus canciones inspiradas y complejas tamizadas por el minimalismo y la sencillez que le aporta el trío de bajo, guitarra y batería que se anima por todo tipo de climas, ritmos, métricas y melodías. Como suele ocurrir con Caetano, algunos temas tienen destino de clásicos como “A bossa nova e foda”, “Estou triste” y “Um comunista”, mientras que otros –no menos inspirados– como “Parabens” o “Imperio da lei” apuntan a vivir en ese terreno tan incierto y riesgoso al que hoy pocos se le animan –sobre todo a los 70 años– que podría llamarse vanguardia.

The lyrics can be attentively listened to or ignored, the same happens with the melodies and arrangements, which you can pay attention to or listen as background music. What is impossible, no matter where you are listening to this record, is to stop moving your foot to the rhythm. “Chances”, the record that came out after the reunion of Illya Kuryaki & The Valderramas, imposes its constant groove through the speakers and subtly slips into the body. A gentle journey –not as wild as the younger version of the duet that didn’t work together for more than ten years- through a road that combines with great quality all the black American music with the white and Latino hip hop under the vision of two boys that grew up making music in Argentina. Besides, the duet conformed by Dante Spinetta and Emmanuel Horvilleur offers in “Chances” the artists maturity that time has given them.

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An intense musical hug is offered by Caetano Veloso in his 49th album, “Abraçaço”, which closes the trilogy initiated in 2006 with “Cê” and continued in 2009 with “Zii e Zie”. At the age of 70, the brilliant Bahian creator gave birth to an amazing transrock album, as the Banda C, the trio that worked with the musician in the three albums produced by Moreno, Caetano’s son, and the guitar player Pedro Sa, has named its style. “Abraçaço” is made out of inspired and complex songs sifted by the minimalism and simpleness provided by the guitar, bass and drums trio, who took the challenge of going through different climates, rhythms, metrics and melodies. As it usually happens with Caetano, some songs are destined to be classics, like “A bossa nova e foda”, “Estou triste” and “Um comunista”, while others –not less inspired-, like “Parabens” or “Imperio da lei”, aim to survive in that uncertain and risky ground that no many contemporary musicians dare to transit (specially at the age of 70) that could be called avantgarde.

THE NEXT DAY

NEW

David Bowie

Paul McCartney

“Aquí estoy / no precisamente muriendo. Mi cuerpo abandonado, a pudrirse en un árbol hueco/ sus ramas lanzando sombras/ en la galería para mí/ y el próximo día/ y el siguiente/ y otro día”. Una furiosa pared de guitarras acompaña el estribillo de “The Next Day”, el álbum con el cual un día volvió, luego de nueve silenciosos años de bajo perfil, David Bowie. Un trabajo cuya grabación se mantuvo en una estricta reserva durante tres años hasta que llegó como sorpresa del Duque Blanco para sus 66 años. Con viejos amigos y compañeros de ruta como Tony Visconti en la consola y músicos que compartieron sus últimos discos como la bajista Gail Ann Dorsey y el guitarrista Earl Slick, “The Next Day” suena como si Bowie nunca se hubiera ausentado de la producción musical. Un trabajo personal en el que aprovecha para brindar un punto de vista acerca de cómo ve este mundo un señor que tanto le ha aportado desde el arte como David Jones.

Desde que empieza a sonar, y durante algo más de 45 minutos, “New” no permite otra cosa que disfrutarlo. Festivo, intenso, cambiante y sutil el primer disco de Paul McCartney en seis años está tan bien logrado que parece haber sido escuchado antes de ponerlo. No deja lugar a dudas. La fórmula que pasados los 70 años eligió Paul para seguir siendo un joven y experimentado músico de rock es rodearse de productores varios años menores y pedirles que no le tengan tanto respeto. Lo hizo con Nigel Goodrich, que venía produciendo a Radiohead, al confiarle “Chaos y creation in the Backyard” y volvió a hacerlo multiplicado por 4 en “New”, cuyo diseño sonoro es compartido por Paul Epwort, Ethan Johns, Mark Ronson y Giles Martin, que tomaron el talento compositivo a esta altura clásico de McCartney y lo vistieron con colores actuales e inspiradas ideas. Un disco que transmite lo que evidentemente es un gran momento en la vida del ex Beatle, que sigue trabajando, como todo artista vigente.

“Here I am/ not just dying. My body left to rot in a hollow tree/ its branches throwing shadow/ on the gallows for me/ and the next day/ and the next/ and another day”. A furious wall of guitars sounds at the chorus of “The Next Day”, the album with which David Bowie, after nine silent and low profile years, one day returned. A work which its recording was strictly confidential during three years until it came out as a Thin White Duke’s surprise for the celebration of his 66th birthday. With old mates, route companions like Tony Visconti behind the consoles and musicians who shared his last recordings like the bass player Gail Ann Dorsey and the guitar player Earl Slick, “The Next day” sounds like if Bowie never stopped producing music. A personal work in which a man that gave as much as David Jones did with his music, shares his point of view on this world

Since it starts to play, and during around 45 minutes, “New” allows nothing else but to be enjoyed. Festive, intense, changing and subtle, the first McCartney album in six years is so successful that it looks like you’ve heard it even before you press the play button. There is no doubt. The formula that Paul chose after turning 70 to keep being a young and experimented rock musician is to surround himself with younger producers and ask them not to be respectful. Hi did it with Nigel Goodrich, who was Radiohead’s producer, by trusting him with “Chaos and creation on the backyard” and he did it, multiplying the producers by four, in “New”, where the sound design is shared between Paul Epwort, Ethan Johns, Mark Ronson and Giles Martin. The four of them took McCartney’s classic talent as a composer and dressed it with contemporary colours and inspired ideas. A record that transmits what evidently is a great moment in the life of the former Beatle, who, like every artist who is still on the top of the wave, keeps on working.

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90 hectáreas en medio de la naturaleza, 400 lotes desde 800 hasta 1.700 metros cuadrados y un lago artificial de 12 hectáreas habilitado para deportes náuticos. Canchas de tenis, fútbol, golf de 9 hoyos y circuito aeróbico. Bar, restaurante, sala de reuniones, playroom y una exclusiva terraza mirador. Naturaleza intervenida en su justa medida.

Tendido subterráneo de servicios comunes, alumbrado público, calles pavimentadas, servicio de recolección de residuos, sistema de seguridad perimetral y control de accesos. Muy próximo a Rosario y a sólo pasos del centro de la localidad de Roldán, sobre la autopista Rosario-Córdoba con la ruta AO12. En pleno funcionamiento, un lugar para vivir como querés.

LIBROSMOR

La historia sinfin

Secuelas, sagas, segundas, terceras y cuartas partes, historias épicas que nunca terminan. Un recorrido por el mundo de la literatura, cuando un solo libro no alcanza.

The never ending story Sequels, sagas, second, third, and fourth parts, epic stories that never end.

A journey through the literature world, when only one book is not enough.

L

as sagas surgen en Islandia alrededor del siglo XII de nuestra era. Como apunta Borges, un devoto de esta tradición, la palabra saga es afín a los verbos sagen y say (decir) y reúnen los cuentos que un rapsoda, un narrador, contaba como pasatiempo en largas veladas. Las hay de apóstoles y santos y también de reyes y héroes locales.

Una de las ramas de este frondoso árbol de historias son las sagas caballerescas como el ciclo del rey Arturo, surgido entre el siglo XII y el XVI, a las que se conoce como materia de Bretaña que incluye los hechos del rey y sus caballeros. Este ciclo incluye a personajes que han sido retomados y recreados por la literatura en infinidad de ocasiones, con versiones que llegan hasta los estudios Disney. Merlín, La reina Ginebra, la historia de Lanzarote del lago, la búsqueda del Santo Grial.

Así, tomando atajos en la literatura europea llegamos a las novelas de caballería tan populares en Europa entre el siglo XIV y el XV en las que el héroe, un caballero andante, vive inacabables aventuras, con abundancia de exageraciones en acciones, muchas veces, no demasiado creíbles. En general, en su temática se repiten los elementos: el personaje pasa a través de distintas pruebas para ganar honra y fama, y el amor de la dama. Los sucesos que se cuentan suceden en lugares remotos y en tiempos fantásticos.

Estos libros de caballería son la referencia para llegar a la mayor novela de nuestra lengua y una obra maestra de la literatura universal: Don Quijote de la Mancha.

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Por HORACIO ZABALJÁUREGUI Ilustración de FERNANDO ROSSIA

S

agas first appeared in Island around the 12th Century. As Borges, a deep connoisseur of that tradition, says, the word “saga” is related to the words sagen and say, and comprehends the stories a travelling poet, a narrator, used to tell as a hobby during long nights. There are sagas about apostles and saints, also about kings and local heroes.

One of the branches of this leafy tree made of stories are the knights sagas, like the one on King Arthur, appeared between the XXII and the XVI centuries, which are known as Arthurian legends and include facts about the king and his knights. This cycle includes characters that had been taken up and recreated on infinite occasions by the literature, and even got adaptations by the Disney Studios. Merlin, Queen Guinevere, the story of Lancelot of the Lake, the quest for the Holly Grail.

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DON QUIJOTE, LA NOVELA

No muchos lo saben, pero la novela de Cervantes tiene una primera parte que apareció en 1605 y una segunda en 1615. En la primera, Alonso Quijano, un hidalgo pobre, enloquece leyendo libros de caballería y sale al mundo a vivir aventuras llevado por ánimo de justicia acompañado por su escudero Sancho Panza.

En 1614, se publica en Tarragona una segunda parte apócrifa del Quijote con el seudónimo de Alonso Fernández de Avellaneda.

Un año después, Cervantes escribe la continuación y en el prólogo se defiende irónicamente de las acusaciones del falsario Avellaneda. De manera genial, en un rasgo notablemente moderno, incluye menciones a la primera parte. De hecho, algunos personajes que aparecen en la continuación ya han leído el libro y reconocen a Quijote y a Sancho. También, tanto Cervantes como el hidalgo saben que la novela va a ser un clásico y aluden a ello. Así, el autor es a la vez narrador y personaje y cuenta que había extraviado los originales de la novela que atribuye a un autor árabe (Cide Hamete Benengeli) pero que pudo recuperarla, de manera de poder seguir traduciéndola.

De este modo, en un juego de espejos lo real se refleja en la ficción y viceversa. Un elemento innovador que sumado al humor, la ironía y las reflexiones del hidalgo y su escudero hacen de esta obra una de los libros más maravillosos de la literatura universal.

Y no es sólo una frase hecha. El Quijote es de esos libros que cuando se concluye la lectura y el protagonista muere, se echa de menos a ese personaje tan entrañable y conmovedor como alguien que se hubiera conocido en la vida real.

CONTINUARÁ…

Si en la novela de caballerías aparecía una suma de tópicos de los que Cervantes se burló en su novela, lo exagerado en situaciones inverosímiles, la división maniquea entre el bien y el mal también forman parte de esa gran usina de historias e intrigas que fue el folletín o la novela por entregas que aparece en Europa en el siglo XIX. La temática bien puede abordar los asuntos del corazón o de misterio. Sus huellas se rastrean hasta hoy en el comic, y en el teleteatro así como en los seriales; Los Soprano o la reciente Breaking Bad, por nombrar apenas un par de ellas.

El suspenso era la técnica infalible por el cual el folletín garantizaba públicos de todas las edades, género y distintas clases sociales aunque las mujeres son las mayores consumidoras del género.

Los diarios de la época incluyen estas historias por entregas que les garantizan lectores ávidos de conocer el desenlace de las mismas. Así surgieron novelas como Los Tres Mosqueteros y el Conde de Montecristo de Alejandro Dumas, o los Misterios de París de Eugenio Sue. Autores de prestigio y hoy clásicos de la literatura universal como Balzac o Victor Hugo recurrieron al folletín para presentar sus obras en Francia. En Inglaterra otro tanto hicieron Stevenson o Dickens y en Rusia Crimen y Castigo fue primero un folletín así como algunas obras de Tolstoi.

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In this way, by taking shortcuts in the history of European literature, we come to the popular knights’ novels, written between the XIV and the XV century, in which the hero, an errant knight, lives several adventures, overstating their actions to a point of becoming unrealistic. The same topics are usually repeated on these novels: the character goes through different tests to win fame and fortune, and the love of a lady. The narrated events usually take place on distant places and in fantastic times. These cavalry books are the reference to reach the greatest novel ever written in Spanish and a masterpiece of universal literature: Don Quixote of La Mancha.

DON QUIXOTE, THE NOVEL

Not many know about this, but Cervantes’ novel has a first part that was released on 1605 and a second part that was released on 1615. On the first part, Alfonso Quijano, an impoverished gentleman that goes mad reading cavalry books, sets out to the world to live adventures driven by his desire of justice with his squire, Sancho Panza.

In 1614, an apocryphal novel was released in Tarragona written under the pseudonym of Alonso Fernández de Avellaneda. A year later, Cervantes writes the sequel and in the prologue ironi-

En Italia la romanzo d’appendice fue la forma en que surgieron las novelas de aventuras de Emilio Salgari con su inolvidable (al menos para quienes pasamos el medio siglo de vida) personaje Sandokán, el príncipe malayo.

LA COMUNIDAD DEL ANILLO

En 1977 empecé a trabajar en una librería. En una oportunidad atendí a un joven que me pidió el tomo II de El Señor de los Anillos de Tolkien. Consulté con un compañero ducho en el oficio que, con suficiencia, me dijo que hacía años que los fans de la saga buscaban la continuación del primer tomo editado en la colección Minotauro y que era la secuela de una novela que se llamaba El Hobbit que en ese momento estaba agotada. Dos años después salieron el segundo tomo y un tercero con el desenlace de la serie. Entonces encaré la lectura. Al principio (el primer tomo es voluminoso y se recrea el mundo de los elfos, los hobbits y los humanos) remonté la lectura con más esfuerzo que entusiasmo pero cuando la misión de destrucción del anillo y la guerra contra el Señor del Mal se desencadena, me obligaba a apagar la luz ya entrada la madrugada para tener algunas horas de sueño y para poder disfrutarlo con más lucidez al día siguiente.

Es notable como las sagas nórdicas con las que un narrador mantenía en vilo a cortesanos y vasallos, se continúan en cierto modo, siete siglos después, en esta fantasía ideada por un estudioso de esas tradiciones que concita la devoción de una legión de fans. En verdad se puede decir que la comunidad del anillo que en el libro es la que constituyen elfos, humanos, hobbits y enanos contra Saurón, el señor del mal, puede extenderse a los devotos de la saga que han encontrado en el mundo evocado por Tolkien una instancia de intercambio y en cierta forma un lazo social.

cally defends himself from the accusations made by the forger Avellaneda. In a considerably modern gesture, he brilliantly includes mentions to the first part of the novel. In fact, some of the characters that appear on the sequel have already read the book and recognize Don Quixote and Sancho. Also, both Cervantes and Don Quixote know that the novel is going to be a classic and allude to it. In that manner, the author is the character and the narrator and lets us know that he lost the original copy of the novel, which he attributes to an Arab author (Cide Hamete Benegali) but he was able to recover it, so he can keep on translating it.

By these means, in a mirror play, reality is reflected in fiction and vice versa. An innovative feature that, when mixed Don Quixote’s and his squire’s humour, irony and reflections, makes this work one of the greatest books in universal literature. And this is not just a set phrase. Don Quixote is one of those books that when the reading is over and its beloved and touching character dies, he is as dearly missed as someone you knew in real life.

TO BE CONTINUED…

UNA HEROÍNA DE FOLLETÍN

Si la novela por entregas y su técnica de concitar la atención del lector a través del suspenso y la intriga puede parecer una fórmula del siglo XIX, apta para los lectores ingenuos de esa época, la aparición de Millennium, la trilogía de Stieg Larsen, lo desmiente. En efecto, la serie compuesta por las novelas Los hombres que no amaban a las mujeres, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina y La reina en el palacio de las corrientes de aire demuestra que una buena historia plagada de peripecias protagonizadas por personajes cautivantes y narrada con buen pulso, sigue siendo una fórmula infalible.

Mario Vargas Llosa, un lector entrenado y un narrador que conoce los secretos del oficio, reconoce que las dos mil cien páginas de la trilogía lo mantuvieron en vilo durante semanas como las historias de Dumas o Dickens lo hicieron en su niñez y juventud. A la novela se le puede achacar algunas fallas en su estructura pero, repito, los personajes seductores y la intensidad febril de la aventura nos mantienen en vilo hasta el final.

Los ingredientes cruzan la intriga política, los manejos del establishment y su constelación de tipos corruptos a los que una hacker punk desgarbada, Lisbert Salander y un periodista que inves-

If in the cavalry novels a series of subjects that Cervantes mocked in his novel appear, like the overstated improbable situations, the Manichean division between good and bad is also a part of that great stories and intrigues factory that was the newspaper serial in the XIX century in Europe.

The subjects dealt with can range from the matters of the heart to mystery. Its footprints can be traced to today’s comics books and to TV soap operas as well as to the TV series like The Sopranos or Breaking Bad, just to name a few.

Although women were the main consumers, the suspense was an infallible technique by which the newspaper serial assured its reach to all kinds of audiences, from diverse ages and social classes.

The newspapers of those times included said episodic stories to guarantee a mass of readers avid to know how they would end.

That is how novels like The Three Musketeers and The Count of Monte Cristo, both by Alexander Dumas, or The Mysteries of Paris by Eugene Sue, were born. Authors like Balzac or Victor Hugo, now universal literature classics, used the newspaper serial to present their works in France. So did Stevenson and Dickens in England and Crime and Punishment was first a newspaper serial in Russia. Some of Tolstoi works were also presented this way.

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tiga y denuncia los abusos del poder, Mikael Blomkvist (el hombre en un papel secundario) enfrentan y, aún con su aura de inverosimilitud, terminan fascinándonos y nos hacen estar pendientes de su vida en las situaciones de peligro.

El secreto, como señala Vargas Llosa está en las reglas del juego que son las de siempre: “en el mundo de Millennium lo extraordinario es lo ordinario, lo inusual lo usual y lo imposible lo posible”.

LAS SAGAS DEL SIGLO XXI

Finalmente, es preciso señalar la aparición de tres sagas que marcan un antes y un después en el género de la literatura fantástica juvenil (habría que decir de la literatura sin más) y que constituyen un cambio tanto en los hábitos de lectura como en la comercialización y la circulación de contenidos (porque incluye al libro tanto en soporte papel como en el electrónico).

La primera es la serie del mago Harry Potter. Sus siete novelas vendieron 450 millones de ejemplares entre 1997 y 2007 y fueron traducidos a 67 idiomas.

Luego las cuatro novelas de la serie Crepúsculo, novela romántica de vampiros (todo un nuevo género) con 116 millones de ejemplares vendidos y finalmente, Los juegos del Hambre en sus tres volúmenes, una especie de ficción de anticipación que solo en Estados Unidos vendió 23 millones de copias en 2012.

Estas series marcan la importancia que la noción de comunidad que se apuntaba más arriba ha pasado a tener entre los jóvenes.

Por supuesto internet es el medio a través de blogs y distintos sitios en los que se establecen estos lazos de pertenencia. Incluso algunos autores suben a la web sus propias creaciones y así pasan al circuito editorial cuando comienzan a tener aceptación entre los lectores.

Sagas que fidelizan lectores e instalan comunidades on-line. Es el caso de Pottermore, la última creación de J. K. Rowling, la autora del mayor suceso de la literatura de los últimos tiempos. la serie de Harry Potter. Los miembros de esta comunidad socializan con otros lectores compartiendo comentarios sobre los contenidos de los libros y, fundamentalmente, acceden a una plataforma donde compran libros en papel o formato digital, asi como juegos o merchandising.

Este fenómeno cultural de las redes de lectores combina elementos de Facebook, las plataformas de video juegos y la compra directa de tiendas como Amazon.

Según los entendidos esta tendencia es la nueva highway del negocio editorial. Junto con la aparición del libro electrónico, la formación de comunidades de lectores.

Otro ejemplo es la red on-line de fans de Juego de Tronos, la novela de J. R. R. Martin que fue lanzada por HBO con contenidos audiovisuales.

Desde luego que el la clave del funcionamiento y del éxito de estas comunidades es la masividad. Pottermore, con sus siete millones de fans, así lo demuestra.

Finalmente, cabe señalar que apenas he intentado un recorte que es un recorrido por grandes avenidas literarias y que continuaciones, segundas partes encontramos en muchas otras temáticas desde las recetas de la hermana Bernarda, pasando por los libros de historia de Felipe Pigna hasta las historias de diván de Gabriel Rolón.

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In Italy, the romanzo d’appendice was the way in which the adventure novels by Emilio Salgari (with his unforgettable, at least for those of us who are over fifty years old, character Sandokan, the Malayan Prince) were released.

THE FELLOWSHIP OF THE RING

In 1977 I started working on a book store. One time I served a young man who asked for the second volume of The Lord of the Rings, by Tolkien. I consulted with an experienced co worker who, with great proficiency, told me that the fans of the saga have been looking for the continuation of the first volume edited in the Minotauro collection and that it was the sequel of a novel called The Hobbit, and has been sold out. Two years later, a second and a third volume came out and the series got its outcome. It was then when I began to read it. At the beginning (the first volume is voluminous and recreates the elfs’, hobbits’ and humans’ world) I had to make an effort to continue reading but when the mission of destroying the ring begins and the war against the Dark Lord is unleashed, I forced myself to turn off the lights at dawn to have a few hours of sleep and be able to enjoy it the next day at a full reading capacity.

Is quite remarkable how the Nordic sagas with which a narrator kept the courtesans and vassals in suspense are somehow continued, seven hundred years later, in this fantasy invented by a scholar specialized in those traditions that arises devotions in a legion of fans. It can actually be said that the fellowship of the ring that in the book is constituted by elfs, hobbits, humans and dwarfs against Sauron, the Dark Lord, may be extended to the devotees who have found in the world created by Tolkien a place of exchange and some kind of social bond.

A NEWSPAPER SERIAL HEROINE

If the serial novel and its technique of getting the attention of the reader through suspense and intrigue may seem a XIX century formula suited for the naive readers of that time, the appearance of Millennium, Stig Larson’s trilogy, is a refusal of that statement.

In fact, the series composed by the novels The girl with the dragon tattoo, The girl who played with fire and The girl who kicked the hornets' nest is the proof that a good story filled with adventures played by captivating characters and narrated with a good pulse, is still an unbeatable formula.

Mario Vargas Llosa, a trained reader and narrator who knows the secrets of the trade, recognizes that the two thousand and one hundred pages of the trilogy kept him on tenterhooks for weeks the same way Dumas’ or Dickens’ stories did when he was a child. The novel can be blamed of having some structural errors, but, I repeat, the seductive characters and the feverish intensity of the plot keeps the suspense right until the end.

The ingredients are a mix of political intrigue, establishment manoeuvres and their constellation of corrupt characters who a skinny punk hacker, Lisbeth Salander, and a journalist who investigates and denounces the abuses of the powerful, Mikael Blomkvist (the man in a secondary role), face, and, even with its aura of improbability, ends up fascinating and wrapping us in the dangerous situations they go trough to save their lives.

The secret, as Vargas Llosa points out, is set on the rules of the game, which are always the same: “In the Millennium world the ordinary is extraordinary, the usual is unusual and the impossible is possible”.

PERSONAJEMOR DANTEDELVECCHIO

XXI CENTURY SAGAS

Finally, three new sagas appeared. They are a milestone for juvenile fantastic literature (or just literature, without distinction) and constitute a change on reading as well as on marketing and content circulation habits (because this includes the book, but also the ebook).

The first saga is Harry Potter. Its seven novels sold 450 millions copies between 1997 and 2007 and were translated into 67 languages.

The four novels of the Twilight series, a vampire romantic novel (a brand new genre) that sold 116 million copies and finally, The Hunger Games, that in its three volumes, a sort of anticipation fiction, sold 23 million copies in the U.S.A. only during 2012.

These series point out the relevance that the community idea presented before has among young people. These ties of belonging are established in blogs and different sites on the Internet. There are some authors who even upload their work to the Internet and, when having the acceptance of the readers, are able to make the crossing to the editorial circuit.

Sagas that develop reader’s loyalty and install on line communities; such is the case of Pottermore, J.K. Rowling’s latest creation and author of the greatest literary success of these times: The Harry Potter series.

Members of said community socialize with other readers sharing comments on the contents of the books and, mostly, gain access to a platform where they can buy books, e-books and games or merchandising.

This reader’s network cultural phenomenon combines elements of Facebook, video game platforms and the direct shopping from stores like Amazon.

Experts agree that this tendency is the new highway of the editorial business: The conformation of reader’s communities along with the appearance of the ebook.

Another example is the on line fan network devoted to The Game of Thrones, a novel written by J.R.R. Martin that was launched on HBO with audiovisual contents.

The key for success and functioning of said communities is the massiveness, of course. Pottermore, with its seven million fans, is a proof of that.

Finally, it should be said that I tried to make a selection that is journey through the great literary avenues and that sequels and second parts are everywhere: From the Sister Bernarda’s recipe books, passing through the history books written by Felipe Pigna to Gabriel Rolón’s couch stories.

“no hay temas que no me interesen” A Dante Del Vecchio le gusta leer pero sólo lo hace “en los ratos libres, no demasiados”. Aprovecha las noches y las vacaciones. Lee muchas revistas y “en menor medida, libros. Para los diarios no tengo tiempo”, dice, y aclara que lee las noticias en su Ipad.

“No hay temas que no me interesen, a excepción de lo trivial. Leo sobre política, ciencia, esoterismo, medicina, cultura en general, ¡me gusta casi todo, aunque no podría hablar de todo!”.

—¿Qué está leyendo por estos días?

—Hace alrededor de un mes terminé de leer Infierno, de Dan Brown, y ahora estoy leyendo Las ciudades y monumentos esotéricos de Italia. La Edad Media, la era del misterio y las hadas, y el esoterismo me fascinan.

—¿Recomendaría alguna lectura?

—Cualquiera que dé un momento de reflexión y deje algo que antes no teníamos.

“there are no uninteresting subject to me” Dante del Vecchio loves reading, but he only reads “on free times, which are not abundant”. He reads on vacations and during the nights. He reads lots of magazines and “not many books. I have no time for newspapers” says, and clarifies that he reads the news on his I-pad.

“Except from the trivial, there are no uninteresting subject to me. I read about politics, science, esotericism, medicine, general culture; I like almost everything, although I couldn’t talk about everything!”

—What are you reading nowadays?

—About a month ago I finished reading Inferno, by Dan Brown and now I’m reading Esoteric cities and monuments in Italy. I am absolutely fascinated by the Middle Ages, times of mystery and fairies, and by esotericism.

—Would you like to recommend something to read?

—Anything that provides a moment of reflection and that leaves something we didn’t have before.

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RECOMENDADOSLIBROS

LOLITA

LOS ANILLOS DE SATURNO

Vladimir Nabokov Anagrama, 2013

W.G. Sebald Anagrama, 2013

Una de las grandes novelas del siglo XX, con un personaje (la ninfa púber implacable) que ha ingresado a la galería de tipos universales como Madame Bovary es uno de los aportes de la novela del siglo XIX (he aquí otra novela imperdible). Tragicomedia, novela de aprendizaje, del camino, suprema fábula sobre el deseo y sus avatares ocultos, Lolita está escrita en un estilo que es una aleación de elegancia e ironía, y si es una novela erótica lo es en tanto su íntima relación con la lengua. Es además una de las más inteligentes y demoledoras críticas a la mediocridad del sueño americano.

Crónica autobiográfica, novela, relato de viajes este libro del escritor alemán tiene algo de esos géneros, a la vez que su estilo es absolutamente personal. Sebald es un caminante, lo que le brinda una forma de ver y de contar que para el lector es hipnótica. En este libro se cuenta un viaje a pie por la costa este de Inglaterra y así se encadenan en la evocación personajes, recuerdos. Viaje interior en que se narran aspectos de la vida de escritores (Joseph Conrad, Thomas Browne) así como de lugareños y lugares excéntricos. El relato es acompañado por fotografías que documentan lo que se narra, lo que provoca un contraste muy atractivo entre la narración y la imagen.

One of the great XX century novels, that adds yet another character (the relentless adolescent nymph) to the gallery of universal types like Madame Bovary, one of the XIX century’s greatest novel contributions (and there is another can’t-miss novel). Tragicomedy, tale of initiation, road novel, a supreme fable on desire and its hidden avatars, Lolita is written in a style that mixes elegance and irony, and, if considered an erotic novel, it is so because of its intimate relation with the language. Besides, is one of the smartest and more demolishing critics to the mediocrity of the American dream.

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Autobiographical chronicle, novel, travel story, this book by the German author has something of each genre, and, at the same time, its style is absolutely personal. Sebald is a walker, and that provides him with a way of seeing and telling that hypnotizes the reader. In this book, he talks about a journey he made by foot through the East coast of England and in that manner he links the character evocation and memories. An inner voyage in which certain aspects of the life of some writers (Joseph Conrad, Thomas Browne) are narrated along with some eccentric locals and places. The story is accompanied by photographs that document the narration, providing a very interesting contrast between the narration and the images.

ANIMALARIO UNIVERSAL DEL PROFESOR REVILLOD Javier Sáez Castán / Miguel Murugarren Fonde de cultura, 2003.

El Animalario es un maravilloso libro objeto recomendable para todas las edades. Este “riguroso” tratado, almanaque ilustrado de la fauna mundial permite conformar superponiendo combinando las tres partes en que está dividida cada ilustración 4096 animales diferentes: algunos tradicionales como el tigre, la corneja o el elefante. Ahora bien, siguiendo el procedimiento de combinación se puede armar con la cabeza del TIgre, el cuerpo de corNEja y el trasero del elefanTE, el TINETE “feroz animal de poderoso vuelo de la selva”. Es de esos libros que los niños reclaman a sus padres para que se los devuelvan.

The Animalarium is a wonderful object book for all ages. This “rigorous” treaty, illustrated almanac of world fauna allows to shape 4096 different animals by combining the three parts that each illustration is divided into. Some of them are well known, like the tiger, a Carrion crow or the elephant. By combining the head of the tiger, the body of the Carrion crow and the tale of the elephant, one might produce the “TINETE”, "a ferocious animal with a powerful flight on the jungle”. Is one of those books that the children ask their parents to give back.

PLANTAS DE LOS DIOSES Richard Evans Schultes y Albert Hoffman Fondo de cultura, 2000.

El botánico Richard Evans Schultes y el químico Albert Hofmann examinan detalladamente las propiedades de las plantas alucinógenas y el uso que ha hecho el hombre de ellas. Profusamente ilustrado este libro reúne un análisis de más de noventa plantas alucinógenas que han influido la visión del mundo de muchos pueblos que consideran estas plantas como regalo de los dioses. Para complementar este léxico botánico hay una guía de referencia que indica dónde se usa cada alucinógeno, quién lo usa y en qué circunstancia, cómo se prepara y qué efectos tiene y cada planta se muestra en ilustración color. En una investigación etnográfica, Schultes y Hofmann, examinan el uso de catorce plantas alucinógenas importantes entre personas de sociedades no industrializadas que han conservado sus ritos religiosos de generación en generación.

Richard Evans Schultes, biologist, and Albert Hofman, chemist, examine in detail the hallucinogenic properties of the plants and the use that humans have given to them. Profusely illustrated, this book analyses more than 90 hallucinogenic plants that influenced the vision of the world for many populations that consider these plants as gifts from the gods. To explain the botanical vocabulary there is a reference guide that indicates where each hallucinogenic is used, who uses it, under what circumstances, how it is prepared and which are its effects. Every plant is depicted with a full colour illustration. On an ethnographic research, Schultes and Hofman examine the use of fourteen hallucinogenic plants among important people in unindustrialized societies that kept their religious rituals from generation to generation.

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EL LUGAR SOÑADO, EXISTE Lotes de 800 metros cuadrados en un predio de quince hectáreas al sur de la ciudad de Mar del Plata.

Lindante con el Club Mar del Plata Golf Los Acantilados, el complejo de golf más grande de la ciudad; un vecino ideal no sólo para los amantes del golf sino también para quienes disfrutan de los paisajes y la naturaleza. Verdes infinitos y añosas arboledas dan a cada una de las vistas del lugar un entorno de paz sólo alterado por el lejano murmullo del mar.

A sólo 5 minutos de las playas más exclusivas y a 15 minutos del centro de la ciudad. Ubicación estratégica, exclusividad, confort y seguridad, todo está pensado para satisfacer a la estrella de este proyecto: usted.

www.countrytierraymar.com.ar

gente

2.0 nada se inventa en Internet

people 2.0 nothing is new on the Internet

INTERNETMOR

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Por JUAN PABLO LUPPI

lgo sobre segundas partes, me pide el Director de esta revista. ¡Considerelo hecho! respondo yo, canchero.

Total, si esta es la internet 2.0, debe ser la segunda parte de algo, pensaría uno. Pero busco y rebusco en los archivos de la red y descubro que no, que la historia de la web no tiene una bisagra sobre la que girar.

Pongamos como ejemplo las redes sociales. Sin duda han revolucionado nuestras relaciones, han fomentado reencuentro y a veces demuestran que el mundo es un pañuelo. ¿Cómo llegamos a esto, a esta puesta en evidencia de la filigrana de relaciones que une a las personas? ¿No hay una segunda parte escondida en algún lado?

Comencemos en la prehistoria: 1978. Siete años antes, había sido enviado el primer correo electrónico, de manera que comunicarse por computadora no constituía una novedad. Pero en 1978 alguien tuvo la idea genial de crear un sistema para alojar archivos en una computadora y compartirlos a través de un módem y una línea telefónica. Los usuarios tenían que entrar de a uno por vez, mirar lo que había o subir algo, y desconectar. El sistema se llamó BBS, por “Bulletin Board System”. Una cartelera, un muro donde pegar cosas ¿les suena? Cada vez que compartimos algo en la página de otro, estamos homenajeando a los BBS. No era una red, es cierto, pero la red no tardaría en aparecer. Llegó en 1980 y se llamó Usenet.

Si no saben qué es eso, es normal: la primera regla de Usenet es que no se habla de Usenet. Se trata de una red de carteleras, activa hoy en día, dedicadas cada una a un tema. A diferencia de los BBS, no depende de un solo servidor sino que distribuye copias en múltiples servidores dispersos. En su

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t

he Director of this magazine is asking me for an article about sequels. Consider it done! is my confident answer. If this is the 2.0 Internet, one may think, it must be the sequel of something. But I go again and again through the Web files and I find out that there is no turning point in the Web’s history.

Let’s use the social networks as an example.

Unquestionably, they have revolutionized our relationships; they promoted reunions and sometimes they can prove that the world is a small place. How do we got here, to this concrete evidence of the network of relations that bring people together? Is there a sequel hiding somewhere?

Let’s start at the prehistory: 1978. Seven years earlier the first email was sent, so communicating through a computer was no news. But in 1978 someone had the great idea of creating a system to host files in a computer and share them through a modem and a phone line. The users had to access the site one at the time, look what was there, or upload something, and then disconnect. The system was called BBS, an acronym for “Bulletin Board System”. A bulletin, a wall to paste things at; does it ring a bell? Every time we share something in somebody else’s page, we are making a tribute to the BBS. It wasn’t a net, that’s true, but it wouldn’t take long before the net arrived.

It arrived in 1980 and it was called Usenet.

If you don’t know what that is, is ok: the first rule of Usenet is you don’t talk about Usenet. It was a network of bulletins, still active, devoted to one topic each. Unlike the BBS, it does not depend on one server only but it distributes copies in several scattered servers. At its time, Usenet was the network you had to be in, and lasts until today as a huge (and chaotic) source of barely legal information and files. Much of the Internet lingo (SPAM, troll, FAQ) was born there.

The worst of the Internet, so to speak. But it was anarchic, anonymous, nerd, and challenging. What else could one ask for?

You could ask to have a site of your own instead of sharing it with others, for example. But it wouldn’t

momento, Usenet era la red en la que había que estar, y perdura hasta hoy día como una gran (y caótica) fuente de información y archivos no precisamente legales. Mucha de la jerga internética nació en Usenet: términos como SPAM, troll, FAQ. Lo peorcito de la internet, bah. Pero era anárquica, anónima, nerd y desafiante. ¿Qué más podías pedir?

Podías pedir, por ejemplo, tener un sitio propio en lugar de compartirlo con otros. Pero recién en 1989 comenzarían en el CERN el desarrollo que llevaría a la World Wide Web. Eso sí, una vez que apareció, fue una reacción en cadena. La WWW comenzó a crecer exponencialmente. En 1994, apenas un año después de que el CERN donara la tecnología de la web al dominio público apareció Geocities, y no tardó en ser un furor. Geocities ofrecía hosting gratuito para los sitios, y los clasificaba en "barrios": Hollywood para el entretenimiento, Tokyo para el animé, París para poesía y arte, etc. Heredaba el concepto de organización temática de Usenet, y ofrecía un espacio para que los usuarios pusieran lo que les viniera en gana, sin saber una pizca de la tecnología subyacente. En 2009 la empresa cerró y formateó sus servidores, un aviso importante de lo efímero de la red. Pero su continuación se estaba gestando...

En 1996 un iconito con forma de flor comenzó a adornar las pantallas: el ICQ, el primer sistema de mensajería instantánea de alcance masivo. Resultó que, teniendo el medio, la gente se dedicaba a chatear

a mansalva. Y además podían comunicarse con desconocidos, y formar grupos. Comenzaron las historias de parejas que se conocían a través de la web. Se trataba de un método muy ventajoso para muchos porque, como dijera un famoso chiste en el diario New Yorker, en Internet nadie sabe que sos un perro.

A esa altura ya había servicios de cartelera, intereses agrupados y mensajería instantánea. Faltaban muy pocos ingredientes para que aparecieran las redes sociales como las conocemos hoy. Uno de ellos se estaba gestando al mismo tiempo que los demás: los blogs, que aparecieron a mediados de los 90 y explotaron a inicios de los 00. Con los blogs, tener un sitio de actualización periódica era facilísimo. Todo el mundo y su tía tenía uno: blogs de fotos, de recetas, de citas famosas, de lo que quisieras. En 1998 apareció el primer servicio de blogging que permitía comentarios. Resultó que no todo el mundo quería tener un blog, pero todos querían opinar en ellos. ¡Obvio! Los blogs pasaron a formar comunidades alrededor de la figura del bloguero. De los exitosos, claro. Y es que no es cosa sencilla abastecer de contenidos un blog.

be until 1989 when the development of what today is the World Wide Web would begin at the CERN. But when it finally appeared it was a chain reaction. The WWW started to grow exponentially. In 1994, a year after the CERN donated the Web technology to the public domain, Geocities appeared, and it wouldn’t be long before it was a hit. Geocities offered free hosting of the sites, and classified them in “boroughs”. Hollywood was for entertainment, Tokyo for animations, Paris for poetry and art, and so on.

Heir of Usenet’s organization by topics concept, it offered a space for the users to place whatever they wanted, without having a clue of the underlying technology. In 2009 the company closed its doors and formatted their servers, an important warning of the net’s ephemerally. But its continuation was being gestated.

In 1996 a little icon shaped as a flower started to be familiar on the screens. It was the ICQ, the first instant messaging system of massive reach. It turned out that, having the possibility, the people began to chat all day long. Besides, they could communicate with strangers, and create groups. The stories about couples meeting online began. For many, it was a very advantageous method because, as a famous joke post-

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ed on The New Yorker, in the Internet, nobody knows you are a dog.

By that time bulletins, interests groups and instant messaging already existed. There were a few ingredients missing for the social networks as we know them today appeared. One of those missing ingredients that were being gestated simultaneously to others was the blogs, which made their debut during the nineties and became big around the year 2000. With the blogs, having a periodically updated site was a piece of cake. Everybody had one: a pictures blog, a recipes blog, a famous quotes blog, you name it. In 1998 the first blogging service that accepted comments appeared. It turned out that not everybody wanted to have a blog, but everybody wanted to give their opinion in them. Blogs became a part of the communities made around the figure of the blogger.

Successful ones at least. And that is because updating contents on a blog isn’t easy. In no time, bloggers started to share the contents of other bloggers, to quote them, to fight among each other. The platforms incorporated all those features and the blogosphere was something that everybody talked about.

Hundreds of blogs connected to each other through comments and links. The complexity of the net was

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Rápidamente los blogueros comenzaron a compartir contenido de otros, a citarlos, a pelearse entre ellos.

Las plataformas incorporaron todas estas características y comenzó a hablarse de la blogosfera: cientos de blogs relacionados unos con otros, con comentarios y enlaces cada vez más frecuentes. La complejidad de la red había aumentado a niveles insospechados. Para poder seguir tanto blog, apareció el RSS, un protocolo que permitía informar del contenido actualizado en los sitios. Intoxicarte de información nunca había sido tan fácil.

Otra consecuencia de la aparición de la blogosfera y el sistema de comentarios es que las conversaciones se hicieron públicas. Pero, pará... ¿eso no sucedía ya en Usenet? Sí, pero ahora cada quien tenía su cartelera propia. Y si no, podías ser comentarista, o troll profesional. Todo detrás de la conveniencia del seudónimo. No cualquiera se exponía al público con nombre y apellido. Existían redes donde el anonimato no estaba permitido, pero no fue hasta 1997 que el sitio Six degrees tuvo la idea de poner el énfasis en los

vínculos entre personas. Los usuarios creaban un perfil, e invitaban amigos. De ahí en más, la avalancha fue imparable. Six Degrees desapareció con la caída de las .com, pero las redes nunca detuvieron su avance: Friendster en 2002, LinkedIn (la red social “seria”) y MySpace en 2003, entre otras. Friendster y MySpace, parecía, iban a comerse el mundo, hasta que en 2006 Facebook dejó de ser exclusiva para universitarios y se abrió al mundo. ¿Qué inventó Facebook? Difícil de decir. Hizo más fácil: subir fotos, compartir contenidos hechos por otros y sobre todo, agregó el news feed, esa chorrera de noticias mínimas sobre personas que conocemos o casi, utilizando la misma tecnología del RSS que servía antes para chequear blogs. ¿Y entonces? ¿Qué hay de nuevo en esta supuesta segunda parte que es la web 2.0? No se trata de que los usuarios generen contenido. Aunque ahora los usuarios sean muchos más, eso ya pasaba. No es que los usuarios se conecten entre sí; eso también pasaba.

Lo que cambió, parece, es que las herramientas y las conversaciones dejaron de girar alrededor de los temas para pasar a tratar de nosotros, de cada persona. Cambiamos nosotros, el público que pasó de no querer ingresar el número de su tarjeta de crédito a publicar hasta el más mínimo detalle de sus vidas. ¿Será un cambio para mejor? Algunos creen que sí, que esta exposición nos hace más autoconcientes y nos impulsa a ser mejores. Otros piensan que nos estamos transformando en una gran masa de egocéntricos. Habrá que esperar a la web 3.0 para encontrar la respuesta.

raised to unexpected levels. To be able to follow so many blogs, the RSS protocol came up. It allowed to inform about updated content on the sites. Getting high on information has never been so easy.

Another consequence of the appearance of the blogosphere and the comments system was that the conversations became public. But, wait… wasn’t that feature already in Usenet? It was, but now everybody had a newsletter of his own. And if you didn’t, you could be a commentator or a professional troll.

Everything under the convenience of an alias. Being exposed to the public with a complete name wasn’t for everybody. There were networks in which anonymity was forbidden, but it wasn’t until 1997 that the Six Degrees site came up with the idea of focusing on the relations between people. The users created a profile and invited friends. From there on, the avalanche couldn’t be stopped. Six Degrees went down with the .coms fall, but the networks never stopped growing: Friendster in 2002, LinkedIn (the “serious” network) and MySpace in 2003, among others. It appeared that Friendster and MySpace were going to take over the world, until Facebook stopped being a network exclusively for college students and opened to the world in 2006.

Who invented Facebook? Hard to say. But since Facebook, uploading pictures, sharing contents created by someone else and, mostly, use the news feed (that stream of minimal news about people we know or hardly know using the same technology of the RSS that used to be for checking out blogs) was much easier.

So? What’s new on the allegedly second part that is the Web 2.0? It’s not the users generating contents.

Despite the amount of users became huge; that was already happening. It wasn’t the fact that users can connect to each other; that was there too. What changed, apparently, was that the tools and the conversations were no longer about topics, but were about us, about each individual. We are the ones who changed. The public went from not wanting to enter their credit card number into the Web to publishing the most intimate details of their lives. Is this change an improvement? Some think it is, that this exposure make us more self aware and drives us to self improvement. Others think we are transforming into a great mass of egocentrics. We will have to wait until the arrival of the Web 3.0 to find an answer.

RECOMENDADOSINTERNET

CREADOR DE VIDEOS DE HITLER MAKE YOUR OWN HITLER VIDEO

SECOND HAND SONGS http://www.secondhandsongs.com/

http://downfall.jfedor.org/create/ Si algo caracteriza el mundo de las redes sociales son los memes, chistecitos y videos que se comparten de un usuario a otro hasta el hartazgo. Y un video-meme más que popular es el que agrega subtítulos a un fragmento de “La caída”. Pues bien, para aquellos que prefieren unirse al enemigo ya que no lo pueden vencer, este sitio ofrece la herramienta para generar fácilmente una versión propia. Es necesario tener una cuenta de YouTube para poder ver el resultado. La creatividad para escribir los textos, por desgracia, no viene incluida.

Redundantly shared from user to user, memes, little jokes, and videos are a common feature among social networks. And one of the most popular videomemes is the one in which you can subtitle a piece of the movie “The Fall”. For those who prefer to join the enemy when he can’t be beaten, there is a site that offers a tool to easily generate a version of your own. You need to have a YouTube account to see the results. The creativity to write the texts, unluckily, is not included.

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¿De quién es la versión original de “Harlem shuffle”? ¿Quiénes han grabado covers de Britney Spears? Estas y otras preguntas apasionantes encuentran su respuesta en Second hand songs, una base de datos dedicada exclusivamente a las canciones versionadas. Un gran aliado a la hora de zanjar discusiones. No, “Harlem shuffle” no es de Los Pericos; ni de los Rolling Stones, ya que estamos. Para los melómanos conocedores, han inaugurado recientemente una zona de trivia. Como muchas bases de datos de música, no abunda en músicos latinoamericanos, pero podemos contribuir agregando los que conozcamos.

Who composed the original version of “Harlem Shuffle”? What artists recorded Britney Spears’ covers? Those and other exciting questions find their answer in Second Hand Songs, a database exclusively devoted to new versions of old songs.

This is a great ally to pacify discussions. No, The Boogie Kings didn’t compose “Harlem Shuffle”; neither did the Stones, by the way. For those music lovers who have learned their lesson, a trivia zone has been recently added. Like many music databases, Latin American musicians are scarce, but we can always contribute adding the ones we know.

THE CHARITY ENGINE

INCREDIBOX

http://www.charityengine.com

http://www.incredibox.com/

El número pasado en MOR hablamos de los proyectos de ciencia que usan los recursos de la red. The charity engine lleva la idea de la computación en red un paso más allá. La idea es la siguiente: descargás un protector de pantalla para que tu computadora pase a integrar una supercomputadora colectiva. The charity engine alquila esa computadora a industrias interesadas y distribuye el dinero entre diversas ONG internacionales. Los usuarios, como premio a nuestros “esfuerzos”, participamos de un sorteo periódico de mil dólares. Nada mal ¿verdad?

Uno para los chicos, o para adultos sin culpa (total, si ya hicimos nuestro video de Hitler...). Incredibox es un conjunto de (hasta el momento) tres jueguitos para producir música. Para ello, se dispone de una amplia gama de pesonajitos que emiten sonidos y arman una canción. Se pueden comandar para que entren y salgan a gusto del usuario director y, en las últimas versiones, hasta se puede grabar el resultado. Es muy tonto, muy hipnótico y todo un ejercicio musical para principiantes. La última versión viene con un acertijo en el que se debe buscar la combinación exacta de personajes músicos para acceder a un bonus track.

In last issue of MOR magazine we talked about the science projects that use the network’s resources. The Charity Engine takes the whole computer idea to a brand new level. You download a screensaver for your computer to engage on a collective super computer. The Charity Engine rents that computer to interested companies and distributes the money among several international ONGs. The user, as a reward for his “efforts”, participates on a periodical draw with a thousand dollars prize. Not bad, right?

One for the kids or for those adults without guilt (we already did a Hitler video, so what the hell…). Incredibox is, so far, a sweet of three games to make music. In order to do that, you can have three characters that emit sounds and compose a song. They can be ordered to step in and out whenever the director wants and, on the latest versions, you can record the result. It’s quite silly, hypnotic and a musical exercise for beginners. The latest version comes with a riddle in which one must look for the exact combination of musical characters to access a bonus track.

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Laciudad delagente People’s city

Por Arq. DAMIÁN CALABRESE

El colapso de los grandes centros urbanos y la necesidad de pensar nuevos modelos enfocados en el bienestar de sus ciudadanos. un anticipo de un libro de próxima publicación

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ste artículo no pretende hablar de la creación de nuevas ciudades desde la “ciencia” urbanística, sino que enfoca el análisis en lo que es el real problema de los grandes núcleos urbanos: la gente y sus necesidades terrenales, cotidianas y concretas. Como decía Rene Descartes en su Discurso del método,"las ciencias no están tan cerca de la verdad como los simples razonamientos de un hombre".

Según él, las ciencias expuestas en los libros, al menos aquellas desarrolladas y progresivamente engrosadas con las opiniones de muchas personas, no estaban tan

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cerca de la verdad como el mundano pensamiento de un hombre de buen sentido.

Intentaremos seguir entonces en nuestro camino el consejo del filósofo francés. La guía de este análisis será el sentido común.

La idea es poner en tela de juicio las verdades asumidas, muchas veces por simple repetición, y proponer soluciones basadas en la experiencia más llana y el razonamiento más puro, lo más incontaminado posible.

Si tuviéramos la utópica posibilidad de utilizar nuestro intelecto sin los condicionantes culturales que participaron en su

formación, seguramente veríamos bastante llamativo que la sociedad que declara obsoletos y recambia en períodos cada vez más cortos celulares, computadoras, electrodomésticos, autos y viviendas –entre tantos otros bienes– sea la misma que insiste en agrandar y emparchar permanentemente las ciudades de siempre. La misma sociedad que en su agrupación nuclear más primaria, la familia, aplica un pragmatismo extremo y a medida que va sumando miembros cambia de heladera, de auto y hasta de vivienda no es capaz de hacer lo mismo con sus centros urbanos. Un procedimien-

Ilustración: Mariano Molina, All over the wall.

The big urban centres and the need to find new models focused on the well being of its inhabitants. An advance of a book to be published

T

his article does not intend to talk about the creation of new cities form the perspective of the town planning “science”, but it engages on an analysis of what is the real problem of great urban centres: The people and their worldly, concrete and every day needs. As Rene Descartes once said on his Discourse on the method, “sciences are not as close to the truth as the simple reasoning of a man”.

According to Descartes, the sciences in books, at least those developed and progressively thickened by many people’s opinions, were not as close to the truth as

the worldly thought of a reasonable man.

We will then try to follow the footsteps of the French philosopher. Common sense will guide this analysis. The idea is to challenge assumed truths, many times assumed because they are widely spread, and propose solutions based on the most plain experiences and the most pure reasoning, the less contaminated possible.

If we could have the Utopian possibility of using our brain without the cultural determinations that led to its formation, we would surely think of the society that in short intervals changes its cell phones,

computers, appliances, cars and houses, among other goods, as quite estrange, as it is the same society that insists on enlarging and permanently patching the same old cities. The same society that in its most primary association, the family, applies an extreme pragmatism and as new members arrive changes the fridge, the car and even the house is not capable of doing the same with its urban centres. A proceeding that 2,500 years ago was quite common. A civilization that owned the virgin, rational and logic perspective idealized by Descartes. The ancient Greek, fathers of our culture, founded new cities as a common practice. Their Polis, a political model for today cities, had a quota that guaranteed its optimal functioning. When that quota was exceeded, colonial expeditions to establish new cities were organized. A completely logic model. No one with a clear head would bleach the pages of a used notebook in order to use it again; they would buy a new one instead.

Let’s adopt a Cartesian spirit and put our common sense into practise: Let’s found cities as our brilliant forefathers did. Why

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didn’t we think of that? We did. In the XX century and in this third millennium too.

But, as it usually happens, what’s clear on the head is quite dubious in reality. The attempts to build cities from scratch failed.

To evaluate the reasons for that failure, we will divide those attempts into two categories.

THE GOVERNMENTAL CITY

The first category is formed by estate driven projects with the objective of building a new capital city, founded to isolate the powers –economic, political, industrialand level the demographic fabric. A paradigmatic example would be Brasilia, Brazil’s capital city. Other examples are Putrajaya, Malaysia’s administrative capital, or, one of the most recent and controversial, Naipyidó, Burma’s capital city.

There is a lot of scientific and sociologic theory on this subject, but one of the strongest motivations for these overambitious undertakings has always been the fear that the governors have for their own people. In 1682, Louis XIV decided to change the capital of France from Paris to Versailles. In some given historical moments isolating from the harassment or the direct control of the people is quite handy for governors.

The creation of new cities addresses the demands of a “superior” being: Government. They are planned from an specific point of view, in particular historical moments, leaving the people’s requirements aside. Those claims have been basically the same, imperturbable, for ages. City planners, accomplices of this situation, usually allow the megalomania of on duty leaders.

CIUDADES GOBIERNO Putrajaya, fundada el 19 de octubre de 1995 a 36 kilómetros de Kuala Lumpur, es la capital administrativa de Malasia.

Los edificios que alojan las entidades administrativas del gobierno se agrupan alrededor de un lago. Fusiona la más alta tecnología con una fuerte imagen simbólica anclada en la tradición mogol y la ornamentación islámica.

A la izquierda, de arriba hacia abajo: imagen del eje pricipal de la ciudad, el complejo gubernamental y el Palacio de Justicia. A la derecha, el palacio del Primer Ministro.

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to que, sin embargo, era común hace más de 2.500 años en una civilización dueña de la mirada virgen, racional y lógica que idealiza Descartes. Los antiguos griegos, padres de nuestra cultura, recurrían a la fundación de nuevas ciudades como una práctica común y establecida. Sus polis, modelo político de las ciudades de hoy, tenían un cupo que garantizaba su óptimo funcionamiento. Cuando ese cupo se superaba, organizaban expediciones colonizadoras para fundar nuevas ciudades. Un modelo completamente lógico. Nadie en su sano juicio blanquearía las hojas de un cuaderno ya escrito para reutilizarlo sino que compraría otro.

Bien, asumamos entonces un espíritu cartesiano y apliquemos nuestro sentido común: fundemos nuevas ciudades como nuestros brillantes antepasados. ¿Cómo no se nos ocurrió antes? Sí, sí se nos había ocurrido. En pleno siglo XX y también en este tercer milenio. Pero, como suele suceder, lo que en las ideas es claro, en la realidad se vuelve turbio. Los intentos de construir ciudades desde cero fueron un fracaso. Para evaluar los motivos de este fracaso, dividiremos estos intentos en dos tipologías.

LA CIUDAD GOBIERNO El primer tipo lo componen los proyectos impulsados por el Estado cuyo objetivo es, generalmente, la creación de una nueva capital, fundada con el fin de aislar los poderes –económicos, políticos, industriales– y nivelar el tejido demográfico. Un ejemplo paradigmático es Brasilia, la capital federal de Brasil. Otros ejemplos son Putrajaya, capital administrativa de Malasia, o, uno de los más nuevos y polémicos,

Naipyidó, capital de Birmania.

Hay mucha teoría científica y sociológica al respecto, pero sin dudas una de las motivaciones más fuertes para estos emprendimientos faraónicos fue siempre el miedo de los gobernantes a su pueblo.

Ya en el año 1682, Luis XIV decidió el traslado de facto de la capital de Francia desde París a Versalles. En determinados momentos históricos es funcional a los gobiernos de turno aislarse del acoso o del control directo de la gente.

La creación de este tipo de nuevas ciudades atiende las demandas de un ente “superior”: el gobierno. Se planifican desde el punto de vista de un determinado pensamiento, en un momento histórico particular, dejando de lado los requerimientos de la gente, que son básicamente los mismos, imperturbables, desde hace milenios. Los urbanistas, cómplices de esta situación, dan cabida a la megalomanía de los líderes de turno. Los trazados se dibujan, por ejemplo, copiando la geometría de un ave o sus simetrías –puro capricho formal, sin demasiado anclaje real– y olvidan o soslayan datos básicos como, por ejemplo, las distancias que este dibujo obliga a recorrer a la gente. Una decisión estética narcisista que impide movilizarse a pie o en bicicleta, con el daño ecológico que esto encierra.

Un modelo conceptual de toma de decisiones que no piensa en la gente nunca puede consolidar un núcleo social con autonomía y personalidad. Prueba de esto es que a más de 50 años de su fundación, con una población de dos millones y

medio de habitantes, la capital del país con mas adeptos al fútbol no tiene equipo propio de relevancia. Un dato que puede parecer anecdótico en cualquier país asiático es insoslayable en el caso de Brasil, donde el futebol es la expresión cultural popular más importante.

LA CIUDAD FANTASMA El segundo tipo lo componen los proyectos impulsados por las mega promotoras inmobiliarias asociadas con los grandes bancos. En este caso el fin es puramente económico. El objetivo de estos desarrollos es generar millonarias ganancias para sus promotores. Lógicamente, las necesidades reales de la gente también quedan de lado, se convierten en un dato menor que no tiene incidencia en esta gran puesta en escena. La ecuación mágica para estos proyectos pasa por otro lado: cuanto más grandes sean y en menor tiempo se construyan, mayor será la ganancia. Cualquier otro término que se pueda sumar a esta ecuación –bienestar, confort, y hasta factibilidad habitacional– carece de relevancia.

El resultado obtenido es tan absurdo como el paisaje de enormes ciudades “a estrenar” completamente deshabitadas. ¿Ejemplos?, muchos. La ciudad fantasma de Chenggong, en China, los casos como Valdeluz y Seseña, en España, Adamstown, en Irlanda o Kilamba, en Angola. Urbanizaciones construidas fuera del alcance económico de sus potenciales habitantes.

Datos y situaciones predecibles desde la

GOVERNMENTAL CITIES Putrajaya, founded on October 19th 1995, 36 km away from Kuala Lumpur, is the administrative capital of Malaysia.

The buildings lodging the administrative entities are grouped around a lake. It mixes state of the art technology with strong symbolic imagery based on the Mongolian tradition and Islamic ornamentation.

To the left, from top to bottom: An image of the city’s main axis, the governmental complex and the Justice Palace. To the right, the Prime Minister’s Palace.

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The layouts are usually drawn, for example, copying the geometry or the symmetry of a bird –pure formal whims, without real anchorage- and forget or underestimate basic data like the distances these drawings force people to cover. Such a narcissistic decision makes it impossible to move by foot or by bike, with the ecological damage that that carries.

A decision making conceptual model that does not take people into account can never consolidate a social centre with autonomy and personality. Proof of that is that 50 years after its foundation, with a population of more than 2 million inhabitants, the capital city of the country with more soccer fans in the world still has no relevant soccer team of its own. A piece of information that maybe irrelevant in an Asian country but that is hard to miss in the case of Brazil, where soccer is the most important cultural expression.

THE GHOST CITY

The second category is composed by projects driven by huge property developers associated with the most important banks.

In this case the objective is purely economic. The aim of these developments is to generate millions in profit for its promoters. People’s real needs are, of course, left aside, a minor detail with no incidence whatsoever in this huge staging. The equation for these projects is simple: The bigger they are and the faster they are built, bigger is the profit. Any other term added to this equation (well-being, comfort and even housing feasibility) is irrelevant. The results are as absurd as the landscape of brand new cities completely inhabited.

Examples? A lot. The ghost city of Chenggong, in China, the cases of Valdeluz and Seseña in Spain, Adamstown in Ireland or Kilamba in Angola.

Urbanizations built outside the economic possibilities of their potential inhabitants.

Information and situations that could have been forecasted from the very beginning of these projects and were surely not underestimated because of unskilfulness, but because they were irrelevant for the intellectual and financial mentors of these projects. A situation directly related with the famous “real estate bubble” which made the economic world power crash during the end of the last decade.

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CIUDADES GOBIERNO Arriba: Brasilia, Congreso Nacional de Brasil. Brasilia fue construida entre 1956 y 1960. Oscar Niemeyer fue el arquitecto que diseñó los edificios más representativos. (Foto: Rob Sinclair, Flickr) Abajo: La Pagoda Uppatasanti, en Naipyidó, capital administrativa de Birmania. Naipyidó significa algo así como “Ciudad de los reyes”. La Junta Militar que gobierna el país definió tanto el nombre de la ciudad como el traslado de la administración a la nueva ciudad entre 2005 y 2006. (Foto: DiverDave, en.wikipedia)

GOVERNMENTAL CITIES On top: Brasilia, Brazil’s national Congress. Brasilia was built between 1956 and 1960. Oscar Niemeyer was the architect who designed the most representative buildings.

Bottom: Uppatasanti pagoda, in Naipyidó, Burma’s administrative capital. Naipyidó means something like “City of the Kings”. The Military Board ruling the country unilaterally decided both the name of the city and the moving of the administration to the new city between 2005 and 2006.

THE CITY AND THE CITIZEN

In both cases, due to different reasons, the “users” of the cities were not taken into account as a determinant factor in the urban models’ conception. A basic application of the Cartesian principle in which we base this article would rapidly prove something that is a marketing motto: A product that doesn’t have its user in mind when created is destined to fail. Common sense. Nevertheless, once more, what would have been an irrefutable logic to design a blender doesn’t seem to apply in the case of a city. An etymological paradox: the cities are not planned for the citizens.

To solve the issues that trouble our cities nowadays we must come up with a new way of thinking, and acting, on this reality. The success of a project must be measured not only by the economic or political benefits the builders receive, but basically by the economic, cultural and social benefits of those who inhabit the city. The only way to successfully develop new cities is focusing on the real and every day needs of the people, and to make that result available for the masses. A new paradigm that provides smart, strategic technological solutions with common sense to satisfy the demands of the citizens: traffic, infrastructure, education, sports, leisure time, and so on.

DENSITY: ONE PROBLEM, ONE SOLUTION.

The demographic density is usually blamed for the problems the big cities have. As if it were a devil's manifestation,

density is guilty for the pollution, the collapse of the infrastructure, the traffic problems, insecurity and every evil on the cities. We propose an impartial approach, one that doesn’t take anything for granted without a previous thoughtful evaluation.

This way of thinking may prove that density is not the mother of all evil, but the problem could be that this density is not strategically programmed enough.

How many times when walking down the city one finds empty spaces, waste lands, pieces of ground not fully occupied or similar situations? These are usually generated by real estate speculations. The reality that makes, for instance, transportation (public or private) to run four times the mileage they would have to run if this situation didn’t exist. We too know what that means: more use of fuels, more contamination, more possible accidents and, the worst of all, more time wasted.

The same logic applies to all the services: Four times larger power lines, tension drops are more frequent, the refuse collection much more extended. Many commercial situations that today are not viable could exist with more demographic concentration. A concentrated market would raise entertainment, sports, education and general services options.

The case of big shopping malls is paradigmatic to illustrate this outlook. On one side we have cities with scattered densities and on the other side we have large centres that concentrate the commercial activities.

Large amounts of customers must travel from distant parts of our extended cities, with the due energetic and environmental expense, to generate the high density of visitors these commercial centres demand.

Para resolver los problemas que aquejan a nuestras ciudades hoy debemos elaborar una forma nueva de pensar, y de actuar, sobre su realidad. El éxito de los proyectos se debe medir no sólo en el beneficio económico o político obtenido por quienes los construyen sino básicamente en el beneficio –económico, cultural, social– de quienes los habitan. La única forma de desarrollar nuevas ciudades exitosas es poner el foco en las necesidades reales y cotidianas de las personas, y hacer que el resultado esté al alcance de las masas. Un nuevo paradigma que aporte soluciones tecnológicas, inteligentes, estratégicas y de sentido común a las demandas de los ciudadanos: tráfico, infraestructura, educación, deporte, ocio, etc.

DENSIDAD: UN PROBLEMA, UNA SOLUCIÓN

concepción del proyecto que seguramente no fueron subestimados por impericia, sino por su irrelevancia a los fines de los responsables intelectuales y financieros.

Una situación directamente relacionada con la famosa “burbuja inmobiliaria” que puso en crisis a las potencias económicas a fines de la década pasada.

LA CIUDAD Y EL CIUDADANO En los dos casos expuestos, por diferentes motivos, los “usuarios” de la ciudad no

fueron tenidos en cuenta como factor determinante en la concepción del modelo urbano. Una aplicación básica del postulado cartesiano sobre el que sustentamos este artículo demostraría rápidamente algo que es una máxima del mercado: un producto que no piensa en su usuario tiene asegurado su fracaso. Sentido común. Sin embargo, una vez más, lo que es lógica irrefutable para diseñar una licuadora parecería no serlo para el caso de una ciudad. Paradoja etimológica, las ciudades no se piensan para el ciudadano.

Se suele leer y escuchar que el gran problema de las ciudades es la densidad demográfica. Materialización de Lucifer, la densidad es culpable de la polución, del colapso de la infraestructura, de los problemas de tráfico, de la inseguridad y de todos los males. La mirada imparcial que proponemos, que no acepte nada como verdad sin evaluarlo concienzudamente, puede ayudarnos a demostrar que esta demonización de la densidad no sólo es errada sino que la raíz del problema está en que esta densidad es insuficiente o no está programada de una manera estratégica.

Cuántas veces uno camina por una ciudad y encuentra espacios desocupados, terrenos baldíos, parcelas que no están edificadas en todo su potencial y situaciones similares, generalmente derivadas de especulaciones inmobiliarias. Esta realidad obliga, por ejemplo, a que los transportes –sean públicos o privados– recorran cuatro veces la distancia que deberían recorrer si esta situación no existiera. Sabemos lo que esto significa: mayor gasto de combustible, mayor contaminación, mayor probabilidad de accidentes y, lo peor de todo, mayor gasto de tiempo. La misma lógica se aplica a todos los servicios: los tendidos son cuatro veces más largos, las caídas de tensión en las redes eléctricas son mayores, la recolección de residuos mucho más extendida.

Muchas situaciones comerciales que hoy no son viables lo serían con una mayor concentración demográfica. Un mercado concentrado aumentaría las opciones para

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All this just to spend little time on them: after shopping, this demographic mass must be dispersed and redistributed, duplicating the economic and environmental harm and spending our most precious good: Time. That is, in fact, the only resource that human kind with its brilliant inventiveness, cannot recover. And despite being the most precious of our resources, cities like we know today force people to waste it in traffic jams and in covering huge distances by different means of transportation. All this to, when finally

CO2 production. Besides, shorter runs on public transportation would optimize the usage of electrical transportation, bounded today by its small autonomy.

Another of the myths on densely populated cities, the allegedly absence of green spaces, would also rapidly be proved wrong. One of the strengths of this ideal system is that, making those areas in the city destined for living, working or leisure more densely populated would release more areas to use as green spots or sports parks.

CIUDADES fantasma En esta página: tres imágenes de Kangbashi, en Mongolia. Una urbanización “a estrenar” con capacidad para 300.000 personas y sólo 30.000 habitantes.

En la página 81: Chenggong, destinada a convertirse en uno de los principales centros culturales y económicos de China, está solo habitada en un 10%.

GHOST CITIES On this page: Three images of Kangbashi, in Mongolia. A “brand new” urbanization with space to lodge 300,000 people. It has only 30,000 inhabitants.

On page 81: Chenggong, destined to become one of the main cultural and economic centres in China. Only the 10% of its capacity is inhabited.

arriving home, going out for a walk because is the healthy thing to do. Does this sounds logical?

Strategically dense cities, for a change, should allow its citizens to reach every part of the city by foot. And if walking is not an option, shorter distances would make the public transportation much more efficient: Shorter runs to move more people. The golden equation.

The environmental contamination, yet another imaginary succubus, would also be reduced by less traffic on the streets, with the secondary effect of the drop on

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To summarize, strategically developed population density is not a problem, but a solution. Reduction of commuting times, transport optimization, contamination reduction, increase of green spaces, an increase of the entertainment, education, cultural and sports offering. Better life quality and more well being.

The new cities are an issue that cannot be sorted out in an article, and that is why they will be more deeply developed in a book, but I think the key features are presented. New cities are not only possible,

but logically needed. Different from the negative experiences in this subject matter, the base of its success will lye on the fact that we need to think about it ourselves, its inhabitants. An intellectual procedure that proposes –like the “witness case” of demographic density, just one of the many principles that should be submitted to judgement- to abandon the precepts, question the established truths and adventure ourselves with the most pure rationality into the construction of a viable, intelligent and possible future.

el entretenimiento, el deporte, la educación y los servicios en general.

Para ilustrar este panorama es paradigmático el caso de los grandes centros comerciales. Por un lado, tenemos ciudades con densidades desperdigadas y por otro, grandes centros que concentran la actividad comercial. Gran cantidad de consumidores deben desplazarse desde diferentes puntos de nuestras extendidas ciudades, con el consiguiente gasto energético y ambiental, para generar la alta densidad que estos polos comerciales demandan. Y esto

que hace bien a la salud. ¿Suena lógico?

Las ciudades estratégicamente densas, en cambio, deberían permitir llegar a todos lados caminando. Y si no se pudiera caminando, las menores distancias harían que el transporte público fuera mucho más eficiente: recorridos más cortos para trasladar más gente. Ecuación áurea.

La contaminación ambiental, otro de los íncubos imaginarios, también bajaría por la reducción de circulación vehicular, con el consiguiente descenso de producción de CO2. Por otra parte, los trayectos cortos

Reducción de tiempos de traslado, optimización del transporte, baja en la contaminación, aumento de espacios verdes, aumento en la oferta de entretenimiento, educación, deporte y cultura. Mejor calidad de vida y mayor bienestar.

sólo por un rato: luego de efectuar sus compras, esta masa demográfica debe desconcentrarse y redistribuirse, duplicando el perjuicio económico, ambiental y gastando nuestro bien más preciado: el tiempo. Este es, en efecto, el único recurso que el hombre, a pesar de su brillante inventiva, no puede recuperar. Y pese a ser el más precioso de los recursos, las ciudades tal como las conocemos hoy obligan a las personas a malgastarlo en atascos de tránsito y en recorrer enormes distancias en los distintos medios de transporte. Todo esto para, al llegar finalmente a casa, salir a caminar por-

optimizarían el uso del transporte eléctrico que hoy encuentra una barrera en su acotada autonomía.

Otro de los mitos de las ciudades densas, la supuesta ausencia de espacios verdes, también caería fácilmente. Una de las fortalezas de este sistema ideal es que, al densificar las zonas de la ciudad en las áreas destinadas a vivienda, trabajo u ocio, quedarían más sectores libres para áreas verdes o espacios deportivos.

En resumen, la densidad poblacional estratégicamente desarrollada no sólo no es un problema sino que es una solución.

sentadas. Las nuevas ciudades no sólo son posibles, sino que son lógicamente necesarias. A diferencia de las experiencias negativas en el tema, la base de su éxito estará en que sean pensadas por y para sus habitantes. Un procedimiento intelectual que propone –como el “caso testigo” de la densidad demográfica, sólo uno de los tantos principios que deberían someterse a juicio– abandonar preconceptos y cuestionar verdades establecidas para aventurarnos con la más pura racionalidad en la construcción de un futuro sutentable, inteligente y posible.

Por supuesto que el de las nuevas ciudades es un tema que excede en mucho la redacción de un artículo de contados caracteres –y es por eso que serán expuestos con mayor profundidad próximamente en un libro–, pero creo que las claves están pre-

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FOTOGRAFÍAMOR

VIAJE A LA EDAD MEDIA El Chateau de Guédelon, una remake de la Edad Oscura en medio del vértigo contemporáneo.

Fotografías de LEONARDO ANTONIADIS

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omótica, conectividad, ciberespacio. Términos que definen la ciudad inteligente del futuro. Un modelo urbanístico que marca el rumbo para las próximas décadas. Métodos constructivos revolucionarios que ayuden a bajar costos y acelerar tiempos de ejecución y que, a la vez, aseguren resultados de calidad. El secreto de la rentabilidad de un desarrollo inmobiliario en el futuro seguramente pasará por esas variables. De hecho, ya es así hoy mismo.

En pleno siglo XXI, en la región de Borgoña, en el centro de Francia, un proyecto se empeña en desmentir la popular aceptación de esta hipótesis. Desde 1997, un equipo de especialistas construye un castillo medieval que respeta rigurosamente los materiales y procedimientos constructivos del siglo XIII. El plazo de ejecución: 25 años. Alta eficiencia para una construcción de estas características según los indicadores de la construcción… ¡del año 1200!

A JOURNEY TO THE MIDDLE AGES The Chateau Guédelon, a remake of the dark ages inserted in the contemporary vertigo

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ome automation, connectivity, cyberspace.

These terms define the smart city of the future.

A town-planning model that sets trends for the decades to come. Revolutionary building methods that can help to lower the costs, accelerate the execution times and, at the same time, can assure quality results. The secret of profitability on a real state development, in the future will surely be related to these variables. In fact, this is the way things are today.

In the 21st Century, at the Burgundy region, located in the centre of France, there is a project that persists in refuting the massive acceptance of this hypothesis. Since 1997, a team of experts is building a medieval castle that rigorously abides the materials

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Contra todos los pronósticos y demoliendo los parámetros del Real Estate contemporáneo –prolífico en resorts, smart towers y beach clubs–, el Castillo de Guédelon es un negocio exitoso. Cumpliendo el sueño de cualquier developer, los inversores comenzaron a obtener rentabilidad mucho antes de lograr el final de obra, previsto para el año 2022. Convertido en una atracción turística, el obrador recibe actualmente unos 300.000 visitantes por año que pagan una entrada promedio de 8 euros para viajar al medioevo.

Para que todo sea lo más real posible, la experiencia completa está estrictamente auditada por un equipo de académicos especialistas en la Edad Media. Los métodos constructivos, las materias primas y hasta las propias herramientas utilizadas por los artesanos se realizan según los procedimientos del Siglo XIII. Una verdadera remake, en la que sólo los lentes que protegen la vista de algunos operarios nos recuerdan que estamos a 800 años de distancia del medioevo.

and construction proceedings of the 13th Century.

The execution is expected to last 25 years. These are high efficiency standards for a construction with building indicators... from the year 1,200!

Against all odds and demolishing the contemporary real state parameters –made for resorts, smart towers and beach clubs-, the Guédelon castle is a successful business. Fulfilling any developer’s dream, the investors began to obtain profits much before the works, that were forecasted to be finished by 2022, were completed.

To be as realistic as possible, the full experience is strictly audited by a group of scholars specialized on the Middle Ages. The building methods, the materials and even the tools used by the craftsmen are made following the proceedings of the 3rd Century. A real remake in which only the glasses of some of the operators remind us that 800 years have passed since the Middle Ages.

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ARQUITECTURAMOR

Juventus stadium la pasi贸n inteligente | a smart passion

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ar forma a las pasiones es una de las tareas que con mayor precisión define el campo de las artes.

Convocar sentimientos en una cosa material –sonido, historia, imagen, objeto– es, desde sus orígenes en una caverna prehistórica, el mandato al que responden los artistas. ¿Qué rostro tiene la dignidad?, ¿cómo suena el heroísmo?, ¿qué palabras relatan mejor una epopeya? son algunas de las preguntas que los artistas intentaron responder a lo largo del tiempo. ¿Cómo representar la pasión?, es la pregunta particular a la que tuvo que encontrar respuesta el equipo de Pininfarina Extra cuando fue convocado en 2009 para diseñar to-

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haping the passions is one of the tasks that best define the arts. Making feelings arise from a material object –sound, history, images, and object- is, from its origins in the prehistoric caves, the mandate to which artists respond. What is the face of dignity?

How does heroism sounds? What are the words that can best represent an epic?, are some of the questions that the artists tried to answer through the ages. How to represent passion?, is the particular question which the Pininfarina Extra team had to answer when they were called in 2009 to design all the internal

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das las áreas internas accesibles al público y a los jugadores del nuevo estadio de la Juventus.

Juventus Football Club es el club de fútbol más popular de Turín y uno de los más importantes de Italia.

Así lo demuestra su centenaria historia, plagada de títulos nacionales e internacionales que lo convirtieron en el equipo más ganador de su país y en uno de los principales a nivel mundial. A partir de 1990, la Juve utilizó como escenario para sus partidos el Stadio delle Alpi, construido por el comune de Turín para la recordada Copa del Mundo jugada ese año en Italia.

Juventus compartía en esta cancha la localía con el Torino, el otro equipo de la ciudad. Una iniciativa de corta vida: a solo 16 años de su inauguración, el estadio comenzó a ser demolido para construir en su lugar uno nuevo, esta vez propiedad de la Juventus Football Club. Un escenario que debía materializar la pasión bianconera del pueblo turinés.

Las demandas al nuevo estadio superaban ampliamente las de un escenario tradicional de fútbol. En lugar de ser diseñado para complacer un público existente, todo el proyecto debía ser pensado con características y prestaciones que incidieran y formaran una nueva conducta, un nuevo modelo de espectador. El objetivo mayor era plantear con inteligencia estratégica la arquitectura y el diseño hasta convertirlos en un medio pedagógico para generar actitud positiva en el público. El Juventus Stadium debía ser proyectado para vivir una experiencia integral, en la que el partido fuera el punto culminante, pero que abordara el placer de sus usuarios desde todos los ángulos.

Pininfarina cumplía todos los requisitos para hacerse cargo de este desafío. Su nombre siempre estuvo relacionado a la pasión y la competencia, como lo de-

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areas accessible to the public and the players for the new Juventus Stadium.

Juventus Football Club is the most popular club in Turin and one of the most important in Italy. This is proved by its centenary history, filled with national and international championships that made it the most winning team of its country and one of the most important world wide. Since 1990, Juventus used as a scenario for their matches the Stadio delle Alpi, built

by Turin’s City Hall for the well remembered World Cup disputed that year in Italy. Juventus shared this field with another team resident in Turin, the Torino.

A joint venture that wouldn’t last long: only 16 years later the stadium was demolished and a new one was built in its place, but this time the sole proprietor was Juventus. A scenario that had to materialize the black and white passion of the Turin inhabitants.

The demands on the new stadium highly exceeded the ones a traditional football field would require.

Instead of being designed to please an existent audience, the whole project had to be thought with features and facilities that would have to have an incidence and shape a new behaviour, a new kind of audience. The main goal was to be strategically smart on the architectural and design outline to make an educational tool that can generate a positive attitude in the audience. The Juventus Stadium had to be projected to live a comprehensive experience, in which the game would be the highlight, but where the pleasure would be an important item for all the users.

Pininfarina had all the qualities to take charge of this project. Its name was always related to passion and competition, as its cars, car bodies and designs traditionally linked to sports on wheels soundly prove.

Pininfarina diseñó todos los espacios interiores del estadio accesibles al público. Los diseñadores pusieron especial atención en la elección de los pisos, la iluminación y el mobiliario. El estadio fue proyectado como un lugar de encuentro y entretenimiento para ser utilizado los siete días de la semana. A la izquierda, la entrada principal (Salone d’Onore) resalta los puntos comunes entre Juventus y Pininfarina: elegancia, sobriedad y pureza.

Las luces del techo están ubicadas de modo que dirijan al público. En esta página, dos de los cuatro “Clubs”, espacios de encuentro de los seguidores de la Juve.

Pininfarina designed the stadium interiors to which the public can gain access to. The designers focused on the flooring, the illumination and the furniture. The stadium was projected as a meeting spot and as an entertainment venture to be used seven days a week. To the left, the main entrance (Salone d’Onore) highlights the common features between Juventus and Pininfarina: Elegance, sobriety and purity. The lights on the roof are placed so that they can give directions to the audience. On this page, two of the four “Clubs”, spaces where the Juventus fans can meet.

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Foto © Vassili, www.commons.wikimedia.org

EL MÁS GRANDE DE LA ANTIGÜEDAD El coliseo romano no es el primero, pero sí es el más grande estadio de la antigüedad, con capacidad para 50.000 espectadores. Hoy, 2.000 años después de su apogeo y obsoleto para su uso originario, sigue siendo uno de los grandes atractivos de Roma.

Los anfiteatros diseñados para grandes espectáculos públicos tienen su origen, como casi toda la civilización romana, en la Antigua Grecia.

Pragmáticos y con los pies en la tierra (o en la arena), los romanos llevaron a la más cruda realidad lo que en Grecia era ficción. Un modelo arquitectónico similar al que los griegos utilizaban para representar comedias homéricas –plenas de tragedias, muertes y venganzas– fue reformulado en Roma para presentar similares dramas en clave real. Lo que era ficción “evolucionó” en un verdadero “reality show”, bastante más crudo que nuestro “Gran hermano” de hoy. Luchas de gladiadores, ejecuciones públicas y fieras devorando condenados eran parte del atractivo programa del Coliseo.

THE GREATEST OF THE ANCIENT WORLD The Roman Coliseum is not the first, but is the largest stadium of the ancient world, with a capacity for 50,000 spectators. Today, 2,000 years after its splendour and obsolete for its original purpose, it is still one the great attractions in Rome.

The amphitheatres designed to support massive public shows have their origin, like most of the Roman civilization, in the ancient Greece. Pragmatic and with their feet on the ground (or, better said, on the sand), the Romans took to the most raw reality what in Greece was fiction. An architectonic model similar to the one the Greek used to represent their comedies–filled with tragedy, deaths and revenges- in, was reformulated in Rome to represent dramas in a realistic manner. What was fiction “evolved” in an actual “reality show”, much more raw than today’s Big Brother. Gladiators’ fights, public executions and wild beasts devouring the condemned were part of the attractions on the Coliseum’s program.

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muestran sus autos, carrocerías y diseños tradicionalmente anclados en el deporte sobre ruedas. Además, la empresa ya había demostrado capacidad para interpretar el sentimiento de Turín, su ciudad, en el diseño de la antorcha y el pebetero de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2006. “Colaborar en la construcción del nuevo estadio de la Juventus nos permitió expresar una vez más nuestra creatividad en otro ícono de la ciudad de Turín, luego de la feliz experiencia del pebetero olímpico. Durante todo el proceso de diseño aprovechamos la estrecha relación entre la identidad de las dos marcas: Juventus y Pininfarina, ambas basadas en la elegancia, la esencialidad y en ese toque italiano que es un signo distintivo”, resumió Paolo Pininfarina una vez culminada la exitosa experiencia, con el estadio ya construido en 2011.

El equipo de diseño de Pininfarina se encargó de darle personalidad a una larga lista de espacios: las tribunas, la entrada principal, cuatro “clubs”, 64 “Sky boxes” (palcos especiales), vestuarios y área relax para los jugadores, la señalética y el diseño gráfico de todo el estadio. Cada una de estas áreas fue diseñada con un objetivo estratégico particular, pero que debía responder a una marca común, representar y contagiar la pasión bianconera. No sabemos con certeza si todo el equipo de Pininfarina tifa, como dicen los italianos, o hincha como decimos los argentinos, para la Juventus, pero a juzgar por el resultado podríamos aseverarlo.

Todo el conjunto respira, a la vez que genera, una personalidad fuertemente anclada en la identidad del club.

Hubo una época en que se daba por hecho que los arquitectos, los ingenieros, los diseñadores pertenecían

Besides, the company had already showed its capacity to interpret Turin’s feelings when they designed the torch and the Olympic cauldron of the 2006 Winter Olympics celebrated in Turin. “Collaborating in the construction of the new Juventus Stadium allowed us to one more time express our creativity in another Turin’s icon after the happy experience of the Olympic cauldron. During the creative process we seized the close relation between our two brands: Juventus and Pininfarina, both of them based on elegance, essentiality, and that Italian flavour that is already a trademark”, said Paolo Pininfarina once the successful experience was finished and the stadium was built in 2011.

Pininfarina design team was in charge of providing with a personality to a long list of spaces: the stands, the main entrance, four “clubs”, 64 “Sky Boxes” (special boxes), dressing rooms and relax area for the players, the signalization and the graphic design for the entire stadium. Every one of these areas was designed with a strategic goal of its own, but had to respond to a common idea, to represent and to transmit the black

al círculo del arte. De esa época eran un arquitecto como Michelangelo Buonarroti, o un ingeniero como Leonardo Da Vinci, por ejemplo. Una época en que la pasión no era antítesis de razón. Un momento áureo en que la inteligencia y el sentimiento decidieron unirse y cambiar la historia para siempre. Algunas obras de hoy, aquellas que además de elevados requerimientos técnicos y funcionales resuelven una alta cuota de representatividad sentimental, parecen traer esos tiempos al presente. Cuando la pasión se puede hacer edificio, restaurante, vestuario o tribuna, la arquitectura y el diseño recuperan su derecho a ser arte.

Los “Clubs” son áreas comunes ubicadas en el interior del estadio, preparadas para diferentes tipologías de público. Fueron pensados con personalidades propias, con la idea de generar experiencias personalizadas para cada segmento particular de usuarios. En total, son cuatro: Agnelli, T100, Diamond y Platinum.

The “Clubs” are common areas placed inside the stadium, prepared for different kind of audiences. They were projected to have a personality of their own, with the idea of generating experiences customized for every particular segment of the users. They are four: Agnelli, T100, Diamond and Platinum.

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Sky Box Los palcos están preparados tanto para disfrutar de los partidos como para tener una reunión de negocios con una excelente vista del campo de juego. El mobiliario puede ser reacomodado de acuerso a las necesidades de uso.

Sky Box The boxes are prepared both to enjoy the games and to have a business meeting with an excellent view of the field. The furniture can be changed according to the usage needs.

Tribunas. Los asientos fueron utilizados como píxeles de una gran imagen.

Con el estadio vacío se ve una gran panorámica simbólica que recuerda los grandes campeones del club.

The seats. The seats were used as pixels to create a large image. With an empty stadium a panoramic view can be seen. It reminds the great champions of the club.

and white passion. We are not sure if the entire design team at Pininfarina is a Juventus fan, but the results shown might as well speak for that passion. The entire complex breathes, and generates, a personality strongly connected to the club’s identity.

There was a time when everybody thought that architects, engineers and designers were artists. In those days, an architect could be named Michelangelo Buonarotti and Leonardo DaVinci could be the name of an engineer. It was a time when passion was not

opposite to reason. It was a golden age in which intelligence and feelings decided to work together and change history for ever. Some of today’s works, those which beside the most elevated technical and functional requirements manage to provide a high amount of representational feelings, bring those glory days back. When passion may take the form of a building, a dressing room or a stand, the architecture and the design can recover their artistic category.

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EVOLUCIÓN E INNOVACIÓN EVOLUTION AND INNOVATION

Tifón Water Planet, la marca que lleva los servicios náuticos al próximo nivel Tifón Water Planet, the brand taking nautical services to the next level

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arwin revolucionó el mundo con su teoría de la evolución.

Aquello que no evoluciona, termina por extinguirse. Una idea que en su momento resultó escandalosa es, al día de hoy, la explicación científica más convincente del mundo que nos rodea. Sin embargo, algunas realidades parecieran empecinarse en desmentir la teoría. Claro que una cosa es la naturaleza, preexistente y, según las religiones, producto de la creación de un ser supremo, y otra cosa es la realidad producida por del hombre. En este terreno, muchas veces la evolución no acompaña el ritmo de los acontecimientos. Un buen ejemplo es la situación del mercado de los servicios náuticos, al menos hasta hace un par de años.

Se hace difícil explicar por qué si las embarcaciones evolucionaron –en diseño, confort y tecnología– de manera radical en las últimas 3 décadas, los centros de servicios –marinas y guarderías con sistema de guardado en seco– siguieron ofreciendo las mismas prestaciones desde hace 30 años. Los más temerarios ampliaron sus dimensiones, aunque no cambiaron sus hangares de chapa, ni actualizaron la tecnología de izado y operación. Pura inercia: si básicamente la función no cambia y el mercado no ofrece competencia que lo exija, no hay necesidad de innovar.

Salvo por el puro deseo de crecimiento y progreso, claro.

arwin changed the world with his theories on evolution. Something that doesn't evolve ends up getting extinguished. An idea that at its time was outrageous is nowadays the most accurate scientific explanation of the world around us. Nevertheless, some realities insist on refuting said theories. True is that we have the pre existing, and according to religions, a product created by a Supreme Being, nature on one hand, but reality, produced by men, is quite another story. On that grounds, evolution is not

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Imagen virtual de Tifón Tigre Virtual image, Tifon Tigre

Entendiendo que, a diferencia de lo que sucede en la naturaleza, la evolución en la realidad es una tarea originada en el deseo humano de superación, hace dos años nació en la oficinas de MOR el proyecto Tifón Water Planet. La idea fue muy sencilla, pero a la vez revolucionaria: desarrollar un complejo de servicios náuticos modelo que intentara cubrir todas las necesidades del navegante en un mismo lugar. Un espacio en el que todo estuviera pensado en torno al usuario, que ofreciera la mayor cantidad de servicios, previera las potenciales demandas y a la vez fuera un ámbito para el placer y la recreación. Un centro que incorporara la última tecnología, tanto para el movimiento de las embarcaciones como para la atención administrativa y recreativa.

Como en todos los proyectos, las buenas ideas son críticas para el punto de partida, pero sólo son el comienzo del camino. La parte más compleja, y la que en verdad hace la diferencia, es la capacidad de materializarlas. En eso trabajaron nuestros equipos largos meses hasta que el proyecto Tifón estuvo optimizado como para lanzarse a la aventura. En diciembre de 2011, la ingeniería (estructural, legal y financiera) estuvo lista, con sus objetivos y estrategias delineadas para poner manos a la obra. Tifón fue el primer complejo de servicios náuticos en ofrecer un modelo revolucionario, accesible para un amplio rango de inversores y que abrió el acceso a un mercado hasta entonces cerrado y exclusivo para unos pocos. Un modelo innovador que fue copiado por otros emprendimientos en Argentina.

Sólo dos años después de ese lanzamiento, podemos decir que tanto trabajo fue coronado con éxito. El primer Tifón, en Granadero Baigorria, en el cordón metropolitano norte de Rosario, opera desde agosto de 2013 y responde con buenos estándares a las exigencias de su primera temporada alta (verano 2013-2014). Su perfil ya se dibuja de manera imponente y va camino a convertirse en un hito formal en la margen del rio Paraná.

accompanied by the events. A good example would be the situation of the nautical services market, at least until a few years ago.

It’s hard to explain why the vessels radically evolved –in terms of design, comfort and technology- during the last three decades, and the services centres –such as marinas and dry mooring systems- still offer the same services they offered thirty years ago.

The boldest expanded their dimensions, although they didn’t change their sheet metal hangars or updated their hoisting and handling technology. Mere inertia: If the function doesn’t change and there is no competition within the market to push it forward, there is no need to evolve.

Except, of course, for the pure desire of progress and growth.

If we understand that, different to what happens in nature, evolution in reality is a task originated in the human desire of self improvement, we have an explanation of why two years ago MOR’s project of Tifón Water Planet was born. The idea, simple but revolutionary, was to develop a nautical services complex to cover all the sailor’s needs in one place. A space that would have to be user-friendly, offering more services, could foresee the potential demands and at the same time be a pleasure and entertainment environment. A centre that could bring the latest technology both to the handling of the vessels and to the administration and recreational attention.

Like in every project, good ideas are critical as a departing point, but are just the beginning of the road. The most difficult part, and the part that makes a real difference, is the ability to materialize those ideas. Our teams spent long months working until the Tifón project was ready to set sail. In December 2011, the engineering (structural, legal and financial) was ready, with its goals and strategies outlined to start working. Tifón was the first nautical services complex in offering a revolutionary model, accessible for a wide range of investors and that opened a market

Mientras tanto, apoyado en esta realidad, el segundo eslabón de lo que hoy se convirtió en una cadena de complejos, comenzó a levantarse sobre un terreno propio en la localidad de Tigre, al norte de la ciudad de Buenos Aires, en la zona que concentra la mayor actividad náutica del país. Al igual que sucediera Tifón Baigorria, Tifón Tigre es un éxito absoluto.

Esta consolidación de Tifón, lejos de ser producto del azar, está apoyada en una compleja alineación de los objetivos del proyecto y en una gestión de excelencia, que desde sus primeros pasos sustentaron el éxito de la misma en la evolución y la innovación como estrategias competitivas diferenciadoras EVOLUCIÓN E INNOVACIÓN EN EL DISEÑO

El diseño fue planteado como un diferencial estratégico. Tifón debía comunicar a simple vista su espíritu revolucionario. El nuevo concepto –denominado Water Planet para diferenciarse del tradicional y limitado “guardería náutica”– debía establecer un cambio de paradigmas en cuanto a la prestación de servicios posicionándose desde otro lugar frente a los galpones parabólicos y hangares de chapa que conformaban hasta entonces –y hoy mismo– el paisaje de las guarderías náuticas.

Un nuevo contenido, un nuevo estándar de servicios, demandó el desarrollo de una nueva forma. Con este objetivo, MOR estableció una alianza con la empresa que hizo de la innovación el atributo más reconocible de su marca: Pininfarina. Más de 80 años diseñando íconos y anticipando las nuevas tendencias del mercado automovilístico demuestran que Pininfarina es un verdadero maestro en traducir los requisitos funcionales al lenguaje formal.

El trabajo conjunto de los equipos técnicos de MOR, en Argentina, y de diseño de Pininfarina, en Italia, fusionó a la perfección forma y función en lo que sería la impronta visual de

that was closed and exclusive for a minority until then. An innovative business model that was imitated by other undertakings in Argentina.

Only two years after that launch, we can say that we succeeded. The first Tifón, in Granadero Baigoria, located at the North metropolitan area of Rosario, is operational since August 2013 and is answering with fine standards to the demands of its first high season (summer 2013-2014). Its stunning outline is already present and it is on its way of becoming a formal landmark on the Paraná’s riverside.

Meanwhile, based on that reality, the second link of what already is a chain of complexes started to be built on a proprietary ground in Tigre, to the North of Buenos Aires city, in the area which concentrates most of the nautical activities in the country.

Just like it happened with Tifón Baigorria, Tifón Tigre is a hit.

Far from being a lucky strike, the consolidation of Tifón is built on a complex alignment between the project’s goals and an outstanding management, which since the beginning used evolution and innovation as competitive strategies to sustain the success.

EVOLUTION AND INNOVATION ON DESIGN

The design was planned as an strategic differential. Tifón had to communicate its revolutionary spirit at first sight. The new concept –named water planet to differentiate it from the traditional marinas- had to establish a change on the services paradigms by positioning itself in a place distant from those sheet metal hangars that were until then –and still are- the common landscape for marinas.

A new shape needed to be used to represent new contents and new services’ standards. With this in mind, MOR made an alliance with the company that made innovation a part of its brand: Pininfarina. More than 80 years designing icons and antic-

De la idea a la realidad: Tifón Baigorria, una imagen virtual del proyecto comparada con la realidad del complejo en noviembre de 2013. La imponente figura ya muestra su carácter sobre el Paraná.

From the idea to reality: Tifón Baigorria, a virtual image of projected contrasting to the real complex as in November 2013. The imponent figure is already showing its character over the Paraná River.

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Operativo: Tifón Baigorria presta servicios desde agosto de 2013.

Operational: Tifón Baigorria opened its doors in August 2013.

todos los complejos Tifón. Las líneas curvas, los contrastes de materialidades (metal, madera, vidrio y cemento), todo estaría orientado a transmitir desde la forma el movimiento, el dinamismo y el confort, principios definitorios de la marca.

Hoy, la personalidad de Tifón se percibe claramente en las imágenes de sus dos complejos en proceso de construcción: Tigre y Baigorria.

ipating the new tendencies on the automobile market are proof enough to demonstrate that Pininfarina is a true master in the art of translating functional requirements into the language of forms.

The combined forces of the technical teams from MOR in Argentina and Pininfarina in Italy, perfected amalgamated forms and functionality to come up with the visual impression of how the Tifón complexes should look like. Curved lines, material contrast (metal, wood, glass and concrete), everything is oriented to transmit through the forms motion, dynamics and comfort: the brand’s defining principles.

Today, Tifón’s personality is clearly perceived in the brand image of its two complexes being built: Tigre and Baigorria.

EVOLUCIÓN E INNOVACIÓN EN EL NEGOCIO

Hasta diciembre de 2011 –llegada de Tifón–, el mercado de los servicios náuticos estaba restringido a grandes inversores que

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montaban su guardería en sectores, concesionados o no, sobre la margen del río para luego ofrecer los espacios de guardado.

Tifón fue el primer complejo en plantear una alternativa de inversión diferente y al alcance de los potenciales usuarios.

Según esta innovadora propuesta, cada inversor se convierte en accionista preferido y opta entre dos destinos posibles para hacer uso de su derecho adquirido: podrá guardar su embarcación –y afrontar sólo gastos de mantenimiento y operación del complejo, sensiblemente inferiores a la cuota mensual de cualquier otra guardería–, o tendrá la opción de cederlo a terceros interesados y beneficiarse con su producido.

La realidad, esta vez, confirmó la teoría. En sólo dos años, ya

EVOLUTION AND INNOVATION ON BUSINESS

Until December 2011 –when Tifón arrived- the nautical services market was for big investors only who mounted their marinas on the riverside to offer vessel mooring services.

Tifón was the first in coming up with a different investment alternative, affordable for potential users.

According to this innovative proposal, each investor becomes a shareholder who chooses between two possible destinations for his acquired right: He can moor his vessel –and deal only with maintenance and operational fees (substantially less expensive than any other marina), or having the option to transfer his rights

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LAS CLAVES DE TIFÓN

TIFÓN KEYS

• Alta demanda: el parque náutico crece en Argentina a elevadas tasas anuales. Una situación que se replica en varias plazas internacionales.

• Baja oferta: las guarderías náuticas muestran un panorama de ocupación plena, la disponibilidad de terrenos aptos para nuevos desarrollos es escasa o con ubicaciones desfavorables • Inversión accesible: el esquema de tifón permite el acceso a este mercado a un amplio rango de inversores y/o usuarios • Revalorización del activo: el valor de las acciones adquiridas, que otorgan su derecho a uso del espacio de guarda de embarcaciones, proyecta un considerable incremento a medida que Tifón vaya consolidándose en el mercado. Una opción para neutralizar los efectos de la inflación sobre los ahorros.

• Servicio Premium: para quienes adquieren los derechos de uso de los espacio de guarda para uso propio, Tifón ofrece un estándar de servicios hasta ahora nunca visto en el mundo de la náutica.

• Diseño internacional: firmados por Pininfarina, los Water Planet de Tifón están diseñados al más alto nivel mundial.

• Highly demanded: The vessel population in Argentina is growing on yearly bases. A situation that international posts are familiar with.

• Low offerings: Most of the marinas are fully occupied; availability for grounds to start new developments is low or has unfavourable locations.

• Affordable investment: Tifón’s outline allows a wide range of investors/users to access this market.

• Revaluation of the asset: The value of the acquired shares that grant the use of the space for mooring has a considerable increment forecasted for when Tifón is fully consolidated in the market. An option to neutralize the effects of inflation on the savings.

• Premium service: For those who acquire the rights to use the mooring space, Tifón offers a service standard never seen in the nautical world.

• International design: Signed by Pininfarina, Tifón’s water planets are designed with top international level.

son más de 1.500 los los accionistas que apostaron a este concepto llamado Tifón, lo que propició el surgimiento de cuatro nuevos proyectos basados en este modelo que fueron lanzados al mercado por otras firmas.

to a third party and benefit from its revenues.

This time, reality proved the theory right. In only two years, there are more than 1,500 stockholders who support this concept named Tifón, which favoured the emergence of four new projects based on this model that were marketed by other companies.

EVOLUCIÓN E INNOVACIÓN EN EL SERVICIO EVOLUTION AND INNOVATION ON SERVICE

Tifón fue pensado como Water Planet, un concepto que supera a la tradicional guardería náutica. El servicio de guardado, izado y botado de embarcaciones, si bien es el corazón del complejo, es sólo una parte de la oferta global de Tifón. El sistema está desarrollado para ofrecer una batería de prestaciones complementarias diseñadas para que el usuario sienta que su salida a navegar, su momento de relajación y disfrute, comienzan desde el mismo

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Tifón Water Planet is an innovative concept that exceeds the mooring business. The vessel mooring and haulage, despite being the main core of the complex, is just a part of Tifón’s global offer.

The system was developed to offer a great variety of complementary facilities designed for the user to feel that when he goes out sailing, his moment of relaxation and enjoyment starts when he

CARACTERÍSTICAS

FEATURES

• 10 ascensores de costa para embarcaciones • 5 puentes grúa para manipulación de embarcaciones • 12.500 m2 de estacionamiento para autos • Bar, restaurante • Paseo comercial • Vestuarios • Lounge VIP • Servicio de “boxes náuticos” (mecánica, electricidad, etc.)

• 10 shore elevators for the vessels.

• 5 gantry cranes for handling the vessels.

• Capacity to park vessels up to 35 feet long.

• 134549 ft2 for car parking.

• Bar, restaurant.

• Shopping mall.

• Changing rooms.

• VIP lounge for big vessel owners.

• Mechanical services for the vessels.

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momento en que llega al complejo Water Planet.

En la infraestructura operativa, Tifón incorpora la última tecnología desarrollada para control del movimiento de embarcaciones. Puentes grúa y ascensores de costa automatizados fueron desarrollados a medida para cada una de las naves de los complejos. Desarrollos únicos en el mundo en sus prestaciones.

El servicio para embarcaciones también fue tenido en cuenta.

Los sectores destinados a “boxes náuticos” (mecánica, tapicería, audio y lavado de embarcaciones) fueron ubicados estratégicamente para facilitar su uso dentro del Water Planet.

En cuanto a infraestructura de confort de los usuarios, Tifón destina grandes superficies a estacionamiento e incluye dentro del complejo áreas gastronómicas, comerciales y amplios vestuarios.

Ascensores panorámicos de última generación fueron instalados para el descenso a las zonas de embarque y, pensando en la seguridad, todos los trayectos peatonales se desarrollan con total independencia de las zonas de manipulación de embarcaciones.

Tifón es mucho más que un proyecto pensado para ocupar un lugar más en el mercado. Es una realidad que estamos construyendo para llevar al siguiente nivel lo conocido y aceptado en servicios náuticos. Evolución e innovación, de eso se trata para nosotros el desarrollo.

Guardado en seco, otro factor clave: Un sistema que optimiza el uso del espacio, disminuye la corrosión de los cascos y, por lo tanto, el costo de mantenimiento de la embarcaciones y disminuye los tiempos de preparativos de partida y retorno de los navegantes.

arrives at the Water Planet complex.

In the operational infrastructure, Tifón incorporates state of the art technology developed for the vessel movement control.

Gantry cranes and automated coastal elevators were customized for each of the complexes’ bay. Unique features in this kind of developments.

The vessel service was also taken into account. The areas destined for “nautical boxes” (mechanics, upholstery, audio and vessel washing) were strategically placed to ease its use inside the Water Planet.

As comfort infrastructure for the users, Tifón presents big parking spaces and includes gastronomic and commercial areas and spacious locker rooms inside the complex. State of the art panoramic elevators were installed to access the embarking areas, and, with safety in mind, all pedestrian precincts are totally independent from the vessel handling areas.

Tifón is much more than just a project thought to take a place on the market. Is a reality we are building to take what's known and accepted in nautical services to the next level. Evolution and innovation, that is what development is all about for us.

Dry mooring, another key factor: A system that optimizes the use of space, lowering the carcases’ corrotion and, by these means, the vessel maintinance costs and, at the same time, shortening the times needed for sailor’s departures and returns.

CARACTERÍSTICAS

FEATURES

• 20 ascensores de costa para embarcaciones • 10 puentes grúa para embarcaciones • 10 Naves con capacidad para más de 5.000 embarcaciones • Lounge VIP • Estacionamiento • 2.000 m2 de paseo comercial • Vestuarios, lockers • Servicio de “boxes náuticos” (mecánica, electricidad, etc.)

• 20 shore elevators for the vessels.

• 10 gantry cranes for handling the vessels.

• 10 industrial buildings can accommodate more than 5.000 vessels • VIP spaces • Parking • Shopping Mall • Changing rooms, lockers.

• Mechanical services for the vessels.

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AUTOSMOR

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SERGIO ADN DE UNA PASIÓN | THE DNA OF A PASSION

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N

acido a principios de 2013, Sergio fue concebido para dar testimonio de su noble herencia. Fue bautizado así en honor a su legendario antepasado Pininfarina, responsable de convertir la marca familiar en sinónimo de pasión, exclusividad e innovación. Durante las cuatro décadas de liderazgo de Sergio Pininfarina la empresa de Turín creó numerosas piezas que pasarían a la historia como leyendas de la industria del automóvil, y él mismo se consagró como referente del estilo italiano en el mundo. Nada mejor entonces que honrar el recuerdo de uno de los personajes clave en la extensa colaboración entre la casa de diseño y la marca del Cavallino rampante con un nuevo concept car desarrollado por Pininfarina sobre mecánica Ferrari, un sosías de cuatro ruedas que transmita en su carácter las ideas de su ins-

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B

orn at the beginning of 2013, Sergio was conceived to give testimony of a noble heritage. Born out for honouring the legendary ancestor Pininfarina, responsible for converting the family brand in a synonym of passion, exclusivity and innovation. After being led by Sergio Pininfarina for four decades, the company based on Turin created several pieces that would make history as legends of the automotive industry, and he himself became a trademark of Italian design all over the world. The best way to honour one of the key characters of the joint venture between the design company and the Cavallino rampante brand is a concept car by Pininfarina on Ferrari mechanicals, a four wheeled double that can transmit the ideas of its inspirer with its personality. A tribute proposed by

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pirador. Un tributo propuesto por Pininfarina que obtuvo el inmediato apoyo de Luca de Montezemolo, presidente de Ferrari.

El resultado está a la vista. Un auto que concentra en sus formas los principios que Sergio Pininfarina impusiera como marca personal en las décadas de 1960, 1970 y 1980. “Mi padre estaría orgulloso de este concept car”, dijo el actual presidente Paolo Pininfarina, “porque expresa los valores estéticos que siempre lo inspiraron: la pureza de las líneas, la armonía de la forma y el equilibrio. Por otra parte, también estaría satisfecho con que sea una Ferrari, una marca a la que estamos relacionados por una historia que ha ayudado a definir los más bellos coches de todos los tiempos, una evolución que ha durado 60 años y que no muestra señales de terminar”.

Pininfarina that got the immediate support of Luca de Montezemolo, Ferrari’s CEO. The result can be seen. A car that concentrates the shapes with which Sergio Pininfarina created a personal trademark during the 1960, 1970 and 1980 decades. “My father would be very proud of this concept car”, said Paolo Pininfarina, current President of the company, “because it expresses the aesthetic values that always inspired him: the purity of the lines, the harmony of form, and balance. Furthermore, he would be happy with this latest concept on Ferrari base, a brand to which we are related by a history that has helped define the most beautiful cars of all time in an evolution that has lasted 60 years and shows no sign of ending"

Paolo Pininfarina en plena tarea de dirección del equipo que diseñó este tributo a su padre.

Paolo Pininfarina while giving instructions to the team that designed this tribute to his father.

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DISEÑO

DESIGN

De frente bajo, superficie pulida, exenta de molduras o detalles decorativos, en el Sergio todo está resuelto para ofrecer una excelente performance aerodinámica y transmitir el espíritu deportivo. Una vista rápida permite dividir el auto en dos volúmenes entrelazados: uno negro y otro rojo. Para exaltar la pureza formal, todos los accesorios funcionales de la carrocería (manijas, deflectores, tomas de aire) fueron alojadas en la parte oscura, dejando de este modo la superficie roja completamente libre.

La gran marca de personalidad del Sergio es indudablemente la ausencia de parabrisas. Una decisión que hace que a primera vista cueste distinguir el frente y la cola del auto. La avanzada ingeniería aerodinámica de este auto reemplaza la función del parabrisas tradicional con un deflector anterior que funciona como parabrisas virtual, desviando el flujo de aire por sobre la cabeza de los pasajeros. Una prueba del extremo cuidado puesto al tomar esta decisión es que hasta el espejo retrovisor fue diseñado para complementar y colaborar con la acción de desvío de aire del deflector anterior.

With a low front and a polished surface with no mouldings or decorative features, in the Sergio everything aims to provide an outstanding aerodynamic performance and to convey a sporty spirit. A quick look allows dividing the car in two linked volumes: One is black, the other one is red. To raise the formal purity, every functional accessory (handles, baffles, air intakes) where placed in the dark part of the body, leaving by these means the red surface clean.

The absence of a windshield is without a shadow of a doubt the great personality seal of the Sergio concept car. A decision that makes it hard to distinguish if is the front or the back of the car you are looking at. The state of the art aerodynamic engineering in this car replaces the function of the windshield with a front baffle that works as a virtual windshield, deflecting the air flow over the passengers’ head. The fact that even the rear-view mirror was designed to complement and help with air deflection feature of the front baffle is proof of the amount of thought this decision has.

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VISTA POSTERIOR

VISTA FRONTAL En el frente, el Sergio retoma y lleva al límite una estrategia tradicional de Pininfarina, la integración de los faros en un solo elemento transversal transparente. Un recurso utilizado ya en el Dino Berlinetta Speciale, en 1965. Adaptado al tamaño y la tecnología de nuestros días, este elemento permite simplificar las líneas y se convierte en una poderosa marca de identidad.

En cuanto a las características técnicas, los proyectores cilíndricos de aluminio utilizan tecnología LED y se incrustan en un bloque cristalino de plexiglás que difunde la luz.

Las luces traseras redondas reinterpretan otro los temas característicos de la colaboración entre Pininfarina y Ferrari. En el Sergio suman una doble funcionalidad al diseño, a la vez que iluminan, permiten en sus huecos la salida del aire caliente proveniente de los enfriadores de aceite.

El capó trasero revisita también otro logro icónico marca registrada: los huecos circulares utilizados para facilitar el enfriamiento del compartimiento del motor. Una estrategia que representa de la mejor manera posible la perfección absoluta y la atemporalidad del diseño clásico tan propios del estilo Pininfarina.

REAR VIEW FRONT VIEW On the front, the Sergio takes back and to the limit a traditional Pininfarina strategy; the integration of the lights as a single transparent and transversal element. An idea used before on the 1965 Dino Berlinetta Speciale. Adapted for today’s size and technology, this element allows simplifying the lines and is a powerful identity brand. As for the technical features, the cylindrical aluminium projectors use LED technology and are incrusted on a crystalline block made of Plexiglas that diffuses the light.

The round back lights reinterpret yet another characteristic theme of the collaboration between Pininfarina and Ferrari. In the Sergio concept car they play a double role of functionality in the design, they illuminate and through their holes they allow a release of hot air coming from the oil coolers.

The rear hood also revisits another iconic achievement by the trademark: The circular vents to ease the cooling of the engine compartment. A strategy that represents in the best possible way the absolute perfection and the timelessness of the classic Pininfarina design style.

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VISTA LATERAL

SIDE VIEW

La armonía formal es un elemento definitorio del Sergio que renueva la propuesta estética común a muchos Ferraris diseñados por Pininfarina.

Siguiendo la tradición de las “Barchettas” deportivas, el Sergio no presenta puertas convencionales sino puertas de apertura por rotación vertical, que ofrecen fácil acceso a la vez que aseguran la máxima rigidez estructural en los laterales, tal como sucede en los autos de competición.

The formal harmony is a key factor in the Sergio and renews the aesthetical proposal that so many Ferrari models designed by Pininfarina have. Following the sports “Brachettas” tradition, the Sergio doesn’t have conventional doors but vertical rotation doors that offer an easy access and assure the maximum rigidity on the sides, the same rigidity the competition cars have.

INTERIOR Sergio conserva las partes funcionales ya existentes de la Ferrari 458 Spider (tablero, estructura de asientos, consola central y volante). El interior es básico y funcional y se desarrolla como una extensión natural de las líneas externas: la superficie exterior negra se desliza hacia el interior y crea un volumen donde se integran los componentes técnicos estándar. Incluso el capó del motor desciende hasta hasta unirse a la parte trasera de los asientos. Otro elemento innovador es la posición de los apoyacabezas unidos a la barra antivuelco y completamente separados del cuerpo de los asientos.

En frente del panel de la puerta, dos cascos están alojados en una pequeña cavidad diseñada especialmente. Estos cascos fueron desarrollados al mismo tiempo que se tomó la decisión de construir el auto sin parabrisas. Construidos según un diseño específico de Pininfarina Extra en colaboración con Newmax, los cascos Sergio están personalizados con el color de la carrocería.

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INTERIOR Sergio maintains the already existent functional parts of the Ferrari 458 Spider, such as the dashboard, the seat structure, the central console and the wheel. The interior is quite basic and functional and it’s developed as a natural extension of the outer lines: The black surface slides into the car creating a volume where the standard technical components are integrated. Even the engine’s hood descends until meeting the back of the seats. Another innovative feature is the position of the head rests that make a single unit with the anti roll bar, completely unattached from the seat body.

In front of the door panel, there are two helmets lodged in a small cavity specially designed for that purpose. Those helmets were developed at the same time the decision of making a windshieldles car was taken. Built following an specific Pininfarina Extra design in collaboration with Newmax, the Sergio helmets are customized in the same colour of the body.

Agresivamente deportiva, refinadamente veloz y decididamente innovadora, Sergio reversiona y trae al presente la glamorosa fascinación por manejar un deportivo abierto, con el cielo sobre la cabeza y el viento en la cara. Vértigo y placer en la conducción, confort y funcionalidad en el diseño. Una ecuación con resultado perfecto, una cita contemporánea de las recordadas “barchettas”, como la Dino Berlinetta Speciale, convertida en leyenda apenas presentada en el Paris Show de 1965. Una elección coherente con la característica histórica de Pininfarina: la maestría en la elaboración de

Aggressively sporty, elegantly fast and decisively innovative, Sergio brings a new version and to the present the glamorous satisfaction of driving a convertible sport car, with the sky over your head and the wind in your face. Vertigo and pleasure while driving, comfort and functionality on the design. An equation with the perfect result, a contemporary date with the famous “barchettas”, like the Dino Berlinetta Speciale, made legends as soon as they were introduced in the Paris Auto Show in 1965. A lesson consistent with the historical Pininfarina feature: The expertise in car

Aire de familia Sergio (2013) y Dino Berlinetta Speciale (1965), dos Ferraris con el mismo ADN.

Family resemblance. Sergio (2013) and Dino Berlinetta Speciale (1965), two Ferraris with the same DNA.

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carrocerías de automóviles excepcionales, capaces de provocar emociones y convertirse en íconos del futuro.

Para desarrollar la Ferrari Sergio, el equipo de diseño focalizó con absoluta libertad su investigación en la pureza de las formas, sin los condicionamientos propios de un producto de serie. El objetivo fue crear un objeto excepcional capaz de expresar el ADN Pininfarina. La decisión de utilizar como base la Ferrari 458 Spider, manteniendo sus características mecánicas, permitió al equipo concentrarse 100% en las soluciones formales. Una opción inteligente que convierte a la Ferrari Sergio en mucho más que un prototipo desarrollado para exhibición y lo inscribe en otra tradición Pininfarina: el desarrollo de automóviles hechos “a medida” para clientes especiales. De hecho, luego de su presentación en el Salón del Automóvil de Gi-

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body manufacturing for exceptional cars, able to inspire emotions and become icons of the future.

To develop the Pininfarina Sergio concept car, the design team needed to be focused with absolute freedom on the purity of the shapes, without the conditioning typical in a serial product. The aim was to create an exceptional object able to express the Pininfarina DNA. The decision to use the 458 Ferrari Spider as a model, maintaining its mechanical features, allowed the team to fully focus on formal solutions. A smart choice that makes the Sergio much more than a prototype developed for exhibition only and inscribes it in yet another Pininfarina tradition: The development of cars custom made for special clients. In fact, after its debut at the Geneva Motor Show, Pininfarina started to receive orders of people interested in having

nebra, Pininfarina comenzó a recibir pedidos de interesados en tener esta pieza de lujo en su colección. Por supuesto, para mantener la originalidad y la idea de obra única, cada ejemplar incorporará soluciones personalizadas que no se repetirán en sus “hermanos”, como el color, detalles de equipamiento, etc.

Sergio es un auto pensado, diseñado y producido para traer al presente la época de oro de los autos deportivos. Una visión no exenta de nostalgia que reelabora en clave contemporánea los principios que llevaron a la cima mundial la cooperación entre Pininfarina y Ferrari. La mejor manera de materializar en cuatro ruedas las palabras de Sergio, su inspirador: “La clave es preservar la herencia del pasado y proyectarla en el futuro”.

this luxury piece in their collection. Of course, to maintain the originality and the idea of a unique piece, each car woul incorporate customized solutions that would not be replicated on its “brothers”, like the colour, equipment details and more.

The Sergio is a car thought, designed and produced to bring the sports cars golden age back to the present.

A vision that has a certain amount of nostalgia and re elaborates on a contemporary key the principles that took the cooperation between Pininfarina and Ferrari to the top of the world. The best way to represent in four wheels the words of its inspirer, Sergio: “The key is to preserve the heritage from the past and project it into the future".

TECHNICAL SPECS

FICHA TÉCNICA • Largo máximo: 455 cm • Ancho máximo: 194 cm • Altura máxima: 114 cm • Capacidad del baúl: 110 litros

• Peso: 1.280 kg • Chasis: Ferrari 458 Spider • Velocidad máxima: 320 km/h • Aceleración 0-100 km/h: 3,4 seg.

• Maximum length: 455 cm • Maximum width: 194 cm • Maximum height: 114 cm • Boot capacity: 110 litros

• Weight: 1.280 kg • Chassis: Ferrari 458 Spider • Maximum speed: 320 km/h • Acceleration 0-100 km/h: 3,4 seg.

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FERRA

EL PODER DE LAS IDEAS Platón sostenía que el mundo material que nos rodea es una copia imperfecta del mundo trascendente de las ideas. Y que el hombre se aproxima a la verdad (bien supremo) cuando logra reducir al máximo con su hacer la distancia entre los dos mundos. Según ese paradigma, una misma idea da existencia a numerosas representaciones que buscan acercarse a la esencia del concepto.

En este camino de búsqueda de la verdad, la misma idea que inspira el diseño de un auto puede dar vida a un edificio.

Es una cuestión de principios. Sobre esa base teórica es que Pininfarina trabajó en el proyecto Ferra, un condominio de lujo diseñado íntegramente –arquitectura e interiores–para la Far East Organization, en Singapur.

La poderosa identidad de Ferra encuentra su origen en la experiencia de Pininfarina en el diseño automovilístico. La reinterpretación de elementos formales bien conocidos por el equipo de diseño encuentran en este edificio una innovadora traducción al lenguaje de la arquitectura. El desafío de elaborar soluciones arquitectónicas que, al igual que en el diseño de autos, consigan un equilibrio perfecto entre forma y función, entre estética y prestación, parece haber sido superado. El resultado es un edificio elegante y exclusivo, de fuerte personalidad, caracterizado por el dinamismo de sus contornos y una particular aproximación a la arquitectura desde los principios del diseño automotriz.

Ferra está dividido en dos volúmenes contrapuestos: uno rojo, de inspiración femenina, con contornos sinuosos que buscan generar fuertes emociones y otro negro, más masculino, caracterizado por líneas definidas y dinámicas. La elección de los materiales de terminación acentúa este contraste: la fachada roja incorpora la calidez de la madera en contrapunto con el material frío de la fachada oscura.

Otro elemento estilístico determinante de la personalidad de Ferra son las “sky terraces” del piso 14, espacios que, además de conferirle a la fachada una importante luminosidad, se convierten, gracias al refinamiento en su diseño, en una reconocible marca de carácter.

Acostumbrados al ejercicio de convertir exigencias técnicas en características estéticas, los diseñadores de Pininfarina dejaron también su impronta en las particulares tomas de ventilación de los balcones. Los huecos circulares que cumplen esta función sobre la superficie roja remiten a un primer golpe de vista a la vista posterior de la Ferrari Sergio, y de tantos otros modelos “by Pininfarina”.

El sofisticado tratamiento de las superficies es otro fuerte punto de contacto entre la “piel” del edificio y la carrocería de un auto. Un recurso que extrae el máximo provecho del poder de la luz y la mutación permanente de su reflejo en una constante reinvención la forma.

Mucho hay en común entre este edificio y el extenso saber que lo inspira. La fuerza de una idea que guió a Pininfarina durante más de ochenta años de innovación en el diseño de automóviles encuentra su aplicación material en esta original joya de la arquitectura.

THE POWER OF IDEAS Plato said that the material world around us is a flawed copy of the transcendent world of ideas. And that the man comes close to the truth (a supreme good) when he is able to reduce the distance between these two worlds with his actions. According to that paradigm, the same idea may provide with existence several representations that search to approach the essence of the concept.

In the path of looking for the truth, the same idea that inspires the design of a car may bring to life a building. It’s a matter of principles. This is the theoretical basis which Pininfarina worked upon in the Ferra Project, a luxury condo fully designed –architecture and interior—for the Far East organization, in Singapore.

The powerful identity of Ferra finds its origin in Pininfarina’s experience with automobile design. The reinterpretation of formal elements well known by the designing team finds in this building an innovative translation into the architectural language. The challenge of coming up with architectural solutions that, as in cars design, may accomplish the perfect balance between shape and functionality, between aesthetics and facilities, appears to be achieved. The result is an elegant and exclusive building with a strong personality, distinguished by the dynamics of its outline and a peculiar approach to the architecture from the principles of car designing.

The Ferra building is divided in two opposed volumes: One is red, with a female inspiration, as it has wavy lines that try to generate strong emotions. The other one is black, manlier, where the lines are dynamic and well defined. The material selection for the end details accentuates this contrast: the red front brings the warmth of the wood conflicting with the cold material of the dark façade.

Another stylish element important for the Ferra building personality is the sky terraces located on the 14th floor. These spaces, apart from providing great lighting for the façade, are, thanks to the refinement in its design, a recognizable mark of character.

Used to the exercise of converting technical demands into aesthetical characteristics, the Pininfarina designers left their mark on the particular air intakes of the balconies. The circular vents cover this function on the red surface and refer on a first view to the back view of the Ferrari Sergio and so many “by Pininfarina” models.

The sophisticated treatment of the surfaces is yet another point of contact between the building’s “skin” and a car’s body. A resource that makes the most of the power of light and the mutation of its reflection in a constant reinvention of the shape.

There is a lot in common between this building and the deep knowledge that inspires it. The strength of an idea that guided Pininfarina for over eighty years of design innovation in cars and that finds its material application in this original architectural gem.

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DISEÑOMOR

ALFRED FELLINGER Según Wikipedia, “el diseño es el proceso previo de configuración mental, ‘pre-figuración’, en la búsqueda de una solución en cualquier campo”. Seguramente, Alfred Fellinger piensa en una definición como esta cuando se presenta a sí mismo como diseñador. Luego de una charla con él podríamos agregar varios adjetivos a esta sentencia: un diseñador es aquel que busca una solución creativa, sensible, inteligente, o armónica en cualquier campo.

Pocas disciplinas se deben haber fragmentado en tantas parcelas de elevada especialización durante el siglo XX como el diseño. La palabra “diseño” requiere hoy de un término descriptivo que lo complemente, hasta convertirlo casi rigurosamente en una palabra compuesta. Diseño arquitectónico, equipacional, industrial, gráfico, textil, editorial, web. Para Fellinger estos compartimentos contemporáneos,

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lejos de ser estancos, se comunican entre sí hasta terminar siendo parte de lo mismo.

Según él, “hasta el hecho de cocinar es diseñar; elegir qué ropa ponernos cada mañana es diseñar”. Lo que se dice un detallista.

Conocido en Argentina como un excelente interiorista, Fellinger trabajó en sus más de 50 años de recorrido profesional diseñando muebles, viviendas, ambientes, stands, oficinas, alfombras, loza y casi todo aquello que admitiera ser diseñado. Su secreto: una sensibilidad especial y una gran capacidad para trabajar en equipo. “Me gusta armar equipos de trabajo interdisciplinarios, así se consiguen los logros integrales. Por lo general el arquitecto no sabe de interiorismo y el diseñador necesita del conocimiento del arquitecto” dice sólo para ejemplificar estas redes que teje de manera casi cotidiana desde su estudio. Con evidente orgullo cita las palabras que le dijera

Por JUAN BALAGUER

la prestigiosa periodista argentina de arquitectura e interiorismo Cayetana Mercé luego de la entrega de uno de los numerosos premios que obtuvo en su extensa trayectoria: “me dijo que tengo alma de curador, que una de mis mayores capacidades es la de unir en un mismo proyecto personajes totalmente diferentes”.

Una capacidad innata que lo lleva hoy a trabajar con gente joven hasta casi adoptarlos bajo su ala y, como los antiguos maestros formadores de discípulos, trascender con ellos el campo del diseño para enseñar también un modo de relacionarse con el trabajo, con los colegas, los clientes y el mundo. Una relación que él mismo siente de ida y vuelta “me alimento de la gente joven, me contagia su inquietud, su entusiasmo y su talento”. Un contagio fácilmente verificable. Alfred expresa en palabras y actitudes la energía de alguien que

MEDIO SIGLO CON EL DISEÑO | 50 years of DESIGN ments, far from being isolated, are so well communicated that they end up being part of the same thing. In his words, “even cooking is designing; choosing which clothes to wear is designing”. A perfectionist, one might say.

Known in Argentina as a great interior designer, Fellinger worked during his 50 years of career designing furniture, houses, atmospheres, stands, offices, rugs, pottery and almost everything that needed to be designed. His secret is a special sensitivity and a great capacity to work in a team. “I like to put up interdisciplinary working teams, that is how you achieve comprehensive results. Usually the architect knows nothing about interior design, and the designer needs the knowledge of the architect", says to give an example of these networks he knits almost on a daily basis at his studio. With evident pride, he quotes

Foto: Fabio Borquez

According to Wikipedia, “the design is the previous process of mental configuration, ‘prefiguration’, in the search for solutions in any field”. Is probable that Alfred Fellinger has a similar definition in mind when he presents himself as a designer.

After a brief conversation we might have to add a few adjectives to that definition: A designer is someone who looks for a creative, sensitive, smart or harmonic solution in any field.

There are only a few disciplines that have been divided into so many specializations such as the design during the XXth century. The term “design” needs nowadays a descriptive term to go along with and complete it, making it almost impossible not to be a compound word. Architectonic, equipacional, industrial, graphic, textile, editorial, Web design, and much more. To Fellinger, these contemporary compart-

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the words the prestigious argentine journalist on architecture and interior design Cayetana Mercé said to him after the ceremony of one of the many awards he received during his career: “She told me that I have the soul of a curator and that one of my greatest talents is to unite in one project very dissimilar characters.”

An inborn capability that nowadays is taking him to work with young people to the point of almost taking them under his wing, like the old teacher who formed their pupils did, and transcend with them the design field to teach them a way of relating with the work, the colleagues, the clients and the world. A relationship that goes both ways “I feed from young blood, their interest, enthusiasm and talent are contagious”. This contagion is easily verirecién comienza, aún cuando sea casi un prócer del diseño argentino.

Su historia profesional –aquella de la que no le gusta hablar, “porque ya es muy conocida, hablemos de algo distinto”– es casi un decálogo de lo que transmite como principal enseñanza: ir siempre para adelante. Esa historia cuenta que es hijo de madre alemana –diseñadora de modas con visión vanguardista– y padre austríaco –formado como hotelero en una cadena familiar, un gentleman cuidadoso de los detalles– que se conocieron en Argentina.

“Crecí rodeado de muebles de estilo, toda

la casa tenía un fuerte perfume modernista, un ambiente muy estético”, recuerda.

“Desde pequeño fui habilitado por ellos a sentir la alegría de vivir, a desarrollar mi energía” cuenta con evidente orgullo de sus orígenes. A los 18 años comenzó a trabajar en Interieur Forma –una empresa especializada en equipamiento de oficinas, bancos, hoteles y auditorios–, con una anécdota que lo describe tal cual es: “me postulé al trabajo, al primer día no me llamaron, al segundo tampoco, al tercero comencé a insisitir, hasta que logré que me tomaran como cadete”. En veintidós años Foto: Fabio Borquez

fiable. Alfred expresses himself, in words and in attitudes, with the energy of a beginner, even though he is an eminent figure of the Argentinean design.

His professional career –something he resists talking about, “because is well known, let’s talk about something else”- is almost a decalogue of what he transmits as his main lesson: always moving forward.

The history tells us that he was born out of a German mother –fashion designer with an avant-garde vision- and an Austrian father –formed as hotelier on a family company, a detail oriented gentleman- who met in Argentina. “I grew up surrounded by Bauhaus furniture, the entire house had a modern perfume, a very aesthetical environment”, as he recalls.

“Since I was a little boy I was encouraged by my parents to feel the joy of life, to develop my energy” as he proudly describes his origins. When he was 18

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“El buen diseño es atemporal. Siempre trato de hacer trabajos diferentes, me pone loco hacer lo que hacen los demás. Me reconozco completamente anti-moda.”

En esta doble página, intervención de Fellinger y su equipo en el histórico edificio Tornquist, sede de la muestra Casa FOA 2013, en Buenos Aires.

“Nos propusimos sostener el patrimonio tangible e intangible del edificio, manteniendo un respetuoso diálogo, tan necesario en estos tiempos, sobre lo que fue y lo que será.

Reinterpretar, repensar y rediseñar cada uno de los elementos existentes, recurriendo a herramientas complementarias a la simetría y el orden de la época, como la repetición, el reflejo y la asociación cognitiva.” (Fotos de Adela Aldama.)

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“Fine design is timeless. I always try to change from work to work, doing what other people do make me crazy. I describe myself as anti fashion.”

In this double page, Fellinger’s and team intervention to the historical Tornquist building, house of the Casa FOA show, 2013, in Buenos Aires.

“We tried to maintain the tangible and intangible heritage of the building, keeping a respectful dialogue, so much needed these times, about what was there on the past and what will be in the future.

Reinterpret, rethink and redesign every one of the existent features, using the same tools complementary to the symmetry and the order of those times, like the repetition, the reflection and cognitive association.” (Photos by Adela Adama)

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Casa FOA es la muestra anual mรกs importante de arquitectura, paisajismo e interiorismo de la Argentina. Desde sus inicios, Alfred Fellinger es una presencia constante.

Casa FOA is the most important architecture, landscaping and interior design show in Argentina.

Since its beginning Alfred Fellinger was an always present figure.

Distintos ambientes con la firma de Fellinger.

En la pรกgina 126, Casa FOA 2011; en la pรกgina 130, el espacio del proyecto Molina Ciudad, Casa FOA 2012; en esta pรกgina, Casa Foa 2009 (fotos de Adela Aldama),

Different environments with the Fellinger signature.

On page 126, Casa FOA 2011, on page 130, the space for the Molina Project, Casa FOA 2012; on this page, Casa FOA 2009. (Photos by Adela Adama)

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“Hacer una casa no es elegir un guardarropa o hacer una colección de temporada, una casa tiene que perdurar más allá de las modas. Antes de diseñarla, hablo con toda la familia, hasta con el perro.”

A la izquierda, escalera y puente de vidrio de la casa GS; en esta página y las dos siguientes, interiores de la casa NC (fotos de Christian Fellnger).

“Building a house has nothing to do with picking up a wardrobe or making a collection for one season, a house has to endure beyond fashion. Before designing it, I talk to the whole family, dog included.”

To the left, glass stairs from the GS House; on this page and the following two, interiors of the NC House (photos by Christian Fellinger).

“Uno es un guía del cliente. Yo no puedo hacer lo que se me ocurre. Mi trabajo es hacer que el dueño de casa se sienta mejor. Hay gente que, luego de un tiempo de vivir su casa, me agradece por haberle cambiado la vida” “You are a guide to the customer. I cannot do whatever comes to my mind. My job is to make the house owner feel better.

There are people who, after living at their houses for a while, thank me for changing their lives. “

En esta doble pรกgina, escalera de la casa GS. En la pรกgina 138, cocina de la casa GS. (Fotos de Christian Fellinger).

In this double page, the ladder from the GS House.

On page 138, the kitchen from the GS House.

(Photos by Christian Fellinger).

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de carrera llegó a ser directivo y una de las estrellas de la empresa. Una versión del popular paradigma del “sueño americano”.

Eso sí, americano de América del Sur: en el año 2000 decidió partir a Alemania en busca de nuevos horizontes –“no fue una decisión relacionada con la crisis, sino basada en cierto aburrimiento”– y a los cuatro años ya estaba de regreso. ¿El motivo?, casi tanguero: “extrañaba horrores la vida en Buenos Aires, la manera de relacionarnos, los amigos.” Y unas pinceladas más de tango para este retrato. Luego de medio siglo de actividad que lo convierten en un referente del diseño argentino, el balance de Alfred termina de pintarlo tal cual es: “lo que otros acumularon en el banco, yo lo tengo en afectos y relaciones”.

Así es Alfred Fellinger, el orgulloso descendiente de alemanes y austríacos. Racional, exigente y perfeccionista en el diseño; apasionado, activo e irreverente en la vida.

Una proporción áurea que diseña a este verdadero dinosaurio vivo que no detiene su evolución.

years old he started working at Interieur Forma –a company specialized in banks, offices, hotels, and auditoriums equipment–, with an anecdote that describes his personality: “I applied for the job, they didn’t call first day, or the second day. On the third day I started insisting until I managed to be hired as an errand boy.”

During his twenty-two years of career he got to be on the board of directors and one of the stars of the company. Another version of the popular paradigm “the American dream”. American, in this particular case, means South America: in the year 2000 he left to Germany looking for new horizons –“it wasn't a decision I made based on the crisis, but it was based on some kind of boredom”– and four years later he came back. The reason was almost a tango: “I terribly missed the life in Buenos Aires, the way people relate to each other, the friends.” Some amount of nostalgia could be added to this story.

Made an example of Argentinean design with fifty years of hard work on his back, the balance he makes is a picture of his personality: "what others accumulate in

their bank accounts, I have it in affections and relationships".

That is the way Alfred Fellinger is, the proud descendent from Germans and Austrians. Rational, demanding, and perfectionist with the design, active and irreverent with his personal life. A golden ratio that designs this living dinosaur that never stops evolving.

Foto: Fabio Borquez

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EDUARDO

ARTEMOR

STUPIA la rebelión del dibujo The rebellion of the drawings

Por JUAN BALAGUER

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duardo Stupía es uno de los artistas contemporáneos más relevantes de la Argentina. En un escenario en que la palabra “contemporáneo” hace referencia no tanto a una marca cronológica como a un modo de crear arte –basado en resoluciones aparatosamente alejadas de las disciplinas artísticas tradicionales, con obligatorios y, a veces, enrevesados marcos conceptuales, con espectacular y onerosa utilización de nuevas tecnologías, con inmensos despliegues mediáticos o con la intervención de ejércitos de especialistas en disciplinas tan específicas como la ingeniería o tan curiosas como la taxidermia– Stupía se las arregla para ocupar su lugar con lo que es el hacer esencial de las “bellas artes”: el dibujo. Con una particularidad, en la obra de Stupía el dibujo es contemporáneo porque se aleja intencionalmente de su

A la izquierda: Paisaje, 2008, 160 x 120 cm, lápiz, carbonilla y grafito sobre papel montado sobre tela.

Left: Landscape, 2008, 160 x 120 cm, pencil, charcoal and graphite on paper mounted on canvas.

rol de “bella arte”. La línea se enfrenta con aquella construcción cultural de los libros para colorear de nuestra infancia; monta una revolución contra el mandato primario de ser límite de una superficie de color (pintada “sin pasarnos de la línea”), se rebela contra el sometimiento jerárquico, y la subordinación a la pintura, considerada hasta entonces necesaria para transformar esa hoja en blanco y negro en un “trabajo finalizado”. El dibujo en Stupía no se considera más a sí mismo como un paso previo en la concreción de una obra mayor, se lanza a la epopeya independentista y se sostiene por sí solo. Definitivamente emancipadas, la línea y el plano (la mancha) gozan con su autonomía. Se mueven, se enredan, se atraen y se repelen en la hoja o en el lienzo y construyen una obra que va y viene entre la abstracción y la figuración.

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duardo Stupía is one of Argentina’s most relevant contemporary artists. In a scenery where the word “contemporary” is not referred to a chronological sense but to a way of creating art –based on solutions ostentatiously removed from the traditional arts, with an obligation of having complex conceptual frame, with an spectacular and onerous use of new technologies, with huge media deployment or with the intervention of armies of experts of such specific and dissimilar areas as engineering or taxidermy- Stupía manages to fill his seat in the fine arts world with its very essence: the drawings. There is one particularity though: In the work of Stupía the drawings are contemporary because they are intentionally removed from their role in the “fine arts”. The line confronts that cultural construction forged in the colouring books of our infancy; starts a revolution against the primary mandate of being the limit for a coloured surface (let’s paint “inside the line”); it rebels against the hierarchic submission and against subordination to the painting, considered in the past as necessary to transform that black and white piece of paper into a “finished work”. Drawing in Stupía's work does no longer consider itself merely as a previous step on the way to a larger work of art; instead, it throws itself to an independence epic and stands by its own. Permanently emancipated, the line and the surface (the stain) enjoy their autonomy. On the linen or on the page, the lines move, tangle up, attract or repel each other

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and build a work of art that comes and goes between abstraction and figuration.

DIALECTIC OF DRAWINGS Some of his drawings, especially those made during his first stage, are figurative in a traditional way. The represented elements can be easily distinguished. Although they are usually set in sceneries that do not respect the occidental canon and the traditional vision about perspective, they use the space in a manner more similar to the oriental conception. Nevertheless, even in his “abstract” works, the most abundant, the drawing portrays a figurative being. In Stupía’s drawings is not the artist who draws the characters, the landscapes, the tress or the situations, but they are drawn in the mind of the spectator instead. Eduardo makes us draw in our heads, invites us to loose ourselves in the intricate maze of his strokes, his stains and his gaps until we can read stories. The prestigious art critic Fabián Lebenglik wrote in the catalogue for the retrospective show presented at the Recoleta Cultural Centre in 2006. “The work of Eduardo Stupía smartly plays with the trained eye, which is inevitably driven to over interpret lines, filigrees, stains and strokes. In that way of subtle imaginary correspondences, its wefts are shown like mirages in which every eye sets its own story”.

Eduardo’s drawings can be looked at, but they can also be read.

A la izquierda: Memoria, 1983, 18 x 24 cm, tinta sobre papel.

Left: Memory, 1983, 18 x 24 cm, ink on paper.

LA DIALÉCTICA DEL DIBUJO Algunos dibujos, en general los de su primera etapa, son figurativos en un sentido tradicional. Se pueden reconocer claramente los elementos representados. Aunque generalmente estén planteados en escenarios que no respetan el canon occidental y la visión de la perspectiva tradicional sino que hacen un uso del espacio más cercano a la concepción oriental. Sin embargo, aún en su obra “abstracta”, la más abundante, los dibujos tienen un ser figurativo.

Aunque no es el artista quien dibuja los personajes, los paisajes, los árboles, las situaciones, sino la mente de quien mira. Eduardo nos hace dibujar en nuestra cabeza, nos invita a perdernos en el intrincado laberinto de sus trazos, sus manchas y sus vacíos hasta leer historias. En ocasión de su muestra retrospectiva del año 2006 en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, el prestigioso crítico Fabián Lebenglik escribió en su texto para el catálogo “La obra de Eduardo Stupía juega inteligentemente con la mirada entrenada del espectador, que inevitablemente es conducido a sobreinterpretar líneas, filigranas, manchas y pinceladas. En ese camino de sutiles correspondencias imaginadas, sus tramas se muestran como espejismos donde cada ojo pone sus historias”.

Los dibujos de Eduardo se miran, pero también se leen.

Arriba: Paisaje, 1998, 17 x 24 cm, tinta sobre papel.

Top: Landscape, 1998, 17 x 24 cm, ink on paper.

En esta salomónica distancia entre abstracción y figuración radica otra de las peculiaridades de la obra de Stupía. Inclasificables, sus dibujos no batallan contra las categorías clásicas, sino que las fagocitan. ¿Abstracción o figuración? ¿Escritura o diseño? ¿Dibujo o pintura? ¿Significante o significado? La obra de Stupía es la crónica de un camino hacia la síntesis. Pero no hacia la síntesis entendida como reducción a lo básico, sino todo lo contrario, hacia la síntesis dialéctica, aquella que amplía su campo hasta contener un todo superador, eliminando conflictos y dicotomías.

EL SIGNIFICANTE CALIGRÁFICO Muchos críticos y plumas prestigiosas escribieron sobre la cercana relación entre la escritura y la obra de Stupía. Sería exagerado decir que se han vertido ríos de tinta sobre esta relación, pero es una bella y útil imagen para graficar la hermandad material entre el dibujo y la escritura en este caso particular.

Escribir sobre la obra de Eduardo y no caer en la enorme tentación de teorizar acerca de lenguajes, sistemas, alfabetos y caligrafías es casi una quimera.

Al mirar cualquiera de sus dibujos, la mirada comienza a correr desde un sector a otro de la superficie. La destreza compositiva

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Paisaje, 2005, 21 x 29,5 cm, tinta sobre papel.

Landscape, 2005, 21 x 29,5 cm, ink on paper.

Another particularity of Stupía's work resides on the always even distance between abstraction and figuration. Impossible to be classified, his drawings have no quarrel with the classic categories, but they absorb them instead. Abstraction or figuration?

Writing or design? Drawing or painting? Signifier or significant?

Stupía’s work is the chronicle of a road towards synthesis. But this is not a synthesis related to the basics, but quite the opposite, is the synthesis as in dialectics, that synthesis that widens its field until it may contain a whole that goes beyond conflicts and dichotomies.

THE CALLIGRAPHIC SIGNIFIER Many prestigious critics and writers wrote about the closeness between writing and Stupía’s work. Saying that rivers of ink have been shed on this relationship would be an overstatement, but is a beautiful and useful image to illustrate this particular case’s material brotherhood between the drawing and the writing.

It is very difficult to write about Eduardo’s work and not giving up to the temptation of theorising about languages, systems, alphabets and calligraphies.

aplicada con recursos mínimos –blanco, negro, línea, plano, vacío– hace que el ojo lea secuencialmente la obra en distintas direcciones. El alfabeto hebreo se lee de derecha a izquierda, la caligrafía oriental, de arriba hacia abajo, la escritura occidental, de izquierda a derecha. Las obras de Stupía, en cambio, crean y recrean su propio sistema, manejando con maestría el flujo visual entre zonas de abigarrada filigrana, líneas, manchas y espacios blancos. Como las verdaderas obras de arte, construyen su propio sistema, inventan su paradigma, comunican sus instrucciones de uso al mismo tiempo que son utilizadas. Una especie de sinfonía visual que nos transporta entre allegros y silencios hasta hacernos sentir que nosotros mismos construimos la sensación y el relato frente a cada dibujo. La obra de Eduardo es también musical y narrativa. Suena y cuenta.

Eduardo Stupía estuvo siempre relacionado con la escritura: con el significante, como es fácil percibir en la superficie de sus trabajos, pero también con el significado, ya que ha trabajado durante mucho tiempo como traductor de inglés. Sensibles y generosos son también sus textos de arte, críticos y curatoriales.

Durante muchos años colaboró con Diario de Poesía –la más importante publicación de poesía de América Latina, fundada por

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Paisaje, 2013, 100 x 100 cm, tĂŠcnica mixta sobre tela.

Landscape, 2013, 100 x 100 cm, mixed media on canvas.

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Paisaje, 2013, 100 x 100 cm, tĂŠcnica mixta sobre tela.

Landscape, 2013, 100 x 100 cm, mixed media on canvas.

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Stupía EN PRIMERA PERSONA

Stupía by himself

—¿Tenés una imagen preconcebida de la obra o la cabeza está tan en blanco como la hoja (o el lienzo) cuando comenzás?

—No tengo una imagen, tengo una idea de cómo debería ser el cuadro.

Empezar a pintar es cómo empezar a hablar. El blanco es el silencio. Uno no empieza a hablar en el espacio sino en el tiempo, y en el lienzo es al revés.

Se comienza con una voz, es decir, una primera situación gráfica que avanza hasta cierto punto. Ahí, suena otra voz, otra situación, que empieza a ¨sonar¨ en otro momento, o sector, de ese espacio. Ya tenemos dos voces, dos situaciones que resuenan juntas, próximas o lejanas. Y así se siguen sumando voces hasta que tenemos el coral completo, que es el cuadro. No creo en la imagen. La imagen no existe como tal, sino como consecuencia de procedimientos.

—Do you have a preconceived image of the work or you are just as blank as the paper (or the linen) when you begin?

—I don’t have an image, I have an idea of what the painting should look like. To start painting is similar to start talking. Blank is silence. One does not begin to talk in space, you begin in time, and in the linen is the exact opposite. You start with a voice, sort to speak, a first graphic impression that advances until it reaches a certain point. There, another voice, another situation, begins to “sound” in other moment, or area, of that space. So far, we have two voices, two situations that resound together, close or far away from each other. And I keep adding voices until I get the whole choir, which is the painting. I don’t believe in the image. There is no image as such, it is a consequence of the proceedings.

—¿El azar tiene lugar en tu obra o la sentís siempre “bajo control”?

—Nunca se llega a tener el control sobre la obra, pero tampoco se lo pierde por completo. A veces hay que forzar la irrupción del control, cuando se hace demasiado pregnante la improvisación y la espontaneidad, y a veces hay que soltar las amarras del oficio y zarparse un poco a la deriva.

—Does the chance have a place in your work or you always feel you are “under control”?

—The control over the work of art is never achieved, but it is also never lost.

Sometimes, you have to force the entrance of control, mostly when improvisation and spontaneity are too predominant, and there are other times when you have to let the craftsmanship go and drift a little.

—¿Alguna vez sentiste que la obra se agotaba, que no encontrabas nada nuevo para agregarle?

—Sí, permanentemente, pero no con la obra como un todo sino con algunos cuadros. En realidad, lo que se llama ¨la obra¨es una construcción social o de la historia del arte. Lo que existe para el pintor son los cuadros.

Ellos son los que se agotan o tienen resto.

—Have you ever felt like the work was exhausted, that you couldn’t find anything new to add?

—Yes, permanently, but not with the work as a whole but with some particular paintings. Actually, what people call "the work of art" is a social or an history of the arts’ construction. For the painter, the only thing that is real are the paintings They are the ones who get exhausted or are able to go on.

—¿Tuviste experiencias con el color?

—Tuve incursiones en el color en los últimos años, no como un pintor de paleta completa y compleja sino como quien apela a irrupciones pasajeras de tonalidades y colores siempre bajo el canon dominante del blanco y negro. Es decir que aparecen variaciones que van de los grises azulados o cobrizos a las tierras y de allí a los rojos y de allí a los naranjas y amarillos.

Pero siempre como un comentario, un contrapunto.

—Did you experienced with colour?

—In the last few years I tackled the colour, not as a full and complex palette painter but as someone who uses flashes of shades and colours under the dominating canon of the black and white. What I mean is that there are variations that go from the bluish or coppery greys to the earth tones and, from there, to the reds to go on to the oranges and the yellows. But always as a commentary, as a counterpoint.

By looking at any of his drawings, the gaze starts to run from one spot to the other. The composition skills with minimal resources –black, white, line, plane, emptiness- forces the eye to sequentially read the work of art in several directions. The Hebrew alphabet is read from right to left, the oriental calligraphy from top to bottom, the western writing from left to right.

Stupía’s work, on the other hand, creates and recreates a system of its own, masterly driving the visual flow between lines, stains, colourful filigree and empty spaces. As real works of arts do, Stupía’s work builds its own system, invents its own paradigm and communicates its instructions at the same time that they are used. Some kind of visual symphony that transports us through allegros and silences until we feel that we are the ones who created the feeling and the story in front of each drawing. Eduardo’s work is also musical and narrative. It sounds and it tells.

Eduardo Stupía has always been related to writing: with the significant, as it’s easily perceivable in the surface of his drawings,

su amigo Daniel Samoilovich–, con traducciones y artículos.

Cuando el artista Juan Pablo Renzi, responsable del diseño y la dirección de Arte del Diario falleció prematuramente en 1992, Eduardo asumió las tareas y se convirtió en el responsable del diseño de la publicación. En un terreno similar, también fue responsable del diseño de las portadas de los libros de la editorial Adriana Hidalgo, dirigida por Fabián Lebenglik. Dibujante, crítico, escritor, traductor, y diseñador.

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EL ARTISTA MÚLTIPLE Una charla con Eduardo Stupía ratifica lo que su historia permite imaginar: una personalidad atenta, apaciblemente inquieta, despierta, que supo moverse en la escena cultural argentina de los últimos 30 años alimentándose, libre de prejuicios, de cada estímulo posible. Literatura, poesía, cine, artes visuales, tuvieron siempre un punto de contacto en él. Como si viviera cinco o seis

—Ya firmemente establecido en la escena argentina ¿considerás que en estos últimos años estás logrando visibilidad en el ambiente internacional?

—Sí, puede decirse que sí, siempre y cuando se considere a la participación en Ferias internacionales como sinónimo de tener presencia internacional, lo cual es altamente discutible. Es muy difícil tener una verdadera visibilidad y respuesta crítica y comercial en otros países, o al menos en esos países que se consideran centrales en ese “mundo del arte” al que alude Sara Thornton.

No obstante, y para no sonar tan victimizado, debo decir que me ha ido muy bien en las Ferias y que gracias también a los oficios de Jorge Mara, mi galerista, encontramos mucha receptividad en lugares difíciles como Madrid, Rio, Miami e incluso Hong Kong. En 2013 hice una muestra individual en la Galería Rosenfeld-Porcini de Londres, un par de años antes en la Galería Dan de San Pablo, y estamos en conversaciones con la Galería Baró, de la misma ciudad, para una muestra en el 2015. (En la foto, Stupía en la Feria Pinta, Nueva York, 2009)

—Already firmly established on the argentinean scene, do you consider that in the last few years you are achieving visibility in the international scene?

—Yes, it can be said so, if you consider the participation on International Exhibitions as a synonym of achieving international presence, which is highly arguable. It’s really hard achieving true visibility and critical and commercial response overseas, or at least in those countries that consider themselves as central in that “world of the arts” alluded by Sara Thornton. Nevertheless, and not to pose as a victim, I must say that I’ve been doing quite well in the exhibitions and that thanks to the work of my gallerist, Jorge Mara, I’ve found a lot of receptivity in places difficult to reach such as Madrid, Rio de Janeiro, Miami and even Hong Kong. In 2013 I presented a solo exhibition at the Rosenfeld-Porcini Gallery in London, and a couple of years ago in the Galería Dan in Sao Pablo, and we are talking to the Galería Garó people, also in Sao Pablo, to present a show in 2015. (In the photograph, Stupía in Pinta Art Fair, New York, 2009)

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Foto: Karl Kaiser

but also with the signifier, as he worked a long time as an English translator. His curatorial, criticism and art texts are both sensitive and generous. For many years he collaborated with Diario de Poesía –the most important Latin American poetry publication, founded by his friend Daniel Samoilovich– with translations and articles. When, in 1992, the artist Juan Pablo Renzi, in charge of design and art for the publication, prematurely died, Eduardo took over his duties and became responsible for designing the newspaper. On a similar ground, he was in charge of designing the frontispiece of the books published by the editorial house Adriana Hidalgo, directed by Fabián Lebenglik. Draughtsman, critic, writer, translator and designer.

Stupía EN PRIMERA PERSONA

THE MULTIPLE ARTIST

—¿Considerás que el hecho de trabajar de otra cosa durante muchos años favoreció o perjudicó tu obra?

—La favoreció notablemente por varias razones. Primero, porque me permitió despreocuparme absolutamente de la necesidad de vender cuadros como sustento. Segundo, porque me entrenó en la capacidad de trabajar con el tiempo restringido, abrupto y bajo las condiciones más dispares. Y tercero, porque me obligó a ser realista y a no creerme artista prematuramente.

When talking to Eduardo Stupía one may confirm what his story allows imagining: an attentive, mildly unsettled, alert personality, who knew how to sail the Argentinean cultural waters for the last 30 years getting inspiration, free of prejudice, from every possible stimulus. He always had a close relation with literature, poetry, visual arts and cinema. As if he was living five or six lives at the time, Stupía is a translator, a writer, a reader, a teacher, a movie expert, a designer, a suffering River Plate fan and, of course, an artist. If all this is not enough, during his formation years he flirted with music and drama. This prolific participation in the world of culture made him an acquaintance of the most relevant figures of the media since 1970 until today. In fact, is a circle to which he gained the right to be a part of. And this access was not due to a feverish labour, to the curious extravagances artists usually embody or to the power of his manifestos (which he indeed wrote), but because of the solidity and introspectiveness of his work, far from any type of fashion, tendency or movement like not many others. Completely original, persistent and attractive.

A work that naturally demonstrates its cleverness. Is almost the same naturalness with which Eduardo assumes his role as a virtuous artist.

To clearly describe his personality, it would be enough to say that this draughtsman with a 40 year career, unanimously recognized by his colleagues and the critics, whose work is part of particular and museums' collections, for example New York’s MoMa, has been working as a “full time” artist only in the past four years. Until then, he divided his time between the work of an artist and several jobs. He was a book store employee, a freelance translator for several editorial houses, paperback writer for video’s covers and press director for cinema distributors among other jobs. A strategy that allowed him, apart from making a living, to always be in touch with the most simple of all words, the real world. An anchorage that never prevent him from being the prolific demiurge of his complex worlds built, like the most transcendental creations, with the most basic elements: ink and paper.

—¿Considerás que algún artista influenció tu obra en particular?

—Influencias he tenido muchísimas, innumerables. Una que descuella, obvia, es la de Yuyo Noé y ahora me importan mucho los pintores alemanes contemporáneos –Richter, Oehlen, Penck, Meese, Kiefer– lo mismo que toda la tradición del expresionismo abstracto, el expresionismo alemán, los paisajes románticos, Hokusai, Hiroshige y todo Picasso, Matisse, Cezanne.

Stupía by himself —Do you consider that working in different fields for a long time contributed or harm your work as an artist?

—It significantly contributed for many reasons. First of all, because it gave me the freedom of not having to sell my paintings for a living. Second, because it trained me in the ability to work within a restricted time frame and under the most diverse conditions. An third, because it helped me to keep my feet on the ground and not to prematurely think of myself as an artist.

—Do you consider a particular artist as an influence on your work?

—I had many, countless influences. An outstanding influence, as obvious as it may be, is Yuyo Noé. Now I am very interested in contemporary German painters –Richter, Oehlen, Penck, Meese, Kiefer. The same happens with the entire abstract expressionism tradition, the German expressionism, the romantic landscapes, Hokusai, Hiroshige and everything done by Picasso, Matisse and Cezanne.

vidas en una, Stupía es traductor, escritor, lector, docente, experto en cine, diseñador, sufrido hincha de River Plate y, por supuesto, artista. Como si esto fuera poco, durante sus años de formación también pasó por experiencias con la música y el teatro.

Esta prolífica participación del mundo de la cultura lo llevó a relacionarse con la mayoría de los actores relevantes del medio desde el año 1970 hasta hoy. De hecho, es un círculo del que se ha ganado el derecho a formar parte. Y no por una afiebrada militancia ni por las curiosas extravagancias a las que nos tienen acostumbrados los artistas ni por la potencia de sus manifiestos (que sí los ha escrito), sino por la autoría de una obra sólida e introspectiva, alejada de cualquier tipo de moda, tendencia o movimiento como pocas otras. Completamente original, perseverante y atractiva. Una obra que exhibe su inteligencia con total naturalidad. Casi la misma con la que Eduardo asume su rol de artista virtuoso.

Para describir claramente su personalidad, basta contar que este dibujante de más de 40 años de trayectoria, reconocido de forma unánime por sus colegas y por la crítica, cuya obra forma parte de numerosas colecciones particulares y museos –como, por ejemplo, el MoMA de Nueva York–, recién se dedica “full time” al arte desde hace 4 años. Hasta entonces, repartió su tiempo entre la tarea de artista y varios trabajos. Fue empleado en librerías, traductor free lance para distintas editoriales, redactor de cubiertas de video y director de prensa para distribuidoras de cine, entre otros trabajos. Una estrategia que le permitió, además de la superviviencia, estar siempre con los pies en la tierra, en el más llano de los mundos: el real. Un anclaje que nunca le impidió ser el prolífico demiurgo de sus complejos mundos construidos, como las creaciones trascendentes, con los elementos básicos: tierra y agua, o, en este caso, tinta y papel.

Paisaje, 2012, 195 x 300 cm, técnica mixta sobre tela.

Landscape, 2012, 195 x 300 cm, mixed media on canvas.

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TURISMOMOR

Miami

Por MARIANA MARTÍNEZ

En Miami los días vuelan. Sí, es así. Uno llega con ganas de descansar y la esperanza de conseguir a buen precio una larga lista de artículos exclusivos. Pero con una guía adecuada, la ciudad ofrece mucho más que eso. Miami es muchas veces elegida como destino único de viaje y otras tantas como vacación dentro de las vacaciones, para descansar de maratónicas visitas a otros destinos, según el prejuicio popular, menos frívolos. Un prejuicio que reduce Miami a su clima, sus playas de arenas claras, sus grandes Malls de marcas distinguidas y sus famosos Outlet, donde se pueden conseguir buenas marcas a precios de oferta. Bueno, todo eso no está nada mal, pero hay bastante más. Aquí van nuestros con-

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Time flies in Miami. Yes, that's right. You arrive with the desire to rest and the hope of getting a good deal on a long list of exclusive items. But, with the correct guide, the city has much more to offer. Miami is many times chosen as a sole destination when travelling and some other times as a vacation inside the vacation; that means to rest from the tiring visits to other, according to the popular prejudice, less frivolous destinations. A prejudice that reduces Miami to its climate, its white sand beaches, its giant malls with distinguished brands or its famous outlets, where you can shop for top brands at bargain prices. There’s nothing wrong with all that, but there is plenty more. In this article you will get

Un completo recorrido, mucho más que una ciudad de playa y shopping.

A complete tour, a city with much more than beaches and shopping malls.

Foto: Pierrot Heritier, Flickr.com

sejos para disfrutar de esa Miami, pero además descubrir otra ciudad plena de historia y posibilidades.

some tips to enjoy that city, and to discover another city, filled with history and possibilities, as well.

PLAYA Y ENTRETENIMIENTO

BEACH AND ENTERTAINMENT

La opción más aconsejable para disfrutar la ciudad es alquilar un auto en el aeropuerto. Apenas apuntemos en nuestro gps “Miami Beach” el trayecto nos llevará por una autopista que deriva en el gigantesco puente que une Miami con Miami Beach.

Desde allí, por una ventanilla veremos alejarse los elegantes y ultramodernos edificios del bullicioso distrito financiero y por la

The most intelligent advice you will get in order to enjoy the city is to rent a car at the airport. As soon as we enter “Miami Beach” on the GPS, the road will lead us through a highway that ends in the gigantic bridge that unites Miami with Miami Beach.

From there and through the window we will see the fancy and ultra modern buildings of the noisy financial district and, looking

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Art deco: Ocean Drive, un viaje a los años 30. Bares y restaurantes enmarcados por palmeras y la brisa del mar.

Art deco: Ocean Drive, a journey to the 1930's. Bars and restaurants with palm trees and a sea breeze frame.

otra, palmeras y mansiones de “celebrities” con sus yates amarrados. Como estamos de vacaciones, hacia allí vamos.

Saliendo del puente, tomamos la extensa Avenida Collins que recorre Miami Beach de punta a punta. A izquierda y derecha se suceden, uno tras otro, hoteles para todos los gustos. Aunque aún predomina la impronta Art Decó, con el paso del tiempo van creciendo nuevos emprendimientos con otros estilos que diversifican el paisaje arquitectónico. El tráfico también es variado.

Los autos deportivos de las marcas más exclusivas se mezclan con buses repletos de turistas que suben y bajan valijas afiebradamente.

Alojarse aquí es lo recomendado. Mejor aún si es en South Beach, el extremo sur de la isla, el punto ideal para disfrutar la playa y la vida nocturna a pocos pasos. Las playas de Miami son una postal de arenas claras y aguas transparentes, gaviotas y cruceros en el horizonte. El clima, que no sale en la foto, es cálido todo el año. Lo que se dice un destino ideal para descansar, broncearse, caminar e ir de compras.

Sin dudas, lo más pintoresco de South Beach es la calle Ocean Drive, un viaje a la Miami de los años 30. Allí, la escenografía plena de edificios bajos Art Decó, neones y palmeras se completa con la suave brisa del mar. Por las noches, una sucesión de bares y restaurantes conforma una variada oferta gastronómica. El paisaje diurno muta en tragos gigantes, música alta y transformistas que desfilan entre las mesas que avanzan sobre la vereda cuando

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the other way, palm trees and celebrities’ mansions with their yachts moored in. As we are on vacation, we’ll be heading that way.

After getting off the bridge, we take the long Collins Avenue that covers the whole length of Miami Beach. Both left and right, one after another, hotels appear; there is one for every taste. Even though the Art Deco mark is predominant, with time new developments brought different styles that diversify the architectural landscape. The traffic is diverse too. Sports cars of the most exclusive brands are mixed with buses filled with tourists carrying their luggage.

se va el sol. Una caminata por por “la Ocean” para elegir un lugar para tomar unos tragos o cenar tiene también otros condimentos.

En nuestro deambular despreocupado podremos ver sofisticadas boutiques, la antigua residencia del diseñador Gianni Versace, la casa Casuarina –con sus enormes portones de hierro y su constante tumulto de turistas tomándose fotos–, o los hoteles Penguin y Cardozo, dos íconos de la arquitectura de la década de 1930.

Si, en cambio, lo que buscamos es una noche más relajada, una excelente opción a pocas cuadras es Española Way, una calle con aire mediterráneo y bohemio. Aquí los restaurantes son atractivos por sus precios accesibles y su ambiente pintoresco. El plan tampoco está nada mal: cena sobre la calle a la luz de las velas bajo enormes sombrillas y toldos de colores.

Si tenemos intenciones de salir de compras, disfrutar del aire libre, tomar un cocktail o disfrutar de una buena lobster salad sin sacar el auto, la elección acertada es Lincoln Road. La calle peatonal agrupa restaurantes y bares al aire libre, rodeados de fuentes iluminadas por las noches, y grandes tiendas como Zara, Forever 21, H&M, Victoria Secret, Gap, Apple Store y muchas otras.

Foto: Pierrot Heritier, Flickr.com

Caminando: A la izquierda, Española Way, una calle de restaurantes pintorescos; arriba, el Colony Theatre, en Lincoln Road, la calle peatonal.

Walking: To the left, the Española Way, a street of picturesque restaurants; on top: the Colony Theatre, in Lincoln Road, a pedestrian precinct.

COMPRAS, EL VIAJE DENTRO DEL VIAJE

Las compras en Miami son un tema aparte, que ameritaría una guía propia de varios capítulos. A modo de prólogo, ya dijimos que podemos encontrar deliciosas boutiques sobre Ocean Drive y algunas tiendas reconocidas sobre Collins Avenue y Lincoln Road. Pero el cuerpo principal de nuestra guía de shopping gastaría la mayoría de sus páginas en los gigantescos centros comerciales, los Malls.

Al norte de Miami Beach podemos encontrar los exquisitos y exclusivos Bal Harbour Shops. Allí se encuentran las tiendas más prestigiosas, donde los diseñadores más reconocidos exhiben sus últimos diseños. Llegar también tiene su encanto. El trayecto por

Staying here would be the best option. If possible, South Beach, the southern corner of the island, is the perfect spot to enjoy the beach and the night life just a few steps away. The beaches on Miami are a white sands and crystal water postcard, with the seagulls and cruise liners on the horizon included. The weather, not portrayed for obvious reasons, is warm all year long. A perfect destination to rest, get tanned, walk and shop.

The most picturesque part of South Beach is, unquestionably, Ocean Drive; a trip to Miami in the thirties. There, the scenery filled with Art Deco buildings, neon and palm trees is completed by the sea breeze. By night, a collection of bars and restaurants constitutes a varied gastronomic offer. The daytime landscape changes into giant drinks, loud music and transformation artists that parade among the tables that take the sidewalk when the sun is set. A walk around Ocean Drive to pick a place to have some drinks or dine has yet another flavour. In our careless walkabout we can see some sophisticated boutiques, the old Gianni Versace’s mansion, the Casuarinas house –with its huge iron gates and the constant masses of tourists taking pictures-, or the Penguin and Cardozo hotels, two icons of the 30’s architecture.

If, instead, we want a quiet night, a great option a few blocks away is Española Way, a street with a bohemian and Mediterranean flavour. Down there, restaurants are attractive because of its prices and its picturesque environment. Is not a bad plan: dinner under candle lights on the sidewalk, guarded by colourful parasols and sunshades.

If the intention is to go shopping, spend some outdoor time, have a cocktail or enjoy a nice lobster salad without using the car, Lincoln Road is the right choice. The pedestrian precinct gathers

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la Collins Avenue hacia el norte regala hermosas vistas de extensas playas rodeadas de palmeras. Más adelante, el paisaje de Bal Harbour, la zona más exclusiva de Miami, con playas privadas y hoteles cinco estrellas para los gustos mas refinados, anuncia que ya estamos arribando a destino.

Si seguimos un poco más al norte nos toparemos con el majestuoso Aventura Mall, que no se queda atrás con las tiendas de renombre. Gucci, Cartier, Louis Vuitton, son sólo algunas de las firmas que vamos a ver.

Si, en cambio, la expectativa es hacer compras a muy buen precio, los grandes Outlets, como Sawgrass Mill y Dolphin Mall, son el destino indicado.

El Sawgrass Mills esta a casi una hora de viaje promedio, dependiendo del tránsito. Este mega outlet es uno de los cuatro más grandes en su tipo, con mas de 350 tiendas. Una vez allí, no hay que olvidar ir a retirar el libro de cupones de descuento que nos ayudará a comprar mucho mas barato aún. Si no está en sus planes comprar una valija, quizás sea buena idea retirar por unas monedas un carrito para llevar las bolsas. Créanlo que será necesario. Entre las tiendas que sobresalen encontramos Tommy Hilfiger, Polo Ralph Lauren, Columbia, Armani, Guess, Nike, Marshalls y muchas más.

El Dolphin Mall, a unos 30 minutos de Miami Beach, es también una muy buena opción a la hora del shopping tour. Un poco mas pequeño que el anterior, pero también con muy buenos descuentos. Si quedó alguna compra pendiente en el Sawgrass muchas veces, en vez de hacer una segunda visita, es mejor conocer el Dolphin Mall, que esta casi a mitad de camino.

Para aquellos amantes del diseño y el arte, el Miami Design district, al otro lado de la bahia, es visita obligada. Se trata de un barrio bohemio-chic, llamado a veces el Soho de Miami, donde los almacenes se transformaron en galerías de arte, institutos de diseño, tiendas de muebles, de interiorismo, bares y clubes nocturnos. El segundo sábado de cada mes tiene lugar la “ Noche de

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restaurants and bars in the open air surrounded by fountains that are illuminated during the night, and great stores like Zara, Forever 21, H&M, Victoria Secret, Apple Store and many others.

SHOPPING: A JOURNEY INSIDE THE JOURNEY

Shopping in Miami is a subject on its own. A several chapter guide book should be written about that. As an introduction we’ve already talked about the delicious boutiques that can be found on Ocean Drive and some of the renowned shops on Collins Avenue and Lincoln Road. But our shopping guide would need to spend most of its pages on the giant malls.

At the North side of Miami Beach we can find the exquisite and exclusive Bal Harbour Shops. The most prestigious shops can be found there, where the most recognized designers exhibit their latest designs. Getting there has a charm of its own too. The way through Collins Avenue towards the North provides us with beautiful views of wide beaches surrounded by palm trees.

Further down that road, the Bal Harbour landscape, the most exclusive part of Miami, with private beaches and five stars hotels for the most refined tastes, is an announce that we’ve reach our destination.

A little bit more to the North we will find the majestic Aventura Mall, filled with famous stores. Gucci, Cartier, Louis Vuitton are just a few of the brands we will find there.

If, for a change, we were hoping to shop at a very good price, the great outlets, like Sawgrass Mills and the Dolphin Mall, are the places to go.

The Sawgrass Mills is about an hour drive, depending on the traffic. This huge outlet is one of the four biggest on its type, with more than 350 stores. Once we got there, we must make sure not to forget the coupon book that will allow us to shop at even better prices. If you are not planning on buying a suitcase, a good idea would be to spend a few coins and rent a shopping cart to

Shopping: A la izquierda, el Aventura Mall, que agrupa grandes tiendas de renombre; arriba, el acceso al Dolphin Mall, un outlet con excelentes precios.

Shopping: To the left, the Aventura Mall, with big and well renowned stores; on top, the Dolphin Mall's access, an outlet with great prices.

diseño y arte”, un evento durante el que se abren las galerías hasta altas horas y se hacen ventas con grandes rebajas. En este barrio se pueden encontrar diseñadores como Cynthia Rowley, Maison Martin Margiela, Neon Monster, Fendi , Stubbs & Wootton, Duncan Quinn, entre otros.

Y si todavía quedan ganas de caminar, a solo unas cuadras encontramos un área comercial, llamada The Shops at Midtown Miami. Una buena alternativa para hacer compras relajadas, al aire libre, en tiendas como Marshalls, Ross, Target, Guess o ToysRus a precios muy accesibles.

carry the bags. Believe me, you will need it. Among the shops that stand out we find Tommy Hilfiger, Polo Ralph Lauren, Columbia, Armani, Guess, Nike, Marshalls and many more.

The Dolphin Mall, 30 minutes away from Miami Beach, is also a great option when going shopping. A little bit smaller than the fore mentioned, has a great discount too. If there’s any shopping left to do in the Sawgrass, a visit to the Dolphin Mall, half as near, is preferable to a second visit to the Sawgrass.

For those design and art lovers, the Miami Design District, on the other side of the bay, is a must-see. A bohemian-chic neighbourhood, sometimes called Miami’s Soho, where the warehouses were transformed in art galleries, design institutes, furniture and interior design shops, bars and night clubs. The second Saturday of each month the “Design and arts Night” takes place.

An event during which the galleries are opened until late at night and sales with huge discounts are made. On this district you may find designers like Cynthia Rowley, Maison Martin Margiela, Neon Monster, Fendi, Stubbs & Wooton and Duncan Quinn among others.

If you still want to walk, just a few blocks away we find a commercial area called The Shops at Midtown Miami. A good alternative to do a relaxed shopping tour outdoors in stores

EL SUR TAMBIÉN EXISTE

Alejándonos un rato de las compras y las playas, podemos disponer un día para adentrarnos en el sur de la ciudad de Miami, camino al selecto barrio Coral Gables, un lugar de exuberante vegetación, canales al estilo veneciano y grandes mansiones estilo mediterráneo. Simplemente pasear por sus calles es un programa en sí mismo. Pero además podemos conocer una de las grandes atracciones del barrio: el Hotel Biltmore. Un edificio construido en los años 20 –con una ecléctica mezcla de arquitectura italiana, árabe y española–, donde cuenta la leyenda que alguna vez estuvo

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Pintoresco: Arriba, el Hotel Biltmore; a la izquierda, el palacio Vizcaya. En la página siguiente, arriba, la Ventian Pool y sus cascadas, abajo, Little Havana, el Parque Máximo Gómez y dos de sus típicos personajes.

Picturesque: On top, the Biltmore Hotel; to the left, the Vizcaya Palace. On the next page, on top, the Venetian Pool and its cascades, on the bottom, Little Havana, the Máximo Gómez Park and two of its typical characters.

such as Marshalls, Ross, target, Guess or ToysRus at very affordable prices.

HEAD DOWN SOUTH

Getting away from shopping and the beaches for a while, we can spend a day to investigate South Miami, in the way to the exclusive Coral Gables district, a place with lush vegetation, Venetianlike channels and great Mediterranean mansions. Walking down those streets is a program by itself. But as a plus we can get to know one of the greatest attractions of the district: The Biltmore Hotel. A building built in the 1920’s- with an eclectic mixture of Italian, Spanish and Arab architecture- where, as the legend tells, Al Capone hid. Today, the Biltmore is a luxury hotel belonging to the prestigious chain The Leading Hotels of the World.

A few blocks away we find the famous Venetian Pool, built in 1923. As its name indicates, is a giant pool Venetian style, carved in coral stone and surrounded by cascades. A piece of curious

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escondido el mismísimo Al Capone. Hoy, el Biltmore es un hotel de lujo perteneciente a la prestigiosa cadena The Leading Hotels of the World.

A pocas cuadras encontramos la famosa Venetian Pool, construida en 1923. Como su nombre lo indica es una gigantesca piscina estilo veneciano, construida en roca de coral tallada y rodeada de cascadas. Un dato curioso: todos los días se vacía completamente, sólo para ser vuelta a llenar. En su momento fue lugar de reunión de grandes figuras. No solo puede visitarse sino que pagando entrada se puede disfrutar de un exótico dia de piscina.

Muy cerca se encuentra Coconut Grove, con su elegante Calle Brickell, sobre la que se levantan majestuosas mansiones. Allí encontraremos el Palacio Vizcaya, que data del siglo XVI. Convertido en museo, sus salas conservan casi todos los muebles y piezas originales y merecen ser visitadas. Los jardines y la barca-

information: every day is fully emptied and filled back again. In its golden years was a gathering place for the celebrities. It can be visited and, paying a fee, an exotic day at the pool can be enjoyed.

Coconut Grove, with its elegant Brickell Street where majestic mansions arise, is near by. There we can find the XVI century Vizcaya palace. Turned into a museum, its rooms preserve almost every piece of furniture and original pieces that deserve to be visited. The gardens and the stone barge over the bay provide that final touch to this Mediterranean paradise set in South Miami.

In downtown Coconut Grove we find Cocowalk, an open commercial centre with a great variety of bars and restaurants, like Starbucks and The Cheesecake Factory, recognized shops like Victoria’s Secret and Gap, and the special White House and Black Market. Live music is often played during the day and, by

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za de piedra sobre la bahía le dan el toque final a este pequeño paraíso mediterraneo enclavado en el sur de Miami .

En el centro de Coconut Grove encontramos Cocowalk, un centro comercial abierto con gran variedad de bares y restaurantes, entre ellos Starbucks y the Cheesecake Factory, reconocidas tiendas como Victoria´s Secret y Gap, y las particulares White House y Black Market. Muchas veces hay música en vivo durante el dia y por las noches, cuando también abren las discos y cines que alberga el complejo, que se convierte así en un excelente centro nocturno.

Un típico lugar del Sur de Miami es el barrio Little havana, donde convive la gran comunidad cubana exiliada del régimen castrista, y donde el olor a “puros” y café impregna las calles. La más destacada es la Calle Ocho, donde se suceden restaurantes, mercados típicos, grafittis, y hasta un Paseo de la Fama, con las veredas con estrellas que inmortalizan las grandes personalidades cubanas. Caminar por una postal es la sensación al pasear por el parque Máximo Gomez, donde se reúnen los ancianos cubanos a jugar al dominó.

FINAL DE RECORRIDO

En el Dowtown Miami, sobre la bahía, se levanta The Bayside Marketplace. Se trata de otro centro comercial abierto (uno más), con algunas grandes tiendas entremezcladas con puestos de ventas de sombreros, carteras y recuerdos de Miami. La gran oferta gastronómica y la maravillosa vista de los enormes rascacielos sobre el mar hacen de este complejo un lugar excepcional para pasear y cenar. Para quienes quieran viajar hasta Miami a comer

night, when the discos and the movie theatres inside the complex are open, it turns into an excellent night centre.

A typical spot in South Miami is the Little Havana district, where most of the exiled Cuban community lives, and where the smell of coffee and cigars impregnates the streets. Calle 8 is the most important street within the district; there, restaurants, traditional markets and even a Walk of Fame, with stars on the sidewalks immortalizing great Cuban personalities can be seen. When going down the Máximo Gómez Park the feeling is as is you were walking on a postcard, it is also the place where Cubans gather to play domino.

END OF THE ROAD

In Downtown Miami, over the bay, The Bayside Marketplace arises. Is, (yet) another open air shopping mall with big stores mixed among street stalls selling hats, purses and Miami souvenirs. The great gastronomic offer and the wonderful landscape of the skyscrapers over the ocean make this complex an exceptional place to go for a stroll and dine. For those who want to travel to Miami to have an Argentinean barbecue, you may do so at The Knife, a restaurant dedicated to serve meat from the Pampas. A less exotic option would be to visit the traditional Hard Rock Café, Bubba Gump’s Shrimps Co. and the well renowned HOOters. An unquestionable must-visit.

As long as we are on the bay, in front of the Bayside we find the departure moor for the ships that take tours through the celebrities’ houses. One after the other, exuberant mansions pass by built in every architectonic style imaginable, from European

asado, aquí se encuentra The Knife, un restaurante de carnes argentinas. Si no, para una opción menos exótica, también están los tradicionales Hard Rock Café, Bubba Gump´s Shrimps Co, y el reconocido HOOters. Sin dudas no hay que dejar de visitarlo.

Ya que estamos en la bahía, frente al Bayside encontramos la salida de los barcos que nos llevarán a hacer el tour por las casas de los famosos, en el que una tras otra van pasando exhuberantes mansiones de todas las concepciones arquitectonicas posibles, desde villas europeas a mansiones ultramodernas. Los nombres comienzan a desfilar: Gloria Estefan, Julio Iglesias, Al Capone, y una glamorosa de lista difícil de confirmar. Pura fe en las caras de los turistas devenidos peregrinos. En muchas de estas casonas se han filmado peliculas como Scarface, y hasta la moderna serie CSi Miami ha utilizado estas mansiones para algunos de sus capitulos.

Antes de cruzar a Miami Beach, los fanáticos del deporte pueden darse el gusto de ver un partido de basquet de los Miami Heats, de fútbol americano de los Dolphins, de béisbol de los Marlins, o el Master de tenis en el impactante Estadio Arenas de Miami.

Aunque Miami se relacione con un destino frívolo de compras y playas, cada rincón tiene su propia historia y su personalidad. Son muchas y muy diversas la opciones de esta gran ciudad que tiene mucho por contar, donde pasaron los locos años 20, la arquitectura art Decó de los años 30, el exilio cubano y la explosión turística e inmobiliaria después de los 80. Miami es muchas ciudades en una.

Descanso, paseos, negocios, arte, compras, historia, clima, paisajes, diversidad. En Miami el tiempo vuela, y te obliga a regresar.

Despedida: A la izquierda, fachada de The Bayside Marketplace, un centro comercial con grande stiendas y puestos de souvenirs; arriba, panorámica del Bayside con el estadio del equipo local de la NBA, Miami Heat.

Fare well: To the left, The Bayside Marketplace façade, a shopping mall with big stores and souvenirs stalls; on top, a panoramic view of the Bayside with the Miami Heat Stadium.

Villas to ultra modern mansions. A glamorous list difficult to confirm, with names that include Gloria Stefan, Julio Iglesias and Al Capone. Converted in pilgrims, the faces of the tourists are filled with faith. Many of these houses were used to shoot movies like Scarface and the contemporary TV series CSI Miami.

Before crossing the bridge to Miami Beach, the sports fans may want to enjoy a basketball game and watch the Miami Heat in action, or a football game with the Miami Dolphins, baseball with the Marlins or a tennis master at the striking Arenas Stadium.

Even though Miami is many times referred as a frivolous shop and beach destination, every corner of the city has a history and a personality of its own. The options offered by this city that has so much to tell are many and diverse. The decade of 1920 and the 1930’s Art Deco architecture, the Cuban exile and the tourist and real state boom of the eighties are different options to choose from. Miami is a city that contains several cities. Relax, strolls, business, art, shopping, history, weather, landscapes, and diversity. Time flies in Miami, and it makes you want to go back.

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TENDENCIASMOR

DESDE EL AIRE

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FROM THE AIR

l siglo XX recién comenzaba a prometer lo que finalmente sería –la centuria de mayor evolución tecnológica de la humanidad– cuando en 1916 el abogado porteño Raúl Pateras Pescara de Castelluccio conseguía volar de manera controlada un artefacto de hélices en las cercanías de Buenos Aires. Ocho años más tarde, nuestro abogado, devenido inventor, inscribía un nuevo récord mundial al pilotear un artefacto de doble rotor coaxial a la vertiginosa altura de dos metros durante 736 metros de distancia, a poco más de 12 km/h. Apenas un breve prólogo de la increíble experiencia que es viajar en helicóptero hoy.

Pero comencemos la historia desde el principio. Mucho antes de la hazaña de nuestro pionero, en el año 400 A.C., los niños

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Helicópteros. Un punto de vista diferente

Helicopters. A different point of view

he XX century was just beginning to promise what it would later become –the bigger technological evolution in the history of men- when in 1916 the Argentinean lawyer Raúl Pateras Pescara de Castelluccio managed to fly in a controlled manner an aircraft with helixes near Buenos Aires. Eight years later, our lawyer, turned into an inventor, would write down a new world record by piloting a dual coaxial rotor artefact at the vertiginous height of two meters from the ground and through 736 meters at a 12km an hour speed. A prologue to what travelling in a helicopter is nowadays: an amazing experience.

But let us start from the beginning. Much before our pioneer's deed, in the year 400 B.C., the kids in China played making a bamboo pole spin, and elevate on the air, with a helix attached to its end. We dare not saying that the credit for the invention is theirs, but the fact that the idea was later used by Leonardo Da Vinci in Italy during the Marco Polo days is quite thought provoking. We have no academic proof to endorse our theory, but maybe, the sketches of the great Leonardo were influenced by this ancient Chinese toy (as many other things invented by the Chinese, like the paper, the gunpowder and even the super Italian spaghettis). Truth be told, if the proof of the pudding is in the eating, Da Vinci was the first person who, in writing, first documented the idea of a flying artefact with an helicoidal rotor. An idea that was deep inside humanity’s unconscious until the decisive invention to make it work finally arrived: the engine. In that manner, with more powerful engines and fuel optimization, the helicopter evolved until reaching the flying artefact we know today.

To manufacture and maintain a helicopter is quite expensive. It is slower and has less flying autonomy and freight capacity than its older brother, the plane. But it also has some advantages that make it unique: It can hold still in the air, is very versatile to manoeuvre (even at low speed) and it can take off or land vertically, that is why it just needs a small surface (the double of its size) to do so. These operational features made it easier to find its

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Punto de vista: Buenos Aires, la cancha de Boca Juniors desde el aire.

Point of view: Buenos Aires, Boca Juniors stadium from the air.

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de la remota China jugaban haciendo girar con sus manos –y elevarse en el aire– una vara de bambú con una hélice en su extremo. No nos atrevemos a decir que por ello les corresponda el crédito del invento, pero es sugestivo que la idea fuera retomada por Leonardo Da Vinci en la Italia de la época de Marco Polo. No tenemos pruebas académicas que nos respalden, pero tal vez –al igual que el papel, la pólvora y hasta los spaghettis, tan italianos ellos–, los bocetos del gran Leonardo hayan estado influidos por el milenario juguete chino. Lo cierto es que, si a las pruebas nos remitimos, Da Vinci fue la primera persona que documentó –en papel– la idea de un artefacto volador con rotor helicoidal. Una idea que quedó archivada en el inconsciente de la humanidad hasta que fue desempolvada por la invención decisiva para los medios de transporte: el motor. Así, de la mano del desarrollo de motores cada vez más potentes y de la optimización de los combustibles, el helicóptero fue evolucionando hasta llegar a la forma que le conocemos hoy.

El helicóptero tiene un elevado costo de fabricación y mantenimiento. Es más lento y tiene menores auto-

ideal applications. Helicopters are used in construction sites, complex rescue operations –natural disasters, hard access territories, fires, etc.- police vigilance and military uses. The spectacular nature and high impact of these uses –magnified by the Hollywood machinery in series and movies-, leaves the exponentially growing tendency of these last years in the background: The use of the helicopter for particular civil transportation.

In the huge contemporary metropolis –extended, overpopulated and with chaotic and collapsed traffic, the helicopter offers a fast and safe transportation option. Most of corporate buildings nowadays include an heliport in their projects. As we already said, the helicopter is expensive to manufacture, maintain and operate, this is why not too many people can afford having one. This is the reason why many companies offer an “aerial taxi” service. In time, the services specially thought for efficient transfers became much more than that. The great emotional potential offered by a helicopter ride made what originally was a mean of transportation to become an experience in itself. What was born as a media turned into an end.

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nomía de vuelo y capacidad de carga que su hermano mayor, el avión. Pero también tiene ventajas que lo hacen único: puede mantenerse detenido en el aire, es muy versátil en su maniobrabilidad –aún a bajas velocidades–, y aterriza y despega verticalmente, por lo que sólo necesita para hacerlo una superficie que duplique su tamaño. Estas características operativas hicieron que encontrara rápidamente aplicaciones ideales. Los helicópteros se utilizan en la construcción, para rescate en situaciones complejas –desastres naturales, territorios de difícil acceso, incendios, etc.–, vigilancia policial y aplicaciones militares. La espectacularidad y el alto impacto social de estos usos –magnificado por la maquinaria hollywoodense en series y películas–, deja en segundo plano una tendencia que viene creciendo de manera exponencial en los últimos años: el uso del helicóptero como medio de transporte civil particular.

En las grandes metrópolis contemporáneas –extendidas, superpobladas y con tránsito terrestre caótico y colapsado–, el helicóptero ofrece una opción de traslado veloz y segura, cada vez más utilizada. Hoy, la

Today, the aerial taxi companies diversified its offerings to much more than the transportation from one place to the other. Many tourism agencies include helitours on its packages to visit cities or seeing landscapes from the sky.

Natalia Benedetti is the Sales Manager at Patagonia Chopper, one of the most important helitours and aerial taxis companies in Argentina. She tells us that she “has seen the faces of the most important multinational companies managers change when jumping into a helicopter. Helicopter flying awakes unique sensations, unforgettable emotions that can turn a simple transportation to a business meeting into a quite an experience.”

Punto de vista: Edificios de Puerto Madero, en Buenos Aires.

Point of view: Puerto Madero skyscrapers, in Buenos Aires.

—Which are the sensations that can only be experienced in a helicopter?

—From a quiet over flying over Buenos Aires’ to an intrepid close up to the top of a volcano or a low-level flight over monumental rocky formations, the options of experiences on board of an helicopter are countless and very varied.

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Llegar con estilo: Los traslados en helicóptero van más allá del mero uso empresarial.

lo que originariamente era un medio de transporte se convirtiera en una experiencia en sí misma. Lo que nació como un medio terminó convirtiéndose en fin.

Hoy, las empresas de taxi aéreo diversificaron su oferta en mucho más que el servicio de traslado de punto a punto. Muchas agencias de turismo incluyen en sus paquetes Helitours para conocer ciudades o paisajes desde el aire.

Natalia Benedetti es gerenta de ventas de Patagonia Chopper, una de las más importantes prestadoras de Foto: www.patagoniachopper.com

Arriving in style: The helicopter transportations go beyond the business use.

mayoría de edificios corporativos incluyen en su proyecto un helipuerto. Como ya dijimos, el helicóptero tiene un elevado costo de construcción, mantenimiento y operación, por lo que pocas personas pueden darse el lujo de tener uno propio. Estas dos realidades dieron nacimiento a numerosas empresas que ofrecen servicio de “taxi aéreo”. Con el correr del tiempo, los servicios inicialmente pensados para traslados eficientes derivaron en mucho más que eso. El gran potencial emocional que ofrece un paseo desde el aire hizo que

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servicio de Helitours y Taxi aéreo de Argentina. Ella nos cuenta que “he visto cómo se transforma la cara de los gerentes de las más importantes empresas multinacionales al subirse a un helicóptero. El vuelo en helicóptero despierta sensaciones únicas, emociones inolvidables que pueden convertir un simple traslado a una reunión de negocios en toda una experiencia”.

—¿Cuáles son las sensaciones que sólo se viven desde un helicóptero?

—Desde un tranquilo sobrevuelo por la costanera de Buenos Aires hasta un intrépido acercamiento aéreo a la cima de un volcán activo o el vuelo rasante sobre monumentales formaciones rocosas, las opciones de experiencias a bordo de helicópteros son incontables y muy variadas.

—Is the aerial taxi the most required service?

The transportations by helicopter or aerial taxi are an alternative to the traditional means of transportation, thought for those who are not willing to suffer a traffic jam, a highway cut out or an eventual delay, or simply for the ones who give priority to time efficiency and speed. This service is used for business meetings, events, covering several industrial plants, ship monitoring from the air, or simple the commute between the international airport to the city in only 15 minutes of flight.

The offer and the potential of an helicopter flight made the demand of said services grow in the last few years.

—What are the other services offered?

—Among other activities we can highlight a polo

Versatilidad: Un helicóptero necesita una pista de sólo el doble de su tamaño

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Versatility: A helicopter needs a runway of only twice its size.

—¿El servicio de Taxi Aéreo es el más demandado?

—Los helitraslados o Taxi Aéreo son una alternativa a los medios de transporte tradicionales, pensados para aquellos que no están dispuestos a sufrir un embotellamiento, un corte de ruta o alguna eventual demora, o simplemente para quienes prioricen la velocidad y eficiencia a la hora de moverse. Este servicio se usa para reuniones de negocios, eventos, recorrido de distintas plantas industriales, seguimientos de buques desde el aire, o simples traslados desde el aeropuerto Internacional hasta la ciudad en sólo 15 minutos.

day on country state, transportations to exclusive golf fields or amazing lunches on an island in the Delta.

Another possibility is to be able to reach unreachable places, practice sports like golf or fly fishing in isolated paradisiacal places.

The best of this experience is that the passenger starts enjoying his getaway from the moment they get to the hangar. The helicopter is like travelling in a panoramic window. You can see everything: front, back and sides.

Is perfect to catch sights and here, the landscapes are perfect, unique from any point of view.

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Foto: www.patagoniachopper.com

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Foto: www.patagoniachopper.com

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Algunos números: • Un helicóptero puede alcanzar de 180 a 250 km por hora.

• La maquinas tiene capacidad para trasportar desde 1 a 6 pasajeros, mas el piloto.

• Los helicópteros son ideales para viajar tramos cortos, lo óptimo, es hasta 300 km.

Some figures: • A helicopter may reach a speed of between 180 to 250 kilometres an hour.

• The machines have a transportation capacity of 1 to 6 passengers plus the pilot.

• Helicopters are perfect to travel short distances. Up to 300 Km. is optimum.

—What is that the passenger values the most?

—Every passenger is different, and the activities are diverse. But I would have to say that, for example, here in Patagonia the visitors are usually astonished with the possibility of reaching places that are difficult to reach. Fishing spots (in rivers or lakes) that allow the visitor to fish big size trout and salmon in solitary and amazing landscapes. Others, on the contrary, choose to fly over tourist sites as long as it is permitted. One must take into account that protected natural areas cannot be flied over at low altitudes.

In less than a hundred years since that vertiginous exploit made by our intrepid lawyer/inventor, the helicopter evolved until becoming part of the contemporary landscape. Efficient, safe and fast commutes; unforgettable and unique sensations. In any case, an experience in perfect harmony between luxury, nature and sophistication.

Pero la oferta y el potencial de un vuelo en helicóptero hace que la demanda de otros servicios haya crecido mucho en los últimos años.

—¿Cuáles son esos otros servicios?

—Entre algunas de las actividades podemos destacar un día de polo en una estancia, traslados a selectos campos de golf o increíbles almuerzos en medio de una isla en el Delta.

Otra posibilidad es llegar a lugares inalcanzables, practicar deportes como golf o fly fishing, en lugares paradisíacos en medio de la naturaleza.

Lo mejor de esta experiencia es que el pasajero comienza a disfrutar su salida desde el momento que llega al hangar. El helicóptero es rápido y placentero a la vez, es como si se tratara de una ventana con vista panorámica. Se ve todo: para adelante, para atrás, hacia los costados, es perfecto para avistajes y aquí son los paisajes los que acompañan en mayor medida, únicos por donde se los mire.

—¿Qué es lo que más valora el pasajero?

—Cada pasajero es diferente, y las actividades que realizamos son diversas. Pero te diría que, por ejemplo, en Patagonia los visitantes suelen quedar maravillados con la posibilidad de llegar a lugares de difícil acceso. Sitios de pesca (ríos y lagos) que permiten al visitante pescar truchas y salmones de gran tamaño entre paisajes impactantes y solitarios. Otros, en cambio, optan por sobrevolar atractivos turísticos, siempre que los permisos lo autoricen. Se debe tener en cuenta que las áreas naturales protegidas no pueden sobrevolarse a muy baja altura.

En menos de cien años, desde aquella vertiginosa proeza del intrépido abogado inventor, el helicóptero evolucionó hasta formar parte de un paisaje cada vez más cotidiano. Traslados eficientes, seguros y veloces, sensaciones únicas e inolvidables. En cualquier caso, una experiencia en perfecta armonía entre lujo, naturaleza y sofisticación.

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La evolución de un proyecto que supera sus propios límites. Un nivel superior en diseño, categoría y confort. Un estilo de vida. Una vida con estilo. Animarse a disfrutar y disfrutar de animarse. Vivir más. Vivir mejor. Esto es Black Swing. Esto es Silente.

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Beach DRINKS Por MARIO VERBENA Fotografías de GUSTAVO ABBATE

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egún el imaginario colectivo, los bartenders somos una variante de la especie de los vampiros. No nos alimentamos de sangre –aunque de tanto en tanto nos saquemos el gusto preparando algún bloody mary– pero sí vivimos gran parte de nuestra vida de noche. ¡Un llamado de atención a quienes vean un barman bronceado: estamos en presencia de un caso de cama solar o de alguien que no es tan barman como dice ser! Según esta imagen popularizada, cuándo no, por Hollywood y sus productos, somos algo así como un gran oído abierto, siempre encerrado detrás de una oscura barra, gastada de tanto lustre que le sacamos.

Y jamás vemos la luz del sol.

Sin embargo, los estereotipos, como toda generalización, suelen estar errados. Existe una subespecie dentro de la coctelería, toda una especialidad, que no sólo se practica de día, sino que se hace directamente bajo el sol. Y no conozco ninguno de los nuestros que se haya desintegrado por eso. Los daños colaterales nunca pasaron de una quemadura superficial. Un precio que estamos dispuestos a pagar, a cambio de trabajar rodeados de cuerpos bronceados, música, aire libre y gente relajada. La coctelería de playa, de eso estoy hablando, es la terapia de desintoxicación del barman.

De todos modos, la cultura popular –y otra vez Hollywood– también ha hecho lo suyo con el submundo de la coctelería playera. Si pudiéramos mezclar dos partes de estereotipo, una parte de mal cine, más de 38 años de edad y sacudir vigorosamente la coctelera bajo el sol al ritmo de los Beach Boys, seguramente al

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ccording to popular imagery, we bartenders are some kind of vampires. We don’t feed with blood –despite when we now and then enjoy a Bloody Mary- but we in fact live by night.

A tip for those who may have seen a sun tanned barman: your are witnessing a solar bed tan or someone who is not who he says he is. According to this imagery, forged by Hollywood and its byproducts, we are some kind of big and opened ear, always locked behind a dark old bar. We never see the sun light.

Nevertheless, stereotypes, like any generalization, are usually wrong. There is a subspecies within the cocktail makers, a whole speciality that is not only practiced during daytime but it is also performed under the sun. And I don’t know anybody in the bartending world who wouldn’t be interested in something like that.

Collateral damage never went beyond a superficial sun burn. A price we are willing to pay in change for working surrounded by tanned bodies, music, open air and a relaxed crowd. Fixing drinks on the beach, that’s what I’m talking about, is the detox therapy for bartenders.

Anyway, popular culture –and Hollywood, once again- made it ill to the beach bartending. If we could mix two parts of stereotype, one part of bad movies, more than 38 years of age and vigorously shake the cocktail maker under the sun while listening to the Beach Boys, opening the lid would release, like a genie on a bottle, Brian Flanagan. I am talking, of course, about the character played by a young Tom Cruise on Cocktail, that horrid movie that was a blockbuster around 1989. A film that received several

Rolling Road

Rolling Road

Llenar una tercera parte de la jarra con hielo Introducir gajos de durazno, pomelo y nranja Llenar con ¼ de gin, 2/4 de prosecco y ¼ de jugo de durazno Agregar un toque de almíbar simple Completar con frutos rojos Servir en copas

Fill a third part of the jar with ice Put peaches, grapefruits and oranges slices Complete the jar with ¼ of gin, 2/4 of prosseco and ¼ of peach juice Add just a touch of simple syrup Complete with berries To be served on glasses

abrir la tapa saldría de su interior, cual genio de la lámpara, Brian Flanagan. Estoy hablando, claro, del personaje interpretado por un jovencísimo Tom Cruise en Cocktail, la espantosa película que causó furor en la edad de oro de los videoclubes allá por 1989. Un film multipremiado, claro que no con Oscares, sino con varios Golden Raspberry, el premio que nadie quiere: peor película, peor guión, y el mismísimo Cruise, peor actor. No nos importa, luego de ver Cocktail tener una barra en la playa –de Jamaica, como Tom– se convirtió en un horizonte deseado. Al menos para mí.

Y acá estoy, casi 25 años después, en la ciudad de Rosario, en Argentina, navegando en una lancha con la proa firmemente apuntada hacia esa especie de territorio jamaiquino transplantado

awards, but not Oscars, of course, but the awards nobody wants, a Golden Raspberry: worst movie, worst script, and, Cruise himself, worst actor. We wouldn’t mind, after seeing Cocktail, having a bar on the beach -in Jamaica, like Tom- like a prospect for the future. But hey, that’s me.

And here I am, 25 years later, in Rosario, Argentina, cruising with my motorboat to that Jamaican-like territory placed in the Parador Puerto Pirata. Rosario is a city with more than one million inhabitants in which the summer heat, aided by a very high humidity and a great amount of mosquitoes, may become something difficult to bear. There is only one hope: Rosario is placed on the riverside of the Paraná River. On the opposite margin, 5 minutes away by motorboat, islands, beaches and virgin

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Caipirovska de Malamado

Malamado Caipirovska

Colocar 1 lima cortada en gajos 2 cucharadas grandes de azúcar 2 partes de vodka 1 parte de Malamado Completar con frutos rojos

Place 1 sliced lime 2 big spoons of sugar 2 parts of vodka 1 part of Malamado Complete with berries

que es el Parador Puerto Pirata. Rosario es una ciudad de más de un millón de habitantes, en la que el calor veraniego, ayudado por una altísima humedad y gran cantidad de mosquitos, se puede convertir en algo insoportable. Una sola cosa ayuda: Rosario está sobre la costa del río Paraná. En la margen opuesta, a unos 5 minutos en lancha, nos esperan islas, playa y territorio virgen. En una de esas islas está el parador al que estoy yendo a desplegar mi batería de tragos veraniegos.

Preparar tragos no es sólo una actividad manual, al menos no para mí. Conocer por qué hacemos lo que hacemos hace que lo hagamos mejor. Perdón por el trabalenguas, pero siempre me gusta agregarle a mis cócteles un poco de historia, el ingrediente que, como dirían los expertos en marketing –tan populares hoy en día–, le agrega valor al trago. Y si vamos a hablar de playa,

territory await. In one of those islands is the beach house where I am going to deploy my summer drinks artillery.

Fixing drinks is not just a manual activity, at least for me.

Knowing why we do the things we do makes us better. Let me be excused for my tongue twister, but I always enjoy adding a little bit of a story to my drinks, the ingredient that, as the marketing experts would say, provides the drink with an additional value.

And while we are talking about beaches, let’s head down to Polynesia. It was there that 80 years ago the Tiki cocktails, a new bartender culture, began. Super refreshing and colourful drinks that invite any drinker to taste its surprising flavours.

The Tiki culture became popular during the 1930’s in the United States. The experts on the subject take the year 1934 as a launching date for the phenomenon, when the Don the

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Grand Melon

Grand Melon

2 partes de Bacardí Grand Melon 2 partes de vino Chardonnay Viognier 1 parte de Blue Curaçao 1 parte de Syrup de mango

2 parts of Grand melon Bacardí 2 parts of Chardonnay Viognier wine 1 part of Blue Curaçao 1 part of mango syrup

todos los caminos conducen a la Polinesia. Allí fue donde explotó hace unos 80 años una nueva cultura bartender: la coctelería Tiki. Tragos coloridos y súper refrescantes que invitan a cualquier bebedor a degustar sabores sorprendentes.

La cultura Tiki se popularizó en los años 30 en los Estados Unidos. Los estudiosos del tema toman como fecha de lanzamiento del fenómeno el año 1934, cuando abrió Don the Beachcomber, el primer bar temático inspirado en la cultura polinesia. Su propietario, un joven aventurero que había navegado por el Pacífico Sur, regresó a su tierra enamorado de los colores, sonidos y sabores de esas lejanas latitudes. Su bar abrió con mobiliario de mimbre, iluminación de antorchas y colores brillantes.

Una especie de cuadro de Gaugin –el pintor francés que se había enamorado de la polinesia unos 40 años antes–, pero en versión

Beachbomber bar, the first theme bar based on the Polynesian culture, opened its doors. Its owner, a young adventurer who have sailed the South Seas, came back to land in love with the colours, the sounds and the tastes of those long distant latitudes.

He opened his bar with wicker furniture, torch lighting and bright colours. Some kind of Gauguin’s painting –the French painter who felt in love with the Polynesia 40 years before-, but on 3D. Extremely exotic. The idea was a hit and the bars with Tahitian settings grew until they became a classic.

Even though the success had something to do with the novelty in decoration, the cocktails menu had a big amount of responsibility. Cocktails had rum as the main ingredient and they were served in totem-shaped jars. The flavours, an unwritten law for today’s summer drinks, were fresh and colourful, if I may be allo-

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Pirata Cocktail

Pirate cocktail

Hielo molido 2 partes de Vodka 3 partes de espumante dulce Jarabe de rosa Ananá trozado

Grinded ice 2 parts of vodka 3 parts of sweet sparkling wine Rose syrup Sliced pineapple

3D. Puro exotismo. La idea fue un éxito, y los bares con ambientación tahitiana fueron creciendo hasta convertirse en un clásico.

Si bien el suceso tuvo que ver con lo novedoso de la ambientación, la carta de coctelería tuvo una gran dosis de responsabilidad.

Los cócteles tenían como ingrediente principal el ron y se servían en jarras con forma de tótems. Los sabores, como es hoy regla para los tragos de verano, eran frescos y coloridos, si se me permite la sinestesia. Dentro de esos tragos, el clásico indudable fue y es el gran Mai Tai. Como suele suceder en estos casos, se trata de un cóctel que tiene tantas recetas como barmans que lo preparen. Digamos simplemente que su base es el ron y que su nombre se debe a la satisfecha expresión de la primera persona que lo probó: “¡maitai roa!” (“¡lo mejor!” en tahitiano).

Este tipo de tragos hizo escuela y escribió la biblia para los cóc-

wed with some synaesthesia. From those drinks, the unquestionable classic was, and still is, the Mai Tai. As it usually happens, this drink has as many recipes as bartenders fixing it. Let’s just say that its base is rum and that its name was given after hearing the reaction of the first person ever trying it: Maitai roa! (The best! in Tahitian).

This kind of drink created a trend and wrote the tables of law for all beach cocktails. Fruits in every form –juice, chopped, shaken, in the form of liquor- and a lot of ice are the main ingredients because of their colours, temperature and taste. These innocent doses of natural freshness are completed with smart, and sometimes unexpected, combinations of liquors to provide body and personality. Many of the classic drink follow this structure, like the Caipirinha, the Mojito, and the Margarita, that, along with the

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teles playeros. Frutas en todas su presentaciones –jugos, en trozos, licuadas, en formato licor– y mucho hielo son el elemento excluyente por color, temperatura y sabor. Por lo demás, esta inocente dosis de frescura natural se completa con inteligentes, y a veces inesperadas, combinaciones de aguardientes que dan cuerpo y carácter. Muchos clásicos siguen esta estructura, como la Caipirinha, el Mojito y el Margarita, –que junto al Mai Tai conforman el póker de ases de cualquier barra de verano–; otros, menos conservadores, fusionan fruta y aguardientes con bebidas más propias de nuestra contemporaneidad globalizada. Hoy contamos con tés de sabores increíbles, infusiones y syrup (jarabes), vinos blancos y rosados, espumantes dulces, prossecos italianos y cavas españoles que invitan a mezclar y probar, y probar, ¡y seguir probando!

En este punto, la creatividad y la experiencia hacen el resto.

Aquí van entonces, desde la barra de Puerto Pirata, en las islas frente a Rosario, algunas recetas personales para apagar el sol. O mejor, para dejarlo encendido y convertirlo en nuestro aliado.

Subánle entonces el volumen a los Beach Boys así me siento, al menos preparando cócteles, Tom Cruise por un rato. El resto, no hay cirujano –ni contador– que pueda arreglarlo.

Mai Tai, conform the Fantastic Four of every summer bar. There are some less conservative drinks that combine fruits and liquors with more contemporary and globally expanded beverages.

Nowadays we have teas with amazing flavours, infusions and syrups, white and pink and sparkling wines, Italian prossecos and Spanish cavas that are an invitation to mix and taste, and taste, and keep tasting!

At this point, experience and creativity make the rest of the work. So here it goes, from the bar in Puerto Pirata, on the islands in front of Rosario, some personal recipes to turn out the sun. Or better yet, leaving it on and turning it into our ally. So pump up the volume on those Beach Boys and let me feel, at least while fixing cocktails, Tom Cruise for a while. For the rest, there is no surgeon, or accountant, that can fix it.

De día Puerto Pirata es un parador tradicional para los navegantes de Rosario. Se ubica frente a la ciudad de Granadero Baigorria, en el área metropolitana norte de Rosario. Con más de 20 años de historia, el parador es ya un destino clásico de los navegantes rosarinos. Además de una ambientación para sentirse en Hawaii o Jamaica, ofrece una completa carta de coctelería y platos típicos del Paraná, con especialidad en carnes y pescados asados.

DE NOCHE Rolling Road es un restaurante y bar ubicado en pichincha, el barrio donde se concentra la movida de la ciudad de Rosario. Un espacio con una ambientación que combina la estética del rock con la impronta de quienes disfrutan recorrer rutas y caminos. Cuando cae el sol, la música sube y desde su trinchera en la barra, Mario Verbena, el autor de esta nota, está siempre listo para desplegar su batería de sabores en forma de tragos.

During day time Puerto Pirata is a traditional beach house for sailors in Rosario. It’s located in Granadero baigorria city, at the North of Rosario’s metropolitan area. With more than 20 years of history, the beach house is a classic destination for Rosarinian sailors. Apart from offering a Hawaiian or Jamaican setting, it has a complete cocktail menu as well as the typical dishes from the Paraná River, specialized in red meats and grilled fish.

During night time Rolling Road is a bar and restaurant placed on the Pichincha district, a neighbourhood where the Rosarinian night life is concentrated. A space with an atmosphere that combines the rock and roll aesthetics with the looks of the people who enjoy travelling through highways and roads.

When the sun is down, the music is turned up and, behind his bar, Mario verbena, the author of this article, is always ready to deploy his flavours’ artillery disguised as drinks.

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REMAKE

Janet Leigh, Psycho [Psicosis]. Director: Alfred Hitchcock, 1960..

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mismas historias, diferentes pelĂ­culas, otras actrices Same stories, different movies, other actresses

Anne Heche, Psycho [Psicosis]. Director: Gus Van Sant, 1998.

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KING KONG

Jessica Lange, King Kong. Director: John Guillermin, 1976.

Naomi Watts, King Kong. Director: Peter Jackson, 2005.

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SOLARIS

Natalya Bondarchuk, Solaris. Director: Andrei Tarkovski, 1972.

Natascha McElhone, Solaris. Director: Steven Soderbergh, 2002.

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DRACULA

Isabelle Adjani, Nosferatu. Director: Werner Herzog, 1979.

Winona Ryder, Drรกcula. Director: Francis Ford Coppola, 1992.

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CABO DE MIEDO cape fear

Polly Bergen, Cape fear [Cabo de miedo], Director: J. Lee Thompson, 1962.

Juliette Lewis, Cape fear [Cabo de miedo]. Director: Martin Scorsese, 1991.

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carrie

Sissy Spacek, Carrie. Director: Brian De Palma, 1976.

ChloĂŤ Grace Moretz, Carrie. Directora: Kimberly Peirce, 2013.

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